MiraBA 179

SUMARIO JUNIO 2024

Pág. 6 NOTICIAS / Pág. 18 “SÓLO TE LO QUERÍA DECIR” por y de Cecilia Carrizo / Pág. 20 MEDIO SIGLO DE DOM GARCIA por Nicolás Isasi / Pág. 24 EL CASCANUECES

Ballet para chicos / Pág. 26 DRAGONES MEDIEVALES por Nicolás Isasi / Pág. 28 VIVI TELLAS destacada de las letras argentinas / Pág. 30 CARMINA BURANA por Nicolás Isasi / Pág. 32 ESPACIO CULTURAL BITCOIN pionera en Argentina en criptoarte / Pág. 36 PaCata, un solo de danza-teatro / Pág. 18 LITERARIAS / Pág. 50 ARTES PLÁSTICAS / Pág. 58 MUSEOS / Pág. 60 CARTELERA / Pág. 130 MÚSICA / Pág. 172 CINE.

Mosquito Sancineto, Emiliano Figueredo y Laura Manzini

PROYECTO PATRIA de Santiago Lasarte Página 96

Revista MiráBA N. 179 junio 2024. Revista MiraáBA es una publicación mensual de interés general.Director: Ángel Luís Díaz. e-mail: diazal@revistamiraba.com.ar Propietario: Angel Luís Díaz. Ciudad Autónoma de Buenos Aires. República Argentina. Versión digital Registro DNDA 5344536. ISSN 2344-9446 Los artículos firmados y las opiniones de los entrevistados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial y/o dirección. El contenido de los avisos publicitarios es exclusiva responsabilidad de los anunciantes. Se permite la reproducción total o parcial del material gráfico o escrito publicado originalmente en la Revista MiráBA con expresa mención de la fuente. Revista Mir√°BA en Internet: www.revistamiraba. com.ar - www.miraba.com.ar Contacto redacción: redaccion@revistamiraba.com.ar Publicidad: publicidad@revistamiraba.com.ar Suscripción digital: suscripcion@revistamiraba.com.ar

El Centro Cultural Recoleta recupera los colores de la fachada original

El Centro Cultural Recoleta ha concluido el proceso de restitución de los colores de lo que fuera su fachada original, diseñada en 1980 por los arquitectos Clorindo Testa, Jacques Bedel y Luis Fernando Benedit, quienes asumieron la tarea de refuncionalizar el antiguo Asilo de la Ciudad para convertirlo en centro cultural.

La renovación arquitectónica intensificó la variedad cromática ya existente en el predio de la Recoleta. Para la fachada el color seleccionado fue el rojo pompeyano, vinculado al Nápoles natal de Testa, que buscaba llamar la atención del público y enfatizar una impronta contemporánea para el nuevo destino otorgado al edificio.

Joaquina Testa, hija de Clorindo, relata los orígenes de aquella decisión: “Esos colores están relacionados con los viajes de mi padre por Italia y con la visita de las ruinas de Pompeya donde quedaron unos frescos que tienen ese color rojo. Y por el otro, tiene que ver también con un elemento bien argentino”. En este sentido, Bedel agrega: “Lo elegimos también por el color colonial que se usaba en las estancias argentinas que se hacía con la sangre de buey mezclada con cal. El rojo pompeyano venía en el ADN de Clorindo, que era napolitano, y también del color lacre

de las estancias de campo argentinas, que es el mismo que se usaba en Italia”.

Joaquina Testa destaca: “Los tres arquitectos eran también artistas. Su aporte es desde las dos disciplinas”. “El arte y la arquitectura son la misma cosa. La arquitectura sin una visión artística se queda manca; y el arte sin una visión espacial arquitectónica también”, destaca Bedel. “Volver al origen, a los colores de la fachada original y poder verlo me produce una gran satisfacción. Y volver al origen del proyecto en sí con el Recoleta como espacio en donde se desarrollan las artes visuales de todo tipo y de todo el país también”, agrega.

Maximiliano Tomas, director del Centro Cultural, concluye: “Estamos felices

de haber podido encarar la restitución de los colores originales de la fachada del Recoleta, una de las demandas más resonantes de los vecinos del barrio y de la comunidad artística. Estos colores fueron elegidos por la tríada de arquitectos y artistas que le dieron origen al centro cultural. Honrar la historia de un espacio como este, que se destaca por sintetizar vanguardia y tradición, es una de las ideas principales de esta gestión”.

CENTRO CULTURAL RECOLETA Junín 1930. CABA. Se puede visitar, con entrada libre y gratuita, de martes a viernes de 13.30 a 22 h y sábados, domingos y feriados de 11.15 a 22 h. Más información en: www.centroculturalrecoleta. org.

NOTICIAS

ARTES ESCÉNICAS. DANZA

El Rojas, dependiente de la Secretaría de Relaciones Institucionales, Cultura y Comunicación de la UBA presenta

MÁQUINA DRAMA

Creación y dirección: Ramiro Cortez, Federico Fontán y Julieta Ciochi

La obra despliega una maquinaria escénica. Crea un acto para sentir. Los momentos se van montando y desmontando para establecer diferentes capas de sentido. Evocan el universo del animé, lo melancólico, historias de amor y derrota, la ausencia, el derrumbe.

Existe una tensión entre la emoción y un sistema que fabrica ilusiones. Estas ilusiones no intentan engañar al espectador sino al mismo que la construye. Son una forma de protegerse de lo desconocido. Una respuesta, la única posible, para intentar dar un equilibrio al desorden.

FICHA TÉCNICA

Creación y dirección: Ramiro Cortez, Federico Fontán y Julieta Ciochi. Interpretación: Ramiro Cortez, Federico Fontán. Diseño lumínico: Paula Fraga. Agradecimientos: Gisela Delville, Jose Halfon, Abril Lis Varela, Eduardo Kohen, Maricel Álvarez, Leila Tschopp, Victoria Alcala y al equipo de fundación Cazadores.

Foto: Ana Rodban

En el año 2023 Maricel Álvarez los convoca para participar de la residencia artística “Instalar Danza”, donde pudieron terminar la pieza y estrenarla en la Fundación Ca-

zadores en marzo de 2024. El proceso fue acompañado por Victoria Alcalá (Dramaturgista), Leila Tschopp (Artista Visual) y por la propia Maricel. Esta obra fue producida con el apoyo del Fondo Metropolitano de las Artes.

SOBRE LOS DIRECTORES

Ramiro Cortez y Federico Fontán colaboran para crear obras desde el año 2012. Sus creaciones en orden cronológico son “Los cuerpos”, “La corporación”, “Regresiones” y “El otro lado”. Julieta Ciochi los acompañó en todas esas creaciones desde diferentes roles (Asistente de dirección,

Intérprete). Luego de algunos años de pausa, el grupo se reencuentra, Julieta se suma en la dirección y comienzan un nuevo proceso del cual surge MÁQUINA DRAMA. Paula Fraga fue encargada del diseño lumínico de todos los espectáculos, conformando así, un código y una potencia creativa en común.

FUNCIONES:

Lunes 3, 10 y 17 de junio; lunes de julio | 20.30 h

Sala Cancha del Centro Cultural Rojas UBA

Av. Corrientes 2038/2040

Entrada: $7500

Duración: 60 minutos.

EL Ballet Folklórico Nacional recibirá el “Premio Nacional de Danza María Ruanova”

Nos complace anunciar que el Consejo Argentino de la Danza otorgará en su edición 2024 el prestigioso “Premio Nacional de Danza María Ruanova” al Ballet Folklórico Nacional.

Este reconocimiento honra el excepcional trabajo artístico y cultural del Ballet Folklórico Nacional, así como el esfuerzo y dedicación de toda la Dirección Nacional de Elencos Estables. El Premio Nacional de Danza María Ruanova es uno de los galardones más importantes

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en el ámbito de la danza en Argentina, y recibirlo es un testimonio del impacto y la excelencia del Ballet Folklórico Nacional en la promoción y preservación del folklore argentino.

La ceremonia de entrega del premio se llevará a cabo el próximo 5 de junio a las 18 hs. en el Salón Dorado de la Casa de la Cultura, ubicada en Avenida de Mayo 575, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Invitamos a todos los interesados y miembros de la

prensa a unirse a nosotros en esta celebración de la danza y la cultura argentina. Redes Sociales: Dirección Nacional de Elencos Estables  Ballet Folklórico Nacional Consejo Argentino de la Danza

Ministerio de Capital  Humano

Secretaría de Cultura de la Nación

Contacto de Prensa: Marisa Tomaselli tomaselliprensadnoe@gmail. com

Somos una empresa de Soluciones Tecnológicas especializada en la venta de Entradas para todo tipo de espectáculos y eventos.

Nos apasiona el mundo del entretenimiento y de la tecnología, y estamos comprometidos con el desarrollo constante y con la innovación.

Instalamos Ticketeras a Organizadores y a Recintos del sector Cine, Circo, Teatro, Deportes, Shows, Atractivos Turísticos y Festivales de todo el País, que deseen aumentar sus

beneficios con un sistema de venta propio.

Nuestro objetivo principal es proporcionarle a cada uno de nuestros clientes, una solución completa y personalizada para la venta de entradas y la gestión empresarial, que resuelva sus necesidades reales y les permita optimizar su empresa, aumentando sus beneficios y haciendo crecer su rentabilidad.

Nuestra misión es ser el partner estratégico de nuestros clientes en su viaje hacia el éxito en la venta de entradas.

Queremos ser reconocidos como la empresa de confianza en el campo del ticketing al brindar un servicio de excelencia y potentes soluciones, basadas en la seguridad, la robustez y la transparencia. Buscamos ser la opción preferida para empresas y emprendedores que deseen vender entradas de manera inteligente y llevar su ticketing al más alto nivel.

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Centro Cultural Borges “Mi fiesta” de Mayra Bonard

Cruzando monólogos y acciones de exigencia física, MI FIESTA habla en primera persona sobre la curiosidad, el cuerpo, el sexo y la ferocidad. Y lo hace construyendo un diálogo entre la alteridad y lo confesional, donde el cuerpo es propio y ajeno a la vez.

La protagonista es objeto de una auto experimentación, traza un mapa de la memoria sensorial y elabora una experiencia escénica con

resonancia política sobre el cuerpo femenino.

FUNCIONES:

07, 08, 09, 14, 15 y 16 de junio. 19 h

Espacio Berni

Entrada gratuita

Performer: Mayra Bonard

Música original: Diego Vainer

Live Set: Fernando Sayago

Puesta de sonido: Ernesto

Fara

Diseño lumínico: Gonzalo

Córdova

Asistencia de dirección: Delfina Gonzáles Cháves

Producción ejecutiva: Felicitas Oliden

Creación original: Mayra Bonard y Carlos Casella

Centro Cultural Borges

De miércoles a domingo, de 14 a 20 h, con entrada gratuita

ccborges@cultura.gob.ar Conocé toda nuestra programación en  centroculturalborges.gob.ar

Visiones de Sudamérica por dos artistas viajeros del siglo XIX en

los museos Larreta y Fernández Blanco

Acuarelas y óleos de la geografía americana en “Adolf Methfessel: El pintor científico” y fotografías de las tribus del Gran Chaco y el Mato Grosso en “Guido Boggiani y el Chaco. Una aventura del siglo XIX”.

El  Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires presenta exposiciones que reflejan las visiones de Sudamérica de dos artistas viajeros del siglo XIX: el suizo Adolf Methfessel y el italiano Guido Boggiani. El Museo Larreta inaugurará “Adolf Methfessel: El pintor científico”, el jueves 30 de mayo a las 18 h en su sede de Av. Juramento 2291, y el  Museo Fernández Blanco  abrirá el viernes 28 de junio a las 12 h “Guido Boggiani y el Chaco. Una aventura del siglo XIX”, en su sede del Palacio Noel, en Suipacha 1422.

“Adolf Methfessel: El pintor científico”

En las primeras décadas del siglo XIX, la producción artística en Argentina experimentó un impulso significativo con la llegada de artistas viajeros, vinculados a expediciones científicas de otras naciones. A partir de la segunda mitad de dicho siglo, estos artistas eligieron representar el paisaje argentino; el suizo Adolf Methfessel (1836-1909) fue uno de ellos. Al comienzo de su estancia en Buenos

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Guido Boggiani. Hombre de la tribu Tumaná con diadema de plumas. Los Médanos. Colección Museo Issac Fernández Blanco.

Aires, en 1864 se asoció con científicos europeos convocados por Sarmiento, para luego abocarse a la tarea de ilustrador científico.  Contribuyó con el naturista Hermann Burmeister en el  Atlas de la Description Physique de la République Argentine, y en otros trabajos como mapas, croquis, dibujos y acuarelas, contratado por el Perito Francisco Moreno. También acompañó al ejército argentino durante la guerra con Paraguay (1865-1870), registrando en dibujos y bo -

Adolf Methfessel Selva tucumana.

cetos los lugares por donde avanzaban los aliados. Estos bosquejos se materializaron más tarde en una serie de acuarelas que documentan momentos claves de la guerra. La exposición permite apreciar la destacada labor de Methfessel en el continente americano, mostrando la conexión entre el arte y la ciencia; su legado sigue siendo imprescindible por el preciosismo y rigurosidad en su estudio. Curada por Leontina Etchelecu, investigadora y doctora en Historia especializada en Artes, la muestra proveniente de una colección privada cuenta con acuarelas y óleos que funcionan como verdaderas radiografías de nuestra geografía.

“Guido Boggiani y el Chaco.

Una aventura del siglo XIX”

Guido Boggiani (1861-1902) fue un reconocido artista plástico, etnógrafo, comerciante y fotógrafo, destacado dentro del grupo de viajeros estadounidenses y europeos que recorrieron Sudamérica a finales del siglo XIX. Mientras muchos de ellos se interesaron por representar una mirada del interior del continente desde el exotismo, la obra fotográfica del artista italiano, centrada en el Gran Chaco y el Mato Grosso, principalmente en las tribus caduveo y chamacoco, se diferencia de esa visión. La particularidad que caracteriza a Boggiani es conjugar el interés científico-etnográfico con la sensibilidad, la intuición estética y el compromiso con aquellos “otros”, resultando en un ver-

dadero encuentro de identidades y culturas. La exhibición busca entonces hacer honor al legado de este trascendente patrimonio visual y documental que, en aquel cambio de siglo, da cuenta de una región aún inexplorada.

Horarios de las dos muestras: lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19 h. Sábados, domingos y feriados de 11 a 20 h. Martes cerrado. Entrada: público general $500. Extranjeros no residentes $3000. Miércoles gratis. Jubilados, estudiantes universitarios presentando acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, menores de 12 años y grupos de estudiantes de colegios públicos, sin cargo.

“Rey Lear” Cautiva en la Sala Armando Discépolo

Un éxito de la Comedia de la Provincia de Buenos Aires.

El pasado 11 de mayo, la Sala Armando Discépolo en La Plata se transformó en el epicentro del teatro nacional con el estreno de “Rey Lear”. Esta producción integral de la Comedia de la Provincia recibió el aplauso unánime de los espectadores que agotaron todas las localidades, prometiendo ser un éxito en la temporada teatral 2024.

Con la dirección de Luis Lon-

ghi, la obra de Shakespeare, adquiere una dimensión y perspectiva al límite de lo imaginable.

El Director, conocido por su maestría en la adaptación de clásicos, ha logrado adentrarse en el corazón de la historia, incorporando elementos contemporáneos que resuenan en la audiencia. Su puesta precisa y creativa ha sido fundamental para lograr un fuerte impacto emocional.

El elenco, compuesto por 23 talentosos artistas, ofrece actuaciones memorables. Gabriel Almirón, como Lear, compone con maestría a un monarca que atraviesa por todos los sentimientos: la soberbia, la traición, la locura y el destierro. Un elemento distintivo de esta versión es la incorporación de músicos en vivo, que añaden una capa adicional de emotividad y dinamismo a la puesta en escena.

La escenografía creada por Micaela Sleigh, destinada a evocar tanto la grandiosidad como el declive del reino de Lear, es majestuosa e ingeniosa a la vez. La iluminación de Esteban Ivanec es sencillamente excepcional y los 50 vestuarios son una muestra de creatividad y originalidad.

El Instituto Cultural de la Provincia, ha demostrado nuevamente su compromiso con la Cultura. Esta versión de “Rey Lear” no solo celebra la tradición del teatro clásico, sino que también subraya la importancia de la innovación y la reinterpretación en el arte escénico.

Las brillantes actuaciones, el esfuerzo colectivo del equipo profesional y la calidad del trabajo de quienes forman parte del Organismo oficial, dan como resultado una obra que perdurará en la memoria de los espectadores.

Rey Lear sigue con funciones todos los días Viernes, Sábados y Domingos.

Más información de Rey Lear en “Cartelera” página 60

Instagram: @comediapba Facebook: Comedia de la Provincia de Buenos Aires X: @comedia_rrpp WhatsApp: 221 577 7705

Correo electrónico de Prensa y difusión: comediaprensa@gmail.com

ESTRENO JUEVES 6 DE JUNIO DE 2024

“SÓLO TE LO QUERÍA DECIR”

Cecilia Carrizo

Se estrena el unipersonal “Sólo te lo quería decir”. Escrita y protagonizada por Cecilia Carrizo. Dirección de Cecilia Carrizo y Agusta Bermúdez.

Los jueves 6 y 13 de junio a las 22 hs se presenta en el Teatro Picadero de la Ciudad de Buenos Aires.

“Sólo te lo quería decir” Es la obra más importante de mi vida.

Es todo lo que soy. Quiero que vengan a compartirla conmigo, y juntos homenajear a Martín.

Cecilia Carrizo

Fotografía: Nacho Lunadei

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“Sólo te lo quería decir” Es crónica, música y poesía. Es resiliencia.

Con una gran artista que nos cuenta la historia de dos hermanxs, una enfermedad, y sus cuerpos atravesando un camino de amor y lucha.

Carrie Fisher lo describiría diciendo “Toma tu corazón destrozado y transfórmalo en arte”

Agusta Bermúdez

SINOPSIS:

Cecilia supo que su hermano Martín moriría, tenía una enfermedad terminal.

Todo lo que pudo, lo dijo en versos.

Palabras que quedaron en cuadernos, guardados en cajones. Palabras pegajosas, suaves, turbias, podridas. No hubo tiempo para ordenarlas o corregirlas. Mucho menos para decirlas. No hubo espacio para otra cosa que no fuera acompañarlo en su deseo, su esperanza, su tesón, su capricho. Defenderlo de lo indigno, lo humillante, lo extremo.

Asesina o aliada buscó en su mirada la ruta que los llevara hacia donde él quisiera.

El camino se llenó de miles de personas que los ayudaron.

Desilusión, fracaso, transformados en un amor que lo mueve todo.

Estuvieron juntos.Juntos fueron Rocky, Rambo, Heidi, Titanes en el ring, Charly. Juntos todo.

Juntos hasta la muerte.

BIO CECILIA CARRIZO:

nos Aires en 1973.

En 1997 creó Caramelito un programa de televisión que tuvo vigencia por más de 15 años.

Compuso más de 30 canciones infantiles.

Grabó cinco discos, obteniendo discos de oro y platino en cada uno de ellos. Y se presentó en todo el país con el espectáculo teatral.

También actuó en teatro para niños “El Ratón Pérez“ (2011)

“El flautista de Hamelin” (2012)

“Cantando sobre la mesa” (2016-2018-2023)

En teatro para adultos

“El show de las divorciadas” (2005)

“Más que amigos” (2008) “El placer del Deseo” (2023)

“En el próximo capítulo”(2024)

En cine protagonizó

“La luz del bosque” (2006) Actuó en “Elena sabe” (2023)

En radio condujo

“Tarde extra” (2023) Escribió, dirige y actúa el unipersonal para teatro “Sólo te lo quería decir” (2024)

ESTRENO

Jueves 6 de junio 22h / jueves 13 de junio 22h

Teatro Picadero

Enrique Santos Discépolo 1857 - CABA

Venta en boletería del teatro y por www.plateanet.com 5236-3000

FICHA TÉCNICA

Gonzalo Córdoba

Diseño de Escenografía: Cecilia Zuvialde

Diseño de Iluminación: Facundo David

Diseño de Vestuario: Violeta Kandel

Asistencia de dirección: Ramiro Bermúdez

Fotografía: Nacho Lunadei

Maquillaje/peinado en fotografía:

Jennifer Blanco

Redes: Ximena López

Prensa: SMW

Acompañamiento literario en Poemas: Mariana Chami

Producción: Melisa Santoro

Raúl Casalotti

SMWPress

Silvia Santos: silviasantos@smwpress.com

Raul Casalotti: raulcasalotti@smwpress.com

IG / FB / X :; @smwpress

Cecilia Carrizo nació en Bue -

Diseño Sonoro / Música incidental - original:

MEDIO SIGLO DE DOM GARCIA

Por Nicolás Isasi

@isasi.nick

El próximo 30 de junio se realizará la primera representación escénica completa de la cantata Dom García, sobre la historia de Portugal, tal y como fue concebida originalmente por el compositor Joly Braga Santos. Inspirada en la historia de Dom García y sus cuatro hermanos (D. Sancho, D. Alfonso, D. Elvira y D. Urraca), hijos del rey Fernando el Grande de León y Castilla. La trama se desarrolla en torno al desacuerdo entre los hermanos, cuando el padre anuncia la división del

reino entre luchas fratricidas que culminaron con el cautiverio de Dom García (tío abuelo de Dom Afonso Henriques, fundador de Portugal) en el Castillo de Luna, donde moriría más tarde.

En 1971, el médico António Barge de Vilar de Mouros (freguesia al norte de Portugal), encargó a tres grandes figuras de la cultura portuguesa una obra emblemática para la inauguración del Festival de Vilar de Mouros: la cantata escénica Dom García. Compuesta por el

Joly Braga Santos

músico Joly Braga Santos (1924-1988) para la Banda Sinfónica de la Guardia Nacional Republicana, contaba de un gran coro sinfónico, cinco cantantes solistas y ocho actores. Los autores del libreto fueron Natália Correia (1923-1993) y David Mourão-Ferreira (19271996).

En medio de los ensayos de la cantata con dirección escénica de Fernando Gomes, la revista MiráBA habló en exclusiva con el productor cultural Paulo Enes da

Silveira. Oriundo de las Azores, es Doctor en Informática por la Universidad de París VI - Pierre et Marie Curie y por la Facultad de Ingeniería de la Universidad de Oporto, en Ingeniería Eléctrica e Informática. Fue Profesor e Investigador en la Université Pierre et Marie Curie (París VI); profesor, director e investigador en ISLA Lisboa/Laureate Universities (Universidade Europeia), la Universidade Independente y la Universidade Autónoma de Lisboa, donde fundó el Centro de Investigación Autonoma TechLab. Músico y amante de la música, toca varios instrumentos como la viola dedilhada, la guitarra portuguesa o el acordeón.

Durante doce años fue director artístico del Festival Internacional de Música de Coimbra (miembro de la Asociación Europea de Festivales), producido por Papagueno, y hoy es el responsable de esta gran producción que se remonta a los orígenes de Portugal.

RM: ¿Cuál es la importancia de producir una obra con estas características?

PE: “Además del placer de producir una de las principales obras del compositor portugués Joly Braga Santos, la Cantata Cénica «Dom Garcia», en colaboración con el Director Musical Mº António Costa, mentor artístico de este proyecto junto al Mº Jorge Alves; es también una inmensa responsabilidad, ya que nos encontramos ante tres autores

contemporáneos que son grandes figuras de la cultura portuguesa. Por un lado, Joly Braga Santos, gran compositor en la historia de la música en Portugal; Natália Correia, poetisa y mujer de gran influencia en la vida portuguesa, autora del poema-libreto «Dom García», y por último, David MourãoFerreira, escritor y profesor influyente en la sociedad portuguesa, coautor de este libreto. La importancia de la producción de esta obra fue reconocida en el panorama cultural al ser homenajeada por el presidente de la República Portuguesa, Marcelo Rebelo de Sousa, que presidirá una Comisión de Honor para las representaciones de «Dom Garcia»”.

RM: ¿Qué podés decirnos de la complejidad a la hora de unificar todas las partes?

PE: “Ha habido una dificultad de tipo estructural que estamos superando. El hecho de que se trata de una producción independiente, de la productora ARTPRODES - Astistic Productions Enes da Silveira, en coproducción con el Centro Cultural de Belém de Lisboa, que reúne a varios miembros del elenco, o espectáculos con artistas residentes. Estos componentes son: la orquesta conformada por la Banda Sinfónica de la PSP (Polícia de Seguridad); un coro sinfónico mixto (Lisboa Cantat); actores independientes (José Raposo, Mário Redondo, Ricardo Raposo, Leonor Seixas, Sara Belo

y Ricardo Saavedra); solistas, cantantes (Bárbara Barradas, Marco Alves dos Santos, Filipa Passos, Sara Afonso y Rita Morão Tavares) y un cuerpo de bailarines provenientes de la Escuela Nacional de Danza del Conservatorio. Un total de 160 miembros del equipo estarán en escena, pero no tienen una «casa madre» en la que trabajar y ensayar. Pero sí podemos contar con la colaboración de varias salas y sedes como la Casa do Artista, Casa do Coreto - Lua Cheia, Teatro para todos; estudios de la Escuela Nacional de Danza del Conservatorio, la sala de ensayos de la orquesta de la Banda Sinfónica de PSP y el Gran Auditorio del Centro Cultural de Belém. Mediante la coordinación de todas estas colaboraciones que agradecemos, esta obra se convirtió en este importante proyecto artístico”.

RM: ¿Por qué crees que Dom García no es conocido en Portugal y en el mundo?

PE: “Aunque Dom García, entonces rey de «Galicia y Portucale» (desde 1065 hasta 1971) era tío abuelo de Dom Afonso Henriques, el primer rey de Portugal (de 1139 hasta 1185), en las clases de historia rara vez se menciona a Dom García. Hoy en Galicia (norte de España) la figura de Dom García es recordada en la historia gallega... pero no ocurre lo mismo en Portugal. Tal vez porque su sobrina, Doña Teresa (hija de Don Afonso, hermano de García), u

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no pudo convertirse en la primera reina de Portugal, derrotada en la Batalla de São Mamede por su propio hijo Dom Afonso Henriques...”

RM: ¿Qué fue lo más difícil de esta producción?

PE: “Los componentes artísticos y logísticos, así como las asociaciones de coproducción son los más fáciles de establecer. Por un lado, nosotros (ARTPRODES heredera de PAPAGUENO), con unos 40 años de experiencia en producciones, en particular de festivales de música, tenemos coproducciones que acogerán esta Cantata «Dom Garcia» en 2024: además del estreno el 30 de junio en el CCB de Lisboa, una función en el

Festival CISTERMÚSICA de Alcobaça el 7 de julio, otra en el Aula Magna del Rectorado de la Universidad de Lisboa el 29 de septiembre y una última en el CNEMA de Santarém el 5 de octubre. El proceso más difícil se encuentra en el ámbito del mecenazgo y el apoyo institucional. Aquí se libra la batalla para que este proyecto sea financieramente viable”.

RM: ¿Qué significa para usted, como productor, realizar hoy esta obra y estrenarla en el CCB?

PE: “Es la culminación de dos años de trabajo, con mucha dedicación, pero con la constatación de que el objeto cultural de la producción -la Cantata Cénica Dom

García- es muy apreciado por la sociedad portuguesa en general, y por los responsables institucionales, en particular, dadas las tres grandes figuras de la cultura nacional a quienes se rinde homenaje en su centenario: Joly Braga Santos (2024), Natália Correia (ocurrido en 2023) y anticipadamente el de David Mourão-Ferreira (2027). Su estreno en el CCB, una de las principales salas de conciertos del país, es el reconocimiento de una gran obra olvidada, estrenada en 1971 en el mítico primer gran festival al aire libre de Portugal. El Festival que acogió «todas las músicas»: clásica, pop/rock y popular: desde Joly Braga Santos a Elton John y Amália Rodrigues”.

Equipo de producción de Dom García en el CCB de Lisboa

DESDE EL DOMINGO 2 DE JUNIO EN EL KONEX

El Cascanueces

Ballet para chicos

La Fundación Konex y la Asociación Arte y Cultura presentan este clásico del ballet adaptado para niñas y niños. Esta versión, creada por Juan Lavanga, contará con la actuación de figuras de los cuerpos

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de danza del Teatro Colón y del Argentino de La Plata, integrantes además del Buenos Aires Ballet Juvenil.

La coreografía, diseñada por Emanuel Abruzzo, propone una fusión de clásico, danzas regionales, bailes diversos y efectos foley. La puesta en escena combina una escenografía creada con mapping, proyecciones y animaciones que interactúan en escena con los bailarines.

El Cascanueces tendrá funciones durante junio y julio en el marco de la 34° temporada de “Vamos al Ballet”, un ciclo creado por la Fundación Konex con el propósito de acercar los géneros clásicos a los más chicos.

SÍNTESIS ARGUMENTAL

La Abuela Clara va a la casa de sus parientes para festejar la Navidad, donde todos recibirán los hermosos regalos que se encuentran al pie del gran árbol.

Llega el Tío Drosselemeyer con regalos para los niños; le entrega a Francisco un caballito de madera y, a Clarita, un muñeco “Cascanueces”.

Drosselmeyer arma un teatrito de títeres donde desfilan un soldado, una muñeca y un turco, que harán las delicias de los invitados. Los chicos juegan y se divierten hasta que Francisco rompe el muñeco de Clarita... Entonces Drosselmeyer, que es “medio mago”, la adormece para que no llore.

A partir de ese momento Clarita ve a su Cascanueces cobrar vida. Con la ayuda de la Abuela Clara, el Cascanueces lucha contra el Rey de los Ratones y después parten en un trineo hacia una gran travesía... De esta manera, Clarita, el Tío Drosselemeyer y la Abuela Clara, con el Cascanueces custo -

diando, pasarán por el País de las Nieves, el Reino de las Golosinas y el Mundo de los Personajes. Allí conocen a la gran y enorme Mamá Gigogne y ven que de su regazo van saliendo: la española trae Chocolate, los mirlitones Flautas musicales, los chinos Té, los árabes Café y los rusos Helados.

Después de esta aventura

Clarita despierta con su Cascanueces en perfecto estado... ¿Fue un sueño o realidad? ¿Y la Abuela Clara? ¿Dónde está la Abuela Clara?

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA

El Cascanueces

Ballet para chicos en dos actos

Buenos Aires Ballet “Juvenil”

Primeros bailarines del Teatro Colón y del Teatro Argentino de La Plata

Director:

Federico Fernández

Codirectora: Nina Zaera

Música:

P. I. Tchaikovsky Idea, Guion y Adaptación: Juan Lavanga

Coreografía: Emanuel Abruzzo

Arreglos musicales: Juan Andrenacci y Adolfo

Schmidt

Efectos foley: Facundo Gutiérrez

Ficha Técnica:

Stage Manager/Productor

técnico: Emiliano Caffarelli

Stage/Asistente de escenario:

Walter Centurión

Diseño de escenografía: Alejandro Szklar

Diseño de iluminación y sonido: Sebastián Viola y Miguel Coronel

Diseño de visuales y mapping: Visualistas

Diego Muzzo y Agustina Piñero

VJ: Karina Solarz

Diseño de Vestuario 2022: Laura Sol Torrecillas

Encargado de Vestuario

versión 2024: Jorge Hirschfeld

Asistente de vestuario: Nuria Ibarra

Máscaras: Ulises Freire (4R)

Sombreros: Laura Marty

Diseño gráfico: Wechsler Diseño

FUNCIONES

Domingos 2, 9 y 30 de junio

Domingos 7, 14, 21 y 28 de julio

Jueves 18, viernes 19 y 26, y sábados 20 y 27 de julio. Todas las funciones a las 11 horas.

Localidades: desde $8000 en venta en www.cckonex.org

Ciudad Cultural Konex . Sarmiento 3131, C.A.B.A. / TEL: 4864-3200

Contacto: Francisco Cerdan francisco@inprensa.com

DRAGONES MEDIEVALES

Por Nicolás Isasi @isasi.nick

En medio de una tierra inhóspita, un joven héroe entrenador llamado Dave, servirá de guía para los más chicos en esta gran aventura medieval. El humo y las luces dan comienzo a una infinidad de misteriosos personajes tan magníficos como aterradores que se acercarán al público e incluso interactuarán con algunos de los pequeños héroes de esta odisea.

Los coloridos e inmensos blasones a cada lado del escenario representan a cada uno de los “Dragones y Monstruos Míticos”, haciendo honor al nombre del espectáculo nominado a Mejor Entretenimiento Familiar en los Premios Olivier 2022. Por momentos, las distintas peripecias de los niños que suben al escenario recuerdan, salvando las distancias, a un viejo programa televisivo infantil de la década del noventa titulado Leyendas del Templo escondido. Allí, los participantes pertenecían a un equipo identificado con un color y un animal, atravesando distintos tipos de pruebas. En este caso, las pruebas son más sencillas, y no hay equipos, pero la idea de la aventura y el maestro de ceremonia que los guía en ellas quizás traiga el leve recuerdo en mente.

La idea es dar a conocer en persona algunos de los

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monstruos del imaginario en cuentos y películas que jamás hayan caminado sobre la Tierra. El concepto es sencillo, cada prueba involucra a unicornios, hadas, grifos y dragones que, con distintos tamaños, aspectos, texturas y voces, formarán parte de la aventura librando una serie de amuletos gracias a la participación de los niños para completar una especie

de hoja de ruta con cada una de las aventuras. El primero de ellos es un robusto hombre de piedra, como aquellos toscos muñecos de La historia sin fin (1985), rasgos generosos y mucha piedra por todas partes. Gigantesca mano por un lado y un brazo en forma de garrote por el otro. El verdadero desafío de cada uno de estos personajes tiene que ver con la realización y el movimiento de esos muñecos enormes. Para

ello, un grupo de titiriteros especializados, replican los modos de caminar, reptar, saltar, agacharse o sentarse según la ocasión lo amerite. El engranaje y los detalles de cada uno de los muñecos, permite la apertura y cierre de ojos y boca, otorgando un aspecto sumamente realista, aun cuando se pueden observar a los titiriteros, algo así como sucede en el teatro oriental.

El actor que hace de Dave, además de tener el libreto de la obra completa en sus hombros, es un anfitrión cómico y carismático para toda la audiencia. El acabado de los personajes creados es de gran calidad, y eso se puede ver en el tipo de telas, materiales, pelos, garras, pezuñas y efectos. Entre los destacados, además del hombre de piedra, se encuentra un bellísimo unicornio que capturó la atención de los más pequeños al igual que el dragón, dividido en varias partes como aquellos dragones chinos de fiestas y celebraciones, complementado con una humareda blanca que lo circundaba. La gran frutilla del postre fue un majestuoso Grifo realizado con diversas texturas de ramas, hojas y lianas que ocupa la mitad del escenario. Pareciera ser un mega alce que desciende de las montañas nórdicas, a un paso lento pero pronunciado, con una magia arrolladora llamando la atención de los presentes. Sin dudas, uno de los espectáculos más creativos y asombrosos de la escena actual infantil.

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Premios Konex 2024

Vivi Tellas entre las 100 personalidades más destacadas de las Letras Argentinas (2014-2023)

La creadora de Biodrama y referente central del teatro de Buenos Aires, fue distinguida por la Fundación Konex como una de las personalidades más destacadas de la última década en las disciplinas vinculadas a las letras argentinas. En la ceremonia, que se realizará en el mes de septiembre, Vivi Tellas recibirá el Diploma al Mérito en teatro: quinquenio 2019-2023.

En los últimos años, el concepto Biodrama está teniendo una fuerte influencia en la escena teatral de Buenos Aires y el resto del mundo. Propuestas como Imprenteros de Lorena Vega, Fuck me de Marina Otero y Los días afuera de Lola Arias, son algunas de las muestras representativas de obras que ponen en escena las historias de sus protagonistas buscando la teatralidad fuera del teatro. En este sentido, Vivi Tellas define Biodrama como “una búsqueda escénica en la biografía”. Se trata de una investigación sobre la experiencia de vida, el testimonio, el retrato y algunas otras formas de lo personal.

Directora de teatro y curadora con gran influencia en la escena teatral nacional e internacional, Vivi Tellas reflexiona sobre su trabajo: “El

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punto de partida es pensar una idea biográfica en relación a la presencia”. Y precisa: “Mi generación atravesó la dictadura argentina y fue a partir de este hecho que empecé a pensar Biodrama como una idea sobre el estar presente, sobre el valor de nuestra experiencia y el valor de la singularidad de cada uno versus la desaparición”.

“La dramaturgia del destino es una provocación. Dramaturgia y destino son dos conceptos que chocan y esa dialéctica me interesa”, señala Vivi Tellas y remarca: “Hay un aspecto bastante punk de mi labor que consiste en trabajar con personas que no están entrenadas en la actuación y ahí aparece un cuerpo inocente capaz de producir momentos inesperados”.

Su singular concepción del teatro documental ha dado lugar a una serie de archivos vivos con intérpretes no profesionales (Mi mamá y mi tía, Tres filósofos con bigotes, Cozarinsky y su médico, Escuela de Conducción, Mujeres Guía y Disc Jockey) y otras obras como Rabbi Rabino (Nueva York), O Rabino e seu Filho (San Pablo), La bruja y su hija, Maruja enamorada, Las personas (una obra con veintidós trabajadores del Teatro San Martín en escena), El niño Rieznik y Los amigos, Un biodrama afro.

“La intimidad es el centro de mi trabajo. Busco la

teatralidad fuera del teatro, en zonas inestables como el espacio íntimo, donde la inocencia puede aparecer. La situación de trabajo es muy frágil. La intimidad es un presente continuo donde no hay opiniones ni destrezas, una zona torpe, capaz de generar momentos desconocidos que no podemos controlar”, comparte Vivi Tellas.

Cabe destacar que Vivi Tellas fue distinguida con el Belknap Fellow por el Consejo de Humanidades de la Universidad de Princeton y nombrada personalidad destacada de la Cultura por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Fue profesora visitante en el programa de Escritura Creativa de la Universidad de New York (NYU) y en DasArts Master´s Programme, Amsterdam. Creó y fue la Directora Artística y curadora de Princeton Live Art Sessions, festival de artes en transición de la Universidad de Princeton y obtuvo la beca de Investigación del Programa en Estudios Latinoamericanos (PLAS) en esa misma Universidad.

En estos días, Vivi Tellas transita el proceso creativo de su segundo libro junto a la Editorial Planeta, en el cual ahonda sobre su historia personal signada por su vínculo con el teatro y las claves del método Biodrama.

Están en curso los talleres de Biodrama virtual y distintas modalidades: Taller de ejercicios de Biodrama; Clínica, tutoría y seguimiento de proyectos y el Seminario de la maestría en Dramaturgia de la Universidad Nacional de las Artes (UNA). También existe Comunidad Biodrama, un punto de encuentro digital a través del cual todas las personas interesadas en recibir noticias sobre Biodrama se pueden sumar enviando un mail a  biodramavivitellas@gmail. com

Biodrama, la dramaturgia del destino

Información completa y agenda Instagram Vivi Tellas

Charla TE

Equipo Biodrama

Coordinación y asistencia: Renata Moreno

Producción: Poppy Murray Diseño de logo: Horacio Gallo

Fotos: Nora Lezano

Prensa y comunicación: Marisol Cambre

Fotos: Nora Lezano

Prensa Marisol Cambre prensa@marisolcambre.com. ar

CARMINA BURANA

Por Nicolás Isasi @isasi.nick

Basada en la cantata medieval compuesta por Carl Orff en 1937, este espectáculo de danza comienza con un impresionante juego de proyecciones que a modo de mapping durante el número inicial de Carmina Burana(O Fortuna), explota desde la oscuridad de la platea con un espectacular efecto lumínico. Las proyecciones supieron reconocer todos los escondites del Teatro Tívoli BBVA, generando movimiento de figuras y colores en cada uno de los palcos, el proscenio, los laterales y el techo. Toda la luz inunda la sala en un sinfín de colores.

Si bien toda la música es grabada, el trabajo real está en las danzas y coreografías que se desarrollan desde los pasillos, en la altura y en una rampa algo extraña que ocupa gran parte del escenario. La misma, es grande y vistosa, con un declive suficiente como para dejar caer los cuerpos hacia abajo sin hacer ninguna fuerza. A primera vista impacta y es algo fuera de lo común, pero luego pierde dramatismo al estar presente a lo largo del espectáculo, además de generar una sonoridad incómoda ante las constantes pisadas y saltos, ya que funciona como la caja de resonancia de un piano.

La Compañía de Danza Vortice cuenta con un buen cuerpo de ballet contemporáneo, dirigidos artísticamente por los coreógrafos Cláudia Martins y Rafael Carriço. La historia de Carmina Burana (conocida también como los cánticos del monasterio de Beuern), surge de una colección de cantos goliardos sobre ciertos poemas medie-

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vales y canciones profanas de los siglos XII y XIII que fueron escritos por monjes en un convento bávaro alemán. Esos manuscritos sirvieron de inspiración para la cantata escénica de Carl Orff que realizó casi un siglo atrás, en donde se destacan temáticas ligadas al amor, el romanticismo, los excesos, la lujuria, el sexo, la bebida o el baile. Esta nueva versión de Carmina Burana, presenta momentos álgidos y fuertes, otros más cómicos, o escenas de lirismo absoluto como es el aria para soprano llamada “Dulcissima” quizás con la interpretación de una bailarina que se destacó del resto. Sus movimientos pausados y sensibles dejaron en claro el potencial de su cuerpo en soledad. Luego, otras escenas en conjunto como “In Taberna Quando Summus” se reviven de forma agotadora y visceral. Quizás, en ciertos momentos, las referencias al placer o la lujuria son un tanto explícitas, con humor soez o chabacano, dejando de lado el aspecto poético inicial de la obra original de Orff.

Uno de los puntos fuertes de la obra es el vestuario, que mezcla épocas, texturas y colores, siempre con cierta predilección por los colores pieles, y elementos naturales como ramas o pasto que forman parte de la escena. Entre los efectos visuales llamativos se encuentran una serie de círculos gigantes de donde cuelgan algunos personajes o máscaras lumínicas en medio de la oscuridad. El final, con la fuerza que caracterizó el inicio y la obra toda, el texto anuncia “Oh Fortuna, como la Luna, variable de estado, siempre creces, o decreces; Vida detestable, ahora oprime, después alivia, como un juego, a la pobreza y al poder, derrites como al hielo”.

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Espacio Cultural Bitcoin, pionera en Argentina en criptoarte

El 16 de mayo el Espacio Cul tural Bitcoin dio el puntapié inicial en la exhibición de la muestra y certamen de “Humanidad”, en el mundo crypto. Con un jurado mundial de primer nivel, se seleccionaron 80 de las 765 obras recibidas provenientes de todo el mundo: Letonia, Italia, Indonesia, India, Hungría, Francia, Egipto, Chipre, Croacia,

Camerún y Brasil, España, Chile, Colombia, Uruguay, Venezuela, Argentina, Bolivia, Cuba, Nigeria, Bélgica, Perú, Panamá, México, Ecuador, Sudáfrica, Ucrania, Suiza, Rusia, Rumania entre otros países.

En el mundo del arte existen numerosos concursos y premios que otorgan premios en Bitcoins. Estos premios

son una excelente manera de ganar reconocimiento por el trabajo, obtener apoyo financiero y la posibilidad de conectarse con otros artistas y entusiastas de las criptomonedas.

El arte y los Bitcoins ha dado lugar a un fenómeno fascinante y en constante evolución: el criptoarte. Este nuevo movimiento artístico aprovecha la tecnología blockchain y las monedas digitales para crear, autenticar y comercializar obras de arte digitales y físicas entre otras cosas.

“El criptoarte se refiere no sólo a obras de arte digitales como imágenes, videos, gifts o incluso tweets, que existen en el registro digital, un registro público y distribuido que valida la propiedad y la autenticidad de cada pieza.

También puede utilizarse para autenticar y comercializar otras formas de arte, como: pinturas, esculturas, objetos de colección, joyas.

En estos casos, la obra física se vincula con un NFT único, lo que crea un certificado digital de autenticidad y propiedad. Esto permite a los coleccionistas verificar la procedencia de la obra y protegerla contra falsificaciones. Los NFTs también pueden utilizarse para crear y vender experiencias únicas, como entradas VIP a eventos o ac -

Obra ganadora del segundo puesto. Mariposa. Gonzalo León.

ceso exclusivos a contenido digital. Conciertos, eventos, presentaciones, talleres, entre otros.

Algunos ejemplos de cómo se está utilizando el criptoarte en diferentes áreas:

Música: Artistas como Grimes y Kings of Leon han vendido canciones y álbumes como NFTs.

Literatura: Autores han publicado libros electrónicos y manuscritos como NFTs.

Gamming: Personajes, armas y otros elementos de juegos en línea se han convertido en NFTs.

Moda: Diseñadores han creado prendas digitales y colecciones de moda virtual como NFTs.

El criptoarte abarca una amplia gama de posibilidades que van más allá del arte digital tradicional. La tecnología blockchain tiene el potencial de transformar la forma en que creamos, poseemos y experimentamos diversos tipos de arte en el mundo digital.

Los artistas crean obras de arte y luego las convierten en tokens no fungibles (NFTs) en la blockchain. Estos NFTs actúan como certificados de propiedad únicos e intransferibles, lo que garantiza la autenticidad de la obra y permite a los coleccionistas verificar su procedencia. Estas ventajas son tanto para los artistas como para los coleccionistas:

Los artistas tienen control

especial.

total sobre su obra y pueden venderla directamente a los coleccionistas, eliminando intermediarios y comisiones; autentificación y trazabilidad ya que la tecnología garantiza la autenticidad de cada obra y permite rastrear su historial de propiedad. Ofrece además nuevas oportunidades de mercado, permitiéndoles llegar a un público más amplio y vender su trabajo a nivel internacional.

Asimismo  para los coleccionistas, brinda una propie-

dad verificable, se aseguran de poseer una obra de arte auténtica y única; acceso a un mercado global: Pueden descubrir y comprar obras de arte de artistas de todo el mundo.

Y lo que es más importante el potencial de inversión, el valor del criptoarte puede aumentar con el tiempo, lo que lo convierte en una inversión potencialmente lucrativa.

Es importante recordar que el mercado del criptoarte es altamente volátil y existen u

Torito migrante. Mención

Brian Mayhua.

riesgos asociados con la inversión en NFTs. Antes de invertir es crucial realizar una investigación exhaustiva y comprender los riesgos involucrados.

Este tipo de arte aún se encuentra en sus primeras etapas, pero su potencial es enorme. Esta nueva forma de expresión artística tiene el poder de transformar la forma en que creamos, poseemos y experimentamos el arte en el mundo digital.

“Una ciudad futurista, la inmersión en la naturaleza, la mirada penetrante de un anciano, la sonrisa de los niños, los colores de la vida, nuestras expresiones culturales, la belleza del cuerpo humano, un abrazo, un beso, la comunidad universal y tantas otras bellas expresiones podremos encontrar es esta flamante exposición que invita a un diálogo de Vida”, expresa Pablo Gu-

tiérrez Zaldivar, Director del Espacio Cultural Bitcoin. “En el Espacio Cultural Bitcoin, no solo se trata de admirar el arte, sino también de sumergirse en un ambiente enriquecedor donde se fomenta el aprendizaje, el intercambio de ideas y el crecimiento personal. Es un lugar especial donde pueden nutrirse de la creatividad que nos rodea y encontrar inspiración para re-imaginar un mundo mejor”.

El Jurado estuvo integrado por integrantes de África, Asia, Europa, Sudamérica y Estados Unidos.

Más información en  https://espacioculturalbitcoin.com/

Acerca de Espacio Cultural Bitcoin:

Es mucho más que un mero lugar físico; es un vibrante epicentro de intercambio de ideas y experiencias, donde

convergen diversas disciplinas y perspectivas. Aquí, el diálogo fluye libremente, nutriendo el pensamiento crítico y fomentando el encuentro internacional entre mentes inquietas y apasionadas. Es un lugar donde las visiones del futuro se entrelazan con la exploración del presente, impulsadas por el deseo compartido de construir un mundo mejor. ¡Únete a nosotros y sé parte de esta fascinante travesía hacia la transformación y el progreso! Nuestro propósito se basa en cuatro ejes centrales: Tecnología, Naturaleza y Sostenibilidad Ambiental, Arte e Inclusión Social.

Florencia Pérez Roldán Directora | PR Comunicaciones www.prcomunicaciones. com.ar florencia@prcomunicaciones.com.ar floperezroldan

Mariela Lawry interviniendo la obra de Gonzalo León.

Artistas Y Pablo Gutierrez Zaldivar.

ESTRENO DOMINGO 9 DE JUNIO A LAS 18 H. PaCata

Elegí!

Una Catarsis, una danza que pretende enunciar mis dedicatorias más profundas, a los amores y no amores que me han dado la fuerza y la fragilidad para vivir no feliz, sino sinceramente. Bailar es reescribir.

Catalina Briski

PaCata es un solo de danza-teatro con música en vivo. Son cinco escenas-dedicatorias: a su hija, a la danza, al río, a la desobediencia, a sus padres y hermanas. Es una danza que nace desde lo profundo de las entrañas de quien las baila, las enuncia y las escribe. PaCata es intimista y sensible.

Sin pretensión, una primera persona que se entrega a danzar la poesía de amar. Se invita al público a sentir y formar parte de esta vivencia, siendo lectores y espectadores. Una invitación a un domingo íntimo, en un teatro que abre sus puertas para compartir, para conversar, leer, observar, beber y comer. Hacer de ir al teatro un ritual que sea gozoso y sobre todo colectivo.

Escrita, dirigida e interpretada por Catalina Briski, PaCata se presenta en ÚNICAS 4 FUNCIONES, los domingos 9, 16, 23 y 30 de junio a las 18hs en Teatro Cooperativa Perra (Bonpland 800, CABA), con entrada general a $5000 por Alternativa

Desde el año 2021, es que Catalina empezó a escribir la dramaturgia de “Pacata”, desde el deseo profundo de comenzar a nombrar esos lazos que transforman la vida y dedicarles una poesía. Una danza, o un manifiesto, una imagen, un olor, una canción, una foto, un silencio. En junio del año 2022, empieza a armar el equipo de trabajo que llevaría adelante el proyecto. Una grupalidad que sepa no solo componer y crear sino también abrazar las emociones que se despiertan cuando apelamos a lo más sincero de nuestra historia.

Los ensayos no solo la acompañaron y la motivaron a viajar, a conocer la ciudad de su Abuela materna (Bella Vista,-

Corrientes) sino también el embarazo de su hija Jacinta y luego su nacimiento, agregando una escena fundamental de la obra que es su dedicatoria.

Jacinta, tanto en la panza como ahora con apenas un año, forma parte del proceso creativo y de los ensayos.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Dramaturgia: Catalina Briski

Intérpretes: Catalina Briski Acordeón: Pedro Bragan

Voz en Off: Norman Briski, Olinda Briski, Lola Garcia Blaya, Sofia Guggiari, Laura Melillo, Marie Pascal, Manuela Vanni, Frida Jazmín Vigliecca Escenografía: Timoteo Ezequiel Del Papa

Iluminación: Javier Rincón

Vestuario: Victoria Monserrat Edición de sonido: Tomas Melillo Edicion de videos: Josefina Sagasti Realización Audiovisual: Leonel

Fastovsky, Juan Figueroa Fotografía: Silvia Sergi Dibujos: Panchopepe, Natalia Pazmiño, Julia Valicente Equipo de Dirección: Josefina Sagasti

Edición Audiovisual: Leonel

Fastovsky, Juan Figueroa

Prensa: Prensópolis Dirección General: Catalina Briski

FUNCIONES:

Estreno Domingo 9 de junio a las 18hs

Únicas 4 funciones: 9, 16, 23 y 30 de junio a las 18h.

Teatro Cooperativa Perra Bonpland 800, CABA)

Entrada general: $5000 Por Alternativa

Duración: 60 minutos

Sobre Catalina Briski - Bailarina

Intérprete, docente, coreógrafa y gestora cultural. Presidenta del Teatro Cooperativa Perra. Docente de danza - teatro. Creadora, coreógrafa e intérprete del cortometraje “Cómodos”, seleccionado en el Festival de Cannes. Directora y dramaturga de “Embiste”, “El Refugio de los Invisibles”, “Los 7 gatos de una vida”, “Jaurías la Erótica”, “Atentamente, saludos cordiales” y “Pacata”. “El Refugio de los Invisibles” hizo cuatro temporadas, fue seleccionada por el FIBA12 y el Programa Factoría en Danza de la Secretaría de la Cultura de la Nación en conjunto con la Universidad del IUPA (Río Negro). Además, formó parte de la programación en el Teatro Cine York y en la Alianza Francesa. Por otra parte, trabajó como bailarina y coreógrafa del video clip “Los golpes” de Sara Hebe, del Paz Martinez “Carmin” y de Pedro Bulgakov, “El ruido de tu piel”. Fue intérprete de “Under de si” de Diego Bian-

chi y Luis Garay en el TACEC, “Cuentos para el coco”, “Las 50 Nereidas” y “La medicina”, de Norman Briski.

Actualmente, es docente de su proyecto DanzaRota en el Teatro Caliban y en el Teatro del Perro. Realizó seminarios intensivos de Danza-Teatro en la Univerdad IUPA (Río Negro), en Corrientes, Chaco, Santa Fe y en Mendoza, en diversas instituciones y escuelas de danza y de teatro. Es bailarina y coreógrafa del proyecto “Melile” de música y danza performática que realizó tres videoclips, dos giras nacionales, formó parte de la programación de Lumiton del Municipio de Vicente López, y recibe el premio de la categoría música de la Bienal 2021, siendo seleccionados en el “Festival Breve” 2021 de Chaco, Resistencia.

Prensópolis

Comunicación y Prensa Dir. Alejandra Pía Nicolosi prensopolis@gmail.com

Video

PACATA (2024)

https://youtu.be/IE-N5cz5lcY?feature=shared

NOVEDAD DE JUNIO

Otras formas de ser humano

Antología de cuentos sobre ciencia y tecnología

Compañía Naviera Ilimitada presenta Otras formas de ser humano, antología de cuentos ganadores del Premio OEI. Un nuevo cruce de la literatura con las problemáticas de la ciencia y la tecnología en la mirada de diez escritores emergentes de Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, España y Perú.

Atravesados por la misma sensibilidad de una época, cada cuento nos sitúa ante un futuro que no parece tan lejano, poniendo de relieve las múltiplies formas en que los avances de la inteligencia artificial y el vertiginoso desarrollo tecnológico impactan en nuestros vínculos y nuestra subjetividad.

La literatura especulativa existe hace varios siglos y ha dado lugar a todo tipo de imaginaciones, utopías, distopías y narraciones que intentan pensar un futuro posible. Cada obra trabaja a partir de su contexto y elabora una crítica. En los diez cuentos que publicamos aquí, estamos ante la

sospecha de que, frente al presente que vivimos, nada bueno podría suceder.

Los temores y pesadillas que despierta la acelerada tecnologización que vivimos actúan en este libro como un disparador para imaginar la deriva de la humanidad y pensar cuestiones como la ecología, la vida después de la muerte, el estigma de la inmigración, la preponderancia de lo digital y la presencia de la máquina como factor desestabilizante o poco confiable.

Escritos por Valeria Canelas (Bolivia), Juan Maisonnave (Argentina), Jorge Malpartida Tabuchi (Perú), T. P. Mira-Echeverría (Argentina), Daniel Neyra Bustamente (Chile), Gilherme Pavarin (Brasil), Edis Henrique Peres (Brasil), Daniel Rodas (Brasil), Gerardo Vázquez Cepeda (España) y Emilia Vidal (Argentina).

Cada cuento está acompañado por ilustraciones de Pedro

Mancini, realizadas especialmente para esta edición. Los relatos escritos originalmente en portugués fueron traducidos por Julia Tomasini.

Otras formas de ser humano

Claves de lectura: Ciencia ficción

Inteligencia artificial Futuros próximos

Incertidumbres del presente

ISBN 978-631-90100-3-9

Cuentos // 14 x 22 cm // 120 págs.

CONTRATAPA

En Otras formas de ser humano, diez escritores iberoamericanos imaginan escenarios de ciencia ficción para hablar sobre un presente cambiante y un futuro incierto. ¿Cómo serán nuestras vidas con el vertiginoso desarrollo de las IA, el progresivo deterioro ambiental, la creciente sensación de soledad en un contexto de hiperconectividad, la desintegración de los vínculos y el caos emocional?

En estos relatos, los sueños de eficiencia y bienestar que prometen los avances tecnológicos parecen resquebrajarse y revelan su costado menos luminoso. Una IA conectada a la naturaleza toma el control y establece sus propias

prioridades. Otra, diseñada para emular a Dostoievski, cae en la espiral de sus peores vicios. Una estación espacial, luego de un tiempo excesivamente largo, se parece más a un limbo para astronautas que a la base de una auténtica misión. El holograma de un bebé gigante pone a prueba la empatía de una ciudad y despierta una verdadera preocupación. En otros casos, la realidad virtual no consigue evocar el sentimiento deseado. Sofisticados dispositivos prometen inclusión, experiencias sensoriales placenteras o la posibilidad de revivir el pasado, pero terminan acentuando lo que intentaban mitigar o traspasando los límites de toda ética.

Un libro imaginativo y diverso que explora lo que

está por venir, o quizá lo que ya nos ha alcanzado y aún no podemos ver. Un espejo que refleja nuestra humanidad de manera inesperada, por momentos perturbadora, y al mismo tiempo una realidad cambiante que transforma nuestras subjetividades, nuestras relaciones, construyendo o borrando sentidos, creando otras formas de ser humanos.

PREMIO OEI

El Premio OEI de Cuentos sobre Ciencia y Tecnología, organizado por la Organización de Estados Iberoamericanos, tuvo como jurado a los escritores Martín Felipe Castagnet (Argentina), Liliana Colanzi (Bolivia), Joca Reiners Terron (Brasil), Verónica Stigger (Brasil), João Tordo (Portugal) y Fernanda Trías (Uruguay). Se presentaron más de mil cuentos de toda Iberoamérica.

Prensa

Anshi Moran prensa@cianavierailimitada. com

Editorial Andrés Beláustegui editorial@ cianavierailimitada.com

Distribución

Blatt & Ríos distribucion.blattyrios@ gmail.com

Tel: +54 11 4775 2623 www.cianavierailimitada. com

El Fenecer del Ruido

es el nuevo poemario del escritor Javier López Trezza

El poeta Javier López Trezza presentó El fenecer del ruido, un poemario escrito en el año 2023. Esta obra, registrada por Puntoaparte Ediciones Independientes, estará presente en la 48° edición de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, el pasado sábado 11 de mayo, a las 19 hs, en la mesa 5, Stand N.º 1722. De SADE (Sociedad Argentina de Escritores) Pabellón Amarillo del Predio Ferial de Palermo.

“Pienso en el silencio como un lugar propio, de refugio, de encuentro con uno mismo, de amor puro. Viví durante muchos años en el fandango, lejos de mí y entre personas desconocidas, hasta que me di cuenta que si no escapaba del barullo no sobrevivía”, cuenta Javier. “El escritor Richard Ford decía que «Escribir es un ejercicio de resistencia frente a la muerte», y en verdad es eso lo que he buscado. Alejarme del bullicio de la muerte y acercarme al silencio de la vida”, concluye el autor de esta obra. “Gracias a la fotógrafa Verónica Visaggio, a las diseñadoras gráficas Sol Naredo y Carolina Hortal, a la correctora Liliana Turturro, a Rodrigo Quiroga por la gestión editorial, a Carlos E. Spinedi por el epílogo, a Yesica Bernardou por el prólogo y a Cheyca Parker por la reseña. Muchas

gracias a mis hijos y a mi mujer, a quien le dedico El fenecer del ruido”.

RESEÑA Por Cheyca Parker

“Sentí una escena magna, una obra profunda y llena de presencia. Colmada de lo cotidiano, del canto de los hijos, del abrigo del ser amado, del abrazo al silencio. Una cachetada a la vorágine del tren de la vida. Un conductor de tren que te invita a parar y bajar en cada estación, desde su experiencia, su despertar, su Fenecer del ruido. Fenecer que expone frente a nosotros, sus lectores, dejándonos una revolución en el estómago, cargada de alivio. Dejándonos una urgente sensación de hambruna por lo auténtico, lo

que nos convocó en la tierra bajo el cuerpo de criaturas humanas. Una caminata de transformación. Un libro te modifica, nadie es el mismo luego de una buena y atenta lectura. Desde mi humilde lugar de lectora, he salido de cada poema inspirada, y me he sentado a degustar esta transformación que me dejó este poemario del autor argentino, Javier López Trezza, del que tan orgullosa estoy y al que tanto respeto le tengo”

SOBRE EL AUTOR

Javier López Trezza nació en Buenos Aires, Argentina, en 1964. Es escritor, músico y periodista. Egresó en marzo de 1990 del Instituto Grafotécnico (Escuela Superior de Periodismo). Comenzó a escribir para publicaciones alternativas, hasta llegar a los más importantes semanarios de rock de nuestro país: primero, en la revista Pelo,

y luego en Metal, donde realizó centenares de notas a grupos como Hermética, Logos, V8 y Rata Blanca. Durante la primera parte de la década de los noventa, fue redactor, colaborador e hizo crítica de discos y entrevistas en la revista Generación X (Magendra), magazine semanal, para el que cubrió un sinnúmero de shows de bandas emergentes, como así también de algunos de los grupos más influyentes del rock nacional: La Portuaria, Divididos, Vox Dei, Los Pericos, Los Twist, Los Rodríguez y Las Pelotas, e incluso de solistas, como Celeste Carballo o Ricardo Montaner. También estuvo a cargo de la cobertura de los segmentos musicales de los programas televisivos Ritmo de la noche, de Marcelo Tinelli, en TELELE, y Hacelo por mí, de Mario Pergolini, en Canal 9. Luis Alberto Spinetta y Fabiana Cantilo fueron algunas de las estrellas que se presentaron en dichos espacios.

Condujo varios programas radiales de música e interés general: En FM La Tribu, Dame refugio (1998), con el locutor Andrés Mercuri; en FM Federal, Píntalo de negro (1992) (programa que fue seleccionado para estar al aire en FM Rock & Pop); en Radio Lomense, Es solo rock and roll (1990). En AM Radio Excelsior, en el segmento «Rock y un lugar duro» (1991), entrevistó junto al periodista Diego Perri

a músicos consagrados, como Adrián Otero, de Memphis (La Blusera); Pil Trafa, de Los Violadores; Marciano Cantero, de Los Enanitos Verdes; Juan Antonio Ferreira (JAF) y Javier Calamaro, de Los Guarros. Esta sección se emitía dentro del programa La revista del espectáculo, un clásico de la radiofonía argentina que a lo largo de dos décadas contó con la conducción de los recordados periodistas Héctor Depalma y Guillermo Álamo. En la actualidad conduce el programa El faro de los duendes, en Radio Trend Topic, con la Producción General de Cristina Rodríguez, su esposa. Todos los viernes pasan por allí importantes figuras de la cultura nacional. Durante veinte años, trabajó como periodista en el área de Prensa del Ministerio de Ambiente y Desarrollo Sustentable de la Nación. Como músico es autor de dos discos de estudio que grabó de manera independiente: Canciones para canarios (2014). Registrado en La Poda Records y masterizado por el reconocido ingeniero de sonido Daniel Ovie (participaron Gabriela De Lorenzo y Anabella Levy, de Nonpalidece, entre otros grandes artistas) y Dios azul, blanco y negro (Rock & Blues) (2017). Editado en Estudio El Templo (con colaboración del baterista y amigo Jorge Scheinin y el guitarrista Jorge Mayer).

Cuenta con varios «demos» grabados junto a músicos profesionales, con muchos de los cuales formó bandas con las que llevó adelante sus propios trabajos musicales: Llorando (2010), No hables de mí con nadie (2011), Flores del corazón (2012), El deslinde del elixir (2016) y Versiones (2020).

En 2023 “actuó” en el videoclip de la canción “Happily Dance”, del músico uruguayo Pablo Silva Andaite.

En abril de 2010, la poetisa Aida Brunetti seleccionó una poesía suya, «Viejas fotos raídas», para sumarla a Bitácora, una antología que la Editorial Dunken editó en septiembre de ese año. Luego llegaron sus libros: Antes del alba (2016), Entre limoneros grises (2016), Después del mar no hay más nada (2017), Una sola flor (2021), El domador de la soledad (2022) y Cuando ella se quitó la ropa el viento se detuvo (2023). Colaboró con una “reseña” en el libro Escribir para sanar II, de Cristina Abrea y en 2024 escribió el prólogo de Caramelo de sangre, el primer trabajo literario de la artista Cheyca Parker.

Javier López Trezza escribe un nuevo poemario y prepara un libro de Cuentos y Relatos, donde algunos de ellos son vivencias de dos sobrevivientes de la Shoah. javierlopeztrezza@gmail. com

www.javierlopeztrezza.com. ar

La Revolución que no vieron venir

La revolución que no vieron venir no solamente es imprescindible para sus seguidores, que descubrirán a fondo los detalles de la hazaña de un gladiador al que el establishment lo subestimó y ahora observa con preocupación el riesgo de perder sus privilegios, sino también para sus detractores, los cuales al fin comprenderán con seriedad y precisión la propuesta de quien se ha convertido, sin dudas, en el fenómeno más disruptivo de Occidente. Nada se deja al azar en este fascinante relato.

Contratapa

Con el sello Hojas del Sur y ya disponible en librerías, Nicolás Márquez, escritor, conferencista y abogado, y Marcelo Duclos, periodista y máster en ciencias políticas y economía, se acercan al lado humano y personal de la figura que revolucionó la política argentina, sumando a ello el análisis de la coyuntura política y social que derivó en la elección de Javier Milei como presidente de la república. Javier Milei se presenta como el emergente de un cambio de época que propone no sólo una solución a la debacle de la economía argentina sino también como el líder de una batalla cultural capaz de derrotar la decadencia nacional basada en un radical cambio de

paradigmas para los próximos 100 años.

La reconstrucción del contexto es contada a tres voces. Describe una historia de vida y busca compartir el marco conceptual de sus ideas políticas y económicas como liberal libertario. Su ascenso fue tan meteórico que ha trascendido todas las fronteras imaginables.

El libro busca describir a Milei dentro del contexto de sus ideas políticas y económicas, definiéndolo como un liberal libertario de la Escuela Austríaca. Esta perspectiva lo posiciona en una visión más radical y disruptiva que la adoptada hasta ahora por el liberalismo tradicional argentino. La obra explora cómo Milei desafió las categorías políticas

convencionales, generando desconcierto y a la vez atracción, tanto en Argentina como en el extranjero.

“Milei, la revolución que no vieron venir” reconstruyó el ascenso vertiginoso de Milei, basado en un carisma extraordinario, un estilo provocador y una habilidad para desafiar las normas políticas y económicas establecidas. El libro explora cómo su capacidad para generar debate y confrontación lo convirtieron en un referente para aquellos que buscaban alternativas a los sistemas políticos tradicionales, dentro y fuera de Argentina.

“Milei encarna más que un simple cambio de gobierno, representa un cambio de era. Va más allá de la mera alternancia política prevista en la Constitución. Por eso usamos la palabra ‘revolución’ en el libro. Marca un punto de inflexión en Argentina que desconcierta a todos”, expresó Nicolás Márquez.

En esta perspectiva, Marcelo Duclos afirmó: “Javier Milei ha trascendido las fronteras de Argentina, ya no hay dudas al respecto. No se trata solamente del presidente argentino o del representante del liberalismo en el país, sino que, probablemente sin pretenderlo, se ha convertido

en un referente de las ideas de libertad en el mundo occidental”.

“Si Milei tiene éxito, indudablemente generará un efecto dominó a nivel global, ya que se convertirá en un punto de referencia, y surgirán fenómenos similares en otras partes del mundo”, completa Nicolás Márquez.

El libro se encuentra en

preventa en 12 países, pero recientemente se han sumado cuatro países más a la lista. Además, se está trabajando en traducirlo al portugués, italiano, inglés y polaco, ampliando así su alcance y llegando a un público aún más diverso.

Es sorprendente cómo alguien que, hace algún tiempo, expresaba que “el único cargo que aceptaría en la política sería la dirección

del Banco Central para cerrarlo”, ahora sea objeto de tanta atención y demanda en el mundo libre.

Florencia Pérez Roldán Directora | PR Comunicaciones www.prcomunicaciones. com.ar florencia@ prcomunicaciones.com.ar skype: floperezroldan

Registros de Cultura Presenta el libro/CD

Atahualpa Yupanqui en Michigan

La presentación se hará el 6 de junio en UTE CABA

“Vivimos jornadas de enajenamiento cultural. La Argentina que amara Yupanqui, hoy necesita proteger sus recursos culturales y sus símbolos más entrañables. Es necesario beber de las fuentes que lograron plasmar en arte nuestras identidades más profundas, para

fortalecer una argentinidad que nos permita encarar el futuro como Patria y como Pueblo.

Yupanqui es una fuente esencial. Desde la guitarra hasta su poesía y sus reflexiones, nos ha dejado cabales definiciones de nuestros modos de ser y estar en este sur del mundo.

Fue el arquetipo del solista que puede transformarse en mensajero, por la certeza de su decir y por constituir en su propia soledad un universo completo de saberes, de pueblos y de tiempos. Este libro-disco tiene el enorme valor de traer a la luz una de las raras páginas jamás editadas de Atahualpa Yupanqui” Juan Falú

Registros de Cultura tiene el placer de anunciar el lanzamiento, del Libro/CD “Atahualpa Yupanqui en Michigan”, concierto en vivo el 30 de octubre de 1983 Universidad de Michigan (USA)

A fines de 1983 Atahualpa Yupanqui, por entonces de 75 años de edad, realizó la que sería su primer y única gira por los Estados Unidos. Un hecho que no está difundido en la mayoría de sus biografías.

En esta obra, el poeta pinta las desgracias y la explotación del hombre y establece su tesis para una organización justa de la sociedad: la libertad como punto de partida, la participación del obrero en las ganancias del Capital pues es el hombre que trabaja quien produce esas ganancias y, finalmente, la imperiosa necesidad de que la ley fundamente y defienda esos derechos humanos. De lo contrario, la voz de los hombres libres del mundo debe unirse en un coro de protesta, de generación en generación …”

PRESENTACIÓN

Auditorio de UTE Bartolomé Mitre 1984, CABA Jueves 6 de junio a las 19 Hs. Con la presencia de :

Marián Farías Gómez, Juan Falú, Roberto Coya Chavero, Laura Albarracín, José Ceña, Florencia Suárez, Cecilia Zabala y Oscar Ballester, quien conservara tan preciado documento

Entrada Libre y gratuita

Atahualpa Yupanqui en Michigan

01-Lloran las ramas del viento

(Vidala litúrgica - A. Yupanqui)

02-Danza de la paloma enamorada

(Danza - A. Yupanqui)

03-Zamba de Vargas (Zamba – Tradicional)

04-El tulumbano (Gato cordobés – Pablo del Cerro)

05-Vidala para mi sombra (Vidala – Julio Espinosa)

06-Los yuyitos de mi tierra (Milonga pampeana - A. Yupanqui y R. Risso)

07-Romance de la vidala (Aire de vidalita riojana - A. Yupanqui)

08-Triste Nº 4 (Triste - Julián Aguirre)

09-Soy libre

(Baguala - A. Yupanqui)

10-Pastoral india (Preludio andino – Rec. Carlos Vega)

11-La olvidada (Chacarera - A. Yupanqui y Hnos. Díaz)

12-Duerme negrito (Canción - Rec. A. Yupanqui)

13-Los ejes de mi carreta (Milonga - A. Yupanqui y Romildo Risso)

14-El alazán (Canción - A. Yupanqui y Pablo del Cerro)

15-El árbol, el río, el hombre

(Poema - Julio Cortazar)

Música incidental Testamento de Amelia (A. Yupanqui)

16-Dulce M`baracapú (Polca - Popular Rec. A.

Yupanqui)

17-Mi viejo potro tordillo (Poema - A. Yupanqui)

18-Silbando piensan las aves

(Milonga - Romildo Risso y A. Yupanqui)

Humito de mi cigarro (Milonga - Romildo Risso y A. Yupanqui)

Lo miro al viento y me río (Milonga - Romildo Risso y A. Yupanqui)

19-Coplas de bagualas (Coplas - A. Yupanqui)

20-Cruz del Sur (Malambo - A. Yupanqui)

Música incidental Jesús alegría del hombre (Johann Sebastián Bach)

FICHA TÉCNICA:

Grabado en: Power Center, Universidad de Michingan, el 30 de octubre de 1983

Digitalización y edición: Fernando Chalup

Masterización: Juan Pablo Chalup

Revisión de texto: Mónica Abraham

Revisión de audios: Juan

Falú y Javier Chalup

Ilustración de tapa: Sebastián Ballester

Diseño Gráfico: Luis Juárez

Producción ejecutiva: Nelly

Santamarta y Javier Chalup

Es un aporte a la Cultura

Popular de: Registros de Cultura

Edición digital 2024

Contacto: Patricia Brañeiro

Registros de Cultura nelly@registrosdecultura. com.ar

www.registrosdecultura. com.ar

Tensiones y límites en los nuevos relatos de Julio César Guianze

Catarsis Su primer libro editado en la Argentina

Julio César Guianze, autor de Hitachi y Menú de Guerra, publica su primer libro editado en la Argentina: Catarsis. En este conjunto de relatos de la editorial Simurg, diversos personajes pasan por situaciones donde tienen que tomar decisiones atravesados por la tensión y los límites. Un sutil homenaje a la película El gran pez en medio del robo de un banco, un adulto mayor hastiado de los ruidos nocturnos de jóvenes “energúmenos de verano” en una playa, una tienda de libros con ejemplares prohibidos listos para retomar su vergonzosa circulación con Mozart de fondo, un avión que decide emprender una caída libre y un hombre que cerca de un final anunciado activa sus recuerdos amorosos son solo disparadores para inquietar al lector.

El pasado miércoles 29 de mayo a las 18:00 horas el

autor presentó su libro en la Embajada de la República Oriental del Uruguay (Arenales 1392 1° Piso CABA).

“Digresión. La foto inventa. No registra. Porque lo que muestra la imagen no existe. Lo que no se mueve no es, y un momento es un movimiento. No se puede parar. Ese con la vista fija en la cámara ni siquiera está muerto, porque

los cadáveres -con todos sus gusanos y bacterias en plena comilona- también se mueven. Alguien debería estudiar cómo funciona esa fascinación de lo fotografiado sobre las personas, sobre la memoria y el repaso; y también, de qué manera el recuerdo permanece vivo y cómo trabaja sin la foto (cuántas sensaciones que no dependen de la vista alimentan una conservación mucho más natural y sana y, de algún modo, también viva). Para conocer no hay que fijar, hay que deformar”.

Julio César Guianze

Julio César Guianze nació en Montevideo en 1969 y desde muy chico vivió en Buenos Aires. Además de escritor y periodista, se dedica profesionalmente a la comunicación institucional. Guianze alcanzó reconocimiento con su libro Menú de Guerra, publicado por la editorial uruguaya Irrupciones Grupo Editor en 2017. Al siguiente año, publicó su novela Hitachi, también bajo el sello de Irrupciones Grupo Editor. Catarsis es su primer libro publicado con una editorial argentina.

Contacto para prensa Oscar Romano +541151208414 accionycomunicacionarg@ gmail.com

Sofía Gómez Pisa presenta su libro de poemas

Nadie es una promesa a los 33 en LA FERIA DE AGRONOMÍA

Sofía Gómez Pisa es una periodista argentina y talentosa escritora, presentó su último libro de poemas: “Nadie es una Promesa a los 33” - Editorial Clara Beter en La 48.° Feria Internacional del Libro de Buenos Aires.

¿Quién tiene la vida resuelta a los 30 años? se pregunta la autora que llega a La Carpa Cultural de la Feria de Agronomía el domingo 9 de junio a las 14:30 horas en el predio de la Facultad, Av. San Martín 4453, CABA. La entrada es libre y gratuita.

En “Nadie es una Promesa a los 33”, Sofía Gómez Pisa nos sumerge en un viaje poético que explora las complejidades del ser humano, desde las luchas internas de la adultez hasta los momentos de

éxtasis y felicidad. Con una pluma aguda y reflexiva, la autora nos invita a pensar el vínculo con el deseo, en ocasiones no concretado, el vacío existencial y la búsqueda de significado en nuestras vidas.

“(...) Por suerte a veces, compramos cosas, llenamos el vacío con plástico”, escribe en uno de sus poemas.

Sin embargo, también nos muestra otro color cuando escribe: “(...) La única realidad es la que llevamos en las manos”.

O cuando habla de la escritura como frente de lucha ante las hostilidades del mundo.

En la presentación, Sofía Gómez Pisa compartirá sus inspiraciones, experiencias y vivencias detrás de su obra. Además, habrá una sesión de lectura de poemas seguida por la firma de ejemplares, brindandonos la oportunidad de conectarnos con su universo poético.

Acerca de Sofía Gómez Pisa:

Es periodista y escritora argentina. Edito tres libros “Ella, la muerte o Dios” Editorial El Ojo de Mármol, en 2016, “Nativa Digital”, Editorial Roma Dorada en 2017,  “La Culpa ya no es de tus Padres”, Ele

mento Disruptivo, en 2020 y actualmente esta lanzando su libro de poemas “Nadie es una promesa a los 33” por Editorial Clara Beter que fue presentado en la Feria Internacional del LIbro 2024. Escribe en medios de comunicación destacados como La Nación e Indie Hoy.

FERIA DE AGRONOMÍA

Domingo 9 de junio a las 14.30 Carpa Cultural  - Feria de Agronomía  - Av. San Martín 4453 - CABA (Facultad de Agronomía UBA)

ENTRADA LIBRE Y GRATUITA

COMPRÁ TU LIBRO ACÁ! https://www.clarabeterediciones.com.ar

PRENSA

Analía Cobas

analiacobas@gmail.com

Cecilia Dellatorre pnlp83@gmail.com www.masprensa.com.ar

Cinco cuentos con actividades para quererse mucho

Cuentos de amor propio

De Gisela Gilges

Con ilustraciones de Alejandra Clutterbuck

Cuentos de amor propio

De Gisela Gilges

Con ilustraciones de Alejandra Clutterbuck 64 páginas a todo color

Libro ilustrado recomendado a partir de los cinco años, con cinco historias para aprender a quererse más, para leer y jugar en familia.

¡A veces nos cuesta tanto querernos…!

Cómo enseñarles a nuestros hijos a reconocer su valor cuando nosotros mismos no sabemos hacerlo. Cómo inculcarles amor propio si nos desvalorizamos frente a otros. Recordar lo que valemos nos ayuda a ser más felices, desde la infancia y para siempre. Este libro de cuentos y actividades te permitirá

mostrarles a tus hijos el camino del amor propio, pero también sanar a ese niño interno que hay dentro de ti. Gisela Gilges, life coach, da las herramientas para que te quieras mucho: porque la gente que se quiere es la que mejor sabe querer.

Gisela Gilges (Buenos Aires, 1983) es escritora, life coach y conferencista. Se formó en psicología, neurología, recursos humanos y demás disciplinas que finalmente integró en su formación como coach. Trabajó en grandes empresas internacionales como jefe de Empleos, Talento y Desarrollo Humano, BP Manager, entre otras. En 2011 fundó su consultora Giga Minds, donde asesora y coachea directivos sobre estrategias de desarrollo,

armado de equipos, estrategia de recursos humanos. Actualmente, cuenta con su propia Escuela Internacional de Coaching y lidera una comunidad muy grande que busca incorporar herramientas de coaching a su vida. Publicó los libros Cómo encontrar al empleado ideal (2007), Una cita en el piso 32 (2019) y La sensibilidad mi superpoder (2022).

Alejandra Clutterbuck nació en la ciudad de Buenos Aires. Licenciada en Ciencias de la Comunicación Social por la Universidad de Buenos Aires, se desempeña como periodista gráfica desde 2008 y como ilustradora profesional desde 2019. Ha colaborado con textos e ilustraciones para La Nación, Unicef y Editorial Acción, entre otros. Coedita la revista Sacapuntas con sus colegas de la Asociación de Dibujantes de la Argentina (ADA). Con ¡Qué pelo difícil! (Editorial El Ateneo, 2022) cumplió su sueño de ser autora integral. También es madre de dos niñas, que son puro amor, inspiración y aprendizaje.

Duche&Zárate Comunicación + Media Walter Duche – Alejandro Zarate prensa@duchezarate.com.ar

La Libre Editora presenta: Abrazo al futuro

I Acevedo

En tiempos difíciles, salió Abrazo al futuro de I Acevedo, un libro que venimos cocinando hace un año con La Libre Editora, nuestro sello independiente.

Este libro es un abrazo de esos que necesitamos hace mucho. Un abrazo a la literatura, la fantasía y la amistad, con el sustrato de lo que fue, en forma de memoria, y del presente rodeado de cuerpos que impulsan ese ir hacia adelante.

Son diez cuentos inéditos hasta hoy que I Acevedo escribió para leer en público, con ese brillo de la oralidad, en el Malba, Casa Brandon, el Centro Cultural Conti, el (ex) Centro Cultural Kirchner, el Museo de Arte Moderno y en La Libre. Espacios que nos contienen y encuentran, hoy más que nunca, en la necesidad de continuar juntes construyendo el mundo que imaginamos.

La forma de escribir de I Acevedo combina escritura del yo con ensayo, autoficción con crítica literaria. Las preocupaciones políticas y las literarias se combinan de la misma manera que las de la vida personal y las comunitarias. Escribir es hablar con alguien, ya sea en forma de carta o de texto escrito para leer en un espacio-tiempo particular,

como la Ex-Esma, ante una audiencia. Toda escritura está situada en un contexto, es un acto de fe furiosa hacia el futuro, y este libro es una hermosa muestra de eso.

Anshi Moran

I Acevedo

Acevedo nació en Tandil, el 9 de abril de 1983 y vive en Buenos Aires. Publicó cuentos, novelas, diarios y ensayos, entre ellos: Jajaja (Mansalva, 2017, 2023), Late un corazón (Rosa Iceberg, 2019), Paquete de fe, (PDF libre, 2020); Querida bicicleta (Ediciones Puntos Suspensivos - La Libre, 2020); Una idea genial (Mansalva, 2010, La Libre-La Flor Azul, 2020), Quedate conmigo (Editorial Marciana, 2017), Algo se mueve. El cuento después de Walsh (2021, Eme editorial) y Diario de los quince. La aventura de escribir (Bosque energético, 2022). Como dramaturgo escribió y actuó en la obra Cómo saber si gusta de ti (y conseguir tu primera cita). Es profesor de literatura y editor independiente.

Adelanto de Abrazo al Futuro Contratapa

“Ay libro, queridísimo libro... es tan especial la forma de conjugar de I Acevedo, la habilidad técnica para narrar con infinitivos, potenciales y

pretéritos pluscuamperfectos que, incluso cuando se escenifican situaciones, pareciera que todo formara parte de la interioridad, que las acciones fueran ideas: que las descripciones, emociones. Y como los relatos que componen Abrazo al futuro fueron escritos para ser leídos en público, da la sensación de que la escritura de I siempre flotara sobre la oralidad. Y los sentimientos. Porque leer a l es reír y Ilorar. No cualquier escritor logra eso, provocar ambas emociones en un mismo texto. Y esto sucede por varias razones y una de ellas es porque l, además de ser una persona intelectual, también escribe con el corazón. iLate un corazón! Es: I de Idea, I de intuición, I de imaginación, I de identidad, I latino y griego. il y Gre!” Juan Diego Incardona

Prensa

La Libre Editora

Anshi Moran

Corten Tickets No Rompan Nada

El libro de Gustavo Zbrun analiza la escena de la cultura y del espectáculo en el sector independiente. Polémico e inevitable, imprescindible para repensar los espacios, las propuestas y los modos en que las artes y los artistas, pero sobre todo los involucrados en la música en vivo, deciden sostener(se).

Publicado a fines del 2023, el libro pone sobre la mesa un debate necesario que durante muchos años se mantuvo puertas adentro de un sector monopolizado, funcional y cómplice a los gobiernos de turno.

Como una patada a la comodidad de ese refugio que encontró la escena cultural en las políticas públicas de muletillas y slogans, el li -

bro anticipa el contexto actual donde se intenta buscar el apoyo de una escena independiente que durante décadas sufrió y soportó el ninguneo de todo un sector artístico y cultural que se creyó mainstream, que se adjudicó ser cultura, pero que hoy, sin fondos públicos, es incapaz de producir y generar recursos propios para sostenerse.

El autor toma como caso de estudio su ciudad natal, un hilo conductor que se traslada por varias locaciones del país, donde la nueva normalidad presentó impensados desafíos en los cuales las estructuras sin una base independiente consolidada y desarrollada sucumbieron frente al empoderamiento del sector cultural hacia un Estado controlador que financió y sostuvo todo aquello que no atentara contra su status.

Reseñas

“Sublime, incendiario, con la chispa justa para tensionar sin romper”.

Nadia Vidal - Gestora Cultural

“Lectura recomendada para conocer la idiosincracia de la industria cultural”.

Leo Alvarez - Músico

“Abofetea a los pelotudos de siempre, un puntapié para ver

si empezamos a exigir otra clase de política cultural”.

Oscar Achares - Patagonia Backline

“Datos concretos que visualizan una problemática, un viaje al pasado de una luz que nos está llegando ahora”.

Claudio Andrade - Periodista

Acerca del Autor

El libro interpela a todos los actores que integran una escena cultural, incluso el autor se permite interpelarse a sí mismo como gestor de espacios y eventos culturales, tanto desde lo público como privado.

Contenido Web

https://cortentickets.webflow.io/

12 pasos

El libro incluye un manifiesto como declaración de apoyo a los espacios independientes. Una guía práctica para visualizar acciones que motiven a la audiencia a proteger sus espacios.

Apuntes para Estudiantes

Una serie de artículos basados en el libro orientados a los alumnos que se inician en el ámbito artístico cultural.

Contacto entrevistas y prensa: prensa@cortentickets.com.ar cel: 2984 631932

INAUGURACIÓN: ALMA

de Ana Rita Gendrot

Visitas martes a sábado 16-19h hasta el 29 de junio del 2024 en Uriarte 1490

ALMA es la primera exposición individual de Ana Rita Gendrot en Galería Mar Dulce. Presenta una seria de obras nuevas en cerámica, porcelana, acuarela y dibujo.

¿Qué representa Alma? Lo que no se ve, lo que se intuye que existe. Los enigmas de la vida. Esas cosas que se conectan entre sí, sin explicación “racional ” posible.

Alma no sale del cuerpo de una sola persona - si bien no existe cuerpo sin alma - va zigzagueando entre la gente, rebotando en el cemento de la ciudad, fundiéndose y penetrando en la porosidad del barro de las

obras de Ana Rita. El alma es energía.

En la naturaleza también puede encontrarse el alma. El alma de los árboles, el alma de los ríos. ¿Acaso nunca se sintieron atravesados por la humanidad toda contemplando el agua de un río que corre, o la copa de los árboles moviéndose con el viento?

La obra de Ana Rita Gendrot representa los estados del ánimo donde el alma se puede percibir, donde hay una conexión con lo intangible, donde con el silencio del azul se eleva lo cotidiano a la contemplación.

Inspiradas en el mundo antiguo, sobre todo la región de la Mesopotamia antigua, sus cerámicas y dibujos exploran los rasgos arquetípicos que atraviesan todos los tiempos y los espacios, penetrando con su forma y su sentido en el aquí y ahora.

Ana Rita Gendrot es una artista plástica argentina nacida en 1975 en Ciudad de Buenos Aires. Egresó de la escuela de bellas arte Prilidiano Pueyrredón, y continuó sus estudios en diferentes clínicas de arte.

Se desenvuelve en diversas disciplinas: dibujo, acuarela y cerámica. Se dedica a la enseñanza del arte para grupos de todas las edades, donde tiene su mayor experiencia en las infancias. Cofundadora y participante en 2020 junto a su hermana de “El juego del dibujo”, arte epistolar, proyecto seleccionado en 2021 por Bienal Sur “Cuerpo, archivo y pensamiento colectivo”.

En 2010 recibió una beca para participar de la residencia cerámica Sargadelos, España, donde trabajo con pastas de alta temperatura. En 2023 recibió el apoyo del fondo nacional de las artes para hacer un relevamiento de arcillas locales en el Museo

Barda del Desierto.

Ha expuesto sus obras en diferentes lugares del mundo, entre ellos Perú, Paraguay, Francia, España, Japón, China y Argentina.

Los temas de su trabajo giran alrededor de lo ancestral, lo mágico, las tradiciones del pasado remoto, la fantasía, la naturaleza, los símbolos y lo existencial.

Galería Mar Dulce se especializa en obras de pequeño y mediano formato de pintura, dibujo, grabado, libros de artista y objetos, realizadas por artistas rioplatenses clásicos y contemporáneos. Junto a ALMA presentamos +COLECTIVA83, una curaduría de obras realizadas por otros artistas de la galería.

Para más información: Galería Mar Dulce Uriarte 1490 Palermo | Buenos Aires

Malba presenta nuevas obras de Frida Kahlo, Diego Rivera y Remedios Varo en la exposición

Tercer ojo

El diálogo de la Colección Malba y la Colección de su fundador, Eduardo F. Costantini, se presenta renovado desde hoy con la incorporación de nuevas obras y núcleos a la exposición Tercer ojo.

Una nueva sala dedicada a Diego y Frida destaca el vínculo de la pareja y su amor (1928) de Diego Rivera y Autorretrato con chango y loro (1942) de Frida Kahlo, que se exhiben junto a la litografía El aborto (1932) de Frida Kahlo y una selección de fotos y cartas. Por primera vez en la Argentina, se podrá ver la pintura Armonía (1956) de Remedios Varo en un núcleo dedicado a la artista surrealista, que se completa con Simpatía (la rabia del gato) (1955), ambas de la Colección Costantini, e Icono (1945) del acervo del museo.

Malba anuncia la llegada de cinco nuevas obras de la colección particular del fundador y presidente honorario del museo, Eduardo F. Costantini a la exposición Tercer ojo, que, desde agosto de 2022, reúne más de 220 obras icónicas del arte latinoamericano en un recorrido que pone en diálogo la Colección Malba y la de su fundador. Está dividida en dos grandes

52 MiraBA

núcleos conceptuales: Habitar y Transformar. La muestra propone el despliegue de un acervo en transformación que va cambiando de forma a lo largo del tiempo, iluminando los momentos claves del arte de la región en diálogo con temas artísticos y sociales tanto históricos como contemporáneos. Como parte central de la

exposición Tercer ojo, desde abril de 2024 se presenta una sala dedicada a Frida y Diego. Se puede volver a ver en Buenos Aires Baile en Tehuantepec (1928) de Diego Rivera, una de las pinturas de caballete más importantes y de mayor tamaño del célebre artista mexicano, y por primera vez la litografía Sin título (El aborto) (1932) de Frida Kahlo nunca antes

presentada en la Argentina, adquirida recientemente por Elina y Eduardo F. Costantini. La nueva sala en Malba que conforma el núcleo Transformar los afectos se enfoca en el vínculo y amor por las tradiciones del istmo de Tehuantepec de los dos artistas. Junto a estas dos obras, se exhibe el Autorretrato con chango y loro (1949) de Frida de la Colección Malba junto a una serie de fotografías y cartas históricas que dan cuenta de la vida en común, los intereses de la pareja y la identidad cultural mexicana durante la primera mitad del siglo XX.

Remedios Varo. Transformar el rito

Además, se exhiben en Tercer ojo dos obras emblemáticas de Remedios Varo en una sección dedicada al surrealismo. Se trata de Armonía (1956) que se presenta en Argentina por primera vez y Simpatía (la rabia del gato) (1955), que pudo verse en Constelaciones, la exposición antológica dedicada a la artista en el museo en 2020. Junto con Icono (1945) de la Colección Malba, las tres obras dan cuenta del gran universo fantástico de Varo donde se combina el mundo humano, animal, vegetal y mecánico dando como resultado un relato visual complejo y único. Las tres obras de Varo están acompañadas por las fotografías de Kati Horna, Oda a la Necrofilia, de la serie homónima (1962), quien

fuera su amiga y compañera en el estudio en las prácticas rituales de la magia y el ocultismo, que serían marcas distintivas de su producción artística. Este núcleo de mujeres surrealistas lleva el nombre de Transformar el rito.

Transformar la realidad

En la sala contigua, se presenta una selección de obras surrealistas de artistas modernos que buscaban trastocar la percepción hasta llegar a una belleza convulsiva que involucraba el azar y permitía situarse fuera de la lógica racional. Con el título de Transformar la realidad, se exhiben cuatro piezas del argentino Juan Battle Planas: tres versiones de Radiografías paranoicas (1936) y Benzolinar (1937). Piezas como The Disasters of Mysticism (1942) de Roberto Matta -de quien también se exhibe Composición (1937)y Sueño de un condenado a muerte (1955) de Roberto Aizenberg alimentan una espacialidad surreal a través de una atmósfera mística generadora de paisajes cósmicos impredecibles. Las tres pinturas de Agustín Lazo: El examen (1930), Juicio Final o La máscara del teatro (1937) y En el Asilo (1930) remarcan la presencia de la condición metafísica como fuente inagotable de estilos; mientras que El eros cultural (1980) de Aída Carballo da cuenta de la incorporación de la sexualidad en el imaginario de la emancipación cultural.

Sobre Tercer ojo

Curada por María Amalia García –curadora en jefe de Malba– Tercer ojo se despliega en el primer nivel del museo y está dividida en dos grandes núcleos conceptuales: Habitar y Transformar. Estos ejes sintonizan con nuestras preocupaciones actuales más acuciantes, como la sustentabilidad del planeta, las demandas sociales y los diversos modos de la subjetividad y la autorrepresentación. Son puertas de acceso que combinan abordajes temáticos, formales y materiales, y señalan las derivas de los movimientos artísticos latinoamericanos. Además de las obras mencionadas, en tercer ojo se exhiben otras obras maestras de artistas como Tarsila do Amaral, Xul Solar, Joaquín Torres García, Emilio Pettoruti, Wifredo Lam, Roberto Matta, Maria Martins, Antonio Berni y Jorge de la Vega, entre otros. El título de la exposición, Tercer ojo, surge de la obra de Kahlo Diego y yo (1949), que formó parte de esta exposición hasta marzo de 2024 y que se exhibe hasta noviembre 2024 en el Bienal de Venecia. Representa la obsesión amorosa de la pareja de artistas y alude, además, a la visión intuitiva y definida que supone la creación de una colección.

Contacto de prensa Julieta Correa jcorrea@malba.org.ar

Mira

Exposiciones de Artes Visuales en el Rojas. Dos propuestas: Con-ciencia y El viaje infinito

Hasta el 15 de junio de 2024 - Lunes a sábados de 10 a 20 h - Entrada Gratuita

Con-ciencia

La crisis climática a través de la obra de Andrea Juan

Artista: Andrea Juan

Curadora: Luciana García

Belbey | Directora artística: Margarita Gómez Carrasco

Foto: Andrea Juan

Inauguración: miércoles 15 de mayo a las 19 h Abierta al público de lunes a sábados de 10 a 20 h (hasta el 15 de junio)

Galería del Centro Cultural Rojas UBA - Av. Corrientes 2038/2040

Entrada: gratuita

La muestra propone una selección de obras en la que se ve plasmada la preocupación de la artista con relación a las temáticas

ambientales: algunas obras seminales en los hielos y glaciares patagónicos (20022004); y sus series más emblemáticas producidas en la Antártida entre el 2004 y el 2015.

Desde inicios de los años 2000, cuando aún no era un tema central en las agendas políticas y sociales internacionales, Andrea Juan comenzó a investigar sobre la crisis climática. En esas primeras indagaciones dio con trabajos científicos que manifestaban preocupación por los cambios climáticos que comenzaban a hacerse evidentes sobre todo en las zonas polares. En aquellos años se empezaban a divulgar en los medios de

comunicación las alarmantes cifras de derretimiento de masas y barreras de hielo. Lo que impulsó a la artista a trabajar en los glaciares de la Patagonia. Ese fue el puntapié de sus trabajos posteriores en la naturaleza y lo que la impulsó a desarrollar más de 10 campañas en el Continente Blanco. Con el correr de los años la preocupación por el cambio climático y sus consecuencias fue en aumento.

El objetivo de la exhibición es dar cuenta del trabajo pionero de Andrea Juan relacionado a estas problemáticas, seguir enriqueciendo el debate y contribuir con la concientización sobre este

tema tan acuciante y que nos compete a todos. La muestra se acompañará de charlas, visitas y actividades, entre otras acciones. Agradecimiento especial a la Colección Claudio Sesto; a la Galería Marifé Marcó, Barcelona; a Laura San Martín, Directora de Galería OdA, Buenos Aires; y a Gabriel Penedo Diego.

Andrea Juan es Artista Visual y Curadora. Trabaja con fotografía, video digital, gráfica, objetos e instalaciones. Fue Titular de la Cátedra de Artes Visuales en la Licenciatura en Gestión del Arte y la Cultura (UNTREF, 1999 a 2016). Obtuvo importantes premios, reconocimientos y becas como la UNESCOASCHBERG, o la Beca Guggenheim. Llevó a cabo performances y video instalaciones en Antártida basadas en investigaciones científicas sobre cambio climático (2005 -2014). Creó y dirigió la Residencia de Arte en Antártida (Dirección Nacional del Antártico, Ministerio de Relaciones Exteriores, República Argentina, 2006-2016). Fundó la organización SUR POLAR, red de artistas con una preocupación común sobre el medioambiente (2008). Actualmente desarrolla proyectos rela-

cionados con el origen del arte y el medioambiente, en colaboración con Gabriel Penedo Diego, con quien creó en 2014, SM PRO ART CIRCLE, en Cantabria, España, donde llevan a cabo la Residencia de Arte Nat entre otros programas de Arte. Luciana García Belbey es Licenciada y Profesora en Artes Plásticas (UBA). Se especializó en Gestión de Museos (Fundación TYPA, 2016). Desde 2023 es Directora de la Licenciatura en Curaduría y Gestión de Arte en el Instituto Universitario ESEADE, donde también es titular de dos cátedras. Desde hace varios años, se desempeña como curadora e investigadora independiente. Actualmente coordina el Catálogo Razonado de una importante colección de esculturas. En 2021 fue jurado del Salón Manuel Belgrano, Museo Sívori, Buenos Aires. Entre 2016 y 2017 fue Curadora del Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires –MACBA, donde desde el 2013 trabajaba en otras áreas. Realizó curadurías para importantes instituciones tanto públicas como privadas y en galerías de arte. Publica con regularidad textos en catálogos, libros y medios especializados en

arte. Dicta cursos sobre arte contemporáneo y Curaduría para público general.

Margarita Gómez Carrasco es Licenciada en Psicología, y en Ciencias de la Comunicación y Periodismo (Universidad Kennedy); también es Licenciada en Historia del Arte (UBA). Realizó un Master en Psicoanálisis (Universidad Kennedy) y se formó como Psicoanalista en la Institución Mayéutica. Es Magíster en Crítica de Arte (UNA) y en Gestión Cultural (Universidad Palermo). Actualmente es la Directora de la Galería Marifé Marcó, (Barcelona), de Poliedro – Productora de Arte Contemporáneoy de la revista de arte contemporáneo El Gran Otro. Entre 2013 y 2015 se desempeñó como directora de Fundraising en el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA). Tiene una larga trayectoria en la representación de artistas y en la gestión de proyectos culturales. Desde hace años trabaja profesionalmente en el ámbito del mercado de arte y construye constantemente alianzas con agentes culturales y galerías a nivel internacional.

Escribe sobre arte y dicta clínicas para artistas.

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El viaje infinito

Cuerpo, indumentaria y territorio

Artista: Bárbara Arcuschin |

Curadora: Fabiana Barreda

Inauguración: miércoles 15 de mayo a las 19 h

Abierta al público de lunes a sábados de 10 a 20 h (hasta el 15 de junio)

Fotogalería del Centro

Cultural Rojas UBA - Av.

Corrientes 2038/2040

Entrada: gratuita

La obra de Barbi Arcuschin

investiga a lo largo de toda su trayectoria una interrelación entre cuerpo, el textil, la ropa y la cartografía de viaje creando el mapa de la tribu. Sus obras en red con los grandes fotógrafos como Nan Goldin, Martin Parr y Mary Ellen Mark y Richard Avedon construyen su potencia en la relación con el otro a través de la toma directa como la potencia fotográfica, creando un vínculo emotivo con el fotografiado. En su carrera y biografía, la artista

profundiza esa mirada, en este proyecto desarrollado en África, en Valle del Omo, crea un ensayo sobre las telas, el estilismo y los vínculos, una superposición de sentidos antropológicos y humanos. Estas relaciones comienzan a actuar interrogándonos y se van resignificando las posturas y las potentes miradas de los retratados frente a cámara. Como una antropóloga viajera, hay una complicidad y un pacto entre los sujetos del acto fotográfico, una serie de preguntas que se construyen hacia ambos sentidos: quién eres, como eres, como es la sociedad hoy. En este metaverso y multiverso de grandes migraciones que habitamos hoy, la autora desde una mirada erótica y femenina expone estas obras que piensan con afecto y humor sobre el otro, una mirada entre Levi Strauss, Freud y Barthes, analítica, critica y estetizada, donde la fotógrafa utiliza la cámara como un espejo reflexivo de ella misma y nosotros. Barbara Arcuschin nace en Buenos Aires, Argentina en 1985. Es una artista visual autodidacta, a medida que pasó el tiempo, su vida profesional comenzó a inclinarse hacia la fotografía y la documentación audiovisual. Formado en

clínicas de arte y seminarios con fotógrafos locales de renombre como Guillermo Ueno, Fabiana Barreda y Alberto Goldenstein. En 2016 fue seleccionada y asistió al programa de artistas de la Universidad Torcuato Di Tella. Luego continúa haciendo revisiones de portafolios y consultando con curadores de renombre, como Rosana Schoijett, Ataúlfo Pérez Aznar en la escena local &Francesca

Marani, Denis Curti, Gloria Maria Cappelletti, Claudio Composti, Sophie Wright en la escena internacional. Con el paso del tiempo, su vida profesional comenzó a inclinarse hacia la fotografía y la documentación audiovisual. En 2009 tuvo su primera exposición colectiva en Miau Miau Gallery, después de ella, en Mite Gallery (2010), exhibida en No Found Photo Fair (2011, París), con Rea Gallery. En junio de 2013, lanzó su primer zine, publicado por Santa Rosa Editora titulado Rayos y Centellas mostrado en la Feria del Libro de Arte de Nueva York (2014). Sus fotos también fueron colgadas de Ruby Gallery (2014). En 2015 tuvo una celebrada exposición individual en Otero Gallery (Buenos Aires). En marzo de 2022 tuvo una exposición individual en Uniôn

Gallery, Ciudad de México. Recientemente ha ganado el premio de artes visuales en el Centro Cultural San Martín, donde tiene su última exposición. Su última muestra individual Génesis inauguró el 13 de julio d e 2023 en la galeria Futbolitis. En 2023, ha expuesto en línea con Der Greif, y también en una exposición colectiva de Perimetro Magazine en Base Milan, Galeria Imaginario y en las Terrazas de El cultural San Martin. Su Ultima muestra fue una colectiva con La Galeria Azur en Madrid. Actualmente Marzo 2024 inaguraró “Real” su exposición con instalación en Comité357.

Fabiana Barreda. Lic. en Psicología. Dirige la Galería de Arte Psicología UBA). Titular de Cátedra de “Psicología del Arte” (UNTREF) y Arte Contemporáneo del SEU(UNA – Visuales). Integra cátedra Proyectual Pintura Altabhe UNA – Visuales. Dicta conferencias en FADU, Facultad de Arquitectura Diseño y Urbanismo, en Diseño GráficoIndumentaria – Arquitectura – Imagen Sonido. Dicta clases de postgrado en el MAEDI, FADU - UBA Diseño y Nuevas Tecnologías. Becas y premios: Bienal

de Arte Joven-Beca Taller de Barracas- Fundación Antorchas.-ca Salzburg Seminar- Schloss Leopolskrom- Austria - Premio al Fotógrafo del Año –AACA -Premio Fotografía –Fundación Klem –Buenos Aires Salón Creatividad –Fondo Nacional de las Artes -Diploma al mérito en Artes Visuales InstalaciónFundación Konex. Mención del Salón Nacional de Fotografía-Premio Chandon Buenos Aires BA Photo. Tercer Premio Nuevos Soportes Salón Nacional –Palis de Glace. 2019. Beca subsidio a la Creación -2021 Fondo Metropolitano – 2022 Premio 8M CCK -2022 Beca Bunge Born Andreani para formación con Daniel Canogar. Bienales Internacionales: Bienal de la Habana-Cuba - Bienal de Arquitectura Rotterdam. Bienal Fin del Mundo Ushuaia –Argentina.

Sus obras forman parte de las colecciones del museo MALBA, Museo de Arte Moderno. Museo Castagnino de Rosario, Museo de Cleveland entre otras colecciones particulares privadas y públicas.

PRENSA CCRRROJAS

UBA prensa@rojas.uba.ar psimkin@rojas.uba.ar

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Los museos porteños se llenan de novedades en junio MUSEOS

Se presentan nuevas muestras sobre arte textil, artistas viajeros y arte de los pueblos americanos en el MAP, el Perlotti y el Fernández Blanco. Y siguen las exposiciones inauguradas en los últimos meses.

Los museos de la Ciudad presentan nuevas exposiciones en junio que reflejan la diversidad artística de Buenos Aires. Las propuestas incluyen desde las fotografías de un artista viajero del siglo XIX hasta miradas contemporáneas sobre el patrimonio y el legado americanos.

seo Fernández Blanco “Guido Boggiani y el Chaco. Una aventura del siglo XIX”. En paralelo, continuarán muchas exposiciones inauguradas en meses anteriores.

INAUGURACIONES

El jueves 13 de junio el Museo de Arte Popular José Hernández inaugurará la muestra “Patrimonio consentido” y la exposición de las obras del “XX Salón de Arte Textil en Pequeño y Mediano Formato”. El jueves 27 de junio comenzará “Señales de América. El legado de nuestros ancestros” en el Museo de Esculturas Luis Perlotti y el viernes 28 de junio se presentará en el Mu

Museo de Arte Popular José Hernández (Av. del Libertador 2373)

“Patrimonio consentido” Inaugura: jueves 13 de junio a las 18 h

A la luz de una mirada actual, se presentarán más de 40 piezas de la colección del Museo, para advertir diferentes discursos, problemáticas y debates contemporáneos. La colección, integrada por artesanías tradicionales y contemporáneas, se vincu-

la en esta muestra con construcciones simbólicas, sentidos y emociones. Evocaciones de la memoria, historias de vida, aromas, sonidos, texturas, colores, constituirán una experiencia sensorial para los visitantes. La propuesta es percibir estas piezas con todos los sentidos. Las obras patrimoniales mostrarán diversos niveles de lectura: el del contenido y el de la materialidad.

En la Sala Anexo.

“XX Salón de Arte Textil en Pequeño y Mediano Formato”

Inaugura: jueves 13 de junio a las 18 h

El Salón es una convocatoria anual de la que participan artistas nacionales y extranjeros, organizada por la Asociación de Amigos y el Museo. Instalado en el panorama cultural argentino, crece año a año con una alta participación de artistas y propuestas que renuevan y amplían el campo artístico y textil. El visitante encontrará en las obras seleccionadas y premiadas un universo diverso de técnicas

que combinan lo tradicional con lo experimental y materiales orgánicos, inorgánicos o sintéticos y que son, en su conjunto, un muestrario de texturas, volumen y color. El jurado estuvo conformado por Stella Carone, Berta Teglio y Ana Zlatkes.

Museo de Esculturas

Luis Perlotti (Pujol 644)

“Señales de América. El legado contemporáneo de nuestros ancestros” Inaugura: jueves 27 de junio a las 18 h La exposición surge de una extensa investigación del artista argentino Pablo Madrid, quien ha realizado un estudio sobre el arte latinoamericano, profundizando en Argentina, Chile, Bolivia y Perú. Y se materializa en un proceso creativo con obras que combinan materiales y técnicas tradicionales, recuperadas como novedosas, síntesis de la cosmovisión de los pueblos americanos. En este repertorio artístico contemporáneo prevalece el valor de la transmisión oral de saberes ancestrales, ritos y ceremonias presentes en el mundo andino. En esta línea reflexionan también, y con un lenguaje propio, las artistas invitadas Elsa Mareque y M. Viviana Paz, en pintura y técnica mixta. Sus obras se amalgaman en el itinerario visual y sensorial que propone Pablo Madrid. Además, la muestra homenajea a Alfredo Yacussi (1941-1996), gran referente plástico com-

prometido con el legado ancestral, cuya colección forma parte del patrimonio del Museo Perlotti.

Museo Fernández Blanco –Sede Palacio Noel (Suipacha 1422)

“Guido Boggiani y el Chaco.

dero encuentro de identidades y culturas. La exposición busca entonces hacer honor al legado de este trascendente patrimonio visual y documental que, en aquel cambio de siglo, da cuenta de una región aún inexplorada.

Una aventura del siglo XIX” Inaugura: viernes 28 de junio a las 12 h

Guido Boggiani fue un reconocido artista plástico, etnógrafo, comerciante y fotógrafo, destacado dentro del grupo de viajeros estadounidenses y europeos que recorrieron Sudamérica a finales del siglo XIX. Mientras muchos de ellos se interesaron por representar una mirada exótica del interior del continente, la obra fotográfica del artista italiano, centrada en el Gran Chaco y el Mato Grosso —principalmente en las tribus caduveo y chamacoco— , se diferencia de esa visión. La particularidad de Boggiani es que conjuga el interés científico-etnográfico con la sensibilidad, la intuición estética y el compromiso con aquellos “otros”, y resulta así un verda-

MUESTRAS QUE CONTINÚAN

Siguen abiertas al público durante junio.

“Adolf Methfessel. El pintor científico” e “Intervenciones Mínimas II” en el Museo de Arte Español Enrique Larreta (Av. Juramento 2291)

“Hermandad” en el Museo de Arte Popular José Hernández (Av. del Libertador 2373)

28º Salón Bienal de Arte Textil y “El hilo conductor” en el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori (Av. Infanta Isabel 555)

“Wilenski, fotógrafo de artistas” en el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken (Agustín R. Caffarena 51)

“Troilo, el otro Gardel del Abasto” en el Museo Casa Carlos Gardel (Jean Jaurés 735)

“Del carro al cuadro. La historia del fileteado porteño” en el Buenos Aires Museo (Defensa 223)

“De musa a creadora. El rol de la mujer en el arte”, hasta mediados de junio en el Museo Perlotti (Pujol 644)

“Señales de América. El legado de nuestros ancestros” en el Museo Perlotti

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Cartelera

TEATRO - MÚSICA - CINE

UNA DE LAS PRODUCCIONES TEATRALES MÁS IMPORTANTES DEL AÑO

El Gobierno de la Provincia de Buenos Aires, a través del Instituto Cultural presenta la temporada 2024 de la Comedia Provincial.

Con una versión innovadora, moderna y audaz del director Luis Longhi, Rey Lear, la monumental obra de William Shakespeare, abrirá la temporada teatral en el mes de mayo en la ciudad de La Plata.

Este clásico del teatro universal, se pondrá en escena por primera vez en la historia de la Comedia, y se convertirá en una de las cinco producciones más importantes y de mayor envergadura de sus 66 años de trayectoria.

Producción integral con 23 artistas en escena y 220 profesionales de todas las áreas al servicio de la producción durante más de 3 meses.

Diseño original de luces con 150 grabaciones lumínicas y sonido de última generación 5.1 en sala.

3 toneladas de peso para el armado de la estructura escenográfica, 55 cambios de vestuario.

Rey Lear de William Shakespeare

SINOPSIS

El anciano rey Lear ha tomado una decisión: entregar su reino a las hijas equivocadas; la hija menor, la repudiada Cordelia, quiere salvarlo, pero ella misma es víctima de la intriga. Poco tardará quien quiso separar el poder y repartirlo, en enloquecer y al mismo tiempo en ver con más claridad.

El destino de Lear se refleja y se generaliza en una trama paralela, la tragedia en torno al conde de Gloster traicionado por Edmond su hijo bastardo y salvado

por el primogénito Edgar.

Y en ese clima no puede haber más que un camino que lleve a los protagonistas al sufrimiento individual, el caos social y la descomposición del cuerpo del Estado.

La ingratitud filial, las conspiraciones, la falsedad y la traición, la locura, la ceguera metafórica y física, pero por sobre todo la actitud soberbia de un monarca egocéntrico, arbitrario y extremista, son el nudo de la tragedia más cruel, difícil de soportar y representar del autor.

En esta versión, el humor, relaja un poco las tensiones, pero no esconde que Rey Lear es un espejo que refleja a la humanidad en estado puro, al individuo desnudo en un mundo absurdo e irracional que reafirma con nitidez que en todos los tiempos u

“La silla más alta es también la más resbaladiza”.

Rey Lear

William Shakespeare

ELENCO:

Rey Lear: Gaby Almirón

Goneril: Sofía González Gil

Regan: Maia Francia

Cordelia: Agustina D´Angelo

Albany: Francisco Pesqueira

Cornwall: Emilio Rupérez

Kent: Iván Esquerré

Gloster: Marcelo Bucossi

Edmund: Nacho Pérez Cortés

Edgar: Francisco González Gil

Bufón: Federico Lehmann

Osvaldo/Sepulturero 1: Matías Milanese

Francia/Soldado 1/Secretario/ Mensajero 1: Carlos Vignola

Soldada/ Médica: Erica Basaldella

Borgoña/ Soldado 2/Mensajero 2/Sepulturero 2: Oscar Ferreyra

CANTANTES:

Daniela Rubiatti y Nico Cucaro

MÚSICOS:

Juan Cristóbal Sleigh (Batería y asistencia en la dirección musical)

Eugenio Masa (Bajo)

Agustín Araneda Rogers (Teclados y sintetizador)

Jeremías (Guitarra)

Composición y Dirección Musical: Juan Ignacio López

Diseño de Escenografía y Vestuario: Micaela Sleigh

Coreografía: Manuco Firmani

Diseño Lumínico: Esteban Ivanec

Asistente y Coordinación de Vestuario: Magalí Salvatore

Asistentes de Escenografía: Julia Seras y Maia Doudchitzky

Versión y Dirección General:

Luis Longhi

Sala Armando Discépolo Calle 12 e/ 62 y 63, La Plata.

Teléfono: (0221) 457 9925 de 9:00 a 18:00 hs.

Funciones: Viernes y sábados

21:00 hs / domingos 20:00 hs. Entrada libre y gratuita

Se retiran por orden de llegada en la Boletería del teatro (una hora antes del inicio de cada función).

Duración: 105 minutos

La Comedia de la Provincia de Buenos Aires se comunica a través de sus redes sociales: Instagram: @comediapba

Facebook: Comedia de la Provincia de Buenos Aires

X: @comedia_rrpp

WhatsApp: 221 5777705

Correo electrónico de Prensa y difusión: comediaprensa@gmail.com

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TEATRO ARGENTINO

El TACEC ofrece el espectáculo musical-teatral

“Pinceladas”

En el Centro de Experimentación y Creación habrá tres presentaciones de la cantante y actriz Miriam Martino con la dirección musical de Joaquín Galeliano. Estas funciones forman parte de la agenda promovida por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires. Entrada gratuita con reserva online.

La Temporada 2024 del Centro de Experimentación y Creación continuará el viernes 31 de mayo y el sábado 1 de junio, a las 20, y el domingo 2, a las 19, con el espectáculo musical-teatral “Pinceladas”, que se realizará en la Sala del TACEC, en el primer subsuelo del Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino, ubicado en la Avenida 51 entre 9 y 10. Esta propuesta integra las acciones programadas por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.

La dirección general y la interpretación le corresponden a Miriam Martino y la dirección musical, los arreglos y el acompañamiento al piano a Joaquín Galeliano. Participan además los músicos Lisandro Giménez (violoncello), Juan Cruz De Martino (bandoneón) y Pablo Tieri (guitarra, bajo y percusión).

Las entradas gratuitas para las tres funciones, con reserva online, se podrán obtener a partir del miércoles 29 de mayo, a las 12, a través del link publicado en la Web y en las redes sociales del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires y el Teatro Argentino.

“Pinceladas” supone una experiencia musical atípica en la que Miriam Martino interpreta distintas canciones atravesadas por diferentes relatos y climas musicales. Cada bloque sugiere diversas historias, contadas a veces en una sola canción, a modo de fragmentos o pinceladas de vidas, de instantes que habitan los variados mundos de seres profundamente vulnerables. Esos universos surgen de grandes poetas y compositores latinoamericanos tales como Teresa Parodi, Víctor Heredia, León Gieco, Fernando Cabrera, Jorge Fandermole, Armando Tejada Gómez, Héctor Negro, Homero Expósito, Chacho Etchenique y Carmen Guzmán. Los textos son de la propia Martino.

“En plena pandemia -cuenta la cantante y actriz- tuve la necesi-

dad de contar historias que surgieran de autores y compositores que, en su mayoría, me expresaron desde mis comienzos en la canción hasta hoy. Son los que me permitieron interpretar y, de alguna manera, hacer míos sus temas, porque así los siento al decirlos o cantarlos. De modo que hice un streaming, toda una hazaña…”. El mismo espectáculo fue presentado en 2023 en “Pista Urbana”, en CABA, con la participación como artistas invitados de Teresa Parodi, Fernando Cabrera, Víctor Heredia y León Gieco, y dio pie al disco “Pinceladas”, editado por el sello “Registros de Cultura”.

Miriam Martino aborda distintos géneros musicales que van desde la canción ciudadana hasta el folklore latinoamericano. En varios de sus espectáculos unió la actuación con el canto, con homenajes a grandes autores y autoras tales como Atahualpa Yupanqui, Chabuca Granda, Violeta Parra y Eladia Blázquez. Ganó el “Premio Hugo al Teatro Musical” por “María Elena, nuestra cigarra”; el “Premio Estrella de Mar“ y el “Premio José María Vilches” por “Pasión y coraje” y fue nominada en cuatro oportunidades a los Premios ACE.

Centro Provincial de las Artes

Teatro Argentino

Avenida 51 entre 9 y 10 – La Plata – Provincia de Bs As.

IG: teatroargentinopba

FB: TeatroArgentinoPBA

TW: TeatroArgentino

YT: Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino

SEGUNDA TEMPORADA EN LA PLATA

“Con

las manos atadas”

Una comedia dramática de Claudia Piñeiro dirigida por Sara Mon

“Con las manos atadas” a un año de su estreno supera los mil espectadores y continúa. Su segunda temporada en la plata con funciones los sábados de Junio a las 18h en Teatro Espacio44.

Seleccionada en la Región 8 por el jurado del CPTI (Consejo Provincial de Teatro Independiente de la provincia de Buenos Aires) recibió sendas menciones a la Labor Destacada en Actuación para Mariana Arrupe y Mario Mahler otorgadas por el Jurado de la Fiesta Regional de Teatro Independiente 2024 .

“Con las manos atadas” de Claudia Piñeiro SEGUNDA TEMPORADA

Los sábados de junio 18.00 h. En TEATRO ESPACIO 44. Av 44 nº496 e/4y5

Reservas por Alternativa Teatral

Humana, sorprendente, desopilante y profunda, esta comedia dramática despliega una mirada atenta y sutil sobre las relaciones humanas.

Una historia policial, un asalto en una escribanía, dos víctimas de un robo.

La escribana y su secretario quedan encerrados, atados espalda con espalda en el archivo de la escribanía donde ambos trabajan. En el lugar más inhóspito el caos original deviene en un planteo intimista de “dos personas solas, dos solitarios “ como los describe la autora.

La brecha social y jerárquica se desvanece, como en una especie de Saturnalia y el lugar dominante alterna de uno a otro al menos en ese momento único fuera de las reglas donde solo cuentan el uno con el otro.

Elena y Gutiérrez que han compartido el mismo espacio de trabajo por horas durante años desconocen todo el uno del otro y no saben aún que impedidos de liberar sus cuerpos nadie los rescatará hasta el día siguiente.

Tampoco imaginan que ninguno de los dos será el mismo al finalizar esa larga noche.

Actúan

MARIANA ARRUPE

MARIO MAHLER.

Música original y Efectos sonoros: OSVALDO AGUILAR Diseño de luces NAHUEL LÓPEZ

Dirección SARA MON

CONTACTO: Sara Mon saramon56@gmail.com

El Teatro Municipal Coliseo Podestá presenta la agenda de JUNIO

Sábado 1 de junio, a las 21 horas

Antígona en el baño

Verónica Llinás, Darío Lopilato y Héctor Díaz.

Comedia. Apta + 16 años. Duración: 75 minutos

Ignacia (Verónica Llinás), es una estrella de otro tiempo que está a punto de salir a escena después de un largo exilio en la televisión. A la edad y la decadencia del cuerpo se suman otros miedos inconfesables. Quiénes son sus aliados para superar semejante momento?

El hijo de su representante de siempre (Darío Lopilato), que hace lo que puede para estar a la altura y un insólito “coach ontológico” (Héctor Díaz).

Será suficiente ese equipo para hacer frente a la ira de los dioses, cuando las fuerzas inapelables del Destino se manifiesten?

El humor lo dirá. El espectáculo forma parte de ESCENARIAS, una curaduría de programación que visibiliza los espectáculos realizados por directoras, autoras, coreógrafas y

músicas mujeres y trans.

Sábado 8 de junio, a las 16 horas

Diego Topa, “Topa en vivo” Infantil. ATP

Diego Topa, uno de los artistas más carismáticos y queridos por todas las familias, presenta su show “Topa en vivo” el fin de semana de reapertura de puertas de nuestro mítico Teatro Municipal Coliseo Podestá.

“Topa en vivo” es un espectáculo que ha recorrido infinidad de ciudades de toda la Argentina y es el que también disfrutan en todos los países de América Latina que recorre el artista. Es un show musical lleno de alegría y color, en el que los más chiquitos y sus familias cantan y bailan sus grandes éxitos y sus más recientes lanzamientos.

“Es una alegría enorme para mi volver a estar cantando y bailando en el Teatro Municipal Coliseo Podestá de mi querida ciudad de La Plata. Es un escenario lleno de historia y estoy muy feliz y agradecido de poder estar ahí con mi espectáculo, para llevar mi show

y mi alegría a los más chiquitos y sus familias”, dice Diego Topa. Cabe destacar que Topa lanzó recientemente “Vamos a Jugar”, un disco de veinte canciones con participación de Luli Pampín, la exitosa artista infantil furor en todo el mundo entre las infancias. En 2024, viajará a Bologna (Italia) para grabar un nuevo disco de la mano de Alman Kids / Alman Music que se presentará a fin de año. Además, el reconocido artista infantil saldrá de gira con su maravilloso equipo y se va a presentar en Bolivia, Uruguay, Paraguay, Perú, Panamá y Ecuador.

Domingo 9 de junio, a las 16 horas

ROBLOXO Rainbow Friends Infantil. Apta + 2 años

Duración: 60 minutos

Llega al Teatro Municipal Coliseo Podestá “Roblox Rainbow Friends”. Un grupo de amigos recibe una invitación y decide aventurarse en este videojuego y sin querer entran y allí quedaran atrapados en un lugar aterrador: el Parque Iris. Juntos, los amigos

tendrán que superar misiones para salir del parque y sobre todo escapar de uno de los Rainbow

Friends: BLUE. Vení a ayudarnos en esta aventura y a hacer las misiones junto a nosotros. ¡Te esperamos!

Jueves 13 y viernes 14 de junio, a las 21 horas

La conversación infinita, con Alejandro Dolina y Darío Sztajnszrajber

Evento. Apta + 13 años

En “La conversación infinita” nadie tiene la última palabra ya que la última palabra en realidad es la pregunta por el “por qué”, esto es, la invitación a que la conversación nunca cese. Alejandro Dolina y Darío Sztajnszrajber se hacen preguntas, se cuentan relatos, se provocan mutuamente en la problematización de la existencia a través de reflexiones, humor y emoción. El título del encuentro está tomado de un libro de Maurice Blanchot donde uno de los temas que trabaja es la cuestión de la escritura. La conversación infinita es una propuesta escénica de escritura con el otro, o como dice Byung Chul Han en su último libro: “narrar es pensar”. Y pensar no es algo acartonado ni puramente analítico, sino una invitación a pasar aunque sea un rato de conmoción.

Viernes 21 de junio, a las 20.30

horas

Cecilia Milone MASTER TANGO

Música. Apta + 5 años

Duración del espectáculo: 120 minutos

Cecilia Milone protagoniza MASTER TANGO, un paseo contado a través de la música con una cuidadosa selección de tangos muy populares acompañados por textos llenos de humor y nostalgia. Las coreografías de Daniela Inglese pasan por todos los estilos, desde el tango salón al tango show. El elenco está conformado por Cecilia Milone, Daniela Inglese, Ricardo Albornoz, Ariel Pastocchi. Músicos: Rubén Calegari (Batería), Pablo Giménez (Bajo), Víctor Nocelli (Teclado), Juan Alberto Pugliano (Teclados y Dirección). Libro y Dirección General: Cecilia Milone. El espectáculo forma parte de ESCENARIAS, una curaduría de programación que visibiliza los espectáculos realizados por directoras, autoras, coreógrafas y músicas mujeres y trans.

Sábado 22 de junio, 20 horas

Art con Pablo Echarri, Fernán Miras y Martín Slipak

Dirección Ricardo Darín y Germán Palacios

Comedia. Apta + 13 años

Sergio, Marcos e Iván son amigos desde siempre. La compra de un

LAPLATA

cuadro blanco, hace tambalear los valores que creían compartir, ¿Cuánto conocemos, en realidad, a nuestros seres queridos? ¿Qué valores unen realmente a estos amigos? En esta obra maestra de Yasmina Reza te planteas que valores te unen a tus amigos y si las amistades trascienden las diferencias de criterios. En la historia de esta amistad ninguno volverá a ser el de antes, aunque entre amigos siempre queda lugar para el perdón y, tal vez, para un nuevo comienzo. El espectáculo forma parte de ESCENARIAS, una curaduría de programación que visibiliza los espectáculos realizados por directoras, autoras, coreógrafas y músicas mujeres y trans.

Domingo 23, a las 20 horas Hernán Piquín, El Último Tango Danza. Apta + 5 años

“El Último Tango” es un espectáculo que narra la apasionante historia de amor entre María de Buenos Aires, una joven bailarina de tango, enigmática y apasionada que se cruza en el camino de Eugenio, un bohemio y talentoso bailarín de tango. Ambientada en una casa de tango de la ciudad de Buenos Aires, esta trama nos sumerge en un torbellino de emociones, donde la pasión y el deseo se entrelazan con la música y el baile. A medida que María y Eugenio se entregan a su apasionado u

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romance, enfrentan desafíos y obstáculos que pondrán a prueba su amor.

Entre giros dramáticos y momentos de intensa intimidad, “El Último Tango” nos sumerge en un torbellino de emociones, explorando la complejidad del amor y la fuerza del destino. Entre bailes sensuales y melodías envolventes, María y Eugenio luchan por mantener viva su conexión en medio de un mundo lleno de secretos y peligros.

Una historia de amor eterno, marcada por el poder del tango y la pasión desenfrenada, que cautiva al público con cada giro y cada compás.

Dentro del repertorio estarán los los tangos más conocidos y sensuales, como Siempre Se Vuelve A Buenos Aires, El Día Que Me Quieras, Adiós Nonino, Balada Para Un Loco, Oblivion, Si Sos Brujo, Sin Lágrimas, Milonga De Buenos Aires, El Firulete, La Cumparsita, María De Buenos Aires, entre otros.

El eximio bailarín nos deleitará junto a su primera bailarina Soledad Mangia, seis bailarines destacados y el cantante Luciano Soria.

Jueves 27, a las 20.30 horas

Pilar Sordo Presenta su nueva conferencia “Del amor propio al amor al otro” Habilidades para transitar la vida Evento. ATP

Duración: 80 minutos

Pilar Sordo vuelve al Coliseo Po

destá y esta vez presentará “Del amor propio al amor al otro” Habilidades para transitar la vida. Las consecuencias espirituales de la pandemia, el contexto mundial, la desconexión con nosotros mismos(as) y la necesidad del amor propio como condición para amar al otro(a) son el punto de arranque de este libro conmovedor que nos interpela directamente a encontrar dentro del silencio de cada uno(a) el camino para transitar por la vida conociéndonos, aceptándonos y cuidándonos. Pero este sendero no es fácil, y es aquí donde Pilar Sordo nos guía, desde su propia experiencia y estudios de campo, a descubrirlo a través de determinadas habilidades para aprender a ser un(a) alumno(a) de la vida, cambiando el miedo por la curiosidad, dándoles valor a la pausa y a la disciplina como forma de alcanzar la libertad, siendo flexibles, agradecidos, pacientes y conscientes de que lo único que permanece es el cambio, y entendiendo que no controlamos nada salvo nuestra actitud frente a lo que nos sucede. En Del amor propio al amor al otro aprenderemos que es necesario cuestionar

nuestras creencias, que la felicidad requiere coraje y que la inteligencia espiritual es un elemento clave para vivir en paz, de forma consciente y amando al otro(a) sanamente, sin cobros ni dependencias.

Viernes 28, a las 21 horas

Escarabajos

Nelson rueda, Victoria Onetto, Eloy Rossen. Dirección Juan Manuel Correa. Música en vivo

Nacho Esbó.

Pieza teatral. Apta + 16 años

La nueva puesta de “Escarabajos”, pieza teatral fundamental de Pacho O’Donnell, interpela sobre el verdadero significado de estos enigmáticos insectos que dan nombre a la obra. ¿Nace la violencia social en la violencia familiar? ¿O es ésta un reflejo de aquella en el seno de las relaciones entre padres e hijos? “Escarabajos” trata sobre cómo entre las cuatro paredes de una familia burguesa de apariencia normal se juegan las mismas relaciones de poder, de sumisión, de extorsión, de manipulación psicológica, económica y sexual, trazando un paralelismo con el mundo exterior. Marta, Oscar y Rubén

luchan por sobrevivir, apelando a sus recursos más aptos para la descarnada supervivencia, conscientes de que alguien saldrá lastimado. Y así, sobrevivir, volver a ser una y otra vez. Eso se llama, hoy, estar vivos. Escarabajos” se estrenó en agosto de 1975 en el Teatro “Payró” de la ciudad de Buenos Aires. Fue la primera obra teatral de Pacho O´Donnell llevada a escena. Dirigida por Hugo Urquijo, también en el inicio de una trayectoria muy destacada. Eran tiempos tenebrosos en nuestra Argentina que aconsejaban no tocar el tema de la violencia. Quizás el coraje y la osadía fueron algunos de los ingredientes del éxito de “Escarabajos”. Entre otros logros y premios Kive Staiff en su crítica en el influyente diario “La Opinión” la consagró como la mejor obra del año y la actriz protagónica , obtuvo el Premio “Moliere”, por entonces el más importante del mundo de las artes escénicas. “Escarabajos” tuvo numerosas versiones en nuestro país y en el extranjero, constituyéndose en un clásico de la escena teatral argentina.

Sábado 29 de junio, a las 21 horas

Marcela Morelo Música. ATP

Duración del espectáculo: 105 minutos

La cantautora argentina Marcela Morelo comienza un nuevo año con una gira por todo el país.

Córdoba, Rosario y Buenos Aires serán los primeros destinos en los que la reconocida artista brindará sus shows. Durante 2023 vivió un gran año musical y lo cerró en el Teatro Ópera. Para revivir una noche inolvidable nos presentó imágenes y videos cantando todos sus éxitos. “Destinados Para Amar”, “Manantial”, “No Me Lastimes”, “Corazón Salvaje”, “Una y Otra Vez”, son algunas de las canciones ya se pueden disfrutar de su presentación en vivo. Sin dudas, todos han escuchado alguna vez estos clásicos de Morelo pero ver en video cómo dejó su corazón en el Teatro Ópera es indispensable para todos los amantes de la música y la cultura popular. La cantante argentina ha logrado, a través de sus letras y melodías, quedarse en el inconsciente colectivo y se ha convertido en una artista de la música popular.

Domingo 30 de junio, a las 20 horas

Te espero en la oscuridad Drama. Apta + 13 años. Duración 90 minutos

Actúan: Adrian Lázare, Jorge Almada, Fabio Aste, Camila Barberis, Fernando Cuellar, Silvia Kutika. Autoría: Frederick Knott. Dirección general: Nicolas Scarpino. Susan Hendrix es una mujer ciega que vive en su departamento de Nueva York. Un día su mari-

do llega a la casa con una muñeca. Este es el puntapié inicial para un espeluznante thriller policial y de suspenso donde tres delincuentes irrumpen en el departamento de Susan buscando esa misteriosa muñeca. Estos tratarán de recuperarla entrando a casa de Susan para lograr que ella les entregue la muñeca. Pero Susan empieza a sospechar del plan que están llevando a cabo los tres hombres y cuando cae la noche decide sorprenderlos dejando su hogar en una absoluta oscuridad. De acá en más la historia se transforma en un juego de vida y muerte donde se establece un juego del gato y el ratón entre los personajes. Como en el cine, pero en el teatro, este thriller de suspenso y policial mantiene al público inmóvil en la platea hasta un sorpresivo final.

La cartelera completa, con la sinopsis de las obras y precios de las entradas, se pueden consultar en https://coliseopodesta.laplata. gob.ar/

Asimismo, las localidades están a la venta en la boletería del Teatro Municipal Coliseo Podestá, de martes a domingos de 10 a 20 horas; sábados, domingos y feriados de 15 a 20 horas, también a través del sitio online Plateanet.com

SEGUNDA TEMPORADA DE PROYECTO CONEJOS

“Lo único que debe esperar un público de un mago es que haga lo inesperado” -

Harlan Tarbell

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Luego de una exitosa primera temporada, “Proyecto Conejos”, dirigida por Julieta De Simone y Andrés Molina, volvió al Teatro Ñaca (Julián Álvarez 924, Villa Crespo) los sábados a las 20h para dar comienzo a su segunda temporada.

“Proyecto Conejos” es una performance multidisciplinaria de artes escénicas que explora desde la actuación, elementos del biodrama, ilusionismo, danza teatro, música y del arte audiovisual. Un proyecto interpretado por Francisco Cerbino, Sol Ricci y Jonas Volman que propone indagar ¿por qué los magos no quieren que se sepan los secretos?, ¿hay forma de inhabilitar una ilusión develando su mecanismo secreto?, ¿qué es lo que se mueve detrás del secreto?

SINOPSIS

¿Por qué los magos no quieren que se sepan los secretos?

Mediante una mesa de operaciones desplegada en forma de laboratorio performático, tres intérpretes se dispondrán a develar los secretos de la magia mediante la disección de los elementos escénicos que la conforman como oficio.

Se asume que, al descubrirse los secretos que emplea el mago, su actividad queda inhabilitada. Como si su praxis solo pudiera prevalecer en base a la ignorancia de quien especta. Sin embargo, tanto para el público como para el mago profesional, los se-

cretos de la magia conforman la rama más intrigante del campo.

EQUIPO CREATIVO

Intérpretes: Francisco Cerbino, Sol Ricci, Jonas Volman

Vestuario: Sandra Ligabue

Realización de Máscaras: Ines Sceppa.

Músicos en Escena: Francisco Cerbino, Sol Ricci.

Asesoramiento Vocal: Verónica Grande.

Coreografía: Andrés Molina.

Prensa: Alexis Mazzitelli

Dirección: Julieta De Simone, Andrés Molina

Composición Musical: Gastón Poirier

SEGUNDA TEMPORADA FUNCIONES

Sábados 20h en el Teatro Ñaca

Julián Álvarez 924

Villa Crespo

“Proyecto Conejos” ha sido co-producida por Teatro Ñaca.

INSTAGRAM @proyectoconejos

Entradas por Alternativa Featral

Contacto: Alexis Mazzitelli alexismazzitelli@gmail.com

PARA ANORMALES

Una obra de Matías Del Federico y Daniel Veronese

Teatro Buenos Aires presenta “Para Anormales”, una comedia de Matías del Federico y Daniel Veronese con dirección de Federico Jiménez.

Luego del éxito de “Bajo Terapia”, Federico Jiménez apuesta nuevamente a una obra de Del Federico y Veronese para presentar en la cartelera porteña. “Para Anormales” se presentará los domingos de mayo y junio a las 20h en el Teatro Buenos Aires (Av. Corrientes 1699).

SINOPSIS

Esta comedia ágil, cruda, sin filtro y sin respiro, retrata a un grupo de padres y madres de colegio que se sienten superados, especiales, buena onda y unidos por una gran amistad, a los que les incomoda la presencia de un compañerito de sus hijos y están dispuestos a hacerlo echar de la Institución a la que asisten los niños. Para ello, se reúnen en la casa de la directora de la institución, un personaje no menos horrible que ellos, arman un plan con su complicidad y citan a la madre del niño en cuestión.

Desde allí, el encuentro transcurre en un ida y vuelta imparable y terriblemente delirante hasta que un giro inesperado y sorprendente provoca, hasta el desenlace, situaciones increíblemente graciosas, pero duramente reales y posibles.

Con maestría y humor grotesco

e irónico, los autores plantean esta comedia donde se habla de la discriminación, de la falta de empatía, de la hipocresía y de la dificultad para ponernos en el lugar del otro. ¿Terminan nuestros derechos cuando comienzan los de los demás? ¿Sabemos escuchar y actuar con contención cuando creemos estar entre la espada y la pared? ¿Defendemos con nuestras acciones lo que decimos con nuestras palabras?

“Para Anormales”, la comedia que te pone en el lugar del otro.

EQUIPO CREATIVO

Autores: Matías Del Federico y Daniel Veronese

Elenco: Liliana Pécora , Walter Muni , Maia Lancioni , Soledad Vázquez , Gerardo Scherman y Merced Urgel .

Fotografía: Vanina Frias

Diseño gráfico: Dannah Michinski

Redes sociales y prensa: Alexis Mazzitelli

Diseño de redes sociales: Julieta Garrós

Asistencia de dirección: Soledad Vázquez

Dirección: Federico Jiménez

FUNCIONES

DOMINGOS a las 20h

Teatro Buenos Aires

Av. Corrientes 1699

Entradas a través de Plateanet INSTAGRAM @paraanormalesobra

Contacto: Alexis Mazzitelli alexismazzitelli@gmail.com

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LLEGA UNA OBRA PARA ESPIAR Y SENTIR.

Imposible escribir una línea completa Tragicomedia en tres actos.

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En su habitación despojada, una noche de insomnio como tantas otras; Equis se cuestiona su mera existencia entre la imposibilidad, la insatisfacción y la absurda sobrevivencia. Un unipersonal de creación colectiva, donde se muestra la intimidad de una persona que padece insomnio a causa de una mente rumiante debido a algunos padecimientos de salud mental. El personaje construye dinámicas que se mueven dentro del espacio, conexión con objetos que cobran vida y funciones al contacto con el personaje y la tensión dramática que este genera con ellos. El texto se plantea como un diálogo interno exaltado sobre una persona cuya identidad de género fluye con naturalidad sin ser este elemento primordial sino una parte más de la construcción del personaje. Consta de tres actos con tres escenas cada uno, cuya dinámica va del drama a la comedia con una organización que depende de los lugares a los que va la mente del personaje entre el llanto, la bronca y la risa. Un relato sin determinación de época, con más suposiciones que certezas respecto del mundo que está allí afuera, enlazado a un gran compro -

miso con lo que sentimos en la intimidad, entre cuatro paredes, cuando nadie nos mira.

Imposible escribir una línea completa

Autores

Irene Braggio

Anna Dekuchavsky

Mathias Carnaghi

Actor

Mathias Carnaghi Coreografía

Marina Svartzman

Creación y producción general

Irene Braggio

Mathias Carnaghi

Dirección

Irene Braggio

FUNCIONES:

Viernes 20 h.

Machado Teatro

Machado 617 - Caballito

Entradas por Alternativa Teatral. www.alternativateatral.com

Irene Braggio es licenciada en Comunicación Audiovisual UNLP, cineasta, docente de Artes y Ciudadanía, escritora y actriz. Sus trabajos de investigación se destacan por su calidad, como cualidad disruptiva y no convencional, para analizar y contar his -

torias. En su camino por la dirección teatral, aplica estos elementos catalizadores, logrando una visión profunda y descarnada del personaje, en su entorno.

Mathias Carnaghi es actor y productor teatral y audiovisual. Con un trayecto teatral en la Ciudad de Buenos Aires, entre sus trabajos se destacan “Las Mil y Una Noches”, junto al Grupo Libertablas, obra ganadora del premio ACE 2018 Mejor Espectáculo Infantil; “Tiernas Criaturas” de Gonzalo Senestrari, dirigida por Sebastián Sánchez Amunátegui; “No es amor, es deseo” de Sandra Franzen y Patricia Suárez, dirigida por Laura Laspiur; entre otras. Desde el año 2003 es miembro de la Comisión de Dirección de teatroxlaidentidad. Como productor audiovisual, es parte de diversas piezas con la productora Cactus Cine.

CONTACTO

Irene Braggio

Mathias Carnaghi imposibleescribir@gmail.com Instagram: @imposibleescribir

Adhesión: Duche&Zárate walter@duchezarate.com.ar

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ESTRENO: DOMINGO 2 DE JUNIO, 20 H.

El tiempo desaparece igual que yo

Directoras: Mijal Katzowicz & Sofía Rypka

Obra ganadora de:

Programa Danza en Tecnópolis 2023

Mecenazgo Cultural 2023

Estreno: domingo 2 de junio, 20h.Funciones: domingos 02-0916-23 de junio - 20 h.

Teatro: Planta Inclán

Inclán 2661

Entradas por Alternativa Teatral

Duración: 40 min.

Redes: @eltiempodesaparece

SINOPSIS:

El tiempo desaparece igual que

yo es una obra interdisciplinaria que indaga sobre las narrativas posibles a partir del cruce entre la danza y la tecnología.

Dos intérpretes y un músico, mediante el uso de una Cámara Kinect, exploran las relaciones entre la poética de los cuerpos y los dispositivos tecnológicos para crear una nueva ficción.

Allí asoman imágenes de una película de terror clase B, conversaciones sin voces y risas satánicas, cuerpos monstruosos fundidos entre el plano real y virtual.

Una experiencia de suspensión

temporal, arrebato espacial y estallido corporal.

Dicen las directoras, Mijal Katzowicz y Sofía Rypka:

El cuerpo y la máquina se han presentado siempre en un aparente conflicto. Proponemos una relectura de esa tensión, una mirada particular que genere nuevas ficciones y mundos posibles. ¿Qué ocurriría si el cuerpo pudiese producir o manipular aquello que se escucha? ¿Cómo desjerarquizar las relaciones habituales entre movi-

miento y sonido?

Nos interesa repensar el paradigma tecnológico a través de nuevas percepciones de la sensibilidad humana invitando al público a suspenderse en el tiempo, mientras este desaparece.

FICHA TÉCNICA-ARTÍSTICA

Diseño audiovisual, sonoro y programación interactiva: Camilo Ortiz

Diseño de vestuario: Carolina

Caamaño

Coproducción Prog rama Danza en Tecnópolis

Asistencia de dirección: Nayla Jacqueline Kim

Dirección e interpretación: Mijal Katzowicz, Sofía Rypka

BIOGRAFÍAS DE LAS DIRECTORAS

Mijal Katzowicz

Abasto in Situ 2023).

Sofía Rypka

Es Licenciada en Composición Coreográfica por la Universidad Nacional de las Artes (UNA) y se encuentra finalizando la Licenciatura en Letras (UBA). Sus trabajos cruzan la práctica escénica con los estudios críticos de danza. Integra el Grupo de Estudios de Danzas Argentinas y Latinoamericanas GEDAL de la Facultad de Filosofía y Letras (UBA).

Diseño de iluminación: Lía Bianchi Kujawa

Operación técnica: Nicolás

Platner

Edición de video: Lucas D’ Alo

Colaboración artística: Carla

Pezé Di Carlo Producción: Pronostiko fixxion.

Se desarrolla interdisciplinariamente en el campo de las artes escénicas y audiovisuales como directora, coreógrafa, bailarina y actriz.

Cursó la carrera de Artes Combinadas en la UBA.

Trabajó con directores y directoras como Andrea Garrote, Silvio Lang, Patricio Ruiz, entre otros. Protagonista en Las hijas del fuego, película dirigida por Albertina Carri, ganadora del BAFICI 2018 y otros festivales internacionales. Recientemente acaba de filmar Caigan las rosas blancas, dirigida por Albertina Carri. Como directora y productora resultó ganadora de Plataforma Futuro, beca de creación FNA, Prodanza y FIBA 2019, con la obra interdisciplinaria site-specific Último round, fragmentos de una herida de amor, estrenada en la Federación Argentina de Boxeo.

Su último trabajo como intérprete fue su participación en la obra Cibor6 de Florencia Gleizer en el CETC del Teatro Colón, 2023 y como coreógrafa Paquito la cabeza contra el suelo, con dirección de Juanse Rausch, 2024. Como directora sus trabajos más recientes son El tiempo desaparece igual que yo (Festival Danza en Tecnópolis 2023, Mecenazgo 2023) y el site specific Boom-Ceviche Bailable (Festival

Ha ganado el Premio Estímulo a la Creación Artística (UNA) 2019, fue autora de la obra Siempre que fue verano para FIBA 2020 y directora e intérprete de Nunca quise renunciar a mi carne para FIBA 2021. Además resultó ganadora de subsidios como Prodanza y Mecenazgo para numerosas creaciones. Se desarrolla interdisciplinariamente en el campo de las artes escénicas como directora, intérprete e investigadora y en el campo literario como docente. Entre los años 2017 y 2018 integró la Compañía de Danza de la UNA dirigida por Roxana Grinstein. Sus últimos trabajos como directora son Canción de Carnaval (Teatro El extranjero 2023, co-dirección con Mariano Stolkiner), El tiempo desaparece igual que yo (Festival Danza en Tecnópolis 2023) y el site specific Boom-Ceviche Bailable (Festival Abasto in Situ 2023).

Fotos Martina Perosa

Contacto Prensa Denise Salvador dsprensa@gmail.com @salvador_denise

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ESTRENO!!!

“

Aquella Máquina de Coser... ”

Escrita y Actuada por Mirta Mato - Dirección General Ana María Bovo

Centro Cultural de la Cooperación

Seleccionada cómo “Obra inédita en el 17mo. Ciclo Teatro por la Justicia 2023”

Su autora, Mirta Mato, es también la protagonista de esta historia.

A partir de ese texto, y en su rol de dramaturga y directora, Ana María Bovo ha construido -con esos mismos materiales autobiográficos- una pieza de Teatro del Relato: un género en el que combina sistemas narrativos del

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cine, del teatro, y de las narraciones cotidianas. Un único personaje en escena puede generar desde su relato, la presencia y la vivencia de múltiples lugares, personajes, situaciones.

Desde una gran austeridad escénica, se proyectan múltiples sentidos y emociones.

“Aquella máquina de coser… por el mundo adelante”, cuenta retazos de la vida de dos inmigrantes gallegos que, por dis-

tintas razones, dejaron su aldea para venirse a Buenos Aires. Se le suma una máquina de coser, que también fue desterrada en circunstancias trágicas. Aquí formaron una familia y siguieron adelante. La obra narra el recorrido de estos personajes en una tierra nueva, mediante un ir y venir de recuerdos entre Galicia y Buenos Aires. Una historia familiar atravesada a su vez por otra mayor, la que nos abarca a todos y a todas. También a la máquina de coser.

Ficha Artístico – Técnica

Autora y Actriz:

Mirta Mato

Diseño sonoro:

Jorge Corti

Diseño espacio escénico:

Carolina Rivero

Diseño de iluminación:

Horacio Novelle

Fotografías y Prensa:

Silvina Macri

Asistencia y Producción Ejecutiva:

Emilio Zineron

Producción General:

Mirta Mato

Montaje Dramatúrgico y Dirección General:

Ana María Bovo

Funciones:

Viernes 20 h.

Centro Cultural de la Cooperación

Av. Corrientes 1543 – CABA

Entradas: $ 7.000. – Por Alternativa Duración: 50 min.

MIRTA MATO, es Actriz y Narradora.

Nació en Buenos Aires, estudió en la Escuela Nacional de Arte Dramático (hoy UNA), continuando luego su formación con maestros como Inda Ledesma, Juan Carlos Gené y Verónica Oddó. Ha participado de diversos talleres y Seminarios, entre otros con la Dra. Giuzi Danzi (“Las situaciones imaginarias”), con Ana Strasberg (“El auténtico Strasberg”) y con Raúl Expósito (“Teatro en idioma gallego”). Se ha formado como Narradora Oral en los Talleres dictados por Ana María Bovo, junto a Paula Broner y Bernardo Sabbioni. En

el ámbito de la danza clásica y española se formó con Mirta Rodríguez (discípula de Ángel Pericet) y en Flamenco con Marcela Suez. Desde el año 2018 Integra el grupo “Voces lorquianas”, dirigido por Clelia Volonteri.

Debutó profesionalmente como actriz en el año 1984, formando parte del elenco de “Teresa Batista cansada de guerra”, dirección Rubens Correa (Teatro Lola Membrives). Entre otros trabajos, actúo en “La casa de Bernarda Alba”, dirigida por Guillermo Ben Hasan (teatro Margarita Xirgu); “Romeo y Julieta expulsados del paraíso”, de Claudio Nadie (C.C. R. Rojas - teatro Pte. Alvear), “A tía lambida” dirigida por Raúl Expósito (teatro Castelao), “Estarás conmigo en el paraíso” Dir. Marcos Rosenzvaig, “Ay, Federico García”, dirección Osmar Nuñez y “Rulos de yeso”, con dirección de Ana María Bovo.

Más recientemente, en “Ya no hay tranvías en el desierto de Texas” y “De Ascensores” con dirección de Pato Azor; “Universo Cabal” y “Las Rositas RadioRelato”, con dirección de Paula Broner - Bernardo Sabbioni y puesta en escena de Ana María Bovo. Participó como actriz invitada en el espectáculo “Parte de este mundo”, dirigido por Adrián Canale.

Desde el año 2018, participa del “Ciclo Lorquiano”, que se lleva a cabo cada año en el teatro Tole Tole. Con el grupo “Voces lorquianas” ha realizado diversos espectáculos, entre ellos “La voz de la mujer de pueblo en el Teatro de García Lorca” como parte del ciclo “Lorca porque sí”, auspiciado por el GCBA.

Es autora y protagonista de la obra “Aquella máquina de coser…por el mundo adelante”, ganadora del 17mo. Ciclo de “Teatro por la Justicia” 2023 (Tadron Teatro), y se estrenará el próximo 3 de mayo en el Centro Cultural de la Cooperación.

ANA MARÍA BOVO, es Actriz, Narradora Oral, Escritora y Directora Teatral.

Premios recibidos:

- Premio Konex por su trayectoria en Unipersonal en la década de 1991- 2001

- Premio Konex de Platino en la década 2001-2011

- Premio ACE por su actuación en “Maní con chocolate”

- Premio Pregonero por su trayectoria como Narradora oral.

- Distinción teatro del Mundo por la dramaturgia de “Hasta que me llames”.

Ha publicado dos novelas: “Rosas colombianas” y “La mujer del tiempo” (EMECE)

Entre sus espectáculos unipersonales, pueden mencionarse, entre otros, “Maní con chocolate”, “Hasta que me llames”, “Así da gusto”, “Sucesos literarios argentinos” y “Humor Bovo”.

En su rol de directora, además de sus propios espectáculos, ha dirigido, entre otras, “Emma Bobary” (Centro Cultural de la Cooperación), “Rulos de yeso” (Sala Becket) y “Divina Daniela” (Teatro Nacional Cervantes). Y por estrenar “Aquella máquina de coser…por el mundo adelante”, en el Centro Cultural de la Cooperación el próximo 3 de mayo.

PRENSA: Silvina Macri silvinamacri@gmail.com

Desde el viernes 7 de junio a las 21.30h en Teatro Dumont

“El David marrón” de y con David Gudiño

El viernes 7 de junio a las 21.30h, re-estrena El David marrón interpretada por David Gudiño, quien obtuvo por este trabajo el Premio Trinidad Guevara 2023 como Revelación Masculina. La obra está dirigida por Laura Fernández (Petróleo, Pacífico), quien fue nominada al mismo premio como Mejor Dirección.

David, el marrón, se enamora de Juan en el baño de un museo de la Ciudad de Buenos Aires. Entre esculturas europeas, obras de arte argentino y mingitorios, se miran, se besan, se prometen matrimonio. David, el de Miguel

Ángel, tan gélido él, es primero testigo involuntario de ese amor, para luego ser, por qué no, su verdugo.

La obra cuenta las vicisitudes y el trágico desenlace de un extraño triángulo amoroso interracial –el de Juan, el rubio; David, el marrón y David, el de mármol–, mientras cuestiona las nociones de belleza, bondad y pureza históricamente otorgadas a la blanquitud.

El David marrón fue producida con el apoyo del Centro Cultural 25 de Mayo, el INT e Identidad

Marrón. En esta 2º temporada, la obra se presentará en 4 ÚNICAS FUNCIONES, los viernes 7, 14, 21 y 28 de Junio a las 21.30hs en Dumont 4040 (Dumont 4040CABA). Entrada general a $9000, por Alternativa.

Re-estreno Viernes 7 de junio a las 21.30 h.

ÚNICAS 4 FUNCIONES: Viernes 7, 14, 21 y 28 de Junio a las 21.30hs

Teatro Dumont 4040

Dumont 4040 - CABA

Entrada general: $9000 por Alternativa Teatral Incluye desnudo completo.

SOBRE LA OBRA

El David marrón intenta que, en un mismo tiempo y espacio, emerja alguna síntesis posible de la confrontación entre una historia de amor singular y distintas reflexiones sobre obras canónicas del “arte nacional”. Todo, mientras lleva a cabo un objetivo: profanar la escultura del David, de Miguel Ángel.

Con poca sofisticación, humor y bastante vulgaridad, la obra busca dar cuenta de su intención más genuina: engrosar las expresiones de un arte antirracista.

La obra participó de la IX Semana del Humor Latinoamericano, evento organizado por Casa Amèrica Catalunya (15 y el 18 de noviembre 2023) y del Ciclo Am-

pliar Escena en Santa Rosa, La Pampa, en la sala ATTTP (enero 2024).

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Dirección: Laura Fernández Dramaturgia y actuación: David Gudiño Asistencia de dirección: Gabino Torlaschi Escenografía: Norberto Laino Realización escenográfica: Walter Lamas,

Maite Corona Vestuario: Rodrigo González Garillo Iluminación: Matías Sendón Fotografía: Alejandra López Diseño gráfico: Martín Gorricho Estilismo: Lima de Souza Prensa: Prensópolis

David Gudiño es Licenciado en actuación (UNA), Diplomado en dramaturgia (CCUPU-SEUBE), Posgrado Especialista en Arte Terapia (UNA) y Profesor de Biología (ISPRG-UTN). En el 2018 escribió su primera obra antirracista “Olvidados en la orilla” en la Residencia de Creación de la Universidad Nacional de las Artes. Sus obras “25 Inviernos” y “Las del Sur” participaron de la Fiesta Nacional del Teatro 2019 y 2021.

Su obra “Blizzard” fue seleccionada en el concurso Nuestro Teatro, del Teatro Nacional Cervantes para ser representada y filmada en la sala María Guerrero. Su monólogo “Marrón” obtuvo el Premio del Público en el Festival Vos&Voz. Desde el 2020, integra el colectivo antirracista Identidad Marrón. Su cortometraje #ArgentinaNoEsBlanca participó del concurso #TikTokShortFilm Cannes 2022 llegando a más de 20 millones de visualizaciones en redes sociales.

En 2024, fue galardonado con el Premio Trinidad Guevara 2023

como Revelación Masculina por su labor en “El David marrón”.

SOBRE LA DIRECTORA

Laura Fernández es licenciada en Dirección Escénica de la Universidad Nacional de las Artes donde es docente titular de Dirección Teatral. Dicta talleres de dramaturgia. Participó del Seminario jóvenes dramaturgxs, Hangzhou, China, y de la Residencia de dramaturgxs emergentes Royal Court Theatre, Londres. Dirigió “Blizzard”, de David Gudiño (Nuestro Teatro, TNC). Escribió y dirigió “Pacífico”, “Bañarse”, “Los quietos”, “En la mejilla que él llama mía”, entre otras obras. Escribió “Gegengipfel” (Staatstheater Mainz, Alemania), “Colectivo” y “El niño con los pies pintados”. Dirigió y escribió junto al grupo Piel de Lava las obras “Tren”, “Museo” y “Petróleo”. Sus obras “Dimanche”, “Colectivo” y “Cien pedacitos de mi arenero” forman parte de distintas ediciones. Fue distinguida con distintos premios y nominaciones, como el ACE, María Guerrero, INT. En 2023, recibió la Nominación Premio Trinidad Guevara Mejor Dirección por su labor en “El David Marrión”.

PRENSA: Alejandra Pía Nicolosi prensopolis@gmail.com info@prensopolis.com.ar

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La

compañía de ocurrencias humorísticas, sonoras y circenses regresa a la sala con su espectáculo La Pipetuá REVISIONES

Puesta con dirección de Emmanuel Calderón

Una selección de las mejores escenas reversionadas de todos sus shows con una estética muy atractiva. Un viaje por la historia del grupo multifacético, en una propuesta divertida y novedosa para toda la familia!

Prepárate para quedar envuelto en un torbellino de energía y diversión, donde los clásicos números de La Pipetuá reversio-

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nados, además de muchas novedades, se despliegan en una gran puesta en escena. Este mega show dinámico fusiona teatro, música en vivo, artes circenses y tecnología para ofrecer una experiencia única.

Disfruta el talento de estos artistas multifacéticos, quienes exploran arriba del escenario

el humor excéntrico musical, la comedia física, el teatro de imagen, los gags y las artes visuales

No te pierdas “Revisiones”, un espectáculo para toda la familia pensado para provocar risas, asombro y la participación activa del público.

Nos sometemos a la mirada, a

la Propia y la ajena, nos introducimos en la lupa para examinar cada rincón de nuestro pasado en pos de construir un futuro que asoma a cada instante. Revisamos, indagamos y nos revisionamos, para contar Historias antiguas que nos transportan en el tiempo con la esperanza de revivir aquellos instantes efímeros que se desvanecen en la neblina del olvido. La combinación de elementos visuales, musicales y performáticos crea una experiencia única que invita al juego y nos sumerge en el mágico mundo interno de la Pipetuá. “Revisiones” es un viaje encantado a través de su historia y nos muestra cómo logran trascender las barreras del lenguaje y conectar profundamente con el público, dejando una huella eterna en quienes tienen el privilegio de presenciarla. Gracias por confiar e invitarme a ser parte de su mundo… Emma

La Pipetuá es una compañía de ocurrencias humorísticas, sonoras y circenses. Investiga y fusiona las más variadas experiencias artísticas. Como la comedia física, el malabarismo, las artes plásticas, la música y la danza. Los cuadros de La Pipetuá son inspirados en diversas referencias como los cómicos del cine mudo, los dibujos animados clásicos, grandes compositores, las vanguardias de los años´ 30 y la combinación de lo artesanal con las nuevas tecnologías. Motivados por el espíritu lúdico, poético e inventor, los integrantes de LA PIPETUÁ crean sus propios personajes, historias, objetos, instrumentos y escenografías para la realización de sus espectáculos teatrales.

En sus 23 años de trayectoria

La Pipetuá ha realizado más de 5.000 funciones, recorriendo toda la Argentina, Singapur, Malasia, Hong Kong, México, Brasil, Venezuela y El Salvador. Sus espectáculos: “Opereta Prima”, “Sin Escalas”, “¡A la obra!”, “13 años, La edad del pavo”, “Lunática” y “Ensueños” han sido vistos por más de 1 millón de personas, han recibido las mejores críticas de la prensa especializada y numerosos premios entre los que se destacan: Premios ACE, ATINA, TEATRO DEL MUNDO Y GETEA. Invitados por el gobierno de China y auspiciados por Cultura de la Nación Argentina, La Pipetuá realizó diez presentaciones en Shanghái y Beijing. También cabe destacar las variadas participaciones en televisión y la creación de los libros “Actividades de Circo con La Pipetuá” y “El circo en casa con La Pipetuá”.

FICHA TÉCNICA

Autoría: LA PIPETUÁ

Música original: FERNANDO SELLÉS

Arte: JUANA AGUIRRE - JAVIER MITELMAN

Voces en off: PEDRO SABORIDO

Dirección Actoral: ANDRÉS CAMINOS y GADIEL SZTRYK

Dirección general: EMMANUEL CALDERON

LA PIPETUÁ SON:

SEBASTIAN AMOR

FERNANDO SELLÉS

MAXIMILIANO MIRANDA

Asistente de dirección: MARTINA ZUMÁRRAGA

Asistentes en escena: JUAN

PEDRO HANSEN y LUCRECIA

BENAVENTE

Asistente de Producción: LUZ RODRÍGUEZ URQUIZA

Diseño luces: LEO MUÑOZ

Vestuario: KEI PAMPILLON

Escenografía: GABRIEL DÍAZ

Audiovisuales: MAXI AMOR

Diseño gráfico: PAULA PAMPIN

Prensa: SWM

Producción ejecutiva: SUKY MARTINEZ

Producción general: LA PIPETUÁ

La Pipetua REVISIONES

Sala Pablo Neruda del Paseo la Plaza

22 de junio y 6 de julio a las 16:30 hs

23 y 30 de junio a las 15:30 hs

Desde el 15 de julio todos los días a las 15 hs.

Las entradas en venta en boletería del teatro o por plateanet. com

SMW -ASESORES DE PRENSA

FB: smwpress

TW / IG: @smwpress

AHORADESPUÉS

Obra teatral escrita por Guido Zappacosta.

Ganadora del concurso CONTAR. Feria teatral de Buenos Aires

TEATRO PICADERO 8 ÚNICAS FUNCIONES

El próximo 4 de junio de 2024 y por solo 8 únicas funciones, se estrenará en el Teatro Picadero de la Ciudad de Buenos Aires la obra teatral escrita por Guido Zappacosta AHORADESPUES, protagonizado por Federico Ottone bajo la dirección de Héctor Díaz.

Cuatro importantes productoras

teatrales se unen para llevar a escena la obra AHORADESPUÉS,

Ganadora del concurso CONTAR

Feria teatral de Buenos Aires, organizada por AADET (Asociación de Productores Teatrales), AAA (Asociación Argentina de Actores) y ARGENTORES, con el objetivo de estimular la presencia de obras de autores argentinos en el circuito comercial de la ciudad de Buenos Aires

Palabras del Director

Ahora/después es la reconstrucción del vínculo de un hijo con su padre. Diego hace un trabajo minucioso para intentar recordar cada instante de lo que fue un lapso crucial para él. Necesita

explicárselo, repasarlo y aprenderlo, para poder contarlo. Como todo recuerdo es arbitrario, él tiene sus propias herramientas de trabajo: una cancha de fútbol, una enredadera que trepa por las paredes, un pequeño nido de pájaros, un gran bollo de pizza que leva al paso del tiempo, ducharse para regarse a uno mismo, una madre, un hermano y una cocina, donde reina el padre.

El viaje que nos propone tiene paisajes variados, todos los climas, y accidentes geográficos que irá sorteando. Solo él sabrá si este desafío le valió la pena. Lo único que pide a cambio, es que lo acompañemos.

Héctor Díaz

Sobre Contar

Contar es un concurso de obras teatrales desarrollado por AADET – Teatro y Música con el objetivo de estimular al autor/a teatral argentino/a y la intención de poder incorporar sus textos a la cartelera de los teatros del circuito comercial.

Cada año, las obras seleccionadas entre las presentadas al concurso, reciben un premio económico, tienen la posibilidad de ser realizadas en formato semimontado por reconocidos directores/ as y elencos y vistas por los/as productores/as nucleados/as en AADET que a partir de allí pueden decidir producirlas.

En las ediciones anteriores se han realizado 31 semimontados y de allí surgieron obras estrenadas en el circuito comercial, tales como “Bajo terapia”, “Todas las rayuelas”, “Los tutores”, “Banco de Suplentes”, “Si sucede conviene”, “Dígalo con mímica”, ade-

más de generar el acercamiento de autores a la escena comercial con otras propuestas, como fue el caso de “Me gusta”.

FEDERICO OTTONE (Actor y Docente)

Licenciado en Actuación, egresado de la U.N.A. (Universidad Nacional de las Artes). Inició su formación con Hugo Midón en comedia musical, y continuó sus estudios con maestros como Daniel Casablanca, Guillermo Cacace, Marcelo Savignone y Julio Chávez entre otros.

Comenzó su trabajo en teatro en el año 2004, en el año 2005 forma el grupo Sutottoscon el que realiza 2 espectáculos: Sutottos(Roberto Saiz) y Rococó Amplagued (Daniel Casablanca). Luego de su salida del grupo, participa de espectáculos, tanto comerciales como independientes, entre los que se destacan Qué Hacemos con Walter (Juan José Campanella), Como una Perra en un descampado (Corina Fiorillo), Desperfectos (Julián Marcove), Que Sea Verano (M.E. Ladogana), Canillita (Hugo Urquijo), Papanatas (Emiliano Dionisi), Detrás (Marcelo Savignone), entre otras. En Televisión participó de ATAV 2 (Pol-Ka),Solamente Vos(Pol-Ka), ,Cuéntame cómo pasó(Tv Pública) Chueco en línea (Pol-ka), Separadas (Pol-ka), Los Sónicos (GP), Los Únicos (Pol-ka), Jake & Blake (Disney), Soy Luna (Disney), Quiero vivir a tu lado (PolKa), entre otros Trabaja en Publicidad ininterrumpidamente desde el año 2006 protagonizando comerciales tanto en Argentina, como en Uruguay, Perú, Chile, Ecuador, y otros países.

HÉCTOR DÍAZ (Actor, Director y Autor)

Actualmente actúa en Antígona en el baño. Actuó enLaponia, Los amigos de ellos dos, La Verdad, Madre Coraje, Valeria Radioactiva, Bajo Terapia, Personitas, ¿Estás ahí?, Estado de ira, 4D Óptico, Caperucita (una historia feroz), La Estupidez, La Modestia, La escala humana, Pater Dixit, entre sus obras más destacadas. Fue dirigido por J. Daulte, R. Spregelburd, D. Veronese, C. Zorzoli, P. Audivert y J. M. Muscari, entre otros. Recibióel premio Trinidad Guevara y nominaciones a los ACE, Clarín,Estrella de Mar, Teatro del Mundo, Getea y Arte Vivo. Como director, Para mí, para vos (C. Durang);Amor de película(autor), Salvajes y La madre que los parió(J. Paya), El Reportero (Volpato), Neblina (Piel de Lava) y Proyecto Vestuarios (junto a Daulte). En televisión,Santa Evita (Star +),Aquí no hay quien viva (Telefé), Niní (Telefé) y Para vestir santos (Pol-ka), y unitarios, como El lobista (Polka), Estocolmo, Relatos Walsh, Milagros en campaña, La verdad, Malicia, El pacto, El donante y tiras diarias, como Casados con hijos y Lalola. En cine, Argentina 1985 (S. Mitre), La Estrella Roja (G. Lichtmann), La Cordillera y El Estudiante (S. Mitre), La Flor (M. Llinás), Como caída del cielo (N. Sotelo), La Despedida (J. D’emilio), Dormir al sol (A. Chomsky), Mujer Conejo (V. Chen), Glue (A. Dos Santos), UPA (Giralt,Tocker, Garateguy) yDías de muchos vísperas de nada (D. Goggi.

ESTRENO

MARTES 4 DE JUNIO DE 2024

Teatro Picadero

Enrique Santos Discépolo 1857

- CABA

Funciones: MARTES 20 hs Venta en boletería del teatro 5236-3000 y por www.plateanet.com -

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia:

Guido Zappacosta

Dirección:

Héctor Díaz

Elenco: Federico Ottone

Asistente de Dirección: Julián Marcove

Espacio escénico e Iluminación: Gonzalo Córdoba

Diseño Sonoro: Mauro García.

Diseño de Vestuario:

Daniela Dearti

Prensa: SMW

Productores Ejecutivos: Bárbara Rapoport y Luciano Greco

Dirección de Producción: Sebastián Blutrach

Productores Generales: Sebastián Blutrach, Tomás Rottemberg,

Preludio Producciones, Eloísa Cantón y Bruno Pedemonti

PREMIOS DE LA OBRA

-Obra ganadora del “Premio Internacional Teatro Joven” organizado por la Editorial Dalya (España, 2020).

-Seleccionada en el “Cimientos 2022 Play DevelopmentProgram” organizado por el IATI Theater (New York, 2021).

Raúl Casalotti SMWPress raulcasalotti@smwpress.com

FB: smwpress TW / IN : @smwpress

Después de la primera exitosa puesta en 2017/2018

Se estrena

El mundo en mis zapatos 2

Llega a escena esta comedia unipersonal inspirada en la vida de la actriz que la protagoniza, Brenda Fabregat. La pieza cuenta con la dirección de Eloísa Tarruella y dramaturgia de ambas. (No es necesario haber visto la primera)

Estreno: sábado 11 de mayo a las 21h Funciones: sábados a las 21h Centro Cultural de la Cooperación Av. Corrientes 1543. CABA. Entradas: por Alternativa Teatral

Después del éxito de la primera

puesta, llega la nueva comedia unipersonal.

Brenda cumple cuarentipico y evoca a los distintos personajes de su vida que la han marcado. Rebobina y vuelve como en un loop temporal: “¿cuántos de los deseos que pedí para mis cumpleaños se hicieron realidad?”

Las preguntas la atraviesan mientras vive los amores por Tinder, el mandato de la responsabilidad afectiva, “el ghosteo” y las charlas con su tía paraguaya Hermelinda Encarnación de Tereré. Brenda camina con sus zapatos gastados, tropieza y vuelve a levantarse. El sonido del “tic-tac”, ese inevitable paso del tiempo, la acompaña con sus fantasmas a cuestas.

Palabras de Eloísa Tarruella: “El mundo en mis zapatos 2” profundiza en la re-significación del paso del tiempo para el personaje de Brenda y los fantasmas metafóricos que la atraviesan a lo largo de su vida. Desde la puesta en escena se juega una presencia total de la actriz que lleva el ritmo de la historia a través de una actuación deslumbrante que pasa de la comedia al drama, donde todo se hace

cuerpo, a través de una lágrima, de la lluvia, de los pasos hacia atrás, rebobinar para poder vivir. ¿Acaso no somos nuestros recuerdos?”

Palabras de Brenda Fabregat: “Ponerle el cuerpo a mi propia historia es, para mí, una manera de exorcizarla. El titular de una hermosa crítica que me hicieron para el diario “Tiempo Argentino” resume perfectamente lo que pasaba con el público cuando hicimos la primera, y creo firmemente que volverá a pasar: “Una catarsis personal que se hizo colectiva”. El inevitable paso del tiempo, los deseos, las frustraciones, el amor y el desamor, son temas universales.”

Ficha técnica:

Dramaturgia: Brenda Fabregat y Eloísa Tarruella.

Actriz: Brenda Fabregat.

Dirección: Eloísa Tarruella.

Diseño de escenografía y vestuario: Gabriella Gerdelics.

Diseño de luces: Ricardo Sica.

Diseño Gráfico/Ilustración: Ona Ballesteros Gravino.

Música original: Federico Pascarella.

Fotografía: Aldo Amura – Agustina Silvestrini - Lucas Suryano

Prensa: Paula Simkin

Asistencia de dirección y Community manager: Agustina Silvestrini y Marianella Zappelli. Producción ejecutiva: Claudia Diaz.

Dijo La Prensa en el estreno de “El mundo en mis zapatos” 2017:

“Una vez más me deslumbró con su texto Eloísa Tarruella -co/escrito con Brenda Fabregat- (...) Con la dirección de Tarruella y la

actuación magnífica de Fabregat. Temas vinculados a las mujeres, todo lo que con distintos zapatos en el transcurso de su vida le ha ido ocurriendo. En tren perdedor, pero simpatiquísimo y querible, con una joven notable actriz que es Brenda Fabregat” Victor Hugo Morales, Radio AM 750

“Brenda Fabregat es una actriz adictiva: intensa, emocional al mango, divertida hasta la carcajada. Lo que cuenta lo escribió alguna vez ella misma en una red social pero lo elaboró como material escénico Eloisa Tarruella que tiene astucia para peinar, recortar e iluminar un texto”, Rómulo Berruti (Radio 2x4)

“La actuación de Brenda es potente, su trabajo es intenso, física y emocionalmente. Una propuesta que alude a la metáfora del andar, las ventajas de caminar con elegancia y, de saber que, a veces, hay que retroceder para avanzar”, Verónica Dema (La Nación)

“Brenda Fabregat, actriz de enorme magnetismo, es un torbellino que envuelve a la platea. El empeño de Fabregat-Tarruella desafía el sentido común; lo que ambas logran vale la pena ser conocido”, Héctor Puyo (Agencia de Noticias Télam)

“Divertida, realista, conmovedora y creativa propuesta teatralmezcla de comedia dramática y stand-up- que logra la risa y la emoción del público mediante diálogos, canciones y reflexiones de una mujer que lucha por ser feliz a pesar de todo. Brillante y convincente dirección de Eloisa Tarruella e impresionante actuación de Brenda Fabregat.” Ana

Corbellini (Miembro ACE. Radio Cultura y Radio Del Plata)

“Con fluidez, con talento, con gracia, con presencia en el escenario, Brenda Fabregat logra llegarnos al corazón y conmovernos con las anécdotas de su vida, diferente y tan parecida a muchas de las mujeres que componíamos la platea.” Ma de los Ángeles Sanz, Luna Teatral

“Una mirada especial, entre compasiva, burlona y lúcida, sobre la femineidad al palo. Me pareció tan genuina! Dos capas, Eloisa Tarruella y Brenda Fabregat” Laura Ferré (Agencia de Noticias Télam)//

“Con humor y momentos de gran emoción, Brenda Fabregat logra convertir en hecho dramático una historia propia. Ese equilibrio se logra con el trabajo de dirección de Eloísa Tarruela. Una invitación a la esperanza y la constancia de los soñadores. Se disfruta de principio a fin”, Adriana Lauro, A Puro Teatro

“Una obra entrañable dirigida por una profesional que tiene la capacidad de ponerse al servicio de la historia. Una dupla imparable; con humor del inteligente”, María Inés Senabre, Espectáculos a la moda

“En esta obra maravillosa, es imposible no dejar de preguntarse cuándo será ese día en el que ni dios ni amo ni patrón nos hagan llorar por la soledad del desamor

“, Silvana Avellaneda, Radio Nacional

Prensa: Paula Simkin paulasimkin@gmail.com

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ESTRENO

La intensidad de su luz

Dramaturgia y dirección de Brenda Peluffo y actuación de Claudio Véliz

El espectáculo obtuvo el reconocimiento actuación destacada Claudio Veliz por su interpretación en La Fiesta Regional de Teatro Independiente 2023 de la Provincia de Buenos Aires, organizada por el CTPI y mención

Especial por actuación, declarado de interés municipal en la Ciudad de Quilmes. En un rincón olvidado del litoral, por dónde todavía pasa un tren, se encuentra un pequeño pueblo llamado Naiquén. En este lugar tranquilo

y apacible, la vida de Miguel, de oficio carpintero, se ve envuelta en una maraña de historias que tejen los hilos del amor y el desamor.

Su autora y directora Bren-

da Peluffo además obtuvo la Beca Creación por el proyecto “Ser otra” otorgada por Fondo Nacional de las Artes (2021).

Bienal Arte Joven “Seminario de Dramaturgia” con Ivor Martinic y Alfredo Staffaloni (2019).

Becada por La Universidad del Salvador programa de intercambio cultural, como performer con “El fantasma” en La Casa Argentina en Italia (Universidad anfitriona Accademia Nazionale Silvio D’amico en Roma (2006). También obtuvo en 2020 - Premio INT “Espectáculo Performático en Entornos Virtuales” Por Ready Made, en 2017 - Festival INJU nominada Propuesta escénica y Mejor interprete por Ready Made y Premio Estrella de Mar Por Ready Made Mejor actuación femenina y Mejor unipersonal (nominada), y en 2013 en Anjos du picadeiro candidata Revelación femenina

A través de los destellos de luz y las sombras de la oscuridad, la historia nos enfrenta con los vínculos humanos y sus consecuencias impredecibles. En un relato que oscila entre la melancolía y la esperanza, recordándonos que el amor, a veces, puede llevarnos por caminos inesperados.

‘La Intensidad de su Luz’ nos transporta a un mundo donde las apariencias no siempre revelan la verdad, y donde los lazos familiares se despliegan en un baile de complicidades y desencuentros.

A través de los ojos de Miguel, somos testigos de las luces y sombras que se encuentran de las pasiones humanas, invitándonos a explorar las complejidades del amor.

Dramaturgia y dirección: Brenda Peluffo Actúa: Claudio Veliz Voz en Off: Graciela Tenenbaum

Escenografía: Aldana Solanes Diseño de luces y sonoro: Neno

VD Asesoramiento Actoral: Pablo Mikozzi Coach Vocal: Facundo Giménez Fotografía y diseño gráfico: Araceli Peluffo

Asistente de escenario: Fabián Chazarreta

FUNCIONES

Sábados 21hs.

Teatro Varieté

Jorge Newbery 3549, CABA. Duración: 50 minutos

Brenda Peluffo (Autora y directora)

Es actriz, autora, directora teatral y docente universitaria.

Estudios: 2006: Universidad del Salvador– Licenciada en Arte

Dramático

Otros estudios: 2023: Diplomatura en Actuación AudiovisualFundación Sagai

2021: Universidad de Ciencias

Sociales - Ciclo Pedagógico Específicos en

Dramaturgia: Taller de dramaturgia con Javier Daulte, La dramaturgia del actor Pablo Mikozzi, Biodrama con Vivi Tellas y Hacer cosas con palabras con Victoria Roland. Actuación con Ricardo Bartís, Javier Daulte, Marcelo Savignone, Maria Onetto, María Fiorentino en actuación. Daniel Casablanca y Martín Pons en clown. Expresión corporal con Roxana Grinstein, Danza Jazz con Leandro Gazzia, Canto Lírico con Alicia Checotti, Canto con Laura Mancini.

TEATRO

Como actriz actualmente “Rotisi-

mas” creación colectiva, Mes de la cultura independiente Teatro Variete. “El Gran deschave” (desde 2019-2023) y “Ready Made” (desde 2016) ambas con dirección de Eduardo Pavelic. “La plaga” Eduardo Pavelic. (2019) “La amenaza del corazón purpúreo” (2018) dirección Vittoria Tambasco. “Busco novio” (2006-2018) dirección Andrés Sahade, “Perón e Yrigoyen. La herencia Nacional y popular” (2014) dirección Tristán Casnati, “Fan. I will not free you, until you bless me” (2018-2014), “The Film” (2013) María Romano, “Instinto humano” (20132012), “Experiencia religiosa” (2010) dirección Brenda Peluffo, “Hembras que aniquilan” (2007) supervisado por Adriana Tursi, “Marathón” (2006) dirección Elvira Onetto. Como directora y dramaturga “La intensidad de su luz” Actualmente en cartel, “La Plaga” actualmente, “Animales artificiales” (2023-2019), “Loop ¿Alguna vez pensaste en el tiempo?” (2019- 2018), “Casa Villano” (2018), “Death Cabaret” (2017), “Dark Cabaret” (2017-2015), “Nomades urbanos” (2015), “Por mi culpa, por mi culpa, por mi gran culpa...” (2014), “Opresión mujeres marchitas” (2013), “Transportan humo” (2013), “Tevelandia” (2005).

AUDIOVISUAL

“Bailarina” en Rodaje, dirección Fernando Spiner “El infierno” Serie (estrenarse) Santiago Mouriño. “Pequeña Victoria” (2019) Telefe “Sandro La serie” (2018) Telefe “Viajes y Paseos” (2015) Canal 7 RADIO “Luces de bohemia” desde 2017 hasta la actualidad. Por Radio JAR. Conducción y producción.

BECAS Beca Creación por el proyecto “Ser otra” otorgada por

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Fondo Nacional de las Artes (2021). Bienal Arte Joven “Seminario de Dramaturgia” con Ivor Martinic y Alfredo Staffaloni (2019). Becada por La Universidad del Salvador programa de intercambio cultural, como performer con “El fantasma” en La Casa Argentina en Italia (Universidad anfitriona Accademia Nazionale Silvio D’amico en Roma (2006)

FESTIVALES

2022 - Selección Oficial Canneseries y Seriecamp El Infierno 2017 - INJU Ready Made 2013Anjos du Picadeiro en Río de Janeiro Busco Novio y El Fantasma 2006 - Prima del Teatro della San Miniato Perdido por amor

DISTINCIONES, PREMIOS Y NOMINACIONES

2020 - Premio INT “Espectáculo Performático en Entornos Virtuales” Por Ready Made 2017 - Festival INJU nominada Propuesta escénica y Mejor interprete por Ready Made 2017 - Premio Estrella de Mar Por Ready Made Mejor actuación femenina y Mejor unipersonal (nominada)

2013 - Anjos du picadeiro candidata Revelación femenina

Claudio Veliz (Actor)

Profesor de Castellano, Literatura y Latín. Egresado del IES - Alicia Moreau de Justo. Teatralmente se formó con Augusto Fernández, Carlos Evaristo, Carlos Gandolfo, Héctor Beacón, Enrique Laportilla, Mariano Dossena y Patricia Palmer entre otros.

Estudió pedagogía teatral en el CELCIT , Dramaturgia con Ricardo Monti , Alicia García Barral y

Florencia Aroldi. Dirección y puesta en escena con Carlos Ianni y Mariano Dossena. Realizó diversos seminarios de Teatro inclusivo con Esteban Parola.

Como docente fue profesor de teatro en la Asociación Civil “Todos en yunta” dirigida por Ana María Giunta, Indigo Teatro y dirige Mascaras Espacio de Arte que funciona ininterrumpidamente desde el año 1996. También participó de numerosos festivales en los que sus alumnos obtuvieron varios premios.

Como actor realizó las obras: El lugar de Carlos Gorostiza, Los días de fiesta no pasan trenes de Gustavo Sassi con dirección del autor, Made in Lanus de Nelly Fernández Tiscornia y comieron perdices con dirección de Ana Acosta. Extraño juguete de Susana Torres Molina con dirección de Ana María Giunta, Empollando milagros de Ariel Barchilón, con dirección de Daniel Campomenosi, Cien veces no debo de Ricardo Talesnik, La malasangre de Griselda Gambaro para el UNA con dirección de Ana Acosta, Papá Querido de Aída Bortnik, Una libra de carne de Agustín Cuzzani, El Partener de Mauricio Kartún, Con Alma, Corazón y Vida con textos de Niní Marshall, El último de los amantes ardientes de Neil Simon , La señorita Julia de August Strindberg y La Plaga de Brenda Peluffo con dirección de Eduardo Pavelic. En el 2022 estrenó el unipersonal La intensidad de su luz con dramaturgia y dirección de Brenda Peluffo.

En cine formó parte del cortometraje “La decisión de Abel” de Claudio Piedras y del largometraje “La duda”.

En televisión participó de la tira juvenil “Casi Ángeles”, del unitario “Un cortado”, “Algo habrán hecho”, “El pacto”, “La nada blanca” y la telenovela “Inconquistable corazón”.

Como Director estrenó las obras Cenizas al Viento, Hubiéramos hecho Hamlet de José Ignacio Serralunga, Salven al cómico de Marcelo Ramos, Cuidado que están los chicos, Nosotras que nos queremos tanto de Miguel Falabella, Locos de contentos de Jacobo Langsner, El acompañamiento de Carlos Gorostiza, Romeo y Julieta de W Shakespeare, Desconectados, Historias a la carta , Cuentos al derecho y no al revés, Sin decir adiós, Universo Chejov, Podrida de Guillermo Farisco, Bajo un cielo de estrellas, La mesa de los galanes de Roberto Fontanarrosa y una innumerable cantidad de espectáculos infantiles con los que recorrió las escuelas del país. Su unipersonal “La intensidad de su luz” fue seleccionado para participar de la fiesta regional de teatro independiente organizado por el cpti de la provincia de Buenos Aires y declarado de interés municipal de la Ciudad de Quilmes y obtuvo una Mención Especial por la actuación de dicho espectáculo.

Actualmente se prepara para participar como director de la obra Cuchara de madera del ciclo de obras breves Puerta Cancel bajo la dirección general de Florencia Aroldi.

IG: @laintensidaddesuluz

Compañía Criolla presenta «Sueño»

Cuatro intérpretes se juntan en el bosque a ensayar una obra, sin darse cuenta de que este bosque está plagado de seres mágicos dispuestos a jugar caprichosamente con sus emociones ¿O es que los verdaderos deseos se manifiestan libres lejos de las imposiciones?

La obra -una versión libre de «Sueño de una noche de verano» de William Shakespeare- se suma a la ya conocida trayectoria de la compañía Criolla de reformular textos clásicos para acercarlos a nuevos públicos y hacerlos vibrar en el presente.

En esta ocasión, cuatro intérpretes serán los encargados de encarnar a todos los personajes de la obra original, en un verdadero torbellino teatral plagado de recursos escénicos, despliegue físico, poesía y mucho humor.

Espectáculo Ganador FIESTA

CABA 2021-2022

Nominado Premios ACE – Mejor Espectáculo Infantil 2022

Premio Atina – Mejor adaptación 2022.

Premio Maria Guerrero mejor obra para jóvenes y adolescentes 2022

FUNCIONES:

Estreno sábado 1 de junio, 17 h

Otras fechas: 2, 8, 9, 15, 16, 22 y 23 de junio. 17 h

Entrada gratuita

La entradas se retiran desde 1 hora antes de la función en Informes (primer piso)

Se entregan hasta dos entradas por persona.

El ingreso a la sala es por orden de llegada; las entradas no son numeradas.

Los espectáculos comienzan puntualmente. Luego de comenzado el espec-

táculo no se podrá ingresar a la sala

FICHA TÉCNICA

INTÉRPRETES

Lucía Baya Casal

Julia Gárriz

Emiliano Dionisi

Ramiro Delgado

DISEÑO DE VESTUARIO:

Marisol Castañeda

DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA: Gonzalo Córdoba Estevez MÚSICA ORIGINAL:

Martín Rodríguez ASISTENTE:

Sebastián Ezcurra DIRECCIÓN GENERAL:

Emiliano Dionisi

PRODUCCIÓN GENERAL: Cia Criolla y Festivales de Buenos Aires

Centro Cultural Borges Viamonte 525, C1053 CABA.

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¡TEMPORADA 20! DESDE EL 7 DE JUNIO

“La omisión de la familia Coleman”

Entra en su temporada número 20 ininterrumpida.

Nació en el fondo de un PH en el barrio de Boedo, que luego dio lugar al Teatro Timbre 4 que hoy conocemos. Desde su estreno en 2005 realizó 2159 funciones, 384 de ellas en 24 países distintos y subtitulada en 8 idiomas, participó de 54 festivales internacionales y recibió 12 premios, tanto nacionales como internacionales. En suma ya la vieron 305.817 espectadores.

“La omisión de la familia Coleman

es mucho más de lo que hubiéramos podido imaginar en cuanto a resultados. La cantidad de viajes, la posibilidad de vivir de nuestra vocación, conociendo el mundo y recibiendo tanto reconocimiento es una alegría que nunca se nos naturaliza y nos sigue sorprendiendo. Pero lo que más me enorgullece es haber podido, como equipo, compartir esta convivencia con alegría. Deseamos que mucha gente conozca nuestro trabajo. Lo que nunca termina es

nuestro deseo de seguir juntos.”

Claudio Tolcachir

FICHA TÉCNICA

Actúan: Cristina Maresca (Abuela), Miriam Odorico (Memé), Inda Lavalle (Verónica), Fernando Sala (Marito), Natalia Villar (Gabi), Gonzalo Ruiz (Damián), José Frezzini (Hernán), Jorge Castaño (Médico)

Asistencia de dirección: Macarena Trigo

Diseño de luces: Ricardo Sica

Fotografía: Giampaolo Samà

Comunicación y prensa: Mutuverría PR

Producción: Teatro Timbre 4 |

Maxime Seugé y Jonathan Zak

Libro y dirección: Claudio Tolcachir

FUNCIONES:

viernes a las 21.45 horas

Timbre 4 - México 3554

Entrada general $12.000

En venta por www.timbre4.com

Duración: 90 minutos

20 AÑOS, 20 FRASES

“Tolcachir montó una comedia dramática, arrasadora por la fuerza de los conflictos y la solidez de las interpretaciones.”

Carolina Prieto - Página 12

“La ferocidad con que los personajes demuelen cualquier criterio de conducta civilizada, no tiene limites.”

Emesto Schoo - Noticias

“Tolcachir diseñó una estética de la pobreza y la decadencia mediante un entramado de sólidos recursos escénicos. Definió claramente las particularidades de cada personaje y permitió el lucimiento de su magnífico equipo de actores.”

Juan Carlos Fontana - La Prensa

“Tanto en el texto como en la dirección, Tolcachir consigue un ritmo parejo y una cohesión poco común, que las actuaciones sostienen y alimentan.”

Violeta Weinschelbaum - Perfil

“Se trata de la más interesante experimentalidad realizada en el circuito del off.”

Luis Mazas - Revista XXIII

“El argumento de Coleman no reconoce fronteras: la tensa convivencia de una familia que está a punto de volar por los aires.”

La Nación

“Los Coleman están apachurrados en la casa que los contiene (los asfixia) mientras ellos tratan de ser algo, o alguien, alejado de ese pegote demencial que es su vida familiar.”

Farsa Mag

“El trabajo con los diferentes espacios -el real, el sugerido y aquel conformado en la escena a partir de la manipulación de los objetos- es fundamental y se jerarquiza por sobre los demás elementos de la escena.”

Marcela Jelen - Telón de fondoFilo UBA

“Despiadado retrato familiar, duro y descarnado, cuyo humor negro y absurdo provoca risas en la audiencia.”

TN - Todo Noticias

“Coleman es ya un clásico de un realismo que buscaba nuevos procedimientos para dar cuenta de una realidad fragmentada dentro de la sociedad y dentro de la familia que ya no era, nunca lo fue, la familia Ingalls.”

Azucena Ester Joffe y María de los Ángeles Sanz - Luna Teatral

“Resiste el paso del tiempo y las lecturas, porque es uno de esos proyectos nacidos de una idea profundamente simple y rica.”

Soledad Fernández PachecoEspectáculos de acá

“Hay que ir a ver Coleman para ver si nos confirma o no ese axioma que dice que la familia no la elegimos, sino es la que nos toca.”

Diana Decunto - La Butaca Web

“El impacto de las palabras es tan doloroso como cotidiano para esta familia.”

Teatros Argentinos

“Coleman está tejida como una montaña rusa textual que no cesa un momento durante sus 90 minutos de duración.”

Christian Schmirman - Paratexto Mag

“Tolcachir acierta de pleno al dibujar un retrato costumbrista de la vida diaria. Una estampa de una familia tan normal que podría ser cualquiera de las nuestras.”

Hugo Álvarez - Butaca en anfiteatro (España)

“La omisión es un concepto claramente indagado en la obra y esto permite múltiples lecturas.”

A sala llena

“Esta obra nos muestra lo mejor del teatro argentino de las últimas décadas.”

CulturizArte (Chile)

“Es una obra profunda, que aborda con humor y ligereza un tema delicado y doloroso como es el de la anomia familiar.”

Adriana Muscillo - Diario de Cultura

“El patetismo y la violencia de muchas de las situaciones invita a la risa como salida fácil de una realidad por demás próxima a gran cantidad de personas.”

Daniel Gaguine - El caleidoscopio de Lucy

PRENSA Mutuverría PR info@mutuverria.com www.mutuverriapr.com

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El primer estreno del año de la sala de Plaza Italia fue la obra de Duncan Macmillan, protagonizada por Florencia Otero y dirigida por Julio Panno.

Personas, lugares & cosas

El miércoles 29 de mayo a las 20 horas se estrenó, en el Teatro Sarmiento, Personas, lugares & cosas de Duncan Macmillan. La obra fue traducida por Nicolás Piccardo y dirigida por Julio Panno.

El Teatro Sarmiento (Av. Sarmiento 2715) es una de las salas que integran el Complejo Teatral de Buenos Aires, dependiente del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires.

Personas, lugares & cosas está protagonizada por Florencia Otero, acompañada por un elenco integrado por Beatriz Spelzini, Carlos Kaspar, Nelson Rueda, Coni Marino, Gabriel Rovito, Santiago Racca, María Latzina, Estefanía D’Anna, Roco Sáenz, Fiore Provenzano y Marina Artigas. Asistente de escena: Nahuel Horacio Martínez.

para sumergir al espectador en un mundo de emociones crudas y estremecedoras.

Emma (Florencia Otero) es una actriz que estaba pasando el mejor momento de su vida. Ahora está en rehabilitación. Su primer paso es admitir que tiene un problema. Pero el problema no está en Emma, está en todo lo demás. Ella necesita decir la verdad. Pero es lo suficientemente inteligente como para saber que eso no existe. Cuando la intoxicación se siente como la única forma de sobrevivir en el mundo moderno, ¿cómo es posible recuperarse?

Algunos de los intérpretes fueron seleccionados en audiciones a las que se presentaron 2000 aspirantes.

La coreografía es de Gustavo Carrizo, la música original de Taiu, el diseño y la puesta de sonido son de Nahuel Horacio Martínez, el diseño audiovisual es de Diego “Rosca” Rozek, el diseño de

iluminación de Adrián Grimozzi, el diseño de vestuario de Alejandra Robotti y el diseño de escenografía de Florencia Tutusaus. La directora asistente es Virginia Magnago.

En esta obra, Macmillan se sumerge en las profundidades de la mente humana, explorando los límites de la percepción y la realidad, a través del viaje de su protagonista. La obra se destaca no sólo por su ingeniosa narrativa, sino también por su innovadora puesta en escena y su capacidad

La presión por el éxito, la necesidad de encajar en ciertos estándares y la búsqueda de la propia identidad son temas que resuenan en la sociedad contemporánea. Emma representa a muchas personas que luchan por encontrar su lugar en un contexto que a menudo se percibe como caótico y abrumador.

Personas, lugares & cosas (2015) ha sido aclamada por su enfoque audaz sobre la adicción y la identidad en Londres y Nueva York, y se presenta ahora en Buenos Aires por primera vez su versión en español. Macmillan es-

cribió esta obra cuando se enteró de que las muertes por adicción en Inglaterra superaban a las de accidentes de tránsito. Dice Julio Panno: “El autor tiene poca ilusión de que se pueda modificar algo con esta obra, que es esperanzadora y desesperanzadora al mismo tiempo. Pero hay una mirada más allá de lo terapéutico; si alguien se sienta y mira de otra manera el problema, ya se habrá hecho un gran aporte”.

“Duncan Macmillan no es el primer dramaturgo que aborda el tema de la adicción. Pero lo que le da a su nueva obra una vitalidad excepcional es la decisión de establecer paralelismos entre la rehabilitación y los procesos desarrollados en el ámbito teatral, así como el hecho de presentar la acción desde el punto de vista de la persona adicta”.

The Guardian

“Macmillan escribió una brillante evocación de lo que le sucede a los actores o actrices cuando no pueden evitar actuar, cuando viven vidas en las que el telón parece que no va a caer, nunca”. The New Yorker

FUNCIONES:

Las funciones se ofrecerán de miércoles a sábados a las 20 horas. Domingos, 19 horas.

Duración: 120 minutos

Platea $ 7.000 - Miércoles $ 4.000 (*)

(*) Las localidades podrán adquirirse en forma virtual y en la boletería del Teatro Sarmiento

Personas, lugares & cosas es una coproducción del Complejo

Teatral de Buenos Aires y Club Media.

Duncan Macmillan (1980) es un escritor y dramaturgo inglés que se ha erigido como una figura prominente en el panorama teatral contemporáneo, distinguiéndose por su capacidad para explorar las complejidades de la experiencia humana; su producción transita diversas problemáticas actuales, que van desde las adicciones y la rehabilitación hasta la depresión y el suicidio. Entre los autores que han influido en su trayectoria figuran Caryl Churchill, Wallace Shawn, Robert Holman, Martin Crimp, Arthur Miller, Samuel Beckett, Bertolt Brecht, Antón Chéjov, William Shakespeare, Katie Mitchell y Pina Bausch. Macmillan emergió en la escena teatral con una voz distintiva y un enfoque vanguardista de la narrativa. Su obra se caracteriza por una habilidad magistral para abordar temas universales con una frescura y originalidad que cautiva a públicos de todo el mundo y le ha valido premios como el de la Brentwood Playwriting Competition. Macmillan fue escritor residente en el Paines Plough y en el Manchester Royal Exchange y es miembro fundador del colectivo de dramaturgos The Apathists, con el que ha organizado y dirigido diferentes eventos y funciones en teatros londinenses. Además de People, Places & Things, algunas de sus piezas más destacadas son Lungs (2009), 1984, adaptación de la novela de Orwell (2013), Every Brilliant Thing (2013), City of Glass (2017).

Julio Panno es director, dramaturgo y guionista. Su formación incluye estudios de actuación, dirección teatral y puesta en escena, artes plásticas, dramaturgia, guion, comunicación social, foto-

grafía y cine. Se desarrolló principalmente en el ámbito teatral y el teatro musical, trayectoria en la que fue premiado en varias oportunidades con los premios Hugo y ACE. Como director y puestista ha trabajado en El testamento de María de Colm Tóibín con Eleonora Wexler (Teatro San Martín), Una película sin Julie, Una vez en la vida (Once), El Emperador Gynt de Henrik Ibsen con Peter Lanzani, El gran final en Argentina y Chile, Tango corrupto (de ambas es también autor), El Principito, con animaciones de Milo Lockett, King Size y Black Friday (Microteatro), María de Buenos Aires y Amor brujo en Italia, Guida Concert, Los días de Chéjov están contados, La temporada del mosquito, Sturm und Drang, tormenta de pasión (fue además responsable de la dramaturgia de estos cuatro espectáculos), Crash!!! (flamenco de ruptura), La Pasión Weill y Martín Matalon en el CETC, entre otros. También escribió El último tango de Eva Perón (declarado de interés nacional), Alaska ataca a Kamchatka, El muerto del otro, Una mujer sin piano y Pájaros asesinan pájaros. En cine dirigió el film documental Paloma Herrera, aquí y ahora (coproducción Fotoarte-INCAA). Fundó además la Escuela Formativa en Artes Corporales, la compañía Flamenco Urbano y el proyecto Flamencomachine. También ha trabajado en escenografías, diseño y puesta de luces, producción artística, conducción en radio y docencia.

Teatro San Martín. www.complejoteatral.gob.ar Tels. (+5411) 4123-9400 / 50309898 Int. 1344/1343/1341/1339

Av. Corrientes 1530 - 7° piso (C1042AAO) CABA

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MOSQUITO SANCINETO, EMILIANO FIGUEREDO Y LAURA MANZINI PROYECTO PATRIA de Santiago Lasarte

Mosqui atraviesa el exilio junto a su perro Lambetta. Juntos le escriben cartas a su querida maestra, donde le cuentan sus días en la Argentina, un país que se vuelve cada vez más extraño. Solo le piden una condición: Que saque del bolsillo su estilográfica y tache a medida que vaya leyendo todo lo que han de escribirle.

Obra musical (Seis canciones).

Obra Queer. Teatro experimental. Teatro político.

¡ÚNICAS 8 FUNCIONES!

SÁBADOS A LAS 22.30 HORAS

Teatro El Grito

Costa Rica 5459

Entrada general $6.000

En venta por Alternativa Teatral

Proyecto Patria es la tesis de Santiago Lasarte de la Carrera Superior de Puesta en Escena de la EMAD año 2023, trabajo a cargo de los docentes Luis Cano, Juan Cruz Forgnone, María Figueras y Andrés Binetti. La obra fue estrenada con dos fechas de muestra en la EMAD y se repone en Teatro El Grito.

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FICHA TÉCNICA

Actúan: Mosquito Sancineto, Emiliano Figueredo y Laura Manzini

Asistencia de dirección: Franco Yovine

Vestuarista: Jo Vera

Redes: Francisco Barral

Fotógrafo: Cleiton Enrique

Comunicación y prensa: Mutuverría PR

Dramaturgia y dirección general: Santiago Lasarte

Duración: 80 minutos

SOBRE EL EQUIPO ARTÍSTICO

Santiago Lasarte es director de teatro experimental. Estudiante de Puesta en escena en la EMAD y Psicología en la UBA. En sus obras busca generar disrupción y reflexión con un resultado delicioso entre la belleza y el horror. Su obra “La delación travesti” fue nombrada de interés cultural en la cámara de diputados por su compromiso en DDHH en el año 2022. También es diseñador de zapatos en su marca Chiqué, con talles inclusivos. Actualmente está dirigiendo la obra “Decir sí” de Gambaro, y “Proyecto Patria”.

Mosquito Sancineto es referente de la cultura teatral argentina y el arte de la improvisación. Es maestra de actores, directora y activista LGBTIQ+. En 1979 realizó “El príncipe idiota” de Dostoievski y ganó el Premio Moliere. Recibió el Premio Konex 2001 por su trayectoria en el rubro unipersonal, además el Premio María Guerrero y el Florencio Sánchez. Recibió el premio al mejor actor en el Festival de Cine SAAF (Academia de Artes y Cines del Sur) de Chile por la magistral actuación en la película

«El diámetro del abismo». Fundó y dirigió la primera Compañía de Teatro de Improvisación, participó en casi 100 obras, entre ellas, “La sombra de Wenceslao” en el Teatro Cervantes, “Discépolo” y “La farsa de los ausentes” en el Teatro San Martín con dirección de Pompeyo Audivert. Realizó innumerables participaciones en cine y en televisión. Uno de sus últimos personajes destacados fue Fabiola en “El marginal”. Es docente desde 1990 dictando sus cursos de improvisación para actores, formando parte de las instituciones más reconocidas, como el Centro Cultural Rojas, el San Martín, Universidad Argentina de la empresa (UADE), Facultad de Filosofía y Letras, entre otras.

Emiliano Figueredo es actor, performer, ilustrador y conductor radial, entre otras actividades. Se formó con diversos maestros como Lito Cruz, Martin Adjemian, David Di Napoli, e Iván Moschner. Participo en más de 30 espectáculos en el circuito independiente, comercial y oficial. Entre sus trabajos más destacados se encuentran “El siglo de Oro trans” (Teatro San Martin) y Potencia Gutiérrez (Teatro Cervantes). Actuó en diversas obras de Muscari como en “Bollywood”, “La Jaula de las locas”, “Facebook”, y “Autentico”. Participo del ciclo Teatro x la identidad. Y tiene su unipersonal “El kabaret elektro pank” dirigido por Peter Pank. Fue ganador del premio a mejor actor de reparto en el festival de la Universidad Finisterre (Chile). Y también ganó el premio Mejor actor de reparto en Los Ángeles web festival (EEUU) por su papel en la mini serie Estilo Esther. Actualmente está trabajando en dos obras de

Santiago Lasarte, “Decir sí” en el Teatro No Avestruz y “Proyecto Patria: Cartas desde el exilio”, donde hace más de cuatro personajes.

Laura Manzini es considerada como una de nuestras damas del musical argentino. Es cantante, actriz, maestra de canto y directora teatral. Se formó en canto lirico en el Teatro Colón. En actuación con Horacio Medrano. Y en la EMAD, se recibió en la carrera de dirección y puesta en escena. Tomó clases con Augusto Boal, Bob Wilson y Eugenio Barba. Entre sus trabajos realizados se encuentran las obras canónicas de Pepe Cibrian: “Caligula” (Los teatros de San Telmo), “Aquí no podemos hacerlo” (Teatro Cervantes) y”Las Invasiones Inglesas” (Teatro General San Martin). Participó en Primeras Damas del Musical” en el Teatro Gran Rex. Sus últimos trabajos fueron en “Mas que Real” (Ganadora de Premio Hugo. Teatro Belisario) y Petit Hotel Chernobyl (NUN teatro). Actualmente está trabajando junto al director Gabriel Villalba en sus dos espectáculos musicales “Esas Malditas canciones” y “Una historia Italiana”. Además está preparando su nuevo disco de canciones. Ganó el Premio Hugo a mejor interprete femenina en musical off 2019 por la obra “Más que real”. Y fue Nominada a los Premios ACE por “Eres maravillosa” a mejor actuación femenina.

Seguí a la obra en @proyectopatria.teatro

PRENSA: Mutuverria info@mutuverria.com

Teatro/ Estreno junio 2024 Lo que dura la lluvia

Una historia de amor desencontrado escrita por Laura Otermin, dirigida por Patricio Azor y con un elenco integrado por Emanuel Moreno Defalco, la misma Otermin, David Paez y Luli Zunino. La obra se pregunta sobre el amor en tiempos de tragedia, con cuatro personajes atravesados por la urgencia de atender aquello que siguen sintiendo.

Estreno: viernes 7 de junio a las 20:30 h.

Funciones: viernes a las 20:30 h.

Itaca Complejo Teatral

Humahuaca 4027

Teléfono: 4863-2848

Entradas por Alternativa Teatral

Un día lluvioso, Diana y Martin están inmersos en la nada de los desencuentros cotidianos. Juan, su hijo, duerme en el piso de arriba y la noche abre paso a las incertidumbres que ambos esconden. Un afuera peligroso obliga la irrupción al hogar de Roco y Paloma hasta tanto puedan volver a salir.

A veces es necesario detener la carrera, mirar hacia atrás y ver qué cosas no fueron resueltas. ¿Cómo reparar las historias no cerradas? “Lo que dura la lluvia” cuenta una historia de amor que no puede ser, con cuatro perso-

najes atravesados por la urgencia de atender aquello que continúa sangrando.

Dice Laura Otermin, autora

“Lo que dura la lluvia” es un texto que nace en tiempos de pandemia y termina de construirse con ciertas “normalidades” vinculares, haciendo aparecer una necesidad imperiosa de aferrarse a los afectos y a las cosas no cerradas. Me pregunté en varios momentos ¿La vida es esto? ¿Y si tengo cosas por saldar y hay un afuera peligroso que no me deja salir? Se me aparece a Ilsa Lund diciéndole a Rick Blaine “el

mundo se derrumba y nosotros nos enamoramos” ¿Que hacer cuando el peligro acecha cada vez más? El afuera mata, persigue, castiga, fagocita y crea todos los monstruos que se urge batallar mientras que el amor mas genuino puja por dar respuesta para poder así hacer cesar la lluvia de cada historia. El sol algún día tiene que salir. Nos lo merecemos. Creo que Lo que dura la lluvia cuenta una historia de amor que no puede ser, es una historia imposible de ser concretada pero aún así, una historia de amor absolutamente perdurable, inquebrantable, irrompible, tal vez, paradójicamente por eso es inexistente. En tiempos de amnesias colectivas volver a contar historias de amor es para valientes.”

Dice Patricio Azor, director

“Una historia de amor “desencontrado” en tiempos de la última dictadura argentina. “Desencontrado” por las circunstancias en que se vivía. Los ideales estaban por encima de todo, incluso del amor… O tal vez por el amor a esos ideales es que los protagonistas de esta obra deben torcer su destino. Un destino que los hará elegir caminos diferentes. Hoy pensar en ideales parecería que está pasado de moda… fuera de lugar… obsoleto… Parecería que “pensar” se transformó en una acción arcaica. Parecería que “recordar” y aprender de ese recuerdo para no cometer los mismos errores cayó en desuso. Vivimos en una época en que los discursos de odio y violencia se tornaron moneda corriente. El amor y la empatía por un otro ya no tiene importancia, no son valores a te-

ner en cuenta… Barrer con todo, y sobre todo con la memoria, se convirtió en un emblema. En “un país que olvida y silencia nuestra historia” creo que poner en escena este texto se torna absolutamente necesario”

Ficha

Roco: Emanuel Moreno Defalco

Diana: Laura Otermin

Martín: David Paez

Paloma: Luli Zunino

Escenografía y vestuario: Jorgelina Herrero Pons (ADEA)

Iluminación: Lucas Orchessi (ADEA)

Diseño gráfico: Patricio Azor

Prensa: Paula Simkin

Asistente de dirección: Magui Zilli

Prensa: Paula Simkin

paulasimkin@gmail.com

DOMINGOS A LAS 18:00hs.

“TAN SOLO UN GESTO”

de Diego Carreño.

“Tan solo un gesto” trata de acercarse a los sentimientos que emergen de dos personas que están a punto de separarse definitivamente. Son las últimas horas en la vida de esta pareja. Eusebio y Giselle, las que colman la trama como si se tratara literalmente de la muerte anunciada de una relación. Los personajes transitarán durante esta última noche que pasen juntos el dolor, el sufrimiento y la nostalgia, así como el sexo, la pasión y la alegría. El desafío al que nos enfrentamos con “Tan solo un gesto” radica en encontrar la posibilidad de abordar este tema desde el humor. Para ello decidimos entrar a su mundo privado y vivenciar con ellos esa última noche como espectadores de una tragedia que no deja de parecernos risible. ¿No son acaso los argumentos que se manifiestan en cada una de sus discusiones motivo de risa? ¿No vivimos teniendo actitudes en nuestra privacidad que resultarían absolutamente absurdas para un desconocido si pudiese observarlos? ¿No nos reiremos en un futuro del dolor que nos produce una separación hoy? Lo atractivo resultará del poder observar cómo estos dos personajes no pueden ver y reconocer que no han sido hechos el uno para el otro, que su relación no funcionaría jamás en estas condiciones y que lo mejor que les puede suceder es aquello que tanto espanto les produce imaginar.

Diego Carreño

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FICHA TÉCNICA

Actúan:

Migue Vigna y Noelia Víttori

Vestuario y Escenografía:

Analía Cristina Morales

Música original:

Pablo Sirianni – Diego Carreño

Coreografía:

Bárbara Hang

Diseño gráfico:

Sara Paoletti Santochi

Prensa:

Natalia Bocca

Producción:

Malditas Producciones

Dramaturgia:

Diego Carreño

Dirección:

Leandro Aita y Diego Carreño.

DOMINGOS A LAS 18:00hs.

El Camarín de las Musas

Mario Bravo 960

Entrada general: $8.000

A la venta en

Alternativa Teatral

Duración: 60 minutos

SOBRE LOS ACTORES

Migue Vigna

Actor, dramaturgo y director. Se formó como actor con Lito Cruz, Agustín Alezzo, Raúl Serrano y Pompeyo Audivert. Es egresado del taller de Titiriteros del Teatro San Martín. En teatro trabajó con Juan Carlos Trichilo en “Los árboles se fueron a pie” y “El soplador de estrellas”, con Marcelo Catena en “El proceso”, con Mario Martín en “La historia del soldado”, con Alberto Romero en “Canadá” y con Vìctor Chacón en “Coto de Caza”. Realizó varias obras en Microteatro como actor, dramaturgo y director. En cine, participó, entre otras, en las producciones “Socios por accidente” con dirección de Nicanor Loreti y Fabián Forte, y “Bienvenidos al infierno”, con dirección de Jimena Monteoliva. Es fundador del Club Cultural Fauna y del Estudio Vigna, su propia escuela de actuación.

Noelia Víttori Actriz y fotógrafa.

Dentro del teatro se desarrolló en varios roles, como actriz trabajó desde 1999 en más de 20 obras de teatro en Argentina y Panamá (donde vivió desde el 2009 al 2013).

Sus últimos trabajos en este campo fueron El uno sin el otro de Omar Aita y varios monólogos de su autoría presentados en diferentes variete de Caba, destacando la Variete del Páramo realizadas semanalmente en el Páramo Cultural donde era parte del elenco estable.

Egresada de la Escuela de formación actoral de Alejandra Boero, también incursionó en varios laboratorios actorales, destacando el último realizado con Sergio Boris; y preparación del cuer-

po para la escena, destacando los brindados por Diego Cejas y Sergio Diaz en el profesorado de teatro de Morón. Titiritera y realizadora de títeres, su último trabajo en este campo fue “La historia de Todos” presentada en el Teatro Nacional de Panamá en 2021, donde estuvo a cargo de la dirección de arte, realización de los títeres gigantes y titiritera del personaje principal Astor Piazolla. Actualmente es asistente de dirección de “La lengua es un músculo, pero el lenguaje es un virus” rol que desempeñó tanto en el teatro argentino (Digitales Anónimos de Gabriel Wolf, Esqueletos de Omar Aita entre otros) como en el teatro panameño (A por ellos de Winnie T Sitton, obra ganadora del premio Miró).

SOBRE EL DRAMATURGO y DIRECTOR

Diego Carreño Actor y dramaturgo. Trabaja en cine, teatro, televisión y publicidad. En teatro participó de las obras “Bulimia” (2004); “Tortugas Ninja” (2005/6); “El último dictador y la primera dama” (2006/7); en todas ellas dirigida por Leo Masliah. También actuó en “EL Cosmonauto agrícola” de R. DE Obaldía (2000/01) bajo dirección de Claudio Martínez Bel; “Trabajos de amor perdidos” (1998/99) dirigido por Julia Calvo (Premio Mejor Actor de reparto en el Primer Festival Nacional de Teatro y Décimo Encuentro de Teatro Marplatense). Fue dirigido por Gabriel Wolf en las siguientes obras: “Ubú Rey” (1995); “Sobre destinos y desatinos” (1996); y “Esquizofrénico” (1995/6). También en obras de su autoría, como “Digital Mambo”, “Hombres Delay” (Premio Mejor Actor en Festival de Humor Engrudo 2018).

En 2022 estrenó “La lengua es un músculo, pero el lenguaje es un virus” de autoría propia, obra que agota localidades aún hoy en lo que constituye actualmente su tercera temporada. En cine protagonizó “El agua en la boca” de Federico Arzeno (2003). “Tan solo un gesto s su primera obra como director.

SOBRE EL DIRECTOR

Leandro Aita

Actor y director. Es egresado de la Escuela Municipal de arte Dramático. Estudio con Carlos De Matteis, Diego Cazabat, Antonio Celico, Osky Guzman, Gabriel Chame Buen Día, entre otros. Es el director de la escuela de circo “Espacio Zero” Trabajó como actor en “Digitales anónimos” Dir Gabriel Wolf. “Hombres Delay” Dir Gabriel Wolf. “Muertos de risa” Dir Daniel Casablanca. “Familia de Vancini y Antonia su mujer” Dir Omar Aita “Digital Mambo” Dir Gabriel Wolf. “Todo a la basura” Grupo “Los Macocos” “Alicia en el país de las maravillas” Dir Alicia Zanca. “Cenicienta” Dir. Alicia Zanca. “Arlequín” Dir. Alicia Zanca. “Sueño de una noche de verano” Alicia Zanca. “Romeo y Julieta” Alicia Zanca. “Canciones para mirar” Dir. Ruben Pires. Teatro El Nacional “La Tempestad” Dir. Lluis Pasqual. “12 polvos” Dir. Sergio Rosemblat. “El Pasajero del barco del sol” Dir. Rubén Pires. “Los indios estaban cabreros” Dir. Rubén Pires. “Verona” Dir. Nelly Gladwin. Dirigió “El uno sin el otro” y “Esqueletos”, ambas de Omar Aita, y actualmente dirige “La lengua es un músculo, pero el lenguaje es un virus”, de Diego Carreño.

PRENSA:Natalia Bocca nataliabocca@gmail.com

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Estreno: viernes 7 de Junio

SOLO BRUMAS

de Tato Pavlovsky

“Vivir sin esperar nada, ni siquiera la muerte si fuera posible”

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SINOPSIS

Pepi, Pipi y Eusebio se ocupan de un trabajo tan peculiar como horroroso. Entre la esperanza, la ética y la moral, evocan recuerdos y esperan.

Buscan encontrar una salida, mientras se refugian en sus propias brumas para soportar su absurda y terrible cotidianidad.

“Vivir sin esperar nada, ni siquiera la muerte si fuera posible”

Eduardo Tato Pavlovsky - Solo Brumas

Dice Gonzalo Urtizberea:

“Solo Brumas” es la necesidad del Ser Humano de mantener la dignidad, una moral, una ética que está perdida no sabemos donde...

Solo Brumas

Esta nueva versión está integrada por:

Dirección:

Gonzalo Urtizberea

Elenco:

Emiliano Kaczka, Victoria Aragón, Paula Cantone y Guillermo Alfaro

Diseño de escenografía:

Héctor Calmet

Realización de escenografía:

Guillermo Alfaro y Omar Diaz

Diseño de vestuario y maquillaje:

Agustina Tassin

Diseño de luces:

Héctor Calmet

Música original:

Martín Pavlovsky

Diseño gráfico y fotografía:

Raccon Producciones

Asistente de dirección:

Luis De Almeida

Asistente de producción:

Fausto Badino

Producción ejecutiva:

Jorge Alberto Gómez

Producción general:

Aragón Cantone

Prensa y difusión:

Adriana Schottlender

FUNCIONES

Viernes 22h

Teatro Belisario

Corrientes 1624 - CABA

Entradas por Plateanet

Eduardo Pavlovsky:

Fue médico, psicoanalista, psicodramatista, actor, escritor, dramaturgo. En estos ámbitos encontró su forma de expresión y creatividad que, como afirmaba, “siempre fueron un estímulo para seguir luchando contra la injusticia.” Entre sus obras teatrales se destacan El señor Galíndez (1973), Telarañas (1977), Potestad (1985), Paso de dos (1990), Rojos Globos Rojos (1994) y Variaciones Meyerhold (2005), más.

Gonzalo Urtizberea

Inició sus estudios en el Instituto Nacional de Arte Dramático. Realizó talleres y seminarios dictados por Lito Cruz, Carlos Gandolfo, Augusto Fernandes y Carlos Moreno. Actuación con Lerchundi y Escobar, Mimo con Osvaldo Bermúdez y Acrobacias, entre otros.

En teatro participó en más de 30 obras como “Humores que Matan”, “El mundo ha vivido equivocado”, “Dejame hablar, Amor”, “La comedia de las equivocaciones”, “El último argentino virgen”, “Las chicas de calendario”, “Doña Flor y sus dos maridos”, “Dos más dos...Stress”, “Extraña pareja”, “5 gays.com”, “El zorro”, “Cabaret Bijou”, “El grito pelado”, “La mesa de los galanes”, “Matrimonios y algo más” entre muchos otros éxitos.

Participaciones en la TV en los programas “Los únicos” (Canal 13), “Sr y Sra Camas” (Tv Pública), “Un año para recordar” (Telefe), “Lo que el tempo nos dejó” (Telefe), “Alguien que me quiera” (Canal 13), “Cita a ciegas” (Tv Pública), “Los exitosos Pells” (Telefe), “Socias” (Canal 13), “Mujeres Asesinas” (Canal 13), “Sos mi vida” (Canal 13), “Casados con hijos” (Telefe), “Padre Coraje” (Canal 13), “El Rafa” (Telefe), “Poliladron” (Canal 13), “Matrimonios y aligo más” (Canal 13) entre muchísimos más.

En cine participó en los largometrajes “El día fuera del tempo” (2012), “Días de vinilo”- (2012), “Fase 7”(2010), “Elsa y Fred” (2005), “Cargo de conciencia” (2005), “Chiche Bombón” (2004), “Un hijo genial” (2003), “Tatuado” (2003), “Esa maldita costilla”(1999), “Garage Olimpo” (1999), entre muchas más.

Emiliano Kaczka

Se formó como actor en la Escuela de Raúl Serrano, complementando su formación en distintos cursos y seminarios: expresión corporal, historia del teatro, mimo, técnica vocal, actuación en televisa.

En televisión trabajo en: María Marta. El crimen del Country, producida por Pol-ka y Warner (2021). Casados con hijos (Telefe), Mosca y Smith (Telefe), Soy tu Fan 2006 (Canal 9), Los buscas de siempre (Canal 9), Mia solo Mia (1997), La hermana Mayor (1995), Alta Comedia (1992-1994), Solo para parejas (1994), Reigalo del Cielo (1993), Clave de Sol (1992), Pelito (1982).

Cine: Maradona La Mano de Dios Personaje Cyterszpiler Dir: Mar-

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co Risi.

Teatro: Confesiones del Pene (2003-2007) Gira nacional e internacionales.

Victoria Aragón

Comenzó su carrera simultáneamente en teatro y tv a mediados de los años 80.

Formó parte del Parakultural. Babilonia, Medio Mundo Varieté y El Galpón del Sur escribiendo y dirigiendo sus propias performances, dirigida por Julio Ordano, Javier Margulis entre otros.

Fue parte del primer elenco de Drácula el musical de Pepe Cibrián. Estudió teatro con Lito Cruz, Carlos Moreno, Franklin Caicedo, Matías Gandolfo y Dora Baret.

Recibió el premio a la mejor Interpretación Femenina por el corto El inglés. En el 2022 protagonizó las dos Reinas en el Teatro Multiescena.

Se formó en la Dramaturgia con Osvaldo “Chacho” Dragún desarrollándose en la misma escribiendo sus propias obras de Teatro y cine.

De su Extensa carrera en TV se destacan sus participaciones en Entre Caníbales, La Fragilidad de los cuerpos, Floricienta, Patito Feo, Los Simuladores, Los Benvenuto en vivo, entre tantas. Participó en más de 30 ficciones argentinas. También trabajo para México en Publicidad y ficción Colombia.

Actualmente se encuentra en la post producción de la película Lágrimas de Fuego de Fabiana Cantilo. Colabora con el guión y la codirección de dos escenas junto a Cantilo y Gabriel Grieco. Es parte de la producción y las protagoniza junto a Fabiana.

Paula Cantone

Trabaja hace 25 años en teatro. Es actriz y docente de teatro. Se formó con Lito Cruz, Carlos Moreno y Fernando Armani.

Estudió profesorado de teatro en la escuela superior de Arte Dramático Leopoldo Marechal de San Miguel. Se formó en canto, clown y expresión corporal, tiene una diplomatura en formación integral del actor de la Universidad de General Sarmiento. Entre sus trabajos más recientes en teatro protagonizó: Las dos reinas, versión adaptada de la obra María Estuardo de Schiller; Cleopatra, Macbeth, Julio Cesar de W Shakespeare en Teatros Multiescena y Auditorio Losada, dirección Marcelo Silguero. Formó parte de la producción ejecutiva de las obras Macbeth y Las dos reinas. Protagonizó recientemente en Paseo La Plaza: “Tres hombres de bien”, “Los árboles mueren de pie” y “Soy una hdp yo?” con dirección de Claudio Salama. Trabajó también en Juana de Arco, Las preciosas Ridículas, La pulga en la oreja y El Gran Cabaret Argentino, en Avenida Corrientes.

Sus primeros pasos fueron La casa de Bernarda Alba, Peer Gynt, Dios de Woody Allen, El Burgués Gentilhombre con dirección de Fernando Armani, entre otras. Protagonizó obras infantiles, Alicia en el País de las Maravillas y La Payasienta con dirección de Daniela Torres. En cine protagonizó los siguientes largometrajes: “La invisible condición” con Osvaldo Laport y Gonzalo Urtizberea, declarado de interés

socio cultural a nivel nacional, dirigido por Carlos Rodriguez.

“Murga samba y candombe” de Verónica Pereyra. Premios recibidos:

Mejor obra teatral en el encuentro de teatro independiente región noroeste año 2015 La Payasienta obra musical infantil; Premio internacional a la destacada labor artística en teatro clásico, César Vallejo y Águila dorada 2022 y 2023 de la UHE Unión Hispanomundial de Escritores.

Embajadora cultural de Shakespeare Argentina en el 2021. En la actualidad vicepresidente de la Sociedad Argentina de Escritores de la flial de Malvinas Argentinas.

Guillermo Alfaro

Se formó en teatro con Fernando Armani, Daniela Torres, Marcelo Silguero.

Estudió profesorado de teatro en la escuela superior de teatro Leopoldo Marechal de San Miguel. Tiene una diplomatura en formación integral del actor de la Universidad de General Sarmiento.

Actuó en obras como “Las dos reinas”, “El gran cabaret argentino”, “Eternos Transeúntes”, “Macbeth”, “La pulga en la oreja”, “Cleopatra”, “Casamiento en el campo II”, “Juana de Arco”, “Los Hombres Alba”, “Julio Cesar”, entre otras.

En cine trabajó en los largometrajes:

La invisible condición, Declarada de interés socio cultural a nivel nacional bajo la dirección de Carlos Rodríguez. Murga samba y candombe, bajo la dirección Verónica Pereyra.

Prensa y difusión: Adriana Schottlender adrischottlender.prensa@gmail. com

LAS REINAS

Paula Grinszpan & Lucía Maciel tras dos temporadas con entradas agotadas en el off llegaron a la avenida Corrientes con 12 funciones agotadas (y ellas también…) Próxima función: 09 de junio 18 h.

Diana y Daiana, dos monarcas de un remoto reino, tienen dificultades para gobernar y llevar tranquilidad a sus súbditos. A pesar de sus desesperados intentos por mantener el orden, la pérdida de un “ticket” terminará de desestabilizarlas por completo, y será el detonante del surgimiento de un nuevo sistema económico.

Maciel y Grinszpan vuelven a explorar en su singular lenguaje que entrelaza el texto, el humor y la música de una forma sensible y desopilante. En la obra estas monarcas relatan un partido de fútbol entre siervos y señores feudales, al instante siguiente cuentan un cuento de hadas con acento español, cantan una cumbia, o se agitan juntas coreando una canción de rock. Las reinas proponen situaciones delirantes en las que se cruzan elementos reales con elementos fantasiosos y, como en los musicales más clásicos de Broadway, hacen uso de la música en vivo para avanzar en la narración.

“DIANA Y DAIANA” Lucía Maciel y Paula Grinszpan son actrices, docentes y directoras de teatro. Ambas se formaron y dictaron clases en la Escuela de Nora Lía Moseinco creadora de un método de actuación que formó a los ac-

tores más importantes de la nueva generación. Actualmente ambas coordinan sus propias escuelas de teatro en la ciudad de Buenos Aires. En 2015, protagonizan juntas “La Pilarcita” de María Marull. En 2017, realizan su primer trabajo de dramaturgia y dirección en conjunto cuando son convocadas para el ciclo de apertura de Microteatro donde estrenan “La Mamá de Brian”. En 2018 estrenan con gran éxito “Paraguay”, obra que aún sigue en cartel a sala llena en el Centro Cultural Morán. En el 2019 presentan su tercera obra, “Bragado”. En 2022 estrenan Las Reinas, obra que no solo

escriben y dirigen sino en la que también se ponen como protagonistas. Las reinas, ha realizado temporada en Mar del Plata en el teatro Auditorium, giras municipales y en las capitales más importantes del del país y en la ciudad de Madrid.

FUNCIÓN:

Las Reinas 09 de junio 18 hs TEATRO ASTROS

Av Corrientes 746 (Entradauno.com y en la boletería del teatro)

PRENSA Flor Belinky fbelinky@gmail.com

MiraBA

MiraBA

LLEGA EL ESTRENO DE LA OBRA

PELOMUERTA de Paula Ransenberg

El martes 4 de junio a las 20 hs se estrena en el Galpón de Guevara la obra musical con dramaturgia y dirección de Paula Ransenberg, música original y dirección musical de Facundo Borgia y con un elenco de artistas muy talentosos: Dolores Ocampo, Iride Mockert, Laura Silva, Andrés Passeri y Federico Llambí. Funciones: martes de junio y julio.

Pelomuerta es la historia de dos mujeres, Cloto y Laque, y de su lucha feroz contra la decadencia, la muerte y la soledad. Todo sucede en una peluquería, santuario de belleza y confesionario femenino. Peinados, pelucas y tinturas serán las armas en una pelea contra el tiempo en la que solo cabe perder. Madres, padres, amantes, momias y hasta la virgen Maria desfilarán en esta comedia musical delirante con mucho humor.

FICHA TÉCNICA

Dramaturgia y Dirección

Paula Ransenberg

Música original y dirección musical

Facundo Borgia

Elenco

Dolores Ocampo, Iride Mockert, Laura Silva, Andrés Passeri, Federico Llambí

Piano

Facundo Borgia

Batería

Nico Echeverría

Diseño de escenografía

Gonzalo Córdoba Estévez y Agustín Yoshimoto

Realización de escenografía

Agustín Yoshimoto y Federico Ransenberg

Vestuario

Cinthia Guerra y Paula Ransenberg

Diseño de luces

Adrián Grimosi

Pelucas

Mónica Gutierrez

Coreografías

Marina Svatzman

Máscaras

Roman Lamas

Prensa

Antonela Santecchia

Foto

Aaron Wang

Asistente de dirección

Antonella Jaime

Producción Ejecutiva

Sebastián Romero - Proyecto

Tsunami

Duración:

90min

Sobre Paula Ransenberg

Actriz, directora, autora y docente de teatro.

Su trabajo tanto como directora como actriz fue reconocido a lo largo de su carrera en los premios de teatro más prestigiosos del país como Los Premios ACE y los Hugo. La obra Mucho Corazón fue nominada en los Premios Hugo a 5 rubros entre ellos Mejor

Music Hall, Café concert y/o Varieté musical resultando ganadora y en los Premios ACE fue nominada a Mejor musical, Mejor dirección general en musical.

Como actriz también recibió en 2023 el premio a Mejor Actriz y actor de reparto en drama y/o comedia por su personaje en la obra Para mi, para vos.

Además, como autora fue nominada en los Premios Trinidad Guevara en la obra Para mí, sos hermosa.

Sus últimos trabajos como actriz: Para mí, para vos Dir. Héctor Díaz; Laponia. Dir. Nelson Valente, El amo del mundo Dir. Francisco Lumerman, Otoño e Invierno Dir. Daniel Veronese, Once Berlin Dir. Gabriela Izcovich, Sentada en una casa de vidrio Dir. Marcelo Nacci, Juicio a una zorra Dir. Corina Fiorillo, Todas las rayuelas Dir. Andrés Bazalo, Dinamo Dir. Claudio Tolcachir, Melisa Hermida y Lautaro Perotti . Nerium Park Dir. Corina Fiorillo, Para mí sos hermosa Dir. Marcelo Nacci y Solo lo Frágil Dir. Luciana Dulitzky.

Como directora se destacan los trabajos que hizo en Mucho Corazón con Ligia Piro y orquesta A Saidera; La suerte de la fea de Mauricio Kartun; Noche; Jungla, un antiguo testamento, Pantuflitas, Noche de chicas.

FUNCIONES:

Martes 4, 11, 18, 25 de junio

Martes 2, 9, 16, 23 y 30 de julio 20h

El Galpón de Guevara

Entradas en venta en Alternativa Teatral

https://www.instagram.com/pelomuertateatro/

PRENSA: Antonela Santecchia antonelasantecchia@gmail.com

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Teatro/2024

La vaca atada

Bajo la dirección de Helena Tritek un elenco integrado por Fito Yannelli, Silvina Quintanilla, Milagros Almeida, Julieta Raponi y Miguel Ale Granado retrata parte de la historia del país que es parte de la matriz de nuestra cultura.

Re estreno:

Domingo 9 de junio a las 18h

Funciones: Domingos 18h

Entrada: $ 7.000

Sala: El Portón de Sanchez Sanchez de Bustamante 1034

Los años dorados, años ’20, las familias aristocráticas argentinas viajaban y pasaban largas temporadas en París, que los esperaba con los brazos abiertos. La obra transcurre en el lujoso

transatlántico Comte de Biancamano, donde comparten elviaje con el cantante más famoso del país.

En la bodega del barco viajan la vaca y las gallinas a cuidado de un peón, para que los niños tengan leche y huevos frescos. Los mucamos trabajan meticulosamente, los patrones tienen una vida social intensa y ajetreada.

Proyectos… ilusiones… El pasado es un sueño, lo que resta por venir es la esperanza.

Ficha artístico.técnica

Elenco: Fito Yannelli, Silvina Quintanilla, Milagros Almeida, Julieta Raponi y Miguel Ale Granado

Arte: Miguel Ale Granado

Asistencia de dirección: Juan Pablo Sierra

MiraBA

Producción ejecutiva: Fabi Maneiro

Puesta de luces: Helena Tritek

Fotografía: Silvana Galdy

Helena Tritek: Actriz, directora y docente. Con 50 años de experiencia, realizó cine, teatro, radio y televisión. A los 40 años comenzó a dirigir y obtuvo numerosas menciones y premios. Sus obras viajaron a festivales internacionales. Dirigió en el circuito comercial, oficial y el independiente. Se destacan: “Las pequeñas patriotas” con Norma Aleandro y Adriana Aizemberg, “Venecia” que estuvo 4 años en cartel y cosechó 16 premios de la crítica Nacional e internacional, “Filomena Marturano” Con Claudia Lapacó y “33 Variacio-

nes” Con Marilú Marini y Lito Cruz.

Fito Yannelli: Desde 1975 ACTOR, en Teatro realizó trabajos en el Teatro G. San Martin, Teatro Nacional Cervantes, Teatro Alvear. Se destacan: “El Conventillo de la Paloma” , Dirección: Santiago Doria, “El Diario del Peludo” Dirección Gonzalo Demaria, “Bacacay...un crimen premeditado” Dirección Adrian Blanco. “Sonetos de Shakespeare” Dirección Helena Tritek. Trabajó en numerosas tiras de Tv y cine, donde se destacó en “Gatica” de Leonardo Favio. Premio ACE, mejor actor de reparto Puck sueño de Verano. Nominado ACE Mejor Actor Reparto por El Sable. Nominado Estrella de Mar Actor en Requiem para un Viernes a la Noche. Premio PODESTA a la Trayectoria Honorable.

Nominado Mejor Actor Reparto Condor de Plata por la Película Puerta de Hierro.

Silvina Quintanilla: Realiza su formación actoral con Migue Cavia, Carlos Moreno, Lito Cruz, Luis Romero, Lisardo Laphitz, Helena Tritek, Gianlucca Barbadori (teatro en italiano). Canto con Mariana Clussela y entrenamiento de voz con Nora Feiman. Los últimos trabajos “Venecia” y “Gritos en el universo” dirigidos por Helena Tritek. En Cine “Más respeto que soy tu madre” y “Papá al rescate” de Marcos Carnevale . “Mala” de Ismael A. Caetano, “Un novio para mi mujer” dir. Juan Taratuto.

Milagros Almeida: Es actriz, cantante, y compositora. Entre sus últimos trabajos se destacan: “Sonetos de Shakespeare”,

“Suite Chejov” y “Filomena Marturano” de Helena Tritek, “Blum” dir. M. Dossena para el CTBA, “Como una perra en un descampado” de Corina Fiorillo , “Surmenage” y “Caravana Real” junto a Fer Tur, donde además realizó la música original. Participó de importantes festivales de teatro y música. Actualmente realiza el unipersonal “Fragmentos Mansfield”, forma parte de la banda Cocktail Tour y está grabando su primer disco solista.

Julieta Raponi: Estudio en la UNA Licenciatura en actuación. Sus maestros son Helena tritek y Toto Castiñeiras. Toma clases de canto con Lucila Gandolfo. Realizó clases para el entrenamiento del cuerpo y la voz, estudios de clown, tiene conocimientos en trapecio, aro aéreo y contorsionismo. Fue nominada a premios “Florencio Sanchez” Actriz revelación- en la obra “La boda de Fanny Fonaroff” y nominada a premios “Trinidad Guevara” Actriz revelación- en la obra “Bacacay un caso de Crimen premeditado”.

Miguel Ale Granado: Formado en distintas artes escénicas: Escenografía, semiótica y heurística junto al Arq. Gastón Breyer, iluminación con Gonzalo Cordova, dirección con J. Carlos Gene y R. Szchumacher, dirección de actores con Ciro Zorzoli, dramaturgia con Mauricio Kartun y Javier Daulte, pintura con Carlos Gorriarena. Algunos trabajos como actor: “Estirpe salvaje” y “La raza inextinguible”.

Prensa: Paula Simkin paulasimkin@gmail.com

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La Mirada de NosOtros

Dramaturgia Pablo Cernadas - Dirección Alejandra Mistral

Si realmente todos dijéramos lo que pensamos, ¿qué pasaría?

Cecilia, Pablo y Juan viven juntos, ahora no están más con sus padres y tratan de sobrevivir en un departamento alquilado. Pablo es taxista e intenta mantener la casa. Juan estudia actuación y lucha contra sus convicciones.

Cecilia aguanta en un trabajo donde se siente acosada. Mientras todos se rebelan contra sus tabúes y deseos reprimidos, algo los unirá, se llama “Soledad”, un hecho más que significativo que cambiará sus vidas para siempre.

ACERCA DE LA OBRA:

¿Qué pensamos del otro cuando nos habla? ¿Qué pensamos de nosotros mismos cuando escuchamos al otro? ¿Cuánto podemos tolerar la verdad? ¿Cuánto

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nos reprimimos?

El desdoblamiento de los personajes, tal como lo plantea el autor y desarrollado por la directora y psicodramatista Alejandra Mistral, hace que el espectador también esté al tanto de lo que verdaderamente piensan, sus deseos, lo que sienten. Si realmente todos dijéramos lo que pensamos, ¿qué pasaría?

FICHA TÉCNICO/ ARTÍSTICA

Dramaturgia: Pablo Cernadas

Actuación: Orianna Cardenas, Diego Rasore, Charly Velasco

Diseño de Luces: Miguel Madrid

Vestuario y Escenografía: Abril Farías Rossi

Diseño Gráfico: Pablo Cernadas

Fotos: Germán Romani

Prensa: Valeria Franchi

Producción: Pablo Cernadas

Asistencia de dirección: Miriam Casabe

Dirección y puesta en escena: Alejandra Mistral

Duración: 50 minutos

Redes sociales del espectáculo: Intagram @lamiradadenosotros

FUNCIONES:

Viernes 23 hs. (hasta el 28/6)

Nün Teatro Bar

Juan Ramírez de Velasco 419Entrada general: $9000

Compra online www.alternativateatral.com boletería del teatro

Pablo Cernadas (Autoría y Producción)

Productor teatral, actor, director y dramaturgo. Hace teatro desde 1992 entrenándose con maestros como Agustín Alezzo, Luis Agustoni y Raúl Serrano, estudió en el Teatro Calibán con Norman Briski y en Zelaya con Federico León. Realizó talleres de dramaturgia con Sol Rodríguez Seoane, Natalia Casielles, Agustina Gatto y Santiago Loza. Estudió dirección y puesta en escena con Emilio García Wehbi. Como actor en cine hizo recientemente un rol en el film “El Eternauta” serie de Netflix a estrenar en 2024, “Campamento con Mamá” película para la productora 100 bares a estrenar en Netflix, También en un film

de Celina Murga “El olor a pasto recién cortado” estreno 2024. Como director, su obra Pichón fue seleccionada en el 2012 y auspiciada por el INADI por su temática sobre el transgénero y la identidad. Su obra Alma Mula fue seleccionada y participó del Festival Escena 2013 de Buenos Aires. En 2017 estrenó su obra Lobería en el Teatro Delborde (CABA) siendo seleccionada en 2018 para participar en el Festival ENTI de La Plata. En 2019 Lobería es elegida para participar del Festival Shakespeare Bs.As. Como Productor hizo la obra en cartel “Las Descartadas” cuya actriz Mariel Rueda estuvo nominada a los premios ACE 2023 y es productor de Ay, Camila! con Carla Haffar, nominada también al ACE como mejor actriz.

Alejandra Mistral (Dirección y Puesta en escena)

Actriz, autora, psicodramatista, profesora, directora teatral y productora de teatro. Desarrolló actividades en diferentes espacios, junto a innumerables elencos de actores en el teatro La Manzana de las Luces, Teatro Colonial, Paseo la Plaza, Teatro La Clac y La Pausa Teatral, que incluyen más de 30 muestras por año de alumnos. Como directora de teatro hizo recientemente “Las Descartadas”, cuya actriz Mariel Rueda, fue nominada en el rubro mejor actriz revelación a los premios ACE. En el 2024 dirige “Compañía” de E. Rovner con destacados intérpretes y excelente crítica.

PRENSA

Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com

ESTRENO “GWEN” DE JUAN MARTÍN DELGADO

“Dicen que en el arte de la coreografía, la concepción es sólo el cincuenta por ciento del trabajo y la verdadera prueba de tu talento es encontrar bailarines que puedan darle vida a esa idea en tu cabeza. Pero a veces, si tienes mucha suerte, puedes encontrar a alguien que lo baile mejor de lo que alguna vez pudiste soñar. Para mí esa persona es Gwen Verdon” (Bob Fosse)

Del mismo creador de “La desgracia”, Juan Martin Delgado, llega una obra sobre Gwen Verdon, la bailarina que revolucionó la danza en Hollywood y Broadway.

Todos los miércoles a las 22h en la Sala Pablo Picasso del Paseo La Plaza, Av. Corrientes 1660, CABA

Desde el 08 de mayo, llega a la Sala Pablo Picasso, la nueva obra de Juan Martín Delgado (La Desgracia) “GWEN”, homenaje a la gran Gwen Verdon, la bailarina que revolucionó la danza en Hollywood y Broadway y que fuera mujer del gran Bob Fosse.

Las funciones serán todos los miércoles a las 22:00h y las entradas ya se encuentran a la venta en la boletería del teatro y en Plateanet.

El talentoso elenco está conformado por: Romina Fos, Virginia Kaufmann, Milagros Llanos, Yerar Pérez, Andrés Rosso, Leonardo Robaglio, Nahuel Silva, Guillermo Valeriano, Mara Mo-

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yano, Vicky Barnfather, Laura Rubinstein, Natasha Zbuczynski, Delfina Dilavello, Camila Cerutti, Bianca Curra, Antonella Schimpf.

Un homenaje que es una carta de amor a la gran Gwen Verdon

Gwenyth Evelyn Verdon (1925 - 2000) nació en Culver City, Estados Unidos. A los tres años es diagnosticada con una patología en sus huesos por lo que su madre decide mandarla a estudiar ballet, sin saber que de esta manera estaría marcando su destino.

A pesar de tener una sólida formación clásica, Gwen se destacó por ser una bailarina versátil capaz de abarcar muchos estilos. Fred Astaire y Charlie Chaplin fueron dos de sus grandes inspiraciones.

Es así como comienza a trabajar para Jack Cole, el considerado padre de la danza jazz, como su asistente y primera bailarina. Jack y Gwen fueron los encargados de darle movimiento a las grandes películas de Hollywood protagonizadas por Marilyn Monroe, Betty Grable, Rita Hayworth, Jane Russell, entre otras divas de la época dorada.

Tras mudarse a Nueva York para trabajar en Broadway, recibe por la obra Can-Can (1953) el primero de sus cuatro premios Tony. Es a partir de ahí cuando aumenta su popularidad hasta convertirse en la mejor intérprete de teatro musical. Gwen originó los roles de Lola (Damn Yankees), Charity (Sweet Charity) y Roxie Hart (Chicago).

Su gran amor fue el famoso co-

reógrafo y director Bob Fosse, con quien tuvo una hija, Nicole. Gwen trabajó con su marido en la creación de películas como Cabaret, Sweet Charity y All That Jazz.

Durante toda su carrera luchó contra el prejuicio de no ser considerada como una actriz seria dado a su background en musicales. Su paso por Broadway cambió el paradigma, demostrando que una bailarina podía ser sexy, graciosa y sensible al mismo tiempo.

Hoy bailamos celebrando su vida, recordando con una enorme sonrisa a esta artista de talento infinito. Aquí va nuestra carta de amor para Gwen Verdon.

Sobre Juan Martín Delgado (autor, coreógrafo y director)

Egresado de la Escuela Fundación Julio Bocca como alumno destacado y becado en New York por “Steps on Broadway” y el “Jacob’s Pillow Dance Festival” perfeccionándose con reconocidos artistas y coreógrafos de Broadway. Es autor, director y co-

reógrafo de “La Desgracia”, obra musical que se encuentra proyectando su séptima temporada en la cartelera porteña. Trabajó como actor en producciones teatrales argentinas (A Chorus Line, Hello Dolly) y paralelamente como director y coreógrafo de otros espectáculos.Fue director y coreógrafo de “El Arrebato” de Emiliano Dionisi, FIBA 2019. Así mismo, dicta clases de danza jazz, ofreciendo seminarios y workshops de teatro musical y theater jazz en distintos estudios de Argentina.

GWEN, de Juan Martín Delgado

Intérpretes:

Romina Fos, Virginia Kaufmann, Milagros Llanos, Yerar Pérez, Andrés Rosso, Leonardo Robaglio, Nahuel Silva, Guillermo Valeriano, Mara Moyano, Vicky Barnfather, Laura Rubinstein, Natasha Zbuczynski, Delfina Dilavello, Camila Cerutti, Bianca Curra, Antonella Schimpf Coreografías: Juan Martín Delgado Swing: Evelin Bottani Asistente de Coreografía: Laura Rubinstein Asistencia en Producción Musical: Facun-

CABA

do Cicciu Escenografía: Giuliano Benedetti Vestuario: Victoria Molotok By Palacio Victoria Molotok Asistente de vestuario: Luis Skupien Pelucas y Peinados: Miriam Manelli Diseño de Maquillaje: Yami Church Make Up Diseño de Luces: Matías Pagliocca Diseño Gráfico: Nahuel Lamoglia Diseño Logotipo: Lucas Rach Stages: Evelin Bottani y Martín Mena Redes Sociales: Alba Castellano Fotografía: Matías Ezequiel Jacobi Prensa: BMZ Comunicaciones Producción ejecutiva: Luciana Cuenca, Romina Fos Dirección General: Juan Martín Delgado

FUNCIONES

GWEN de Juan Martín Delgado

Desde el 08 de mayo, todos los miércoles a las 22:00h

Sala Pablo Picasso, Paseo La Plaza, Av. Corrientes 1660, CABA

Entradas en venta en la boletería del teatro y en Plateanet

PRENSA

BMZ Comunicaciones marcelo@bmzcomunicaciones. com.ar

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Estocolmos

Dramaturgia y Dirección Marina Filoc

Roberto Altamirano tenía un matrimonio que ya no era lo que era, en la redacción del diario le pedían que escribiera cosas que ya no estaba dispuesto a escribir. Por todo esto se queda sin mujer, sin trabajo y sin un peso. Llega entonces a la pensión de Elvira que a cambio de trabajos de mantenimiento le ofrece la piecita mugrosa. ¿Por ser digno acabar así? ¡Mi viejo era un pelotudo!, piensa Roberto con el revólver en la boca. Está por apretar el gatillo cuando golpean la puerta de la pieza: es el cobrador del club que viene por las cuotas atrasadas, y terminará sin querer involucrado hasta el caracú con este desmoralizado Quijote de Parque Patricios.

FUNCIONES:

Domingos 20 hs.

Teatro Tadron Niceto Vega 4802

Entrada general $6000

Est. y jub. $5000

Reservas / Compra online: www.alternativateatral.com

Palabras de Marina Filoc acerca de la obra:

“La escribí porque siento que vivimos unos tiempos muy hipócritas, en donde la falta de escrúpulos se disfrazan de bonhomía y de igualdad. Tiempos en los cuales quien tiene las agallas de denunciar queda solo y en la miseria. La obra es una especie de grotesco con algunos ribetes de realismo, una farsa trágica. Miseria, dejadez, opresión, el equipo de fútbol que nos salva de lo otro, de la insoportable levedad…”

FICHA TÉCNICO/ ARTÍSTICA

Actúan: Cecilia Layus (Cintia), Esteban Piñeyro (Treno), Solana Pozzi (Elvira), Horacio Pucheta (Roberto). Escenografía: Mariano Salvador Castillo, María Laura Monedero Vestuario: Mariano Salvador Castillo Diseño iluminación: Diego Becker Prensa: Valeria Franchi Asistencia de dirección: Miguel Haddad Dramaturgia y dirección: Marina Filoc Duración

del espectáculo: 70 minutos

Marina Filoc

Se formó en cine con Juan José Campanella y Aida Bortnik. Realizó seminarios con Lucrecia Martel y de producción de TV con Pablo Cullel y Jorge Maestro. Actuación y dirección teatral con Ricardo Bartís, Lorenzo Quinteros, entre otros. Dramaturgia con Mauricio Kartún. En Sitka, Alaska entrenó improvisación con Beverly Mann y Roblin Davis. Periodismo en la escuela de Eduardo Galeano y aprendiendo con Jesús Quintero. Como actriz participó en “Jockey Club”, obra de su autoría. Como dramaturga y directora montó “Bárbara”, “Soja” y “Altamirano”, “Verde esperanza y no pierde”, entre otras. Fue parte del equipo autoral de “Entre Caníbales”, tira televisiva dirigida y producida por Juan José Campanella. Colabora en Zendalibros, la revista madrileña de Arturo Pérez Reverte.

PRENSA Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com

¡ESTRENO EL 12 DE JUNIO! “JARDINES SALVAJES” EN EL MULTITEATRO COMAFI

Una comedia hilarante con un final inesperado, en la cual una pareja joven se muda a un barrio tradicional y se encuentra compartiendo un jardín con un matrimonio de mayor edad. Lo que comienza con las mejores intenciones de ambas partes, rápidamente escala en una batalla campal entre vecinos. ¿Los motivos? Diferencias irreconciliables con respecto al jardín, que revelan brechas generacionales, culturales y éticas.

Tras una resolución sorpresiva de un impacto pocas veces visto en la calle Corrientes, Jardines Salvajes concluye su aguda ex-

ploración sobre las pequeñas y no tan pequeñas diferencias que tanto nos dividen invitándonos a considerar la esperanza de aquello que nos une.

Aclamada en Estados Unidos, Jardines Salvajes estrena por primera vez en Buenos Aires dirigida por Ricardo Hornos, en una producción de GO Broadway Productions y Aleph Media.

Jardines Salvajes llega por primera vez a Buenos Aires el 12 de junio de la mano del siguiente equipo:

Dirección: Ricardo Hornos Adaptación: Ricardo Hornos Producción Ejecutiva: Sofía Prina Diseño y Producción de Vestuario: Alejandra Robotti Di-

seño de escenografía: Lula Rojo Diseño de luces: Ricardo Sica Marketing: Pablo Scioscia Fotografía: Nacho Lunadei Diseño Gráfico: Lucila Gejtman Prensa: Soy Prensa Redes sociales: Julieta Salvo Producción General : GO Broadway Productions (Valentina Berger) y Aleph Media (Carlos Mentasti)

FUNCIONES DE MIÉRCOLES A DOMINGO

TEATRO MULTITEATRO COMAFI CORRIENTES 1283, CABA

Entradas disponibles únicamente por PLATEANET o en BOLETERÍA DEL TEATRO

PRENSA Soy prensa hola@soyprensa.com.ar

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Estrena en Junio en el Teatro Ñaca los días Sábados.

VACÍO. Espacio donde habitan los recuerdos de Gabriela Spezzi

SINOPSIS:

Encerrados deliberadamente en un ascensor, cinco personas se ven obligadas a enfrentar sus miedos y secretos más oscuros del pasado. El contraste entre los personajes añade una capa de tensión y suspenso en este espacio limitado, donde cada uno lucha por redimirse para encontrar una salida de esta situación desesperada.

MiraBA

Sobre Gabriela Spezzi

Gabriela Spezzi es una artista versátil. Comenzó su carrera artística como cantante,docente y actriz. Pero durante el encierro de la pandemia del Covid, descubrió su vocaciónpor la dramaturgia, lo que la llevó a adentrarse en la escritura teatral. A partir del 2021, se desenvuelve como dramaturga y directora. Desde entonces, ha producido 4 obras cortas y una pieza teatral musical infantil, que derivó en un libro para niños presentado en la FIBA (Feria del Libro de Buenos Aires) en el año 2023. Actualmente, se encuentra en las etapas finales de preparación para el estreno de su próxi-

ma obra, “Vacío, espacio donde habitan los recuerdos”, prometiendo una experiencia teatral única. Por un lado, está inmersa en un proyecto especial: una propuesta directa de la editorial con la que publicó su libro en 2023, y que implica la creación de un nuevo libro infantil. Para el próximo año planea dirigir una nueva obra teatral musical de su autoría.

FICHA TÉCNICA:

Libro: Gabriela Spezzi

Actúan: Carla Di Amore, Natalia

Fantini, Esteban Navarro, Sandra Urbez, Alejandro Ventura

Escenografía: Ezequiel Maur Perotti

Sonido: Ing. Ezequiel Maur Perotti

Dirección: Gabriela Spezzi

Prensa: Caro Arellano. Expansión Teatral

Género Tragicomedia

Público Adulto

Entreno: 8 de JUNIO del 2024

Funciones: sábados de Junio 22.30h.

A partir del 8 al primer sábado de julio

Teatro Ñaca

Julián Álvarez 924

Duración: 60 minutos

Venta de Entradas: https://www.alternativateatral. com @expansionteatral @estebanavarro_actor @aleventura2018 @sandraurbez_actriz @natifantini @carla.diamore @gabrielaspezziteatro

PRENSA: Caro Arellano expansionteatral@gmail.com

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FELDMAN - SANTA CRUZ PRODUCCIONES PRESENTA

Nunca te fíes de una mujer despechada

2da. temporada

Luego de una temporada exitosa en calle Corrientes regresa una comedia que te hará reír. Segunda temporada en el Teatro Premier con un super elenco.

ELENCO:

Miriam Lanzoni - Fabio Di Tomaso - Sabrina Carballo - Nancy Gay - Fiamma Curtosi - Mica Lapegüe

Funciones

Viernes, sábados y domingos 20 h.

TEATRO PREMIER

Corrientes 1565 ENTRADAS

en plateanet o boletería del teatro

SINOPSIS:

Leonela, quien acaba de reconciliarse con su pareja Daniel, invita a su círculo íntimo de amigas para descubrir quien tuvo una relación con su novio cuando estuvo separada. pero luego de una acalorada noche de copas y confesiones descubre mucho más de lo que esperaba. Entonces, en pleno fervor del encuentro, leo invita a Daniel a su departamento para desquitarse y ejecutar junto a sus amigas la peor de las venganzas.

FICHA ARTÍSTICA:

Elenco: Miriam Lanzoni, Sabrina Carballo, Fabio di Tomaso,

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Mica Lapegüe, Fiamma Curtosi, Nancy Gay.

Libro y dirección: Hernán Krasutzky

Coordinador de producción: Miguel Catalán

Producción ejecutiva: Candela

Bravo

Asistencia de producción: Ivan

Alejandro Valentti

Vestuario: Juan Santi

Diseño de escenografía: Vanesa Abramovich

Fotos: Nacho Lunadei

Diseño gráfico: Victoriano Pololla

Redes: Boria audiovisual

Prensa: Agencia AB - Ale Benevento

Estilismo: MB salón

Make up: Juli González -Romina Capón

Producción general: Feldman

Santa Cruz Producciones

PRENSA Agencia AB prensa@alebenevento.com

El Rojas presenta LOS OJOS DE ALEJANDRO

Dirección: Gabriel Wolf - Autor: Facundo Zilberberg

Basado en el libro “Vagones transportan humo” de Alejandro Urdapilleta.

En la rutinaria vida de Alejandra, una mujer que comparte un modesto departamento con su madre en el barrio de Once, la monotonía se quiebra cuando una noche, una paloma irrumpe a través del taparrollo de la persiana, desafiando la realidad al hablar y solicitándole a Alejandra que la siga hacia una galería llamada “Alejandría”, ubicada al otro lado de la “Plaza Miserere”. Dentro de esta galería, un espacio sucio y decadente, Alejandra se embarca en un viaje que va más allá de lo físico. La visita a “Alejandría” se convierte en un marco para adentrarse en las creaciones de Alejandro Urdapilleta. A través de sus relatos, poemas y fragmentos de textos teatrales, Alejandra descubre cada rincón de la galería, preparándose para asistir a un singular cumpleaños.

“Los ojos de Alejandro” celebra la figura de Alejandro Urdapilleta sumergiéndose en la esencia misma de su universo poético.

FICHA TÉCNICA

Actúan: Julieta Bossio, Eric Calzado, Pablo Palavecino, Rosario Zubeldía. Diseño de escenografía e iluminación: Leandra Rodriguez ADEA. Diseño de utilería: María Lombana ADEA. Realización escenográfica: Laura Klein y Agustín Valle. Montaje de escenografía: Mia Giovannoni. Diseño de vestuario: Analía Cristina Morales. Música original: Norberto Moreno y

José Luis Piccinini.Coreografía: Valeria Narváez. Asistente de dirección: Lailén Alvarez. Producción ejecutiva: Bibiana Glait. Dirección: Gabriel Wolf.

FUNCIONES:

Sábados 15, 22 y 29 de junio; 6, 13, 20, 27 de julio; 3, 10, 24, 31 de agosto | 15.30 h.

Sala Batato Barea del Centro Cultural Rojas UBA Av. Corrientes 2038/2040 Entrada: $7500. en www.rojas.uba.ar y desde dos horas antes de cada función en Boletería PB. Duración: 70 minutos

Gabriel Wolf: director teatral, actor, doblajista, docente y dramaturgo. Integrante de LOS MACOCOS desde 1988 a la fecha, con quienes estrenó más de 20 obras. Fuera de Los Macocos, actuó en un sinfín de obras bajo dirección de Leo Maslíah, Miguel Dao, Julieta Carrera, Alberto Lec-

chi, Gaby Fiorito y Cristian Drut, entre otros. Como director, ha trabajado en más de 10 obras, como “El ratón” de Leo Maslíah, “Walter hecho pedazos” de Facundo Zilberberg y “Heredé el absurdo” de Emilio Ferrero. En televisión participó en programas tales como: Aquí no hay quien viva, Casados con hijos, Patas para arriba, Sandro de América, Gigantes de México, entre otros. En cine estuvo en las películas: Crónica de una fuga, Cara de queso y El mural.

Facundo Zilberberg: dramaturgo egresado del curso de dramaturgia de la EMAD y de la diplomatura en dramaturgia de la UBA. Sus últimos trabajos estrenados son “Antigona en el baño” (teatro Astral) “El tiempo se detiene” (teatro Beckett) “Walter hecho pedazos” (Timbre 4). Por su obra “El tiempo se detiene” ganó el 2ndo premio German Rozenmacher en el año 2017.

prensa@rojas.uba.ar

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GRAN ESTRENO - TEATRO AREA 623

“Una

casa con una silla frente a Dios”

Una obra de Juan Fagioli con dirección de Juan Martin Cervetto

“Una casa con una silla frente a Dios”, es una obra que elabora a la vista el vínculo entre un hijo y una madre que quieren - a través de la actuación - aprender a vivir y a morir. Juan Fagioli y Andrea Strenitz, llevan a la escena su vínculo filial dirigidos por Juan Martín Cervetto, quien ordena y dinamiza, con profundidad y gracia, el material en cuestión.

El estreno fue el pasado jueves 16 de mayo a las 20:00 horas en Área 623 (Pasco 623, CABA), con localidades agotadas. Las funciones son los jueves 16, 23 y 30 de mayo y martes de junio, mientras que las entradas se pueden conseguir a través de la pagina de Eventbrite o en la boletería del teatro.

SINOPSIS

Una actriz se prepara. Un autor piensa alrededor de una idea o de varias.

¿Cómo se cuenta una historia?

¿Quién le da una voz? Por momentos es la actriz que representa a una mujer enferma, por otros, una madre acompañada de su hijo.

Cuando la realidad se entromete con la representación, ¿cuál es el límite?

Una casa con una silla frente a Dios, es una sinfonía de voces que resuenan en un solo cuerpo. Cuerpo que dice, cuerpo que observa.

Una obra sobre la obra. Un juego de cajas chinas donde

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la verdad es cuestionada.

Una celebración acerca de la fe, la familia y el fondo.

Una obra sobre todos los principios de todas las obras.

FICHA TÉCNICA

Autoría: Juan Fagioli

Actúan: Juan Fagioli, Andrea Strenitz

Diseño de espacio: Juan Martin

Cervetto

Diseño Audiovisual: Tam Hintze

Diseño De Iluminación: Sandra Grossi

Fotografía: Romina Santoni

Diseño gráfico: Julieta DI Santo

Asistencia técnica: Ramiro

Arias

Producción ejecutiva: Romina Santoni

Dirección: Juan Martin Cervetto

Prensa: Kevin Melgar (0KM Prensa)

0KM Prensa

kevin.0kmprensa@gmail.com

Robertson, El Rey del Drama

Dramaturgia y Dirección Franco Cassano

Franco Cassano, dramaturgo, director y actor, presenta la tercera temporada de su obra “Robertson, El Rey del Drama”, una tragicomedia protagonizada por él donde se mezclan elementos autobiográficos y de ficción.

Renzo es un intento de comediante de stand up que lleva un año trabajando en una idea innovadora para un show. Su hermana Leticia atraviesa un turbulento momento con su pareja y decide quedarse unos días con su padre con quien nunca pudo llevarse del todo bien. El padre de Renzo y Leticia pasa sus días pensando únicamente en recuperar el amor de su ex esposa. Durante los días en los que estos tres conviven, sale a la luz que el padre tiene un grave problema de salud... Nadie en esta familia tiene la suficiente madurez emocional para llevar adelante esta situación...

FUNCIONES:

Domingos 19:30 hs. (hasta el 28/07)

Teatro Páramo Cultural - Carlos Calvo 3974Entrada general $6000 $5000 est. y jub.

Compra online: www.alternativateatral.com

Duración del espectáculo: 90 minutos.

Palabras de Franco Cassano acerca de la obra

“Esta obra fue escrita entre 2019

y 2020 y es mi tercera obra de teatro. Contiene muchos elementos autobiográficos, como la enfermedad y el posterior fallecimiento de mi padre y mi relación con el resto de mi familia. Aun así, no termina de ser una obra autobiográfica, es más bien un mix de cosas inventadas, cosas que pasaron y cosas exageradas y llevadas al extremo. Esta obra pertenece al género de la tragicomedia, el drama y el humor están presentes prácticamente en iguales proporciones, igual que en la vida.”

FICHA TÉCNICO/ ARTÍSTICA

Vestuario: María Luisa Gomes

Hoyos

Escenografía: Fernando Díaz

Iluminación: Gonzalo Szklar

Boblansky

Coreografía: Ayelén Rubio

Diseño gráfico: Daniela Cassano

Prensa: Valeria Franchi

Asistencia de dirección: Maia

Rosental

Dramaturgia y Dirección: Franco Cassano

Franco Cassano (Dramaturgo, director y actor)

Formado actoralmente en Andamio 90, Sportivo Teatral, Apacheta y Bravard. En dramaturgia se formó con los docentes Nacho Ciatti, Ignacio Apolo y Rafael Spregelburd. También cursó la licenciatura en Artes Audiovisuales en la U.N.A. En 2019 estrenó la primera obra de su autoría, “La Vida en Seúl”, dónde además interpretó el papel principal. Escribió y dirigió las obras “Harold y Amanda” y “Robertson, El Rey del Drama”. Participó como actor en las obras “Brujerías”, “Los Lobos” y “Perfecta”. En 2022 debutó como guionista y director de cine con el mediometraje “Triste y Solo”.

Redes sociales del espectáculo: IG: @robertson.elreydeldrama

PRENSA: Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com

Actuación: Franco Cassano (Renzo), Virginia Vallés (Leticia), Gabriel Cillis (El Padre), Mariana Szmulewicz (La Madre), Matías Zambrano (Diego)

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DE LUNES A VIERNES a las 18 HAPPY HOUR + JAZZ EN VIVO

Ahora de lunes a viernes: Gustavo Cortajerena trompeta, Sebastián Marcial Álvarez saxo tenor, Dante Carniel piano, Fran Nava contrabajo, Camilo Zentner batería. Con entrada al sobre y tragos con descuento!!

LOS LUNES a las 20.30

LUNES DE JAZZ

SUCHERAS / DE MÓNACO / ZENTNER

La Biblioteca Café a puro Jazz, presenta, en su 16º año al trío integrado por Angel Sucheras

122 MiraBA

piano, Gerardo de Mónaco contrabajo y Camilo Zentner batería.

LOS MARTES a las 20.30

BANDA BRODER BASTOS CONVIDANDO MÚSICAS DE BRASIL

Todos los martes el guitarrista, bajista, compositor y cantante Broder Bastos junto al baterista Camilo Zentner, presentan un show de música popular brasilera. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Milton Nascimento y mas! Con Miguel Oyuela en guitarra y como invitado especial Rodrigo Aberastegui en piano.

Sábado 1° a las 17 HOMENAJE A GUASTAVINO

CAROLINA VEBER / EZEQUIEL SARUBBI

Celebraremos un homenaje a uno de los compositores argentinos más destacados de su época recreando un ambiente

folclórico con ritmos y melodías campestres que evocan la infancia del compositor y conectan con las miniaturas de los románticos del siglo XIX. La mezzosoprano Carolina Veber y el pianista Ezequiel Sarubb nos sumergirán en un viaje musical y poético a través de un selecto repertorio de canciones y obras pianísticas de Carlos Guastavino.

Sábado 1° a las 21 ALMALUSA / CASA DE FADOS NOVENA TEMPORADA

En su novena temporada Al-

malusa presenta su ya clásico espectáculo de fados y música portuguesa, con un intenso recorrido por el fado que nos permitirá sumergirnos en la calidez y l a intimidad del género. Integran Almalusa: María Laura Rojas y Dulio Omar Moreno voz, Juan Pablo Isaía guitarra portuguesa, Luis Cativa Tolosa guitarra, Ignacio Long contrabajo

Domingo 2 a las 17 RIC PEÑA EN BANDA ROCK NACIONAL

Andrés Sainagui, Manuel Pardo, Ric.Peña, Franco Grosso y Isidro Magyary presentan temas de sus álbums Aquellas Canciones, En Confinamiento junto a Himnos de Nuestro Rock Nacional

Domíngo 2 a las 20.30 ANTÍDOTO DE DOMINGO

PAULINA TORRES

Los domingos se llenan de música, poesía y buena energía con Antídoto de Domingo. En este ciclo musical, la actriz y cantante Paulina Torres nos transportará a través de sus canciones e interpretaciones por diversos géneros y temáticas

artísticas. Acompaña el maestro Pablo Figueroa en la guitarra y los arreglos y Camilo Zentner en batería. Una experiencia única No se lo pierdan, les esperamos.

Miércoles 5 a las 21 JAZZ STANDARDS

SCAGLIA - ELÍAS - COVITOBECERRA .

Integran el cuarteto; Pablo Scaglia saxo, Fernando Elías piano, Francisco Covito contrabajo, Santiago Becerra batería.

Jueves 6 a las 21

UNFORGETTABLE- EVOCANDO A NATALIE COLE

ROMINA DÁVILA QUARTET

Un paseo por el jazz aterciopelado de Natalie Cole, bajo las alas de los grandes éxitos de su padre. La cantante Romina Davila propone un repertorio Unforgettable, celebrando a la figura acreedora de varios discos de platino y 9 premios Grammys. Romina Dávila voz, Juan Correa piano, Sebastián Dezeo bajo, Jorge Lombardo batería.

Viernes 7 a las 21 LAS CUATRO ESTACIONES

DEL EARLY JAZZ

CABA

LA TRANGUAY JAZZ & BLUES

La Tranguay Jazz & Blues es una banda que se fundó en 2013 y su estilo se inspira en el Hot Jazz. En Las Cuatro

Estaciones del Early Jazz, nos propone un viaje que llevó al Jazz desde New Orleans (King Oliver y Louis Armstrong) pasando por Chicago (Creole Jazz Band, Jelly Roll Morton) y Nueva York (Fletcher Henderson y Duke Ellington), hasta el resto del mundo (Bechet en París).

Integrantes Eduardo Manentti corneta, Ernesto Falzone saxo y voz, Juan Mardirossian trombón, Juan Carlos Cageggi piano, Lalo Acuña contrabajo, Garfio Lozza banjo Jorge Lombardo batería y producción.

Sábado 8 a las 20

EL ASUNTO / AGUSTÍN LÓPEZ NÚÑEZ Y PATRICIA

MALANCA

BOLERO / TANGO / HUMOR

Agustín López Núñez y Patricia Malanca presentan EL ASUNTO el espectáculo romántico musical que con toques de humor y

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amor desentraña las relaciones entre dos géneros rebeldes: el tango y el bolero. Acompañados en piano por Paula de Ovando. Agustín López Núñez, humorista, conductor, locutor, imitador y cantante. Humorista en Radio El Destape Sin Fin. Patricia Malanca, cantante, compositora, ganadora del Premio Gardel 2022.

Domingo 9 a las 17 CADÊNCIA DO CHORO VIBRAÇÕES

Homenajea a Jacob do Bandolim reviviendo lo mejor de la música brasileña. El conjunto argentino está integrado por Mercedes Ragusa bandolim, Federico Szenkierman guitarra, Nicolás Medel cavaquinho y Joan Bergunker pandeiro

Domingo 9 a las 20.30 LUCAS TROSMAN GRUPO PRESENTA

Lucas Trosman presenta la

obra musical - literaria “Retratos de un tiempo”. Una propuesta compuesta por un álbum de nueve composiciones originales y un libro de relatos homónimos. La música puede enmarcarse dentro del jazz contemporáneo con influencias de la música latinoamericana. Este es el primer álbum de Lucas Trosman Grupo integrado eléctrica y Lucas Trosman en batería y dirección musical. De manera simultánea se presentará el libro homónimo de relatos breves, publicado por la editorial Merodeo. Invitados especiales: Magalí Fernández voz, Emanuel Flores trompeta, Santiago Kurchan saxo.

Miércoles 12 a las 21

TRES LATIN JAZZ

FRONTERA ARTIFICIAL

Frontera Artificial, el jazz que emerge desde Buenos Aires, un pasaporte melódico que va más

allá de las fronteras que marcan nuestro camino, dejando que la música sea nuestra guía universal. Formado en 2008, Nahuel Bailo piano, Federico Hilal bajo, Daniel Corrado batería; conforman un poderoso trío que transmite todas las emociones de América Latina influenciadas por el jazz en cada concierto, forjando su propia identidad musical en sus composiciones, giras y presentaciones con artistas internacionales como Sylvain Luc, Cedric Hanriot (Fr.); Oscar Stagnaro (Perú-Estados Unidos); No Square (Suiza); Ibrahim Ferrer Jr. (Cuba); Lupa Santiago, Edu Martins (Brasil); se ha desarrollado como artista independiente, produciendo álbumes, festivales y realizando giras con una propuesta musical única y personal. En Febrero el trío realizó su 6° gira europea con 20 conciertos presentando este nuevo vinilo 124 MiraBA

Jueves 13 a las 21

NUWARA JAZZ SEXTETO

Este Sexteto de Jazz de jóvenes músicos se estará presentando con un repertorio inclinado hacia el estilo “Hard Bop” de los años 60’, con arreglos propios y prestados del repertorio tradicional jazzístico Se encuentra liderado por sus vientistas Martín Polanuer saxo tenor, Lautaro Quipildor trombón y Fidel Makón trompeta, acompañados por Dante Carniel piano, Gabriel Balado contrabajo y Javier Portela batería, todos estudiantes y ex-estudiantes de la Tec. en Jazz del Conservatorio Manuel de Falla.

Viernes 14 a las 21

MIRANDO AL SUR / PIAZZOLLA- BLAZQUEZ Y MÁS TANGO.

ISABEL MINGUEZ

“Con Buenos Aires en el corazón, recreamos las composiciones de uno de los músicos más importantes del S XX, Astor Piazzolla y la Inmensa Eladia Blazquez. Magníficos músicos me acompañan en esta presen-

tación, Carla Algeri bandoneón, Leonardo Marconi en piano y arreglos.” Isabel Minguez

Sábado 15 a las 21 HARD BOP LEGACY 5tet JAZZ

El quinteto integrado por Gustavo Cortajerena trompeta, Dante Carniel piano, Fran Nava contrabajo, Sebastián Marcial Álvarez saxo y Camilo Zentner batería interpreta composiciones de Jazz de finales de los años 50´s. Con temas de Hank Mobley, Art Blakey & the Jazz Messengers, Jimmy Heath, Freddie Hubbard, entre muchos otros mas.

Domingo 16 a las 17

BALADE FRANÇAISE À BUENOS AIRES

DÚO RÉSON

El dúo francés Réson, compuesto po Stéphanie Hanzo en la voz y Jean-Philippe Hanzo en la guitarra y la voz, interpretará un repertorio de canciones francesas en versiones acústicas. Desde Edith Piaf hasta Zaz, pasando por France Gall, Mathieu Chedid o Jacques Brel, este concierto será un paseo para descubrir o

redescubrir artistas de ayer y de hoy.

Domíngo 16 a las 20.30

ANTÍDOTO DE DOMINGO

PAULINA TORRES

Los domingos se llenan de música, poesía y buena energía con Antídoto de Domingo. En este ciclo musical, la actriz y cantante Paulina Torres nos transportará a través de sus canciones e interpretaciones por diversos géneros y temáticas artísticas. Acompaña el maestro Pablo Figueroa en la guitarra y los arreglos y Camilo Zentner en batería. Una experiencia única. No se lo pierdan, les esperamos.

Miércoles 19 a las 21

CANCIONES DE JONI | CARLY | CAROLE | JAMES

JENNG QUINTETO

A principios de la década de 70, Joni Mitchell, Carly Simon, Carole King, y James Taylor se habían rubicado a la meca artística de Laurel Canyon, en L.A. Joni ya había ganado un grammy con su álbum Clouds en 1969, y Tapestry, el álbum Anticipation de Carly salió en 1971,

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y su éxito “You’re So Vain” en 1972. El año 1971 también vio el álbum Sweet Baby James llegó a las listas. Muchos hits siguieron para todos. Únete a nosotros para una gran noche de grandes artistas y grandes canciones. JennG piano/voz, Cliff Williamson voz/guitarra, Emanuel Suarez voz/guitarra, Peter Wilson contrabajo, Tincho Rogé batería.

Jueves 20 a las 21 BRONKADERO

PIAZZOLLA Y MAS

Bronkadero es una agrupación musical surgida en el año 2020. La banda está compuesta por Norberto Malandrino en la batería, Diego Dolzani en bajo eléctrico, Hernán Sharpe en piano, Federico Quevedo en bandoneón y Pedro Luyo en violín. El estilo propio de Bronkadero busca captar el mensaje de la música del maestro Piazzolla, haciendo un guiño a otros géne-

ros, haciendo una puesta en valor y una reinterpretación propia de esta música que nos identifica, intentando acercarla a un público para el que esta música sea desconocida y convirtiéndola en parte del repertorio popular del siglo XXI. A poco más de 100 años del nacimiento del maestro nuestro humilde homenaje es llevar su música a nuevas generaciones de oyentes.

Viernes 21 a las 21 MEDIANOCHE EN PARIS

EDITH MARGULIS / SIMÓN MARTINS / HERNAN BONA-

DEO

Los grandes poetas de la canción francesa, desde los antiguos trovadores hasta los cantautores que revolucionaron la música popular, a partir de Charles Trenet hasta Jacques Brel, Edith Piaf, Barbara, y Georges Brassens, en la voz de Edith Margulis y el acompañamiento

de Hernan Bonadeo piano y voz y Simón Martins en violín.

Sábado 22 a las 17 JAZZTEROIDE JAZZ CUARTETO

Somos Oscar Cammarota piano y teclados, Sergio Meirovich. saxos, Ernesto De Vittorio bajos, Félix Spector. batería. Hace tiempo que venimos tocando, tratando de hacer buena música para defender nuestra cultura. Nos dedicamos fundamentalmente a reversionar temas de jazz ,bossa y soul de importantes compositores como Weather Report, Yellow Jackets, Chick Corea, Michel Legrand, Wayne Shorter y otros.

Sábado 22 a las 21

EL ASUNTO AGUSTÍN LÓPEZ NÚÑEZ /PATRICIA MALANCA

BOLERO/TANGO/HUMOR

Agustín López Núñez y Patricia

Malanca presentan EL ASUNTO el espectáculo romántico musical que con toques de humor y amor desentraña las relaciones entre dos géneros rebeldes: el tango y el bolero. Acompañados en piano por Paula de Ovando. Agustín López Núñez, humorista, conductor, locutor, imitador y cantante. Humorista en Radio El Destape Sin Fin. Patricia Malanca, cantante, compositora, ganadora del Premio Gardel 2022.

Domingo 23 a las 17

CUIÑAS & CASTRILLON DÚO BLUES Y JAZZ

Juan Cuiñas cantante y guitarrista y Nahuel Castrillón armonicista y guitarrista, son dos destacados músicos del blues y jazz argentino que llevan más de 12 años conformando un dúo que los ha llevado a tocar en los escenarios más importantes del país. En esta presentación ofrecen versiones propias de grandes clásicos del blues y jazz internacional, como Ray Charles, Bb King, Louis Armstrong y Eric Clapton, así como también de importantes exponentes locales como Pappo

y Memphis La Blusera.

Domingo 23 a las 20.30

JUAN FALÚ A SOLAS

Un recorrido entre el ayer y el hoy en la obra del músico tucumano, que incluye clásicos de nuestro folclore y sus habituales versiones libres. La Biblioteca Café se enorgullece en presentar a Juan Falú

Jueves 27 a las 21

MECHI A LA CREMA MECHI DOMÍNGUEZ CON TRÍO

Mechi presenta su disco Mechi a la Crema, junto a Juan Mettini guitarra Diego Dolzani contrabajo y Catalina Romero violín. Además va a interpretar algunas canciones inéditas de su próximo EP “Canciones inútiles para los tiempos que corren”.

Viernes 28 a las 21 PROMESSA D’AMORE MÚSICA DE CÁMARA ITALIANA

DEL SIGLO XIX

Que el amor sea una promesa? ¿Que esta promesa haya inspirado poetas, compositores, artistas de todos los tiempos?

¿Promesa de vida feliz, anhelos, pálpitos, sonrisas, o promesa de nostalgias, peleas, esperanzas defraudadas? Cualquiera sea su forma la música plasma sentimientos y emociones. En este concierto darán vida a los diferentes tipos de amor compositores clásicos como: Verdi, Bellini, Donizetti, Rossini, Puccini entre otros. la soprano Marta Rossi y Giovanni Panella al piano.

Sábado 29 a las 21 SETE NETOS MÚSICA CELTA

El grupo de música celta Sete Netos brindará un espectáculo que fusiona un variado repertorio de música de los pueblos celtas (Escocia, Bretaña, Galicia y Asturias). A través de sus melodías y variedad de instrumentos (gaitas, flautas, whistles, violín, ocarina, acordeón, guitarra, entre otros) nos harán viajar en el tiempo atravesando distintas geografías y épocas. Respetando las tradiciones de cada pueblo celta, pero a la vez con un estilo propio, Sete Netos logra alcanzar la mística de cada región que interpreta. Su tra-

127 MiraBA

yectoria los llevó a ser uno de los grupos más importantes de la música celta en Argentina. Integran Sete Netos Alberto López en flautas, gaita gallega y ocarina, Nicolás Pérez en gaita y violín, Nicolás Ameijeiras en gaita y whistle, Ignacio Geuna en acordeón y teclado, Jorge Sisto en guitarra y percusión, Hugo Reverditto en percusión tradicional y Marcelo Olveira en batería.

Domingo 30 a las 17 ANTÍDOTO DE DOMINGO

PAULINA TORRES

Los domingos se llenan de música, poesía y buena energía con Antídoto de Domingo. En este ciclo musical, la actriz y cantante Paulina Torres nos lleva a través de sus canciones e interpreta-

ciones por diversos géneros y temáticas artísticas. Acompaña el maestro Pablo Figueroa en la guitarra y los arreglos y Camilo Zentner en batería. Una experiencia única No se lo pierdan, les esperamos.

Domingo 30 a las 20.30 VELADA ÉXTIMA

Noche de dúos, de músicas cer canas y lejanas dispuestas a ce

lebrar una velada especial. Cel Mamone, junto al gran guitarrista Rodrigo Agudelo y su propuesta de músicas brasileñas, visitarán Bahía éxtima, su más reciente lanzamiento. En tanto que el dúo Cristiani - Sleiman presentará sus Nocturnos para piano y guitarra, una música en que decantan rasgos de distintos géneros, como el folclore, el ambient o la música académica.

Somos una empresa de Soluciones Tecnológicas especializada en la venta de Entradas para todo tipo de espectáculos y eventos.

Nos apasiona el mundo del entretenimiento y de la tecnología, y estamos comprometidos con el desarrollo constante y con la innovación.

Instalamos Ticketeras a Organizadores y a Recintos del sector Cine, Circo, Teatro, Deportes, Shows, Atractivos Turísticos y Festivales de todo el País, que deseen aumentar sus

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Mi primer banda solista presenta su nuevo single y video

“No me persigo” Música

El proyecto musical santafesino «Mi primer banda Solista» estrena su primer video de la canción “No me persigo”. Ya disponible en todas las plataformas digitales

El músico y compositor santafesino Mariano Donal, presenta la primer canción de su proyecto solista, “No me persigo”, una canción indie/pop para relajarse y danzar. Producida por el men-

130 MiraBA

docino Leo Costa y masterizada por el prestigioso Ingeniero Mario Breuer.

La idea de “Mi primer banda solista” nace por la necesidad del artista de explorar su propia voz y compartir su música. Su trabajo en solitario refleja una mezcla de influencias que van desde el indie/pop hasta la música electrónica, mostrando su versatilidad como músico y compositor.

El video, protagonizado por él mismo, estuvo a cargo de Gero Bayúgar y el arte de tapa es un dibujo de su hijo, intervenido por Aitor Aramberry.

CRÉDITOS:

Realización del Video: Gero Bayúgar

Cámara y Asistencia: Gervasio

Arroyo

Diseño de vestuario, maquillaje, fotografía de backstage: María Flora

Autor y compositor: Mariano Donal

Producción artística y mezcla: Leo Costa

Mastering: Mario Breuer

Diseño de arte de tapa: Aitor Aramberry.

SOBRE EL ARTISTA

Mariano Donal es un músico y productor multifacético cuya pasión por la música lo ha llevado a explorar diversos géneros y proyectos a lo largo de su carrera.

Su trayectoria profesional comenzó en el año 2000 cuando se unió a la banda Interno 22,

donde se desempeñó como guitarrista y compositor. Posteriormente, se unió a la banda Farah, donde amplió su experiencia como músico y compositor.

En los años siguientes incursionó en proyectos como Woareber y Pacho y los Limones, donde continuó desarrollando su habilidad como cantante, guitarrista y productor. Estas experiencias le permitieron colaborar con músicos talentosos y enriquecer su estilo musical.

En el año 2023, Mariano Donal decidió emprender un nuevo camino y lanzar su proyecto solista titulado “Mi primer banda solista”.

Fuente: D&M Prensa y Diseño

Daniela Fortonani ig: @dym_prensa

Video

Mi primer banda solista - No me persigo

https://youtu.be/Zf9d2H9umc0?-

Subeibaja Eléctrico | NUEVO Lanzamiento “Visión”

“Visión” es la nueva canción de la banda y primer adelanto del próximo disco que se espera para el segundo semestre del año. La banda en ascenso, que viene dando firmes pasos en la escena musical, se presentó el pasado sábado en Camping a sala llena, con un público que disfrutó y compartió la mágica atmósfera que se generó. En un show en vivo cargado de canciones nuevas, que pronto verán la luz en el disco que se viene para la segunda mitad del año.

Este lanzamiento encapsula la

132 MiraBA

narrativa del disco, la cual va a incluir de distintas maneras “el paralelismo constante entre nuestra realidad y una realidad fabricada, ya sea por nosotros mismos o por terceros” comenta Lautaro Zitelli, voz y teclados de Subeibaja Eléctrico. A nivel musical y sonoro muestra un poco el nuevo sonido que estará representado a lo largo de todo el material, el cual cuenta con la coproducción y mezcla de Matias Chavez Mendez.

“Visión” habla de la dificultad de discernir la realidad y las ilusiones que creamos en nuestra

mente, y de lo mucho en que las personas saltan entre realidad e imaginación a tal punto en que se desdibuja la línea entre las mismas. A nivel musical y sonoro muestra el nuevo sonido de Subeibaja Eléctrico, que estará representado a lo largo de todo el disco.

Con esta nueva canción la banda buscó un sonido más electrónico y experimental, que acompaña narrativamente a la idea de saltar de una realidad a otra mediante el uso de instrumentos digitales y analógicos y con una mezcla de ritmos poco convencionales.

El video busca representar este pasaje incesante entre realidades por medio del uso de distintos lentes y puntos de vista de los personajes, para mostrar el recorrido no lineal del pensamiento y la manera en que los personajes viven su visión a flor de piel, pero también demostrando cómo se distorsiona la perspectiva.

Más sobre Subeibaja Eléctrico:

Se formó en el 2017 en Buenos Aires, Argentina. Su música incorpora elementos del Hip Hop, Pop y el R&B, integrando nuevos sonidos electrónicos que se fusionan con instrumentos acústicos, tejiendo una narrativa sonora única que mezcla estos géneros de manera magistral.

La banda cuenta con dos EPs: “Sabor a Menta” (2019) y “Menta Mixtape” (2021).Actualmente se encuentran trabajando en el próximo proyecto de estudio, integrando la producción de nuevos beats, será un disco de aproximadamente 11 canciones.

Subeibaja Eléctrico desde su inicio hasta ahora no paro de crecer, presentándose en venues como La Tangente, Konex, Niceto, entre otros y en distintos festivales como el Festival Ciudad Emergente, cabe destacar que en marzo de este año el grupo fue elegido por Phoenix para abrir el sideshow de Lollapalooza.

Subeibaja Eléctrico es: Adriel Garcia (voz mc), Maximiliano Rostan (guitarra y voz), Lautaro Zitelli (teclados y voz), Luciano Fortuny (bajo) y Hernán Dick (batería).

Hey Go Comunicación ANGIE KABARADJIAN angiekab@gmail.com info@heygocomunicacion.com IG: @heygocomunicacion web: heygocomunicacion.com

Video

Subeibaja Eléctrico - Visión (Video Oficial)

https://youtu.be/Ny6BfPNLEcE?feature=shared

Un viaje poético y musical a través de la experiencia humana ROXANA AMED presenta su nuevo álbum “BECOMING HUMAN”

Disponible en plataformas digitales

Roxana Amed, cantante y compositora argentina radicada en Estados Unidos hace poco más de una década, presenta “Becoming Human”. Se trata de su álbum más íntimo hasta la fecha, donde teje a la perfección una historia en once temas originales cantados en inglés, español y sin letra, ilustrando momentos trascendentes de nuestra vida como humanos.

Desde la inocencia del nacimiento y las alegrías de la infancia hasta los desafíos de forjar la propia identidad y la introspección de la soledad del artista, “Becoming Human” se sumerge en las profundidades de nuestra existencia humana compartida a través de cautivantes piezas escritas por Amed e interpretadas por una banda que ha obtenido elogios tanto a nivel local como internacional: el pianista y arreglador Martin Bejerano, el saxofonista y arreglador Mark Small, el bajista Edward Perez, el baterista Ludwig Afonso y el trombonista y arreglador invitado Kendall Moore.

“Si tuviera que definir el significado detrás de Becoming Human, es el proceso de convertirme en artista, en traductora, en transcriptora, convertirme en alguien que intenta percibir este proceso de vivir y morir con la máxima sensibilidad, dejando atrás un testimonio de haberlo hecho” confiesa Roxana Amed.

Becoming Human” es su undécimo álbum, editado por Sony Music Latin y producido con la beca ‘New Jazz Works’ de Chamber Music America otorgada anteriormente a artistas de la talla de Wayne Shorter, The Cookers, Billy Childs y Brian Lynch, entre otros.

Este último tiempo ha sido bastante prolífico en la trayectoria musical de Roxana Amed: “Ontology”, el debut en Estados Unidos en 2021 con dos nominaciones al Grammy Latino, recibió

el Premio Gardel a Mejor Álbum de Jazz. Con este trabajo Amed mostró al público internacional su mezcla única de jazz fusión post-bop con matices rioplatenses.

Rápidamente le siguieron dos álbumes más: en 2022, “Unánime”, que también obtuvo una nominación al Grammy Latino como Mejor Álbum de Jazz Latino y su sexta nominación al Premio Gardel, con la participación del icónico pianista cubano Chucho Valdés, entre otras

luminarias invitadas como Pedro Aznar, Niño Josele, Chico Pinheiro; en 2023, y recientemente nominado a los Premios Gardel, “Los Trabajos y Las Noches”, una colección de canciones en colaboración con el pianista y compositor finlandés Frank Carlberg, que incorpora los poemas de la poeta argentina Alejandra Pizarnik, segunda parte del proyecto iniciado con Carlberg en 2013.

Con el lanzamiento de “Becoming Human”, grabado en octubre de 2023 y patrocinado por Chamber Music America para su beca New Jazz Works, la polifacética artista cierra otro ciclo.

FECHA TÉCNICA

“BECOMING HUMAN” (Sony Music Latin)

Lista de temas

1. A prayer (R. Amed)

2. Pequeña voz (R. Amed)

3. Un destello (M. Small)

4. Our days of summer (R. Amed)

5. Those horses running in the mist (R. Amed)

6. Climbing up my spine (R. Amed)

7. Wild (M. Bejerano / R. Amed)

8. Then we built a home (R. Amed)

9. In this lonely room (R. Amed)

10. Una plegaria (R. Amed)

11. Epílogo (M. Small / R. Amed)

Roxana Amed: voz y composición. Martin Bejerano: piano y sintetizadores, arreglos en 6 y 7. Mark Small: saxo tenor y soprano, flauta, clarinete y clarinete bajo, arreglos en 3, 4, 5 y 11. Edward Pérez: contrabajo. Ludwig Afonso: batería. Kendall Moore: trombón en 1, 4 y 9 y arreglos en 1, 9 y 10. Producido por Roxana Amed. Grabado en Criteria / The Hit Factory Studios en octubre 2023. Ingeniero de grabación: Carlos Álvarez. Mezcla: Carlos Álvarez. Mastering: Paul Blakemore.

Fotos Omar Cruz. Arte Pablo Vallone / Daniel Arano.

MÁS SOBRE ROXANA AMED

Roxana Amed es una artista argentina nacida en Buenos Aires y radicada en Estados Unidos hace poco más de una década. Galardonada vocalista de jazz, 135 MiraBA

productora, compositora y educadora, su música fusiona las tradiciones folklóricas sudamericanas con el art rock y el jazz moderno.

Considerada como una de las voces más importantes de la música sudamericana por colegas, público y crítica especializada, ha ganado reconocimiento por sus álbumes con Pedro Aznar, incluidos Limbo (2004) y Entremundos (2006). Luego siguieron trabajos notables como “Cinemateca Finlandesa” (2010) a dúo con el pianista Adrián Iaies, “Inocencia” (2011), seguido de “La Sombra de Su Sombra” (2012), música original para poemas de Alejandra Pizarnik con el pianista y compositor finlandés radicado en Nueva York Frank Carlberg. En 2019 produjo “Instantáneas”, un álbum de presentaciones en vivo en el estudio, incluida su interpretación de Blue de Joni Mitchell.

Ya instalada en Estados Unidos, lanzó “Ontology” (2021) junto a su ensamble liderado por el pianista Martin Bejerano, donde interpreta canciones de Wayne Shorter, Alberto Ginastera, Miles Davis y repertorio original. Tuvo un impacto significativo en la escena internacional de los medios de jazz, recibiendo dos nominaciones a los Premios Latin Grammy -en las categorías de Mejor Álbum de Jazz/ Jazz Latino y Mejor Arreglo- y el Premio Gardel a Mejor Álbum de Jazz (primera vez que una mujer gana este galardón).

Su siguiente trabajo fue Unánime (2022), que contó con la participación de Chucho Valdés, Niño Josele y Pedro Aznar, entre

otros distinguidos artistas. Este material estuvo nominado a los Premios Gardel y fue distinguido con excelentes críticas en la escena del Jazz norteamericano y europeo.

Luego llegó “Los Trabajos y Las Noches” (2023), recientemente nominado a los Premios Gardel. Se trata de una producción que

recorre la poesía de Alejandra Pizarnik con música original del pianista Frank Carlberg, representante de la vanguardia del jazz norteamericano con quien ya había grabado diez años antes.

Con su reciente trabajo, “Becoming Human” -patrocinado por Chamber Music America para su beca New Jazz Works- Amed invita a un viaje poético y musical a través de la experiencia humana.

ROXANA AMED EN LAS REDES:

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Comunicación y Prensa: Marina Belinco marinabelinco@gmail.com

Video

Roxana Amed - Pequeña voz (Audio)

https://youtu.be/uLlUyi-oe7Q?feature=shared

FUNKY TORINOS CELEBRA LA MÚSICA DE WILLY CROOK

Una nueva presentación de los Funky Torinos, esta vez en la gran sala del Torquato Tasso, celebrando los dos años de su reencuentro después de 25 años, interpretando la obra del máximo referente del funk argentino: Willy Crook.

JUEVES 6 DE JUNIO en Torquato Tasso, Defensa 1575.

Apertura de la sala 20hs Show 22h

Ubicación por orden de llegada. Entradas disponibles en Passline: $8000 https://torquatotasso.com. ar/2021/05/13/funky-torino/

En estos dos años, los shows de los Funky Torinos han tenido gran repercusión, a sala llena en cada actuación, recorriendo los diversos estilos que abarcó Willy, con una producción rica en grooves potentes, reggaes, giros melódicos y una rítmica que le ha dado una mirada per -

sonal al soul y el funk.

Funky Torinos está integrada en gran parte por los músicos originales que acompañaron a Willy Crook:Patan Vidal en piano, Juan Miguel Valentino en guitarra de jazz, Timoty Cid en batería, Miguel Tallarita en trompeta, Hubert Reyes en percusión, Nacho Porqueres en bajo, Santiago Castellani en trombón, Jorgelina Avigliano en saxo y Luciano Coniglio en guitarra rítmica. Con tres artistas invitados de

lujo que interpretarán sus letras: Barby Corvalán, Choco Mike y Guillermo Piccolini en voces.

@funkytorinosok

Contacto Prensa: Yamila de la Fuente yamiladlf@gmail.com

Video

Funky Torinos: “H-Funk” y “Loca por mi” - Anfitrión, Lito Vitale https://youtu.be/seh5rm0NYeA?feature=shared

¨LOS RESTOS DEL OLVIDO¨

EL NUEVO VIDEO DE MINIATURAS

Miniaturas presenta ¨Los restos del olvido¨ una canción que te llevará por un viaje introspectivo y que te cautivará con su sonido único y su estética conceptual.

Sumergite en un mundo desolador y reflexioná sobre la fragilidad de la memoria en un viaje visual cautivador.

El video de “Los restos del olvido”, dirigido por Juan Pablo Palacio, te hará recorrer un paisaje post apocalíptico donde un hombre vaga en busca de esperanza. Con imágenes impactantes y una estética única se combinan con la música de MINIATURAS.

MINIATURAS EN LA TRAS-

TIENDA

Miniaturas se estará presentando en La Trastienda (Balcarce 460) en marco de los festejos por sus 10 años de vida.

La cita será el sábado 29 de junio, 20:30hs, las entradas anticipadas se encuentran a la venta a través de sistema TuEntrada Banda invitada: Edecán

ACERCA DE MINIATURAS

MINIATURAS es una banda de rock formada en 2014 en el barrio porteño de La Paternal. La banda liderada por Tom Grandinetti tiene tres discos publicados; Uniformes Rojos, Uniformes Negros (2018); 4345 (2020); y El Club de los Perdidos (2023).

La banda acaba de presentarse en un The Roxy Live con localidades agotadas, donde más de 300 personas acudieron a la presentación en CABA del último álbum. Durante 2023, MINIATURAS también tuvo sold outs en El Emergente y Gregón, demostrando un crecimiento importante en los escenarios porteños.

El año pasado, MINIATURAS había festejado sus 8 años de trayectoria con un show en el mítico Teatro Rossini de la ciudad de Bahía Blanca. Con este show, Miniaturas cerró el 2022 a todo trapo ante una gran convocatoria que viajó desde distintos puntos de la provincia de Buenos Aires para asistir al festejo.

Las presentaciones más desta-

cadas de MINIATURAS también incluyeron shows en el Festival de Acá bahiense, en donde se compartió grilla con La Mono, banda de Gaspar Benegas, de los Fundamentalistas del Aire Acondicionado; Luceros el Ojo Daltónico; y Rodrigo Álvarez de Perro Indio, entre otros.

También, la banda tocó en el Teatro Greison de Monte Grande, invitado por Perro Indio para abrir la noche de la presentación de su último disco; y en los festejos por los 100 años del Club Atlético Quilmes de Mar del Plata.

MINIATURAS está conformada por Tomás Grandinetti (voz); Guillermo Ceñal (guitarra); Gonzalo Rodríguez Franco

(guitarra); Facundo Catriel Piris (bajo); Nacho Stanley (batería); Sebastián Gombi (teclados); Facundo Mancini Tumini (guitarra acústica); Jazmín Fernández Villanueva (coros); y Mora Dunel (coros).

PH Melany Bermudez

PRENSA Nadya Cabrera nadyacabreraprensa@gmail. com

Video

MINIATURAS | Los restos del olvido

https://youtu.be/DRRvn16Na2E?feature=shared

MARIA BECERRA

“IMÁN”

MAGNÉTICO POP ADELANTO DE SU NUEVO

ÁLBUM

La cantante y compositora argentina Maria Becerra lanzó “Imán”, esperado adelanto de su próximo álbum.

Tres semanas después de haber cantado un adelanto de la canción durante su presentación en la Kings League y luego de diez meses desde el lanzamiento de su último lanzamiento como solista, “Corazón Vacío”, la artista regresa con una pegajosa canción pop como carta de presentación de la nueva era.

“Imán” se presenta como una declaración pop, impregnada de la influencia distintiva de Estocolmo, en donde nacieron infinidad de Pop hits de la mano de Max Martin y Denniz Pop. La canción se grabó en MXM Studios, junto a Richard Liohn, y Xross (productor ecuatoriano del team de Maria), quien le dio su sello distintivo. Logrando como resultado un sonido que fusiona la cultura pop europea con el magnetismo único de la artista.

“Fuimos a Suecia a colaborar con el equipo de Max Martin y fue increíble experimentar con una cultura nueva y dinámicas en el estudio distintas a las que acostumbramos. Probamos diferentes ideas que habíamos llevado, nos nutrimos mucho de ellos y, finalmente, con Maria logramos crear algo realmente especial. Siento que trabajar en la cuna de donde salieron tantos himnos del pop fue una experiencia única y espero que la gente logre disfrutar de “Imán”

tanto como nosotros disfrutamos creándolo”, comentó el productor Xross.

La visión creativa y dirección del videoclip estuvo a cargo de Julian Levy y Lucas Fossati, y

fue producido por Asalto. “Con ¨Imán”, buscamos lograr una nueva faceta para Maria en el mundo del pop. Si bien ella ya lo experimentó levemente en el pasado, ahora queríamos lograr una identidad que la acompañe

en esta nueva era”, comentó Julián Levy, director artístico de Becerra. El video ofrece un viaje surrealista al espectador, introduciéndose en una galería de arte minimalista con dejes futuristas, en donde se despliega una exposición de ARTE-POP: Maria oficia como quien expone su obra maestra vinculada a un chicle, protagonista del video.

“Estoy muy feliz de poder compartir finalmente este tema que de a poco fuimos mostrando tanto en vivo como en mis redes sociales. Desde la concepción de un sonido nuevo, hasta la grabación en Estocolmo, y finalmente el videoclip, todo fue un viaje a esta nueva era que venimos concibiendo hace un tiempo. Me encanta lo que logramos y que la escuchás y se pega como chicle” dijo Becerra respecto al lanzamiento.

ACERCA DE MARIA BECERRA

Maria Becerra cuenta con más de 23 millones de oyentes mensuales en Spotify, en su canal oficial de Youtube más de 5 millones de suscriptores, y más de 12 mil millones de visitas entre todos sus videoclips. Este 2024 la artista se presentó en la celebración de año nuevo organizada por Univisión en el Times Square, en la que actuó

delante de más de 50 mil personas. Fue parte del Line up del Festival de Música Latina Calibash en Los Ángeles - California con 20 mil personas. Durante el mes de febrero, Maria sacó dos colaboraciones: una con el rapero franco congoleño Gims y otra con el sevillano Céro. Fue convocada como jurado en el Festival de Viña del Mar y se presentó como show de cierre del evento más importante de habla hispana. En marzo finalmente salió su esperada canción “Primer Aviso” junto a Ivy Queen, que le abrió definitivamente las puertas en países como Puerto Rico y los oyentes de US.

El 22 y 23 de marzo Maria escribió un nuevo capítulo en la historia de la música Argentina, siendo la primera artista mujer en presentarse en el mítico estadio River Plate con su #TOUR24 ante más de 140 mil personas. Con 2 sold out vendidos en tiempo récord, la cantautora presentó un show de dos horas, con siete cambios de vestuario, una crew ampliada de bailarines, 5 coristas, su banda más un terceto de cuerdas y una puesta en escena con más de 100 mts de pantallas, animaciones 3D y un ascensor que la elevaba para que la vean hasta

en el último rincón del estadio.

En abril, Maria se presentó en la final de la Queens & Kings League en Madrid, donde interpretó su single “Corazón Vacío” y compartió en exclusiva dos de sus próximos lanzamientos: “Imán”, un sencillo que formará parte de su próximo álbum, y su participación en el remix de “Spicy Margarita” junto a Michael Bublé y Jason Derulo. Además, viajó a Los Ángeles para debutar en el escenario del Festival Coachella, siendo invitada por J Balvin para interpretar su exitosa canción “Qué Más Pues?”.

El 2023 ya se presentaba al mundo cuando lanzó “TE CURA”, compuesta exclusivamente para FAST X (décima entrega de la saga Fast and Furious). En junio, “Corazón Vacío” se convirtió en un éxito que dejó en evidencia la versatilidad artística de Maria y su capacidad para establecer conexiones emocionales con sus seguidores a través de la música. La canción acumuló más de 443 millones de streams combinados. En noviembre fue galardonada en LOS40 Music Awards 2023 realizados en Madrid, con el premio a “Mejor Videoclip Global Latino” por “Corazón Vacío”. Durante la ceremonia, Maria cautivó a la audiencia con un medley que incluyó “Corazón Vacío,” “Los Del Espacio,” y un adelanto de “Piscina”. Obtuvo 4 nominaciones a la 24ª edición de los Latin Grammy ® 2023 en las categorías: “Mejor Interpretación Reggaeton” y “Mejor Canción Urbana” por su éxito “Automático”, Mejor Fusión/Interpretación Urbana” con “Ojalá” y “Canción del año” por su colaboración con

Pablo Alborán, en la canción “Amigos¨. La ceremonia contó además con la presentación de ambos artistas que tocaron el tema en vivo más una versión orquestal del tema solista de Maria, ¨Ojalá¨. El 2022 lanza el álbum “LA NENA DE ARGENTINA” que cuenta con 13 canciones solistas. “AUTOMÁTICO”, uno de los temas más exitosos, acumula 377 millones de reproducciones entre Spotify y el vídeo oficial. Mientras que el álbum ha superado los 1878 MILLONES de streams combinados entre Spotify y Youtube. A lo largo del año recibió varios premios y reconocimientos que impulsaron su carrera. En los LOS40 Music Awards 2022, fue galardonada como Mejor Artista en Directo. Obtuvo el premio en la categoría Mix Tropical en los Premios Juventud por su canción “Te espero” junto a Prince Royce. Mientras que en los Premios Lo Nuestro 2022, se quedó con la estatuilla por su exitoso tema “¿Qué más pues?”. Brilló en los Premios Tu Música Urbano

2022, donde se llevó tres estatuillas: Top Rising Star Femenino, Canción del Año por “¿Qué más pues?” junto al cantante J Balvin, y Video del Año nuevo artista por el remix de “Entre Nosotros”. Mientras que en los Latin American Music Awards se consagró como el Mejor Nuevo Artista del Año. Por último, en los Premios Gardel 2022, fue reconocida con dos premios por su colaboración en la canción “Miénteme” junto a Tini.

Su primer álbum, ANIMAL, tiene más de 1500 millones de reproducciones en las plataformas

Spotify y Youtube. Los videoclips “ANIMAL”, “ACARAMELAO”, “MI DEBILIDAD” y “WOW WOW” tienen más de 200 millones de visitas cada uno.

Para más información sobre Maria Becerra visita su página web www.mariabecerraoficial.com. ph: Javier Rogoski @javifotoman

Vicky Roa Comunicaciones vicky@vickyroa.com.ar

Video

Maria Becerra - IMAN (Two Of Us) (Official Video) https://youtu.be/NCuUsAUCrDE?feature=shared

TE VA A CONQUISTAR TU CON SU VOZ Guille Molina presenta Segundas Chances en Café La Humedad

Viernes 21 de Junio. 21 horas en Café La Humedad

Carlos Calvo 2540

Tickets en +549 116 1659130

“Sinceramente siento que SEGUNDAS CHANCES es un Disco Honesto, lleno de amor. Cada canción es una caricia al alma, porque tiene mucho sentimiento. Eso me genera tranquilidad al momento de defender cada una de ellas, al cantarlas, interpretarlas, sentirlas.

SEGUNDAS CHANCES es un nuevo comenzar, una nueva vida, una manera de vivir desde otro lado.

¡Ojalá lo disfruten tanto como yo!”

Guille Molina

El cantautor cordobés –oriundo de Monte Maíz- sigue recorriendo el país con su disco SEGUNDAS CHANCES.

Y el 21 de Junio subirá con su banda al escenario del emblemático Café la Humedad, para compartir con su público las canciones que salen de su pluma y de su corazón.

Un artista para descubrir, disfrutar y apoyar.

TRACKLIST

01. Dame tu amor

02. Tan solo una vida con vos

03. Lo mejor del amor

04. De otras

05. Quiéreme

06. No sos vos

07. Será

08. Es con vos

09. El color de tus besos 10. Lejos no es mejor

Mirá el show de Guille Molina en el Festival de Villa María, link video al final de la nota.

Guille Molina es cantante y compositor. Desde hace muchos años, pero formalmente desde 2019 con su primera banda, va haciendo camino para conquistar Buenos Aires y todo el país.

Al conocer a Marcelo Predacino (responsable de la productora PredaSound y director musical de Abel Pintos), la historia de

este artista da un giro y comienza su etapa solista, con toda su impronta y su personalidad.

Nace entonces “Segundas Chances”, producción musical que ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales.

Incluye temas propios y una versión muy diferente de Lo mejor del amor, de su coterráneo Rodrigo.

Guille Molina ya cuenta en su haber con actuaciones en importantes escenarios nacionales: abrió el Festival Internacional de Peñas de Villa Maria y también fue telonero de Coti y de Abel en Marcos Juárez.

Prensa: AGW prensa + difusión agwprensa@yahoo.com.ar

Video

Guille Molina y su banda encendieron la 55ª edición del Festival Internacional de Peña

https://youtu.be/4PQW8cV5710?feature=shared

Marcelo San Juan, pionero del Rock Nacional, anuncia show el 1ro de Junio y lanza su versión de un clásico, en homenaje al Flaco Spinetta,

“Muchacha ojos de papel”

Marcelo San Juan, pionero del Rock Nacional, se presentará este próximo 1ro de Junio en “Clasica y Moderna” Av Callao 892, CABA, y lanza su versión de un clásico en homenaje al Flaco Spinetta, “Muchacha ojos de papel”.

Marcelo San Juan es uno de los pioneros del rock nacional que, desde su aparición en la escena musical, se destaca notablemente como cantautor, intérprete, productor y arreglador. Desde sus comienzos, en

MiraBA

los años 70´s, nunca se detuvo, siempre está activo y produciendo distintos espectáculos, presentaciones, lanzamiento de discos y creando nuevas canciones, sus trabajos los realiza tanto en Argentina como en otros lugares del mundo donde lo reciben año a año con mucho cariño, en este caso nos es muy grato informar que se estará presentando una vez más en “Clásica y Moderna” en Av Callao 892 a las 21:30 hs, las entradas están a la venta por Plateanet.

Es creador de un estilo que fusiona el tango con el rock nacional y otros géneros musicales, logra un sonido personal e inconfundible. Fue discípulo de grandes maestros como Eladia Blázquez, Chico Novarro, Edmundo Rivero y Rodolfo Alchourrón, quien fue su maestro de música y compañero por más de tres años en su grupo “Canto y Clarificación”.

Con más de 17 discos originales en su haber junto a los mejores

Más sobre Marcelo San Juan

músicos de la escena local ha compartido escenarios y grabaciones con Mercedes Sosa, Luis Salinas, Javier Malossetti, Rodolfo Mederos, Dino Saluzzi y Pablo Ziegler.

Entre sus discos se destacan “Transparente” (1982), “Basta de Sobrevivir“ (1984), “En los Ochenta” (1985) “Tres Vidas” (1988) entre otros. Compuso canciones con Alberto Cortez, Chico Novarro, Miguel Cantilo, Héctor Negro y Francisco Bagalá, entre otros. Sus canciones fueron grabadas por grandes intérpretes Valeria Lynch, Estela Raval, Julia Zenko, Miguel Cantilo, Lissette, Willy Chirino, Adriana Varela y José Angel Trelles. Entre sus temas más reconocidos se encuentran “El hombre del espejo”, “No sabés lo que es tener un amigo” y “Cuando tú te vayas”. En los últimos años ha producido mucha música reflejada en sus tres últimos álbumes “Sentir el Mar” “Parecido a la Felicidad” y por último “El artista Deluxe”. También acaba de editar “Rodolfo in my heart”: 10 canciones del prestigioso Rodolfo Alchourrón donde realizó versiones de temas de la historia musical de Rodolfo con nuevos arreglos.

Para el 2023, estrenará un es-

pectáculo con tangos y canciones de su autoría llamado “Otros tangos” junto a un trío de piano, contrabajo y bandoneón.

LINKS REDES:

https://linkr.bio/marcelosanjuan

Prensacciones

Gustavo Antonopolos gustavoantonopolos@gmail.com

Agente de Prensa en Prensacciones

@gusantonopolos

Video

MARCELO SAN JUAN - MUCHACHA OJOS DE PAPEL - (L . A . SPINETTA)

https://youtu.be/HRbQJwQgmRQ?feature=shared

LUCIANA MORELLI presenta WORDS of the WIND

(Palabras del viento)

La cantante y compositora argentina radicada en Suiza presenta su tercer álbum solista, editado por Habitable Records y distribuido en Argentina por Club del Disco.

Luciana Morelli ha integrado con maestría y versatilidad sus facetas de intérprete, compositora y arreglista en su ecléctico nuevo álbum “Words of the wind”, en el que presenta música para distintos ensambles, desde el quinteto de jazz tradicional hasta la combinación poco habitual -en el ámbito del jazzde voz y cuarteto de cuerda o viola y ensamble vocal.

Las palabras de las poetas Emily Brontë, Alejandra Pizarnik, Anne Carson y Robin Myers alzan vuelo y encuentran su expresión musical en la voz y las composiciones de la cantante.

Luciana une narración, poesía y ricas armonías en una colorida paleta de jazz mezclada con sus raíces argentinas, expresando una poética personal y distintiva.

El principal interés de este proyecto fue explorar diferentes estrategias compositivas surgidas del diálogo entre música y poesía. Para ello, seleccioné poemas de Emily Brontë (Inglaterra, 1818-1848), Alejandra Pizarnik (Argentina, 1936-1972), Anne Carson (Canadá, 1950) y Robin Myers (EE UU, 1987). Siguiendo los caminos por los que me llevaron

las palabras de estas mujeres singulares, como una hoja impulsada por el viento, me embarqué en un viaje a través de la naturaleza, el amor, la muerte, la soledad, la identidad, la locura, el deseo, el dolor, la pérdida, la añoranza, el lenguaje y la memoria.

Cada poema me reveló un universo propio, invitándome a explorar diferentes timbres e instrumentaciones. La experiencia fue profundamente enriquecedora y dio como resultado esta obra ecléctica, que me complace compartir, con la esperanza de estimular la imaginación de

quien la escuche, dejándose llevar por las palabras del viento.

Luciana Morelli

Sobre “Words of the Wind”

“(…) Poesías únicas, nacidas en tiempos y en geografías diferentes, ahora hechas canción. Palabras del viento que la música y la expresividad de Luciana Morelli nos trae con la contundente suavidad de una caricia. Es este el tercer disco como líder de Morelli, quien se evidencia además como una singular compositora y arreglista, aportando un poema de su autoría a la vastedad poética del registro. En él, como en el anterior “Lo abismal, el agua”, el desafío se advierte desde la formación misma, que combina el alineamiento tradicional del ámbito jazzero con un cuarteto de cuerda o viola y un ensamble vocal; que sustentan con acierto el creativo imaginario de la artista…” Fernando Ríos, Argentjazz

VIDEOS

“Antelmo to his daughter” https://youtu.be/DlZxd8IWGPU?si=Fxt4MJ54tMSVggoi

“Los trabajos y las noches” vivo en Jazzcampus https://youtu.be/XzdS6aPWsrY?si=S8iTcxR92WB9BGPs

“Silent is the house” https://youtu.be/I-tsYWPMNsU?si=t1OdpesCZJuhkc6Q

BIOGRAFÍA

Luciana Morelli (1990) es una cantante y compositora argentina radicada en Basilea (Suiza). Su música se nutre de una rica

paleta de influencias de la música argentina, el jazz, la poesía sonora y la improvisación libre. Luciana Morelli quinteto (20122015), fue su primer proyecto como vocalista y compositora, con el que grabó su primer disco, “Mandala” (2014) de standards de jazz y composiciones propias.

Luciana se caracteriza por una gran versatilidad como intérprete, productora, compositora y arreglista, así como por su curiosidad por entablar diálogos con otras artes, a través de la performance, instalaciones sonoras o la composición para teatro, siendo su último trabajo la música de “Suyay”, de Pilar Ruiz (2020 - 2023).

Actualmente,dirige su propio proyecto como cantante y compositora, “Luciana Morelli grupo”, con el cual ha publicado su segundo álbum como líder de banda “Lo abismal, el agua” (ears&eyes records, 2021), en el que cuenta la historia de su viaje a Suiza, no sólo con sus letras, sino también con su voz y sus arreglos, tendiendo un puente entre sus raíces musicales argentinas y el jazz. El álbum recibió muy buenas críticas en revistas y blogs como Jazz N More (Suiza), SKJazz (Slovakia), entre otros, y fue elegido “Álbum de la Semana” por NQ Jazz (Reino Unido) y por el programa de radio “Jazz am Sunntig” (Radio RaBe, Suiza). También formó parte de la selección de octubre de Club del Disco (Argentina), y se ha emitido en programas de radio internacionales como Radio Swiss Jazz (Suiza), Jazzkultura (Polonia), WDR (Alemania), NDR (Alemania) y Radio Nacional (Argentina),

entre otros.

En 2022-23 Luciana y su banda salieron de gira y tocaron en varios lugares de Argentina, Suiza, Francia (Festival Jazz á la Citè, París) y Alemania con una muy buena acogida por parte del público y la prensa.

En junio de 2024 lanza “Words of the wind”, su tercer álbum solista, editado por el sello portugués Habitable Records.

“Words of the wind”

1- Fall,leaves,fall (música de L.Morelli sobre un poema de Emily Brontë)

Luciana Morelli - voz Philipp Hillebrand - clarinete bajo, Mauricio Silva Orendain - piano Snejana Prodanova - contrabajo Paulo Almeida - batería

2- Los trabajos y las noches (música de L. Morelli sobre un poema de Alejandra Pizarnik)

Luciana Morelli - voz y bombo legüero Philipp Hillebrand - clarinete bajo, Mauricio Silva Orendain - piano Snejana Prodanova - contrabajo, Jānis Jaunalksnis - batería

3- The night is darkening around me

(música de Lisette Sipinnlerarreglo de L. Morelli sobre un poema de Emily Brontë)

Luciana Morelli - voz Sebastián Greschuck - trompeta, Yossi Itzkovich - trombón, Patrick Joray - saxo tenor

Alexandre Cahen - piano, Michał Skwierczyński - guitarra Thomas Fuller - contrabajo, Yosuke Doki - batería

4- Antelmo to his daughter (basado en “Rincon” de David Binney, arreglo de L. Morelli sobre un poema de Robin Myers)

Luciana Morelli - voz Claire Antunes Sierra y Marie Morgane Sécula - violín

Yi Lu - viola, Idil Dogan - cello

5- Silent is the house (música de L. Morelli sobre un poema de Emily Brontë)

Luciana Morelli - voz

Claire Antunes Sierra y Marie Morgane Sécula - violín

Yi Lu - viola, Idil Dogan - cello

6- Town on the way through God’s woods

(música de L. Morelli sobre un poema de Anne Carson)

Ana Čop, Patricija Škof, Charline Crevoisier, Maria von Ruette, Isabel Richiusa, Camille Burkhard, Alice Auclair - voz Angela Medina - viola

7- Todo Pasa (música y letra de L. Morelli)

Luciana Morelli - voz

Philipp Hillebrand - clarinete bajo, Mauricio Silva Orendainpiano Snejana Prodanova - contrabajo, Paulo Almeida - batería

Todos los tracks fueron grabados y mezclados por Daniel Somaroo en el Jazzcampus, Basel. Asistente: Francesca Gaza

Excepto “Los trabajos y las noches” grabado en vivo en el Jazzcampus Club, Basel - Agos-

to 2023.

Mezclado por Mariano Miguez en Ideo Music, Buenos Aires.

“Town on the way through God’s woods” grabado por Luciana Morelli y Raphaël Rossé en Jazzcampus, Basel. Mezlcado por Daniel Somaroo.

Todos los temas fueron compuestos por Luciana Morelli excepto “The night is darkening around me” compuesto por Lisette Spinnler y “Antelmo to his daugther”, basado en Rincon de David Binney (Modern Works Publishing).

Letras de Emily Brontë, Alejandra Pizarnik, Anne Carson y Robin Myers.

Los poemas fueron usados con el permiso de las autoras. Plainwater fue publicado por

primera vez por Knopf ©1995. Reimpreso con autorización de Anne Carson y Aragi Inc. Todos los derechos reservados. Diseño Gráfico: Ignacio Morelli Fotos: Andrea Ebener.

www.lucianamorelli.com www.facebook.com/lucianamorellimusic

www.instagram.com/lucianamorellimusic

www.youtube.com/cantoencolores

Contacto Prensa: Yamila de la Fuente yamiladlf@gmail.com

Video

Antelmo to his daughter https://youtu.be/DlZxd8IWGPU?feature=shared

DANNA DESVELA SU LADO MÁS SEDUCTOR EN EL VIDEO MUSICAL DE “ATARI”

La estrella internacional Danna desvela su lado más seductor en el vídeo musical de “ATARI”, el tema principal de su nuevo álbum, “CHILDSTAR”. Con una plaza de toros abandonada de trasfondo, la nueva producción audiovisual narra la dinámica de la atracción en una relación irresistiblemente apasionada. El video musical de “ATARI” ya está disponible en el canal de Danna en YouTube.

Dirigido por Edgar Estevez y producido por Rabbit House, el vídeo empieza con Danna tomando una misteriosa poción que se apodera de ella, mostrando el amor como un potente elixir que la consume. A lo largo del vídeo, Danna se transporta a otra dimensión encarnando el empoderamiento y la sensualidad a lo largo de una hipnotizante coreografía que demuestra su dominio como artista polifacética. El vídeo fue grabado en la Ciudad de Mexico.

Desde su lanzamiento, “CHILDSTAR” ha causado un gran impacto a nivel global, conquistando el #1 en el chart de álbumes Apple Music Mexico, #5 en Top Albums Debut Global de Spotify y #9 en Top Albums Debut USA. Además ha recibido elogios de medios como GRAMMY.com, TODAY.com, y USA Today, con Variety aclamando “Childstar” como su “proyecto más complejo hasta la fecha”.

Danna sigue redefiniendo su

identidad y elevando su carrera, posicionándose como fuerza líder del pop latino y la industria musical. A medida que se desarrolla la serie de conciertos “DANNA L¡VE”, Danna está en marcha, lista para traer su

electrizante energía al público a lo largo de 2024, cultivando la intensa conexión que comparte con su devota base de fans al ofrecer espectáculos que encienden el éxtasis y dejan a los espectadores encantados.

“CHILDSTAR” disponible en todas las plataformas digitales

https://www.instagram.com/danna/

https://www.facebook.com/DannaPaola/

https://twitter.com/dannajustdanna

Vicky Roa Comunicaciones PR | MKT | COMUNICACIÓN PARA THE MUSIC BUSINESS COMPANY

vicky@vickyroa.com.ar

Video

Danna Paola - ATARI (VIDEO OFICIAL)

https://youtu.be/FtZFmM8fPZw?feature=shared

LA CANCIÓN QUE MERECEMOS

De Lou Alvarez

“Está pensada como etapas que se van construyendo y adquieren fuerza en la medida que avanzan. Así es como deberían ser los vínculos, contemplando la necesidad del tiempo para saber cuándo hacer silencio y cuándo hablar; cuándo cambiar el ritmo, aceptar diferencias y retomar”, manifiesta LOU.

El sencillo creado por LOU ÁLVAREZ viaja hasta Córdoba para ser producido,

MiraBA

mezclado y masterizado por Franco Cano. La grabación de voces se traslada al estudio El Maitén en Bariloche; mientras que el videoclip se concreta en Haedo para luego editarse en San Martín de los Andes.

“El desafío fue poder fusionar la dulzura compositiva a través del rock. El contraste de las guitarras eléctricas con el encanto del piano y la melodía vocal, generan un hermoso paisaje sonoro”. agrega.

LOU ÁLVAREZ es una cantautora emergente de la zona oeste del Gran Buenos Aires que compone desde los 8 años y ejecuta sus habilidades en múltiples instrumentos.

A lo largo de su trayectoria lanza tres materiales discográficos: BI, PARTE DEL TODO y ABRECAMINOS. También varios sencillos como: “Géminis” (a dúo con Piru Sáez); “Mi Flow” feat. Cami Camila; “Que se te cuelgue el Maps” (producción de Emanero); y “Tus fotos”

feat Yeii Aviila. Luego de presentarse en La Trastienda, y girar por México, trabaja en diferentes formatos que potencian la propuesta en vivo y rompe con sus propios esquemas a través de “Tu Boca”.

El 2023 la encuentra más que entusiasmada con la reversión del hit noventoso “Vete de mi Lado”, del que participan los

Chakales. Le siguen los sencillos de autoría propia: “Dentro de Mí” y “31 de diciembre” junto a Edu Schmidt

Este año asume nuevos desafíos trasladando su música en vivo a Latinoamérica, mientras publica en simultáneo “La canción que Merecemos” en plataformas digitales y el canal de YouTube.

PRENSA

Nancy Hougham Prensa & Difusión

Retro Producciones nancyhougham@hotmail.com

Video

Lou Álvarez - La canción que merecemos

https://youtu.be/wjObRTwy444?feature=shared

151 MiraBA

EVA SOLA PRESENTA

“TANGO CRIOLLO”

Su primer disco solista

Invitados: Adrián Lacruz, Leandro Nikitoff y Felipe Traine

En vivo: Viernes 21 de junio a las 21 h en Bargoglio, Bacacay 2414 (CABA). Entradas $ 6000, a través de la web de Bargoglio. Más info al Whatsapp 1150575547 o por IG En las principales plataformas.

La cantante y violonchelista salteña Eva Sola lanza Tango criollo (Shagrada Medra), su primer disco solista.

Luego de las presentaciones de sus dos elogiados álbumes con el dúo junto a la cantante Nadia Szachniuk, en los cuales recuperaban los sonidos y expresiones culturales de origen anónimo y popular, principalmente de la música del NOA, Eva vuelve a explorar un género y una época diferentes, y aborda esta vez el repertorio de tangos camperos, fundamentalmente de la primera mitad del siglo XX. Tango Criollo tiene en su gestación algo de aquella búsqueda de lo primordial, de entender qué y cómo se tocaba, una curiosidad no tan musicológica como instintiva.

La mayoría de las canciones de Tango criollo fueron cantadas Gardel y por Nelly Omar, y evocan paisajes y momentos que poco tienen que ver con el color citadino y arrabalero al que acostumbramos asociar al tango, sino más bien elementos de la vida campestre: el rancho, la tranquera, la pulpería, los payadores, las fiestas de pueblo.

El álbum cuenta con la participación de tres grandes músicos y guitarristas del mundo del tango: Adrian Lacruz, Leandro Nikitoff y Felipe Traine en guitarrón, quienes aportaron su profundo conocimiento del género y gran musicalidad.

Tango criollo será presentado el viernes 21 de junio a las 21 h en Bargoglio, Bacacay 2414 del barrio de Flores, y contará también con la presencia de Adrián Lacruz y Leandro Nikitoff en las guitarras y Felipe Traine en guitarrón.

Dice Eva Sola: “Dejé Salta siendo muy joven, para pasar unos años en Buenos Aires y finalmente vivir una buena cantidad de años en Italia, donde me especialicé en música antigua, o música ‘históricamente informada’. Vale la pena comentar brevemente de

qué se trata esto último: la praxis filológica de la música es una corriente que intenta, a través del rescate de las fuentes originales y de un gran trabajo de cuestionamientos estéticos, reconstruir el modo y la forma en la que se tocaba en determinado momento histórico, y creo que de alguna manera esa búsqueda del ‘qué y el cómo’, viene signando mi camino musical.

Canto folclore desde hace muchos años, con particular interés en el repertorio anónimo y popular, de raíz temprana. Amante de la Vidala, ese género criollo que sincretiza la copla española con los giros poéticos locales, que da letra y presta espíritu a otras canciones tempranas de nuestro folclore, que se nutre de los mismos paisajes. Me fui embebiendo de una época musical de nuestro país, escuchando conjuntos fol-

clóricos de los años ‘30.

Así llegué hasta este disco, casi empujada por la curiosidad, por encontrarme con lo que se cantaba en Argentina en esos primeros años del siglo XX. ¿Qué cantaba Gardel con Razzano? ¿Qué eran esas primeras canciones, aquellos pre-tangos o aquellos tangos primeros? ¿De dónde salían, de qué hablaban...? Ahí estuve, husmeando en el cancionero, en las viejas grabaciones. Y cuando uno se va hasta ese inicio del tango, llega hasta el campo y se encuentra con el rancho, la tranquera, el patio, las plantas y los pajaritos. Allí fui encontrando las canciones de este disco, que finalmente se estableció en un periodo en donde el tango ya estaba codificado como género musical, ya no eran cielitos, estilos y cifras, era Tango; Gardel ya había grabado mi noche triste. Pero aún estas canciones conservan ese espíritu criollo, está todavía fresca esa ligazón con el campo, con los suburbios campestres.

El armado de este disco fue de la mano de Felipe Traine, con quien confeccionamos, entre largos audios y compartires de músicas y escuchas, la lista de canciones. Y allí se abre para mí el mundo de las guitarras y los guitarristas, y ahora la decisión era si hacer un disco gardeliano, tocado sin púa, o ir más adelante, si hacerlo con dúo o trio. Es en ese momento que llegaron Adrian Lacruz y Leandro Nikitoff, y el equipo quedó armado de la mejor manera. Comenzaron los ensayos en un viejo patio de La Boca, regados de mate y conversaciones guitarristicas: la púa, el capotasto, el trino. Así llegamos a grabar este disco que en el ínterin encuen-

tró su nombre, simple y cantado: Tango Criollo”.

Ficha técnica:

Grabado en PuntoAr en septiembre de 2023. Técnico de grabación: Ariel Gato

Productora artística: Eva Sola

Productora fonográfica: Eva Sola.

Arreglos:

Felipe Traine: Gloria, Sentimiento Gaucho, Fiesta Criolla, como yo lo siento.

Leandro Nikitoff: Cruz de Palo, Tristeza Criolla, La Reja.

Adrián Lacruz: Tu vuelta, Nobleza de Arrabal, Muchacho. Eva Sola, voz

Adrián Lacruz, guitarra

Leandro Nikitoff, guitarra Felipe Traine, guitarrón

Grabado con la ayuda del Fondo Nacional de las Artes.

Breve bio:

Eva Sola es salteña. Violonchelista y cantante, dejó Salta muy joven para iniciar un camino de formación como chelista de la mano de grandes maestros como Claudio Baraviera, Juan Manuel Quintana y Gaetano Nasillo. Durante muchos años residió en Italia donde se especializó en músi-

ca antigua, brindando conciertos en Italia, España,Alemania, Hungría, Grecia, Bulgaria, Austria y Francia, entre otros lugares de Europa.

En la actualidad forma parte de la Orquesta Sinfónica de Salta.

Como cantante está ligada a la música folclórica de raíz, con particular acento en el repertorio anónimo y popular.

Ganadora de dos Premios Gardel (2012 y 2022) por sus discos “Vidala” y “Vidala en mi Zamba” con el dúo Eva y Nadia.

Su último trabajo discográfico como solista, Tango Criollo (Shagrada Medra) será presentado en sociedad vía streaming el miércoles 24 de abril a las 22 h por el canal de YouTube de Shagrada Medra y estará disponible en las principales plataformas desde el miércoles 24 de abril.

Prensa: Karina Nisinman http://karinanisinman.com

Video

La Hora Azul, Ciclo de escuchas Shagradas: “Tango Criollo” / https://youtu.be/IzNrWITGIxM?feature=shared

DANIELA MILAGROS

Presenta el video de su explosiva versión en español de

“Psycho Killer”

La joven y talentosa multi-instrumentista Daniela Milagros presenta el video de su explosiva versión en español de “Psycho Killer”, unos de los clásicos de Talking Heads.

La idea del video de “Psycho Killer” surgió entre Daniela y su hermano Rodrigo de Miguel, ambos tienen la pasión de producir sus propios cortos, la mayoría de las veces en formato de película, ya que son aficionados a los films y documentales. Además de compartir la experiencia de hacer música juntos y ser el guitarrista de la banda, Rodrigo dirigió y coprotagonizó esta filmación.

En palabras de Daniela: “Elegí versionar Psycho Killer porque era un tema que siempre me gustó y me pareció que estaba buenísimo hacer una versión en español, que tiene nuestro sello y con mi estilo propio. Me identifica mucho este tema por la locura y porque siempre me ví todos los documentales de los psycho killers”.

¿Quién es Daniela Milagros?

A los 19 años Daniela Milagros es una de las revelaciones de la

“Psycho Killer” versión en español es editado paralelamente al lanzamiento internacional del álbum “Everyone’s getting involved” (Todos se están involucrando) un tirbuto a Talking Heads, en el 30th aniversario de su disco “Stop Making Sense” donde participan artistas como: Paramore, Miley Cyrus, BadBadNotGood, Blondsheel, Lorde, los argentinos de El Mató Un Policía Motorizado, entre otros.

escena pop/rock argentina. Nacida en la Ciudad de Buenos Aires en el 2004, la joven cantante, compositora, actriz y multi-instrumentista: piano, batería, bajo & keytar, posee una fuerte impronta, presencia escénica y elegancia que solo ella sabe conjugar.

Perteneció al coro de niños del Teatro Colón desde los 11 años hasta los 14 años, participando en las óperas, giras y conciertos junto a la filarmónica de Buenos Aires

Daniela, la más buscada por las marcas de instrumentos musicales

Warwick, la empresa alemana líder mundial en bajos la contactó para que sea su embajadora para LATAM y Casio, la legendaria y prestigiosa compañía japonesa de teclados no se quedó atrás. Es que sin duda todos ven su talento.

El 2023 fue un año de crecimien-

to constante presentándose con su banda en prestigiosas salas de Buenos Aires.

El 2024 no podría arrancar de mejor manera que siendo la artista invitada de Slash en el Movistar Arena y en el mes de marzo fue parte de una nueva edición del Lollapalooza Argentina en donde deslumbró con su presentación.

Y este es solo el comienzo de muchas sorpresas que Daniela Milagros nos tiene reservadas

para un año en el que va a dar que hablar.

PRENSA Indigo Press

María Nolte mnolte@indigopress.com.ar Nicolás Tavella nicolastavella@indigopress.com. ar

Video

Daniela Milagros - PSYCHO

KILLER (Official Video) https://youtu.be/pfYW120XDo8?feature=shared

AMANDA PUJÓ PRESENTÓ SU NUEVO SINGLE Y VIDEO

ESPERAR

Amanda Pujó es cantautora argentina, dueña de una voz profunda y cautivadora que con una gran sutileza nos abre las puertas de su alma para enseñarnos su búsqueda por encontrarse a sí misma y a sus deseos. El pasado viernes 3 de mayo a las 20h fue parte de Aires Music Fest donde presentó su nuevo material en el Centro Cultural Matienzo, Juan B Justo 2959 - CABA.

Esperar es su nuevo single compuesto con su piano; canción que habla del padecimiento, de la incomodidad que le genera a la artista estar en una posición de quietud, de expectativa, de

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“espera del otro”, pausando y posponiendo sus ganas ante el hastío de esta espera. Expresa una necesidad muy fuerte por realizar un corrimiento; despegarse de la quietud, hacer con la angustia algo distinto. Esperar como una posición en la vida, que simula comodidad, pero esconde agobio. “Ya ni respiro”, “descanso en el filo de lo que corta más”. Esta canción es una oda a los que buscan encontrarse y construir con lo que tienen, algo más amoroso y habitable para sí mismos.

Este single cuenta con un rotundo videoclip creado y realizado junto a la productora audiovisual

Noctisfilms, video en el cual

Amanda Pujó interpreta, a través de diferentes imágenes, un viaje desde el agobio hacia su propia liberación. Un video imperdible, destacádonse por la riqueza cinematográfica del mismo.

La música es la forma que desde muy pequeña conoció Amanda para poder hablar de sí misma, un espacio seguro donde “ser sin mandatos”, donde despojarse, aunque sea por un rato, de la mirada del otro y de las expectativas autoimpuestas. Su música es imposible de etiquetar, juega con la fusión de elementos como el folk, rock y pop. Sus letras marcan un es-

tilo propio, Amanda se anima a plasmar la expresión de estados de ánimos y las preguntas que la inquietan. Destacándose por su sensibilidad al abordar temas como el amor, la identidad y la sociedad.

“Esperar, ya no es lo mío…”

Este nuevo single nace luego de “La Intuición”, último EP de la artista, donde ya se gestaba una búsqueda por liberarse de las ataduras mentales para poder darle lugar a lo propio, a lo intuitivo, a lo genuino. Compuesta en piano por Amanda, con la producción de Manuel Fernández y mezcla de Luciano Farelli.

Acerca de Amanda Pujó:

Oriunda de Buenos Aires, Amanda creció en una familia atravesada por la lectura, la música, la política y el psicoanálisis. Se recibió de psicóloga en la UBA a sus 22 años, carrera que ejerce hoy en día, siempre interpelada por los aspectos socio-culturales y su entramado con la subjetividad y el padecimiento singular de cada historia.

La música formó siempre parte de su vida. Ya en su infancia estudió diversos instrumentos como el piano, la guitarra y la flauta, aunque se encontró con su verdadero amor a los 13 años, la voz. Comenzó a escribir sus propias canciones, pero en 2016 formalizó su vínculo con el ser “cantautora” formando Oxymora, su primera banda que se caracterizaba por sus arreglos vocales y la mezcla entre el castellano y el francés. Con este proyecto grabó su primer EP, presentándolo en muchos

escenarios de Buenos Aires y quedando seleccionado para la semifinal del concurso “Camino a Abbey Road” (2018). Durante el aislamiento del año 2020 y de la mano del productor musical Luciano Farelli, Amanda decidió confiar en su nombre y exponer su esfera más íntima, lanzando sus primeros temas como “solista”: Abrazame, Ecos de mi voz,

No hay santos, desembocando en lo que sería su disco debut “Nuevos Silencios” (2021).

En abril del 2023, lanzó “La Intuición”, EP producido y grabado por Manuel Fernández (director musical y baterista del proyecto) y mezclado por Luciano Farelli, un álbum de rock alternativo con elementos del grunge y del rock industrial. Este material conlleva una impronta súper potente y honesta, donde Amanda se invita a sí misma a desarmarse de las ataduras mentales y apostar a lo genuino, lo que nace de adentro y volver a la intuición.

Esta búsqueda por encontrarse con el propio deseo sigue su curso con el lanzamiento de su nuevo single: “Esperar” (abril 2024).

PRENSA

Analía Cobas analiacobas@gmail.com

Cecilia Dellatorre pnlp83@gmail.com masprensa.com.ar

Video

Esperar - Amanda Pujó (Video Oficial)

https://youtu.be/ayTQkD5c-Jw?feature=shared

Agustina Banegas lanza su disco debut Homenaje

La cantautora bonaerense dedica su ópera prima a honrar sus raíces. La presentación en vivo será el viernes 21 de junio a las 21h en Cultural Thames, Thames 1426, Palermo. Entradas a través de Passline.

Homenaje, es el nombre del primer disco de Agustina Banegas. La cantautora pone énfasis en obras de su autoría con ritmos folklóricos como la chacarera, el huayno y el chamamé, para contar sobre el paisaje, la forma de vida y las costumbres de su Roque Pérez natal. Su enérgica y cálida voz y los arreglos cuidados maridan perfectamente con

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letras sensibles que describen personas trabajadoras en su quehacer cotidiano.

En lo esencial (Agustina Banegas)

Amanecer en flor (Agustina Banegas)

Artesana sin libreto (Agustina Banegas)

La sembradora (Juan Carlos

Chazarreta - Carlos Carabajal)

Grabación: Mirifico estudio - La Plata

Edición: Francisco BaezaCABA

Mezcla y Mastering: Federico Nicolao para Eleven Palace

Studio - CABA

Audiovisual: Franco Pérez para Chiky Producciones.

Fotos: Diego Nuccera

Diseño gráfico: Araceli Melián

Voz: Agustina Banegas

Ficha técnica

Guitarra: Leonardo Emmanuel

Avendaño

Bajo: Juan Manuel Tangaro

Percusión y accesorios: Agustin

Guagliardo

Acordeón: Germán Fratarcángeli

Flauta Traversa: Laura Molinas

Batería: Pablo Vignati

Producción musical: Leonardo

Emmanuel Avendaño

Producción general: Cecilia

Rossi

Dirección general: Agustina

Banegas

Sobre Agustina Banegas

Agustina Banegas nació en la ciudad de Roque Pérez, provincia de Buenos Aires. Desde los 8 años incursionó en diversas expresiones artísticas, relacionadas sobre todo con la danza y el canto folklórico. Comenzó su carrera como solista vocal en el año 2011 y desde entonces participa en eventos, festivales y peñas de todo el país.

En el 2012 fue seleccionada para ser parte del certamen televisivo de Canal Trece “Soñando por cantar”. Concursó en tres oportunidades en el Pre Cosquín en el rubro solista vocal, representando las Sedes Lobos, Moreno e Ituzaingó en el escenario Atahualpa Yupanqui. Su formación incluye clases con artistas como Pepe Cibrián, Lorena Astudillo y Luna Monti.

En la actualidad forma parte de la compañía Folklórica de Danzas Ancestral y de Argendancecompany como bailarina y cantante. Durante los últimos años ha grabado tres sencillos que se encuentran en las pla -

taformas digitales. Actualmente se encuentra presentando su disco debut Homenaje (2024), con composiciones propias.

Florencia Meluso - Enlazadora de Mundos @flormeluso

florenciameluso@gmail.com

Videos En lo Esencial- AGUSTINA BANEGAS

https://youtu.be/ndbnJvBqWUo?feature=shared

Durante El Invierno presenta

“Las Hojas” junto a Vane Enríquez

La banda de Indie Folk Durante El Invierno, oriunda de Caleta Olivia, presenta mundialmente su single y vídeo “Las Hojas”, junto a la talentosa Vane Enríquez.

“Las Hojas”, que conserva la esencia del Folk de los inicios de la banda, es una de las primeras canciones compuestas por Adriel

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Folk en 2017 para Durante el Invierno, escrita en conjunto con Ana Ferreyra, quien se encargó de la letra.

Dice Adriel al respecto:

“Una mañana mi amiga Ana, me manda por Whatsapp una frase que estaba escribiendo en un intento de crear unos poemas. -Las hojas me hablaba de vos y

de tu amor y el viento me recordó tu libertadMe llamó mucho la atención la alegoría de las hojas y el viento haciendo referencia a extrañar a alguien, pero nadie específicamente claro, podría ser una pareja, un familiar, un amigo. Justamente veníamos componiendo varias canciones con Durante el Invierno Invierno y todas

tenían la particularidad de tener ese factor de naturaleza en las letras. Así que agarre la guitarra y le compuse unos primeros acordes que fueron mutando a lo largo de la madrugada. Sabía que esa frase quedaba sola, faltaba otro condimento, hasta que nace -tus ojos miraban el sol, mis manos confianza en vos y tu voz me recordó mi libertadhaciendo una referencia a que esa persona no sólo nos recor-

“Las Hojas” fue tocada muchas veces por la banda en todos sus shows, pero curiosamente siempre quedó pospuesta para ser grabada.

Fue en 2019 que invitan a Vane Henríquez a ser parte del coro en la grabación del disco en vivo

“En Casa”, entablan relación con ella y son muchas las veces que es invitada a participar de alguna canción con la banda en diferentes eventos.

La voz incomparable de Vane resultaba ser la colaboración perfecta para traer de vuelta “Las Hojas” al presente de la banda, pero está vez con mucho más protagonismo. Dándole forma de

single con videoclip.

El mensaje es claro, siempre existen factores que te hacen acordar a alguien y acá es la naturaleza que trae el recuerdo de momentos agradables, llenos de libertad.

“Las Hojas” fue grabado en Ascensio Producciones en Caleta Olivia en el otoño del 2023, y cuenta con un videoclip filmado por Joel Alzugaray y editado por Cristian Baisel.

Agrega Adriel:

“Es importante siempre trabajar con amigos y amigas, ya que esto nutre de familiaridad a las canciones y los proyectos. agradezco mucho la amabilidad de Ani Ferreyra por regalarnos está letra, la gran voz de Vane Henriquez y la disponibilidad de sumarse a este single y además agregarle un banjo! que no es un instrumento tan fácil de tocar. También es hermoso poder trabajar con amigos de la adolescencia como Cristian Baisel, quien fue mi compañero en la secundaria y también Joel Alzugaray con quién compartimos muchos momentos artísticos y familiares”

Quién es Vane Henriquez:

. Profesora de música y música independiente.

. Participó del certamen “Vamos las bandas” en 2019, donde resultó ganadora en la provincia de Santa Cruz. Viajó a Bs. As. a grabar una de sus canciones al estudio de Lito Vitale.

. En 2022 participó del programa televisivo “La voz argentina” formando parte del Team Lali.

. En 2023 fue parte de la delegación de Santa Cruz en Cosquín, Córdoba.

LINK AL VIDEOCLIP:

https://youtu.be/IEauN1OE96E “Las Hojas” en Spotify: https://open.spotify.com/track/1em9NIQL534lLWD6Lb8ECp

Durante el Invierno en Instagram:

https://www.instagram.com/duranteelinvierno

SG PRENSA Y DIFUSIÓN

Susana Galarza

https://linktr.ee/sgprensaydifusion

Video

Durante el Invierno ft. Vane Henríquez - LAS HOJAS (Video Oficial)

https://youtu.be/IEauN1OE96E?feature=shared

THE PAXTON PRESENTA SU PRIMER DISCO “Fusión”

Fusión es el primer disco de The Paxton (proyecto solista por JulioPaxton) género musical Rock’n Roll, que estuvo a cargo de la producción por JulioPaxton y masterizado por Mario Siperman (Fabulosos Cadillacs) en el estudio Loto Azúl y la máquina estudio musical.

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Sobre éste 1°disco, el compositor, guitarrista y cantante Julio Paxton se expresa con éste material una mezcla de géneros como el Pop, Rock,Britpop, Grunge y sonidos que no se pueden explicar con palabras con 13 canciones originales y varios videos.

Sobre este nuevo material Julio, comenta “cuenta con composiciones muy diferentes, que te transporta a un espacio dentro uno es ese ser que te habías olvidado o pensaste que no existía.. y todo empezó con una nota músical a finales del 2014 que se abrió camino en el tiempo hasta nuestros días.”

FICHA TÉCNICA DEL DISCO:

Producción artística: Julio Paxton

Grabación, edición, mezcla y mastering: Mario Siperman (Fabulosos Cadillacs)

Letra, voz, guitarra y bajo: Julio Paxton

Batería: Leonardo Gonzalez y Fernando Vernazza

Teclados: Pablo Cayuqueo

Grabado en el estudio loto azul y la máquina estudio musical, Buenos Aires, Argentina 2023.

El video trata de un collage de fotos con mucho movimiento que sincroniza con la canción y lo lleva a otro espacio muy extraño y atractivo. Buenos.

PROXIMAS FECHAS DE PRESENTACION

14/6/2024

@bluevelvet.santelmo

Bolivar 624 San Telmo 00hs- Entrada libre y gratuita.

BIOGRAFÍA:

The Paxton es una fusión de géneros músicales; Rock’nRoll en sus variaciones.

Nacido en el 2014 en la costa Pinamar, Buenos Aires Argentina. Proyecto musical muy interesante y atractivo, que va recorriendo cada rincón de la Argentina con su música y su perfomance, se puede escuchar en todas las plataformas digitales.

INTEGRANTES:

JulioPaxton (Compositor, guitarra, voz)

Daniel Oviedo: batería

Luciano Cabarcos: bajo

TRACKLIST:

01 Te entiendo

02 Oh baby tell me

03 Otro sueño 04 I think

05 Un deseo

06 Tu Superman

07 Míster x 08 Tan genial

09 IT’s like a movie

10 Tan genial

11 I am sorry

12 Si, lo sé

13 Tonight

MN.Prensa y Comunicación Lic. Marcela Nuñez T:@MNPrensa01 I:@mncomunicacion marcela@mncomunicacion.com. ar www.mncomunicacion.com.ar

Video

The Paxton mister x , grabado en el estudio loto Azul. Buenos Aires Argentina 2023

https://youtu.be/BYCrnLY4mBs?feature=shared

Nahuel Roht presenta su primer disco Las Esquinas del Misterio

Canciones con aire de tango y milongas

El músico Nahuel Roht presenta “Las Esquinas del Misterio”, su primer disco solista producido por Juan Ravioli, grabado en “La Cocina de Beti” y lanzado en septiembre del 2022. A lo largo de 9 tracks, Roht despliega un puñado de tangos propios acompañado de una formación criolla con olor a madera y a tierra mojada.

“Las Esquinas del Misterio” es un disco de canciones, con aires de tango y milonga que sigue la línea de la tradición guitarrística rioplatense y se instala en

la escena de cantautores latinoamericanos. Con una profunda raíz urbana bien anclada en Buenos Aires, “la lírica pretende ser hija de la obra de Arlt, Borges y Manzi… “, señala Roht, que defiende la canción a fuerza de melodías logradas y arreglos característicos.

Inspirado en el barrio porteño de Barracas, y en todo el paisaje del sur de la Ciudad de Buenos Aires, paisaje típicamente tanguero, Roht reconoce la influencia principal de Fernando Cabrera: “ … yo nunca fui cantante y

en el tango ser cantor es dominar el instrumento. Por eso autores como él me sirvieron de inspiración y aliento para hacer un disco que refleje bien quién soy y todas mis influencias sin desprenderme de lo que amo que es el tango”.

“Usted no escuchará ni el rezongo del bandoneón ni el llanto de los violines, tan sólo los bordoneos y el laborioso rasgueo de unas guitarras acriolladas. Espero algún verso merezca su memoria, y alguna melodía sepa tocar su corazón”. Con

la compañía del Trío Misterioso: Facundo Tudisco en Contrabajo, Silvestre Moretta y Javier “Teyi” León en guitarras, se presentará en vivo el viernes 7 de junio a las 21hs en Club Social Cambalache (Defensa 1179, San Telmo, Ciudad de Buenos Aires).

Entradas vía web o mail a: clubsocialcambalache@ gmail.com https://www. clubsocialcambalache.com. ar/

Acerca de Nahuel Roht

Nahuel Roht (1986) nació en Carmen de Patagones, provincia de Buenos Aires, y vive en CABA desde 2014.

Aprendió el arte del marcato y el bordoneo fichando diestros colegas en los boliches de Caminito. Fue alumno de Rodolfo Mederos por poco más de dos años. Hace tiempo, con un cuarteto itinerante giró por cada barrio porteño para más tarde pasear por Europa. Y

desde hace poco ya no esconde su berretín de cantautor. www.nahuelroht.com

Prensa Flor Carrozza mfcarrozza@gmail.com

Video Las Esquinas del Misterio (Video Oficial)

TOM RUD TRIO presenta su álbum ESPIRALES

Tom Rud Trío presenta en vivo Espirales, su primer disco, en la Sala Osvaldo Pugliese del Centro Cultural de la Cooperación. El trío viene de presentarse en salas y espacios como Hasta Trilce, Circe-Fábrica de Arte, Bar de Fondo Cultural, Centro Cultural Nueva Uriarte, Centro Cultural CAVA, Altos de la Poesía, entre otros. En 2025 se presentará en España como grupo invitado del “TraviCult, dissabtes culturals al Casal Can Travi”, en Barcelona.

El trío propone territorios sonoros donde dialogan rítmicas argentinas con otros recursos estilísticos propios del jazz y la música contemporánea.

Las y los esperamos el miércoles 5 de junio a las 20.30h en el CCC.

Presentación en vivo

Día: miércoles 5 de junio, a las 20.30h

Dónde: Centro Cultural de la Cooperación

Sala: Osvaldo Pugliese, Pb

Dirección: Av. Corrientes 1543

Entrada: $5000

Informes y reservas: Informes: 011 5077 8000. Boletería 5077-8000, interno 8313

Boletería física del CCC: de miércoles a domingo por la tarde O por Alternativa Teatral

Disponible en las siguientes plataformas: spoty, youtubemusic, bandamp, itunes.

Son Tom Rud Trío:

Tom Rud: guitarra y composición

Astrid Motura: violoncello

Valeria Bosio: flauta traversa Sobre Espirales:

Espirales es una alegoría del proceso compositivo que dio nacimiento a las obras de este disco. La arquitectura del espiral que emerge desde el centro y va expandiéndose y conectando con el entorno. Las cuerdas (pulsada, frotada) y el viento son cómplices de estas ideas profundas que se van desarrollando y creciendo. Cada vuelta es recorrido y es tiempo que transcurre, tridimensionalidad espacial y temporal. Como en el pensamiento indígena propone un tiempo no lineal con un constante inicio y apertura de ciclos pero siempre en contacto con el pasado y con lo colectivo.

El espiral como latido, símbolo de cambio y expansión. En este bucle, los espacios de improvisación son centros para conectar con lo nuevo en cada concierto, con la creatividad que fluye in situ, dialogando con el auditorio, con los artistas invitados, con cada integrante del trío.

Sobre su grabación:

Estos criterios nos llevaron también a una búsqueda estética a la hora de realizar la grabación. Priorizamos la versión concierto, tocando los tres de manera simultánea, compartiendo el espacio del estudio, con paneles para proteger la calidad de sonido.

Todos los temas compuestos

y arreglados por Tom Rud con excepción del arreglo de cello en el tema 6 por Astrid Motura.

Lista de temas:

Tiempo

Mañanas de otoño

Aire

Niña Nina Tres en seis

Pájaro cantor.

Minor K

Equipo:

Rocío Sanjurjo Ábalos: voz y bombo en el tema 4 “Niña Nina”

Sebastián Ortega (Bastien): pintura original para la tapa del disco.

Patricia Malamute: Diseño de logo y web. Asesoría en redes.

Julia Tiscornia: Diseño de postales del disco. Filmación y diseño audiovisual de videos.

Mariano Fernández: Grabación, técnica, edición y mastering. Estudio Sombra Cine Producciones.

Producido por Tom Rud Trío Grabado con el apoyo del Fondo

Nacional de las Artes (beca creación 2022)

Sobre Tom Rud Trío:

Nace a fines de 2019 como

trío con formato acústico instrumental. En estos primeros meses participa del Ciclo “Desde el taller”, del luthier Matías Novelle grabando en vivo sus dos primeras composiciones. En la pandemia, Tom Rud, compone y arregla la mayor parte del repertorio que el trío luego ensaya e interviene desde la exploración sonora de cada instrumento y los espacios de improvisación. En octubre 2021 hacen su primer vivo presentándose a partir de allí en importantes salas de Buenos Aires: Hasta Trilce, Circe-Fábrica de Arte, Bar de Fondo Cultural, Centro Cultural Nueva Uriarte, Centro Cultural CAVA, Altos de la Poesía, entre otros.

Como hitos importantes de su trayectoria se destaca el haber obtenido la Beca Creación del Fondo Nacional de las Artes (FNA) en 2022 y la grabación del primer disco en Sombra Cine Producciones en 2023, ya disponible en todas las plataformas digitales. El concierto de lanzamiento se realizará el 5 de junio de 2024 en el Centro Cultural de la Cooperación.

Este año fue invitado a participar

en el Ciclo 2025 del “TraviCult, dissabtes culturals al Casal Can Travi” a realizarse en el Salón de Arte Miquel Llobet del Casal de barri Can Travi de Barcelona (España).

Desde el inicio y durante todo su recorrido el Trío genera espacios de intercambios artísticos con bailarines, escritores e ilustradores en espectáculos que buscan potenciar las diferentes disciplinas artísticas.

Redes sociales del grupo:

IG: https://www.instagram.com/ tomrud_trio/ FB: https://www.facebook.com/ tomrudtrio/ Canal de YouTube: https://www. youtube.com/@tomrudtrio7841 Página web: tomrudtrio.com.ar

Daniel Franco

Prensa y Capacitación Cultural prensa@danielfranco.com.ar www.danielfranco.com.a https://www.facebook.com/ danielfrancoprensa/ IG: danielfrancoprensa

Video

Tres en Seis https://youtu.be/ vQ1XeV3cV7k?feature=shared

El Rojas, dependiente de la Secretaría de Relaciones Institucionales, Cultura y Comunicación de la UBA presenta

Nuestro Rojas | Música

40 Años 1984-2024 - Muestra Patrimonial en el Espacio Entrepiso

En el marco de los festejos por los cuarenta años del centro cultural, el Rojas ha seleccionado una serie de contenidos del área de Música para recordar y homenajear ciclos, artistas y momentos emblemáticos que definieron el sonido del Rojas.

Inauguración:

martes 7 de mayo a las 18.30 h (hasta el 28 de junio) Horarios post inauguración: lunes a sábados de 10 a 20 h

Entrepiso del Centro Cultural Rojas UBA Av. Corrientes 2038 Entrada gratuita

En la muestra se presentan dos cápsulas audiovisuales dedicadas a las artistas Leda Valladares y Rosario Bléfari, ambas con destacada obra y producción ligada al Rojas. También se exhibe una selección de imágenes de la fotógrafa Eugenia Kais sobre Bléfari. A lo largo del año, celebraremos Nuestro Rojas desde el teatro, danza, artes visuales, letras, cursos, cultura urbana, cine y publicaciones.

Invitados: Sami Abadi y Fernando Noy.

40 Años 1984 - 2024

Texto curatorial de la exhibición patrimonial

En la mañana de la Democracia, la Universidad de Buenos Aires

decide abrir las puertas del Centro Cultural Rector Ricardo Rojas en 1984. Su nombre, un homenaje al rector de los Reformistas del 18 que revolucionaron la cultura y la educación nacional. Y el Rojas, que siempre será el puente plural y comprometido, encendió en Balvanera hace 40 años un modelo de gestión de políticas públicas que trascendió la ciudad con sus cursos, exposiciones y espectáculos.

Pionero en la enseñanza de las artes, la cultura y los oficios, a partir de un original concepto de la extensión universitaria y comunitaria; el Rojas escribió además las bonitas páginas de las manifestaciones artísticas de las últimas cuatro décadas en teatro, danza, cine, artes visuales e infinidad de expresiones, de las respectivas cuatros generaciones de hacedores de nuestra identidad. Los teatristas retomaron las puestas innovadoras presentadas en nuestras múltiples salas, mientras que la Cultura Ur-

bana y el fenómeno de las murgas renació en estas paredes y explotó en las calles, como la música y la danza que marcaron los sonidos y los movimientos de vanguardia. Acá un pasillo mal iluminado, con los fogonazos del Tao del Arte, se transformó en hito de las artes argentinas. Al Rojas lo imaginaron algunos un Laboratorio de Políticas Culturales. Otros, en el cruce de milenios, estéticas y nuevas tecnologías, nos llamaron la Usina Cultural de Buenos Aires. Y muchos tejieron una bandera multicolor que se adelantó y alimentó la marea. Es acá donde compartimos

nuestra historia y nuestros sueños, es Nuestro Rojas, es nuestra Universidad Pública y Democrática.

Esta historia continuará: “Te lo juro por Batato”.

Prensa CORRIJAS UBA

Prensa Paula Simkin psimkin@rojas.uba.ar

Pato Sabático feat. Juan etcétera publican un video clip de la canción “Por

Amor al Under”

Ya se puede ver el videoclip de “Por Amor al Under”, canción que forma parte del último material discográfico del proyecto solista de Pato Sabático, y que cuenta con la colaboración de Juan Etcétera.

Compañeros en otros proyectos, pero sobre todo amigos, los santafesinos Pato Sabático y Juan Etcétera presentan el video de “Por Amor al Under”, una canción inspirada en el lado B de la música, los ensayos ruidosos, las guitarras distorsionadas, los recis con poca convocatoria, el descontento de padres, parejas y amigos que no comparten o entienden el esfuerzo y amor de hacer música independiente, a pesar de que “todo se pierda en el internet...”

El tema forma parte de “MANUAL DE INSTRUCCIONES

PARA SUPERAR UN INVIERNO DEMASIADO EXTRAÑO”, el último trabajo de Pato editado en 2023, un disco de 10 canciones folk con influencias punk.

El video que ya está disponible en las redes sociales y plataformas del músico, fue realizado por Mauricio Bonadeo en febrero del 2024 en la Ciudad de Buenos Aires.

SOBRE EL ARTISTA

“Pato Sabático” es el nombre que le dio el músico y compositor de la Ciudad de Santa Fe Patricio Fontana a su proyecto como solista, haciendo referen-

cia al nombre de la banda “Mi Primer Año Sabático”, donde se desempeña como cantante y guitarrista. Además participa activamente de otros proyectos como “Quilmes verano” y “Habitación x hora”.

Desde el 2017 hasta la fecha, ya cuenta con 4 discos en su haber, caracterizándose por cambiar de género, siempre con base PUNK: “Counter en el cyber” (2017), “La vida moderna de Pato” (2020) y sus últimos lanzamientos del 2023 graba-

dos, producidos, mezclados y masterizados por él mismo en su home studio, llevando al máximo el concepto DIY (do it yourself).

REDES Y PLATAFORMAS DIGITALES

Video en Reels: https://www.instagram.com/reel/ C6teUJzugXE/ Spotify: https://open.spotify.com/artist/3ZvaCAY8w8RKCfgy7pyDgX Instagram: https://www.instagram.com/pato. sabatico/ Tik Tok: https://www.tiktok.com/@pato. sabatico

Fuente: D&M Prensa y Diseño Daniela Fortonani danielafortonani@gmail.com ig: @dym_prensa

Video

Pato Sabático / Feat Juan Etcetera - Por amor al under https://youtu.be/n3_Uvw0BGGI?feature=shared

“De hacerlo mal”

El nuevo single y video de Nahuel Vasko.

“De Hacerlo Mal” es el nuevo single y video de Nahuel Vasko, esta una canción Indie Pop mezclada con Synth Pop, sobre acompañar la transición de género de una persona muy cercana. Predomina una gran variedad de sintetizadores, voces en varias capas superpuestas de distintos matices emocionales, juegos de armonías y un virtuoso solo de saxo para un extra de nostalgia ochentosa. Este nuevo single es parte de una trilogía conceptual de canciones que verán la luz en los próximos meses.

Nahuel Vasko es un artista indie nuevo en la escena de Buenos Aires, proveniente de la costa atlántica. Un creador y habitante de canciones indie/pop/rock, impulsadas por melodías tan pegadizas como introspectivas, combina un estilo retropop lleno de influencias de la música de los ochenta con la frescura y la producción sonora del nuevo indie nacional.

En 2018 lanza su EP debut “Solo”, y luego distintos singles

hasta llegar a su disco debut “Romper El Espejo”. El disco se caracteriza por estar compuesto a partir de historias y perspectivas ajenas, naciendo desde el deseo de dejar de lado la mirada propia, el Ego, y crecer en em-

patía. Su sonido fresco y ecléctico se articula con este concepto. Esta etapa comienza en 2022 con la presentación del disco a sala llena en el complejo Chauvin y su participación en el Festival Marea junto a artistas como FMK, Kapanga y Bhavi entre otros. En 2023 continúa presentando el disco como invitados de Científicos del Palo en GAP, y realizando shows en Mar Del Plata, Buenos Aires y la costa atlántica.

Actualmente Nahuel ha lanzado su nuevo single “De Hacerlo Mal”, y se encuentra presentando nuevas canciones en vivo que serán parte de su próximo EP.

Prensa

Nadya Cabrera nadyacabreraprensa@gmail. com

Video

Nahuel Vasko - De Hacerlo Mal (Video Oficial) https://youtu.be/rv9FA4f_v2g?feature=shared

MUSCALOPIO PRESENTA NUEVO EP:

Muscalopio SÁBADO 15 DE JUNIO EN LALALÁ – CABA

MUSCALOPIO lanzó nuevo EP “Muscalopio”. Este material es otra producción independiente del trío radicado en la zona sur del Valle de Punilla, Sierras de Córdoba. En esta edición se presentan cinco nuevas canciones que refuerzan el impulso gótico que ya venía gestándose en la banda en los últimos años, donde el shoegaze, los beats y los teclados forman un universo tan extremo en el que se podría romper en llanto en el mismo frenesí del baile.

El proyecto está integrado por Punga Pinozza (teclado, guitarra y voz), Kriss Alonso (synte, percu y voz), y Carolina Rabinovich (programaciones y voz).

Este trabajo fue producido por Muscalopio, grabado y mezclado por Paulo Gimenez y Jeremías Gigena en Villita del Lago Records, y masterizado por Fede Murúa en Estudio Föld. MUSCALOPIO presentará el trabajo en Buenos Aires el sábado 15 de junio en Lalalá del barrio de Colegiales y luego en una serie de shows en Córdoba.

BIO MUSCALOPIO

Muscalopio es una banda de rock/ pop experimental radicada en las Sierras de Córdoba con más de 20 años de trayectoria, llegando con su música a sonar en locales míticos como Casa Babylon y Club Paraguay, y en la edición 2022 de uno de los festivales más importantes de latinoamerica: Cosquín Rock. El proyecto nace en 2002 cuando parte de la

banda comienza a incursionar en la grabación digital, dando como resultado el primer EP del grupo, “Condenada está la Máscara”. Si bien el conjunto nació en el oeste del Gran Buenos Aires, hace más de una década que Muscalopio tiene base en el sur del Valle de Punilla, donde la banda termina de conformarse con músicos de la zona.

En sus 22 años de trayectoria, Muscalopio presume cuatro discos: Canciones Para Cumpleaños Vol 5 (2008), La Vida De Los Otros Vol 1 (2015), Pobre Y Puto (2016) y El Ojo Ciego De Diosito (2020), cuatro EPs: Condenada Está La Máscara (2002), Locus Delicti (2004), Fe Trun Fu Les (2017), Pachamamusca (2018), siete simples: Éxtasis De Santa Teresa (2003), Terence Mc Kenna (2016), Ratas (2018), Hay Un Alienígena En Mi Cerebro (2020),

King Kong (2022), La ronda (2023), y No me fío (2023), y más de veinte videos grabados y producidos de manera independiente por miembros del proyecto.

SHOWS MUSCALOPIO

SÁBADO 15 DE JUNIO/ 21 HS

EN: LALALÁ - ÁLVAREZ THOMAS 1541 – CABA

JUEVES 27 DE JUNIO/ 21 HS

EN: UN MUNDO FELIZ - CASEROS 382 - CÓRDOBA

SÁBADO 13 DE JULIO/ 21 HS

EN: VULP - BRASIL 435 - VILLA

CARLOS PAZ

VIERNES 19 DE JULIO/ 21 HS

EN: ELVIS BAR - COLÓN 202RÍO CUARTO

SÁBADO 10 DE AGOSTO

EN: PÓRTICO - LIBERTAD 253 - VILLA CARLOS PAZ

Paula Alberti Prensa y comunicación! paulaalbertipress@gmail.com

Video

El Darkside (2024) - MUSCALOPIO

https://youtu.be/7iuaUQKdH04?feature=shared

Cine

“La vida de Jagna”

la nueva animación de los directores nominados al Oscar® por LOVING VINCENT

El jueves 6 de junio llega a los cines argentinos la película “La vida de Jagna” (The Peasants) es la nueva producción de los creadores de ” Loving Vincent”, la joya animada arthouse convertida en hit global con 42 millones de USD recaudados en todo el mundo. Nuevamente aquí la técnica animada hecha en base a cuadros pintados al óleo sorprende por su belleza y originalidad. ¡Verla en el cine es una experiencia visual inigualable!

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En esta ocasión, los animadores polacos DK Welchman y Hugh Welchman trabajaron durante 10 años en esta historia ambientada en una villa rural en Polonia a fines del siglo XIX, donde vive la joven Jagna, una mujer que a pesar de la jovialidad e ímpetu por vivir que representa, vive oprimida por un sistema patriarcal que la obliga a casarse con un hombre mayor al que no desea. La película seguirá su trayecto a lo largo de las cuatro estaciones del año,

revelando cómo su espíritu libre comienza a emanciparse de las reglas impuestas.

“Absolutamente excepcional”

Screen Daily

“Deslumbrantemente hermosa”

The Hollywood Reporter “Visualmente impresionante”

The Playtime

FICHA TÉCNICA

Título Original: The Peasants / Chłopi u

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País: Polonia

Duración: 114 minutos

Género: Drama, Animación

Dirección: DK Welchman, Hugh Welchman

Elenco: Kamila Urzedowska, Robert Gulaczyk, Miroslaw Baka

Producción: BreakThru

Productions

SINOPSIS:

Jagna es una joven decidida a forjar su propio destino en un pueblo de Polonia hacia finales del siglo XIX, un lugar donde los chismes y disputas son constantes, y donde ricos y pobres adhieren a bellas

tradiciones enmarcadas bajo un sistema profundamente patriarcal.

Soy prensa hola@soyprensa.com.ar

Video La Vida de Jagna - Trailer Oficial (LAT) https://youtu. be/6cHl6Tp44q8?feature=shared

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LOLA ARIAS ESTRENÓ

REAS

Una película de Lola Arias

El Cultural San Martín

La película tuvo su premiere internacional en la Berlinale y se alzó con el premio a Mejor Documental en el Festival de Luxemburgo.

Tras su premiere internacional en la última edición de la Berlinale, y mientras se prepara para participar en los más importantes festivales de cine europeos, el pasado sábado 18 de mayo se estrenó en El Cultural San Martín (Sarmiento 1551), Reas, segundo largometraje de Lola Arias que reúne historias de mujeres cis y personas trans que han estado en prisión, en una reinvención del género musical en formato documental, mezclando las

experiencias personales de las ex reclusas con música y coreografías.

Reas tuvo 5 funciones en El cultural San Martín y continuará luego su recorrido en otras salas de CABA y el país.

Casi simultáneamente, Arias estará estrenando en el Teatro Presidente Alvear (CTBA), Los días afuera, puesta teatral que cuenta con las mismas protagonistas de Reas y que funciona como su secuela; el público podrá ver ambas propuestas el mismo día.

Dice Luciano Monteagudo sobre el filme: “Ese género [el musical] conlleva luz, brillo, alegría, y es lo que transmiten les personajes de Reas, que a sus evocaciones carcelarias le suman sus sueños, aspiraciones

y deseos. Esa característica distintiva es lo que hace de Reas una película radiante y vital, porque esos cuerpos antes confinados y sometidos ahora son libres para bailar y cantar, jugar e imaginar. De esa energía está hecha la nueva película de Lola Arias.”

SINOPSIS

Yoseli tiene un tatuaje de la Torre Eiffel en la espalda y siempre quiso viajar, pero fue detenida en el aeropuerto por tráfico de drogas. Nacho es un hombre trans que fue detenido por estafa y armó una banda de rock en la cárcel. Dulces o rudos, rubios o rapados, cis o trans, detenidos hace tiempo o recién ingresados: en este musical híbrido, todos recrean sus vidas en una prisión de Buenos Aires. REAS es una obra colectiva que 177 MiraBA

reinventa el género musical: los intérpretes bailan y cantan sobre su pasado en prisión, reviven su vida como ficción e inventan, a través de la fantasía y la imaginación, un futuro posible.

PALABRAS DE LA DIRECTORA

“Cuando escribía la película y también durante los ensayos, nuestro mayor peligro (lo discutimos mucho con el equipo) era el ‘realismo carcelario’. Nuestra película no podía ser una de esas series que estigmatizan a la gente, que convierten la cárcel en un espectáculo de violencia. Reas tenía que ser algo diferente. Queríamos retratar los recuerdos, las fantasías, los deseos de estas personas. Y, sobre todo, queríamos hacer hincapié en algo que para mí es muy importante: cómo es el sistema penitenciario.

¿Cómo es trabajar en la cárcel, cómo es hablar por teléfono en la cárcel, amar en la cárcel?

El género musical era la forma perfecta para enfatizar la fantasía, la imaginación, para dejar que los intérpretes se divirtieran y brillaran, fueran asombrosos, bellos y glamorosos.”

“Exponiendo los sueños de las protagonistas –más que los problemas–, REAS no se presenta ni como una película realista ni una que intenta regodearse en las tragedias de las protagonistas. Curiosamente amable, hasta optimista, es un «documental musical» que se apoya en los personajes, en las amistades que conforman –eso

que suele llamarse «sororidad»–y también en la resiliencia y la paciencia para aceptar algunas malas noticias.” Diego Lerer, Micropsia

“Película que narra el proceso de sororidad y empoderamiento sin por ello caer en las bajadas de línea ni los estereotipos del discurso feminista (...) Arias les da voz, empatía, entidad, posibilidades de sincerarse y de expresarse como probablemente nunca antes lo habían podido hacer” Diego Batlle, otros cines

“La película desafía los límites del musical contemporáneo”CINEUROPA

“Empoderadora, emancipatoria y profundamente conmovedora”HIGH ON FILMS

“Digna de aplausos”MOVIEBREAK

“Una película que utiliza la música como una forma de liberación”ION CINEMA

“Esta es una película única en su tipo que querrás ver” - UNSEEN

“Una película que narra el proceso de sororidad y empoderamiento” - OTROS CINE

“Una joya hecha con amor y cuidado” - UNSEEN

“Una tormentosa y hermosa exhibición de solidaridad que te aleja” - FILMLÖWIN

“Una obra maestra de

posibilidades que debería estar en la lista de películas imperdibles de todos” - ICS

FICHA TÉCNICA

Protagonistas: Yoseli Arias y Ignacio Amador Rodriguez

Reparto: Estefy Harcastle, Carla Canteros, Noelia LaDiosa, Paulita Asturayme, Laura Amato, Pato Aguirre, Cintia Aguirre, Julieta Fernandez, Silvana Gomez, Daniela Borda, Jade De la Cruz Romero y Betina Otaso.

Dirigida por Lola Arias

Producida por Gema Films, Sutor Kolonko y Mira Film

Productores: Gema Juárez Allen, Clarisa Oliveri, Ingmar Trost y Vadim Jendreyko

Directores de Producción: Carla Rosmino, Pascal Moor y Bettina Müller

Guión: Lola Arias

Director de Fotografía: Martín Benchimol

Montajistas: Ana Remón y José Goyeneche

Directora de Arte: Ángeles Frinchaboy

Vestuarista: Andy Piffer

Diseño de Sonido: Sofía Straface y Daniel Almada

Música Original: Ulises Conti Prensa: Luciana Zylberberg

Con el apoyo de INCAA, Fondo Nacional de las Artes, BKM, Film-und Medienstiftung

NRW, Bundesamt für KulturBAK, Fachausschuss Film und Medienkunst BS/BL, Sundance Documentary Fund, IDFA Bertha Fund, Sundance Documentary

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Fund, World Cinema Fund, Succès passage antenne SRG SSR, Swiss Films. En coproducción con SWR/ ARTE.

Bio LOLA ARIAS

(Argentina) Es escritora, directora de teatro y cine. Artista polifacética que reúne a personas de diferentes orígenes (veteranos de guerra, jóvenes refugiados, trabajadores sexuales, etc.) en proyectos de teatro, cine, literatura y artes visuales.

Recientemente fue distinguida con el Premio Internacional Ibsen, el más destacado galardón en el ámbito del teatro mundial que otorga el gobierno de Noruega; de esta forma Arias se une a la lista de grandes creadores escénicos que obtuvieron el premio como Jon Fosse, Christoph Marthaler, Peter Handke, Peter Brook y Ariane Mnouchkine, entre otros. Sus obras teatrales más recientes

juegan con el cruce entre realidad y ficción. Campo Minado (Royal Court Theatre, Londres, 2016) reúne a veteranos británicos y argentinos de la Guerra de las Malvinas para compartir su experiencia del conflicto. Atlas des Kommunismus (Teatro Gorki, Berlín, 2016) reúne historias de mujeres de entre 8 y 84 años con antecedentes en la RDA. Lo que quieren escuchar (Kammerspiele, Múnich, 2018) es la reconstrucción del caso real de un arqueólogo sirio atrapado en la burocracia alemana sin ningún estatus legal. Futureland (Teatro Gorki, Berlín, 2019) es una pieza documental de ciencia ficción interpretada por menores no acompañados, adolescentes que huyeron solos a Alemania. Mother Tongue (2021-2022) es una enciclopedia de la reproducción en el siglo XXI creada en diferentes ciudades con un elenco diverso, y Happy Nights (Teatro Bremen, 2023), un performance inmersivo

donde bailarines y trabajadoras sexuales reflexionan sobre nuestras relaciones con sexo, dinero, lujuria y dolor.

Su primer largometraje, Teatro de Guerra (2018), fue seleccionado en el 68º Foro del Festival de Cine Berlinale y recibió varios premios, entre ellos el Premio CICAE Art Cinema y el Premio del Jurado Ecuménico. Arias también ganó el Premio a Mejor Director en el 20 BAFICI. La película recibió el Premio Movistar+ a la Mejor Película Documental en Documenta Madrid y el Premio Cóndor de Plata al Mejor Guión Adaptado.

La obra de Lola Arias ha sido representada en los festivales de teatro más prestigiosos del mundo, entre ellos el Festival d’Avignon; Festival del ascensor, Londres; Bajo el radar, Nueva York; Teatro Spektakel, Zúrich; y festivales de cine (Berlinale, BFI Londres, San Sebastián, entre otros); así como en lugares como el Théâtre de la Ville, París; REDCAT, Los Ángeles; Centro de Arte Walker, Minneapolis; Parque de la Memoria, Buenos Aires; Museo de Arte Contemporáneo de Chicago; Moma, Nueva York.

Actualmente se prepara para estrenar su segundo largometraje documental, Reas y la puesta teatral Los días afuera, secuela del film que cuenta con las mismas protagonistas.

PRENSA Luciana Zylberberg info@lucianazylberberg.com.ar IG @lucianazylberbergprensa

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HOY ESTRENO MUNDIAL :

“LA HERIDA”

ópera prima de Diego GottheilSelección oficial 25° BAFICI

SELECCIÓN OFICIAL 25° BAFICI - ÓPERA PRIMA

SINOPSIS

A los 62 años, Raúl se entera del suicidio de Marcela, su gran amor de la adolescencia. La conmoción lo sumerge en la memoria del Buenos Aires de 1980, en plena dictadura, y lo lleva a recorrer en el presente las huellas de aquel amor del pasado.

Título original: La herida

Duración: 116 min.

Idioma: Español

País: Argentina

Año: 2024

CON

Raúl joven: Junior Pisanu

Marcela: Macarena Suárez

Raúl adulto: Carlos Santamaria

Madre de Marcela: Raquel

Ameri

Enrique: Juan Tupac Soler

Profesor: Jorge Lorenzo

Señor Sastre: Víctor Labra

Padre de Raúl: Gabo Correa

Madre de Raúl: Romina Pinto

Emilia: Luciana Graso

Médico: Juan Carrasco

Abuela de Marcela: Emma

Luisa Rivera

Padre de Marcela: Marcelo Sein

DIEGO GOTTHEIL - DIRECTOR

Diego Gottheil nació en 1961. u 181 MiraBA

Es director de cine, escritor y abogado.

Estudió cine en la Escuela de Realización Cinematográfica de la Escuela Panamericana de Arte.

También estudió guión con Simon Feldman y dirección de actores con Laura Yusem.

Ha escrito dos novelas: Ojos de Sangre (2002) y Obsesión (2019) y ha adaptado dichas novelas en sendos guiones cinematográficos.

Recientemente ha escrito un

guion en inglés llamado “Honey”.

Dirigió 4 cortometrajes: Ruleta Rusa, Polaroid, Ese Sabor

Amargo, Jesús: Resurrección y Muerte de un Marginal, alguno de los cuales han recibido premios en Uncipar, Primera Mención Premio Méliès, etc.

Es director, guionista y productor de la película La Herida.

A PROPÓSITO DEL PROYECTO

Cuando escribí esta historia de amor desesperado, plasmada en el film, yo mismo era un joven al que el dolor de crecer y la vida golpeaban. El contexto social durante la noche de la dictadura en la Argentina de los años ´80 era amenazante. Sin embargo, las ansias de amar y de libertad eran más fuertes que todos los miedos que nos infundía esa realidad. No había nadie en el mundo de los adultos que nos entendiera: estábamos solos con nuestros sueños y temores. Pasaron los años y muchas cosas cambiaron, pero lo que nunca cambiará 182 MiraBA

es que, cuando el amor deja una herida, inesperadamente vuelve a nosotros y no hay como ignorarla. Ésta es también una historia de resiliencia: Raúl es hoy un hombre de 62 años que ha salido adelante en la vida, y puede mirar hacia atrás y desandar el camino recorrido para recuperar aquella historia de su adolescencia.

EQUIPO TÉCNICO

Dirección & Guión: Diego

Gottheil

Diseño de producción y

producción ejecutiva: Claudia Matallana

Producción: Diego Gottheil, Claudia Matallana

Directora de Fotografía y Camarógrafa: Connie Martin

Editora: Xi Chen

Jefa de Producción: Emilia

Morsan

Asistente de Dirección: Adrián

Tagliabue

Corrección de Color HDR y

SDR: Emmanuel Gramajo

Directora de Arte: Ana Coquet

Ambientadora: Lucía Onofri

Vestuario: Cris Mennella

Asistente de vestuario: Agustina Guerrier, Melisa Arlettaz

Maquillaje: Paulina Bianchetti

Peinado: Leo Castaño

Director de Sonido: Rodrigo Merolla

Microfonista: Mariana Delgado, Juan Temoche

1er Ayudante de Dirección:

Facundo Nuble

Script: Gwenn Joyaux

Gaffer: Martin Tricarico, Vircha Rojas

Key Grip: Mariano Romero

Foquista: Danilo Hernández

Centeno

2da de cámara: Camila Moyano

Jefe de eléctricos: Ricardo

Romero, Fernando Viveros

Electricos: Miguel Angel Colo, Martin Tricarico

Asistente de Producción:

Damián Silva Fernández

Aprendiz: Rocío Barolín

Jefe de Locaciones: Facundo

Marin

Data Manager: Sofía Lanaro

Utilero: Charly Riveros

Asistente de Arte: Malén Motzo

Ortiz

Dron: Diego Cutrera

Foto Fija: Ana Balbi

Administración La Reserva Cine: Ana Trejo, Chiche Padelin

Post-producción CINECOLOR ARGENTINA SRL

Post-producción de Sonido: Pablo Sala

Prensa Julieta Bilik & Erica Denmon

Prensa & Comunicación erica@denmon.com.ar

Video “La herida” - trailer https://youtu.be/2Z7XJtssO28?feature=shared

LA FILO DEL ACANTILADO

Mariana Astutti + Victoria Herrera + Ana Lidejover

Danza-Teatro

“Matilde nosotras las artistas debemos aferrarnos a la inspiración creativa y dejar huellas imborrables porque otra no nos queda.”

Aurora Venturini, Las amigas.

“Tantos aplausos, tantas flores, que sola estoy”

Lola Flores, en LOLA miniserie de TV

FUNCIONES

Funciones: Domingos 18 h

MOSCÚ TEATRO

J. R. de Velazco 535

Entradas por Alternativa Teatral

El pasado domingo 19 de mayo a las 18 hs. en Moscú Teatro (J. Ramírez de Velazco 535, Villa Crespo), se estrenó La filo del acantilado, espectáculo de danza-teatro dirigido por Ana Lidejover y Mariana Astutti y que interpretan Astutti y Victoria Herrera.

La Filo del acantilado es el resultado de un largo proceso de investigación y búsqueda; en ese recorrido Astutti formó dupla creativa junto a Ana Lidejover (dramaturga y directora a quien conoció hace más de dos décadas en la facultad de Filosofía y Letras) y convocó para compartir escena a la bailarina Victoria Herrera para configurar el mundo de xxx, mujer/niña que bucea en su

propia historia.

Sinopsis

Una famosa bailaora desnuda las luces y sombras de su historia en una entrevista que la lleva al filo de la pregunta por su identidad. ¿Es hija de una leyenda gitana? ¿Es una mujer o una niña? ¿Es una sombra o una muñeca? ¿Un pájaro? ¿Un vestido?...

Mariana Astutti y Victoria Herrera en

La Filo del Acantilado

Ficha Técnica

Con Mariana Astutti – Victoria Herrera

Dramaturgia: Ana Lidejover

Coreografías: Mariana Astutti

Diseño de Movimiento: Victoria Castelvetri - Victoria Herrera.

Diseño de Iluminación: Ariel Iacovone

Música Original: Los abanicos de Chinchero, Macabre/Astutti

Diseño de vestido/objeto: César Taibo

Vestuario: Matías Begni

Asistencia de Producción: Lucia Llopis, Cecilia Devetak, Andrea Piermikin

Prensa: Luciana Zylberberg

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Foto: Mariana Roveda

Diseño Gráfico: Joaquín Barraza

Asistencia de dirección Artística: Luciana Taverna

Dirección: Mariana Astutti - Ana Lidejover

BIO MARIANA ASTUTTI

Coreógrafa, bailaora, música e investigadora. Su producción artística y académica pone el foco en un abordaje transdisciplinar del lenguaje flamenco.

Es Prof. en Artes Combinadas

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(UBA), se formó como bailaora en Buenos Aires y en España (con algunxs de lxs referentes indiscutidos de este género: Eva La Yerbabuena, Juana Amaya, Adela Campallo, El Farruquito, Belén Maya y Úrsula López, entre otros). También estudió música, rítmica y cajón flamenco.

Además se formó en danza contemporánea con Ana Frenkel, Lucas Condró y Juan Onofri, composición coreográfica con Gerardo Litvak y Silvina Duna, video danza con Susana Szperling. Y cursó varios seminarios teóricos con Susana Tambutti en la Facultad de

Filosofía y Letras. Sus espectáculos “Salir del Ruedo”, “Los Abanicos de Chinchero”, “Canciones para Manila”, “Preludio Flamenco” y “Las Diez de la noche, percusión flamenca” recibieron distinciones y apoyos de organismos como Prodanza o Mecenazgo.

En 2023 presentó su primer disco, “Los Abanicos de Chinchero” junto al músico y productor de Catupecu Machu, Macabre (sello discográfico Brabacam).

Este año, además de continuar presentando Salir del Ruedo en Moran y de estrenar La Filo del

acantilado, ha protagonizado dos films del director español Gonzalo García-Pelayo que tuvieron su premier en el marco del 25 BAFICI -”Ritmo 2x3” y “Dos hermanas: Paula”; colaboró además en varios guiones y su disco con Macabre integra parte de las bandas de sonido de los films de García-Pelayo.

Se dedica intensamente a la docencia con su método “Entrenamiento psicofísico a través del Lenguaje Flamenco” y dirige “Las diez de la noche x2”, un ensamble de veinte mujeres cajoneras.

BIO ANA LIDEJOVER

(1977) Es Licenciada en Artes, orientación Combinadas por la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA.

Ha desarrollado su carrera en el ámbito teatral, realizando tareas como asistente de dirección, dramaturga, y directora. Dirigió e hizo la dramaturgia de La única manera (de contar esta historia es con mandarinas) espectáculo que se presentó en El Camarín de las Musas. En los últimos años colaboró con la dramaturgia en el proceso de la obra CRUCE (Teatro La Maza).

En Capilla del Monte realizó la dramaturgia y dirección de Las Piedras Preciosas. (Viva Falucho!), la asistencia y dirección de Una visita inoportuna de Copi y la dramaturgia y dirección de

Gimiendovasulento, ambas puestas de Teatro comunitario.

En cine trabajó como directora de arte y vestuarista en películas como Familia para armar (González Amer), La campana (Torres), Andrés no quiere dormir la siesta (Bustamante).

En 2022 ganó junto al elenco de Familia de artistas (niebral, hilo, telón) una beca para realizar una residencia de creación como directora dramaturga en Teatre Nu (San Martí de Tous, España), patrocinada por IBERESCENA. La obra se estrenó en Buenos Aires en mayo de 2023 (Moscú Teatro) y durante 2024 realizó su segunda temporada en El Camarín de las Musas.

Vive en Capilla del Monte, Córdoba, donde realiza talleres de literatura, poesía y teatro.

BIO VICTORIA HERRERA

Nació en 1976 en Argentina. Es artista, bailarina y terapeuta. En su infancia hizo publicidades para TV y participó en la película “Pinocho” dirigida por Alejandro Malowicki y protagonizada por Soledad Silveyra (1986).

Inició su formación en danza contemporánea con Laura Cuchetti, luego también en Técnica Graham con Graciela Crisafi y Freddy Romero (sus padres). Durante unos años viaja a España y México intermitentemente, donde también toma clases de Técnica

Graham con Jesús Romero, hermano de su padre.

Participó en diferentes proyectos artísticos de danza independiente.

Performer en shows artísticos y eventos comerciales, entre ellos con La Fura dels Baus en Buenos Aires.

Participa de la obra “ Doma” de De la Guarda en el velódromo de Buenos Aires (1998).

Fue performer escénica para el mago Emanuel en shows comerciales, teatro y circo (2004).

Se desempeñó en círculos artísticos en Barcelona como modelo vivo (2005).

Fue coreuta en CORO Gospel de Argentina que dirige Natalia Welbey (2011).

En el año 2012 comienza su formación como terapeuta holística aplicando sus conocimientos del cuerpo y la danza, del espacio, el sentir y los distintos lenguajes en la expresión de las emociones.

Desde entonces se dedica al trabajo en grupo y en consulta poniendo al servicio distintas dinámicas expresivas.

Este espectáculo cuenta con el apoyo de Mecenazgo, Prodanza y Fondo Metropolitano de las Artes.

IG @mariana.astutti

IG @analidejover

PRENSA

Luciana Zylberberg info@lucianazylberberg.com.ar

IG @lucianazylberbergprensa

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El campo en mí

La ópera prima de Tamara Mesri, se estrenó el 30 de mayo.

En el documental, cuatro generaciones de mujeres judías ríen para ayuntar los fantasmas del antisemitismo.

SALAS Y HORARIOS

CINE GAUMONT

Jueves 30 de mayo al miércoles

5 de junio a las 20:45 hs

CINE MUNICIPAL ECO SELECT

Jueves 30/5 a las 18 hs

Viernes 31/5 a las 18 hs

Domingo 2/6 a las 18 hs

CINE.AR PLAY

Viernes 31 de mayo al jueves 6 de junio

SINOPSIS

Luba y Tamara, abuela y nieta, son las protagonistas de este divertido, tierno y triste documental donde vemos cómo el linaje nos marca y forma parte de nuestro ser y hacer. Somos nuestra historia y cómo lidiamos con ella.

MOTIVACIÓN DE LA DIRECTORA

Desde mis comienzos como artista sentí la necesidad y la obligación moral de producir una obra en relación a mi abuela y el holocausto. Era una voz presente que en algunos momentos se escuchaba más fuerte que en otros, pero nunca se callaba. La idea daba vueltas en mi cabeza. La historia de mi abuela Luba me ha marcado y su presencia se

siente a cada instante. Al morir bastante joven mi mamá, ella tomó un rol más importante en mi vida. Yo me identifico mucho con ella en la forma de ser y de hacer. Este proyecto surgió hace muchos años cuando aún vivía mi abuela Luba. Ella era una persona muy fuerte y amorosa, con un ímpetu avasallante. Violenta por momentos, se llevaba el mundo por delante. Yo quería explicar y justificar esa violencia a través de un documental que contara su historia como sobreviviente de la guerra. Quería mostrar su lado afectuoso y decir al mundo que no era culpa de ella, que la guerra la había marcado a fuego. Este documental es una búsqueda personal, íntima, un intento de transmitir a mis hijas y a su generación las vivencias de una persona cercana y presente en nuestro recuerdo como lo fue mi abuela. Para que el holocausto no sea una página más en los libros de historia y algo de ese linaje continúe en ellas también, aunque queramos perdonar, aunque queramos olvidar. Que sea algo palpable y tangible. Personas de carne y hueso vivieron ese horror y las marcas de lo sucedido nos acompañan aún y lo seguirán haciendo. Por lo menos a través de esta película.

BIO DIRECTORA

Tamara Mesri es una fotógrafa y artista escénica argentina, nacida en 1974 y formada en la periferia, fuera de la academia. Estudió composición coreográfica, danza, teatro y fotografía con reconocidos maestros. Dirigió el

grupo Copetín al Paso de danzateatro desde 2002 a 2016 y actuó en varias obras de teatro. Además, estudió la carrera de Artes Combinadas (UBA). El campo es mí es su ópera prima.

El campo en mí Argentina, 2024, 62 minutos

Sonido 5.1 y stereo 16:9 - DCP

Calificación: SAM 13

Dirección, producción y guión: Tamara Mesri

Edición: Camila Sassi

Post de sonido: Roberta Ainstein

Colorista: LaHaye

Distribución: Viviana De Rosa

Protagonistas: Luba Alkon de Biegún, Tamara Mesri, Ethel Biegún, Jome BIegúnde Cadoche, Marku Almirón, Paloma Almirón, Lea Zajac

DISTRIBUYE

Kinoglaz Cine

Viviana de Rosa +54911 6719-3739

DIFUNDEN Julieta Bilik bilikjulieta@gmail

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ESTRENO CINE - Mejor Película BAFICI

EL PLACER ES MÍO

Una película de Sacha Amaral

ESTRENO: Sábado 1° de Junio, 19 hs. - Cine Arte Cacodelphia

Select La Plata - Espacio Queer (7/6) y El Cairo (Rosario; desde el 13/6)

GRAN PREMIO COMPET. INTERNACIONAL 25 BAFICI

PREMIO A LA INNOVACIÓN ARTÍSTICA (PCI)

MEJOR LARGOMETRAJE LATINOAMERICANO (FEISAL)

Tras alzarse con el Gran Premio de la Competencia Internacional en el 25 BAFICI -habiendo sido también distinguido por Feisal y PCI-, el próximo sábado 1° de junio a las 19 hs. en Cine Arte Cacodelphia (Av. Pres. Roque Sáenz Peña 1150) se estrena El placer es mío de Sacha Amaral (guionista de Adiós entusiasmo), un relato ficcional con el que el director aborda vínculos familiares conflictivos de su propia historia.

El placer es mío es una coproducción entre Argentina, Brasil

y Francia que protagonizan Max Suen, Katja Alemann, Sofía Palomino, Luciano Suardi y Anabella Bacigalupo.

SINOPSIS

Antonio tiene 20 años, se dedica a la venta de marihuana y establece conexiones con personas que conoce a través de aplicaciones, aprovechándose de ellas para robar dinero. La convivencia con su madre es conflictiva, y la creciente urgencia de escapar lleva al joven a emprender un viaje sin retorno hacia un destino sureño.

Dice Sacha Amaral sobre esta película: “El placer es mío aborda de forma poética y crítica el fracaso del proyecto de familia, de las relaciones de amor, de los valores y deseos aspiracionales de la clase media y, es también, una manera simbólica de reconocimiento de mi vida. De cierta manera, a través de esta película revisito y desoculto en la ficción, los acontecimientos que mi madre y en consecuencia, yo, el hijo, negamos en el pasado. Una de las tareas del cine es iluminar

las zonas oscuras. Con la luz de las imágenes cinematográficas es posible romper la oscuridad que se cierne sobre el pasado, con esta película encuentro la posibilidad de hablar de lo que se había callado y en vez de aislar, construir un lugar de encuentro.”

RESEÑAS Y CRÍTICAS

“Precisa en la dirección de actores (...), franca y directa en el tratamiento del deseo y el registro de los cuerpos desnudos, El placer es mío excede con creces la etiqueta de cine lgbtq+ que muchos le impondrán para instalarse como pintura de una desesperación íntima atemperada –signo de los tiempos– por lo transaccional.” Diego Brodersen, Página 12

“El placer es mío trasciende las convenciones narrativas al ofrecer una mirada cruda y sin concesiones a los rincones más oscuros de la vida en la sociedad contemporánea. Amaral construye una obra que cautiva tanto visual como emocionalmente, con una atención meticulosa al detalle que sumerge al espectador en un mundo de tensiones y com

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plejidades morales, incitando a reflexionar profundamente sobre la naturaleza humana.” Juan Pablo Russo, escribiendocine

“Amaral tiene un gran aporte para hacerle al cine argentino, algo que muchos realizadores locales evitan: pone en imágenes el deseo sexual mediante escenas concretas pero también llenando el aire de esa carga de tensiones, que van de lo cariñoso a lo más físico.” Diego Lerer, micropsiacine

“Película de creciente tensión (el protagonista no para nunca), El placer es mío tiene muchas escenas íntimas en las que se perciben atisbos de amor y ternura, pero también desesperación, dependencia, humillación, violencia y autodestrucción (...) Despojada, potente y audaz...” Diego Batlle, otroscines

“A través de una puesta de cámara cruda y errante, cortes abruptos y diálogos cargados de drama, El placer es mío retrata la vida de un adolescente sin juzgarlo, sino presentando los hechos.” Melina Storani, indiehoy

Muy Buena “una película valiosa de un cineasta que merece un seguimiento en el tiempo.” Ignacio Dunan, peliplat

FICHA TÉCNICA

EL PLACER ES MÍO

Una película de Sacha Amaral Ficción / Argentina-Brasil-Francia/ 2024/ Español/ DCP/ Color/95 min / SAM 16 con reservas

@gentil.cine @sacha.amaral @agugagli

Con Max Suen, Katja Alemann, Vladimir Durán, Sofía Palomino, Paco Onainty, Anabella Bacigalupo, Julián Larquier Tellarini, Luciano Suardi, José Vicente Orozco, Belén Datwiller, Iair Said, Ivana Zacharsky e Iván Haidar

Dirección: Sacha Amaral

Producción Ejecutiva: Agustín Gagliardi, Soledad Mariel Fernández

Director de fotografía: Pedro Knoll

Directora de Arte y vestuario: Sol González

Jefa de producción: Ana Willis

Coach de actores: Sofía Palomino

Sonido directo: Carmen Lavintmann

Diseño de Sonido: Marcos Zoppi, Emiliano Biaiñ

Música: José Vicente Orozco

Montaje: Florencia Gómez García, Mauricio Escobar Duran

Postproducción de imagen: Inés

Duacastella

Diseño de Afiche: Grégoire

Gitton

Diseño adicional: Andrés Mendilaharzu

Productores: Agustín Gagliardi, Franck Thoraval, Ricca Galdeano, Romain Bent, Eugenia Campos Guevara, Sacha Amaral

Compañias productoras: Gentil, Franck Thoraval, Quadrophenia Films, Protest studios

Prensa: Luciana Zylberberg

Bio SACHA AMARAL

Es guionista, realizador y docente brasileño, radicado en Argentina. Licenciado en Dirección Escénica en la Universidad Nacional de Artes (UNA), donde actualmente es profesor en la cátedra de dra-

maturgia.

Su primer largometraje como guionista, Adiós entusiasmo (2017), tuvo su estreno mundial en la Berlinale 2017, ganó la competencia en FICCI (Cartagena) y en el BAFICI 2017 (Buenos Aires).

Su primer cortometraje Grandes son los desiertos formó parte de la competencia de cortometrajes del BAFICI 2019 y en Cinélatino (Toulouse). Su último cortometraje Billy Boy formó parte de la selección oficial del Festival de Cannes 2021, y de diversos festivales como: Bogoshorts, Queer Lisboa, Chéries-Chéris, Sofia IFF, entre otros.

Su primer largometraje “El placer es mío” fue galardonado con el Gran Premio en el 25 Bafici, el premio Mejor largometraje Latinoamericano para Feisal y por PCI a la Innovación Artística. Fue además seleccionado en el Mercado de coproducción del Festival Internacional de Sofia 15TH SOFIA MEETINGS, Le Marché du Film del Festival de Cannes (2018), la Residencia en México propuesta por el Instituto nacional de cine mexicano y la fundación TyPA (tutoras: Violeta Bava e Ilse Hughan, 2019), el Sam Spiegel International Film Lab (Jerusalem 2019), entre otros.

Bio GENTIL

Gentil Cine es una productora in-

dependiente con sede en Buenos Aires que llevan adelante Agustín Gagliardi y Eugenia Campos Guevara, cuyos trabajos han sido estrenados en festivales de todo el mundo como Berlinale, San Sebastián, Rotterdam, New York Film at Lincoln Center, IBAFF Murcia, Viennale, Mar del Plata, BAFICI, Film Madrid, Fidocs, Edinburgh Seattle, New Horizons Warsaw, Thesaloniki, Río de Janeiro, Tel Aviv, Cali, entre otros. Films: El rostro de la Medusa, de Melisa Liebenthal (2023) Hace mucho que no duermo, de Agustín Godoy (2023) Atlas, de Ignacio Masllorens y Guadalupe Gaona (2021) Como el cielo después de llover, de

Mercedes Gaviria Jaramillo (2020) Las hijas del fuego, de Albertina Carri (2020) Una ciudad de provincia, de Rodrigo Moreno (2019) Las lindas, de Melisa Liebenthal (2018)

Distribución IG @santadistribucion X Cine_Santa

Luciana Zylberberg Prensa info@lucianazylberberg.com.ar IG @lucianazylberbergprensa

Video

Trailer Oficial - El placer es mio https://youtu.be/d8ADCafFpQc?feature=shared

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