6 GRADOS - NÚMERO 2 - 25/08/2020

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CONEXIÓN / CARLOS MARTÍN

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MANUEL SENÉN RUÍZ

En mi trabajo el cuerpo aparece como nexo de unión entre diferentes disciplinas como la video-instalación y el performance.

Acercándome hacia el centro en que todo converge, produciendo así puentes entre tiempos cronológicos, religiones e identidades. @manussmile www.manuelsenenruiz.com

Izquierda Señales Amarillas Instalación y danza (video) Medidas variables - 2019

Izquierda, arriba Desiderar Instalación Hierro, espejo y cerámica de Fajalauza 121 x 15 x 36 cm - 2020

Para esta exposición que realicé en la Sala Ático del Palacio de los Condes de Gabia, en Granada, contaba con gran parte de la producción realizada durante mi estancia en 2018 en la residencia para estudiantes de arte alRaso, en el Valle de Lecrín. Casi todo este trabajo estaba influenciado por el libro Fragmentos de una enseñanza desconocida (2000) de P. D. Ouspensky.

Como su propio nombre indica, recoge aquellas teorías —antes ocultas, provenientes de otras civilizaciones—, en las que su maestro George Gurdjieff (Alexandropol, 1866 - París, 1949), se basó para crear las bases de un conocimiento insólito. De esta forma, al igual que él, me apropié de ciertos símbolos para poder expresar aquellas relaciones que existían entre la geometría, el mundo, y yo, mostrando aquello que es más cercano a mi cultura y a mi propia experiencia.

Repetidas veces encontramos en tu trabajo obras que nacen y/o convergen en la colectividad, ¿podríamos afirmar que es inevitable en tus piezas?

Claramente. Creo que desde que nacemos estamos condicionados en cierta manera por lo que nos rodea, sobre todo por aquellas personas que son cercanas. Aún así, creo que es importante reconocer cierta individualidad dentro de cada unx.

Para encontrarnos a nosotrxs mismxs a veces hacen falta las etiquetas. Creo que lo mismo ocurre con mi obra. Aunque en cierta manera esta surja de mis propios intereses e inquietudes, —adquiriendo una forma y un nombre específicos—, esta carecería de sentido si no existiera ese otro que la activara. Igualmente, me interesa trabajar también desde la creación en colectivo, dotando a ese crecimiento personal o profesional de un carácter procesual donde poder contemplar esa importancia de la colaboración.

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Izquierda, abajo Volverán banderas victoriosas Video-instalación Medidas variables - 2019 Derecha Banderas de victoria Instalación Serie de fotografías, madera, cuerda y tela teñida e impresa con linóleo Medidas variables - 2019

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Derecha Principio y final Instalación Barra de ballet, díptico de dibujos realizados con pintura al pastel, hilos de algodón, caja de CD de música y tijeras Medidas variables - 2019

Cuando leí el fragmento extraído en tu publicación que escribía Victor Borrego para Señales Amarillas (2019), me sentí identificado, ya que solo puedo acercarme a tu obra como tu lo haces con tu trabajo: con una filosofía, creo, sincretista.

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“Creo que estamos olvidando la importancia de lo físico, y en este sentido, la instalación y el movimiento resignifican el espacio y el tiempo de un modo en el que nosotros como espectadores podamos valorar realmente nuestra presencia...”

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Sin embargo, presiento que abogan por una experiencia religiosa personal más pragmática y alejada del fundamentalismo. Cuando incluyes personas en tus piezas, a menudo resultan ritualísticas pero se puede ver que conservan su individualidad.

En cierta manera, creo que estos grupos religiosos pueden ayudar a algunas personas a sentirse parte de una comunidad. Y esto se puede extrapolar a otros lugares y situaciones. Con ello no quiero decir que debamos perder nuestra identidad, es más, creo que es importante rescatar ciertas prácticas que apuntan al conocimiento interior. Este es el caso del sema o meditación sufí. En ella, el cuerpo se inclina en una posición específica y comienza a girar, ayudando a conectar con nuestros problemas. De este modo, introduje algunos de estos ejercicios dentro de la performance que componía Señales amarillas, pero llevándolo a la danza contemporánea. Así mismo, en su incorporación dentro del espacio expositivo y bajo la estructura de una pista de baloncesto, se podía evidenciar como el museo presenta características cercanas a las de un templo y cómo la manera en que algo ritual de nuestra cotidianidad también tiene cabida en la espiritualidad. ¿Señales Amarillas supuso un punto de inflexión? ¿En qué dirección avanzó tu obra desde entonces?

Desde luego que sí. Ha supuesto un gran cambio en la manera en que concibo el arte y mi carrera artística. Trabajar con profesionales de la danza, la música y el video de alguna forma enriquece tu trabajo y lo hace más sencillo. Desde este momento tuve claro que mi obra tenía que realizarse de un modo transdisciplinar.

Además apareció un agente nuevo que a partir de ahora debía de tener muy en cuenta: el público. Comprendí que mediante el cuerpo del performer sería mucho más fácil acercarse al significado de mi trabajo. Creo que estamos olvidando la importancia de lo físico, y en este sentido, la instalación y el movimiento resignifican el espacio y el tiempo de un modo en el que nosotros como espectadores podamos valorar realmente nuestra presencia.

Mobiliario urbano como la reja, el azulejo o el toldo aparecen numerosas veces en tu obra. En La pista de Baile, el centro de la cancha de baloncesto se convierte en una carta astral ¿Propones un extrañamiento o re-significación de la realidad?

Ambas. Al final esa re-significación que le doy a ciertos símbolos de mi cotidianidad, de alguna manera tienen que ser mediados. De este modo, utilizo ese extrañamiento en la forma en que modifico esos elementos y los descontextualizo. En el diseño de La pista de baile, las líneas de color amarillo que forman parte del imaginario colectivo de algunos deportes como el baloncesto, dejan de tomar tanta importancia como elemento delimitador. Se convierten en un oráculo, recordándonos que durante nuestro caminar, podemos acceder a otras vías del conocimiento que no están impuestas, atendiendo a nuestras propias señales. Como dice Olafur Eliasson «la ciudad está mediada a través de medidas de seguridad que eliminan las sorpresas y crean entornos predecibles» (2001: 20). ¿Este anhelo de la belleza que mencionas es...sensibilidad?

En Anatomía de la Melancolía, se lamenta la pérdida de esta conforme crecemos.

No del todo exactamente. Es la visión de un mundo a pedazos, de una generación perdida, que busca incansablemente la felicidad y de este modo no la encuentra. Es hallar en el mundo un sentido vital casi arqueológico de las cosas, del modo en que si ciertos elementos se ordenan, podamos arrojar luz sobre tanta oscuridad.

Porque el Paraíso sigue aquí aunque lo hayamos destruido. Y en este sentido por más que crezcamos, no debemos dejar de creer.

Pues aunque descubramos la realidad detrás del telón somos capaces de construir la nuestra encima del escenario. ¿Necesitamos la espiritualidad y la creatividad, ambas formas tangenciales de pensamiento, como huida del predominante razonamiento lógico?

Bajo mi punto de vista van de la mano. Hasta el más importante descubrimiento científico está dirigido por la intuición, y aunque después se proceda de manera racional no por ello deja de ser algo significativo. Por lo tanto, creo que debemos de dotar a estas herramientas del valor que se merecen, logrando aquello que sólo mediante el arte somos capaces de expresar y que se escapa de nuestro entendimiento. Buscando llegar a todos los públicos y haciéndoles ver que ellxs mismxs son capaces de descifrar una obra de arte.

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CONEXIÓN / MARTA IRANZO

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EVA ANTELO

@ebaconube http://evaantelo.gal/

Derecha y próxima página izquierda Por la tangente (serie) Grafito sobre papel de grano fino 120g 21 x 29,7 cm - 2020

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Derecha, próxima página Palimpsesto Carbón y agresión sobre pared enyesada 3,5 x 3,2 m - 2020

Quizá no llegue a ser imposición, pero desde luego sí afecta. El paisaje depende del clima y éste, a su vez, determina las necesidades de construcción de la vivienda. Como ejemplo, el grado de inclinación de los tejados según la cantidad y tipo de precipitación: con clima seco, tejado plano; con grandes nevadas, ángulos agudos. Con el lenguaje pasa un poco lo mismo: las particularidades del entorno necesitan vocabulario específico; es geografía hablada. También creo que la entonación del habla guarda relación con la topografía del lugar; aunque esta idea está aún muy verde y me queda mucho que investigar.

Cuando se observa tu obra Palimpsesto parece escritura automática, es incontenible y pasional... mientras que por la tangente, se asemeja a un plano eléctrico: está calculado y medido ¿Es el primero “habitar” y el segundo “edificar”?

Pues sí. Palimpsesto nació como reapropiación del espacio, un intento de convertir el estudio vacío en algo más habitable, más hogar. Intervenir la pared con escritura automática era la forma más inmediata de dar palabras al caos informe de mi cabeza; y anular el silencio opresivo de las paredes blancas con todo lo que no había sido capaz de decir. Habitar implica entropía.

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Por la tangente es, como bien dices, una edificación, o más bien un plano para construirla: desde la forma de cada letra o grafema siendo las paredes que contienen al fonema, hasta el muro verbal tras el que nos escondemos cuando tememos haber mostrado demasiada vulnerabilidad.

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¿Habitar (lenguaje y arquitectura) vienen impuestos por el paisaje? ¿En qué medida? ¿Podemos habitar el territorio eludiendo esta sugestión?

En dysmorphia, trataste el espacio más inmediato que habitamos, el cuerpo.

También en tu pieza de video-arte built from scratch. Encuentro en ambos un obsesionamiento, un movimiento circular ¿Son casa y cuerpo territorios de conflicto?

Absolutamente.

Nuestros cuerpos sufren violencia constante: por su forma, apariencia, género; mala calidad de vida, negligencias, incluso daño físico en sí.

Es un inacabable campo de batalla que acaba afectando también al hogar, donde dejamos salir toda la tensión acumulada, desgastando la convivencia.

La casa es también territorio de conflicto por otros motivos: lazos familiares con personas incompatibles, jerarquías de poder intrafamiliares, abusivas... Pero la casa es también clave en la formación de la identidad. Como dice Bachelard «sin ella, el ser humano sería un ser disperso». Esta atracción-repulsión hace que la relación con nuestra identidad sea tortuosa, visceral.

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Espacio, lenguaje y habitar. Conceptos análogos a nivel estructural y fuertemente ligados: idioma y territorio, casa y escritura, hogar y voz.

Desde un sentir poético, y trabajando de manera interdisciplinar, el habitar y sus distintas formas se convierten en el eje central que articula el proyecto.

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“Intervenir la pared con escritura automática era la forma más inmediata de dar palabras al caos informe de mi cabeza; y anular el silecio opresivo de las paredes blancas...”

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¿Qué particularidades crees que posee la lengua gallega? es decir, ¿cómo crees que se evidencian en la forma de habitar?

Continuando con lo dicho antes, idioma y territorio son (casi) dos caras de una misma moneda. Tener vocabulario específico para un determinado fenómeno o accidente geográfico lo hace distinguible, identificable; modifica la percepción del entorno. En finés hay 40 palabras para la nieve, en galego hay más de 100 sobre la lluvia. Y elegir una palabra u otra según cómo cae agua del cielo requiere una atención extra que no prestas si solo “nieva” o “llueve”.

Aun así, me gustaría apuntar que a veces, incidir en las particularidades puede ser dañino. En lenguas minorizadas, esto las objetualiza: el idioma se convierte en una curiosidad, como una iguana en un terrario con sus rocas y demás para que se sienta en casa, y oh qué exótica y qué bien protegida que está ahí, encerrada. Se reduce su uso, se folcloriza y ritualiza: para “las cosas de la tierriña” sí se usan expresiones gallegas, pero para el resto no, que no estamos en la aldea, eh.

Prรณxima pรกgina 7 cuartos para un no-poema (serie) Impresiรณn sobre papel 100g.

42 x 29,7 cm - 2020

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CONEXIÓN / ANA PÉREZ

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ANA MARJALIZO

amarjalizo15@gmail.com @parecennazis anamarjalizo

Derecha La mujer del tiempo Videoclip 4’10” - 2020

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Izquierda, próxima página Bebe que bebe el faisán Videoclip 1’47” - 2019 Derecha, próxima página Documentación del proceso de trabajo

Este año empecé a trabajar buscando ese objetivo precisamente, me di cuenta de que iba a ir en mi favor el dejar de separar las distintas disciplinas que trabajo.

También a nivel de temática prefiero trabajar buscando conexiones entre elementos que aparentemente no tienen relación.

El error tanto informático como humano es un denominador común en tu obra. En La Mujer del Tiempo, hay tanto personas - rotas por dentro como imágenes incompletas.

Sí, me interesa el error tecnológico como muestra de que la tecnología no tiene por qué ser fría y carente de espontaneidad.

Quizás como una manera de mitigar la sensación desbordante que me produce.

Quizás como una manera de mostrar su conexión con la irracionalidad humana.

En tu obra, agrupados los elementos como el pixel, la sobre-saturación los errores de chroma, la web-cam o el autotune, conforman un “todo” que dan la sensación de formar un folclore contemporáneo y universal.

Mi cultura audiovisual y musical es en gran parte extranjera, por lo que supongo que es inevitable que aquello que produzco haga eco a la cultura global. Me interesan especialmente temas como el apropiacionismo y el discurso acerca de la red, reflexionados paralelamente desde su cuestionamiento y su apreciación.

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El método de composición lírica que mencionabas, ¿en qué fase de desarrollo se encuentra? ¿te planteas hacerlo desde otros idiomas que no desciendan del anglosajón?

En realidad lo llevo desarrollando de manera involuntaria desde que compongo música (unos cinco años), pero desde junio he empezado a teorizar y a desarrollarlo de manera deliberada. De momento está en fase experimental.

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Tu trabajo consigue cohesionar la música con las artes plásticas, haciéndonos ser incapaces de reconocer la frontera. Normalmente, encontramos en lxs artistas estas dos facetas escindidas.

La base de la que parte el método es precisamente de aquellos fonemas que surgen de la improvisación, que tienen siempre fonética pseudoanglosajona -inventada por momentos-. Quiero partir de ese primer estadio porque creo en el carácter intuitivo de las melodías, pues las considero el componente más importante de mis composiciones musicales. ¿Los fonemas que surgen en estas melodías son limitadas o no? ¿Poseemos, en el latino, un inventario fonético común y acotado? ¿o puede ser personal e infinito?

Creo que puede ser infinito. La pronunciación puede ser maleable; se puede sacrificar la inteligibilidad del significado; se pueden usar anglicismos, extranjerismos o dialectos; se puede tararear, repetir fonemas sin sentido, etc. A veces ni siquiera tiene por qué entenderse lo que digo. Usar la voz como otro componente abstracto es otra manera de hacer música instrumental.

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He estado enfocando mi obra hacia la producción audiovisual, partiendo de composiciones musicales compuestas por Ofiuca nunca Pinta, grupo de música alternativa que formo junto a Antonio Pinta.

En él me encargo de composiciones estructurales, de guitarra, arreglos con guitarra y de la voz y las letras.

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“Últimamente estoy centrándome en desarrollar un método de composición lírica basado en la transcripción al español de los fonemas que surgen en las melodías improvisadas a la hora de componer...”

Izquierda, próxima página Frozen Videoclip/video-ensayo 4’47” - 2020 Derecha, próxima página Crecida de aguas vs Día Mundial de la Caída Instalación de dos video-arte 3’01” cada vídeo - 2020

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CONEXIÓN / LUZ YUS

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NATALIA ORTEGA OROZCO

nana.ortegaorozco@gmail.com

@_nana_ortegaorozco @_nanatillas

Derecha y próxima página, arriba Corpografías Video-performance 8’19” (tiempo de la acción: 1h) - 2020

Es cierto que actualmente experimento más con la performance, aunque no descarto otros lenguajes, por ejemplo disfruto mucho trabajando con la fotografía entre otros. La performance me permite trabajar desde el cuerpo, y creo que esto es fundamental para el tema que hemos tratado a la largo de todo el proyecto que os presento. Este lenguaje nos proporcionaba la reflexión desde el cuerpo, nos permite reclamar un espacio visible, abandonar los márgenes, experimentar con el cuerpo y la cotidianeidad, explorar nuestra problemática personal sin filtros y desde el automatismo. ¿Corpografías no podría entenderse sino fuera colaborativo y grupal, verdad? A pesar de que al principio cada persona habite su espacio, finalmente unís cuerpos y difuminais los contornos dibujados. Una simbiosis finalizada en fusión.

En efecto, no podría entenderse ya que muestra los espacios que ocupan nuestros cuerpos, los que nos pertenecen a cada una de nosotras, así como los que invadimos o compartimos.

En un principio las acciones que realizábamos eran hostiles, intrusivas e incluso violentas; marcábamos nuestros propios márgenes, infranqueables en ambas direcciones, pero estos actos se tornaron poco a poco en gestos de inclusión, reflexión, aceptación. Los cuerpos comenzaron a entrelazarse, a crear un nuevo mapa obviando los límites previamente autoimpuestos. Nace una corpografía improvisada. La violencia desaparece. Del tacto brota la escucha y el entendimiento mutuo. Un nuevo lenguaje. Un espacio seguro. ¿Por qué motivo en Rincón grabaste la performance con la interfaz de la videollamada y el navegador? Es claramente premeditado.

Rincón nace desde el desconcierto del confinamiento. En este momento, las nuevas tecnologías pasan de ser un lujo a un requisito para seguir trabajando, produciendo o algo tan básico como recibir educación. Las videollamadas habían empezado a ser la forma más recurrente de comunicación interpersonal, y fue por eso que decidimos trasladar esta forma de conexión a nivel artístico, representando con nuestros actos como la tecnología nos facilita y nos impide comunicarnos a partes iguales en nuestra realidad, dominada por lo digital, que distorsiona las relaciones de opresión tradicionales y empapa el panorama artístico.

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Derecha, próxima página Rincón Vídeo-performance Realizado a través de videollamada 8’56” (tiempo de la acción: 45mins) - 2020

Aunque has probado multiples técnicas y materiales, finalmente has encontrado fluidez en la performance ¿Qué te ofrece que no pueden aportarte otras expresiones?

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Con lo que hago intento aprender, observar, entender.

Tengo un profundo interés por el arte desde el propio cuerpo, y su relación con otros cuerpos y espacios, así como la unión a través del arte, la creación de vínculos emocionales con otrxs artistas a través de la obra.

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“Trabajar desde el cuerpo porque es cercano, conocido, para entender lo tabú, lo ajeno, dándole importancia a la espontaneidad... para ver lo que está aprendido, deconstruir y reconstruir...”

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¿Hacia dónde quieres llevar tu performance en este momento?¿Cuáles son los próximos pasos?

Creo que el siguiente paso será volver al origen. Tras esta conexión tan profunda con otros cuerpos, ahora me toca trasladar esa emoción y ese lenguaje a mi propia identidad, crear un vínculo conmigo misma, fomentar el conocimiento y los cuidados de mi propio cuerpo. Esto claro sin descartar nuevas colaboraciones, nuevos lenguajes, y sobre todo dejarse llevar por las circunstancias. Cuidarme, cuidar, crear y aprender, son los pasos iniciales de cualquier proyecto artístico o vital que me proponga.

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Los cuerpos disidentes son considerados como tal por existir fuera de una norma, en los márgenes de lo considerado socialmente aceptable. Es contra esta norma contra la que luchamos, una norma tan estrecha que no deja cabida a otras identidades. Dejando claro que se trata de la norma y no de las identidades que conforman la norma. El problema no es ser normativx, sino que haya ciertas identidades aceptadas y ciertas que no lo estén. Las identidades disidentes son, por tanto, comunidades y colectivos de personas discriminadas y marginadas por una serie de motivos, desde los físicos a los identitarios pasando por cuestiones culturales, sociales y económicas. Pero estas identidades, al estar formadas por tantas variables, se pueden situar en la posición de opresor u oprimido dependiendo de la situación de poder en la que se encuentren respecto a otra persona o grupo de personas.

Habrá momentos en los que nos encontraremos en la posición de opresor, el gozar de un privilegio nos otorga una seguridad, inmunidad y atención que las personas oprimidas no poseen, y es por eso que lo debemos hacer es escuchar lo que las identidades discriminadas tienen que decir, apoyar su lucha sin encabezarla, aprender de su activismo y evitar el paternalismo.

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El cuerpo es un escenario de resistencia y lucha…¿contra quién y/o qué? Nunca se evidencia un enemigx en tu performance, sino que parece ser una agresión del individuo contra sí mismx.

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CONEXIÓN / HODEI HERREROS

Me interesa la identidad y su construcción, que se empieza a dar desde la infancia. Investigo sobre cómo la violencia y la ternura conviven desde el período infantil sin negarse la una a la otra, ayudando a configurarnos a cada unx de nosotrxs, y a formar nuestro propio “yo”. cristinamunozdelaguila@gmail.com

@ cristinamunozdelaguila

Derecha Recubrimiento 3 Piedra y tela de peluche 9x8x3cm - 2020 Derecha, próxima página Recubrimiento 7 Mármol y tela de peluche 37x3x2cm - 2020

La utilización de este tipo de material tiene que ver con mi primer recuerdo infantil, que se basa en que a la edad de dos años me regalaron unas zapatillas de estar por casa en forma de dos gatitos blancos de peluche absolutamente preciosos, el caso es que me caí por las escaleras con ellas puestas. Recuerdo tocar ese peluche agradable y recuerdo la sangre en mi barbilla; me llevé de regalo siete puntos y mis padres, como era de esperar, tiraron las zapatillas. Al margen del recuerdo en que inspiro mi obra, inevitablemente encuentro analogías claras entre la corporalidad y la orografía. En Mapas de Cicatrices utilicé mapas inventados por mí (puesto que a nivel formal también me interesan) para exponer heridas físicas, marcas, cicatrices de mi propio cuerpo.

Accidentes en el “terreno”, de nuevo, con colores como el rosa, el blanco y el blanco crema. La carne blanda y el terreno duro.

Detecto que aludes a la carne... pero quirúrgicamente.

Amablemente, diseccionas estos materiales como si hubieran pertenecido a un individuo.

Mis piezas son para mí partes de este; no existen brazos ni piernas, no me refiero a eso. Esto que afirmo tiene más que ver con la acumulación de fragmentos que, considero, me configuran y su posterior estudio. En este análisis que realizo me encuentro a mí misma, como si permaneciera en una búsqueda infinita de lo que soy.

Tu obra Mapas de Cicatrices, tengo la impresión de que es el antecedente dibujístico de tu obra escultórica.

No tengo una certeza de que lo sea, más bien una intuición. Siempre me intrigaron mucho esos dibujos que realicé en base a la topografía de unos lugares inventados, con unas formas rosadas superpuestas que parecían algo cárnico. Supongo que, ciertamente, mis últimas piezas escultóricas también tienen mucho de eso a pesar de estar hechas con materiales como piedra y madera. La corporalidad está presente en toda mi producción de manera consciente o inconsciente.

También el hecho de que todas mis piezas son autorretratos.

Durante los últimos tres años aproximadamente, he tenido la sensación de que con mi proceso lo que estaba haciendo realmente era generar un cuerpo identitario.

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Abajo, próxima página Recubrimiento 6 Mármol y tela de peluche 30x29x2cm - 2020

La carne y la piedra... ¿encuentras analogías entre la orografía y nosotrxs?

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“La identidad es un motor en mi producción y, evidentemente, esta empieza a construirse desde que nacemos, teniendo la infancia un papel totalmente decisivo en su configuración...”

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CRISTINA MUÑOZ DEL ÁGUILA

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El rosa que utilizas me recuerda al que utilizamos en las aulas de infantil y primaria para colorear la carne.

Es un color que está presente en la mayoría de mis piezas bidimensionales, y que nos recuerda, en cierto sentido, al mundo infantil. “Rosa niña, azul niño”: esto es lo que nos impusieron (entre otras muchas cosas), pero yo lo uso de una manera perversa. La niña crece y no hay princesas ni hadas, hay carne, herida y piel. La conexión de mis trabajos con la infancia es absoluta y lo ha sido aún más en los últimos meses. He estado investigando la dimensión de conocimiento que supone el sentido de lo táctil que tan importante es en lxs niñxs y también sus procesos de aprendizaje. Como comenté anteriormente, la identidad es un motor en mi producción y, evidentemente, esta empieza a construirse desde que nacemos, teniendo la infancia un papel totalmente decisivo en su configuración, así que decidí adentrarme en mis primeros años de vida para rastrear la construcción de la mía propia.

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Ni de nosotrxs mismxs ni de nada ni nadie, no creo en esa objetividad; si pasa por un filtro humano, se hace presente la subjetividad. Metarretratos es para mí un claro ejemplo de esto, cada vez que pedía a alguien que me hiciera un retrato con la Polaroid acababan ellxs retratadxs.

Al tratar de representarme, salía a la luz nuestra relación, la manera más violenta o más tierna de tratarme a la hora de pedirme una cosa u otra para el posado, o en relación a la elección del objeto o situación que me definía según esa persona. No había objetividad ninguna en las instantáneas obtenidas. También creo que mi presente interés por la ternura y la violencia viene de este trabajo tras analizar las instantáneas obtenidas. No es lo mismo que te traten con amabilidad a que no lo hagan en absoluto, no obstante, ambas opciones están contempladas en las “reglas” de este “juego”.

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¿Es posible lograr una mirada objetiva de nosotrxs mismxs? En tu serie de fotos Polaroids, Metarretratos, las personas que te fotografían solo pueden retratarse acertadamente a ellxs mismxs en la medida en la que lo hacen contigo.

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CONEXIÓN / DYM

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BAN PESK

www.peskpesk.com facebook.com/pesk.arte @ban_pesk

Derecha Los islandeses le llaman “the creature” ...yo le llamo “Ballenajo” Pintura acrílica sobre muro 27x4m - Hellisandur (Islandia) 2018

Centro, próxima página Todo tiende a la Contradicción Pintura plástica y spray sobre muro 27x8m - Valencia (España) 2018

La pintura no debe asumir papeles.

De hecho creo que muerta y todo sigue siendo efectiva como método de aprendizaje, oportunidad de crecimiento, sanación, intercambios, etc. Cuando digo que está muerta, lo que pretendo decir es que como arma contra la injusticia y herramienta revolucionaria se encuentra desactivada, corta de potencia, en este mar de estímulos que nos anestesia y confunde.

Pero puede salvarnos, por algunos segundos, si evita que nos devore la prisa.

Los símbolos han sido monopolizados y banalizados de tal modo y el flujo de la información está tan controlado que la pintura pierde relevancia en un mar de imágenes cinéticas, interactivas, tridimensionales que se crean de manera instantánea, cada vez más fácil muchas veces, sin pensar en los procesos que conlleva su manufactura… sin que su manufactura sea una oportunidad de reflexión.

El arte en espacio público… ¿es siempre legítimo? ¿A qué te refieres tu con legítimo? conforme a las leyes? Creo que el arte en el espacio público debe ser “respetuoso” pero atrevido al mismo tiempo y estar más allá de las leyes. No debe pretender ser legítimo y no va a gustar a todo el mundo… no pasa nada.

En el espacio que sea, para mí, será “legítimo” como sinónimo de verdadero, desde el momento en que se haga para uno mismo y por la experiencia creativa en sí. ¿Tu mural Ballenajo / The Creature lo considerarías un punto de inflexión?

Totalmente… país desconocido, clima extraño, muro grande, diseño simple, acabados “realistas”… todo nuevo para mi. Siempre pienso en esa obra.

No estaba del todo seguro de si sería capaz de hacerlo como en el boceto o mejorarlo. Y no me sentía del todo seguro de si le gustaría a las personas del pueblo.

Abajo, próxima página What´s your problem Pintura plástica y spray sobre muro 16x4m - Hellisandur (Islandia) 2018

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Arriba, próxima páginas Somos Contenedores Pintura plástica y spray sobre muro 3x7m - Sevilla (España) 2019

Hace tiempo, me hablaste de que la pintura estaba muerta ¿Qué papel debería de asumir, crees, en este Siglo XXI?

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Mi alias, mis repentinos pero constantes cambios, los materiales que utilizo… mis decisiones inconscientes...todo es un statement.

Cosa, para mí, muy sobrevalorada estos días. Somos un statement… más de uno, a cada paso que damos.

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“Pintar es como hacer niños… siempre lo más divertido es empezar uno nuevo...”

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Derecha, próxima página ¿Qué salida?

Acrílico, spray y óleo pastel sobre lona vinílica 2.1x2m - 2016

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Izquierda, próxima página Caballo Acrílico, spray y óleo pastel sobre papel 60x40cm - 2016

Encuentro en tu arte un amor por el bodegón, la chatarra, el objeto encontrado...unas veces interviniéndolo y otras tantas retratándolo.

Creo que hay un gran potencial desperdiciado en la basura. Qué ridículo que el gran problema del plástico sea su durabilidad, ¿no?

Me considero un coleccionista. Colecciono a través del dibujo, la pintura, la fotografía o cualquier técnica. registro aquello que no me puedo llevar. Colecciono objetos encontrados y le atribuyo un gran valor a la historia de su hallazgo, como llegan a mi, en medio de qué circunstancias, estas historias suelen ser un disparador para su uso.

Me gusta dejarme llevar, trato de no lastimar... Pero entiendo que a veces la destrucción es necesaria para la creación o que puede ser una creación en sí misma.

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¿Te acercas desde una particular ética a la hora de intervenir?

Tus obras se componen en su gesto, aunque sea sutilmente, de patrones y fractales (el triángulo, la rejilla…). A pesar de que partieras de un boceto, el atractivo de esto es que te aporta algo de escritura automática e impredecibilidad, ¿no? ¿o es algo más bien conceptual?

Todas las respuestas son correctas. Los triángulos, los cuadrados o las espirales van saliendo espontáneamente como una forma de abarcar el espacio y crear una mancha “transparente” que permite trabajar en capas y avanzar, según se requiera más o menos rápido, variando la densidad de los colores para generar efectos similares al puntillismo u otros métodos de imprenta por trama.

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Fotografía tomada por Martín Sánchez

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Portada: Natalia Ortega Orozco (@_nana_ortegaorozco) Contraportada: Ana Marjalizo (@parecennazis) Imagen P.36-37: Manuel SenĂŠn RuĂ­z (@manussmile) Coordina y edita: DYM (@the_real_dym) Ayuda y supervisa: Julia ZairĂŠ (@ela_faz_cinema) Editorial Demasiado Amarillo (@demasiado_amarillo)