Masters of the Universe creado para contrarrestar los juguetes de Stars Wars
PÁGS. 5-7 29 DE MAYO DE 2026
Infografía Año
PÁGS. 8-9
Biografía Maestro Rubín Solórzano retoma sus figuras amorfas y andróginas
PÁG. 11
Presentación
Cine comunitario hecho por y para la gente
En la Revista Viernes No.
610 se presenta a los lectores un trabajo sobre el cine comunitario en Guatemala, en el que se plantea que este arte, más allá de la gran pantalla, es un proceso conjunto en el que personas, colectivos y agrupaciones indígenas, rurales y urbanas, crean sus propias historias audiovisuales.
Esta vertiente de la cinematografía, que comprende documentales y también historias cotidianas de vida, es una herramienta para preservar la identidad, documentar tradiciones locales y visibilizar realidades excluidas. Aunque el cine comercial llegó a Guatemala en 1896, el comunitario dio sus primeros pasos a finales del siglo pasado. Estas experiencias fueron impulsadas por pequeñas agencias de cooperación y esfuerzos individuales.
En la Guía de libros se presenta el título Antología de médicos insignes de Guatemala, de Horacio Figueroa, publicado por la Tipografía Nacional, en el que el autor dedica su investigación a exaltar y rescatar esas figuras que han escrito su nombre en los anales de la historia universal de la medicina.
Directorio
Director General: Edin Hernández
En las páginas 6 y 7 se ofrece la infografía MastersoftheUniverse, un mundo de heroísmo y aventura que fundó Mattel para contrarrestar en 1970 los juguetes de Star Wars y G.I .Joe, en la que se presentan cada una de las figuras de guerreros musculosos e instrumentos tecnológicos para niños, que han hecho historia por más de 50 años.
La Biografía es del maestro Rubín Solórzano, quien, tras una pausa para dedicarse a la docencia, regresa al caballete para continuar su estilo particular de figuras amorfas y andróginas que se complementan con la iconografía virtual y replantear la necesidad humana de plasmar su propia naturaleza, el dibujo anatómico.
El Personaje, lienzo de papel y tintas, destaca a Saúl Osorio Paz (19252002), economista, exrector de la Universidad de San Carlos y figura que aportó al país claves para el desarrollo, pero también símbolo de resistencia en los momentos más difíciles de la vigencia de la autonomía universitaria que resistió la afrenta de los enemigos de la ciencia, del arte y la cultura.
Además, se invita a consultar la columna, Salud mental en donde en esta ocasión se aborda cómo enfrentar la soledad cuando es un problema.
Subdirector técnico: Miguel González Moraga
Coordinación de Información: Mario Ramos
Editor: Hugo Sergio Del Águila
Redactores: Narcy Vásquez, Isa Enríquez y Pablo Cahuec
Diseño Gráfico: Juan Rene Chicoj
Diseño Portada: Tania López
Diagramación: Sulhema Pacheco y Diana Guerra
Corrección: Pedro Meda, Mynor Reyes, Servando Pineda y Amado Monzón
Digitalización: Freddy Pérez
Cartelera
Viernes 29 de mayo
La lectura de poesía ¡El Slam vive! Se celebrará en La Teca, ubicada en la 12 calle 6-25 “B” zona 1, a las 17:00 horas, con un concurso de poesía en formato competencia amistosa para festejar su XV aniversario. Ingreso libre.
Sábado 30
En el marco de la conmemoración del Día del Popol Wuj, se ofrece la conferencia La fauna del Popol Wuj con la antropóloga Lina Barrios. La actividad tendrá lugar a las 15:00 horas, en la librería Luis Cardoza y Aragón del Fondo de Cultura Económica, situada en la 11 calle 6-50, zona 1. Entrada gratuita.
Domingo 31
Las puertas del Parque de la Industria se abrirán a las 10:00 horas para dar la bienvenida al Kday Guatemala 2026. Los asistentes podrán sumergirse en una propuesta que combina stands temáticos, entretenimiento en vivo y múltiples experiencias interactivas.
Lunes 1
La exposición Lienzos que Trascienden II se expondrá en el Centro Cultural de España en La Antigua, con obras elaboradas por los residentes del Hogar Virgen del Socorro y del Albergue Hermano Pedro como fruto de sus clases de arte y pintura.
Martes 2
El Cine Ícaro invita a los amantes del séptimo arte a una función especial en Cinema Bistro Fontabella, a las 19:00 horas. En esta ocasión se proyectará el largometraje In the Fire, una producción dirigida por Conor Allyn cuya filmación se dividió entre los paisajes de Guatemala e Italia. El acceso es libre hasta llenar aforo.
Miércoles 3
Como parte del Festival de Junio 2026 se presenta en el Teatro de bolsillo, del Teatro Nacional, a las 18:00 horas, el libro Comiendo en Hungría, de Miguel Ángel Asturias y Pablo Neruda. La obra celebra la comida y la amistad entre dos escritores latinoamericanos exiliados en Europa en los años sesenta. Actividad sin costo.
Jueves 4
Las actividades de la Feria Internacional del Libro enXela(Filxela) inician a las 10:00 horas con el acto de inauguración y continúan a las 17:00 horas en el Parque Intercultural de Quetzaltenango con la presentación de Llovía, la más reciente obra de Denise Phé-Funchal; ambos eventos son de acceso libre.
Aportes guatemaltecos a la medicina universal
Guatemala ha sido testigo de un sinfín de médicos que han inscrito su nombre con letras de oro en los anales de la historia; sin embargo, pocos de ellos reciben el reconocimiento merecido. Ante eso, el doctor Horacio Figueroa Marroquín dedicó su obra a exaltar y rescatar estas figuras.
Su AntologíadeMédicosInsignesdeGuatemala, publicada por los talleres de la Tipografía Nacional, recoge biografías de galenos que honraron a la Universidad de San Carlos y cuya contribución a la ciencia universal merece ser conocida más allá de estas fronteras. Entre ellos destacan Manuel Ávalos y Porras, por la primera demostración práctica del flujo sanguíneo en América; Rodolfo Robles, descubridor de la Oncocercosis americana; Víctor Calderón, quien identificó las Onchocerca volvulus en mosquitos transmisores antes que investigadores europeos; José Luna, a quien se debe la primera anestesia general aplicada en Guatemala y en toda Hispanoamérica.
La obra tiene una misión clara: llevar por el continente y Europa el reconocimiento a quienes, desde Guatemala, aportaron a la medicina universal. Un libro indispensable para comprender la historia científica del país. • Pablo Cahuec
Este municipio a las orillas de su lago raramente protagoniza la literatura nacional. En Elladróndepoesíayotrosrelatos, publicado por editorial Cholsamaj, Oscar Gómez-Barrios lo convierte en territorio literario donde lo cotidiano, como el ritmo del agua, el trajín de las calles, la quietud de los puentes, esconde misterio, memoria y crítica social que estallan en diez relatos.
Estos grandes temas emergen del detalle preciso, del personaje sorprendido en su propia contradicción. Gómez-Barrios sabe cuándo describir y cuándo callar, cuándo la imagen vale más que la explicación.
Aquí, el realismo mágico convive con la denuncia social; el humor convierte en farsa situaciones que rozarían lo trágico. Lo que los une es un lenguaje coloquial, auténtico, pegado al habla viva de sus personajes, un espejo íntimo de un lugar y radiografía de las contradicciones humanas que trascienden cualquier geografía.
Entre el amor y la literatura
Mario Alberto Carrera narra en La EscritorayMartel la historia de dos amantes cuyo mundo profesional y literario se tensiona constantemente con las exigencias de la vida cotidiana. Entre la pasión y el resentimiento, él la evoca con una mezcla de nostalgia y rencor, para recordar los enfrentamientos tan dolorosos como brillantes que marcaron su relación. Es en el Cementerio General de Guatemala donde Martel regresa, una y otra vez, a dialogar con la ausencia. Frente a la tumba de ella, su mente convoca figuras de las letras nacionales y círculos familiares que los rodearon, en una reflexión donde la muerte no clausura el amor, sino que lo prolonga. Carrera, Premio Nacional de Literatura Miguel Ángel Asturias, despliega una prosa intensa y lúcida que explora el dolor y la condición humana desgarrada. Publicada por Editorial Cultura es una novela mayor e inolvidable.
La comunitariaunión y el bien al otro
QueganeElPerdido, escrito por Walter Binder e ilustrado por Eva Mastrogiulio, presenta a don Osvaldo, quien vive en el pequeño y olvidado pueblo de El Perdido. Él es un jubilado que pasa sus días pensando cómo alegrar a sus vecinos.
Un día, inspirado por la conversación de unos niños sobre el juego del amigo invisible, inicia un pequeño cambio que logrará transformar la vida de todos. Una carretilla llena de plantines y un poco de desobediencia serán el puntapié para una fiesta colectiva. Un libro de literatura infantil disponible en las estanterías del Fondo de Cultura Económica de Guatemala, recomendado para lectores mayores de 4 años en adelante, despertará su curiosidad y capacidad lectora.
La Guía de libros
Guatemala, viernes 29 de mayo de 2026
Un Poeta: el maldito arte de perder siempre
dentro de la versión idealizada que tiene de sí mismo.
La Guía de cine
Soy un poeta”, grita el hombre cuarentón. “Lo que es usted es un desempleado”, le responde su hermana, cansada de que su madre siga manteniendo al autonombrado artista de las palabras. Ese es el tono , filme del director colombiano Simón Mesa Soto. No es una película sobre poesía, o al menos no únicamente. Es sobre las personas que soñaron con ser alguien importante y terminaron viviendo entre libros viejos, bares baratos y recuerdos que pesan más que el La cinta sigue a Óscar Restrepo (Ubeimar Ríos), un poeta frustrado que nunca convierte el fracaso en algo heroico. No es un genio incomprendido al estilo romántico. Es un hombre cansado, derrotado y atrapado
Medellín (Colombia) aparece en el filme como una ciudad gris, húmeda y emocionalmente agotada. Pero lo interesante es que, si a la película le cambiaran el acento colombiano por uno guatemalteco, fácilmente podría confundirse con una historia hecha en Guatemala. Los barrios, la precariedad, los artistas sobreviviendo entre trabajos temporales y el desencanto cotidiano son muy familiares.
Quizá por eso una de las partes más incómodas de la película es su crítica al mundo del arte. Durante mi carrera como periodista cultural conocí artistas increíblemente brillantes. Personas creativas, impactantes y llenas de ideas. Pero muchas veces, después de entrevistarlos en festivales o presentaciones, los encontraba en bares, con los ojos torcidos, preguntando si alguien podía invitarlos a una cerveza más porque no tenían
un centavo. Y entonces surge la pregunta inevitable: ¿Cuántos talentos terminan consumidos ya sea por la falta de capacidad o por la escasez de oportunidades que existe en muchos países latinoamericanos?
Un Poeta, ganadora del Premio Especial del Jurado “Un certain regard” en el Festival Internacional de Cine de Cannes de 2025, y que puedes ver en HBO/ Max, deja una sensación extraña al terminar. No busca inspirar ni ofrecer respuestas cómodas. Más bien obliga a mirar de frente a esos artistas olvidados que sobreviven en las esquinas culturales de nuestras ciudades. Tal vez por eso la cintaduele tanto. Porque en algún momento todos hemos conocido a alguien como Óscar. O peor todavía, porque existe la posibilidad de que un día nosotros también terminemos pareciéndonos un poco a él.
DAVID LEPE lepedavid@yahoo.com
Cine
Backrooms
Ya se proyecta en las salas de cine Backrooms, la nueva apuesta de A24, que parece salida directamente de las pesadillas digitales de nuestra generación. Más que monstruos, la película explora el miedo a los espacios vacíos, repetitivos y sin salida. El cineasta Kane Parsons entendió algo inquietante: Internet ya no le teme a lo desconocido, sino a sentirse atrapado en lugares que se parecen demasiado a nuestra rutina diaria.
Documental
Marty, la vida es corta, de Netflix, es mucho más que un documental sobre el actor y comediante Martin Short. Es una carta de amor a la comedia como mecanismo de supervivencia. Entre archivos familiares, pérdidas dolorosas y recuerdos luminosos, el largometraje demuestra que algunas personas hacen reír porque entienden demasiado bien la tristeza. Y quizá por eso el documental deja algo raro: ganas de llamar a quienes todavía siguen aquí.
Colectivos indígenas, rurales y urbanos han encontrado en el audiovisual una herramienta para narrar historias, preservar identidad y visibilizar realidades
Cientos de jóvenes han sido capacitadas por el grupo Soberanía Nacional, que aporta conocimientos para manejar equipos.
Central Cine que nace desde la comunidad y para ella
Texto: Pablo Cahuec Fotos: Colectiva Lemow
En la cancha, escuela o bajo el techo del salón comunal de la aldea, una pantalla improvisada comienza a iluminar la noche. Las imágenes no vienen de Hollywood ni productores, en cambio, muestran rostros conocidos, idiomas que se pueden entender, historias locales y conflictos que rara vez aparecen en el cine comercial.
Detrás de la cámara tampoco hay cineastas, sino jóvenes, líderes comunitarios, mujeres o colectivos que han encontrado una herramienta para narrar sus vidas y sentimientos. El cine comunitario ha crecido en distintos territorios de América Latina como una forma de memoria, expresión e identidad cultural. Más que una corriente cinematográfica, se trata de un proceso colectivo en el que las comunidades participan en la creación de sus propias historias, desde la grabación hasta las proyecciones.
Durante décadas, comunidades indígenas, rurales, garífunas y xinkas han permanecido invisibles en los medios de comunicación hegemónicos. Sus idiomas, tradiciones y realidades rara vez aparecen en pantalla. Cuando lo hacen, son contadas por otros. El cine comunitario nace como respuesta a esa ausencia, ya que en Guatemala se ha convertido en una forma de recuperar la voz propia y visibilizar lo que las estructuras culturales dominantes históricamente ignoraron.
Rodaje del documental Hilar de las venas, realizado en Santa Catarina Ixtahuacán, y otras locaciones en Santa Clara la Laguna, Sololá.
Central
Empoderamiento
El cine comunitario le ofrece a la sociedad la posibilidad de verse a través de los ojos de otros sectores, grupos y actores sociales que muchas veces permanecen invisibles en los medios de comunicación, sostuvo Sergio Valdés, catedrático de Casa Comal y director de cine comunitario. Concede autenticidad, honestidad y la voluntad de dialogar.
A los colectivos que lo practican les aporta un recurso para recobrar la certeza de sus derechos, recuperar la seguridad en el placer de vivir su propia vida y para heredar al resto de la sociedad la imagen de sus sueños, alegrías y tristezas. “Un pueblo que no tiene una imagen propia es un pueblo incompleto”, dijo Valdés. Al seguir con esta idea, Verónica Sacalxot, integrante de Colectiva Lemow (agrupación de siete mujeres indígenas que desde 2013 se dedica a la creación y documentación audiovisual, así como de otras expresiones artísticas), comentó que el cine comunitario es “una respuesta a la centralización y a la necesidad de hacer valer su derecho a la comunicación y la recreación que tienen no solo los pueblos indígenas, sino también los xinkas, garífunas y población mestiza que carece de
Es un proceso de empoderamiento a
través de la imagen”.
Noé Valladares
Cineasta y fundador de la Escuela de Cine Comunitario
acceso a estas expresiones artísticas”, pero que contribuye a la salud mental y al bienestar personal de todos los involucrados.
Noé Valladares, cineasta y fundador de la Escuela de Cine Comunitario que opera en Guatemala, El Salvador y Nicaragua, enfatizó en que el cine comunitario permite a las personas entender mejor su propia realidad, sobre todo, aquellas que viven con la sensación de estar apartadas u olvidadas, enfocadas en lo que les falta, mientras que esta rama propone lo contrario: “Mostrar lo que sí tienen, lo valioso de su vida cotidiana, mezcla los medios comunitarios con elementos artísticos. Es un proceso de empoderamiento a través de la imagen”.
Valdés aclaró que es difícil señalar un producto de esta índole
Escenas
para que comunidades y jóvenes transformen sus realidades en arte.
como el más importante en el país. Su valor se mide más a nivel comunitario. Aún así, existen algunos de mayor embergadura efectuados por la Asociación Luciérnaga Guatemala, ellos “hicieron o impulsaron producciones comunitarias de mucha aceptación”, sostuvo.
Para Andrea Ixchiú, cineasta comunitaria, es importante separar las audiencias entre las internas y externas a la comunidad, las respuestas serán distintas. “El impacto no solo se mide en términos de concientización, pero también en qué tanto contribuye a sostener la organización comunitaria”, opinó.
La ganadora de Cannes destacó que es un valuarte en contra del abuso de la inteligencia artificial y el contenido sintético. Protege la producción de conocimiento en tiempos, lugares, personas y comunidades diferentes. “Defiende la milpa narrativa contra el monocultivo narrativo”, enfatizó.
Origen en el continente
En Latinoamérica esta concepción del cine tiene antecedentes en Colombia. Como señaló Valdés, en ese país se involucraron movimientos campesinos, donde documentalistas se acercaron al pueblo y con “una actitud democrática, le cedían la cámara y el micrófono a los protagonistas para que filmaran sus propias acciones”, explicó.
Valdés apuntó que en Guatemala las experiencias pioneras fueron impulsadas por pequeñas agencias de cooperación independiente. Horizon 3000, de origen suizo, organizó con el Círculo de Género la producción de una serie de cuatro documentales titulada En estas vidas está la mía, en el año 2000.
Se trabajó con cuatro grupos de mujeres de distintas identidades culturales en Sololá, Chinautla, Guatemala y otras regiones. Los talleres abordaron cómo narrar experiencias de vida, cómo traducirlas al lenguaje audiovisual, hacer un guion y construir historias cinematográficas.
También se registró una experiencia previa en San Juan Comalapa, Chimaltenango, donde con apoyo de Agencia Vasca de Cooperación y Solidaridad, del País Vasco (una comunidad autónoma de norte de España), se montaron talleres de teatro y expresión sonora con mujeres.
Contexto nacional
Valdés consideró que en Guatemala sí se hace cine comunitario, aunque no siempre bajo ese nombre. Algunos colectivos vinculados a festivales de carácter humanista, programas católicos de pastorales sociales y grupos independientes están intentando filmar historias.
Comentó que existen organizaciones de jóvenes y mujeres; uno de ellos es el Comité Campesino del Altiplano, que cuenta con canales audiovisuales y plataformas donde producen pequeños documentales que pueden inscribirse dentro del cine comunitario. Estos trabajos implican pensar en cine, escribir, estructurar una historia, definir roles, filmar y editar con cierta dirección y plan.
Para Sacalxot, en Guatemala se ha hecho cine a partir de necesidades concretas, una de ellas es la comunicación, para que la gente vea el trabajo que se hace una comunidad, o simplemente como una manera de expresarse. Señaló que es una gran herramienta de defensa de los derechos humanos y reivindicación de las poblaciones olvidadas por la centralización de las entidades gubernamentales y culturales.
Expresó que desde los pueblos se han hecho esfuerzos con líderes comunitarios y religiosos, maestros y alumnos que promueven muestras de cine y talleres, “lo que habla de la necesidad existente en todas las poblaciones de tener ese derecho a narrar”. Sin embargo, afirmó que siempre hace falta apoyo, ante todo financiero, para poder llevar a cabo estas producciones. “En muchos casos este ha venido principalmente del extranjero y de la misma comunidad”, comentó.
Un pueblo que no tiene imagen propia es un pueblo incompleto”.
Sergio Valdés Pedroni Director de cine
montadas con Stop Motion, una herramienta autogestiva, accesible y de bajo presupuesto
Texto:
Una carpa y pantalla son suficientes para que las personas formen parte del arte comunitario.
Por otro lado, dedicarse a la comunicación comunitaria como herramienta de denuncia en Guatemala puede resultar comprometedor. En la experiencia de Ixchiú, se levantó una persecucción política en su contra, de su hermana y su cuñado por parte de la anterior administración del Ministerio Público por documentar el despojo de tierras y bosques en el gobierno de Alejandro Giammattei. “Puede incluso llegar a costarte tu vida, tu libertad, salir de tu país”, afirmó. Ahora radica en México y su hermana, Lucía Ixchiú, en España.
Dimensión comunitaria
Es un campo bastante flexible que depende de las experiencias que capture. Valdés considera que tiene lazos con el cine documental y es, en sí mismo, la apropiación de este lenguaje por parte de comunidades, rurales o
principalmente en México y los países del sur”, explicó.
Esta forma de arte ha sido, en su mayoría, producido por grupos de hombres, mujeres, mixtos o de jóvenes, como una manera de traducir su cotidianidad. Se produce en función de su contexto y del público al que será expuesto. “Se estrena en la comunidad, se exhibe en ella y se discute en espacios públicos”, agregó Valdés.
Muestra no solo las problemáticas de los jóvenes, pero también sus sueños, aspiraciones y partes positivas de su vida, argumentó Noé Valladares, y agregó: “Lo primero es presentarlo a la gente que se involucró, porque ha dado los materiales e insumos y tiene el derecho de verse a sí misma”.
Ixchiú describe que es una experiencia que nunca termina
a menos que “deje de servirle a la comunidad para pensarse y defenderse”, recordó que es un proceso que amerita humildad al aceptar que no es el individuo quien tiene la última palabra, si no el colectivo.
Características
Como su nombre lo indica, implica una toma de conciencia por parte de la comunidad, nace de un impulso dentro de ella que la lleva a abrazar la cámara o el micrófono y así reflejar su propia realidad. “La idea no es hacer un video para festivales, sino uno que sirva inmediatamente. Si después se manda, esa es una segunda parte, pero no el objetivo principal”, subrayó Valladares.
En cuanto a los géneros, Valdés explicó que se mezcla el documental con la puesta en escena. No sigue esquemas rígidos, sino la apropiación del lenguaje cinematográfico y su uso creativo.
Puede ser de cortometraje o de largometraje, lo cual define el tiempo de realización desde 10 días a un mes para los primeros a uno o dos años para las segundas, igual depende de la organización de las personas y el financiamiento.
Sus historias parten de testimonios reales que a veces son recreados por otros miembros de la comunidad. “Lo fundamental no es quién es el director, sino las metáforas que transmite,
Muestra de documentales organizada por cineastas de Sololá y otros lugares.
como imágenes, diálogos, conflictos, sueños que se vuelven anónimos en la memoria y en el imaginario colectivo”, afirmó.
A pesar de ser de y para la comunidad, existe el espacio de los mediadores. Cineastas o documentalistas, que ayudan al grupo interesado en concretar el proceso, prestan una guía o asesoramiento, pero no son el principal sujeto. “La condición esencial es que lo fundamental del proceso esté en manos de la comunidad”, aseveró Valdés.
Su fuerza
Las historias que proyecta no tienen presupuestos millonarios ni distribución en salas comerciales, tienen algo que pocas películas logran, el devolver el sentido de lucha, dignidad e identidad a personas que les hicieron creer no tener el poder de crear o moldear sus destinos.
Detrás de cada video hay alguien a quien le dijeron, de mil formas que su mundo no era suficientemente interesante. Les da la respuesta más poderosa posible con una imagen propia, en su idioma, con su pueblo, para ellos.
En eso radica la fuerza del cine comunitario en Guatemala, no en los premios que pueda ganar, sino en la transformación silenciosa que ocurre cuando una comunidad se mira a sí misma y decide que su historia vale la pena ser contada y conservada.
Este cine nace a partir de necesidades de comunicación, que la gente vea el trabajo que se hace en una comunidad”.
Verónica Sacalxot Colectiva Lemow
Este universo de heroísmo, epicidad y aventura no nació como caricatura ni como historia, sino como una estrategia comercial de Mattel para competir contra los juguetes de Star Wars y G.I. Joe.
Fuente: Elaboración propia Infografía: Marco Flores
A finales de los años 70, Mattel había perdido la licencia de Star Wars frente a Kenner. La empresa necesitaba urgentemente una línea de acción para niños.
Mattel evaluó adaptar Conan el Bárbaro, la película de Arnold Schwarzenegger, pero rechazó la licencia por su violencia y tono adulto. Mattel quería algo épico, bárbaro, poderoso, pero apto para niños.
He-Man nació como respuesta infantil a Conan, fusiona fantasía heroica y ciencia ficción para crear una de las líneas de juguetes más exitosas de la historia.
La línea de juguetes fue creada en 1981, siendo Roger Sweet, el diseñador de juguetes, quien conceptualizó a He-Man
Juguetes que marcaron generaciones
Entonces, comenzaron a experimentar con guerreros musculosos, armas, monstruos, elementos tecnológicos y mágicos.
Mark Taylor es responsable del diseño visual de He-Man, del concepto y diseño de Skeletor y el mundo de Eternia
Figuras como Big Jim o G.I. Joe, de 12 pulgadas, lideraban el mercado; y luego Star Wars lo hizo con figuras pequeñas de 4 pulgadas. La idea de Mattel era que sus figuras se vieran fuertes e imponentes a la par de las de la competencia, por eso las hicieron pulgada y media más grandes que las de Star Wars y G.I. Joe y con cuerpos fisicoculturistas, para que las otras se vieran débiles.
Las figuras originales selladas de He-Man y Skeletor de 1982 pueden superar hoy los USD $1,500, convirtiéndose en algunas de las piezas más valiosas.
A inicio de los 90 se estrenó una
una
diseño
La serie animada tuvo bastante aceptación en nuestro país, tanto que se vendieron varios promocionales como el álbum de Panini y las figuritas con el coleccionador de Pepsi, muy cotizados por coleccionistas actualmente.
Como la línea de juguetes era desconocida, se incluyó un cómic en cada personaje para alimentar la historia y que los niños se familiarizaran con ellos.
Los juguetes en nuestro país rondaban entre los Q9.50 a Q10 por figura y el Castillo Grayskull, el playset de la línea, entre Q65 y Q80, a mediados de los años 80.
Imagen de la cuenta de Facebook: I Love the 80’s
En 2021 fue lanzada la línea Masterverse, con 7 pulgadas.
En 2008 la linea Classics, de 6 pulgadas, fusionó diseños de las figuras vintage con proporciones más realistas.
Para 2019 Mattel lanzó una línea basada en los moldes de los 80, totalmente articuladas, incluyendo figuras que no se habían hecho.
2026 la nueva película trae una nueva línea de figuras de acción.
Más de 100 millones de figurasvendidas en todo el mundo
nueva serie: The New Adventures of He-Man, que introdujo
nueva linea de juguetes.
Al inicio de los 2000, una nueva serie vino con la línea de juguetes con un
más moderno.
Guatemala, viernes 29 de mayo de 2026
De la televisión a la cultura pop
Masters of the Universe The New Adventures of He-Man
En 1983 Filmation lanza la serie que llevaría al éxito internacional a la línea y sentaría las bases de la historia más conocida de los personajes,
Masters of the Universe 200X
Netflix: Masters of the Universe
Masters of the Universe: Revelation Masters of the Universe: Revolution
En 1990 se trató de revitalizar la línea para competir con Las Tortugas Ninja y Power Rangers, volviendo los personajes más futuristas y alejados a la estética bárbara.
Fue el gran relanzamiento de He-Man en los años 2000. La serie reinterpretó el universo clásico con un tono más épico y oscuro.
Muchos fans la consideran la versión definitiva de He-Man
En el cine
En 2021 Netflix lanzó una nueva versión animada en CGI, dirigida a una audiencia infantil y juvenil moderna. La serie reinventó el universo clásico con diseños estilizados, animación 3D y más juvenil.
En 1987 se produjo la película live-action protagonizada por Dolph Lundgren, que no tuvo buena recepción, pero con el tiempo se convirtió en clásico de culto para los fanes.
Tambien en 2021 fue la secuela directa de la serie clásica de 1983. Buscó continuar la historia original con tono más maduro y cinematográfico.
En 2024 continuó la historia de Revelation con un He-Man más protagonista y Eternia dominada por magia y tecnología, en una de las versiones más oscuras de la saga.
En 2026
39 años después de la primera adaptación en el cine, vuelve a la pantalla grande una nueva película que introduce a los personajes clásicos a una nueva generación.
Jared Leto Skeletor
Hafþór Júlíus Björnsson Goat Man
Morena Baccarin Sorceress
Battle Cat
Kristen Wiig (voz) Roboto
James Wilkinson Mekaneck
James Purefoy Rey Randor
Jóhannes Jóhannesson Fisto
Charlotte Riley Reina Marlena
Jon Xue Zhang Ram-Man
Camila Mendes Teela
Alison Brie Evil-Lyn
Kojo Attah Tri-Klops
Gary Martin (voz) Beast Man
Sam C. Wilson Trap Jaw
James Apps Spikor
Idris Elba Man-AtArms
Nicholas Galitzine He-Man / Príncipe Adam
Personaje
Saúl Osorio Paz (1925-2002)
Ilustración: Sergio Espada Textos: Isabel Enríquez Economista, académico y �igura clave de la vida universitaria guatemalteca durante uno de los períodos de más violencia política en el país. Nacido en Ipala, Chiquimula en 1925, dirigió la Escuela de Ciencias Económicas de Occidente, fue decano de la Facultad de Ciencias Económicas y más tarde rector de la Universidad de San Carlos, entre 1978 y 1980. Su gestión coincidió con una de las épocas más duras de represión política contra estudiantes, docentes y sectores sociales organizados en Guatemala. Vinculado a corrientes de izquierda, defendió el papel crítico de la universidad estatal frente a las violaciones a los derechos humanos. Tras recibir amenazas de muerte y ante el riesgo constante, continuó ejerciendo el cargo desde el exilio en México y Costa Rica. También destacó como investigador y autor de estudios sobre economía y desarrollo en Centroamérica, así como en la Universidad Nacional Autónoma de México.
Más información disponible en este QR
Guatemala, viernes 29 de mayo de 2026
Maestro del trazo reactiva sus pinceladas talentosas
Tras 20 años consagrado en las aulas, Rubín Solórzano retoma el oficio para reivindicar la imperfección de las líneas humanas ante la frialdad digital
Texto: Narcy Vásquez
Foto: Manuel Del Cid
Através de una estética austera y una paleta libre de artificios, Rubín Solórzano desentraña la vanidad de la urbe contemporánea; puebla sus lienzos con criaturas amorfas y andróginas que dialogan con la iconografía virtual. Tras 20 años de un repliegue fértil en la enseñanza, regresa al caballete, guiado por la convicción inamovi ble: la imperfección del trazo donde late, genuina, la esencia humana. Su historia es la de una gene ración que se formó con rigor aca démico y encontró en el dibujo su lenguaje. Ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas Rafael Rodríguez Padilla (ENAP) en 1984, institución que hasta los años 90 ostentaba el monopolio de pro veer ilustradores a las agencias de publicidad antes de la masificación del diseño digital.
Para Solórzano, la publicidad, lejos de ser un destino perverso o comercial, funcionó como exten
Trayectoria
Rubín Solórzano (1965), artista visual formado en la ENAP y la Universidad de San Carlos, con trayectoria que conjuga docencia, publicidad y artes plásticas. Ha impartido cátedra en la Universidad Rafael Landívar, la Universidad InterNaciones y la Escuela Municipal de Pintura. Se ha especializado en figura humana y dibujo anatómico.
Su obra explora la relación entre la línea y cuerpo; ha tenido exposiciones personales como Viator, Línea Vector (de) formación, Museo Nacional de Arte Moderno Carlos Mérida, la Galería Marco Augusto Quiroa y el Centro Cultural Metropolitano, entre otros.
sión del aprendizaje: “Hay que dibujar y aplicar color todos los días, es una de las mejores escuelas. Fue una experiencia dura, pero buena”, evocó, quien compartió ese origen con grandes referentes de la plástica nacional, entre ellos Erwin Guillermo y Moisés Barrios.
Nuevo rostro urbano
A finales de los 90, tras pasar por el área de infografía de Prensa
Resistencia ante la IA Tras su pausa artística, Solórzano recién presentó su tercer libro Dibujodelafigurahumana, proyecto personal de 6 años y 196 páginas que complementa sus volúmenes previos sobre perspectiva y retrato. El manual, disponible en librería Sophos, está estructurado didácticamente desde el movimiento inicial hasta la complejidad ósea y muscular.
es firme: “No la utilicé. Creo en la imperfección humana, es parte de lo hermoso. Si llegamos a la perfección, no tenemos nada que hacer. Con tanta perfección, regresaremos a lo básico”, aseveró. El horizonte cercano del creador no es el reposo. Entre sus proyectos inmediatos destaca la descentralización de sus textos didácticos para llevar esta trilogía a todo el país con demostraciones
Biografía
Entrevista
Trazos femeninos que conquistan los muros
Entre herencia familiar y desafíos del arte urbano, Renata Faggioly interviene espacios con figuras imponentes
Texto: Narcy Vásquez
Fotos: Carlos Caljú
Cambiar la piel de la ciudad exige tanto oficio como audacia, virtudes que confluyen en la propuesta de Renata Faggioly. Formada con el rigor del lienzo tradicional y bendecida por el grande de la pintura, el maestro Maugdo Vásquez, esta artista multidisciplinaria prefirió mudar su talento a las calles. Hoy, su firma es sinónimo de un muralismo de gran formato. Su trabajo plasma una singular estética vintage, inspirada en la moda y el garbo de las décadas de 1950 y 1960, con la que rinde homenaje a su madre y abuela.
A través de los murales, pinta mujeres imponentes, seguras e inde-
cómo la maternidad le impregna su creatividad.
¿Qué la impulsó a saltar del lienzo a las calles?
Comencé estudiando diseño gráfico en Quetzaltenango y, en una tarea de pintura, mi maestra notó mi facilidad y me animó a seguir adelante. Al investigar en internet descubrí a la artista francesa Vanessa Alice, conocida como Miss Van, quien pintaba en las calles figuras femeninas con pincel; verla me inspiró a decir: “Yo quiero ser como ella. Más tarde me formé en la Universidad de San Carlos de Guatemala, donde afiancé las bases del dibujo profesional”.
¿Cómo ha sido su
logré ganarme un lugar de respeto.
¿Qué busca transmitir con el vintage?
Busco evocar la fuerza de mi madre y mi abuela, quienes
Sus manos y herramientas dan vida a murales y piezas únicas.
mato quiero que las niñas que transitan por las avenidas vean mujeres imponentes y seguras.
Me inspira lo artesanal de aquella época y la creatividad con la que las ellas enfrentaban la escasez. Lo contrasto con colores vibrantes y elementos de la naturaleza para transformar espacios oscuros o abandonados en lugares llenos de vida.
Premiada
Renata Faggioly (Guatemala, 1987) es una artista multidisciplinaria y licenciada en artes visuales por la USAC que fusiona la pintura, el diseño y el muralismo de gran formato. Su obra, exhibida internacionalmente, es de inspiración natural y una estética vintage que reivindica la feminidad. Es integrante del colectivo Niñas Furia y galardonada por la Fundación Rozas-Botrán. Ha dejado su huella en los muros de Guatemala, Xela y Canadá.
La recreación de los rostros de mujeres forma parte de sus motivos al plasmar la obra en grandes formatos.
JORGE SIERRA mondosonoro2003@yahoo.com.mx
El
Aguamarina de Zarat
Diego Zarat es un joven cantautor de 29 años. Lo conocí hace 10 años, es decir, cuando tenía 19 años y cantaba con su hermana en el dúo Claroscuro. Para entonces ya llevaba tres años interpretando. Por cierto, grabaron el disco Avionesdepapel, que incluía canciones propias cubiertas de calidez y ternura. Pues bien, diez años después, Zarat vuelve con su primer trabajo en solitario: Aguamarina Aquí no se acompaña de nadie más que de su guitarra, de la dulce y cálida voz que posee, y de unas letras poéticas como: “¡Qué celaje garzo y denso! / Un despojo del dolor/ más cruel e intenso/ nos envuelve al despertar/ del otro lado, bajo el halo equivocado/ sin mirar tus soles de alazán”. Y en esa línea desgrana 13 canciones, entre ellas, La pequeña defensa del trovador, Canción sin nombre para un país, Laconcubinaroja,Mimosh,Canciónperdida,Alatardecer, Un torpe rey, Retrato de niña celeste dormida, Lo que hizo un niño ayer por la tarde, A mi madre, Aguamarina y dos canciones más como bonus tracks.
Como buen cantautor, Zarat escribe sobre las cosas idas, la cotidianeidad, con la capacidad de contar lo grande a través de lo pequeño, de las dulces fuerzas que aún alienta la madre ausente, confesiones de fragilidad y, por supuesto, sobre esos sueños que se acarician una y otra vez, con la certidumbre de que tarde o temprano se cumplirán. Obviamente, al unísono, pone en marcha la máquina de crear metáforas.
Y es que, en su escritura, Zarat tiene esa sensibilidad y esa percepción desarrollada y tal vez perfeccionada después de escribir casi un centenar de canciones. Por lo mismo, no importa que, esta vez, nos entregue solo un poco más de una docena, porque al final estas son producto de un desarrollo inesperado y casi maravilloso de escribir hasta alcanzar cierta altura. Hay ingenio aplicado a la música.
Zarat es una joven promesa. Tenga seguro que al escuchar Aguamarina notará que interpreta con un aire agradable, relajado, con armonías diferentes, melodías adorables y un nivel de autenticidad fácil de detectar.
Estamos frente a un representante de la nueva generación de cantautores guatemaltecos que poseen una madurez y un sentido estético envidiable, que incluso no tuvieron generaciones anteriores. Si hay que reprocharle algo a este disco, es la austeridad en los arreglos. ¿Qué tal en el futuro su voz cubierta de una sección de cuerdas, guitarra y una pequeña percusión?
GUILLERMO MONSANTO
dgmonsanto@yahoo.es
Mérida eterno
Las últimas semanas ha habido varios eventos que han marcado el primer semestre del 2026. Exposiciones conmemorativas como el 38 aniversario de galería El Attico; la reapertura de la sala nacional Enrique Acuña Orantes, con el festejo de los 50 años de carrera de Leonel del Cid como artista visual; Arte en Mayo o las actividades vinculadas al mes de los museos y la entrega de premios internacionales para artistas como Pepo Toledo, son actividades que atrajeron a una multitud de personas que dieron vida particular a cada convocatoria.
La figura y el legado de Carlos Mérida (Guatemala, 1891México, 1984) fueron especialmente exaltados con la presentación de una caja de lujo cuyos contenidos incluyen dos libros: Insólito, que lo presenta como el artista único que fue y cuyo material gira alrededor de su creación inédita en la que se incluyó obra terminada, multitud de bocetos y dibujos que acercan al espectador a las ideas primigenias de este maestro. El mismo documento muestra algunos de sus diseños para vestuarios escénicos, placas, preprensa y, finalmente, objetos utilitarios derivados de sus encuentros plásticos. Un universo que está reviviendo su presencia entre lo más importante del arte latinoamericano.
El segundo libro le da nombre a la caja: Mérida eterno Este registro presenta su alcance respecto a la integración muralista en diferentes edificios. Una variedad enorme que pone de manifiesto su entendimiento de la arquitectura, el espacio y sus proporciones. Y es que, en este campo, Mérida también lo hizo todo, incluido, al final de la vida, un mural desmontable por si se demolía el edificio para el que estuvo propuesto.
En los países donde ejecutó este tipo de trabajos también confeccionó integraciones, con diferentes materiales, en casas de habitación. Muchas de ellas no están registradas todavía, pero seguramente con el trabajo que está haciendo la Fundación Carlos Mérida, pronto serán localizadas. En todo caso, aunque se sabe que tuvo presencia en otros países del continente, se muestra mucho de lo que hay en Guatemala (incluidos vitrales), México y Estados Unidos.
Entre los bonos se encuentran: una gráfica digital, un certificado de autenticidad y un azulejo con una colorida impresión. El esfuerzo quedó en manos de la Fundación Carlos Mérida, las Editoriales Capiusa y Cementos Progreso.
Columnas
Fotorreportaje
Murales reviven la memoria nacional
Texto: Pablo Cahuec Fotos: Mario León
Las obras de los artistas Víctor Manuel Aragón y Miguel Ángel Milán, engalanan y dan testimonio de las luchas y conquistas de los guatemaltecos, en el Salón del Pueblo, del Congreso de la República.
Son parte de los tesoros artísticos que se encuentran en el Palacio Legislativo donde pueden ser recorridos, previa solicitud a las autoridades encargadas.
El contenido de estos murales plasma los sucesos que marcaron la historia del país desde la conquista, la época colonial y escenas de la Independencia con la firma del acta de emancipación política de 1821, hasta 1944 y la revolución de octubre.
Las obras reúnen sus actores fundamentales como el pueblo de Guatemala, que a través de la lucha de los trabajadores apoya el presidente Juan José Arévalo y que representa el rompimiento de las cadenas de opresión, tiranía y esclavitud.
Imágenes de la gesta independentista y de la explotación de trabajadores en la época feudal.
Guatemala, viernes 29 de mayo de 2026
Los frescos imponentes en el Salón del Pueblo, del Congreso de la República, simbolizan grandes efemérides.
Salud Mental
Leticia Eugenia Padilla
Las dos caras de la soledad
Existe un antiguo proverbio que dice: “Quien no sabe poblar su soledad, tampoco sabe estar solo en una multitud”. En la sociedad actual, hiperconectada por pantallas, pero a menudo vacía de encuentros reales, este sentimiento se ha convertido en una sombra que asusta. Sin embargo, la psicología enseña que este estado no tiene una sola cara. Hay una que destruye, pero hay otra que construye. Para comprender esta dualidad, vale la pena recurrir al psiquiatra suizo Carl Gustav Jung. Él explicaba que el ser humano pasa la vida buscando convertirse en quien realmente es, un proceso que llamó “individuación”. En este viaje, no es un enemigo, sino una herramienta indispensable, siempre y cuando se sepa en cual se habita.
Soledad mala: aislamiento del neurótico
Según Jung, la mala surge cuando uno se desconecta del mundo exterior debido a propios miedos, complejos o traumas no resueltos. No es una soledad elegida; es un muro que se construye para protegerse, pero que termina por asfixiar.
Un pasaje de la conquista española, referida a la vida del pueblo, la justicia y resistencia.
Esta soledad se siente como un vacío frío. Ocurre cuando se vive rodeado de personas, pero mudos por dentro, atrapados en un monólogo mental lleno de autocrítica y ansiedad. Es destructiva porque encierra en los aspectos más oscuros de la mente (lo que Jung llamaba “la sombra”) sin el contrapeso de la realidad o el afecto de los demás.
Soledad buena: taller del alma
Por el contrario, la buena es un espacio sagrado. No significa aislamiento egoísta, sino un retiro voluntario para escuchar el ruido del propio interior. Jung afirmaba que solo en el silencio se pueden integrar las diferentes partes de la psique: deseos, dolores, luces y sombras.
Esta es fértil. Es el terreno en el que florece la creatividad, se procesan los duelos y el autoconocimiento madura. Quien tolera y disfruta de su propia compañía desarrolla una fortaleza interna que lo vuelve inmune a la necesidad de aprobación ajena. Solo cuando se aprende a estar bien con uno mismo, se es capaz de vincularse con los demás desde el amor y no desde la carencia o la dependencia.
Ejercicios: de la sombra a la luz
¿Cómo transformar la soledad que duele en una que sane? Jung creía firmemente en el diálogo con el propio inconsciente. Aquí hay dos ejercicios sencillos: La bitácora del silencio (10 minutos al día): apague el teléfono y la televisión. Siéntese a solas con una libreta. No medite con la mente en blanco; simplemente escriba libremente lo que siente, sin juzgarlo. Al plasmar sus pensamientos en papel, saca el caos de su cabeza y lo ordena, transformando el aislamiento en autoexploración.
El diálogo con la sombra: cuando se sienta abrumado, pregúntese en voz alta o por escrito: ¿A qué le tengo miedo realmente en este momento? Escuche la respuesta sin huir de ella. Nombrar el temor es el primer paso para integrarlo y restarle poder.
Como señaló Carl Jung: “El encuentro de dos personalidades es como el contacto de dos sustancias químicas: si hay alguna reacción, ambas se transforman”. Si siente que su soledad se ha vuelto infranqueable y el diálogo con usted mismo es confuso, no dude en buscar la guía de un profesional de la salud mental.
