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ÍNDICE

Materiales de Ilustración

Atajos para programas

Campo de acción

Ilustración

MKTpersonal

Fotografía

Redes sociales y como sacarles provecho

Pasos para formar un estudio fotográfico

Programas

Diseño con responsabilidad social

Fotografía

¿Por qué estudiar diseño gráfico?

Una buena computadora para el diseño

Erick StarBoy

Retrato y moda

Fotografía

DISEÑO GRÁFICO

ABRIENDO PUERTAS PUBLICITARIAS MEDIANTE EL DISEÑO JULIA BEATRIZ PELÁEZ CAVERO Directora Artes & Diseño Gráfico Empresarial

Las empresas vienen incrementando sus lineamientos de comunicación interna y externa, lo que significa una mayor inversión en profesionales de la comunicación gráfica. Ante esta situación, la carrera de ARTES & DISEÑO GRÁFICO EMPRESARIAL cobra importancia al contribuir con profesionales que diseñan (planifica, implementa, ejecuta y evalúa) campañas gráficas publicitarias y/o generan una buena imagen de marca de la empresa que permita al cliente elegirla, identificarla, posicionarla y preferirla entre la competencia. Los empresarios aún no tienen conciencia del aporte del diseño y de su importancia en la productividad y competitividad de su empresa. No ven al diseño como una inversión sino como una erogación. Una publicidad mal desarrollada es un gasto; una publicidad bien diseñada es una inversión, es decir, promueve un retorno al capital o al esfuerzo realizado. (Gandulfo, 2015). Los diseñadores, tienen la oportunidad para plantear y gestionar estrategias de tipo empresarial, cultural, social, emocional, que ahora son utilizados con mayor amplitud para resolver necesidades diversas. A la vez ayudan al crecimiento de las empresas, entendiéndolas como organizaciones, que demandan propuestas creativas e innovadoras que les resulte rentables y sostenibles. (Brown, 2009).

El Licenciado en Artes &Diseño Gráfico Empresarial desarrolla campañas publicitarias gráficas y campañas de identidad corporativa gráfica, que optimicen la comunicación empresarial, haciendo uso de criterios estratégicos, innovadores y herramientas tecnológicas. La buena gestión del profesional del diseño es tan importante como la gestión de las empresas o los proyectos que realiza, en tanto implica grandes bene-

ficios para todos los involucrados, especialmente para el propio diseñador. Para proporcionar una ventaja competitiva, las MYPES, deben entender al diseño como una herramienta al servicio de su negocio que comunica su propuesta de valor de manera eficiente, asignando tareas administrativas, coordinando todos los recursos y evaluando el mercado donde se desenvuelve, para lograr el adecuado desempeño y crecimiento empresarial.

APOSTEMOS POR LO CÍVICO POR: DANIEL OBLITAS PINILLOS

El diseño social engloba un conjunto de principios éticos y estratégicos de innovación social. Es un diseño que aprende y se adecua de manera específica a cada situación, sin recetas predefinidas ni procesos lineales o estandarizados, atento a lo emergente y en beta permanente. Diseño social es un término vivo, en evolución. Nace en contraposición al concepto de diseño orientado a fines meramente comerciales. Sin embargo, no tienen por qué ser términos opuestos. Implica redefinir los retos que el diseño comercial persigue pero también la manera de abordarlos. No reproduce las mismas metodologías sino que elabora un discurso y desarrollo propios. A diseño social le sucede lo mismo que al término paz: cuando intentamos buscar la mejor definición para paz nos suele venir a la mente “ausencia de guerra”, pero la paz merece ser descrita por sus atributos propios. De igual modo, diseño social debe ser un término que construyamos desde su propia realidad y no en contraposición al diseño orientado a fines comerciales. Es un concepto poroso que respira pero también, que se empapa y se empapa de otros ámbitos paralelos y transversales como la inteligencia colectiva o el emprendimiento social. Soy Daniel Oblitas Pinillos, ciuda-

dano que se dedica al diseño social desde la comunicación visual apostando por el desarrollo de proyectos sociales que activen la conciencia y la participación ciudadana. Hacer un diseño responsable es también para mi realizar un diseño social; es una forma inteligente de resolver problemas comunes en base a comunicación visual, la investigación sobre la base de la realidad y los alcances que esta puede tener en la sociedad. Una de mis funciones es proponer alternativas de solución a los problemas sociales diversos, donde interactuamos tú, yo y muchas más personas. Lo interesante del diseño social está en las estrategias formuladas desde la experiencia del design thinking. Para mi la experiencia no sería interesante si no la visualizo desde la visión empresarial. Y obviamente hay un trabajo que hacer de parte del diseñador centrado en la necesidad del empresario y como articula este con su entorno. Los tipos de trabajo que realizo básicamente se sostiene en la creación de proyectos y como estos se vinculan con los actores dentro del escenario social. Solo observo el panorama y vinculo el problema con posibles necesidades. Bajo esa perspectiva aquí en Trujillo estamos desarrollando proyectos interesantes como son : La bici colectivo verde, y Libros Verdes.

Que son proyectos que puedes encontrar en las redes sociales para poder entenderlos en su real contexto. Se que existen muchos temas que se tienen que resolver antes de intentar hacer algo. Las ciencias sociales son la clave para entender esto. En el camino y la búsqueda me tuve que tropezar con la falta de información y vi por ejemplo que la sociología, la antropología y la psicología son una plataforma natural y coherente para poder sustentar las iniciativas que tuvieras. Así que solo con diseño no haces nada, es como un tiro al aire esperando que caiga algo. La base perfecta para mí fue la información y apropiarme de ella es lo que hace que sucedan las cosas de manera más clara. Una buena estructura de trabajo a mi parecer es la comunicación para el desarrollo. Esto no es solo un término, es todo un fenómeno social que se originó después de la 2da guerra mundial y es un aprendizaje constante de quien la práctica y sobre la base de un análisis apropiado de la realidad problemática que se vincula con ella. Además de ello, esto no se trabaja a solas. Uno de los ejes resulta siendo la activación de la participación ciudadana, de lo contrario el diseño de social no tendría nada. Los beneficios que una empresa busca se basan necesariamente en la responsabilidad social empresarial; el beneficio es concreto y por demás interesante “IMAGEN CORPORATIVA”. Sin embargo, he observado en la ciudad de Chiclayo que el tema de diseño social es un tema que se viene formando y por ende ya inicio, pero la visión es que el diseño social sea clave para el desarrollo profesional de diseñador gráfico. No se trata de ser buena gente en tus ratos libres, esto va más allá de las actividades aisladas individuales. El principio de todo, es lo social.

DISEÑO GRÁFICO, VOCACIÓN CREATIVA POR: MARYCIELO FERNÁNDEZ MUNDACA Estudiante de Artes & Diseño

Si hablamos de diseño gráfico, hablamos de un campo bastante amplio que incluye diferentes roles en los cuales encajan diferentes personalidades y distintas habilidades, esto hace que sea una actividad extremadamente interesante y apasionante, que demanda esfuerzo y dedicación, ya que es una disciplina en construcción. Por sus bases formadas, es el resultado de la co-creación de conceptos con otros campos, que ¬le permiten intervenir en todas las disciplinas que el hombre desee crear; ya que su misión se centra en el hombre, por tanto, sus soluciones deben estar dirigidas pensando en cada una de las particularidades que este posee. El diseño gráfico se adapta y se apodera e influye en cualquier corriente sin importar su naturaleza; porque es una disciplina que promete, que aporta, que participa, que gestiona, que gerencia y sobre todo que soluciona; El diseño gráfico es una disciplina de valientes, de pensadores, de matemáticos, de filósofos y de analfabetos, de personas que son conscientes de la importancia de aprender, desaprender, evaluar, corregir y retomar. Hoy en día los diseñadores somos privilegiados, somos centro de interesantes conversaciones, las ciencias nos rodean y observan nuestras metodologías proyectuales y de prototipado. Hay quienes nos comparan con científicos, nos llaman visionarios, gestores de proyectos; se crean nuevas ciencias en nuestro entorno, ya

no diseñamos únicamente objetos y mensajes visuales, ahora somos forjadores de métodos, investigaciones, servicios, productos y experiencias. El mundo de la innovación se maravilla de los resultados logrados a través del diseño y se crean conceptos con palabras llamativas como: Design, thinking, user experience, responsive design, etc.; todas ellas destinadas al empoderamiento de los conceptos y conocimientos de los que el diseño siempre tuvo claridad, pero que ninguno de los que pasamos a través de él veíamos. Si bien el Diseño Gráfico es un arte donde podemos expresarnos y ser nosotros mismos, para estudiar diseño gráfico no necesariamente tenemos que saber dibujar, si no que nos apasione diseñar, ser creativos expresarnos, jugar con los colores, aprender porque nadie nace sabiendo hacer algo. Podemos encontrar la inspiración en fotografías, imágenes poderosas, en una paleta de colores o en cosas más abstractas en el sentido del diseño como una canción puede convertirse en un modo de vida muy gratificante y lleno de belleza es cierto la vida de un diseñador está llena de inspiración ya que al estudiar esta carrera se te abrirán puertas que quizá no conocías incluso hasta las fotografías empiezan a tomar otro sentido en tu vida. A veces, elegir una carrera puede darnos muchos dolores de cabeza en especial si no estamos seguros de las

satisfacciones que nos pueda traer en el futuro. Elegir la carrera de diseño gráfico hará que con el tiempo empieces a ser más creativo y resolver problemas de forma más ingeniosa y eficiente, los retos que nos propongamos siempre serán diferentes, cada día aprendemos cosas distintas y no estaremos preparando para afrontar el mismo ritmo de trabajo. Comprenderemos el mundo desde otro punto de vista, todo empieza diferente, al estudiar esta carrera, las revistas, la arquitectura, las portadas hasta incluso las noticas empiezan a tener un nuevo sentido, porque el diseño se vuelve una parte crucial de tu vida y al en bueno ver cosas que los demás se pierden a simple vista.

BIEN ARMADO POR: FERNANDO CRUZADO SAAVEDRA Administrador The Gamers

https://www.mientrastanto.mx

Si estás interesado en adquirir un ordenador orientado al diseño gráfico. Ten en cuenta las siguientes reAcomendaciones por Fernando Cruzado Saavedra Administrador de la Empresa The Gamers. Los distintos programas que manejan los diseñadores consumen gran parte de los recursos de los ordenadores es por ello que debes tener en cuenta las características de la máquina a adquirir. Trabajar con programas de Illustrator, Photoshop,Premiere, 3D Maya, demandan de un hardware especial para trabajar de forma ágil y sin interrupciones. Para ello se requiere no solo de un buen procesador sino también buenas tarjetas gráficas y memoria RAM. Los modelos que necesitará un estudiante de diseño, dependerá de dos condiciones básicas: la necesidad y el presupuesto. Una vez delimitado el presupuesto y la necesidad deberá tomar en cuenta estas consideraciones. Antes de esto es recomiendo adquirir una PC antes que una laptop, ya que son

más duraderas y más recomendables. Las laptops se pueden utilizar para realizar trabajos sencillos o mostrar tus trabajos ya culminados. Procesador: El procesador básico es el Intel Core I5 de 7ma generación. El procesador Pro para nivel profesional es el Intel Core I5 de 8va generación, esta última es la más recomendada tanto para desktop y laptops. Tarjeta Gráfica: Es importante que la tarjeta gráfica sea de NVIDIA, ya que esto permite acelerar operaciones gráficas en aplicaciones como son los programas de ADOBE. Las tarjetas gráficas recomendadas son: NVIDIA GEFORCE GTX 1050 TI-4GB, NVIDIA GEFORCE GT 730-26GB. Memoria RAM: Tener un equipo de 16 GB de memoria RAM es suficiente, el requisito mínimo es de 8GB, debido a las exigencias de los programas que trabajan los estudiantes de Diseño.

gún la especialidad de cada estudiante de diseño ya sea que le guste ilustrar, realizar fotografía y hasta edición de video, es recomendable contar con una laptop. Con tarjeta gráfica NVIDIA, un disco duro de 1TB de 64GB y memoria RAM 8GB. Pero si ya quiere realizar todas estas actividades además de realizar animaciones en 3D y postproducción en After Effects, lo más recomendable es contar con una PC con las características ya antes mencionadas. Como presupuesto de ordenadores de PC. Computadora Intel i5-7ma generación recomendada para estudiantes de diseño, está valorizada en S/.2 830.00 aproximadamente. Computadora 8va generación recomendada para estudiantes y futuros profesionales, está valorizada en S/.4 900.00 aproximadamente.

Disco Duro: Lo más recomendable es tener un espacio de 240Gb en adelante.

En cuanto al ordenador ideal para el diseño gráfico, no existe por las distintas variantes que existe tanto en el presupuesto como los programas a utilizar por cada uno.

Estabilizador: Que tenga un estabilizador de 1200 Watts de metal. El ordenador que recomiendo se-

Lo mejor es que el cliente siguiendo estos tips podrá en samblar una computadora para diseño gráfico a su medida.

FÓRMULA EXACTA POR: MOLOKO

¿CÓMO EMPEZÓ TODO?

Nosotros somos MOLOKO un Estudio Gráfico que nació en las aulas compitiendo con todos nuestros compañeros por un primer puesto en el curso de Campaña Gráfica, al ser los ganadores, obtuvimos una puerta abierta por así decirlo en la empresa de Paradero Sipán, un restobar ubicado cerca de la Universidad, con quienes trabajamos a lo largo del curso y les agrado mucho nuestro desempeño con ellos. Esa oportunidad fue la que nos juntó y nos brindó el pensamiento de que no había que esperar a salir de la universidad para lograr algo entre nosotros. Recuerden, las mejores oportunidades están cuando ganas concursos y obtienes reconocimientos por estos, porque al no tener experiencia laboral para tu Currilum, esta es la mejor carta de presentación que tienes para las empresas con las que quieras trabajar en un futuro. Siempre aprovechemos las oportunidades que se presentan dentro de la universidad, para empezar una vida laboral.

EL EQUIPO

Para lograr tener éxito como estudio creativo deben tener en cuenta las necesidades que puede tener su cliente. En nuestro caso brindamos publicidad gráfica, manejo de redes sociales y cubrimos eventos con fotos o videos promociónales. Para esto contamos con un encargado de realizar las piezas gráficas y branding, teniendo los conocimientos en programas de diseño vectorial y edición de imágenes. Por otra parte se va a requerir fotos que acompañen a los post publicitarios, así que alguien que maneje fotografía y retoque fotográfico vendría bien, contando con la posibilidad de también poder lograr contenido audiovisual que refuerce los conceptos a trabajar. Por último pero no menos importante todo esto tiene que tener movimiento para lograrse posicionar en el mercado, ahí es donde entra a tallar la labor del especialista en marketing, esta persona es también es un potencial buscador de contactos y es capaz de llegar a cerrar un acuerdo con el cliente.

¿ AGENCIA O ESTUDIO ?

Hacerse conocer o moverse por las redes sociales del momento les será de mucha ayuda, es una de las formas muy comunes de empezar a mover nuestro servicio, pero sin embargo no es siempre la mejor, más aun si recién estamos empezando, la pregunta del porque es fácil de responder, lo que sucede es que al ser nuevos es muy común que nuestro espacio o perfil en las redes sociales no tendrá mucho que mostrar, más que una foto de perfil , una portada y un pequeña descripción a lo que nos dedicamos y servicios que ofrecemos.

¿Conoces tus límites? Muchas veces por ganar más dinero terminan ofreciendo cosas que ni siquiera pueden lograr por el momento llegando a fracasar y quedando mal con sus clientes Deben armar un listado de sus habilidades asi sabrán donde se desempeñan más, ya que este será parte de los puntos que irán en el paquete que posteriormente ofrecerán a sus clientes. Teniendo esto en cuenta esto, ganarán la confianza de sus clientes, quienes confiaron su negocio en sus manos.

ACTION IN SECONDS POR: MAX CALDERÓN Multimedia (Ae)

Para responder a esta pregunta tenemos que remontarnos 37 años atrás, ya por 1981, en donde dos expertos animadores de Disney, Ollie Johnston y Frank Thomas, recopilaron diversos principios de animación en un libro llamado: “Los 12 Principios de Animación” son principios básicos que podemos observar en la vida cotidiana de cualquier persona o ser vivo, estos principios hacen que un dibujo animado tenga sensación de estar vivo… Como cualquier cosa en la vida debemos estar preparados, lo primero: Tener elaborado un guion, debemos recordar que sin una historia no hay animación, es cierto que todo nace de una idea, esta idea se desarrolla para tener una historia para luego ser escrita en un formato de guion. Tener ya elaborada el estilo gráfico dirían los diseñadores de una revista, nosotros debemos considerar el estilo del arte de todo nuestro cortometraje o lo que se quiera producir, para ello debemos tener en cuenta el diseño de los personajes, el escenario porque de ello también depende la animación.

Ahora si el diseño del storyboard en donde encontramos las escenas, los planos, ángulos de cámaras y el tiempo… Realizar una animatic del Storyboard, es un video que nos ayudará a planear la animación con los recursos sonoros y diálogos. Luego manos a la obra!

Lo que nunca debes hacer en After Effects!

Dos tips para realizar una animación: - Acordar que estilo de animación tendrá la nuestra corto o publicidad. - Identificar las poses claves para grabar los keyfranes para luego pasar a las secundarias.

Fuente: https://www.pinterest.es/

Sentarse sin tener un Storyboard, una idea clara. Idear personajes que caminan o efectos especiales complicados, sin tener el conocimiento previo. Todo tiene que estar planificado, desde el estilo de animación hasta el Render final, porque el producto final debe tener un medio definido, ya sea en redes sociales, Youtube, Facebook, Vimeo, cine, tv, proyector multimedia etc., porque cada uno de ellos cuenta con un formato definido.

¡ANÍMATE! POR: MAX CALDERÓN Modelado 3D

En realidad, no existe una regla de oro todo se basa por el interés del modelador, por ejemplo, si quieres modelar un personaje puedes empezar por el tórax o de repente empiezas por la cabeza o quizás te animas por los pies. Pero lo que si se debe tener en cuenta en el momento de modelar es observar el objeto para luego imaginar su primitiva básica por ejemplo un auto, su primitiva básica sería un cubo, para una llanta sería un cilindro. Y desde esa primitiva comenzamos a modelar. Debemos diseñar los model sheets o turnaround perfectos para que tanto la vista frontal como lateral puedan coincidir en sus líneas imaginarias. Conocer las siete herramientas claves para modelar extrude tool, insert edge loop tool, multi cut tool, bevels, merge vértice y appent to polygon tool.

Cosas que nunca debes hacer en Maya!

Empezar sin crear un proyecto y no referenciarlo, maya trabaja con un sistema de carpetas complejo, así que es momento de encarpetar nuestros proyectos que automáticamente maya los genera para luego personalizarlos. Cuando abrimos maya este ya tiene un proyecto por default (defecto) así que cada vez que abrimos Maya nosotros debemos re direccionar, referenciar nuestro proyecto.

Nunca presionar las teclas del teclado por las puras, los que llevan ya trabajando en maya deben enterarse que todo el teclado trabaja con atajo o shortcuts, así que si presionas una tecla ten por seguro que ya hiciste algo quiza activaste una herramienta.

Dos tips para modelado 3d .... 1. Modelar teniendo en cuenta los elementos como vértices, edges y faces, y estas faces deben tener siempre 4 caras 2. Siempre hay que observar todas las vistas y rotar el objeto en la vista perspectiva, para no cometer un error.

Fuente: https://www.pinterest.es/

No tildes, no “ñ” ningún símbolo o letra que no lo permita el idioma inglés, lo confirmo y es un hecho que en algún momento perderás ese archivo o no funcionará. Guardar las sesiones chancando el mismo archivo, se debe guardar por versiones distintas: por ejemplo, lapicero_v01, cada avance con su respectiva versión, hasta terminar lapicero_v100, esto no quiere decir que todos llegará hasta la100, pues esto dependerá de la decisión que tomes.

Fuente: https://www.artstation.com/

SOLO PARA LOCOS POR: FRANK JHERSON CORONEL Egresado

Una de mis experiencias vividas en mi carrera profesional fue trabajar en el área de marketing del restaurante Hebrón, estuve 2 años y fue muy complicado, pero a la vez logré entender que existen clientes que su mayor interés es generar ganancias al igual que cualquier empresa o persona, pero algunas veces se le obstaculiza con el tema de los costos al quedar con el diseñador y sus propuestas, porque no logra entender todo el proceso que debe llevar a cabo un proyecto. Por esa razón el diseñador debe saber explicarle al cliente el obejtivo que tiene cada elemento que coloca en dicha pieza o aquel concepto que se le construirá al proyecto que pide el cliente. Trabajé con D’Pulpa, en una pequeña campaña por sus 10 años. Fue una experiencia un poco tediosa, ya que se te pueden ocurrir varias ideas pero al momento de implementarlas en trabajo físico, es otra la realidad porque tienes que definir antes el tipo de material de impresión para poder ejecutarlo, al igual que debes saber el tiempo y distribución del proyecto. Siempre hay que saber alinear y definir bien tu campaña. Para incursionar en el rubro de diseño, desde un principio tuve un interés por la psicología, me gustaba el tema de analizar el pensamiento de la gente. Como en el Diseño gráfico influye mucho el tema de la psicología, como del color y el comportamiento consumidor, me fue más interesante esta carrera. Antes no me decidía porque carrera dedicarme, hasta que me decidí gracias al profesor Yvan que tiene esa manera de llamarte la atención

en algo. La carrera siempre se mostró como una carrera para gente diferente que no es común, su slogan antes era “no todos somos iguales, ninguno somos diseñadores” Yo no sabía dibujar y el que dice que se metió al diseño porque sabe dibujar está muy equivocado, porque se va a chocar con una realidad distinta, se va a dar cuenta que sus dibujos que solía hacer no le servirán de nada, a pesar que la ilustración en la publicidad sirve mucho, pero si no tiene concepto no sirve. Para lo que realizo, hay un mercado el cuál explotar pero también hay que saber ganárselo y trabajar bien, verás que el cliente será quien te llame. Tengo una anécdota que deseo compartir,mi primer trabajo fue con mi primo, en la creación de un logo. De tal modo que fue reconocido que me recomendó a varias personas que necesitaban mis servicios, y asi es como fui creciendo.

LA MANERA FÁCIL DE CÓMO EMPEZAR EN ESTE RUBRO ... • Hay algo que el diseñador no se pone a pensar cuando está en clase, que es el tema de la post-producción: ¿Cómo va a terminar el trabajo? ¿Qué material usar para la impresión? ¿Cómo lo vas a ejecutar?. Debemos entender que desde lo digital a lo impreso (que es el resultado final), puede afectar mucho en tu trabajo si no se tiene en cuenta algunos códigos y medidas.

!QUIEN SOY! Soy Frank Jherson Coronel, tengo 25 años. Mi especialidad en el mercado, es el Diseño publicitario y a la fotografía para la creación de piezas gráficas. Soy diseñador freelance, actualmente estoy trabajando para la agencia publicitaria “One. (estudio de diseño gráfico)”.

Por eso a medida que vas creciendo como diseñador aquí en la ciudad de Chiclayo, sabrás a que imprentas recurrir, ya que aquí en esta ciudad no se tienen mucho en cuenta los códigos Pantone. • Programas: Aquí mayormente trabajan con Corel Draw y yo trabajo con Illustrator, tuve que ver la manera de arreglar eso y descubrí que Corel abre con PDF. • Confirmar las medidas: Saber muy bien las medidas de un trabajo, aunque hay veces en que el cliente sea quien te de las medidas y te las pueda dar mal. • No conformarte con lo que aprendas en el aula.

ESTA ES MI ZONA! POE: SANTIAGO HONORÉ Egresado En la actualidad soy Director de Arte en mi propio Estudio Gráfico y realizo cursos sobre ilustración digital y como hacer rentable tu trabajo para lograr sobresalir en nuestro ámbito, en cada curso aplico lo ganado desde mi experiencia laboral, y recomiendo constantemente como primera regla para aquellos que estén dispuestos a formar un estudio gráfico, conocer quién eres tú, cuáles son tus habilidades con las que más destacas, y cuáles son tus debilidades que debes de pulir. Por otro lado tienes que conocer en que entorno te estarás moviendo y contra quien competirás, eso solamente se logra con la experiencia y trabajando en lugares locales del mismo rubro. En la actualidad soy Director de Arte en mi propio Estudio Gráfico y realizo cursos sobre ilustración digital y como hacer rentable tu trabajo para lograr sobresalir en nuestro ámbito, en cada curso aplico lo ganado desde mi experiencia laboral, y recomiendo constantemente como primera regla para aquellos que estén dispuestos a formar un estudio gráfico, conocer quién eres tú, cuáles son tus habilidades con las que más destacas, y cuáles son tus debilidades que debes de pulir. Por otro lado tienes que conocer en que entorno te estarás moviendo y contra quien competirás, eso solamente se logra con la experiencia y trabajando en lugares locales del mismo rubro. Esto generará una diferenciación de tu competencia, y puedes reforzarla aún más si aplicas una experiencia visual y emocional con el cliente, desde la entrevista, hasta la visualización del producto final, ya sea en un Manual de Marca o Contenido Digital. Como diseñadores, no solo debemos sentir el trabajo, sino entenderlo y querer formar parte de él como cliente, esto hará que escapes de lo común y te vuelvas único obteniendo a nivel interno, la imagen de nuestra personalidad creativa, que debes ir posicionando a

medida que ejecutes tu meta, recuerda siempre, nuestro trabajo con el cliente adapta los estilos de una Marca o le crea alguno en base a lo funcional. Como estudio gráfico, hemos empleado un método muy importante que creemos, ayudará a la mejora de su crecimiento, para ello, aconsejamos que si desean tener una mejor organización en su espacio laboral deben plantear fechas, siempre establecer fechas, esto facilita un mejor orden y un mejor desarrollo de cada proyecto que realicen. Otro recurso para triunfar dentro de nuestro rubro es tener a la mano la tecnología necesaria que permita un mejor desarrollo, se podría decir que las herramientas básicas para empezar, es una computadora lo suficientemente potente que soporte softwares de diseño, una tableta siempre es útil, y si hay dentro de tus posibilidades una cámara semi-profesional. (Ojo, esto es para empezar con tu trabajo, puedes seguir implementando tus equipos), no todo es referente a lo tecnológico, lo que no debemos dejar de lado es nuestro lado humano ya que nuestra filosofía corporativa necesita tres cualidades fundamentales: pasión, disciplina y criterio. Como futuros profesionales deben entender que la disciplina es el arma más poderosa, incluso nosotros luchamos con dar el ejemplo en cuanto a este punto, el mercado tiene que entender que el trabajo de un diseñador demanda investigación, esfuerzo y profesionalismo desde el sólo hecho de presentarte puntual a una reunión y manejar un buen speech de venta. Hay algo que me conlleva a hacer un corto énfasis después de todo lo relatado y que aplica para poder superarnos y es saber vender nuestro trabajo. Por más bueno que seamos y por más ganas que tengamos de colocar un estudio, una agencia o convertirnos en una

!QUIEN SOY! Soy Santiago Honoré, Egresado de la carrera de Arte & Diseño Gráfico Empresarial. Soy diseñador e ilustrador, con dominio en ilustración corporativa de personajes (mascotas publicitarias), mi desempeño en el mercado abarca, el territorio de publicidad y asesoramiento para empresas, por ello, tener una visión concreta de mis habilidades, me ha permitido realizar trabajos y comisiones para distintos lugares, tanto nacionales como internacionales (Colombia, Chile, España, Perú), estas oportunidades han logrado otorgar a mi carrera profesional un valor nuevo para crecer. marca personal, tenemos que saber cómo vender nuestro trabajo. No nos enfoquemos al máximo en aprender mucho sobre diseño, lo que importa es como tú puedas saber cómo vender tu trabajo, solo así aprenderás que el verdadero valor para crecer, radica en ti.

MOTIVACIÓN EN CASA POR: LUIS IVAN TORRES ROJAS Egresado

Soy licenciado en Artes Y Diseño Gráfico Empresarial de la segunda promoción de dicha carrera en la universidad señor de Sipan. Antes de terminar estuve trabajando en una clínica como jefe de imagen institucional. Luego decidí dedicarme más a la docencia. Actualmente mi trabajo está enfocado más en Ilustración, Branding, Publicidad, Docente en IDAT y UDCH. Actualmente trabaja una ilustración que es un poster que cuenta con un poco de lettering que es para un festival para fin de mes. Para el proceso tengo dos formas, una que es a mano, cuando cuenta con tiempo y para cosas más tradicionales. Y la otra es utilizando una fotografía como referencia.

¿Cómo definirías tu técnica en la ilustración? Técnica del Mapeado que consiste en Trazos. Trabajo antes sin composición de fondo de la manera tradicional para modificarlo en Illustrator. Para este poster busqué referencias de carteles de la segunda guerra mundial, me referí de sus tipografías, la forma en que ellos componían y diagramaban para reforzar el concepto de Perú – Rusia. Una vez conseguida la referencia abro mi composición en el programa y modifico las tipografías. Empecé a mezclar ilustración con fotografía, me guío de fotografías de los personajes que voy a trabajar. Si es un personaje de alguna película que me gusta, empiezo a plasmar escenas y creo una frase en el rostro del personaje o en el fondo de la composición para asi reforzar la pieza gráfica.

¿Hay mercado para lo que haces? Si, existe mercado para la ilustración, sólo que está poco valorizado. Puede que sea por la falta de “educación al cliente”. Por eso primero hay que saber informarle al cliente de lo que trata aquella ilustración y darle un valor añadido, saber asesorarlo y darle ideas. He hecho trabajos en el extranjero y es muy distinto a lo que pagan aquí, saben valorar el trabajo de la persona. Experiencia en ilustraciones hechas que ya no me pertenecen, las vendí con derechos de autor a un artista plástico del extranjero, tanto que el puede manipularlas a su estilo. El artísta plástico del reino unido me pidío mis ilustraciones para intervenir con ellas de manera artistica, las cuales eran para unas cartas en cuadros. Mis ilustraciones las escala (ya que tiene el trabajo original) y usa texturas con grafiti y resina.

¿Qué recomendarías a alguien que se quiera dedicar a lo que haces? Tener un buen portafolio (puedes subir uno a Behance), ya que eso te da muchas oportunidades de trabajo para poder desarrollarte profesionalemente. Aunque existan empresas que no te pidan un portafolio, es muy distinto a aquellas que si lo hacen porque existe la inspiración y las ganas de trabajar. Si aún no haces un portafolio, puedes aprovechar las redes sociales como instagram que es una red de sólo imágenes. En ilustración siempre debes guardar, con mucha més razón cuando estés trabajando en curvas. No conformarte con lo que te ofrece la máquina, ni con lo que te forman en la universidad. Ahí sólo está lo básico con lo que te puedes desarrollar, pero detrás de eso hay más. Tienes que indagar mucho en el salón e investigar. Aprender a crear tus propios pinceles en los programas Adobe Ilustrator o Adobe Photoshop.

¿Actualmente en qué trabajas? Soy docente y dicto cursos de ilustración Digital, tipografía, diagramación y composición en el instituto tecnológico (IDAT) también Animación 2D en la Universidad De Chiclayo. Anteriormente trabajé en una clínica, luego realice un trabajo en proyecto de manera freelance, pude tener un trabajo de etiquetas para un licor.

¿Cómo tuviste este interés por la ilustración? Yo antes de estudiar diseño estudie en el SENATI control de máquinas y procesos industriales, nos hacían dibujar todo lo teníamos que dibujar cuando desarmábamos un radio o un TV y hacíamos el cambio de resistencia esa cosas nos obligaban a dibujar, yo presentaba los dibujos mas interesantes , el resto no dibujaba tan detallado yo veo esos dibujos ahora y digo que feo para mí en esos tiempos era bacán, luego pase a estudiar ingeniería de sistemas, con la idea de volverme programador y poder hacer juegos, me di cuenta que la programación iba de la mano también con las matemáticas, y no soy fan de las matemáticas, y me cambie, justo la carrera de diseño había recién había abierto, tenía a la primera promoción, me convalidaron cursos y decidí quedarme en la carrera de diseño, cuando averigüe de que trataba la currícular, no teníamos computadoras aun, llegaron cuando estaba en 5to ciclo, ahí me di cuenta que podía digitalizar lo que hacía y obtener un resultado más óptimo, una imagen más limpia, ahí fue cuando empecé a meterme más al mundo de la ilustración, siempre muestro como empecé para que se den cuenta que en realidad es todo

GRANDES OPORTUNIDADES, PARA GRANDES PROFESIONALES POR: EMANUEL SERQUÉN BARTURÉN Bachiller en la carrera de Artes & Diseño Gráfico Empresarial

Egresado de la Universidad Señor de Sipán, empecé a laborar en la municipalidad provincial de Chiclayo, exactamente en mayo del 2015 a febrero 2016 donde fui practicante, en marzo del 2017 me contrataron en imagen institucional, fueron distintas áreas en las que elaboré, primero empecé como practicante en la gerencia de programas sociales, luego en la sub gerencia de turismo donde comenzamos un proyecto pilo sobre las rutas turísticas y promoción turística de la provincia de Chiclayo, me gustó mucho la experiencia por que pude capacitarme en temas relacionados con el turismo, los servicios y la gran importancia que tiene el diseño y lo mucho que impacta en la promoción turística, se complementa muy bien esta carrera con los temas relacionados con el turismo y la promoción, a principios tenía mis dudas, pero si uno da a conocer su trabajo, si uno insiste en la importancia de tu trabajo, yo creo que las personas comienzan a ver la importancia, primero uno tiene que empezar de a poco pero todo eso va dando sus frutos. En cuanto al mercado, en algunas instituciones como es el caso donde yo trabajaba, era desconocido, la gente no le tomaba mucha importancia, pero ya cuando comencé a involucrarme un poco más en este tema, se fue volviendo útil, por que funcionaba en un área y luego en otra, si me preguntan si hay campo de ac-

ción, pues por supuesto que sí, pero hay que estar muy bien capacitados. El tiempo es muy importante, a veces el cliente te pide las cosas a último momento, a veces estás en la calle, o en otro lugar y piensan que tú estás en la computadora, yo considero que eso sería lo malo, en este tipo de trabajo las cosas se deberían de hacer con tiempo, bien planificado y no lo deberían hacer gente improvisada, cada vez estamos capacitándonos más para dar a conocer que nuestra profesión es muy importante, por ello, tiene que ser gente que realmente conozca del tema. El diseño gráfico, de todas maneras tiene futuro, eso sí, mientras más no involucremos e involucremos a personas, a gente que se dedique a esto, yo creo que en esta carrera, si se puede abrir un mercado de posibilidades, porque ahora todo es difusión, promoción, las empresas buscan diferenciarse del resto, todo son carteles, vallas, publicidad, empaques, todo es gráfico; como dice el dicho “una imagen vale más que mil palabras”, ya que la imagen seduce, atrae, persuade, aprovechemos aquí en el norte, donde hay mercado que aún no se ha tocado. Hay que investigar muy bien a que es lo que se van a dedicar, porque es una decisión muy importante, es lo que vas a hacer toda tu vida, al final no importa que es lo que estu-

dias, sino en que quieres trabajar. Si decidiste seguir la carrera de diseño gráfico, que esto sea en lo que te vas a especializar y obligatoriamente tienes que ser bueno en esta rama, ya que hay personas que quieren estudiar esta carrera, con el fin de hacer miles de cosas a la vez, editar videos y hacer diferentes cosas, pero resultan no ser buenos en nada, entonces, yo les diría que piensen muy bien en que se van a especializar, para hacer sobresalir aún más nuestra carrera y especialmente que salgan colegas realmente profesionales en esto.

DE LA ACCIÓN A LA PROYECCIÓN POR: AMY LIANY ÑIQUEN Licenciada en la carrera de Artes & Diseño Gráfico Empresarial

El diseño gráfico realmente es apasionante, para quienes se dedican de vocación a este, no existe límite para el diseñador que innova, que crea y genera funcionalidad visual en sus trabajos. Las oportunidades de trabajo son infinitas, siempre y cuando tengas la disposición y ganas de salir adelante y expresar tu arte. Jefa de prácticas de la escuela profesional de A&DGE, pero también ejerzo mi carrera de manera independiente como AELE7, la cual es mi marca personal. Mi trabajo está enfocado en marketing digital, branding y fotografía, ramas en las que disfruto desarrollar distintas propuestas para mis clientes. Si hablamos de las oportunidades laborales para el diseño gráfico, es complicado encontrar el mercado ideal de trabajo, donde tus clientes se dejen educar, y así poder respetar los procesos y tiempos que implica realizar un buen trabajo. Se busca crear marcas auténticas con contenido y que además de verse bien, representen de una manera favorable para nuestros clientes y sus empresas.

Diría, que el diseño se respira en todos lados, desde en la ropa que vestimos, en los anuncios de Facebook, en el interior y exterior de las revistas, en los murales de una cafetería, hasta en cada empresa u organización existente de manera visual. El diseño es el presente infinito, a menos que el mundo nazca con ceguera; no podríamos producir nada,

para nadie. Lo importante es saber escuchar a nuestros clientes, eso es básico, es parte de la investigación y no olvidar el ser altamente creativos, objetivos y funcionales. Yo recomiendo a mis colegas que nunca dejen de meterse en problemas, somos quienes damos la solución. Además, hay que probar de todo, en el trayecto se aprende, y de paso, se enseña.

UNO A UNO CON PHOTOSHOP POR: RONALD FARROÑAN ITURREGUI Docente de Artes y Diseño Gráfico

Hola, soy Ronald Farroñan Iturregui y bueno para mi uno de los retos al momento de realizar Arte Digital (fotomontajes) a nivel profesional, es el de poder conservar la mayor cantidad de información de los archivos que colocamos en nuestras capas (utilizando photoshop), esto con la finalidad; y muchas veces la necesidad, de poder volver a ellas en cualquier momento. Respecto al Photoshop, este programa me ofrece la posibilidad de utilizar las máscaras de capa; en el cual esta herramienta tiene la función de poder ocultar cualquier parte de una imagen sin tener que perder la información que pongamos dentro de la capa.

Utilizamos la herramienta “pincel” y tenemos seleccionado como color frontal al negro para proceder a pintar y ocultar las partes que no deseamos de la imagen. Para realizar el procedimiento inverso, el color frontal debe estar configurado en color blanco, permitiendo que aparezcan las partes que habíamos ocultado. El paso a seguir, luego de haber seleccionado y recortado nuestras imágenes, es el decidir desde dónde vendrá la iluminación, igualarles la tonalidad, la saturación, el brillo y contraste para poder conseguir la integración de las imágenes.

Todas las Fuentes: https://www.pinterest.es/

LA PRIMERA IMPRESIÓN IMPORTA POR: LEZZY MINERVA ESPARZA Especialista en Marca Personal 1. ¿Cree usted en el dicho popular “la primera impresión es la que cuenta”? Definitivamente Sí. Y le doy más valor a esta frase, cuando nos encontramos dentro del campo profesional o empresarial. Pues hoy en día, estamos inmersos en un mercado demasiado competitivo, en donde aparentemente muchos hacemos lo que otros están teniendo al mismo tiempo y para ello es importante destacar, provocar un buen impacto desde un inicio, hacer que nos recuerden con sólo vernos y así generar un interés para que quieran conocernos a profundidad. Ahora, esa “primera impresión” debe ser congruente con lo que decimos y hacemos; porque provocar una desilusión muchas veces es irreversible para nuestra imagen personal o profesional.

2. ¿Cree usted que las redes sociales tienen importancia o influencia en tu imagen personal? Tus redes sociales son tu carta de presentación; entonces quien piense que estas no tienen influencia en su imagen y reputación personal, no tiene idea de lo que podrían estar perdiendo o ganando social y profesionalmente. Por ejemplo, es un hecho, que 9 de cada 10 empresas hacen uso de las redes sociales para realizar una selección de los candidatos que buscan para determinado puesto de trabajo dentro de su organización. Entonces, es importante tener en cuenta que es lo que publicamos o hacemos en redes para que sean una herramienta de presentación favorable para nosotros.

3. ¿Es importante conocerte como producto para poder conseguir trabajo? Cuando entras a un centro comercial para adquirir un producto X, vas con cierta información en la mente de lo que deseas comprar; pero muchas veces terminan escogiendo otro producto por diversos motivos: por tener mejor presentación, estar más completo o porque te iba a brindar cosas que ni te imaginabas que podías adquirir. Lo mismo pasa cuando entramos a la competencia del mercado laboral; por eso es importante conocer cuáles son nuestras fortalezas y debilidades que nos van a permitir echar contienda para obtener el puesto de trabajo ideal según nuestro perfil profesional.

4.¿Qué tan importante es la vestimenta para generar clientes nuevos?

5. ¿Qué pasos debes seguir para construir tu imagen personal?

Hay que tener en cuenta que nuestra vestimenta es la armadura que necesitamos para luchar día a día en este mundo. ¿Cómo fue que Cleopatra logró desestabilizar al Imperio Romano?

Bueno para tener una buena imagen personal primero debes construir tu “identidad personal”; así como una empresa no puede hablar de imagen corporativa, cuando no se ha planteado que identidad debe proyectar, lo mismo pasa con nosotros.

Pues, definitivamente, por su belleza no fue. Los dos elementos claves fueron: su impactante estilo e inteligencia, con ellos consiguió los objetivos políticos y militares de la época. Simplemente, cuando escoges las prendas adecuadas a tu estilo y a lo que deseas proyectar; los demás logran sentir seguridad y confianza en ti y en lo que puedas brindar.

Para construir tu identidad personal lo resumo en 04 pasos básicos: 1. Saber quiénes somos y qué queremos proyectar. 2. Tener cuidado con nuestro aspecto personal, ya que la presencia sí importa. 3. Tus redes sociales son tu carta de presentación, debemos generar una buena reputación.

6. ¿Cuál cree usted que son los aspectos más importantes para generar una buena marca personal? Lo más importante de gestionar bien nuestra marca personal es que vamos a tener más visibilidad y una buena reputación. Como consecuencia de ello, diferenciaremos de los demás, sobre todo de nuestra competencia; esto ocurre por el simple hecho que comenzamos a posicionarnos en la mente de aquellos que están en nuestro entorno y así conseguimos el desarrollo personal y profesional que deseamos.

7. ¿Qué requisito debe tener una persona para descubrir su estilo?

Los requisitos son conocerte y saber qué es lo que deseas transmitir a los demás, en base a tu personalidad, gustos, lo que haces y eres.

8. ¿Cree que la edad influye en el estilo de la persona? La edad siempre influye, pero no para cambiar el estilo sino para evolucionar y perfeccionarlo. Las personas con el transcurso del tiempo vamos pasando diferentes etapas, logrando objetivos, metas propuestas y con ello madurando, pero eso no significa que nuestra esencia cambie sólo mejora. Lo mismo pasa con nuestro estilo personal, ya que forma parte de nuestra esencia.

9. ¿Qué aspectos son lo más importantes para definir el estilo? El sentirte seguro y cómodo con el estilo que tienes y lo más importante es que proyecte lo que eres. Es un grave error imitar o copiar el estilo de otros, una cosa es que tomes referentes de inspiración y los adecues a ti según tu personalidad, gustos y actividades que realizas para puedas dejar huella.

10. ¿Existen géneros de estilos de belleza? En lo personal, considero que no existen estilos de belleza. Belleza, es una palabra muy difícil de definir y más cuando deseas etiquetar con ese calificativo a una persona. Para mí la belleza comienza a existir en alguien cuando decides ser tú mismo y los demás lo aprecian.

11. ¿En el marketing personal existen los cánones de belleza? Dentro del marketing personal no existen arquetipos de belleza; por el simple hecho de que el marketing personal se encarga de construir y gestionar tu marca como persona, es decir crear y promover una identidad que te defina y te dé a conocer en el mercado de acuerdo a los objetivos personales y profesionales que desees lograr.

12. ¿Qué importancia tiene el lenguaje corporal para una entrevista? Es muy importante porque es una forma de comunicarnos, lo que hacemos con el lenguaje corporal es enviar un mensaje de manera subjetiva al entrevistador y él está evaluando cada detalle en ese momento para tomar una decisión frente a lo que nosotros hagamos. Muchos no toman en cuenta la intensidad de la respiración, la forma de movernos, de mirar o gestualizar; pero es algo que debemos cuidar y analizar con detalle, pues a través de este lenguaje no verbal podemos decir mucho más de nosotros mismos que con nuestras palabras.

SAN MARTÍN

CLÍNICA DENTAL

Ortodoncia & Estética Dental

Av. San Martín N° 239 Pomalca - Cel: 954004326

FOTOGRAFÍA “Cuando tomo una foto de alguien es siempre sobre ellos, no sobre mi! MARIO TESTINO - FOTÓGRAFO

ENFOCADO ERICK JUNIOR Fotógrafo

Mi metodología es no tener clientes, sino amigos y no me gusta tener competencia, pero sí aliados, los cuales forman una atmósfera libre y tranquila para mi empresa. Dentro de mis materiales básicos, utilizo una cámara Canon 80D, con un lente de 50m f1.8, en el caso de exteriores mi Canon 80D con mi len-

te 50m / f1.8, mi lente 200m f3 y dos flash externos y para interior mi Canon 80D con mi lente 50m / f1.8 y mi lente 200m f3 y dos flash Godos dp400, con los cuales me desempeño profesionalmente, tranquilo y contento; suelo utilizar dos técnicas en mi trabajo y no mido mucho el tiempo en mis sesiones para el buen desenvolvimiento de

mis clientes y el juego de miradas. Un consejo que les puedo brindar para una buena fotografía es el juego de miradas, es bien básico, pero es muy fundamental en una foto. Para una fotografía lo básico es el juego de miradas, pero muy pocos saben que es un punto muy fundamental para capturar el momento.

UNA PROFESIÓN HECHA PASIÓN Los proyectos que ahora estoy realizando van muy bien gracias a Dios, ahora tengo 10 personas trabajando en mi empresa, diseñadores, jefe de video cinema, jefe de fotografía, administrador y un jefe de marketing. Pero si hablamos de retos, el más grande como fotógrafo que tengo, es que Riobau Studio se venda también como marca así sumaria muchos puntos positivos para mi estudio en el mercado fotográfico.

Erick Junnior

Soy un joven emprendedor, gerente de Riobau Studio e inmortalizo momentos especiales de la gente; mi fuente de inspiración es el fotógrafo Ragui Aguilar, “El mexicano”, quien viaja por todo el mundo retratando

MÁS ALLÁ DE LA TÉCNICA POR: NICKY MANOSALVA DELGADO Egresado de la Carrera de Artes & Diseño

¿Como descubriste la fotografía y que tipo de foto te gusta más hacer? La descubrí de forma muy pragmática, en la Universidad llevé un curso de fotografía como parte de la malla curricular, sin embargo, no fue el punto con el que partí para iniciarme en la fotografía. Yo trabajaba en un bar con temática Rockera y una banda de Lima había sido invitada para tocar, a lo que, en conversaciones con la administradora, me manifestó que le gustaría cubrir la tocada y por cuestiones económicas que me convenían acepté el reto sin recordar que no había aprendido mucho de fotografía y por si fuera

¿Cuál es tu kit básico para fotografiar?

poco, ni tenía una cámara fotográfica. Así que una vez en el ruedo, presté una cámara y me lancé en este “cachuelo” más emocionado por la banda que por la fotografía. En esta banda, el baterista era Ricardo Montero, quien también era un productor musical y un fotógrafo reconocido en Lima en el ámbito de la fotografía de moda y publicitaria. Entre vanas conversaciones, les gustaba la forma en la que trabajaba y me sugirieron que vaya a Lima a apoyarles como asistente, comentario al cual no le di tanta importancia. Sin embargo, meses después recibo una llamada de Lima para trabajar como asistente en un par de proyectos, uno era el Revlon Style Master y el otro era un par de catálogos de ropa interior masculina y lencería femenina.

Inmerso en este mundo me volví una esponja y absorbí absolutamente todo lo que podía. Desde ese momento la fotografía se convirtió en una real pasión. Las fotos que más disfruto realizar son los fotoretratos, pues no solo se basa en una cuestión técnica o estética, sino también en las expresiones corporales, en el feeling del retratado impregnado en una fotografía, prefiero la espontaneidad a las posturas rígidas y en muchos casos fingidas.

Uno o dos flashes de zapata, paraguas traslúcido, parantes para los flashes, un rebotador y mi cámara fotográfica. No es necesario romperte el bolsillo para flashes de estudio que cuestan demasiado. Cuando conoces el com-

portamiento de la luz, los recursos fotográficos llegarán por sí solos, como por ejemplo, utilizar el flash incorporado de la cámara (luz dura) y colocarle una servilleta por delante transformándola en una luz más suave y difusa.

¿Qué es lo más importante para lograr una buena foto?

En mi fuerte que son los retratos, lo más importante es la conexión y la empatía, lo técnico lo aprendes en tutoriales y los tips los vas adquiriendo con la práctica, pero si no logras romper el hielo con la persona a quien vas a fotografiar, no podrás conseguir una risa espontánea, o una expresión sincera y conforme el tiempo de la sesión se alargue, el ambiente se volverá incómodo y ambos querrán terminar lo más rápido posible. Esto no solo funciona en fotografía sino también en publicidad y diseño, si no sabemos lo que siente piensa y quiere un determinado target, no sabremos como transmitir un mensaje.

¿Qué técnica aplicas para lograr tan buenas fotos? Acostumbro en mis retratos siempre dibujar un esquema de iluminación, en la mayoría de veces uso un esquema Rembrandt o Butterfly (con una sola luz), lo que me permite darle cierta fuerza y dramatismo a través de las sombras. Fuera de la técnica, converso mucho con mis retratados, reímos, contamos historias, conectamos como amigos de antaño y mientras conversamos voy realizando fotografías. Si lo que necesito es una expresión mucho más profunda, coloco música, de preferencia un género suave que te permita pensar y mientras el retratado va escuchando la música, le pido que olvide lo que hay en su entorno y se concentre en lo que la música le evoca emocionalmente, transmitiendo a través de la expresión corporal, los sentimientos que se van reproduciendo en su memoria. De esta manera puedo lograr plasmar lo que hay realmente en el interior de una persona en una fotografía.

!QUIEN SOY! Mi nombre es Nicky Manosalva Delgado, soy diseñador gráfico de profesión, egresado de la escuela de Artes & Diseño Gráfico Empresarial de la USS, pero me dedico a la fotografía desde hace 3 años aproximadamente. Actualmente ejerzo la docencia del curso de fotografía y producción fotográfica en el instituto IDAT, y tengo una marca de fotografía llamada estudio. N, dedicada a la realización de fotoretratos y producciones publicitarias.

Tips ...

No existe un límite de aprendizaje, siempre hay algo nuevo más allá de tu propio estilo. Es importante inspirarte en trabajos de otros fotógrafos, revisar referencias pues eso con la larga te permitirá poder evolucionar constantemente. Que no le tengan miedo al error. Henri Cartier Bresson tiene una frase que dice: “Tus primeras 10000 fotos serán tus peores fotos” y eso tiene mucha verdad, pues es uno de los artes en el que, si no te equivocas, no aprendes. El incursionar en todo tipo de rubro fotográfico es vital para encontrar el camino o el campo en el que te sientas más cómodo para trabajar.

ILUSTRACIÓN “La inspiración no llega a los perezosos” DAVID HOCKNEY - PINTOR

DEL GRAFITO A SÚPER ILUSTRACIÓN POR: BRAULIO ARTURO TAPIA TABOADA “QUIJOTE” Estudiante de la carrera de Artes & Diseño Gráfico Empresarial Los principales materiales que utilizo siempre para realizar una ilustración son: 1. Marcadores: “Artline”: los cuales utilizo en ilustraciones con la técnica en delineado, también me sirve mucho para aquellas que solo dejaré en blanco y negro. 2. Lápices de grafito N° 2: Me ayuda a mantener “líneas guías” cuando elaboro un boceto, esto lo realizo antes de trazar el delineado. 3. Lápiz grafito “Faber Castell”: Lo utilizo para elaborar con más detalle una ilustración, es muy útil ya que con el puedo realizar diferentes intensidades y texturas, teniendo siempre la posibilidad de corregir y mejorar los trazos, además de ser un material que puede borrarse fácilmente. Otro detalle que hay que tener en cuenta en los lápices de grafito es que cuanto más alto sea el número que acompaña a la letra, más duro o blando será: El lápiz HB es un lápiz de dureza media casi blando, mientras que el lápiz F es uno de dureza media casi duro. Aquí tienes la gama ordenada del lápiz, del más fuerte al más blando: 9H - 8H - 7H - 6H - 5H - 4H - 3H - 2H - H - F - HB - B - 2B - 3B - 4B - 6B - 7B - 8B - 9B. 4. Difumino: La zona que voy a difuminar, determinará el grosor del material que utilizaré, lo recomiendo para reducir la intensidad de blanco, negro y color de los lápices. Pero los materiales básicos, los que nunca me pueden faltar son: el lápiz, el borrador, las hojas y el tajador, porque un buen ilustrador elabora sus trazos hasta con un lápiz y un papel. Aunque siempre los materiales van a depender del tipo de ilustración que

Cortesía: Joel Ching

esté realizando en ese momento, en casos los únicos materiales que usaré para ilustrar son: los marcadores, las hojas, el lápiz y la mesa de luz. Sin embargo para una persona que recién acaba de iniciar como ilustrador, los materiales que le recomiendo utilizar son el lápiz, el difumino, una “bitácora” para bocetos, borrador y tajador. Como ilustrador también debo saber que materiales son los adecuados y con cuales no, y eso me doy cuenta a la hora de practicar con dicha herramienta, por ejemplo: cuando el marcador empieza a gotear al primer uso, me demostrará que el material no me servirá a la hora de trabajar, ya que solo entorpecerá la ilustración.

• A la hora de trabajar con materiales de ilustración siempre realizo pequeños tips muy interesantes como: 1. Bocetar con texturas e intensidad. 2. Trabajar en cartulina “Canson”, si son acuarelas. 3. Difuminar con la mano o una hoja. 4. Tajar los lápices, solo si es necesario. También puedo compartir algunas técnicas apropiadas y que serán de mucha ayuda a cualquier aficionado del arte, estás son: 1. Técnica del goteado (chorreado). 2. Técnica de tramado. 3. Técnica de Acuarela. Asi como también de ciertos materiales que me servirían si es que no contara con los ya antes mencionados, por ejemplo: 1. Las tizas: suelen ser materiales que utilizo ciertos casos, son recomendables ya que tienen un buen pigmento. 2. Lapiceros: Este material también lo utilizo en caso de no contar con lápiz grafito. Como ilustrador tengo muchas fuentes de inspiración, pero la que más me llama la atención y sigo mucho es el “Body Art”. Siempre de la mano de grandes artistas que admiro y que ayudan a fortalecerme como artista, tales como: 1. Keiji MuraKami. 2. Renato Barrantes. 3. Freed Tattoo. 4. Creature Box. 5. Tom Richmond. Y por último no pueden faltar los estilos artísticos en los cuales destaco, por mi técnica y destreza, estás son: 1. El estilo en Blanco y Negro. 2. El estilo en Escala de grises. 3. El estilo en Tramado. 4. El estilo en Acuarela.

Los materiales básicos, los que nunca me pueden faltar son: el lápiz, el borrador, las hojas y el tajador, porque un buen ilustrador elabora sus trazos hasta con un lápiz y un papel.

DÁNDOLE VIDA A LOS CUENTOS POR: KARLA GÓMEZ Ilustradora - Trabaja en Rectángulo

Soy karla actualmente trabajo en Rectángulo” realizando campañas que se van presentando. El tema de ilustración viene como un pasatiempo, en realidad no de manera profesional, comencé a enseñar en la Universidad de Chiclayo y actualmente enseño en Zegel Ipae, me considero una amateur aún, estoy aprendiendo nuevas técnicas dentro del mundo del dibujo. 1. Fuentes de inspiración: Siempre trabajo mucho fijándome en mis hijas, mi familia o en mis gustos, si hay algo relacionado con la Música, o frases que veo en algúnos libros, película; todo el tiempo estoy pensando en algo y cuando las ideas vienen a mí las dibujo, siempre tengo alado mi Ipad y tambien estoy

intentando dibujar en Photoshop, como también en libretas y dependiendo si estoy fuera y no he llevado nada pues agarro un lápiz y un papel. 2. ¿Cuál cree que es la conexión entre el relato y la Ilustración? Muchas veces cuando yo dibujo algo y lo tengo terminado, y dependiendo de cómo vea al personaje le puedo conectar o alguna historia o relato, en mi caso no viene todo junto, van creciendo tanto como los personajes como los relatos. 3. ¿Cuál cree que es la conexión entre usted y la ilustración? Me considero una persona que siempre me ha gustado escribir, en reali-

dad nunca me habia puesto a dibujar, comencé a hacerlo básicamente por un pasatiempo, como una forma de relajarme, expresarme libremente y mediante esto tengo la satisfacción porque he llegado a mejorar poco a poco, el tema está en no dejar de practicar si te gusta lo que haces . Al principio si yo hubiera visto mis dibujos hubiera dicho “que horrible, nunca más lo voy hacer” obviamente nunca lo hubiera hecho pero me gustaba hacerlo y l or lo corriges con las capas o le das atrás y no necesitas estar borrando, en cambio llevar todo eso ya a un papel estar midiendo bien lo que vas a hacer y pensarla porque si te mandas de frente a un lienzo ,es como hacer un trazo al azar.

•¿Cree usted que le quita la magia digamos a un artista cuando prefiera hacer arte digital con el de físico? Yo creo que no , hablo por mí , porque los artistas sé que tienen un montón de técnicas lo mío ha sido totalmente empírico no soy una artista profesional ni nada , no he estudiado arte ni dibujo, lo mío es que tengo una imagen en mi cabeza y lo dibujo tal cual lo pienso , no importa si me equivoque un montón de veces pero cuando queda y estoy satisfecha con lo que veo es porque se parece bastante con lo que ya tenía pensado, no creo que se pierda la magia es más creo que me motiva de alguna manera de hacerlo lo más parecido posible, cuesta bastante. Yo tengo unos cuentos infantiles ya escritos pero aun no puedo darles vida del todo con la ilustración es la única vez que he hecho antes el relato sin que lo conecte con la ilustración porque antes no sabía dibujar estos cuentos los tengo desde hace tiempo antes de empezar a ilustrar. Y ahora que ya dibujo hago primero el dibujo luego le conecto una historia o unas palabras nada más sobre todo porque últimamente dibujo y subo al Instagram. Mis relatos son precisamente infantiles pero escribí algunos cuentos cortos que no sé dónde encasillarlos porque no son ni suspenso ni terror son algo enredados medio misteriosos pero no sé en qué genero podrían ir. 4. ¿Cree existe mercado para proyectos como el tuyo? Yo hace poco comencé a subirlos a internet y tengo un cuñado que hizo una exposición de fotografía en lima y le mostro mi página al dueño de esta galería y le gustaron mis dibujos , creo que ahora la gente se preocupa más por llenar sus espacios o adornarlos en todo caso, creo que si hay mercado para varias areas , no creo que sea el fin al menos no en el mío, me gusta lo que hago no por un tema de solo de gusto personal. si otras personas lo encuentran bonito me hace feliz de hecho no me preocupa si se vende o no se vende lo importante para mi es que cada casa que desarrollo lo hago con responsabilidad y con mucha dedicacion.

•¿Le gustaría que ese gusto sea una fuente de ingresos para usted? De hecho si, ellos mismos me han pedido que termine de ilustrar , mis cuantos y se los envié, entonces de hecho si me gustaría ver mi trabajo publicado, que se vendiera, no sé qué tanto tenga de acoguda en el mercado o que las personas compre este tipo de productos, yo si soy de comprarle a mis hijas cuentos y cosas así, me gusta, pero en el caso de ventas o generar ganancias tendría que hacer un estudio distinto para ver que publico tiene este tipo de preferencias, como dije a mi si me gusta que mis hijas vean libros es más me gustaría que ellas también dibujen, y que me vieran hacerlo y que también les nazca hacerlo, no sabría decir si hay un mercado, pero lo que te puedo decir es que no tiene que haber un mercado para hacer algo que te guste, no puede depender tu vida de lo que a otras personas les conviene o no, si te gusta hazlo!. Si yo dijera bueno no lo voy a vender entonces nunca hubiera dibujado, mi intención no ha sido vender nada simplemente dibujar porque me gusta y si alguien lo aprecia y le pone un valor monetario genial.

5. ¿Qué recomendaciones o tips podrías dar a las personas que están interesadas en iniciarse en el relato ilustrado? Que no se compraren con otras personas, que hagan lo que les gusta porque en verdad lo aman. Yo sigo porque me gusta no porque a otras personas les guste, pero si estuviera comparándome con todas las cosas que he visto por ejemplo en Instagram hay cuentas que no tienes idea, hay unos dibujos impresionantes, si yo dijera esto no es para mí, no tengo futuro, entonces ahí muere todo mi sueño! Pero no! Porque a las finales es su estilo y yo tengo mi estilo y eso es lo bonito que haya esa diversidad entonces no te compares con los otros y que practiquen un montón. Que todos los días intenten hacer algo distinto o decir a veces no tengo inspiración para nada entonces vas y la buscas, ves algo o escuchas algo, o tu música, lees algún libro, o simplemente con cada cosa que dicen mis hijas viene alguna idea también eso es bueno hablar con niños a veces, la mayoría de mis dibujos son para ellas o son sobre ellas.

EL PUNTO ES EL COMIENZO DE UN TODO POR: ADONIS PUICON C. (TADAW) Estudiante de Artes & Diseño Gráfico Empresarial

“Los jóvenes también podemos hacer cosas grandes e importantes para la comunidad, a partir de disfrutar lo que hacemos generando trabajo de ello; Punto de quiebre tiene como finalidad eso, hacer cosas grandes por nuestra cuenta”. “Punto de quiebre” nació con la idea de formar un grupo para pasar el rato mientras hacen lo que más les gusta, dibujar, diseñar, crear, a la par que intercambian conocimientos de una forma libre. A esta primera idea se sumó el problema de los estudiantes que al

llegar a los cursos de laboratorio, se complica el uso de las Macs y las tabletas graficas ya que en algunos casos no tienen contacto previo con ello. A muchos no les gusta ser observados mientras dibujan o algunos se sienten estancados con sus ideas, el hecho de reunirse y compartir con los integrantes ayuda para poder desenvolverse como diseñadores, mientras realizan trabajos ligados a sus cursos e independientes para sus portafolios.

LOCOS POR NATURALEZA POR: ANTONELLA GRIMALDI MAJALI Y CRISTIAN ECA FIESTAS Fundadores de Cómic Blue

Cómic Blu nació por casualidad, ya que este proyecto no lo teníamos en mente y mucho menos pensábamos crear un estilo nuevo basándonos en nuestra historia. En el año 2016 estuvimos progresando con una marca que llevaba un año en el mercado, el estudio Blu, para ser más específicos, pero cabe resaltar que los personajes ya habían sido creados por lo que decidimos incluirlos en aquella marca. La historieta no contaba con su propio nombre. Así que determinamos llamarlo Cómic Blu. A los 3 meses Cómic Blu ya contaba con su propia página de Facebook y, con ello, las viñetas fueron evolucionando a través de los meses, así como el estilo de los personajes. Luego dejamos de mostrar la parte de vivencia de pareja para entrar al mundo de la sociedad, viendo los problemas que vivimos en la ciudad de Chiclayo, la mala vibra que vive como ciudadanos y más que nada los problemas de suciedad en sus calles.

Así mismo comenzamos a entrar al mundo de los “virales”, aprovechando los temas más sonados y plasmarlos en una viñeta, y asi poder seguir creciendo gracias a esas opciones. Hoy en día el cómic es un medio visual que comunica historias de uno o varios personajes y así es nuestro caso, nuestros personajes Yiyo y Anto fue la muestra cómica que se reflejó en nosotros y en otros casos usando personajes secundarios y también personajes ya conocido en nuestro entorno político y farandulero, usando el humor negro pero con gracia o según como sea la situación de cada tema. Hay un dato muy curioso y es que con nuestra página empezamos con unos cuantos “me gusta” que los conseguimos por parte de nuestras familias e amigos, a quienes invitamos desde nuestros Facebook para que nos sigan y en la que nos dieron de su apoyo. Empezamos a compartir las viñetas a nuestras biografías, compartir

a grupos de ilustración, siendo grupos de Chiclayo o fuera del Perú y así fue creciendo poco a poco la página. Para el primer año, arriesgamos con la publicidad pagada, usando una viñeta en homenaje al primer partido de Perú vs Nueva Zelanda en la que obtuvieron un empate. Hubo reacciones positivas, así como el aumento de seguidores y desde ese entonces entramos a seguir a este paso. Una de las viñetas más exitosas que tuvimos fue “Cuando piensa que amas a tu ciudad” dedicada al aniversario de Chiclayo y la diferencia que tienen como ciudad, en ese caso alcanzamos con 12.518 de personas, con 431 reacciones y 68 veces compartidas, lo cual nos motivó para seguir ofreciéndoles más de nuestro arte. Y

así fue evolucionando más el tema de la sociedad, usando más el humor negro, el sarcasmo y con la gracia que tenga para así no tener problemas con las reacciones. Hoy en día con 2 años desde que nació Cómic Blu, ya contamos con más de 1800 seguidores fieles y que sigue creciendo. El diseño gráfico influyó mucho en este proyecto ya que buscábamos realizar algo nuevo y que no se viera con mucha cotidianidad en Chiclayo, la ilustración era nuestro gusto en común y llevarlo adelante. En cuanto a las gráficas demoramos mucho en conseguir un estilo propio sin caer en la “copia” de otros ilustradores que ya tienen su propio estilo, pero con el tiempo y la constante

actualización encontramos ese estilo que si ha ido evolucionando con los años, al igual que la paleta de colores y los textos. Con Cómic Blu queremos seguir adelante, no sólo quedarnos con el público local, pensamos ya a nivel nacional y con el tiempo de manera internacional. Para el próximo año tenemos planeado seguir con las típicas viñetas ilustradas, pero también estamos por presentar nuestras animaciones en la que nuestros personajes ya puedan tener vida y puedan comunicarse más con nuestro público. También se lanzara un cambio de paleta de color en los personajes y así como el tono de piel de ello, ya que desde un inicio se usaba las caras blancas por un

tema de igualdad de personas. Y tal vez con el tiempo se pueda aplicar el diseño en 3D para los personajes. Comic Blu es un proyecto que aún está en proceso, pero ya hay público quien ya conoce a Yiyo y Anto, pero con esto queremos dar esa iniciativa a aquellos alumnos que van por esta rama de la ilustración y en cualquier rama en la que se va a especializar, para aquellos que están iniciando y también para los que ya están por terminar y que no saben qué hacer después de ser Diseñadores Gráficos, nosotros le damos el mejor consejo y el cuál es seguir con sus proyectos que tengan en mente, seguir creciendo y sacar productos innovadores para pulir la habilidad que ustedes más dominen. Sabemos que Cómic Blu seguirá creciendo con trabajo arduo pero siempre irá cambiando para mejorar la experiencia de nuestro público.

DISEÑO INTERNACIONAL

MÁS QUE UN ENVOLTORIO POR: HUGO MÁXIMO SANTARSIERO Profesor Licenciado -Tecnologías Gráficas

Actualmente escritor y editor de bibliografía sobre Tecnologías de Diseño y Producción de la Industria Gráfica. Tengo 21 libros publicados desde 1985 a la fecha. Vengo preparando dos nuevos, ya en la etapa de edición. Soy docente universitario con 42 años de experiencia, soy titulado en Produccion gafica en la Universidad del Salvador USAL, Buenos Aires. Comparto mis conocimientos a otros profesores, soy conferencista, periodista grafico, tambien titular del Estudio Santarsiero con 40 años de experiencia y titular de TS Ediciones con 35 años de experiencia. Me especialiso en temas de produccion de packaging inteligente , simpre innovando, interactivo, multiproposito, teniendo un criterio de valor basado en la responsabilidad ambietal, sutentabilidad y proteccion de nuestro habitat. En esta tarea trabajo bajo el nombre de MáximoGreen. Con respecto al packaging creativo más allá de lo solicitado por un determinado cliente para su producto. Ya que a veces no se puede salir de ciertos parámetros ya explicitados en el brief del packaging entregado por las empresas. Cuando nos sentimos libres entonces ahí sí podemos ofrecer otras posibilidades creativas. Incluso podemos educar al cliente con nuevas alternativas de desarrollo de un buen packaging inteligente. Por lo general los clienes no saben de que se trata este tema y es mi deber poder eplicarles… educarlos sobre las ventajas que puede haber al momento de aplicar sus tecnicas en los desarrollos creativos. Les ofrecemos un plus medio ambiental de ahorro de energía, reutilización del material, sustentabilidad y cuidado del medio ambiente. Para realizar un buen packaging primero se debe leer bien el brief de marketing y packaging entregado

por el cliente. Dentro de esta podemos encontrar toda la información y con ella investigaremos el mercado, competencia. Si tomamos como ejemplo un nuevo producto tenemos que ver que hace el mundo al respecto en productos similares a través de páginas especializadas en internet. Recorrer el terreno y conocer como opina y reacciona el potencial target ante un producto nuevo. Esta información tiene que ser anexada para ayudar a un mejor desarrollo de packaging. El desarrollo del pacaging creativo es siempre en equipo, el estudio de diseño no trabaja solo, siempre lo hace acompañado o orientado por la empresa que va evaluando las propestas. En cuanto al tiempo de realización de un packaging, se trabaja bajo presión ya que el cliente quier todo “para mañana” esto genera mucho estrés en varias oportinidades. Se trata de hacer comprender al cliente que hay ocaciones en las que no se puede, logra entender y nos da plazos mas extendidos. Al dia hoy la existencia de programas de diseño de packaging que nos ofrecen un sin numero de herramientas creativas. Uno de ellos es Esko Studio Desing, que sugiero a los lectores ver sus amplias posibilidades que ofrece y revisar demos en internet. Encontraremos desde diseños en 3D al ver el producto en gongolas de supermercados o locales entre la competenciaaun asino habiendo salido ni un prototipo editado. Da la sensación de real y eso es espectacular. Dentro de las herramientas basicas existen las impresoras 3D que ejecutan envases, programas como ya la anteriormente mencionada, routers de escritorio para cortar con detalles envases, el resultado es tan real que parecen ser hechos en una imprenta normal y entre otras muchisimas tecnologias disponibles.

Fuente: https://www.pinterest.com

TÚ ESTUDIO IDEAL POR: ADRIAN PIERINI Diseñador Gráfico

1. ¿Puedes hablarnos un poco de ti? Hola, Soy Adrian Pierini diseñador gráfico graduado con honores de la UBA, con más de 21 años de experiencia y ex docente universitario. Soy portador de un portafolio personal que supera los 400 proyectos realizados para las principales empresas líderes a nivel global. Tuve el agrado de trabajar para los más prestigiosos estudios de diseño argentinos, desempeñándome como director de diseño y luego como director general en el área de packaging tanto en Estados Unidos como en México. En el 2007 funde mi propio estudio de diseño “Pierini Partners” donde soy el director general, Pierini Partners es un estudio de diseño especializado en packaging y branding estratégico ofreciendo soluciones comunicacionales eficaces basadas en una sólida plataforma racional y en una comprensión de las idiosincrasias de consumo globales.

2. ¿Cuál crees que serían los primeros pasos para formar tu Estudio Gráfico? Lo primero que tengo en cuenta es pensar, tener idea de lo que vas a invertir, tener en claro cómo acceder a los clientes, crear estrategias, ubicar el lugar sobre todo que sea económico, estirar la plata lo más posible que puedas, los equipos que vas a necesitar, armar la parte contable y empezar a ver un contador. Una vez que tienes eso armado tienes que empezar a buscar clientes, luego tienes que armar una presentación para empezar a difundir para obtener contactos, después se empieza a ganar un lugar en el mercado. Una vez que está hecho simplemente tienes que llevarlo a cabo, lo importante de todo es ubicar el target.0 3. ¿Cómo lograr la diferencia con otros Estudios Gráficos? Tiene que ver mucho con la calidad del servicio que brindas, acompañado con la velocidad al responderle y sobre todo un buen trato al cliente para que se sienta muy cómodo trabajando con nosotros. 4. ¿Cómo un Estudio Gráfico puede llegar a tener un estilo propio? Yo no quiero tener un estilo propio, yo creo que cada proyecto tiene que tener su propio estilo, el único estilo que tenemos es hacer las cosas bien. Somos cuidadosos y quizá todos nuestros trabajos tienen nuestras características, algunos son más creativos que otros, pero to-

dos los trabajos tienen una dosis extra de cuidado, eso hace que cuando vea todos los proyectos juntos tengan algo en común, pero no soy partidario de tener un estilo propio, no lo busco, yo intento lograr dar la mejor solución para el cliente, siempre tratando de dar lo mejor. 5. ¿Cuál es el punto de partida para triunfar como Estudio Gráfico? Nadie lo sabe, nadie tiene asegurado el éxito. La receta, es esforzarse mucho no parar, ser muy exigente, moverse, estar atento a lo que está pasando en el mercado, ser cara dura, cada trabajo al inicio es una oportunidad de seguir existiendo, mucha gente no entiende que es una oportunidad y lo toman sin importancia, para mí es fundamental

cada trabajo que te dan en la entrada de tu estudio, es principal, tienes que tomarlo con bastante seriedad de caso contrario simplemente fracasas. 6. ¿Qué recursos tecnológicos y humanos se necesita para formar un Estudio Gráfico? Estamos hablando de un estudio ideal, necesitando un área de administración, área de atención al cliente, área de diseño, dentro del área de diseño deberías tener una estructura basada a director de diseño. En lo tecnológico lo básico, las computadoras, dentro de ello lo importante es tener los programas básicos Photoshop, Illustrator, impresoras, internet y un servidor donde puedas sacar información. 7. ¿Qué es lo más complicado de tener un Estudio Gráfico? Creo que lo más difícil es hacer que ese trabajo resulte rentable y a su vez que esto genere ganancia. 8. ¿Qué consejos nos darías para formar nuestro Estudio Gráfico? Que sean constante, pacientes, que no se decepcionen rápido, que no dejen de aprender, que tomen el trabajo con seriedad, no te sientas débil, practicar, saber cuáles son tus fortalezas y debilidades, una de las características del mercado es que hay bastantes diseñadores, la competencia es muy grande, eso es duro hay que entenderlo.

INFOGRAFÍA DE UN GRANDE FERNANDO BAPTISTA Editor de Infografía en National Geographic

1. ¿Quién eres? ¿Qué haces? Fernando Baptista editor de infografía en National Geographic de Washington. natural de Bilbao los países vascos (España) Baptista es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco. trabajó como ilustrador y diseñador freelance durante varios años hasta su incorporación en el periódico El Correo en 1993. En 2007 se incorpora a la plantilla de National Geographic Magazine en Washington DC. Ha sido profesor asociado de la Universidad de Navarra y ha impartido conferencias y workshops en Europa, Estados Unidos y Latinoamérica. En

2012 fue nombrado uno de los cinco infografistas más influyentes del mundo durante los últimos 20 años. 2. ¿Cómo así llegas a trabajar en National Geographic? Mi llegada a National Geographic fue una experiencia única, Recibi una llamada telefónica que cambió mi rumbo profesional de forma inesperada. llevaba 14 años trabajando en el periódico El Correo cuando depronto un editor de National Geographic se puso en contacto conmigo pidiéndome que me incorpore a su equipo encargado de realizar los gráficos de la Sociedad . Me comento que le gustaba mucho mis trabajos, por mi parte le envié un portafolio con otros proyectos ralisados , la su respuesta al envio de estos trabajos fue muy positiva, por la cual me solicitó una entrevista personal a la sede principal de National la cual queda en Washington DC USA, a la cual tuve que asistir.

Fernando, Ha ganado más de 125 premios en las ediciones de la SND (Society for News Design), SPD, ÑH, Best American Infographic y Malofiej, incluyendo el Premio Peter Sullivan, máximo galardón en infografía. En 2013 fue nominado a un Emmy por Walking With Giants en la categoría de “New Approaches: Arts, Lifestyle, Culture”. Sus ilustraciones se pueden encuentrar en diferentes museos y libros.

3. ¿Cómo asi conocieron de tu trabajo los National Geographic? Gracias a los premios que había ganado en distintos certámenes convocados por la Sociedad de Diseño de Noticias (Society for News Designs). Los trabajos premiados aparecen publicados en libros, y allí vieron mi estilo de trabajo. 4. ¿Cómo es el proceso de realización de una infografía? Primero se me asigna un proyecto, para esto me reúno con el story team para perfilar la dirección del artículo. Mi labor es hacer algo muy distinto a lo ya existente , estas ideas se las entregó al equipo ejecutivo para ver si es aceptada. Una vez ya aprovadas busco un investigador freelance ose autónomo esta persona va ser mi contacto entre los expertos y mi trabajo. Un gráfico puede ser 40 horas de trabajo hasta 150 horas de este investigador. En algunas ocasiones tengo que viajar a los lugares o escenarios de los cuales voy hacer mi trabajo para tener referencias visuales. Durante varios meses trabajo en ese proyecto, los plazos de entre-

ga son de 5 meses o 6 meses la parte más complicada es la investigación. Inicialmente hago los bocetos donde distribuyo la información observo como va a quedar, despues hago uso de tecnicas diversas como la modelaciónde elementos, ilustraciones en digital, maquetacion de la infografia, creacion de maquetas y espacios en escala. Trato de trabajar con varios proyectos a la ves y los voy mostrando a expertos junto con mis jefes. 5.¿Cómo definirías tu estilo? Bueno, soy especialista en gráficos ilustrados o diagramáticos. Es decir, que más que centrarme en una infografía fundamentada en una serie de datos, planteo mis trabajos basándome en representaciones visuales de los conceptos. 6. ¿En que te inspiras ycuales crees que son las principales claves de una buena infografía? La inspiración me viene casi de cualquier cosa visual, del cine, del cómic, concept art, pintores clásicos y modernos las claves de una buena infografía,

lo más importante para mí es que sea sencilla y clara, que los lectores entiendan lo que les queremos contar. Intento también que sean atractivas y que inviten a leerlas. 7. ¿Es difícil equilibrar la parte artistica con la informativa? Para mí es es mu importante encotrar este balance. Gran parte del tiempo intento que mis gráficos no sean solo ilustraciones bonitas,si no que trato de contar historias con ellos. Dedico muchísimo tiempo a investigar y a diseñar el concepto del gráfico. Por supuesto, el que sea atractivo me parece vital, pero siempre condicionado por la información. Mi idea es que el lector entre a leer el gráfico porque es atractivo y que cuando lo lea piense que lo ha entendido de una forma simple y que le han contado algo.

Este artículo fue realizado gracias a una entrevista exlcusiva brindada por Fernando Baptista, por lo cuál no lo encontrarás en ningún otro lado!

8. ¿Cuál fue el trabajo mas complicado que has realizado o que mas tiempo te ha tomado y cual el que menos tiempo? Bueno em primer lugar todos los trabajos son muy complicados en especial por la parte de investigacion ya que esta demanda mucho tiempo. Recuerdo que una de ellas fue la infografía del Duomo de Florencia. Busqué algo de información y me pareció que el tema tenía un potencial tremendo. Estuve en Florencia cinco días, durante los cuales hablé con varios especialistas en arquitectura renacentista y visité la cúpula en reiteradas ocasiones. Tuve la suerte de poder acceder a zonas no abiertas al público y vi la maqueta a escala 1:5 que está construyendo el arquitecto Massimo Ricci, uno de los grandes conocedores de las técnicas arquitectónicas de Filippo Brunelleschi. Visité varios museos y volví con una serie libros recomendados por los expertos, así como con planos y bocetos explicativos de los arquitectos. Además, tomé unas 500 fotos de la cúpula, de las maquetas, de los planos. A la vuelta empecé el trabajo planteando una serie de bocetos para hacer las dos caras del desplegable. La parte donde se ilustra la construcción de la cúpula la tenía bastante clara. En cambio, me costó encontrar la idea conceptual para la otra cara. Hasta que se me ocurrió que sería interesante contextualizar el Duomo junto con otras cúpulas a lo largo de

la historia, y así surgió el planteamiento de “La cúpula en el tiempo”. 9. ¿Crees que las infografías ganan atractivo en un medio digital? Por unaparte fue complicado cambiar el chip y pensar en animaciones, vídeos e interactivos, pero sin duda los gráficos pueden ganar muchísimo de este modo. La interacción, el movimiento y el sonido tienen más espacio, aumentando su atractivo, y además, puedes sorprender al lector con cosas nuevas. Ahora diseño el gráfico para papel y al mismo tiempo para tablet. 10. ¿Cuan importante es la infografía en un medio escrito? Bueno la infografa es un elemento importante ya que esta capta mucha la atencion del lector, esto se debe a sus graficos, imágenes , color . 11. ¿Cómo han sido los comentarios y criticas hacia sus proyectos? He tenido la suerte de resibir buenos comentarios hacia estos, a la gran mayoria de lectores les ha gustado. 12. ¿Qué recomedarias a las personas que quieren ingresar a este mundo de las infografias? Mi recomendación seria que busquen referentes, ponerle empeño a la investigación ya que esta es lo que genera la infografia.

TUTORIALES

LETTERING EN EL RING ARTÍSTICO Y EMPRESARIAL POR: MICHELLE RIOJA - MARC ILUSTRA Egresada de Diseño Gráfico y actual dueña de su taller

Fuente: https://lettering.me

Mis primeros pasos por el Lettering inician cuando un profesor me brindó sus conocimientos en cuanto al arte de dibujar letras. Pero eso solo fue el inicio, con el tiempo fue algo que desarrolle, volviéndose un reto más difícil que realizar una ilustración, ya que en la ilustración uno puede saber cómo darle sentimientos o expresiones a los dibujos, pero en el mundo de Lettering es distinto ya que nadie nos enseña a hacer letras “felices o tristes”. Además, es una disciplina creativa que aún no tiene mucha relevancia aquí en Chiclayo, es por eso que empecé a buscar por cuenta propia referencias de este “mundo de letras” en estados como: México, Argentina y otros países latinoamericanos. No solo de Europa o países extranjeros, ya que considero que los latinos tienen arte con más vida y color.

Fuente: http://www.uni-ball.es

El proceso creativo que realizo para generar un lettering es principalmente: 1) Centrarme en el tema sobre el que voy a trabajar, sobre todo si es para un cliente (antes estudio a la competencia de dicha empresa y su identidad corporativa). 2)Análisis. 3) Referencias. 4) Trabajo creativo. También busco agenciarme de fuentes de inspiración, como: 1) La calle. 2) El internet, en redes como Instagram y Pinterest. 3) Artistas, como Elliot Tupac (Perú) y Martina Flor (Argentina). Además que de vez en cuando utilizo métodos que suelen agilizar mi trabajo, por ejemplo: Cuando trabajo a lápiz y papel, procuro utilizar plumones tipo “Brush” (Punta pincel) para generar el

ancho de la letra, según el tipo de letra que esté trabajando, otro material que no puede faltar y utilizo es este método, es el uso de las hojas cremas. En cuanto a los ingredientes para realizar un buen lettering, considero que los más relevantes son: 1) Lápiz 2) Papel 3) Bastante borrador. 4) El saber que no dormiré por horas. 5) Un buen snack.

6) Y una gran taza de café. En lo que respecta a la creación de mis tipografías, generalmente me baso en ligar la tipografía. Siempre teniendo en cuenta ciertos aspectos que nos ayudaran a construir un buen lettering, usualmente los pasos que yo considero son: 1. Inspiración. 2. Papel.

https://www.handletteringforbeginners.com/

http://www.conectart-peru.com/

3. Estructura o “layout”. 4. Bocetos. 5. Pasar a limpio. 6. Digitalizar o pintar (depende de que si es un mural o una pieza gráfica). 7. Finalmente, obtener un resultado creativo. Al mismo tiempo recomiendo utilizar algunos tipos de materiales para realizar lettering en diferentes soportes, por ejemplo: • MURALES: 1. Brocha (para que sea uniforme). 2. Pintura látex (de muy buena calidad). 3. Buen pulso (se mejora a base de mucha práctica). 4. Una buena cámara (para capturar el resultado). • ANÁLOGOS: 1. Rotuladores, “Tombow ABT” 2. Posca pens 3. Portaminas (2.0) 4. Bastante borrador 5. Libreta 6. Pincel

https://pt.depositphotos.com

A todo esto le sumo ejercicios muy prácticos que pueden ayudar a personas que quieren sumergirse en el mundo del lettering, como por ejemplo: 1. Conocer mucho de este mundo, primero la teoría luego la práctica. 2. Full caligrafía, como el uso del PALMER. 3. Dibujar franjas de guía para tener la estructura muy derecha. 4. Independizar los dedos (debes aprender a utilizar de manera individual cada dedo para que la práctica al pintar o dibujar las letras sea más fácil). 5. Inspiración y referencias. 6. Buscar artistas latinos y no enfocarse solo en los extranjeros. Y nunca olvidarse que siempre es necesario conocer cómo y sobre que estás trabajando en cuanto al Lettering, ya que hacer tipografías puede o no ser muy fácil para algunos, pero expresar algo en cada letra es distinto y saber la manera técnica de cómo elaborarlas es todo un reto.

Pasos para un buen Lettering!

1. Los materiales que te acompañarán son los más importantes: Mis favoritos son portaminas de 0.9 y 2 mm, borrador (grande) y un rotulador punta pincel Tombow. Hojas cremas y papel manteca (sí, el de cocina).

2. Decidir cuál será la estructura de tu lettering es bastante difícil, así que es necesario ir probando diferentes maneras de diagramar la frase que has decidido componer. 3. Una vez decidida la estructura, es momento de dibujarla en un formato más grande. Es imprescindible el uso de una correcta grilla para que las palabras tengan la misma altura de la letra y el mismo grado de inclinación. 4. Luego de tener la estructura lineal del lettering, repaso las letras con mi Tombow caligráfico (esto me ahorra el tiempo y así todas mis letras consigan el mismo grosor).

5. ¡Aquí entra en acción la cocina! el papel manteca (que básicamente funciona como mi papel canson) a través del calco ayudará a perfeccionar las letras, para poder jugar un poco más con ellas, ya sea editando su grosor o las florituras. 6. Cuando el calco está listo, rellenar y no rellenar las letras permitirá que puedas darle el énfasis que creas convenientes a las palabras que quieres que tengan mayor jerarquía.

7. Listo! ya tienes el boceto de tu letering. Es momento de decidir en donde quieres plasmarlo y con qué materiales. El mío va para digitalización. ¡Suerte!

LOS 6 GRANDES PASOS PARA INMORTALIZAR TU MARCA EN LA RED PERCY BECERRA TENORIO Community Manager

1. Definir el Branding: Para poder lograr una mejor comunicación de empresa a cliente, requiero de una vía sólida que pueda relacionar un “concepto”, con lo que la empresa desea ofrecer, siempre buscando el eje con la que me voy a identificar, en el caso del estudio fotográfico en la que trabajo es “La familia”, por lo tanto la imagen e identidad corporativa de la empresa se verá reflejada bajo este concepto.

2. Beneficio Diferencial: Es aquello que la empresa propone y que no hace la competencia, lo cual nos permite diferenciarnos del resto, en este caso, solo si es que la futura mamá adquiere nuestros servicios durante su embarazo, la empresa le estaría regalando una sesión gratis cuando su hijo haya nacido. Para ejecutar esto en redes, coloco una foto, ya sea de portada o imagen con el contenido de lo que estoy promocionando, esto se puede reforzar aún más si lo muestro en el muro añadiendo aspectos relevantes que capten e interactúen con el público.

3. Interacción con el Cliente: Aquí aplicamos sorteos o juegos que ayuden a fidelizar con la marca, esto solamente debe ser para clientes que hayan adquirido nuestro producto y hayan obtenido esa experiencia.

Soy ilustrador y diseñador gráfico en formación, actualmente me desempeño en el área de marketing digital a través de redes sociales trabajando en la empresa RODAS ESTUDIO FOTOGRÁFICO.

4. Contenidos de Valor: Ayudan a nuestros clientes a conocer lo que la empresa ofrece para ellos, aquí utilizo imágenes o videos generando un contenido para madres, a través de las preguntas o comentarios que el público realiza en cada publicación, todo lo que me puedan proporcionar ayudará a lograr un objetivo que es formar diálogos y debates, además esto puede generar una venta indirecta. Te aconsejo que no utilices mucho texto, porque Facebook penaliza eso, dándole una calidad muy baja a tus gráficas. Utiliza mensajes cortos y efectivos que proporcionen una rápida interacción, y no te olvides hablar con un lenguaje que se adecue a tu público.

5. Alianzas Estratégicas: Aquí recomiendo unirte con profesionales que ayuden a tu crecimiento y a la vez que aporten con temas referentes a los que estas planteando para tu público.

6. Aspecto Visual: En la actualidad mis gráficas se adecuan a las tendencias que hoy comunican, por ejemplo “los memes”, pero nunca dejando de lado el eje conceptual de la empresa.

A UN CLICK POR: RONALD FARROÑAN ITURREGUI Docente de la carrera de Artes & Diseño Gráfico

1 Hacemos doble click sobre la capa que contiene la imagen de las nubes para abrir el panel Estilos de capa. De este panel nos interesa la sección Fusionar si es.

En el deslizador Esta Capa, movemos el triángulo negro hacia la derecha hasta ver que va desapareciendo el fondo de la imagen (trabajamos con una escala de 0=Negro a 255=blanco). Todos los elementos de la imagen que sean más oscuros que un valor de 10 quedaran ocultos. En este momento veremos que el corte que se a creado a quedado brusco “pixelado”, si queremos que nuestra composición sea realista, es necesario saber cmo funciona el deslizador de negros.

Lo que parece un triángulo son en realidad dos, debemos pulsar la tecla Alt (Windows) u Opción (Mac) mientras desplazamos el deslizador. Comprobaremos como se divide en dos secciones que vamos a manipular por separado. Manipulamos los triángulos ajustando hasta que eliminemos la cantidad precisa de celeste sin que las nubes desaparezcan.

PINCELES POR DEFECTO POR: ALEJANDRO SALAS Docente de la carrera de Artes & Diseño Gráfico

Seleccionamos los trazos y cambiamos el Perfil de Anchura variable a uno que ofrece Illustrator por defecto (en este caso será Perfil de Anchura 1), con el cual emulará el acabado que se puede obtener con una tableta digital.

Y para finalizar con la ilustración aplicamos color.

Muchas personas que se inician en ilustración digital son escolares o universitarios que empiezan estudios en diseño gráfico, no cuentan con una tableta gráfica y suelen usar el mouse, esto no es un limitante ya que pueden llegar a tener un acabado muy bueno en sus ilustraciones. Las nuevas versiones de Illustrator ofrecen pinceles predeterminados por defecto, y pueden ser utilizados de la siguiente manera: Se puede utilizar la herramienta Pluma o Lápiz y trazar por encima de un boceto.

Pincel de manchas (Mayúsculas + B): Es un pincel muy versátil, emula mucho el pintado como si estuvieras usando un plumón o tinta; si se usa una tableta digital podrás jugar con la presión del trazo. Permite modificar tanto la presión, tamaño, nivel de ángulo o redondez. Mi recomendación con este pincel es que si el tamaño aumenta la variación también debe aumentar.

Yo lo utilizo para entintar mis bocetos o incluso pintar.

Recomiendo dejar todas las configuraciones en “Fijo”, para que el grosor del trazo sea parejo y se vea armonioso, la configuración que doy acontinuación suele variar ya que no siempre buscamos el mismo resultado.

Pincel Caligráfico: La creación de los pinceles caligráficos nos permiten crear cosas maravillosas, que hasta uno mismo suele sorprenderse por lo que es capaz de hacer. Estos pinceles permiten tener una gran versatilidad de estilos, ya que pueden ser personalizados de acuerdo a la inclinación o redondez, y obtener una gran variedad de resultados. Para la creación del pincel nos dirigimos a “Definición del pincel” y seleccionamos el ícono “Nuevo pincel”.

Y este sería el resultado:

Seleccionamos Pincel Caligráfico:

MODELADO DE UN ROSTRO POR: MAG. MAX CALDERÓN COSAVALENTE. Docente de la carrera de Artes & Diseño Gráfico

1 1. Lo primero que debemos tener en cuenta es la forma en la que el mallado de nuestro modelo se adapta al rostro, para lograr una semejanza se debe respetar el orden de los músculos, entonces ya estaríamos hablando lo que en 3D se conoce como topología.

2. Como recién se está encaminando para realizar un character (personaje) la parte más complicada es el rostro, intentaremos empezar por modelos sencillos, imitar las formas básicas sería una buena idea, recomiendo empezar por un cubo y no utilices de momento muchos polígonos porque perderás el control de los edge loops.

3. Luego aplica el smoot, presionando la tecla 3 del teclado observas como las formas se suavizan, entonces tenemos que mover vértices e ir presionando smoot y revisando las dos vistas principales, front y side.

Mediante los edge loops se intentan traducir en la malla la topología de los músculos. Se siguen las direcciones, formas, etc. Es necesario para cuando se anime la malla, pues ésta se debe deformar lo más natural posible.

4. Ahora trabajaremos con la mitad del rostro, ingresaremos más edge loops para definir más el rostro, moveremos vértices para dar la forma del rostro (en las dos vistas) y extrudiremos en las concavidades de la boca y el ojo.

5. Es aquí cuando los bucles nos complican la vida, porque solo existen 5 puntos en donde se juntan en un solo vertex, 5 edges.

6. Para seguir avanzando en este camino del modelado debemos tener en cuenta que el cuerpo de una persona ya tiene imaginariamente sus edge loops y debemos conseguir que siempre estas tengan 4 caras o 4 edges.

7. Conclusiones: Debemos aprender como min 4 herramientas básicas para poder modelar un rostro: Inseredge loop tool, Multicut, Extrude tool y Merge. Todos los face deben tener 4 edges, para su proximo paso que seria animar los gestos faciales. Y los más importante, respetar la topología del rostro.

GRAFÍCA TUS IDEAS POR: ANDREA INOÑAN (DAIUH) Artista Digital de Anime y estudiante de Artes & Diseño Gráfico

Actualmente, soy estudiante de la carrera de Artes y Diseño Gráfico Empresarial del 8vo ciclo. Me dedico a la Ilustración, con la temática - estilo anime, realizo proyectos personales, creación de personajes y conceptos, además de pedidos por comisión de estos mismos. Mi técnica ha comenzado a ejercer de manera más seria estos últimos seis años, la perseverancia, la diversión y los conocimientos nuevos apareciendo en tendencia han sido esencial para mejorar mi destreza en la ilustración, usualmente una tan emergente como la mía, para eso mi mano ha tenido que adaptarse a los lápices digitales, un instrumento con la cual trabajo constantemente. Para realizar el estilo anime de mis ilustraciones, el software que yo recomiendo utilizar es el PAINT TOOL

SAI, con su “estabilizador” ayuda a un trazo limpio haciéndolo más flexible a la mano de quién lo maneje, también es agradable por sus pequeñas “herramientas de pinceles” que ayudan a una mejor ilustración digital. Otro programa que recomiendo bastante es el ADOBE PHOTOSHOP de cualquier versión, en mis trabajos me ayuda mucho para los bocetos previos y el testeo de una mejor cromática que puedo utilizar. El manejo del color en mis trabajos es al azar, poco a poco voy viendo a mi criterio si va quedando o no; siempre depende de los gustos personales y el escenario de la misma ilustración. También hago uso de paletas de otros artistas que me llaman la atención, pero solo como una fuente de inspiración,

entre ellos están: Namie-kun, 666pigeon, Ennun, Avogado6 y Magancito. Algo muy importante antes de empezar una ilustración, es el surgimiento de mis ideas y conceptos, pues siempre nacen desde simples canciones, inspiraciones artísticas, personajes propios, hasta una charla graciosa con amigos, el mundo está lleno de ideas que como creativa e ilustradora digital puedo tomar. Todo esto lo refuerzo con prácticas y ejercicios que a mediano plazo van mejorando mi proceso artístico, ya que a pesar de que mi formación está basada en el arte digital, trato siempre de mejorar los trazos y la técnica con el dibujo tradicional, siempre proponiéndome retos de “tiempo” para que mi cerebro se vaya adaptando, y así pueda memorizar mis propios trazos.

Procesos de Ilustración:

1. Sketch/Boceto: La mayoría de las veces, mis sketchs son de manera digital. Aquí ya deben de estar corregidas: la posición del personaje, la luz, el fondo, las acciones, entre otros aspectos que crea conveniente colocar en la ilustración. Recomiendo aquí usar un pincel de densidad 60-80 % que simula a un lápiz.

2. Lineart/Deliniado:

Ya con lo anterior, procedo a delinear con un pincel más fino y que resalte un poco más al que se use en el boceto (densidad 80 -100%). Recomiendo ver si algunos elementos son necesarios o no para el delineado, en este caso, sólo trazo al personaje para un mejor enfoque.

3. Límites de regiones de colores para las bases: Este paso, no muchos lo usan ya que acarrea tiempo en realizar. Trato de delimitar las regiones o bases, separando cada color y viendo si hay algún tipo de transparencia no deseada. Recomiendo usar capas/ layers en cada elemento de diferente color, con su nombre respectivo.

4. Límites de regiones de colores Background/Fondo: Cuando tengo un fondo en la ilustración lo mejor es que vea el rango de visión de este (perspectiva), en donde voy a enfocar los colores del fondo.

5. Recoloreo de las regiones y Bacground/Fondo: Con todos los dos pasos anteriormente realizados, procedo a colorear al personaje, a realizar el fondo e incluir otros elementos esenciales.

6. Bases de color: Aquí tengo que verificar cada detalle para evitar cualquier problema ya que la cromática ha cambiado y en algunos casos, hay pequeños pixeles que se acomodan al delineado.

7. Sombras y luces primarias: En este paso empiezo a “Dar vida” a las bases de color, agregando volumen, enfoque y tonalidad del mismo. En esta ilustración mi personaje es un humano, por lo cual tengo que realizar las luces y sombras en la piel, el cabello, la ropa (de abajo y encima), accesorios de la ropa, cabello, boca, delimitación del ojo, el ojo y algunos extras, ya que todas estas deben de tener una dirección de luz igualitaria para después proceder a crear las sombras.

8. Sombras y luces de ambiente: Cuando termino el paso anterior, teniendo ya el fondo, me pregunto ¿en dónde está localizado mi personaje? Esta vez, mi personaje está en la playa, asi que voy a tener: luz del sol, reflejo del mar, cielo azul, arena, en teoría, todo es una gama de azules alrededor de mi personaje, sabiendo esto, comienzo a dar degradados suaves y sin tanta intensidad junto con luces más fuertes que si se van a denotar, ya que la fuente de luz en aquel fondo es el sol, esta va a ser mi luz de ambiente principal y comienza a verse en los contornos. Recomiendo jugar un poco con los efectos de las capas.

9. Toques finales - Consulta/Edición de colores: Cuando concluyo la ilustración doy un salto a Adobe Photoshop, veo en la “Consulta de colores”, que otras opciones puede darme. Los efectos de capa que me puedan apoyar, como el overlay, darken, light ,soft light. Los efectos predeterminados de Gaussian Blur y Fragment, son los usuales que me ayudan a suavizar los trazos y componerlos con el fondo. Recomiendo no usar en exceso los efectos, sólo los necesarios.

DIBUJANDO MI PROPIO CAMINO POR: SERGIO GUZMÁN Artista Digital

Estudio la carrera de diseño gráfico, en los últimos ciclos. Soy dibujante e ilustrador, me dedico a crear piezas gráficas digitales y tradicionales; en la actualidad soy el coordinador creativo del proyecto “Necrópolis” en donde pueden encontrar ilustraciones propias con la temática del evento, continuamente estoy expuesto a una serie de situaciones que me motivan a crear, intento rodearme de personas que me impulsen a desarrollar mi creatividad, amigos y personas cercanas, la música y las películas son también una fuente importante para generar ideas, siempre que se sepan seleccionar. Empleo mi tiempo libre para crear nuevos personajes que formarán parte de un proyecto que tengo en proceso, me gusta que mis personajes sean divertidos y de esa manera extender parte de mi personalidad, mi técnica ha ido desarrollando con el paso del tiempo y sobretodo la práctica, soy muy paciente y me importa mucho el delineado de mis dibujos, tanto en digital como en tradicional. Además, considero que los detalles son fundamentales para personalizar un dibujo o ilustración. Hay algo indispensable para este trabajo, es el proceso creativo, el cual es vital para iniciar cualquier tipo de ilustración, cuando tengo la idea la materializo en boceto tradicional, directo al papel; es ahí donde mejoro la idea inicial, sin perder la esencia de lo que se quiere transmitir, tras el boceto culminado recurro a digitalizarlo, en esta parte sí me tomo mi tiempo, creo la paleta de colores adecuada y aplico iluminación para hacer más vi-

vencial y dar armonía a la ilustración. Para este tipo de trabajos recomiendo programas nativos de Adobe, el illustrator y el Photoshop son alternativas muy buenas, así como el Paint tool SAI y Clip Studio. Los recomiendo porque sus formatos son compatibles entre sí, para que de esta forma podamos aprovechar herramientas adicionales de cada uno. Yo no tengo un truco en especial, solo trato de manejar bien los degradados en las luces y sombras manteniendo un buen manejo de color. El truco está en conocer el programa con el que estás trabajando y sentirte cómodo con el estilo que se maneja, sobre todo tener constancia en el di-

bujo, sin dejar de lado los pequeños detalles que le dan un valor agregado a tu composición; es necesario manejar una paleta de colores armónica, al principio recomiendo tener paletas de colores en base a referencias y a lo que se quiera lograr, posteriormente al adquirir mejor manejo uno ya puede crear su paleta, insisto que la práctica constante facilita muchos procesos para lograr una buena ilustración; así que, si aman dibujar, no dejen de hacerlo, la práctica es fundamental para mejorar la técnica; sin embargo, no podemos restar importancia a la motivación intrínseca para impulsarnos a continuar con este proceso creativo que tanta satisfacción nos genera.

Mi proceso de ilustración:

1.Inicio el boceto a lápiz y papel, con una idea creativa previamente establecida.

2.En esta etapa digitalizo mi dibujo realizando trazos sobre la fotografía del boceto. 3. Modifico y sustituyo algunos elementos para conseguir estética en la composición. 4. Aplico colores generales en todo el lienzo, apoyado de una paleta de colores, para tener una vista concreta de la composición. 5. Ubico luces y sombras geométricas con respecto a la dirección de la iluminación. 6. Agrego degradados de luz y sombra, además de efectos que ayuden a dar profundidad. 7. Aplico efectos generales en la composición ademas de retocar los colores y agregar texto para acompañar la ilustración.

ENTRE LINEAS Y VECTORES POR: ERICK RUMICHE Artista Digital

Actualmente me dedico a la ilustración de manera independiente a nivel profesional. Realizando trabajos relacionados con medios editoriales, impresos y digitales. También realizo obras a pedido, que considero tienen un valor artístico por ser retratos de personas que obsequian a sus seres queridos o a ellos mismos. Todo ello, paralelo a mi labor como docente de diseño e ilustración en el instituto IDAT – sede Chiclayo. En mi trayecto como ilustrador he desarrollado mi técnica en el acabado final de las piezas gráficas digitales, la cual está basada en vectores para ello utilizo el software Adobe Illustrator para pasar a digital las ideas y bocetos que realizo de manera analógica. Debo resaltar, que en cada pieza gráfica que realizo como ilustrador independiente, lo primero que pienso es, qué quiero hacer. Analizando que lo haré, por ejemplo, si es la caricatura de un personaje de la cultura popular, lo siguiente será investigar a fondo al personaje y entender no sólo su apariencia superficial, sino también el contexto que le rodea y cómo este interactúa con él. Procuro por lo general no basarme en una sola fotografía, esto limita mucho a la riqueza conceptual que se le puede añadir al personaje. Una vez terminada esa parte investigativa, lo siguiente es realizar bocetos a lápiz, color o lapicero sobre papel sin preocuparme mucho por la perfección del trazo, aquí lo que importa es proponer una interpretación original y una composición que haga que la caricatura no solo quede en un dibujo sino que adquiera un valor de ilustración. Finalmente decido cuál será el boceto que pasaré a digital y le doy todos los acabados posibles pues me ayudarán a tener mejor definido mi proceso de digitalización. Tengo una recomendación para aquellos ilustradores, que deseen trabajar

con algún programa en específico para ilustrar: Adobe Illustrator, Adobe Photoshop, Corel Draw, Pen Tool Sai, Autodesk Sketchbook, yo utilizo y utilicé éstos y a mi criterio me ayuda mucho en cada proceso que realizo. Hace poco comencé a implementar degradados con textura en mis ilustraciones vectoriales, dando así un mayor realce a mi trabajo, para lograrlo, primero defino el degradado, luego aplico un filtro de ruido a este elemento vectorial, expando este objeto que ahora es un mapa de bits y le aplico calco interactivo para volverlo vectorial, les comparto este pequeño tip, para que ustedes puedan enriquecer más aún sus ilustraciones. Yo recomiendo un ejercicio principal en cuanto a técnica, esto conseguirá que tú puedas aplicar mejor tu concepto, por eso debes practicar dibujo e ilustración tradicional. En el terreno conceptual considero que debemos estar siempre absorbiendo información e interiorizarla de manera que

nos sirva como plataforma de despegue para posteriores proyectos. Aprovechar y aplicar todo nuestro background de conocimientos y experiencias en este proceso que significa el diseño gráfico e ilustración. Mis trabajos de ilustración independiente siempre están ligados a mis gustos personales, lo que me motiva e inspira. Dicho esto podemos considerar que temas como el cine, la música, la cultura de mi pueblo, la amistad y la familia son los que despiertan en mi las ganas de iniciar nuevos proyectos y son una constante en mi obra. Por mi formación como profesional del diseño procuro siempre tener cuidado, que la cromática este ligada al concepto y contexto de la pieza gráfica. No obstante me inspira mucho la iluminación de los conciertos de rock y pop, aplico en la medida de lo posible armonías de color inspiradas en la iluminación de los conciertos de mis artistas favoritos.

Mi proceso de ilustración:

La ilustración que describiré a continuación pertenece a un autorretrato en estilo caricatura. Antes de iniciar con cualquier propuesta gráfica es importante entender el concepto y el contexto en el que se va a ambientar el personaje caricaturizado. Para esto recomiendo analizar muchas fotografías de referencia e investigar a cerca de la temática utilizando libros, mirando películas, comics, videos en la web e inclusive preguntar a personas que tengan mayor conocimiento y entendimiento del tema.

PASO 1 Para esta ilustración he utilizado una fotografía realizada por el artista Marco Chávez y también el espejo que tengo en mi habitación. He querido abordar la caricatura desde una atmosfera ciberpunk y misteriosa.

PASO 2 Una vez definido el concepto de la ilustración, inicio la caricatura del personaje a lápiz y papel. La razón por la cual no hago los bocetos directamente en digital es porque siento de acuerdo a mi experiencia que hacer esto le resta naturalidad a los trazos y aunque las líneas que aplico son angulares en su mayoría, necesito que todos los elementos de la composición tengan una armonía orgánica. Es importante mencionar que mientras mejor definido sea el boceto será mucho más fácil y ágil el proceso de digitalización. Cuando el boceto ya está definido se puede utilizar una cámara de celular con buena resolución o un escáner para preparar el archivo que se va a digitalizar.

PASO 3 Lo siguiente es realizar el lineal en digital. Por lo general utilizo un software vectorial, en este caso Adobe Illustrator CC y el mouse. Me gusta aplicar diferentes grosores de línea y me valgo de la Herramienta Pluma para lograrlo. Una vez terminado el lineal digital recomiendo seleccionar todos los elementos para expandirlos y convertirlos de trazado a objeto. También debemos cerrar bien todos los trazados, esto va a permitirnos colorear fácilmente.

PASO 4 Ahora con el Bote de pintura interactiva pintamos los colores base de la ilustración. Tengamos en cuenta que estos colores van a influir en todo el coloreado posterior.

PASO 5 Comenzamos a aplicar las primeras tonalidades que definirán la iluminación general del personaje. Para mejorar la capacidad del manejo de la luz es importante tener una práctica e investigación constante teniendo como referencia fotografías.

PASO 6 Se agregan todas las tonalidades y se acaba de definir la iluminación. La temática que se buscaba plasmar era ciberpunk y misterio. Es por eso que utilicé un contra luz en la iluminación y apliqué una cromática con tonalidades frías que actúan sobre el personaje simulando a una fotografía realizada con geles de color. Se dice que los ojos son la ventana del alma, pero en la ilustración el personaje carece de expresividad y pupilas, esto nos dice que no tiene alma ni sentimientos y es más como una máquina o un robot en cuanto a su razonamiento.

PASO 7 El fondo es oscuro con un toque de azul refuerza la atmósfera de misterio y aporta contraste a la composición. En este punto lo que hago es exportar la imagen en un formato .jpeg o .png para terminar el proceso en Adobe Photoshop y darle unos acabados propios de mi estilo que buscan complementar el concepto de la ilustración.

PASO 8 En Adobe Photoshop agrego algunas iluminaciones y resplandores. También ajusto el contraste global de la pieza gráfica. Por último unifico las capas que pueda tener de acuerdo al nivel de detalle que se le ha dado y se agrega algo de ruido para reforzar el concepto cibernético y desprolijo pero en una medida moderada aunque esto siempre puede variar de acuerdo a lo que se busque lograr. Ya tenemos una pieza gráfica de un retrato en estilo caricatura con un trasfondo conceptual.

GLOSARIO 1.Adobe: Firma desarrolladora de diversos aplicativos utilizados para diseño gráfico. 2. Background: Imagen que se ubica en el fondo de una composición de imágenes o espacio alrededor de la figura principal de la imagen. 3. Bits: Dígito del sistema de numeración binario que tiene la capacidad de almacenar información en una memoria digital. 4. Boceto: Esquema o proyecto que contiene solamente los rasgos principales de una obra artística o técnica. 5. Branding: Utilizado en mercadotecnia, al proceso de construir una marca mediante un conjunto de estrategias y manteniendo la identificación a esa marca para que se posicione en el mercado. 6. Brief: Descripción escrita de todas las características globales de la planificación de un producto o servicio que se esté a punto de crear. 7. Brochure: Especie de carta doblada en dos o tres partes que representa toda la información comercial de una empresa o negocio. 8. Composición: Distribución o disposición de todos los elementos que incluiremos en un diseño o composición, de una forma perfecta y equilibrada. 9. Cromática: En óptica y artes plásticas, a lo relativo al color. 10. CMYK: (Cyan, Magenta, Yellow y Key) es un modelo de color sustractivo que se utiliza en la impresión en colores. 11. Fotomontaje: Composición fotográfica que resulta de la combinación de fragmentos de diversas fotografías, a veces acompañadas de dibujos, y que se hace generalmente con intención artística y publicitaria.

12. Flyer: Recurso publicitario con formato impreso en el cual se anuncia o presenta algo de una marca o empresa. 13. Identidad Corporativa: Combinación del nombre de marca, naming o identidad verbal con los códigos de conducta de la misma o identidad visual. 14. Imagen Corporativa: Hace referencia a la representación o imagen conceptual que el público tiene sobre determinada marca. 15. Imagotipo: Combinación del isotipo (parte icónica) y logotipo (parte textual) a la hora de plasmar la identidad de una marca. 16. Isotipo: Parte icónica o más reconocible, de la disposición espacial en diseño de una marca. 17. Logotipo: Símbolo formado por imágenes o letras que sirve para identificar una empresa, marca, institución o sociedad y las cosas que tienen relación con ellas. 18. Lorem ipsum: Texto que se usa en diseño gráfico y diseño web para referirse a las demostraciones de tipografías o borradores de diseño que se aplican para probar el diseño visual antes de insertar un texto real definitivo.

co, que permite hacer pruebas del aspecto final de un trabajo y mostrarlo a los clientes. 23. Packing: Lo que engloba al producto, empaque, embalaje y envase. 24. Patrón: Son dibujos repetitivos que se aplican a una superficie y se clasifican según su composición o estilo. 25. Pixel: Es la menor unidad homogénea en color que forma parte de una imagen digital. 26. RGB: (Red, Green, Blue) es la composición del color en términos de la intensidad de los colores primarios de la luz. 27. Target: Aplicado al ámbito del marketing, se refiere al público objetivo de nuestras acciones. 28. Tipografía: Uso de familias y tipos de letras aplicadas a un diseño o a una composición. 29. Trama: Textura de puntos que se utiliza como método para simular diferentes tonalidades y dispersión de color. 30. Vector: Elemento principal de las imágenes vectoriales compuestas por objetos geométricos independientes.

19. Manual de Identidad Corporativa: Conjunto de normas que regulan el uso y aplicación de la identidad corporativa en el plano del diseño. 20. Merchandising: Técnica o estrategia comercial basada en la promoción de productos que se aplica en los puntos de venta. 21. MDF: Soporte compuesto de dos tapas de fibra de madera usada por los diseñadores para colocar sus documentos o trabajos. 22. Mockup: Fotomontaje o prototipo muy utilizado en diseño gráfi-