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SUMARIO

Pág. 6 NOTICIAS / Pág. 28 MI JOVEN VIDA TIENE UN FINAL; Pablo Rotemberg en el Centro Cultural Borges / Pág.32 BACK TO THE ORCHESTRA vuelve de la mano de Damian Malher con HÉROES / Pág.34 UNA SOMBRA VORAZ por Alelí Jait / Pág.36 Desde Portugal llega la nueva edición del elogiado FESTIVAL DE FADO / 40 “EL CURIOSO INCIDENTE DEL PERRO A MEDIANOCHE: The Stage Company volvió con todo" por Irene Bianchi / Pág.42 ODISEA: BAJO EL MAR; Una aventura de teatro inmersivo, títeres gigantes y teatro negro / Pág.46 EL MUSEO ARGENTINO DEL TÍTERE; Un museo vivo, abierto a nuevas generaciones / Pág.50 LITERARIAS / Pág.60 ARTES PLÁSTICAS / Pág.76 MUSEOS / Pág.80 CARTELERA / Pág. 162 MÚSICA / Pág. 210 CINE.

DELFINA la nueva propuesta escrita, dirigida y protagonizada por Pilar Fridman Página 112

Revista MiráBA N. 208 NOVIEMBRE 2026. Revista MiráBA es una publicación mensual de interés general.Director: Ángel Luís Díaz. e-mail: diazal@revistamiraba.com.ar Propietario: Angel Luís Díaz. Ciudad Autónoma de Buenos Aires. República Argentina. Versión digital Registro DNDA 5344536. ISSN 2344-9446 Los artículos firmados y las opiniones de los entrevistados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial y/o dirección. El contenido de los avisos publicitarios es exclusiva responsabilidad de los anunciantes. Se permite la reproducción total o parcial del material gráfico o escrito publicado originalmente en la Revista MiráBA con expresa mención de la fuente. Revista MiráBA en la web: https://www.miraba.com.ar / Contacto: correo@miraba.com.ar / Publicidad: publicidad@miraba.com.ar/ Suscripción digital gratuita: suscripcion@miraba.com.ar

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EL ESCRITOR DE TODAS LAS COSAS

Escrita y dirigida por JAVIER DAULTE y protagonizada por DARÍO GRANDINETTI.

A partir del 8 de enero 2027 y luego de una extensa gira por todo el país se estrenará en a Sala Pabo Picasso del Paseo La Plaza (Avda. Corrientes 1660) la obra El escritor de todas las cosas, escrita y dirigida por Javier Daulte y protagonizada por Darío Grandinetti. Las funciones serán los días viernes y sábados a las 20 h durante enero y febrero. El escritor de todas las cosas propone un viaje íntimo y conmovedor por la vida de un hombre que hizo de la escritura su manera de estar en el mundo. Desde un pasillo olvidado de un teatro, el protagonista reconstruye su historia mientras escucha, a la distancia, una obra que

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él mismo escribió y que se representa una vez más. A lo largo de un monólogo vertiginoso, cargado de humor, lucidez y emoción, la obra explora el poder ambiguo de las palabras: escribir puede herir, separar, matar simbólicamente; pero también puede consolar, acompañar y, a veces, salvar. La escritura aparece aquí despojada de solemnidad y atravesada por la vida cotidiana: frases anónimas, textos funcionales, palabras destinadas a no dejar huella… que sin embargo la dejan. Con una mirada profundamente humana y sin golpes bajos, la obra reflexiona sobre el paso del tiempo, la memoria,

los vínculos familiares, el amor y la necesidad —aun incomprensible— de crear. ¿Para qué escribir? ¿A quién le sirve? ¿Qué responsabilidad implica poner palabras en circulación? El escritor de todas las cosas es una pieza sobre la fragilidad y la potencia de la ficción, sobre el miedo a haber perdido el tiempo y la intuición de que, incluso en los lugares más impensados, las palabras pueden ayudarnos a encontrar alguien. Javier Daulte Las entradas están a la vena y se consiguen por www. plateanet.com o boletería del teatro.

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FUERZA BRUTA fue declarado de Interés Cultural por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires.

La compañía recibió el diploma que reconoce el valor cultural de su espectáculo, en una entrega realizada por la legisladora Rocío Figueroa durante una de sus funciones. Fuerza Bruta recibió el reconocimiento de la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, que declaró de interés cultural su espectáculo por su aporte a la escena artística y cultural. La distinción se concretó con la entrega del diploma a integrantes de la compañía, a cargo de la legisladora porteña Rocío Figueroa, en el marco de una función del espectáculo, con la presencia de Foggia Company, productora del espectáculo. Con una propuesta escénica que rompe los límites del teatro tradicional y combina movimiento, música, tecnología y experiencias inmersivas, Fuerza Bruta construyó un lenguaje propio que trasciende fronteras y conecta con públicos de distintas generaciones. Este reconocimiento pone en valor el aporte de la compañía a la cultura y su manera innovadora de concebir las artes escénicas, convirtiendo cada función en una experiencia que invita al público a formar parte de un universo en

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constante movimiento. Desde Foggia Company, la producción del espectáculo contribuye a sostener y acercar esta propuesta artística al público, acompañando una experiencia escénica que desafía los formatos tradicionales y reafirmando el lugar de Fuerza Bruta como uno de los referentes más singulares de la escena contemporánea.

su vínculo con el público local, Fuerza Bruta se prepara también para llevar su energía a nuevos escenarios con su próxima gira internacional.

UN CLÁSICO PORTEÑO CON PROYECCIÓN INTERNACIONAL

Pero antes de seguir su recorrido por el mundo, Buenos Aires vuelve a ser el punto de encuentro. La ciudad donde Fuerza Bruta dejó de ser solamente un espectáculo para convertirse en un plan que ya forma parte de la agenda, de las recomendaciones y de la vida cultural de quienes viven y visitan Buenos Aires.

A lo largo de los años, la compañía llevó su particular lenguaje escénico a distintos países y escenarios del mundo, convirtiéndose en uno de los proyectos argentinos con mayor proyección internacional. Ahora, mientras continúa consolidando

Durante todo octubre, Fuerza Bruta abre las puertas de la Sala SinPiso para quienes quieran descubrirla por primera vez y también para quienes ya estuvieron ahí. Porque en Fuerza Bruta, volver no es repetir. Es descubrir qué cambió.

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LA GRAN NOCHE DE MARÍA BECERRA:

Ganó tres Martín Fierro de la música y se consagró en las principales categorías.

En la primera edición de los Martín Fierro de la Música, la artista se llevó tres estatuillas y recibió una mención especial por su interpretación del himno nacional argentino en la final del Mundial. María Becerra fue una de las grandes protagonistas de la primera edición de los Martín Fierro de la Música , donde recibió tres premios que reconocen distintas facetas de su carrera: su música, su propuesta en vivo y su lugar entre las principales artistas de la escena argentina. La cantante se llevó el premio a Mejor Artista Femenina, Mejor Show en Vivo/Plataformas por Quimera Show 360° en River

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, el espectáculo con el que llevó su universo artístico al estadio de River Plate y gano en la terna „Mejor Album“ por su tercer proyecto discográfico „Quimera‘ A estos reconocimientos se sumó una mención especial por su interpretación del himno nacional argentino en la final del Mundial 2026, un momento que destacó su participación en uno de los eventos deportivos de mayor alcance internacional. Los premios llegan en una etapa de expansión de su propuesta artística, que tendrá un nuevo capítulo con el QUIMERA TOUR y sus próximos shows 360° en el Movistar Arena con 8 fechas

agotadas en Noviembre y una nueva fecha para febrero. Estos conciertos, llevarán al escenario el universo conceptual de su más reciente álbum, con una puesta inmersiva que combina música, narrativa visual y distintos alter egos, en una experiencia diseñada para conectar con el público desde todos los ángulos. Así, María Becerra continúa haciendo historia en la música argentina, sumando nuevos hitos a una carrera que combina éxitos musicales, grandes espectáculos y el reconocimiento de la industria, como quedó demostrado en esta primera edición de los Martín Fierro de la Música, donde recibió un cuádruple reconocimiento.

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PIMPINELA: Martín Fierro de Platino por su

extraordinaria trayectoria Los hermanos Lucía y Joaquín Galán recibieron el máximo galardón de la primera edición de los Martín Fierro de la Música, en reconocimiento de más de cuatro décadas de éxitos, escenarios internacionales y canciones que atraviesan generaciones.

Hay quienes traspasan el éxito y logran que sus canciones formen parte de la vida de millones de personas. Ese es el caso de Pimpinela, quienes construyeron una identidad artística inconfundible que nació en Argentina, conquistó escenarios de todo el mundo y convirtió las historias de amor, desencuentros y contradicciones humanas en parte de la memoria colectiva de varias generaciones.

más reconocidos de la escena, sus canciones en historias entre ellos María Becerra, y Abel compartidas por millones de personas se reconoce hoy, en Pintos. este premio. EMOCIÓN A FLOR DE PIEL Lucía, por su parte, y siempre Para Lucía y Joaquín, recibir al frente del Hogar Pimpinela este reconocimiento en su país para la Niñez, dedicó sus El pasado 14 de octubre, en tuvo un significado especial. A palabras a la música y a su transformador. “La Madero Tango, los hermanos lo largo de su carrera, Pimpinela poder es absolutamente Galán recibieron el Martín Fierro cosechó importantes distinciones música de Platino, el máximo galardón internacionales, entre ellas un sanadora”, afirmó, al destacar de la primera edición de los Grammy Latino a la Excelencia cómo una canción puede Premios Martín Fierro de la Musical, en una veintena de convertirse en refugio, abrir un Música, en reconocimiento a una países. Sin embargo, el aplauso espacio para soñar y ayudar a trayectoria extraordinaria que argentino ocupa un lugar especial la niñez a sentir que todo es trascendió fronteras, culturas y en su historia, expresó Joaquín posible. generaciones. al recibir el premio, poniendo en palabras la emoción de ser El reconocimiento recibido en La ceremonia reunió a grandes reconocidos en el lugar donde los Martín Fierro de la Música celebra todo lo que Pimpinela referentes de la música argentina comenzó todo. construyó hasta hoy, pero también y rindió homenaje a figuras fundamentales como Palito Una carrera que llevó a Pimpinela confirma algo que sus canciones Ortega, Charly García, Patricia a recorrer América y Europa, demuestran desde hace más Sosa y Raúl Lavié . También contó conquistar públicos de diferentes de 45 años: su historia sigue con la presencia de los artistas idiomas y culturas y convertir viva. Con la misma identidad

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que los convirtió en referentes de la música en español y la capacidad de seguir encontrando nuevas historias para contar, Lucía y Joaquín Galán continúan tendiendo puentes entre generaciones y recordando que algunas canciones no solo forman parte de una época: se convierten en parte de nuestras vidas.

NUEVO SINGLE: YO SABÍA En ese mismo día de celebración, Pimpinela presentó “Yo sabía”, su nuevo single y videoclip, una historia que vuelve a poner en primer plano su sello artístico: la canción hecha teatro. En esta oportunidad, dos personas se enamoran cuando sus vidas parecen no ofrecerles un futuro

en común. Sin villanos ni culpables, la canción explora las contradicciones de un amor verdadero que llega en el momento equivocado. Con dos miradas sobre una misma relación, Lucía y Joaquín vuelven a transformar las complejidades de los vínculos humanos en una historia con la que el público puede identificarse.

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NOTICIAS C H A N T A se consolida como la obra más vista y elegida de la calle Corrientes.

desconcertante. Tan buen chanta fue que terminó convertido en un emblema de esa argentinidad difícil de explicar, pero fácil de reconocer.

Protagonizada por Agustín “Rada” Aristarán, la obra que conquistó al público y a la crítica transita su segunda temporada en Buenos Aires consolidándose como la más vista en todo el circuito comercial según AADET. Ganadora del Premio Estrella de Mar 2026 a Mejor Unipersonal y del Premio ACE 2026 a la Actuación Masculina en Obra de un Solo Personaje, volvió a la cartelera porteña para reencontrarse con los espectadores.

Chanta volvió a la calle Corrientes y logró convertirse en la obra más vista y elegida de este emblemático corredor teatral, el espectáculo protagonizado por Agustín “Rada” Aristarán está atravesando su segunda temporada en el Teatro Astral hasta el 27 de noviembre. El fenómeno teatral, que recibió el Premio Estrella de Mar 2026 a Mejor Unipersonal y el Premio ACE 2026 a la Actuación Masculina en Obra de un Solo Personaje, vuelve a escena con todo el talento y el virtuosismo de Rada, quien despliega su carisma en una pieza que combina humor ácido, ironía, crítica social y una puesta en escena dinámica e impactante. Con dirección de Marcelo Caballero y libro de Mariano

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Cohn, Gastón Duprat y Juan José Becerra, Chanta propone una mirada mordaz sobre las contradicciones de la sociedad argentina, sus ambiciones, sus miserias y sus convenciones. Una comedia negra que, a través de un personaje tan reconocible como incómodo, invita a reírse de aquello que muchas veces preferimos no mirar de frente.

Con monólogos agudos, diálogos incisivos y un ritmo vertiginoso, la obra construye una sátira sobre el paso del tiempo, la decadencia y el absurdo de las convenciones sociales. La puesta en escena acompaña ese recorrido con un escenario en permanente transformación, imágenes que se suceden con velocidad cinematográfica y cambios inesperados que llevan al espectador de lo absurdo a lo poético, y de lo poético a lo patético. Un espectáculo en movimiento constante, donde cada escena abre una nueva perspectiva sobre el universo del protagonista.

El regreso de Chanta al Teatro Astral marca una nueva oportunidad para disfrutar de uno de los unipersonales destacados La historia sigue a Julio de la escena nacional, con Ballesteros, un hombre que, una propuesta que conjuga después de su muerte, repasa la potencia interpretativa de su vida y reflexiona sobre la Rada, una dramaturgia incisiva sociedad y la hipocresía que lo y una mirada tan irreverente rodea. A través de distintas etapas como reconocible sobre nuestra de su existencia, el protagonista sociedad. expone con cinismo e ironía las contradicciones de una sociedad Chanta continúa con temporada en la que el oportunismo, limitada en el Teatro Astral. la ambición y la apariencia Av. Corrientes 1639, Buenos conviven con una naturalidad Aires, Argentina - CABA

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LA PLATA: EL COLISEO PODESTÁ REABRIÓ SU BOLETERÍA PARA LOS PRÓXIMOS ESPECTÁCULOS

junto a los artistas Julián y Juan para este concierto se habilitará Carlos Baglietto, y la actriz el martes 10 de noviembre. Luisa Kuliok. Las entradas ya se Cabe aclarar que los tickets para pueden comprar en la boletería. cada uno de los espectáculos Por su parte, Gabriel Rolón también se pueden conseguir llegará con “Palabra Plena” de manera online a través de la el sábado 28 de noviembre, a plataforma Plateanet. las 21:30 horas. Las entradas estarán disponibles a partir de De esta manera, el Coliseo La atención al público se mañana (viernes 30 de octubre). Podestá comienza a prepararse para un nuevo aniversario, con desarrolla de martes a domingo de 10 a 20 horas; y los días En tanto, Modelo Vivo Muerto una programación artística que feriados de 15 a 20 horas. Los de Bla Bla & Cía subirá a escena invita al público a reencontrarse lunes la boletería permanecerá el domingo 29 de noviembre, a con el teatro y a ser parte de sus cerrada. las 20:30 horas y las entradas 140 años de historia. podrán adquirirse en el Teatro a Más información El inicio de la venta presencial se partir del sábado 31 de octubre. HAGA CLICK AQUÍ hará escalonado, de acuerdo con la reconocida www.coliseopodesta.laplata.gob. cada propuesta artística. En este Finalmente, sentido, el Sindicato Argentino artista Elena Roger presentará ar de Boleros se presentará con su su espectáculo el martes 8 de IG, Facebook y X @ “Velada Sinfónica” el viernes 27 diciembre, a las 20:30 horas. tcoliseopodesta de noviembre, a las 21 horas, La venta presencial de entradas TikTok @teatrocoliseopodesta El Teatro Municipal Coliseo Podestá reabrió su boletería para la venta presencial de entradas para los espectáculos de noviembre. Será un mes especial, en el que se celebrarán los 140 años de historia de este emblemático espacio cultural de la ciudad.

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¡FA! ANUNCIA UNA NUEVA FIESTA EL 30/11 EN C ART MEDIA

Tras agotar las entradas para el show del domingo 8 de noviembre en el Movistar Arena, ¡FA! anuncia una nueva fecha en Buenos Aires. El lunes 30 de noviembre, Mex Urtizberea volverá a reunir música, invitados sorpresa y encuentros inesperados en una nueva Gran Fiesta ¡FA!, con entradas ya a la venta. La respuesta del público no se detiene. Después de agotar las localidades para su próxima presentación en el Movistar Arena, la Gran Fiesta ¡FA!

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anuncia una nueva función en Buenos Aires: el lunes 30 de noviembre, el proyecto tendrá una nueva cita con su público en C Art Media. Con Mex Urtizberea como anfitrión, ¡FA! propone mucho más que un show: es una celebración alrededor de la música, donde las canciones cambian de voz, los artistas se encuentran fuera de sus universos habituales y las sorpresas aparecen cuando menos se las espera. Cada fiesta tiene su propia historia

y momentos que suceden una sola vez. Lo que comenzó como una reunión alrededor de una mesa se convirtió en uno de los fenómenos culturales más singulares de la escena argentina. Con una comunidad que crece en cada presentación y localidades agotadas en distintas salas del país, ¡FA! construyó un espacio propio donde conviven generaciones, géneros y trayectorias artísticas muy diferentes, unidas por el placer

de compartir canciones. A lo largo de sus distintas ediciones, por el universo ¡FA! pasaron algunas de las figuras más destacadas de la música argentina y latinoamericana, entre ellas Lali, WOS, León Gieco, Andrés Ciro Martínez, Soledad, Miranda!, Milo J, Trueno, Nathy Peluso, Dillom, Abel Pintos, Cazzu, Ca7riel, Rubén Rada, Los Auténticos Decadentes y muchos más. Con una banda de excelencia y Mex Urtizberea como anfitrión, cada Fiesta ¡FA! se construye en vivo, sin una fórmula fija. El repertorio, los cruces y las voces que aparecen hacen de cada noche una experiencia

irrepetible, en la que el público también es parte de lo que sucede.

reúne a artistas y espectadores alrededor de una misma celebración.

El presente de ¡FA! confirma el crecimiento de un proyecto que no deja de expandirse. Además de sus próximas citas en Buenos Aires, en enero de 2027 volverá a Mar del Plata y en mayo llegará por primera vez a Europa, con una edición especial en Barcelona.

Con dirección de Nicolás Tolcachier, la Gran Fiesta ¡FA! es una idea original de Mex Urtizberea, Nicolás Tolcachier y Fabiana Segovia, y es producida por 300 Producciones y ¡FA!

Ahora, con las entradas del Movistar Arena agotadas, ¡FA! abre una nueva oportunidad para encontrarse con su público en C Art Media. Una nueva noche para cantar, sorprenderse y descubrir qué sucede cuando la música

Prensa ¡FA! Marina Belinco marinabelinco@gmail.com GRAN FIESTA ¡FA! EN C ART MEDIA Lunes 30 de noviembre de 2026 C Art Media | Av. Corrientes 6271, CABA. Entradas a la venta por Passline

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Premios ACE

UNA NOCHE DE GRANDES DISTINCIONES, EMOCIÓN Y HOMENAJES AL TEATRO ARGENTINO El Teatro El Nacional Sancor Seguros fue escenario de una nueva edición de los Premios ACE, uno de los reconocimientos más importantes de la escena teatral argentina. La Asociación de Cronistas del Espectáculo distinguió a las producciones, actuaciones y profesionales más destacados de la temporada 2025/2026, en una ceremonia que reunió a grandes figuras de la industria.

Ingrid Pelicori se consagró como la gran ganadora de la conmovedores de la noche llegó noche, con el esperado ACE de con el tradicional segmento In Oro, el máximo galardón de la Memoriam, dedicado a recordar premiación. a las personalidades del mundo teatral y del espectáculo que En la previa de la ceremonia, fallecieron durante el último año. las celebridades desfilaron por la alfombra roja con propuestas La emoción se hizo presente que combinaron sofisticación, cuando Julia Zenko interpretó elegancia y originalidad. Entre “Honrar la vida”, en un homenaje estilos clásicos y apuestas que invitó al recuerdo y conmovió más audaces, los looks de los a los asistentes. protagonistas del teatro también se convirtieron en uno de los Una de las novedades de esta focos de atención de la noche. edición fue la entrega de premios especiales a la trayectoria, un La ceremonia estuvo conducida reconocimiento que permitió por Marcela Godoy y Marcelo homenajear las carreras de Olivieri, quienes acompañaron tres figuras fundamentales del la entrega de los premios en una espectáculo argentino. velada dedicada a celebrar el talento y el trabajo de quienes El escenógrafo Jorge Ferrari dan vida a la actividad teatral recibió una distinción por su argentina. extensa labor y su aporte a Uno de los momentos más la escena teatral. También

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fueron reconocidas las actrices Soledad Silveyra y Moria Casán, referentes de varias generaciones y protagonistas de una historia artística que trasciende el escenario. Silveyra no pudo asistir personalmente a la ceremonia, pero se hizo presente a través de un mensaje en video. Además, durante la velada se entregaron reconocimientos a SAGAI, la Sociedad Argentina de Gestión de Actores Intérpretes, y a Marisé Monteiro y Nacho Medina, por su valioso aporte a la cultura. Juntos han construido un camino artístico muy valioso, con producciones como Patriotas, El Libertador, Los hombres de la Independencia y Sarmiento un hombre de dos mundos, acercando el teatro u

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musical a públicos de distintas generaciones. Como sucede cada año, la expectativa máxima estuvo reservada para el anuncio del ACE de Oro, la distinción más importante de la noche. A las 22.50, el galardón fue entregado a Ingrid Pelicori, que coronó así una noche de reconocimientos y celebraciones para el teatro argentino. La nueva edición de los Premios ACE volvió a poner en primer plano el trabajo de actores, actrices, directores, autores, productores y técnicos, reafirmando la importancia de reconocer la diversidad y la vitalidad de la producción teatral nacional. El jurado de los Premios ACE

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está integrado por la presidenta de la institución, Nora Lafón, y su vicepresidente, Carlos Abeijón. También lo conforman Adriana Schottlender, Alejo Álvarez Herrera, Mariano Casas Di Nardo, Catalina Dlugi, Mariano Conterarte, Cristina Durán, Daniel Sousa, Fernando Álvarez, Gustavo Lladós, Jorge Lafauci, Karim González, Laura Díaz Olmos, Lorena Peverengo, Luis Vázquez, Marcela Godoy, Marcelo Olivieri, Mónica Berman, Verónica Pagés, Marcelo Isse Moyano, Julia Bowland y Marita Otero. Una vez más, los Premios ACE celebraron a quienes, desde distintas disciplinas, construyen día a día el presente y el futuro del teatro argentino. FOTOS: Antonio Fernánez

GANADORES PREMIOS ACE 2025-2026 ▪ AUTOR/AUTORA: MARIANO PENSOTTI y GRUPO MAREA (La Obra) ▪ DRAMA Y/O COMEDIA DRAMÁTICA: LA OBRA ▪ ACTRIZ PROTAGÓNICA EN DRAMA Y/O COMEDIA DRAMÁTICA: JULIA CALVO (Misery) ▪ ACTOR PROTAGÓNICO EN DRAMA Y/O COMEDIA DRAMÁTICA: PAULO BRUNETTI (La niña sobre un altar ▪ DIRECCIÓN DE DRAMA Y/O COMEDIA DRAMÁTICA: MARIANO PENSOTTI (La Obra)

TEATRO ALTERNATIVO: ALEJANDRO AWADA (La muerte de un viajante)

▪ COMEDIA: BERLIN, BERLIN ▪ ACTRIZ EN COMEDIA: FERNANDA METILLI (Berlin, Berlin)

▪ DIRECCIÓN EN TEATRO ALTERNATIVO: DANIEL MARCOVE (La muerte de un viajante)

▪ ACTOR EN COMEDIA: DIEGO CAPUSOTTO (Tirria)

▪ COREOGRAFÍA: VANESA GARCÍA MILLÁN (Hairspray)

▪ DIRECTOR EN COMEDIA: CORINA FIORILLO (Berlin, Berlin)

▪ INFANTIL: LA FLAUTA MÁGICA (dirección de Gerardo Hochman)

▪ ACTRIZ O ACTOR DE REPARTO EN DRAMA Y/O COMEDIA: MERCEDES FRAILE (La niña sobre un altar)

▪ MÚSICA ORIGINAL: MARTIN BIANCHEDI (Misery) ▪ ESCENOGRAFÍA: MARIANA TIRANTTE (La Obra)

▪ ACTUACIÓN EN OBRA PARA UN SOLO PERSONAJE: LEONARDO SBARAGLIA (Los días perfectos)

▪ ILUMINACIÓN: DAVID SELDES (Company)

▪ MUSICAL: HAIRSPRAY ▪ ACTUACIÓN FEMENINA EN MUSICAL: (empate) : ALEJANDRA RADANO (Hairspray) – ALEJANDRA PERLUSKY (Billy Elliot) ▪ ACTUACIÓN MASCULINA EN MUSICAL: FER DENTE (Company) ▪ DIRECCIÓN GENERAL DE MUSICAL/MUSIC HALL/CAFÉ CONCERT: FER DENTE (Hairspray) ▪ DIRECCIÓN MUSICAL: GABY GOLDMAN (Billy Elliot)

▪ MUSIC HALL/CAFÉ CONCERT: THE OPERA LOCOS ▪ ESPECTÁCULO DE HUMOR: LLEGAMOS TARDE (Ariel Tarico y David Rotemberg) ▪ OBRA EN TEATRO ALTERNATIVO: LA MUERTE DE UN VIAJANTE ▪ ACTUACIÓN FEMENINA EN TEATRO ALTERNATIVO: INGRID PELLICORI (La muerte de un viajante) ▪ ACTUACIÓN MASCULINA EN

▪ SONIDO: GASTON BRISKY (Hairspray) ▪ VESTUARIO: STELLA MARIS MÜLLER (Anastasia) ▪ REVELACIÓN FEMENINA Y/O MASCULINA: DAMIAN BETULAR (Hairspray) ▪ PRODUCCION: CLUB MEDIA y OLGA (Hairspray) ▪ ACE DE ORO: INGRID PELICORI Alejandro Andolfi alejandroandolfi@gmail.com

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Un viaje sinfónico por el séptimo arte “SOUNDTRACKS: UN SINFÓNICO DE PELÍCULA” datos curiosos que aportarán contexto y enriquecerán la experiencia. Más que presentar cada obra, su participación propone descubrir qué hay detrás de esas músicas que todos Más de 35 músicos de la Orquesta reconocemos y cómo llegaron a Aeropuertos Argentina recorrerán convertirse en parte de nuestra algunas de las bandas sonoras memoria cinematográfica. que marcaron generaciones, en una propuesta interactiva en La propuesta parte de una sencilla: ¿cuántas la que maestros de ceremonia pregunta invitados conectarán la música notas hacen falta para reconocer con historias del cine, humor y una película? A veces, apenas unas pocas alcanzan para que curiosidades. aparezca un personaje, una El martes 3 de noviembre escena y hasta la emoción que a las 20:00 h, el Teatro sentimos la primera vez que la Metropolitan será el escenario vimos. de “Soundtracks: un sinfónico de película”, un espectáculo A partir de allí, el espectáculo que propone redescubrir el se desarrolla como un viaje por cine desde la potencia de una distintos universos: personajes icónicos, aventura y fantasía, orquesta sinfónica en vivo. romance, héroes, oscuridad En escena estarán más de y épica, con la orquesta 35 músicos de la Orquesta como protagonista musical y Aeropuertos Argentina, bajo la FanService conectando cada dirección musical del maestro uno de esos mundos. Néstor Tedesco, junto a Nico Mereles, Martín Mazalán y Meli SOBRE LOS PROTAGONISTAS Zeta, conductores del podcast FanService, quienes asumirán Orquesta Aeropuertos el rol de maestros de ceremonia Argentina y serán el hilo conductor del La Orquesta Aeropuertos espectáculo. Argentina es un espacio No será un concierto sinfónico dedicado al desarrollo artístico y convencional. Entre las distintas profesional de jóvenes talentos piezas, FanService realizará musicales. Dirigida por el maestro Tedesco, destacado breves intervenciones con humor, Néstor docente y historias del cine, anécdotas y violonchelista, Llega al Teatro Metropolitan para volver a vivir el cine a través de la música. Martes 3 de noviembre a las 20:00 h.

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nominado a Mejor Dirección Musical en los Premios ACE 2026 por su labor en Anastasia, el Musical, la orquesta desarrolla un repertorio diverso que integra música académica, rock, tango y grandes producciones sinfónicas. En SOUNDTRACKS, más de 35 músicos estarán en escena para recorrer algunas de las bandas sonoras que marcaron distintas generaciones y mostrar toda la dimensión que adquiere la música cinematográfica cuando es interpretada por una orquesta en vivo. FANSERVICE Nico Mereles, Martín Mazalán y Meli Zeta son comunicadores, creadores de contenidos y artistas que integran Fan Service, un proyecto dedicado al cine, las series, el entretenimiento y la cultura pop. En SOUNDTRACKS serán los maestros de ceremonia y el hilo conductor del espectáculo, aportando la mirada de tres fans que viven el concierto junto al público. A través de intervenciones breves, humor, historias, curiosidades y referencias cinematográficas, conectarán los diferentes universos musicales y sumarán contexto a las obras interpretadas por la orquesta.

La propuesta busca que la música sinfónica y la cultura pop convivan naturalmente, sin solemnidades y con la misma pasión con la que distintas generaciones hicieron propias estas películas. SOUNDTRACKS: UN SINFÓNICO DE PELÍCULA Orquesta Aeropuertos Argentina Dirección musical: Néstor Tedesco Maestros de ceremonia – FanService Nico Mereles Martín Mazalán Meli Zeta Invitado Especial Alejandro Aguilar Asesor de Contenidos y Guión Martín Mazalán Coordinación Escénica, Stage y Diseño Audiovisual Flor Tedesco Producción General Raúl S. Algán y Carlos

Mazalán Producción Ejecutiva Producción Escénica Algán Soporte en Producción Orquestal Verónica Ruiz Administración Maxi Capano Comunicación Digital José Luis “Cuchu” Seco Prensa BMZ Comunicaciones Producción Algán Producción Escénica Mazalán Producciones

sinfónica, contenidos, narrativa y recursos audiovisuales en una propuesta especialmente concebida para acercar las grandes bandas sonoras del cine a públicos de distintas generaciones. PRENSA: Marcelo Boccia BMZ Comunicaciones marcelo@bmzcomunicaciones. com.ar IG BMZComunicaciones

FUNCIÓN: SOUNDTRACKS: UN SINFÓNICO DE PELÍCULA Martes 3 de noviembre de 2026 PRODUCCIÓN – 20:00 h SOUNDTRACKS: un Sinfónico Teatro Metropolitan - Av. de Película es una producción Corrientes 1343, CABA de Algán Producción Escénica Duración: 90 minutos y Mazalán Producciones, con Clasificación: Familiar – Apta producción general de Raúl S. para todo público Entradas: $45.000 a $60.000 Algán y Carlos Mazalán. en la boletería del Teatro El espectáculo reúne música Metropolitan y en Plateanet

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BUENOS AIRES CIUDAD CON HISTORIA Llega la tercera edición de la Semana del Patrimonio de la Ciudad de Buenos Aires

Del 2 al 8 de noviembre, Buenos Aires celebrará su legado histórico con una programación especial en toda la Ciudad. Entre las novedades de este año, habrá una jornada dedicada a la restauración, el Palacio Ceci abrirá sus puertas todos los días y se realizarán visitas al Sitio Arqueológico Escobar-HerreraBlaquier. Del lunes 2 al domingo 8 de noviembre se realizará la tercera edición de la Semana del Patrimonio de la Ciudad de Buenos Aires, en la que participarán numerosas instituciones culturales públicas

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y privadas de la Ciudad. La propuesta tiene el objetivo de promover el cuidado del patrimonio y facilitar el acceso a los bienes culturales materiales e inmateriales, desde la arquitectura hasta los imaginarios y las tradiciones porteñas. Habrá programación en toda la Ciudad, con una variada oferta de actividades sin costo, en su mayoría con inscripción previa. Serán siete días de conferencias, charlas, talleres, visitas técnicoprofesionales, recorridos especiales para niños y adultos, acceso a lugares de trabajo de los especialistas y a zonas habitualmente no abiertas al

público en edificios patrimoniales, sitios arqueológicos, museos y diversos espacios. Entre las novedades, se realizará por primera vez una jornada dedicada a la restauración, prevista para el 5 de noviembre, con propuestas orientadas a acercar al público a las técnicas, procesos y oficios vinculados con la conservación de bienes culturales. El Palacio Ceci, recientemente reabierto, concentrará varias actividades, entre ellas muestras de la Escuela Taller de Patrimonio, conferencias sobre herramientas con la última tecnología en restauración,

charlas sobre la historia de la familia Ceci (en colaboración con la Junta de Estudios Históricos de Villa Devoto) y las artistas que participaron en la construcción del Palacio. Otras de las novedades serán las visitas al solar del Sitio Arqueológico Escobar-HerreraBlaquier, recuperado en julio de 2025 por el Gobierno de la Ciudad tras ser ocupado durante cuatro décadas. Entre las actividades destacadas, durante la primera jornada de la Semana del Patrimonio, el Museo Gardel abrirá al público la Biblioteca Alfredo Le Pera de la Casa Carlos Gardel. A partir de ese día su catálogo estará disponible para consultas y se podrá acceder a los libros de manera presencial, mediante solicitud previa por correo electrónico y asignación de turnos. También habrá visitas guiadas al Palacio Peña, en Casa República, y a la Casa de San Juan en Buenos Aires, Monumento Histórico Nacional donde vivió Domingo Faustino Sarmiento. Además participará por primera vez el Pasaje Rivarola, donde se realizarán recorridos y actividades de diseño, arte, música y gastronomía en los diversos locales y edificios de esta tradicional calle porteña. La Semana del Patrimonio es organizada por el Ministerio de Cultura porteño, en consonancia con los objetivos establecidos por la Ley 1227 de la Ciudad, que proporciona un marco legal y filosófico para la “investigación, preservación, salvaguardia,

protección, restauración, promoción, acrecentamiento y transmisión a las generaciones futuras del patrimonio cultural de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires”. Para esta edición se convocó a las instituciones culturales públicas y privadas de la Ciudad que quisieran participar, ya que la mejor manera de proteger y acrecentar la identidad es compartiéndola. Para ver toda la información de los espacios participantes y las actividades programadas HAGA CLICK AQUÍ

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Pablo Rotemberg en el Centro Cultural Borges

MI JOVEN VIDA TIENE UN FINAL Obra ganadora del Premio Teatro del Mundo Obra nominada al Premio María Guerrero Pablo Rotemberg es Norma Desmond, la mítica protagonista de Sunset Boulevard, la película dirigida por Billy Wilder en 1950. Es una Norma transfigurada, la excusa perfecta para desarrollar ciertos clichés: la negación del paso del tiempo, el horror ante el deterioro del cuerpo, las formas que reviste la locura y, sobre todo, la fascinación por el fin, el crepúsculo y la muerte. ¡ÚNICAS 7 FUNCIONES! SÁBADOS 7, 14, 21 y 28 DE NOVIEMBRE A LAS 20 HORAS - DOMINGOS 15, 22 y 29 DE NOVIEMBRE A LAS 20 HORAS Centro Cultural Borges Viamonte 525, CABA Sala Astor Piazzolla - Entrada libre y gratuitaTodas las funciones son con entrada libre y gratuita. Las entradas se retiran desde una hora antes de cada función en Informes (primer piso) y se entregan hasta dos entradas por persona. El ingreso a la sala es por orden de llegada.

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FICHA TÉCNICA

Performers: Valentín Caringella Ezequiel Posse Pablo Rotemberg Diseño de iluminación: Fernando Berreta Diseño sonoro: Matías Coulasso Pablo Rotemberg Diseño de vestuario: Ivi Zima Realización de vestuario: Luisa Vega C. Eugenia Ghisalberti Diseño y realización de Makeup: Matías Nazareno, La Kuma Coach actoral: Valeria Grossi Entrenamiento vocal: Silvia Juan Bennazar Fotografía: Paola Evelina Gallarato Lucía Gutierrez NINIO RAYO Comunicación y prensa: Mutuverría PR Colaboración artística: Carla Di Grazia Asistencia coreográfica: Candela Mosquera Asistencia de dirección: Rocío Alagastino, Carolina Bergero Dramaturgia y dirección: Pablo Rotemberg Agradecimientos: Eddy García, Ana Pellegrini, Santiago Torricelli, Carola Yulita, Ciro

Zorzoli, Centro Cultural Borges. Este espectáculo cuenta con el subsidio del Instituto PRODANZA. Duración: 55 minutos “En tren de asociaciones libres y saltos históricos, verlos a los tres en acción tiene algo de aquella energía desbordada, de viento huracanado que generaba el power trío compuesto por Alejandro Urdapilleta, Batato Barea y Humberto Tortonese. En esta especie de ritual de despedida, Rotemberg/ Caringella/Posse generan en el espectador un efecto similar.” Alejandro Cruz - Diario La Nación “Rotemberg construye una estética insolente, de raíz posmoderna, que encuentra una curiosa correspondencia con algunos discursos de la vida cotidiana: la grandilocuencia, las certezas absolutas, las ideologías, el tradicionalismo. Todo puede ser sometido al disparate. Incluso una arenga de la lucha contra la opresión.” Martin WUllich - Rock & Pop

como una demostración del enriquecimiento que puede generar el tiempo en un recorrido artístico.” Dulcinea Segura - Revista Llegás “En diálogo permanente entre performatividad y teatralidad, la obra propone una fisicalidad intensa, sostenida por Valentín Caringella, Ezequiel Posse y el propio Rotemberg, quienes habitan un territorio suspendido entre lo que persiste y lo que se extingue. La iluminación de Fernando Berreta y el diseño sonoro de Matías Coulasso junto al director construyen una atmósfera inquietante y precisa, mientras el vestuario de Ivi Zima revela y acompaña la vulnerabilidad expuesta en escena.” Revista Balletin Dance “Rotemberg es un artista que sabe de lo que habla y sabe

cómo decirlo. Una aguda capacidad de reírse de sí mismo que contagia al público, con guiños permanentes al mundillo de la danza, del teatro y del musical. Con una libertad compositiva que, en su caso, está dada por una experiencia de tantos años y tanto bagaje puestos a disposición de la escena, desde el cuerpo, el movimiento, la interpretación y la voz.” Carolina Lázzaro y Luz Lassalle - Música Clásica BA “Los tres tienen una ductilidad enorme: bailan, actúan, cantan, posan, se empujan, caen, se cargan y se sostienen. Pasan de la violencia al absurdo, de la precisión al descontrol y de lo virtuoso a lo deliberadamente ridículo con una naturalidad que hace que todo parezca más fácil de lo que evidentemente es.” Agustina Noriega - Polvo de escena u

“Las imágenes poéticas que compone Rotemberg poseen un gran trabajo sonoro, plástico y dramático, que da cuenta del conocimiento adquirido a través de los años. El espesor compositivo es resultado de su curiosidad profesional y experiencia artística. Su saber está plasmado en escena

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SOBRE LA OBRA El proyecto Mi joven vida tiene un final se centra en una propuesta escénica de carácter híbrida, en la cual se desarrolla un universo ficcional donde la danza, el teatro, la música, el cine y hasta la filosofía, se entrelazan. La propuesta se inscribe en una línea de investigación artística/ estética e ideológica que trae a escena la inquietud humana sobre el tiempo. Desde este marco, y ante la necesidad de investigar la resistencia carnal frente a una sociedad contemporánea signada por el descarte corporal y el culto a lo nuevo, se traza un movimiento pendular entre el pasado y el futuro, la vida y la muerte.

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Este concepto se articula en la obra mediante el personaje cinematográfico de Norma Desmond, mítica protagonista de “Sunset Boulevard”, la película dirigida por Billy Wilder en 1950. En la obra, este personaje adquiere un plano simbólico que expresa, al menos, dos significados a la vez: Norma Desmond, actriz de cine mudo, personaje histórico real interpretado por Gloria Swanson a quien en la transición del cine mudo al sonoro, fue descartada de manera violenta por la nueva industria cinematográfica es, a su vez, el propio Pablo Rotemberg, intérprete, coreógrafo y músico con amplia trayectoria y antecedentes de gran impacto

en la escena nacional e internacional. La propuesta indaga en sentimientos íntimos como el horror ante el deterioro del cuerpo, la negación del paso del tiempo y la violencia implícita en el acto de desechar lo que ya no se considera joven. El proyecto de Rotemberg utiliza la mutabilidad de la piel y la escenificación de un cuerpo al límite para cuestionar la aceleración de un tiempo que ya no es medido por la experiencia carnal generando una resistencia del tiempo y

del espacio. Pablo Rotemberg es director, coreógrafo, músico y docente. Egresado de la Universidad del Cine y del Conservatorio Nacional de Música Carlos López Buchardo. Es titular de Cátedra en la Universidad Nacional de las Artes. Sus obras se han presentado en Europa y Latinoamérica. PRENSA Mutuverría PR info@mutuverria.com

¡ÚNICAS 7 FUNCIONES! SÁBADOS 7, 14, 21 y 28 DE NOVIEMBRE A LAS 20 HORAS DOMINGOS 15, 22 y 29 DE NOVIEMBRE A LAS 20 HORAS Centro Cultural Borges Viamonte 525, CABA Sala Astor Piazzolla Entrada libre y gratuita Todas las funciones son con entrada libre y gratuita. Las entradas se retiran desde una hora antes de cada función en Informes (primer piso) y se entregan hasta dos entradas por persona. El ingreso a la sala es por orden de llegada.

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BACK TO THE ORCHESTRA vuelve de la mano de

Damian Malher con HÉROES el 29 de noviembre en el GRAN REX.

UNA EXPERIENCIA SINFÓNICA de noviembre, a las 20:00, BACK TO THE ORCHESTRA regresa al QUE REIVINDICA LA MÚSICA Teatro Gran Rex con HÉROES, DE NUESTRA INFANCIA una nueva edición que propone El espectáculo que convirtió las volver a vivir aquellas historias, grandes bandas sonoras del cine personajes y melodías que y la televisión en una experiencia acompañaron a generaciones sinfónica regresa a Buenos enteras. Aires con HÉROES, una nueva propuesta liderada por Damian Al frente de esta experiencia Mahler, que suma música de se encuentra Damian Mahler, John Williams y Hans Zimmer, músico y director con una sensibilidad para homenajes a las series de TV particular y un recorrido por las melodías llevar al escenario la emoción de las grandes composiciones inolvidables de los videojuegos. que forman parte de la memoria La nostalgia, la emoción y la colectiva. En HEROES, Mahler potencia de una gran orquesta vuelve a ponerse al frente de sinfónica vuelven a encontrarse una propuesta en la que la en el escenario. El domingo 29 música deja de ser solamente

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banda sonora para convertirse en protagonista: un espectáculo en vivo que busca despertar recuerdos, emociones y esa sensación única de volver, por un instante, a ser aquel niño que miraba una película, una serie o jugaba frente a una pantalla y soñaba con ser el héroe de su propia historia. Con el espíritu de los años 80 y 90 como punto de partida, BACK TO THE ORCHESTRA: HEROES amplía su universo y propone un viaje musical por el cine, la televisión y, por primera vez, también por los videojuegos. La nueva edición incorpora obras

de John Williams y Hans Zimmer, dos nombres fundamentales de la música cinematográfica, cuyas composiciones lograron trascender las películas para convertirse en parte de la identidad emocional de varias generaciones.

otro estará dedicado al universo de los videojuegos, cuyas composiciones dejaron de ser simples acompañamientos para convertirse en auténticos himnos generacionales.

teniendo el poder de hacernos sentir algo.

HEROES es un viaje entre generaciones: un puente entre quienes crecieron con esas películas, series y videojuegos Todo esto estará acompañado por y quienes hoy descubren sus una puesta visual completamente universos por primera vez. diseñada para Una noche para recordar, Y es justamente allí donde la renovada, propuesta de Dami Mahler potenciar el impacto de la música emocionarse y volver a creer, encuentra uno de sus mayores y construir una experiencia aunque sea por unas horas, que atractivos: tomar melodías que inmersiva en la que imagen, todos podemos ser héroes. el público conoce de memoria sonido y memoria se encuentran. SOBRE SIRA y devolverlas al escenario con BACK TO THE toda la dimensión, la potencia Porque no propone En el año 2010 se consolida y la emoción de una orquesta ORCHESTRA solamente escuchar bandas como productora de contenidos sinfónica en vivo. sonoras en vivo. Propone volver artísticos con más de 1000 producidos en HEROES también suma dos a sentirlas. Y bajo la dirección de conciertos segmentos especiales que Damian Mahler y producción de Latinoamérica, Europa, Rusia, amplían el recorrido. Uno SIRA, HEROES convierte ese Estados Unidos, Medio Oriente estará dedicado a las series reencuentro en una experiencia y Australia. La empresa realiza producciones de televisión que marcaron sinfónica de gran escala: una actualmente nuestra infancia, aquellas que celebración de las historias propias en Latinoamérica y se instalaron en la memoria que nos acompañaron, de los España. colectiva y cuyas melodías personajes que admiramos y son capaces de transportarnos de esas melodías que, incluso PRENSA Soy prensa después, siguen hola@soyprensa.com.ar inmediatamente a otra época. El décadas

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Una sombra voraz @alelijait

Continúa el éxito de Mariano Pensotti en Dumont 4040, teatro ubicado en el barrio de Chacarita, Una sombra voraz con las actuaciones de Patricio Aramburu y Diego Velázquez. La obra narra la vida de Julián Vidal, un alpinista que decide continuar con el legado de su padre desaparecido durante una travesía en la montaña; pero algo inesperado sucede en dicho ascenso a las alturas que deriva en la escritura de un libro autobiográfico y capta la atención de una productora para hacer una película con dicha trama.

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Entonces, la obra se transforma en una hiperbolización de una puesta en abismo continua en la que comienzan a abrirse muñecas rusas que contienen el relato del relato. Pero la puesta en escena es lo que modifica la experiencia teatral y denota la marca de su dramaturgo y director Mariano Pensotti.

su parlamento.

La estructura del espacio es cosustancial a la estructura de la obra y a la de los personajes. La división del escenario traza un paralelismo que nos muestra a Julián Vidal relatando su vivencia y al actor, Manuel Rojas, que hace de Julián Vidal repasando

La repetición y la diferencia de narrar con la voz propia la vivencia de otro y encarnarla como un acto personal; la representación y la puesta en juego de lo verdadero y lo verosímil se entrecruzan a la hora de contar una historia: la de Julián Vidal, un montañista que

La vivencia propia como recuerdo que se transforma en fantasía, y la fantasía de retomar y representar el recuerdo del otro permite un cruce que se despliega a través del cuerpo de dos personas que actúan, en sus dos versiones, la travesía.

desea desentrañar un enigma, el de la muerte de su padre. Entonces la relación padre e hijo es la que se pone de manifiesto en un plano, y en otro plano la del protagonista de su propia historia y al actor que protagoniza la historia de otro pero también tiene la suya. El problema a nivel escénico se resuelve con pocos elementos, pero hiperfuncionales y de allí la riqueza de la puesta, que es un narrador más en las obras de Pensotti. Pero el actor no deja de ser actor y el sujeto no deja también de actuar su propia historia, que -a su vez- es la historia de su padre. El minimalismo y la tecnología

son elementos que hacen posible el desarrollo que requiere de destreza física, actoral y apela a recursos de diálogos y monólogos en paralelo ante el desafío de escalar una montaña en un escenario porteño. Si fuera posible deslizar una hipótesis sobre la premisa de Una sombra voraz, sería quizás retomando a A. Artaud: Yo es otro. El sujeto abierto a la otredad y a la experiencia que lo abisma y lo convierte en drama y comedia. Teatro: Dumont4040 Dirección: Santos Dumont 4040, CABA. Funciones: sábados 20 hs. – domingos 18 hs.

Ficha técnica Dramaturgia y dirección: Mariano Pensotti. Elenco: Patricio Aramburu, Diego Velázquez. Vestuario: Mariana Tirantte. Escenografía: Mariana Tirantte. Reposición Puesta De Luces: Facundo David. Luces: David Seldes. Música: Diego Vainer. Fotografía: Sebastián Arpesella. Asistencia de escenografía: Lara Stilstein. Asistencia de vestuario: Lara Stilstein. Asistencia de dirección: Juan Francisco Reato. Producción: Florencia Wasser. Colaboración artística: Florencia Wasser. Dramaturgista: Aljoscha Begrich. Colaboración en producción: Zoilo Garcés.

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Desde Portugal llega la nueva edición del elogiado

FESTIVAL DE FADO

Con conciertos de los famosos fadistas Sara Correia y Camané y varias actividades vinculadas con la cultura portuguesa.

Regresa a Buenos Aires una nueva edición del Festival de Fado, que trae a nuestra ciudad a los mejores exponentes de la bella y reconocida música tradicional portuguesa y que tendrá lugar el sábado 14 y el domingo 15 de noviembre en el Palacio Libertad de Buenos Aires (ex CCK) con entrada libre y gratuita. Esta nueva edición del Festival de Fado estará dedicada a la temática ‘El fado y los barrios’ y contará con la presencia en concierto de los prestigiosos fadistas Camané el día 14 noviembre y Sara Correia el día 15 de noviembre. Además,

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se presentará la película “Do Barrio” de Diogo Valera Silva y la conferencia “El Fado y las Calles de Lisboa” a cargo de Ângelo Freire. CAMANÉ Camané -voz José Manuel Neto- Guitarra Portuguesa Carlos Manuel Proença -Viola Fado Paulo Paz- Contrabajo Considerado “La Voz” del fado, Camané es uno de los nombres más imprescindibles y representativos de la historia del fado y de la música portuguesa.

El primer contacto de Camané con el fado ocurrió casi por casualidad, cuando durante la recuperación de una dolencia infantil se sumergió en la colección de discos de sus padres y descubrió a los grandes nombres del género: Amália Rodrigues, Fernando Maurício, Lucília do Carmo, Maria Teresa de Noronha, Alfredo Marceneiro y Carlos do Carmo. Desde aquel momento hasta su suceso con sólo 13 años en el evento “Grande Noite do Fadode Lisboa” fue solo un paso. En 1995, publicó su primer álbum “Uma Noite de Fados”,iniciando una colaboración con José Mário Branco que perduró hasta la muerte de este músico, productor y

compositor. Siguieron los trabajos “Na Linha da Vida” (1998), “Esta Coisa da Alma” (2000), “PeloDia Dentro” (2001), “Como Sempre, Como Antes” (2003), “The Art Of Camané” (2004),”Sempre De Mim” (2008), “Do Amor e dos Dias” (2010), “Infinito Presente” (2015),”Camané Canta Marceneiro” (2017), “Aqui estáse sossegado” (2019) y “Horas vazias”(2021), su último álbum de temas originales. Camané ha participado en numerosos conciertos, musicales y festivales de referencia, como el Festival “Les Méditerranées à l’Européen” en París o la “Grande Noite”, “Maldita Cocaína” y “Cabaret”, entre muchos otros. Ha sido galardonado con el premio “Amália Rodrigues” en la categoría de mejor intérprete

debut homónimo,Sara Correia, un trabajo que fue ampliamente reconocido por la crítica y que le valió nominaciones a los Premios Play y el premio revelación de Radio Festival. Con su segundo álbum de estudio, en 2021, recibe una nominación al Grammy SARA CORREIA Latino en la categoría de Mejor Álbum de Raíces Portuguesas. Sara Correia -voz Con este “DoCoração” tiene la Ângelo Freire- Guitarra oportunidad de cantar temas Portuguesa de autoras como Luísa Sobral, Diogo Clemente- Viola Fado Joana Espadinha o Carolina Frederico Gato- Bajo Acústico Deslandes, con quien comienza En el año de su debut y tras agotar una relación privilegiada de las entradas del MEO Arena, la intérprete – compositora. A partir sala más grande de Portugal con de ese disco, Deslandes escribirá más de tres meses de antelación, siempre para Sara Correia, canciones a Sara Correia regresa al Festival componiendo de Fado ya con el estatus de medida de lo que la fadista quiere superestrella de la música transmitir al mundo. Así ocurrió nacional. En 2018 lanza su álbum con “OPorquê do Fado”, con u de fado, major álbum de fado y mejor intérprete en los premios Play, premio Tenco, premio Europa David Mourão Ferreira, así como varias nominaciones a los Latin Grammy.

Sara Correia.

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“Chelas” (incluido en el álbum “Liberdade” y que se convirtió en un himno) y con el más reciente “AvisemQue EuCheguei”, que forma parte del nuevo álbum.De la mano de Diogo Clemente, su productor y director musical, Sara Correia ha cosechado premios, galardones, nominaciones y elogios por todo el mundo.Son muchos los artistas que ya la han invitado a colaborar, buscando esa forma única de afrontar la vida, igual que la música. Calema, Pedro Abrunhosa, Israel Fernández, António Zambujo, León Gieco, Dino D’Santiago, Elza Soares, Linn da Quebrada, Paulo Flores, entre muchos otros, son algunos de los nombres con los que ya ha compartido scenario y canciones. Nacida y criada en Chelas, a principios de los años 90, Sara Correia cuenta que, como cualquier persona que haya crecido en un barrio popular, el fado era un bálsamo diario para sus pequeños oídos. Proveniente de una familia de fadistas, desde muy joven tuvo contacto directo con el género y aprendió a escuchar las grabaciones de Amália Rodrigues, Beatriz da Conceição y Fernando Maurício, sus tres grandes fuentes de inspiración. Sara Correia interpretarña en el Festival de Fado su más reciente y cuarto disco Tempestade. CONFERENCIA DE DIOGO CLEMENTE Hijo del fadista José Clemente, realizó sus primeras grabaciones cantando en casas de fado a

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los 6 años y como guitarrista a los 13 años.A los 14 ingresó en el Conservatorio Nacional de Música, el mismo año en que ganó como fadista la Gran Noche del Fado de Oporto.A los 17 años comenzó a dedicarse a la autoría, composición, producción, arreglos y dirección de diversos proyectos hasta la actualidad, con los que ha recorrido el mundo. Ya ha colaborado con Raquel Ta v a r e s , M a r i s a C a r m i n h o

Deslandes, Sara Correia, Marco Rodrigues, Louane, Javier Limón, Montsé Cortés y Mário Pacheco.Conferencia -“La Calle y el Fado”El fado es una consecuencia de la vida, las ciudades, los puertos, las vidas, hacen del fado este periódico del pueblo. Un periódico de las almas.Vamos a contar desde dentro hacia fuera lo intrínseco que es el fado en el día a día de todos los puertos, calles de la Sara Correira- Foto: María Rita.

ciudad y cómo se convierte no solo en influenciado sino que también influye y cura a quien lo toca, así como los diferentes barrios y antros de fado tienen su propio lenguaje, como la vida. Es el espíritu santo presente en el respirar de cada lisboeta, todos tienen el fado a su lado desde hace unos 200 años como amigo. Es el consuelo de héroes y escondidos, abarca todas las almas y todas se sirven de él y le sirven en esta ecuación bella que es Lisboa. CINE: DOCUMENTAL “DO BAIRRO” El documental que conquistó al público y la crítica en el festival Doc Lisboa. La película nos lleva al corazón del centro histórico de Lisboa, Camané.

donde los rufianes del barrio aún se reúnen para contar sus historias. Con una mezcla de raíces culturales, música tradicional y filosofía de causa y efecto, “Do Bairro” invita a descubrir las capas más profundas de estas comunidades. Realización Diogo Varela Silva Producción Diogo Varela Silva y Sebastião Varela Dirección de producción Sebastião Varela Dirección de fotografía Guilherme Daniel Montaje Rita M. Pestana Sonido directo Miguel Coelho Montaje y mezclas de sonido Rodrigo Gomes Corrección de color The Yellow Color Colorista Marco Amaral 75 minutos PROGRAMA Sábado 14 de noviembre 16:00 Palacio Libertad – Piso 4 Conferencia Diogo Clemente “La Calle y el Fado” 17:00 Palacio Libertad– Piso 6 – Sala Cine Film “Do Bairro” de Diogo Varela Silva 20:00 Palacio Libertad –

Auditorio Concierto Camané Domingo 15 de noviembre 19:00 Palacio Libertad – Sala Argentina Concierto Sara Correia SOBRE EL FESTIVAL DE FADO: Ya por su edición número 16 desde sus inicios en Madrid en 2011 (año en que el Fado fue declarado por la Unesco como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad) el Festival de Fado busca promover este arte y, por consiguiente, la lengua y cultura portuguesa a través de países de Europa, Asia, África y Latinoamérica, con artistas de primer orden, conferencias, películas y exposiciones representativas del fado y la cultura portuguesa. El Fado se afirma como una expresión viva, dinámica, auténtica y orgullosa de su historia, pero sobre todo libre de explorar los caminos de su futuro. Prensa Marta del Pino mardepinos@gmail.com @delpinoprensa FESTIVAL DE FADO Sábado 14 y domingo 15 de noviembre con entrada gratuita en el Palacio Libertad. Más info: www.palaciolibertad.gob.ar Programación completa HAGA CLICK AQUÍ

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“EL CURIOSO INCIDENTE DEL PERRO A MEDIANOCHE”: THE STAGE COMPANY VOLVIÓ CON TODO Por Irene Bianchi

El año pasado, tuvimos ocasión de disfrutar de un conmovedor musical en el emblemático Teatro Maipo: “Come From Away”, adaptado y dirigido por Carla Calabrese, al frente de “The Stage Company”. Hoy en ese mismo bellísimo lugar, esta compañía- verdadero ”Dream Team”- deslumbra con otra obra imperdible: “El Curioso Incidente del Perro a Medianoche”, escrita por Simon Stephens, basada en la novela de Mark Haddon, pieza que cosechó numerosos premios al ser estrenada en Londres en 2003, y otros tantos en Broadway años más tarde. Calabrese es nuevamente adaptadora y directora de la versión local de “The Curious Incident of the Dog in the Night-Time.” ¿Por dónde empezar? El protagonista es un adolescente de 15 años, “Cristopher” (Iñaki

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Aldao), dueño de una hiper sensibilidad que lo hace diferente. Si bien esto no se puntualiza en la obra con todas las letras, Cris se muestra como un joven con autismo, condición con la que nos estamos familiarizando más y más en los últimos tiempos. Mientras que Cris tiene una inteligencia asombrosa y una memoria prodigiosa, su capacidad para relacionarse con el mundo es muy limitada, casi nula. Asiste a una escuela especial, evita cualquier tipo de contacto físico, no soporta los ruidos estridentes ni el griterío, no sabe manejarse solo. Vive con sus padres, y pasa su tiempo leyendo novelas policiales de Sherlock Holmes, contemplando el firmamento, armando y desarmando intrincados mecanismos y resolviendo complicadísimos cálculos matemáticos. Su mejor y

única amiga es su ratita mascota. Algo inesperado sucede en su barrio que lo expulsará abruptamente de su rutina protegida y segura. El perro de la vecina aparece muerto, y no por causas naturales. Alguien lo ha matado. Cris se dispone-cual detective- a dar con el asesino. Este disparador cambiará para siempre su vida. No sólo descubrirá la identidad de la persona que mató al perro, sino que –casi por casualidad- se enterará de detalles bastante escabrosos de la relación de sus padres, que dista mucho del relato que su papá quiso hacerle creer. Si bien el proceso es doloroso, Cris crece gracias a esta experiencia, y gana cierta independencia. Su azarosa escapada a Londres se convierte en una suerte de viaje iniciático rumbo a la madurez.

El trabajo actoral de Iñaki Aldao es absolutamente prodigioso. Merecidísima la nominación al Premio Pinti como Mejor Actor de Drama o Comedia Dramática. Su Cristopher es antológico e hipnótico. Un capo lavoro, con un texto muy difícil, y un trabajo físico y vocal super exigentes. Dueño de un lenguaje gestual y corporal rico en matices, Aldao trasmite con claridad meridiana el mundo interno de su personaje, sus pensamientos, su angustia, su dilema existencial. Imposible no empatizar con él, no querer abrazarlo (aunque Cris no lo permitiría). Nos abre de par en par las puertas a un mundo desconocido, y nos enseña a reconocer y respetar a otros tantos niños con esa condición. Aldao brilla con luz propia.

múltiples roles-se lucen en destacables interpretaciones. Mela Lenoir es “Judy”, la madre; Andrés Bagg, el padre; Silvana Tomé, la Directora de escuela y la Sra. Shears; Graciela Pafundi, la vecina; Bruno Pediconi, “Roger”; Pablo Sultani, tío, policía ferroviario. A ellos se suman una decena más que pueblan la escena en los diferentes cuadros: Gabriela Bevacqua, Gabriel Machado, Patricio González Ericcson, Theo Piñeyro, Carlos Simón, Nicolás Sousa, Matías Albizzati, Fede Fedele. Swings: Lali Vidal, Tomás Albertoni. Por momentos parece estar viendo un ballet con una precisa, atractiva y muy colorida coreografía.

Si bien el tono de “El Curioso Incidente…” dista mucho de ser cómico. Carla Calabrese logra La puesta de Carla Calabrese dosificar el humor y el drama (al igual que en la recordada en muy justas proporciones, sin “Come From Away”) no escatima caer en ningún lugar común. recursos escénicos para atrapar El resultado es conmovedor. El y mantener la atención del público aplaude de pie tanto taespectador “da capo al fine”. El espacio vacío se puebla de imágenes gracias al sofisticado mapping y los efectos visuales y sonoros. La plataforma giratoria suma muchísimo. Calabrese también desempeña un importante rol actoral. Es “Siobhan”, la relatora de la historia y maestra y guía de Cris. Entrañable ese vínculo entre ambos. El elenco de “El Curioso Incidente…” es numeroso y versátil; todos los actores y actrices-que se desdoblan en

lento y entrega. Misión cumplida. Traducción: Martín Morgenfeld. Adaptación al castellano y Dirección General: Carla Calabrese. Música original: Javier Giménez Zapiola. Vestuario: Marcela Domínguez. Asistente de escenario y pelucas: Guillermo Parra. Dirección de arte y escenografía: Tadeo Jones. Diseño audiovisual de proyecciones y diseño de video: Giselle Hauscarriaga. Equipo de realización de video: Giselle Hauscarriaga y Damián Patrignani. Operación en vivo de video: Danae Pienica y Bianca Leveroni Torres. Iluminación: Gonzalo González. Operación de luces: Ignacio Velino. Sonido: Eugenio Mellano Lanfranco. Operador de sonido: Manuel Saldanio. Maquinistas: Gustavo Ruiz y Aldo Durán. Microfonistas: Guillermo Perulan y Cristian Belvedere. Coreografía: Agustín Pérez Costa. Vuelos: Enrique Carpintero. Seguidoristas: Abril Rodriguez Genovese y Marcelo Arregin. Stage Manager: Javier Maceroni. Asistencia de Dirección: Lali Vidal. Dirección de producción: Sergio Albertoni. Prensa: Alejandro Veroutis. Sala: Teatro Maipo, Esmeralda 443. Funciones: viernes y sábados a las 20 hs.; domingos a las 19 hs. Duración: 110 minutos, con intervalo. “El Curioso Incidente del Perro a Medianoche”: una propuesta imperdible de la cartelera porteña. https://irenebianchi.com.ar/

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ODISEA: BAJO EL MAR

Una aventura de teatro inmersivo, títeres gigantes y teatro negro que invita a los chicos a descubrir un mundo más allá de las pantallas

PREMIO JAVIER VILLAFAÑE 2024 Mención Especial en Teatro Negro PREMIO TEATRO DEL MUNDO 2026 Mención Especial al Espectáculo para las Infancias y Mención Especial a la Realización de Títeres

pantallas ocupan un lugar cada vez más importante en la vida cotidiana de los chicos, Odisea: bajo el mar propone una experiencia diferente: despertar el asombro a través del encuentro directo con el teatro, sin dispositivos ni mediaciones digitales. Títeres gigantes, luces, sombras, música y criaturas marinas invitan a los más pequeños a descubrir que la imaginación también puede desplegarse en un mundo que sucede frente a sus ojos y del que ellos mismos forman parte.

En tiempos en los que las

Con idea y dirección de Pablo

Sábados de octubre y noviembre, a las 15 h. Centro Cultural 25 de Mayo – Sala Principal. Av. Triunvirato 4444, Villa Urquiza, CABA

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Drigo, Odisea: bajo el mar es un espectáculo de teatro inmersivo para toda la familia, que combina la magia del teatro negro con títeres de más de dos metros, música original y una puesta escénica envolvente. La propuesta convierte la sala en un universo submarino donde grandes y chicos son invitados a explorar, jugar y sorprenderse. Lejos de la velocidad de las imágenes que se suceden en una pantalla, esta experiencia propone otra manera de captar la atención infantil: mediante

la curiosidad, la exploración, el movimiento y la interacción con un entorno real. Los chicos dejan de ser espectadores pasivos para convertirse en participantes de una aventura que estimula sus sentidos y su capacidad de imaginar.

naufraga en medio del océano. Su embarcación se rompe y ella es arrastrada hacia las profundidades del mar. Allí, como en un sueño, se transforma en una sirena y comienza una aventura extraordinaria.

El espectáculo, distinguido con tres menciones en importantes premios teatrales, propone un encuentro con el arte escénico en el que la percepción, la creatividad y el juego compartido ocupan un lugar central.

Durante su recorrido se encuentra con peces, mantarrayas, hipocampos y pulpos. También viaja sobre una tortuga que la conduce hacia un peligroso encuentro con un gran tiburón.

Una aventura en las profundidades del océano La historia comienza cuando una capitana de barco

Cada criatura que aparece en su camino le ofrece una nueva experiencia y un aprendizaje. Así, el espectáculo construye un relato de aventura, descubrimiento y transformación, en el que la

fantasía y la naturaleza se entrelazan. El teatro como experiencia sensorial Odisea: bajo el mar se desarrolla en una sala teatral que permite generar una experiencia inmersiva. El espacio se transforma en un un gran territorio submarino donde flotan y se desplazan personajes, peces y medusas. Las criaturas aparecen entre luces y sombras, mientras los espectadores participan de breves acciones colectivas y experimentan diferentes situaciones de juego con los personajes. La técnica del teatro negro permite que títeres de

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manipulación directa y gran porte parezcan cobrar vida y desplazarse libremente en la oscuridad. Algunos superan los dos metros de altura y diámetro, generando un impacto visual que contribuye a construir la ilusión de estar verdaderamente sumergidos en el océano. La música original, los efectos lumínicos, los colores y los movimientos de los personajes completan una puesta que invita a descubrir otras formas de belleza. Ficha artística y técnica Idea y dirección general: Pablo Drigo

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Música original: Santiago Stuchetti Arreglos musicales: Oscar Laiguera Diseño y realización de escenografía y títeres: Giselle Rodríguez Bosio Coreografía: Bárbara Mantilla Titiriteros: Bárbara Mantilla Santiago Stuchetti Martín Guccione Pablo Drigo Titiritero reemplazante: Matías Muñoz

Asistente: Valeria Rodríguez Prensa: Paula Simkin Producción: Las 4 Plumas Club de Arte Contacto de prensa Paula Simkin paulasimkin@gmail.com FUNCIONES: Sábados de octubre y noviembre, a las 15 h Centro Cultural 25 de Mayo – Sala Principal Av. Triunvirato 4444, Villa Urquiza, CABA

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El Museo Argentino del Títere

Un museo vivo, abierto a nuevas generaciones El Museo Argentino del Títere es una institución de referencia para el arte titiritero, con una trayectoria vinculada a la investigación, la creación artística, la educación y la preservación del patrimonio cultural. Ubicado en el barrio porteño de San Telmo, funciona en la casa natal de Mane Bernardo, una de las grandes maestras del teatro de títeres argentino.

El museo forma parte de la Fundación Mane BernardoSarah Bianchi, creada en 1983 por estas dos artistas con el propósito de preservar y difundir el arte de los títeres, promover la investigación y propiciar el desarrollo de actividades docentes, artísticas y literarias en todas sus técnicas y posibilidades de aplicación. La Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires declaró al Museo Argentino del Títere como Sitio de Interés Cultural fue el 22 de septiembre Lola y Mireya Cueto. de 2016. Su acervo incluye títeres y marionetas, libros, afiches, fotografías, películas, diapositivas y documentos provenientes de diferentes países. Las piezas se distribuyen en tres salas de exposición: la sala Serguei Obrastzov, dedicada a títeres de África, Europa, Asia y Oceanía; la sala Moneo Sanz, dedicada a titiriteros argentinos; y la sala latinoamericana, en homenaje a

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El espacio cuenta, además, con la sala teatral Federico García Lorca, donde conviven espectáculos para las infancias y el público adulto, encuentros, charlas y otras actividades culturales. La nueva etapa propone fortalecer esa identidad: un museo que no solo conserva la memoria de un arte milenario, sino que también

Sarah Bianchi y Mane Bernardo.

genera oportunidades para que nuevas generaciones de artistas y espectadores lo descubran, lo experimenten y lo mantengan vivo. Programación teatral para las infancias y el público adulto De octubre a diciembre, el museo presenta una programación de espectáculos de títeres, marionetas y teatro de objetos, con propuestas de diversas

construcción y manipulación de títeres y una función teatral La curaduría busca ofrecer una especialmente preparada para cartelera diversa, dando espacio los grupos escolares. Durante la a diferentes técnicas, lenguajes y experiencia, los chicos pueden estilos del universo titiritero. Las conocer de cerca diferentes funciones habituales para las muñecos y experimentar con su infancias se realizan los sábados manipulación. y domingos a las 16 h, mientras que determinadas fechas La propuesta busca estimular incluyen espectáculos nocturnos la imaginación, la creatividad, la sensibilidad estética, la expresión para adultos. corporal y verbal, la empatía y el Una propuesta educativa para desarrollo del lenguaje. También herramientas para escuelas y jardines de infantes ofrece continuar trabajando en el aula a El Museo Argentino del Títere partir de la experiencia artística. desarrolla propuestas educativas destinadas a jardines de infantes El museo cuenta, además, e instituciones escolares, con con una modalidad itinerante: el objetivo de acercar a niños y el Museo Argentino del Títere niñas al patrimonio titiritero y al visita tu institución. Un titiritero lenguaje de las artes escénicas. se acerca a la escuela con una selección de piezas de la Las visitas incluyen un recorrido colección y su retablo, presenta por la colección, una introducción distintas técnicas y comparte una a las distintas técnicas de función con los estudiantes. compañías y artistas.

Las instituciones interesadas pueden solicitar información y coordinar visitas o actividades por correo electrónico. Informes y reservas escolares: museodeltitere.ar@gmail.com Formación y preservación del patrimonio Entre los proyectos en desarrollo se encuentra la preparación de un plan de talleres presenciales y virtuales para 2027, destinado a infancias y adultos, con propuestas vinculadas a la construcción y manipulación de títeres y marionetas. En paralelo, el museo continúa trabajando en la conservación, catalogación y digitalización de su acervo a través del proyecto “Riqueza del Museo Argentino del Títere”, que busca facilitar u

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el registro, estudio y acceso a los materiales que forman parte de la colección. Esta iniciativa contempla articulaciones con instituciones especializadas, entre ellas el Museo del Cine, CONICET, UNSAM, UNA Dramáticas, Proteatro, el Instituto Nacional del Teatro y el Centro de Investigaciones en Arte y Patrimonio (CIAP), entre otras. De esta manera, el museo proyecta su trabajo hacia el futuro, combinando exhibición, investigación, formación y acceso al patrimonio. PROGRAMACIÓN Todas las funciones se realizan en Estados Unidos 802, esquina Piedras, San Telmo. NOVIEMBRE Domingo 1 – 16 h: Sembrar la tierra. Compañía La Purolío Títeres. Julieta Guevara. Sábado 7 – 16 h: Titirisones. Grupos Valija en Mano y Las Cotorras. Patricia Bontas y Rafael Zicarelli. Domingo 8 – 16 h: La Petifur Varieté. Compañía Azulunara. Mauro Collares. Sábado 14 – 16 h: La Petifur Varieté. Compañía Azulunara. Mauro Collares. Sábado 14 – de 19 h a 2 h: La Noche de los Museos. Recorrido continuo por las salas con el títere guía Axel, el periodista. Cía. Árbol Titiritero,

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de y por Daniel Maurizio. En escenario: Nunca es tarde, grupos Valija en Mano y Las Cotorras, con Patricia Bontas y Rafael Zicarelli. Domingo 15 – 16 h: Confusión en el bosque. Grupo El Retablo. De y por Augusto Villena. Sábado 21 – 16 h: Mununa. Grupo Mununa Teatro Clown y Títeres. Agustina Ferrer. Domingo 22 – 16 h: La Petifur Varieté. Compañía Azulunara. Mauro Collares. Sábado 28 – 16 h: La Petifur Varieté. Compañía Azulunara. Mauro Collares. Sábado 28 – 20 h:

Roberto Mosquera. DICIEMBRE

Sábado 5 – 16 h: Amistades al rescate: un plan con patas. Cía. Árbol Titiritero. De y por Daniel Maurizio. Domingo 6 – 16 h: HISTORIAS DEL FIN DEL MUNDO - Compañía La Isla del títere. Anahí Cóceres, Patry Vera y Edu Cóceres Sábado 12 – 16 h: CASITAS - Grupo Valija en mano y Las cotorras. Titiritera: Patricia Bontas. Musica y actuación: Rafael Zicarelli Sábado 12 - 20h Títeres y Tango para ADULTOS - HOMENAJE A NELLY OMAR De y Por Felisa Cura. Guitarrista en vivo: Fabio Bramuglia Domingo 13 – 16 h: Amistades al rescate: un plan con patas. Cía. Árbol Titiritero. De y por Daniel Maurizio. Sábado 19 – 16 h: Sembrar la tierra. Compañía La Purolío Títeres. Julieta Guevara. Domingo 20 – 16 h: Confusión en el bosque. Grupo Ciclo de títeres para adultos El Retablo. De y por Augusto – La calle de los títeres. Varieté Villena. de teatro de objetos, sombras y kamishibai: En los barcos SOBRE MANE BERNARDO Y también hay flores, por Marcela SARAH BIANCHI Bambuco; La niña que riega la albahaca y el príncipe…, por Mane Bernardo y Sarah Bianchi Graciela Redoano; El libro de fueron figuras fundamentales del madera, por Ave de Paso; y El movimiento titiritero argentino. pato y la muerte, por Susana Mane, profesora de dibujo, Gaggero y María Adela Santullo. grabado y escultura, fundó en 1944 el Teatro Nacional de Domingo 29 – 16 h: Corchito va por el mundo. Títeres del Instituto Nacional Compañía La Oreja Títeres. de Estudios de Teatro. Sarah,

profesora de Letras y artista plástica, se incorporó poco después y ambas desarrollaron una extensa trayectoria dedicada a la creación, investigación y difusión del teatro de títeres. Juntas adaptaron y llevaron a escena obras clásicas, exploraron diversas técnicas y recorrieron numerosos países, compartiendo experiencias con artistas de distintas culturas. También investigaron las posibilidades del títere en el cine, la televisión y la educación. Su trabajo contribuyó a la formación de generaciones de artistas y docentes, y a demostrar que los títeres son mucho más que un entretenimiento: constituyen un lenguaje artístico con infinitas posibilidades expresivas, pedagógicas y culturales.

del Museo Argentino del Títere, con el compromiso de continuar el legado de sus fundadoras y fortalecer el vínculo de la institución con la comunidad.

incorporó al Consejo de la Fundación, donde se desempeñó como vocal y posteriormente como secretario general, hasta asumir su actual responsabilidad.

Director, productor, guionista y montajista cinematográfico, se formó en la Universidad del Cine. A lo largo de su trayectoria realizó más de 120 cortometrajes, 10 series de televisión y 15 largometrajes, cuyas producciones obtuvieron 91 premios internacionales. Sus películas participaron en más de 150 festivales de todo el mundo. Museo Argentino del Títere Estados Unidos 802, esquina Fue seleccionado para el Buenos Piedras, San Telmo, Ciudad de Aires Talent Campus en 2005 y el Buenos Aires. Berlinale Talent Campus en 2006. Instagram: @museodeltitere.ar Es fundador y director, desde Informes sobre propuestas 2006, de la Academia Argentina educativas: de Actuación para Cine “Actuar museodeltitere.ar@gmail.com en Cine”; en 2012 creó el circuito alternativo de exhibición “No TEHAGOLAPRENSA Solo En Cines” y en 2026 fundó info@tehagolaprensa.com.ar> la “Red Divulgar Cine Argentino”. andyfeiguin@gmail.com

El Museo Argentino del Títere continúa ese legado, preservando su historia y abriendo nuevas puertas para el encuentro con Su vínculo con el museo comenzó en 2003, cuando conoció a Sarah este arte. Bianchi, una de sus fundadoras. Fascinado por su trayectoria y su EMILIANO ROMERO, AL manera de vivir el arte, le propuso FRENTE DE LA NUEVA ETAPA realizar un documental sobre su vida cotidiana y su trabajo. Durante dos años registró sus ensayos, la preparación de sus títeres y distintos momentos de su actividad artística. La película, titulada Sarah, marcó el inicio de una relación que luego continuó En 2026, Emiliano Romero desde la propia institución. fue elegido presidente de la Fundación Mane Bernardo-Sarah Tras el fallecimiento de Sarah Bianchi y asumió la dirección Bianchi, en 2010, Romero se

El Museo Argentino del Títere @museodeltitere.ar, http://www.museodeltitere.ar Más información: www.emilianoromero.net Entradas: $12.000 por espectáculo. Reservas: a través de Alternativa Teatral o por transferencia y efectivo en el museo el día de la función. Programación y reservas: HAGA CLICK AQUÍ https://www.alternativateatral. com.ar

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Laura Szwarc ha recibido recientemente el Premio Ciudad de Alcalá de Poesía 2026. Y ha escrito el jurado lo siguiente:

El Jurado del Premio Ciudad de Alcalá de Poesía 2026 procede a la valoración y deliberación de las obras presentadas a la convocatoria. De las 411 propuestas recibidas, se realiza una preselección de 14 obras, sometidas a deliberación como finalistas. Concluida la valoración, el Jurado acuerda por unanimidad conceder el Premio a la obra registrada con el número 23, titulada “Masticar funciona”. Una vez abierta la correspondiente plica, resulta ser autora D.ª Laura Fernández Szwarc, con domicilio en Madrid. El Jurado destaca que “Masticar funciona” está escrita con humor, coloquialidad y mucho aire, un poemario en el que se respira, se puede arrancar alguna carcajada y, al mismo tiempo, regresar a la contemplación de lo simple. La obra convierte su propia escritura en una poética transparente y antisolemne, cercana a la idea de Joseph Beuys de que «todos somos artistas», y construye desde esa perspectiva una poesía próxima, libre de solemnidad y profundamente humana. En

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este sentido, el Jurado valora especialmente la capacidad de la obra para ofrecer, en tiempos de inteligencia artificial, una experiencia poética que reivindica lo humano, la sencillez y la cercanía como elementos esenciales de la creación. Una propuesta que combina humor y contemplación y que encuentra precisamente en su naturalidad y ausencia de solemnidad una de sus principales señas de identidad.

crítico, así como al hacer colaborativo en comunidades. Es co-creadora de Akántaros, En giro y a la olla y Erre con erre, colectivos artísticos. Ha escrito Laura Szwarc es escritora, varios libros. En ensayos híbridos: cantadas”, “Para artista escénica y activista “Palabras cultural. A través de sus mirarte mejor”, “Entre láminas”, investigaciones y creaciones “Cántaro de letras”, “Entonces desarrolla experiencias que baila: El cuerpo como texto”, invitan al pensamiento poético y “Una y otra vez teatro”, “Abrir el

juego” (Las Parientas); “Cómo hacer un teatro foro” y “Cómo hacer coreografía (Editorial INTEF), “En común. Rutas para el hacer colectivo”, “Leer, escribir: acciones de revuelta (Neret), “Convites. Prácticas escriturales” (Ciccus). En teatro: “Obras teatrales para todas las edades” (Las Parientas). En poesía usa el heterónimo An Lu, con el que fueron publicados: “También sonidos” (Somas), “Es tirar el dado” (Bajamar) y “Harina en vuelo” (Eolas). En LIJ, nuevamente como Laura Szwarc: “Los primos y los tesoros escondidos” (Abran Cancha), “Lluvia de verano” y “Pasaban cosas” (Del Naranjo), “Vociferar” (Susaeta), “En la noche”

(Elefanta). Participa en diversas publicaciones y antologías, como por ejemplo: “Tiempo de escritura” (Fuhem). Junto a Adolfo Colombres tuvo a su cargo el Tomo I de “Literatura popular de Santiago del Estero” (Catálogo). Sus textos han sido traducidos al catalán, italiano, alemán, griego y chino, lo que le permite llegar a lectores de diferentes lenguas. Considera especialmente significativa la labor de cada traductor, cuya reescritura entiende como un proceso que crea nuevas versiones y da lugar a nuevas lecturas. Ha obtenido becas de investigación en el Museo Reina Sofía, la Fundación Joan Brossa y el Consorcio de Museos de Valencia, entre

otros. Sus coreografías, obras y performances se han presentado en diferentes espacios y festivales, entre ellos el Festival de Teatro Clásico de Almagro, el Festival de la Palabra, el Festival Ellas Crean, el Festival Frije y el Festival Flipas. Comparte sus investigaciones y creaciones en Argentina, Uruguay, México, Guatemala, Panamá, Ecuador, Portugal e Italia. El encuentro con personas de diferentes culturas constituye también una parte importante de su trabajo. Coordina talleres y laboratorios de lectura, escritura y artes escénicas, generando espacios de diálogo y un universo coreográfico. www.lauraszwarc.com

Pasen y lean - el libro de Carlos Rottemberg, ya va por su tercera edición A tan solo dos meses de su lanzamiento, el libro publicado por Editorial Losada alcanza su tercera edición y se consolida como uno de los éxitos editoriales del año.

“Pasen y Lean”, el libro de Carlos Rottemberg publicado por Editorial Losada, continúa cosechando éxitos. A poco más de dos meses de su presentación oficial en el Teatro Liceo, la obra alcanza su tercera edición, confirmando la extraordinaria repercusión que tuvo desde su llegada a las librerías y el sostenido interés de los lectores por conocer la historia del teatro argentino a través de la mirada de uno de sus grandes

protagonistas. Presentado el pasado 11 de agosto ante importantes referentes de la cultura, el

espectáculo y el ámbito editorial, el libro propone un recorrido por más de cinco décadas de historia del teatro argentino desde la ex-

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periencia directa de Rottemberg. Lejos de una autobiografía convencional, “Pasen y Lean” reúne recuerdos, anécdotas, nombres propios y reflexiones que permiten conocer desde adentro el funcionamiento de una industria cultural atravesada por grandes éxitos, fracasos, transformaciones y cambios de paradigma. La llegada de esta tercera edición en tan poco tiempo representa un nuevo hito para Editorial Losada y confirma que la historia del teatro argentino también despierta un enorme interés fuera de los escenarios. El libro continúa, además, con una tradición que define a Editorial Losada desde sus orígenes: su estrecho vínculo con el teatro y su lugar como actor central de la cultura argentina. La incorporación de la obra de Rottemberg a su catálogo recupera esa identidad y la proyecta hacia el presente a través de una voz que ha sido testigo y protagonista de buena parte de la evolución de la actividad teatral del país. Con más de mil espectáculos programados a lo largo de su trayectoria, Carlos Rottemberg se convirtió en una figura fundamental del denominado “teatro comercial”, categoría que desde hace algunos años prefiere definir como “teatro industrial”. Su recorrido profesional lo llevó a acompañar a las principales figuras de la escena nacional y a participar activamente de

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los debates vinculados con la actividad teatral, los derechos del público y la sustentabilidad del sector. En sus páginas, esa extensa experiencia aparece narrada con un tono cercano y despojado de solemnidad. El libro recupera episodios conocidos y otros inéditos, encuentros con artistas, decisiones empresariales, momentos de celebración y también situaciones complejas que permiten reconstruir, desde una perspectiva profundamente humana, las distintas etapas de una actividad que forma parte de la identidad cultural argentina. La publicación cuenta con prólogos del actor Luis Brandoni y la periodista cultural Laura Ventura, y fue presentada con la coordinación de los periodistas

Any Ventura y Pablo Sirvén. Para Editorial Losada, el éxito alcanzado por “Pasen y Lean” representa también una oportunidad para reafirmar una identidad construida durante décadas alrededor de la cultura y, particularmente, del teatro argentino. Con tres ediciones en apenas dos meses, “Pasen y Lean” reafirma su lugar entre los grandes éxitos editoriales del año y demuestra que las historias que suceden detrás del telón también tienen un público dispuesto a descubrirlas. Una obra que trasciende la trayectoria personal de Carlos Rottemberg para convertirse en un valioso testimonio de la memoria cultural argentina.

Prometeo presenta: ¿Volver mejores?

Políticas de comunicación del gobierno de Alberto Fernández (2019- 2023) Este libro ofrece un análisis riguroso de las políticas de comunicación desarrolladas durante el Gobierno de Alberto Fernández (2019-2023), en un periodo atravesado por la pandemia, la crisis económica, las tensiones internas del Frente de todos y las profundas transformaciones del sistema mediático.

Fue presentado por: Alberto Fernández, Ornella Carboni y Guillermo Mastrini el pasado miércoles 21 de octubre en

Editorial Prometeo - Pringles 521 CABA Contacto: Lic. Sofía Gómez Pisa

EDITORIAL VADEMÉCUM - RGS MUSIC presentan

ALGUIEN EN EL MUNDO

10 años en el planeta Say No More (1998 - 2008) Las fotografías de Charly García durante una década, capturadas por Maxi Vernazza Disponible en disquería RGS (Corrientes 5233, CABA) y a través de Mercado Libre Un viaje alucinante por los años más disruptivos del genio «Son fotos de mi época Say No More más rabiosa. Era otra etapa mía, pero lo que me gusta es que quedó documentada. Digamos que en aquel momento mi locura se volvió arte. Así que, por un lado, no quiero volver a esa etapa, pero por otro lado estoy orgulloso» Charly García En julio de 1998, el fotógrafo Maxi Vernazza ingresó por primera vez a la casa de Charly García para cumplir con un encargo periodístico. Vernazza no lo sabía en ese momento, pero desde entonces su vida profesional incorporaría un capítulo único: documentar la existencia de Charly García. El círculo que se inició de manera fortuita en aquel lejano noventa y ocho, ahora se cierra, casi treinta años más tarde, con la publicación de este libro memorable. Alguien en el mundo es el registro de una década (1998-2008) fotografiando a un Charly García

sumergido en aquella invención absolutamente polisémica: el concepto Say No More, el ideal estético que atravesó la vida y la obra del músico argentino más importante de los últimos cincuenta años.

ALGUIEN EN EL MUNDO Fotografias Maxi Vernazza 260 fotos impresas en papel de alto gramaje 240 páginas Tapa dura y sobrecubierta Edición limitada

Vernazza fotografió a Charly en los más diversos ámbitos: en su departamento de Coronel Díaz y Santa Fe, de vacaciones en la Costa Atlántica, en limusinas, en el escenario de Obras Sanitarias, el Teatro Colón y el Luna Park, a bordo de una avioneta a hélice yendo a tocar al Cosquín Rock, en un plató televisivo con Diego Maradona, en la Casa Rosada, en el Faena, en el Alvear, en un estudio hogareño en Palermo Viejo y en un mega estudio del Soho neoyorkino. Luego de un largo proceso de selección de material (casi dos mil fotos,

entre analógicas y digitales), Vernazza entregó un libro de una belleza singular y un documento insoslayable para entender estos diez años en la vida de García. Alguien en el mundo constituye un acercamiento único al universo Say No More a través del ojo de uno de los fotógrafos que vivió en fila 1 aquella película incomparable: la vida y obra de Charly de fines del siglo XX y principios del XXI. PRENSA: Karina Nisinman karina.nisinman@gmail.com

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MENSAJES A POBLADORES RURALES Concierto performático Se presentó el pasado jueves 22/10 en la casa del Chubut el libro MENSAJES A POBLADORES RURALES de Ana Laura Cassino con fotografías de Jorge Piccini. En la actualidad se están haciendo funciones de MENSAJES A POBLADORES RURALES - CONCIERTO PERFORMÁTICO los viernes de octubre y noviembre a las 20 h. en el Teatro del Pueblo.

”MENSAJES A POBLADORES RURALES” Concierto performático es una obra multidisciplinaria inspirada en el mensajero rural, un servicio de mensajes que se pasan por las emisoras que se escuchan en lugares alejados, donde no hay señal de teléfono y es el más importante -y en muchos casos el único- nexo comunicativo de quienes viven la zona rural patagónica con las ciudades y entre sí. Con una forma caótica y bella que incluye situaciones escénicas, lenguajes de la tierra, testimonios, paisajes sonoros en vivo y audiovisuales, recuperamos la dimensión antropológica y la potencia sensible de la radio. Un cruce entre los mensajes y lo que creamos a partir de ellos. La compañía se formó en 2013 para gestar la primera etapa de este proyecto: Mensaje al Poblador, obra distinguida como Mejor Teatro Documental por la

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revista Planeando sobre BUE. Desde entonces, el proyecto se expandió en distintos formatos: – En 2020 desarrollamos ficciones sonoras premiadas por el INT y PROTEATRO. – En 2021 editamos un libro interactivo con subsidio del INT. Presentado en Radio nacional

en 2023 y en la V Feria del libro Patagónico en 2026. – En 2022 fuimos parte de Puentes Culturales (GCABA) y emitidos por más de 10 radios del país. – En 2024 estrenamos el formato concierto performático, declarado de interés por la Legislatura de Chubut. Formamos parte del FIBA 2024, Festival de Rafaela 2025. En 2025 Festival ENTRÁ 2025, Festival Territorios escénicos MICA 2025 y Ciclo+Teatro Sagai 2026. SOBRE EL LIBRO ”MENSAJES A POBLADORES RURALES: Ficciones sonoras” es una obra multidisciplinaria que rescata la práctica comunicacional de los mensajes radiales en la meseta patagónica. Nació como obra teatral en

2013, se transformó en ficciones sonoras en 2020, se plasmó como libro interactivo en 2022 y derivó en una conferencia performática que explora el límite entre los mensajes enviados a la radio y la ficción.

Editada por BexPatagonia, la publicación reúne los textos de las ficciones sonoras, la investigación fotográfica de Jorge Piccini y códigos QR para escuchar cada pieza. A través de esta propuesta interactiva, sonora y visual, los mensajes al poblador se revalorizan como un rasgo identitario de la cultura chubutense.

documental. Realizó posgrados en Gestión Cultural y Comunicación (FLACSO), además de cursos en Economía de la Cultura y Cooperación Iberoamericana. Escribió y dirigió más de diez espectáculos, entre los que destacan Mensajes a pobladores rurales, Fantasía para tirar en una rima (Mención Especial del Premio Nacional de Guión para Televisión y Radio -Producción 2018/21-, Resolución MC N° 899/23), El olvido y El argentino perfecto. Es docente en la Maestría en Dramaturgia de la Universidad Nacional de las Artes (UNA) y en la carrera de Puesta en Escena de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático (EMAD). Como gestora cultural, creó el concurso de dramaturgia Potencia y política en la Cámara de Diputados de la Nación. Fue directora artística de PROTEATRO (2022-2024) y presidenta de la Asociación Profesional de Dirección

Escénica Argentina 2024-2026).

(APDEA,

Distinciones y Festivales donde participó el proyecto interdisciplinario Declarada de Interés Cultural por la Legislatura de la Provincia del Chubut Programación Ciclo +Teatro SAGAI 2026 Selección Oficial Festival de Rafaela 2025 Selección Festival Territorios Escénicos – MICA 2025 Selección Oficial FIBA 2024 (Festival Internacional de Buenos Aires) MEJOR OBRA DE TEATRO DOCUMENTAL 2013 - REVISTA LLEGÁS Datos de contacto carla7473@gmail.com Redes sociales: @_carlaalmiron @analaura_suarezcassino @mensajes.al.poblador.teatro Mail: analaurasuarezcassino@gmail.

SOBRE LA AUTORA Ana Laura Suárez Cassino nació en Trelew, Chubut. Es licenciada en Dirección Escénica (UNA), dramaturga, docente universitaria, abogada y gestora cultural. Dirige e investiga en el ámbito de las artes escénicas desde 2003, especializándose en proyectos multidisciplinarios, paisajes sonoros y teatro

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Les presentamos las novedades que llegan en octubre a librerías, distribuidos por La Libre con libros de las editoriales Pez en el hielo, Filosurfer y Pixel. NOVEDADES

ISBN: 978-9915-9927-0-9 Editorial: Pez en el Hielo Género: Poesía uruguaya Enorme y roja sobre los barrancos Ivix Pereira «Escribo para no cometer crímenes». Con esta declaración Ivix Pereira da por inaugurada la poética de este, su primer libro, un poemario sangrante desde la herida, atravesado por los pliegues más ásperos del deseo. Hecho tanto desde la desilusión del amor como desde la fantasía erótica más descarnada, Enorme y roja sobre los barrancos emula la voz de un monstruo que va gestando capas y órganos.

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Con la sangre escurriendo entre los versos, Ivix Pereira nos conduce entre la infancia arrebatada, el trabajo precarizado en un call center y rituales pop-góticos y metaleros. En definitiva: «la búsqueda del misterio eterno latiendo dentro de lo cotidiano».

Editorial: Malisia Cant. páginas: 120 ISBN: 9789873646775 Género: Poesía Cuando esucho la palabra revólver Julián Axat Durante mucho tiempo tuve la sensación de escribir para nadie. Entonces escribo. A medida que pasaron los años fueron los muertos. Ellos pedían cosas. Entonces les daba. Lo demandaban de a ratos. Consumían palabras. Les

vomitaba de mi boca como quien brinda alimento a un tibio (“por cuanto eres tibio, y no frío ni caliente, te vomitaré de mi boca” - Apocalipsis 3:16). Los espectros son perros tibios a los que sirvo su plato diario, pero se sacian rápido. Eso percibo. Así les ofrezco. Julián Axat

ISBN: 9786319117844 Editorial: Filosurfer Cant. páginas: 202 Género: Teoría del arte. Ni Adentro ni afuera. Articulaciones entre teoría y prácticas en la escena del arte AA.VV Como un collage, este libro reúne textos con distintos tonos, estilos de escritura, perspectivas, formas y

contenidos. Juntos componen un trabajo heterogéneo, multisituado y polifónico. Comparten aquí sus búsquedas un conjunto de autores, con una amplia multiplicidad de formaciones, recorridos y puntos de partida, convocados por la pregunta sobre las articulaciones posibles entre teoría y práctica, entre artes escénicas, filosofía y ciencias sociales, y entre cuerpo y arte. El libro es el resultado de una convocatoria realizada por lxs organizadorxs del ECART (Encuentro Platense de Investigadores sobre Cuerpo en las Artes Escénicas y Performáticas). Un libro que no está ni dentro ni fuera del arte, ni dentro ni fuera de la academia; no porque no tenga espacio en ninguno de los dos lugares, sino porque propone que no tienen por qué ser ámbitos separados y que pueden intercambiar modos de hacer, pensar y decir.

Editorial: Pixel

Cant. páginas: 168 ISBN: 9789873646782 Género: Crónica/Humor Aparicio Tramontina Alberto Bozza Aquí verá las contingentes andanzas y decires de un particular gaucho frente a diversos personajes, y que los enfrenta con las múltiples herramientas del humor mordaz y la ironía. Algunos representan la inmunda plaga de Mandinga que nos acecha: la mezquindad, la desigualdad, y el payador los enfrenta con versos y con el filo de su facón iracundo buscando, cada vez, hacer justicia. Y es por todo esto que le digo que ni bien entre acá, a este tomo, usté leerá a don Aparicio recorriendo lo histórico y lo coyuntural, con aires gauchescos, que podrán brindarle risas pero no son ninguna joda.

En el final de su vida, Osvaldo mira las fotos que Sebastián le sacó en su casa, el Tugurio, busca una lapicera y escribe con su bella letra lo que ellas le inspiran. Pequeñas frases llenas de poesía y amor hacia su compañera Marlies, a sus amigos, a sus libros...y a su soledad. Se despide íntegro, con la rebeldía intacta: “Aquí está la vida de periodista. En forma profunda la vida y sus detalles. Esta se vivió y se desarrolló como una pelea con su destino. Adelantarse y retroceder. ¡He vivido, señores! Todo lo demás no vale. ¡Adiós!» El libro está acompañado por las palabras de Bruno Nápoli, Ariel Pennisi y Esteban Bayer. Todos los libros se consiguen también en La Libre (Chacabuco 917, San Telmo). Por temas de distribución, las librerías que quieran recibir el catálogo con precios y libros disponibles, hacer pedidos o consultas pueden comunicarse con lalibredistribuidora@gmail. com

Posdata Textos de Osvaldo Bayer Fotografías de Sebastián Van Den Dooren

La Libre. Cooperativa de libros y cultura Distribuidora prensa@lalibre.com.ar

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Nuevo Libro de la Colección Historia Social de la Canción

Cuando tan solo está Libro escrito por Silvia MAJUL Acerca de LA PUCHA CON EL HOMBRE(Pablo Raúl Trullenque – Cuti Carabajal) La colección “Historia Social de la Canción”, que reúne crónicas y ensayos sobre la circulación social de la música popular argentina y latinoamericana, continúa con el octavo de sus 50 títulos: “Cuando tan solo está”, es un libro dedicado a la obra folklórica “La pucha con el hombre”, una composición de Cuti Carabajal y Pablo Trullenque. La reconocida gestora cultural Silvia Majul es la autora del nuevo libro, que estará disponible desde el hoy lunes 5 de octubre. “La pucha con el hombre” es una expresión existencialista dentro de la usina compositiva del folklore argentino, tantas veces “acusado” de paisajista. Se ha afirmado que nació con dos músicas distintas y también se disputa si se trata de una chacarera o un escondido. Detrás de esas narrativas, Silvia Majul reconstruyó su historia, que es –también- la historia de sus autores, Pablo Raúl Trullenque y Cuti Carabajal. Desde el relato de la canción, Majul le presenta al lector, además, un camino indiciario sobre aquello que se podría nombrar como santiagueñidad, sin precipitarse en los lugares comunes. En este texto hay –sin

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que se declame- un mapa posible de Santiago del Estero que no es un tratado de cartografía sino una serie de rastros y signos sobre sus habitantes, sus modos, su temperamento y su arte. La serie Historia Social de la Canción” se inauguró el año pasado con “No pienses que nos perdiste”, el libro del periodista Sergio Arboleya sobre “Oración del Remanso”, del compositor santafesino Jorge Fandermole, y promete 50 libros inspirados en canciones populares.

jornadas” (Javier Magistris), “Yupanqui. La Flecha ya está en el aire” (Alejandro Gómez Monzón, 2023), “Troilo. Una Teoría del Todo (Mariano Suárez y Miguel Taboada, 2022), “Carlos García. Tangos en Piano Vol. 1” (Leda Torres); “Héctor Stamponi. Sus tangos en piano solo” (Leda Torres), “La vida secreta de Margarita Gauthier” (Paula Suárez), “El silencio tiembla” (Leda Torres), “Kliber” (Diego Dipi Kvitko), entre más.

Majul, autora del libro sobre “La pucha con el hombre”, ya había participado en la colección Historia Social de la Canción con el tercer libro de la saga: “Y esta zamba que canta y te nombra”, libro dedicado a la obra “La Amanecida”, una composición de Hamlet Lima Quintana y Mario Arnedo Gallo. La novedad tiene prólogos de Myriam Mohaded y Pablo Piris. “Cuanto tan solo está” se puede conseguir en su versión en papel en www.milcampanas.com.ar desde el 5 de octubre. También está disponible la versión e-book en la plataforma de Google Play para descarga desde todos los países del mundo. Mil Campanas que ha editado numerosos títulos musicales: “Dino Saluzzi. Una vida en diez

Colección Historia Social de la Canción: El listado completo de libros ya editados incluye: “Oración del Remanso” (Jorge Fandermole) “No pienses que nos perdiste” (Sergio Arboleya). “Por una cabeza” (Carlos Gardel – Alfredo Le Pera) “El día que Gardel lloró”

(Mariano Suárez y Miguel Angel Taboada). “La Amanecida” (Hamlet Lima Quintana y Mario Arnedo Gallo) “Y esta zamba que canta y te nombra” (Silvia Majul). “Fuiste mía un verano” (Leonardo Favio y Vico Berti) “Cada piba que pase con un libro en la mano” (Héctor Sánchez). “El tiempo está después” (Fernando Cabrera) “Tendremos suerte si aprendemos” (Sergio Arboleya). “Informe de la situación” (Víctor Heredia) “Comprando a uno lo que vale por dos” (Lucas Fernández). “Partita Nro. 2 en do menor” (Johann Sebastian Bach) “Exilio y dictadura: música para la liberación” (Mariano Suárez). “La pucha con el hombre” (Cuti Carabajal y Pablo Trullenque) “Cuando tan solo está” (Silvia Majul). Contacto: 0351 6262350 ‘..bucea y ahonda en su génesis, en esa sabiduría ancestral, tomando los síntomas sociales, contextualizando. Un planteo de una composición que desplazaba esa clásica evocación al paisaje para dar cuenta de las disquisiciones y contradicciones que nos plantea la condición humana. Dice Majul, a propósito de “Cuando tan solo está. “Elegí llamar así a este libro porque en ese verso se esconde la pregunta más acuciante de nuestra existencia:

¿Quiénes somos cuando se apagan las luces del escenario social?”. Aquí estamos, en este tiempo laberíntico, para leer su trabajo y vernos en el escenario actual que nos interpela’. (Myriam Mohaded. Periodista) ‘.. en el presente “La pucha con el hombre” se resignifica: ha sido popularizada nuevamente por un músico urbano, Milo J, mostrando que, al contrario de lo que pretende instalar el sentido común en detrimento del pensamiento crítico, los jóvenes no están todos perdidos y alienados, también se interesan en la reflexión de la condición humana... hay otra virtud de este libro que quiero mencionar: el estilo que logra Majul combinando el rigor histórico y ensayístico con la anécdota y el diálogo. Esto dota al texto de una narratividad que permite que los lectores nos interioricemos en él y, en consecuencia, en la dimensión filosófico–existencial de la canción y político–social de su contexto de producción y circulación’. (Pablo Piris. Profesor de Literatura) LA AUTORA

audiovisual autodidacta, con una trayectoria de casi 40 años ininterrumpida como agente de prensa de artistas de todo el mundo. En su faceta cinematográfica, dirigió los largometrajes documentales Un pueblo hecho canción, una película sobre Ramón Navarro (2017), El Nombrador, una película sobre Daniel Toro (2021) —con la dirección artística de Daniela Toro— y El Andariego, historia de un grupo vocal (2024), junto a Laura Piastrellini y Eduardo Fisicaro y con la conducción de Santiago Giordano. Todas sus películas fueron seleccionadas para importantes festivales de Argentina, Rusia y Colombia. Su pasión por la investigación suma a su biografía cuatro libros publicados, entre ellos Musas. Mujeres que inspiraron canciones folklóricas, Y esta zamba que canta y te nombra (sobre “La Amanecida”, tema de Arnedo Gallo y Hamlet Lima Quintana) y Entré a mi pago sin golpear, escrito junto al autor Carlos Juárez Aldazábal y por el cual obtuvo el segundo premio de la Fundación Cultural de Santiago del Estero. Actualmente, continúa expandiendo sus conocimientos como estudiante avanzada de Comunicación en la universidad y de la carrera de Folklore en el Instituto de Culturas Aborígenes (ICA) CONTACTO: SilviaMajul silviamajul@gmail.com

Silvia Majul es gestora cultural, EDITORA investigadora y realizadora https://milcampanas.com.ar/

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TrashGuzmanía 2001-2030, la retrospectiva dedicada a Mauro Guzmán al Centro Cultural Recoleta

El pasado jueves 29 de octubre a las 18h, el Centro Cultural Recoleta presentó TrashGuzmanía 2001-2030, una exposición retrospectiva dedicada a Mauro Guzmán (Rosario, 1977) con la curaduría de Carla Barbero que se desplegará en las salas 7, 8 y 9 del espacio.

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Guzmán es una de las figuras más singulares del arte experimental argentino contemporáneo: protagonista de una práctica que atraviesa el objeto, el video, la fotografía, el cine, la performance y el teatro, y que asume el artificio y el exceso como método de investigación. La muestra recorre más de dos décadas de una propuesta

nacida en el residuo y el descarte. En sus obras, Guzmán asume distintos roles —autor, director, escritor, técnico, performer— para producir cruces entre lenguajes, materiales y formas de trabajo, articulando imaginarios trash y queer con una sensibilidad que recupera, deliberadamente, zonas marginales de la cultura: el cine

underground estadounidense de los años sesenta, el teatro under argentino de los ochenta y las prácticas camp. A esto se suma una exploración de los modos de circulación, apropiación y transformación de imágenes propios de las plataformas digitales y de las formas colaborativas de producción, sostenidas durante años en el colectivo Studio Brócoli formado junto con Nancy Roja, en el 2006. “Esa filiación con lo under y lo experimental encuentra en el CCR un anfitrión con historia propia: la institución fue, desde la vuelta de la democracia, uno de los espacios porteños donde las artes visuales y la escena experimental se cruzaron con mayor intensidad, tramando gran parte de la genealogía. Presentar TrashGuzmanía 2001-2030 en sus salas no es solo alojar una retrospectiva: es poner en diálogo la práctica de un artista con el espíritu institucional que hizo posible, en Buenos Aires, ese mismo linaje de experimentación”, señala Carla Barbero. La exposición de gran escala ocupará las salas 7, 8 y 9 del CCR y estará organizada en cuatro núcleos. El primero reunirá sus primeras obras objetuales, realizadas a partir de materiales de descarte y elementos domésticos. El segundo estará dedicado a su investigación cinematográfica y reunirá films y obras del proyecto Linda Bler. Artista poseída en

los que la imagen, la ficción y la performance se contaminan mutuamente. El tercer núcleo se concentrará en La Guzmania, universo de instalaciones, objetos y situaciones donde el artista despliega una particular combinación de humor, exceso y experimentación material. El cuarto y último espacio presentará un archivo de su trabajo escénico reciente, que permite reconstruir procesos, colaboraciones, y dispositivos

vinculados con sus producciones teatrales y performáticas. TrashGuzmanía 2001-2030 se puede visitar en el CENTRO CULTURAL RECOLETA (Junín 1930) con entrada libre y sin costo para residentes y argentinos, de martes a viernes de 12 a 21 h, sábados, domingos y feriados de 11 a 21 h. Programación completa en http://www.centroculturalrecoleta.

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Un bosque cerca del mar Carolina Romano

Visitas martes a sábado 16-19 h, hasta el 5 de diciembre del 2026 en Uriarte 1490, CABA

Un bosque cerca del mar es la primera exposición individual de Carolina Romano en Galería Mar Dulce. Presenta más de una docena de obras de escenas playeras realizadas en acrílico sobre madera. “Mientras pinto, camino con Haydée por un bosque de pinos muy altos cerca del mar. Ella me explica con lujo de detalle la receta para preparar la tarta de frutillas más rica del mundo. «Cuando te animes a hacerla, contáme qué tal», dice y se aleja llamando a Candy para que no vuelva a meterse en el agua, ahora que al fin se le secaron las patitas. Unas gaviotas vuelan apuradísimas justo sobre mi

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cabeza y pasan delante de la luna, que sigue inmensa como anoche, aunque ahora se aclara sobre un fondo celeste cerúleo mezclado con una pizca de blanco puro y amarillo mediano. Sigo pintando. La Tía y Teresa se acercan a paso lento con sus tobillos hinchados. Se oye un ladrido y por detrás de los pinos aparecen los perritos corriendo en busca de mimos. A Teresa le sale su risita de niña y se queda un rato acariciándolos. Después de escurrir y tender la ropa, llegan a la orilla y abren las reposeras. Hablan de las muchachas, de los chiquilines y, como el día está precioso, de ir a la tardecita hasta la casilla de Élida, la señora que vende

helados en la playa. Haydée las saluda alzando su mano con un repasador rosado. Acaba de salir de la casa rodante con un bol naranja a buscar algas entre las rocas para preparar buñuelos en aceite de oliva. «Con algas quedan más crujientes», afirma. Renuevo el agua de mi frasquito, teñida de verde claro, y busco el pincel más finito. Pinto las algas y camino un rato más. Allá a lo lejos, mi hermana pasea con su walkman y en el rumor de la playa se entremezclan las canciones del verano. Brillantes por el sol del mediodía, los pinos se pierden detrás de

las dunas, y unos berberechos divertidos y hermosos se escurren en la arena. De pronto, mis pies se cubren de agua y me hundo un poquito yo también. Ese turquesa que lleva media cucharadita de amarillo limón resbala hacia atrás y vuelve al mar lleno de espuma. miniaturas - objeto y collage de Victoria Lauria Es la hora de la siesta. Llego hasta el claro del bosque donde está la casa rodante de toldos verdes. La puerta está abierta y una luz cálida tiñe el interior. Veo el mar por la ventanilla. La cortinita naranja con flores blancas se infla y desinfla con esta brisa que trae la nota de una canción. Mi hermana debe estar cerca… Busco el pote de azul ultramar y comienzo a mezclar los colores para este cielo lila. Estoy en mi taller. Por la ventana todavía me llega el perfume de los buñuelos

de Haydeé, y desde este lado de la pintura, en el inmenso pino marítimo que asoma por la medianera, las urracas empiezan a cantar.” Carolina Romano, 2026 Carolina Romano nació en la provincia de Córdoba, Argentina. Algunos años después de finalizar sus estudios de Arquitectura, decidió que quería ser pintora y dibujante al sentir que su amor por el cine, el teatro, la música y la naturaleza podía sintetizarse en la pasión que la había acompañado desde niña: dibujar. Estudió Dibujo y Pintura, Teatro, Cine Documental, y también Diseño de Arte y Concept Art con Oscar Chichoni. Trabaja con acrílicos, acuarelas, lápices y tinta, y a veces también con tableta gráfica. Colaboró como ilustradora para el suplemento «Número Cero» del diario La Voz del Interior, ilustró la saga

de libros «Las Súper 8» (Melina Pogorelsky, Editorial Ralenti) y «El libro de las quejas» (Florencia Suárez, Editorial Cuentos en Pijamas), y sus obras se exhiben en Galería Mar Dulce, Buenos Aires. Además de la pintura, trabaja en proyectos editoriales y audiovisuales. Galería Mar Dulce se especializa en obras de pequeño y mediano formato de pintura, dibujo, grabado, libros de artista y objetos, realizadas por artistas rioplatenses clásicos y contemporáneos. Junto a la exposición principal presentamos +COLECTIVA98, una curaduría de obras realizadas por otros artistas de la galería e invitados. galeriamardulce@gmail.com Galería Mar Dulce URIARTE 1490 PALERMO CABA 1414 Argentina

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“Thomas Demand. El tartamudeo de la historia” 22 de agosto 2026 – noviembre 2026

acontecimientos más relevantes de la temporada cultural. Luego de su presentación en instituciones como el Jeu de Paume de París y el Museum of Fine Arts, Houston, la exposición desembarca en las salas de Proa Junto con la Foundation for the con un recorrido que permite Exhibition of Photography (FEP), acercarse en profundidad a una Proa presenta “Thomas Demand: obra tan única como oportuna. El tartamudeo de la historia”, la primera retrospectiva en la El artista trabaja con un Argentina dedicada al reconocido método muy personal: parte de artista alemán. Curada por fotografías publicadas en diarios, Douglas Fogle, la exhibición revistas, archivos e Internet reúne más de sesenta obras sobre episodios emblemáticos de -fotografías de gran formato, la historia para reconstruir esos videos y wallpapers- que recorren espacios a escala real utilizando tres décadas de una práctica únicamente papel y cartón. La situada entre la escultura, la sala de control de Fukushima tras el tsunami de 2011, el refugio fotografía y el arte conceptual. de Edward Snowden en Moscú, La llegada de Demand a Buenos la oficina de la Stasi en Berlín Aires constituye uno de los Oriental, el dormitorio universitario Organiza: Foundation for the Exhibition of Photograph (FEP) Fundación Proa Curaduría: Douglas Fogle Auspicia: Tenaris - Ternium Tecpetrol

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de Bill Gates y el cuarto de hotel donde cenó Whitney Houston por última vez, entre otros, son parte de un inquietante repertorio. Sin mostrar nunca a las personas involucradas, estas arquitecturas vacías conservan las huellas de acontecimientos que permanecen grabados en la memoria colectiva. Una vez terminada la construcción de las maquetas, Demand las fotografía según las tomas originales y luego las destruye. La imagen final es el único vestigio de un proceso que al artista puede tomarle meses de trabajo artesanal. “Hago esculturas de cartón, las fotografío y luego ya no las necesito. Reflejan algo que quizás hayas visto antes. Se basan en imágenes que conocemos de las noticias, del cine o de la historia.

Lo que ves es una copia de una copia, algo familiar pero nunca del todo confiable”, explicaba el artista durante su primera visita a Buenos Aires. “Todos conocemos el Despacho Oval o el escondite de Saddam Hussein aunque nunca hayamos estado allí. Compartimos esas imágenes globalmente. La memoria colectiva es como un maravilloso bloque de mármol del que puedo hacer mis esculturas”.

algo con las manos produce una experiencia distinta de la realidad”, afirma Demand.

HISTORIAS INQUIETANTES

El enfoque principal de esta exposición son las obras fotográficas a gran escala que SOBRE LA EXHIBICIÓN forman el núcleo de la producción Mediante núcleos temáticos del artista. La selección incluye que dan cuenta de los distintos ejemplos de los primeros intereses y periodos de su vasta momentos de su carrera hasta la producción, la selección de actualidad, abarcando una serie obras sitúa al visitante frente a de momentos políticos y artísticos escenas extrañas pero familiares significativos en la historia visual: a la vez en las que la precisión desde obras derivadas de de la fotografía convive con la imágenes en apariencia banales En el contexto de un momento fragilidad del papel, poniendo hasta episodios importantes pero histórico atravesado por la en crisis la idea de documento visualmente inidentificables de circulación incesante de y la aparente objetividad de la la historia del arte y la política, imágenes y el avance de la imagen. De manera ineludible, como la sala de control de la inteligencia artificial, la obra de cada una de las imágenes central nuclear de Fukushima Demand adquiere una dimensión realizadas por Demand induce antes de la fusión parcial de su clave para reflexionar sobre lo al espectador a la duda: ¿qué reactor (Control Room, 2011) que vemos, cómo procesamos recordamos realmente de los o la escalera de acceso a un históricos? avión (Gangway, 2001). Ya sea lo que vemos y la veracidad de acontecimientos esas imágenes que moldean ¿Cuánto de esa memoria es reconstruyendo una imagen nuestro imaginario. “Mi fotografía alimentada por la experiencia de un estudio de televisión de lleva meses. Esa lentitud le y cuánto de las imágenes que Alemania Oriental (Studio, 1997), da profundidad y revisión. La consumimos a través de los una tienda de fotocopias de aspecto genérico (Copyshop, u pantalla siempre miente; hacer medios?

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origen. Se basan en fotografías del mundo que lo rodea tomadas con su iPhone y van desde imágenes de broches de la ropa adheridas a un tendedero al aire libre contra un cielo azul, un envase de yogur helado vacío tirado en un estante, una pastilla LOS MISTERIOS DE LA VIDA de jabón balanceándose en el borde de un lavabo y tazas de COTIDIANA café suspendidas en los agujeros La exposición también presenta de una cerca de alambre. Los la serie en curso de Demand, Dailies encapsulan la visión los Dailies (Diarios), que ha personal de Demand sobre la sido una revelación por su historia, que está constituida material de origen, medio y tanto por las imágenes menores escala. De tamaño doméstico y aleatorias que encontramos e impresas con un proceso dye en la vida cotidiana como por transfer, se enmarcan en la los acontecimientos mundiales. línea de las obras fotográficas Su delicadeza e intimidad se tradicionales, aunque pasan contrapone creativamente a por el mismo proceso creativo la escala monumental y a los de transformación de imagen a temas de mayor hondura. En escultura de papel y a imagen. la producción de Demand, los La otra diferencia significativa Dailies constituyen una especie dentro de la producción de de autobiografía silenciosa de su Demand son sus imágenes de cotidianidad visual. 1999) o la sala con baldosas acústicas de un estudio de grabación (Labor, 2000), Demand a menudo pone en primer plano el acto de grabación, reproducción y difusión de imágenes y contenido en su trabajo.

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EL IMPULSO ARQUITECTÓNICO Demand estudió con el escultor Fritz Schwegler en la Kunstakademie de Düsseldorf, quien lo animó a investigar las posibilidades de las maquetas arquitectónicas. En sus exploraciones del mundo visual, Demand comenzó a emplear wallpaper para dar a su práctica fotográfica y escultórica una dimensión espacial y arquitectónica. Una muestra reciente en la Matthew Marks Gallery en Nueva York empleó una serie de wallpapers que se instalaron de piso a techo con una de las imágenes recreadas por Demand de los casilleros de una escuela, sobre los que colgó un grupo de fotografías de la serie Dailies. Esta exposición incluye una serie de sus proyectos anteriores que se despliegan como intervenciones

arquitectónicas sobre las que cuelga sus obras fotográficas. Además, su serie Model Studies (Estudios de modelos, 2011), fotografías directas de elementos abstraídos de maquetas de conocidos arquitectos y diseñadores, añade una capa de lectura adicional a la presentación que hace “El tartamudeo de la historia” tanto del contenido como de la forma de su práctica y su mirada subyacente del entorno construido. IMÁGENES EN MOVIMIENTO Las animaciones cinematográficas han sido una parte importante de la práctica de Demand desde su recreación del túnel en el que murió la princesa Diana en la obra Tunnel (1999). Hace poco, creó una obra de animación stop motion con su película Pacific Sun (2012), en la que el artista recreó minuciosamente un video de YouTube del interior de un crucero atravesando una turbulencia extrema. Volviendo a la grabación de momentos espectaculares de la vida cotidiana que ahora circulan sin

A lo largo de tres décadas, la institución ha dedicado muestras a artistas fundamentales como Sebastião Salgado, Edward Burtynsky, Grete Stern, Horacio Coppola y Facundo de Zuviría, además de proyectos de investigación como “Fotografía Argentina 1850–2010: Contradicción y Continuidad”, organizada junto a The J. Paul Getty Museum, y la presentación del prestigioso Premio Pictet. También presentó al público argentino la obra de referentes PROA Y EL COMPROMISO CON de la Escuela de Düsseldorf como Andreas Gursky, Candida LA FOTOGRAFÍA Höfer, Axel Hütte, Thomas Ruff y Esta colaboración con la FEP Thomas Struth. adquiere una relevancia particular para Proa ya que consolida una La exhibición cuenta con el apoyo línea de trabajo sostenida en torno permanente de nuestro sponsor, a la fotografía y a la presentación Tenaris- Ternium-Tecpetrol. en Buenos Aires de exhibiciones El proyecto cuenta con el internacionales de gran escala. generoso apoyo de Kvadrat. A lo largo de su trayectoria, Proa ha desarrollado proyectos CREDITOS dedicados a figuras centrales de la fotografía y la imagen Organización contemporánea, articulando Foundation for the Exhibition of alianzas con instituciones, Photograph (FEP) – Fundación colecciones, artistas y curadores Proa Auspician de distintos países. Tenaris – Ternium – Tecpetrol Curaduría Douglas Fogle Coordinación general Cecilia Jaime Esta exposición ha sido coorganizada por la Foundation for the Exhibition of Photography, (FEP) Minneapolis/París/ Lausana, y UCCA, Beijing, en colaboración con Fundación Proa. info@proa.org cesar en Internet, esta obra reúne todos los temas que interesan a Demand y será una pieza central de la exhibición en Proa. Al reunir más de 60 obras de estas cuatro áreas principales de su producción, “Thomas Demand: El tartamudeo de la historia” ofrece una visión general de la forma de ver el mundo del artista y una lección sobre cómo abordar la avalancha de eventos históricos que consumimos a través del mundo de las imágenes.

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Marco Giordano (Italia) presenta Slip Touch en la sala 6 del Centro Cultural Recoleta

El Centro Cultural Recoleta presenta Slip Touch, la primera exposición individual de Marco Giordano (n. 1988, Italia) en Sudamérica. La exhibición reúne dos series de obras: un conjunto monumental de video instalaciones que reutilizan gasoductos industriales como dispositivos cinematográficos y un grupo de dibujos sobre papel de arroz. Ambas series profundizan la investigación del artista sobre las relaciones entre los flujos de energía y los de comunicación, y ponen en escena el derrame, la ruptura

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extrañamiento que interrogan los límites del yo, su capacidad de permanecer abierto al Otro y su relación con una materia A través de la escultura, la aparentemente inerte. performance y las prácticas basadas en texto, Giordano En sus nuevas instalaciones de viene examinando sistemas y video, las tuberías funcionan como estructuras que obstaculizan los amplificadores ópticos y sonoros encuentros significativos entre de registros realizados sobre individuos y comunidades, entre infraestructuras e instalaciones humanos y entidades más-que- energéticas de Sudamérica y el humanas, y entre los cuerpos norte de Europa: nodos de una y sus entornos. Mediante misma red destinada a distribuir una espacialidad envolvente, recursos a escala planetaria. Una una poesía visual pregnante trama de conductos que conecta y esculturas animadas, ha los sitios de extracción con los orquestado experiencias de centros de consumo y vincula y la falla como condiciones para la emergencia de nuevas gramáticas relacionales.

territorios distantes dentro de un único sistema de circulación. Giordano interrumpe esta lógica de transmisión sin fisuras mediante imágenes alucinatorias que transforman las tuberías en dispositivos capaces de provocar un slip touch: una desconexión y reconexión reveladora con el territorio. El artista se detiene en los intersticios de la infraestructura: los caminos que atraviesan el territorio, las máquinas extractivas que lo perforan, los complejos mineros que transforman su superficie. En ese desplazamiento busca formas de percepción capaces de desafiar una mirada descarnada, monocular y maquínica que históricamente ha vuelto la naturaleza legible, cartografiable y explotable para fines humanos. Giordano vincula la desarticulación de las redes de distribución con la subversión que la poesía ejerce sobre los protocolos normativos del

lenguaje. Si en los dibujos las palabras y las imágenes matizan y expanden mutuamente sus significados, en las instalaciones las exploraciones itinerantes del artista por los paisajes del Antropoceno se traducen en actos de expansión sensorial. Filmados con una cámara corporal y un lente ojo de pez, los videos registran sus encuentros desorientadores con lo sublime tecnológico, el asombro ante la fuerza y la fragilidad de la naturaleza, o los pasajes vertiginosos entre formas de vida microscópicas y macroscópicas. Al cuestionar el imperativo de fluidez que gobierna las infraestructuras globales, Giordano pone en tensión las contradicciones del futuro energético, todavía ligado a prácticas extractivistas. Entre ellas, la creciente dependencia de las baterías de ion-litio para el almacenamiento de energías renovables, cuyos procesos de extracción producen efectos persistentes sobre territorios y

comunidades sometidos durante largo tiempo al despojo material. En 2027, KBB (Buenos Aires) y Temblores (Ciudad de México) publicarán un volumen que acompañará la exposición, con textos de D’Aurizio, Villa y Liliana Gómez, profesora de Arte y Sociedad de la Universidad de Kassel y de documenta Institute, y editora en jefe del Journal of Latin American and Latinx Visual Culture. La exposición cuenta con la curaduría de Michele D’Aurizio, curador independiente, y Javier Villa, curador del Centro Cultural Recoleta. El paisaje sonoro de la exposición fue desarrollado en colaboración con Emilia Álvarez. Slip Touch cuenta con el apoyo de la Dirección General de Creatividad Contemporánea del Ministerio de Cultura de Italia, a través del programa Italian Council (14.ª edición, 2025), en colaboración con Creative Scotland, Tenaris y Fundación Proa. La exhibición podrá visitarse desde el 29 de octubre a las 18h en la sala 6 del CENTRO CULTURAL RECOLETA (Junín 1930) con entrada libre y sin costo para residentes y argentinos, de martes a viernes de 12 a 21 h, sábados, domingos y feriados de 11 a 21 h. Programación completa en http://www.centroculturalrecoleta. org/.

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Susana Rodríguez en el Bellas Artes

La primera exposición en el Museo de la artista argentina presenta cerca de 40 grabados y dibujos. El Museo Nacional de Bellas Artes inaugura el martes 20 de octubre a las 19 la exposición temporaria “Susana Rodríguez. Historia íntima”, que reúne en las salas del segundo piso cerca de 40 obras de la artista argentina realizadas entre las décadas de 1970 y 1980. Con curaduría de Gabriela Naso, investigadora del Museo, la muestra celebra la trayectoria de Rodríguez (Buenos Aires, 1948) con un conjunto de serigrafías, dibujos, pinturas, collages y otras piezas gráficas muy pocas veces exhibidas en la Argentina. “Con esta exposición, el Museo se propone reconocer la labor de una artista cuya obra buscó desplazar los lenguajes tradicionales hacia territorios menos transitados, allí donde la historia y la autobiografía se enlazan”, señala el director del Bellas Artes, Andrés Duprat. “El grabado fue una constante en la producción de Rodríguez. Y en esa superficie se despliegan algunos de los temas que recorren toda su carrera: el cuerpo, el erotismo, el tiempo y la memoria, abordados con la densidad conceptual y técnica que caracteriza su práctica”, agrega. Por su parte, Naso destaca: “Los

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temas centrales de la producción que la artista desarrolló durante los largos años 70 emanan de la más íntima experiencia humana, vista a través de marcos interpretativos como la psicología y la semiótica, que por entonces habían trascendido sus campos disciplinares de origen

para filtrarse en los discursos cotidianos. La dificultad de la comunicación entre las personas y la expresión de la sexualidad como forma de autoafirmación son algunas de las temáticas que la artista abordó en estos trabajos, en los que también exploró zonas más huidizas, impulsada por la

voluntad de poner en imágenes lo indecible”. “En sus obras, medios tradicionales como el grabado y el dibujo son transgredidos a partir de la hibridación técnica y la apropiación de elementos de la cultura masiva. Rodríguez llega así a una imagen que gana potencia en la deliberada ambigüedad entre aparentes contradicciones: la abstracción y la figuración, lo narrativo y lo críptico, la profusión y el vacío, lo erótico y lo siniestro, la pulsión de vida y la de muerte, lo personal y lo colectivo”, indica la curadora.

Manuel Belgrano como maestra, y de la Prilidiano Pueyrredón como Profesora Superior de Grabado. La exposición “Susana En 1988 obtuvo una residencia Rodríguez. Historia íntima” en la Fundación Rockefeller, puede visitarse hasta el 17 de Bellagio, Italia. Entre 1989 y 1990 enero de 2027 en las salas se radicó en San Pablo, Brasil, del segundo piso, de martes a donde continuó especializándose viernes, de 11 a 19.30 (último en litografía. ingreso), y los sábados y Realizó exposiciones individuales domingos, de 10 a 19.30. en el Museo de Arte Moderno de São Paulo, Brasil (1988); el El Museo Nacional de Bellas Centro Cultural Recoleta (2003, Artes –que depende de la 2000 y 1997), el Museo Provincial Secretaría de Cultura de la de Bellas Artes de Salta (2001), Nación y cuenta con el apoyo de Fondo Nacional de las Artes Amigos del Bellas Artes– está (2000, 1996) y en el Museo de ubicado en Av. del Libertador Artes Plásticas Eduardo Sívori 1473, ciudad de Buenos Aires. (2018). Obtuvo el Gran Premio de SOBRE LA ARTISTA Grabado del Salón Nacional (2001); el Premio de Grabado Susana Rodríguez (Buenos en el Museo Rosa Galisteo de Aires, 1948) egresó de la Escuela Rodríguez, Santa Fe (2013), el de Bellas Artes de Buenos Aires Segundo Premio de Grabado

en el Salón Manuel Belgrano (2011), el Premio Adquisición Banco Nación (2008); Mención en Grabado en el Premio Trabucco (2012), y el Premio Konex de Grabado (2012), entre otros. En 2012 fue reconocida como Personalidad Destacada de la Cultura por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Su obra integra las colecciones del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires; el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori; el Museo Provincial de Bellas Artes de La Plata; el Museo Nacional del Grabado; el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires; el Voluntariado de las Casas Reales de Santo Domingo, República Dominicana; el Museo Español de Arte Contemporáneo, Madrid; el Museo Joan Miró, Barcelona; el Consulado Argentino en Nueva York y el Museo de Arte de las Américas de la OEA, Washington, EE.UU; el Fredrikstad Museum, Noruega. También colecciones privadas en Argentina, Brasil, Francia, Italia y España y EE.UU. Museo Nacional de Bellas Artes www.bellasartes.gob.ar IG: @bellasartesargentina

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Una exposición que revela la faceta más desconocida de Alejandro Bustillo, el arquitecto del Llao Llao y del Museo Nacional de Bellas Artes

Tiempos de modernidad

El Fondo Nacional de las Artes inauguró el pasado 6 de octubre en su sede Casa Victoria Ocampo, Bustillo 1929-1939. Tiempos de modernidad, una muestra curada por el director de Arquitectura del organismo, Arq. Marcelo Nougués , y organizada en el marco de la XX Bienal Internacional de Arquitectura de Buenos Aires. La exhibición propone un recorrido por la faceta menos conocida de Alejandro Bustillo: las obras y proyectos en los que, entre 1929 y 1939, exploró una arquitectura más simple

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y despojada. “Un período — comentó Nougués— en el que tuvo esta especie de “flirt” o noviazgo con una estética moderna, que poca gente conoce”. Planos, fotografías e ilustraciones permiten acercarse a viviendas particulares, edificios de departamentos de renta y algunos anteproyectos que jamás se realizaron; además de una especie de “rincón de las demolidas” que causaron un gran sufrimiento al arquitecto que, aclaró Nougués, “sentía sus obras como sus propios hijos”.

Exhibidos con sobriedad, el visitante podrá detenerse en las plantas y los detallados dibujos de las fachadas del anteproyecto para una casa de renta para Ernesto Lix Klett, los hoteles particulares de Alberto Ramos Mejía y Adriana de Arrillaga, posteriormente demolidos, o el edificio de la calle Posadas para Ramona de Ocampo, la madre de Victoria, entre muchas otras piezas. Una sala especial está dedicada a la Casa Victoria Ocampo, “la estrella de la muestra”, afirmó Nougués, quien evocó las

discusiones entre la escritora y el arquitecto sobre su diseño, un intercambio que puede seguirse en las cartas exhibidas. “Victoria —explicó— tenía una idea precisa de la casa que quería y confiaba en que Bustillo podría realizarla, aun cuando sus preferencias estéticas fueran diferentes”. Describió el diálogo como “el de dos fuertes personalidades, dos titanes ” y recordó, finalmente, que “Bustillo hizo la casa al gusto de Victoria, pero no la firmó”. Durante la inauguración, el presidente del Fondo Nacional de las Artes, Tulio Andreussi Guzmán, valoró el trabajo apasionado del curador y compartió una escena de los preparativos: “Parecía un niño que estaba en una juguetería, con todos los planos, todas las fotos, yendo y viniendo ”, y marcó, además, que la muestra es una oportunidad para reconocer a Martha Levisman, cuya labor resultó fundamental para preservar el archivo de Bustillo y propiciar su llegada a la Universidad Torcuato Di Tella, donde “se continúa el gran trabajo de Martha por conservarlos y ponerlos en valor, llevando adelante una tarea cultural extraordinaria ”. Esta exposición, dijo, “es también un homenaje a ella”. A su turno, Julia Converti, directora ejecutiva de la Bienal, situó la inauguración en un aniversario especial: “Estamos cumpliendo 40 años

y 20 bienales ”. Agradeció la participación del FNA y de la Casa Victoria Ocampo, que integra el recorrido de sedes de esta edición, y destacó la posibilidad de ofrecer al público local e internacional contenidos y una experiencia urbana vinculada con la arquitectura de Buenos Aires. “Es un lujo tener esta exposición de Bustillo”, expresó. La muestra recupera también un autorretrato de Bustillo y una cabeza realizada por su amigo, el escultor José Fioravanti (gentileza de la familia Bustillo). Durante la inauguración, Tulio Andreussi Guzmán recordó esa amistad y reconocimiento mutuo: “Bustillo invitó a José Fioravanti a participar de dos importantes proyectos urbanísticos: el Monumento a la Bandera, en Rosario, y los lobos marinos de Mar del Plata, que hoy son un ícono de esa ciudad”, ejemplificó. Bustillo 1929-1939. Tiempos

de modernidad podrá visitarse desde el martes 6 de octubre hasta el 14 de noviembre, de lunes a viernes, de 11 a 19h, en Casa Victoria Ocampo (Rufino de Elizalde 2831, CABA), con entrada libre. SOBRE ALEJANDRO BUSTILLO Alejandro Bustillo (1889-1982) fue uno de los arquitectos argentinos más destacados del siglo XX. Graduado en 1914, desarrolló una extensa producción orientada a la búsqueda de un “estilo clásico nacional”. Entre sus principales obras se encuentran el Museo Nacional de Bellas Artes, la sede central del Banco de la Nación Argentina, el Hotel Llao Llao, el Casino Central y el Hotel Provincial de Mar del Plata. En ese conjunto, Casa Victoria Ocampo ocupa un lugar singular por su adhesión a un lenguaje moderno y racionalista, distante del clasicismo que caracterizó gran parte de su trayectoria. u

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SOBRE EL ARQ. MARCELO NOUGUÉS

e internacional. Su trabajo está enfocado principalmente en la restauración de edificios de valor patrimonial, focalizado en el período neoclásico y Art Decó. Fue becado por la Smithsonian Institution en 1985 para una investigación en el Cooper Hewitt Museum de Nueva York. A partir de esa beca se especializó en la investigación de la historia de la arquitectura y la decoración del siglo XX.

Arquitecto recibido en la Universidad de Belgrano. Preside el estudio Marcelo Nougués Arquitectos, con una trayectoria de 40 años en el mercado de arquitectura local

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Fue proyectista y curador de las Ferias de Anticuarios realizadas en el Palais de Glace. Es autor de varios libros y publicaciones sobre historia de la arquitectura y el diseño, entre ellos, “Cora Kavanagh y su edificio”. Actualmente, también es director de Arquitectura del Fondo Nacional de las Artes.

Gerencia de Gestión Cultural de las Artes Fondo Nacional de las Artes Contacto: prensa@fnartes.gob. ar

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MUSEOS

“El otro Perotta”: una mirada inédita sobre el

fotógrafo que retrató el rock, la moda y la cultura popular La exposición en el Museo de la Ciudad permitirá descubrir las facetas inexploradas de José Luis Perotta, el fotógrafo que retrató a las grandes figuras del rock argentino. El Museo de la Ciudad inauguró el pasado jueves 22 de octubre a las 17 h “El otro Perotta”, la primera gran retrospectiva dedicada a José Luis Perotta (Buenos Aires, 1948–1989), figura clave de la fotografía contemporánea argentina. La exposición se presentará en la sede Querubines del museo (Defensa 225) y podrá visitarse hasta abril de 2027. Con curaduría de Paula Carrella, la exhibición es el resultado de un exhaustivo proceso de investigación sobre el Fondo Fotográfico que conserva la institución, integrado por más de 25 mil piezas entre negativos, copias de época, hojas de contacto y documentación personal. A través de un conjunto de obras realizadas entre 1965 y 1989, la exposición propondrá articular la producción integral del artista en tres ejes temáticos: Moda y publicidad, Música y cultura popular y Ensayos fotográficos. Esta selección reve-

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José Luis Perotta. Autorretrato, c1974.

de mediación pública. A través de esta propuesta, la institución reafirma su compromiso con la democratización del patrimonio, garantizando que sus colecciones se transformen en bienes culturales accesibles y La presentación de este acervo al significativos para la comunidad. público constituye un nuevo hito institucional: el museo trasciende Sobre el artista la mera custodia para convertir el José Luis Perotta (Tres Arroyos, 1948 – Buenos Aires, 1989) fue archivo en un dispositivo activo lará facetas inexploradas de su trabajo, para evidenciar la riqueza de su legado visual al tiempo que visibiliza la innovación y versatilidad de un creador central de su generación.

José Luis Perotta. Sandy -On Stage- 1980-1981.

una figura central de la fotografía argentina contemporánea, caracterizado por una carrera intensa y versátil que articuló la investigación plástica, la fotografía de moda, el fotoperiodismo y la documentación de la cultura popular. Formado en la Escuela Nacional

de Bellas Artes y en la Escuela de Artes Gráficas Nº 31 de La Boca, realizó entre 1967 y 1971 viajes formativos a Europa, donde trabajó para la televisión sueca, colaboró en las revistas Vogue y Popular Photography Italiana y produjo un corpus de 12 mil imágenes sobre los movimientos juveniles.A su regreso, expuso

en la Galería Lirolay, fue jefe de fotografía de la revista Siete Días y realizó campañas de gran impacto, como el Almanaque Pirelli de 1975 inspirado en el fileteado porteño. En paralelo a sus ensayos de investigación social (como sus coberturas en el Noroeste Argentino y el terremoto de Perú en 1970), se consolidóu

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como el gran fotógrafo de la moda y el retratista del rock nacional y la cultura popular. Desde 1998, la totalidad de su patrimonio se resguarda en el Museo de la Ciudad de Buenos Aires. MUSEO DE LA CIUDAD Sede Altos de Elorriaga:

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José Luis Perotta. Susana Aráoz Alfaro. 1982.

Defensa 187 CABA. Sede Querubines: Defensa 225 Horario: lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19 h; sábados, domingos y feriados de 11 a 20 h. Martes cerrado. Entrada: $10.000 público general | $2.000 residentes argentinos y/o extranjeros con DNI | Miércoles sin cargo

para residentes argentinos | Jubilados, excombatientes de Malvinas, estudiantes universitarios presentando acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, menores de 12 años y grupos de estudiantes de colegios públicos, sin cargo todos los días.

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Cartelera TEATRO

Miss (soporte de ficción)

Creada, coescrita e interpretada por Rosina Fraschina FUNCIONES Martes 20/10 a las 20:30h / Jueves 19/11 a las 20:30h y Viernes 4/12 a las 20h. en La Carpintería Teatro (Jean Jaures 858, Abasto CABA). Entradas por alternativateatral. com.ar Creada, coescrita e interpretada por Rosina Fraschina, la obra parte del archivo autobiográfico para explorar cómo se construyen los mecanismos de la memoria para producir su ficción hoy. Teatro físico, danza, performance, sonido e imagen se entrelazan en un dispositivo escénico que revisa la memoria, el cuerpo, la exigencia y las genealogías. Esta nueva versión es fruto de un proceso de reescritura y dirección autogestiva desarrollado durante 2025 en residencias artísticas en Teatre Nu (Catalunya) y Nau Ivanow (Barcelona). “Somos hijas y nietas de la exigencia y ella lo desarma y lo vuelve a armar con destreza y ternura.” — Iara Singh, en Instagram.

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“Es una de esas obras que te invita a revisar la propia historia desde un lugar amoroso.” — Paola, en Alternativa Teatral. Miss (soporte de ficción) es una pieza escénica de carácter documental que explora lo biográfico como soporte para la creación de ficción. A través de un lenguaje que articula teatro físico, performance, danza, sonido e imagen, la obra investiga la tensión entre ficción y realidad poniendo en escena el archivo autobiográfico de una intérprete que reconstruye su historia para construir su ficción hoy. La obra se compone en el encuentro entre artistas de disciplinas asociadas a prácticas creativas -el teatro, el cine, la danza, las artes sonoras, la fotografía- y pertenecientes al mundo académico -las carreras de Ciencias de la Comunicación, Artes combinadas, Diseño de Imagen y Sonido, de la Universidad de Buenos Aires, y Composición Coreográfica en Danza de la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Este proyecto nació en el 2022 y contó con la dirección de Maria Florencia Alvarez.

Rosina Fraschina Vestuario: Melina Benitez Escenografía: Noelia Volpe Diseño De Sonido: Luis Sticco Audiovisuales: Pedro Mauvecin Diseño De Iluminación: Ián Martin Diseño De Video: Fernanda Ceballos Rosina Fraschina Camila Meconi Comunicación: Julia Cohen Camila Meconi Producción: Valentina Carballo Coreografía: Carla Rímola Dirección: Rosina Fraschina

Clasificaciones: Teatro, Unipersonales, Presencial, Adultos Duración: 60 minutos EN INSTAGRAM https://www.instagram.com/miss. soportedeficcion/?hl=es-la CONTACTOS: Miss - soporte de ficción pehuajochivilcoy@gmail.com Valentina Carballo Producción @miss.soportedeficcion Rosina Fraschina rosinafraschina@gmail.com

Ficha técnico artística Coautor: Florencia Álvarez Rosina Fraschina Intérpretes: Rosina Fraschina Creación:

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MI MADRE QUERÍA EL PARAÍSO

Una historia de amor, secretos familiares y memoria, entre el melodrama de los años 50 y el presente.

Con dramaturgia de Beatriz Bialylew y dirección de Mariana Cumbi Bustinza, Mi madre quería el paraíso cruza dos historias de vida atravesadas por las marcas familiares, el amor y la posibilidad de construir otros vínculos. Música en vivo, humor y emoción acompañan un relato que viaja entre el presente y los años 50. Actúan Mónica Miravete, Agustina Lima, Tomás Cutler y Daniela Catz. La dramaturga Beatriz Bialylew y la directora Mariana Cumbi Bustinza vuelven a encontrarse en escena después de Perdón que no te crea para presentar Mi madre quería el paraíso, una obra que se interna en aquello

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que heredamos, los secretos que atraviesan a una familia y las posibilidades que se abren cuando el pasado vuelve a irrumpir en el presente.

vulnerabilidad, los conflictos y el deseo de encontrar una manera diferente de estar juntos.

A través de la mirada de Juan, la obra reconstruye la vida de Tras la muerte de su madre, Marta y su familia. Un velorio Juan descubre entre fotografías funciona como puerta de entrada y cartas una historia familiar que a los recuerdos y hace que la desconocía. Los documentos acción se desplace entre dos revelan secretos, decisiones y temporalidades: el presente y los heridas que modifican aquello años 50. que creía saber sobre su propia En ese viaje, la puesta transforma historia. también su lenguaje. El pasado En medio de ese duelo conoce recupera la intensidad emocional, a Carla, una enfermera también los modos de actuación y atravesada por una trama familiar ciertos códigos del melodrama compleja. Entre ambos comienza cinematográfico de mediados a construirse un vínculo en del siglo XX, mientras que las el que conviven el humor, la escenas contemporáneas se

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despliegan desde una energía más directa y dinámica. La música en vivo y las canciones forman parte central de ese diálogo entre épocas. Humor, emoción y melodrama se combinan para indagar cómo las historias familiares continúan operando mucho después de ocurridas y de qué manera conocerlas puede transformar nuestra forma de mirar el presente. Mi madre quería el paraíso propone así un encuentro entre memoria y deseo, entre aquello que recibimos y aquello que todavía podemos modificar. ¿Qué sucede cuando la vida obliga a mirar hacia atrás para poder avanzar? FICHA TÉCNICA Dramaturgia: Beatriz Bialylew Dirección: Mariana Cumbi Bustinza Elenco: Mónica Miravete Agustina Lima Tomás Cutler Daniela Catz Músico en vivo: Adrián Yannattone Asistencia de dirección: Joana Suero Iluminación: Gustavo Lista Diseño escenográfico: Agustín Leonardo Addesso Música: Adrián Yannattone

Vestuario: Paula Molina Diseño gráfico: Addxsso Redes y marketing: Thais Rippel Realización de escenografía: Tomás González Fotografía: Aaron Wang Prensa: Paula Simkin Producción ejecutiva: Mariana Cumbi Bustinza Producción: Beatriz Bialylew Beatriz Bialylew es bioquímica, narradora, dramaturga y guionista. Comenzó a escribir a los 70 años, después de haber postergado durante décadas una vocación que la acompañaba desde muy joven. Durante su adolescencia quería ser periodista y escritora. Su segundo hogar eran las salas del Teatro San Martín y las librerías de usados de la avenida Corrientes. Sin embargo, los mandatos familiares la llevaron por otro camino. Su padre, inmigrante polaco y profundamente marcado por la historia de su familia en Europa, insistió en que estudiara una profesión que pudiera garantizar independencia económica. Bialylew ingresó entonces a la Universidad de Buenos Aires y se graduó como bioquímica.

después pude finalmente escribir mi primer libro”, cuenta. A los 70 años decidió recuperar aquella vocación postergada y comenzó a formarse en escritura. Realizó talleres de dramaturgia con Maruja Bustamante en Argentores, en el marco de los ciclos Familiar y Privado, y también se formó en el CELCIT. Durante la pandemia participó, nuevamente con Bustamante, de un taller de creación de personajes y continuó profundizando sus estudios de dramaturgia. En narrativa realizó talleres con Alfredo Staffolani y Ariel Gurevich. Desde entonces escribió cinco obras teatrales. El otro Onassis, con dirección de Corina Fiorillo, se estrenó en 2023 en el Centro Cultural Rojas, realizó una segunda temporada en Dumont 4040 y posteriormente continuó sus funciones en Timbre 4. Perdón que no te crea, dirigida por Mariana “Cumbia” Bustinza, también llegó a escena.

Es autora, además, de Simulacro de vida, Todos dicen que Luisa Kuliok tiene algo de mí y En escena. Con Mi madre quería el paraíso cierra un ciclo de escritura ligado especialmente al universo de lo familiar y lo privado, atravesado, como buena parte de su dramaturgia, por la ficción, el humor y un tono tragicómico. En narrativa publicó la novela “Siempre deseé ser novelista; Una vida de novela y escribió mi padre no quería. Estudié una segunda novela, además de bioquímica, pero muchos años cuentos y textos breves. Tam- u

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bien desarrolla proyectos como guionista de cine y series. Su ingreso tardío a la escritura está íntimamente ligado a una historia personal y, al mismo tiempo, generacional: la tensión entre los deseos propios y los mandatos familiares, las decisiones tomadas para asegurar el futuro y la posibilidad de recuperar, incluso muchas décadas después, aquello que parecía definitivamente postergado. Ese diálogo entre generaciones, deseos y mandatos forma parte también del universo de Mi madre quería el paraíso. Mariana Cumbi Bustinza es actriz, dramaturga, directora y docente teatral. Cuenta con más de veinte años de trayectoria en el teatro independiente y más de quince dedicados también a la improvisación. Egresó de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático y continuó su formación en danza-teatro en la Universidad Nacional de las Artes. También se formó en clown, canto, danza y stand up, y cursó la carrera de Dramaturgia de la EMAD con Mauricio Kartun. Es fundadora de Improvisa2, compañía con la que desarrolla espectáculos, talleres y giras por Argentina y otros países, y creó además Cumbimpro, un espectáculo unipersonal de improvisación.

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Como autora y directora desarrolló la trilogía integrada por Menea para mí, Gorila y Lo que quieren las guachas, trabajos en los que construyó una poética propia que combina actuación, música original, corporalidad y universos sociales contemporáneos. Menea para mí recibió una Mención Especial en los Premios Teatro XXI y el Premio Estrella de Mar 2019 a Mejor Obra Alternativa. Lo que quieren las guachas obtuvo el Premio Estrella de Mar 2020 en la misma categoría y la trilogía recibió el Premio José María Vilches por sus valores éticos, además de distintos reconocimientos y nominaciones. Sus trabajos participaron de festivales y ciclos como Teatro por la Identidad, el Festival Feminista

del CELCIT y propuestas del Teatro Nacional Cervantes. Sus obras fueron representadas también en Perú y España. En 2022 realizó una residencia en el Cultural San Martín que derivó en la creación de Turreo místico, un musical inspirado en Macbeth, estrenado en 2023 con un elenco de dieciséis intérpretes. Como docente dicta clases y seminarios en espacios como el Teatro 25 de Mayo, CELCIT y el Centro Cultural San Martín. Prensa: Paula Simkin paulasimkin@gmail.com FUNCIONES: Sábados 20.30 h Sala: Ítaca: Humahuaca 4027, Almagro, CABA

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NO ME ACUERDO LAS COSAS De la Carga Mental a la Niebla Mental

Unipersonal de Antiayuda de Julieta Otero - Dirigido por Dalia Gutmann. El unipersonal, escrito y protagonizado por Julieta Otero y dirigido por Dalia Gutmann, recorre síntomas, consecuencias y efectos secundarios del paso del tiempo. Además, mientras continúa celebrando y dando cátedra sin fundamento científico sobre la menopausia, aprovecha las vacaciones de invierno para reflexionar y reírse de su vida con los adolescentes, esos seres que nos enseñan cada día a vivir mientras piden transferencias. Con la niebla mental como hilo conductor y el humor ácido con el que retrató la maternidad durante una década con Según Roxi, Julieta Otero cuenta la vida de una mujer que llega a los cincuenta. A través de monólogos y algunas canciones cuyas letras ojalá logre recordar, la protagonista abraza las bondades de la menopausia y levanta la bandera de la edad del olvido. El espectáculo es una celebración y una tesis sin fundamento científico sobre la Niebla mental, que llega oportunamente a la vida de la mujer para liberarla de la carga mental. FICHA TÉCNICA Actúa: Julieta Otero

Músico: Germán Halili Música Original: Fran Ruiz Barlett Entrenadora Vocal: Silvina Sznajder Vestuario: Victoria Naná Calzado: Luz Príncipe Maquillaje: Valentina Viviers Fotografía: Alejandra López Diseño Gráfico: Santiago Barros Diseño Pantalla: Eugenia Diaz

Diseño de Luces: Horacio Chino Novelle Coreografía: Anita Gutierrez Redes Sociales: Alexis Mazzitelli Julieta Garrós Stage Manager: Camila Sartorio Asistente de Dirección: Silvina Sznajder Producción Ejecutiva: Gigi Courtade Administración y programación: Mariana Birman Prensa: Varas Otero Dirección Musical: Daniel Pragier Dramaturgia: Julieta Otero Dirección: Dalia Gutmann Producción General: CHIAKU Producciones FUNCIONES: SÁBADOS 18H 7 - 14 - 21 - 28 DE NOVIEMBRE 5 Y 12 DE DICIEMBRE TEATRO PICADERO - Pasaje Enrique Santos Discépolo 1857 CABA - ENTRADAS DE VENTA POR PLATEANET PRENSA Susan Lonetti susan.lonetti@gmail.com

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Nuevas y últimas cuatro funciones de

LO ÚNICO CONTINUO

de Maxi Rofrano, en el Teatro Hasta Trilce

UNA COMEDIA TRÁGICA QUE COMBINA VAMPIROS, HUMOR NEGRO Y FANTASÍA PARA HABLAR DE LOS VÍNCULOS FAMILIARES DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN MAXI ROFRANO UNA HISTORIA SOBRE LA INMORTALIDAD, EL DESEO Y LAS HERIDAS QUE NI EL PASO DE LOS SIGLOS CONSIGUE BORRAR “Lo único continuo” es una

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comedia de terror que combina humor negro, vampiros, espíritus y al Diego. Una puesta inspirada en el expresionismo alemán que, acompañada por un cuarteto de cuerdas en vivo, construye un universo tan inquietante como delirante; escrita y dirigida por Maxi Rofrano. Debido a la gran respuesta del público, se realizarán las últimas 4 funciones del año a partir del domingo 1° de a las 18:30 horas. Las entradas se

encuentran disponibles a través de Alternativa Teatral. Durante años, Dante y Víctor permanecieron ocultos en un remoto paraje de la provincia de Buenos Aires, intentando escapar de Anya, su madre, una poderosa vampira responsable de un pasado que aún los atormenta. Pero cuando Víctor muere de manera inesperada, Dante, acompañado por su fiel asistente Katerina, realiza un

desesperado ritual para traerlo de regreso. El hechizo funciona, aunque de la manera menos esperada: el espíritu de Víctor termina habitando el cuerpo de un plomero que, por azar, había llegado a reparar una simple gotera. Lo que comienza como una insólita situación cargada de humor pronto deriva en un enfrentamiento inevitable. Anya descubre el escondite de sus hijos y llega acompañada por Iks, una inquietante criatura demoníaca, decidida a obligarlos a regresar junto a ella. Frente a una amenaza que lleva siglos persiguiéndolos, los hermanos deberán enfrentarse no solo a su madre, sino también a los deseos, las culpas y los vínculos que marcaron sus vidas para siempre. Con una puesta que combina actuaciones, música original, efectos escénicos, coreografías y recursos de magia teatral, “Lo único continuo” construye un universo fantástico atravesado por emociones profundamente humanas. El elenco está integrado por Mariana Maciel, Victoria Casellas, Hernán Staiger, Nicolle Scher y Paolo Cillo, acompañados por un destacado equipo artístico encabezado por Maxi Rofrano, que propone una experiencia escénica donde la comedia y la tragedia conviven para reflexionar sobre aquello que permanece incluso cuando todo parece haber terminado.

FICHA TÉCNICA Dramaturgia y dirección: Maxi Rofrano Actúan: Mariana Maciel Victoria Casellas Hernán Staiger Nicolle Scher Paolo Cillo Asistente de dirección: Noelia Galera Producción ejecutiva: Guido Inaui Vega Diseño de Vestuario: Gabriella Gerdelics Confección de Vestuario: Sofia Arismendi, Carla Napque Escenografía: Caro Beltrán Efectos: Victoria Palma Coreografía: Juan Mendé Trucos de magia: Angus Molina Coach de idiomas: Lourdes Cetrángolo

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Coach de canto: Nicole Popper Diseño lumínico: Gonzalo Calcagno Mariana Morán Benítez Compositor: Bruno Leichman Director musical: Bruno Leichman Cuarteto de cuerdas: Anahí Melendez Florencia Judith Hilén Alves Regina Manfredi Prensa: Kevin Melgar

FOTOS: Sebas Savino IG: @sebas.savino sebas.savino@gmail.com NUEVAS Y ÚLTIMAS 4 FUNCIONES A PARTIR DEL DOMINGO 1° DE NOVIEMBRE 18:30 HORAS TEATRO HASTA TRILCE Entradas por Alternativa Teatral

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El Centro de Experimentación del Teatro Colón presenta

LAS RUINAS, delirios sobre La Argentina.

Se trata de una travesía escénica en tres actos comisionada por el CETC y pensada especialmente para este espacio. El CETC presenta una nueva obra del coreógrafo Juan Onofri Barbato, con dramaturgia de Laura Sbdar, música original de Ailin Grad y la participación de 8 destacados performers.

Kazuo Ohno (Admirando a La Argentina)—, esta travesía escénica recorre los subsuelos del Centro de Experimentación del Teatro Colón. A través de un diagrama coreográfico, teatral y musical en tres actos, el público emprende un desplazamiento espacial y temporal, del grotesco criollo de 1933 a un futuro mutante no tan lejano, donde se tensan el delirio y la identidad nacional.

Jubilados o estudiantes podrán adquirir su entrada con un 50% de descuento, abonando con cualquier medio de pago y presentando credencial y DNI. Esta promoción es válida solamente mediante compra presencial en la boletería del Teatro Colón (Tucumán 1171).

Las Ruinas es una obra encargada por el CETC, con el apoyo de la Fundación Willimas y el espacio Planta investigación & creación Las ruinas se sumerge en la fascinación por un país y su Las funciones tendrán lugar el transversal. Además cuenta con nombre. La Argentina: huella, jueves 22, viernes 23, sábado 24, el acompañamiento de Fundación marca, imitación y máscara. A miércoles 28, jueves 29, viernes Santander Argentina a través del partir de dos figuras clave de la 30 y sábado 31 de octubre a las Régimen de Promoción Cultural danza del siglo XX —la bailarina 20:30 h y los domingos 25 de (Mecenazgo) del Ministerio de española Antonia Mercé (La octubre y 1 de noviembre a las Cultura de la Ciudad de Buenos Aires. Argentina) y el creador japonés 18:00 h.

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CRÉDITOS Dirección y coreografía: Juan Onofri Barbato Dramaturgia: Laura Sbdar Música Original e Interpretación: Ailin Grad Canción La Argentina arde: Tomi Lebrero Intérpretes: Florencia Ciucci Mariano Landa Tomi Lebrero Luis Monroy Grandon Andrés Molina Tiago Mousseaud Paula Servetto Jorge Thefs Asistencia de dirección: Sofía Martinez Pall Asistencia de coreografía: Paula Servetto Producción: Marcela Andrés Asistencia de producción: Rocío Velazco Escenografía: Rodrigo Gonzalez Garillo Asistencia de escenografía: Julia Seras Rodriguez Vestuario: Mariana Seropian Iluminación: Matías Sendón Asistencia técnica y stage: Ignacio Pozzi Realización audiovisual: José Franco Vicuña Prensa compañia: Antonela Santecchia Agradecimientos: Damián Mai, Mercedes Beno Mendizabal, Juan Francisco López Bubica, Lucía Cuesta, Lucía Giannoni,

agujero, el baldío y el subsuelo. Hacia fines de 2025, el Centro de Experimentación del Teatro Colón formalizó la invitación para estrenar la pieza en sus sótanos a fines de 2026. La escala del Sobre LAS RUINAS proyecto creció hasta articular En octubre de 2024, Laura a veinte artistas entre escena Sbdar y Juan Onofri Barbato y áreas técnicas. A contrapelo coincidieron en la Escuela de de la tendencia hacia formatos Invierno de Nueva Ópera de la mínimos e individuales, Las Fundación Williams, espacio ruinas se erige como una máquina donde comenzó a gestarse expresiva mutante donde el Las ruinas. Durante 2025, el delirio y el humor articulan un proyecto avanzó a través de objeto escénico colectivo. una residencia de creación con siete intérpretes en Planta AILÍN GRAD Inclán, respaldada por la misma fundación. En ese marco, Sbdar inició la dramaturgia y Onofri Barbato delineó un dispositivo coreográfico desprendido de su investigación previa en la obra Veneno. Agostina Maldino, Nicolas Goldschmidt, Eugenia Cadús, Carlos Bariggi Amara, Erico Schick, Gómez Casa

Aquella residencia consolidó el interés por la ópera experimental y por procedimientos de sustracción, traducción y amputación de los lenguajes escénicos. Durante la investigación irrumpió azarosamente la figura de Antonia Mercé («La Argentina») y el homenaje que le dedicó Kazuo Ohno en Admirando a La Argentina, activando un eje sobre la identidad y la memoria de los cuerpos. En un contexto social y político atravesado por la crisis y el avance de la ultraderecha global, el equipo se obsesiona e interroga qué puede el arte desde la falta: contestar desde el

Ailín Grad (compositora, diseñadora de sonido, investigadora y guitarrista) trabaja principalmente en colaboración con artistas de danza, performance, videoarte y otras prácticas contemporáneas, y sostiene desde hace más de 15 años un proyecto solista de música electrónica experimental —con vinilos editados en Mana Records (Londres) y Other People (Nueva York)—. Se ha presentado en vivo en la Tate (Londres), la Fundación Telefónica (Lima) y Salts (Basel), entre otros, y en Buenos Aires en el CETC, CCK, CCGSM, LIPM,u

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C3 y la Usina del Arte. Conduce además un programa en la radio londinense NTS. JUAN ONOFRI BARBATO

el Zürcher Theater Spektakel, The Supporting Act Foundation y el programa Rolex Mentor and Protégé, entre otros. En Cine codirigió Los posibles con Santiago Mitre (2013) y fue asesor coreográfico en La historia del miedo (Benjamín Naishtat, 2014); Jauja (Lisandro Alonso, 2014), La patota (Santiago Mitre, 2015), Rojo (Benjamín Naishtat, 2017), Camarera de piso (Lucrecia Martel, 2025). LAURA SBDAR

1983, Río Negro, Argentina. Reside y produce en Buenos Aires, Argentina. Es director, coreógrafo, docente y gestor cultural. Egresó del ciclo de perfeccionamiento trienal del Taller de Danzas del Teatro General San Martín de Buenos Aires. Desde el 2017 codirige y produce junto a Elisa Carricajo el espacio PLANTA Investigación & Creación Transversal. Dirigió las siguientes piezas de Artes Vivas: Veneno; Vendo Humo; Tridente; Agujero de la danza; Caravana; Estado de Tráfico; Duramadre y Los posibles, junto al grupo KM29; Los trompos con el Ballet Contemporáneo Teatro General San Martín Buenos Aires; Todo junto y Tualet. Las piezas mencionadas han participado de festivales nacionales e internacionales de América Latina y Europa. Su trabajo ha sido reconocido con premios, becas y selecciones en certámenes e instituciones como

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Laura Sbdar es escritora, dramaturga, directora de teatro, docente y Licenciada en Artes. Publicó las novelas Hasta que brille (Edhasa, 2025) y Las criaturas (Elefante, 2020), y la reunión de obras Estos son los huesos (Rara Avis, 2022). Es autora y directora de Un tiro cada uno (ganadora Fiesta Nacional del Teatro INT 2025), La obra siamesa (Premio Interautor Argentores/Sgae 2025), Ametralladora (Bienal de Arte Joven 2021), Vigilante (Bienal de Arte Joven 2019), Turba (Premio “Germán Rozenmacher” y Fiesta Nacional del Teatro INT) y Las suicidas. Entre sus distinciones se

destacan el Premio Internacional de Literatura Aura Estrada (2025), la Mención honorífica en el Premio de Letras del Fondo Nacional de las Artes (2022) y el Premio S a la creación escénica (2021), además de becas en Londres, Barcelona, Italia, Valencia y Argentina (FNA y Fundación Williams). Asimismo es miembro de la Borchard Foundation Center on Literary Arts. Sus obras se presentaron en festivales como el FIBA, la Bienal de Arte Joven, el Festival Cabanyal Intim (Valencia), entre otros, con funciones en distintas ciudades de Argentina y España. Es Licenciada en Artes (UBA) y dramaturga egresada de la EMAD. Dicta clases en la UNA y coordina los talleres de escritura La ficción al poder. Es la creadora y directora del Festival de Teatro en la Cárcel. PRENSA Antonela Santecchia antonelasantecchia@gmail.com FUNCIONES. jueves 22, viernes 23, sábado 24, miércoles 28, jueves 29, viernes 30 Sábado 31 de octubre a las 20:30 h y los domingos 25 de octubre y 1 de noviembre a las 18:00 h. COMPRA DE ENTRADAS: HAGA CLICK AQUÍ https://teatrocolon.org.ar/ produccion/las-ruinas/

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“Maldición eterna a quien lea estas páginas” de Manuel Puig - Adaptación: Claudia Piñeiro y Marcelo Moncarz ¿Quién ese exiliado? ¿De qué huye? ¿Cuál es aquella historia vivida en su país que lo hizo emigrar y olvidar? SINOPSIS En el año 1978, el Sr. Ramírez, un argentino viejo y amnésico, que sufre de afasia, llega a Nueva York. No recuerda nada de su pasado y hasta ha perdido el sentido de las palabras. Larry, un neoyorkino de 40 años, es contratado para pasearlo en su silla de ruedas. Hipnotizado, seducido y hasta manipulado por el señor Ramírez, Larry se afanará por entender quién es ése a quien asiste. Y mientras lo lleva en silla de ruedas por las calles de Nueva York o lo visita en el asilo, irá recorriendo el pasado de ese hombre, que intuye lleno de misterio y dolor. Sin embargo, es el señor Ramírez quien no dejará de hacerle preguntas en cada encuentro, y las confesiones de Larry ayudarán a ese hombre amnésico a encontrarse con su historia. La llegada inesperada de unos libros desde Argentina dará pie al verdadero descubrimiento: ¿quién es ese exiliado? ¿De qué huye? ¿Cuál es aquella historia vivida en su país que lo hizo emigrar y olvidar?

Dijo Manuel Puig: “Me fui entonces FICHA TECNICA a Nueva York y me encontré allí con un personaje, con un ser Claudia Piñeiro y Marcelo real vecino del Village, que de Moncarz algún modo encarnaba todas Autor: las incógnitas neoyorquinas… El Manuel Puig misterio que lo envolvía me fue Adaptación: obsesionando: él era un símbolo Claudia Piñeiro viviente de mis dificultades en Marcelo Moncarz Nueva York. Le propuse entonces Actúan: hacer un trabajo de investigación Luis Campos Mateo Chiarino Luz Miraldi Diseño escenografía y vestuario: Alejandro Mateo Realización escenografía: Gerónimo Tiengo Diseño iluminación: Ricardo Sica Diseño gráfico: Nahuel Lamoglia juntos: una larguísima entrevista Diseño sonoro y música original: durante la cual él debía tener Tom CL el valor de responder todas mis Producción ejecutiva y prensa: preguntas. No quería. Se resistió. Adriana Yasky Pero estaba sin trabajo y le ofrecí Asistencia de dirección: Glenda Aramburu una paga por horas”. Puesta en escena y dirección: Manuel Puig vivió exiliado entre Marcelo Moncarz 1976 y 1980 en Nueva York. De aquella experiencia surgió la PRENSA: novela en la que se basa esta info@adriyasky.com.ar obra. Pero como suele suceder con las grandes obras de la FUNCIONES: literatura, lo que escribió Puig entonces le sigue hablando al Domingos 18h - 1y 8 noviembre presente con una veracidad TEATRO HASTA TRILCE pasmosa, que hace que no nos Maza 177 Almagro - CABA por Alternativa podamos sentir ajenos a sus ENTRADAS Teatral planteos y preguntas.

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María Marull regresa con una obra sobre la libertad, las expectativas ajenas y el valor de animarse a no ser nadie.

“HIDALGO”

Una mujer y un chico que nadie registra se encuentran. Igual que en la vida, al principio no se ven, hasta que un día comparten su dolor y deciden cambiar. “Las cosas no son de quien las posee sino del que las sabe apreciar” Con una trayectoria que incluye temporadas agotadas, festivales nacionales e internacionales, el

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premio Artei y una nominación a los Premios Florencio Sánchez, la obra regresa con dos únicas funciones: Jueves 22 de octubre y 5 de noviembre en el Teatro Astros. Una obra para volver a poner en escena la posibilidad de elegir quiénes queremos ser. Quizás ser libre sea, también, animarse a no ser nadie Susana, una agente inmobiliaria

exigida por las circunstancias, llega dispuesta a desalojar a Víctor, un adolescente desganado que está a punto de repetir el año si no logra entregar un trabajo práctico sobre Bartolomé Hidalgo. Lo que comienza como un encuentro marcado por la urgencia y el conflicto, se transforma, poco a poco, en un recorrido por la vida de aquel poeta casi borrado por el tiempo y, al mismo

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tiempo, por las historias de sus protagonistas. A medida que intentan reconstruir la figura de Hidalgo, Susana y Víctor comienzan a revelar aspectos de sus propias vidas. Entre el pasado y el presente, la obra propone una reflexión sobre la identidad, las expectativas y aquello que significa realmente ser libre. “Hidalgo” tuvo su primera versión en noviembre de 2016, en el ciclo de Semimontados del Teatro Nacional Cervantes, con una destacada recepción por parte de la crítica y el público. En 2017 recibió el Premio ARTEI a la Producción Teatral Independiente y se estrenó en julio de ese año en El Camarín de las Musas, donde permaneció durante dos años con localidades agotadas. Se reestrenó en Espacio Callejón en el 2019. Hizo funciones en el teatro 25 de Mayo. En 2021 participa de una función especial de reapertura del Cine teatro El Plata, perteneciente al Complejo Teatral de Buenos Aires. Participó en el Festival Espacios de Vicente López 2017.Formó parte de Maratón FIBA 2019. Participó en el ciclo Mujeres dirigen, en Rafaela, sala La Máscara en Abril 2019. Formó parte del Festival de Montevideo FIDAE, donde estuvo nominada a los premios Florencio Sanchez 2019, como mejor espectáculo extranjero.

Dijo la autora: La obra Hidalgo nació en 2016, en el ciclo de Semimontados del Teatro Nacional Cervantes, con motivo del bicentenario. Como a Víctor, en la obra, me tocó hacer algo con este poeta revolucionario poco conocido para mi. Hidalgo recorrió salas y festivales hasta el 2021. Después de varios años sin hacerla, y de que siga resonando en mi, volvemos con ilusión al querido teatro Astros. FICHA TÉCNICA Dramaturgia y Dirección: María Marull Elenco: Paula Marull Agustín Daulte Escenografía: Alicia Leloutre Iluminación: Matías Sendón

Vestuario: Jam Monti Sonido / música: Julián Rodriguez Rona Producción / coordinación general: Cecilia Santos Laura Correa Asistencia de dirección: Laura Correa Diseño gráfico: Natalia Milazzo Fotos: Carlos Furman Redes: Emilia Teperman Prensa: Soy prensa FUNCIONES: Jueves 22 octubre, 5 y 19 de noviembre. Entradas: TEATRO ASTROS Av. Corrientes 746, CABA

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ESTRENA "PUNTO CIEGO" ÚNICAS 5 FUNCIONES / DOMINGOS 20:30HS EN EL EXCÉNTRICO DE LA 18° La obra, de Julio O´Byrne, con el protagónico de Laura Olivier, se presenta durante noviembre en la sala de Lerma 420. Las entradas se compran por Alternativa. UNA PERSONA PERDIDA EN SU PROPIA AMBICIÓN. Y UNA ACUSACIÓN. ¿SOBRE QUÉ Y CÓMO CONSTRUIMOS NUESTRA IDENTIDAD? Louise, una mujer latina y exitosa asesora financiera en la Gran Manzana es retenida en una tienda mayorista: la acusan de intentar robar un reloj Rolex. Tras una hora de interrogatorio, Louise vuelve a su departamento. Evoca al guardia de seguridad que la interrogó, reconstruye el episodio. Revela las tensiones, las contradicciones de una vida en la que sus logros parecen no satisfacer el vacío que la envuelve. “Punto Ciego” habla de eso que llamamos “carrera” profesional. Habla del estatus, de la codicia, e intenta esbozar una grieta a través de la cual se filtra cierta podredumbre del mundo corporativo. Habla de la idea del progreso y de la promesa de una vida mejor, del trabajo. La contracción de despreciar lo propio, el origen. Explora la

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decadencia aún en el punto más álgido de la gloria. PALABRAS DE JULIO O´BYRNE, DRAMATURGO Y DIRECTOR “Punto Ciego” muestra a una persona perdida en su propia ambición. Misantropía y

narcisismo. Y, con suerte, dejará flotando una pregunta: ¿Sobre qué y cómo construimos nuestra identidad? A principios de 2024, junto a Laura - radicada hace años en Estados Unidos - nos propusimos armar algo juntos para la primera edición en

Buenos Aires del Brisk Festival, certamen de obras cortas en el que ella ya había participado en Miami y Los Ángeles. Desde ese proceso, que llevamos adelante primero a distancia y luego en Buenos Aires, nació la primera pieza breve se estrenó en el festival en noviembre de 2024. Después de esas funciones, decidimos expandir el material a una versión larga. Reescribí el texto junto a Ignacio Apolo, y en marzo de 2026 comenzamos el proceso de montaje. Los ensayos continuaron a distancia hasta septiembre de este año, cuando Laura viajó a Buenos Aires para terminar de construir el universo de Louise, protagonista de “Punto Ciego”, de manera presencial. FICHA ARTÍSTICA - TÉCNICA Idea: Laura Olivier Julio O´Byrne Actuación: Laura Olivier Dramaturgia: Julio O´Byrne Asistencia: Martín Pose Voz en off: Andrés Simonian Diseño de luces: Miguel Madrid Fotografía: Vecc Schiafino Diseño gráfico: Nahuel Lamoglia Prensa:

Pablito Lancone Redes: Isidoro Sorkin Asesoría dramatúrgica: Ignacio Apolo Producción ejecutiva: Laura Olivier y Julio O´Byrne Coproducción: VE8 Producción, Club Media Dirección: Julio O´Byrne LAURA OLIVIER, ACTRIZ Actriz argentina nacida en Buenos Aires. Estudió en la Escuela Metropolitana de Arte Dramático (EMAD). Comenzó su carrera en los teatros de Buenos Aires y luego se trasladó a Miami, donde se presentó en más de 20 producciones. Encabezó títulos como “Paranormales”, “Por nosotros”, “Actrices” y “Locos de cordura”. También participó en producciones audiovisuales, entre ellas dos temporadas de “Leyendas de exilio”. Hace cinco años trasladó su carrera a Los Ángeles, donde participó de películas como “California dreamin”, “The fall”, “Bluebird” y “No mas”, esta última le valió el premio a Mejor Actriz en el New York / New Jersey Film Festival, y formó parte del elenco de “The lelies of the field”. En 2024 protagonizó “Somos nosotros”, dirigida por Kevin Cass. JULIO O´BYRNE, DIRECTOR Y DRAMATURGO Actor, escritor y director

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colombiano. Vive hace 18 años en Argentina. Egresado de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático (EMAD). Comunicador social y periodista, graduado de la Pontificia Universidad Javeriana, en Bogotá. Escribió para medios impresos y virtuales, entre ellos el diario El tiempo. Como autor de ficción publicó los relatos “Blanca lumínica” (Revista Matera) y “Manjar” (revista digital francesa L´Autre Amérique) Como actor participó en diferentes obras. En 2019 creó y protagonizó “La caza”, con apoyo del INT y Proteatro, en temporada en el Teatro Silencio en Buenos Aires. En 2022 codirigió y actuó una versión de “La muerte de Marguerite Duras”, de Eduardo “Tato” Pavlovsky, estrenada en el Teatro Payró. En el ámbito audiovisual participó en “Amazon on fiere”, una ficción intermedial - experiencia interactiva coproducción de Talk2U con National Geographic. Se formó en escritura creativa en el taller de Vicente Battista. REDES: @puntociegolaobra PRENSA Pablo Lancone pablolancone@gmail.com FUNCIONES: Domingos, 20:30 h. TEATRO: El Excéntrico de la 18° | Lerma 420 (CABA) ENTRADAS por ALTERNATIVA TEATRAL

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POÉTICO SERÍA TIRAR UNA PARED Y QUE ESTÉS VOS DEL OTRO LADO de Juan Tupac Soler Premio Argentores “Del texto a la escena” 2024

Eloísa está sola en su casa. Rodolfo, su vecino, está solo en su casa. Enrico llega por accidente a la casa de su tío Rodolfo, parece que también se siente solo. Eloísa hace rato que está transitando un tratamiento terapéutico. Rodolfo quiere filmar su primera película antes de morir. Enrico no sabe qué quiere de su vida, pero parece ser el más feliz de los tres. Eloísa cree no encontrar ninguna resolución en su terapia. Rodolfo no tiene fondos económicos para concretar su película. Enrico sigue sin saber qué

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quiere de su vida. Eloísa, Rodolfo y Enrico terminan teniendo un proyecto juntos. Aunque ninguno lo planeó. Fue así, por accidente. Y al fin y al cabo, los tres dejaron de estar solos en este mundo. Por un rato. Por lo menos, por un rato. Ficha técnica: Dramaturgia y dirección: Juan Tupac Soler Actúan: Camila Conte Roberts Alejandro Casagrande Federico Julián Martinez Asistencia de dirección:

Malena Grasso Vestuario: Sofía Nemirovsky Diseño de Iluminación: Diego Becker Concepción espacial: Compañía Poético Realización audiovisual: Proyecto Excursus Francisco Castro Pizzo Félix Marano Concepción sonora: Constantino Rizzi Diseño y realización de programas: Proyecto Kraken Producción: Moises Rivas Co-producción: Savia Cultural

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A caballo producciones escénicas PREMIOS / FESTIVALES: - Esta obra participó del encuentro Más Teatro de Fundación SAGAI (2026) - Esta obra participó del 5to Encuentro de Teatro Independiente de Mar Azul - Esta obra participó de la 4ta edición del Festival Internacional de Teatro de Gualeguay - Esta obra participó del festival “Entrá” (en defensa del INT) - Obra ganadora del premio nacional Argentores “Del texto a la escena” (2024)

su estética. Le propone al espectador observar el detalle y la belleza de lo cotidiano.” Josefina Paz para Espectáculos de Acá “Un ejercicio poético sobre el oficio, la vocación y la inspiración. Una pieza que rinde homenaje a los mundos del cine, el teatro y la escritura.” Maximiliano Curcio para Revista Kranear

Anderson.” Mersi Sevares para Ficcialidad “La dramaturgia de Juan Tupac Soler apuesta por lo sensible. Con una escritura sutil y precisa, construye escenas donde lo cotidiano adquiere espesor poético. Hay en sus diálogos una escucha atenta a lo mínimo: a ese momento en que un silencio compartido dice más que cualquier declaración grandilocuente. Nada sobra, nada se impone. Todo fluye con la naturalidad de lo que parece simple, pero que está cuidadosamente tramado.” Flor Calonga para Spoileadora Compulsiva

FUNCIONES: sábados de noviembre 22hs Savia Espacio Cultural “La obra es esencialmente una (Jufré 127 – CABA) historia de amor. Pero no de ese Entradas a la gorra por amor rosa y acaramelado. Es amor por las cosas bellas, por las “El tono de la obra es cinema- Alternativa Teatral personas que nos acompañan, tográfico. Las actuaciones son por las historias que inventamos sensibles, cómicas y cuidadas, CONTACTO: con la frescura de las sitcoms. Juan Tupac Soler para sobrevivir.” María Petraglia para Desde Mi Los detalles de arte devuelven juantupacsoler@gmail.com una imagen visual cotidiana y Butaca argentina. La música acompaña la TRAILER “La dramaturgia de Juan Tupac narración aportando un ambiente Poético sería tirar una pared y Soler, que funciona como un literario, un aire también a Wes que estés vos del otro lado juego de cajas chinas y pone a dialogar las relaciones entre el cine y el teatro, valora el arte como experiencia privilegiada de trabajo colectivo, incluso como utopía quijotesca que hay que seguir sosteniendo, y lo presenta, además, como vehículo ineludible para tramitar el malestar.” Carla Leonardi para Ociopatas DIJO LA PRENSA:

“La obra cuida el lenguaje y

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VANESA MAJA REGRESA CON

“EL AMOR ES UNA MIERDA” DE CECILIA MEIJIDE

SÉPTIMA TEMPORADA - SÁBADOS EN ALMAGNA TEATRO ¿CÓMO SEPARARTE DEL AMOR DE TU VIDA? Aclamada por la crítica, regresa en su séptima temporada esta obra de Cecilia Meijide, con la actuación de Vanesa Maja. Dos mujeres talentosas y creativas al servicio de una comedia dramática. Tristeza, melancolía y humor, en una obra que interpela. Una mujer se prepara para encontrarse con su reciente ex pareja. Ensaya una y mil veces formas para aparentar estar bien y practica modos para que nada de su dolor salga a la superficie. EL RECORRIDO DE “EL AMOR ES UNA MIERDA” La obra realizó funciones en: Camarin de las Musas, CABA (2019); Primer Festival Monoblock - Función B (2019); - Bolivar, INT INVITA (2019); Tucumán, INT INVITA (2019); Santiago del Estero, INT INVITA (2019); - Fiesta Provincial de Entre Ríos (2019) - Teatro York, Vicente López (2020): - El Extranjero, CABA (2021 - 2022); - El Picadero, CABA (2022): Teatro Estudio, La Plata (2022); - Teatro Nueve Norte, Madrid, España (2022); - Fundación SAGAI, CABA (2023); - Timbre

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4, CABA (2023); - Teatro El Picadero, CABA (2023); - CCK, CABA (2024); Timbre 4, CABA (2024); - Teatro El Escape, La Plata (2024) DIJO LA PRENSA: “Maja compone una criatura que

es puro fuego: un cuerpo con curvas que baila como poseída, camisa roja y botas al tono, pantalón azul ajustado, una cabellera de rulos en cascada, rasgos imponentes como de actriz italiana, una voz muy poderosa. Pero enseguida, mientras intenta demostrar que

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está bien, que la separación no dejó huellas, la contratara emerge con intensidad. El texto de Meijida recorre esa paleta de estados que vive esta mujer dejada por el hombre que amó» (Carolina Prieto, para “Página/12”) “La directora y dramaturga Cecilia Meijide decidió escribir sobre el amor, con un monólogo desgarrador sobre el final de una pareja, desde el punt ode vista de la mujer. El monólogo de Meijide reconstruye algo del dolor que implica dejar un modo de vida y verse obligado a construir uno nuevo. La economía de recursos en la puesta, los climas de las luces y la coreografía aportan abstracción y belleza a la obra. No hay que perderle el rastro a Vanesa Maja, actriz intensa y sensible que atraviesa su personaje como en un trance. Una actuación a puro presente”. (Mercedes Méndez, para “La Nación”) “Una obra de Cecilia Meijide, preciosa autora, con una actriz realmente grosa, maravillosa, sobre una mujer que ensaya qué va a decir y cómo se va a comportar en el momento de ir a firmar el divorcio. Te reís muchísimo, pero quién no ha tenido un amor que lo dejó antes de tiempo” (Teresa Donato, para “Radio con vos”) “Con buen gusto y sabiduría, Cecilia Meijide tomó un hecho el cual, la gran mayoría de los

seres humanos, a partir de cierta edad, ha sufrido, para ubicrlo en un lugar preciso de tristeza, melancolía y humor. La empatía es inmediata con esa mujer que abre su corazón para curar sus heridas. Hombres y mujeres se verán interpelados por las palabras que salen desde el escenario. La construcción del otro, la pareja de esta mujer, es excelente”. (Daniel Gaguine, para “El caleidoscopio de Lucy”) FICHA ARTÍSTICA - TÉCNICA Dramaturgia: Cecilia Meijide Actúa: Vanesa Maja Vestuario: Laura Poletti Escenografía: Laura Poletti Diseño de luces: Ricardo Sica Música: Paula Meijide Realización Audiovisual: Javier Cerruti, Florencia Nussbaum Fotografía: J avier Cerruti, Florencia Nussbaum Diseño gráfico: Barbi Delfino Redes Sociales: Isidoro Sorkin Comunicación: Pablito Lancone Coreografía: Diego Rosental Entrenamiento Coreográfico: Diego Rosental Asistencia de dirección:

Fina Flores Producción: Pablo López Dirección: Cecilia Meijide PRENSA Pablo Lancone pablolancone@gmail.com REDES “EL AMOR ES UNA MIERDA”: https://www.instagram.com/ elamoresunamierda.laobra/ FUNCIONES: Sábados, 19:30h. TEATRO: Almagna Guardia Vieja 3783 (CABA) ENTRADAS POR ALTERNATIVA: TEATRAL

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El Alambrado. Biodrama de una familia mapuche Domingos: 1, 8, 15, 22 y 29 de noviembre a las 20hs

El Galpón de Guevara (Guevara 326, Chacarita) Entradas por Alternativa La obra es una creación colectiva de las actrices Cielo Chaina, Valle Chaina, Luciana Wiederhold y de su directora Catalina Krasnob. Luego de su estreno el 7 de marzo de 2026, “El Alambrado. Biodrama de una familia mapuche” inicia una nueva temporada a partir del domingo 1 de noviembre a las 20hs en El Galpón de Guevara. La obra es una creación colectiva de las actrices Cielo Chaina, Valle

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Chaina, Luciana Wiederhold y de su directora Catalina Krasnob, y fue creada en el marco de VIVA, programa de residencias artísticas de El Galpón de Guevara.

pieza se funda en una premisa de revisionismo histórico y personal: la posibilidad de desarticular el relato oficial a partir de las huellas materiales de un crimen.

El Alambrado. Biodrama de una familia mapuche recorre la genealogía de un despojo y el proceso de recuperación de una identidad silenciada a partir de la reconstrucción judicial del asesinato de un poblador mapuche de la Línea Sur de la Provincia de Río Negro, Tomás Marilef, en 1932, y el posterior desalojo de toda su familia. La

En palabras de la directora Catalina Krasnob: “La puesta se configura como un ejercicio de memoria escénica que no distingue entre el documento y la vivencia. Haciendo uso de fondos de justicia letrada, registros policiales, y la memoria oral familiar, la obra propone un continuum entre el pasado precordillerano y el presente

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urbano de sus descendientes. Un paisaje abierto de ocres, viento y memoria. La música original en vivo y las visuales componen una atmósfera inmersiva que contiene la sensibilidad por la pregunta sobre la identidad ancestral.” En este abordaje, las actrices y bisnietas de Marilef, Cielo, Luciana y Valle convocan a la memoria sensible para habitar las tensiones de su propia historia. La narrativa transita desde las escenas de infancia con sus abuelas hasta las experiencias de escolaridad de las décadas del 80 y 90, actualizando estos fragmentos como condensaciones de una identidad mapuche que resiste al recorte historiográfico heredado. La obra se presenta así no sólo como un relato familiar, sino como una indagación sobre la construcción de la identidad de un pueblo en el marco del Estado argentino.

Actúan: Cielo Chaina Valle Chaina Luciana Wiederhold Composición de música original: Pablo Salzman Intérpretes musicales: Pablo Salzman Paula Pomeraniec Diseño de escenografía y vestuario: Merlina Molina Castaño Realización escenográfica: Merlina Molina Castaño Jorge Sesán Realización de vestuario: Candela Mac Lennan Diseño de iluminación: Lucas Orchessi Diseño visuales: Moreno Pereyra Operación de visuales: Abril Vivas Diseño gráfico: Nicolás Boron Comunicación digital: María Fotografía: Gustavo Jaiyes Operación de sonido:

Tomás Pol Asesoramiento histórico: Cristian Gonzalo Quiroga Prensa: Prensópolis Producción: Cielo Chaina, Catalina Krasnob Luna Zaballa Sebastián Cáneva Asistencia de dirección: Luna Zaballa Dirección: Catalina Krasnob Agradecimientos: Libertad América Marilef, Mario Argentino Chaina y toda la familia Marilef/ Paillalef por ser custodios de la memoria compartida y por sus valiosos aportes, Rafael Huerao, Monica SilberbergFainzaig, Lucas Petersen, Federico Escribal, Mayra Carlos, Juan Pablo Barocelli, Silvina De Marcos, David Gudiño, Vera Czemerinski, Programa Incubadora de Primeras Obras DGEART, Finnegans u

“El Alambrado. Biodrama de una familia mapuche” se presenta desde el 1 de noviembre, los domingos de noviembre a las 20hs en El Galpón de Guevara (Guevara 326, CABA) con entradas disponibles a la venta por Alternativa. FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA Dramaturgia: Cielo Chaina Valle Chaina Catalina Krasnob Luciana Wiederhold

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Impacto, Universidad Nacional de las Artes- Departamento de Artes Dramáticas, Departamento de Folklore, Área Transdepartamental de Formación Docente. El recorte documental de la obra está basado en la investigación académica para la Maestría en Comunicación y Cultura- UBA; ”El campo de Marilef: un caso de asesinato en la Patagonia en 1932 como evidencia del racismo estructural en Argentina” de Patricia Chaina, periodista (Página/12) y Lic. en Comunicación (UBA). Las fotos de archivo son tomadas en este mismo marco. SOBRE LA DIRECTORA Catalina Krasnob (1978) Actriz, directora, gestora cultural

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y docente de Artes con mención en Teatro por la Universidad Nacional de las Artes (UNA), egresada de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático (EMAD). Sus maestros fueron Rubén Szuchmacher, Augusto Fernándes, Alberto Segado, Fernando Piernas y Beatriz Spelcini. Actualmente, se desempeña como docente y como Directora de Vinculación Institucional del Área Trandepartamental de Formación Docente de la UNA. Investiga el biodrama y teatro documental. Trabajó como actriz y directora en diferentes obras como “Pasillo” (2018) de Phillippe Minyana con Gabi Mayaru, “Iván y Los Perros” (2014) de Hattie Naylor con Mariano Stolkiner y Gustavo García Mendy,

“Dramas Breves II” (2010) de Phillippe Minyana y “La Soledad de las Estrellas Fugaces” de Carlos Diviesti que realizó tres temporadas en Teatro Payró y Teatro El Kafka, y participó de Festivales Nacionales y del Catálogo INT 2019-2020. Prensópolis Comunicación y Prensa Dir. Alejandra Pía Nicolosi prensopolis@gmail.com FUNCIONES: «El Alambrado. Biodrama de una familia mapuche” se presenta desde el 1 de noviembre, los domingos de noviembre a las 20h. en El Galpón de Guevara (Guevara 326, CABA) con entradas disponibles a la venta por Alternativa.

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TRAICIÓN

De Harold Pinter - Dirección: Héctor Levy – Daniel Traición, de Harold Pinter, narra el devenir de una relación adúltera entre una mujer y el mejor amigo de su marido durante siete años, durante los cuales el vínculo entre los tres inexorablemente se va modificando. La acción de la pieza está planteada en una cronología invertida que comienza en el año 1977 y culmina en 1968. FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA Traducción: Laura Cristal Actúan: Ernesto Falcke Natalia Pascale Pablo ShinjiTraición, de Harold Pinter, narra el devenir de una relación adúltera entre una mujer y el mejor amigo de su marido durante siete años, durante los cuales el vínculo entre los tres inexorablemente se va modificando. La acción de la pieza está planteada en una cronología invertida que comienza en el año 1977 y culmina en 1968. FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA Traducción: Laura Cristal Actúan: Ernesto Falcke Natalia Pascale Pablo Shinji

Matías Turina Vestuario y Diseño de escenografía: Jorgelina Herrero Pons Diseño De Iluminación: Ricardo Sica Música Original: Facundo Visca Fotografía y Diseño gráfico: Camila Levy-Daniel Diseño de imagen: Ro Larroca Asistencia de dirección: Owen Toledo Producción ejecutiva: Gisella Sirera Dirección general:

Héctor Levy-Daniel Ig: @traicionobradeharoldpinter Fb: traiciondeharoldpinter Agente de producción y Acreditaciones: Gisella Sirera gisella_sirera@yahoo.com.ar FUNCIONES: Viernes 13 / 20 y 27 de noviembre 20 h. En Ítaca, Complejo Teatral Humahuaca 4027Entradas por Alternativa teatral o en el teatro

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La segunda temporada de

“Ava Gardner”

llega en noviembre a Casa Forest

Unipersonal y experiencia inmersiva sobre un mito hollywoodense Tras su exitosa primera temporada, llega una experiencia íntima en una casona histórica de Chacarita escrita, dirigida y protagonizada por Caro Angeu

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escena porteña “Ava Gardner”, el unipersonal escrito, dirigido y protagonizado por Caro Angeu. En esta segunda temporada, la propuesta se transforma en una Luego de una aclamada primera experiencia inmersiva e íntima temporada con 22 funciones a que traslada la atmósfera de las sala llena en el Teatro Polonia célebres fiestas que la estrella durante 2024, regresa a la de Hollywood brindaba en su REESTRENO SEGUNDA TEMPORADA DOMINGO 1 DE NOVIEMBRE 20:00 HORAS - CASA FOREST

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departamento de Madrid durante los años 60 a una casona histórica del barrio de Chacarita. El reestreno será el domingo 1 de noviembre a las 20:00 h en Casa Forest (Av. Forest 1169, CABA) y las entradas ya se encuentran disponibles a través de Alternativa Teatral. La obra propone un retrato humano y sensible sobre una de las figuras más cautivantes de la época dorada del cine clásico, explorando la distancia entre la leyenda pública y la mujer privada. A través de un recorrido de recuerdos, confesiones y momentos clave, la actriz reconstruye los amores, las batallas internas, la búsqueda de identidad y el costo de la fama de quien fue catalogada como “el animal más bello del mundo”, una mujer que desafió los mandatos de su tiempo para vivir bajo sus propias reglas. La experiencia comienza al ingresar a la casona 20 minutos antes de la función (19:40 h), donde los espectadores son recibidos por los anfitriones con una copa de vino de cortesía, un recorrido por una galería de más de 100 fotografías históricas de la actriz y la posibilidad de adquirir afiches de sus películas icónicas. A las 20:00 h se da paso al unipersonal en un espacio acondicionado especialmente para la función, donde parte del público podrá disfrutar del espectáculo desde cómodos sillones, en una velada donde la casa también se convierte en

protagonista. FICHA TÉCNICA Ava Gardner: Caro Angeu Dramaturgia, Dirección y Actuación: Caro Angeu Asistencia de Dirección: Mónica González Asistencia de Producción: Valentino Picciolo Diseño Escenográfico y de Vestuario: Caro Angeu y Mónica González Técnico de Luz y Sonido: Valentino Picciolo Anfitriones: Mónica González y Valentino Picciolo

Fotografía de Cartel: Mónica González Fotografía de la Obra: Mati Funes Producción: Caro Angeu y Mónica González Prensa: Kevin Melgar contacto@kevinmelgarprensa. com.ar FUNCIONES: DOMINGOS 1 - 8 y 15 DE NOVIEMBRE. 20:00 HORAS En Casa Forest (Av. Forest 1169, CABA). Entradas a través de Alternativa Teatral.

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ACÚFENOS

La nueva obra de Gustavo Friedenberg

El pasado jueves 29 de octubre a las 20.30 h estrenó Acúfenos (la frecuencia del fin), la nueva obra escrita y dirigida por Gustavo Friedenberg en la Sala Solidaridad del Centro Cultural de la Cooperación (av. Corrientes 1543, CABA). Interpretada por Mariela Acosta, Julia Amore, Débora Longobardi, Paula Lena, Yanela Taoi, Facundo Rivara y Carlos Britez, la pieza combina los lenguajes de la danza, la música y el teatro en una puesta cargada de humor e ironía que explora los pliegues de la memoria, los miedos más profundos y la belleza trágica

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de envejecer. Acúfenos está inspirada en la última novela de Alicia Steimberg titulada La música de Julia. Julia escucha cosas que los demás no oyen: una incontrolable radio interna donde conviven valses, boleros y jingles, pero también una amenaza; Julia asegura ser acechada por la marcha peronista y está convencida de que la fúnebre es un presagio de su final. Mientras los médicos insisten en diagnosticar acúfenos, ella sospecha estar perdiendo la cabeza. Ema la acompaña como un fiel escudero y asegura haber escuchado

también. ¿Un acto de piedad o la prueba de que la locura es contagiosa? “Una madrugada desperté con un zumbido en el oído. Mi papá sufre de lo mismo hace más de 40 años, así que me preocupé. Entre los pensamientos que me cruzaron durante esos interminables 45 minutos, recordé aquella maravillosa novela de Alicia Steimberg en la que la protagonista aseguraba ser perseguida por toda la música que había escuchado en su vida y se me ocurrió que todo ese material podía ser el inicio de una obra.”, señala Freidenberg

En Acúfenos, el espectador se va a enfrentar a interrogantes tan trascendentales como cotidianos, mientras asiste a una experiencia estética que se construye no sólo sobre la base de la actuación sino, también, mediante la danza, una ecléctica selección musical ejecutada en vivo y ese humor irónico e inteligente que atraviesa toda la literatura de Steimberg. FICHA ARTÍSTICA Dirección general y coreográfica: Gustavo Friedenberg. Dramaturgia: Gustavo Friedenberg, inspirado en la novela “La música de Julia” de Alicia Steimberg. Intérpretes: Mariela Acosta Julia Amore Débora Longobardi Paula Lena Yanela Taoi Facundo Rivara Carlos Britez. Asistencia de dirección general y coreográfica:

Mónica Romero. Diseño de vestuario: Gabriella Gerdelics. Realización de vestuario: Carla Napque Romina Castro. Música original: Carlos Britez. Diseño de luces: Ricardo Sica. Fotos: Sebas Sabino. Diseño gráfico: Martín Calderón. Prensa: Cecilia Gamboa. Producción general: Animales Danza Teatro.

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participó de workshops en el Odin Teatret (Dinamarca) y el Directors Lab West (EEUU), entre otros. En su carrera profesional como bailarín se dedicó al flamenco, aunque para sus creaciones suele explorar otros lenguajes. En 2012 creó Animales Danza Teatro, una plataforma de producción creativa desde la que impulsa sus obras e investigaciones, realizando también colaboraciones con artistas de todo el mundo que lo llevaron en giras por Japón, Europa, Estados Unidos, América latina y el Caribe. PRENSA Cecilia Gamboa info@ceciliagamboa.com.ar FUNCIONES

Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corrientes 1543, CABA). Sala Solidaridad. Funciones: jueves 29/10, 5, 12, 19 y 26 de noviembre inclusive. Localidades: $25.000 Gustavo Friedenberg es disponibles en alternativateatral. artista del movimiento. Además com de intérprete y director, es Licenciado en Composición Coreográfica y Magister en Crítica de Arte. A lo largo de su carrera recibió múltiples becas y apoyos para el desarrollo de la misma y de sus producciones, entre las que destaca la del programa IBERESCENA para su obra: Habitar un pájaro (o La metamorfosis del Sr. López), creada en coproducción con la Compañía española Sr. Lopez produciones. Se formó también en España y

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De los creadores de “Consagrada” y “El centésimo mono”

ACTO (ilusión o catástrofe) Viernes a las 20.30 en Timbre 4

Persiguiendo sus propias huellas, tres magos regresan al origen de todo: el instante exacto en el que fueron heridos de magia para siempre. El camarín será el único territorio posible para descifrar los secretos de esta especie que resiste su extinción en ese no lugar suspendido entre la escena y la vida. Acto es magia y teatro, pero también una invitación a la fantasía como impulso y destino; como forma de encarnar lo que nos mueve. FUNCIONES: VIERNES A LAS 20.30 HORAS

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Timbre 4 - México 3554 Entradas desde $20.000 En venta en Alternativa Teatral FICHA TÉCNICA Elenco: Marcelo Goobar, Pablo Kusnetzoff, Emanuel Zaldua Música original y diseño sonoro: Juan Barone Diseño espacial: Mirella Hoijman Diseño de vestuario: Mariana Seropian Diseño de iluminación: Gonzalo Berdes (ADEA) Fotos: Hernán Paulos Tratamiento digital: Rafa Casares Diseño gráfico: Javier Jacob

Redes: Juana Banchoff Prensa: Mutuverría PR Realización de escenografía: David D’orazio Asesoramiento coreográfico: Florencia Montaldo Voces en off: Gaspar Martín Dalí, Julio Resich, Amadeo Azrak, Osqui Guzmán, Irene Sexer, Martín Tecchi Asistente de escena: Tomás Meliche Producción ejecutiva: Gabo Baigorria Co-producción: Teatro El Grito Asistencia de dirección: Emilia Calogero Dramaturgia y dirección: Flor Micha

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Agradecimientos: Timbre 4, Martin Lavini, Guille Berthold, Osqui Guzmán, Martin Tecchi, Irene Sexer, Amadeo Azrak, Julio Resich, Gaspar Martín Dalí, Mauricio Kartun, Juan Pablo Gómez, Fernando Rosen, Gilda Zukerfeld, Henry Evans, Juan Pablo Ibáñez, Rodrigo Romano, Semba, Fernando Arsenian, Guillermo Tallon, Rafael Casares. A nuestras familias. Duración: 70 minutos SOBRE LA DIRECTORA Flor Micha es actriz, directora y creadora escénica. Egresada de la Diplomatura en Artes Circenses de la UNSAM. Trabaja

en el cruce entre teatro, circo y música. Sus obras exploran las tensiones entre el cuerpo escénico, los objetos y el tiempo, abordando temas tan íntimos como sociales, desde una perspectiva poética. Fue intérprete de los espectáculos “Tiempos que corren”, “Sanos y Salvos” y “Leonardo TP N°1”, dirigidos por Gerardo Hochman. Integró los elencos de las obras de César Brie: “Karamazov”, “La Voluntad”, “El paraíso perdido” y “¿Me decís de mañana?”. De esta última es también coautora del texto. Obtuvo los premios Teatro de Mundo y Luisa Vehil en los rubros mejor actriz y actriz revelación por “La Voluntad” y “El Paraíso Perdido”.

Es directora y co-autora junto a Gabi Parigi del unipersonal “Consagrada, el fracaso del éxito”. Es co-directora de “Entre tus siestas”, de Brenda Howlin, y también realizó el diseño de movimiento y objetos. Es directora de “¿Cuándo empieza el olvido?”, una pieza de circo y danza, co-creada junto a Dúo al Vacío. PRENSA Mutuverría PR info@mutuverria.com FUNCIONES: VIERNES A LAS 20.30 HORAS Timbre 4 - México 3554 Entradas desde $20.000 En venta en Alternativa Teatral

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Luego de un breve pre-estreno en Alemania, Nueva York y Panamá, el domingo 1 de noviembre llega a Buenos Aires:

“Clarice”

de Selva Palomino, con actuación de Susana Yasan y dirección de Lamberto Arévalo. “CLARICE” de Selva Palomino con actuación de Susana Yasan y dirección de Lamberto Arévalo, que tendrá lugar el domingo 1 de noviembre a las 16h. en Teatro El Extranjero. En cada función, una doble nacerá en escena, una fabulación encarnada, una fuerza poética múltiple y vital. Una Clarice que no conocíamos. La obra “Clarice” parte de un momento clave en la vida de Clarice: los tres meses que pasó en un hospital después de quemarse dormida con un cigarrillo. Desde este incendio íntimo y existencial, ella recorrerá su infancia, sus vínculos y será atravesada por todas las Clarices que la habitan y hablan: unaniña, una-Brasil, una-madre, una-guerrera, una-latina y unaextranjera, al mismo tiempo. Un planeta llamado Clarice. “Clarice” cuenta con animaciones especialmente creadas para la obra. Dice Lamberto Arévalo, director: “Raúl Szkraba y sus animaciones multiplican de sentidos la puesta en escena. Su estilo artesanal y gran talento como dibujante, hacen que se presenten otros mundos en el escenario, dialogando con el devenir de la escena.”

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Clarice Lispector es una de las escritoras más importantes del siglo XX. Crea un estilo revolucionario. Es llevada al cine e influido en miles de artistas y filósofos, como Björk, Caetano Veloso, Anne Carson, Simon Critchley, entre otros. “Clarice Lispector nos genera un incendio emocional, que nos conecta con nuestras propias intensidades y metamorfosis, y la obra es el resultado de todas ellas. Seguirá mutando Clarice, y volviendo cada vez más visibles las fuerzas de una mujer que desafió la literatura de su época, es decir,

la vida y su propio ser”, agrega el director. “Clarice” se presenta los domingos 1, 8, 15 y 22 de noviembre a las 16hs en el Teatro El Extranjero (Valentín Gómez 3378, CABA), con entradas la venta por Alternativa. «Leí El huevo y la gallina, Agua viva, Corazón Salvaje, sus cuentos, y algo se desacomodó. Porque en Clarice siempre parece haber otra voz dentro y antes de la voz. Algo que está por decirse y se retira. Algo que se deja tocar

y desaparece”. Susana Yasan, actriz. FICHA ARTÍSTICO - TÉCNICA

York y Panamá. Es terapeuta bioenergética certificada (IIBA) y creadora del Método MAB para actores.

Autora: Selva Palomino l Actúa: SOBRE EL DIRECTOR Susana Yasan l Animaciones: Raúl Szkraba l Asistente: Pablo Toporosi l Prensa: Prensópolis l Dirección, diseño sonoro e iluminación: Lamberto Arévalo l Duración: 50 minutos SOBRE LA ACTRIZ

Susana Yasan. Actriz, directora teatral y régisseur de ópera egresada del Teatro Colón. Se formó con Raúl Serrano, Augusto Fernández, Carlos Gandolfo y Lorenzo Quinteros. Actuó bajo la dirección de Laura Yusem, Lorenzo Quinteros, Lamberto Arévalo, Silvio Gressani y Santiago Doria, entre otros. Como régisseur puso en escena “Carmen”, “Rigoletto” y “Otello”, y dirigió “Dorotea” en coproducción con el Teatro San Martín. En Nueva York recibió el Premio Thalía 2025 como Actriz Visitante por “Rose”, de M. Sherman, y el Premio LATA 2026 como Actriz Visitante Destacada “Clarice”, de S. Palomino, obra con la que preestrenó en Colonia, Bonn, Nueva

Lamberto Arévalo. Artista multidisciplinario (director en artes escénicas, cine y compositor musical en obras de teatro y danza). Docente e investigador en filosofía y artes. Sus trabajos se presentaron en: Museo MALBA, Museo de Moderno de Bs. As., así como en festivales internacionales y teatros, con presencia en Latinoamérica y EE UU. Dirige y es autor de teatro desde 1990. Se destacan entre muchas obras: “Los días felices”, de S. Beckett, “Año Cero -un sonido inquietante”, y el pre-estreno de “Clarice” en New York y Panamá.

SOBRE LA AUTORA

LACAP LBAT A

Selva Palomino. Dramaturga argentina. Algunas de sus obras publicadas, premiadas y estrenadas: “Mundial Juvenil”, “Boulogne”, “La Sagradita”, “La Compañía”, “Junio 16”, “Clarice”. Todas ellas con direcciones destacadas: Corina Fiorillo, Gilda Bona, Raquel Albéniz, Fabi Maneiro, Lamberto Arévalo. El último premio por dramaturgia recibido fue por su obra “El grito y el silencio”, entregado por “Teatro del Mundo” en este año 2026. Estrenará en Buenos Aires “Clarice”, con la actuación de Susana Yasan en noviembre 2026, y en el mismo mes: “El último gol de La Raulito”.

Prensópolis Comunicación y Prensa Gana el premio Argentores a Dir. Alejandra Pía Nicolosi Mejor guión adaptado por el prensopolis@gmail.com largometraje “Extranjera” ( 2006). Ha dado clases en la Universidad FUNCIONES: Nacional de Córdoba, Centro Cultural de la Cooperación, Domingos 1, 8, 15 y 22 de Fundación Cazadores, etc., y noviembre a las 16h. como expositor en filosofía en Teatro El Extranjero Universidad Católica de Chile, (Valentín Gómez 3378, CABA) Entradas por Alternativa Teatral Universidad de Palermo, etc.

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Delfina

Un viaje fantástico al interior de la selva y de uno mismo DELFINA, la nueva propuesta escrita, dirigida y protagonizada por Pilar Fridman -junto a la co-dirección de Guido Turtuladespliega un viaje fantástico de aventura y fantasia pocas veces viston en la escena teatral. Las funciones son los sábados de octubre y noviembre en Espacio Callejón (Humahuaca 3759, CABA). La pieza, interpretada por Marina Artigas, Lola Banfi, Pilar Fridman, Marcos Medrano, Debora Nishimoto, Malena Resino, Antonella Saldicco, Miguel Sorrentino y Max Suen, narra los días de Ana en el hospital. Allí, la protagonista recibe una carta que promete un esperado reencuentro con su padre en los Alpes Suizos. Para lograrlo, emprende un viaje insólito a través de la selva amazónica, donde los singulares habitantes del territorio transformarán por completo su destino. Recuperando la atmósfera clásica del relato de aventuras, Delfina plantea una travesía mágica y poética. A lo largo del camino irrumpen criaturas fantásticas y situaciones inesperadas cargadas de

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apariencias, giros y sorpresas.

concluye la autora.

„En Delfina, la fuerza que impulsa todo es el delirio. Las familias se desencajan. Hay animales bastante humanos y humanos bastante animales. Se hablan varias lenguas, pero todos parecen estar extrañando una lengua que olvidaron“, señala Pilar Fridman.

DIJO LA PRENSA:

„Es difícil inscribirla en un género; algo de la fantasía y el surrealismo de la literatura de Leonora Carrington, la libertad e irreverencia de Kelly Link, o cierta reformulación de los cuentos perversos de Angela Carter pueden haber disparado algunas zonas de manera inconsciente. Pero la herramienta más poderosa siempre fue la intuición»,

“Delfina: un viaje fantástico hacia lo más íntimo de la existencia” Telefe Noticias.

“Un imaginario nuevo para el espectador y una metamorfosis de Débora Nishimoto con todo su potencial físico puesto al servicio de la obra.” Verónica Castañares, Otro Plan, Radio Con Vos.

“Un viaje por la selva amazónica. Durante su travesía, quienes habitan la selva alterarán el destino de su protagonista”. Indie Hoy. “...la odisea que emprende la protagonista de Delfina para

encontrarse con su padre en la otra punta del planeta para que le explique por qué carajo los abandonó a ella, a su hermano y a su madre, y escuchara su respuesta, tal vez entendería porqué la niña del cuento prefiere vivir entre pájaros, osos y lobos salvajes.” Leticia Frenkel, La Agenda. Ficha técnica y artística Dramaturgia: Pilar Fridman Actúan: Marina Artigas, Lola Banfi, Pilar Fridman, Marcos Medrano, Debora Nishimoto, Malena Resino, Antonella Saldicco, Miguel Sorrentino, Max Suen Diseño de vestuario:

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Juan Hernández Daels/ Sadaels, Lara Schottland Diseño de escenografía: Martina Nosetto Diseño De Sonido y música: Facundo Suasnabar Diseño De Iluminación: JES TORTUL Fotografía: Estrella Herrera Diseño gráfico: Trini Azpiroz Comunicación y prensa: Cecilia Gamboa Asistencia de dirección: Valeria Santa Producción ejecutiva: Guido Turtula Producción: Pilar Fridman, Guido Turtula Dirección De Proyecto: Pilar Fridman Dirección: Pilar Fridman, Guido Turtula Debora Nishimoto

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Pilar Fridman, Guido Turtula / codirectores.

Pilar Fridman Actriz, dramaturga, directora teatral. Nacida en la ciudad de Buenos Aires en febrero 1994. Estudió Artes combinadas en UBA y Artes dramáticas en UNA. Formada en actuación con Nora Moseinco y Julio Chavez, entre otros. En dramaturgia con Romina Paula, Iosi Havilio. En 2018 debuta como directora con su ópera prima, Cyan, obra ganadora del concurso Óperas Primas del C.C.R.Rojas, la cual también protagoniza. En 2020 su segundo texto teatral, Obra Delfina, obtiene Mención Especial en Dramaturgia del premio de escritura Todos los tiempos el Tiempo de Fundación Proa. También es reconocido con la Beca Creación del FNA y ganador del premio Impulso al Nuevo Teatro de la empresa Finnegans 2024. En septiembre estrena un largometraje que protagonizó junto con Nicolas Pauls y Magi Bravi llamado Lo Malo del Amor dirigido por Nico Capelli.

Como actriz ha participado en los largometrajes Mariposa y Taekwondo de Marco Berger y en varias series nacionales como; Cartas a mi Ex de Jazmin Stuart, El hincha de Alejandro Ciancio, Limbo, Robo mundial de Star+. También protagonizó Las Rojas, un cortometraje Historias Breves premiado en varios festivales internacionales como Guadalajara, BIFAN, Sitges, Fantaspoa, entre otros. Cecilia Gamboa Comunicación & Prensa info@ceciliagamboa.com.ar FUNCIONES: Sábados 20h en Espacio Callejón. Humahuaca 3759, CABA. Funciones: sábados de octubre y noviembre a las 20h. Localidades $28.000 (estudiantes $25.000) disponibles en Alternativa o en boletería del teatro. Duración: 75 minutos. Entrada: $ 28.000,00 - Sábado 20:00 hs - Hasta el 19/12/2026

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CELINA FONT y SILVIA VILLAZUR presentan

“DOS PATRONAS”

Con: Silvia Villazur, Celina Font, Darío Miño, Eugenia Aguilar Dramaturgia y Dirección: Victoria Hladilo

En El Camarín de las Musas. Dramaturgia y Dirección: Victoria HLADILO. Domingos 20hs. Un grotesco criollo contemporáneo. De la autora y directora de la exitosa La Sala Roja y la recientemente estrenada Siete Estaciones para hablar de Amor, llega esta nueva comedia ácida y crítica con nuestra sociedad, la maternidad y las formas de criar. SINOPSIS: Una mujer llega a la casa de

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quien fue su empleada doméstica durante varias décadas. Quiere convencerla para que vuelva a trabajar con ella ya que su vida desde que se fue, se convirtió en un caos. El hijo de la empleada, está estudiando y tiene planes para que su madre construya un futuro más justo. La hija de la patrona pretende ayudar a quien la crió. ¿Cuál de las dos será?.

Diseño de escenografía: Celeste Echeverry

FICHA TÉCNICA:

Prensa: Natalia Bocca

Diseño de luces: Ricardo Sica Diseño de vestuario: Gabriella Gerdelics Producción ejecutiva: Victoria Hladilo

Actúan: Silvia Villazur, Celina Font, Asistencia de dirección: Darío Miño, Eugenia Aguilar Leandro Puerta

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parte de tu familia, pero vive en tu casa, conoce tu intimidad, tus cajones secretos, tus horarios y tus llantos. Es tal vez el trabajo más complejo e importante, pero uno de los que menos se paga. ¿Cómo son esos vínculos? ¿Quién necesita a quién? ¿Quién cría a quién?. Victoria Hladilo.

El material participó del Festival de Teatro de Rafaela 2015 y volvió en el 2018. Realizó en 2017 una gira por España y formó parte del Catálogo de Obras Nacionales INT. También se vendieron sus derechos y realizaron distintas versiones en Paraguay, Panamá, Brasil y Uruguay; también en el Victoria Hladilo interior de Argentina: Córdoba, Bahía Blanca y Bariloche. Se Fui criada en una casa en la que una mujer dormía con SOBRE LA DRAMATURGA y sumó al Catálogo de TEATRIX. Se vendieron los derechos nosotros durante la semana. DIRECTORA para realizar su versión Ella era nuestra empleada. Fiel cinematográfica. En el año 2021 a mi madre y a mi padre, me Victoria Hladilo cuidaba con uñas y dientes. Pasé Es actriz, directora, guionista y se filmó su versión para serie televisiva en Brasil: “Reunión de muchísimas noches mirando la dramaturga. televisión con ella, esperando Se formó como actriz con Pais”. Realizó su temporada 12 que mis progenitores regresen Julio Chávez, Hugo Midón y en el Teatro Astros de Buenos del trabajo. La mayoría, me Cristina Martí. Realizó la carrera Aires. quedaba dormida en su falda. de Dirección de Cine en la Universidad del Cine y la carrera En el 2016 estrenó su segunda Ella era mi familia. obra La culpa de nada, en El de Dramaturgia en la EMAD. Camarín de las Musas, que Las patronas es un material que indaga sobre los vínculos que En teatro estrenó en el 2013 su también realizó 4 temporadas. u son laborales, pero se vuelven primera obra como dramaturga y familiares. Es un trabajo y se directora: La sala roja. hace por dinero, pero se pretende un intercambio de cuidado y amor. Es alguien que no forma Dramaturgia y dirección:

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Participó del Festival de Teatro de Rafaela, de las Fiestas Provinciales de Buenos Aires y recibió una mención de honor del premio ARTEI. En el 2019 estrenó “La Casa de las Palomas”, obra con la que cerró esta primera trilogía. Por la que obtuvo la Beca de FNA y fue seleccionada parar el Catálogo de Espectáculos INT 2020/2021. En 2022 estrenó su cuarta obra: Cartón Pintado. Realizó 3 temporadas y fue seleccionada para el catálogo de espectáculos nacionales INT 23/24. En 2023 ganó el Premio de Dramaturgia de Argentores, por su obra Siete estaciones para hablar de amor. Estrenada en 2026 en el Teatro del Pueblo, con Carlos Bellos y elenco. Previamente, actuó y escribió junto a Julio Chávez y el elenco, Angelito Pena. Obra dirigida por el mismo J. Chávez, por la que Hladilo fue nominada al premio ACE como actriz revelación 2003/4. La obra fue también nominada a mejor espectáculo off. Actuó también en Arlequín, servidor de dos patrones, en el Complejo Teatral de Buenos Aires, dirigida por Alicia Zanca. Y en La mujer que al amor no se asoma, dirigida por Jazmín Stuart, entre otros espectáculos. Fue asistente de dirección de Julio Chávez, en Rancho (una historia aparte). Fue docente de actuación en la Universidad Torcuato Di Tella, donde dirigió El método Gronholm.

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Actualmente es docente de dirección de actores en la Escuela de Cine de Eliseo Subiela y dirige allí los talleres de actuación. En cine actuó en Historias extraordinarias, de Mariano Llinás; en Nunca más asistas a este tipo de fiestas, realizada por el grupo Farsa; y en Barroco, de Estanislao Buisel Quintana; entre otros trabajos. En 2024 realizó su primer largometraje, adaptación de una de sus obras de teatro: La culpa

de nada. Por esta obtuvo la nominación a Mejor Guion Adaptado de los Premios Sur y ganó el premio Argentores a Mejor Guión Adaptado. PRENSA Natalia Bocca nataliabocca@gmail.com FUNCIONES: DOMINGOS LAS 20h El Camarín de las Musas Mario Bravo 960. CABA Entrada general: $28.000 Jubilados y estudiantes $20.000 A la venta en Alternativa Teatral o en boletería del teatro.

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REESTRENA "TRILOGÍA LORCA" SÁBADO 14 DE NOVIEMBRE La creación de Marcela Suez es un homenaje al poeta español Federico García Lorca, a 90 años de su asesinato.. “Trilogía Lorca” es un espectáculo multidisciplinario que entrelaza la poesía de Federico García Lorca con la fuerza expresiva de la danza y la música flamenca. En esta propuesta escénica, la palabra poética de Lorca es interpretada por una actriz - bailaora que encarna la teatralidad de los textos y la riqueza coreográfica de la danza flamenca, estableciendo un diálogo íntimo entre el lenguaje corporal y el verbal. La obra se estructura en torno a seis poemas del Romancero Gitano, donde la riqueza simbólica de Lorca se despliega a través de un tratamiento escénico que conjuga la actuación, el movimiento y la música en vivo. Un guitarrista, una cantaora y un bailaor acompañan a la actriz - bailaora en un recorrido emocional y sensorial que refleja lo ancestral, lo misterioso y lo profundo de la obra del poeta granadino. Cada poema se convierte en un cuadro escénico donde la interpretación actoral se funde con la coreografía flamenca y la música, generando una atmósfera que potencia el universo lorquiano. “Trilogia Lorca” se presenta como una síntesis de la riqueza de la cultura flamenca, y la

profundidad de la obra lorquiana, creando un espacio teatral donde la palabra, la música y la danza coexisten en una propuesta artística integral que busca tocar la fibra emocional del espectador. Palabras de MARCELA SUEZ, autora, directora, actriz y bailaora “Elegí la Danza Flamenca como eje de mi carrera artística y así mismo sentí la profunda necesidad de incursionar en la palabra de Federico García Lorca. Trabajé con diversos directores la puesta en escena de mis obras Raíces del Flamenco, Juego de Luna y Arena, Poema del Cante Jonto, y Trilogía Lorca, integrando en las mismas la palabra de Lorca, el teatro, la danza y la música flamenca. Este año se cumplen 90 años del asesinato de García Lorca, y este es nuestro sentido homenaje”.

Guitarra flamenca: Luciano de Paula Asesoramiento escénico y actoral: Ana Yovino Dramaturgia, puesta en escena, coreografía y dirección general: Marcela Suez Asistente de dirección: Iara Isarratru Puesta de luces y operación: David Seiras Operación de sonido: Hernán Marrufo Prensa: Pablito Lancone Textos poéticos: “Federico” / “Romance de la Luna Luna” / “La monja gitana” / “Café Cantante” / “Las seis cuerdas” / “La casada infiel” / “Muerte de Federico”. Coreografías: “Seguiriyas” / “Tientos tangos” / “Caña” / “Alegrías” / “Rumbas Flamencas” Temas musicales: “Nana” / “Seguiriyas” / “Tientos Tangos” / “Café de Chinitas” / “Caña” / “Anda Jaleo” / “La Zarzamora” / “Verde que te quiero Verde” Este espectáculo cuenta con el apoyo de PRODANZA.

FICHA ARTÍSTICA - TÉCNICA

REDES: @marcelasuez @sala.mediterranea

Baile flamenco y actuación: Marcela Suez Baile flamenco: Juan Ayala Cante flamenco: Claudia Montoya

FUNCIONES: Sábados 17/10 y 14/11 a las 21:30h. TEATRO: Sala Mediterránea (Tucumán 3376, CABA) ENTRADAS: Alternativa Teatral o 11-5691-9565

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ESPEJISMOS DEL TIEMPO y LA FIESTA DEL VIEJO Fernando Ferrer vuelve a la Argentina con dos obras antes de su temporada en Francia. El dramaturgo y director Fernando Ferrer regresa a la Argentina para presentar dos producciones realizadas en coproducción por las compañías francesas ESTRO y PROJET 26: La Fiesta del Viejo, su relectura de Rey Lear, y Espejismos del tiempo, creación coreográfica de Eugenia Carnevali y Willem Meul, con dramaturgia y dirección de Ferrer. La programación incluirá funciones y actividades de formación en Buenos Aires y Venado Tuerto, como antesala de la temporada francesa de La Fiesta del Viejo, que se presentará del 11 al 28 de noviembre en el Théâtre-Studio de Alfortville, París. Cie ESTRO. Dirección artística: Willem Meul y Ximena Zalazar Firpo. Cie PROJET 26. Dirección artística: Eugenia Carnevali y Fernando Ferrer. FUNCIONES: BUENOS AIRES, ESPACIO CALLEJÓN | Humahuaca 3759, CABA Viernes 30 de octubre, 20 h: ESPEJISMOS DEL TIEMPO Sábado 31 de octubre, 13 h: LA

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FIESTA DEL VIEJO

SOBRE FERNANDO FERRER

Sábado 31 de octubre, 17.30 h: ESPEJISMOS DEL TIEMPO Domingo 1 de noviembre, 13 h: LA FIESTA DEL VIEJO VENADO TUERTO, GALPÓN DEL ARTE Miércoles 4 de noviembre, 21.30 h: ESPEJISMOS DEL TIEMPO Jueves 5 de noviembre, de 14 a 16 h: Curso: creación escénica, cuerpo y dramaturgia FRANCIA, THÉÂTRE-STUDIO Alfortville - París Del 11 al 28 de noviembre, LA FÊTE DU VIEUX / LA FIESTA DEL VIEJO En español, con sobretítulos en francés, Duración: 1 h 40

El dramaturgo, director y actor argentino Fernando Ferrer regresa a la Argentina con dos proyectos que permiten recorrer diferentes vertientes de su trabajo escénico: el teatro y el cruce entre dramaturgia, danza y cuerpo. Por un lado, vuelve La Fiesta del Viejo, una de las obras más representativas de su trayectoria, creada a partir de Rey Lear, de

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William Shakespeare, y de Ran, de Akira Kurosawa. Por otro, Ferrer presenta Espejismos del tiempo, una obra coreográfica y teatral interpretada y coreografiada por Eugenia Carnevali y Willem Meul, en la que asume la dramaturgia y la dirección. Las presentaciones forman parte de un recorrido que comenzará en Buenos Aires, continuará en Venado Tuerto y tendrá su siguiente estación en Francia, donde La Fiesta del Viejo realizará una temporada del 11 al 28 de noviembre en el ThéâtreStudio de Alfortville. Ferrer desarrolla desde hace más de veinte años una investigación escénica entre América Latina y Europa, con especial interés en la relectura de los clásicos y, particularmente, de la obra de Shakespeare. A lo largo de su trayectoria dirigió más de veinte espectáculos en Buenos Aires y presentó sus trabajos en distintos festivales y espacios internacionales. Actualmente desarrolla parte de su actividad artística en Francia y en 2026 fundó Cie Projet 26, compañía dedicada a la creación escénica contemporánea. LA FIESTA DEL VIEJO A partir de Rey Lear de William Shakespeare El Viejo cumple años y decidió festejarlo con todo. El escenario es un club de barrio y alrededor de la mesa están los amigos y la familia. Durante el brindis

anuncia que quiere adelantar la herencia a sus tres hijas: desea sorprenderlas, demostrarles su amor y descubrir cómo responden ante ese gesto.

Shakespeare y para el XXVI Congreso Internacional de Teatro Iberoamericano y Argentino organizado por GETEA, la UBA y Pace University de Nueva York.

Lo que comienza como una celebración familiar abre, sin embargo, una tormenta de deseos, miserias, afectos y disputas.

La obra vuelve ahora a Buenos Aires con dos funciones antes de iniciar su nueva temporada francesa.

En La Fiesta del Viejo, Ferrer traslada el universo de Rey Lear a un territorio reconocible y cercano: una familia argentina reunida alrededor de una mesa. La tragedia shakespeariana entra así en diálogo con la cultura barrial, la comida, la celebración y las relaciones familiares. Para su creación, Ferrer trabajó a partir de Rey Lear y de Ran, de Kurosawa, no con la intención de realizar una adaptación literal sino de investigar qué puede producir hoy un clásico sobre los cuerpos y las subjetividades contemporáneas. “Estoy obsesionado por la relectura de los clásicos”, señala al referirse al origen de la obra. Creada hace diez años, La Fiesta del Viejo realizó siete temporadas en Buenos Aires durante ese período y participó en festivales y encuentros internacionales. Entre otros reconocimientos, recibió una Mención Especial del Instituto Nacional del Teatro por dramaturgia y dirección y el Premio Teatro del Mundo por adaptación teatral. También fue seleccionada para el Festival

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA La Fiesta del Viejo Autoría, dramaturgia y dirección: Fernando Ferrer Actúan: Moyra Agrelo Agustina Benedettelli Julieta Cayetina María Eugenia Carnevali Demián Gallitelli Ezequiel Gelbaum Clarisa Hernandez Paul Sebastian Mauch Enzo Ordeig Marisol Scagni Julian Smud, Ezequiel Tronconi Abian Vainstein Traducción: Lisa García Composición musical: Stine Helkjaer Engen Diseño de luces: Fernando Ferrer Vestuario: Cie Projet 26 Escenografía: Cie Projet 26 Efectos especiales: Guillermo Toledo Asistencia de dirección: Marisol Scagni Producción ejecutiva: M. Laura Quevedo u

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Producción general: Cie Projet 26 Administración: Eugenia Mur Céline Rougeron Estrategia de comunicación: Anne de Amézaga Prensa en Buenos Aires: Paula Simkin ESPEJISMOS DEL TIEMPO Una creación de Compañía Estro y Cie Projet 26 co producida por ambas “Una obra coreográfica y teatral en la que el cuerpo, pesado y ligero a la vez, narra la historia de un encuentro entre una persona que necesita irse de todo, y un ser extraño que la confronta con su historia y lam ayuda a ver por donde seguir. La pieza está interpretada y coreografiada por Eugenia Carnevali y Willem Meul, mientras que Fernando Ferrer firma la dramaturgia y la dirección, profundizando así una línea de investigación que cruza la construcción dramática con el movimiento, la presencia física y la composición escénica. El espectáculo tendrá dos funciones excepcionales en el Espacio Callejón de Buenos Aires y luego viajará a Venado Tuerto, donde se presentará en el Galpón del Arte. La gira se completa con actividades de formación vinculadas con la composición coreográfica y con los cruces entre cuerpo y dramaturgia.

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FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA Espejismos del tiempo Coreografía e interpretación: Eugenia Carnevali Willem Meul Dramaturgia y dirección: Fernando Ferrer Producción: Compañía Estro Cie Projet 26 Fotografía: Stefan Ackx Prensa en Buenos Aires: Paula Simkin

Aires Gdansk Shakespeare Festival de Polonia, Festival Internacional de Teatro Clásico de Alcalá, Festival de Teatro de Olite, FIT Cádiz, MAPAS, GIRART, Muestra Iberoamericana de Teatro de Uruguay, Festival Shakespeare de Argentina, Odin Teatret, Nau Ivanow, Teatro Circo Murcia, Timbre 4 y El Umbral de Primavera. DOSSIER PRESSE La fiesta del vi…

Su trayectoria recibió, entre otras distinciones, el Premio Teatro Fernando Ferrer es dramaturgo, del Mundo por adaptación, una director y actor argentino, formado Mención Especial del Instituto en la Escuela Nacional de Arte Nacional del Teatro y una Dramático de Buenos Aires. Su beca de la Fundación Williams investigación artística se articula para la creación de una ópera especialmente alrededor de la contemporánea en el Teatro relectura de Shakespeare, en un Colón. DOSSIER PRESSE La recorrido de más de veinte años fiesta del vi… entre América Latina y Europa. En 2026 fundó en Francia Cie La Fiesta del Viejo constituye Projet 26, plataforma desde una de las obras centrales de la que continúa desarrollando ese recorrido. El espectáculo fue proyectos de creación escénica presentado, entre otros espacios contemporánea que vinculan y encuentros, en el FIBA – teatro, dramaturgia, danza y Festival Internacional de Buenos cuerpo. Prensa: Paula Simkin paulasimkin@gmail.com

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EA, MI NEÑIN de Macarena Trigo

ÚNICA FUNCIÓN 8 de noviembre, 13h TIMBRE 4. México 3554 La compañía hispanoargentina Si la Luna invita a una jornada dedicada a Federico García Lorca. La cita incluye una previa ibérica con vaso de vino y pincho de tortilla. Presentarán la obra Ea, mi neñín, que toma como base la conferencia “Canciones de cuna españolas” impartida por Lorca en la Residencia de Estudiantes de

Madrid en 1928. La dramaturgia recrea la voz de una mujer que asume esos apuntes de sabiduría popular para invitarnos a la aventura poética que precede al sueño. El espectáculo cuenta con música en vivo a cargo de Nicolás Blum, quien musicaliza poemas del autor granadino. FICHA ARTÍSTICA Texto original:

Federico García Lorca Actúa: Macarena Trigo Prensa y producción: Cía. Si la Luna Asistencia de dirección: Fernando Del Gener Tráiler y fotos: Francisco Castro Pizzo Colaboración artística: Sofía Greneda, Natalia Litre Composición, guitarra y voz: Nicolás Blum Adaptación y dirección: Macarena Trigo TRAYECTORIA DE LA OBRA Estrenada en 2021 realizó funciones en Timbre 4 y Querida Elena (CABA). Formó parte del VII encuentro lorquiano de Espacio Tole Tole y fue seleccionada en la convocatoria de Puentes Culturales del GCBA. Se presentó en espacios no convencionales como el Museo de Arte Contemporáneo de Villa la Angostura, la Casa Museo Dr. Plottier, La Tranca de Cura Malal, Casa Runa en Pedro Luro y la Red de Bibliotecas Bonaerenses, entre otros. Contacto Jimena López https://www.silaluna.com lopez.jimena.maria.83@gmail. com ÚNICA FUNCIÓN 8 de noviembre, 13h TIMBRE 4. México 3554 CABA.

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Lorena Romanin presenta

JUDÍA

De Karina Hepner - Domingos 20.30 en Espacio Callejón Una obra sobre la cultura, los lazos afectivos y la memoria.

Una madre se encuentra con sus hijos después de años de distancia. Pero el hogar que recuerda ya no existe. Entre tradiciones, conflictos familiares y distintas maneras de vivir la identidad judía. Una historia sobre el desarraigo, la maternidad y la búsqueda de pertenencia. FICHA TÉCNICA Dirección: Lorena Romanin Dramaturgia: Karina Hepner Asesoría dramatúrgica:

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Lorena Romanin Intérpretes: Karina Hepner Brenda Lem, Jorgelina Vera Guido Botto Fiora Diseño de escenografía y vestuario: Gabriella Gerdelics Diseño de iluminación: David Seiras Colaboración musical: Mariela Kantor Fotografía: Akira Patiño Diseño gráfico: Brenda Lem Prensa: Mutuverría PR

Redes: Agustina Silvestrini Asistencia de dirección: Conrado Ledesma Producción ejecutiva: Carla Fontao Producción general: Karina Hepner Duración: 60 minutos “Judía nace a partir de profundas preguntas existenciales que surgieron de mi propia experiencia como mujer judía: ¿soy judía si no continúo con las tradiciones judaicas? Esta pregunta me llevó a indagar

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en mi historia familiar y en mis raíces, y a reflexionar sobre aquello que heredamos, transformamos y transmitimos. A partir de allí, construí una historia ficcionada que aborda los vínculos familiares, los encuentros y desencuentros con la cultura y la identidad, y el lugar de la memoria como forma de preservar y transmitir aquello que nos constituye”. Karina Hepner SOBRE LORENA & KARINA

Artes y continúa desarrollando sus producciones teatrales. Karina Hepner es dramaturga, actriz y productora. En teatro, participó como actriz y productora en obras como La casa de las pelucas kosher, con dirección de Nicolás Sorrivas y Pablo Bellocchio; Sopa de Clownies, dirigida por Virginia Kaufmann; Cama Cucheta, con dirección de Lorena Romanin; y Últimas unidades de lujo, de su autoría, con dirección de Melisa Freund. Se desempeña como productora de la compañía Los Clownies. En

cine, integró el elenco de Lennons, dirigida por José Cicala, y Vestido Chino, con dirección de Federico Buso. Además, protagonizó junto a Carlos Portaluppi No es nada, bajo la dirección de Victoria Mammoliti. PRENSA Mutuverría PR info@mutuverria.com FUNCIONES: Domingos 20.30 en Espacio Callejón Humahuaca 3759 CABA Entradas por Alternativa Teatral

Lorena Romanin es actriz, dramaturga y directora. Se graduó en Puesta en Escena y Dramaturgia en la Universidad Nacional de las Artes (U.N.A.). Es autora y directora de obras como Como si pasara un tren, Azul y la Navidad, Todo lo posible, Julieta y Julieta y Ana y Wiwi, esta última ganadora de la Fiesta CABA 2021-2022 y de los premios ATINA y Teatro del Mundo. Como si pasara un tren recibió múltiples reconocimientos nacionales e internacionales y fue presentada en España, Uruguay, Brasil, Chile y Estados Unidos. Es creadora, guionista, actriz y directora de la multipremiada serie Plan V, referente de la temática LGTBIQ+. Actualmente se desempeña como curadora de Microteatro Buenos Aires, dirige proyectos de graduación en la Universidad Nacional de las

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“LA PILARCITA”

CELEBRA 12 AÑOS DE HISTORIA Y ANUNCIA SU LLEGADA A MÉXICO Continúa aquí los viernes a las 20 y 22 hs en El Camarín de las Musas. La obra de María Marull, convertida en un fenómeno teatral desde su estreno hace 12 años, continúa su temporada a sala llena todos los viernes a las 20 y 22 hs en El Camarín de las Musas y prepara nuevas etapas de su recorrido internacional. Algunos creen que un milagro llega de forma inesperada. Otros lo construyen día a día, casi de manera artesanal. Hay historias que encuentran una manera particular de permanecer en el tiempo. La Pilarcita, la celebrada obra de María Marull, es una de ellas. A doce años de su estreno, la pieza continúa su recorrido con una nueva temporada en El Camarín de las Musas, donde se presenta todos los viernes a las 20 y 22 h. Desde su estreno, La Pilarcita se convirtió en una de las obras más reconocidas del teatro independiente argentino. Con más de 700 funciones, más de 55.000 espectadores y presentaciones en distintas ciudades del país y en Madrid, la obra ha mantenido a lo largo de los años el vínculo con un público que continúa acompañándola y descubriendo la particular historia de sus personajes. La obra está protagonizada por Agustina Cabo (Celina), Julia

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Catalá (Selva), Mercedes Moltedo (Celeste) y Julián Rodríguez Rona/Fran Ruiz Barlett (Hernán), con dramaturgia y dirección de María Marull. SINOPSIS Selva, y su enigmática pareja, Horacio, llegan desde la gran ciudad a este remoto pueblo correntino en busca de un milagro de La Pilarcita, santita popular litoraleña. Se hospedan en un precario hotel regenteado por Celina, la hija de los dueños y Celeste, su amiga adolescente, que borda día y noche en el patio del hotel para terminar su traje de comparsera. Cuando Selva comprende que, según la tradición, antes

de pedir un milagro hay que ofrendar una muñeca creada especialmente para la ocasión, contrata a Celeste para que la ayude a confeccionarla. Mientras el pueblo entero se prepara para homenajear a la santita, Selva y Celeste trabarán una extraña amistad que cambiará sus destinos para siempre. El milagro está cerca, porque incluso si no llegara mágicamente, siempre hay alguien dispuesto a fabricarlo. Están los que creen que un milagro es algo que llega de forma inesperada y aquellos que lo que lo construyen día a día, casi de manera artesanal. Inspirada en el mito de Pilar Zarancho, la niña que murió en 1917 al intentar recuperar su muñeca de una carreta y que con el tiempo se convirtió en una figura de devoción popular, la obra cruza humor, emoción y una mirada profundamente humana sobre la necesidad de creer, esperar y construir los propios milagros. DE CORRIENTES A MÉXICO: LA PILARCITA AMPLÍA SUS FRONTERAS El recorrido de La Pilarcita tendrá próximamente una nueva escala internacional. La obra se estrenará en México el 4 de febrero de 2027, con elenco local y bajo la dirección de

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una directora mexicana. María Marull cedió los derechos para esta nueva producción y viajará especialmente para acompañar y supervisar el montaje. A su vez, la música original de la obra tendrá una nueva vida. Julián Kartun, quien fue el primer actor de La Pilarcita y creó junto a María Marull las canciones de la obra, grabó los temas en Madrid. Próximamente, estas canciones estarán disponibles en Spotify. EL 12 DE OCTUBRE, LA PILARCITA VUELVE A SU TIERRA Cada 12 de octubre se celebra el Día de La Pilarcita en Concepción de Yaguareté Corá, Corrientes, el pueblo donde nació la devoción popular que inspiró la obra. Este año, María Marull y el elenco viajarán nuevamente a Corrientes para participar de los festejos y continuar con un registro audiovisual que comenzó durante el viaje realizado el año pasado. La experiencia busca documentar el encuentro entre la obra teatral y la celebración popular que cada año reúne a cientos de personas alrededor de la figura de La Pilarcita. Con doce años de historia, La Pilarcita continúa expandiendo su recorrido: del escenario de El Camarín de las Musas a nuevas ciudades, de la tradición popular correntina a Madrid y ahora también a México, manteniendo intacta una historia que habla de los milagros que se esperan y, sobre todo, de aquellos que se construyen día a día.

Actúan: Agustina Cabo Julia Catalá Así como en Vallecito, San Juan, Mercedes Moltedo los devotos veneran a la Difunta Julián Rodríguez Rona Correa o en Mercedes rinden su Fran Ruiz Barlett honor al Gauchito Gil, también Canciones: Concepción de Yaguareté, corral Julián Kartun (música) de tigres en lengua guaraní, tiene María Marull (letra) Escenografía: Alicia Leloutre a La Pilarcita, su santo popular. En 1917, Pilar Zarancho, de cuatro José Escobar años, viaja junto a su familia en Iluminación: una carreta tirada por bueyes. Matías Sendón Por una distracción, la muñeca Vestuario: que protege en sus brazos cae Jam Monti al arenal. En urgente salvataje, la Diseño gráfico: niña se tira a rescatarla, pero una Natalia Milazzo rueda de la carreta la aplasta y Foto de diseño: Sebastián Arpesella muere. Redes: El polvoriento sendero Emilia Teperman correntino se convierte en su Asistencia de dirección: tumba; sus padres, culposos y Laura Correa apesadumbrados, la entierran Producción general: María Marull junto al camino. Con el correr del tiempo, la Producción: fe lugareña convierte a Pilar Cecilia Santos Zarancho en intermediaria de Prensa y difusión: hechos milagrosos. Año tras año, Soy Prensa su capilla se llena de cientos de muñecas de diferentes tamaños PRENSA y formas, que los promesantes le Soy prensa hola@soyprensa.com.ar ofrendan con devoción. SOBRE EL MITO DE LA PILARCITA

LA PILARCITA

FUNCIONES:

Una obra de María Marull Funciones: viernes a las 20 y 22 hs Teatro: El Camarín de las Musas – Mario Bravo 960, CABA Duración: 65 minutos

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS Mario Bravo 960. Reservas: 4862-0655

Dramaturgia y dirección: María Marull

Funciones: viernes, 20 y 22 h. En cartel: hasta el 5 de diciembre. Entradas: Alternativa Teatral – La Pilarcita / El Camarín de las Musas

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“EL TEMBLOR Y LA SILLA...” Concierto Público #7. De cuando Pina conoció a Sandro Estreno: miércoles 11 de noviembre a las 20.30 h. El miércoles 11 de noviembre estrenará “EL TEMBLOR Y LA SILLA. Concierto Público #7. De cuando Pina conoció a Sandro”, dirigido por Hugo Martínez y Yamila Seco. Se trata de una coproducción del Teatro Empire y el Proyecto Concierto Público, en el marco de la 2nda Edición de ÓPERA DES/ATADA, curado por César Mathus y Catalina Lescano. Mientras las fuerzas de Pina Bausch y Sandro tensionan el espacio —ella esculpiendo el tiempo con el rigor del silencio, el detalle y la repetición obsesiva; él encendiendo el aire con el fuego del conurbano y el delirio eléctrico de su pelvis—, en este cruce improbable ambos descubren una misma certeza: la única forma de sobrevivir al mundo es entregarse por completo al movimiento. Durante los meses de octubre y noviembre, “EL TEMBLOR Y LA SILLA...”propuso una residencia de profanación coreográfica para habitar el Teatro Empire como un ensamble polifónico. Esta ópera experimental sobre el encuentro de diferencias se despliega entre esas insistencias, donde la urgencia del cuerpo, el rito de la repetición y la vulnerabilidad de una pasión desbordada se funden en una confesión pública, construyendo un nuevo

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y vibrante territorio poético en tiempo real.

disponibles a la venta por Alternativa.

“EL TEMBLOR Y LA SILLA.

El ciclo ÓPERA DES/ATADA, curado por Catalina Lescano y César Mathus, es una invitación a deconstruir el canon y explorar nuevas posibilidades del campo expresivo. Dicen Lescano y Mathus: “Desatar la ópera, hoy, implica intervenir sobre las jerarquías que históricamente determinaron qué cuerpos

Concierto Público #7. De cuando Pina conoció a Sandro” se presenta desde el miércoles 11 de noviembre a las 20.30hs, los miércoles 11, 18 y 25 de noviembre en el Teatro Empire (Hipólito Yrigoyen 1934 - CABA), con entrada general a $30.000,

podían ocupar la escena, qué voces merecían ser escuchadas, qué repertorios eran reconocidos como legítimos y qué formas de producción quedaban ocultas detrás de cada obra. Frente a un gobierno que degrada la cultura, desfinancia sus instituciones y celebra la crueldad como forma de vida pública, ÓPERA DES/ ATADA afirma que la creación artística es trabajo, pensamiento y acción política”. FICHA TÉCNICO-ARTISTICA Performers residentes: Julia Agrest, Ale Aguilar, Emiliano Alarcon, Santiago Amanzi, Maira Annoni, Eloy Antunez Greminger, Milagros Azpiolea, Flor Baigorri, Margarita Barani, Moni Bazzalo, Lara Belaglovsky, Eze Budonnet, Guadalupe Cácharo, Fernando Cantora, Luis Cardozo, Irene Carenzo, Matías Chamorro, Toti Condino, Martina Dafunchio, Victor David, Luna Fasani, Martín Folco, Sofía Fusario, Elena Fuster, Agustín García, Belén Giménez, Nahuel Alessandro Guaquinchay, Santiago Guzmán, Iara Hernández Guevara, Giuliana Itatí Russo, Leo Laguna, Fernando Lamarchina, Mica Latorres, Juan Cruz Ledesma, Nora Lescano, Agustina Lezcano, Makia, Corina Maruzza, Magalí Mella, Francisco Mié Luraschi, Leo Montes, Sofía Muñoz, Micaela Nardone, Daniela Ojeda, Agustina Páez, Candela Pailhé, Greta Ponieman, Virginia

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Rinaldi, Consu Rodriguez, Victoria Sánchez Palladino, Camila Celeste Sanguinetti, Fabrizio Santo, Nicolle Scher, Ada Silva, Lule Silvera, Ludmila Stipelman, Alejo Sulleiro, Eva Torrez, María de los Milagros Tourn, Theo Gael Triñanes, Sol Tuñón, Luz Veiras, Jimena Villoldo e Iván Vitale Dramaturgia: Matías Marshall Curaduría Ópera Des/Atada: Catalina Lescano y César Mathus Prensa: Prensópolis Producción: Teatro Empire - Proyecto Concierto Público Colaboración artística: Thomas Médioni Dirección musical: Ramiro Saá Duración: 90 minutos Clasificación: ATP Recomendado a partir de los 16 años l Idea y dirección escénica: Hugo Martínez y Yami Seco

universitario (UNA) y gestor cultural argentino, con una sólida trayectoria en artes escénicas contemporáneas, investigación y procesos de creación colectiva. Lic. en Dirección Escénica por la UNA y maestrando en Ópera Experimental por la UNTREF, dirige obras, grupos y proyectos artísticos desde 2014. Es director fundador —junto a Noelia Morales— del Colectivo Ciudades Poéticas, y director fundador del Proyecto Concierto Público (desde 2022), plataforma que inauguró formalmente el ciclo Ópera Desatada en el Teatro Empire en su primera edición (2025).

SOBRE LA DIRECCIÓN ESCÉNICA

Su trayectoria cuenta con el reconocimiento de diversos premios, becas y subsidios de organismos nacionales e internacionales (Proteatro, Fondo Metropolitano, Mecenazgo, FNA, CCR) y distinciones en festivales (FIBA, la Bienal Arte Joven, FAUNA, CC Rojas). Ha recorrido destacados escenarios y festivales locales y nacionales (Sábato Espacio Cultural, Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti, Manzana de las Luces, Ciudad Cultural Konex, Galpón u

HUGO MARTÍNEZ es director escénico, coreógrafo, docente

Su trabajo explora las zonas de contacto entre la performance, la danza contemporánea y la ópera experimental, buscando desbordar los límites de lo escénico para encontrar en el movimiento colectivo una forma de conocimiento sensible y una herramienta de transformación.

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Face, entre otros).

YAMILA SECO es productora y coordinadora de diferentes campos artísticos en danza, teatro y audiovisual. Se formó en la carrera de Dirección y Producción de Cine, Televisión y Video en el Buenos Aires Comunicación. Productora y coordinadora en la obra de danza ¡Puro Movimiento Mamita! Concierto Público #3 dirigida por Hugo Martínez, ganadora de la convocatoria de danza en la categoría Nuevas Producciones

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del Centro Cultural Ricardo Rojas de la UBA y seleccionada para el ciclo de danzas urgentes Afectiva del Sábato Espacio Cultural UBA. Además, realizó presentaciones en el Ciclo de Performances del Complejo Histórico y Cultural Manzana de las Luces. Productora y coordinadora de la ópera performance “Húmeda. Concierto Público #5” dirigida por Hugo Martinez y estrenada en la Ciudad Cultural Konex en 2024. Asistente de dirección de “Sería una pena que se marchiten las plantas”, productora ejecutiva de la obra “Ante” ambas de Ivor Martinic y Dirección de Guillermo Cacace presentadas en el Festival Internacional Santiago a mil 2025 en Santiago de Chile, Festival de Teatro de Rafaela y Mercado de Girart. Fue docente de extensión universitaria en

la Universidad Nacional de las Artes (UNA). Junto a Hugo Martinez coordina el “Laboratorio de prácticas escénicas en torno a la ópera experimental” 2024 /2025. Es actriz y productora del Grupo Basamenta 2026, en la obra “Diablo Diario” y productora de la obra “(H)ay amor” (2026). Actualmente, es productora del canal de streaming Gelatina. Ph: Muriel Sago Prensópolis Comunicación y Prensa Dir. Alejandra Pía Nicolosi prensopolis@gmail.com FUNCIONES: Miércoles 11, 18 y 25 de noviembre Teatro Empire (Hipólito Yrigoyen 1934 - CABA). Entrada general: $30.000 por Alternativa

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FESTIVAL CALLEJON 9, la fiesta de las artes

escénicas independientes!

Agos Luz Lopez / Dani Korovsky / Milva Leonardi y más!

Del 9 al 14 de noviembre llega la novena edición del Festival Callejón, la maratón de artes escénicas que, a lo largo de casi una década, se consolidó como un espacio de referencia para la creación contemporánea y la experimentación en la escena independiente porteña. Con sede en el emblemático Espacio Callejón, el festival reúne teatro, danza y música y apuesta, año tras año, por las nuevas voces y los cruces entre lenguajes. Con la curaduría de Ramiro Bailiarini y Zoilo Garcés, esta novena edición presenta una programación que combina

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estrenos, obras invitadas y procesos de investigación escénica, con una mirada puesta en artistas jóvenes y en las nuevas formas de creación. Entre las propuestas se encuentra el estreno de Cae diagonal / pisa palito, de Milva Leonardi y Abril Lis Varela; El hijo de, escrita por Joaquín Moreno Ocampo y dirigida por Gianluca Zonzini, que aborda la historia de Ricardito Elhijovich, un joven actor atravesado por el peso de ser hijo de un reconocido intérprete; y Animal anterior, obra invitada con dirección de las talentosas

Denise Groesman y Agostina Luz López. La programación se completa con Fronter, dirigida por Florencia Sánchez (work in progress de la edición 2025, ahora convertida en estreno de obra completa), y Archivo de proyectos no realizados, una propuesta que parte de un particular hallazgo en el archivo del Instituto Di Tella: una caja titulada Proyectos no realizados. A partir de ese material, Celia Argüello Rena, Nico Sosa y Wo Portillo del Rayo exploran cómo llevar a escena aquellos proyectos artísticos que alguna

vez fueron imaginados pero nunca llegaron a concretarse. “La marca fuerte del Festival es la posibilidad de visibilizar el trabajo de artistas jóvenes, abiertos a la experimentación escénica y al cruce de lenguajes desde una mirada diversa e inclusiva”, señala Ramiro Bailiarini. Por su parte, Zoilo Garcés destaca el carácter autogestivo del proyecto: “En estos nueve años hemos trabajado de

manera independiente y autogestiva, orientados a producir obras estreno y, a la vez generar un espacio de exploración artística bajo el formato work in progress, que luego pueda convertirse en un futuro estreno de obra completa”. Una fiesta para celebrar el camino a los 10 años. Como cierre de esta novena edición y, a las puertas de su décimo aniversario, el Festival Callejón tendrá una gran

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celebración el sábado 14 de noviembre desde la medianoche con un live set de Dani Umpi (Uruguay), además de las presentaciones de Trucha, DJ Set Viejo Kaos y Marques Desastre (Felipe Saade) en Maquinal (Anchorena 364, CABA). para cerrar una nueva edición del festival. FICHA ARTÍSTICA Curaduría y producción: Ramiro Bailiarini y Zoilo Garcés. Técnica: Fede Montes Cisneros

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y Juan Chiarella. Arte: Nico Sosa. Realización escenográfica: Tomás González. Gráfica: Ezequiel Ochoa. Redes: Armando Cárcamo. Imagen: Como Me Gusta la Noche. Prensa: Cecilia Gamboa Comunicación & Prensa. PROGRAMACIÓN FESTIVAL CALLEJÓN 9 Lunes 9 de noviembre, 20 h y martes 10 de noviembre, 22.30 h CAE DIAGONAL, PISA PALITO | Work in progress (danza) Sinopsis: Si usted cree que las cosas fueron mejor antes o que serán mejor después, agarre con sus dos manos un hacha y corte el aire en diagonal. Repito: corte el aire, pero tenga cuidado con las piernas.

un joven actor marcado por el peso de ser hijo de un reconocido actor. Cuando Ricardito intenta escapar de ese lugar, su representante Zorro encuentra a Gonchi, un cantante frustrado que es físicamente idéntico a él, y le propone ocupar su lugar. Gonchi acepta para recuperar el sueño de alcanzar la fama, pero termina atrapado en una identidad que no le pertenece. Dramaturgia: Joaquín Moreno Ocampo. Intérpretes: Joaquín Moreno Ocampo, Daniela Korovsky y Justo Dell’Acqua. Dirección: Gianluca Zonzini. Miércoles 11 de noviembre, 20 h y viernes 13 de noviembre, 22.30 h FRONTER | Estreno (teatro)

Intérpretes: Milva Leonardi y un invitado secreto. Creación: Milva Leonardi y Abril Lis Varela. Diseño de iluminación: Matías Sendón. Escenografía y realización: Ramiro Bailiarini, Nico Sosa y Tomás Gonzalez — Festival Callejón. Apoyo: Premio S. Lunes 9 de noviembre, 22 h y martes 10 de noviembre, 20 h EL HIJO DE | Obra invitada (teatro) Sinopsis: “El hijo de” cuenta la historia de Ricardito Elhijovich,

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bolso ajeno que las lleva a un roadtrip. En Hudson conocen a Hazel, la camarera de una pollería en un pueblo perdido de una Argentina que se autoproclama estadounidense. A partir de este encuentro comienza una historia que no sabemos dónde termina. Si es el fin de un viaje en auto, el fin de las peleas, el fin de los encuentros, el comienzo de una música, tal vez el principio del amor. La obra crea un universo ficcional de tríptico a través del humor. Dramaturgia: Club Bizarre — Almudena González, Renata Mármora y Julia Zlotnik. Dirección: Flor Sánchez. Actúan: Almudena González, Renata Mármora, Julián Shuliano Piepoli y Julia Zlotnik. Producción: Club Bizarre y Festival Callejón. Diseño de iluminación: Leandro Orellano. Colaboración artística: Fiamma Carranza Macchi, Flor Sánchez, Ani Iramain, Naomi Stein, Trisha Trixiana, Franco de La Puente y Guido Wertheimer. Miércoles 11 de noviembre, 22.30 h y jueves 12 de noviembre, 20 h ANIMAL ANTERIOR | Obra invitada (danza)

Sinopsis: la obra despliega un tejido escénico de identidades en tránsito. Ana y Brende se encuentran un palo verde en un

Sinopsis: una mujer de setenta años, Silvia, y una máquina habitan un mismo espacio. Inspirada en Animal sobre la piedra, de Daniela Tarazona, la obra narra la transformación

progresiva del cuerpo de Silvia, que abandona aquello que la define como humana para convertirse en reptil. Pero mientras Silvia se transforma, también lo hace la máquina: comienza a volverse sensible, permeable al agua, al ambiente y a las emociones de la mujer. Entre lo humano, lo animal y lo tecnológico, el proyecto explora el trance como un estado de transformación y posibilidad: un lugar desde donde reinventar la identidad, revisar la propia subjetividad y permitir que unas formas de vida contaminen y transformen a otras. Intérprete: Silvia Estrín. Luces y espacio: Matías Sendón. Investigación: Denise Groesman, Agostina Luz López y Silvia

Estrín. Dirección: Denise Groesman y Agostina Luz López. Jueves 12 de noviembre, 22.30 h y viernes 13 de noviembre, 20 h ARCHIVO DE PROYECTOS NO REALIZADOS | Estreno (teatro/ performance) Sinopsis: ¿Cómo poner en escena proyectos artísticos que nunca llegaron a concretarse? A partir del hallazgo de una caja titulada Proyectos no realizados en el archivo del Instituto Di Tella, lxs artistas reactivan un conjunto de cartas, bocetos e instrucciones de obras que nunca llegaron a existir. En formato de conferencia performática, la pieza invoca esos proyectos imaginados durante los años de experimentación artística

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y radicalización política de las décadas de 1960 y 1970 para preguntarse qué resonancias, interrupciones y futuros posibles aún pueden activar en el presente.

Performers: Celia Argüello Rena, Nico Sosa y Wo Portillo del Rayo. Idea, dramaturgia e investigación de archivo: Nico Sosa. PRENSA Cecilia Gamboa Comunicación & Prensa info@ceciliagamboa.com.ar FESTIVAL CALLEJON 9. Teatro, danza, música Del 9 al 14 de noviembre Espacio Callejón. Humahuaca 3759. Localidades $25.000 disponibles en Alternativa. Pre venta 2x $36.000.

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LAS DESPEDIDAS

Director Juan Andrés Romanazzi, con Paula Mbarak y gran elenco!

El sábado 21 de noviembre a las 18 h estrenará Las Despedidas, la obra con la que el dramaturgo y director Juan Andrés Romanazzi, de tan solo 33 años, completa su trilogía De las veces que imagino, después de Las Promesas (2019) y Los Secretos (2021). La trilogía recorre tres grandes ejes de la experiencia humana: el tiempo, en Las Promesas; el amor, en Los Secretos; y la muerte, en esta última entrega. Con una escritura de singular belleza y profundidad y luego de cosechar elogios con su reciente

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creación Las Traiciones (2026); Romanazzi construye un universo poético en el que lo íntimo y lo trascendente se entrelazan para explorar, con sensibilidad y agudeza, las preguntas esenciales de la existencia.

casas se afiebran, las infancias se tuercen y la nostalgia de un pasado saludable lo invade todo. Mientras los cuerpos buscan un calor que los resguarde de la muerte, los vínculos y las certezas se modifican frente a lo inevitable. Y cuando el ciclo de la enfermedad se aproxima a su fin, emergen pequeños milagros que, aun en medio del dolor, dejan huellas de lo indecible y revelan algunas pistas sobre el amor.

Interpretada por Paula Mbarak, Pablo Moseinco, Roberto Castro, Lucy Abineme, María Florencia Laborde, Mariano Kerborkian y Daniel Topino, Las Despedidas se adentra en ese momento en que una enfermedad irrumpe de manera irreversible y transforma “Nuevamente el teatro nos abre todos los órdenes de la vida. El la posibilidad de hablar sobre lo tiempo parece suspenderse, las inefable y se vuelve la compañía

justa para preguntarnos sobre aquello que se escapa a nuestro entendimiento. Todos los órdenes de la vida se rompen cuando alguien enferma y, sin embargo, en ese tiempo corrido, aparecen también algunas seguridades sobre la importancia y el valor de nuestras vidas”, reflexiona Romanazzi.

Fotografía: Clara Romanazzi Diseño gráfico: Barbara Delfino Comunicación y prensa: Cecilia Gamboa Producción: Carola Parra Dramaturgia y Dirección: Juan Andrés Romanazzi

Con Las Despedidas, el autor cierra una trilogía que encuentra en el teatro un espacio para explorar aquello que nos atraviesa como seres humanos: el paso del tiempo, los vínculos afectivos y la finitud, sin dejar de buscar, incluso frente a la pérdida, las formas posibles del amor.

Juan Andrés Romanazzi (La Rioja, Argentina) es dramaturgo, director, actor y docente. Maestrando en Dramaturgia por la Universidad Nacional de las Artes (UNA), egresó de la EMAD en las carreras de Dramaturgia y Actuación, donde recibió la Beca Familia Podestá al mejor promedio de su promoción.

Las Despedidas de Juan Andrés Romanazzi | Estreno noviembre 21, 18h en El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, CABA). Localidades $25.000 disponibles en Alternativa y en la boletería del teatro. Funciones: sábados 18h hasta el 12 de diciembre inclusive. FICHA ARTÍSTICA

Como dramaturgo desarrolla una investigación en torno a la trilogía como forma de escritura, con proyectos como De las veces que imagino, De las veces que la Historia y De las veces que los Mitos. Como director estrenó, de su

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autoría Las Promesas, Los Secretos, Las Traiciones. Como actor integró durante diez temporadas el elenco de Mi hijo solo camina un poco más lento, dirigida por Guillermo Cacace, además de trabajar en producciones del Teatro San Martín y el Teatro Nacional Cervantes. Desde 2014 coordina talleres de actuación y ha dictado clases en diversas universidades e instituciones culturales. En 2021 recibió el Premio Trinidad Guevara por Los Secretos. PRENSA Cecilia Gamboa - Comunicación & Prensa info@ceciliagamboa.com.ar FUNCIONES: Estreno noviembre 21, 18h El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, CABA). Localidades $25.000 disponibles en Alternativa y en la boletería del teatro. Funciones: sábados 18h hasta el 12 de diciembre inclusive.

Elenco: Lucy Abineme, Roberto Castro, María Florencia Laborde, Mariano Kerborkian, Paula Mbarak, Pablo Moseinco y Daniel Topino Diseño y realización de escenografía y vestuario: Julia Camejo Diseño sonoro y musical: Paula Vargas Diseño de iluminación: Pablo Rojas

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LA MUERTE YA NO ES NOTICIA "Crónica de una nación, con estridencias de clarín, en páginas de amor y locura"

Escrita y dirigida por Alejandro Stilman, escritor, periodista y dramaturgo, la obra cruza periodismo, teatro, crítica y ficción, y pone en escena la muerte del papel frente al avance de la digitalización. En la redacción de un diario, un periodista debe reunir en una entrevista a una directora de teatro y al crítico que la destruye sistemáticamente con sus reseñas. En paralelo, un trabajador del archivo escanea y tritura los papeles que forman parte de la historia del periódico.

de las Américas, Cuba; el Premio Caza de Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México; el Premio Literario de la Provincia Actúan: de Córdoba; el Fondo Nacional Valeria Blanco de las Artes; la distinción del @cabeza_de_cobre New York Festival Radio Awards, Stella Maris Previsdomini Estados Unidos; y el Segundo @stella_previs Premio de la Bienal Internacional Javier Nocetti de Radio de México. @javinocetti En teatro estrenó Colectivo Alberto Sartorio errante por ciudad desierta, @alberto_sartorio Una sociedad más segura y Ailén Denise Rosales Protocolos, entre otras obras. @ailurosales13 También desarrolló trabajos de Iván Stilman radioteatro emitidos por Radio @stilmanivan Nacional, entre ellos Cinco días Duración: 70 minutos. Público que conmovieron al Río de la Plata, Juegos de Imperios y adulto. Maradona, el último ídolo. Como Alejandro Stilman es escritor, escritor publicó novelas y libros periodista y dramaturgo. Entre sus de cuentos en Argentina, México reconocimientos se encuentran y Cuba. el Concurso Internacional de Javier Nocetti se formó en Cuentos Julio Cortázar de Casa Dramaturgia y dirección: Alejandro Stilman.

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actuación con Mariano Dossena y Pablo Shinji, y realizó un seminario sobre Shakespeare con Néstor Sabatini. Complementó su formación con estudios de técnica vocal y se desempeña también como cantante de tango. Ha participado en diversas producciones teatrales, entre ellas Bésame Mucho, Incómodos, Cuánto vale una heladera, La condición erótica, Malena, Las grandes maldades en Shakespeare (Pecados Capitales), Cortázar en el Paseo y Punto y coma. Alberto Sartorio es actor y cantor. Se formó en el Taller de Formación Actoral de la Municipalidad de General San Martín y trabajó con Fabricio Origlio y Mario Cura. Desde la década de 1980 participa en diversos géneros teatrales, entre ellos comedia musical, drama y teatro clásico. Integró el elenco de obras como Hamlet, El zoo de cristal, Nos separamos (Fabricio Origlio), Anahí y Recordis (Mario Cura), El último tren (dir. Pedro Canoppio) y Padres nuestros (Mario Cura). Ivan Stilman es actor, director y productor audiovisual argentino, formado en la Universidad Nacional de las Artes (20122016) y egresado del Centro de Investigación Cinematográfica (CIC).

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Desde 2022 desarrolla una intensa actividad teatral como actriz y asistente de dirección, participando en obras presentadas en espacios como Teatro Beckett, La Tertulia, Espacio Bencich, Cultura Viva, Taconeando y Nuevo Teatro Gargantúa.

En cine y televisión, ha participado en diversas producciones, como Revelado en Blanco y Negro bajo la dirección de Federico Palazzo, Una Sociedad Más Segura dirigida por Julián Cohen Rua, e INT. BAR - Noche dirigida por Axel Cheb Terrab. En teatro, ha trabajado en obras y talleres como “Bésame Mucho” de Javier Daulte, “Artistas Anónimos” en la Ciudad de México, “Microescena” y “Una Sociedad Más Segura”. Ailén Denise Rosales es actriz, intérprete de teatro musical, directora y productora teatral, egresada de Andamio 90 y Act&Art. Ha participado en obras

como Las lloronas, Catalina, Campanita y Peter Pan en el Reino de Cenicienta, Blancanieves y Pinocho tras un sueño maravilloso y Las aventuras de Kira y Orión, de su autoría. También se desempeñó como asistente de dirección en producciones como La casa de Bernarda Alba, Protocolos y El principito, y participó en diversos cortometrajes y videoclips.

Valeria Blanco es actriz con formación junto a destacados maestros como Pompeyo Audivert, Rubén Szuchmacher, Jorge Marrale, Osvaldo Santoro y Lito Cruz, entre otros. Ha participado en obras como Los días de la comuna, Volver a casa, El zoo de cristal y Casa de muñecas, además de diversos musicales y producciones del circuito independiente. En el ámbito audiovisual, integra cortometrajes y producciones independientes. Actualmente cursa la Licenciatura en Artes y la Tecnicatura en Gestión y Producción de las Artes en la Universidad de Buenos Aires. @lamuerteyanoesnoticia TEHAGOLAPRENSA Andrea Feiguin info@tehagolaprensa.com.ar

FUNCIONES: Estreno domingo 8 de noviembre a las 17 h. en Código Stella Maris Previsdomini es Montesco Teatro (Gorriti 3956, música (baterista) y actriz. Se CABA). Las funciones continúan formó en actuación con Martín los domingos 15, 22 y 29 de Mir y Facundo Cardosi, y cursó noviembre, a las 17 h. Entradas: en la escuela de Agustín Alezzo $25.000 por y en el Taller de Cuerpo al Texto https://www.alternativateatral. del Teatro Beckett. com.ar/

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DESDE QUE BAILA

La nueva obra de Ignacio Sánchez Mestre

El jueves 12 de noviembre a las 20h Paraíso Club estrena desde que baila, la nueva obra del dramaturgo, actor y director Ignacio Sánchez Mestre en Arthaus Central (Bartolomé Mitre 434, CABA). La pieza interpretada por María Inés Aldaburu, Walter Jakob y Flor Piterman explora el universo del deseo, los vínculos familiares y las transformaciones que impactan de manera inesperada en la vida cotidiana. Una mujer inicia una relación virtual con un joven desconocido y, casi sin darse cuenta, comienza a cambiar su manera

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de habitar el mundo. Lo que al principio parece un juego virtual empieza a ocupar cada vez más espacio en su vida, en su cuerpo y en todo lo que la rodea. De pronto, comienza a hacer cosas que antes no hacía y algo en su mundo cotidiano comienza a transformarse. Mientras tanto, su hijo intenta comprender qué le está pasando a su madre, sin advertir que el vínculo entre ambos también está mutando. Desde que baila construye una historia sobre la intimidad y las formas en que una experiencia imprevista puede alterar las relaciones y las rutinas. La obra indaga, sobre todo, en aquello

que se despierta cuando alguien se permite explorar una zona desconocida de sí mismo y en los efectos que ese movimiento produce en quienes lo rodean. “Mis obras siempre vuelven a los vínculos. En esta me interesaba pensar qué pasa cuando una persona cambia de lugar, cuando decide vivir de otra manera, y cómo ese movimiento inevitablemente desacomoda también a todos los que tiene alrededor.”, señala Sánchez Mestre. Desde que baila arroja una mirada sensible sobre los vínculos familiares, los cambios

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personales y las nuevas formas de encuentro en un mundo atravesado por la virtualidad. Desde que baila es una producción de Paraíso Club, en colaboración con Arthaus Central y con el apoyo de Impacto Finnegans. FICHA TÉCNICA Dramaturgia y dirección: Ignacio Sánchez Mestre Actúan: María Inés Aldaburu, Walter Jakob y Flor Piterman Asistencia de dirección: Fabiana Reboiras Música original: Paulino Fernández Coreografía: Flor Piterman Diseño de iluminación: Juan Zoglio Diseño de vestuario y escenografía: Lara Sol Gaudini Fotografía: Ignacio Coló Producción: María La Greca Prensa: Cecilia Gamboa Producción: Paraíso Club, en colaboración con Arthaus Central y con el apoyo de Impacto Finnegans.

Ignacio Sánchez Mestre Nació en San Juan, Argentina, en 1982. Es actor, guionista,

dramaturgo y director de teatro. Como autor y director estrenó, entre otras, las obras demo, Lunes Abierto, Despierto, La Savia (Teatro Nacional Cervantes), Para partir (Complejo Teatral de Buenos Aires) y Lo tejió la Juana. Como actor de teatro trabajó bajo la dirección de Pablo Sigal, Ariel Farace, Laura Kalauz, Lucía Seles y Cynthia Edul, entre otrxs. En cine, actuó en películas de Lucía Seles y coescribió Voley, de Martín Piroyansky, y All Inclusive, de Diego y Pablo Levy. En televisión, escribió junto a Piroyansky las series Tiempo libre, Bar San Miguel y El galán de Venecia. Fue uno de los autores de las dos temporadas de División Palermo (Netflix), trabajo por el que recibió el

Cóndor de Plata al Mejor Guión Original, el Premio Argentores y un Emmy Internacional. Es uno de los socios fundadores de Paraíso, club de artes escénicas. PRENSA Cecilia Gamboa Comunicación & Prensa info@ceciliagamboa.com. FUNCIONES: Sánchez Mestre Estreno noviembre 12, 20h en Arthaus Central (Bme. Mitre 434, CABA). Funciones 12, 13, 17, 18, 19, 21, 25, 26 y 28 de noviembre a las 20h. Domingo 29 de noviembre a las 18h. Localidades disponibles en Paraiso Club

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Compañía Teatral de los Buenos Ayres (CTBAy) presenta:

¿Cuánto vale tu amor?

Las cuatro paredes del hotel se transforman en un confesionario involuntario Sábados 10 y 24 de Octubre + 7 y 21 de Noviembre, siempre a las 19.00 Hs. La Compañía Teatral de los Buenos Ayres anuncia el estreno oficial de la obra ¿CUANTO VALE TU AMOR?, una pieza teatral de Marcelo Marchese que combina humor, conflicto y una profunda mirada sobre los vínculos de pareja, se estrena el Sábado 10 de Octubre a las 19:00 hs. en el teatro Colonial de

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San Telmo. Con una propuesta que combina el suspenso, el drama, el humor ácido y una crítica mordaz a las costumbres familiares y a los estereotipos de familia del Siglo XXI, Cuanto Vale tu Amor continúa agotando localidades y despertando ovaciones de pie. FICHA TECNICA CUANTO VALE TU AMOR Idea Original: Marcelo Marchese Libro:

Marcelo Marchese Dirección General: Marcelo Marchese ELENCO Lorenzo : Marcelo Marchese Graciela : Karina Machuca Sandra : Andrea Viviana Sanders Jaime : Norberto Caruso Carolina : Magdalena Rodrigo. Asistencia de Dirección :

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Magdalena Rodrigo Diseño de Vestuario: CTBAy (Compañía Teatral de los Buenos Ayres) Escenografía: Marcelo Marchese Montaje: Marcelo Marchese Diseño de Luces: Marcelo Marchese Diseño de Sonido: Marcelo Marchese Diseño gráfico: Marcelo Marchese Fotografía Gráfica: Pablo Hernan Nis Duarte Fotografía en Escena: Pablo Hernan Nis Duarte Redes Sociales: Marcelo Marchese Prensa: CTBAy (Compañía Teatral de los Buenos Ayres) Producción Ejecutiva: Marcelo Marchese Producción General: CTBAy (Compañía Teatral de los Buenos Ayres) SINOPSIS : Graciela y Lorenzo conforman un matrimonio de clase media, que llevan 35 años de casados, y regresan de sus vacaciones en Brasil. Pero por la cuarentena imperante en el país por el Covid 19, deben pasar una noche en un hotel para hacer el aislamiento preventivo. Y lo que para Graciela es una aventura hecha realidad, el pernoctar en un hotel de lujo, para Lorenzo se transforma en una caja de pandora que

debe abrir sin saber cual será la consecuencia de ello. Finalmente, esa habitación de hotel resultara el lugar y el momento donde dos personas que transcurrieron juntas muchísimas experiencias y vivencias, algunas buenas y otras no tanto, comenzaran a conocerse nuevamente por medio de situaciones dramáticas y tensas, combinadas con situaciones divertidas y muy graciosas., y así comenzaran a correr el velo de sus ojos y ver realmente a la persona con quien estaban conviviendo. Un escenario que evitaban desde hace mucho tiempo, pero que ahora la vida los obliga a asumir, y a enfrentarse a la realidad. Finalmente, triunfara el amor y la madures para asumir los hechos y no quebrantar la fe en el futuro?? O será el odio y la venganza quienes den el grito de victoria y se produzca la ruptura en esta relación?? CUANTO VALE TU AMOR es, ni mas ni menos, que un reflejo de lo que día a día viven muchos matrimonios o parejas que creen conocerse. Es la eterna y cotidiana pelea entre el amor profundo frente al egoísmo. Cuanto vale tu amor??? LO QUE DIJO LA CRÍTICA Y EL PÚBLICO: UN ÉXITO UNÁNIME La prensa especializada no ha escatimado en elogios

para esta producción que “no tiene nada que envidiarle a las grandes producciones de Calle Corrientes”: “Una lección de vida y de como revivir un matrimonio.” – Pablo Hernan Nis Duarte para Prensa y Difusión. “Cuanto Vale Tu Amor no es una obra: es una invitación a reflexionar y disfrutar del matrimonio aun siendo grandecitos” – Jorge Canllo para claves Online. “Una joya de la comedia dramática que no para de sorprendernos desde el comienzo hasta el final.” Pilar Insa para Naturalmente Hablando “Un espectáculo fresco, novedoso y sobre todo muy intenso.” – Chichi Garrido para Raza de amadores info@ctbay.ar Contacto de Prensa : Marcelo Marchese info@ctbay.ar www.ctbay.ar FUNCIONES: Sábados 10 y 24 de Octubre + 7 y 21 de Noviembre, siempre a las 19.00 Hs. Teatro: Teatro Colonial de San Telmo (Paseo Colon 413 CABA) Entradas / Reservas: CTBAy TICKETS

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BRISKI EN ESCENA Festival - Homenaje del 2 al 13 de NOV 2026 El Festival Homenaje incluirá la representación de obras teatrales que cuentan con su autoría, dirección y supervisión en la actualidad, todas estas obras se realizarán en espacios alternativos y populares con entrada libre con contribución solidaria. Del 2 al 13 de noviembre sucederá un acontecimiento único durante 12 días en la Ciudad de Buenos Aires. BRISKI EN ESCENA

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Las obras participantes son: “Sexágono”, “Fuerza Mayor” por el grupo Che Adelita, „Hermana Rueda“ „Hydra“ „La posta de los generales“ „La oreja de la calle“ „Piedra Libre“ y „La propiedad es la maldición de la hermandad“ obra de títeres para todas las edades por el Elenco Anfibio de Teatro Popular, se suma a este tributo la edición de su libro CULMINE con obras de teatro inéditas, prologadas por el crítico de arte Gabriel Isod y un epílogo por Carlos Aznarez. Los espacio donde tendrán lugar las representaciones de las obras

son : La Universidad de las Madres, Club El Campito del Barrio 31 Mugica, Facultad de Filosofía y Letras sedes del Centro Cultural Paco Urondo, sede Estación Buenos Aires, en la Plaza de Mayo intervención callejera, en el Teatro Calibán y la presentación del libro el viernes 13 de noviembre a las 19h. en el auditorio Eva Perón en ATE Nacional La iniciativa, producción y organización de este acontecimiento está a cargo

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del actor y productor Eduardo Misch quien por intermedio de un fomento cultural Mecenazgo logra realizar este Festival Homenaje a Norman Briski, a su multiplicidad como actor, director, dramaturgo y maestro y amigo de muchos, a uno de los más grandes referentes del teatro argentino por su basta trayectoria por su compromiso estético y político, su militancia inclaudicable siempre al lado de la gente. Lunes 2 de noviembre: Hermana Rueda​​​​​ 18:30hs. Centro Cultural Paco Urondo FILO - UBA ​​​25 de mayo 201, caba Sinopsis: Persona que tuvo enormes desventajas por la antipatía de sus carnes. Fea de producir indiferencia y soslayos, cacarea una conducta oportunista equilibrando sus carencias relativas con un apuesto enfermo enzimático. Éstas (las enzimas) corroen los axones de sus neuronas. Casados e hijos ella vive perpleja frente a las rubinas alegorías de su marido. Con su muerte divina ella desata un sentido total de la realidad revelando condiciones de vigilia pan-oníricas.

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Sin conciencia desafía la mitología dogmática revelando desordenes revolucionarios sin tener en cuenta la m2.​ Martes 3 de noviembre: La Oreja de la calle

IG: @sexagono.obra

19:30hs. ​​​​Estación Buenos Aires, FILO - UBA Av. Suárez al 3000, Barracas

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​​​​​​​​​ Sinopsis: La oreja de la calle es un pequeño recorte de la realidad cotidiana en la que viven inmersos una gran parte de la juventud de la ciudad escrita en una poética atípica para este tipo de roles. que aborda temas como el deseo y la sexualidad de los jóvenes en la marginalidad, embarazo no deseado y desclasamiento social. IG: @laorejadelacalle.obra

Potestad de Eduardo Pavlovsky dirección de Norman Briski 15:30hs. 4 de noviembre en el E.E.S.T.N 8 JORGE NEWBERY Villa Luzuriaga, La Matanza ​​

Info sobre la obra: https:// potestadpavlovsky.wixsite.com/ potestad-de-tato-pav ​​​​​​

jueves 5 de noviembre: Hydra 18hs. Universidad de las Madres ​​​Hipolito Yrigoyen 1584, caba ​​​​

Sinopsis: Una causa tiene vanguardia, adelante del cuerpo donde está la máquina del deseo, donde está el frente de los ojos, de los sentidos, de frente mar. Sin hablar ni ponderar ​​​​​​​​ Sinopsis: Un entre geometría y esta la espalda, la retaguardia, deseo. Si la tecno-vida nos separa el descuido, el blanco de los de la angustia existencial, las cobardes. Este vehículo de estos humanos vinculan distancias, consecuencias de informarnos para accionar nos „muta“ en portan encargos y confían que máquinas deseantes y nos aleja su frente tiene potencia y el atrás de las otredades y acerca a los tiene memoria. La fuerza de la algoritmos de la manipulación. debilidad está en ser conexión Sexagono es una vinculación necesaria, en ser para su flecha en la post- modernidad. Donde el arco para su expedida y la la experiencia del encuentro en cena de pergeñar. Esto y aquello los márgenes (fuera del techo fue la entrega, una paternidad de del confort laboral) produce en hermanos, una hostería de los la cupla un ritornello amoroso. El héroes de un anónimo ángel de precio del despojo para bucear las epopeyas. “Un tuerto de buen la ternura y darle sentido, aleja oído”. la morbosidad del consumo y ​​​​​ los acerca a la aventura de la Viernes 6 de noviembre: intimidad. Ambos conmovidos Piedra Libre por el entusiasmo se entregan 20hs. Teatro Caliban al peligro de vivir. Solo la ​​​México 1425- PB 5, caba marginalidad puede con el ​​​ sometimiento de las tecno-vidas Sinopsis: Queda lejos Gaza… u Miércoles 4 de noviembre: Sexágono 19hs.​Centro Cultural Paco Urondo FILO - UBA ​​​25 de mayo 201, caba

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todas las edades. Es una obra de títeres creada para la ocupación de Guernica,que fue desalojada por la fuerza, trata un relevamiento de lo que fue los pueblos originarios en esa región y que luego fueron copadas por por lo que significaba el virreinato en su momento y después por Roca y con otros oficiales se ocupan de ganar esos territorios de la provincia especialmente los unitarios y la obra es la rebelión de los que no tienen donde vivir y ​​​ que ocuparon ese predio y fueron Sábado 7 de noviembre: La propiedad es la maldición expulsados por el gobierno.​ ​​​​ de la hermandad Lunes 9 de noviembre: 14hs. Club El Campito Calle Evita 1462 - Barrio ​​​ 31 La Posta de los Generales (ensayo abierto) Mugica, caba 20hs. Teatro caliban ​​​​​​ Sinopsis: Obra de títeres para Mexico 1428 - PB 5 todas las edades. Es una ​​ obra de títeres creada para la Martes 10 de noviembre: ocupación de Guernica,que fue Clase Abierta para Desclasados desalojada por la fuerza, trata un 19:30hs. Teatro Caliban relevamiento de lo que fue los Mexico 1428 - PB 5 pueblos originarios en esa región ​​​​​​​​ y que luego fueron copadas por Miércoles 11 de noviembre por lo que significaba el virreinato Encuentro con Norman briski en su momento y después por en una clase abierta a la Roca y con otros oficiales se comunidad​​​​​ ocupan de ganar esos territorios miércoles 11 de noviembre: de la provincia especialmente los Hermana Rueda unitarios y la obra es la rebelión 19:30hs. Estación Buenos Aires de los que no tienen donde vivir y FILO - UBA que ocuparon ese predio y fueron Av Suárez al 3000, Barracas ​​​​​ expulsados por el gobierno. Sinopsis: ​​​​​ Persona que tuvo enormes Domingo 8 de noviembre: La propiedad es la maldición desventajas por la antipatía de sus carnes. de la hermandad Fea de producir indiferencia y 18hs. Espacio Cultural Sur soslayos, cacarea una conducta Av Caseros 1750, caba oportunista equilibrando sus ​​​ Sinopsis: Obra de títeres para carencias relativas con un

apuesto enfermo enzimático. Éstas (las enzimas) corroen los axones de sus neuronas. Casados e hijos ella vive perpleja frente a las rubinas alegorías de su marido. Con su muerte divina ella desata un sentido total de la realidad revelando condiciones de vigilia pan-oníricas. Sin conciencia desafía la mitología dogmática revelando desordenes revolucionarios sin tener en cuenta la m2.

la dignidad está lejos, qué tan cerca los mapuches, cerca como lo atómico… y el horizonte está dando la vuelta, está en la espalda el horizonte como indiferencia. La brújula loca tiene Norte por Sur y la segunda guerra sigue haciéndose tercera. ¡Tendremos la otra cara de la luna! Con la otra como llegada de todas las novedades. Y ruedan las monedas, maldición esta arca de Noé.​

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Jueves 12 de noviembre: Grupo Che Adelita „Fuerza Mayor“ 15:30hs. ​​En Plaza de Mayo​​​, Intervención en la calle Punto de referencia: Boca de subte Plaza de Mayo ( Yrigoyen y Defensa ) , caba ​​​​​

​​​​​Viernes 13 de noviembre: Presentación del libro CULMINE 19hs. ATE Nacional Av. Belgrano 2527, caba ​​​​Obras de teatro inéditas con prólogo de Gabriel Isod y epílogo de Carlos Aznares Contacto con el Teatro Caliban: IG @teatrocaliban Eduardo Misch edumisch@gmail.com Prensa Adriana Schottlender adrischottlender.prensa@gmail. com Todas las actividades se pueden encontrar en: IG @teatrocaliban

LACAP LBAT A

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PROGRAMACIÓN DE NOVIEMBRE

Consumición mínima $15.000 (Merienda no incluída en el precio de la entrada)

Diego Folan trompeta y sonidos. Germán Meira guitarra acústica. El Zombie Espacial: bajo acústico y ruidos. Lucas Ávila: charango y guitarra acústica PLASMOIDES 2X4

Romanzas Trío Domingo, 1 de Noviembre 17:00 - 19:30 hs Romanzas trío nos lleva de viaje por las encantadoras músicas del Mediterráneo Sefaradí y la magia del ladino. Con la soprano Yasmin Garfunkel, Silvia Gerszkowicz en piano y Sami Abadi en violín. Yasmin Garfunkel voz Silvia Gerszkowicz piano Sami Abadi violín Ingreso 17h

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S.A.E.M. (Sociedad Anónima de Experimentacion Musical) Domingo, 1 de Noviembre 20:30 - 23:00 hs presenta: - PLASMOIDES 2x4 (Tango Experimental) Darío Íscaro guitarra eléctrica, procesadores. Diego Pojomovsky bajo, procesadores - ATLANTES DE VILLA CRESPO (Acústico Experimental)

El guitarrista, compositor y artista sonoro Dario Iscaro protagoniza junto al talentoso bajista y artista sonoro Diego Pojomovsky esta nueva propuesta de Música contemporánea y experimental que tiene al tango como su principal disparador de ideas. Las músicas resultantes confluyen en una estética sonora nueva y dinámica plena de colores de nuestra música urbana argentina pero irradiadas desde un lenguaje libre donde se encuentra con el jazz y el avant garde. Diego Pojomovsky desde el bajo delinea las bases pero también construye melodías provocadoras que junto al imaginario sonoro de Dario Iscaro y su consistente paleta tímbrica, identifican esta música plena de dinámica y

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talento y plasman en el oyente la sensación concreta de que nuestra música también se expande hacia esos confines. ATLANTES DE VILLA CRESPO Atlantes es un cuarteto acústico formado por Lucas Ávila en guitarra acústica y charango, Germán Meira en guitarra acústica, Diego Folan en trompeta y sonidos, y El Zombie Espacial en bajo acústico y ruidos. Su sonido cruza free jazz, folklore y música improvisada y experimental. Un concierto para quienes ya aman la improvisación, pero también para quienes nunca la escucharon y tienen ganas de descubrir algo distinto en vivo. Acústico, crudo y sin red.

Todos los lunes a las 20:30, el Ángel Sucheras Trío presenta una noche de jazz en formato íntimo. Un repertorio que recorre standards del género y composiciones propias, con espacio para la improvisación y el diálogo musical entre los integrantes.

Cada martes presentamos 2 compositores. Norbi Córdoba bajo Camilo Zentner batería ¡Lxs esperamos con cosas ricas y la mejor música en vivo!

Lunes de Jazz es una propuesta simple y directa: buena música y un plan ideal para arrancar la semana sin vueltas. Jazz en vivo, como tiene que ser. Ángel Sucheras piano, Gerardo de Mónaco contrabajo y Camilo Zentner batería. Anticipadas por web $12.000 En la sala, en efectivo $15.000 Show con Cena a la Carta Ingreso a la sala 20:30

Ingreso 20:30h Consumición mínima $15.000 (no está incluída en la entrada) Cena Show

LUNES DE JAZZ Ángel Sucheras Trío Lunes 2 Noviembre 20:30 h.

Camilo Zentner batería

Adiós Pampa mía Miércoles, 4 de Noviembre 21:00 - 23:30 hs Jean Amadeo Pouyé es guitarrista y cantante francoargentino. Se despide por un tiempo de la Argentina con un concierto de tango y música popular latinoamericana, en una noche en la que participarán varios de sus amigos y amigas músicos que lo vienen acompañando desde hace años.

Música Popular de Brasil Martes 3 Noviembre 21:00 h. Cantante invitada LAYARA junto a Miguel Oyuela guitarra Rodrigo Aberastegui piano Broder Bastos guitarra bajo y voz

Ingreso 21h Consumición mínima $15.000 Cena Show Los de Seda Jueves, 5 de Noviembre 21:00 - 23:30 hs Los de Seda es un grupo que interpreta boleros y canciones

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románticas.

Juan Kiss clarinete y voz. Consumición mínima $15.000 Ingreso 21h Cena Show La entrada no incluye consumición

En 2020 publicaron de forma independiente su primer disco Los de Seda, que incluye versiones de “Loco (tu forma de ser)” de Los Auténticos Decadentes y clásicos como “Reloj”. Tres años más tarde editan “Los de Seda & El Gitano”, un homenaje a Sandro con arreglos originales en modo bolero sobre las canciones del ídolo. Un dato: fue grabado en Estudios ION, lugar en el que el legendario cantante registró la gran mayoría de sus discos. Nicolás Arévalo voz Julián Rodríguez ukelele y voz

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Cuando en 2019 comenzamos a trabajar aquellos relatos entrelazando guiones y canciones, convocamos a la obra de todos nuestros grandes músicos, cantantes, poetas y escritores. “Funes, el memorioso”, cumple 15 años y lo festejamos en La Biblioteca Café con un resumen que pinta de cuerpo entero nuestro objetivo: transmitir que en el pasado están guardados todos los secretos del presente y del futuro.

Funes, el memorioso Viernes, 6 de Noviembre 21:00 - 23:30 hs Fue un programa de radio en AM750 entre 2011 y principios de 2020, antes de subir al escenario. Cerca de trescientos radio-documentales de reconstrucción histórica, revisionando el pasado argentino.

Consumición mínima $15.000 Ingreso 21h Cena Show (la entrada no incluye la consumición) MareMium Grandes Encuentros Sábado, 7 de Noviembre 17:00 - 19:30 hs Poesía y Música Coordinan Bibi Albert / María Laura Coppié Poetas Invitad@s Inés Legarreta / Esteban Charpentier/ María

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Laura Coppié / Bibi Albert / Claudia Ferradas con Pepo Lapouble en piano

Entrada Libre Consumición Mínima $15000 Ingreso a la sala 17h Comienzo de la lectura 17:30

Leo Pastore A solas Sábado, 7 de Noviembre 21:00 - 23:30 hs Un concierto íntimo donde Leo Pastore, acompañado de su guitarra, repasa las canciones que marcaron su vida, junto a la cantante invitada María Cecilia Aquino. Consumición mínima $15000 (no

está incluída en la entrada) Cena Show Ingreso a las 21, servimos la cena y luego comienza el espectáculo.

Nuevas voces 2026: Concierto de Alumnos Momentum Empieza el dom. 08 de nov 2026 a las 17:00 - 19:30 h. Una tarde especial en La Biblioteca Café, donde las voces de jóvenes artistas darán vida a grandes historias del teatro musical. Canciones que viajan del corazón de Broadway a la calidez porteña, con el acompañamiento de piano de cola en vivo. Los esperamos para un encuentro único para celebrar la música, la emoción y el arte compartido. Esta vez, en su edición 2026. Ingreso 17h La merienda no está incluída en el precio de la entrada NATI LAGOS TRÍO & GUERNICA Domingo, 8 de Noviembre 20:30 - 23:00 hs

Nati Lagos Trío y Guernica presentarán un show de canciones y letras propias que recorrerán diferentes paisajes sonoros y poéticos de la música popular urbana. Nati Lagos es cantautora y pianista. Integró la Orquesta Fernández Fierro y fue cofundadora del Quinteto Alto Bondi. Junto a Jonatan Álvarez guitarra e Ignacio Santos bandoneón presentan un repertorio de canciones propias que confluyen en el tango y el rock. Guernica es un cuarteto de guitarras. Sus canciones son una mezcla de voces y estilos en los que se cruzan el tango, la milonga, el vals, el rock, el candombe y muchas otras formas; todas ellas dialogan con la lectura de textos literarios. Ingreso 20:30h Consumición mínima $15.000 Cena Show

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vivo, como tiene que ser.

y la mejor música en vivo!

Ángel Sucheras piano, Gerardo de Mónaco contrabajo y Camilo Zentner batería. Anticipadas por web $12.000 En la sala, en efectivo $15.000 Show con Cena a la Carta Ingreso a la sala 20:30

LUNES DE JAZZ Ángel Sucheras Trío Lunes 9 Noviembre 20:30 h. Todos los lunes a las 20:30, el Ángel Sucheras Trío presenta una noche de jazz en formato íntimo. Un repertorio que recorre standards del género y composiciones propias, con espacio para la improvisación y el diálogo musical entre los integrantes. Lunes de Jazz es una propuesta simple y directa: buena música y un plan ideal para arrancar la semana sin vueltas. Jazz en

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JennG y Juan Pablo Molina Miércoles, 11 de Noviembre 19:30 - 22:00 hs

Música Popular de Brasil Martes 10 Noviembre 21:00 h. Cada martes presentamos 2 compositores. Norbi Córdoba bajo Camilo Zentner batería ¡Lxs esperamos con cosas ricas

JennG en piano y voz y Juan Pablo Molina en guitarra, interpretan canciones populares de los años 60 y 70, jazz y composiciones originales. El repertorio va de lo íntimo y sofisticado a lo juguetón y sorprendente. JennG aporta una voz personal y una manera muy particular de interpretar las canciones y Juan Pablo crea con su guitarra un acompañamiento cálido, sutil y

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lleno de matices.

17:00 - 19:30 hs

Una noche de música para escuchar, descubrir y disfrutar. JennG voz, piano Juan Pablo Molina guitarra

Marca Lolo, dúo formado por Erica Morelo (actualmente corista de Marcela Morelo) y Marcos Lozano (cantante y arreglador del sexteto vocal Cabernet), tiene un estilo melódico, pero también pasa por el pop, el rock y el latino.

Consumición mínima $15000 Show con Cena a la Carta Ingreso a las 19:30. A las 20:15 aproximadamente comienza el espectáculo. Con temas de Hank Mobley, Art Blakey & the Jazz Messengers, Jimmy Heath, Freddie Hubbard, entre muchos otros más. Sebastián Marcial saxo tenor Gustavo Cortajerena trompeta Gonso Pérez trombón Matías Dabanch piano Fran Nava contrabajo Camilo Zentner batería

LAS CHINAS Jueves, 12 de Noviembre 21:00 - 23:30 hs “porque no hay una sola forma de ser china, hay muchas, diversas” LA FERNI voz Patricia Malanca voz Paula de Ovando piano

Consumición mínima $15.000 Ingreso 17h Merienda Show

Consumición mínima $15000 Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Parlami D’Amore Sábado, 14 de Noviembre 21:00 - 23:30 hs

Ingreso 21h Cena Show a la carta Consumición mínima $15.000 Hard Bop 6tet Viernes, 13 de Noviembre 21:00 - 23:30 hs Interpretarán composiciones de Jazz de finales de los años 50´s.

Rescata canciones clásicas y propias y aprovecha las posibilidades del dúo mixto para armonizar las voces y generar versiones de manera personal con una gran química musical.

El verdadero amor se renueva día a día. Y nos inspira canciones que nos llegan al alma. Marca Lolo Dúo Sábado, 14 de Noviembre

Las canciones italianas románticas de todos los tiempos

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junto a pequeñas historias que nos hacen soñar Susana Sánchez Laganá (voz y coordinación), Rodrigo Charmiello (voz), Simón Martins (piano) y Stefania Maccaferri (violín) nos llevarán en un viaje por los tiempos de Modugno,Tozzi, Fontana, Mina y tanto más. ¡Los esperamos para festejar el amor! Consumición mínima $15000 Show con Cena a la Carta (no incluída en la entrada) Ingreso a las 21.

Momentum Domingo 15 Noviembre 17:00 h. Una tarde especial en La Biblioteca Café, donde las voces de jóvenes artistas darán vida a grandes historias del teatro musical. Canciones que viajan del corazón de Broadway a la calidez porteña, con el acompañamiento de piano de cola en vivo. Los esperamos para un encuentro único para celebrar la música, la emoción y el arte compartido. Esta vez, en su edición 2026. Ingreso 17h La merienda no está incluída en el precio de la entrada Luciana Jury Domingo, 15 de Noviembre 20:30 - 23:00 hs UNA DE LAS VOCES MÁS EXPRESIVAS DE LA MÚSICA POPULAR ARGENTINA

Nuevas voces 2026: Concierto de Alumnos

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Luciana Jury entiende la canción como un territorio vivo.

Su trabajo hunde sus raíces en el folklore argentino, pero dialoga con el tango, la canción latinoamericana y la música popular sin someterse a las etiquetas de género. Cada interpretación es irrepetible: la canción la atraviesa, se transforma en el encuentro con el público y vuelve a nacer. Su voz visceral y expresiva convive con una interpretación profundamente personal de canciones propias y ajenas, alejándose de toda clasificación rígida. La voz, el silencio y la guitarra hacen de cada concierto un ritual compartido.

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LA PRENSA DICE SOBRE LUCIANA JURY “Lo primero que uno percibe es que está frente a una artista. No una cantante, sino una artista. (La Nación) “Luciana Jury en la octava noche del Festival de Cosquín fue pura conmoción, puro sonido, pura imaginería.” Mariano del Mazo para Página 12 “Un grito para tapar lo negro del mundo” Gabriel Plaza PRENSA INTERNACIONAL “La forma intensamente personal de Luciana Jury de interpretar su material, su empatía innata con el núcleo emocional de una canción y su habilidad para compartir eso con su público la ha llevado a la vanguardia de la escena folklórica argentina contemporánea” (Bill Bragin | Executive Artistic Director The NYUAD Arts Center)

(Estación Sur | Radio Cosmos | NRW | Alemania| por Alejandra López) “En su presentación en el Womex, Jury usó su flexibilidad vocal para hacer de cada canción una pequeña obra de teatro. Este tipo de dramatización no es para todos, pero cuando Jury cantó “Lola”, supe de inmediato que había que dar a conocer ese tema, por su potencia técnica y por tratarse de una reinterpretación notable de un éxito pop de los 80.” (Michal Shapiro. world music consultant, videographer, journalist, painter. artsjournal. comThe City University of New York ) Ingreso 20:30h Consumición mínima $15.000 (La consumición no está incluída en la entrada)

“Ella impresionó a la audiencia con una energía inmortal y el control perfecto de la misma.” (Ton Maas, periodista - editor | MixedWorldMusic.com | Ámsterdam) “Es versátil como el buen cobre. Grave, profunda y sentimental. Desgarradora. Pero también puede llenarse de picardía o volverse trágica y oscura a la hora de interpretar un tango”.

LUNES DE JAZZ Ángel Sucheras Trío Lunes 16 Noviembre 20:30 h. Todos los lunes a las 20:30, el

Ángel Sucheras Trío presenta una noche de jazz en formato íntimo. Un repertorio que recorre standards del género y composiciones propias, con espacio para la improvisación y el diálogo musical entre los integrantes. Lunes de Jazz es una propuesta simple y directa: buena música y un plan ideal para arrancar la semana sin vueltas. Jazz en vivo, como tiene que ser. Ángel Sucheras piano, Gerardo de Mónaco contrabajo y Camilo Zentner batería. Anticipadas por web $12.000 En la sala, en efectivo $15.000 Show con Cena a la Carta Ingreso a la sala 20:30

Música Popular de Brasil Martes 17 Noviembre 21:00 h. Cada martes presentamos 2 compositores. Norbi Córdoba bajo Camilo Zentner batería

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campo de Latinoamérica y del Caribe

¡Lxs esperamos con cosas ricas y la mejor música en vivo!

El alma de la canción francesa Miércoles, 18 de Noviembre 21:00 - 23:30 hs

Baladas profundas y letras que invitan a pensar. Acompañado por un grupo de músicos de primer nivel, Pio propone una noche de emociones y reflexión.

María Sicardi presenta un viaje poético-musical hacia el alma de la canción francesa, a través de los más grandes cantautores que marcaron una época.

Consumición mínima $15000 Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Consumición mínima $15.000 Ingreso 21h Cena Show Pío Roviralta Jueves, 19 de Noviembre 21:00 - 23:30 hs

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Teresa Usandivaras / Pablo Spiller / Luján Ricci Viernes, 20 de Noviembre 21:00 - 23:30 hs Cantos de las ciudades y del

Teresa Usandivaras nos propone un repertorio de músicas de distintos lugares que le han llegado por transmisión oral, audiciones, otras traídas de los viajes que realizó como música y antropóloga. Con esa misma pasión con la que fue recolectando canciones de aquí y de allá, las transforma en un repertorio que se convierte en un recorrido por distintas geografías y autores, música de las ciudades y del campo de Latinoamérica y del Caribe.

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La acompaña el guitarrista, compositor y arreglador Pablo Spiller, con quien viene compartiendo, escenarios y proyectos. Invitada: Luján Ricci

21:00 - 23:30 hs

Consumición mínima $15000 Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Entre libros, café y un piano de cola, Elda y Lucas proponen un encuentro íntimo donde la canción se vuelve escena. Desde boleros a la chanson francesa, una noche para escuchar de cerca y habitar el tiempo suspendido de las grandes canciones. Banner Image Canzoni Napoletane e italiane BENIAMINO GIGLI Sábado, 21 de Noviembre 17:00 - 19:30 hs

Consumición mínima $15000 Show con Cena a la carta Ingreso a las 20:30. Servimos la cena y comienza el show.

El tenor Leonardo Pastore y el pianista Tomás Ballicora interpretan las más célebres canciones del repertorio italiano y napolitano con un especial homenaje a BENIAMINO GIGLI. Consumición mínima $15000 (no incluída en la entrada) Ingreso a las 17, servimos las merienda y luego comienza el espectáculo. Elda y Lucas Sábado, 21 de Noviembre

Un puente sonoro entre la tradición de Anatolia y la emoción contemporánea. “Kelebek” significa mariposa en turco. Y como ella, este ensamble vuela entre dos mundos: el ancestral legado de la música de Turquía, el Cáucaso y los Balcanes, y la sensibilidad actual de músicos formados en Buenos Aires. Kelebek Ensamble es un proyecto dirigido por el guitarrista y arreglador Serkan Yılmaz, cuyo objetivo es reinterpretar el vasto repertorio de diferentes estilos de la música tradicional turca y de a países de la región desde una mirada íntima, acústica y profundamente respetuosa. Lejos de ser una simple reproducción folclórica, el grupo teje un diálogo delicado entre la calidez y la cadencia de los ritmos orientales. En sus arreglos conviven el Taksim (improvisación modal) con estructuras contemporáneas, logrando un sonido que resulta a la vez ancestral y actual, misterioso y cercano. Silvia Italiano voz principal, bendir Juli de Santis percusión Hernán Leiva guitarra, voz Serkan Yılmaz guitarras, arreglos y dirección

Kelebek Ensamble Domingo, 22 de Noviembre 20:30 - 23:00 hs

Entrada anticipada $12.000. En puerta 15.000 Ingreso a las 17h

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Consumición mínima $15.000 (no incluye la merienda)

y un plan ideal para arrancar la semana sin vueltas. Jazz en vivo, como tiene que ser. Ángel Sucheras piano, Gerardo de Mónaco contrabajo y Camilo Zentner batería.

Camilo Zentner batería ¡Lxs esperamos con cosas ricas y la mejor música en vivo!

Anticipadas por web $12.000 En la sala, en efectivo $15.000 Show con Cena a la Carta Ingreso a la sala 20:30

LUNES DE JAZZ Ángel Sucheras Trío Lunes 23 Noviembre 20:30 h. Todos los lunes a las 20:30, el Ángel Sucheras Trío presenta una noche de jazz en formato íntimo. Un repertorio que recorre standards del género y composiciones propias, con espacio para la improvisación y el diálogo musical entre los integrantes. Lunes de Jazz es una propuesta simple y directa: buena música

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Gamblers Band Miércoles, 25 de Noviembre 21:00 - 23:30 hs

Música Popular de Brasil Martes 24 Noviembre 21:00 h. Cada martes presentamos 2 compositores. Norbi Córdoba bajo

Gamblers Band se presenta con un show que reúne distintas épocas y universos musicales a través de arreglos originales y una propuesta escénica atravesada por el juego. Gamblers Band es una banda integrada por artistas formados en diferentes disciplinas, una diversidad que potencia

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su propuesta y se refleja en un show dinámico, con una identidad propia. Como parte de su concepto, la banda apuesta a que la música en vivo siga siendo un espacio de encuentro, celebración y disfrute compartido. Su propuesta busca unir universos musicales de diferentes épocas: desde el disco de pasta hasta Spotify. En su repertorio conviven canciones de artistas que van desde Ella Fitzgerald hasta Bruno Mars, siempre abordadas desde el estilo de la banda y a través de arreglos originales.

Las canciones mas amadas del Nano, siendo el público quién elige el repertorio, interpretadas por Susana Sánchez Laganá con Simón Martins al piano y como invitadxs Rodrigo Charmiello, Lorena Sánchez, Edith Margulis y algunas sorpresas.

Nieves Rosell - Songbook Brasil Domingo, 29 de Noviembre 20:30 - 23:00 hs

Acaricia mi ensueño Domingo, 29 de Noviembre 20:30 - 23:00 hs “Cada melodía evoca recuerdos, y despierta tu película interior.”

Serrat a la Carta Viernes, 27 de Noviembre 21:00 - 23:30 hs

Consumición mínima $15.000 (La entrada no incluye la consumición) Cena Show Ingreso 21h

Consumición mínima $15000 Show con Cena a la Carta Ingreso a las 21. A las 21:45 aproximadamente comienza el espectáculo.

Antonella Misenti y Francisco Cruzans voces Facundo Pereira piano Rodri Villani percusión y voz Shania Díaz contrabajo Ingreso 21h Cena Show Consumición mínima $15.000

Hernán Fassa piano y voz Horacio Berdini voz

Ambos recorrimos nuestro propio sendero musical, con melodías que resonaban a lo lejos. Hoy, nuestros caminos se encuentran en un abrazo sonoro, recorriendo diferentes estilos a través de melodías y letras que intentarán despertar memorias y voces en quienes nos acompañen.

La cantante y compositora argentina Nieves Rosell, actualmente radicada en São Paulo, vuelve a La Biblioteca Café con Songbook Brasil. Acompañada por excelentes músicos —Lautaro Moreno en piano, Tomás Fraga en guitarra, Hernán Cassiba en contrabajo y Fabián “Sapo” Miodownik en batería—, presentará un repertorio dedicado a grandes compositores brasileños como Roberto Menescal, Dorival Caymmi, Carlos Lyra, João Bosco y Antônio Carlos Jobim, entre otros. Un recorrido por clásicos de la

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simple y directa: buena música y un plan ideal para arrancar la semana sin vueltas. Jazz en vivo, como tiene que ser.

bossa nova y el samba-jazz. Consumición mínima $15000 Show con Cena a la Carta Ingreso a las 20:30. Servimos la cena y luego comienza el espectáculo

Ángel Sucheras piano, Gerardo de Mónaco contrabajo y Camilo Zentner batería. Anticipadas por web $12.000 En la sala, en efectivo $15.000 Show con Cena a la Carta Ingreso a la sala 20:30

LUNES DE JAZZ Ángel Sucheras Trío Lunes 30 Noviembre 20:30 h. Todos los lunes a las 20:30, el Ángel Sucheras Trío presenta una noche de jazz en formato íntimo. Un repertorio que recorre standards del género

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y composiciones propias, con espacio para la improvisación y el diálogo musical entre los integrantes. Lunes de Jazz es una propuesta

LA BIBLIOTECA CAFE RESTAURANT - ARTE - BAR Marcelo Torcuato de Alvear 1155, C1058 Cdad. Autónoma de Buenos Aires, Argentina

CAB

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Música

Katie Viqueira.

MARÍA ELENA WALSH LLEGA AL TEATRO COLÓN EN VERSIÓN SINFÓNICA Para compartir en familia y entre generaciones. Miércoles 02 de diciembre a las 15:00 h

Las canciones que acompañaron a generaciones de argentinos sonarán en vivo junto a Katie Viqueira, su trío, la Orquesta Aeropuertos Argentina y la participación especial de Maia Reficco y Joaquín Reficco, en uno de los escenarios más emblemáticos del país.

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Las canciones de María Elena Walsh, parte fundamental de la memoria afectiva y cultural argentina, llegarán al escenario del Teatro Colón en una propuesta especialmente concebida para disfrutar en familia. El miércoles 02 de diciembre

a las 15:00 h se presentará en el Teatro Colón “María Elena Walsh Sinfónico”, un concierto que reúne la voz de Katie Viqueira, su trío (Norbi Córdoba, Federico Mizrahi y Fabián Miodownik) y la Orquesta Aeropuertos Argentina, bajo la dirección del maestro Néstor Tedesco.

Será una oportunidad para que chicos, padres y abuelos se encuentren con un repertorio que atraviesa generaciones, esta vez con la dimensión y riqueza sonora de una gran formación orquestal. “Manuelita”, “El Reino del Revés”, “Canción para tomar el té”, “El Twist del Mono Liso”, “Canción para bañar la luna”, “La Vaca Estudiosa”, “Canción del Jardinero”, “Como la cigarra” y “Serenata para la tierra de uno” son algunas de las obras que formarán parte del recorrido musical. INVITADOS ESTELARES La presentación contará con la participación de Maia y Joaquín Reficco, hijos de Katie Viqueira y cantantes con reconocimiento internacional,

junto a Agustín Espíndola Viqueira en batería y Andrés Espinel en voz. La participación de todos ellos refuerza un aspecto muy especial de este concierto: María Elena Walsh escribió para la familia y, en esta ocasión, parte de su obra también será interpretada por una familia de artistas, reuniendo distintas generaciones sobre el escenario del Teatro Colón.

Sus personajes, juegos de palabras, melodías y esa particular manera de mirar el mundo siguen siendo descubiertos por los chicos y redescubiertos por los adultos.

UNA OBRA QUE SIGUE PASANDO DE GENERACIÓN EN GENERACIÓN

Katie Viqueira: una de las voces más vinculadas al universo de María Elena Walsh

Poeta, escritora, compositora y creadora de un universo único, María Elena Walsh dejó canciones que consiguieron algo excepcional: pertenecer simultáneamente a la infancia de varias generaciones.

Al frente del concierto estará Katie Viqueira, prestigiosa cantante, cantautora, con una trayectoria artística que ha sido reconocida y premiada internacionalmente y con una extensa carrera como Directorau

María Elena Walsh Sinfónico propone precisamente ese encuentro: recuperar la emoción de aquellas canciones y escucharlas desde una nueva dimensión musical, en el marco del Teatro Colón.

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y Coach vocal. Ha editado siete discos y se presentó en importantes escenarios de Estados Unidos, Japón, Rusia y Argentina. A su carrera como intérprete se suma una faceta que la convirtió en una de las profesionales de la voz más reconocidas de la Argentina: es coach y directora vocal de artistas de la talla de Abel Pintos, Chayanne, Tini, María Becerra, Duki y Emilia, y ha participado en la dirección vocal de grandes producciones de comedia musical y series para Disney y Nickelodeon. También fue profesora de Técnica Vocal en Tufts University, en Boston, y actualmente dirige el Centro de Arte Vocal. Su relación con la obra de María Elena Walsh ocupa un lugar central en su carrera. Sus interpretaciones alcanzaron millones de reproducciones a través de El Reino Infantil en YouTube y su trabajo sobre

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este repertorio fue reconocido con Disco de Diamante por los álbumes ME Walsh I y II. Viqueira viene desarrollando desde hace años distintos proyectos alrededor del universo de Walsh. Invitados a tomar el té y La Walsh de Noche llevaron estas canciones a escenarios de Buenos Aires, Tucumán y Madrid y fueron disfrutados por miles de familias. UNA ORQUESTA CON UN PROYECTO ARTÍSTICO Y EDUCATIVO La Orquesta Aeropuertos Argentina, dirigida por el maestro Néstor Tedesco, nació por iniciativa de Eduardo Eurnekian y tiene como objetivo promover el desarrollo intelectual y artístico de adolescentes y jóvenes de distintos sectores de la sociedad mediante becas de estudio y perfeccionamiento musical. En esta presentación, la

formación sinfónica se integrará con piano, bajo, batería y percusión para darle una nueva sonoridad a algunas de las canciones más reconocidas del repertorio de María Elena Walsh. Después de sus presentaciones en la Usina del Arte en octubre de 2025 y enero de 2026, el proyecto dará ahora un nuevo paso con su llegada al escenario del Teatro Colón. LA HISTORIA DE ESTA PRODUCCIÓN Hace más de tres años, Carlos Mazalán impulsó este proyecto, inspirado por Katie Viqueira, con el objetivo de crear un espectáculo especialmente concebido para voz, trío y orquesta. Como primera etapa, se presentó ante Mecenazgo el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires un proyecto destinado a la producción de los arreglos

orquestales. Una vez aprobado, el desarrollo pudo financiarse y avanzar bajo la dirección general de Katie Viqueira, la dirección musical de Norbi Córdoba y los arreglos orquestales de Mariano Barreiro y Federico Mizrahi.

Mariano Barreiro Federico Mizrahi Katie Viqueira Asistente de Producción: Franco Gandullo Asistente de Dirección: Veronica Ruiz Redes Orquesta Aeropuerto: Florencia Tedesco El concierto, concebido desde su origen para integrar voz, trío y Prensa: BMZ Comunicaciones orquesta, se estrenó en octubre Marketing Digital: de 2025 en la Usina del Arte, José Luis «Cuchu» Seco junto a la Orquesta Aeropuertos Mazalán Comunicaciones Argentina, dirigida por el Administración: maestro Néstor Tedesco. Maxi Capano Productor Asociado: A partir de aquella primera Héctor Cavallero presentación, el proyecto Producción General: continuó creciendo artística y Carlos Mazalán musicalmente. Ahora llega al Mazalán Producciones Teatro Colón, incorporando nuevos arreglos orquestales Una tarde para que chicos, y dando un nuevo paso en su padres y abuelos vuelvan a recorrido: la gala soñada de encontrarse con María Elena María Elena Walsh Sinfónico. Walsh, con una gran orquesta y en el escenario del Teatro Colón. FICHA TÉCNICA Orquesta: Aeropuertos Argentina Dirección Orquestal: Néstor Tedesco Intérprete: Katie Viqueira Trío: Norbi Córdoba (bajo) Federico Mizrahi (piano) Fabián Miodownik (batería). invitados especiales: Maia Joaquín Reficco, Andrés Espinel Agustín Espíndola Viqueira Arreglos Orquestales: Norbi Córdoba

REDES https://www.instagram.com/ katieviqueira https://www.instagram.com/

maiareficco/ https://www.instagram.com/ joacoref/ https://www.instagram.com/ orquestaaeropuertos https://www.instagram.com/ mazalanproducciones https://www.instagram.com/ bmzcomunicaciones PRENSA Marcelo Boccia - BMZ Comunicaciones marcelo@bmzcomunicaciones. com.ar FB BMZComunicaciones TW BMZComunica IG BMZComunicaciones FUNCIONES: Miércoles 02 de diciembre a las 15:00 h TEATRO COLON ENTRADAS EN TICKETEK VIDEO María Elena Walsh Sinfónico Usina del Arte 2025

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LLEGA ¡FA! ROMÁNTICO:

UNA NUEVA REUNIÓN EN LO DE MEX Y UN ÁLBUM CON CANCIONES PARA HABLAR DE AMOR

Hay canciones que hablan de amor. Y hay canciones que, apenas empiezan a sonar, nos llevan directamente a un recuerdo, una persona, una historia o una emoción. De eso se trata ¡FA! Romántico, la nueva edición de ¡FA!, que vuelve a reunir en la casa de Mex Urtizberea a artistas, músicos, escritores y personalidades de distintos ámbitos para conversar, cantar y pensar alrededor de las canciones románticas. Eugenia Quevedo, Gabriel Rolón, Cynthia Wila, Maitena, Claudia Brant, Oscar Mediavilla, Uriel

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Lozano, Agustín Bernasconi, Patricia Sosa, Yami Safdie, Paz Martínez, G Sony, Rep y Lito Vitale se encuentran esta vez alrededor de un repertorio atravesado por el amor, el desamor, los recuerdos y las distintas formas que puede adoptar una canción romántica.

“No me doy por vencido” por Patricia Sosa, “Si tú no estás” por Eugenia Quevedo, “Tu misterioso alguien” por Paz Martínez, “Algo contigo” por Yami Safdie, “Así fue” por Agustín Bernasconi, “Tan enamorados” por G Sony, “Porque yo te amo” por Uriel Lozano y “Dejaría todo” por Uriel Lozano y G Sony.

Como en cada ¡FA!, la música es el punto de partida para una reunión en la que aparecen historias, ¡FA! ROMÁNTICO, TAMBIÉN EN opiniones, humor, emoción y ÁLBUM: canciones interpretadas en vivo. La nueva edición llega además Entre los temas de esta edición acompañada por el álbum están “Óleo de mujer con ¡FA! Romántico, que reúne las sombrero” interpretado por canciones antes mencionadas Gabriel Rolón con Lito Vitale, de esta sesión junto a otras

interpretaciones románticas surgidas de ediciones anteriores de ¡FA! El disco amplía así el universo sonoro al sumarse “Ella ya me olvidó” por Sofía Viola, “Todo cambió” por Lit Killah, “Eres” cantada por Zoe Gotusso, “Seguir viviendo sin tu amor” por Ivonne Guzmán y “Trigal” por Malandro. ¡FA! Romántico es un álbum que reúne distintas generaciones, estilos y maneras de entender una canción romántica, y que permite volver a escuchar algunas de las interpretaciones que fueron apareciendo a lo largo de la historia de ¡FA! ¡FA! son reuniones en lo de Mex Urtizberea. Un encuentro alrededor de un tema, donde la música, las conversaciones, el humor, las ideas y las emociones

se mezclan de manera natural. ¡FA! propone en cada edición una reunión alrededor de un tema que funciona como punto de partida para encontrarse con artistas, músicos, músicas, pensadores y personalidades de distintos ámbitos. Después de haber reunido a figuras de la música, el cine, la literatura, el humor y la cultura popular, ¡FA! Romántico vuelve a poner las canciones en el centro para preguntarse —y, sobre todo, para cantarlo— qué hace que una canción sea romántica y por qué algunas canciones consiguen acompañarnos durante toda la vida. FICHA TÉCNICA Idea: Mex Urtizberea

Nicolás Tolcachier Fabiana Segovia Pedro Saborido. Dirección: Nicolás Tolcachier. Realización y cámara: Ignacio Tabares Sebastián Pianezzi Diego Grillo Martín Iamundo Pablo Rosman Matías Cetrángolo Eugenia Rylova. Edición: Ignacio Tabares Sebastián Pianezzi Nicolás Tolcachier. Músicos ¡FA!: Paco Leiva (dirección musical/ guitarra) Lulo Isod (batería) Leonel De Francisco (trompeta/ arreglos de vientos) Joaquín De Francisco (trombón) u

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Santiago De Francisco (saxo) Martín Varela (bajo) Mex Urtizberea (teclados) Lito Vitale (teclados) Emme (coros) Mia Folino (coros) Pato Smink (percusión) Producción de invitados: Claudio Simoneti Paula Benítez. Asesoría artística: Pato Smink. Producción: Leandro Lama. Administración y coordinación: Ana Acosta Carla Danio. Asistencia de producción: Dante Saborido Lula Mangone Rubén Millán Lourdes Aro Geraldes. Sonido: Gustavo Segal Diego Smolovich y Hernán Avella. Dirección de fotografía: Alejandro Giuliani. Asistencia DF: Melanie Pardo. Asistencia de Dirección: Ignacio Mackinze. Prensa y difusión: Marina Belinco. Redes y comunicación: Sabrina Caruzo Mora Quiroga Joaquina Echenique. Gestión de contenidos: Martín Valdés. Producción comercial: Damián Saavedra Juan Mierez Rubén Dobal José Colome.

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Dirección de arte: Florencia Camiletti. Decoración: Proyectamar Florencia Camiletti. Asistencia de arte: Mara Gramajo Federico Liñeyro. Arte gráfico / edición redes: Sabrina Caruzo Rodrigo Bolm. Asistencia de iluminación y eléctrico: Diego Grillo Melanie Pardo Tobías Gibson. Producción de vestuario: Luli Latorre.

Fotografía: Kaloian Santos Cabrera. Postproducción color: Eugenia Rylova. Prompter: Emiliano Fernández Rocca. Disponible en YouTube. Y en todas las plataformas! Prensa Marina Belinco marinabelinco@gmail.com VIDEO ROMÁNTICO ¡FA! 25 con Mex | E. Quevedo, Rolón, P. Sosa, A. Bernasconi, Y. Safdie, Paz Martínez y más

GOD SAVE THE QUEEN REGRESA AL TEATRO GRAN REX TRAS UN HISTÓRICO SOLD OUT EN DUBÁI La banda argentina encabezada por Pablo Padín vuelve a Buenos Aires el 28 de noviembre, en plena gira internacional y tras agotar entradas por primera vez en Dubái.

energía de una de las bandas más emblemáticas de la historia del rock.

God Save The Queen regresa al Teatro Gran Rex de Buenos Aires el próximo 28 de noviembre de 2026, en el marco de una nueva etapa de su gira internacional, que continúa consolidando la proyección global del espectáculo. Con más de dos décadas de trayectoria, la banda argentina encabezada por Pablo Padín se ha convertido en una de las propuestas tributo a Queen con mayor recorrido internacional. Su regreso a Buenos Aires llega después de un nuevo hito: por primera vez, el espectáculo agotó las entradas en Dubái, un logro que reafirma su crecimiento en Medio Oriente y su capacidad para convocar a públicos de distintas generaciones y culturas. A lo largo de su historia, God Save The Queen llevó la música de Freddie Mercury y Queen a escenarios y festivales de distintos continentes, construyendo una trayectoria que trasciende fronteras. Su propuesta combina potencia musical, despliegue visual y una interpretación que revive la

generación, como “Bohemian Rhapsody”, “Somebody to Love”, “We Will Rock You”, “We Are the Champions”, “Radio Ga Ga” y “Don’t Stop Me Now”, en un espectáculo pensado para revivir la fuerza y la emoción de la música de Queen en vivo. En plena expansión internacional, y después de una temporada especialmente intensa, God Save The Queen volverá a encontrarse con el público argentino en uno de los escenarios más emblemáticos de Buenos Aires. Una nueva oportunidad para celebrar un legado musical que continúa conquistando audiencias alrededor del mundo. PRENSA Soy prensa hola@soyprensa.com.ar

El repertorio recorre clásicos que siguen vigentes generación tras

VIDEO GOD SAVE THE QUEEN - DIOS SALVE A LA REINA BOHEMIAN RHAPSODY LIVE

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A PEDIDO DEL PÚBLICO BAGLIETTO Y VITALE SUMAN NUEVAS FECHAS DE

“BODAS DE CORAL”

UN SHOW CON EL QUE CELEBRAN 35 AÑOS JUNTOS

Luego de presentarse con localidades agotadas en el Auditorio de Belgrano, el histórico dúo agrega nuevas fechas en su gira por Buenos Aires y el AMBA

Baglietto y Vitale anuncian nuevas presentaciones en CABA y en el AMBA para los meses de octubre y noviembre.

La pareja más emblemática de la música argentina anunció que suma nuevas fechas en su gira por Buenos Aires y el AMBA con “Bodas de Coral”, un espectáculo único que recorre clásicos inolvidables, nuevas versiones y canciones que marcaron generaciones. La gira comenzó con una gran convocatoria de público y varias funciones agotadas, lo que llevó al dúo a sumar 2 funciones en el Auditorio de Belgrano, el pasado mes de agosto. Ahora

NOVIEMBRE Domingo 8/11 - Teatro Regina CABA - 20:30 hs Entradas a la venta por ENTRADA UNO

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PRÓXIMAS FECHAS:

MÁS INFORMACIÓN ACERCA DE ESTAS PRESENTACIONES EN: GALAXIAS CREATIVAS “35 años es mucho tiempo… muchos recuerdos, muchos kilómetros andados compartiendo charlas, comidas, ideas, proyectos, risas, preocupaciones, éxitos, tristezas, etc… “

Con esta frase, Juan Carlos Baglietto y Lito Vitale resumen el espíritu de “Bodas de Coral”, el nuevo álbum con el que celebran 35 años de una de las sociedades musicales más

importantes y queridas de la música popular argentina. En este nuevo trabajo, Baglietto y Vitale se permiten reinterpretar clásicos románticos atravesados por la sensibilidad, la madurez artística y la libertad creativa que les dieron más de tres décadas compartiendo escenarios. Con arreglos originales de Lito Vitale y la inconfundible voz de Baglietto —considerada una de las más representativas de la música argentina— “Bodas de Coral” propone un viaje musical cargado de emoción: Versiones profundamente conmovedoras de canciones como “Penumbras” de Sandro o “Cartas Amarillas” de Nino Bravo; un repertorio que mixtura

nostalgia con la excelencia de dos grandes músicos. El espectáculo cuenta además con una destacada banda en vivo y una puesta especialmente diseñada para celebrar este aniversario histórico.

YouTube: Galaxias Creativas Sitio oficial: www.galaxiascreativas.com

Más información Instagram: @galaxiascreativas Facebook: /galaxiascreativas

VIDEO AHORA ROCK | Baglietto Vitale

Contacto de prensa: Loreley Ramírez loreleyramirezpr@gmail.com

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NINA VENTRE Abre el Lado B de su álbum 333 con “Offline”!

- El comienzo de un lado conceptual y sonoro más oscuro, electrónico e incómodo dentro de su propuesta pop, que llegará al escenario del Teatro Premier el próximo 22 de noviembre.Después de presentar el universo del Lado A de 333, Nina Ventre comienza a revelar su contracara. “Offline” inaugura el Lado B, una etapa que se sumerge en aquellas partes de la identidad que muchas veces quedan fuera de escena: la ansiedad, la soledad, la desconexión, los cuestionamientos y también los aspectos propios que no siempre resulta cómodo mirar. En este nuevo capítulo, desconectarse no representa una ausencia sino una decisión. “Offline” habla de ese momento en el que algo deja de sentirse propio y aparece la necesidad de tomar distancia: de ciertos vínculos, grupos, dinámicas o formas de encajar que ya no representan quién uno es. Es el primer clic de un proceso de reconexión con uno mismo, incluso cuando eso implica atravesar zonas más oscuras o incómodas.

sonido que busca incomodar y desde un lugar de mayor acompañar un proceso interno conciencia y empoderamiento. en el que no todo tiene que verse SHOW perfecto para ser verdadero. PRESENTACIÓN EN VIVO DE Musicalmente, el Lado B propone “Offline” es, así, el punto de partida SU NUEVO ÁLBUM “333” un universo diferente al que de un recorrido en el que Nina no TEATRO PREMIER presentó el primer lado de 333. Si busca mostrar que encontró todas Av. Corrientes 1565 | 22 de el Lado A estaba más asociado las respuestas, sino atravesar las noviembre 21 hs a aquello que se muestra hacia preguntas. El Lado B no habla de ENTRADAS A LA VENTA: afuera y a una búsqueda de encontrarse de manera definitiva, h t t p s : / / w w w. p l a t e a n e t . c o m / perfección, esta nueva etapa se sino de aprender a escucharse, obra/35134?paso=inicio permite ser más cruda, oscura, reconocer también los propios electrónica y disruptiva. Un lados oscuros y atravesarlos 333 LLEGA A LA CALLE

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CORRIENTES El próximo domingo 22 de noviembre, Nina Ventre llevará por primera vez al escenario el universo de *333* en un show especialmente concebido para trasladar la identidad conceptual del álbum a una experiencia en vivo. La presentación tendrá lugar a las 21 hs en el Teatro Premier, en Av. Corrientes 1565, Ciudad de Buenos Aires, y combinará música, performance y una propuesta visual inspirada en el universo del pop y el K-pop. La presentación en el Teatro Premier será, así, la oportunidad de conocer *333* más allá de sus canciones: un proyecto concebido como una obra integral, donde música, narrativa, estética y performance se encuentran para contar la evolución de una protagonista que comienza buscando su identidad en la mirada de los demás y aprende, progresivamente, a reconocerse desde un lugar propio.

su identidad desde la mirada ajena. La necesidad de ser querida, elegida, admirada y comprendida atraviesa cada una de las canciones, dando forma a una historia donde los vínculos, las emociones y las decisiones aparecen condicionados por la búsqueda constante de validación externa. Más que una historia romántica, se trata de un retrato generacional sobre el deseo de pertenecer y la dificultad de reconocerse a uno mismo. A lo largo de las canciones, Nina explora distintas etapas de un mismo proceso emocional y construcción de identidad: la necesidad de validación externa y el deseo de ser vista, reconocida, elegida (Mírame); la dependencia emociona (Sin Ti); la presión por adaptarse a modelos impuestos y cumplir con expectativas ajenas (Error 404); y el autodescubrimiento, el comienzo de una transformación interna que cuestiona todo aquello que parecía definido (Who I am). Cada lanzamiento funciona como una pieza de un relato mayor que invita al público a acompañar la evolución de una protagonista que empieza a preguntarse quién es realmente cuando deja de responder a las expectativas de los demás.

consolidando su crecimiento dentro de una comunidad joven ligada al pop, la estética digital y el fandom K-pop. Durante 2026 se presentó en eventos como K-Pop Revolution y Cypher4K, mientras continúa desarrollando un proyecto con proyección internacional que busca conectar el universo del pop argentino con las nuevas tendencias globales. Si bien Nina Ventre construyó sus primeras influencias dentro del pop internacional de artistas como Michael Jackson, Britney Spears y las grandes figuras del pop de los años 2000, en los últimos años comenzó una búsqueda artística orientada a encontrar una identidad sonora y conceptual más cercana a su presente. Tras su paso por La Voz Argentina, esa búsqueda se profundizó y encontró puntos de conexión tanto con el K-pop como con artistas internacionales contemporáneos influenciados por ese universo: como Katseye, Adela y Tate McRae.

A partir de “Mírame”, Nina comenzó a desarrollar una nueva etapa artística en la que la performance, la formación en canto y danza, los universos visuales, la creación de contenido y el vínculo con su comunidad ocupan un lugar central. Desde esta búsqueda nace el A-Pop, una propuesta que fusiona el ACTUALIDAD pop argentino con influencias Con más de 288 mil seguidores en estéticas y culturales del K-pop, sus redes y un alcance mensual adaptadas a una identidad Este primer recorrido presenta a que supera las 4.6 millones propia y con la mirada puesta en una protagonista que construye de cuentas, Nina Ventre viene conectar la escena local con u 333- LADO A

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las nuevas tendencias globales. En 2026, Nina Ventre también fue parte de Popstars, una experiencia que la atravesó en un año de crecimiento, búsqueda personal y muchas preguntas alrededor de su identidad artística. Lejos de entender su participación únicamente como una oportunidad televisiva, el proceso le permitió reafirmar qué tipo de artista quiere ser y qué lugar quiere ocupar con su música. Después de atravesar el programa, Nina decidió continuar su camino de manera independiente, eligiendo ser fiel a su propia identidad y a la necesidad de construir una carrera desde un lugar auténtico, sin resignar aquello que quiere comunicar a través de sus canciones. Una decisión que resume uno de los aprendizajes centrales de este año: no se trata solamente de cumplir un sueño frente a una pantalla, sino de encontrar una manera genuina de compartir quién es y qué tiene para decir. Algo más VENTRE

acerca

de

Un año más tarde lanzó su primer álbum de estudio Tu Barbie, acompañado por la Gira de Colegios y un show sold out en el Teatro Bar de La Plata. Durante 2024 participó en festivales como Blin Blin, además de estrenar algunas canciones.

Ese mismo año fue distinguida como Personalidad Destacada de la Cultura en La Plata, por El Honorable Concejo Deliberante de La Plata en la sesión especial del 12 de septiembre, reconocimiento que celebra su presente y potencia su futuro NINA VENTRE LANZAMIENTO OFFLINE (LADO B- 333) Disponible en todas las plataformas digitales PRENSA Romina Girardi rominagirardiprensa@gmail.com

VIDEO Nina Ventre - Mirame (Official NINA El 2025 la encontró con nuevos Music Video)

Valentina Ventre, conocida artísticamente como Nina Ventre, es cantante, compositora y performer de pop nacida en La Plata el 8 de noviembre de 2002. Desde pequeña se formó en canto, piano, baile y teatro, y a los 11 años ya se subía a los escenarios frente a cientos de personas.

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Nina viene construyendo una sólida carrera desde 2019. Comenzó a publicar sus primeras canciones en plataformas digitales, acumulando más de 500 mil visualizaciones en YouTube y construyendo una comunidad que fue creciendo junto con su música. En 2022 abrió el show de Lit Killah en el Estadio Atenas de La Plata y viajó a Los Ángeles para grabar material audiovisual en Hollywood, dando sus primeros pasos de proyección internacional.

lanzamientos y una gran exposición mediática tras su paso por La Voz Argentina. Su audición generó gran repercusión en redes sociales luego de que los cuatro coaches giraran sus sillas y Miranda bloqueara a Lali en plena competencia. El video de la audición a ciegas fue tendencia en youtube y superó el millón de reproducciones.

LUCHE’S ROCK presenta TRES NUEVOS SINGLES que formarán parte del disco “Ardiendo en el cielo”, su segundo disco. “D.E.P. (Dejen Rockear en Paz)”, “Un Trago para mi Amor” y “Ángel Caído” abren el camino hacia una nueva etapa de Luche’s Rock.

Ardiendo en el Cielo. SOBRE LUCAS TOREA

Luche’s Rock inicia un nuevo capítulo de su historia con el lanzamiento de tres singles que anticipan la llegada de su segundo álbum de estudio, “Ardiendo en el Cielo”, producido por Álvaro Villagra, una figura emblemática del sonido del rock argentino.. Después del camino recorrido con “Propósito”, su primer trabajo discográfico, el proyecto liderado por el compositor Lucas Torea vuelve con una propuesta más intensa, conceptual y decididamente rockera. Los nuevos lanzamientos —“D.E.P. (Dejen Rockear en Paz)”, “Un Trago para mi Amor” y “Ángel Caído”— funcionan como tres puertas de entrada diferentes al universo de Ardiendo en el Cielo: rebeldía, sentimiento y espiritualidad atravesados por un mismo hilo conductor: el Rock ’N’ Roll.

UN TRAGO PARA MI AMOR 15 DE OCTUBRE DE 2026 Muestra otro costado de Luche’s Rock. Una canción donde el rock se cruza con el amor, la ausencia, los recuerdos y esas historias que sobreviven en una botella, una canción y una noche. ÁNGEL CAÍDO 5 DE NOVIEMBRE DE 2026 Se introduce de lleno en el universo conceptual del nuevo álbum. Caída, lucha, contradicción, oscuridad y redención se encuentran en una canción que conecta directamente con la identidad espiritual y visual de

Lucas Torea, conocido artísticamente como Luche, es compositor, autor, cantante y productor artístico de Luche’s Rock, su proyecto solista. Su obra combina la energía del hard rock, el rock clásico y el metal melódico con letras que exploran la condición humana, la libertad, la esperanza, la espiritualidad y la realidad social. Con una propuesta donde la música y la identidad visual forman parte de un mismo relato, Luche desarrolla álbumes conceptuales que buscan trascender el formato tradicional del rock y ofrecer una experiencia artística completa. Redes: Spotify: Luche’s Rock Instagram: @luchesrock.oficial Youtube: @Luches.rock_oficial TikTok: @luchesrock.oficial Prensa y Comunicación Lic. Marcela Nuñez www.mncomunicacion.com.ar VIDEO

TRES CANCIONES. TRES HISTORIAS. UN MISMO FUEGO D.E.P. (DEJEN ROCKEAR EN PAZ) 1 DE OCTUBRE DE 2026 Una declaración de principios. Un tema que reivindica la identidad del rock, su espíritu irreverente y a todos aquellos que se niegan a dejarlo morir.

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LOS DIFERENTES ESTADIOS DEL AMOR CONVERGEN EN

“LUEGO TE VAS”

LA NUEVA CANCIÓN DE JULI JELEN

también reflexiona acerca de la evolución tras la separación. “El romanticismo llega, ilumina y olvida algunas cosas. Cuando este se va, reabre las heridas y da lugar al aprendizaje. Se convierte en una herramienta de contraste y crecimiento personal”, destaca el protagonista. LUEGO TE VAS es una canción especial dentro del universo discográfico que JULI JELEN se encuentra presentando. No solo recorre y plasma los diferentes estadios del amor, sino que

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Sumamos arreglos corales y un teclado sutil para colorear. Buscamos mantenerla cerquita de la versión inicial”, agrega.

Las distintas etapas que conlleva el proceso de grabación en Ringo Rules Studio, junto a Manuel Moreira (productor) y Martín Álvarez Pizzo (ingeniero de mezcla) les permite ver cómo la A nivel sonoro, decide preservar canción se asienta en cada show cierto minimalismo, al punto de y genera un impacto, incluso despojar el bajo, la batería y todo antes de su lanzamiento. tipo de elementos percusivos. JULI JELEN es un cantautor, “Está conducido por la misma compositor y guitarrista originario guitarra con la que se compuso. de Buenos Aires, que emerge

para revitalizar la escena del pop latino. Su propuesta atemporal combina la sensibilidad de la balada de autor, con la fuerza armónica y poética del rock nacional argentino. Tomando como referentes principales a Diego Torres, Ricky Martin y Jorge Drexler, JULI logra conectar desde la frescura, el contenido narrativo y estribillos inolvidables. A casi dos años de su debut oficial en la escena independiente, alcanza un destacado crecimiento e impacto digital: supera los 2.300 oyentes mensuales en Spotify y reúne un catálogo de nueve singles lanzados entre temas de estudio, versiones en vivo y covers. De los mismos, destaca el primer sencillo “Pequeñas Cosas” (2024) que se viraliza a través de Instagram y supera las 40.000 reproducciones.

Este éxito le vale al artista una importante nominación a los Premios AqM a la Música Independiente 2026 en la categoría Pop Melódico & Balada, cuya ceremonia de gala se celebra el próximo 20 de noviembre en Tandil.

que pronto verá la luz de manera integral en plataformas. Mientras tanto, devela el octavo corte “Y Luego Te Vas” y anuncia su próximo show el jueves 3 de diciembre en NICETO BAR.

Nancy Hougham Prensa & Difusión Su repertorio continúa con “La Retro Producciones Magia Del Encuentro”, “No nancyhougham@hotmail.com Entres Ahí”, “Ella”, “Seguimos Siendo Dos”, “Le Puse Nombre” VIDEO y “Diferente” (2025 y 2026) como Juli Jelen | Y Luego Te Vas parte de una obra conceptual Lyric Visualizer

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“PARIS” EL PRIMER ÁLBUM DE FRANCO LAURÍA El primer álbum del artista ya está disponible en todas las plataformas digitales. Se trata de un disco con canciones que rinden homenaje al funk, disco y la época dorada de los años 70 PARIS es un álbum de 7 canciones que rinde homenaje al sonido icónico de la época dorada del disco y el funk de finales de los 70. La gracias está puesta principalmente en los arreglos, ya sean de cuerdas, de vientos o de coros. El disco no apunta a un concepto super rebuscado ni nada muy pretencioso, es simplemente música para bailar que está hecha con mucho estudio y dedicación. La música y la letra es de Franco Lauría, la mezcla de Alejandro Cornejo en Estudio Nave y Mastering por Maximo Forestieri en Matriz Estudio. En la batería estuvo Agustín Baradi en Estudio Dojo, en bajos estuvo Matías Méndez (tracks 1 y 2), Flavio Romero (tracks 3, 4, 5 y 7) y Víctor San Felipe (en track 6). En guitarras estuvieron Nacho Abriata en Estudio Altillo y Martín Roldán (en track 6), Ing.: Boris Lawler. En piano estuvieron Franco Lauria, Hernán Jacinto (solo de piano en track 2) todo grabado en Armenia Estudio. En rhodes también estuvo a cargo de Franco Lauria grabado en Casa

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Latina y en Armenia Estudio. En leads estuvo Franco Lauria y Julietta García (en track 2). En coros estuvieron Sofía Domenech, Sofía Gemma y Belén López. Las voces se grabaron en Gamiz Estudio. La producción vocal de parte de

Guillermo Gamiz. Vientos por Martín Polanuer (saxo tenor), Sebastián Dorrego (saxo alto), Cristian Cáceres (trompeta 1) y Lucas Herrera (trompeta 2). Solos por Sebastián Dorrego (en track 1) y Ramiro Flores (en track 4). Y cuerdas por Erica Petrocelli (violín 1), María

Hadjadourian (violín 2) y Eliseo Oreste (viola). -Ningún VST fue utilizado en la producción de este discoSOBRE FRANCO LAURÍA: Para Franco Lauria, la música siempre estuvo ahí. Empezó muy de niño con clases de piano y dio un vuelco definitivo tras ver a Paul McCartney en vivo. Ese fue el día en el que decidió que quería hacer canciones para siempre.

Toda su música nace en la intimidad de su cuarto, frente a un piano y una computadora, para después transformarse en producciones de mucha mayor escala. Su trabajo discográfico, PARIS, reúne la influencia de referentes como Michael Jackson, Earth, Wind & Fire y Chic, completando la propuesta con una estética inspirada en el universo de las revistas de moda. Actualmente Franco cuenta con un objetivo claro:

llevar a los escenarios un show en vivo impactante, alegre y principalmente bailable. PRENSA Agencia de prensa y comunicación Moonlight Music andyolmedoproducciones@ gmail.com VIDEO Franco Lauria - Paris (Full Album)

Con influencias que van desde The Beatles hasta la música de Disney, y tras formarse en Música Popular y Dirección Orquestal en la UCA, desarrolló un sonido que combina la simpleza de las canciones pop con la información teórica de la música académica.

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MARIANA PERDOMO

Luego del éxito de “Prometo Esta Vez”, llega el 2do corte del nuevo álbum “Éxodo”. Se trata de “No Lo Digas Tú”. Ya disponible en todas las plataformas. Tras el éxito indiscutido de “Prometo esta vez”, que está a punto de llegar al Millón de Reproducciones en las plataformas musicales más importantes, llega el segundo corte de difusión del álbum “Éxodo”, se llama “No Lo Digas Tú” y se trata de una canción romántica con aires flamencos que habla de esos amores platónicos que se guardan en silencio ante la incertidumbre de no saber qué ocurre del otro lado. Al igual que el primer corte, fue escrita y compuesta por Mariana Perdomo, con producción integral y arreglos de Pablo Governatori y Pablo Figueroa en Estudios MCR.

El single ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales y pronto tendrá su correspondiente video clip. Escuchar Recordemos que Mariana lanzó previamente su álbum debut “Génesis” en el año 2024

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donde reunió las canciones que marcaron sus influencias musicales, versionando clásicos de la música latinoamericana. Posteriormente lanzó su single “Peregrinos” en Diciembre de 2025, siendo esta la primera canción de su autoría en ser

publicada, la cual fue compuesta y producida en conjunto con el músico Olmo Sosa Yulis. Esta es una de las canciones más escuchadas en Spotify MÁS SOBRE MARIANA: Mariana Perdomo recuerda sus

inicios cantando en la Parroquia de su San Martín natal, la música siempre fue parte de su vida, de pequeña, gracias a sus padres, ya escuchaba a artistas como Joan Manuel Serrat, Ana Belén, José Luis Perales, Juan Luis Guerra, Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Gloria Estefan, Ana Gabriel, Ricardo Montaner, también tiene influencias de la música nacional de artistas y bandas como Virus, Soda Stereo, Serú Girán, Los Rodríguez, etc. Antes de cumplir los 10 años participa como cantante solista en una competencia a nivel diocesano y resulta ganadora con el primer puesto, siendo esta su primera presentación ante el público. Ahí descubrió su pasión y de ahí en adelante participó en todas las actividades relacionadas con el canto que le fueron posibles, formando parte del coro escolar y formando parte tanto de eventos municipales como eventos escolares (Tanto en la escuela primaria como secundaria). Con los años continuó en el camino de la música hasta comenzar los estudios en una Universidad, allí se detiene y años más tarde, en el 2020 y luego de haber sido madre, decide regresar a la música, esta vez de forma profesional.

infancia para grabarlas en un álbum que sería la herencia artística que dejaría para su hijo, quien disfruta mucho escucharla cantar. Más tarde conoce a Pablo Figueroa, quien además de acompañarla con su guitarra en la selección del repertorio y preparación de los temas, se convierte en el guitarrista y productor musical de su disco, siendo quien realiza los arreglos de cada canción y quien contacta, reúne y dirige la banda de reconocidos músicos que acompañaron a Mariana en la grabación de su disco. Cabe destacar que una de las

canciones del disco, “La tierra del olvido”, tiene como invitado al músico cubano Alex Batista (quien además es corista y arreglador musical de Diego Torres). VIDEO Redes y Música www.youtube.com/@ mariperdomook www.instagram.com/ mariperdomook PRENSACCIONES Gustavo Antonopolos gustavoantonopolos@gmail.com VIDEO No Lo Digas Tú

Retoma las clases de canto y decide preparar aquellas canciones que marcaron su

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MARTÍN ROBBIO: LOS CAUCES DEL AIRE

El pianista y compositor radicado en Brasil presenta su nuevo disco.

Los cauces del aire es el nuevo disco del pianista y compositor Martín Robbio. Es un proyecto ambicioso desde la composición, los arreglos y la instrumentación, en el que las búsquedas iniciadas en 2012, cuando editó su primer álbum, alcanzan su punto más alto, consolidando un sonido armónico entre los géneros populares de raíz sudamericana y un vuelo compositivo que recurre a herramientas sofisticadas que, sin embargo, suenan simples y accesibles. Se trata de un álbum con música completamente original compuesta en Río de Janeiro, donde Martín reside hace cuatro años, y grabada en Buenos Aires por un octeto conformado por

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algunos de los mejores músicos de la escena nacional: Juan Pablo Navarro, Nicolás Politzer, Juan Filipelli, Facundo Guevara, Mauro Ciavattini, Lucas Goicoechea e Inti Sabev. Acompaña el disco un folleto con dibujos de la artista visual Vanesa Massa, textos y links: VER „Los cauces del aire“ está disponible en plataformas digitales https://linktr.ee/martinrobbio6 Desde su primer disco en 2012 Martín Robbio se ha destacado por la búsqueda de un sonido cuya base es la tradición argentina y sudamericana. Exceder esa tradición, renovarla, mantenerla

viva llevándola más allá de sus límites es su manera de honrarla. Pianista, compositor y docente, lleva más de 20 años en la escena musical tanto acompañando a grandes músicos como al frente de sus propios proyectos. Con un conocimiento profundo de la tradición del folclore, tango, jazz, candombe, ritmos afroperuanos y música brasilera, Martín ha compartido grabaciones y escenarios con Raúl Carnota, Vitillo Ábalos, Liliana Herrero, Omar Mollo, Catupecu Machu, Enrique Norris, Hugo Fattoruso, Teresa Parodi,Robertinho Silva, Mauricio Einhorn, Amelita Baltar, (con quien grabó el disco El nuevo rumbo, ganador del premio Gardel, con la participación de Luis Alberto Spinetta, Fito Páez y Leopoldo Federico, entre otros).

Durante 10 años fue pianista de la Orquesta de Música Sudamericana, dirigida por Nora Sarmoria. Marcelo Cohen escribió que la música de Martín es “un acto de arte reparador, creo yo que político”. El diario Clarín describió: “abre caminos sin nichos”, mientras que otros medios destacaron que es “un pianista impecable, dueño de una técnica y una sonoridad que magnetizan“ (Sergio Pujol – Otra Parte) y “un compositor capaz de ofrecer belleza en la complejidad” (Club del disco). Ganó en tres ocasiones la beca “Creación” del Fondo Nacional de las Artes. Realizó giras y clínicas por Europa (Basilea, Berlín, Hamburgo, Londres, París, Milán, Barcelona, Madrid), Colombia, Uruguay, Brasil y el interior de la Argentina y se ha presentado en los teatros más importantes de Buenos Aires (Ópera, La Trastienda, IFT, La Ballena Azul (CCK), Torcuato Tasso, entre otros). "LOS CAUCES DEL AIRE“

Juan Pablo Navarro: contrabajo. Nicolás Politzer: batería. Juan Filipelli: guitarra. Mauro Ciavattini: quena, clarón, saxo soprano. Lucas Goicoechea: saxo alto. Inti Sabev: clarinete, clarón, saxo tenor. Facundo Guevara: bombo legüero, cajón peruano, semillas, chekeré, caxixi. Martín Robbio: piano, composición, arreglos. Grabado el 25 y 26 de julio de 2025 en Sound Rec por Santiago Vidiri. Microfoneo, mezcla y masterización: Mariano Míguez en Ideo Music.

Diseño: Pedro Leal. Arte: Vanesa Massa. Editado por Epsa Publishing. Distribuido por Brabacam. https://martinrobbio.blogspot. com/ https://open.spotify.com/ VIERNES 6 DE NOVIEMBRE. 20:45h. y 23h. en PREZ, Anchorena 1347, CABA Entradas $22.000 en www.prez. ar o en https://www.tuentrada. com/ VIDEO Lamento Sertanejo - Martín Robbio

1- Pampero (Martín Robbio) 2- Mediodía (Martín Robbio) 3- Puelche (Martín Robbio) 4- Siroco (Martín Robbio) 5- Huayra yurac (Martín Robbio) 6- Noto (Martín Robbio) 7- Zonda (Martín Robbio) 8- Céfiro (Martín Robbio) 9- Sudestada (Martín Robbio) Músicos:

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ILAN AMORES

“CUANDO EL PUNK ROCK SE HACE CUMBIA”

EL MAXIMO REFERENTE DE LA CUMBIA ALTERNATIVA TOMA BS AS. VIERNES 20 DE NOVIEMBRE – THE ROXY LIVE

Cierra el año en Buenos Aires con una fecha única: el viernes 20 de noviembre en The Roxy Live. Luego de una larga e intensa gira por Europa que lo llevó por más de 17 escenarios entre festivales y shows propios. El artista regresa a Buenos Aires para reencontrarse con su público el próximo viernes 20 de noviembre en The Roxy Live. Ilan Amores cierra el año en Buenos Aires con una fecha única: el viernes 20 de noviembre en The Roxy Live.

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Luego de una larga e intensa gira por Europa que lo llevó por más de 17 escenarios entre festivales y shows propios, el anuncio de su presencia en el Cosquín Rock 2027 y su participación estelar en EL CUMBIÓN DEL PARANÁ donde volvió a deleitarse compartiendo escenario con su colega y amigo Pablito Lescano (Damas Gratis). El recorrido incluyó festivales de la talla de Fusión Festival, Río Babel, Rototom Sunsplash, además de varias presentaciones con entradas

agotadas en Madrid, Barcelona, Valencia, Berlín, Copenhague y las Islas Canarias. todas con categóricos SOLD OUT. Un tour que confirma la expansión de su proyecto y su conexión con públicos de distintas ciudades y escenas. Durante esta gira, Ilan Amores presentó “EL INTERNACIONAL”, su último EP, llevando sus nuevas canciones a escenarios europeos y profundizando una búsqueda artística que no deja de cruzar fronteras. Con el impulso de esta experiencia

internacional y nuevos territorios por conquistar, el artista regresa a Buenos Aires para reencontrarse con su público en una noche que promete condensar el recorrido, la energía y el presente de un proyecto en pleno movimiento. ¡Los esperamos! MÁS SOBRE ILAN AMORES Criado en Misiones, Ilan Amores es un músico multiinstrumentista y compositor que se afianzó en la escena independiente argentina. Con un estilo ecléctico que recuerda al espíritu de Manu Chao, fusiona letras sensibles y crudas con bases electrónicas y ritmos alternativos, logrando un sonido propio. Tras una amplia trayectoria, se consolidó como solista luego de formar parte de la banda Argies como bajista. En 2017 lanzó UNO, su primer álbum, seguido de Chico Chico (2019), donde redefinió su identidad artística y conectó con un público diverso. Entre 2021 y 2022 presentó sencillos como “Patoti”, “Tereré”, “El Ladrón” y “Para Qué” — en colaboración con Damas Gratis—, además de los discos Bori Bori 1 y Bori Bori 2, que culminaron en “Tiro Tiro”, una colaboración viral con Pablito Lescano. En 2024 se sumó a Caraza Records, sello dirigido por Peter Ehrlich y Evlay, con quienes lanzó Caballo Negro, producido por ONIRIA. El disco, lanzamiento #29 del sello marcó un punto de inflexión en su

carrera y lo consolidó como uno de los nuevos referentes de la cumbia alternativa argentina. En 2026, Ilan Amores se encuentra realizando su segunda gira por Europa, confirmando el crecimiento de su proyecto a nivel internacional. Con 15 fechas entre festivales como Fusion Festival, Río Babel, Rototom Sunsplash, Cosquín Rock España y Revenidas, y presentaciones en Madrid, Barcelona, Valencia, Berlín, Copenhague y las Islas Canarias, continúa llevando su

cumbia alternativa a nuevos públicos y sumando kilómetros a una historia que no para de expandirse. Foto: David Sánchez Paula Alberti Prensa paulaalbertipress@gmail.com ILAN AMORES VIERNES 20 DE NOVIEMBRE/ 21 HS EN: THE ROXY LIVE – NICETO VEGA 5542 - CABA

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Amuleto, el nuevo disco de Génova

genera en el conflicto.

Génova lanzó su tan esperado tercer disco de estudio ¨Amuleto¨ . El álbum, como es propio de la banda, muestra la identidad de Génova a lo largo de 9 temas. Amuleto fue producido, mezclado y masterizado por Nicolás Messina, la grabación de baterías se realizó en Estudio Santa Marta por Diego Trigo y en MCL Records por Nicolás Messina. Drum doctor: Ignacio Piana. Voces, guitarras y bajos grabados por Nicolás Messina. Arte de tapa: Nayla Aguirre Amuleto será presentado oficialmente en vivo el próximo domingo 13 de diciembre en The Roxy (Crel, Niceto Vega 5542). Entradas a la venta por sistema AllAccess

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GÉNOVA es un grupo de metal alternativo de mucha dinámica, con texturas y sonidos ásperos y pesados, así como también grandes momentos espaciales y de gran calma.

Cómo focus track , Génova presenta ¨Kamikaze¨ este es el track que abre el 3er larga duración de GÉNOVA. Con un riff bien marcado a doble bombo, el groove que se construye lleva a un estribillo melódico y muy fuerte. Es una canción que trata de un enfrentamiento entre partes y la dualidad que se

Se caracteriza por fusionar rock alternativo con melodías y letras trabajadas al detalle y moviéndose cómodamente entre el metal, rock progresivo,nü metal y hard rock. Lucas Aguirre (voz), Nicolás Messina (guitarra / voz), Sebastián Mammone (bajo) y Juan Piana (batería) integran este cuarteto con 15 años de trayectoria que ha compartido escenarios con bandas como

Cabezones, ELNUEVEONCE, ROWEK, PORK, como así también participar en festivales que los llevaron a tocar junto a CARAJO, Kapanga y Las Pelotas. El 2026 empezó con un show apertura para DREAM THEATER en el Movistar Arena, en formato acústico, algo inusual pero no extraño en la historia de GÉNOVA. En el mes de agosto presentaron este es el registro audiovisual completo de esa jornada histórica para la banda. El show fue filmado y editado por Pablo Camacho. Las cámaras estuvieron a cargo de Pablo Camacho, Sebastián Mammone y Juan Piana. Mientras que el audio fue grabado por Santiago Suárez y mezclado y masterizado por Nicolás Messina. Ahora la banda presenta Amuleto su nuevo disco, mientras prepara un nuevo show en vivo para el mes de diciembre. Discografía “Malavia” (2013) “Géminis” (2016) “Génova” (2018) “Cátulo Session” (2020) “No es la primera vez” (2022) ¨Amuleto¨ (2026) PRENSA Nadya Cabrera nadyacabreraprensa@gmail. com VIDEO: GÉNOVA - Acústico en Vivo 2026 (Full Show) u

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MARTÍN TONELLO PRESENTA OFICIALMENTE

NARANJA SUCIO

UN DISCO QUE CRUZA GÉNEROS El tracklist incluye canciones inéditas junto a sencillos acompañados por videoclips independientes. Próximamente ¡Martín anuncia shows y nueva música!

El compositor y performer bonaerense Martín Tonello inicia el trabajo de prensa de Naranja Sucio, su primer álbum de larga duración. Tras una serie de sencillos editados de forma independiente, el disco reúne siete canciones que consolidan la búsqueda del artista entre el ritmo, la intuición y la libertad creativa. En el aspecto sonoro, Naranja Sucio navega por influencias de R&B, soul, funk, jazz y pop, conservando aquello que verdaderamente resuena con el groove. Conceptualmente, el material introduce a Martín Groove, un alter ego performático que habita la tensión entre el brillo, la imperfección y lo visceral.

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El tracklist incluye canciones inéditas junto a sencillos acompañados por videoclips independientes: 01. Sillón (Inédito): Apertura que mezcla soul, funk, jazz y bossa nova, construyendo la fantasía previa al encuentro. 02. Naranja Sucio (Inédito):

Fusión de funk y jazz que le da nombre al álbum; una pieza bailable que representa el brillo manchado dentro de la mente del personaje. 03. Momento (Inédito): Atravesado por emociones complejas tras un éxtasis, aborda la decisión de quedarse en la indiferencia.

04. Llueve: Expone la esencia performática del personaje, atrapado en el dramatismo ante un problema minúsculo. 05. Solo todo el tiempo: Retrata la espera sin respuesta, donde conviven la ansiedad, la ilusión y la falta de cierre. 06. 3 semanas: Marcada por la nostalgia de un amor que no fue, exhibe la vulnerabilidad. 07. Vayámonos juntitos: Un cierre enfocado en el disfrute y el movimiento, la mirada a través del groove. Naranja Sucio está disponible en tu plataforma favorita y también podés mirar los videos y escuchar el disco completo en esta Próximamente ¡Martín anuncia shows y nueva música! SOBRE MARTÍN TONELLO: Martín Tonello es un compositor y performer nacido en San Nicolás de los Arroyos. Formado en canto desde los 4 años, en 2020 se mudó a la ciudad de Buenos Aires para estudiar Composición en la universidad y consolidar en 2024 su proyecto solista. Desde entonces y hasta la fecha, ha construido un camino firme a través de la edición de sencillos independientes y la presentación de Naranja Sucio, su primer álbum LP. Con

presentaciones

en

en escenarios como The Roxy, Liverpool, Gloria y Paseo La Plaza, Tonello destaca por una propuesta visual y escénica de impronta histriónica, audaz y teatral. En su obra conviven el R&B, el soul y el groove con una estética nocturna donde cobra vida Martín Groove: un alter ego magnético que transforma las emociones cotidianas en espectáculo. Actualmente, el artista se encuentra trabajando en la producción de nuevo material y colaboraciones, proyectando

sus próximos lanzamientos para finales de 2026 y el transcurso de 2027. INSTAGRAM @martintonello TIKTOK martintonello1 APPLE MUSIC martin-tonello YOUTUBE @martintonello PRENSA [CONTACTO]: Maia Triñanes maiatrinanes@gmail.com @gestionindie.prensa VIDEO Martín Tonello - Naranja Sucio

vivo

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UMA GERMAN PRESENTA “EL JARDÍN DE LAS HORAS”, SU NUEVO EP Y EL COMIENZO DE UNA NUEVA ETAPA ARTÍSTICA Con una propuesta más cinematográfica, orgánica y emocional, la cantautora argentina presenta un trabajo conceptual que explora el paso del tiempo, la nostalgia, el crecimiento y las experiencias que nos transforman. Después de presentar “Déjà vu” y “Aterrizar”, Uma German lanza “El Jardín de las Horas”, un EP que marca un punto de inflexión en su carrera y abre las puertas a una nueva etapa artística, acompañada por un rebranding visual y sonoro que amplía su universo creativo. Inspirado en universos literarios como Alicia en el país de las maravillas y El Principito, “El Jardín de las Horas” propone un recorrido por el paso del tiempo, la nostalgia, el crecimiento personal y las huellas que dejan aquellas experiencias que, de una u otra manera, nos transforman. Grabado en Buenos Aires y producido por Gustavo “Tavo” Lozano, el EP presenta una propuesta más madura, orgánica y conceptual, en la que las canciones funcionan como distintas puertas de entrada a un mismo universo. La música, la narrativa y la identidad visual se encuentran para construir una obra que busca correrse de la lógica de la inmediatez y darle lugar a canciones que invitan a

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cicatriz y de cómo determinadas experiencias dolorosas pueden Como focus track del EP, “Todo modificar para siempre nuestra mal” presenta una de las caras manera de mirar lo que viene más desafiantes de este nuevo después. universo. Con una energía irónica, directa y actitudinal, la Entre cuerdas cinematográficas, pop y una canción habla del tiempo como influencias detenerse, sentir y reconocerse.

interpretación desafiante, “Todo mal” transforma una herida en fortaleza y encuentra incluso humor en aquello que alguna vez dolió. La canción parte de una idea sencilla pero poderosa: después de atravesar ciertos golpes, algunas cosas dejan de pesar tanto.

Mientras “Déjà vu” exploraba el amor, la memoria y esa extraña sensación de haber vivido algo antes, y “Aterrizar” se detenía en la ansiedad de crecer y en la presión de sentir que deberíamos estar en otro lugar, “El Jardín de las Horas” reúne esas distintas miradas para construir una reflexión más amplia sobre el tiempo y todo aquello que sucede mientras intentamos encontrar nuestro propio ritmo.

cinematográfico y conceptual, sin German y el primer paso hacia perder la cercanía y accesibilidad una etapa de mayor expansión creativa. que atraviesan sus canciones. En un contexto donde gran parte Luego de consolidarse con del pop contemporáneo está Dependencia Emocional, atravesado por la inmediatez, compartir escenario con artistas Uma apuesta por construir como Zoe Gotusso, Vos Veis, mundos, historias y canciones Mother Flowers e Irepelusa, capaces de acompañar procesos y presentarse en salas como emocionales. Esa combinación Niceto, Groove y La Tangente, entre una narrativa conceptual y Uma German continúa canciones cercanas se convierte construyendo una propuesta en uno de los rasgos distintivos autoral que busca crecer junto a de su propuesta, conectando una nueva generación de oyentes el pop contemporáneo con el en Argentina, Latinoamérica y universo de los cantautores. España. Con “El Jardín de las Horas”, Uma abre una nueva puerta: una invitación a mirar hacia atrás, entender lo que pasó y, finalmente, aprender a habitar el tiempo propio.

“El Jardín de las Horas” representa así mucho más que un nuevo lanzamiento: es el punto de partida de una nueva identidad artística para Uma

PRENSA cygprensa@gmail.com IG: @cgprensaycomunicacion FB: /cgprensaycomunicacion TW: @CGprensacom VIDEO Todo Mal - Uma German (Video Oficial)

El proyecto funciona también como un puente entre la artista que Uma German fue hasta ahora y la identidad que comienza a consolidar de cara a sus próximos lanzamientos. Después de construir una audiencia joven y una identidad autoral a través de su segundo álbum, Dependencia Emocional, Uma expande su propuesta hacia un universo más

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ZZ TOP: EL ESPERADO REGRESO A

ARGENTINA DESPUÉS DE 16 AÑOS

La legendaria banda texana llega al país con “La Grecia” como invitada especial y suma nuevas localidades para el show. La icónica banda oriunda de Texas se estará presentando en la Argentina después de 16 largos años. La cita será el próximo 24 de noviembre en el Movistar Arena con su gira The Big One!, una noche en la que prometen un recorrido demoledor por los himnos que fueron construyendo a lo largo de más de cinco décadas de historia. Tras agotar las ubicaciones de

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Campo Delantero, Campo y Platea Trasera, el concierto entra en su etapa final de venta y, ante la sostenida demanda de los fanáticos, se habilitaron nuevas localidades correspondientes a Platea Alta Frontal (Platea Alta 2, sectores 306 a 312), las cuales ya pueden adquirirse a través de la página del Movistar Arena. La apertura de esta fecha histórica para el rock estará a cargo de La Grecia, una de las propuestas con mayor proyección dentro de la nueva generación de la escena nacional. El grupo formado en Buenos Aires en 2022 por Martín

“Chino” Benítez, Dylan Sorokin, Benjamín Puelles, Joaquín Wittenstein y Valentino Wengrovski llega a este escenario en su momento de mayor crecimiento tras presentar su segundo álbum, Lady Garrón, con un Niceto Club completamente colmado, realizar presentaciones por todo el país y Uruguay, y presentarse en el Teatro Vorterix apenas tres días antes de sumarse a la velada con el legendario conjunto texano. ZZ Top, hoy integrada por Billy F Gibbons y Elwood Francis, viene sosteniendo un ritmo de giras imparable y mantiene intacta

la energía que los convirtió en referentes absolutos del género. El propio Gibbons destaca que cuanto más viajan y tocan, más sienten que el escenario es su lugar, disfrutando del contacto con un público que ya abarca tres generaciones distintas. Formados en Houston a fines de 1969, los músicos forjaron una trayectoria legendaria con discos clave como Tres Hombres en 1973, que los catapultó a la escena mundial de la mano de La Grange, y Eliminator en 1983, que marcó una era dorada con clásicos y videoclips inolvidables como Sharp Dressed Man, Gimme All Your Lovin’ y Legs. Tras el duro golpe que significó en 2021 la partida física de su histórico bajista Dusty Hill, su lugar fue asumido con total solvencia por Elwood Francis, quien se desempeñó

durante casi tres décadas como técnico de guitarras de la banda y conoce el engranaje del trío desde adentro. Consagrados en el Salón de la Fama del Rock and Roll y reconocidos como Héroes Oficiales del Estado de Texas, ZZ Top regresa a Buenos Aires para reencontrarse con los seguidores locales tras su recordado paso por el Luna Park en 2010, poniendo fin a una espera de

dieciséis años con una noche cargada de guitarras viscerales, actitud y auténtico blues. PRENSA cygprensa@gmail.com / info@ cygprensa.com IG: @cgprensaycomunicacion FB: /cgprensaycomunicacion TW: @CGprensacom VIDEO ZZ Top - Thunderbird [Official Music Video]

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ADÉLA, la nueva estrella global del pop, confirmada para el LOLLAPALOOZA ARGENTINA 2027 mientras conquista LIS.

La artista eslovaca de 22 años tiene dos canciones simultáneamente en el Top 5 Global de Spotify y continúa escalando en los rankings internacionales con su álbum debut PRIMA

momento, donde la misma Nicole Kidman publicó el trend junto a Pedro Pascal, Kristen Wiig y Dua Lipa. Ver trend acá.

Actualmente, “Nicole Kidman” ocupa el #2 del Top Global de Spotify, mientras que “Ain’t In LA” ADÉLA atraviesa el momento más se mantiene en el #4, convirtiendo importante de su carrera. A pocas a ADÉLA en una de las pocas semanas del lanzamiento de su artistas con dos canciones álbum debut PRIMA, la artista simultáneamente dentro del Top eslovaca de 22 años se convirtió 5 global. Ambas alcanzaron el en una de las nuevas figuras #2 como máximo en el ranking del pop con mayor crecimiento mundial de Spotify. a nivel global, impulsada especialmente por el fenómeno El impacto también se refleja de “Nicole Kidman”, una canción en los rankings de Billboard: que trascendió las plataformas “Nicole Kidman” alcanzó el #11 musicales para convertirse en del Billboard Hot 100, mientras uno de los grandes virales del que “Ain’t In LA” llegó al #27. La

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primera, además, fue señalada por Billboard como una de las canciones que más rápidamente escaló en el chart durante este período. El fenómeno de “Nicole Kidman” no se limita a las listas. La canción se convirtió en un verdadero fenómeno cultural en redes sociales y comenzó a ser utilizada por algunas de las figuras más reconocidas del entretenimiento y la moda internacional, entre ellas Lady Gaga, Hailey Bieber, Bella Hadid, Suki Waterhouse y Heidi Klum. También en Argentina el sonido comenzó a instalarse entre artistas y figuras locales como

TINI, Ángela Torres, Juli Castro, Sofi Gonet, y Emilia (quien afirma que es una canción super adictiva), ampliando el alcance de una canción que nació como parte del universo de PRIMA y hoy circula mucho más allá de los límites del pop. El crecimiento de ADÉLA resulta todavía más llamativo al observar la velocidad de su ascenso. En apenas dos años pasó de 63 mil oyentes mensuales a superar los 30 millones a nivel mundial, consolidando una expansión que acompañó el desarrollo de su proyecto como solista. Y aunque el éxito pueda parecer repentino, la historia de ADÉLA comenzó mucho antes. La artista se dio a conocer internacionalmente como participante de Pop Star Academy, el reality que siguió el proceso de formación de KATSEYE. Tras quedar fuera de la competencia, el propio equipo de HYBE x Geffen señaló que la veía como una artista solista. Menos de dos años después, ADÉLA logró convertirse en la primera artista eslovaca en ingresar al Billboard Hot 100 y llevó su álbum debut PRIMA a los primeros puestos de las listas estadounidenses.

de una artista que convirtió su propia historia en material pop: su llegada desde Eslovaquia a Estados Unidos, la obsesión por convertirse en una estrella, la presión de la industria, el deseo, las relaciones, la ambición y la necesidad de construir su propia identidad.

El fenómeno también llegó a la escena en vivo. ADÉLA agotó en minutos las entradas de su primera gira como headliner por Norteamérica y actualmente lleva PRIMA a escenarios de Estados Unidos, Canadá y México. Luego llegará el turno de Europa y Reino Unido, donde su primera gira como headliner también se encuentra completamente agotada.

Con dos canciones entre las posiciones más altas del ranking global de Spotify, una presencia cada vez mayor en Billboard y un fenómeno que se expande desde TikTok y las redes sociales hasta artistas y celebridades internacionales, ADÉLA está “Nicole Kidman” representa dejando de ser una promesa uno de los puntos centrales para convertirse en uno de los de ese universo. Inspirada nombres propios del nuevo pop en la fascinación de ADÉLA global. por la actriz australiana y sus personajes cinematográficos, la PRENSA canción está acompañada por cygprensa@gmail.com un videoclip dirigido por Hannah IG: @cgprensaycomunicacion Lux Davis que recrea referencias FB: /cgprensaycomunicacion a algunas de las películas más TW: @CGprensacom icónicas de Kidman, entre ellas Eyes Wide Shut, Moulin Rouge, VIDEO ADÉLA - Nicole Kidman Birth y Babygirl.

El disco, lanzado el 4 de septiembre a través de Capitol Records, fue producido ejecutivamente por Blake Slatkin y Dylan Brady y reúne las distintas facetas

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UN MUERTO MÁS se consolida como el artista de más proyección en la escena independiente Argentina.

Luego de editar la Live Session “Cartas de amor” y de girar por España, México y los principales festivales de Argentina, cierra el año el 20 de noviembre en Niceto.

Lo dejó claro en 2025 cuando su segundo álbum, “De amor” se estrenó en plataformas digitales, y también se convirtió en una película que se estrenó en cines y llegó a la plataforma Flow.

Un show disruptivo donde música, poesía, performance y todas las disciplinas se faltan al respeto. El sentimiento exagerado de un corazón apasionado.

Su show en vivo, su marca distintiva, recorrió las principales ciudades de Argentina, y sorprendió en los más grandes festivales nacionales: Cosquín Rock, Bandera y Harlem.

Un muerto más, el proyecto multidisciplinario de Guido Carmona, dejó de ser una promesa para convertirse en una realidad.

En 2026 llegó el momento de la expansión internacional. En mayo estuvo de gira con su banda en España, con shows sold out en Barcelona y Madrid. Y en septiembre fue el turno

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de México, que lo recibió con brazos abiertos en 3 fechas agotadas en Ciudad de México, además de Guadalajara, Monterrey, Puebla y Toluca. En ambos países, con mayoría de público local, Un muerto más sorprendió con su despliegue escénico y su propuesta disruptiva. Y consolidó una apertura de nuevos mercados que lo ubica en la vanguardia de la nueva escena argentina. Simultáneamente, reforzó su faceta actoral con un papel en la segunda y tercera temporada de la serie “Margarita”, la exitosa producción de la factoría de Cris

Morena, con un rol a su medida como actor-poeta. Y en todo momento, su intensa actividad en redes sociales le dio espacio a su costado poético con recitados y apariciones en las calles de Madrid, México y Buenos Aires que se volvieron virales con millones de reproducciones.

Como si todo esto no bastara, el espíritu inquieto de Guido Carmona dio vida a un nuevo proyecto discográfico, la sesión en vivo “Cartas de amor”. Más que un disco en vivo, es un proyecto conceptual grabado y filmado en el teatro Margarita Xirgu (fundado en 1890 en el corazón de San Telmo, Buenos Aires). Este intenso 2026 tendrá un cierre con dos shows destacados: El 24 de octubre nuevamente en el Festival Bandera de Rosario. Y el cierre el 20 de noviembre en Niceto Club. Dos oportunidades únicas para latir junto al corazón apasionado de Un Muerto Más.

Nicolás Tavella nicolastavella@indigopress.com. ar IG: @tavella.nicola

VIDEO Un muerto mas - CARTAS DE AMOR (Full Álbum)

PRENSA María Nolte mnolte@indigopress.com.ar IG: @merynolt

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FRANC PRESENTA “SINGING LAUGH”

SU SEGUNDO SINGLE Y NUEVO ADELANTO DE SU ÁLBUM DEBUT “INFINITE DISCOVERIES” Después del lanzamiento de “Come a Little Closer”, el artista argentino continúa revelando el universo de su primer disco con una canción sobre los vínculos que cambian de forma y las huellas que permanecen. Hay personas que dejan de formar parte de nuestra vida cotidiana, pero permanecen en pequeños gestos, recuerdos, canciones y formas de mirar el mundo. Desde ese lugar nace “Singing Laugh”, el nuevo single de FRANC, que explora el momento en que un amor del pasado deja de ser una herida para convertirse en memoria, complicidad y aprendizaje. Luego de presentar “Come a Little Closer”, primer adelanto de su álbum debut, FRANC continúa descubriendo las distintas capas de “Infinite Discoveries”, que llegará el próximo 12 de noviembre. En esta nueva canción, el artista propone una mirada hacia atrás desde un lugar diferente: el de la experiencia, la aceptación y la huella que dejan los vínculos que atravesaron nuestras vidas. “Al componer esta canción se me vino la imagen de una risa continua. Como si algo del otro permaneciera en uno, pero ya no impidiera avanzar en el sentido propio”, cuenta FRANC.

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“Singing Laugh” se mueve entre la balada indie rock y una sensibilidad pop, con una melodía inmediata y una producción que atraviesa distintos momentos y matices a medida que avanza la canción. Los arreglos acompañan el recorrido emocional de la letra, haciendo que el sonido también funcione como parte de la narración. Dentro del universo conceptual de “Infinite Discoveries”, cada canción representa una instancia de transformación. El álbum propone un viaje en el que las experiencias van revelando nuevas versiones de un mismo protagonista. En ese recorrido, “Singing Laugh” plantea que transformarse no implica borrar el pasado, sino aceptar lo vivido,

incorporarlo y encontrar una nueva manera de habitarlo. UN SHORT FILM EN LAS CALLES DE NUEVA YORK La propuesta artística de FRANC también se extiende al lenguaje audiovisual. El videoclip de “Singing Laugh”, dirigido por la reconocida directora Belén Asad, fue concebido como un short film que continúa y amplifica la historia emocional de la canción. Filmado en las calles de Nueva York, el video convierte a la ciudad en mucho más que un escenario: es un paisaje emocional en el que aparecen los recuerdos mientras FRANC recorre sus calles. Aunque el artista transita la

ciudad solo, la imagen no busca representar la soledad, sino el movimiento. La persona que alguna vez estuvo a su lado ya no está físicamente presente, pero permanece en su memoria. Y, mientras esa huella sigue formando parte de él, FRANC continúa su propio camino. “La fotografía que se utilizó y la letra construyen una misma idea: dos personas que pueden tomar caminos distintos sin que lo compartido entre ambos pierda su valor”, explica FRANC. De esta manera, “Singing Laugh” se convierte en una nueva pieza del universo de “Infinite Discoveries” y profundiza uno de los ejes centrales del proyecto: la transformación personal a partir de las experiencias y los vínculos que nos atraviesan. “Hay personas que dejan de estar en nuestra vida cotidiana pero siguen siendo parte de quienes somos. ‘Singing Laugh’ habla de poder mirar ese amor desde otro lugar, agradecer lo vivido y seguir caminando”, concluye el artista.

Company Latin America y Polka Producciones, donde trabajó en el desarrollo y la producción de historias para distintos formatos. Es además fundador de COSTES, productora dedicada al desarrollo y coproducción de proyectos musicales y audiovisuales —largometrajes y series— y al acompañamiento de artistas. FRANC nace en la intersección entre la música y lo audiovisual: de la experiencia de haber trabajado durante años

desarrollando historias y proyectos para otros, y de la necesidad de comenzar a contar las propias. Dos lenguajes que hoy convergen en una misma identidad artística. PRENSA cygprensa@gmail.com IG: @cgprensaycomunicacion FB: /cgprensaycomunicacion TW: @CGprensacom VIDEO FRANC - Singing Laugh [Video Oficial]

ACERCA DE FRANC FRANC es el alter ego del proyecto musical de Francisco Pagliaro, músico, cantante y productor argentino. Durante más de una década desarrolló su carrera en la industria del entretenimiento y los contenidos, formando parte de compañías como The Walt Disney

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ROSSINI - MARZIALI - CHAPPET

El trío está presentando su primer disco: “TRAMA”.

VIERNES 27 de NOVIEMBRE / 21hs. HASTA TRILCE – Maza 177 CABA.

El trío conformado por Fernando Rossini, Simón Marziali y Daniel Chappet reúne tres recorridos artísticos individuales en una propuesta común, construir una sonoridad propia, versátil y orgánica al servicio de la música popular argentina y latinoamericana. Esta combinación en la que el trío desemboca, de voces, guitarra de siete cuerdas, armónica y percusión, busca construir un lenguaje propio, dinámico y profundamente ligado a las raíces de nuestra música. A través de sus interpretaciones, logra acrecentar su vínculo directo con el público, recorriendo las raíces culturales y emocionales de la música de

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Al universo de TRAMA se suman canciones inéditas y otras poco conocidas de compositores contemporáneos como Topo Encinar, Néstor Soria, Javi Caminos y José Luis Aguirre, Teresa Parodi, entre otros. Sobre el disco TRAMA: Esta elección de repertorio Este nuevo material discográfico permite establecer un diálogo consolida artísticamente el entre diferentes generaciones concepto en el que el trío viene de autores, obras de enorme trabajando. El repertorio tiene por valor dentro de nuestra música uno de sus pilares fundamentales popular, y nuevas composiciones a la obra del destacado que forman parte del presente de compositor mendocino Jorge la canción argentina. Marziali, abordada desde una mirada propia y actual. El disco El nombre “Trama” busca por un lado incluye sus tonadas, zambas, representar milongas y chacareras, además ese vínculo entre diferentes de obras realizadas en coautoría generaciones de autores de con referentes de la música música popular argentina que se popular como Raúl Carnota y evidencian en el disco a través de sus obras, pero también el Marita Londra. nuestro continente. Su trayectoria incluye presentaciones y giras por festivales, teatros y salas de Argentina, Latinoamérica y Europa.

- Canción de la abuela vieja (L: Néstor Soria / M: Topo Encinar) - Hombre de los jornales (L y M: Javier Caminos) - Verde Azul (L y M: Teresa Parodi) - Berretín (L y M: Lucas Lessa) Cuenta con artistas invitados - Pequeña serenata diurna (L y como Lucas Muñoz en percusión M: Silvio Rodríguez) y Juan “Ponche” Abraham - La nombradora de Salta (L: en contrabajo. La producción Jorge Marziali / M: Marita Londra) general, mezcla y máster fueron - Cómo pueden olvidarse (L y M: realizadas en Nakao Estudio, Jorge Marziali) de la Ciudad de La Plata, por el - Elegía del viento zonda (L: destacado técnico y productor Jorge Marziali / M: Raúl Carnota) - Así hablaba Don Jauretche (L y Juan “Ponche” Abraham. M: Jorge Marziali) El arte gráfico le pertenece a Agostina Rossini y la fotografía Fernando Rossini es de Diego Nucera. Nacido en la provincia de CD TRAMA: Lista de temas y Tucumán, Argentina, y radicado en la Ciudad de Buenos Aires, autores es un cantante dúctil y versátil - Humilde abrigo de los serranos con una marcada particularidad sonora, centrada en la música (L y M: José Luis Aguirre) desarrollo de arreglos musicales presentes en el mismo, donde guitarra, voces y armónica se trenzan en un diálogo cuidado y profundo al servicio de la belleza y la interpretación musical.

popular de raíz latinoamericana.

folclórica

y

Su voz, instrumento principal, permite transitar las emociones de las canciones y sus textos, ofreciendo conciertos dinámicos, profundos, distendidos y sensibles. A través de su canto, evoca las músicas de todo un continente, abordando temáticas poéticas, políticas y sociales, y consolidándose cada vez más en la escena artística nacional. Rossini es docente de Canto Popular, gestor cultural y productor. Ha editado dos discos de estudio y varias producciones compartidas. Su trayectoria ha estado marcada por diferentes giras en diferentes países de Latinoamérica, participando tanto en recitales íntimos con una escucha atenta, como en presentaciones masivas. u

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Simón Marziali Guitarrista, cantante, intérprete, compositor y arreglador musical nacido en San Rafael, Mendoza, y radicado en La Plata, Buenos Aires, con más de diez años de trayectoria en la interpretación de música folklórica argentina. Licenciado y profesor en Dirección Coral por la Universidad Nacional de La Plata, se ha desarrollado como solista en guitarra y voz; ha integrado diversas formaciones musicales, y trabaja como director de coros en la Ciudad de La Plata. En sus presentaciones busca entablar un diálogo profundo entre la guitarra y el canto al servicio de la música popular argentina, abordando composiciones propias, obras inéditas y también interpretaciones de obras del repertorio popular nacional. Su trayectoria incluye destacadas presentaciones a lo largo y ancho del país, y también en escenarios de Uruguay y España. Ha compartido escenario con artistas como: Juan Falú, Carlos Aguirre, Juan Quintero, Marita Londra, Juan Muñiz, Jorge Marziali, Eduardo Spinassi, Mora Martínez y otros destacados referentes de la música popular argentina. Daniel Chappet Armoniquista bonaerense, nacido en una localidad cercana a Balcarce, San Agustín, se destaca por su virtuosismo con

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el instrumento. Ha compartido escenario y participado en grabaciones con renombrados músicos tales como Raúl Lavié, Nahuel Pennisi, Luis Salinas, Hernán Jacinto, Pipi Piazzolla, Mariano “Tiki” Cantero y Marcos Archetti, entre otros. Con raíces en el jazz y el tango, aporta una mirada renovadora en la interpretación de folklore argentino a través de los recursos tímbricos y melódicos propios de su instrumento.

suman sus participaciones en diversos escenarios y en el circuito callejero del Festival, aumentando su visibilidad y reconocimiento en la escena musical. Sonia R. Cabral Prensa + Gestión cultural prensasoniacabral@gmail.com IG: @soniacabralprensa FB: Sonia Cabral

PRESENTACIÓN VIERNES 27 de NOVIEMBRE / 21hs. HASTA TRILCE – Maza En el año 2014 se presentó en 177 CABA. el Festival Nacional de Cosquín, como ganador del rubro Solista VIDEO Instrumental del Certamen de ROSSINI | MARZIALI | CHAPPET Nuevos Valores Pre-Cosquín • Canción de la Abuela Vieja 2014. A esa experiencia se (T.Encinar/N.Soria)

RICKY MARAVILLA

LLEGA POR PRIMERA VEZ A LA CALLE CORRIENTES PARA FESTEJAR 50 AÑOS DE CARRERA El ícono de la música tropical argentina se presenta el sábado 12 de diciembre en el Teatro Ópera 21 horas Entradas por Ticketek.com Ricky Maravilla, uno de los grandes referentes de la música tropical argentina, llega por primera vez a la emblemática calle Corrientes para celebrar sus 50 años de trayectoria con un show especial en el Teatro Ópera. Será una noche para recorrer una carrera marcada por grandes éxitos, personajes inolvidables y canciones que atravesaron generaciones. Desde sus comienzos en la música tropical hasta convertirse en uno de los máximos referentes de la denominada Movida Tropical, Ricky Maravilla construyó una identidad propia que lo llevó a conquistar al público argentino y también a trascender las fronteras.

terminó conquistándolo y siendo su verdadera profesión. En los años 80 llegaron sus primeros éxitos y, en 1989, “¿Qué tendrá ese petiso?” se transformó en un fenómeno popular que lo consagró definitivamente.

petiso”, “Camarón”, “Cuidado con la bomba” y “El Hombre Gato” forman parte de la memoria musical de varias generaciones. Con su carisma y su música, rompió prejuicios y conquistó distintas generaciones. Ahora, a cinco décadas de aquel comienzo, Ricky Maravilla llega a uno de los escenarios más emblemáticos de Buenos Aires para celebrar junto a su público una trayectoria que ya es parte de la historia de la música popular argentina. RICKY MARAVILLA – SU HISTORIA Sábado 12 de diciembre – 21 horas Teatro Ópera – Corrientes 860 Entradas por Ticketek.com

A lo largo de su carrera grabó 22 discos, recibió múltiples reconocimientos y en 1995 obtuvo el Premio Konex por su trayectoria en Bailanta/Cuarteto. Canciones como “Qué tendrá ese

AGW PRENSA @agwprensaydesarrollo VIDEO Riki Maravilla - Enganchados de siempre

Familias enteras cantan y bailan sus canciones en cada fiesta, cada reunión, y en cada una de sus presentaciones. Es, sin dudas, un artista que trasciende edades, clases sociales y nacionalidades. Su historia comenzó en Salta y, aunque inicialmente había elegido el camino de la electrónica y las telecomunicaciones, la música

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OLIVIA WALD

cerró su gira internacional “OTRA QUE ARDE” en BUENOS AIRES, una noche que marcó el fin de una etapa.

Después de llevar su música por España, México, Uruguay y Argentina, Olivia Wald eligió el C Art Media para despedir “Otra Que Arde”: una noche especial que condensó el recorrido de la gira y celebró el presente de una artista que sigue creciendo. Después de meses llevando su música por distintos escenarios de Latinoamérica y España, Olivia Wald volvió a encontrarse con su público de Buenos Aires, donde presentó el universo de Otra Que Arde en uno de los shows más importantes de esta nueva etapa. La presentación llegó después de un intenso recorrido internacional que llevó a la artista por Montevideo, Ciudad de México, Madrid, además de nuevas fechas en Rosario y Córdoba. Cada una de esas paradas fue ampliando el alcance de un proyecto que continúa encontrando nuevos públicos y consolidando una comunidad que crece dentro y fuera de Argentina.

Las canciones de Otra Que Arde fueron protagonistas de un show que también recorrió distintos En el C Art Media, ese recorrido momentos de su carrera. Sobre encontró un punto de encuentro el escenario convivieron las especial. Frente a su público nuevas historias, contradicciones de Buenos Aires, Olivia llevó y emociones que atraviesan este al escenario una propuesta proyecto con aquellas canciones atravesada por la intensidad, la que acompañaron el crecimiento catarsis y las emociones sin filtro, de Olivia desde sus primeros profundizando el universo de una lanzamientos y que hoy siguen etapa artística que la muestra ocupando un lugar fundamental en su vínculo con el público. más cruda, impulsiva y frontal.

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La noche también estuvo atravesada por distintas participaciones especiales. Sofi Mora se sumó en “Corazón”, mientras que el cuarto acto del show propuso un formato acústico con invitados y tuvo a Valen Olguín en “Sobria no me aguanto”, además de un momento en el que Olivia compuso una canción junto a una persona del público.

más personal y directa, donde las emociones incómodas, los pensamientos contradictorios y la vulnerabilidad se transforman en canciones y encuentran una respuesta cada vez más grande de su audiencia. El paso de “Otra Que Arde” por el C Art Media fue el encuentro de Olivia Wald con todo lo que viene construyendo durante este último tiempo. Un recorrido que cruzó fronteras, sumó nuevos escenarios y que tuvo en Buenos Aires una noche especialmente significativa para celebrar junto a su público. SOBRE DALE PLAY

Más adelante, Chule y Valentina Olguín participaron en “Paladar”, antes de la aparición de Coti para compartir “Tus errores” y “Antes que ver el sol”. Chiara se sumó en “No me acuerdo de mis ex” y, ya en el acto final, Charly Pereira acompañó a Olivia en “La teoría”. Una sucesión de cruces que convirtió el cierre de gira en una celebración compartida y amplió la dimensión emocional de una noche pensada como síntesis de todo este recorrido.

Argentina y Latinoamérica, “Otra Que Arde” fue tomando forma en vivo y construyendo una nueva dimensión para el proyecto. Con una identidad artística cada vez más definida, Olivia continúa explorando nuevas formas de decir, sentir y conectar. Esta nueva etapa encuentra a la artista profundizando una búsqueda

Dale Play es de las mayores empresas de entretenimiento en Hispanoamérica creada por el empresario de la industria musical argentina Federico Lauria. PRENSA. cygprensa@gmail.com IG: @cgprensaycomunicacion FB: /cgprensaycomunicacion TW: @CGprensacom VIDEO OLIVIA WALA - LA LOCURA

Después de un año de crecimiento y expansión, el show en Buenos Aires funcionó como una gran celebración de todo el camino recorrido. De las primeras fechas internacionales a su llegada a España, pasando por los distintos escenarios de

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VALENTINA OLGUÍN PRESENTA “TU LADO DE LA CAMA”

UNA CANCIÓN SOBRE EL DESAMOR Y LAS DESPEDIDAS Revelación en los Premios Martín Fierro de la Música, un reconocimiento que acompaña su crecimiento y evolución artística.

Valentina Olguín presenta “Tu Lado de la Cama”, un nuevo single que anticipa su primer álbum de estudio, en el que explorará una faceta más madura a nivel musical, ampliando su propuesta con influencias del pop y los sonidos urbanos, sin dejar de lado la cumbia pop que caracteriza su recorrido. “Tu Lado de la Cama ” fusiona cumbia y pop latino para abordar el desgaste de una relación y el difícil momento de aceptar una despedida. A través de una letra directa y una interpretación cargada de emoción, la artista santiagueña pone en palabras las señales de un amor que se apaga, las promesas incumplidas y la incertidumbre de dejar ir a alguien que ya no está presente de la misma manera. La canción refleja la búsqueda de Olguín de crear canciones que conecten con las experiencias y emociones de quienes las escuchan. Tras iniciar su carrera como vocalista de Dame 5, Olguín continuó su recorrido como solista, explorando distintos géneros y ampliando su identidad

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Con “Tu Lado de la Cama”, Valentina Olguín convierte el desamor en una canción que combina emoción y ritmo, mientras anticipa su esperado álbum debut, un lanzamiento que abrirá un nuevo capítulo en su carrera.

musical. Entre sus lanzamientos recientes se destaca “Sobria No Me Aguanto (Remix)”, junto a Olivia Wald y Valentina Márquez, una versión que incorpora el cuarteto a la propuesta original. En 2026, la cantante santiagueña fue nominada a Mejor Artista

MP Comunicación María Peluffo maria@mariapeluffo.com https://linktr.ee/maria_peluffo_ marketing VIDEO Valentina Olguin - Tu Lado De La Cama (Video Oficial)

PAULA MATTHEUS

Llega por primera vez a la Argentina con “TODO LO ALTO QUE QUIERA (Y MÁS)”, “SIN VUELTAS ”, “CUANDO NADIE MIRA ”, “ME PRESENTO” SHOW 18 de Noviembre en La Trastienda de Buenos Aires. Paula Mattheus la reconocida artista internacional llega por primera vez a la Argentina para presentar el nuevo disco con su estilo de Pop-Rock. Se presentará el 18 de NOVIEMBRE en La Trastienda dará un show que tiene canciones sobre vínculos, miedos, sanación, amor cotidiano y el volver a empezar. El álbum que presenta está dividido en dos bloques emocionales: “Morirte ya” que nace del caos y “Vivir para siempre” este álbum es más sereno, donde su mirada cambió. Su gira comenzará en Santiago de Chile, luego seguirá por Argentina y Ciudad de México donde presentará sus nuevas canciones entre ellas, “SUSPENDER ADULTO”

En la Trastienda de Buenos Aires, la respuesta del público local ha sido tan positiva que las localidades de mesas, banquetas y sillones preferenciales ya se encuentran totalmente agotadas, quedando únicamente accesos generales de campo a la venta.

Algunas de sus canciones más destacadas de su repertorio

PRENSA Ayelen Ventrice ventrice003@gmail.com

PAULA MATTHEUS 18 de NOVIEMBRE La Trastienda (Balcarce 460, CABA) ENTRADAS A LA VENTA EN PASSLINE VIDEO Paula Mattheus & Pol 3.14 Viaje Sin Vuelta (Video Oficial)

“SIN VUELTAS ”, “CUANDO NADIE MIRA ”, “ME PRESENTO” Aunque muchos argentinos la han descubierto a través de plataformas digitales, el lazo emocional es único: Paula vivió una etapa crucial de su vida en Argentina hace 10 años, donde trabajó, tocó en bares locales, tomó mate y se contagió de la cultura rioplatense.

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LLEGA SONORAMA, LA FERIA INTERNACIONAL DEL VINILO DE BUENOS AIRES El 22 de noviembre habrá dos motivos para celebrar: el Día de la Música y la primera edición de Sonorama, una nueva feria dedicada 100% a la cultura del vinilo.

La cita será de 15 a 23h en Ciudad Cultural Konex, con una propuesta que combinará DJ sets, charlas abiertas, arte y gastronomía, junto a decenas de expositores que llevarán discos para tentar a quienes disfrutan de bucear entre bateas. “Sonorama nace con el objetivo de convertirse en un espacio de referencia para la comunidad del vinilo en la Argentina y proyectarse como uno de los encuentros más importantes de la región dedicados a este formato, el coleccionismo y la cultura musical”, destacan desde la organización. El evento reunirá a disquerías independientes, sellos discográficos, importadores, distribuidores, coleccionistas privados, artistas gráficos, emprendimientos y marcas especializadas. Además de las charlas abiertas con periodistas y referentes de la cultura musical, la jornada tendrá tres grandes atractivos: 1. Dos escenarios con DJs en simultáneo, con sets

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íntegramente en vinilo durante toda la jornada y un set especial de cierre. 2. Canje de discos , un espacio para intercambiar vinilos, renovar la colección y encontrar ese título que falta. 3. Ediciones especiales, discos nuevos y usados, y objetos relacionados con el universo del vinilo, para descubrir entre los distintos stands. Todo el mundo del vinilo en un solo lugar. PRENSA somos una cooperativa cultural

Cecilia Díaz cecilia@agenciaced.com www.agenciaced.com

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Cine

Presentamos el trailer de Perfume una película de María Gabriela Epumer

El documental, producido por Pensar con las Manos, se nutre de 50 horas de material audiovisual inédito grabado por Mapu entre 1995 y 2003, y tiene su estreno confirmado en salas de Argentina en noviembre próximo. SINOPSIS María Gabriela Epumer fue una mujer que con un talento innovador creaba y tocaba rock en los ‘80 y ’90 como integrante

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de Viuda e Hijas de Roque Enroll, guitarrista de Charly García y música solista. Veinte años después de su prematura muerte accedemos a 50 horas de material filmado por ella: conciertos multitudinarios y momentos de profunda intimidad en estudios de grabación y en su hogar. Un viaje musical que rescata la obra de una artista sensible y magnética.

2026 / ’97 / Argentina - Uruguay

Perfume, una película de María Gabriela Epumer

Dirección de Fotografía Federico Lastra

EQUIPO TÉCNICO Dirección Lucía S. Ruiz Codirección Andrea Testa Guion Andrea Testa y Lucía S. Ruiz Montaje Lorena Moriconi

Dirección de Sonido Federico Moreira Casas productoras: Pensar con las Manos (Argentina) y Los Besos Contenidos (Uruguay) Distribuidora: Moving Pics PALABRAS DE DIRECCIÓN Las cajas del archivo personal de María Gabriela Epumer fueron un mapa que nos sumergió en la vida y la intimidad de una artista. Ese gesto de enorme confianza y generosidad de la familia Epumer nos transfirió una gran responsabilidad: encontrar la mirada que atraviese y matice

ese caudal de materiales, siendo fieles al registro que la propia María Gabriela generó. Al ver la dimensión y la conciencia de ese registro leímos allí un mensaje. Perfume es un viaje que con el pulso y la guía de su protagonista, nos hace pensar en el tiempo. El presente y el pasado se acercan, conviven y aquello capturado resuena hoy hablándonos de la sensibilidad, del valor del trabajo en el arte y la identidad. Lito Epumer le dedica a su hermana esta frase en una canción para ella: “Brilla de luz inmortal”. Perfume nos recuerda que el arte tiene el poder de iluminar. Lucía S. Ruiz.

PALABRAS DE LAS GUIONISTAS El proceso de escritura tuvo como desafío poder construir escenas a partir de materiales filmados que tenían otra naturaleza a la del relato cinematográfico. La mirada de María Gabriela Epumer tenía como impulso registrar la música en todos sus aspectos: por momentos, un registro sensorial y en otros, un registro de época en el que la música se grababa en un vínculo físico con ella, una relación artesanal. Las imágenes duraban menos de lo que nos hubiese gustado, la cinta se cortaba o algún desequilibrio de la luz y el diafragma automá- u

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tico de la cámara las escondía o las velaba. Por eso, este material nos invitó a agudizar la mirada y bucear en él hasta encontrar el corazón de la película y su tempo, evitando que cualquier artilugio del cine se imponga sobre su propia naturaleza. Trabajamos como una dupla creativa, entre el guión y el montaje, en un proceso de ida y vuelta en varias etapas y en cada movimiento la película encontraba más fortaleza y un sentido y lenguaje propios, por fuera de una biopic o un ensayo biográfico. Entendimos que debíamos ser un canal para que lo que nuestra protagonista grabó, guardó, quiso dejarnos, se exprese.

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El tiempo corre en la vida sin poder repetir escenas, somos lo que el tiempo fue haciendo con nosotros, el relato es esa consecución de momentos y esta película se nos presentaba como un fragmento de la vida de una persona que ya no está en este plano. Las escenas aparecieron en su propia materialidad: el registro en presente de una vida dispuesta a la creación. Andrea Testa y Lucía S. Ruiz. NOTAS DE PRODUCCIÓN Perfume es una película que estaba esperando ser en las cajas que los hermanos Epumer guardaron por tantos años. Nos encomendamos a este

deseo colectivo, compartido con su familia, sus amigos y amigas, sus colegas y con la enorme comunidad que la admira. Por eso es que esta película contiene en sí misma una responsabilidad y un compromiso de estar mirando a través de la mirada de una artista que dejó un legado. Es una película que fue encontrando su forma cinematográfica, su posibilidad, mientras que la fuimos pensando y haciendo. Fue indispensable tener tiempo y la dedicación de un equipo que piensa al cine de una manera integral y no como tareas particionadas en el proceso. Perfume fue creciendo en forma de espiral, cada puerta

que se abrió y cada recurso invaluable que apareció ayudó a darle vida. Eso es lo que el cine logra: que las personas se unan por una idea. Andrea Testa. SOBRE LA DIRECTORA

Lucía Ruiz es montajista de cine, tv y distintos proyectos audiovisuales. Desde el 2014 escribe y dirige proyectos propios como su ópera prima Esa película que llevo conmigo, El Malestar (codirectora) -película realizada colectivamente- y Perfume, una película de María Gabriela Epumer, presentes en festivales nacionales e internacionales. SOBRA LA PRODUCTORA

la producción como un espacio creativo donde cada película encuentra su propio diseño. Nuestros filmes se han estrenado en los festivales más importantes del mundo como Cannes, Berlín, San Sebastián, IDFA, HotDocs, y han sido ganadores de premios y fondos internacionales. Creemos que la producción forma parte tanto de la estética como de la ética de nuestras películas. Somos una productora que entiende el cine como

un espacio de intervención en la realidad material y simbólica. Creemos en un cine capaz de interpelarnos y conmovernos, que contribuya desde América Latina a una cultura cinematográfica diversa y decolonizadora. DIFUNDE Julieta Bilik bilikjulieta@gmail.com https://www.julietabilik.com.ar TRAILER PERFUME, una película de María Gabriela Epumer

Andrea Testa. Pensar con las manos es una productora formada por los directores y productores Andrea Testa y Francisco Márquez. Concebimos

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Aleph Media y Barakacine anuncian el estreno de ESCRITOR - Una película de Paula de Luque Premio Mejor Película y Mejor Banda Sonora - 40° Festival Internacional Ibero Latinoamericano de Trieste Participante del 42° Chicago Latino Film Festival Participante del 30° Festival de Cine Latinoamericano de Rosario Es 1956. Rodolfo Walsh, joven escritor y traductor, es testigo involuntario de un fallido levantamiento contra la dictadura militar que gobierna en Argentina. Al poco tiempo recibe la noticia de que hay

sobrevivientes de esa masacre. Junto a su joven compañera de trabajo, Enriqueta, emprende una aventura investigativa que los llevará al centro del laberinto del poder y que los unirá para hacer frente a innumerables peligros. Una historia de amor, un thriller político con el fondo trágico de la historia argentina. Invitación al estreno de ESCRITOR FICHA TÉCNICA Protagonizada por Diego Cremonesi, Vera Spinetta, Carla Pandolfi Con la participación especial de Gustavo Pardi, Fabio Di Tomaso, María Ucedo, Pepe

Monje, Luciano Linardi, Carlos Portaluppi, Germán de Silva, Luis Ziembrowski, Jimena Anganuzzi, Nicolás Pauls, Fabio Aste, Claudio Martínez Bel, Maxi Ghione, Ricardo Merkin, Gonzalo Urtizberea. Dirección: Paula de Luque Guión: Paula de Luque y Bruno Luciani sobre un guión original de Marcelo Figueras Sonido: Nicolás Giusti Edición: César Custodio SAE Arte: Rodolfo Pagliere AADA Música: Pedro Onetto Fotografía: Hugo Colace ADF Vestuario: Julieta Mujica Maquillaje: Alberto Schuster Prensa: Mutuverría PR Asistente de dirección: Julieta Ledesma u

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Producción ejecutiva: María Vacas y Uriel Sokolowicz Producción general: Fernando Sokolowicz y Marcelo Schapces Duración: 93 minutos SOBRE LA DIRECTORA

Paula de Luque es realizadora de cine y televisión, guionista, bailarina, coreógrafa y directora escénica. Su primer largometraje de ficción, “Cielo Azul Cielo Negro”, se estrenó mundialmente en el Festival Internacional de Cine de Locarno, en la sección oficial en el año 2004, y luego de recorrer diversos festivales y obtener numerosos premios fue estrenado en Argentina en 2005. “El Vestido”, segundo largometraje de ficción, coproducción con España, se estrenó en Buenos Aires en septiembre de 2009 luego de recorrer varios festivales internacionales y obtener varios premios. Su tercer largometraje, “Juan y Eva” fue estrenado en septiembre de 2011 y es considerado por la crítica como una de

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las mejores aproximaciones cinematográficas a la historia del peronismo, ganando varios premios nacionales e internacionales y recorriendo numerosos festivales. Escribió y dirigió la miniserie de ficción “La Verdad” protagonizada por Julieta Díaz y Daniel Fanego. Escribió y dirigió la miniserie documental “Mediápolis, investigación sobre la relación de los medios con los gobiernos y los pueblos de América Latina”. En 2018 dirigió “La forma de

las horas”, con Julieta Díaz y Jean Pierre Noher. En 2020 estrena “Escribir en el aire”, documental sobre el proceso de creación del coreógrafo Oscar Araiz. Como novelista ha publicado Ficción (2022) y Los infiernos (2026). Fue fundadora y Directora General del Festival Internacional UNASUR CINE, y del Festival Internacional FICSUR, y estuvo a cargo de la plataforma Octubre TV. Desde 2023 es Directora General de FICPBA (Festival

Internacional de Cine de la Provincia de Buenos Aires) que ha cumplido cuatro ediciones con gran suceso, y al mismo tiempo, desde hace tres años es Directora de Industrias Creativas y Cultura Digital del Instituto Cultural del Gobierno de la Provincia de Buenos Aires. Te esperamos el viernes 13 de noviembre en Cine Arte Cacodelphia (Roque Sáenz Peña 1150, CABA). 20.30 hs - Citación 21 hs - Proyección La película se proyectará luego los viernes a las 21 horas en Cine Arte Cacodelphia Mutuverría PR info@mutuverria.com TRAILER ESCRITOR - Trailer u

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Museo de la Subversión, una película de Francisco D’Eufemia, se estrena el 5 de noviembre en la Sala Lugones.

represión ilegal. PALABRAS DEL DIRECTOR

SINOPSIS

Museo de la subversión devela un aspecto completamente desconocido de la última dictadura: la red de museos que los militares fundaron para conmemorar su victoria sobre militantes, disidentes y guerrilleros, la denominada “subversión”. A partir del hallazgo de un material inédito donde un grupo de periodistas extranjeros realizan una visita guiada, accedemos de forma cruda a la construcción discursiva que la dictadura hizo sobre la represión ilegal.

Corre 1985. Un grupo de periodistas extranjeros asisten a la visita guiada de un museo antisubversivo. Los militares exhiben allí el botín que la última dictadura obtuvo durante la

Estos museos forman parte de las operaciones psicológicas del régimen. El objetivo era doble: hacerle creer al pueblo que se libraba una guerra santa contra la infiltración marxista y a su vez,

En 1985, periodistas extranjeros registraron una visita al Museo de la Subversión, en Palermo, donde se exhibían objetos y recreaciones vinculadas con la represión ilegal. A partir de ese material y de otros testimonios y documentos, el documental reconstruye la historia de estos museos ocultos y expone el discurso triunfalista de la dictadura, y la persistencia del poder militar durante la democracia.

generar cohesión en la propia tropa. Toda una gran excusa para lotear el país, saquear y exterminar a los enemigos. Ecos que retumban con fuerza en nuestra actualidad. Proponemos al espectador la experiencia de ingresar en ese clima enrarecido y conocer esos siniestros espacios. Buscamos hacer un aporte al debate histórico y político sobre uno de los períodos más oscuros y relevantes de nuestro país. Una historia desconocida que saldrá a la luz respaldada por una gran cantidad de extraordinario material de archivo, y que nos permite acceder como nunca antes a la imaginación desatada del régimen militar. Francisco D’Eufemia. BIO DIRECTOR Francisco D’Eufemia es un

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cineasta argentino. Egresado de la ENERC en la especialidad Montaje. Dirigió, co-produjo y editó el documental de found footage Canción perdida en la nieve (2015), el western-gaucho Fuga de la Patagonia (2016) y el thriller rural Al Acecho (2020). Museo de la subversión (2025) es su cuarto largometraje. Editó un centenar de publicidades y una docena de largometrajes entre ficción y documental. Ha sido nominado al Cóndor de plata por edición. Se desempeñó cómo jurado INCAA y tutor en LABEX. Es vocal en la ONG Colectivo de Cineastas. Museo de la subversión 70 min. / Documental / Color B&N / Aspect 1:1.85 / Argentina Dirección Francisco D´Eufemia (CdC) Con testimonios de Pablo Llonto • Mariana Sirimarco • Rafael Calviño • Alejo Ponce de León • Yanina Toledo • Julia Risler Narración Belén Blanco Producción Ramón Irreal Producción Ejecutiva Nadia Martínez Productor Asociado Francisco Villa Jefatura de Producción Samanta Bianucci Archivo Laura Mattarollo Guión Fernando Krapp • Francisco D´Eufemia • Julia Straface Dirección de Fotografía Joaquín Neira (ADF) • Pablo Bernst Foquista Lucía Somoza Color Alejandro Armaleo

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Director de Postproducción Anibal Kelvo Coordinador de Postproducción Nicolás Rodríguez Fuchs (CdC) Montaje Julia Straface (SAE) • Francisco D´Eufemia Dirección de Sonido Natalia Toussaint Música Original Jackson Souvenirs Mezcla de Sonido Jorge

Gutiérrez Jiménez Sonido Directo Marilina Giménez Diseño Gráfico Nicolás Rodríguez Fuchs (CdC) Afiche Cecilia Jacob FESTIVALES FICER 2025 - Competencia Argentina

FICPBA 2026 - Sección 50 años del golpe PRENSA Julieta Bilik bilikjulieta@gmail.com https://www.julietabilik.com.ar/ TRAILER Museo de la subversión Trailer u

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