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ART PUBLISHERS SPRING/SUMMER FRÜHLING/SOMMER 2026

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REPRESENTATIONS

Germany and worldwide except countries listed below Klett VerlagsService GmbH Phone +49(0)711 66 72 12 16 www.klett-vs.de info@klett-vs.de Postfach 10 60 16 D-70049 Stuttgart

Germany / Austria Michael Klein c/o buchArt Berlin Phone +49 (0)30 447 32 180 michael.klein@buchart.org

Hinweis für den Buchhandel: In Deutschland und Österreich haben wir mit avedition und Kehrer-Verlag eine Vertriebs-Kooperation. Über KVS liefern wir gemeinsam aus. USA / Canada ACC Art Books 6 West 18th St., 4B USA-New York, NY 10011 Phone +1(0)800 252 52 31 ussales@accartbooks.com Great Britain / France / BeNeLux / Eastern Europe / South America / South Africa / Japan / South Korea / Israel ACC Art Books Riverside House Dock Lane Melton GB-Woodbridge, Suffolk IP12 1PE Phone +44(0)13 94 38 99 50 uksales@accartbooks.com Switzerland OLF S.A. Yann Ammon Z.I., 3, Corminboeuf CH-1701 Fribourg Phone +41(0)79 824 2312 y.ammon@olf.ch Thailand Paragon Asia Co., Ltd. 687 Taksin Road, Bukkalo T-Thonburi, Bangkok 10600 Phone +66(0)28 77 77 55 rapeepan@paragonasia.com Australia / New Zealand NewSouth Books through Alliance Distribution Services (ADS) University of New South Wales AUS-Sydney, NSW, 2052 Phone +61(0)2 43901300 adscs@alliancedist.com.au

Belgium / The Netherlands / Luxembourg Exhibitions International Phone +32(0)16 29 69 00 orders@exhibitionsinternational.be

India / Nepal / Pakistan / Sri Lanka Surit Mitra Phone +91(0)11 43 54 91 45 suritmaya@gmail.com China / Hong Kong / Taiwan Benjamin Pan China Publishers Marketing Room 801, No. 6 Lane 2089, Jiangpu Road Yangpu District CR-Shanghai, 200093 Phone +86(0)130 61 62 96 22 benjamin.pan@cpmarketing.com.cn

Scandinavia and Baltic Countries Katja A. Bremer Phone +45(0)5250 1680 katja@bremerpublishingservices.com Eastern Europe / Russia Poland / Estonia / Latvia / Lithuania / Czech Republic / Slovakia / Hungary / Bulgaria / Romania Cristian Juncu Phone +40(0)720 45 40 00 cristian@j4.ro Southern Europe Italy / Spain / Portugal / Greece / Former Yugoslavia Joe Portelli Bookport Associates Via L. Salma 7 I-20094 Corsico (MI) Phone +39(0)2 45 10 36 01 bookport@bookport.it France Interart Paris Pierre Samoyault 1 Rue de l’Est F-75020 Paris commercial@interart.fr Israel Avicenna Partnership Phone +44 (0)7802 244457 team@avicennaltd.co.uk Canada Canadian Manda Group 664 Annette Street CDN-Toronto, ON M6S 2C8 Phone +1(0)416 516 09 11 info@mandagroup.com South America IMA / Intermediaamericana David Williams PO Box 8734 GB-London SE21 7ZF Phone +44(0)20 72 74 71 13 david@intermediaamericana.com

© 2026 by the artists Front cover: Dana Meyer, Lackmus-Silphe (Roccella siphidae), Coleoptera, beetles, Colonia 1906; © Dana Meyer; photo © Michel Klehm Back cover: Christian Dell / Geb. Kaiser und Co, Table lamp from the series Idell, 1936/37. © Erben Christian Dell; photo: © Stiftung Stadtmuseum Wiesbaden / Patrick Bäuml, Wiesbaden pp. 4–5, Fig. 02: photo © Konstanze Göbel; Fig. 04: photo © Håvard Johansen; Figs. 07–08: photos © Andreas Körner; Fig. 11: photo © Ute Eitzenhöfer p. 6: photo © Sammlung der Kamm Teapot Foundation Statesville, NC p. 7 bottom: photo © Bauhaus-Archiv Berlin pp. 10–11: photos © Esther Hoyer pp. 12–13: photos © Dana Widawski p. 14: photo © Michel Klehm p. 15 top: photo © Georg Brückmann; bottom: photo © Michel Klehm p. 16: photos: Denise Madsack p. 17: photo © Marcel Mendler, Matter Of p. 18: top: photo © Ken Yanoviak, Philadelphia; bottom: photo © Eva Jünger, Munich p. 20: photos © Teresa Santos p. 21: photos © Frédéric Le Quéré pp. 22–23: photos © Michiel Heffels © VG Bild-Kunst, Bonn 2025 for Fabian Gatermann, Richard Kriesche, Irene Nordli, Georg Karl Pfahler, Otto Piene, Elke Sada, Joana Vasconcelos, Dana Widawski

The publishers reserve the right to alter titles and prices. Publication dates may be subject to change at short notice. All prices listed are international retail prices. Printed in Germany, 01/2026

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VORWORT ⁄ PREFACE

Dear reader, We are delighted to announce that we were recently awarded the Deutscher Verlagspreis [German Publishing Prize], the seal of quality in publishing at this year’s Frankfurt Book Fair. Since 2019 this award has acknowledged outstanding achievements in publishing in the Federal Republic of Germany: in publishing houses that “invigorate literary diversity in Germany by publishing special books that stimulate democratic discourse, encourage critical thinking, and enrich our own worlds of thinking and feeling” (from the award presentation speech given by Wolfram Weimer, Minister of State for Culture and Media). We view this distinction, a first for us as publishers, as specifically recognizing our commitment to the applied arts and design as well as appreciating our unceasing efforts in this wonderful niche market to realize books that are every bit as special as the artworks presented in them. Ensuring that art and books on art, besides providing the sensory gratification that they do, also critically challenge societal developments and even shape them is particularly important to us. Art provides space for developing visions of how our society can and should look in the future. At the present time especially, art, cultural communication, and education can promote understanding of our fellow human beings and the diversity of cultural expression to an exceptional degree. Viewed in this light, the award as we see it represents encouragement to continue publishing a wide range of subjects in the fields of art and design to the highest standard.

arnoldsche team with Hugo

Sincerely yours, Dirk Allgaier, Publisher

Liebe Leser:innen, mit großer Freude können wir verkünden, dass wir dieses Jahr auf der Frankfurter Buchmesse mit dem Gütesiegel des Deutschen Verlagspreises ausgezeichnet worden sind. Seit 2019 werden mit diesem Preis hervorragende verlegerische Leistungen in der Bundesrepublik Deutschland gewürdigt: Verlage, die „die literarische Vielfalt in Deutschland beleben und besondere Bücher herausgeben, die den demokratischen Diskurs stimulieren, zum kritischen Denken anregen und die eigene Gedanken- und Gefühlswelt bereichern“ (aus der Laudatio von Wolfram Weimer, Staatsminister für Kultur und Medien). Diese für unseren Verlag erstmalige Auszeichnung verstehen wir als besondere Würdigung unseres Engagements für Angewandte Kunst und Design sowie als Anerkennung unseres Bestrebens, in dieser wunderbaren Nische Bücher zu realisieren, die genauso besonders sind wie die Kunstwerke, die in ihnen präsentiert werden. Dass Kunst und Bücher über Kunst neben dem sinnlichen Vergnügen, das sie bieten, auch gesellschaftliche Entwicklungen hinterfragen und gestalten, ist uns besonders wichtig. Kunst bietet Raum, Visionen für unsere künftige Gesellschaft zu entwickeln. Gerade in der heutigen Zeit sind es in besonderem Maße Kunst, kulturelle Vermittlung und Bildung, die unser Verständnis für Mitmenschen und für die Vielfalt kultureller Äußerungen fördern können. Somit sehen wir den Preis als Ermutigung, weiterhin die vielfältigen Themen im Bereich der künstlerischen Ausdrucksformen und des Designs auf höchstem Niveau zu publizieren. Ihr Dirk Allgaier, Verleger

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arnoldsche AROUND THE WORLD

01 Daniel Mitchell, Beth C. Wees, Sheila B. Smithie, and Greta Garle,

book launch of Marcus & Co., L’École des Arts Joailliers, Paris, October 2025 02 Olaf Thormann, Alena Fürnberg, and Renate Luckner-Bien, book launch of Gertraud Möhwald, Grassi Museum, Leipzig, November 2025 03 Dirk Allgaier, Alexandra Rusitschka, and Helen Britton, printing of the book Helen Britton, Schleunungdruck, Marktheidenfeld, June 2025 04 Irene Nordli, Emily Stoddart, and Gjertrud Steinsvåg, book launch of Irene Nordli, HB 381 Gallery, New York, November 2025 05–06 Dirk Allgaier with the curators of the exhibition 50 Years of Norwegian Jewellery, KHiO – Oslo National Academy of the Arts, Oslo, Norway, September 2025 07–08 arnoldsche weekend art gallery #18 with Martin Kargruber and Ernst Gamperl, Galerie AK2, Stuttgart, November 2025 09 Book launch of Courtly Pleasures, August 2025 10 Greta Garle and Dirk Allgaier receiving the Deutscher Verlagspreis, Frankfurt Book Fair, October 2025 11 Dirk Allgaier and Theo Smeets visiting the exhibition Katharina Grosse, Staatsgalerie Stuttgart, June 2025 12 Dirk Allgaier, accompanied by Ed Butler, CBE DSO, Prime Warden of the Goldsmiths’ Company, newly elected as an International Associate Member of the Goldsmiths’ Company, London, June 2025

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arnoldsche AROUND THE WORLD

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NEU _ DESIGN & CRAFTS / NEW _ DESIGN & CRAFTS

Christian Dell, coffee service, 1925, silver, wood

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NEU _ DESIGN & CRAFTS / NEW _ DESIGN & CRAFTS

Stiftung Stadtmuseum Wiesbaden / Sabine Philipp (eds.)

Christian Dell With contributions by Johannes Bergmann, Joana Brauhardt, Vera Klewitz, Michael Siebenbrodt, Josef Straßer, Sharon Weiser-Ferguson, and Frank Werner, and a foreword by Annemarie Jaeggi Graphic design: Silke Nalbach, Mannheim (DE) 256 pp., 23 × 29 cm, approx. 325 ills. Hardcover. German. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 ISBN 978-3-89790-758-4 May 2026 D

Exhibition: Stiftung Stadtmuseum Wiesbaden (DE), 17. 6. – 15. 11. 2026, as part of World Design Capital Frankfurt RheinMain 2026

Christian Dell, 1928

Christian Dell (1893–1974), silversmith, Bauhaus master craftsman, and head of the metal workshop of the Frankfurter Kunstschule [Frankfurt Art School], is one of the lesser-known designers of the 20th century. Yet his diverse oeuvre and his impact on design—from the 1930s to the present—deserves to be reappraised. This publication provides a first comprehensive overview of Dell’s work and career, including his training in Hanau, teaching in Weimar and Frankfurt am Main, and contacts to the lighting industry. One of Dell’s iconic lamp designs is the KAISER idellTM, an office lamp which is back in production today. Moreover, he was an inspiration to numerous students, whose works are introduced here in more detail. Conceptual sketches, series products, and exquisite individual objects in a wide range of materials are also presented—for Dell’s early work with new types of plastic would go on to inform consumer tastes for decades to come. An exciting monograph on a significant, visionary, and hitherto unrecognized designer of the 20th century.

Christian Dell (1893–1974), Silberschmied, Werkmeister am Weimarer Bauhaus und Leiter der Metallwerkstatt der Frankfurter Kunstschule, zählt zu den weniger bekannten Gestaltern des 20. Jahrhunderts. Allerdings verdienen sein facettenreiches Schaffen und sein Einfluss auf das Design – von den 1930erJahren bis heute – eine Neueinschätzung. Die Publikation bietet erstmalig einen umfassenden Überblick zum Werk und Werdegang Christian Dells: seine Ausbildung in Hanau, seine Lehrtätigkeit in Weimar und Frankfurt a. M. sowie seine Kontakte zur Lampenindustrie. So zählt zu Dells ikonischen Lampenentwürfen die Bürolampe KAISER idellTM, die heute wieder produziert wird. Zugleich inspirierte er zahlreiche Schüler:innen, deren Arbeiten näher vorgestellt werden. Präsentiert werden Ideenskizzen, Serienprodukte sowie exquisite Einzelstücke unterschiedlichster Materialien. Denn schon früh beschäftigte Dell sich mit neuartigen Kunststoffen, die den Konsumgeschmack der nächsten Jahrzehnte nachhaltig prägen sollten. Eine spannende Monografie über einen bedeutenden, visionären und bislang zu wenig beachteten Designer des 20. Jahrhunderts.

Christian Dell / Hans Römmler AG, Tea cup, ca. 1930, Resopal®

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NEU _ GL AS / NEW _ GL ASS

Ercole Barovier, Saturnei, 1951

Ercole Barovier, Diamantati, 1968

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NEU _ GL AS / NEW _ GL ASS

Marc Heiremans

BAROVIER & TOSO A Murano Glass Dynasty

Graphic design: Karina Moschke, Kirchheim/Teck (DE) 2 vols. in slipcase with 800 pp., 23.5 × 30 cm, approx. 1.000 ills. Hardcover. English. € 148 [D] / US$ 250 / £ 168 ISBN 978-3-89790-715-7 April 2026 E

Ercole Barovier, Oriente, 1940

As one of Murano’s most prominent glassmaking dynasties, the Baroviers played a pivotal role in reviving traditional glassmaking techniques and can thus look back on a long tradition within Venetian glass production. In the late 19th century, two generations of the family found employment as master glassblowers at Antonio Salviati’s glassworks. With their distinct feel for glass as a material, their outstanding technical know-how, and their drive towards new developments, Giovanni Barovier with his nephews Benedetto, Benvenuto, and Giuseppe went on to set up their own business at the close of the century. Their revival of mosaic glass (murrine) had a long-lasting influence on Murano’s glass production. Operating under various names—and then from the 1930s in association with the Toso brothers—yet always maintaining a distinctive artistic style, they continued to lead the field until artistic production ceased entirely in 1993. This extensive volume illuminates not only the history of Barovier & Toso but also its complete body of artistic work, spanning nearly a century.

Als eine der bedeutendsten Glasmacherdynastien Muranos spielten die Baroviers eine entscheidende Rolle bei der Wiederbelebung traditioneller Glasmachertechniken. Die Familie blickt auf eine lange Tradition in der venezianischen Glasproduktion zurück. Im späten 19. Jahrhundert schließlich fanden zwei Generationen bei Antonio Salviatis Glasmanufaktur als Glasbläsermeister Anstellung. Mit ihrem ausgeprägten Gespür für das Material Glas, ihrem herausragenden technischen Wissen sowie dem Drang nach Neuentwicklungen machte sich Giovanni Barovier mit seinen Neffen Benedetto, Benvenuto und Giuseppe Ende des 19. Jahrhunderts selbstständig. Durch die Wiederbelebung des Mosaik-Glases („Murrine“) prägten sie die Glasherstellung in Murano nachhaltig. Unter verschiedenen Namen – und seit den 1930er-Jahren dann im Zusammenschluss mit den Gebrüdern Toso –, aber stets mit einem unverwechselbaren künstlerischen Stil, blieben sie führend in der Branche, bis die künstlerische Produktion 1993 vollständig eingestellt wurde. Die umfassende Publikation beleuchtet nicht nur die Geschichte von Barovier & Toso, sondern auch deren gesamtes künstlerisches Werk, das fast ein Jahrhundert umfasst.

Barovier artists, two candle holders

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NEU _ KERAMIK / NEW _ CERAMICS

Lucie Rie, Vase, before 1978

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NEU _ KERAMIK / NEW _ CERAMICS

Olaf Thormann / GRASSI Museum für Angewandte Kunst Leipzig (eds.)

VESSEL / SCULPTURE 4 German and International Ceramics since 1946

GEFÄSS / SKULPTUR 4 Deutsche und internationale Keramik seit 1946

Graphic design: Thomas Liebscher, Leipzig (DE) 504 pp., 24.5 × 29 cm, approx. 500 ills. and 285 signatures reproduced. Hardcover. English / German € 58 [D] / US$ 95 / £ 64 ISBN 978-3-89790-753-9 March 2026 E⁄D

Elke Sada, Ceramic sculpture Phasianus from the Hallstattgefäße series, 2013

Since 2008 the GRASSI Museum of Applied Arts Leipzig has published three catalogues titled Vessel / Sculpture, which not only reflect a selection of its ceramic collection holdings but have also since become definitive books on the subject. New outstanding acquisitions and donations have now given rise to a fourth volume. The selected works are impressive examples of modern studio ceramics, objects situated between purposeful vessel and autonomous sculpture. With a multifaceted wealth of forms and surfaces, the works enter into an aesthetic dialogue that explores the diverse possibilities of artistic production within this field. This volume is characterized by additional selected works on paper by ceramic artists, which document the range of artistic resources within their craft. The comprehensive artist biographies and illustrations of makers’ marks result in a well-founded reference work.

Das GRASSI Museum für angewandte Kunst Leipzig hat seit 2008 unter dem Titel Gefäß / Skulptur drei Publikationen vorgelegt, die den Bestand der keramischen Sammlungen in Auswahl reflektieren und inzwischen als Standardwerke gelten. Neue herausragende Erwerbungen und Schenkungen geben nun Anlass für einen vierten Band. Die ausgewählten Werke sind beeindruckende Beispiele moderner Studiokeramik, zwischen zweckgebundenem Gefäß und autonomer Skulptur. Mit einem großen Reichtum ihrer Formen und Oberflächen treten die Werke in einen ästhetischen Dialog, der die vielfältigen Möglichkeiten künstlerischen Schaffens im Bereich der Keramik auslotet. Dieser Band zeichnet sich zudem durch eine ergänzende Auswahl an Papier-Arbeiten von Keramiker:innen aus, welche die Bandbreite künstlerischen Vermögens im keramischen Metier dokumentieren. Auch diese Publikation wird aufgrund der umfassenden Künstler:innenbiografien und Markenabbildungen als fundiertes Nachschlagewerk gelten können.

SELECTED ARTISTS: Peter Callas, Claude Champy, Hans Coper, Carmen Dionyse, Karl Fulle, Babs Haenen, Kap-Sun Hwang, Lutz Könecke, Beate Kuhn, Philippe Lambercy, Bernard Leach, Ken Mihara, Gertraud Möhwald, Johannes Nagel, Rolf Overberg, Suku Park, Gilbert Portanier, Lotte Reimers, Lucie Rie, Martin Schlotz, Alev Ebüzziya Siesbye, Robert Sturm, Camille Virot, Masamichi Yoshikawa

EXHIBITION: GRASSI Museum of Applied Arts Leipzig (DE), 8. 11. 2025 – 4. 10. 2026

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NEU _ KERAMIK / NEW _ CERAMICS

Emanzipation [Emancipation], 2019, ceramic and porcelain

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NEU _ KERAMIK / NEW _ CERAMICS

Esther Niebel / Christian Lechelt

Dana Widawski Simply Decoration

Graphic design: Frank Bertram, Berlin (DE) 168 pp., 22 × 31 cm, approx. 150 ills. Hardcover. English / German. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-760-7 March 2026 E⁄D

In this publication, Dana Widawski reveals a fascinating panorama of ceramic work. With subtle humor and provocative depth, she transcends the boundaries between art and craft in her tiled tableaux and assemblages. In surprising, playful, yet precise ways, she dares to expose both our present-day kitsch and also that found in art itself, right up to its tipping point. “Dana Widawski’s figures … provoke a simultaneous attraction and disgust: too delicate, too cute, too pretty, too frivolous, too direct—all industrial white sugar. Something happens, you become gripped, emotionally, personally. You are made aware of your own feelings and associations …” (Esther Niebel).

Halb so wild! [Half as Wild!], 2018, tiled tableaux

Dana Widawski entfaltet in dieser Publikation ein faszinierendes Panorama ihres keramischen Schaffens. Mit feinem Humor und provokanter Tiefe überschreitet sie mit ihren Fliesentableaus und Assemblagen die Grenzen zwischen Kunst und Kunsthandwerk. Bis an den Kippmoment wagt sie es, sowohl den Kitsch in unserer Gegenwart als auch in der Kunst selbst offenzulegen – überraschend, verspielt und präzise zugleich. „Dana Widawskis Figuren … lösen ein gleichzeitiges Angezogenund Abgestoßenwerden aus: zu filigran, zu niedlich, zu hübsch, zu frivol, zu direkt – alles industrieller weißer Zucker. Es passiert etwas, man wird gepackt, emotional, persönlich. Man wird auf seine eigenen Gefühle und Assoziationen verwiesen …“ (Esther Niebel).

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NEU _ KUNST / NEW _ FINE ARTS

Geschnürrte Breitbrustameise (Formica magnus pectus in artum), Hymenoptera, Tapiwa, 1908

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NEU _ KUNST / NEW _ FINE ARTS

Dana Meyer

South Pacific Expedition Südpazifikexpedition With an afterword by Renate Luckner-Bien Graphic design: Friedrich Lux, Halle an der Saale (DE) 136 pp., 21.5 × 26.5 cm, 108 ills. Hardcover. English / German. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-757-7 January 2026 E⁄D

Dana Meyer’s South Pacific Expedition provides a fascinating insight into the world of entomological collecting, driven by the human urge for discovery and adventure. Featuring numerous illustrations and twelve letters, this book tells not only of the passion of an insect collector but also of a perilous journey to the South Seas at the turn of the century. Published in this form for the first time, this collection is a fascinating and at the same time unsettling art project that blurs the boundaries between authenticity and fiction.

Weißgold-Puppenläufer (Calosoma albus aurum), Coleoptera, beetles, Kiritimati, 1909

Dana Meyers Südpazifikexpedition eröffnet einen spannenden Einblick in die Welt entomologischer Sammelleidenschaft – getragen vom menschlichen Drang nach Entdeckung und Abenteuer. Mit zahlreichen Abbildungen und anhand von zwölf Briefen erzählt das Buch nicht nur von der Passion einer Insektensammlerin, sondern auch von einer gefahrvollen Reise in die Südsee zur Jahrhundertwende. Die hier erstmals veröffentlichte Sammlung ist ein faszinierendes und zugleich irritierendes Kunstprojekt, bei dem die Grenzen zwischen Authentizität und Fiktion aufgelöst werden.

Feinschlupfangler (Elabi subtilis vagaricus), Coleoptera, beetles, Markus Island, 1912

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9 783897 907577 >

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NEU _ KUNST / NEW _ FINE ARTS

Otto Piene, Ohne Titel (Dach) [Untitled (Roof)], 1972, condition in 2020

Georg Karl Pfahler, Ohne Titel [Untitled], 1972, condition in 2020

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NEU _ KUNST / NEW _ FINE ARTS

Denise Madsack

Kunst am Bau Zustände, Erhalt und Vermittlung

Graphic design: Matter Of, Stuttgart (DE) 384 pp., 16.5 × 24 cm, 106 ills. Softcover. German. € 34 [D] / US$ 60 / £ 39 ISBN 978-3-89790-759-1 January 2026 D

Per Kirkeby, Ohne Titel [Untitled], 1986, condition in 2014

With art in architecture, that is Kunst am Bau, architecture and fine art meet face to face. Through their mutual influence and dialogue with each other, they shape the surrounding space—at times subtly, at others conspicuously—either as an integral part of the building or independently in the interior and exterior. This dynamic relationship is what makes art in architecture a unique and especially challenging terrain, not only for the artists but also for those who are charged with the realization and preservation of the artworks. Kunst am Bau. Zustände, Erhalt und Vermittlung is the first comprehensive work to navigate these site-specific objects. They are revealed as far more than standalone art objects: they also reflect the zeitgeist and their architectural environment. Alongside an introduction to their cultural-historical significance, selection process, and realization, the book provides an overview of quintessential shifts in art in architecture over time, concluded by depictions of preservation strategies and approaches to mediation that far transcend the field of study.

Bei Kunst am Bau treffen Architektur und Bildende Kunst unmittelbar aufeinander. Sie beeinflussen sich, stehen im Dialog und prägen gemeinsam den Raum – mal subtil, mal plakativ, als integraler Teil des Gebäudes oder eigenständig im Innen- bzw. Außenraum. Dieses Spannungsverhältnis macht Kunst am Bau zu einem einzigartigen und besonders herausfordernden Feld – für die Künstler:innen, aber auch für diejenigen, die sich um Realisation und Erhalt der Kunstwerke kümmern. Kunst am Bau. Zustände, Erhalt und Vermittlung widmet sich erstmals umfassend dem Umgang mit diesen ortsgebundenen Objekten, die weit mehr sind als singuläre Kunstobjekte: Sie spiegeln den Zeitgeist und ihre architektonische Umgebung wider. Neben einer Einführung in die kulturhistorische Bedeutung, in Auswahlverfahren und Realisierung bietet das Buch einen Überblick typischer Veränderungen von Kunst am Bau im Laufe der Zeit. Abschließend werden Erhaltungsstrategien und Vermittlungsansätze aufgezeigt, die weit über das Studienfeld hinausweisen.

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NEU _ SCHMUCK / NEW _ JEWELRY

Betsy King, Nemesis warning! Plutonium pirates!, brooch, 1991, silver, turquoise, paper, fabric, copper

Claus Bury, brooch, 1973, gold, white gold

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NEU _ SCHMUCK / NEW _ JEWELRY

Die Neue Sammlung – The Design Museum / Galerie Handwerk / Danner-Stiftung (eds.)

Among Friends American and German Jewelry Artists from the Helen Williams Drutt Collection

Unter Freunden

Amerikanische und Deutsche Schmuckkünstler aus der Sammlung Helen Williams Drutt With contributions by T. Greenbaum, P. Hölscher, and H. W. Drutt, and a foreword by A. Nollert, B. Schmidt, and M. Eder Graphic design: Ina Bauer, Stuttgart (DE) 240 pp., 21 × 27.5 cm, approx. 200 ills. Hardcover. English / German. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-763-8 March 2026 E⁄D

Helen Williams Drutt

Helen Williams Drutt is an American gallerist, collector, mediator, and promoter of contemporary art jewelry. In homage to this grande dame of international studio jewelry and her 60 years of collecting, the publication presents selected works by American and German artists in a combination never before seen. Representing the diversity of American art jewelry are 140 examples from the last 70 years, from modernist minimalist or narrative works to objects with a strong sociopolitical message. The display of almost 100 works by German jewelry artists impressively documents the various developments in contemporary jewelry in both countries, as well as mutual influences and commonalities. The works testify to Helen Williams Drutt’s great devotion to and engagement with art jewelry. Moreover, they represent her friendship with artists from both the USA and Germany and, not least, the close cultural and artistic connection between these two countries.

Helen Williams Drutt ist eine US-amerikanische Galeristin, Sammlerin, Vermittlerin und Förderin zeitgenössischer Schmuckkunst. Als Hommage an diese Grande Dame des internationalen Studioschmucks und an ihre nunmehr 60 Jahre währende Sammeltätigkeit präsentiert die Publikation ausgewählte Schmuckarbeiten von US-amerikanischen und deutschen Künstler:innen in einer bislang noch nicht gezeigten Zusammenstellung. 140 Positionen amerikanischer Schmuckkunst stehen für deren Vielfalt in den letzten 70 Jahren, von modernistisch-minimalistischen Arbeiten über narrative Werke bis zu Schmuckobjekten mit einer starken gesellschaftlich-politischen Aussage. Die Präsentation von knapp 100 Arbeiten deutscher Schmuckkünstler:innen dokumentiert eindrucksvoll die unterschiedliche Entwicklung zeitgenössischen Schmucks in beiden Ländern, aber auch die gegenseitigen Beeinflussungen und Gemeinsamkeiten. Die Arbeiten zeugen von der großen Hingabe, mit der Helen Williams Drutt sich für die Schmuckkunst engagiert, und stehen darüber hinaus aber auch für ihre Freundschaft mit den Künstler:innen aus den USA und Deutschland und, nicht zuletzt, für die enge kulturelle und künstlerische Verbindung zwischen diesen beiden Ländern.

SELECTION OF ARTISTS: USA: Melanie Bilenker, Ken Cory, Aaron Decker, Claire Falkenstein, William Harper, Robin Kranitzky & Kim Overstreet, Stanley Lechtzin, Keith Lewis, Albert Paley, Joyce C. Scott, Helen Shirk, Olaf Skoogfors, Kiff Slemmons, Don Tompkins, Merrily Tompkins, J. Fred Woell Germany: Manfred Bischoff, Helen Britton, Claus Bury, Georg Dobler, Christiane Förster, Mirjam Hiller, Hermann Jünger, Falko Marx, Dorothea Prühl, Gerd Rothmann, Bettina Speckner

EXHIBITION: Galerie Handwerk, Munich (DE), 5. 3. – 11. 4. 2026

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Cristina Filipe, Doreen Pijnenburg-Timmers, Julia Wild

Typhaine Le Monnier – Playtime

An Artistic Journey in Form and Meaning Eine künstlerische Reise in Form und Bedeutung Graphic design: Joana Durães, Lisbon 96 pp., 17 × 24 cm, approx. 80 ills. Swiss binding. English / German. € 28 [D] / US$ 50 / £ 32 ISBN 978-3-89790-764-5 May 2026 E⁄D

In Typhaine Le Monnier’s atelier, work never stops. Hands move instinctively while the mind circles around unresolved questions—shaping forms from fragments, discarded jewels, and fleeting ideas. What appears repetitive gradually reveals a deep, evolving investigation into form and meaning. Repetition exposes the resistance of materials: the fragility of stone, the stubbornness of metal, and the limits of turning thought into matter. Le Monnier’s practice is fueled by the fraught tension between failure and discovery, doubt and intuition. Her work wavers between jewelry and sculpture, intimacy and collectivity, questioning the ways in which we inhabit the world and the role objects play within it. In Playtime, play is no escape; it is a method of survival, a way to sit with discomfort and keep creating despite uncertainty. In Typhaine Le Monniers Atelier ruht die Arbeit nie. Die Hände bewegen sich instinktiv, während der Geist um ungelöste Fragen kreist – Fragmente, ungenutzte Schmucksteine und flüchtige Ideen nehmen Form an. Was repetitiv erscheint, wird allmählich zu einer intensiven Untersuchung der Beziehung zwischen Form und Bedeutung. Wiederholung enthüllt den Widerstand von Materialien: Wann wird der Stein zerbrechlich, wie widerspenstig ist Metall und wo liegen die Grenzen in der Umsetzung von Gedanken in Materie? Le Monniers Arbeit lebt von der Spannung zwischen Scheitern und Entdecken, Zweifel und Intuition. Ihre Objekte schweben zwischen Schmuck und Skulptur, Intimität und Kollektivität – sie fragen, wie wir die Welt bewohnen und welche Rolle Objekte darin spielen. In Playtime ist Spiel kein Ausweg; es ist eine Methode des Überlebens, eine Möglichkeit, Unbehagen auszuhalten und trotz Unsicherheit weiter kreativ zu sein.

Bracelet, 2023, wooden blue and orange chromed pearls, orange synthetic line, white lacquered steel

Pearl necklace, 2023, white lacquered steel, wooden chromed orange pearl, orange synthetic line

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Emeric Pinkowicz, Myriam Theveniaud (eds.)

Joël Faivre-Chalon Conceptualising Jewellery. Doing and Sharing Penser le bijou. Faire et faire savoir

With contributions by Françoise Faivre-Chalon, Emeric Pinkowicz, Myriam Theveniaud, and Christophe Burger Graphic design: Karina Moschke, Kirchheim / Teck (DE) 104 pp., 21 × 28 cm, approx. 61 ills. Hardcover. English / French. € 34 [D] / US$ 60 / £ 39 ISBN 978-3-89790-761-4 March 2026 E⁄F

Diese Monografie ist Joël Faivre-Chalon (1953–2020) gewidmet, einem französischen Schöpfer zeitgenössischer Schmuckkunst. Joël Faivre-Chalon, der in Straßburg ausgebildet wurde und später in Montpellier lebte, hat Schmuck nie nur als Zierde betrachtet: Seine Stücke sind das Ergebnis geduldiger Forschung in Bezug auf Form (die unter seinen Händen eher reduziert ist), Technik und Materialien. Sein Schaffen lässt sich in zwei große Phasen einteilen: eine erste, in der er sich dem Experimentieren mit Farben widmete, gefolgt von einer zweiten, in der er sich auf die Untersuchung von Volumen konzentrierte und dabei auf innovative Materialien wie Titan, Schiefer, Laminat oder Kohlefaser zurückgriff.

Brooch, 1988

Exhibition: Musée du Bijou contemporain, Cagnes-sur-Mer (F), 19. 9. 2025 – 17. 5. 2026

This monograph is devoted to Joël Faivre-Chalon (1953–2020), French creator of contemporary jewelry. Trained in Strasbourg and subsequently based in Montpellier, Joël Faivre-Chalon never viewed jewelry as mere ornament: his pieces are the fruit of patient research conducted into form (which, in his hands, tends to be pared down), technique, and materials. His work can be imagined in two broad phases: the first devoted to experiments with color, followed by a second focused on studying volume, drawing on innovative materials such as titanium, slate, laminate, or carbon fiber.

Swimming pool and parasol, brooch, 1983

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Francesco Pavan, Imperfettibile [Imperfect], necklace, 2000

Dorothea Prühl, Stern [Star], necklace, 1999

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Susan Cummins / Flos Wildschut / Lizzie Atkins

MARZEE With a foreword by Petra Hölscher Graphic design: Silke Nalbach, Mannheim (DE) 256 pp., 25.5 × 30.5 cm, approx. 150 ills. Hardcover. English. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-756-0 March 2026 E

Galerie Marzee, 2025

The name Marzee refers to intertwined identities. There is Marie-José van den Hout (known as Marzee), the dealer whose drive and passion makes everything possible. There is Galerie Marzee, the institution with a rich backstory, a fabulous building, and enviable programs. And there is the Marzee Collection, more than 2,500 objects that track the history of Marzee the individual and Marzee the gallery. This book, with a foreword by Petra Hölscher, chapters by Susan Cummins, Flos Wildschut, and Lizzie Atkins, and photographs by Michiel Heffels, tells the story of the dealer, the gallery, and the collection. In 1978 Marie-José opened the first Galerie Marzee in an old butcher’s shop in Nijmegen, the Netherlands; today the gallery occupies an impressively renovated grain warehouse on the river Waal. Imbued with the powerful minimalism of the building, MARZEE the book presents over 300 pieces from the Marzee Collection that have been chosen and arranged by Marie-José van den Hout herself.

Der Name Marzee steht für miteinander verflochtene Identitäten. Da ist Marie-José van den Hout (bekannt als Marzee), die Händlerin, deren Tatendrang und Leidenschaft alles möglich macht. Da ist die Galerie Marzee, eine Institution mit einer reichen Geschichte, einem fabelhaften Gebäude und beneidenswerten Programmen. Und da ist die Marzee-Sammlung mit mehr als 2500 Objekten, die die Geschichte von Marzee als Person und als Galerie nachzeichnet. Dieses Buch mit einem Vorwort von Petra Hölscher, Beiträgen von Susan Cummins, Flos Wildschut und Lizzie Atkins sowie Fotografien von Michiel Heffels erzählt die Geschichte der Händlerin, der Galerie und der Sammlung. 1978 eröffnete Marie-José die erste Galerie Marzee in einer alten Metzgerei in Nijmegen, Niederlande; heute befindet sich die Galerie in einem beeindruckend renovierten Getreidespeicher am Fluss Waal. Durchdrungen vom kraftvollen Minimalismus des Gebäudes präsentiert das Buch MARZEE über dreihundert Werke aus der MarzeeSammlung, die von Marie-José van den Hout selbst ausgewählt und zusammengestellt wurden.

The Marzee Collection on the third floor of Galerie Marzee, 2025

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Marjan Unger

Jewellery in Context is the doctoral dissertation, in its first English translation, by the Dutch art historian Marjan Unger (1942–2018). In this work she endeavors to formulate a general definition of jewelry. She describes how since time immemorial all human fears, but also desires, have, in a sense, materialized as objects of adornment. A must-read for everybody!

Jewellery in Context A multidisciplinary framework for the study of jewellery

Marjan Unger

Je w e l l e r y

With a foreword by Theo Smeets

in context

Graphic design: Theo Smeets, Idar-Oberstein (DE) 232 pp., 11 × 17.5 cm. Softcover. English.

A multidisciplinary framework for the study of jewellery

NEUAUFL AGE!

Jewellery in Context ist die erstmals in englischer Übersetzung herausgegebene Doktorarbeit der niederländischen Kunsthistorikerin Marjan Unger (1942– 2018). Diese unternimmt hier den Versuch, eine allgemeine Definition von Schmuck zu formulieren. Sie arbeitet heraus, dass sich ursprünglich alle menschlichen Ängste, aber auch Wünsche gewissermaßen als Objekte der Zierde materialisiert hätten. Ein absolutes MustRead!

€ 15 [D] / US$ 25 / £ 17 ISBN 978-3-89790-579-5 March 2026 E

9 783897 905795

mu Theorems

Foreword You hold in your hands the English translation of Marjan Unger’s dissertation. In my opinion, this essay is one of her purest. Among all the other texts I know on adornment and jewellery, it stands out as an absolute elementary standard work, and I consider it a ‘must-read’ for every jewellery student. But also for

1 A term such as ‘modern jewellery’ refers more to a certain

professionals, it will certainly open new perspectives and widen

period within the twentieth century than to a distinction with

horizons. For interested laymen, it is a perfect introduction to the field of jewellery and adornment.

jewellery from the preceding periods.

Until now, ‘Jewellery in Context – A multidisciplinary framework

6 It is amazing to think that many of the natural materials

used in jewellery come from ‘the underworld’: ores from deep underground, stones that are mined, treasures from the sea and the raw materials used to make synthetic materials. The things from ‘the upper world’ serve more as inspiration and model.

for the study of jewellery’ was available in Dutch only. I often asked Marjan to also publish this text in English in order

2 Jewellery is essentially nothing less than wearable money;

to make it available beyond the Dutch-speaking borders. But

This observation can serve as a metaphor for analysing the many forms of symbolism associated with jewellery.

all the same, it can be more than wearable money.

knowing that she did’t have much time left, she kept telling me that she preferred to do ‘new’ writing and asked me to be patient – again and again. Just before she passed away, she gave me

7 The fact that jewellery primarily has an affirmative function

the right to publish the English version of her dissertation and

3 The goldsmith’s trade is a shining example of a design

asked me to take care of it. In consultation with Gerard Unger and Chequita Nahar, I conceived this book as a co-publication

discipline in which recycling has always been the norm.

with many other jewellery institutions, schools, entrepreneurs and interested individuals. we considered this to be mostly in Marjan’s spirit.

4 Symbolism in jewellery is rooted in the motifs that underlie

My sincere thanks go to Suzanne van Leeuwen, Chequita Nahar, Dirk Allgaier, Wolfgang Lösche and all the co-publishers for making this possible.

its wearing. These motifs are based not only on social, cultural

within social groups, that each group lives with its own codes and that the lower classes or subcultures can also influence the preferences of other social groups, are recent notions from the

human sciences that are of great value for the study of jewellery.

8 Craft does not exclude thinking.

and moral norms that often have a great deal of continuity, but

Dr. Marjan Unger passed away in 2018 – a grave loss, not only for our field. Her work and heritage however, will continue to inspire

also on the personal and time-bound points of view of the maker, the client and the wearer.

and educate generations of jewellery lovers worldwide. Holding the Englisch version of Marjan Unger’s dissertation in my hands makes me happy. I wish you the same while reading this book!

5 The term ‘art’ should not be used as a quality standard with

August 2019,

regard to design products, including jewellery.

Theo Smeets

Lisa Cahill / Julie Ewington / Barbara P. Gifford / Toni Greenbaum / Katie Scott

Helen Britton The Story So Far Graphic design: Alexandra Rusitschka, Leipzig (DE) 320 pp., 22 × 28.7 cm, 360 ills. Cloth-bound hardcover. English. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 ISBN 978-3-89790-743-0

9 An art historian cannot live on masterpieces alone

10 Neither the possession of a pearl necklace nor the wearing

of a it constitute an essential obstacle to the scientific approach to a cultural phenomenon such as jewellery.

The Story So Far is the first comprehensive overview of Australian artist Helen Britton’s work. The book covers over 40 years of Britton’s multidisciplinary practice and presents her extraordinary, often colorful and playful works. Alongside the photographic essay “My Godmother’s House,” it includes contributions from renowned authors, the artist’s own texts, and excerpts from the writings of Ted Snell and Robert Cook. The Story So Far ist die erste umfassende Übersicht über das Werk der Australierin Helen Britton. Die Publikation umfasst über 40 Jahre von Brittons multidisziplinärem Schaffen und präsentiert ihre außergewöhnlichen, häufig farbenfrohen und verspielten Arbeiten. Neben einem fotografischen Essay finden sich Beiträge renommierter Autor:innen sowie Texte der Künstlerin selbst und Auszüge aus den Schriften von Ted Snell und Robert Cook.

9 783897 907430 KOALA HOTEL Shark: Hey everyone, we’re going to Australia!

Seahorse: No way! I’m gonna bring my friends.

Kangaroo | 2021 | Galalith, Gold, Silk | 12×7×1 cm

Bush Rat: Where we gonna stay?

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Petra Hesse / Lena Hoppe, Museum für Angewandte Kunst Köln (eds.)

From Louise Bourgeois to Yoko Ono presents some 85 jewelry works by 45 internationally renowned female visual artists. Some of the jewelry pieces captivate with minimalist elegance, others with their sculptural presence or playful humor. With this publication and an exhibition of the same name, the MAKK – Museum of Applied Arts, Cologne, deliberately breaks with the male-dominated perception of avant-garde art jewelry.

From Louise Bourgeois to Yoko Ono Jewellery by Female Artists

Von Louise Bourgeois bis Yoko Ono Schmuck von Künstlerinnen With a contribution by Louisa Guinness Graphic design: Silke Nalbach, Mannheim (DE) 144 pp., 22 × 28 cm, 93 ills. Hardcover. English / German. € 34 [D] / US$ 60 / £ 39 ISBN 978-3-89790-750-8 E⁄D

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Von Louise Bourgeois bis Yoko Ono präsentiert rund 85 Schmuckarbeiten von 45 international bedeutenden bildenden Künstlerinnen. Manche Schmuckstücke bestechen durch minimalistische Eleganz, andere durch skulpturale Präsenz oder spielerischen Humor. Das Museum für Angewandte Kunst Köln bricht in Publikation und Ausstellung mit der männlich dominierten Wahrnehmung des avantgardistischen Künstler:innenschmucks.

Yoko Ono Born 1933 in Tokyo Prefecture (Japan), lives and works in New York (USA)

Geb. 1933 in der Präfektur Tokio (Japan), lebt und arbeitet in New York (USA) Zu den wichtigsten Wegbereiterinnen der Performance- und Konzeptkunst sowie internationalen Fluxus-Bewegung gehört unbestritten die japanische Künstlerin Yoko Ono. Ihr umfassendes Lebenswerk dokumentiert die multimediale Vielseitigkeit und den radikalen Ansatz Yoko Onos als experimentelle Künstlerin, Musikerin, Komponistin, Filmemacherin sowie als Friedens- und Menschenrechtsaktivistin. Der 2004 geschaffene Fingerring „Imagine Peace“ stellt bewusst Bezüge zu Yoko Onos und John Lennons (1940—1980) Engagement für den Frieden her sowie zu dem 1971 veröffentlichten Song „Imagine“, der bis heute als Hymne der Friedensbewegung gilt. Dementsprechend ist der Ringkopf in Form einer VinylSingle gestaltet. Über die Funktion als Schmuckobjekt hinaus ist der Ring eine Einladung zum Frieden. PH

The Japanese artist Yoko Ono is undoubtedly one of the most outstanding pioneers of the conceptual art, performance, and part of the international Fluxus movement. Yoko Ono’s extensive life work is a document of her multimedia versatility and radical approach as an experimental artist, musician, composer, filmmaker and peace and human rights activist. The Imagine Peace finger ring, created in 2004, consciously references Yoko Ono and John Lennon’s (1940—1980) commitment to peace and to their song Imagine, which was released in 1971 and is still considered an anthem of the peace movement today. Accordingly, the ‘gem’ of the ring is designed in the shape of a single vinyl disc. In addition to its function as a piece of jewellery, the ring is an invitation to peace. PH

YOKO ONO: Fingerring „Imagine Peace“ / 2004 / Edition Filippini (8/8) / Gelb- und Weißgold / 3,75 × 4 × 4 cm / Leihgabe Sammlung Diane Venet, Paris ―――― Finger ring Imagine Peace / 2004 / Edition Filippini (8/8) / Yellow and white gold / 3.75 × 4 × 4 cm / Courtesy of Collection Diane Venet, Paris

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JOANA VASCONCELOS: Halsschmuck „Vortex“ / 2013 / Unikat / Gold; Rubine / 23,5 × 13,5 × 3,7 cm / Leihgabe Joana Vasconcelos, Lissabon ―――― Neckpiece Vortex / 2013 / One-off piece / Gold; rubies / 23.5 × 13.5 × 3.7 cm / Courtesy of Joana Vasconcelos, Lisbon

JOANA VASCONCELOS: Halsschmuck „Extravaganza (red)“ / 2022 / Unikat / Silber; rote Keramikglasur; Gummi / 23 × 21 × 3,2 cm / Leihgabe Joana Vasconcelos, Lissabon ―――― Neckpiece Extravaganza (red) / 2022 / One-off piece / Silver; red ceramic lacquer; rubber / 23 × 21 × 3.2 cm / Courtesy of Joana Vasconcelos, Lisbon

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Textiles are an integral part of our daily lives. In this illustrated publication, Stephanie Kahnau presents 40 female textile designers of the 20th and 21st centuries and their outstanding and individual approaches to their material. In doing so, she offers multiple perspectives on this fascinating medium at the interface between functionality and aesthetics.

Textile Practices Forty Female Artists and Designers from Europe

Textile Praktiken Vierzig Künstlerinnen und Gestalterinnen aus Europa

Das Textil ist integraler Bestandteil unseres täglichen Lebens. Stephanie Kahnau präsentiert in diesem Band 40 Textil-Gestalterinnen des 20. und 21. Jahrhunderts und deren herausragenden und individuellen Umgang mit dem Textil. Dergestalt bietet diese Publikation vielfältige Perspektiven auf ein faszinierendes Medium an der Schnittstelle zwischen Funktionalität und Ästhetik.

Graphic design: Daily Dialogue, Munich (DE) 240 pp., 22 × 28 cm, 235 ills. Hardcover. English / German. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-742-3 E⁄D

9 783897 907423 I love to build with threads; the fluidity of the line is endlessly inspiring for me.

01 TEXTILE ELEMENTS IN SPACE (1970/72) VARIABLE DIMENSIONS TENSION WOUND LINEN, SILK, WOOL, METAL

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01 DANGEROUS FOOL (2022) ONE SIZE CROCHETED, TUFTED VARIOUS YARNS

02 KLEINE SÄULE (1967) 85 × 18 × 11 CM COUCHED CORD, METAL LINEN, METAL THREAD, GOLD LUREX THREAD

Elsi Giauque

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FORTY PERSPECTIVES FROM PRACTICES IN TEXTILE

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FORTY PERSPECTIVES FROM PRACTICES IN TEXTILE

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Thomas Aydt

Gustav Adolf Wagner Thomas Aydt

Gustav Adolf Wagner Zum Gartenbau im 19. Jahrhundert: Stuttgart – Remseck – Süddeutschland arnoldsche

Zum Gartenbau im 19. Jahrhundert: Stuttgart – Remseck – Süddeutschland Graphic design: Silke Nalbach, Mannheim (DE) 112 pp., 24 × 26 cm, approx. 120 ills. Hardcover. German. € 28 [D] / US$ 50 / £ 32 ISBN 978-3-89790-738-6 April 2026 D

This publication depicts the life and work of the garden designer Gustav Adolf Wagner (1817–1893), who created romantic park landscapes in the second half of the 19th century. Numerous hitherto unpublished projects throw new light onto 19th-century garden landscape design and reintroduce the life and work of this unjustly forgotten garden designer. Die Publikation schildert Leben und Werk des Gartenkünstlers Gustav Adolf Wagner (1817–1893), der in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts neue romantische Parklandschaften geschaffen hat. Zahlreiche, bislang unpublizierte Pläne werfen ein neues Licht auf die Gartenbauarchitektur des 19. Jahrhunderts und bringen das Leben und Werk dieses zu Unrecht vergessenen Gartenkünstlers wieder in Erinnerung.

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Markus Winter / Don Freeman (eds.)

Berlin Deko Central European Furniture from 1910 to 1930 With contributions by A. Sildatke, U. Leben, M. Palica, M. Mertens, P. Zucker, and M. Winter Graphic design: Piotr Bondarczyk, New York (US) 160 pp., 21.6 × 28 cm, 236 ills. Hardcover. English. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-741-6 E

Berlin Deko is the first comprehensive survey of early 20th-century German and Central European furniture design to move beyond the notion of a linear development of styles between Jugendstil and Bauhaus. It explores the period between 1910 and 1930, revealing a diverse continuum of styles, including the overlooked “Expressionist Rococo” that flourished in Berlin. Berlin Deko ist die erste umfassende Darstellung des deutschen und mitteleuropäischen Möbeldesigns des frühen 20. Jahrhunderts, die über die Vorstellung einer linearen Stilentwicklung zwischen Jugendstil und Bauhaus hinausgeht. Mit einem besonderen Fokus auf den Zeitraum zwischen 1910 und 1930 wird ein vielfältiges Kontinuum von Stilen gezeigt und beschrieben, darunter auch das bislang übersehene „expressionistische Rokoko“, das im Berlin der Zeit seine Blüte erlebte.

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Antonia Boström / David Cholmondeley / Frank Matthias Kammel / Michele De Lucchi / Sarah Myerscough

Ernst Gamperl’s work revolves around the artist’s deep connection with nature and respect for his raw material. Trees are an integral part of creation, symbols of life and strength that Gamperl has studied for years. This monograph provides a comprehensive analysis of the artist’s life and work, tracing his extraordinary career, which spans almost 40 years. Ernst Gamperls Schaffen ist geprägt von einer tiefen Verbundenheit mit der Natur und dem Respekt vor dem Rohstoff Holz. Bäume sind ein integraler Bestandteil der Schöpfung, Symbole des Lebens und der Kraft, die Gamperl seit Jahren studiert. Die Monografie bietet eine umfassende Analyse von Ernst Gamperls Leben und Werk und zeichnet seine außergewöhnliche, fast vierzigjährige Karriere nach. -- 25-05-21 Cyan PANTONE 476 C Black Yellow Magenta

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Distribution in Germany, Switzerland, and Austria only

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Graphic design: Lara Gariboldi, Varese (IT) 272 pp., 26 × 32 cm, 206 ills. Hardcover. English / German / Italian. € 64 [D] / US$ 110 / £ 72 ISBN 978-3-89790-754-6

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Urkraft

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Ernst Gamperl

9 783897 907546

Stone Hall at Houghton Hall, Norfolk, United Kingdom [pp. 142-143]

Stone Hall at Houghton Hall, Norfolk, United Kingdom

[p. 00]

TITOLO OPE RA [pp. 144-145]

Materiale materiale

The Saloon at Houghton Hall,

00 x 00 x 00 cm

Norfolk, United Kingdom

Collezione nome o luogo

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DESCRIZIONE: 717-25 - VRL - INTERNO ERNEST GAMPERL - FG 3

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Nome File: 038_ErnstGamperl- 996_REV2. p1. pdf

COMMESSA: 717-25 ERNEST GAMPERL FOGLIO: 3

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Nome File: 140_ErnstGamperl- 996. p1. pdf

C M Y X B C M Y X B B C M Y X 0 B 20 B Prinect C Micro−6i M Format Y 102/105 X CMY CMY (pdf2400dpi, Prinect Micro−6i hidden Format PS) © 102/105 2015 Heidelberger Dipco 18.0a Druckmaschinen (pdf2400dpi, without AG hiddenMY PS) CMY © 2015 Heidelberger B C Druckmaschinen M Y X AG CDipco M 18.0a C Mwithout

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Aufgetischt Eine kulinarische Weltreise. Zur Kultur des Essens und Trinkens Graphic design: Ina Bauer, Stuttgart (DE) 256 pp., 22 × 29 cm, 223 ills. Hardcover. German. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-746-1 D

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Eine Teeschale, die von feinen Rissen durchzogen ist, beschädigt, angeschlagen, fehlerhaft – man könnte sie aussortieren oder versuchen, den Makel möglichst unsichtbar zu kitten. Doch genau das Gegenteil geschieht bei der japanischen Goldlack-Reparatur namens Kintsugi: Das Versehrte wird durch zarte goldene Linien veredelt und hervorgehoben.1 Es entsteht etwas Neues, das den Spuren des Lebens Raum gibt und ihnen eine eigene Schönheit verleiht. Kintsugi ist nicht nur eine Kunstfertigkeit, sondern auch eine Haltung: Sie akzeptiert das Verletzliche und Unvollkommene; ein wenig, wie es Leonard Cohen in Anthem besingt: »There is a crack […] in everything, that’s how the light gets in.« Die traditionelle japanische ReparaturTechnik geht auf das 16. Jahrhundert zurück. Sie entstand vor dem Hintergrund des sich ausbrei2 tenden Zen-Buddhismus, der die EinfachVgl. Claudia heit als ästhetisches Prinzip achtet. 2 Ob Siomone Hoff, bei geistigen Werten oder Gegenständen Aus Scherben wird Gold: die des Alltags wie etwa Schalen für die trajapanische Tradition ditionelle Teezeremonie liegt das AugenKintsugi , in: AD Architectural merk nicht auf offensichtlicher SchönDigest, 27. Mai 2024. heit, sondern auf dem Verborgenen und Unscheinbaren oder Unvollständigen. Die Versehrtheit wird zu einem Merkmal von besonde3 rer Qualität,3 der Makel zu einer gestalterischen Vgl. Stephan von Methode. Durch das Betonen von Brüchen und der Schulenburg, Die Welt im Fluss. Rissen erhalten Keramik-Scherben einen neuen Über Bewegtes und Glanz – das Fragmentarische wird zum Schmuck Vergängliches in der Japanischen und verleiht den Dingen eine stille Tiefe. Kunst, Frankfurt a. M., Der in Pforzheim lebende Schmuckkünstler 2025, S. 72. Yasutaka Okamura verbindet in seinen Arbeiten genau diese Aspekte mit zeitgenössischer Gestaltung. An seinem Werkbrett entstehen Tischobjekte wie Schalen und Gefäße, die er bewusst zerbricht und anschließend mittels Kintsugi wieder zusammensetzt. Anders als bei klassischen Restaurierungen nutzt Okamura den Moment der Zerstörung als kreativen Impuls: Die Brüche werden Teil des Entwurfsprozesses, das Gold – beziehungsweise der titanoxidierte Glimmerstaub – folgt keinem vorgegebenen Muster, sondern dem Zufall. Okamuras Arbeiten changieren zwischen Objektkunst und funktionalem Geschirr. Seine Stücke erzählen vom Wandel, vom Widerstand gegen industrielle Perfektion und von einer tiefen Ehrfurcht vor dem Material. Der Schmuckkünstler versteht Kintsugi nicht als bloße Technik, sondern als poetischen Akt: »Jede Bruchlinie«, so sagt er, »ist wie eine menschliche Beziehung.« In einer Welt, in der oft das Glatte, Unversehrte bevorzugt wird, öffnet Kintsugi neue Perspektiven auf das, was als schön gilt. Es lädt dazu ein, innezuhalten, genau hinzusehen – und im Glanz der goldenen Narben eine neue Art von Pracht zu erkennen. 1 Vgl. Markus Röck, Reparieren mit Gold: die japanische Tradition des Kintsugi , in: National Geographic, 8. März 2023.

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Mit aufwendigen Banketten und exquisitem Tafelschmuck zelebrierten die Fürstenhäuser Europas einst ihre Macht. Handel, Eroberungszüge und Migrationsprozesse erweiterten die Speisezettel und veränderten Sitten und Gebräuche. In dieser ungewöhnlichen Publikation zu den Tafelsitten präsentiert das Schmuckmuseum Pforzheim historische Goldschmiedekunst und zeitgenössisches Design, Schmuck „zum Anbeißen“ und Kostbarkeiten aus aller Welt. Isabel Schmidt-Mappes

1990er Jahre

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The aristocratic families of Europe once held luxurious banquets featuring exquisite accessories to display their power. Trade, conquests, and migration introduced “exotic” fruits and spices, changing customs and traditions. In this exceptional publication on the mores of dining, the Pforzheim Jewellery Museum presents historical goldsmithing and contemporary design, jewelry “to eat,” and treasures from across the globe.

Goldene Narben – Kintsugi und die Ästhetik der Vollkommenheit im Unvollkommenen

Party-Trinkhelm

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Katja Poljanac / Isabel Schmidt-Mappes / Friederike Zobel / Schmuckmuseum Pforzheim (eds.)

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Japanische Teeschale Kintsugi-Chawan Yasutaka Okamura, Pforzheim, 2023

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Objekt Gespaltene Gesellschaft 1 Yasutaka Okamura, Pforzheim, 2024

G. F. Bierfreund, gemarkt wie Nürnberg, wohl Hanau, 19. Jh.

Trinkgefäß als Schuh

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NEU SEIT HERST/WINTER 2025 / NEW SINCE AUTUMN/WINTER 2025

Jörg Schwandt

The glazes of classic Chinese ceramics have long been fascinating to experts and collectors. This publication explores 13 glaze types, their effects, natural models, contrasts, and technical or physical dynamics. Their extraordinary beauty is illustrated by way of the classically inspired works of the Royal Copenhagen stoneware studio, created between the 1930s and 1970s. Artists’ signatures and date codes are part of the addendum.

The Magic of Ceramic Glazes Nils Thorsson and the Artist Stoneware of Royal Copenhagen 1932–1975

Die Magie der Glasur Nils Thorsson und das KünstlerSteinzeug von Kgl. Kopenhagen 1932–1975

Die Glasuren der klassisch chinesischen Keramik faszinieren seit langem Experten und Sammler. Diese Publikation untersucht 13 Glasurtypen, ihre Wirkungen, natürlichen Vorbilder, Farbkontraste und technischen Abweichungen. Ihre außergewöhnliche Schönheit wird anhand der klassisch inspirierten Arbeiten der Steinzeug-Werkstatt von Kgl. Kopenhagen der 1930erbis 1970er-Jahre illustriert. Im Anhang finden sich Künstlersignaturen und Datierungs-Chiffren.

Graphic design: kleines o, Münster (DE) 200 pp., 24.5 × 28.5 cm, 240 ills. Hardcover. English + German. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 E: ISBN 978-3-89790-748-5 D: ISBN 978-3-89790-749-2

English

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Nils Thorsson about 1960 Porcelain

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Axel Salto 1950/55 Porcelain

H 23.8 cm ⌀ 13.8 cm

H 12.5 cm ⌀ 12.2 cm

Temmoku • Contemporary Japanese name for the original Chinese ‘Jian ware’ (since the 13th century) • Named ‘black olivine’ by Royal Copenhagen • In use since 1934/35

Technique A high iron content (8–15 %), complemented by a greater addition of umbra (7.5 %), creates a black colour in reduction firing (withdrawal of oxygen). A ceramic mass with high manganese content, from which the metallic components migrate into the glaze, often causes extraordinary surface effects. Appearance Shiny, barely translucent, frequently with a mirroring surface. Consistent deep-black colour. Exposed rims and parts with plastic decoration may change colour and develop a deep redbrown or a rusty-red with metallic sheen. This is because, here, the glaze flows off more easily, allowing colouring minerals to emerge from the ceramic mass. Special Features If the cooling process is considerably delayed by constantly adding fuel, iron particles can regroup and, helped by the manganese, create extraordinary glaze effects. These include, for instance, patches of golden brown colour that seem to float, or, another phenomenon, two superimposed crystalline layers (aventurine glaze), or even a silvery mirroring, delicately crystallised surface structure.

Nils Thorsson 1962 Porcelain

H 5.5 cm ⌀ 18 cm

48 – Temmoku

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96 – Copper Red

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Nele van Wieringen for the Westerwaldkreis (ed.)

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The moving life of Jan Bontjes van Beek (1899–1969) is closely associated with 20th-century German history. Like no other, he emphasized materiality in form and dynamism in color. During tumultuous times, he sought out the perfect balance for his vessels, and ultimately for himself. This publication is the first overview of this outstanding artist’s work.

Jan Bontjes van Beek Body | Scale | Color Körper | Maß | Farbe Graphic design: Silke Nalbach, Mannheim 80 pp., 17 × 24.5 cm, 49 ills. Softcover. English / German. € 28 [D] / US$ 50 / £ 32 ISBN 978-3-89790-752-2

Das ergreifende Leben von Jan Bontjes van Beek (1899–1969) ist eng mit der deutschen Geschichte des 20. Jahrhunderts verbunden. Wie kein anderer betonte er die Körperlichkeit in der Form und die Dynamik in der Farbe. In bewegten Zeiten suchte er nach dem Maß für seine Gefäße und letztlich für sich selbst. Diese Publikation bietet den ersten Überblick über das Werk dieses Jahrhundertkünstlers.

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NEU SEIT HERST/WINTER 2025 / NEW SINCE AUTUMN/WINTER 2025

Renate Luckner-Bien (ed.)

Gertraud Möhwald (1929–2002) was a renowned German sculptor and ceramicist whose expressive figurative works earned her international acclaim. After studying at Burg Giebichenstein and later teaching there, she developed a unique artistic voice marked by selfreflection and resilience. This book provides insight into her creative process, showcasing selected works and unpublished texts.

Gertraud Möhwald Bildhauer will ich unbedingt werden Graphic design: Friedrich Lux, Halle an der Saale (DE) 256 pp., 17 × 24 cm, 199 ills. Hardcover. German. € 34 [D] / US$ 60 / £ 39 ISBN 978-3-89790-751-5

Gertraud Möhwald (1929–2002) war eine renommierte deutsche Bildhauerin und Keramikerin, deren ausdrucksstarke figurative Werke ihr internationale Anerkennung einbrachten. Nach Studium und Lehrtätigkeit an der Burg Giebichenstein entwickelte sie einen einzigartigen Stil, der von Selbstreflexion und Widerstandsfähigkeit geprägt war. Dieses Buch gibt Einblicke in ihren Schaffensprozess und präsentiert ausgewählte Werke neben unveröffentlichten Texten.

9 783897 907515

Was eigentlich kennzeichnet keramische Plastik Was stellt man sich gemeinhin unter „keramischer Plastik“ vor? Kaum mehr als ein Figürchen für die Schrankwand, gefällig in der Form, heiter bis anekdotisch im Ausdruck. Das Angebot bestärkt diese Vorstellung: es reicht vom biederen Kitsch bis zur modischen Kreation, geschaffen von Keramikern, denen keramische Plastik verheißungsvoll scheint, mit dem Qualitätsmaßstab nicht so einfach zu messen wie der Gebrauchsgegenstand, bei dem man sich besser auskennt. Auch der Fachkollege der freien Künste toleriert bei Keramik weit mehr an Oberflächlichkeit als in seinem eigenen Metier, betrachtet wohlwollender: was sich hier darstellt, ist ja nicht so ernst zu nehmen, ist ja auf der dekorativen Ebene liegend, ist nur keramische Plastik. Hier, denke ich, lohnt es sich für den Keramiker, Boden zurückzugewinnen. Was eigentlich kennzeichnet keramische Plastik? Ist ein Bronzeguß eine Metallplastik? Wie weit sind Materialspezifik und Abhängigkeit von der Herstellungsweise ausschlaggebend? Die Bedeutung des Begriffs hat sich wohl gewandelt: eine griechische Terrakotta bezeichnet man weniger als keramische Plastik, sondern als Plastik, für deren Beständigkeit nicht Stein oder Bronze, sondern eben Ton verwendet wurde. Der Begriff, wie wir ihn heute verstehen, setzt den Akzent auf „keramisch“ – man erwartet eine Aussage auch über das Material. Ich habe vor Jahren einen bezaubernden Mädchentorso vom jungen Weidanz gesehen – aus Tonwülsten aufgebaut, in keinem anderen Material denkbar, ihn würde ich als „echte“ keramische Plastik verstehen. 30 Jahre später modelliert Weidanz eine Halbfigur, gießt sie ab, formt sie in Ton aus, brennt sie, sie ist glasiert, kann aber den Materialreiz, wie ihn der Torso zeigte, nicht erreichen. Bildhauer setzen den Ton häufig quasi als Ersatzmittel ein; nicht, weil Ton das plastische Anliegen am besten verdeutlicht. Wiederum ist der Nichtkeramiker – unsicher in der Wahl der keramischen Mittel – oft weitaus unbefangener als der Fachmann, er ignoriert die Gefahren, die im Material liegen, kennt sie vielleicht kaum. Karl Müller ging souveräner und kühner an seine keramischen Plastiken heran als der kenntnisreiche und ängstliche Fachmann. Wir staunen heute noch darüber. -->

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Teekanne und zwei Schälchen, 1969, Drehton, gedreht, gelbe und weiße Glasur, teilweise getaucht und geschüttet, Kanne 10 cm hoch; Fotografie, Archiv und Sammlungen Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle

● Schwarze Vase, um 1975, Drehton, gedreht, gewalzt, geschnitten, montiert, verformt, Glasur geschüttet, 54 cm hoch; Keramik-Museum Berlin, Schenkung Barry und Thomas McDaniel

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Kopf mit Buntpapier, 1989, schamottierte Tone, Scherben, Glasuren und Engoben, Papier, 39 cm hoch, WV 72; Permanent collection Alfred Ceramic Art Museum at Alfred University, NY, USA, Museum Purchase, ACAM2022.24

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Gjertrud Steinsvåg (ed.)

Irene Nordli “My Hands Just Keep Getting Bigger” With a contribution by Tyra Teodora Tronstad Graphic design: Martin Egge Lundell, Oslo (NO) 136 pp., 17 × 24 cm, 65 ills. Cloth-bound hardcover. English. € 34 [D] / US$ 60 / £ 39 ISBN 978-3-89790-745-4

This publication highlights the work of Irene Nordli, a leading figure in Nordic ceramics, and explores her artistic evolution over the past three decades. Known for her figurines in porcelain, Nordli’s art blends the personal, artistic, and historical. The book invites reflection on her journey, which culminated in her 2024 solo exhibition at Kunsthall Grenland, and is underlined by striking photography and experimental design. Diese Publikation beleuchtet das Werk Irene Nordlis, einer führenden nordischen Keramikerin, in den letzten drei Jahrzehnten. Bekannt für ihre Skulpturen aus Porzellan, verbindet sie das Persönliche, das Künstlerische und das Historische miteinander. Das Buch begleitet Nordlis Werdegang bis zu ihrer größten Einzelausstellung 2024 in der Kunsthall Grenland und wird durch besondere Fotografien und experimentelles Design untermalt.

9 783897 907454 colours and shapes that were slightly unusual for her. Chain of Sorrow. I had to sit down. I cried.

In November, I see Irene’s work Hanging Fear. It is part of her solo exhibition I Find It Harder and Harder To Live Up To My Blue China at Format Oslo. Hanging Fear is a wallmounted work in pink distorted stoneware. The expression is more rugged than glossy porcelain and evokes a sense of disquiet. In the exhibition text, the Norwegian critic Line Ulekleiv describes the work as follows: “In her own words, Irene Nordli makes ceramics without happy endings. Her formal idiom is constantly undergoing renewal. In the sculptures for the exhibition at Format Oslo, organised in series, the material carries indications of thorough transformation. The surfaces are no longer smooth and appealing, as they tend to be in Nordli’s works, but rather unpolished and rough to the touch, abstracted to the point of brutal expressivity. […] These ragged, jagged works possess little of the pleasing ambivalence between conventional elegance and the negation of the expected whole that we usually associate with fragments. It is as if the organic materiality has thrust itself into the foreground and taken over, no longer restrained by a membrane of cool white glaze.”6 The pink distorted work at Format Oslo was more than just an example of “renewal”, as Line Ulekleiv so aptly puts it. If anything, it was a direct expression of savage change. Which is precisely how it felt at the time – a feeling. Something macabre and abstract was asserting itself.

When I ask Irene to tell me about the work, she starts with some rather matter-of-fact background: Chain of Sorrow is a series of cast objects in porcelain. During my residency at NTP in spring 2014, I set up a workplace in a former plaster-casting workshop. Although the factory was still in active use, the upper floors seemed almost abandoned. On the top floor, I found a storeroom full of moulds. These were originally used for casting various transformers, but they were no longer in use. She explains that her residency at the factory influenced what she was going to make for the exhibition in a variety of ways and mentions, almost as an aside, that she was grieving for her sister. I started making casts using the old plaster moulds. By opening the moulds before the clay had completely hardened, I could continue working on the transformer casts I had made. The clay was so soft I could still squeeze, deform and manipulate it. I also allowed gravity to determine their appearance, by dropping the forms onto the work surface. The grief I was feeling and the sadness of the empty factory space spilled over into these rejected shapes, influencing both their expression and the choice of colours. I saw the value in the transition from a technical purpose to something utterly non-technical, from results that were useless to objects that were entirely new, had become unrecognisable and lost any identifiable purpose. They were objects on the verge of collapse, and I found the transformation satisfying. I coloured the porcelain, or, more precisely, I added pigment to the casting material, producing a range of these small objects in a variety of blue and grey tones. So it was the aspect of grief that hit me on seeing this series of objects. It was an unusual and rare experience for me.

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Without a doubt, it has always fascinated me how little it takes for the pure and innocent to tip into the grotesque. But there always has to be an element of beauty in it, either a colour, a texture or a movement.

→ Prince Stoneware and car paint, 2005

But Hanging Fear?

This sculpture was one of seven in Kiss the Frog! The Art of Transformation (2005) at the newly merged National Museum of Art, Architecture and Design. The exhibition explored how contemporary practice merges genres, materials and techniques to redefine art and architecture.

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When Katrine fell ill and eventually died, a tone of seriousness entered my life. Up until then, I had been fairly sheltered with regard to the thought of losing someone close to me. It was a new and troubling feeling I had to learn to live with. At the time, I was working at the art academy in Oslo, where my daily contacts were young students and staff. And of course there was my own family. I saw a lot of Katrine’s children, husband and her close friends. There was

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→ Detail of Venus in a Mould Porcelain, 2019

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Astrid Becksteiner-Rasche

The international pioneer of media art Richard Kriesche bases his work on the most diverse of mediums, from painting to video art, in order to explore the revolutions in media, information, and digitalization of the last 50 years. Based on the artist’s works from the last six decades, the book focuses on art as an interface between man and a reality that is continually updating itself—a shift of time in present times.

Richard Kriesche A Shift of Time in Present Times Zeitenwende in Jetztzeit Graphic design: Karina Moschke, Kirchheim/Teck (DE) 86 pp., 26 × 24 cm, 82 ills. Softcover. English / German. € 28 [D] / US$ 50 / £ 32 ISBN 978-3-89790-728-7

Richard Kriesche, internationaler Pionier der Medienkunst, stützt seine Arbeit auf verschiedenste Medien, von Malerei bis Videokunst, um die Medien-, Informations- und Digitalisierungsrevolutionen der letzten 50 Jahre zu erkunden. Basierend auf seinen Werken aus den letzten sechs Jahrzehnten, konzentriert sich das Buch auf Kunst als Schnittstelle zwischen dem Menschen und einer sich ständig erneuernden Realität – Zeitenwende in Jetztzeit.

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dies wird auch im triptychon 3 generationenportrait familie obermayer 14 eindrucksvoll vor augen geführt – im zentrum stehen die fragen: woher komme ich, wo bin ich, wohin gehe ich? sowohl in der forschung, in der medizin als auch in der kunst formiert der mensch die schnittstelle. der individuelle organismus verkörpert informationsmaterial, es birgt erkenntnisse über funktion und aufbau des menschlichen gefüges im gesunden wie im kranken zustand. technologie-gestützte, datengenerierte bilder der forschenden medizin entziehen sich dem blick des alltags, wiewohl es sich um bilder handelt, die unser sein beinhalten. betrachten wir diese bilder, dann betrachten wir im weitesten sinne unser selbst. wir sind aufgefordert, diese bilder zu verstehen, um uns zu verstehen. darin liegt auch das wesen der kunst/bildkunst begründet. es baut sich somit die bedeutung des forschenden nach-denkens über das individuelle menschliche leben, aber auch das erkennen der gesellschaftlichen zukunft auf. diese lebensprozesse/zeitprozesse werden auch von transzendenten wirkungsprozessen begleitet. der wendepunkt, geprägt von der christlichen ikonografie, offenbart sich im manifest „… und das wort ist fleisch geworden!“ göttlicher hauch hat sich in einen menschlichen körper fassen lassen und damit göttliche wirkung sichtbar werden lassen. kriesche hat dieses textfragment umgekehrt, sowohl syntaktisch als auch semantisch. 16 es ist ihm gelungen, den menschlichen körper über den atem in ein globales/universelles netzwerk einzuschleusen, um eine entkörperlichte präsenz in der globalen/ universellen atmosphäre einzunehmen. somit wird der mensch innerhalb der elektronischen/digitalen zeit ent-zeitlicht! das projekt richard jesus 18 greift die entzeitlichung im monitor mittels fraktaler raumkörper auf, die zu einem telematischen bild fixiert wurden, das in der form des kreuzes allmacht und vollkommenheit beansprucht. eine symbolische matrix der abendländischen kultur wurde im medium zur darstellung gebracht.

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datenwerk : mensch genetisches portrait / blutspur – genspur genspur von richard kriesche in realdaten / 2001 das werk basiert auf der sequenzierung der genfragmente f2 und f5 zu einem 657-teiligen „a, c, g, t_text“. links: a/grün, c/blau, t/weiß, g/rot, n/grau mitte: a/grün, c/blau, t/weiß, g/rot, n/grau geordnet rechts: summe aller a/grün, c/blau, t/weiß, g/rot, n/grau

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humanic – faktisch richard werbespot – kunstspot für die firma humanic / in zusammenarbeit mit xaver schwarzenberger / graz / wien / 1972–1974 / 1985 kriesche steht in einem weißen maiskörneranzug auf dem markusplatz in venedig. die zuschauer erleben innerhalb von 30 sekunden, wie die maiskörnerskulptur sich über eine taubenskulptur hin zur realen person richard kriesche transformiert – einer der ersten und radikalsten imagespots in der geschichte der tv-werbung. kunst wurde hier als singuläre botschaft zur marken-/massenkommunikation, zur werbelinie für das unternehmen.

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Fabian Gatermann Transcendence Transzendenz With contributions by Raphael M. Bonelli, Theres Rohde, and Doris Myôen Zölls Graphic design: Jan Stöwe, Munich (DE) 128 pp., 23 × 23 cm, 61 ills. Softcover with open spine. English / German. € 28 [D] / US$ 50 / £ 32 ISBN 978-3-89790-747-8 E⁄D

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Abb. 4 und 5.: Finestra #1, photo © Florentina Tautu

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gaze backward and forward repeatedly. stepping out of the present and grasping the present as a moment in a developmental process which man as a rational being is able to steer by himself. we must learn temporal elasticity.” (von lüpke, “tiefenzeit”) you are not alone (du bist nicht allein) 24/26 as a message from father to son in the hour of death, but also to christian-connoted society. temporal elasticity by means of the narrative of death, as an interface between the living and eternity. the aesthetics of time will become more porous for us again as a result. the art of the present is based on simultaneity of production and communication. this is not understood as an artistic act in the dialogue between production and reception, but it is about recognizing the quality of the social, the political, the scientific, the cultural, and the spiritual. these qualities form the substance of the epoch that surrounds us. as we know, by means of measuring time, humanity has created a perception of time that is concretely metered and, with the aid of technological mechanisms and digitalisms, has carried it over into one that is abstract and, through the speed of light, has conveyed it to the point of non-perceptibility. the visual aspects of time are dispersed. for us to perceive the substance of the time that surrounds us, its distension is required. one example of this is manifested in the project tv death 1/2/3 (tv-tod 1/2/3) 28 . here, different planes of reality induced different perceptions of reality. in both the media and the real space, the reality of the shot at a monitor produces a specific aesthetic. present, reality, and truth were linked on the television screen. conditions of reality and reflection became visible. the audience examined their own theory of reality as they probed the hole/wound in the tv with their fingers. by means of an archaic act, it bridged its physical separation from the event of the performance. time experienced a distension within the performance, but also a stretch into christian history.

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Artist Fabian Gatermann uses light as the key medium for his installations, objects, and multiples to investigate new dimensions. He disengages himself from the classic scientific engineering system of testing; instead, his works can be seen as open-ended unconventional experiments that provoke active participation and invite the viewer to become part of a multi-perspective game of light and space. Der Künstler Fabian Gatermann nutzt Licht als zentrale Materie für seine Installationen, Objekte und Multiples, um neue Dimensionen zu erforschen. Dabei löst er sich von der klassisch ingenieurwissenschaftlichen Versuchsanordnung; seine Werke sind unkonventionelle Experimente mit offenem Ausgang, die zur aktiven Teilnahme herausfordern und dazu einladen, Teil eines multiperspektivischen Spiels von Licht und Raum zu werden.

Abb. 19 und 20: Lichtkreuzung, Artionale 2019, Nazarethkirche München Lichtkreuzung , Artionale 2019, Immanuel Nazareth Church, Munich, photo © Siegfried Wameser 2019

Abb. 36: Papierrelief #4, photo © Fabian Gatermann 2018

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Lynn Levenberg

Tibetan Women’s Jewelry Graphic design: Karina Moschke, Kirchheim/Teck (DE) 1,072 pp., 23 × 30 cm, 1,077 ills. Hardcover with dust jacket. English. € 98 [D] / US$ 170 / £ 108 ISBN 978-3-89790-727-0 E

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Tibetan Women’s Jewelry describes the cultural history of Central Tibet told through traditional jewelry and trade from the 17th century of the 5th Dalai Lama through the 14th Dalai Lama’s 1959 exile to India. This art book presents 10 distinctive styles of women’s relic boxes (Gaus), as well as other adornments and traditional clothing elements. Details from private interviews with the last nobles and master goldsmiths reveal how these treasures were worn. This innovative study establishes for the first time that jewelry styles changed with each Dalai Lama, setting an important dating precedent for all Tibetan collectibles. Meticulous research makes this the definitive scholarly publication on Tibetan jewelry.

Tibetan Women’s Jewelry dokumentiert die Kulturgeschichte Zentraltibets ausgehend vom traditionellen Schmuck des 17. Jahrhunderts, der Zeit des 5. Dalai Lama, bis zum Exil des 14. Dalai Lama nach Indien im Jahr 1959. Diese Publikation präsentiert zehn Gestaltungsvarianten der Reliquienschatullen (Gaus) für Frauen sowie weiteren Schmuck und Bestandteile der Tracht. Durch Interviews mit den letzten lebenden Adeligen aus Lhasa sowie mit alten Goldschmiedemeistern erfuhr die Autorin zahlreiche Details. Diese Studie weist erstmals nach, dass sich der Stil dieser Schmuckstücke mit jedem Dalai Lama änderte. Nicht zuletzt dadurch ist dieser Band die maßgebliche wissenschaftliche Publikation zu traditionellem tibetischem Schmuck.

Lynn Levenberg, President of Lynn Levenberg Ltd., New York (US), specializes in Tibetan, Nepalese, Bhutanese, Ladakhi, and Mongolian jewelry. Her Bachelor’s and Master’s degrees in English literature are from Columbia University (US). From 1991 to 2014, she chose and extensively researched every piece in the large Barbara & David Kipper jewelry collection. Lynn Levenberg’s thirty years of research on Buddhist jewelry have made her the only knowledgeable expert in this field.

Lynn Levenberg ist auf tibetischen, nepalesischen, bhutanischen, ladakhischen und mongolischen Schmuck spezialisiert. Sie hat einen Bachelor- und einen Master-Abschluss in englischer Literatur von der Columbia University (USA) und leitet ihre eigene Firma Lynn Levenberg Ltd. in New York (USA). Von 1991 bis 2014 erforschte sie die Sammlung tibetischen Schmucks von Barbara und David Kipper. Durch ihre über dreißigjährige Forschung zu buddhistischem Schmuck ist Lynn Levenberg die definitive Expertin auf diesem Gebiet.

Fig. 7. Noblewoman’s gold, DESIGN #1, STYLE 1, Kalsang Metok (“Auspicious Flower”) relic box with 96 plump cabochon turquoises, real rubies and real emeralds, freshwater pearls and a teardrop-shaped central crystal. The four alternate lotus flowers (at the top center, bo om center and two side centers) each have six heart-shaped turquoise petals, which are rare signs of age. Kalsang Metok Gaus had eight turquoise flowers around a larger center flower. STYLE 1 versions were small in size, square in shape, straight-sided, and had four rounded, scalloped side appendages and open wirework background filigree. On the outer sides are pearled, wirework, four-petal lotus flowers. Pearled wirework indicates Newar fabrication. (See this Gau on top le corner of the chart on Fig. 5 and on Chapter 1’s Quick Look page.) Lhasa, U Province, Central Tibet. 3" (7.62 cm.) square × ⅞" (2.21 cm.) deep. Reign of 8th Dalai Lama (r. 1762–1804) – Circa 1790–1800.

Fig. 629. Agors reached their pinnacle of perfection in this pair of extremely rare, gold and turquoise, noble-woman’s, lotus-shaped “Round Ear Pendants” with precious stones (rubies, emeralds and diamonds), all of which are faceted. The short black cords at the top hooked onto the wearer’s hair and the ear pendants were connected by another cord that went over the top of the head so the ear decorations hung down in front of the ears. Agors had four distinct sections. At the top was a small teardrop-shaped turquoise lotus bud finial with its point on top, which is outlined with pearls and rests on a base consisting of two turquoises, two rubies and an emerald bead in the center. The second section is a larger, rounder, teardrop-shaped lotus petal, also with its point on top and also outlined with pearls. It has an outer ring of rounded, slab-cut, inlaid turquoises around a turquoise and gold Bumpa (“Treasure Vase”) in the center that has two rubies on top held by gold flower bezels and two faceted emeralds underneath on either side of the vase’s half-moon turquoise base. Under three gold petals representing a statue’s lotus petal base is a downward pointing diamond teardrop. The third section is round and has an outer border of separated gold rings and an inner border of diamonds, which encircle eight beautiful, plump, heart-shaped turquoises, eight small pearls and a faceted round ruby in the center. This is separated from the lower section by a horizontal row with two rubies on either side of an emerald on the le earring which is missing on the right earring but is barely noticeable. The fourth section at the bo om is composed of a downward pointing lotus flower made of seven beautifully carved turquoise petals around an oval faceted ruby, a larger oval emerald and a round faceted ruby. These are enclosed by a border of pearls and two small upturned turquoise leaves on the le earring and two small upturned ruby leaves on the right earring. There is only one other similar known pair of Agor ear pendants, which was worn by Rigzin Bhuti Ragashar, one of the highest rank Lhasa aristocrats, as early as 1921. The date was predicated on this and on the length of the ear pendants. There are no finer Agors than this incredible pair. They were purchased in 1996 from a dealer representing the Sikkimese royal family as once having belonged to the Yuthok family. Lhasa, U Province, Central Tibet. Approx. 4¾" (12.07 cm.) long. Reign of the 13th Dalai Lama (r. 1979–1933) – Circa 1920.

This piece also appears in Vanishing Beauty: Asian Jewelry and Ritual Objects from the Barbara and David Kipper Collection, M. Ghose. ed., The Art Institute of Chicago, Distributed by Yale University Press, New Haven and London, 2016. Photographs: © 2014, Camerarts, Inc. Courtesy of Lynn Levenberg.

Private Tibetan collection #2.

PART ONE | CHAPTER ONE

GAU DESIGN #1 – THE “AUSPICIOUS FLOWER BOX” (KALSANG METOK GAU)

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PART THREE | CHAPTER EIGHTEEN B

WOMEN’S AGORS (“ROUND EAR PENDANTS”)

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RECENT BACKLIST

CHRISTIAN DELL

Stiftung Stadtmuseum Wiesbaden

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DESIGN & CRAFTS

Stiftung Stadtmuseum Wiesbaden / Sabine Philipp (eds.) Christian Dell With contributions by J. Bergmann, J. Brauhardt, V. Klewitz, M. Siebenbrodt, J. Straßer, S. Weiser-Ferguson, F. Werner; with a foreword by A. Jaeggi 256 pp., approx. 325 ills. Hardcover. German. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 ISBN 978-3-89790-758-4 May 2026

A. Boström / D. Cholmondeley / F. M. Kammel / M. De Lucchi / S. Myerscough Ernst Gamperl Urkraft 272 pp., 206 ills. Hardcover. English / German / Italian. € 64 [D] / US$ 110 / £ 72 ISBN 978-3-89790-754-6 E /D /I

Distribution in Germany, Switzerland, and Austria only.

Fabian Gatermann Transcendence Transzendenz

With contributions by R. M. Bonelli, T. Rohde, D. Myôen Zölls 128 pp., 61 ills. Softcover with open spine. English / German. € 28 [D] / US$ 50 / £ 32 ISBN 978-3-89790-747-8

Eva Rem Hansen / Linn Halvorsrød (eds.) Hannah Ryggen Triennale: Mater 160 pp., 75 ills. Softcover. English / Norwegian incl. Sami. € 28 [D] / US$ 50 / £ 32 ISBN 978-3-89790-740-9 E / NOR

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David Geckeler Mirjam Gelfer-Jørgensen Vibeke P. Gether Marie-Louise Høstbo Florian Hufnagl Jasper Morrison Christian Holmsted Olesen Deyan Sudjic

Edited by Vibeke P. Gether Rasmus Koch

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Markus Winter / Don Freeman (eds.) Berlin Deko Central European Furniture from 1910 to 1930 With contributions by A. Sildatke, U. Leben, M. Palica, M. Mertens, P. Zucker, and M. Winter 160 pp., 236 ills. Hardcover. English. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-741-6 E

Martin Kargruber from the inside out … Holzskulpturen Sculptures in Wood Sculture in legno 2014–2024

With a contribution by Thomas Elsen 128 pp., 101 ills. Hardcover. English / German / Italian. € 28 [D] / US$ 50 / £ 32 ISBN 978-3-89790-726-3

Vibeke P. Gether / Rasmus Koch (eds.) Boris Berlin Dialogues on Form Dialoger om form

Danner-Stiftung (ed.) Danner Prize 2023 Artistic Crafts of Distinction Danner-Preis 2023 Ausgezeichnetes Kunsthandwerk

408 pp., 1.067 ills. Hardcover. English + Danish. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 E: ISBN 978-3-89790-723-2 DK: ISBN 978-3-89790-729-4

With contributions by H. Williams Drutt, P. Johanssen, W. Lösche, and M. Topp, and a foreword by M. Eder 352 pp., 188 ills. Hardcover. English / German. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-703-4

E + DK

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Jörg Hartmann / Anna GitelsonKahn Color in Knitting By Designers, for Designers With a foreword by Luca Missoni 208 pp., 285 ills. Hardcover. English. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-702-7 E

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bröhan

! STAHL ROHR REvOL uTION! design

foundation

Ziel der Publikation ist, die Person Kálmán Lengyel als Katalysator in einem besonderen Moment der Designgeschichte und als Entwerfer mit eigenem Werk in Architektur und Möbeldesign wieder sichtbar zu machen. Möglich wird dies durch die von der Bröhan Design Foundation erworbenen und aufgespürten Nachlassstücke, Dokumente und Fotografien. Das Buch speist sich aus einer umfangreichen, langjährigen Suche und Recherche in Archiven, Sammlungen und Publikationen. Die Rekonstruktion von Leben und Werk Kálmán Lengyels, sein Wirken mit Marcel Breuer und Anton Lorenz, die Einordnung in das Netzwerk der Moderne von Berlin, Paris und Budapest – die Publikation ermöglicht einen neuen Blick auf diese prägende Epoche.

Stahlrohrrevolution! Kálmán Lengyel, Marcel Breuer, Anton Lorenz und das Neue Möbel

Mit dem von Torsten Bröhan initiierten Buch wird eine Forschungslücke zu den Anfängen der modernen Stahlrohrmöbel geschlossen, da wesentliche Kapitel die Entstehung und Entwicklung des Unternehmens Standard Möbel und die Arbeit des Geschäftsführers Anton Lorenz beleuchten. Kálmán Lengyel war aber nicht nur als Geschäftspartner von Breuer und Lorenz, sondern auch selbst als bedeutender Möbeldesigner und Architekt aktiv. Sein Werk wird hier erstmals umfassend dargestellt. Das reichhaltige, bisher nicht publizierte Bildmaterial ermöglicht einen Überblick über das Schaffen Lengyels und als systematisches Verzeichnis die Identifikation seiner Möbelentwürfe in diesem Handbuch.

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Kálmán Lengyel, Marcel Breuer, Anton Lorenz und das Neue Möbel

bröhan design foundation

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Torsten Bröhan / Christoph Janik / Susanne Engelhard, Bröhan Design Foundation (eds.) Stahlrohrrevolution! Kálmán Lengyel, Marcel Breuer, Anton Lorenz und das Neue Möbel

Monika Sänger (ed.) Paula Straus Vom Kunsthandwerk zum Industriedesign

With contributions by S. Engelhard, S. Graner, É. Horányi, R. Jaeger, and Ch. Janik 360 pp., 700 ills. Hardcover. German. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 ISBN 978-3-89790-683-9

With contributions by Edith Neumann, Monika and Reinhard Sänger, Joachim W. Storck, Michal S. Friedlander, and Christoph Engel 200 pp., 210 ills. Hardcover. German. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-688-4

Olaf Thormann / Thomas Rudi, GRASSI Museum (eds.) Deep-Seated The Secret Art of Upholstery Besessen Die geheime Kunst des Polsterns 392 pp., 390 ills. Softcover with flaps. English / German. 2nd edition. € 44 [D] / US$ 70 / £ 49 ISBN 978-3-89790-681-5 E /D

Sabine Runde / Matthias Wagner K (eds.) Arts and Crafts is Cactus Kunsthandwerk ist Kaktus

Sabine Rommel / Mathias Zahn (eds.) Max Schanz Spielzeug Gestalten im Erzgebirge

588 pp., 2,600 ills. Hardcover. English + German. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 E: ISBN 978-3-89790-653-2 D: ISBN 978-3-89790-649-5

208 pp., 324 ills. Softcover. German. € 34 [D] / US$ 60 / £ 39 ISBN 978-3-89790-650-1 D

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Eines der „Schönsten Deutschen Bücher 2022“

„Deutschlands schönstes Regionalbuch 2022“

Das Gesamtverzeichnis lieferbarer Titel finden Sie auf www.arnoldsche.com

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RECENT BACKLIST

Estium rem fugita dus enimosa musapid electemquiae ellaccu pitate quosandi aut et quiam faceatur? Et expel et volorat iaspers pistibea ea alitis num, soluptas non est voles conem aut ius restium volupta tatibeaqui qui cus enissum rehent quis et que nos re est, cusdae nonsendigent doluptur, que veressed que nis doluptatas anti doluptium net fugia nam reped que volloremquid experupta sum cus ex era sequiatia sequam endi nonsed quam necus aspisit porempedi volorep uditat qui corro esti odicitatia sit aliqui derum dolorrumquis et volo con nis reribea nonsero vel magnimus.

Typhaine Le Monnier Playtime

NEW

arnoldsche

NEW arnoldsche

JEWELRY

Hendrik Bohle / Jan Dimog (eds.) Gesamtkunstwerke Architecture by Arne Jacobsen and Otto Weitling in Germany Architektur von Arne Jacobsen und Otto Weitling in Deutschland

Die Neue Sammlung – The Design Museum / Galerie Handwerk / Danner-Stiftung (eds.) Among Friends American and German Jewelry Artists from the Helen Williams Drutt Collection

SCHMUCK

248 pp., 170 ills. Softcover with flaps. English / German. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-611-2

With contributions by T. Greenbaum, P. Hölscher, and H. W. Drutt 240 pp., approx. 200 ills. Hardcover. English / German. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-763-8 March 2026

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Susan Cummins / Flos Wildschut / Lizzie Atkins MARZEE With a foreword by Petra Hölscher 256 pp., approx. 150 ills. Hardcover. English. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-756-0 March 2026 E

Cristina Filipe, Doreen Pijnenburg-Timmers, Julia Wild Typhaine Le Monnier – Playtime An Artistic Journey in Form and Meaning Eine künstlerische Reise in Form und Bedeutung 96 pp., approx. 80 ills. Swiss binding. English / German. € 28 [D] / US$ 50 / £ 32 ISBN 978-3-89790-764-5 May 2026 E /D

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Marjan Unger

Je w e l l e r y in context

A multidisciplinary framework for the study of jewellery

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Emeric Pinkowicz, Myriam Theveniaud (eds.) Joël Faivre-Chalon Conceptualising Jewellery. Doing and Sharing Penser le bijou. Faire et faire savoir With contributions by F. Faivre-Chalon, E. Pinkowicz, M. Theveniaud, and C. Burger 104 pp., approx. 61 ills. Hardcover. English / French. € 34 [D] / US$ 60 / £ 39 ISBN 978-3-89790-761-4 March 2026

NEW EDITION Marjan Unger Jewellery in Context A multidisciplinary framework for the study of jewellery

L. Cahill / J. Ewington / B. P. Gifford / T. Greenbaum / K. Scott Helen Britton The Story So Far

With a foreword by Theo Smeets 232 pp. Softcover. English. € 15 [D] / US$ 25 / £ 17 ISBN 978-3-89790-579-5 March 2026

320 pp., 360 ills. Cloth-bound hardcover. English. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 ISBN 978-3-89790-743-0 E

E /F

PETRA HESSE, LENA HOPPE (HG. / EDS.)

George Elder Marcus (1859–1917)

BETH CA RV ER W EE S

Marcus & Co. Three Generations of New York Jewelers

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Susan Cummins / Barbara P. Gifford / Toni Greenbaum / Damian Skinner Feast Contemporary Jewelry from the Susan Beech Collection

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arnoldsche 978-3-89790-722-5

9 783897 907225

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The Fascination of Jewellery

SHEIL A BA RRON SMITHIE

arnoldsche

ISBN 978-3-89790-717-1

9 783897 907171

7000 YEARS OF JEWELLERY AT THE MAKK

Peter Marcus (1889–1934)

Faszination Schmuck

Marcus & Co.

The Fascination of Jewellery

Three Generations of New York Jewelers

William Elder Marcus, Jr. (1883–1970)

PETRA HESSE, LENA HOPPE (EDS.)

7000 JAHRE SCHMUCKKUNST IM MAKK

Hermann Marcus (1828–1899)

SHEIL A BA RRON SMITHIE BETH CA RV ER W EE S

The New York jewelry firm of Marcus & Co. (1892–1942) created exceptional jewelry for an art-loving, wealthy elite. Alongside exquisite jewelry and archival design drawings, this volume chronicles their history, from the founder’s apprenticeship in Dresden to the firm’s grand premises on Fifth Avenue neighboring Tiffany & Co. and Cartier.

Capt. Chapin Marcus (1884–1950)

With a contribution by Louisa Guinness 144 pp., 93 ills. Hardcover. English / German. € 34 [D] / US$ 60 / £ 39 ISBN 978-3-89790-750-8

Die Neue Sammlung – The Design Museum / Objectspace (eds.) Warwick Freeman Hook Hand Heart Star With contributions by G. Chapple, K. Chitham, W. Freeman, P. Hölscher, B. Lloyd, and K. Paton, and a foreword by A. Nollert 304 pp., 200 ills. Cloth-bound hardcover. English / German. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-732-4 E /D

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M A R C U S FA M I LY T R E E

William Elder Marcus (1857–1925)

P. Hesse / L. Hoppe, Museum für Angewandte Kunst Köln (eds.) From Louise Bourgeois to Yoko Ono Jewellery by Female Artists Von Louise Bourgeois bis Yoko Ono Schmuck von Künstlerinnen

PETRA HESSE, LENA HOPPE (HG.) SHEILA BARRON SMITHIE, FGA, has been a jewelry specialist, researcher, and appraiser at auction houses and galleries. She is a Fellow of the Gemmological Association of Great Britain (FGA) and the recipient of its 2005 Christie’s Prize. As an adjunct faculty member at Sotheby’s Institute of Art in New York, she designed and taught the course Gems and Jewelry: History and Markets for master’s degree students. From 2013, she consulted on jewelry for The Metropolitan Museum of Art, helping to research the institution-wide collection for the 2018 exhibition Jewelry: The Body Transformed. Beginning her early career as a financial analyst at Goldman, Sachs & Co., she worked in investment banking, commodities, and equity research sales and trading in New York, Mexico City, and London. She is a graduate of Harvard University.

Faszination Schmuck

7000 JAHRE SCHMUCKKUNST IM MAKK

BETH CARVER WEES is Curator Emerita, The American Wing, at The Metropolitan Museum of Art, where for twenty years she oversaw the collections of American silver, jewelry, and other metalwork. Prior to joining The Met’s staff in 2000 she was Curator of Decorative Arts at the Clark Art Institute in Williamstown, Massachusetts. She lectures internationally and is the author of numerous articles and books, including English, Irish & Scottish Silver at the Sterling and Francine Clark Art Institute (1997) and Early American Silver in The Metropolitan Museum of Art (2013). Beth holds degrees in art history from Smith College and from the Williams College Graduate Program in the History of Art. An alumna of the Attingham Summer School and Royal Collection Studies, she currently serves as President of the Board of the American Friends of Attingham. She also sits on the advisory boards of the Association for the Study of Jewelry and Related Arts and of The Silver Society in England. Beth was one of six organizing curators for The Met’s 201819 exhibition Jewelry: The Body Transformed as well as a contributor to its catalogue. Her exhibition Jewelry for America was on view at The Met from June 2019 to May 2021.

arnoldsche

Sheila Barron Smithie / Beth Carver Wees Marcus & Co. Three Generations of New York Jewelers

224 pp., 340 ills. Hardcover. English. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-733-1

320 pp., 560 ills. Hardcover with dust jacket. English. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 ISBN 978-3-89790-717-1

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P. Hesse / L. Hoppe, Museum für Angewandte Kunst Köln (eds.) The Fascination of Jewellery 7000 Years of Jewellery at the MAKK Faszination Schmuck 7000 Jahre Schmuckkunst im MAKK 360 pp., 452 ills. Hardcover. English / German. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 ISBN 978-3-89790-722-5

Carina Shoshtary (ed.) Attai Chen All the World’s a Stage With contributions by Glenn Adamson and Sool Park 104 pp., 81 ills. Cloth-bound hardcover. English / German. € 28 [D] / US$ 50 / £ 32 ISBN 978-3-89790-720-1

G. Adamson / M. J. Fleischman (eds.) Bizarre Beauty The Art of William Harper 248 pp., 223 ills. Cloth-bound hardcover. English. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 ISBN 978-3-89790-716-4 E

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Kuriosen Dingen gibt Daniel Kruger eine ungeahnte Bedeutung. Aus der Bewegung heraus und fasziniert von der visuellen Qualität der Gegenstände, Formen und Farben, schafft er eine Verbindung als Synthese von vermeintlichen Gegensätzen. Ein neu entstandener Kontext erhebt diese Verbindungen zur Kostbarkeit. Mittels seiner gedanklichen Freiheit erschafft er eine kleine Welt. Daniel Kruger gives curious things an unexpected meaning. Out of movement and fascinated by the visual quality of objects, shapes and colours, he creates a connection as a synthesis of supposed opposites. A newly created context elevates these connections to preciousness. By means of his freedom of thought, he creates a small world.

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Cornelie Holzach (ed.) Gabi Dziuba & Friends With contributions by V. Gliem and S. Strsembski, S. Draxler, K. Kraus, Ch. Nagel, G. Nourbakhsch, H. Mayer, D. Rademacher, J. Rademacher, D. Topka, and an interview by Ch. Malycha with the artist 240 pp., 320 ills. Hardcover with dust jacket. English / German. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-714-0 E /D

Mobilia Gallery (ed.) Joyce J. Scott Messages With contributions by Jacqueline Copeland, Henry John Drewal, Valerie Hector, and Joyce J. Scott, and a foreword by Libby Cooper and JoAnne Cooper 96 pp., 98 ills. Softcover with flaps. English. € 28 [D] / US$ 50 / £ 32 ISBN 978-3-89790-677-8

Die Neue Sammlung – The Design Museum (ed.) Sigurd Bronger Wearables Trag-Objekte 248 pp., 180 ills. Hardcover. English / German. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-713-3 E /D

Daniel Kruger Schmuck Jewellery Die unerwartete Bedeutung The unexpected meaning der seltsamen Dinge of curious things

arnoldsche

Gabi Dziuba & Friends

– Die unerwartete Bedeutung der seltsamen Dinge Daniel Kruger Schmuck Jewellery – The unexpected meaning of curious things

RECENT BACKLIST

Daniel.qxp_Cover 16.10.23 13:04 Seite 1

Barbara Schmidt / Olga Zobel Biró Daniel Kruger Jewellery – The unexpected meaning of curious things Schmuck – Die unerwartete Bedeutung der seltsamen Dinge 184 pp., 224 ills. Softcover. English / German. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-710-2

Damian Skinner / Keith Lewis Dead Souls Desire and Memory in the Jewelry of Keith Lewis

E. Maurer Zilioli / C. Holzach Gone Astray The Art of Gold- and Silversmithing on the Edge of Reason Auf Abwegen Zeitgenössische Gold- und Silberschmiedekunst am Rande der Vernunft

208 pp., 147 ills. Flexibind. English. € 28 [D] / US$ 50 / £ 32 ISBN 978-3-89790-692-1

176 pp., 209 ills. Hardcover. English / German. € 34 [D] / US$ 60 / £ 39 ISBN 978-3-89790-700-3

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Certificate of Typographic Excellence from the Type Directors Club New York, 2025

Die Neue Sammlung – The Design Museum (ed.) ROT | Therese Hilbert | RED Schmuck 1966–2020 Jewelry 360 pp., 292 ills. Cloth-bound hardcover. English / German. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-623-5 E /D

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Olaf Thormann / Sabine Epple, GRASSI Museum (eds.) Jewelry + Image The GRASSI Adorns Schmuck + Image Das GRASSI schmückt

Fred Jahn / Friedhelm Mennekes / Andrea Nante / Thereza Pedrosa Babetto The Entity of Being L’Entità dell’Essere Die Einheit des Seins

368 pp., 480 ills. Hardcover. English / German. € 44 [D] / US$ 70 / £ 49 ISBN 978-3-89790-662-4

328 pp., 688 ills. Cloth-bound hardcover. English / Italian / German. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 ISBN 978-3-89790-663-1

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Ward Schrijver / Philippe Solms / Fabienne X. Sturm / Elizabeth Fischer Esther Brinkmann 208 pp., 165 ills. Cloth-bound hardcover with additional booklet. English / French. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-666-2 E /F

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Deganit Stern Schocken HOW MANY IS ONE Jewellery / Objects / Installations

1920

Schmuck

Jewelry

Schmuck

Die Neue Sammlung

Danner Stiftung

2020

Rike Bartels (ed.) Manfred Bischoff Ding Dong 252 pp., 206 ills. Hardcover with dust jacket. English / German. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 ISBN 978-3-89790-632-7 E /D

Constantin Wild / Nina Hald (eds.) Gems, Colours & Wild Stories 175 Years of Constantin Wild

Barbara Paris Gifford, Museum of Arts and Design, New York (ed.) Jewelry Stories Highlights from the Collection 1947–2019

304 pp., 470 ills. Cloth-bound hardcover in slipcase. English. € 124 [D] / US$ 210 / £ 138 ISBN 978-3-89790-626-6

168 pp., 153 ills. Cloth-bound hardcover. English. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-602-0 E

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den Besten / Britton / Carmel / Fishof / Miron / Ofrat / Shabtai / Ventura / Yagid-Haimovici Deganit Stern Schocken How Many Is One Jewellery / Objects / Installations

Danner-Stiftung / Die Neue Sammlung – The Design Museum (eds.) Jewelry Schmuck

328 pp., 378 ills. Hardcover. English. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-607-5

576 pp., more than 1,000 ills. Cloth-bound hardcover. English / German. € 58 [D] / US$ 95 / £ 64 ISBN 978-3-89790-585-6

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SKULPTUR

VESSEL

SCULPTURE

NEW

DEUTSCHE UND INTERNATIONALE KERAMIK SEIT 1946 GRASSI MUSEUM FÜR ANGEWANDTE KUNST LEIPZIG GERMAN AND INTERNATIONAL CERAMICS SINCE 1946 GRASSI MUSEUM OF APPLIED ART LEIPZIG

Beatriz Chadour-Sampson / Sonya Newell-Smith Tadema Gallery London Jewellery from the 1860s to 1960s 528 pp., 800 ills. and over 300 hallmarks. Hardcover with dust jacket. English. € 68 [D] / US$ 115 / £ 75 ISBN 978-3-89790-598-6 E

CERAMICS & PORCELAIN

Beatriz Chadour-Sampson Rings of the 20th and 21st Centuries The Alice and Louis Koch Collection Ringe des 20. und 21. Jahrhunderts

KERAMIK & PORZELLAN

520 pp., 690 ills. Hardcover with dust jacket. English / German. € 68 [D] / US$ 115 / £ 75 ISBN 978-3-89790-516-0 E /D

NEW

Olaf Thormann / GRASSI Museum (eds.) Vessel / Sculpture 4 German and International Ceramics since 1946 Gefäß / Skulptur 4 Deutsche und internationale Keramik seit 1946

Esther Niebel / Christian Lechelt Dana Widawski Simply Decoration

504 pp., approx. 500 ills. and 285 signatures. Hardcover. English/German € 58 [D] / US$ 95 / £ 64 ISBN 978-3-89790-753-9 March 2026

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RECENT BACKLIST

GEFÄSS

168 pp., approx. 150 ills. Hardcover. English / German. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-760-7 March 2026

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Nele van Wieringen for the Westerwaldkreis (ed.) Jan Bontjes van Beek Body | Scale | Color Körper | Maß | Farbe 80 pp., 49 ills. Softcover. English / German. € 28 [D] / US$ 50 / £ 32 ISBN 978-3-89790-752-2

Renate Luckner-Bien (ed.) Gertraud Möhwald Bildhauer will ich unbedingt werden

Gjertrud Steinsvåg (ed.) Irene Nordli “My Hands Just Keep Getting Bigger”

256 pp., 199 ills. Hardcover. German. € 34 [D] / US$ 60 / £ 39 ISBN 978-3-89790-751-5

With a contribution by T. T. Tronstad 136 pp., 65 ills. Cloth-bound hardcover. English. € 34 [D] / US$ 60 / £ 39 ISBN 978-3-89790-745-4

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Nele van Wieringen for the Westerwaldkreis (ed.) 15th Westerwald Prize 2024 Ceramics of Europe 15. Westerwaldpreis 2024 Keramik Europas 144 pp., 106 ills. Hardcover. English / German. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-731-7

Elisa Helland-Hansen Pleasure and Use

With contributions by Jorunn Veiteberg, Mary Barringer, Garth Clark, Nina Malterud, and Elisa Helland-Hansen 240 pp., 221 ills. Cloth-bound hardcover with open spine. English. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-724-9 E

ceramics

sculpture

painting

Ida Bringedal, Haugar Art Museum (ed.) Elisabeth von Krogh Retrospective / Prospective Ceramics 1972–2024 With contributions by Ida Bringedal and Kjersti Solbakken 248 pp., 112 ills. Hardcover. English / Norwegian. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-718-8

SEEING WITH ANOTHER EYE

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David Whiting Seeing with Another Eye ceramics – sculpture – painting The Anthony Shaw Collection 208 pp., 220 ills. Hardcover with dust jacket. English. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-711-9 E

Materiality: The Miller Ceramic Art Collection

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Glenn Adamson / Esther Niebel / John White Tunnel Johannes Nagel Works in Porcelain Arbeiten aus Porzellan 2018–2023

Muriel Champy (ed.) Claude Champy Stardust Poussières d’étoiles

160 pp., 144 ills. Hardcover. English / German. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-694-5

With contributions by Muriel Champy, Gabi Dewald, Tim Ingold, and Jean-Pierre Thibaudat 208 pp., 230 ills. Hardcover. English / French. € 44 [D] / US$ 70 / £ 49 ISBN 978-3-89790-696-9

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Wayne Higby (ed.) Materiality: The Miller Ceramic Art Collection 304 pp., 243 ills. Hardcover with dust jacket. English. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-504-7 E

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Marc Heiremans

BAROVIER &

TOSO ANTOINE LEPERLIER

Antoine Leperlier, né à Évreux (France) en 1953, amorce son apprentissage son apprentissage de la pâte de verre en 1968, sous l’œil attentif de son grand-père, François Décorchemont (1880-1971). Après une période d’études de philosophie et d’arts plastiques à l’université Paris 1 (Sorbonne) et à l’École du Louvre, il retrouve l’atelier familial en 1978 pour créer ses premières œuvres en verre. C’est lors de ses recherches pour son DEA en Arts Plastiques, où il étudiait les carnets techniques de son grand-père, qu’il décide de renouer avec ses racines et de se consacrer à la création d’œuvres en verre, voyant en cette démarche un moyen de s’affranchir de l’esthétique dominante de l’époque. En 1980, son frère Étienne (1952-2014) le rejoint, et ensemble, ils partagent l’atelier pendant une quinzaine d’années avant de prendre des chemins séparés. Dès ses débuts, Antoine Leperlier manifeste un intérêt précoce pour la peinture et le dessin, et aujourd’hui, il explore particulièrement l’aquarelle, une technique avec laquelle il découvre des similitudes avec son travail en verre. Depuis 1982, il expose à l’international et est présent dans de nombreuses collections nationales et internationales. En parallèle, il enseigne, donne des conférences et participe à des colloques à travers le monde.

DONNER FORME AU TEMPS ANTOINE LEPERLIER SHAPING TIME

RECENT BACKLIST

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A Murano Glass Dynasty

Marc Heiremans

BAROVIER & TOSO A Murano Glass Dynasty

Antoine Leperlier, born in Évreux, France, in 1953, began his apprenticeship in pâte de verre in 1968, under the watchful eye of his grandfather François Décorchemont (1880–1971). After studying Philosophy and Fine Arts at the University of Paris 1 (Sorbonne) and the École du Louvre, he returned to the family studio in 1978 to create his first works in glass. It was during his research for his DEA degree in Fine Arts, where he studied his grandfather’s technical notebooks, that he decided to return to his roots and devote himself to creating works in glass, seeing this approach as a means of breaking away from the dominant aesthetic of the time. In 1980, his brother, Étienne (1952–2014), joined him, and together they shared the studio for some fifteen years before going separate ways. From the outset, Antoine Leperlier showed an early interest in painting and drawing, and today he explores watercolour in particular, a technique with which he discovers similarities to his work in glass. He has exhibited internationally since 1982 and his work can be found in numerous national and international collections. At the same time, he teaches, lectures and takes part in conferences around the world.

DONNER FORME AU TEMPS

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SHAPING TIME

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NEW

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ANTOINE LEPERLIER

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Dans ce panorama de l’œuvre d’Antoine Leperlier, qui s’étend sur plus de 40 ans, les serpents se pétrifient, les crânes s’affaissent, et ce qui évoque des aquarelles abstraites semble s’être soudain et à jamais figé par hasard au cœur du verre liquide. Le verre est un matériau du temps qui immortalise l’instant tout en exposant son passage; le temps s’arrête, l’univers peut parler. Son œuvre explore l’éphémère et le flux, la mémoire et le fixe, l’avant et l’après. Pour Leperlier, « les images sont des mouvements saisis dans la matière ». Cette tentative de rendre visible, « l’élan ou l’allant, l’allure captée des choses » (Michel Guérin) est une approche unique dans l’art verrier contemporain. In this overview of Antoine Leperlier’s work, which spans over forty years, snakes are petrified, skulls slump and what evokes abstract watercolours seems to have suddenly and forever frozen at random within the heart of liquid glass. Glass is a material of time, which immortalises the instant while exposing its passage; time stands still, the universe can speak. Leperlier’s works explore the ephemeral and the fix, the memory and the flux, the before and the after. For him, ‘the images are movements captured in matter’. This attempt to render visible ‘the impetus or momentum, the captured allure of things’ (Michel Guérin) is a unique approach in contemporary glass art.

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Leperlier_SU screenkorrektur_08032024.indd 1

Olaf Thormann, GRASSI Museum (ed.) Vessel / Sculpture 3 German and International Ceramics since 1946 Gefäß / Skulptur 3 Deutsche und internationale Keramik seit 1946

Angelika Nollert, Die Neue Sammlung – The Design Museum (ed.) Beate Kuhn Ceramic Works from the Freiberger Collection Keramiken aus der Sammlung Freiberger

544 pp., 594 ills. and 285 signatures. Hardcover. English / German. € 58 [D] / US$ 95 / £ 64 ISBN 978-3-89790-543-6

244 pp., 316 ills., 8 marks reproduced. Hardcover. English / German. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 ISBN 978-3-89790-502-3

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GLASS

Marc Heiremans BAROVIER & TOSO A Murano Glass Dynasty

GLAS

Andrew Brewerton / Mikaël Faujour / Michel Guérin / John Edgar Wideman Antoine Leperlier Shaping Time Donner forme au temps

2 vols. in slipcase, 800 pp., approx. 1.000 ills. Hardcover. English. € 148 [D] / US$ 250 / £ 168 ISBN 978-3-89790-715-7 April 2026

200 pp., 185 ills. Hardcover with dust jacket. English / French. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 ISBN 978-3-89790-704-1

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Jane C. Milosch (ed.)

CHUNGHI CHOO AND HER STUDENTS

Chunghi Choo is a metalsmith and jewelry artist who is best known for her works that incorporate such techniques as electroforming and electro-appliqué. In addition, she is professor emeritus of the University of Iowa, where she established a metals program, which she brought to international prominence. Works by 32 former students reveal Choo’s influence on a subsequent generation. With contributions by: Kate Bonansinga, Chunghi Choo, Lois Jecklin, Jack Lenor Larsen, Leopold Masterson, Jane C. Milosch, Paul J. Smith

Contemporary Art and New Forms in Metal

978-3-89790-490-3

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Marc Heiremans S.A.L.I.R. – Studio Ars et Labor Industrie Riunite Contemporary Glass-Decorating on Murano, 1923–1993 280 pp., 894 ills. Hardcover. English. € 98 [D] / US$ 170 / £ 108 ISBN 978-3-89790-693-8

Marc Heiremans AVEM Arte Vetraria Muranese Artistic Production 1932–1972

METAL

Malte Guttek, Gesellschaft für Goldschmiedekunst e. V. (ed.) 21st Silver Triennial International 2025 21. Silbertriennale International 2025

METALL

368 pp., over 1,500 ills. Hardcover. English. € 98 [D] / US$ 170 / £ 108 ISBN 978-3-89790-588-7

Jane C. Milosch (ed.) Chunghi Choo and Her Students Contemporary Art and New Forms in Metal 384 pp., 450 ills. Hardcover. English. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 ISBN 978-3-89790-490-3

With a foreword by Hartwig Rohde and a text by Malte Guttek 208 pp., 169 ills. Swiss binding. English / German. € 28 [D] / US$ 50 / £ 32 ISBN 978-3-89790-744-7

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Jörg Schwandt

The Magic of Ceramic Glazes

Höfische Vergnügen Courtly Pleasures

Courtly Pleasures presents the most beautiful table decorations from the abundant treasures of a southwest German private collection. Scenes of gardens and of love, idyllic hunting parties, and lifelike animal figurines were popular motifs in porcelain from the Baroque to the beginning of the 19th century. They were intended to initiate conversation among the table guests—and of course attest to the discerning taste of the hosts.

Gun-Dagmar Helke & Hela Schandelmaier

Höfische Vergnügen präsentiert die schönsten Tischdekorationen aus dem reichen Schatz einer südwestdeutschen Privatsammlung. Garten- und Liebesszenen, idyllische Jagdgruppen oder lebensnahe Tierfiguren aus Porzellan waren zur Zeit des Barock bis in das beginnende 19. Jahrhundert hinein beliebte Motive der Tafeldekoration. Sie sollten die Tischgesellschaft zu Gesprächen anregen – und natürlich auch vom erlesenen Geschmack der Gastgeber:innen zeugen.

Höfische Vergnügen −

Tischdekorationen als Spiegel barocker Gesellschaft Eine süddeutsche Privatsammlung

Gun-Dagmar Helke & Hela Schandelmaier

Courtly Pleasures −

Table Decorations as a Reflection of Baroque Society A Private Collection from Southern Germany

Nils Thorsson and the Artist Stoneware of Royal Copenhagen 1932 – 1975

Cover_Hoefische Vergnuegen_final_17062025.indd

COLLECTIBLES SAMMLERLITERATUR

Jörg Schwandt The Magic of Ceramic Glazes Die Magie der Glasur 200 pp., 240 ills. Hardcover. English + German. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 E: ISBN 978-3-89790-748-5 D: ISBN 978-3-89790-749-2 E +D

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Katja Poljanac / Isabel SchmidtMappes / Friederike Zobel, Schmuckmuseum Pforzheim (eds.) Aufgetischt Eine kulinarische Weltreise. Zur Kultur des Essens und Trinkens 256 pp., 223 ills. Hardcover. German. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-746-1 D

arnoldsche

ISBN 978-3-89790-734-8

9 783897 907348

25.06.25

Gun-Dagmar Helke / Hela Schandelmaier Courtly Pleasures Table Decorations as a Reflection of Baroque Society Höfische Vergnügen Tischdekorationen als Spiegel barocker Gesellschaft

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Deutsches Bergbau-Museum Bochum (ed.) Glück auf! Bergmännisches Porzellan des 18. Jahrhunderts Die Sammlung Middelschulte im Deutschen Bergbau-Museum

240 pp., 215 ills. Hardcover. English / German. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 ISBN 978-3-89790-734-8

304 pp., 399 ills. Hardcover with dust jacket. German. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 ISBN 978-3-89790-735-5

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die Entwicklung der autonomen figürlichen Porzellane aus der KaendlerWerkstatt vor. Den Abschluss des Bandes bildet die vollständige Transkription der Arbeitsberichte Eberleins, Ehders und Reinickes bis zum Jahre 1748.

arnoldsche

Auf der Grundlage der Arbeitsberichte Kaendlers und seiner ersten Mitarbeiter entstand ein Katalog mit 998 Modellen, der in BAND 2 präsentiert wird. Dieser ermöglicht es, die figürlichen Porzellane in der Reihenfolge ihrer Fertigung zu betrachten, mögliche Zusammenhänge zu erfassen und stilistische Veränderungen zu erkennen.

ständer und dokumentiert deren Gestaltungsreichtum vom Barock bis in das frühe 20. Jahrhundert. Neben der ikonografischen und ikonologischen Bedeutung der Objekte werden in Band 1 auch der maltechnische Aufbau sowie konservatorische und restauratorische Aspekte in deutscher, englischer und französischer Sprache beschrieben. Band 2 präsentiert alle Objekte mit kurzen Bildbeschreibungen auf Deutsch.

arnoldsche

978-3-89790-680-8

JOHANN JOACHIM KAENDLERS UND SEINER WERKSTATT ZWISCHEN 1731 UND 1748 BAND 1

Pendant près de 300 ans, les porte-montre ont permis à la noblesse, au clergé et à la bourgeoisie d’entreposer avec élégance leurs montres de poche ou à gousset. Cette publication offre pour la première fois un vaste aperçu de l’ensemble des porte-montre existants, soit 843 objets d’une collection particulière du Sud de l’Allemagne qui en illustrent toute la richesse artistique, du baroque au début du XXe siècle. Outre la signification à la fois iconographique et iconologique de ces pièces, le volume 1 décrit – en allemand, anglais et français – leur conception technique et picturale ainsi que ce qui touche à leur conservation et leur restauration. Le volume 2 commente – en allemand – tous les objets présentés.

RÖBBIG MUNICH

arnoldsche

DIE AUTONOMEN FIGÜRLICHEN PLASTIKEN

For almost 300 years pocket-watch stands provided the nobility, the clergy and bourgeois society a stylish way to safeguard pocket watches. This publication features 843 objects from a south German private collection in a first overview of the entire genre of pocket-watch stands and documents their wealth of designs from the Baroque to the early twentieth century. In addition to the iconographic and iconological significance of the objects, Volume 1 recounts the painting techniques, as well as aspects regarding conservation and restoration, in German, English and French. Volume 2 presents all objects accompanied by concise descriptions of the images in German.

arnoldsche

WAWEL ROYAL CASTLE

RECENT BACKLIST

HELA SCHANDELMAIER M.A. studierte Kunstgeschichte, italienische Literaturgeschichte und Germanistik an den Universitäten Bonn und Freiburg. Im Anschluss war sie wissenschaftliche Mitarbeiterin am KestnerMuseum in Hannover mit dem Schwerpunkt Keramik vom 18. bis 20. Jahrhundert. Mehrere Publikationen und Vorträge beschäftigen sich mit diesem Themenbereich. Sie arbeitete 25 Jahre im Vorstand der Gesellschaft der Keramikfreunde e.V. und ist Gutachterin für Antiquitäten des 18. bis 20. Jahrhunderts sowie freie wissenschaftliche Mitarbeiterin bei Projekten und privaten Sammlungen.

BAND 1 gibt einen Überblick über die Gründung der Manufaktur und stellt

Taschenuhrständer dienten dem Adel, dem Klerus und der

Sarahbürgerlichen Gesellschaft fast 300 Jahre zur stilvollen AufbeSarah-Katharina Andres-Acevedo Katharina wahrung von Taschenuhren. Diese Publikation bietet mit Andres843 Objekten einer süddeutschen Privatsammlung erstmals Acevedo einen Überblick über das gesamte Genre der Taschenuhr-

DIE AUTONOMEN FIGÜRLICHEN PLASTIKEN

RÖBBIG MUNICH

Pocket-Watch Stands Porte-montre 1

JOHANN JOACHIM KAENDLERS

Kaendler’s Meissen Porcelain Figures

Taschenuhrständer

Johann Joachim Kaendler (1706–1775) zählt zu den bedeutendsten Persönlichkeiten in der Geschichte der Porzellan-Manufaktur Meissen. Er und seine ersten drei Werkstatt-Mitarbeiter Johann Friedrich Eberlein (1696– 1749), Johann Gottlieb Ehder (1716/17–1750) und Peter Reinicke (1711–1768) trugen maßgeblich zum Erscheinungsbild der Meissener Porzellane der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts bei.

Pocket-Watch Stands Porte-montre

DR. GUN-DAGMAR HELKE ist seit 2006 Konservatorin der Sammlungen auf Gut Hohen Luckow und seit 2012 Geschäftsführerin der Familienstiftung Ruth Merckle. Sie studierte Kunstgeschichte, Klassische Archäologie und Byzantinische Kunstgeschichte. 2005 veröffentlichte sie ihre Promotion zum Wirken des Augsburger Radierers Johann Esaias Nilson (1721−1788). Als Volontärin und wissenschaftliche Mitarbeiterin war sie am Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg tätig. Forschungsschwerpunkte, Publikationen und Projekte befassen sich mit dem Gebiet der angewandten Kunst, insbesondere mit historischer Keramik und Tapeten sowie mit Druckgrafiken des 17. bis 19. Jahrhunderts.

WAWEL ROYAL CASTLE

Bernd Bauer

Taschenuhrständer

MAGNIFICENCE of ROCOCO

UND SEINER WERKSTATT ZWISCHEN 1731 UND 1748

BERND BAUER ist seit 1989 selbstständiger Restaurator für Gemälde, Skulpturen und Vergoldungen und hat unter anderem zahlreiche private und öffentliche Aufträge in den Schlössern Ludwigsburg, Karlsruhe, Mannheim, Kirchheim und Bruchsal ausgeführt. Nach Ausbildung zum Kirchenrestaurator bei Emmerich in Neckartenzlingen und anschließender Spezialisierung auf Gemälde und Skulpturen am Württembergischen Landesmuseum Stuttgart absolvierte er das Grundstudium der Geschichte/ Kunstgeschichte in Tübingen. Er war lange als Dozent am Buchbinderkolleg in Stuttgart tätig, arbeitet heute als Restaurator in Linsenhofen und lebt in Nürtingen.

Bernd Bauer

Alfredo Reyes / Claudia Bodinek (eds.)

Reyes / Bodinek (eds.)

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9 783897 906808 >

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Alfredo Reyes / Claudia Bodinek (eds.) Magnificence of Rococo Kaendler’s Meissen Porcelain Figures

Vanessa Sigalas / Jennifer Tonkovich (eds.) MORGAN The Collector Essays in Honor of Linda Roth’s 40th Anniversary at the Wadsworth Atheneum Museum of Art

384 pp., 332 ills. Cloth-bound hardcover. English. € 78 [D] / US$ 135 / £ 85 ISBN 978-3-89790-707-2

288 pp., 212 ills. Hardcover. English. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-679-2

14.03.23 10:12

Bernd Bauer Taschenuhrständer Pocket-Watch Stands Porte-montre Edited by Gun-Dagmar Helke and Hela Schandelmaier 2 vols. in slipcase with 1,112 pp., 1,257 ills. Hardcover with dust jacket. English / French / German. € 124 [D] / US$ 210 / £ 138 ISBN 978-3-89790-680-8

Sarah-Katharina Andres-Acevedo Die autonomen figürlichen Plastiken Johann Joachim Kaendlers und seiner Werkstatt zwischen 1731 und 1748

Christian Hörack, Schweizerisches Nationalmuseum (ed.) Bossard Luzern 1868–1997 Gold- und Silberschmiede, Kunsthändler, Ausstatter 512 pp., over 600 ills. Hardcover. German. € 58 [D] / US$ 95 / £ 64 ISBN 978-3-89790-661-7

2 vols. in slipcase with 632 pp., 854 ills. Hardcover. German. € 124 [D] / US$ 210 / £ 138 ISBN 978-3-89790-682-2

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DIE WAND- UND BODENSTANDUHREN DER HABSBURGERMONARCHIE 1780–1850

DIE WANDUND BODENSTANDUHREN DER HABSBURGERMONARCHIE 1780–1850

BAND I Monographie & Katalog

Stephan Andréewitch Alexander Graef Paul Archard

arnoldsche

Vanessa Sigalas / Meredith Chilton (eds.) All Walks of Life A Journey with The Alan Shimmerman Collection: Meissen Porcelain Figures of the Eighteenth Century

arnoldsche

Stephan Andréewitch / Paul Archard / Alexander Graef Die Wand- und Bodenstanduhren der Habsburgermonarchie 1780–1850

Dechant / Goldscheider Goldscheider History of the Company and Catalogue of Works Firmengeschichte und Werkverzeichnis

672 pp., 713 ills. Cloth-bound hardcover. English. € 68 [D] / US$ 115 / £ 75 ISBN 978-3-89790-641-9

2 vols. in slipcase with 1,328 pp., 1,030 ills. Hardcover. German. € 298 [D] / US$ 480 / £ 318 ISBN 978-3-89790-616-7

640 pp., with over 2,300 ills., approx. 4,000 models and 163 signatures reproduced. Hardcover with dust jacket. English / German. € 149.80 [D] / US$ 250 / £ 168 ISBN 978-3-89790-216-9

FASHION & TEXTILE ART

Stephanie Kahnau (ed.) Textile Practices Forty Female Artists and Designers from Europe Textile Praktiken Vierzig Künstlerinnen und Gestalterinnen aus Europa

MODE & TEXTILKUNST

240 pp., 235 ills. Hardcover. English / German. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-742-3 E /D

E /D

240 pp., 290 ills. Hardcover. German. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-739-3 D

Inez Florschütz (ed.), in cooperation with Leonie Wiegand The Glove More than fashion Der Handschuh Mehr als ein Mode-Accessoire 224 pp., 230 ills. Cloth-bound hardcover. English / German. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-685-3

FINE ARTS KUNST

Abb. XX

Einführung Entstehung

1 2 3 4 5

Abb. 33

Appendix Abb. 97

S. 11 S. 19 S. 20 S. 21 S. 26 S. 28

Fallstudie 01: Henry Moore, Draped Reclining Woman Fallstudie 02: Gottfried Bechtold, o. T. (Betonporsche)

S. 31 S. 37

Fallstudie 03: Gerlinde Beck, Entwicklung einer Figur im Raum Fallstudie 04: Otto Piene, o.T. (Dach) Fallstudie 05: Frieder Schnock, Konzerthimmel

S. 90 S. 100

S. 129

Fallstudie 06: Marie Jo Lafontaine, Mer d’Irlande Fallstudie 07: Gruppe Kunst und Zwischenraum, Lernstraße Fallstudie 08: Nam June Paik, Two Way Communication

S. 193 S. 199 S. 205

11 Ansammlung oder Sammlung? Der Bestand im Staatlichen Hochbau Baden-Württemberg 12 Extrakt: Katalog der Veränderungen an Kunst am Bau Fallstudie 09: Kinetische Kunst in der Kopfklinik Heidelberg Fallstudie 10: Heinz Mack, o. T. (Wasser- und Lichtensemble)

S. 213 S. 216 S. 243 S. 249 S. 257 S. 259

Fallstudie 11: Georg Karl Pfahler, o. T. (Sitzlandschaft) Fallstudie 12: Erwin Wurm, BIG MUTTER

S. 285 S. 291

A B C D E F G H I

Literaturverzeichnis Abkürzungen Personenverzeichnis Tabellen Timeline (exemplarisch) Standortdokumentation Befragung Flussdiagramm Bildnachweis

S. 299 S. 318 S. 321 S. 328 S. 356 S. 359 S. 372 S. 382 S. 383

Abb. 16

Dana Meyer South Pacific Expedition Südpazifikexpedition

Denise Madsack Kunst am Bau Zustände, Erhalt und Vermittlung

With an afterword by Renate Luckner-Bien 136 pp., 108 ills. Hardcover. English / German € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-757-7 January 2026

384 pp., 106 ills. Softcover. German. € 34 [D] / US$ 60 / £ 39 ISBN 978-3-89790-759-1 January 2026 D

E /D

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S. 45 S. 49 S. 52

S. 111 S. 117 S. 123

Abbildungen

13 Zustände der Sammlung des Staatlichen Hochbau Baden-Württemberg 14 Umgang mit und Erhalt von Kunst am Bau

Zustände, Erhalt und Vermittlung

Arnoldsche

Vorwort Vorgeschichte und Anlass Forschungsdesiderat und Untersuchungsziele Vorgehensweise Forschungsstand Vom Rohmaterial zum Kunstkonzentrat: Zwölf exemplarische Werkuntersuchungen

6 Spannungsfeld Kunst am Bau: Begriffe und Abgrenzung 7 Wie die Kunst zur Architektur kam – oder umgekehrt 8 Kunst am Bau im Staatllichen Hochbau Baden-Württemberg nach 1945 9 Rahmenbedingungen: Kunst als Verwaltungsfrage 10 Kunst in situ: Standortfaktoren

NEW

Abb. 27

Inez Florschütz (ed.), in cooperation with Leonie Wiegand immer dabei: DIE TASCHE

Abb. 55

Veränderung

Mit restauratorischem Blick begibt sich die Autorin auf die Suche nach den Grundzutaten für einen zeitgemäßen Umgang mit Kunst am Bau auf materieller, sozialer und struktureller Ebene. Sie recherchiert Objektbiografien, extrahiert einen Katalog der Veränderungen und entwickelt einen Modus Operandi, mit dem Kunst am Bau in ihrer dynamischen Umgebung fortwirken und der Verlust kulturellen Erbes verhindert werden kann.

Kunst am Bau

Erhalt

Doch wer kümmert sich um all die Objekte, wenn diese schließlich vor Ort installiert sind? Wer kennt auch die Werke aus früheren Zeiten und weiß um deren künstlerische Idee und den Bezug zum Ort? Wer verwaltet diesen Bestand der »Zustände« als Teil unseres kulturellen Gedächtnisses?

Abb. XX

Denise Madsack

Abb. 11

Kunst am Bau Zustände, Erhalt und Vermittlung

Kunst am Bau begegnet uns dort, wo wir Kunst am wenigsten erwarten: im Finanzamt, vor U-Bahnhöfen, an Gerichtsgebäuden oder in Kliniken. Hier gelten naturgemäß andere Parameter als bei Kunst im Museum. Die Werke müssen ohne vorhandene Vermittlungs- und Erhaltungsstrukturen auskommen. Dabei treffen sie nicht immer auf Gegenliebe, was sie mitunter auch zum politischen Spielball werden lässt.

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RECENT BACKLIST

Astrid Becksteiner-Rasche Richard Kriesche A Shift of Time in Present Times Zeitenwende in Jetztzeit 86 pp., 82 ills. Softcover. English / German. € 28 [D] / US$ 50 / £ 32 ISBN 978-3-89790-728-7 E /D

Thereza Pedrosa (ed.) Bruno Pedrosa Between Worlds

Sandra Paikowsky James Wilson Morrice Paintings and Drawings of Venice

With contributions by M. Brusatin, F. Gullar, R. Barovier Mentasti, and T. Pedrosa 304 pp., 431 ills. Cloth-bound hardcover. English / Italian / Portuguese. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 ISBN 978-3-89790-725-6

304 pp., 210 ills. Hardcover. English. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-691-4 E

E / I / POR

Hedberg

Gregory Hedberg

Groundbreaking revelations about Degas’ sculpture and the Hébrard bronzes

Matthias Dall’Asta / Cornelie Holzach (eds.) Die Mysterien der Zeichen Johannes Reuchlin, Schmuck, Schrift & Sprache

392 pp., 565 ills. Hardcover with dust jacket. English + German. € 58 [D] / US$ 95 / £ 64 E: ISBN 978-3-89790-675-4 D: ISBN 978-3-89790-674-7

272 pp., 200 ills. Cloth-bound hardcover. German. € 44 [D] / US$ 70 / £ 49 ISBN 978-3-89790-670-9

E +D

Certificate of Typography Excellence from the Type Directors Clubs New York and Tokyo 2023/24

Canada and Impressionism

Chapter I analyzes the condition of Degas’ waxes at the time of his death and presents technical evidence indicating that only one of Degas’ surviving waxes was not posthumously assembled from scattered fragments. It also argues that the surviving Degas waxes do not represent a random sampling of a much larger lost sculptural oeuvre, and that Degas may have appreciated the seemingly damaged or incomplete state of some of his waxes. Chapter II presents physical and documentary evidence that the Degas plasters preserved for years at the old Valsuani foundry in Paris were not cast at the same time. Chapter III is an in-depth study of the Tub plaster, which records an earlier state of one of Degas’ most important sculptures. Chapter IV presents physical and documentary evidence stating that perhaps as many as half of the Hébrard bronzes were actually cast at the Valsuani foundry in Paris in the 1950s and 1960s. It then considers the evidence as to when, how, and by whom the final selection of seventy-four Degas models that were eventually cast into bronze by Hébrard was made.

New Horizons

Groundbreaking revelations about Degas’ sculpture and the Hébrard bronzes

JEAN ADHÉMAR

ese admiring words in ARTNews when Edgar Degas were revealed to the public s easily apply to the seventy-four Degas n France in 2004. These plasters are now new documentary and physical evidence th analysis into the condition of Degas’

The Degas Plasters

ave the most amazing way of coming to cted by a charm? One might be tempted arance of seventy-two wax sculptures by d sealed up in the cellars of the famous

The Degas Plasters

Peter van Ham Mandala—In Search of Enlightenment Mandala – Auf der Suche nach Erleuchtung

arnoldsche

Gregory Hedberg The Degas Plasters Groundbreaking revelations about Degas’ sculpture and the Hébrard bronzes 392 pp., 431 ills. Hardcover with dust jacket. English. € 78 [D] / US$ 135 / £ 85 ISBN 978-3-89790-673-0 E

Cecilie Tyri Holt (ed.) Per Fronth Evolution of Melancholy With contributions by M. Kjeldset Siverts, G. Danbolt, T. Olsson, E. Thorsen, C. Brown Jr., D. Kuspit, C. Tyrie Holt, and F. Verpe 336 pp., 491 ills. Hardcover. English / Norwegian. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 ISBN 978-3-89790-634-1

Burtschell / Erne / Meyer / Pokorny / Schacher Thomas Putze Performances 2000–2020

Lars Eisenlöffel Ransve Prints 1963–2013

Katerina Atanassova (ed.) Canada and Impressionism New Horizons

128 pp., 66 ills. Brochure with flaps. English / German. € 28 [D] / US$ 50 / £ 32 ISBN 978-3-89790-624-2

710 pp., with over 1,300 ills. Hardcover, decorative slipcase. English + Norwegian. € 99.80 [D] / US$ 170 / £ 108 E: ISBN 978-3-89790-370-8 NOR: ISBN 978-3-89790-398-2

296 pp., 290 ills. Hardcover. English. 2nd edition. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-547-4

E /D

E + NOR

E / NOR

Thomas Aydt

Gustav Adolf Wagner Zum Gartenbau im 19. Jahrhundert: Stuttgart – Remseck – Süddeutschland arnoldsche

A. K. Prakash Impressionism in Canada A Journey of Rediscovery

GARDEN ARCHITECTURE

Foreword by Guy Wildenstein, introduction by William H. Gerdts 802 pp., 653 ills. Hardcover with dust jacket. English. 2nd edition. € 99.80 [D] / US$ 85 / £ 70 ISBN 978-3-89790-455-2

GARTENARCHITEKTUR

Thomas Aydt Gustav Adolf Wagner Zum Gartenbau im 19. Jahrhundert: Stuttgart – Remseck – Süddeutschland 112 pp., approx. 120 ills. Hardcover. German. € 28 [D] / US$ 50 / £ 32 ISBN 978-3-89790-738-6 April 2026 D

AFRICAN AND ASIAN ART KUNST AUS AFRIKA UND ASIEN

Clare Pollard (ed.) Kindred Spirits 100 Japanese Ceramics in Chinese Style The Shen Zhai Collection With contributions by Fukunaga Ai, Rose Kerr, Maezaki Shinya, Clare Pollard, and a foreword by Patrick K M Kwok 360 pp., 483 ills. Hardcover. English. € 68 [D] / US$ 115 / £ 75 ISBN 978-3-89790-719-5 E

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In trockenen Tüchern präsentiert ausgewählte osmanische Textilien aus dem 18. bis 20. Jahrhundert. Kunstvoll mit Blüten, Früchten oder Architekturelementen verziert, faszinieren die Tücher durch gleichseitige Stick- und Webtechniken und geben Einblicke in verschiedene Lebensbereiche der Menschen. Die fein gewebten Servietten und Handtücher wurden in der Sammlung des Münchener Museums Fünf Kontinente sowie den Privatsammlungen Ulla Ther und Werner Middendorf bewahrt und zeugen von der Kunstfertigkeit dieser jahrhundertealten Kulturtechnik.

SACRED CIRCLE IN TIBETAN BUDDHISM

Buddhists view the mandala as an allegory and symbol of the totality of man and of the cosmos, and practitioners use it in meditation that is to lead to enlightenment. Numerous illustrations of mandalas, drawings, and figures describe it structurally and elucidate this complex form of Tantric practice in understandable terms. This book by Martin Brauen is the updated and extensively expanded edition of his 1992 publication, which has long been out of print and is regarded as one of the most comprehensive works on the mandala. The present publication contains texts, illustrations, and tables that provide manifold approaches to and interpretations of this sacred symbol.

MANDALA

Further publications by Martin Brauen at ARNOLDSCHE Art Publishers: BAMBOO in Old Japan (2003) Die DALAI LAMAS (2005)

Martin Brauen

MANDALA

IN TROCKENEN TÜCHERN Gewebtes und Besticktes aus dem Osmanischen Reich

Martin Brauen

MANDALA

ISBN 978-3-89790-305-0

ARNOLDSCHE Art Publishers

ARNOLDSCHE

arnoldsche

Liststraße 9 D-70180 Stuttgart Tel. +49 / (0)711 / 64 56 18-0 Fax +49 / (0)711 / 64 56 18-79 www.arnoldsche.com

RECENT BACKLIST

Martin Brauen studied Buddhism at Delhi University and anthropology and history of religions at Zurich University. Field studies have taken him to Ladakh, Nepal, Bhutan, and Tibet. After being head of the Department of Tibet, Himalayas, and the Far East at the Ethnographic Museum of the University of Zurich he became Chief Curator at the Rubin Museum of Art in New York. He is the author of numerous publications about Tibetan and Himalayan art and culture, including The Dalai Lamas, Dreamworld Tibet, Deities of Tibetan Buddhism, published in English, and many more in German.

IN TROCKENEN TÜCHERN

Martin Brauen

THE AUTHOR

SACRED CIRCLE IN TIBETAN BUDDHISM ARNOLDSCHE / RUBIN MUSEUM OF ART

ARNOLDSCHE Art Publishers

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20.07.2009 17:25:32 Uhr

Cover_In Trockenen Tuechern_02112022_Screenkorr.indd 1

Lynn Levenberg Tibetan Women’s Jewelry 1,072 pp., 1,077 ills. Hardcover with dust jacket. English. € 98 [D] / US$ 170 / £ 108 ISBN 978-3-89790-727-0 E

NEW EDITION Martin Brauen Mandala Sacred Circle in Tibetan Buddhism

Agus Aris Munandar Majapahit Sculptures from a Forgotten Kingdom

With a foreword by His Holiness the XIV Dalai Lama 264 pp., 171 ills. Hardcover. English. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-706-5 (UK, US, CA) ISBN 978-3-89790-305-0 (other countries)

144 pp., 250 ills. Half-linen cover. English. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-701-0 E

Jennifer-Navva Milliken, Museum for Art in Wood (ed.) The Mashrabiya Project Ancient Architectures and Contemporary Ideas across the Islamic World 248 pp., approx. 100 ills. Hardcover. English / Arabic. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-678-5 September 2026 E / AR

03.11.22 09:25

Anahita Nasrin Mittertrainer, Museum Fünf Kontinente (ed.) In trockenen Tüchern Gewebtes und Besticktes aus dem Osmanischen Reich With contributions by Hülya Bilgi, Beate Kränzle, and Ulla Ther, and a foreword by Uta Werlich 176 pp., 121 ills. Cloth-bound hardcover. German (incl. Turkish text version). € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-676-1 D

Koos de Jong

Small China Early Chinese Miniatures

arnoldsche

Koos de Jong Small China Early Chinese Miniatures 304 pp., 265 ills. Hardcover with dust jacket. English. € 58 [D] / US$ 95 / £ 64 ISBN 978-3-89790-631-0 E

Wendelgard Gerner TSHA-TSHA Votivtafeln aus dem buddhistischen Kulturkreis Sammlung Christian H. Lutz Edited by Fondation CL Tibet. 352 pp., 527 ills. Hardcover. German. € 78 [D] / US$ 135 / £ 85 ISBN 978-3-89790-453-8 D

Michael Henss Buddhist Ritual Art of Tibet A Handbook on Ceremonial Objects and Ritual Furnishings in the Tibetan Temple 456 pp., 630 ills. Hardcover. English. € 78 [D] / US$ 135 / £ 85 ISBN 978-3-89790-567-2

Anette Mertens, in collaboration with Mareile Flitsch Seladon im Augenmerk Jadegleiche Porzellane und ihre Meister in Longquan, VR China

Florian Langegger Netsuke in Comparison Motifs and Their Variations Netsuke im Vergleich Motive und ihre Variationen

240 pp., 381 ills. Hardcover. German. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 ISBN 978-3-89790-574-0

224 pp., 843 ills. Hardcover. English / German. € 48 [D] / US$ 85 / £ 54 ISBN 978-3-89790-528-3

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THE SCENE AND THE UNSEEN OPER IN BILDERN FOTOGRAFIEN VON MONIKA RITTERSHAUS

PHOTOGRAPHY FOTOGRAFIE

Bryn Campbell / Michael Lord Cashman / Beatriz ChadourSampson Brick Lane in London All the World’s a Stage: Street Photography by David and Sonya Newell-Smith 240 pp., 191 ills. Hardcover. English. € 34 [D] / US$ 60 / £ 39 ISBN 978-3-89790-737-9 E

Iris Maria vom Hof (ed.) Walpurgis Night’s Dream Photographs by Joachim Baldauf Walpurgisnachtstraum Fotografien von Joachim Baldauf 160 pp., 93 ills. Softcover with flaps. English / German. € 34 [D] / US$ 60 / £ 39 ISBN 978-3-89790-721-8 E /D

Iris Maria vom Hof (ed.) The Scene and the Unseen Opera in Pictures. Photographs by Monika Rittershaus Oper in Bildern. Fotografien von Monika Rittershaus 224 pp., 108 ills. Softcover with flaps. English / German. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-669-3

Eyes as Big as Plates 2 Karoline Hjorth & Riitta Ikonen

With contributions by C. Darrason, J. Houdrouge, M. Lien, a rawlings, M. Riepenhoff, R. Scranton, and A. Zhe 252 pp., 471 ills. Hardcover. English. € 38 [D] / US$ 65 / £ 42 ISBN 978-3-89790-643-3 E

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Bronze medal of the German Photo Book Award 2023

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