C O M P O R TA M I E N T O O B S E RVA C I Ó N / C A M B I O V I D A - O B J E T O @_.entomo carlosmartentomo@gmail.com
a modo de “semilla”. Lo que sí puedo afirmar es que la totalidad de mi trabajo está precedida de una curiosidad patológica.
Me interesa la sinceridad inherente de la naturaleza. Al igual que el ser humano no puede evitar la creación (entendiendo esta como el acto de crear), la naturaleza no evita mostrarse a sí misma constantemente, y esto es a través de sus formas. Creo que el propio hecho de formar una pieza mediante la elección y la contextualización ya conlleva una carga humana significativa. Por tanto, ¿por qué solapar aquello que la naturaleza tiene que decir? Se trata casi de un acuerdo.
Encuentro en tus obras siempre un diálogo orgánico/inorgánico...salvo en la pieza Remanso que expusiste en Fajalauza 2020.
¿Al buscar una forma implícita en la naturaleza, no puede existir un período de bosquejo/ conceptualización...o sí? No tengo una respuesta absoluta a esta pregunta. Algunas piezas surgen a raíz de bosquejos o ideas furtivas que al final resultan en propuestas más o menos fieles al planteamiento inicial. Sin embargo otras nacen de la propia impronta de un objeto, ser o proceso, y es ahí donde comienza su desarrollo, actuando esta
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Fajalauza 2020 supuso un acercamiento a la tradición de la cerámica granadina y concretamente a la propia fábrica del mismo nombre. La carga ya no solo connotativa de los objetos que allí encontramos, sino también su potencial antropológico o casi arqueológico, me hicieron decantarme por una propuesta que fuese íntegramente fruto del lugar. Creo que no era el momento de contraponer acepciones, sino de reivindicar el valor de una historia y de aquellos que la hicieron posible.
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CARLOS MARTÍN
Buscas en tu trabajo la forma implícita de la naturaleza en lugar de imponerle una humana. Explícame más.
CARLOS MARTÍN
6GRADOS-COLECTIVO LO-MITO 31/06/2020 @irartzo
Los espacios que fotografío tienen como característica común la transitoriedad, pero al mismo tiempo también se comportan como lugares de espera donde al individuo solo le queda el ver venir. Quizá esta doble lectura sea la que suscite tal interpretación. Son lugares muy peculiares que dan pie a múltiples significados, los cuales varían dependiendo del punto de vista desde el que se observen. Tal vez por ello me atraigan tanto. También considero que son el retrato más fiel de la contemporaneidad. Mi interés por estos lugares de tránsito reside en la relación entre el tiempo y aquello que “habita” el espacio, dándose en cada escenario un vínculo diferente sobre el que reflexionar. ¿Tu proyecto fotográfico 3:12 dura la memoria? 3:12” dura la memoria fue un primer acercamiento a las relaciones entre la imagen sonora y la visual. Se trata de un proyecto conformado por 42 Polaroids las cuales contienen un código QR en la parte posterior que remiten a una canción distinta. A diferencia de mis otros trabajos, este por primera vez tiene un carácter comercial en cuanto a que necesito de un receptor que descubra esa canción escondida en el código.
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Me interesaba indagar sobre la memoria, el recuerdo y su profundo vínculo con la música: si son las canciones las que nos suscitan una imagen o si es por el contrario la imagen el elemento desencadenante; si es el receptor el que configura un recuerdo propio o si contrariamente se apropia del mío. Fotografía analógica de carrete, digital, polaroid…¿tu investigación en estos medios/técnicas es puramente formal o interviene en el mensaje final de tu obra? En cierta forma siempre intervienen en el mensaje. Me gusta indagar en los diferentes formatos, conocer sus naturalezas y sus posibilidades. Aunque de momento el grueso de mis trabajos sea en digital, tengo otra faceta que en momentos me llama a desligarme del pixel y dar rienda suelta a mi afán analógico. Creo que los tres formatos deben convivir los unos con los otros, puesto que con cada uno se consigue un resultado totalmente diferente. Dejar morir lo analógico sería un error. Es importante pensar previamente el medio que vas a utilizar antes de realizar un proyecto. En 3:12 dura la memoria fue sin duda la decisión con más peso, donde la Polaroid le otorgaba a la imagen el carácter único que tiene el propio recuerdo. Entre disparar en analógico o digital, es más cuestión de cuánto quieres que el azar intervenga en tu proceso creativo, por ello hay que saber entender las necesidades de cada imagen y proyecto.
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MARTA IRANZO E S P A C I O NO LUGARES / TRÁNSITO SOLEDAD-INTIMIDAD
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Puede que interpretación particular, pero encuentro en tus fotografías que los lugares de tránsito transmutan en lugares de contemplación -especialmente con las últimas-.
6GRADOS-COLECTIVO LO-MITO 31/06/2020 @ana__pvc anapv09@gmail.com
Sin ninguna duda. Sospecho que hay algo más grande, más trascendental, tras cada acto cotidiano. Situaciones cargadas de realidad que nos separan de la realidad misma. Momentos de comprensión inmediata que, cuando la lógica se impone, desaparecen. Koplas der Kere es de tus obras más potentes. Háblanos un poco de esta. Voy dando pasos hacia una cotidianeidad (la mía) sin filtros: el lenguaje, el andaluz, la escritura automática. Me posicionan política y sentimentalmente. En este sentido, Koplas der kere supone un avance significativo en mi obra. Ya llevé la propuesta ortográfica andaluza del EPA en mis dos obras anteriores, y en esta me atreví a imitar el lenguaje que habla la televisión de madrugada, cuyas bases coinciden curiosamente con las que establece Agustina González en Idearium Futurista en 1916. Me parece fascinante romper radicalmente la concepción
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áulica del arte. A Cortázar le rechazaron en un principio la publicación de Los reyes (1949) porque lo escribió con el lenguaje de la calle, de lo real. Koplas der kere no podría haber sido escrita de otra forma. Todo esto forma parte del extrañamiento de la descontextualización: ¿El poema deja de ser poema? ¿La performance se convierte en un baile erótico? Aparecen muchas veces en tus obras manos y pies… Las manos, pero sobre todo los pies. No somos conscientes del potencial expresivo que hay en ellos, y eso hace que los perciba como nuestra parte inocente más inocente. Me fascina además que en la planta del pie se conecten todas las partes del cuerpo. En mis vídeos intento reflejar esa capacidad de decir tanto con estos cachitos de carne aparentemente intrascendentales en ese sentido. Acariciamos pies (y con ellos) pero también nos hacen danzar con quien hablamos sin darnos cuenta.
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ANA PÉREZ COTIDIANO/IDENTIDAD CUERPO-POETICA-ACCION R E C U E R D O
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Ana, creo que tienes una sensibilidad especial para la cotidianeidad ¿Crees que habría que resignificar lo “común”?
“Permíteme que te enseñe un texto automático que escribí en torno a todo esto: Te estoy tocando si tú me toca un pie y yo me toco el otro. Quiero grabarlo de todas las formas posibles. También me sale entonces de la garganta una voz con forma de garbanzo. Conectadas a través de un cuerpo que precisamente es por donde yo siento.”
6GRADOS-COLECTIVO LO-MITO 31/06/2020 @luz.yus luzportayus@gmail.com
Este interés tan concreto radica en la búsqueda de mí misma a través de factores externos, en este caso, conectando con la naturaleza que me ha acompañado desde muy pequeña. He tenido la enorme suerte de crecer rodeada por la montaña, y esto siempre ha impactado mi obra, mi lenguaje expresivo, los materiales por los que me decanto, etc. Algo que me acompaña en toda producción artística es una nostalgia por mi infancia, un tiempo en el que me resultaba sencillo verme reflejada en mi entorno. Ahora trato de reconstruir mi identidad a través de éste, posicionándome siempre desde la perspectiva del ayer. Claramente lo tuyo es el retrato. Noto en tus fotografías que cada persona inmortalizada tiene una personalidad marcada y diferenciada -al igual que en tus ilustraciones- ¿Qué persigues al retratar? Para mí el retrato no es tanto una representación fiel de la persona, sino una mirada subjetiva a través de los ojos del ar-
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artista. En mi opinión, el retrato dice más de la persona que lo realiza que de aquella retratada, y tiene la capacidad de dejar en evidencia y al descubierto la relación entre ambas. Por eso algo que me fascina son los autorretratos con los que puedo indagar en la relación conmigo misma y mi autopercepción. Últimamente me descubro llevando a cabo más y más autorretratos en todos los medios y técnicas posibles, hasta llegar a la experimentación en performance, que me permite utilizar mi propio cuerpo como material. Mi obra favorita tuya es un tributo a la ilustradora Jo Rioux. Me encantaría conocer los artistas en los que te inspiras. De entre todos los artistas que me inspiran, destacaría a Sophie Russell con sus sugestivos collages, Cristina Muñoz del Águila y la poética tan particular de su obra, Celeste Cares, Liisa Luostarinen, Sara Hagale, y Ana Sánchez con la potente estética de sus cuadros. Otro de mis mayores referentes es el artista emergente Manuel Senén, cuya obra admiro muchísimo, especialmente en el ámbito de la performance.
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LUZ YUS C O R P O R A L I D A D IDENTIDAD-DUALIDAD ESCULTURA/PERFORMANCE
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En tu obra tienes una debilidad creciente por hongos, setas y su familia. Cuéntame más.
6GRADOS-COLECTIVO LO-MITO 31/06/2020 @hodei_herreros hodeiherrerosr@gmail.com
Creo que sí, que toda realidad puede de alguna manera simplificarse hasta encontrar las raíces, los elementos mínimos que la constituye. Algo ocurre nos puede recordar a muchas cosas, objetos que ya existen y tienen una funcionalidad concreta aparecen aquí despojados de ella y adoptando nuevas posibilidades de forma. En la aparente inutilidad del objeto artístico reside para mí su libertad de ser. Los objetos tal y como yo los concibo no son más que cuerpos en el espacio existiendo. Me interesa el minimalismo y la limpieza formal porque creo que nos ayuda a comprender mejor ciertas cosas que normalmente están sobrecargadas de información. Es como un filtro, una descodificación. Las cosas tienen siempre varias capas de significados, es decisión del artista y del espectador el querer pro-
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del artista y del espectador el querer profundizar o no. ¿A qué niveles se desarrolla un diálogo entre cuerpo y espacio?¿O es una imposición de este último? El espacio es el contexto donde nos desenvolvemos y relacionamos. La realidad es una infinita sucesión de espacios posibles. Los habitamos, los construimos, los derruímos, los abandonamos, los compramos… Sin el espacio tridimensional seríamos como los habitantes de aquella novela de ciencia ficción de Edwin A. Abbott, Planilandia. De hecho yo entiendo al cuerpo en cierto modo también como un espacio. Es a través del cuerpo como fisicidad volumétrica que experimentamos el mundo y lo habitamos. Creo que cuerpo y espacio son realidades inseparables. Al igual que ambas son inseparables de la cultura y la ideología donde están inmersas. Pienso que por eso me interesa tanto la escultura y la instalación, porque permiten construir nuevos espacios, espacios al mismo nivel de realidad que nuestra propia presencia corporal.
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MINIMAL / POSTMINIMAL CUERPOS-ESPACIO INSTALACIÓN / CONSTRUIR
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HODEI HERREROS
En mucha de tu obra prima la búsqueda de una imagen limpia que busca la geometrización y la síntesis. En tu proyecto todavía en gestación, Algo ocurre, en especial noto que es una decodificación de una realidad compleja y llena de ruido ¿Qué opinas?
A la tela y el tejido... recurres habitualmente. Para mí la tela tiene mucha carga semántica. Por una parte es un material que me lleva directamente a una tradición artística que me interesa mucho. Artistas como Eva Lootz, Rebecca Horn, Mona Hatoum, Eva Hesse, Louise Bourgeois, también Alicia Framis, Ana Varea o Itziar Okariz; que utilizan bastante los tejidos en sus piezas me han influido mucho en mi trabajo. La tela es un material íntimo y muy orgánico. Pasamos las 24 horas del día con tejidos pegados a nuestro cuerpo, es una suerte de segunda piel, de espacio inmediato donde habitarnos. A su vez es un material ligado históricamente a lo femenino y por tanto excluido de la historia oficial. El arte textil siempre se ha considerado como un arte menor, fuera de las Bellas Artes con mayúsculas, que más bien deberían llamarse Artes Masculinas (con mayúsculas también, que el tamaño importa si se me permite el sarcasmo). Por ello creo que reivindicar la tela como material artístico tiene un potencial subversivo muy importante a la hora de cuestionar no solo conceptos como el género o la moda, sino la propia historia del arte.
Tu participación en Fajalauza 2020: de aquellos barros, estos lodos. Contribuiste con tres diferentes piezas relacionadas entre sí. Me interesa mucho lo que me explicaste sobre las post-tradición con Maquinaria para una alfarería postradicional. La instalación que realicé para Fajalauza 2020 parte de un cuestionamiento que tuve cuando encaré el tema de trabajar con la tradición cerámica granadina. No me sentía legitimado para hablar de una tradición de la que yo no formaba parte, así que decidí hablar de lo que sí comprendo, de cómo nuestro tiempo mira a lo tradicional. Yo entiendo el concepto de lo postradicional como una estetización de la tradición en clave visual y lúdica, despojándola de sus significados originales. Mis piezas recuerdan vagamente a maquinarias antiguas pero que han sido convertidas en algo aparentemente inútil para su función original. Ahora es un juego. Un juego bonito. Creo que Fajalauza también ha ido perdiendo algunos significados y adoptando otros. También es, como el arte y la tradición, un juego muy serio. Y bonito.
“ Mi trabajo busca cuestionar nuestras posiciones ante la realidad y construir nuevas relaciones objetuales y espaciales.”
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“Me interesa buscar lugares desde los que posicionarse en el mundo, escapando de la lógica funcional y esencialista donde todo tiene un orden y una utilidad práctica. ¿Qué significados tiene lo inútil o lo mínimo? La forma no tiene por qué gritar para ser oída, existen modos de comunicación más sensoriales como el susurro. Entiendo la creación como un espacio de experimentación con la realidad que vivimos, construyendo, deconstruyendo y transformando, que no es otra cosa que posicionarnos de formas distintas ante el contexto y los objetos. Recorramos nuestro propio territorio.”
HODEI HERREROS
6GRADOS-COLECTIVO LO-MITO 31/06/2020 @the_real_dym dymoficial@gmail.com
Reduciéndolo a un primer impulso, diría que habitar es relacionar. Relaciones del entorno consigo mismo, y nosotros con este. El entorno es una materialización de nuestro pensamiento y viceversa. Citando a John Berger: “La llamada de muchas junglas es fértil, politeísta, mortal. La llamada de los desiertos es unilineal y severa”. Siempre que intervengo, lo hago desde una particular ética. No es tanto pensar de quién fue propiedad ese espacio, porque es un concepto difuso y la propiedad no siempre legitima, sino en su público y conjunto de agentes que actúan directa e indirectamente en este como individuos dignos por el hecho de ser inherentemente humanos.
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No lo hago en un sentido paternalista y condescendiente...no le pregunto que querría ver, sino que le invito a que él también lo intervenga, y respeto su visión. Me fascina intervenir en espacios abandonados porque son una “tierra de nadie” que en su día fue un microuniverso...con sus múltiples conexiones, leyes y jerarquías pero, al estar este lugar olvidado, podemos intervenir sin ninguna clase de enfrentamiento directo. Por mi parte, trato de incidir en las relaciones de ese espacio y crear nuevas conexiones partiendo de mi cosmovisión, pero nunca suplanto las ya existentes. Cuando renovamos estos lugares con nuevas conexiones, pasan del olvido al recuerdo...se habitan de nuevo. Nido lo cree de la nada con una gran economía de medios (navaja y cuerda solamente) y desconocimiento. Gottifried Semper reconoció en los paramentos de vegetal trenzado de una cabaña caribeña uno de los elementos fundamentales del habitar. Habitar es un impulso vital, porque responde a la voluntad de poder y supervivencia.
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ESPACIO PÚBLICO / DIFUSIÓN R E L A C I O N E S C U LT U R A - C O N T R A C U LT U R A
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DYM
En tus obras, pese a la diversidad de lenguajes que trabajas, siempre está muy presente la intervención sobre los espacios y la idea de habitar. ¿Cuál es tu posición como artista cuando decides incidir en un espacio? De hecho, En tu obra Nido construyes una estructura habitable, algo que me resulta muy interesante. Háblame de lo que significa para ti habitar un espacio.
Tu trabajo bebe a partes iguales del land art y del arte urbano, de la naturaleza y la ciudad. ¿Crees que es muy diferente trabajar en entorno urbano y en uno natural? ¿Hay tanta distancia entre ambos realmente? La geografía -entendiéndola como “naturaleza” en el significado que estamos acostumbrados a darle- es la materialización de un origen dudoso, y un proceso casi imperceptible. Su resultado lo vivimos ahora -las montañas, los lagos, el clima…- La ciudad, tanto sus causas como sus consecuencias, están a menos distancia una de otra en comparación...y coexistimos tanto con su resultado como con su proceso -mayormente de trasfondo histórico-político-. Efectivamente, no pienso que están tan diferenciados. Ambos son, naturaleza. Podríamos comenzar afirmando que sendos tienen estructuras similares (las calles vistas desde el aire se asemejan a las ramificaciones de las hojas) y que la materialización de toda la ciudad nace del humano, y lo humano de la naturaleza. Esto creo que es acertado, pero conformarse con mi introducción... naïv.
La diferencia reside en el planteamiento que hacemos de ambos. Estos son, como explicaba Jane Jacobs en Vida y Muerte de las Grandes Ciudades, problemas de complejidad organizada pero, a la ciudad la tratamos como si fuera mayormente un problema de dos variables (la congestión del tráfico pide más carreteras, los barrios bajos necesitan demolerse y realojar sus habitantes…). Al trabajar en la ciudad, las estadísticas y los ratios pueden servirnos como primer acercamiento, pero no nos aseguran nada. Debemos de estudiar lo que intervenimos partiendo de lo particular hacia lo general, estudiar el objeto-espacio-individuo por sí mismo y ver como interactúa con el resto de variables. En otras palabras, hay que actuar tratando a la ciudad como lo que es, algo orgánico. En tus piezas existe siempre una dualidad de opuestos que sin embargo, en contra de la concepción que se tiene en occidente, se complementan. Ciudad/Naturaleza, Pintura/Escultura, Línea/ Mancha, Juego/Implicación social. ¿Cómo influye el pensamiento oriental en tu obra? Influye a un nivel actitudinal y procedimental. Al acercarme a algo que me es nuevo, lo hago de la misma forma que lo haría al resto de cosas, porque todo y todos estamos bajo la misma (metafórica) luz. Todo se comporta bajo las variables del mundo fenomenológico. Los aforismos de la física traducen los dictados de la ética y proponen comportamientos universales (toda acción produce una reacción (consecuencias de nuestros actos), deposita un cuerpo en un plano inclinado y la aceleración vencerá la fuerza de rozamiento (la disciplina frente a los vicios)). Visto de esta forma, todos podemos abordar nuevas técnicas, temas, proyectos...parafraseando a Ralph W. Emerson, la riqueza es la inteligencia aplicada a la naturaleza.
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mayúsculas son idénticas: el paso de la experiencia por un filtro que sintetiza esta de tal forma que es legible y catártica para todos.
Anecdóticamente, se ve en mi obra de forma cronológica como abandone el contraste para crear armonía ¿Donde acaba la ciudad y comienza la naturaleza? ¿Podemos trazar una línea divisoria clara? La clasificación debería de venir después si acaso y no antes. Actuar desde la humanidad antes que desde el dogma.
El crítico de cine Roger Ebert exponía en 2003 las razones por las que el videojuego no podía ser considerado arte. Eran tres: el videojuego no tenía nada que enseñar, se basaban en la victoria y la derrota y el espectador poseía el control de la obra que jugaba.
Por último, lo lúdico es otro concepto muy presente en tu obra y en muchos artistas de nuestra generación. Creo que de alguna forma lo lúdico es una forma de abordar cuestiones de una forma muy sincera y más seria de lo que parece. ¿Qué opiniones/reflexiones tienes sobre el juego y hasta qué punto se podría decir que el arte es un juego? Si creamos un juego partiendo de la realidad, tendremos que gamifircarlo. La gamificación consiste en la transformación de elementos rutinarios y monótonos en otros lúdicos. Los modos de hacer entre el juego “el Arte” con
Centrémonos en los dos últimos motivos. Ponen de manifiesto que concepto tenemos del arte. No es mudable, sino eterno. Es un micrófono, sí, pero con una tarima. Todavía encontramos cierta resistencia al apropiacionismo y obras del estilo. Con la liberación del tiempo libre producida por la disminución del trabajo gracias al avance tecnológico, el hombre invierte esta liberación de la jornada en el juego, el cual es un generador cultural. Esta es la forma que creo que nos toca de interpretar lo que suceda en este siglo.
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Esto me libera de la obsesión por el resultado final y me enfoca en el proceso, partiendo de la base de que toda apariencia es proceso.
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Portada: DYM (@the_real_dym) Contraportada: Carlos MartĂn (@_.entomo) Imagen P.26-27 DYM (@the_real_dym) Coordina y edita: DYM (@the_real_dym) Colabora: Julia ZairĂŠ Muralles (@ela_faz_cinema) Editorial Demasiado Amarillo (@lomitocolectivo)
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