Revista Van Art Edición Surrealismo.

Marzo 2022 No. 3 $50.00

Elaborada por: Alondra Itzel Salazar Tlacuahuac Recopilación de información en: historia-arte.com

Universidad Nacional Autónoma de México

Facultad de Estudios Superiores Cuautitlán DCV Laboratorio de Diseño Editorial II

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¿Qué es el surrealismo?

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Características del surrealismo

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Artistas

André Breton

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Max Ernest

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Salvador Dalí

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Joan Miró

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René Magritte

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Remedios Varo

¿Qué es el

Surrealismo?

F ue un movimiento cultural desarollado en Europa tras la Primera Guerra Mundial, influenciado en gran medida por el dadaísmo.

El movimiento es conocido por sus artes visuales y su escritura mezclado a una imaginación inusual. Los artistas pintaban imágenes desconcertantes e ilógicas, a menudo con una precisión fotográfica, creando extrañas criaturas de objetos cotidianos y desarrollando técnicas pictóricas que permitían desvelar el subconsciente.

El objetivo era “convertir las contradicciones de los sueños y la realidad en una realidad absoluta, una súper realidad”.

El surrealismo propone una teoría de lo inconsciente y de lo irracional como medio para cambiar la vida, la sociedad, el arte y el hombre por medio de la revolución. No es un movimiento con unidad de estilo, sino una serie de investigaciones de artistas individuales, cada uno con un estilo propio.

El movimiento tiene como base teórica la interpretación de los sueños de Freud, que supone un fuerte rechazo de la cultura tradicional basada en el poder de la razón; defiende la revolución y se compromete con movimientos activistas y de izquierdas, quiere convertirse en germen del desarrollo del Dadaísmo en cuanto a crítica constructiva del arte tradicional, rompe con los convencionalismos sociales e incorpora la experimentación de los métodos del psicoanálisis

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Cada autor vivía el surrealismo a su manera, pues es un movimiento que trata el interior.

en literatura y pintura; lo vemos en la escritura automática y los cadáveres exquisitos.

En sus comienzos el surrealismo era un proyecto esencialmente literario, pues André Breón era poeta, pero poco a poco fue infectando a las demás disciplinas artísticas (pintura, escultura, fotografía, e incluso llegó al cine…).

El arte surrealista suele ser incongruente, onírico y muy original, en el sentido que el artista muestra su faceta más individual, aunque es curioso, pues el arte surrealista tiene algo universal, que todos podemos entender. Hasta los niños pueden captar si algo es surrealista o no.

El arte surrealista suele ser incongruente, onírico y muy original.

Características

L

os surrealistas no hablaban de un tema concreto pero sí que todo lo que buscaban estaba centrado en el mismo lugar: el inconsciente humano.

Esto hace que la gran mayoría de las obras surrealistas tiendan a ofrecernos imágenes incomprensibles que pueden parecer absurdas o misteriosas.

Los artistas NO buscaban hablar de un tema si no dejar vía libre a la mente sin control alguno de la razón. Por ello, en las creaciones vemos tanto representaciones siniestras, propias de las pesadillas, abundancia de elementos fantásticos, paisajes que rompen con todos los esquemas de la lógica, etcétera.

La fuente de inspiración de los artistas surrealistas eran los sueños o las propias alucinaciones que podían

experimentar. En el arte surrealista el artista no representa vivencias pasadas, por el contrario, representa una realidad que está en el inconsciente o los sueños, de aquí que el arte surrealista sea uno de los estilos de arte más difíciles de comprender e interpretar. También, el surrealismo se caracteriza por hacer representaciones del inconsciente, de fantasías y de sueños, así como de la irracionalidad.

Las principales características que tuvo el surrealismo fueron:

El inconsciente y el automatismo

El Surrealismo pretendía superar esta limitación del inconsciente, permitiendo que el subconsciente se expresa a través del arte.

De esa forma el automatismo

“La fuente de

inspiración de los artistas surrealistas eran los sueños o las propias alucinaciones que podían experimentar.”

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defensa de la expresión artística sin límites y sin el control de la razón. Para lograr este objetivo, los artistas llegaron a elaborar obras en estados de trance e hipnosis.

Otras técnicas y procesos creativos En el movimiento artístico del Surrealismo, los autores utilizaban una gran diversidad de técnicas que servían de inspiración para los artistas surrealistas.

El Automatismo es un movimiento pictórico; partiendo del hecho de que se puede crear de y a partir de todo, la creatividad pura solo pertenece a la naturaleza y por tanto aprendemos a copiar a través de la observación atenta, la intuición y la atención suspicaz a nuestro inconsciente.

El automatismo no siempre funcionaba bien en otras formas de expresión artística, así que otras técnicas fueron usadas.

Otra de estas técnicas fue el frottage, que consistía en pasar un lápiz, por ejemplo, sobre una superficie rugosa, creando así formas y texturas en el soporte para crear una obra nueva a partir de ese material.

Igualmente, la decalcomanía, una técnica en la cual cierta cantidad de tinta es arrojada contra un lienzo o papel. Esta superficie se dobla por la mitad y al abrirla nuevamente, muestra un patrón de tinta que sirve de material para crear una.

El cadáver exquisito tuvo mucho éxito dentro de las técnicas surrealistas.

La cubomanía se convirtió en un gran método para crear collages utilizando una imagen cortada en pequeños cuadrados y ordenados al azar. Esta técnica fue utilizada por el artista surrealista rumano Gherasim Luca. La palabra también puede significar el collage hecho con este método, un reordenamiento suficiente para crear una obra completamente nueva Ejemplo de la técnica frottage.

El cadáver exquisito, de igual modo, se convirtió en un proceso creativo basado en un juego, en el cual diferentes artistas creaban dibujos o poemas en conjunto. Sin ver lo que el otro hacía, la obra iba pasando de uno en uno y cada artista iba añadiendo un trozo nuevo o palabra nueva. Al terminar, se desplegaba el papel y compartían el resultado en busca de ideas más novedosas para ese momento.

Mesa de pedestal en el estudio: óleo sobre tela, 1922 - André Masson

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La decalcomanía fue un recurso poco utilizado dentro del surrealismo.

El surrealismo se apoyaba de una serie de técnicas que buscaban la libertad de creación y olvidando la razón.

Encontramos que se crean principalmente imágenes erróneas de forma que una cosa u objeto puede interpretarse de diversas maneras dejado al espectador un tanto desorientado. Dentro del surrealismo se da la fabricación de objetos, el ensamble de objetos y los collages.

Los surrealistas también buscaban interactuar con los espectadores

La caída del líquido en superficie vertical es, como su nombre lo indica, una técnica, inventada por los surrealistas de Rumania y, según ellos, una de las técnicas surautomáticas y una forma de escritura indescifrable, de crear imágenes arrastrando o permitiendo la caída de algún líquido en una superficie vertical y así lograr crear imágenes representando la parte interior de los artistas.

La aerografía fue un recurso muy utilizado por los surrealistas.

El ahumado o fumage o del humo o tabaco (como es más conocida) es una técnica en donde las impresiones de las manchas de color son hechas por humo, una vela,una lámpara de queroseno o incluso un cigarro (para papeles tintados).

Se puede llevar a cabo sobre papel, sobre lienzo e incluso sobre el mismísimo techo, lo importante es que el soporte esté colocado por encima del fuego, para que el humo impregne esa superficie.

La aerografía, más conocida cómo graffiti, es una técnica en donde un objeto tridimensional es utilizado para hacer un esténcil aplicando spray. El esténcil (del inglés stencil), es un tipo de decoración a partir de una plantilla, calco o «trepa» con un dibujo recortado o patrón, método que permite reproducir en serie la imagen representada.

El invento se atribuye a Charles Burdick, un pintor surrealista determinado a crear el primer pincel mecánico de la historia.

Gracias a la tecnica del ahumado, el resultado era aún más cercano a lo onírico.

Un coulage es un tipo de automatismo o escultura involuntaria hecho puramente de material líquido o fundido (como metal, cera o chocolate) en agua fría. A medida que el material se enfría la obra toma una forma aleatoria sujeta a las características del material empleado, lo que en ocasiones suele terminar en discos o esferas. Esta técnica se suele utilizar en el proceso de clarividencia conocido como ceromancia.

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Artistas

André

Breton

N

ació el 18 de febrero de 1896, en Pinchebray, Orne, Francia. Dedicó gran parte de su tiempo a estudiar detalladamente las obras de Sigmund Freud y a experimentar con la escritura automática. Todo esto influyó notablemente en su formulación de la teoría surrealista.

Escribió en la revista Littérature, la principal publicación surrealista, en cuya fundación colaboró junto con Paul Éluard, Louis Aragon y Philippe Soupault y de la que fue editor durante muchos años.En el año 1921 publicó “Los campos magnéticos”, en la que explora las posibilidades de la hipnosis.

Durante 1922 rompió con Tristan Tzara, el fundador del dadaísmo y estableció la estética del surrealismo en el primer Manifiesto surrealista de 1924, que conocería dos redacciones posteriores en los años de 1930 y 1942.

El manifiesto mostraba las ideologías del surrealismo

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En 1938 viajó a México, donde conoció a otros artistas importantes como León Trotsky y a Diego Rivera.

Durante 1940 se edita su Antología del humor negro, prohibida por la censura.

En 1941 se embarcó en el Capitaine-Paul-Lemerle hacia Martinica, donde fue internado en un campo.

Liberado bajo fianza llegó a Nueva York para un exilio que durará cinco años.

Escribió La lanterne sourde (La linterna sorda). Un año después funda en Nueva York la revista “VVV”.

Fundó una nueva revista, “Le Surrealisme Meme” (1956). Su poesía, recopilada en Poemas (1948), refleja la influencia de los poetas Paul Valéry y Arthur Rimbaud.

Max

Ernest

M

Alemania.

Aún en su país, Ernst participó activamente en la Primera Guerra Mundial, hecho que dejó marcas profundas en él y, eventualmente, influenció su trabajo como artista. Haber estado expuesto a los horrores de la Gran Guerra hizo que se posicionara en contra de la sociedad y los valores de la época con mayor vehemencia.

de él y huyó de lo que él llamaba «la ceguera de la razón». Tras conocer personalmente a Paul Éluard y su mujer Gala en Colonia, Ernst se trasladó a París en 1922, donde se relacionó con el grupos urrealista de André Breton y desarrolló una pintura derivada de técnicas semiautomáticas, como el frottage, que consistía en poner un trozo de papel sobre una superficie de textura especial y frotarlo con un lápiz, o la decalcomanía. Esta última técnica, inventada por Óscar Domínguez en 1935, le ayudó a crear juegos de texturas que convertían sus paisajes en parajes de apariencia devastada.

Fue un surrealista militante y llevó este movimiento por todo el mundo. Para él, la parálisis ante un lienzo en blanco («complejo de virgen») se solucionaba de una forma muy sencilla: sacando material del subconsciente.

A él le debemos el Frottage (frotar sobre un objeto para transferir su textura en el soporte) o el Grattege (raspar pigmentos secos encima de maderas o lienzos). También el Dripping o goteo, que después desarrollaría Jackson Pollock.

Artista impredecible, siempre siguió la línea de la experimentación. Nunca hizo lo que se esperaba

Las pinturas al óleo también podían albergar texturas de una forma similar, mediante el con-

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ax Ernst fue uno de los pioneros del Dadaísmo y luego se incorporó al Surrealismo, destacando en la pintura y en la poesía. Nació en 1891 en

“Fue un surrealista militante y llevó este movimiento por todo el mundo.”

traste entre formas elaboradas con una espontaneidad libre. Las imágenes de bosques de Ernst realizadas a partir de formas tubulares o dentadas se crearon así. La variación llamada grattage consistía en obtener texturas rascando la superficie pictórica, como ya lo mencionamos anteriormente; obras posteriores fueron realizadas por decalcomanía, una técnica, como muchos sabemos, es descubierta en 1935 y perfeccionada por el también surrealista Óscar Domínguez.

hermana menor. Confuso por el incidente, empezó a relacionar aves y personas y esto se ve en sus cuadros, a menudo con cruces de pájaros y humanos.

Su obra tendría una gran nfluencia en multitud de artistas.

Ese método implicaba presionar una superficie cubierta de pintura húmeda sobre la del lienzo y después separarla de ella: en el cuadro dejaba dibujos fantásticos y sinuosos que evocaban paisajes de musgo, agua, arrecifes de coral o rocas. Aquellos dibujos daban lugar a reacciones en cadena de ideas creativas en Ernst.

Al comienzo de la guerra fue encarcelado por ser súbdito alemán. Tras escapar y volver a ser internado en varias ocasiones, Ernst consiguió su liberación definitiva y decidió poner rumbo a Estados Unidos.

Tras resolver todo tipo de inconvenientes, llegó por fin a Nueva York en julio de 1941, donde al poco tiempo se casó con la coleccionista Peggy Guggenheim, quien le había ayudado a salir de Francia.

Fue encarcelado tras la invasión de Francia por los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial; en la prisión trabajó en la decalcomanía, técnica para transferir al cristal o al metal pinturas realizadas sobre un papel especialmente preparado.

Fue asimismo un maestro en el collage, realizando varias novela-collage y trabajó con gran pericia la escultura, y también el cine (fue actor el la película de Buñuel «La edad de oro»).

A los 15 años quedó profundamente afectado por la muerte de su loro, justo cuando nació su

En 1938, tras abandonar el grupo surrealista parisiense por solidaridad con Éluard, se fue a vivir con Leonora Carrington a Saint-Martin d’Ardèche, al norte de Aviñón, donde reconstruyeron juntos una casa, llenándola de relieves, esculturas y pinturas.

“Sobre las nubes” (1920)

“Ubú emperador” (1923)

En 1953 regresó a París junto a su nueva compañera, Dorotea Tanning, y en 1958 obtuvo la nacionalidad francesa. El final de su vida lo pasó en Seillans, al sur de Francia.

Dentro de sus obras más famosas, encontramos “Sobre las nubes” (1920), “Edipo Rey” (1922), “Ubú emperador” (1923) y “El triunfo del surrealismo” (1936), entre otras obras.

“Triunfo del surrealismo” (1936)

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Salvador

E

Dalí

s el más famoso de los surrealistas y su nombre pasó a ser, con el tiempo, sinónimo del movimiento.

Esto ocurrió a pesar de que, alrededor de 1937 y como consecuencia de la transformación de su estilo y de sus posiciones políticas, Breton lo expulsara del Surrealismo. Por ende, Dalí es el más controversial.

En su obra es muy notoria la influencia del imaginario onírico, es decir, del mundo de los sueños. Su expresión artística fue hecha fundamentalmente a través de la pintura y de la escultura, pero a lo largo de su vida también utilizó otras formas y técnicas.

Nacidoen 1904 en Figueres, España (pueblo que marcaría toda su producción) Dalí nunca fue un niño normal. Tuvo un hermano que murió antes que él y sus padres le pusieron el mismo nombre, Salvador, consintiendo todos sus caprichos. Desde muy pequeño ya dio muestras de genio: dejaba sus

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¨Fue un artista indiscutible y es considerado pionero de los happenings y del pop-art.¨

excrementos en cualquier lado, como forma de arte. Su vida y su obra llegaron a ser la misma cosa y acabó siendo un showman obsesionado por promocionarse a sí mismo. Se podría decir que fue pionero de los happenings y del pop-art.

Salvador Dalí fue un artista indiscutible. El detallismo minucioso pero mostrando un mundo inconsciente hacen de él el más grande pintor de sueños.

La persistencia de la memoria (1931)

La tentación de San Antonio (1946)

El gran masturbador (1929)

Su naturalismo, tomado de sus ídolos Rafael y Velazquez, una enorme pasión por la ciencia y las asociaciones delirantes cuya ambigüedad provoca diversas intrepretaciones son sólo tres rasgos de su arte.

Inventó entre otras cosas, el método paranoico critico, con sus dobles imágenes y pintó más de 1500 obras de arte, sin contar decorados, fotografías, colaboraciones y sus numeritos, que hoy en día no pueden más que considerarse como Arte.

Dalí describió un extenso y personal universo simbólico a lo largo de su obra. Los «relojes blandos», que habían aparecido en 1931, fueron interpretados como una referencia a la teoría de la relatividad de Albert Einstein, y fueron creados tras la observación de unos pedazos de camembert expuestos al sol un caluroso día de agosto. Además de que siempre marcan las seis, la hora del surrealismo.

El 23 de enero de 1989, oyendo su disco favorito —Tristán e zIsolda, de Richard Wagner— murió a causa de una parada cardiorrespiratoria en Figueras, con 84 años.

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Joan

Miró

J

oan Miró (1893, Barcelona - 1983, Palma de Mallorca, España) es uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Las obras más conocidas del artista son sus pinturas, aunque también creó como escultor, diseñador, ceramista, etc. Así como otros artistas, Miró pasó por varios movimientos, se dejó influenciar por ellos y también dejó su marca. Comenzó, de hecho, por el Fauvismo, pasó luego al Dadaísmo y de este al Surrealismo y al Abstraccionismo.

Joan Miró fue pintor, escultor, grabador y ceramista. Y además uno de los pioneros de eso que se llamó surrealismo, en concreto de su vertiente más «infantil» y automática.

Para Joan Miró el subconsciente era un enorme campo de juegos, o un juguete muy parecido a los que tuvo en su infancia.

En París descubre el poder de lo onírico y decide acabar con los métodos convencionales de pintura.

En palabras propias quería «matarlos, asesinarlos o violarlos». En 1924 firma el Manifiesto Surrealista e incorpora a su obra formas infantiles automáticas y signos caligráficos.

Su obra se va volviendo cada vez más abstracta, más simple, más infantil. Reduce también su paleta de colores primarios, a formas primarias, y esto se ve también en sus esculturas y cerámicas.

El resumen calculado con el pájaro (1943)

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Su arte roba de la infancia, pero también de la cultura popular, por lo que hay mucho simbolismo

(el pájaro, las estrellas, la figura femenina…) que refleja su visión ingenua, feliz e impetuosa del mundo.

Realizó una exposición en la Galería Pierre del 12 al 27 de junio de 1925, con la presentación de 16 pinturas y 15 dibujos. Todos los representantes del grupo surrealista firmaron la invitación a la exposición. La inauguración se realizó a media noche, cosa nada frecuente en aquella época, mientras en el exterior, contratada por su amigo Picasso tocaban los compases de una sardana una orquesta de músicos; los visitantes, tenían que entrar a la sala, por turnos, completamente llena.

Las ventas fueron tan buenas como la crítica.

En 1926, Joan Miró colaboró con Max Ernst en diseños para los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev, en la obra Romeo y Julieta. El 4 de mayo de 1926, se representó por primera vez en Montecarlo y el 18 de mayo en el teatro Sarah Bernhardt de París.

Se sabía que estaba en los ánimos de los surrealistas y comunistas, alterar el estreno del “burgués” Diaghilev y los “traidores” Ernst y Miró, y así fue, al empezar la función, entre silbatos, se lanzó una lluvia de folletos de color rojo con un texto de protesta, firmado por Louis Aragon y André Breton. Sin embargo, al cabo de poco tiempo, la revista La Révolution Surréaliste, que editaba Breton, siguió con la reproducción de obras de los dos artistas.

El pájaro relámpago cegado por el fuego de la luna (1955)

El carnaval del arlequín (1945-1925)

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René

Magritte

R

ené François Ghislain Magritte fue el surrealista belga que más influyó en la pintura de su país en el siglo XX. Nació en 1898 en Lessines, Bélgica.

Sus imágenes, a diferencia de otros surrealistas, no estaban inspiradas 100% en sueños, sino que Magritte destilaba la realidad sacando su esencia, y consiguiendo, por un lado imágenes absolutamente sorprendentes e ingeniosas, y por otro el cuestionamiento mismo de esa realidad.

Magritte fue, por así decirlo, un surrealista conceptual muy interesado en la ambigüedad de las imágenes, de las palabras y en investigar la extraña relación entre lo pintado y lo real. Para ello explora lo que hay de mágico en lo cotidiano.

Influído por Giorgio de Chirico, empieza a pintar paisajes misteriosos, con significados ocultos, silencio y mucho sentido del humor.

La realidad es para él una ilusión, una trampa por así decirlo y por ello explora a lo largo de su carrera el espacio real frente a la ilusión espacial, que es la pintura misma.

Muy independiente, se mantuvo alejado del surrealismo militante y dogmático de Breton y pese a lo subversivo de muchas de sus pinturas, tuvo una vida tranquila y burguesa entre París y su Bélgica natal. La vida de un belga de clase media y sus rutinarias actividades diarias fueron en cierto modo su máxima inspiración para pintar sus extraordinarios cuadros.

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Los amantes (1928)

Reproducción prohibida (1937)

La lámpara filosófica (1936)

“Interesado en la ambigüedad de las imágenes, de las palabras y en investigar la extraña relación entre lo pintado y lo real.”

El hijo del hombre ( 1964)

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Remedios

Varo

R

emedios Varo fue una pintora y escritora española perteneciente a la generación del 27 y afín al movimiento surrealista. Anglès no sólo fue su lugar de origen, sino también la materia prima y aporte de la substancia enigmática que recorrerá toda su producción artística.

La influencia paterna marcará su impronta con las enseñanzas de dibujo técnico, mientras una síntesis entre simbolismo, surrealismo y fantasía, junto a las teorías freudianas acerca de la complejidad del inconsciente, alimentarán la originalidad de una obra rica en detalles y sugestiones. Sin duda, no podemos obviar a pintores como Goya, El Greco o El Bosco, claras

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“Varo dejó tras de sí una obra de gran narratividad y pureza, con un trabajo minucioso cargado de diversidad temática.” constantes en la obra de Remedios, al igual que la literatura de Edgar Allan Poe o de Julio Verne.

Hasta el momento del exilio definitivo impuesto por la invasión nazi de París durante la Segunda Guerra Mundial, debemos destacar el empleo de una figuración con tintes escabrosos próxima a la estética de su contemporáneo Óscar Domínguez.

Posteriormente, se decantará en favor de una iconografía más cercana al terreno de lo fabuloso –incluyendo la alquimia y el esoterismo–.

Haber pertenecido al grupo surrealista durante la estancia en París, junto el resto de influencias estéticas y personales, determinará la plena configuración de un lenguaje propio y de vanguardia, en consonancia al carácter

independiente de la mujer que fue. Ya en su país de acogida, México, desarrollaría con plenitud el estilo y la personalidad artística con los que alcanza el reconocimiento al conjunto de su trabajo pictórico tanto en tierra latinoamericana, como estadounidense.

Los años cincuenta suponen la consagración y la llegada del éxito artístico y económico, truncados por una muerte prematura en plena madurez.

Varo dejó tras de sí una obra de gran narratividad y pureza, con un trabajo minucioso cargado de diversidad temática y logrando con ello llevar el surrealismo a una de sus más elevadas manifestaciones.

Hoy en día gran parte de la obra producida reside

Ruptura (1955)

en colecciones particulares y es fuente de inspiración de artistas varios, como por ejemplo observamos en algunos de los videoclips de la reina del pop Madonna.

Pero finalmente, si hubiera de haber una característica, una sola palabra con la que aunar la obra y la forma de estar en el mundo de Remedios Varo, por recurrente que pueda sonarnos, sería, sin lugar a dudas: libertad.

Mujer saliendo del psicoanalista (1960)

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Revista de tipo especializada con temática cultural Edición no. 3

VAN-ART