Painting a Better Present. Pinturas de la colección Diezy7

Painting a Better Present Pinturas de la Colecci贸n Diezy7

Organizan / Organizers Autoridad Portuaria de Santander Dirección General de la Juventud del Gobierno del Gobierno de Cantabria Colabora / SPONSOR SWAB Feria de Arte Contemporáneo de Barcelona EXPOSICIÓN / Exhibition Comisaria / Curator Mónica Álvarez Careaga Coordinación / Coordination Carlos Limorti (APS) Transporte / Transport Mobibox Seguro / Insurance Axa Art CATÁLOGO / CATALOGUE Diseño / Design Carmen Quijano by AC2 Textos / Texts Leo Koenig Mónica Álvarez Careaga Traducciones / Translations Tom Skipp Babel Traducciones Fotografías / Photos Jorge Fernández Bolado Producción / Production AC2 Actividad Contemporánea www.alvarezcareaga.com Depósito Legal: SA-455-2009

Agradecimientos / Acknowledgments Joaquín Diez Cascón Marina Diez Cascón Leo Koenig

Painting a Better Present Pinturas de la Colecci贸n Diezy7

03.07.09 // 01.08.09 de martes a s谩bado de 18:30 a 21:30 h

index Presentaciones / Presentations Christian Manrique Valdor Eugenia Gómez de Diego

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Leo Koenig Arte en nuestras vidas / Art In Our Lives

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Mónica Álvarez Careaga

“Painting a Better Present”.

La pintura, el presente mejorado y el coleccionista / Painting, A Better Present and The Collector

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Obras / Works Merlin Carpenter Allison Cortson Hannah Dougherty Duvossarsky & Vinogradov Angelina Gualdoni Anton Henning Luo Brothers Paul Morrison Munteaun / Rosenblun Erik Parker Tal R Fiona Rae Lisa Ruyter Sophie Von Hellermann Christian Ward

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Biografías / Biographies

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Presentación Christian Manrique Valdor Presidente de la Autoridad Portuaria de Santander

Además de desarrollar y potenciar su función específica como motor de la economía y generador de riqueza para la región, el Puerto de Santander ha venido jugando en las últimas décadas un destacado papel como dinamizador del panorama cultural y artístico de la ciudad. Lo que en 1985 fue una actuación pionera dentro del conjunto de puertos españoles, reutilizar con fines culturales una instalación portuaria en desuso, se ha convertido en los últimos tiempos, unido al creciente interés por la arqueología industrial, en una práctica muy difundida. El Palacete del Embarcadero llegó en pocos años a convertirse en una sala de exposiciones de referencia, no sólo en los ambientes artísticos locales, sino también dentro del circuito internacional de arte contemporáneo.

A lo largo de este tiempo, la Autoridad Portuaria ha insistido en la política de apertura al ciudadano de su zona de servicio, y así al Palacete se han unido otros espacios no menos interesantes y representativos, tanto desde el punto de vista portuario como desde el urbanístico y arquitectónico: el dique de Gamazo, el faro de Cabo Mayor, la Estación Marítima o la Sala Naos.

Esta última puede considerarse una de las salas más atractivas y de mayores dimensiones de la ciudad, lo que facilita la programación en ella de exposiciones colectivas, colecciones y piezas de gran tamaño. En este singular espacio tiene lugar durante el verano de 2009 una serie de tres exposiciones producidas en colaboración con la Dirección General de Juventud y orientadas a mostrar la producción de artistas jóvenes, tanto de nuestra región como de fuera.

Entiendo que la apuesta por los jóvenes artistas emergentes de nuestra región, que por otro lado ha sido una de las señas de identidad de los proyectos culturales impulsados desde la Autoridad Portuaria, no sólo se debe materializar en la producción de muestras sobre sus trabajos concretos, sino también en acercar a ellos el trabajo de creadores de otras nacionalidades, que unen a su juventud una presencia relevante en los circuitos internacionales del mercado del arte. Tal es el caso de los que integran Painting a Better Present, la segunda de las tres exposiciones mencionadas, cuyo catálogo tengo el gusto de presentar, con doble satisfacción, ya que me brinda la ocasión de participar en la primera exposición organizada con una selección de esta extraordinaria colección del barcelonés Joaquín Diez Cascón.

Presentation Christian Manrique Valdor Chairman of the Santander Port Authority

In addition to developing and maximising its specific function as a driving force in the economy and a generator of wealth for the region, the Port of Santander has in recent decades played a prominent role as a catalyst in the city’s cultural and art scene.

The pioneering initiative of 1985 among Spanish ports as a whole of reusing a disused port installation for cultural purposes has in recent years, coupled with the growing interest in industrial archaeology, become a very widespread practice. Within a few years the Palacete del Embarcadero (the ‘Wharf Building’) became a leading exhibition hall, not just in the local art scene but also within the international modern art circuit.

During this time the Port Authority has persisted with its policy of opening its service area to the public and the Palacete has joined other no-less-interesting and representative spaces, both in terms of their port-related significance and from a town-planning and architectural point of view: the Gamazo breakwater, the Cabo Mayor lighthouse, the ferry port and Naos Hall.

The latter is one of the most attractive and largest halls in the city, ideal for hosting collective exhibitions and displays of collections and large pieces. Over the summer of 2009, this unique space will host a series of three exhibitions produced in collaboration with the Directorate-General for Youth and geared towards exhibiting the work of young artists, both from our region and elsewhere.

In my view, the commitment to young emerging artists in our region, which has in fact been one of the hallmarks of cultural projects kick-started by the Port Authority, must materialise not only in the production of exhibitions on their work, but also in the work of creators of other nationalities, who although young are a significant presence on the international art market circuits.

This is the case of those involved in Painting a Better Present, the second of the three exhibitions I have mentioned, the catalogue for which I have the pleasure of presenting with double the satisfaction, since it gives me the opportunity to take part in the first exhibition organised with a selection from the extraordinary collection of Joaquín Diez Cascón of Barcelona.

Presentación Eugenia Gómez de Diego Directora General de Juventud Gobierno de Cantabria

Como parte del programa cultural, fruto de la colaboración entre la Vicepresidencia del Gobierno de Cantabria y la Autoridad Portuaria de Santander, la Dirección General de Juventud fomenta otra iniciativa que viene a sumarse a las que vienen desarrollando ambas instituciones, de apertura de espacios de conocimiento y de entretenimiento cultural, físicos y virtuales, destinados a la ciudadanía más joven.

Muestra de ello son la cita con el arte musical y escénico en la Estación Marítima Show Hall o la apuesta mutua por involucrar a jóvenes creadores cántabros en la edición del catálogo ilustrado de la exposición, Cómics a Puerto que pudimos ver hasta enero de este año en el Palacete del Embarcadero o más recientemente, de la colectiva Zona Actual que reunía a jóvenes creadores cántabros por nombrar algunas.

A esto se suma las próximas propuestas en la Sala Naos, la individual de Juan López, uno de nuestros artistas cántabros con más proyección global y una muestra de creadores internacionales, Painting a Better Present que recoge esta publicación y nos acerca el arte más actual con una interesante colección que viene a completar desde esa necesaria perspectiva artística, la misión colectiva de seguir construyendo un presente mejor y un futuro mejorado entre todos y todas.

Y no puedo más que estar entusiasmada por seguir descubriendo y apoyando a las últimas generaciones de artistas cántabros que trabajan día a día por hacerse visibles. Nosotros como representación pública de la sociedad civil contribuimos a reforzar la difusión pública de su obra como recurso educativo, cultural y económico y a dar una plataforma estable a sus creaciones, imprescindibles para entender quiénes somos y cómo queremos convivir.

Presentation Eugenia Gómez de Diego General Director of Youth Cantabria Government

As part of the cultural programme resulting from the collaboration between the Vice-presidency of the Cantabrian Government and the Santander Port Authority, the General Directorate of Youth promotes another initiative which comes on top of those that the two institutions have been developing, focusing on opening cultural, physical and virtual learning and entertainment spaces aimed at the younger public.

These include the music and stage art at the Ferry Port Show Hall or the mutual commitment to involving young Cantabrian creators in publishing the illustrated catalogue for the Cómics a Puerto (‘Comics at Port’) exhibition, which we were able to see until January of this year at the Palacete del Embarcadero, or, more recently, the collective Zona Actual (‘Current Zone’) exhibition, which brought together young Cantabrian creators, to name just a few.

And there are more exhibitions on their way at the Sala Naos, such as the single-artist exhibition of works by Juan López, one of Cantabria’s best-known artists, and an exhibition of the works of international creators, Painting a Better Present, shown in this publication and bringing us the latest art with an interesting collection offered from that necessary artistic perspective: the collective mission of continuing to build a better present and future between us.

I could not be more excited about continuing to discover and support the latest generations of Cantabrian artists who work hard from day to day to make themselves visible. As a public representation of civil society, we contribute to strengthening the public dissemination of their work as an educational, cultural and economic resource and provide a stable platform for their creations, which are essential to our understanding of who we are and how we want to coexist.

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Arte en nuestras vidas Leo Koenig

En la primavera de 2004, mientras visitaba Barcelona con motivo de una exposición, tuve la oportunidad de encontrarme con Joaquín Diez Cascón, un coleccionista con el que había coincidido durante años en varias ferias de arte. Su persistente sonrisa y su alegría siempre habían provocado mi curiosidad, pero la barrera del lenguaje hizo difícil la comunicación entre nosotros. A menudo nos apoyábamos en una de sus tres hijas Marina, para que nos ayudara con la traducción. Lentamente, fui descubriendo mi amistad con este hombre tranquilo. Después de unos cuantos años de comunicarnos a través de su hija, yo deseaba realmente pasar más tiempo con Joaquín.

En cuanto llegué nos reunimos para comer. Comparamos notas sobre las exposiciones que habíamos visto, sobre obras de arte de interés y nos pusimos de acuerdo sobre un par de piezas que habíamos remarcado. Joaquín compartía su gran excitación por la gran inauguración del nuevo hotel que acababa de construir.

“Ven a la fiesta a celebrarlo con nosotros. Luego encontraremos tiempo para vernos mañana” dijo. No es necesario decir que Joaquín y su familia dieron a sus invitados de Nueva York una cálida acogida a la ciudad de Barcelona.

Al día siguiente, yo me encontré de nuevo en compañía de mis amables anfitriones. Caminamos lentamente a través de las calles, paseando por la ciudad y explorando galerías. Y cuando recapitulo sobre esta experiencia, uno de los aspectos más notables es la ausencia de conversación. Esto no significa en absoluto menospreciar el cuidado de Marina en el mantenimiento de la fluidez de la conversación, ofreciéndose a traducir; por más que la sensación de disfrute que experimenté no necesita palabras. El tratamiento especial que recibí me hizo sentir que formaba parte de la familia.

Fue en ese viaje cuando me di cuenta de que mi amistad con Joaquín reside en el mismo lugar que su comportamiento tranquilo y su sonrisa, en nuestro amor por el arte contemporáneo. Recuerdo como si fuera ayer cuando se volvió hacia mi y dijo en un inglés aproximado “Me gusta escucharte y verte tan feliz, nosotros somos felices por la misma razón... tenemos arte en nuestras vidas”. Esto es más que una oda a un coleccionista de arte ávido.

Es una muestra de respeto a un compañero entusiasta, alguien que se define mediante el arte y cuyo arte se define a través de él. ¡Salve, Joaquín, por ser tan auténtico como eres, mi buen amigo en el arte y en la vida!

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Art In Our Lives

Leo Koenig

During the spring of 2004 while visiting Barcelona for an exhibition, I was given the opportunity to spend time with Joaquín Diez Cascón, a collector of whom I had encountered over the years at several art fairs. His persistent smile of contentment had always provoked my curiosity, however, the language barrier between us made communication difficult. Often times we relied on one of his three daughters, Marina to help translate. Slowly I discovered a friendship with this quiet man. After a few years of communicating through his daughter, I was really looking forward to spending more time with Joaquin.

When I first arrived we met for lunch. We compared notes on exhibitions we had seen, artworks of interest and settled on a couple of pieces we had earmarked. Joaquin shared his excitement for the grand opening of a new hotel he had just built. “Come to the party – celebrate with us. Then, we will find the time to see each other tomorrow,” he said. Needless to say, Joaquin and his family showed their guest from New York a warm welcome to the city of Barcelona.

The following day, I once again find myself in the company of my gracious hosts. We slowly made our way through the streets, strolling through the city and exploring galleries. And as I recollect on this experience, one of the most notable aspects is the lack of conversation. This is by no means to neglect Marina’s attentiveness to maintaining the exchange of conversation by offering translation; however the sense of enjoyment I experienced needed no words. The special treatment I received made me feel like I was a part of their family.

It was on this trip that I realized that my friendship to Joaquin resided in the same place as his quiet demeanor and smile – through our love of contemporary art. I remember it as if it were yesterday when he turned to me and stated in broken English, “I like listening to you and seeing you so happy, we are both happy for the same reason… we have art in our lives.” This is more than an ode to avid art collector. This is a gesture of respect to a fellow enthusiast, someone who defines himself through art and whose art is defined through him. I salute you Joaquin, for being as authentic as you are my good friend, in art and life!

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“Painting a Better Present” La pintura, el presente mejorado y el coleccionista Mónica Álvarez Careaga

“L’art non impérial doit être aussi solidement lié qu’une démonstration, aussi surprenant qu’une attaque de nuit, et aussi élevé qu’une étoile.”

Alain Badiou.

Thèses sur l’art contemporain

I. La pintura Painting a Better Present es una exposición sobre la extraordinaria capacidad de la pintura para desvelar el misterio de la proximidad. Arañazo en el espacio saturado de la representación, la pintura no necesita reivindicación de ninguna clase pues desempeña nuevas tareas en cada momento; precipitándose en la búsqueda de lo permanente en lo fugitivo, despreciativa hacia el declinar de los géneros e impávida ante la llegada de nuevos materiales; es ella misma materia por encima de todo.

La pintura sublima una erótica de lo palpable y también de lo inaprensible, es capaz de conectar lo grande con lo pequeño, lo próximo con lo lejano, lo simulado con lo real. Es la vicaria de nuestros ojos inquietos. Actúa por representación, pero goza de todos los poderes para destilar la esencia del mundo. Acaso recordaré que la función comunicativa viene a ser siempre la misma, irrenunciable.

La expresión pictórica de lo contemporáneo es no sólo posible sino idónea ya que la labor del pintor es, sobre todo, detenerse a mirar. Mirar la obra en proceso de realización y mirar el mundo y extender la una como si fuera la piel del otro.

Explicó Frank Stella que el pintor se enfrenta a dos importantes problemas: uno es encontrar qué es la pintura y otro, resolver como hacer una pintura. La selección de artistas convocados para esta exposición, procedentes de todas las partes del mundo, no se plantea la primera demasiado y, respecto a la segunda, utiliza habitualmente diferentes procesos pictóricos, muchas veces en relación con las instalaciones, el video o la performance.

No sólo privilegia la pintura como medium, sino que su práctica prueba que, lejos de ser conservador y anacrónico, es tan dinámico y floreciente como cualquier otro, tan capaz de absorber influencias y prácticas externas.

El trabajo artístico se centra por tanto en la construcción de sentido. Pintores comunicativos, narrativos, descriptivos, que tratan del amor y de la muerte, incluso.

II. El presente mejorado La intensa proximidad temporal de estas obras nos sirve como retrato de un sprit du temps tan cercano que apenas podemos ser completamente conscientes de él. Son estos espacios de retiro y

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“Painting a Better Present” Painting, A Better Present and The Collector

I. Painting

Mónica Álvarez Careaga

Painting a Better Present is an exhibition about the extraordinary power of painting to unveil the mystery in the familiar. A scratch in the saturated space of representation, painting does not need to elicit any kind of recognition as it constantly performs new tasks; rushing forward to seek out the permanent in the transient, disdainful about the demise of genres and undaunted by the arrival of new materials; painting is, above all else, intrinsically a material too.

“L’art non impérial doit être aussi solidement lié qu’une démonstration, aussi surprenant qu’une attaque de nuit, et aussi élevé qu’une étoile.”

Painting channels an eroticism of the palpable and of the ungraspable too, it has the power to connect the large with the small, the near with the far and the simulated with the real. It is the substitute for our restless eyes. It acts through representation, but it possesses all the skills necessary to distil the essence of the world. I probably need not mention that its communicative function is invariably consistent, in other words, inherent.

Alain Badiou.

Thèses sur l’art contemporain

The pictorial is not only able to express contemporaneity it is highly qualified to do so, especially when one considers that the work of a painter is, first and foremost, to stop and look. To look at the work as it is being made, and to look at the world: to stretch the former like it was the latter’s skin.

Frank Stella explained that the painter faces two main problems: one is to find out what painting is, and the other is to work out how to make a painting. The artists selected and brought together from all parts of the world for this exhibition do not really deal with the first problem, and with regard to the second, they regularly employ a wide range of pictorial processes, frequently related to installation, video and performance. Not only do they favour painting as their chosen medium, their practice shows that it is as dynamic and thriving as any other, just as capable of absorbing external practices and influences, and not in the least conservative or anachronistic.

Their artistic work, therefore, is focussed on the construction of meaning. They are communicative, narrative and descriptive painters who even broach the subject of love and death.

II. A Better Present The intense, temporal proximity of these artworks serves as a sprit du temps which is so familiar to us that we are barely able to

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abandono o de goce y solaz expansión las nuevas utopías cotidianas, las micropolíticas que pretenden cambiar el mundo sin tomar el poder, en palabras de John Holloway.

Necesarias en tiempos como los nuestros donde el desconcierto y la decepción dejan paso a la devastación del cinismo, estas imágenes nos devuelven ideas de paraísos, de jardines de vegetación y caza abundante, como en los relatos antiguos, o de rincones de placer cotidiano, en la casa de todos los días o en las vacaciones.

La proximidad del tiempo impone igualmente su decisiva presencia. Pasamos del futuro mejor que prometían los revolucionarios clásicos al presente mejorado que construimos nosotros mismos. Aspiramos ¿solamente? a llevar una existencia dichosa, a una grieta en los muros del tiempo de trabajo, opaco y uniforme, a veces inclemente, a un tiempo discontinuo que tiene en la fiesta su confirmación más acabada.

Propuesta de una personal insurrección contra un amenazante entorno moral y material hacia otro horizonte humano, más transitable, más propio del arte no imperial que propone Badiou.

III. El coleccionista Dispositivos de intensidades suspensas, los cuadros que integran esta selección han sido elegidos por su propietario, el coleccionista de arte Joaquín Diez Cascón, por su capacidad para registrar un temblor, una emoción, una indefinida circunstancia de felicidad que es común a todos ellos. Painting a Better Present es un homenaje a su mirada, selectiva, experta, apasionada y, sobre todo, ignorante de modas y consignas, libre.

Tantas veces estudiado y descrito desde la ampulosidad y la adulación, el afán coleccionista es, sin embargo, una extraordinaria prueba para quien lo padece. El coleccionista es aquel que lleva un fuego en los ojos, un ardor de posesión irredento, como un enamorado permanente y obsesivo, como un buscador de tesoros, que se expresa a sí mismo mediante los mecanismos intelectuales de la selección, la apropiación y el archivo. Así se ha constituido la Colección Diecy7, un singular registro de la creación artística reciente, muy especialmente la que se expresa mediante la pintura.

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be fully aware of it. The spaces are retreats or deserted spots, places for leisure, for the relaxed expansion of new quotidian utopias and for micropolitics that, in the words of John Holloway, aim to change the world without taking power.

In times like these in which bewilderment and disenchantment open the way for the devastating effects of cynicism, one needs these images that provide us once again with ideas of paradises, of gardens with exuberant vegetation and wildlife, like in ancient tales, or with places of everyday pleasures, one’s regular home or holidays.

The nearness of time also brings its decisive presence to bear.

We go from the better future we were promised by the revolutionaries of old to a better present that we must build ourselves. We aspire (is that all?) to lead happy lives, to make cracks in the walls of our opaque, uniform and sometimes harsh working days, to enjoy an intermittent time whose fullest expression is to be found in holidays.

These proposals encourage a personal insurrection against an ominous moral and material panorama. And they seek a more human, more negotiable horizon, more like the non-imperial art suggested by Badiou.

III. The Collector The paintings in this selection, mechanisms of suspended intensities, have been chosen by their owner, the art collector Joaquín Diez Cascón, for their power to record tremors, emotions and those imprecise circumstances of happiness that we all share.

Painting a Better Present is a tribute to Diez Cascón’s selective, expert and passionate eye and, in particular, to his freedom from fashions and fads.

The passion for collecting, which has so often been studied and described in glowing and artificial terms, is actually an extraordinary trial for the person who is affected by it. The collector is someone whose eyes are aflame, burning with the ardour of a possession beyond redemption, like an obsessed and devoted lover, like a treasure-hunter – someone who expresses himself through the intellectual devices of selection, appropriation and archiving. It is in this fashion that the Diecy7 Collection –a singular record of recent artistic creation, and in particular of the branch of art that uses painting as its medium of expression– has been gathered together.

Obras / Artworks

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Merlin Carpenter Chairs 1999/2000 AcrĂ­lico sobre lienzo / Acrylic on canvas 190 x 360 cm

Adquirida / Purchased Galerie Max Hetzler, Berlin

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Allison Cortson Dana and his dust 2005/2006 Polvo, pegamento y 贸leo sobre lienzo / Dust, glue and oil on canvas 82 x 215 cm

Adquirida / Purchased Galerie Michael Janssen, Berlin

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Hannah Dougherty Those days are over 2006 LĂĄpiz, papel de empapelar y acrĂ­lico sobre lienzo / Pencil, wallpaper and acrylic on canvas 190 x 380 cm

Adquirida / Purchased Klara Wallner Gallery, Berlin

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Dubossarsky & Vinogradov Wind 2005 Ă“leo sobre lienzo / Oil on canvas 195 x 290 cm

Adquirida / Purchased Orel Art, Paris-London

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Angelina Gualdoni Towards Trascendental Industry 2001 Ă“leo sobre lienzo / Oil on canvas 173 x 183 cm

Adquirida / Purchased Galeria Senda, Barcelona

32

Anton Henning Interiur 72 2000 Ă“leo sobre lienzo 183 x 213,5 cm

Adquirida / Purchased Galeria Senda, Barcelona

34

Luo Brothers Dragon Vert 2001 AcrĂ­lico y resina sobre madera / Acrylic and resin on wood 65 x 55 cm

Dragon Poisson 2001 AcrĂ­lico y resina sobre madera / Acrylic and resin on wood 65 x 55 cm

Adquirida / Purchased Espace Cultural Ample, Barcelona

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Paul Morrison Albumen 2002 AcrĂ­lico sobre lienzo / Acrylic on canvas 213 x 142 cm

Adquirida / Purchased Art & Public, Geneva

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Munteaun / Rosenblun Untitled (We cannot imagine) 1999 AcrĂ­lico sobre lienzo / Acrylic on canvas 180 x 135 cm

Adquirida / Purchased Sommer Contemporary Art, Tel Aviv

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Erik Parker Underground Spiritual 2004 TĂŠcnica mixta sobre lienzo / Mixed media on canvas 244 x 299 cm

Adquirida / Purchased Leo Koenig Inc., New York

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Tal R New decoration 2001 Ă“leo sobre lienzo / Oil on canvas 250 x 250 cm

Adquirida / Purchased CFA Contemporary Fine Arts, Berlin

44

Fiona Rae Ringworl 2001 Óleo, acrílico y purpurina sobre lienzo / Oil, acrylic and glitter on canvas 203,5 x 264,5 cm

Adquirida / Purchased Galerie Max Hetzler, Berlin

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Lisa Ruyter The exile 2000/2001 Acrílico sobre lienzo / Acrylic on canvas 180 x 240 cm

Adquirida / Purchased Galeríe George Kargl, Wien

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Sophie Von Hellermann Private Getaway Paradise 2003 Ă“leo sobre lienzo / Oil on canvas 205 x 250 cm

Adquirida / Purchased Vilma Gold, London

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Christian Ward Inside Hut 2004 Ă“leo sobre lienzo / Oil on canvas 210 x 200 cm

Adquirida / Purchased MW Projects, London

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Merlin Carpenter

Merlin Carpenter

Merlin Carpenter, nació en Pembury (Gran Bretaña)

Merlin Carpenter was born in Pembury (Great Bri-

en 1967. Estudió en Saint Martins School of Art, Lon-

tain) in 1967. He studied at the Saint Martins School

dres, y trabajó como ayudante en el estudio de Martin

of Art, London, and worked as an assistant in Martin

Kippenberger, en Colonia. Actualmente, vive y trabaja

Kippenberger’s studio, in Cologne. He currently lives

entre Londres y Berlín.

and works between London and Berlin.

Carpenter ha privilegiado la pintura como medio de ex-

Carpenter has favoured painting as a means of expres-

presión de su postura crítica frente al sistema vigente de

sion for his critical standpoint against the prevailing

apreciación del arte como objeto de consumo de lujo, uti-

system of the appreciation of art as a luxury consumer

lizando la apropiación como mecanismo clave y el análisis

product, and he has employed appropriation as a key

de su capacidad de seducción como hilo conductor.

device and an analysis of painting’s seductive power as a connecting thread.

Rebelando los imperativos sociales y económicos que se esconden en la practica artística dominante, Carpen-

Revealing the social and economical imperatives that

ter desvela su secreto poder para atribuir distinción.

are hidden in the predominant artistic practice, Car-

Los juicios estéticos que diferencian el arte elevado y

penter unveils its secret power to assign distinction.

el arte popular, el retorno de los estilos del pasado y las

The aesthetic judgements which differentiate high art

estrategias comerciales de las galerías son retomados y

from popular art, the return of styles from the past and

analizados en sus exposiciones.

the commercial strategies of art galleries are reassessed and analysed in his exhibitions.

Entre ellas destacan “Children of the Projects” en American Fine Arts Co., Nueva York; “Militant” en la

These major shows include “Children of the Projects”

Galeria Christian Nagel, Colonia; “When You Drain

at the American Fine Arts Co., New York; “Militant”

the Pool, You Don’t Consult the Frogs First”, en Mag-

at the Christian Nagel Gallery, Cologne; “When You

nani, Londres y “As a Painter I Call Myself the Estate of

Drain the Pool, You Don’t Consult the Frogs First”, in

Secession”, Viena. Su obra ha sido expuesta en galerías

Magnani, London and “As a Painter I Call Myself the

como Max Hetzler de Berlín y en la Friedrich Petzel

Estate of Secession”, Vienna. His work has been also

Gallery de Nueva York.

been shown at galleries: Max Hetzler in Berlin and at the Friedrich Petzel Gallery in New York.

Allison Cortson

Allison Cortson

Allison Cortson nació en Santa Monica, California, en 1978. Terminó sus estudios de arte en California Insti-

Allison Cortson was born in Santa Monica, California,

tute of the Arts, Valencia, en 2003. Actualmente vive y

in 1978. She finished her art training at the California

trabaja en Los Ángeles.

Institute of the Arts, Valencia, in 2003. She currently lives and works in Los Angeles.

Interesada en la aprehensión física de la existencia humana, Cortson ha trabajado en los últimos años

Exploring an interest in the physical capturing of hu-

en una serie titulada “Dust Painting”, compuesta por

man existence, over the last few years Cortson has been

paisajes de Los Ángeles y retratos de gran formato

working on a suite entitled “Dust Painting”, composed

en los que se muestra el ambiente vital de cada retra-

of Los Angeles landscapes and large-scale portraits in

tado de un modo realista, casi fotográfico en el caso

which she depicts the life-style of each sitter in a realist

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de las figuras, en tanto que los escenarios se recrean

manner. In fact they verge on the photographic with

utilizando como materia pictórica el polvo obtenido

regard to the figures, since the settings are recreated by

de la limpieza de la casa. Restos biológicos como piel

employing the dust obtained from cleaning the sitter’s

y cabellos son las evidencias de una desintegración

house as a pictorial material. Biological remains, such

material que más que científica se torna filosófica.

as skin and hair, are evidence of the material disintegration that is eventually more a philosophical process

El polvo, las cenizas son la pruebas de la fugacidad del

than a scientific one.

momento cotidiano que estas obras reflejan. Su fijación sobre el lienzo otorga al arte su capacidad para hacer

Dust and ashes are proof of the fleetingness of the daily

perdurables un tiempo y un espacio en permanente

situations these works reflect. The act of being fixed

transformación: una reunión de amigas, un tiempo de

onto a canvas grants art the ability to make a time and

lectura y meditación, las reparaciones domésticas...

a space in a permanent state of flux more long-lasting: a gathering of friends, a time for reading, thinking,

Allison Cortson ha expuesto en galerías como The Happy

home improvements and repairs...

Lion (Los Ángeles), Michael Hanssen (Berlín) y Filomena Soares (Lisboa).

Allison Cortson has exhibited her work at galleries such as The Happy Lion (Los Angeles), Michael Hans-

Hannah Dougherty Americana de origen irlandés, Hannah Dougherty na-

sen (Berlin) and Filomena Soares (Lisbon).

Hannah Dougherty

ció en Filadelfia (Estados Unidos) en 1980 y vive en Berlín desde 2002.

An American of Irish descent, Hannah Dougherty was born in Philadelphia (USA), in 1980, and has lived in

Hannah Dougherty se aproxima al arte con la mentali-

Berlin since 2002.

dad libre del collage, con la idea de yuxtaponer realidades distantes tomadas del mundo de lo real que, en bus-

Hannah Dougherty approaches art with the freethinking

ca de significados nuevos, se transforman en signos o

technique of collage, with the aim of juxtaposing several

indicios. Sus contenidos iconográficos se aproximan a lo

situations taken from the real world, which in search of

clásico, rechazando siempre la caída en el lugar común.

new meanings are transformed into signs or indexes. Her iconographic content verges on the classical, though she

Catálogos de suministros industriales de fontane-

consistently rejects resorting to the commonplace.

ría, folletos para superar el alcoholismo, libros sobre pájaros o tratados de heráldica, sumados a su propia

Catalogues of industrial plumbing supplies, pamphlets

fantasía, aportan los objetos o imágenes de un mundo

about overcoming alcoholism, books about birds or

inspirado por la naturaleza, de fábulas protagonizadas

heraldic treatises are combined with the artist’s imagi-

por animales y también por ídolos y seres humanos,

nation which contributes objects and images of a world

muchas veces desprovistos de rostro y en proceso de

inspired by nature, of fables populated by animals, idols

metamorfosis. El duelo entre el poder de la naturaleza

and human beings, often devoid of faces and in a pro-

y la capacidad de la máquina para transformarla es otra

cess of metamorphosis. The duel between the power of

expresión del tema del cambio.

nature and the ability of machines to transform the former is yet another expression of the subject of change.

Si la iconología tiende a proporcionar un repertorio ordenado del mundo, la obra de Doughterty renuncia a

Even though iconology tends to offer an ordered re-

esta posibilidad totalizadora para introducir el humor,

pertory of the world, Doughterty’s work rejects this

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incluso el cinismo, en este mundo caótico e indistinto,

totalizing view in order to inject humour and even cy-

en el que las cosas viejas todavía funcionan.

nicism into this chaotic and indistinct world in which old things still function.

Hannah Dougherty está representada por la galería Klara Wallner, de Berlín.

Hannah Dougherty is represented by the Klara Wallner Gallery, in Berlin.

Dubossarsky & Vinogradov

Dubossarsky & Vinogradov

El propósito declarado de la pareja artística Dubossarsky & Vinogradov es dar a la sociedad lo que ésta

The self-declared objective of artistic partners Dubos-

demanda, sin críticas, sin reservas, de modo que la so-

sarsky & Vinogradov is to give society what it wants

ciedad se identifique y aprecie este arte creado para el

without being critical or having reservations, in such

mercado. Así, han llegado a crear un retrato de la Rusia

a way that society can identify with and appreciate this

actual que no esconde nada, que se muestra impúdica

art made for the market. Accordingly, they have crea-

y festiva, consumista y banal.

ted a portrait of present day Russia in which nothing is hidden, showing it to be brash and festive, consume-

Pintores muy dotados, educados ambos en el conser-

ristic and trivial.

vador Instituto Surikov de Moscú, los dos artistas son maestros de la pintura académica en la que se forma-

These talented painters were both educated at the con-

ron en la época tardosoviética. Desde el realismo ofi-

servative Surikov Institute in Moscow. They are both

cial, sus enormes lienzos figurativos abordan, con la

masters of academic painting, a technique in which

dosis necesaria de alegría de vivir, los temas de una

they were schooled in the late Soviet period. In the

jovial cotidianeidad. Bellas escenas pastorales en las

style of official social realism, their enormous figurati-

que aparecen recurrentes, guacamayos rojos, muñecas

ve canvases have injected jovial quotidian subjects with

barbies, elegantes jirafas, mariposas, arco iris, mucha-

a dose of joie de vivre. Beautiful pastoral scenes po-

chas en biquini... junto a retratos héroes como Warhol,

pulated with recurring images of red macaws, Barbie

Picasso, Schwarzenegger o Batman.

dolls, elegant giraffes, butterflies, rainbows, bikini-clad girls... together with portraits of heroes like Warhol,

Como enormes carteles anunciadores de películas que

PIcasso, Schwarzenegger and Batman.

nunca existieron, los trabajos de estos artistas se realizan artesanalmente, cada uno pintando su parte, sin colisión

Like huge poster advertising films that never existed,

de egos. Desde 1994, Vladimir Dubossarsky, nacido en

the work by these artists is executed by hand, each of

Moscú en 1964, y Alexander Vinogradov, igualmente

the two painting their part, without a conflict of egos.

moscovita, de 1963, son dos amigos, Volodia, y Sacha,

Vladimir Dubossarsky –born in Moscow in 1964– and

que pintan juntos.

Alexander Vinogradov, –also a Muscovite born in 1963– are two friends, Volodia, and Sacha, who paint

Angelina Gualdoni Angelina Gualdoni nació en San Francisco (Estados

together since 1994.

Angelina Gualdoni

Unidos) en 1975. Se formó en la Washington University, School of Art, entre 1993 y1995, el Maryland Institute

Angelina Gualdoni was born in San Francisco (USA)

College of Art, Baltimore, in 1997 y la University of Illi-

in 1975. She trained at the Washington University,

nois, Chicago. Vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York.

School of Art, from 1993 to 1995, at the Maryland

56

Interesada en una revisión de la utopía modernista,

Institute College of Art, Baltimore, in 1997, and at the

Gualdoni suele mostrar en sus delicadas pinturas los

University of Illinois, Chicago. She lives and works in

temas de las arquitecturas del consumo y el placer, tales

Brooklyn, New York.

como los pabellones de recreo y los centros comerciales, destruidos y abandonados tras improbables catás-

Gualdoni likes to reassess modernist utopia, and in her

trofes, quizás ninguna otra que la propia obsolescencia

delicate paintings she often depicts the architectures of

del proyecto.

consumerism and leisure. Covered playgrounds and shopping centres, for example, destroyed and abando-

Gualdoni indaga en el imperativo moral que precisa

ned in the aftermath of implausible catastrophes, per-

toda acción humana sobre el entorno, cuestionando

haps simply undermined by the inherent obsolescence

la capacidad de la tecnología para transformar la vida

of their purpose.

de las masas. Las promesas de liberación y paraíso se concretan en homenajes pictóricos a pioneros como

Gualdoni explores the moral imperative demanded by

el que realiza al visionario diseñador americano Ri-

every human act that involves the environment, and

chard Buckminster Fuller, famoso por sus cúpulas

questions the capability of technology to transform the

geodésicas que sintetizan sus hallazgos para un modo

lives of the masses. The promise of liberation and pa-

de vida más sostenible.

radise is materialized in her pictorial homages to pioneers: such as the one she made of Richard Buckmins-

La obra de Angelina Gualdoni ha sido mostrada en nu-

ter Fuller, the visionary American designer, famous for

merosas instituciones incluyendo el Museum of Contem-

his geodesic domes which epitomize his discoveries for

porary Art, Chicago, el Museum de Paviljoens, Almere, y

a more sustainable way of life.

Momentum Gallery, Berlín.

Works by Angelina Gualdoni have been exhibited at

Anton Henning

numerous institutions including the Museum of Contemporary Art, Chicago, the Paviljoens Museum, Almere, and the Momentum Gallery, Berlin.

Citar a Kandinsky, Courbert o Warhol en los limites del buen gusto, flirtear con las artes decorativas o destruir el paradigma del “white cube” parecen ser

Anton Henning

algunos de los propósitos de la agenda de Anton Henning, un artista polifacético nacido en Berlín en

Quoting Kandinsky, Courbert or Warhol –on the brink

1968, autor de esculturas, instalaciones, fotografías

of bad taste– flirting with decorative arts, or destroying

y composiciones musicales, que ha desarrollado casi

the “white cube” model are just a few of the aims on the

toda su carrera en Nueva York y actualmente reside

agenda of Anton Henning, a multi-faceted artist born

en Manker (Alemania).

in Berlin in 1968, creator of sculptures, installations, photographs and musical compositions, who has spent

La pintura de Henning oscila entre el homenaje a los

virtually his entire career in New York, though he cu-

grandes maestros y el comentario irónico. Su revi-

rrently lives in Manker (Germany).

sión de los géneros tradicionales produce imágenes de color saturado y formas combinatorias de lo or-

Henning’s painting oscillates between paying homage

gánico y lo volumétrico, con temas variados como

to the old masters and ironic commentary. His review

interiores, naturalezas muertas, desnudos y retratos

of traditional genres produces images with saturated

en los que abundan las líneas ondulantes incluida

colours and forms combining the organic and the volu-

una especio de hoja de trébol que el propio artista

metric. He employs a wide range of subjects including

denomina “hennling”.

interiors, still-lifes, nudes and portraits, full of wavy

57

Una pintura furiosa, sombría por momentos, primiti-

lines and a kind of clover leaf which the artist refers to

va, impulsiva y, seguramente, torturada que hereda la

as “hennling”.

fuerza de los neoexpresionistas alemanes y toma derivas diversas, desde lo ornamental artesano al erotismo

These furious, on occasion sombre, primitive, impul-

de calendario.

sive and definitely tortured paintings –successors to the force of the German Neo-Expressionists– explore

Anton Henning, ha ganado reputación internacional a

a variety of paths, from ornamental crafts to erotic ca-

través de numerosas exposiciones individuales en ga-

lendar art.

lerías de Europa, América y Asia, así como muestras en instituciones como las celebradas en Hudson Valley

Anton Henning, has won an international reputation

Center for Contemporary Art, New York; S.M.A.K.

with numerous solo exhibitions at galleries in Europe,

Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Gante; MARTa

America and Asia, in addition to shows at art cen-

Herford; Haus Esters, Krefeld; Museum für Moderne

tres like the ones held at the Hudson Valley Center

Kunst, Frankfurt; Museum of Art, Lucerna y De Pont

for Contemporary Art, New York; S.M.A.K. Stedelijk

Foundation, Tilburgo.

Museum voor Actuele Kunst, Ghent; MARTa Herford; Haus Esters, Krefeld; Museum für Moderne

Luo Brothers Los hermanos Luo: Weidong, Weiguo y Weibing nacieron en 1963, 1964 y 1972 en Guangxi (China). Tras

Kunst, Frankfurt; Museum of Art, Lucerne and De Pont Foundation, Tilburg.

Luo Brothers

formarse en su país natal, han disfrutado de varias becas y residencias en Estados Unidos.

The Luo brothers: Weidong, Weiguo and Weibing were born in 1963, 1964 and 1972 in Guangxi (China). They

Luo Brothers representan seguramente el mejor ejemplo

were educated in China and have subsequently been

de una de las posturas que define la escena artística chi-

awarded a number of grants and residencies in America.

na a partir de 1989: una mezcla, abigarrada e infantilizadora de los símbolos culturales de la cultura china con

The Luo Brothers are probably the best example of one

los representantes de la globalización del consumismo,

of the approaches that has come to define the Chinese

donde el dragón imperial se encuentra con Coca Cola

artistic scene after 1989: a colourful and infantilizing

a las puertas de la Ciudad Prohibida de Pekín y los “pe-

mixture of Chinese cultural symbols with others repre-

queños emperadores” representan la nueva opulencia

sentative of the globalization of consumerism. In their

con los colores inmediatos del kitsch más desvergon-

work the imperial dragon meets Coca Cola by the gates

zado. En el paraíso chino del objeto banal las pinturas

of the Forbidden City of Peking, and the “little empe-

lacadas y las tintas sobre papel de los Luo establecen una

rors” represent the new opulence in the striking hues of

conexión entre el arte pop occidental y la tradición local

a brazen style of kitsch. In the Chinese paradise of the

pasada por el filtro de la propaganda oficial.

banal object, the Luo Brothers lacquered paintings and inks on paper make connections between western Pop

Su obra es internacionalmente conocida, habiendo

Art and the local tradition which has passed through

formado parte de las exposiciones más importantes

the filter of official propaganda.

dedicadas en todo el mundo al arte chino contemporáneo en los últimos años. Igualmente, está representada

Their work is internationally acclaimed and in recent

en colecciones como Fukuoka Art Museum; TEDA

years it has been included in the world’s major exhibi-

Contemporary Art Museum, Tianjin; San Francisco

tions of Chinese contemporary art. Accordingly, it is in-

Modern Art Museum; Sigg Collection, Suiza, Aldrich

cluded in some leading collections, such as the Fukuoka

58

Contemporary Art Museum, Ridgefield y Chaney Fa-

Art Museum; TEDA Contemporary Art Museum, Tian-

mliy Collection, Houston.

jin; San Francisco Modern Art Museum; Sigg Collection, Switzerland, Aldrich Contemporary Art Museum,

Paul Morrison El artista de Liverpool Paul Morrison (1966) es inter-

Ridgefield and Chaney Family Collection, Houston.

Paul Morrison

nacionalmente conocido por su dedicación a las formas vegetales, una fascinación por la naturaleza en los

The Liverpudlian artist Paul Morrison (1966) is inter-

límites de la ciencia y la cultura. Autor de dibujos, pin-

nationally acclaimed for his work depicting vegetable

turas, murales, videos y esculturas, todas sus obras se

forms, and for a fascination for nature that verges on

conciben dentro de las estrictas limitaciones formales

the borderlines between science and culture. Creator

que Morrison se autoimpone; especialmente los colo-

of drawings, paintings, murals, videos and sculptures,

res blanco y negro y, en ocasiones, dorado.

all of his works are conceived according to strict selfimposed limitations that apply, in particular, to using

Los contornos y detalles de hojas, flores y ramas se di-

only black and white and occasionally gold.

señan en el lenguaje sintético de los cómics o con las líneas paralelas de los surcos mordidos de las planchas

The outline and details of the leaves, flowers and branches

para grabados, invitando a que el ojo del espectador

are designed with the concise language of comics or with

atribuya los colores.

parallel lines, like furrows etched into engraving plates, inviting the eye of the spectator to add the colours.

Además de la explotación de las técnicas gráficas, otro componente principal del trabajo de Morrison es la al-

In addition to exploiting graphic arts techniques, another

teración del mandato tradicional de la escala. Un dien-

of the main ingredients in Morrison’s work is the altera-

te de león o unos helechos pueden tornarse gigantes

tion of the traditional mandate of scale. A dandelion or

amenazadores en comparación a otros objetos repre-

some ferns can become menacingly gigantic in compari-

sentados en una suerte de paisajes con efecto de zoom

son with other objects portrayed in these landscapes whe-

sobre determinados aspectos.

re a kind of zoom effect has focussed in on certain zones.

Títulos tales como “Cambium” “Galbulus” o “Albumen”

Titles such as “Cambium” “Galbulus” and “Albumen”

muestran el origen botánico del imaginario de Morri-

reflect the botanical origins of Morrison’s imagery,

son, que se puede rastrear igualmente en la historia del

which can also be traced back to the history of art and

arte y de los repertorios de motivos decorativos.

to catalogues of decorative motifs.

Paul Morrison se graduó en el Goldsmiths College de

Paul Morrison graduated at Goldsmiths College in

Londres. Desde 1996 ha expuesto en numerosos mu-

London. Since 1996 he has shown his work at nume-

seos y galerías: Michael Janssen, de Colonia; Cheim &

rous museums and galleries: Michael Janssen, in Co-

Reid, de New York; Emmanuel Perrotin, de Miami y

logne; Cheim & Reid, in New York; Emmanuel Perro-

Alison Jacques, de Londres.

tin, in Miami and Alison Jacques, in London.

Muntean / Rosenblum

Muntean / Rosenblum

Markus Muntean nació en Graz (Austria) y Adi Ro-

Markus Muntean was born in Graz (Austria), and Adi

senblum en Haifa (Israel), en 1962. Estudiaron pin-

Rosenblum was born in Haifa (Israel), in 1962. They

59

tura en la Academia de Artes Plásticas de Viena con

studied painting at the Academy of Art in Vienna un-

Rudolf Hausner. Colaboran desde 1992 y viven y tra-

der Rudolf Hausner. They began to collaborate toge-

bajan en Viena.

ther in 1992 and they live and work in Vienna.

Autores de composiciones estáticas de jóvenes perso-

Muntean / Rosenblum create stationary compositions

najes hieráticos construidas como un patchwork de

filled with youthful hieratical characters assembled

imágenes detenidas tomadas de los medios y localiza-

like a patchwork of still images taken from the media

dos en lugares urbanos, sus protagonistas parecen bus-

and set in urban surroundings. Their actors seem in

car un nuevo ideal, encarnado en la ficción esteticista

search of a new ideal, embodied by the fictional beau-

del mundo contemporáneo, en sus eslóganes publici-

ty of the contemporary world, its promotional slogans

tarios, en sus máximas coercitivas que muchas veces

and its coercive catchwords that often violate privacy

violan la intimidad y la identidad, los ámbitos en los

and identity, two zones where individuals’ rights are

que el individuo ve restringirse sus derechos.

being restricted.

Entre el cómic y la revista de tendencias, las pinturas,

Mid-way between comics and fashion magazine, Mun-

instalaciones y películas de Muntean / Rosenblum no

tean / Rosenblum’s paintings, installations and films make

reclaman nada, sus silentes personajes evocan la angus-

no demands. Their silent characters evoke the youthful

tia juvenil de la búsqueda identitaria, el aburrimiento y

angst of the quest for identity, the boredom and emotio-

el aislamiento emocional que caracterizan sus vidas.

nal isolation that characterizes young people’s lives.

Sus obras ha sido expuestas en algunas de las más pres-

Their artworks have been exhibited at some of the

tigiosas salas de todo el mundo (De Appel, en Ámster-

world’s foremost venues (De Appel, in Amsterdam;

dam; Tate Britain, en Londres; Australian Centre for

Tate Britain, in London; Australian Centre for Contem-

Contemporary Art, en Melbourne; MUSAC, en León),

porary Art, in Melbourne; MUSAC, in León), and they

y se encuentran en algunas de las más importantes co-

are featured in major international art collections.

lecciones de arte internacionales.

Erik Parker

Erik Parker Erik Parker was born in Stuttgart (Germany) in 1968,

Erik Parker nació Stuttgart (Alemania) en 1968, pero

but at an early age he moved to San Antonio (USA) with

se trasladó pronto con su familia a San Antonio (Esta-

his family. Expelled from high school at the age of 16, he

dos Unidos). Expulsado del colegio a los 16 años, pasó

spent some time afterwards skateboarding and drifting

una temporada dedicado al skateboard y el vagabun-

around surviving thanks to odd jobs. In 1988 he started

deo, sobreviviendo gracias a trabajos ínfimos. En 1988

studying again and discovered that could be a vehicle to

retomó los estudios y encontró en el arte un vehículo

channel his unease. In 1993 he studied at the University

para canalizar su malestar. A partir de 1993 se formó

of Texas as an admirer of the Surrealists and of the group

en la Universidad de Texas como admirador de los

of painters known as “Chicago Imagists” who promoted

surrealistas y del grupo de pintores conocidos como

a return to fantasy in American art. Shortly afterwards

“Chicago Imagists” que promovieron el retorno de la

he settled in New York where he still lives.

fantasía en el arte americano. Poco después se instaló en Nueva York, donde reside actualmente.

Erik Parker’s pieces are comic, grotesque and neo-psychedelic. Devoid of value judgements, they employ words,

Las obras de Erik Parker son cómicas, grotescas,

names of places, people and events to delineate urban

neopsicodélicas. Carentes de prejuicios, utilizan las

sub-cultures: cartographies of the hip-hop scene, the New

60

palabras, los nombres de lugares, personas o acon-

York art world (like the “Greater New York” exhibition

tecimientos para delinear las subculturas urbanas:

shown in the year 2000 at the P.S.1) drug trafficking, po-

cartografías de la escena hip-hop, del mundo del arte

litics, literature, etc. The words are inserted into roughly

neoyorkino (como la presentada en la exposición

biomorphic, deliberately naïve compositions which res-

“Greater New York “ en P.S.1 en el año 2000) el tráfico

emble molluscs, coleoptera and other creatures.

de drogas, la política, la literatura, etc. Las palabras se colocan en composiciones aproximadamente bio-

Family trees, posters of acid rock bands, underground

mórficas que recuerdan moluscos, coleópteros u otros

comics, fanzines, Giuseppe Arcimboldo and rapper

seres en un intencionado estilo ingenuo.

Big Daddy are interlaced with a range of patterns –festoons, spots, paisleys, taijitus, rays and waves– to create

Los árboles genealógicos, los posters de los grupos acid

a personal contemporary narrative.

rock, los cómics underground, los fancines, Giuseppe Arcimboldo y el rapero Big Daddy se mezclan con formas diversas: festones, puntos, paisleys, taijitus, rayos y

Fiona Rae

olas para crear una particular narrativa contemporánea.

The rich pictorial universe of acclaimed artist Fiona

Fiona Rae

Rae is populated with a masterful juxtaposing of painted motifs such as clouds and stripes of colour, gestual marks, curved lines, vegetable forms, symbols, circles

La maestría en la yuxtaposición sobre el cuadro de

and stars. Her accidental-looking, almost improvi-

motivos tales como nubes de color, marcas gestuales,

sed, compositions demonstrate, all the same, a precise

líneas curvas, formas vegetales, bandas de colores, sím-

structural purpose, graphic skill and control.

bolos, círculos y estrellas caracteriza el rico universo pictórico de la reconocida artista Fiona Rae. Compo-

Fiona Rae was born in Hong Kong in 1963 and moved to

siciones aparentemente accidentales, casi arbitrarias,

England in 1970. She studied at the Croydon College of

que, sin embargo, revelan estrictas ambiciones estruc-

Art, and at Goldsmiths College in London. In 1988 she

turales, control y dominio gráfico.

was included in the seminal exhibition “Freeze” curated by the artist Damien Hirst. Her work was purchased by

Fiona Rae nacio en Hong Kong en 1963 y se trasladó

the publicist Charles Saatchi and shown in 1997 at the

a Inglaterra en 1970. Cursó estudios en el Croydon

“Sensation” show organized by Saatchi at the Royal Aca-

College of Art, y en el Goldsmiths College de Lon-

demy in London, which launched a new generation of

dres. En 1988 formó parte de la seminal exposición

young British artists. Nominated for the Turner Prize in

“Freeze” comisariada por el artista Damien Hist. Su

1991, Rae’s work can be interpreted as an original and ce-

obra fue adquirida por el publicista Charles Saatchi

rebral reinvention of abstract expressionism, a humorous

y mostrada en la exposición “Sensation” que éste

approach to the gamut of western art and mass culture. It

organizó en 1997 en la Royal Academy de Londres

makes use of technical inventiveness and an offbeat mix

impulsando una nueva generación de jóvenes artis-

of materials to create new and evocative pictorial spaces.

tas británicos. Nominado para el premio Turner de 1991, el trabajo de Rae puede interpretarse como una reinvención, fresca y cerebral al mismo tiempo, del

Lisa Ruyter

expresionismo abstracto, una aproximación irónica a los repertorios de la pintura occidental y la cultura de

Born in 1968 in the USA, she lives and works in Vien-

masas que se vale de la ingenuidad técnica y la mezcla

na (Austria). The painter Lisa Ruyter compares herself

aleatoria de materiales para crear nuevos y sugerentes

to a camera, to a device capable of fragmenting reality

espacios pictóricos.

and subjectively recomposing a selection of it.

61

Lisa Ruyter

Ruyter’s work may be described as the transcription of impromptu, yet, at the same time, quite intentional pho-

Nacida en 1968 en Estados Unidos y radicada en Viena

tographs –images that she takes herself– into the picto-

(Austria), la pintora Lisa Ruyter se compara a sí misma

rial language of solid colours. This entails the elimination

con una cámara fotográfica, un artilugio capaz de frag-

of certain details the painter considers irrelevant and the

mentar la realidad y recomponer una selección de ella

enhancing of others by the use of colour. The transfor-

de un modo subjetivo.

mation of trivial scenes into extraordinary ones is the game proposed by this artist whose artworks can reflect

El trabajo de Ruyter puede describirse como una

quite a wide variety of subject matters, such as groups of

trascripción de las fotografías casuales pero intencio-

friends, tourist spots or fashion parades, among others,

nadas que toma ella misma en el lenguaje pictórico

as well as self-portraits, in which she restricts her com-

de los colores planos. Ello implica la eliminación de

bative palette exclusively to shades of grey.

detalles que la pintora juzga irrelevantes y el destaque de otros mediante el color. Transformar las escenas

Ruyter has shown her work at museums around the

triviales en extraordinarias es el juego que propone

world including the Museum of Modern Art of New

esta artista cuyas obras pueden reflejar temas varia-

York, Elgiz Museum of Contemporary Art, Istanbul,

dos tales como grupos de amigos, paisajes turísticos o

the Jumex Collection, Mexico and the Essl Collection,

desfiles de modelos, entre otros muchos que incluyen

Klosterneuburg and she is represented by the galleries

sus autorretratos, en los que limita su combativa pale-

The Breeder (Athens), Taka Ishii (Tokyo), Georg Kargl

ta a la gama de grises.

(Vienna) and Thaddaeus Ropac (Salzburg, Paris).

Ruyter ha mostrado su obra en museos de todo el mundo. Entre ellos el Museum of Moderm Art de Nueva York,

Tal R

Elgiz Museum of Contemporary Art, Estambul, la Colección Jumex, México y la Essl Collection, Klosterneuburg

Tal R likens the making of his work to a pot into which

y está representada por las galerías The Breeder (Atenas)

an assortment of ingredients is thrown, the mixture of

Taka Ishii (Tokio) Georg Kargl (Viena) y Thaddaeus Ropac

which gives rise to new flavours and sensations. ‘Kol-

(Salzburgo, Paris)

bojnik’, the Hebrew word which can be translated as “left-overs” would be an apt description of his home-

Tal R

made paintings, created from colourful backgrounds and framed wrapping paper, with a wide band nearly always running along the bottom and a thinner one

Tal R explica la gestación de su obra como un puchero

across the top. In the middle space of the painting Tal

en el que se echan diversos ingredientes cuya mez-

R unleashes an energetic bustling together of people

cla origina nuevos sabores y sensaciones. ‘Kolbojnik’,

and objects: from Nazi soldiers to porn stars, alongsi-

la palabra hebrea que se puede traducir por “sobras”

de skulls, dolls, gigantic mushrooms and emblematic

describiría a su juicio esta pintura casera, creada a

buildings. All of these are infused with an air of being

partir de fondos abigarrados cual papel de empapelar

logotypes standing on a pedestal that features harmo-

enmarcados, casi siempre, por una ancha banda infe-

nious multicultural communities.

rior y otra más estrecha en la parte superior. En el espacio intermedio del cuadro Tal R desata una enérgica

The life of this artist has been fuelled by a wide variety

acumulación de seres y objetos: desde soldados nazis

of influences. Tal R was born in Israel in 1967, but when

a estrellas porno, acompañados por calaveras, muñe-

he was just one year old his family went to Denmark.

cas, champiñones gigantes o edificios emblemáticos.

He studied at the Copenhagen Art School from 1986 to

Todos adquieren una cierta cualidad de logotipos

1988 and at the Royal Academy of Fine Arts of Denmark

62

situados sobre un pedestal que integran armoniosas

from 1994 to 2000. Since the beginning of the 1990’s,

comunidades multiculturales.

his artworks have been exhibited in galleries around the world. In 2002 he was awarded the Carnegie Art prize,

La propia vida del artista ha sido nutrida con nu-

and in 2004 he was bestowed the Eckersberg Medaillen.

merosas influencias. Tal R nació en 1967 en Israel, pero cuando contaba un año su familia se trasladó a Dinamarca. Estudió en la Escuela de Pintura de

Sophie Von Hellermann

Copenhague de 1986 a 1988 y en la Real Academia de Bellas Artes de Dinamarca de 1994 a 2000. Desde

Sophie Von Hellermann’s paintings embrace a new

los primeros años noventa del pasado siglo sus obras

experience of the contemporary condition inside the

se exponen en galerías de todo el mundo. En 2002

Romantic and subjective tradition by using an appro-

recibió el premio Carnegie Art y en 2004 el Eckers-

ach that highlights the unstable, mercurial nature of

berg Medaillen.

thought and memory.

Sophie Von Hellermann

By means of enormous sketches, which are casual and naive in appearance only, Von Hellermann has researched the potential of figuration in her oeuvre, taking the

La pintura de Sophie Von Hellermann aborda una nue-

subject of the invention of memory to underpin a so-

va experiencia de la condición contemporánea dentro

phisticated approach to the narrative role of painting.

de la tradición romántica y subjetiva a través del uso de un proceso pictórico que enfatiza la naturaleza inesta-

The edges between the factual and the fictional are ex-

ble, mercurial, del pensamiento y la memoria.

plored in suites of paintings which recreate the lives of real people, in particular of women who died in mys-

Mediante enormes esbozos cuya indiferencia e inge-

terious circumstances: the Russian princess Anastasia,

nuidad son solo aparentes, Von Hellermann ha inves-

The German terrorist Ulrike Meinhof or the model who

tigado en su trabajo las posibilidades de la figuración,

was an important part of Andy Warhol’s Factory, Christa

tomando el tema de la invención de la memoria como

Päffgen, known as Nico, whose last months of life are

eje de una sofisticada aproximación a la función narra-

reconstructed in the suite called “On the Ground”.

tiva de la pintura.

Sophie von Hellermann was born in Munich (Germany) Los límites entre lo factual y lo ficticio se exploran en

in 1975 and lives and works in London. Her work has

series de pinturas dedicadas a recrear la vida de perso-

been displayed at venues such as Jablonka Galerie Linn

najes reales, especialmente mujeres cuya desaparición

Luhn, in Cologne; Kunstverein, in Constanza; Marc

continúa sin aclarar: la princesa rusa Anastasia, la terro-

Foxx, in Los Angeles, Saatchi Gallery, in London, and

rista alemana Ulrike Mainhof o la modelo integrante de

Vacio 9, in Madrid. Her work has also been included in

la Factory de Andy Warhol, Christa Päffgen, conocida

major group exhibitions, notably at “Dear Painter, Paint

como Nico, cuyos últimos meses de vida reconstruye en

Me...” at the Centre Georges Pompidou, Paris.

la serie “On the Ground”.

Sophie von Hellermann nació en Munich (Alemania)

Christian Ward

en 1975 y vive y trabaja en Londres. Espacios como Jablonka Galerie Linn Luhn, de Colonia; Kunstverein

Christian Ward is a creator of mysterious landscapes

de Constanza; Marc Foxx, de Los Ángeles, Saatchi Ga-

in which it is not unusual to see fiery sunsets, violent

llery, de Londres y Vacío 9 de Madrid han presentado

waterfalls and luxurious vegetation, as well as enchan-

su trabajo. Igualmente ha sido incluido en exposiciones

ted grottos, caverns and mountains. All these elements

63

colectivas muy relevantes, notablemente ”Dear Painter,

play with a very distinctive visual vocabulary: a Tech-

Paint Me ...” Centre Georges Pompidou, Paris.

nicolor palette and an abundant use of iridescence.

The artist employs oil paints as his main technique and

Christian Ward

bases his paintings on his personal experience of real places he has visited.

Christian Ward es el creador de misteriosos paisajes

To achieve these transformations, Ward, who was born

en los que no son extraños los atardeceres encendi-

in Noda, (Japan) in 1977, and who currently lives in

dos, las violentas cataratas y la vegetación lujuriosa,

London, exploits oriental pictorial traditions, especia-

además de grutas, cavernas y montañas de aire má-

lly Chinese ones, in addition to psychedelic graphic

gico. Todos estos elementos se recrean con un voca-

design from the seventies and Japanese anime art.

bulario visual distintivo: una paleta Technicolor y un uso abundante de efectos iridescentes que utiliza el

A contemplation of the Scottish highlands, the Arizona

óleo como técnica principal y parte de la experiencia

desert or the evergreen island of Yakushima, underlies

directa de un lugar real, que el artista ha visitado.

this revitalization of landscape interlinking pop culture, science fiction and electronic music, which is spi-

Para conseguir estas transformaciones, Ward, que na-

ced up with Asian cultures to evoke places of mystery

ció en Noda, (Japón) en 1977 y actualmente reside en

and dreams. Christian Ward’s oeuvre has been shown

Londres, recurre a las tradiciones pictóricas orientales,

over the last few years at leading art galleries: Moriar-

especialmente chinas, así como al diseño gráfico psi-

ty, Madrid, Max Wigram Gallery, London, Patricia Low

codélico de los años sesenta o a la estética de la anima-

Contemporary, Gstaad, among others, and has featured

ción japonesa.

in exhibitions such as the Biennial of Beijing in 2008, and the “Ideal Worlds” show at the Schirn Kunsthalle

La contemplación de las montañas de Escocia, el desierto de Arizona o el bosque eternamente verde de la isla de Yakushima está en el origen de esta revitalización del paisaje que entronca en la cultura pop, la ciencia ficción y la música electrónica y se sazona con las culturas de Asia para evocar lugares de misterio y ensoñación. La obra de Christian Ward ha podido contemplarse en los últimos años en prestigiosas galerías: Moriarty, Madrid, Max Wigram Gallery, Londres, Patricia Low Contemporary, Gstaad, entre ellas, o en muestras como la Bienal de Pekín de 2008 o la titulada “Ideal Worlds” en Schirn Kunsthalle de Frankfurt.

in Frankfurt.

Organizan

Colabora