SUMARIO
Pág. 6 NOTICIAS / Pág. 26 Guillermo Francella protagoniza DESDE EL JARDÍN, el acontecimiento teatral de 2026 / Pág.30 BYE BYE en la Sala Armando Discépolo, escrita por Guillermo Camblor y Sergio Marcos, dirección de Diego Rinaldi / Pág.32 FELIZ DÍA. SUTOTTOS por Alelí Jait / Pág.34 VOLVER VOLTAR de la Cia. AMOR ETERNO - Dirección de Cecilia Gómez / 36
MEFISTOFELE (Arrigo Boito) Abre la Temporada 2026 de Compañía Artística Clásica del Sur / Pág.40 LAS MUJERES DE LORCA en la Sala Caras y caretas / Pág.43 LA VIOLACIÓN DE LUCRECIA de William Shakespeare. Dirección Mónica Maffia / Pág.46 Ópera Independiente de San Telmo presenta L’ELISIR DE’AMORE Versión vibrante y familiar/ Pág.50 ESCÉNICAS
DANZA 2026 Conversaciones imaginarias con el público / Pág.52 CAMERATA BARILOCHE llega al Teatro Argentino de la ciudad de La Plata / Pág.54 Diego El Cigala llega a la Argentina con FLAMENCO Y SON / 56 LITERARIAS / Pág 70 ARTES PLÁSTICAS / Pág.76 MUSEOS / Pág.84 CARTELERA / Pág. 170 MÚSICA / Pág. 192 CINE
REVERSIBLE con Mercedes Torre
Una necesaria epopeya musical Página 84
Revista Mir á BA N. 201 ABRIL 2025. Revista Mir á BA es una publicaci ó n mensual de inter é s general.Director: Á ngel Lu í s D í az. e-mail: diazal@revistamiraba.com.ar
Propietario: Angel Lu í s D í az. Ciudad Aut ó noma de Buenos Aires. Rep ú blica Argentina. Versi ó n digital Registro DNDA 5344536. ISSN 2344-9446 Los art í culos firmados y las opiniones de los entrevistados no reflejan necesariamente la opini ó n de la editorial y/o direcci ó n. El contenido de los avisos publicitarios es exclusiva responsabilidad de los anunciantes. Se permite la reproducci ó n total o parcial del material gr á fico o escrito publicado originalmente en la Revista Mir á BA con expresa menci ó n de la fuente. Revista Mir á BA en Internet: www.miraba.com.ar Contacto redacci ó n: redaccion@miraba.com. ar Publicidad: publicidad@miraba.com.ar Suscripci ó n digital: suscripcion@miraba.com.ar
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NOTICIAS
VUELVEN LAS VISITAS PARA CONOCER EL TEATRO ARGENTINO DE LA PLATA
Grupos de entre 4 y 30 personas, integrados por público en general o estudiantes desde el nivel primario, podrán visitar gratuitamente salas, talleres y otros espacios del Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino. Esta es otra de las acciones impulsadas por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.
Se reanudaron los recorridos -gratuitos y con reserva- abiertos al público al Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino, que se realizan de martes a viernes, en dos turnos, a las 10 y a las 14, y duran aproximadamente 90 minutos. Forman parte de las actividades promovidas por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.
El trayecto incluye, entre otros espacios, el hall de acceso, el foyer del primer piso, las salas Alberto Ginastera, Astor Piazzolla y Emilio Pettoruti, las salas de ensayo y algunas de las secciones técnicas. Personal especializado proporciona a los visitantes detalles de la historia, los trabajos de producción y la actividad artística del Teatro Argentino.
Para participar hay que reservar y obtener turno llamando de martes a viernes, entre las 10 y las 16, al Tel. 0221-4291745; enviar un
mail a visitasteatroargentino@ gmail.com o presentarse personalmente en la oficina del Servicio de Visitas, ubicada en el hall de acceso, también de martes a viernes, entre las 10 y las 16.
Podrán sumarse personas que se presenten espontáneamente y no cuenten con reserva, siempre que no se encuentre completa la agenda de visitas y los grupos que se formen no tengan menos
de 4 ni más de 30 integrantes. Los menores tendrán que ser acompañados por algún adulto y los grupos escolares también deberán estar a cargo de algún responsable docente.
Cabe señalar que el acceso a determinados lugares estará condicionado por las actividades artísticas y por los trabajos de remodelación, adecuación e infraestructura que se estén desarrollando en el edificio.
NOTICIAS
TEATRO EMPIRE PRESENTÓ SU TEMPORADA
2026
El pasado viernes 13 de marzo por la tarde, el teatro Empire presentó su temporada 2026, con una programación donde el teatro, la música, la ópera, la performance, la danza y el cine se reencuentran para seguir ampliando las relaciones y cruces entre distintos lenguajes escénicos.
“Programar hoy el Empire también significa abrir puertas respetando a nuestra historia” César Mathus, director del Empire
El cálido evento contó con el acompañamiento de los elencos, periodistas y miembros de jurado, quienes presenciaron un hecho inédito para el teatro. Así lo manifestó César Mathus, su director, en la apertura de la presentación: „Es la primera vez que hacemos la presentación de la programación anual y es un desafío poder estar haciéndolo. Es un hito del espacio porque presentar una temporada no es solamente anunciar una programación, es, sobre todo, compartir una idea de lo que creemos que puede ser y hacer
el teatro hoy, en este país, y en este mundo. Proyectar un año es también un acto de fe.”
En el camino hacia sus cien años, el Empire se reconoce como un teatro atravesado por las historias de los artistas que lo habitaron, por la diversidad de públicos que volvieron una y otra vez al foyer y a la sala, y por el devenir de una escena que continúa transformándose. “Programar hoy el Empire también significa abrir puertas. Abrir el teatro a nuevas generaciones de artistas, a nuevas formas de creación, respetando a nuestra historia”, afirmó César Mathus y agregó: “El Empire es un teatro autogestivo, o mejor dicho: intergestivo, interdependiente, que genera recursos de muchas formas, y que es necesario reivindicar y valorar”.
A lo largo del evento se detalló la programación 2026, conformada por más de 20 espectáculos,
entre estrenos, reposiciones, compañías invitadas y producciones realizadas con el apoyo del propio teatro. Liliana Felipe, Pablo Gorlero, Los Pipi, Teatro UAFAI, Ópera Periférica, Hugo Martinez, Yami Secco, Santiago Chotsourian, Nova Ópera, César Tello, Buenos Aires Ensamble, Antoaneta Madjarova, son algunos de los artistas que formarán parte de la programación. En esa hibridación entre música, lírica, danza y teatro, el Empire reafirmó su vocación como un espacio abierto a la experimentación, al encuentro entre disciplinas y al diálogo intergeneracional entre públicos y artistas.
Hacia el final del evento, César Mathus agradeció especialmente a los presentes, a las instituciones que apoyan al Teatro, al equipo de producción y comunicación de la sala, y a todos los y las trabajadoras del Empire.
NOTICIAS 40 AÑOS DE EL EXCÉNTRICO DE LA 18ª
Cristina Banegas hace: “La bala de plata” + “Molly Bloom” + "Proyecto Quevedo".
El Excéntrico de la 18ª, fundado en 1986 por Cristina Banegas, es pionero en Buenos Aires como espacio que combina la actividad pedagógica con la producción teatral.
Inaugurado con la obra “El Padre” de August Strindberg, dirigida por Alberto Ure, El Excéntrico...se ha consolidado como una usina cultural independiente donde diferentes disciplinas y productos estéticos han construido una historia de formación de teatristas, y realización de espectáculos, obras, conciertos, performances, shows, muestras, presentaciones de libros y recitales poéticos.
En 1999 la sala recibió el premio anual “Trinidad Guevara” en el rubro producción teatral privada, y muchos de los espectáculos ofrecidos han recibido diferentes premios, nominaciones, y han sido invitados a participar en festivales nacionales e internacionales.
Para celebrar los 40 años de actividad ininterrumpida, la sala inicia la programación 2026 con el re-estreno de “No yo” de Samuel Beckett con dirección de Marcelo Allasino (desde el 7-3) que tuvo una exitosa temporada en 2025; y de tres obras entrañables con Cristina Banegas: “La bala de plata”, los viernes a las 20.30h
(desde el 13-3); “Molly Bloom”, los sábados a las 20.30hs (desde el 14-3); y “Proyecto Quevedo”, los domingos a las 20.30hs (desde el 15-3). Las entradas tienen un valor general de $22.000, disponibles a la venta por Alternativa.
«No Yo”. En un contexto en el que los discursos oficiales tienden a invisibilizar, a arrasar subjetividades, a borrar los cuerpos que no encajan, “No yo” se convierte en una pregunta urgente sobre quién puede hablar, desde dónde, con qué voz.
«La Bala de Plata” es la reconstrucción documental de diez años de correspondencia entre John William Cooke y Juan Domingo Perón entre 1955 y 1966. Uno de los contenidos más impresionantes de la historia social y política argentina.
“Molly Bloom” está basada en el último capítulo de la novela Ulises de James Joyce. Es un texto sin signos de puntuación, un río de palabras, imágenes, recuerdos, y canciones que Molly va asociando en esa noche de insomnio.
“Proyecto Quevedo” es una performance basada en sonetos y poemas satíricos de Francisco de Quevedo, realizada por Cristina Banegas sobre una gran mesa de cristal que perteneció a su madre, Nelly Prince. Lucía Gómez participa de esta travesía poética con el cello y su voz.
NOTICIAS PABLO MOLINARI PRESENTA "DEMASIADO"
En una gira que incluye el Teatro Premier el 24 de abril
Pablo Molinari presenta Demasiado, su nuevo unipersonal de stand up, un show pensado para quienes sienten que hoy todo está un poco pasado de rosca: la vida, la tecnología, los ruidos, la gente… y uno mismo. La próxima función en CABA es el 24 de abril a las 22:30h. en el Teatro Premier (Av. Corrientes 1565).
La gira comenzará el 10 de abril en el Teatro Stella Maris de San Isidro y continuará el 11 de abril en Espacio Dali de Monte Grande. Luego llegará el 24 de abril al Teatro Premier de la Ciudad de Buenos Aires, el 25 de abril al Teatro Bar de La Plata, el 9 de mayo al Teatro Helios de Palomar, el 16 de mayo al Comedy Resto Bar de Santiago de Chile y el 30 de mayo al Teatro Lavardén de Rosario. Las entradas pueden adquirirse a través de www. pablomolinari.com.
En Demasiado, Molinari propone más de una hora de observaciones obsesivas, reflexiones innecesarias y preguntas sin respuesta. Con el humor quirúrgico que lo caracteriza, desarma lo cotidiano hasta dejarlo completamente ridículo. Un espectáculo ideal para quienes viven con la cabeza llena de pestañas abiertas, se ríen de sus propias manías y no en-
cuentran en su cerebro el botón de pausa.
Bienvenidos al universo de la sobrepensación.
Bienvenidos a Demasiado.
Pablo Molinari es uno de los comediantes argentinos con mayor crecimiento de los últimos años. Conquistó a más de un millón y medio de seguidores en redes sociales y tuvo gran impacto en YouTube con sus series #PerdónCentennials y #Datazo. Grabó para Comedy Central, fue nominado en dos oportunidades a los Premios
Estrella de Mar, participó en diversos ciclos televisivos de comedia y representó al país en festivales internacionales como el Festival Internacional de Stand Up Comedy en Costa Rica y el Latin Comedy Fest en Toronto, Canadá.
AGENDA COMPLETA
10 de abril
TEATRO STELLA MARIS
SAN ISIDRO
11 de abril
ESPACIO DALI
MONTE GRANDE
24 de abril
TEATRO PREMIER
CABA
25 de abril
TEATRO BAR
LA PLATA
9 de mayo
TEATRO HELIOS
PALOMAR
16 de mayo
COMEDY RESTO BAR
SANTIAGO DE CHILE
30 de mayo
TEATRO LAVARDEN
ROSARIO
PRODUCE SIMPLE
@produce.simple
FICHA TÉCNICA
Guión:
Pablo Molinari – Luciana Faistman
Producción General: Produce Simple
Fotografía:
Diego Prádanos – Fiorella Romay
Diseño:
Roke Design
Prensa: Kevin Melgar
Claudina Sánchez
NOTICIAS
52 MINUTOS CON BORGES
Estreno 3 de abril en Itaca Complejo Teatral.
El próximo viernes 3 de abril estrena 52 Minutos con Borges un espectáculo teatral creado a partir de textos originales del gran escritor argentino del gran escritor argentino.
Los párpados bien apretados y la frente erguida en la noche abovedada. Ese es el lugar donde reina una mitología de tiempos transversales; de fundaciones pretéritas; de arte poética y de anécdotas contadas por otros. En su devenir se configura un relato escénico multiforme que pretende acercarnos al universo del gran escritor argentino.
Texto:
Jorge Luis Borges
Versión:
Alejandro Faggioni
Intérpretes:
Pablo Cominassi, Alejandro Faggioni, Ernesto Falcke
Materiales Escenográficos:
Federico Hurtado
Vestuario:
Ana Figueroa
Diseño de iluminación:
Ricardo Sica
Redes y publicidad:
Agustín Corsi Pettu Salama
Imágenes en proyección: Alejandro Parisi
Imágenes presentación: Gabriela Aberastury
Asistente de Dirección: Tatiana Rodríguez
Dirección:
Pablo Cominassi, Alejandro Faggioni, Ernesto Falcke.
Agradecimientos: Alejandra Aristegui - Ítaca, Complejo
Teatral
ESTRENO: VIERNES 3 de abril a las 20.15h Ítaca, Complejo Teatral, Humahuaca 4027,CABA.
Funciones: viernes a las 20.15h. Localidades $22000, descuento estudiantes y jubilados $18000Disponibles en Alternativa.
NOTICIAS
“AQUÍ NO PODEMOS
HACERLO”
El primer gran musical argentino a sala llena
Pepe Cibrián celebró este re estreno con la prensa e invitados especiales entre los que se encontraban Victoria Carreras, Marisol Otero, Katie Viqueira, Nico Sousa, Alejandro Cupitó, Teresa Calandra, Nequi Galotti, Evelyn Scheidl, Anamá Ferreira, Costa, entre otros.
Este icónico musical se presenta todos los sábados a las 20:00h en el Teatro Regina, Av. Santa Fe 1235, CABA
El pasado martes 03 de marzo de 2026, Pepe Cibrián presentó para prensa e invitados especiales , y A SALA LLENA, el primer gran musical argentino “AQUÍ NO PODEMOS HACERLO”, a 48 años de su estreno original.
Este musical se presenta con gran éxito todos los sábados a las 20:00 h en el Teatro Regina (Av. Santa Fe 1235, CABA)
Pepe Cibrián es el encargado de libro, letras y dirección general, la música original es del recordado Luis María Serra mientras que la dirección musical es de Juan Pablo Ragonese quien también participa como director asistente, las coreografías son de Tomás Luna y la producción artística es de Emiliano Miguez.
Entre los invitados que dijeron presente a esta función
estuvieron: Victoria Carreras, Marisol Otero, Katie Viqueira, Nico Sousa, Alejandro Cupitó, Teresa Calandra, Nequi Galotti, Evelyn Scheidl, Anamá Ferreira, Costa, entre otros.
“AQUÍ NO PODEMOS HACERLO” nació como un susurro rebelde en el alma de Pepe Cibrián, en aquel 1978 en el que tantos repetían que en esta tierra no había lugar para los grandes sueños.
Porque “AQUÍ NO PODEMOS HACERLO”, paradójicamente, se convirtió en el espacio donde sí fue posible: donde el talento joven —ese que Pepe abrazó y defendió siempre— encontró un escenario propio, donde los miedos se transformaron en belleza y donde los fantasmas interiores aprendieron a decir su verdad a través de la música y la palabra.
La obra propone una pregunta que es, al mismo tiempo, una revelación: ¿qué significa soñar en un país que tantas veces camina contra el viento? Significa ser argentino. Significa avanzar, como el salmón, hacia lo que parece inalcanzable. Significa sostener la convicción de que la creación también es un acto de amor por la patria.
Por eso “AQUÍ NO PODEMOS HACERLO” no es solo un título: es una declaración de espíritu, una ofrenda al teatro musical argentino y un recordatorio de la fe que sostuvo a su autor.
Y así, en su último eco, la obra revela su verdad más profunda, esa que Pepe supo desde el principio y que hoy continúa iluminando generaciones: siempre pudimos hacerlo; solo había que creer…
NOTICIAS
CUARTA TEMPORADA DE TANGO FLAMENCO
Sonia Brusca - Alicia Fiuri - Fabiana Cenzano
Tango Flamenco es un espectáculo que fusiona la fuerza y la elegancia del flamenco con la intensidad de los tangos argentinos más emblemáticos. Luego de tres temporadas, regresa el 5 de abril a las 20:00 hs. en la Sala Cortázar del Paseo La Plaza (Av. Corrientes 1660, CABA). Las entradas se pueden adquirir por Plateanet.
Con la participación de músicos en vivo, la propuesta invita al público a vivir una experiencia escénica cargada de emoción, donde dos tradiciones profundamente pasionales dialogan sobre el escenario en un lenguaje común de música y danza.
En escena, las bailaoras Alicia Fiuri, Sonia Brusca y Fabiana Cenzano recorren distintos estilos del flamenco mientras reinterpretan clásicos del repertorio tanguero de Buenos Aires, creando una fusión que combina técnica, carácter y sensibilidad. La danza se convierte así en el puente que une estas dos culturas, llevando cada interpretación a un nivel de intensidad y expresividad únicos. Completan el show la cantante Pamela Tello junto al bandoneonista Javier Crespin.
El espectáculo propone un homenaje a la pasión y la belleza de ambos universos musicales,
reuniendo el temperamento del flamenco con la nostalgia y el dramatismo del tango. Con una puesta vibrante y una fuerte presencia escénica, Invita al público a dejarse llevar por un viaje artístico donde tradición, emoción y virtuosismo se encuentran en cada número.
FICHA TÉCNICA
Bailaoras:
Alicia Fiuri - Fabiana Cenzano
- Sonia Brusca
Cantante: Pamela Tello
Bandoneón:
Javier Crespin
Directora: Sonia Brusca
Iluminador y puesta:
Damian Araujo
Producción: Arte Quatro
Prensa: Kevin Melgar
FUNCIONES:
A partir del domingo 5 de abril17:00 h. Sala Cortázar - Paseo la Plaza nstagram.com/tango.flamenco
Bailaora Alicia Fiuri.
NOTICIAS
1000 FUNCIONES DE "EL CUARTO DE VERÓNICA"
El pasado miércoles 25 de marzo a las 20 horas en la sala Picasso del Paseo La Plaza el emblemático thriller psicológico con Silvia Kutika, Fabio Aste, Tania Marioni y Luis Porzio cumplió 1000 funciones interrumpidas en la escena teatral argentina.
Considerada una obra de culto del teatro de suspenso, “El cuarto de Verónica”, este escalofriante thriller del autor de El bebé de Rosemary, invita al espectador a vivir una experiencia cinematográfica sobre el escenario. Este clásico del género que hoy sigue cautivando al público con su atmósfera inquietante y su final tan inesperado, el pasado miércoles 25 de marzo a las 20 horas en la sala Picasso del Paseo La Plaza cumplió 1000 funciones interrumpidas.
Un fenómeno internacional
Argentina se ha convertido en el país récord de representaciones de esta obra en el mundo. En febrero alcanzará las 1000 funciones realizadas a lo largo de Argentina, Uruguay y próximamente Madrid, consolidando un recorrido histórico para el teatro nacional.
La producción cuenta con 5 nominaciones a los Premios Estrella de Mar, y fue ganadora
a Mejor Obra y Mejor Actriz, reafirmando su prestigio artístico y el impacto en crítica y público.
Argumento
Susan, una joven que cena con su novio en un restaurante, es interrumpida por una encantadora pareja de ancianos que se muestra sorprendida por su increíble parecido con Verónica, una joven fallecida hace años en la mansión donde ellos trabajan como caseros. Intrigados, Susan y su novio aceptan acompañarlos para ver el retrato de Verónica.
A partir de ese momento, comienza una pesadilla tan
atrapante como perturbadora, con un final inesperado que mantendrá al público inmóvil en la butaca.
Elenco
Silvia Kutika
Fabio Aste
Tania Marioni
Luis Porzio
Equipo técnico y creativo
Música original: Martín Bianchedi
Vestuario: Fernando Cuellar
Traducción: Adrián Lázare
Diseño gráfico: Leandro
Arniquez
Dirección y producción: Adrián Lázare
Prensa y difusión: Max Czajkowski
NOTICIAS
SE ESTRENO MUSICAL "GODSPELL"
Con dirección general de Ángel Díaz
Se estrenó Godspell en El Método Kairós (El Salvador 4530, CABA), el reconocido musical basado en el Evangelio según San Mateo, con libro de John-Michael Tebelak y música y letras de Stephen Schwartz, en este caso con dirección general de Angel Díaz.
FUNCIONES:
Domingos 5 y 12 de abril 17 h.
El Método Kairós
El Salvador 4530, CABA
Las entradas se podrán conseguir en la boletería del teatro o en la plataforma de Alternativa Teatral.
Con una estructura dinámica y una estética contemporánea, Godspell propone un recorrido musical y teatral que combina humor, emoción y reflexión. A través de parábolas y canciones icónicas, el espectáculo aborda valores como la comunidad, la empatía, la fe y el compromiso, desde una mirada lúdica y profundamente humana.
La puesta apuesta a un lenguaje escénico cercano y colectivo, donde el elenco construye un vínculo directo con el público, alternando momentos de celebración, introspección y energía coral. La música —con influencias del pop y el teatro musical clásico— sostiene el pulso de una obra que, desde su
estreno original, se convirtió en un clásico contemporáneo del género.
Godspell invita a vivir una experiencia teatral que celebra el encuentro, la diversidad y la construcción comunitaria, en una versión renovada que dialoga con el presente sin perder la esencia del material original.
FICHA TÉCNICA
Autor: John Michael Tebelak
Música:
Stephen Schwartz
Actúan:
Jeremías Zamacola, Juan José Quiróz, Andrés Ajamil, Nicolás Barrera, Azu Cabrera, Cristina García, Fernando Palladino, Shaiel Zas, Jazmín Fernández, Benjamín Rojo, Melina Rolón, Marián Vázquez
Stage:
Cintia Flores
Diseño de vestuario:
Cintia Flores
Realización de vestuario: Roxana Maldonado
Técnica: Augusto Moreno
Fotografía: Germán Romani
Coreografía: Matías Martínez
Dirección vocal: Angel Diaz
Asistencia de dirección & Producción ejecutiva:
Gabina Di Fonzo
Producción General y Dirección: Angel Diaz
Prensa: Kevin Melgar
GODSPELL es presentado bajo arreglo especial con Music Theatre International (MTI).
NOTICIAS
NUEVA TEMPORADA CAÍDA LIBRE
UN MUSICAL ORIGINAL DE ELE VIEYRA
Todos los jueves a las 21:00 h. se presenta una nueva temporada en el Abasto Concert (Agüero 485, CABA), Caída Libre – El Musical, una obra original con libro y letras de Ele Vieyra, composición musical de Ele Vieyra y Fert Álvarez, y dirección general de Ele Vieyra. Las entradas se consiguen a través de Passline. La obra continuará con funciones todos los jueves de marzo a las 21:00 h.
El elenco está integrado por Ele Vieyra, Cecilia Ailen, Francisco Sabaris, Juliana Gómez, Dante Emanuel, Lara Negri, Alan Guagliarello, Eleonora De Rueda, Ignacio Pereira, Jazmín Emili Laffitte, Camila Orefice, Vale Carosella, Agustín Lopez, Ornella Riffo y Male Moiron, quienes dan vida a esta historia que explora los vínculos, la identidad y los puntos de quiebre en la vida de un grupo de jóvenes.
Con canciones originales integradas orgánicamente a la dramaturgia, Caída Libre propone una estética contemporánea y un lenguaje escénico sensible, donde la interpretación actoral y vocal se convierte en el eje expresivo. La obra dialoga con problemáticas actuales como la construcción de la identidad, el miedo a la exposición emocional, la
amistad, el deseo y la búsqueda de libertad, generando cercanía con el espectador desde una narrativa honesta y cuidada.
FICHA TÉCNICA
Libro y letras:
Ele Vieyra
Composición musical: Ele VIeyra / Fert Alvarez
Dirección general: Ele Vieyra
Iluminación: Francisco Sabaris / Malena Vai
Coreografías:
Jazmin Emili Laffitte
Vestuario: Ele Vieyra / Veronica Vieyra
Sonido:
Adrián Maldonado
Producción general:
Ele Producciones
Asistentes de producción: Camila Orefice, Eleonora de Rueda, Sol Ruggiero D CM:
Camila Orefice
Prensa: Kevin Melgar
Producida por Ele Producciones, Caída Libre – El Musical invita a una experiencia de teatro musical contemporáneo que equilibra intimidad, música y actuación, apostando a una propuesta emocional y reflexiva en el corazón del circuito teatral porteño.
GUILLERMO FRANCELLA PROTAGONIZA EL ACONTECIMIENTO TEATRAL DE 2026
“DESDE EL JARDÍN”
Adaptación inédita de la novela “Being There”.
“Desde el Jardín” es el nuevo proyecto teatral que encabeza GUILLERMO FRANCELLA, en su regreso triunfal en 2026 a la Calle Corrientes. Se trata de una adaptación inédita de la novela “Being There”, del escritor polaco-norteamericano Jerzy Kosinski; publicada en 1971 y de la cual se basó también la película de culto protagonizada por Peter Sellers en 1979.
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La versión teatral de “Desde el Jardín” se estrenó el pasado 28 de marzo de 2026 en el teatro Metropolitan. Guillermo Francella esta acompañado por Andrea Frigerio y Martín Seefeld en los roles co protagónicos y por un elenco de reparto estelar integrado por Daniel Miglioranza, Edgardo Moreira, Diego Jaraz, Carla Pandolfi, Horacio Erman y Mayra Homar; versión teatral y dirección de Marcos Carnevale y producción general de Guillermo Francella, Adrián Suar y Pablo Kompel. Las entradas se adquieren a través de Plateanet.com y en la boletería del Metropolitan.
“Desde el Jardín” cuenta la historia de Chance Gardiner (Guillermo Francella); un hombre de inteligencia limitada, criado toda su vida dentro de la mansión de un rico benefactor. No sabe leer ni escribir; su único conocimiento proviene del cuidado del jardín y de lo que ve en la televisión, su único contacto con el mundo. Cuando el benefactor muere y Chance es expulsado de la casa, viéndose obligado a integrarse a la sociedad. El azar hace que conozca a Eva (Andrea Frigerio), una mujer de la alta sociedad que decide acogerlo en su casa junto a Ben, su marido; un empresario influyente, enfermo en fase terminal; para quien Chance pronto será su mejor medicina. Chance carece de malicia, ambición o deseo de poder. Sin embargo y sin
proponérselo, se convierte en un sabio accidental. Su literalidad, simplicidad y forma de expresarse con metáforas sobre plantas y estaciones climáticas son interpretadas por las personas que lo rodeanincluido el presidente de Estados Unidos (Martín Seefeld) - como un discurso filosófico o político de gran relevancia intelectual, a tener muy en cuenta. Tanto que llega a ser considerado un consejero influyente e incluso un candidato presidencial, todo por malas interpretaciones de su lenguaje inocente.
“Desde el Jardín” es una metáfora brillante de los particulares tiempos que corren en el mundo actual; que nos muestra cómo la apariencia y el contexto pueden crear prestigio sin que exista realmente conocimiento o mérito.
¿El mundo está ciego y Chance Gardiner es el único que lo ve con pureza?
DESDE EL JARDÍN
Basada en la novela “Being
There” de JERZY KOSINSKI
Elenco
GUILLER
MO FRANCELLA
ANDREA FRIGERIO
MARTÍN SEEFELD
(por orden alfabético)
HORACIO ERMAN
MAYRA HOMAR
DIEGO JARAZ
DANIEL MIGLIORANZA
EDGARDO MOREIRA
CARLA PANDOLFI
Versión Teatral y Dirección
MARCOS CARNEVALE
Diseño de Escenografía
JULIETA KOMPEL y GONZALO
CORDOBA ESTEVEZ
Música
DAMIÁN KOMPEL
Diseño de Vestuario
BETIANA TEMKIN
Diseño de Iluminación
DAVID SELDES
Diseño de Sonido
PABLO ABAL
Productor Técnico y de Montaje
CHRISTIAN AGUILERA
Asistente de Dirección & Production Stage Manager
MARIANA ZOURARAKIS
Gerente Administrativo
ALEJANDRO BARILA
Gerente Comercial
SERGIO BAREIRO
Gerente Financiero
GUSTAVO PAGLIARI
Recursos Humanos
DANIELA BODEI
Comunicación y Medios
PATRICIA BAREIRO
Comunicación Visual
NICO REJLIS u MiráBA 27
MiráBA 28
Comunicación Digital BUSHI CONTENIDOS
Fotografía de Estudio ALEJANDRA LOPEZ
Productora Ejecutiva CARLA CARRIERI
Productor Ejecutivo DAMIÁN ZAGA
Director de Producción ARIEL STOLIER
Productores Generales GUILLERMO FRANCELLA, ADRIAN SUAR y PABLO KOMPEL
FUNCIONES:
TEATRO METROPOLITAN JUEVES 20h / VIERNES 20h / SÁBADO 20 h. y 22.15h / DOMINGO 19h VENTA DE ENTRADAS POR PLATEANET www.plateanet.com 11 5236-3000 www.teatrometropolitan.ar @teatrometropolitanok
“BEING THERE” es presentada en Argentina y Uruguay a través de la Agencia Literaria F&F (Buenos Aires) y The Stewart Talent Agency (New York).
Fotografía de Estudio ALEJANDRA LOPEZ
PRENSA SMWPress
Raúl Casalotti
raulcasalotti@smwpress.com
SIGUE LA COMEDIA QUE TODOS QUIEREN VER
BYE BYE
PRIMERA FUNCIÓN SÁBADO 4 DE ABRIL
La Comedia de la Provincia de Buenos Aires, organismo dependiente del Instituto Cultural, presenta “ Bye Bye ”, la octava producción integral desde la reapertura de la Sala Armando Discépolo en octubre de 2022. La obra, escrita por Guillermo Camblor y Sergio Marcos, cuenta con dirección de Diego Rinaldi.
La primera función será el sábado 4 de abril, dando inicio a su temporada que se extenderá durante los meses de abril y mayo en la Sala Armando Discépolo (calle 12 entre 62 y 63, La Plata), con funciones los sábados a las 21:00 hs y los domingos a las 20:00 hs La entrada es libre y gratuita, y podrá retirarse por boletería una hora antes de cada función.
“Bye Bye” reúne a un grupo de personajes entrañables y caóticos que, como toda familia argentina, se ven atravesados por secretos, enredos y verdades ocultas. Una comedia que invita a reírse de las apariencias, los vínculos familiares y de esas mentiras piadosas que muchas veces derivan en conflictos inesperados.
El elenco está integrado por: Fabio Prado González (Timoteo), Rocío Santamaría (Andrea), Oscar Ferreyra (Héctor), Mariana Torres (Laura), Fredy Magliaro (Pancho Alcorta), Mariela Marconi (Matilde), Anahí Carnavale (Fiorella), Mariel Santiago (Macarena) y Mabel
Campos (Virginia).
“Bye Bye” es una auténtica fiesta, donde nada es lo que parece y todo puede salir mal… pero no tanto.
La Comedia de la Provincia de Buenos Aires se comunica a través de sus redes sociales:
Instagram: @comediapba Facebook: Comedia de la Provincia de Buenos Aires
X: @comedia_rrpp
RR.PP.: WhatsApp: 221 577 7705
Prensa y difusión: comediaprensa@gmail.com
FELIZ DÍA. Sutottos
Por Alelí Jait
Luego de su gira por España y Uruguay, se reestrenó el pasado 21 de marzo la obra protagonizada por Andrés Caminos y Gadiel Sztryk en el Teatro Picadero, Pje. Enrique Santos Discépolo 1857, los sábados a las 18 h.
Dos hermanos mellizos conviven bajo el mismo techo en la casa de su madre, nunca se independizaron y tampoco tienen intenciones de hacerlo. La obra transcurre en el día del cumpleaños número cuarenta de ambos, hito en el devenir de la adultez que marca el declive
de la juventud y la indudable maduración.
Sin embargo, Emilio y Germán no tienen intenciones de crecer por fuera del cobijo de su madre, quien está pero ausente en este día tan bisagra en la vida de dos hombre que sienten la presión agobiante de la felicidad.
El imperativo de ser felices, de vivir cada minuto de la vida como si fuera el último día, la exageración, las fobias y la neurosis que tiñe y amplifica la necesidad de bienestar constante y continuo. Y que
funciona como una burla a los enunciados new age, las frases hechas, el neoliberalismo de las reflexiones motivacionales que supieron estar estampadas en sobres de azúcar y hoy revisten los muros de las redes sociales.
Con una puesta en escena minimalista, sin mayores apoyos que contados elementos funcionales a la trama, un vestuario con colores estridentes y cortes “setentosos”, coronados con las pelucas que nos introducen ciertamente en la propuesta cómica de la dupla humorística surgida de la escena
under porteña.
El diálogo ocurrente, la contraposición entre las vivencias de los hermanos, la comparación, la competencia y el lazo filial indestructible junto a los límites al amor incondicional de una madre que ya no soporta el Edipo de sus hijos, son los tópicos que transita la obra que tiene pequeñas intervenciones de ocurrentes canciones chiquitas, dulces, con letras graciosas de situaciones cotidianas que remiten al estilo de Leo Masliah.
“Felíz día” transita la hermandad magnificada por el natalicio conjunto y se convierte en una propuesta divertida, ágil, sin mayores pretensiones más que hacer reír al espectador y regalarle un momento de felicidad un sábado por la tarde.
FUNCIONES:
Teatro: Picadero
Dirección: Pje. Enrique Santos
Discépolo 1857, CABA.
Funciones: sábados 18 h.
Duración: 60 min
FICHA TÉCNICA
Dramaturgia:
Andrés Caminos, Gadiel Sztryk
Elenco:
Andrés Caminos, Gadiel Sztryk.
Diseño de vestuario: Analía Cristina Morales. Diseño de escenografía:
Ariel Vaccaro.
Diseño de sonido: Pablo Viotti.
Canciones:
Andrés Caminos, Gadiel Sztryk, Pablo Viotti. Diseño de Iiluminación: Matías Sendón.
Fotografía: Pablo Linietsky. Diseño gráfico:
Agustina Contreras.
Asistencia de dirección: Manuela Bottale, Marianela Faccioli.
Producción: Sutottos, Marianela Faccioli. Prensa: Smw Asesores De Prensa.
Más info en página 124
VOLVER VOLTAR
De la Cia. AMOR ETERNO - Dirección de Cecilia Gómez
Estrena “Volver Voltar” en Buenos Aires, la nueva obra de la Cia. Amor Eterno, dirigida por Cecilia Gómez. Esta obra de movimiento entre la danza aérea y el circo contemporáneo surge luego de una gira, dos residencias y festivales en Portugal, como una adaptación a la escena tradicional. Desde el 22 de marzo y por sólo 6 funciones, los domingos a las 20 h. en el Club de Trapecistas Estrella del Centenario.
SINOPSIS
Volver a ese lugar donde perdemos la noción del tiempo. Ciertos lugares están impregnados de emociones y recuerdos.
Una milonga vertical donde los pasos no sólo se limitan al suelo, sino que también se suspenden en el aire. Éxtasis aéreo, donde el cuerpo se libera en una danza imposible, vertical, que -junto con la música electrónica- crea un espacio inmersivo de riqueza cultural que fusiona el pasado que fuimos con el presente que somos.
FUNCIONES:
Domingos, 20 h. (hasta el 26/4) Club de Trapecistas Estrella del Centenario Ferrari 252, CABA
Entradas: $17.000 / Desc. jubil. y estud. $15.000 /
Alternativateatral o en boletería
Duración: 50 min. ATP (+12 años)
FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA
Dramaturgia:
Cecilia Gómez
Elenco: Maximiliano Nastar, Cecilia Gómez, Facundo Varela
Música: Luciano Campodónico,
Gabriela Neyrotte (DJ Paca) y Nehuén Schedan (Nayaim)
Diseño de luces:
Juan Manuel Gagino Di Leo
Vestuario:
Lithium Prod. Art, en colaboración con Humberto Rizzo
Diseño del espacio escénico:
Riggingmind, Facundo Varela
Asistente en escena y operación de sonido:
Rita Zarfati
Contenido audiovisual:
Camilo Ortiz
Prensa:
OCTAVIA Comunicación
Asistente de dirección:
Julieta “Mumi” Ezkenazi
Gestión y producción:
Compañía Amor Eterno
Dirección general:
Cecilia Gómez
SOBRE LA OBRA
"Volver Voltar“ es una pieza performativa visualizada en fachadas patrimoniales como soporte escénico. La obra fue presentada en formato vertical proyectado sobre la fachada de la Iglesia de Santa Maria Maior en Covilhã (Portugal), en el marco del festival de calle “Portas do Sol”, y también en la fachada de la Sé da Guarda durante el festival “ContraDança” en la ciudad de Guarda (Portugal).
Esta obra puede ofrecerse como espectáculo independiente fuera de la escena tradicional, adaptándose a diferentes
contextos arquitectónicos. Se basa en proyecciones y escenografías visuales sobre fachadas, transformando muros históricos en pantallas urbanas de carácter artístico.
BIO CECILIA GÓMEZ
Cecilia Gómez es Lic. en Composición Coreográfica de la U.N.A. Egresada como Intérprete Nacional de Danza Clásica en la Escuela Nacional de Danzas María Ruanova. Recibe la beca Elena Smirnova (otorgada por el FAIDEC). Su producción artística investiga sobre la danza contemporánea y su relación con el movimiento aéreo del circo escénico actual. También investiga las posibilidades del movimiento en entornos naturales en relación a la navegación a vela de precisión. Danza, circo y naturaleza. Desde 2011 dirige la compañía “Amor Eterno”. Sus producciones: “Representacional”, “Serpentina” videodanza, “Lago de los cisnes, App”, “Alto Tango” (Experiencia en velero sobre el Río de la Plata), “Ovillo de
Luna”, “Plan C”, „La bruja era muy Bonita”, “En Suspenso” y “Proyecto Amor Eterno”. http://cecigomezsal.com.ar/
SOBRE LA CIA. AMOR ETERNO
En 2026 la compañía “Amor Eterno” celebra 15 años de trayectoria en CABA y en el exterior (Chile, Uruguay, Brasil, Bolivia, Portugal y España). El programa conmemorativo incluirá la reposición de obras emblemáticas como “Volver Voltar”, “Representacional” y “Ovillo de luna”, además de un evento central de gran formato.
El objetivo es conmemorar el recorrido de la compañía y celebrar la comunidad artística que la ha acompañado: intérpretes, técnicos, gestores y públicos de diversas latitudes.
PRENSA OCTAVIA
María Eugenia Souto eugenia@octaviacultura.com.ar
VIDEO
AMOR ETERNO DANZA AEREA PORTUGAL
Mefistofele (Arrigo Boito)
Abre la Temporada 2026 de Compañía Artística Clásica del Sur
Por tercer año consecutivo, abre la temporada 2026 con esta presentación de una de las óperas que con mayor fidelidad y audacia abordan la leyenda de Fausto, con una impactante puesta en escena que borra la distancia entre público y artistas.
El bien y el mal frente e frente una vez más.
Por tercer año consecutivo, Compañía Artística Clásica del Sur pone en escena Mefistofele, la extraordinaria ópera de Arrigo Boito, que con dirección de musical de César Tello y
MiráBA
un elenco de grandes voces regresa a la Sede de la Gran Logia de la Argentina de los Libres y Aceptados Masones, donde púbico y artistas se confunden en una sorprendente experiencia sonora y visual.
Con el respaldo de la aprobación unánime recibida de parte del público en 2024 y 2025, la producción de la compañía porteña, que en junio y julio subirá en el Teatro Avenida con una nueva producción de Turandot y que volverá a recrear la monumental cantata escénica Carmina Burana en la
segunda mitad del año, tendrá en los roles principales a Bruno Santoro Sciaini, Jerónimo Vargas Gómez, Graciela De Gyndelfeldt, Lucía Núñez, Mónica Koggionis, Eddie Queena, Miguel Balea y Rodolfo Cabrera, junto a la Orquesta, Coro y Coro de Niños de Clásica del Sur.
Fausto y Mefistofele: el conflicto eterno
Mefistófele, el espíritu del mal, ha llegado al cielo para desafiar a Dios apostándole que puede ganar el alma de Fausto, el
erudito favorito de la divinidad, cuya alma le pertenecerá en caso de que logre hacerlo caer en la tentación.
Convertido en un elegante caballero que asegura poder cumplirle a Fausto su deseo más secreto de acercarse al misterio de las cosas que hasta entonces no había logrado conocer, Mefistófeles lo convence de que prometa su alma inmortal a cambio de una vida de placeres dichosos. A partir de entonces, un sólo instante de felicidad del anciano lo condenaría a entregar su alma al Demonio.
Bajo esa condición, transformado en un joven apuesto su primer acto es seducir a Margarita, una inocente muchacha de
pueblo que posteriormente es condenada por envenenar a su propia madre y ahogar a su bebé. Pero cuando Mefistófeles y Fausto arriban a rescatarla de la prisión, Margarita rechaza al diablo y es redimida.
Luego, Mefistófele transporta a Fausto de regreso a la antigua Grecia, donde seduce con éxito a Helena de Troya. Sin embargo, el filósofo no encuentra en el mundo sensual de Helena el ideal del ser, como tampoco lo había encontrado en el amor de Margarita, y lo único que le queda es una amarga sensación de dolor.
De vuelta en su estudio, Fausto reflexiona sobre el significado de la vida incluso cuando siente que se acerca la muerte y
Mefistófeles aparece una vez más, instándolo a que abordara nuevas experiencias.
¿Podrá Fausto resistirse a la tentación, o el diablo se saldrá con la suya?
Del fracaso estrepitoso al éxito y la inmortalidad
Tras el estrepitoso fracaso de su estreno en La Scala de Milán el 5 de marzo de 1868, la Mefistofele compuesta por Arrigo Boito, quien para abordar los planteos metafísicos de la leyenda de Fausto logró combinar con solvencia un audaz abordaje musical para la época con un carácter u
literario de notable proximidad con la obra de Goethe, debió esperar siete años para su reivindicación.
Con varias modificaciones en el libreto y con el paso del personaje de Fausto de la cuerda de barítono a la de tenor entre otros cambios, el 4 de octubre de 1975 la obra volvió a subir a escena en el Teatro Comunal de Bolonia, donde recibió la aprobación que le había sido negada en su estreno.
Aún así, el éxito cosechado con su nueva versión no impidió que
el compositor italiano nacido en Padua en 1842 retocara una vez más su creación, que sería presentada en su forma definitiva en el Teatro Rossini de Venecia, el 13 de mayo de 1876, y que pondría punto de inicio a una era de esplendor para Boito, quien no sólo creó con Giuseppe Verdi una nueva versión de Simon Boccanegra sino que aportó a la obra verdiana los libretos de Otello y Falstaff.
FICHA TÉCNICA
Dirección Musical y puesta en escena:
César Tello
Producción General:
Juan Carlos Montamat
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Mefistofele
Bruno Santoro Sciaini
Fausto
Jerónimo Vargas Gómez
Margarita
Graciela De Gyldenfeldt (1112) / Lucia Núñez (18 - 19)
Marta
Mónica Koggionis (11 - 12) / Eddie Queena (18 - 19)
Wagner
Miguel Alberto Balea (11 - 1219) / Rodolfo Cabrera (18)
Coro y Orquesta Estable de Clásica del Sur Director: Maestro César Tello
Coro de Niños de Clásica del Sur Directora:
Maestra Natalia Vivas
FUNCIONES
Mefistofele (Arrigo Boito) VERSIÓN SEMIESCENIFICADA
11 y 18 de abril a las 20:30 12 y 19 de abril a las 18:30
Palacio Cangallo
Juan Domingo Perón 1242 (CABA)
Sede de la Gran Logia de la Argentina de los Libres y Aceptados Masones
Entrada general: $30.000 por Atrápalo o en la boletería el día del concierto
Mayores de 60 años, estudiantes y profesores de música: $25.000 sólo en la boletería el día del concierto
LO QUE SIGUE…
Temporada 2026
JUNIO
Turandot (Giacomo Puccini)
Teatro Avenida - 26 y 27 de junio - 4 de julio
Entradas en venta a través de Ticketek desde $23000.-
JULIO
Carmina Burana (Carl Orff)
AGOSTO:
El Conde Ory (Gioachino Rossini)
OCTUBRE:
La Cenicienta (Gioachino Rossini)
NOVIEMBRE:
La condenación de Fausto (Hector Berlioz)
DICIEMBRE:
Novena Sinfonía (Ludwig van Beethoven)
Próximamente, más información sobre fechas y escenarios
SOBRE LA COMPAÑÍA ARTÍSTICA CLÁSICA DEL SUR
Creada en 2014 y declarada en 2024 “De Interés Cultural” por la Legislatura porteña, la Compañía Artística Clásica del Sur se enfoca en la realización de actividades culturales y sociales que desarrollen, promuevan, incentiven, refuercen y difundan la actividad lírica y las artes,
fomentando la inserción de jóvenes estudiantes a la actividad profesional de la música y dando la posibilidad a nuevas promesas del género.
La Compañía está integrada por un elenco estable y especialistas en producción escénica que impulsan proyectos de calidad, al mismo tiempo que hacen eje en la transmisión de valores, ideas, informaciones y en el estímulo de las facultades intelectuales, estéticas y emocionales de los individuos, que representan un elemento central a los fines de un
desarrollo integral del ser. Clásica del Sur es unacompañía que realiza un trabajo original en el desarrollo de sus producciones de ópera y eventos culturales, e involucra a cientos de cantantes, instrumentistas, directores musicales y de escena, escenógrafos, técnicos, iluminadores, vestuaristas, maquilladores, peluqueros, asistentes, fotógrafos y montajistas, entre profesionales de diferentes disciplinas.
Arte prensado
Prensa y comunicación Eduardo Slusarczuk +54 11 50419769
eduardo.slus@gmail.com
“LAS MUJERES DE LORCA”
EN LA SALA CARAS Y CARETAS
El pasado viernes 20 de marzo a las 20:30 se re estrenó en La Sala Caras y Caretas “Las mujeres de Lorca” la multipremiada obra de teatro musical escrita por Marisé Monteiro, basada en la vida y obra de Federico García Lorca, con dirección general, puesta en escena y música original de Nacho Medina y protagonizada por Ana María Cores.
La obra cuenta la historia de Rosario, una mujer atrapada en un mundo rural regido por una sociedad machista y por el miedo al qué dirán. Ella, a espera de un amor imposible, se ha resignado con total entereza a una soltería irremediable que la ha condenado a una vida solitaria, cuyo único sentido es cuidar con recelo la Huerta de San Vicente, propiedad de la familia Lorca, que permanece en el exilio.
La acción se ubica en noviembre de 1975. Son tiempos de cambio, la muerte de Francisco Franco, ha dado fin a un largo período de dictadura que mantuvo a España dividida en dos bandos irreconciliables. La esperanza ha vencido al miedo. En todas partes se habla de libertad, de consenso y una fiebre erótica
“destapa” las fantasías de un pueblo que empieza a descubrir el sexo sin tabúes… En medio de tanta efervescencia, una tarde cualquiera, en un lejano paraje de Granada, irrumpe, en la monótona rutina de la protagonista, un interlocutor imaginario que la traslada al tiempo que compartió con Federico, ya sea, poniéndole voz a los personajes de su teatro, o rememorando los momentos claves de la vida de del poeta y la manera que se percibe frente al mundo.
La pieza tiene momentos festivos, marcados por el humor, y otros en las que el drama irrumpe con toda su fuerza intercalando la palabra textual, con sus más famosos poemas convertidos en canciones, que son tomados como una continuación natural del relato.
De esta forma, la protagonista, evoca anécdotas y vivencias,
entrando y saliendo de las historias de estas mujeres que él inmortalizó, para finalmente revelarle al espectador que ella es, en definitiva, todas las mujeres del teatro lorquiano: Apasionada, como Mariana Pineda. Rebelde, como La Zapatera prodigiosa. Vacía, como Yerma. Con la esperanza muerta, como Doña Rosita la soltera. De luto como Bernarda Alba y sin consuelo, como la madre de Bodas de sangre.
Completan el elenco Carmen Mesa (Cantaora y Bailaora), Giuliana Sosa (Piano), Paula Carrizo (Guitarra) y Lucía Cuesta (Violín) y Nahuel Cuadrelli (Voz en off).
El diseño de escenografía y vestuario es de Azul Borenstein, el diseño coreográfico de Eva Iglesias, la dirección musical, arreglos musicales y arreglos corales de Giuliana Sosa, el diseño de iluminación de Agnese
Lozupone, el diseño de visuales de Juan Selva, la dirección vocal y coral de Lali Vidal, el diseño de sonido de Hernán Altamirano, el diseño Gráfico de Damián Zerba, el diseño Gráfico de Damián Zerba, la edición de videos de Manuel Mazzei, la asistencia de iluminación de Belén Rivero, Lailén Álvarez, la asistencia de escenografía y vestuario de Maia Doudchitzky, la asistencia de dirección de Iara Sarmiento, la producción ejecutiva de Adrián Andrada y la producción general de Mirta Romay y Chino Carreras
FUNCIONES:
Viernes y sábados a las 20:30 h. Sala Caras y Caretas Sarmiento 2037. Duración: 80 min Entradas en https://www.passline.com/
PRENSA Alfredo Monserrat alfredomonserrat@gmail.com
MiráBA 42 42 MiráBA
LA VIOLACIÓN DE LUCRECIA de William Shakespeare.
Elegido por el British Council y el Shakespeare’s Globe para abrir el evento SHAKESPEARE LIVES 2016 en México. Declarada de interés por el Senado de la Nación Argentina por su contribución a la toma de conciencia sobre la violencia de género.
SINOPSIS
LA VIOLACIÓN DE LUCRECIA es un poema magistral de Shakespeare sobre el abuso del poder, la violación de una muchacha a manos de un “intocable” y sus consecuencias políticas cuando el pueblo sale a la calle. La argumentación sobre los deberes del gobernante y los derechos de los ciudadanos y cómo un acto privado resulta en un hecho político que pone fin a la monarquía y da pie a que se constituya el Senado romano, lo vuelven más vigente que nunca.
El lenguaje oscila entre lo brutalmente directo y la más alta poesía, pasando por argumentaciones filosóficas y técnicas del discurso tomadas de la oratoria. Con recursos que distinguen la escuela shakespereana el monólogo se transforma en un tour de force para la actriz.
La dramaturgia de Mónica Maffía lo lleva a escena, tomando
como eje el ritual doméstico de transformar en celebración el placer de la lectura, como forma de anclaje en la estructura originaria de la obra. Sin embargo, la compenetración con el material hará que la “lectora” tome alternativamente los personajes que aparecen en el relato, transformado en un verdadero tour de force de la actriz.
La dirección actoral hizo hincapié en aspectos que distinguen la escuela shakespere- ana: la musicalidad del texto, la respiración, el uso de la voz tanto desde su aspecto técnico como la forma correcta de abordar este tipo de texto de máxima demanda física para la actriz- como desde su aspecto netamente actoral, para facilitar la recepción de un texto complejo de manera que la historia fluya claramente.
AUSPICIOS
Cuenta con el apoyo de Asociación de Mujeres Jueces de la Argentina
Elegido por el British Council y el Shakespeare’s Globe para abrir el evento SHAKESPEARE LIVES 2016 en México. Embajada de la República Argentina en España
Red Argentina de Género, Ciencia y Tecnología (ragcyt)
Instituto Nacional del Teatro (Argentina)
Instituto Interdisciplinario de Estudios de Género (Universidad de Buenos Aires)
Ayuntamiento de Soria (España)
Universidad Nacional de Salta (Argentina)
Universidad Nacional de Mar del Plata
Universidad Nacional de San Luis
Ministerio de Cultura de Mendoza (Argentina)
Ministerio de Desarrollo Social y Derechos Humanos de Mendoza Academia de Mujeres “Instituto Fabián Calle” de Mendoza (Argentina)
Programa de Género, Sociedad y Universidad, Secretaría de Extensión de la Universidad Nacional del Litoral
Honorable Cámara de Diputados de la Provincia de Santa Fe(Argentina)
Instituto de Capacitación Judicial de Entre Ríos (Argentina)
FICHA TÉCNICA ARTÍSTICA
Traducción y dramaturgia: Mónica Maffía.
Galardonada en este rubro con el “Premio Mayor” Teatro del Mundo por la primera traducción en Latinoamérica de Eduardo III: la última incorporación al canon de Shakespeare. Nuevos premios “Teatro del Mundo” por la primera u MiráBA 43
traducción mundial de Dido, reina de Cartago de Marlowe.
Actuación y dirección:
Mónica Maffía
Música original: Ricardo Vergani
Fotografía: Michel Marcu
Asistencia de dirección: Ascen Caballero
Duración de la obra: 65 minutos
FUNCIONES:
Sábados 13 horas
ITACA Complejo Teatral
Humahuaca 4027 CABA
Entradas por 44 MiráBA
https://www.alternativateatral. com.ar/
CRÍTICAS DEL ESPECTÁCULO
OSVALDO QUIROGA 1 Aug 2017
Excelente trabajo actoral de Mónica Maffía en “La violación de Lucrecia”. Es un Shakespeare inolvidable. Ella respira Shakespeare. Mónica Maffía es una shakespeariana de pura cepa.
RÓMULO BERRUTI www.mundoteatral.com.ar El texto es de alto vuelo ...
Especialista en Shakespeare –pero más y mejor aún, enamorada de Shakespeare- condensó con inteligencia el poema en un recital de cámara de menos de una hora. Con entrega y estilo, sin caer en los clichés isabelinos simplemente actúa este relato y nos lo hace creíble. Pone fibra y nervio ... Vale la pena verla.
JORGE DUBATTI (Tiempo Argentino)
La versión de Mónica Maffía (que data de 2006) se le anticipó a Espert en varios años. Especialista en Shakespeare, Mónica Maffía obtuvo el año pasado el Premio Mayor Teatro del Mundo de la Universidad de Buenos Aires por su traducción de Eduardo III (editada por Corregidor) -
SIN EMBARGO, MÉXICO
Sandra Lorenzano
La traductora, actriz y directora Mónica Maffía nos sacudió con
una impresionante interpretación de “La violación de Lucrecia”. Fue en el marco de la Conferencia Internacional sobre traducción de William Shakespeare organizada por el British Council, y se llevó a cabo en un pequeño teatro de cámara del Antiguo Colegio de San Ildefonso. La fuerza de los versos, en traducción de la propia Maffía, así como la sutileza desgarrada de su interpretación, hicieron de éste un espectáculo conmovedor. No es gratuito que haya sido invitada tantas veces a presentarlo no sólo ante el público en general, sino ante especialistas en violencia de género; particularmente ante quienes tienen que impartir justicia con perspectiva de género, sobre todo en Argentina, su país de origen.
IMAGINACIÓN ATRAPADA
Sol Alonso
La sutileza de la actriz para mostrar esta carga asfixiante de violencia, es mágica, nos la acerca con cuidado… hasta que la crueldad del crimen injusto estalla y nos interpela directamente, como personas y como ciudadanos.
MARíA SOLEDAD NAVARRO www.showonline.com
Atrapante y compleja ... admirable dicción y ductilidad corporal de la actriz Mónica Maffía que representa con precisión una historia fuerte ... Excelente juego de luces que abrazan el cuerpo de un personaje que recrea personajes ... una oratoria que roza la perfección, imágenes
tan bellas como penetrantes ... muy lograda “metamorfosis actoral” ... deja sin aliento al espectador“teatro de culto”
LA AUTÉNTICA DEFENSA
Diario de Campana/Zárate (22/3/07)
Un impresionante trabajo con el que la actriz Mónica Maffía ha deslumbrado al público porteño. Un espectáculo de un magnífico nivel artístico.
CLAUDIA KOROL
La Rosa Brindada Gracias Mónica, por el laburo genial, para poner en actos los dolores de tantas mujeres violadas por el poder del patriarcado, violadas en guerras, violadas en represiones, violadas en sus hogares, violadas en las fiestas de la impunidad. Gracias también por acercarte a la radio
NORMA DUMAS
(“marquesina de oro”)
Mónica Maffia, planta su propia bandera y se yergue victoriosa enarbolando su propio emblema de sensibilidad y estilo.
Heroico tecnicismo personal con una vibrante mezcla de inspiración y virtuosismo. Es la “ Lucrecia” institucional de Shakespeare transformada“Lucrecia” particular y subjetiva de Mónica Maffía.
Moraleja: Una actriz sensitiva es el sueño dorado de un clásico sensitivo.
Fotografías tomadas por artista plástico Michel Marcu en 2007. Teatro Beckett
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Ópera Independiente de San Telmo presenta
L’elisir d’amore
Versión vibrante y familiar
La compañía Ópera
Independiente de San Telmo comienza su temporada 2026 con la ópera L’elisir D’amore de Gaetano Donizetti. Pensada para el disfrute de toda la familia, El Elíxir de Amor llega en versión abreviada, con una puesta ágil, ambientada en el mítico barrio de La Boca en los
años 50, cantada en italiano con sobretitulado simultáneo y escenas en español, con coro y voces solistas en vivo, acompañados al piano.
A lo largo de este año, la compañía se presentará en diversos espacios de CABA y alrededores: La Traviata de
Giuseppe Verdi, La Bohème de Giacomo Puccini e Il Trovatore de Giuseppe Verdi.
Fundada en 2022, la compañía ha representado recientemente I Pagliacci de Leoncavallo, Così fan tutte de Mozart, Rita de Donizetti y otra versión de La Bohème de Puccini, además de
óperas en concierto y recitales.
No te pierdas este encuentro con la música, el humor y la pasión.
FUNCIONES EN ABRIL
Sábado 4 de abril a las 19:00 hrs.
Catedral Ortodoxa Rusa
Brasil 315, frente al Parque Lezama, San Telmo Un alimento no perecedero.
Sábado 11 de abril a las 20:00 hrs
C. C. El Faro
Rosetti 2331, Olivos
Entradas anticipadas: $15.000 / En puerta $ 18.000
Domingo 12 de abril a las 18:00 hrs
Casa Kilhawe
Suárez 326, Temperley
Entrada general: $20.000 /Dto a estud y jub
Promos para familias
Domingo 19 y 26 de abril a las 17:00 hrs
Teatro de la Fábula
Agüero 444, Abasto, CABA
Entrada: $20.000
Duración: 90 minutos
Apta desde los 9 años.
SINOPSIS
En el mítico barrio de inmigrantes de La Boca, en la década de los 50, el joven y humilde canillita Nemorino, languidece de amor por Adina,
hija del dueño del conventillo, hermosa, culta e indiferente. Desesperado ante el asedio del arrogante sargento Belcore hacia ella, Nemorino confía su suerte a Dulcamara, un simpático charlatán de la radio que le vende un supuesto “elíxir de amor”... que no es más que vino barato.
Un enredo de celos, falsas esperanzas y situaciones hilarantes, culmina en un momento de pura introspección: la célebre aria “Una furtiva lágrima”.
Sobre L’elisir D’amore - Ópera Pocket
Ópera L’elisir d’amore de Gaetano Donizetti, versión abreviada, al piano, con solistas y coro en vivo; cantada en italiano con sobretitulado simultáneo y escenas en castellano. Considerada una de las obras maestras del género bel canto, L’elisir d’amore es una celebración del ingenio, la ternura y la música distinguida. Estrenada en Milán en 1832, esta ópera en dos actos de Gaetano Donizetti sigue siendo, casi dos siglos después, una de las favoritas del repertorio internacional por su equilibrio perfecto entre la comedia brillante y la emoción profunda.
FICHA ARTÍSTICO TÉCNICA:
Compositor:
Gaetano Donizetti
Guión y adaptación:
Ópera Independiente de San Telmo
Producción:
Ópera Independiente de San Telmo
Dirección general:
Gabriela B. Ojeda S.
Maestro pianista:
Tomás Nine
Adina:
María José Valerio, Lorena
Venegas Saavedra y Guadalupe Sánchez
Nemorino:
Juan Bracco, Ricardo Faría y Gabriel Huároc
Belcore:
Julián Calabrese, Alfredo G. Reig y Sebastián Maly
Dulcamara:
Tomás Eckart y Maximiliano Patricio Martino Ávila (cover)
Gianetta:
Lucía Silva y Pilar Soledad Torres Mignaquy (cover)
Sopranos:
Pilar Soledad Torres Mignaquy, Fiona Casella Conte, Yazmin
Rumie, Victoria Bonh
Contraltos:
Macarena Núñez Retamal, María Belén Kolarovic, Carolina Eugenia de Urquiza
Tenores:
Santiago Gabriel Alcaraz, Pablo Maximiliano Bestty, Agustín Leonel Martínez
Mazzitelli
Bajos:
Facundo Jesús Castro, Lucas
Sebastián Ramos
Equipo de producción:
Macarena Núñez Retamal, Gabriel Huároc y Ezequiel
Saracco u
Dirección escénica:
María Eugenia Sosa
Dirección musical:
Ezequiel Saracco
Directora coral:
Yina Sepúlveda
Escenógrafo:
Gustavo Roca
Asistencia de dirección escénica:
Gina Bergaglio
Asistente de escenografía:
José Altamiranda
Operador de sobretitulado:
Néstor Horacio Natiello
Gráfica:
Ana Vázquez
Prensa & Difusión:
Daniel Franco
Invita:
Teatro Maipú
¿POR QUÉ VER ESTA PRODUCCIÓN?
“Nuestra misión es derribar el mito de que la ópera es aburrida
o exclusiva. Esta versión está pensada para que un chico de 9 años y un adulto la disfruten por igual”, afirma Gabriela B. Ojeda S., directora general de la compañía.
“El elixir de amor - Ópera Pocket” es una representación sintetizada que intercala números musicales en el italiano original con parlamentos en español, con puesta en escena dirigida a toda la familia. Así, la ópera se acerca a los niños y adultos de hoy.
Pensada para disfrutar en el contexto de una salida al teatro, también puede adaptarse como una función privada para escuelas. Para ello, contamos con un equipo de pedagogos que nos asesoran tanto en la adaptación de los contenidos como en la
creación de actividades previas y posteriores a la función, diseñadas para que los niños no solo disfruten, sino que también aprendan y se emocionen asistiendo a su primera experiencia operística.
SOBRE LA COMPAÑÍA:
Ópera Independiente de San Telmo es una compañía fundada en 2022 con el objetivo principal de ofrecer un nuevo espacio para el desarrollo profesional de cantantes líricos emergentes. Este espacio está dirigido tanto a estudiantes como a jóvenes profesionales radicados en Buenos Aires, Argentina.
Sus objetivos complementarios incluyen fomentar la formación de nuevo público para la ópera, difundir este género lírico y rescatar los orígenes de la
identidad crisol de los habitantes de la Capital Federal y el conurbano.
Durante el año 2024, la compañía representó la ópera La Bohème de G. Puccini, llevando la producción a seis espacios distintos tanto en la Capital Federal como en el conurbano bonaerense.
Durante el 2025 la Ópera
Independiente de San Telmo repuso La Bohème por encargo de la red ACRA en el Centro Cultural Matta de la Embajada de Chile, también montó las óperas Rita de G. Donizetti, Pagliacci de R. Leoncavallo y Così fan tutte de W. A. Mozart, esta última con orquesta.
Para el presente 2026, Ópera
Independiente de San Telmo ha sido invitada a trabajar en coproducción con el Teatro Maipú de Banfield para celebrar sus 100 años de existencia con una representación completa con orquesta y tres coros de la ópera La Bohème.
También presentará en versión Ópera Pocket para toda la familia La Traviata de G. Verdi y, en versión íntegra con orquesta, Il Trovatore de G. Verdi.
SOBRE GABRIELA OJEDA:
Gabriela Ojeda es una soprano oriunda de la ciudad de Viña del Mar, Chile. Posee una licenciatura en Ciencias y Artes Musicales otorgada por la
Pontificia Universidad Católica de Valparaíso y una Tecnicatura en Canto dada por la Escuela de Canto Mitra. Hoy es alumna del Máster en Vocología Aplicada en Vocology Center, Colombia.
Ha obtenido numerosas certificaciones como preparadora vocal, entre ellas, una dada por Modern Vocal Training, España, y Openclass. También finalizó un diplomado en voz profesional dictado por Vocology Center en Colombia.
Como cantante, ha trabajado como solista en múltiples compañías líricas, como Magna Lírica, Compañía Lírica Belcanto, Clásica del Sur, Buenos Aires Ópera, Celebrarte, Voces Líricas, Buenos Aires Ópera, entre otras.
Ha interpretado los roles protagónicos de La Flauta Mágica (Reina de la noche y Pamina), La Bohème (Mimì), Pagliacci (Nedda), Così fan tutte (Fiordiligi), Rita (Rita), La médium (Monica), El elixir de Amor (Adina), Lucía di Lammermoor (Lucia), La Viuda Alegre (Valencienne), Der Schauspieldirektor (Madame Hertz), Las bodas de Fígaro (Susanna), Rigoletto (Gilda), Carmen (Frasquita), Cenerentola (Clorinda), Martha (Martha), entre otros.
Se ha presentado en teatros como el Teatro Avenida, Teatro Roma de Avellaneda, Sala Astor Piazzolla del Teatro Argentino
de la Plata, Teatro Luz y Fuerza, Salón Dorado de la Casa de la Cultura, Templo Libertad, Teatro Maipú, Teatro Empire, Quinta Vergara, Ciclo de Grandes conciertos de la Facultad de Derecho, entre otros.
En el año 2010, en la búsqueda de ayudar a la formación y desarrollo de jóvenes talentos, creó el Centro Cultural y Juvenil Ópera Joven en su ciudad natal, ejecutando el Primer Encuentro de Ópera Joven de Chile. Al año siguiente, presentaron El elixir de amor, La Bohème y Las bodas de Fígaro. Dieron múltiples conciertos hasta el año 2012, cuando se radicó en Argentina.
En el 2022, Gabriela retomó sus actividades como gestora cultural ayudando a la creación de nuevos públicos para la ópera con el objetivo de hacerla accesible a todos. Organizó múltiples conciertos en salas de la ciudad de Buenos Aires con la finalidad de generar nuevos públicos.
Entre los años 2024 y 2025 produjo las óperas La Bohème de Giacomo Puccini, Pagliacci de Ruggero Leoncavallo, Rita de Gaetano Donizetti y Così fan tutte de W. A. Mozart.
PRENSA
Daniel Franco
Prensa y Capacitación Cultural IG: danielfrancoprensa prensa@danielfranco.com.ar www.danielfranco.com.ar
ESCÉNICAS DANZA/ 2026
Conversaciones imaginarias con el público
La compañía Castadiva este año cumplirá 28 años de existencia. Para festejarlo presenta esta obra de danza, con coreografía y dirección de Mónica Fracchia, interpretada por nueve bailarines provenientes de universos diversos —danza clásica, contemporánea, folklórica, tap y performance—, organizada en escenas autónomas.
La pieza construye un entramado ecléctico pleno de humor, sarcasmo e ironía y también pasajes llenos de nostalgia y melancolía. La propuesta dialoga con una banda sonora múltiple en la que obras de Fradkin, Kameruts, Tchaikovsky, Secret Garden, María Elena Walsh, Devendra Banhart, Philip Glass y Carson
Park son combinadas con instrumentación y canto en vivo ejecutados por los propios intérpretes.
FUNCIONES:
Sábados 4, 11, 18 y 25 de abril a las 21h Área 623: Pasco 623. Entradas en la boletería del teatro y por Alternativa teatral.
50 MiráBA
La idea para la creación de “Conversaciones imaginarias con el público” surgió de un libro del historietista y escritor español Juanjo Sáez “El Arte, conversaciones imaginarias con mi madre”, en el que el ilustrador español consigue con éxito hablar sobre temáticas vinculadas con el arte (como la cuestión de la finalidad del arte o la figura del artista) sin recurrir a formulaciones complejas tomadas de la Academia, por lo general muy cargadas de intelectualismo.
La danza es un lenguaje muy
apropiado para trasladar estas conversaciones: pone en primer plano conceptos como el ritmo y el fluir, el movimiento, fundamental para cualquier conversación, y permite exponer bajo nueva luz el carácter cooperativo de la creación artística, que se completa en el diálogo con el espectador.
Texto y danza se intercalan en el transcurso de la obra. Las palabras irrumpen en la escena, sea como voz en off o bien enunciadas por los intérpretes. Los textos que se interpolan en la escena son citas del libro de Sáez y se refieren a conceptos estereotipados, clichés o dichos populares que con frecuencia se cuelan en las conversaciones sobre el arte y los artistas. Todos sabemos, por ejemplo, del prejuicio que hay acerca de que los artistas son gente “de mal vivir”.
FICHA TÉCNICA:
Nombre de la obra: Conversaciones imaginarias con el público
Coreografía y dirección: Mónica Fracchia
Asistencia coreográfica: Valentina Martínez y Mateo Mohr.
Asistencia técnica: Irupé Montiel.
Textos: Juanjo Álvarez.
Bailarines:
Valentina Martínez, Mateo Mohr, Catalina Villamayor, Melanie Van Assche, Giselle Cánepa, Martina Roldán, Milagros Gima, Brisa Velardez
Diseño de Iluminación: Fernando Muñoz
Música: Fradkin, Kameruts, Tchikovsky, Secret Garden, María Elena Walsh, Devendra Banhart, Philip Glass, Carson Park.
Diseño de vestuario: Laura Torrecilla.
Redes sociales y voz en off: Angelica San Martino.
Fotografía: Natalia Lojoya
PRENSA: Paula Simkin paulasimkin@gmail.com
Camerata Bariloche llega al Teatro Argentino
de la ciudad de La Plata.
En el marco de su gira “ Clásicos de los clásicos” por sus 59 años, el conjunto de cámara más importante de Latinoamérica llega a la ciudad de La Plata el sábado 4 de abril. 21h.
Con 59 años de trayectoria, formada por músicos del Teatro Colón y la Sinfónica Nacional Argentina, Camerata Bariloche , llenará de melodías de Mozart, Vivaldi, Tchaikowsky y Piazzola el Teatro Argentino.
Entradas a la venta por sistema
Livepass y boletería del Teatro Ópera La Plata
Comprando con tarjetas del Banco Provincia tenes 4 cuotas sin interés y 25% de reintegro.
La Camerata Bariloche, el mejor conjunto de cámara en la historia de la música latinoamericana, formada hace 59 años por músicos del Teatro Colón y la Sinfónica Nacional Argentina, fue el primero en alcanzar prestigio internacional, a través de sus muchas actuaciones en América, Europa y el Lejano y
Cercano Oriente.
Ha realizado miles de conciertos y 30 giras internacionales por 35 países, representando a la Argentina en las Olimpíadas Culturales de México y Munich; en la Expo-70 de Osaka (Japón); en los festivales internacionales de Salzburgo (Austria), Taormina, Cittá di Castello, Cervo y Alassia (Italia), Montreux y Gstaad-Menuhim (Suiza), el New World Festival of the Arts de Miami (EE.UU.), el Festival de Otoño de Madrid (España),
Festival Cervantino de México y en el Centenario del Carnegie Hall (EE.UU.)
Famosos solistas internacionales actuaron junto a la Camerata: Astor Piazzolla, Martha Argerich, Gerardo Gandini, Manuel Rego, Ernesto Bitteti, Ljerko Spiller, Yehudi Menuhin, Antonio Janigro, Janos Starker, Karl Richter, Katherine Ciesinsky, Nicolás Chumachenko, Maxim Vengerov, Jean Pierre Rampal, Vadin Repin, ChoLiang Lin, Jean Ives Thibaudet, Frederika von Stade, Mstislav Rostropovich.
Ofreció conciertos en importantes salas del mundo: el Teatro Colón de Buenos Aires, la Salle Gaveau y Salle Pleyel de París, el Kennedy Center de Washington, el Carnegie Hall de Nueva York, la NHK de Tokio, el Olimpia de Atenas, la Beethovenhalle de
Bonn, la Sala Tchaikovsky de Moscú, el Auditorio Nacional de Música de Madrid, la Herkules Saal de Munich, la Brahms Saal y la Musikverein de Viena, la sala Ritirsky del Palacio Wallenstein de Praga, el Palau de la Música de Barcelona, el Auditorium de la Academia Musical de Osaka, Japón, el Bangkok Music Group Auditorium, de Tailandia.
Su primer director fue Alberto Lysy, a quien sucedieron Rubén González, Elías Khayat, y Fernando Hasaj. Todos ellos maestros inolvidables para Argentina y el mundo. Actualmente es Freddy Varela Montero su director musical y concertino.
La Camerata Bariloche posee numerosos registros discográficos, hechos en la Argentina, Estados Unidos
y Europa y la crítica ha destacado los excepcionales méritos del conjunto.
También ha incursionado en la cinematografía argentina actuando e interpretando la música de los films: “El Canto Cuenta su Historia” 1976; “Argentinísima” 1972; “El Hombre Olvidado” 1981; “Un Lugar en el Mundo” 1991; “Vidas Privadas” 2002; “Manuel de Falla, músico de dos mundos” 2006.
A lo largo de su trayectoria la Camerata Bariloche ha recibido una infinidad de distinciones, entre las que se destaca el “Premio Konex de Platino” al mejor conjunto de cámara en la historia de la música en la Argentina.
PRENSA
Nadya Cabrera nadyacabreraprensa@gmail.
DIEGO EL CIGALA LLEGA A LA ARGENTINA CON SU GIRA
“Flamenco y Son”
El gran cantaor flamenco regresa al país en el marco de su gira “Flamenco y Son”. Serán 10 conciertos entre Argentina, Uruguay y Chile. Una voz inigualable y lo mejor de su repertorio.
Este 2026 marcará el retorno de uno de los emblemas de la música flamenca: Diego El Cigala pisará nuevamente los escenarios de Argentina, Uruguay y Chile presentando “Flamenco y Son”. Esta gira incluye 10 conciertos en la región: Punta del Este (4/4, Enjoy), Montevideo (6/4, El Galpón), Mar del Plata (9/4, Radio City), Santiago, Chile (11/4 Caupolican), Mendoza (12/4, Arena Maipú), Córdoba (15/4, Ciudad de las Artes), Rosario (17/4, El Círculo), CABA (18/4, Teatro Gran Rex), La Plata (19/4 Teatro Coliseo) y Bahía Blanca (21/4, Teatro Gran Plaza).
FUNCION CABA:
SÁBADO 18 DE ABRIL, 20:30h.
TEATRO GRAN REX
Entradas a la venta en TuEntrada.com
Tour Flamenco y Son - Uruguay, Argentina y Chile
FUNCIÓN EN LA PLATA
DOMINGO 19 DE ABRIL 20,00h.
TEATRO MUNICIPAL COLISEO PODESTÁ
Las entradas pueden adquirirse a través de www.plateanet.com y en la boletería del Teatro.
El espectáculo de El Cigala, con producción de Damián Sequeira, fusiona el flamenco con ritmos latinos como el son cubano y la salsa, ofreciendo un viaje “íntimo y apasionado” que celebra la esencia del género y los sonidos de América Latina; un recorrido musical por sus éxitos y canciones de otros autores que con su particular estilo se han convertido en las favoritas de su público.
Acompañado por su grupo musical de marcado talento,
el artista interpretará un repertorio que se destaca por su expresividad y riqueza musical. Además, contará con la presencia de una bailarina en escena, añadiendo un elemento visual que complementa la interpretación.
“El flamenco es tan grande y tan bonito que no necesita fusionar con nada” – Diego El Cigala
A lo largo de veinte años, Diego “El Cigala” ha logrado fusionar géneros y culturas, desarrollando la música flamenca y explorando con respeto los terrenos del latin jazz, el bolero, el tango y la salsa, y visitando más de treinta países. Su inigualable voz, con la que suele hipnotizar y conmover a sus audiencias alrededor del mundo, llega nuevamente al país para deleitar al público.
BIOGRAFÍA
Ramón Jiménez Salazar es el nombre que aparece en el pasaporte de El Cigala. Lo de Diego es el fruto de una disputa familiar en la misma pila bautismal y lo de Cigala se lo pusieron los hermanos Losada en una de sus primeras giras. Nace en el frío diciembre de 1968 en la calle de Provisiones del Rastro madrileño Comenzó a cantar para el baile solicitado por artistas de la talla de Cristóbal Reyes, Mario Maya, Manolete, Farruco, Manuel
Camacho o el Güito, entre otros. Músicos como Camarón, Tomatito, Gerardo Núñez o Vicente Amigo van reclamando la colaboración del cantaor en los estudios de grabación.
Su carrera en solitario comienza, como su talento, arrolladora. A los discos “Undebel” y “Entre vareta y canasta” les sucede “Corren tiempos de alegría”, en el que colabora con músicos de jazz latino que habían participado en la película de Trueba Calle 54. Tras los primeros acercamientos con Bebo Valdés empieza a gestarse el legendario “Lágrimas negras”, que se convierte en un boom imparable que traspasa las fronteras de lo flamenco y se corona en lo más alto del imaginario cultural colectivo. Tras aquella presentación del álbum en el Gusman Theatre de Miami, la prensa sitúa al pianista
como «clásico vivo de la música cubana» y al cantaor como «Sinatra del flamenco».
A partir de esas fructíferas y diversas alianzas artísticas, Cigala se aproxima al tango, el bolero, la salsa y la música mexicana; un trabajo de mestizaje que la BBC le reconoce con el premio “Boundary Crossing”. En ese camino ayuda a establecer la universalidad del flamenco por todo el mundo, hermanando distintos estilos pero manteniendo la identidad y la pureza del folclore que le corre por las venas. Se convierte en una de las voces españolas más internacionales por derecho propio, con la música siempre impulsándolo como oxígeno y refugio.
Cada gira de Diego ha llegado a todos los rincones del mundo en más de 30 países, dejando su huella en los mejores escenarios del globo: el Bunkamura Orchard Hall de Tokio, el Carnegie Hall en Nueva York, El Disney Hall y el Hollywood Bowl en Los Ángeles, el State Sidney Theater, el Auditorio de Ciudad de México, la Ópera de Montecarlo, el Olympia de París o el Barbican en Londres. Como le gusta decir, citando a Picasso: «Yo no busco, encuentro».
PRENSA
Naty Fiore infcomunicacion@gmail.com IG: @natufiore
“Creo que un sillón cómodo, una taza de humeante café y un buen libro son sinónimos de felicidad”.
La mirada de la Diosa
Miriam Conde DOS ÉPOCAS Y DOS HERIDAS ABIERTAS
“La mirada de la Diosa”, la novela escrita por Miriam Conde, entrelaza dos épocas, dos heridas abiertas y un mismo misterio en una trama que combina aventura histórica, secretos familiares y suspense. En otras palabras, La mirada de la diosa: Una saga de aventuras, secretos y amor desde la Segunda Guerra Mundial hasta la búsqueda de un tesoro perdido en el Atlántico.
Con un estilo cercano y ágil, ofrece una lectura fácil, ideal para desconectar del ruido diario
y sumergirse en una historia que engancha desde las primeras páginas.
“Los maestros de las aventuras como Alejandro Dumas, Julio Verne, Robert Louis Stevenson y algunos autores españoles, como Matilde Asensi o PérezReverte me dejaron huella. Me enseñaron que la historia puede ser apasionante si se cuenta con ritmo y emoción”, comenta Miriam Conde, autora de “La Mirada de la Diosa”, cuyo eje histórico fundamental es la Segunda Guerra Mundial.
La novela explora también cómo los secretos del pasado pueden condicionar el presente. Desde los códigos nazis hasta la obsesión por un tesoro oculto, cada paso abre una vía hacia intrigas, traiciones y revelaciones inesperadas. Es un viaje del héroe que combina acción, emoción y reflexión.
Más allá del suspense, también quise que fuera una historia de personas. Sus miedos, sus lealtades y sus decisiones, narrados con sus propias voces.
Porque detrás de cada historia hay seres humanos que aman, sufren y se enfrentan a decisiones que pueden cambiar el curso de sus vidas.
VARIAS ÈPOCAS Y DOS VIDAS
En “La mirada de la Diosa” Miriam Conde relata una historia que entrelaza varias épocas y dos vidas: la de Gonzalo, un ingeniero que descubre un secreto familiar ligado a la Segunda Guerra Mundial, y la de Sara, una profesora que regresa a España con una herida emocional. Gonzalo y Sara se ven arrastrados a una búsqueda frenética que comienza con unos cuadernos con códigos secretos y continúa en los confines del Monte Athos, (declarado, por su riqueza cultural y natural, Patrimonio de la Humanidad por la Unesco, en 1988), un lugar con una historia milenaria que aún asombra hoy en día.
La novela combina el suspense de una aventura detectivesca, con la profundidad emocional de una exploración sobre la memoria
transmitida entre generaciones.
EL PASADO RECLAMA SER ESCUCHADO
“Descubrí esa fuerza que tiene la intriga en obras que combinan misterio y conocimiento”, dice la autora, quien se confiesa admiradora de Agatha Cristhie.
“La mirada de la diosa” explica cómo los secretos familiares moldean nuestras identidades sin que nos demos cuenta, y plantea la responsabilidad de cada generación de enfrentarse con honestidad al pasado para poder construir un futuro más auténtico.
Entre el Barrio de Comillas, en Madrid, y el monte Athos, (o Monte Atos), al norte de Grecia, se despliega una historia de memoria, herencia y secretos sumergidos, donde el pasado sigue reclamando ser escuchado.
“Cuando doña Laura, en su lecho de muerte, le confiesa a su nieto Gonzalo la existencia de unos viejos cuadernos escritos por su abuelo durante la Segunda Guerra Mundial, abre la puerta a un secreto enterrado durante décadas. Gonzalo, heredero de un imperio tecnológico, deberá enfrentarse no sólo al dolor por la pérdida, sino también al legado de una historia familiar que nadie quiso contarle.
Lejos de ahí, Sara, profesora universitaria en Yale, ve cómo su vida se desmorona de un día para otro. Traicionada, cansada, y con su abuela enferma,
regresa a la finca familiar en la costa cántabra. Allí, durante unas obras, encuentra un icono griego escondido tras un retablo, junto con los pergaminos de un antepasado. Dos búsquedas distintas, dos heridas abiertas, dos memorias incompletas, dos hilos que empiezan a entrelazarse sin prisa, como si el tiempo supiera lo que ellos aún no entienden”. De lo cotidiano a lo colectivo, los lectores se encontrarán ante una obra coral que les mostrará la historia en lo pequeño y en los grandes hechos.
"CRECÍ RODEADA DE LIBROS”
“Ser hija de librera me marcó desde niña. Crecí rodeada de libros, descubriendo mundos en cada estantería. Ese contacto cotidiano con la palabra escrita sembró en mí la pasión por contar historias. Me hicieron comprender que la literatura no solo entretiene, sino que ilumina y transforma”, relata, con vehemencia, la autora. La autora estima que la combinación de la educación científica que recibió y el ambiente cultural en que transcurrió su niñez y adolescencia, le brindaron las condiciones ideales para abordar temas históricos y técnicos con precisión, a la par de la profundidad emocional y autenticidad narrativa.
LA EMOCIÓN DEL DESCUBRIMIENTO
“Quiero que experimenten la
emoción del descubrimiento, esa chispa que se enciende cuando una pieza encaja y revela un sentido oculto. Pero también que se queden con la certeza de que la historia no es algo lejano: está en nuestras familias, en nuestras raíces, en los silencios que heredamos”.
Para la escritora, el lector no puede entretenerse con la aventura histórica, sin sentir el peso emocional de las crisis personales, ni puede enfocarse únicamente en la psicología de los personajes, sin ser arrastrado por la urgencia del misterio exterior. Este equilibrio dinámico es lo que distingue a la novela de otros thrillers históricos. Por ello, señala que en la novela la vida cotidiana contemporánea y los misterios históricos no son ámbitos separados, sino que están interconectados. Los secretos de la Segunda Guerra Mundial continúan influyendo en las decisiones, las relaciones y los traumas de los personajes.
¿QUIÉN ES MIRIAM CONDE?
Miriam Conde Redondo (Valladolid, 1968) es Ingeniera Industrial e hija de librera, aspectos que marcaron su pasión por la literatura, pues, como u
bien dice ella “escribir también es diseñar”, mientras que gracias a su madre creció rodeada de libros.
Ganadora de premios literarios y creadora de novelas de suspenso histórico, nos ofrece su nuevo libro titulado “La mirada de la Diosa”, una trama que entrelaza varias épocas y dos vidas. Por ejemplo, los avances tecnológicos de los años noventa se cruzan con los códigos de
la Segunda Guerra Mundial y con los hechos cotidianos de los personajes. Además, la intriga histórica conecta con una necesidad básica del ser humano, comprender. Queremos saber qué ocurrió y por qué. Esa curiosidad es el germen que hace avanzar una buena trama.
UN BUEN SABOR DE BOCA
“Me gustaría que sintieran que
Historias en el éter
han vivido una aventura, pero también que han reflexionado sobre cuestiones que nos tocan a todos, la lealtad, la traición, el poder de las decisiones. Que cierren el libro con un buen sabor de boca y algunas preguntas”.
De venta en Amazon. Formato: Edición Kindle
Hernán Colmenares hernancolmenaress@yahoo.com
El primer libro de Norman Engel llega de la mano de RCE Ediciones
Radio Cromo Escobar presenta Historias en el éter, el primer libro de ficción publicado por RCE Ediciones y la primera obra literaria de Norman Engel. El volumen reúne relatos cortos, microficción y cuentos que transitan entre el realismo descarnado y lo fantástico, con una prosa directa que pone el foco en los márgenes de la sociedad contemporánea.
Escritor, músico y operador técnico, Engel construyó su voz literaria en ciclos de poesía, bandas de rock y proyectos colaborativos del conurbano bonaerense. Sus textos ya
recorrieron escenarios, fanzines y micrófonos abiertos; ahora encuentran su lugar definitivo en papel.
El libro es el segundo título de RCE Ediciones - sello editorial nacido desde la radio que ya publicó Comunicadores Seriales - y el primero de ficción de su catálogo.
Historias en el éter tendrá su presentación oficial el sábado 18 de abril a las 18 h. en la Sede del PJ de Escobar, Sarmiento e Italia, Belén de Escobar. Entrada libre y gratuita.
Al igual que Comunicadores Seriales, parte de la recaudación por la venta de ejemplares de Historias en el éter será a beneficio de APANNE (Asociación de Padres y Amigos del Niño Neurológico de Escobar). Link “precio preventa”: https://mpago. la/2U7SKYt
“Hay escritores que nos ofrecen respuestas; Norman Engel nos ofrece espejos.” — Martín Pozzo (prólogo)
Contacto:Radio Cromo Escobar www.radiocromoescobar.com.ar WhatsApp 348 4532083
PRENSA La Negra Press prensa@revistalanegra.com.ar
La vida errante Seguida de
Yves Bonnefoy
La poesía frente a lo que desaparece
Yves Bonnefoy, una de las voces centrales de la poesía francesa contemporánea, en una obra inédita en español
Nuestra novedad de marzo reúne dos grandes libros del gran poeta francés Yves Bonnefoy, La vida errante y Otra época de la escritura, traducidos por primera vez al español por Silvio Mattoni. Publicados originalmente a comienzos de los años noventa, esta selección de poemas en verso y en prosa propone una exploración singular sobre el vínculo entre el arte y la experiencia de vivir.
En estas páginas, la poesía se cruza con la reflexión estética y la narración breve para interrogar el sentido de las imágenes, la memoria y el paso del tiempo. El dibujo, la pintura y la escritura funcionan como puntos de partida para una pregunta más amplia: qué puede hacer el arte frente a aquello que se pierde en el flujo de los días. En la mirada de Bonnefoy, la forma, el color y la composición no son solo categorías estéticas, sino caminos para intensificar la sensibilidad y abrir nuevas formas de estar en el mundo.
Entre escenas breves, meditaciones y poemas,
Otra época de la
escritura
Bonnefoy indaga en la relación entre representación y realidad, entre la imagen y aquello que intenta nombrar. En ese umbral —donde el lenguaje roza lo que todavía no puede decir— se vuelve posible una experiencia de presencia: un instante en que la poesía recupera la cercanía entre las palabras y las cosas.
En esta selección de textos, una de las zonas más reflexivas de su obra, Bonnefoy vuelve sobre una de sus preocupaciones centrales: la posibilidad de que la poesía devuelva al mundo su intensidad perdida.
La vida errante
ISBN978-987-790-122-1
Páginas136
Formato13 x 21 cm
EncuadernaciónTapa dura
“Se esforzaba desde hacía unos días por ser feliz con las nubes que acumulaba en su tela encima
de un camino de piedras. Pero ¿qué es la belleza cuando uno sabe que va a irse? Mañana el barco lo conducirá hacia otra isla. No volverá más a esta, no volverá a ver más ese camino”.
La forma, el color, la composición: los conceptos de las artes son medios para enriquecer la sensibilidad y ampliar el mundo. El arte puede redimir el sentido de lo que fue perdido en el desfile de los días, aquello que se escurre sin significado, callado o cargado de palabras que, por repetidas, hacen silencio.
Publicados a principios de los años 90 y traducidos por primera vez al español por Silvio Mattoni para esta edición, los textos reunidos en este tomo –poemas en verso y en prosa, con episodios narrativos y ensayísticos– reflexionan sobre el dibujo, la pintura y la escritura. Este eje, sin embargo, desborda sus márgenes y encuentra en la frontera entre la representación y lo representado una grieta en donde puede germinar la vida.
“El solipsismo de tantos discursos poéticos de la época moderna es lo que Bonnefoy refuta con la mayor energía. No es el yo, sino el mundo lo que debe ser redimido, o más precisamente: el yo no puede ser redimido sino cuando el mundo lo ha sido con él”. Jean Starobinski
La Libre Editora lanza un nuevo libro que se suma a la Colección Miscelánea, dedicada a la no-ficción y el pensamiento contemporáneo.
Escrituras rumiantes De comadres y pastoreos
Esta vez se trata de la reedición de una compilación de textos que tuvieron su circulación en ediciones independientes, artesanales y fanzines. Nos llegó primero como fanzine y luego como librito artesanal de la mano de su autora, gracias a lo cual la pudimos conocer. Es una enorme alegría para La Libre estar publicando hoy esta obra.
Escrituras rumiantes. De comadres y pastoreos es un libro que propone una manera de escribir como los animales que rumian: con paso lento, digiriendo varias veces las ideas antes de abonar el suelo con ellas. Lucrecia Masson publicó el primer texto, Epistemología rumiante, hace diez años, y a partir de allí comenzó el desarrollo por esta filosofía basada en su experiencia creciendo en el campo, la pampa seca argentina, rodeada de rumiantes, de viento y de pasto, donde sus amigas las vacas le enseñaron el arte de echarse, de observar, de estar cerca de la tierra.
Sus publicaciones, hoy reunidas en un solo libro, fueron material de talleres, obras, performance y lecturas
en toda América Latina y España. Este es un libro que en un mundo acelerado nos invita a detenernos, donde la poesía y las ideas se entremezclan.
MÁS SOBRE EL LIBRO
Escrituras rumiantes. De comadres y pastoreos es la invitación de Lucrecia Masson Córdoba a detenernos en la vorágine, conectando con mundos de cuerpos, exceso y animalidad a través de la figura de la vaca y sus estómagos.
La autora propone una deslectura del tiempo y el progreso, explotando lo lento y lo anómalo en tres textos: epistemología rumiante, mondongo exercise y viento y tierra. Este libro abraza la
impureza y nos reta a pensar más allá de lo humano y de la racionalidad occidental. De comadres y pastoreos es una carta intensa que complementa esta exploración reflexionando sobre el proceso creativo. Masson analiza la escritura como una práctica colectiva, conectada íntimamente al cuerpo y al comadreo.
A diez años de la publicación de epistemología rumiante, que inaugura toda la serie, esta edición ampliada y con prólogo de Val Flores propone revisitar un texto que circuló en fanzines y ediciones independientes para que siga encontrándose con sus lectores.
SOBRE LA AUTORA
Lucrecia Masson Córdoba es una investigadora y artista
cuyas principales indagaciones son cuerpos, otros-quehumano y cosmografías. Trabaja con distintos registros experimentando sobre todo con escrituras y performance. De la teoría le interesa la imaginación y cree porfiadamente que no se puede pensar sin el cuerpo. Es Licenciada en Ciencia Política por la Universidad de Buenos Aires y realizó el Programa de Estudios Independientes (PEI 2014-2015) del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) y la Universitat Autònoma de Barcelona.
Actualmente es candidata a Doctora en Filosofía por la Universidad de Zaragoza. Ha publicado en numerosas ediciones independientes sus trabajos alrededor de lo rumiante, así como ha participado en numerosísimas publicaciones colectivas, antologías, catálogos o revistas. Es parte del Colectivo Ayllu junto a quienes ha participado en exposiciones artísticas como la Bienal de Sydney (2020), la 35ª Bienal de Sao Paulo (2023) o ciudades como Nueva York, Quito, París, entre otras, además de coordinar el Programa Orientado a Prácticas Subalternas (POPS). Desde hace años investigacon rumiantes.
PRESENTACIÓN
Presentamos Escrituras
rumiantes. De comadres y pastoreos
Tenemos el honor de recibir a Lucrecia Masson, autora del libro, que estará de paso por Buenos Aires para presentar esta nueva edición de su obra. Conversarán y leerán fragmentos del libro Laura Contrera, Brenchx, Gabo Munguía, Mati Poloni y Gisela Rebichini.
Les esperamos para rumiar, brindar y celebrar esta publicación.
Domingo 5 de abril a las 17 hs. en La Libre - Chacabuco 917, San Telmo
La Libre Anshi Moran Editora y prensa morananshi@gmail.colm prensa@lalibre.com.ar
Editorial Temas lanza
El desafío del hacer
El primer libro de Juliana Maiz Casas 17 historias de líderes, emprendedores y jóvenes profesionales que invitan a transformar el presente desde la acción.
El desafío del hacer, el nuevo libro de Juliana Maiz Casas publicado por Editorial Temas, propone un recorrido por historias reales de personas muy distintas entre sí —líderes, emprendedores y jóvenes profesionales— que se juegan el ser en su hacer y generan impacto en sus entornos.
FICHA TÉCNICA
Título: El desafío del hacer
Autora: Juliana Maiz Casas
Editorial: Temas
Tema: Liderazgo
Edición: Primera
Páginas: 198
ISBN: 9786316719089
A partir de 17 entrevistas a referentes de distintos ámbitos, el libro reúne experiencias y aprendizajes de personas que se
animaron a cuestionar sus propios límites, actuar con propósito e inspirar a otros. El desafío del hacer explora el valor de la acción y del aprendizaje continuo como motores de transformación personal y colectiva.
La obra se estructura en dos grandes ejes. En la primera parte, “Transformarnos para transformar el futuro”, donde la autora analiza las cualidades que caracterizan a quienes se animan a dar el paso hacia la acción. A partir de las historias reunidas en el libro, identifica cinco características que comparten quienes impulsan cambios en sus entornos: se la juegan, aprenden de sí mismos, actúan con propósito, inspiran a otros y van tras sus sueños.
En la segunda parte, “Transformarnos para crear valor genuino”, el foco se desplaza hacia el trabajo en equipo, la innovación y el desarrollo del potencial colectivo dentro de las organizaciones. Allí, Juliana Maiz Casas propone un modelo que invita a transformar las ideas en acción y comparte herramientas pensadas no solo para revisar lo que construimos, sino también para inspirarnos a darle forma al futuro que imaginamos y hacerlo realidad.
A lo largo del libro, la autora
invita a pensar el liderazgo como un proceso dinámico en el que las decisiones, los aprendizajes y las experiencias compartidas se transforman en oportunidades para generar impacto. “Cualquiera sea el rol o la etapa personal y profesional en la que nos encontremos, todos podemos potenciar nuestro aporte a esa pequeña porción del mundo en la que nos toca actuar”, señala Maiz Casas. Sin embargo, advierte que la capacidad de lograrlo en soledad es limitada: la contribución se multiplica junto a otros, y es allí donde se expanden las posibilidades de crear valor genuino, aquel que cambia algo real en la vida de las personas.
“Juliana nos muestra, en su maravilloso libro, que el hacer tiene una articulación intrínseca con quienes somos, con cómo nos fuimos construyendo con otros. Abre un recorrido que nos interpela, que genera una espiral de reflexión y práctica al mismo tiempo, desde experiencias reales que cuestionan e inspiran”, destaca la Lic. María Alejandra Molina, Head de Talento – DEI (Diversidad, Equidad e Inclusión).
Con una mirada que combina reflexión, experiencia y preguntas abiertas, El desafío del hacer invita a repensar el
liderazgo desde una perspectiva profundamente humana: aquella que entiende que transformar el futuro comienza muchas veces por animarse a hacer… y por hacerlo junto a otros.
SOBRE LA AUTORA
Juliana Maiz Casas trabaja en el desarrollo de personas y equipos, acompañando procesos de liderazgo, aprendizaje y transformación organizacional.
A lo largo de su trayectoria ha impulsado iniciativas vinculadas al crecimiento profesional, la innovación y la creación de valor en distintos ámbitos laborales.
En El desafío del hacer, su primer libro, reúne reflexiones y experiencias que invitan a pensar el liderazgo desde la acción, el propósito y el aprendizaje continuo.
El libro estará disponible en librerías de todo el país. Más información en: https://editorialtemas.com/
PRENSA Nara Briega narabriega@gmail.com
EL FONDO NACIONAL DE LAS ARTES ABRE EL CONCURSO DE LETRAS 2026
El Fondo Nacional de las Artes abre la inscripción al Concurso de Letras 2026, uno de los estímulos más tradicionales del organismo y una iniciativa clave para el desarrollo y la proyección de talentos literarios de todo el país.
La convocatoria está dirigida a escritores argentinos y a extranjeros con residencia legal en la Argentina , y se propone reconocer y valorar la producción literaria y premiar la labor creativa en sus distintas formas.
“En la gran tradición literaria de la Argentina, los premios del Fondo Nacional de las Artes ocupan un lugar notable -subraya Patricio Zunini, director de Letras del organismo-. Muchísimas escritores comenzaron su trayectoria con el reconocimiento del FNA. Es un premio que da cuenta de la diversidad de voces y géneros que tiene el país en
todo su territorio”.
Hasta el 14 de abril se podrán presentar obras en las categorías Novela, Poesía, Cuento y Ensayo/ No Ficción. En tanto que la nueva categoría Crónica contará con plazo de inscripción hasta el 14 de mayo. En todos los casos, las obras deberán ser inéditas.
“Este año sumamos a nuestros premios una nueva categoría con la no ficción, un género que desde hace tiempo reclamaba su espacio. Ojalá esta apuesta ayude a darle brillo a la crónica, que año a año se reinventa”, agrega Zunini.
El jurado seleccionará las obras que —en las categorías Novela, Poesía, Cuento y Ensayo/No Ficción- recibirán los siguientes premios en pesos: $3.000.000 para el primero, $2.000.000 para el segundo y $1.000.000 para el tercero. La categoría Crónica,
por otro lado, será reconocida con un premio de $3.000.000. El jurado podrá otorgar, además, menciones honoríficas no dinerarias en todos los géneros.
En cuanto a los requisitos formales, en las categorías Novela, Cuento y Ensayo/No Ficción las obras deberán tener una extensión mínima de 100 páginas y una máxima de 350. En Poesía, los poemarios deberán contar con un mínimo de 48 y un máximo de 250 páginas. Para la categoría Crónica, las obras deberán tener entre 20.000 y 35.000 caracteres.
La inscripción se realiza bajo seudónimo y exclusivamente a través de la plataforma web del organismo app: fnartes.gob.ar
Más información, requisitos, reglamento y preguntas frecuentes en fnartes.gob.ar.
NOVEDAD EDITORIAL:
"
Acá estoy"
Un libro para hablar de las ausencias y recordar que las personas que ya no están, nos siguen acompañando.
Hablar sobre la muerte con las infancias no es sencillo. Pero sí es necesario, porque la muerte física, forma parte de la vida. Y como todo lo que forma parte de la vida es necesario abordarlo. Ponerle palabras. Nombrarlo. Las niñas y los niños necesitan hablar de las vivencias que van atravesando. A muchas/ os se les muere su abuela, su perro, su hámster, la portera de la escuela, una compañera de colegio. De ahí que el libro “Acá estoy” sea tan necesario.
Escrito por Magela Demarco e Ilustrado por Caru Grossi, el cuento aborda el dolor por la pérdida física de un ser querido, pero también nos recuerda que esas personas, esas mascotas que se ven nos siguen acompañando.
Con más de una decena de títulos publicados en Argentina, España, Colombia, México y Perú, Demarco admite que este libro fue el más difícil de escribir.
“Hace muchos años que quería hacerlo, pero no pude hasta hace relativamente poco. Desde chica vivencié varias muertes físicas de personas muy importantes en mi vida que me llenaron de enojo y una profunda tristeza”, señala. A sus 8 años falleció una compañerita del curso, cuando Magela tenía 17 años murió su mejor amiga de cáncer, a los 27 su padre (la muerte que más les costó aceptar y sobrellevar), luego su abuela y hace 4 años su tía, que era su segunda madre. A todo esto se sumaron varias mascotas, que también le dolieron, porque formaban parte de su familia.
“Al principio lo que sentí fue sólo enojo y mucha tristeza. Pero, con el paso del tiempo, aprendí a valorar y a agradecer el haber sido muy afortunada de que todas esas hermosas, amorosas y valiosas personas hayan estado
en mi vida, acompañándome, transmitiéndome y dejándome lo mejor de ellas. Y hoy sé, porque además lo siento, que siguen estando conmigo. Espero que este libro les haga sentir lo mismo a quienes pasaron por situaciones parecidas a las mías”, reflexiona Demarco, que en sus libros suele abordar temas profundos y trascendentes como abuso sexual infantil y violencia familiar, el acoso escolar, la burla, la discriminación, la igualdad en la distribución de las tareas del hogar entre hombres y mujeres, los padres abandónicos, las pequeñas grandes acciones que ayudan a cambiar el mundo, y que son muy requeridos por las docentes como herramientas de trabajo en las escuelas.
Cuando “Acá estoy” se publicó, en menos de un mes y medio agotó su primera edición. No es habitual que una historia que aborda el tema de la muerte sea tan requerido. Magela responde que cree que esto se debe a la forma particular de abordar el tema “’Acá estoy’ es un libro muy esperanzador, que no se superpone ni contradice ninguna creencia religiosa y da mucha paz. Y por eso siento que suma, que aporta, porque los libros son puentes directos de entrada al alma”, afirma.
Está ilustrado por Caru Grossi de una forma muy sensible, poética y amorosa para acompañar el duelo. “Hace muy poquito la vida me puso de frente a la muerte y el duelo de un día para el otro, viviendo en carne propia cada palabra que el libro nos trae. Estas experiencias me impulsaron a reflexionar una y otra vez sobre cuál era mi vínculo con la muerte, de qué manera me estaba acompañado y de qué manera quería acompañar a otros. Me dí cuenta que no tenemos vocabulario casi para referirnos realmente, qué nos cuesta muchísimo hablar, y hasta evitamos decir la palabra muerte, como si esto cambiase o apaciguase lo que va a venir, como si evitar hablar nos ahorrase algo de dolor o tristeza”, reflexiona Grossi, y agrega: “Acompañando a mi papá en su último tramo de vida pude ver y sentir la fuerza y el coraje que debemos tener para dar ese paso, es un regalo darnos la posibilidad de acompañar con
presencia a los que se van”.
En la contratapa del libro está muy bien resumida la historia: “Cuando un ser querido se va nos inundan las preguntas. Y sentimos que nuestro mundo se oscurece, se detiene, se desmorona. ´Acá estoy´ nos habla del dolor de las pérdidas, pero también nos cuenta que las personas que se van nos siguen acompañando: en el viento que nos acaricia las mejillas, en el aroma y el color de las flores, en las mariposas y los pajaritos que vienen a visitarnos, en la bruma de mar, en el vaivén de las olas, en las canciones que cantábamos a dúo, en los cuentos que nos leían una y otra vez antes de dormirnos. La ausencia de ese ser querido nos va a acompañar toda la vida, pero también su presencia. Y ´Acá estoy´ sólo viene a recordarlo.”
“Si bien el libro se vende dentro
del sector de las librerías donde se encuentran los libros “infantiles”, este libro es para todo el mundo cuenta Magela.
El texto contó con la supervisión de la licenciada en Educación y terapeuta holística Ivana Rugini y el psicólogo y constelador Guido Roldán, al igual que la guía de actividades que se pueden descargar del código QR que está en la contratapa del libro.
«Acá estoy” sigue en la línea de “Palabras semilla”, que ya va por la décimo tercera reimpresión, y se convirtió en el libro infantil más vendido de la editorial La Brujita de Papel durante todo 2023, 2024 y 2025, que ya es considerado un longseller.
Magela Demarco IG: @magelademarco magelademarco@hotmail.com
SERIAL EDITORIAL PRESENTA UNA
NOVELA
DE KARINA REVERTE SOBRE TRATA DE BLANCAS “MUJERES DE CARNE Y POLVO”
Hay secretos que arden bajo el sol del norte. En cada frontera, en cada pueblo perdido, en cada mirada esquiva, late una verdad que pocos se atreven a nombrar: el negocio de la carne humana. Una periodista decide enfrentarse a ese mundo. Mujeres de carne y polvo no es solo una historia de violencia y misterio; es un territorio donde los cuerpos hablan, donde el amor hiere y el erotismo quema, donde cada deseo se convierte en una pulsión imposible de contener.
Con una narrativa simple, cotidiana y profunda, Karina Reverter construye personajes que palpitan, sangran y resisten. Entre el peligro y la pasión, la vida se despliega en sus extremos más intensos.
Una historia de mujeres, de cuerpos, de lucha… y de secretos que no se pueden ignorar. Un relato que revela lo que muchos prefieren callar.
Síntesis argumental
Mujeres de carne y polvo cuenta la historia de Ana Clara Beluzzi, una mujer que, se ve atrapada en una red de corrupción y engaños, mientras enfrenta una historia de amor inesperada. La trama se construye alrededor de la desaparición de mujeres vinculadas a una red de trata
de personas. Entre el amor y el peligro, entre el deseo y la conciencia, la novela propone una reflexión sobre las elecciones que hacemos y el precio que a veces estamos dispuestos a pagar por ellas.
Mujeres de carne y polvo
Karina Reverter
Editado por Santiago
Salto : Serial Editorial, 2026. 179 p. ; 21 x 15 cm.
ISBN 978-631-6799-00-5
1. Novelas de Acción. 2. Ficción
General. I. Ares, Santiago, ed. II. Título.
CDD A860
Autora: Karina Reverter Diseño de cubierta y maquetación: Gustavo Borrelli Ilustración de tapa: Karina Reverter
© Serial Editorial
ISBN 978-631-6799-00-5
Karina Reverter nació en San Nicolás de los Arroyos, en 1976. Periodista, actriz y escritora, se graduó en Comunicación Social con orientación en periodismo y profundizó en investigación de la mano de Luis Pazos y Sibila Camps. Su recorrido la llevó por medios gráficos, radiales y digitales. En la actuación se formó con referentes como Lito Cruz y Julio Baccaro y más tarde fundó su propio espacio cultural: Goldoni Teatro, donde trabajó como docente, directora y gestora cultural. Es autora de cuentos y obras teatrales, y ha sabido trasladar su creatividad al ámbito digital con la creación de los personajes de y La Ministra que pasaron de las tablas al universo digital para conquistar nuevas audiencias en las redes.
Contacto: karinareverter1@gmail.com https://karinareverter.my.canva. site/
Serial Editorial: www.serialeditorial.com.ar PRENSA SUSANA AMALFI @saprensaydifusion saprensaydifusion@gmail.com
LANZAMIENTOS LITERARIOS
La historias de amor no pasan de moda “Mide el hilo” La nueva novela de Melisa Machuca
El amor no siempre es correcto, a veces es inevitable. “Mide el hilo” (la primera parte de la trilogía El hilo de los imposibles) , la nueva novela de Melisa Machuca (Editorial Autores de Argentina) es una historia intensa y visceral que explora los límites del deseo, la ética y el destino. Saori y Elon: una editora y su profesor de filosofía que se enamoran perdidamente.
Entre aulas, cafés, silencios cargados y pensamientos que incomodan, la novela despliega un vínculo atravesado por la filosofía, la memoria emocional y la pregunta central que lo sostiene todo: ¿Es posible elegir a quién amamos?Con una prosa sensorial, íntima y elegante, Machuca construye una historia donde el amor no es ingenuo
ni idealizado, sino un territorio complejo, adulto y profundamente humano.
En el prólogo, la autora evoca amores literarios icónicos — desde Romeo y Julieta hasta Heathcliff y Cathy— para situar su propia apuesta narrativa: un hilo rojo que une almas incluso cuando todo indica que deberían separarse.
Desde el primer encuentro en una cafetería universitaria, una mirada altera el orden de lo previsible. Saori Yamane, editora estratégica en una editorial porteña, conoce a Elon Rinsey, profesor de filosofía contemporánea. Lo que comienza como una conexión silenciosa se transforma en una tensión profunda que desafía el tiempo, las normas y la razón.
Una historia para quienes todavía creen en el amor que trasciende.
“No es una historia de amor perfecta, es una historia de amor real. Llena de contradicciones, de momentos suspendidos en el aire y de palabras que no se dicen pero se sienten”, define la autora.
SOBRE LA AUTORA
Melisa Machuca (Buenos Aires, 1990) es escritora y creadora de historias donde el amor,
la sensibilidad y la intensidad emocional se entrelazan como un destino inevitable.
Diplomada en Lengua y Literatura, con especialización en escritura narrativa y escritura creativa en el Congreso de Educación de la República Argentina, trabaja la palabra como territorio íntimo y revelador.
En El hilo de los imposibles desarrolla su saga más visceral, explorando vínculos que desafían el tiempo, las normas y lo posible.
Vive en Argentina, donde escribe, investiga y sigue creyendo en los amores que dejan marca.
Más información en: https://www.melisamachuca. com/
Flor Carrozza
Prensa y Comunicación mfcarrozza@gmail.com
NOVEDADES EN EDITORIAL EL ATENEO Filosofía, consignas, detectives
Pensar de nuevo
Boston, París, Auschwitz, Buenos Aires
De Tomás Abraham Pensar de nuevo es una invitación a frenar cuando todo empuja a opinar. Tomás Abraham propone volver sobre ideas que creemos resueltas y animarnos a pensarlas otra vez, sin respuestas fáciles ni caminos marcados.
A través de ensayos breves y potentes, el libro recorre cuatro escenarios —Boston, París, Auschwitz y Buenos Aires— para dialogar con la filosofía, la política y la cultura desde la experiencia histórica y el presente.
Un libro para lectores inquietos, que disfrutan cuestionar certezas y encontrar en la lectura un espacio para pensar con libertad. 216 páginas
¿Cómo se lo digo?
De Mery Sánchez Entre lo que decimos y lo que
y mucho para las infancias.
callamos se juega gran parte de nuestra vida.
¿Cómo se lo digo? es una guía práctica y emocional que invita a revisar la forma en que nos comunicamos en las conversaciones que más impacto tienen: en el trabajo, en la pareja, en la familia y con uno mismo.
A partir de experiencias reales, microescenas cotidianas y herramientas concretas, Mery Sánchez comparte una certeza nacida de la práctica: la forma en que hablamos puede abrir o cerrar caminos. A partir de ejemplos reales y situaciones cotidianas, el libro propone herramientas concretas para poner límites sin herir, expresar lo que sentimos con claridad y sostener la propia voz sin miedo al conflicto.
144 páginas
Consignas didácticas
De María Beatriz Taboada
Consignas didácticas es un manual práctico que invita a repensar una herramienta central del aula: la consigna. A partir de 21 preguntas clave, María Beatriz Taboada muestra cómo formular consignas claras y significativas que orienten el trabajo y potencien los aprendizajes. Con criterios concretos, ejemplos reales y un formato ágil de consulta, el libro acompaña la práctica docente en todos los niveles y ayuda a transformar la manera de pedir para enseñar mejor.
224 páginas
The Blood We Inherit
De Daniela Anselmo
Edición en inglés de La sangre que heredamos.
La sangre guarda memoria. En una antigua casa a las afueras de un pueblo, la familia Morum convive con un legado que no se puede enterrar. A lo largo de generaciones, secretos, muertes
dudosas, presencias inquietantes y silencios heredados se filtran en la vida cotidiana como una humedad imposible de erradicar. Cuando una anciana cae en coma tras un episodio violento, viejas historias resurgen y los vínculos familiares comienzan a tensarse.
288 páginas
El libro mágico de los niños valientes
De Gisela Gilges
El libro mágico de los niños valientes es mucho más que un libro de cuentos: es una herramienta emocional para acompañar a los chicos en el manejo de sus miedos. A través de cinco historias breves y cercanas, aborda emociones cotidianas como el miedo, la vergüenza o los celos, con un mensaje claro y positivo: sentir también es parte de crecer. 96 páginas
El preguntón
Enciclopedia de animales
De María Isabel Toyos y Florencia Romeo El Preguntón. Enciclopedia de animales invita a explorar el mundo animal a través de 468 preguntas y respuestas que despiertan la curiosidad y el asombro. Con un formato ágil y visual, el libro recorre invertebrados y vertebrados, distintos hábitats y especies en foco, explicando cómo viven los animales, cómo se adaptan a su entorno y qué los hace únicos. Acompañado por fotografías a todo color y un personaje guía que estimula el deseo de seguir preguntando, es una enciclopedia ideal para descubrir, aprender y consultar una y otra vez.
160 páginas
Estudio en escarlata
De Arthur Conan Doyle Estudio en escarlata marca el inicio de las aventuras de Sherlock Holmes, el detective más célebre de la literatura. Recién llegado a Londres, el doctor John Watson conoce a Holmes y se convierte en su compañero en el 221B de Baker Street. Juntos se enfrentan a un asesinato inquietante: una escena enigmática, pistas desconcertantes y una palabra escrita con sangre. A través de la observación minuciosa y la lógica implacable de Holmes, el misterio comienza a revelarse, mientras una segunda parte reconstruye los hechos del pasado que dieron origen al crimen. Un clásico del policial que dio nacimiento a una leyenda.
224 páginas
Amigos de la granja
En la granja alguien se esconde... ¿Quién será? A través de rimas simples y diálogos breves, los animales del bosque se buscan entre sí en un juego de adivinanzas lleno de repetición y ritmo. Cada página invita a descubrir qué personaje está oculto debajo de una pieza removible. Al levantarla, aparece un nuevo animal que continuará la búsqueda, creando una cadena lúdica que estimula la curiosidad. Al finalizar, las piezas se transforman en un pequeño rompecabezas de cuatro partes, extendiendo la experiencia de lectura al juego. Un libro para mirar, tocar, descubrir y compartir. Niños de 2 a 3 años 8 páginas
Amigos del bosque
En el bosque alguien se esconde... ¿Quién será? A través de rimas simples y diálogos breves, los animales del bosque se buscan entre sí en un juego de adivinanzas lleno de repetición y ritmo. Cada página invita a descubrir qué personaje está oculto debajo de una pieza removible. Al levantarla, aparece un nuevo animal que continuará la búsqueda, creando una cadena lúdica que estimula la curiosidad. Al finalizar, las piezas se transforman en un pequeño rompecabezas de cuatro partes, extendiendo la experiencia de lectura al juego. Un libro para mirar, tocar, descubrir y compartir.
Niños de 2 a 3 años 8 páginas
EL FONDO NACIONAL DE LAS ARTES INAUGURA
“COLECCIÓN ESTEBAN TEDESCO: EL VALOR DE LO CONTEMPORÁNEO”
EN LA CASA VICTORIA OCAMPO
ESTEBAN TEDESCO junto a su colección.
El Fondo Nacional de las Artes inaugura “Colección Esteban Tedesco: el valor de lo contemporáneo”, una exposición que reúne unas setenta obras seleccionadas por Ana Martínez Quijano a partir de uno de los acervos privados más significativos del arte argentino
contemporáneo. La muestra, con guion y curaduría de Martínez Quijano, abre al público el jueves 5 de marzo a las 18 h y podrá visitarse hasta el 20 de abril, de lunes a viernes de 11 a 19 h.
Con especial arraigo en
la producción artística, la colección de Esteban Tedesco se ha consolidado desde fines de la década de los 80 como un conjunto orgánico y en permanente crecimiento. Surgida en estrecha relación con el llamado Grupo de la X, la colección fue delineando
un perfil singular, atento a las distintas vertientes del arte argentino reciente y sostenido en vínculos de cercanía con los artistas. Lejos de los objetivos tradicionales asociados al coleccionismo, Tedesco ha orientado su tarea al acompañamiento activo, la formación y la proyección de creadores, así como a una política constante de préstamos a museos y espacios culturales. Su práctica puede definirse, ante todo, como un compromiso con el arte.
La curaduría de Ana Martínez Quijano —crítica e investigadora con una extensa trayectoria y autora de reconocidas publicaciones y críticas en Ámbito Financiero— aporta una lectura rigurosa y sensible del conjunto, fruto de una práctica constante que ha sabido seguir de cerca la evolución del arte argentino contemporáneo.
La muestra anticipa, además, la próxima publicación de su libro Registros Contemporáneos II. Críticas publicadas 2013–2025, editado por el Fondo Nacional de las Artes, profundizando el diálogo entre la práctica del coleccionismo y la reflexión crítica.
La Casa Victoria Ocampo , sede de la exhibición, suma una dimensión histórica y simbólica. Impulsora de la creación del Fondo Nacional de las Artes, Victoria Ocampo desempeñó un papel central en la configuración y proyección del campo artístico argentino del siglo XX.
En este cruce entre pasado y presente, la exposición reafirma una misma idea: el compromiso sostenido con el arte argentino.
ARTISTAS PARTICIPANTES
Adrián Villar Rojas, Adriana Minoliti, Alberto Greco, Alexis Minkiewicz, Alfredo Prior, Ana Gallardo, Andrés Paredes, Carlos Huffmann, Cynthia
Cohen, Diego Bianchi, Eduardo Basualdo, Eduardo Navarro, Ernesto Arellano, Ernesto Ballesteros, Fabián Burgos, Fabio Kacero, Fernanda Laguna, Fernando Brizuela, Gachi Hasper, Gyula Kosice, Jorge Macchi, Juan Becú, Karina Peisajovich, Leandro Tartaglia, Leopoldo Estol, Luca Martini, Magdalena Cordero, Marcos López, Marina De Caro, Marta Minujín, Martín Di Girolamo, Matías Duville, Mauro Koliva, Máximo Pedraza, Mónica u
GYULA KOSICE - Victoria - Acrílico sobre tela.
Millán, Nahuel Vecino, Nicolás
Vasen, Pablo Accinelli, Pablo Siquier, Roberto Jacoby, Rosana Schoijett y Vicente Grondona.
TEXTO CURATORIAL
Colección Esteban Tedesco: el valor de lo contemporáneo Guion y curaduría: Ana Martínez
Quijano
Diseño expositivo: Ana Martínez
Quijano, Juan Balza y Gastón
Sollevel
Agradecimiento: Clara Lía Cristal
La Casa Victoria Ocampo, sede del Fondo Nacional de la Artes, recibe la colección de Esteban Tedesco. Con sus líneas racionalistas, la casa materializó en 1928 una modernidad que escandalizó hasta a su propio arquitecto (Bustillo). Arraigada en la producción de los artistas contemporáneos, la colección posee una vitalidad que se acrecienta desde que nació, en la década del 80. Tedesco atesora un arte que no suele verse en los museos y este enfoque lo vuelve
estimulante.
Victoria Ocampo despertó a los argentinos enamorados de las volutas de los palacetes franceses. La Casa (declarada Monumento Histórico Nacional en 2022) y la colección, lejanas en el tiempo, pero cercanas en su inspiración, exigen condiciones especiales de montaje. El encuentro de un bien patrimonial con el arte contemporáneo no limita el despliegue.
El espíritu rebelde de Victoria no se cubre con paneles neutros para albergar la diversidad estética de Tedesco. Ambos muestran al desnudo todo su esplendor.
ESTEBAN TEDESCO
Es cirujano plástico (UBA) y coleccionista de arte, actividad que inició desde temprana edad. Actualmente es miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes.
Su colección de arte contemporáneo es una de las
más importantes y nutridas del país. Desde hace dos años se encuentra alojada en uno de los galpones de Central Park Barracas. Ha prestado obras a instituciones como el Museo Reina Sofía, el MALBA, el MACBA, el Museo Moderno, el Centro Cultural Recoleta y el Museo Provincial de Bellas Artes Timoteo E. Navarro (Tucumán). Realizó siete muestras abriendo su colección al público en el Centro Cultural Borges, con curaduría de Philippe Cyroulnik, Eduardo Stupía y Virginia Fabri, y en Fundación Proa, con curaduría de Ana Gallardo.
Ha influido en un amplio grupo de amigos en buena posición económica para apoyar proyectos artísticos y acercarlos al mundo del arte. Desde 2011 colabora facilitando la producción de obras y los pasajes de artistas invitados a la Bienal de Venecia, así como con el proyecto de Eloísa Cartonera para la Bienal de São Paulo. En 2003 participó en el programa Proyecto Sala 2,
MAURO KOLIVA - Rojo continuo - Plástilina recubierta con resina acrílica sobre base de madera.
curado por Graciela Hasper en el Centro Cultural Borges, que incluyó muestras individuales de Ernesto Ballesteros, Fabio Kacero, Judi Werthein y Diana Aisenberg, y colectivas de Juana Neumann, Nicolás Domínguez Nacif, Carlos Huffmann y Florencia Böhtlingk, entre otros artistas.
Desde 2004 brindó apoyo directo a numerosos artistas, entre ellos Ernesto Ballesteros, Juliana Iriart, Gabriel Chaile, Ana Gallardo, José Luis Landet, Luciana Lamothe, Fernanda Laguna, Alexis Minkiewicz, Diego Bianchi, Rosana Schoijett, Pablo Acinelli, Valentina Liernur, Tomás Espina, Tomás Maglione, Nico Gullotta, Mariana Tellería, Fede Cantini, Luca Martini, Gian Paolo Minelli, Andrés Paredes, Marina de Caro, Nazareno Arnaldo, Mauro Koliva, Ramiro Oller, Benjamín Felice, Eduardo Navarro, Guido Yannitto, Beto Álvarez, Max Gómez Canle, Juan Pablo Incirillo, Lux Lindner, Jimena Croceri, Joaquín Boz y
Marcelo Grosman.
Ha financiado la edición de libros de Verónica Gómez, Pablo Acinelli, Leandro Tartaglia, Yael Desbatz, Deborah Pruden y Jorge Macchi. Promovió el lanzamiento y los primeros años del Museo MARCO – Museo de Arte Contemporáneo de la Fundación Tres Pinos y colaboró con RIAA en 2006, 2007 y 2008. Actualmente participa en el proyecto Móvil, en la Residencia URRA y en las becas del programa de artistas de la Universidad Torcuato Di Tella. Apoyó espacios jóvenes para su participación en la sección joven de arteBA, como Espacio Maturín. Entre 1999 y 2020 integró la Asociación de Amigos del Centro Cultural Recoleta y la del Museo Moderno.
ANA MARTÍNEZ QUIJANO
Es crítica de arte y curadora independiente. Escribe una columna semanal desde hace treinta años en el diario Ámbito Financiero de Buenos Aires, donde fue editora del suplemento “Ámbito de las artes”.
Publicó Siqueiros: muralismo, cine y revolución (Ediciones Larivière, 2010), Registros contemporáneos. Críticas publicadas 2003-2013 (Editorial AsGa) y Fioravanti: clasicismo y vanguardia (Ediciones Casa Museo Magda Frank, 2019).
Fue profesora invitada en la Maestría de Arte de la Universidad Nacional de Misiones y en la
Maestría de Cultura Argentina del INAP, y titular de la cátedra Arte y Medios de la Universidad del Salvador. Coordinó junto con Edward Sullivan (Universidad de Nueva York) el seminario de posgrado sobre arte latinoamericano en la EDAC.
En la Cámara de Diputados figuran los Fundamentos del Beneplácito a la expropiación del mural Ejercicio plástico de David Alfaro Siqueiros, basados en sus notas publicadas en Ámbito Financiero en octubre de 2008. Ha realizado investigaciones sobre la obra de Norah Borges.
Desde la muestra antológica Norah Borges, casi un siglo de pintura (Centro Cultural Borges, 1996) desarrolla una labor curatorial ininterrumpida. Entre otras exposiciones, curó la selección argentina de Políticas de la diferencia (Malba 2001), Borges y las Artes (Museo nacional de Bellas Artes 2002), proyectos para Fundación arteBA (2004–2012), Porque yo soy otro (FNA, 2011) y Desplazamientos y fusiones. Fue curadora adjunta de la Bienal del Fin del Mundo (2011), y realizó Borges y el arte (CCK, 2017), Violencia: la carne de los héroes (CCK, 2018) y Art & Swap por encargo del gobierno belga.
Recibió el Premio Leonardo otorgado por el Museo Nacional de Bellas Artes.
Fondo Nacional de las Artes prensa@fnartes.gob.ar
FERNANDA LAGUNA - Sin título Óleo sobre tela
Desde el viernes 17 de abril en Galería Suipacha una nueva exposición del artista plástico argentino
JULIO BRAVO
Obras de la Serie “Entre ALPHA y OMEGA”
“Contemplar “Alpha y Omega” se ofrece como la posibilidad de meditar sobre el comienzo y el final de nuestra precaria existencia.”
Julio SapollnikCrítico de Arte
INAUGURACION
viernes 17 de abril de 2026 – 18 horas
Galería SUIPACHA
Suipacha 1248 –CABA
Teléfono 4322-1566
Cel. 11 4471-5760
Exhibición: hasta el viernes 8 de mayo de 2026
Horario: de lunes a viernes de 12 a 18 h.
Algunos comentarios sobre exposiciones anteriores
“En la obra de Bravo hay un constante fluir del trazo que se sumerge en las incógnitas de tejidos indescifrables, quizás amorfos, que transmiten un misterio temerario, pero atrapante. Como observador de su obra, eso me conforma, porque me permite entrar en mis propios universos oníricos.” Juan Carlos Fontana en La mirada circular
“Julio Bravo, con notable
inspiración, no poco esfuerzo y empuje cada vez renovado, ha entregado los frutos de su inspiración y de su creación, y sólo caben, ante ellos, la sorpresa y la admiración.” César Magrini –Crítico de arte
“Julio Bravo se desprende de la materialidad de la pintura y trabaja con la técnica mixta digital para crear formas que son atravesadas por la luz y vibran en armoniosa grandeza.” Ana Piasek – Crítica de arte
“Julio Bravo dice que el punto generatriz de las imágenes estuvo dado por otras mismas provenientes del mundo de la artritis reumatoidea, que
actuaron como chispas creativas, como elementos disparadores de formas y colores específicos, y las obras toman cuerpo y vida propia, aunque sin dejar de tener en forma subyacente los elementos referenciales y primigenios que les dieron origen.” Martín Wullich en su portal de Cultura y Espectáculos
JULIO BRAVO
Artista plástico, profesor de Artes Plásticas (Argentina) y Licenciado en Bellas Artes (España). Perfeccionamientos en HISTORIA del ARTE, y Restauración de Pintura Antigua.
Ha realizado 50 exposiciones individuales en Argentina y en Uruguay. (Pinturas, dibujos, obra gráfica, Instalaciones, Performances, videos)
Participó en numerosas exposiciones colectivas y Ferias de Arte, así como también en exposiciones de Arte Argentino en España, Bélgica, Italia y Uruguay.
Recibió premios en Argentina y
en el exterior; y reconocimientos por su actividad artística.
También son muchas las referencias bibliográficas sobre el artista y su obra.
Se puede acceder a sus obras y su trayectoria en su sitio web www.juliobravo-art.com
GALERIA MAR DULCE
y a través de numerosos videos en Youtube
PRENSA Duche&Zárate prensa@duchezarate.com.ar
Nadadoras, pinturas de Daniel García
Inaugura sábado 11 de abril, 16 a 19h.
Visitas martes a sábado 16-19 h, hasta el 23 de mayo del 2026 en Uriarte 1490, CABA
Nadadoras es la sexta exposición individual de Daniel García en Galería Mar Dulce. Presenta una serie de 15 pinturas nuevas en acrílico sobre papel.
Cuando me hundo en el desierto de la falta un agua interna aparece, en ondas crecientes como un mar soplado por la adversidad. el braceo que provoca de idas y venidas obcecadas reemplaza la carencia, en ese oleaje nuevo y agotador.
Alicia Genovese (Cuando me hundo, fragmento)
Daniel García nació en 1958 en Rosario, donde vive y trabaja. Expone desde 1981.
Ha participado en numerosas muestras colectivas como la 47ª Bienal de Venecia, en 1997, VI Bienal de La Habana (Cuba, 1997), 1º y 2ª Bienal del Mercosur (Porto Alegre, Brasil, 1997 y 1999)
y “De Ponta-Cabeça”, I Bienal de Fortaleza (Brasil. 2002).
Entre sus últimas muestras individuales se encuentran: Otros cuadros en otras paredes (2024), Galería EstudioG, Rosario; Luces y Sombras (2025), Centro Cultural Contraviento, Rosario; Desquicio (2025), Centro Cultural Ricardo Rojas, Buenos Aires y Un bárbaro en Asia (2025), Museo Juan Murray, Funes.
En 2025 obtuvo el Premio Nacional a la Trayectoria (MNBA, Buenos Aires) y la Distinción a la Trayectoria de la Academia Nacional de Bellas Artes.
Galería Mar Dulce se especializa en obras de pequeño y mediano formato de pintura, dibujo, grabado, libros de artista y objetos, realizadas por artistas rioplatenses clásicos y contemporáneos. Junto a la exposición principal presentamos +COLECTIVA94, una curaduría de obras realizadas por otros artistas de la galería e invitados.
Galería Mar Dulce
Entrada libre y gratuita, martes a sábados 16-19h. en Uriarte 1490, Palermo Soho, CABA
galeriamardulce@gmail.com
MUSEOS
Eugenio Dittborn en el Bellas Artes
“Historias del rostro”
Constituye la primera exposición individual del destacado artista chileno en la Argentina.
El Museo Nacional de Bellas Artes inauguró el pasado jueves 19 de marzo, “Eugenio Dittborn. Historias del rostro”, la primera muestra individual en la Argentina del destacado referente del arte contemporáneo latinoamericano, con la curaduría de Justo Pastor Mellado y la colaboración del Centro Cultural Matta de la Embajada de Chile en el país.
Al idear esta muestra de Dittborn (Santiago de Chile, 1943), “el
gran desafío de Mellado ha sido presentar, o representar, a partir de un pequeño conjunto de obras y documentos históricos, la potencia conceptual del universo creativo del artista”, explica el director del Bellas Artes, Andrés Duprat. “Para eso ‒agrega‒, escogió una serie de dibujos de gran formato realizados en 2022, una gran pintura aeropostal de los años 90 y dos publicaciones por él producidas entre 1976 y 1979, que se convirtieron en
acontecimientos de la historia editorial y visual chilena”.
A lo largo de su carrera, Dittborn ha desarrollado una obra que articula experimentación gráfica y visualidad crítica, presente en destacadas instituciones internacionales. A inicios de la década de 1980, comenzó a trabajar en sus pinturas aeropostales, un formato creado por el artista que implica condiciones de circulación y de exhibición precisas. Compuesta
de iconografías e inscripciones heterogéneas, cada pintura es doblada e introducida en un sobre, luego plegado, que se envía por correo a destinatarios de distintos países, donde se exhiben de manera temporal junto con su envoltura.
Según explica Mellado, en esta muestra hay solo dos piezas. Una de ellas es la pintura aeropostal ‘XXII Historia del rostro’, de 1998: veinte retratos impresos que condensan una pequeña enciclopedia de la representación del rostro. “En ella se encuentran dibujos infantiles, caricaturas, imágenes de personas con problemas de salud mental, retratos hablados, fichas señaléticas de delincuentes y fotografías de pobladores originarios provenientes de un álbum etnográfico. Trozos de entretela recogen una imagen cosida como un parche sobre una herida”, enumera el curador.
A esta producción de gran tamaño se suma “Todas las caras del rostro”, diez piezas en carboncillo creadas en 2022. “Dibujados sobre sudarios, estos
rostros nos confrontan ‘cara a cara’, con sus cuencas vacías, mostrándonos con descaro sus dientes apretados, sus cráneos pelados o adornados con rizos, sus narices puntiagudas dispuestas sobre patrones de damero vistos en escorzo, combinando tramas que delatan la textura de la tela”, agrega Mellado.
“Con esta selección ‒sintetiza Duprat‒, Mellado logra reactualizar la escena de origen del artista, y subraya la persistencia de la línea como
principio organizador de su práctica. Esta operación permite comprender la continuidad y vigencia de un proyecto estético que, desde distintas materialidades y momentos históricos, mantiene una reflexión sostenida sobre la imagen, la circulación y la memoria».
La muestra “Eugenio Dittborn. Historias del rostro” podrá visitarse hasta el 31 de mayo en la sala 33 del primer piso del Museo, de martes a viernes, de 11 a 19.30 (último ingreso), y los sábados y domingos, de 10 a 19.30.
El Museo Nacional de Bellas Artes –que depende de la Secretaría de Cultura de la Nación y cuenta con el apoyo de Amigos del Bellas Artes–, está ubicado en Av. del Libertador 1473, Ciudad de Buenos Aires. IG: @bellasartesargentina prensa@mnba.gob.ar
Eugenio Dittborn
BUENOS AIRES CIUDAD DE ARTES
El Museo Sívori inauguró dos exposiciones: arte textil y una relectura de su colección.
Desde el pasado sábado 21 de marzo, el museo pone en diálogo la 29ª edición del Salón de Arte Textil y “Un affaire de colecciones”, una propuesta que reinterpreta su acervo desde la mirada de Patricio Gil Flood + grabados y dibujos de la colección del Museo Sívori.
“Nuestra política cultural busca consolidar museos dinámicos, capaces de cuidar el patrimonio y, al mismo tiempo, proyectarlo hacia el presente. En el Museo Sívori, el Salón de Arte Textil y la relectura de la colección proponen justamente ese cruce entre tradición e innovación, acompañando la producción artística contemporánea y generando nuevas formas de encuentro entre las obras, los artistas y el público”, expresó la ministra de Cultura de la Ciudad, Gabriela Ricardes.
Por su parte, la gerente operativa de Museos, Helena Ferronato, anunció: “La inauguración de estas exposiciones en el Museo Sívori reafirma el compromiso de MuseosBA, la red de museos públicos del Ministerio de Cultura de la Ciudad, con la diversidad de lenguajes y el fortalecimiento del patrimonio. En su 29ª edición, el Salón de Arte Textil pone en valor una
1er. Premio Técnica artesanal, María Jimena Nirino. Diana con randa, 2025. Tejido a mano en telar Jacquard electrónico.
disciplina en constante reinvención, mientras que ‹Un affaire de colecciones› propone nuevas formas de activar y resignificar el acervo desde el presente. Ambas muestras trazan un diálogo sensible entre tradición y contemporaneidad, y consolidan al museo como un espacio vivo, donde las obras se transforman y habilitan nuevas lecturas de nuestra cultura visual”.
29ª edición del Salón de Arte
Textil
Se exhibirán las obras premiadas y seleccionadas para este Salón de Tapiz que el Museo Sívori organiza cada dos años. Un jurado de especialistas evaluó las piezas de artistas argentinos y residentes extranjeros que se presentaron en las dos categorías de esta Bienal: Clásica, con obras realizadas mediante técnicas tradicionales del arte textil; y Artesanal, piezas con un perfil más experimental e innovador que exploran nuevos modos de expresión y muchas veces abandonan la bidimensionalidad del tapiz tradicional. En cada categoría se otorgaron un primer y un segundo premio adquisición, que se suman así al patrimonio cultural del Gobierno de la Ciudad, además de menciones para trabajos que se distinguieron por su valor artístico, enriqueciendo unos y otros el campo de la producción textil contemporánea, en diálogo con la colección patrimonial del museo.
2do. Premio Técnica clásica, Mariana Brea. Cráneo de selva , 2025. Papel Misionero cortado y entretejido a mano.
Premios adquisición:
Técnica Clásica: 1° premio, Gabriela Nirino. Diana con randa, 2025. Tejido a mano en telar Jacquard electrónico. 2° premio, Mariana Brea. Cráneo de selva, 2025. Papel Misionero cortado y entretejido a mano.
Técnica Artesanal: 1° premio, Rosa Arena. Radiografías de los cuerpos, en el final de un largo día en un mundo en caos, 2025. Técnica personal. Medias de nylon, perchas, perchero, pinturas, enduido. 2° premio, María Jimena Cabello. No es un camping III. Serie No es un camping, 2025. Costura a mano. Estampa por sublimación y serigrafía.
“Un affaire de colecciones. Patricio Gil Flood + grabados y dibujos de la colección del Museo Sívori”
Esta exposición propondrá una revisión poética e interdisciplinaria de la colección del Museo Sívori a partir de nuevas creaciones contemporáneas. “Un affaire de colecciones” funcionará como un ensayo visual y, al mismo tiempo, como una constelación de relaciones posibles. A través de la búsqueda de ecos y resonancias, el artista Patricio Gil Flood invitará al público a sumergirse en la historia, en u
la memoria —tanto personal como colectiva— y en las fuerzas invisibles que atraviesan la vida cotidiana. El núcleo de la muestra se construirá a partir de un cruce entre las nuevas instalaciones del artista y una selección de dibujos y grabados pertenecientes al patrimonio del museo. Las obras elegidas poseen una identidad propia como su inventario, su procedencia, su historia dentro de la colección, pero también una identidad plural que se activará cuando comiencen a dialogar con otras piezas en el espacio expositivo. El punto de encuentro será el dibujo entendido como un campo de pensamiento y acción. Las instalaciones de Gil Flood dialogarán con obras de Eduardo Iglesias Brickles, Sergio Camporeale, Aída Carballo, Ralveroni, César Fioravanti, Oscar Smoje, León Ferrari y Eduardo Stupía, entre otros, que forman parte de la colección del Museo Sívori.
MUSEO DE ARTES PLÁSTICAS
EDUARDO SÍVORI
Av. Infanta Isabel 555, Parque 3 de Febrero (frente al puente del Rosedal)
2do. Premio Técnica artesanal, María Jimena Cabello. No es un camping III, 2025. Costura a mano. Estampa por sublimacióny serigrafía.
Horario del museo: Lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19 h. Sábados, domingos y feriados de 11 a 20 h. Martes cerrado. Entrada: $10.000: público general | $2.000: residentes argentinos y/o extranjeros con DNI | Miércoles sin cargo | Jubilados, excombatientes de Malvinas, estudiantes universitarios presentando acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, menores de 12 años y grupos de estudiantes de colegios públicos, sin cargo todos los días.
BUENOS AIRES CIUDAD DE ARTES
La historia del azulejo en el Museo Larreta
La muestra reúne azulejos históricos, documentos y publicaciones clave para reconstruir la tradición ornamental rioplatense. Conferencia a cargo de Rafael López Guzmán
El Museo de Arte Español Enrique Larreta inauguró el pasado jueves 12 de marzo a las 17 h la exposición “El azulejo en el Río de la Plata, 1949-2026”, en su sede de Av. Juramento 2291. La muestra presenta piezas de la colección del Instituto de Arte Americano e Investigaciones Estéticas de la Universidad de Buenos Aires (UBA) y de colecciones particulares, en diálogo con azulejos pertenecientes al patrimonio del Museo Larreta.
de esta institución académica por Mario J. Buschiazzo. Este libro se ha convertido en un clásico, siendo uno de los primeros estudios académicos sobre el tema que inspiró a colegas de todo el continente. Acompañarán a este material histórico otros libros referidos a esta temática.
En la sala Sirio del museo se expone azulejos españoles y del tipo Pas de Calais, de origen francés. Además se exhiben el manuscrito y los dibujos originales del libro El azulejo en el Río de la Plata de Vicente Nadal Mora, que el Instituto de Arte Americano e Investigaciones Estéticas de la UBA publicó en 1949, a tres años de la creación
En el marco de la exhibición, el miércoles 8 de abril a las 17 h se realizará una conferencia a cargo de Rafael López Guzmán (Universidad de Granada), Francisco Girelli (Universidad de Buenos Aires) y Fernando Martínez Nespral (Universidad de Buenos Aires), organizada por el Instituto de Arte Americano e Investigaciones Estéticas Mario J. Buschiazzo (FADU,
UBA), Instituto de Teoría e Historia del Arte Julio E. Payró (FFyL, UBA) y el Museo de Arte Español Enrique Larreta. Será una actividad sin costo y con inscripción próximamente en la web. Se otorgarán certificados de asistencia.
La curaduría de la muestra está a cargo de Francisco Girelli y Fernando Martínez Nespral, y la coordinación a cargo de Patricia Nobilia.
MUSEO DE ARTE ESPAÑOL ENRIQUE LARRETA
Av. Juramento 2291
Horario: lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19 h; sábados, domingos y feriados de 11 a 20 h. Martes cerrado. Entrada: $10.000 Público general | $2.000 Residentes argentinos y/o extranjeros con DNI | Miércoles sin cargo | Jubilados, ex combatientes de Malvinas, estudiantes universitarios presentando acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, menores de 12 años y grupos de estudiantes de colegios públicos, sin cargo todos los días.
BUENOS AIRES CIUDAD DE ARTES
El Museo de Arte Popular presentó. obras poco conocidas de su colección.
Objetos poco conocidos, materiales diversos y tradiciones artesanales serán parte de la muestra que pone en valor piezas habitualmente fuera de exhibición.
El pasado viernes 27 de marzo a las 17 h se inauguró en el Museo de Arte Popular José Hernández - MAP (Av. del Libertador 2373) la muestra “Conservado y guardado: no olvidado. Piezas de la reserva del MAP poco conocidas”.
Esta exposición dará a conocer obras del patrimonio del MAP realizadas con diversas materialidades y por artesanos que no suelen formar parte de las exposiciones habituales.
Tras las tareas de reacondicionamiento de los depósitos, estas piezas fueron revisadas, catalogadas, actualizadas y puestas en valor, lo que permitirá mostrarlas en toda su dimensión, no solo en su calidad técnica sino en su modernidad. Tabas, exvotos, chifles, yesqueros, cerámicas moqoit, chaguar wichis, boleadoras y estribos serán algunos de los objetos a exhibir. Artesanías de diversas épocas y grupos artesanales (pueblos originarios, criollos y contemporáneos) se lucirán en este diálogo de calidad, diseño y formas.
El objetivo, además de visibilizar las colecciones del museo, es hacer que el visitante entre en un mundo lleno de riqueza visual y que conozca la funcionalidad
de diversos objetos que no son de uso cotidiano en la actualidad. La curaduría está a cargo del equipo del MAP, coordinado por Horacio Torres.
La exhibición, que se presentará hasta el 20 de septiembre, girará en torno a varios ejes didácticos y lúdicos: analizar los materiales en que están realizadas estas artesanías, descubrir sus originalidades y reconocer a los artesanos que las hicieron en su espacio y en su tiempo. También se hará hincapié en la
conservación y preservación de estas piezas para disfrute de las generaciones futuras.
Museo de Arte Popular José Hernández - MAP
Avenida del Libertador 2373
Horario: lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19 h. Sábados, domingos y feriados de 11 a 20 h. Martes cerrado. Entrada : $10.000: Público general | $2.000: Residentes argentinos y/o extranjeros con DNI | Miércoles sin cargo | Jubilados, excombatientes de Malvinas, estudiantes universitarios presentando acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, menores de 12 años y grupos de estudiantes de colegios públicos, sin cargo todos los días.
Cartelera
TEATRO
Vuelve el 4 de Abril la entrañable y necesaria
REVERSIBLE con Mercedes Torre
Reversible, una necesaria epopeya musical
El 4 de abril llega Reversible a Nün Teatro Bar. La premiada obra protagonizada por Mercedes Torre -con dirección de Juan Andrés Romanazziofrece una nueva temporada de funciones luego de su exitoso recorrido por España y su participación en una serie de festivales nacionales por los que obtuvo premios y distinciones.
Reversible es una epopeya musical que narra la historia de Rosita, quien al enterarse de que su madre fue llevada por la muerte decide ir a buscarla.
A través de la música, el humor y la poesía, el espectador acompañará las peripecias del personaje en un viaje fantástico y profundamente humano.
La pregunta que impulsa la historia es tan simple como poderosa: ¿qué pasaría si la muerte tuviera un lugar de residencia y pudiéramos ir en busca de quien partió?
Lejos de toda solemnidad, la propuesta combina música
original interpretada en vivo por Pablo Viotti, un texto escrito en verso y el humor, gran motor narrativo de la pieza. Este cruce de lenguajes vuelve a Reversible una propuesta dinámica,
cargada de ternura, que esboza una mirada sensible sobre la pérdida de un ser querido.
Su director declara: “entre las múltiples formas en que la obra puede ser recibida, hay una que emerge con especial fuerza: la de convertirse en compañía para nuestros duelos. Porque sin humor, sin música y sin la presencia del otro, sería imposible transformar nuestros dolores para que la vida continúe.”
“Reversible abre un espacio donde la risa, la ternura y la música permiten mirar la pérdida desde otro lugar. Reversible invita a aceptar que existen formas más humanas y amorosas de encontrarnos con la muerte”, concluye Romanazzi.
La puesta despliega un universo poético donde lo absurdo y lo cotidiano conviven, invitando al público a transitar una historia que oscila entre la risa, la emoción y la reflexión proponiendo un viaje emotivo y transformador que invita a imaginar qué pasaría si el amor pudiera desafiar incluso a la muerte.
FUNCIONES:
Reestreno 4 de abril, 20h. Nün Teatro Bar
Juan Ramírez de Velasco 419, CABA.
Funciones: sábados de abril y mayo 20h.
Localidades $25.000 descuento
estudiantes y jubilados $20.000 disponibles en AlternatIva Teatral.
PREMIOS Y NOMINACIONES
Premio Trinidad Guevara 2024 en la categoría Revelación Femenina
Nominada Mejor espectáculo para un solo intérprete en los Premios Hugo
Nominada Mejor Libro musical argentino en los Premios Hugo
Nominada Mejor Música original en los Premios Hugo
Nominada Mejores Letras de musical argentino en los Premios Hugo
FICHA ARTÍSTICA
Idea original:
Mercedes Torre
Dramaturgia:
Mercedes Torre
Actúa: Mercedes Torre
Composición musical: Pablo Viotti
Música incidental: Pablo Viotti
Dirección:
Juan Andrés Romanazzi
Diseño de iluminación: Agnese Lozupone
Diseño de escenografía: Micaela Sleigh
Realización de escenografía: Nicolás Feu
Diseño de vestuario: Paola Delgado
Concepción escénica:
Mercedes Torre
Concepto coreográfico:
Constanza Feldman
Coreografía:
Constanza Feldman, Verónica
Navalles
Letras de canciones: Mercedes Torre
Música en canciones:
Mercedes Torre
Intervención textil: Nadia Salem
Fotografía:
Estrella Herrera
Diseño gráfico: Andrés Mendilaharzu
Asistencia de dirección:
Julián Gimenez Zapiola, Lucía
Abella Prensa:
Cecilia Gamboa
Arreglos musicales: Pablo Viotti
Supervisión artística:
Lucía Baya Casal
Producción ejecutiva: Bianca Peluffo
PRENSA
Cecilia Gamboa
Comunicación & Prensa info@ceciliagamboa.com.ar
Mirá
ÚNICA FUNCION EN ABRIL
Jorge Thefs presenta "Salvar el fuego" Inspirada
en el trabajo de Mariana Enriquez
‘Mi casa se estaba quemando y sólo podía salvar una cosa. Decidí salvar el fuego. No tengo dónde vivir pero el fuego vive en mí. Y me defiende discretamente de todo lo impuro. Mi futuro ya no es importante. Sólo cuenta la intensidad del instante.’ Jean Cocteau
‘Salvar el fuego’ nos lleva al universo de ‘Las cosas que perdimos en el fuego’, donde en
una cruda pero cercana distopía las mujeres deciden quemarse para no ser quemadas. El material se propone el relato de esta historia desde los matices de Enríquez, que exponen diversas y complejas aristas de la violencia y las razones poéticas y políticas de la inmolación.
La puesta propone desembarcar el universo en arquitecturas específicas, actualizando la puesta a cada espacio. La cercanía del espectador con el desarrollo de la pieza genera una suerte de inmersión en el universo de la misma. La pieza no solo se sostiene en la textualidad de la narrativa sino también en los cuerpos,
estímulos sonoros y las provocaciones espaciales de la puesta.
¡ÚNICAS 3 FUNCIONES!
Domingo 12 de abril 17.30 horas
Sábado 25 de abril 16 horas
Casa Gómez
Yeruá 4962, Paternal Entrada general $20.000
En venta por Eventbrite
Duración: 50 minutos
Las funciones son con accesibilidad en lengua de señas.
Esta obra fue nominada como mejor adaptación a los premios Maria Guerrero 2024, formó parte en 2023 de la programación del FIBA, de la programación especial por los 10 años de la BIENAL de Arte Joven y del Festival Abriendo Escena en 2022.
FICHA ARTÍSTICA
Performers:
Victoria Duarte, Gabi Moura,
Sol Rieznik Aguiar, Magui
Downes, Jazmín Siñeriz, Myriam Ramírez, Daira
Escalera, Juliana Ortiz, Natalia Tesone, Annanda Samarine. Actriz señante, traducción y adaptación en lengua de señas:
Natalia Tesone
Fotografía: Diego Stickar
Styling: Chu Riperto
Producción:
Jorge Thefs, Juliana Ortiz, De la Tía espacio
Diseño de movimiento:
Gabi Moura, Magui Downes
Prensa:
Mutuverria PR
Sobre texto de:
Mariana Enriquez
Directora asistente:
Daira Escalera
Dramaturgia, adaptación, dirección general y puesta en escena: Jorge Thefs
Agradecimientos: Mariana Enríquez, Anaclara Ríos, Magala Rossi, De la Tía Espacio
SOBRE JORGE THEFS
Jorge Thefs es performer, bailarín, director, productor y diseñador de iluminación. Director de actores y puestista egresado de la EMAD. Maestrando en teatro y artes performáticas por la UNA. Entre sus trabajos más reconocidos está ‘Carne de consumo personal’ de su autoría y dirección, declarada de interés cultural por el Ministerio de Cultura de la Nación y ganadora de la Bienal de Arte Joven 20212022. Ganador del premio Maria Guerrero 2024 por su actuación en “Las lágrimas de los animales marinos” en el Teatro Nacional Cervantes. Trabajó en más de 70 producciones en diferentes roles. Su labor se enmarca dentro la investigación sobre teatro performático, con piezas basadas en recorridos biográficos y de carácter documental, y otras fundadas a partir de textos no dramáticos. Actualmente dirige “Proyecto Quevedo” performance realizada por Cristina Banegas basada en textos de Francisco de Quevedo sobre una mesa de cristal.
PRENSA Mutuverría PR info@mutuverria.com
40
años de El Excéntrico de la 18ª
PROYECTO QUEVEDO
Re-estreno: domingos 20,30 h. hasta el 19/04
“Proyecto Quevedo” es una performance basada en sonetos y poemas satíricos de Quevedo Francisco de Quevedo, realizada por Cristina Banegas sobre una gran mesa de cristal que perteneció a su madre, Nelly Prince.
La obra cuenta con la dirección de Jorge Thefs y música en vivo a cargo de la cellista Lucía Gómez.
Relata Cristina Banegas: “Sobre la mesa de cristal de
2,60 metros de la casa de mi madre propuse hacer sobre ella sonetos y algunos poemas satíricos de Quevedo: una partitura abismada. Tal vez en estos tiempos, oscuros la poesía sobre un cristal sea un acto de resistencia inquebrantable, una epifanía sobre fondo del horror”.
FUNCIONES:
Domingos a las 20.30h. (hasta el 19/4)
El Excéntrico de la 18ª Lerma 420, CABA
Entrada general a $22.000 disponibles a la venta en la boletería del Teatro o por Alternativa.
Duración: 60 minutos
FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA
Selección de poemas: Carlos Gamerro y Cristina Banegas
Colaboración artística y de movimiento: Rosario Ruete
Colaboración en vestuario: Chu Riperto
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Asistente de producción:
Juliana Ortiz
Diseño de iluminación:
Jorge Pastorino
Diseño sonoro y música en escena:
Lucía Gómez
Fotografía de escena:
Ale Carmona
Prensa: Prensópolis
Performer e idea:
Cristina Banegas
Dirección general y producción general:
Jorge Thefs
SOBRE LAS PERFORMERS
Cristina Banegas. Actriz y directora, desde 1986 dirige su propio espacio teatral: El Excéntrico de la 18ª. En teatro, se destaca su labor en obras relevantes como “Woyzeck” de Georg Büchner, “Puesta en claro” de Griselda Gambaro, “El padre” de August Strindberg, “Antígona” de Sófocles, “Los invertidos” de José González Castillo, y “La señora Macbeth” de Griselda Gambaro, en casi 60 años de actividad. Ha trabajado con directores como Inda Ledesma, Alberto Ure, Iris Scaccheri y Pompeyo Audivert, entre otros. En el campo audiovisual, ha intervenido en innumerables ciclos televisivos y ha participado en más de 40 películas. Entre sus trabajos
como directora se destacan: “La morocha. Tangos y poemas” (Musical-teatral), “El amor” de Daniel Guebel y Sergio Bizzio, “Sólo un aspecto” de Griselda Gambaro, y “Mater” de Vicente Zito Lema, entre otros. Como cantora, ha grabado Tangos y La criollez. Publicó también su primer libro y disco para niños: El país de las brujas. A lo largo de su carrera ha recibido numerosas nominaciones y premios por todas sus actividades artísticas.
Lucía Gómez es cellista, compositora y actriz. Estudió cello con Rafael Delgado, Jorge Pérez Tedesco y Stanimir Todorov. Posee una Tecnicatura en Violoncello del Conservatorio Astor Piazzolla y estudió actuación en el estudio de Alejandro Catalán. Participó en varios espectáculos teatrales y circenses como “Proyecto Quevedo”, “Las lágrimas de los animales marinos”, “La mujer fantasma”, “Les Reyes”, “Sanos y Salvos”, “La Sangre de los Árboles”, “Bossi Master Show” y “Tierra Partida”. Trabaja como sesionista para cine, TV y bandas y artistas locales, tanto en vivo como en estudio.
SOBRE EL DIRECTOR
LAPLATA CABA
Jorge Thefs es performer, bailarín, director, productor y diseñador de iluminación. Es director de actores y puestista egresado de la EMAD; Maestrando en teatro y artes performáticas por la UNA. Entre sus trabajos más reconocidos está “Carne de consumo personal” de su autoría y dirección, declarada de interés cultural por el Ministerio de Cultura de la Nación y ganadora de la Bienal de Arte Joven 2021-2022. Trabajó en más de 60 producciones en diferentes roles. Su trabajo se enmarca dentro la investigación sobre teatro performático, con piezas basadas en recorridos biográficos y de carácter documental, y otras fundadas a partir de textos no dramáticos. En 2025, fue nominado por su trabajo en “Las lágrimas de los animales marinos” como revelación a los premios Martín Fierro de Teatro 2025 y ganador del Maria Guerrero 2024 como mejor actor de reparto por la misma obra. Además en estos últimos, estuvo nominado como mejor adaptación por “Salvar el fuego”, por su versión de “Las cosas que perdimos en el fuego” de Mariana Enriquez.
Prensa: Prensópolis prensopolis@gmail.com
ESTRENO: JUEVES 2 DE ABRIL, 20 H.
LA PATADA DEL CAMELLO
De Sofía González y Sandra Criolani - Dirección de Ernesto Nesti Dominguez
“La Patada del Camello” llega a Calle Corrientes en una nueva versión especialmente adaptada al circuito comercial
Luego de haber sorprendido al público en el circuito independiente en 2019, “La Patada del Camello” regresa con una versión renovada, especialmente concebida para su estreno en Calle Corrientes.
Con dramaturgia de Sofía González y Sandra Criolani y dirección de Ernesto Nesti Dominguez, la obra propone una experiencia escénica íntima y envolvente, donde la música original en vivo y una puesta minimalista construyen un universo sensible que captura
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al espectador desde el primer momento.
Esta nueva etapa profundiza el trabajo actoral, amplía su propuesta estética y resignifica la historia en un formato pensado para el circuito comercial.
SINOPSIS
Candela Castro, artista plástica argentina, toma un vuelo hacia Egipto luego de una noticia inesperada. En el asiento de al lado viaja Pilar, una mujer completamente diferente, que parte en busca de una nueva realidad.
Lo que comienza como una
simple coincidencia pronto deja de parecerlo.
Dos mujeres. Un vuelo. Un destino.
La patada del camello es un drama de ciencia ficción con tintes de comedia.
FUNCIONES
Estreno: jueves 2 de abril, 20 h.
Funciones: jueves, 20 h.
Lugar: Teatro Premier, sala Premier Live (Av. Corrientes 1565, CABA)
Entradas: $35.000 / Desc. 20% y 3 cuotas con BBVA – Desc. 20% grupos +12 personas / Plateanet o en boletería
Duración: 60 min. ATP (+16 años)
LAPLATA CABA
FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA
Dramaturgia:
Sofía González y Sandra Criolani
Elenco:
Sofía González, Sandra Criolani y Federico Ferreyra
Música original en vivo: Sebastián Lerena
Voces off:
Barbie Martínez, Martina
Zalazar y Ernesto Nesti
Domínguez
Diseño de sonido, iluminación y escenografía:
Ernesto Nesti Domínguez
Realización de escenografía:
Sabrina López Hovhannessian
Vestuario:
Sofía González y Sandra Criolani
Arte gráfico: Fernando Lendoiro
Community Manager:
Amareli Gutiérrez
Prensa: OCTAVIA
Comunicación
Producción general: Maia y NST
Dirección: Ernesto Nesti
Dominguez
DIJO LA PRENSA EN 2019
La Nación, por Inés Palombo: La patada del camello: mundos internos dentro de un avión
Tiempo Argentino, por Diego
Gez: Una obra feminista, entre la comedia y la ciencia ficción
La Prensa, por Juan Carlos
Antón: Las chicas ricas también lloran
Revista Brando, por Walter Lezcano: Nuevos talentos: Sofía González, la actriz arqueóloga
Revista Luz, por Pablo Steinmann: Sandra Criolani: “Hay que animarse a dar el salto”
TN Show web: “La patada del camello”, una obra feminista con tintes de ciencia ficción
LeeMateo, por Lucía Elizalde: La patada del camello: En la piel de un viaje revelador
BIO Sofía González
Sofía González es actriz, productora y dramaturga argentina. Se formó en actuación
con Augusto Fernándes, Agustín Alezzo y Carlos Gandolfo. Realizó seminarios con Gabriel Chamé Buendía, Javier Daulte, Mariela Asensio y Silvina Sabater, entre otros. Complementó su formación con estudios de dramaturgia con Mauricio Kartun e Ignacio Apolo, y guión cinematográfico con Aída Bortnik y Juan José Campanella. Es Profesora de Historia, Profesora de Nivel Inicial y tiene nivel avanzado de inglés.
En teatro, ha trabajado en obras como “Hedda García Blaquier”, adaptación de Hedda Gabler escrita y dirigida por Lisandro Fiks; “Birdland” de Simon Stephens, dirigida por Lisandro Fiks y Lucio Bazzalo; ‘Helado de pollo” de Maricel Santin; “La u
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Fundación de Susana Torres Molina, dirigida por Federico Nanyo; “Bésame mucho” de Javier Daulte, dirigida por Gonzalo Urtizberea; “La patada del camello”, obra que coescribió y coprotagoniza, entre otras. En TV actuó en: “Soy Luna”, “Un Gallo para Esculapio”, “Freaks”, “Esperanza mía”, entre otras. En cine actuó en: “Virus 32”, “Amigos inseparables”, “Papeles en el viento”. Fue además directora y guionista del cortometraje “Mi pote”, inspirado en las abuelas de Plaza de Mayo. Actualmente es productora asociada y actriz de “El cinturón de Olivia”.
BIO Sandra Criolani
Sandra Criolani es actriz y escritora. Es Licenciada en Teatro (UNC). Estudió además actuación con los maestros Augusto Fernández, Nora Moseinco, Lisandro Fiks y Nesti Dominguez, entre otros. Se formó en danza Contemporánea y Jazz con Gabriela Serra, Mariana Margossian y Darío Dorzi; y en Canto con Fernanda Martínez Mina. Habla Acento Neutro y tiene un nivel intermedio- avanzado de inglés.
Entre sus trabajos en teatro se destacan “Hombres y Ratones” de John Steinbeck dirigida por Lisandro Fiks, “Las Brujas de Salem” de Arthur Miller (traducción de F&F), “Las mujeres de los nazis” de Héctor Levy Daniel; “La Mujer que Levantó el Auto” de Leonardo Mendonça;
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“Destercerizando al hogar. Personas en hoteles de mierda” de René Pollesch producida por el Goethe Institut; y “La patada del Camello”, obra que coescribió y coprotagoniza; realizando giras nacionales e internacionales. En cine, coprotagoniza “El Kiosco” con Pablo Echarri; y forma parte de los elencos de “El cuento del tío” y “No te olvides de mí”, junto a actores como Alejanda Flechner, Luis Ziembrovski y Leonardo Sbaraglia. En TV, forma parte del elenco de “ONCE” (Disney Channel); “Farsantes” (Polka); “Sres. Papis” (Telefe) y de la serie “NOA” realizada por FAM Contenidos a estrenar
próximamente.
BIO Ernesto Nesti Dominguez
Ernesto Nesti Dominguez es director de teatro y de casting, coach y maestro de actuación. Es reconocido como el primer maestro argentino acreditado para enseñar “The Chubbuck Technique” -el método psicológico de actuación creado por Ivanna Chubbuck, quien ha entrenado a Halle Berry, Sylvester Stallone, Brad Pitt, Sharon Stone, Charlize Theron, and Jon Voight, entre otros-. Es socio de Wez casting y NST.
Ha dirigido obras como “Trifecta”, “La patada del camello”, “Testigos”, “Locos de contento”, “Amateurs”, “Mis perlas con mis rulos”, “Una foto”, “Entretejidos”, “No puedo imaginar el mañana”, entre otras.
Instagram: @lpatadadelcamello
OCTAVIA PRENSA
María Eugenia Souto eugenia@octaviacultura.com.ar
VIDEO
LPDC Trailer 2026
Delirio, ternura y el amor como única salvación posible.
LA MORIBUNDA
de Urdapilleta y Tortonese con dirección de Malena M. Boim
El jueves 5 de marzo a las 20.30h llega LA MORIBUNDA un clásico del teatro nacional con dirección de Malena Miramontes Boim en Itaca Complejo Teatral (Humahuaca 4027).
La obra escrita e interpretada por Alejandro Urdapilleta y Humberto Tortonese se estrenó originalmente en la mítica sala El Morocco del circuito teatral independiente hacia fines de 1997 en homenaje de la dupla actoral al gran Batato Barea.
LA MORIBUNDA explora el dolor en un juego interior - exterior opresivo y hostil. La muerte acecha mientras una de las hermanas agoniza. El humor negro y el grotesco son las lanzas fundamentales de una puesta que bucea en el dolor y en la finitud desde una estética queer y camp (kitsch, artificial) que recurre a la ironía y al desborde en el gesto teatral.
Casi treinta años después de aquel estreno que sacudió la escena, la dupla de actores integrada por Darío Serantes (Karen) y Juan Rutkus (Kara), con dirección de Malena Miramontes Boim, regresan con una puesta aguda que interpela al público desde el contexto actual.
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SINOPSIS:
En una casa convertida en refugio, dos hermanas —Kara y Karen— sobreviven al encierro mientras su hermana mayor, Kiri, agoniza en el cuarto de arriba. Afuera, una guerra indeterminada; adentro, la descomposición de todo lo conocido. El dolor extremo dialoga con el universo de la fantasía protagonizado por vedettes, playas, melodramas y ópera.
Su directora comenta: “La Moribunda expone con el filo del grotesco y el devenir de la ternura los modos de sobrevivir de dos mujeres ante una realidad devastadora”.
“La imaginación, la risa y el deseo construyen el refugio perfecto para LA MORIBUNDA que, a lo largo del tiempo, se ha convertido en un clásico del teatro argentino, en una voz inclasificable que se resiste al olvido y que aún interpela al público con su potencia política y estética”, concluye Miramontes Boim.
Entre el grotesco, el delirio y la ternura, La Moribunda explora la fragilidad humana, el artificio como escudo y el amor como única salvación posible.
LA MORIBUNDA
Autoría:
Humberto Tortonese, Alejandro Urdapilleta
Actuación:
Darío Sernates (Karen), Juan
Rutkus (Kara)
Diseño de escenografía y vestuario:
Alejandro Mateo
Diseño sonoro y música original: Matías De Stéfano
Diseño gráfico:
Sabrina Lara
Fotos:
Nacho Lunadei
Redes sociales:
Agustín Corsi
Prensa y comunicación: Cecilia Gamboa
Asistencia de dirección:
Ayelén de la Rosa
Dirección:
Malena Miramontes Boim
FUNCIONES:
Jueves a las 20.30h.
Itaca Complejo Teatral
Humahuaca 4027
Jueves de marzo y de abril a las 20.30h.
Localidades $20.000 (estudiantes y jubilados $16.000) disponibles en Alternativa Teatral.
Duración del espectáculo: 60 minutos
MALENA MIRAMONTES BOIMDIRECTORA
Directora, productora de teatro y diseñadora de iluminación. Es Licenciada en Dirección Escénica y Licenciada en Diseño de Iluminación de Espectáculos por la Universidad Nacional de las Artes. Docente universitaria a cargo de la cátedra de Sistemas de Representación I y II de la UNA. Formada en esta casa de estudios por docentes tales
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como Ruben Szuchmacher, Ana Alvarado, Luis Cano, Analía Fedra García, Marcelo Velázquez, Gonzalo Córdova, Alejandro Le Roux, Eli Sirlin, Marcelo Cuervo, Sandro Pujía, Diego Siliano, entre otros.
A lo largo de su carrera se formó en distintas disciplinas artísticas como actuación, danza, música, canto, dibujo, escultura, entre otras. Dirigió “La Madonnita” de Mauricio Kartún, obra que hace cinco años consecutivos que se encuentra en cartel (20222026) con más de 120 funciones realizadas.
Ha trabajado en diversos proyectos como directora, productora y asistente de dirección. Actualmente dirige “La Moribunda” de A. Urdapilleta y H. Tortonese que está en su segundo año de funciones.
Como Diseñadora de Iluminación ha participado en espectáculos dirigidos por Ana Alvarado, Emiliano Samar y otros directores, destacándose “Pájaro de Barro” estrenada en el Teatro Regio para el Complejo Teatral de Buenos Aires. Ganadora del Premio Nacional Villafañe al Mejor Diseño de Iluminación 2022.Nominada a los premios Trinidad Guevara a “Mejor diseño de iluminación 2023”.
Diseñadora de iluminación de la obra “Vestido de mujer”, ganadora de los Premios ACE a “Mejor Music Hall 2024”.
MALENA MIRAMONTES BOIMDIRECTORA
Directora, productora de teatro u
MiráBA 95
A lo largo de su carrera se formó en distintas disciplinas artísticas como actuación, danza, música, canto, dibujo, escultura, entre otras. Dirigió “La Madonnita” de Mauricio Kartún, obra que hace cinco años consecutivos que se encuentra en cartel (20222026) con más de 120 funciones realizadas.
Ha trabajado en diversos proyectos como directora, productora y asistente de dirección. Actualmente dirige “La Moribunda” de A. Urdapilleta y H. Tortonese que está en su segundo año de funciones.
Como Diseñadora de Iluminación ha participado en espectáculos dirigidos por Ana Alvarado, Emiliano Samar y otros directores, destacándose “Pájaro de Barro” estrenada en el Teatro Regio para el Complejo Teatral de Buenos Aires. Ganadora del Premio Nacional Villafañe al Mejor Diseño de Iluminación
MiráBA 96 y diseñadora de iluminación. Es Licenciada en Dirección Escénica y Licenciada en Diseño de Iluminación de Espectáculos por la Universidad Nacional de las Artes. Docente universitaria a cargo de la cátedra de Sistemas de Representación I y II de la UNA. Formada en esta casa de estudios por docentes tales como Ruben Szuchmacher, Ana Alvarado, Luis Cano, Analía Fedra García, Marcelo Velázquez, Gonzalo Córdova, Alejandro Le Roux, Eli Sirlin, Marcelo Cuervo, Sandro Pujía, Diego Siliano, entre otros.
2022.Nominada a los premios Trinidad Guevara a “Mejor diseño de iluminación 2023”. Diseñadora de iluminación de la obra “Vestido de mujer”, ganadora de los Premios ACE a “Mejor Music Hall 2024”.
DARÍO SERANTES - ACTOR Actor, director y profesor.
Inició sus estudios de actuación en 1982 entre sus primeros maestros figuran Pedro Costa, Sara Krell y Angela Ragno. Cursó el primer año de la carrera de actuación en la Escuela Municipal de Arte Dramático con profesores como Marta Serrano, Escobar y Lerchundi, Enrique Dacal, Marta Sánchez, Mariano Moruja, entre otros.
Entrenó con Roberta Carreri, integrante del Odín Teatro Laboratorio, dirigido por Eugenio Barba.
Tomó cursos y seminarios de actuación con Francisco Javier, Javier Margulis, Vivi Tellas, Paco Jiménez, Agustín Alezzo, Juan Carlos Gené, Verónica Oddó y
Cristina Banegas. Realizó talleres de danza y trabajo corporal con Gabriela González López y estudió canto con Claudio Garófalo. Participó en talleres, seminarios de entrenamiento actoral y puestas en escena con el maestro Guillermo Heras. En 2001 fue becado en el curso de Casa de América, Madrid para dramaturgos y directores, allí tomó cursos con destacadas personalidades del teatro español. Es Profesor Nacional de Teatro recibido en la Universidad Nacional de las Artes.
Sus trabajos más importantes como actor son: “La Madonnita” de Mauricio Kartún dirigida por Malena Miramontes Boím; “Las Criadas” de Jean Genet “La Vida es Sueño” de Calderón; “El Canto Invisible” de H.Ibsen; “MEDEA” de Eurípides; ciclo de “Intervenciones Ibsen – Sánchez - Strindberg”; “Alguien va a venir” de Jon Fosse “Visita” de Ricardo Monti, , “Por un Reino” de Patricia Zangáro, dirigida por Graciela
Cravino; “Muñeca” de Armando Discépolo; “NN 12” de Gracia Morales; “La Cantante Calva” de Eugene Ionesco; “La luna va por el agua” (textos de F.G.Lorca); “Una Visita Inoportuna” de Copi,; “Macbeth, imágenes” de Rodrigo García, dirigida por Guillermo Heras en el TGSM; “La herótica I y II” (en Babilonia) dirigida por Javier Margulis y Enrique Dacal; “El día del campeón” (Danza- Teatro, dirigida por Silvia Vladimivsky y Salo Pasik;, entre otros trabajos.
JUAN RUTKUS – ACTOR
Se formó en la Escuela de Teatro Buenos Aires dirigida por el maestro Raúl Serrano. Participó en talleres, seminarios de entrenamiento actoral, trabajo corporal y técnica vocal. Entre sus maestros figuran Raúl Serrano, Rafael Garzaniti, Mariel Bignasco, Pedro Espinosa, Carlos de Martino, Susana Yassam y Alejandro Catalán. En teatro actuó en “Las Criadas” dirigida por Darío Serantes, “Piaf, porque el amor lo quiso” de Alberto Romero, “La Gente Honesta” de Florencio Sánchez, “Frente a tus ojos” de Fernando Alvarez, “Teatro Piloto” creación grupal Ojo Rojo, “Hipólito o la peste del amor” de Marcos Roseinzvaig, “Una visita inoportuna” de Copi, “Le Frigó” de Copi, “Advertencia para barcos pequeños” de de T. Williams, “Paciente Espera” de Bob Barr y Carlos Nicastro, “Hipólito o la peste del amor” de Marcos Roseinzvaig, “Una visita inoportuna” de Copi, “Le Frigó” de Copi, “Advertencia para barcos
pequeños” de de T. Williams, “Paciente Espera” de Bob Barr y Carlos Nicastro, “Los Justos”, de Albert Camus, “Un hombre es un hombre”, de B. Brecht entre otros trabajos.
AYELÉN de la ROSAASISTENTE DIRECCIÓN
Es Licenciada en Comunicación
Audiovisual por la Universidad de Palermo.
En 2023 y 2024 se desempeñó como productora ejecutiva en Gomez Brothers, de Diego Bros, con dirección de Emiliano Samar. En 2024 fue convocada nuevamente por Samar para producir “El arte de esgrimir”, obra de Enrique Papatino.
En 2025 integró el equipo de Vestido de mujer (dramaturgia de Francisco Pesqueira y Emiliano Samar) como asistente de producción, en la puesta realizada en el ex CCK durante el mes de marzo.
Produce el ciclo de entrevistas
A destajo, conversaciones sobre las artes desde los bordes, conducido por Emiliano Samar, con música en vivo de Pepo Lapouble, en Pista Urbana. Actualmente colabora como asistente de dirección en una nueva adaptación de La moribunda, de Alejandro Urdapilleta y Humberto Tortonese, dirigida por Malena Miramontes Boim.
PRENSA Cecilia Gamboa
Comunicación & Prensa info@ceciliagamboa.com.ar
Una
leyenda de río, amor y muerte.
“Flotando Apenas”
la obra fantástica de Juan Azar en el corazón del Litoral.
El 10 de abril llega FLOTANDO APENAS, la nueva obra de Juan Azar. Ambientada en el corazón del Litoral, la pieza cautiva por su riqueza poética y recursos fantásticos y se podrá ver los viernes de abril en el Cultural Thames (Thames 1426, CABA)
Con iguales dosis de drama y humor, un delicado diseño de luces y un particular paisaje sonoro que acompaña la acción, el espectador será trasladado a la calurosa región litoraleña de la triple frontera entre Argentina, Brasil y Paraguay para presenciar una historia de amor trágica que parece estar basada en una leyenda antigua.
SINOPSIS:
Un matrimonio de contrabandistas de arte y
extravagancias (él estafador, ella aspirante a actriz) llegan de Buenos Aires a la isla Acaray interesados en capturar al Pirá Hikué Mba’e Porá: un pez mítico que, según la leyenda, tiene la capacidad de curar. Para llevar a cabo el sacrilegio, deben convencer a un particular pescador de la zona.
Flotando apenas es un homenaje al teatro clásico, desde una voz latinoamericana y actual. La pieza se sumerge en el universo del Paraná y sus paisajes recurriendo a la potencia de la fantasía que habita en la inocencia junto a la presencia de cierta complejidad y oscuridad a la que nadie puede escapar.
“Quería escribir una obra que tuviera resonancias con la obra shakesperiana, pero que sucediera en un paisaje litoraleño en los años 60. Enfrentarme al desafío de que transcurra en el agua. Hallar una vez más, a la hora de la puesta, a los recursos que investigo hace años desde el teatro físico, impulsando al espectador y su imaginario a que participen activamente de la fantasía.”, declara Juan Azar.
FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
Dramaturgia: Juan Azar
Intérpretes: Juan Azar, Zoe
Baez, Valentino Naughton
Diseño de vestuario: Pepe Arias
Mariela Peroni
Diseño de Iluminación: Juan
Pablo Galimberti
Asistencia de dirección: Micaela
Franco
Comunicación & Prensa: Cecilia
Gamboa
Dirección: Juan Azar
FUNCIONES:
jueves 10, 17, 24/4 y 1 de mayo, 20 h.
Cultural Thames
Thames 1426, CABA.
Localidades: $20.000 disponibles en boletería del teatro en la web
JUAN AZAR
Se formó con Claudio Martinez
Bel, Nora Moseinco, Ricardo Bartís e Igon Lerchundi. Dirige el grupo de teatro comunitario
“Res o no res” (declarado de interes cultural por la legislatura de la ciudad de buenos aires) del barrio de Mataderos desde 2007 hasta la actualidad.
En teatro, formó parte del elenco de “Gurisa” (ganadora de tres premios Trinidad Guevara, representada en todo nuestro país, en Costa Rica y Chile) y “Orillera” ambas del director y dramaturgo Toto Castiñeiras.
Formó parte del elenco estable del “Teatro Mágico de Alparamis” dirigido por Leonardo Kreimer, desde el 2015 hasta el 2022, con más de 10 espectáculos estrenados.
Su obra “Elena de a ratos” realizó 56 funciones entre 2023 y 2024.
En televisión participó de “Atav” 1 y 2, “Tu parte del trato”, “Planners”, “Las estrellas” y “Envidiosa”.
En cine participó de “All inclusive” (hnos Levy), “Juan y Eva” (Paula de Luque), “Adulto” (Mariano Gonzalez) e Historias Breves 17 “Noche de Novias” (Santiago Larre y Gustavo Cornaglia) en rol co-protagónico.
En 2020, junto al grupo “Res o no res”, realizó el cortometraje “La Válvula” donde se desempeñó como guionista y director. Es músico multi instrumentista especializado en cuerdas latinoamericanas (también canta, toca el acordeón y la percusión).
Grabó los discos “Tacuarembó” y “Melancolía” como solista y participó en más de 10 discos como arreglador, director musical y/o sesionista.
Nominado a mejor dirección en los Premios Luisa Vehil 2025 por Flotando Apenas.
PRENSA Cecilia Gamboa Comunicación & Prensa info@ceciliagamboa.com.ar
Mirá
Grupo Génesis en El Tinglado presenta desde el 8 de abril
FINAL DE PARTIDA de
La obra regresa el miércoles 8 de abril a las 20.30 h. en el Teatro El Tinglado (Mario Bravo 948, CABA), con funciones los miércoles.
En un universo asfixiante y sin escapatoria, el humor oscuro y el absurdo revelan la fragilidad humana en este clásico imprescindible de Samuel Beckett. Con dirección de Alberto Madín, la obra presenta el vínculo de dependencia
entre Hamm, un hombre ciego y paralítico que domina desde su sillón, y su asistente Clov, en un mundo donde la rutina, el encierro y el desgaste de los vínculos exponen con crudeza la condición humana.
Esta versión del Grupo Génesis, compañía con 41 años de trayectoria en el teatro independiente argentino, fue destacada por la crítica por su intensidad interpretativa y precisión escénica, con actuaciones que han sido calificadas como “conmovedoras”, “magnéticas” y de gran rigor actoral.
Samuel Beckett
Estrenada originalmente en 1957 en París, Final de partida es una de las obras fundamentales del teatro del siglo XX. En esta puesta, el universo de Beckett se revisita con una mirada contemporánea que profundiza su humor negro, su dimensión existencial y su potencia escénica.
DATOS DE LA OBRA
Dirección: Alberto Madín Actúan: Alberto Madín
Daniel Di Rubba
Rubén Otero
Lina Rodríguez
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FUNCIONES:
Reestreno:
miércoles 8 de abril – 20.30 h.
Funciones:
miércoles 20.30 h.
Teatro El Tinglado
Mario Bravo 948 (CABA)
Alberto Madín – Director y actor
Actor, director, escenógrafo y docente teatral. Egresado del Instituto de Arte Moderno, se formó con destacados maestros como Marcelo Lavalle — reconocido director y maestro de actores— y el escenógrafo y vestuarista Luis Diego Pedreira.
Es fundador del Grupo Génesis, compañía referente del teatro independiente argentino que transita actualmente su año 41 de trayectoria, creada junto a Fernando Calvo y Luis Rossi. A lo largo de más de cuatro décadas ha sostenido una línea estética basada en el trabajo actoral riguroso y la exploración del repertorio clásico y contemporáneo.
Ha trabajado con figuras emblemáticas del teatro argentino como Luisa Vehil, Lola Membrives y, más recientemente, María Aurelia Bisutti. También participó en el prestigioso ciclo de Radioteatro junto a Nora Cárpena.
Entre sus trabajos como actor y director se destacan: Los dos hidalgos de Verona, Jettatore, El médico a palos, El
enfermo imaginario, El burgués gentilhombre, El avaro, Las criadas, Reflejos en el agua y Alimañas ponzoñosas (de su autoría).
En Final de partida, además de asumir el rol de Hamm, firma la dirección general de esta versión celebrada por la crítica y distinguida con el Premio Teatro Independiente a Mejor Actor.
Daniel Alejandro Di Rubba
Actor, director y docente teatral con una vasta trayectoria en el escenario y en la formación actoral. Con más de tres décadas de experiencia, se ha consolidado como un intérprete versátil y comprometido con su arte.
Egresado de la Escuela de Teatro de Buenos Aires (ETBA), ha perfeccionado su técnica
con referentes como Raúl Serrano, Javier Daulte y Rodolfo Graziano. Su formación incluye pedagogía teatral, clown, teatro gestual y entrenamiento físico para actores.
En el ámbito teatral, ha protagonizado y dirigido numerosas producciones, destacándose en obras clásicas de Molière como El enfermo imaginario, El avaro y El burgués gentilhombre, así como en piezas contemporáneas como Las criadas, Reflejos en el agua y Inevitable. Pasión y muerte de Eva Perón. Su labor también se ha extendido a la dramaturgia y dirección, con montajes reconocidos en festivales nacionales e internacionales. u
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Como docente, ha formado actores durante más de 20 años, dictando clases en instituciones educativas y talleres privados. Su compromiso con la enseñanza del teatro lo ha llevado a especializarse en la pedagogía teatral, transmitiendo su pasión a nuevas generaciones de intérpretes.
Con un recorrido que abarca el teatro, la televisión y el cine, Daniel Di Rubba sigue apostando por proyectos que desafían los límites de la interpretación y el arte escénico.
En Final de partida obtuvo el Premio Teatro Independiente a Mejor Actor.
Rubén Otero
Actor con más de dos décadas de experiencia en el teatro. Se formó en los talleres de teatro de Ariel Osiris y Rodolfo Graciano, además de perfeccionarse en el Instituto de la Voz y con reconocidos docentes como Jorge Eines, Julio Chávez y Luis Agustoni.
Ha participado en numerosas obras teatrales, destacándose en clásicos como El fabricante de fantasmas de Roberto Arlt, El acompañamiento de Carlos Gorostiza, Hamlet (interpretando a Polonio) y La zapatera prodigiosa de García Lorca. También trabajó en Veneno y Asesinos de Luis Agustoni, La visita de la vieja dama de Friedrich Dürrenmatt y Papa
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querido de Aída Bortnik.
En 2016, se incorporó como tenor al coro del Colegio de Traductores Públicos. Actualmente, continúa su carrera en el teatro con proyectos que combinan el drama y la comedia.
Lina Virginia Rodríguez
Asistente de dirección y actriz con formación en teatro y literatura. Se ha capacitado en actuación con docentes como Yazmín Schmidt, Adela Sánchez y Luis Machín, además de realizar estudios en canto con Ariela Kantor.
En el ámbito teatral, ha trabajado como asistente de dirección en El avaro de Molière (dir. Alberto Madín) y ha actuado en Breve antología de teatro rioplatense, Una libra de carne de Agustín Cuzzani y Acassuso de Rafael Spregelburd.
Con una sólida formación en educación y teatro, Lina combina su pasión por las artes escénicas con la docencia y la gestión cultural.
RESEÑAS:
Fervor – Adriana Inés Prado
“Lo que más se destaca en esta puesta es el inmenso trabajo de dirección y actoral, de una excelencia realmente conmovedora.”
“El trabajo de Alberto Madín es de un dramatismo tan efectivo como impresionante.”
Teatristas – Nilo Medina
“No hay respiro: los intérpretes mantienen un ritmo constante, con una precisión en los gestos mínimos que sostiene la tensión de principio a fin.”
“Un montaje intenso, riguroso y necesario.”
Nota al Pie – Cristian Domínguez
“Un duelo actoral sobre la dependencia y el abuso en el último rincón de la humanidad.”
“Madín y Daniel Di Rubba como dupla central resultan magnéticos.”
Las Brujas Revista – Sofía Castaño
“La puesta de Alberto Madín logra construir un mundo apocalíptico con seriedad y un humor cruel que permite al espectador sumergirse plenamente.”
“Un grupo de actores veteranos que encarnan sus personajes con gran solidez.”
El Café Diario – Guillermo Tagliaferri
“Una pieza distópica vigente que invita a pensar.”
“Daniel Di Rubba realiza una interpretación brillante y Alberto Madín compone con eficiencia un Hamm intenso y dominante.”
Hugo Paredero
“Amo esta obra y esta versión me llevó nuevamente a su universo.”
TEHAGOLAPRENSA nfo@tehagolaprensa.com.ar
ESTRENO 3 DE ABRIL 2026 - TEATRO PICADERO
EL ESTADO DE LA UNIÓN
Nick Hornby
Eleonora Wexler y Gonzalo
Heredia protagonizan el estreno de EL ESTADO DE LA UNIÓN del escritor británico Nick Hornby, un matrimonio en 9 partes, en versión de Andrea Garrote y Gonzalo Heredia bajo la dirección de Andrea Garrote. El estreno será el 3 de abril 2026 en el teatro Picadero (Pje. Enrique S Discépolo 1857CABA) con funciones de viernes a domingo a las 20 h. Entradas a la venta en www. plateanet.com o en boletería del teatro.
SINOPSIS
El autor de “Alta fidelidad” se luce en esta comedia que retrata con maestría un matrimonio en crisis.
Cada semana Matías y Ana
Laura se citan en un bar antes de su sesión de terapia de pareja. Para salvar su relación es necesario repensarlo todo: el pasado, sus diferencias y complicidades, el sexo y el amor, las expectativas y los desengaños. A través de diálogos profundos, honestos y
con humor sarcástico por fuera de todo cliché, nuestra simpatía fluctúa entre ambos personajes. Risa y emoción en una suerte de terapia previa en la que ambos intérpretes nos regalan un retrato entrañable de los pros y contras de la cotidianeidad.
PALABRAS DE LA DIRECTORA
Hoy en día, en dónde los vínculos largos están subestimados, El estado de la Unión viene a recordarnos, con la implacable lucidez de
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la comedia, que lo ridículo, lo vulnerable, lo dañado son condiciones propias de cada ser humano y que compartir esa profunda intimidad con otro e intentar rescatar el vínculo, volver a poner en marcha la pasión, recuperar la esperanza de un futuro en común, es un campo de aprendizaje personal que expande la experiencia de la vida.
DIJO LA PRENSA:
“Los que quieran acercarse a una honesta exploración de las relaciones de pareja quedarán embelesados por el brioso equilibrio entre emociones complejas y humor sarcástico” (Publishers Weekly).
“Aguda, estimulante. Una escritura que sabe emocionar.” (The New York Review of Books).
“Chispeante y conmovedora” (Carrie o´ Grady, The Guardian).
“Diálogos rebosantes de ingenio” (Kirkus Reviews).
FUNCIONES:
EL ESTADO DE LA UNIÓN
Teatro Picadero Viernes, sábados y domingos 20 horas. Entradas en www.plateanet.com o boletería del teatro
Eleonora Wexler
Es una de las actrices argentinas
más destacadas de su generación, con más de cuarenta años de trayectoria en teatro, televisión y cine. Inició su carrera a los ocho años en Annie y desde entonces no dejó de crecer artística y profesionalmente. En televisión consolidó una presencia protagónica en éxitos como Valientes, Los vecinos en guerra, Amar después de amar, Un gallo para Esculapio, La Valla, Tu parte del trato, Golpe al corazón, 100 días para enamorarse y Noche & Día, construyendo personajes de gran densidad dramática y enorme conexión con el público.
Su recorrido teatral es igualmente robusto: trabajó en La maldecida de Fedra, Mary para Mary, El testamento de María, Umbrío, Cock, Dos más dos, El gran deschave, Las descentradas, El descenso del Monte Morgan y Los pilares de la sociedad, bajo la dirección de referentes como Daniel Veronese, Luciano Suardi, Marcelo Moncarz, Santiago Doria y Jorge Suárez
En cine participó en películas como Yo nena, yo princesa, Lo que quisimos ser, Ariel: Back to Buenos Aires, Pensando en él, Omisión, Ataúd blanco, Los invisibles y Buenos Aires me mata, combinando producciones nacionales e internacionales y personajes de fuerte impacto emocional.
Su talento ha sido reconocido con los premios más prestigiosos del país: Martín Fierro, ACE, Tato, Trinidad Guevara, Florencio Sánchez, Clarín y el Konex de Platino a Mejor Actriz de Televisión. Además, ha sido
LAPLATA CABA
nominada a los Premios Platino, Cóndor de Plata y numerosas ternas nacionales, reafirmando su lugar como una de las intérpretes más sólidas, versátiles y respetadas del ámbito artístico argentino.
Gonzalo Heredia
Nació en Munro en 1982. Estudió teatro en Comunicanto, La Barraca y en la escuela de teatro de Buenos Aires. Trabaja como actor en cine, teatro y televisión. Hizo talleres y clínica de narrativa con Virginia Cosin, Hugo Correa Luna, Mariana Komiseroff, la carrera de narrativa en Casa de Letras y cursó la maestría en escritura narrativa de la UNTREF. Actualmente colabora en Eldiarioar y tiene un segmento literario en el canal de Stream Blender. Publicó las novelas “Construcción de la mentira” (Alto Pogo, 2018), “El punto de no retorno” (Alto Pogo, 2021) y escribió la obra de teatro “Cómo provocar un incendio” (Multiteatro,2023).
Andrea Garrote
Directora, dramaturga, actriz, Directora de la Especialización y Maestría en Dramaturgia de la Universidad Nacional de las Artes.
Su obra dramática ha sido editada y representada en diferentes partes del mundo. Como actriz, ha participado en obras teatrales y películas bajo la dirección de artistas de gran trayectoria. Maestra de actores y drama- u
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turgos, dicta talleres en Colombia, Uruguay y España. Publicó varios artículos en libros sobre el quehacer artístico y pedagógico. Recibió diferentes premios y nominaciones como actriz, directora y dramaturga: Premio Konex, Premio Trinidad Guevara, Premio Teatro XXI, Premio Teatro del Mundo, Premio Constantini, Premio María Guerrero. Premios Sur.
Pundonor, monólogo que escribió e interpreta, lleva ocho exitosas temporadas y ediciones en Argentina y España, premios en varios rubros y giras nacionales e internacionales. Sus últimos trabajos como directora en Argentina fueron “Una casa llena de agua” de Tamara Tennebaum protagonizada por Violeta Urtizberea, “La Madre” de Florian Zeller protagonizada por Cecilia Roth, Gustavo Garzón, Martín Slipak y Victoria Baldomir. En la actualidad está en cartel su puesta de Prima Facie de Suzie Miller interpretada por Julieta Zilberberg.
Nick Hornby
Nació en Maidenhead, Reino Unido, en 1957. Se crió en una familia de clase media-alta inglesa. Al terminar la primaria estudió Literatura inglesa y al finalizar su Licenciatura en la Universidad de Cambridge fue profesor de inglés a la vez que escribía artículos y críticas musicales.
Sus novelas se caracterizan por el tratamiento de las relaciones humanas, de una manera realista
pero tierna. Sus protagonistas son antihéroes, desde el punto de vista de que son en cierto grado, algo mezquinos, cobardes y egoístas, aunque sean buenas personas
La obra de Hornby aborda con frecuencia la música, el deporte y la naturaleza obsesiva y sin rumbo de sus protagonistas. Ha recibido dos nominaciones al Premio Oscar como mejor guion adaptado por An Education (2009) y Brooklyn (2015)
Varias de sus novelas han dado el salto del papel al cine. En 1997 Nick Hornby escribió el guion para la adaptación de su novela Fever Pitch protagonizada por el británico Colin Firth. En el 2000 no participó de la adaptación de High Fidelity protagonizada por John Cusak. Después del éxito de esta película About a Boy fue estrenada en el 2002 con Hugh Grant en el papel protagónico. Finalmente A Long Way Down
fue estrenada en 2014 con Pierce Brosnan y Toni Colette en los papeles principales
Entre sus novelas se encuentra Alta Fidelidad (1995); Un niño grande (1998); Un largo camino hacia abajo (2005); Julieta, desnuda (2014) y Estado de la unión (2019). Sus obras gozan de gran popularidad en el Reino
Unidos y EEUU.
FICHA TÉCNICA
El ESTADO DE LA UNIÓN
Autor - Nick Hornby
Versión - Andrea Garrote y Gonzalo Heredia
Ana Laura - Eleonora Wexler
Matías - Gonzalo Heredia
Dirección - Andrea Garrote
Asistente de dirección - Luna
Pérez Lening
Diseño de escenografía - Rodrigo González Garillo
Diseño de IluminaciónAgnese Lozupone
Diseño de Vestuario - Betiana Temkin
Asistente de vestuario - Daniela Dearti
Fotografía - Alejandra López
Diseño Gráfico - Martín Gorricho
Prensa - SMW
Comunicación en redes - Bushi contenidos
Producción ejecutiva - Barbara Rapoport y Luciano Greco
Producción General - Sebastián Blutrach
SMW -ASESORES DE PRENSA
FB: smwpress
TW / IG: @smwpress
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Tras su paso por el Festival Santiago a Mil en Chile llega
El trabajo de Federico León
De Chile a Portugal, con escala en el Abasto: vuelve El trabajo, de Federico León
Tras su paso por el Festival Santiago a Mil en Chile y antes de presentarse en el FITEI de Portugal, la obra de Federico
León regresa a la sala ZELAYA del Abasto para una temporada especial en marzo y abril. En El trabajo, el dramaturgo toma como punto de partida los talleres que dicta desde hace quince años y somete su propia práctica al escenario, incluyéndose como intérprete junto a Santiago Gobernori y Beatriz Rajland. Las funciones comenzarán el viernes 6 de marzo, con presentaciones los viernes y sábados a las 20 h, en ZELAYA (Zelaya 3134, Abasto).
SINOPSIS
Ariel Vaccaro
observación el grupo se entrega a un trabajo de autotransformación.
En este laboratorio en los bordes de la teoría-práctica y la prácticateórica, los resultados son tan imprevisibles como brutales.
FICHA TÉCNICA ARTÍSTICA
Iluminación:
Alejandro Le Roux
Asistencia de iluminación: Leandro Orellano
Asesoramiento coreográfico: Luciana Acuña
Casting: María Laura Berch
Diseño gráfico: Juan Francisco Reato
Fotografía: Wo Portillo del rayo
Prensa:
Marisol Cambre
Distribución: Carlota Guivernau y T4
Producción:
Melisa Santoro y María La Greca
Dirección: Federico León
El trabajo pone en escena a un grupo de participantes de un taller en busca de una forma de experimentación radical. Matías, Marian y Dina aplican una serie de reglas, acuerdos, mandamientos y protocolos estrictos.
Prácticas, autodisciplina y accidentes. Apego y desapego, penitencias y licencias. Atravesar pruebas temerarias sin medir las consecuencias, experimentos que no se sabe cómo o dónde van a concluir. Bajo un constante estado de disciplina y
Autoría: Federico León
Actúan: Santiago Gobernori
Beatriz Rajland
Federico León
Asistencia de dirección: Carla Grella
Asistencia de sala: Camila Azucena Blander
Vestuario: Paola Delgado
Música: Diego Vainer
Escenografía y utilería:
El trabajo es una producción de ZELAYA en coproducción con Paraíso Club.
Con el apoyo de FITEI, FITLO y Carlota Guivernau SL.
FUNCIONES:
Viernes y sábados a las 20 horas
Zelaya 3134, Abasto
Duración: 60 minutos
Entrada: $28.000
Hasta el 25 de abril
PRENSA
Marisol Cambre
prensa@marisolcambre.com.ar
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ESTRENA “DERRAME”
de Susana Torres Molina
Una obra íntima sobre el amor, la amistad y los miedos que atraviesan la convivencia.
Estrenó Derrame, de la reconocida dramaturga argentina Susana Torres Molina, una propuesta del teatro independiente que pone en escena un encuentro íntimo y desafiante entre cuatro personajes atravesados por el amor, la amistad y el miedo a la soledad.
Una obra de living sin el living. Un lugar para escuchar el
soliloquio de los otros. Un espacio para sorprendernos con pensamientos audaces. Derrame de ideas con giros y con calma. 4 almas en el camino de la vida. Dos parejas amigas y algo más. Como es el amor cuando los otros son amigos, cómplices, elegidos.
Derrame es un intercambio de pensamientos teatrales y un solo encuentro.
La vida pasa mientras nosotros pensamos en…
En ese único encuentro, lo cotidiano se vuelve extraordinario y la palabra toma el centro de la escena. Las relaciones se ponen en tensión, las certezas se agrietan y el pensamiento se desborda.
Un examen sin resultados. Cuando más te quiero más
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quiero a mi marido.
Nadie se salva de ser combustible.
Tengo miedo.
La convivencia da miedo. La soledad no siempre es bienvenida.
Me gusta cuando callas.
Cuatro intérpretes —Gonzalo
Martínez Castro, Julieta Bottino, Daniela Caldora y Ulises Attadia— asumen un desafío actoral que expone contradicciones, deseos y temores en un contexto donde lo íntimo dialoga con lo social.
Derrame es un desafío entre cada uno de los actores.
El país bajo los efectos de un
tsunami y nosotros hablando de amor.
Derrame de sueños y esperanzas.
A seguir, siempre a seguir.
Con dirección de Roberto Aguirre y arte de Martín Hoffmann, la puesta propone un espacio cercano, casi confidencial, donde el público es testigo de un intercambio profundo y actual que interpela desde la sensibilidad y la reflexión.
FICHA TÉCNICA
Derrame, de Susana Torres Molina
Dirección:
Roberto Aguirre
Actúan: Gonzalo Martínez Castro, Julieta Bottino, Daniela Caldora y Ulises Attadia
Arte: Martín Hoffmann
FUNCIONES:
Teatro Repertorio
Melo 1756, Vicente López
Sábados – 21:30 h.
Entrada general: $20.000
Estudiantes y jubilados: $15.000
Promo 2 x $35.000
Reservas: 11 7110 1756
PRENSA cygprensa@gmail.com
ESTRENO “COMERSE UN HIPOPÓTAMO”
de Víctor E. Chacón – Teatro Polonia
Se estrenó el pasado viernes 20 de marzo a las 22:30 h en Teatro Polonia (Fitz Roy 1475, Palermo – CABA)
Víctor E. Chacón autor de obras como Tracción a sangre (porque así se mueve el mundo), Surinam (porque algo hay que comer) y Coto de caza, Chacón ha construido una dramaturgia atravesada por el humor incómodo, el imaginario animal y una mirada crítica sobre los mecanismos de poder y supervivencia. Sus textos han realizado temporadas en Buenos Aires, La Plata y Madrid, con
giras nacionales y participación en fiestas regionales y nacionales de teatro. Egresado de la Escuela de Teatro de La Plata y Profesor de Letras por la UNLP, combina escritura, dirección y docencia (ETLP, UNA, EMAD), consolidando un recorrido artístico y pedagógico sostenido en el tiempo.
En Comerse un hipopótamo, Chacón vuelve a desplegar su sello autoral:
No hay comida. Hay toque de queda.
Y en el patio, un hipopótamo.
En un futuro donde el hambre está regulada por el gobierno y la vida es vigilada, un hotel se convierte en territorio de tensión moral. Una recepcionista, dos huéspedes y una funcionaria gubernamental enfrentan una investigación por un presunto caso de autofagia —la práctica de comerse a uno mismo—.
Lo que comienza como un trámite administrativo deriva en una situación límite: cuando no queda nada para comer, ¿qué estamos dispuestas a sacrificar?
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Entre la sátira y la distopía, la obra tensiona los límites éticos del consumo y expone, con ironía y crudeza, las lógicas del control social.
Protagonizan Pilar Rodríguez
Rey, Luciana Maquez, Evelyn Herberg, Carolina Erlich y Floriana Tortone Silva.
FUNCIONES:
COMERSE UN HIPOPÓTAMO
Teatro Polonia
Fitz Roy 1475, Palermo – CABA (@poloniateatro)
Viernes 22:30 h
Entradas: $18.000
Venta: Alternativa Teatral
Duración: 55 minutos
FICHA TECNICA
Actrices:
Pilar Rodriguez Rey @pilar.
rodriguezrey
Luciana Maquez
@lucianamaquez
Evelyn Herberg
@evelynherberg
Carolina Erlich
@caroerlich
Floriana Tortone Silva
@floritortone
Vestuario:
Kitty Di Bartolo
Maquillaje:
Mariana Martinez
Realizador:
Esteban Fernandez
Escenografía:
Lucia Otaño
Músico:
Beto Bit
Asistente de dirección:
Floriana Tortone Silva.
Dramaturgia y Dirección:
Victor Edgardo Chacón
@victoredgardochacon
VÍCTOR EDGARDO CHACÓN
Víctor Edgardo Chacón es dramaturgo, director, escenógrafo y docente.
Egresado de la Escuela de Teatro de La Plata y Profesor de Letras por la UNLP, ha desarrollado una trayectoria que cruza escritura, puesta en
escena y formación académica.
Sus obras —entre ellas Tracción a sangre (porque así se mueve el mundo), Surinam (porque algo hay que comer) y Coto de caza— exploran con ironía y crudeza los mecanismos de poder, la violencia social y las lógicas de supervivencia. Sus textos han tenido temporadas en Buenos Aires, La Plata, Madrid y giras nacionales, además de participación en fiestas regionales y nacionales de teatro. u
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Publicó los libros Justicia divina para los sapos, El equilibrio de los renacuajos, 250° a la sombra y Biología de la crueldad infantil.
Su dramaturgia se caracteriza por un humor incómodo, un imaginario animal y una mirada política que tensiona lo cotidiano hasta volverlo inquietante. Actualmente se desempeña como docente en la ETLP, la UNA y docente en la EMAD.
CAROLINA ERLICH
Actriz, titiritera y productora, egresada de la Escuela Taller de Titiriteros del Teatro San Martín (Ariel Bufano). Con una extensa trayectoria en teatro, televisión y producción, integra desde sus
inicios el Grupo de Títeres El Bavastel.
Ha trabajado en cine (El Cazador), televisión infantil (Pakapaka, Disney Channel) y múltiples campañas audiovisuales. En teatro participó en obras dirigidas por Carlos Ianni, Jorge Gaggero y Ricardo Bartis, entre otros.
También desarrolla su trabajo como cantante e intérprete en proyectos audiovisuales y teatrales.
PILAR RODRÍGUEZ REY
Actriz, bailarina, cantante y locutora nacional con una sólida trayectoria en teatro musical y teatro independiente. Ha
participado en producciones como María es Callas, Hair, Cachafaz, Pimpinela, la familia y La versión infinita, entre muchas otras.
Nominada en varias oportunidades a los Premios Hugo y ganadora junto a sus elencos de Premios Hugo y Estrella de Mar, combina formación actoral con entrenamiento en danza y canto.
Desde 2008 también se desempeña como docente.
LUCIANA MAQUEZ
Actriz, clown, bufón y profesora de esferodinamia. Con más de diez años de trabajo en el dúo de payasas “Club del Juego”,
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desarrolla su labor artística en festivales, eventos culturales y producciones teatrales.
Entre sus trabajos recientes se destacan Comifusas, Vínculos y Sencillo Complicado, bajo dirección de Daniel Casablanca, y participaciones en Microteatro y producciones televisivas para Telefe.
Su recorrido combina teatro físico, humor y trabajo social.
EVELYN HERBERG
Actriz, locutora y actriz de doblaje formada en el ISER y en actuación con Alejandro Catalán. Participó en producciones teatrales como Juegos a la hora de la siesta y en experiencias de Microteatro.
En audiovisual trabajó en series como El Eternauta, Apache y Los Internacionales, además de publicidades y videoclips. Complementa su formación con estudios en dramaturgia.
FLORIANA TORTONE SILVA
Actriz y profesora de teatro egresada de la Escuela de Teatro de La Plata. Integró el Elenco Estable “La Casa”, con participación en festivales nacionales e internacionales como Entepola Chile y Jujuy.
Entre sus trabajos destacados se encuentran Memoria Activa, Políticamente Sociales y Ensalada de Monstruos.
También dirigió Mala Muerte de Sonia Daniel.
En Comerse un hipopótamo se desempeña como actriz y asistente de dirección.
ALEJANDRO STILMAN
Escritor y periodista. Entre algunos medios, Tiempo Argentino (primera época), Sur, Clarín. Revistas Gente, Siete días, Editorial Planeta, Eroticón, El Periodista, Radio Rivadavia, Radio Argentina, Radio Perfil,
Literatura:
Publicó: Caballos desbocados (novela)
La noche del reloj solar (novela). Acá, allá, más allá (Premio Literario de la Provincia de Córdoba, cuentos, 2011). Extraños de ánimo (Premio de Cuento Caza de Letras, UNAM, México, 2012).
El mundo es nuestro, 2014, Premio Julio Cortázar Casa
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de las Américas e Instituto
Cubano del Libro, publicado por Letras del Sur. Escrito al pie del acápite, cuentos, 3er premio del Fondo Nacional de las Artes 2015, Letras del Sur. Los siete de la puerta (novela), finalista del Premio Nadal de Novela 2016.
Teatro:
Colectivo errante por ciudad desierta, teatro, estrenada en 2013, autor y codirector.
El trámite (una sociedad más segura), teatro, estrenada en 2017 y repuesta en 2019. Cinco días que conmovieron al Río de la Plata, guión histórico, radio-teatro, emitido en 2021 por Radio Nacional de Argentina. Segundo Premio de la Bienal Internacional de Radio (México.)
El último Idolo. Radio Teatro Radio Nacional.
TEHAGOLAPRENSA
https://www.tehagolaprensa. com.ar/blog/
Víctor Edgardo Chacón y Kitty Di Bartolo.
ESTRENO! RESTORÁN
Dramaturgia: Manuela Amosa - Dirección: Verónica Mc Loughlin
En el depósito de un restorán, sus empleados, Rosa, Claudio, Pepo y Martín, van a descansar durante el servicio, lejos del encargado y la dueña. Pronto será la presentación de la nueva carta. En medio de la vorágine de la noche
y los preparativos para la degustación, descubren que Rosa necesita ayuda.
Una obra sobre el trabajo como lugar de encuentro, la risa como antídoto y los compañeros como refugio
FICHA TÉCNICA:
Dramaturgia: Manuela Amosa
Elenco: Manuela Amosa, Matías
Corradino, José Escobar, Romeo Prioriello
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Iluminación:
Manon Minetti
Música y diseño sonoro:
Nicolás Diab
Escenografía y vestuario:
José Escobar
Diseño gráfico:
Julia Ferrando
Fotografía:
Lina Etchesuri
Redes:
Juani Romero y Debora
Longobardi
Prensa:
Natalia Bocca
Producción:
Manuela Amosa, Facundo
Galli, Verónica Mc Loughlin
Coproducción:
Moscú Teatro
Asistencia de dirección:
Facundo Galli
Dirección:
Verónica Mc Loughlin
FUNCIONES:
Viernes a las 20:30h.
Moscú Teatro
Ramírez de Velasco 535. CABA
Entrada General: $25.000
Estudiantes y Jubilados: $20.000
A la venta en boletería del teatro o por Alternativa Teatral
Duración: 65 minutos
SOBRE LA DRAMATURGA Y ACTRIZ
Manuela Amosa
Actriz, dramaturga y docente. Es profesora de teatro recibida en COSATYC en 2013. Es recibida en la Diplomatura en Dramaturgia (UBA). Se formó como actriz en Andamio 90, Cristina Banegas y Juan Carlos Gené.
Entre sus trabajos como actriz se encuentran “El amor es un bien”, participante de diversos festivales nacionales e internacionales, con la autoría y dirección de Francisco Lumerman, “Nora” versión de Casa de muñecas, escrita y dirigida por Adriana Roffi, “En busca de un mito que me salve” de su autoría con dirección de Ana Scannapieco, “La niña vergüenza” de su autoría
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con dirección de Tamara Kiper, entre otras.
Como docente trabaja en diversas instituciones, entre ellas, en Moscú Teatro Escuela dando talleres de actuación y taller montaje.
SOBRE LA DIRECTORA:
Verónica Mc Loughlin
Actriz, dramaturga y directora. Egresada del IUNA (hoy UNA) y de la Diplomatura en Dramaturgia (UBA). Estudió pedagogía teatral con Raúl Serrano, puesta en escena con Rubén Szuchmacher y dramaturgia con Marcelo Bertuccio.
Escribe y dirige sus propias obras: Pica Pica bajada cordón, Voto de Silencio, No duerme, La boticaria, Zona de humo, A Dancy, Hasta el martes, entre otras. Ha dirigido también obras de otros autores. Algunas de las obras que escribió fueron ganadoras de diversos concursos y otras están publicadas.
Recibió el premio S2009, obtuvo la Beca Creación 2019 del FNA, fue jurado de concursos de dramaturgia y participó de festivales nacionales e internacionales.
Desde hace más de 15 años trabaja como docente de actuación en instituciones públicas, privadas e independientes. Dicta talleres de dramaturgia individuales y grupales.
PRENSA
Natalia Bocca nataliabocca@gmail.com
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ESTRENO 7 DE ABRIL
"Temer Partir" La nueva obra de Cecilia Meijide
El 7 de abril a las 21 h estrena Temer partir, la nueva obra de la elogiada directora y dramaturga Cecilia Meijide, en NÜN Teatro Bar (Juan Ramírez de Velasco 419, CABA).
Con las actuaciones de Paula Staffolani y Nacho Ciatti, la obra expone la intimidad de una pareja durante una madrugada sofocante en Buenos Aires. En la habitación donde transcurre la acción, los intérpretes desnudan la cotidianidad del vínculo y revelan, a través del diálogo, las tensiones que habitan en lo aparentemente trivial y/o cotidiano.
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Una pequeña discusión doméstica —sobre el uso del ventilador en una noche de calor agobiante— mantiene a los protagonistas despiertos durante toda la noche. A partir de ese incidente mínimo, la conversación deriva hacia preguntas más profundas sobre el amor, la convivencia y la fragilidad de los vínculos humanos.
La punzante dramaturgia de Meijide construye un intenso duelo verbal que expone la desintegración de la pareja al poner en palabras miedos, inseguridades y deseos largamente silenciados. Lo
cotidiano se vuelve así el territorio donde emergen tensiones acumuladas que han crecido con el tiempo.
Bajo el pretexto de una situación casi banal, Temer partir indaga en las fisuras invisibles de la vida en común. Temas aparentemente menores —como el ahorro, la conciencia ecológica o el valor del dinero— revelan conflictos más profundos: la dificultad de comunicarse, el temor a la pérdida y la necesidad de ser escuchado.
Sobre el proceso de escritura, la autora señala: “Me interesaba
situar la acción en el presente absoluto del diálogo, utilizando la palabra para diseccionar la pareja. Quería indagar en la propia naturaleza del vínculo: qué es lo que lo sostiene y qué es lo que, sutilmente, termina por desarticularlo”.
FUNCIONES:
Estreno Abril 7, 21h
NÜN TEATRO BAR
Juan Ramirez de Velasco 419, Villa Crespo – CABA.
Funciones: martes de abril y mayo a las 21h.
Localidades $25000 (General) $20000 (Jubilados) disponibles en Alternativa Teatral. Duración: 50 minutos.
FICHA ARTÍSTICA
Intérpretes:
Nacho Ciatti, Paula Staffolani
Vestuario: Laura Staffolani
Escenografía: Santiago Badillo
Iluminación: Santiago Badillo
Fotografía: Andrea Vigano
Supervisión dramatúrgica:
Nacho Ciatti
Gráfica:
Barbi Delfino
Comunicación y prensa:
Cecilia Gamboa
Asistencia de dirección:
Cintia Zaccolo
Producción ejecutiva:
Cintia Zaccolo
Dramaturgia y dirección:
Cecilia Meijide
Cecilia Meijide
Es egresada de la EMAD de la carrera formación del actor. Es egresada de la Diplomatura en Dramaturgia del Centro Cultural Paco Urondo, U.B.A.
Escribió y dirigió las obras Cactus orquídea, No dejes de hablarme, Adiestramiento para no volar, Ahorrar, temer, partir, Alberta entre las enredaderas, El amor es una mierda, Aletta Jacobs, pionera y Las cosas de Mabel. Por Cactus orquídea recibió los premios Trinidad Guevara y María Guerrero en el rubro “Revelación”, y la nominación al premio Florencio Sánchez en el mismo rubro.
También dirigió Medea de Eurípides, La fuerza de la imaginación de Cassio Pires, Asteroide, fin de un mundo imposible de María Zubiri para Cervantes online, Alicia confusión de Juan Ignacio Fernandez, Segunda naturaleza de Pipsa Lonka para Festival Plataforma Fluorescente y Memorias de una maga de Leni González. Como actriz trabajó en Exhibición y desfile, Símil piel y Estado de ira de Ciro Zorzoli; Los ciegos y Asilo para que vuelvas de Nacho
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Ciatti; Rod Mubi de Sebastián Suñé y Por la sombra de Carla Maliandi.
Dicta clases de actuación y dirección de actores en talleres privados y en el Instituto de Cine Contemporáneo dentro de la Tecnicatura Superior en Realización en cine, televisión y video.
Nacho Ciatti
Actor, autor y director. Formado en la EMAD de Buenos Aires en las carreras de Dramaturgia y Actuación. Completó sus estudios junto a grandes maestros como Matías Feldman, S. Nachmanovitch, Bob Wilson, Eugenio Barba, y Frank Castorf. En 2003 crea el grupo de investigación teatral EL ENSAMBLE ORGÁNICO. En 2012 recibe el premio TRINIDAD GUEVARA, revelación masculina, por su labor como autor/director del espectáculo ALEMANIA (primera parte de la Trilogía de los Países). En 2019 es seleccionado como uno de los diez dramaturgos emergentes argentinos por el festival Tintas Frescas en el TNC e invitado como dramaturgo internacional con su obra POLONIA (segunda parte de la Trilogía de los Países) al festival francés La Mouson d’ été. Fue el encargado junto a Daniel Herz de la puesta local de EL HIJO ETERNO protagonizada por Michel Noher, así como de la adaptación escénica (nominada a los premios ACE y ESTRELLA DE MAR como mejor unipersonal, Premios TEATRO DEL MUNDO mejor versión escénica). Su u
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puesta de LO SALVAJE (de Mariana Silva) participó del III Festival Internacional de Dramaturgia, XII FIBA, Fiesta de las Artes de Medellín y del Festival de Teatro Sala de Parto (LIMA, PERÚ). Desde el año 2017 ha realizado numerosas y variadas puestas para Microteatro® Buenos Aires (algunas de ellas representadas en Microteatro Lima, Microteatro Santo Domingo y Microteatro Madrid). En 2024 escribe (y forma parte del equipo de dirección y producción)
CAER Y LEVANTARSE, unipersonal protagonizado por Luciano Castro, ganador del Premio Estrella de Mar a mejor unipersonal y nominado a los premios Martin Fierro de Teatro.
Paula Staffolani
Egresó de la carrera de actuación en Escuela de Arte Dramático de Avellaneda, y continuó su formación con Ricardo Bartis, Claudio Goetbeter, Valentin Tepliakov (Director de la Escuela
Rusa de Arte Dramático), Eduardo Gondel, Pepe Bove, Elio Gallipoli y Marisa Salas (Técnica Suzuki)
En dirección y Puesta en Escena, con Ricardo Bartis (becada por el INT en1992), Entrenamiento Físico con Luciana Acuña, Roberto Paredes (Yoga Antiguo) Cursó la carrera de Pedagogía teatral en el IUNA, y Artes Combinadas en la UBA.
Sus últimos trabajos en TEATRO incluyen, Ejercicio para un Mujer y un Puma y About the Campo (Teatro El Piccolino en BA, Festival Jaén Subalterna, Jaén ESP, Festival de Teatro Alternativo de Valencia , ESP y festival de Danza Teatro de Resistencia, Chaco)
Tan Callando, dramaturgia y dirección de Martin Otero (Sala La Colada),
Con la CIa Patrika en Casting 1, 2 y 3 (solo para niños Prodigio), Fotochou 45 y El último día que Maite nos dijo Adios, con dramaturgia y dirección de
Santiago Calvo. Bodas de Sangre d FG Lorca, con dirección de Marisa Salas, Las Criadas de J Genet con dirección de Graciela Serra, Panorama desde el Puente de A Miller, con dirección de Pepe Bove, De Padres, Hijos, Demonios y Fantasmas de Gustavo Bove Bonnet.
En CINE, El Hada Buena, una fábula peronista, de Laura Casabé (largom 35 mm en pre prod), y los cortometrajes Kallamek (digital Dir Mariana Gavicagoxeascoa) y Sellado al Vacío (16 mm Dir Emmanuel Pascual)
Dicta clases de actuación a nivel privado, en cursos de extensión universitaria de la UBA y la UTN, y en el Proyecto CPAs de la Subsecretaria de Prevención de Adicciones del Ministerio de Salud de la Pcia de Bs As.
PRENSA
Cecilia Gamboa
Comunicación & Prensa info@ceciliagamboa.com.ar
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Un sainete criollo al ritmo del freestyle - Versión libre del sainete
LOS ESCRUCHANTES
de Alberto Vaccarezza (1911)* de Sonia Novello y Marcelo Valerga
Cinco pibes criados en los monoblocks de Lugano supieron ser una inquebrantable banda de amigos. Compartieron familias, meriendas y potreros. Ya adolescentes: ranchadas, alcohol y hurtos a casas vacías (escruches) … Solo uno se enamoró para siempre, pero de la chica de la pandilla y esto motivó la enemistad que los dividió.
Ahora son jóvenes delincuentes y llega la hora de la revancha: Hay violencia pero quizás... ¿un freestyle podrá resolverla? ... porque si el choque de los cuerpos es cruento, más puede ser el de las palabras...
¡¡¡ Aguante Lugano perro !!! … y ¡el amor ! ahre
Actúan:
Ezequiel Baquero
Martin Lopez Lacci
Agustín Peralta Pando
Julia Perez Ortego
Camila Robles
Diseño y realización de escenografía
Marcelo Valerga
Vestuario, realización de escenografía y coreografía:
Silvina Zorzoli
Iluminación: Marcelo Valerga Fotografia.
Eloy Rodriguez Tale
Dirección general: Marcelo Valerga
FUNCIONES: Domingos 18 h.
Teatro: LA CARPINTERÍA
Jean Jaurès 858
Entradas en Alternativateatral
*Escruchantes ATR ( A todo Ritmo) es una versión libre del sainete LOS ESCRUCHANTES, de Alberto Vaccarezza (1911) del cual se conservan algunas características propias del género como lo popular, el humor , el melodrama, la interculturalidad y canciones afines.
La dramaturgia y puesta en escena fue supervisada por Alfredo Allende y Mariano Calligaris en el marco del Laboratorio de Teatro Alterado realizado en la Dirección
General de Enseñanza Artística DGEART, durante 2024.
PRENSA: Sonia Novello soniaveronovello@gmail.com
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CARNELLI: ALGO QUE TIEMBLA CEDERÁ
La primera letrista de tango
con Patricia Malanca en el rol de María Luisa Carnelli
Esta pieza teatral se inspira en la vida de María Luisa Carnelli, quien bajo seudónimos de varón fue letrista para compositores como Filiberto y De Caro, con temas interpretados por Carlos Gardel y Azucena Maizani, entre otras figuras.
Ambientada en la bohemia de los años 30 y las redacciones de Crítica y Caras y Caretas, la obra -con Patricia Malanca encarnando a María Luisa- y con el aporte de la periodista Nora Veiras en escena, recorre su
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transición de una vida burguesa a la militancia comunista, su labor como corresponsal en la Guerra Civil Española — donde fue amiga de Antonio Machado— y su vínculo con artistas como Siqueiros y Diego Rivera. A través de un formato documental periodístico, música en vivo y ficción testimonial, se rinde homenaje a una mujer fundamental para la cultura y la lucha social.
Ficha técnico artística de la obra
Protagonista (Intérprete):
Patricia Malanca
Lecturas e intervenciones periodísticas: Nora Veiras
Dirección: Marina García
Guitarras: Lucie Delahaye y Andrea Zurita
Asistencia de Dramaturgia: Manuel Santos Iñurrieta
Asistencia de Dirección: Andrea Malanca
Asistencia en Visuales: Marina García
Fotografía: Elizabeth Carretti
FUNCIONES:
2 y 9 de abril a las 20h. Centro Cultural de la Cooperación (CCC). Av. Corrientes 1543, CABA.
Sala Raúl González Tuñón Duración: 60 minutos
ACERCA DE PATRICIA MALANCA
Patricia Malanca es cantautora e intérprete de tango, referente del género en la actualidad. Es licenciada en Psicología por la Universidad de Buenos Aires y magíster en Gestión Pública por FLACSO. Su formación académica se complementa con una trayectoria en la gestión cultural, habiendo ejercido como Directora de Cultura de la Legislatura porteña entre 2011 y 2016.
A lo largo de su trayectoria, ha sido galardonada con el Premio Gardel 2022 por su potente obra „Otra Chica Muerta“ y ha recibido una nominación a los Latin Grammy por su álbum Bucles. Su discografía destaca por la innovación y el cruce cultural, desde el proyecto Grecotango en Grecia hasta su tributo a Silvio Rodríguez (Tangueando a Silvio Rodriguez) presentado en Cuba. Reconocida por instituciones como Ibermúsicas, Mecenazgo e INAMU, Malanca ha llevado su arte a escenarios internacionales en Asia y Oceanía, consolidándose como una referente que renueva el género a través de composiciones
propias y colaboraciones con grandes figuras de la música popular. Su versatilidad la ha llevado también a la conducción televisiva (programa Gotan Tropic en Urbana TeVe),reafirmando su compromiso con la identidad y la producción artística nacional.
ACERCA DE NORA VEIRAS:
Nora Veiras es una periodista argentina que se desempeña actualmente como directora periodística del diario Página/12 . Es Magíster en Ciencias Sociales con orientación en Educación por la FLACSO Argentina. Su trayectoria en medios gráficos incluye más de 30 años en Página/12, donde ingresó como redactora especializada en educación y política nacional. En televisión, integró el panel del programa de análisis político 6, 7, 8 en la TV Pública entre 2009 y 2015. En radio, condujo programas en Radio Nacional —donde obtuvo el Premio Éter— y actualmente lidera espacios en la emisora AM750. En 2023, fue distinguida con el Premio
Arturo Jauretche por su labor en el pensamiento nacional y el periodismo.
ACERCA DE MARINA GARCIA
Marina García es una actriz, directora y dramaturga argentina, integrante fundamental del grupo Internacionales Teatro Ensamble.
Su trayectoria fue consagrada en 2023 al recibir el Premio Luisa Vehil como Mejor Actriz de Reparto por su labor en Los Minimax y el cazador de talentos. Con formación integral en el circuito independiente porteño, ha liderado proyectos como Redes (dirección y texto) y participado en piezas de relevancia crítica como Buenos Aires Épica, La Tempestad y Fidel-Fidel. Su perfil técnico destaca por la versatilidad, desempeñándose simultáneamente en diseño de vestuario, asistencia de dirección y gestión escénica en espacios de referencia como el Teatro Ciego y el centro cultural La Pausa.
Ana Garland Management anagarland@gmail.com
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YA COMEREMOS FAISÁN
de Gabriela Romeo. Dirección: Daniel Marcove
Arturo, Carolyn, Débora y Lindo integran una compañía de teatro de muy bajos recursos. Un empresario, Rolo Cepillo, al que nunca le vieron la cara, los lleva de gira sin cumplir las condiciones prometidas. Arturo, delegado del grupo, fue el contacto. Han quedado varados en el medio de la nada bajo una tormenta de nieve. “... ¿dónde estaremos?” No saben. Las ilusiones, el deseo y la potencia de los sueños; los sostiene. “Los actores un día comemos faisán y otro día comemos las plumas”, afirma Arturo. Hambre, frío, desolación.
Realidad y representación... Y a pesar de todo: el amor. Milagros subrepticios y Meyerhold en un salto de tiempo, serán decisivos.
FICHA TÉCNICA
Actúan:
Hugo Cosiansi, Gabriela Romeo, Toto Salinas y Camila
Truyol Dirección:
Daniel Marcove
Dramaturgia:
Gabriela Romeo
Diseño de escenografía y vestuario:
Alejandro Mateo
Música original: Sergio Vainikoff
Diseño de luces: Miguel Morales
Asesoramiento de movimiento: Karina Olmedo
Fotografía: Gianni Mestichelli
Arte Gráfico: Nahuel Lamoglia
Difusión:
¡Viva El Teatro!
Producción: Ya comeremos faisán.
Asistencia de producción: Lucas Matey
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Asistencia de Dirección:
Marta Barnils
PALABRAS DEL DIRECTOR
La elección de «Ya comeremos faisán” de Gabriela Romeo, tiene que ver, esencialmente, con que es una alegoría sobre la cultura y, particularmente, del arte, en nuestro país.
Desde la puesta en escena, la vibrante teatralidad del material invita a un universo expresivo donde el humor y la emoción conviven y protagonizan una atmósfera poética. Desde ella, las actrices y los actores germinan un electrocardiograma, tan frágil y a la vez tan poderoso, tan tierno y a la vez tan feroz. El rito teatral tiene como uno de sus imprescindibles protagonistas al público, sin distinción de ningún tipo.
Confiamos en que el espectáculo resuene como una defensa del latido cultural, que vive en la memoria, en las expresiones que definen la identidad más profunda de una sociedad y, sobre todo, en el corazón de la gente. Mientras exista un pueblo que recuerde y cuente su historia, que hable su lengua, que cante, que baile, que vaya al Teatro; la Cultura de un
país es indestructible. Daniel Marcove
SOBRE GABRIELA ROMEO
Gabriela Romeo es actriz, dramaturga, directora, guionista y docente en castellano y Literatura. Se formó con Helena Tritek, de quien fue su asistente de dirección en varias obras, entre ellas, la multipremiada“Venecia” de Jorge Accame. Sus maestros también: Ricardo Bartís, Alejandro Catalán, Claudio Tolcachir, Guillermo Cacace, Mauricio Kartun, Ariel Barchilón, Ricardo Monti, Patricio Vega, Liliana Flores, Carlos Demartino. Publicó su libro “Poética de la imagen.Entremundos” con la supervisión dramatúrgica de Ricardo Monti. Premiada por Argentores, TBK y Certamen Internacional para Países de Habla Hispana “Cenital”. Fue dirigida por Helena Tritek, Daniel Marcove, Maruja Bustamante, Ana Padilla, Raúl Shalom. Produce y conduce “¡Viva el Teatro!” por Radio Zónica, .
SOBRE DANIEL MARCOVE
Daniel Marcove es actor, director y docente. Desde su primer trabajo
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en 1976 ha estrenado más de un centenar de espectáculos, con importantes autores, directores y actores de nuestro quehacer teatral. Ha sido jurado del INT, Proteatro, Fondo Nacional de las Artes, Fundación del TGSM, y de numerosos festivales. También formó parte de la comisión directiva de Teatro Abierto y fue Vicepresidente de la Fundación del Teatro Nacional Cervantes. Con múltiples nominaciones en el país y el exterior, ha obtenido los siguientes premios: ACE, María Guerrero,Leónidas Barletta, Nacional Pepino 88, Florencio Sánchez, Luisa Vehil. ACE y HOLA en New York USA, Florencio en Uruguay y Playhouse en Milán Italia.
FUNCIONES
Las funciones se realizarán en el dependiente del Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini Espacio Experimental Leónidas Barletta VIERNES 20H. en marzo y abril del 2026.
Las entradas en Alternativa Teatral o por el link de Instagram https://www.instagram.com/ yacomeremosfaisan yacomeremosfaisanteatro@ gmail.com
PRENSA Gabriela Romeo gabyaccion@yahoo.com.ar
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Regresa SUTOTTOS AL TEATRO PICADERO con FELIZ DÍA
Feliz día: Mejor obra. Premio del público,
44° edición Festival Vegas
Bajas de España
Mejores actores: Andrés Caminos, Gadiel Sztryk
44° edición Festival Vegas
Bajas de España
Nominado “Mejor espectáculo de humor”
Premios A.C.E 2024-2025
Nominado “Mejor espectáculo de humor
Premios Estrella de Mar 2026
Luego de una exitosa gira por España, Uruguay, presentarse en el teatro Auditorium de Mar
del Plata y realizar una gira por Argentina SUTOTTOS, el dúo teatral que integran
Andrés Caminos y Gadiel Sztryk, regresan en su segunda temporada al escenario del Teatro Picadero (Pje. Enrique Santos Discépolo 1857 – CABA) con la comedia “FELIZ DÍA”, a partir del 21 de marzo de 2026, con funciones los días sábados a las 18 h. Entradas a la venta en www.plateanet.com o boletería del teatro.
SINOPSIS
Feliz día, el nuevo espectáculo
de Sutottos, es una comedia que amplifica y exagera con humor la exigencia permanente por ser felices y disfrutar.
Dos hermanos mellizos viven en la casa de su madre, con quién mantienen un vínculo exageradamente edípico y están por festejar su cumpleaños número cuarenta. Mientras esperan a los invitados, que nunca llegan, podemos ver sus continuos intentos y sucesivos fracasos por lograr ser felices.
En un mundo que tiene como imposición pasarla bien, un
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cumpleaños representa el punto máximo del estado de felicidad.
“Que los cumplas feliz” deja de ser un deseo y pasa a ser una obligación imposible de sostener.
FICHA TÉCNICA
Elenco:
Andrés Caminos, Gadiel Sztryk
Dirección y dramaturgia:
Andrés Caminos, Gadiel Sztryk
Diseño de vestuario:
Analía Cristina Morales
Diseño de iluminación:
Matías Sendón
Diseño de escenografía: Ariel Vaccaro
Diseño de movimiento:
Luciana Acuña
Fotografía:
Pablo Linietsky
Diseño gráfico:
Agustina Contreras
Canciones:
Pablo Viotti, Andrés Caminos, Gadiel Sztryk
Música incidental y diseño sonoro:
Pablo Viotti
Prensa:
SMW asesores de prensa
Asistencia artística y de dirección:
Marianela Faccioli, Manuela Bottale
Producción:
Sutottos y Marianela Faccioli
FELIZ DÍA
TEATRO PICADERO
LAPLATA CABA
FUNCIÓNES: SÁBADO 18 HS
Entradas por Plateanet www. plateanet.com
011 5236-3000 o boletería del teatro
PRENSA
Raúl Casalotti -SMWPress raulcasalotti@smwpress.com
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El regreso a la cartelera porteña del actor Alex Benn junto a Natalia De Cicco en
Si te he visto, sí me acuerdo
De Alex Benn Una comedia romántica para reflexionar
Después de quince años de vivir en Bariloche – donde continuó con el teatro, claro – regresa a los escenarios porteños el actor, director y dramaturgo ALEX BENN que, junto a la actriz, productora y periodista NATALIA DE CICCO, estarán estrenando la comedia romántica “SI TE HE VISTO, SÍ ME ACUERDO” en
El Método Kairós, los sábados a las 18 horas.
¿Se puede volver con una expareja? “Ojo, que el pollo viene con papas” advierte el reconocido psicólogo Gabriel Rolón. ¿Y no se podrá cambiar la guarnición? ¿O con las papas
hacer otra cosa? Si pasó un determinado tiempo, lo más probable es que esa persona ya no sea más la misma. Ni vos tampoco.
Divertida, para reflexionar y emocionarnos. El amor… después del amor. ¿Será posible?
FICHA TÉCNICA
ALEX BENN (Rafa)
NATALIA DE CICCO (Tati)
OSCAR SOUTO (Asistencia de Dirección y fotos)
FABIÁN DÍAZ (Diseño Gráfico)
DUCHE&ZÁRATE (Prensa y
difusión)
ANTONIA BENGOECHEA y AGUSTÍN SUÁREZ (Voces en Off)
ALEX BENN (Dramaturgia y Dirección)
FUNCIONES:
Sábados a las 18 horas
El método Kairós
El Salvador 4530 – CABA
Entradas: $22.000
Descuentos p/ estudiantes y jubilados
A través de ALTERNATIVA TEATRAL
ALEX BENN (Alejandro Jorge
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Bengoechea, su nombre real), nació en Buenos Aires el 16 de diciembre de 1961. Hijo de Jorge Bengoechea (marino mercante) y de Susana Santamaría (ama de casa), es el mayor de cuatro hermanos y el primer artista en su familia. Vivió su infancia en San Fernando, zona norte de Buenos Aires y, en 1978, al terminar 3er. año en el Colegio Nacional de San Isidro, se muda junto a su familia a Brasil. En Río de Janeiro termina el secundario, comienza sus estudios de teatro y se recibe de periodista en la Pontificia Universidad Católica. Se muda a São Paulo, donde trabaja como redactor creativo en la agencia de publicidad DPZ y, al cabo de dos años, se traslada a Los Ángeles, Estados Unidos, para continuar sus estudios de actuación en el Milton Katselas Workshop, adoptando el nombre artístico de Alex Benn.
De vuelta a la Argentina a mediados de 1988, inicia su carrera artística profesional. La película “Ojos Azules” y las publicidades de Quilmes y de Philip Morris (lavadero), lo hacen conocido.
En 2004 se separa de Alejandra Darín y, a fin de año, fallece su hermano Fernando víctima de un tsunami en el Océano Indico. En pareja con Paula Giovannetti, tienen tres hijos y deciden radicarse en Bariloche. A los pocos meses, la relación de siete años llega a su fin. Viviendo en una cabaña en la montaña, sin agua, luz ni gas, reorganiza su vida: retoma el teatro, da clases de actuación e ingresa en la Educación Pública. Durante 15 años, monta obras como “Volvió Una Noche”, “Días Contados”, “Ella en mi Cabeza”, “Rotos de Amor”, “Uno Nunca Sabe”, “Maldita Raya”, “Una Mesa de Tres Patas” y “Pura Ficción”, además de escribir y dirigir la película independiente “Señales de Humo – Cuando el otro importa”.
En 2025, de vuelta en Buenos Aires, comienza a ensayar la comedia romántica “Si te he visto, sí me acuerdo”, de su autoría, para estrenar en El Método Kairós en marzo de 2026 junto a Natalia De Cicco.
En 1990, en la telenovela “Así son los míos” (Canal 13), conoce a Alejandra Darín, con quien estuvo casado 14 años y tuvieron dos hijos. Películas como “Caballos Salvajes” y “Casas de Fuego” sumadas a obras de teatro como “Gente Como Uno”, “Huérfanos” y “Azul Profundo”, consolidaron su trayectoria. Funda los teatros La Guarida y Gargantúa. Programas como “Sin Condena”, “Gasoleros”, “El Sodero de mi Vida” y “Chiquititas Brasil” (hablado en portugués), entre muchos otros, y obras como “Crimen y Castigo”, “Roberto Zucco”, “Bent”, “Macbeth”, “Un Cielo Propio” y “L’América di Severino” afianzaron su recorrido, sobre todo como un gran generador de proyectos independientes.
NATALIA DE CICCO es actriz, productora y periodista argentina con más de tres décadas de trayectoria en teatro, televisión y medios. Comenzó su carrera desde niña y participó en reconocidas ficciones televisivas como Grande Pá!, Máximo Corazón, Sos mi Hombre, Somos Familia, Golpe al Corazón y El Primero de Nosotros, entre otras. En teatro formó parte de numerosas producciones del repertorio clásico y contemporáneo, presentadas en salas emblemáticas de la escena porteña. Tras un período dedicado a la gestión cultural, la producción y el desarrollo de proyectos propios, regresa a los escenarios luego de 13 años, retomando su labor actoral junto a Alex Benn, con quien ya trabajó en las obras La América D’Severino, Argentina Potencia y Robin Hood.
Es fundadora de Guapas Productora, desde donde impulsa y desarrolla contenidos culturales y audiovisuales. Asimismo, desarrolló una activa labor de gestión cultural en la Fundación SAGAI, impulsando contenidos con impacto cultural y comunicacional. Es además creadora, organizadora y productora del Primer Festival de Teatro Clásico Universal, proyecto en el que protagonizó Un marido ideal de Oscar Wilde.
PRENSA
Duche&Zárate
Comunicación + Media walter@duchezarate.com.ar @duchezarate
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REESTRENO SECRETOS DE UN VINCULO
Basada en el libro “Emociones de la Maternidad” de la Doctora Grande
El pasado sábado 21 de marzo reestreno Secretos de un vínculo en Border Teatro, Godoy Cruz 1838, CABA. La obra teatral se basa en el libro Emociones de la Maternidad de la médica psicoanalista Doctora Grande . El trabajo de adaptación del texto se nutre bajo la dirección de Natali Aboud y gran elenco.
Secretos de un vínculo es una obra donde prima lo humano y lo vivencial. La puesta lleva al escenario una mirada profunda y sensible sobre los vínculos en la maternidad, explorando las huellas emocionales que atraviesan un grupo de amigas, ahora madres, antes hijas.
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Se despliegan así, recuerdos, aprendizajes y marcas emocionales que se traducen en acciones. En ese intercambio colectivo, algunas experiencias se ponen en jaque, otras simplemente se observan para comprender mejor el punto de partida.
La Doctora Grande dedicó su vida a trabajar con grupos de crianza y afirma: “La maternidad atravesó mi vida profesional y le dio un rumbo apasionado. Con una lupa me sumergí en el vínculo madrehijo para develar sus inagotables misterios. Durante más de treinta años coordiné grupos de madres que confiaron sus vivencias transformando dudas,
ansiedades y miedos en recursos valiosos que nos enriquecieron para volver al ruedo con más amor y comprensión. De ese camino nació mi libro Emociones de la Maternidad, y hoy esas páginas saltan del papel al escenario: se hacen cuerpo, poesía y teatro en cuatro actrices maravillosas. Porque embellecer cada vínculo amoroso es la mejor manera de celebrar lo humano.”
La obra es interpretada por las actrices Josefina Botto, Jennifer Moule, Bárbara Goldschstein y Emilia Rodríguez Griñó. Cada escena funciona como un laboratorio para imaginar distintas maneras de habitar la maternidad y la familia. En
una puesta donde abunda la belleza y lo sutil, se expresa con claridad la ruptura del paradigma de crianza en solitario para ir hacia lo colectivo. Un grupo de apoyo de mujeres, de escucha, de reparación y descubrimiento mutuo. Un punto de partida para regresar florecidas.
Natali Aboud , directora de la obra, expresa: “El escenario es un laboratorio vivo, un espacio donde las experiencias de la maternidad puedan ser abiertas, miradas y reconstruidas. Lo cotidiano se transforma en materia teatral y, desde allí, ofrecemos una nueva perspectiva para entender nuestras relaciones familiares y repensar la propia infancia. La crianza deja de ser un territorio privado y silencioso, para convertirse en una construcción compartida.
En un contexto donde el ‘lado B’ de la maternidad comenzó a visibilizarse con fuerza, Secretos de un vínculo no solo enriquece esa conversación, sino que también brinda herramientas para atravesar las dificultades con mayor empatía y amabilidad”.
FICHA TÉCNICA:
Elenco:
Josefina Botto, Jennifer Moule, Bárbara Goldschtein y Emilia Rodríguez Griñó
Autora:
Adriana Grande
Escenografía:
Tribu Estudio
Vestuario:
Florencia Tellado
Iluminación:
Christian Gadea
Música:
Tom Harris
Coreografía:
Emilia Tiemroth
Dramaturgia:
Natali Aboud
Dirección artística y producción:
Tribu Estudio y Natali Aboud
Dirección:
Natali Aboud
Asistente de dirección: Ma Emilia Ladogana
Producción estratégica:
Julieta Hantouch
Más Prensa:
Cecilia Dellatorre y Analía
Cobas
FUNCIONES:
BORDER TEATRO
Godoy Cruz 1838, PalermoCABA
Sábado 4 y 11 de abril 16hEntradas en la boletería del teatro ó desde la web
MINI BIO:
Adriana Grande (autora) es médica psicoanalista, egresada de la Universidad de Buenos Aires, miembro de la Asociación Psicoanalítica de Buenos Aires (APdeBA) y de la International Psychoanalytical Association (IPA). Con una trayectoria de casi cuatro décadas, se especializó en el abordaje de la crianza desde una perspectiva vincular, enfocada en las relaciones entre madres, padres e hijos/ as. Desde 1988 coordina grupos de madres, generando espacios
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de reflexión, intercambio y acompañamiento que han impactado profundamente en distintas generaciones de familias. Es autora de los libros ¨Emociones de la maternidad¨ (2004), ¨Hijos latentes - Padres presentes¨ (2012), ambos publicados por Ediciones B (Grupo Penguin Random House) y “Siendo mujer¨(2024), editado por Autores de Argentina. En medios audiovisuales, condujo el programa Dra. Grande en Canal Metro y se desempeñó como columnista en diversos programas de radio y televisión.
Natali Aboud (directora) es escritora y directora de teatro. Cursa la Licenciatura en Artes de la Escritura en la UNA. Escribió y dirigió Secretos de un vínculo (2025), Campera (2025), La Volcán (2024), Todos los días estoy aburrida y lloro. Diarios tempranos (2019–2023), Única (2017) y El guerrero amable (2016). Su obra Todos los días estoy aburrida y lloro recibió la Beca Creación del Fondo Nacional de las Artes y fue declarada de Interés para la Promoción de los Derechos de las Mujeres y Diversidades por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires en 2023. Sus trabajos contaron con el apoyo de Proteatro y Mecenazgo. En 2023 publicó su primera novela, Sierra Nevada (Socios Fundadores).
PRENSA Lic. Analía Cobas analiacobas@gmail.com
Lic. Cecilia Dellatorre pnlp83@gmail.com
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Reestreno PRESTAME TU SUEÑO
Dramaturgia Florencia Aroldi
Un homenaje de Florencia Aroldi a su padre Norberto Aroldi. Primer Premio Municipal de Dramaturgia de la Ciudad de Buenos Aires
“Préstame tu sueño” es una obra que transcurre en una noche íntima y extraordinaria: Florencia, una mujer adulta, recibe en su departamento la visita inesperada de su padre, Norberto, fallecido hace años. Él aparece sin solemnidad, con humor, ternura y verborragia, dispuesto a lo único que todavía le queda por hacer: dialogar.
Entre discusiones, recuerdos, juegos teatrales y textos que se confunden con la vida, padre e
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hija atraviesan aquello que nunca pudieron decirse. La escritura, el legado, la vocación, el amor, la muerte y la memoria se vuelven materia viva del encuentro. Mientras la madre insiste desde el contestador y el mundo exterior reclama decisiones, Florencia se debate entre resistir el mandato paterno o asumir su propia voz.
ACERCA DE LA OBRA:
En ese cruce entre lo real y lo imaginario, “Prestame tu sueño” propone un ritual de despedida, un acto de amor y transmisión, donde el teatro aparece como el único espacio posible para seguir conversando con quienes ya no están. Una obra sobre
herencias invisibles, sobre crecer sin traicionar el deseo y sobre la potencia de escribir -y soñarpara no quedar solos.
El espectáculo cuenta con la actuación de María Ibarreta, actriz con más de 60 años de trayectoria, quien interpreta a la madre del personaje “Florencia”. Ibarreta es además la madre real de la autora.
La obra incluye textos de Norberto Aroldi, como fragmentos de “Este flaco, flaco Buenos Aires”, el último unipersonal escrito por él. También poemas del autor dedicados a sus hijos, a Anibal Troilo, a Discépolo y a Buenos Aires.
FICHA TÉCNICO/ ARTÍSTICA
Dramaturgia:
Florencia Aroldi
Actúan:
Priscila Lombardo (Florencia),
María Ibarreta (María), Manuel
Enrique Longueira (Norberto)
Escenografía:
Agustín Justo Yoshimoto
Diseño de Vestuario:
Ana Nieves Ventura (ADEA)
Diseño de Iluminación:
Lali Alvarez
Composición Musical y Diseño
Sonoro: Santiago Faryna
Prensa:
Valeria Franchi
Redes:
Franco Vaca Braylan
Producción:
Teatro El Victorial, Ricardo Faurix, El Baldio Teatro
Asistencia de dirección:
Juan Richards, Pablo Urruty
Dirección:
Antonio Célico
FUNCIONES:
Abril: Sábados 21 hs.
Teatro Tadrón
Niceto Vega 4802Entrada general $20.000 / $15.000 est. y jub.
Compra online: www.alternativateatral.com
Duración: 60 minutos
NORBERTO AROLDI:
(Buenos Aires, 1931–1978), conocido como El Flaco Aroldi, fue autor, actor, poeta y guionista, y una figura singular de la cultura popular argentina.
Su obra atravesó el teatro, el cine y la televisión, con una mirada
profundamente urbana, porteña y comprometida con su tiempo. Como autor escribió obras teatrales, guiones cinematográficos y televisivos - entre ellos El andador y el recordado unitario Cacho de la esquina - y letras de tango marcadas por el lunfardo, la observación social y una sensibilidad directa, sin artificios. Como actor, desarrolló una presencia escénica intensa y honesta, participando en múltiples producciones teatrales, cinematográficas y televisivas. La obra de Aroldi dialoga con el barrio, la calle y los márgenes, y permanece vigente como testimonio de una voz artística auténtica, humana y profundamente ligada a la identidad cultural argentina.
FLORENCIA AROLDI (Dramaturga)
Dramaturga, directora ,actriz y gestora cultural. Comenzó su formación artística en el Instituto Vocacional de Arte (Labardén). Se formó con Mauricio Katún y Raúl Serrano. Creó el proyecto LEAMOS TEATRO
Diplomada en Dramaturgia de Paco Urondo de la Facultad
CABA
de Filosofía y Letras UBA. Sus obras se representan en distintas provincias del país, así como también en España y EEUU. Scalabrini Ortiz nominada al ACE, Luisa Vehil y Trinidad Guevara como mejor autora en drama. Tiene más de veinte obras estrenadas en Microteatroba. Autora de:
Prestame tu sueño, Kapuska, un peronista suelto en Moscú, Cafetín de tango. Colaboradora del Consejo Profesional de Teatro (ARGENTORES). Autora de Rosa Guerra beca Fondo Nacional de Las Artes.
Primer Premio Municipal 2020 2021 Prestame tu sueño.
ANTONIO CÉLICO (Director) Director, actor e investigador teatral.
Funda en 1985 El Baldio Teatro y en 1996 El Septimo, Red de Teatro.
Ex docente y director de la EMAD (Esc. Metropolitana de Arte Dramático).
Titular de Actuación I y II en la Universidad Nacional de las Artes. (UNA).
Dirige la editorial Horizontes Baldío.
Redes Sociales: Instagram @prestame.laobra @aroldiflorencia @prilombardo @mariaibarreta @manu.longueiras @celicoantonio @tadronteatro
PRENSA:Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com
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Reestreno Domingo 5 de Abril Mamá Planta
Dramaturgia y dirección Nicolás Blandi
Segunda temporada
Ganadora del Concurso de Dramaturgia Ciclo Incierto 2023. Primer Premio Concurso de Puesta en Escena 2025 del Fondo Nacional de las Artes.
Una planta crece en el medio de un jardín abandonado. La chica cree que esa planta es su madre. La tía quiere vender la casa de la chica para viajar y abandonar la nostalgia del duelo. El hogar se entierra entre latas de cerveza barata, un perro que fuma y canciones de Chavela Vargas. La chica tiene un plan: enterrarse en la tierra para volver a crecer planta como su madre.
FUNCIONES:
Domingos 20:30 h. (hasta el 31/5)
Teatro El Grito
Costa Rica 5459Entrada general $22.000 / $18.000 est. y jub. Compra online
www.alternativateatral.com
Duración del espectáculo: 50 minutos
FICHA TÉCNICO/ ARTÍSTICA:
Actuación:
Carolina Setton (La chica), Maruja Bustamante (La tía),
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Nacho Albani (El perro), Pablo Toporosi (Gerardo)
Diseño de luces:
Fernando Chacoma
Diseño de vestuario:
Ivana Ponce
Diseño escenográfico:
Santos Gabriel Raso
Diseño gráfico:
Nacho Albani
Fotografía:
Boria Audiovisual
Prensa:
Valeria Franchi
Asistencia de dirección:
Ivana Ponce
Dramaturgia y dirección:
Nicolás Blandi
NICOLÁS BLANDI
Actor, director y dramaturgo.
Es recibido del curso de dramaturgia de la Escuela
Metropolitana de Arte Dramático (EMAD).
Como director lleva estrenadas varias obras de su autoría:
-»Lágrimas de pez”, siendo ésta elegida para representar a la provincia de Buenos Aires en la 30 Fiesta Nacional del Teatro en Salta y en la Bienal de Arte Joven 2017. Con menciones a la actuación.
-”Vinilos”
-”La teoría del olvido”, elegida para representar a la Provincia de Buenos Aires en la 33 Fiesta Nacional de Teatro en Rosario 2018. Con menciones a las actuaciones y a la dirección. También fue seleccionada para participar del Festival LATE 2019.
-“Los Meridianos - teoría sobre el encuentro”, elegida para participar de la Fiesta CABA 2019
-“Tres latidos de pulmón artificial”, elegida para participar en la Fiesta Nacional de Teatro
2021 en Santa Rosa La Pampa. Con menciones a la dirección y las actuaciones.
-“Piel de cabra”, elegida para participar de la Fiesta Nacional de Teatro 2022 y la Maratón de Teatro Chascomús.
-”Luces parecen dioses”
-»Mamá planta” Ganadora del Concurso de Dramaturgia del Ciclo Incierto 2023 y del Primer Premio del Concurso de Puesta en Escena del Fondo Nacional de las Artes en 2025.
Redes sociales: Instagram: @mamaplantaobra @yosoymaruja @carosetton @nacho.albani @pablotoporosi @nicoblandi
PRENSA
Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com
LA SALUD DE LOS ENFERMOS
de Julio Cortazar - Direccion L. Coccaro
¿Hasta dónde somos capaces de llegar para sostener una mentira?
El pasado 15 de marzo a las 18h estrenó La salud de los enfermos de Julio Cortázar -llevado por primera vez al teatroen su versión original cuando se cumplen 60 años de su primera edición, con dirección de Leandro Cóccaro en el Teatro del Pueblo.
Uno de los más grandes autores de la literatura argentina reconocido mundialmente llega a los escenarios con este texto que formó parte de “Todos los fuegos el fuego”, cuarto libro de cuentos del escritor publicado en 1966 cuando se cumplen 60 años de
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aquella primera edición.
En la salud de los enfermos Cortázar pone sobre la mesa la relación siempre compleja entre la pérdida y el criterio de realidad. Ante una madre enferma los miembros de la familia deciden ocultarle un hecho doloroso. En la obra, el autor juega con los conceptos de verdad, realidad y ficción para preguntarnos:
¿Quiénes producen esa ficción?
¿Los familiares para con la madre? ¿o es la madre quien sostiene esa ficción hacia el resto de la familia? ¿Quién necesita la ficción para soportar lo indecible/ insoportable?
“Enamorado de la obra de Cortázar desde mi adolescencia,
este cuento en particular me conmovió muchísimo por su cercanía con mi propia historia familiar. La salud de los enfermos me interpela directamente en relación con los vínculos familiares retratados por el escritor”, comenta su director Leandro Cóccaro.
La puesta recupera el texto literario de Cortázar y lo convierte en un contundente hecho teatral donde ficción y realidad dialogan permanentemente invitando al público a ingresar a esa casa, que a la vez es un artificio, para ser parte de una familia que intenta ser feliz a pesar de todo.
El espacio, la iluminación y el
trabajo sonoro construyen una comedia dramática que crea una ficción dentro de otra ficción que envuelve a los miembros de la familia y los aleja de la realidad.
¿Se puede engañar a otro sin engañarse a uno mismo? ¿Cuál es la realidad? ¿Hay realidad no ficcionada? son sólo algunas de las preguntas que quedarán resonando en el espectador.
FUNCIONES:
Teatro del Pueblo
Lavalle 3636, CABA.
Funciones: domingos de marzo y abril a las 18h. Localidades $24.000 disponibles en Alternativa Teatral.
Duración: 60 minutos
FICHA TÉCNICA
Autor:
Julio Cortázar
Actúan: Gabriel Schapiro, Cecilia
Cósero, Paula Thie, Edgardo
Marchiori y Martha Sosa Quintana.
Música original en escena:
Michel Gaudín
Asistencia de dirección:
Guillermina Arciniega
Producción:
Guillermina Arciniega
Escenografía y vestuario:
Roma González
Diseño sonoro:
Leandro Cóccaro – Michel Gaudín
Diseño de iluminación:
Manon Minetti
Instalación:
Alejandro Dramis
Dirección y puesta en escena: Leandro Cóccaro
El presente espectáculo cuenta con la autorización de representación del texto de Julio Cortázar otorgado por SACD de Francia gestionados a través de ARGENTORES.
LEANDRO CÓCCARO
Egresado de la carrera de Dirección y Puesta en Escena en la Escuela Metropolitana de Arte Dramático. Como actor se formó con docentes como Norman Briski, Agustín Alezzo, Pablo de Nito, Joy Morris, Pompeyo Audivert y Alejandro Catalan.
Ha trabajado en el circuito teatral independiente y comercial, dirigiendo varias obras como “Suspiro crudo fosforescente” de Alejandro Urdapilleta, “El alma buena de Se-Chuan” de Bertolt Brecht y “Sueño de una noche de verano” de William Shakespeare, entre otras.
Además escribió y dirigió varias obras en microteatro y como actor ha participado de numerosos espectáculos entre los que se destacan “La segunda muerte de Juan Moreira” escrita y dirigida
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por Raul Brambilla en el Teatro del Pueblo, “Los Kaplan” de Eva Halac en el Teatro del Globo, “La mujer del domingo” con dirección de Daniel Suarez Marzal en el Teatro Apolo, “Los días de la comuna” de Bertolt Brecht dirigida por Roberto Aguirre en el Teatro IFT y “Calígula” de Albert Camus en Liberarte, entre muchas otras.
Desarrolló la actividad docente durante más de 15 años dando clases de actuación para adolescentes, adultos y adultos mayores en el Teatro IFT y en Centro Cultural Rojas.
Cuenta con una extensa carrera como actor en televisión y cine, que continúa desarrollando en la actualidad.
PRENSA
Cecilia Gamboa
Comunicación & Prensa info@ceciliagamboa.com.ar
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5to año consecutivo de funciones.
LA MADONNITA de MAURICIO KARTUN
El pasado domingo 8 de marzo LA MADONNITA, escrita por Mauricio KARTUN con dirección de Malena Miramontes Boim comenzará su 5ta temporada en Ítaca Complejo Teatral (Humahuaca 4027, CABA).
La pieza sigue en la escena porteña luego de 5 años de funciones ininterrumpidas, superando los 10000 espectadores y las 140 funciones. El clásico de Kartun, más vigente que nunca, se
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destaca en un exquisito montaje interpretado por Natalia Pascale, Fito Pérez y Darío Serantes.
SINOPSIS:
LA MADONNITA transcurre a principios del siglo XX en un altillo caluroso de Parque Lezama. Un hombre saca fotos a su mujer y luego las comercializa entre la clase trabajadora inmigrante. La obra pone en primer plano la fricción entre deseo, sexo y poesía con todo el talento de la pluma de Kartun.
Malena M. Boim, su directora, declara: “el teatro siempre vuelve al público y en este caso reivindicando la vigencia de la obra de Kartun en una versión que, a través de grotesco criollo, convierte al drama en humor. La historia del fotógrafo, el comerciante y la modelo porno -presente en La Madonnita- es la de muchos, que se repite, reversiona y manifiesta en otra Argentina.” “El regreso de la obra manifiesta el propósito esencialmente político de hacer teatro hoy y siempre”, concluye su directora.
FICHA
Dramaturgia: Mauricio Kartun
Actúan: Natalia Pascale, Fito Perez, Darío Serantes Diseño de vestuario: Cecilia Gómez
García Diseño de escenografía: Micaela Sleigh Realización
Audiovisual: @fiero.fuego
Música original: Matías De Stéfano Barbero Diseño De Iluminación: Javier Vázquez
Fotografía: Evann Violeta
Diseño gráfico: Niko Fran Asistencia de escenografía: Guadalupe Borrajo Asistencia de dirección: Vanina Cavallito
Dirección: Malena Miramontes Boim
FUNCIONES:
Humahuaca 4027,CABA
Funciones los domingos a las 19.30h en Humahuaca 4027, CABA.
Localidades: $20.000 –Estudiantes y Jubilados: $16.000 disponibles en Alternativa o en boletería del teatro.
MALENA MIRAMONTES BOIM
Directora, productora de teatro y diseñadora de iluminación. Es Licenciada en Dirección Escénica y Licenciada en Diseño de Iluminación de Espectáculos por la Universidad Nacional de las Artes. Docente universitaria a cargo de la cátedra de Sistemas de Representación I y II de la UNA. Formada en esta casa de estudios por docentes tales como Ruben Szuchmacher, Ana Alvarado, Luis Cano, Analía Fedra García, Marcelo Velázquez, Gonzalo Córdova, Alejandro Le Roux, Eli Sirlin, Marcelo Cuervo, Sandro Pujía, Diego Siliano, entre otros.
A lo largo de su carrera se formó en distintas disciplinas
artísticas como actuación, danza, música, canto, dibujo, escultura, entre otras.
Dirigió “La Madonnita” de Mauricio Kartún,obra que hace cuatro años consecutivos que se encuentra en cartel (2022-2025) con más de 120 funciones realizadas.
Directora de su ópera prima “Una Tempestad”; también ha trabajado en diversos proyectos como directora, productora y asistente de dirección.
Actualmente se encuentra dirigiendo “La Moribunda” de A. Urdapilleta y H. Tortonese.
Como Diseñadora de Iluminación ha participado en espectáculos dirigidos por Ana Alvarado, Emiliano Samar y otros directores, destacándose “Pájaro de Barro” estrenada en el Teatro Regio para el Complejo Teatral de Buenos Aires. Asimismo ha diseñado iluminación para distintas obras presentadas en teatros, festivales –FIBA, LATE, etc.-, eventos –Noche de los Museos, etc.- y giras.
Ganadora del premio Villafañe a “Mejor diseño de iluminación” 2022; nominada a los premios Trinidad Guevara a “Mejor diseño de iluminación 2023”. Diseñadora de iluminación de la obra “Vestido de mujer”, ganadora de los Premios ACE a “Mejor Music Hall 2024”.
PRENSA: Vanina Cavallito la.madonnita. obra@gmail.com
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40 años de El Excéntrico de la 18ª - Re-estreno: viernes 13 de marzo
LA BALA DE PLATA
Correspondencia entre J. D. Perón y J. W. Cooke
Una intervención político poética dedicada a Horacio González
«La bala de plata» es la reconstrucción documental de diez años de correspondencia entre John William Cooke y Juan Domingo Perón entre 1955 y 1966. Se trata de uno de los contenidos más impresionantes de la historia social y política
argentina. Cartas siempre clandestinas y expuestas a la sospecha de lo apócrifo, rodeadas del maldecir de los enemigos propios y de los otros. El contenido dramático del montaje está en la fuerza gravitante de dos voces femeninas. Esas dos mujeres encarnan a los personajes reales y los trascienden también. Son las mediums que portan las voces de la historia.
Dice Graciela Camino, directora: «Elegimos la austeridad como
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guía en la construcción del dispositivo escénico, buscando lo esencial de la palabra y la fidelidad a la letra escrita, sin variaciones poéticas, porque consideramos que el valor fundamental de esa correspondencia es la verdad histórica y es lo que queremos iluminar en esta puesta. Es una edición personal que intenta abarcar la totalidad de esa comunicación epistolar, en un periplo que traza una relación pasional y angustiosa, reflejo de la complejidad de un período histórico crucial y que construye nuevas resonancias en el presente”.
FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA
Cristina Banegas:
J.D. Perón
Karina Elsztein:
J.W. Cooke
Diseño de Iluminación:
Agnese Lozupone
Música original:
Ariel Naon
Diseño de flyer:
Lautaro Parada
Fotografía de escena:
Marta Fernández
Prensa: Prensópolis
Asistente de dirección:
Tomás Raele
Edición y Dirección:
Graciela Camino
FUNCIONES:
Viernes a las 20.30h. (hasta el 17/4) -
El Excéntrico de la 18 (Lerma 420, CABA)
Entradas por Alternativa en la boletería del Teatro
Duración: 40 minutos
SOBRE
LAS ACTRICES
Cristina Banegas. Actriz y directora, desde 1986 dirige su propio espacio teatral: El Excéntrico de la 18ª. En teatro, se destaca su labor en obras relevantes como “Woyzeck” de Georg Büchner, “Puesta en claro” de Griselda Gambaro, “El padre” de August Strindberg, “Antígona” de Sófocles, “Los invertidos” de José González Castillo, y “La señora Macbeth” de Griselda Gambaro, en casi 60 años de actividad. Ha trabajado con directores como Inda Ledesma, Alberto Ure, Iris Scaccheri y Pompeyo Audivert, entre otros. En el campo audiovisual, ha intervenido en innumerables ciclos televisivos y ha participado en más de 40 películas. Entre sus trabajos como directora se destacan: “La morocha. Tangos y poemas” (Musical-teatral), “El amor” de Daniel Guebel y Sergio Bizzio, “Sólo un aspecto” de Griselda Gambaro, y “Mater” de Vicente Zito Lema, entre otros. Como cantora, ha grabado Tangos y La criollez. Publicó también su primer libro y disco para niños: El país de las brujas. A lo largo de su carrera ha recibido numerosas nominaciones y premios por todas sus actividades artísticas.
LAPLATA CABA
Karina Elsztein es argentina, nació en 1982, actriz y actriz de doblaje. Se formó en la UNA (Universidad Nacional de las Artes), en el ISER y con diversos docentes de Teatro, Dirección, Clown, Canto, Danza y Percusión. Participó en obras de teatro como actriz, directora, productora y música en escena. Es co-fundadora de la compañía Harto Amarillo de Teatro y Performance.
SOBRE LA DIRECTORA
Graciela Camino es autora de la edición y dirige, la puesta en escena de «La bala de plata». El Excéntrico de la 18ª fue parte esencial en su camino artístico. Allí comenzó su experiencia como alumna y luego como entrenadora de grupos y directora de proyectos que fueron mudando de lugares y elencos. Entre sus trabajos como directora se encuentran: «Formas de hablar de las madres de los mineros» (1995), «Hechas contra el decoro» (2004), «Luminile» (2005), «Ranqueles» (2006), «La medida de la normalidad» (2007), además de otras experiencias como «Coronda en acción», realizada con la participación de actores y ex presos políticos de la cárcel de Coronda, que se estrenó en el Centro Cultural Ricardo Rojas y luego viajó por distintas ciudades del país.
Prensa: Prensópolis
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El regreso de Peperino Pomoro: Fabio Alberti estrena “La Apocalipsis Existe” en
el teatro Picadero.
Con producción de Giuliano Bacchi, el creador de Peperino Pomoro regresa a la escena porteña a partir del 12 de abril, todos los domingos con un espectáculo inédito.
Fabio Alberti vuelve a los escenarios con “La Apocalipsis Existe”, un show completamente nuevo que se presentará a partir del 12 de Abril, todos los domingos de abril a las 22.00 horas en el Teatro Picadero (Pasaje Enrique Santos Discépolo 1857, CABA).
La producción está a cargo de Giuliano Bacchi y marca el regreso en formato teatral de uno de los personajes más icónicos de la televisión argentina.
Hablar de Fabio Alberti es hablar de un capítulo fundamental del humor nacional. Su participación en Cha Cha Cha convirtió a Peperino Pomoro en una figura de culto, celebrada por generaciones y aún vigente en la memoria colectiva. Ese universo delirante, que combinó absurdo, irreverencia y sátira religiosa, vuelve ahora con una propuesta escénica nunca antes vista. 140 MiráBA
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En “La Apocalipsis Existe”, Alberti pone nuevamente su cuerpo al servicio de Peperino Pomoro, quien anuncia con solemnidad y desparpajo que el fin —o al menos su versión— ya está entre nosotros. Con su lenguaje propio, citas imposibles y una liturgia desbordada de humor, el espectáculo convoca a los “congregoridianos” a sumergirse en una experiencia teatral donde la risa será la gran protagonista.
El show retoma y amplía el imaginario peperianal con personajes y referencias que atraviesan el universo creado por Alberti, que ya forman parte de esa mitología humorística. Todo en clave de sátira, juego escénico y una interacción permanente con el público.
Con una impronta que mezcla parodia, crítica y desmesura, “La Apocalipsis Existe” propone una celebración del absurdo en estado puro. Un espectáculo pensado para quienes crecieron con “Cha Cha Cha” y también para nuevas generaciones que descubren el humor de Alberti en formato teatral.
FUNCIONES:
Las funciones serán todos los domingos de abril a las 22.00 horas en el Teatro Picadero. Las entradas se encuentran a la venta en la boletería del teatro y a través de PlateaNet.
Y como todo anuncio peperianal merece su proclama, el propio Mártir se dirige a sus fieles:
Queridos congregoridianos, cómo os sentáis hoy día en que anuncionamos la llegada del Mártir Peperino Pomoro todos los domingos desde el 12 de abril en las misas de las 22h. del Teatro Picadero (Pasaje Enrique Santos Discépolo 1857, CABA). dónde embuídos de la palabra de nuestro mártir conoceremos su vida, obra y triglicéridos.
“Premiun Diésel Platinum Plus Espéculum”
Que en coriandro significa: Premiados aquellos que con fe y entrada asistan a su espectáculo.
Porque la fe todo lo cura. Ya en el salmón rosado nos dice:
“Yo soy Peperino
El que le pone los huevos al tocino”
Porque aquél que refriegue las almas, Aquél que lama los sobacos, Aquél que frote su óbolo, Ése entrará a la sala y en estado de gracia de nada se sanará.
Una vez más Fabio Alberti (Cha Cha Cha/ Todo x 2 Pesos) pone su cuerpo a disposición de Peperino Pomoro para revelarnos a todo color La Apocalipsis anunciada por nuestro martinizado mártir.
“La Apocalipsis Existe y es Hoy” dijo Violeta Lo Re.
Comulgan también además de nuestro curita, Beto Tony y su Muñeco, el Ángel de Britos, María Magdalena Ruíz Guiñazú y el Sorobongo líder Supremo Maryland de la Iglesia Peperianal.
Ya lo dijo Peperino
Muchas gracias por el vino
Se lo dijo a San Juan
Muchas gracias por el flan. XMEN
PRENSA
Alejandro Andolfi alejandroandolfi@gmail.com
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Reestreno Viernes 20 de Marzo Huellas de Haroldo
Dramaturgia y Dirección Alfredo Martín - Actuación Marcelo Bucossi y gran elenco.
Un homenaje al escritor argentino Haroldo Conti, en conmemoración de los 50 años de su secuestro y desaparición el 5/5/1976
Premios Teatro Independiente 2025: Mención Especial para Alfredo Martín y Marcelo Bucossi
Tres cómicos ambulantes narran la historia de un amor platónico en Chacabuco, entre la señorita Haydee y el Sr. Pelice, el cohetero del pueblo. Así reconstruyen el devenir de la ciudad, hasta que se produce un giro sorpresivo. El
espacio se modifica y aparece la sala de una casa arrasada. El fantasma de Haroldo Conti regresa al domicilio donde fue secuestrado para terminar su último cuento, que espera inconcluso en la máquina de escribir. Intentará exorcizar los recuerdos de esa noche mediante la escritura, ayudado por sus criaturas.
FUNCIONES:
Viernes 21 h.
Teatro Payró San Martín 766 -
Entrada general $22.000 / $18.000 est. / $15.000 jub. Compra: www.alternativateatral.com o boletería del teatro Duración del espectáculo: 80 minutos
ACERCA DE LA OBRA
La obra toma cuentos de Haroldo Conti cuya temática es el pueblo de Chacabuco, lugar donde nació el escritor. En la primera parte de la obra se narra “Perfumada noche” y en la segunda, aparece “A la diestra”, cuento
que quedó inconcluso luego de la desaparición del escritor. En estos relatos se describe poéticamente la vida de los habitantes de Chacabuco, seres entrañables, con una mirada contemplativa, dotándolos de una mística singular. La puesta en escena integra elementos realistas junto a otros de tipo onírico y fantástico. El texto está poblado de reflexiones sobre el tiempo y la existencia humana. Hay un entrecruzamiento entre la ficción, sus personajes y hechos biográficos significativos del autor, relacionados con su secuestro y desaparición en el año 1976, ejecutados por la dictadura cívicoeclesiástico-militar que padeció nuestro país en ese entonces. Aparecen fragmentos extraídos del testimonio de Marta Scavac, pareja del escritor y madre de uno de sus hijos, ante el Tribunal Oral Federal 5 en el juicio contra la dictadura el 13/05/2009, donde narra los hechos ocurridos la madrugada del secuestro de Conti.
FICHA TÉCNICA/ ARTÍSTICA
Elenco (por orden alfabético): Marcelo Bucossi (Escritor Haroldo Conti), Ariel Haal (Artista ambulante / narrador), Pablo Mingrino (Artista ambulante/ Sr Pelice), Lara Olgiati (Artista ambulante/ Haydee Lombardi)
Músico en vivo: Agustín Giganti
Música original: Agustín Giganti y Quique Sosa
Iluminación:
Gustavo Reverdito y Alfredo Martín
Vestuario: Marcelo Bucossi
Escenografía: El Paraíso
Creación de objetos: Gustavo Reverdito
Coreografía: Mirna Serra
Fotografía: Ignacio Verguilla y Gustavo Reverdito
Redes: Angel Blanco
Prensa: Valeria Franchi
Asesoramiento Artístico: Marcelo Bucossi
Asistente de dirección: Valentina Randolini
Dramaturgia y Dirección: Alfredo Martín
Alfredo Martín Director (APDEA), dramaturgo (EMAD) docente y actor.
Sus obras de teatro transpo- u
nen textos literarios a teatro:
Franz Kafka: Díptico kafkiano.
Dostoievski: El Otro señor G y El Prestamista que citaba a Goethe.
Carlo Collodi: Niños de Madera. Mary Shelley: La criatura sin nombre. Edmond Rostand: Cyrano. Fernando Pessoa: Escrito en su nombre. Witold Gombrowicz: Detrás de la forma y La Fachalfarra (Ferdydurke). Federico García Lorca: Un Mar de Luto.
Autores nacionales: Roberto Arlt: La Vida puerca y Como si fuera un Crimen. Florencio Sánchez: Abandonemos toda esperanza, Los derechos de la salud y El desalojo. Silvina Ocampo: Todo disfraz repugna a quien lo lleva, Haroldo Conti: Lo que llevo de ausencia y Huellas de Haroldo, entre otros.
Últimas obras teatrales: “Si alguna vez te hace falta mi vida” y “El acomodador, memoria de un oficio”.
Premio Trinidad Guevara 2023 Director de Un Mar de Luto. Premio Luisa Vehil 2014, Director de Pessoa escrito en su nombre. Premio ATINA, Director de Niños de Madera 2016. Premio ARGENTORES
Autor de Detrás de la Forma 2010 y El prestamista que citaba a Goethe 2009. Nominado a los ACE, Florencio Sánchez, Teatro del Mundo (UBA) y María Guerrero. Participó en Giras y Festivales de Teatro Nacionales e Internacionales (Radom, Polonia; Berlín, Alemania; Austria, Nantes,
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Francia; Dublin, Irlanda; Rio de janeiro, Brasil)
Marcelo Bucossi Actor y docente.
En 1974 debuta en Chacabuco con “Un guapo del 900” de Samuel Eitchelbaun con dirección de Miguel y Coca Benac, integrando la Agrupación Teatral Popular. En 1978 crea con otros integrantes el grupo de teatro infantil “Pibelandia”. En 1981 integra Escuela “La Barraca” de Bs As a cargo de Rubens Correa quien lo dirige en “La fiesta del hierro” y “Los siete locos”, de Roberto Arlt.
Egresa como Profesor Nacional Superior de Teatro de la Universidad Nacional de las Artes. Es Vicerrector del Colegio Superior de Artes del Teatro (Andamio 90) durante veinte años. Se forma con distintos maestros y trabaja con diversos directores y directoras en el teatro oficial, comercial y circuito independiente: Alejandra Boero, Elena Tritek, Alberto Félix Alberto, Andrés Bazzalo, Manuel Iedvabni, Roberto Mosca, Gabriela Izcovich, Rubén Pires), en el circuito independiente alcanza su mayor desarrollo
como actor. Aborda textos de autores nacionales e internacionales tales como: Roberto Cossa, Griselda Gambaro, Armando Discépolo, Peter Weiss, Fiedrich Dürrenmatt, Jean Luc Lagarce, Henrik Ibsen, August Strindberg, Federico García Lorca, entre otros.
Es nominado a los premios: “Florencio Sánchez”, “María Guerrero”, “ACE”. En 2012 Vocación Académica Fundación el Libro / 2023 Premio “Trinidad Guevara” Actor protagónico en “Un mar de luto” (Versión y dirección de Alfredo Martín sobre “La casa de Bernarda Alba” de García Lorca).
Redes sociales: @huellasdeharoldo Elenco: @marcelobucossi @arielhaal @larolgia @pabming
Objetos, Iluminación: @gustavoreverdito_ok
Dramaturgia y dirección: @alfredomartin758
PRENSA Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com
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Un encuentro fortuito pone en crisis dos vidas aparentemente ordenadas.
Breve Interludio
En un café de Palermo, un celular perdido une por azar a Sofía, una bióloga casada y madre de tres hijas, y Fabián, un arquitecto con esposa e hijos. Lo que comienza como un gesto cotidiano se transforma, martes tras martes, en un encuentro que desafía sus certezas, sus rutinas y sus vidas.Entre cafés, parques y una habitación de hotel, los protagonistas viven un amor imposible, tan fugaz como intenso, donde la pasión y la culpa se entrelazan.
Breve interludio es una historia sobre el deseo, la soledad y la eterna búsqueda de sentido en medio de la rutina.
Con sutileza, humor y emoción, Mario Diament nos invita a mirar de cerca lo que ocurre cuando dos personas comunes se atreven a romper las reglas y a descubrir lo que significa sentirse vivos.
FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
Autoría:
Mario Diament
Actúan:
Amanda Bond, Mario Petrosini
Diseño de vestuario y escenografía:
Paula Molina
Multimedia:
Camila Castro
Música original:
Pablo Viotti
Diseño gráfico: Nahuel Lamoglia
Diseño de iluminación: Samir Carrillo
Asistencia de dirección: Orianna Picorelli
Prensa: Paula Simkin
Producción ejecutiva: Narella Ríos
Dirección: Mauro J. Pérez
FUNCIONES:
Domingos 18h
Teatro El Método Kairós
El Salvador 4530 CABA
DICE EL AUTOR:
“Esta obra está inspirada en ‘Naturaleza muerta’ de Noël Coward, una obra que quedó flotando en mi memoria desde que la vi por primera vez. Si bien su situación central fue la chispa inicial, los personajes, los diálogos, la estructura, la ambientación y el mundo dramático que aquí se presentan son completamente originales.” (Mario Diament)
PRENSA: Paula Simkin paulasimkin@gmail.com
De Mario Diament, con actuaciones de Amanda Bond y Mario Petrosini. Dirección de Mauro J. Pérez. MiráBA 145
UNA OBRA DE SEBASTIÁN BADILLA - DIRIGIDA POR
GONZALO BADILLA
CORNUDOS
PROTAGONIZADA POR SEBASTIÁN BADILLA, MICA MURUA, ZOE BERTONA Y MAX MÜLLER
Cornudos, la nueva comedia escrita, producida y protagonizada por Sebastián Badilla, con dirección de Gonzalo Badilla se presenta los jueves a las 22:15h. en el Teatro Multiescena (Av. Corrientes 1996, CABA) . Las entradas se
consiguen a través de Plateanet.
El elenco está integrado por Mica Murua, Sebastián Badilla, Zoe Bertona y Max Müller, quienes dan vida a esta delirante historia de parejas, celos, sospechas y traiciones cruzadas.
Con el sello de humor directo y ritmo vertiginoso que caracteriza a Badilla, Cornudos se suma a la línea de comedias exitosas presentadas en el Teatro Multiescena, como Fiebre
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Adolescente (2024) y Nadie
Se Atreva a Tocar A Mi Vieja, consolidando una propuesta que conecta con el público desde la risa y el absurdo.
Con el antecedente de sus éxitos teatrales y el presente cinematográfico de Sebastián Badilla —cuya película Volver a los 17 continúa en cartelera en cines argentinos, protagonizada junto a Manu Viale, Caro Domenech y Michelle Masson—, Cornudos promete carcajadas aseguradas y una noche de humor sin filtro en el corazón de la calle Corrientes.
SINOPSIS
Una comedia que cuenta la historia de Renata (Mica Murua) y Victoria (Zoe Bertona), dos hermanas que constantemente se quejan de las falencias
y torpezas de sus maridos con quienes se casaron recientemente y siendo muy jóvenes. Las cosas se ponen raras cuando las hermanas comienzan a sospechar y desconfiar entre ellas en una noche donde todo se saldrá de control. ¿La sospecha? Se piensa que Álex (Sebastián Badilla), el marido de Renata, le está metiendo los cuernos con Victoria y que Bautista (Max Müller), el marido de Victoria, le está poniendo los cuernos con Renata. En conclusión, una delirante comedia que muestra a estos cuatro personajes que probablemente sean “mete cuernos” y cornudos al mismo tiempo.
FICHA TÉCNICA
Autor y Productor:
Sebastián Badilla
Dirección:
Gonzalo Badilla
Elenco:
LAPLATA CABA
Mica Murua, Sebastián Badilla, Zoe Bertona, Max Müller
Director de Arte:
Francisco Plorutti
Fotografía: Nacho Lunadei
Prensa: Kevin Melgar
Producción:
Sebastián Badilla, Gonzalo Badilla & Bufonada
Producciones
FUNCIONES: Jueves a las 22:15h.
Teatro Multiescena
Av. Corrientes 1996, CABA
Las entradas se consiguen a través de Plateanet.
KEVIN MELGAR Prensa contacto@kevinmelgarprensa. com.ar
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“0615”
de Pauline Peyrade con dirección de Marcelo Allasino
El 7 de abril vuelve “0615” de Pauline Peyrade con dirección de Marcelo Allasino quien está cumpliendo 40 años ininterrumpidos de creación artística.
Una adolescente atraviesa un parto inesperado. En ese instante de shock, abandona a su hija y queda atrapada entre la mirada social, la justicia y la incomprensión. “0615”, de Pauline Peyrade, abre un territorio inquietante donde la maternidad, el deseo y la culpa se entrelazan con los silencios y las violencias invisibles.
Los vínculos entre hermanas, amantes y desconocidos
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no se encuentran cara a cara: transcurren a través de pantallas, audios, cartas y mensajes que fragmentan la experiencia y dejan entrever la soledad de una generación que vive mediada por la tecnología.
Entre objetos que son huellas y memorias, y una música en vivo que pulsa y desdobla a los personajes, la puesta construye un paisaje suspendido entre lo íntimo y lo político, lo dicho y lo callado.
Dice Marcelo Allasino, director: “Como el elenco debía ser muy joven, decidí armar una convocatoria abierta. Con ellxs armé una pequeña familia:
conocimiento, intercambios, idas y vueltas, vulnerabilidad, humor, cansancio y un deseo enorme de abordar un texto que habla de lo que nadie quiere hablar.”
“0615” es una pregunta lanzada al público sobre qué significa nacer, maternar, amar y juzgar en un mundo que ya no sabe si lo real está en la carne o en la pantalla.
“0615” se presenta los sábados 4, 11, 18 y 25 de abril a las 22.30h. en El Excéntrico de la 18ª (Lerma 420, CABA) con entrada general a $22.000, a la venta por Alternativa.
FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA
Elenco:
Magalí Matas (Alicia)
Luisa Lozano (Sandra)
Lautaro Morán (Félix)
Federico Navajas (El chico)
Selene Erbes (La chica de la flauta)
Actores en audios y videos:
Greta Risa y Hervé Segata
Participación especial:
Pampa Luppi Zunino
Música electrónica:
Ernesto Romeo
Espacio e iluminación:
Marcelo Allasino
Vestuario:
Uriel Cistaro
Objeto bebé:
Marcela Bailetti
Videos:
Mateo Milione y Lucas
Martínez
Fotografía: Ítalo Callejero
Asistencia de dirección:
Nikos Paschidis
Coproducción:
De La Tía
Producción ejecutiva:
Lalo Moro
Dirección:
Marcelo Allasino
FUNCIONES:
“0615”
SÁBADOS 4, 11, 18 y 25 de abril a las 22.30h
El Excéntrico de la 18ª (Lerma 420, CABA)
Entrada general: $22.000 por Alternativa
Duración estimada: 70 minutos -
Público sugerido: + 16
Especial agradecimiento: a Jorge Thefs, por su enorme
generosidad y su apoyo incondicional.
SOBRE EL DIRECTOR
Marcelo Allasino es creador escénico, director y dramaturgo. Nacido en Rafaela (Santa Fe, Argentina), desarrolla desde 1986 una sostenida trayectoria artística en teatro y danza, con más de 50 producciones dirigidas en distintas ciudades del país. Fundó el grupo Punto T y el
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Taller de Teatro La Máscara, donde impulsó gran parte de sus trabajos más destacados. Su obra se ha presentado en festivales nacionales e internacionales, recibiendo múltiples reconocimientos. A la par de su labor creativa, ha llevado adelante una intensa tarea de gestión y políticas culturales: fue director artístico del Festival de Teatro de Rafaela, Secretario de Cultura de esa ciudad, Director Ejecutivo del Instituto Nacional del Teatro y presidente de Iberescena. Actualmente dirige la plataforma y el Festival TEATRO UAIFAI, integra el directorio de PROTEATRO y se desempeña como docente en universidades nacionales y espacios culturales del país.
PRENSA
Pía Nicolosi Prensa prensopolis@gmail.com
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RE ESTRENO: 2 COSSAS NUESTRAS
Roberto Cossa vuelve al Teatro La Máscara
2 COSSAS NUESTRAS, espectáculo que reúne dos obras breves de Roberto “Tito” Cossa: La ñata contra el libro y Gris de ausencia, con dirección de Norberto Gonzalo.
Luego de su primera temporada, la obra vuelve al Teatro La Máscara para iniciar una nueva temporada desde el 20 de marzo, con funciones los viernes a las 20:30 h.
Dos obras de Roberto “Tito” Cossa. Dos etapas. Una misma identidad.
Luego de su primera temporada, 2 Cossas Nuestras vuelve al Teatro La Máscara para renovar este encuentro con el público. Nueva temporada. Nuevas funciones.
Una invitación para volver a encontrarnos en escena.
2 Cossas Nuestras es un espectáculo que reúne dos obras breves de Roberto Cossa y surge de la necesidad de rendir un homenaje permanente a su inagotable legado. Escrita en los años 60, La ñata contra el libro parafrasea desde el tango la particular relación con la escritura y nos adentra en una etapa histórica y cultural que bordea los ribetes del grotesco,
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retratando la soledad, el amor y la amistad.
Y la inolvidable Gris de ausencia, obra insignia de Teatro Abierto, que con su dolorosa, pintoresca y definitivamente grotesca mirada sobre el exilio y el desarraigo se convirtió en una poderosa herramienta contra la censura y en un emblema de aquella movida cultural.
2 COSSAS NUESTRAS
Autor:
Roberto Cossa
Idea y Dirección: Norberto Gonzalo
Elencos
La ñata contra el libro: Patricio Gonzalo, Elena Petraglia, Deborah Fideleff, Walter Ferreyra Ramos, Joaquín
Cejas. Gris de ausencia: Jorge
Paccini, José Manuel Espeche, María Nydia Ursi Ducó, Hugo Dezillio, Paloma Santos.
FICHA TÉCNICA
Diseño de escenografía y vestuario: Alejandro Mateo
Realización escenográfica:
Patricio Gonzalo – Norma
Rolandi
Diseño de luces: Norberto
Gonzalo – Cristina Lahet
Fotografía: Ana María Ferrari –
César Remus
Foto de gráfica: Andrea Díaz
Diseño gráfico: Leandro Correa
Arreglos musicales e intérprete de piano y guitarra: Mariano Cossa
Intérprete bandoneón: Carla “Char” Vianello
Asistencia de dirección: Rocío Videla
Producción ejecutiva: Claudia Díaz
Producción general: Teatro La Máscara
FUNCIONES
Teatro La Máscara
Piedras 736 (San Telmo) CABA
Viernes 20:30
LAPLATA CABA
Entradas en Alternativa Teatral
PALABRAS DEL DIRECTOR
Los diferentes abordajes a la dramaturgia de Tito, ya sea como actor o director, me han ido marcando una indudable convicción respecto al camino a recorrer en materia teatral.
Elegir y pensar lo que nos expresa, lo que nos identifica y lo que habla de nosotros, nos induce a seguir recurriendo al mejor pintor que nos retrata. El tránsito por El viejo criado o Ya nadie recuerda a Frederic Chopin, por mencionar algunas de esas pinturas, nos devuelve la alegría de volver a abordarlo y contarlo para que la expresión identitaria sea algo más que una necesidad.
Norberto Gonzalo
Buenos Aires, julio de 2025
@2cossas.nuestras
PRENSA Claudia Diaz
claudiazteatro@gmail.com
PROGRAMACION DE ABRIL
COSIN – CHARCHIR –CORNEJO TRÍO
Miércoles, 1 de Abril
21:00 - 23:00 hs
El trío integrado por Cosin guitarra, Charchir batería y Cornejo contrabajo explora el jazz contemporáneo a través de la improvisación, el diálogo entre instrumentos y la interacción constante entre sus músicos, generando un sonido dinámico y abierto.
Consumición mínima $12000
Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
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DÚO RANAS
Jueves, 2 de Abril
21:00 - 23:30 hs
Dúo Ranas es un potente dúo de tango de Buenos Aires. Realizaron 32º giras europeas (Alemania, Bulgaria, Austria, Suiza, Polonia, Holanda, República Checa, Estonia, Francia, Bélgica, Luxemburgo, Italia, Irlanda) y en Corea del Sur.
Producción independiente de 4 trabajos discográficos “Ranas”,”El limonero Real”, “Jupiter” y “Tata” Con la participación especial de Lidia Borda, Ariel Ardit , Rodrigo Guerra y Martin Gonzales Puig.
Compusieron y grabaron la “Suite Partoutango”, música original del festival “Partoutango”, Alemania. 2026 los encuentra celebrando veinte dos años de trayectoria y produciendo su quinto trabajo discográfico “Tangos Redondos” Junto al “Chino” Laborde. Pablo Schiaffino piano
Leandro Schnaider bandoneón Cantor Invitado: Cardenal Domínguez
Consumición mínima $12000
Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
MÚSICA DE SUS PELÍCULAS
Y MUCHO MÁS
Sábado, 4 de Abril
21:00 - 23:30 hs
Una pincelada que ilustra la obra del genial artista manchego, canciones, escenas y relatos de las películas mas emblemáticas de Pedro Almodóvar, interpretadas por Grisel D’Angelo, Edith Margulis, Simón Martins y Santiago Ortega. Libro y producción Edith Margulis.
Derecho a Show $18000
Consumición mínima $12000
Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
PAT METHENY JAZZ
Domingo, 5 de Abril
20:30 - 23:00 hs
El cuarteto interpreta la música de Pat Metheny, uno de los guitarristas más importantes e influyentes del jazz y la música moderna. En el repertorio seleccionado se encuentran obras de los discos más significativos de carrera como Letter from home (Pat Metenty Group), Question and answer ( Pat metheny Trio) o 99-00; al
grupo lo integra Pablo Ibarra (guitarra eléctrica), Daniel Cornejo (contrabajo), Astor Corbalán (batería) y Nicolás de Luca (piano)
Consumición mínima $12000
Show con Cena a la Carta Ingreso a las 20:30. A las 21:15 aproximadamente comienza el espectáculo.
NOELIA SINKUNAS
PRESENTA LAS CUATRO ESTACIONES
Jueves, 9 de Abril
Nuevo Disco Solista. Invitado
Especial Lito Vitale
La premiada pianista y compositora presenta un ciclo dedicado al piano y la improvisación libre, donde recorrerá el tracklist de su quinto material discográfico y presentará invitados especiales en 4 conciertos dedicados a cada estación del año.
Noelia Sinkunas dice: “Piano solo somos vos y yo. Y muchas almas atrapadas en tu siglo. Vibro con ellas para que vivan conmigo. Me devuelvan”. En una sesión de improvisación libre de solo piano, con cuatro composiciones que evocan climas, paisajes y texturas,
Noelia Sinkunas profundiza así su búsqueda musical o salto al vacío, realizando un gesto de versatilidad que la acerca al jazz contemporáneo.
I. Constitución: La génesis. II. Flores: La transición.
III. La Plata: El regreso.
IV. Retiro: Adiós Nonino. Consumición mínima $12000 Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
THE PICKLE PARTY
Viernes, 10 de Abril 17:00 - 18:00 hs
The Pickle Party: canciones, cuentos y juegos musicales con la música de los Beatles, para familias con bebés, niños y niñas de todas las edades.
La Banda: Vanessa Alanís y Sofía Florentín, voces / Alejandro Montaldo piano / Alejandro Lera guitarra / Agustín Barbieri batería
La entrada incluye la merienda. Para niñxs: jugo de naranja y chipá y para adultos café con leche o té y 2 cuadraditos de torta (de manzana y de limón) y un sanguchito de jamón y queso
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PROGRAMACION DE ABRIL
o de queso y tomate.
HARD BOP 5TET
Viernes, 10 de Abril
21:00 - 23:30 hs
Interpretarán composiciones de Jazz de finales de los años 50´s. Con temas de Hank Mobley, Art Blakey & the Jazz Messengers, Jimmy Heath, Freddie Hubbard, entre muchos otros más.
Sebastián Marcial saxo tenor, Ariel Domínguez saxo alto, Martín Wyczykier piano, Fran Nava contrabajo, Camilo Zentner batería.
Invitado especial: Americo Bellotto trompeta
Consumición mínima $12000
Show con Cena a la Carta
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Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
¡AY! PAÍS, PAÍS, PAÍS!
Sábado, 11 de Abril
17:00 - 19:00 hs
Testimonio en Canciones de un Pasado que Hoy se Vuelve Vigente
«¿Pueden las canciones de ayer iluminar los laberintos de hoy?
¡Ay! ¡¡¡País, País, País!!! es un espectáculo escénico-musical que rescata la obra de dos pilares de la canción argentina: Piero y José Tcherkaski. Sus letras, que narraron con crudeza y poesía una época emblemática y convulsa, emergen en la
actualidad con una vigencia asombrosa, interpelándonos sobre la identidad, la memoria y la esperanza.
Este no es solo un recital; es una ceremonia esencial donde el propio José Tcherkaski, autor de las letras de estas canciones icónicas, sube al escenario para brindar su testimonio único.
Ante cada canción, desgrana la historia, el contexto y los personajes que inspiraron versos que ya forman parte de nuestra memoria colectiva. Es un viaje íntimo al corazón de la creación, un diálogo directo entre el origen y la recepción.
Interpretadas en vivo por la potente voz de Miriam García y la versátil musicalización de Fernando Ormaechea, las canciones recuperan su espíritu original para invitarnos a un ejercicio de reflexión: repensarnos como argentinos en un país que, a pesar de que nos duela, mantiene viva una mirada esperanzadora . Es un homenaje a artistas que supieron hablar cuando el silencio era impuesto, y cuya obra se erige como un faro de resiliencia y humanidad. Consumición mínima $12000
Ingreso a las 17. Servimos la merienda y luego comienza el
espectáculo.
LEO PASTORE A SOLAS.
Sábado, 11 de Abril
21:00 - 23:00 hs
Un concierto íntimo donde Leo Pastore, acompañado de su guitarra, repasa las canciones que marcaron su vida, junto a la cantante invitada María Cecilia
Aquino.
Consumición mínima $12000
Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
LA CANCIÓN DE LAS POETAS
Domingo, 12 de Abril
17:00 - 19:30 hs
La obra de las grandes poetas mujeres de Latinoamérica convertidas en canciones por la pianista Vero Bellini en la voz de Eleonora Barletta con Hernán Reinaudo en guitarra.
Un homenaje a nuestras poetas emblemáticas y a nuestra música popular.
Vero Bellini & Eleonora Barletta
con Hernán Reinaudo en guitarra
Consumición mínima $12000 Ingreso a las 17. A las 17:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
DANIELA BASSO CANTA BRASIL
Domingo, 12 de Abril
20:30 - 23:00 hs
Daniela Basso presenta un show acústico con lo mejor del samba y la bossa nova, recorriendo clásicos de Noel Rosa, Cartola, Ary Barroso y la obra de Jobim. Una noche íntima para disfrutar de la esencia de la música popular brasileña. Con Leandro Marquesano piano, Diego Wainer bajo y músicos invitados. Consumición mínima $12000
Show con Cena a la Carta
Ingreso a las 20:30. A las 21:15 aproximadamente comienza el espectáculo.
DANZA DE GARDENIAS
Miércoles, 15 de Abril 21:00 - 23:30 hs
Victoria Tolosa y Juan Amadeo Pouyé forman un dúo de música popular argentina y latinoamericana, cuya sonoridad se nutre de la guitarra y el canto a dos voces. Con 4 años de trayectoria compartiendo escenarios porteños, unen sus sensibilidades para ofrecer un show que recorre un amplio repertorio de tango, folclore y música popular latinoamericana, con obras de autores representativos de nuestra cultura y arreglos propios.
Consumición mínima $12000 Show con Cena a la carta
Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
SERESTA BRASILEÑA EN BUENOS AIRES
Jueves, 16 de Abril 21:32 - 00:02 hs
Roberto Seresteiro, cantante
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PROGRAMACION DE ABRIL
e investigador musical, llega a Buenos Aires con un espectáculo dedicado a la tradición de la seresta brasileña, un género profundamente ligado a la historia del samba, el choro y la canción romántica urbana de Brasil.
Con más de dos décadas de trayectoria artística, Seresteiro es reconocido por su trabajo de rescate y difusión de la música popular brasileña, desarrollando una carrera que combina investigación histórica, actividad académica y presentaciones en importantes escenarios culturales.
En su repertorio conviven
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clásicos del cancionero brasileño de compositores como Noel Rosa, Ary Barroso, Pixinguinha y Dolores Duran, interpretados con un estilo personal que recupera la elegancia de los antiguos crooners de la radio. Consumición mínima $12000 Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
GABRIEL PALATCHI TRÍO
Viernes, 17 de Abril
21:00 - 23:30 h.
Propuesta musical que combina jazz latino, tango, funk e influencias del Medio Oriente.
Con más de dos décadas de trayectoria internacional, el pianista, compositor y productor argentino presenta un concierto que propone un viaje musical lleno de melodía, improvisación y groove.
Gabriel Palatchi ha presentado su música en festivales y escenarios de Canadá, Europa, Japón y América Latina. Su trabajo ha sido destacado por medios como Rolling Stone y Billboard Magazine, y ha recibido múltiples reconocimientos, incluyendo Medallas de Oro en los Global Music Awards por su álbum Trivolution.
Gabriel Palatchi piano y sintetizador, Simón Gática bajo y Diego Alejandro batería. Consumición mínima $12000
Show con Cena a la carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
TRES ESTRELLAS DE NUESTRO CIELO
Sábado, 18 de Abril
13:00 - 15:30 hs
Un recorrido entrañable por el alma de los compositores, Eladia Blázquez, Chico Novarro y Astor Piazzolla.
Marilin Miller voz, Miguel
Pereiro piano
Consumición mínima $12000
Show con Almuerzo a la Carta Ingreso a las 13. Servimos el almuerzo y 13:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
COMO VILANO AL VIENTO
Sábado, 18 de Abril
17:00 - 19:00 hs Carlos Olguín,como un vilano al viento, suelta canciones rescatadas de la tierra profunda sembrando con su voz memoria y emoción.
Folklore recobrado
Guitarra: Mirta Oroná
Percusión: Alejandro Aravena
Consumición mínima $12000 Ingreso a las 17. A las 17:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
MIRIAM MARTINO
Sábado, 18 de Abril
21:00 - 23:30 hs Miriam Martino presenta un recital íntimo de “voces” que habitan su canto desde siempre. En algunos momentos, con ciertos guiños teatrales, aborda canciones que se entrelazan, textos. En cualquier caso, siempre partiendo de versiones que tienen su impronta, nos propone un recorrido por el repertorio de autores que habitan su canto. Ellos son: Eladia Blázquez, Chabuca Granda, Violeta Parra, Teresa Parodi, María Elena Walsh, Víctor Heredia, León Gieco, Fito Páez, Héctor Negro, Chico Buarque y Cátulo Castillo.
Piano: Pepo Lapouble
Artista invitado: Francisco Pesqueira
Consumición mínima $12000
Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
ANDANTINO
Domingo, 19 de Abril
17:00 - 19:30 hs
ó El Arte de Viajar Sin Moverse
Música del siglo XVIII con instrumentos de época y puesta actoral
“Puedo crearte un recuerdo, de lo que no has conocido. Y de lo que crees recordar…puedo crearte un olvido” nos dice Andantino, mientras nos lleva en un viaje de relatos y música por la Europa del siglo XVIII. Venecia y Vivaldi, París y Boismortier, Leipzig y Bach… entre otros.
Gerardo Baamonde actuación y puesta en escena.
María Eugenia Marchionni cembalo
Maria Teresa Fainstein Day violoncello barroco
Alejandro Fidalgo traverso barroco, creación y textos
Consumición mínima $12000 Ingreso a las 17. A las 17:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
PARA UN FINAL. A GABO FERRO
Domingo, 19 de Abril
20:30 - 22:30 hs
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PROGRAMACION DE ABRIL
Maruetta presenta su nuevo material “Para un final”, el primer EP de la serie “Gabo por Maruetta” un homenaje a Gabo Ferro.
Maruetta Voz
Piano y producción artística: Juan Tarsia
Percusión: Augusto Argañaraz
Contrabajo: Jéssica Juaárez
Guitarra: Joaquín Errandonea
Consumición mínima $12000
Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
SONGBOOK BRASIL
Miércoles, 22 de Abril
21:06 - 23:36 hs
La cantante Nieves Rosell presenta Songbook Brasil, un recorrido por el vasto repertorio brasileño, interpretando bossa nova y samba-jazz. Acompañada por un trío de destacados músicos — Tomás Fraga en guitarra, Hernán Cassiba en contrabajo y Fabián “Sapo” Miodownik en batería. Un show donde se escucharán grandes compositores como Roberto Menescal, Dorival Caymmi, Carlos Lyra, João Bosco y Antônio Carlos Jobim. Consumición mínima $12000
Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
CLÁSICOS DEL JAZZ
Jueves, 23 de Abril
21:00 - 23:30 hs
Oriundo de la ciudad Bahía Blanca, Néstor Tomassini estudió clarinete en Buenos Aires, Paris y Ginebra. Fue primer premio del Concurso Nacional de Interpretación de la República Argentina. Se desempeñó como solista con la Orquesta Sinfónica de Bahía Blanca, del Teatro Argentino de la Plata y de la Orquesta del Conservatorio de Ginebra. Desde 1981, desarrolla una intensa actividad dentro de la música popular argentina. Grabó varios Cds, con el Trío Siglotreinta y con el Tomassini-
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Reinaudo Project, formación, esta última, con la que se produce en la actualidad. Consumición mínima $12000 Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
PARLAMI D‘AMORE
Viernes, 24 de Abril 21:00 - 23:30 hs CANCIONES DE LA ITALIA ROMÁNTICA –NovenaTemporada
Porque el amor nos salva, porque el amor nos eleva, porque el amor nos transforma.
Hablemos de amor! Soñamos, sufrimos y vibramos con las más bellas canciones y canzonettas de todos los tiempos. La soprano Susana Sánchez Laganá y el tenor Rodrigo Charmiello. nos llevan a recorrer los tiempos de Modugno, Di Bari, Zanicchi ó nos traen imágenes de Cinema Paradiso y El Padrino sin dejar de volar con Bellini ó Tosti. Acompañan otros dos fanáticos del amor: Ezequiel Dalairac al piano y Simón Martins en violín. Consumición mínima $12000
Show con Cena a la Carta
Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
UN TÉ CON CHOPIN
Sábado, 25 de Abril
17:00 - 19:00 hs
Patricio Carvajal piano Consumición mínima $12000 Ingreso a las 17. A las 17:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
NADIAH DE MARCO, LA DAMA
DEL BOLERO
Sábado, 25 de Abril
21:00 - 23:30 hs Boleros Eternos
CABA
Nadiah Demarco, cantora argentina denominada «la Dama del Bolero», ahijada de Rafael Basurto Lara (última primera voz del Trío Los Panchos original) recorrerá junto al cuarteto integrado por Marco Hernández dirección guitarra y voz, VittoTroilo guitarra y voz, Tute Hernández bajo y Luis Castro percusión, los orígenes de las canciones nacidas en Cuba y México y que después se difundieron en todo el mundo con rasgos propios. Así escucharemos las más bellas melodías, sus letras y las historias y anécdotas que rodearon a las canciones que nos acompañaron por generaciones. Nadiah Demarco es considerada la artista joven continuadora de la leyenda y la magia del bolero para los próximos años. y recientemente ha sido declarada Personalidad Destacada de la Cultura x la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires
Consumición mínima $12000
Show con Cena a la Carta
Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
PASAPORTE MUSICAL
Domingo, 26 de Abril
17:00 - 19:30 hs
Lou. M presenta un espectáculo autobiográfico donde cada ciudad no es sólo un lugar, sino un sonido, un idioma y una emoción.
„Nací en París en la época de la guerra de Yugoslavia, pero mi historia no empezó en un solo idioma. Crecí entre paisajes distintos, acentos distintos, músicas distintas. Cada ciudad
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PROGRAMACION DE ABRIL
me dejó una canción”.
“No soy de un solo lugar. Soy del camino. Soy de cada canción que me hizo quien soy.”
Verónica Santangelo, piano. Invitadas Martina Canción, guitarra y Valentina Massot, voz.
Consumición mínima $12000
Ingreso a las 17 A las 17:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
JAZZTREROS
Domingo, 26 de Abril
20:30 - 23:00 hs
Jazz · Blues · Bossa
Una nueva velada en uno de los espacios más emblemáticos de la cultura porteña.
Clásicos del swing y la bossa nova en vivo, con el sonido cálido de Jazztreros.
Josefina Levinas voz
Gustavo Dinerstein saxos y flauta
Alan Sucari guitarra
Freddy Prochnik bajo
Daniel Frenkel batería
Consumición mínima $12000
Show con Cena a la Carta
Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
ELDA Y LUCAS
Jueves, 30 de Abril
21:00 - 23:30 hs
Entre libros, café y un piano de cola, Elda y Lucas proponen un encuentro íntimo donde la canción se vuelve escena.
Desde boleros a la chanson francesa, una noche para escuchar de cerca y habitar el tiempo suspendido de las grandes canciones.
Derecho a Show $ 18000
Consumición mínima $12000
Show con Cena a la carta
Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.
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El Teatro Municipal Coliseo Podestá presenta la agenda de ABRIL
CARTELERA ABRIL / Teatro
Municipal Coliseo Podestá
En el marco de su 140° aniversario, el Teatro Municipal Coliseo Podestá presenta la programación de abril, con una selección de espectáculos que se destacan por su calidad y diversidad artística. La cartelera invita al público a ser parte de nuevas experiencias culturales en un espacio emblemático de la ciudad.
Jueves 09 de abril a las 20:00 horas
TRIO MAGNOLIA
Seremos presentadoras o no seremos nada
Tres presentadoras de un varieté en ruinas luchan por sostener un show mientras el caos se convierte en su mejor
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número.Creada en 2015, la Cía. Magnolia es un grupo de teatro y clown platense integrado por Agustina Bermúdez, Eugenia Molinuevo y Soledad Morales, quienes actúan, codirigen y coescriben TRIO MAGNOLIA.
Seremos presentadoras o no seremos nada, una comedia que lleva más de diez años en cartel. La obra cruza teatro clásico, teatro físico, clown y varieté en un dispositivo escénico vivo, sostenido por el humor, el ritmo y la fragilidad del show que se desarma frente al público. A lo largo de su recorrido, el espectáculo contó con la participación de numerosos artistas invitados que intervinieron en la escena, aportando nuevas miradas a cada función y manteniendo la obra en permanente transformación. Hoy se presenta con Emilia Iacovino en su rol de Madelene.
Sábado 11 de abril a las 15:00 horas
GUERRERAS DORADAS
Un show infantil lleno de música, magia y valentía. La oscuridad se expande y amenaza con apoderarse del mundo, pero tres chicas muy especiales fueron enviadas para protegernos.Tres jóvenes artistas que descubren que no solo nacieron para brillar en los escenarios, sino también para defender la esperanza y la alegría de todos. Entre coreografías llenas de energía, canciones que hacen vibrar y amistades que serán puestas a prueba, estas guerreras deberán enfrentarse a los enemigos de la luz con el poder de la música y la unión de sus voces. Un espectáculo donde se demuestra que el verdadero poder está en: Creer en una misma. Mostrarse tal cual somos. Confiar en los amigos y seres queridos. Cuanto más fuerte y más unidos cantemos, ¡nada podrá detenernos! Las Guerreras doradas es un show único que combina música, emoción y un mensaje inspirador para toda la familia.
LACABAPLATA
Miércoles 15 de abril a las 21:00 horas
ESTANISLAO BACHRACH presenta Límbico
ESTANISLAO BACHRACH, el autor Best Seller de “Agilmente” y “En el limbo” presenta su charla “LÍMBICO” sobre las emociones, abierta al público. Después de agotar todas las funciones recorriendo el país y caba en 2025, el viaje al interior de nuestras emociones sigue en 2026 en el Teatro municipal Coliseo Podestá LÍMBICO, es un viaje al interior de nuestro cuerpo para comprender que son las emociones, como aparecen, qué las dispara, y cómo afectan nuestro cuerpo y nuestra mente. Y conociendo esto, Estanislao nos cuenta los últimos descubrimientos de la ciencia sobre las emociones y comparte las herramientas a las que podemos recurrir para conocerlas, entenderlas, amarlas, gobernarlas y cambiar cómo las vivimos y cómo nos afectan.
En un encuentro inmersivo lleno de ideas, conceptos e interacción para ayudar a comprender, conocernos y sumar herramientas para vivir mejor.
Jueves 16 de abril a las 20:00 horas
MUCHACHA QUE CORRE
Nosi es una joven que (re) correrá toda la obra detrás de un papel como actriz. Ella corre, busca, huye y encuentra, pero encuentra algo inesperado.
Nosi se enterara que no es hija biológica de su madre y su padre. Cargara con una mochila. Su mochila:la verdad callada sobre su identidad que necesita descubrir.
Viernes 17 de abril a las 21:00 horas
POR EL PLACER DE VOLVER
A VERLA
Miguel Agel Solá y Mercedes Funes protagonizarán esta consagrada obra de Michel
Tremblay, versionada y dirigida por Manuel González Gil. Con producción de Faroni Producciones se presentará el viernes 17 de abril en el Teatro Municipal Coliseo Podestá, en el marco de una gran gira nacional. Solá se pondrá en la piel de un famoso y reconocido autor y director teatral, quien decide sumergirse en su pasado. Siendo un verdadero artífice de la palabra y de las bellas e inteligentes estructuras dramáticas, decide hacerlo frente a público y como una suerte decertero cirujano o cauteloso y paciente arqueólogo, va descartando lo superfluo y rescatando lo esencial. Para hacerlo, necesita imperiosa e imprescindiblemente volver a convocarla. A ella. A esa única e irrepetible mujer interpretada por Mercedes Funes. Porque sabe que en “ella” se encuentran todas las claves y todas las respuestas que está buscando y rastreando y que necesita imperiosamente desenterrar y re encontrar. u
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El Teatro Municipal Coliseo Podestá presenta la agenda de ABRIL
El público será testigo de este minucioso regreso hacia el pasado. Podrá observar un viaje teatral a corazón abierto. Sin prejuicios, ni preconceptos. Sin defensas, ni prevenciones. Casi en una suerte de acto heroico, el escritor se atreve a convocarla nuevamente. Y al hacerlo, la atrapa y lo atrapa. La descubre y se redescubre. La afirma y lo reafirma. Y lo hace por el infinito placer de volver a reír, a gozar y a soñar con ella. Lo hace tal vez porque fue lo más parecido al amor que le sucedió en toda su vida. Lo hace “por el simple placer de volver a verla”.
Sábado 18 de abril a las 20:00 horas
CONNIE BALLARINI STAND UP
Connie Ballarini no es solo
comediante. Es actriz, youtuber, instagramer, tiktoker, hija de Lili, Tinderwoman, Culo de queso y una creadora de contenido inigualable. Esta polifacética artista lleva el humor a nuevos límites con su show en constante evolución, que mezcla diálogos interactivos con el público y un stand up afilado y desopilante. (Alguien sigue usando la palabra desopilante?). No hay escenario que le quede grande a Connie. Ha brillado en tres especiales para Comedy Central, emitidos también por TELEFE, y participó en “La culpa es de Colón, Edición Mujeres” y “;Drunk History”. En 2022, celebró el éxito de “Las Chicas de la Culpa” con tres funciones agotadas en el Gran Rex. Connie recientemente creó un canal de difusión en Instagram y acuñó a sus seguidores como “Culuders” en homenaje a su famoso (?) y auto-referenciado “culo de queso”.
Su humor viajó más allá de Argentina, conquistando público en Madrid, Barcelona, Ciudad de México, Santiago de Chile, Caracas y Montevideo entre otras ciudades. Su éxito es tal que los tickets para sus shows suelen agotarse con meses de anticipación. (Si deja de pasar pasaremos a borrar este párrafo).
Si todavía no la seguís, te estás perdiendo una gran cantidad de risas. Connie acumula más de 2 millones de seguidores en TikTok, más de 1.300M en Instagram y más de 200k en YouTube, donde comparte fragmentos de sus shows y charlas con el público. No pierdas la oportunidad de ser parte de la Topadora Ballarini.
Domingo 19 de abril a las 20:00 horas
DIEGO EL CIGALA .
FLAMENCO Y SON
Este 2026 marcará el retorno de uno de los emblemas de la música flamenca. Diego El Cigala pisará nuevamente los escenarios de Argentina, Uruguay y Chile presentando
“Flamenco y Son”,el espectáculo fusiona el flamenco con ritmos latinos como el son cubano y la salsa. Es una gira que viene realizando, y con la que visita diferentes ciudades, ofreciendo un viaje íntimo y apasionado; que celebra la esencia del género y los sonidos de América Latina; un recorrido musical por sus éxitos y canciones de otros autores que con su particular estilo se han convertido en las favoritas de su público.Acompañado por su grupo musical, de marcado talento, el artista interpretará un repertorio que destaca por su expresividad y riqueza musical. Además, contará con la presencia de una bailarina en escena, añadiendo un elemento visual que complementa la interpretación.“El flamenco es tan grande y tan bonito que no necesita fusionar con nada»;
Diego El Cigala
Jueves 23 de abril a las 20:00 horas
CLUB CANDOMBE
Club Candombe es un
espectáculo musical y escénico que celebra la raíz afrorioplatense desde una mirada contemporánea, viva y en movimiento. A través de los tambores, la música, la voz, el cuerpo y la danza, el grupo propone un recorrido sensible por el candombe, sus toques tradicionales y sus cruces con otros géneros populares del Río de la Plata.
El espectáculo combina música en vivo, arreglos originales y composiciones propias, con una puesta dinámica que integra coreografías, improvisación y momentos de conexión colectiva. La escena se transforma en un espacio ritual y festivo donde se convoca memoria, identidad y presente. Club Candombe está integrado por músicos y bailarinas con amplia trayectoria en la escena independiente y en proyectos culturales vinculados a la música afro y popular. El grupo ha participado en festivales, ciclos y espacios culturales de la región, consolidando un lenguaje propio que une tradición y búsqueda artística.
Viernes 24 de abril a las 21:30 horas
RELATIVIDAD
La obra del dramaturgo estadounidense Mark St. Germain el mismo autor de “La última sesión de Freud”, “RELATIVIDAD” protagonizada por Gabriela Toscano y Luis Machín. El elenco se completa con Catherine Biquard, bajo
LAPLATA
la Dirección General de Carlos Rivas.
Un frío día de invierno de 1949, con el eco de la segunda Guerra Mundial y el estallido de la bomba atómica aún flotando en el aire, una misteriosa mujer aborda a Albert Einstein en la calle con la intención de hacerle una entrevista periodística. La reunión se llevará a cabo en la casa del genio considerado la mente más importante del siglo XX, custodiada por su implacable secretaria privada. Pero lo que parece ser una simple y encantadora entrevista para recorrer los aspectos más conocidos de la vida del excéntrico científico, se irá tornando en una reunión ríspida e inquietante. La periodista insistirá con sospechosa vehemencia, indagando sobre un enigmático hecho del pasado que Einstein quiere desviar.
Pero la astuta mujer conoce el secreto que el gran físico ha intentado ocultar durante toda su vida y desata una feroz trama u
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El
Teatro Municipal Coliseo Podestá presenta la agenda de ABRIL
casi detectivesca.
Con creciente tensión emocional el encuentro estalla en una revelación escalofriante sobre el científico, que el mundo entero jamás imaginó.
El gran genio intenta expulsar de su casa a la mujer pero ya es tarde, la verdad oculta de su vida ha sido revelada.
El inocente encuentro de Albert Einstein con la agradable mujer que lo abordó en la calle, se habrá convertido en un vínculo que transformará la vida de ambos para siempre.
Sábado 25 de abril a las 21:00 horas
TIRRIA
“Tirria” es una comedia negra que cuenta la historia de los Sobrado Alvear, familia patricia
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argentina venida a menos. Todos los veranos, los Sobrado Alvear fingen partir a Europa. Excepto Hilario, el fiel criado, nadie sabe su secreto: arruinados económicamente, pasarán los siguientes tres meses encerrados en los baúles que se arrumban en su mansión. Sobreviviendo exclusivamente a base de arroz con leche, los Sobrado Alvear se permiten paseos imaginarios por una Europa hecha de recuerdos. Por suerte (o por desgracia) para ellos, el atento Hilario, “casi de la familia”, se ocupa de todo. Y nadie duda que el criado será capaz de llegar a cualquier extremo para salvar el honor de la casa. ¿Podrán los Sobrado Alvear escapar de Hilario?
Protagonizada por Diego Capusotto, Andrea Politti y Rafael Spregelburd junto a un gran elenco (Juano Arana, Eva Capusotto, Galo Politti y Daniel Berbedés), dirigida por Carlos Branca, escrita por Lucas Nine y Nancy Giampaolo . “Tirria” es también un homenaje a las comedias de teléfono blanco del viejo cine argentino, aunque se alimente de la tradición del grotesco. “Tirria” es un juego de máscaras, cine dentro del teatro, una comedia demoníaca que rescata el espíritu de una
época para la que lo popular y la alta cultura no estaban necesariamente enfrentados.
Jueves 30 de abril a las 20:00 horas
BISTURÍ
Bisturí es una banda platense de rock alternativo formada en febrero de 2025. Las voces de Manu BM (composición y sintetizadores) y Majo Tolosa (percusiones y performance) se conjugan con las líneas de bajo de Mau López Sein para dar forma a composiciones crudas, imperfectas y citadinas.
En este primer año la banda grabó su primer disco de estudio con producción de Mariano Di Césare [El príncipe idiota; Mi amigo invencible]. La propuesta fusiona rock alternativo, western, indie pop y post punk y cuenta
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con colaboraciones de Isla Mujeres y Fonso (Fonso y Las Paritarias).
El jueves 30 de abril en la sala China Zorrila del Coliseo Podestá Bisturí presentará LO BIEN LO MAL, su álbum debut. En el formato ampliado la banda se completa con Facundo Irigoiti
Ferreyra en guitarra eléctrica y Martín Britos en batería. Además, el show contará con la presencia de artistas invitadxs.
HORARIOS DE BOLETERÍA
La boletería del Teatro funciona de martes a domingos de 10:00 a 20:00, y los feriados de 15.00 a 20:00. Las entradas pueden adquirirse a través de www.plateanet.com y en la boletería del Teatro.
Mirá
Música
KOMO YAMARTE lanza su álbum “POP PESADO”
Una declaración de principios en once canciones Hay etiquetas que quedan chicas y hay otras que se inventan para poder explicar lo inexplicable: eso hizo KOMO YAMARTE lanzando su esperado nuevo álbum, nada menos que bajo el nombre de “POP PESADO”, una pieza clave en su historia, once manifiestos que sintetizan la identidad de un proyecto nacido en 2019 para romper las estructuras clásicas del rock-pop argentino.
Tras seis años de evolución en la escena nacional, editar dos EPs, una serie de singles y recorrer el circuito obligado de Buenos Aires; la banda integrada por Matías Leanza Montes, Eduardo Palange y Nicolás Paladino presenta este arsenal de canciones que consolidan su sonido visceral y disruptivo. Se trata de un LP producido íntegramente de forma independiente, gestado en Espacio V Casa Estudio, su ‘laboratorio’ de Zona Oeste donde Komo Yamarte se inició, grabó sus primeras maquetas y ensaya semanalmente.
POP PESADO propone un recorrido por las diferentes facetas de este nuevo subgénero, abre ‘Así es como se terminó’, un himno de liberación con reminiscencias synth-wave y luz de atardecer, el track número uno juega con el concepto del eterno retorno: el álbum empieza decretando un final, la paradoja misma del estribillo nada, nada no dijo nada, aunque el disco aún tenga tanto por decir.
Pero el corazón del disco late con su corte principal ‘Es Crudo’, una canción áspera y líricamente arriesgada, donde Komo Yamarte apuesta a una estética poco convencional. El tema llegó acompañado de un videoclip como pieza audiovisual fundamental, dirigido por Juan Thiago Lanza Montes (en su cuarta superproducción con la banda). Invadido de tonos rojos y oscuros, el video completa una experiencia sensorial diseñada para viajar por la ruta del Pop Pesado y también reflexionar.
Otro punto de inflexión es el tema ‘Tu Pánico’, una balada densa y deforme, que cuenta con la participación especial del icónico guitarrista metalero Chowy Fernández -miembro de la banda ‘Barro’ (del cantante Ca7riel) y de ‘La Esfinge’. El número cinco del disco evade la métrica pop solo por un rato y Chowy es gran artífice de ese clímax, aportando un solo esotérico que lo eleva a un terreno hipnótico, sellando la naturaleza experimental de la banda.
El cierre llega con “Manipulación”, la canción que termina de darle sentido a todo, un descargo contra el control externo y las presiones. Apoyado en una batería que se adueña de la base, el track funciona como la declaración final de la banda: en definitiva no son ellos, no soy yo, ¡Somos todos!
En tiempos de inmediatez, POP PESADO llega para darle una bofetada de revés a lo efímero. Es un disco para quienes pretenden más, compilando sensaciones que huyan de lo transitorio, una invitación a detenerse y sentir cada relieve, matiz y textura de lo que es real. Es, en esencia, la confirmación de que KOMO YAMARTE no vino a encajar en la escena, sino a crear una nueva.
ALBUM TRACKLIST:
1. Así es como se terminó
2. Muy fácil olvidar
3. Es crudo
4. Cosas por sentado
5. Tu pánico [feat. Chowy
Fernández]
6. No puede fallar
7. Quiere a mi papá
8. Traté de despertarte
9. Que se apague todo
10. Sueñan verte
11. Manipulación
FICHA TÉCNICA:
Producción Artística: Komo Yamarte.
Composición y Arreglos: Eduardo Palange / Matías Leanza Montes.
Mezcla: Matías Leanza Montes.
Mastering: Facundo Gonzalez Ulloque.
Dirección Visual: Juan Thiago Lanza Montes
ACERCA DE KOMO YAMARTE
Matias Leanza Montes en voz y bajo, Eduardo Palange en guitarra y coros y Nicolas Paladino en batería, formaron Komo Yamarte un 27 de agosto de 2019 en la zona Oeste de la Pcia de Buenos Aires. El nombre de la banda proviene de una pregunta que mutó de ¿Cómo llamarte? a “Komo Yamarte”, para darle un carácter conceptual e irónico a la falta de certezas cuando de hacer arte se trata, y mucho más cuando busca ser llevado a un nivel profesional.
Sin ataduras hacen uso libre del formato canción, dando vuelo creativo a todo tipo de estructuras simples o complejas. Con fuertes influencias de los mayores referentes de la u
música nacional e internacional, como Gustavo Cerati, Muse, Luis Alberto Spinetta, Mutemath y Justice entre otros.
En su corto pero intenso historial editaron dos EPs “Tercera Persona” (2021) y “Para no espantarte” (2022). Pero la consagración sonora y visual llegaría con los ulteriores cortes y videoclips “Tan Quemados”, “Bla” y “Quizás tal vez” (2023/2024); elevando el nivel profesional de la banda. Videos conceptuales y de alta calidad de producción cabe destacar el trabajo artístico del joven equipo de Dirección y Producción de todos los clips de la banda, encabezado por Thiago Leanza Montes, Pio Martínez y Agustina Amenta.
El 2025 fue un año bisagra
para la banda, coronando un crecimiento excepcional con un show pre lanzamiento de Pop Pesado y llenando nada menos que Strummer, un valor agregado por todo lo que este lugar representa.
REDES | PLATAFORMAS
Beacons
https://beacons.ai/komoyamarte https://www.instagram.com/
komoyamarte/
TikTok Komo Yamarte (@komo_ yamarte) | TikTok
Komo Yamarte - YouTube Prensa y Difusión
IG: @gestionindie.prensa
PRENSA Maia Triñanes maiatrinanes@gmail.com
VIDEO
Komo Yamarte - Es crudo [video oficial]
SIMÓN AGUIRRE presenta “INCONDICIONAL”
UN CLÁSICO ROMÁNTICO QUE LLEGA AL CUARTETO
Simón Aguirre presenta
“Incondicional” , una nueva reversión que lleva al universo del cuarteto uno de los clásicos románticos más recordados de Prince Royce. Con una lectura propia, fresca y bailable, el artista cordobés transforma la balada original en una versión cargada de ritmo y emoción, sin perder la esencia de una historia que habla del amor que permanece incluso en los momentos más difíciles.
La canción gira en torno a ese amor incondicional que resiste el paso del tiempo, las caídas y los errores, un vínculo que sigue firme en las buenas y en las malas. En manos de Simón, el relato adquiere una nueva energía: el pulso del cuarteto imprime movimiento, cercanía y una intensidad festiva que invita a cantar y bailar al mismo tiempo.
El lanzamiento llega acompañado por el videoclip oficial, protagonizado por el propio Simón Aguirre junto a su banda. La propuesta visual apuesta por una estética minimalista e íntima: un micro, instrumentos, mariachis y una puesta que deja en primer plano la interpretación y la conexión musical. El resultado es una experiencia que combina lo romántico con la impronta descontracturada del artista. Con esta nueva versión, Simón
Aguirre continúa ampliando los horizontes del cuarteto, aportando una mirada joven, fresca y pícara que conecta con nuevas audiencias sin perder el ADN popular del género.
SOBRE SIMÓN AGUIRRE
Simón Aguirre es un cantante de cuarteto cordobés oriundo de Río Cuarto. Desde sus inicios recorrió escenarios del interior de Córdoba y de todo el país, presentándose en boliches, bailes y festivales donde fue construyendo una fuerte conexión con el público.
A lo largo de su carrera participó en eventos de gran convocatoria como Cosquín Cuarteto, además de presentarse en importantes festivales y escenarios del país. También compartió música y colaboraciones con referentes del género como El Loco Amato, Jean Carlos y Desakta2, consolidando un camino artístico en constante crecimiento.
Hoy, con una impronta jovial, descontracturada y carismática, Simón Aguirre se posiciona como una de las voces revelación del cuarteto, llevando el género hacia nuevas búsquedas sonoras sin perder su espíritu festivo y popular.
PRENSA
Vicky Roa Comunicaciones vicky@vickyroa.com.ar
VIDEO
SIMON / Incondicional
LILIANA HERRERO presenta
Fuera de lugar su nuevo trabajo discográfico
PRESENTACIÓN
Sábado 11 de Abril – 20H
Teatro Municipal Comedia –
Rivadavia 254
Entradas #ticketek
Después de seis años, Liliana Herrero regresa al estudio de grabación para dar vida a Fuera de lugar, un disco de ocho canciones profundas que interrogan y dialogan con nuestro presente.
Hay entonces un decir —intenso y urgente— que atraviesa cada rincón de esta obra, un pronunciamiento que se encarna en un repertorio cuidadosamente seleccionado de compositoras y compositores que van desde Atahualpa Yupanqui hasta Charly García, pasando por Raúl Carnota, Luis Alberto Spinetta, Mocchi, Edgardo Cardozo, Teresa Parodi y Elvio Romero,
entre otras/os.
En este viaje sonoro y sensible, Herrero se ve además acompañada por dos notables invitadas: Lidia Borda hace vibrar su voz en Asilo en tu corazón (Spinetta) y Susy Shock deja su conmovedora impronta en Compostaje (Mocchi).
Más allá de los ocho temas, el álbum convida también dos pasajes de especial resonancia: se abre con Somos, un poema de René Char, y culmina con Horacio, un gesto íntimo y amoroso que evoca y convoca a quien fuera su gran compañero de vida.
Fuera de lugar fue grabado en abril de este año en los estudios ION, con la participación de los destacados músicos Pedro Rossi (guitarra), Ariel Naón (contrabajo), Facundo Guevara
(percusión) y Mariano Agustoni (piano).
Dice Liliana Herrero sobre Fuera de lugar:
Es un punto de fuga, no de retiro. Mi formación ha sido siempre de vínculo con la vida social, política, cultural y artística de este país. No podría pensarme en el horizonte de la deserción excepto que desertar signifique buscar otro lugar. Tal vez ése sea mi gesto.
Es imprescindible preguntarse qué lugar es hoy este mundo, esta época. Lo que vislumbro en ella, me expulsa y horroriza. Es virtual e injusta. Insisto, no me retiro del lugar, es el lugar lo que impide estar en él.
Este mundo es ajeno y cruel. Sus defensores sostienen
argumentaciones instrumentales, utilitarias, eficaces y normativas. Pensado así, el mundo atenta contra la vida ya que deshecha de plano todo lo que aún podemos llamar humano e incluso la misma palabra mundo. Dos palabras problemáticas que si bien constituyen nuestra lengua desde hace miles de años, hay que revisar constantemente acompañados con los legados transformadores que todos los pueblos poseen.
FICHA TÉCNICA
Liliana Herrero | Fuera de lugar (2025)
1. SOMOS / René Char (poema)/ El Sanjuanino
2. CHIPI CHIPI / Charly García
3. AGUAFUERTE / Teresa
Parodi y Elvio Romero
4. ASILO EN TU CORAZÓN / Luis Alberto Spinetta
5. COMPOSTAJE / Mocchi
6. EL ALAZÁN / Atahualpa Yupanqui
7. POR SEGUIR / Raúl Carnota y Carlos Marrodán
8. EJERCICIO /Mocchi
9. MARTÍN / Edgardo Cardozo
10. HORACIO
MÚSICOS:
Pedro Rossi: guitarra
Ariel Naón: contrabajo Facundo
Guevara: percusión Mariano
Agustoni: piano
Invitados
Lidia Borda: voz en Asilo en tu corazón. Susy Shock: recitado en Compostaje Producción
Artística: Liliana Herrero y Pedro Rossi Arreglos: Pedro Rossi y Ariel Naón Ingeniero de Sonido: Ariel Laviña Estudio de Grabación: ION
Foto de Portada de disco: Nora Lezano
Respetada y admirada por sus colegas, partícipe fundamental del canto popular de nuestro territorio, Liliana Herrero renueva la estética del folklore argentino llevando a primer plano la emoción de su voz.
Ganadora de los más prestigiosos galardones, inició su vida artística como cantante en los años ‘60. Desde entonces sostiene decisiones estéticas y culturales dedicadas a bucear en nuestras raíces folklóricas, así como de otros géneros musicales,
proponiendo un diálogo profundo con las complejidades de los sonidos y tratamientos contemporáneos.
De esta manera, propone una forma de interpretación más ligada a la recomposición que a la mera copia fiel de una obra popular en su versión original. Afirma que allí es donde se encuentra el poder de la obra en sí, en la posibilidad de resistir nuevas visitas e interrogantes. Y es también allí donde logra exponer su áspera y particular voz, que trasciende fronteras estilísticas para adueñarse de su propio territorio musical.
Instagram /lilianaherrero
Facebook /lilianaherrero
YouTube @LilianaHerreroOficial Spotify Liliana Herrero
PRODUCCIÓN: Oficina de Artistas
PRENSA: Silvia Majul silviamajul@gmail.com
VIDEO
Liliana Herrero - La Noche (Buenaventura Luna) [Video Oficial]
PASAMANOS PRESENTA “LA TRAMPA ESTÁ TENDIDA”
40 años de canciones que resisten..
La banda santafesina
Pasamanos celebra cuatro décadas de trayectoria con el lanzamiento de La trampa está tendida, un álbum que reafirma su identidad artística y profundiza su búsqueda poética y musical. Ya disponible en todas las plataformas digitales.
A 40 años de su formación, el grupo santafesino liderado por Eduardo Gaviola entrega un disco que dialoga con el presente desde una mirada crítica, sensible y profundamente humana. Es un llamado al despertar, a recuperar conciencia en medio del ruido, la
inercia y las trampas cotidianas que naturalizamos sin advertirlo.
Con una identidad forjada en la canción en español y el rock alternativo, el grupo reafirma su esencia con diez temas que combinan intensidad eléctrica, sensibilidad melódica y una mirada crítica sobre el presente.
El disco abre con “Resiste”, el primer adelanto que lanzaron en 2025 con una gran aceptación del publico y reconocimientos. Resiste es una declaración de principios que resume el espíritu del álbum: conciencia, amor y resistencia frente a una realidad
que avanza sin pausa. “La trampa está tendida, mi amor, ya lo ves. / Seremos sobrevivientes esta vez…»
A lo largo del repertorio, Pasamanos recorre lo colectivo y lo íntimo, lo urbano y lo emocional, sosteniendo una impronta poética que ha definido su camino desde 1985.
SOBRE LA BANDA
Pasamanos es una banda de rock alternativo de Santa Fe con trayectoria iniciada en 1985. A lo largo de su recorrido ha sostenido una
identidad basada en la canción, la búsqueda poética en español y una sonoridad que combina intensidad eléctrica y sensibilidad melódica. Sus composiciones abordan la experiencia cotidiana, los vínculos y la reflexión sobre el presente, desde una mirada personal y colectiva. Con varios trabajos editados y una actividad constante en escenarios y producciones independientes, el grupo consolidó un lenguaje propio dentro de la escena santafesina y nacional, con canciones con identidad, contenido y emoción, pensadas para interpelar y acompañar a quien escucha.
FICHA TÉCNICA
Eduardo Gaviola – voz y guitarra
Mario Ludueña – bajo
Marcelo Heer – batería y coros
Federico Teiler – guitarra
Fotografía - Ignacio Ludueña
Arte de tapa - DYM Prensa
Grabado en Estudios
Sonorámica (TraslasierraCórdoba) por Matias Medús y Sebastián Ruiz, y en Estudios
Santa Fe Recording (Santa Fe)
por Federico y Adrián Forni. Masterizado por Ramiro Genevois en Estudio El Pote (Santa Fe).
REDES Y PLATAFORMAS DIGITALES
Instagram: https:// www.instagram.com / pasamanosbandanativa/ Facebook: https://www.facebook.
com /pasamanosbandanativa www.youtube.com/ @ pasamanoslabandanativa2138
PRENSA
Fuente: D&M - Prensa y Diseño Ig: @dym_prensa danielafortonani@gmail.com
VIDEO
Pasamanos en vivo en Tribus (recital completo)
SENSAFILO presenta el nuevo corte de su cuarto álbum de estudio.
“TE VENDEN”
“Te venden” es el quinto corte de Ciudad Dinamita, una canción enérgica que desnuda la actual cotidianidad tan caótica, inmediata y en la que todo se puede comprar.
“Ciudad Dinamita”, un trabajo conceptual que fusiona estilos y recorre los vaivenes de la vida en la metrópoli en esta actualidad tan convulsionada.
A modo de adelanto, ya sonaron la explosión y la rabia de “Rebelión popular” que mostraron la faceta más contestataria de la banda, y “La ciudad” que encontró la veta cancionera con una crónica perfecta del día a día en la urbe. El último anticipo fue “Paseando
por Once”, con la presencia de Limón García (ex Bersuit) y Moska Lorenzo (Auténticos Decadentes), donde la banda se adentra a modo de rock disco en el transitado barrio porteño, atravesando su ecosistema multifacético. “Buenos Aires”, cover de Nathy Peluso en clave ska punk, fue el corte que
acompañó a la salida del álbum, el cual se presentó a fines del año pasado a sala llena en Club Lucille.
SensaFilo nació en el año 2010 y desde entonces ha editado tres discos y pisado grandes escenarios de la escena porteña como Niceto, The Roxy Live, Marquee, Beatfow, Uniclub, entre muchos otros.
En 2011 sacó a la luz su primer disco, “El Segundo Va a Ser Mejor”, y en 2014 editó “Música Para Diván”. Por su parte, las giras por la Costa Atlántica comenzaron en el año 2013 y se volvieron un sucesivo clásico en los veranos siguientes.
En 2016 la banda registró
su “Trilogía Para Diván”, una historia audiovisual a través de las canciones “Dormido”, “Ratitos” y “Cold John” que formaban parte de su hasta entonces último material.
Con previos adelantos de tres canciones en formato Live Session Acústica, SensaFilo lanzó en 2020 su tercer álbum, “Rara mezcla”, producido junto a Pablo Wehbe y con invitados de lujo: Maikel de Kapanga, Palo Pandolfo, Vala de Cadena Perpetua, Pecho y Cabra de Las Manos de Filippi y Killato. El trabajo cuenta con ocho videoclips que se pueden ver desde el canal de Youtube de la banda.
En 2021, conmemorando diez años de su disco debut, lanzó el EP “Hazme Reír que no me Encuentro Lejos” con tres reversiones en formato Live Session. El 2022 lo abrió debutando con un show a sala llena en La Trastienda Club y lo cerró con la Fest-A-Filo en Casa Colombo. Mientras giraba por distintos lugares, en 2023 se presentó en Galpón B y lanzó el disco en vivo “Estamos Acá”, grabado en el mítico lugar del barrio porteño de San Telmo, del cual se desprende el tema “Matador”, revisión raggapunkyparty del clásico latinoamericano de Los Fabulosos Cadillacs.
El 2024 los recibió con dos shows en Makena a sala llena y el lanzamiento de tres
simples: “Rebelión popular”, “Contraadicción” y “Lo podré ver”. En septiembre la banda realizó un Ciclo Solidario a beneficio de Rock X El Borda, con dos noches inolvidables en Casa Colombo, y cerró el año en el Festival Al Borde del Tiempo en Lucille a sala llena.
INTEGRANTES: Matyas
Oliveto (voz), Tito Mengelatte (guitarra y coros), Sebastián Núñez Mariosa (bajo), Javier Casaubon (batería), Pablo López (teclados y coros), Gonzalo Mancini (percusión),
Matías Ávila (guitarra).
DISCOGRAFÍA: El Segundo va a Ser Mejor (2011), Música Para Diván (2014), Rara Mezcla (2020), Hazme Reír que no me Encuentro Lejos (EP-.2021), Estamos Acá (Vivo-2023), Ciudad Dinamita (2025).
PRENSA
Nadya Cabrera nadyacabreraprensa@gmail. com
VIDEO
SensaFilo - Buenos Aires (cover Nathy Peluso)
Karina Beorlegui Cuarteto Bordas-Cabello-Larisgoitia presenta el álbum
“Hoy como ayer”
(5to trabajo discográfico de Karina Beorlegui)
La madurez de un puente transatlántico
Karina Beorlegui, figura central en la hibridación estética entre el tango y el fado en Argentina, regresa al escenario del CAFF para presentar su quinto álbum de estudio: Hoy como ayer Este trabajo no es solo una continuación, sino la decantación de años de experimentación junto a una formación consolidada: Alejandro Bordas (guitarra de siete cuerdas, arreglos, producción y dirección musical), Nacho Cabello (guitarra portuguesa, criolla y arreglo en Einstein y Chaplin) y Nahuel Larisgoitía (guitarra criolla).
HOY COMO AYER. Presentación en vivo: sábado 11 de abril, 21:00 h. CAFF (Sánchez de Bustamante 772, CABA).
Link a entradas (web del CAFF)
Acerca de “Hoy como ayer”
La arquitectura del sonido:
En Hoy como ayer, la fusión que Beorlegui impulsa desde principios de siglo alcanza una sutileza inédita. La sonoridad del disco se apoya en los extremos del registro: el peso profundo de la guitarra de siete cuerdas y la agudeza nostálgica de la portuguesa. Esta identidad permite que clásicos como “Niebla del Riachuelo” o “Caserón de tejas” convivan orgánicamente con la intervención de la métrica yupanquiana en “Los ejes de mi
carreta”, donde las glosas del fado menor reescriben el paisaje de la milonga.
La faceta autoral y la visión del Siglo XXI:
El disco marca un hito en la carrera de la artista al consolidar su rol como cantautora. El tango que da nombre al álbum, “Hoy como ayer”, compuesto junto a Bordas (responsable del sonido general del disco), y “Einstein y Chaplin”, con arreglo de Cabello, la sitúan como una voz activa en el repertorio del tango actual. Su interpretación transita desde la entrega desgarradora hasta pianissimos de una fragilidad técnica impecable, demostrando una madurez vocal que elude los lugares comunes del género. Hoy como ayer cuenta, además, con la participación especial del instrumentista portugués Ricardo J. Martins, quien aporta la esencia de Lisboa en el fado que inmortalizó Amália Rodrigues: “Dame o braço, anda daí”.
FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA
Hoy como ayer
REPERTORIO
1. Hoy como ayer (Letra: Karina Beorlegui / Música: Alejandro
Bordas) (2.40)
2. Milonga en luto (Letra y música: Juan Lorenzo) (4.14)
3. Niebla del Riachuelo (Letra: Enrique Cadícamo / Música: Juan Carlos Cobián) (4.09)
4. Einstein y Chaplin (Letra y música: Karina Beorlegui) (3.53)
5. Los Ejes de mi carreta / Fado Menor (A. Yupanqui / Conde de Sobral - Henrique Rego) (6.00)
6. Caserón de tejas (Letra: Cátulo Castillo / Música: Sebastián Piana) (3.38)
7. Una Canción (Letra: Cátulo Castillo / Música: Troilo, Velich, López, De Rose) (3.34)
8. Dá-me o braço anda daí (Letra: João Linhares Barbosa / Música: José Blanc) Feat: Ricardo J. Martins (3.16)
INTÉRPRETES
Karina Beorlegui: voz // Alejandro Bordas: guitarra de 7 cuerdas //Nacho Cabello: guitarra portuguesa y guitarra criolla// Nahuel Larisgoitía: guitarra criolla.
Artista invitado: Ricardo J Martins en tema 8 Dá-me o braço anda daí
PRODUCCIÓN Y CRÉDITOS
Grabado y mezclado entre el 13 de agosto y el 15 de agosto en Estudios Ion.
Dirección y Producción Musical: Alejandro Bordas
Producción General: Karina Beorlegui
Arreglos Musicales: Alejandro Bordas (excepto “Einstein y Chaplin” por Nacho Cabello)
Grabación y Edición: Pablo
Acedo en Estudios ION Mezcla y Mastering: Hernán Ascóniga
Arte de tapa y Fotografía: Fabio Saltarelli
Edita y distribuye: Acqua Records
Esté álbum fue grabado gracias al apoyo del Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y las Ciencias.
Acerca de Karina Beorlegui:
Karina Beorlegui es cantante, productora y actriz. Nombrada en 2016 Personalidad Destacada de la Cultura Porteña por la Legislatura de la CABA. Ideóloga y productora general de los siete Festivales Porteños de Fado y Tango . Produjo y anfitrionó durante 10 años un ciclo propio de tango, fado y otros ritmos portuarios, el “Fado Tango Club” . Karina ha participado en los festivales de tango más importantes, tanto de Argentina, como en La Cumbre Mundial de Tango en Sevilla y Valparaíso Chile, en varias ocasiones, en el Festival de Tango de Granada, Festivales de Tango de Lisboa y San Sebastián. Fado menor" u
En el 2020 fue convocada para el homenaje a la gran Nelly Omar en la sala Ballena Azul del CCK. En 2022 se presentó a sala llena en la Sala Argentina del CCK como parte del ciclo Música Argentina para el Mundo ; en el stand del Ministerio de Cultura en la 46°Feria Internacional del Libro de Buenos Aires; en el Festival Internacional Tango BA en la Usina del Arte; en el homenaje a Evita en el CCK; además de sus exitosos ciclos en otros espacios de CABA. En 2023 participó de la Milonga Federal del CCK y editó su 4to disco “Encuentro Amália/Gardel” auspiciado por Ibermúsicas producido por Nacho Cabello , con invitados desde Portugal Ricardo J Martins en guitarra portuguesa, Cucuza Castiello y Horacio Romo y los fadistas Ma Inés Graça y Pedro Viola.
En su doble rol de actriz y cantante ha trabajado con el reconocido escritor y conductor Alejandro Dolina en “Tangos del Bar del Infierno” así como protagonizando la Operita “Lo que me costó el amor de Laura”, y en la miniserie de TV “Recordando El show de Alejandro Molina” También actuó, hace unos años en la obra teatral “El Romance del Romeo y la Julieta”.
Entre 2024 y 2025 formó trío con El Chino Laborde y Federico Mizrahi, presentándose en el Festival Tango BA 2024 , ciclo anual 2025 en Pista Urbana y en el Hall del CCK cerrando ciclo 2025 de Primavera Tango.
Tiene 4 CD’s anteriores editados: “Caprichosa” (2003), como solista; ““Mañana Zarpa un Barco” (Acqua Records 2008)
con los Primos Gabino, “Puertos Cardinales”(Acqua Records 2011); éste último fue nominado a los premios Gardel 2012, en la categoría “mejor álbum cantante femenina de tango” y “Encuentro Amália/Gardel”(2023) editado por Acqua Records.
Instagram: @labeorlegui
Acerca de Alejandro Bordas:
Alejandro Bordas es músico, compositor, guitarrista de tango, docente de la cátedra de guitarra tango y Coordinador de la carrera de tango en la EMPA. Ha participado como compositor y director de Siniestra Tango durante 20 años, actualmente guitarrista del grupo Los Amados. Ha acompañado a lo largo de su trayectoria a grandes cantantes y compartió escenario con músicos
como, Amelita Baltar, Juan Tata Cedron, Suna Rocha, Soledad Villamil, Bernardo Baraj, Ruben Lobo, Horacio Romo, Pablo Agri, Hugo Pierre, Alejandro Guyot, Eleonora Barletta, Karina Beorlegui, Barbara Grabinski, entre otros. También ha realizado giras, conciertos y master class en: EEUU, Francia, Alemania, Dinamarca, México, Paraguay, Chile, Colombia, Brasil, Uruguay y Argentina.
https://www.instagram.com/ alejandro_bordas
Acerca de Nacho Cabello:
Nacho Cabello es guitarrista, arreglador y compositor. Se desempeña dentro del tango, pero también es intérprete de Fado (en guitarra portuguesa) y productor de bandas under de rock. Fue director y arreglador de proyectos de Daniel Melingo; se desempeñó como director de la orquesta Percal Tango, así como del espectáculo Delirio Gaucho de Alejandra Radano. Ha trabajado junto a Karina Beorlegui con Los primos Gabino y actualmente dirige la agrupación Troylo Delay.
https://www.instagram.com/ nacho__cabello
Acerca de Nahuel Larisgoitía:
Durante los últimos diez años, Nahuel Larisgoitia ha desarrollado una intensa actividad como guitarrista de tango en distintos grupos y espectáculos. En el año 2016
arregló y grabó las guitarras del disco Espectros de Arrabal, junto con la cantante Verónica Koufati. Al año siguiente, como resultado de un intenso año de trabajo surgido del taller de cuarteto de Guitarras de la EMPA, grabó Una tarde cualquiera bajo la dirección de Adrián Lacruz. Entre 2017 y 2020 participó como director musical y guitarrista en vivo de las obras teatrales: Cuatro Barrios y De amores y cantares. En 2017 conformó el trío Bonviván con el cual grabó “Ironía Sudaca” en 2019 y “Bailás?” en 2020. Después de la pandemia se incorporó como guitarrista al trío
instrumental Aguafuerte tango trío (con quien está por editar su primer material discográfico) y a La Runfla, proyecto con el que estuvo de gira por Europa en el año 2022.
IG: https://www.instagram.com/ nalaris
PRENSA
Ana Garland Management anagarland@gmail.com
VIDEO
Karina Beorlegui “Tango y Fado” Ale Bordas y Nacho Cabello, CCK “Los ejes de mi carreta/
Juan Sebastián Delgado presenta su álbum Tangos Imaginarios
El elogiado cellista mendocino radicado en Canadá presenta su nuevo álbum en el que participan Gustavo Beytelmann, Daniel “Pipi” Piazzolla, Marcelo Nisinman, Philipe Cohen Solal y Federico Díaz.
El cellista y arreglador Juan Sebastián Delgado presenta su nuevo disco titulado Tangos Imaginarios, un personalísimo homenaje a Carlos Gardel y Astor Piazzolla con versiones de tango instrumental de atmósferas contemporáneas, donde la sutileza del violoncello se combina con la improvisación jazzera y con delicadas texturas electrónicas.
Tangos Imaginarios cuenta con la participación de grandes artistas como Gustavo Beytelmann, Daniel “Pipi” Piazzolla, Marcelo Nisinman, Philippe Cohen Solal (Gotan Project) y Federico Díaz, y ofrece una interpretación elaborada e innovadora del tango, en la que se destaca la destreza de Delgado tanto en los arreglos como en la instrumentación para lograr fusionar tradición y modernidad en cada pieza.
Juan Sebastián Delgado es un joven contrabajista reconocido por su sensibilidad y versatilidad, muy requerido
en la actual escena musical de USA y Canadá, comprometido con la música argentina y su proyección internacional.
BIOGRAFÍA JUAN SEBASTIÁN DELGADO
Oriundo de la provincia de Mendoza, Juan Sebastián Delgado comenzó tocando el violonchelo a los nueve años, con clases particulares, en escuela de música y luego con el maestro Néstor Longo (primer cello de la Sinfónica de la Universidad Nacional de Cuyo). Al poco tiempo, ganó una
beca para el Colegio del Mundo
Unido del Adriático en Italia, donde estudió con el legendario Trio di Trieste y el cellista Enrico Bronzi. Luego obtuvo becas en el Boston Conservatory (EE. UU.) con Rhonda Rider (becario de la Virtu Foundation); y en la Universidad McGill en Canadá (donde fue finalista del concurso Gold Violin), donde se radicó.
Ganador del Primer Premio en el Festival Latinoamericano de Violonchelo (2008), Juan Sebastián promueve la creación y difusión de obras que exploran este instrumento de forma
innovadora, liderando proyectos artísticos y multidisciplinarios en más de 28 países, desde la Patagonia Chilena hasta Japón. Tres conciertos para cello fueron dedicados para Delgado: Pájaro contra el borde de la noche, para solo, ensemble y electrónica, de Luis Naón (Conservatorio de París), encargado por Radio France; Cinco Tangos Apócrifos para cello y cuerdas de Jorge Bosso (2016); y The Night of a Capricious Dawn (2022) para cello y orquesta de Jason Noble.
Es miembro fundador del dúo Stick&Bow (cello y marimba) junto a la percusionista Krystina Marcoux. Su ecléctico repertorio incluye arreglos originales y obras escritas especialmente para ellos. Han recorrido el mundo y grabado tres álbumes: Resonance (2019), música para marimba y cello; Trio Sonatas de Bach (2021), junto al clavecinista Luc Beauséjour; y Veni, Vola, Veni (2022), con música de Piazzolla y Beytelmann, junto a Gustavo Beytelmann, ex pianista de Piazzolla. Este último álbum fue presentado en Radio Nacional Argentina, donde el icónico periodista Víctor Hugo Morales describió su interpretación de Vardarito como una de las mejores versiones de esa obra de Piazzolla.
Ha sido galardonado con el Premio Opus 2024 al Artista del Año y finalista del Premio Charles Biddle 2024, otorgado por el Ministerio de Inmigración de Quebec (Canadá). Completó
su Doctorado en Interpretación en la Universidad McGill con Matt Haimovitz. Su investigación artística, que profundiza la fusión entre la música contemporánea y el tango, fue presentada en el programa Ideas de la radio CBC, llevando su trabajo a audiencias de todo Canadá. Asimismo, fue el violonchelista destacado en el episodio Virtuoso Brain del programa de televisión Découverte.
Recientemente actuó como solista con la Orquesta Sinfónica de San Juan (Argentina, 2025), interpretando conciertos de Porpora y CPE Bach, la orquesta del Festival Internacional de cellos de Quito (Ecuador, 2025), el Ensemble Obiora (Montreal, 2024), la UMBC Chamber Orchestra (Baltimore, 2024), y la Orquesta Barroca de Mendoza (Argentina). Ha grabado obras poco difundidas para cello; Puneña N°2 de Ginastera, cuya interpretación fue elogiada por el compositor Alcides Lanza, alumno de Ginastera, como una “interpretación brillante” y Synchronism No. 3 para cello y electrónica de Mario Davidovsky.
Participó en el Creative Dialogues 2017, con la reconocida compositora Kaija Saariaho, y estrenó obras para cuerdas y electrónica en Helsinki, Finlandia. En la Bienal de Lyon 2018, estrenó Daniel’s Tango para cello y marimba de Marcelo Nisinman. En el 2019, fue invitado por el gobierno de Albania junto al pianista Redi
Llupa para tocar en la Academia de Ciencias y Artes, donde estrenó obras de compositores albaneses (Simaku y Tole).
Su interés por la investigación lo llevó a realizar estudios sobre la improvisación en la Université de Montréal (becario postdoctoral FRQSC), y actualmente es profesor asociado de violonchelo en la Universidad de Maryland Baltimore County (UMBC), siendo el profesor del departamento más joven, y en donde forma parte del ensamble de música contemporánea Ruckus.
Toca un maravilloso violonchelo de autor desconocido de principios del siglo XIX.
FICHA TÉCNICA TANGOS IMAGINARIOS
1. Escualo (A. Piazzolla) Juan Sebastián Delgado (cello). Con Federico Díaz en guitarra eléctrica; Daniel “Pipi” Piazzolla en batería y Juan Sebastián Delgado en cello. Arreglo propio con improvisaciones
2. Por una cabeza (C. Gardel) u
Arreglos e intérpretes: Juan
Sebastián Delgado (cello) Phillipe Cohen Solal (electronics)
3. Por una cabeza (Ya Basta Remix)
Juan Sebastián Delgado (cello) NOTA: Este sencillo se va a lanzar independiente (por fuera del álbum)
Jeanne y Paul (A. Piazzolla) Marcelo Nisinman en bandoneón; Juan Sebastián Delgado en cello. Arreglo original de Marcelo Nisinman. Cuando tú no estás (C. Gardel) Marcelo Nisinman en bandoneón; Juan Sebastián Delgado en cello. Arreglo original de Marcelo Nisinman.
El día que me quieras (live improvisation) Gustavo
Beyltemann en piano; Juan
Sebastián Delado en cello. Improvisación grabada en vivo.
Buenos Aires Hora Cero (A. Piazzolla) Krystina Marcoux, marimba; Juan Sebastián Delado en cello. Arreglo original: Gustavo Beyltelmann.
Oblivion (A. Piazzolla) Con Federico Díaz en guitarra
eléctrica; Daniel “Pipi” Piazzolla en batería y Juan Sebastián Delgado en cello. Arreglo propio con improvisaciones.
Prensa & PR Marta del Pino mardepinos@gmail.com
VIDEO Escualo
YA ESTÁ DISPONIBLE
"El convite", el nuevo disco de Beto Caletti
El reconocido músico presentará este flamante trabajo discográfico el jueves 23 de Abril, 20 h en Bebop Club, Uriarte 1658, Palermo.
Entradas a través de Passline. El trío lo completan Guido Martínez en bajo y Diego Alejandro en batería, además de músicos invitados.
El convite es el nuevo trabajo discográfico del guitarrista y compositor Beto Caletti. Se trata de 10 composiciones originales basadas en estilos de raíz brasilera.
A diferencia de sus trabajos anteriores como solista y sus tres álbumes a dúo con la filipina Mishka Adams, Caletti propone en esta oportunidad canciones sin palabras y una invitación al disfrute sonoro.
Participan a lo largo de las piezas Franco Luciani, Juampi Di Leone, Bernardo Monk, Mishka Adams, Ayumi Kobayashi, Midori Okamoto, Diego Alejandro y Guido Martínez. Fue grabado aquí, allá y en todas partes, luego mezclado por Javier Mazzarol y masterizado por Gustavo Segal. Las fotos son de Camila Navarro.
En palabras del artista: “Siempre elegí hacer canciones, pero hace tiempo me llamaba la idea de componer para más de un protagonista, varios instrumentos que conversen entre sí. Entonces
dejé por un rato las letras y empecé a escribir temas en modo instrumental. Me basé en estilos de distintas regiones del Brasil, busqué variedad de timbres y convoqué a un grupo de músicos maravillosos. Así nació este Convite”.
Sobre Beto Caletti
Compositor, guitarrista y cantante, Beto Caletti grabó diez discos solistas con ediciones en Argentina, México y Japón. Fue nominado a los Premios Gardel, ganó el premio Ace y el Disco de Ouro (Japón).
Dedicado a la investigación, composición e interpretación de música popular brasilera, recorrió festivales de América, Europa, África y Asia a lo largo de su extensa trayectoria.
Escribió tres libros sobre la guitarra brasilera, formó parte de Los Musiqueros, emblemática agrupación de música para las infancias. Además, compuso e interpretó las canciones de la serie Zamba para Canal Encuentro y Paka Paka.
Dijo Iván Lins ”...Beto Caletti es un músico extraordinario que camina por sus influencias brasileras mejor que muchos brasileros famosos aquí en Brasil. Escuchen y díganme si no es verdad”
Florencia Meluso florenciameluso@gmail.com
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CHORO PARA AGUSTÍN (BETO CALETTI)
JOSEFINA ILUNDAIN PARA EL DOMINGO
PRIMER DISCO SOLISTA YA DISPONIBLE EN PLATAFORMAS
La cantante Josefina Ilundain presenta su primer disco solista, “Para el domingo”, el jueves 9 de abril a las 21 h. en Hasta Trilce (Maza 177, CABA).
Atravesada por preguntas sobre lo territorial, lo social y lo existencial, la cantante Josefina Ilundain propone en este trabajo un recorrido que pone en diálogo tangos, valses, músicas del acervo surero y textos poéticos.
Se pregunta por la identidad, la dignidad, la memoria, la trascendencia, la impermanencia
y el presente. Desarma y vuelve a armar cada canción desde los colores que la habitan como música de tango y de folclore, a la vez que busca puntos de fuga a través de lenguajes contemporáneos y de una sonoridad camarística.
Con arreglos de Hernán Possetti, Ramiro Gallo, Sebastián Luna y Lisandro Baum, y con una pieza surgida de la improvisación conjunta con la contrabajista Julia Subatin, el disco cuenta con la participación de destacados músicos de la
escena actual de la música popular argentina.
Este trabajo marca también el debut de Ilundain como productora, cuidando cada decisión estética y musical en función del concepto integral de la obra.
“La ‘Milonga para el domingo’, que le da nombre al disco, me habla del día domingo como metáfora de pausa, de encuentro, de contemplación, de posibilidad de trascendencia, de comunión, de dignidad. Por la
inmediatez y los automatismos del cotidiano nos vemos desencontrados. Como dice la milonga, ‘...queremos apurar los días y, de fiebre, más pronto se nos va la vida esperando domingos donde el sol nos siga’”.
En palabras de la artista, este disco es un intento de construir su domingo y una invitación a quien escucha a componer un domingo propio a partir de los retazos que ofrece.
A la vez, es un manifiesto.
MINI BIO:
Josefina Ilundain es cantante, intérprete, nacida en la Ciudad de Buenos Aires. Su recorrido artístico se despliega entre el tango, el folclore y las músicas de raíz criolla y latinoamericana. Desde esos territorios
construye una mirada personal y contemporánea sobre obras valiosas del repertorio tradicional, que reinterpreta con sensibilidad actual.
FICHA TÉCNICA:
-por orden de grabación-
Lisandro Baum , piano y arreglos en Con una milonga de estas y Muda la vana esperanza
Hernán Possetti, piano y arreglos en Olvido y Mensaje
Eva Wolff, bandoneón en Olvido y Mensaje
Andrés Serafini, contrabajo en Olvido y Mensaje
Ramiro Gallo, violín y arreglo en Milonga para el domingo
Lautaro Muñoz Arista, contrabajo en Milonga para el domingo
Nicolás Enrich , bandoneón en Milonga para el domingo
Adrián Enríquez, piano en Milonga para el domingo
Julia Subatin, contrabajo en Oro y virtud
Sebastián Luna, guitarra y arreglos en Dulce agonía y Gorriones
Pedro Cecchi, guitarra en Dulce agonía y Gorriones
Alejandro Antonio, guitarrón en Dulce agonía y Gorriones
Fue grabado en Estudio 0618 y en Eleven Palace entre marzo y diciembre de 2025.
Federico Nicolao - grabación, edición, mezcla y master.
Francisco Baeza - edición de toma de voz en algunos tracks y de field recording en tema 4.
Daniel Ring y Leo Armeri, registro audiovisual y fotográfico de la primera sesión.
Ximena Astudillo Delgado , diseño gráfico de portada del álbum y composición de las imágenes de las portadas de los tracks en base a fotografías del realizador audiovisual Miguel Baratta.
Alejandra López, Foto de portada de Josefina Ilundain.
PRENSA
Lic. Analía Cobas analiacobas@gmail.com
Lic. Cecilia Dellatorre pnlp83@gmail.com
VIDEO
La Hora Azul, Ciclo de escuchas Shagradas: “Para el domingo” / Josefina Ilundain
El Guitarrazo presenta su cuarto álbum
Nuestra canción
Celebrando la obra de Eduardo Falú, a propósito del centenario de su nacimiento.
La Orquesta Escuela de Guitarras llevará este trabajo en vivo al escenario del Teatro Empire, el 9 de mayo a las 20.30h.
Entradas a la venta a través de Alternativa Teatral
Los músicos invitados que participaron arreglando y grabando son: Juan Falú, Cecilia Pahl, Milagros Caliva, Coqui Ortiz y la Orquesta Argentina de Charangos.
Nuestra canción reivindica la rica y extensa obra del guitarrista y
compositor Eduardo Falú, gran referente de la música de raíz folklórica y creador de clásicos del cancionero popular argentino como “Las Golondrinas” o “Tonada del viejo amor” muchas veces en colaboración junto a Jaime Dávalos o Manuel J. Castilla.
Lista de canciones
1 La nostalgiosa (Eduardo Falú/Jaime Dávalos. Arreglo: Ignacio Romero)
2 Río de tigres (Eduardo Falú/ Jaime Dávalos. Arreglo: Lucas
Bragán)
3 Zamba de la candelaria (Eduardo Falú/Jaime Dávalos. Arreglo: Nacho Eguía)
4 Oro verde (Eduardo Falú/ Jaime Dávalos. Arreglo: Daniel Schneck)
5 Cueca del arenal (Eduardo Falú/Jaime Dávalos. Arreglo: Ignacio Romero)
6 La atardecida (Eduardo Falú/ Manuel J. Castilla. Arreglo: Milagros Cáliva)
7 Las Golondrinas (Eduardo Falú/Jaime Dávalos. Arreglo: Nacho Eguía)
8 La angaquera (Eduardo Falú/
Jaime Dávalos. Arreglo: Juan Falú)
9 La huarmillita (Eduardo Falú/ Jaime Dávalos. Arreglo: Daniel Schneck)
Músicos invitados:
Juan Falú en 2 y 8
Cecilia Pahl en 4
Milagros Cáliva en 6
Coqui Ortiz en 7
Orquesta Argentina de Charangos en 9
FICHA TÉCNICA
Grabado el 20, 21 y 22 de septiembre de 2025 en Estudios ION.
Grabación: Osvaldo y Pablo Acedo
Mezcla: Hernán Schnaider
Master: Francisco Baeza
Integrantes de El GuitarrazoOrquesta Escuela de Guitarras
Dirección: Nacho Eguía, Daniel Schneck
Guitarras Primeras
Lucas Bragán, Guillermo Hara, Guillermo Saroka, Carlos Cárdenas, Francisco Lerche, Uziel Tersigni, Aarón Carbone, Valeria Rodriguez, Laura Hermida, Matías Álvarez, Tatiana Gonzales, Cecilia Guevara.
Guitarras Segundas
Emanuel Ortiz, Marcos Rossi, Gabriela Favazza, Mauro Elencwajg, Juanma López Cano, Agustín Manchado Bruno. Guitarras Bases
Ignacio Romero, Muriel Diaz Fidalgo, Lena López, Julieta Filipini, Javier Rodriguez, Constanza D’Elio, Facundo Cabral, Inti Sucunza Pietkiewicz, Coco Martin, Nora Quiroz, Juan Pablo Paz.
Guitarras Bajos
Nacho Eguía, Daniel Schneck, Lucas Ángel, Antonieta
Escudero Alata, Florencia Cagnone, Hernan López, Francis Rosemberg, Marina Di Primo, Ana Ricci.
Fotos: Alejandra Zapata, Celina Hara, Hernan López.
Video: Celina Hara, Macarena de la Panal.
Cómo fue la grabación en Estudios ION
El Guitarrazo es una orquesta escuela de guitarras. Fue
fundada en 2002 por Roberto Calvo y Juan Falú y actualmente es coordinada por Ignacio Eguía y Daniel Schneck.
Esta agrupación es un espacio abierto donde se nuclean guitarristas de todos los niveles y procedencias socioculturales y/o económicas. El Guitarrazo se propone contribuir a la difusión y transmisión de la música popular argentina a través de este instrumento que ha trascendido continentes con una fuerte raigambre en todo uLatinoamérica y en nuestro país. Han versionado piezas de autores emblemáticos como Ástor Piazzolla, Osvaldo Pugliese, Isaco Abitbol, Ramón Ayala o Atahualpa Yupanqui y también de contemporáneos como Carlos “Negro” Aguirre, Teresa Parodi o Román Giudice.
Tiene cuatro discos editados: El Guitarrazo: Orquesta Escuela de Guitarras (2007), De cayos y alegrías (2012), A granel (2016) y el más reciente Nuestra u
canción (2026), dedicado a la obra de Eduardo Falú.
Juan Falú dijo: “El concepto de “Orquesta de Guitarras” es relativamente nuevo, considerando la añeja historia de la guitarra y sus instrumentos predecesores.
Tal vez se sitúe allá por los ’70, con experiencias realmente pioneras en España y Japón, rápidamente emuladas en un importante ensamble de guitarras de Costa Rica y luego en diversos países de todos los continentes.
En Argentina, “El Guitarrazo” abre caminos en este tipo de formaciones, con la particularidad de haber asumido el lenguaje musical argentino como la marca distintiva de la formación.
La claridad en el manejo de ese lenguaje por parte del colegiado que dirige El Guitarrazo, es fundamental para lograr que esos sonidos suenen “como mandan sus estatutos”, pues se inspiran en los saberes que aseguran una identidad estilística.
Estamos, pues, ante un ensamble que hace honor a nuestras pertenencias sonoras y que, además, es en sí mismo una escuela para quienes van habitando ese espacio.
Por supuesto, merece nuestro mayor respeto la iniciativa
de honrar la memoria de Eduardo Falú en ese registro, incorporando obras de un creador tan sublime que, vale decirlo, merecería ser visitado más frecuentemente por quienes amamos, defendemos e interpretamos la música argentina.
Honrado por haber sido invitado, he podido comprobar en vivo la mística y la pasión que une
a sus integrantes y a quienes ejercen la dirección musical de un espacio noble, horizontal y gozoso”.
PRENSA
Florencia Meluso @flormeluso florenciameluso@gmail.com
VIDEO
El Guitarrazo - Grabación disco homenaje a Eduardo Falú
ÁLVARO DE LUNA VUELVE CON DIME DÓNDE ESTÁS
NUEVO SINGLE DE SU PRÓXIMO DISCO - YA DISPONIBLE
Álvaro de Luna vuelve este 2026 por todo lo alto. “Dime dónde estás” es la carta de presentación de su nuevo disco Azulejos, que verá la luz después del verano español. Una canción de pop rock anglo sólida, directa y contundente.
Una gran canción que nos muestra a un artista y autor en su mejor momento compositivo mostrando sus influencias de una forma rotunda, bajo la impecable producción de Paco Salazar.
Una vez más somos partícipes de la capacidad de Álvaro de Luna para hacer canciones redondas, con un discurso tanto a nivel sonido como de textos inconfundibles.
¿Álvaro deja atrás una etapa para dar forma a una nueva identidad artística, más honesta y definida, con la que busca expandir su universo y conectar con la audiencia desde un lugar real y sin artificios. Este nuevo proyecto habla de emociones desde la honestidad y la vulnerabilidad.
PRENSA María Nolte mnolte@indigopress.com.ar | Nicolás Tavella IG: @tavella.nicolas
VIDEO
Álvaro de Luna - Dime dónde estás (Videoclip Oficial)
El Código Cósmico presenta videoclip de su versión de "
Todas las hojas son del viento"
La banda de Exaltación de la Cruz rinde un respetuoso homenaje al Flaco Spinetta
El Código Cósmico presenta mundialmente el videoclip de su versión de “Todas las hojas son del viento”, un clásico de Spinetta que ellos eligieron como homenaje para su obra, y también como un tributo a sus propios hijos.
Grabado en escenarios naturales de Exaltación de la Cruz, el vídeo expresa amorosamente el mensaje de la canción y reúne a pequeños y jóvenes familiares como protagonistas.
Con este lanzamiento, El
Código Cósmico busca honrar la vigencia de la obra de Spinetta manteniendo viva la llama de su poesía en las nuevas audiencias.
La producción musical respeta la esencia compositiva del maestro, pero se permite explorar texturas modernas, logrando un equilibrio entre la sensibilidad de la letra original y la energía característica del grupo.
“Spinetta no es solo una influencia, es el faro que guía nuestra forma de entender la música. ‘Todas las hojas son del viento’ es un mensaje de cuidado y libertad que sentimos muy
necesario hoy en día”, expresan los integrantes de la banda.
El Código Cósmico:
Rock Nacional con profundidad desde Exaltación de la Cruz Desde el corazón de la Provincia de Buenos Aires, emerge El Código Cósmico, una banda que fusiona el pop/rock con sutiles tintes folclóricos y ritmos grooveros, buscando trascender a través de canciones con mensajes profundos y elaboradas armonías. El proyecto, nacido formalmente en 2016 como evolución de formaciones
anteriores de Valeria Massacesi (voz) y Maxi De Petra (guitarra), se completa con Fernando “Colo” Grimaldi (voz), Marcelo Márquez (bajo) y Arturo Velásquez (batería).
Las composiciones de El Código Cósmico, creadas a partir de la fusión de letras y música de Massacesi y De Petra, invitan a un viaje introspectivo y consciente. La banda se identifica con la esencia del rock nacional, encontrando resonancia en el legado de íconos como Charly García, Fito Páez, Spinetta y Gustavo Cerati, así como en la impronta de The Beatles. En la escena actual, admiran proyectos como Conociendo Rusia, El Kuelgue y El Zar, entre otros.
“Nos gusta hacer lindas canciones con mensajes profundos, música elaborada y que la gente se sienta identificada y disfrute de nuestros shows en vivo”, afirman los integrantes de la banda. El Código Cósmico aspira a que su música “trascienda”, priorizando la historia por sobre la fama.
Recientemente, la banda ha presentado su último lanzamiento, “La Verdad” , una muestra de la evolución sonora y lírica del grupo que promete seguir cautivando a su creciente audiencia. Este single se caracteriza por su lírica profunda fusionada con bellas melodías. Este single estuvo acompañado de un impactante videoclip, dirigido por el director cinematográfico Gabriel Grieco,
conocido por sus trabajos en proyectos como Airbag, Daniela Herrero, Fabiana Cantilo, entre otros. Con este video la banda busca ofrecer una experiencia visual que complementa y realza la esencia de la canción.
Uno de los hitos más memorables de su trayectoria fue la oportunidad de abrir el show de Jóvenes Pordioseros en La Trastienda, una experiencia que marcó un antes y un después para la banda. Sus objetivos más próximos incluyen expandir su audiencia y la grabación de nuevo material. Entre sus sueños posibles, se encuentra alcanzar un público masivo, presentarse en grandes festivales y realizar conciertos propios en importantes escenarios como teatros.
El Código Cósmico se proyecta como una propuesta musical sólidamente insertada en la sociedad, dado que sus letras reflejan sentimientos y pensamientos universales con los que el público puede identificarse fácilmente.
DETALLES TÉCNICOS
«Todas las hojas son del viento”
Dirección y realización del video clip:
Gabriel Grieco
Actores y Actrices:
Lara Grieco
Isabela Velázquez
Alex Márquez
Felipe De Petra
Ema De Petra
El Código Cósmico es:
Valeria Massacesi
Fernando “Colo” Grimaldi
Maxi De Petra
Marcelo Márquez
Arturo Velázquez
Audio Grabado en TDR estudio por Lucas Becerra Mezclado y masterizado por Maxi De Petra en “Algún lugar”
Diseño gráfico
Emanuel Panza
SG PRENSA Y DIFUSIÓN
Susana Galarza sgprensaydifusion@gmail.com
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Todas las hojas son del vientoEl Código Cósmico (versión con todo amor y respeto)
DENISSE
ROMANO SIGUE PRESENTANDO
SU DISCO
“LOCURA POR EL CEMENTO” Y
ESTRENA “MI DEPRE (LIVE SESSION)” SÁBADO 11 DE ABRIL
La cantautora argentina Denisse Romano continúa consolidando su camino en la escena musical con la presentación en vivo de su primer álbum Locura por el cemento. El show tendrá lugar el sábado 11 de abril en Humboldt (Niceto Lado B), donde la artista interpretará las canciones del disco junto a su banda, en una noche que promete intensidad, energía y una conexión directa con el público. Una muy buena oportunidad para descubrir en vivo a una de las voces más intensas de la nueva escena del rock argentino.
Además, estrena “Mi Depre (Live Session)”, una versión en vivo de su canción, dirigida por Javier Lopez Arranaz, mezclada y masterizada por Martin Pomares, con la producción general de PIRCA Producciones. Denisse Romano despliega una performance cargada de autenticidad, acompañada por una atmósfera minimalista que resalta la fuerza de su voz y la intensidad de la letra.
“Mi Depre” aborda sentimientos universales vinculados a la vulnerabilidad, la introspección y los procesos
emocionales, logrando una conexión directa con quienes atraviesan momentos similares.
La propuesta audiovisual busca capturar la esencia del momento en vivo. Con esta sesión, Denisse reafirma su identidad artística y continúa consolidando un camino musical que apuesta por la emoción genuina y la profundidad expresiva. “Mi Depre (Live Session)” ya puede verse en YouTube y forma parte de una serie de contenidos que la artista estará compartiendo
en sus plataformas digitales durante este año.
“LOCURA POR EL CEMENTO”
Letra y música de todas las canciones: Denisse Romano, Productores Musicales: Andres Cortes, Pepe Cespedes y Juan Bruno (de Bersuit Vergarabat) , Daniel Alanis y Niknomo (productores de Rimas, españa ganadores de Grammys con C Tangana). El Álbum contiene 9 canciones, “salí de mi cuerpo”, canción que se viralizó en redes. El álbum tiene esencia rock compartiendo matices de otros géneros, como rap y synthes electrónicos. Las letras del álbum fueron compuestas en Argentina y en un viaje a Madrid. El concepto general de “Locura por el cemento” expresa l a locura de vivir 10 años tocando en la calle, viendo a la gente vivir a las
corridas, de distintas formas, también expresa la depresión, el amor, el desamor mientras sobrevive pagando un alquiler.
El álbum fue grabado en Buenos Aires (estudio Romaphonic) y en España, Madrid (Mapa Estudio Rimas). Al final del álbum se muestra un compilado de tomas reales de Denisse tocando en la ciudad con multitudes paradas escuchándola. “Locura por el cemento” es una obra completa con videos de principio a fin en capitulos, donde también aparece un personaje que la acompaña para realizar todo, qué es “La manager”, Denisse interpreta a “La manager”, dando el mensaje de poder hacer las cosas antes que vengan a buscarte.
SOBRE DENISSE ROMANO
Cantautora y multiinstrumentista argentina, autodidacta desde los ocho años, reconocida por atraer multitudes de personas en algunas esquinas de Buenos Aires con sus shows en vivo ejecutados solamente con su voz y una guitarra electroacústica, adelanta single y estrena video de su primer disco: “Salí de mi cuerpo”. En mayo de 2025 Denisse abrió dos Movistar Arena para No Te Va a Gustar. El 2024 mientras Denisse grababa su álbum fue invitada por otras bandas a cantar como La Bomba de Tiempo, el Choque Urbano, Festival Saldías entre otros.
Gracias a su destacada actuación como música callejera, viviendo de eso durante 10
años, consiguió ser endorser de Yamaha Latinoamérica y fue convocada por los medios de comunicación (sin prensa, ni representante) dándose a conocer internacionalmente. En 2019, la cantautora presentó sus demos a Álvaro Villagra, el cual no dudó en abrir sus puertas al legendario Estudio del Abasto, reconocido por ser unas las estrellas de Rock Nacional, como: Spinetta, Charly García, Ciro y los persas, Andrés Calamaro y Pappo, entre otros.
Previo a la pandemia que se acercaba, Denisse logró grabar “Volar Despierto”, “Donde están las Noches” y “Este Dolor” con algunos integrantes de Guasones y Juanse. El primer productor y guitarrista de Mick Jagger no dudó en sumarse y aportar sus melodías en las guitarras eléctricas, Jimmy Rip dejó los primero 3 demos de Denisse a un nivel impensado. Denisse abrió en el Gran Rex el show del exitoso cantautor español Manuel Carrasco (Número 1 en ventas en España actualmente), el cual pidió exclusivamente el show de Denisse como apertura de su único show en Argentina.
En este show fueron presentados 10 temas de su autoría.
Denisse, fue elegida como ganadora del concurso organizado por el ciclo Rock N’ Fans que se transmite por la pantalla de América TV. El concurso convocó a bandas argentinas que pudieran presentar un video grabado en vivo y de un tema propio. Entre la selección hubo unos 1000 inscriptos y preseleccionados. El certamen se definió en vivo, compitiendo por composición e interpretación. Unos meses después “Ciro y los persas” no se quedaron atrás e invitaron a Denisse a cantar “Amor de Perros” junto a Ciro en el Teatro Opera, siendo ovacionada por el público piojoso, luego del sorpresivo recibimiento del público piojoso, Ciro decidió dejar a Denisse con su guitarra electroacústica para que cantara su sencillo “Volar Despierto”.
PRENSA Paula Alberti paulaalbertipress@gmail.com
VIDEO Denisse Romano - Mi Depre (Live Session)
Clara Mind lanza en todas las plataformas digitales su primer EP
Let the music shine on you
Let the music shine on you, es el primer EP de Clara Mind y es una invitación a descubrir que no estamos solos, que somos seres humanos viviendo experiencias diferentes. En sus letras habla sobre la importancia del sostén en los vínculos, la presencia y la escucha. El trabajo está inspirado en “El Nacimiento de Venus” de Boticcelli, representando la llegada de la diosa a la orilla, nacida del mar, simbolizando la belleza, el amor y la renovación.
En el contexto actual, donde Medio Oriente está siendo bombardeada, Clara intenta
mostrar su trabajo desde ese territorio como acto de resistencia. En sus propias palabras: “Estamos viviendo tiempos cruentos, no podemos negarlo. Como artista, escribo, compongo canciones y las canto. Canto como forma de expresión y de expansión. Canto también para escuchar, para convivir en comunidad. El arte nos lleva a crear comunicación de esa que no oprime el pecho, sino que se siente como un abrazo al alma.
Ante tanta crueldad y crudeza, los invito a conectar juntos desde la blandura, desde el soltar armaduras mentales y rendirse
a la entrega del abrazo corazón a corazón. Me pregunto si podremos dejar de lado lo cruel, bajarle el volumen y permitir que lo amable hable, escucharnos más. ¿Será posible algún día? Ojalá podamos lograrlo”.
La artista platense comenzó a escribir y componer estas canciones en la ciudad de Dubai (Emiratos Árabes) a finales del 2023. Junto con el productor musical Marcos Archetti, definieron los arreglos y los músicos que formarían parte de la grabación.
El proceso se dio en diferentes
etapas y países. Los músicos que grabaron en Argentina entre febrero y marzo del 2025 fueron: Ramiro Bonfigli en bajo, Juan Pablo Espina en guitarra eléctrica, Juan Pablo Castrillo en batería y percusión, Juan Ignacio Olivero en piano, Mariano Meneghini en trompeta, Bernardo Casagrande en saxofón, Iván Simanovsky en trombón, Malena Medone en cello y Joaquin Chiban en violín. Luego se sumó la voz de Clara desde Doha. El arte de tapa lo llevó a cabo Luis Amaau, artista venezolano, con quién la cantautora trabaja en Qatar.
Además, cada canción está acompañada por un videoclip, bajo el concepto “El Banquete de Platón” que tiene como tema central el amor, el encuentro, el compartir, inspirado en la búsqueda de la verdad y el intento por lograr la inmortalidad.
Sobre Clara Mind
Clara Mind es cantante y compositora. Nació en La Plata
y luego de un tiempo residiendo en Emiratos Árabes, se mudó a Doha, Qatar, donde desarrolla actualmente su actividad profesional. En su repertorio habitual como cantante en el Hotel Four Seasons de Doha, interpreta diferentes géneros musicales como el jazz, la bossa nova, la canción latinoamericana, el tango, el pop y el soul.
Personalidades de la política y la cultura con quienes ha compartido como Susana Rinaldi, Adolfo Pérez Esquivel, Juan Manuel Guevara (hermano del Che), Calica Ferrer, Fernando Signorini o Stella Calloni la
ayudaron a impulsar y formar su espíritu sensible.
Luego de una serie de singles editados desde 2020, este año presenta su primer EP Let the music shine on you (2026) integrado por tres composiciones propias, con producción artística del platense Marcos Archetti y editado de manera independiente.
Florencia Meluso Enlazadora de Mundos @flormeluso florenciameluso@gmail.com
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Let the Music Shine On You
NUEVO DISCO DE ANDRÉS SUÁREZ
LÚA
La travesía de una noche sin luna hacia la luz
Andrés Suárez ha titulado su décimo álbum con una palabra cargada de simbolismo y belleza: Lúa, «luna» en gallego. En este caso, se trata de una luna negra que representa la larga travesía emocional que realizó desde la oscuridad hasta encontrar la luz. Este trabajo nació de un momento doloroso de su vida y, al mismo tiempo, de un proceso de sanación con el que logró renacer, como cuando brotan las flores de la jacaranda en México con la llegada de la primavera. Llegó el cambio de luna, el amor, un nuevo comienzo. De todo ello construye el que, seguramente, sea el trabajo más rico de
su carrera: a caballo entre el músico de ayer, el de hoy y el que mira al futuro con la ilusión recién encendida.
Lúa narra ese viaje del desamor al amor y cobra aún más sentido cuando se escucha de principio a fin, como quien lee un libro, recorriendo una historia llena de contrastes emocionales y musicales. Comienza con el corazón en mil pedazos y termina con el corazón latiendo de nuevo. Con el objetivo de enfatizar cada estado, juega con la paleta sonora y la instrumentación. En la producción y los arreglos cuenta con Alfonso Pérez, Peter Walsh en algunas canciones y
Ricky Falkner en otras. Grabado principalmente entre Estudio Moraima, La Casa Murada y Estudio Uno, con los músicos tocando simultáneamente para capturar la magia del directo. Está presente ese sonido de banda, influencias latinoamericanas, aunque también hay un regreso a su pasado sonoro, con temas que ponen el peso en su vieja guitarra, en la madera, y se alejan de cualquier programación electrónica. Aquí hay canción de autor, baladas, pop-rock e incluso una bachata —una novedad en su discografía—. Las seis primeras canciones parten de la herida, del despecho, la rabia y el dolor. Su voz, con la
que juega más que nunca, parece llorar en algunos momentos: se quiebra, duele. Las siguientes nacen de un enamoramiento inesperado en México, país que se ha convertido en un pilar esencial para él. Destilan amor, erotismo, esperanza, respeto o fiesta. Su canto se dulcifica y celebra, lleno de luz.
En este disco, como suele ser habitual en su trayectoria, son importantes los viajes que alimentan su pluma. Las referencias geográficas enmarcan las historias: de Galicia a Cabo de Gata (Almería) o México. En esta ocasión, cobran una fuerza especial los aeropuertos, donde sucede algo tan antagónico y profundo como un reencuentro o una despedida, y que el músico gallego convierte en canción. En total, doce temas conforman el álbum, y muchas otras canciones —fruto de un momento de inspiración especialmente fértil— aguardan en la maleta para futuros viajes.
Las doce lunas de LÚA
Arranca con “Durmiendo con su enemiga”, que habla del autoengaño y de las relaciones dañinas, de dormir con quienes, en realidad, son nuestros peores enemigos.
“San José, Almería” nos lleva a Cabo de Gata, el refugio — físico y metafórico— donde Andrés encontró consuelo en el paisaje, la amistad y en una noche de pasión que queda
inmortalizada para siempre.
“Cuánto daría”, primer sencillo, reflexiona sobre los celos patológicos, una enfermedad sin salida, según el autor. Expresa con elegancia y sin ira lo que supone vivirlos.
“Náutico” está dedicada al templo de la música en directo de San Vicente do Mar, situado a los pies de la playa gallega de A Barrosa (Pontevedra), y a su dueño, Miguel de la Cierva, por tantas noches felices vividas allí. En concreto, relata una velada eterna e inolvidable, con una sonoridad muy Los Rodríguez y guiños a Latinoamérica. En su voz hay risa, cafeína y vino.
En “Elena”, que musicalmente conecta con etapas anteriores de su carrera, hace autocrítica de su pasado, pide perdón y dice adiós a un gran amor desde el agradecimiento.
“Seríamos reyes” habla de otra persona querida del pasado, con la que vivió intensamente todos los elementos oscuros de la vida nocturna y con la que se bebió, literalmente, el mundo. Sus vidas se alejaron para no quemarse juntos. Tiempo después se reencontraron y ya no eran los mismos. Ella recordaría en un mensaje: “Tú, que prometiste que íbamos a ser reyes, ¿dónde está el palacio?” u
“Tu equipaje” recoge, con el peso de la percusión y la guitarra, ese remolino de sentimientos que experimentamos en los aeropuertos, cuando llega la persona amada, se disfruta y haríamos lo imposible para no volver a despedirla nunca. Llega la luz al disco: la voz suena azucarada, cargada de esperanza.
“Jacaranda” lleva el nombre del árbol favorito de “C” —la inicial de un nuevo amor— en México. Es una de sus favoritas musicalmente, grabada solo con piano y voz, en una toma, entre lágrimas y abrazos.
Pero “C” tiene su propia canción de amor cargada de verdad, una bachata, que llega a continuación, porque fue el faro en mitad del naufragio. Con reminiscencias a Juan Luis Guerra, uno de los grandes referentes del artista, aunque cantada con el alma de una balada.
“Habitación 517” narra una historia real en un hotel: una noche
de conexión intensa con una mujer que resultó estar casada. Un homenaje sincero a un amor imposible y a las personas que se cruzan en nuestro camino, aunque no permanezcan.
En “Lleva a México, mi amor”, luce su vieja guitarra para dibujar el desgarro de la despedida del amor que marcha a 11.500 kilómetros de distancia. En un aeropuerto resonó la poderosa frase: “Lleva a México, mi amor”, al país que siente como una segunda casa y que inspirará próximamente un documental.
“Recuérdame”, la última canción, con ecos de Abbey Road y matices
latinoamericanos, narra otra despedida real. Ese “recuérdame” surgió espontáneamente en una mezcla de vulnerabilidad y ternura. Marca el cierre del ciclo: del dolor al amor.
La “Lúa” de Andrés Suárez atraviesa la noche más larga y, al otro lado, encuentra el amanecer. Una luna que, como la de Federico García Lorca, no solo alumbra: también vigila, inspira y sangra. Este disco es un espejo en el que todos, de algún modo, nos vemos reflejados. Sus canciones nos recuerdan que la lúa negra no dura para siempre y que volverá a florecer, como cada primavera, la flor de la jacaranda.
PRENSA
María Nolte mnolte@indigopress.com.ar
IG: @merynolt
Nicolás Tavella nicolastavella@indigopress.com. ar
IG: @tavella.nicolas
VIDEO
Andrés Suárez - C (Videoclip Oficial)
PUNTO APARTE PRESENTA SU ÚLTIMO SENCILLO Y
PIXELADO
El mensaje de fe se traslada a lo largo de esta canción que habla de procesos internos, donde la percepción inicial no está en alta definición, pero se deja entrever. PIXELADO es la prueba de cómo actúan las personas cuando se encuentran a mitad de camino.
Al grabarla de manera autogestiva, desde su Home Studio, PUNTO APARTE! logra un mayor aprendizaje y evita el uso de amplificadores para obtener un sonido más punk hardcore.
PUNTO APARTE! es:
Cristian Vidal (voz principal y guitarra)
Damián Ávila (teclado y coros)
Leonardo Vega (batería y programación)
Marcos Igor (bajo y coros)
„Invitamos a Lucas Díaz, que es el baterista de Corto Plazo y Pablo Olivares, porque su impronta podía sumar al proyecto y desafiarnos a ampliar los horizontes“, destaca el proyecto.
Como frutilla del postre, el próximo viernes 17 de abril presenta su nuevo material junto a la banda porteña FILA 9, en Auditorio CCV (Salliqueló 590, Bahía Blanca).
En sus catorce años de trayectoria el cuarteto bahiense ha sabido posicionarse como una
de las propuestas más relevantes del rock gospel argentino. Poco después de su formación, lanza el primer EP de tres temas.
Sin embargo, la esencia más pura se manifiesta con el material discográfico: Tanto Por Hacer (2015) y una gira de presentación por la Patagonia, Santa Fe, La Pampa, el interior de Buenos Aires y Capital Federal.
Luego de un silencio musical, el 2023 los motiva a publicar sencillos como: “Lenny” y “El Grito”; “Volveré” llega en abril
2024, mientras que „El Ancla“ e „Inversa Moralidad“ lo hacen a fines del mismo.
Su última propuesta sonora „Pixelado“ es grabada de manera independiente; mezclada y masterizada por Martín Ontiveros (Estudios Doble M), quien se convierte en el productor artístico de la canción. El videoclip que la acompaña cuenta con la supervisión de Matías Merino (director de cine).
Además del show confirmado para el viernes 17 de abril en su ciudad, el tour programado incluye conciertos en Buenos Aires, CABA, La Plata y el norte de Santa Cruz, entre otros.
PRENSA
Nancy Hougham nancyhougham@hotmail.com
VIDEO
PIXELADO | Punto Aparte! | Videoclip Oficial | Rock Argentino 2025
HANA FOX PRESENTA
H.O.T Una
Hana Fox presenta “H.O.T”, un single que combina tintes electrónicos elegantes y sutiles con una base pop contundente, logrando una atmósfera sensual, sexy y poderosa desde el primer beat.
La producción juega con capas delicadas pero firmes: sintetizadores envolventes, pulsos electrónicos que respiran y una base rítmica que avanza con seguridad. Nada es exagerado; todo está colocado con intención.
“H.O.T” seduce sin gritar, domina sin forzar. Es sofisticación y actitud en equilibrio.
Sobre ese universo sonoro, la voz de Hana se mueve con naturalidad entre lo íntimo y lo magnético, construyendo una interpretación que transmite confianza y presencia. La canción no apela a lo explícito, sino a la energía: esa seguridad que se activa antes de salir, frente al espejo, cuando la actitud cambia y todo empieza a sentirse posible.
“H.O.T.” redefine el concepto: no es solo físico, es postura, es decisión, es cómo caminás y cómo te miras. Desde bailar con amigas antes de salir hasta conquistar la pista con libertad absoluta, la canción convierte momentos cotidianos en
canción que transforma la actitud en poder
escenas cargadas de identidad.
El resultado es un track que respira verano, piel expuesta al sol, aire fresco entrando por la ventana, previa vibrante y fiesta encendida. Una combinación de pop y electrónica que envuelve y empodera, dejando ver con claridad el alter ego que habita en cada mujer: esa actitud arrolladora que aparece frente al espejo, esa seguridad total que no pide permiso, que camina firme y
sabe exactamente el poder que tiene. En “H.O.T” , Hana no solo canta esa energía: la encarna y la convierte en identidad.
“H.O.T” llega después de “Zorritas en Bikini”, EP con el que inauguró temporada y dejó en claro su impronta fresca y provocadora, marcando el pulso del verano. Con este nuevo single, Hana da un paso firme en la consolidación de este universo artístico. Una propuesta donde sonido, estética
y mensaje conviven con precisión y carácter, confirmando que su camino dentro del pop latino se construye con personalidad propia.
LA CANTANTE
Hana Fox es cantante, compositora y bailarina originaria de Buenos Aires, Argentina, con una propuesta que fusiona pop y urbano con una estética audaz y performática. Su trayectoria comenzó en el mundo del baile, lo que luego la llevó a explorar la música como forma de expresión artística y escena propia.
Ha ganado visibilidad con una serie de sencillos que la posicionan como una de las voces emergentes más interesantes de la escena local. Entre sus lanzamientos más destacados están temas como “JAJA” — creado en un campamento musical en Puerto Rico— y “Que
Lo Mueva”, que consolidan un estilo fresco y enérgico dentro de la nueva música pop latina. Además junto a Caleb Callowey interpretaron “SORRY” en su primer disco debut.
También participó en importantes en eventos y escenarios relevantes de la escena argentina como Argenta y Festival Saldías, espacios que la conectaron con audiencias diversas y ampliaron su presencia en vivo.
Su crecimiento también tiene
proyección internacional: este año será invitada por Caleb Calloway para sumarse a su show en Lollapalooza Chile 2026 , un paso significativo que confirma su expansión más allá de las fronteras argentinas y la inserta en plataformas y festivales de gran alcance regional.
PRENSA
Vicky Roa Comunicaciones giuli@vickyroa.com.ar
VIDEO
Hana Fox - H.O.T. (Official)
IMBERMIND debutó en Argentina
- La banda española de música electrónica desembarcó por primera vez en el país con presentaciones en Mar del Plata, Buenos Aires y su participación en el festival Lollapalooza Argentina. -
El pasado 12 de marzo, Imbermind se presentó por primera vez en la Ciudad de Buenos Aires con un show propio en Artlab (Roseti 93) a las 19 hs. En el marco de su tour 2026, el cuarteto español desembarca con una propuesta inmersiva que combina electrónica pura, pop alternativo y una profunda carga emocional, consolidándose como una de las revelaciones de la nueva escena electrónica europea.
La banda conformada por Edu Imbernon, Luis Clemente, Nico Casal y Álvaro Monreal, llega
presentando su álbum debut
Never Ending, un trabajo que profundiza su identidad sonora y emocional. Tras su remezcla oficial de “Wagging Tongue” para Depeche Mode, el proyecto dio un salto internacional que hoy se traduce en un show sólido, intenso y cuidadosamente diseñado para el vivo.
El vínculo con Argentina tiene una historia previa a través de Edu Imbernón, reconocido DJ y productor a nivel mundial, quien se ha presentado en el país en múltiples oportunidades y mantiene una conexión especial con el público local.
Además, ha compartido distintas presentaciones B2B con Hernán Cattáneo, referente de la escena electrónica argentina, quien también participó del remix “Thousand Miles” junto a Imbermind. Esa relación artística y afectiva potencia ahora el desembarco de la banda en la ciudad.
La fecha en Artlab será la única oportunidad de ver su show propio en Buenos Aires antes de su participación en Lollapalooza Argentina. Con capacidad limitada y a solo una semana del evento, las últimas entradas ya se encuentran a la venta.
INTEGRANTES
Edu Imbernón – Productor y DJ internacional. Ha actuado en festivales como Coachella, Sonar y Tomorrowland. Y ha remixeado oficialmente a artistas de la talla de The XX, Rüfüs Du Sol o RY X.
Nico Casal – Pianista y compositor de bandas sonoras, nominado al Oscar por su trabajo en el corto Stutterer.
Luis Clemente – Batería y productor con una sólida trayectoria en proyectos de indie y electrónica experimental. Miembro activo del colectivo Pieces of Life.
Álvaro Monreal – Bajista y guitarrista con experiencia en giras y grabaciones para artistas nacionales. Former vocalista del grupo Navvier.
ALGO MÁS ACERCA DE IMBERMIND
Imbermind hizo un debut impactante con su remezcla oficial de Wagging Tongue, del álbum Memento Mori de Depeche Mode. Su reinterpretación del tema fue elogiada por respetar la esencia original al tiempo que introducía una nueva profundidad sonora.
En diciembre de 2024, presentaron su primer single original, «Thousand Miles», una canción sobre la resiliencia y la superación de
obstáculos, marcada por una producción meticulosa y un núcleo emocional poderoso. Este lanzamiento sirvió como adelanto de su álbum debut, «Never Ending», que vio la luz en mayo del 2025.
Cada integrante aporta una identidad musical única, construyendo un lenguaje sonoro inconfundible que rehúye etiquetas y apuesta por la emoción.
Con una visión artística clara y una pasión por la innovación
sonora, Imbermind se perfila como una de las propuestas más prometedoras de la escena musical contemporánea, desafiando los límites y ofreciendo una experiencia que trasciende la convención. Gacetillas en word.
Fotos- WAV
PRENSA
Romina Gilardi rominagirardiprensa@gmail.com
VIDEO
Imbermind - River Of Time (Enamour Remix)
FABIO BANEGAS PRESENTA EL CUARTO VOLUMEN DE SU EXTRAORDINARIO PROYECTO
CULMINANDO LA OBRA COMPLETA PARA PIANO DE JOSÉ
El pianista clásico argentino Fabio Banegas (reconocido internacionalmente por la crítica musical), protegido y gran defensor de José Antonio Bottiroli, presenta este cuarto volumen de la obra completa para piano de su mentor, editado por el sello Naxos - Grand Piano.
En esta amplia colección, escuchamos obras con orquesta y con conjunto de cámara, así como piezas para piano solo y dúo.
Impresiones Sinfónicas para piano y orquesta ofrece lirismo y virtuosismo, mientras que el resto del programa se centra en la maestría contrapuntística de Bottiroli, la creativa reelaboración y expansión de obras anteriores, y su uso de danzas folclóricas argentinas como el chamamé. En conjunto, presentan recuerdos musicales de su propia experiencia vital.
FICHA TÉCNICA
JOSÉ ANTONIO BOTTIROLI (1920–1990) COMPLETE PIANO WORKS • 4 MEMENTOS
FABIO BANEGAS, piano (1, 3–12, 15–23)
BRNO PHILHARMONIC FRANCISCO VARELA, conductor (1)
ANTONIO BOTTIROLI
MEMBERS OF THE BRNO PHILHARMONIC (2)
LUKÁŠ DAŇHEL, clarinet
PAVEL WALLINGER, violin (concertmaster) PETR
PŠENICA, viola IVANA ŠVESTKOVÁ, harp
ANTÓN & MAITE PIANO DUO (2, 14, 24–26)
ANTÓN DOLGOV, piano MAITE
LEÓN, piano
DUO DU RÊVE (13) JANA JARKOVSKÁ, flute BOHUMÍR
STEHLÍK, piano
1 SYMPHONIC IMPRESSIONS FOR PIANO AND ORCHESTRA ON SOME THEMES BY MARIO TARENGHI, B8 (1955) Allegro (04:35)
2 VALSES DE CONCIERTO DE EL CABALLERO DE LA ROSA (‘CONCERT WALTZES FROM DER ROSENKAVALIER’), B10 for 2 pianos, violin, viola, clarinet and harp (1955) Con anima, Tempo di Valse (07:07)
3 CÓMO ES… (‘HOW IS IT…’) IN E MINOR, B69 (c. 1979) Presto – Largo (05:01)
4 MONÓLOGO (‘MONOLOGUE’) IN G MAJOR, B60 (1978) Andante (03:14)
5 SIN TÍTULO (‘UNTITLED’) IN F MINOR, B115 ‘HOJA DE ÁLBUM’ (‘ALBUM LEAF’) (1983) Andante, doppo (03:41)
6 TRISTE (‘SAD’) IN F MINOR, B53 (c. 1977) Andantino, Vivace (03:01)
7 TOCCATA IN E MINOR, B52 (c. 1977) Allegro (02:18)
8 VIEJO (‘OLD’) IN E MINOR, B79 (c. 1980) Andante (03:24)
9 NUEVO (‘NEW’) IN C MAJOR,
B78 (c. 1980) Allegretto (03:01)
10 ADAGIO IN C MINOR, B77 ‘ADAGIO RITORNEL’ (c. 1980) Adagio (07:18)
11 MÍNIMO (‘MINIMUM’) IN D MAJOR, B50 (1972) Allegro (01:57)
12 DESPERTAR (‘AWAKENING’) IN D FLAT MAJOR, B32 (c. 1974) Largo 04:35
13 MELODÍA PARA FLAUTA Y PIANO (‘MELODY FOR FLUTE AND PIANO’), B102 ‘MEMENTO’ (1985) Grave – Più 02:36
14 WALTZ IN G MAJOR, B23 (version for 2 pianos) (c. 1971)
Moderato – Allegretto 02:55
15 ÍNTIMO (‘INTIMATE’) IN C MINOR, B54 (c. 1977) Sostenuto 01:59
16 ESTUDIO (‘ÉTUDE’) IN E MINOR, B51 (c. 1977) Allegro 00:59 6 PIEZAS PARA PIANO (‘6 PIANO PIECES’), B76 (1980) 06:30
17 No. 1. Introduction: Grave 02:31
18 No. 2. Heller: Allegro vivace 00:33
19 No. 3. Memento: Grave 01:21 )
20 No. 4. Comodo 00:52
21 No. 5. Vals (‘Waltz‘): Allegro 00:41
22 No. 6. March 00:32
23 PÁGINA DE ALBUM (‘ALBUM LEAF’) IN F MINOR, B75 (1980)
Moderato 05:16
SUITE FOR 2 PIANOS IN B FLAT MAJOR, B24 ‘ARGENTINA’ (c. 1980) 05:06
24 Aire de Chamamé (‘Air of Chamamé’): Allegro 01:58
25 Aire de Triste (‘Air of Triste’): Andantino 01:36
26 III. Aire de Malambo (‘Air of Malambo’): Allegro 01:32
ACERCA DE FABIO BANEGAS
Aclamado por sus grabaciones de estreno mundial, el pianista clásico ha publicado grabaciones para Naxos y Guild Music en el Reino Unido. Entre sus galardones se encuentran el Premio Especial del concurso Mozarteum Santa Fe (Argentina) y el Premio Redfield de la Sociedad Filarmónica del Condado de Orange (Estados Unidos). Es licenciado en música por la Universidad Nacional de Rosario (UNR) en Argentina y la Universidad Estatal de California, Fullerton (CSUF) en Estados Unidos. Fabio Banegas ha actuado como recitalista y solista en Estados Unidos, Argentina y Europa, y ha participado como pianista en varias producciones de cine y televisión de Hollywood. También estudió periodismo en la Universidad de California, Los Ángeles (UCLA). www.fabiobanegas.com
SOBRE LOS ARTISTAS
Antón y Maite Piano Dúo Formado por los pianistas u
españoles Antón Dolgov y Maite León, el internacionalmente aclamado Dúo de Piano Antón y Maite fue galardonado con el Primer Premio tanto en el Concurso Josep Mirabent i Magrans como en el Concurso Internacional Luigi Zanuccoli, y ganó el Premio Joven Talento Musical Español en el concurso El Primer Palau. El dúo ha actuado por toda España, incluyendo en el Palau de la Música Catalana de Barcelona, la Sala Mozart de Zaragoza y el Teatro de la Maestranza de Sevilla, así como en otros lugares, con actuaciones en el Musikverein de Graz (Austria), la Sociedad Filarmónica de Lima (Perú) y el Gran Teatro de Harbin (China). Su álbum debut, Essenz (IBS Classical), fue calificado como Oro por la revista Melómano y recibió cinco estrellas de Ritmo. Invitados habituales de la Schubertíada de Vilabertrán, el Festival de Música y Danza de Granada y el Festival de Piano Rafael Orozco de Córdoba, tanto Dolgov como León han actuado como solistas con la Orquesta Filarmónica de Cracovia, la Orquesta Sinfónica Goya y la Orquesta Sinfónica del Cusco. www.antonymaite.com
Duo du Rêve
Fundado en 2011 por la flautista Jana Jarkovská y el pianista Bohumír Stehlík, el Duo du Rêve es un conjunto de cámara checo conocido por su sensibilidad y su refinada interpretación, cuyo objetivo es cautivar al
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público a través de experiencias musicales vibrantes.
El dúo estudió en el Royal College of Music de Estocolmo y ha participado en clases magistrales en Luxemburgo, Suecia y Austria. Su talento ha sido reconocido con los máximos galardones en concursos internacionales como el Premio Internacional Pro Musicis y el Concurso Internacional de Música de Cámara SalieriZinetti. El Dúo du Rêve colabora regularmente con la Radio Checa y participa en actividades musicales sin ánimo de lucro. www.duodureve.com
Brno Philharmonic Orchestra
La Filarmónica de Brno, una de las orquestas más grandes de Europa Central, realiza 40 conciertos al año y participa regularmente en importantes festivales como la Primavera de Praga, el Otoño Moravo, Smetanova Litomyšl y el Festival Internacional de Música Leoš Janáček. La orquesta ofrece conciertos en su sede, Besední dům, y en el Janáčkovo divadlo, y también es invitada frecuente a prestigiosos escenarios internacionales.
Abogada de la música de
Leoš Janáček, la orquesta ha grabado sus obras sinfónicas completas en numerosas ocasiones a lo largo de los años, y posteriormente se la ha considerado una orquesta «janáčkiana». Los orígenes de la Filarmónica de Brno se remontan a la década de 1870, cuando se formó bajo los auspicios de Janáček, y el conjunto actual se desarrolló en 1956 bajo la dirección de Břetislav Bakala. La orquesta ha colaborado con destacados directores como Karel Ančerl, Jiří Bělohlávek, Charles Mackerras, Kurt Masur y Yehudi Menuhin. www.filharmonie-brno.cz
Francisco Varela
El director, compositor y programador musical argentino Francisco Varela está comprometido con la ampliación del repertorio de música tradicional y la transformación de las orquestas de su país para satisfacer las necesidades del siglo XXI. Galardonado con numerosos premios y becas, se graduó con honores de la Pontificia Universidad Católica Argentina y obtuvo una maestría en dirección de orquesta en la Universidad Estatal de Pensilvania. En 2022, participó como director al frente de la Orquesta Filarmónica Nacional de Lviv (Ucrania) en un álbum dedicado íntegramente a la obra sinfónica de Franck (Guild). Sus mentores fueron Guillermo Scarabino, Gerardo Edelstein, Marta Lambertini y Julio Viera,
y también ha trabajado con Marin Alsop, Harold Farberman, Charles Dutoit, Pedro Ignacio Calderón y Gerardo Gandini. Varela creó el primer Foro Nacional de Orquestas de Argentina y también fue coordinador artístico y general de la Orquesta Sinfónica Nacional de Argentina. Actualmente dirige la Red de Orquestas Sinfónicas Iberoamericanas (RIOS). Director invitado frecuente en Sudamérica, Varela presenta con frecuencia obras nuevas, olvidadas y comisionadas de su país natal. www.varelafrancisco.com
José Antonio Bottiroli (19201990)
Compositor, poeta y profesor de música, Bottiroli se graduó en 1948 de la Universidad Nacional del Litoral, Argentina, recibiendo el Premio Rotary Club al mejor estudiante de música. Estudió piano y composición con José de Nito (1887-1945) y armonía y contrapunto con José Francisco Berrini (1897-1963); pero fue el compositor Nicolás Alfredo Alessio (1919-1985) su mentor musical, colaborador y amigo íntimo más importante. La música de Bottiroli surgió en marcado contraste dentro del panorama clásico argentino creado por sus predecesores, ya que no se inspiró en el folclore ni en las danzas autóctonas. También se apartó de la estética musical modernista y vanguardista adoptada por muchos de sus
contemporáneos. En cambio, encontró en las breves formas musicales del Romanticismo el medio ideal para su expresión, a la que infundió diversos estados de ánimo, un subjetivismo extremo, intimidad y sus propias experiencias de la vida real.
Contacto de Prensa IG @medioshabiles medioshabilescom@gmail.com
VIDEO
The grand finale – Fabio Banegas completes Bottiroli’s piano works #trailer
QUEDATE CON EL DESAKTA2 - URIEL LOZANO
Desakta2 es una banda cordobesa (Argentina) de cuarteto compuesta por los vocalistas Joaquín Martín y Fernando Olmedo.
Debutaron en octubre del 2021 en Rosario Chateau (Córdoba) y desde entonces se presentaron en diferentes boliches y festivales del país, generando una excelente convocatoria. A lo largo de su carrera actuaron en Plaza de la Música, Forja Eventos y en festivales como Cosquín Cuarteto, Festival de Peñas de Villa María y Jesús María, logrando múltiples sold out.
Durante el 2025 se presentaron por primera vez en el Teatro Gran Rex, con entradas agotadas, y actualmente superan los 2 millones de oyentes en Spotify.
REALIZACIÓN DE VIDEOCLIP
El videoclip fue grabado en vivo en La Sala del Rey, Córdoba Capital, registrando una versión real y directa de lo vivido esa noche en el show.
INFORMACIÓN DEL TRACK
Género + Subgénero: Cuarteto/ Tropical
EP, Single, Álbum: Single Instrumentos de grabación: Acordeón, Teclado, Piano, Bajo, Percusión, Drums
BMP (lo pide solo TIDAL): 144
Fecha de lanzamiento: 24/02/2026
Horario lanzamiento audio: 20:00 h.
Horario lanzamiento VideoClip: 20:00 h.
LETRA de la canción
QUEDATE CON EL.
ya no queda nada te digo a la cara te digo palabras que antes callaba
siempre lo elegiste y me dabas la espalda y ya me canse y ahora te diré quédate con el porque no le cuentas de aquel hotel que tu fuiste mia que me repetias que yo era tu vida, extrañaras mis caricias
quédate con el, y finge que lo amas que no se escape mi nombre cuando lo mires sin ganas luego de hacerle el amor si es a mi a quien tu llamas quédate con el. y finge que lo amas
total yo se muy bien, que es a mi a quien tu llamas luego de hacerle el amor no te engañes por favor si es a mi a quien tu amas
VIDEO
DesaKTa2 x Uriel Lozano // Quédate Con Él (En Vivo)
Antonella Restucci presenta
“No quiero saberlo”
Una canción de sonido indie que reflexiona sobre la muerte.
El lanzamiento llega de la mano de Lucecita records y se trata de un primer adelanto de lo que será el próximo disco de esta joven artista de Quilmes.
“El tema habla sobre esas dudas silenciosas y el temor inevitable que aparece cuando tomamos conciencia de que podemos perder a alguien que amamos. Habla de cómo esos pensamientos se intensifican por la noche, cuando todo se aquieta y la ansiedad se vuelve más nítida”, explica Antonella, quien se posiciona como una de las bonaerenses más fuertes de la escena independiente.
“De esa sensación en la que un solo instante puede cambiarlo todo para siempre. Frente a esa profunda incomodidad, hay días en los que logramos mirar de frente esa fragilidad y aceptarla. Y otros en los que preferimos cerrar un poco los ojos, refugiarnos, y simplemente no querer saber nada al respecto”, agrega.
En formato solista o con full band, escuchar a Antonella Restucci es siempre una gran experiencia y, para celebrar el estreno, este viernes 20 de marzo a las 8PM compartirá escenario con Blue y Vicky Puga en CC Matienzo. ¿La excusa? Despedir el verano.
¿La decisión? Seguir difundiendo obra de mujeres que están trabajando fuerte desde el under. La entrada es libre y gratuita.
MINI BIO
Antonella Restucci es una joven compositora e intérprete argentina, Nacida en la ciudad bonaerense de Quilmes, logró construir una identidad sonora que si bien tiene raíces en el rock y el folklore argentinos, suma matices de su generación y logra algo único que trasciende géneros musicales.
Antonella brindó shows en escenarios emblemáticos como el Teatro Argentino de La Plata, el Teatro Comfama en Medellín y Café Berlín en Buenos Aires.
En 2022, lanzó su primer EP De donde vienen las cosas, producido por Sebastián Schon. Este año, fue distinguida en el Certamen Eduardo Falú de intérpretes de música de raíz folklórica.
Luego llegaría su disco “Sentido al tiempo” y ahora está presentando canciones nuevas que abren puertas a una nueva etapa.
PRENSA
Cecilia Diaz (agencia CEd) cecilia@agenciaced.com
VIDEO
No quiero saberlo - videoclip oficial
Matt Miller presenta su nuevo single “Dando Vuelta” y anuncia show en La Tangente
Matt Miller en La Tangente Presentación oficial de su álbum debut “Parece que no ha cambiado”.
Viernes 15 de mayo. 20 hs. Honduras 5317, CABA. Entradas desde $13.000. En venta en: https://tickets.
“Dando Vuelta” es el segundo adelanto del álbum “Parece que no ha cambiado” de Matt Miller. En esta oportunidad, se trata de una canción sensible, honesta, que reflexiona sobre el disfrute, e invita a vivir el presente. Muestra otra de las aristas musicales que propone el artista en su debut. Tanto su sonido como su video proponen revisitar una estética propia de los años de crecimiento del artista. Muchas voces y sonidos de mellotron, algo que se repetirá a lo largo de todo el disco.
El Video de “Dando Vuelta” fue filmado por Matt Miller, Ezequiel Ant, y Diego Barmat durante las grabaciones del disco “Parece que no ha cambiado”. Se utilizó una antigua cámara familiar para realizar la filmación. El material cuenta parte del proceso de construcción de las canciones, y el clima general que se vivió en las sesiones. Aparecen en el video Matt Miller, Ezequiel Ant, Ivan Garber, Leo Costa, Marcelo Mascetti, Fer Martinez Mina, Diego Barmat, Shai Oppenheim y Federico Gallero Limonic. La
edición del video estuvo a cargo de Diego Barmat.
FICHA TÉCNICA
Matt Miller: Voz, coros, guitarras, bajo.Ezequiel Ant: Batería, coros, percusión. Iván Garber: Piano, coros.Leo Costa: Teclados, sintetizadores. Fer Martínez Mina: Coach Vocal.
“Dando Vuelta” se grabó en Fluenzza Estudio, y Limonhero Estudio entre mayo y diciembre de 2025.El ingeniero de grabación y mezcla fue Marcelo Mascetti.
El mastering lo realizó Neil Pickles.Créditos foto: Irene Palma de la Perche.
Matt Miller es un músico, docente, luthier y productor argentino. Integró bandas como Zumbadores, Handels, entre otros proyectos. Trabajó como productor en distintos álbumes, además de estar a cargo de la dirección musical de distintos artistas. “Al Borde” y “Dando Vuelta” (2026) son los adelantos de su álbum debut como solista, que verá la luz próximamente.
Más info: https://www.instagram.com/ elmattmiller
https://www.tiktok.com/@ elmattmiller
LUCAS SEOANE PRENSA lucas.seoaneprensa@gmail.com
VIDEO
Matt Miller - Dando Vuelta (Video oficial)
ENTROPISTAS
CELEBRA 10 AÑOS DE TRAYECTORIA
CAFÉ BERLÍN será el espacio donde ENTROPISTAS
concrete su primer show del 2026 en formato eléctrico y agrupación completa: José Varaona (voz); Ariel Lastra (bajo); Sebastián Velazco (guitarra); Juan Unsworwth (guitarra); Gustavo Nuñez (batería) y Pablo Enricci (teclados).
La propuesta incluirá un recorrido de todos los álbumes, invitar artistas que fueron parte de su historia, y compartir versiones adornadas de los clásicos de siempre.
“Son muchas emociones juntas, el comprender y darse cuenta de lo rápido que pasa el tiempo. Todo fue experimentación, aprender de lo que rodea a la música y crecer también como banda”, expresan.
Cabe recordar que el año pasado debutaron en CAFÉ BERLÍN con hermosas repercusiones. Esta vez, volverán para lograr un momento épico, que quedará grabado en las retinas y oídos de todos los presentes.
“Las expectativas son las mejores: presentar versiones renovadas de temas viejos y alguna que otra canción nueva. Vamos a romperla, ellos y nosotros, ya que todos somos ENTROPISTAS emerge de la Ciudad de Buenos Aires durante el 2016 y recorre varios
escenarios como: Makena, Marquee, El Emergente, Mitos Argentinos, The Cavern y Carnal, entre otros.
Su primer EP se publica el 7 de septiembre de 2019 con 4 temas: “Ojos Rojos”, “Dulce Bipolar”, “Mi Inseguridad” y “Niebla”. Durante abril del 2022 lanza el álbum debut NÉCTAR, compuesto por 10 canciones que forman parte de su propia esencia. El segundo LP METAMORFOSIS es publicado a mediado del 2025 y destaca por los sonidos más rockeros y guitarras envolventes. También las letras reflexivas e historias de amor y traición que reflejan el nombre de la banda.
«Canción sin Vos” y “Entropía” son sus primeros videoclips, le sigue “Víctimas y Victimarios”. Actualmente, estrena la producción audiovisual de “Tu Mundo está al Revés” y se prepara para brindar el primer concierto del 2026 el sábado 18 de abril, a las 22 horas, en CAFÉ BERLÍN (Avenida San Martín 6656, CABA).
PRENSA
Nancy Hougham Prensa & Difusión
VIDEO
ENTROPISTAS - TU MUNDO ESTÁ AL REVÉS
SUU: single nuevo + gira por la Argentina
"Los días como
Suu presenta “Los días como hoy”, un nuevo single que pone voz a esos momentos en los que, incluso cuando todo debería ser motivo de celebración, aparece una inesperada sensación de angustia.
Con esta canción, la artista de Barcelona se adentra en la dificultad de habitar plenamente el presente, cuando la mente se llena de pensamientos sobre lo que vendrá, lo que pudo haber sido o lo que ya no está.
La canción nació en una mañana muy concreta: el mismo día en que Suu tenía previsto actuar en las fiestas de La Mercè de Barcelona. A solas en su casa, en un día que debía estar marcado por la ilusión, se encontró atravesada por una inquietud difícil de explicar. Ese momento de vulnerabilidad la llevó a reflexionar sobre algo tan cotidiano como complejo: la dificultad que tenemos muchas veces para detenernos y escuchar aquello que sentimos.
“Los días como hoy” habla de aceptar la vulnerabilidad y de permitir que las emociones nos atraviesen sin intentar esquivarlas. Nos invita a dejar pasar los pensamientos que aparecen, los errores del pasado, las personas que ya no
hoy"
están o las amistades que se han ido diluyendo, entendiendo que también forman parte del proceso de cada uno.
El lanzamiento llega con el anuncio de su primera gira por Latinoamérica, con conciertos confirmados en la Argentina: el 16 de abril se presentará en la Ciudad de Buenos Aires y el 17 de abril en Rosario, para luego partir hacia Ciudad de México donde se presentará el 24 de abril.
Estas fechas formarán parte de la gira que ya viene haciendo por España, “A solas 2.0” , un formato íntimo que pone el foco en la cercanía con el público y en una interpretación directa y desnuda de su repertorio que pasará por Madrid, Barcelona, A Coruña, Palma de Mallorca, Donosti, Bilbao, Valencia, Málaga y Granada.
PRENSA
Lucila Juan - Cecilia Díaz cecilia@agenciaced.com www.agenciaced.com
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Los días como hoy - Suu
LEO RIZZI EXPLORA LA TRANSFORMACIÓN RADICAL DEL AMOR EN “CHOQUE”
El cantautor hispano-uruguayo Leo Rizzi presenta “Choque”, su segundo sencillo del año, en el que continúa su exploración del amor a través del brillo y la nostalgia del soft rock. El tema y su video oficial están disponibles en todas las plataformas digitales y en el canal de YouTube del artista.
Coescrita por Leo Rizzi, Jesús José Ortega Bermúdez y Juan González Sánchez, “Choque”, profundiza en el carácter transformador del amor y en la intensidad de la fase del enamoramiento. Rizzi juega con metáforas contrastantes —desde los actos de destrucción hasta la delicadeza de las emociones— para retratar la volatilidad sentimental de los amores vividos con total entrega.
Con estas imágenes poéticas, Rizzi reconstruye en palabras las sensaciones físicas del enamoramiento: el instante previo en el que conviven la destrucción y el renacimiento.
La producción, a cargo de Rizzi junto a RYO —con quien también trabajó “Puro”—, está impregnada de nostalgia. El soft rock que caracteriza esta nueva etapa del artista se eleva con una sección de metales (trombón, saxofón y trompeta) y un piano que evocan instantáneamente el sonido del sophistipop de los ochentas y noventas.
El video oficial, rodado en película Kodak, eleva los valores retro de la producción y funciona como un complemento visual perfecto para la narrativa del tema. Idea original de Ana Roda y Leo Rizzi, quienes también estuvieron al frente de la dirección creativa, el videoclip fue dirigido por Sofía Boriosi, con la dirección de fotografía de Sofía Colodrón y la producción de Sandra Paola Fierro, el videoclip representa visualmente el concepto de la canción: los nuevos comienzos que requieren destrucción.
El video comienza con Leo
conduciendo un coche antiguo a través de una campiña hasta llegar a un descampado. Allí, junto a un maletín que contiene un elemento del pasado, se desarrolla la historia en la que se materializa una acción de la letra: “quemaré puentes hacia atrás / para no volver / es mi última apuesta”, plasmando el sentimiento de liberación al dejar las cenizas atrás.
“Choque” sigue a “Puro”, el primer lanzamiento del año de Rizzi, que además marcó un nuevo capítulo en la carrera del intérprete hispano-uruguayo.
PRENSA
María Nolte mnolte@indigopress.com.ar IG: @merynolt
Nicolás Tavella nicolastavella@indigopress.com. ar IG: @tavella.nicolas
VIDEO
Choque - Leo Rizzi
Cine
UNA PELICULA DE DANIEL SILVERA, PABLO BUSTOS Y ÁLVARO GALARZA LIMA
INSTANTE
PROTAGONIZADA POR MANU VIALE, PABLO YOTICH, MAGUI BRAVI Y ALE FIORE
El próximo 23 de abril llega a los cines Instante, un drama emocional protagonizado por Manuela Viale, Pablo Yotich, Magui Bravi y Alejandro Fiore. Dirigida por Daniel Silveira, Pablo Bustos y Álvaro Galarza Lima, la película propone una mirada íntima y contemporánea sobre los vínculos humanos en momentos límite.
AVANT PREMIERE
martes 21 de abril - 19:00 h.
Cine Multiplex (Vuelta de Obligado 2199)
El elenco se completa con Juan Paya, Gabriel Almirón, Luly Drozdek, Selene Moscardi, Mosquito Sancineto, Nazareno Laborato, Griselda Rappi, Belén Tassi, Charly Issa y Agustín Salas, quienes acompañan este relato coral atravesado por el amor, la pérdida y las segundas oportunidades.
Con una estructura que entrelaza historias, Instante construye un universo sensible donde la vida puede cambiar en un segundo. A través de sus personajes, la película reflexiona sobre esos momentos decisivos que transforman para siempre el rumbo de las personas, apostando a una puesta íntima centrada en las actuaciones y en
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la potencia emocional del relato.
Instante es una producción de Avanza Producciones y Che Contenidos, realizada en Argentina con el apoyo del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.
Rodada en locaciones de La Plata y Madrid, la película construye una estética que acompaña el recorrido emocional de sus personajes, reforzando el cruce entre lo íntimo y lo universal.
SINOPSIS
Dos historias se entrelazan en el instante en que la vida cambia para siempre. Entre diagnósticos, despedidas, terapias y nuevas oportunidades, cuatro personas descubren que el amor no siempre llega cuando lo esperamos… pero siempre llega cuando lo necesitamos.
FICHA TÉCNICA
Dirección: Daniel Silveira, Pablo Bustos, Álvaro Galarza Lima
Guion: Juan Paya, Nazareno
Lavorato, Manuela Viale, Pablo Yotich
Producción:
Avanza Producciones, 1:85
Cine, Che Contenidos
Elenco principal:
Manuela Viale, Pablo Yotich, Magui Bravi, Alejandro Fiore
Elenco:
Juan Paya, Gabriel Almirón, Luly Drozdek, Selene
Moscardi, Mosquito Sancineto, Nazareno Laborato, Griselda
Rappi, Belén Tassi, Charly Issa, Agustín Salas
Dirección de fotografía: Davin Bog
Dirección de arte: Lucas Pérez
Montaje: Ramiro Romero
Música:
Marcelo Bormida, Valenti
Liendo
Sonido: Germán Surace
Producción ejecutiva:
Hugo Armoa, Magui Bravi, Manuela Viale, Pablo Yotich, Alejandro Fiore
Prensa: Kevin Melgar Género: Drama
Duración: 90 minutos
Apoyo institucional: Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires
KEVIN MELGAR Prensa contacto@kevinmelgarprensa. com.ar
VIDEO INSTANTE - TRAILER OFICIAL
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GRAN ESTRENO JUEVES 2
DE ABRIL - 18:30HS - CINE GAUMONT
MALVINAS - LEGADO DE SANGRE
UN DOCUMENTAL CON DIRECCIÓN DE DANIEL PONCE
GANADORA DEL GOLDEN
GATE INTERNATIONAL FILM FESTIVAL (2025)
MEJOR FILM DOCUMENTAL – FESTIVAL DE CINE CON RIESGO (2025)
MENCIÓN HONORÍFICA –ARFF INTERNATIONAL FILM FESTIVAL (2025)
El próximo 2 de abril a las 18:30 h. se estrenará en el Cine
Gaumont Malvinas: Legado de Sangre, el documental dirigido por Daniel Ponce y producido por Pablo Yotich. En una fecha profundamente significativa para la memoria colectiva argentina,
la película propone un recorrido conmovedor sobre la identidad, la historia y la transmisión generacional.
A más de cuatro décadas del conflicto bélico en las Islas Malvinas, el film se inscribe dentro de una política de memoria activa impulsada por el Municipio de Merlo, que permite que cada año un grupo de excombatientes regrese a las islas. Esta iniciativa, promovida por el intendente Gustavo Menéndez, incorpora además a hijos y nietos de los veteranos, generando un puente entre generaciones y un compromiso vivo con la historia.
El documental acompaña este proceso, dando cuenta de una experiencia que trasciende lo simbólico: un viaje que permite revisitar el pasado, transmitir vivencias y reafirmar una
identidad colectiva sostenida en el tiempo. En ese recorrido, la película pone en valor la memoria como herramienta fundamental para comprender el presente y proyectar el futuro.
SINOPSIS
Más de cuarenta años después de la guerra, un grupo de veteranos argentinos regresa a las Islas Malvinas acompañado por sus hijos y nietos. Lo que comienza como un reencuentro con el pasado se transforma en un acto de transmisión: una oportunidad única para que nuevas generaciones conozcan la historia a través del testimonio directo.
A través de relatos profundamente humanos, el documental reconstruye la experiencia de los soldados entre el recuerdo del horror u MiráBA 221
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y la búsqueda de paz. Con imágenes inéditas —incluyendo filmaciones nocturnas en el Cementerio de Darwin— y secuencias de animación 2D que recrean momentos clave del conflicto, la película propone un relato sensible sobre la memoria, el sacrificio y la identidad.
UNA POLÍTICA DE MEMORIA ACTIVA
La película surge de una iniciativa sostenida en el tiempo por el Municipio de Merlo, que permite a excombatientes volver a las islas acompañados por sus familias. Este proyecto busca fortalecer la transmisión generacional, mantener viva la memoria y reafirmar una convicción que atraviesa generaciones: las Malvinas son argentinas.
FICHA TÉCNICA
Dirección: Daniel Ponce
Producción: Federico Picasso
Stefani
Productor ejecutivo: Pablo Yotich
Diseño de sonido: Federico Rossi – Alejandro Vázquez
Música original: Federico Rossi
– Alejandro Vázquez
Post producción de sonido: Hernán Cruz Ruiz Díaz
Animación: Que Rueda
Cámara: Daniel Ponce –Francisco Ruiz
Montaje: Daniel Ponce
Color: Gonzalo Romano
Archivo: Ivana Skrenda
Investigación histórica: Héctor
Benedetti – Toto Fija –Francisco Ruiz
Drone: Daniel Ponce –Francisco Ruiz
Diseño y comunicación visual: Natalia Menéndez y Máximo Calabrese
KEVIN MELGAR Prensa contacto@kevinmelgarprensa. com.ar
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MALVINAS LEGADO DE SANGRE (TRAILER)
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Manuelita, ¿dónde estás? de Déborah Narvaez
Argentina / Documental / 2025 /64 min.
SINOPSIS
Una joven regresa a Pehuajó para investigar el origen de Manuelita, la emblemática tortuga de María Elena Walsh. Al no hallar respuestas de la autora, indaga en la memoria colectiva de los pehuajenses y, así, redescubre su ciudad a través del mito que la habita.
“Manuelita es mi infancia, son los recuerdos de la niñez, es el jardín, el paseo con la abuela, o el franco con mamá; es el paseo al cine, son mis compañeritos del jardín coreando juntos. Es el icono de aquello que extraño y añoro, mi gente, sus calles, la vida en el interior de la provincia.
Mis raíces.”
Festivales y premios
-Festival La Mujer y El Cine 2025
-Competencia Bonaerense del Festival Internacional de Cine de Buenos Aires 2025 (FICPBA)
| Premios Innovación artística, por el uso de animación en documental, y Deconstruir la mirada.
-Selección oficial del Festival Nacional de Cine Leonardo Favio 2025.
FICHA TÉCNICA
Dirección: Déborah Narváez
Guion: Déborah Narváez
Productores: Déborah Narváez, Nicolás Werner y Leonardo Florentino
Casa Productora: Musgo Cine
Música: Matías Olmedo y María Florencia Marín
Fotografía: Leonardo Florentino
Montaje: Deborah Narváez
Sonido directo: Federico Cavilla
Postproducción de sonido: Matías Olmedo
Animación: Federico Gaspari y Pedro de Padra
Déborah Narvaez
Es realizadora audiovisual, licenciada y profesora en Artes
Audiovisuales por la Universidad Nacional de La Plata (UNLP). Nacida en Pehuajó y radicada en Mar del Plata, se desem- u MiráBA 225
peña como docente en las carreras audiovisuales de la Universidad Nacional de Mar del Plata (UNMDP), la Escuela de Artes Visuales Martín A. Malharro y ENERC Animación. Ha desarrollado proyectos de ficción y documental con perspectiva de género, que han recibido menciones en festivales como RAFMA, FICCE y REC. Su ópera prima documental
Manuelita ¿dónde estás? fue ganadora del Subsidio de Documental Digital del INCAA y del Fondo Público de Desarrollo de Documentales del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires. Actualmente es tutora de escritura de largometrajes en la Residencia Creativa Lab Al Este (Perú).
Las ganas de concretar esta película, se acumuló a través de los años. Al irme a estudiar lejos de mi ciudad, aparecía la misma situación una y otra vez - ¿Cómo es la verdadera historia de Manuelita? - ¿Había una tortuga en Pehuajó que vio Walsh?¡Tengo una foto con el monumento a Manuelita! - ¿Conociste a la tortuga? -. Sin dudas es un personaje popular que ha dado a conocer a Pehuajó a un sin fin de Argentinos. Esta reflexión me ha llevado a investigar e indagar en distintos aspectos, encontrando sumamente interesante características que concluyen en Manuelita como símbolo afectivo y representativo de nuestra ciudad. Me parecen necesarios condensar en una película. Porque Manuelita es mi infancia, son los recuerdos de la niñez, es el jardín, el paseo con la abuela, o el franco con mamá; es el paseo al cine, son mis 226 MiráBA
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compañeritos del jardín coreando juntos. Es el icono de aquello que extraño y añoro, mi gente, sus calles, la vida en el interior de la provincia. Mis raíces.
Porque cada vez que nombro a Pehuajó, aparece ella que como si hubiera existido, me guiase internamente para contar más de su lugar. Eso despertó en mí una curiosidad a la distancia profunda y surgen múltiples abordajes: el momento sociopolítico en que fue creada la canción, su censura y su republicación. Maria Elena Walsh como personaje místico y admirable que componía desde sus ideales políticos y los plasmaba en sus canciones e historias, como su exilio a París. Garcia Ferre y su película guionada con Walsh, nominada a los Oscars, como hito que representó a través de la imagen a Pehuajó y nos contó la historia
de una Manuelita soñadora, con ganas de conocer el mundo para luego volver a casa, lo cual resuena con aquellos que nos hemos ido y decidimos volver. Este documental pretende construir y redescubrir nuestra propia identidad en relación a la historia de Manuelita y más aún, dar una puesta en valor afectivamente a través de la participación de los ciudadanos con el objetivo de encontrar aquella verdadera historia, que seguramente no es
una sola, sino todas aquellas que en su imaginario tengan cada ciudadano. Una película que sea huella y registro de nuestra historia como pehuajenses, guiada por Maria Elena Walsh, persona que admiro. Déborah Narvaez
Luciana Zylberberg Prensa info@lucianazylberberg.com.ar
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Manuelita ¿Donde estas? (2025)
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Millennium actress estrena el 26 de marzo en cines
EL CLÁSICO DE SATOSHI KON QUE REDEFINIÓ LA NARRATIVA ANIMADA UN CIERRE DE LA OBRA DEL MAESTRO NIPÓN EN LA GRAN
PANTALLA DESDE EL 26 DE MARZO EN CINES
El Ciclo Satoshi Kon llega a su culminación con MILLENNIUM ACTRESS (Sennen Joyuu), la tercera y última obra del realizador japonés en presentarse dentro de esta retrospectiva especial al desaparecido autor nipón. A 25 años de su estreno original, la película que muchos consideran su trabajo más críptico e influyente regresa a salas como cierre de un recorrido que incluyó previamente Perfect Blue
y Paprika, en lo que ha sido una oportunidad única para revisitar la obra de Satoshi Kon en la pantalla grande.
Estrenada en el Fantasia Film Festival en 2001, MILLENNIUM ACTRESS presenta la historia de una legendaria actriz japonesa que, tras años de retiro, accede a ser entrevistada por un documentalista. A medida que la artista va repasando su carrera, sus recuerdos se funden con las películas que protagonizó, atravesando distintas épocas y géneros del cine japonés. Entre rodajes, persecuciones y escenarios cambiantes, la narración entremezcla biografía y ficción mediante una estructura dinámica que avanza sin interrupciones entre el pasado y la representación
cinematográfica.
Con el paso del tiempo, MILLENNIUM ACTRESS se ha consolidado como uno de los títulos más reconocidos del cine animado contemporáneo. Actualmente cuenta con un 93% de aprobación en Rotten Tomatoes por parte de la crítica y un 90% de aprobación de la audiencia.
En Letterboxd mantiene una valoración superior a las 4 estrellas, con miles reseñas comentando sobre su vigencia con nuevas generaciones de espectadores.
La capacidad de Satoshi Kon para integrar realidad y ficción mediante el montaje y la transición fluida entre planos narrativos ha sido objeto de estudio en escuelas de cine. u
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MILLENNIUM ACTRESS ocupa un lugar central dentro de su filmografía por su estructura formal y su síntesis de géneros. Reconocidos cineastas internacionales como Michel Gondry y Damien Chazelle han sido asociados con Kon por la influencia del director japonés en sus respectivas obras.
Este reestreno marca además un hito regional: MILLENNIUM ACTRESS se presenta por primera vez en cines de Latinoamérica, ampliando el acceso a una obra fundamental de la animación japonesa moderna en el formato para el que fue concebida. Con esta exhibición concluye oficialmente el Ciclo Satoshi Kon en salas de cine, ofreciendo a programadores y audiencias la oportunidad de cerrar el recorrido con una de las piezas más influyentes de su filmografía.
FICHA TÉCNICA
Título Original:(Sennen Joyuu)
País: Japón
Idioma: Japonés con Subtítulos
Duración: 88 minutos
Género: Animación / Anime
Año: 2001
SINOPSIS:
Una antigua y legendaria estrella del cine japonés, Chiyoko Fujiwara, vive en el silencio de su retiro cuando dos documentalistas llaman
a su puerta para registrar su historia. Lo que empieza como una simple entrevista pronto se convierte en un viaje a través de su memoria, donde los límites entre la vida real y las escenas que interpretó comienzan a desvanecerse.
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