Brujula notcias N18

UN DÍA CON

ALEJANDRO ALAYZA ENTREVISTA A Eduardo Jochamowitz CONVERSANDO CON

La coordinadora de la especialidad de grabado Olga Flores

EXPOARTE COLUMNA DE OPINIÓN Rircardo Geldres escribe acerca del diseño sostenible

Año N°3 Edición #18

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CARTA EDITORIAL

L

a enseñanza de arte en la universidad Católica supera ya los 75 años. Se inició en 1939 cuando se constituyó como academia de arte católico nombrándose como director a un distinguido artista austriaco recién llegado al Perú, Adolfo C. Winternitz. Con los años, la primitiva Academia paso a denominarse Escuela de Artes Plásticas hasta su transformación en Facultad de Arte en la década de 1980.

La enseñanza de arte en la Universidad Católica siempre fue muy exigente pero seguía los lineamientos de la pedagogía del arte europeo; hacia mediados del siglo veinte, tanto en la especialidad de pintura cuanto en la de escultura comenzó un desarrollo muy importante y la ya Escuela de Arte se convirtió en un factor de promoción del arte en el Perú. En esta labor es necesario reconocer la extraordinaria importancia de dos profesores que, además de ejercer la docencia, tuvieron a su cargo la dirección de la hoy facultad durante largos años: Adolfo Winternitz (1906 – 1993), quien la dirigió como Academia, Escuela y Facultad desde su establecimiento hasta que falleció, 54 años después, y Anna De Maccagno (1918 – 2001), Decana entre 1993 y el 2001. Ambos recibieron de la universidad la distinción como profesores eméritos de sus correspondientes Departamentos Académicos (Humanidades y Arte, respectivamente); la profesora Maccagno en su condición de promotora de la nueva escuela escultórica peruana, recibió las Palmas Magisteriales en su grado máximo, el de Amauta, en 1993; ambos fueron condecorados por gobiernos de distintos países pues su obra artística ha sobrepasado los límites del Perú cuya nacionalidad adoptaron.

Complace a la Asociación de Egresados y Graduados de la Pontificia Universidad Católica del Perú, recordar que en este número dedicado a la enseñanza de arte a dos de sus más destacados cultivadores y docentes.

Doctor Alberto Varillas Montenegro Presidente de la AEG-PUCP

Hacia mediados del siglo XX, la Escuela de Arte de la PUCP ya representaba un factor de promoción del arte en el Perú.

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CONSEJO DIRECTIVO 2015-2017 PRESIDENTE Doctor Alberto Varillas Montenegro Letras y Ciencias Humanas ‘61

VICEPRESIDENTA Magíster Ana Virginia Pastor Revoredo Química‘74 SECRETARIA Ingeniera María Victoria Tizón Acha Ingienería Civil ‘80 TESORERA Magíster Mirtha Alfonsina Zamudio Rodríguez

EQUIPO EDITORIAL COORDINACIÓN Solange Hernández Blas Christian Castillo Cornejo REDACCIÓN Diego Olivas DISEÑO Y DIAGRAMACIÓN Milagros Justo Polo FOTOGRAFÍA Milagros Justo Polo CORRECCIÓN DE ESTILO Juana Iglesias

Economía ‘82

VOCALES Doctora María del Rocío Vesga Gatti

Derecho ‘90

Señor Arnaldo Mera Avalos Historia ‘94

Doctor Julio Vargas Perusina Derecho ‘95

JUNTA CALIFICADORA DE ASOCIADOS Presidente: Ingeniero Adolfo Heeren Ramos Miembro: Ingeniero Jorge Rodríguez Hernández Miembro: Doctora Sheyla Blumen Cohen REPRESENTANTES DE LA UNIVERSIDAD Doctor Eduardo Ismodes Cascón Doctor Daniel Soria Luján 4 BRÚJULA

Asociación de Egresados y Graduados PUCP Av. Universitaria N° 1801, San Miguel Lima, Perú Telf.: 626-2000 (anexos 3500 o 3502) aeg.pucp.edu.pe Revista Brújula Noticias Publicación Oficial de la Asociación de Egresados y Graduados PUCP Nro. 18 - Junio 2015

ÍNDICE

AGENDA 6

OPINIÓN 7

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TRES X TRES

UN DÍA CON:

ALEJANDRO ALAYZA

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Conversando con: Olga Flores

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Expoarte

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VITRINA 33

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Becas

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AGENDA PUCP / 07

Eventos culturales, diplomados, jornadas internacionales, maestrías y doctorados en las próximas semanas.

TALLER El arte de hablar bien Fecha: 4 de Julio Horario: 9:00 a.m. a 11:30 p.m.

Lugar: Campus PUCP - Jardines de la Tiendecita Verde info: https://www.facebook.com/gruporural?ref=hl dfigueroa@pucp.pe

CONCIERTO DE INVIERNO OSPUCP Fecha: 16 de Julio Horario: 8:00 p.m.

Lugar: Auditorio del Colegio Santa Úrsula (Av. Santo Toribio 150, San Isidro) eventos@pucp.pe

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TEATRO Nuestro Secreto Preventa: hasta el 2 de Julio General : s/. 20.00 Estudiantes y Jubilados: s/.15.00 Lugar: Teatro Mocha Graña info: achino@pucp.edu.pe https://www.facebook.com/ nuestrosecretoteatro nuestrosecretoteatro

SEMINARIO Explorando celulares inteligentes y tablets Fecha: 22, 24 y 31 de Julio del 2015 Horario: 3:00 p.m. a 6:00 p.m.

Lugar: Campus PUCP - Aula H104 unex@pucp.edu.pe 626-2000 anexos 2300, 2301

OPINIÓN

Ricardo Geldres Email: rgeldres@pucp.pe Bachiller en Diseño Industrial por la PUCP. Especializado en Orientación Ecológica al Diseño de Productos, en Alemania. Docente de la Facultad de Arte de la PUCP. Fundador y propietario de la empresa Geldres Design Studio y y la marca RIKA. Primer Premio en la Categoría Social del concurso Internacional Salao Design Movelsul de Brasil 2008, y Categoría de Diseño de Productos del Concurso Nacional de Artesanía del Perú 2009. Representante del Diseño Mobiliario Peruano en la Segunda Bienal de Diseño Ibero Americano de Madrid.

La obra que he ido formando siempre se ha orientado al diseño consciente. Desde la especialización en Alemania, hasta la agrupación con otros artistas como Álvaro Chang Say, Federico Otero o Kareen Nishimura, mi esposa y colega, para fundar el colectivo Recurseo (2005), dedicado al desarrollo de productos sostenibles. Finalmente la empresa Rika (2008), también con Kareen, articula diversos tipos de productos manufacturados con materiales no convencionales, recuperándolos y reciclándolos de una manera innovadora, rescatando así las técnicas artesanales o utilizando baja tecnología, añadiendo en cada propuesta un juego visual particular. En Rika los productos varían: carros de cartón, de cepillo, robots, animales de caucho, piezas de mobiliario. Se trata de propulsar un diseño sostenible partiendo de nuestros propios proyectos y utilizando formas u objetos inusuales.

El trabajo en diseño ecológico debe darse a través de la experimentación con baja tecnología, reutilizaciones o reciclaje. El diseño de la silla Rollitos de Totora o posteriormente la línea mobiliaria de Totora y Junco son un ejemplo de lo desarrollado al seguir el diseño sostenible. No diseño y vendo estas sillas para comercializar.

Lo que me interesa es que los artesanos de totora las hagan, sino el diseño sostenible no existe. Es un servicio a su comunidad.

El diseño industrial sostenible es un gran espacio de creatividad y trabajo en el que converge lo funcional, lo lúdico y lo consciente. No se traduce solamente en diseñar y fabricar un producto ecológicamente amigable. Existen tres pilares dentro del diseño sostenible: el ambiental, el económico y el social. Todos tienen que conjugarse y darse para que funcione.

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Entrevista a Eduardo Jochamowitz Eduardo Jochamowitz, licenciado en filosofía por la PUCP y jefe de práctica del Departamento de Humanidades, obtuvo la beca Erasmus Mundos EuroPhilosophie, organizada y financiada por la Unión Europea.

¿Qué te motivó a postular a la beca?

Desde el año pasado estaba buscando y planeando mis estudios de posgrado. Quería realizarlos en Europa porque tengo más afinidad con las escuelas de filosofía que hay allá que con las de Estados Unidos. Estuve averiguando con muchas personas y al final Julio del Valle me dijo que fuera por la Erasmus. Postulé en enero y para mayo aproximadamente ya me habían aceptado.

Eligieron a cinco latinoamericanos: dos brasileños, un argentino, un uruguayo y un peruano.

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Esta beca de estudios conlleva un programa de movilidad, ¿en qué universidades se da?

La beca implica estudiar en tres universidades, integrantes de un consorcio. El primer año visitas dos, una por semestre: iré primero a la Jean Jaurès de Toulouse (Francia) y luego a la nueva Universidad de Louvain (Bélgica). Esto será como formación. El segundo año visitaré una universidad – que todavía no escojo, probablemente la Universidad Carlos (Praga)– para hacer mi tesis de maestría. Es un año de investigación.

BECAS ¿Qué se necesita para postular a estas becas?

Además de la documentación requerida, una tesis de licenciatura ayuda muchísimo.

A mis amigos siempre les sugiero que preparen y terminen su tesis, es algo que los europeos no esperan, los sorprende y suma muchos puntos. Tener publicaciones es otro plus importante. Tuve la suerte de publicar dos artículos en revistas indexadas.

Pero más allá de los papeles y títulos, lo esencial es mostrarle al jurado evaluador de tu candidatura que tienes una experiencia de vida en una sociedad muy distinta a la europea, y que ir allá significa no solamente llevar tu aprendizaje universitario, sino toda una perspectiva y un criterio diferentes. Ese es el espíritu de la beca Erasmus, una modalidad en la que te invitan a participar para cuestionarte a ti mismo dónde estás parado todo el tiempo y al lado de quiénes estás. Conté asimismo con el apoyo de la doctora Pepi Patrón, vicerrectora de Investigación, y del doctor Ciro Alegría, decano de la Escuela de Graduados, quien también fue mi asesor de tesis. Ambos redactaron mis cartas de presentación, que eran obligatorias. ¿Qué esperas ganar al haber finalizado este programa de Maestría internacional?

Cubrir un vacío de mi formación en pregrado aquí, en especial en torno a la filosofía contemporánea francesa, conocer en profundidad a filósofos como Gilles Deleuze y Michel Foucault. El simple hecho de estudiar dos años cursos en francés e incluso hacer una tesis en ese idioma definitivamente cuenta. Lo más interesante para mí es la oportunidad de visitar tres universidades con tradiciones distintas. Combinar esas tres visiones es algo muy diferente a lo que significa estudiar un pregrado en una sola universidad. Además, claro, del hecho de devenir nómade por un par de años, no aferrar mi corazón a un solo lugar y tener una vida austera, minimalista.

¿Qué le dirías a los estudiantes y egresados que consideran seguir un posgrado en el extranjero?

Primero, que no consideren una beca como un privilegio. Es una oportunidad para alguien capaz, preparado, solo eso. Depende del esfuerzo en el reto que quieras asumir. No se desanimen nunca, porque el resultado es enorme. Estudiar en un contexto totalmente ajeno, en universidades con una tradición y un tiempo distintos –algunas tienen cuatrocientos o quinientos años– marca una distancia enorme entre un egresado que se ha quedado en su lugar de origen y otro que partió a buscar algo nuevo.

Cambia la perspectiva. Siempre valdrá la pena.

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Alejandro Alayza Mujica es uno de los artistas plásticos peruanos más reconocidos en la actualidad. Ha dedicado su vida tanto a la pintura –exponiendo en muestras individuales, bienales o colectivas, en el Perú y en el extranjero– como a la docencia, dictando cursos durante los últimos cuarenta años en la Facultad de Arte de la PUCP, de la cual fue decano (2001-2008). Ha trabajado además en restauración de patrimonio histórico y en grabado.

Para esta edición lo acompañamos en su casa y taller, con el propósito de conocer un atisbo de su trayectoria, perspectiva y obra.

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La casa de Alayza en Barranco es una edificación cuyo gran portón de madera sugiere, desde una primera impresión, el adentramiento a un mundo representativo y pictórico: decenas de CD de música en las estanterías, adornos y objetos de yeso y cerámica, óleos de generosas dimensiones que cubren paredes enteras, un techo altísimo cual castillo. La luz solar irrumpe poderosa a través de las grandes ventanas. Alayza lleva cuarenta años enseñando; este es su primer año sabático, el cual pasa pintando en su taller.

Sentados en su sala nos cuenta su incursión en la pintura: “Venía de una familia de tradición liberal. Éramos doce hermanos. Nadie se había dedicado a las profesiones manuales. Cuando le dije a mi papá que quería estudiar en la Escuela de Artes Plásticas de la Católica se espantó. La vida del artista era vista todavía como algo muy desordenado en esa época. Aceptó, pero me pidió que terminara por lo menos Estudios Generales Letras, luego de esa formación universitaria podía hacer lo que quisiera”. Sus padres fueron el recordado abogado y político Ernesto Alayza Grundy –también egresado de la PUCP– y la limeña Herminia Mujica Álvarez-Calderón, quienes dieron a su hijo la libertad para seguir su pasión.

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En 1965 empezó sus estudios de arte en la PUCP, cuando todavía no existía la facultad. Ya desde ese momento Alayza pintaba todos los días. Lo primero que hizo tras terminar Generales Letras fue hablar con Adolfo Winternitz, el legendario pintor y vitralista austríaco-peruano, quien fundó y dirigía por entonces los estudios de arte en la PUCP. Al mostrarle sus pinturas aseguró su ingreso. Aquel fue el inicio de una larga relación de aprendizaje y amistad con Winternitz, a quien Alayza todavía recuerda como “mi gran maestro Adolfo”. No había un campus, la universidad estaba por todas partes. “El que estaba en la PUCP era dueño de todo Lima. Eso nos daba una espacialidad y una visión diferentes”. Fueron cuatro años de especialización en pintura y taller.

Por aquel entonces estudiaban en una casa alquilada en la avenida Arequipa, esquina con Cuba. En 1969 la escuela se mudó al Fundo Pando en San Miguel.

Alayza asegura que esta circunstancia fue crucial para su desarrollo como artista. “Era un espacio amplio, una pampa. Ya no había bodega, ni tráfico, ni nada. Toda la perspectiva cambió, fue una maravilla. La relación con el modelo cambió completamente. Se repotenció, pues estábamos más en contacto con la naturaleza. Esa formación te da una visión del mundo diferente”. Con Winternitz aprendió las diferencias capitales entre dibujar, componer y colorear. “Dibujar es como vestir la ropa que te ajuste bien al cuerpo, componer es como vestir la ropa adecuada para el momento”.

Luego de graduarse y haber trabajado en Huaraz durante un año, con su esposa Hortensia Moncloa, historiadora de arte, Alayza retornó a la PUCP en 1975, esta vez como docente.

“Ser profesor era idóneo para mí: me mantenía como pintor y generaba un ingreso en algo que no obstaculizara mi creatividad. Iba el lunes a las ocho de la mañana y salía el viernes a las ocho de la noche. Todo el tiempo. Nosotros en arte no dejábamos tareas para la casa, se trabajaba muchas horas en la facultad”. Alayza enseñaba la mayoría de cursos principales, como pintura, composición, dibujo, grabado y dibujo natural, entre otros.

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En el año 2001, cuando la entonces decana Anna Maccagno cayó enferma de cáncer al final de su vida, Alayza asumió el decanato interino; en el 2005 fue reelegido por tres años más. “Fueron ocho años muy fuertes y densos, de arduo trabajo e investigación, donde había que construir otros líderes que te reemplazaran para que fuera la estructura la que sobreviva más que tú”. Durante su gestión, Alayza participó en diferentes sucesos vitales para la facultad. Inició el proceso de creación del nuevo edificio de la Facultad de Arte –que terminaría el profesor Félix Agapito– y fue una de los artífices en la renovación de la malla curricular.

Canela jugando con Alayza

Estante de libros y Discos

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Si bien empezó con arte abstracto, al lado de su maestro Winternitz, Alayza siempre siguió el camino de lo figurativo. “Era lo que más me interesaba. No porque no entendiera lo abstracto, sino porque la imagen era algo más cercano a nuestra realidad sensible. En nuestro contexto, la figuración corresponde a nuestra situación social. Definir un elemento espacial, humano, quién lo habita, por qué y para qué. Siempre he trabajado una pintura con más figuración, pero sin dejar que lo abstracto esté ausente, que funcione, para darle más valor pictórico y que no sea narrativa o literatura. Ese ha sido mi camino”.

Alayza tuvo una etapa de acrílico, pero su trabajo se da sobre todo con el óleo. “A diferencia del acrílico, trabajando con óleo uno puede llegar a sentirse dueño del mundo por cualquier tontería que haya creado. Es una gran diferencia”. Incluso en sus referencias nos cuenta que ha buscado comprender la figura peruana: los indigenistas, los republicanos, la pintura virreinal. En su obra se evidencian tres temas pictóricos universales: figuras, paisajes y bodegones. Su opción por

Pericos de colores

No tengo un color favorito. Pasa que hay toda una matemática para construir el color, que siempre evoluciona. Y lo hace contigo, mientras le añadas a lo que creas tu deseo, voluntad e inspiración.

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la pintura figurativa traduce acertadamente su afinidad con la naturaleza. “Al descubrir la naturaleza, te vas enlazando con una manera de hablar y figurar.

Incluso somos muy figurativos en el lenguaje coloquial, abstraemos los conceptos sin perder la figura, lo mismo me pasó con la pintura. Uno tiene que estar pendiente de la naturaleza, ser fiel a la realidad”.

Nuestro artista ha recibido diversas condecoraciones, como el Premio Gabriela Mistral en 1997. Su vida refleja su devoción por la pintura. “Mi casa es larga y amplia, pues el pintor vive mucho en su casa, en su taller, yo no quería separarlos y ahora tengo todo en una sola unidad”. Pinta todos los días. Confiesa que cuando llegamos a verlo, estaba a punto de subir a su taller a encerrarse, había olvidado la reunión. Alayza se levanta muy temprano cada mañana y asiste a misa, hasta las siete y media. Luego sale para el Club Regatas, en Chorrillos, donde nada hasta las ocho y media o nueve. “A cierta edad el cuerpo necesita moverse, además la vida del taller es muy sedentaria”. A las nueve y media ya está de vuelta, listo para desayunar. Media hora después sube a su taller y trabaja hasta la una de la tarde. Hace un alto para almorzar y vuelve al taller de dos a seis, hora en que cae el crepúsculo. “Ya con los años la luz eléctrica me molesta, me cansa, solo trabajo con luz natural”.

Como hemos podido comprobar, su día está dedicado al taller, aquel fortín insólito que nos va mostrando con calma y generosidad. Vemos un bodegón y un paisaje por terminar. Además de “Canela”, su pequeña mascota que nos acompaña contenta, estalla el canto de los pericos. Numerosos y de todos los colores.

“Tengo muchísimos pericos, alrededor de cuarenta. Apoyan mucho, uno está solo pintando y los escuchas conversar, te sientes acompañado de sus sonidos y colores”.

“No tengo un color favorito. Pasa que hay toda una matemática para construir el color, que siempre evoluciona. Y lo hace contigo, mientras le añadas voluntad e inspiración a tu creación”.

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La Especialidad de Grabado, de la Facultad de Arte, representa uno de los programas de estudio más antiguos y singulares de la PUCP. El grabado es una disciplina artística donde se conjugan aspectos conceptuales, estéticos y técnicos, en los cuales la investigación, la experimentación y el estudio de las diversas técnicas de impresión llevan a la producción de una obra gráfica, centrada en el proceso creativo a través de la impresión sobre matrices. Conversamos con Olga Flores Díaz, coordinadora de la especialidad.

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CONVERSANDO CON

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¿Por qué seguir los estudios de Grabado?

La Especialidad de Grabado cumplirá pronto 47 años.

Tiempo atrás, cuando yo era alumna, el grabado no era tan conocido como la pintura o la escultura. Algo curioso de la Facultad de Arte es su amplio campo de elección para los estudios: yo pasé de diseño gráfico a pintura y terminé en grabado.

La razón por la que me dediqué al grabado, y por la que muchos lo estudian, es porque allí disponía de un campo técnico y poético en el que podía reunir lo gráfico con lo pictórico o plástico. Como si tuviera al frente un lenguaje más completo. Yo hacía mucha ilustración, sentía que era lo adecuado. En esa época no se podía desarrollar algo así en la pintura. No se nos permitía hacer una narrativa a través de la imagen, era muy criticado. Te pedían más una abstracción, una síntesis del color. Los moldes han ido cambiando. Ya desde hace mucho tiempo el arte es más descriptivo, más tendiente a lo ilustrativo. Hasta es posible que exista saturación de imagen dentro de un mismo soporte. Es uno de los motivos por los que elegí hacer grabado.

Los profesores de la especialidad siempre hemos reparado en esa necesidad de experimentar lo integral con lo técnico, lo que ha hecho que veamos la forma de no desalentar a ese alumno creativo, y ahí el valor del grabado ha sido muy satisfactorio.

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El grabado apela a buscar una reacción social, a polemizar.

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Grabado en madera trabajado por David Pimentel

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¿El Grabado ha cambiado mucho con el avance de la tecnología?

Sí, por supuesto. Siempre ha ido de la mano con la tecnología. Se podría decir incluso que es parte de su naturaleza. Algunos dicen que el grabado es padre del diseño gráfico. Antes, por ser una obra editada y en papel, el grabado no se llegaba a incorporar al mercado artístico, a las galerías. Se tenía la idea de que no era una obra original. Lo que ocurre es que al basarse en el ejercicio de la impresión y reproducción es difícil comprender que es una obra única, debido a que por lo general forma parte de una edición. Siempre hemos empleado la tecnología.

Una cuestión a nivel internacional es que cuando la obra deja de tener sentido por su singularidad y se comienza a dudar de su originalidad –que es evidente en la pintura y en la escultura– nos preguntamos por qué no puede llegar a ser única, ¿qué estamos esperando? Es una problemática que estuvo por mucho tiempo en discusión, pero ahora ya no porque en la actualidad el grabador puede desarrollar si quiere una obra editada o una obra múltiple como le decimos, o una obra original, una sola copia, incluso se puede quedar en la matriz. Pasa que el grabado tiene un lenguaje muy amplio y rico con el que nosotros podemos jugar. Hay matrices de cartón, metal, madera, piedra, plástico, y así. Dentro de ese campo ya puedo dar a interpretar un tema –por ejemplo el de la identidad, el de la memoria– según cómo me afecte o cómo quiero afectar al público o a la sociedad. ¿A cuál matriz puedo apelar? Todo eso me va a dar una posibilidad de ensayos en la imagen, donde podré vincular los elementos utilizados en el lenguaje del grabado. Entre el lenguaje digital y el gráfico comienza a surgir esa afectación de cómo es que resolvemos las imágenes.

Siempre va a ocurrir, a mayor o menos escala.

Basta que en un aspecto nos veamos reducidos para comenzar a explorar en otro.

Linea de aves de la Marca de libretas Manera Negra 25 BRÚJULA

Y de todos esos procesos de la producción que forman el abanico de matrices ¿Qué es lo más frecuente entre los estudiantes o egresados de Grabado?

Definitivamente ya no es algo clásico. Ahora levantan proyectos que solo si es necesario van por lo múltiple, o van por lo mural incluso. Podrían apelar a una imagen de tipo mural y la pueden levantar con ocho bastidores, hacerla por partes, y así el grabado gana cierta utilidad que no es solamente técnica, pues también se puede necesitar un tipo de degradé, técnica que solamente nos la da la serigrafía, por ejemplo.

Manera Negra, es la marca de libretas hechas por Diego Cabanillas y Giselle Adrianzen

Se podría decir incluso que la tecnología es parte de la naturaleza del grabado.

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¿Qué es lo que se hace en Investigación de Grabado y Desplazamiento de Grabado?

En el primero, los chicos investigan en la técnica por su propia cuenta. Cada artista tiene que indagar una forma de hacerlo mejor o peor, o crear una forma nueva. Una técnica que puede ser aprendida por uno u otro maestro, en uno u otro taller. No es algo rígido. Todos se someten a ciertas variantes que surgen del contexto, del ambiente, como el mismo taller o la humedad. Incluso hay una actividad en la que tienen que inventar una técnica de impresión. El grabado es un campo abierto, hay muchísimo para experimentar. Si revisas, todos los sistemas digitales de impresión nacen del grabado y la imprenta. En el curso de desplazamiento tienen que pasar toda esa investigación, todo lo que han aprendido en el taller al contexto urbano, rural, familiar, entre otros. Al haber aprendido pasos y técnicas como la xilografía, la litografía o la serigrafía –cada una con su mundo y recursos–, el alumno es capaz de observar un tema en el exterior que puede desarrollar desplegando todo lo aprendido.

En quinto año ya desarrollan un proyecto por semestre, luego de que los otros cursos les han dado un campo de acción para que puedan dominar el vínculo técnico y desplazarlo a los problemas sociales. No se trata de resolver un problema social, sino de evidenciarlo, de hacer el señalamiento de una problemática cultural que nos involucre a todos como sociedad y que necesite plantearse, tratarse. El alumno recoge esa inquietud y ve cómo llevarla al grabado, ya sea en serigrafía o en metal, con medios tradicionales, digamos con paisajes impresos en litografía, por ejemplo.

Tenemos ahora chicos que están desarrollando un proyecto que parte de la idea de la anulación de la mujer por el machismo, identificado en el monumento que está en Paseo Colón, donde está el famoso almirante con una mujer semidesnuda, sentada a sus pies, en actitud implorante. Una imagen fuerte.

También está la idea del “blanqueamiento” del ciudadano limeño para obtener poder social, relacionada también con el monumento, que la artista incorpora a través de una foto suya. Como se puede ver, se trata de problemáticas densas. El grabado siempre apela a buscar lo social, una reacción, a polemizar.

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Grabado realizado por David Pimentel

Placas de metal trabajadas por Miguel Torres

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El trabajo de Ana Lucía Masias desarrolla el tema de la anulación de la mujer por el machismo

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EXPOARTE EVENTOS

EXPO ARTE Como cada año, la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú presentó del miércoles 27 de mayo al 23 de junio un conjunto de lo última en las nuevas miradas del arte, explorando los campos de la pintura, la escultura, el grabado, el diseño gráfico y el diseño industrial. Todas descubren diferentes cuestionamientos y significaciones de nuestra compleja realidad social y personal.

Se exhibieron piezas de arte y de diseño, a la vez que procesos creativos que invitan a la reflexión, la interpretación y la consciencia de la memoria, algo que refleja la identidad de la Facultad.

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TRES X sobre el arte , la lectura y la escritura

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“Mantenerse siempre documentado, saber qué está pasando con las tendencias de diseño y arte a nivel local e internacional. Convertirlo en un hábito, revisar diariamente diferentes proyectos y procesos creativos, hay mucho que ver y muchas veces los libros físicos no se actualizan a la velocidad necesaria”.

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“Ten el valor y la cabeza fría para hacer una crítica objetiva, fiel a tus conocimientos y ajena a tus sentimientos. Separa el trabajo de lo personal. Tu calidad profesional se ve tanto en tus trabajos como en tus gustos y recomendaciones”.

3

“El cerebro absorbe más de lo que parece. Si te mantienes en un entorno o bajo influencias (televisión, revistas, cine) carentes de una buena base conceptual estética, estos se reflejarán en la calidad creativa de tus trabajos. Así como cuidas lo que comes, también debes saber cuidar lo que ves”.

Alberto Patiño

fotografía : El comercio

Licenciado en Escultura Docente de la Facultad de Arte

Licenciado en Diseño Gráfico Creador de la marca de ilustración y diseño Fajardo

“Como artistas no podemos dejar de vincularnos con nuestro medio, es imprescindible mantener este nexo. Esto va desde la realidad política y social del país hasta saber lo que sucede en el ambiente artístico específico en el que nos desenvolvemos”.

1

“La creatividad va de la mano con la ética de trabajo, ambas son necesarias para la creación; desterrar aquel mito de esperar la inspiración, la labor artística es igual de ardua que cualquier otra profesión”.

2

“Leer, escuchar música y ver mucho cine nos puede ayudar a ver las cosas que nos rodean con nuevos ojos, a transformar la realidad sacando a la luz aquello que está oculto entre nosotros”.

3

1

“Considero que la asimilación es fundamental. No es algo que llevas dentro de tu ADN. Es un tema de estimulación muy temprana. Formarse con la experiencia y crear sobre esa base”.

2

“La creatividad es la esencia de cualquier propuesta de diseño y es, en realidad, la cualidad fundamental que el diseñador debería tener en su perfil, a pesar de que las técnicas o métodos creativos a veces no son parte de su formación”.

3

“Es muy interesante cómo salen las ideas. Es un proceso que podríamos calificar de automático. Cómo encontrar el lenguaje para plasmar una idea y darle vida. Tratar de diseñar a través de nuestra experiencia”.

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Guillermo Fajardo

Coque Andrade

fotografía : Asia Sur

Licenciado en Diseño Industrial Diseñador y propietario en Gea Design y DEPA Design Store

VITRINA DAVID MACHUCA

Ingeniería de Minas ‘99

El Dr. Machuca-Mory, del grupo de consultoría internacional independiente SRK Consulting Canada, ha sido condecorado en el trigésimo séptimo simposio de Aplicación de Computadores e Investigación de Operaciones en la Industria Minera, APCOM 2015. El comité de selección de premios lo seleccionó en mérito a sus contribuciones relacionadas a los temas del simposio como joven profesional. Este simposio se llevó a cabo en la ciudad de Fairbanks, Alaska, a fines de mayo.

CARLOS RAMOS

Escuela de Posgrado - Derecho El Dr. Carlos Ramos, magistrado del Tribunal Constitucional y docente del Departamento de Derecho, ha publicado su nuevo libro Ley y justicia en el oncenio de Leguía, con el Fondo Editorial PUCP. La publicación explora el papel que cumplió el derecho en el proceso de modernización que Augusto B. Leguía emprendió de forma autoritaria entre los años 1919 y 1939. Fue presentado en el Instituto Riva-Agüero.

SCARLETT O’PHELAN Historia‘71

La Dra. O’Phelan, docente del Departamento de Humanidades, ha recibido el Premio Georg Forster de Investigación de la Fundación Alexander von Humboldt, por sus investigaciones sobre la época colonial en el Perú y al movimiento independentista. Profundiza en el papel que cumplió la población indígena en los diversos levantamientos que se dieron en contra de los colonizadores. Actualmente, se encuentra investigando sobre el exilio de los monárquicos luego de la independencia de 1821.

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