MiraBA 159

SUMARIO OCTUBRE 2022

Revista MiráBA Nº 159 octubre 2022. Revista ¨MiráBA¨ es una publicación mensual de interés general. Director: Ángel Luís Díaz. e-mail: diazal@revistamiraba.com.ar Propietario: Angel Luís Díaz. Ciudad Autónoma de Buenos Aires. República Argentina. Versión digital Registro DNDA 5344536. ISSN 23449446 Los artículos firmados y las opiniones de los entrevistados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial y/o dirección. El contenido de los avisos publicitarios es exclusiva responsabilidad de los anunciantes. Queda prohibida la reproducción total o parcial del material gráfico o escrito publicado originalmente en “Revista MiráBA” sin expresa mención de la fuente.

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NOTICIAS

La Feria Internacional del Libro de Buenos Aires 2023

Organizado por la Fundación El Libro transcurrió el pasado14 de septiembre el acto de lanzamiento de la 47.° Feria Internacional del Libro de Buenos Aires que se desarrollará del jueves 27 de abril al 15 de mayo de 2023 en el Predio Feria La Rural, mientras que las Jornadas Profesionales se iniciarán el martes 25.

El acto se llevó a cabo en el Auditorio Jorge Luis Borges de la Biblioteca Nacional y contó con casi 300 invitados presentes.

Asistieron, además de los Ministros de Cultura de Nación y Ciudad, Tristán Bauer y Enrique Avogadro; la Embajadora de Chile, Bárbara Figueroa; la Presidenta de la Comisión Nacional de Bibliotecas Populares, María del Carmen Bianchi; el Director de la Biblioteca Nacional Juan Sasturain; entre muchas otras personalidades del mundo de la cultura, así también como diplomáticos, editores, escritores y periodistas.

En primer lugar, habló el Director General de la Fundación El Libro, Ezequiel Martínez, quien anunció, entre otras cuestiones, que el escritor y académico Martín Kohan será el el encargado de brindar el discurso inaugural de la próxima Feria.

A continuación, habló el Ministro de Cultura de la Nación, Tristán Bauer, quien además de poner en valor la importancia de la

vuelta de la Feria del Libro, se centró en la relación de la Feria con la CONABIP y la labor de su Presidenta, María del Carmen Bianchi, y el Programa Libro %.

Las palabras del Ministro fueron seguidas por la presentación de Valparaíso Lyric Project, encargados de interpretar "Yo vengo a ofrecer mi corazón" de Fito Páez y "Gracias a la vida" de Violeta Parra.

Alejandra Jiménez, Secretaria Ministerial de la Región Metropolitana de Santiago en el Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, resaltó la importancia que tiene la participación en la Feria de Buenos Aires en el marco de una fecha tan importante para la democracia chilena.

El Ministro de Cultura del Gobierno de la Ciudad, Enrique

Avogadro, resaltó el trabajo permanente de colaboración con la Fundación El Libro en las tres ediciones de FELBA (Feria de Editoriales y Librerías de Buenos Aires) y en el posicionamiento del Pase Cultural.

Por último, el Presidente de la Fundación El Libro, Ariel Granica, destacó las cifras salientes de la 46.ª Feria y contó a los expositores las novedades estructurales que tendrá la próxima edición. Con motivo de Santiago Ciudad Invitada, los 50 años del golpe en Chile y los 40 años de la recuperación democrática en Argentina, Granica condenó sin vacilaciones la intolerancia y el odio que divide y amenaza a nuestra democracia.

Prensa: Luciana Weiss lucianaweiss@el-libro.org.ar

El Director General de la Fundación El Libro, Ezequiel Martínez

NOTICIAS

¡Festival de diseño! Llega una nueva edición del Colectivo Sí o Sí Diseño Argentino

El Colectivo Sí o Sí Diseño Argentino -integrado por 100 marcas de diseño- llega con una nueva fecha en el Complejo Art Media C -Av. Corrientes 6271-. La ocasión perfecta para embellecer y hacer más funcional tu casa, regalar algo lindo, darte un mimo y disfrutar del día con la programación especial que preparamos.

¡Sí o Sí Diseño Argentino llega a Chacarita! Nuestra nueva edición será el lunes 10 de octubre, de 13:00 a 20:00 hs, ¡para compartir el día libre juntos!

Tendremos 60 marcas de indu-

mentaria -inclusiva, para grandes y chicos-, joyería contemporánea, encuadernación, accesorios, bolsos y carteras, objetos deco y funcionales; juegos y juguetes; y editoriales independientes. Todas con productos de calidad y a precio justo; y con identidad propia, valor que los hace únicos.

También ofreceremos una programación especial para chicxs y grandes, con un recital de Bigolates de Chocote, el juego Explorador de Bambú, de Suflaifla; talleres y charlar; y un sector gastronómico ¡para dejar el corazón contento!

Nos vemos el lunes 10 de octubre en el C (@ccomplejoartmedia), Av. Corrientes 6271, Chacarita, de 13:00 a 20:00. La entrada es libre y gratuita.

Datos de Sí o Sí Diseño Argentino

Web: www.siosidisenoargentino.org.ar Ig: @feria.siosi Fbk: @feriasiosi

Sí o Sí Diseño Argentino Enlace Social siosi@enlacesocial.org.ar Guatemala 4328- Palermo (011) 3964-9365

NOTICIAS

Nuevas autoridades en La Fundación El Libro

La Fundación El Libro, institución organizadora de la 47.ª Feria Internacional del Libro de Buenos Aires –que se llevará a cabo del 25 de abril al 15 de mayo de 2023-, comunica que el pasado 20 de septiembre ha elegido sus nuevas autoridades para el período 2022-2024.

Presidente: Alejandro Vaccaro Vicepresidente: Jorge Devito Secretaria: María Eugenia Zicavo

Tesorero: Joaquín Gil Paricio Prosecretario: Ariel Granica Protesorero: Alejo Ávila

La elección

Fueron elegidos por el Consejo de Administración integrado por miembros de las 6 instituciones que constituyen la Fundación El Libro: Sociedad Argentina de Escritores; Cámara Argentina del Libro; Cámara Argentina de Publicaciones; Sector de Libros y Revistas de la Cámara Española de Comercio; Federación Argentina de la Industria Gráfica y Afines; y Federación Argentina

de Librerías, Papelerías y Actividades Afines.

Sobre Alejandro Vaccaro Biógrafo y coleccionista de Jorge Luis Borges. Autor de Georgie –1899-1930 – Una vida de Jorge Luis Borges, Buenos Aires, 1996, Editorial Proa/Alberto Casares; El señor Borges, reflexiones de Epifanía Uveda de Robledo (Fanny) ama de llaves de Borges por más de 35 años. Buenos Aires, 2004. Edhasa; Borges. Una Biografía en Imágenes, Buenos Aires, 2005. Ediciones B; El manuscrito Borges, novela, Buenos Aires 2006, Editorial Bruguera; Borges, Vida y Literatura. Buenos Aires 2006, Edhasa y Pasajero de la vida, poemas, Editorial Vinciguerra, Buenos Aires, 2016. Sus libros fueron traducidos al portugués, polaco, chino y turco. Presidente de la Asociación Borgesiana de Buenos Aires, miembro de la Sociedad de Bibliófilos Argentinos. Visitante ilustre de las ciudades de La Plata, Mar del Plata y Villa María (Córdoba). Diploma de Honor del Honorable

Senado de la Nación. En 2009 recibió en España el premio Alianza-Hispánica. En 2010 fue designado Académico de Número del Instituto Mexicano de Cultura y recibió la medalla de la Hispanidad. Ha dictado conferencias tanto en la Argentina como en el exterior en las Universidades de Aarhus (Dinamarca), Macceratta (Italia), Varsovia (Polonia), Centro de Estudios Latinoamericanos de Varsovia (Polonia), Universidad de Cracovia (Polonia), Edimburgo (Escocia), King Collegge (Londres), Reims (Francia), San Pablo (Brasil), Helsinki (Finlandia), Biblioteca Internacional de Estocolmo (Suecia), en el Instituto Cervantes de la ciudad de Varsovia (Polonia), Biblioteca de Alejandría (Egipto), Instituto Cervantes de El Cairo (Egipto), en la Universidad Macquaire de Sydney (Australia), en la ciudad de Xinin, provincia de Qingai de la República Popular de China y en el Instituto Cervantes de la ciudad de Beijing. Coleccionista de primeras ediciones, prólogos, obra crítica, traducciones, libros en otros idiomas, libros de conversaciones, manuscritos, cartas, recortes de la prensa, películas, grabaciones, fotografías, documentos, objetos, etc. de Jorge Luis Borges. En 2017 fue designado Académico de Número de la Academia Porteña del Lunfardo y fue designado Personalidad Destacada de la Cultura por la legislatura de la ciudad de Buenos Aires. Preside para el período 2019-2023 la Sociedad Argentina de Escritores.

Maxi Pardo llega a Canal 9 con La Frutilla del Postre

cocina de los Calamaro.

Un músico invitado, una canción y un postre de autor serán el sello con el que Maxi Pardo pondrá su personal impronta como broche de oro en La cocina de los Calamaro.

Maxi Pardo Empezó escribiendo canciones para Cristian Castro, Los Tekis, Luciano Pereyra y otros. Después se animó a subir al escenario y cantar sus propios temas.

Abrió shows en Argentina y el exterior de grandes artistas internacionales como Bryan Adams.

En el 2020 apostó a la TV en plena pandemia con su programa Una cita con el amor, y en el 2021 llegó a la América TV con Rock N'Foodball y Rock N'Fans, donde -además de recibir a músicos consagrados- les dio espacio a músicos emergentes.

El productor, cantautor y TV Host vuelve a la TV abierta para entrevistar a otros músicos. Como siempre, con una propuesta original y llena de música.

Maxi Pardo ya tiene un lugar en la música vernácula, no sólo como cantautor sino como TV Host, faceta que mostró con los

ciclos Una cita con el amor, Rock´N Food y Rock´N Fans, que tuvieron pantalla nada menos que en tiempos de cuarentena.

Ahora vuelve a la pantalla chica, para poner La Frutilla del Postre. Será a partir de octubre, todos los domingos al mediodía, cerrando el programa La

En sus dos primeros ciclos recibió a figuras como Miranda!, Leo García, Sandra Mihanovich, Javier Calamaro, César Pueyrredón, Fabiana Cantilo, Manuel Wirzt, Bahiano, Hilda Lizarazu, Willi Piancioli, Joaquín Levinton, Cucho Parisi, JAF, Adrián Barilari, Coti, entre otros, con quienes compartió escenario y también charlas profundas.

Alejandra / Fabio @agwprensaydesarrollo

NOTICIAS

Gastón Soffritti espectador de lujo para Cande Molfese.

La sala principal del teatro Metropolitan Sura se llenó de espectadores que no se quisieron perder el gran estreno de “Regreso en Patagonia”, la nueva superproducción que protagonizan Fer Dente, Franco Masini y que tiene la participación especial del cantante Nahuel Pennisi. La productora Circus Entertainment Group sorprende una vez más con una auténtica fiesta para los sentidos, surrealista y brillante, en la que participan más de 40 artistas. Con impresionantes coreografías y grandes sorpresas visuales, "Regreso en Patagonia" invita al público a sumergirse en un historia fantástica por un mundo vibrante y suntuoso suspendido en algún punto entre lo real y lo irreal. Una producción sin precedentes en la Argentina, con orquesta en vivo y 300 metros de pantalla led de última ge-

neración que hacen que el espectador viva una aventura única e irrepetible.

El ambicioso proyecto -basado en un libro de Alejandro G. Roemmers con música de Nazareno Andorno y dirección general de Sebastián Irigo-, cuenta con la producción general de Alberto Raimundo para Circus Entertainment y la dirección artística de Manu Fabeiro.

Natalie Pérez, Josefina Scaglione, Mel Lezcano, Vanesa Butera, Pato Arellano, Marta González, Nico Di Pace fueron algunos de los artistas que hicieron el aguante desde la platea, pero sin dudas quien se llevó todas las miradas fue Gastón Sofritti. El actor llegó puntual para ver a su novia Cande Molfese y al terminar el espectáculo, bajó a camarines a felicitarla.

Una noche a pura emoción no solo para el potente trío protagónico sino para todo el numeroso elenco que acompaña esta producción 100% argenta. “Regreso en Patagonia” se podrá disfrutar de jueves a domingos en el teatro Metropolitan Sura. Las entradas ya se encuentran a la venta en la boletería del teatro o a través del sistema de Plateanet.

Fotos: Simón Quezada. Shirly Yael Potaz Prensa y comunicación

SEX tendrá 3 elencos este verano

Se acerca el verano y la temporada teatral ya comienza a tener sus primeras obras confirmadas para 2023.

José María Muscari como director y creador junto al coreógrafo Matías Napp y Paola Luttini, productora general y artística, desembarcarán en tres plazas teatrales con “Sex Viví tu experiencia” éxito absoluto desde 2019.

El espectáculo tendrá tres elencos simultáneos y ya tienen confirmadas sus fechas de debut aunque los elencos se están definiendo aún.

En Carlos Paz regresa al Teatro Melos y debuta el jueves 22 de

diciembre, mientras que en Mar del Plata será en el Teatro Roxy y levanta el telón el jueves 5 de enero. En Buenos Aires regresa a Gorriti Art Center el jueves 12 de enero.

Actualmente SEX tiene dos elencos. Uno que se encuentra con funciones de jueves a domingos en Gorriti Art Center en el corazón de Palermo con Diego Ramos y Romina Richi y el segundo recorre el país de gira encabezado por Christian Sancho y Ginette Reynal.

“Estamos muy felices de poder desembarcar en 3 plazas importantes del país con SEX. Es una experiencia única que desde 2019 siempre se supera y busca reinventarse. Es un gran esfuerzo pensar en 3 plazas paralelas con 3 elencos pero estamos siempre apostando a más porque confiamos plenamente en SEX y en el éxito que se generó desde su estreno” aseguró Paola Luttini

AGENCIA AB Alejandra Benevento info@alebenevento.com

“Vistiendo sombras” EN EL BORDER

en solitario no se escapa, se entrelaza con la vida y ambas se confunden.

“La hipercomunicación de la era moderna exacerba los estados de soledad, muestra permanentemente un mundo del afuera, interactivo por demás, en el cual el sujeto en dicho estado es un simple oyente que no participa, por lo tanto, el sentimiento de exclusión es más crudo”, dice Gustavo Rocco para ANDigital.

El valor de las entradas es de $ 1400 y la obra está dirigida al público adulto.

El complejo cultural sustentable de Palermo cuenta con un bar donde podrán disfrutarse de sándwiches gourmet, tartas orgánicas, bebidas naturales, cafetería y tortas, así como también cuenta con una carta de tragos para la antesala del teatro.

“Vistiendo sombras”

Dramaturgia : Gustavo Andrés Rocco

Durante el mes de octubre, se presenta en el Teatro Border el unipersonal escrito y dirigido por Gustavo Rocco, con la actuación del talentoso Lucas Foresi.

“Vistiendo sombras”, se estrenó en agosto en el Jufré yluego de su paso por La Tertulia en septiembre- ahora sube a

escena en la sala de la calle Godoy Cruz 1838 entre Honduras y El Salvador, todos los viernes de octubre a las 22.30 horas.

La pieza nos habla de la soledad, lo que nos empuja a huir de ella a través de lo que somos o los que habitan en nosotros. La idea de la muerte, de la que

Actúa: Lucas Foresi Diseño de vestuario y escenografía: Lucas Foresi Prensa y fotografía: Kasspress Dirección y puesta en escena: Gustavo Andrés Rocco

Agradecimiento: Gustavo Luppi Facebook: @obravistiendosombras Instagram: @vistiendosombrasok

Laura Mathieu Prensa y difusión

¡Por primera vez en Argentina! Tuti Furlán presenta: "Vivir a colores"

Chile y Uruguay en el marco de su gira internacional.

Tuti es una mujer guatemalteca, psicóloga clínica especializada en psicología positiva y ciencias de la felicidad, escritora, conferencista internacional, comunicadora, actriz y empresaria. Con más de 20 años de carrera, es considerada uno de los personajes femeninos más influyentes, más reconocidos y queridos de su país.

En el 2018 recibió la ”Medalla de la Paz” como reconocimiento de su trayectoria y aporte social en Guatemala. Desde hace más de 10 años genera contenidos y programas de fortalecimiento, transformación interior y optimización humana a nivel mental y emocional con un estilo innovador, ameno y creativo, para diferentes audiencias.

La novedosa visión que ha propuesto al mundo a través de su filosofía “Vivir a Colores” , la ha llevado a diferentes países de Latinoamérica, Estados Unidos, Europa y Asia a través de conferencias, talleres, libros, entrevistas y colaboraciones con las que cautiva y contagia de optimismo a sus audiencias con su único y peculiar carisma.

Conseguí tus tickets en: www.plateanet.com Prensa kevin.0kmprensa@gmail.com

“La Tuti”, como ella misma se ha hecho llamar, presentará por primera vez en Buenos Aires

“Vivir a Colores” el 9 de Octubre en el Teatro Astral a las 18:00 horas, luego de pasar por

“REGRESO EN PATAGONIA”

El despliegue teatral más grande de los últimos tiempos entre los más vistos.

A solo una semana de su estreno, “Regreso en Patagonia”, la nueva superproducción que protagonizan Fer Dente, Franco Masini y que tiene la participación especial del cantante Nahuel Pennisi se encuentra en el top ten de los espectáculos con más recaudación. Según las cifras oficiales de AADET (Asociación Argentina de Empresarios teatrales) el espectáculo que cuenta con la producción gene-

ral de Alberto Raimundo para Circus Entertainment logró posicionarse como una de las propuestas más convocantes.

"Regreso en Patagonia" sorprende una vez más con una auténtica fiesta para los sentidos, surrealista y brillante, en la que participan más de 40 artistas. Con impresionantes coreografías y grandes sorpresas visuales, invita al público a sumergirse en un historia fantás-

tica por un mundo vibrante y suntuoso suspendido en algún punto entre lo real y lo irreal. Una producción sin precedentes en la Argentina que se presenta con orquesta en vivo y 300 metros de pantalla led de última generación hacen de este viaje una aventura única e irrepetible.

El ambicioso proyecto -basado en un libro de Alejandro G. Roemmers con música de Naza-

reno Andorno y dirección general de Sebastián Irigo-, cuenta con la producción general de Alberto Raimundo para Circus Entertainment y la dirección artística de Manu Fabeiro.

Fer Dente, el mayor exponente del musical en los últimos años, volverá a subirse a escena en lo que promete ser el despliegue teatral más grande de los últimos tiempos. El multifacético artista compartirá escenario junto a Franco Masini, el joven actor que viene de protagonizar exitosas series en España y México. A ellos se le sumará el talentosísimo Nahuel Pennisi. El artista que supo consagrarse en los

Festivales de Jesús María y Cosquín, aceptó sumar un nuevo desafío a su carrera ya que marcará su debut como actor en teatro.

El espectáculo que surge de una idea original de Rodrigo Durini, tendrá un equipo creativo de lujo: coreografías de Vanesa García Millán, la dirección musical de Javier López del Carril, escenografía de René Diviú, vestuario de Gabriela Pietranera, diseño de arte de Maxi Vecco, supervisión de producción a cargo de Martín Olivar y dirección de producción de Maximiliano Córdoba.

La obra cuenta la historia de Guillermo Prado (Fer Dente) un escritor al que la vida no le sonríe. Su trabajo no lo hace feliz y sus sueños se desvanecen en el aire. Hasta que una tarde, luego de un mal día, recibe el llamado de Rafael (Nahuel Pennisi) un amigo muy cercano, al que no ve hace tiempo y que lo invita a visitarlo a Patagonia. Guillermo cansado de todo, decide viajar. En el periplo conocerá a un ser especial, llamado Príncipe (Franco Masini), con el que continuarán el viaje, cada uno en búsqueda de un amigo. Cruzarán montañas, ríos, paisajes extraordinarios, conocerán raros personajes y fortalecerán su

amistad. Cuando llegan a la cabaña de Rafael y su mujer, una revelación cambiará para siempre sus vidas.

ELENCO Guillermo: Fernando Dente Príncipe: Franco Masini Rafael: Nahuel Pennisi

CON Iñaki Aldao Laura Esquivel Karina Hernández Cande Molfese Roberto Peloni

ENSAMBLE Franco Rau, Pedro Vega, Maca Palermo, Lucila Muiño, Felipe Tarigo, Lucía Perdigón, Anita Petrich, Camila Meilerman, Nico Villalba, David Okada Caldas, Facundo Massuco, Matias Gonzalez, Pato Flores, Jimena Gómez, Lisa Queti, Rochy Ferrari, Matías Prieto Peccia, Maru Gaud Arena, Martina Loyato, Belén Alonso, Jon Agostinelli, Rodrigo Vallejos, Jose Della Rossa, Camila Rosen

Ficha artístico técnica

Libro y Letras: Gastón Cerana y Alejandro Roemmers

Idea Original: Rodrigo Durini Versión: Sebastián Irigo Música Original: Nazareno Andorno Composición: Francisco Martinez Castro Arreglo y dirección musical: Javier López del Carril Dirección vocal: Eugenia Gil Rodriguez Coreografía: Vanesa García Mi-

llán Dirección Artística: Manu Fabeiro Dirección General: Sebastián Irigo Diseño de Escenografía: René Diviú Diseño de Vestuario: Gabriela Pietranera Diseño Audiovisual y dirección de Arte: Maxi Vecco Diseño de sonido: Eugenio Mellano Lanfranco Diseño de Iluminación: Gaspar Potocnik

Fotografia: Gabriel Machado Comunicacion Digital: Bushi Contenidos

Dirección Técnica: Franco Dávila. Producción Técnica: Christian Aguilera / ARTEC PRODUCCIONES Stage Manager: Alan Gejtman, Javier Maceroni

Asistente de Coreografía/Dance Captain: Nico Villalba Asistente de producción: Bau-

tista Araya Asistente de dirección: Candela Zubeldia Producción Ejecutiva: Estanislao Otero Valdez, Victoriano Pololla Supervisión de producción: Martín Olivar Dirección de Producción: Maximiliano Córdoba Producción General: Alberto Raimundo para Circus Entertainment Group.

“Regreso en Patagonia” se puede disfrutar de jueves a domingos. Las entradas ya se encuentran a la venta en la boletería del teatro o a través del sistema de Plateanet.

FUNCIONES

Jueves a sábados 20.30 horas Domingos 19.30 horas Entradas a la venta por plateanet Teatro Metropolitan Sura Avenida Corrientes 1343. PRENSA Shirly Potaz sypotaz@gmail.com

Ópera experimental, música contemporánea y artes escénicas.

Unos días después, el 20 y 21 de octubre, se representará en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín la obra Experimentum Mundi, de Giorgio Battistelli, una pieza de teatro musical para 16 trabajadores, 1 narrador, 4 voces femeninas y 1 percusionista que será dirigida por Lucas Urdampilleta.

En octubre continúa la segunda edición del Festival No Convencional, un ciclo de propuestas protagonizadas por artistas profesionales y amateurs trabajando conjuntamente que se desarrollarán en distintos espacios de la ciudad de Buenos Aires: la Legislatura porteña, el Teatro San Martín, la Fundación Santander y al aire libre en el microcentro porteño .

El 1 y 2/10 abre el FNO con una ópera experimental para coro a capella, Welt Parlament (Parlamento mundial), del compositor alemán Karlheinz Stockhausen, concierto que se llevará a cabo en la sala de sesiones del Palacio de la Legislatura de la ciudad de Buenos Aires.

En esta inusual sesión del Parlamento Mundial, un coro de legisladores se congrega no para tratar temas administrativos sino para discutir el significado del amor. Hasta que el auto del Presidente es rem olcado por la grúa! La temática sirve de excusa para desplegar una impresionante polifonía en la que más de 36 cantantes vocalizan frases y sílabas en patrones rítmicomelódicos derivados de una fórmula matemática creada por el compositor.

El espectáculo contará con la participación de Alfredo Arias como narrador y el coro rodeando al público, bajo la dirección musical de Pablo Druker y dirección general de Martín Bauer.

Así como algunos movimientos del arte contemporáneo buscaron sacar el arte de las instituciones para llevarlo a las calles, Batistelli concreta el movimiento inverso en esta obra: se presentan en un teatro panaderos, zapateros, albañiles y otros trabajadores que protagonizan la acción escénica. Los materiales, sonidos, olores y movimientos de su trabajo se articulan con la música y el recitado de las descripciones de diferentes oficios y sus herramientas tomadas del Diccionario Razonado de las Ciencias, las Artes y los Oficios, empresa editorial, filosófica y científica de Diderot y D’Alembert. Una vez finalizada la obra, el pastelero, el carpintero y los zapateros, herreros, adoquineros, toneleros y escultores han cocinado pan, levantado una pared, confeccionado un par de zapatos, y otras acciones.… en perfecta sincronía con la partitura.

La siguiente estación será en la Fundación Santander, el 22 de octubre, donde la formación Tambor Fantasma interpretará Timber, una pieza de percusión minimalista de Michael Gordon.

Este compositor norteamericano, cofundador de Bang on a Can, cuenta que, tras pasar años volcado a la creación de obras orquestales, decidió crear una pieza instrumentalmente simple en la que cada músico tocará un único instrumento. Partiendo de una búsqueda de sonoridades electrónicas terminó optando por utilizar seis tablas de madera ideadas por Iannis Xenakis y empleadas en su ópera Oresteïa. Los seis percusionistas se posicionan en círculo, cada uno

con un trozo de madera de distinto tamaño adelante. El resultado, que inicialmente puede recordar a la primera sección de Drumming o a Music for pieces of wood de Steve Reich, desarrolla un febril clima repetitivo de vigorosos desfases rítmicos y extenuantes polirritmos que crean una música inmediatamente arrolladora.

Por último, en noviembre, cierra el festival con Setenta balcones (setenta balcones hay en esta casa, setenta balcones y ninguna flor), una performance teatral site-specific al aire libre creada por el director de escena Lisandro Rodríguez y en la cual participará el actor y dramaturgo Toto Castiñeiras, que se desarrollará en los balcones de un edi-

ficio en construcción ubicado en el microcentro porteño, en Tucumán 690.

El Festival No Convencional cuenta con la dirección general y artística del músico y gestor cultural Martín Bauer , está organizado por su productora 4´33´´ junto al Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires y cuenta con el apoyo de Mecenazgo, Participación Cultural, el Instituto Italiano de Cultura y la Fundación Santander.

Todos los espectáculos serán de entrada libre y gratuita.

Contacto Francisco Cerdan francisco@inprensa.com

DIAGONAL REFLEXIVA

En los últimos días experimenté dentro de mi círculo social como la tristeza y el malestar general se puede revertir en diversión y risas gracias al arte y al entretenimiento. Esta situación de crisis y sus múltiples consecuencias en las personas, produce un efecto desolador que solamente puede soportarse en los momentos de divertimiento. Según la RAE, entretenimiento es una acción y efecto que sirve para divertir, y diversión sería, en términos generales, una sensación originada por nuestro cerebro o el alma. Aunque parezca sencillo, la diversión puede llegar a ser tan profunda como la propia vida, de hecho, esta sensación es esencial para la existencia animal más allá de la humana. Resulta evidente que la mayoría de los animales se divierten jugando los unos con los otros. Quizás los casos más cercanos sean los perros y los gatos, pero también lo podemos observar en cabras o elefantes. En el caso del ser humano, la ac-

ción de jugar se produce constantemente en las personas, sobre todo en la niñez, ayudando a la socialización y el aprendizaje. Pero no es exclusiva de niños y jóvenes, ya que, en la adultez, jugar o divertirse sigue siendo algo habitual que

la literatura. Siento que estos son hechos para reflexionar, ya que, en el mundo contemporáneo, el entretenimiento es una gran fuente de ingresos, y esto debe ser porque el individuo necesita cada vez más del mismo. La sencilla accesibilidad a la diversión de forma masiva es algo positivo, que mueve día a día a toda la humanidad y su actividad.

fortalece nuestra vivencia en la sociedad, o nuestra resistencia a la misma. Actualmente, la principal herramienta del entretenimiento es el celular. Desde allí, se logra acceder al cine, la música o los videojuegos, como en el pasado lo fue leer el diario o escuchar la radio. Lo curioso es que, en sucesos históricos sumamente tristes como la guerra, la diversión fue fundamental para sobrellevar la penosidad, principalmente a través del arte, ya sea la danza, el teatro o

Aunque este exceso de tiempo empleado para divertirse genera una adicción y como consecuencia una falta de socialización presencial, la destrucción de la formación intelectual y la ocultación de los problemas que nos rodean, similar a lo que sucedía en el Imperio Romano con el “panem et circenses” (pan y circo). Por ello, observar esta situación, nos hará comprender aquello que nos rodea, y analizando el caso de Argentina, vemos que parte del padecimiento actual es producto de problemas que vivimos constantemente y son los mismos que ocurrieron décadas atrás.

¿Por qué el entretenimiento es fundamental en la sociedad humana, y como el exceso lleva a nublar la realidad?

Por Mente Utópica

Orquesta Sinfónica Nacional

Miércoles 5 de octubre, a las 20:00 Velada musical en el CCK

Dirección Mtro. Gustavo Santiago Santero Piano Hugo Schuler

PROGRAMA

ALBERTO GINASTERA

Glosas sobre temas de Paul Casals, para quinteto (in lontano) y orquesta de cuerdas, op 46

SANTIAGO SANTERO

Ímpetu, para piano y orquesta –Estreno –

JUAN CARLOS TOLOSA

Dimmi chi fosti - Estreno –

IGOR STRAVINSKY

Sinfonía en tres Movimientos

* Las entradas se podrán conseguir, en forma gratuita, ingresando en el sitio www.cck.gob.ar

BIOS

Sobre la Orquesta Sinfónica Nacional, fue creada en 1948 como Orquesta Sinfónica del Estado con el objetivo de promocionar a directores, compositores y ejecutantes argentinos y difundir los clásicos de la música en grandes y pequeños auditorios. A lo largo de su historia tuvo como directores titulares a Roberto Kinsky, Juan José Castro, Víctor Tevah, Simón Blech, Teodoro Fuchs, Juan Carlos Zorzi, Jacques Bodmer, Bruno D’As-

toli, Jorge Rotter y Jorge Fontenla, y como invitados a Erich Kleiber, Georg Solti, Ernest Ansermet, Igor Markevitch, Hermann Scherchen, Sergiu Celibidache, Rudolf Kempe, Antal Dorati, Malcolm Sargent, Hans Rosbaud, Jean Fournet, Igor Stravinsky, Heitor VillaLobos, Aram Katchaturian, Frank Martin, Pablo Casals, Zubin Metha y Charles Dutoit, entre otros. Se presentó en más de cincuenta ciudades del interior del país que en muchos casos carecían de organismos orquestales propios (Diamante, Entre Ríos; Bella Vista, Corrientes; Zapla, Jujuy; Santiago del Estero; La Rioja; Catamarca, Comodoro Rivadavia, Chubut; Las Heras, Caleta Olivia, Puerto San Julián, Santa Cruz; Roque Saenz Peña, Chaco, entre otras). En 1991, la Sinfónica llegó por primera vez a Europa para actuar en las principales ciudades de España bajo la dirección de Simón Blech, con un repertorio íntegramente dedicado a autores americanos. Un año más tarde, se presentó en Chile conducida por Juan Carlos Zorzi, y en Brasil por Blech, durante el Festival de Invierno de Giordao (San Pablo). Durante 1998 realizó una gira por Japón que incluyó una presentación en

Tokio junto a la pianista Martha Argerich y un concierto en Los Ángeles (Estados Unidos). En la temporada 2000 fue distinguida como única representante de Latinoamérica en la XVI Edición del Festival de Canarias De los Cinco Continentes, donde se presentó junto con las más destacadas orquestas del mundo. En el marco de diversas acciones de contenido social desarrolladas a partir del año 2004, participó del programa Música en las Fábricas, con multitudinarias presentaciones en ámbitos de la producción y el trabajo. Así, actuó por primera vez en Ushuaia, en la Cooperativa Renacer (ex Aurora), en los Talleres Ferroviarios de Tafí Viejo (Tucumán) y en el Barrio El Tambo de La Matanza. En el 2015 actuó en la velada musical inaugural del Auditorio Nacional del Centro Cultural Kirchner, donde desarrolla su ciclo principal de conciertos; allí se presentó junto a Martha Argerich y prestigiosos artistas internacionales. A partir de 2015, Pedro Ignacio Calderón es el Director Emérito de la Orquesta Sinfónica Nacional, luego de 22 años ininterrumpidos como su director titular. Fue reconocida por la Asociación de Críticos Musicales como

mejor orquesta argentina de las temporadas 1996, 2000 y 2002, galardonada con el diploma al mérito que otorga la Fundación Konex (1989, 1999 y 2019) y premiada con el Konex de Platino 2019 como mejor orquesta de la década.

Acerca del Mtro. Santiago Santero

Nació en la Ciudad de Buenos Aires, Argentina en 1962. Compositor, director y docente. Realizó su formación básica (piano) en el Conservatorio Nacional de Música Carlos López Buchardo y dirección orquestal en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata.

Estudió composición con los maestros Guillermo Graetzer y Mariano Etkin.

Como compositor y / o director especializado en música contemporánea, ha realizado una innumerable cantidad de conciertos en el país y en el exterior (Brasil, Uruguay, Perú, Colombia, Estados Unidos, Inglaterra, Holanda, Francia, Alemania, España y Suiza). Desde hace 30 años viene estrenando obras de compositores argentinos de manera permanente. También ha dado a conocer, en primera audición en Argentina, repertorio fundamental de la música contemporánea de compositores como Giacinto Scelsi, Gerard Grisey, George Antheil, Steve Reich, Morton Feldman, John Cage, Pierre Boulez, Salvatore Sciarrino, entre otros.

Algunas de sus obras han sido

interpretadas por músicos o ensambles como el Ensamble XXI, Ensamble Sudem, Quinteto Sonorama, ensamble Tropi, la Compañía Oblicua, Haydee Schvartz en piano, Patricia Da Dalt en flauta, Robyn Schulkovky, Bruno Lo Bianco y Pedro Carneiro, en percusión, el grupo británico Piano Circus, solistas del Psaphaa ensemble de Inglaterra, Antidogma Música de Torino (Italia), Modelo 62 de La Haya (Holanda), Opera Nova de Zúrich (Suiza), Recherche ensamble de Alemania y Ensemble Ecoute, de Francia. En nuestro país ha dirigido la orquesta Sinfónica Nacional, orquesta Estable del Teatro Colón de la Ciudad de Buenos Aires, orquesta Filarmónica de Buenos Aires, orquesta Sinfónica de Córdoba, orquesta Estable del Teatro Argentino de La Plata y orquesta del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón.

Se desempeñó durante 16 años (2000 / 2016) como asesor de programación del Ciclo de Mú-

sica Contemporánea del Teatro San Martín de la ciudad de Buenos Aires.

De la misma manera, fue programador de música contemporánea (14 conciertos del Ciclo “Los Ensamble”) en el C.C.K. durante 2015 y comienzos de 2016.

Desde el año 2009 se desempeña como director musical del Ensamble de Música Contemporánea del Departamento de Artes Musicales de la Universidad Nacional del Arte con el cual desarrolla una intensa actividad tanto pedagógica como de conciertos.

Como docente, su actividad se reparte tanto en seminarios de posgrado, conferencias o foros de divulgación y análisis de la música actual, como en la actividad universitaria.

Se desempeña como profesor titular de composición (por concurso de oposición y antecedentes) en el Departamento de Artes Musicales de la Universidad Nacional del Arte. De

Mtro. Santiago Santero

la misma manera es profesor titular (por concurso de oposición y antecedentes) de la asignatura Conjuntos en lenguaje contemporáneo I y II en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata.

Su libro “Estudios Rítmicos”, publicado en 2009, se ha transformado en una referencia importante en la materia, en instituciones de enseñanza de Argentina, México, Uruguay, Estados Unidos, Colombia, y muchos otros.

obras.” (Norbert Florian Schuck, KLASSIK HEUTE); Hugo Schuler es un talento excepcional. Su habilidad para establecer grandes conexiones musicales, su imponente cantabile, y la gran naturalidad en su discurso -que suena como si este no pudiera ser dicho de otra manera-, remiten llamativamente a otro gran pianista sudamericano: ¡Claudio Arrau!” (Rainer Aschemeier, NAXOS DEUTSCHLAND).

Hugo Schuler recibió elogios de la crítica especializada europea sobre su gira centrada en primeros registros mundiales de obras de Heinrich Kaminski y Reinhard Schwarz-Schilling, destacando su “pronunciado sentido de la polifonía” (Oliver Fraenzke, THE LISTENER), su “amplio y elástico fraseo” (Peter Kislinger, RADIO ÖSTERREICH 1) y “su fascinante dicción y estilo analíticamente claro” (Wolfgang Schreiber, SÜDDEUTSCHE ZEITUNG).

landa, Polonia, España, Italia y Bélgica; su amplio repertorio incluye obras capitales de la literatura para teclado, tales como el 1er y 2do libro completos de "El Clave bien Temperado" de J.S.Bach, el ciclo integral de Sonatas para piano de W.A.Mozart y las Variaciones “Diabelli” de L.V.Beethoven. Asimismo, se ha presentado en calidad de solista junto a destacadas agrupaciones tales como la Bruckner Akademie Orchester (Múnich), Orquesta Sinfónica Nacional Argentina, Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, mostrando su cercanía con la gran tradición romántica al interpretar obras clave del repertorio, incluyendo conciertos para piano y orquesta de Brahms, Liszt y Chopin.

Acerca de Hugo Schuler

Klassik Heute y Naxos Deutschland comentaron sobre el CD Goldberg del Mg. Hugo Schuler: “El pianista argentino Hugo Schuler se presenta como un músico altamente educado: un Musicus Doctus cuyas cautivantes interpretaciones testifican un compromiso intenso con la estructura musical y revelan la naturaleza compositiva de las

Hugo Schuler se consolida hoy como uno de los máximos referentes pianísticos argentinos de su generación, distinguido con los mayores galardones en los principales concursos de piano de su país (1er premio, “IX Concurso Internacional Pau Casals”; 1er premio, “VIII Concurso Bienal Juvenil”; 1er premio, Concurso “Centro de Estudios Pianísticos de Bs.As.”; 1er premio, “XIII Concurso Nacional de Piano Alberto Williams”; Ganador, “I Concurso Nacional de Piano Federico Chopin”). Hugo se ha presentado en importantes salas de conciertos de Alemania, Ho-

Hugo ha desarrollado una amplia labor académica como Docente de Piano y Contrapunto en importantes instituciones musicales de su país y del extranjero (Universidad Nacional de las Artes, Conservatorio del Liceo de Barcelona, Universidad Católica de Salta), habiendo impartido asimismo clases magistrales en destacadas universidades y conservatorios, tales como el Conservatorio Superior de Música “Manuel de Falla”, la Universidad Nacional de Rosario, y el Conservatorio Nacional de Música de Paraguay.

www.youtube.com/SchulerHugo

www.facebook.com/SchulerHugo

www.hugoschuler.com.ar

Hugo Schuler

FESTIVAL DE DISEÑO ARGENTINO EN CHACHARITA

SI O SI DISEÑO ARGENTINO

El diseño de autor es el protagonista de este evento que además ofrece un show en vivo de Bigolates de Chocote, gastronomía y actividades artísticas y culturales para todas las edades, con entrada libre y gratuita. La cita es el 10 de octubre, de 13 a 20 hs, en C Complejo Art Media (Av. Corrientes

6271 Chacarita).

Quienes se queden el fin de semana largo de octubre en la Ciudad, podrán ser parte del festival Sí o Sí Diseño Argentino, un evento ideado para que público de todas las edades pueda disfrutar del diseño, el arte y la cultura, con

entrada libre y gratuita.

Durante el evento que, por primera vez se realiza en C Complejo Art Media, será posible recorrer más de 70 stands de diseño argentino seleccionados por su originalidad, calidad y precio justo y participar de la agenda de actividades que se

LUNES 10 DE OCTUBRE DE 13 A 20 HS C Complejo Art Media ( Av. Corrientes 6271 Chacarita)

desarrollará durante toda la tarde, aprovechando la amplitud y comodidad que brinda este nuevo espacio artísco y cultural del barrio de Chacarita.

Las propuestas para las infancias son un clásico de cada edición de Sí o Sí Diseño Argentino. En esta ocasión, habrá un show en vivo con entrada libre de Bigolates de Chocote, una experiencia de encuentro musical lúdico, sensible y expresivo que puede ser compartido con personas adultas. También habrá espacios con juegos didácticos para la primera infancia, un rincón literario con cuentacuentos, maquillaje artístico y talleres para dibujar.

Además, las y los visitantes podrán deleitarse con la gastronomía del lugar (con distintas opciones para almorzar y merendar), jugar al metegol, ping pong y otros juegos de mesa, participar de una jam de dibujo y acercarse al mundo de la astrología y la armonización, a través del tarot, la numerología y mapas natales, entre otras propuestas.

Todas las marcas de diseño que participan del evento forman parte del colectvo Sí o Sí Diseño Argentino, un espacio creado en el año 2015 para promover la producción nacional de diseño de autor y ponerlo al alcance de todas las personas. Se enmarcan en las siguientes categorías: indumentaria; joyería contemporánea;

encuadernación; bolsos y carteras; objetos deco y funcionales y juegos y juguetes. Esta edición, además, contará con la participación especial de la red de distribución de fanzines e historietas Che, que brindará la oportunidad de acceder a un sin fin de títulos de historietas de producción nacional y conocer de primera mano a sus autores.

nal de diseño de autor. En cada edición, las marcas que participan son seleccionadas por una curaduría que evalúa, entre otros aspectos, la armonía entre el precio y la calidad de cada propuesta y su aporte a la innovación, al cuidado del ambiente, la igualdad de géneros y la producción responsable; todos ellos valores fundantes que comparte este colectivo integrado por más de 100 marcas e impulsado por la Asociación Civil Enlace Social. Cabe destacar que este evento, así como las demás actividades realizadas por este colectivo, se realizan sin fines de lucro.

LUNES 10 DE OCTUBRE, DE 13 A 20 hs Complejo Art Media C, Av. Corrientes 6271, Chacarita @FERIA.SIOSI siosidisenoargentino.org.ar siosi@enlacesocial.org.ar

Sí o Sí Diseño Argentino

Sí o Sí Diseño Argentino recorre distintos lugares de la Ciudad de Buenos Aires y el país para promover la producción nacio-

Las marcas de diseño de autor aceptan tarjetas de crédito y/o débito y Mercado Pago. La entrada es libre y gratuita. No se suspende por lluvia.

PRIMERA EDICIÓN DE

Plataforma Fluorescente

Con obras de Uruguay, Brasil y Finlandia se lanza la primera edición de Temporada Fluorescente en Buenos Aires

Hasta el 30 de octubre se realiza en Buenos Aires la primera edición de Temporada Fluorescente presentada por Plata-

forma Fluorescente, dispositivo de creación transdisciplinar que promueve la colaboración entre artistas y organizaciones

de distintas geografías. En esta oportunidad, el proyecto cuenta con Piel de Lava, grupo integrado por Elisa Carricajo, Vale-

ria Correa, Pilar Gamboa y Laura Paredes, como curadoras invitadas.

Tres piezas dramatúrgicas de Uruguay, Brasil y Finlandia comisionadas en la dirección a colectivos y creadores de Argentina se estrenarán en distintas salas de la Ciudad bajo el lema curatorial El mapa de nuestro tesoro. Cartografías de supervivencia.

“Tres mujeres, en tres países distintos, escriben obras donde la sensación de colapso inminente choca con las narrativas con las que el progreso, el colonialismo y el patriarcado han

llevado adelante la idea de mundo en la que vivimos. Todos estos textos piensan cómo sobrevivir, o por qué sobrevivir. Abren preguntas en torno a esa dolorosa sensación. Estas narrativas del fin de cierto mundo aparecen aquí y allá, coincidiendo en tiempo y espacio, más allá de la distancia. Y allí emergen también las formas de cuidado mutuo, como un recurso urgente y necesario, como noción vital de la independencia y del valor de reconocerse como parte de la naturaleza y en continuidad con ella. Estas obras no dan respuesta, ni tendrían por qué hacerlo, pero vienen a mostrarnos que en las formas colaborativas de supervivencia está la acción, el verbo, el lenguaje en común que nos mantiene en vivos-en diálogo y promete, sin pretender resultados, un posible futuro desde donde renacer” , dice Piel de Lava sobre el proyecto curatorial.

En El Cultural San Martín se estrenará Freeshop, de la autora uruguaya Victoria Vera con puesta en escena de BESA, y Segunda naturaleza, de la autora finlandesa Pipsa Lonka, dirigida por la dupla Cecilia Meijide y Diego Rosental. Por su parte, En este mundo loco, en esta noche brillante, de la brasileña Silvia Gomez con dirección de Nayla Pose, tendrá su estreno en Estudio Los Vidrios.

Además, Piel de Lava invitó a Wo Portillo del Rayo, Paco Fernández Onnainty, Lula Bauer,

Juan Laxagueborde, Leandro Arecco y Zypce a formar parte de la publicación colaborativa digital que acompañará la propuesta y reunirá creaciones y reflexiones en torno al proyecto curatorial. Temporada Fluorescente es un proyecto producido por Plataforma Fluorescente y Festival Internacional de Dramaturgia, en coproducción con Intendencia de Montevideo (Uruguay), Amigos da Arte, Off Produções Culturais (Brasil), T.I.N.F.O (Finlandia), con el apoyo de Centro Cultural San Martín, Estudio Los vidrios, Mecenazgo Cultural.

Plataforma Fluorescente

Dirección artística: Matías Umpierrez

Producción general: Malena Schnitzer

Coordinación de producción: Joacx Sesma

Curadoras invitadas Temporada Fluorescente: Piel de lava

Producción ejecutiva Temporada Fluorescente: Melisa Santoro

Diseño gráfico: Sergio Calvo Fotografía: Ramiro González Prensa: Marisol Cambre

1° edición Temporada Fluorescente

Del 2 de septiembre al 30 de octubre

W: https://plataformafluo.com/ Ig: @plataformafluorescente Tw: @plataformafluo

Prensa Marisol Cambre prensa@marisolcambre.com.ar

Presentaron el libro "El futuro de la humanidad"

De Esteban Corio

La Fundación La Balandra realizó la presentación del libro El futuro de la humanidad (Tinta Libre, 2021), la novela más reciente del escritor Esteban Corio, el pasado lunes 19 de septiembre, a las 19hs (ARG), en la Sala Virtual Julio Cortázar, moderó Lucía Parravicini.

La novela El futuro de la humanidad propone preguntarnos si nuestra raza podría reconstruirse luego de que un virus acabe con el 95% de la población. La visión es post apocalíptica, vemos asentamientos humanos que regresan a culturas pasadas y personas intentando sobrevivir a circunstancias adversas. El científico causante de esta cuasi extinción saldrá de la suspensión inanimada en la que ingresó para completar su plan de refundar la civilización. También estarán presentes dos androides con inteligencia artificial que tendrán un papel crucial en la vuelta a la “normalidad”.

Esteban Corio es un autor argentino especializado en cien-

cia ficción. Cuenta con dos novelas previas dentro del género: Marte, la madre patria (2020) y Travesía al pasado (2021); ambas han sido

traducidas al inglés. Este año quedó finalista en la terna “Best Sci-Fi & Fantasy”, del Premio Killer Nashville Silver Falchion Award. Se define como un ávido lector de textos de astro

nomía, física y ficción. Entre sus autores predilectos están Kip Thorne e Isaac Asimov.

Fundación La Balandra prensa@fundacionlabalandra.o rg.ar Mexico 2918 Buenos Aires, C 1223

Argentina

Maneras de desaparecer

de Isabel Zapata

Una conversación entre Isabel Zapata y Alejandro Zambra

El pasado jueves 22 de septiembre se presentó en un encuentro virtual por Google Meet Maneras de desaparecer de Isabel Zapata con prólogo de Alejandro Zambra

porque cada frase ajena surge con la naturalidad de un comentario al paso. La literatura tiene que quedarse un rato largo en la vida para volver a ser literatura.

Disponible en librerías de todo el país.

“Los libros se inclinan hacia lo definitivo y, comparados con la conversación, salen debiendo”, dice Isabel Zapata, y es difícil no estar de acuerdo, aunque después de leer este libro, su libro, prevalece la sensación de que estamos aún en plena sobremesa, con unas cuantas horas por delante para seguir practicando el deporte vertiginoso y sensato de matar el tiempo. Sus frases fluyen con una soltura infrecuente, personalísima. Cita mucho pero nos pilla volando bajo, casi no nos damos cuenta de sus énfasis,

Aunque cada uno de estos ensayos surge de una obsesión y apunta con claridad a un tema, ella siempre consigue sobrevolar lo expositivo o lo informativo. Disuelve sus propias certezas, se mira mirar, prueba. No le teme a la parálisis, ni a la tristeza, ni a la incertidumbre; no las evita. Este libro, aunque no lo parezca, aunque no quiera parecerlo, proviene de una serie de enfrentamientos radicales. Bueno, tampoco lo sé. Lo supongo. Imagino a la autora escribiendo de a poco, para entender lo que pensaba, o para descubrirlo.

Estos ensayos nos interpelan, a veces de forma directa, otras veces veladamente, como con una amabilidad tácita. Otra manera de decirlo: dan ganas de contestarle a este libro. Con monosílabos, con silencio cómplice, o con frases largas, tartamudas y agradecidas.

Maneras de desaparecer de Isabel Zapata ISBN 978-987-47626-2-7 92 páginas

Arte de Valentina Ansaldi

Isabel Zapata nació en la Ciudad de México en 1984. Sus libros más recientes son Una ballena es un país e In vitro (ambos publicados por Almadía). Su trabajo ha sido incluido en medios mexicanos como la Revista de la Universidad de México, Periódico de poesía y Letras Libres, e internacionales como The Common, World Literature Today y Ancrages. En 2015, fundó Ediciones Antílope con cuatro amigas.

Contacto https://editorialexcursiones.co m/ info@editorialexcursiones.com

Distribución Jorge Waldhuter Tel: (+5411) 6091-4786 www.waldhuter.com.ar

Se re-imprimió el último libro de poesía de Sofía Gómez Pisa

"La Culpa ya no es de tus padres" de la editorial Elemento Disruptivo.

Construir un poemario es, muchas veces, un ejercicio de búsqueda. Nos pasamos la vida tratando de entender aquello que nos acontece y hacemos de la poesía el refugio propicio que nos explica y nos permite señalar con el dedo acusador a ese mundo que pareciera no entendernos o escupirnos. Pero un buen día te das cuenta de que la culpa ya no es de tus padres y tenés que empezar a hacerte cargo; y eso también puede ser objeto de poesía.

Sofía Gómez Pisa

Sofía Gómez Pisa

Nació en 1990. Vivió gran parte de su vida en Parque Patricios. Es periodista, escritora y entre sus aficiones profesionales se encuentran también la prensa y el marketing digital.

Publicó “Ella, la muerte o dios” (El ojo del mármol, 2016) y la plaquette “Nativa Digital” (Rama Dorada, 2017).

La culpa ya no es de tus padres es su segundo poemario.

¿Qué significa para vos este libro?

Este libro significa la culminación de una etapa y una forma, como todo lo que escribo, de descubrimiento personal. También hay un mensaje, creo, acerca de la maduración y el crecimiento que espero les sirva a los lectores.

¿De quién es la culpa?

La culpa es un invento del sistema, de las religiones, de los padres, que proyectamos internamente y solo sirve para proyectarnos internamente en la consecución de nuestros objetivos.

Todo lo que sea poderoso y venga en tonos rojos.

ACERCA DE LA EDITORIAL

Nuestra editorial se funda en 2014 bajo la premisa de generar una casa editorial como punto de encuentro y partida tanto para el cobijo a poetas como espacio para el debate y la investigación poética. En estos años trabajados abrimos cinco colecciones de publicaciones impresas con la intención de generar un panorama global de la poesía argentina joven. Es nuestra meta y nuestro interés primero el de trabajar desde distintos lenguajes con el fin de construir una voz poética.

CONTACTO DE PRENSA Inés Ripari elementodisruptivoeditora@g mail.com +5491156181799

REDES SOCIALES

WEB:

https: //el ementodisruptivo. com.ar/

De a ratos la vida se vuelve solo un copy paste para buscar profundidad navego sobre ventanitas rastreando algún recuerdo algo que confirme que estuvimos a pocos bytes de distancia que este hueco en mi cama no está hecho solamente de soledad.

Una obsesión: Me obsesiona lo que no puede verse a simple vista, de las personas y las cosas.

¿Cuál es tu excusa? Saberme solitaria. Una fantasía

FB: https: //www.fa cebook.c om/edisruptivo

IG: https: //in stagram.com/elementodisruptivo_

CONTACTO SOFI @chapitasonica sofiagomezpisa@gmail.com

Alienígenas y Dioses

De Eduardo Kovalivker

que el universo estuvo siempre, que nunca tuvo principio ni tendrá fin. Y que por consecuencias, el tiempo tampoco existe porque no existe un principio desde el cual comenzar a contar.

www.hojasdelsur.com.ar

Acerca de Eduardo Kovalivker:

En la primera parte de este libro (El Informe), escrito hace ya 13 años, Eduardo Kovalivker, cual si fuera un Julio Verne contemporáneo, nos explica las teorías hoy en boga en los medios científicos acerca de la infinitud temporal del universo. Es decir, en palabras simples,

NOVEDAD EDITORIAL

En la segunda parte de Alienígenas y dioses (El Pacto) escrita en los primeros días de la pandemia del Covid, hace ya dos años, Manuel de León, en su exposición final ante los dioses y alienígenas predice que tanto las epidemias como las catástrofes climáticas continuarán debido a que el insaciable y brutal egoísmo de la mayoría de los seres humanos lograron destruir el equilibrio natural del planeta.

Alienígenas y Dioses Su precio es de $2200 y se consigue en las mejores librerías de todo el país y en la página

Vamos a una pausa

Eduardo Kovalivker es escritor e ingeniero químico recibido en la Universidad de la Plata. Vivió en Israel y en Francia antes de regresar a Argentina en 1973. Editó numerosos libros de poesía, cuentos y novelas. Entre las novelas históricas editó “Los luchadores judíos” junto a Yosi Goldstein, “Los granaderos de San Martin” y “Los luchadores indígenas”, ambos junto a Felipe Pigna. Sus textos fueron traducidos al italiano, inglés y hebreo.

Florencia Pérez Roldán Directora | PR Comunicaciones www.prcomunicaciones.com.ar florencia@prcomunicaciones.c om.ar

skype: floperezroldan

La publicidad en la televisión argentina 1951-1960.

Coincidiendo con los setenta años de la televisión argentina, presenta una investigación inédita que recorre un período por lo general olvidado que va desde el nacimiento de la TV hasta el momento en que pudo imponerse como el medio elegido por anunciantes y agencias de publicidad. Se presenta,

además, una selección de material gráfico nunca reproducido hasta ahora.

El libro es un rescate que suma su aporte a la historia de la televisión nacional desde una actividad que siempre ha acompañado su evolución: la publicidad.

Presentamos nuestro nuevo libro Vamos a una pausa que creemos será de vuestro interés.

Coincidiendo con los setenta años de la Televisión en la Argentina una investigación inédita.

Este libro recorre un periodo por lo general olvidado que va desde el nacimiento de la TV hasta el momento en que pudo imponerse como medio elegido por anunciantes y agencias de publicidad.

Lleno de anécdotas y de personajes que se irán recordando con su lectura. Material de fotografía inédito que nos remontará a esas épocas históricas. Ameno e interesante un buen regalo para los que vivieron esas épocas y para los que no la conocen y de esta manera van a descubrirla.

Autor: Raúl Manrupe (Buenos Aires, 1960) Licenciado en Publicidad (USAL) es investigador especializado en distintos aspectos de la cultura popular argentina y los medios masivos. Se ocupa de archivos fílmicos de publicidad histórica y dibujo animado, curando distintas muestras de estos temas. Coordinador del área de cine del Centro Cultu-

ral Rojas/UBA. Publico Un Diccionario de Films Argentinos, Breve historia del Dibujo Animado en la Argentina, Afiches del Peronismo, Berman 100 años. Creativo en agencias de Publicidad donde recibió varios premios nacionales e internacionales. Dirige la fanpage de Facebook Historia de la Publicidad.

Ediciones Infinito SRL www.edicionesinfinito.com facebook; Ediciones Infinito Editorial twitter; @edinfinito instagram; edicionesinfinito tel; 15-2307-1457 cmenendez@edicionesinfinito.com

Artes plásticas

CENTRO CULTURAL BORGES

“Mega Seúl 6 décadas”

El Bellas Artes presenta en el Centro Cultural Borges fotografías de trece artistas coreanos que retratan Seúl desde 1960

El Museo Nacional de Bellas Artes, el Centro Cultural Borges y el Centro Cultural Coreano en Argentina inauguraron el pasado jueves 29 de septiembre a las 18, “Mega Seúl 6 décadas”, la muestra con 67 imágenes de la capital de la

República de Corea registradas por trece fotógrafos de ese país durante los últimos 60 años, que dan cuenta de cómo la ciudad se transformó en la megalópolis actual, a veces extraña a los ojos de sus propios habitantes.

La exposición, conmemorativa del 60 aniversario de las relaciones diplomáticas entre Corea y Argentina, está auspiciada por el Ministerio de Cultura, Deporte y Turismo de Corea y el Ministerio de Cultura de la Argentina, y cuenta

con el apoyo del Museo de Fotografía de Seúl.

Las imágenes reunidas en la exhibición que podrá visitarse hasta el 20 de noviembre son testimonio de los cambios que atravesó la ciudad desde la década de 1960 cuando la canción “Himno de Seúl”, interpretada por la surcoreana Patti Kim, se volvió popular , hasta el momento en que la actual megalópolis global se convirtió en el hogar de más de diez millones de personas que migraron allí desde todo el país en busca de progreso.

“Registrar más de medio siglo en la vida de una ciudad implica asumir el vértigo de las transformaciones desde un punto de vista piadoso y crítico a la vez.

En la medida en que la modernización avanza, mucho se gana,

pero también, en forma irremediable, mucho se pierde. Esta exhibición conjuga ambas contingencias a través de la experiencia estética: es un registro, un ritual de pasaje, un conjuro, un testimonio y una alerta sobre el transcurrir de una sociedad que se ve a sí misma con mirada lúcida y sutil”, explica el director del Bellas Artes, Andrés Duprat.

A través de la mirada personal, irónica o nostálgica, de trece artistas de distintas generaciones desde autores de trayectoria hasta talentos emergentes , las fotografías muestran las últimas décadas de Seúl, principal centro político, económico y cultural del país asiático.

Los artistas participantes son las fotógrafas Eunjong LEE y Hyewon KEUM, y los fotógrafos HAN Chungshik, Soontai HONG, KIM Kichan, JOO Myung Duck, KOO Bohnchang, GapChul LEE, AHN Sekwon, BANG Byungsang, Chanmin PARK, Sunkwan KWON y PARK Ki Ho.

Capital de la dinastía de Joseon durante quinientos años y luego centro de la península de Corea durante un siglo, Seúl fue el escenario de agitaciones políticas, luchas entre imperialistas, lugar de conflicto entre lo viejo y lo nuevo, lo progresista y lo conservador, y el campo de pruebas para la industrialización y la modernización. Hoy la ciudad es vista como una extraña megalópolis sin fósiles de antepasados ni rastros físicos

que revelen su verdadera edad.

“El carácter apabullante de las transformaciones suele dificultar la memoria sobre lo que queda del pasado. Las imágenes reunidas en esta muestra captan y proponen el punto histórico en que, a partir del diálogo entre campo y ciudad, entre catástrofe y reconstrucción, entre tradicionalismo y modernización, va construyéndose el porvenir de una nación”, sostiene Duprat.

Al recorrer “Mega Seúl 6 décadas”, el público podrá experimentar la reminiscencia de la vieja Seúl, las contradicciones de sus calles, barrios y distritos, a través del lenguaje fotográfico empleado con diferente sensibilidad e inteligencia. Un registro vívido de los últimos sesenta años para recordar y entender la gran urbe coreana.

Sobre los trece artistas participantes

HAN Chungshik (1937-2022, nacido en Seúl, República de Corea)

El centro de Seúl fotografiado por el artista muestra el hermoso y silencioso paisaje urbano que existe solo en la memoria del pasado.

Soontai HONG (1934-2016, nacido en Seúl, República de Corea)

El fotógrafo capturó el paisaje de los rincones de Seúl desde los años 60. En sus obras se aprecian los cambios de apariencia, las esperanzas cotidianas y el paisaje

cultural de la ciudad.

KIM Kichan (1938-2005, nacido en Seúl, República de Corea)

La serie Back Alley View presenta el escenario en desarrollo al sur de Seúl en los años 80.

Los trabajos de KIM Kichan reflejan cómo esta zona cambia rápidamente de cálida y silenciosa a un área urbanizada.

JOO Myung Duck (1940, nacido en Anak, Hwanghae-do, República de Corea)

Sus fotografías toman como escenario el moderno Seúl transfigurándose en una megaciudad. A través de la superposición de los reflejos en los vidrios, el artista revela el complejo estilo de vida y las ambiciones de las personas

modernas, así como también la incompatibilidad del pasado con el presente y la coexistencia de lo real y lo virtual.

KOO Bohnchang (1953, nacido en Seúl, República de Corea)

Al regresar a la ciudad luego de un período de formación en el exterior en los años 80, el artista capturó el movimiento del Seúl que nunca conoció. Se enfocó en los pequeños pueblos en proceso de desaparición, en la vida estandarizada de las personas y en los desolados paisajes urbanos.

Gap-Chul LEE (1959, nacido en Jinju, República de Corea)

El artista fotografió a las personas y la naturaleza de la tierra coreana a través de una visión

desconocida e irreal. Capturó la ciudad en el punto de partida de su modernización, desde los Juegos Olímpicos de Seúl en 1988, con ángulos drásticos y fotografías instantáneas.

AHN Sekwon (1968, nacido en Jeongeup, República de Corea)

Su obra La luz de Wolgok-dong (2005-2007) captura las zonas en proceso de desaparición debido a la renovación del área del arroyo de Cheonggye, así como también las infraviviendas de Seúl. Su trabajo lleva a recordar los vestigios del pasado, formados a través de la constante destrucción y reconstrucción de la ciudad.

Eunjong LEE (1970, nacida en Seúl, República de Corea)

Las fotografías de esta artista se enfocan en el paisaje urbano artificial de Seúl en los años 2000.

Su obra ofrece una vista donde los árboles, desordenados, dominan los espacios entre los edificios dispuestos en líneas rectas.

BANG Byungsang (1970, nacido en ChunCheon, República de Corea)

Su trabajo demuestra su interés en la coexistencia del ser humano con la gran ciudad. La urbe ahora provee vida y descanso a las personas, mientras que los sujetos buscan desarrollarse y cobijarse en la ciudad.

Hyewon KEUM (1979, nacida en Seúl, República de Corea)

La artista fue testigo de las huellas de vida acumuladas, constantemente cubiertas y descubiertas con el vinilo azul de obra, debido a la remodelación y reconstrucción de la ciudad en los años 2000.

Chanmin PARK (1970, nacido en Seúl, República de Corea)

En sus obras, muestra que el horizonte de Seúl está lleno de altos y densos edificios sin trazos de seres humanos, incluso

en barrios residenciales con rascacielos, creados justamente para la convivencia humana.

Sunkwan KWON (1973, nacido en Jeongeup, República de Corea)

El artista expresa a las personas como pequeñas entidades dentro de la urbe en el siglo XXI. Sus obras llevan a los espectadores a interesarse en buscar relaciones privadas escondidas detrás de los edificios lujosos, en una ciudad en constante y rápido cambio.

PARK Ki Ho (1960, nacido en Seúl, República de Corea) Durante cuatro años, entre 2013

y 2017, registró el deterioro y la desaparición de los barrios antiguos de Seúl, conectando así la profundidad del espacio con la memoria. Las fotografías reveladas sobre el hanji (papel coreano) contienen paletas de colores sutiles que expresan nostalgia y pena por las casas vacías.

Centro Cultural Borges

Espacio emblemático de la cultura argentina, el Centro Cultural Borges reabrió sus puertas en marzo de 2022 bajo la órbita del Ministerio de Cultura de la Nación, para albergar variadas actividades artísticas y culturales en sus más de 9000 metros cuadrados, donde hay salas de exposición, auditorios y aulas. El edificio está emplazado en Viamonte 525, Ciudad de Buenos Aires, y recibe al público de miércoles a domingo, de 14 a 20, con entrada libre y gratuita.

Museo Nacional de Bellas Artes Ministerio de Cultura de la Nación

Av. del Libertador 1473, Buenos Aires https://www.bellasartes.gob.ar

EN LA PARED EN GALERÍA MAR DULCE

Por Nicolás Isasi @isasi.nick

Y

En un año de transición entre la pandemia y el final de la misma, nuevas exposiciones presentan parte del trabajo que ese período de encierro y aislamiento produjo el covid-19. Entre las distintas propuestas, el mes pasado se inauguró “Cuadros en una pared” del artista argentino Daniel García, presentada en pleno corazón de Palermo, en la Galería Mar Dulce. Este pequeño espacio hace honor a sus metros cuadrados, ya que se dedica pura y exclusivamente a exposiciones de artistas que realizan obras de pequeño formato. Es decir que muchas de las propuestas que allí se pueden ver se componen de pocas obras y de tamaños chicos.

Esta nueva muestra, que permanecerá abierta hasta el 22 de octubre, representa el aire de aquel encierro que sale a la luz luego de tanto encierro en la pandemia. Allí se puede ver una serie de cuadros dentro de otros cuadros. Algunos en forma de homenaje, otros de manera figurativa, otros son paisajes más abstractos que se desvanecen en la lejanía, pero todos se comunican por igual en el conjunto con los espectadores. Las 25 obras de acrílico sobre papel que forman parte de esta colección tienen un tamaño de 17x25cm en su marco inicial,

pero luego resultan sumamente pequeñas porque están enmarcadas por el marco del cuadro colgado sobre esa pared ficticia, generando un tamaño reducido aproximado de 10x10cm en donde se pueden observar distintas escenas en colores pasteles. Entre los temas recurrentes se encuentran rostros de personas inquietantes que miran con complicidad dentro de un cuadro en un inmenso empapelado de fondo que muchas veces sirve para generar contraste entre las figuras y otras veces plantea una textura de rayas, círculos o flores como los viejos empapelados de décadas atrás. También aparecen máscaras o bailarinas que deambulan de un lado a otro, bajo la mirada de pájaros como gorriones o cuervos.

El trabajo de Daniel García es autodidacta y desde 1981 expone en diversas galerías y museos del país. En este momento, como muestra paralela a “Cuadros en una pared” se encuentra otra muestra del mismo artista en el Museo Juan B. Castagnino de Rosario titulada “Trance y otras pinturas” y se podrá ver allí hasta el 6 de noviembre próximo.

Exposiciones actuales de Daniel García

“Cuadros en una pared” en Galería Mar Dulce (Uriarte 1490, CABA) hasta el 22 de octubre y “Trance y otras pinturas”. Museo Juan B. Castagnino (Av. Pellegrini 2002, Rosario) hasta el 6 de noviembre.

Daniel García, Cuadros en una pared

10 sept - 22 oct 2022

Hasta el 22 de octubre en Uriarte 1490

1 Daniel Garcia - S.T. after Marlene Dumas 1953 S Africa 2020 acrilico sobre papel 17 x 25 cm El cuadro en el cuadro tiene una larga tradición en la historia del arte. Cuadros sobre una pared, la quinta exposición de Daniel García en Galería Mar Dulce juega con este concepto y con la idea de colección y de museo, para presentar 25 pequeñas pinturas de 17 x 25 cm en acrílico sobre papel, que juntas crean una suerte de wunderkammer en miniatura.

2 Daniel Garcia - S.T. after. James

Whistler 1834-1903 USA 2022 acrilico sobre papel 17 x 25 cm

Entre las pinturas representadas hay homenajes a algunos artistas que García admira – Francis Bacon (Irlanda), James Whistler (EEUU), Marlene Dumas (Sudáfrica), Max Beckmann (Alemania) y Guillermo Kuitca (Argentina), entre otros - cuadros vistos al pasar en alguna película, máscaras y algunas invenciones, que quizás son citas inadvertidas.

Las “paredes” sobre las que las obras descansan, tienen un origen similar, han sido recordadas de alguna vieja habitación de hotel, inspiradas por artistas como Matisse o Vuillard, o simplemente inventadas.

3 Daniel Garcia - Sin titulo Dos cabezas 2022 acrílico sobre papel 17 x 25 cm

En una modesta escala, la exposición recrea una especie de studiolo, esos gabinetes en los que

ciertos humanistas del renacimiento se recluían a leer y meditar rodeados de imágenes artísticas. Si se quiere, un museo propio.

4 Daniel Garcia - S.T. after Guillermo Kuitca 1961 Argentina 2022 acrílico sobre papel 17 x 25 cm.

Daniel García nació en 1958 en Rosario, donde vive y trabaja. Expone desde 1981. Mayormente autodidacta, en 1981 cursó estudios sobre el color con Eduardo Serón. Durante 1991 y 1992 asistió en Buenos Aires a un taller coordinado por Guillermo Kuitca becado por la Fundación Antorchas. Ha participado en numerosas muestras colectivas como la 47º Bienal de Venecia, en 1997, VI Bienal de La Habana (Cuba, 1997), 1º y 2ª Bienal del Mercosur (Porto Alegre, Brasil, 1997 y 1999) y «De PontaCabeça», I Bienal de Fortaleza (Brasil. 2002). Entre sus últimas muestras individuales se encuentran: Damas de Shanghái, Fundación Osde, Rosario (2018) y Galería Gachi Prieto, Buenos Aires (2019); Pequeñas pinturas de Flores, Galería Mar Dulce, Buenos Aires (2019); Identidades, Galería EstudioG, Rosario (2020); Figuras, Galería EstudioG, Rosario (2020); Encuentros, Museo municipal de Arte Decorativo Firma y Odilo Estevez (2021), y Trance y otras pinturas, Museo Castagnino, Rosario (2022).

Galería Mar Dulce Uriarte 1492 galeriamardulce@gmail.com

En la Casa de la Cultura del Fondo Nacional de las Artes inauguró

Obras de Gustavo López Armentía

El Fondo Nacional de las Artes exhibe, en la Casa de la Cultura (Rufino de Elizalde 2831), más de 30 piezas realizadas por el artista Gustavo López Armentía, entre 1979 y 2022.

Pinturas, dibujos, tintas y esculturas realizadas en hierro, alambre o tejido metálico forman parte del recorrido. Se trata de obras poco vistas, en las que aparecen referencias directas a sucesos argentinos que, sin embargo, marcan nuestro presente.

Nacido en Buenos Aires en 1949, comenzó a exponer en Buenos Aires en 1984. Participó de las bienales de San Pablo y Valparaíso en 1987 y en la de

La muestra se suma a las cuatro retrospectivas realizadas anteriormente por el artista: Valencia (2000), Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires, 2002), Museo Sívori (Buenos Aires, 2013) y Museo Caraffa (Córdoba, 2014). Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas: Museo Nacional de Bellas Artes; el MAM, de San Pablo; el MAM, de Río de Janeiro; MOLAA, de Los Ángeles;

Casa de las Américas, de La Habana; Instituto Domeq, de México e Instituto Andino de Artes Populares, de Quito, entre otros.

Texto del catálogo Imágenes que podrían pasar por escenas inconclusas se abren en Gustavo López Armentía con la potencia de un manifiesto. Lo que este artista enuncia y al mismo tiempo denuncia tiene la aguda forma de una pregunta: ¿Para qué sirve

Venecia en 1997.

un buen cuadro? Un cuestionamiento que todo artista y todos aquellos relacionados de una forma u otra con el arte deberían hacerse todo el tiempo. Y es en la obra potente, desbordante, hecha de sentidos múlti-

ples de este artista que no encuentra otro sentido a su práctica que interpelarnos como sociedad que se escribe una y otra vez una posible respuesta. El arte que resuelve en forma de tintas, pinturas, grandes ob-

DIAS 35 xs 28 1980

jetos de alambre tejido y esculturas sirve. O mejor: está al servicio de la cultura como hecho social. En las obras que forman parte de “En todos estos días” se reconoce una huella, suya, intransferible, pero u

que es también la nuestra. La de nuestras luchas, sueños y deseos colectivos.

Con un recorrido intenso desde principios de los 80 que lo llevó a transitar (y desilusionarse) con la escena de Nueva York y participar en las Bienales de Venecia y Valparaíso y tener muestras retrospectivas en los museos de Bellas Artes, Sívori y Caraffa, López Armentía ha elegido correrse del centro del arte contemporáneo acaso para preservar su instinto crítico y su pulsión política. Su taller en Flores, barrio del sur porteño imantado por la rabia prodigiosa de Roberto Arlt, es del mismo modo fortaleza. Una vieja casa en la que vivieron Perón y sus padres se activa como taller y espacio expositivo abierto al barrio, lejos del ruido y a la vez captando en su obra de rasgo expresionista el murmullo imposible de silenciar del pueblo en movimiento.

Así es que “En todos estos días” encontramos referencias direc-

NOTAS I dibujos sobre papel 22 X 30 cm x 8

tas a sucesos argentinos que marcan nuestro presente: desde el infame bombardeo a Plaza de Mayo en 1955 a las heridas no cicatrizadas de Malvinas; desde la conversión de la ESMA en sótano clandestino de la represión a la irrupción de las Madres anticipando con su pedido por la vida el lugar protagónico de la mujer en el siglo XXI. Pero López Armentía no es un cronista visual sino que opera con la lógica de la novela moderna: elementos yuxtapuestos, materialidades que se suponen incongruentes, el capricho mismo del arte como máquina de imaginar imágenes. Sus cuadros nunca se ofrecen como ilustraciones explícitas sino que los temas se aluden en acumulaciones de detalles que obligan a una permanente relectura. En tanto irrupciones en la superficie que no se perciben a primera vista pero también como esos párrafos que en una novela o ensayo deslumbran al punto de necesitar de una profunda relectura.

López Armentía ha elegido de su catálogo visual una serie de obras poco vistas empezando por una tinta de 1979 (Esquina en Morón) que con elementos esenciales muestra la irrupción de un trazo, una marca en el punto de fuga entre el hecho estético y el acto ético. Si parte de la función del Fondo Nacional de las Artes es atender aquello que el mercado desatiende no hay mejor forma de ponerlo en práctica que con una muestra de este artista cuyo devenir en todos estos días es también el nuestro. Nos une al fin, esa misma convicción por un arte que sirva.

Podrá visitarse del 10 de septiembre al 9 de octubre, de jueves a domingos de 14 a 19HS, con entrada gratuita, en Rufino de Elizalde 2831, CABA.

El FNA cerca de los artistas, sostiene cultura. + info: Fondo Nacional de las Artes www.fnartes.gob.ar

Nicolás Mastraccio exhibe Oceánica

Una instalación sonora y un video de quince minutos de duración, El final de lo que queda.

El audio está compuesto con una base ambient en la que confluyen diferentes voces que remiten a máquinas, computadoras, y humanos. Las voces narran de forma desfragmentada preguntas sobre qué somos, qué significa ser humano, como interactuamos entre nosotros, humanos o no humanos.

Móvil – cheLA. Iguazú 451, Parque Patricios, CABA. Entrada libre y gratuita.

Del 24/9 al 10/12. Viernes y sábados de 16 a 20 hs.

La curaduría de Oceánica es de Sofía Dourron. A continuación reproducimos un fragmento de su texto:

“En el contexto de un mundo dominado por la tecnología, el miedo y, eventualmente, por las IA, el amor se torna un objeto más radical y evasivo que nunca. La especulación sobre la existencia de un gurú espiri-

tual robótico, capaz de desarrollar autoconciencia y de cuestionar la condición humana no enuncia utopías fantásticas ni desenlaces ominosos. Formula, en cambio, imágenes potentes sobre un presente fragmentado y cada vez más solitario.

Al desbordar las fronteras entre ficción y realidad, entre humanx y no humanx, entre ciencia y espiritualidad, Oceánica enlaza universos de amor

ciborg y distopía post-apocalíptica, y despliega un escenario para la disputa de los territorios del lenguaje, las relaciones y el afecto contemporáneos. Entre oleadas de reverberaciones profundas y sonidos sobrenaturales, las voces humanas se rompen, devienen digitales, más que humanas, las imágenes analógicas se tornan microscópicas y espaciales al mismo tiempo, cuestionando las marcas de la humanidad y sus formas de vincularse con el mundo. A través de esos estímulos que van del reposo a la tensión, Oceánica nos empuja a explorar otros estados de conciencia y percepción, y nos ofrece una oportunidad para la reconstrucción de un mundo que ha perdido sus conexiones”.

Bio del artista:

Nicolás Mastracchio (n.1983 Buenos Aires)

Participó en el Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella (2009) y fue seleccionado para la Beca Kuitca / UTDT, (2010-2011). Fue becado para participar de la residencia Skowhegan School of Painting and Sculpture (Maine 2012), Yaddo Artist Residency (Saratoga Springs, 2016) y, ese mismo año, obtuvo la beca AMEXCID en la Ciudad de México. En el 2017, fue becado para la residencia artística del Headlands Center for the Arts (Sausalito), y en 2019 para la Djerassi Resident Artist Pro-

gram, en Woodside, entre otras.

Su trabajo ha sido exhibido en instituciones públicas y privadas de la Argentina y del exterior, como el Museo Amparo (Puebla, 2019), el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2018), el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (2015 y 2018), la Biblioteca Nacional de España (Madrid, 2017), el Centro Cultural Recoleta (Buenos Aires, 2007 y 2015), la Galería Pilar (San Pablo, 2013) y el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (2012). Su obra forma parte de colecciones como: Colección Patricia Phelps de Cisneros; MALBA / Fundación Costantini, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires.

Sobre Móvil: Móvil es una organización independiente y sin fines comer-

ciales dedicada a la producción y exhibición de arte contemporáneo, con especial interés en la experimentación y en acercar la práctica emergente a públicos diversos.

Actualmente dirigida y curada por Solana Molina Viamonte, su principal objetivo es que artistas jóvenes puedan concebir y realizar un proyecto inédito, específico para su espacio, cuyo desarrollo les permita dar un salto de producción y tenga así un impacto en su trayectoria.

Móvil funciona gracias al generoso aporte de individuos e instituciones que comparten con nosotros la creencia de que los artistas son capaces de producir obras visionarias que tengan un impacto en nuestra manera de percibirnos y de percibir el mundo.

Contacto Francisco Cerdan francisco@inprensa.com

Museos

EXPOSICIÓN TEMPORARIA

Schhhiii…

Anna Maria Maiolino

Curador: Paulo Miyada

Del 7 de octubre al 20 de febrero, 2023

Inauguración: jueves 6 de octubre, 19:00

Conferencia inaugural: jueves 6 de octubre, 18:00 A cargo del curador Paulo Miyada

El próximo jueves 6 de octubre, Malba inaugura Schhhiii…, primera exposición panorámica de la artista brasileña Anna Maria Maiolino (Scalea, Italia, 1942) en la Argentina, que abarca más de cincuenta años de producción artística. La exhibición reúne una selección de más de 200 obras, entre las que se incluyen pinturas, dibujos, xilograbados, esculturas, fotografías, películas, videos, piezas sonoras e instalaciones, realizadas desde fines de los años 70 hasta la actualidad.

Curada por Paulo Miyada –curador en jefe del Instituto Tomie Ohtake y curador de arte latinoamericano del Pompidou–, la muestra se presentó en San Pablo entre mayo y julio de 2022 y es el resultado de tres años de investigación y muchas horas de conversación e intercambio con la artista. Concebida como una espiral, el proyecto no sigue una cronología lineal sino que atraviesa en distintos sentidos las etapas de su carrera y los soportes variados con los que trabajó. También recupera momentos y acontecimientos significativos de la “vida-obra” de Maiolino, como ella misma denominó a su experiencia vital.

“El propósito de Maiolino nunca fue acumular territorios conquistados, dominar culturas exóticas o construir monumentos a su imagen y semejanza. En su

caso se trata, por el contrario, de la vivencia de una sabia narradora sobre la existencia, el cuidado, el deseo, el llanto y el goce. Del nomadismo circular de una inmigrante con muchas nacionalidades, o ninguna”, señala Miyada.

El título de la muestra está tomado de un poema homónimo de Maiolino –quien entre 1984 y 1989 vivió en la Argentina– de 1996. Este poema es emblemático de su producción porque presenta un acercamiento visceral a la cuestión política. El rechazo por el totalitarismo se expresa en él de un modo emotivo, marcado por la experiencia sensorial, que lo aleja del discurso panfletario. En uno de sus fragmentos, dice: “Schhhiii… / Con ira santa vómito serpientes y lagartos, / la dictadura del ejército — violencia repetida, / y la intolerante estupidez de la humanidad…”.

En la versión brasileña de la exposición, el título PSSSIIIUUU… tenía además una doble lectura, porque se percibe tanto como señal de silencio cuanto como llamado de seducción. Esta ambivalencia es un carácter constante de la producción de Maiolino.

Núcleos Vida-Obra

La muestra se divide en tres núcleos: Anna, No, no, no y Acciones matéricas, que se centran en distintos aspectos de la vida y la producción de Maiolino.

El primero, denominado

“Anna”, reúne un cuerpo de obras en las que convergen vida, biografía, deseo y multiplicidad; gestos de una mujer que puede ser una o muchas, que desea y es deseada, que cuida, que desaparece y abruptamente emerge de nuevo. Aquí se superponen los múltiples roles –hija, madre, artista, ciudadana, mujer, amante, escritora, latinoamericana, europea, inmigrante– con los que Maiolino mapeó sus desplazamientos físicos y psíquicos, y a través de los que construyó una noción de identidad como un constante flujo que va y viene entre uno mismo y el otro, entre el yo y la multitud.

Las obras incluidas en el segundo núcleo, “No, no, no”, confrontan el totalitarismo, la censura, la represión y la desigualdad. Su interés político abarca desde la violencia de los regímenes dictatoriales en América Latina hasta la aparente naturalización de la pobreza y del hambre a escala global.

Los focos centrales de este núcleo son el re-montaje de la celebrada obra Arroz e Feijão (1979), una instalación en la que la artista servía, sobre una imponente mesa negra, cazuelas de barro de las que brotan arroz y semillas de porotos, y que incluirá varias activaciones puntuales a lo largo de la muestra; otra llamada O amor se faz revolucionário, basada en un proyecto de 1992 en homenaje a las Madres de Plaza de Mayo; y un conjunto de obras que hacen referencia a la exposi-

ción Aos Poucos, que Maiolino realizó en 1978 y que Miyada identifica como un hito del arte político brasileño, hasta hoy poco discutido por la crítica.

Las “Acciones matéricas” que componen el tercer núcleo parten del encuentro entre materialidades diversas y gestos atávicos, identificados tanto con el trabajo cotidiano como con los comienzos de la producción humana. Presionar, moldear, cortar, agarrar, escurrir y rodar son algunas de las acciones básicas que Maiolino emplea al trabajar con arcilla, pintura, vidrio, hormigón y otros materiales, obteniendo como resultado una práctica visual y escultórica fuertemente vinculada con la escala del cuerpo. Esta sec-

ción incluye obras realizadas hace más de 50 años junto a otras recientes, componiendo una especie de paisaje con piezas que se relacionan táctil y visualmente.

Catálogo Shhhiii…

Editado especialmente para la exposición en San Pablo, el catálogo de la exposición –español e inglés– incluye un extenso ensayo de Paulo Miyada, reproducciones de todas las obras y una selección inédita de escritos de la artista junto a documentos, proyectos, fotografías y bocetos.

Estos documentos refuerzan la presencia del género, la maternidad, la sexualidad, las políti-

cas migratorias y las cuestiones sociopolíticas como aspectos clave de una obra que se mezcla profundamente con la vida, aun cuando su apariencia no sea obviamente autobiográfica, ni predominantemente narrativa. Complementando la exposición, esta publicación ofrecerá una oportunidad única para considerar los solapamientos entre la vida y la obra de Anna Maria Maiolino.

MALBA

Museo de Arte Latinoamericano de BA Av. Figueroa Alcorta 3415 Capital Federal | ARGENTINA 54 11 4808 6500 info@malba.org.ar http://www.malba.org.ar www.asociacion@malba.org.ar

Se exhiben los últimos ingresos de obras al

El Museo Nacional de Bellas Artes presenta, desde el pasado martes 20 de septiembre, una selección de obras de doce artistas argentinos recientemente donadas para integrarse a la colección institucional, que se exhibirán al público en la sala 33 del primer piso, con entrada gratuita, hasta el 6 de noviembre.

El conjunto de trece piezas que componen “Últimos ingresos” incorporadas al acervo entre 2017 y 2021 incluye pinturas, dibujos, tintas y fotografías de destacados artistas argentinos de los siglos XX y XXI: Afredo Prior , Mirtha Dermisache , Juan Grela , Tulio De Sagastizábal , Ernesto Ballesteros, Charly Nijensohn, Juan Del Prete , Noemí Gerstein , Alfredo Hlito , Eduardo Moisset de Espanés, Annemarie Heinrich y Aldo Sessa .

“Desde su fundación, en 1896, la colección del Museo Nacional de Bellas Artes fue acrecentándose a través de donaciones y adquisiciones, y en la actualidad alcanza un número superior a las 13.000 piezas, cifra que la constituye en una de las más importantes memorias visuales de nuestro país. Esta muestra presenta una selección de los últimos ingresos” , afirma el director del Bellas Artes, Andrés Duprat.

“Algunas obras fueron donadas por sus autores o sus descendientes, otras por coleccionistas y otras por Amigos del Bellas Artes, en este caso junto al

Banco Ciudad, gracias al programa de fondos compartidos promovido por ArteBA. Desde el Museo, expresamos así nuestro agradecimiento a los donantes y, a la vez, damos cuenta a la sociedad de las piezas que conforman este valioso patrimonio público” , agrega Duprat.

Entre las obras en exhibición,

podrán verse dos fotografías tituladas “Ejercicio plástico”, tomadas por Heinrich en el célebre mural; “Composición N.° 4, una tinta sobre papel de Del Prete (1950); otro trabajo de Grela, en témpera (1956); una tinta sobre papel de Gerstein (1956) y otra de Hlito (1975); el díptico “Incendio en la sierra” de Prior (1997) y una

tinta sobre papel de Dermisache (ca. 1997-2006).

A ellas se suman, ya del siglo XXI, la fotografía “Silos. Puerto Madero”, registrada por Sessa en 2001; el acrílico sobre papel “Nada ocurre dos veces, n.° 12”, de De Sagastizábal (2003); la tinta sobre papel “Línea cerrada generadora más cuadrados adicionales” (2010), de Moisset de Espanés; el díptico de imágenes de Nijensohn titulado “El ciclo de la intensidad #6060 (Bolivia)” (2017), y el tríptico “Dibujo de acción”, realizado en lápiz por Ballesteros (2018).

Con el mismo espíritu de esta muestra, cada año el Bellas Artes presenta al público las nuevas obras que ingresan a través del Premio Nacional a la Trayectoria Artística. “Ese concurso público distingue a nuestros más célebres autores y, a la vez, enriquece la colección con piezas clave de la historia del arte argentino”, comenta Duprat sobre el galardón, otorgado por el Ministerio de Cultura de la Nación. Próximamente, se conocerán los ganadores de la edición 2022 del certamen, cuyas obras se exhibirán en diciembre en el Museo.

El Museo Nacional de Bellas Artes, que depende del Ministerio de Cultura de la Nación y cuenta con el apoyo de Amigos del Bellas Artes, está ubicado en Av. del Libertador 1473 (Ciudad de Buenos Aires) y abre sus puertas de martes a viernes, de 11 a 20, y sábado y domingo, de 10 a 20. La entrada es libre y gratuita.

Museo Nacional de Bellas Artes Ministerio de Cultura de la Nación Av. del Libertador 1473, CABA https://www.bellasartes.gob.ar

Ciclo de arte contemporáneo en el Sívori

Elisa O´Farrell.

Cuando se caen las paredes

La artista expone una muestra de óleo sobre tela en pequeño-mediano formato.

Presenta una serie de 48 dípticos que enfrentan imágenes de una pandemia que nos obligó a refugiarnos en la intimidad de nuestras casas junto a paisajes del exterior que se nos presentaban como apocalípticos.

Nos invita a reflexionar sobre aquellos espacios que construimos como seguros y aquellos otros que se nos forman como atemorizantes, peligrosos y extraños.

Con gran destreza técnica, Elisa O´Farrell nos propone recorrer diversas espacialidades, paisajes y naturalezas muertas que sutilmente nos conllevan a pensar las nuevas condiciones sociales a las que la pandemia nos arrojó sin (aparentemente) previo aviso.

Sobre la artista

Nació en Buenos Aires en 1981. Estudió en el Universi-

dad Nacional de Artes (UNA); Licenciatura en Artes Visuales. Es profesora de la U.N.A en la Cátedra de Molinari en Proyectual de Pintura y la Cátedra Álvarez de Proyectual de Grabado. Fue docente y directora artística del Taller La Estampa en la Unidad N°3 del Penal de Ezeiza (2007-2009). Fundó y fue directora del proyecto editorial Parador que funcionó en el Hogar 26 de julio (2011-2020).

El paisaje contemporáneo al cual nos convoca la artista en su serie Cuando se caen las paredes, explora la eximidad como un continuo remitiéndonos a un presente que también se carga de temor, espera y tragedia. En esta suerte de instantáneas, las pinturas de O´Farrell suspenden el tiempo de la catástrofe, se detienen en la imagen del terror sublimadas en las representaciones de incendios. Aunque en simultáneo, y –contrariamente-, los espacios interiores contiguos que lo espejan invitan a pensar en el refugio, ese extracto del paisaje íntimo y público a la vez que deja la artista grabado en estas escenas dobles de un serie pandémica. Como el paisaje sublime -y trágico a la vez-, sus pinturas son retra-

tos de los modos de vida presente y nuestra condición humana.

Su pintura, ermitaña y singular nos sensibiliza con la frágil existencia que conecta a la pintura con la suspensión empática provocada por las imágenes de nuestro propio paisaje interior.

Horarios

Lunes, miércoles, jueves y viernes, de 11 a 19h Sábados, domingos y feriados de 11 a 20h

Martes: cerrado

Entradas

General: $100. Miércoles, gratis Extranjeros no residentes: $500 Gratis: Menores de 12 años, jubilados, personas con discapa-

cidad más un acompañante y estudiantes con acreditación.

Visitas guiadas

Para instituciones educativas (únicamente con reserva telefónica)

Niveles inicial, primario, medio, terciario y universitario

Lunes, miércoles, jueves y viernes, a las 10 y a las 14 h

Para público en general (sin reserva previa)

Lunes, miércoles, jueves y viernes a las 12 h Sábados, domingos y feriados a las 17 h

Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori Av. Infanta Isabel 555 CABA - frente al puente del RosedalParque Tres de Febrero

Música

ESTRENO: Lou Álvarez libera el deseo, la tensión y el disfrute a través de

Sencillo materializado en estudio Tribal Record junto al productor Ricky Lorenzo, quien encuentra los matices adecuados para su voz.

"Vamos incorporando sonidos en cada capa. Por momentos cae completamente, generando una intimidad profunda con el piano, y luego se destruye con mucha dis-

torsión instrumental. La magia está hacia final", confiesa LOU.

Esta faceta artística de la protagonista manifiesta la necesidad de romper con los propios esquemas para encontrar nuevas formas sonoras; viviendo en multiversos de colores y sentidos explotando por doquier: "Nace de momentos muy sugestivos, que mutan hacia la

poesía y lo explícito. Es un montón de cosas en poco más de dos minutos", agrega.

La propuesta pide ser acompañada de un videoclip cuyas imágenes continúen rítmicamente los matices del tema y lo conviertan en un todo. Para ello, convoca a Low Kick en producción y un equipo de trabajo encabezado

por Estudio Panamericana en fotografía; Cecilia López Beauty desde el Make Up y la destreza de Natalia Sánchez en tela y expresión corporal. El resultado del rodaje cumple con la intención de mostrar a una mujer que abraza la dulzura y polariza con el otro extremo.

Lou Álvarez es una cantautora emergente de la zona oeste del Gran Buenos Aires que compone desde los 8 años y ejecuta sus habilidades en instrumentos como: la guitarra, el bajo, la batería, el teclado y la percusión.

A lo largo de su trayectoria lanza tres materiales discográficos (BI, Parte del Todo y Abrecaminos) y varios sencillos; entre los que se destacan «Géminis» a dúo con Piru Sáez; y «Mi Flow» en feat con la historietista Cami Camila.

Posteriormente, edita «Que se te cuelgue el maps», con la producción de Emanero, y «Tus fotos» ft Yeii Aviila en forma de sencillo y videoclip.

Luego de presentarse en La Trastienda y de girar por México, trabaja en nuevos singles y shows; tanto con su solo-set como con banda completa. Su actualidad la encuentra publicando «Tu Boca», canción que invita al juego desde la afirmación y llega acompañada de una flamante propuesta audiovisual.

Nancy Hougham Prensa & Difusión

Lou Álvarez - Tu boca

Video

COTI ESTEVAN

Presenta su nuevo disco: (en)trama

La cantautora cordobesa Constanza Estevan se presentará, junto a la banda ENtrama, en San Telmo y en La Plata.

Llegan desde Sierras Chicas: Unquillo, Río Ceballos y Villa Allende para estrenar los temas del nuevo disco con un estilo de folklore argentino y latinoamericano, composiciones propias y algunas del cancionero popular, luego de una gira por Córdoba en donde compartieron con el público una obra interdisciplinaria de música, danza, poesía y artes visuales titulada: Kaani, entramando raíces.

Viernes 14 de Octubre - 21hs Club Social CAMBALACHEDefensa 1179 - San TelmoCABA

Sábado 15 de Octubre - 21hs LA SALAMANCA - Calle 5 e/61 y 62 - LA PLATA

En esta propuesta hay historias, vivencias, sentires y emociones que se mezclan, se cruzan, se ENtraman formando una red mu-

sical que se nutre fortaleciendo cada unión entre los músicos, cada punto de contacto. Escalando al cielo en las cuerdas del violín, volviendo a tierra en cada golpe del tambor, yendo de la nostalgia del bajo a la alegría de la guitarra sin pensarlo, conociendo historias en cada voz. Porque las historias que se cantan ingresan sin pedir permiso en todos lados, borrando las fronteras, las creencias y los idiomas. Entrama es el canal, el instrumento para que estas historias lleguen hasta cada uno de nosotros.

Coti Estevan: Nacida en Unquillo, pcia. de Córdoba. Es bailarina, actriz y performer, se dedica desde hace muchos años a la enseñanza del canto, ha recorrido con esta actividad nuestro territorio y también otros países como España y Polonia.

Actualmente dirige Coros en varias Instituciones de su ciudad.

Este es su tercer disco. 2006: CD Transformación - junto al músico radicado en España: Pablo Nahual 2019: CD Ramé - junto a Juan Carlos Pesci 2021: CD (en)trama - con composiciones propias y arreglos de Juan Carlos Pesci

Coti Estevan sitio oficial: https://constanzaestevan.com/#

ENtrama son:

Coti Estevan (cantautora)

Pablo Estevan (bajo) Rubén Mansilla (percusión)

Ximena Estevan (violín) Ámbar Boursiac (guitarra)

Jazmín El Hay (voz)

(en)trama en Spotify: https://open.spotify.com/album/3 gylwGsc6uz1TlfJjp7bJ0?si=fbr_0 nThRQKsvNKGwGjS0

Sonia R. Cabral

Prensa + Gestión cultural prensasoniacabral@gmail.com

IG: @soniacabralprensa

FB: Sonia Cabral

Video Tierra Mía- Videoclip Oficial- Coti Estevan / Juan Carlos Pesci

La flamante ganadora del premio a “Mejor Álbum Artista de Folklore” por su disco Soy Semilla presenta una nueva versión de una canción con la fuerza torrencial de la emoción.

La referente del nuevo folklore se une a uno de los máximos exponentes del género para crear una canción poderosa y viva que crece en cada estrofa porque habla desde el corazón.

Con cada paso, Flor Paz se consagra como una de las mayores

figuras femeninas de Folklore en la actualidad, con el reconocimiento y admiración de su público y sus colegas y el poder de canciones que combinan la pasión de la tradición y la frescura de la juventud.

FLOR PAZ sigue derribando barreras de la mano de su talento y osadía y presenta “ALMA”, su nueva canción y video junto a una de las figuras más reconocidas de la música nacional, Jorge

Rojas. Un material que fusiona la fuerza interpretativa, enérgica y apasionada, de ambos artistas con la dulzura e intimidad de sentimientos genuinos, creando una versión magnética que pone la piel de gallina porque logra condensar la complejidad de la emoción.

Flamante ganadora del Premio Gardel a “Mejor Álbum Artista de Folklore” por su material discográfico Soy Semilla, FLOR PAZ

Dos generaciones del folklore se encuentran; La ganadora del Premio GardelFLOR PAZ se une a JORGE ROJAS en “ALMA”

sigue sorprendiendo con esta nueva interpretación de una de las canciones más poderosas de su álbum que toma nuevos colores con la potencia de la voz de Rojas, realzando la calidez y delicadeza de Flor. Un encuentro de dos generaciones de la música autóctona que da cuenta de la fuerza de un género siempre vigente porque habla desde el corazón.

Con un video que refleja la intensidad del sentimiento, Flor Paz y Jorge Rojas le ponen el cuerpo a una canción visceral y profunda. Una complicidad y admiración mutua que se expresa en las miradas y que da cuenta que el folklore es un género de encuentro, de fuerza compartida, de amor.

“Yo escucho su música desde chiquita, por andar siempre en los lugares de folklore siempre tuve la oportunidad de escucharlo. De más grande, surgió la propuesta de hacerle escuchar mi disco y él con mucho amor dijo que sí”, cuenta Flor del encuentro que dio lugar a este nuevo tema. “Jorge eligió “Alma”, que también es una de mis preferidas. Me encantó que la haya elegido porque tiene esa cuestión medio folk pero a la vez un poco melodiosa, como si fuera un folk melódico”, agrega.

“Fue una experiencia muy linda para mí porque es alguien que conozco de chiquita, que veía en los escenarios, y hoy tener la oportunidad de compartir música con él es un placer. Recibí muchos incentivos en cuanto a lo artístico, es un sueño más que

se cumple en la música”

argentina con voz moderna y potente que mantiene la esencia folklórica desde su raíz, heredada de su padre Onofre Paz, fundador de los Manseros Santiagueños.

“Alma” fue producida y mezclada por Juan Blas Caballero, productor del álbum Soy Semilla, y el mastering estuvo a cargo de Daniel Ovié. La canción forma parte de este tercer trabajo discográfico de Flor, donde se consagra como una de las referentes indiscutidas del nuevo folclore nacional al ganar el Premio Gardel 2022, galardón que reconoce a los artistas más destacados de la música.

Con Soy Semilla, Flor reafirma sus pasos en esta una nueva etapa en la que viene a dejar su huella con una mirada renovada de la música folklórica argentina y una proyección a todo el continente latinoamericano.

Con sólo 4 años fue convocada por Oscar Valles (Los Cantores de Quilla Huasi), a participar en el disco “Cantos de Fe” junto a artistas consagrados como Mercedes Sosa, Jorge Rojas, Octavio Osuna y El Trío San Javier. A partir de allí comenzó sus estudios, y a los 20 años lanzo su carrera profesional grabando su primer material discográfico, "Amuleto", que la llevó a presentarse en diferentes escenarios de La Argentina, entre ellos en la reconocida Plaza Próspero Molina de Cosquín, Córdoba. Desde entonces, Flor Paz ha participado de los más prestigiosos festivales de Folklore del país, entre ellos Jesús María (Córdoba), La Chaya (La Rioja), La Salamanca, Festival de Lules y de Monteros (Tucumán) y el Festival del Yokavil (Catamarca).

En 2015 realizó una gira por Europa, presentándose en La Maison d' la Argentine, el país Vasco y en el Auditorio de Biarritz frente a público argentino y europeo.

En 2017 editó "Despertar", su segundo trabajo discográfico, que la llevó a emprender una extensa gira por el territorio nacional e internacional, incluyendo países como Portugal, Francia y España.

Más información de Flor Paz

Flor Paz es una joven cantautora

En 2018, y gracias al gran éxito de "Despertar", Flor obtuvo el Premio Carlos Gardel a la "Mejor Artista Nuevo de Folklore".

Luego en 2019 tuvo la Oportuni-

dad de ser convocada para el Festival Únicos, que se llevó a cabo en el Teatro Colón de la Ciudad de Buenos Aires, dando apertura al show de la Trova Rosarina.

Luego emprendió su tercer disco junto al Productor Juan Blas Caballero, y así fué como en agosto de 2019 lanzó el primer single "Algo de Mi" (Flor PazJuan Blas Caballero - Daniel Reschigna) y en Noviembre "Una canción que no terminará" (Sebastián Schon - Flor PazCachorro Lopez). Canciones que llevó por todo el País en la Gira de Verano, por reconocidos festivales como Jesús María, Festival de la Salamanca en Santiago del Estero y el interior del país y Gran Buenos Aires.

En febrero de 2020 volvió a ser convocada por el Festival Únicos en el Teatro Colón, para dar apertura al show de Los Manseros Santiagueños.

Durante el 2021, la artista condujo #ChicasDelFolclore, un ciclo innovador a través de su

cuenta de Instagram (@florpazoficial) que da voz y protagonismo a las figuras femeninas de todo el país para visibilizar el talento de las mujeres de la escena nacional. Con un éxito arrollador, han pasado figuras como Soledad y Natalia Pastorutti, el dúo Nosas, Roxana Carabajal, Barbarita Palacios y Luna Sujatovich, entre otros, compartiendo vivencias, consejos y canciones, y mostrando que hay mucho talento por descubrir si tan solo se le da el lugar. Actualmente Flor se encuentra presentando su tercer material

discográfico, Soy Semilla, que ganó el premio Gardel 2022 a “Mejor Álbum Artista de Folklore” y recorre todo el país llevando su música a cada escenario con la pasión y profesionalidad que la caracteriza.

Prensa Geraldine Namios trenzacobreproducciones@gmail .com

Video Flor Paz - Morenito ( Video Oficial) https://youtu.be/IQztm_iM-qs

Dúo Dø presenta su nuevo single “AgUA”

“Agua”, la nueva canción de Dúo Dø, busca sumergirnos en las profundidades de nuestros sentimientos y conectarnos con la energía femenina, ancestral y poderosa que habita en todos.

En su letra se encuentra reflejado el reencuentro de Clementine consigo misma como mujer y la transformación que vivió en estos últimos años. “Agua” relee la canción “Guerrera” de Dúo Dø. Una canción que cuenta la historia de una mujer fuerte que luchó y sigue luchando de pie, inspirando a todo aquel que se vuelve parte de su camino. Hoy, Clementine reconoce, en sí misma y en todas, la fortaleza inmensa que habita en ellas. Brujas, hermanas, guerreras.

“Agua” es el adelanto del próximo EP "Dø-Fi: Rēscrituras". Un proyecto donde conviven, en equilibrio, lo natural y lo artificial. Lo introspectivo y contemplativo de conectarnos con la naturaleza; y lo potenciador y extrospectivo de la tecnología. Su nombre “Rēscrituras” evidencia que estas canciones nacen de la relectura de otras obras. La ē viene de la fonética japonesa, porque prolonga la vocal. El nombre de este EP, así como en su edición anterior, fue elegido por la comunidad de Dúo Dø a través de Instagram.

Ficha técnica: Composición: Dúo Dø (Clemen-

tine Esquivel y Santiago Reos).

Producción: Dúo Dø (Clementine Esquivel y Santiago Reos).

Grabación: Estudio Borges (Clementine Esquivel y Santiago Reos).

Mezcla y Matering: Estudio Borges (Santiago Reos).

Arte de Tapa: Renso Barbero (@anitype.artfont).

Agenda: Jueves 6 de octubre: Avant Premiere del videoclip de “Dø-Fi: Rēscrituras” y acústico en Club Lucero. Nicaragua 6048, CABA. 22 horas. Se presentará un vide-

oclip en formato corto de 10 minutos donde conviven las tres canciones del nuevo álbum de Dúo Dø. Entradas a $500 en venta por Eventbrite.

Escuchá “Agua”, el nuevo single de Dúo Dø: https://open.spotify.com/album/5 57v6RIVhEKNzgccsbP5Ez

Más info:

https://www.instagram.com/duodomusica/

https://www.tiktok.com/@duodomusica

https://www.facebook.com/duodomusica/

https://twitter.com/duodomusica https://duodomusica.wixsite.com/ duodomusica

Lucas Seoane - Prensa lucas.seoaneprensa@gmail.com TW: @lucas_seoane82 Instagram: lucas.seoane

Video Dúo Dø - AGUA (Video Lyric)

LA VALENTI llega con un nuevo lanzamiento "MEDUSA"

Luego de su participación en Sofar Buenos Aires, La Valenti llega con su nuevo single "Medusa", que se estrenó el 8 de septiembre en todas las plataformas digitales, previo al lanzamiento de su primer álbum que será lanzado en el mes de octubre.

La multi-artista fue elegida para ser parte de uno de los eventos más importantes de la música, con presencia en 400 países. Sofar Sounds es una comunidad internacional que reúne a artistas, público, anfitriones y organizadores para disfrutar de la música en un ambiente íntimo. En cada ciudad Sofar hay un equipo formado por voluntarios encargados de hacer reali-

dad conciertos secretos, en los que no se conoce la localización hasta 36 horas antes y a los artistas que participarán hasta que los asistentes llegan al lugar.

Un poco más sobre La Valenti

Valentina Soria, artísticamente conocida como “La Valenti”, es una artista multidisciplinaria (cantante, actriz, compositora, poeta, escritora, entre otras cosas) de 25 años, nacida en Córdoba y criada en Neuquén. A sus 17 años, luego de terminar el secundario, dejó su ciudad para mudarse a Buenos Aires y comenzar sus estudios universitarios en la Universidad Nacional de Teatro.

Corriendo el año 2018, aparecería por primera vez el nombre artístico “La Valenti”, como una necesidad de ponerle nombre a este personaje. En simultaneo, Valentina ingresa a la guardia del hospital de urgencias con una enigmática enfermedad que le impediría caminar con normalidad.

Se trataba de una enfermedad autoinmune que debilitaba sus huesos, músculos y alteraba su sistema inmunológico, pero no podían descubrir su origen. Sin nombre, no hay tratamiento posible. Sin tratamiento no hay cura. Ese año le dijeron a Valentina que viviría así hasta el último de sus días.

En el año 2020 comienza a producir su música con Ferlaflame,

con quien lanzaría Subte Linea B, En Dos y Todo Rosa.

Ese verano, Valentina fue diagnosticada con cáncer en el sistema linfático, (Linfoma de Hodgkin). Con la pandemia de por medio y el cuerpo cada vez más debilitado, Valentina tuvo que volver a Neuquén Capital a realizar el tratamiento de quimioterapia, R CHOP, el cual inconscientemente sería el nombre de su primer disco.

Con estilos que van desde el R&B, hip hop, rock, hasta los tintes más folclóricos, como boleros y coplas norteñas, esta artista busca convertirse en un ícono de la música popular argentina combinando el arrabal porteño con la vida urbana contemporánea. En lo que va del año se presentó

en el Festival Quilmes Rock, Tecnópolis, Bienal Arte Joven 2022, Centro Cultural Recoleta, entre otros. A miras de fin de año, esperamos su presentación en Festival Capital, Primavera Sound y una gira federal que terminaría en Niceto Club, lado A, el 1 de diciembre, con la presentación oficial de R CHOP en vivo.

R CHOP cuenta con la produc-

ción ejecutiva de Tierra Agencia, sello y agencia de management argentina que también trabaja con el artista TRUENO.

Prensa: TONE BARCHIESI hola@toneprensa.com.ar

Video MEDUSA, La Valenti (Video Oficial)

LUCIANA JURY y sus ARCANOS presentan TRILOGIA DE UN ADIOS

"El amor es una bella mañana neblinosa que desaparece ante el primer rayo de realidad." (C. Bukoswki)

Luciana Jury y sus Arcanos presentan el audiovisual “Trilogía de un adiós”, tres composiciones con letra y música de Julián Herreros Rivera interpretadas por Luciana Jury. Tres valses criollos que retoman, musicalmente, la estética tradicional de legendarios valses peruanos con una poesía novedosa que nos introduce con exquisitez y buen arte en la compleja danza del amor.

Los Arcanos que acompañan a Luciana son: Lautaro Matute en primera guitarra, Solana Biderman en contrabajo acústico, Carlos Movimiento en cajón peruano y el mismo Julián Herreros Rivera en voces y guitarra.

La cita será a través del canal de Youtube de Luciana Jury, el jueves 8 de septiembre, a las 21 hs. Luego del estreno la cantora tendrá una conversación junto al periodista Humphrey Inzillo a través de su cuenta de Instagram.

Además del lanzamiento audiovisual, los tres valses están disponibles en todas las plataformas digitales.

TRILOGIA DE UN ADIOS

LAS CANCIONES SON: Ilusión

Otra vez Buenos deseos

FICHA TÉCNICA: Luciana Jury y sus Arcanos:

Luciana Jury: Voz

Lautaro Matute: Primera guitarra

Carlos Movimiento: percusión Solana Biderman: contrabajo acústico Julián Herreros Rivera: guitarra de acompañamiento y voz

Dibujos: Florencia Menéndez Vestuario de Luciana Jury: Cecilia Chimenes

Dirección de arte: Mariano Sivak

Dirección video: Ivo Ferrer

Producción artística: Julián Herreros Rivera

Ilusión, Otra vez, Buenos deseos

Grabación: Juan Pablo de Mendoca, estudios Ion Mezcla y Masterización: Alejandro Pugliese

Producción: Sandra Albertocco / Federico Poni Rossi

Sobre los artistas:

Luciana Jury es una de las voces más atractivas de la música popular argentina. Su canto y su repertorio exceden las fronteras del folklore, llevando la música de raíz a los extremos de la intensidad y el desgarro. Habita el mismo universo estético de mujeres impredecibles, hiper expresivas, pura llaga y emoción, como Chavela Vargas, Amparo Ochoa, Concha Buika y Lhasa de Sela, por citar algunas.

“Abrazo”, su cuarto disco solista, fue galardonado con el Premio Gardel 2021 en la categoría MEJOR ÁLBUM ARTISTA DE FOLKLORE. Se encuentra produciendo nuevos temas junto al compositor y cantante chileno Julián Herreros, a la vez que se presenta en diferentes escenarios con Paisanas, el proyecto que comparte con Barbarita Palacios y Pampi Torre.

Julián Herreros Rivera es cantante, guitarrista y creador. Es una de las voces chilenas del flamenco más respetadas y ha llevado su canto y su guitarra a la escena de la música criolla junto a Los Celestinos con quie-

nes el año 2014 editaron el disco "Se sufre pero se aprende". Ese mismo año edita un disco con creaciones propias llamado "Mestizo". Parte de su creación la vierte en otro proyecto coral muy original llamado Coral Rojo y en sus creaciones para guitarra solista. En Argentina ha compartido escenario con Sofía Viola, Juan Quinteros y Luciana Jury, entre otros.

Para ver “Trilogía de un adiós”: https://m.youtube.com/watch?v= DkJw4T-ea34

Para escuchar “Trilogía de un

adiós”

https://open.spotify.com/album/7t DV6n23iFTXvcQMFfJVIs

Los artistas en las plataformas: Luciana Jury: https://linktr.ee/LucianaJuryRedes

Julián Herreros Rivera: https://open.spotify.com/artist/0f BeeZ5aw0z8w73GAyYWAx

PRENSA: Federico “Poni” Rossi federicoponirossi@gmail.com

Video TRILOGÍA DE UN ADIÓS

Miguel Cantilo lanza su disco

CUENTOS CANTADOS

En vivo: Martes 4 de octubre a las 20.30 h en Bebop Club, Uriarte 1658 (Palermo, CABA). Entradas desde $ 1000, a través de www.bebopclub.com.ar o por boletería, de martes a domingos de 17 a 20.

Disponible en las principales plataformas digitales. El CD puede ser adquirido a través de https://chediscos.mercadoshops.com.ar

o en disquería RGS, Galería Galecor, Av. Corrientes 5233, local 2.

El legendario cantautor Miguel Cantilo lanza su trigésimo álbum de canciones: “Cuentos cantados” (independiente), publicado en un curioso formato narrativo, ya que se trata de breves historias musicalizadas, adaptadas e interpretadas por el autor, quien las extrajo de la tradición literaria y oral de antiguas culturas de Oriente Medio.

Con el aporte de excelentes instrumentistas y la producción de Anael Cantilo, quien ha venido produciendo sus últimos álbumes, este trabajo es llamativamente diferente a todo lo realizado por Cantilo en anteriores oportunidades.

Esta obra posee el ingrediente de los cuentos-enseñanza, que -sin recurrir a las consabidas moralejas- dejan en el oyente un eco muy particular, en este caso combinado con ritmos muy variados y

sonidos elaborados.

Dice Miguel Cantilo: “Desde mi juventud, al terminar de estudiar el secundario, me dediqué a leer con fruición todo tipo de literatura, especialmente los cuentistas y novelistas latinoamericanos y paralelamente los libros de Krishnamurti, Hermann Hesse, Idries Shah y otros autores espiritualistas.

Con los años derivé hacia la literatura oriental y allí descubrí multitud de cuentos-enseñanza del oriente medio, específicamente de Persia, Turquía, India y Afganistán. Me fui familiarizando con la literatura mística y en particular con el sufismo. De esa prolífica fuente extraje las narraciones tradicionales que, adaptadas al formato canción, conforman el álbum ‘Cuentos cantados’, exceptuando el bonus track nº 11, que es una invención personal.

Agradezco profundamente a los creadores de esos cuentos, cuyas autorías se pierden en el tiempo, asignadas a una u otra procedencia; no sólo por el agudo ingenio y la eficacia de sus metáforas, sino por la generosidad con que nos han venido instruyendo a lo largo de los últimos siete siglos.

La versión de ‘El elefante en la oscuridad’, por ejemplo, fue publicada en el Masnavi de Rumi, en el siglo XIII, aunque existen otras variantes de la misma narración, una de ellas llamada: ‘Los ciegos y la cuestión del elefante’, más difundida en los últimos años por Gurdjieff.

Otras narraciones en su adapta-

ción a la canción han sido adrede modificadas en lo formal tratando de respetar su mensaje medular.

No soy una autoridad en la materia, sólo he querido compartir con los oyentes una fuente de sabiduría que hace años me viene nutriendo y provocando sincera admiración.

También quiero destacar la colaboración de los músicos intervinientes, en especial de mis hijos Anael Cantilo en la producción, ingeniería de grabación, así como en el bajo y voces y Sufián Cantilo en teclados, guitarras, arreglos y coros, sin los cuales hubiera sido imposible cristalizar este proyecto. También el resto de los excelentes músicos que aportaron lo suyo, oportunamente consignados.

No concibo el género canción sin un tratamiento literario que respete la exigencia de oyentes que poseen la suficiente sensibilidad como para apreciar la fraternidad entre la poesía y la música.”

“Cuentos cantados” será presentado en vivo el martes 4 de octubre a las 20.30 h en Bebop Club, Uriarte 1658. Las entradas están a la venta a través de www.bebopclub.com.ar o por boletería de la sala, de martes a domingos de 17 a 20. Acompañarán a Miguel Cantilo en esta oportunidad: Sufian Cantilo, Anael Cantilo, Patricio Prado e invitados.

Ficha técnica de Cuentos cantados: Músicos: Eleonor Muchnik, flauta tra-

versa, flauta píccolo. Omar Massa, bandoneón Sufián Cantilo, piano, percusión, batería, guitarra, coros Anael Cantilo, bajo, bajo fretless, guitarra. Percusión, batería.

Juan Ortiz, percusión y coros Arno Stepanyan, duduk

Jacqueline Oroc, cello Facundo Guevara, percusión en “El elefante en el cuarto oscuro” y “El animal venenoso”. Rodrigo Genni, batería en “El animal venenoso”

Miguel Cantilo, guitarra acústica y voz.

Grabado y mezclado en Estudios Lirón.

Música y letra: Miguel Cantilo Arreglos musicales: Anael Cantilo y Sufián Cantilo

Producción artística: Anael Cantilo

Arte de tapa y contratapa: Javier Romano

Diseño: Pablo Miñarro

Obras de Javier Romano:

Portada: “The House of Wisdom & the Gate to the Beyond”, Oil and gold leaf on canvas.

Impresión en compacto y dibujo interno: “Iranian Shifá Medallion”, Acrylics and gold paint on canvas.

Contraportada: “Pollination of Antennas” (Let it Bee), Oil and gold leaf on canvas.

El CD puede ser adquirido en la página de Che Discos o en disquería RGS u

¡VUELVEN PEDRO Y PABLO!

Miguel Cantilo se reunirá con su antiguo camarada Jorge Durietz para realizar una serie de conciertos celebratorios del medio siglo de la edición de sus primeros discos bajo el seudónimo Pedro y Pablo, motivo con el cual recorrerán buena parte del país interpretando sus más recordados temas.

A partir de los días 9 y 14 de septiembre se presentarán en el auditorio del Centro Cultural Kirchner (CABA), acompañados por la Orquesta Nacional Argentina Juan de Dios Filiberto, con la que recrearán en formato sinfónico el álbum “Conesa”, con arreglos de Juan “Pollo” Raffo.

En la segunda parte de septiembre comenzarán su recorrido por las provincias con las siguientes

presentaciones:

22 de septiembre: Tandil (Pcia de Bs As)

24 de septiembre: Pehuajó (Pcia de Bs As)

30 de septiembre: Rosario (Pcia de Santa Fe)

2 de octubre: San Nicolás (Pcia de Bs As)

14 de octubre: Mendoza

15 de octubre: San Juan

21 de octubre: Mar del Plata (Pcia de Bs As)

Prensa: Karina Nisinman karina.nisinman@gmail.com

Natalia Fiore nfcomunicacion@gmail.com

Video

Miguel Cantilo - Demián

MEIJA comparte nuevo tema

"Pull Me To Pieces"

Meija, el artista indiepop con sede en Los Ángeles celebra compartiendo el sencillo de rock de baja fidelidad, "Pull Me To Pieces" a través de Nettwerk Music. Al explicar la inspiración detrás de la pista, Jamie dice: “El amor es brutal. Abrirte a alguien es una lata de gusanos. Te jode en el buen sentido y a veces en el mal.

Después de inspirarse en el documental de The Beatles y profundizar en su colección de vinilos, decidió que quería volver a aprender a escribir y grabar de una manera completamente analógica. "Coloqué una pequeña grabadora de cassette en el medio de la habitación donde tocamos en vivo, y simplemente presioné 'reproducir'. Estaba tratando de ver hasta dónde podía llegar sin usar un sintetizador, así que pasé las guitarras a través de máquinas de cinta raras o a través de bucles. Las voces se pasaron a través de un amplificador de guitarra. Nunca había hecho algo así antes.

La canción sigue a los dos primeros sencillos del EP, "No More Excuses" y "Not Sure How This Ends".

Bajo el disfraz de Meija, el productor y compositor residente en Los Ángeles, Jamie Sierota, hace música para nuestro niño interior colectivo. Su marca adyacente de indie pop empapada de sintetizadores de rock extrae los momentos simples que tendemos a ignorar, aquellos que tienden a significar mucho más de lo que nos gustaría admitir.

Con el lanzamiento de su EP debut de 2019, So Long Kid, y el EP de seguimiento de 2021, Premonition, ha explorado temas de nostalgia y amor ingenuo y lo que todo eso significa en un mundo desordenado y, a veces, caótico. Ha ganado seguidores leales con más de 15 millones de transmisiones en todo el mundo. Estén atentos para más por venir de Meija.

Descubrí a los mejores artistas del mundo en Nettwerk Records www.nettwerk.com

Paula Alberti Prensa y comunicación paulaalbertipress@gmail.com

Video meija - "Pull Me To Pieces" (Official Video)

Ptazeta el fenómeno urbano español lanza nuevo single

Ascendiendo a la vanguardia de la música latina y cultura global, la rapera y cantante urbana española Ptazeta lanza un nuevo sinlge y video titulado “Ponte Pal XXX”, tema lanzado bajo el sello de Interscope Records.

En la canción, la artista española se dirige a su lado sensual. Con un estilo que incluye trap y sabor isleño, sus rimas ingeniosas y flow irresistible impulsan este tema para que se convierta en un indiscutible éxito. Destacando su poder, el tema se desarrolla con un coro pegajoso destinado a aumentar la temperatura.

Ptazeta continúa apoderándose de los titulares y revolucionando la música como algo atípico.

Recientemente, se unió a la rapera puertorriqueña de renombre internacional y fenómeno trans, Villano Antillano, para lanzar el himno de empoderamiento “Mujerón”, que ya supera los 4 millones de reproducciones y vistas combinadas. Anterior a esto, Ptazeta reinventó una de sus canciones favoritas, “A Quien Le Importa” de Alaska y Dinarama, en exclusiva para Amazon Originals. Billboard la nombró como "Artista del orgullo latino de la semana" y elogió "sus letras, que en su mayor parte, reflejan su caligrafía queer y de mente abierta".

Al mismo tiempo, tiene la vista puesta en una posesión cultural en 2022, y tiene el talento para

liderarla. En este momento, está dando los toques finales a más música que espera lanzar muy pronto.

SOBRE PTAZETA

Originaria de Las Palmas, Islas Canarias, Ptazeta ha llegado silenciosamente como una de las superestrellas jóvenes más emocionantes del mundo. Inicialmente explotó con "Mami" en el 2020 junto al productor y DJ Juacko. Acumuló más de 100 millones de reproducciones, fue multiplatino y saltó al Top 5 en España, además de resonar en 92 países. Solo mantuvo este impulso con himnos multiplatino tales como “Trakatá” junto a Farina, que obtuvo “Mejor Video Oficial” en los Premios Odeón.

Sin mencionar que surgió como "Artista Revelación" en el Festival Coca-Cola Music Experience de 2022. Unió fuerzas con Bizarrap para Ptazeta: Bzrp Music Sessions, vol. 45 “Penal”. Generó más de 80 millones de reproducciones en Spotify y fue tendencia en España y en otros 8 países. Nicki Nicole la eligió para "Tengo To" junto a Snow Tha Product. Mientras tanto, su álbum debut de 2022, The Party en la Casa, continúa ganando fuerza con millones de reproducciones. Sorprendentemente, ha llamado la atención sobre Canarias al fusionar sin concesiones trap, reggaeton, chill y dembow en sus propios términos.

Records, mientras se embarca en su primera gira formal en España con casi 40 fechas en todas partes desde Madrid y Bilbao hasta Mallorca, Sevilla y Valencia.

SOBRE INTERSCOPE

Además, se destaca como un orgulloso miembro de la comunidad LGBTQ+ que cantará sin censura de mujer a mujer, estableciéndose como un caso atípico en el género urbano.

Al mismo tiempo, atrajo a una audiencia global masiva y su música apareció en varios programas de Netflix, en películas de HBO y en numerosas campañas de TikTok. Este verano, Ptazeta lanzó su primer sencillo “Mujerón” [con Villano Antillano] desde que firmó con Interscope

Al combinar los legados de tres de los más influyentes sellos discográficos en la historia moderna de la música, Interscope Geffen A&M instauró una nueva tradición en cuanto a logros musicales, con su unificación el 1 de enero de 1999. Encabezada por John Janick como Presidente y CEO, Interscope Geffen A&M es una de las principales

fuerzas de la música a nivel global. Desarrolla artistas del más alto nivel de popularidad en una amplia gama de géneros musicales, incluyendo rock, rap, pop, alternativo y latino. Interscope Geffen A&M forma parte de Universal Music Group, la empresa de música más grande del mundo www.interscope.com.

MP Comunicación

María Peluffo

maria@mariapeluffo.com https://linktr.ee/maria_peluffo_m arketing

Video

Ptazeta - Ponte Pal XXX (Official Video)

NINA VENTRE presenta “TU BARBIE” su nuevo single y video!

NINA VENTRE es una joven cantante de tan solo 19 años de edad reconocida por sus fans como “La Barbie de Argentina”, quién presenta su nuevo single y video titulado “Tu Barbie” ya disponible en todas las plataformas digitales.

“TU BARBIE” es un reggaetón que habla del empoderamiento reflejado en un romance, en el

que uno tiene el control y no deja que lo pasen por encima. La artista quiso mostrar seguridad para que quién escuche la canción se sienta bien, pueda sentirse identificado, y empoderarse. En esta nueva canción la producción musical se llevó a cabo junto a “Kingstein”.

El video clip, a cargo de Nostalgic Drive, muestra al mundo una

imagen minimalista de “La Barbie de Argentina” y de forma muy creativa se la puede ver a Nina caracterizando a la famosa muñeca en diferentes facetas: la bailarina de ballet, la estrella de rock, la tenista, la chef, la política, en un mundo color rosa.

FICHA TÉCNICA “TU BARBIE”

Composición: Nina ventre -

Mezcla y mastering : kingstein |

Videoclip : nostalgic drive

PRIMER SHOW EN VIVO DE NINA

El primer show de Nina se dio en el Estadio Atenas de La Plata, en el opening del show de Lit Killah, que para su sorpresa el público se sabía a la perfección las letras de sus canciones, las cuales corearon durante toda la presentación.

Durante el show realizó coreografías con sus dancers y cantó con una soltura, desenvolvimiento y profesionalismo tal, que nadie hubiese pensado que fue su primer show en vivo.

Algo más acerca de NINA VENTRE

Valentina Ventre mejor conocida como Nina Ventre es una cantante de La Plata, Buenos Aires, nacida el 8 de noviembre de 2002.

Desde muy chica demostró interés por el mundo musical y a una temprana edad ya comenzó

a estudiar diferentes ramas del arte como canto, baile, piano, teatro.

Nina siempre supo que la música era su pasión. Desde muy pequeña pasó desde cantar baladas de Whitney Houston a canciones de Shakira; escribió sus propias canciones e hizo shows en los cuales cantó y bailó en primera instancia para su familia, y después para más de 200 personas con tan solo 11 años de edad.

En el 2019 comenzó a grabar sus primeras canciones y a publicarlas en plataformas digitales, reuniendo a su público y creciendo constantemente con más de 500 mil views en su

canal de Youtube. Con tan solo 19 años, lanzó sus primeros tres prometedores éxitos: “Vente”, “Sugar Daddy” y “A Solas”, que se suman a su último sencillo titulado “Tu Barbie”.

En la actualidad, Nina se encuentra trabajando en sus próximos lanzamientos y en la producción de un show en vivo propio con banda completa del que en los próximos meses habrá novedades.

Prensa Romina Girardi rominagirardiprensa@gmail.com

Video

Tu Barbie - Nina Ventre (Video Oficial)

kingstein | Producción musical : kingstein

UN TAL LUCAS nos presenta su álbum "HABITARSE" y el vídeo "COMPAÑERO"

El músico, cantante y compositor Un Tal Lucas (Lucas Lobos) presenta en sociedad su más recientes lanzamientos.

El primero es su álbum "Habitarse" compuesto por 9 canciones Habitarse es el nuevo lanzamiento de "Un tal Lucas", que propone en tiempo presente conectar lo que somos y vivimos. El segundo es el vídeo de "Compañero", un material grabado con las primeras luces del día, en algún lugar del bosque Patagónico cerca de Lolog. El clip fue grabado por Fausto Leone de Fictas, guitarra y voz en contacto con la naturaleza.

Palabras de UN TAL LUCAS sobre HABITARSE

"Pienso que en mi tarea como artista elijo poner luz y compartir lo que creo en las letras de mis canciones, y en estos últimos años quienes nos dedicamos a las distintas expresiones artísticas nos encontrarnos con nuestras contradicciones a flor de piel. Por ejemplo, es muy fácil tener una canción en una distribuidora digital, pero es muy difícil conseguir una presentación en vivo. Ni hablar de los intereses de la industria y el mercado que siempre nos ponen lo que ellos quieren. Por eso no digo que poner luz sea elegir una mirada inocente y decir que todo está bien o va a

estarlo mágicamente, sino que se puede hacer las cosas de otra manera.

El título del álbum busca sintetizar eso. Darnos tiempo para estar en contacto con lo que sentimos (sea algo que nos guste o no), muchas veces no es lo más común. La propuesta es pararse en el momento presente, conectar con lo que somos y lo que vivimos, para poder elegir en libertad a dónde ir."

LA VIOLENCIA

"Vivimos tiempos de una violencia atroz, que por momentos nos asfixia y por momentos nos convence de su "normalidad". Hay avances, afortunadamente, a fuerza de mucho trabajo, pero aún queda camino por recorrer.

Casi todos, si nos tomamos un rato para pensar, encontramos algún momento donde sufrimos agresiones física, verbal, psicológica, o combinadas. Sin ir más lejos, a mí me rompieron un par de instrumentos y un par de costillas, y de ese dolor nacieron formas nuevas.

Con "06:23" aprendí lo importante de compartir las experiencias propias, para apoyarnos. Hubo gente que pudo hablar de cosas que le pasaron después de conocer alguna anécdota atrás de las canciones. Con "Compañero" la apuesta fue que se pueden hacer las cosas de otra manera, y que acompañarse es una de las claves.

En estas canciones (desde el pri-

mer tema hasta el último) hay muchas frases ligadas directamente a la violencia y a lo que genera. Es tiempo de cambiar de paradigma. Me hace ilusión trabajar con gente que cree que otra realidad es posible y pone su energía para eso, desde los colegas con quienes hago música hasta quienes me acompañan en la prensa."

LAS CANCIONES

Son 9 canciones que se grabaron en casa, y como hice en otros lanzamientos programé las baterías pero elegí usar sólo el bajo como instrumento rítmico, armónico y melódico. Relatan 9 historias diferentes, producto de reflexiones compartidas, y son la puerta para conocer personajes y sus universos.

"La pregunta correcta" y "A punto de" son Sherlock Holmes e Irene Adler haciendo declaraciones de principios. Hay una mezcla de ansiedad y nervios, de certezas y miedos.

En "Sanber" se relata el encuentro de dos personas en un bar, que disfrutan de compartir su vida sinceramente.

"Repensar" es la mirada crítica al sistema que nos exprime y nos dice a través de las pantallas qué leer, escuchar, mirar, comprar...

Todos tenemos nuestros lugares donde nos sentimos a salvo. Puede ser un espacio físico o un abrazo. En "Sagrado Refugio" hablo de salir de la oscuridad para construir esos refugios.

"Traslación" es la historia de quien se anima, con todo el miedo del mundo, a dar ese paso para cambiar lo que no le gusta.

"La Ziploc de Timmy" es un cuento sobre a dónde puede llegar la gente rota cuando se enceguece.

Escribí "Enmascarado" el 08 de marzo, como una catarsis por todo lo que me había pasado a mí. Leí el texto y pensé que jamás lo usaría porque ya no era quien escribió esas palabras. Pero habitarse en las contradicciones es abrazar también esos momentos de sombra, ¿no?

El álbum cierra con "Círculo Plano", que es una canción muy abierta sobre lo variable del tiempo y cómo lo percibimos."

MIRANDO A FUTURO

"Estoy muy feliz porque muy pronto voy a compartir más material nuevo.

Hicimos una sesión en el estudio Otra Cepa (CABA), junto a Mati Guastoni, Cuchu Dallasta y Miguelius, con dos canciones de

Cuentos de Barquitos en formato unipersonal, que ya están en proceso de edición.

Además ya está disponible una grabación de video en medio del bosque patagónico que hicimos con Fau Leone, de Fictas.

Y para cerrar, el primer adelanto de "Soliloquio", un álbum grabado en el estudio Lotus de la ciudad de San Francisco (Córdoba)."

Las canciones de "Habitarse" ya pueden escucharse en el canal de YouTube oficial de Lucas y pronto estarán disponible en todas las plataformas digitales.

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SG PRENSA Y DIFUSIÓN Susana Galarza sgprensaydifusion@gmail.com

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Compañero (acústico en el bosque) - Un tal Lucas https://youtu.be/mF5x_dLzUEA

Perro Segovia estrena Cangrejo (su segundo disco)

Perro Segovia se define como músico y obrero. En este segundo trabajo de estudio, aborda la canción de autor y la viste con sonidos urbanos, transitando distintos paisajes introspectivos. Cangrejo está disponible en todas las plataformas digitales desde el 15 de septiembre y será presentado oficialmente el 28 de octubre en Club Lucille.

Sobre Cangrejo

Después de cuatro adelantos, finalmente el 15 de septiembre nace Cangrejo, el segundo trabajo discográfico de Perro Segovia. El álbum aborda la canción de autor vestida con sonidos urbanos. A través de las ocho canciones, el artista transita distintos paisajes introspectivos, en el cual prevalece la guitarra criolla acompañada de bases de hip hop y lo- fi.

El nombre Cangrejo sugiere un viaje hacia los adentros del refugio del compositor, ya que muchas canciones fueron compuestas en el encierro pandémico. Además hace referencia al signo zodiacal Cáncer, representado por este crustáceo. Este segundo material está producido por Aaron Oliver y a diferencia de su ópera prima Quiero ser libre (2020), producida por Yacaré Manso, las composiciones y sonidos invitan a una conexión mucho más íntima, conjugando emociones a otra profundidad.

Fue grabado en el estudio Aaron.Inda.Prod., Buenos Aires. Además de producir, mezclar y masterizar, Aaron Oliver estuvo a cargo de las programaciones, Perro Segovia grabó guitarras y voces, Daniel Reuvers participa en guitarra eléctrica y Brenda Larronda y Adrián Berra son los invitados especiales. La ilustración de la portada fue realizada por el artista Juan Sabatez. En palabras del autor sobre la diferencia entre Quiero ser libre y Cangrejo: “El primer disco vuela en el aire y este segundo se sumerge en un mar”.

Cangrejo será presentado oficialmente el Viernes 28 de Octubre a las 20h en Club Lucille, Gorriti 5520, Palermo. Entradas a través de Passline.

Lista de temas

“Mates” Esta composición es un viaje de rutas hacia la nostalgia, reminiscencias de mates en la compañía de alguien que acompañó tiempos pasados .

“Cartas” (ft. Brenda Larronda) Rememora aquellos rituales primeros del amor en la escuela primaria. Letras, stickers, besos y colores sobre el papel. El momento de la entrega de la carta a la persona que nos gusta. La incertidumbre, la espera y la respuesta.

“Reset” Compuesta en el corazón de la pandemia. La canción expresa la necesidad de salir a la calle y abrazar a las personas amadas. Las cuatro paredes de

un departamento como refugio y prisión.

“Gotita de agua” Ante el ecocidio que no cesa y genera la destrucción de nuestro presente y futuro natural, aparece la pregunta ¿Qué vamos a hacer cuando no quede ni una gotita de agua, ni una gotita de nada? Gotita de agua se suma a la lucha ambientalista contra el agronegocio y la megaminería.

“Awita de coco” (ft. Adrián Berra) Es la desestigmatización de los momentos a solas con unx mismx. Poder transitar la vida abrazando aquello que somos empatizando con las personas que nos rodean.

“Antes de despertar” Es una composición onírica. Deseos y amores platónicos. La idealización de alguien, una mezcla de placer y dolor.

“Tiempos” Es un viaje cuesta arriba hacia una meta, algo que esperamos y en el mientras tanto nos olvidamos de habitar despiertxs el instante presente. Cuidarnos de la inercia de este sistema que nos aleja de nuestro ser.

“Cangrejo” Aquí el artista recorre sus adentros, abre la ventana de su caparazón y deja entrever su vulnerabilidad. La sensibilidad canceriana a flor de piel hecha canción.

Sobre Perro Segovia

Leandro “Perro” Segovia nació en Boulogne Sur Mer, Buenos Aires,

el 28 de junio de 1989. De familia de músicos de tango y folklore, dió sus primeros pasos como bandoneonista, instrumento que le enseñó su abuelo a los 6 años.

En el año 2006, descubre su faceta como cantante y guitarrista iniciando estudios musicales en su ciudad. A los 19 años comienza a crear sus primeras composiciones.

En 2015 se radica en el Partido de San Martín, en donde comienza a dar sus primeros shows en vivo a guitarra y voz. Junto a Maximiliano Rodríguez formó parte de Viejo Perro Blanco (2015), grupo que con su nombre homenajeaba a Luis Alberto Spinetta (de ahí su apodo). También formó parte de la escena folklórica con el Perro Segovia Trio (2017).

Tiene dos discos editados: Quiero ser libre (2020), producido por Yacaré Manso, el cual fue presentado en tiempos de pandemia vía streaming desde Páramo Cultural junto a la banda "Les paseadores" y su más reciente álbum de estudio Cangrejo (2022), producido por Aaron Oliver. Perro Segovia, quien es muy ac-

tivo en sus redes sociales, difunde en sus historias de Instagram las versiones que sus seguidores hacen de sus canciones. Giró por todo el país y continúa creando música, abordando la canción sin tabúes, explorando distintos géneros, llevando a la palabra como bandera para construir y acompañar a la realidad que habitamos.

Foto: Leo González

Más info Spotify https://spoti.fi/3PhxSVX YouTube https://www.youtube.com/PerroSegovia

Instagram https://www.instagram.com/perro _segovia

Twitter https://twitter.com/PerroSegovia Facebook https://www.facebook.com/perrosegovia

Florencia Meluso florenciameluso@gmail.com

Video Perro Segovia - Reset ( Video Lyric )

Los años luz discos presenta Martín Buscaglia y sus Bochamakers

En vivo en Buenos Aires y Rosario. Sábado 8 de octubre 20h en Centro Cultural Güemes - Rosario Domingo 9 de octubre 20.30h en Niceto Club – CABA

Martín Buscaglia , artista uruguayo clave en la escena musical latinoamericana, visita nuestro país en octubre con su banda después de mucho tiempo. Candombe, funk, rock, calypso, cumbia... no hay etiqueta posible para este músico tan talentoso como original e inquieto.

Muy bien acompañado por sus “Bochamakers” -Nacho Matheu en bajo, Matías Rada en guitarra, Martín Ibarburu en batería y Coby Acosta en percusión- Martín Buscaglia trae las canciones de “Basta de música”, su reciente trabajo, además de otros temas incluidos en sus discos anteriores. Los shows serán sábado 8 y domingo 9 de octubre en Rosario y CABA, respectivamente.

“Basta de Música”, un puñado de canciones propias que lanzó

en marzo de 2020, ha sido un disco muy esperado por ser el primero solista y de composiciones solo suyas después de una década. Editado en Argentina por el sello Los Años Luz Discos, estuvo nominado a los Premios Gardel en el rubro Mejor álbum Canción de Autor y resultó ganador del Premio Graffiti (Uruguay) por Mejor álbum Pop.

Algunos apuntes de Martín Buscaglia a propósito del nuevo disco (que también fue lanzado en España y Uruguay): “Fue gra-

bado totalmente fuera del ordenador, o sea todo lo que suena fue efectivamente tocado, lo cual incluye efectos, máquinas de ritmos y programaciones”. Sobre la producción de “Basta de Música”, confiesa: “Los arreglos del disco dan por hecho que en el siglo XXI ya un melómano no necesita escuchar todos los instrumentos que las convenciones indican que deben formar una canción. Se ciñen al concepto de `banco de tres patas ́acuñado por Tom Waits. Esto es: ‘los bancos se suelen hacer con 4 patas, pero si con 3 ya son firmes y te pueden sostener, dejalo así ́”.

Buscaglia ha optado por la sobriedad “El único invitado célebre podría ser Milán Cardozo, arpista paraguayo de 80 años que vive en la selva misionera, quien colabora en un par de canciones con el arpa que él mismo se construyó”. Y continúa: “La mayor influencia musical para este disco fueron los tres años saliendo al aire con mi programa `La Casa del Transformador ́ (Radio Gladys Palmera, desde 2016 hasta 2018), esas emisiones fueron acentuando un ánimo isleño y selvático”.

Ficha técnica

“Basta de Música” / Los Años Luz Discos 2020: Producido por Martín Buscaglia. Grabado x M. Buscaglia en La Casa del Transformador (Montevideo, UY) · Mezclado por Campi Campón en Casa Campi (Madrid, ES) · Masterizado por Andrés Mayo Mastering (Buenos Aires, AR) · Junio/Octubre 2019 · Grabaciones extra: Marcelo Kuc-

zek en Tierra Soñada (Posadas, AR) · Manu Ogando en La Roma (Córdoba, AR) · Arte: Buscaglia · Diseño Gráfico: Fede Gianni · Portada: Luis Ricardo Falero (1878), fragmento · Fotografía: Mariana Pais · Todas las canciones compuestas por Martín Buscaglia excepto: “Los barcos” (M.Buscaglia / Gonzalo Brown) y “Sencillo” (M.Buscaglia / Julieta Rada).

Produjo a diversos artistas, entre ellos Mi amigo invencible con su flamante “Isla de oro” y a Kiko Veneno con su trabajo "Sombrero roto" junto con Santi Bronquio & Veneno himself (Disco del año en España, para Rockdelux y otros).

Lista de temas:

1- Los instrumentos 2- Para vencer

3- Me enamoré

4- Los barcos

5- Chuza

7- Leroy

8- Mírennos bailar 9- Caballo 10- Sencillo

11- La comedia

Acerca de Martín Buscaglia:

Artista, músico, compositor y productor nacido en 1972 en Montevideo, Uruguay.

En los últimos diez años estuvo en constante movimiento: giró y dio conciertos a dúo con artistas como los brasileños Os Mulheres Negras, la mexicana Julieta Venegas, el argentino Lisandro Aristimuño y la cubana Yusa.

Grabó un disco a dúo con Kiko ("El Pimiento Indomable", 2012) y otro con el artista excéntrico uruguayo Antolín ("Experiencias musicales", 2015). Además giró con su banda y con su venerado formato "Hombre orquesta"; grabó un disco en vivo solo con su guitarra ("Somos libres", 2014). Editó un libro sobre la obra poética de su padre ("Mojos", junto al poeta Macachín) y otro con los acordes de las canciones de su proyecto de música para niños ("Cancionero Cantacuentos"). Y condujo su programa de radio “La casa del transformador” y compuso la música para varias obras de teatro.

A lo largo de toda su intensa y extensa trayectoria ha tocado en España, Estados Unidos, Inglaterra, Francia, Australia, Brasil, Argentina, Chile, Paraguay, México y Uruguay, entre otros países, tanto con su banda (“Los Bochamakers”: Matías Rada, Martín Ibarburu, Mateo Moreno y Herman Klang) como en su formato “Hombre orquesta”, o solo con su guitarra, Ha grabado y tocado con artistas como Arnaldo Antunes, Kiko Veneno, Fito Páez, Julieta Venegas, Eduardo Mateo, El Príncipe, Hugo Fattoruso, Rubén Rada, Leo Masliah, Fernando Cabrera, Jaime Roos, Juana Molina, Jack-

son Browne, Os Mulheres Negras y Jorge Drexler, entre otros. Ofició de artista soporte en el show de Paul McCartney en el Estadio Centenario de Uruguay en 2012, así como en shows de Luis Alberto Spinetta, Caetano Veloso, Maceo Parker y Charly García.

Sus discos en solitario son: "Somos libres", en vivo (Los Años Luz/Bizarro, 2014), "Temporada de conejos" (Lovemonk, 2010), “El evangelio según mi jardinero" (Lovemonk, 2006), "Ir y volver e ir" (Lovemonk, 2004), "Plácido domingo" (Zapatito, 2000) y "Llevenlé" (Orfeo, 1997 / Reedición: Bizarro, 2011). A dúo, grabó "Experiencias Musicales", con Antolín (Los Años Luz, 2015) y "El Pimiento Indomable", junto a Kiko Veneno (Bizarro/Los Años Luz, 2012/ Satélite K., 2014)

En formato Vinilo, tiene "El Pimiento Indomable", LP (Satélite K., 2015), "Jaula de motos" y "Cortocircuito" remezclados por K'bonus y Boohgaloo Zoo (Love-

monk, 2010). "Cerebro, orgasmo envidia & Sofía", remezclado por SUMO y Boogie Corporation (Lovemonk, 2007).

En cuanto a DVD ́s, en 2009 presentó "Martín Buscaglia y sus Bochamakers En Directo en Montevideo" (Bizarro Records) y en 2008, "Cantacuentos 10 años - Pura maravilla" (Montevideo Music Group). Con este proyecto de música para toda la familia que comparte con su madre, grabó "Cantacuentos en su casa" (Montevideo Music Group, 2011), "Pura Maravilla" (Montevi-

deo Music Group, 2009), "La vuelta manzana" (Montevideo Music Group, 2007), "Canta y cuenta canciones para no dormir la siesta" (Montevideo Music Group, 2005), "Cantacuentos 2" (Ayuí, 2001) y "Cantacuentos" (Ayuí, 1999).

Comunicación y prensa Marina Belinco marinabelinco@gmail.com

Video Martín Buscaglia "ME ENAMORÉ" (video oficial)

¡NUEVO VIDEO! Rodrigo Soler con Rafa Pons

"En la guerra conmigo"

mos muchos libros, que leíamos en el Metro aprovechando que trabajábamos al otro lado de la ciudad. Los jueves a la noche mirábamos a Buenafuente en Antena 3, en el mismo televisor donde vimos las primeras imágenes de los atentados del 11 de marzo.

El cenicero lo compramos con Cecilia la primera vez que estuvimos en Barcelona, de donde es Rafa. Imita el estilo de Miró –que también era catalán– pero nunca pude encontrar a qué cuadro pertenecía y ahora pienso que en realidad a alguien se le ocurrió hacer souvenirs con dibujos lo suficientemente parecidos a los de Miró como para venderse como tales pero lo suficientemente distintos como para no pagar derechos de autor.

Una vez se rompió en varias partes. Lo pegué, pero estas mitades volvieron a romperse tiempo después. Decidí dejarlas así, y buscando la mejor posición para ponerlas en la biblioteca se formó esta especie de cara bufonesca y me acordé de El Carnaval del Arlequín –cuadro que sí es de él– y me pareció señal suficiente para dejarlo así. Un poco más Miró que antes.

Cecilia vino a Madrid unos meses

después de que dejé Buenos Aires. Allá vivimos juntos en cinco casas distintas, todas compartidas salvo un monoambiente interior en la calle Galileo 11, nuestra única casa en soledad. Bueno, en soledad fuera de la pareja porque en 23m² unx nunca está solx. Me sentaba en el suelo del baño a componer porque era el único lugar que tenía puerta. La cama se bajaba desde un armario y la ventana en realidad era un ventiluz.

Mirábamos películas y comprába-

Éramos unxs niñxs, vivíamos como podíamos, convivíamos como podíamos. Durante esos años Cecilia fue mi familia, y soportó mis silencios, mis ausencias y mis guerras internas todo lo que pudo. El cenicero lo había comprado ella pero no se lo llevó cuando se fue. Y yo viví varios años más en la guerra conmigo. Rodrigo Soler.

Contacto Rodrigo Soler curtitediscos@gmail.com

Video

Rodrigo Soler + Rafa Pons | En la guerra conmigo

LUCIO ARCE PRESENTA

LA NUEVA NOSTALGIA

Su quinto álbum.

Domingo 9 de Octubre 20hs en RONDEMAN ABASTO, Lavalle 3177 (CABA). Junto a Cuarteto Barracas y Artistas Invitados Entradas $1500 en www.tuentrada.com

La Nueva Nostalgia es el quinto disco de Lucio Arce. Doce canciones propias (incluyendo dos colaboraciones); seis tangos y otras seis en diversos géneros: milonga, vals, cumbia, guaraña, bolero y son cubano. Hay humor, hay drama, melodrama y por lo menos tres muer-

tos.

Todo bajo la impecable dirección musical de Néstor Basurto, que ha sabido rodear a Lucio de algunos de los mejores músicos de la Argentina.

"La Nueva Nostalgia" disponible en Spotify

https://open.spotify.com/album/3t 2Rs7EnKEyw565hDMZNwq y en todas las plataformas.

La Nueva Nostalgia

1. El Sordo García y el Mudo Pascual

2. Cuando juega Román

3. Boludo

4. Final Infeliz

5. Me perdí

6. Adiós, bohemia de Almagro

7. Cadáver en el río

8. Las prostitutas chinas de la Rue de la Villette

9. Qué mal te quedó la cara

10. Me quedo por el pibe

11. Noches de Anchorena

12.El testigo clave

Letra y música compuestas por Lucio Arce, excepto

"Cuando juega Román", Letra de Walter Saavedra, Música de

Lucio Arce y "Cadáver en el río", Letra de Lucio Arce, Música de Juan Martín Scalerandi y Lucio Arce.

Grabado en El Yeite Estudio entre 2019 y 2022

Producción Artística y Dirección General: Néstor Basurto

Operadores de sonido: Néstor Basurto, Astor Basurto y Sol Astorga

Edición, Mezcla y Mastering: Néstor Basurto

Diseño de arte y fotos: Sol Astorga

01. El Sordo García y el Mudo Pascual

Arreglo: Néstor Basurto Guitarra y Guitarrón: Néstor Basurto - Bandoneón: Astor Basurto

Voz: Lucio Arce

02. Cuando juega Román Arreglo: Néstor Basurto Guitarra y coros: Néstor Basurto - Piano:Matías Feigin

Coros: Astor Basurto, Sol Astorga - Acordeón y coros: Iván Miño

Bajo: Silvio Medina - Percusión y accesorios: Julián Castro Voz: Lucio Arce

03. Boludo

Arreglo: Matías Feigin Piano: Matías Feigin - Bandoneón: Astor Basurto - Contrabajo: Emilio Longo Voz: Lucio Arce

04. Final Infeliz

Arreglo: Néstor Basurto Guitarra: Néstor Basurto - Contrabajo: Daniel Falasca

Violines: Carlos Morbidoni y Gemma Scalia

Violonchelo: Benjamín Báez -

Viola: Elizabeth Ridolfi

Voz: Lucio Arce

05. Me perdí

Arreglo: Matías Feigin

Piano: Matías Feigin - Contrabajo: Daniel Falasca

Violines: Carlos Morbidoni, Christine Brebes, Tamara Zakour y Pedro Pedroso

Bandoneones: Astor Basurto, Martin Cecconi, Damián Foretic y Natsuki Nishihara

Voz: Lucio Arce

06. Adiós, bohemia de Almagro Arreglo: Néstor Basurto

Guitarra y Guitarrón: Néstor Basurto

Voz: Lucio Arce

07. Cadáver en el río Arreglo: Néstor Basurto Guitarra: Néstor Basurto - Acordeón: Iván Miño Voz: Lucio Arce

08. Las prostitutas chinas de la Rue de la Villette

Arreglo: Néstor Basurto Guitarra: Néstor Basurto - Bandoneón: Astor Basurto

Voz: Lucio Arce

09. Qué mal te quedó la cara Arreglo: Néstor Basurto Guitarra y Guitarrón: Néstor Basurto Voz: Lucio Arce

10. Me quedo por el pibe Arreglo: Matías Feigin

Piano: Matías Feigin - Contrabajo: Daniel Falasca

Violines: Carlos Morbidoni, Christine Brebes, Tamara Zakour y Pedro Pedroso

Bandoneones: Astor Basurto, Martin Cecconi, Damián Foretic y Natsuki Nishihara

Voz: Lucio Arce

11. Noches de Anchorena Arreglo: Néstor Basurto Guitarra y Guitarrón: Néstor Ba-

surto

Voz: Lucio Arce

12.El testigo clave

Arreglo: Néstor Basurto

Percusión, accesorios y pregones (voz): Carolina Cohen

Coros: Néstor Basurto y Sol Astorga

Tres cubano y guitarra: Yoelis Matos Torres

Trombones: Manu Calvo, Nahuel Ybarra y Manuel Delrío

Voz: Lucio Arce

VIDEOS: Adiós, bohemia de Almagro: https://www.youtube.com/watch? v=BALRo92nfpk

Me perdí: https://www.youtube.com/watch? v=s6TkPm2jwJI

Boludo: https://www.youtube.com/watch? v=rNm2BEi5dG8

El testigo clave: https://www.youtube.com/watch? v=jB016NTwusc

Final infeliz: https://www.youtube.com/watch? v=dGcVtE6lbIE

LUCIO ARCE

Nació en la ciudad de Nueva York, hijo de inmigrantes argentinos que regresaron a Buenos Aires cuando tenía poco más de un año. Lucio padre, gran cantante de ducha, tocabaen la casa discos de Frank Sinatra, Edmundo Rivero y Julio Sosa. Su abuela lo arrullaba con canciones de Gardel y Azucena Maizani. En su adolescencia, Lucio hijo agregó a Los Beatles, CSN&Y, Led Zeppelin, Almendra y Charly García.

Cuando Lucio tenía 15, su hermano Juan decidió que no iba a tomar su última clase de guitarra, porque ya tocaba mejor que la profesora y se aburría sin piedad. Su mamá Loly,argumentando que la clase ya estaba pagada y era un crimen perderla, le pidió a Lucio que fuera. Fue un acierto que hasta el día de hoy le agradece. Más tarde, armó su primer grupo importante: Los Sex-Convictos, inspirado por los B-52s, Elvis Costello y Devo, donde se animó a componer sus primeras canciones.

Siguió con Los Anteojos, como compositor y cantante. Temas como “China básica” y “Sólo quiero ir al baño” son cantados hasta el día de hoy por sus amigos.

En 1985 emigró a los Estados Unidos. Allí tuvo una exitosa carrera como creativo publicitario, escribiendo innumerables jingles para el mercado hispanoparlante.

En 1998 lo echaron de la agencia en la que trabajaba, iniciando una profunda y postergada crisis. Empezó a trabajar de manera independiente y en su abundante tiempo libre, a escribir tangos.

También a cantarlos en un restaurant argentino, Café Che, acompañado por Dino Durand, un talentoso músico que arregló y produjo su primer álbum, Tangos Inesperados (2002).

Celebrado por la crítica especializada, lo presentaron con gran suceso en el Conga Room, un prestigioso

salón de Los Ángeles. Para entonces, sus visitas a la Argentina eran más frecuentes y prolongadas. A fines de 2003 decidió regresar. Lo que no pudo vender, lo regaló y se instaló definitivamente en Buenos Aires a principios de 2005, con el proyecto de hacerse un lugar como artista de tango. Ese año armó Los del Zaguán, un trío de guitarras con quien grabó su segundo disco, ¿Trajiste la guitarra? (2007), producido por Sebastián Luna, en el que colaboraron Ernesto Baffa, Pablo Agri, Daniel Melingo y Néstor Basurto.

En 2012 editó A la salida del cabaret.

En 2018, Tributo a mí mismo, al que invitó a cantores amigos a

cantar sus canciones. Producido por Néstor Basurto, incluye las voces de Carlos Rossi, Osvaldo Peredo, Facundo Radice, el mismo Néstor Basurto, entre otros grandes cantores.

En 2022 nos sorprende con La Nueva Nostalgia, un álbum con 6 nuevos tangos y 6 nuevas canciones en las que visita otros géneros populares: milonga, vals, guaraña, bolero, son y cumbia. Néstor Basurto estuvo a cargo de la producción.

Instagram: @luciomarianoarce/ Facebook: https://www.facebook.com/lucio. arce.9

Youtube: https://www.youtube.com/c/LucioArce

Contacto Prensa: Yamila de la Fuente yamiladlf@gmail.com

Video Lucio Arce - Me Perdí (Lucio Arce)

La suma de todos los tiempos presenta nuevo álbum después de 5 años: LOS MOVIMIENTOS

Sobre la delgada línea que separa los sueños de los recuerdos, "La suma de todos los tiempos" carga las canciones de su nuevo disco y tensa el arco sólo para ver qué tanto puede doblarse sin estallar.

No es un disco de amor, tal vez tampoco sea un disco sobre la muerte. Son trece canciones, eso sí, aparentemente inconexas unas con otras, todas despedidas, expulsadas, desde un mismo centro, por una misma fuerza centrífuga.

"La suma de todos los tiempos", la banda formada en el 2010 en Parque Patricios, vuelve después de cinco años de silencio. "El futuro para siempre" fue el último eslabón de una pequeña cadena asociativa que se inició en el 2012, con su disco homónimo, en donde se podían escuchar referencias al rock guitarrero de finales de los 80s y principios de los 90s, pero que tempranamente supo incorporar elementos de distintas épocas y lugares del mundo.

Es así como en su nuevo disco, "Los movimientos", podemos encontrar algunas referencias a la música latina, a el ambient o incluso al pop, pero siempre pasado todo por el filtro de la psicodelia.

Y es que en esa configuración del espacio es donde parecieran sentirse más cómodas las composiciones de la banda de parque patricios. Lugares en los que es difícil determinar dónde es arriba y abajo, izquierda y derecha. Lugares inventados, en alguna porción del vasto universo que la suma de todos los tiempos se propone expandir disco a disco.

"Los movimientos" fue grabado entre julio de 2018 y diciembre de 2021 en "Estudio de parral", "Es-

tudio pirámide", una casa en San Telmo y un departamento en Balvanera, labor que estuvo a cargo de Estanislao López y "La suma de todos los tiempos", al igual que la mezcla. La masterización fue realizada por "Estudio pirámide" por Estanislao López.

El arte de tapa es obra del artista plástico Salvador Miano, mural pintado en el barrio de Balvanera.

TIENDA ONLINE: ¡catálogo completo con envíos a todo el mundo!

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Leo Sujatovich presenta "CONEXIÓN SUJATOVICH"

Entre tu vida y mi piano

Un espectáculo donde intervienen las historias personales de los participantes, no como espectadores sino como colaboradores de esta nueva obra de creación espontánea.

INVITADOS ESPECIALES: Luna Sujatovich y Mateo Sujatovich (Conociendo Rusia)

DOMINGO 2 DE OCTUBRE, 20 HS BEBOP CLUB Uriarte 1658- Palermo (CABA)

Entradas: desde $1100.A la venta por www.bebopclub.com.ar

El pianista y ahora también cantante Leo Sujatovich, interpretará un repertorio de sus composiciones para cine, canciones realizadas con Luis Alberto Spinetta y otras músicas, intercaladas con las improvisaciones a partir de los relatos escritos o grabados por la audiencia presente, en tiempo real, sin preparación ni ensayo previo.

ACERCA DE "CONEXIÓN SUJATOVICH"

Este espectáculo se presentó por primera vez en enero de este año en Las Musas de José Ignacio, Uruguay; en febrero, marzo y abril en la terraza del Teatro Picadero, en mayo en Pista Urbana y en junio y julio en Cuerda Mecánica, con localidades agotadas.

Con artistas de diferentes disciplinas invitados en cada fecha, han participado Julieta Pink, Sofìa Córdoba, Josefina Scaglione,

Hernán "Cucuza" Castiello, Luna Sujatovich, Lito Vitale, Lidia Borda, Katie Viqueira, Paula Fernández Mbarak y Boy Olmi. Cada show constituye un espacio en el que la escucha activa, la aceptación y la entrega conjugan música, letras, poesía, artes y gastronomía confluyendo para transformarse en una usina generadora de energía positiva. Los textos, leídos o escuchados en dos minutos aproximadamente, son leídos y/o narrados por la misma audiencia o por el mismo músico.

ACERCA DE LEO SUJATOVICH

El pianista-tecladista-arregladorcompositor y productor, formó parte de la banda Spinetta Jade. Desde temprana edad, participó en proyectos relacionados al rock argentino, tocando con Nito Mestre y realizando su primera grabación junto a Porsuigieco (Sui Generis-Gieco-Porchetto) con tan solo 15 años de edad. Sujatovich participó además del histórico concierto “Spinetta y las Bandas Eternas”.

Compuso la música de más de 20 largometrajes (entre ellos "La Novia del Desierto", por el que obtuvo los Premios Cóndor de Plata y SUR en 2018 y "La Antena" por la que se hizo acreedor a los Premios Clarín Espectáculos 2007 y Prix France Musique-Sacem de la Musique de Film 2009). Trabajó como compositor y arreglador en residencia para la Stavanger Symphony Orchestra, en Noruega. Desde 1980 ha compuesto cientos de comerciales para TV y radio, siendo el único músico en

obtener 7 premios Lápiz de Platino. Escribió la música del Ballet “Tango Brujo”, para Julio Bocca y el Ballet Argentino; basada en obras de Manuel de Falla y “traducidas” al Tango. Nominado a los Latin Grammy como Mejor Álbum de Tango 2003, Leo Sujatovich fue declarado en 2017 Personalidad destacada de la Cultura por la Legislatura de la ciudad de Buenos Aires. Más recientemente se estrenó la película "El fotógrafo y el cartero" de Alejandro Hartmann en la que Leo participó realizando la música original, al igual que la del largometraje Natalia Natalia de Juan Bautista Stagnaro que se estrena en septiembre. El 4 de julio, en el Teatro Colón,

participó de la gala musical del Hospital de Niños Ricardo Gutiérrez junto a Susana Rinaldi, Lito Vitale, Elena Roger y Benito Cerati, entre otros artistas.

MÁS INFORMACIÓN www.leosujatovich.com

Contacto de Prensa Jorge Pereira Martín Cravero IG @medioshabiles

FB @medioshabilescom TW @Medioshabiles medioshabilescom@gmail.com

Video

LEO SUJATOVICH "Vida Siempre" (Letra Luis A Spinetta-Música Leo Sujatovich)

La fanfarria del Capitán regresa del exitoso 12º tour por Europa y presenta en vivo su nuevo disco

"EL CANTOMANTO"

Durante 3 meses de gira, la banda mostró su vasto repertorio en shows y festivales del verano europeo, recorriendo más de 40 ciudades de Alemania, Austria, Bélgica, Holanda e Inglaterra.

La Fanfarria del Capitán es una banda nacida en Buenos Aires hace 25 años y es conocida por su estilo de vida artístico y por su eclecticismo musical. Todos los años sus integrantes se em-

barcan en un tour europeo que los lleva de viaje por los lugares menos imaginados, convirtiéndolos en un grupo nómade por excelencia.

Alemania, Austria, Bélgica, España y Holanda son los países por los que giraron en este 2022. Algunos de los shows más importantes fueron el Rudolstadt Festival -festival de World Music más grande de Eu-

ropa, escenario en el que fueron destacados por los organizadores como banda estrella-, Eurofolk Festival y Sunrise Festival de Alemania, el Iboga Summer Festival de España y el belga Airbag, por nombrar algunos. Este año La Fanfarria expandió sus fronteras y volvió a Inglaterra luego de varios años, tocando dos veces en Londres y en el Festival Solar Bimble Bandada, en Dorset.

El material del 6º disco "El Cantomanto" fue motivo de emoción y renovó la energía de la banda en la gira. Canciones como la cumbia andina Villa Imperial de Potosí o el funky disco Come to Berlín fueron las que marcaron una diferencia en las presentaciones en vivo y tocaron la fibra emocional del público, conquistando aún más corazones que en años anteriores.

Esta gira contó además con una nueva integrante: Kaia, la hija de 7 meses de Vicky y Jero Capitán, se sumó a la troupe junto a su hermano Gali, quien ha estado rodando con ellos desde la panza. De esta manera, La Fanfarria se embarcó en el 12º viaje a Europa, superando diferentes obstáculos que han sorteado con éxito y han salido airosos y fortalecidos como banda y como familia.

LO QUE SE VIENE

La banda estará presentando "El Cantomanto" en vivo por primera vez en Argentina el 15 de octubre a las 21 hs. en El Cultural Morán.

Están a punto de estrenar un videoclip (el tercero) de Ey Capitán, canción escrita y dedicada a Messi y al próximo mundial.

Durante el verano 2022/2023 realizarán una gira argentina que incluye entre sus shows al Festival Isoca de Necochea y conciertos del este al oeste del país, desde Carmen de Patagones hasta El Bolsón. Esta caravana no se detiene!

“EL CANTOMANTO” "COME TO BERLIN"

La Fanfarria del Capitán presenta su sexto álbum El Cantomanto, material que gestaron con la premisa de buscar nuevos sonidos más íntimos y desafiantes, revelando tesoros luego de tiempos de introspección e incertidumbre que vivimos en los últimos años.

El disco es un delicioso abanico de estilos diferentes: el recorrido musical de El Cantomanto nos transporta por canciones escritas al lado del fuego quemando hojas de otoño, pasando por balkanbeat, ska, rock y pop indies con el deseo de bailar y volver a saltar en las pistas.

Happiness es el primer sencillo que abre el álbum. Se estrenó hace poco más de un mes y cuenta con un hermoso videoclip filmado en los bosques del norte de Alemania.

El segundo sencillo -que acompaña a la salida del disco- es

Come to Berlín, y con esta canción comienza la fiesta: un clásico y moderno funky-disco en honor a esta mágica ciudad que fue hogar de La Fanfarria durante los 10 años de giras por Europa, y es una parte fundamental del espíritu multicultural y lleno de energía de la banda. Completan el track list la cumbia andina Villa Imperial de Potosí; Ey Capitán -una balkan punkrock dedicada a Messi que promete ser parte del cancionero que acompañe a la selección a Qatar-; Schaumamoi junto al cantautor alemán Lenze un der Buam, cantado por Vicky en léxico bávaro; Posadeiro, un ska bailable con algunas partes de rap divertido y despechado; Better times, una canción oscura en modo blues acompañada de un arreglo de vientos que hacen aún mas íntimo y desgarrador el mensaje. Siguen sorprendiendo con El Plato del día: un huaino, una canción de cuna y un reggae, tres en uno; Cuando volveré a ver el mar es la u

anteúltima canción, escrita en tiempos de cuarentena y Todos mis amigos cierra este maravilloso disco con la interpretación vocal de Jero Cassagne y Valentín Andersen de El Plan de la Mariposa.

"El Cantomanto" está disponible desde el 24 de junio de 2022 bajo los sellos Sudestada Sounds (Argentina) y Tropical Diáspora (Alemania), y fue grabado durante los últimos dos años, la mayoría del tiempo en pandemia. La creatividad generada en tiempos de reclusión ha logrado en este disco una composición más íntima y exploratoria, y a la vez retrata la riqueza cultural que La Fanfarria va adquiriendo a través de sus viajes.

LA FANFARRIA DEL CAPITAN

La Fanfarria del Capitán es una banda argentina creada en Buenos Aires en 2005 por grandes amigos que en 2011 decidieron comenzar a viajar alrededor del mundo compartiendo su apasionante música: una combinación de rock, ritmos latinos, melodías del mundo y poesía.

Juglares, viajeros y exploradores que cuentan historias y llevan músicas de un lugar a otro. Poseen un sonido único, lleno de emociones y un espectáculo en vivo energizante. Cada año giran internacionalmente dando 100 conciertos a lo largo de Latinoamérica, Europa, Rusia, China y Japón, en grandes festivales y reconocidas salas.

Son parte de la banda sonora de la serie de Netflix "La Casa de Papel", temporadas 3 y 4, con dos canciones originales del álbum "La Giravida", y actuaron también en dos de sus capítulos. Asimismo son parte de la banda sonora de la serie rusa "El Método" de Netflix USA con un

de la tira en el Auditorio Belgrano, la banda aparece caracterizada cantando Bella Ciao junto a la actriz Brenda Asnicar.

Tienen 6 álbumes editados: "Flores del Bosque de Bolonia" (2008), "E Viva!" (2012), "Fanfarria Latina on Tour" (2014), "La Giravida" (2016), "Magias de Hoy" (2019/2020) y "El Cantomanto" (2022).

tema del disco "E Viva!". Como si esto fuera poco, Jero Capitán y Vicky Cornejo fueron caracterizados en la famosa serie animada argentina Alejo y Valentina (MTV), otra de las peculiaridades que les ocurre a esta banda de juglares.

En el marco por los festejos del 20º aniversario de la famosa serie animada Alejo y Valentina (MTV) se presentó un capítulo

La Fanfarria es un colectivo que trasciende las fronteras de la música: La banda lleva en sus viajes el "El Vino del Capitán", vinos orgánicos producidos en bodegas especializadas de Mendoza (Argentina) e Ingelheim (Alemania) y que forman parte de su propuesta de escucha y disfrute. Se venden a lo largo de las giras junto con los álbumes y vinilos. www.lafanfarriadelcapitan.com

CELINA CASSI Prensa y Comunicación celinacassiprensa@gmail.com

Video La Fanfarria del Capitán - COME TO BERLIN (DE)

Kimberley Tell presenta "Y SI" Último adelanto antes del lanzamiento de su nuevo disco

Antes del lanzamiento de "Error 404", el primer álbum de Kimberley Tell, la artista canaria nos adelanta "Y si", último tema que conocemos antes de la salida del disco, colección de quince cortes que verá la luz el próximo 23 de septiembre. En la línea de los demás adelantos ya publicados en los pasados meses (“No Hard Feelings”, “Emoji”, “Venerándote”, "Dime", "Dunas" con Ralphie Choo, “Nada Mal” con Maria Grep y "Me Cansé"), la canción sigue el hilo argumental que envuelve todo el álbum, girando sobre el concepto de conexión que nunca se encuentra.

"Y si" habla sobre todo lo que podría haber sido y no fue, y es un tema fresco sobre la melancolía de lo inexistente en forma de indiepop con beat de reggaeton alternativo.

"Error 404" es en sí mismo una metáfora de una conexión inalcanzable (404 - page not found), y también es un guiño al número de errores cometidos, error número 404 (error, tras error, tras error, etc). La producción del álbum en su totalidad estuvo a cargo de Matías Eisen.

Jesica Kusnier Prensa, Estrategia & Comunicación.

info@jesicakusnier.com

Video Kimberley Tell - Dime

José Pérez Vargas Grupo presenta su nuevo EP

KOSEN - RUFU

Se trata de la primera propuesta discográfica del compositor, bajista y contrabajista en formato de sexteto después de una amplia y sólida formación musical

Lo acompañan en su grupo actualmente para este lanzamiento y presentación en vivo Paula Guillén, en batería Hernán Pereyra, en guitarra Santiago Kurchan, saxos y Tomás Winkel, piano

En palabras de Alejandro Herrera ( excelente músico que tocó con Al Di Meola y Scott Henderson entre otros notables

artistas) “El resultado es sorprendente, desde la elección de músicos, la dirección, la composición, la ejecución, el sonido del grupo, y finalmente la grata sorpresa de algo que no conocía de él, que evidentemente es parte de su búsqueda permanente y dedicación que es su ejecución en contrabajo del material Conozco hace mucho a José, he notado evolución musical ascendente, seguramente la madurez personal tiene que ver con eso, y este trabajo lo confirma, quien tenga la oportunidad de escucharlo por primera vez notará a un tremendo músico que trans-

mite un trabajo focalizado, muy serio y muy bien ejecutado”

En palabras del destacado saxofonista Pablo Puntoriero

Tenemos acá el fruto de tanto trabajo del gran bajista Pepe, logra un sonido personal y de excelencia. Rodeado de grandes músicos. Recomiendo escuchar esta maravillosa música!

Presentación oficial del EPConcierto Sábado 15 de octubre en doble horario 20. 45 h Primer Set

22. 45 h Segundo Set

PREZ CLUB DE JAZZ

Dr. Tomás de Anchorena 1347, C.A.B.A.

www.prez.ar

José Pérez Vargas, contrabajo Paula Guillen, batería Santiago Kurchan, saxos Tomás Winkel, piano Hernán Pereyra, guitarra

Valor de la entrada $1600 pesos Se adquieren en www.tuentrada.com

La formación de instrumentos le permite desplegar una variedad de sonidos buscados para darle distintos matices y colores a las secciones de cada obra.

El grupo de música de este disco está conformado por José Pérez Vargas en la composición y contrabajo y lo acompañan un grupo que él eligió y convocó especialmente Paula Guillén, en batería, Hernán Pereyra, en guitarra, Santiago Kurchan, saxos y Tomás Winkel, piano

Hay una búsqueda sonora que en la que aparecen nuevas sonoridades contrapuntísticas, minimalistas y experimentales y por otro lado se mantiene un equilibrio con el jazz tradicional.

momentos de estados emocionales y espirituales malos y buenos. El conocimiento del Budismo Nicheren, y su práctica diaria me condujo a mejorar, fortalecer y transformar mi vida. Esa transmisión de las enseñanzas budistas puso a mi alcance el poder transformador y promovió en mí el ejercicio de la solidaridad, una mejora personal y profesional. A esa transformación interna de conocerse mejor a sí mismo y mejorar internamente se le llama Kosen -Rufu, en japonés significa revolución humana y por eso es la que da nombre al EP”.

Acerca de este EP KosenRufu ( sello discográfico Club del disco / edición digital)

El EP Kosen-Rufu está compuesto por seis piezas originales de música instrumental compuestas por José Pérez Vargas que se enmarcan en el jazz contemporáneo.

Todos los temas tienen en su génesis una profunda razón de ser, un concepto y un propósito que se aprecia en cada nota a lo largo del repertorio. Ante todo se comprueba un notable sello autoral de José en su voz expresiva personal y profesional.

En algunas secciones de los temas el contrabajo y la batería se separan de la métrica original propuesta para lograr una expresión propia con polirritmias en conjunción de los demás instrumentos . En cuanto a las influencias se aprecia que la guitarra despliega sonidos cercanos al riff de King Crimson o a los de Soft Machine en la década de los años 70. El piano cobra su protagonismo y marca la armonía con una sonoridad minimalista que define la esencia de este disco.

En palabras del artista ”esta propuesta discográfica es el resultado de momentos que marcaron mi vida y en los que fuí componiendo música para dejar registrado de alguna manera viajes , pérdidas de seres queridos. nacimientos de hijos ,

“Esta es una gran experiencia para mí en lo personal y profesional al ser mi primera obra discográfica como compositor de mi música y fue muy especial poder tocar con el contrabajo, un instrumento que comencé a tocar hacía 6 meses cuando se grabó el disco. Siento una gran alegría al poder desplegar una voz propia en las composiciones y quedarme muy conforme por el trabajo realizado .Tuve la fortuna de estar acompañado de grandes músicos que aportaron sus ideas musicales y consolidaron al grupo con una identidad. El grupo musical está pensado con estos instrumentos para lograr esta sonoridad particular . Siempre elijo o invito a músicos que admiro y aportan ideas y su afecto, estamos 3 músicos estables y vamos convocando a otros para enriquecer cada experiencia ya sea grabar un disco o dar un concierto”

Con respecto al arte de tapa,

esta imagen refleja la naturaleza de un Japón antiguo donde nace el Budismo que inspira este disco. El sello de agua que se ve al fondo es el Gohonzon que es donde se enfoca la oración llamada “Daimoku” para meditar en esta doctrina

Listado de obras del EP Kosen – Rufu

Todas las obras son instrumentales y compuestas por José Pérez Vargas

Psicosis

El octavo día del quinto mes (Daimoku por Margarita )

Amaru's Smile Relatividad Abstinencia Jump Bruno Ficha Técnica

José Pérez Vargas, en contrabajo

Su Grupo en el disco Paula Guillén, en batería Hernán Pereyra, en guitarra Gabriel Barbato, en saxo tenor Mariano Agustoni, en piano Tomás Martinez, saxo alto

Todos los músicos tocan en todos las obras Todas las obras compuestas por José Pérez Vargas

Técnico de grabación master y mezcla, Mariano Miguez Estudio de grabación Ideo Diseño arte de tapa : Maria Belén Terrón

Grabación y fotos de la grabación ; Gerardo Azar (opal producciones )

Fotos retrato : Pablo Sujo Sello discográfico; Club del

disco

Año de edición 2022/ Edición digital

Ancha, Valparaíso, Chile. Estudió armonía con Eduardo Orestes, y ensambles con Boris Gavilán, destacados músicos de jazz de Valparaíso.

En Buenos Aires, tomó clases de bajo con Alejandro Herrera y Carlos Madariaga , armonía y arreglos con Ariel Goldemberg.

Acerca de José Pérez Vargas (1981 /Peralillo, Chile/ Radicado en Argentina desde el año 2004)

Es músico compositor, bajista y contrabajista, egresado como intérprete musical en bajo eléctrico especialidad jazz en la Escuela de música popular de Avellaneda Buenos Aires ( E.M.P.A.)

Ha grabado y tocado con músicos tanto en Brasil,Italia, Argentina, Chile, Austria, Alemania, Estados Unidos y Suiza.

Estudió la licenciatura de música en la Universidad de Playa

Lidera su propio grupo José Pérez Vargas Grupo con el cual grabó su primer EP como líder llamado Kosen-Rufu y lo está presentando ante el público y la prensa especializada.

El grupo de música de este disco está conformado por José Pérez Vargas en la composición bajo y contrabajo y lo acompañan un grupo que él eligió y convocó especialmente Paula Guillén, en batería, Hernán Pereyra, en guitarra , Santiago Kurchan, saxos, y Tomás Winkel, piano

Prensa y comunicación

Alicia Gubitsch prensa.aliciagubitsch@gmail.com

Video PSICOSIS

Herederos de Tito presenta ¨Diciembre Feroz

Herederos de Tito presenta el video ̈Diciembre Feroz tema que forma parte del sountrack del documental dirigido por Anahí Carballido Marzá ̈El oficio de buscar a Inés¨

¨Diciembre Feroz es una canción de amor, una historia de dos personas que se cruzan en un momento tormentoso de sus vidas y estas cambiarán para siempre.

¨Diciembre Feroz fue realizado, grabado, mezclado y masterizado entre Abril y Mayo de 2021 en Estudio Innuendo por Mauro Varela.

Producido por HDT y Mauro Varela (Hijos de Babel) Video realizado por Alejandro Peláez (40 Dibujos Producciones)

Acerca de Herederos de Tito

Formados en 2001 en Villa Ballester, se caracteriza por su sonido nacido en el primer rock nacional, pero también se pueden percibir influencias de la mú-

sica folclórica y de la canción popular.

Con poco más de veinte años de historia, se han presentado en numerosos escenarios del circuito local y han realizado varias giras por diferentes puntos del país.

En 2010 vio la luz ¨Tan Blanco, Tan Negro¨, en 2014 la banda editó ¨Amaneció¨ y en 2021 lanzaron ¨Desigual¨. En este último trabajo, contaron con la participación de músicos de la talla de Pepo San Martín de Científicos

del Palo y Nicolás Rainone, reconocido músico de Gustavo Santaolalla.

En Octubre de 2021 participaron del Streaming "Conduciendo a Conciencia" junto a grandes artistas de nuestra música.

Discografía

Tan Blanco Tan Negro - 2010 Amaneció - 2014 Desigual - 2021

Integrantes

Alejandro Peláez - Guitarra y voz Pablo Peláez - Batería

Luciano Di Girolamo - Guitarra Ruben Berón - Bajo

Prensa Nadya Cabrera nadyacabreraprensa@gmail.co m

Video Herederos de Tito - Diciembre Feroz (feat. Nico Rainone)

“Generación Rock”

El último EP de Jula

Tras la presentación de JULA en MAKENA, se estrenó un nuevo video de uno de los temas pertenecientes a su EP "Generación Rock" El video está dirigido, editado y creado por ���������������� ����������. El clip muestra a las claras la potente voz, el carisma y la experiencia de Julieta a la hora de subirse a un escenario. Recordemos que hace 3 meses atrás se estrenaba "Fire Woman" un cover de la mítica banda The Cult también grabado en vivo en Makena, y “ERA MODERNA” otro de los videos disponibles en el canal de youtube, que en pocos días había llegado a las casi 10 mil reproducciones,

es un clip animado con una impronta ochentosa y claras influencias del clásico Hard Rock.

Hoy Julieta se encuentra en Italia y desde el viejo continente y antes de retornar al país, está armando lo que será la última parte del año en la que además de seguir componiendo, está próxima a anunciarnos una nueva fecha en un lugar muy importante de CABA.

Desde el lanzamiento de “Generación Rock”, el último EP de Jula, será el 4to Video Clip en la plataforma.

(Tempestad, Dos Almas, Era Moderna y Fire Woman)

Cantante, música, compositora, y mamá! JULA (Julieta Barreyro) quien, en esta faceta solista y en plena maternidad también anuncia lanzo hace 7 meses su EP GENERACIÓN ROCK . Un material que encierra la cadencia y energía de esta artista que, con una voz y presencia arrolladoras, apunta a conectar generaciones a través del estilo. Luego de la pandemia, luego del Nacimiento de su Hijo *Joaquín*, JULA dió su 1er Show en vivo después de más de 2 años sin pisar las tablas! La acompañaron en este fechon: *Jula: voces

*Dani Alk: guitarra

*Fede Martinez: batería

*Ivan Rey: bajo

*Tom Davies: guitarra

***We do not own the rights to this music***

Sobre Jula

Jula (Julieta Barreyro) es una cantante argentina que comenzó hace más de veinte años con la música. Su primera banda fue Momina Rock, un grupo de covers y temas propios que fusionaba funk y rock. De allí, Julieta saltó a Mendigos del Paraíso, banda tributo a a Guns and Roses; y luego se sumó a Vodkka, proyecto con el que hizo infinidad de conciertos en el circuito emergente. Una vez finalizado el ciclo, Julieta integró la troupe de las Nobarbies, banda de mujeres subidas al tren del punk y hard rock que causaron furor y acompañaron a bandas de la talla de Vitico, Renacer, OConnor, Logos y las internacionales The Donnas. Finalizada esa etapa, Julieta se retiró por un tiempo de la actividad, viajó al exterior y retornó con la convicción de encarar su material solista.

Redes JULA: INSTAGRAM: https://instagram.com/jularock?ut m_medium=copy_link

FACEBOOK:

https://www.facebook.com/JULAROCK-107406468392068/

YOUTUBE: https://m.youtube.com/channel/U C1F_PHYeCLHTsRQWcMWyNMQ

Gustavo Antonopolos

ARPEGHY estrena su tercer álbum de estudio y vídeo "MI DESTINO"

Tras casi tres años de pre-producción y una pandemia global, la banda Arpeghy anuncia el lanzamiento de su tercer material discográfico de larga duración y se postula a ser una de las más prometedoras bandas de Hard Rock de Argentina y, por qué no, de Latinoamérica.

Celebran esta llegada con un divertido videoclip del nuevo corte de difusión titulado "Mi Destino". Previamente en el mes de junio presentaron otro adelanto en videoclip de "Un Round Más", que actualmente supera las 40 mil visitas en YouTube Dada la complejidad de algunas

grabaciones de la placa, fue necesario trabajar con diversos estudios, sesionistas y músicos invitados, y finalmente se encuentra disponible en todas las plataformas digitales.

EN PALABRAS DE LA BANDA

Diego Solís, guitarrista, expresa:

- "Trabajamos durante mucho tiempo en lograr nuestro mejor sonido, en la composición, se trabajó mucho en las letras, llegamos a recorrer 10 estudios para poder alcanzar la calidad de producto que queríamos. Nuestra intención era mostrar un Hard Rock

más moderno, más europeo, con mucho power y un audio de calidad internacional, y me atrevo a decir que lo logramos. Estamos muy orgullosos del trabajo que hicimos en todo este tiempo. Estimamos que tenemos un álbum con diez hits, sólo falta que le guste a la gente!"-

Jorge Justo (tecladista) por su parte agrega:

-"Cuando nos sentamos a trabajar en Arp3ghy, después de las experiencias anteriores, nos propusimos trabajar en lo que a nosotros nos gustaba. No escuchar a un productor, sólo escuchar lo

que nos venía desde la cabeza y el corazón. Componer y dejar en el disco lo que nos gustó de forma genuina. Ese es el resultado del álbum. Mucho trabajo en el ensayo, en la producción. Si bien estamos súper orgullosos de nuestros anteriores trabajos, creemos que hasta ahora Arp3ghy es nuestro mejor disco... la espera valió la pena"-

NUEVO ÁLBUM «ARP3GHY»

TRACKLIST

01 - Hasta el Final

02 - Un Round Más

03 - Te Perdí

04 - Mi destino

05 - Hechizo Gitano

06 - En Tus Ojos

07 - Mala Tentación

08 - En La Oscuridad

09 - Laberinto

10 - No Me Digas

PRODUCCIÓN GENERAL:  ARPEGHY

Técnico de Grabación / Edición:

Rodrigo Gudiña - Diego Solís

Grabación de Baterías: PILART

MUSIC STUDIOS (Fernando

Scarcella)

Mezcla y Mastering: PENUMBRART

Sello Discográfico: Black Eclosion Records

COLABORACIONES:

Nicolas Humeniuk - Batería en Estudio

Fernando Scarcella (Rata Blanca) - Batería en “Hasta El Final” y “Mala Tentación”

Yamila Ortiz (SinFin Rock)Coros en “Un Round Más”, “Mi Destino” y “Te Perdí”

Natalia Lanza Castelli (Seducidas y Abandonadas / La Beriso)

- Coros en “Un Round Más”, “Mi Destino” y “Te Perdí”

Anabella Lavalle - Coros en

“Hechizo Gitano”

Oscar “Chino” Asencio - Guitarras Acústicas en “Te Perdí”

Martin Seguel -Saxofón solista en “Te Perdí”

Mauro Ostinelli - Saxofón Tenor en “Mi Destino”

Jesús Silva - Trombón en “Mi Destino

Cristian Cáceres - Trompeta en “Mi Destino”

SG PRENSA Y DIFUSIÓN https://sgprensaydifusion.wordpress.com/ Susana Galarza sgprensaydifusion@gmail.com

Video

Arpeghy - Mi Destino (Video Clip Oficial)

Anda Calabaza presenta su nuevo hermoso disco

Ya es después

Disponible en todas las plataformas digitales

YA ES DESPUÉS en vivo!!!

Sábados 1 y 8 de octubre

17:00 hs

Teatro Picadero

Pasaje Enrique Santos Discépolo 1857

CABA

Entradas por PLATEANET

Las canciones de Anda Calabaza crean puentes que unen

ritmos, universos y lenguajes. Nos dan la posibilidad de viajar con la imaginación y nos conectan con la esencia de la infancia: jugar y celebrar. “Ya es después” es su tercer álbum de estudio y cuenta con invitados de lujo como el reconocido baterista de jazz a nivel mundial Daniel “Pipi” Piazzolla, el “Chango” Spasiuk y una orquesta de cuerdas.

“Ya es después está dedicado al tiempo y a las cosas que no pueden esperar: Cuidar el mundo que habitamos, compartir tiempo con nuestros abuelos y abuelas, alimentar todos los días el poder de la imaginación y, sobre todo, nunca olvidarnos de jugar”. “Por la ventana”, canción que abre el álbum, fue seleccionada por el canal Paka Paka como música de la serie internacional Ventanas al Mundo, realizada en coproducción con televisoras públicas de 9 países de América Latina.

Ya es después las canciones

1 Por la ventana

2 Viaje en el tiempo (Feat. Pipi Piazzolla)

3 La enredadera (Feat. Chango Spasiuk y Pipi Piazzolla)

4 Mi dinosaurio rosa

5 Llavero

6 A la selva fui

7Alguna vez

El universo gráfico de “Ya es después” está realizado por Mariana Ruiz Johnson, prestigiosa ilustradora especializada en libros para niños y niñas.

Un poco más sobre Anda Calabaza:

Anda Calabaza es un grupo de arte y educación para las infancias con 13 años de trayectoria. Formado por María Estanciero, Trinidad Padilla,

Matías Pozo y Tomás Rodríguez ha recorrido cientos de escenarios de la Argentina, entre los cuales se destacan el festival Lollapalooza, Tecnópolis, Teatro Metropolitan, Teatro ND, Ciudad Cultural Konex, Centro Cultural Kirchner y Usina del Arte. Además ha participado de importantes festivales en Mendoza, Córdoba, San Luis, Río Negro, Entre Ríos, Santa Fe, Formosa, Mar del Plata, Rosario y decenas de localidades de la provincia de Buenos Aires.

En su misión de entender a la música como un todo y unir a grandes y chicos.

Anda Calabaza ha compartido canciones en el escenario con artistas como Palo Pandolfo, Chango Spasiuk, Magdalena Fleitas, Nito Mestre, Osqui Guzman y Alejandro Franov, entre otros.

En 2018 Anda Calabaza estrena “El Show de lo Nuevo”

su primera serie web de ficción, dirigida por Leandro Ipiña y apoyada por el INCAA.

“El show de lo Nuevo” fue ganadora de 2 premios BAWeb 2018.

En 2021 la Fundación Konex convoca a Anda Calabaza para la creación de un nuevo espectáculo que acerque la música del compositor Piotr Tchaikovsky a niñas y niños.

El resultado de esta experiencia se llamó “En Busca del Sr. D” y es una historia inspirada

en el ballet El Cascanueces que fue estrenada con 2 funciones agotadas en la Gran Sala de Ciudad Cultural Konex. andacalabaza.com.ar

Estrategia en Comunicación Claudina Sánchez claudinasanchez@gmail.com

Video Anda Calabaza - Mi Casita tiene (Juego Rítmico Musical) https://youtu.be/IUhLyUsh4A8

Antonella Restucci

"Ojos tristes"

Segundo sencillo adelanto de su primer disco solista.

Desde el principio fue pensada como un bolero tradicional y luego se fue deconstruyendo e incorporando sonidos de otros estilos más actuales a la melodía. "El bolero es un género que me encanta y le tengo mucho respeto, por eso decidí tomar prestado su estructura y aggiornarlo para que sea parte de mi nuevo disco", dice la artista.

Antonella Restucci sorprende por su madurez artística que queda demostrada en su nuevo disco "De donde vienen las cosas": tanto en la composición como en la interpretación de sus canciones se destaca su voz fresca y honesta que logra abrazar al oyente en cada frase, en cada mensaje. "Ojos tristes" es el tema que sigue a "Lo que decidas plantar", primer single que lanzó el pasado 17 de agosto.

La cantautora quilmeña de tan solo 19 años compuso la canción inspirándose en una historia de amor real, en la que combina sensaciones hermosas con estados y sentimientos del amor ro-

mántico hegemónico: posesión, machismo, inseguridades, "todo lo que para mí es NO AMOR, pero que lamentablemente es lo que nos enseñaron durante muchísimo tiempo", dice Antonella.

La producción del disco está a cargo de Sebastián Schon, compositor, multiinstrumentista, ingeniero de grabación y productor argentino que ha trabajado con artistas de la talla de Vicentico, Andrés Calamaro, Natalia Lafourcade, Miranda!, Julieta Venegas, Ketama, Rubén Rada y Rosario Flores, entre otros. Su labor en Mondomix (estudio en el que trabaja como socio de Cachorro López) lo llevó a obtener 8 Premios Grammy Latinos. El

nuevo material de Anto sale bajo el sello MundosMusic.

En 2018 se sumó a la banda femenina Desperdigadas, con la que ganó el concurso televisivo Rock del País, transmitido por Canal 13 y conducido por Bebe Contepomi. Al año siguiente, Antonella decidió dedicarse de lleno a su carrera solista, y conformó la banda que la acompaña hasta hoy, que incluye a su padre en la batería.

"Ojos tristes" viene acompañada por un videoclip nuevamente escrito y dirigido por Santino Taratuto y con producción ejecutiva de Juan Taratuto (No sos vos, soy yo, Un novio para mi mujer, Quién dice que es fácil?, entre otras).

Antonella Restucci nació en Quilmes, conurbano sur de Buenos Aires, en el año 2003. Se crió en el seno de una familia obrera con la pasión por la música, y en este contexto Antonella empezó a percibir que su camino pasaría por el arte de la canción.

Al terminar la escuela primaria, Antonella ya había descubierto el exquisito vibrato que hoy utiliza juiciosamente en sus interpretaciones, y debutó como cantante ante lo que le pareció una enorme cantidad de público en el acto de graduación. A partir de entonces participó en numerosos festivales cantando un amplio repertorio que abarcaba el rock, el folklore, el pop, el funk y blues, además de sus propias canciones.

El trabajo artístico de Antonella Restucci se guía por el respeto a tres conceptos básicos, reflejados claramente en sus propias composiciones y en los covers que interpreta: Unión, Compromiso, y Esperanza. En un momento en el que muchas sociedades -entre ellas la argentina- están atravesadas por grietas y divisiones, Antonella le canta con claridad a todo aquello que los seres humanos sensibles tenemos en común, conviviendo con el respeto y empatía por los demás y por el medio ambiente que nos cobija.

“Mi intención no es bombardear constantemente a mi público intentando imponer mis opiniones, porque eso me colocaría en una postura de Dictadora de La Paz

y me pondría en una posición similar a aquellos intolerantes que sostienen la bandera de una única manera de pensar posible. Yo aspiro a que mis mensajes lleguen de manera sutil pero concreta, señalando aquello que me parece necesario cambiar en cada uno de nosotros. Quiero que mis canciones dejen claro que no somos sólo maldad y cosas terribles, sino que la bondad, el amor y otras muchas virtudes también viven en nosotros, y tenemos que expresarlas y dejarlas crecer”, cuenta Antonella sobre sus canciones.

El año 2022 encuentra a Antonella cosechando la siembra de estos últimos dos años, la que se verá reflejada en el primer disco que saldrá bajo el sello MundosMusic, y que promete ser el inicio de una exitosa carrera para la joven quilmeña.

CELINA CASSI Prensa y Comunicación celinacassiprensa@gmail.com www.mundosmusic.com

Video Antonella Restucci "Ojos Tristes" - Video Oficial

Carina Expósito presenta su tercer disco

“Preludio Porteño”

Lugar: Je Suis Lacan: Balcarce 749, San Telmo, CABA, Sábado 15 de octubre 21hs Localidades $1200 –Reservas Whatsapp +911.5094.5337

En esta nueva presentación, Carina propone una visión más urbana del tango y ofrecerá un repertorio que incluye temas inéditos y con letras que transitan una realidad cotidiana atravesada por sentimientos profundos.

Carina ofrecerá su espectáculo,

junto al quinteto dirigido por Edgardo Acuña, quien también es director y arreglador de los temas que se interpretarán esa noche. La voz de Carina Expósito no estuvo sola; los arreglos, la dirección musical y la guitarra estuvo a cargo de Edgardo Acuña; Rubén Slonimsky, en bandoneón; Nicolás Zacarías, en contrabajo; Aldo Saralegui, en piano; y Demián González Premezzi, en percusión.

Preludio Porteño es el nuevo trabajo fonográfico de Carina Expósito en el que su voz, contundente de a momentos y

en otros calmo, transita historias que su canto las asume como propias y eso hacen los artistas que además de cantar, interpretan.

En ese rumbo y con la expresividad a flor de piel y de voz, Expósito plantea un desafío al teñir de tango y de urbanidad temas que surgieron en otro género, en otro tiempo.

Sutil, romántico, realista y sumamente desafiante, Preludio Porteño asoma como una propuesta que trae una nueva mirada del tango y sus alrededores.

Este nuevo material pone el acento en letras y música nuevas y recrea tangos clásicos con un lenguaje musical contemporáneo y un sonido muy actual que enaltece su voz profunda y dúctil.

“Preludio Porteño”

Arreglos, dirección y guitarra: Edgardo Acuña

Piano: Aldo Saralegui

Bandoneón: Rubén Slonimsky

Contrabajo: Nicolás Zacarías

Percusión:

Demián Gonzalez Premezzi

Carina Expósito

Desde 2015 se ha presentado en diversos escenarios y espacios de Buenos Aires junto a ex-

celentes músicos y artistas. En su formación académica, es Licenciada en Fonoaudiología egresada de la UNLP. Estudió teatro en la ETBA (Escuela de Teatro de Buenos Aires) y cursó seminarios de actuación para cine, TV y publicidad, participando en castings y publicidad. En 2018 comienza las grabaciones de Preludio Tango, presentándolo en la Academia Nacional del Tango de la Ciudad de Bue-

nos Aires ese mismo año. En el 2020 realiza su participación en el rodaje de la serie/ documental “Breaking Music”, una coproducción entre Argentina y Alemania para film&arts. Ese mismo año 2020 lanza su álbum EP “Preludio Tango Clásicos” grabado en los Estudios Liberty.

Video "MI CIUDAD Y MI GENTE" - CARINA EXPOSITO

Grisel Bercovich presenta el espectáculo teatral musical “Traspacielo”

Vuelve el espectáculo estrenado en 2021 que cuenta, a través de tangos y un texto dramático, la historia de amor entre José María Contursi y Susana Gricel Viganó.

ÚNICA FUNCIÓN: Sábado 1° de Octubre 17hs en PISTA URBANA Chacabuco 874 / San Telmo Entradas $1200 disponibles en www.alternativateatral.com.ar Reservas: reservas@pistaurbana.com

TRASPACIELO es un espectáculo teatral musical que toma como punto de partida la historia

de amor entre Susana Gricel Viganó y José María Contursi. La obra, creada a partir de las canciones escritas por Contursi a su musa inspiradora, un texto teatral y la interpretación de Grisel Bercovich en voz y Juan Correa en piano, es una versión libre sobre dos seres unidos por un amor inquebrantable capaz de traspasar el tiempo y la distancia.

Ficha técnica

Cantante y actriz: Grisel Bercovich

Piano y arreglos musicales: Juan Correa

Asistencia y producción: Lorena

Idígoras

Voz Locutor: Martin Wullich

Producción: Grisel Bercovich

Dramaturgia y dirección: Lourdes Invierno

Duración: 50'

Prensa: Yamila de la Fuente

Fotos: Seedy González Paz

"Traspacielo es una caricia de aire fresco para el panorama clásicamente denso y patriarcal del tango. Grisel Bercovich entrega su voz amplia, vasta y llena de ternura para dar vuelta una historia de amor siempre vista y oída desde la voz y el dolor de mi abuelo. La dramaturgia de la obra se anima a imaginar y reponer los días de Gricel, su mirada,

su deseo, la forma íntima y cotidiana de su amor, sus ataduras. Más allá y más acá de las luces citadinas y los brillos masculinos del mundillo tanguero, vemos aparecer su experiencia singular. La originalidad de las canciones, los arreglos, el contrapunto con el piano y el humor, la interpretación de la cantante-actriz abriendo el alma como dejándose habitar por aquel alter ego que le regaló su estrella… Todo se amalgama para llevar a les espectadores a un viaje en el tiempo, con dulzura de mujer y corazón político. Si existe algo así como la justicia poética, ella trabaja dulcemente en esta obra.

Ojalá pudieran verla y oírla todas las mujeres silenciadas de la historia del tango y su trasbambalinas. Orgullo, lágrimas y aplausos." Ana Contursi

TRASPACIELO

A partir de la curiosidad y pasión que generó en Grisel Bercovich (cantante, compositora y actriz) la historia de amor entre Susana Gricel Viganó y José María Contursi, decidió convocar a Lourdes Invierno (directora, dramaturga y actriz) para co-crear un espectáculo.

Ambas comenzaron a investigar acerca de la vida de estos dos personajes. Guiadas por las letras de las canciones e hilvanando ideas que confluyeron en un texto teatral, dieron origen a la obra TRASPACIELO.

Los temas clásicos que conforman el espectáculo fueron reversionados junto al pianista Juan

sonas o recuerdos más allá del tiempo y la distancia. El repertorio musical de la obra forma parte de dos discos que los intérpretes lanzaron durante 2021: "Grisel canta a Contursi" y "Traspacielo".

José María Contursi (19111972), fue uno de los grandes letristas argentinos de tango. Locutor de "Radio Stentor" e hijo de Pascual Contursi, quien diera origen al tango canción, abrazó el legado de su padre dándole vuelo propio. Sus letras están llenas de melancolía y desesperación amorosa, dejando ver a un artista que no especula a la hora de crear. Gran parte de su obra expresa señales del amor entre él y Gricel.

Correa, imprimiéndole profundidad y modernidad a la propuesta. A su vez, Grisel Bercovich compuso nuevas canciones inspiradas en la temática de esta obra, que narra, con algunas licencias teatrales, los encuentros y desencuentros de aquella historia de amor.

La palabra Traspacielo fue creada por Grisel como representación de esas uniones que "traspasan el cielo" y unen a las personas con objetos, otras per-

COMENTARIOS SOBRE

"Grisel canta a Contursi" y "Traspacielo":

"Las canciones son muy bellas. El piano de Juan Correa busca por lugares menos transitados y la voz de Bercovich tiene la dulzura de las cancionistas de otros tiempos." Santiago GiordanoNacional Folklórica

" Bercovich no se empantana en 121 MiráBA

los yeites del tango y lleva su interpretación hacia la canción, guiada desde el piano y los arreglos de Juan Correa." Daniel Sousa - Diario La Prensa

"Muy lindas versiones, sobre todo por esta búsqueda intimista de la canción y los arreglos de piano." Gabriel Plaza - Nacional Folklórica

GRISEL BERCOVICH

Grisel comienza su formación como cantante a los nueve años. Desde los dieciocho se ha presentado en bares, teatros de Argentina, Uruguay, París, Barcelona con un repertorio que incluye tangos y canciones propias.

En 1999 es seleccionada para participar como becaria durante un mes en "Música en Compostela"

Participó en espectáculos dirigidos por Daniel Suárez Marzal y fue su asistente durante cinco años.

Es creadora de espectáculos que unen canción y teatralidad. En los últimos años presentó “Sólo me despierta ponerme a cantar” (dirigida por María Colloca), Living (dirigida por Virginia Jauregui) y próximamente “Traspacielo”, la historia de amor entre Contursi y Gricel (dirección Lourdes Invierno). Desde 2005 compone sus propias canciones, en una búsqueda poético-musical.

A partir 2019 forma parte de "Revuelta Poética", Tertulia de mujeres (dirigida por Claudia Quiroga), que continúa en 2020. Asimismo participa de "Bosquejo

de alturas" de Alicia Kozameh sobre la experiencia de 30 presas políticas (dirigido por la francesa Sylvie Mongin-Algan) y participa como cantante invitada en "Lustucrus", espectáculo de Hervé Segata que se presentó en Pista Urbana.

Desde 2005 ha editado “Postales sin tiempo” (producido por Hernán Míguez, preseleccionado para los premios Gardel en 2005), “Yo soy Grisel” (arreglos de Gustavo Fogiel),"Ahora soy yo" (como becaria del LIPM),

"Canciones que van” (arreglos de Pablo Bronzini).

En 2021 presenta los Eps “Grisel canta a Contursi” y "Traspacielo" (ambos con piano y arreglos de Juan Correa) y estrena el espectáculo cancionístico-teatral "Traspacielo", con dirección de Lourdes Invierno.

Web: https://grisel.com.ar/

Spotify:

https://open.spotify.com/artist/4Iz aVeEA0CUurJkBO4ZQAj

Instagram: https://www.instagram.com/griselbercovich/

Twitter: https://twitter.com/griselbercovich

Facebook: https://www.facebook.com/grisel.bercovich

Canal Youtube: https://www.youtube.com/channel/UC4eJ385igCXhrmYomfIt4rg

Contacto Prensa: Yamila de la Fuente yamiladlf@gmail.com

Video Grisel Bercovich - "Traspacielo" https://youtu.be/aj951iNEuR0

ERUCA SATIVA presenta su disco

“Seremos Primavera” en vivo en la Ballena Azul”

El material que fue registrado en mayo de 2022 en el Auditorio Mayor del CCK, se encuentra disponible en todas las plataformas digitales y el show completo en formato audiovisual en www.mica.gob.ar.

Eruca Sativa ofreció una puesta especial en vivo con arreglos de cuerdas y vientos a cargo de Irene Cadario quién fue también la encargada de convocar a los músicos: Manuel Quiroga en violín, Mariano Malamud en viola, Paula Pomeraniec en cello, Cecilia Dottore en saxo alto, Andrés Germán Ollari en trompeta y Felicitas Rocha en trombón. Además Silvia Aramayo participó en arreglos e interpretación de piano y Nord, y en coros.

El grupo despidió y homenajeó de esta manera su último disco de estudio “Seremos Primavera”, interpretándolo en el orden original del álbum y compartiendo también con su público dos canciones extras: “Día mil” (último tema editado por el trío, recientemente

nominado a los Latin Grammy en la categoría “Mejor canción de rock”) y ”Nada Salvaje” (incluido en el disco “Barro y Fauna”).

Esta celebración tuvo lugar en el marco del programa “Música Argentina para el Mundo” impulsado por el Ministerio de Cultura de la Nación y el Mercado de Industrias Culturales Argentinas (MICA).

Eruca Sativa celebra sus 15 años con una gira nacional que comenzará en el Estadio Obras y recorrerá Rosario, Córdoba, Santa Fe y Carlos Paz.

Viernes 2/12: Estadio Obras

Buenos Aires. Miércoles 7/12: Tribus Club de Arte

Santa Fe. Jueves 8/12: Teatro Broadway Rosario.

Viernes 9/12: Teatro Real Córdoba. Sábado 10/12: Teatro Luxor Carlos Paz (Córdoba).

Jesica Kusnier Prensa, Estrategia & Comunicación info@jesicakusnier.com

Video Eruca Sativa - Carapazón (En Vivo en La Ballena Azul)

DEMOLEDOR es el proyecto del artista uruguayo JHONA LEMOLE que presenta "Folclor" su primer disco

El autor bucea en las aguas del folclore alternativo en diez canciones propias.

Jhona Lemole es músico y compositor nacido en Paraguay y criado en la ciudad de Montevideo (Uruguay). Antes de compo-

ner sus propias canciones ofició de clarinetista de varios proyectos y recitales.

En 2017 y luego de su experien-

cia como sesionista, el artista decidió comenzar a escribir sus propios temas e iniciar su carrera solista, abriéndose camino

con "Monstruo familiar", primer disco de estudio, con muy buena repercusión y una nominación a los Premios Graffiti a la música uruguaya. Como Jhona Lemole editó tres discos más, siendo "Celebrar" el último trabajo que cuenta con colaboraciones de Camila Rodríguez (Niña Lobo).

Debuta como DEMOLEDOR con el exquisito "Folclor", disco que lo termina de coronar como un artista de culto según Alexis Borla (Radio Belcha), y que ya se puede disfrutar en plataformas digitales.

Segun el escritor y dramaturgo uruguayo Gabriel Peveroni “Jhona Lemole tiene una construcción silenciosa y constante de una obra cuidada que deriva en formatos de ensueños electroacústicos con canciones hechas de melodías frágiles y espirituales”.

"Folcor" es un disco imprescindible para los amantes del estilo minimalista, en el cual el artista conjuga el folclore alternativo con silencios inquietantes, con sensaciones que nos pasean desde la oscuridad absoluta a la nostalgia en cuestión de minutos. Las 10 canciones suenan despojadas de toda intención lógica y están paridas desde las vísceras creativas de Lemole, que nos transporta a un universo de olores y colores actuales y pasados.

La producción estuvo a cargo de Jhona Lemole y el mastering por Pau O`Bianchi. "Floclor" se grabó durante 2021 y 2022 en Estudio Culta, La Casa del Balneario Buenos Aires, San Carlos y La Plata.

Músicos.

Jhona Lemole: baterías, teclados, melódica, percusiones, guitarras, sintetizador y sampler.

Bajos: Bruno Taveira.

Coros: Micaela Artigas Invitada en "Sarandí": Lisa Abraham.

Acordeón en Sarandí: Sebastian Pina Guitarra electrica en "Buen día para perder": Fede Ravera

La tapa del disco es un dibujo de Ross Keegan y está inspirado en un retrato fotográfico realizado por María Pía Galvalisi. Allí DEMOLEDOR aparece junto a su gata negra Copy, compañera recurrente en sus fotografías.

El disco viene acompañado por un videoclip de la canción "2000 besos" dirigido por Bruto Videos, en el que actúan el mismo Lemole, Micaela Artigas y Luna Imaz. Fue rodado en el Cine Universitario de Uruguay.

www.jhonalemole.com

CELINA CASSI Prensa y Comunicación celinacassiprensa@gmail.com

Video Demoledor - 2000 besos

PABLO SK publica su nuevo sencillo y videoclip ACUARELA

inspirado en los vínculos que se desarrollan con total libertad y exponen lo más íntimo.

ACUARELA corresponde al nuevo sencillo de PABLO SK, inspirado en los vínculos que se desarrollan con total libertad y exponen lo más íntimo: "Nace en el verano de 2022, como continuidad de un proceso emocional que inicia con CADA PASO y continúa a través de AL MISMO LUGAR", manifiesta el protagonista.

La instancia de materialización se concreta durante el mes de abril en Atrapasueños Récords, con el aporte de Beto Melgarejo en producción, coros y arreglos; Alan Verón desde la batería; Lautaro Romero en la segunda voz; y Sebastián Fahey con el teclado Hammond.

"Los arreglos se encadenan y entrelazan, dando lugar a una melodía que no se vuelve repetitiva. El puente y los breaks generan la disrupción necesaria para profundizar en la intencionalidad de la letra, invitando a despojarse de las estructuras y disfrutar del momento", agrega.

La propuesta audiovisual que lo acompaña está comprometida desde lo más privado, como si viviera dentro de la canción. Quienes posibilitan esa intención (Lucía Valencia y Coco Casavecchia) trasladan el rodaje a

Casa Jinete (Quilmes), mismo espacio donde PABLO SK tiene pactada la presentación en vivo el 27 de agosto. De esta ma-

nera, completa la obra con una estética similar desde lo emocional y artístico.

PABLO SK es un músico y com-

positor emergente de la provincia de Buenos Aires que, durante su primera etapa artística, recorre diversos escenarios desde el formato banda.

En 2021 emprende el camino solista mediante el lanzamiento de "El Sol y la Luna", canción que manifiesta un cambio rotundo en su paradigma compositivo.

Durante el mes de mayo edita el primer EP TEMPORADA DE ECLIPSES, integrado por cuatro canciones que transitan melodías simples y un sonido totalmente acústico. Del mismo se desprende el videoclip del corte "En la Oscuridad" .

A fines de diciembre publica "Cada Paso", manteniendo la premisa de la exploración emocional y la vuelta a su estilo más

rockero. También cuenta con una producción audiovisual de primer nivel.

Este año lo encuentra asumiendo nuevos desafíos: tales como el estreno de "Al Mismo Lugar", con la intención de continuar la historia anterior; y una reversión de "Agua Marfil" junto a su banda, donde invita a sumergirse en melodías folk. Recientemente comparte al

mundo "Acuarela", sencillo que experimenta el sonido soft rock y llega para ser degustado junto a un poderoso videoclip.

Prensa Nan Hougham nancyhougham@hotmail.com

Video Pablo Sk - ACUARELA (Video Oficial)

ROXANA AMED presenta UNÁNIME

Disponible en plataformas digitales

Roxana Amed, cantante y compositora argentina radicada en Estados Unidos, presenta Unánime. En esta nueva travesía musical participan notables artistas invitados de América Latina y España, como son Chucho Valdés (Cuba), Pedro Aznar (Argentina), Niño Josele (España), Chico Pinheiro (Brasil), Julio Reyes Copello (Colombia), Tony Succar (Perú) y Linda Briceño (Venezuela). El repertorio recorre obras de autores diversos, desde Miles Davis hasta Luis Alberto Spinetta, pasando por Egberto Gismonti y la propia Amed.

En el flamante Unánime, su octavo disco, Roxana Amed aporta una nueva mirada sobre el Latin Jazz. “Puede que tradicionalmente se lo asocie con la zona del Caribe y con los grandes ensambles, pero en Sudamérica tenemos otras influencias y diferentes formas de abordar una fusión con el jazz. Por ejemplo, incluso cuando cantamos en español, el fraseo, el color y el estado de ánimo de nuestra música es muy diferente. Entonces, sentí la necesidad de hacer un álbum en colaboración con artistas latinos, para experimentar otros modos y no estar atada a los estilos tradicionales”, cuenta Amed, quien obtuvo con Ontology -su trabajo discográfico de 2021- dos nominaciones al Latin Grammy en las categorías “Mejor Álbum

de Jazz / Jazz Latino” y “Mejor Arreglo”, además de ser la primera mujer en recibir el Premio Gardel por “Mejor Álbum de Jazz”.

Siguiendo la premisa de recorrer nuevas sonoridades, lanza Unánime, un puñado de 10 temas que reflejan las búsquedas y voces diversas en la música latinoamericana y de España cuando conviven con el lenguaje del jazz estadounidense. Roxana Amed

ofrece así una versión íntima y alternativa de un repertorio que abarca tanto el jazz flamenco y la música peruana como las manifestaciones de distintos autores de Brasil y nuestra propia fusión Argentina con el folklore o el rock, cada una con su rítmica singular y su poesía.

También al frente desde el rol de productora de este álbum, Amed está acompañada por su ilustre ensamble que viene tocando con

ella hace tiempo, integrado por el pianista y arreglador cubanoamericano Martín Bejerano, el bajista Edward Pérez y el baterista Ludwig Afonso. “El lenguaje musical de Martin es muy diferente del mío”, admite Roxana, “pero me encanta su toque clásico. Puede tocar música clásica, puede hacer swing y puede tocar en un ritmo latino. Lo mejor de todo es que sus melodías son realmente desafiantes. Me gusta estar fuera de mi zona de confort. No estoy tratando de ser una transgresora o una revolucionaria, pero me gusta encontrarme en un lugar nuevo cada vez, y Martin hace posible que eso ocurra”.

Nacida en Buenos Aires, la cantante, productora, compositora, multiinstrumentista y entrenadora vocal también realizó posgrados en literatura española y cine. Se crió en una familia de raíces italianas y de Medio Oriente pero desde 2013 vive en Miami. Allí matiene un ajetreado programa académico y de presentaciones, trabajando también con renombrados músicos argentinos radicados en los Estados Unidos, como los pianistas Guillermo Klein y Leo Genovese, o la cantante Sofia Rei, además de enseñar en la prestigiosa Frost School of Music de la Universidad de Miami.

Ficha Técnica “Unánime” / Sony Music Latin / 2022

FLAMENCO SKETCHES (Miles Davis. Feat. Niño Josele) - 6:03 NUEVA LUNA, MUNDO ARJO (Luis Alberto Spinetta. Feat. Pedro Aznar) - 6:36

AGUA Y VINO (Egberto Gismonti,

letra en portugués Geraldo Carneiro, adaptación al castellano Pedro Aznar. Feat. Chico Pinheiro) - 2:22

DOS TRIBUS (Martin Bejerano. Feat. Martin Bejerano) - 7:41

A VECES NO, SIEMPRE (Edward Pérez / Roxana Amed. Feat. Tony Succar and Edward Pérez)7:38

EN MI SOLEDAD (Miguel Pous)5:45

LOS TRES GOLPES (Ignacio Cervantes.Feat. Chucho Valdés) - 4:09

NOSTALGIA ANDINA (César Prato. Feat. Linda Briceño) - 5:18

DÚO CONCERTANTE – Primer Movimiento (Julio Reyes Copello. Feat. Julio Reyes Copello) - 5:02

ADIÓS A CUBA (Ignacio Cervantes / Roxana Amed. Feat. Chucho Valdés) - 6:56

elegante pieza en el estilo de danza compuesta por Ignacio Cervantes (1847-1905). Roxana comenzó a imaginar una selección de ensueño de posibles artistas invitados para la grabación, y el pianista cubano Jesús "Chucho" Valdés fue el primero en la lista. “Pensé que esta pieza sería interesante para él, y estaba en lo cierto. Nunca lo había grabado”.

Valdés terminó haciendo dos composiciones de Cervantes en la grabación y compartiendo el protagonismo del teclado con Bejerano. “Martin se puso a llorar de la emoción al conocer personalmente a esta leyenda viviente y tocar con él”, señala Roxana. “Con Chucho todo fue súper fácil. Además de ser una estrella y un genio musical, es una persona muy generosa y tranquila. La sesión fue un ejemplo de lo que estaba buscando con Unánime: tirar de los hilos de la música latinoamericana, pero no de los obvios”. Además de “Los Tres Golpes”, Amed grabó junto a Valdés, “Adiós a Cuba” pieza para la cual escribió una sentida y conmovedora letra.

Más sobre "Unánime" y cada uno de los temas que lo integran:

Roxana Amed comenzó a materializar lo que se convertiría en este nuevo trabajo al escuchar música clásica cubana antigua escrita por compositores como Ernesto Lecuona e Ignacio Cervantes. Bejerano había escrito un arreglo de “Los Tres Golpes”, una

El resto del repertorio es igual de osado. El hilo conductor es la inquietante y dominante voz de la líder del set, Roxana Amed. El tema de apertura es una versión rítmicamente activa y vertiginosa de “Flamenco Sketches”, un standard de jazz escrito por Miles Davis y Bill Evans con la participación de Niño Josele, guitarrista de jazz flamenco. “Él es un ejemplo de por qué seleccioné a todos los músicos invitados”, dice Roxana sobre el exuberante artista

español. “Es por su versatilidad y su capacidad para combinar diferentes tradiciones. Puede dominar tanto el jazz como el flamenco, por lo que fue la elección perfecta”.

“Nueva Luna, Mundo Arjo”, del inigualable Spinetta con el legendario Pedro Aznar, es un punto culminante de la sesión. Roxana ya había compartido con él varias grabaciones y les une una hermosa amistad.

Con “Agua y Vino”, Amed cambia de marcha dramáticamente para hacer una versión muy particular de la melancólica pieza del compositor brasileño Egberto Gismonti, acompañada por el exquisito guitarrista brasileño residente en Nueva York Chico Pinheiro.

Otra perspectiva más sobre el universo del jazz latino la ofrece la trompetista y vocalista venezolana Linda Briceño en la canción folclórica “Nostalgia Andina”. “Se trata de la nostalgia y la inmigración, de muchos de nosotros que hemos dejado nuestros países de origen para vivir en otro lugar”, afirma Roxana. “Estoy muy feliz de que ella pudiera mostrar sus hermoso sonido como trompetista. Suelo colaborar con hombres, así que fue bueno contar con la participación de Linda, porque las instrumentistas femeninas deben trabajar muy duro para encontrar su lugar en esta escena”.

En un cambio de ritmo estimulante, Roxana recurre a las poderosas cualidades de uno de los

estilos de la música folclórica de raíces africanas de Perú, el landó. La sección rítmica central aporta la sólida impronta rítmica del cajón de Antonio Guillermo "Tony" Succar. El joven percusionista, productor, director de orquesta y arreglista peruano-estadounidense es una estrella en ascenso en la creciente comunidad de música latina de Miami y ganador de varios Latin Grammy. La canción, “A Veces No, Siempre”, fue escrita por el bajista Edward Pérez, conocedor y erudito de la música peruana, con letra de Roxana.

Amed ofrece una incursión vocal sin palabras asombrosamente vivaz en su dúo con el pianista colombiano Julio Reyes Copello, conocido por sus composiciones clásicas contemporáneas y proyectos con un cuadro de artistas pop latinoamericanos de élite que le han valido cuatro premios Grammy y siete Latin Grammy.

“Dúo Concertante – Primer Movimiento” es uno de los tres movimientos que Copello escribió para piano y flauta. Es otro audaz ejemplo de la curiosidad y la amplitud con la que Roxana transita, con dominio, sobre una abruma-

dora variedad de géneros estilísticos.

“Más allá de la traducción común del término unánime, para mí, Unánime significa una sola alma, una sola voz”, explica Roxana. “Los diferentes invitados en este álbum, aunque provienen de diferentes países, están unidos en el amor por el jazz norteamericano. Y también está ese 'sonido latino' mezclándose con esa otra tradición, sin importar de dónde vengamos”.

ROXANA AMED EN LAS REDES:

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Comunicación y Prensa: Marina Belinco. marinabelinco@gmail.com

Video

Roxana Amed - Adiós a Cuba (Audio) ft. Chucho Valdés https://youtu.be/ZJXryVBjDPk

Orlando Netti presenta el primer video de su nuevo disco

“Volver a sentir” es el nuevo disco del cantante argentino Orlando Netti, que destaca un variado repertorio de memorables canciones bajo un singular espíritu musical que recorre múltiples armonías, compases y cadencias, entrelazadas con el deseo, la pasión, el amor y la ilusión.

La flamante producción discográfica se distingue, no solo por el novedoso estilo interpretativo de Orlando Netti y su transformación musical, sino, también, por la elección de temas de relevantes autores y compositores que han marcado estilos y épocas como Armando Manzanero, Roberto Carlos, Fred Bongusto, Sandro y Aldemaro Romero, entre otros.

El tema seleccionado para transformarse en el primer video del reciente proyecto es “Adoro”, una de las composiciones más emblemáticas del repertorio del mexicano Armando Manzanero y la protagonista elegida para acompañar a Netti en el clip es la actriz Celeste Pisapia, que aporta su belleza, dulzura y naturalidad en la historia que muestra a la pareja de enamorados por el barrio de Palermo, en Buenos Aires, Argentina, transitando distintos lugares donde se refleja el arte urbano, murales pintados por artistas plásticos, paredes de las calles y espacios dedicados a diferentes obras modernas que forman

parte del paisaje y el recorrido de una feria artesanal, inclusive.

La dirección integral del video está a cargo de Martín Guerrero, experimentado realizador audiovisual que le imprime al clip su visión estética y atrayente con una diversidad de imágenes entrelazadas entre la interpretación del cantante, que narra parte de la historia, dirigiéndose directamente a cámara y las escenas interactuadas con su compañera, que posicionan al romanticismo como eje principal de la represen-

tación. El equipo técnico que participa del rodaje está coordinado en la producción y asistencia de dirección por Anabella García y cuenta con un importante staff de colaboradores en las distintas áreas especializadas.

Los diversos matices que contiene el nuevo disco de Orlando Netti, se vinculan de manera directa y natural con las emociones y los sentimientos que este primer video del proyecto transmite, bajo los arreglos y la dirección musical de Pablo Marino y la producción general de Matías Mc Cluskey.

“Adoro” es el punto de partida del desarrollo que “Volver a Sentir” comienza a desandar desde Argentina para todo el mundo de habla hispana, donde Netti ha forjado un afecto recíproco con el público de muchos países.

Video ORLANDO NETTI - "ADORO" (Armando Manzanero)

“Volver a sentir” con el tema “Adoro” de Armando Manzanero

Santiago Molina presenta “Desde un nuevo lugar”

“El rumor del viento al cruzar bosques umbríos, el constante ruido de las cascadas, la furia imponente del mar, aves que cantan o gimen, insectos que alumbran y deslizan los ecos de sus voces entre los árboles y mucho más; eso sabe a música celta, eso sabe a folklore argento”

Sábado 15 de Octubre - 20H Espacio Cultural San Andrés Av. Belgrano 579 - CABA (Iglesia Presbiteriana San Andrés) Entradas en venta a través de Eventbrite

https://santiagomolina.eventbrite.com.ar Entradas $1400

Músicos invitados: Mari Pereira (Voz), Manu Sija (Violín), Diego Cuellar (Bombo Legüero), Freddy Santana McKinlay (Gaita Escocesa).

Hay lugares en los que la magia milenaria del pasado está más presente y se deja oír a través de la juventud en sus latidos musicales. Es el caso de la música celta donde se asocia a un pueblo preñado de leyendas,

místico y guerrero. Su cultura se extendió en la edad de hierro por las Galias, Britania, Iberia, hasta la actual Francia, Turquía, el Norte Portugués, Irlanda y Escocia. Su entramado musical da cuenta de la suma de sonidos del paisaje, mixturado al lugar donde se ejecuta su arte.

Santiago Molina cosecha y brinda, desde Buenos Aires al mundo, este cuerpo musical descripto como celta, donde unifica una música contemporánea de raíz folklórica de origen etnológico y musical con nuestro folklore.

Santiago Molina tiene una exitosa y ascendente trayectoria en la música celta de nuestro país y este trabajo, “Desde un nuevo lugar”, viene a sellar aquello de que todas las músicas centenarias de origen folk siguen sonando a mañana.

En este trabajo, Santiago Molina, une casi orgánicamente la música Celta con el Folklore Argentino, tanto en composiciones propias como versiones de melodías tradicionales. Escuchar zambas con una gaita gallega o con un tin whistle irlandés, es algo que pocas veces (o ninguna…) se hizo. Y es posible gracias a los maravillosos músicos que participaron y aportaron su arte. Nicolás Sokolic con guitarras acústicas, Samuel Izarcaray con bajo eléctrico, Sergio Ribnikov Gunnarson con su bouzouki irlandés, Manu Sija con su violín, guitarra y bombo legüero, Albert Castillo aportando su bodhran y Randall Najera en contrabajo.

SANTIAGO MOLINA TRIO

Santiago Molina - Gaita gallega, tin whistles, flauta irlandesa, voz. Nicolás Sokolic - Guitarra acústica.

Samuel Izcaray - Bajo eléctrico.

“Desde un nuevo lugar” es un disco que me planteé desde la transformación y la evolución. Es un disco bisagra en mi camino ya que es el primer disco completo (antes había publicado varios EPs y singles) “Desde un nuevo lugar” fue animarme a dar ese paso icónico y hacer algo totalmente nuevo con una música que

siempre fue más clásica y acartonada. La saqué a pasear por nuestro país, sin que deje sus raíces tradicionales e incorporé arreglos y fusiones con el folklore argentino, animándome a cantar en “Camino de llamas” o “Luna tucumana”.

Ese encuentro entre a música celta y el folklore se dio de un fluir orgánico: llevar a amigos que hacen folk europeo desde siempre, a la música argentina y viceversa, uniendo zambas del Cuchi o Yupanqui, o temas andinos de Uña Ramos con la música de Galicia. El constructor de los tin whistles que uso habitualmente, David Furman, bautizó la versión de “Luna tucumana” que hago con Manu Sija, como “Lunita de Compostela”, eso resume un poco el concepto de este trabajo” Santiago Molina

en Claypole, Provincia de Buenos Aires. Es músico, compositor, productor musical, técnico en sonido e intérprete multiinstrumentista (gaita gallega, tin whistle y flauta irlandesa, entre otros), además de docente de gaita gallega y tin whistle en Argentina y para el exterior.

Actualmente es parte de la banda de música del multipremiado musical de Broadway “Come From Away”, producido en Buenos Aires por The Stage Company en el Teatro Maipo. Desde el 2020 es parte de Tune Supply, plataforma internacional y online, creada por Caitlin Warbelow y Chris Ranney, en la cual participó de conciertos para miles de espectadores y compartiendo música con algunos de los más destacados intérpretes de música celta del mundo. Santiago fue criado en el seno de una familia donde la cultura era alimento cotidiano (poetas, escultores, pintores) despertando desde pequeño su interés por la música.

NIÑO PRODIGIO

ACERCA DE SANTIAGO MOLINA

Nació a fines de la década del 80

Desde los 9 años en su escuela primaria estudiaba pincuyo, moseño y gaita gallega. En el año 2003, con tan solo 16 años, participó del concurso de gaiteros solistas Constantino Bellón (Ferrol, Galicia, España), del cual volvió a participar los años 2004, 2008 y 2009, siendo en 2008 ganador del Premio Seivane, otorgado al mejor gaitero extranjero. A los 18 empezó flauta traversa en el conservatorio Julián Aguirre. Tomó clases de gaita gallega, flauta irlandesa, tin whistle y asistió a u

master clases con diversos maestros como Carlos Nuñez, Xosé Manuel Budiño, Xosé Liz, Kevin Crawford, Brian Finnegan, Anxo Lorenzo, Daniel Bellón, Emilio Romero, Diego Mariño, Abraham Fernández, entre otros.

En el año 2010 fue becado por el programa Escolas Abertas para estudiar gaita gallega en la ciudad de Santiago de Compostela. En 2013 recibió el título terciario de Técnico en sonido y producción musical en el Instituto Terciario TAMABA. En 2016, nuevamente participó del programa Escolas Abertas. Realizó giras en Paraguay, Costa Rica, España y participó del Encuentro Celta de Punta Arenas (Chile) en los años 2016 y 2017 con el grupo Bri - Celtic Folk, compartiendo escenario junto a Daniel Bellón, Anxo Lorenzo, Ross Ainslie y Jarlath Henderson. Ha participado como músico sesionista de trabajos nacionales e internacionales como The Omelettes – The Drawing & The Traveler – 2012 Skull & Bones –The Cursed Island – 2014, Fabricio Rodriguez – Un día a la vez – 2016, Vilsevind – Dagg o Natt – 2019, Vilsevind – Kelter och götar – 2022. Con grupos: Treboeiro (2009), Alustros Trio (2010), Bri (2016), Folklab (2016) y como solista tiene tres trabajos editados: Solista: The Trip (2015), Historias (2019) y el actual Desde un nuevo Lugar (2022).

“Desde un nuevo lugar”

1- Desde un nuevo lugar (Santiago Molina)

2- Luna tucumana (Atahualpa Yupanqui)

3- Muiñeira de Piadela (Manuel Rilo Pardo)

4- Return from Fingal (Tradicional)

5- Acá y ahora (Santiago Molina)

6- Zamba del laurel (Gustavo Leguizamón)

7- Volta (Santiago Molina)

8- Whelan's Set (Tradicional)

9- Caminito de llamas (Uña Ramos / León Gieco)

10- Por los bosques de Palermo (Santiago Molina)

11- Hacia un nuevo lugar (Santiago Molina)

Sergio Ribnikov Gunnarson bouzouki irlandés en tracks 5 y 9. Manu Sija, violín, guitarra y bombo legüero en tracks 2 y 6. Albert Castillo, su bodhran en tracks 1, 3, 5, 8 y 10.

Randall Najera, contrabajo en tracks 1 y 5.

Mezclado y masterizado por Santiago Liñares. Ilustración de portada Alejandra Lagos. Fotografías y videoclip de Jonatan Morel.

REDES SOCIALES

https://santigaitero.com/https:/ /santigaitero.com/musica/desdeunnuevolugar/ https://www.instagram.com/santigaitero/ https://www.facebook.com/santi. gaitero/ https://www.youtube.com/gaitero

Prensa: Silvia Majul silviamajul@gmail.com www.silviamajul.com

Nicolás Sokolic, guitarra acústica en tracks 1, 3, 5, 7, 8, 10 y 11. Samuel Izarcaray, bajo eléctrico en tracks 3, 6, 7, 8 y 10.

Video

Camino a Boedo | Santiago Molina | Nuevo Single https://youtu.be/gIBFDjNdMyk

LAS PALABRAS / "ERA"

El artista necochense Nahuel Corbellini presenta su primer disco de estudio, una exploración de géneros en la búsqueda de la canción perfecta.

LAS PALABRAS es Nahuel Corbellini. Nacido en la ciudad bonaerense de Necochea, hoy radicado en Berlín, tiene raíces musicales muy diversas que recorren un amplio espectro, desde el rock hasta la música folclórica argentina, y ya cuenta con una quincena de canciones publicadas de forma independiente.

ERA es un disco personal y ecléctico, con tintes de misterio, que se sumerge particularmente en varios géneros como el dream pop, el indie rock, el hip hop y hasta el lofi, y sale a respirar el cancionero popular argentino. El álbum incluye once canciones, tres de las cuales ya fueron publicadas como singles durante este año.

ERA explora en los géneros que utiliza como medio y también en los tópicos que toca y las sensaciones que lo transitan.

En una entrevista reciente, Nahuel Corbellini dijo que "las canciones de ERA fueron apareciendo por épocas, casi siempre letra y música juntas. Había alrededor de treinta posibles canciones, entre bocetos e ideas. Mientras me concentraba en trabajar por momentos en algunas y dejaba a otras descansar, me di cuenta que había algo implícito que las unía. De a poco fui encontrando qué canciones quedaban

sonando en mi cabeza.

Más adelante, en el proceso de cada canción, y pensando en quienes probablemente nunca antes habían escuchado a Las Palabras, decidí sumar temas ya publicados que venían del mismo universo sonoro y emocional. Esto hizo que ERA termine siendo mi carta de presentación, que ERA fuera definitivamente mi primer disco. Creo que nunca le dediqué a algo tanto amor, y sobre todo tiempo, que es donde

el amor se vuelve algo concreto." El disco fue compuesto y producido por el mismo Nahuel Corbellini y cuenta con Rober Fighetti (Tini, Mau y Ricky, David Bisbal) en las baterías de "antiautomático", "Roto" y "Ruinas de mi templo". En "Galette", Las Palabras se apoya en el escritor Matías Aldaz -miembro del proyecto durante 2019/20- como compositor. En "Prisión/altar" se vale de la voz etérea y envolvente de Ansiedarks (Ximena Rojo).

La mezcla y masterización estuvo a cargo de Percii (Duki, Lara91k, Paco Amoroso), salvo en el reggaetón - flamenco "Lejos", donde el encargado fue el productor Lucato (Rushlai, Juana, Martín Cirio) y en "Plaza Castelli", que fue mezclada y masterizada por Corbellini y asistido en la grabación por el ingeniero de sonido italiano Francesco Stancati

CELINA CASSI Prensa y Comunicación celinacassiprensa@gmail.com

Video Las Palabras | antiautomático

El Viento presenta su segundo disco! EN SILENCIO

Domingo 9 de octubre a las 20 hs en LA TANGENTE

Honduras 5317 - CABA Entradas anticipadas en PASSLINE

La banda integrada por Guillermo Pesoa en guitarra y voz, Santiago Pedroncini en guitarra y trompeta (ex integrantes de Pequeña Orquesta Reincidentes), Micaela Cabral en batería y coros y Gabriel Casal Luján en bajo y coros, presenta su segundo LP titulado "En Silencio".

El mismo cuenta con siete canciones inéditas y fue grabado entre abril de 2021 y diciembre de 2021 en Estudio Kimono por Martín Misenta y en estudios hogareños. Fue mezclado por Gustavo Senmartín, excepto "Pared" y "Magnolia" por Martín Misenta. El mastering estuvo a cargo de "Sr Warrior" y fue producido por El Viento. Ilustraciones y Diseño por Ange Potier.

Guillermo Pesoa: guitarra eléc-

trica y voz.

Santiago Pedroncini: guitarra eléctrica y trompeta.

Gabriel Casal Lujan: bajo y coros.

Micaela Cabral: bateria, sampling pad y coros.

BIOGRAFÍA

La banda El Viento se formó en 2019 y está integrada por Guillermo Pesoa en guitarra y voz, Santiago Pedroncini en guitarra y trompeta, Micaela Cabral en batería y coros y Gabriel Casal

Luján en bajo y coros. En 2020 se incorpora el artista Ange Potier, y el grupo edita los videoclips “Frágil”, “Irreversible” y “Llevo”. Actualmente están presentando su segundor álbum “En Sielencio”, sucesor de "Casa", Guillermo Pesoa y Santiago Pedroncini fueron parte de Pequeña Orquesta Reincidentes. Posteriormente Pesoa presentó “Lunes”, su primer álbum solista, y el grupo Familia Nuclear. Pedroncini integró el grupo Malyevados y su proyecto Bichos Micaela Cabral es baterista en el proyecto de Carolina Donati, entre otros. Gabriel Casal Luján fue integrante de los grupos Matagallo y El hombre que vio a la partera. Ange Potier es dibujante y animador. Entre otros proyectos, es el creador -junto con su hermano Aurélien Potier- del videojuego YURI.

ÁNIMA | PRENSA animaprensamail@gmail.com Viento En silencio - El Viento

Cartelera

“El filo de las cosas”

El 1° de octubre estrena “El filo de las cosas”, en el marco del ciclo CON ALTURA. Un proyecto multidisciplinario de la Cía. Demasiado Gorda, con la dirección

de Paula Palomo y las asistencias en la dirección y dramaturgia de Florencia Montaldo, y en la técnica de Juan Pablo Álamo. Enmarcado dentro del circo con-

temporáneo, se compone de diferentes técnicas tales como la acrobacia, la danza, teatro, oratoria, canto, artes visuales y música.

Compañía Demasiado Gorda Dirección, Dramaturgia, Intérprete: Paula Palomo

El personaje autobiográfico está abordado desde la ficción y la fantasía. La mujer oso aparecerá a lo largo de la obra mostrando sus diferentes formas, transformándose continuamente, mientras nos relata su historia y su despertar en este cuerpo al límite de lo humano y lo animal. Se presentará todos los sábados de octubre a las 20:30 hs. en el Club de Trapecistas Estrella del Centenario (Ferrari 252, Parque Centenario, CABA).

SINOPSIS

Me despierto con el cuerpo empañado de sudor e intento recordar, ¿cómo eran los pasos que me llevaban?, ¿cómo era esquivar el filo de las cosas? Afirmo los pies desnudos en el piso frío, siento el ritmo de la sangre, los ojos ya más lúcidos, y la astilla que entraba en el pie… y el dolor que aseguraba recuperar la razón. Una astilla: algo mínimo que se desprende de un mundo que inspira confianza. Detenida en la obscuridad, el pie ya no duele. Esta noche, desentendida de todo cuidado, veo destellos insignificantes de lo que alguna vez tuvo un orden de belleza y utilidad. Extractos de poema de Leonor García Hernando (El cansancio de los materiales).

AGENDA Estreno: sábado 1° de octubre, 20:30 hs.

Funciones: sábados de octubre, 20:30 hs.

Lugar: Club de Trapecistas Estrella del Centenario (Ferrari

252, Parque Centenario, CABA).

Entrada general: $1200 por Alternativateatral | PROMO x3 obras: $3000 en boletería Duración: 40 min.

Apta mayores de 16 años

FICHA TÉCNICA

Protagonista: Paula Palomo

Asistencia técnica: Juan Pablo Álamo

Asistencia escénica: Iván Carmona

Asistencia coreográfica: Emanuel Ludueña Diseño y puesta de luces: Laura Saban Escenografía y vestuario: Cía. Demasiado Gorda Diseño y realización de sonido: Lucas Trosman Fotografía: Hernán Paulos Diseño Gráfico: RAMPA Estudio Audiovisuales: Javier Marra Colaboraciones: La Central, Florencia Milani Prensa: OCTAVIA Comunicación Co Producción: Club de Trapecistas Producción: Cía. Demasiado

Gorda

Asistencia en dirección y dramaturgia: Florencia Montaldo Dirección y dramaturgia: Paula Palomo

DESARROLLO DRAMATÚRGICO

Síntesis del proyecto: El filo de las cosas es un proyecto multidisciplinario. Enmarcado dentro del Circo contemporáneo, se compone de diferentes técnicas tales como la acrobacia, la danza, teatro, ora-

C.A.B.A.

toria, canto, artes visuales, música. Con una clara intención de reinventar los elementos tradicionales de la acrobacia aérea, desde el comienzo del trabajo se percibe la investigación en torno al uso de los objetos que le sirven de soporte técnico acrobático a la interprete.

La temática gira en torno a una autobiografía si se quiere, aunque el personaje esta abordado desde la ficción y la fantasía. La mujer oso aparecerá a lo largo de la obra mostrando sus diferentes formas, transformándose continuamente, mientras nos relata su historia y su despertar en este cuerpo al límite de lo humano y lo animal.

Objeto del proyecto Desde un inicio quise poder narrar una historia, mi historia, pero desde un lugar que se corriera de lo terrenal y palpable. Ya hace años que vengo trabajando con la idea de un personaje entre humana y animal. Zoomorfa. Antropomorfa.

Como objeto fundamental me surgió la necesidad de conglomerar en un solo trabajo, muchas imágenes, textos, sonidos, sensaciones que venían girando en mi imaginario acerca de mi historia. A cerca de como llegue a esto que soy hoy.

LAPLATA Otros de los objetos fundamentales, es y será deconstruir la técnica y les elementos utilizados como soportes acrobáticos aéreos. Poder transformarlos en espacios habitables, en objetos dispuestos a contar sobre un lugar o un espacio determinado. Una larga lista se hizo presente a la hora de iniciar este proyecto:

-El libro “El cansancio de los materiales” De Leonor García Hernando (mi tía), como guía en varias de las imágenes que luego fueron parte.

Los seres antropomorfos y zoomorfos: Desde la adolescencia, más precisamente en mis comienzos en la carrera en el IUNA, me enamore de la materia Historia de las Artes Visuales, particularmente de todo lo relacionado a culturas precolombinas americanas. Estos personajes, ídolos, dioses, millones de veces representados llamaron mi atención. Hasta el día de hoy siguen fascinándome.

La autopercepción:

siado agresiva, demasiado ruidosa, demasiado gorda, demasiado brutal, demasiado hirsuta, demasiado viril, me dicen. Son sin embargo mis cualidades viriles la que hacen de mi algo distinto de un caso social entre otros. Todo lo que me gusta de mi vida, lo que me ha salvado, lo debo a mi virilidad. Así que escribo aquí como mujer incapaz de llamar la atención masculina, de satisfacer el deseo masculino, y de contentarme con un lugar en la sombra. Escribo desde aquí como mujer poco seductora pero ambiciosa” Teoría King Kong, Virginie Despentes

No solo en relación a como me veo sino también a como supongo que me ven los demás. Como percibe el ojo humane lo femenino y lo masculino, cuáles son los límites de una mirada heteronormativa. Como se puede romper o mejor aún, difumar ese límite. Hoy pienso que, de haber nacido en la contemporaneidad, habría tenido otras herramientas, respuestas y posibilidades a mi sentir, durante la niñez y la adolescencia, y por qué no en gran parte de mi adultez.

“Yo como chica soy más King Kong que Kate Moss. Yo soy ese tipo de mujer con la que no se casan, con la que no tienen hijos, hablo de mi lugar como mujer siempre excesiva, dema-

SE ESTRENÓ

Dramaturgia y dirección: Mónica Maffía Domingos 19:30 hs. Teatro Azul

Ahora en Buenos Aires, “La Anémona y el Jabalí”, con libro y dirección de Mónica Maffía. Protagonizada por Patricia Becker, María Mercedes Olivera y Rocío De León. Diseño de caracterización: Elisa D'Agustini Asistencia de dirección: Violeta Campos. Diseño y realización de utilería: Mariela Guillén Banda de sonido: Nicolás McCormick. Producción: Estudio de Artes Performativas. Fotos Teatro Solís Montevideo: Santiago Bouzas. Prensa: Alfredo Monserrat.

Las funciones se realizan todos los domingos a las 19:30 hs. en Teatro Azul. Corrientes 5965. CABA. Tel: 11-5005-6054. Entradas en venta: alternativateatral.com

Duración de la obra: 80 minutos. Entradas: $1100.Esta obra se estrenó en el Teatro Solís de Montevideo (Uruguay) con el mismo elenco de Buenos Aires en junio 2022.

Sinópsis: Madrid, 1936. Dos locutoras de ideologías opuestas se miden y rivalizan en un programa de radio en tiempos de censura y agitación política y social. La incorporación de una misteriosa sonidista, tensa aún más la situación, pero la música, la poesía y el radioteatro abrirán

caminos de sororidad y tejerán alianzas en momentos de peligro para la República Española.

“La Anémona y el Jabalí” recibió aval institucional del Centro Cultural de España en Buenos Aires, por ser considerada interés cultural por su mirada sobre los lazos culturales que unen a España y la República Argentina.

Prensa Alfredo Monserrat alfredomonserrat@gmail.com

ESTRENÓ EN EL TEATRO MULTIESCENA CPM

Dramaturgia y dirección Rubén Mosquera

MiráBA 142

LAPLATA C.A.B.A.

En una comunidad que no puede ser ubicada ni geográfica ni temporalmente, los pobladores se ven sometidos a diferentes desastres, lluvias torrenciales e inundaciones, epidemias, guerras y modificaciones en el medio ambiente que tornan inviable cualquier forma de vida. Todo remite al Apocalipsis anunciado desde tiempos remotos. Los hombres y mujeres toman caminos diferentes para defender la vida, exponiendo que rol ocupa cada uno y sus visiones del mundo. Todo se pone en debate en la comunidad que decide luchar y debe librar cuatro batallas frente a cada uno de los males finales que los aquejan. ¿Habrá lugar para una salida?

Funciones:

Viernes 20 hs. (hasta el 28 de Octubre)

Teatro Multiescena CPM

Av. Corrientes 1764

Entradas por Plateanet: Desde $2.200

Descuentos: 2x1 Club La Nación y Clarín 365, 25% off en Atrápalo y promociones en Ticket Bs As

Acerca de la obra:

Después de casi 7 meses de preproducción, comenzando con un extenso casting con los requisitos de cantar, bailar y actuar, sin ser un musical, llegamos a un elenco conformado por 27 personas manteniendo el formato cooperativa independiente.

Con 7 bailarinas, 2 músicos en vivo y 10 actores en escena. Una obra que propone un mundo surrealista y de mucha cotidianidad al mismo tiempo.

Ficha técnico/ artística: Actores/Actrices: Amanda Bon (Sara), Ayelén Lopez Piraino (Esther), Camila Torres (Olga), Paloma Cacciavillani (Elena), Malena Bruzzo (Dora), Sol Premat (Luisa), Mariana Moschetto (Nélida), Gabriela Salgado (Elsa), Laura Moreira (Reltora), Giancarlos Santos (Luciano), Mario de Luca (Facundo)

Bailarinas: Malena Delfino (Pájaro de mal agüero), Isabella Morand (Pájaro de mal agüero), Katherine Garcia (Pájaro de mal agüero), Maira Monteagudo (Pájaro de mal agüero), Tamara Borgna (Pájaro de mal agüero), Fiorela Pollio (Pájaro de mal agüero), Ángeles Jimena Moar (Pájaro de mal agüero), Mónica Soruco (La Muerte)

Músicos: Pablo Amaral (Guita-

rrista), Violeta Wizsniewer (Violinista)

Vestuario: Sandy Brandauer Escenografía y utilería: Ricardo Roldán Iluminación: Rubén Mosquera Maquillaje: Analía Arcas

Sonido: Ricardo Roldán Fotografía: Camila García, Gigi Kiferling, Ricardo Roldán

Diseño gráfico: Camila García, Gigi Kiferling, Ricardo Roldán

Prensa: Valeria Franchi

Asistencia de dirección: Sol Leone Martens, Solange Vázquez

Producción ejecutiva: Antonella Agüero

Coreografía: Sandy Brandauer Dramaturgia y Dirección: Rubén Mosquera

Rubén Mosquera (Dramaturgo y Director):

Director y autor de más de 20 obras estrenadas en distintos teatros del circuito independiente, oficial y empresarial. Una de sus obras más prestigiosas, “Las

Putas de San Julián”, fue declarada de interés cultural por la Secretaría de Cultura de la Nación. Durante la temporada 2014 realizó funciones en el Teatro Nacional Cervantes, en gira por el conurbano y en diferentes provincias, recibiendo múltiples declaraciones de interés universitario, provincial, municipal, cultural, educativo. Y en el año 2021 realizó una gira por el sur del país.

En el año 2021 la obra “La Bella en su Jaula” (historia de la trágica vida de Felicitas Guerrero) fue declarada de interés cultural por la Secretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires.

Sandy Brandauer (Coreógrafa): Directora de Danza en LAM, fue bailarina de importantes obras como: Sugar, Cats, Sweet Charity, Caviar Follies, lo que le dejó 4 nominaciones a los Premios ACE y una al Premio Trinidad Guevara.

Amanda Bon (Actriz protagonista):

Prestigiosa actriz de teatro independiente que interpreta a la figura principal que inspira a los demás personajes a dar batalla a los conflictos que se les avecina, contando con un grupo de mujeres que despliegan todos los matices ante los problemas de la vida.

Algunos de sus trabajos fueron “Los días de la Comuna” en el teatro IFT; Yerma en el TNC; La tormenta de Ostrovski. Dir: Daniel Suárez Marzal y Roberto Aguirre, como rol protagónico, en el Centro Cultural de Cooperación. Nominada a los ACE como mejor obra de teatro independiente.

Redes sociales del espectáculo Instagram: @laguerradelascuatrobatallas

Prensa Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com

No me vuelvas a hablar de amor

Dramaturgia y dirección: Juan Washington Felice Astorga

El sábado 3 de Septiembre a las 22:30 hs. se estrenó la obra ”No me vuelvas a hablar de amor” con libro y dirección de: Juan Washington Felice Astorga.

Actúan: Valentina Richi, Gaston Colucci, Franco Mastropietro, Melina Furgiuela y Malena de Arregui. Vestuario: María de Concepción. Escenografía: Guillermo Bechthold, María de Concepción, Juan Washington Felice Astorga. Operación de luces: Pablo Rojas. Fotografía: Santiago Acosta. Diseño Gráfico: Juan Pablo Davin. Asistencia de dirección: Malena de Arregui.

Las funciones se realizarán todos los sábados a las 22:30 hs. en el teatro No avestruz Humboldt 1857. CABA.

Entradas en venta por https://www.alternativateatral.co m/ reservas@noavestruz.com.ar Tel: 4777-6956. Duración de la obra: 80 minutos. Entradas: $1.000.-

SINÓPSIS:

No me vuelvas a hablar de amor se propone indagar el vínculo de una joven pareja en crisis, protagonizada por Alejandro y Carolina. Todo se desmorona la noche en que Alejandro decide no ir a la fiesta que tenían acordada con una pareja amiga y ambos confiesan tener amantes desde hace tiempo.

Frente a la revelación, la pareja elabora un plan que consiste en acordar una cena con los aman-

tes, pero haciéndose pasar por hermanos.

La cita es el contexto idóneo para romper los códigos y producir una noche de grandes confesiones, con un trasfondo de crueldad basado en la fuerza de la fábula y la desesperada búsqueda por encontrar nuevas formas de amar. La obra pretende formular nuevas preguntas sobre la problemática del amor en estos tiempos y en los venideros.

El encuentro deviene en situaciones incomodas, risas, momentos amenos, y fuertes confrontaciones que van a marcar un antes y un después en la vida de los cuatro.

PRENSA Alfredo Monserrat alfredomonserrat@gmail.com

Estrenó NOTHING TO HIDE de Melina Seldes y Bruno Catalano con dirección de Pablo Ariel Bursztyn

Estrenó en PLANTA la segunda temporada de NOTHING TO HIDE

El sábado 17 y 24 a las 21 hs; y el domingo 18, 25 de septiembre, 2 y 9 de octubre a las 20 hs

La obra creada y escrita por Melina Seldes y Bruno Catalano vuelve con la dirección y puesta en escena de Pablo Ariel Bursztyn.

NOTHING TO HIDE está basada en la espectacularización del sufrimiento ajeno y los mecanismos de banalización, que desarrollan los medios de comunicación

como forma de entretenimiento.

NTH haciendo uso y abuso de medios visuales, de streaming en vivo y de una teatralidad en diálogo directo con el espectador deja expuesto y “al desnudo” un espacio escénico que es un lugar, ningún lugar y todos los lugares en un, como su título indica, “Nada que ocultar” que todo lo expone y que quizá, como su protagonista, todo lo oculta.

Nuevas 6 funciones

Octubre: domingo 2 y domingo 9 Sábados a las 21 hs y domingos a las 20 hs.

ENTRADAS https://plantainclan.com/nothingto-hide/

Esta obra es ganadora del Premio CTBA + Banco Ciudad 2021

SINOPSIS

"Las noticias se han convertido en entretenimiento (...) el sufrimiento tiene audiencia, y somos consumidores de violencia en forma de espectáculo“. Del ensayo de Susan Sontag “Contemplar el sufrimiento de los demás”

En NOTHING TO HIDE, impactantes, inverosímiles y sorprendentes noticias se convierten en elementos de un extraño y mediático paisaje. El público será partícipe de un espectáculo inspirado en la forma en la que los medios negocian y representan la realidad.

RECORRIDO

NOTHING TO HIDE, es fruto de una investigación artística realizada en la ciudad de Zurich, por Melina Seldes y Bruno Catalano junto a la compañía suiza Piccoli Production en el año 2013 a partir de la afirmación de Susan Sontag "Las noticias se han convertido en entretenimiento. (...) el sufrimiento tiene audiencia, y somos consumidores de violencia en forma de espectáculo“.

Zurich también ha sido, y es, el lugar en el mundo de Pablo Ariel Bursztyn. A lo largo de los últimos 20 años donde junto a la Kodachrome Theater ha investigado y desarrollado obras teatrales tomando como puntos de particular interés, las narrativas teatrales contemporáneas, temáticas sociales y el uso de las nuevas tecnologías como instrumento sumatorio al hecho teatral.

Estos recorridos artísticos se entrecruzan hoy en Buenos Aires a casi 10 años de esa primera experiencia de “Nothing To Hide” donde

sus creadores invitan a Bursztyn a encarar una nueva dirección en la que se proponen ir más allá de la exposición de los mecanismos de la maquinaria mediática.

En 2020 Seldes se propone la producción de NOTHING TO HIDE en Argentina, logrando una coproducción Argentina-Suiza-HolandesaItaliana. En 2021 gana el premio a la creación Banco Ciudad CTBA. En mayo 2022 estrenan junto con una serie de cápsulas audiovisuales.

En septiembre 2022 NTH vuelve a la escena Argentina y en esta ocasión el público será espectador y partícipe necesario de la experiencia.

EQUIPO Sobre Melina Seldes (Arg, 1981) creadora escénica y docente. Su recorrido comprende más de 30 países, teatros e instituciones tales como: Teatro Nacional de Escocia, Gessneralle Zurich, Duncan Centre Atenas, Tanzhaus Berlin, Impulstanz Viena, Dartington College of Art, Çatı Dans Stüdyosu-Istambul, Artus Theatre Budapest, Museo de Bellas Artes Salta, Teatro del Bicentenario San Juan, IUPA, UNA, Taller de danzas TGSM, Kampnagel K3, entre tantos otros. Creadora del programa internacional EL INTERPRETE_THE PERFORMER. Graduada de ArtEZ (NL 2005) y la Univ. de Londres (2007). En 2023 publicará su primer libro “Nadie es profeta en su cuerpo”.

Sobre Pablo Ariel Bursztyn (Arg, 1966) actor de teatro y cine, 147 MiráBA

director y dramaturgo de recorrido internacional. Reside en Europa desde 1984 (Suecia, UK, Italia). Ha colaborado con renombradas compañías tales como Jordcirkus de Estocolmo, el Kronobergs Theatern, y la Cia. Teatro Dimitri de Suiza. Desde 2001 vive en Suiza donde funda la Cia. Kodachrome Theater de Zurich para quien ha escrito, dirigido e interpretado obras que han obtenido un gran reconocimiento de critica y público. Bursztyn es apoyado por el ministerio de cultura Suizo y distintas fundaciones. Formado en la Ecole Philippe Gaulier de Londres, entre otras. Trabaja y enseña artes escénicas en Gran Bretaña, Alemania, Suecia, Cuba, Italia, Austria, Israel, Canadá y Argentina. En 2020, funda en Buenos Aires Fibra Nr5, centro de creación e intercambio Suizo/argentino.

Catalano /Piccoliproduction y Seldes han co-creado más de 10 producciones en Holanda, Italia, Argentina y principalmente en Suiza. Sus colaboraciones han sido coproducidas entre otros por Theaterhaus Gessnerallee Fabriktheater-Rote Fabrik, Tanzhaus Zürich, Galería Helmhaus, Dampfzentrale Bern, Kunstmuseum Luzern, Theater Sévelin Lausanne, Paradiso Amsterdam, Interplay Festival Torino, Exister Festival Milano.

FICHA TÉCNICA Idea original: Bruno Catalano Dramaturgia: Melina Seldes y Bruno Catalano Actúan: Melina Seldes y Ana Echeverría Dirección y puesta en escena:

Pablo Ariel Bursztyn Realización de imágenes: Tom Caracuel Video mapping: Malen Bruna Lewin Realización de set: Carlos Bariggi &Gravitarg Diseño de luces: Adrián E. Ruiz Música original: Simone Giacomini Operación técnica: Adrián E. Ruiz, Malen Bruna Lewin y David Ciriaco Fotos: Florencia Murno Asistencia general: Ana Echeverría Distribución y estrategia de producción: Leila Barenboim Prensa: Antonela Santecchia Producción ejecutiva: Pablo Ariel Bursztyn / FibraNr5

C.A.B.A.

Producción general: Melina Seldes Coproducción: Planta y PiccoliProduction

Con el apoyo de Prodanza, Mecenazgo, Prohelvetia_Sudamerica y Fonds Podiumkunsten Producción ganadora del Premio Banco Ciudad 2021

Agradecimientos: Malala Valentini, Simone Blaser y Ana María Ros.

Producción ganadora del Premio CTBA + Banco Ciudad 2021, en coproducción con Pablo Ariel Bursztyn / el espacio de creación Suizo-Argentino Fibranr5, Bruno Catalano & la compañía Suiza Piccoliproduction y la sala porteña Planta. Con el apoyo de la Fundación Suiza para la Cultura Prohelvetia Sudamerica, Fonds Podiumkunsten (Países Bajos) y Prodanza.

Nota de Pablo Ariel Bursztyn

“Que los medios manipulan la información ya lo sabemos. (…)

NTH interpela al público no solamente en términos voyeurísticos de cómo la información es manipulada y el sufrimiento ajeno es espectacularizado sino que se pone, también, la pregunta sobre cuál es el punto de inflexión donde nosotros aún siendo conscientes de ese mecanismo sucumbimos a ello. Una neurosis mediática. Quizá sea el efecto de la rana en el agua hirviendo donde la rana puede adaptar su temperatura corporal y soportar altas temperaturas del agua hasta que llega un momento donde ya no puede saltar ni escapar.

NTH propone una experiencia en vivo donde la alienación mediática intenta convencernos que la única salida es la individual como forma de impedir una mirada colectiva. El sufrimiento se transforma en espectáculo y nosotros imperceptiblemente dejamos de ser víctimas de ese mecanismo para convertirnos en su propio instrumento.

NTH haciendo uso y abuso de medios visuales, de streaming en vivo y de una teatralidad en diálogo directo con el espectador deja expuesto y “al desnudo” un espacio escénico que es un lugar, ningún lugar y todos los lugares en un, como su título indica, “Nada que ocultar” que todo lo expone y que quizá, como su protagonista, todo lo oculta.” Pablo Ariel Bursztyn

Dijo la prensa en mayo 2022

“Seldes hace un trabajo corporal, un uso del espacio y un despliegue del imaginario tan bien logrado que su presencia sola alcanza para que el espectador se deje llevar por ese viaje.” EL DESTAPE WEB

“NOTHING TO HIDE” nos invita a una experiencia sorprendente. (…) nos abre las puertas a cuestionamientos sobre lo que permitimos consumir y lo que dejamos afuera, sobre lo ensimismados e indiferentes que podemos estar cuando el sufrimiento y el horror tienen rating. Nos obliga a preguntarnos: ¿Acaso no seremos la causa y los autores de esta realidad que nos atosiga constantemente?

LA BUTACA WEB

"Una sala que simula un estudio de televisión nos adentra en lo más profundo de este laboratorio (…) Un excelente espectáculo que hace una autocrítica a los medios de comunicación masivos y revela los más sorprendentes detalles de como autodestruirnos como sociedad." TEATRO EN FOCO

"Valiéndose de ingenio y sin dejar de lado al humor negro, la obra hace un recorrido a través de diversos temas como la guerra, la depresión, la muerte, el fin del mundo, para dar cuenta del relato deshumanizante de los medios y cómo siempre la atención está puesta en vender, no sólo productos sino formas de vivir la vida. Llevando a preguntarse, ¿Por qué consumismos lo que consumimos y qué estamos tratando de evadir?” ESPECTÁCULOS DE ACÁ

"Melina Seldes y una obra frente a la pornoinformación. El bombardeo mediático, los escándalos, las fake, el exhibicionismo, la creación de imaginarios, la asociación de imágenes, y el cuerpo como guía ante las pantallas. NOTHING TO HIDE, lleva a la escena los modos de inducir la realidad, para que el público produzca sus propias informaciones. La desnudez, la participación, y cuán parte somos de aquello que cuestionamos". REVISTA MU

Prensa Antonela Santecchia antonelasantecchia@gmail.com

SUDOR ANIMAL Compañía Desdobladas Autoría, Dirección, Intérpretes: Camila Nieva, Fernanda Podestá y Gisela Lewicki

El 30 de septiembre estrenó “Sudor animal”, en el marco del ciclo CON ALTURA. Una propuesta aérea que nos invita a sumergirnos en diversos planos espaciales, conectada con el mundo de la danza, el teatro físico y las acrobacias mixtas integradas; donde las integrantes de la compañía Desdobladas llevarán a cabo un lenguaje absurdo y perverso, al borde del delirio. Se presenta todos los viernes de octubre a las 22:30 hs. en el Club de Trapecistas Estrella del Centenario (Ferrari 252, Parque Centenario, CABA).

Sinopsis

Tres cuerpos perturbados por sus monstruos internos, se trasladan deambulando en distintas dimensiones.

Seres de un mundo fantástico, brotan aturdiendo la consciencia y desmembrando sus vulnerabilidades.

Fuerzas animales se apoderan del protagonismo escénico en una lucha que trasluce sus secretos más íntimos.

Agenda Estreno: viernes 30 de septiembre, 22:30 hs. Funciones: viernes de octubre, 22:30 hs.

Lugar: Club de Trapecistas Estrella del Centenario (Ferrari 252, Parque Centenario, CABA)

Entrada general: $1200 por Alternativateatral Duración: 60 min. Apta mayores de 13 años

Ficha Técnica

Autoría y Dirección: Camila Nieva, Fernanda Podestá y Gisela Lewicki Producción: Compañía Desdobladas Co-producción: Club de Trapecistas Intérpretes: Fernanda Podestá, Camila Nieva y Gisela Lewicki Selección musical de la obra: Camila Nieva Iluminación: Juan Manuel Di leo Fotografía: Mariana Sánchez Prensa: OCTAVIA Comunicación Film: Hernán Parón y Marcela Rodríguez Vestuario: Candela Tellechea

BIOS ELENCO

Gisela Lewicki Se formó de manera independiente en distintas disciplinas de circo, como acrobacia en telas, aro, cuerda lisa, cintas, parada de manos, trapecio fijo en escuelas de CABA con maestros como: Fernanda Podestá, Antonella Muruaga, Emanuel Molina, Roxana Rodríguez, Federico Alegre, Ale Adamo, Nati Guerrini, entre otros grandes guías. Paralelamente hizo diversas formaciones como Eureka, EME, residencias Café Müller, así como también indagó en otras ramas complementarias a su búsqueda artística como Gaga, Danza butoh, danza

contemporánea, asimétrical motion, flexibilidad, teatro, teatro físico, danza clásica, entre otras. Participó en obras como “SOMA”, dirigida por Antonella Muruaga; “Speculum” y “Un viaje hacia el pasado” como intérprete y autora, y actualmente como autora e intérprete en “SUDOR ANIMAL” de la cía Desdobladas junto a Camila Nieva y Fernanda Podestá. A su vez trabaja en eventos corporativos y es profesora de acrobacia aérea e instructora de flexibilidad en su propio espacio, que logró fundar en plena pandemia, llamado “Efecto Mariposa” en San Antonio de Padua, Zona Oeste.

Fernanda Podestá Es Licenciada en Artes Escénicas, recibida en la Universidad de San Martín. Ex gimnasta del Club Vélez Sarsfield. Realizó diferentes formaciones escénicas, tales como “Eureka” Laboratorio de Circo Contemporáneo, dirigido por Gabriela Parigi, y “Herramientas dramatúrgicas para intérpretes físicos”, con la profesora Florencia Micha. Fue intérprete de los espectáculos "PH", dirigida por Gerardo Hochman; "La Watt", dirigida por Tato Villanueva; “Corteza”, dirigida por Blanca Luz Capella y Rafael Moraes.

Actualmente actúa en el espectáculo "Resonar", dirigido por Mariana Sánchez, de la compañía Circo del Sur; “Ovillo de Luna”, dirigido por Cecilia Goméz, de la compañía Amor Eterno; y en el espectáculo "Sudor Animal", como intérprete

151 MiráBA

y autora, con la dirección de las intérpretes,Gisela Lewiki y Camila Nieva. Es miembro activa de la Cooperativa Cultural “Encuentro Internacional de Cuerda Lisa Bs As”, que impulsa los encuentros

anuales con les cuerdistas de toda latinoamérica, con el fin de seguir formando, compartiendo y desarrollando nuestra técnica en el elemento.

Es docente en el Club de

Trapecistas, dictando clases de Entrenamiento Físico y acrobacia en Cuerda Lisa en Buenos Aires. También da seminarios activamente en Uruguay, Argentina (Bs. As., Córdoba, Mendoza, Rosario).

LAPLATA C.A.B.A.

Camila Nieva Tiene 24 años y es artista de circo independiente, especializada en aro aéreo. Actualmente se forma entrenando improvisación y composición en danza

contemporánea con herramientas acrobáticas.

Es parte de la Cía. Desdobladas, donde escribe y dirige “SUDOR ANIMAL” junto a Fernanda Podestá y Gisela Lewicki como co-autoras y compañeras escénicas. Se presenta de forma activa actuando en distintas Varieté de Circo por Bs. As.

En el 2021 es seleccionada para participar del Laboratorio escénico de Circo en Bs. As. dictado por los directores Marie Celine y Nicanor Delia, junto a Gabriela Parigi y Tomi Soko, en el marco del FICI.

En el 2019 produce “FUEGA” como autora y directora. En el 2015 actúa como intérprete en la Folie (Cía. Demoños todos) Imparte seminarios intensivos de “Técnica y Creación” en Bs. As. y el interior de Argentina (Bariloche, El Bolsón, Lago Puelo, Córdoba) y programas de clases anuales en diversos espacios culturales de CABA y provincia, dictando acrobacia aérea integral para todas las edades y niveles (Aro, Trapecio fijo, Tela, Flexibilidad).

Inicia su formación en danzas a los 4 años de edad, tomando

clases de manera constante hasta su adolescencia (clásico, jazz, tango, folklore, hip hop, árabe, entre otros). Continúa indagando en el mundo del canto y el teatro, paralelamente experimentando una vida deportiva en competencias y exámenes del circuito nacional ITF (Artes marcialesTaekwondo).

A los 14 años de edad comienza con su aprendizaje circense tomando diversas clases, seminarios y formaciones intensivas hasta el día de la fecha en disciplinas como aro, trapecio fijo, trapecio vuelo, flexibilidad y contorsión, telas, acrobacias de piso mixtas, parada de manos, cuerda, cuerda indiana, cadenas aéreas, palo chino, cintas, cuerda fija, hula, entre otros. Estudia escritura y dramaturgia, anatomía para el movimiento, yoga integral, yoga método ashtanga, pedagogía, y técnicas en seguridad aérea.

Prensa: OCTAVIA Comunicación

Video / Trailer SUDOR ANIMAL

ESTRENO Yo soy DON QUIJOTE de La Mancha De José Ramón Fernández Adaptación Jorge Eines y Claudio Garófalo

De Cervantes a Piazzolla. Del Quijote al loco de la balada, dos actores cabalgando a la aventura.

Desde el viernes 23 de septiembre se presenta "Yo soy Don Quijote de La Mancha" con dirección de Jorge Eines, dramaturgia de José Ramón Fernández y las actuaciones de Claudio Garófalo y Florencia Lorenzo.

Una versión del clásico Quijote de Cervantes en la cual la "Balada para un loco" de Piazzolla aparece como una fusión singular, una llamada a un Quijote de Buenos Aires.

Todos los viernes a las 20 hs. en la Sala Inda Ledesma del Espacio Experimental Leónidas Barletta del Centro Cultural de la Cooperación Floreal Gorini (Diagonal Norte 943, CABA).

SINOPSIS:

Un Quijote de cuerpo porteño que es capaz de utilizar la “Balada para un loco” para llamar desde el Obelisco a un lugar de La Mancha.

Un hombre con unas mejillas hundidas, sin muelas, una cara tan flaca que esas mejillas parece que se están besando por dentro de la boca. Un individuo cansado, con montones de parches para poder seguir adelante, auxiliado por un escudero que le da fuerza.

Porque Sancho Panza tiene una fuerza que Quijote no tiene, entonces entre los dos arman una obra.

Ahora, ese hombre, ¿cómo se articula con nuestra “Balada para un loco”? Por algo de la realidad y la ilusión entretejidas, que nos convoca y que sabemos mirar a través del placer del asombro.

AGENDA: Funciones: viernes 20 hs.

Lugar: Sala Inda Ledesma del Espacio Experimental Leónidas Barletta del CCC (Diagonal Norte 943, CABA). Entradas: $1200 Alternativateatral 2x1 Club La Nación Duración: 80 min.

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA:

Elenco: Claudio Garófalo, Florencia Lorenzo Escenografía y vestuario: Pablo Calmet Iluminación: Pablo Calmet Fotografía: Sara Jurado Prensa: OCTAVIA Comunicación Producción: Pablo Silva Asistencia de producción: Antonella Fagetti, Sebastián Cáneva Producción general: Tejido Abierto Teatro Dramaturgia: José Ramón Fernández Adaptación: Jorge Eines, Claudio Garófalo Asistencia de dirección: Chino Balbuena Dirección: Jorge Eines

Palabras de Tejido Abierto sobre la obra

En 1508 se imprimió la novela de caballería "Amadís de Gaula". Amadís, el mejor caballero, el más honrado. El más valiente. Lucha para conseguir la justicia justa y el amor verdadero. Cervantes inventó un caballero andante, un Quijote, que no ganó batallas, un loco que amaba la libertad para hacer el bien. El loco de la balada siempre me pareció un buscador de lo justo y lo verdadero. La locura de atreverse a decir la verdad. Me pareció factible el desafío. Una trama textual donde los cuerpos se atreven a tejer y construyen relaciones.

El Quijote y Sanchica. Sancho Panza y la Bruja Urganda. La Pastora Marcela y el Rucio. Loca ella y loco yo. Los personajes de la mítica novela de la literatura española necesitaron, para existir en nuestros ensayos de una balada, que descubriera el camino hacia un tejido nuevo. Los actores a veces rompen las reglas del realismo con acciones sorprendentes. A esos actores la técnica para interpretar los protege. En este caso ha sido así. Con Piazzola inspirando y Foucault ayudándonos a cabalgar entre las palabras y las acciones, fue posible creer en Cervantes cuando José Ramón Fernández nos mostró el camino.

La metafísica del Teatro no es más que lo ético y lo técnico otorgándole en cada ensayo y en cada representación, un nuevo valor al silencio. Para eso estamos.

SOBRE EL DIRECTOR Jorge Eines nació Buenos Aires en 1949. Es Catedrático en Inter

155 MiráBA

pretación y Teórico de la Técnica Interpretativa de su Escuela de Interpretación. Emigró a España en 1976, instalándose en Madrid, donde obtuvo la Cátedra de Interpretación de la Real Escuela Superior de Arte Dramático y Danza (RESAD) hasta que fundó su "Escuela de Interpretación Jorge Eines".

En los últimos años dictó los 3 Binomios (para Actores y Docentes de Teatro) en España, Chile, Colombia, Perú, México, Argentina. Ha dirigido numerosos espectáculos: "Ivànov", "La Gaviota" y "Tío Vania" de Chejov, "Fuenteovejuna" de Lope de Vega, "La Señorita Julia" de Strindberg, "Los Paraísos perdidos" y "Alrededor de Borges", sobre textos de Borges, "La música" de Marguerite Duras, "Estación Tango" con música de Piazzolla, y "El Precio" de A. Miller (Cuatro nominaciones a los Premios Max) entre otros. Ha dirigido espectáculos en Argentina, España, Colombia, Estados Unidos e Israel. Últimos trabajos dirigidos: “RIII”

sobre textos de “La tragedia de Ricardo III” de W. Shakespeare, "Camino del Cielo" de Juan Mayorga (ocho Nominaciones a los Premios AC funciones), "Bodas de sangre" de F. G Lorca, "Peer gynt" de Ibsen y "Macbeth, yo no me voy a morir", estrenada en Buenos Aires y en Madrid en dos versiones completamente distintas, “Dile a la Luna que venga”, inspirada en García Lorca, y “El Trinche, el mejor futbolista del mundo”, de José Ramón Fernández. También es autor de teoría teatral, en libros como: Hacer Actuar, Repetir para no Repetir, Las 25 Ventanas, entre otros. En 2022 se publicó “Jorge Eines, Una selva de palabras”, su biografía escrita por Emeterio Diez Puerta.

Jorge Eines es argentino- español y se encuentra actualmente en Buenos Aires para estrenar la “Yo soy Don Quijote de La Mancha” y presentar su biografía “Jorge Eines, una selva de palabras” publicada por Emeterio Diez

Puerta. Jorge hará presentaciones del libro en Buenos Aires, en SAGAI (donde también está dictando un seminario de interpretación), en la UNA Escuela de Arte Dramático, en Otro Mundo (by Cris Morena, donde Claudio Garófalo es titular de Interpretación).

También en Buenos Aires, para de la 3er y 4ta función de “Yo soy Don Quijote de La Mancha”, recibirá a la escuela de espectadores de Jorge Dubatti y realizará un debate posterior. Asimismo en Santa Fe y Rosario, donde además presentará la obra y hará un debate posterior, el 1° de octubre, en el Teatro La Comedia.

RRSS: Web: Yo soy Don Quijote de La Mancha IG @yosoydonquijote.obra

OCTAVIA Comunicación y Gestión Cultural María Eugenia Souto eugenia@octaviacultura.com.ar

ESTRENO 2022

"Yo me quería morir antes que vos" de

Magalí Melia

Actúan: Magali Melia, Debora Longobardi y Sebastian Blanco Leis Musica en escena: Pina Gonzalez

Dirección: Lorena Romanin

Teatro del Pueblo Lavalle 3636 - Caba Jueves 20hs Entradas por Alternativa Teatral

Tras el femicidio de Leia a manos de su marido, su her-

mana Irina intenta reconstruir lo vivido ese día a partir del momento en el que recibe la noticia, mientras la invaden recuerdos de la infancia, de la adolescencia y de la relación de pareja entre Leia, la víctima, y Javier, el femicida.

La acción dramática, relatada con una estética de teatro documental, avanza en diferentes planos que se entrecruzan, intercalando monólogos a público en el presente con escenas que

muestran la intimidad de la pareja en el pasado y el in crescendo de la violencia que conduce irreversiblemente a la tragedia.

FICHA TÉCNICO

Dramaturgia: Magalí Meliá

Sebastián Blanco Leis, Pina González, Debora Longobardi, Magalí Meliá.

de vestuario:

de escenografía:

De Iluminación:

Gorrini

gráfico:

Forni

Asistencia de dirección:

Yasky

Giacani-lauro Comunicación

ejecutiva: Adriana Yasky

general: Magalí Meliá

Dirección: Lorena Romanín Duración: 60 minutos

Adriana Yasky

Palabras del director y dramaturgo acerca de la obra:

“La obra y su proceso de creación se empezó a generar en un viaje a París, el encuentro con ella (con lo que hoy es Vincent en Libertad) no fue buscado, arribó de forma inesperada y natural. Al sentir esta posibilidad, al inicio en la dramaturgia se custodió con énfasis la no intromisión del ego dramaturgo, para que lo que deban decir los personajes lo cuenten de la manera más nítida posible. La creación siempre continúa dándole seguimiento a la sinergia de lo impermanente. Hoy y siempre, dramaturgo, director, elenco y equipo técnico; nos hacemos eco de ese ejercicio de entrega constante.”

Sebastián Olano

Mi interés por el arte nace cuando mi padre me tuvo en brazos y musicalizó mi vida con ópera y música clásica instrumental mayormente. En el seno de mi familia, mi madre, además de darme la vida, es soprano y me ha marcado artísticamente como referencia cuando la he escuchado en iglesias cantar el Ave María a capella. Mi hermana, también soprano, ha sido integrante del coro Kennedy y me acompaña en este viaje de arte. Mi padrino Oscar Alem (músico compositor que estuvo diez años junto a Mercedes Sosa) me dio empujones para saltar al vacío.

Luego, ya de joven adulto y en Buenos Aires, en el año 2011 incursioné en mi primer experiencia

artística en el Impa (fabrica recuperada transformada en espacio de arte) realizando taller de Clown con el Maestro Exequiel Veroi.

Talleres teatrales mediante, en el año 2015 Fiorella Camji me presenta a Juan Carlos Malpeli, quien me abre el portón al mundo teatral. Junto a él estuve en “Toska” (2015 y 2018), y en “Carmen, la Única” (2017). Malpeli tiene una extensa trayectoria y talento infinito, y ha dirigido durante 9 años el Estudio de Lee Strasberg en Los Ángeles, entre tantas innumerables experiencias de igual tenor. Juan Carlos tiene una influencia muy importante en mi formación artística como actor, director, y dramaturgo.

En intervalos he estado formando parte de talleres teatrales creados por Mariano Tenconi Blanco, a quien también respeto y admiro mucho. He tenido la suerte de participar en un taller de dramaturgia (2017) con Eva Halac, increíble maestra dramaturga y artista.

Actualmente me encuentro vivenciado “Vincent en Libertad” como Dramaturgo, Director y Actor junto a mis compañeros de elenco, técnicos, el espacio teatral y el gran público.

LA PRENSA Y LA OBRA

Arte Críticas

“Vincent en libertad disloca las narraciones canónicas acerca de temporalidades, se ubica en las antípodas de la clásica biografía de pintor famoso. Lejos de contar-

nos la vida conocida de Vincent van Gogh, el texto dramático de Sebastián Olano trabaja las obsesiones de un genio, las funde con las perspectivas de otros grandes artistas…” Juan Pablo Puentes

Pensador Teatral “… es una propuesta original, un texto que toma riesgos, saliendo de lo convencional, navegando con pericia entre lo real y lo onírico, dejando mucho espacio libre para que el espectador busque su propia interpretación (…) un texto pleno de poesía y bellos momentos musicales.” Javier Rosso

Cultura del Ser “…Sebastián Olano, quien realiza una actuación excelente personificando a Vicent. Se puede ver su calidad interpretativa, su compromiso continuo y su pasión por lo que hace. Impecable.” Estela Gómez

Espectáculos de Acá

“Al finalizar la función invade una sensación de libertad para Vincent y para el público, como si sonara El dúo de las flores de la opera Lakmé de Delibes, y debe ser porque así como los científicos explican el mundo también lo hacen los artistas.” Johanna Fernandez

Adriana Francia

“Busca la reflexión desde lo más profundo del ser. Se destaca la actuación de Sebastián Olano como Vincent bien secundado por el resto del elenco.”

LAPLATA C.A.B.A. Prensa Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com

ESTRENO

Palíndromo

Estreno: 1 de octubre, 21:00, Teatro de la Fábula

Un palíndromo es una expresión que se lee igual en un sentido que en otro. Así funciona esta obra que plantea un vaivén entre el antes y el después en la vida de dos excompañeros de celda que conectan, como por un tubo, el afuera con el adentro.

“Eran amigos del que estaba acá antes, no del que volvió. Este tiene mucho olor a tierra". El texto, escrito por Federico

Viescas, obtuvo una mención especial en el Concurso Nuestro Teatro 2020, organizado por el Teatro Nacional Cervantes. Su directora, Florencia Cosentino, lleva a escena con gran sensibilidad esta historia, que se funde entre la comedia y el drama, para tratar una temática compleja: el estigma de quienes estuvieron presos y sus dificultades para reinsertarse en la sociedad.

Sinopsis

A pocos días de recuperar su libertad, aún fascinado por las

bondades del afuera, Martín visita a Garrocha, su excompañero de celda, que dejó la cárcel un año antes. La algarabía del reencuentro, reflejada en las ganas que Martín tiene de volar con floripondio, se esfuma drásticamente cuando Garrocha revela, detrás de un cortinado, el boquete en el que lleva meses trabajando. Es que está a punto de reventar una bóveda y pretende que su amigo se meta junto a él por el agujero. Pero Martín se niega rotundamente: está rehabilitado. Y para hacerlo desistir del plan, recuerda los proyectos de reinserción que, estando encerrados, elaboraron

C.A.B.A.

juntos para el afuera.

Así, se desata la puja entre la idea de libertad y la reincidencia, una batalla en la que ninguno quiere ceder, aunque la realidad, perfumada de estigma, termina inclinando la balanza.

“Sin una gota de luz es difícil vivir… Los sentidos se fuerzan mal por cubrir lo que la vista no aporta. Cualquier sonido es una alarma, el perfume es humo de basural, la miel tiene gusto a sangre y el algodón te pincha los dedos. Pero esa es la única forma de hacerla desaparecer, de olvidar que existe, de impedir que me miren mal por la marca que llevo. Ella y yo solo podemos vivir a oscuras”.

“Yo estaba mal loco, ciego, pero ciego como un ciego con conjun-

tivitis. Me dabas un fierro con un poco de coraje en tetrabrik y te salía a ganar en cualquier lado. (...) Pero todo cambió ese día que te metiste delante de los violines y pusiste el pecho sin conocerme (…). No te exagero, loco, pero esto que soy ahora te lo debo a vos”.

Ficha técnica

Dirección: Florencia Cosentino. Dramaturgia: Federico Viescas. Asistente de dirección: Camila Alonso. Reparto: Agustín Zorrilla. Charley Rappaport. Música original: Luciano Fusco. Escenografía: Grupo Pulpa. Fotografía: Martín Dichiera. Diseño Gráfico: Facundo Furque

La obra teatral Palíndromo se

presentará todos los sábados de octubre y noviembre, a las 21:00, en el Teatro de la Fábula (Agüero 444, CABA, a metros del Shopping Abasto).

Palabras del autor: El tiempo compartido con un amigo y otros presos en el penal de Magdalena tiene mucho que ver con Palíndromo. Esa experiencia me ayudó a animarme a pensar sobre el tema, aunque no lo habite, aceptando todos mis prejuicios. La cárcel trasciende las rejas y al menos, como sugiere la obra, podemos preguntarnos por qué la solución termina siendo una de las principales causas del problema.

Palíndromo Obra palindromoteatro@gmail.com

OVILLO DE LUNA Dramaturgia y Dirección de Cecilia Gómez

Ganadora del Premio CTBA a la creación y producción de artes escénicas en salas del circuito independiente 2021

Co-producción Amor Eterno, Club de Trapecistas y Premio del Complejo Teatral de Buenos Aires

Desde el 17 de septiembre se presenta nuevamente "Ovillo de luna", y es una de las obras integrantes del ciclo CON ALTURA. Producida por la Cía. Amor Eterno, escrita y dirigida por Cecilia Gómez. Una obra que combina diferentes lenguajes como la danza, la performance y el movimiento aéreo del circo escénico actual.

"Ovillo de luna" ganó el premio CTBA a la creación y producción de artes escénicas en salas del circuito independiente 2021. Se trata de una co-producción de la compañía independiente Amor Eterno, el Club de Trapecistas y el Premio del Complejo Teatral de Buenos Aires.

Se presenta todos los sábados a las 22:30 hs. en el Club de Trapecistas Estrella del Centenario (Ferrari 252, Parque Centenario,

CABA).

Hasta el 22 de octubre.

Sinopsis

Hubo un mundo mítico donde los humanos estaban en comunión con la naturaleza.

La obra “Ovillo de luna” nos propone imaginar ese orden perdido, mediante una propuesta kinética, visual y sonora que compone una trama en la que los participantes desarrollan una sensibilidad grupal y un profundo sentido de pertenencia. Cada escena construye un sistema aéreo de vinculación donde un movimiento genera una respuesta en cadena, que nos deja observar cómo los cuerpos se relacionan entre sí para inventar otras formas de conexión, creando un mecanismo inteligente en el que se tensionan la vulnerabilidad y la fuerza.

Agenda Funciones: sábados, 22:30 hs. (hasta el 22/10)

Lugar: Club de Trapecistas Estrella del Centenario (Ferrari 252, Parque Centenario, CABA) Entrada general: $1200 por Alternativateatral PROMO x3 obras: $3000 en boletería Duración: 50 min.

ATP

Ficha técnico-artística

Elenco: Chiara Zarfati, Eva Di Leo, Fernanda Podestá, Marina Ferrer

Diseño de luces: Raúl Antonio Fernández Diseño del espacio escénico: Riggingmind, Rodolfo Aguirre, Lucas Podestá, Aníbal Risso Fotografía: Rita Zarfati Redes, Piezas gráficas y Video: Pablo Goldberg y Karen Husby Música: Luciano Campodónico Prensa: OCTAVIA Comunicación Producción: Amor Eterno Asistente de dirección: Alejandra Sanmartín Autora y Dirección General: Cecilia Gómez

Sobre la Dramaturga y Directora:

Cecilia Gómez es Licenciada en composición Coreográfica de la U.N.A., egresada como Intérprete Nacional de Danza Clásica en la Escuela Nacional de Danzas María Ruanova. Su producción artística investiga sobre la danza contemporánea y su relación con el movimiento aéreo del circo escénico actual. También investiga las posibilidades del movimiento en entornos naturales en relación a la navegación a vela de precisión. Combina la danza, el circo y la naturaleza. Dirige el grupo

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Amor Eterno desde 2011; sus producciones son "Proyecto Amor Eterno", "En Suspenso", "La bruja era muy bonita", "Mujeres Rotas" junto al Colectivo XXY, "Alto Tango", "Ovillo de luna" y "Lago de los Cisnes, App".

Dijo la prensa

Victoria Cestau: “La obra invita a reflexionar acerca de la naturaleza (…) no hace más que demostrarnos que estamos arrasando con los últimos recursos naturales. Ante lo inminente, la artista Cecilia Gómez pone en escena una obra auténtica que nos deja una contradicción, la belleza artística atravesada por la actual crisis climática.”

Jorge Vinokur, director teatral: "Muchas gracias por la invitación! Una de las trapecistas me pareció extraordinaria. Me encantó el Club de Trapecistas, no lo conocía (...)."

María Laura Duarte, Bibliotecas de la Ciudad, MCGCBA: "Hermosa obra. Me encantó!!! Me pareció que logró transmitir dulzura, conciencia sobre la importancia de nuestra conexión y cuidado de la naturaleza. Creo que lograron comunicar de forma muy creativa y dulce la obra y se nota el enorme trabajo!! Admirable!! Gracias por brindarnos hermoso arte con dulzura, amor y conciencia social."

IG @CeciGomezSal @ProyectoAmorEterno http://cecigomezsal.com.ar/ Canal de Youtube: Proyecto Amor Eterno

La muerte de Marguerite Duras

Autor: Eduardo Tato Pavlovsky Actuación y dirección: Leonel Vallejo y Julio O’Byrne

Estreno en el marco de la celebración de los 70 años del Teatro Payró y en el mes del 7° aniversario de la muerte del autor

Un hombre, interpretado en esta puesta por dos actores, presencia la agonía de una mosca a la que decide llamar Marguerite Duras. Esto revive en él (¿en ellos?) momentos de su pasado. Su niñez, sus amores, la relación con sus padres, sus voca-

ciones y aficiones, sus fantasías, en una sucesión de imágenes que van desde lo idílico hasta lo violento. La paralizadora sensación ante el vacío y ante la posibilidad de morir en soledad acecha al protagonista.

Tangible y poético, masculino y femenino, víctima y victimario, boxeador y actor, dos caras de una misma moneda: la vida de un hombre, contada a través de su dualidad y de los destellos de

los personajes que lo marcaron.

La muerte de Marguerite Duras se estrenó en el año 2000 en el teatro Babilonia, interpretada por el mismo Eduardo Pavlovsky y dirigida por Daniel Veronesse. El año pasado (2021) se cumplieron 25 años de la muerte de Marguerite Duras.

Obra ganadora de subsidios INT (Instituto Nacional del Teatro) y CPTI (Consejo Provincial de TeMirá

atro Independiente, Provincia de Buenos Aires).

FICHA TÉCNICA:

Autor: Eduardo Tato Pavlovsky Actuación y dirección: Leonel Vallejo y Julio O’Byrne Música original: Pablo Luna Vestuario y escenografía: Facundo Ariel Veiras Fotografía: Nacho Lunadei Diseño de luces: Miguel Madrid Diseño gráfico: Nahuel Lamoglia Prensa: Andrea Feiguin Community Manager / Redes sociales: Pablo Lancone Asistente en funciones: Santiago Berruti

Voz en off: Laura Olivier Producción general: Leonel Vallejo y Julio O’Byrne Gestión cultural: Tatiana D’Agate

FUNCIONES:

Sábados 21:30hs. Teatro Payró: San Martín 766 – CABA (San Martín entre Avenida Córdoba y Viamonte)

Entrada General: $ 1.400

Entrada Estudiantes y Jubilados: $ 1.100 http://www.alternativateatral.co m Teléfonos: 4312-5922

ACTORES / DIRECTORES:

Julio O’Byrne

Actor egresado de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático del Gobierno de la ciudad de

Buenos Aires (EMAD). Comunicador social y periodista, graduado de la Pontificia Universidad Javeriana, en Bogotá.

Ha escrito para varios medios impresos y virtuales dentro de los que se destaca el diario El Tiempo. Como autor de ficción publicó el relato Blanca Lumínica en la publicación Revista Matera.

En actuación se formó, entre otros docentes, con: Ciro Zorzoli, Diego Velázquez, Paola Barrientos, Antonio Célico, Manuel Longueira, Marcelo Mininno y Enrique Dacal.

Como actor ha participado en diferentes obras de teatro: en Buenos Aires hizo parte de: La fiesta de cumpleaños, de Harold Pinter, dirigida por Marina Kryszuk; La infancia de Clara, de Florencia Aroldi, dirigida por Claudia Vargas, y Marathon, de Ricardo Monti, proyecto de grado de la EMAD en el año 2011, coordinado por Enrique Dacal y Marcelo Mininno. En el año 2013 formó parte del elenco de la obra De intentos y de inventos, un proyecto del Instituto Nacional de la Propiedad Industrial (INPI), cuyas funciones se llevaron a cabo en diferentes instituciones públicas (escuelas y hospitales) de la Ciudad de Buenos Aires y de manera regular en la programación de Tecnópolis. En 2016, actuó y dirigió el monólogo Eloi, basado en los textos del personaje del mismo nombre de la obra Auto da fe, de Tennessee Wililams; hizo funciones en el Microteatro, en Bogotá. En el

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año 2019 fue creador y actor de La caza, obra ganadora de subsidios INT y Proteatro, con temporada en la sala Silencio de negras, en Buenos Aires.

En el año 2021 participó como actor en la ficción intermedial Amazon On Fire, una experiencia con inteligencia artificial para concientizar a los jóvenes del mundo sobre la crisis climática, producida por Talk2U con la colaboración de National Geographic. Y estudió en el Estudio Teatro El Cuervo con Pompeyo Audivert.

Actualmente asiste al curso de danza contemporánea dictado por Laura Chidichimo Rinaldi en el Centro Cultural Rojas y al taller de escritura creativa con Vicente Battista, en Buenos Aires. Leonel Vallejo

LAPLATA Actor egresado de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático del Gobierno de la ciudad de Buenos Aires (EMAD), Escuela Municipal de Teatro Infantil. Dentro de sus estudios se destacan: Taller de Teatro Centro Cultural Sábato (docente Yanina Leandra), Seminario "El cuerpo expresivo del actor" (docente Pompeyo Audivert), Seminario "La improvisación y el texto" (docente Cristina Banegas), Seminario "Acrobacia y violencia en escena" (EMAD).

Entre sus trabajos como actor se destacan: Kermese, con dirección de Ciro Zorzoli (proyecto de egresados EMAD 2010), Romeo en Julieta, dirección de Yanina Leandra, Severino, la otra historia, Si Morir, cuentos Borgeanos, 165 MiráBA

Ángeles del dolor, La Orden, Ya no podes, La Toscano.

Algo sobre Eduardo Tato Pavlovsky:

Buenos Aires, Argentina. 10 de diciembre de 1933 - 4 de octubre de 2015. Actor, dramaturgo, director, psiquiatra, orientado al psicodrama. Dentro de sus obras se destacan: Potestad, La espera trágica, El señor Galíndez, Telarañas y Rojos globos rojos.

El 18 de enero de 1973 estrenó El señor Galíndez, obra escrita para el equipo del Teatro Payró, que dirigía Jaime Kogan. La obra trata de un torturador que realiza su trabajo sin que nadie lo perciba y mantiene una vida normal. Se mantuvo dos años en cartel en Buenos Aires y se presentó también en distintas provincias argentinas. En 1975 participó del X Festival de Teatro de Nancy y, al año siguiente, del Festival de Teatro de Caracas.

Según la historiadora Silvina Jensen:

La continuidad represiva antes y después del golpe militar queda de relieve en la experiencia de Pavlosvky. La primera señal de peligro fue la bomba en el Teatro Payró en noviembre de 1974, donde se representaba El señor

Galíndez. En tanto Pavlovsky no renunció a lo que definía como su “militancia cultural” y estrenó en 1977 Telarañas —alegato contra el fascismo instalado en la familia—, la dictadura procedió primero a prohibir la obra teatral por considerarla un atentado a la moral y luego fueron allanados su casa y consultorio. El dramaturgo eludió a los Grupos de Tareas y huyó por el tejado. Salir del país fue su única opción. En 1978, vía Uruguay y Brasil, se instaló en Madrid.

https://www.instagram.com/lamuertedemargueriteduras/ Facebook: https://www.facebook.com/lamuertedemargueriteduras/ TEHAGOLAPRENSA info@tehagolaprensa.com.ar

En SAMSARA, cinco personas terminan y comienzan relaciones entre todxs ellxs. Se entrecruzan y (des)encuentran en círculo, a través del tiempo, buscando trascender la naturaleza sexual de sus vínculos.

Una obra escrita y dirigida por Francisco Ortiz, protagonizada por Marina Artigas, Leonid Barynin, María Eugenia Rigón, Francisco Ortiz, Juan Santiago.

Desde el 10 de septiembre, funciones los sábados a las 19hs en el Teatro Payró, San Martín 766. Entradas en venta por Alternativa Teatral.

Lo que sucede cuando el camino se vuelve a cruzar con el de esa persona que no ha dejado de significar. Cinco personas terminan y comienzan relaciones entre todos ellos. Se entrecruzan y (des)encuentran en círculo, a

través del tiempo, buscando trascender la naturaleza sexual de sus vínculos. Un ciclo que sólo tiene un fin: Ser una mejor versión, quemar el karma, o volver a aprender de los errores del pasado. Pero, ¿quién puede romper la rueda del Saṃsara?

FUNCIONES

Funciones los sábados a las 19hs Teatro Payró

San Martín 766 Entrada general: $1200 Estudiante y jubilados: $900 En venta por Alternativa Teatral

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA

Libro: Francisco Ortiz Dirección: Francisco Ortiz Asistencia en dirección: Lucio Cerdá Roust Asistente de dirección: Andrés Klemen

Elenco: Marina Artigas, Leonid Barynin, María Eugenia Rigón, Francisco Ortiz, Juan Santiago. Producción general: Atlantes Producción Producción Ejecutiva: Luciana Cuenca Asistente de Producción: Ayelén Ventrice Escenografía e Iluminación: Pablo Calmet Vestuario: Aimé Guzmán Dirección de Arte: Nahuel Lell Música original: Brabante Coreografía: Leandro Nimo, Fernando Kessler, Rocío Sanz Diseño Digital: Gabriel Mainardi Prensa: Mutuverria PR Fotografía: Nahuel Lell, Francisco Ortiz, Rodrigo Elizalde Realización Audiovisual: Atlantes, Barón Barbas

Prensa Mutuverría PR info@mutuverria.com

La Fiesta

¿Alguna vez pasaste de público a performer?

En esta performance en formato fiesta, nos convocamos a una experiencia sensible heterogénea y compartida que nos desmonta de los lugares comunes. Somos quienes queremos ser: quienes fuimos y quienes aún no conocemos, porque es una oportunidad para una desindividuación: soy yo - le otre, soy nosotres. Estamos para desjerarquizar todo; perdemos el límite entre lo interior y lo exterior en un estallido multisensorial. Movemos todo con todo, también los recuerdos, las ideas; y en medio de ese trance de baile y libertad, vamos armando la partitura de la perfo, de la que también sos parte.

Después de 2 años, vuelve LA FIESTA. En esta ocasión en coproducción con Plataforma NAVE.

Este proyecto participó de Residencia Creativa Brote en el año 2017, que tiene lugar en el Centro Cultural Paco Urondo (UBA). Allí desarrollamos y probamos la idea con bailarines de la residencia. En 2019 participó del ciclo Herbario en Galpón FACE y realizó una presentación en Oleiros Artes. En enero de 2020 La Fiesta estuvo en el Club Cultural Matienzo.

Ficha técnica: Performers: Ayelen Peres Ei-

semberg, Camila Rimbaud, Lara Schellemberg, Mauro Podestá

Mother Laurent Tropikália, Orilo Tropikália, Po Tropikália, Princess Vix Tropikália, Rocío García Brangieri, Victoria Keriluk

DJ: Mica Towers

Diseño e ilustración: Jonatan Kluk

Vestuario: Jessica Bellomo y Mariana Rodríguez Alvarez

Registro: Raw Vibes

Idea y dirección: Manuela Fraguas

Asistente de dirección: Luciana Seregni Producción ejecutiva y artística:

Beli Rotela

Esta obra cuenta con el apoyo de Prodanza

Duración de LA FIESTA 2 horas. Se puede consumir en el lugar!

Manuela Fraguas. Lic. en Composición Coreográfica mención Danza Teatro UNA 2015. Diplomada en Promoción y Gestión de Derecho Culturales CCC y FSOC-UBA 2017. Creadora, directora, Intérprete, productora. Se ha formado con docentes nacionales e internacionales en improvisación, composición y técnicas varias. Proyectos como productora: Ciclo Mirá (CC Sabato), Festival Vibra - voz y movimiento (Silencio de Negras), Traza - feria de medios y publicaciones en danza (3 ediciones en CABA y La Plata), Festival Internacional de Danza Emergente (CABA); Encuentro Gestorxs Artistas (virtual); POGO! de Beli Rotela. Como intérprete: Magnética (Valeria Martínez y Natalia Vega); Mantengalascosasunidas (Emanuel Ludueña), Ejercicios de danza sobre Shakespeare (Silvina Grinberg), Anónima (Jimena García Blaya). Como directora: "Ella" en Proximidades Expositivas (Casa Sofía) y El Vuelco (CC Sábato), "La Fiesta" en Residencias creativas Brote (CC Paco Urondo), Galpón FACE, Oleiros Artes y Club Cultural Matienzo. Andrea Feiguin Comunicación y prensa www.tehagolaprensa.com.ar info@tehagolaprensa.com.ar

169 MiráBA

Estrena la obra

IMAGINARIA a 40 años de la Guerra de Malvinas

En IMAGINARIA, una madre se reencuentra con sus hijos después de muchos años. Uno de ellos es corredor de motos; el otro, un ex combatiente de la guerra de Malvinas. Ganadora en el concurso nacional ‘Malvinas Memoria’ organizado por el

Instituto Nacional del Teatro a 40 años de la Guerra de Malvinas.

Una obra de Pablo Iglesias, dirigida por Nicolás Sorrivas y protagonizada por Maiamar Abrodos, Matías Milanese y Hernán Muñoa.

Desde el 8 de septiembre, funciones los jueves a las 21hs en Espacio Callejón, Humahuaca 3759. Entradas en venta por Alternativa Teatral.

SINOPSIS

En una cabaña del sur una madre recibe, luego de muchos años, la visita de sus dos hijos. Conmovida por el reencuentro, se abrirá paso entre los recuerdos de la tragedia que desmembró a su familia para no volver a perderlos. Afuera, un poderoso enemigo amenaza con destruirlo todo.

“Imaginaria” resultó ganadora en MiráBA 170

C.A.B.A.

el Concurso Nacional ‘Malvinas Memoria’ organizado por el Instituto Nacional del Teatro a 40 años de la Guerra de Malvinas. Además, la obra ganó el Concurso de Dramaturgia del cicloINcierto en 2019 y se presentó en forma de semi montado en el Espacio TBK / Teatro Buster Keaton en octubre de ese año.

FUNCIONES los jueves a las 21hs.

Espacio Callejón - Humahuaca 3759

Entrada general: $1500 Estudiantes y jubilados: $1300 En venta por Alternativa Teatral FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA

Autor: Pablo Iglesias Director: Nicolás Sorrivas

Intérpretes: Maiamar Abrodos, Matías Milanese y Hernán Muñoa

Escenografía y Vestuario: Antonela Fucenecco Iluminación: Ricardo Sica Diseño sonoro: Leandro Iglesias

Asistente de dirección: Marina Biondi Comunicación y prensa: Mutuverría PR

Producción: Matcha Contenidos Producción Ejecutiva: Iván Repicio

Duración: 60 minutos

SOBRE EL AUTOR PABLO IGLESIAS (1971), es escritor, guionista, drama-

turgo, actor, director de teatro y docente. Además se formó en la Universidad de Belgrano como licenciado en medios audiovisuales. Dentro de su desempeño teatral estudió con Mauricio Kartun, Rubén Szchumacher, Berta Goldenberg, y en la Escuela Municipal de Arte Dramático en la que tomó el curso de dramaturgia.

En teatro tiene estrenadas más de diez de sus piezas teatrales por las cuales recibió varios premios. En TV colaboró autoralmente para los programas: “Farsantes”, “Las estrellas” y “La 1-5/18, Somos uno” (Pol-Ka) “Once” (Disney XD), “Por amarte así” (Telefé) y “El presidente” (Amazon Prime), entre otros. En narrativa recibió varios premios con algunos de sus cuentos y “Febrero lluvioso” editado por Notanpuan, es su primera novela. Algunas de sus obras fueron publicadas y traducidas al inglés y francés.

SOBRE EL DIRECTOR NICOLÁS SORRIVAS (1982) es autor, director teatral y docente. Se formó en dramaturgia con José Sanchis Sinisterra (España), Mauricio Kartun, Ariel Barchilón, Pablo Iglesias, Santiago Loza y Maruja Bustamante; y en puesta en escena con Rubén Szuchmacher. “Santos de yeso”, “No te mates en mi casa” y “Gordofobia, A rodar mi vida”, son algunas de sus obras. Dos veces finalista de la Tutoría de Guiones para series de TV y nuevas plataformas de Argentores y ganador del Concurso INCAA de Series Web con “Gordofobia: El peso del amor”. Junto a Iván Repicio crearon MATCHA CONTENIDOS, una usina de proyectos teatrales y audiovisuales que comenzó a expandirse, llegando a estrenar obras en formato corto en Microteatro Madrid.

Prensa Mutuverría info@mutuverria.com

7 DE OCTUBRE 21HS - TEATRO ASTRAL "Experiencia TITA, llamarada pasional"

- 12 ÚNICAS FUNCIONESDirigida por Valeria Ambrosio, la

obra propone un desafiante reencuentro con Tita Merello, su música, su lenguaje y sus fantasmas. Un formato de musical inmersivo, con una innovadora puesta en escena para recordar y honrar a quien supo ser "la morocha argentina".

Cuatro artistas conforman al ícono Merello a través de un recorrido onírico y poético por sus múltiples facetas. A 20 años de su fallecimiento (24 de diciembre del 2002), un musical necesario, disruptivo, con gran despliegue tecnológico, para homenajear a una

de las máximas figuras argentinas del siglo XX.

su experiencia interior, humana y artística, para evidenciar su legado, un legado sumamente actual, digno de un personaje al que podríamos darle el mote de clásico”

DIRECCIÓN MUSICAL MATÍAS CHAPIRO

El próximo 7 de octubre de 2022, y por 12 únicas funciones, llega al Teatro Astral de la Ciudad de Buenos Aires la obra musical “Experiencia Tita, Llamarada Pasional”. La calle Corrientes rinde homenaje a la gran diva argentina a través del talento de Ivanna Rossi, Micaela Suárez, Vanesa Butera y Elis García, quienes traerán de vuelta al escenario la obra de la legendaria actriz y cantante.

Protagonizada por Ivanna Rossi, Micaela Suárez, Vanesa Butera y Elis García, la obra propone un desafiante reencuentro con Tita, su música, su lenguaje y sus fantasmas.

Cuatro artistas conforman al ícono Merello a través de un recorrido onírico y poético por sus múltiples facetas. A 20 años de su fallecimiento (24 de diciembre del 2002), un musical necesario, disruptivo, con gran despliegue tecnológico, para homenajear a una de las máximas figuras argentinas del siglo XX.

En palabras de su directora: “Su biografía es conocida; nuestra intención es reinterpretar e iluminar

Incursionando en la producción de espectáculos, el prestigioso empresario Carlos Carrión (Atlas producciones) apuesta a un personaje icónico, a un complejo montaje técnico y a un equipo liderado por destacados profesionales de las artes escénicas.

MÚSICA

Alineada a una propuesta transgresora e innovadora, la música creada y reversionada de “Experiencia Tita, Llamarada Pasional”, encuentra numerosas texturas, donde el tango tradicional es intervenido por géneros musicales actuales. Nutrido de momentos oníricos, de gran sensibilidad, así como de melodías y ritmos ágiles como los típicos repiqueteos del tango. Una mixtura única que va de la mano, tanto de la exigente performance de las actrices, como de la impactante producción visual.

ELENCO

Ivanna Rossi Micaela Suárez Vanesa Butera Elis García DIRECCIÓN GENERAL Valeria Ambrosio DIRECCIÓN MUSICAL Matías Chapiro COREOGRAFÍA Sebastián Codega LIBRO

UN HOMENAJE DISRUPTIVO A LA LEYENDA "Experiencia TITA, llamarada pasional" DIRECCIÓN GENERAL VALERIA AMBROSIO

PROTAGONISTAS

IVANA ROSSI (@rossiiva)

Cantante, bailarina y actriz, comenzó su carrera con tan sólo 4 años en “Festilindo” donde permaneció por 10 años. También fue parte del programa de Xuxa, gracias a haber sido elegida para representar a Argentina dentro del show de la popular animadora.

Tiene amplia trayectoria en teatro

y televisión, siendo muy recordadas y aplaudidas sus intervenciones en “Tango en Rose” (2020), “Forever Young” (2019), “Madame Tango” (2019), “Viva la Vida” (2019), “Primeras Damas del Musical” (2011/12), “Sweet Charity” (2007), “Mina, Che Cosa Sei” (2006) y “Los Miserables” (2000), sólo por mencionar algunas. Mientras que en la pantalla chica ha sido parte de “Costumbres Argentinas” (2003) y “Chiquititas” (2000).

A lo largo de su carrera ha sido reconocida con un sinfín de galardones. En el 2015, ha alzado el máximo galardón en la categoría mejor actriz de comedia musical en los Premios Hugo, Premios ACE y Premios Florencio Sán-

chez. Mientras que, en años anteriores, fue premiada como mejor actuación en varieté y mejor actriz protagónica de musical, validando sus aptitudes artísticas y posicionándola como una de las intérpretes musicales más destacadas del país.

MICAELA SUÁREZ (@micasuarez12)

Más conocida como Mica Suárez, es una youtuber y actriz argentina. Cobró relevancia a partir de la realización de diversos vídeos de comedia y entretenimiento en su canal de YouTube llamado "Smicax" que luego renombró como "MicaSuárez". En dicha red social cuenta con más de tres millones de suscriptores y sus contenidos la han llevado a ganar varios premios, protagonizar obras de teatros y ficciones para televisión. En 2018, Hill & Knowlton la nombró como una de las 10 youtubers más influyentes de Argentina.

Dentro de su recorrido artístico destacan producciones televisivas como “Pequeña Victoria” (2019) y “Secretarias” (2017); mientras que en teatro hizo giras nacionales con “El Círculo” (2017/18) y “Casi Perfectas” (2019).

VANESA BUTERA (@vane_butera)

Actriz y cantautora argentina, conocida por ser parte de la versión nacional de “Hairspray” (2008/9) y tener importantes participaciones en “Simona” (2018), “Sandro de América” (2017), “Esperanza Mía” (2015), “Fronteras” (2014), “Peter Punk” (2012), entre otros programas de TV y obras de teatro musical.

Cancionista independiente, prolífica e inquieta, Vane Butera pisa cada vez más fuerte en la música local. Desde hace años gira con sus canciones por gran parte del país, también las presentó en México, Nueva York y Uruguay. Fue telonera nada menos que de Joaquín Sabina. Hizo shows a sala llena en La Trastienda y La Tangente. Y participó de “Ciudad emergente” y “Mujeres en escena”, entre otros festivales. Fue de los artistas que representaron a la argentina en el line up del festival mexicano Cardinal.

Hacedora de múltiples nominaciones y premiaciones por sus trabajos, fue reconocida como actriz revelación (Premios ACE 2008), mejor intérprete musical off (Premios Hugo 2010) y mejor intérprete en infantil (Premios Hugo 2013).

ELIS GARCÍA (@soyelisgarcia)

(@tataambro)

Cantante y actriz. Comienza su carrera a los 6 años grabando coros para diferentes discos infantiles. Realizó sus primeros estudios de teatro en la Escuela Hugo Midón y a los 20 años inició su entrenamiento actoral junto a Inés Estévez, Nora Moseinco y Rubén Viani. Se recibió en la Escuela de Música de Buenos Aires como cantante profesional en el año 2012.

Su primera experiencia en la comedia musical fue a los 19 años de la mano del director Manuel González Gil y bajo su dirección fue parte de "Primer acto de un cuento de amor" y "Sarmiento: Un hombre de dos mundos". Luego integró el elenco de "Un Amor de Novela" junto a Juan Darthés y Claribel Medina, y "Frustrados en Baires" ambas dirigidas por Valeria Ambrosio. En los últimos años participó de los musicales "Bravo, Nino!", "El Loco de Asís", "Sr. Imaginación" y "David, El Musical". Como cantante acompañó en diferentes escenarios a Julia Zenko, Juan Darthés, Javier Malosetti y Palito Ortega entre otros. A partir del 2013, exploró la faceta de la conducción dentro del Canal de la Ciudad.

DIRECTORA VALERIA AMBROSIO

Directora teatral, directora de arte, autora y productora. Debutó como directora en el año 2003 con “Mina, Che Cosa Sei”, momento en el que creó su productora Autobombo Ideas Factory junto a sus socios Maximiliano Ambrosio y Constanza Miguel. Produjo, dirigió y fue la autora de los musicales “Boccato di Cardinale”, “Mueva la Patria” y “Pimpinela, La Familia”; además, de asumir la dirección de “Rent, La Vida es Hoy”, “El Mago de Oz” y “La Fiaca, El Musical”.

En su rol como escenógrafa estuvo a cargo de dar vida a los escenarios de “Tanguera”, “Houdini”, “Coco de París”, “El Violinista en el Tejado”, “Nativo”, “Zorba El Griego” y “Jazz Swin Tap”, entre otros.

Sus últimos trabajos como directora de arte incluyen la película “Un Cuento Chino”, protagonizada por Ricardo Darín; mientras que en televisión estuvo al frente de las ficciones “Un Año Para Recordar”, “Botineras” y “Los Exitosos Pells”.

En su historial de premiaciones cuenta con los Premios ACE 2003/4 y 2009/10 como mejor directora de musicales y se alzó con el Premio Clarín 2004 por la misma labor.

INSTAGRAM @tita.elmusical Contacto: RUIDO Nahuel Riveira nahuel.imanpr@gmail.com

Encuentro de poetas

Domingos a las 19hs

A partir del domingo 9 de octubre a las 19hs, sube a escena el unipersonal Encuentro de poetas, basada en textos de los poetas Vicente Zito Lema y Jacobo Fijman. La obra cuenta con la actuación de Alejandro Spangaro y dirección de Ana Yovino. Las funciones son los domingos a las 19hs en Mil80 Teatro (Muñecas 1080, Villa Crespo) con entrada general a $1600. Las funciones serán realizadas de manera presencial, respe-

tando el Protocolo vigente para la prevención de contagios por COVID-19.

"Ya no existo para el mundo exterior, soy -aunque yo sé bien lo que en realidad soy- un poquito más de esa basura que se aparta, para que no hiera con su hedor".

Jacobo Fijman I Poeta

sobre Encuentro de poetas ¿Qué hiciste con el amor mientras el otro sufría?

Vicente Zito Lema comienza la búsqueda de Jacobo Fijman. No sabe si está vivo o muerto, quizás se encuentra en un hospicio. La voz de éstos inmensos poetas, se buscan y encuentran en otra realidad. Una caja de cartón es transformada por la poesía, la memoria, la música. Sus vidas enlazadas en "la palabra, que es alma y fuego de todo lo vivo y nos vuelve tan humanos...soplo de poesía" como escribe Zito Lema

en su poema "Valió la pena".

"Una caja de cartón desechada en la basura, oficia de espacio sagrado donde la poesía de Fijman se despliega a pesar y a través de su marginación. Buceamos en el potencial infinito de ese metro y medio. Una caja mágica donde habita todo lo que pudimos encontrar al escuchar los versos de Fijman y la búsqueda conmovedora de Zito Lema.

Fijman, recluído desplegando sus dibujos, poemas, máscaras, rompiendo "todas las tejas de los pesebres humanos".

Invocadas para su aparición, las multiplicidades de Fijman, resucitan en ésta misa de desechos, oficiada por un músico que toca en vivo instrumentos realizados con lo descartado. Esa sonoridad guía el encuentro de éstos inmensos poetas. Vicente Zito Lema, hurga en medio de la noche para encontrar el alba, reparando la memoria, volviendo a la vida a de su gran amigo, "El Cristo Rojo".

Ana Yovino I Directora

FICHA TECNICA

Dramaturgia: Alejandro Spangaro, Ana Yovino

Actúa: Alejandro Spangaro Poesía: Jacobo Fijman, Vicente Zito Lema

Vestuario: Giselle Rodríguez Bosio Escenografía: Giselle Rodríguez Bosio, Alejandro Spangaro Realización escenográfica: Alejandro Spangaro Redes Sociales: Gabriela

Ramos Cantante: Julia Conlazo Realización de máscaras: Giselle Rodríguez Bosio Video: Silvio Gatto Violín: Corina Guerrero, Brian Andrés Pombinho Soares Música original: Gerardo Morel Música en Vivo: Gerardo Morel Operación de luces: Ezequiel Mateo Bravo Diseño de Iluminación: Betina Robles

Fotografía: Silvio Gatto Diseño gráfico: Gabriela Ramos Asistencia de dirección: Ana Belén González Prensa: Prensópolis Dirección: Ana Yovino Agradecimientos: Javier Margulis, Alejandro Mazza

Funciones: Domingo a las 19hs Sala: Mil80 (Muñecas 1080, Villa Crespo)

Entrada general: $ 1600 (Anticipadas: $1300) Por Alternativa Duración: 60 minutos

guientes espectáculos teatrales: La Torre del Neckar de Alejandro Spangaro con dirección de Diego Cosin; El Desatino de Griselda Gambaro con dirección de Diego Cosin; El experimento de Damanthal de y diirgido por Javier Margulis; El arte del buen morir de Marcos Rosenvaig con dirección de Marcos Rosenvaig; El Gran Ceremonial de F. de Arrabal bajo dirección de Miguel Guerberof; ¿Ya se hizo usted su fotografía? de Marcos Rosenvaig con dirección de Rosenvaig, entre los más destacados.

Durante la pandemia ha participado del taller de “Poesía en acción” de Ana Yovino llevando a cabo la realización de la obra de teatro en video de Así pasen cinco años de Federico García Lorca.

En dramaturgia, ha realizado talleres de formación con Sol Rodríguez Seoane y Mauricio Kartun, y se ha capacitado en guión cinematográfico con Pablo Meza.

En el campo de la música, posee conocimiento de flauta traversa.

sobre ALEJANDRO SPANGARO

A lo largo de su formación, ha realizado estudios de actuación con Hugo Asencio, Alberto Segado, y Miguel Guerberof. Como actor, ha participado en los si-

sobre ANA YOVINO

Es actriz, directora y docente te177 MiráBA

atral.

Entre sus trabajos como directora se destacan el espectáculo de sonetos Mientras respiren hombres y ojos vean de W. Shakespeare en Pan y Arte; Mujer Foca en el Centro Cultural de la Cooperación; La oscuridad es otra luz en el Desguace; Federico, Poema del Cante Jondo en Mediterránea, CCC, Celcit (FIBA en 2018).

Entre sus trabajos más relevantes y premiados en teatro como actriz se encuentran La Discreta enamorada de Lope de Vega, dirigida por Santiago Doria, y por

cuya labor, ganó el Premio ACE; Antígona, en versión de Watanabe, dirigida por Carlos Ianni, ganadora del premio Trinidad Guevara; y Antígona Vélez, versión de Leopoldo Marechal, en el Teatro Cervantes, dirigida por Pompeyo Audivert.

También, participó en Antígona, versión de Jean Anouilh, dirigida por Dora Milea; La vida es sueño, en el Teatro San Martín, dirigida por Calixto; El Cartógrafo de Juan Mayorga, dirigida por Laura Yusem, en el Teatro San Martín; y Cocinando con Elisa de Lucía Laragione, con di-

rección de Villanueva Cosse y por cuyo trabajo ganó el premio ACE Revelación, Trinidad Guevara, Florencio Sánchez y mención especial en el María Guerrero.

Como docente teatral coordina talleres que abordan la Poesía Acción, siendo materia de investigación las obras clásicas y los poemas en situación dramática.

Prensópolis Comunicación y Prensa Dir. Alejandra Pía Nicolosi prensopolis@gmail.com info@prensopolis.com.ar

¡GRAN ESTRENO! TEATRO EL CONVENTO

Mutis, Hefesto Escrita y dirigida por: Martin Barreiro

La obra Mutis, Hefesto es una nueva pieza teatral creada y dirigida por Martin Barreiro, quien toma como eje al filósofo alemán Friedrich Nietzsche y su libro "El ocaso de los ídolos" donde plantea una interesante reflexión sobre lo feo y lo bello . Llega el viernes 9 de septiembre a las 20:00 horas en el Teatro El Convento (Reconquista 269, CABA). Las entradas se pueden reservar

por Alternativa Teatral o comprar en la boletería del teatro.

Sinopsis de la obra

El filósofo alemán Friedrich Nietzsche (1844-1900), en su libro de 1889, "El ocaso de los ídolos", hace una reflexión sobre lo feo y lo bello, y contribuye a establecer la disyuntiva entre el análisis subjetivista de la esté-

tica versus el estudio objetivo de lo estético. Se ha considerado que la posición de Nietzsche en este sentido es relativista, puesto que para él lo verdaderamente bello es el ser humano. “Mutis, Hefesto” se refleja en ese pensamiento: Ella y Él pasan sus horas enfrentados y a la espera. Como cazadores aguardan a su presa. Un joven cadete llega para desatar la lujuria, la lucha por poseer la belleza que han perdido o que, quizás, jamás tuvieron. “MutisHefesto” es la fealdad encontrándose con la belleza, un viaje urbano que nos remite a aquello que Nietzsche afirmaba: nada es bello, salvo el hombre; pero también nada es feo, excepto el hombre que degenera.

Ficha técnica

LAPLATA C.A.B.A. Dramaturgia y dirección: Martin Barreiro Elenco por orden de aparición: Samira Murad (Ella) – Fernando Blanes (Él) Ariel Puente (Cadete). Escenografía, vestuario y diseño de luces: MB-MB Prensa: 0KM Prensa Prensa: 0KM Prensa kevin.0kmprensa@gmail.com

LLEGA UNA NUEVA TEMPORADA

Una comedia de Anibal Gulluni

MiráBA 180

C.A.B.A.

La obra Alta Montaña es una excelente comedia creada por Anibal Gulluni, quien además dirige a un elenco de 8 artistas en escena. Llega con su tercera temporada los domingo a las 20:00 horas en Vera Vera Teatro (Vera 108, CABA). Las entradas se pueden conseguir por Alternativa Teatral o en la boletería del teatro.

Sinopsis de la obra Mediados del siglo XIX. Austria. El Sanatorio Spengler para tuberculosos y afines alberga gente de buen pasar económico, que viene desde diversas partes de Europa, y asiste desde las alturas de su edificio medieval a la inminencia de una guerra. Otra más. La comida es excelente, hay entretenimientos, la vista de los Alpes es exquisita, el aire tiene raras y benéficas propiedades curativas. Pero el amor entre pacientes, el amor, esa misteriosa enfermedad, ese bacilo pérfido, catalizador de tantas tragedias, amenaza con rasgar el velo y dejar al desnudo el comercio cotidiano con la muerte, el fastuoso negocio de la salud.

ANAÏS El deseo consumado

Protagonizada por Thelma Fardin, escrita por Lázaro Droznes y dirigida por Virginia Lombardo.

La pieza refleja la experiencia vital de la mujer que se atrevió a todo en la búsqueda de la satisfacción de su deseo, incluyendo el incesto con su propio padre.

Funciones: Viernes a las 22h (octubre y noviembre) Border, comunidad de arte: Godoy Cruz 1838 - C.A.B.A. Entradas: $1800 en: www.alternativateatral.com.ar

Thelma Fardin encarna a Anaïs Nin, la escritora visionaria que reflejó sus experiencias en los diarios íntimos que fueron el fundamento de gran parte de la literatura erótica femenina.

Anaïs fue una mujer que no aceptó ninguna regla convencional en su búsqueda del amor, del placer sexual y el frenesí de la existencia, con múltiples amantes que completaban su agenda a tiempo completo. Casada con Hugh Guiler, mantuvo relaciones sexuales con diversas personas, entre ellas con su primo Eduardo Sánchez, el escritor Henry Miller, su mujer June Mansfield, sus dos analistas Dr. René Allendy y Otto Rank, Antonín Artaud, y finalmente con su propio padre Joaquín Nin. En la última etapa de su vida mantuvo simultáneamente dos matrimonios legales, uno en la costa este de EE.UU con Hugh Guiler,

y el otro en la costa oeste con Rupert Pole. Hija de Rosa Culmell, y el compositor y pianista cubano Joaquín Nin, fue abandonada por su padre cuando tenía once años. Esto marcó toda su vida y fue el detonante para que comenzara a escribir aquellos diarios, que se iniciaron como una carta dirigida a su padre, con quien no tuvo contacto durante veinte años. Los manuscritos tienen 35 000 páginas. Existe más de una edición porque algunas de las personas que Anaïs incluyó en sus diarios estaban vivas cuando el primer volumen fue publicado. Cuando las personas involucradas fallecieron, comenzaron otras versiones llamadas inexpurgadas.

Esta obra teatral explora por un lado las relaciones amorosas de Anaïs Nin con su marido, Henry Miller, su mujer June Mansfield, su analista Otto Rank y finalmente el incesto con su padre Joaquín Nin. También da cuenta de parte de la vida literaria de quien, indiscutiblemente, fue una de las precursoras de la emancipación sexual femenina.

FICHA TECNICA de ANAÏS el deseo consumado

Autor: Lázaro Droznes Elenco: Thelma Fardin /Anaïs

Nin; Julián Belleggia / Henry Miller; Esteban Coletti / Hugh Guiler; Fiorella Camji / June Mansfield; Emiliano Diaz / Otto Rank; Alfredo Martin / Joaquín Nin Espacio escénico: Héctor Calmet Diseño de vestuario: Alejandro Mateo Diseño de Luces: Luciana Giacobbe Música: Mariano Cossa Prensa: Paula Simkin Mktg: Jorge Cherni Fotografía y video: Nicolás Martínez Gómez

Asistencia de Producción: Natalia Cepeda Producción Ejecutiva: El León Producciones – Mariela Muerza Asistentes de Dirección: Ana Paula Calmejane – Sebastian Caneva Dirección: Virginia Lombardo

Ph: Nicolás Martínez Gómez

Agradecemos la colaboración dramatúrgica y académica de Alfredo Martin

Dice Virginia Lombardo: “Concretar deseos ha signado mi vida. Los personales, los profesionales, los artísticos. Anaïs Nin consumó los suyos. A partir de este relato invitamos al especta-

C.A.B.A.

dor, y a nosotros mismos, a realizar los propios deseos. Con un elenco poderoso, minuciosamente elegido, creamos esta ficción basada en la vida y la literatura de una mujer libre, irreverente, audaz y luchadora. En los parisinos años 30, pleno surrealismo, Anaïs escribió un diario fascinante en el que es sujeto de su propio deseo. Desafió a una época en la que aún se pretendía que las mujeres fuéramos objeto. Esa fue la llave de su libertad. Thelma Fardin interpreta,

desde esa búsqueda al enigmático personaje.”

Dice Lázaro Droznes: “Esta pieza es un homenaje al lugar que ocupa Anaïs Nin en la literatura, a la defensa de nuestros derechos y a la consumación de nuestros deseos. Intercalamos el erotismo que ha rodeado a la protagonista, los encuentros con sus grandes amores en un intertexto con su Diario.

Nos da permisos, nos habilita la concreción de nuestros deseos,

o nos ayuda a aceptar a los que tienen deseos contrapuestos a los nuestros.

El espectáculo es ideal para todo amante de la literatura y para todos los que damos un lugar preponderante a los encuentros amorosos, a la completud con el otro. Dedicado a espectadores ávidos de recuperar la excitación adormecida por la rutina diaria y el aislamiento emocional”

Prensa: Paula Simkin paulasimkin@gmail.com

Nos encontramos en los albores de la nueva República Argentina (1840), Camila de 20 años se escapa al norte argentino con Uladislao, el cura de Santa María del Buen Ayre, para empezar una nueva vida.

Hoy, Camila desciende entre nosotros para revivir su historia. Ella nos cuenta de sus fantasmas, de su adoración por su abuela, de sus juegos de niña rica y a la vez de su compromiso por los olvidados. Ella sabe sobre los miedos del poder, y de su amor hacia un hombre prohibido. Ella es quien representa a todas las que le hicieron frente a los fusiles. Las que siguen trabajando por ser escuchadas y que se sostienen en la gran fuerza del amor.

FUNCIONES

Sábados 20 horas Korinthio Teatro

Producción: Korinthio Teatro Producciones - Pablo Cernadas Comunicación y prensa: Mutuverría PR Asistencia de dirección: Caro Peralta Dirección general: Pablo Razuk

PALABRAS DEL DIRECTOR

Charcas 2737 - 1ºA

Entradas: $1200 - Jubilados: $800

En venta por Alternativa Teatral

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA

Dramaturgia: Cristina Escofet Actúa: Carla Haffar Banda de sonido: Sergio Vainikoff

Escenografía y vestuario: Alejandro Mateo (ADEA)

Diseño de Luces: Leandra Rodríguez (ADEA)

Maquillaje: Cholumakeap Fotografía, diseño gráfico y multimedia: Pablo Cernadas

Asistencia técnica y arte de escena: Ariel Chavarría

"Todavía resuena en la memoria popular la muerte de Camila O’ Gorman. Sacrificio que Rosas (el restaurador), tuvo que ejecutar por presión moral del poder dominante y de la Iglesia Inquisidora de aquel entonces. Camila se enfrentó a esos preceptos y rompió reglas como enamorarse de un cura, Udalisdao Gutiérrez. Ya en el siglo 21, Cristina Escofet desde su pluma inquieta y luminosa, nos ofrece su poética mirada y su visión de la historia. Hace cuatro años realicé una puesta de esta obra en España, con muy buena repercusión en Madrid a pesar de no ser una historia local. Hoy, de la mano de Carla Haffar, traemos esta nueva versión de 'Ay, Camila'. Un manifiesto de humanidad y el reconocimiento hacia una mujer que representa a casi todas las mujeres en una lucha. Y que se extiende desde todos los tiempos hasta hoy".

Pablo Razuk

"El letrista o hacia las tenues luces" de Carlos María Alsina

Una idealista, una inmigrante, una poeta, un soldado, un financista y una vieja creyente se encuentran en un lugar indefinido. ¿El cielo? ¿El purgatorio? ¿Un plano extraterrenal? Todos ellos tienen algo en común: lo perdieron todo en un mundo que se destruye en guerras, hambre, avaricia, corrupción y traiciones. Desesperados, buscan que alguien los escuche y los ayude a gritar sus verdades. El letrista es la persona indicada para eso. Espera, con sus brochas y pinceles, que alguien le diga qué escribir en una bandera; pero parece que las palabras se vaciaron de sentido y que el tiempo y el espacio se volvieron circulares

El letrista o hacia las tenues luces es una obra inédita del dramaturgo tucumano Carlos María Alsina. Con un registro alejado del realismo, Alsina da cuenta de esta posmodernidad trágica en la que el dinero vale más que la

vida, se va a la guerra en nombre de la paz, los grandes relatos de la modernidad terminaron hechos añicos y millones de seres humanos son desplazados de su patria por el hambre y la violencia.

Ficha técnica

Elenco: María Inés Álvarez, Julieta Rocío Barletta, Martín Castagnino, Guadalupe Farina, Gastón Giunta, Jorge Ojeda, Cali Rotondo, Marina Smith - Diseño y realización de escenografía y vestuario: Grupo Teatral Rayuela – Diseño sonoro: Iván Vives – Diseño de luces: Miguel Coronel - Diseño gráfico: Tino Donadio - Fotogra-

fía: Gabo Rugiero - Prensa: Ditirambo Teatral - Asistente de dirección: Marcos Vives

Dirección general y puesta en escena: Gustavo Armas

Funciones

Desde el 8 de octubre, todos los sábados a las 18:30 hs. Beckett Teatro Guardia Vieja 3556 - CABA Entrada general: $ 1300

Facebook: https://www.facebook.com/elletrista Instragram: @elletristateatro Prensa Guadalupe Farina guadalupefarina@gmail.com

Perez.

su

Dramaturgia y dirección Marcelo Perez, inspirada en la vida de la asesina serial Aileen Wuornos / Intérpretes: Soledad Leone, Carolina Vojvoditch y Micaela Minervino

ESTRENÓ "Matate que viene gente" del director y dramaturgo Marcelo indómita rebelde, una inadaptada social, una huérfana de afecto. Es la historia de Aylin. Es pura acumulación de la opinión que ella posee sobre su propia marginalidad

“Matate que viene gente” es un relato de alguien que podría haber sido y no fue, es la historia de una mujer desesperada por ser oída, despojada de tecnológicas virtudes. ¿Una asesina? La

“El punto de vista con el que elegimos desarrollar una hipótesis, es pensar que es tan fuerte el crecimiento del resentimiento de Aylin, que la convierte involuntariamente en una anti heroína del subdesarrollo. Ella desde su inconsciencia y desde su falta de recursos crea un sistema ideológico sin saberlo, rebelándose a la vida dada como única posibilidad, despotricando contra la sociedad y su hipocresía, contra la institución policial y su accionar espurio. Cargada de un discurso extremadamente contradictorio y difuso pero plagado de una enorme resistencia vivencial, existencial y femenina. No es víctima de su historia, no gusta de la muerte de su voluntad. Su deseo es morir. Su accionar violento y compulsado se transforma en caja de resonancia, de poética teatral.” declara y director y dramaturgo Marcelo Perez.

Sobre Marcelo Perez

Actor, director, dramaturgo y poeta / Se formó con maestros tales como: Ricardo Bartis, Sandra Fiorito y Norman Briski (con quien adquirió formación de carácter integral, especializándose en improvisación e interpretación en esta escuela a la que sigue estrechamente vinculado, como director.). Estrenó su ópera prima como dramaturgo y director, “Fortaleza mujer en la hoguera de lo inconcluso” en el año 2018 (Teatro Calibán), la cual estuvo cuatro temporadas en cartel (2018/19/20/22). Algunas de las obras que ha presentado en su doble rol de director y actor, son: “Fando y Lis” de Fernando Arrabal, “Familia SA” de Norman

Briski “Corvina en los bajos no sale”. Además, como director se destacó en “Psicosis 4.48” de Sarah Kane (Año 2016. Teatro Calibán). Como actor integró el grupo “Molino Teatro Político” y el grupo “Miguelitos” dónde realizaron obras de creación colectiva cómo “La empanada Verde” (dirección Norman Briski); ambos grupos aportando desde el hecho artístico a las distintas problemáticas sociales. Asimismo, participó como actor de la obra “Vestigios” de Emiliano Montes, la cual realizó dos temporadas en cartel (Teatro Popular La Otra Cosa - CC La Revuelta) y viajó de manera itineraria durante varios años. Su última obra fue “Clandestino Maracaná”, la cual realizó dos temporadas en el Teatro El Tinglado (2021/22), siempre en su doble rol de dramaturgo y director. Como docente se encuentra dictando el Taller de Teatro Adultos en La Huella Centro Cultural (Lomas de Zamora, Buenos Aires) desde el año 2012 hasta la actualidad.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA

Dramaturgia y Dirección: Marcelo Perez

Intérpretes: Soledad Leone (Aylin) Carolina Vojvoditch (Guardia) Micaela Minervino (Cinthia)

Asistente de dirección: Lucrezia Fiorito Música: Pablo Viti Puesta en escena y diseño de iluminación: Marcelo Perez Operador de luces:

Franco Cappelletti Vestuario: Cooperativa Matate Fotografía: Emmanuel Melgarejo, Lucrezia Fiorito

del Flyer: @la_ponzonia Diseño gráfico: Pilar Fernandez

Teatro Caliban, Marina Recabarren, @juanivilte, Alejandro Daniel Ricco, Diego Arrendal, Marcelo Avila

LAPLATA C.A.B.A. Sábados 20:30hs. Sala: Abasto Social Club (Yatay 666, Almagro, CABA) Entrada general: $1200 Duración: 60 minutos Reserva o compra de localidades: http://www.alternativateatral.com

ESTRENO

Un viaje para desatar los nudos del pasado Dramaturgia de Bárbara Colio Dirección de Manuel González Gil

MiráBA 188

"Cuerdas" de Bárbara Colio, una comedia dramática dirigida por Manuel González Gil. Un viaje para desatar los nudos del pasado, con las actuaciones de Francisco González Gil, Juan Martín Zubiri y Sebastián Dartayete, y música original de Martín Bianchedi.

Todos los miércoles a las 21 hs. en Picadilly Teatro (Av. Corrientes 1524, CABA).

Sinopsis: Tres hermanos reciben una carta de su padre funambulista después de años sin saber de él. Con el anuncio de su retirada, los invita a ver su última gran actuación. Emprenden juntos un viaje en tenso equilibrio: entre las "cuerdas" que los atan, los amarres de su pasado y los nudos en la garganta ante la posibilidad de convertirse ellos mismos en padres. Los pies de Peter, Paul y Prince nunca tocan la tierra, son funámbulos de sus propias vidas.

Agenda: Funciones: miércoles 21 hs. Lugar: Picadilly Teatro (Av. Corrientes 1524, CABA) / 11-43731900

Entradas: $2000 / Plateanet Duración: 70 min. Apta mayores de 12 años IG @Cuerdaslaobra

Ficha técnico-artística: Dramaturgia: Bárbara Colio Elenco: Francisco González Gil, Juan Martín Zubiri, Sebastián Dartayete Música original: Martín Bianchedi Escenografía y vestuario: Lula Rojo Fotografía: Jerónimo Leniek Diseño: Patricio Vegezzi Redes: Wake Comuni-

cación Prensa: OCTAVIA Comunicación Producción ejecutiva: Valeria de Luque Asistente de dirección: Iván Lascano Dirección actoral: Ana Lascano Dirección general: Manuel González Gil

Síntesis argumental

Tres hermanos, Peter, Paul y Prince, se citan en el aeropuerto. Han decido viajar juntos para encontrarse con su padre. Hace más de veinte años que no tienen noticias de él porque los ha abandonado. Tan sólo saben que es el mejor funámbulo de todos los tiempos y han recibido una carta en la cual les informa que presentará su último gran espectáculo y les expresa su deseo de compartirlo con ellos.

Tres hermanos que se unen luego de años en pos de un destino tan futuro como retrospectivo, volver a ver a su padre, un padre mítico, con una profesión más mí-

tica aún: funambulista.

A partir de estos hechos, “Cuerdas” se transforma en un viaje.

Un viaje que transcurre entre espacios ajenos: un avión, aeropuertos, un gran estadio.

Los pies de Peter, Paul y Prince nunca volverán a tocar la tierra. Son funámbulos de su propia vida. Viven el tenso equilibrio sobre las cuerdas que los atan, contra los amarres de su pasado y los nudos en la garganta ante la posibilidad de convertirse ellos mismos en padres.

Sobre el Director Manuel González Gil es ha transitado todos los géneros del arte teatral durante casi treinta años, constituyéndose en uno de los más prolíficos y premiados hombres del teatro argentino.

Ha realizado giras por todo el territorio latinoamericano, recibiendo el reconocimiento de la u

crítica especializada. Desde 1985 es docente y asesor en instituciones educativas de Buenos Aires y del interior del país; y director de diversas Escuelas de Teatro.

En España ha estrenado varias de sus obras, entre las cuales se destacan: "Made in Argentina", (Adaptador y director); la multipremiada "Hoy, el Diario de Adán y Eva" (Co-Autor y Director), con Miguel Angel Solá y Blanca Oteyza; "Gatas" (autor y director), con Rosario Pardo, Silvia Abascal, Nieve de Medina y gran elenco. Recientemente ha estrenado "Por el placer de volver a verla" en el teatro Amaya de Madrid, con Miguel Angel Solá y Blanca Oteyza.

Sobre la Dramaturga Bárbara Colio es mexicana. Sus más de 30 obras de teatro se han estrenado en España, Portugal,

Francia, Estados Unidos, Inglaterra, Italia, Argentina, Perú, Costa Rica, Panamá, Colombia y en diversos lugares de México, traducidas al inglés, portugués, gallego, italiano, francés.

Ha recibido importantes premios nacionales e internacionales, destacando el Premio Internacional para Autoras Dramáticas María Teresa León 2004 en España, y el Premio Nacional Juan Ruiz de Alarcón 2017 en México. Es actualmente miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México y uno de los autores mexicanos actuales más representados dentro y fuera de su país.

Dice Bárbara Colio

El viaje de Peter, Paul y Prince nació en el 2009, y sí, escribí la primera escena arriba de un avión. Escribí, o más bien, lancé una cuerda que me ha unido a

ellos a través del tiempo y de los muchos países en los que se ha presentado, donde, sin importar el idioma, siempre han conectado a través de eso de lo que no podemos huir: todos somos hijos de alguien. (Que no por obvio deja de ser complicado)

La infancia es un nudo que constantemente intentamos desatar durante nuestra adultez, esa cuerda floja.

Que sea un venturoso viaje para este esperado montaje en Buenos Aires, para sus equilibristas, y para este lugar de los abrazos que es el teatro, ya que como dice Prince, ¿y en que otra parte podríamos estar?

Bárbara Colio www.barbaracolio.com

OCTAVIA Comunicación y Gestión Cultural María Eugenia Souto eugenia@octaviacultura.com.ar

El beso de María de Matias Payer

La obra El beso de María es una creación de Matias Payer con la colaboración de Francisco Vocos, quienes plantean la problemática actual con las redes sociales, los influencers y lo que generan en nuestra vida.

Una propuesta de teatro inmersivo que se presenta todos los viernes a las 20:00 horas en Suipacha 119 1er Piso.

Las entradas se pueden solicitar enviando mail a matiasnpayer@gmail.com o a través del número 1132018590.

SINOPSIS DE LA OBRA

En el centro porteño de la ciudad de Buenos Aires, un joven influencer Invita por redes sociales, a una fiesta en su casa.

Todo cambia cuando un extraño

personaje interrumpe la noche. amenazando al influencer de muerte.

El Beso de María es una de las más trascendentales experiencias de teatro inmersivo en pleno centro porteño de Buenos Aires, donde en un piso antiguo podrás vivir un espectáculo distinto. Un Fausto moderno, distinto, resignificado. Una obra que nos Invita a plantearnos no solo que hacemos y en qué invertimos NUESTRO TIEMPO, sino cómo la tecnología y la contaminación excesiva de influencers en redes sociales prometen un mundo a punto de quebrarse, bajo contrato de éxito.

Esta obra escrita y dirigida por MATIAS PAYER con la colaboracion en dramaturgia de FRANCISCO VOCOS se realizó a sala llena en España, México, Chile, Brasil y ahora llega nuevamente a Argentina.

FICHA TÉCNICA

Actúan: Bruno Rondini / Fredy Peña / Juanita Remesal / Claudio Barbarisi / Sofia Faraone / Elisa Frogone / TotoVila Diseño de Luces: Osvaldo Ponce Escenografía: Alesio Bono / Fernando Fazzini / Celeste Dania / Diana Salazar Vestuario y Dirección de Arte: Celeste Dania Sonido: Tiano Vas Coordinación Técnica y Luces: Lisandro Aguado Dirección y Puesta en Escena: Matías Payer

Producida por: Cultura Faro. Prensa: Kevin Melgar (0KM Prensa) Dramaturgia: Matías Payer / Francisco Vocos

Prensa kevin.0kmprensa@gmail.com

DESDE OCTUBRE CARIBE de Yanina Gruden en El Galpón de Guevara

Años 90. Fiorella y Cinthia son cajeras del supermercado Caribe. Una tarde, bajan a fumar al depósito. Justo el sitio donde sus empleadores esconden un secreto inconfesable. Un leve homenaje a Las Criadas de Genet, una parodia del neoliberalismo, una evocación delirante de la década del 90.

Una obra escrita por Yanina Gruden, protagonizada por Stephanie Petresky y Yanina Gruden, con dirección de Katia Szechtman.

Desde el 6 de octubre, con funciones los jueves a las 21hs en El Galpón de Guevara, Guevara 326. Entradas en venta por Alternativa Teatral.

Argentina. Años 90. Fiorella y Cinthia son cajeras del supermercado Caribe. Una tarde, en el horario de descanso, bajan al depósito del establecimiento para fumar a escondidas.

empleadas comenzarán con su rutina diaria de burla hacia la señora Sacripanti, quien las maltrata y las explota, las enoja y las encandila. Ellas, definitivamente, la odian. Y absolutamente, la aman. Al terminar el juego, la incertidumbre se transformará en desesperación. Cinthia y Fiorella planearan una extravagante fuga, mientras que el altavoz les reclama volver a sus puestos de trabajo. Las identidades se disuelven, las certezas se derrumban, y entre cajas de variados productos y la pedagogía del consumo, el delirio vira hacia un inminente peligro. Un homenaje sesgado a Las Criadas de Genet en clave de comedia, un gran disparate, una parodia del neoliberalismo o simplemente un flach de la década del 90.

Escenografía: Estefanía Bonessa, Agustina Filipini

Iluminación: Matías Sendón Música: Guillermina Etkin

Sonido: Guillermina Etkin

Fotografía: Laura Echegoyen y Sol Schiller Comunicación y prensa: Mutuverría PR

Trailer: Tina Navalesi

Asistencia artística: Rocio Bazan

Asistencia técnica: Rocio Bazan

Producción: Sofía Boué

Dirección: Katia Szechtman Duración: 70 minutos

PALABRAS DE LA AUTORA

Mientras encienden un cigarrillo, conversan sobre su fin de semana. Una de ellas confiesa tener pensamientos apocalípticos. Cinthia, está preocupada porque se enteró de que el señor Sacripanti, marido de la dueña del súper, ha quebrado su farmacia y, en consecuencia, varias de las cajas fueron depositadas allí. En medio del caos, las

jueves a las 21hs.

de Guevara - Guevara

Alternativa Teatral

TÉCNICO-ARTÍSTICA

Autoría: Yanina Gruden

Actúan: Stephanie Petresky, Yanina Gruden Voz en off: Marina Bellati Vestuario: Lara Sol Gaudini

"Caribe es mi primera obra como autora. El impulso inicial de este texto partió de las ganas de llevar adelante una hipótesis estética que siempre sostuve desde mi oficio de actriz y que ahora quería llevar adelante desde la escritura. Para mí, la actuación es el evento central del teatro. Quise escribir una obra en donde pudiéramos actuar desde la intensidad, el estallido y el humor. Caribe sucede en los años 90, los años de mi infancia, que a su vez, fueron años de pleno festín del capitalismo salvaje. Rodeadas de productos, en un sótano sucio, dos cajeras del supermercado fuman, mutan, actúan y enloquecen. Relaciones carnales, viajes imaginarios a la estratósfera, Disneylandia y MiráBA 192

LAPLATA C.A.B.A.

el "deme dos", telenovelas y delirios de grandeza: en ese mundo trastornado se gestaba en Argentina una forma de actuación que todavía nos sigue iluminando. Ante el realismo capitalista, la avidez consumista y los psicofármacos, Caribe es una celebración de la ficción como revancha y de la imaginación como creencia". Yanina Gruden

SOBRE LA OBRA

La obra toma como punto de partida el mundo del trabajo de la década del 90, en Argentina.

Así, pensamos trabajar en una puesta en escena que tome ese lugar y esos años como punto de partida pero que pueda, a su vez, albergar el exceso de la comedia que deviene tragedia. Así, imaginamos una escenografía y

vestuario que puedan organizarse en torno al desborde y la iconografía de la época pero al mismo tiempo trabajando sobre un universo estético que se recorta y se convierte en una atroz fábula teatral de cajas chinas dentro de cajas chinas. La iluminación, igualmente, partirá de la idea de narrar el espacio que la obra cuenta, pero abriendo sus posi-

bilidades al ideal del disparate y la tragedia que luego se desarrollará. La actuación será intensa, con ritmo vertiginoso, trabajando fuertemente la comedia y la estética de actuación argentina de finales de los años 80 y principios de los 90. La idea es producir una obra enérgica, muy cómica, intensa, a la vez reconocible y extraña, a la vez anacrónica y actual, muy divertida y que arroje posibilidades de reflexión sobre un sistema que se halla siempre en pugna.

"Caribe recupera la mejor tradición del teatro argentino: la de la actuación intensa, insolente, trastornada, vengadora y festiva; la de la dramaturgia refinada, política, libresca, cachivachesca y vil. Las dos excelentes actrices son Yanina Gruden y Stephanie Petresky . El texto es una genialidad de la propia Gruden, dirigido con maestría por Katia Szechtman".

Mariano Tenconi Blanco, dramaturgo y director

"Yanina Gruden, relee Las Criadas de Jean Genet de una manera vital, barroca y con una maestría que deja entrever un salvajismo heredado de las mejores tradiciones teatrales, a las que también este trabajo homenajea. Es lúcida la mirada de Katia Szechtman para actualizar un clásico, instalar un universo, y exprimir la fantasía teatral al máximo".

Alfredo Staffolani, dramaturgo y director

"El texto es inteligente, político, insolente. Las actuaciones bri-

llantes y la dirección muy acertada".

Matilde Campilongo, actriz

"El trabajo actoral de Yanina Gruden y Stephanie Petresky va más allá de cualquier motivación narrativa. Caribe, pura fe en la potencia del disparate".

Milena Rivas, La Primera Piedra

"Con una dosis de humor negro y referencias a la cultura noventera argentina, dónde se nota como la crisis del menemismo está presente ya que es el trasfondo social. Katia Szechtman dirige una eléctrica y tragicómica historia, dónde las actrices irán en constante movimiento hasta el inminente final".

Daniel Álvarez, La Butaca Web

"Una excusa maravillosa para reírse a lo grande, sobre todo a los que crecieron durante los 90s. La obra comienza con una estética de comedia clásica y a medida que avanza la trama roza el melodrama y desemboca en una especie de desorden exponencial que recuerda un poco al estilo de Batato Barea. Con la dirección de Katia Szechtman, la obra logra tratar un tema sensible como es el rol de la

mujer en todos los tiempos. Las actrices dan todo de sí; un verdadero placer verlas actuar". Gabriela Maggiolo, Espectáculos de Acá

"La cotidianidad de dos cajeras de supermercado sirve para que las actrices Yanina Gruden y Stephanie Petresky pongan en escena un retrato por momentos desbordado de los años del consumismo voraz".

Laura Gómez, Página 12

"Si bien “Caribe” parte de “Las criadas”, deviene en una obra singular, divertida, que da cuenta de una época, de sus ilusiones y sus miserias".

Revista MU

PRENSA Mutuverría info@mutuverria.com

Geraldine Farhat protagoniza este unipersonal dirigido por Zaida Mazzitelli, que habla sobre el primer femicidio de la aristocracia argentina

Todos los sábados a las 21:30 hs.) se presenta el unipersonal “FELICITAS, O LAS NIÑAS MUDAS” en El Jufré Teatro (Jufré 444, CABA).

La obra escrita por Adriana Tursi, que habla sobre el primer femicido de la aristocracia argentina, el de Felicitas Guerrero, es protagonizada por Geraldine Farhat, quien también compuso la música original, y dirigida por Zaida Mazzitelli.

Completan el equipo creativo

Claudio del Bianco en la puesta de luces, Sabrina López-Hovhannessian en escenografía y realización e Iraitz Gómez Cabrera como asistente de dirección.

Una vida marcada por la tragedia “FELICITAS, O LAS NIÑAS MUDAS” cuenta la historia de Felicitas Guerrero, adinerada dama porteña de fines del siglo XIX.

Con tan solo 18 años contrajo matrimonio con Martín de Álzaga, de 50, un estanciero y comerciante, considerado uno de los hombres más ricos de la época. Se trató de un casamiento arreglado por los padres de la joven en un contexto donde las mujeres

C.A.B.A.

debían obedecer las directivas de los varones de la familia. Sin voz, consideradas una propiedad, el destino de las mujeres estaba sellado desde pequeñas: la casa y el cuidado de los futuros hijos.

La vida de Felicitas ya estaba predeterminada. Tuvo dos hijos, ambos murieron. Su esposo también. Encontró el amor en medio de la tormenta. Acarició la dicha, se imaginó reparada, feliz. El 29 de enero de 1870, día en que iba a anunciar su compromiso, Felicitas Guerrero de 25 años fue muerta por un varón, asesinada por la espalda por un hombre que decía amarla.

Uno de los primeros femicidios en tener repercusión pública. El ataque se produjo a plena luz del día, en una casa repleta de invitados que pertenecían a las familias más acomodadas de Buenos Aires.

FELICITAS, O LAS NIÑAS MUDAS de Adriana Tursi Actúa: Geraldine Farhat Diseño de Luces: Claudio del Bianco Escenografía y Realización: Sabrina López-Hovhannessian Música original: Geraldine Farhat Asistente de dirección: Iraitz Gómez Cabrera Prensa: BMZ Comunicaciones Dirección: Zaida Mazzitelli i Todos los sábados a las 21:30 El Jufré Teatro Jufré 444 CABA Duración: 50 minutos BMZ Comunicaciones shows@bmzcomunicaciones.co m.ar

ESTRENÓ

Jardín fantástico

Con dramaturgia y dirección de Agostina Luz López

El pasado sábado 17 de septiembre se estrenó Jardín fantástico, escrita y dirigida por Agostina Luz López. La obra es un recorrido por Zelaya guiado por diez adolescentes. El público podrá moverse al mismo tiempo que ellos se mueven, espiando sus modos y formas. Las funciones serán los sábados y domingos a las 18 horas, en Zelaya 3134, una sala en el fondo de un jardín en el Abasto. Entradas por Alternativa.

“Hacía mucho que tenía ganas de trabajar con adolescentes. Me interesa esa edad donde la vulnerabilidad aflora porque no está ensayada una personalidad, porque hay algo que no está fijo y en ese tamborileo lo más genuino se revela. Se juntó con otro deseo que era hacer una obra en Zelaya. Zelaya es un espacio que dirigimos con Federico León, en el que organicé muchas lecturas donde escritorxs recitan sus textos en el jardín de la casa-teatro. Los elementos que componen el jardín: las plantas, el ceibo, la pileta, la cabaña del fondo están muy internalizados en mí y por eso fue fácil armar un recorrido que los fuera incluyendo como islas en donde estxs adolescentes viven y conviven creando su propio universo. Pero no solo utilicé el jardín para este recorrido sino

también la casa y la sala de teatro-cine. Cada espacio es usado de una manera distinta a cómo la habíamos usado antes. Fue como redescubrir cada lugar como territorio de creación”, Agostina Luz López Sinopsis

Un grupo de adolescentes decide dejar de lado sus familias para reunirse en una casa-jardín con el fin de inventar y experimentar una nueva forma de vivir juntos.

Jardín fantástico es una escritura en voz alta de este grupo de estudio, un diario íntimo colectivo donde se postulan pensamientos adolescentes sobre qué es la amistad, la familia y el amor.

Una instalación en un espacio real que utiliza la fantasía para ensayar nuevas realidades que se proponen como alternativas frente a este mundo herido.

Ficha artística técnica

Actúan: Antonia Brill Perrotta, Catalina Burak, Sofía Guerschuny Pesci, Giulia Heras, Jacinta Perez Berch, Carolina Paula Rojas, Catalina Pietra, Noah Salamanca Tola, María Luz Silva, Lina Ziccarello. Vestuario: Mariu Fermani Arte: Mariana Tirantte MiráBA 196

LAPLATA C.A.B.A.

Asistente de arte: Imanol López Luces: Leandro Orellano

Video: Vladimir Durán y Maximiliano Passarelli Asistencia de video: Sofía Martínez Durán Fotos: Ignacio Iasparra y Mariana Papagni Foto de afiche: Mariana Papagni Diseño gráfico: Catalina Perez

Andrade Prensa: Marisol Cambre Asistencia de dirección y colaboración dramatúrgica: Ana Montes

Producción: Poppy Murray Texto y dirección: Agostina Luz López

Estreno sábado 17 de septiembre a las 18 horas

Funciones: sábados y domingos a las 18 horas Zelaya 3134 - Abasto - CABA Entradas por Alternativa teatral Entrada: $1200 - Duración: 70 minutos

Hasta el 13 de noviembre Prensa Marisol Cambre prensa@marisolcambre.com.ar

"Transoceánicas"

"juego de espejos entre el teatro y la vida"

Dramaturgia: Patricia Zangaro. Dirección: Carlos Ianni

Con Ana María Castel, Guido D Àlbo, Teresita Galimany, José María López

Escenografía: Félix Padrón. Diseño de iluminación: Soledad Ianni. Diseño sonoro: Beatriz Vaca Campayo. Pre-producción: Mercedes Kreser. Asistencia: Luis Emilio Cerna. Dirección: Carlos Ianni

Transoceánicas pone en diálogo el teatro de Griselda Gambaro y el de José Sanchis Sinisterra.

CELCIT en complicidad con Vuelta de tuerca (España), con el apoyo de Iberescena, Instituto Nacional del Teatro y Fondo Metropolitano de Cultura

Sinopsis

Transoceánicas pone en diálogo el teatro de Griselda Gambaro y el de José Sanchis Sinisterra.

El proyecto: Un solo texto, dos montajes por dos directores distintos, con elencos distintos y un mismo concepto espacial y lumínico. Estreno en Buenos Aires: agosto

Transoceánicas se propuso inicialmente como una puesta en diálogo entre el teatro de Griselda Gambaro y la teatralidad menor de José Sanchis Sinisterra. Abordar la dramaturgia del proyecto suponía un desafío cuando menos temerario, no sólo por la envergadura dramá-

tica y poética de las obras en cuestión sino también por la profunda admiración que me inspiran sus autores y por la amistad que me une a ellos desde hace al menos treinta años. A poco de andar, el pudor y el peso de la responsabilidad fueron cediendo el paso a un viaje imprevisto, durante el cual me dejé llevar por sus voces hacia un territorio poblado de espejos, en el que el océano puede reflejar las luces y las sombras de dos orillas remotas, pero también las similitudes, las diferencias y las contradicciones de dos modos de estar en el mundo y de concebir la escritura. Una travesía en medio de la incertidumbre que habitamos, cuyo único horizonte claro de

sentido es el teatro, ese rito milenario en el que seguimos encontrándonos para descifrar el inescrutable misterio de nuestra condición humana.

Patricia Zangaro

Encaro Transoceánicas, en primer lugar, como una suerte de homenaje a dos de los más grandes dramaturgos iberoamericanos contemporáneos, quienes, a través de una vasta producción han iluminado zonas oscuras de nuestra realidad y nos han impulsado a transformarla; nos han mostrado distintas formas de contar, alejadas de convencionalismos y clichés; que han jugado, y nos han llevado a jugar, a zonas limítrofes del teatro; que nos han desafiado a encontrar nuevas teatralidades, siempre comprometidos con la sociedad y el tiempo que nos toca vivir. Además, concibo la tarea de Patricia Zangaro con los textos, a veces intervenidos de Griselda Gambaro y José Sanchis Sinisterra (más algunas escenas de su propia cosecha), como un diálogo entre esos mundos, a veces apoyándose, integrándose y, otras, desafiándose, contradiciéndose; hilvanándose a través de dos personajes entrañables como imagino a ELLA y ÉL. Siento un enorme privilegio y una inmensa responsabilidad al asumir la tarea de ponerlo en escena en Argentina. A priori, imagino una puesta austera que coloque en primer plano el texto apoyándose en el juego creativo de las actrices y actores, donde la luz, la música y los estímulos sonoros tengan particular rele-

vancia; un espectáculo en apariencia sencillo -que sabemos es lo más complicado de plasmarque asombre, emocione, nos haga pensar y cuestionarnos, divirtiéndonos.

Carlos Ianni

"Transoceánicas"

Ficha técnica Dramaturgia: Patricia Zangaro

Con Ana María Castel Guido D Àlbo

Teresita Galimany

José María López

Escenografía: Félix Padrón Diseño de iluminación: Soledad Ianni Diseño sonoro: Beatriz Vaca Campayo Fotos: Martín Siccardi Pre-producción Mercedes Kreser Asistencia: Luis Emilio Cerna Dirección: Carlos Ianni FUNCIONES

Sábados 19 hs. Entrada: $ 1.000. Estudiantes, jubilados y docentes: $ 800 Entradas con tres semanas de anticipación CELCIT. Moreno 431. correo@celcit.org.ar Comprar entradas Quienes tengan más de 65 y menos de 25 años están invitados gratuitamente a cualquiera de nuestros espectáculos. Deben reservar su entrada, traer el DNI y ¡disfrutar de la función!

"Transocéanicas se vuelve una pieza imprescindible para aquellos seguidores y admiradores de la obra de Gambaro y Sanchis;

pero también es una obra que toca distintos aspectos de la vida, hilvanados de manera amena, aunque con mucha profundidad, propio de los autores retratados."

Emiliano Delio. Algo pasa, Buenos Aires

"Transoceánicas es una intimidad que Patricia Zangaro consiguió con maestría"

La pieza reproduce un diálogo a las dramaturgias de Griselda Gambaro y José Sanchis Sinisterra Por Carlos Pacheco. La Nación

Se estrena en el Celcit un espectáculo que pone a dialogar los universos teatrales de Griselda Gambaro y el español José Sanchís Sinisterra. Por Cecilia Hopkins. Página 12

"Patricia Zangaro indaga en un encuentro ficcional entre Griselda Gambaro y José Sanchis Sinisterra"

Transoceánicas marca el regreso de la gran dramaturga a los escenarios porteños y, reflexiona sobre su trabajo, la evolución de la escena porteña y los puntos en común entre estos dos grandes autores de España y la Argentina

Por Carlos Pacheco. La Nación

Las actividades del CELCIT han sido declaradas de Interés Cultural por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires

CELCIT Moreno 431, (1091) Buenos Aires. Argentina. (5411) 43421026 | correo@celcit.org.ar 199 MiráBA

ESTRENO EN ARGENTINA

VITALICIOS

FUNCIONES:

A partir del 9 de octubre: domingos a las 20.30h Teatro El Crisol Malabia 611 Entradas: https://bit.ly/3ROfXbP

SINOPSIS

En el quinto subsuelo de una sórdida dependencia estatal, tres empleados repasan los

nombres que figuran en una larga lista de personalidades artísticas para llevar adelante la misión que se les asignó: reducir la nómina de los Premios Vitalicios, porque en épocas de vacas flacas, hay que cortar por lo sano.

Autor: José Sanchis Sinisterra Actúan: Cecilia Cósero, Pablo Flores Maini y María Rosa Frega Dirección: Mónica Benavidez

FICHA ARTÍSTICO TÉCNICA:

Escenografía: Eduardo Spindola. Vestuario: Jorgelina Herrero Pons. Luces: Horacio “Chino” Novelle. Musicalización: Sergio Klanfer. Diseño gráfico: Leandro M. Correa. Fotografía: Ana María Ferrari. Asistencia fotográfica: Walter César Remus. Prensa: Paula Simkin. Asistencia de producción: Rocío Cárcano. Asistencia de dirección: Claudia Díaz

La obra de José Sanchis Sinisterra, protagonizada por Cecilia Cósero, Pablo Flores Maini y María Rosa Frega y dirigida por Mónica Benavidez, busca visibilizar la única realidad vitalicia de los trabajadores de la cultura: La fragilidad en la que viven, sometidos a constantes “ajustes presupuestarios” y se pregunta ¿y si un día no quedan ni los artistas?

José Sanchis Sinisterra Dramaturgo español

Es autor de más de cincuenta textos teatrales, entre originales, adaptaciones y dramaturgias, algunos inéditos, muchos estrenados por EL TEATRO FRONTERIZO, y parte de ellos traducidos, estrenados y/o publicados en Francia, Alemania, Inglaterra, Portugal, Italia, Grecia, Bélgica, Holanda, Suiza, Rusia, Eslovenia, Suecia, Dinamarca, Bosnia-Herzegovina, Ex-Checoslovaquia, Marruecos, Turquía, Lituania, etc. Varias de sus obras se representan regularmente en diversos países de América Latina (México, Brasil, Colombia, Venezuela, Argentina, Uruguay, Chile, Ecuador, Bolivia, Cuba, Nicaragua, Costa Rica, Perú, etc.)

Mónica Benavidez

Directora teatral Como directora llevó a escena textos de grandes dramaturgos, clásicos y contemporáneos, como Strindberg, Ibsen, JeanLucLagarce entre otros. Desde el 2010 además se desempeña como productora ejecutiva y artística en proyectos teatrales. Entre algunos de los directores y artistas para los cuáles realizó producciones se encuentran: Oscar Barney Finn, Osmar Nuñez, Román Podolsky, Claudio Da Passano, Virginia Innocenti, Diego Vila, Felicitas Kamien, Héctor Oliboni, Luciano Suardi y Alejandra Rubio. En la actualidad dirige “Algo de Ricardo” de Gabriel Calderón, unipersonal con Osmar Nuñez, en su tercer año en La Carpintería Teatro; este espectáculo ade-

más participó del Festival Teatro X la Identidad 20 años, (septiembre 2021, en el Teatro Nacional Cervantes).

DIJERON DE VITALICIOS:

Héctor Puyo (Telam): “La actriz María Rosa Frega descuella como una empleada pública con ínfulas de jefa en "Vitalicios", una obra del español José Sanchís Sinisterra que dirige Mónica Benavidez y cuyo elenco se completa con los efectivos Cecilia Cósero y Pablo Flores Maini.

Aunque el autor sea español el asunto no resulta ajeno a la Argentina, donde, entre otros ministerios, el de Cultura se fusionó alguna vez con otras cosas y se convirtió en Secretaría, como prometen volver a hacer algunas cofradías que intentan regresar: si no produce ganancias, lo cultural es deficitario, indeseable e incluso peligroso.

Por eso ese largo juego de reprobaciones y aprobaciones que abre la acción de la obra, que por otra parte tiene una formidable escenografía de Eduardo Spindola, que en su desprolijidad transforma esa oficina en una cárcel de la que será muy difícil salir.”

Fernando Casiraghi (Cultura del Ser): “El magnífico texto de Sanchis Sinisterra se potencia con la puesta y la dirección de Mónica Benavidez y la impecable actuación de Cósero, Frega y Flores Maini que le imprimen agilidad y resaltan su significación. Una interesantísima experiencia teatral, divertida y a la vez profunda que recomendamos, con énfa-

sis, no perderse.”

Mariángeles Sanz (Luna Teatral): “Cuando avanzamos hacia la sala, la puesta nos presenta una escenografía de estantería atiborradas de carpetas, diferenciadas por disciplina artística, más carpetas que se amontonan en el piso, y dos escritorios: el de Adrianita y el de Carlota, la joven y la experimentada empleada, que sostienen una relación tensa. Entre ambas la figura de Basilio, que deja entre las dos mujeres, una estela de sensualidad que intenta sostener su hombría. Las actuaciones de Cecilia Cósero, Pablo Flores Maini, y María Rosa Frega, son muy buenas en la construcción de esos seres hundidos en su propio barro, desde sus voces y sus cuerpos nos hacen ingresar en el secreto que su tarea requiere, para luego ser testigos de un malestar existencial, el deterioro de una situación que los va como a las carpetas descartando sin piedad.”

Maby González ("ACOMPAÑAME"): “Una vez más Mónica Benavidez nos interpela desde su puesta, capitalizando textos que remiten a una "triste" realidad que nos toca muy de cerca. Para ello, se vale de la interpretación de actores de trayectoria como son María Rosa Frega, Pablo Flores Maini y Cecilia Cósero quienes dan credibilidad a sus personajes. Tres seres que luchan por sobrevivir a la estructura abusiva y arbitraria del régimen.”

LAPLATA C.A.B.A. Jorge Nicosia: “Un alegato sobre 201 MiráBA

el escaso valor que tienen la actividad cultural y sus hacedores para la burocracia estatal que ejecuta las instrucciones del poder, y que se verifica al entender como un mero costo el apoyo a las expresiones artísticas que forman parte imprescindible de nuestra vida en comunidad.”

Daniel Viola (Agenhoy Radio):

“…Qué excelente obra, actual y con un humor exquisito. Tres empleados públicos trabajan en el quinto subsuelo. La actuación de María Rosa Frega, Pablo Flores Maini y Cecilia Cósero impecable en esas caracterizaciones que realizan. Preciosas actuaciones. Con ajustada y perfecta dirección (…) de Mónica Benavidez hace de un estilo de actuación un rescate de nuestra tradición actoral, cercano al grotesco (…) Nos hace reír y sonreír durante toda la obra, para que llegando al final la sonrisa sea una triste mueca. Pasarla bien, divertido y entretenido: pero nunca distraído (…)”

Stella Matute (Tenerte al tanto): “Los tres personajes están literalmente encerrados en un quinto subsuelo y su único contacto con el exterior es un montaplatos, un altoparlante y un Handy pero eso lejos de llamarles la atención los enaltece en su tarea. El humor con el que Mónica Benavidez a abordado la temática, ayuda al público a soportar lo angustiante del profundo plateo de la obra: ¿cuándo pasamos para el Estado de ser imprescindibles a una prescindibilidad im-

piadosa? ¿En qué cambio aleatorio –y azaroso- de mirada podemos quedar fuera del sistema? Sobre todo si de Cultura se trata…

Después de la carcajada, el sabor es amargo. Muy amargo.”

Miguel Effter (FM UB Universidad de Belgrano): “Una obra intensa y vibrante. Dramaturgia de José Sanchis Sinisterra que profundiza la realidad de una sociedad sometida por el autoritarismo en favor del Mercado, universalmente expresado, para favorecerlo en detrimento del arte de las naciones, promoviendo achicar los gastos públicos en su beneficio, lo que se entiende como una estafa al valor cultural artístico de cada nación.

Excelentes interpretaciones de Cecilia Cósero, Pablo Flores Maini y María Rosa Frega, con toques de humor ácido e hilarante, propios del autor español. Inmenso alegato de la mala burocracia, direccionada a favorecer al capitalismo cultural. Acertada dirección de Mónica Benavidez.”

Verónica Baston (La Vanguardia Online): “Absolutamente recomendable (…) Carlota, Basilio y Adrianita se encuentran para hacernos reir y hasta el final sorprendernos cada vez más, con una sinergia actoral impresionante y creando vínculos de lo más extraños (….). Vitalicios funciona como un metrónomo: cada tantos párrafos nos recuerda que el ámbito del Arte y la Cultura, lamentablemente, para un Estado Burocrático X,

no significa más que maquillaje, humo y embauque (….). Esta obra me impactó en el alma y en la conciencia muy profundamente (…) Excelente labor actora, de dirección, de escenografía, de producción teatral completa (….)”

Ludmila Salazar: “…Sin duda es una obra que invita a pensar, a reflexionar, a darnos cuenta de que somos cómplices y artífice de los manejos del estado y el lugar que se le deja al arte en el tiempo. “El fantasma del Mercado” dicen, nuestro gran enemigo, ya no queda lugar para la lucha entre partidos, todo es un acto político y todos sufrimos el riesgo de perder ante una fuerza tan grande y fuera de nuestro alcance como El Mercado (…)”

Emiliano Delio (AlgopasaBuenosAires): Vitalicios, una obra contemporánea, que transcurre en una oficina pública encargada de asignar presupuestos a diversos trabajadores de la cultura. El clima estatal de esta comedia dramática está muy bien logrado, donde sobresalen las actuaciones de los tres personajes interpretados por María Rosa Frega, Cecilia Cósero y Pablo Flores Maini La dramaturgia, escrita por el prolífico español José Sanchis Sinisterra, es perfectamente adaptable a la realidad argentina contemporánea, donde por décadas se priorizó el ajuste económico por sobre las personas.

PRENSA: Paula Simkin paulasimkin@gmail.com

SE ESTRENA EL 2 DE OCTUBRE A LAS 20 HS.

NOVECENTO De Alessandro Baricco “La Leyenda del pianista en el océano”

El domingo 2 de Octubre a las 20 hs. se estrena Novecento, “La Leyenda del pianista en el océano” de Alessandro Baricco, protagonizada por Julio Viera.

Música original: Nicolás Di Lorenzo, Vestuario: M&J, Escenografía: Favio Spotorno. Diseño de luces: José Luis Misevich Fotografía: Diafragma 4

Diseño gráfico Banners: Diafragma 4. Flyers, Redes, Dossier: Lorena Ackermann Asistencia de iluminación: Hernán Preii. Prensa: Alfredo Monserrat. Producción ejecutiva: Fabi Maneiro. Dirección: Mónica D’ Agostino.

Las funciones se realizarán todos los domingos a las 20 hs. en el Espacio de Teatro Boedo XXI. Boedo 853. CABA. Entradas en venta: http://www.alternativateatral.com.ar/ Tel/wsp: 11-6555-8986. Duración: 75 minutos. Entrada general: $1200-. Sinópsis: En los años de entreguerras, un transatlántico, el Virginian, recorría las rutas entre Europa y América, con su carga de millonarios, de turistas, de emigrantes…

Tim tooney, trompetista que inte-

gra la banda de música, cuenta la singular historia de su amigo novecento, un pianista extraordinario con una técnica maravillosa, capaz de arrancar notas mágicas, inauditas.

Se hablaba de un inusitado duelo pianístico nada menos que con Jelly Roll Morton, el inventor del jazz…

Se decía que el melancólico pia-

nista había nacido en el barco, del que jamás habría descendido. Se decía que nadie sabía la razón… Alessandro Baricco ha afirmado que a su texto lo considera un relato largo para ser leído en voz alta.

PRENSA Alfredo Monserrat alfredomonserrat@gmail.com

En qué piensan las chicas pobres

Sobre cuentos de Émile Zola Dramaturgia y dirección de Luciano Suardi

Basado en seis cuentos del autor francés Émile Zola, "En qué piensan las chicas pobres“ se propone un cruce con la literatura para bucear en una teatralidad escondida en los relatos, sin resignar su carácter narrativo. Dos actrices se reúnen una tarde para vivenciar una serie de estampas de mujeres en una época de turbulencias e inestabilidad política, económica y social, mostrando diferentes aspectos de sus personajes olvidados que respiran en ambientes represivos y con deseos de una vida mejor. En el prefacio a la segunda edición de su novela, Teresa Raquin, Zola explicita que se había limitado a hacer en los cuerpos de los personajes el trabajo analítico que los cirujanos realizan con los cadáveres; de la misma manera las actrices exponen y se interrogan sobre su deseo de interpretar los personajes en sus cuerpos vivos.

La propuesta supone un entramado entre la narración de ambientes y situaciones y la encarnación personajes femeninos por parte de las actrices, en un pasaje difuso y constante entre el lenguaje de lo literario y su dramatización escénica.

Se propone una serie de estampas de mujeres en una época de turbulencias e inestabilidad política, económica y social, mostrando diferentes aspectos de personajes femeninos donde se respiran ambientes represivos,

abusos y desesperanza en una sociedad hipócrita y controladora.

Se suceden así, la mujer víctima del desempleo del marido y del propio que no tiene para darle de comer a su hija, la niña que tiene hambre y frío en su habitación inhóspita, una marquesa despiadada e insensible frente a la miseria de los otros, la criada abusada, la muchacha explotada en su empleo donde su paga ni le alcanza para llegar a fin de mes, otra mujer explotada en el plano sexual y moral, y finalmente, el deseo de Zola de escribir la historia (y de nuestras actrices de interpretarla) de una mujer considerada fea que se alquila para pasear al lado de una mujer rica y supuestamente resaltar la belleza de ésta. La propuesta supone un entramado entre la narración de ambientes y situaciones y la encarnación de las mujeres descriptas por parte de las actrices, en un juego sutil y pasaje difuso y constante entre el lenguaje de lo literario y su dramatización escénica.

Ficha Artístico/Técnica

Actúan: Mercedes Fraile, Julia Funari Diseño de luces: Ricardo Sica Diseño gráfico: Gustavo Reverdito

SEGUNDA TEMPORADA

Detrás de esa puerta de Rafael Calomino

es una obra original que, incluso, aborda un género que no es tan común en la cartelera teatral porteña: el thriller, con el suspenso y la intriga que lo caracterizan. Este género, además, se sostiene en la trama, pero también en las actuaciones que, en este caso, logran envolver al espectador en una atmósfera oscura y de mucha tensión.

Viviana Kessel para Revista del Abasto:

"Detrás de esa puerta" nos invita a sumergirnos en un juego de imagen y espejo, de estímulo y contraestímulo, entre dos sujetos que se debaten dialécticamente sobre la muerte, sobre la redención, sobre el amor, sobre la inoperancia de la justicia, provocando una simbiosis entre ellos. Un policial psicológico sobre las obsesiones y fantasmas de la mente humana, sumergidos en un juego sin fin donde todo empieza, termina y vuelve a empezar.

Actúan: Pepe Monje, Eduardo Lamoglia, Claudia Mac Auliffe Escenografía: Sabrina López Hovhannessian Musicalización: Martín Pavlovsky Fotografía:

Nahuel Lamoglia Diseño gráfico: Nahuel Lamoglia Asistencia de dirección: Adriana Yasky Producción ejecutiva: Adriana Yasky Dirección: Eduardo Lamoglia

EL TINGLADO TEATRO

Mario Bravo 948 Domingos 15 hs Entrada general: $1500 Duración: 50 minutos Entradas: http://www.alternativateatral.com /obra75761-detras-de-esapuerta

Dijo la prensa: Adriana Santa Cruz para Leedor.com: Sin dudas, Detrás de esa puerta

Un debate dialéctico. Confrontando a modo también de espejo entre ambos temas como la vida: el amor, la justicia y la muerte. Con tres excelentes actuaciones transcurre este recorte de la vida en un policial psicológico que atrapa y permite reflexionar sobre la conducta humana.

Jaime Tarasow Muy ricos, pero estremecedores diálogos, que confirman la inestabilidad anímica en la que estamos insertos. Una muy creativa ficción, muy bien elaborada y desarrollada .

Seguinos en IG: @detrasdeesapuerta

Contacto Adriana Yasky adriana.paula.yasky@gmail.com

Prensa: Claudia Mac Auliffe claudiamacauliffeprensa@gmail. com

TODOS LOS LUNES a las 21 LUNES DE JAZZ

La Biblioteca Café a puro Jazz, presenta, en su 15º año al trío integrado por Angel Sucheras piano, Fede Palmolella contrabajo y Camilo Zentner batería.

Gilberto Gil, Chico Buarque, Milton Nascimento y más! Con Rodrigo Aberastegui en el piano, Miguel Oyuela en guitarra y músicos invitados. Caipirinha 2×1!!

TODOS LOS MARTES a las 20.30

MÚSICAS DE BRASIL

El guitarrista, bajista, compositor y cantante Broder Bastos junto al baterista Camilo Zentner presentan un show de música popular brasilera. Caetano Veloso,

Sábado 1° a las 17 DE SORRENTO A LA BOCA TANGO Y CANZONETTA

Dos lugares diferentes, dos géneros diferentes unidos por una misma temática nostálgica: el amor perdido, el dolor, la soledad… Gisele Torres y Elmo Ottado, acompañados por Ezequiel Dalairac en piano, interpretan tangos rioplatenses y canzonettas napolitanas, conducidos por el relato, en la voz de Edith Margulis, de historias de vida de compositores e intérpretes y situaciones sociales que dan origen a la temática de esta bella música.

Sábado 1 a las 21 PARLAMI D´AMORE CANCIONES DE LA ITALIA ROMÁNTICA – QUINTA TEMPORADA Porque el amor nos salva, porque el amor nos eleva, porque el amor nos transforma. Hablemos de amor! Soñamos, sufrimos y vibramos con las más bellas canciones y canzonettas de todos los tiempos. La soprano Susana Sánchez Laganá nos lleva a recorrer los tiempos de Modugno, Di Bari, Zanicchi ó nos trae imágenes de Cinema Paradiso y El Padrino sin dejar de volar con Bellini ó Tosti. Acompañan otros dos fanáticos del amor: Ezequiel Dalairac al piano y Simón Martins en violín y como invitado especial el tenor Rodrigo Charmiello.

Domíngo 2 a las 17 POR EL CORAZÓN DE ESPAÑA

LO MEJOR DE LA ZARZUELA Guadalupe Malorino, Elena Deanna, Gabriel Rabinovich, con Daniel Cerrini en piano recrean los mas bellos momentos de Doña Francisquita, La Africana, El Caserío, La Tabernera del Puerto, La Revoltosa y otras zarzuelas memorables. Invitado, el tenor Martin Lira.

el teatro griego con el culto a Dionisos y atravesando la interpretación de la generación romántica Nietsche y Hegel. A cargo de la Dra. Mónica Virasoro. Cuarta y última del Ciclo de 4 Charlas con Entrada Libre

Rock Nacional: Litto Nebbia y Moris. Músico, compositor y autor fue influenciado por éstos artistas desde su adolescencia .Dará un recorrido de canciones desde las más conocidas hasta algunas «Perlitas». Profesor, productor musical y cantante logra bucear en las complejas y bellas armonías de Litto y el ambiente profundo en donde recalan las bellas canciones de Moris.

Domíngo 2 a las 20.30

ELETRIO 2022

El EleTrío formado por Eleonora Eubel, cantante, pianista y compositora y dos de los más creativos intérpretes de la música popular argentina, Marcelo Lupis en el violín y Rodrigo Agudelo en la guitarra presentará canciones originales y anticipos de su nuevo álbum.

Lunes 3 a las 18 TRAGEDIA Y DIALÉCTICA UN CURSO DE FILOSOFÍA Una mirada por la tragedia comenzando por sus orígenes en

Miércoles 5 a las 20.30

ALEJANDRO GRAZIANI / 2DA MARATÓN LÍRICA

Arias y conjuntos de ópera, canciones de cámara, canzonettas y otros géneros en esta maratón con grandes cantantes de nuestra escena: Noemi Deluca , Claudia Zuffa, Marta Rossi, Maria Lilia Laguna, Angel Cericchio, Jorge Blanco, Roberto Ali, Javier Mattiozzi, Adriana Torossian, Maria Elena Deanna y más, todos con el acompañamiento pianístico del Maestro Alejandro Graziani!

Jueves 6 a las 20.30

EDU DOMINGUEZ / A LITTO Y MORIS Eduardo Dominguez nos sorprende en ésta oportunidad homenajeando a los dos pilares del

Viernes 7 a las 19

JAZZ X LA TARDE Gustavo Cortajerena trompeta/Dante Carniel piano/ Leo Páez contrabajo/ Camilo Zentner batería. Happy Hour 2x1 tragos y cerveza

Viernes 7 a las 21 CLARA PINTO & POL GONZÁLEZ SONGS & ÓPERA Te invitamos a disfrutar de un repertorio que combina de manera hermosa standards de jazz y musicales con las arias y dúos

más sobresalientes de la ópera. Clara Pinto soprano, Pol González bajo, Gabriela Battipede piano

nos Aires, el pianista y compositor internacional Gabriel Palatchi se reúne con la cantautora y actriz Belén Pasqualini para entonar una refinada selección de himnos amorosos en clave de jazz latino. De Juan Luis Guerra al Paz Martinez, de Concha Buika a Lila Downs, del Cuchi Leguizamón a Djavan. «La Biblioteca Café es un mítico espacio de Buenos Aires, repleta de libros, buena música y buena comida. Si no la conocen, los invito a acercarse para degustar de este espacio; y si ya han visitado La Biblioteca, les garantizamos que este concierto será muy especial y una buena oportunidad para volver.» Belén

Sábado 8 a las 17 CONSTELACIONES

X MILAGROS VETRI

La actriz y productora Milagros Vetri organiza un show acústico donde cinco artistas de distintas disciplinas presentarán su obra, un artista plástico, un músico (flauta irlandesa) dos cantantes, una actriz y una intérprete de poesía en una experiencia para disfrutar con los 5 sentidos.

Domingo 9 a las 17 LA MAGIA DEL CANTO LÍRICO MARIANA ARTAZA Y ELMO OTTADO

Sábado 8 a las 21 BELEN PASQUALINI & GABRIEL PALATCHI PIEZAS DE AMOR LATINO Aprovechando su paso por Bue-

Un concierto integrado por fragmentos de óperas, zarzuelas y música vocal de cámara de famosos compositores tales como Rossini, Donizetti, Bizet, Cilea, Ginastera y Offenbach entre otros. Serán interpretadas en esta oportunidad por la mezzosoprano Mariana Artaza y el tenor Elmo Ottado acompañados en piano por la profesora Rita Casamajor.

Domíngo 9 a las 20.30 PAULUCCI-PRESTA / CON-

Presentación del disco Contando Las Nuestras Desde el año 2010 vienen compartiendo diferentes proyectos, el 2016 los encuentra con una composición juntos, Contando las buenas. En el 2019, surgen nuevas canciones. El 2020 es el año para empezar a grabar, la pandemia los sorprende y el disco que iba a a ser de canciones propias, contemporáneos y clásicos, se transforma en un disco de cosecha propia. Contando Las Nuestras es el resultado de un año y medio de trabajo a distancia y en pandemia. Siete de las diez canciones que integran el álbum, están inspiradas en distintos momentos y climas que se vivían durante el 2020. Las angustias, la incertidumbre, los barbijos. En ese marco es que van surgiendo cada una de las canciones. Reuniones por zoom y pruebas de grabación a distancia fueron dando forma al álbum. La primera presentación se realizó vía Zoom en octubre de 2021. Alejandro Presta en voz y letras. Guillermo Paulucci en piano y composición.

Miércoles 12 a las 20.30

JENN G PLAYS DIANA KRALL La cantante y pianista estadounidense Jennifer Griffith, reciente-

TANDO LAS NUESTRAS

mente radicada en Buenos Aires, recrea el repertorio de Diana Krall., con arreglos musicales propios acompañada por Patricia Grinfeld en guitarra y Athos García en batería.

JAZZ X LA TARDE Gustavo Cortajerena trompeta/Dante Carniel piano/ Leo Páez contrabajo/ Camilo Zentner batería.

Happy Hour 2x1 tragos y cerveza

C.A.B.A.

Jueves 13 a las 20.30

NOCHE FLAMENCA

La Biblioteca Café se viste de Tablao Flamenco con un show de baile, cante y guitarra. Las reconocidas bailaoras Soledad Bustamante y Erica Gigena junto al cante puro de Carmen Montoya y la guitarra de Esteban Gronda nos presentan un recorrido por los estilos más jondos y más alegres del flamenco. Una noche mágica que nos remonta a épocas de cafés cantantes y patios andaluces.

Viernes 14 a las 21

SERRAT A LA CARTA Las canciones mas amadas del Nano, siendo el público quién elige el repertorio, interpretadas por Susana Sánchez Laganá con Ezequiel Dalairac al piano y como invitadxs Rodrigo Charmiello, Graciela Sánchez, Edith Margulis y algunas sorpresas.

conocido y se han inmortalizado casi todos los clásicos que seguimos escuchando, tocando y reversionando hasta el día de hoy. La cantante Silvina Wassington se presenta en un show íntimo y ecléctico con un repertorio de jazz que evoca aquellos primeros musicales y películas taquilleras de los años 40', rememorando clásicos de la gran Ella Fitzgerald, pasando por la inolvidable Judy Garland con temas de George Gershwin, Irving Berlin, Mc Hugh, Henderson y llegando hasta el genial Ennio Morricone con su música para Cinema Paradiso. Entre baladas, blues, un poco de historia y swing, acercaremos la magia de aquellos tiempos. Acompañada en piano por Javier Müller.

Viernes 14 a las 19

Sábado 15 a las 17

MATÍAS TOMASETTO / 3°DEL CICLO DE 4 CONCIERTOS DE CÁMARA CANCIONES ARGENTINAS Matías Tomasetto tenor, Santiago Martinez piano, Joaquín Molejon guitarra.

Sábado 15 a las 21 SIL WASSINGTON JAZZ & MOVIES

A través de las películas hemos

Domingo 16 a las 17 CONCEPTO BARROCO BARROQUIANOS

Daniel Cerini piano Laura Palacios cello, Alfredo Azar oboe, Nerina Grande soprano interpretan grandes obras del período barroco arregladas para ensam209 MiráBA

Domingo 16 a las 20.30

L’ EVASIÓN presenta UNDERTANGO L’ Evasión presenta Undertango, un show que recorre los temas y arreglos que no vas a encontrar en ningún compilado de grandes éxitos de Astor Piazzolla. Haciendo zoom en la música de Astor en la década de los ‘70, el show invita a imaginar aquellas canciones que Piazzolla nunca ejecutó en vivo o lo hizo pocas veces. En Undertango también hay espacio para clásicos, pero abordados desde arreglos de espectáculos en vivo particulares. El show, además, cuenta la historia de Astor y de sus canciones. Integran L’ Evasión Federico Fernández en bandoneón, Sofía Guerrero en flauta traversa, Fernando Audano en piano, órgano y sintetizador, Steve González en bajo, Iván Belinky en guitarra eléctrica y Juan Pablo Quinteros Rivera en batería.

NAVOUR A ELVIS CANCIONES, TEXTOS Y ALGO DE POESÍA Alejo Laclau voz – Julián Costa guitarra

Amores apasionados, amores románticos, amores fatales o luminosos, felices o desgraciados… ¡Cuánto se ha escrito, cuánto se ha cantado al amor en todas sus maneras! Queremos recordar algunas de ellas con estas canciones: desde la siempre vigente La Vie en Rose hasta el desgarro de la pérdida en Je Suis Malade, desde el amor idílico en una isla de los Mares del Sur a la entrega generosa de Bridge Over Troubled Water, desde la sensualidad de Elvis a la idealización de la mujer amada, She…Con palabras de J. L. Borges, I. Vilariño, P. Neruda, J. Prévert.

Leo Páez contrabajo/ Camilo Zentner batería. Entrada al sobre Happy Hour 2x1 tragos y cerveza

Miércoles 19 a las 20.30

PALABRAS DE AMOR, DE AZ-

Jueves 20 a las 20.30 JAVIER SETTI EN BUENOS AIRES

Con equipaje de tangos, acompañado por Moscato Luna de regreso de Europa y Gastón Petrola con los pies en San Telmo Javier Setti cantor, Moscato Luna guitarra, Gastón Petrola bandoneón

Viernes 21 a las 19 JAZZ X LA TARDE Gustavo Cortajerena trompeta/Dante Carniel piano/

Viernes 21 a las 21 PROFUMO DI NAPOLI Una atmosfera creada por el solo idioma: compositores que descubrieron el sonido musical y delicioso del idioma napolitano, canciones que describen amores, celos, traición, alegría y amor a la vida. Estas auténticas obras maestras traspasan los tiempos y a partir del siglo XVIII hasta el siglo XX acompañan la tradición italiana musical de compositores académicos y populares. Música de Mercadante, Donizetti, Rossini, Tosti, Di Capua y muchos otros, comentados y alternados a poesías. Marta Rossi canto y Giovanni Panella piano.

Sábado 22 a las 17 TARDES DE BOLEROS Una ficción musical, en la que dos cantantes, bajo la dirección musical de su maestro de mú-

de instrumentos modernos.

sica, le muestran su virtuosismo vocal con piezas del repertorio lirico a la profesora extranjera Frau Kleiner. Los jóvenes artistas aman también los boleros y le harán conocer a la profesora, este maravilloso género , sin advertir que la música los llevara a enamorarse con la ternura e ingenuidad de la época. Los cantantes: Patricia Douce y Antonio Seoane. El maestro de música Carlos Koffman, Frau Klheiner Silvia Antonick.

Fragmentos de la ópera de Pietro Mascagni en Versión de concierto

Es una historia de amor, celos y muerte. Ambientada en una aldea siciliana durante el día de Pascua, a finales del siglo XIX. Santuzza se preocupa por la conducta de Turiddu, su novio, quien al parecer ha comenzado una aventura amorosa con Lola, mujer de Alfio. Elenco: Santuzza Estefanía Cristal Cedeira, Turiddu Nicolás Sánchez, Alfio Alfredo González Reig, Mamma Lucia Diana Salazar, Lola Lorena Venegas Saavedra, Piano y Dirección Mtro. Daniel Fabián Saito.

Joan Manuel Serrat, en este caso en particular, con una versión muy personal con gran contenido de Latin Jazz. El show es un homenaje que no interpreta temas de estos grandes músicos como se suele hacer, ellos forman parte de las composiciones y arreglos donde se recrea dentro de las canciones, melodías y frases donde están presentes y nos lleva a recordarlos. En este viaje formando parte del trío con gran destreza y trayectoria internacional, Jorge Cerrato «Jato» en bajo de 6 y Juan Merlo en batería.

Sábado 22 a las 21 ALMALUSA-CASADE FADOS

Almalusa presenta su ya clásico espectáculo de fados y música portuguesa, con un intenso recorrido por el fado que nos permitirá sumergirnos en la calidez y la intimidad del género. Integran Almalusa: María Laura Rojas y Dulio Omar Moreno voz, Juan Pablo Isaía guitarra portuguesa, Luis Cativa Tolosa guitarra, Ignacio Long contrabajo.

Domingo 23 a las 17 CAVALERIA RUSTICANA

Domíngo 23 a las 20.30 NANCY STORK /JAZZEANDO MITOS

Un homenaje a través de las composiciones de Nancy Stork TrÍo. Nancy Stork, pianista, cantante, compositora y arreglista, se inspira en aquellos grandes mitos como por ejemplo, Thelonious Monk, Jaco Pastorius, Astor Piazzolla y hasta el mismo

Jueves 27 a las 20.30

JUAN CORNEJO VAMOS TODAVÍA!

Juan Cornejo canta tangos acompañado por Pablo Martinez Zuviría en piano y dirección musical Luis Vázquez en bandoneón y Lionel Mortola en contrabajo.

Viernes 28 a las 19 JAZZ X LA TARDE Gustavo Cortajerena trompeta/Dante Carniel piano/ -

MiráBA

Viernes 28 a las 21

UNA NOCHE CON PIAZZOLLA JULIETA IGLESIAS

La pianista Julieta Iglesias junto a Diego Suárez en flauta traversa, Milagro Soria en violín y Jonathan Miale en violoncello realiza un recorrido por la carrera de uno de los iconos mas importantes de nuestra cultura, presentando algunas de sus obras mas emblemáticas versionadas en cuarteto, trío, dúo y piano solo. Luego de su estreno virtual en Londres durante los festejos del centenario del bandoneonista, este recital promete una noche de excelencia musical, plagada de emociones, pasión y nostalgia. Julieta Iglesias fue recientemente nombrada Embajadora Adjunta de la Fundación Astor Piazzolla

años a los escenarios de Argentina y México con URRUNDIKprotagonista de esta gira - un single y vídeo clip que publicó en octubre del 2020. URRUNDIK habla del exilio vasco en sus diferentes etapas y por distintos motivos pero siempre con parecidos sentimientos y nostalgia de dejar la tierra y el mar atrás sin saber qué depararía el destino, cuánto tiempo se prolongaría el exilio o cuándo sería el regreso. Algo que no ha ocurrido exclusivamente con los vascos sino con muchas comunidades. En ese exilio podemos encontrar a través de los centenares de centros vascos en la Argentina el afán por transmitir su cultura, sus costumbres, su folklore, su lengua, el deporte, … y sobre todo un sentimiento de pertenencia. Un sentimiento que muchos de sus descendientes, sin haber pisado la tierra vasca, mantenían de un modo férreo. Estos descendientes crecieron en Argentina y por eso tienen dos pertenencias, dos identidades, dos patrias. Joseba Gotzon en esta su duodécima gira artística en Argentina ofrecerá también un repertorio de su discografía tanto en euskera como en castellano.

RAHI AUSENCIAS Víctor Torres y Javier Zentner voz – Federico Mizrahi piano. Distintas formas de la ausencia a través de canciones, poemas y fragmentos musicales de diversas épocas. Purcell, Bregovich, López Buchardo, Piana, Falú, Troilo, Zentner conviven con textos de Cortázar, Pessoa, Castillo, Dávalos, Carriego, Toker y Manzi.

Sábado 29 a las 17

JOSEBA GOTZON, en BUENOS AIRES URRUNDIK

El artista vasco regresa tras dos

Sábado 29 a las 21

VÍCTOR TORRES - JAVIER ZENTNER - FEDERICO MIZ-

Domingo 30 a las 17 ADRIANA EFRON /UN VIAJE POR LAS EMOCIONES

Volcar en el escenario una catarata de canciones que atraviesan una vida es el deseo de Adriana. Orígenes, huellas y emociones condimentadas con humor no dejarán de aparecer en este viaje tan soñado. Un espectáculo donde las imágenes, los recuerdos y los idiomas conforman caricias en el alma del espectador. Con la dirección artística del reconocido actor José Luis Arias. La acompañan Willy Pagiatis guitarra y violín, Leo Caldera piano, Diego Freue bajo, Marcelo Heuman percusión.

Domíngo 30 a las 20.30

MANU TERRERO DE LA SALA AL COMEDOR Una noche imperdible con el compositor e intérprete argentino

Leo Páez contrabajo/ Camilo Zentner batería.

Llega el 4to. Festival de Teatro Independiente de la Comuna 15

Desde el viernes 30 de septiembre y durante tres fines de semana, se desarrollará el cuarto Festival de Teatro Independiente de la Comuna 15. Se presentarán once obras teatrales en nueve espacios culturales de los barrios de Villa Crespo, Chacarita, La Paternal, Agronomía, Villa Ortúzar y Parque Chas con entrada al sombrero. El Festival es organizado por el Centro de Atención Comunal, la Agenda Cultural 15 y Amo Villa Crespo.

En 2015, 2016 y 2018 se realizó este Festival de Teatro Independiente de la Comuna 15, un hecho cultural que llega este año con su cuarta edición,

único de estas características en el ámbito comunal. La propuesta, agrupa la labor escénica de los barrios de Villa Crespo, Chacarita, La Paternal, Villa Ortúzar, Agronomía y Parque Chas; y como en sus anteriores ediciones tendrá sedes en cada uno de los seis barrios que componen a la Comuna 15. “De esta manera promovemos la equidad geográfica y representativa del desarrollo teatral de los circuitos de la cultura independiente de la Comuna”, explican las y los organizadores.

Las obras que formarán parte del Festival son: “Zully, recuerdo de visita” de Flora Fe-

rrari; “Las Marías” de Daniela Ruiz; “Meraviglioso” de Marina Barbera y Lucas DI Giorgio; “Porciones de amor” de Omar Mora y Lara Hernaiz; “Reprogramación” de Matías Vitali; “Olinda a las seis y la guía turística” de Soelí Naveyra y Lolo Avegliano; “Canepa, Rauch y yo”, “Brigitte” y “Coaching Sentimental” de Lolo Avegliano; “Bastarda sin nombre” de Cristina Escofet; y “Las Costureras. Un melodrama pueblerino” de Gabriela Ainstein y Renata Aiello.

“Con esta propuesta integradora y comunitaria buscamos visibilizar la oferta de la cultura independiente de la Comuna

Serán tres fines de semana, se presentarán 11 obras teatrales en 9 espacios culturales de los barrios de Villa Crespo, Chacarita, La Paternal, Agronomía, Villa Ortúzar y Parque Chas con entrada al sombrero.

C.A.B.A.

15 y así promover y acercar el mundo del teatro a los vecinos y vecinas de los barrios que la integran, abriendo las puertas de sus espacios artísticos. Con la presentación de once obras de teatro que ofrecen una gama variada de destacados autores y autoras nacionales contemporáneos”, continúan desde la organización del Festival.

PROGRAMACIÓN:

El sábado 1° de octubre a las 20.30hs llega “Las Marías” a Espacio Salvo, Luis Viale 89, en el barrio de Villa Crespo. Dos hermanas se reencuentran en un lugar indefinido. Sus historias están atravesadas por sus relatos, recuerdos de sus infancias y adolescencia.

El domingo 2 a las 19hs será el turno de “Meraviglioso” en C Complejo Art Media, Av. Corrientes 6271, en el barrio de Chacarita.

El viernes 30 de septiembre a las 21hs se presenta “Zully, recuerdo de visita” en El Brío, Av. Álvarez Thomas 1582, en el barrio de Villa Ortúzar.

Zully Moreno regresa a la Argentina tras sus años de exilio en España. La gran diva del cine nacional ya no actúa. Una hipotética oferta para interpretar a Eva Perón en el teatro la llevará a sumergirse en los recovecos de su memoria. Sus orígenes, los años dorados y el abrupto desenlace de un sistema sociopolítico y cultural que las tuvo como “modelo” de mujer, se irán manifestando en una particular entrevista.

Idea: Flora Ferrari Dramaturgia: Gabriel Conlazo y Flora Ferrari Actúa: Flora Ferrari

Un padre patriarcal las vincula al mandato de ser mujer. El perdón a una madre y la muerte inesperada las hará entretejer nuevos desafíos con la esperanza de encontrar la añorada libertad. La obra está inspirada en mujeres que fueron víctimas de violencia de género en donde el poder se construye en estructuras de techos de cristales que responden en vida de cuerpos feminizados.

Un arduo trabajo con una mirada interseccional, vincula al espectador a una profunda reflexión de los privilegios adquiridos y los derechos que faltan conquistar para las mujeres, travestis, lesbianas, trans y cuerpos feminizados.

Actúan: Gabriela Barba Mele y Lorena Cammar Dirección General y Autoría: Daniela Ruiz

Un muchacho. Un varón. Un tipo común. Su casa y todas las generaciones que guarda adentro. Las manías. Sus cosas. La comodidad de la conversación con sus cosas y con quienes ya no están. El sentimiento ancho de ser el único conquistador del hogar. Segundo escolta. Semifinalista. La costumbre del recuerdo. La gomina. El portatraje. El almidón.

Y de pronto, la insoportable interrupción de un pequeño accidente doméstico. Un llamado inesperado. Tal vez, un amor. El deseo enciende la maquinaria, sin embargo, su posible consumación tambalea cualquier prolijidad establecida. Un encuentro imprevisible y el terror de la invasión del territorio, de no estar realmente preparado para el momento. La tragedia de cambiar las cosas de lugar. La construcción de la ilusión de quien va a tocar la puerta y la entrega al abismo, de no saber nunca jamás, ni antes, ni hoy, ni mañana, como es que ese amor llega, de qué

Dirección: Gabriel Conlazo

modo hacerlo pasar, si viene y se va, o permanece.

Dramaturgia: Marina Barbera y Lucas DI Giorgio Actuación: Lucas Di Giorgio Dirección: Marina Barbera

En un pueblo de la costa bonaerense en un futuro inexacto…

Dorita y Yammy, el robot de la casa, esperan el retorno de su hijo Omar tras largos años de silencio. Pero la persona que se fue no es la misma que regresa. Omar ahora es Alina y ella deberá enfrentar su pasado, las reacciones inesperadas de una madre desesperada y, como si fuera poco, las de un robot en cortocircuito…

turno de Humor Femenino Vol. I con “Olinda a las seis y la guía turística” en la librería Malatesta, Gándara 2994, en el barrio de Parque Chas.

Una mujer a la espera del amor de su vida y una guía turística perdida en el laberinto de Parque Chas confluyen en la librería Malatesta.

Por Soelí Naveyra y Lolo Avegliano.

El viernes 7 a las 21hs se presenta “Porciones de amor” en El Hueco de La Paternal.

Bajo la lente del humor y las verdades humanas, Omar Mora, antropólogo del amor, brindará una conferencia dinámica acerca de un vínculo amoroso. Seis porciones de un romance no convencional te llevarán a viajar a través del tiempo.

Autoría y Actuación: Omar Mora y Lara Hernaiz Dirección: Martín Policastro

Reprogramación es una comedia dramática de temática LGTBIQ+ solicitada al autor, Matías Vitali, para el festival Destravarte en 2012, a propósito de la promulgación de la Ley de Identidad de Género. Hoy, a 10 años de su estreno original y de dicha ley, con una puesta y un elenco renovados, se reestrena una obra que combina humor con drama y que desnuda una problemática que penetra hondo en el corazón del espectador.

Dramaturgia y Dirección: Matías Vitali Intérpretes: Martina Nikolle Cordoba Ansardi, Mara González, Marcela Groppa, Alejandro Souto y Matías Vitali

El viernes 14 a las 20hs se presenta Humor Femenino Vol. II con tres micro obras teatrales: “Canepa, Rauch y yo”, “Brigitte” y “Coaching Sentimental” en Espacio Gutenberg, Gutenberg 2799, en el barrio de Agronomía.

Estas tres piezas breves conjugan historias de mujeres que hacen frente a situaciones desesperadas. Cada escena aborda, desde el humor, temas como la soledad, la revancha, el abandono, el recuerdo, el duelo y el amor.

El sábado 8 a las 19hs llega “Reprogramación” a Azul Teatro, Av. Corrientes 5965, en el barrio de Villa Crespo.

“Canepa, Rauch y yo”: Cuenta el vínculo de dos hermanas y un plan delirante para vivir sin apremios económicos.

Por Lucía Castro y Lolo AveMiráBA 216

El domingo 9 a las 18hs será el

LAPLATA C.A.B.A. gliano

Dirección: Pamela Marmissolle

Mil80 Teatro, Muñecas 1080, en el barrio de Villa Crespo.

“Bastarda sin nombre”, propone una renovada mirada sobre la figura de Evita.

“Brigitte” Una mujer busca recuperar el amor de su vida con procedimientos poco ortodoxos.

Por Pamela Marmissolle Dirección: Lolo Avegliano.

Por su bastardía Eva Duarte hizo historia su nombre: dejó manar esa falta, encausándola para los carentes, aquellos que no cuentan en la cuenta del poder.

Tramada en imágenes de intensa belleza, en un lenguaje tan claro como poético la voz de la Bastarda casi furiosa se hace emoción; Eva habla hoy y viene a decirnos un secreto que jamás fue confesado. Solo hace falta escuchar con el corazón.

Autoría: Cristina Escofet Actúa: Roxana Randón Músico: Mateo Margulis Dirección: Javier Margulis

ahí, al menos de a ratos. Una muerte inesperada las empuja a actuar en la búsqueda de la verdad. Cualquier verdad. Caiga quien caiga. Dramaturgia y actuación: Gabriela Ainstein y Renata Aiello Dirección: Lucía Szlak

“Coaching Sentimental”: Dos mujeres guiadas por designios esotéricos buscan el “buen” amor.

Por Sandra Silveyra y Lolo Avegliano Dirección: Sandra Franzen.

El sábado 15 a las 22hs será la última función del Festival con “Las Costureras. Un melodrama pueblerino” en El Crisol Teatro, Malabia 611, en el barrio de Villa Crespo.

SOBRE EL FESTIVAL DE TEATRO INDEPENDIENTE DE LA COMUNA 15

Esta iniciativa nace en 2015 con la intensión de nuclear e integrar a las y los referentes de la cultura en la Comuna 15; acercar la actividad teatral y cultural a los vecinas y vecinas de los barrios; descentralizar la actividad artística de los polos culturales tradicionales; atraer la mirada del público hacia el corazón de la Comuna; integrar la diversidad de las propuestas estéticas; generar identidad cultural propia con la integración de todos sus representantes culturales; promover una política cultural desde abajo, con la gente de los barrios y para la gente de los barrios.

El sábado 15 a las 19hs llega

“Bastarda sin nombre” en

Dos costureras de pueblo, unidas por la costumbre y el aburrimiento, se embarcan en un imaginario que las saque de

Las entradas son al sombrero y se reservan acá: https://forms.gle/wVJNBwFhqH tW3gHFA Prensa Dafne Strobino Niedermaier dafnesn@gmail.com www.agendacultural15.com www.nueva-ciudad.com.ar www.nuestrobarrioweb.com.ar

Cine

SOY CINE y CINEREY, con la participación de ALA NORTE DIGITAL, anuncian el estreno el 6 de octubre de ALGO INCORRECTO Una película de Susana Nieri protagonizada por Eleonora Wexler, César Bordón, Maru Cesanelli y Stella Matute.

SINOPSIS

Mar del Plata, Argentina. Dos mujeres regresan a su ciudad natal: Victoria, para hacer justicia por su hermana denunciando

por abuso sexual infantil a un reconocido juez, y Rosario, quien retorna para ser protegida por él, su padre. Años después, en 2015, con el XXX Encuentro Nacional de Mujeres como tras-

fondo, de manera inesperada sus vidas se cruzan. Victoria decide reabrir la causa que no supo tener condena, pero el fiscal pide además de los testimonios de las víctimas, un testigo

ocular. Investiga y descubre que Rosario regresó a la ciudad más o menos en los mismos años que ella y que tiene dos hijas, piensa que de niña ella podría haber sido ese testigo. Decidida, hace la presentación en tribunales. Como consecuencia de esa decisión, esa noche Victoria es golpeada y amenazada. En estado de ataque de pánico ingresa al hospital donde es atendida por Rosario quien cubre esa noche la guardia de psiquiatría. A partir de este encuentro, se desencadena todo. Rosario, será guiada por las palabras de Victoria, e irá levantando los velos de tan dolorosa verdad tanto tiempo enterrada en su memoria. Observará lo que sucede con su padre, el ex juez, hoy de 75 años y sus pro-

pias hijas, mientras la figura materna participa silenciosa ante el horror. ¿Logrará Rosario denunciar a su padre, el poderoso juez García Avellaneda?

Película declarada de interés por el Concejo Deliberante de la Municipalidad de General Pueyrredón y el ENTUR.

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA

Guión y dirección: Susana Nieri Elenco: Eleonora Wexler, César Bordón, Maru Cesanelli, Stella Matute, María Eva Coria, Daniel Coelho

Producción: SOY CINE/CINEREY con la participación de ALA NORTE DIGITAL Producción ejecutiva: Rodolfo

Durán y Luis Rey Dirección de fotografía: Ricardo De Angelis

Dirección de arte: Sandra Iurcovich (AADA) Montaje: Emiliano Serra Música original: Gabriel E. Bajarlía Se incluyen fragmentos de “Noche transfigurada”de Arnold Schoënberg

Dirección de sonido: Carolina Pérez Sandoval (ASA)

Jefa de producción: Patricia Salvadeo

Asistente de dirección: Yael Szmulewicz Comunicación y prensa: Mutuverría PR Festivales: Liliana Amate

Año de producción: 2022 Duración: 90 minutos.

SOBRE LA DIRECTORA

Susana Nieri es cineasta, activista feminista y doctoranda en estudios de género. Ha realizado integralmente los largometrajes documentales, El toro por las astas, Ella se lo buscó y Gotas de lluvia, un corpus que aborda las violencias contras las mujeres y que han sido proyectadas en festivales de cine, en la TV Pública, en Canal Encuentro y

en diferentes espacios como Universidades, centros culturales. Algo incorrecto, su ópera prima de ficción que continúa esa línea temática, obtuvo el premio WIP del festival La mujer y el cine 2022. Tiene en desarrollo un nuevo largometraje documental La salita, seleccionado por el ODS LAB de Construir

MUBI presenta el nuevo tráiler y póster oficial de THE AFRICAN DESPERATE Una película de Martine Syms

“Una divertida comedia comingof-age color caramelo” Filmmaker Magazine

“Ingeniosa, incisiva, y de lo más atinada, este es un comentario social para el mundo del arte como nunca lo hemos visto antes”

Vogue

“Surrealmente inmersiva, para reír un buen rato” Film Comment

“Divertida, penetrante y muy en-

tretenida”

The Film Stage

En exclusiva en MUBI en ARgentina a partir del 21 de octubre

MUBI, la distribuidora de cine y servicio global de streaming de películas con curaduría, presenta el nuevo póster y el tráiler oficial del ingenioso drama de Martine Syms, The African Desperate. La película se podrá ver en exclusiva en MUBI en Argentina a partir del 21 de octubre de 2022.

The African Desperate sigue a la artista Palace Bryant (Diamond Stingily) en un largo día de 2017 que comienza con su graduación de MFA en una universidad blanca de artes liberales en el norte del estado de Nueva York y termina en una estación de la línea azul de Chicago. Con el fin del verano como exuberante telón de fondo, Palace navega por las trampas de la autorrealización y las falacias del mundo del arte. Con la célebre potencia conceptual, el humor, el comentario social y el vívido len-

guaje visual de Syms, The African Desperate nos lleva a un viaje íntimo y desenfrenadamente divertido a través de pintorescos paisajes y estudios de artistas, desde las críticas académicas hasta los encuentros en el asiento trasero, y desde la

noche de una salvaje fiesta de graduación hasta la mañana de un solitario viaje de vuelta a casa.

The African Desperate se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Rotterdam de este

año y es el debut narrativo de Martine Syms.

Martine Syms es una artista y cineasta que se ha ganado un amplio reconocimiento por una práctica que combina la fuerza conceptual, el humor y el co-

mentario social. Ha realizado numerosas exposiciones, entre ellas, exposiciones individuales en el MoMA, el Museo de Arte de Filadelfia, el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y el Tate Modern. Su obra forma parte de las colecciones públicas de instituciones educativas y artísticas de todo el mundo. Ha recibido numerosos premios que la sitúan en lo más alto de su campo, como el Creative Capital Award, el Herb Alpert Award in the Arts, la beca United States Artists, el premio de la Tiffany Foundation y el Future Fields Art Prize. Ha realizado proyectos por encargo para Prada, Nike, Celine, Kanye West y NTS, entre otros. Forma parte de una banda llamada Aunt Sister y conduce Double Penetration, un pro-

grama de radio mensual en NTS. También dirige Dominica Publishing, un sello dedicado a explorar la cultura negra como tema, referencia, marcador y audiencia en la cultura visual. Syms es la directora de dos largometrajes y varios cortometrajes. Para más información por favor