Contemporary Ukrainian Artists and PANTON CHAIR 2014

In the modern world the human starts to approach his living environment more artistically and he requires things that can actively participate in this creative environment. The interest towards art objects reflects the individual’s aspiration towards self-identification.

The purchase of art objects is becoming a method of his active self-expression. The question of the relations of art and design in art-objects has been considered by many respectable foreign theorists of art and design of the XX Century.

«Art objects in furniture is a vent for artists who are tired of the geometry of museum art and is also the return to Bauhaus’ experimentalism» says Denis Domerg, the author of a study about artists creating art objects.

According to the British art critic Alex Cowles, art today is created with the help of design. In Cowles’ proposed binomial «DesignArt», art nevertheless remains the dominant element.

There is another view that design, not art, embodies the visual spirit of an epoch today, and that it has the potential to equalize with art or even overcome it.

Their interaction in modern practice is the main aim of the project «Contemporary Ukrainian artists and PANTON CHAIR».

Davis has invited 17 Ukrainian artists to participate in this project — Artem Volokitin, Igor Gusev, Alexander Zhyvotkov, Alina Kopitsa, Pavel Kerestey, Alexander Klymenko, Anatoly Kryvolap, Pavel Makov, Nikolay Matsenko, Roman Minin, Vinny Reunov, Victor Sydorenko, Marina Skugareva, Taisha 3,14, Oleg Tistol, Vasily Tsagolov, Nikita Shalenny.

Each participant has chosen one of the standard colours for this collection of chairs for his idea of the art object PANTON CHAIR. We did not restrict the artists in the choice of technique or theme for the creation of the art object. As a result, a unique collection was created, with each exhibit giving a new emotional perception of the design icon PANTON CHAIR, transforming it into an art object.

We thank PinchukArtCentre for the possibility to present the collection in the museum from the 7 th February to 7th March 2014.

В современном мире человек начинает все более творчески подходить к своей среде обитания, и ему нужны вещи, способные активно участвовать в этом созидательном процессе. Интерес к арт-объектам отражает стремление индивидуума к самоидентификации. Приобретение арт-объекта становится средством его активного самовыражения. Вопрос соотношения искусства и дизайна в арт-объектах рассматривали многие авторитетные зарубежные теоретики искусства и дизайна 20 века. «Арт-объекты в мебели — это отдушина для художников, уставших от геометричности музейного искусства, и возврат к экспериментаторству Баухауза», — считает Дениз Домерг, автор монографии о художниках, создающих арт-объекты. По мнению британского арт-критика Алекса Коулза, все искусство сегодня создается с помощью дизайна. В предложенном Алексом Коулзом биноме «ДизайнАрт» — искусство остается все же доминирующим элементом. Есть другое мнение — что именно дизайн, а не искусство, воплощает сегодня визуальный дух эпохи, и у него есть потенциал уравняться с искусством или даже его превзойти. Их взаимодействие в современной практике — основная задача проекта «Современные украинские художники и PANTON CHAIR». К участию в этом проекте компанией DAVIS приглашены 17 украинских художников — Артем Волокитин, Игорь Гусев, Александр Животков, Алина Кoпица, Павел Керестей, Александр Клименко, Анатолий Криволап, Павел Маков, Николай Маценко, Роман Минин, Винни Реунов, Виктор Сидоренко, Марина Скугарева, Taisha 3,14, Олег Тистол, Василий Цаголов, Никита Шаленный. Каждый из участников проекта выбрал для своей идеи арт-объекта PANTON CHAIR какого-либо из стандартных цветов для этой коллекции стульев. Мы не ограничивали художников ни в выборе техники, ни в выборе темы для создания арт-объекта. В результате получена уникальная коллекция, каждый из экспонатов которой дал новое эмоциональное восприятие иконы дизайна PANTON CHAIR, превратив икону дизайна в арт-объект. Мы благодарим PinchukArtCentre за возможность представить коллекцию арт-объектов в музее с 7 февраля по 7 марта 2014 года.

Art director Davis Casa, Project Organizer Fayina Ierenburg

Арт-директор Davis Casa, организатор проекта Фаина Еренбург

Art is the one of the most essential and ancient part of the human existing. The need and the gift to create, to compose, to transform the outward things is initially laid in human beings. Since the very beginning of times human seeks to master the environment, to transform it according to his own ideas and perceptions. Beginning with cave paintings and prints up to contemporary art it is a continuous process. Throughout this way from the very ancient time art and design are united. Design is an art, which is inseparable from everyday life and creates space for our existence, with its own objectives and features, transforming from epoch to epoch.

Like art, it has its masterpieces, internationally recognized items.

Panton Сhair belongs to such masterpieces. This is not just a beautiful thing, this is the famous, bright art-object called a classic of modern design, created one of the gravest designers of the second half of the twentieth century. One of the first models Panton chair is in the collection of MOMA. Therefore, this project is not just making the relation between art and design, but there is an artistic dialogue that happens and in which the finished art object with its own history is reinterpreted by contemporary artists and acquires new features.

Project participants are leading contemporary Ukrainian artists representing Ukraine at the international art scene. They belong to different generations and artistic directions and each of them has a distinctive vision and creative personality, help the project with expressiveness and variety.

Искусство является одной из самых важных и древних составляющих человеческой жизни. Потребность и способность творить, создавать и изменять окружающий мир заложена в нас изначально. С первобытных времен человек стремится освоить окружающую среду, преобразить ее согласно собственным представлениям и мироощущению. Начиная с наскальных рисунков и отпечатков и заканчивая современным искусством — этот процесс непрерывен. На протяжении всего этого пути с самых древних пор искусство и дизайн едины. Дизайн является искусством, которое неотделимо от повседневной жизни и формирует пространство нашего существования, имея собственные задачи и особенности, трансформируясь от эпохи к эпохе. Как и изобразительное искусство, он имеет свои шедевры, всемирно признанные авторские произведения.

Panton Chair принадлежит к таким шедеврам. Это не просто красивый предмет — это знаменитый, яркий арт-объект, именуемый классикой современного дизайна, созданный одним из самых влиятельных дизайнеров второй половины ХХ века. Одна из первых моделей стула Panton находится в коллекции MOMA. Таким образом, в данном проекте не просто соединяются изобразительное искусство и дизайн, но происходит художественный диалог, в котором уже готовый арт-объект с собственной историей переосмысливается современными художниками и приобретает новые черты. Участники проекта — ведущие современные украинские художники, представляющие Украину на мировой арт-сцене. Они принадлежат к разным поколениям и художественным направлениям, и каждый из них обладает характерным виденьем и творческой индивидуальностью, благодаря чему весь проект по-своему выразителен и неповторим.

Project Organizer Igor Abramovych

Oрганизатор проекта Игорь Абрамович

How, in your opinion, is relevant the idea of synthesis of art and design for today?

When I got this chair I was perplexed by the fact that I had to show some of my work on this chair, which is a work of art and human idea itself. In order to get rid of this complex I imagined that I am given not a chair, but a canvas of unusual shape, and I could play with and emphasize the shape of the canvas and link my image and form together. That’s how appeared a homeless sleeping person, painted on the chair that lies on its side. Also I wanted the object I created to contrast with the luxury place where it will be exhibited.

What is the basis for the implementation of your intention in this project?

It was interesting to portray a very familiar for me motif not in a two-dimensional space but on a three-dimensional object of such a complexity and, I would say, quite an exquisite form. Насколько, на ваш взгляд, актуальна сегодня идея синтеза искусства и дизайна? Искусство и дизайн существовали нераздельно до начала эры технического прогресса, когда возможность тиражирования вытеснила из сферы дизайна уникальность каждого отдельного объекта. В наше время вновь появляется запрос на индивидуальную неповторимость предметов быта, а взаимосвязь изобразительного искусства и предметного дизайна как нельзя лучше отвечает удовлетворению этой потребности. Что послужило основой для воплощения вашего замысла в данном проекте? Интересно было изобразить привычный для себя мотив не на двухмерной плоскости, а на трехмерном объекте такой сложной, я бы даже сказал — изысканной формы.

NIKOLAY MATSENKO Born in 1960 in Prutivka, Ivano-Frankivsk region. He graduated from the Taras Shevchenko Republican Art School and the Lviv State Institute of Applied and Decorative Arts. He lives and works in Cherkassy and Kiev.

Matsenko began exhibiting in the «Skew Caponier» project in 1992. Together with Oleg Tistol, as part of the «Natsprom» program, he created the projects «Atatürk Museum», «17th of September», «Museum of Architecture», the sculptural series «The Head», and the photographic series «Baryshevka Frontons» and «Mother of Cities». He is the author of the personal projects «Buy Ukrainian», «Roses and Grapes», «Square to Each Hut!», and «Neofolk» and the so-called heraldic series «Gifts of Fields», «Culture», and «Not yet…».

Selected exhibitions: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, London), «Great and Grand» (2013, Mys­tetskyi Arsenal, Kiev); «Terrain Orientation» (2013, National Art Museum of Ukraine, Kiev), «Neofolk» (2012, PinchukArtCentre, Kiev); «Next, Prochez» (2011, Docks en Seine, Paris); «Independent» (2011, Mystetskyi Arsenal, Kiev); «PERMM» (2010, Museum of Contemporary Art, Perm, Russia); «Roses & Grapes» (2010, Fine Arts Museum, Cherkassy, Ukraine), «Ukrainian New Wave» (2009, National Art Museum of Ukraine, Kiev).

Selected collections: PinchukArtCentre (Kiev), Fine Arts Museum (Zaporozhye, Ukraine), Fine Arts Museum (Cherkassy, Ukraine); also private collections in Ukraine and abroad.

НИКОЛАЙ МАЦЕНКО Родился в 1960 году в с. Прутивка Ивано-Франковской обл. Окончил Республиканскую художественную школу им. Тараса Шевченко и Львовский институт декоративно-прикладного искусства. Живет и работает в Черкассах и Киеве. В 1992 году Маценко начал свою выставочную деятельность с участия в проекте «Косой капонир». Вместе с Олегом Тистолом в рамках программы «Нацпром» создал проекты «Музей Ататюрка», «17-е сентября», «Музей Архитектуры», скульптурную серию «Головы» и фотографические серии «Фронтоны Барышевки» и «Мать городов». Является автором персональных проектов «Покупай украинское», «Розы и Виноград», «В каждый дом по квадрату» и «Неофолк», а также так называемых геральдических серий «Дары полей», «Культура», «Еще не…». Избранные выставки: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, Лондон), «Великое и Величественное» (2013, «Мистецький Арсенал», Киев); «Ориентация на местности» (2013, Национальный художественный музей Украины, Киев); «Неофолк» (2012, PinchukArtCentre, Киев); «Next, Prochez» (2011, Docks en Seine, Париж); «Независимые» (2011, «Мистецький Арсенал», Киев); «PERMM» (2010, Музей современного искусства, Пермь, Россия); «Розы и Виноград» (2010, «Украинская Новая волна» (2009, Национальный художественный музей Украины, Киев). Избранные коллекции: PinchukArtCentre (Киев), Запорожский художественный музей (Запорожье, Украина), Музей изобразительных искусств (Черкассы, Украина); также частные коллекции в Украине и за рубежом.

Nikolay Matsenko acrylic, 2013

Николай Маценко акрил, 2013

How, in your opinion, is relevant the idea of synthesis of art and design for today?

This topic was relevant at all times. You can just look at the way the artists used the household items in their works and especially in their still life from the Renaissance. Recently, the fragments of paintings have been used in modern design, thus creating new images.

What is the basis for the implementation of your intention in this project?

It was very interesting for me to create the moment of emotional surprise by using the natural features of the items. Насколько, на ваш взгляд, актуальна сегодня идея синтеза искусства и дизайна? Эта тема была актуальна во все времена, достаточно посмотреть, как художники использовали предметы быта в фигурных композициях и особенно в натюрмортах, начиная с эпохи Возрождения. Последнее время фрагменты картин вживляют в современный дизайн, создавая новые образы. Что послужило основой для воплощения вашего замысла в данном проекте? Мне интересно было создать момент эмоциональной внезапности, используя художественный прием на обычных функциях предметов.

ANATOLY KRYVOLAP Born in 1946 in Yahotyn (Kiev region). He graduated from the Kiev State Art Institute. He was among the founders of the Ukrainian Art group «Pictorial Reserve» (1992); in the early 1990s this group declared that the main objective of painting was to liberate it from all features of real life. In 2000 he moved to the village of Zasupoеvka near Yahotyn, where he currently lives and works. After ten years of working with abstraction in the early 2000s he returned to figurative painting. Bright and rich in colour and texture his works are called an example of «the new Ukrainian landscape».

Kryvolap is one of the most popular Ukrainian artists among domestic and foreign collectors. In 2011 his works twice set a world record for sales of Ukrainian art in international markets. The latest record was set for his work a «Horse. Evening» at an auction of contemporary art at Phillips in London. The painting was sold for $186 200.

Kryvolap is a laureate of the annual Taras Shevchenko National Prize (2012) in the Fine Arts category.

Selected exhibitions: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, London), «Great and Grand» (2013, Mystetskyi Arsenal, Kiev); «Terrain Orientation» (2013, National Art Museum of Ukraine, Kiev), «Ukrainian Motif: Evening» (2011, Triptych Art Gallery, Kiev); «Structures» (2008, National Art Museum of Ukraine, Kiev); «Ukrainian Motif: Peace, 2005– 2008» (2008, Kiev Museum of Russian Art); «Landschaft of the Pictorial Reserve» (2002, National Art Museum of Ukraine, Kiev); «Non-Narration» (1996, National Gallery, Odense, Denmark).

Selected collections: National Art Museum of Ukra­ ine (Kiev), Kunsthistorisches Museum (Vienna), Liverpool Institute for Performing Arts (Liverpool, UK), Shinano Art Museum (Tokyo), National Museum of Russian Art (Kiev).

АНАТОЛИЙ КРИВОЛАП Родился в 1946 г. в Яготине (Киевская область). Окончил Киевский государственный художественный институт. Был одним из основателей украинской арт-группы «Живописный заповедник» (1992), которая в начале 1990 г. заявила, что главная цель живописи — освободить плоскость произведения от всех признаков реальной жизни. В 2000 переехал в деревню Засупоевка неподалеку от Яготина, где в настоящее время живет и работает. После 10 лет работы с абстракцией, в 2000-м возвращается к фигурной живописи. Яркие и богатые цветом и текстурой, его работы называют примером «нового украинского пейзажа». Криволап — один из наиболее популярных украинских художников среди отечественных и зарубежных коллекционеров. В 2011 его работы дважды установили мировой рекорд по продажам произведений украинского искусства на международных рынках. Последний рекорд был установлен работой «Конь. Вечер» на аукционе современного искусства Phillips в Лондоне. Картина продана за $186 200. Криволап является лауреатом ежегодной Национальной премии (2012) им. Тараса Шевченко в номинации «изобразительное искусство». Избранные выставки: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, Лондон), «Великое и Величественное» (2013, «Мистецький Арсенал», Киев); «Ориентация на местности» (2013, Национальный художественный музей Украины, Киев), «Украинский мотив: вечер» (2011, Галерея «Триптих», Kиев); «Структуры» (2008, Национальный худо­жественный музей Украины, Киев); «Украинский мотив: тишина, 2005– 2008» (2008, Музей русского искусства, Киев); «Ландшафт живописного заповедника» (2002, Нацио­­ нальный художественный музей Украины, Киев); «Non-Narration» (1996, Национальная галерея, Оденсе, Дания). Избранные коллекции: Национальный художественный музей Украины (Киев), Музей истории искусств (Вена), Институт перформативных искусств (Ливерпуль, Великобритания), Музей Синано (Токио), Музей русского искусства (Киев).

Anatoly Kryvolap enamel, 2013

Анатолий Криволап эмаль, 2013

How, in your opinion, is relevant the idea of synthesis of art and design for today?

Art and design are inseparable things. During Renaissance in most cases the artists created their works (even if it was a temple painting) based on customers` interiors.

What is the basis for the implementation of your intention in this project?

The unexpectedness of the proposal became the basis for improvisation. For me that is the highest degree of motion. Насколько, на ваш взгляд, актуальна сегодня идея синтеза искусства и дизайна? Искусство и дизайн — вещи неразрывные. В эпоху Возрождения в большинстве случаев художник создавал свои работы (даже если речь шла о храмовой росписи) исходя из интерьера заказчика. Что послужило основой для воплощения вашего замысла в данном проекте? Неожиданность предложения стала основой для импровизации, что для меня является наивысшей степенью движения.

ALEXANDER ZHYVOTKOV Born in 1964 in Kiev into the family of the famous painter, graphic artist, illustrator, and professor, Oleg Zhyvotkov. He was educated at the Taras Shevchenko Republican Art School and at the Kiev State Art Institute. Together with his father and brother Sergey, he established a «family art school» known for its minimalism and monochrome imagery. In 1992 he joined the Pictorial Reserve art group. For 20 years his creative work has been characterized by iconic flatness and an ascetic limitation of the colour palette to white, black, and grey. One of the painter’s most recent series — «To the Question of Nepalese Thangka» — was devoted to the ancient visual painting of Tibetan monks.

Selected exhibitions: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, London), «Terrain Orientation» (2013, National Art Museum of Ukraine, Kiev); «Contemporary Ukrainian Artists» (2012, YermilovCentre, Kharkov); «Seven Works» (2011, White Space, Stedley Art Foundation, Kiev); «20 Years of Presence» (2011, Modern Art Research Institute, Kiev); «Pictorial Reserve: Version 2008» (2008, Bottega Gallery, Kiev); «Painting» (2007, Triptych Gallery, Kiev); «Frontier Land» (2006–2007, a series of exhibitions in Poland and Ukraine).

Selected collections: National Art Museum of Ukraine (Kiev), Kiev Museum of Russian Art, Kunsthistorisches Museum (Vienna), Ministry of Culture (Russia), BBC Gallery (London), Sumy Regional Museum of Art (Sumy, Ukraine).

АЛЕКСАНДР ЖИВОТКОВ Родился в 1964 в Киеве в семье известного художника, иллюстратора и профессора Олега Животкова. Окончил Республиканскую художественную школу им. Т. Г. Шевченко, а затем Киевский художественный институт. Вместе со своими отцом и братом Сергеем основал «семейную художественную школу», известную своим минимализмом и монохромностью. В 1992 присоединился к арт-группе «Живописный заповедник». В течение 20 лет творчества его работам неизменно присуща иконная плоскостность, суровость художественных средств, аскетичная ограниченность палитры в белых, черных и серых тонах. Одно из самых последних произведений художника — серия «To the Question of Nepalese Thangka», посвященная древней практике визуализации в тибетских монастырях Избранные выставки: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, Лондон), «Ориентация на местности» (2013, Национальный художественный музей Украины, Киев); «Современные украинские художники» (2012, Харьков); «Семь Работ» (2011, White Space, Stedley Art Foundation, Киев); «20 лет присутствия» (2011, Институт проблем современного искусства, Киев); «Независимые» (2011, «Мистецький Арсенал», Киев); «Живописный заповедник. Версия 2008» (2008, Галерея «Боттега», Киев); «Живопись» (2007, Галерея «Триптих», Киев); «Край приграничный» (2006–2007, серия выставок в Польше и Украине). Избранные коллекции: Национальный Художественный музей Украины (Киев), Музей русского искусства (Киев), Kunsthistorisches Museum (Вена), Министерство культуры (Россия), BBC Gallery (Лондон), Региональный художественный музей (Сумы, Украина).

Alexander Zhyvotkov author’s technique, 2013

Александр Животков авторская техника, 2013

How, in your opinion, is relevant the idea of synthesis of art and design for today?

The question of timeliness in modern art does not appear relevant at all since the performance is not aimed at searching and proving but rather gravitates to show the entity of the obvious. The means of visual art and design creativity are not an end in itself now, their symbiosis is not a hybrid any more, thus the synthesis is no longer the question, since design and art dissolve themselves in syncretic, putting an art form as a process and not as a result. An item no longer dominates its manufacturing technology, but dictates the ideology of functional use. This chair is not just a chair any more, it is a desire to create a certain style in which art and design are indistinguishable on the subject.

What is the basis for the implementation of your intention in this project?

The basis is project “Levitation” with a consistent development of soaring figures motive with sliding shift of viewpoint and projection of the character that appears not only on the metaphysical, but also on the technical (as in this project) level. Nowadays time offers a compelling visual form of communication instead of primitive language. The image becomes the universal source of information. This is the prospect of perfected communication.

REAL space is created through the artistic images. Насколько, на ваш взгляд, актуальна сегодня идея синтеза искусства и дизайна? Вопрос об актуальности в современном искусстве вообще представляется праздным, потому что явление больше не направлено на поиск и доказательство и тяготеет свой бытийной данностью к самоочевидному. Средства визуального искусства и средства дизайнерского творчества не являются ныне самоцелью, их симбиоз представляет собой уже не гибридный вид, и вопрос о синтезе отпадает, поскольку дизайн и искусство растворяют себя в синкретичности, полагая художественную форму как процесс, а не как результат. Вещь больше не довлеет над технологией своего изготовления, но диктует идеологию функционального употребления. Этот стул уже не просто стул, это стремление к деланию определенного стиля, в котором искусство и дизайн неразличимы по предмету. Что послужило основой для воплощения вашего замысла в данном проекте? В основе — проект «Левитация», где идет последовательная разработка мотива парящих фигур со скользящим смещением точки зрения и проецированием этого персонажа, который появляется уже не только на метафизическом, но и на техническом (как в данном проекте) уровне. Время сегодня предлагает убедительные формы визуального общения вместо примитивных языковых. Изображение становится универсальным источником информации. В этом — перспектива усовершенствованной коммуникации. Через художественные образы создается РЕАЛЬНОЕ пространство.

VICTOR SYDORENKO Born in 1953 in Taldy-Kurgan, Kazakhstan. He graduated from the Kharkov Institute of Arts and Industry. In 2001 he founded and headed the ­M odern Art Research Institute within the Academy of Arts of Ukraine. The Institute represents and researches contemporary art in Ukraine. In 2003, the artist presented his solo project «Milestones of Time» at the 50 th Venice Biennale. He was a co-curator of the Ukrainian project «Poem about the Inland Sea» in 2007, and in 2011 he was a commissioner of the Ukrainian project «The Ghent Altarpiece: Second Incarnation». In 2013 he was a commissioner of the Ukrainian project «Monument to a Monument» at the 55 th Venice Biennale. As a painter, he has progressed from realism to neo-avant-garde.

Selected exhibitions: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, London), «Terrain Orientation» (2013, National Art Museum of Ukraine, Kiev); «The Myth. Ukrainian Baroque» (2012, National Art Museum of Ukraine, Kiev); «Levitation» (2011, National Academy of Arts of Ukraine, Kiev); «Milestones of Time» (2010, Black Square Gallery, Miami, USA); «Levitation» (2009, National Art Museum, Kiev); «ArtHamptons» (2010, Tatiana Mironova Gallery, New York); «Authentication» (2008, Taiss, Paris); «Traverse Video» (2007, 10th International Video Festival, Toulouse, France).

Selected collections: National Art Museum of Ukra­ine (Kiev), KIASMA Museum of Contemporary Art (Helsinki), Yale University School of Art (New Haven, Connecticut, USA); Kharkov Art Museum (Kharkov, Ukraine), Zaporozhye Art Museum (Zaporozhye, Ukraine).

ВИКТОР СИДОРЕНКО Родился в 1953 году в Талды-Кургане, Казахстан. Окончил Харьковский художественно-промышленный институт. В 2001 году основал и возглавил Институт проблем современного искусства в рамках Национальной Академии искусств Украины. Институт представляет и исследует современное искусство в Украине. В 2003 году художник представил свой сольный проект «Жернова времени» на 50-й Венецианской биеннале. В 2007 году был сокуратором украинского проекта «Поэма о внутреннем море», а в 2011 — комиссаром украинского проекта «Гентский алтарь. Второе воспроизведение». В 2013 году выступил комиссаром украинского проекта «Памятник памятнику» на 55-й Венецианской биеннале. Как художник, прошел путь от реализма к нео-авангарду. Избранные выставки: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, Лондон), «Ориентация на местности» (2013, Национальный художественный музей Украины, Киев); «Миф: Украинское барокко» (2012, Национальный художественный музей Украины, Киев); «Левитация» (2011, Национальная академия искусств Украины, Киев); «Жернова времени» (2010, Галерея «Black Square», Майами, США); «Левитация» (2009, Национальный художественный музей, Киев); «ArtHamptons» (2010, Галерея Татьяны Мироновой, Нью-Йорк); «Аутентификация» (2008, Галерея «Таисс», Париж); «Traverse Video» (2007, 10-й международный фестиваль видео, Тулуза, Франция). Избранные коллекции: Национальный художественный музей Украины (Киев), Музей современного искусства KIASMA (Хельсинки), Йельский художественный университет (Нью-Хейвен, Коннектикут, США); Харьковский художественный музей (Харьков, Украина), Запорожский художественный музей (Запорожье, Украина).

Victor Sydorenko acrylic, 2013

Виктор Сидоренко акрил, 2013

How, in your opinion, is relevant the idea of synthesis of art and design for today?

Art and design were inseparable from the very beginning of its existence due to natural causes. Obvious that talking about separately existing idea of art and design synthesis is meaningless.

What is the basis for the implementation of your intention in this project?

Based on the foregoing, I believe that any work of design is equally a finished work of art which has no need in outside interference. Any such intervention can only do harm. So I made «cover-house» that preserves the chair in its pristine beauty. Насколько, на ваш взгляд, актуальна сегодня идея синтеза искусства и дизайна? Искусство и дизайн с самого начала своего существования, в силу естественных причин, были нераздельны. Говорить об отдельно существующей идее синтеза искусства и дизайна, очевидно, не имеет смысла. Что послужило основой для воплощения вашего замысла в данном проекте? Исходя из вышесказанного, я считаю, что любое произведение дизайна является, в равной степени, законченным произведением искусства, не нуждающимся во вмешательстве извне. Любое подобное вмешательство может лишь навредить. Поэтому я и сделал «чехол-дом», сохраняющий стул в его первозданной красоте.

PAVEL MAKOV Born in 1958 in St. Petersburg. His education began at the Crimean Artistic College and continued in the St. Petersburg Academy of Fine Arts and the Graphics Department in the Kharkov Art and Industrial Institute. Makov is a member of the Royal Society of Painters-Printmakers (UK) and an associate member of the Academy of Arts of Ukraine.

In 1990 Makov’s etchings received the Grand Prix Award at the First All-Union Graphics Biennale in Kaliningrad (Russia). Makov uses the technique in combination with ready-made everyday objects: maps, guides, note books, receipts, etc. His famous series — «The Gardens», «Book of Days», «Utopia», «Shooting Targets» — are actually mappings of stark reality and, at the same time, images of a utopian macro world of the artist’s vision.

Selected exhibitions: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, London), «Economy in Art» (2013, MOCAK Museum of Contemporary Art, Krakow); «Terrain Orientation» (2013, National Art Museum of Ukraine, Kiev), «Tower, Garden, Blanket, Cross, Fate» (2012, PinchukArtCentre, Kiev); «DonRose» (2010, National Art Museum of Ukraine, Kiev); «The Gardens: Post-Imperial Anxiety» (2007, Czech Museum of Fine Arts, Prague); «Siege of the Pentagon» (2004, Guelman Gallery, Moscow); «UtopiА. Retrospective, 1993–2003» (2003, National Art Museum of Ukraine, Kiev).

Selected collections: Victoria and Albert Museum (London), Metropolitan Museum of Art (New York), National Gallery (Washington, D. C.), State Tretyakov Gallery (Moscow), National Art Museum of Ukraine (Kiev).

ПАВЕЛ МАКОВ Родился в 1958 году в Санкт-Петербурге. Его образование началось в Крымском художественном колледже и продолжилось в Санкт-Петербургской Академии изобразительных искусств и на кафедре графики Харьковского художественного и индустриального института. Маков является членом Королевского общества художников-печатников (Великобритания) и ассоциированным членом Академии искусств Украины. В 1990 году гравюры Макова получили премию Гран-при на Первом Всесоюзном Графическом биеннале в Калининграде (Россия). Маков использует технику в сочетании с готовыми повседневными объектами: картами, путеводителями, записными книжками, квитанциями и т. д. Его знаменитые серии — «Сады», «Книга дней», «Утопия», «Мишени» — отображают суровую реальность и в то же время передают образы видения утопического макромира художника. Избранные выставки: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, Лондон), «Economy in Art» (2013, Музей современного искусства, Краков, Польша); «Ориентация на местности» (2013, Национальный художественный музей Украины, Киев), «Башня. Огороды. Одеяло. Крест. Судьба» (2012, PinchukArtCentre, Киев); «ДонРоза» (2010, Национальный художественный музей Украины, Киев); «Сады: пост-имперское смятение» (2007, Чешский национальный музей искусств, Прага); «Осада Пентагона» (2004, Галерея Гельмана, Москва); «Утопия. Ретроспектива. 1993–2003» (2003, Национальный художественный музей Украины, Киев). Избранные коллекции: Музей королевы Виктории (Лондон), Музей искусств Метрополитен (Нью-Йорк), Национальная Галерея (Вашингтон, США), Государственная Третьяковская галерея (Москва), Национальный художественный музей Украины (Киев).

Pavel Makov printing on fabric, 2013

Павел Маков печать на ткани, 2013

NATSPROM (Oleg Tistol, Nikolay Matsenko) acrylic, 2013

НАЦПРОМ (Олег Тистол, Николай Маценко) акрил, 2013

How, in your opinion, is relevant the idea of synthesis of art and design for today?

I think that design is always a secondary feature. At first revolutions in worldview, philosophy and art take place, and only then, after some time, on its simpler, more practical level, design appropriates and reproduces discoveries of the high art.

What is the basis for the implementation of your intention in this project?

Such natural things as grass, trees, sea, waterfalls are especially valuable in the modern world and therefore in modern home and office. Obviously, these things will become even more desirable in future. At the same time the sacred energy of life expressed in ancient symbols and patterns will always be relevant. My intention here was to introduce combination of eco and ethno motives to the interior. In any case a chair is not a part of art. Serious pictorial art should be placed on the wall as a mystical window. For me it is an artist’s special attempt to make a designer thing.

It’s important for me that the utilitarian object of daily use would cause positive associations and emotions. It should be light, refreshing and unexpected in perception. Насколько, на ваш взгляд, актуальна сегодня идея синтеза искусства и дизайна? Думаю, что дизайн всегда вторичен. Сначала происходят революции в мировоззрении, философии, искусстве и только потом, через некоторое время, на своем, сниженном, более прикладном уровне дизайн осваивает и упрощенно воспроизводит открытия высокого искусства. Что послужило основой для воплощения вашего замысла в данном проекте? В современном мире, а значит и в жилище, в офисе уже сегодня особенно ценны такие вещи, как естественное, природное — трава, деревья, море, водопады... Очевидно, что в дальнейшем это станет еще более чаемым. Также сакральная энергия жизни, выраженная в древних символах и узорах, будет актуальна всегда. Мой замысел здесь состоял в привнесении в интерьер и сочетании между собой эко- и этно-мотивов. Ни в коем случае это не искусство, перенесенное на стул, — это, как по мне, неправильно, серьезная живопись должна быть на стене, как некое мистическое окно. Для меня это именно попытка художника специально сделать именно дизайнерскую вещь. Мне важно, чтобы утилитарный предмет повседневного обихода вызвал положительные ассоциации и эмоции, был легким, освежающим и неожиданным в восприятии.

ALEXANDER KLYMENKO Born in 1963 in Lugansk. He is a graduate of the Kiev State Art Institute. Klymenko is one of the founders of the legendary Paris Commune arts squat and the initiator of «Ukraine’s 20th Century Art» and «Volition for the Boundless: The Experience of Understanding the Metaphysical» and other projects. A painter, curator, and contributor to the theory of art in its own right, Klymenko is a perfect example of an intellectual artist for whom art makes sense only as a tool of unrestrained philosophical searches for the sense of being and a spiritual practice of self-improvement. Klymenko regards transcendent freedom of creation and endless variety of self-expression as the most important concept and relentlessly experiments with various new techniques in painting, etching, and photography — art freely flowing from the figurative towards the abstract. His works are regularly exhibited at Phillips auctions.

Selected exhibitions: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, London), «Terrain Orientation» (2013, National Art Museum of Ukraine, Kiev); «20 Years of Presence» (2011, Modern Art Research Institute, Kiev); «Independent» (2011, Mystetskyi Arsenal, Kiev); ­International Exhibition of Contemporary Art Dedicated to the 60 th Anniversary of the UN (2006, Palace of Nations, Geneva, Switzerland); «Carefree Travels in the Endless» (2005, Museum of Russian Art, Kiev); «The Crossroads» (2001, Museum of the History of Art, Vienna).

Selected collections: Zaporozhye Art Museum (Zaporozhye, Ukraine), Rodovid Bank Art Collection (Kiev), Gradobank Collection (Kiev), Kiev Investment Group Collection; also private collections in Ukraine, USA, and Europe.

АЛЕКСАНДР КЛИМЕНКО Родился в 1963 в Луганске. Окончил Киевский государственный художественный институт. Клименко — один из основателей легендарной «Парижской Коммуны» художников, а также инициатор и куратор проектов «Искусство Украины 20 века», «Воля к Безмерному: Опыт постижения метафизического» и других. Художник, куратор и автор теоретических текстов о живописи, Клименко — яркий пример художника-интеллектуала, для которого искусство имеет высший смысл только как неограниченный философский поиск смысла бытия, как духовная практика самосовершенствования. Для него наиболее важна концепция трансцендентной свободы творчества и разнообразия самовыражения. Постоянно экспериментирует с новыми техниками и возможностями живописи, графики, фотографии, вольно переходя от фигуративного к абстрактному. Его работы регулярно выставляются на аукционе Phillips. Избранные выставки: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, Лондон), «Ориентация на местности» (2013, Национальный художественный музей Украины, Киев); «20 лет присутствия» (2011, Институт проблем современного искусства, Киев); «Независимые» (2011, «Мистецький Арсенал», Киев); М ­ еждународная выставка современного искусства, посвященная 60-й годовщине ООН (2006, Дворец Наций, Женева, Швейцария); «Беззаботные путешествия в бесконечность» (2005, Музей русского искусства, Киев); «Перекрестки» (2001, Музей истории искусства, Вена). Избранные коллекции: Запорожский Художественный музей (Запорожье, Украина), «Родовід-банк»: коллекция произведений искусства (Киев), «Градобанк»: коллекция произведений искусства (Киев), Киевская инвестиционная группа: коллекция; частные коллекции в Украине, США, Европе.

Alexander Klymenko acrylic, 2013

Александр Клименко акрил, 2013

What is the basis for the implementation of your intention in this project?

In the basis of this project was the following concept — «Without separation from the everyday life»: it is both practical and useful, in the sense of «not harmful». One of the most promising trends in modern culture is «Ukrainian modernism». Что послужило основой для воплощения вашего замысла в данном проекте? «Без отрыва от повседнева»: и практично, и полезно, в смысле «не вредно». Одно из самых перспективных направлений в современной культуре, «модернизм по-украински».

VINNY REUNOV Born in 1963 in Kiev, Vinny Reunov is a graduate of the Taras Shevchenko Republican Secondary Art School and the Kiev State Art Institute. Together with Oleg Tistol, he established an art group named Volitional Edge of National Post-Eclecticism. In 1988 he, Oleg Tistol, Marina Skugareva, and Yana Bystrova left for Moscow, where in 1990 they worked together in the Furmannyi Lane squat. In 1991 and 1992 he was the director and curator ( jointly with Avdey Ter-Oganesyan) of the Moscow Gallery on Triokhprudnyi Lane.

His recent art interests include a Dust Jacket project; within it, Reunov elevates the aesthetics of mass-circulation media to the level of canon, seen as a cultural phenomenon and an object worthy of personal attention when the cover of a periodical attains the characteristics and status of an elitist artistic creation.

Selected exhibitions: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, London), «Great and Grand» (2013, Mystetskyi Arsenal, Kiev); «Indepen­ dent» (2011, Mystetskyi Arsenal, Kiev); «Ukrainian New Wave» (2009, National Art Museum of Ukraine, Kiev); «Dust Jacket» (2006, Karas Gallery, Kiev); «Currency Exchange» (2001, United Kingdom of Reunov, Soho House, London); «The Sea of Vodka» (1991, Gallery on Triokhprudnyi, Moscow); «The Art of the Late Millennium» (1991, International Economic Forum in Davos, Switzerland).

Selected collections: private collections of Emily Loudon, Bernadette Rendall, Eugenia Tolle; also private collections in Ukraine, Russia, USA, and Europe.

ВИННИ РЕУНОВ Родился в 1963 году в Киеве, является выпускником Республиканской средней художественной школы Тара­ са Шевченко и Киевского государственного художест­ венного института. Совместно с Олегом Тистолом создал арт-группу «Волевая грань национального постэклектизма». В 1988 году уехал с Олегом Тистолом, Мариной Скугаревой и Яной Быстровой в Москву, где они вместе работали в сквоте «Фурманный переулок» до 1990 года. С 1991 по 1992 год выступал директором и куратором (совместно с Авдеем Тер-Оганесяном) московской Галереи в Трехпрудном переулке. Его недавние интересы искусства включают проект «Супер-обложка»; в нем Реунов возводит до уровня канона эстетику тиражируемых масс-медиа, которая рассматривается как культурный феномен и объект, достойный личного внимания, когда обложка периодического издания приобретает качество и статус элитарного художественного произведения. Избранные выставки: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, Лондон), «Великое и Величественное» (2013, «Мистецький Арсенал», Киев); «Независимые» (2011, «Мистецький Арсенал», Киев); «Украинская Новая волна» (2009, Национальный художественный музей Украины, Киев); «Супер Обложка» (2006, Галерея «Карась», Киев); «Обмен валют» (2001, Объединенное Королевство Реунова, Soho House, Лондон); «Море водки» (1991, Галерея в Трехпрудном, Москва); «Искусство позднего тысячелетия» (1991, Международный экономический форум в Давосе, Швейцария). Избранные коллекции: частные коллекции Эмили Лоудон, Бернадетт Рэндалл, Евгении Толле; также частные коллекции в Украине, России, США и Европе.

Vinny Reunov acrylic, 2013

Винни Реунов акрил, 2013

How, in your opinion, is relevant the idea of synthesis of art and design for today?

For a long time design has been fed with the most advanced ideas embodied in art. However, having somewhat different goals and tasks, it always went along a different way. As a result, today many design patterns act as a source of an inspiration for people engaged in art. Thus wise their synthesis is not only possible, but inevitable.

What is the basis for the implementation of your intention in this project?

I looked back at the years I spent studying at the Odessa’s Art College department of designers-decorators. I was supposed to do something similar in my life. In the college my abilities and ideas were considered very mediocre/ average. But I did not give up and always insisted on my vision. This statement, above all, is a reminiscence to me. Насколько, на ваш взгляд, актуальна сегодня идея синтеза искусства и дизайна? Долгое время дизайн питался самыми прогрессивными идеями, воплощенными в искусстве. Однако, имея несколько другие цели и задачи, он всегда шел по иному пути. В итоге сегодня многие образцы дизайна служат источником вдохновения для людей, занятых искусством. И их синтез не только возможен, но и неизбежен. Что послужило основой для воплощения вашего замысла в данном проекте? Я вспомнил годы обучения в Одесском художественном училище, на отделении, выпускавшем художников-оформителей. По идее, я должен был и в жизни заниматься чем-то подобным. В училище мои способности считались весьма посредственными, и идеи тоже. Но я не сдавался и всегда настаивал на своем видении. Это высказывание для меня, прежде всего, воспоминание.

IGOR GUSEV Born in 1970 in Odessa. He graduated from the Odessa Fine Arts College named after Grekov. Gusev is one of Ukraine’s leading painters; a creator of performances, objects, and installations; and a poet.

In the mid-2000s in Odessa, he opened the first аrt run-space, the gallery NORMA (New Odessa Russian-Malanska Alternative), which existed for three years. In Odessa Gusev headed an art-raiders movement, which became famous for its neo-Dadaist actions in a legendary Odessa flea market, where the artists created unconventional artworks «here and now». The art raiders’ actions took place regularly between 2007 and 2009, and gradually turned into a series of spontaneous curatorship projects involving artists from Odessa, Kiev, and abroad.

Igor Gusev was one of the first Ukrainian artists represented at a Sotheby’s auction and a Phillips auction in New York.

Selected exhibitions: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, London), «Berliner Liste» (2013, Dymchuk Gallery at Kraftwerk Berlin, Germany); «Terrain Orientation» (2013, National Art Museum of Ukraine, Kiev), «Simulator of Snowiness» (2012, Contemporary Art Centre М17, Kiev); «Space Odyssey» (2011, Mystetskyi Arsenal, Kiev); «Ukrainian New Wave» (2009, National Art Museum of Ukraine, Kiev), «Restart» (2009, Marine Art Terminal, Odessa, Ukraine); «Esthetics and Discipline» (2008, NT-ART, Odessa, Ukraine); «Führer Under Control» (2001, Odessa Fine Art Museum, Odessa, Ukraine).

Selected collections: National Art Museum of Ukraine (Kiev), Odessa Fine Art Museum (Odessa, Ukraine), Pin­chuk­A rtCentre (Kiev); also private collections in Ukra­ine, USA, and Europe.

ИГОРЬ ГУСЕВ Родился в 1970 в Одессе. Окончил Одесское училище изобразительного искусства им. Грекова. Гусев — один из ведущих украинских художников, создатель образов, объектов и инсталляций, а также поэт. В середине 2000-х в Одессе открыл первую в стране аrtist-runspace галерею «НОРМА» (Новая Одесская Русско-Маланская Альтернатива). Проект просуществовал более трех лет. Под руководством Гусева в Одессе возникает движение арт-рейдеров, вошедшее в историю неодадаистскими акциями на знаменитом Блошином рынке, где художники создавали свои нетрадиционные работы «здесьи-сейчас». Акции происходили регулярно между 2007 и 2009 гг. и постепенно превратились в серию спонтанных проектов при участии художников из Одессы, Киева и из-за рубежа. Гусев — один из первых украинских художников, чьи работы были представлены на аукционах Sotheby’s и Phillips в Нью-Йорке. Избранные выставки: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, Лондон), «Berliner Liste» (2013, Галерея Дымчука: «Kraftwerk», Берлин); «Ориентация на местности» (2013, Национальный художественный музей Украины, Киев), «Симулятор снежности» (2012, Центр современного искусства М17, Киев); «Космическая Одиссея» (2011, «Мистецький Арсенал», Киев); «Украинская Новая волна» (2009, Национальный художественный музей Украины, Киев), «Перезагрузка» (2009, Морской Арт-терминал, Одесса, Украина); «Эстетика и дисциплина» (2008, NT-ART, Одесса, Украина); «Будущее под контролем» (2001, Одесский музей изобразительного искусства, Украина). Избранные коллекции: Национальный художественный музей Украины (Киев), Одесский музей изобразительного искусства (Украина), Pin­c huk­A rtCentre (Киев); приватные коллекции в Украине, США и Европе.

Igor Gusev acrylic, 2013

Игорь Гусев акрил, 2013

How, in your opinion, is relevant the idea of synthesis of art and design for today?

Decorative art can successfully cooperate with the design and even transform smoothly into it. Conversely, some design objects may become real work of art because of the limited edition and the unique signature of the artist. The decorative art and design simply try to brighten up our life in contrast to the revolutionary art that declares its goal to change the society. I think that the design and decorative art should not be undervalued, because through its smooth and sweet aesthetics they can implant quite revolutionary ideas into the conservative mind of average inhabitant. A good example of that is a chair PANTON, which alluring rounded shapes can be seen in such a conservative institution as the church (Church of St. Bartholomew). Can you imagine such chairs in Kiev Orthodox Church? Such a chair would look like quite revolutionary object even just in the average apartment of the lovers of the cheap and expensive antique imitations. I think curiosity for innovations in design includes the interest to the all-new in art and in life ... and as a consequence encourages more intensive development.

What is the basis for the implementation of your intention in this project?

While working on the décor of chair PANTON I wanted to emphasize (dare I say it) — its physicality because its evolutions definitely resemble the human body! White chair under burgundy fabric looks like white bones under strained muscles. I would like to create a sense of danger and attractiveness at the same time with my decor, so that the depth of the folds would be attractive and provocative. This chair was designed to induce you to touch it and maybe sit on it. Fetish of interior objects is the topic that deserves separate consideration. Насколько, на ваш взгляд, актуальна сегодня идея синтеза искусства и дизайна? Декоративное искусство может успешно сотрудничать с дизайном и даже плавно перетекать в него, как и наоборот — некоторые дизайнерские вещи благодаря подписи художника и ограничению тиража могут стать действительно произведением искусства. В отличие от революционного искусства, которое провозглашает своей задачей изменение в обществе, декоративное искусство и дизайн просто пытается приукрасить жизнь. Но мне кажется, что дизайн и декоративное искусство не стоит недооценивать, так как через свою плавную, сладостную эстетику они могут внедрять вполне революционные идеи в консервативное сознание дремлющего обывателя. Примером может послужить стул PANTON, чьи соблазнительные округлые формы можно увидеть в таком консервативном учреждении как церковь (Костел Св. Бартоломея). Можно ли представить такие стулья в киевском православном храме? Такой стул будет смотреться вполне революционно даже просто в среднестатистической квартире любителей дорогих-дешевых подделок под старину. Я думаю, что любопытство к новизне в дизайне предполагает интерес к новому и в искусстве, и в жизни... и как следствие способствует более быстрому развитию. Что послужило основой для воплощения вашего замысла в данном проекте? Занимаясь декором стула PANTON, я хотела подчеркнуть его (не побоюсь этого слова) телесность. Ведь его изгибы определенно напоминают изгибы человеческого тела! Белый стул под складками бордовой ткани — как белые кости под натянутыми мышцами. Я хотела бы, чтобы благодаря моему декору создавалось ощущение опасности и вместе с тем притягательности. Чтобы глубина между складками манила к себе и провоцировала. Чтобы его хотелось потрогать и, возможно, присесть на него. Фетиш предметов интерьеров — тема, заслуживающая отдельного рассмотрения.

ALINA KOPITSA Born in 1983 in Poliske, Kiev region, Ukraine. Lives and works in Boyarka, Kiev region. Kopitsa received her diploma in graphic arts from the National Kiev Polytechnic Institute. Since 2008 she has been working in upcycling art. In summer 2010 she was at a residence in the Recycling center Kunst-Stoffe in Berlin, in the same year participated in the International Recycling Festival of Catalonia Drap-Art in Barcelona. In 2013 attended the international project «SPACES: Architecture of common». In 2013 was nominated for Pinchuk­A rtCentre Award. Besides upcycling the important theme of Kopitsa’s creativity is gender problematic and social activism.

Selected exhibitions: «Women’s workshop» (2012, Visual Culture Research Centre of NaUKMA, Kiev); «Gender in IZOLYATSIA» (2012, MEDPUNKT, IZOLYATSIA — Platform for Cultural Initiatives, Donetsk, Ukraine); Exhibition of nominees MUHI (2012, Modern Art Research Institute, Kiev); Pre-auction exhibition «Simple. Art» (2011, National Art Museum of Ukraine, Kiev).

АЛИНА КOПИЦА Алина Копица родилась в 1983 году в пос. Полесское Киевской области, Украина. Живет и работает в Боярке в Киевской области. Копица получила диплом по специальности «графика» в Киевском политехническом институте. С 2008 года работает с искусством апсайклинга. Летом 2010 была на резиденции в центре переработки вторсырья KunstStoffe в Берлине, в этом же году участвовала в Международном каталонском фестивале переработки мусора в Барселоне Drap-Art. В 2013 участвовала международном проекте «SPACES: Архитектура общего». В 2013 была номинирована на премию PinchukArtCentre. Кроме апсайклинга важной темой в творчестве Копицы является гендерная проблематика и социальный активизм. Избранные выставки: «Женский цех» (2012, Центр ви­зу­ аль­ ной культуры НаУКМА, Киев); «Гендер в Изоляции» (2012, Медпункт, Изоляция — платформа культурных инициатив, Донецк, Украина); Выставка номинантов конкурса МУХи (2012, Институт проблем современного искусства, Киев); предаукционная выставка «Просто. Искусство» (2011, Нацио­нальный художественный музей Украины, Киев).

Alina Kopitsa fabric, 2013

Алина Копица ткань, 2013

How, in your opinion, is relevant the idea of synthesis of art and design for today?

Nowadays there are basically no limits. It was a very interesting experience to try and solve the problem with this piece. I did also study industrial design, and the aesthetics of this piece are close and relatable to me. It was very interesting for me to suggest my solution. And I was happy with the result.

What is the basis for the implementation of your intention in this project?

I wanted to stress the dynamics of this piece’s form by impetuosity of the image. With fascinating and frightening poetry of the technical world, rushing into the static fields. Насколько, на ваш взгляд, актуальна сегодня идея синтеза искусства и дизайна? Границ сегодня практически не существует. Это был очень интересный опыт — попробовать решить именно эту ситуацию с этим объектом — я учился, в том числе, и на промдизайне, мне понятна и близка эстетика этого изделия. Мне было очень интересно предложить свое решение. Меня порадовал результат. Что послужило основой для воплощения вашего замысла в данном проекте? Я хотел подчеркнуть динамичность формы изделия стремительностью изображения. Завораживающая, пугающая поэзия технического мира, врывающегося в статические сферы.

ARTEM VOLOKITIN Born 1981 in Eskhar, Kharkov region, Ukraine. In 2005 graduated from Kharkov State Academy of Design and Arts. Winner of the Grand Prix Non Stop Media-2006 and Non Stop Media-2008, winner of the First International Visual Arts Competition for Creative Youth of Foundation «Eidos». In 2009 won the main prize in the competition for the Pinchuk­ ArtCentre Prize. In 2010 studied at Anthony Gormley’s workshop, London. He presented his works at «The Future Generation Art Prize@Venice» Collateral Event of the 54 th International Art Exhibition — la Biennale di Venezia (2011, Palazzo Papadopoli, Venice). Works in the technique of painting, photographs, video. Lives and works in Kharkov and Kiev.

Selected exhibitions: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, London), «Ukrainian Zriz.

Lyman»: The second Triennial of Ukrainian Contemporary Art (2013, Lublin, Poland); Presentation of Non Stop Media festival (2013, Museum of Contemporary Art, Moscow); Art Kiev Contemporary (2012, Mystetskyi Arsenal, Kiev); The First Kiev Biennale of Contemporary Art ARSENALE 2012 (2012, Mystetskyi Arsenal, Kiev); «The Future Generation Art Prize@Venice»: Collateral Event of the 54th International Art Exhibition — la Biennale di Venezia (2011, Palazzo Papadopoli, Venice); «Якщо/Если/If» (2010, PERMM, Perm, Russia).

Selected collections: PinchukArtCentre (Kiev), Voronov Art Fundation (Kiev), Museum of Modern Art of Ukraine (Kiev), Kharkov Municipal Gallery (Kharkov, Ukraine).

АРТЕМ ВОЛОКИТИН Родился в 1981 в селе Эсхар Харьковской области. В 2005 окончил Харьковскую государственную академию дизайна и искусств. Лауреат 1-й степени фестивалей Non Stop Media-2006 и Non Stop Media-2008, победитель конкурса визуальных искусств «Эйдос» со своим проектом «Подростки». В 2009 году получил первую премию PinchukArtCentre. В 2010 прошел стажировку в мастерской всемирно известного художника Энтони Гормли (Лондон). Волокитин вошел в шорт-лист премии Future Generation Art Prize от киевского Центра современного искусства PinchukArtCentre. Впоследствии его работы были представлены на Венецианской биеннале (2011). Проявляет себя в разных техниках: живопись, фотография, видео-арт и др. и постоянно их совершенствует. Живет и работает в Харькове и Киеве. Избранные выставки: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, Лондон), «Ukrainian Zriz. Lyman»: Второе триеннале украинского современного искусства Contemporary Art (2013, Люблин, Польша); Презентация фестиваля Non Stop Media (2013, Музей современного искусства, Москва); Современное искусство (2012, «Мистецький Арсенал», Киев); Первое биеннале Современного Искусства ARSENALE 2012 (2012, Киев); «The Future Generation Art Prize@Venice»: событие, посвященное 54-й международной выставке искусства — Венецианской биеннале (2011, Венеция) «Якщо/Если/If» (2010, PERMM, Пермь, Россия). Избранные коллекции: PinchukArtCentre (Киев), Voronov Art Fundation (Киев), Музей современного искусства Украины (Киев), Харьковская муниципальная галерея (Харьков, Украина).

Artem Volokitin acrylic, 2013

Артём Волокитин акрил, 2013

How, in your opinion, is relevant the idea of synthesis of art and design for today?

Theme of synthesis is always relevant, there are some unique examples where design becomes an art, but nevertheless art and design have different tasks.

What is the basis for the implementation of your intention in this project?

When I got this chair I was perplexed by the fact that I had to show some of my work on this chair, which is a work of art and human idea itself. In order to get rid of this complex I imagined that I am given not a chair, but a canvas of unusual shape, and I could play with and emphasize the shape of the canvas and link my image and form together. That’s how appeared a homeless sleeping person, painted on the chair that lies on its side. Also I wanted the object I created to contrast with the luxury place where it will be exhibited. Насколько, на ваш взгляд, актуальна сегодня идея синтеза искусства и дизайна? Тема синтеза актуальна всегда; встречаются уникальные примеры, когда дизайн становится искусством, но все-таки у искусства и дизайна задачи разные. Что послужило основой для воплощения вашего замысла в данном проекте? Когда я получил стул в работу, то я был закомплексован тем, что должен был показать какую-то свою работу на этом стуле, который уже сам по себе произведение искусства и человеческой мысли. И чтобы освободиться от этого комплекса, я представил, что мне в работу дают не стул, а некий холст необычной формы, и я могу обыграть и подчеркнуть форму этого холста и связать мое изображение и форму вместе. Так получился спящий человек, бездомный, нарисованный на стуле, который лежит на боку. И еще мне хотелось, чтобы объект, который я изобразил, контрастировал с тем лакшери-пространством, в котором он будет экспонироваться.

NIKITA SHALENNY Born in 1982 in Dnepropetrovsk. Graduated from the Prydniprovska State Academy of Civil Engineering and Architecture. Participant of several architectural competitions and art exhibitions, worked as a teacher and architect. In 2011 he became the winner in the category «Public Choice Prize» at the exhibition of 20 nominees for the PinchukArtCentre Prize (Kiev). Painter and author of graphics, photography, video and installation, architect. Lives and works in Dnepropetrovsk.

Selected personal exhibitions: 2013 «WHERE IS YOUR BROTHER?», «ArtSvit» Gallery, Dnepropetrovsk, Ukraine.

2011 «Loneliness», Art-Centre «Apartment», Dnepropetrovsk, Ukraine.

Selected group exhibitions: 2014 «Homeless», Vitra Project, PinchukArtCentre, Kiev.

2013 «Catapult», Industrial Eden, Institute of Contemporary Art, Kiev.

2013 «Carousel», «According to Forbes», art project «Forbes», Kiev.

2011 «First There Was The Street», Curator of the exhibition of street art, Art Centre «Apartment», Dnepropetrovsk, Ukraine.

2011 Exhibition nominees PinchukArtCentre, Kiev.

НИКИТА ШАЛЕННЫЙ Родился в 1982 году в Днепропетровске. Окончил При­ днепровскую государственную академию строительства и архитектуры. Принимал участие в ряде архитектурных конкурсов и художественных выставок, работал преподавателем и архитектором. В 2011 году стал лауреатом в категории «Приз общественности» на выставке номинантов на премию PinchukArtCentre (Киев). Живописец, график, автор фото, видео, инсталляций, архитектор. Живет и работает в Днепропетровске Избранные персональные выставки: 2013 «ГДЕ БРАТ ТВОЙ?», галерея «АртСвіт», Днепропет­ ровск, Украина.

2011 «Одиночество», арт-центр «Квартира», Днепропет­ ровск, Украина. Избранные групповые выставки: 2014 «Бездомный». Проект Vitra. ПинчукАрт-Центр, Киев.

2013 «Катапульта», Индустриальный Эдем, Институт проблем современного искусства, Киев.

2013 «Карусель», «По версии "Форбс"», Арт-проект «Форбс», Киев.

2011 «Сначала была улица», куратор выставки стрит-арта, Арт-центр «Квартира», Днепропетровск, Украина.

2011 Выставка номинантов премии ПинчукАрт-Центра, Киев.

Nikita Shalenny acrylic, 2013

Никита Шаленный акрил, 2013

How, in your opinion, is relevant the idea of synthesis of art and design for today?

Historically art and design have been closely tied. Nowadays the relevance of this synthesis is not only decreased, but also increased due to the general trend of slow dissolution of the genre and stylistic boundaries. Contemporary art takes more place in people’s daily life and environment than ever.

What is the basis for the implementation of your intention in this project?

The streamlined design of the chair makes you feel a true spirit of the soft plastics of the nature and subtle eastern ornamentality.

Насколько, на ваш взгляд, актуальна сегодня идея синтеза искусства и дизайна? Искусство и дизайн исторически тесно взаимосвязаны. Сейчас актуальность этого синтеза не только не уменьшается, но и возрастает в связи с общей тенденцией стирания жанровых и стилистических границ. Современное искусство все больше входит в повседневную жизнь людей и вписывается в окружающую их среду. Что послужило основой для воплощения вашего замысла в данном проекте? Обтекаемая форма стула с плавными линиями располагает к естественной мягкой пластике природных мотивов и утонченной орнаментальности, характерной для Востока.

TAISHA 3,14 Taisha 3,14 was born in Kiev. She did not receive art education but was drawing from an early age.

Her works were fist exhibited in Kiev in 2001. The artist travels a lot sacred places of India, Mexico, Hawaii. According to her, it is just during meditations on travelling inspiration comes to her and there are images which need to be applied to the canvas only. Immediacy and sincerity of expression, inherent to creativity of Taisha 3,14, — characteristics that are scarce in the contemporary cultural situation, and therefore highly prized among lovers of actual art.

Selected exhibitions: «CutLog Paris» (2013, Black Square Gallery, Paris); «Pulse New York» (2013, Black Square Gallery, New York); «Wynwood Art Fair» (2013, Black Square Gallery, Miami, USA); «Miami International Art Fair» (2012, Black Square Gallery, Miami, USA); «Scope Miami Art Fair» (2011, Black Square Gallery, Miami, USA); «Art Moscow» (2011, Central House of Artists, Moscow, Russia); «Visualization» (2010, Foundation for Arts Assistance, Kiev).

Selected collections: private collections in Ukraine, Russia, Israel, USA, and Europe.

TAISHA 3,14 Taisha 3,14 родилась в Киеве. Художественного образования не получила, но рисовала с раннего детства. Впервые выставила свои работы в Киеве в 2001 году. Художница много путешествует по сакральным местам Индии, Мексики, Гавайев. По ее словам, именно во время медитаций в путешествиях нисходит вдохновение и возникают образы, которые остается лишь нанести на холст. Непосредственность и искренность высказывания, присущие творчеству Taisha 3,14, — характеристики, которые в современной культурной ситуации являются дефицитными, в связи с чем высоко ценятся в кругу почитателей акутального искусства. Избранные выставки: «CutLog Paris» (2013, Галерея «Black Square», Париж); «Pulse New York» (2013, Галерея «Black Square», Нью-Йорк); «Wynwood Art Fair» (2013, Галерея «Black Square», Майами, США); «Miami International Art Fair» (2012, Галерея «Black Square», Майами, США); «Scope Miami Art Fair» (2011, Галерея «Black Square», Майами, США); «Арт-Москва» (2011, Центральный Дом Художника, Москва); «Визуализация» (2010, Фонд содействия развитию искусств, Киев). Избранные коллекции: частные коллекции в Украине, России, Израиле, США и Европе.

Taisha 3,14 acrylic, 2013

Taisha 3,14 акрил, 2013

How, in your opinion, is relevant the idea of synthesis of art and design for today?

The synthesis of art and design has always been and will always be pertinent, since without it a true cultural infrastructure of the human habitat would be impossible.

What is the basis for the implementation of your intention in this project?

The possibility of replacing or levelling the real functional object by the phantom image on its surface or with their competitive coexistence of both. Насколько, на ваш взгляд, актуальна сегодня идея синтеза искусства и дизайна? Синтез искусства и дизайна был и будет актуальным всегда, так как без него невозможно полноценное культурное обустройство среды обитания человека. Что послужило основой для воплощения вашего замысла в данном проекте? Возможность вытеснения или нивелирования реального функционального предмета фантомным изображением на его поверхности или их неким конкурентным сосуществованием.

VASILY TSAGOLOV Born in 1957 in Digora, Northern Osetia. He received his education in the Pictorial Art Department at the Kiev State Art Institute. Tsagolov is one of the leaders of the New Wave movement and a former resident of the Paris Commune arts squat. In the early 2000s he was the first to introduce new media into Ukrainian art, stirring emotions with his performances and provocative videos. He has since returned to painting.

Tsagolov is often compared to the film director Quentin Tarantino for his black humour, colourful characters, and soft spot for ruthlessness. His mystic and ironic series, including «Ukrainian X-Files» (2002) and «Phantoms of Fear» (2003), earned him the reputation of being a «magician» of the post-metaphysical era, where funny tales are actually modern myths woven from a mix of folk traditions and global pop culture.

Selected exhibitions: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, London), «Berliner Liste» (2013, Dymchuk Gallery at Kraftwerk, Berlin); «Terrain Orientation» (2013, National Art Museum of Ukraine, Kiev); «Fear Has Big Eyes» (2011, PinchukArtCentre, Kiev); «Ukrainian New Wave» (2009, National Art Museum, Kiev); «Thaw» (2008, Chelsea Art Museum, New York; Russian State Museum, St. Petersburg, Russia); «Sots-Art: The Political Art of Russia, 1972 to the Present» (La Maison Rouge Fund of Contemporary Art, Paris); «Ukrainian X-Files» (2002, Guelman Gallery, Moscow).

Selected collections: State Tretyakov Gallery (Moscow), PinchukArtCentre (Kiev), Guelman Gallery (Moscow), Ekaterina Fund (Moscow); also private collections in Ukraine, Russia, USA, and Europe.

ВАСИЛИЙ ЦАГОЛОВ Родился в 1957 в г. Дигора, Северная Осетия. Получил образование в Киевской государственной академии искусств. Цаголов один из лидеров движения «Новая волна» и бывший член легендарной «Парижской Коммуны». В ранние 2000 он первым применил новый медиа­формат в украинском искусстве, совмещая эмоции своих выступлений с провокационным видео. С тех пор он снова вернулся к живописи. Цаголова часто сравнивают с Квентином Тарантино за его черный юмор, колоритные персонажи и жесткость. Среди его работ мистические и одновременно иронические серии «Украинские X-Files» (2002) и «Фантомы страха» (2003), создавшие ему репутацию «волшебника» из пост-метафизической эпохи, где веселые сказки на самом деле являют собой современные мифы, сотканные из смеси народных традиций и мировой ­поп-культуры. Избранные выставки: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, Лондон), «Berliner Liste» (2013, Галерея Дымчука: «Kraftwerk», Берлин); «Ориентация на местности» (2013, Национальный художественный музей Украины, Киев); «У страха глаза велики» (2011, PinchukArtCentre, Киев); «Украинская Новая волна» (2009, Национальный художественный музей Украины, Киев); «Thaw» (2008, Chelsea Art Museum, Нью-Йорк; Государственный русский музей, Санкт-Петербург, Россия); «SotsArt: The Political Art of Russia, 1972 to the Present» (La Maison Rouge Fund of Contemporary Art, Париж); «Украинские X-Files» (2002, Галерея Гельмана, Москва). Избранные коллекции: Государственная Третьяковская галерея (Москва), PinchukArtCentre (Киев), Галерея Гельмана (Москва), Фонд Екатерины (Москва); частные коллекции Украины, России, США и Европы.

Vasily Tsagolov acrylic, 2013

Василий Цаголов акрил, 2013

How, in your opinion, is relevant the idea of synthesis of art and design for today?

Put the ass between two chairs!

Critical design uses design as a strategy to cultivate in the public a critical sensibility. The critical sensibility, at its most basic, is simply about not taking things for granted, to question and to look beneath the surface. This is not new and is common in other fields; what is new is trying to use design as a tool for doing this.

(Dunne, A. and Raby, F. 2009. Interpretation, collaboration, and critique: Interview with Dunne and Raby. Retrieved September 1, 2012) What is the basis for the implementation of your intention in this project?

In the uniforms of seventies, made for the Olympic Games in Munich, designed by Fashion House Quelle, partly owned by Ingvlid Goetz (Sammlung Goetz), Szuper Gallery members posing on a motorcycle seat, turning institutional uniform back to fashion. Насколько, на ваш взгляд, актуальна сегодня идея синтеза искусства и дизайна? Садись на два стула сразу! Критический дизайн использует дизайн как стратегию, направленную на культивирование критической чувствительности в обществе. Критическая чувствительность, по сути, это то, что не воспринимает объект как таковой, надлежащий, который задает вопросы и ищет скрытые смыслы. Это не является новым, это используется в других практиках; новое — сама попытка использовать дизайн как нужный здесь инструмент. (А. Данн и Ф. Раби (интервью). Интерпретация, сотрудничество, критика. 2009) Что послужило основой для воплощения вашего замысла в данном проекте? В униформах семидесятых, сделанных для Олимпийских игр в Мюнхене известным торговым домом мод Quelle, владельцем которого является коллекционер Ингвлид Ѓотс (Sammlung Goetz), эквилибристы Szuper Gallery позируют на сиденье мотоцикла, возвращая в моду униформы институции контроля.

PAVEL KERESTEY Born in 1962 in Uzhgorod and a graduate of the Lviv State Institute of Applied and Decorative Arts. Kerestey works in painting, installation, video, and performance art, in addition, he contributes to the theory of art and works as a curator. He began his carrier as a painter representing the Ukrainian New Wave. Kerestey now lives and works in Munich and London. In the early 1990s, Kerestey was a member of the Paris Commune arts squat (Kiev). His creative collaboration with Susanne Clausen began in 1994 when he founded the Szuper Gallery artist’s group. The sculptural platform Lift Archive (www.liftarchiv.de) created by the Szuper Gallery in 2002–2006 for the Munich Kreisverwaltungsreferat is regarded as one of the best contemporary art objects. Kerestey enjoys the status of a well-known european painter.

Selected exhibitions: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, London), «Terrain Orientation» (2013, National Art Museum of Ukraine, Kiev); «Ballet Granite» (2012, PERMM, Museum of Contemporary Art, Perm); «Independent» (2011, Mystetsky Arsenal, Kiev); «Ukrainian New Wave» (2009, National Art Museum of Ukraine, Kiev); «Work, Arbeit, Trud» (2007, Artist’s Studio, Knightsbridge, London); «Nightshifts» (2006, The Western Front, Vancouver, Canada); «Temporary Accommodation» (2002, Whitechapel Gallery, London); «Crash» (2000, ICA, London).

Selected collections: Russian State Museum (St. Pe­ter­ sburg, Russia), Marat & Julia Guelman Gallery (Moscow), M’ARS Gallery (Moscow); also private collections in Ukraine, USA, and Europe.

ПАВЕЛ КЕРЕСТЕЙ Родился в 1962 в Ужгороде и окончил Львовский Государственный Институт декоративно-прикладного искусства. Керестей известен как украинский художник, автор инсталляций, перформансов, теоретических текстов, куратор. Начал свою карьеру как художник, представивший украинскую Новую волну. Сейчас живет и работает в Мюнхене и Лондоне. В ранние 1990‑е Керестей был членом «Парижской Коммуны» (Киев). Его творческий тандем с Су­занной Клаузен начался в 1994, когда он основал группу Szuper Gallery. Скульптурная платформа Lift Archive (www.liftarchiv.de), созданная благодаря Szuper Gallery в 2002–2006 для Kreisverwaltungsreferat в Мюнхене, признана одним из лучших объектов современного искусства. Керестей получил статус известного европейского художника. Избранные выставки: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, Лондон), «Ориентация на местности» (2013, Национальный художественный музей Украины, Киев); «Балет Гранит» (2012, PERMM, Музей современного искусства, Пермь, Россия); «Независимые» (2011, «Мистецький Арсенал», Киев); «Украинская Новая волна» (2009, Национальный художественный музей Украины, Киев); «Work, Arbeit, Trud» (2007, Художественная студия Найтсбридж, Лондон); «Nightshifts» (2006, «Западный фронт», Ванкувер, Канада); «Temporary Accommodation» (2002, Галерея Уайтчепел, Лондон); «Crash» (2000, ICA, Лондон). Избранные коллекции: Государственный русский музей (Санкт-Петербург, Россия), Галерея Гельмана (Москва), Галерея M’ARS (Москва); приватные коллекции Украины, США и Европы.

Pavеl Kerestey acrylic, 2013

Павел Керестей акрил, 2013

How, in your opinion, is relevant the idea of synthesis of art and design for today?

It always depends on the specific situation. Sometimes it’s necessary, sometimes is not. At first I felt pitied to work with this chair as it was already beautiful with its own individuality. However, when I saw the works of the other artists, some of them appealed to me insomuch that could even be called the new art objects.

What is the basis for the implementation of your intention in this project?

Motifs of Ukrainian baroque embroidery. Насколько, на ваш взгляд, актуальна сегодня идея синтеза искусства и дизайна? Всегда имеет значение конкретная ситуация. Иногда это нужно, иногда — не нужно. Мне сначала жаль было трогать этот стульчик, потому что он красив и самодостаточен. Но когда я увидела стулья в исполнении других художников, многие мне настолько понравились, что можно даже назвать их новыми предметами искусства. Что послужило основой для воплощения вашего замысла в данном проекте? Мотивы вышивки украинского барокко.

MARINA SKUGAREVA Born in 1962 in Kiev. After graduating from the Taras Shevchenko Secondary Republican School of Arts, she continued her education at the Dagestan High School of Arts in Makhachkala, Russia, then at the Lviv Institute of Applied and Decorative Arts.

Her first painting appeared in a squat on Furmannyi Lane in Moscow, where she lived in the late 1980s–early 1990s with her husband, Oleg Tistol.

She earned acclaim with her «cross-media» stitched paintings, for which she invented a unique technique that merged an austere and disciplined artistic perfection with homemade «handiwork». This fresh approach continued the avant-garde traditions of the early 20 th century, merging «high art» with the «low» and, for the first time in contemporary Ukrainian art, introducing a feminist slant.

The artist dedicated three of her most famous series to the magic realism of daily life («Tables», second half of the 1990s–2000), traveller’s notes («Roads», 2004–2009), and the human body («Nude», 1988– 2011; also «Good Housekeepers», 2007–2011). Her artistic works are regularly on display at Sotheby’s and Phillips.

Selected exhibitions: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, London), «Great and Grand» (2013, Mystetskyi Arsenal, Kiev); «Terrain Orientation» (2013, National Art Museum of Ukraine, Kiev), «Contemporary Ukrainian Artists» (2012, YermilovCentre, Kharkov); «The Kitchen» (2011, SMuGа, Sumy, Ukraine); «Made in UKR» (2007, TSEKH Gallery, Kiev); «Presents for…» (2006, ARTStrelka Projects, Moscow); «Marina Sku­gareva» (1996, +/- Gallery, Basel, Switzerland).

Selected collections: Zaporozhye Museum of Arts (Zaporozhye, Ukraine), Moscow House of Photography (Moscow), Municipal Gallery of Odense (Odense, Denmark), Christoph Merian Stiftung (Basel, Switzerland), SC Johnson Kiev Corporation (Kiev).

МАРИНА СКУГАРЕВА Родилась в 1962 году в Киеве. После окончания Республиканской художественной школы им. Т. Г. Шевченко продолжила обучение в Дагестанском художественном училище в Махачкале, Россия, затем в Львовском институте декоративно-прикладного искусства. Ее первая живопись была представлена в сквоте «Фурманный переулок» в Москве, где она жила вместе со своим мужем Олегом Тистолом в конце 1980-х — начале 1990-х гг. Получила признание за свои вышитые картины «cross-media», для которых изобрела уникальную технику, сочетающую строгий и дисциплинарный художественный перфекционизм с домашним рукоделием. Этот новый подход продолжил авангардные традиции начала 20 века, сочетая «высокое искусство» с «низким» и впервые внеся феминистическую ноту в современную украинскую живопись. Три из своих наиболее известных серий художница посвятила магическому реализму повседневной жизни («Столы», вторая половина 1990-х — 2000 год), заметкам путешественника («Дороги», 2004–2009) и человеческому телу («Ню», 1988–2011; также «Хорошие домохозяйки», 2077–2011). Ее художественные произведения регулярно демонстрируются на аукционе Сотби и Phillips. Избранные выставки: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, Лондон), «Великое и Величественное» (2013, «Мистецький Арсенал», Киев); «Ориентация на местности» (2013, Национальный художественный музей Украины, Киев); «Современные украинские художники» (2012, Ермилов Центр, Харьков); «Кухня» (2011, СМуГа, Сумы, Украина); «Made in UKR» (2007, Галерея ЦЕХ, Киев); «Подарки для…» (2006, АРТСтрелка projects, Москва); «Marina Skugareva» (1996, Галерея «+/-», Базель, Швейцария). Избранные коллекции: Запорожский художественный музей (Запорожье, Украина), Московский дом фотографии (Москва), Муниципальная галерея Оденсе (Оденсе, Дания), Christoph Merian Stiftung (Базель, Швейцария), Киевская корпорация СК Джонсон (Киев).

Marina Skugareva acrylic, 2013

Марина Скугарева акрил, 2013

Oleg Tistol, Nikolay Matsenko, Vinny Reunov acrylic, 2013

Олег Тистол, Николай Маценко, Винни Реунов акрил, 2013

How, in your opinion, is relevant the idea of synthesis of art and design for today?

Boundaries of modern design and art have long been blurred and one can easily transform into another.

What is the basis for the implementation of your intention in this project?

This project is a good opportunity to create a peculiar «easel» version of design interpretation Насколько, на ваш взгляд, актуальна сегодня идея синтеза искусства и дизайна? Границы современного дизайна и искусства уже давно размыты, и одно легко переходит в другое. Что послужило основой для воплощения вашего замысла в данном проекте? Этот проект — хороший случай создать своеобразную «станковую» версию интерпретации дизайна.

OLEG TISTOL Born in 1960 in the village of Vradievka in the Nikolayev region of Ukraine. He completed his secondary education at the Taras Shevchenko Republican Secondary Art School, then entered the Lviv Institute of Decorative and Applied Arts. While in military service at the Makarov-1 Military Unit (1984–1986), he became acquainted with Konstantin «Vinny» Reunov. In 1988, the painter married fellow artist Marina Skugareva. While at Soviart, the first Soviet-American exhibition, he met Dmitry Kantorov, who invited him to the Moscow Furmannyi Lane squat. In late 1988, Tistol and Reunov, in cooperation with curator Olga Sviblova, launched their first art presentations in Glasgow, Reykjavík, Helsinki, etc. In the mid-1990s he and Nikolay Matsenko started developing their «Natsprom» Programme. From 2002 until 2009, the artist worked with curator Olga Lopukhova. Since 1993 he has lived and worked in Kiev.

Tistol took part in the 49 th Venice Biennale as well as in the Moscow InterPhoto (1996) and Sao Paulo 22 nd (1994) biennales.

Selected exhibitions: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, London), «Terrain Orientation» (2013, National Art Museum of Ukraine, Kiev); «Interpretations of Memories» (2011, Black Square Gallery, Miami, USA); «The Mythology of Happiness» (2011, Salon Vert Gallery, London); «The Khudfond» (2009, Contemporary Art Museum, Moscow); «Natsprom», together with Nikolay Matsenko (2003, Guelman Gallery, Moscow); «Nine Days» with Marina Skugareva (1992, St. Alban Tal, Basel, Switzerland).

Selected collections: PinchukArtCentre (Kiev), Stede­ lijk Museum (Amsterdam), Museum of History of Moscow, The Norton and Nancy Dodge Collection of Soviet Nonconformist Art, Jane Voorhees Zimmerli Art Museum, Rutgers University (New Brunswick, New Jersey, USA), Christoph Merian Stiftung (Basel, Switzerland).

ОЛЕГ ТИСТОЛ Родился в 1960 в поселке Врадиевка Николаевской области, Украина. Окончил Республиканскую художественную среднюю школу им. Т. Г. Шевченко, отделение живописи, затем поступил во Львовский Государственный Институт декоративно-прикладного искусства. В период службы в Советской Армии в в/ч Макаров-1 (1984–1986) знакомится с Константином (Винни) Реуновым. В 1988 году женится на художнице Марине Скугаревой. Участвуя в 1-й советско-американской выставке «Совиарт», Олег Тистол знакомится с художником Дмитрием Канторовым, который приглашает его в московский сквот «Фурманный переулок». В конце 1988 года Тистол и Реунов в сотрудничестве с куратором Ольгой Свибловой начинают выставлять свои работы в Глазго, Рейкьявике, Хельсинки и т. д. В середине 90-х Олег Тистол и Николай Маценко начинают развитие проекта Natsprom. С 2002 по 2009 работает с куратором Ольгой Лопуховой. С 1993 живет и работает в Киеве. Тистол принял участие в 49-й Венецианской Биеннале, а также в Московской биеннале Интерфото (1996) и в 1994-м в 22-й Биеннале в Сан-Пауло. Избранные выставки: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, Лондон), «Ориентация на местности» (2013, Национальный художественный музей Украины, Киев); «Interpretations of Memories» (2011, Галерея «Black Square», Майами, США); «The Mythology of Happiness» (2011, Галерея «Salon Vert», Лондон); «Худфонд» (2009, Музей современного искусства, Москва); «Нацпром», совместно с Николаем Маценко (2003, Галерея Гельмана, Москва); «Девять дней» с Мариной Скугаревой (1992, St. Alban Tal, Базель, Швейцария). Избранные коллекции: PinchukArtCentre (Киев), Музей Стеделик (Амстердам), Исторический музей (Москва), Коллекция Нортона и Нэнси Додж Soviet Nonconformist Art, США, Jane Voorhees Zimmerli Art Museum, Университет Rutgers University (Нью-Джерси, США), Фонд Christoph Merian Stiftung (Базель, Швейцария).

Oleg Tistol acrylic, 2013

Олег Тистол акрил, 2013

How, in your opinion, is relevant the idea of synthesis of art and design for today?

I am for fantasy becoming more practical and for practicality becoming more poetical.

What is the basis for the implementation of your intention in this project?

It’s interesting to play with such form of the object, cause its flexible flow has no clearly expressed top or bottom that gives absolute freedom of actions to any artist.

I tried to maintain the integrity of the form as well as to impart the object’s functions with an unusual content.

Насколько, на ваш взгляд, актуальна сегодня идея синтеза искусства и дизайна? Я за то, чтоб фантазия обретала практичность, а практичность — поэтичность. Что послужило основой для воплощения вашего замысла в данном проекте? С такой формой предмета интересно играть, его пластичная текучесть не имеет чётко выраженного верха и низа, что даёт абсолютную свободу действий любому художнику. Я старался не разрушить целостность формы и придать функциям этого предмета необычное содержание.

ROMAN MININ Born in 1981 in Dimitrov, Donetsk region. In 2002 graduated from Kharkov Art College. Graduated from the Kharkov State Academy Of Design and Arts in 2008.

Is a member of National Artist’s Union of Ukraine since 2009. Works in many genres and directions.

He is a participant of many group exhibitions and festivals in Ukraine and Europe, the organizer of «Street Art Fest» in Kharkov. He was the head of the program «ISOLIATSYA in City Space» in the center of the modern art ISOLIATSYA in Donetsk 2012.

Lives and woks in Kharkov.

Selected exhibitions: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, London), «RE-PUBLIC. Russian Art in the Streets» (2013, Urb Festival, Helsinki); «Great and Grand » (2013, Mystetskyi Arsenal, Kiev); «Terrain Orientation» (2013, National Art Museum of Ukraine, Kiev); «Ukrainian news» (2013, Сentre of Contemporary Art «Ujazdów Castle», Warsaw); «The Plan of Escape» (2012, Palazzo Cantagalli, Foligno, Italy); «Source of Life» (2012, «Sinergy Gallery», Rome); «The Ukrainian Baroque» (2012, National Art Museum of Ukraine, Kiev); «Symbol of Faith» (2010, Museum of Russian Art, Kiev).

Selected collections: National Art Museum of Ukraine (Kiev), Museum of Russian Art (Kiev), Contemporary Art Centre «Castle Ujazdów» (Warsaw), Kharkov Municipal Gallery (Kharkov, Ukraine), Perm Museum of Contemporary Art (Perm, Russia), Gallery «Volga» (Moscow), private collections in Ukraine, Russia, Poland, Italy, UK.

РОМАН МИНИН Родился в 1981 году в г. Димитрове Донецкой области. В 2002 году окончил Харьковское художественное училище. В 2008 году окончил Харьковскую государственную академию дизайна и искусств. С 2009 года является членом Национального союза художников Украины. Работает во многих жанрах и на­прав­ лениях. Принимает участие во многих групповых выставках и фестивалях в Украине и Европе, является организатором фестиваля «Street Art Fest» в Харькове. В 2012 году возглавлял программу «Изоляция в городском пространстве» в Донецком центре современного искусства «Изоляция». Живет и работает в Харькове. Избранные выставки: «Contemporary Ukrainian Artists» (2013, Saatchi Gallery, Лондон), «RE-PUBLIC. Russian Art in the Streets» (2013, Urb Festival, Хельсинки); «Великое и Величественное» (2013, «Мистецький Арсенал», Киев); «Ориентация на местности» (2013, Национальный художественный музей Украины, Киев); «Ukrainian news» (2013, Центр современного искусства «Ujazdów Castle», Варшава); «The Plan of Escape» (2012, Palazzo Cantagalli, Фолиньо, Италия); «Source of Life» (2012, «Sinergy Gallery», Рим); «Миф: Украинское барокко» (2012, Национальный художественный музей Украины, Киев); «Символ веры» (2010, Музей русского искусства, Киев). Избранные коллекции: Национальный художественный музей Украины (Киев), Музей русского искусства (Киев), Центр современного искусства «Ujazdów Castle» (Варшава), Харьковская муниципальная галерея (Харьков, Украина), Пермский музей современного искусства (Пермь, Россия), Галерея «Волга» (Москва), частные коллекции в Украине, России, Польше, Италии, Великобритании.

Roman Minin acrylic, 2013

Роман Минин акрил, 2013

RUSSIAN ART LONDON 3 JUNE 2014

OLEG VASSILIEV The Stroll, 1989 Estimate £60,000–80,000 Enquiries +44 (0)20 7293 5570 Register now at sothebys.com

National Ukrainian Academy of Arts MODERN AR T RESEARCH INSTITUTE the exhibition hall 18-D Shchors (E. Konovaltsa) Str., Kiev, Ukraine www.mari.kiev.ua (044) 529-2051, (044) 529-4677

Exhibition catalogue

Каталог выставки

Idea Davis Casa

Идея проекта Davis Casa

Project organizers Davis Casa Igor Abramovych Vitra AG

Организаторы проекта Davis Casa Игорь Абрамович Vitra AG

Patronage Swiss Embassy in the Ukraine

Патронат Посольство Швейцарии в Украине

Coordinator Natalia Matsenko

Координатор Наталья Маценко

Photographer Andrey Tikhostup

Фотограф Андрей Тихоступ

Design Andrey Shalygin

Дизайн Андрей Шалыгин

English translation Elena Chizhevskaya Artem Tsymbaluk Alena Taratuta Masha Yerokhina

Перевод на английский язык Елена Чижевская Артем Цимбалюк Алена Таратута Маша Ерохина

Editor Maxim Dobrovolskiy

Редактор Максим Добровольский

Print ADEF-Ukraine

Печать ADEF-Украина

ISBN 978-617-7156-15-3

© Davis Casa, 2014