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MICHELANGELO 500

Michelangelo 500

Introduzione

Testi / Text Fabio Scaletti

Introduction

Coordinamento editoriale / Editorial coordination Federico Ferrari Impaginazione / Layout Break Point sas, Gianni Grandi

A mia madre e a mio padre, i miei giganti To my mother and my father, my giants

Prestampa / Prepress Gianni Grandi Redazione / Editing Break Point sas Ricerca iconografica / Photo research Laura Lopardo Crediti fotografici / Photographic credits © Governatorato dello S.C.V. – Direzione dei Musei Vaticani. Tutti i diritti riservati – Foto Carlo Vannini e Ghigo Roli – Produzione: Gianni Grandi: 7, 8, 187, 188-189, 190-191, 192-193, 194-195, 196-197, 198-199, 200-201, 202203, 204-205, 206-207, 208, 209, 210, 211, 212, 213, 214, 215, 216, 217, 237, 240-241, 242-243, 244, 246-247, 248, 249, 250-251, 252, 254-255, 256-257, 258-259. © Governatorato dello S.C.V. – Direzione dei Musei Vaticani. Tutti i diritti riservati: 270-271, 272-273, 275. © Bridgeman Images: 12, 15, 66-67, 77, 79, 129, 132, 135, 167, 169, 170, 176, 231, 233, 265, 268. © Foto Scala, Firenze: 16, 18-19, 23, 24, 46, 60, 61, 62, 69, 76, 78, 80, 81, 82, 83, 89, 93, 100, 126-127, 158, 164, 177, 223, 228, 238, 288, 289, 291, 296, 297. © Gabinetto Fotografico delle Gallerie degli Uffizi: 25. © Foto Scala, Firenze/Luciano Romano/Fondo Edifici di Culto – Ministero dell’Interno: 29. © Andrea Jemolo/Scala, Firenze: 28. © Foto Scala, Firenze/Fondo Edifici di Culto - Ministero dell’Interno: 30, 96. © DeAgostini Picture Library/Scala, Firenze: 31, 33, 63, 65. © Manuel Cohen/Scala, Firenze: 34. © Foto Opera Metropolitana Siena/Scala, Firenze: 37, 38. © Mondadori Portfolio/Archivio Lensini/Fabio E Andrea Lensini: 39. © Foto Scala, Firenze - su concessione Ministero Beni e Attività Culturali e del Turismo: 41, 42, 52, 56, 88, 107, 108, 112, 116-117, 122, 123, 261. © DUfoto/Foto Scala, Firenze: 47. © Paolo Marton/Archivio Magnus: 43, 55, 85, 92, 106, 109, 110-111, 119, 180181, 182, 185. © Cigolini/Archivio Magnus: 45. © Photo © Raffaello Bencini / Bridgeman Images: 49, 51, 124, 131, 145, 224-225. © Photo © Photo Josse / Bridgeman Images: 57. © Nicolò Orsi Battaglini/Archivio Magnus: 68. © Magliani/Archivio Magnus: 73, 74, 95, 148, 149. © Archivio Magnus: 86, 114, 115, 146, 153, 299. © Monastero di San Vincenzo, Bassano Romano: 98, 99. © Mondadori Portfolio/Electa/Sergio Anelli: 103. © Raffaello Bencini/Archivi Alinari, Firenze: 137. © Opera di Santa Maria del Fiore, Firenze – Scripta Maneant – Foto Carlo Vannini: 138, 139, 140, 141, 142-143. © Riproduzione fotografica tratta dalla Fototeca della Fondazione Federico Zeri. I diritti patrimoniali risultano esauriti: 154. © Fundación Casa Ducal de Medinaceli: 157. © AKG-Images/Mondadori Portfolio: 179, 293. © Fine Art Images / Heritage-Images / Mondadori Portfolio: 220-221. © Album / Fine Art Images / Mondadori Portfolio: 222. © Photo © Nicolò Orsi Battaglini / Bridgeman Images: 39, 226, 262. © Reproduced by permission of Chatsworth Settlement Trustees / Bridgeman Images: 227. © The Trustees of the British Museum c/o Scala, Firenze: 267. © The British Library Board/Archivi Alinari, Firenze: 279. © Associazione Metamorfosi, Roma / Foto Scala, Firenze: 289.

Copertina: Daniele da Volterra, Ritratto di Michelangelo, 1544 ca. Olio su tavola, cm 88,3 x 64,1. New York, Metropolitan Museum of Art. / Cover: Daniele da Volterra, Portrait of Michelangelo, about 1544. Oil on panel, 88.3 x 64.1 cm. New York, Metropolitan Museum of Art. © Gift of Clarence Dillon, 1977 Scripta Maneant editore si dichiara disponibile a regolare eventuali spettanze sui diritti di riproduzione di immagini dei quali non sia stato possibile reperire le fonti. / Scripta Maneant is available to settle any rights on reproduction of images of which it was not possible to find the sources.

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on si esagera quando si afferma che Michelangelo Buonarroti (14751564) è il più grande artista di tutti i tempi, perché con le sue opere, ideate e realizzate in splendida solitudine – non tollerava aiuti, e quando li richiese li licenziò subito – e tra tormenti ed entusiasmi creativi, le arti belle, cioè la scultura e la pittura, toccarono vette mai più raggiunte per qualità formali e contenuti spirituali, per intensità rappresentativa e carica emotiva, per suggestioni di natura e sentimento umano, senza dimenticare che egli è stato anche un fecondo inventore di forme architettoniche. Tra le altre stelle dell’arte, Raffaello e Caravaggio sono, ad esempio, altrettanto sommi come pittori ma non si sono mai cimentati con la scultura, e lo stesso Leonardo, il genio dei geni, era sì per metà pittore parimenti, se non di più, valente, ma per l’altra metà era scienziato e filosofo non potendo quindi essere incasellato nella pura categoria degli artisti. Con Michelangelo il Rinascimento perviene nell’arte all’apice, tanto che con la sua morte se ne fa spesso decretare la fine, perché si chiude un’epoca dominata dall’individuo che, facendo leva sulle sue forze, vuole conoscere e governare la realtà, e fa lo stesso che questa entità da dominare sia il mondo (come avviene per il filosofo e lo scienziato), la società (per il politico) o la materia (per l’artista).

It is no exaggeration to say that Michelangelo Buonarroti (1475-1564) is the greatest artist of all time, because with his works, conceived and executed in splendid solitude – he did not tolerate help, and when he asked for it he immediately dismissed it – and amidst creative torments and enthusiasms, the fine arts, namely sculpture and painting, reached unprecedented heights in terms of formal quality and spiritual content, representational intensity and emotional charge, and suggestions of nature and human feeling, without forgetting that he was also a fertile inventor of architectural forms. Among the other stars of art, Raphael and Caravaggio, for example, are equally great painters but have never tried their hand at sculpture, and Leonardo himself, the genius of geniuses, was half as good a painter, if not more so, but the other half was a scientist and philosopher and therefore could not be placed in the pure category of artists. With Michelangelo the Renaissance reached its peak in art, so much so that with his death if it often causes its end to be decreed, because an era dominated by the individual comes to an end leverages its forces, wants to know and govern reality, and does the same that this entity to dominate is the world (as happens for the philosopher and the scientist), society (for the politician) or matter (for the artist).

ISBN: 978-88-95847-86-3

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Testi / Text Fabio Scaletti

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Coordinamento editoriale / Editorial coordination Federico Ferrari Impaginazione / Layout Break Point sas, Gianni Grandi

A mia madre e a mio padre, i miei giganti To my mother and my father, my giants

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L’Ercole e l’Adolescente The Hercules and the Boy Due attribuzioni in ascesa Two attributions on the way up

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i sono due piccole sculture accomunate dalla probabile data di esecuzione (tra il 1525 e il 1528) e dallo status attributivo non ancora definito e passato in giudicato, quantunque la tendenza pieghi più verso la proclamazione della paternità michelangiolesca che non verso il suo disconoscimento: i Due lottatori (o Ercole e Caco) di Casa Buonarroti a Firenze e il Ragazzo accovacciato del Museo dell’Ermitage di San Pietroburgo. Riguardo il primo si tratterebbe del bozzetto in argilla di un’opera non eseguita, un Ercole e Anteo alto cinque metri commissionato tra il 1506 e il 1508 da Pier Soderini, gonfaloniere di Firenze, da porre, come simbolo della forza, simmetricamente al David, simbolo dell’astuzia, all’ingresso di Palazzo della Signoria, e di cui l’artista forse fornì solo un primo modello – si crede poi donato a Leone Leoni e scomparso – lasciando in sospeso l’incarico a causa dei lavori nella Sistina, incarico che, a seconda di chi comandava in riva all’Arno, fu più avan-

There are two small sculptures united by the probable date of execution (between 1525 and 1528) and by the attribution status not yet defined and finalized, although the trend bends more towards the proclamation of Michelangelo’s paternity than towards its disavowal: the Two Wrestlers (or Hercules and Cacus) from Casa Buonarroti in Florence and the Crouching Boy from the Hermitage Museum in St. Petersburg. Regarding the first, it would be the clay sketch of an unexecuted work, a five-meter high Hercules and Antaeus commissioned between 1506 and 1508 by Pier Soderini, gonfalonier of Florence, to be symmetrically placed, as a symbol of strength, to David, symbol of cunning, at the entrance of Palazzo della Signoria, of which the artist perhaps provided only a first model (believed then donated to Leone Leoni and disappeared) leaving the assignment suspended due to the work in the Sistine, a task that, depending on who commanded on the banks of

(A fronte) Michelangelo, Due lottatori (o Bozzetto per Ercole e Caco), 1525-1528 ca. Argilla, altezza cm 41. Firenze, Casa Buonarroti, inv. 19. L’assenza di attributi di questo modello, che stando alle fonti dovrebbe rappresentare il combattimento tra Ercole e Caco o tra Sansone e un Filisteo, ha fatto sì che esso venga nominato con un più generico Due lottatori, titolo che ben esprime la tensione interna che fa vibrare l’opera.

(Opposite) Michelangelo, Two Wrestlers (or Sketch for Hercules and Cacus), about 1525-1528. Clay, height 41 cm. Florence, Casa Buonarroti, inv. 19. The absence of attributes of this model, which according to sources should represent the fight between Hercules and Cacus or between Samson and a Philistine, is the reason why he is called with a more generic Two Wrestlers a title that expresses well the internal tension that makes the work vibrate.

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ti gestito dalla Chiesa di Roma (Clemente VII de’ Medici affidò a Baccio Bandinelli il blocco di marmo, terminato nel 1534 con l’attuale statua di Ercole e Caco) o dalla Repubblica, che nel 1528 tornò alla carica con il Nostro ricavandone nuovamente solo un secondo modello, il pezzo qui in oggetto. Questo è stato peraltro riferito a un gruppo scultoreo che doveva accompagnare la Vittoria nella Tomba di Giulio II e che è ricordato dal Vasari (1568), con però il titolo di Sansone e i Filistei (tre bronzi, tutti segnalati a New York, sarebbero copia di questo diverso soggetto sparito): incertezze che ne minerebbero per qualcuno l’assegnazione al maestro. La terracotta, ricostruita nel 1926 sulla base di disegni seicenteschi – prima era mancante delle due teste e di un braccio, frammenti per fortuna stivati nello stesso museo –, è uno dei pochissimi bozzetti scultorei di Michelangelo che possediamo (un altro esempio è il Dio fluviale, nella stessa sede) e ci permette di monitorare gli stadi del suo processo di lavoro, che prevedeva, prima di affrontare il marmo, lo studio e il perfezionamento dell’idea tramite disegni (tre sono all’Ashmolean di Oxford,al British Museum di Londra e nella stessa Casa Buonarroti) e campioni in creta. Occorre menzionare, per identità di soggetto, anche un altro Ercole michelangiolesco perduto: quello risalente al 1492 circa, alto più di due metri ricordato dal Condivi (1553) e dal Vasari (1550 e 1568) in Palazzo Strozzi a Firenze e venduto nel 1529-1530 a Francesco I, che lo impiantò nei giardini di Fontainebleau, dove fu sgretolato nel 1713. Per averne un’idea la critica ha proposto un disegno del Louvre attribuito a Rubens, un modello (terracotta, altezza cm 49) di Casa Buonarroti, prima inteso come David, e un disegno di un architetto francese (Parigi, Musée du Petit Palais), datato

the Arno, it was later managed by the Church of Rome (Clemente VII de’ Medici entrusted Baccio Bandinelli with the block of marble, completed in 1534 with the current statue of Hercules and Cacus) or by the Republic, which in 1528 got back on track with Michelangelo obtaining again only a second model, the piece here in question, which was also referred to a sculptural group that was to accompany the Victory in the Tomb of Julius II and which is remembered by Vasari (1568), but with the title of Samson and the Philistines (three bronzes, all reported in New York, would be a copy of this different disappeared subject), uncertainties that for someone would undermine the assignment to the master. The terracotta, rebuilt in 1926 on the basis of seventeenth-century drawings (before it was missing the two heads and an arm, fortunately stowed in the same museum), is one of the very few sculptural sketches by Michelangelo that we have (another example is the River God in the same location) and allows us to monitor the stages of his work process, which included, before tackling marble, the study and improvement of the idea through drawings (three are at the Ashmolean in Oxford, at the British Museum in London and in the Casa Buonarroti itself ) and clay samples. For identity of subject, it is also necessary to mention another lost Michelangelo’s Hercules, the one, dating back to around 1492, more than two meters high, mentioned by Condivi (1553) and Vasari (1550 and 1568) in Palazzo Strozzi in Florence and sold in 1529-1530 to Francesco I, who placed it in the gardens of Fontainebleau, where it was crumbled in 1713: to get an idea, critics proposed a drawing of the Louvre attributed to Rubens, a model (terracotta, height 49 cm) of Casa Buonarroti, previously intended

(A fronte) Michelangelo (attribuito), Ragazzo accovacciato (o Adolescente nudo), 1525 ca. Marmo, altezza cm 54. San Pietroburgo, Ermitage. Le analisi del marmo e argomentazioni di genere stilistico rese note nel 2000 avrebbero confermato l’originalità della scultura, anche se per alcuni la natura irregolare dei graffi cagionati su di essa dalla gradina solleverebbero dei dubbi.

(Opposite) Michelangelo (attributed), Crouching boy (or Naked Teenager), about 1525. Marble, height 54 cm. St. Petersburg, Hermitage. The analysis of marble and stylistic arguments made known in 2000 would have confirmed the originality of the sculpture, although for some the irregular nature of the scratches caused on it by the gradine would raise doubts.

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intorno al 1560, dove l’eroe si appoggia a una clava tenendo nella mano sinistra le mele delle Esperidi. Dimenticato dalle fonti è invece il Giovane accovacciato dell’Ermitage, appartenuto ai Medici e acquistato dagli zar nel 1785 presso la collezione Lyde Brown di Wimbledon, in Inghilterra (collocato prima nell’Accademia di Belle Arti di San Pietroburgo e poi, dal 1851, nella sede attuale). A lungo di autografia dibattuta e oggi dai più autenticata, la scultura è stata messa in relazione, anche grazie a un disegno del British Museum, con il progetto delle Tombe medicee a San Lorenzo, e rappresenterebbe (nel riprendere formalmente l’antico motivo dello “spinario”, il ragazzo che si leva la spina dal piede) una delle anime non nate destinate a discendere nelle zone inferiori o comunque un genio funerario, ma anche un guerriero o un prigioniero richiamando le imprese belliche dei duchi tumulati nella Sagrestia Nuova, e non manca chi la fa afferire direttamente alla dimensione più moderna della poetica michelangiolesca interpretandola come metafora dell’umanità oppressa nel fisico e nello spirito.

as David, and a drawing by a French architect (Paris, Musée du Petit Palais), dated around 1560, where the hero leans on a club holding the apples of the Hesperides in his left hand. Forgotten by the sources, however, is the Crouching Boy of the Hermitage, which belonged to the Medici and was purchased by the tsars in 1785 at the Lyde Brown collection in Wimbledon, England (first placed in the Academy of Fine Arts in St. Petersburg and then, since 1851, in the current location). After a long debate about the autography and today authenticated by the most, the sculpture has been linked, also thanks to a drawing by the British Museum, with the design of the Medici Tombs in San Lorenzo, and would represent (in formally taking up the ancient motif of the “spinario”, the boy who removes the thorn from his foot) one of the unborn souls destined to descend in the lower areas or in any case a funerary genius, but also a warrior or a prisoner recalling the military exploits of the dukes buried in the New Sacresty, and some even make it directly related to the more modern dimension of Michelangelo’s poetry, interpreting it as a metaphor for humanity oppressed in physique and spirit.

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Le Tombe dei Medici in San Lorenzo The Medici Tombs in San Lorenzo Il Giorno e la Notte, l’Aurora e il Crepuscolo, la Madonna col Bambino The Day and the Night, the Dawn and the Dusk, the Madonna and Child

el 1520 il papa Medici Leone X, che già quattro anni prima aveva affidato a Michelangelo la decorazione della facciata della chiesa di San Lorenzo a Firenze, gli commissiona, insieme con il cugino cardinale Giulio, la progettazione anche dell’annessa Sagrestia Nuova (in sintonia con la Sagrestia Vecchia firmata dal Brunelleschi e impreziosita da opere di Donatello e Verrocchio), compresi, oltre a una Madonna col Bambino, i monumenti sepolcrali di Giuliano de’ Medici, duca di Nemours, e di Lorenzo de’ Medici, duca di Urbino, sotto i quali l’artista colloca in posizione reclinata e apparentemente instabile due coppie di sculture: la Notte e il Giorno, da un lato, e il Crepuscolo e l’Aurora, dall’altro; statue, queste in pendant, che, oltre a essere dolenti allegorie del tempo che passa, mostrano differenti modalità di lavorazione della superficie, da un massimo di levigatezza a uno scabro leggero, in certi punti con tratti di non finito, il che provoca variazioni degli effetti di luce. Al proposito, va notato che l’arte di Michelangelo ha una sua evoluzione proprio in riferimento al trattamento delle superfici, partendo dalle opere giovanili che appaiono, in senso generale, più lisce e accurate, passando per quelle della maturità, più granulose e grezze, e terminando con le ultime, quasi non trattate e lasciate appositamente non finite,

In 1520, the Medici pope, Leone X, who four years earlier had entrusted Michelangelo with the decoration of San Lorenzo’s church facade in Florence, commissioned him, together with his cardinal cousin Giulio, to also design the annexed New Sacristy (in harmony with the Old Sacristy signed by Brunelleschi and embellished with works by Donatello and Verrocchio), including, in addition to a Madonna and Child, the sepulchral monuments of Giuliano de’ Medici, Duke of Nemours, and Lorenzo de’ Medici, Duke of Urbino, below which the artist places two pairs of sculptures in a reclining and apparently unstable position: Night and Day, on the one hand, and Dawn and Dusk, on the other; statues, these in pendant, which, in addition to being painful allegories of time passing, show different ways of working the surface, from a maximum level of smoothness to a light rough, in certain points with unfinished features, which causes variations in the effects of light. By the way, it should be noted that Michelangelo’s art has its own evolution in reference to the treatment of surfaces, starting from the youthful works that appear, in a general sense, smoother and more accurate, passing through those of maturity, more grainy and rough, and ending with the last, almost untreated and left purposely unfinished, as if to demonstrate that the form is contained

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come a dimostrare che la forma è contenuta nella materia, anteponendo modernamente la valenza espressiva alla figura rappresentativa, l’interpretazione all’imitazione, la morale alla tecnica. Tornando alla Sagrestia Nuova, se è vero che essa rientra nel novero dei grandi capitolati architettonico-scultorei che Michelangelo ha pianificato ma non ha realizzato o comun-

in the material, modernly placing the expressive value before the representative figure, the interpretation to imitation, morality to technique. Returning to the New Sacristy, if it is true that it falls within the category of the great architectural and sculptural specifications that Michelangelo planned but did not complete or in any case accomplish, or had to heavily resize

Michelangelo, Tomba di Lorenzo de’ Medici (duca di Urbino), 1525 ca. Marmo, altezza cm 178. Firenze, San Lorenzo, Sagrestia Nuova. Collocato in una nicchia nella parte alta del monumento funebre consacrato al duca di Urbino, omonimo del nonno Lorenzo il Magnifico, il gruppo marmoreo è stato sottoposto a un intervento di pulitura nel 1988-1989, che ne ha ripristinato lo splendore, con quelle “bellissime gambe talmente fatte – per dirla con il Vasari – che occhio non può veder meglio”. (A fronte) Particolare.

Michelangelo, Tomb of Lorenzo de’ Medici (Duke of Urbino), about 1525. Marble, height 178 cm. Florence, San Lorenzo, New Sacristy. Placed in a recess in the upper part of the funeral monument consecrated to the Duke of Urbino, namesake of the grandfather Lorenzo the Magnificent, the marble group was subjected to a cleaning intervention in 1988-1989, which restored its splendor, with “beautiful legs so made - to put it with Vasari - that the eye cannot see better”. (Opposite) Detail.

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In aiuto degli amici In Aid of his Friends I disegni d’invenzione The invention drawings

onostante il carattere difficile e solitario, Michelangelo, al culmine della gloria negli anni tra la Volta della Sistina e il Giudizio Universale, ma anche nella tarda attività, non esitava a coadiuvare gli amici nelle loro commissioni fornendo disegni e spunti grafici, i cosiddetti “disegni d’invenzione”. Il primo a trarne giovamento fu Sebastiano del Piombo, il cui colorismo veneziano aveva bisogno, a suo parere, di essere completato dal disegno fiorentino, innanzitutto per una Pietà da consegnare nel 1515-1516 alla chiesa di San Francesco a Viterbo (oggi al Museo Civico), per la quale si avvalse dei suggerimenti del maestro in forma di cartone – perduto – e di alcuni studi, tra cui quello per la figura della Vergine in preghiera dell’Albertina di Vienna (altri sono al British Museum e agli Uffizi), come pure per la Resurrezione di Lazzaro (Londra, National Gallery) eseguita tra il 1517 e il 1519 addirittura in competizione con la Trasfigurazione di Raffaello, il “competitore” di Michelangelo, uti-

Despite the difficult and lonely character, Michelangelo, at the height of his glory, in the years between the Sistine Vault and the Last Judgment but also in late activity, did not hesitate to assist friends in their errands by providing them with drawings and graphic cues, the so-called “drawings of invention.” The first to benefit from it was Sebastiano del Piombo, whose Venetian colorism needed in his opinion to be completed by the Florentine drawing, first of all for a Pietà to be delivered in 1515-1516 to the church of San Francesco in Viterbo (now at the Civic Museum), where he made use of the suggestions of the master in the form of (lost) cartoon and some studies, including that for the figure of the Virgin in prayer from the Albertina in Vienna (others are at the British Museum and at the Uffizi), but also for the Resurrection of Lazarus (London, National Gallery) performed between 1517 and 1519 even in competition with the Transfiguration of Raphael, Michelangelo’s “competitor”, us-

(A fronte) Sebastiano del Piombo, Resurrezione di Lazzaro, 1517-1519. Tavola, cm 381 x 289,6. Londra, National Gallery, inv. NG 1. A questa pala d’altare, commissionata dal cardinale Giulio de’ Medici, Michelangelo diede il suo apporto inventivo e grafico per consentire al pittore amico di vincere il confronto con la Trasfigurazione che in parallelo era stata ordinata a Raffaello.

(Opposite) Sebastiano del Piombo, Resurrection of Lazarus, 1517-1519. Panel, 381 x 289.6 cm. London, National Gallery, inv. NG 1. Michelangelo gave his inventive and graphic contribution to this altarpiece by Sebastiano del Piombo, commissioned by cardinal Giulio de’ Medici, to allow the friend painter to win the compariosn with the Tranfiguration that was commisioned to Raphael at the same time.

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Tra gli altri beneficiari vi sono il biografo del sommo artista, Ascanio Condivi, che intorno al 1550 si fece agio del cartone dell’Epifania (Londra, British Museum, cm 232,7 x 165,6) – forse da intendersi come Epifania della Vergine –, e il fido Daniele da Volterra, che sfruttò due disegni, attualmente agli Uffizi e alla Pierpont Morgan Library di New York, per il proprio David e Golia, e altri due fogli, custoditi al Teylers Museum di Haarlem e al Courtauld Institute di Londra, per il proprio Mercurio dissuade Enea dal giacere con Didone. Entrambi i dipinti furono realizzati da Daniele nei primi anni Cinquanta del secolo per monsignor Giovanni Della Casa, autore del Galateo, il best seller del tempo.

Among the other beneficiaries are the biographer of the supreme artist, Ascanio Condivi, who around 1550 became comfortable with the Epiphany cartoon (London, British Museum, 232.7 x 165.6 cm), perhaps to be understood as Epiphany of the Virgin, and the trustworthy Daniele da Volterra, who used two drawings, currently in the Uffizi and the Pierpont Morgan Library in New York, for his David and Goliath, and two other sheets, kept in the Teylers Museum in Haarlem and in the Courtauld Institute in London, for his own Mercury discourage Aeneas from lying with Didone, both paintings made in the early fifties for Monsignor Giovanni Della Casa, author of the “Galateo”, the best seller of the time.

La memorabile rentrée alla Sistina The Unforgettable Comeback to the Sistine Il Giudizio Universale The Last Judgment

na torma di uomini e donne, per lo più nudi, che sgomitano per elemosinare qualche spicciolo di benevolenza dall’algido nobile passato da lì per caso: questa è la prima impressione che si ha varcando la soglia della Cappella Sistina e si guarda dietro al lontano altare; senonché a mano a mano che ci si appropinqua all’affresco, del colore del cielo ma anche dell’abisso marino, ci si accorge che si tratta dell’evento che fa tremare i piani bassi del mondo, quelli dell’umanità, di fronte al quale l’unico atteggiamento che si riesce ad assumere, come conviene dinanzi a un tribunale divino e come sarebbe consono di fronte a uno sterminio – poiché a questo, precorrendo la fatale sentenza, somiglia in effetti l’avvenimento in questione –, è inginocchiarsi, ciò che pare abbia fatto lo stesso papa Paolo III il giorno dello scoprimento, il 31 ottobre del 1541. Il Giudizio Universale è opera smisurata, nel senso delle dimensioni complessive (all’incirca centottanta metri quadrati) e di alcuni personaggi (due metri e mezzo i più grandi), ma soprattutto nello stile e nello spirito, quelli di un fuoriclasse che da solo genera un pezzo fuori serie, che esorbita dai tradizionali criteri costruttivi per attingere a una libertà di concezione senza pari, incommensurabile appunto. Nondimeno, questa disinvoltura compositiva

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A crowd of mostly naked men and women who elbow in to beg some penny of goodwill from the icy nobleman who passed by there by chance, this is the first impression one gets upon crossing the threshold of the Sistine Chapel and looks behind the distant altar, except for as we approach the fresco, the color of the sky but also of the marine abyss, we realize that it is the event that shakes the lower floors of the world, those of humanity, in front of which the only attitude that can be assumed, as is appropriate before a divine tribunal and as it would be appropriate in the face of an extermination (since this, preceding the fatal sentence, actually resembles the event in question), is to kneel, what it seems that pope Paul III himself did it on the day in which it was unveiled, on October 31, 1541: the Last Judgment, an immense work, not only in the sense of the overall dimensions (approximately 180 square meters) and some characters (two and a half meters the largest) but above all in style and spirit, those of a champion who alone generates a one-off piece, which goes beyond the traditional construction criteria to draw on a peerless freedom of conception, immeasurable precisely. Nonetheless, this compositional ease is only apparent, because the painting, although distant

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è solo apparente, perché il dipinto, anche se distante dalle rigide partizioni e gerarchie dei precedenti Giudizi, pur tenuti a mente dal maestro – citiamo quelli del Buffalmacco nel Camposanto di Pisa (1336), del Beato Angelico nel Museo di San Marco a Firenze (1425-1428 ca.) e di Luca Signorelli nella Cappella di San Brizio nel Duomo di Orvieto (1500 ca.) –, non manca di una sua logica e geometria interna – verrebbe da parlare di disordine organizzato –, potendo essere suddiviso in quattro fasce orizzontali. Dall’alto, seguendo con ciò l’ordine di esecuzione, troviamo le due lunette con gli angeli, in volo ma senza ali, recanti gli strumenti della Passione, tra cui la croce, la colonna della Flagellazione, la corona di spine. Nella fascia medio-alta, Cristo giudice e la Madonna sono attorniati da apostoli, beati, patriarchi, vergini, eletti, santi e martiri, questi identificabili tramite gli strumenti del loro supplizio. Guardando l’affresco, alla destra del Redentore si distinguono san Pietro con le chiavi, poi san Paolo, dal mantello rosso e come di regola posto vicino a lui; poco più giù, san Simone con la sega, san Biagio con i pettini di ferro, santa Caterina con la ruota, san Sebastiano con le frecce; ai piedi di Gesù san Lorenzo con

from the rigid partitions and hierarchies of the previous Judgments, while kept in mind by the master - we mention those of Buffalmacco in the Camposanto of Pisa (1336), of Fra Angelico in the Museum of San Marco in Florence (about 1425-28) and of Luca Signorelli in the Chapel of San Brizio in the Cathedral of Orvieto (about 1500) - it does not lack its own logic and internal geometry (so much so that it would speak of organized disorder), being able to be divided into four horizontal bands: from above, following the order of execution, the two lunettes with angels, in flight but without wings, bearing the instruments of the Passion, including the cross, the column of the Flagellation, the crown of thorns; in the upper-middle belt Christ the Judge and the Madonna surrounded by apostles, blessed, patriarchs, virgins, elects, saints and martyrs, these identifiable through the tools of their torture (looking at the fresco, to the right of the Redeemer Saint Peter with the keys, then Saint Paul, with a red cloak and as a rule placed next to him, a little further down Saint Simon with the saw, Saint Blaise with the iron combs, Saint Catherine with the wheel, Saint Sebastian with the arrows, at the feet of Jesus Saint

(A fronte) Michelangelo, Giudizio Universale, 1536-1541. Affresco, m 16 x 13 ca. Città del Vaticano, Palazzi Vaticani, Cappella Sistina. A quasi un quarto di secolo dalla Volta, in cui aveva rappresentato l’ouverture del Vecchio Testamento, Michelangelo torna sul luogo del trionfo per inscenare un’altra prodezza pittorica, il Giudizio Universale, l’ultimo atto del Nuovo Testamento, commissionato da Clemente VII de’ Medici nel 1533 e ratificato l’anno dopo da Paolo III Farnese, dove Cristo amministra inappellabilmente la giustizia celeste premiando i buoni e punendo i cattivi. Realizzato in quattrocentocinquanta giornate procedendo dall’alto in basso, l’affresco stupisce per la pregnanza religiosa della concezione, per la perizia tecnica, per la monumentalità delle figure e per la scelta di esporre le nudità dei personaggi come si addice al giorno della resurrezione dei corpi, aspetto questo che gli valse rimproveri e ritocchi moralizzatori.

(Opposite) Michelangelo, Last Judgment, 1536-1541. Fresco, approx. 16 x 13 m Vatican City, Vatican Palaces, Sistine Chapel. Almost a quarter of a century from the Vault, in which he had represented the overture of the Old Testament, Michelangelo returns to the place of triumph to stage another pictorial feat, the Last Judgment, the last act of the New Testament, commissioned by Clement VII de’ Medici in 1533 and ratified the following year by Paul III Farnese, where Christ invincibly administers heavenly justice by rewarding the good and punishing the bad. Made in 450 days proceeding from the top down, the fresco amazes for the religious significance of the concept, for the technical expertise, for the monumentality of the figures and for the choice to expose the nudity of the characters as befits the day of the resurrection of the bodies, aspect that caused it reproaches and moralizing revisions.

(Pagina 238) Michelangelo, Studio d’insieme del Giudizio Universale, 1533-1534. Carboncino, mm 415 x 298. Firenze, Casa Buonarroti, inv. 65Fr. Il disegno, uno dei primi – e attualmente l’unico esistente riferito all’intera composizione – di quelli preparati per l’affresco, mostra i contorni delle figure e alcune ombreggiature, tenendo conto dello spazio occupato dalla pala d’altare del Perugino con l’Assunzione della Vergine, a cui la cappella era consacrata, pittura che poi, insieme ad altre opere e a due lunette realizzate dallo stesso Michelangelo nella Volta, fu sacrificata per contenere la straripante idea definitiva. L’esistenza di una versione più grande e particolareggiata sarebbe indicata da una copia al Courtauld Institute di Londra.

(Page 238) Michelangelo, General Study of the Last Judgment, 1533-1534. Charcoal, 415 x 298 mm. Florence, Casa Buonarroti, inv. 65Fr. The drawing, one of the first (and currently the only existing one referring to the entire composition) of those prepared for the fresco, shows the contours of the figures and some shadows, taking into account the space occupied by Perugino’s altarpiece with the Assumption of the Virgin, to whom the chapel was consecrated, painting which then, together with other works and two lunettes created by Michelangelo himself in the Vault, was sacrificed to contain the overflowing definitive idea. The existence of a larger and more detailed version would be indicated by a copy at the Courtauld Institute in London.

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