Barroco

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arte, cultura y sociedad

B arroco

filosofia

EDICIÓN #001 MAYO 2013

LAS PASIONES HUMANAS

TENEBRISMO PAGINA12

&

Portada

little baroque company

PAGINA03

&

El claroscuro caravaggista o el recurso técnico como elemento psicológico PAGINA25

PRECIO MÉXICO N$79.00 OTROS PAISES US$7.00

MARTÍN LUTERO

BIENVENIDACONTENIDO

02

BIENVENIDA/ CONTENIDO MAY 2013 10 Vanitas vanitatum 09 Lutero 19 Opera

22 24 15

Reforma protestante Don Quijote El clarooscuro

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Apolo & Daphne

30

Opera como summum

04

CARTA

EDITORIAL EDITOR: Artemio Becerra

EMAIL: artemio@barroco.com

En este número abordaremos la temática dionisiaca y su tratamiento en las diversas disciplinas artísticas y sus corrientes predominantes.

Como todos los lectores de esta publicación bien saben, el fenómeno del arte barroco es por demás inabarcable: un periodo de producción febril que se desarrolla a lo largo de casi dos siglos y que ha dado algunas de las cumbres de la creación artística. Tal vez lo que homogeneiza a las obras, los creadores y el público de esa época sea la contradicción y una incipiente aceptación de

la naturaleza humana (se podría afirmar que se entrevén algunos elementos del psicoanálisis y el surrealismo en el quehacer artístico de la época).

dionisiaco, mas no por lo decadente: existe siempre un vigor y una intensidad emocional únicas. La muerte y el amor se presentan ya como fenómenos indisolubles y hay Temáticamente, el una representación barroco se distingue naturalista de las “papor su irracionalidad siones” humanas. y la trascendencia del mensaje original, El repertorio forpuesto que la obra mal del barroco es en siempre nos dice más gran parte heredero de lo que aparenta del manierismo: figudecirnos. Hay un gus- ras retorcidas, posto por lo patético y lo turas imposibles,

Barroco contacto Publicada por MDBF editores, México, 07780

EDITOR EN JEFE: Artemio Becerra @scivias_ artemio@barroco.com DIRECTOR DE ARTE: Aarón Durán @aarton_ aaron@barroco.com JEFA DE REDACCIÓN: Pamela Flores @padmehh pamela@barroco.com CORRECCIÓN DE ESTILO: Roberto Marquéz @marquez_rc roberto@barroco.com

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movimiento inimaginables. Sin embargo hay un refinamiento y una preocupación por un naturalismo aparente.

En este número abordaremos la temática dionisiaca y su tratamiento en las diversas disciplinas artísticas y sus corrientes predominantes.

barroco

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EVENTOSrecomendaciones

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RECOMENDACIONES

Y EVENTOS ALEJO CARPENTIER, “Concierto Barroco” En esta novela por demás ficticia, el maestro cubano nos relata la historia de “Montezuma”, famosa ópera de Antonio Vivaldi, en la que se deforma toda la historia de la conquista de México para adaptarla al gusto de la época. Es delicioso el pasaje donde Vivaldi se encuentra con Händel y Domenico Scarlatti y terminan desayunando en el cementerio de Venecia.

JUNIO 3

Presentación de CD

evento del mes

Con las obras completas del compositor francés Pancrace Royer por Yago Mahúgo. www.onclassical.com y Brilliant Classics.

Entrada libre hasta completar aforo.

HENRY PURCELL, “Dido and Aeneas” Definida por muchos como una ópera perfecta, en menos de una hora somos llevados de la gloria del más puro de los amores a la tragedia más atroz, todo provocado por la envidia eterna de una bruja cuyo móvil es “Destruction is our delight, delight our greatest sorrow…”

JUNIO 8

CONCIERTO BARROCO OBRAS DE BACH, SCARLATTI Y MONTEVERDI Soprano Natalia Pérez, Tenor Ramón Criado Mateos, Clave Agustín Álvarez IGLESIA DE SANTA MARÍA MAGDALENA, Titulcia, Madrid MAS INFORMACIÓN: https://www. facebook.com/ events/124033087795796/

JUNIO 7

ERRR Night #27 Los invitamos este miércoles 29 de mayo a la Cervecería Crisanta.

Vamos a tener los últimos ejemplares de ERRR No. 27 y 1 cerveza gratis para las 200 primeras personas en llegar.

Los esperamos a las 9 pm, la entrada es libre, la revista es gratis y habrá un DJ set de The

Blackouts. En AV. PLAZA DE LA REPÚBLICA NO. 51, COL TABACALERA, DEL. CUAUHTÉMOC 06030 México, D. F. (Mexico City, Mexico)

MÁS INFORMACIÓN: www.errr-magazine.com

EVENTOSrecomendaciones

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FERNANDO CHECA CREMADES, “El barroco” El Barroco se aborda aquí por los profesores Fernando Checa y José Miguel Morán como un fenómeno pleno de complejidad y contradicciones, muy distante de los planteamientos que lo habían venido considerando hasta ahora una realidad unitaria y cerrada.

JUNIO 15

INAUGURACIÓN

#SavetheDate

LA LETRA E ESTÁ POR DOQUIER. Archivo Diseño y Arquitectura en alianza con el Centro de Diseño de Oaxaca tienen el placer de presentar en la Ciudad de México el trabajo del Studio Manuel Raeder con la exposición LA LETRA E ESTÁ POR DOQUIER. Exhibición original del CDO inaugurada a finales del 2012 y sostenida hasta febrero del 2013, esta exhibición organizada por el CDO desde Oaxaca, ofrece una mirada íntima hacia el trabajo de un despacho joven, vibrante y experimental.

General Francisco Ramírez 4 Col. Ampliación Daniel Garza, 11840 México, D. F.

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Diez datos sobre

Martín

Lutero

Fue un teólogo y fraile católico agustino que comenzó e impulsó la reforma religiosa en Alemania, y en cuyas enseñanzas se inspiró la Reforma Protestante. Sería acusado de hereje, odiado y temido por la Iglesia Católica Romana y Apostólica, pero apoyado por los fieles cansados de las incongruencias de la misma.

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ersi v b u S o e o ¿Hér

Por Roberto Márquez

Nace en una familia de campesinos, cuyo padre trabaja en una mina de cobre. En 1505 ingresó como religioso agustino, en Efurt. Tras perder el celibato y casarse, concibe a 6 hijos.

SELLO DE LUTERO. Una Cruz Negra dentro de un Corazón en Rojo, ambos circunscritos por una Rosa Blanca dentro de un fondo Azul 1525 se casa con Catalina de Bora, inició un movimiento de apoyo al matri s -monio sacerdotal dentro de muchas corrientes cristianas.

Lutero pensaba que la autoridad de la Iglesia residía en la Biblia.

Sus traducciones ayudaron a desarrollar una versión estándar de la lengua alemana y se convirtieron en un modelo en el arte de la traducción.

EISLEBEN / Lutero nació y murió en esta localidad alemana de Sajonia y tras enfrentase a la Iglesia Católica vivió poco tiempo en el castillo de Wartbug, del elector Federico III el Sabio, donde comenzó a traducir el Nuevo Testamento

Lutero nació y murió en esta localid localidad alemana de Sajonia y tras enfrentase a la Iglesia Católica vivió poco tiempo en el castillo de Wartbug, del elector Federico III el Sabio, donde comenzó a traducir el Nu Nuevo Testamento

Su mayor obra fue la publicación de las 95 Tesis, documento donde se oponía a la venta de indulgencias, y las cuales clavó en la puerta de la iglesia de Todos los Santos del castillo de Wittenberg, y recogió los postulados centrales de su doctrina en Manifiesto a la Nobleza cristiana de Alemania, La cautivdad de Babilonia y De la libertad del cristiano.

VANITAS

VANITATUM… VANITAS VANITATUM OMNIAS VANITAS. Vanidad de vanidades, todo es vanidad.

011

Ciertamente la reflexión profunda acarrea tristeza puesto que es inevitable pensar en el fin de las cosas; ésta fue una de las características del movimiento barroco en sus primeras etapas: la vanalidad de la vida y la inevitabilidad de la muerte como el motivo del quehacer artístico. Los ejemplos más recordables los tenemos en los Memento mori, en estos cuadros siempre se ha de mostrar una calavera (sostenida por alguien o a manera de bodegón) junto a otros símbolos y alegorías sobre la vida y su fugacidad.

Si bien estuvo en activo durante el periodo barroco, Philippe de Champaigne es considerado mas bien como un pintor de tendencias clasicistas que, sin embargo, representa de manera magistral el zeitgeist * barroco.

Su cuadro más famoso, es así mismo el más representativo de las inquietudes del artista barroco: la belleza de la vida y su fragilidad, su cualidad de perecedera y efímera; el tiempo y su fugacidad y la inexorabilidad de la muerte. No hay mejor título para el cuadro : “Vida , tiempo y muerte”, las alegorías representadas son más que obvias y resultaría ocioso explicarlas detalladamente.

Es interesante ver que, si la pintura barroca de esta temática invita a la reflexión y tiene un tono moralizante: en la escultura, la temática de la Vanitas* es tratada de una manera que resulta incluso chocante. Recordemos que en esa época la escultura era un arte utilitario y decorativo que era indisoluble de la arquitectura y que cumplía fines bien específicos (altares, tumbas, mausoleos, retratos). Uno de los ejemplos más notables tanto de la expresión de la temática como de la maestría en el uso de los recursos técnicos el Sepulcro de Alejandro VII, obra de Gian Lorenzo Bernini.

ORIGINALMENTE UNA EXPRESIÓN DEL IDIOMA ALEMÁN QUE SIGNIFICA “ESPÍRITU (GEIST) DEL TIEMPO (ZEIT)”. MUESTRA EL CLIMA INTELECTUAL Y CULTURAL DE UNA ERA. ES UN TÉRMINO QUE SE REFIERE A LOS CARACTERES DISTINTIVOS DE LAS PERSONAS QUE SE EXTIENDEN EN UNA O MÁS GENERACIONES POSTERIORES QUE, A PESAR DE LAS DIFERENCIAS DE EDAD Y EL ENTORNO SOCIO-ECONÓMICO, UNA VISIÓN GLOBAL PREVALECE PARA ESE PARTICULAR PERÍODO DE LA PROGRESIÓN SOCIO-CULTURAL. VANITAS ES UN TÉRMINO LATINO QUE PUEDE TRADUCIRSE POR VANIDAD ; NO EN EL SENTIDO DE SOBERBIA U ORGULLO, SINO EN EL SENTIDO DE VACUIDAD, INSIGNIFICANCIA (COMO EN LA EXPRESIÓN «EN VANO»).SU TÍTULO Y SU CONCEPCIÓN SE RELACIONAN CON UN PASAJE DEL ECLESIASTÉS: «VANITAS VANITATUM OMNIA VANITAS» («VANIDAD DE VANIDADES, TODO ES VANIDAD»).

EL MENSAJE QUE PRETENDE TRANSMITIR ES LA INUTILIDAD DE LOS PLACERES MUNDANOS FRENTE A LA CERTEZA DE LA MUERTE, ANIMANDO A LA ADOPCIÓN DE UN SOMBRÍO PUNTO DE VISTA SOBRE EL MUNDO.

PHILIPPE DE CHAMPAIGNE (1602-1674) NACIÓ EN UNA FAMILIA ACAUDALADA. AL CONTRARIO DE LO HABITUAL EN LA ÉPOCA, NO SE FORMÓ CON RUBENS, SINO CON UN MODESTO PINTOR DE PAISAJES, JACQUES FOUQUIÈRES. DESEABA VIAJAR A ROMA, PERO SE INSTALÓ EN PARÍS EN 1621Y, SALVO POR ALGUNA BREVE AUSENCIA, VIVIÓ ALLÍ EL RESTO DE SU VIDA. L PINTOR CAYÓ BAJO LA INFLUENCIA DEL JANSENISMO DESPUÉS DE QUE SU PROPIA HIJA, VÍCTIMA DE UNA PARÁLISIS, FUESE MILAGROSAMENTE CURADA EN EL CONVENTO DE PORT ROYAL DES CHAMPS. FUE UNO DE LOS MIEMBROS FUNDADORES DE LA REAL ACADEMIA DE PINTURA Y ESCULTURA EN 1648, Y EN 1655 SE HIZO PROFESOR DE LA MISMA. SUS CONFERENCIAS SOBRE PINTURAS DE TIZIANO SE ENMARCAN EN LA PUGNA ESTÉTICA QUE SE VIVÍA EN LA PINTURA FRANCESA, ENTRE EL CLASICISMO QUE DABA PRIORIDAD AL DIBUJO Y EL COLORISMO MÁS AFIN A TIZIANO Y LA PINTURA VENECIANA. SUS COMPOSICIONES SON SIMÉTRICAS, CON SOFISTICADOS DRAPEADOS Y COLORES FRESCOS (AZUL INTENSO,ROSA).

012 También en la literatura se dan grandes ejemplos sobre la reflexión de la vida, la muerte y la vanidad. Uno de los poemas más famosos del barroco alemán es el intitulado Es ist alles Eitel (Es todo vanidad) de Andreas Gryphius (1616-1664), en éste se hace una reflexión por demás insoportable (insoportable por verdadera) de la frivolidad de todo cuanto es y hace el ser humano:

Es ist alles Eitel Du siehst, wohin du siehst, nur Eitelkeit auf Erden. Was dieser heute baut, reißt jener morgen ein Wo jetzund Städte stehn, wird eine Wiese sein, Auf der ein Schäferskind wird spielen mit den Herden.

Was jetzund prächtig blüht, soll bald zertreten werden Was jetzt so pocht und trotzt, ist morgen Asch und Bein Nichts ist, das ewig sei, kein Erz, kein Marmorstein. Jetzt lacht das Glück uns an, bald donnern die Beschwerden.

Der hohen Taten Ruhm muß wie ein Traum vergehn. Soll denn das Spiel der Zeit, der leichte Mensch, bestehn? Ach, was ist alles dies, was wir vor köstlich achten,

Als schlechte Nichtigkeit, als Schatten, Staub und Wind, Als eine Wiesenblum, die man nicht wieder find’t! Noch will, was ewig ist, kein einig Mensch betrachten.

Es todo vanidad

Vanidad en la tierra, donde eches la mirada.

Lo que hoy éste construye, mañana aquél vulnera: donde ahora una ciudad, habrá luego una pradera, en que un niño-pastor jugará con su majada.

La pompa ahora en flor, será pronto pisoteada; lo que hoy late y porfía, hueso y ceniza entonces: nada eterno existe, ni el mármol ni los bronces; por dicha que hoy sonríe, habrá pena demasiada.

De proezas la fama pasará como sueño. ¿Y ha de quedar, juego del tiempo, el hombre cenceño? ¡Ay!, qué es todo lo que tenemos por valioso,

más que nulidad mala, que sombra, polvo y viento; más que flor de pradera, y de ella un solo encuentro.

Más cercana a nuestra sensibilidad e idiosincrasia está Sor Juana, en sus sonetos filosóficos morales se encuentran dos que hacen especial alusión a esta temática, sin embargo Sor Juana admite su humanidad al escribir dos sonetos que parecieran contradictorios pero que no son si las dos caras de la misma moneda: por un lado la reflexión profunda sobre la vanalidad de la obra humana y del humano per se y por otro el horror de los estragos de la vejez y la decadencia, deseando su propia muerte antes de que esto ocurra.

Cuadro Sesenet neftu nedjem del editor Per em rek

Peteri nefruk em menet Ta-i nehet sedj emi Kheruk nedjem en mehit Renpu ha-i em ankh en mertuk.

Di-ek eni awik kher ka-ek Shesepi su ankhi yemef I ashek reni er heh Ben hehif em rek Hmmm

013

014 Éste recuerda a la composición del sepulcro de Urbano VIII, pero es más complejo, con cuatro alegorías y una composición profunda.

Las alegorías que aparecen son de izquierda a derecha y de delante a atrás las de la Caridad, Verdad, Prudencia y Justicia. El pontífice no aparece aquí de un modo arrogante, sino arrodillado humildemente y sin la tiara.

Bajo él esta la puerta de una de las sacristías de San Pedro, utilizada aquí en un sentido dramático y espacial como entrada al Más Allá. Esta es señalada por la Muerte, no como la Fama del Sepulcro de Urbano VIII, sino portando un reloj da arena a modo de recuerdo de su omnipresencia.

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Soneto 145 PROCURA DESMENTIR LOS ELOGIOS QUE A UN RETRATO DE LA POETISA INSCRIBIÓ LA VERDAD, QUE LLAMA PASIÓN Este que ves, engaño colorido,que, del arte ostentando los primores,con falsos silogismos de coloreses cauteloso engaño del sentido;éste, en quien la lisonja ha pretendidoexcusar de los años los horrores,y venciendo del tiempo los rigorestriunfar de la vejez y del olvido,es un vano artificio del cuidado,es una flor al viento delicada,es un resguardo inútil para el hado: es una necia diligencia errada,es un afán caduco y, bien mirado,es cadáver, es polvo, es sombra, es nada.

Soneto 148 ESCOGE ANTES EL MORIR QUE EXPONERSE A LOS ULTRAJES DE LA VEJEZ Miró Celia una rosa que en el prado ostentaba feliz la pompa vana y con afeites de carmín y grana bañaba alegre el rostro delicado; y dijo: -Goza, sin temor del Hado, el curso breve de tu edad lozana, pues no podrá la muerte de mañana quitarte lo que hubieres hoy gozado.

Y aunque llega la muerte presurosa Y tu fragante vida se te aleja, no sientas el morir tan bella y moza: mira que la experiencia te aconseja que es fortuna morirte siendo hermosa y no ver el ultraje de ser vieja.

El Quijote es considerada la obra Manierista por excelecia, en Cervantes están todos sus rasgos esenciales: la mezcla de elementos realistas con elementos fantásticos (las fronteras entre lo real y lo irreal no están completamente definidas), la presencia de lo cómico en lo trágico y de lo trágico en lo cómico y la doble naturaleza del héroe (Don Quijote es por una parte un hombre virtuoso, positivo, idealista, pero al mismo tiempo es un personaje cómico, ridículo y grotesco).

Por Roberto Marquez

“No hay que tener envidia a los que los tienen príncipes y señores, porque la sangre se hereda, y la virtud se aquista y la aqui virtud vale por sí sola lo que la sangre no vale”

“El pobre está inhabilitado de poder mostrar la virtud de liberalidad con ninguno, aunque en sumo grado la posea” pose

“Las tristezas no se hicieron para las bestias, sino para los hombres; pero si los hombres las sienten demasiado, demasiad se sienten bestias”

Dony su elocuencia Quijote

“Los celos son señales de amor, es como la calentura en el hombre enfermo que a tenerla es señal de tener vida, vid pero vida enferma y mal dispuesta”

“Parece, Sancho, que no hay refrán que no sea verdadero, porque todos son sentencias sacadas de la mesma experiencia, madre de las ciencias todas” “Amor y deseo son dos cosas diferentes; que no todo lo que se ama se desea, ni todo lo que se desea se ama”

“ Como no estás experimentado en las cosas del mundo, todas las cosas que tienen algo de dificultad te parecen imposibles”

“Aún entre los demonios hay unos peores que otros, y entre muchos malos hombres suele haber alguno bueno”

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“TODOS LOS VICIOS, CON TAL DE QUE ESTÉN DE MODA, PASAN POR VIRTUDES.” MOLIÈRE

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Si bien el claroscuro es evidente, en Leonardo permanece el sfumato, recordemos que es artista renacentista por excelencia: no importa cuan oscuro sea el cuadro, no deja de ser apolíneo.

Todos hemos oído hablar del claroscuro y su importancia en el desarrollo de la pictórica barroca, pero… ¿qué es el claroscuro?.

El claroscuro es una técnica que consiste en el uso de contrastes fuertes entre volúmenes, unos iluminados y otros ensombrecidos, para destacar más efectivamente algunos elementos.

Este recurso técnico fue el principal elemento de reacción de los artistas barrocos hacia el manierismo y su luz fría, monótona y serena. Ahora la luz era cálida, dura y violenta y no hace sino recortar la figura sobre un fondo monocromo destacando de manera evidente la jerarquía de los elementos compositivos del cuadro.El antecedente más próximo al claroscuro caravaggista lo encontramos en Leonardo, concretamente en San Juan Bautista , sin embargo aquí el claroscuro se muestra de una manera sutil y difuminada (leonardesca por excelencia) y el sfumato impide una apreciación que no sea la críptica.

EL CLAROSCURO CARAVAGGISTA O EL RECURSO TÉCNICO COMO ELEMENTO PSICOLÓGICO Regresando a Caravaggio, el claroscuro es ahora no solo un elemento técnico de realce o de creación atmosférica para un contexto propicio para el desarrollo de la acción dramática del cuadro sino que se convierte en un elemento pictórico a la par, si no es que por encima, de los demás elementos que intervienen en la composición del cuadro. Uno de los ejemplos más notables es el que hayamos en David con la cabeza de Goliath donde encontramos varios claroscuros que son ilógicos desde el punto de vista óptico y rompen las reglas de la perspectiva aérea, sin embargo son eficaces porque no se circunscriben a un rol meramente técnico sino que cumplen una función psicológica bien definida: señalar las alegorías de los personajes aquí retratados.

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020 NO POR TITULARSE ASÍ, SIGNIFICA QUE LOS ROSTROS QUE VEMOS SEAN EL DE DAVID Y GOLIATH, EL MENSAJE VA MÁS ALLÁ. HE AQUÍ UN PEQUEÑO RESUMEN DE LA HISTORIA DEL CUADRO: LA NOCHE DEL 29 DE MAYO DE 1606 MATÓ, PROBABLEMENTE POR ACCIDENTE, A UN HOMBRE LLAMADO RANUCCIO TOMASSONI, UN FAMOSO ESPADACHÍN AL QUE BATIÓ EN DUELO, SEGURAMENTE POR UNA MUJER.ANTERIORMENTE, SUS MECENAS LE PROTEGIERON DE POSIBLES ACCIONES JUDICIALES EN SU CONTRA, MOTIVADAS POR RIÑAS, PERO ESTA VEZ FUE DIFERENTE. CON UNA ORDEN DE APREHENSIÓN A SUS ESPALDAS Y FUERA DE LA LEY, CARAVAGGIO HUYÓ A NÁPOLES, EL CENTRO DE CONFLICTO EN LA ITALIA DE LA ÉPOCA, Y ACABÓ INSTALÁNDOSE EN MALTA, DONDE LA ORDEN DE LOS CABALLEROS DE MALTA LE DIO REFUGIO, TRABAJO Y LE NOMBRÓ CABALLERO. DESCUBIERTO SU DELITO, FUE APRESADO Y CARAVAGGIO ESCAPÓ, VAGANDO DE CIUDAD EN CIUDAD. A FINALES DE 1609 PREPARA SU REGRESO A ROMA Y BIEN PUDIERA SER QUE MEDIANTE ESTE LIENZO TRATARA DE ATRAERSE EL PERDÓN DEL PAPA, ALGO QUE NO CONSIGUIÓ, YA QUE FUE APRESADO POR EL CAPITÁN DEL BARCO QUE LE LLEVARÍA A ROMA Y, CUANDO LOGRÓ ESCAPAR, EL NAVÍO ZARPÓ CON SUS CUADROS MÁS PRECIADOS, INCLUÍDO ESTE, MURIENDO DE FIEBRES ALTAS Y CONTUSIONES MIENTRAS INTENTABA HACERLE DARLE LA VUELTA DESDE UNA PLAYA. EN EL CUADRO SE AUTORRETRATA CON EL ROSTRO MALTRATADO (UNA PELEA LO HABÍA DEFORMADO), EN LA CABEZA CORTADA DE GOLIAT. EL JOVEN DAVID LA CONTEMPLA CONMISERATIVAMENTE, SIN AFÁN VENCEDOR, SOSTENIÉNDOLA CASI CON ASCO. EN SU ESPADA SE LEE UNA INSCRIPCIÓN QUE IDENTIFICA A DAVID CON LA HUMILDAD, Y A GOLIAT CON LA SOBERBIA: LA INSCRIPICIÓN ABREVIADA “H-AS OS”, EN LATÍN: HUMILITAS OCCIDIT SUPERBIAM (“LA HUMILDAD MATA AL ORGULLO”).

SE TRATA PUES, DE UNA HUMILLACIÓN DE CARAVAGGIO ANTE LA AUTORIDAD, HECHA CON EL ÁNIMO DE SUPLICAR EL PERDÓN Y PONER FIN A SU DESTIERRO, PUES SI VOLVÍA A ROMA SERÍA DECAPITADO POR HOMICIDA. ÉL MISMO ENTREGA SU CABEZA AL PAPA, LA PINTURA POSEE UN ELEMENTO DE REPUGNACIA CONSIGO MISMO. EL CLAROSCURO ES AQUÍ PLANTEADO DE MANERA IRRACIONAL PERO UTILIZADO DE UNA MANERA INTELIGENTE:

1.-LA FIGURA DE DAVID SE HALLA MÁS ILUMINADA QUE LA DEL PRIMER PLANO PERSPECTIVO, ESTO ES COMPLETAMENTE IMPOSIBLE PERO SI SE PONE ATENCIÓN EL TORSO ESTÁ EN UN PRIMER PLANO LUMÍNICO, EL ROSTRO EN UN SEGUNDO Y LOS DRAPEADOS EN UN TERCERO. SE RESALTA ASÍ LA JOVIALIDAD DEL PERSONAJE Y SE DESDIBUJA HASTA CIERTO PUNTO SU ROSTRO, DANDO PASO A LA IDEA DE LA HUMANIDAD Y LA HUMILDAD.

2.-LA LUZ QUE ILUMINA LA CABEZA DE GOLIATH ES DE UNA NATURALEZA MUCHO MÁS FRÍA QUE LA DE DAVID, RESALTA EL RIGOR MORTIS Y ENDURECE LAS FACCIONES DEL GESTO AGONIZANTE.

3.- SI BIEN ES UN ÁREA MUY PEQUEÑA DENTRO DEL CUADRO, LA ESPADA ES EL ELEMENTO MÁS ILUMINADO DE TODO EL CUADRO; LA LUZ QUE LE LLEGA ES BLANCA, CASI COMO LA DE LOS REFLECTORES MODERNOS. LA RAZÓN DE ESTE PROCEDER ES EL DESEO DE RESALTAR LA INSCRIPCIÓN EN LA MISMA “H-AS OS“.

023 (MICHELANGELO MERISI; CARAVAGGIO, ACTUAL ITALIA, 1571-PORTO ERCOLE, ID., 1610) PINTOR ITALIANO. PRINCIPAL FIGURA DE LA PINTURA ITALIANA DE SU TIEMPO, APRENDIÓ EL ARTE PICTÓRICO DE UN MAESTRO DE SEGUNDA FILA, SIMONE PETERZANO, Y SOBRE TODO A PARTIR DEL ESTUDIO DE LAS OBRAS DE ALGUNOS ARTISTAS VENECIANOS. DE 1592 A 1606 TRABAJÓ EN ROMA, DONDE NO TARDÓ EN DESTACAR NO SÓLO POR SU ORIGINAL ENFOQUE DE LA OBRA PICTÓRICA, SINO TAMBIÉN POR SU VIDA IRREGULAR, EN LA QUE SE SUCEDÍAN LANCES, PELEAS Y EPISODIOS REVELADORES DE SU CARÁCTER TEMPESTUOSO Y SU FALTA DE ESCRÚPULOS. DE CARAVAGGIO SE HA DICHO QUE FUE UN REVOLUCIONARIO TANTO POR SU VIDA TURBULENTA COMO POR SU PINTURA, EN LA QUE PLANTEÓ UNA OPOSICIÓN CONSCIENTE AL RENACIMIENTO Y AL MANIERISMO. SIEMPRE BUSCÓ, ANTE TODO, LA INTENSIDAD EFECTISTA A TRAVÉS DE VEHEMENTES CONTRASTES DE CLAROSCURO QUE ESCULPEN LAS FIGURAS Y LOS OBJETOS, Y POR MEDIO DE UNA PRESENCIA FÍSICA DE VIGOR INCOMPARABLE. AL EVITAR CUALQUIER VESTIGIO DE IDEALIZACIÓN Y HACER DEL REALISMO SU BANDERA, PRETENDIÓ ANTE TODO QUE NINGUNA DE SUS OBRAS DEJARA INDIFERENTE AL ESPECTADOR. DESDE EL PRINCIPIO DE SU ESTANCIA ROMANA RECHAZÓ LA CARACTERÍSTICA BELLEZA IDEAL DEL RENACIMIENTO, BASADA EN NORMAS ESTRICTAS, Y ELIGIÓ EL CAMINO DE LA VERDAD Y EL REALISMO, REALIZANDO SUS OBRAS MEDIANTE COPIAS DIRECTAS DEL NATURAL, SIN NINGÚN TIPO DE PREPARACIÓN PREVIA. SUS PRIMERAS CREACIONES SON FUNDAMENTALMENTE PINTURAS DE GÉNERO QUE COMBINAN LA FIGURA HUMANA CON ESCENAS DE BODEGÓN Y NATURALEZA MUERTA. CONSTITUYE UN EJEMPLO EMBLEMÁTICO DE ESTA PRIMERA ETAPA CREATIVA EL TAÑEDOR DE LAÚD, DONDE UN JOVEN DE BELLEZA FEMINOIDE Y SENSUAL COMPARTE PROTAGONISMO CON FRUTAS, FLORES Y UNA SERIE DE OBJETOS RELACIONADOS CON LA MÚSICA. EN ESTAS

PRIMERAS OBRAS RESULTA YA EVIDENTE EL EMPLEO ESTÉTICO DE CARAVAGGIO DE LOS JUEGOS DE LUCES Y SOMBRAS, SI BIEN EL CLAROSCURO SÓLO SIRVE AQUÍ COMO CREADOR DE VOLÚMENES Y DE PROFUNDIDAD, SIN AÑADIR A LA ACCIÓN EFECTOS DE DRAMATISMO, COMO SERÍA HABITUAL EN LAS CREACIONES POSTERIORES DEL ARTISTA. EN 1606, CARAVAGGIO MATÓ A UN HOMBRE EN UNA REYERTA Y SE VIO OBLIGADO A HUIR DE ROMA, ADONDE, MUY A SU PESAR, NUNCA PUDO VOLVER. MURIÓ CUATRO AÑOS DESPUÉS EN UNA PLAYA SOLITARIA, AQUEJADO DE MALARIA. EN ESTA ÚLTIMA ÉPOCA HABÍA PINTADO ALGUNAS OBRAS EN LAS QUE SU DRAMATISMO CARACTERÍSTICO DEJABA PASO A UNA GRAN SERENIDAD.

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Entre 1622 y 1625, Gian Lorenzo Bernini esculpió en mármol la famosa obra Apolo y Dafne. En ella se puede advertir a Apolo alcanzando a Dafne mientras ella intenta escapar. Apolo está coronado con una corona de laurel que presagia la metamorfosis de Dafne en árbol de laurel. Dafne es retratada durante el proceso de transformación, de hecho sus brazos están tomando la forma de ramas mientras huye e implora a su padre que la rescate de Apolo

APOLO Daphne

&

Apolo, dios del sol y la música, fue maldecido por el joven Eros después de que se burlase de este por jugar con un arco y flechas.

E El irascible Eros tomó dos flechas, una de oro y otra de hierro. La de oro incitaba el amor, la de hierro incitaba el odio. Con la flecha de hierro disparó a la ninfa Dafne y con la de oro disparó a Apolo en el corazón. Apolo se inflamó de pasión por Dafne y en cambio ella lo aborreció. En el pasado Dafne había rechazado a muchos amantes po potenciales y a cambio había demostrado preferencia por la caza y por explorar los bosques.

Su padre, Peneo, le pidió que contrajera matrimonio para que así le diese nietos. Sin embargo, rogó a su padre que la dejase soltera, como la hermana gemela de Apolo, Artemisa. A pesar de esto, Peneo le advirtió que era demasiado herm hermosa como para mantener por siempre lejos a todos sus pretendientes.

Apolo continuamente la persiguió, rogándole que se quedara con él, pero la ninfa siguió huyendo hasta que los dioses intervinieron y ayudaron a que Apolo la alcanzara. En vista de que Apolo la atraparía, Dafne invocó a su padre.3 De repente, su piel se convirtió en corteza de árbol, su cabello en hojas y sus brazos en ramas. Dejó de correr ya enraiza que sus pies se enraizaron en la tierra. Apolo abrazó las ramas, pero incluso éstas se redujeron y contrajeron. Como ya no la podía tomar como esposa, le prometió que la amaría eternamente como su árbol y que sus ramas coronarían las cabezas de los héroes. Apolo empleó sus poderes de eterna juventud e inmortalidad para que siemp estuviera verde. siempre

Por Roberto Márquez

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EDITORIALFEATURE

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LA ÓPERA TRÁGICA COMO SAMIENTO BARROCO INDUDABLMENTE ES EN LA ÓPERA DONDE SE PUEDE APRECIAR “DE GOLPE” TODA LA CONCEPCIÓN BARROCA DEL QUEHACER ARTÍSTICO, PUESTO QUE ES ESTA EXPRESIÓN LA ÚNICA EN LA QUE CONVERGEN TODAS LAS ARTES. Es característico de la ópera barroca el gusto por la tragedia, el fatalismo, el patetismo y la temática obscena (ateniéndonos a la etimología griega “detrás de la escena”, lo que no debe ser mostrado). De hecho, históricamente la ópera fue creada como una tragedia puesta en música (Drama per musica), la intención de la Camerata Fiorentina era reproducir de manera fiel la tragedia griega . En ese mismo afán, todas o casi todas las óperas barrocas son de temática histórica-mitológica, sin embargo, esta misma es adaptada siempre al gusto y contexto histórico barroco: se alteran las tramas, se cambian los nombres y escenarios, incluso se altera la temporalidad de los sucesos y de sexo a los personajes.

Tal vez la primera gran ópera trágica la podamos encontrar en L’incoronazzione di Poppea de Claudio Monteverdi, donde los personajes principales no son sino Nerón y Séneca y todo el discurso es prácticamente un diálogo entre ellos, hasta que sobreviene la muerte, que todos sabemos, del último. Se puede resumir la tónica imperante de desesperación y tragedia de la época en la famosa aria de Séneca Le porpore regali donde el texto es un monólogo de gran profundidad estoica que al finalizar es respondido por Palas Atenea advirtiéndole de la proximidad de su muerte :

EDITORIALFEATURE

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O EL SÚMMUM DEL PENPUEDES ENGAÑAR A TODO EL MUNDO ALGÚN TIEMPO. PUEDES ENGAÑAR A ALGUNOS TODO EL TIEMPO. PERO NO PUEDES ENGAÑAR A TODO EL MUNDO TODO EL TIEMPO. ABRAHAM LINCOLN

Le porpore regali e imperatrici,d’acute spine e

La púrpura real e imperialde agudas espi-

triboli conteste,sotto forma di vestesono il martirio

nas y tribulaciones está surcada,y bajo la forma de

a’ prencipi infelici;le corone eminentiservono solo a

vestimenta,son el martirio de los príncipes infelices.

indiademar tormenti.Delle regie grandezzesi veggono

Las coronas eminentessirven sólo para laurear tor-

le pompe e gli splendori,ma stan sempre invisibili i

mentos.De la grandeza real se venla pompa y los

dolori.

esplendores,pero están siempre invisibles los dolores.

032

La música es potente e interiorista, el único acompañamiento es el del bajo continuo con muy pocas notas: todo lo importante lo dice Séneca. Este bajo, conjuntado con la voz sólida y potente del barítono, siendo que todos los personajes incluso Nerón son interpretados por mujeres, dota al texto de una severidad y trascendencia únicas, debido además de una línea melódica desprovista de saltos abismales y adornos innecesarios.

Siguiendo el desarrollo del pensamiento trágico llegamos a Henry Purcell, compositor por una particular debilidad por las heroínas trágicas. En una de sus arias conocemos la desolación desgarradora por la muerte del amor de la protagonista, el aria Let me weep del acto III de la ópera The Fairy Queen; la melodía es por demás bella, llena de saltos cromáticos y de octava. La rítmica es continua ya veces es entrecortada conforme al texto para dar la idea del llanto desconsolado.

033 O let me weep, for ever weep, my eyes no more

¡Oh, déjame llorar, llorar para siempre! ¡Que mis

the shall welcome sleep; I’ll hide me from the sight

ojos no conozcan más el sueño! Me esconderé de la

of day, and sigh, and sigh my soul away. He’s gone,

luz del día y, suspiro a suspiro, liberaré mi alma. ¡Él

he’s gone, his loss deplore; and I shall never see him

se ha ido, se ha ido! ¡Lamentad su pérdida puesto que

more.

nunca más lo volveré a ver!

Escena previa al aria “Let me weep “, se da la muerte del amado de la protagonista.

Al final del barroco lo trágico no solo era desgarrador sino que se volvió atroz y horroroso:la tragedia ahora reside en los propios actos del protagonista, ya no cometidos por el clásico hybris sino que toma cada vez más fuerza el concepto de hamartia, el error fatal en que incurre el “héroe trágico” que intenta “hacer lo correcto” en una situación en la que lo correcto simplemente no puede hacerse. Uno de los ejemplos más desgarradores y atroces lo tenemos en Il Farnace de Antonio Vivaldi. Por una guerra mal llevada, Farnace Rey del Ponto, ha sido derrotado y para evitar caer en manos enemigas, ordena a su esposa Tamiri que mate a su hijo y se suicide. Al final el mismo Farnace mata a su propio hijo y siente que se le hiela la sangre, de ahí el título Gelido in ogni vena ,y no hace sino describir su infinito dolor y horror ante el acto cometido: Gelido in ogni venaScorrer mi sento il

Helada, por todas las venas,Me siento correr la

sangueL’ombra del figlio esangueM’ingombra di ter-

sangreLa sombra de un hijo exangüeMe llena de ter-

rorE per maggior mia pena,Credo che fui crudeleA

rorY para mayor pena míaCreo haber sido cruelCon

un’anima inocente,Al core del mio cor

un alma inocente:El corazón de mi corazón

ES ÉSTA UNA DE LAS CUMBRES DEL PATETISMO BARROCO, QUE DESPUÉS DARÁ PASO A LA LIGEREZA DEL ROCOCÓ Y EL CLASICISMO Y QUE NO SE RETOMARÁ DE FORMA PLENA SINO HASTA EL VERISMO ITALIANO.

#BARROCOREV