NYFF60

Cobertura CINÉFAGOS EN NY

texto y fotografía RAÚL GALINDO

Todavía no llegamos ni a la mitad del festival, pero ya se ha conjurado una energíaencandilanteentrelapantalla, los cineastas, los actores y los cinéfilos. Hay discusiones en el aire que van y vienen sobre el futuro del cine y el mundo del streaming que , parafraseandoa PaulSchrader , “llegó para quedarse” . En este contexto, en el que las razones para ir al cine son cada vez menos, está ocurriendo el festivaldeNuevaYork. Son siete días los que lleva activo el festival, siete días cargado s de actividad cinematográfica en los que he podido observar un promedio de tres películas diarias además de acudir a conversaciones entre cineastas y eventos especiales. Lo siguiente es un vertedero de impresiones sobre las historias que me he encontrado en la pantalla, muchas de las cuales seguramente estarán haciendo ruido próximamente a medida que se acerque la temporadadepremios.

Nota aclaratoria: Este texto no contempla todas las películas presentadas hasta el momento, pero síincluyecinedelascuatrosecciones que conforman la selección del festival: Main Slate - Spotlights Currents - Revivals. De la misma forma, para mantener el espíritu lúdico, voy a categorizar mis impresiones en 4 grupos: Imperdibles - Cautivantes(peroquenoenamoran) - Sentimientosencontrados - Balasde salva

1.

Laprimeraimpresiónmemorableysin duda una de las más potentes la dejó unapelículapequeñita,laóperaprima de Charlotte Welles, directora escocesa de 35 años. Aftersun, es un recorrido proustiano por las memorias de su protagonista, Sophie, quien rememora sobre un viaje vacacional que compartió con su padre cuando tenía 11 años. La simpleza de su anécdota y lo mundano de sus personajes contrasta con la forma en que decidieron contar la historia: una narración sensorial, atrevida e interesante.

Donde la puesta en cámara y el corte toman el lugar del diálogo para contar mucho más que lo aparente. Es una película dolorosa, que te engancha desde el inicio, una narración inteligentequerespetaalespectadory se resiste a revelarse hasta el último plano. Una película que permite al observador atento ir poco a poco desentrañando los miste rios que envuelven a la figura del padre, como acompañando a Sophie en sus reflexiones. Aftersun remite por momentos a las películas de Barry Jenkins (no sorprende encontrar su nombreenloscréditos)dondeeldolor y la belleza conviven en un baile poéticoenelquecadaplanosesiente cargado de nostalgia. Por su profundidad y la complejidad de sus recursos formales es una historia que merece ser vista más de una vez y entra en la categoría de las Imperdibles.

2.

Aftersun toca uno de los temas transversales que permean de forma central o tangencial muchas de las películas que se han visto durante festival: La familia. Entre ellas dos se despegandelamultitud: Alcarràs,otra película dirigida por una mujer, sobre una familia de agricultores lidiando con lainminentepérdidadesutierray sumododevida,y White Noise, donde una familia norteamericana tiene que lidiar con la incertidumbre después de una catástrofe ecológica que los obligaasalirdecasa.Diametralmente distintas en su tono actoral y est ilo narrativo, cadapelícula esasombrosa asupropiamanera. En Alcarràs, el gran logro está en haber logrado construir una familia queviveyrespiraenlapantallacontal naturalidad que sorprende descubrir en los créditos que el cast no tenga lazos sanguíneos. Es una película coral en la tradición del subgénero cinematográfico “sílice of life” , donde lacámarasemuevecomosifuésemos un miembro más de esta familia numerosa.

Es una historia que funciona en múltiples niveles: como una mirada crítica a las situaciones sociales que afectan la agricultura en regiones como esa, pero también a un nivel personal como un melodrama que explora los conflictos y las tensiones intrafamiliaresentregeneracionesque ven el mundo de forma distinta. La familia es al mismo tiempo el fin y un vehículo para hablar de otros temas sociales.

Por otro lado, White Noise es una películadondelapuestaencámaraes rimbombante y estilizada; donde los diálogos y la puesta en escena son musicales y rítmicos. La familia que Baumbach construye se aleja por completo del naturalismo, pero encuentra en la pantalla su propia verosimilitud a través de unos actores que encarnan enteramente estos personajes Brechtianos. Muchas de las escenas de diálogo familiar fueron literalmente coreografiadas con puntosycomasparacreareseefecto. ComoenunaobradeShakespeare,el diálogo es la base sobre la que se construye la película, pero está lejos deserelúnicorecursoqueBaumbach utilizaparacrearsupropiouniverso. Es una película que no tiene género, quemásbienflotadeungéneroaotro, cambiando de tono y estilo. En un momento estás en una comedia absurda al otro estás en una escena de cine negro. La película se siente cargada, llena de información, así comolossupermercadosquedescribe Delillo en su novela. Abundan los símbolos, los motivos visuales, los coloresylosvestuariosquesesienten reales y a la vez no. El universo extraño en el que te sumerge White Noise te obliga a vivir, junto a los personajes, el miedo a la muerte que los correo y que amenaza con desintegrarlos como individuos y como familia. A pesar de la densidad del tema, la película está llena de comediay sedisfrutacon l igereza. En ambos casos, la recomendación es: corran a verlas lo más pronto posible. Imperdibles.

3.

Con menos éxito, las representaciones amorosas proliferan en la selección del festival. Amores tórridos, prohibidos o salvajes. Sin dudalaquemásimpresi onaes Bones and All, el romance caníbal de Luca Guadagnino está lejos de la complejidad emocional de su obra maestra Call me by your name ,peroel magnetismo de sus estrellas, especialmente la vitalidad y el toque cómico que imprime Mark Rylance a cada escena en la que aparece, ayudan a mantener el balance positivo. Bones and All se siente como una película de serie B, lo digo a la vez como un halago y como una crítica, por un lado, tiene una premisa que se siente fresca, violenta y divertida, con escenas memorables y diálogos ingeniosos, pero como también sucedeconlaspelículasdeserieBpor momentosescursi,apresuradaydeux ex machinosa; especialmente hacia la segunda mitad de la película, cuando la historia de pronto intenta tomarse demasiadoenserioasímisma. Bones and All cautivaperonoenamora.

4.

Los dos romances más esperados de la selección tampoco encantan. Stars at Noon, un romance entre fugitivos intentando escapar de Nicaragua, la última película de Claire Denis , y Scarlet, la última adaptación literaria de Pietro Marcello. El romance pasional no es un tema ajeno para ClaireDenis,perosuúltimointentono cautiva, es una salva. Un disparo al aire. El más grande problema con Stars at Noon, es la falta de claridad. En ocasiones, la falta de información puede crear un misterio que atrae la atencióndelespectador,perotambién puedegenerarconfusiónydesinterés. Paraunapelículaquecoqueteaconel cine negro, las circunstancias alrededor de los personajes son demasiado vagas, la lógica sobre la cual se sostiene la tensión de la historiadesapareceyenelprocesose lleva la lógica interna de los personajes entre las patas. El resultado: personajes acartonados cuyas acciones estásconstantemente cuestionando. La película quiere ser unexperimentodegénero,peroesfría para ser melodrama, carece de tensión para ser un noir y se queda corta en su absurdez como ejercicio surrealista. Inherent Vice, pero con la mitad del carisma. Hay varios momentos que estánresueltosdeformadirectamente torpe, como el último intento fallido de cruzar la frontera en lancha por los amantes. El único punto de luz es Margaret Qualley que logra de alguna formamantenernosenelviajeatravés de su actuación, pero lamentablementenisucoestr ellanilas apariciones de los demás personajes son suficientespara rescatar unguion quenosabeloqueestácontando. Con un poco más de éxito, pero dejando bastante que desear está Scarlet, un melodrama clásico sobre unsoldadoquevuelveacasadespué s de la guerra para descubrirse viudo y a cargo de una bebé. La fotografía de la película está trabajada para hacernos sentir que estamos encontrándonos con material de archivo de la época, las escenas son visualmente ricas y suntuosas. Sin embargo, y a pesar de un casting que se antoja interesante, es una historia quesesientevistayquesedesarrolla atropelladamente hasta terminar sintiéndose melosa. Es una película de buena factura en donde los elementos no logran conjuntarse para sermásquelasuma desuspartes.

5.

El cine de no-ficción llegó este año a Nueva York generando un revuelo fuera de lo común, en gran medida comoresultadodelLeóndeOroquele otorgaron a la película de Laura Poitras, All the beauty and the bloodshed. A pesar de que Poitras le imprime su característico estilo, directo y periodístico, me atrevo a decir que la película es una suerte de autobiografía; Nan Goldin se siente máscomouncoautordelproyectoque unpersonaje.Secuentaasímismaen lasentrevistasysobretodoatravésde susfotografías. La química entablada entre sujeto y documentalista es palpable y se traduce en una intimidad más que familiar. Nan yLaura tienenmuchoen común, ambas mujeres entienden el arte como un arma, como municiones de resistencia política; y no tienen empacho en dispararlas. All the beauty and the bloodshed lleva tatuada la palabra combativo en cada fotograma. Es un documental tan necesario para la coyuntura actual como un resultado de ella. Sin embargo, la “importancia” de la película enel contexto qu e vivimosno oscurece sus méritos estéticos, las decisiones estructurales y rítmicas del montaje. All the beauty and the bloodshed es al mismo tiempo un diarioíntimoquepermiteacercarnosa Nan como nunca antes, es una reflexiónsobreelprocesocreativo yel dolor que canalizamos a través de él; ysobretodounejercicioesperanzador del arte y el individuo como fuerza política. All the beauty and the bloodshed es una de las joyas imperdibles de este año, pero no es el único ejercicio biográficointeresa ntequesepresentó en el Festival de Nueva York. Sr. y A cooler climate también son retratos íntimos sobre la vida de un artista; ambos son ejercicios personales, casi terapéuticos, con un objetivo práctico, tangible e inmediato no para la audiencia, sino paralosrealizadores. En Sr. conocemos la vida de Robert Downey Sr. a través de sus películas y de su familia, dos mundos que terminan fusionados. Es un documental lúdico y entretenido que por momentos parece una de las películas independientes de su personaje. Una película exhibicionista quepormomentospecadenarcisismo pero que a medida que progresa va encontrando una intimidad brutal; esa intimidad culmina en un momento potente y doloroso en el que Downey Jr.entrevistaasupadremientrasélya delirantenolograreconocerlo. Sin proponérselo, el documental se convierte en el vehículo que utiliza la familia Downey para lidiar con el Parkinson de Robert Downey Sr y el inevitable desenlace al que la enfermedadconduce.Esunhomenaje cautivador que revela un rostro desconocido de una familia que siempre ha vivido entre cámaras. El cineexperimentalycontracorrientede Downey Sr. tiene una aparición, bajo unángulodistinto,enotrodocumental que será estrenado próximamente en Netflix: Is That Black Enough For You?

Desde la elección del título, extraído deundiálogoqueserepitecomogrito deguerraenlapelícula Cotton Comes to Harlem, se siente el espíritu combativo que permea sobre este ensayo documental escrito por Elvis Mitchell, un crítico de cine transformadoendocumentalista.Para Mitchell, no hay forma de hacer un recuento histórico o una crítica cinematográfica si no es desde la disputa; de lo que está dentro del cuadro, sí, pero también de lo que no tiene lugar en él. Esa búsqueda por quienes se quedaron fuera de la pantalla es el corazón del documental de Mitchell, que con una duración de 135 minutos y se vivecomo una clase magistral universitaria (lo digo como un cumplido), un análisis exhaustivo que brinca de una película a otra, de un actor olvidado a una estrella “que pudoser” . Es una lluvia de información que nos empapa del cine independiente creado afroamericanos dur ante un breve pero extraordinario período (1968-1977). Un movimiento creativo donde la taquilla y la expresión artística se vieron radicalmente transformadas pero que sorpresivamente (y no tanto a la vez) desaparecieron sin dejar rastro en el mainstream. Is That Black Enough For You?!? noesunapelículaqueatraerá hordasdetelevidentes,elmismo Mitchell mostró su incredulidad ante una sala llena durante su estreno “No puedo creer que exista tanta gente quequieraverestapelícula”peropara quienesdecidan tomarse eltiempo de observar este ensayo sin duda abrirá un panorama cinematográfico y culturalqueantesignoraban. La conversación sobre materiales y mundos olvidados que empieza Mitchelllacontinua A cooler climate ,el documental de James Ivory. La película es el equivalente a desempolvar un viejo álbum de fotos; una excursión nostálgica en la que el director, a sus 94 años, revisita el material de un proyecto inacabado que filmó durante un viaje por Afganistán. LasimágenesqueIvorycapturóens u juventudsonfascinantesyparalaspre concepciones actuales sobre los afganos, bastante sorprendentes. Ahí se alcanzan a ver las semillas del Afganistán que hoy conocemos, pero tambiéndestellos de un futuro distinto que nunca fue; el país que Ivory no s muestra ya solo existe en celuloide y saberlo dota al material de una especie de añoranza. El documental enciende el interés histórico como la película de Mitchell, pero comparte el carácter personal e intimista de las películasdePoitrasySmith.

Esa cualidad, Ivory la aprovecha para añadir una dimensión existencial y antropológica a la historia a través de sus comentarios; a veces reflexionando desde el presente, a veces leyendo cartas escritas durante su viaje, el director va hilvanando sus propias impresiones junto a las del Príncipe Babur, una figura histórica que nació en Afganistán y cuya vida está llena de paralelismos con la de Ivory. Es una película meditabunda y gentil, nos hace sentir que estamos acompañando al directo r en una reflexión final sobre el destino, el azar ysupropiamortalidad.

6.

Este año el festival exhibió el trabajo de dos documentalistas que incursionaron en el mundo de la ficción. Alice Diop, francesa de origen senegalés,yFrederickWiseman,una leyenda viva con 45 documentales bajoel brazo.Viendo similitudes entre ambos proyectos el festival organizó una conversación entre ambos cineastas en la que compartieron sus experienciastrabajandoenelreinode la ficción. Tanto Saint Omer como A couple están basadas en las experiencias de mujeres reales que adaptaron para la panta lla; ambos cineastas optan por planos fijos de larga duración para permitir que sus actrices se explayen. Y ambas, en mi opinión, son interesantes, pero en gran medida fallan como experiencias cinematográficas.

Acouple estácompuestaporunaserie de monólogos construidos a partir de los diarios y las cartas que escribió SofíaTolstoi,interpretadaporNathalie Boutefeuenuntourdeforce,sobresu tormentosa relación con Leo Tolstoi. La interpretación de Nathalie es p or momentosangustianteyprovocadora; los textos retratan un matrimonio volátilenelqueLeoesundíaamoroso y al otro irascible e infantil; viven momentos de júbilo seguidos de temporadasenterasdeamargura. A más de 100 años de distancia los textos de Sofía no se escuchan como diarios de una relación particular y específica, sino como comentarios sobre las relaciones entre hombres y mujeres vigentes a la fecha: la violencia, el desbalance de poder y la figura del padre ausente son dinámicas que llev amos reproduciendoporaños.

Losmonólogosvanentrecortadoscon imágenes de la flora y la fauna que rodeanaSofíamientrascaminaporun gran jardín a la orilla del mar, pero a pesar de las intenciones metafóricas del director, terminan sintiéndose simplemente como “patos” , cortes para conectar un monólogo con el otro. A couple es un experimento interesante que te deja con sentimientosencontrados,unahistoria que bien podría existir mejor en un escenarioqueenlapantalla. Saint Omer es un drama judicial que reproduce, casi palabra por palabra, un juicio que sacudió a la sociedad francesa en 2015. El caso de una mujer franco-senegalesa que asesinó a su propia bebé de 15 meses. Alice Diop, la directora, acudió al juicio que se llevó a cabo en el pueblo de Saint Omer con la intención de escribir al respecto; de la misma forma que lo hace Rama, la protagonista de la película. Sin embargo, ese apego a la experiencia vivida resulta ser un tiro por la culata. Rama, como personaje testigo deja mucho que desear, no personifica ni la duda, ni la empatía, mucho menos el interés de una periodista embarazada con dudas sobre su propia maternidad mientras estásiguiendouncasotanbrutal. Es un personaje chato que parece no querer descubrir nada; el más grande ejemplo viene en sus interacciones con la madre de la enjuiciada en las que lejos de ayudar a revelar el torbellino interno de Rama, la escena nos dice poco menos que nada. La madretienemásinterésenRamaque ellaenelcaso. El pasado del personaje se intenta construir a partir de flashbacks que se sienten como pedacería ambigua, fragmentos que no logran construir una imagen tangible de ese pasado borrascoso que pone en duda su maternidad. Lapelículafuncionaenun nivel superficial, el tema es potente y la historia de origen es interesante en símisma,bastaabrircualquierartículo que haga una crónica del evento para quedar enganchado; un espectador generoso encontrará valor en eso y dejará de ladola factura y la forma en laque eltemaylahistoriaseexpresan sobrelapantalla. Saint Omer esbozalasintencionesde crear tensión y el deseo de jugar con la mente del espectador, como también ordena los elementos para generar una respuesta emocional y catártica frente a los dilem as que absorben a Rama, pero la puesta en cámara y la construcción de personajesdesdeelguionnopermiten quecuajelahistoria. Saint Omer ganó el León de Plata en Venecia y fue seleccionada en Toronto además de Nueva York, es una película que ha generado revuelo así que invito a los lectores a buscarla ygenerarunjuicio propio.

¿QuénosdejóelFestivaldeCinede NuevaYork?

“Tengo la sensación de que hay demasiado contenido hoy en día, demasiadoruido”dijoCristianMungiu, el multipremiado director rumano, después de la exhibición de su último largometraje, R.M.N. En el 2021, solo en Estados Unidos, se estrenaron 403 películ as, una cifra quelentamentehacomenzadoasubir desde la pandemia mientras la industriabuscaregresaralascasi800 películasqueseexhibieronenel2019. Pero si antes la atención de la audiencia ya había empezado a dispersarse entre las olas de contenido, en los últimos dos años se disparó como Coyote persiguiendo al Correcaminos. Para los creadores que presentaron sus películas en el NYFF , como CristianMungiu,elprocesoparaelegir cada nuevo proyecto se ha vuelto mucho más reflexivo: ¿Qué histori as realmentevalenlapenacontar?¿Qué hace falta por decir? ¿Qué proyecto ameritalacantidaddedineroyenergía que se invierte en él para llevarlo a la pantalla? Esa conciencia se refleja en el tipode historias y también en las preocupaciones estétic as y/o temáticasque terminan en la pantalla. Laradiografíasocialquenospresentó el Festival de Nueva York es amplia, en primera instancia muestra un deseo por presentar visiones femeninas. Películas como Stonewalling, Women Talking, Corsage, Eternal D aughter y Showing Up ofrecenmujerescontalentodentro y fuera del cuadro; historias que centran su atención en mujeres protagonistasysusdilemas.

7.

Entre ellas, destaca The Eternal Daughter, deJoannaHogg,uncuento fantasmagórico que hasta en la tipografía nos recuerda a películas como Rebecca de Hitchcock o a las novelas de Brontë y Henry James. A contracorriente con el cine de horror actual, The Eternal Daughter tiene pocos, por no decir ninguno, sustos o momentosdeespantoinducidosporla música o apariciones repentinas de algún ente sobre natural. La película opta en su lugar por la extrañeza y el enigma para ir cociendo lentamente una atmósfera inquietante. Un buen cacho de la audiencia del género perderá interés precisamente por lo mismo, pero para quienes conecten con el experimento la e xperiencia estética que Hogg propone ofrece variassorpresas. La primera curva que lanza Hogg a la audienciavieneconelcasting.En The Eternal Daughter ,RosalindyJulieson madre e hija y acaban de llegar a una antigua mansión ahora transformada en Hotel para hospedarse. Julie está escribiendo el guion de su próxima película(enunejerciciodemetaficción el guion que ella está escribiendo se parece mucho a la película que estamos viendo) y viene acompañada por su madre de quién espera sacar informaciónparaescribirlahistoria. Ambos personajes son interpretados por Tilda Swinton , con una minuciosidad admirable. Tilda logra distinguir a cada personaje con claridad modificando su lenguaje corporalylacadenciaalhablar.Madre e hija se sienten como d istintas personas, pero al mismo tiempo su doble presencia dota de rareza a la historia y crea un juego de espejos entre ellas, un comentario que resalta lassimilitudesylasdivergenciasentre ellas. Acompañando a Tilda, el principal personaje complement ario es la mansión: sus jardines neblinosos, las luces verdes a lo Vértigo en los pasillos, los ruidos y crujidos inexplicablesinteractúanconnuestras protagonistas. En particular con Rosalind, disparando una serie de recuerdos trágicos de su juventud, e n una época en la que esa mansión pertenecía a la familia. Incluso los otrosdospersonajesdecarneyhueso que aparecen en escena los vemos como una extensión del hotel. La recepcionista / mesera desinteresada que salpica la narración con algo de comedia, yBill, un vigilante con vibras de Dick Hallorann en The Shinning quien curiosamente comparte el mismo nombre que el padre de Julie, recientementefallecido.

Pormisdescripcionessepuedeinferir que la atmósfera que Hogg y el cine fotógrafo Ed Rutherford conjuraron en 16 mm es el atributo más notable, fuera de la genialidad de Tilda, con el que se busca hechizar al espectador. Para muchos eso será suficiente para sumergirse en las astucias conceptuales que propone la realizadora y suspender nuestro juicio momentáneamente; pero si hay que decirque,enungénerotanexplorado, no solo en la pantalla sino en la hoja también, la historia puede volverse un tantoprevisibleydejamuchoshuecos sinresolverdeformasatisfactoria.

8.

Otra historia situada entre mansiones es Corsage,unapelículaquesesiente comounatravesura.Intencionalmente plagada de pequeñas y más que evidentes imprecisiones históricas, la película va creando su propio universo, juguetón y melancólico a la vez, en el que la emperatriz Elisabeth de Austria se rebela ante las convenciones y expectativas que la realezaexigedeellacomomujer. La historia avanza co mo un taquín de jazz, Elizabeth nos lleva de la mano, pero no sabemos realmente a dónde, porque ella tampoco lo sabe, es un personajeenunlaberinto;atrapadaen un sistema opresor que de no ser por su estatus social ya la habría confinado a un psiquiátri co, algo que ella misma parece reconocer en sus frecuentes visitas al hospital donde otrasmujeresvivenenjauladas.

El largometraje tiene un ritmo suelto y constantementesedeleitaelaborando pequeños momentos, casi sobre indulgentes que no contribuyen a la trama pero que s í construyen personajesymemorabilidad. La colaboración entre la dirección de Marie Kreutzer y la interpretación de Vicky Krieps es una de absoluta confianza; dándole libertad a Krieps para improvisar y jugar dentro de su personaje desde el primer minuto hasta la secuencia de créditos. El resultado es una Elizabeth con el humor mordaz y la personalidad rebelde de una estrella de rock del siglo XXI. Corsage es un concierto de música clásica que poco a poco se transformaenpunk.

9.

Conuntratamientovisualmásaustero y directo, pero continuando con la crítica al sistema , me encontré con Stonewalling .Unacrónicadelproceso de embarazo de una jovencita de clase media baja en China que nos ofrece un retrato vívido y detallado, con personajes realistas y complejos. Atravésdeunaaproximaciónesté tica de “mosca en la pared” , Stonewalling nos permite observar los desbalances de poder entre clases sociales y el aspiracionismoenelsubmundodelas estafas y los esquemas piramidales. Una película que tiene mucho que decir pero que cojea en la conexión emocional que logra establecer conla audiencia.

10.

La crítica más frontal al sistema patriarcal viene de la mano de Sarah Polley y un cast lleno de estrellas. Women Talking esunahistoriaquese siente necesaria e importante para el momento en que vi vimos. Una visión teatral y grandilocuente que no pide disculpas, con actuaciones irreprochables de Claire Foy, Rooney Mara y Jessie Buckley. Para que se den una idea del trabajo escénico: durante el conversatorio Polley comentó con orgullo sobre las 120 veces que Claire repitió uno de sus monólogos sin trastabillar o bajar un gramodeenergía. No tengo la menor duda, Women Talking vaaprovocarconversaciones, al salir de la sala pude escuchar una probadita de lo que se va a generar alrededor de esta pieza audiovisual. Sin embargo, a pesar de todo lo anterior, la película me dejó con sentimientos encontrados. Es una gran discusión entre los personajes, pero tanto el debate como los personajes a veces llegan a sentirse libres de las inconsistencias que uno esperaría encontrar en una comunidadmenonitaytradicional.

Eradifícilparamínosentirqueestaba observando a mujeres liberales y citadinas vestidas con atuendos menonitasenlugardepersonajesque pertenecían a una comunidad aislada lidiando con un dilema moral gigantesco. La ausencia de violencia sexualexplicitasobrelapantallaesun acierto sutil y poderoso , pero la nopresencia de los personajes masculinos, sobre todo hacia el final, termina creando una sensación artificiosa. Lo mismo sucede con el personaje trans, cuyo papel en la historia termina por sentirse como tokenización; marcas de verificación enunalistaderepresentatividad. Yaunqueconcuerdoconlasideasque la película está poniendo sobre la mesanopudeevitarsentirque“elacto salvaje de imaginación femenina” (la forma en la que tanto el libro como la película se describen a sí mismas en el prefacio) por momentos se sentía, en espíritu, como estar viendo una película soviética de la postguerra: grande, emotiva y ligeramente panfletaria. Todos estos calificativos creo que son intencionales, esa es la película que Sarah Polley y su crew quisieron hacer. Paraalgunas será un cuadrangular, pero para otras, como paramí,esswingqueabanica.Esosí, novaapasardesapercibidayahíyace su mayor mérito, en mantener la conversaciónenbocadetodos.

11.

Otra directora de renombre que se presentó en el NYFF fue Kelly Reichardt, cuyo trabajo tiene un estilo impreso reconocible a la distancia. Como pasa con Hirokazu Koreeda o Wes Anderson, uno de los signos distintivosdesutrabajo essuenfoque en la gentileza, la necesidad de conexión humana, la amistad; todos los valores que raramente aparecen en las pantallas. Showing Up de Reichardt (y Broker de Koreeda también)sesientencomoSantaClaus colándoseenunafiestadeHalloween. La sutileza de su aproximación escénica y los personajes dóciles e “insignificantes” a los que da voz contrastanconelrestodelcinequese estáproduciendohoyendía. Showing up nos presenta una visión desglamurizada y terrenal del artista. Michelle Williams interpreta, con encanto y gracia, a una escultora gruñona y obsesiva. Un personaje ligeramenteermitañoquemantienesu distancia frente a los demás, incluyendo una pobre paloma herida que termina a su cargo. Cada uno de los personajes de reparto que la rodean tienen una personalidad distinguible, pero al mismo tiempo sirven para enmarcar la disyuntiva de laprotagonista.

Por un lado, está Jo, su vecina que también es su (terrible) casera, una artista extrovertida y extravagante, alguien que siempre está interactuando con otros y que se incrusta en la vida de Lizzy (Michelle Williams) casi a la fuerza. En el polo opuesto está Sean, su hermano retraído y paranoico, con quien apenashabla, el genio incomprendido delafamilia. Sumadreesunamujerindependiente y solitaria mientras su padre permite queunpardehippiesvivanensucasa con tal de tener algo de cone xión humana. Entre esas dos fuerzas flota Lizzy. En ese paisaje, de residencias artísticas y problemas diminutos, Reichardt construye una historia graciosa y enternecedora que no deja de sentirse profunda e importante. El título ShowingUp nosrevelaelsecreto sobrelaconexiónhumana.Apesarde nuestros desencuentros lo más importante es estar ahí cuando realmentenosnecesitan. La radiografía del NYFF también reveló un interés por explorar perspectivas masculinas, algunas redentoras como Master Gardner , otras destructivas como Tár (sí, estoy consciente de que la protagonista es una mujer). Y a su vez el festival también sirvió para detectar algunas de las problemáticas sociales que están en nuestra consciencia colectiva.

12.

La grotesca disparidad económica encontró lugar en la brutal sátira de Ruben Östlund, parte disección antropológica del mundo de los super ricos, parte reflexión sobre la naturaleza del poder en el mundo humano y parteejercicio fantásticode justicia divina. Triangle of Sadness es untrípticoridículo,atrevidoyexcesivo que reventó a la audiencia en carcajadas durante su proyección en Toronto.Elexcesoenelquevivensus protagonistas encuentra su igual en la propuesta estética y narrativa de Östlund, quién está d ispuesto a llevar al límite sus Rolling gags y el absurdo de las circunstancias. Es una película meticulosamente concebida y magistralmente actuada que trae a la mesa desde la ligereza un análisis mordazdenuestrahumanidad.

13.

Otra historia que aborda meticulosamente las estructuras de poder con una brocha más delgada, pero creando un efecto igual de monumental es Tár. La película que rompió el paréntesis de 16 años que tomó Todd Field para dirigir su nuevo largometraje. La historia nos invita a seguir la estrepitosa caída de gracia de una afamada y renombrada conductora interpretada con una terrorífica magnificencia por Cate Blanchett en un papel que seguramente le acumulará múltiples nominaciones. Tár esunapelículaque juega con nuestra empatía constantemente, empezando nos ofrece una mujer homosexual triunfando en un ámbito normalmente reservado para los hombres, pero la admiración y la atracción inicial se va empantanando a medida que se revelaelmonstruodetrásdelgenio.

No hace falta decir que la música juega un rol protagónico en la narración, pero el diseño sonoro es quizá uno de los atributos narrativos más exquisitos de la obra. En particularlaformaenseutilizanciertos ruidos para dejarnos entrever una capa del personaje que se mantiene oculta bajo su grandilocuencia. Sonidos fantasmales a los que ella no logra encontrarles origen ¿Será una culpa ounmiedomacbethiano que se está colando entre las fisuras? Tár no ofrece respuestas fáciles, por el contrario, la película es una constante estira y afloje en el que como espectadores flotamos entre la atracción y el horror. Una joya imperdible que hay que ver en la pantallagrande. PD: Para los clavados, y para que se denunaideadelaprecisiónconlaque se construyeron las escenas, el director Todd Field comentó durante su conversatorio que cada personaje se mueve en escena a su propio tempo, Cate trota a 120 bpm mientras laenigmáticachelistaSophiecaminay hablaa60bpm.

14.

Si el personaje de Tár es irredimible, el jardinero que protagoniza la nueva película de Paul Schrader es evidencia de lo contrario. Master Gardner es una nueva versión del personaje que Schrader creó en Taxi Driver yhavenidoreinterpretandoalo largodesucarrera:Ellobosolitarioen busca de redención. Master Gardner puede ser atractiva para el fan asiduo deSchraderoparaquienesnuncahan visto una de sus películas, pero sin dudapalidecefrenteaotrasversiones de sí mismo (First Reformed, Light Sleeper). Master Gardner se siente comounaprimeraversióndeunguion que todavía necesita trabajo: hay un planteamiento interesante pero la resolución no llega a ser realmente satisfactoria, en gran parte por la debilidad de su antagonista y lo chata que resulta la transformación de su protagonista que desde que empieza yasehueleredimido.

15.

Cristian Mungiu también utiliza como protagonista a un hombre solitario, pero a diferencia del personaje de Schrader, este es un personaje dividido. Bruto y dócil a la vez; un hombre que intenta surcar el mundo sin una postura política, que busca congraciarse con su antigua amante, perosincomprometerse. R.M.N es el acrónimo de resonancia magnética en rumano. Un título apropiado para una película que conserva la precisión antropológica quecaracterizaelcinedeMungiu.

Según cuenta Cristian, la película brotadeuneventoqueseconvirtióen noticianacionalenRumaniaenelaño 2020, en el que la gente de un pueblo se juntó para pedir que expulsaran a los trabajadores inmigrantes recién contratados por una panadería. Mungiu teje su historia alrededor de este suceso, los personajes son la máquina de resonancia a través de la cual nosotros examinamos el comportamiento humano del pueblo, un proceso que nos deja con más preguntasquerespuestas. En una extraordi naria toma que se extiende por 17 min utos, observamos como moscas en la pared una discusiónentrelagentedelpueblo,de un lado quienes defienden a los inmigrantes (una minoría) y del otro quienes los quieren expulsar (la mayoría, muchos de ellos inmigrantes también). Son 17 caóticos minutos en los que se interrumpen unos a otros, donde se presenta la xenofobia que corroe al pueblo, pero también los límitesdelademocracia. Algo realmente interesante en la propuesta narrativa de R.M.N, es que frente al origen factual y casi periodístico se mezcla una serie de elementos mágicos y misteriosos. Siempre por debajo de la anécdota realista y sin llamar demasiado la atención, pero estos elementos transportan enriquecen la historia llevándola al reino de l o metafórico. Una película con muchas capas que ameritamásdeunvisionado. En suma, el NYFF presentó historias que reflejan la necesidad de cambios de paradigma que se respira en el ambiente.Seaentérminosecológicos (All That Breathes ), sea en el sistema de valores bajo el que crecemos (Armageddon Time ), o en nuestra capacidad de empatizar con aquellos que son diferentes ( The inspection ). Fueron dos semanas para recordar el valor de poder observar una película en la pantalla grande. Ya sea por su innovación técnica y narrativa (Decision to Leave, EO ) o por el contagio emocional que reverbera en una sala de cine con una actuación extraordinaria( The Whale).

Rankingdepelículasvistasdurante elNYFF60

Además de cubrir el Festival de Cine deNuevaYorktuvelaoportunidad de asistiralFestivalInternacionaldeCine de Toronto como espectador así que agregué algunas de las películas que meencontrépor alláyquenotuvieron estreno en la gran manzana. La numeraciónnoimplicaningúnorden./ Ennegritaslasfavoritas.

Imperdibles

Aquellas cuyos méritos narrativos y recursos cinematográficos generan una experiencia singular que las distinguedelresto 1. White Noise - EO - Tar - EO Eternal Daughter - Triangle of Sadness -

2. Aftersun - RMN - Alcarras Showing up - All the Beauty and the Bloodshed

3. All that breathes - The Whale ( TIFF) - BansheesofInisherin (TIFF)

Cautiva,peronoenamora:

Las que emocionanogeneran interés (algunas son muy buenas películas) pero se mantienen en un ámbito más convencional, son películas que cautivan, pero les falta algo para enamorar

1. The

inspection - Corsage - Unrest - Armageddon Time

2. A cooler climate - Sr. - Personality

Crisis - BonesandAll 3.CanyonPassage -Onefinemorning - IsThatBlackEnoughForYou? 4. The son (TIFF) - Broker (TIFF) HolySpider(TIFF)

SentimientosEncontrados:

Por momentos geniales, por momentos fallidas. Películas que me dejaron con una sensación ambigua entreelodioyelamor. 1.WalkUp - NovelistFilm - Acouple 2. No Fear No Die - No Bears - Fogo Fatuo

3. Decision to leave - Women Talking - MasterGardener

4. Godland (TIFF) - Empire of Light (TIFF) - TheKing’sHorseman(TIF F)

Lassalvas:

Películasque considero fallidasdepe a pa. Con pocos elementos rescatables.

1. The mother and the whore Drylongso - Scarlet 2. Saint Omer - Nanny (TIFF) Wendell&Wild(TIFF)