04 de septiembre de 2026
Seimer Guerra pinta esperanza sobre el concreto
BIOGRAFÍA Pág. 6
Año 13 No. 624
Joaquín Mejía: el teatro como profesión es más que pasión
JÓVENES TALENTOS Pág. 12
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La vivencia del ensayo de Torotumbo
Presentación
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ivir un ensayo, conocer del esfuerzo corporal, como la entrega de los actores y las indicaciones para partir de una técnica de actuación, forman parte del reportaje central de la Revista Viernes No. 624, que esta semana se dedica al montaje de Torotumbo, novela escrita por Miguel Ángel Asturias en 1956. El texto adaptado al teatro por Clément Harari, en 1969, y traducido al español por el dramaturgo Manuel José Arce, en 1976, es escudriñado por el elenco de la directora Emy Coyoy, que para esta puesta reúne en escenografía a Joam Solo, en música a Sergio Valle y dramaturgia a Henry de Paz, entre otros. El equipo reconstruyó los parlamentos cotejando versiones en español e italiano junto al texto original para presentar una expresión de realismo mágico, que reflexiona sobre la represión política, el esperpento y la victoria popular sobre la corrupción y la perversión. En la Guía de libros, la editorial de la Tipografía Nacional publica La Utopía de la Rosa: Fragmentos de la lucha socialista en Guatemala, un aporte con el que el médico Carlos Gallardo reúne documentos y testimonios de más de 50 años de
participación de las fuerzas por la democracia. Las reseñas de la Guía de cine traen en esta ocasión a Gatos callejeros, seis episodios de humor negro irreverente, picante y animación para adultos en los que un grupo de felinos se reúne, conversa, mira televisión, busca comida y se mete en problemas. En la sección de Perfil, se acompaña al artista Marlow Barrios, que retrata 25 años de búsqueda estética entre creaciones visuales, símbolos prehispánicos y archivos, a través del montaje de cuatro salas en la galería Punto D Contemporáneo, que resumen el trabajo de quien es exponente de la interdisciplanidad en las artes. Jóvenes talentos publica al actor José Joaquín Mejía, quien a sus 13 años ha participado en tres obras de teatro y tiene seis años de recorrido, además se prepara en un diplomado de frente al futuro que avisora desde la experiencia y dejar que cada montaje le enseñe algo nuevo sobre sí mismo. El Fotorrepotaje del suplemento cultural muestra los atractivos turísticos y culturales que se viven en Quetzaltenango, cabecera, y el municipio de Salcajá, que aprecian los turistas nacionales y extranjeros en el occidente del país.
Directorio Director General: Edin Hernández Subdirector técnico: Miguel González Moraga Coordinación de Información: Mario Ramos Editor: Hugo Sergio Del Águila Redactores: Narcy Vásquez y Pablo Cahuec Diseño Gráfico: Juan Rene Chicoj Diseño Portada: Astrid Méndez Diagramación: Sulhema Pacheco y Diana Guerra Corrección: Pedro Meda, Servando Pineda y Amado Monzón Digitalización: Freddy Pérez
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Cartelera Viernes 4
La magia del cosplay llega al Ghibli Fest Guatemala con un concurso para categorías infantil y adulta, en la Concha Acústica del Parque de la Industria. El evento iniciará a las 17:00 horas y premiará la creatividad y caracterización de los mejores personajes. Los ganadores de las distintas categorías recibirán sorpresas y premios en efectivo.
Sábado 5 El poeta Walter Morán impartirá un taller de poesía gratuito orientado a la creación, lectura y reflexión literaria. La cita es de 10:00 a 12:00, en el Walt Whitman American Center del IGA, ubicado en la zona 4 capitalina. La entrada no tiene costo, pero requiere un registro previo indispensable debido a que el cupo es limitado.
Domingo 6 La Teca, en zona 1, será sede de la edición 52 de La RuleTeca, organizado por Claroscuro Promotora, un espacio dedicado a la lectura de poesía con micrófono abierto. La actividad contará con la participación de Mariana Natareno, José Alvarado y Jaime Barrios, coordinados por Gerson González. El encuentro empezará a las 11:30 horas para el público general.
Lunes 7 La Galería Eloy Amado Herrera, de la Universidad Popular, mantendrá en exposición la muestra historicista de teatro guatemalteco. La obra Línea De Tiempo, Línea De Teatro —Guatemala 1962— 1992 recorre tres décadas de la plástica escénica nacional. El público puede conocer este acervo visual y documental hasta el 2 de octubre.
Martes 8 El Ícaro, Festival Internacional de Cine, proyectará el largometraje hondureño 90 minutos, a las 19:00 horas. La función será en las instalaciones de Cinemabistro, situadas en el complejo Fontabella, zona 10. La admisión es libre, con un aforo regulado y limitado a un máximo de 75 personas.
Miércoles 9 El Centro Cultural de España en Guatemala exhibirá el mural textil comunitario Hilos que hablan. La presentación se desarrollará junto al Colectivo B’elejeb’ B’atz’, en el marco del Día Internacional de la Mujer Indígena. La instalación podrá ser visitada a partir del 5 de septiembre y continuará abierta al público hasta el 31 de octubre.
Jueves 10 La Alianza Francesa en zona 13 acogerá el Festival de Marimba con un concierto especial a cargo de Marimba Gran Jaguar y Revista Telégrafo. La velada musical se efectuará a las 18:00 horas en el área del jardín, con costo de Q125 en preventa y Q150 el día del evento. Las entradas pueden reservarse comunicándose al número de WhatsApp 3524-7353.
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Para no caer en el olvido
• Pablo Cahuec
Entre el misterio y la búsqueda de identidad Ambientada en la Guatemala del siglo XIX, Historia de un pepe cuenta la vida de José Gabriel, un niño abandonado desde su nacimiento que afronta el desprecio, el amor y el destino con una fortaleza inquebrantable. Considerada una de las novelas más cautivadoras de José Milla y Vidaurre, la obra reúne giros inesperados, aventuras militares y el misterio del legendario ladrón Pie de Lana, en una trama donde se cruzan el heroísmo y la búsqueda de identidad. A través de este texto, el maestro de la narrativa guatemalteca del siglo XIX reafirma su estilo inconfundible en un relato que combina emoción, aventura y retrato de una época. Se puede adquirir en la Editorial Cultura del Ministerio de Cultura y Deportes.
Un amor marcado por el olvido En el día de su cumpleaños, un hombre vuelve a casa y descubre una carta inesperada. La escribe una mujer cuyo nombre no aparece y que, al encontrarse cerca de la muerte, decide revelarle la historia de un amor que ha definido toda su existencia. Desde su adolescencia hasta la madurez, ella ha permanecido atenta a una sola mirada y a un reconocimiento que jamás recibió. Él, un escritor famoso, no la recuerda, mientras ella ha construido toda su vida alrededor de ese olvido. Publicada por primera vez en 1922, Carta de una desconocida, es uno de los relatos más intensos de Stefan Zweig que explora la obsesión, el deseo y la ceguera sentimental. Arpa Editores, en librería Sophos presenta una nueva traducción del alemán a cargo de Luis Fernando Moreno Claros, biógrafo y especialista en el autor, acompañada de un posfacio de Marta Sanz.
Reivindicando la voz femenina De 58 narradoras registradas desde 1896, pocas logran figurar en las compilaciones literarias nacionales, relegadas por considerarse su obra “menos comercializable”. Frente a ese vacío, la línea de Adela García Granados, bajo La
Pepita Editorial, convocó en 2024 el concurso María Goubaud de Cast illo, dedicado exclusivamente a narrativa escrita por mujeres. De ahí nace este primer tomo de Cartografias íntimas que reúne a tres
autoras. Elisa Rodríguez Chávez, galardonada en los Juegos Florales de 1962 y ganadora del premio de La Pepita Editorial 2023, aporta el bloque más extenso con cuatro relatos, dos de ellos narrados desde una voz masculina. Mar-
cela Castañeda Sarti firma Una mujer con sombrero, evocación melancólica que explora la psique femenina; y Carmen Maselli Jarquín presenta El apartamento, retrato urbano y franco de los retos matrimoniales de una pareja.
La Guía de libros
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ublicado por la Tipografía Nacional, La Utopía de la Rosa: Fragmentos de la lucha socialista en Guatemala es el libro con el que el médico Carlos Gallardo Flores reúne documentos y testimonios de más de 50 años de participación política en Guatemala. Quienes crecieron en el país durante los regímenes militares de las décadas de 1970 y 1980 vivieron, según el autor, bajo gobiernos nacidos de fraudes electorales, marcados por la represión y la corrupción. Frente a lo que considera un olvido colectivo de esa lucha, Gallardo Flores concibe esta obra como un homenaje a sus compañeros asesinados y a quienes sobrevivieron, muchos de ellos exiliados. El volumen se dedica a la juventud que atravesó esa etapa de terror y a los pocos protagonistas que dirigieron abiertamente los movimientos populares de la época. En palabras de Carlos Rafael Soto, citadas en la contraportada, Gallardo Flores es “uno de los más importantes cirujanos y dirigentes políticos guatemaltecos”.
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Serie
La Guía de cine
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ay comediantes a los que uno llega sin saber exactamente qué encontrará. Ricky Gervais no pertenece a ese grupo. Si conoces al creador de las series The Office y Extras, protagonista de After Life, uno de los comediantes británicos más destacados de las últimas décadas, probablemente sabes lo que viene: sarcasmo, incorrección política, situaciones incómodas y esa costumbre de encontrar algo absurdo en comportamientos que los demás consideramos normales. Por eso creo que la primera recomendación sobre Gatos callejeros (Alley Cats, 2026), disponible en Netflix, es bastante sencilla: si sos público de Gervais, mirala. Caso contrario, si su humor te resulta insoportable, quizá seis episodios protagonizados por gatos que hablan como él tampoco cambiarán tu opinión. La premisa es tan sencilla como disparatada. Un grupo de gatos callejeros se reúne, conversa, mira televisión, busca comida y se mete en problemas. Netflix la clasifica, entre otras etiquetas, como humor negro, irreverente, picante y animación para adultos. Para mí habría que agregar vulgar, observacional y marcadamente británico. Y cuidado con lo de “adultos”. Aquí abundan las obscenidades, bromas sexuales y esca-
Rewind me
DAVID LEPE lepedavid@yahoo.com En cines
Hombres G
tológicas, violencia y muerte. Si buscabas una caricatura para disfrutar con los niños porque aparecen animalitos simpáticos, sigue explorando porque Gatos callejeros definitivamente no lo es. Pero entre una vulgaridad y otra aparece el Gervais que más me interesa. Las conversaciones absurdas se convierten en pequeñas sesiones de comedia observacional. Los mishes hablan de nuestro mundo y, al hacerlo desde fuera, terminan recordándonos lo extraños y salvajes que podemos ser los humanos. También aparece algo habitual en su trabajo reciente: detrás del cinismo hay una sorprendente preocupación por la existencia. La amistad, la soledad, la pérdida, la vida y, en especial, la muerte se cuelan entre los chistes. Hay un par de escenas que retuercen el corazón. A veces el salto entre una grosería y una reflexión existencial resulta brusco, pero esa contradicción es parte de su identidad y, pensándolo bien, hasta de nuestras vidas. Gatos callejeros difícilmente convertirá a quienes nunca han soportado a Ricky Gervais. Para quienes disfrutamos su particular manera de encontrar humor en lo incómodo y preguntas enormes en situaciones pequeñas, estos felinos tienen algo que decir. Aunque, por supuesto, lo digan después de unas cuantas palabrotas.
¿Alguna vez cantaste Devuélveme a mi chica a todo pulmón, ya sea como adolescente ochentero/ noventero en tu habitación o ya adulto en un karaoke? Los mejores años de nuestra vida recorre cuatro décadas de Hombres G. Material inédito, giras, amistad, malos ratos, humor y muchas canciones forman un documental que merece verse, y escucharse, en pantalla gigante. Ya se proyecta en las salas del país. Una cita perfecta para cantar y recordar.
Cantinflas en Netflix
Fotos: Netflix
Gatos callejeros es más que maullidos y palabrotas
Existen personajes que no necesitan presentación. Basta el pantalón caído, el sombrero y unas cuantas palabras enredadas para reconocer a Cantinflas. Desde este mes, Netflix reúne un gran número de películas de Mario Moreno; entre ellas, El barrendero, El analfabeto, El padrecito, El bolero de Raquel y El gendarme desconocido. Una oportunidad para reencontrarse con su humor y, mejor aún, para que nuevas generaciones descubran por qué hizo reír a tantas otras.
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Abre las puertas
de su memoria visual
Texto: Narcy Vásquez Fotos: Carlos Caljú
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compañar a Marlov Barrios a través de sus formas, materias y sonidos es constatar que el tiempo artístico ignora las líneas rectas. Mientras guiaba el recorrido por la galería Punto D Contemporáneo, su mirada conectaba, sin fisuras, un trazo de 2004 con una pieza recién concluida, como si ambos fueran al mismo instante. Deja ver cómo una misma inquietud ha atravesado, intacta, su trayectoria. “Esta colección llamada La oscilación de un péndulo surge en un contexto urbano y contemporáneo, en la cual me interesa resignificar la realidad social e instaurar un diálogo con los símbolos globales e identitarios, muy fragmentados y diversos”, relató el autor mientras avanzaba por las cuatro salas que integran esta celebración artística. Con el grupo La Torana, que cofundó, obtuvo los Glifos de Plata (2006) y Oro (2008), además del primer premio del Segundo Salón Nacional del Grabado. Desde 2000, ha montado 29 exposiciones en Guatemala, México y Francia y ha participado en la Trienal del Caribe y la Bienal de Pontevedra, España.
lados a Estación transparente del deseo, poemario que publicará el Ministerio de Cultura y Deportes en septiembre. Estas piezas amplían su lectura junto a las esculturas Alegoría de la Confederación (2015) y Nourista, en la cual la traza del Pentágono sobre templos prehispánicos cuestiona las dinámicas del poder imperial. Segunda sala, Cosmogonías y línea pura: da cabida a obras nacidas tras un viaje por Perú, donde estudió los trazos de Machu Picchu, el Valle Sagrado y Nazca. “Toda esa gráfica —maya, egipcia, mexicana y andina— está relacionada con el cosmos y con honrar la vida”, detalló. Se agregan autorretratos oníricos y la serie Regimiento de los Astros, trabajada a pura línea. Tercera sa la, Mestizaje y afectos: en la atmósfera más
personal del recorrido conviven Visiones de los Cuchumatanes — un reencuentro con el paisaje— y Transfiguraciones, serie en pigmento dorado sobre el impacto de la Conquista. Al centro, una mesa integra dibujos de sus hijos, de su madre y la propia infancia, que une la memoria familiar con su raíz plástica. Cuarta sala, Instalación y música: muestra su faceta multidisciplinaria con Parajes del fin del mundo, instalación con instrumentos andinos de los luthiers Josué Zarat y William Méndez, rodeada de
Sus intervenciones reflejan su paso por distintas culturas.
acuarelas y collages sobre vinilo. De fondo resuena su producción musical, con temas de Manjar Profano (2023) y Cardiotomía (2026), editados por el sello Identidata.
Vocación y tenacidad Firmante de los poemarios Palpitaciones (2013) y Espectros (2019), un cuarto de siglo después, el creador saca cuentas de lo aprendido: “El talento no es suficiente. Se necesita vocación y tenacidad; si no, se queda atrofiado”. Durante la caminata también recordó amarguras del medio, como cuando un proyecto suyo, preparado para representar a Guatemala en la Bienal de Arquitectura de Venecia, quedó fuera por decisiones del gobierno de turno, aunque terminó siendo invitado por la delegación de Belice. El virtuoso defiende la necesidad del arte en la sociedad: “No nació para complacer a nadie, sino para dialogar con lo más profundo del ser humano”. La oscilación de un péndulo que sueña confirma que la imagen, palabra y sonido son en su trabajo una sola arquitectura en constante construcción.
Cuatro estaciones Primera sala, Símbolos e imperio: el espacio abre con dibujos vincu-
Su obra abarca arquitectura, dibujo, pintura, escultura, mural, collage, mix media, música y poesía.
Perfil
En una charla el artista Marlov Barrios retrata 25 años de búsqueda estética entre símbolos prehispánicos, archivos y paisajes andinos
Ficha
Nacido en ciudad de Guatemala en 1980, Marlov Barrios se formó entre la arquitectura y el grabado, vertientes que definieron su obra. Estudió en la Facultad de Arquitectura de Universidad de San Carlos y en La Esmeralda, México, y cofundó el colectivo La Torana.
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Seimer Guerra
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pinta esperanza sobre el concreto
Con 30 años de experiencia, el virtuoso hace del aerosol y la educación instrumentos para dar color a la identidad Texto: Narcy Vásquez Fotos: Manuel Del Cid
Biografía
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as galerías todavía no lo miraban, pero las calles ya hablaban. En los años noventa, el aerosol comenzó a escribir sobre el concreto un lenguaje nacido de la imaginación, identidad y necesidad de hacerse visible. Guatemala dejaba atrás los años del conflicto interno cuando Seimer Guerra encontró en las paredes el lienzo perfecto para explorar nuevas formas de pintar la ciudad. Pasar de la Escuela Nacional de Artes Plásticas Rafael Rodríguez Padilla (ENAP) a las aulas de diseño gráfico le dio una formación poco común, marcada por dos maneras de entender lo visual. Mientras la academia le enseñó el rigor y el diseño gráfico, así mismo la capacidad de sintetizar ideas a través de imágenes, el entorno le mostró algo diferente: la necesidad de conectar con las personas y su realidad.
Sin alarde A lo largo de 30 años, el muralista ha unido esas experiencias en una sola práctica: el arte-educación, entendido como forma de crear y, al mismo tiempo, generar vínculos con la comunidad. Según Guerra, intervenir una pared en blanco no es alarde de vanidad visual, es ejercicio de reconstrucción social. Su trabajo prescinde del adorno vacío; cada trazo in situ busca reivindicar la memoria de los barrios, transformar la percepción de la violencia y ofrecer, en medio del concreto, un canal de resistencia y esperanza. Su técnica es el aerosol, un medio tan volátil como exigente, donde el viento, clima y la presión de la lata dictan la precisión de una obra que, por naturaleza, es del transeúnte. “Nuestro proceso creativo integra lenguaje visual y textual que sostiene cada obra; nada se pinta por azar; es intencional y con un mensaje profundo detrás”, afirmó.
Seimer Guerra sostiene que nada se pinta al azar; es intencional y con mensaje.
Crea metodología Entre sus legados figura la creación de Guate Graff, plataforma que irrumpió en 2000 para dignificar el grafiti. Más allá de desafiar la estigmatización que encasillaba a los muralistas como vándalos, el colectivo legitimó la disciplina hasta llevarla a los salones de clases. La iniciativa dio vida al primer diplomado de arte urbano en la Fundación Paiz, que de 2010 a 2015 instruyó a creativos que hoy redefinen el espacio público. Sin embargo, el núcleo de su trabajo no habita en la frialdad de galerías, está en la periferia. A través del proyecto Dejando Huellas, Seimer implementó una metodología dividida en tres etapas: formación en valores, escritura creativa —jóvenes que trazan sus proyectos de vida— y la ejecución pictórica en el vecindario. Sus talleres funcionan como catalizador social que arrebata juventudes a la violencia. La prueba se resume en vidas; entre ellas, un joven que en plena pandemia, pintó su meta: ser mercadólogo y años más tarde volvió para mostrar su título universitario.
El arte urbano atrae a la juventud por su carácter libre. Aprovechamos ese imán para canalizarlo mediante un proceso de arte y educación que impulse el aprendizaje y la reflexión”. Seimer Guerra
Arte comunitario Su trayectoria también se cruzó con los primeros esfuerzos institucionales por descentralizar el arte urbano. A principios de 2000, Guerra participó en la prueba piloto del Instituto Guatemalteco de Turismo que llevó la pintura mural a los departamentos. Aquella experiencia abrió brecha en la administración pública al incorporar a un gremio en el que más de la mitad eran grafiteros, al lado de estudiantes de la ENAP y de la Escuela Superior de Arte de la Universidad de San Carlos. En sus palabras, los frutos de esa apertura son evidentes: basta recorrer municipios para ver cómo las comunidades terminaron por hacer propio el arte de la calle. A tres décadas de haber tomado su primera lata, el promotor del muralismo no mide su carrera en metros cuadrados pintados ni en firmas sobre el muro, lo hace en la capacidad de abrir horizontes donde antes solo había paredes ciegas.
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Domingo Lemus es cineasta y artista de múltiple dimensión.
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Experiencias que inspiran. Conocimiento que transforma. Negocios que crecen.
Ley de cine para avanzar
El actor Domingo Lemus es reconocido por protagonizar la comedia en el cine Puro mula
Capacidad instalada Aseguró que el país ofrece excelentes locaciones y cuenta con técnicos capaces de efectuar producciones internacionales. Estas condiciones coadyuvan para el interés de productores de otras latitudes que quieren rodar aquí, lo cual beneficiaría al gremio. Una ley de cine, iniciativa 5906 que ya superó su segundo debate en el Congreso de la República, de aprobarse fomentaría la formación y crea-
Apoyo a la formación Lemus comentó que trabajan alrededor del proyecto Procine, un fondo gubernamental que permite impulsar diferentes áreas, mediante el cual buscan la formación, preservación, investigación y promoción, en el ámbito gremial. Preguntado sobre por qué apoyan la ley, el también productor precisó: “Es un arte que fomenta muchas otras áreas y genera un movimiento económico en diferentes sectores, pero ante todo “promueve la cultura y eso es lo que nos une porque nos conocemos a través de nuestra música, cine, teatro, literatura, pintura y otras manifestaciones”.
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omingo Lemus, cineast a y ca nt autor fue elegido este año presidente de la Academia Guatema lteca de Cine. De visita en la Revista Viernes , conversó acerca de la necesidad de que el país cuente con una ley de cine que consolide y promueva el séptimo arte y la producción audiovisual. El actor y productor dijo que la Academia Guatemalteca de Cine trabaja con otras entidades por una ley para el sector desde 2007, la que ha partido de legislaciones de otros países: Colombia, México y República Dominicana. “Se busca actualizarla de acuerdo con lo que sucede en el mundo, pero también se valora la experiencia que existe en Guatemala”, precisó.
ción de un instituto nacional y establecería el fondo de fomento para la industria local. “Sería un estímulo para todo el sistema y la inversión extranjera, porque recibiríamos producciones internacionales”, aseveró. El entrevistado comentó que además de apoyar la ley, la Academia promueve la producción de películas y se encarga, entre otras funciones, de postular filmes para las premiaciones de las academias; entre ellas, los Óscar, Goya y Ariel. “También lanzamos convocatorias, recibimos películas, votamos y enviamos los materiales. Todo este trabajo de promoción es valioso. Nos conocemos a través de nuestro arte y fomentarlo fortalece la cultura e identidad”, explicó.
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Texto: Pablo Cahuec Foto: Álvaro González
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Se siente la llegada de
Torotumbo
La obra se estrenará en octubre, mes en que se repatriarán los restos de Miguel Ángel Asturias
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Texto: Narcy Vásquez Fotos: Mario León
70 años después
La puesta en escena rescata una trayectoria histórica documentada por el dramaturgista Henry de Paz. El texto original fue concebido por Asturias como un relato que formaba parte del libro Week-end en Guatemala (1956), y que más tarde fue adaptado al teatro junto a Clément Harari, estrenándose en Colmar, Francia, en 1969, tras un proceso de improvisación en los talleres de actuación de Lee Strasberg. El valor histórico para la escena
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esde marzo a la fecha, en el taller de escenografía del Teatro de Cámara Hugo Carrillo Torotumbo está cobrando vida. Un cartel pegado en la columna le da la bienvenida al elenco. Se trata de una cita del célebre actor, director y pedagogo teatral ruso Konstantín Stanislavski: “Ama el arte en ti mismo, y no a ti mismo en el arte”. El texto impreso, vinculado de lleno a la ética teatral y a la construcción del personaje, fue idea de la directora de la obra, Emy Coyoy, quien quiso que los actores y actrices sintieran el espacio como su lugar de trabajo. Ese recinto les fue asignado,
nacional radica en la encomiable labor de Manuel José Arce, quien en 1976 tradujo el libreto del francés al español, lo cual permitió que la Universidad Popular —bajo la dirección de Rubén Morales Monroy— llevara a cabo el primer montaje al español con cientos de funciones realizadas. Como no existe una edición formal única del libreto, el equipo tuvo que reconstruirlo: cotejaron transcripciones de 1976 y 1993, una versión en
pues la escenografía que utilizan, conformada por estructuras metálicas de dos pisos y madera, no cupo en los salones de ensayo. El montaje saldrá a escena en octubre, 70 años después de que Miguel Ángel Asturias escribiera el relato como parte del libro de cuentos Week-end en Guatemala, y en el mes en que se tiene previsto repatriar los restos del Nobel de Literatura para que descansen en el centro cultural, el cual lleva su nombre. Mientras eso acontece, 21 actores recorren extensas horas de ensayo, viven sus silencios, sudan la expresión corporal y ponen de manifiesto su talento, porque están conscientes de la responsabilidad del montaje. A diario, los integrantes de la compañía se despojan de ellos mismos y le dan
italiano de 1969 y la novela original, y decidieron abordar el texto no desde el costumbrismo, sino desde un realismo que deja entrar lo mágico. La estética se inspira en los maestros de las artes plásticas de la generación del 40, y la dirección actoral se apoya en la técnica de la Fragmentación, del director hondureño Tito Ochoa (la técnica se sustenta en principios tangibles y evaluables para potenciar las destrezas físicas del intérprete. Su punto de partida es la acción corporal y la dialéctica).
vida a los protagonistas del cuento que Asturias escribió.
Así se vive Son las cinco de la tarde del miércoles 26 de agosto. En el taller de escenografía se comienzan a escuchar pasos apurados. Llegan en grupos pequeños, mochila al hombro y botella con agua en mano. Son los integrantes del elenco de Torotumbo —unos con años de oficio, otros recién egresados, y hay quienes regresaron a las tablas tras casi una década de ausencia—, todos, vestidos de negro, confluyen en la sala donde un clásico de la dramaturgia se gesta como homenaje escénico. El arribo tiene su propio protocolo. En un rincón, se despliegan bolsas con el vestuario de trabajo: mallas, camisetas sueltas y telas que recrean el peso del atuendo que se confeccionará para el estreno. Al otro extremo, dos actrices se ayudan con el cabello mientras repasan en voz baja sus parlamentos. Antes de que alguien diga una palabra, ya se percibe una disciplina silenciosa. De pronto irrumpe la voz de Emy Coyoy, directora de la obra, y
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Expresión corporal El primer ejercicio de la tarde no tiene libreto. Es cuerpo puro. Coyoy camina entre los actores y repite, casi como mantra, los principios del método Suzuki (entrenamiento actoral que busca recuperar la energía y presencia escénica a través de la conexión con la tierra) que ha decidido incorporar como base de esta versión. Nada de brazos colgando sin energía, nada de manos planas o rígidas, nada de rostro que gesticule de más. “El tono corporal exige tensión activa”, indica. Las manos toman una forma orgánica, en cuenco; los hombros van hacia atrás; la cabeza no se inclina hacia adelante. Lo más difícil no es la postura, sino mantener el silencio. Los artistas desplazan su peso del talón a la punta del pie, rodillas siempre activadas, y cualquier golpe seco contra el piso interrumpe el ejercicio. “Espanta al personaje”, dice la directora, y el actor que hizo ruido vuelve a empezar. Después se inició la parte que más asombra a quien observa por primera vez la práctica: la construcción imaginaria del personaje. Cada actor elige un espacio, se detiene, respira de manera profunda y proyecta frente a sí mismo, como en una pantalla invisible, la figura completa del protagonista a interpretar. No se trabaja con memoria emotiva personal, insis-
te la directora, sino con imaginación: se observa el calzado, la contextura, la altura exacta de ese otro cuerpo que aún no existe. Algunos llegan, incluso, a “pedir la mano” de la figura que visualizan, palma hacia arriba para sentir su textura y entender su oficio. Solo después de ese recorrido silencioso se autoriza la interpretación, caminar desde la piel de la figura dramática, encontrar su tono de voz antes de decir una sola línea del libreto.
Las máscaras Tras más de hora y media de trabajo, la naturaleza de Torotumbo impone sus reglas: las máscaras (elementos fundamentales en la trama) exigen otra dinámica. La maestra corrige sin descanso el mismo punto: la máscara no responde a la cara, sino a la cabeza entera como timón corporal. Ante una voz, un golpe o un parlamento, la máscara debe girar completa y directa hacia la fuente del estímulo, sin reacciones parciales ni miradas de reojo. La directora interrumpe con frecuencia, pero sus correcciones no detienen el trabajo: lo afinan. A un actor le pide dejar el ego y escuchar desde el personaje. Al coro que representa el paso del Torotumbo por el pueblo le exige marcar las consonantes nasales, sostener el ritmo y no apresurar la marcha. Repiten el pasaje hasta encontrar la resonancia que se busca. Entonces, el sonido emerge grave y sostenido: “¡Torotummmmbo!”. Existe un concepto clave en toda la jornada de preparación: el “paseador”, mecanismo con el que cada
actor entra y sale del personaje sin cargar con el peso emocional de la escena. A través de él, el reparto transita por siete niveles de intensidad — desde el estado catatónico y neutro hasta la alerta máxima y la muerte escénica— y regresa al cuerpo neutro mediante el control de la respiración, antes de repetir la secuencia; es como quitarse el traje y devolver a la persona a la que se interpretó. Transcurren casi cuatro horas de práctica, y el ensayo se cierra en círculo: los actores se sientan en el piso, todavía con el sudor del trabajo encima, y conversan sobre lo vivido. Coyoy escucha dudas sobre giros de máscara y ritmos del coro, corrige, cede en algunos puntos y en otros es inamovible. Todos opinan por igual, tanto el recién egresado como el actor de veinte años de trayectoria. Cuando el diálogo se agota, llega la bandeja: café, pan dulce y bombones, sencilla y suculenta señal que cierra otra jornada de cara al estreno en octubre. Cada tarde, de lunes a viernes, el equipo de trabajo se concentra en el Teatro Nacional para pulir la corporalidad y repasar el montaje escena por escena. El tiempo se agota: el último ensayo será el 30 de septiembre, fecha que marcará la víspera del encuentro definitivo entre la leyenda y quienes vivirán de cerca la danza del Torotumbo.
La obra El cuento de Torotumbo se basa en la historia de Natividad Quintuche, una niña indígena y vulnerable que, de manera accidental, ingresa a la tienda de alquiler de disfraces de Estanislao Tamagás, quien ultraja y asesina a la menor dentro del negocio. Para ocultar el crimen, Tama-
Detrás de escena Nada de lo que ocurre en escena —disfraces rituales, el trance colectivo, la transición del cuerpo neutro a la figura mítica— sería posible sin el trabajo que ocurre fuera del área de ensayo. El diseño de vestuario corre por cuenta de la propia Emy Coyoy, y su realización está a cargo de Edgar Piyoc. La escenografía fue diseñada por Joam Solo y se construye en el taller del Centro Cultural Miguel Ángel Asturias, junto con el departamento técnico del recinto. A ellos se suman Sergio Valle en la música; Henry de Paz en videoescena, iluminación y dramaturgia; Giovanni Meléndez en producción, y Marcela Loaiza es asistente de prácticas.
gás se aprovecha de las creencias y supersticiones del pueblo y hace creer que la Natividad fue víctima del “Carne Cruda”, una figura mitológica que asocia con los disfraces de diablos que tiene a la venta. El hecho genera una reacción colectiva en la comunidad que, tras la ceremonia fúnebre de Natividad, hace aparecer el Torotumbo, una danza popular que despierta la participación de los vecinos hasta convertirla en un movimiento social que avanza, que suma y se refugia en las montañas. Los expertos aseguran que la cruel historia de esa niña, indígena, indefensa y vulnerable es una “alegoría de Guatemala”, pues la obra fue escrita tras el derrocamiento de Jacobo Árbenz Guzmán, en 1954, lo que puso fin a la década revolucionaria. La figura de Tamagás cobra los tintes perversos y criminales de quienes sometieron a la población desde el racismo y la discriminación, imponiendo un sistema autoritario y de miedo. Pero también representa la esperanza de un pueblo que se cansa de los abusos y comienza a marchar con el Torotumbo para recuperar su fuerza, identidad y sus raíces en lo alto, en la cumbre.
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el espacio adquiere otro ritmo. No necesita alzar la palabra: un gesto basta para que los intérpretes ocupen el piso y den inicio con el calentamiento.
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“Busco llevar su legado a escena” A
utodescrita como una apasionada por la obra de Miguel Ángel Asturias, Emy Coyoy asume la dirección escénica de Torotumbo. En esta entrevista habla sobre la disciplina de mover a más de 20 intérpretes y el compromiso de proyectar una Guatemala valiente.
¿Qué valor tiene representar a Asturias? Como ferviente devota del trabajo de Miguel Ángel Asturias he dedicado años a estudiar su obra desde diversas perspectivas e integrarla en los entrenamientos teatrales de los restos de Asturias, en la compañía Midas buscamos rendirle un homenaje simbólico desde el teatro. Tras haber adaptado El espejo de Lida Sal, hoy asumo la dirección de Torotumbo por invitación del Ministerio de Cultura, movida por la gratitud y el compromiso con su legado. ¿Es difícil la dirección con más de 20 actores en escena? Es mi primera vez al frente de un cuerpo actoral integrado por 21 personas en el escenario. Fue muy gratificante unificar a un equipo tan amplio y diverso, seleccionado por audición, bajo una misma sintonía técnica y metodológica. ¿Cuál espejo de Guatemala se le propone al espectador?
Mi objetivo es proyectar un pueblo valiente y grande para fortalecer la identidad. Reivindicar quiénes somos es fundamental: solo nos comprometemos con lo que sentimos propio. La identificación es el punto de partida para construir una cultura con rigor técnico, estético y ético.
Emy Coyoy Directora de Torotumbo
¿Cómo enfrenta el reto? Más allá del género, me parece relevante el análisis desde el cambio generacional. Reconozco el legado de los maestros y directores que mantuvieron el arte escénico en distintas épocas, pero también soy crítica de las deficiencias, la falta de tecnificación y los espacios mediocres que se heredaron. Es necesario un cambio en las ideas y en la forma de hacer teatro en Guatemala, abrir paso a nuevas propuestas y visiones metodológicas. ¿De qué manera se consignará el crédito de la dramaturgia? Según la investigación del dramaturgista Henry de Paz, la adaptación original de Torotumbo fue creada en París por Clément Harari y Miguel Ángel Asturias. Por ello, el texto traducido al español que llegó a Guatemala se acreditará oficialmente como traducción al español de Manuel José Arce.
Trayectoria
Egresada de la Escuela Nacional de Arte Dramático y licenciada en Arte Dramático, con maestrías en Teatro (Universidad de La Rioja, España) y Docencia Universitaria. Autora de La Fragmentación de Tito Ochoa, con 20 años de trayectoria como actriz y directora, especializada en entrenamiento actoral. Codirige la Compañía Artística Midas.
Personaje:
Ellos dan vida al mito El cuerpo actoral de Torotumbo fue integrado luego de cinco días de audiciones a los que acudieron 225 actores y actrices. Los seleccionados destacaron tras una evaluación que abarcó actuación, destreza corporal, manejo de voz y afinación, así como el ajuste exacto con los requerimientos de cada papel.
Personaje:
Tamagás
Herbert Ignacio Para él, este montaje es un emotivo regreso tras 12 años alejado de las tablas: “Ha sido un gran reto, pero me atrajo la admiración que siento por Emy; la considero una directora joven extraordinaria”. Sobre su personaje, admite su complejidad: “El verdadero protagonista debe ser la pieza, su contexto y la reflexión con la que el público se retire del teatro”.
Personaje:
Carne Cruda
Personaje:
Tizzonelli
Natayá
Mynor Barillas María Teresa Ponce Destaca el sentido del momento: esta producción llega a la par del retorno de los restos del Nobel a Guatemala. “Torotumbo habla de la celebración y el triunfo popular sobre la corrupción y la perversión. Es un recordatorio oportuno sobre la unión y la fuerza colectiva que habita en la sociedad guatemalteca”.
Vivió la audición como reto físico: “Probé si mi cuerpo aguantaba el ritmo y, a la semana, me eligieron entre más de 200 personas”. Sobre la escenificación, advirtió sin tapujos: “Los espectadores verán una puesta en escena con muchísima fuerza, marcada por el esperpento, cruda, sucia e incómoda”. Esa aspereza, reflexiona, refleja cómo, tras la caída de la Revolución en 1954, bastaba señalar a alguien de traidor para destruirlo, una lógica que “aún sigue vigente”.
Christopher Pérez Describió la producción como una reivindicación cultural: “Como artistas, la creación escénica nos permite explorar y elevar nuestra propia identidad”. Sin embargo, aclaró que la propuesta va más allá de la tragedia: “Torotumbo muestra pasajes crudos, pero plantea una pregunta distinta: sí, ha pasado todo esto, pero ¿qué más? La meta es que el público salga desafiado, no derrotado”.
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Personaje
Guatemala, viernes 4 de septeimbre de 2026
Alfredo Gálvez Suárez (1899–1946) Ilustración Sergio Espada
Destacado pintor, ilustrador y muralista, es considerado referente del arte moderno en el país por su obra narrativa, la representación de la identidad indígena y la historia nacional. Nació en Cobán, Alta Verapaz, y desde joven mostró su vocación artística . En 1923 estudió becado en México, donde entró en contacto con la corriente del muralismo mexicano a través de Diego Rivera y José Clemente Orozco. A Gálvez Suárez se le atribuye la introducción del muralismo en Guatemala. Entre sus obras destacadas están los murales del Palacio Nacional de la Cultura, donde plasmó pasajes sobre la historia, las raíces mayas y la conformación de la nacionalidad. También realizó exposiciones en el Museo de Arte de Baltimore, en Los Ángeles y en la Feria Mundial de Nueva York de 1940. Falleció el 14 de diciembre de 1946 en la capital, a los 47 años.
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Jóvenes talentos
Guatemala, viernes 4 de septiembre de 2026
A este joven actor le apasiona el teatro porque le permite sentirse libre y conocerse más a través de cada personaje que interpreta.
Teatro como profesión
es más que pasión
El actor Joaquín Mejía suma tres montajes y sigue los pasos de su padre en el escenario Texto: Pablo Cahuec
Fotos: Jesús Alfonso
C
on apenas 13 años, José Joaquín Mejía Méndez ya lleva más de la mitad de su vida ligado al teatro. Su acercamiento a las tablas no fue casual, ya que su padre, Héctor Mejía, también es actor. “Mi papá actúa en el teatro, con bastantes años de trayectoria, entonces yo siempre estuve como que metido
en ese entorno. Conforme fui creciendo, igual lo hizo el gusto de hacerlo yo también, de seguir sus pasos”. Con seis años de experiencia, ahora se prepara para el futuro. “Esta etapa es una preparación para lo que vendría siendo el diplomado, que ya es un curso más completo”, explicó. En sus clases recibe formación integral que incluye canto, jazz, modelaje, maquillaje, actuación, voz y dicción, así como expresión corporal, entre otros.
Camino recorrido
Su acercamiento en el escenario incluye tres obras: interpretó al protagonista de El Principito (2022), dio vida a Andrés en La dama del alba (2023) y este año encarnó al ratón gris en La ratita presumida. Todas sus presentaciones han tenido lugar en la ciudad, además de funciones en espacios como centros comerciales.
Según Mejía, este arte escénico es ante todo, un espacio de libertad y seguridad. “El teatro para mí es un escape del mundo real, es un lugar donde uno puede ser creativo, explorar y conocer distintas formas, ya sea en los personajes o en la danza. Uno puede ir poniéndose en diferentes pieles, puede ir experimentando”, describió con emoción. Aseguró que combinar los ensayos con el colegio no ha sido un obstáculo. “Cuando hay obras de teatro, los ensayos son entre semana y fin de semana, en las tardes más que nada. Y las tareas que nos dejan entre semana no repercuten de manera negativa en el colegio; no se tocan”, contó. Sobre su experiencia en la academia, agregó que es un lugar inclusivo y bonito, que lo hace sentir cómodo. El respaldo familiar ha sido clave en ese equilibrio. Su padre, dijo estár contento de verlo seguir ese camino, mientras su mamá lo acompaña con el mismo entusiasmo, apoyándolo incluso en la logística de los ensayos.
En 20 años se visualiza como un actor profesional aún apasionado.
Ficha
José Joaquín Mejía Méndez nació en la ciudad capital en 2013. Entre bambalinas y tardes de ensayo, teje, con pasión y sin prisas el mapa de lo que quiere ser. Comenzó a los 7 años y cursa el nivel de adolescentes en el Teatro Thriambos.
El porvenir
De cara al futuro, el joven actor mantiene los pies en la tierra. “Sinceramente lo miro más como un pasatiempo, pero uno serio”, afirmó, y en 20 años se proyecta “igual en el teatro, pero teniendo más experiencia, habiendo estado en más obras. Me veo más experimentado, más que nada”. Entre sus referentes no señala un personaje o actor específico, sino que reconoce la admiración por dos figuras cercanas: su padre y Luis Román, director de la academia donde se forma, a quienes admira como actor y persona. Si el teatro es, como él mismo dice, un escape del mundo real, ha encontrado en él un lugar a donde volver una y otra vez, y donde, poco a poco, sin anunciarlo, ya está construyendo su propio camino. De acuerdo con sus palabras: no busca todavía un nombre en las marquesinas ni un personaje que lo defina, pero por ahora le basta con seguir subiendo al escenario y dejar que cada obra le enseñe algo nuevo sobre sí mismo.
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Guatemala, viernes 4 de septiembre de 2026
Los altibajos del Réquiem
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rente a un numeroso público, el pasado jueves 13, en la Gran Sala del Teatro Nacional, se llevó a cabo un segundo concierto de la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala (OSNG), junto a los coros Nacional de Guatemala, Nacional de Personas con Discapacidad César Augusto Hernández, Lírico de Guatemala y Ad Aeternus, más los solistas Leslie González, soprano; Dulce Paíz, contralto; Pedro Solís, tenor, y Edgar Muñoz, bajo barítono. Todos, bajo la dirección de Martín Corleto. Esta vez, para trasladar el Requiem del italiano Giuseppe Verdi. La obra (con 38 años de no presentarse en Guatemala), se
compone de siete partes de diferente duración, y que en realidad se llama Misa de Réquiem que Verdi dedicó a su amigo Alessandro Manzoni. La obra de por sí posee cierta majestuosidad al requerir, por ejemplo, un coro masivo (de ahí la cantidad de grupos participantes), es decir, es una composición con el sello Verdi: operístico y dramático. La presentación tuvo sus altibajos. Fue grato escuchar a una orquesta más numerosa y robusta, que supo en varios pasajes atender las peticiones de su director. Matizar fue algo que la hizo más orgánica. Llevar esos momentos intensos hasta explosivos permitieron al oyente sentir esa magnífica
Salud Mental Leticia Eugenia Padilla
presencia sonora que buscaba su autor. Lo único que diría de esta OSNG es que sus trompetas trabajen más su sonido. El coro hizo su mejor esfuerzo para rivalizar con ese caudal sonoro que trazó la orquesta. Tuvo algunos desfaces de ritmo y melodía, igual en esa emoción energética, pero se comprende no solo por lo numeroso que era (124), sino porque casi nunca coinciden en proyectos juntos. Hay que decir que Verdi autorizó en su momento, emplear hasta 120 voces. En cuanto a los solistas, destacaron dos: González y Solís. Pero el volumen de la orquesta hizo que González tuviera que subir la nota y expresión, que tropezó por
un segundo. Los otros dos, Paíz y Muñoz, tendrán que buscar más ejercicio, en particular Muñoz. Le faltó fuerza, definición y dinámica. La próxima recomiendo un sonidista que esté más atento a los detalles tan evidentes en la mezcla. Al comienzo, esas intervenciones de autoridades para dar créditos y elogios advertían que la velada pintaría aburrida, pero en el balance final resulta que fue una noche como pocas, donde un concierto de casi 80 minutos resultó estimulante, creado para explorar y ficcionar una misa en términos originales y sorpresivos. A la larga, también es cierto que nadie clava todos los dardos en el centro de la diana.
El costo invisible del silencio
Detectar y cultivar la salud mental en organizaciones laborales, sean empresas o institucioes
E
n la conversación corporativa tradicional, la salud mental solía tratarse como un asunto estrictamente individual o un beneficio accesorio. Sin embargo, el panorama laboral exige un cambio de paradigma. Como sostiene el pensador británico James Routledge, la salud mental no es una debilidad que deba ocultarse en la puerta de entrada de la oficina, sino el ref lejo directo del diseño de la empresa: sus procesos, su liderazgo y su capacidad de empatía. El enfoque de Routledge desafía la visión reactiva que espera a que un trabajador colapse para ofrecerle ayuda. Para las instituciones y empresas del país, entender que la salud mental es el motor del rendimiento no es un acto de condescendencia, es una decisión estratégica inteligente.
Conocer el deterioro
El primer paso para intervenir es aprender a leer las señales tempranas dentro del entorno de trabajo: • Desconexión y aislamiento: empleados que solían ser participativos comienzan a replegarse, evitan interacciones informales o muestran una marcada apatía hacia las metas colectivas. • Aumento del presentismo: la persona cumple con su horario de forma rígida, pero su capacidad cognitiva, concentración y creatividad disminuyen drásticamente. • Cambios en el patrón de desempeño: errores no habituales, dificultad para tomar decisiones sencillas o retrasos constantes en entregas que antes manejaban con facilidad. • Irritabilidad o reactividad: cambios en el tono de comunicación, baja tolerancia a la frustración o respuestas defen-
sivas ante la retroalimentación.
Acciones prácticas
Promover un entorno saludable no requiere transformar la estructura de la empresa de la noche a la mañana, sino aplicar cambios concretos en la cultura diaria: 1. Fomentar la vulnerabilidad en el liderazgo: cuando los directivos y jefes de área hablan abiertamente sobre sus propios desafíos y la importancia del descanso, desestigmatizan el tema y dan permiso implícito a sus equipos para pedir ayuda. 2. Establecer límites claros de desconexión: respetar los horarios fuera de la jornada laboral y evitar el envío de mensajes o correos electrónicos en noches y fines de semana previene el agotamiento crónico ( burnout ). 3. Crear espacios de escucha sin juicio: implementar reuniones periódicas donde el objetivo no sea únicamente revi-
sar métricas, sino preguntar de forma genuina cómo se sienten los integrantes del equipo respecto a su carga de trabajo. 4. Promover la claridad de expectativas: la incertidumbre constante genera ansiedad. Definir con claridad los roles, las prioridades y lo que se espera de cada colaborador reduce el estrés innecesario. 5. Normalizar el uso de recursos de apoyo: difundir activamente los programas de asistencia al empleado, líneas de atención o alianzas con profesionales de la salud mental que la organización ponga a disposición. Las instituciones del siglo XXI no pueden prosperar con modelos de gestión del siglo pasado. Cuidar la salud mental de los empleados no representa un costo ni un lujo; es el indicador más honesto de la sostenibilidad y de éxito.
Columnas
JORGE SIERRA mondosonoro2003@yahoo.com.mx
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Guatemala, viernes 4 de septiembre de 2026
Quetzal tenango historia, Textos y foto: David Asturias
Fotorreportaje
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El Parque a Centro América, de Quetzaltenango, reúne historia y arquitectura; es uno de los principales espacios de encuentro en la cabecera departamental.
La arquitectura histórica de esta cabecera departamental se refleja en el museo, testigo del paso del tiempo y fuente inagotable de conocimiento.
n recorrido por Quetzaltenango permite al turismo nacional y extranjero conocer los atractivos del occidente. Se trata de uno de los departamentos llenos de tradición artística, literaria y donde se preservan las buenas costumbres y la cultura. En el marco de la plataforma ExploraGuate.gt , del Inguat, el Diario de Centro América destaca calles históricas, plazas y parques. El trayecto incluyó espacios que conservan parte de la identidad de la ciudad y el atractivo que el municipo de Salcajá ofrece. La visita al Museo de Historia Natural permite conocer colecciones zoológicas con ejemplares de más de 70 años y más de 300 piezas. También resguarda paneles de plantas medicinales, 1 mil 500 objetos prehispánicos, además de piezas del movimiento independentista del Sexto Estado (1838) y la Revolución de 1871, así como una colección numismática.
Guatemala, viernes 4 de septiembre de 2026
, cul tura y tradiciones
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La exposición museística reúne ejemplares de especies salvajes que habitaron hasta hace menos de 100 años en las montañas y representan la diversidad de la fauna silvestre.
En el inmueble se exhiben piezas arqueológicas, vestigios de antiguas municipo aledaño a Xelajú, recibe al viajero con un parque lleno culturas encontradas en los territoriosSalcajá, de occidente. de tradición y colorido. Los productos artesanales allí elaborados, el rompope y el caldo de frutas atraen el paladar del turista.
Fotorreportaje
Calles empedradas y fachadas coloridas del Centro Histórico de la Ciudad Altense conservan la esencia de una metrópoli, donde pasado y presente, conviven a cada paso.
¡Ecce Pericles! de Rafael Arévalo Martínez
¡YA DISPONIBLE EN TIPOGRAFÍA NACIONAL! Crónica valiosísima y detallada del gobierno –y caída– de Manuel Estrada Cabrera es ¡Ecce Pericles! La lectura de este libro también nos ofrece el testimonio de la resistencia y rebelión de los integrantes del Partido Unionista, que lo enfrentaron valientemente con ideas e imprentas (al decir de Rafael Arévalo Martínez, autor de ¡Ecce Pericles!) hasta obligar su retiro de la Presidencia muy a pesar del peligro que corrieron sus vidas. De ello da cuenta Julio Bianchi en el prólogo.
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