EL PLACER DE LO COTIDIANO | QUOTIDIAN PLEASURES

EL PLACER DE LO COTIDIANO / QUOTIDIAN PLEASURES PINTURA MEXICANA CONTEMPORÁNEA / MEXICAN CONTEMPORARY PAINTING

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EL PLACER DE LO COTIDIANO / QUOTIDIAN PLEASURES PINTURA MEXICANA CONTEMPORÁNEA / MEXICAN CONTEMPORARY PAINTING

AVELINA LÉSPER

ALDAMA FINE ART

ÍNDICE / Index El placer de lo cotidiano

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Quotidian Pleasures

El arte y lo cotidiano

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Art and Quotidian Life

Los artistas 11 The Artists Carmen Chami 13 Tomás Gómez Robledo 29 José Antonio Farrera 45 Talia Yáñez 61 Miguel Ángel Garrido

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Antonio Chaurand 93 Wuero Ramos

109

Héctor Javier Ramírez

125

Hugo Jácome 141 Luis Argudín 157 Semblanzas 173 Profiles

Lista de obras

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List of Works

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Miguel Ă ngel Garrido Picando manzanas (Chopping Apples) 4

(detalle) (detail)

El placer de lo cotidiano Por Avelina Lésper

N

I

os obsesionamos con lo extraordinario, renegamos de la rutina, despreciamos la continuidad, creemos que tenemos que alimentar la existencia con emociones y vivir nuestra propia novela de aventuras escrita con impactos que retengan al lector, es decir, que nos retengan a nosotros mismos. Despertar en la misma cama, vivir por años en esa casa, acudir cada día al trabajo, convivir durante décadas con las mismas personas, crear un entorno seguro, para la sociedad actual es monotonía, hay que “romper con la rutina” nos dicen, porque de otra manera somos conformistas, aburridos, predecibles. Se ha convertido en una enfermedad social la artificial necesidad de emociones, somos adictos a un vacío que nunca podremos satisfacer. En esa desesperada carrera sin dirección no comprendemos que la existencia no es extraordinaria, es excepcional.

II

La sociedad contemporánea impone la búsqueda de emociones; la “excitación” que supone lo nuevo, lo arriesgado, nos otorgará un interés por nuestra propia vida. Es desolador pensar que nosotros, como seres únicos en nuestra circunstancia, requerimos de algo externo y dependiente de los otros porque no somos suficientes para dar sentido a esta vida. En la Primera Guerra Mundial miles de jóvenes se enrolaron en los ejércitos huyendo de sus “seguras y aburridas” vidas. El Imperio romano se derrumbó por la novedad de seguir una religión monoteísta propagada por pordioseros. Inventar guerras da más poder que mantener la paz, la deseosa incertidumbre que genera la cercanía con la muerte violenta es un placebo, porque desde la caída un imperio hasta la muerte llegarán y nada podrá evitarlo.

III

La vida cotidiana es una trampa formidable, es remanso o es tortura, disciplina o vicio, creación o degeneración. Cada instante estamos a punto de ceder a uno de esos extremos, pensamos que vivimos “de forma correcta” hasta que nos horrorizamos con la gente que se cruza con nosotros por la calle, con los estados de degradación que se alimentan dentro de los muros de una casa, de su suciedad mental y física, y nos reconocemos en eso, ¿en qué instante entramos en esa cueva, en qué momento construimos esa celda, cuánto tiempo toma?, un día, un año, décadas o ese segundo en que renunciamos a vernos y nos convertimos en extraños, en enajenados de nuestro propio ser. En el otro extremo está esa paz que da saber que debemos construir cada día, alimentarlo con los gestos que esperan como un regalo la sed, y admitir que nos rescatará de caer en la desesperación de estar con nosotros mismos.

Quotidian Pleasures

By Avelina Lésper

I e are obsessed with the extraordinary, we disavow routine, we despise continuity, we think we have to feed existence with emotions and live our own adventure novel filled with excitement that captivates the reader, in other words, that captivates us. To wake up in the same bed, live in that house for years, to go to work every day, to spend decades living with the same people, to create a safe environment, for modern-day society is monotonous, they say we need to “break the routine” because otherwise we’re conformists, boring, predictable. The artificial need for emotions has become a social disease, we’re addicted to a void that we’ll never be able to fill. In this desperate aimless race, we miss the point that existence is not extraordinary, it is exceptional.

W

II Contemporary society imposes the quest for emotions, the “excitement” implied by something new, risky, it will give us interest in our own life. It’s distressing to think that we, as unique beings in our circumstances, require something external and dependent on others because we are incapable of giving meaning to this life. In World War I thousands of young men enlisted in armies fleeing their “safe and boring” lives. The Roman Empire was overturned by the novelty of following a monotheistic religion propagated by beggars. Inventing wars gives greater power than keeping peace, the keen uncertainty generated by proximity to violent death is a placebo, because from the fall of an empire to death, they will come to pass and are unstoppable.

III Quotidian life is a formidable trap, it’s a haven or it’s torture, discipline or vice, creation or degeneration. Every instant we are on the verge of giving in to one of these extremes, we think we are living “properly” until we are horrified by people who cross the street with us, in states of degradation fueled within the walls of a house, of their mental and physical filth, and we recognize ourselves in it, at what moment did we enter that cave, at what instant did we construct that cell, how much time did it take?, a day, a year, decades or that second when we refuse to see ourselves and we become strangers, alienated by our very being. At another extreme is that peace from the knowledge that we have to build it every day, feed it with acts that thirst awaits like a gift, and admit that it will save us from falling into the desperation of being with ourselves.

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El arte y lo cotidiano Wuero Ramos Catedral de libros (detalle) Cathedral of Books

I

¿Por qué pintar algo que nadie aprecia? ¿Por qué pintar una calle sucia, una mesa con dos platos, una cama deshecha? ¿Para qué dirigir la atención sobre lo que nadie mira? Esa fruta un día estará podrida, esa calle es siniestra, esas flores están secas, la realidad misma está saturada de cosas que no queremos, que no percibimos, que ni siquiera necesitamos, ¿para qué llevarlas a una obra? ¿Para qué empecinarse en que sean perfectas? ¿Para qué retenerlas? ¿Para qué entrar en el ámbito del arte, que se supone es un pensamiento superior o por lo menos “reflexivo y profundo”, recreando un mendrugo sobre una mesa? Porque somos eso y el arte indaga en lo que somos. No hay más de nosotros, somos esa calle que caminamos cada día, ese plato vacío, ese mendrugo, porque no hay héroes ni dioses, no hay santos o verdugos, somos esa miseria que, recreada dentro de una obra, nos despoja de nuestra finitud y le otorga sentido al aquí y ahora para reflejar el misterio de ser.

II

La vida de los otros siempre es más interesante que la propia, porque está fuera de nuestro control, porque sin padecerla sólo tenemos que observarla, desearla, criticarla. La realidad es un drama que aplaudimos o abucheamos, nos asumimos espectadores que desde el palco mantenemos distancia y superioridad. ¿Cuántas vidas hemos rehecho, analizado, inventado, deformado desde el palco de nuestra morbosa imaginación? El artista tiene un privilegio aún mayor, tiene permiso de ver, recrear y reinventar, tomar como punto de partida cualquier gesto, objeto, situación o persona y sembrarlos en una novela, pintura o poema. La vida cotidiana es un material inagotable que explota el artista que sabe ver, que sabe sentir.

III

El arte se ha contagiado de esa urgencia social por las emociones: equivocadamente se supone que los “grandes temas producen grandes obras”. En el arte, la literatura y la vida misma, la trascendencia no está en el tema o en la anécdota, está en cómo es narrada esa historia, cómo está descrita esa escena, cómo la vivimos, qué papel desarrollamos: creadores o espectadores.

La ansiedad de mirar por una ventana abierta, invadir ese espacio ajeno, es el vicio del voyerista y la herramienta del artista. Los otros hacen lo mismo que nosotros, pero la distancia le da una dimensión mayor, nos intriga, nos incita, queremos saber más. El arte sacia ese apetito, se adentra en espacios que no hemos visto, en habitaciones, emociones, momentos, calles, atmósferas, que a pesar de que son familiares, reconocibles, plasmados en la obra se convierten en ventanas, en escenarios. El espectador de la obra ve con los ojos del artista, descubre lo que él descubrió, y en una prodigiosa aventura, se sabe retratado, se sabe espiado y presencia su propio drama: el ultrajado agradece el ultraje.

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(detail)

Art and

Quotidian Life

José Antonio Farrera La niña con la mano en el pecho (detalle) Girl with Hand on Breast (detail)

I Why paint something that no one appreciates? Why paint a dirty street, a table with two plates, an unmade bed? What’s the point of paying attention to something that no one looks at? That piece of fruit will be rotten one day, that street is sinister, those flowers are dried, reality itself is saturated with things that we don’t want, that we don’t perceive, that we don’t even need, what’s the point of putting those things in an artwork? What’s the point of insisting on being perfect? What’s the point of holding on to those things? What’s the point of entering the realm of art, which is supposed to be a milieu of higher thought or at least “reflective and profound,” recreating a crust of bread on a table? Because that’s what we are and art explores what we are. There’s nothing more than us, we are that street that we walk every day, that empty plate, that crust of bread, because there are no heroes or gods, there are no saints or executioners, we are that misery recreated in a work that deprives us of our finite nature and gives the here and now meaning to reflect the mystery of being.

II The life of others is always more interesting than your own, because it’s beyond our control, because without having to suffer it we only have to observe it, desire it, criticize it. Reality is a drama that we applaud or boo, we assume the role of spectators who maintain our distance and superiority from the gallery. How many lives have we remade, analyzed, invented from the balcony of our morbid imagination? The artist has an even greater privilege, he has permission to see, recreate, and reinvent, to take any gesture, object, situation or person as a starting point and to plant them like a seed in a novel, painting, or poem. Everyday life offers inexhaustible material put to best use by the artist who knows how to see, who knows how to feel.

III This social urgency for emotions has infected art in the mistaken assumption that “great themes produce great works.” In art, literature, and life itself, transcendence resides not in the subject matter or in the anecdote, it’s all about how the story is told, how the scene is described, how we live it; what role we play: creators or spectators.

The angst to gaze out an open window, to invade that foreign space is the voyeur’s vice and the artist’s tool. Others do the same as we do, but distance gives them a greater dimension, it intrigues us, it excites us, it makes us want to know more. Art satisfies this appetite, it squeezes into spaces that we haven’t seen, into rooms, emotions, moments, streets, moods, that despite the fact they are familiar, recognizable, captured in the work they become windows, scenarios. The spectator of the work sees with the artist’s eyes, he discovers what the artist discovered, and in a marvelous adventure, the spectator knows he is portrayed, he knows he is spied upon, and he witnesses his own drama: the offended party is grateful for the offense.

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IV

La memoria y el devenir cotidiano son fugaces, efímeros, la naturaleza muerta, el paisaje urbano, el autorretrato, las escenas familiares suspenden ese momento. El artista es un fetichista del tiempo, retiene lo que tendría que desaparecer, fija esa acción, ese instante, se revela ante la degeneración natural de la fruta dentro de un cuenco, al envejecimiento de una persona, a la trasformación de la calle. Vivimos dentro del gran todo que nos rodea, sin atenderlo, sin observarlo, lo creemos irrelevante, y para el arte es el reto formidable de tocar la eternidad, de imponer la presencia de algo en contra del tiempo, de la muerte, del olvido. La existencia se trastoca y hasta lo más mínimo es la puerta al infinito: la habitación en desorden, un vaso con agua, el color de un muro envejecido; eso, en su insignificancia, va más allá de su aparente significado y expande la noción de temporalidad, rompe el miedo a la muerte y se incorpora al perenne ciclo de vidas que han presenciado y presenciarán esa obra. Durante más de trescientos años las pinturas de Chardin han sido observadas por miles de personas que hoy ya no existen: la cadena de vida y muerte rodea al arte mientras el arte vive para siempre.

V

La luz es el elemento inasible que describe el tiempo, cambia cada segundo, estamos regidos por su incesante movimiento, el día y la noche son nuestro cronómetro. El arte se detiene a mirarla, a sentir cómo nos gobierna, la persigue en su trayecto para recrear la brevedad en la que un filoso haz marcó la silueta de un rostro o matizó el color de los duraznos. El arte nos obliga a mirar la luz, nos muestra que ese ser inefable tiene vida y siente. La luz es un estado de ánimo, dialoga con nosotros, responde a la serenidad, describe la tristeza, grita y confunde. La luz en una naturaleza muerta crea la hora, la temperatura, hace surgir una atmósfera orgánica, los frutos sudan, exhalan azúcar, los colores brotan. La piel de un retrato respira con la luz, su textura invita al tacto. La penumbra es parte de la luz, las protuberancias resplandecen entre las sombras, entramos en las profundas oquedades por la sutil guía de la luz. La mirada busca la luz para saber, la oscuridad aísla, urgidos de estar y no estar, viajamos de un extremo a otro. En esta selección de pinturas curada por José Ignacio Aldama, la asimilación, intromisión y recreación de la continuidad cotidiana, los lugares, los objetos, las personas y las memorias nos llevan por el espejo doble de la existencia, por el lugar del que a veces queremos huir y otras luchamos por recobrar.

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IV Memory and the quotidian unfolding of events are fleeting, ephemeral, still life, urban landscape, self-portrait, familiar scenes, they suspend that moment. The artist is a fetishist of time, he retains what has to disappear, he fixes that action, that instant, it is revealed before the natural degeneration of the fruit in a bowl, the aging of a person, to the transformation of the street.

We live in a vast whole that surrounds us, without paying attention to it, without observing it, we think it’s irrelevant, and for art the formidable challenge is to touch eternity, to impose the presence of something against time, death, oblivion. Existence is disturbed and even the smallest thing is the door to infinity: the messy room, a glass of water, the color of a decrepit wall, that thing in its insignificance goes beyond its apparent meaning and expands the notion of temporality, it breaks the fear of death, and it is incorporated into the perennial cycle of lives that have witnessed and will witness that work. For more than three hundred years Chardin’s paintings have been observed by thousands of people who no longer exist: the chain of life and death surrounds art while art lives on forever.

V Light is the elusive element that describes time, it changes second by second, we are governed by its incessant movement, day and night are our chronometer. Art stops to gaze at it, to feel how it governs us, it pursues it on its trajectory to recreate the brevity in which a sharp beam marked the silhouette of a face or nuanced the tonality of peaches. Art forces us to look at light, it shows us how that ineffable being has life and feels.

Light is a mood, it dialogues with us, it responds to serenity it describes sadness, it screams and befuddles. Light in a still life creates the hour, the temperature, it stirs an organic atmosphere, fruit sweats, it exhales sugar, sprouts colors. The skin in a portrait breathes with light, its texture invites touch. Darkness is part of light, protuberances shine from shadows, we enter deep hollows through the subtle guidance of light. The gaze seeks out light to know, but darkness isolates, urged to be and not to be, we travel from one extreme to the other.

In this selection of paintings curated by José Ignacio Aldama, assimilation, intromission, and re-creation of quotidian continuity, places, objects, persons, and memories lead us through the double mirror of existence, to the place where sometimes we wish to flee and at others we struggle to recover.

Carmen Chami Reflection I (detalle) Reflection I (detail)

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Los artistas The Artists

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Carmen Chami

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The Quotidian I

El yo cotidiano

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rágicamente, despertamos y somos la misma persona, no hay encarnación milagrosa, pesadilla materializada o petición cumplida, somos el mismo ser que entró a un sueño denso unas horas antes. Sin embargo, en el trayecto de la existencia nos despojamos muchas veces de este cuerpo para adquirir otro: dejamos el cuerpo de niños para emigrar al de adolescentes, nos intriga lo que sigue, y al observar fotografías no reconocemos a esa persona y no la relacionamos con la persona actual: matamos al joven para que llegue el adulto.

Padecemos esta metamorfosis, sabemos que es inevitable llegar a donde no queremos ir. Esta condición de inestabilidad, vertiginosa y lenta, transita por enfermedad, humor, sentimiento, dolor, gozo, utiliza el cuerpo como vehículo y espacio. El yo cotidiano cambia su apariencia con las circunstancias, la edad, las emociones, y lo deja impreso en la expresión del rostro, la densidad de nuestro cuerpo, en la voz y la mirada. El yo cotidiano dialoga consigo mismo cada instante, llega al grado de soñarse en las arbitrarias historias de nuestro inconsciente y sabemos que esa persona somos nosotros, porque ese yo, en su apariencia y esencia, nos diferencia y nos da una imagen que reconocemos como nuestra. En el momento en que dejamos de reconocer a ese yo es porque nos hemos perdido, ya no nos pertenecemos, ese vacío es la pesadilla del yo cotidiano y por eso hace perceptible y evidente su esfuerzo por ser.

ragically, we wake up and we are the same person, there is no miraculous incarnation, materialized nightmare, or fulfilled request, we are the same person who entered a deep sleep hours earlier. Nevertheless, the trajectory of existence often deprives us of this body to take on another: we leave the body of children to migrate to that of adolescents, what follows intrigues us, and by seeing photographs we do not recognize that person and we do not relate the image to the person today: we kill the youth for the adult to arrive. We suffer this metamorphosis, we know we will inevitably arrive where we don’t want to go. This condition of dizzying and slow instability crosses through illness, humor, sentiment, pain, delight, it uses the body as a vehicle and space. The quotidian I changes its appearance with circumstances, age, emotions, and it leaves its mark on the expression of the face, the density of our body, on our voice and our gaze.

The quotidian I talks to itself at every moment, it goes so far as to dream of the arbitrary stories of our unconscious and we know that we are that person, because that I, in appearance and essence, differentiates us and gives us an image that we recognize as ours. The moment we cease to recognize that I is because we have lost ourselves, we no longer belong to ourselves, that void is the nightmare of the quotidian I and that’s why its effort to exist is perceptible and evident.

Carmen Chami Y Ramoncito necesitaba tiempo para pensar (detalle) And Ramoncito Needed Time to Think (detail)

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Carmen Chami y el yo cotidiano

Carmen Chami and the Quotidian I

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l autorretrato utiliza al artista, la creación se encierra en el deformado y falseado universo que regresa el espejo. Carmen Chami dejó de ver lejos y fuera para ver dentro del espejo, ella misma es investigación y tema, se observa para diseccionar cada uno de sus rasgos, gestos, se desmiembra para reconfigurarse en otro ser, en un personaje que encarna una historia inconclusa. Pinta a dos personas, una real, auténtica, que se observa y reproduce con toda su carnalidad y otra que inventa, su rostro es su propia máscara, se revela a través de una ficción de sí misma, de una mentira. Es Penélope, Judit, Lady Macbeth, es asesina o seductora. Carmen se encuentra en todas ellas, sublima su debilidad, enaltece su oscuridad.

El protagonismo es de la pintura, ese escenario le permite existir, sentada detrás de una antigua máquina de coser, une un lienzo enorme de rostros, levanta un fragmento y con unas tijeras comienza a cortarlo. ¿Qué vida corta Carmen? ¿Qué rostro quiere olvidar? ¿Por qué une para después romper? Se viste de color negro en un duelo anunciado, apenas convoca la ausencia y ya la está viviendo. En ese lienzo hay decenas de rostros, cada uno tiene una expresión, un nombre, un sitio en la memoria de Carmen.

El telón de fondo de una vida está saturado de rostros, se suman, crecen, y sabemos que sólo unos pocos son indispensables. Privilegio ganado: excluir a personas del lienzo de la memoria. El control que tiene sobre el conocimiento de la figura humana, de sus tonalidades, densidades, movimientos, le da realidad a la encarnación de Carmen en otras mujeres, pareciera que Carmen se pinta a sí misma para no ser ella, que eso le permite huir, y no es así: entra con total desenfreno a su propio interior, se satura de sí para volverse a pintar.

he artist uses the self-portrait, creation is contained in the deformed and falsified universe that returns from the mirror. Carmen Chami stopped looking far away and beyond to look into the mirror, she is both the research and subject, she is observed to dissect each of her traits, gestures, she is dismembered to be reconfigured as another being, into a character who incarnates an unfinished story. She paints two people, one real, authentic, who is observed and reproduced in all of its carnality and the other that she invents, her face is her own mask, it is revealed through a fiction of itself, of a lie. It is Penelope, Judith, Lady Macbeth, she is a killer or a seductress, Carmen finds herself in all of them, she sublimates her weakness, she exalts her darkness. Painting plays the starring role, that scenario allows her to exist, seated behind an antique sewing machine, it brings together an enormous canvas of faces, she raises a fragment and begins to cut it with scissors. What life does Carmen cut? What face does she wish to forget? Why did she sew it together to then tear it apart? She is dressed in black in an announced mourning, the absence is barely announced and already she is living it. In this canvas there are dozens of faces, each of them has an expression, a name, a site in Carmen’s memory. The backdrop of a life is saturated with faces, they are joined, they grow, and we know that only a few are indispensable.

It is an earned privilege to exclude people from the canvas of memory. Her command over the knowledge of the human figure, of its tonalities, densities, movements, gives reality to Carmen’s incarnation in other women, it might seem that Carmen paints herself to not be herself, and that permits her to flee but that it not the case, she enters her own inner world with utter abandon, she is saturated with herself to paint herself again.

Carmen Chami El baño (detalle) The Bathroom (detail) 15

Cat. 1 Carmen Chami Reflection I 2012 Óleo sobre tela 80 x 80 cm Reflection I 2012 Oil on canvas 80 × 80 cm

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Cat. 2 Carmen Chami Reflection II 2012 Óleo sobre tela 80 x 80 cm Reflection II 2012 Oil on canvas 80 × 80 cm

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Cat. 3 Carmen Chami El baño 2011 Óleo sobre tela 90 x 150 cm The Bathroom 2011 Oil on canvas 90 × 150 cm

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Cat. 4 Carmen Chami Gertrudis Bocanegra como pretexto 2010 Ă“leo sobre tela 120 x 120 cm Gertrudis Bocanegra as Pretext 2010 Oil on canvas 120 Ă— 120 cm

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Cat. 5 Carmen Chami Leona Vicario como pretexto 2010 Óleo sobre tela 120 x 120 cm Leona Vicario as Pretext 2010 Oil on canvas 120 × 120 cm

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Cat. 6 Carmen Chami Y Ramoncito necesitaba tiempo para pensar 2011 Ă“leo sobre tela 100 x 150 cm And Ramoncito Needed Time to Think 2011 Oil on canvas 100 Ă— 150 cm

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Tomรกs Gรณmez Robledo

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La sombra cotidiana

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omos demasiados, es imposible retener cada uno de los rostros que miramos en el transcurso cotidiano de nuestra existencia. Con el tiempo hasta los seres que conocemos se van borrando de nuestra memoria, de ellos quedan siluetas que se evaporan. La memoria no tiene voluntad, retiene lo que queremos olvidar, lo mantiene vivo, regresa en pesadillas, con el olor de un perfume, la luz de una lámpara. En cambio, lo que atesoramos y tratamos de recrear en cada detalle se diluye, se transforma, entra la tramposa imaginación y le inventa detalles que no existieron. Guardamos en la memoria miles y miles de personas, rostros, cuerpos, todo lo que vemos y oímos entra, estorba, ocupa un sitio que no merece. Nosotros, como ellos, somos invisibles, fugaces, olvidables, pertenecemos a la memoria de miles de personas que también quisieran expulsarnos. Salimos a la calle para desaparecer, integrarnos en la masa, vemos y no reconocemos, el contacto visual es violento, indeseable, preferimos ignorar, la sola mirada compromete. El trayecto de la vida nos condena a extinguirnos.

La pretensión de ser recordado es una ficción del ego, no hay memoria capaz de materializar una sombra; como nuestro cuerpo, quedará un fugaz desperdicio, quedará una silueta inexacta y vaga.

Tomás Gómez Robledo 6 p.m. (detalle)

The Quotidian Shadow

T

here are too many of us, it is impossible to retain each of the faces we look at in the course of our everyday existence. With time even the people we know begin to blur in our memory, all that remains of them are silhouettes that evaporate. Memory lacks will, it retains what we wish to forget, it keeps it alive, it returns in nightmares, with the whiff of a perfume, the light of a lamp. In contrast, what we treasure and try to re-create in every detail becomes diluted, it is transformed, the slippery imagination enters and invents details that never existed. We hold the memory of thousands upon thousands of people, faces, bodies, everything that we see and hear enters, gets in the way, occupies an undeserved place. We, like them, are invisible, evanescent, forgettable, we belong to the memory of thousands of people who also wish to cast us out. We go out onto the street to disappear, to integrate ourselves into the masses, we see and we don’t recognize, visual contact is violent, undesirable, we prefer to ignore, the mere gaze makes a commitment. The course of life condemns us to our extermination. The aspiration to be remembered is a fiction of the ego, there is no memory capable of materializing a shadow, like our body, it will remain a transitory bit of detritus, it will remain an imprecise and vague silhouette.

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6 p.m. (detail)

Tomás Gómez Robledo y la sombra cotidiana

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l arte detiene lo que se va, lo plasma inamovible, le da un espacio seguro para permanecer. Tomás Gómez Robledo recupera esas siluetas que se pierden en el infinito almacén de nuestra memoria, las rescata en sus pinturas, mantiene la apariencia que les da vivir en ese limbo inútil, no hay detalles, no hay rostros definidos, ni siquiera un lugar reconocible, conserva esa impredecible construcción que se queda dentro de nosotros. Percibimos el movimiento, una situación, el sexo, pero no sabemos más, se suman a esa incontenible avalancha de seres que entran cada día a poblar con su vacío nuestro espacio mental. El color se diluye, también es indefinido y arbitrario, como la memoria misma, capta esa esencia de lo que está condenado a desaparecer, de lo que no debería continuar. Las perspectivas que llevan a un limbo, calles sin ubicación, no hay tiempo, no hay clima, es el estado acuoso del falso recuerdo. Oníricas, nos evocan ese instante en que regresamos de una anestesia profunda y sentimos con terror que hemos perdido algo, que el tiempo se ha ido y que tenemos sólo el instante previo al caer en el sueño. Esa fugacidad obsesiona a Robledo y, contradictoriamente, le da un espacio material para fijarla, es un acto de piedad o de inconsciente crueldad, no deja ir a sus fantasmas.

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Tomás Gómez Robledo and the Quotidian Shadow

rt detains the transitory, it captures the immovable, it gives it a sure space to remain. Tomás Gómez Robledo recovers these silhouettes that are lost in the infinite storage of our memory, he rescues them in his paintings, he preserves the appearance given by living in this useless limbo, there are no details, there are no well-defined faces, not even recognizable places, it retains that unpredictable construction that stays within us. We perceive movement, a situation, sex, but we know nothing more, they are added onto that overwhelming avalanche of beings who enter each day to inhabit our mental space with their void. Color is diluted, it is also undefined and arbitrary, like memory itself, it captures that essence of what is condemned to vanish, of what mustn’t continue. The perspectives that lead to a limbo, streets without location, devoid of time, lacking climate, it is the aqueous state of a false memory. Dreamlike, they evoke in us that instant in which we returned to a profound anesthesia and we were gripped by the terror that we have lost something, that time has eluded us and we have only the instant prior to falling asleep. That fleetingness is Robledo’s obsession, and in a contradictory way, it gives him a material space to fix it, it is an act of piety or of unconscious cruelty, it does not let his ghosts get away.

Tomás Gómez Robledo Travesía (detalle) Crossing (detail)

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Cat. 7 Tomás Gómez Robledo Llamadas perdidas 2010 Acrílico sobre tela 140 x 160 cm Lost Calls 2010 Acrylic on canvas 140 × 160 cm

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Cat. 8 Tomás Gómez Robledo Llegada al puerto 2010 Acrílico sobre tela 80 x 100 cm Arrivat the Gate 2010 Acrylic on canvas 80 × 100 cm

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Cat. 9 Tomás Gómez Robledo En el puerto 2011 Acrílico sobre tela 120 x 180 cm At the Gate 2011 Acrylic on canvas 120 × 180 cm

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Cat. 10 Tomás Gómez Robledo Travesía 2010 Acrílico sobre tela 80 x 100 cm Crossing 2010 Acrylic on canvas 80 × 100 cm

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Cat. 11 Tomás Gómez Robledo 6 p.m.

2010 Acrílico sobre tela 160 x 140 cm 6 p.m.

2010 Acrylic on canvas 160 × 140 cm

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Cat. 12 Tomás Gómez Robledo Al alto vacío 2011 Acrílico sobre tela 120 x 190 cm (díptico) Vacuum Packed 2011 Acrylic on canvas 120 × 190 cm (diptych)

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JosĂŠ Antonio Farrera

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The Quotidian Nude José Antonio Farrera La tenue sonrisa (detalle) The Faint Smile (detail)

El desnudo cotidiano

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a conciencia que tenemos de nuestro propio cuerpo nos permite experimentar la realidad. Lo que cubre el cuerpo: la ropa, el nombre, el concepto que tenemos de nosotros mismos, la imagen que tienen los otros de nosotros, construye una versión mentirosa, una persona irreal. La ocultación nos hace vulnerables, despojarnos de todo nos fortalece, desnudos tenemos el poder de lo irrevocable, de lo irreversible.

Nuestra presencia se abre plena, deja la errónea manifestación que nos cubre, y entendemos que ese cuerpo es depositario y herramienta, con él creamos y pensamos. Sin este cuerpo dejamos de existir, es lo único que nos permite estar en el presente. Para la psiquiatría la vergüenza ante la propia desnudez es una manifestación de la conciencia, ese sentimiento de rechazo es una imposición social más que un producto de nuestra inteligencia, y nos lleva a odiar lo que somos, entonces lo atacamos, deformamos, enfermamos, hasta que ese cuerpo se convierte en un enemigo que nos vence, en una estancia tortuosa, en una aberrante condena. La conciencia del desnudo nos dice “yo soy esto”, “yo soy esto que piensa y se piensa, esto que se ve, que se sabe a través de ese cuerpo”. Lo que conocemos entra por el cuerpo, este conjunto de órganos, fluidos, tejidos es un generador de conocimiento, todo nuestro ser es un receptáculo del aprendizaje: sabemos lo que es el gozo, el placer, el dolor, la violencia, el esfuerzo, todo lo que nos rodea y afecta, todo lo que nos involucra. Es un universo incluyente y sensible, leemos, escuchamos música, hacemos el amor, contemplamos, creemos, con cada uno de nuestros órganos. La tristeza y la euforia nos invaden, la desolación y la angustia nos infectan hasta en el último milímetro de nuestro ser. La desnudez le da libertad a este universo, lo deja respirar, expandirse, ser verdad.

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ur awareness of our own body allows us to experience reality. What covers the body: clothing, a name, the concept that we have of ourselves, the image that others have of us, it builds a deceptive version, an unreal persona. Concealment makes us vulnerable, depriving us of everything makes us strong, naked we have the power of the irrevocable, or the irreversible. Our presence opens full, it leaves the erroneous manifestation that covers us, and we understand that this body is both a repository and tool, we create and think with it. Without this body we cease to exist, it is the only thing that allows us to be in the present. For psychiatry shame before nudity itself is a manifestation of consciousness, that feeling of rejection is a social imposition more than a product of our intelligence, and it leads us to hate what we are, then we attack it, we deform ourselves, we make ourselves sick, until that body becomes an enemy that defeats us, in a tortuous existence, in an aberrant condemnation. Consciousness of the nude tells us “this is me,” and “I am this entity that thinks and is thought of, what is seen, what is known through that body.” What we know enters through the body, that complex of organs, fluids, tissue, in a generator of knowledge, all of our being is a receptacle for learning: we know what enjoyment is, pleasure, pain, violence, effort, everything that surrounds and affects us, everything that involves us. It is an inclusive and sensitive universe, we read, we listen to music, we make love, we contemplate, we believe, with each of our organs. Sadness and euphoria invade us, desolation and anguish infect us right down to the final millimeter of our being. Nudity gives freedom to this universe, it lets it breathe, expand, be true.

José Antonio Farrera Alfonso Reyes hoy: nostalgia por Athenas (detalle) Alfonso Reyes Today: Nostalgia for Athens (detail)

José Antonio Farrera y el desnudo cotidiano

E

l tema de las pinturas de José Antonio Farrera es el reencuentro de la persona con su propio desnudo, el pacto de amor que establecemos en la intimidad cuando nos despojamos de la ropa, el reconocimiento sincero de quienes somos.

Sus personajes no posan, carecen de una actitud que altere esa sinceridad, están desnudos en el cuerpo y en la relación con su cuerpo. El personaje que posa pretende ser “alguien”, trata de explicarnos por qué está desnudo: porque quiere seducir, porque acaba de amar, porque es motivo de observación. Los desnudos de Farrera se presentan libres, despojados de carga, expuestos en su pureza, no pretenden ser más que ese todo orgánico en el que se deposita una existencia. Destaca sus protuberancias, tonalidades, densidades musculares, la belleza no es un molde preconcebido, la belleza está en el privilegio inexplicable de existir, de poseer un cuerpo para ser. Esgrafía, raspa, talla, maltrata la pintura, la satura de texturas, nos recuerda que esa piel sufre, contiene cada uno de los actos de nuestra vida, es receptiva al placer y lo exige.

Las pinturas de los rostros también son desnudos, se manifiestan sin obligación de aparentar, sin una expresión que los disfrace. La inestabilidad de la vida, su impredecible devenir es el cuerpo mismo, cambia, es casi una entidad autónoma, nos sorprende. El arte estudia y detiene esa transformación, la convierte en nostalgia, en un réquiem que se adelanta a lo que no podemos evitar.

José Antonio Farrera and the Quotidian Nude

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he theme of José Antonio Farrera’s paintings is the reencounter of the individual with his or her own nudity, the love pact that we establish in private when we remove our clothing, the sincere recognition of who we are. His figures do not pose, they lack an attitude that alters that sincerity, they are nude in their body and in their relationship with their body.

Figures that pose attempt to be “someone,” they try to explain to us why they are nude: because they wish to seduce, because they have just made love, because they are the reason for observation.

Farrera’s nudes are presented free, stripped of responsibility, displayed in their purity, they do not attempt to be more than that organic whole in which existence is vested. He highlights their protuberances, tonalities, muscular densities, beauty is not a preconceived mold, beauty resides in the inexplicable privilege of existence, of possessing a body to be. He incises, scrapes, carves, damages the painting, he saturates it with textures, he reminds us that this skin suffers, it contains each one of the acts in our lives, it is receptive to pleasure and demands it. The paintings of faces are also nudes, they are expressed without any obligation to pretend, without any expression that disguises them. The instability of life, its unpredictable development is the body itself, it changes, it is almost an autonomous entity, it surprises us. Art studies and stops this transformation, it converts it into nostalgia, into a requiem that gets ahead of what we cannot escape.

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Cat. 13 José Antonio Farrera La niña con la mano en el pecho 2010 Óleo sobre tela 140 x 120 cm Girl with Hand on Breast 2010 Oil on canvas 140 × 120 cm

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Cat. 14 José Antonio Farrera La tenue sonrisa 2012 Óleo sobre tela 140 x 120 cm The Faint Smile 2012 Oil on canvas 140 × 120 cm

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Cat. 15 José Antonio Farrera Gran desnudo en verde. Patricia II 2012 Óleo sobre tela 200 x 180 cm Large Nude in Green. Patricia II 2012 Oil on canvas 200 × 180 cm

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Cat. 16 José Antonio Farrera Alfonso Reyes hoy: nostalgia por Athenas 2013 Óleo sobre tela 60 x 50 cm Alfonso Reyes Today: Nostalgia for Athens 2013 Oil on canvas 60 × 50 cm

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Cat. 17 José Antonio Farrera Adicto solitario 2011 Óleo sobre tela 30 x 30 cm Solitary Addict 2011 Oil on canvas 30 × 30 cm

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Cat. 18 José Antonio Farrera Nuestra vida interior. Adicto II 2011 Óleo sobre tela 50 x 50 cm Our Inner Life (Addict II) 2011 Oil on canvas 50 × 50 cm

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Talia Yáñez

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El drama cotidiano

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abitamos nuestra cotidianeidad en el presente, el pasado contiene recuerdos e irrealidades, la vida cotidiana futura no existe, es una especulación que no controlamos. Drama es acción, es un acontecimiento involuntario o provocado que sucede en el presente. Cada uno de nuestros actos tiene una causa y un efecto, la conciencia total de nuestro presente nos da control sobre las causas, lo que hacemos en este momento se incorpora al pasado inmediato, cada instante determina el siguiente. Las consecuencias llegan inevitablemente, sin avisar, contundentes o sutiles, siempre serán un reflejo de lo que hicimos. La vida cotidiana nos da un escenario para nuestro presente, ahí sucede, la conciencia nos obliga a encarnar el personaje principal de nuestra historia. La realidad es un drama dominado por protagonistas, la visión de cada individuo estratifica ese drama y lo despliega desde su propia experiencia, le da sitio a los papeles secundarios, a los antagonistas, a los figurantes y extras que configuran un bulto, una masa sin parlamentos. Millones de dramas suceden simultáneamente, millones de actos generan causas y efectos, nos involucran, nos afectan aunque no hayamos participado directamente, es un movimiento incontenible, descontrolado, imparable. No hay actos o acciones pequeñas, todas son trascendentales, servirse una taza de té, mirar el paisaje, escuchar la conversación de otros es parte de algo, contribuye a que la realidad sea posible, a que avance. El presente es inmanente, hasta no hacer implica un efecto, el silencio dimensiona el ruido. Lo que nos presencia nos da realidad y nosotros damos realidad a lo que presenciamos.

Talía Yáñez Chato (detalle) Chato (detail) 62

The Quotidian Drama

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e inhabit our quotidian existence in the present, the past contains memories and unreality, future quotidian life does not exist, it is speculation that we cannot control. Drama is action, it is an event that is involuntary or provoked that happens in the present. Each of our acts has a cause and an effect, the overall awareness of our present gives us control over the causes, what we do at this moment joins the immediate past, each instant determines the next.

Consequences inevitably follow, without warning, forceful or subtle, they will always be a reflection of what we did. Quotidian life gives us a scenario for our present, it happens there, awareness forces us to play the leading role in our story. Reality is a drama dominated by protagonists, the vision of each individual is ranked in this drama and it unfolds from experience itself, it gives rise to secondary roles, to antagonists, to bit players and extras that form a whole, a mass without spoken lines.

Millions of dramas take place simultaneously, millions of acts generate causes and effects, they involve us, they affect us, even though we have not participated directly, in an uncontainable, uncontrollable, unstoppable movement. There are no small acts or actions, all of them are significant, serving a cup of tea, looking at the landscape, listening to the conversation of others, it is part of something, it contributes to making reality possible, to its progress. The present is immanent, even inaction implies an effect, silence gives dimension to noise. What we witness gives us reality and we give reality to what we witness.

Talia Yáñez Jonás y Chava (detalle) Jonás and Chava (detail)

Talia Yáñez y el drama cotidiano

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as escenas de las pinturas de Talía Yáñez no son provocadas, son reactivas e impredecibles. Sus personajes reaccionan dentro de un drama que improvisan bajo el efecto del alcohol, de la fiesta y la conversación. Talía es un observador activo, su papel es ver y retener, robar gestos y momentos para recrearlos en sus obras. La naturalidad, la completa entrega al desarrollo de la historia la involucran como cómplice. Los personajes gesticulan, bromean, bailan, se pelean, la intensidad de las escenas nos recuerda la violencia de Caravaggio. Los diálogos son absurdos, sin coherencia ni continuidad, y sin embargo quisiéramos saber qué dicen, a dónde fueron sus relatos, de qué habla ese hombre que junta sus dedos aplastando algo invisible, y el otro que le responde con una carcajada. La luz crea la atmósfera que pintaba Rembrandt, cada gesto y actitud se expanden llenando el espacio, la piel transpira, huele, se mueve, se arruga. La figura humana es un escenario dentro de un escenario más grande, en cada personaje sucede un drama distinto y aunque están obligados a compartir el espacio en el que la pintora los depositó, tienen autonomía de manifestación, son únicos. Estos caracteres que plasma Talía en sus obras son extraordinarios, podrían ser profetas de la Biblia, revolucionarios o prófugos de una prisión, y si esos mismos seres salen de la pintura y recobran su presencia física y carnal, son invisibles, comunes, son parte de la masa que evitamos ver. El arte les da una condición excepcional, los hace legendarios.

Talia Yáñez and the Quotidian Drama The scenes in Talía Yáñez’s paintings are not provoked, they are reactive and unpredictable. Her characters react in a drama that they improvise under the effects of alcohol, partying, and conversation. Talía is an active observer, her role is to see and revisit, to steal expressions and moments to recreate them in her works.

The natural quality, the utter dedication to the development of the story draws her in as an accomplice. The characters gesticulate, joke, dance, fight, the intensity of the scenes remind us of Caravaggio’s violence. The dialogues are absurd, lacking coherence and continuity, and yet we would like to know what they say, how their stories ended, what that man who pinches his fingers together crushing something invisible was talking about, and the other who responds to him with a hearty laugh. Light creates the atmosphere that Rembrandt was painting, each gesture and attitude expanded to fill space, skin perspires, smells, moves, creases.

The human figure is the scenario in a wider scenario, a distinct drama unfolds in each character, and although they are forced to share the space where the painter placed them, they have autonomy of expression, they are unique. These characters that Talía captures in her works are remarkable, they could be prophets from the Bible, revolutionaries, or escaped convicts from a prison, and if these same individuals emerge from the painting and take on their physical and carnal presence, they are invisible, ordinary, they are part of a mass that we avoid seeing. Art imbues them with an exceptional condition, it makes them legendary.

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Cat. 19 Talia Yáñez Jonás y Chava 2013 Óleo sobre tela 90 × 180 cm Jonás and Chava 2013 Oil on canvas 90 × 180 cm

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Cat. 20 Talia Yáñez César 2013 Óleo sobre tela sobre madera 120 × 160 cm César 2013 Oil on canvas on wood 120 × 160 cm

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Cat. 21 Talia Yáñez Gris 2014 Óleo sobre tela 120 × 160 cm Gray 2014 Oil on canvas 120 × 160 cm

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Cat. 22 Talia Yáñez 8 2014 Óleo sobre tela 120 × 160 cm 8 2014 Oil on canvas 120 × 160 cm

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Cat. 23 Talia Yáñez Chato 2013 Óleo sobre tela 160 × 120 cm Chato 2013 Oil on canvas 160 × 120 cm

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Cat. 24 Talia Yáñez El abrazo 2013 Óleo sobre tela 160 × 120 cm The Embrace 2013 Oil on canvas 160 × 120 cm

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Miguel Ă ngel Garrido

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La convivencia cotidiana

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os recuerdos siempre están lejos, son inaccesibles, lo recordado es algo perdido. La cotidianeidad con su engañosa constancia nos hace creer que siempre estará ahí y no es así, basta un gesto, un evento, lo que sea para que desaparezca. La costumbre de comer juntos en familia sucede con regularidad casi detestable, hasta que eso se rompe. La fugacidad es la esencia de lo cotidiano, y es tan frágil, único e incompresible que no podemos recuperarlo, repetirlo, nos deja con la sensación de una pérdida irreparable y con el refugio inservible de la nostalgia. La trampa existencial es que lo cotidiano, con su falsa constancia, pareciera que es dueño del tiempo, que sucederá siempre, y el siempre no existe ni para el presente ni para el futuro. La convivencia es un ritual de construcción detallada, cuidadosa, demandante, que exige nuestra voluntad y creatividad, que pide equilibrio entre la novedad y el hábito. Este ritual es una manifestación de las emociones, preservarlo está en la permanencia de esa emoción. El ritual de la reunión familiar radica en lo que sentimos por ese grupo, por sus lazos, en la necesidad de contenerlo y ser contenido. No podemos retener ni los actos ni las emociones, el devenir está para vivirlo, no ofrece más, elegimos en qué centrar nuestro tiempo y nuestra devoción, porque desconocemos el instante siguiente. Esta fatalidad exige entrega, la incertidumbre es la que determina nuestros actos, nos da cita en el cumplimento cotidiano del ritual.

The Quotidian Coexistence

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emories are always distant, they are inaccessible, what is remembered is something lost. The quotidian with its deceptive permanence makes us believe it will always be there but that isn’t the case, all it takes is a gesture, an event, whatever it may be for it to disappear. The custom of eating together as a family happens with almost loathsome regularity, until it is broken. Evanescence is the essence of the quotidian, and it is so fragile, unique and incomprehensible that we cannot get it back, we cannot repeat it, it leaves us with the sensation of an irreparable loss and with the useless refuge of nostalgia. The quotidian is the existential trap, with its false persistence, it might seem to be the owner of time, which will always happen, and the always does not exist, neither for the present nor the future. Spending time together is a ritual of detailed, painstaking, demanding construction, that requires our will and creativity, that asks for equilibrium between novelty and habit. This ritual is an expression of emotions, preserving it resides in the permanence of that emotion. The ritual of a family reunion resides in what we feel for this group, for its ties, for the need to include it and to be included. We can retain neither the acts nor the emotions, the future is to be experienced, it offers nothing more, we select what to focus our time and devotion to, because we are unaware of the next moment. This fatality demands submission, uncertainty is what determines our acts, it brings us together in carrying out the ritual every day.

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Miguel Ángel Garrido y la convivencia cotidiana

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Miguel Ángel Garrido Cocinando (detalle)

econocemos las escenas de una comida en familia, sabemos que hemos estado ahí en algún momento. La pintura de Miguel Ángel Garrido estudia la fugacidad espacial y emocional de esos momentos, cómo se trasladan de un instante a otro, cómo evolucionan y suceden. La pincelada impregna de movimiento a las pinturas, anticipa inestabilidad, el color intenso nos hace sentir, entrar en las conversaciones que comparten. Los personajes participan sin atender al hecho de que son retratados, su actitud de confianza los hace cómplices del espía que está ahí para robar y retener ese instante. Tomar fotografías de todo y de cualquier momento se ha convertido en un vicio, las fotos son tantas que se arrumban en el archivo, se acumulan y unifican en su valor. Garrido le da otra dimensión al trabajo vicioso de ver, fotografiar y pintar, conquista el efecto vérité, la obvia evidencia de que ese momento no es un acontecimiento especial, y lo que se despliega como una aparición es la esencia irrecuperable del instante. Recupera el ruido de la mesa, la preparación de la comida, la hora, la familia reunida. Nos detenemos frente a la pintura y recordamos mientras vemos que cada persona está ahí para vivir eso, para hacer que algo suceda, que la presencia de uno de ellos es consecuencia de la presencia de otros. El punto de vista de Garrido es emocional, trata de retener lo que su yo siente ante un entorno también emocional, porque lo que determina esos momentos es la repetición del ritual que nos va a abrir a esos sentimientos.

Cooking (detail)

Miguel Ángel Garrido and the Quotidian Coexistence

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e recognize scenes from a family meal, we know we’ve been there at one time or another. Miguel Ángel Garrido’s painting studies the spatial and emotional transience of these moments, how they shift from one instant to another, how they evolve and unfold. The brushstroke imbues the paintings with movement, it anticipates instability, the intense color makes us feel, engage in the conversations that are shared. The figures participate without noticing the fact that they are portrayed, their attitude of confidence makes them accomplices of the spy who is there to steal and retain that instant.

Taking photographs of any and every moment has become a vice, there are so many photos that they are discarded in the file, they are accumulated and are leveled in their value. Garrido gives the depraved work of seeing, photographing, and painting another dimension, he conquers the vérité effect, the obvious evidence that this moment is not a special happening, and what is deployed as an apparition is the irrecoverable essence of an instant. He salvages the noise at the table, the preparation of the food, the time of day, the family gathered round. We pause in front of the painting and remember as we see that each person is there to live that, to make something happen, that the presence of one of them is a consequence of the presence of the others. Garrido’s viewpoint is emotional, he tries to retain what his I feels before a setting that is also emotional, because what determines these moments is the repetition of the ritual that will open these feelings in us.

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Cat. 25 Miguel Ángel Garrido Con sabor a México 2013 Óleo sobre tela 110 × 120 cm With Mexico’s Flavor 2013 Oil on canvas 110 × 120 cm

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Cat. 26 Miguel Ángel Garrido Picando manzanas 2014 Óleo sobre tela 98 × 131 cm Chopping Apples 2014 Oil on canvas 98 × 131 cm

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Cat. 27 Miguel Ángel Garrido Pizza y cerveza 2014 Óleo sobre tela 90 × 115 cm Pizza and Beer 2014 Oil on canvas 90 × 115 cm

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Cat. 28 Miguel Ángel Garrido Desayuno 2011 Óleo sobre tela 120 × 90 cm Breakfast 2011 Oil on canvas 120 × 90 cm

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Cat. 29 Miguel Ángel Garrido Cocinando 2011 Óleo sobre tela 65 × 86 cm Cooking 2011 Oil on canvas 65 × 86 cm

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Cat. 30 Miguel Ángel Garrido La familia de mi hermana 2011 Óleo sobre tela 85 × 110 cm My Sister’s Family 2011 Oil on canvas 85 × 110 cm

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Antonio Chaurand

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La habitación cotidiana

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l mundo, la sociedad, los otros, la agresividad, la obligación de aparentar, estar y sobrevivir quedan atrás en el momento que cruzamos el umbral de nuestra habitación.

Ese universo acotado recibe y alberga, ahí estamos seguros, descansamos, respiramos. La habitación no es una propiedad física, es la conquista de la soledad. El refugio, el retorno a la cueva que nos guarece de las inclemencias. Cada habitación es una prolongación de sus habitantes, no es cóncava, es convexa, proyecta a nuestro ser íntimo, es un juego: los elementos de la intimidad ahí reunidos nos describen, son un lenguaje y un mensaje.

La habitación es un contenedor grande e íntimo, dentro de ella la cotidianeidad germina y evoluciona con libertad. Es parte de la naturaleza humana ser animales de interiores, el exterior no es nuestro lugar, es tránsito. La pérdida fundamental y dolorosa del desarraigado es ese lugar, eso lo despoja de fuerza, lo hace vulnerable. Afuera somos extraños y desposeídos, dentro recuperamos la total propiedad de nuestro ser. Nos trasladamos de un contenedor a otro: la casa, el trabajo, el automóvil, el hotel, y tomamos posesión de cada sitio, no para ser dueños sino para que nos permita estar. En esa habitación cabe la paz o el infierno, la serenidad y la tormenta, la reconciliación o el suicidio. Una habitación es para el descanso o el insomnio, el amor o el abandono.

The Quotidian Room

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Antonio Chaurand Después del viaje (detalle) After the Journey (detail)

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he world, society, others, aggressiveness, the need to playact, to be and to survive are left behind the moment we cross the threshold of our room. That enclosed universe receives and shelters, there we are safe, we can rest, we can breathe. The room is not a physical property, it is the conquest of loneliness. The refuge, the return to the cave that gives shelter from the inclemency of the elements. Each room is an extension of its inhabitants, it isn’t concave, it’s convex, it projects to our inner being, it’s a game: the elements of privacy concentrated there describe us, they are a language and a message. The room is a spacious yet intimate container, within it quotidian life germinates and evolves with freedom.

It is part of human nature to be indoor animals, our place is not outdoors, it is a passage. The fundamental and painful loss of being uprooted is that place, that deprives us of strength, it makes us vulnerable. Outside we are strangers and dispossessed, inside we recover full ownership of our being. We move from one container to another: home, work, car, hotel, and we take possession of each site, not as owners, instead so it allows us to be there. Peace or hell fits into this room, serenity or torment, reconciliation or suicide. A room is for rest or insomnia, love or abandonment.

Antonio Chaurand Nosotros dos (detalle) The Two of Us (detail)

Antonio Chaurand and the Quotidian Room

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Antonio Chaurand y la habitación cotidiana

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l lienzo es la habitación de la pintura, ahí la obra sucede y es contenida.

El lienzo es un abismo con fronteras que establecen un sitio, le dan existencia. Antonio Chaurand pinta desde el interior de la habitación, recrea su intimidad secreta, los silencios, los diálogos, la sensación de estar, de pasar el tiempo, los muros impregnados con las presencias. La ventana señala al exterior y nos incluye como habitantes, dimensionamos que afuera la vida es distinta, aquí hay una total entrega al espacio, ese lugar apresa y protege a sus habitantes, son de ese sitio, de esas paredes. Los habitantes observan por las ventanas un mundo del que están exiliados. La luz de Chaurand, el sol que entra por la ventana, impregna el espacio, es otro personaje que invade la habitación, está vivo, describe emociones, horarios, temperatura, tiene un diálogo con los habitantes, los oculta en siluetas o los evidencia. El voyerismo de Chaurand nos contagia, el naturalismo de las escenas es vérité, no hay acciones, hay pausas, el momento que se detuvo en la memoria, que persiste con sus preguntas, con sus silencios. Dan la espalda al testigo, al compañero: en esa violenta intimidad aún hay espacio para una profundidad mayor, inescrutable, que expulsa al que mira, no lo deja entrar, se cierra, alguien se aísla en esos profundos silencios para escuchar su propia voz. La habitación de las pinturas de Chaurand pronto estará vacía, cada escena tiene la nostalgia previa al instante de la partida, es el momento eterno, irreversible de lo inevitable.

he canvas is the painting’s room, there the work takes place and is contained. The canvas is a chasm with borders that establish a site, they give it existence. Antonio Chaurand paints from the interior of the room, he recreates its secret intimacy, the silences, the dialogues, the sensation of being, the passage of time, the walls impregnated with presences. The window shows the exterior and includes us as inhabitants, we measure that outside life is different, here there is an utter submission to space, this place captures and protects its inhabitants, they are from this place, from these walls. Through the windows the inhabitants observe a world from which they are exiled. Chaurand’s light, the sun that enters through the windows impregnates space, it is another character that invades the room, it is alive, it describes, emotions, times, temperature, it has a dialogue with the inhabitants, it hides them in silhouettes or picks them out. Chaurand’s voyeurism is infectious, the naturalism of the scenes is vérité, there are no actions, there are pauses, the moment that was caught in memory, that persists with their questions, with their silences. They have their back to the witness, the companion, in this violent intimacy there is still space for greater depth, inscrutable, that casts out the spectator, that does not let him enter, that closes off the scene, someone is isolated in these profound silences to listen to his or her own voice. The room in Chaurand’s paintings will soon be empty, each scene possesses the nostalgia just before the instant of departure, it is the eternal, irreversible moment of the inevitable.

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Cat. 31 Antonio Chaurand Baño verde en cuarto rojo 2015 Óleo sobre tela 60 × 150 cm Green Bathroom in Red Room 2015 Oil on canvas 60 × 150 cm

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Cat. 32 Antonio Chaurand Casi listos Óleo sobre tela 150 × 225 cm Almost Ready Oil on canvas 150 × 225 cm

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Cat. 33 Antonio Chaurand Despertar en la selva 2014 Óleo sobre tela 62 × 90 cm Waking Up in the Jungle 2014 Oil on canvas 62 × 90 cm

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Cat. 34 Antonio Chaurand Después del viaje 2014 Óleo sobre tela 56 × 84 cm After the Journey 2014 Oil on canvas 56 × 84 cm

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Cat. 35 Antonio Chaurand Si quieres, te peino 2014 Óleo sobre tela 57 × 100 cm If You Want, I’ll Fix Your Hair 2014 Oil on canvas 57 × 100 cm

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Cat. 36 Antonio Chaurand Nosotros dos 2014 Óleo sobre tela 66 × 100 cm The Two of Us 2014 Oil on canvas 66 × 100 cm

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Wuero Ramos

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Wuero Ramos Paisaje con vanitas (detalle) Landscape with Vanitas (detail)

The Quotidian Abandonment

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El abandono cotidiano

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os libros de autores muertos, de autores vivos, millones de libros, para leerlos, quemarlos, olvidarlos. Escribir un libro es una misión estéril, ingrata e inútil, el libro es una ficción de la trascendencia, una mentira falaz, si algo se puede arrumbar en el vacío, eso es un libro. El libro impone algo que hacer: hay que leerlo, dialogar con él, denostarlo, amarlo. ¿Qué libro merece que le dediquemos el tiempo?

Cada libro se pelea con millones de ejemplares por el tiempo y la atención de un lector egoísta, invisible y lejano. Los libros nos persiguen desde la infancia y con los años continúan apareciendo, a veces son misiones imposibles, otras son cobardes colaboracionistas de la estulticia. El que escribe pretende algo improbable, imposible de controlar, cree, así de absurdo es, que lo van a leer y a estudiar. Ese libro abrirá la puerta a la fama, la admiración, es una medalla que se cuelga y se trafica, “soy autor, soy escritor”, título nobiliario sin linaje, sin exclusividad, hay tantos que el árbol genealógico se pierde entre la mesa de novedades. Libros buenos y libros malos, los que se venden o los que no se venden, un libro sin lectores es más valorado que uno que vende miles de copias, y los dos tienen un autor arrogante que odia al insuficiente lector. La condena está asegurada mientras que el “éxito” es un capricho, un libro perpetúa el error, está ahí para demostrar que el autor pretendió lo que no podía, no importa, escribir otro libro engaña con una redención inalcanzable. ¿Qué le hace creer a un autor que sus ideas deben imprimirse y que merecen ser leídas? La ignorancia. La misma ignorancia que nos invita a arrojarnos al vacío.

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ooks by dead authors, living authors, millions of books, to be read, burned, forgotten. Writing a book is a barren, thankless, and useless mission, the book is a fiction of transcendence, a fallacious lie, if anything can be cast into the void, it is a book. Books impose something to do: you have to read them, dialogue with them, criticize them, love them. What book deserves so much of our time? Each book fights against millions of copies for the time and attention of a selfish, invisible, and distant reader. Books pursue us from childhood and as the years pass they continue appearing, sometimes they are impossible missions, at others they are cowardly collaborators of foolishness. Writers attempt something unlikely, impossible to control, they believe, as absurd as it may be, that people will read and study their books. That book will open the door to fame, admiration, it’s a medal that is hung and trafficked, “I’m an author, I’m a writer,” a noble title without lineage, without exclusivity, there are so many that the genealogical tree is lost on the table with new releases. Good books and bad books, those that sell and those that don’t, a book without readers is more valued than one that sells thousands of copies, and both have an arrogant author who hates the inadequate reader. Disapproval is ensured while “success” is random, a book perpetuates error, it’s there to demonstrate that the author hoped to do what he couldn’t, it doesn’t matter, writing another book deceives with unachievable redemption.

What makes authors think that their ideas should be printed and that they deserve to be read? Ignorance. The same ignorance that invites us to jump out a window or over a cliff.

Wuero Ramos and the Quotidian Abandonment

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n second hand bookshops the dead return to life, books are stacked like ghosts that struggle to reappear and howl, to attract attention again so that a reader can bring them back to life. Wuero Ramos enters the second-half bookshops in Mexico City and he paints them, he reinvents them in opera scenarios, the books are a gigantic chorus that sings their past. Bookshops that house gems that saw their readers die, or literary trash, mercenary pages dead before being published. Wuero Ramos paints the suffocation of this concert, the mass of books that grow metastatic, towers, planes, books that will never be seen because they are buried beneath volumes that grow day by day. In this chaotic representation of oblivion, Wuero is capable of painting a heartening order, the bookshop is a destination for a second chance, the dim light that warms the pages, the detailed re-creation of the setting seduces us to enter and look for a copy. The paintings are a generous sanctuary that accepts everything, the books leave behind the author’s arrogance, they are there to survive, they are objects that compete for their right to exist. We feel how the artist spends hours indoors, observing the movement, entry, and exit of boxes, inhaling the smell of dry paper and he became part of the setting to listen, to feel these libraries without subject matter, specialized in chaos. The paintings exude fascination, the novelties of second-hand bookshops are those that arrive that day, editions from any year, there the book is the occasion, the coincidence, the stroke of luck of the find.

Wuero Ramos y el abandono cotidiano

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n las librerías de viejo resucitan los muertos, los libros se amontonan como fantasmas que luchan por salir y aullar, llamar la atención otra vez y que un lector los regrese a la vida. Wuero Ramos entra en las librerías de viejo de la Ciudad de México y las pinta, las reinventa en escenarios de ópera, los libros son un coro gigantesco que canta su pasado. Librerías que albergan joyas que vieron morir a sus lectores, o basura literaria, mercenarias páginas muertas antes de ser publicadas. Wuero Ramos pinta la asfixia de ese concierto, la masa de libros que crece metastásica, torres, planicies, libros que nunca llegarán a la vista porque están sepultados bajo los volúmenes que crecen diariamente. En esta caótica representación del olvido, Wuero es capaz de pintar un orden esperanzador, la librería es un destino para una segunda oportunidad, la luz tibia que calienta las páginas, la detallada recreación del ambiente nos seduce para entrar y buscar un ejemplar. Las pinturas son un asilo generoso que acepta todo, los libros dejan la arrogancia del autor, están ahí para sobrevivir, son objetos que pelean su derecho a la existencia. Sentimos cómo el artista pasó horas dentro, observando el movimiento, la entrada y salida de cajas, respirando el olor de papel reseco y se incorporó a escuchar, a sentir estas bibliotecas sin temática, especializadas en el tumulto. Las pinturas emanan fascinación, las novedades de las librerías de viejo son las que llegan ese día, ediciones de cualquier año, ahí el libro es de la ocasión, la casualidad y el azar afortunado del encuentro.

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Cat. 37 Wuero Ramos Catedral de libros 2012 Óleo sobre tela 190 × 160 cm Cathedral of Books 2012 Oil on canvas 190 × 160 cm

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Cat. 38 Wuero Ramos Paisaje con vanitas 2012 Óleo sobre tela 160 × 130 cm Landscape with Vanitas 2012 Oil on canvas 160 × 130 cm

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Cat. 39 Wuero Ramos Librería roja 2012 Óleo sobre tela 60 × 40 cm Red Bookshop 2012 Oil on canvas 60 × 40 cm

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Cat. 40 Wuero Ramos Comerciante de libros 2012 Óleo sobre tela 130 × 160 cm Book Seller 2012 Oil on canvas 130 × 160 cm

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Cat. 41 Wuero Ramos La plática 2012 Óleo sobre tela 120 × 90 cm The Chat 2012 Oil on canvas 120 × 90 cm

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Cat. 42 Wuero Ramos Librería iluminada 2012 Óleo sobre tela 60 × 40 cm Illuminated Bookshop 2012 Oil on canvas 60 × 40 cm

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Héctor Javier Ramírez

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Héctor Javier Ramírez El lado oscuro de mi compadre (detalle) The Dark Side of My Godfather (detail)

La violencia cotidiana

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a violencia se padece, su presencia violatoria y dolorosa tiene tal poder que se manifiesta inexplicable, vivirla nos culpabiliza, sentimos que algo hicimos mal, repasamos el trayecto cotidiano que se alteró por el hecho indeseable, pensar cómo se pudo evitar es asumir responsabilidad, entrar en la obsesión de lo improbable, del inexistente “hubiera”. Tal vez ése sea el triunfo de la violencia sobre la paz, que nuestra formación culpígena y generadora de errores nos ubica como víctimas propiciatorias, vivimos en la pretensión de que el azar tiene moral: algo se merece o no se merece. La probabilidad nos elige porque un destino manifiesto intervino. El esfuerzo por dar razones o explicaciones a la violencia la exime de responsabilidad, buscamos un motivo para que “eso” sucediera. En La banalidad del mal, Hannah Arendt afirma que los nazis “eran burócratas cumpliendo con su deber”.Terrible deducción. El deber ligado al trabajo, a la responsabilidad es una virtud, el que lo cumple es un virtuoso, ¿aunque implique asesinar a miles de personas? Esa explicación reconfiguró la culpa y despojó a la víctima, el motivo para hacerlo era más valioso que las vidas de otras personas, “el deber obligó” a los ejecutores. La libertad es la capacidad de elegir, el que decide por la violencia sabe lo que hace, no cumple un deber, satisface el instinto del poder. El marqués de Sade anticipó en sus libros que el apetito por destruir es insaciable, la maldad humana llega tan lejos como las leyes o la corrupción se lo permitan. La degradación de sus personajes es equiparable a la de los nazis y en sus novelas no existe un deber que cumplir.

El ataque de la violencia siempre será inmerecido, no hay razones válidas, su misión es romper, alterar, no da lecciones, lo que sigue tendremos que repararlo solos.

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The Quotidian Violence

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iolence is endured, its painful, intrusive presence has such power that it appears to be inexplicable, experiencing it fills us with guilt, we feel as though we’ve done something wrong, we revisit the course of quotidian events altered by the undesirable act, contemplating how it could have been avoided is to assume responsibility, to enter the obsession of improbability, of the nonexistent “what if.” Perhaps it’s the triumph of violence over peace that our guilt- and error-ridden upbringing makes us propitiatory victims, we live with the hope that fate has morals: something is deserved or not deserved.

Probability chooses us because manifest destiny intervened.

The effort to find reasons or explanations for violence exempts it from responsibility, we seek a motive for why “this” or “that” occurred. In Hannah Arendt’s Banality of Evil she claims that the Nazis “were bureaucrats carrying out their duty.” A terrible deduction. Duty linked to work, to responsibility is a virtue, he who fulfills it is virtuous, even if it implies killing thousands of individuals? This explanation reconfigured guilt and stripped the victim, the reason to carry it out was worth more than the lives of other people, “duty forced” the executioners to act. Freedom is the capacity to choose, he who opts for violence knows what he is doing, he is not fulfilling a duty, he is satisfying the power instinct. In his books the Marquis de Sade foresaw the appetite for destruction is insatiable, human evil goes as far as laws or corruption permit. The depravity of his characters is comparable to that of the Nazis and in his novels there is no duty to fulfill.

The attack of violence will always be undeserved, there are no valid reasons to justify it, its mission is to break, alter, it does not offer lessons, we are left to repair the aftermath alone.

Héctor Javier Ramírez y la violencia cotidiana

L

a separación de los elementos de la violencia: las armas, el cuerpo expuesto y vulnerable, el azar, los obliga a ser susceptibles de ser estudiados, la higienizan, la estilizan, sacan a la violencia de su condición ultrajadora. Héctor Javier Ramírez pinta el terrorífico descenso de una bomba sobre lo que no vemos, despoja a ese objeto de su mortífera potencia, sin víctimas no hay horror, no hay moraleja. En el cielo azul, limpio y silencioso, podríamos oír cómo silba el destartalado automóvil de guerra que cae sobre un poste de luz, la civilización está abajo, esperando el desastre, el azar los elige, y no hay consecuencias ni en la pintura, ni en la realidad. La radiografía de un cráneo seguida de un revólver y el rostro de un anciano de ojos enrojecidos y tristes, dentro de un sombrío fondo negro, describe telegráficamente una historia con el hiperrealismo de cada elemento, en una composición secuencial que los involucra y los relaciona. Suponemos el trágico desenlace, y Ramírez consigue que se esterilice, que se suspenda, que pensemos que la violencia no tiene razones. La separación de elementos describe el miedo, la enfermedad, una radiografía de un tórax o la insensibilidad de un cráneo vacío con una galleta que se dirige al dueño, la demencia que nos persigue. La violencia de Ramírez es hiperrealista, su primer impacto es la hipersensibilización, pero de inmediato se descompone, trastoca la memoria, se fragmenta. Ramírez coloca estas partes en un lienzo sin reconstruir hechos o momentos, se atiene a lo que golpea, a lo inmediato.

Héctor Javier Ramírez and the Quotidian Violence

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he separation of the elements of violence: weapons, the vulnerable, exposed body, fate, it forces them to be the subject of study, it sanitizes them, it sterilizes them, it extracts violence from its offensive condition. Héctor Javier Ramírez paints the horrific descent of a bomb on what we don’t see, he strips that object of its lethal power, without victims there’s no horror, there’s no moral to the story. In the clear, silent blue sky we might hear the sound of the dilapidated war vehicle as it falls onto an electricity pole, civilization is below, awaiting the disaster, fate chooses them, and there are no consequences, neither in the painting, nor in reality. The x-ray of a skull followed by a revolver and the face of an old man with sad, blood-shot eyes, contained in a somber black background, telegraphically describes a story with the hyperrealism of each element, in a sequential composition that involves and interconnects them. We imagine a tragic outcome, and Ramírez manages to sterilize it, to keep it suspended, so that we think the violence has no underlying reasons. The separation of elements describes the fear, the disease, an x-ray of a thorax or the insensitivity of an empty skull with an animal cracker facing the skull’s owner, the dementia that pursues us. Ramírez’s violence is hyperrealist, its initial impact is hyper-sensitization but right away it crumbles, it disrupts memory, it breaks into bits. Ramírez places these parts on a canvas without reconstructing events or moments, it conforms to what strikes, to immediacy.

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Cat. 43 Héctor Javier Ramírez The end 2011 Óleo sobre tela 65 × 65 cm cada uno (díptico) The End 2011 Oil on canvas 65 × 65 cm each (diptych)

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Cat. 44 Héctor Javier Ramírez El iluminado 2011 Óleo sobre tela 165.5 × 122 cm The Illuminated 2011 Oil on canvas 165.5 × 122 cm

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Cat. 45 Héctor Javier Ramírez Yo soy el monstruo comegalletas 2011 Óleo sobre tela 40 × 100 cm I Am the Cookie Monster 2011 Oil on canvas 40 × 100 cm

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Cat. 46 Héctor Javier Ramírez ¿Acaso llamaste para destruirme?

2011 Óleo sobre tela 100 × 70 cm Did You Perhaps Call to Destroy Me? 2011 Oil on canvas 100 × 70 cm

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Cat. 47 Héctor Javier Ramírez Lluvia ácida 2011 Óleo sobre tela 100 × 70 cm Acid Rain 2011 Oil on canvas 100 × 70 cm

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Cat. 48 Héctor Javier Ramírez El lado oscuro de mi compadre 2009 Óleo sobre tela 65 × 65 cm cada uno (tríptico) The Dark Side of My Godfather 2009 Oil on canvas 65 × 65 cm each (triptych)

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Hugo Jรกcome

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Hugo Jácome Bolillos con fondo blanco (detalle) Bread Rolls on a White Background (detail)

The Quotidian Austerity

S La austeridad cotidiana

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os maestros Sadhus y los Sannyasis, munis, yatis, transforman su relación con la vida cotidiana a través de la meditación y renunciación, dejan atrás familia, propiedades, afectos, nombre, iniciando el camino de la austeridad que los llevará a encontrarse con su propio ser. La túnica que visten, el cuenco en el que comen y su cuerpo son sus únicas posesiones. Carecer de todo da la seguridad de permanecer en esa búsqueda. En los retiros espirituales la persona se aparta de su cotidiano devenir para que su espíritu encuentre la paz. En Las moradas del castillo interior,Teresa de Ávila afirma que “hay almas tan enfermas y mostradas a estarse en cosas exteriores, que no hay remedio ni parece que pueden estar dentro de sí”. Misterio filosófico: el alma intangible nos habita, es decir, está dentro de nosotros, y somos nosotros los que no podemos estar dentro de ella.

Teresa de Ávila, los Sadhus, los Sannyasis, el joven Siddhartha, emprendieron el camino para encontrar su alma, estar con ella, lograr esa unión que nos libera del sufrimiento.

Cuando la austeridad es una búsqueda cotidiana emprendemos un camino liberador, dejamos de vivir para lo que tenemos y comenzamos a vivir para lo que somos. Es una vida sin promesas ni recompensas, libera de las ataduras que nos obligan a actuar en relación con el exterior incontrolable. Estar con esa alma, aunque sea por unos instantes, nos pide silencio, espacio vacío. Misión difícil, poco apreciada en una época en que ser populares es la cúspide del existo, gente que paga para tener seguidores en las redes sociales. ¿Qué sentido tiene apartarse, ver con distancia al mundo, desvalorizar las posesiones y el éxito, asumir la diferencia entre lo efímero y lo eterno?

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adhu and Sannyasi masters, Hindu munis, yatis or Jain monks transform their relationship with quotidian life through meditation and renunciation, they leave behind their families, property, affective ties, name, to set off on the path of austerity that will lead them to find themselves. Their tunic, their bowl for food, and their body are their sole possessions. The utter lack of everything provides the security of remaining on this quest. On spiritual retreats the individual is removed from his quotidian activities so that his spirit can find peace.

In Interior Castle St. Teresa of Ávila wrote that, “there are souls that are so diseased and immersed in worldly things that there is no cure and it does not seem that they can be within themselves.” A philosophical mystery: the intangible soul dwells in us, in other words, it is within us, and we are the ones who cannot gain access to the soul. Teresa of Ávila, the Sadhus, the Sannyasis, the young Siddhartha set out on the path to find their soul, to be one with it, to achieve this union that frees us from suffering. When austerity is an quotidian quest we set out on a liberating path, we stop living for what we have and we begin to live for what we are. It is a life lacking promises and rewards, it frees from the ties that force us to act in relation to uncontrollable outside forces. To be with this soul, albeit even for only a few instants, requires silence, empty space.

A difficult mission, of little worth at a time when being popular is the culmination of existence, people who pay to have followers on social networks. What’s the point of having to remove themselves, seeing the world from a distance, deprecating possessions and success, embracing the difference between the ephemeral and the eternal?

Hugo Jácome y la austeridad cotidiana

E

l pan que nos alimenta siempre es igual, no hay diferencia entre una pieza y otra, es idéntico a la vida cotidiana, sin cambios ni sorpresas.

Esa austera presencia es capaz de saciar el hambre. Las pinturas de Hugo Jácome son naturalezas muertas silenciosas, únicamente algunas piezas de pan sobre una mesa blanca, a veces una taza vacía enfatiza la pobreza de elementos. Observar el color, la textura, la luz sobre cada pan nos evoca la meditación, la limpieza de la composición impide la distracción, es sólo pan y espacio vacío. La abundancia está en la pintura, en la detallada dedicación de dar realidad, volumen y memoria a la escena, de ejercer el acto de pintar con un tema elemental, simple, humilde. Es una decisión de estilo pero también de afirmación ante lo que nos rodea, basta muy poco para iniciar una búsqueda y encontrar lo que tenemos que hacer. El hecho de pintar, la acción de la creación se hace inagotable, un pan o una docena son diferentes, las obras plantean otras posibilidades, continúan. De la luz a la penumbra el pan muestra su costra, su piel tocada por el calor, el color cambia, las rugosidades brotan. El pan entra en estado de descomposición, se endurece, se cubre de hongos, tenemos que comerlo antes de que pierda su frescura, en las pinturas la vida sigue, para siempre será apetecible, nos hará recordar su generosidad. Pintar esta austeridad le da al pan una dimensión sacra, lo mistifica, lo une a la renuncia.

Hugo Jácome and the Quotidian Austerity

O

ur daily bread is always the same, there is no difference between one piece and another, it is identical to quotidian life, without changes or surprises.

This austere presence is capable of satisfying hunger. Hugo Jácome’s paintings are silent still lifes, merely some bread rolls on a white table, sometimes an empty mug emphasizes the paucity of elements. Observing color, texture, light on each piece of bread evokes meditation, the purity of the composition prevents distraction, it is only bread and empty space. Abundance is in the painting, in the detailed dedication to giving reality, volume, and memory to the scene, of exercising the act of painting with the elementary, simple, humble subject matter. It is a decision of style, but also an affirmation in the face of what surrounds us, it requires little to begin a search and find what we have to find. The act of painting, the action of creating becomes inexhaustible, a piece of bread or a dozen are different, the works offer other possibilities, they continue. From light to darkness the bread shows its crust, its skin touched by heat, the color shifts, the textures crowd the surface. The bread enters a state of decomposition, it becomes hard, it is covered with mold, we have to eat it before it loses its freshness, in the paintings life continues, so it will always be appetizing, it will make us want to remember its generosity. Painting this austerity gives bread a sacred dimension, it mystifies it, it brings it together with renunciation.

Hugo Jácome Bolillos en oscuridad (detalle) Bread Rolls in Darkness (detail) 143

Cat. 49 Hugo Jácome Bolillos con fondo blanco 2013 Óleo sobre tela 60 × 60 cm Bread Rolls on a White Background 2013 Oil on canvas 60 × 60 cm

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Cat. 50 Hugo Jácome Bolillos con taza roja y bolsa 2014 Óleo sobre tela 60 × 60 cm Bread Rolls with Red Mug and Bag 2014 Oil on canvas 60 × 60 cm

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Cat. 51 Hugo Jácome Bolillos en oscuridad 2013 Óleo sobre tela 60 × 60 cm Bread Rolls in Darkness 2013 Oil on canvas 60 × 60 cm

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Cat. 52 Hugo Jácome Bolillos con taza roja 2013 Óleo sobre tela 60 × 60 cm Bread Rolls with Red Mug 2013 Oil on canvas 60 × 60 cm

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Cat. 53 Hugo Jácome Basura 2 2011 Óleo sobre tela sobre madera 83 × 53.5 cm Trash 2 2011 Oil on canvas on wood 83 × 53.5 cm

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Cat. 54 Hugo Jácome Basura 1 2011 Óleo sobre tela sobre madera 115 × 105 cm Trash 1 2011 Oil on canvas on wood 115 × 105 cm

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Luis Argudín

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Los objetos cotidianos

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stamos rodeados de objetos, el ser humano es un hacedor de objetos que habitan la vida cotidiana. La realidad es algo más que la reunión de millares de objetos; para que existan debemos darles un sentido, orientarlos. El ser humano no sólo hace esos objetos, también inventa el significado de cada objeto.

La cantidad de cosas que existen es mayor que las personas que pueden usarlas, cosas que se van a un vertedero, otras que significan lujo, que les damos un valor emocional, que tienen un aura mágica, les adjudicamos vida y poderes. Fetichistas, veneramos las memorias y espíritus que laten dentro de los objetos, amor, seducción, venganza. Soñamos los objetos, son emisarios que revelan mensajes: romper un plato es compromiso, perder las llaves es cambio de vida, no ver el espejo es anuncio fatal, la superstición les da poder. Las cosas nos atan a la existencia, poseerlas nos da la sensación de estar, el que tiene algo está vivo y, paradójicamente, cuando perdemos la vida nuestras propiedades nos pierden a nosotros, inmensas o mínimas, huérfanas de su dueño pasan a manos de otros o se dispersan. Hay objetos que nos enferman, nos hacen adquirir una responsabilidad, los cuidamos y amamos, invitan a la codicia, otros los despreciamos, los desechamos, en un gesto megalómano decidimos su valor. Somos coleccionistas innatos, acumulamos compulsivamente; desde la extrema pobreza hasta la opulencia nos atiborramos de objetos que describen una inanimada biografía.

Luis Argudín Speculum (detalle) Speculum (detail)

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The Quotidian Objects

W

e are surrounded by objects, human beings are makers of objects that occupy quotidian life.

Reality is something more than the gathering of thousands of objects, for them to exist we need to give them meaning, to guide them. Human beings not only make these objects, they also invent the meaning for each object. The quantity of things that exist is greater than the number of people who can use them, things that go to a garbage dump, others that signify luxury, those that we attach an emotional value to, those that have a magical aura, we attribute them with life and powers. We fetishists venerate the memories and spirits whose heart beats within those objects, love, seduction, revenge. We dream of objects, they are emissaries that reveal messages: shattering a plate is commitment, losing your keys is a change of life, not looking in the mirror is a fatal warning, superstition gives them power. Things tie us to existence, possessing them give us the sensation of being, he who has something is alive, and paradoxically, when we lose our lives our belongings do not lose use life, immense or minimum, orphans of their owner pass on to other hands or are dispersed. There are objects that make us sick, they make us assume responsibility, we care for them and we love them, they invite greed, we spurn others, we toss them out, in a megalomaniac gesture we decide their value. We are innate collectors, we accumulate compulsively, from extreme poverty to the opulence we fill ourselves with objects that describe an inanimate biography.

Luis Argudín El sentido de la vista (detalle) The Meaning of Sight (detail)

Luis Argudín and the Quotidian Objects Luis Argudín y los objetos cotidianos

L

as mudanzas dicen quiénes somos, son un juicio sumario, evidencian miserias, olvidos, vergüenzas y recobran tesoros, reconocemos nuestra vida cotidiana en centenares de objetos. La mudanza rompe el orden y el sentido, la cocina deja su epicúrea finura para ser un montón de cajas, la recámara ve violada su intimidad, desacralizada. Luis Argudín tiene la fórmula de la cotidianeidad, pinta listas de cosas sin su valor emocional, las saca de cajas, las muda de un lado a otro del estudio. Latas, marcos, vasos, telas podrían estar en tránsito de un casa a otra, o dirigiéndose al limbo del basurero. Su búsqueda no es el still life o la naturaleza muerta, inmóvil, sus pinturas son el exilio del objeto, la arbitraria reunión a la que se someten en las mudanzas, abres una caja y está un libro, un animal disecado, telas y una jarra, lo que sea; aquí el objeto no significa, no tiene función. Argudín pinta sin nostalgia, simplemente suma lo que está a la mano y lo hace convivir con otra cosa para demostrar que ambos son un pretexto, que representan la docilidad de lo que es poseído por la pintura. Inexplicablemente, en las pinturas los objetos despojados de su misterio carecen de realidad, un foco está dentro de una caja de puros, colocarlo ahí es una necedad pictórica que enfatiza la anormalidad de la escena. La obra de Argudín se desprende de la misión de recrear una realidad, la de él o la del espectador, rescata lo que podríamos desechar de ella. Los conjuntos anárquicos de sus pinturas están en la terrible condena de ser prescindibles, desarraigados y susceptibles de desaparecer.

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oving days tell us about who we are, they are a summary trial, they demonstrate our miseries, oversights, embarrassments, and they recover treasures, we recognize our quotidian life in hundreds of objects. Moving breaks up order and meaning, the kitchen relinquishes its epicurean refinement to become a pile of boxes, the bedroom sees its privacy violated, desecrated. Luis Argudín has the formula for the quotidian, he paints lists of things stripped of their emotional value, he removes them from boxes, he moves them in his studio from one spot to another.

Cans, frames, glasses, fabrics, they might be en route from one house to another, or on their way to the limbo of the trash can. His quest is not the still life or the immobile memento mori, his paintings show the exile of the object, the arbitrary gathering to which objects are subjected to on moving day, you open a box and there’s a book, taxidermy, pieces of cloth and a pitcher, whatever there may be, here the object loses its meaning, it has no function. Argudín paints without nostalgia, he simply sums up what is on hand and he makes it coexist with other things to show that both are a pretext, that they represent the docility of what the painting possesses. Inexplicably, in the paintings the objects are stripped of their mystery they lack reality, a light bulb is inside a box of cigars, placing it there is a pictorial need that emphasizes the scene’s abnormality. Argudín’s work arises from the mission to recreate a reality, his own or that of the spectator, he salvages what we might discard from it. The chaotic groupings in his paintings have been given the terrible sentence of being dispensable, uprooted, and capable of disappearing.

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Cat. 55 Luis Argudín El sentido de la vista 1991 Óleo sobre tela 160 x140 cm The Meaning of Sight 1991 Oil on canvas 160 × 140 cm

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Cat. 56 Luis Argudín Primer círculo de deseo 1990 Óleo sobre tela 70 x 80 cm First Circle of Desire 1990 Oil on canvas 70 × 80 cm

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Cat. 57 Luis Argudín Imágenes de un saber universal 1991 Óleo sobre tela 180 x 220 cm Images of a Universal Knowledge 1991 Oil on canvas 180 × 220 cm

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Cat. 58 Luis Argudín La memoria 1995 Óleo sobre tela 160 x 140 cm Memory 1995 Oil on canvas 160 × 140 cm

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Cat. 59 Luis Argudín Rochester Still Life 1993 Óleo sobre tela 120 x 120 cm Rochester Still Life 1993 Oil on canvas 120 × 120 cm

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Cat. 60 Luis Argudín Speculum 1995 Óleo sobre tela 59.5 x 59.5 cm Speculum 1995 Oil on canvas 59.5 × 59.5 cm

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Semblanzas Profiles

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Carmen Chami (Ciudad de México, 1974)

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ealizó estudios de licenciatura en Restauración de Bienes Muebles, en la Escuela Nacional de Restauración del Instituto Nacional de Antropología e Historia, donde obtuvo el Premio Paul Coremans a la mejor tesis de licenciatura (1993-1998). Cursó el posgrado en Artes Visuales con Especialidad en Pintura en la Academia de San Carlos de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, Universidad Nacional Autónoma de México, de la que egresó con honores (2006-2009). Ha exhibido su trabajo en decenas de exposiciones colectivas en México y el extranjero, sobresaliendo las presentadas en foros como el Gorman Museum de California, Estados Unidos; el Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce, el Museo Nacional de Historia, el Museo de Arte de Querétaro y el Banco de México. De manera individual ha presentado su pintura en numerosas ocasiones. Destacan sus muestras En el diván, presentada en el Museo del Pueblo de Guanajuato (2015); Parábolas de un itinerario fortuito, en el Centro de las Artes y la Cultura de Aguascalientes (2013); Estratagemas, en Aldama Fine Art, en la Ciudad de México (2012); Alchemy: Formations of Light and Spirit en Gallery 13, en Minneapolis, Estados Unidos (2006); De ángeles y humanos en la galería Villa del Ángel, en Cuernavaca (2003) y La magia de lo etéreo: un tributo al arte novohispano en el Museo de la Ciudad de Cuernavaca (2000). Su trabajo ha sido reconocido en numerosas ocasiones, como las Menciones Honoríficas en la Séptima Bienal de Pintura y Grabado Alfredo Zalce (2009) y el Concurso Nacional de Pintura y Escultura Las Mujeres en el Arte (2009). Asimismo, su obra ha sido seleccionada en otros certámenes como la Segunda Bienal de Pintura Pedro Coronel (2009), la Segunda Bienal de Pintura de Gómez Palacio, en Durango (2010), y el Concurso Nacional de Pintura del Bicentenario con sede en San Francisco del Rincón, Guanajuato (2010). En el año 2000 se hizo acreedora a la Beca de Artes Visuales que otorga el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes a través del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Morelos.

Desde 2006 ha elaborado retratos para la biblioteca de la Presidencia de la República en Palacio Nacional. Su trabajo se desarrolla en torno a la figura humana y la expresividad manejada a través del color y la luz; en cada obra puede observarse una minuciosa técnica que cuestiona la inserción de la academia en el mundo contemporáneo.

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Carmen Chami (Mexico City, 1974)

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he completed her undergraduate work in Furniture Restoration at the Escuela Nacional de Restauración of the Instituto Nacional de Antropología e Historia, where she was awarded the Paul Coremans Prize for the best licentiate thesis (1993–1998). Then she did a postgraduate degree in Visual Arts with a major in Painting at the Academia de San Carlos of the Escuela Nacional de Artes Plásticas, Universidad Nacional Autónoma de México, where she graduated with honors (2006–2009). Her work has been exhibited in dozens of collective exhibitions in Mexico and abroad, at venues such as the C. N. Gorman Museum at UC Davis, California; the Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce, Museo Nacional de Historia, Museo de Arte de Querétaro, and the nation’s central bank Banco de México. As an individual, she has presented her painting on numerous occasions: En el divan at the Museo del Pueblo de Guanajuato (2015); Parábolas de un itinerario fortuito at the Centro de las Artes y la Cultura in Aguascalientes (2013); Estratagemas at Aldama Fine Art, in Mexico City (2012); Alchemy: Formations of Light and Spirit at Gallery 13 in Minneapolis, Minnesota (2006); De ángeles y humanos at the gallery Villa del Ángel in Cuernavaca (2003); and La magia de lo etéreo: un tributo al arte novohispano at the Museo de la Ciudad de Cuernavaca (2000). Her work garnered numerous forms of recognition, such as Honorable Mention in the Seventh Alfredo Zalce Painting and Graphics Biennial (2009) and the Women in Art National Painting and Sculpture Competition (2009). What’s more, her work has been selected at other competitions such as the Second Pedro Coronel Painting Biennial (2009), the Second Gómez Palacio Painting Biennial in Durango (2010), and the National Bicentennial Painting Competition in San Francisco del Rincón, Guanajuato (2010).

In 2000 she received a Visual Arts Grant from the Consejo Nacional para la Cultura y las Artes through the Fondo Estatal para la Cultura y las Artes in Morelos. Since 2006 she has done portraits for the library of the Office of the President of Mexico in the National Palace. Her work revolves around the human figure and expressiveness handled through light and color; her meticulous technique can be seen in each of her works that questions the incorporation of the academy in the contemporary world.

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Tomás Gómez Robledo (Ciudad de México, 1952)

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nició sus estudios de arte en 1967 con el maestro Vicente Gandía y posteriormente con el maestro Roger Von Gunten. Unos años después continuó su preparación en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, La Esmeralda, del Instituto Nacional de Bellas Artes y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) de la Universidad Nacional Autónoma de México, plantel Academia de San Carlos, donde estableció un estrecho vínculo con el maestro Gilberto Aceves Navarro.

Su larga serie de exposiciones inició en la década de los setenta. De manera colectiva ha presentado su trabajo en un sinnúmero de ocasiones y de sus más de dos docenas de exposiciones individuales cabe destacar las muestras: Perdiendo el estilo, en la Casa de la Cultura Jesús Reyes Heroles, en Coyoacán, Ciudad de México (1990); Natures, en el Centro Cultural de México, en París, Francia (1991); Polyforum, en el Polyforum Siqueiros, en la Ciudad de México (1994); Expo 96 (1996) y Pintura reciente, en la Universidad del Claustro de Sor Juana, en la Ciudad de México; Puerto Bilbao, presentada en varias sedes de la capital mexicana como el Seminario de Cultura Mexicana (2001), la Casa de la Primera Imprenta de América de la Universidad Autónoma Metropolitana (2003) y la Casa de Cultura de Tlalpan (2006); De Moore a Zúñiga, en el Museo de Historia de Tlalpan (2007); Llamadas perdidas, en Aldama Fine Art (2011) y en el Museo de Antropología de Xalapa (2012); Los burgueses de Calais, en el Museo de la Cancillería, en la Ciudad de México (2015).

Fue becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en el periodo 2003-2005 y su trayectoria ha sido distinguida con numerosos premios, entre los que destacan las Menciones Honoríficas en el Certamen Cuizmala 88 (1988) y en el Salón Anual de Bellas Artes (1989), así como los reconocimientos en la IX Bienal Iberoamericana de Arte (1994) y en la Segunda Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce (1999). Fue seleccionado en la Primera Bienal de Pintura Pedro Coronel (2008).

Su actividad en la docencia ha sido extensa. Se desempeñó como maestro de pintura en la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana y en la ENAP, además de haber impartido una infinidad de cursos y seminarios en diferentes estados del territorio nacional. Desde 1997 colabora en el taller de dibujo del maestro Aceves Navarro. Su obra ha encontrado lugar en importantes colecciones, como la del Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, El Colegio Nacional y la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México, por mencionar algunas.

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Tomás Gómez Robledo (Mexico City, 1952)

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e began to study art in 1967 with Vicente Gandía and later with Roger von Gunten. A few years later he continued his training at the Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, La Esmeralda of the Instituto Nacional de Bellas Artes and at the Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) of the Universidad Nacional Autónoma de México, at the Academia de San Carlos campus, where he established close ties with Gilberto Aceves Navarro.

His long series of exhibitions began in the 1970s. In collectives he has presented his work on countless occasions and with his solo exhibitions numbering more than a score, it is worth mentioning: Perdiendo el estilo at the Casa de la Cultura Jesús Reyes Heroles in Coyoacán, Mexico City (1990); Natures at the Centre Culturel du Mexique in Paris, France (1991); Polyforum at the Polyforum Siqueiros in Mexico City (1994); Expo 96 (1996) and Pintura reciente at the Universidad del Claustro de Sor Juana in Mexico City; Puerto Bilbao, on display at various venues in the Mexican capital as the Seminario de Cultura Mexicana (2001); the Casa de la Primera Imprenta de América of the Universidad Autónoma Metropolitana (2003); and at the Casa de Cultura de Tlalpan (2006); De Moore a Zúñiga at the Museo de Historia de Tlalpan (2007); Llamadas perdidas at Aldama Fine Art (2011); and at the Museo de Antropología de Xalapa (2012); Los burgueses de Calais at the Museo de la Cancillería in Mexico City (2015).

He was awarded a grant from the Fondo Nacional para la Cultura y las Artes in 2003–2005 and his career has earned him numerous awards, including Honorable Mention at the Cuizmala 88 Competition (1988) and at the Annual Fine Arts Salon (1989), as well as recognition at the 9th Ibero-American Art Biennial (1994) and at the Second Alfredo Zalce National Painting and Graphics Biennial (1999). Recently he was selected in the First Pedro Coronal Painting Biennial (2008).*** In addition, he has taught extensively. He served as painting instructor in the Faculty of Visual Arts at the Universidad Veracruzana and at the ENAP, while also having given countless courses and seminars in different states in the country. Since 1997 he has been a collaborator in Aceves Navarro’s drawing workshop. His work forms part of major collections, including that of the Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, El Colegio Nacional and the Facultad de Arquitectura of the Universidad Nacional Autónoma de México.

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José Antonio Farrera (Ciudad de México, 1964)

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ursó la licenciatura en Pintura en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, La Esmeralda, del Instituto Nacional de Bellas Artes, y la maestría en Artes Visuales en la Academia de San Carlos de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México. Su participación en exposiciones colectivas rebasa los tres centenares de exhibiciones. De manera individual, destacan sus muestras presentadas en la Galería José María Velasco del Instituto Nacional de Bellas Artes (Desde 1964, 1994), y en la Galería José Martí de la Secretaría de Cultura del Distrito Federal (Dibujos, 1996). Su laureada trayectoria incluye numerosos premios y distinciones desde 1992, cuando obtuvo la Mención Honorífica en el Primer Concurso de Pintura Ramón Alva de la Canal. En esa misma década recibió el Premio de Producción en el Salón Nacional de Artes Visuales, en el Centro Nacional de las Artes (1998), y la Mención Honorífica en la Segunda Bienal Nacional Alfredo Zalce (1999). En el nuevo milenio obtuvo el Premio de Adquisición en la Primera Bienal de Pintura Pedro Coronel (2008), la doble Mención Honorífica en la Primera Bienal de Pintura Gómez Palacio (2008) y la Mención Honorífica en la Bienal de Pintura Julio Castillo (2008).

Ha sido becario en varias ocasiones, así como jurado en diversos certámenes de pintura y estampa. En 2010 ingresó al Sistema Nacional de Creadores de Arte, una de las más notables distinciones otorgadas por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes a través del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. Su obra puede encontrarse en importantes colecciones institucionales y privadas, como las de la Secretaría de Relaciones Exteriores, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, el Museo Pedro Coronel, el Instituto Cultural Domecq, Nestlé y el Gobierno del Distrito Federal. En 2013 Aldama Fine Art presentó su muestra titulada Óleos, con la edición de un libro del mismo título. En 2015 se presentó en ese mismo foro la exposición La flor de loto y el cardo, con una selección de su trabajo en el que las flores fueron el elemento central en su pintura.

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José Antonio Farrera (Ciudad de México, 1964)

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e completed his licentiate degree in Painting at the Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, La Esmeralda, of the Instituto Nacional de Bellas Artes, and a master’s in Visual Arts at the Academia de San Carlos of the Escuela Nacional de Artes Plásticas. His participation in collective exhibitions surpasses three hundred exhibitions. Individually, his solo exhibitions have been featured at the Galería José María Velasco of the Instituto Nacional de Bellas Artes (Desde 1964, 1994), and at the Galería José Martí of the Secretaría de Cultura del Distrito Federal (Dibujos, 1996). His distinguished career has earned him numerous prizes and forms of distinction starting in 1992, when he won Honorable Mention in the First Ramón Alva de la Canal Painting Competition. That decade he received the Production Prize at the National Visual Arts Saloon in the Centro Nacional de las Artes (1998), and Honorable Mention at the Second Alfredo Zalce National Biennial (1999). This millennium he received the Acquisition Prize in the First Pedro Coronel Painting Biennial (2008), Honorable Mention at both the First Gómez Palacio Painting Biennial (2008) and the Julio Castillo Painting Biennial (2008). He has been awarded grants on a number of occasions, and has served on the jury in various painting and print competitions. In 2010 he was admitted to the Sistema Nacional de Creadores de Arte, one of the most prestigious distinctions for artists granted by the Consejo Nacional para la Cultura y las Artes through the Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. His work can be found in institutional and private collections, such as that of the Ministry of Foreign Affairs, the Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, the Museo Pedro Coronel, the Instituto Cultural Domecq, Nestlé, and the Mexico City Government. In 2013 Aldama Fine Art presented his exhibition Óleos, accompanied by the publication of a book with the same title. In 2015 at the same venue he presented the exhibition La flor de loto y el cardo, with a selection of his work featuring flowers as the central focus or his painting.

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Talia Yáñez (Ciudad de México, 1980)

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ursó la licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, hoy Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México (1999-2003) y formó parte del Programa de Docencia e Investigación en Artes Plásticas de esa universidad, donde cursó distintos seminarios para complementar su formación académica. Participó en el Taller de Pintura del maestro Renato Esquivel. Posteriormente cursó diversos talleres y diplomados en cine orientando su interés en el diseño artístico. Participó en el diseño de producción y la dirección de arte en distintos proyectos cinematográficos, destacando el diseño de una pintura mural de 245 metros cuadrados y su ejecución en equipo para el largometraje The Matador (2004); se encargó de la dirección de arte de múltiples cortometrajes, entre ellos Clasificados (2005), ganador del Festival Expresión en Corto, hoy Festival Internacional de Cine de Guanajuato. Impartió el curso de Diseño de Producción y Dirección de Arte en el Centro de Capacitación para Productores (2006) y el Taller de Pintura y Dibujo en la Cárcel Municipal de Playa del Carmen, Quintana Roo. Llevó a cabo el diseño y realización de una pintura mural para la exposición Marius de Zayas: un destierro moderno, presentada en el Museo Nacional de Arte, en la Ciudad de México (2009). Intervino en la restauración de los murales Maternidad y Boceto para la Escuela del Estado de México del maestro muralista David Alfaro Siqueiros (2009). Ha participado en distintas exposiciones colectivas entre las que destacan Arte 40, en la Biblioteca José Vasconcelos, en la Ciudad de México (2009); Paralelas contemporáneas IV y V en la Galería Oscar Román, en la Ciudad de México (2011 y 2012); Octava Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce en el Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce, en Morelia (2011); Evocaciones: cinco pintoras mexicanas contemporáneas en el Museo José María Velasco, en Toluca (2014); Muestra Premio Nacional de Pintura Julio Castillo en la Galería Libertad, en Querétaro (2014), y La poesía vista por el arte en el Museo de El Carmen, en la Ciudad de México (2015). Entre los reconocimientos a su trabajo se encuentran la selección como finalista en la categoría de pintura en Arte 40, la Mención Honorífica en la Octava Bienal Nacional de Pintura Alfredo Zalce, el premio y reconocimiento especial en la cuarta edición del Premio Nacional de Pintura Julio Castillo. Fue invitada a participar en el proyecto La poesía vista por el arte de Grupo Milenio, dirigido por Avelina Lésper (2015). Recientemente fue seleccionada y formó parte del Taller Maestros de la Figuración 2015 en la Universidad de Navarra, España, a cargo del maestro Antonio López García. Su exposición individual Los desinhibidos fue presentada en el Museo del Pueblo de Guanajuato en noviembre de 2015.

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Talia Yánez (Mexico City, 1980)

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he did her licentiate degree in Visual Arts at the Escuela Nacional de Artes Plásticas, today known as the Faculty of Arts and Design at the Universidad Nacional Autónoma de México (1999–2003) and she formed part of the Visual Arts Teaching and Research Program at that university, where she took additional seminars to complement her academic training. She participated in the Painting Workshop given by Renato Esquivel. Later she completed workshops and certificate courses in film honing her interest in artistic design. She participated in production design and art direction in cinematographic projects, which included designing a 24-square-meter mural painted by a team of artists for the feature film The Matador (2004); she was art director for a number of short films, such as Clasificados (2005), winner of the Short Expression Festival, today the Guanajuato International Film Festival. She gave the course Production Design and Art Direction at the Centro de Capacitación para Productores (2006) and the Painting and Drawing Workshop in the Municipal Jail in Playa del Carmen, Quintana Roo. She did the design and executed a mural painting for the exhibition Marius de Zayas: un destierro moderno, in the Museo Nacional de Arte, in Mexico City (2009). She intervened in the restoration of the murals Maternity and Sketch for the School of the State of Mexico by master muralist David Alfaro Siqueiros (2009). She has participated in numerous collective exhibitions, including Arte 40 at the Biblioteca José Vasconcelos in Mexico City (2009); Paralelas contemporáneas IV and V at the Galería Oscar Román in Mexico City (2011 and 2012); the Eighth Alfredo Zalce National Painting and Graphics Biennial at the Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce in Morelia (2011); Evocaciones: cinco pintoras mexicanas contemporáneas in the Museo José María Velasco in Toluca (2014); Muestra Premio Nacional de Pintura Julio Castillo in the Galería Libertad in Querétaro (2014), and La poesía vista por el arte in the Museo de El Carmen in Mexico City (2015). Among the distinctions she has received for her work are being selected as a finalist in the painting category in Arte 40, Honorable Mention in the Eighth Alfredo Zalce National Painting Biennial, and the prize and Special Recognition in the fourth edition of the Julio Castillo National Painting Prize. She was invited to participate in the Grupo Milenio project La poesía vista por el arte, directed by Avelina Lésper (2015). Recently she was selected and formed part of the Masters of Figuration Workshop 2015 at the Universidad de Navarra, Spain, coordinated by Antonio López García. Her solo exhibition Los desinhibidos was presented in the Museo del Pueblo de Guanajuato in November 2015.

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Miguel Ángel Garrido (Ciudad de México, 1982)

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esde los 19 años vive y trabaja en San Miguel de Allende, Guanajuato, donde estudió la licenciatura en Artes Visuales en el Instituto Allende, especializándose en pintura bajo la guía del maestro José Ignacio Maldonado. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en los estados de la República. Su primera muestra individual, Expansión en látex, conformada por 34 piezas entre óleos y acuarelas, se presentó en 2005 en la Casa de Cultura Jaime Sabines de la Ciudad de México; en ella estableció un acercamiento a la anatomía humana a través de la naturaleza muerta. Resultado de la inminente necesidad de representar la figura humana, en 2006 presentó la serie Animal en celo en el Museo de la Ciudad de Querétaro, conformada por 22 óleos en los que plasma el extremo del instinto sexual y su abstracción. Al encontrar sentido a lo grotesco consigue su propósito de mostrar la piel humana y lo carnal en su aspecto más íntimo, con imágenes de lograda factura. Como complemento a esta serie, persiguiendo un equilibrio en los colores y continuando la búsqueda de la redención humana a través de la pintura, preparó Vorágine, presentada en 2008 en el mismo museo. Las diecinueve piezas que la conforman —en su mayoría monocromáticas y de gran formato— denuncian la crueldad del hombre con el hombre, a través de la interpretación de imágenes clave de la prensa contemporánea internacional. En su búsqueda por llevar a la pintura imágenes de la vida cotidiana, Garrido preparó tres exposiciones que presentó en Aldama Fine Art durante 2009, 2010 y 2012. Las muestras, cuyos títulos formaban el enunciado “Mientras sigamos vivos, todos nuestros fantasmas serán mi nostalgia”, son una gran serie de ciento cuatro obras en las que el artista exploró la referencia fotográfica así como sus accidentes cromáticos y de movimiento. Se acompañaron con la edición de catálogos ilustrados que incluían ensayos de las críticas de arte Berta Taracena, Lelia Driben y Avelina Lésper. En 2010-2011 obtuvo el reconocimiento del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes al recibir la Beca Jóvenes Creadores a través del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. En 2014 Aldama Fine Art presentó su serie Lo que habitamos, una muestra en la que, además de pintura, incluyó un portafolio de grabados al aguafuerte y buril. Actualmente trabaja en pintura de caballete en formatos pequeños.

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Miguel Ángel Garrido (Mexico City, 1982)

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ince the age of 19 he has lived and worked in San Miguel de Allende, Guanajuato, where he did a licentiate in Visual Arts at the Instituto Allende, specializing in painting under the guidance of José Ignacio Maldonado. He has participated in numerous collective exhibitions throughout Mexico. His first individual exhibition, Expansión en látex, composed of thirty-four pieces including oils and watercolors, was presented in 2005 at the Casa de Cultura Jaime Sabines in Mexico City; there he established an approach to human anatomy through the still life. As a result of the imminent need to render the human figure, in 2006 he presented the series Animal en celo in the Museo de la Ciudad de Querétaro, composed of twentytwo oils in which he captured the extreme of the sexual instinct and its abstraction.

Finding meaning in the grotesque, he achieved his aim to show human skin and carnality in its most intimate dimension, with images showcasing his accomplished technique. Complementing this series, pursuing a balance between colors and continuing the quest for human redemption through painting, he prepared Vorágine, presented in 2008 in the same museum. The nineteen pieces composing it—mostly large-scale monochromatic works—denounce man’s cruelty to man, through the interpretation of key images in the contemporary international press. In his quest to take painting images to quotidian life, Garrido prepared three exhibitions that he presented in Aldama Fine Art in 2009, 2010, and 2012. The pieces, whose titles formed the statement, “As long as we’re alive, all of our phantoms will be my nostalgia,” are a grand series of a 104 works in which the artist explored photographic reference as well as its chromatic accidents, and those resulting from movement. The works were accompanied by the edition of illustrated catalogues that included essays by art critics Berta Taracena, Lelia Driben, and Avelina Lésper. In 2010–2011 he received the recognition of the Consejo Nacional para la Cultura y las Artes which awarded him a Grant for Young Creators through the Fondo Nacional para la Cultura y las Artes. In 2014 Aldama Fine Art presented his series Lo que habitamos, an exhibition in which in addition to painting, he included a portfolio of etchings and intaglio prints. He is currently working on a series of small-scale easel paintings.

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Antonio Chaurand (Celaya, Guanajuato, 1989)

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ursó la licenciatura en Artes Visuales en el Instituto Allende, en San Miguel de Allende, en Guanajuato (2008-2012). Continuó su formación en pintura con los maestros Guillermo Guerrero (2010) y Miguel Ángel Garrido (2001). Ha sido miembro activo del colectivo Veinteparalascuatro.

Desde los inicios de su formación, ha participado en numerosas exposiciones colectivas en foros importantes de su estado natal. De manera individual, destacan sus muestras Estructuras humanas, presentada en la Galería Manuel Chacón (2012) y Vibración sensible, en la Galería YAM (2014), ambas en San Miguel de Allende. Su más reciente exposición, titulada Huésped, se exhibió en la Galería Jorge Alberto Manrique, en la Casa de Cultura de Celaya, en Guanajuato (2015). Su trabajo fue reconocido al obtener la Beca del Programa Jóvenes Creadores, que otorga el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes a través del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (2014-2015). Además obtuvo el Primer Lugar en el Concurso Estatal de Pintura 2011, Homenaje a Luis García Guerrero, en el marco del II Festival de Verano en Guanajuato, Guanajuato. Fue seleccionado en la VI Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán (2015). Reside y trabaja en San Miguel de Allende, donde ha consolidado su taller. Actualmente continúa explorando la cotidianeidad y el costumbrismo en su pintura.

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Antonio Chaurand (Celaya, Guanajuato, 1989)

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e completed his licentiate degree in Visual Arts at the Instituto Allende in San Miguel de Allende in Guanajuato (2008–2012). Then he continued his training in painting with Guillermo Guerrero (2010) and Miguel Ángel Garrido (2001). He has been an active member of the collective “Veinteparalascuatro.” Since he started to study visual arts, he has participated in numerous collective exhibitions at major venues in his home state. His solo exhibitions include Estructuras humanas, presented in the Galería Manuel Chacón (2012), and Vibración sensible in the Galería YAM (2014), both in San Miguel de Allende. His most recent exhibition, Huésped, was exhibited in the Galería Jorge Alberto Manrique in the Casa de Cultura de Celaya in Guanajuato (2015). His work was singled when he was awarded the Grant in the Young Creators Program, sponsored by the Consejo Nacional para la Cultura y las Artes through the Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (2014–2015). In addition, he won First Place in the State Painting Competition 2011, Homage to Luis García Guerrero, in the framework of the 2nd Summer Festival in Guanajuato, Guanajuato. He was selected in the 6th National Visual Arts Biennial of Yucatán (2015). He resides and works in San Miguel de Allende, where he has consolidated his workshop. Today he continues to explore the quotidian and costumbrismo, traditional rural genre themes, in his painting.

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Wuero Ramos (Ciudad de México, 1979)

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ursó la licenciatura en Artes Visuales en la Academia de San Carlos, Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), dentro del Programa de Alta Exigencia Académica (1998-2002); el Seminario de Pintura Contemporánea dirigido por el maestro Ignacio Salazar (2002-2004) y la maestría en Pintura (20082010), en la misma institución. Ha presentado numerosas exposiciones individuales, entre las que destacan Contemplación natural, en el Instituto Tecnológico Autónomo de México (2003); Contemplación, en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (2004); Paisaje, en la Contraloría General del Gobierno del Distrito Federal (2005); Revisión pictórica, en la Fundación Sebastián, A. C. (2006); Río de naranjas, en la Facultad de Estudios Superiores Iztacala, de la UNAM (2012) y Campus, en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey, Campus Ciudad de México (2015). Su participación en bienales y certámenes ha sido extensa. Sobresale su selección en las ediciones XXIII, XXV, XXVII y XXVIII del Encuentro Nacional de Arte Joven, con Mención Honorífica en 2005 y 2008; las ediciones X y XI de la Bienal de Dibujo y Estampa Diego Rivera (2002 y 2004); la IV y VI Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce (2003 y 2005); en la última de éstas obtuvo Mención Honorífica. Ha estado presente, asimismo, en el Cuarto y Sexto Concurso Nacional Pintando por la Democracia, del Instituto Federal Electoral (2002 y 2004), así como en las ediciones I, II, III y IV de la Bienal de Pintura Pedro Coronel (2008, 2010, 2012 y 2014), entre otras. Ha sido becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes dentro del Programa Jóvenes Creadores en la disciplina de Pintura para los periodos 2008-2009 y 2010-2011. Desde 2005 ha impartido el Taller de Artes Plásticas en distintos planteles del Colegio de Bachilleres. En 2014 participó en el proyecto La poesía vista por el arte, iniciativa de Grupo Milenio y Avelina Lésper para la difusión de la pintura mexicana contemporánea. Ese mismo año Aldama Fine Art publicó el libro El misterio de la tristeza. Vanidad y paisaje en la obra del Wuero Ramos, un amplio estudio retrospectivo que revisó el alcance de su trabajo pictórico.

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Wuero Ramos (Mexico City, 1979)

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e did his licentiate degree in Visual Arts at the Academia de San Carlos, Escuela Nacional de Artes Plásticas in the Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) in the High Academic Demand Program (1998–2002); the Seminar of Contemporary Painting directed by Ignacio Salazar (2002–2004) and a master’s in Painting (2008–2010), at the same institution. He has presented numerous individual exhibitions, such as Contemplación natural at the Instituto Tecnológico Autónomo de México (2003); Contemplación at the Escuela Nacional de Artes Plásticas (2004); Paisaje at the Contraloría General of the Gobierno del Distrito Federal (2005); Revisión pictórica at the Fundación Sebastián, A. C. (2006); Río de naranjas at the Facultad de Estudios Superiores Iztacala of the UNAM (2012); and Campus at the Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey, Mexico City Campus (2015). He has participated extensively in biennials and competitions. His work was selected at the 23rd, 25th, 27th, and 28th editions of the National Young Art Encounter, with Honorable Mention in 2005 and 2008; the 10th and 11th editions of the Diego Rivera Drawing and Graphics Biennial (2002 and 2004); the 4th and 6th Alfredo Zalce National Painting and Graphics Biennial (2003 and 2005); in the latter of these he won Honorable Mention. He also participated in the 4th and 6th “Painting for Democracy National Competition at the Instituto Federal Electoral (2002 and 2004), as well as at the 1st, 2nd, 3rd, and 4th Pedro Coronel Painting Biennial (2008, 2010, 2012 and 2014), among others. He has been a grant recipient in the Young Creators Program in the discipline of Painting from the Fondo Nacional para la Cultura y las Artes in 2008–2009, and 2010–2011. Since 2005 he has given the Visual Arts Workshop at various campuses of the Colegio de Bachilleres. In 2014 he participated in the project La poesía vista por el arte, an initiative promoted by Grupo Milenio and Avelina Lésper to spread awareness of contemporary Mexican painting. In that same year Aldama Fine Art published the book El misterio de la tristeza. Vanidad y paisaje en la obra del Wuero Ramos, a retrospective overview of the scope of his pictorial work.

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Héctor Javier Ramírez (Guadalajara, Jalisco, 1977)

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ursó la carrera de Pintura en la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Guadalajara (1994-1999). Realizó estudios de acuarela con el maestro Luis Eduardo González (1996-1998); de dibujo y pintura, con la maestra Martha Pacheco (1999-2002); de grabado, con el maestro Gustavo Alvarado (1999-2003) y de mezzotinta, con el maestro Francisco Souto (2008).

Ha llevado a cabo más de una docena de exposiciones individuales. Entre ellas cabe mencionar algunas realizadas en su estado natal: Anónimos, en el Centro Cultural Chapalita (1998); Subversiones, en el Centro Cultural Casa Vallarta (2000); La razón de ser, en el Centro Cultural El Refugio (2000); Los olvidados, en el Museo de la Ciudad de Guadalajara (2003); Ecos a baja resolución, en la Galería de Arte del Sistema de Tren Eléctrico de Guadalajara (2006) y Animal boy, en el Espacio de Arte de Televisa (2006). En otros estados de la República presentó La hora del lobo, en el Centro Cultural Mariano Jiménez, en San Luis Potosí (2008) y 1973, en la Universidad Intercultural de Chiapas, CEDUI, en San Cristóbal de las Casas, Chiapas (2009). En 2011-2012 Aldama Fine Art presentó su exposición Wallpaper, una muestra individual de pintura, con la edición de un catálogo ilustrado. Blue tete se exhibió en la Casa Estudio José Clemente Orozco, en Guadalajara (2012) y Mi encuentro conmigo, en el Museo del Periodismo y las Artes Gráficas, en Guadalajara (2015). Su obra está presente en colecciones distinguidas, como el Acervo Pictórico de la Universidad de Guadalajara y la Pinacoteca del Museo José Guadalupe Posada. Su trabajo ha sido reconocido con una docena de premios y distinciones entre los que sobresalen el Primer Lugar y la Mención Honorífica en Dibujo en el Tercer Encuentro Estatal de Arte Jalisco Joven, en Guadalajara (1998), y la Mención Honorífica en Gráfica, en la cuarta edición del mismo certamen (1999). Ha sido seleccionado en varias bienales, como la VIII Bienal Nacional Diego Rivera de Dibujo y Estampa, en Guanajuato (1998); la II, IV, V y VI ediciones de la Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce, en Michoacán (1999, 2003, 2005 y 2007). En dos ocasiones obtuvo el segundo lugar en la categoría de Pintores Avanzados, en las ediciones IV y VI del Premio José Atanasio Monroy, en Jalisco (2004 y 2006).

Fue seleccionado en la Primera Bienal Nacional de Artes Gráficas Shinzaburo Takeda, en Oaxaca (2008). También obtuvo el premio en el Concurso Nacional de Grabado José Guadalupe Posada, en Aguascalientes (2007), la Mención Honorífica en la III Bienal de Dibujo Sylvia Pawa, en la ciudad de México (2007) y la Mención Honorífica en la categoría de Estampa en la VII Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce, en Morelia, Michoacán (2009). Héctor Javier Ramírez vive y trabaja en Guadalajara, Jalisco, donde desarrolla su trabajo en las tres disciplinas de su predilección: pintura, dibujo y estampa. Actualmente es becario del Consejo Estatal para la Cultura y las Artes en su estado natal.

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Héctor Javier Ramírez (Guadalajara, Jalisco, 1977)

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e completed his Painting studies at the Escuela de Artes Plásticas in the Universidad de Guadalajara (1994–1999). He studied watercolor with Luis Eduardo González (1996–1998); drawing and painting with Martha Pacheco (1999–2002); printmaking with Gustavo Alvarado (1999–2003) and mezzotint with Francisco Souto (2008). He has had more than a dozen individual exhibitions. These include some held in his home state: Anónimos at the Centro Cultural Chapalita (1998); Subversiones at the Centro Cultural Casa Vallarta (2000); La razón de ser at the Centro Cultural El Refugio (2000); Los olvidados at the Museo de la Ciudad de Guadalajara (2003); Ecos a baja resolución at the Galería de Arte del Sistema de Tren Eléctrico de Guadalajara (2006); and Animal Boy at the Televisa Espacio de Arte (2006). In other states in Mexico he presented La hora del lobo at the Centro Cultural Mariano Jiménez in San Luis Potosí (2008) and 1973 at the Universidad Intercultural de Chiapas, CEDUI in San Cristóbal de las Casas, Chiapas (2009).

In 2011–2012 Aldama Fine Art presented his exhibition Wallpaper, a solo exhibition of painting with the publication of an illustrated catalogue. Blue tete was exhibited at the Casa Estudio José Clemente Orozco in Guadalajara (2012) and Mi encuentro conmigo at the Museo del Periodismo y las Artes Gráficas in Guadalajara (2015).

His work is held in distinguished collections, such as the Pictorial Holdings of the Universidad de Guadalajara and the Pinacoteca del Museo José Guadalupe Posada, among others. His work has been awarded a dozen prizes and distinctions, such as First Place and Honorable Mention in Drawing at the Third State Encounter of Jalisco Young Art in Guadalajara (1998), and Honorable Mention in Graphics in the fourth edition of the same competition (1999). He has been selected at various biennials, such as the 8th Diego Rivera National Drawing and Graphics Biennial in Guanajuato (1998); the 2nd, 4th, 5th, and 6th editions of the Alfredo Zalce National Painting and Graphics Biennial in Michoacán (1999, 2003, 2005 and 2007). On two occasions he won second place in the category of Advanced Painters at the 4th and 6th editions of the José Atanasio Monroy Prize in Jalisco (2004 and 2006). He was selected at the First Shinzaburo Takeda National Graphic Arts Biennial in Oaxaca (2008). He also received the prize at the José Guadalupe Posada National Graphics Competition in Aguascalientes (2007), Honorable Mention at the 3rd Sylvia Pawa Drawing Biennial in Mexico City (2007), and Honorable Mention in the Graphics category at the 8th Alfredo Zalce National Painting and Graphics Biennial in Morelia, Michoacán (2009). Héctor Javier Ramírez lives and works in Guadalajara, Jalisco, where he works in his three favorite disciplines: painting, drawing, and printmaking.

Today he is the recipient of the State Council for Culture and the Arts grant from his birth state.

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Hugo Jácome (Ciudad de México, 1982)

D

e formación autodidacta, sus primeros trabajos pictóricos fueron comisiones para la industria cinematográfica. Ejemplos de ello son la pintura mural realizada para la película The Matador (2004) y la escenografía para Arráncame la vida (2007). Dos años más tarde ejecutó una pintura mural para la exposición Marius de Zayas: un destierro moderno, presentada en el Museo Nacional de Arte, en la Ciudad de México (2009). Ese mismo año obtuvo el Primer Lugar en la categoría de Pintura en el Concurso Culto Joven del Circo Volador y llevó a cabo la restauración de los murales Maternidad y Boceto para la Escuela del Estado de México del maestro muralista David Alfaro Siqueiros (2009). Participó en las ediciones III, IV y V de la exposición colectiva Paralelas contemporáneas en la Galería Oscar Román, en la Ciudad de México (2010, 2011 y 2012), así como en las ediciones 2010 y 2011 de la subasta Arte Vivo, realizadas en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Su trabajo fue seleccionado en la VIII Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce, en la ciudad de Morelia, Michoacán (2011). En 2015 participó en el taller del maestro Antonio López, en Madrid, España. Actualmente trabaja una serie de paisajes urbanos de gran formato, así como cuadros en los que explora la naturaleza muerta.

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Hugo Jácome (Mexico City, 1982)

S

elf-taught, he did his first pictorial works as commissions for the film industry.

Examples include the mural painting for the film The Matador (2004) and the set design for Arráncame la vida (2007). Two years later he executed a mural painting for the exhibition Marius de Zayas: un destierro moderno, presented in the Museo Nacional de Arte in Mexico City (2009). That same year he won First Prize in the category of Painting in the Circo Volador Cultured Youth Competition and carried out the restoration of the murals Maternity and Sketch for the School of the State of Mexico by master muralist David Alfaro Siqueiros (CENCROPAM, 2009).

He participated in the 3rd, 4th, and 5th editions of the collective exhibition Paralelas contemporáneas in the Galería Oscar Román in Mexico City (2010, 2011 and 2012), as well as the 2010 and 2011 editions of the Arte Vivo auction, held in the Museo de Arte Moderno in Mexico City. His work was selected in the 8th Alfredo Zalce National Painting and Graphics Biennial in Morelia, Michoacán (2011). In 2015 he participated in the workshop given by Antonio López in Madrid, Spain. He is currently working on a series of large-scale urban landscapes, as well as canvases that explore still life.

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Luis Argudín (Ciudad de México, 1955)

E

studió Artes Visuales en Londres y obtuvo Mención de Honor en la maestría en Estética y Teoría del Arte en la Universidad de Essex, en Colchester, Inglaterra (1974-1980). Pintor, escritor y maestro, Argudín es miembro del Sistema Nacional de Creadores desde 2001. De sus numerosas exposiciones individuales destacan las presentadas en el Museo Carrillo Gil (El taller y sus construcciones, 1988), el Museo José Luis Cuevas (Retratos, 1996), el Palacio de Bellas Artes (El teatro de la memoria, 1996) y el Museo Universitario del Chopo (Historia natural, 2003). Su trabajo ha sido distinguido múltiples veces, sobresaliendo en ellas las Menciones Honoríficas en las ediciones primera y sexta de la extinta Bienal Rufino Tamayo (1982 y 1992), así como el premio de adquisición en la cuarta edición de aquel certamen (1988) y en el Salón Nacional de Pintura de 1987. Ha sido acreedor a importantes becas como la de Creadores Intelectuales del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (1992), la Fulbright-García Robles como artista visitante en la Universidad de Rochester, Nueva York (1993) y la Pollock-Krassner de pintura (1997). Como docente, ha impartido Teoría del Arte en la Escuela Nacional de Artes Plásticas desde 1988. En 2012 presentó sus creaciones pictóricas en el Museo de la Secretaría de Hacienda, una importante colección de obras bajo el título de Afinidades electivas. En 2013 publicó una colección de ensayos sobre arte y pintura titulada El teatro del conocimiento. El Museo de Arte Popular exhibió durante 2015 sus trabajos en cerámica y talavera en la muestra titulada La pintura en la tierra, la pintura en el espacio.

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Luis Argudín (Mexico City, 1955)

H

e studied Visual Arts in London and obtained Honorable Mention in the master’s program in Aesthetics and Art Theory at the University of Essex in Colchester, England (1974–1980). Painter, writer, and teacher, Argudín has been a member of the Sistema Nacional de Creadores since 2001. Of his numerous individual exhibitions are those presented at the Museo Carrillo Gil (El taller y sus construcciones, 1988), Museo José Luis Cuevas (Retratos, 1996), Palacio de Bellas Artes (El teatro de la memoria, 1996), and the Museo Universitario del Chopo (Historia natural, 2003). His work has been singled out on numerous occasions with awards, including Honorable Mention in the first and sixth editions of the defunct Rufino Tamayo Biennial (1982 and 1992), as well as the acquisition prize at the fourth edition of that competition (1988), and at the National Painting Salon in 1987. He has been the recipient of important grants such as that of Intellectual Creators awarded by the Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (1992), the Fulbright-García Robles fellowship as guest artist at the University of Rochester, New York (1993), and the Pollock-Krassner painting grant (1997). As an instructor, he has given Art Theory at the Escuela Nacional de Artes Plásticas since 1988. In 2012 he presented his pictorial creations at the Museo de la Secretaría de Hacienda; an important collection of works under the title Afinidades electivas. In 2013 he published a collection of essays on art and painting, El teatro del conocimiento. The Museo de Arte Popular exhibited his work in 2015 in ceramics and Talavera in the exhibition La pintura en la tierra, la pintura en el espacio.

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Acerca de la autora / About the author

AVELINA LÉSPER

C

rítica de arte, publica en el suplemento cultural Laberinto de Milenio Diario, en la Revista Replicante, El Semanario Sin límites, Letras Libres y en diversas publicaciones de España, Francia, Argentina, Chile, Venezuela, Colombia y Costa Rica. Colabora en el programa radiofónico Señales de Humo de la Universidad de Guadalajara. Dirige la Colección Milenio Arte y los programas de arte de Milenio Televisión. Es autora del Libro El fraude del arte contemporáneo, ediciones El Malpensante. Es conferencista en universidades y centros culturales. www.avelinalesper.com

AVELINA LÉSPER

A

rt critic, she publishes in the cultural supplement of the newspaper Milenio Diario, in the magazines Revista Replicante, El Semanario Sin límites, Letras Libres, and in various publications in Spain, France, Argentina, Chile, Venezuela, Colombia, and Costa Rica. A contributor to the radio program Señales de Humo of the University of Guadalajara. She is the director of the Milenio Art Collection and art programs for Milenio Television. She is the author of the book El fraude del arte contemporáneo (The fraud of contemporary art), published by Ediciones El Malpensante, as well as a lecturer at universities and cultural centers. www.avelinalesper.com

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Lista de obras List of works

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Carmen Chami

Cat. 1 Carmen Chami Reflection I 2012 Óleo sobre tela 80 x 80 cm Reflection I 2012 Oil on canvas 80 × 80 cm

Cat. 2 Carmen Chami Reflection II 2012 Óleo sobre tela 80 x 80 cm

Reflection II 2012 Oil on canvas 80 × 80 cm

Cat. 3 Carmen Chami El baño 2011 Óleo sobre tela 90 x 150 cm The Bathroom 2011 Oil on canvas 90 × 150 cm

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Cat. 4 Carmen Chami Gertrudis Bocanegra como pretexto 2010 Óleo sobre tela 120 x 120 cm Gertrudis Bocanegra as Pretext 2010 Oil on canvas 120 × 120 cm

Cat. 5 Carmen Chami Leona Vicario como pretexto 2010 Óleo sobre tela 120 x 120 cm Leona Vicario as Pretext 2010 Oil on canvas 120 × 120 cm

Cat. 6 Carmen Chami Y Ramoncito necesitaba tiempo para pensar 2011 Óleo sobre tela 100 x 150 cm And Ramoncito Needed Time to Think 2011 Oil on canvas 100 × 150 cm 219

Tomás Gómez Robledo

Cat. 7 Tomás Gómez Robledo Llamadas perdidas 2010 Acrílico sobre tela 140 x 160 cm Lost Calls 2010 Acrylic on canvas 140 × 160 cm

Cat. 8 Tomás Gómez Robledo Llegada al puerto 2010 Acrílico sobre tela 80 x 100 cm Arrival at the Gate 2010 Acrylic on canvas

Cat. 9 Tomás Gómez Robledo En el puerto 2011 Acrílico sobre tela 120 x 180 cm

80 × 100 cm At the Gate 2011 Acrylic on canvas 120 × 180 cm

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Cat. 10 Tomás Gómez Robledo Travesía 2010 Acrílico sobre tela 80 x 100 cm Crossing 2010 Acrylic on canvas 80 × 100 cm

Cat. 11 Tomás Gómez Robledo 6 p.m.

2010 Acrílico sobre tela 160 x 140 cm 6 p.m.

2010 Acrylic on canvas 160 × 140 cm

Cat. 12 Tomás Gómez Robledo Al alto vacío 2011 Acrílico sobre tela 120 x 190 cm (díptico) Vacuum Packed 2011 Acrylic on canvas 120 × 190 cm (diptych) 221

José Antonio Farrera

Cat. 13 José Antonio Farrera La niña con la mano en el pecho 2010 Óleo sobre tela 140 x 120 cm

Cat. 14 José Antonio Farrera La tenue sonrisa 2012 Óleo sobre tela 140 x 120 cm The Faint Smile 2012 Oil on canvas

Girl with Hand on Breast

140 × 120 cm

2010 Oil on canvas 140 × 120 cm

Cat. 15 José Antonio Farrera Gran desnudo en verde. Patricia II 2012 Óleo sobre tela 200 x 180 cm Large Nude in Green. Patricia II 2012 Oil on canvas 200 × 180 cm

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Cat. 16 José Antonio Farrera Alfonso Reyes hoy: nostalgia por Athenas 2013 Óleo sobre tela 60 x 50 cm Alfonso Reyes Today: Nostalgia for Athens 2013 Oil on canvas 60 × 50 cm

Cat. 17 José Antonio Farrera Adicto solitario 2011 Óleo sobre tela 30 x 30 cm Solitary Addict 2011 Oil on canvas 30 × 30 cm

Cat. 18 José Antonio Farrera Nuestra vida interior. Adicto II 2011 Óleo sobre tela 50 x 50 cm Our Inner Life. Addict II 2011 Oil on canvas 50 × 50 cm

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Talia Yáñez

Cat. 19 Talia Yáñez Jonás y Chava 2013 Óleo sobre tela 90 × 180 cm

Cat. 20 Talia Yáñez César 2013 Óleo sobre tela sobre madera 120 × 160 cm

Jonás and Chava 2013 Oil on canvas

César

90 × 180 cm

2013 Oil on canvas on wood 120 × 160 cm

Cat. 21 Talia Yáñez Gris 2014 Óleo sobre tela 120 × 160 cm Gray 2014 Oil on canvas 120 × 160 cm 224

Cat. 22 Talia Yáñez 8 2014 Óleo sobre tela 120 × 160 cm 8 2014 Oil on canvas 120 × 160 cm

Cat. 23 Talia Yáñez Chato 2013 Óleo sobre tela 160 × 120 cm Chato 2013 Oil on canvas 160 × 120 cm

Cat. 24 Talia Yáñez El abrazo 2013 Óleo sobre tela 160 × 120 cm The Embrace 2013 Oil on canvas 160 × 120 cm 225

Miguel Ángel Garrido

Cat. 25 Miguel Ángel Garrido Con sabor a México 2013 Óleo sobre tela 110 x120 cm With Mexico’s Flavor 2013 Oil on canvas 110 × 120 cm

Cat. 27 Miguel Ángel Garrido Pizza y cerveza 2014 Óleo sobre tela 90 x115 cm Pizza and Beer 2014 Oil on canvas 90 × 115 cm

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Cat. 26 Miguel Ángel Garrido Picando manzanas 2014 Óleo sobre tela 98 x131 cm Chopping Apples 2014 Oil on canvas 98 × 131 cm

Cat. 28 Miguel Ángel Garrido Desayuno 2011 Óleo sobre tela 120 x 90 cm Breakfast 2011 Oil on canvas 120 × 90 cm

Cat. 29 Miguel Ángel Garrido Cocinando 2011 Óleo sobre tela 65 x 86 cm Cooking 2011

Cat. 30 Miguel Ángel Garrido La familia de mi hermana 2011 Óleo sobre tela 85 x110 cm

Oil on canvas 65 × 86 cm

My Sister’s Family 2011 Oil on canvas 85 × 110 cm

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Antonio Chaurand Cat. 31 Antonio Chaurand Baño verde en cuarto rojo 2015 Óleo sobre tela 60 x 150 cm Green Bathroom in Red Room 2015 Oil on canvas 60 × 150 cm

Cat. 32 Antonio Chaurand Casi listos Óleo sobre tela 150 x 225 cm Almost Ready Oil on canvas 150 × 225 cm

Cat. 33 Antonio Chaurand Despertar en la selva 2014 Óleo sobre tela 62 x 90 cm Waking Up in the Jungle 2014 Oil on canvas 62 × 90 cm

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Cat. 34 Antonio Chaurand Después del viaje 2014 Óleo sobre tela 56 x 84 cm After the Journey 2014 Oil on canvas 56 × 84 cm

Cat. 35 Antonio Chaurand Si quieres, te peino 2014 Óleo sobre tela 57 x 100 cm If You Want, I’ll Fix Your Hair 2014 Oil on canvas 57 × 100 cm

Cat. 36 Antonio Chaurand Nosotros dos 2014 Óleo sobre tela 66 x 100 cm The Two of Us 2014 Oil on canvas 66 × 100 cm 229

Wuero Ramos

Cat. 37 Wuero Ramos Catedral de libros 2012 Óleo sobre tela 190 x 160 cm Cathedral of Books 2012 Oil on canvas 190 × 160 cm

Cat. 38 Wuero Ramos Paisaje con vanitas 2012 Óleo sobre tela 160 x 130 cm Landscape with Vanitas 2012

Cat. 39 Wuero Ramos Librería roja 2012 Óleo sobre tela 60 x 40 cm Red Bookshop 2012 Oil on canvas 60 × 40 cm

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Oil on canvas 160 × 130 cm

Cat. 40 Wuero Ramos Comerciante de libros 2012 Óleo sobre tela 130 x 160 cm

Cat. 41 Wuero Ramos La plática 2012 Óleo sobre tela 120 x 90 cm

Book Seller 2012 Oil on canvas

The Chat

130 × 160 cm

2012 Oil on canvas 120 × 90 cm

Cat. 42 Wuero Ramos Librería iluminada 2012 Óleo sobre tela 60 x 40 cm Illuminated Bookshop 2012 Oil on canvas 60 × 40 cm 231

Héctor Javier Ramírez

Cat. 43 Héctor Javier Ramírez The end 2011 Óleo sobre tela 65 x 65 cm cada uno (díptico)

Cat. 44 Héctor Javier Ramírez El iluminado 2011 Óleo sobre tela 165.5 x 122 cm

The End

The Illuminated

2011

2011

Oil on canvas

Oil on canvas

65 × 65 cm each (diptych)

165.5 × 122 cm

Cat. 45 Héctor Javier Ramírez Yo soy el monstruo comegalletas 2011 Óleo sobre tela 40 x 100 cm I Am the Cookie Monster 2011 Oil on canvas 40 × 100 cm

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Cat. 46 Héctor Javier Ramírez ¿Acaso llamaste para destruirme?

2011 Óleo sobre tela 100 × 70 cm Did You Perhaps Call to Destroy Me? 2011 Oil on canvas 100 x 70 cm

Cat. 47 Héctor Javier Ramírez Lluvia ácida 2011 Óleo sobre tela 100 × 70 cm Acid Rain 2011 Oil on canvas 100 x 70 cm

Cat. 48 Héctor Javier Ramírez El lado oscuro de mi compadre 2009 Óleo sobre tela 65 x 65 cm cada uno (tríptico) The Dark Side of My Godfather2009 Oil on canvas 65 × 65 cm each (triptych)

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Hugo Jácome

Cat. 49 Hugo Jácome Bolillos con fondo blanco 2013 Óleo sobre tela 60 x 60 cm

Cat. 50 Hugo Jácome Bolillos con taza roja y bolsa 2014 Óleo sobre tela 60 x 60 cm

Bread Rolls on a White Background

Bread Rolls with Red Mug and Bag

2013

2014

Oil on canvas

Oil on canvas

60 × 60 cm

60 × 60 cm

Cat. 51 Hugo Jácome Bolillos en oscuridad 2013 Óleo sobre tela 60 × 60 cm Bread Rolls in Darkness 2013 Oil on canvas 60 x 60 cm 234

Cat. 52 Hugo Jácome Bolillos con taza roja 2013 Óleo sobre tela 60 x 60 cm Bread Rolls with Red Mug 2013 Oil on canvas 60 × 60 cm

Cat. 53 Hugo Jácome Basura 2 2011 Óleo sobre tela sobre madera 83 x 53.5 cm Trash 2 2011 Oil on canvas on wood 83 × 53.5 cm

Cat. 54 Hugo Jácome Basura 1 2011 Óleo sobre tela sobre madera 115 x 105 cm Trash 1 2011 Oil on canvas on wood 115 × 105 cm

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Luis Argudín

Cat. 55 Luis Argudín El sentido de la vista 1991 Óleo sobre tela 160 x 140 cm

Cat. 56 Luis Argudín Primer círculo de deseo 1990 Óleo sobre tela 70 x 80 cm

The Meaning of Sight

First Circle of Desire

1991

1990

Oil on canvas

Oil on canvas

160 × 140 cm

70 × 80 cm

Cat. 57 Luis Argudín Imágenes de un saber universal 1991 Óleo sobre tela 180 x 220 cm Images of a Universal Knowledge 1991 Oil on canvas 180 × 220 cm 236

Cat. 58 Luis Argudín La memoria 1995 Óleo sobre tela 160 x 140 cm Memory 1995 Oil on canvas 160 x 140 cm

Cat. 59 Luis Argudín Rochester Still Life 1993 Óleo sobre tela 120 x 120 cm Rochester Still Life 1993 Oil on canvas 120 × 120 cm

Cat. 60 Luis Argudín Speculum 1995 Óleo sobre tela 59.5 x 59.5 cm

Speculum 1995 Oil on canvas 59.5 × 59.5 cm 237

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Créditos / Credits Concepto curatorial | Dirección editorial Curatorial concept | Editor-in-chief José Ignacio Aldama Diseño editorial Graphic Design Laura Rebeca Patiño Traducción Translation Debra Nagao Corrección de estilo y cuidado de la edición Copyediting and proofreading Adriana Cataño Impresión Printing Gustavo de la Peña | Grupo Editorial Formato S.A. de C.V.

© D. R. Aldama Fine Art © D. R. JIA Arte Contemporáneo S.A.S. de C.V. Palacio de Versalles 100 L-B Ciudad de México 11930 www.aldama.com info@aldama.com © D. R. Avelina Lésper © D. R. Debra Nagao Impreso en México Printed in México Todos los derechos reservados. Ninguna parte de esta publicación puede reproducirse o transmitirse de ninguna forma o por ningún medio, electrónico o mecánico, incluidas la fotocopia, la grabación o cualquier otro sistema de almacenaje, sin un permiso previo por escrito del editor.

All rights reserved. No parts of the content of this book may be reproduced or transmitted in any form or by any means, electronic or mechanical, including photocopying, recording r any other information storage and retrieval systems, without prior permission in writing from the publisher.

ISBN 978-607-97822-1-4

El placer de lo cotidiano. Pintura mexicana contemporánea Se terminó de imprimir en el mes de diciembre de 2017, en los talleres de Grupo Editorial Formato S.A. de C.V. En su composición se utilizaron los tipos: Gill Sans Light y Regular de 10 y 22 puntos Fairfield LH 45 Light y 75 Bold de 10 y 22 puntos Hoefler Text Regular de 35 puntos El papel es couché de 200 gramos Tiraje 2,000 ejemplares Quotidian Pleasures. Mexican Contemporary Painting Was printed on december 2007, at the presses of Grupo Editorial Formato S.A. de C.V. The following fonts were used in its composition: Gill Sans Light and Regular 10 and 22 points Fairfield LH 45 Light y 75 Bold de 10 y 22 points Hoefler Text Regular de 35 points It was printed on 200 gram coated matte paper.

The print-run was 2,000 copies

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ALDAMA FINE ART 237