Arte en la
Edad Moderna Renacimiento Manierista Barroco Neoclรกsico
Renacimiento Italia había desarrollado durante toda la Edad Media producciones artísticas significativamente diferenciadas del resto de Europa Occidental, que, aunque se clasifican dentro del románico o del gótico, presentaran marcadas características propias, que suelen atribuirse a la pervivencia de la herencia clásica grecorromana y a los contactos con el arte bizantino, pero también en el denominado naturalismo romano. Además de los precursores literarios del Renacimiento (Dante, Petrarca y Bocaccio), escultores como los Pisano, pintores de la escuela sienesa (Duccio di Buoninsegna, Simone Martini).
En relación con el alto renacimiento de mediados del siglo XV, caracterizado por la experimentación sobre la perspectiva lineal, el alto renacimiento se caracterizó por la madurez y el equilibrio que se encuentra en el sfumato de Leonardo; en los volúmenes marmóreos de Miguel Ángel en los colores, texturas y el chiaroscuro de los venecianos o de las Madonnas de Rafael, que dan a la luz y a las sombras un nuevo protagonismo, junto a su característica morbidezza (suavidad, blandura) las pinturas se súper modificaron en cuanto a su compostura y estructura. Resumen Renacimiento es el nombre dado al amplio movimiento de revitalización cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes, aunque también se produjo la renovación en la literatura y las ciencias, tanto naturales como humanas. El Renacimiento es fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. El nombre Renacimiento se utilizó porque éste retomó los elementos de la cultura clásica. Además, este término simboliza la reactivación del conocimiento y el progreso tras siglos de estancamiento causado por la mentalidad dogmática establecida en la Europa de la Edad Media. El Renacimiento planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, el interés por las artes, la política y las ciencias, cambiando el teocentrismo medieval, por el antropocentrismo renacentista. Sin embargo, Vasari, había formulado una idea determinante, el nuevo nacimiento del arte antiguo, que presuponía una marcada conciencia histórica individual, fenómeno completamente nuevo en la actitud espiritual del artista. De hecho, el Renacimiento rompe, conscientemente, con la tradición artística de la Edad Media, a la que califica, con pleno desprecio, como un estilo de bárbaros, que más tarde recibirá el calificativo de gótico. Con la misma consciencia, el movimiento renacentista se opone al arte contemporáneo del Norte de Europa.
Arquitectura Arquitectura del Renacimiento o renacentista es aquella diseñada y construida durante el período artístico del Renacimiento europeo, que abarcó los siglos XV y XVI. Se caracteriza por ser un momento de ruptura en la historia de la arquitectura, en especial con respecto al estilo arquitectónico previo: el gótico; mientras que, por el contrario, busca su inspiración en una interpretación propia del arte clásico, en particular en su vertiente arquitectónica, que se consideraba modelo perfecto de las Bellas Artes. Lo que caracteriza este movimiento es la nueva actitud de los arquitectos, que pasaron del anonimato del artesano a una nueva concepción de la profesionalidad, marcando en cada obra su estilo personal. Se consideraban a sí mismos, y acabaron por conseguir esa consideración social, como artistas interdisciplinares y humanistas, como correspondía a la concepción integral del humanismo renacentista. Conocemos poco de los maestros de obras románicos y de los atrevidos arquitectos de las grandes catedrales góticas; mientras que no sólo las grandes obras renacentistas, sino muchos pequeños edificios o incluso meros proyectos, fueron cuidadosamente documentados desde sus orígenes, y objeto del estudio de tratadistas contemporáneos.
Características Escultura Elementos sustentantes: muros y columna. El elemento sustentante por excelencia es el muro. La columna siempre soporta arcos de medio punto. El estilo de capitel más empleado es el corintio y junto al el aparecen el dórico, jónico y compuesto. • Elementos sustentados: Se utilizan las bóvedas de arista o de cañón, aunque es la cúpula la solución más representativa ya sea para cubrir partes del edificio o el edificio entero. También se utilizan adinteladas tanto unas como otras suelen aparecer decoradas con casetones. • Materiales: Se utilizan el ladrillo el mármol, y aparejos menudos. Los sillares en algunos casos son almohadillados. Elementos decorativos: Destacan áureas (en forma de corona u orla de hojas de laurel), guirnaldas, amorcillos, grutesco (motivo decorativo compuesto por seres fantásticos con formas humanas vegetales y animales complejamente enlazados), candelieri (inspirado en la forma de los candelabros) y balaustradas. También son importantes los elementos arquitectónicos del arte clásico como frontones, entablamentos, etc. • Plantas: Desaparece la concepción medieval que se basa en una visión longitudinal hacia el altar mayor. Partiendo de una planta basilical se llega a las plantas centrales que son las más características a partir del cinquecentto. • Arquitectura religiosa: Se utiliza la planta longitudinal o central. El interior es ancho buscando la unidad espacial. Se propugna la pared la pared limpia y luminosa, sin vidrieras, con pequeñas ventanas que dejan pasar la luz natural. El exterior es muy cuidado buscando la belleza y el interés por el urbanismo. Arquitectura civil: Adquiere gran importancia con respecto a la religiosa. El palacio se organiza en torno a un patio y la fachada se articula en tres plantas separadas por cornisas y rematadas con una por una gran cornisa. Se utiliza sobre todo el aparejo de sillar almohadillado y se abren un gran número de ventanas
Escultura Aunque es presumible que la escultura renacentista se iniciará anteriormente que la arquitectura, comprende aproximadamente el mismo periodo, finales del siglo XIV hasta principio del siglo XVI. Sus pilares son los mismos que en la arquitectura, búsqueda en el arte clásico de la antigüedad, influencia del humanismo, que recuerda, era el movimiento filosófico de la época, que dejaba a un lado la imagen suprema de dios y por último fusión de elementos naturales. La escultura del renacimiento aparece con claridad en Florencia, que en aquel momento era el mayor centro cultural de arte de toda Italia y asunto vez un fuerte referente para Europa. La escultura en el Renacimiento tomó como base y modelo las obras de la antigüedad clásica y su mitología, con una nueva visión del pensamiento humanista y de la función de la escultura en el arte. Como en la escultura griega, se buscó la representación naturalista del cuerpo humano desnudo con una técnica muy perfeccionada, gracias al estudio meticuloso de la anatomía humana. En Italia convivieron por igual los temas profanos con los religiosos; no así en otros países como España y Alemania, donde prevaleció el tema religioso.
Características • La transición del Gótico al Renacimiento resulta menos brusca que en el caso de la arquitectura y de la pintura. Se pierde la integración escultura-arquitectura que venía existiendo y desaparece en buena parte la función que antes tenía la escultura de decorar y completar los edificios. *Materiales; se utilizan piedra, madera, terracota, bronce,… logrando con ellos gran perfección técnica. • Hay un gran interés por las texturas de las superficies, con acabados muy pulidos y tersos y en ocasiones muy expresivo. La luz iluminar de forma homogénea y el color no suele aparecer. • Se domina el volumen aunque existe un marco ilusorio de referencia y un punto de vista preferencial hasta el manierismo. El relieve tiene carácter pictórico y se ajusta a las leyes de la perspectiva lineal consiguiendo efectos de profundidad.
• Los esquemas compositivos son simples y geométricos, basados en la clara articulación y equilibrio. El movimiento se aprecia en el contrapuesto y en la tensión del movimiento en potencia, hasta la llegada del manierismo que utilizará las posiciones inestables. • La expresión es figurativa, naturalista e idealizada, con interés por la belleza formal basada en las proporciones y en la armonía. Se domina la representación del cuerpo humano y proliferan los tratados sobre las proporciones. El plegado de los paños mantiene la elegancia formal del gótico pero en el XVI evoluciona hacia una simplicidad monumental.. Se acentúa el naturalismo, la búsqueda de la representación de la realidad, el interés por el hombre, por su anatomía, así como un perfeccionamiento de los conocimientos y medios técnicos. • Los temas son el hombre y la naturaleza con un contenido religioso o profano (histórico, alegórico-mitológico) y se multiplican los retratos de todo tipo.
Pintura Pocas épocas en la historia han abarcado un espectro tan amplio de cambios en la sociedad como el Renacimiento. Fue una ola que empapó la raíz del pensamiento humano, así, se dieron cambios en arte, ciencia, filosofía, religión y sociedad. Comenzó en Italia a finales de la Edad Media (s. XV), se propago rápidamente por toda Europa y permaneció durante 2 siglos. Fue una contraposición total al oscuro periodo precedente, el gótico. A partir de ahora los artistas comenzaban a firmar sus obras y nacían grandes figuras, muchas de las cuales se consideran hoy en día maestros universales de la pintura. Secularmente se ha considerado a Italia como cuna del Renacimiento. En el caso español, y valenciano en particular, podemos afirmar que Valencia fue la primera receptora de las modernas corrientes pictóricas italianas. Esta primacía se debe a la llegada a esta ciudad de pinturas procedentes de allá y al desplazamiento o intercambio de artistas entre uno y otro país.
Manierista Manierismo. Perseo de Cellini. El manierismo es el nombre que se da al estilo artístico que se inicia en Italia en la tercera década del siglo XVI, y que se intuye en las últimas obras de Miguel Ángel y de Rafael (como en la Piedad Rondanini) Es el momento en que se pierde lo más propio del clasicismo y la belleza clásica: proporciones, armonía, serenidad, equilibrio. El manierismo es subjetivo, inestable. Los artistas se dejan llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción. Se prefiere, en escultura sobre todo, la línea o figura serpentinata, en que las figuras se disponen en sentido helicoidal ascendente. A la mitad del siglo XV, en Italia políticamente, fue un periodo de constantes luchas por el poder, cambios dinásticos, guerras e invasiones extranjeras. El centro y sur de Italia, que había sido el corazón del Imperio Romano era más pobre que el norte. Roma era una ciudad llena de ruinas, y los estados papales constituían una región pobremente administrada, con poco orden y legalidad. En parte a causa de ello, el papado se había trasladado a Aviñón un enclave católico en Francia. Nápoles, Sicilia y Cerdeña estaban bajo dominación extranjera. Las principales rutas de comercio con oriente pasaban a través del Imperio bizantino o las tierras árabes, y desde entonces por los puertos de Venecia, Pisa y Génova. Los artículos de lujo comprados en oriente, por ejemplo especias, tintes y sedas se importaban a estos estados italianos, para luego ser revendidas a toda Europa. A principios del siglo XVI, se inicia el movimiento de Reforma Protestante en un intento de transformar la iglesia cristiana buscando la revitalización del cristianismo primitivo, que fue apoyado políticamente por un importante grupo de príncipes y monarcas que “protestaron” contra una decisión de su emperador. Esta situación social, política y económica, caótica y turbulenta creó en los italianos un sentimiento de inestabilidad, desazón, incertidumbre, confusión e inseguridad. Ya no se podía sostener la ficción de equilibrio y estabilidad, en Italia dominaba un ambiente de catástrofe que pronto se expandió por todo Occidente. Como respuesta a lo que se vivía en esos años El Manierismo se caracterizó por una tensión deliberada, por su reacción contra lo clásico del Renacimiento; ante el equilibrio y la armonía que sostenía el renacimiento, el Manierismo establecerá los contrastes, la exageración y los extremos.
-Contraposición con los elementos clásicos basados en la belleza, la armonía y la unidad. Las obras manieristas son inestables, tensas y desequilibradas. Las composiciones son irregulares, con zonas muy vacías y otras muy llenas, y las figuras se representan como a punto de caer. - Se sustituyen los colores suaves por otros más fríos y ácidos. -Las tonalidades no siempre se corresponden con las reales de los objetos representados. -Tendencia a la monumentalidad. - Los escultores dan dinamismo a sus obras a través de las líneas curvas y las formas serpenteantes. - Canon más alargado y figuras retorcidas. - Interés por el hombre y el cuerpo humano. Naturalismo y antropocentrismo. -Monumentalidad. -Tensión y abstracción en las formas en contraposición con los cánones clásicos. -Obras más pláticas y decorativas.
Temática Reverencia por los temas mitológicos. Salen por primera vez a lugares públicos. Ej. "Fuente de Neptuno", en la Plaza de la Señoría, y "Perseo" de Cellini, en la Loggia, Florencia. Y como vertiente opuesta se dan obras con una versión tragicómica, irónica de la mitología. Ej.: en el Palacio del Té, en Mantua, G. Romano realiza para F.Gonzaga una sala de cíclopes desbarrancados. Retratos aristocráticos. En ellos aparecen los detalles lujosos, sofisticados, los objetos extraños, nuevos elementos de la refinada vida cortesana como saleros, tenedores y otros cubiertos. Temas religiosos. Se desarrollan en forma cruenta, casi perversa, poniéndose el acento en temas como los martirios, la crucifixión. Hay referencias al sadomasoquismo, al incesto, la homosexualidad, las santas aparecen con carga erótica. Todo esto provocó la reacción de la Iglesia tras la Contrarreforma que prohibió este estilo en las Iglesias, aunque para entonces ya estaba agotado.
Temas femeninos. El desnudo femenino aparece como un objeto cortesano exquisito, de gran sensualidad. La mujer aparece como poco lúcida y complaciente. En todos los temas aparecen elementos contradictorios y fantásticos.
Arquitectura La arquitectura manierista es aquella fase de la arquitectura europea que se desarrolló entre 1530 y 1610, es decir, entre el final de la arquitectura renacentista y el comienzo de la barroca.1 El manierismo se desarrolló en Italia e influyo la arquitectura de buena parte de Europa. Por eso ayuda a conocer el contexto histórico del continente. A fines del siglo XV se desarrollan las grandes monarquías en España Francia y en Inglaterra. En 1493 Maximiliano I de Habsburgo llego a ser emperador del sacro imperio romano germánico mientras que Rusia encontró la unidad política bajo Iván III. Además, con el ascenso al trono francés de francisco I y la coronación de Carlos V. El escenario europeo un cambio radical con la anexión a España de Alemania y de otros territorios como Milán Nápoles y el Mezzogiorno. En Italia en 1527 se produjo el saco de roma por la obra de los lansquenetes. Este evento marca el comienzo del Manierismo. El estilo manierista, concebido inicialmente en Roma y en Florencia, se difundió rápidamente en la Italia septentrional, y luego al resto de Europa, donde los principios más genuinos del arte italiano de los siglos XV y XVI no fueron comprendidos plenamente, y la arquitectura renacentista se manifestó prevalentemente en su variante manierista.
Características El manierismo rechaza el equilibrio y la armonía de la arquitectura clásica, concentrándose más bien en el contraste entre norma y derogación, naturaleza y artificio, signo y sotobosque. De esta forma, la carga pierde su peso, mientras que el soporte no admite nada (por ejemplo, en la perspectiva del difunto Palazzo Branconio dell’Aquila en Roma, de Raffaello Sanzio, donde las semicolumnas de la planta baja se colocan en correspondencia). De los nichos del primer piso); el vuelo en perspectiva no termina en un punto focal, como en el Barroco, sino que termina en la nada; las estructuras verticales adquieren dimensiones excesivas y dan al complejo un equilibrio perturbador “oscilante”. Si en la arquitectura del Renacimiento las fábricas a menudo Denuncian su conformación interna incluso fuera (por ejemplo, destacando los cursos de cuerda, extradós y sofitos), las obras manieristas generalmente se alejan de esta tendencia, ocultando su estructura básica. La arquitectura manierista se caracterizó por trucos visuales y elementos inesperados que desafiaron las normas del renacimiento. Los artistas flamencos, muchos de los cuales viajaron a Italia y se vieron influenciados por los desarrollos manieristas de allí, fueron los responsables de la difusión de las tendencias manieristas en Europa al norte de los Alpes, incluido en el ámbito de la arquitectura. Durante el período, los arquitectos experimentaron con el uso de formas arquitectónicas para enfatizar las relaciones sólidas y espaciales. El ideal renacentista de la armonía dio paso a ritmos más libres y más imaginativos. El arquitecto más conocido asociado con el estilo manierista, y un pionero en la Biblioteca Laurentian, fue Miguel Ángel (1475-1564). Se le atribuye el invento de la orden gigante, una gran pilastra que se extiende desde la parte inferior hasta la parte superior de una fachada.
Pintura El término “manierista” proviene de la palabra italiana maniera (manera), los artistas pintaban a la manera de los grandes maestros del Alto Renacimiento (Leonardo, Miguel Ángel, Rafael) pero manteniendo su personalidad artística, dejándose llevar por sus gustos, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción. La pintura manierista es un estilo artístico que predominó en Italia desde el final del Alto Renacimiento (ca. 1530) y duró hasta alrededor del año 1580 en Italia, cuando comenzó a ser reemplazado por un estilo más barroco, pero el manierismo nórdico persistió hasta principios del siglo XVII por gran parte de Europa1 hacia el año 1610. Se inició en la Roma de los Papas Julio II y León X, y se difundió por el resto de Italia y de Europa. Contexto histórico. Dependiendo del relato histórico, el manierismo se desarrolló entre 1510 y 1520 en Florencia,2 Roma, o en ambas ciudades.3 Andrea del Sarto, que dominó la pintura florentina en el primer tercio del siglo XVI, aunque tiene elementos del Cinquecento como la composición piramidal o el esfumado leonardesco, tiene ya características manieristas como el cierto misterio de sus figuras y las difícil actitudes de las figuras representadas. Sus alumnos Jacopo da Pontormo y Rosso Fiorentino se encuentran entre los primeros puramente manieristas de Florencia; destacan por sus formas alargadas, poses en equilibrio precario, una perspectiva caída, ambientaciones irracionales y una iluminación teatral. Pontormo ejemplifica el manierismo con figuras alargadas y posturas formadas, en un ambiente misterioso; a él se debe una obra muy representativa del manierismo, especialmente por sus colores irracionales y su luz fría y poco natural: el Descendimiento de Cristo, 1528. Los centros manieristas en Italia fueron Roma, Florencia y Mantua. La pintura veneciana, en su escuela separada, siguió una vía independiente, representada en la larga carrera de Tiziano. Se caracteriza la escuela veneciana por su sensualidad y su cromatismo. Giorgione inició el nuevo estilo, con algunas obras que se podrían considerar manieristas por su artificiosidad y difícil interpretación, como su famosa Tempestad. El gran maestro de la pintura veneciana fue Tiziano, condiscípulo de Giorgione. Realizó cuadros religiosos como la Asunción de la Virgen, pero notables son también sus retratos como Carlos V a caballo en Mühlberg. Paolo Veronés pintó escenas religiosas enmarcadas en enormes arquitecturas clásicas que anticipan el barroco. Pero el único al que propiamente se puede llamar manierista, de todos los artista venecianos, es Tintoretto, influido por el color de Tiziano y la tensión, las posturas difíciles de Miguel Ángel. Su obra La última cena epitomiza el manierismo al situar a Jesús y la mesa fuera del centro de la habitación. Otros artistas venecianos de la época son Palma el Viejo, Paris Bordone, Sebastiano del Piombo,
Lorenzo Lotto y Jacobo Bassano. Una serie de artistas manieristas tempranos que habían trabajado en Roma durante los años 1520 huyeron de la ciudad tras el Saco de Roma en 1527. Conforme se dispersaron por el continente en busca de empleo, su estilo se expandió por toda Italia y Europa.7 El resultado fue el primer estilo artístico internacional desde el gótico. El estilo se desvaneció en Italia después del año 1580, conforme una nueva generación de artistas, incluyendo a los hermanos Carracci, Caravaggio y Cigoli, pusieron el énfasis en el naturalismo. Walter Friedlaender identifica este período como antimanierismo, del mismo modo que los primeros manieristas eran anticlásicos en su reacción frente a la pintura del Alto Renacimiento
- La ausencia de naturalismo en su representación de la realidad; -Sus efectos visuales algo exagerados que se reflejan en colores llamativos y artificiales, iluminación poco natural, cierto desequilibrio, contraste, desproporción en las figuras -extremidades y rostros algo alargados, cabezas más bien pequeñasy adopción de posturas forzadas o complejas. - Tratamiento irreal del espacio - Predominio de la técnica imitativa; -Puesta en cuestión del ideal clásico de belleza y equilibrio del Alto Renacimiento; entre otros rasgos.
Escultura El manierismo es una tendencia estética que se inicia a finales del Renacimiento y se señala como transición al Barroco. Tuvo sus orígenes en las magistrales características escultóricas de la obra de Miguel Ángel, tales como el equilibrio estable entre la masa y el movimiento, sentido de la grandiosidad, facciones perfectas, gestos terribles y la perfección anatómica de la figura.
Características La monumentalidad también resalta el idealismo dramático las formas ornamentales y sinuosas también las formas buscan el desequilibrio y la tensión la liberación del culto de la belleza clásica. Contexto La escultura manierista. El hallazgo en roma en 1506 del grupo escultórico helenístico del laocoonte, significo un cambio en la escultura del momento. El mismo Miguel Ángel influido por la obra por la obra. Dio un giro a su producción artística dotando a sus esculturas de monumentalidad y de idealismo dramático, característica que siguió también la escultura manierista las formas ornamentales sinuosas que buscan el desequilibrio y la tensión, liberándose del culto de la belleza clásica, fueron otras características de la escultura manierista destacan como escultores además de Miguel Ángel Benvenuto Cellini y Juan de Bolonia o Giambologna.
Temática Hay preferencia por la figura “serpentinata”, contorsionada con artificio de formas que dibujan la ascensión helicoidal. Destaca Juan De Bolonia con la Fuente de Neptuno en Bolonia y el Rapto de las Sabinas. La tendencia al desgarramiento propio de este estilo aparecen en la exagerada musculatura de “Perseo con la cabeza de Medusa” de Benvenutto Cellini. Fue fundida en bronce de una sola pieza, lo que supone una enorme dificultas técnica.
Barroco Barocco o barroco era una palabra portuguesa que designaba a perlas de forma irregular. Por extensión, se dio despectivamente este nombre a las cosas defectuosas o de poco valor. En general, barroco sirvió para calificar todo lo que era desordenado y confuso. El Barroco fue un período de la historia en la cultura occidental originado por una nueva forma de concebir el arte y que, partiendo desde diferentes contextos histórico-culturales, produjo obras en numerosos campos artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura, música, ópera, danza, teatro, etc. Su punto de partida fue en Italia, Roma. De ahí pasó al resto de Europa, y llegó incluso a Rusia. A través de España, el barroco se difundió por toda América y alcanza su momento culminante en el siglo XVIII. Y es en la Europa occidental en donde se logra destacar principalmente, aunque debido al colonialismo también se dio en numerosas colonias de las potencias europeas, principalmente en Latinoamérica. El origen del barroco comenzó alrededor de 1600 en Roma, Italia y se extendió a la mayor parte del continente europeo. En la música, el barroco se aplica al período final de la dominación de limitativa contrapunto, donde las diferentes voces e instrumentos se hacen eco entre sí, pero en diferentes tonos, a veces invirtiendo el eco, e incluso llegan a revertir el material temático. Cronológicamente, abarcó todo el siglo XVII y principios del XVIII, con mayor o menor prolongación en el tiempo dependiendo de cada país. Se suele situar entre el Manierismo y el Rococó, en una época caracterizada por fuertes disputas religiosas entre países católicos y protestantes, así como marcadas diferencias políticas entre los Estados absolutistas y los parlamentarios, donde una incipiente burguesía empezaba a poner los cimientos del capitalismo.
Características • Su sentido del movimiento, la energía y la tensión. • Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de muchos cuadros, esculturas y obras arquitectónicas. • Una intensa espiritualidad aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas. • La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas; tanto en el renacimiento como en el barroco, los pintores pretendieron siempre en sus obras la representación correcta del espacio y la perspectiva. • El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada, con su personalidad propia. • Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes. • La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental. Influencias en la Edad Barroca La fama y el éxito del “grandilocuente” se anima por la Iglesia Católica Romana que se había pensado en el vencimiento del Concilio de Trento que las artes deben contar los argumentos religiosos en la participación directa y emocional. Barroco fue precedido por el Manierismo. En las pinturas, los gestos barrocos son más amplios que los gestos manieristas: menos ambiguo, menos arcano y misterioso, más como los gestos de la etapa de la ópera, una importante forma de arte barroco. Posturas barrocas dependen de (contrapeso), la tensión dentro de las cifras que mueve los planos de los hombros y las caderas en direccionamientos. Se hizo las esculturas parecen casi como si estuvieran a punto de moverse. Temas del barroco • • • • • • • •
La muerte. Las historias y leyendas. Religiosos. Amor. Filósofos. Doctrinales. Festivos. Desengaño
Arquitectura La arquitectura barroca aparece como la más importante de las artes, subordinando a las demás en un conjunto unitario. La arquitectura barroca es resumen y paradigma del espíritu de la "civilización del barroco". En ella se adoptan las líneas curvas frente a las rectas por generar aquéllas mayor dinamismo y expresividad. Las fachadas adquieren la máxima importancia pues en ella se suelen volcar los mayores empeños decorativos mediante numerosas cornisas y columnas griegas, romanas y salomónicas. Por el predominio de los elementos decorativos sobre los constructivos, se puede afirmar que el estilo barroco más que un estilo de arquitectura es una forma de decoración arquitectural. Las plantas de los templos también tienden a alejarse de las formas clásicas basadas en la línea recta, el cuadrado y la cruz y en muchas ocasiones se adoptan plantas circulares, elípticas o mixtilíneas. Esta libertad en las plantas arquitectónicas permite una mejor adaptación al lugar en que se va a erigir el edificio. Una de las preocupaciones del Barroco son los grandes recintos públicos urbanos. Es frecuente que en las ciudades más importantes se lleven a cabo plazas mayores de enorme superficie y suntuosidad. En España tenemos los ejemplos señeros de la Plaza Mayor de Salamanca y de la de Madrid. Hay tres variantes barrocas: • Barroco católico: Muestra a través de sus obras el triunfo de la Iglesia Católica sirviéndose del lujo y la riqueza. Pretende demostrar que la Iglesia es la representante de la fe verdadera. Se da en Italia, España y en el sur de Alemania. • Barroco absolutista: Triunfa en Francia y se sirve de medios similares a los de la Iglesia para expresar el poder del Estado. • Barroco burgués: Triunfa en los países protestantes (especialmente en Holanda). Destaca la pintura, de carácter intimista, con escenas de género y retratos que gustan a la clientela (burguesía).
Características • Dinamismo: Existe una tendencia a dotar a los edificios de movimiento, empleando líneas curvas: alternancia de líneas cóncavas-convexas, que dan lugar a fachadas alabeadas. Es una arquitectura que gusta de los fuertes contrastes: recta-curva, claro-oscuro, cerca-lejos en las perspectivas, etc. • Empleo de formas clásicas transformadas: Se siguen utilizando muchos elementos clásicos, pero con un tratamiento diferente: frontones quebrados, entablamentos quebrados, columnas clásicas, pero no adosadas, con volumen pleno y columnas salomónicas (muy dinámica, con fuste retorcido que asciende en sentido helicoidal), se prefiere el óvalo al círculo. • Abovedamientos cupuliformes: Se emplean bóvedas y cúpulas como cubiertas, pero es frecuente que las cúpulas sean ovaladas. • Profusión de elementos decorativos: Se emplean mucho los relieves que refuerzan el contraste ya citado de claro-oscuros. Tipos de edificios de la Arquitectura Barroca • Religiosos: iglesias. • Civiles: palacios, que se embellecen con jardines y fuentes. Tanto en las iglesias como en los palacios, el muro no marca el límite, ya que por medio de espejos o pinturas en las bóvedas se pretende ampliar ilusoriamente el espacio. Se concede gran importancia al urbanismo. El urbanismo tendrá un gran peso en el Barroco. Se valoran los efectos perspectivos en las ciudades, se crean espacios comunes en plazas colosales, surgen jardines concebidos con criterios urbanísticos. Plazas y fuentes, iglesias y palacios llaman la atención del espectador para emocionarlo y sorprenderlo. • El Primer Barroco En este período de comienzos del siglo XVII se construyen edificios con materiales pobres y de aspecto sombrío. Los centros principales en que se desarrolla el barroco son Madrid, Sevilla, Valencia, Toledo y Valladolid. • Segundo Periodo del Barroco o "Barroco Pleno" A medida que avanza el siglo XVII se percibe un progresivo camino de intensificación de la ornamentación recargada y la eliminación de elementos herrerianos.
Escultura La religión determinó muchas de las características del arte barroco. La iglesia católica se convirtió en uno de los mecenas más influyentes y la Contrarreforma, que quería combatir la difusión del protestantismo, contribuyó a la formación de un arte emocional, dramático y naturalista, con un claro sentido de propaganda de la fe. La temática tratada, por tanto, será casi exclusivamente religiosa. En España predominan las imágenes religiosas talladas en madera (imaginería) que posteriormente se policroman. Entre los trabajos más destacados están los retablos para altares de iglesias donde aparecen figuras exentas y en bajorrelieve. Los temas mitológicos y profanos están ausentes y sólo en el ámbito de la corte se da escultura monumental. La escultura Barroca cobra un papel decorativo en la composición general de la obra. En ellas destacamos su complicada estructura y dramática vivacidad. Las esculturas barrocas se distinguen por su gran movimiento y el dinamismo. Las imágenes muestran pasiones violentas, lentas y exaltadas. La valorización de aquellos motivos heroicos de la cultura renacentista injertos en la Contrarreforma y la pintura del Greco y de Caravaggio introdujeron nuevos contenidos religiosos y morales y contribuyeron a una radical renovación de la expresión figurativa.
Características • Predominan los temas religiosos. • Exaltación del realismo. Para ello utilizan postizos como pelo real, corona real, ojos y lágrimas de cristal, etc. Se llegaron a crear imágenes de vestir, en las que se realizaban con minuciosidad cabeza, manos y pies para vestirlas con ropa real. • El principal cliente de sus obras fue la Iglesia, y en segundo lugar la Corte. • Se produce la decadencia de la escultura funeraria. • Las obras decoran retablos, sillerías de coro y los famosos pasos de Semana Santa. • Utilizan la madera policromada como material preferido. Las figuras no son simples estereotipos, sino que se presentan de forma individualizada, con personalidad propia. Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones reflejadas en los rostros de los personajes.
Podemos hablar de la existencia de dos grandes escuelas: la castellana y la andaluza. • Escultura Barroca: la Escuela Castellana. Centrada en Valladolid y Madrid, presenta un realismo exagerado, patético, lleno de dolor y sangre, con un profundo dinamismo y unos rostros de gran expresión, pero sin caer en vulgaridades. Gregorio Fernández (1576-1639) De origen gallego, se instaló en Valladolid donde creó un taller con numerosos seguidores. A través de la anatomía intenta revelar la vida interior de sus personajes. Las cabezas son enormemente expresivas. Los ropajes, de formas quebradas y ricas en claroscuro, intensifican su expresión. En la larga serie de Cristos Yacentes se aprecia la evolución de su estilo, transformando las dulces formas manieristas en otras más naturalistas. Ejemplo, El Cristo Yacente del Pardo. El Cristo de la Luz de la capilla de la Universidad de Valladolid muestra ya un gran realismo dramático. • Escultura Barroca: la Escuela Andaluza Se extiende por Sevilla, Granada y Málaga. Huye del realismo exagerado buscando la belleza sin rehusar del contenido espiritual. El realismo se idealiza predominando la serenidad y las imágenes bellas y equilibradas con un modelado suave. Juan Martínez Montañés (1568-1694) Su producción es casi toda religiosa. Su talla está bien modelada, sus ropajes voluminosos dan grandiosidad a la imagen y concede gran importancia a la anatomía. La obra que revela su verdadera personalidad es El Cristo de la Clemencia en la catedral de Sevilla. Sin excesivo dramatismo, con poca sangre y aún vivo, mira hacia abajo en actitud de conversar con el devoto. Responde al crucifijo con dos clavos en los pies, pero para evitar demasiada simetría, las piernas aparecen cruzadas.
Pintura El siglo XVII es por excelencia el Siglo de Oro de la pintura española, y en él florecieron la mayor parte de las escuelas artísticas nacionales, siendo la valenciana una de las más fecundas. Su clientela eclesiástica y conventual promoverá aparatosos lienzos de altar, en los que triunfa de manera portentosa la gloria de los santos, representados con óptica naturalista y conmovedores efectos de luz. El predominio del tenebrismo naturalista de influencia italiana había empezado tímidamente en El Escorial, y llega a Valencia de la mano de Francisco Ribalta, quien iniciará una escuela particularmente definida tras su establecimiento en esta capital en 1599. Su producción pictórica es toda una lección del ambiente escurialense con evocaciones de Cambiaso, Zuccaro, Tibaldi, pero en Valencia evoluciona hacia un arte de profundo sentimiento religioso motivado por la contemplación de los cuadros de Sebastiano del Piombo que tenía la familia Vich, como se observa en el Encuentro del Nazareno con su madre. Uno de sus mejores logros naturalistas es San Francisco abrazado al crucificado, en el que una luz dirigida contribuye al arrobo místico y fervorosa entrega del franciscano; y el prodigioso Retablo de la Cartuja de Portacoeli, realizado entre 1625-28, del que llama la atención la monumental apostura de los modelos naturalistas, destacando el San Bruno por su intensidad expresiva.
Características • Las formas son voluptuosas y exageradas y las figuras cobran expresividad y, envueltas en mórbidas telas, se abrazan las unas a las otras en actitudes patéticas y dramáticas, a veces, incluso imposibles. • Se busca representar la realidad mediante un acentuado naturalismo, recurriendo para ello incluso a lo feo o viejo. • El color se convierte en el principal protagonista de la pintura, dejando definitivamente al dibujo en un segundo plano. Los contornos se esfuman en rápidas pinceladas. • El tenebrismo Hegemonía de la luz en las composiciones, creándose el espacio mediante el extremo contraste del claroscuro, el tenebrismo. • El dominio de la tercera dimensión, del volumen y la profundidad, es absoluto. • Durante el Barroco la técnica protagonista es la pintura al óleo sobre lienzo. • Pero también fue de una importancia capital el desarrollo de la pintura decorativa al fresco, con la que se cubría gran monumentalidad y grandiosidad la arquitectura, principalmente las bóvedas.
• Los temas favoritos deben buscarse en la Biblia o en la mitología grecorromana; también es el momento de esplendor del retrato; además se desarrollan otros temas nuevos, como el paisaje, ahora como género completamente independiente, las marinas, los bodegones y naturalezas muertas. • Es la época del hedonismo de Rubens, con sus cuadros alegóricos de mujeres regordetas luchando entre robustos guerreros desnudos y expresivas fieras, de los excelsos retratos de Velázquez, del realismo y el naturalismo absoluto de Caravaggio y de Murillo, del dramatismo de Rembrandt, etc. • El Barroco, en suma, dio grandes maestros, que si bien trabajaron según distintas fórmulas y a la búsqueda de diferentes efectos, coincidieron en un punto: liberarse de la simetría y las composiciones geométricas precedentes, en favor de la expresividad y el movimiento. Los géneros • Pintura religiosa Para Francisco Pacheco el fin principal de la pintura era persuadir a los hombres a la piedad y llevarlos a Dios. De ahí el aspecto realista que adoptará la pintura religiosa de la primera mitad del siglo y la rápida aceptación de las corrientes naturalistas, al permitir al fiel sentirse formando parte del hecho representado. • Los géneros profanos Se desarrollaron en España otros géneros, además con unas características propias que permiten hablar de una Escuela Española: el bodegón y el retrato. Quedó definido como un género de composiciones sencillas, geométricas, de líneas duras.
Neoclásico El Neoclasicismo fue un movimiento estético y artístico, de los primeros movimientos revolucionarios que sacudieron a toda Europa a partir de mediados del siglo XVIII y hasta el siguiente siglo. Surgió con el pensamiento de oponerse a la estética ornamental y recargadísima del movimiento Barroco, al que sucedió. Fue el final de los movimientos y representaciones artísticas de manera universales, decir, este estilo de arte afecto a todo el mundo y a todos los estilos de arte. Se podría decir que el arte neoclásico es un movimiento social, moral, filosófico e intelectual que está unido y enlazado a ideales ilustrados. Esta clase de arte se podía observar en todo el mundo pero este estilo de arte se asentó en Francia, principalmente en Paris, reemplazando a Roma como la nueva capital artística. Se caracterizaba por fundarse con la cultura clásica y es por esto por lo que todos los artistas del neoclasicismo intentaban inspirarse con la arquitectura antigua. Además el objetivo de este tipo de arte era representar los sentimientos y el movimiento, un arte absolutamente pensado y racional, con reglas y muy sencillo y que se propone imitar al arte griego, romano y renacentista. El arte Neoclasicismo supone coherencia con las nuevas ideas, absolutamente contrarias al arte medieval y todo aquello que estuviese en relación con el Antiguo Régimen. En lo que llamamos arte Neoclasicismo hay que distinguir dos corrientes: Una primera que responde a pura reacción estética contra el barroco, intentando buscar la desnudez en lo que el barroco encubría y ocultaba, aunque sigue atado a la exaltación del poder, como el barroco. La otra corriente responde a los postulados ilustrados: funcionalidad, racionalidad, claridad… símbolo de una nueva sociedad que está en ciernes.
Características • Los modelos en este estilo de arte son claramente grecorromanos: frontones, columnas, cúpulas, prefiriendo el estilo dórico griego para realzar la severidad, la solidez y la horizontalidad. • Se utiliza el estatismo, que es utilizar un ritmo muy pausado frente al movimiento de las curvas y contra curvas. • Es un arte comprometido con la problemática de su tiempo. Los arquitectos buscan lo funcional contando con el desarrollo social • Los escultores se definen con el retrato, porque es un modo de analizar y aclarar la relación entre la naturalidad y la sociabilidad de la persona, entre el sentimiento y el deber. • Se acompaña la transformación de las estructuras sociales con la transformación de las costumbres. • Los artistas usan una nueva técnica, la de proyectar, la realización es la traducción del proyecto mediante instrumentos operativos. • El arte neoclásico cumple una tarea de educación cívica, en lugar de antigua función que era la religiosa. El artista ya no aspira al privilegio del genio, sino al rigor de lo teórico; los proyectos son realizables. • Esta época indicó el momento en que lo se separó la tecnología de la producción artesanal. • El arte neoclásico se sirve: del principio de la correspondencia de la forma con la función estética que en arquitectura; del estudio de la resistencia de los materiales en las artes figurativas y de la base de todo dibujo. • Se reduce a lo esencial, no da lugar a crear interpretaciones. • A la función narrativa se le añadió una intención moralizante. • Los temas utilizados son los dioses mitológicos que se alzan imponentes por encima de los mortales. Los héroes aparecen victoriosos. • Los personajes históricos son pacientes, sobrios y abnegados. Son ejemplos morales de conducta. • El paisaje se pone de moda: parajes con restos arqueológicos reales, en especial se quiere recrear las vistas de ciudades con recreaciones costumbristas.
Arquitectura Puede ser clasificada como una ramificación de las artes morales y sociales. Por esta razón, destacan las construcciones y edificios que tiene como fin poder mejorar la calidad de vida humana como por ejemplo los teatros, bibliotecas, museos, parques, hospitales, entre otros edificios que tiene una naturaleza monumental. Esta nueva tendencia hace que se rechace el. Con este nuevo desarrollo se crean nuevas ideas y movimientos entre ellos destacamos la crítica que defiende la funcionalidad que tienen dichas construcciones y además defiende también la necesidad de construir un edificio que no solo sirva para decorar el entorno sino que además sea constructivo y con una oficio practico y fundamental. Todas estas nuevas ideas crean una nueva imagen e idea de la arquitectura, es decir, la arquitectura de verdad es aquella que se construye con sentido común. Sin embargo, durante el periodo neoclásico aparecieron unos nuevos arquitectos denominados como utópicos, innovadores e idealistas que pasaron a representar las construcciones basándose en las formas geométricas. Estos grupos traen como consecuencia una tercera clasificación de arquitectura llamada “arquitectura pintoresca” en el siglo XVIII.
Escultura La escultura neoclásica se trabajaba, principalmente con varios materiales pero el más destacado siempre fue el mármol blanco, no eran demasiado llamativas ya que querían darle un aire de esculturas con gran antigüedad y por ello lo que destacó de la escultura neoclásica fue la sencillez y la tranquila belleza que tenían sus obras. Los temas más destacados de la escultura en estos siglos fueron el desnudo y el retrato que tomó un importante lugar en la escultura neoclásica.
Pintura Entre la pintura neoclásica podemos destacar a un gran artista llamado Jacques-Louis David, tanto este artista como otros pintores intentaban imitar imágenes de la revolución y realzaron los mitos romanos. La luminosidad estructural y el dominio del dibujo son las principales características de la pintura neoclásica.
Recursos
Renacimiento Arquitectura http://www.arteguias.com/arquitecturarenacimiento.htm http://www.venecia.es/arquitectura-y-arte/ https://destinoinfinito.com/20-piezas-arquitectura-del-renacimiento/
Escultura http://apuntes.santanderlasalle.es/arte/renacimiento/escultura/escultura_renacentis ta.htm https://www.mecd.gob.es/mnescultura/visita/coleccion-visitable/renacimiento.html https://youtu.be/Ep624G8zI5Y
Pintura
http://www.cult.gva.es/mbav/data/es0402.htm https://www.youtube.com/watch?v=hIGzHYGRItk http://www2.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2010/Ghirlandaio/
Manierista Arquitectura http://monica-arq.blogspot.com/2012/03/arquitectura-manierista.html http://www.arteespana.com/manierismo.htm https://www.youtube.com/watch?v=2nXa2HQnOqM
Escultura
http://www.epapontevedra.com/arte/Comentarios/La%20Escultura%20manierista. htm https://es.slideshare.net/Fabiana157/el-manierismo-en-la-pintura-escultura-y-arqui tectura https://www.youtube.com/watch?v=08jFLosFLic
Pintura
https://www.youtube.com/watch?v=gK7Yxh27Fpc https://kuaest.enl.plus/2013/01/caracteristicas-pintura-manierista.html https://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_manierista#Referencias
Barroco Arquitectura http://www.arteguias.com/arquitecturabarroca.htm http://piazzarotonda.blogspot.com/2014/03/el-arte-barroco-contexto-historicoy.html
Escultura https://es.slideshare.net/Muchoarte/tema-la-escultura-barroca https://www.youtube.com/watch?v=Qn11ugfBr40
Pintura http://mib.puebla.gob.mx/es/ Museo Internacional del Barroco. Puebla ciudad del conocimiento y metrรณpoli cultural, vuelve a ser la capital del Barroco https://www.prague.eu/es/objeto/lugares/358/klementinum?back=1 Biblioteca barroca de Praga https://www.disfrutapraga.com/monasterio-strahov El Monasterio de Strahov
Neoclรกsico Arquitectura
https://www.youtube.com/watch?v=weIBFUhs_Ko https://www.youtube.com/watch?v=AA8R9FScvQk https://www.youtube.com/watch?v=Uq2KjOuVXvE
Escultura
https://www.youtube.com/watch?v=VfpXNTrrKFw https://www.youtube.com/watch?v=CYMnpx8oI6s https://www.youtube.com/watch?v=GtBNyBxpQ7Q
Pintura
https://www.youtube.com/watch?v=NitqHN0dd50 https://www.youtube.com/watch?v=_6QzCbnJRBk https://www.youtube.com/watch?v=YBoDHUFnoAc
Ă lbum
Arte en la
Edad Moderna Renacimiento Manierista Barroco NeoclĂĄsico
Renacimiento Arquitectura
Nombre: El castillo Johannisburg Ubicación: Londres Autor: Georg Ridinger Año: 1605-1614
Nombre: Castillo de Kronborg Ubicación: Helsingor, Dinamarca Autor: Rey danés Frederik II Año: 1574-1585
Nombre: Palacio Radziwill Ubicación: casco Antiguo de Vilna Autor: Jan Ullrich Año: 1635-1653
Nombre: Biblioteca Marciana Ubicación: Venecia Autor: Jacopo Sansovino Año: 1537-1553
Nombre: Castillo Krasiczyn Ubicación: Krasiczyn, Polonia Autor: Galleazzo Appiani Año: 1580-1631
Nombre: Castillo de Rosenborg Ubicación: Copenhague, Dinamarca Autor: Hans Van Steenwickel Año: 1606-1624
Nombre: Castillo Gripsholm Ubicación: Mariefred, Sodermanland, Suecia Autor: Henrik Von Collen Año: 1537-1585
Nombre: Castillo Baranow Sandomierski Ubicación: Voivodato de Subcarpacia, Polonia Autor: Santi Gucci Año: 1591-1606
Escultura Título: Bartolomeo Colleoni Autor: Verrocchio Material: Bronce
Título: La Venus de Milo Autor: Alexandros of Antioch Dimensiones: 211 cm de alto Ubicación: Grecia
Título: El David Autor: Miguel Ángel Dimensiones: 4 metros de altura Material: Mármol blanco
Título: Rapto de las Sabinas Autor: Flandes Giambologna Material: Mármol blanco
Título: El Pensador Autor: Auguste Rodin Año: Siglo XIX Material: Bronce
Título: Camafeo Año: Siglo XVI Material: Ágata blanca
Título: La Piedad Autor: Miguel Ángel
Título: Moisés Autor: Miguel Ángel Año: 1513-1515 Material: Mármol blanco
Pintura Título: La Virgen del huso Año: 1501 Autor: Leonardo Da Vinci Técnica: Óleo
Título: La Verónica Año: 1580 Autor: El Greco
Título: El nacimiento de Venus Año: 1484-1486 Autor: Sandro Botticelli Ubicación: Galería Uffizi, Florencia
Título: Adán y Eva Año: 1504 Autor: Alberto Durero Ubicación: Museo de Prada
Título: La Mona Lisa Año: 1503-1519 Autor: Leonardo Da Vinci Ubicación: Museo del Louvre, París
Título: Madonna Sixtina Año: 1512 Autor: Rafael Sanzio Técnica: Óleo
Título: La Vista de Toledo Año: 1604-1614 Autor: El Greco Técnica: Óleo
Título: El Expolio Año: 1577-1579 Autor: El Greco Ubicación: Catedral de Toledo
Manierista Arquitectura
El Palacio del Té (en italiano: Palazzo del Te o Palazzo Te) Es un palacio en las afueras de Mantua, Italia.
Castillo de Santa Fe. Ubicación. Francia Fecha de construcción 1519-1539
Palacio de Louvre París, Francia
Casa de banquetes Ubicación. Londres Fecha de construcción. 1622
Dirección: Corso Vittorio Emanuele II, 141, 00186 Roma RM, Italia Inicio de la construcción: 1532 Inauguración: 1536 Estilo arquitectónico: Arquitectura manierista Función: Palacio
La iglesia del Gesù situada en la plaza del Gesù en Roma, es la iglesia madre de la Compañía de Jesús, conocida como los jesuitas, una orden de la Iglesia católica. Wikipedia Dirección: Via degli Astalli, 16, 00186 Roma RM, Italia Estilo: Fachada de Giacomo della Porta precursor del barroco Estilos arquitectónicos: Manierismo, Arquitectura del Barroco, Estilo manierista
La Villa Julia es una villa en Roma, Italia. Fue construida por el papa Julio III entre los años 1550 y 1555 en lo que era en ese entonces los límites de la ciudad. Wikipedia Inauguración: 1553 Estilo arquitectónico: Estilo manierista Inicio de la construcción: 1551 Función: Museo
El Palacio Marino, situado en la plaza de la Scala en Milรกn, es la sede civil de la administraciรณn municipal milanesa desde vel 9 de septiembre de 1861. Wikipedia Direcciรณn: Piazza della Scala, 2, 20121 Milano MI, Italia Estilo arquitectรณnico: Estilo manierista
Escultura Perseo con la cabeza de Medusa Artista: Benvenuto Cellini Dirección: Piazza della Signoria, 2r, 50122 Firenze FI, Italia Dimensiones: 3,20 m; (5,20 m con el pedestal) Período: Manierismo Género: Arte cinético
El rapto de Proserpina Artista: Gian Lorenzo Bernini Ubicación: Galería Borghese Material: Mármol Período: Manierismo Fecha de creación: 1621–1622
Leda con el cisne Tipo: Escultura Año: De un original del escultor Timotheos (360 a.C.) Material y técnica: Mármol Tamaño: cm 132
La fuente de Neptuno (fontana del Nettuno en italiano) es una fuente monumental que se encuentra en Bolonia en la Piazza del Nettuno, adyacente a la Plaza Mayor. Debido a sus muchas dimensiones, los boloñeses la llaman afectuosamente el Gigante
Mercurio Se trata de una encantadora escultura realizada en bronce en el año 1567 por el artista Jean de Bologne, un escultor de origen flamenco que hizo prácticamente toda su carrera artística en Italia, donde era conocido como Giambologna o Giovanni da Bologna.
Salero de Francisco I de Francia (en Viena se le llama por su nombre italiano, Saliera) es una obra de Benvenuto Cellini, que forma parte de la colección de artes decorativas del Kunsthistorisches en Viena. Sus dimensiones son 26 centímetros de alto y con una base de alrededor de 33,5 cm de ancho.1 Está realizado con marfil, oro y esmalte.
La estatua ecuestre de Cosme I de Médici es una obra de Giambologna situada en la Piazza della Signoria en Florencia. Artista: Juan de Bolonia Dirección: Piazza della Signoria, 50122 Firenze FI, Italia
Samson Slaying a Philistine Artista: Juan de Bolonia Fecha de creación: 1562–1562 Períodos: Renacimiento, Manierismo
Pintura Virgen del cuello largo Artista: Parmigianino Período: Manierismo Ubicación: Galería Uffizi Fecha de creación: 1534–1535 Autor: Parmigianino, 1534-1540 Tema: María, Madonna, Niño Jesús
Susana y los viejos Artista: Tintoretto Período: Manierismo Fecha de creación: 1555 Género: Arte cristiano Autor: Tintoretto, 1560-1565 Técnica: óleo sobre lienzo
El descendimiento de la cruz. Artista: Rogier van der Weyden Tema: Descendimiento de Jesús Ubicación: Museo del Prado Fecha de creación: 1438 Género: Pintura de historia Materiales: Pintura al aceite, Pintura sobre tabla
El entierro del conde de Orgaz Artista: El Greco Tamaño: 4.8 m x 3.6 m Autor: El Greco, 1587 Material: Pintura al aceite Períodos: Manierismo, Renacimiento español Géneros: Arte cristiano, Pintura de historia
Cena en casa de Leví Artista: Paolo Veronese Tamaño: 5.55 m x 13 m Ubicación: Galería de la Academia de Venecia Tema: La Última Cena Material: Pintura al aceite Período: Manierismo
Vista de Toledo Artista: El Greco Tamaño: 48 cm x 43 cm Ubicación: Museo Metropolitano de Arte Material: Pintura al aceite Autor: El Greco, Hacia 1604-1614 Período: Manierismo
Adoración de los pastores Artista: El Greco Autor: El Greco, 1612 Género: Pintura de historia Material: Pintura al aceite Fecha de creación: 1612–1614 Períodos: Manierismo
Venus y Adonis Artista: Tiziano Autor: Tiziano, 1554 Género: Pintura de historia Ubicación: Museo del Prado Fecha de creación: 1553–1554 Períodos: Manierismo
Barroco Arquitectura
Real Monasterio de la Encarnación en Madrid, de fray Alberto de la Madre de Dios, 1611-1616. Arquitectos: Juan Gómez de Mora (1586–h.1648) y Fray Alberto de la Madre de Dios (1575–1635). Reforma de la iglesia por Ventura Rodríguez (1717–1785) entre 1755 y 1767.
Fachada de la catedral de Granada. El primer proyecto fue encomendado en 1506 a Enrique Egas que concibió un templo de estilo gótico, tomando como modelo la Catedral de Toledo. Las obras comenzaron, bajo la dirección del propio Egas, con la colocación solemne de la primera piedra el 25 de marzo de 1523.
La fachada barroca de la Universidad de Valladolid (España) Fue construida entre 1716-1718, bajo la dirección de los Padres del Convento del Carmen Descalzo, de Valladolid, siguiendo las trazas de Fray Pedro de la Visitación y que fue debida a la ampliación y reformas llevadas a cabo en el edificio de la Universidad al haberse quedado con poco espacio para sus necesidades. Concebida en dos cuerpos, está realizada con piedra caliza de la vecina población de Campaspero, presenta un marcado carácter horizontal, contrastado por la articulación en vertical de pilastras corintias, entre las que se sitúan amplios ventanales, que en el segundo piso quedan precedidos por una balconada corrida de hierro, obra de Francisco Núñez.
Catedral de Murcia. Construcción entre 1394 y 1465 con un estilo arquitectónico, gótico, renacimiento y barroco. La Santa Iglesia Catedral de Santa María, conocida como Catedral de Murcia, es el templo principal y sede de la Diócesis de Cartagena. Se encuentra en pleno casco antiguo de la ciudad de Murcia, en la Plaza del Cardenal Belluga. Consagrada en 1467, sufrió varios añadidos (como la torre-campanario) o reformas puntuales (nuevas capillas o fachadas) principalmente en los siglos XVI y XVIII, por lo que integra el estilo gótico original con añadidos renacentistas, barrocos y neoclásicos. Entre sus elementos arquitectónicos destacan la torre, de 93 metros de altura que la convierten en el tercer campanario más alto de España -el segundo si se incluyen solo catedrales; la fachada principal o imafronte, considerada como una obra maestra del barroco español; y las capillas de los Vélez, de Junterones y del Trascoro.
El Real Hospicio del Ave María y San Fernando. Es una construcción del siglo XVIII, obra de Pedro de Ribera, que destaca por su fachada barroca. En el siglo XX comenzó a utilizarse para exposiciones, lo que originó su reconversión en Museo Municipal, denominado hoy en día Museo de Historia de Madrid. Los orígenes del Hospicio pueden situarse en la labor del sacerdote Simón de Rojas, canonizado en 1988.
Catedral de Santiago de Compostela Cada una de las fachadas forma con sus respectivas plazas magníficos conjuntos urbanísticos. La barroca fachada del Obradoiro fue realizada por Casas Novoa en 1740; también barroca es la de Azabachería, obra de Ferro Caaveiro y Fernández Sarela y modificada por Ventura Rodríguez; la de Platerías, construida por el maestro Esteban en 1103.
Hospital de los Venerables (Sevilla) El hospital de los Venerables Sacerdotes de Sevilla (conocido popularmente como el Hospital de los Venerables) es un edificio barroco del siglo XVII que sirvió como residencia de sacerdotes, y que actualmente es la sede del Centro Velázquez, consagrado al famoso pintor Diego Velázquez. Está situado en la plaza de los Venerables, en el centro del barrio de Santa Cruz y muy cerca de los jardines de Murillo, la Catedral y los Reales Alcázares.
Cartuja de Granada El monasterio de Nuestra Señora de la Asunción, con nombre oficial, Real Monasterio de La Cartuja, situado en la ciudad española de Granada, comunidad autónoma de Andalucía. Albergó a una comunidad de monjes cartujos desde su fundación en el siglo XVI hasta la exclaustración del año 1835. Aunque mezcla diversos estilos, representa una de las cumbres de la arquitectura barroca española. Actualmente, está considerada como Bien de Interés Cultural fue declarado Monumento histórico-artístico perteneciente al Tesoro Artístico Nacional mediante decreto de 3 de junio de 1931.
Escultura "Apolo y Dafne" Obra realizada entre 1622 y 1625 por el maestro del barroco Gian Lorenzo Bernini (1598-1680). Esta obra forma parte junto a otras tres ("El rapto de proserpina", "David" y "Eneas y Anquises") de un encargo que le realizara el cardenal Scipione Borguese. Bernini, al igual que lo fuera Miguel Ángel buonarroti durante el siglo anterior, será el maestro indiscutible de la escultura barroca italiana a lo largo del siglo XVII además de arquitecto realizando la mayor parte de su obra al servicio del Papa. La obra, un grupo escultórico exento compuesto por dos figuras está realizado en mármol. Para ello Bernini utilizó varios bloques renunciando a la concepción escultórica renacentista según la cual la escultura debía realizarse de un único bloque de mármol. Su temática mitológica demuestra que el gusto por los temas mitológicos que había renacido en Italia a partir del Quattocento continuaba vigente a lo largo del siglo XVII. El grupo escultórico formado por dos figuras, una masculina y otra femenina, plasma el mito recogido en la "Metamorfosis" de Ovidio, según el cual, el dios del amor Cupido, para vengarse de la ofensa que le había infringido Apolo burlándose de él, decidió vengarse lanzando dos dardos, uno que provocara el amor a primera vista y otro que provocara el rechazo, asaeteando con el primero a Apolo y con el segundo a la ninfa Dafne, hija del dios del río Peneo. Acosada por el amor de Apolo, Dafne huye despavorida y viéndose a punto de caer en brazos del dios pide protección a su padre quién la convierte en árbol de laurel. Apolo decidió, en honor a la joven, tomar la hoja de este árbol como su árbol sagrado.
"David" Esculpida por Gianlorenzo Bernini entre 1623-1624. Esta obra religiosa pertenece a la escultura barroca italiana. Representa al futuro rey David, uno de los personajes del Antiguo Testamento, en la escena en que derrota al gigante Goliat lanzando una piedra con una honda. A pesar de la temática cristiana, esta estatua, entre otras de temas similares, sirve para rescatar el tema clásico de los jóvenes atletas griegos, los kouros. En comparación con otras versiones pasadas del tema, como la famosa estatua el David de Miguel Ángel, se muestran cualidades paradigmáticas de la escultura del Barroco. Sobre la placidez clásica y renacentista, Bernini introduce emoción y dinamismo.
"Éxtasis de Santa Teresa" Su autor fue Gianlorenzo Bernini, maestro de la escultura barroca italiana (siglo XVII). El conjunto se encuentra en la capilla Cornaro en Santa Maria della Vittoria (1647-52), encargada por el cardenal Federico Cornaro, en la que al observador se le atrapa en medio de un juego de sugestivas relaciones, convirtiéndole en parte constitutiva del hecho artístico, en espectador activo de una representación viviente. El "fue el primero en emprender la unificación de la arquitectura, pintura y escultura de modo que juntas forman un todo magnífico"
“Pestsäule” La Pestsäule (original en alemán que significa 'columna de la peste') es una columna monumental dedicada a la Santísima Trinidadque se localiza en Graben, una calle de Innere Stadt en Viena. Levantada después de la gran peste de Viena de 1679, el monumento barroco es uno de los más conocidos del patrimonio arquitectónico de la ciudad austríaca. En 1679, Viena sufrió una de las últimas grandes epidemias de peste. Huyendo la ciudad, el emperador Leopoldo I juró levantar una columna votiva si la epidemia acababa. Ese mismo año, una columna de madera provisional fue hecha por Johann Frühwirth, mostrando la Santísima Trinidad sobre una columna de capitel corintio junto con nueve ángeles en representación de los nueve coros de ángeles. En 1683, Matthias Rauchmiller fue comisionado para convertirlo en un monumento de mármol pero a su muerte en 1686 sólo había dejado unas cuantas figuras de ángeles. Siguieron varios diseños nuevos, destacando Johann Bernhard Fischer von Erlach que diseñó las esculturas en la base de la columna. Finalmente, el proyecto fue asignado a Paul Strudel, que lo enfocó basándose en el trabajo del ingeniero de teatro Lodovico Burnacini Bajo la figura de la Trinidad, Burnacini ideó una nube piramidal con esculturas de ángel y con el emperador Leopoldo rezando arrodillado. Entre otros, los escultores Tobias Kracker y Johann Bendel trabajaron en la columna. La columna fue inaugurada en 1693.
“Piedad” La piedad de Gregorio Fernández es, sin ningún género de dudas, una de las mejores obras que mejor representa la tradición escultórica de época barroca en España. Fernández será el máximo exponente de esta tendencia realizando alguno de los trabajos más importantes del siglo XVII; sus esculturas invitan a la piedad y la contrición elementos básicos que la iglesia contrarreformista buscaba en las obras de arte de la época.
“Transparente de la catedral de Toledo” El Transparente de la catedral de Toledo es una obra escultórica realizada entre 1729 y 1732 por el escultor del período barroco Narciso Tomé (ayudado por sus hijos), nombrado arquitecto suplente en 1721 en esta catedral. El transparente se encuentra en el muro absidial de la catedral, en el trasaltar mayor.
“San Bruno” Figura de tamaño natural, que representa a San Bruno, de pie, vestido con el hábito blanco de la orden de La Cartuja, con una sencillez y austeridad absolutas. En su mano izquierda sujeta un libro y con la derecha sostiene un crucifijo al que mira fijamente. Destaca la magnífica cabeza realista así como el equilibrio volumétrico de las formas y el magnífico tratamiento de los pesados pliegues. El mínimo movimiento que registra esta obra viene provocado por la leve incurvación de la rodilla.
Fuente de los Cuatro Ríos La escultura de la Fuente de los Cuatro Ríos, se encuentra en la Piazza Navona de Roma (Italia) y fue ideada y cincelada por el escultor, arquitecto y pintor Gian Lorenzo Bernini en 1651 bajo el papado de Inocencio X, en plena época barroca, durante el periodo más prolífico del genial artista y cerca de la que en otro tiempo fue la Chiesa di San Giacomo degli Spagnoli La fuente se compone de una base formada de una gran piscina elíptica, coronada en su centro de una gran mole de mármol, sobre la cual se eleva un obelisco egipcio de época romana, el obelisco de Domiciano. Las estatuas que componen la fuente tienen unas dimensiones mayores que en la realidad y son alegorías de los cuatro ríos principales del mundo (el Nilo, el Ganges, el Danubio, y el Río de la Plata), cada uno de ellos en los continentes conocidos en la época. En la fuente cada uno de estos ríos está representado por un gigante de mármol.
Pintura La ronda de noche La ronda de noche o La ronda nocturna (en neerlandés: De Nachtwacht) es el nombre por el que se conoce comúnmente una de las más famosas obras maestras del pintor neerlandés Rembrandt, pintada entre 1640 y 1642. Este cuadro es una de las joyas de la exposición permanente del Rijksmuseum de Ámsterdam
Los discípulos de Emaús (Caravaggio, Londres) Es un óleo sobre lienzo pintado en 1602 por el artista italiano Michelangelo di Caravaggio. Tiene 140 centímetros de alto y 197 cm de ancho. Se conserva en la National Gallery de Londres. En 1606 el artista hizo una segunda versión del mismo tema, que se conserva en la Pinacoteca de Brera de Milán. Apolo y Marsias Apolo y Marsias es un cuadro del pintor español José de Ribera, pintado en 1637. Es un cuadro de temática mitológica con diversas versiones, algunas de ellas en el Museo Nacional de San Martino y en el Museo Arqueológico de Nápoles. En el cuadro se denotan los antecedentes caravaggistas de Ribera, como cierto tenebrismo y un naturalismo para describir el dolor y el sufrimiento rayando la crueldad. El cuadro está firmado abajo a la derecha (Iusepe de Ribera español, F, 1637).
Las meninas Las meninas (como se conoce a este cuadro desde el siglo XIX) o La familia de Felipe IV (según se describe en el inventario de 1734) se considera la obra maestra del pintor del Siglo de Oro español Diego Velázquez. Es una pintura realizada al óleo sobre un lienzo de grandes dimensiones formado por tres bandas de tela cosidas verticalmente, donde las figuras situadas en primer plano se representan a tamaño natural. Es una de las obras pictóricas más analizadas y comentadas en el mundo del arte.
Crucifixión de San Pedro (Caravaggio) Crucifixión de San Pedro (en italiano, Crocifissione di San Pietro) es una obra maestra del pintor italiano Caravaggio. Está realizado al óleo sobre lienzo y tiene unas dimensiones de 230 centímetros de alto por 175 de ancho. Fue pintada para la capilla Cerasi de la iglesia de Santa María del Popolo de Roma, Italia.
Niño con un cesto de frutas Niño con un cesto de frutas es un cuadro de Caravaggio datado en 1593, que se exhibe en la Galería Borghese de Roma. El cuadro muestra a un joven sosteniendo un cesto de frutas, en medio de un panorama tenebrista y desolado. El muchacho es sensual y con unos ojos negros vivos y penetrantes. Este cuadro fue alabado en su tiempo por su viveza y más tarde fue precursor de otros genios universales como Francisco de Zurbarán.
La vocación de San Mateo (Caravaggio) La vocación de San Mateo (en italiano, Vocazione di san Matteo) es un cuadro del pintor italiano Caravaggio. Está realizado al óleo sobre lienzo. Pertenece al ciclo de la Vida de san Mateo que le fue encargada en 1599 para decorar la Capilla Contarelli en la iglesia romana de San Luis de los Franceses, donde aún se conserva. Cuenta con un tamaño de 3.38m x 3.48m, el estilo de esta es el bien conocido como Barroco.
Muerte de la Virgen (Caravaggio) La Muerte de la Virgen (en italiano, Morte Della Vergine) es una obra maestra del pintor italiano Caravaggio. Está realizado al óleo sobre lienzo, en el año 1606, y se conserva actualmente en el Museo del Louvre de París, con el título de La Mort de la Vierge. El carácter monumental de esta pintura y su concepción fueron determinantes en el nacimiento de la escuela napolitana del Seicento. Se lo considera el cuadro más profundamente religioso del Seicento italiano. Su tamaño es de 369 cm x 245 cm. Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre, Paris, Francia.
Neoclásico Arquitectura
Arco del triunfo Inauguración: 1836 Localización: VIII Distrito, París, Francia
Museo del prado localizacion; Madrir, EspaĂąa
Iglesia de la Madeleine Paris, Francia
Panteón de París Estilo: Arquitectura neoclásica Inauguración: 1791 Localización: V Distrito de París Arquitecto(s): Jacques-Germain Soufflot
Teatro Degollado Estilo arquitectónico: Arquitectura neoclásica Arquitecto: Jacobo Gálvez Ubicado en la ciudad mexicana de Guadalajara
Palacio Pávlovsk País: Rusia Estilo arquitectónico: Arquitectura neoclásica Arquitecto: Charles Cameron
Walhalla. Arquitecto: Leo von Klenze Pais: Alemania
Palacio de MinerĂa Ciudad de Mexico
Escultura
Amor y Psique Antonio Canova (1.757-1.822).
Perseo Antonio Canova (1.757-1.822).
Tres Gracias Antonio Canova
"GanĂmedes y el aguila" Bertel Thordvaldsen (1.770-1.844)
Jason Bertel Thordvaldsen
Cristo Resucitado Bertel Thorvaldsen
BibliografĂa
Renacimiento
https://okdiario.com/curiosidades/2017/09/18/caracteristicas-renacimiento-133083 9 http://www.edu.xunta.gal/centros/iesblancoamorculleredo/system/files/EL+RENAC IMIENTO.pdf https://historiadelarteen.com/2014/10/22/el-renacimiento/
Manierista http://arushito.blogspot.com/2012/05/antecedentes-historicos-manierismo.html http://www.arteespana.com/manierismo.htm http://tom-historiadelarte.blogspot.com/2013/02/el-alto-renacimiento-y-el-manieri smo-el.html
Barroco https://musica-barroca.com/periodo/ http://html.rincondelvago.com/arte-barroco_2.html http://www.arteguias.com/arquitecturabarroca.htm
NeoclĂĄsico https://tiposdearte.com/arte-neoclasico-que-es/#Artistas_del_arte_Neoclasico
Presentan:
Edwin Alexander Javier Raymundo
JR172019
Samuel Elias Leiva Cruz Andrea Guadalupe MarroquĂn Paredes
LC171485 MP161695
Sandra Elizabeth Rivas Oporto
RO171182
4 de Julio 2018