Juan José Saravia AMC
El fruto de la perseverancia Santiago Sánchez AMC En rodaje 1a. Expo Foto AMC
Carolina Costa AMC
10 Preguntas a una cinefotógrafa
Celiana Cárdenas AMC
Los retos como motor
Número 69 Septiembre - Octubre 2021
CONTENIDO NÚMERO 69
Celiana Cárdenas AMC ‘Brand New Cherry Flavor’ 31. ‘Brand New Cherry Flavor’ Fotograma. Celiana Cárdenas AMC
3. Santiago Sánchez AMC - En rodaje
16. Juan José Saravia AMC - El fruto de la perseverancia
45. Expo Foto AMC
58. Carolina Costa AMC, Apertura - 10 Preguntas a una cinefotógrafa
62. Sugerencias de lectura AMC
63. Agenda AMC
65. Redes Sociales AMC
Por Kenia Carreón y Milton R.Barrera Fotogramas de ‘Territorio’ y ‘Somos lo que hay’
Santiago Sánchez AMC, director de fotografía de ‘Potosí’ y ‘Perdida’, entre otras, habla sobre los detalles detrás de ‘Territorio’, la película más reciente de Andrés Clariond y comparte un poco de sus inicios en la industria y su paso por el Centro de Capacitación Cinematográfica.
“No puedo decir, como tal, que desde niño haya sentido un llamado al cine; sin embargo, sí tengo un momento clave en el que me di cuenta que era lo que quería hacer. En secundaria, llegó a mis manos una revista en la que hablaban de las dos escuelas de cine más populares de ese momento, CUEC y CCC y eso me llamó mucho la atención. Sin duda fue un gran descubrimiento, darme cuenta de que hay gente que se dedica al cine y que lo estudia”.
Poco a poco me empezó a llamar la atención y terminé pensando que dedicarme al cine podría ser un camino. Fui haciendo amistades que me introdujeron al mundo del cine y comencé a ir a las muestras de la Cineteca Nacional. Primero estudié Letras Hispánicas, sin embargo, después del segundo semestre, comenzó una huelga en la UNAM que nos dejó sin mucho que hacer.
No tardé en inscribirme en cursos de fotografía y de introducción al lenguaje cinematográfico. Después, apliqué el examen para una escuela de cine.” Más adelante, Santiago hizo examen en el CCC y fue admitido. “Lo cierto es que cuando entré al CCC no había pisado un set en mi vida”, confiesa entre risas.
‘Somos lo que hay’
Tal vez, una de las ventajas más grandes que te da estudiar en una escuela de cine, son las relaciones que vas generando con tus compañeros, no sólo de generación, sino de la comunidad estudiantil en general. Desde el primer semestre y desde los primeros ejercicios escolares, Santiago creó una buena conexión con el director Jorge Michel Grau (‘7:19’, ‘Perdida’).
“Empezamos a llevarnos bien; coincidimos en gustos, ideas y la manera de ver el cine. Congeniamos muy bien al momento de trabajar porque nos entendíamos y fotografié todos sus ejercicios escolares. Ahora, en el mundo profesional, hemos coincidido en repetidas ocasiones y esto para mi es un gran placer y honor”.
“Jorge y yo debutamos en 2010 con la ópera prima ‘Somos lo que hay’. La primera película siempre representa un reto grande, pero siento que supimos encontrar la manera ideal de contar la historia y hacerla interesante”.
‘Somos lo que hay’. Fotograma. Santiago Sánchez AMC
‘Somos lo que hay’ cuenta la historia de una familia de caníbales que se ve afectada tras la muerte del padre/ líder. Ahora quedará en manos de los hijos tomar la decisión de quién asumirá las tareas del ahora ausente, que les proveía de alimento.
Una de las primeras decisiones que tomaron con respecto a la película, fue construir un set pues la mayoría de las secuencias sucedían dentro de una casa. “Sentimos que no había otra manera de hacer la película, había que construir y fue una apuesta grande. Para ambos fue la primera vez filmando en set construido. Al final se trata siempre de ir creciendo juntos”.
La dupla de cineastas coincidió en la película ‘Perdida’ (2019).
‘Territorio’
El segundo largometraje de ficción del director Andrés Clariond (‘Hilda’, 2014), presenta la historia de Manuel y Lupe, -interpretados por José Pescina y Paulina Gaitán-, una joven pareja con la ilusión de tener un hijo. Los problemas inician cuando, después de probar diferentes métodos, descubren la esterilidad de Manuel. Empeñados en formar una familia, deciden recurrir a Rubén para ser su donador. A cambio de este favor, la pareja le permite quedarse en su casa, pero su presencia comenzará a provocar una presión en Manuel por proteger su hogar.
Como una gran casualidad, esta película trajo consigo el mismo reto que años antes tuvo con ‘Somos lo que hay’: la mayoría de las secuencias se situaban en el interior de una casa.
“Esta película sucede, en su mayoría, en un interior. Fue un tema importante el conseguir esa locación debido a que queríamos características muy peculiares. Buscamos mucho y no fue sencillo conseguirla. El reto en particular era que hubiera distintas posibilidades de encuadres dentro de la locación, es decir, que los espacios nunca se sintieran igual a pesar de ser los mismos”.
‘Somos lo que hay’. Fotograma. Santiago Sánchez AMC
El director regiomontano Andrés Clariond conocía el trabajo de Santiago Sanchéz por la película ‘Semana Santa’ (Alejandra Márquez Abella, 2015). Fue después de una plática entre el director y Alejandro Durán, -productor-, que surgió el nombre del director de fotografía. “Alejandro me sugirió con Andrés y a él se le hizo buena idea. Entré al proyecto cuando ya estaba un poco avanzado y tuve poco más de dos meses para trabajar en la preproducción antes de comenzar el proyecto. Fue un proceso complicado porque al principio se realizó a distancia, Andrés estaba en Monterrey y sólo venía una vez por semana. Yo anhelaba sentarme con él pero era difícil y en ese momento, el trabajo a distancia por medio de aplicaciones, como el Zoom , no era tan común”.
Una vez que se confirmó la locación principal el proceso fue más sencillo aunque, debido al poco tiempo de preproducción, las reuniones entre todos los departamentos fueron de manera intensiva y muy exhaustiva. “Tardamos en encontrar el tono visual de la locación, pues queríamos una casa que no fuera linda, un espacio poco acogedor. La diseñadora de producción, Lourdes Oyanguren nos propuso algunas refe-
rencias que nos hicieran sentir que esta casa en realidad era más como una madriguera; un espacio oscuro y reducido para enfatizar la apretada convivencia de los personajes”.
La evolución del lenguaje en favor de la historia
Además de funcionar como elementos técnicos dentro del cuadro, la labor de las cabezas de departamento, es transmitir emociones y sensaciones que acompañen la narrativa de la historia. En ‘Territorio’ Santiago Sánchez y el director abordaron la fotografía desde un punto de vista en el que la iluminación, encuadres, etc., reforzaran la psicología alrededor del personaje principal. Para esto crearon algunas reglas que ambos cineastas pusieron sobre la mesa:
“Andrés y yo, además de trabajar con algunas referencias, decidimos darle más importancia a las sensaciones que queríamos transmitir en cada cuadro. Entonces, mantuvimos la casa oscura procurando tener a los tres personajes en cuadro Con los primeros planos los encerramos aún más. Era importante que esto contrastara con los espacios mostrados en la fábrica donde trabaja Manuel en la que reinan los espacios abiertos, luminosos y estables”.
Sánchez optó por usar lentes esféricos Cooke y adoptar un AspectRatio de 2.35:1 que ayudaba a la composición. “Para mi era importante sentir el espacio alargado y claustrofóbico. Debíamos
‘Somos lo que hay’. Fotograma. Santiago Sánchez AMC
‘Territorio’. Fotograma. Santiago Sánchez AMC
SUMMILUX- C SHO T ON
THE FINAL SEASON
‘Territorio’
mantener a los tres personajes en cuadro porque ahí se van tejiendo las relaciones de poder, sobre todo entre Manuel y Rubén -interpretado por Jorge Jiménez-.
“Para mi, la historia nos lleva por el descenso a las tinieblas del protagonista. A Manuel, quien al inicio se presenta como una persona recta, sobria y luminosa, lo retratamos más desde ángulos bajos y centrado dentro del cuadro. Como norma o regla a seguir en cuanto a la iluminación, acompañábamos al protagonista en su viaje. Así que poco a poco, conforme la presencia de Ruben se volvía cada vez más fuerte, Manuel se iba orillando a algún lado del cuadro. Literal y psicológicamente estaban luchando por un territorio”.
“Además de esta idea de composición en cuanto a iluminación, se procuró que Manuel iniciara con más luz para que, cuando comenzaran a jugar las ideas de celos, envidia y traición en su mente, todo fuera tornándose más oscuro. Es decir, llevando a Manuel desde la iluminación casi frontal hasta las siluetas. En última instancia, lo que queda de nuestro protagonista es casi una sombra”.
‘Daraconocerlasbellezasylosvaloresindígenasde nuestropaísesundeberelemental.‘MaríaCandelaria’ emocionóalmundoentero.EnMéxico,lanochedel estrenolaabuchearon’.
El ‘Indio’ Fernández
Los retos detrás de cámaras
“Procuramos evitar las avenidas muy grandes y concurridas y la película se grabó en el Estado de México. Hubo un momento en el que agradecimos que hubiera una atracción urbana grande. En una escena, después de que Lupe y Manuel salen del balneario, la pareja sube a un camión que los llevaría a su casa. Ya teníamos una ruta establecida sobre la cual hicimos varias vueltas. En un punto, por alguna complicación vial, nos desviamos del camino principal y el conductor nos llevó a dar una vuelta más larga que la planeada. De repente, pasamos delante de una feria gigante que nos aportó mucha luz y colorido; no sabíamos que estaba ahí. Es una de esas cosas que se presentan de la nada y que permitió que la escena se sintiera diferente y mágica. Nos ayudó a afianzar la relación de los dos personajes para que después fuera más dolorosa la ruptura”.
“Recuerdo una secuencia en particular que no solo fue un reto en su realización, sino que, a la hora de editar, nos dio una sorpresa. La filmamos en hora mágica, tanto del amanecer como del anochecer, pues estaba consciente que contaba con poco tiempo para su realización. Un poco ingenuo, no pensé que en la mañana el alumbrado de las casas no es necesariamente igual que al anochecer. Al principio, mi intención era sacar los cuatro planos de esa secuencia en una única hora mágica, por lo cual sólo para ese día, solicité dos cámaras”.
“Llegamos a las 4 de la mañana a la locación y fuimos marcando cada uno de los planos. Casi siempre se usaron las dos cámaras juntas: una con un lente más abierto y otra con lente más cerrado. Marcamos altura y posición de tripié, el milimetraje del lente y nos íbamos al otro emplazamiento. Hicimos un ensayo de la secuencia con los emplazamientos designados para poder regresar y poner rápidamente la cámara donde iba. La realidad es que ya en la toma siempre pasan cosas y debes ser capaz de adaptarte a los cambios. Es por eso que, al final, también tuvimos que filmar en la hora mágica del atardecer.”
“Nos dimos cuenta de que en la mañana hay muchas menos luces porque la gente sigue dormida y las apaga. Por otro lado, en la tarde, como la gente viene del trabajo y prepara sus cosas para el día siguiente, las luces están prendidas. Cuando unieron la secuencia en edición, nos dimos cuenta que un plano tenía muchas luces al fondo, cosa que en el correspondiente no era igual. Al final usamos VFX para igualar el número de luces”.
“En la película hay secuencias que fueron muy complicadas para los actores, por ejemplo, las escenas realizadas en el balneario. Tomemos en cuenta que la película fue hecha entre diciembre y enero, lo que hacía que el agua estuviera helada. Yo entraba con un traje de neopreno y aún así sentía frío y los actores debían estar en traje de baño actuando como si fuera un día caluroso. Para la tercera toma ya no podían controlar el temblor en el cuerpo y tuvimos que ser muy rápidos. Entre toma y toma salían a calentarse para de nuevo a meterse al agua y filmar lo más rápido posible”.
Otro momento en el que se tuvo que recurrir al VFX fue en la pelea en el parque entre Rubén y Manuel. “En esta escena realizamos un plano secuencia en el que Rubén, armado de valor por la presencia de un amigo, le propina una golpiza a Manuel. Pusimos tierra fuller en ciertas áreas para crear el efecto de una polvareda que se levanta durante la pelea. En general, la toma nos gustó mucho, pero en la postproducción, Andrés sintió que una de las patadas no se veía real. Entonces se agregó un poco de “magia” para lograr que la pierna pasara por encima y se sintiera más real”.
La importancia de la locación
Muchas veces no le damos el justo valor a la labor del scouter. El encontrar una locación que se parezca a lo descrito en el guion y que esté dentro del presupuesto establecido, es una labor titánica y es una de las más importantes para todos los departamentos. Es aquí en donde el director puede planear sus escenas pensando en la geografía del espacio; donde el fotógrafo puede comenzar a imaginar el tipo de iluminación y encuadres que utilizará o si es posible aprovechar la luz. Para diseño de producción puede suponer el hecho de recrear completamente un espacio o solo adecuarlo con ciertos elementos de importancia.
“Uno de los retos principales a los que se enfrentó la producción, fue al de encontrar la locación del departamento con una característica más, además de las ya mencionadas, este tenía que ser accesible para poder transformarse fácilmente y hacer dayfornight.”
‘Territorio’ es una de esas películas en la que tienes muchas escenas “interior-noche”, pero no podíamos permitirnos tantos llamados nocturnos y teníamos que encontrar una solución. Francisco ‘Paquito’ Morales, mi gaffer , y su equipo de staff se encargaron de hacer un cover set gigantesco. Es decir, se cubrió todo el edificio para que la noche realmente se sintiera real. Teníamos un único spot donde esto no funcionaba: el cuarto del bebé. La ventana de este espacio apuntaba a una avenida con un puente y se notaban las luces de la calle y las puestas del sol”.
Santiago nos cuenta que pidió una modificación en la locación que puso nervioso al equipo de producción. “El espacio es muy importante en esta historia, el departamento es un personaje más. Era esencial que los cuartos y espacios tuvieran comunicación vi-
Cámara: ARRI Alexa Mini Óptica: Cooke Panchro S2
Cinefotógrafo: Santiago Sánchez AMC
Gaffer: Francisco ‘Paquito’ Morales
‘Territorio’
sual para que, sin importar donde estuvieras, alcanzaras a ver más allá. La cocina estaba cerrada y la única conexión de toda la casa con ella era a través de una puerta. Entonce pedí que hacer una abertura en una de las paredes para que la cocina quedara abierta. Al final, creo que este fue un gran acierto porque de esta forma todo el departamento tenía una conexión visual lo que aumentó capas a los encuadres”.
“Disfruté y padecí el estar anclado a un espacio tan pequeño en el que para emplazar la cámara debíamos mover todo; pensar en cómo hacer que no se volviera aburrido encontrando la manera de dar distintas atmósferas, sobre todo con las incidencias diferentes de luz. Colocamos estratégicamente algunas lámparas para que cuando los personajes pasaran por ahi, se iluminaran desde ángulos diferentes. Así se logró que fuera más dinámica”.
Para el director de fotografía es importante que exista una buena química entre su equipo de trabajo y prefiere compartir proyectos con las personas de confianza, aunque entiende que por agenda, puede llegar a ser complicado. “Lo que busco en un equipo de trabajo es que tengamos buena actitud y mucha química. Sobre todo un entendimiento de lo que la historia requiere para, de esta manera, estar en un mismo canal. Claro que doy por sentado el hecho del profesionalismo, puntualidad, etc. Creo que aquí en México tenemos un buen nivel en ese sentido”.
“Entre las cosas que más disfruté al hacer esta película, por un lado, fue presenciar el trabajo actoral de los tres protagonistas y acompañarlos en su viaje con la fotografía. En ‘Territorio’, el peso recae sobre los hombros de los actores”
Escoger los proyectos que más te llenan es importante para crecer como artista y cineasta. Para Santiago Sánchez AMC, la decisión radica en su interés por escoger proyectos en los que siente que puede aportar algo más. “Creo que el cine y la televisión me han dado la oportunidad de participar en proyectos que, además de apasionarme, me permiten aprender y sacarles el mayor provecho”.
Trailer ‘Territorio’ https://www.youtube.com/watch?v=zP-rbTTrm5Y
Trailer ‘Somos lo que hay’ https://www.youtube.com/watch?v=yE8GKvuCj9A
Sigue a Santiago Sánchez:
http://santiagosanchezsr.net/film
IMDB: https://www.imdb.com/name/nm2083787/ https://www.instagram.com/santiagosanchezs/?igshid=1i2pkelakwfjh
‘Somos lo que hay’ Santiago Sánchez AMC
‘Territorio’ Santiago Sánchez AMC
‘Territorio’ Santiago Sánchez AMC
JUAN JOSÉ SARAVIA AMC
El fruto de la perseverancia
Por Kenia Carreón y Milton R. Barrera Fotogramas de ‘Matando Cabos 2’ ‘Control Z’
Casi dos décadas han pasado desde que ‘Matando Cabos’, una de las películas mexicanas más icónicas, se exhibió por primera vez en las salas de cine. La cinta de Alejandro Lozano (‘Sr. Ávila’, ‘Control Z’), se ha posicionado como una película importante en la historia de nuestra industria. Hablamos con el director de fotografía Juan José Saravia AMC sobre su labor en la tan esperada segunda entrega:
‘Matando Cabos 2: La máscara del Máscara’, cuyo estreno será el próximo 2 de octubre a través de Amazon Prime.
‘Matando Cabos’ tuvo una incidencia muy importante en México. Creo que en su momento rompió paradigmas que hoy en día se han convertido en estándares del cine comercial. En ese momento nadie creía que este tipo de películas cómicas pudieran llegar a tanta gente. Hablar de esta segunda parte me emociona porque es como regresar a casa después de tantos años de espera y valoro mucho el haberme reencontrado con amigos. Es el proyecto que lanzó mi carrera.”
Un camino propio
Juan José Saravia AMC es uno de los directores de fotografía más activos en la industria cinematográfica nacional. Con más de 20 años de trayectoria, el cinefotógrafo se ha abierto camino en el medio audiovisual aportando su visión a proyectos que van desde los comerciales hasta el cine documental y la ficción. Es miembro activo de la AMC desde 2004 y es, en gran parte, gracias a él que hoy en día tenemos la fortuna de poder entregar a ustedes este material dedicado a la labor de los cinefotógrafos mexicanos, ya que desde 2009 y hasta 2016 fungió como editor de nuestra revista. Además, se ha convertido, junto a otros colegas, en pionero de la investigación, desarrollo y educación cinematográfica en México.
Juan José habla sobre su más reciente proyecto: ‘Matando Cabos 2’, sin embargo, para hablar de este proyecto, debemos contrastarlo con su primera entrega, que de alguna u otra manera, nos invita a conocer sus inicios en la cinefotografía.
“Afortunadamente, desde muy joven me llegó la curiosidad por la imagen. A los 17 años ya tenía claro que quería fotografíar algo, lo que fuera, pero en ese momento no sabía que existía el puesto de director de fotografía en el cine. Lo más lógico para mí era hacer una carrera en foto fija.
‘Matando Cabos 2’ Fotograma. Juan José Saravia AMC
Uno de mis hermanos estudió fotografía en la Escuela Activa y tomé la decisión de aplicar a esa misma escuela.
“Al mismo tiempo, tenía la presión familiar por hacer una carrera distinta que no estuviera relacionada a las artes y me registré en la Ibero para estudiar comunicación. En ese tiempo no existían tantas opciones para estudiar cine o algo relacionado con el medio audiovisual. Me aceptaron en la Ibero y, como lo mío era fotografiar, seguí a la par con mi carrera en la Activa. Creo que soy de los pocos estudiantes que se titularon en la Activa como profesional técnico en esa época”.
“Por azares del destino, mientras estudiaba en la Ibero, Busi Cortés (‘El secreto de Romelia’,1988), volvió a la escuela en busca de alumnos que quisieran participar como trainees en su segundo largometraje (‘Serpientes y Escaleras’, 1992). En ese proyecto también conocí a Georgina Terán, quien era productora. De casi 300 personas, pocos fuimos los afortunados en entrar a la producción. En esos años, uno de mis maestros de foto fija nos enseñó una película que me voló la cabeza: ‘Koyaanisqatsi’, de Godfrey Reggio. Recuerdo que al verla a los 18 años, quedé asombrado. Ningún diálogo, la música de Philip Glass y el poder de imágenes documentales ensambladas magistralmente, puso en evidencia que eso era lo que yo quería hacer el resto de mi vida. Me dí cuenta del poder del audiovisual”.
Dentro de la producción de la película ‘Serpientes y Escaleras’ terminé como segundo asistente de cámara y en ese momento comenzó una relación muy importante con la imagen”.
“La televisión me adoptó en un principio e hice mucho trabajo de iluminación para Canal 11 y Tv Azteca. Considero que fueron muchas “horas de vuelo” que aproveché. Para los que nos tocó trabajar con fotoquímico, entendemos que la creación de la imagen no se trata de atinar sino de aprovechar; usábamos 16mm y 35mm en TV y comerciales; aprendíamos las reglas y normas para usar o no ciertas emulsiones. Hacía todo lo posible por pegarme a los ingenieros y aprender los procesos que se requieren para la creación de la imagen. Todo comenzó por entender el proceso del Telecine, después la transferencia del análogo al digital. Esto me ayudó a comprender de una mejor manera la materia prima para crear un lenguaje”.
“La televisión me dio ventaja para entrar a la miniserie a la que veo como producir cine a alta velocidad, en donde tienes que preparar y prevenir muchas cosas para no sacrificar la calidad del cuadro. Lo verdaderamente importante es definir el lenguaje y después encontrar la manera de hacerlo”.
“Participé en una de las primeras series mexicanas, ‘Camino a casa’ (1999), producida por Patricia Arriaga y Gustavo Loza. Fue una miniserie de 13 capítulos filmada en 16mm, con presupuestos de TV pero en cine. ¡Era una locura! De ahí viene el tema de la preparación exhaustiva. Creo que cuando eres el outsider tienes que prepararte mucho más que tus colegas. Luchar contracorriente me ayudó a construir mejores propuestas y, precisamente, ‘Matando Cabos’ fue mi ópera prima después de 10 años de cortometrajes, videoclips y muchos comerciales”.
No existen coincidencias
Si bien, en gran parte las películas se encargan de regalarnos historias que pertenecen al terreno de lo fantástico o la ficción, no podemos negar que existe una magia intrínseca que rodea al quehacer cinematográfico durante su producción. Desde la energía que sentimos al entrar a un set, hasta aquellos momentos en donde lo imposible resulta capturado por el lente. Tantas historias llenas de “coincidencias” nos permiten encontrar en esta forma de arte algo más allá de lo que podemos ver.
Juan José Saravia recuerda que ‘Koyaanisqatsi’ fue una de las películas clave en su desarrollo como cineasta y comparte una anécdota relacionada a la trilogía de Godfrey Reggio que nos permite reflexionar en si acaso las coincidencias son más que solo eso.
“Para mi fue revelador que dos años después de ver ‘Koyaanisqatsi’ me topé con un director en mi escuela que estaba empezando un documental sobre la trilogía ‘Qatsi’, e inmediatamente me subí a ese proyecto. El trabajo de Reggio cimentó un precedente en el cine no narrativo,
tanto así que fue un parteaguas en la carrera de muchos cineastas. Afortunadamente me integré al proyecto y nos pusimos a trabajar en él. Fuimos a filmar a Nuevo México y Nueva York al estilo “guerrillero”, con latas de 16mm y la cámara de la escuela. Ahora lo recuerdo con gusto, pero eran otras épocas. Para cargar equipo era una locura, cajas enormes y pesadas. Aún así, este proyecto fue la mejor clase de cine que tuve. Aprendí de un esquema de producción casi inexistente; todo era: “Arréglatelas como puedas y vete a filmar...””.
“No teníamos mucho equipo y el dinero que se usó era el nuestro. Tristemente, me conecté fuertemente con un documental que no pudimos terminar debido al famoso “Error del 94”. La relación peso/dólar cambió abismalmente, el proyecto se frustró y no pudimos terminarlo. Sin embargo, es la mejor clase de cine que pude haber tenido”.
‘Mientrassigasintiendoalegríaenmitrabajo,continuaré,yeldíaenqueestaseacabeylleguelaúltima gransoleada,melotomaréconcalma.Tengolaluzquemehacecompañía,yluzhaysiempre’
‘Matando Cabos 2’ Juan José Saravia AMC
Reencarnaciones del método
Hace ya un buen tiempo que la revolución digital se integró al mundo del cine, dejando a los cineastas la oportunidad de escoger entre los haluros de plata o el pixel como un elemento más del lenguaje cinematográfico. Si bien el cine digital ha intervenido directamente en los esquemas de producción y financiamiento, el cine análogo sigue proyectándose como uno de los formatos con mayor gusto por parte de los artistas. Ambos sistemas tienen sus ventajas y desventajas; virtudes y problemas que deben tenerse presentes a la hora de escoger el mejor para tu proyecto.
“La experiencia de lo ocurrido con Godfrey Reggio y Philip Glass me dejó una gran lección y es que hoy veo al cine digital como una gran virtud y ventaja. La evolución en los sistemas de grabación me permite cargar en una cámara, toda la fábrica de Kodak o todo el laboratorio. Para los que nos tocó trabajar con el fotoquímico y entendemos la esencia de la creación de la imagen y nos tocó el proceso de la llegada del cine digital, debemos entender que ambos tienen lo suyo. Aprovechar lo que te ofrece cada uno me abrió un panorama que me ayudó a conseguir más proyectos”.
La primera parte de ‘Matando Cabos’ se filmó con 35mm y aprovechamos el momento para preguntarle al director de fotografía qué hubiera hecho diferente sí la película fuera a grabarse después de la revolución digital.
“Es una pregunta muy compleja y creo que debes verla desde diferentes perspectivas. El trabajar con película hoy en día es algo que, si bien no es muy lejano, sigue siendo un poco más difícil. El filmar con negativo te obligaba a mantener un rigor especial; era muy caro y el manejo apropiado del negativo es muy complejo. Irónicamente, en la actualidad tener un fotograma en 4K te obliga a respaldarlo tantas veces que cuesta casi lo mismo que si fuera 35mm, pero se ha perdido el rigor. La ventaja de la tecnología que tenemos ahora es que como director de fotografía, puedo tomar decisiones y verlas en set. ‘Matando Cabos’ y ‘Temporada de Patos’ fueron las primeras películas que se hicieron completas con Intermedia Digital en México. Yo preparé la película para hacerla fotoquímica y al último momento pudimos hacer el proceso de intermedia
digital. Sobre tu pregunta, tengo mis dudas, porque si me pusiera hacer comparativos pondría por ejemplo que para ‘Matando Cabos’ nos tardamos 28 horas en corregir toda la película. Sin embargo, en ‘Matando Cabos 2’, nos llevó cerca de 150 horas la corrección de color”.
“Me pongo a pensar en cuáles son las ventajas. Antes, ir al laboratorio era lanzar una moneda al aire, te encomendabas a tu santo favorito o hacías Kabbalah y esperabas a que todo estuviera bien con tu negativo”,- comenta entre risas- “Creo que con el cine digital en México y en algunos países de América Latina en donde hemos tenido una evolución importante, el cine digital nos ha permitido estandarizar y mejorar la calidad de los procesos”.
“Ahora que grabamos la segunda parte, lo que extrañé fue la falta de disciplina que te exige el negativo. Tengo un par de experiencias parecidas en cuanto a la necesidad de tener un control y rigor, independientemente del formato. Cuando filmamos ‘Matando Cabos’ se dañó un rollo entero con material expuesto. Gracias a la precisión de los reportes de cámara, ya sabíamos que escenas eran las que estaban en riesgo. Recuerdo que nos hablaron del laboratorio diciendo que se había ido la luz durante el revelado y no teníamos idea de cómo quedaría el material después de esto. El asistente de dirección nos dijo qué escenas estaban comprometidas así que en ese momento decidimos hacerlas nuevamente. Lo mismo podría pasarte con una tarjeta de memoria. El material pasa por muchas manos antes de llegar a su destino. Me pasó también en una película en la que se había invertido mucho en la escena. El día siguiente al que filmamos era festivo, por lo que el material se entregaría hasta la siguiente semana. Imagina nuestra frustración al saber que la tarjeta estaba dañada, con todo el material ahí. No podíamos volver a montar el set; esa secuencia se perdió. En ninguno de los dos formatos debes confiarte, la regla es ser riguroso con tu trabajo. Podría sonar muy militar pero es poner atención en el detalle del oficio”.
‘Matando Cabos’
La película de 2004 fue una gran oportunidad para muchos de hacer su ópera prima de largometraje, entre ellos, su director Alejandro Lozano y Juan José Saravia AMC. “Alejandro, mejor conocido como “el patas”, fue alumno mío antes de hacer la película juntos. Creo que toda la vida se quejará de que le puse 8, incluso ayer que lo ví, sigue sacando el tema..” dice Juanjo entre risas. “Básicamente, lo conocí en la Ibero. Nos asociamos en una productora y hacíamos mucho videoclip. Me atrevo a decir que no queríamos cambiar el cine en México, sino contar historias distintas. Así entramos en esta búsqueda por hacer una película diferente”.
“Tony Dalton, Kristoff Raczynski y Alejandro hacían su reunión de ‘Tortas locas’, título de trabajo de ‘Matando Cabos’. En esas reuniones contaban la película que le gustaría ver. Tenían un interés grande por contar historias y cada jueves se reunían a contar tonterías y sumaban personajes. Tony se dio a la tarea de hacer una recopilación de todas esas pláticas”.
“El patas es fan de la lucha libre y trabajamos en el tema de tomar la violencia con ironía. Al final del día, si describes la película, creo que por un lado puedes ver lo negativo de nuestro país en la trama con los secuestros, violencia,etc., pero al mismo tiempo te ríes. Los personajes están viviendo una tragedia, pero la situación en la que son presentados es lo que nos hace reír”.
“Tony conectó con los Rovzar; iban pasando el guion de mano en mano y Billy dijo “Vamos a producir”. Este proyecto ha sido uno de los más rápidos en cuanto a tiempo de producción. Era diciembre del 2002 cuando las pláticas iniciaron y en julio del 2003 ya estábamos filmando. Otros productores nos dijeron: “Están locos al gastar tanto en una película mexicana””.
“A pesar de los comentarios, Billy y Fernando le imprimieron el tamaño a la película, por ejemplo, con la secuencia del Estadio Azteca. En un el guion, estaba escrito que un coche chocaba y salía de cuadro. Ellos apostaron por hacerlo enorme, mostrar lo que se podía lograr en México. Ahora, esta escena se ha convertido en una de las más emblemáticas.
Aplaudo que llegara alguien a decir que podíamos hacerlo. El presupuesto era de 25 millones, el triple de lo que costaban las películas mexicanas en ese momento y la escena del Azteca, por sí sola, representó 1/3 del presupuesto total de la película”.
“Es muy bonito pensar que se juntó un equipo de trabajo con gente muy experimentada en producción y, por otro lado, estábamos nosotros, los chamacos. Y así nos aventamos a hacer una película donde cambiamos la forma de vernos como mexicanos. Para ser sincero, no sabíamos lo que habíamos logrado hasta el estreno.”
Para Saravia, no existe una ecuación para el éxito; este llega al hacer las cosas con pasión y ho-
‘Matando Cabos 2’ Fotograma. Juan José Saravia AMC
nestidad. “Yo tenía que demostrar que llevaba 10 años de saber cómo trabajar con el negativo. Lapelícula la hicimos con la misma cantidad de equipo con la que otras películas de la época se hacían, con la excepción de la escena del Estadio Azteca en la que se usaron 7 cámaras. Recuerdo la concentración de todo el equipo humano en ese momento. Sólo existía la posibilidad de hacer una toma, no podía salir mal. Una vez concluída la secuencia, salimos corriendo a liberar la tensión. Dijimos: “Todo esto está pasando porque se nos ocurrió una estupidez””. La función de la película era entretener y se logró el objetivo. A partir de ahí, me comenzaron a llegar mejores oportunidades para seguir creciendo como cinefotógrafo”.
Al director de fotografía le gustaría ver fortalecida a la industria cinematográfica mexicana, en donde la necesidad no lleve a los nuevos talentos a salir del país. Para Juan José Saravia estamos en un momento de cambio, en el que la producción de cine nacional cada vez se eleva más y los contenidos son de mejor calidad en términos de técnica e historia.
“Después de está película me invitaron a ser representado por una agencia en Los Ángeles pero le aposté a quedarme en México y no me equivoqué. Justo ahora estamos en la antesala de un nivel de producción muy grande. La cantidad de proyectos con inversión mexicana es impresionante, no sólo películas, también series, y cada vez crece más. Acá se hacen productos que trascienden”.
‘Matando Cabos 2’
Debido a que varios de los personajes de la primera entrega ya no aparecen en esta nueva película, ‘Matando cabos 2: La máscara del Máscara’, es en realidad un spin-off . “Nos quedamos con la esencia de lo fársico. Ahora contamos las historias que vivieron Tony, el Canibal y el Mascarita, previo a conocer a Jaque y al Mudo. Hicimos un homenaje a las películas de los luchadores, sobre todo a El Santo. Nos preguntamos cómo podíamos resignificar el cine mexicano de antaño. Desde la entrega pasada, creo que dejamos muy claro que estamos orgullosos de nuestro cine, de nuestras raíces. En ambas ocasiones tratamos de plasmarlo en forma entretenida y divertida a través de la sátira. Nos
burlamos de aquellos aspectos que no nos gustan, pero que en nuestra cultura están muy presentes”.
Una de las cuestiones que más atesora de esta experiencia, es la reconexión con la historia, con los personajes y con los compañeros de trabajo. “Dejé de trabajar con ‘el patas’ por varios años y cuando nos reunimos fue como si acabáramos de filmar otra película recientemente, nos sentíamos como peces en el agua. Lo que cambió fue que en estos casi 20 años, aprendimos el oficio. Ahora las cosas se resolvían mucho más agilidad. Sólo puedo decir que el rodaje fue increíble. Como dato curioso, justo el día que se realizó el screening para el equipo y actores, nos dimos cuenta de que 18 años atrás habíamos comenzado el rodaje de la primera entrega”.
Como muchas otras producciones, esta película pospuso su estreno en cines (planeado para 2020) debido a la contingencia sanitaria por Covid-19. “Matando Cabos 2”, tiene su estreno previsto para el 1 de octubre de 2021 a través de Amazon Prime Video.
‘Matando Cabos 2’ Juan José Saravia AMC
Tratamiento visual
Con respecto a los aspectos técnicos del proyecto, Juan José nos comenta que tuvo que cambiar un par de elementos, haciendo referencia a lo que usó en ‘Matando Cabos’. “Aquella vez usamos unos lentes High Speed , pero en esta ocasión me decidí por los Cine Lens de Sony. Como su nombre lo indica, son lentes de cine, finos, con alto contraste y poder resolutivo; son como una mezcla entre los Ultra Prime y los Master Prime”.
Con el fin de tener un mejor flujo de trabajo y una mejor practicidad dentro del rodaje, Juan José decidió comprar la cámara y los lentes. De esta manera , ya estaba familiarizado con el equipo y con lo que podría ofrecer; además de poder quitarse de encima el tema del presupuesto.
“Nos fuimos con la Sony F55 en formato Raw. No contamos con los recursos para tener color grading en set, por ello me quedé con el Rec 709 básico para visualizar, e iluminé a partir del Raw. Los LUTs se mostraban en pantalla y de esta manera teníamos una aproximación del look final. De ahí sacaba still y se lo mandaba al Patas para que viera el armado”. Juan José recuerda que los mayores retos de esta
película eran los numerosos efectos visuales de transiciones.
“Es una película un poco más simple, en el sentido de que no hay coches en el Azteca, pero teníamos el reto de cómo lograr que se mantuviera la monumentalidad mostrada en la primera parte. Esto viene definido por la estructura de personajes; hay persecuciones y explosiones”.
“Fueron muchas pláticas para llegar a los acuerdos de dónde hacer cada cosa, es decir, si en set o en estudio. Nos llegó a pasar que teníamos que explotar vidrios y los dueños de las locaciones no lo permitían. Por ejemplo, se decidió que las secuencias de coches se iban directamente a un foro con green screen. El reto iba más allá que solo lograr los reflejos y efectos como si estuvieran en una calle. Dentro del lenguaje, teníamos la intención de exagerar los elementos a conciencia para que parecieran mal hechos. Tuve oportunidad de realizar secuencias en blanco y negro al estilo de las primeras películas de luchadores. Es todo un reto lograrlo desde una base de color por lo que tuvimos que alterar el color desde el vestuario y el color de la iluminación en el set. Este look era parte de nuestra propuesta para homenajear las películas de los luchadores”. Uno de los aspectos visuales que se mantuvo en ambas entregas es el aspecto de 1:89.
‘Matando Cabos 2’ Fotograma. Juan José Saravia AMC
Proyecto AMACC -CONALEP
Juan José Saravia AMC a es un hombre interesado en la importancia de recibir una educación completa e integral. El director de fotografía se siente afortunado de haber coincidido con grandes maestros que aportaron a su desarrollo como cineasta. Como una manera de retribuir a este medio, se ha involucrado constantemente en la creación de cursos para mejorar la industria. “La educación siempre será un eje rector en mi vida profesional. Por ejemplo, en la AMC estamos empeñados en transmitir conocimiento para los que quieren dedicarse a este rubro del cine; nos ponemos a la tarea de hacer talleres en donde los alumnos puedan aprender haciendo. Además, por medio de esta revista podemos dar a conocer el trabajo de nuestros miembros y compartir nuestras experiencias detrás de cada proyecto. En este momento me encuentro trabajando junto a Guillermo Granillo AMC, AEC y Esteban de Llaca AMC, en conjunto con la AMAAC y el Conalep para crear especialidades profesionales técnicas en medios audiovisuales.”
El pasado 5 de agosto, a través de las redes sociales, se dio a conocer que que la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, y el Colegio Nacional de Educación Profesional Técnica CONALEP, llegaron a un acuerdo para que profesores del Colegio y profesionales de la industria audiovisual se unan e incorporen en sus planes de estudio asignaturas de cinematografía para que los alumnos se desarrollen en la industria audiovisual.
Habrá enfoque en diferentes áreas como vestuario, utilería, decoración, construcción y montaje e iluminación y tramoya. La persona encargada de coordinar estos talleres es la cineasta Lucía Gajá. El trayecto técnico de montaje de electricidad y tramoya está siendo diseñado por Juan José Saravia, Guillermo Granillo y Esteban de Llaca. “Buscamos que México se profesionalice más para crear una industria más fuerte, para que el nivel de trabajo sea de altos estándares”..
Juan José Saravia se encuentra grabando la tercera temporada de ‘Control Z’, una serie cuyo gran gran éxito fue igualmente inesperado.
“Netflix es reservado con números, pero sabemos que está trascendiendo fronteras y ya se está ha-
ciendo la traducción a varios idiomas, lo cual es sinónimo de que no sólo en México se está consumiendo”.
El maestro Saravia nos comparte está última reflexión con respecto al quehacer cinematográfico:
“Si haces tu proyecto como si fuera el primer proyecto de tu vida, le entras con todo. Sin duda lo peor que te puede pasar es creer que ya sabes como se hacen las cosas. Todos los días aprendemos algo nuevo. Me siento orgulloso de aportar algo al cine mexicano; igualmente me siento orgulloso de las películas que he realizado. Entre más avanzo y más aprendo, más me confirmo la necesidad de heredar lo que sé. Hay que apoyar a la industria. Observarnos; aprendemos y dejamos legado”.
Trailer ‘Matando Cabos 2’ https://www.youtube.com/watch?v=_iq1E8jLCm4
‘Control
Sigue a Juan José Saravia AMC: https://www.imdb.com/name/nm1455782/
Cámara: Sony F55
Óptica: Cine Lens Sony
Cinefotógrafo: Juan José Saravia AMC
Gaffer: Leonardo Julián
‘Matando Cabos 2’
Z’ Fotogramas, Juan José Saravia AMC
‘Matando
Cabos 2’ Juan José Saravia AMC
‘Matando Cabos 2’ Juan José Saravia AMC
‘Matando Cabos 2’ IJuan José Saravia AMC
‘Control Z, 2da. temporada’
Juan
José Saravia AMC
CELIANA CÁRDENAS AMC
Los retos como motor
Por Kenia Carreón y Milton R. Barrera
Fotogramas de: ‘Brand New Cherry Flavor’
El creador de las series ‘The ACT’ y ‘Channel Zero’, Nick Antosca, regresa con una nueva serie repleta de horror psicológico con la que busca regresar a las raíces del género. ‘Brand New Cherry Flavor’, la serie limitada de 8 capítulos, está basada en la novela homónima del escritor estadounidense Todd Grimson y, tras varios años de espera, la adaptación de Netflix ha demostrado ser un proyecto exitoso, no sólo para los amantes del género, sino para el público en general.
Celiana Cárdenas AMC Apertura, fue la directora de fotografía encargada de realizar la serie en su totalidad. “Los creadores de la serie, Nick y Lenore Zion, se acercaron a mi hace un par de años para que fotografiara otra serie de terror que hizo Nick llamada ‘Channel Zero’ (20162018).
Lamentablemente, para Universal en ese momento yo no tenía la suficiente experiencia en series y no pude entrar al proyecto. Dos años más tarde hice la serie ‘Diggstown’. Mientras trabajaba en la segunda temporada, Nick me contactó pues quería que fuera parte del equipo de su nuevo proyecto. Estando aún en ‘Diggstown’, me mandó el guión del piloto. Cuando lo leí me gustó mucho y me emocionaba la idea de participar, sin embargo, debido a que tenía mucho trabajo, presenté un pequeño board con mis propuestas Era una visualización rápida que realicé en un fin de semana. Aún así me aceptaron y poco después me presenté con la directora del piloto, Arkasha Stevenson con quien llegué a congeniar muy bien y nuestras aproximaciones al proyecto eran muy similares”.
‘Brand New Cherry Flavor’
Ambientada en los 90, ‘Brand New Cherry Flavor’, cuenta la historia de Lisa Nova, una aspirante a directora quien, después de llegar a Los Ángeles con la esperanza de dirigir su primer largometraje, es traicionada por su productor y por un mundo que creía ser capaz de ofrecerle una carrera en la industria norteamericana. Tras los desafortunados eventos que sufre durante su estancia en el país norteamericano, Lisa Nova se embarca en una venganza sobrenatural que se le acaba yendo de las manos.
Celiana Cárdenas comparte que, aunque no ha tenido mucha relación con el género, se sentía emocionada de poder experimentar con todas las posibilidades que el guion ofrecía. “Lo que me gusta de esta historia, es que buscaba salirse de la fórmula, del típico terror o thriller que se ha estado produciendo últimamente. Es una comedia oscura pero con un trasfondo de cuento de terror. Me encantó trabajar con este género. Gracias a la confianza de Nick y Lenore, me permitió total libertad de poder expresarme gracias a Nick y Lenore creadores de la serie a través de la luz y de los encuadres, basándome en lo que Nick y el proyecto requerían”.
Para la directora de fotografía, una de las cosas más importantes para un proyecto es establecer el lenguaje cinematográfico con el que se abordarán los elementos dentro del cuadro. Cada decisión es un medio del discurso que los realizadores quieren transmitir. Para esto, tanto Celiana como los directores y colaboradores, pusieron especial cuidado en cómo contar la historia.
Celiana dice que buscaron acercarse a una narrativa clásica donde la cámara permitiera transmitir la emoción que buscaban a través del encuadre y los movimientos. Se rompió con un estilo televisivo para crear algo más cinematográfico, siguiendo un poco el camino de Hitchcock, de Lynch y de Cronenberg, cuyas películas ayudaron mucho a encontrar el estilo de la serie.
‘Brand New Cherry Flavor’ Fotograma. Celiana Cárdenas AMC
Colaboraciones importantes
En el mundo de las series es común encontrarse con proyectos dirigidos por dos o más personas; sin embargo, en estos casos encontramos que los otros departamentos tienen un especial peso para mantener un lenguaje consistente y una narrativa continua durante todo el rodaje. Celiana Cárdenas fue la única directora de fotografía en ‘Brand New Cherry Flavor, por lo que su relación con las demás áreas resultó de gran importancia.
“Trabajé muy de la mano con los creadores de la serie. Entre ellos y yo mantuvimos la continuidad visual. En particular, cuando hablo con mis productores o directores sobre referencias visuales, prefiero acercarme más al trabajo de la pintura, arte conceptual y del fotoperiodismo. De este último, tengo acceso a diferentes aspectos de la realidad que puedo escoger para crear un estilo particular para mi proyecto.”
Entre los artistas conceptuales revisitados por Celiana están: el norteamericano Dan Flavin, en cuya obra se puede apreciar el uso de luces fluorescentes como instrumentos artísticos; el danés Olafur Eliasson, conocido por sus esculturas e instalaciones a gran escala realizadas con luz y el escultorMatthew Barney, cuya obra ‘Cremáster’
se centra en la transformación del cuerpo humano. “Lo particular de esta serie es que, además de tener como referencia lo fotográfico, me encontré con que mis referencias más fuertes estaban orientadas hacia la obra de artistas conceptuales que trabajan con la luz, el gore, el cuerpo humano y la sangre. Tienen una manera de demostrar el horror de una forma muy bella”.
‘Brand New Cherry Flavor’ demuestra que los proyectos audiovisuales (series, películas, cortometrajes, etc.), son un esfuerzo colaborativo, una unión de expresiones artísticas guiadas hacia un fin común. Para esta serie, además de los expertos en los departamentos de área, contaron con la participación de artistas plásticos y visuales importantes con el fin de explotar al máximo la narrativa.
En la trama, Lisa Nova es perseguida o acosada por seres paranormales, después de acercarse a Boro (interpretada por Catherine Keener). Uno de los artistas involucrados en la creación de estos monstruos, fue el pintor y escultor congolés Olivier de Sagazan, quien es reconocido por su obra ‘Transfiguración’. El trabajo de Sagazan es reconocido por la creación de personajes con los que logra producir un efecto escalofriante y grotesco. La obra mencionada es
en la que construye capas de arcilla y pintura en todo su cuerpo para transformar y desarmar su propia figura, la que aparece dentro de la serie.
“Con el diseñador de producción, Troy Hansen (Flash, 2017-2018), hubo una química muy buena porque resulta que, al igual que yo, también vivió en Los Ángeles en esa década. Teníamos muy claras las referencias y queríamos que el contexto histórico formara parte de las decisiones creativas. Todo dentro del set tenía una razón de ser”. “Utilizamos el color rosa para el departamento de Lisa por varias razones. En primer lugar, queríamos hacer sentir que su casa era un espacio “seguro”, donde podía resguardarse. El color nos ayudaba a remitirnos a un vientre; segundo, como referencia a la cultura popular de los noventa. Otra cosa interesante sobre esta locación fue que el rosa va cambiando de tono conforme se va transformando el arco dramático de Lisa y esto lo logré a través de la iluminación”.
Recursos visuales y técnicos
“Este proyecto para mi se trataba de moldear la luz, pues no es solo un elemento para iluminar un espacio, sino que nos ayuda a entender el “agujero de conejo” donde se mete Lisa. Tal como ‘Alicia en el país de las maravillas’, Lisa no se da cuenta de lo que provocó con sus acciones. Al final, se hechizó a ella misma. Haber realizado esta serie ha sido una experiencia única. Logré explorar un sinfín de recursos dependiendo del estado del viaje emocional de los personajes.
Había una mezcla de elementos que podía usar en favor de lo visual y me puse como regla el no repetirlos. De esta manera jugamos con la difracción de cristales, con reflejos, filtros de cámara y con mezclas de temperatura de color. Por ejemplo, en el segundo episodio, cuando ella comienza a tomar la poción, usamos un Lensbaby . En otro momento usamos vaselina directamente en el filtro; incluso, pintamos filtros manualmente para lograr los efectos que buscábamos”.
El director de fotografía Robby Muller (‘París, Texas’), fue una gran inspiración, sobre todo por el uso de tungstenos, mientras que Cristopher Doyle (‘In the Mood for Love’) fue inspiración para la mezcla de temperaturas.
“Durante los noventa en Los Ángeles, la iluminación no era con LEDs ni con sodios, era con lámparas de vapor de mercurio, justo como en ‘Paris, Texas’. Había luces fluorescentes por toda la ciudad. Todos estos tonos los busqué y estudié la forma de poder replicarlos mediante filtraje en Sky Panels y en las demás luces que llevábamos”.
La primera parte de la serie fue filmada durante cinco meses en Vancouver, donde se abordaron los interiores en locaciones y los sets construidos. “Iluminé con tungsteno y HMI. Parecía impráctico, pues le decía a mi gaffer: “Baja el 5k y ponle el filtro y la difusión”, pero para mi era muy importante. Siento que le da realismo, así era como se iluminaba en los noventa. “Los tungstenos los usamos para las noches y HMIs en el día. Por ejemplo, los tubos que se ven en ciertas
‘Brand
New Cherry Flavor’ Fotograma. Celiana Cárdenas AMC
Más lejos. Más fuerte. Más veloz.
Unidad manual inteligente de 5ta generación
Hi-5 es la unidad manual más sofisticada del mercado pues ofrece un confiable control inalámbrico de cámaras y lentes. Resistente a la intemperie y de sólida construcción, cuenta con un excepcional rango de enlace por radio y módulos de radio únicos e intercambiables para diferentes territorios y exigencias de rodaje.
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www.arri.com/hi-5
locaciones son luces fluorescentes con filtros que realmente pertenecen a aquella época; un momento de realidad entre lo que podía sentirse con la luz de los productos de esa época”.
Como muchas producciones audiovisuales del 2020, esta serie se vio afectada por la pandemia. La parte de Vancouver fue realizada en el mes de Marzo 2020, mientras que la parte de Los Ángeles, se realizó en Octubre del mismo año.
“Retomar el proyecto fue un poco difícil, sobre todo por todos los cuidados, las exigencias y los protocolos que se debían cumplir para poder estar en el set. Por ejemplo, nos hacían la prueba PCR a diario y sólo podían viajar dos personas en una misma camioneta. Por otro lado, a pesar de la dificultad, ya sabíamos y teníamos claro lo que necesitábamos de Los Ángeles; los exteriores nocturnos eran prioridad y necesitábamos congruencia y continuidad con los interiores realizados en Vancouver”.
Aprovechar la situación
Celiana Cárdenas prepara minuciosamente cada uno de los detalles dentro de sus proyectos y su experiencia como directora de fotografía, además del trabajo artístico, puede verse a la hora de to-
mar decisiones técnicas en relación al presupuesto. En algunas ocasiones no es posible tener la cantidad de luces que quisieras, para ello debes saber resolver en el momento aprovechando los elementos que tienes a la mano. Celiana nos comparte una secuencia en la que la locación ayudó a su iluminación.
“Hay una secuencia en la que Lisa y Lou están en un coche y la luz roja del semáforo se proyecta en la cara de ella; esa luz roja es el primer indicativo de que ella se encuentra en peligro. Más adelante va a un mirador junto con Lou y en ese mirador había una torre que emitía una luz roja. Yo no la planté ahí, pero aprovechamos ese momento y en definitiva aportaba mucho a la idea de que Lisa se encuentra en peligro al estar con ese hombre. En lugar de cubrirla, la dejamos ser parte de nuestro universo”.
‘Loúnicoquesignificaalgo,esloqueseveenlapelícula’ Ingmar Bergman
Justo en la escena del mirador, teniendo todas las luces de la ciudad de fondo, es que se nota una característica muy peculiar en el tratamiento de la imagen. “Decidí utilizar unos lentes híbridos: los Mini Hawks. Esta óptica tiene como característica un bokeh que no pertenece a los anamórficos ni a los esféricos. Es algo muy extraño y peculiar. Sólo existen 8 juegos de esta óptica en el mundo y logré trabajar con uno de ellos”.
“Probé varios lentes y desde el principio sabía que no quería lentes anamórficos. Probé con los Super High Speed -lentes construídos en aquella época-, sin embargo los Mini Hawk tienen la ventaja de ser macros”. La óptica se usó en conjunto con Sony Venice.
Diferentes tipos de terror
Para los realizadores era importante diferenciarse de las producciones actuales del género y encontrar una manera de homenajear el estilo de los 80 y 90, cuando el horror psicológico estaba en auge. Una característica muy peculiar de esta serie es la existencia de tres líneas narrativas: la primera es lo que le sucede a Lisa y su relación con los demás en el mundo material; la segunda es lo que vive Lisa dentro de su cabeza ( todo su mundo interno); y la tercera es la metaficción que existe en su trabajo como directora en el cortometraje ‘Lucy’s eye’.
“Para la parte de cortometraje tuve que pensar en algo que rompiera por completo con la estética visual del mundo real. Teniamos que enfatizar el hecho de que Lisa es una directora y para esto propuse que el cortometraje fuera en blanco y negro para hacerlo más puntual. Solamente se usó cámara en mano. El alto contraste fue un rompimiento total con todo lo demás de la serie”.
Algo verdaderamente interesante de las primeras dos líneas narrativas mencionadas, es la manera en la que abordan los elementos de horror y terror en cada una de ellas. La más distintiva es la psicológica, el mundo interno de Lisa. En este universo el horror está presente en las alucinaciones, las sombras o los elementos escatológicos que la atormentan. Por otro lado está el mundo real, que no es precisamente mejor que el otro. En este plano el horror está presente en una forma más cruel: violencia física y psicológica, acoso y abuso por parte de su productor y la gente cercana a Lisa.
Debido a la naturaleza fantástica del guión, era necesario que en todo momento estuvieran presentes un supervisor de efectos visuales y de efectos prácticos dentro del set. “Rosa Salazar (Lisa), vomitaba gatitos como parte del hechizo que realizó. Para esto, la actriz decidió meter el material con el que se daba el efecto de pelo en su boca para hacerlo más realista. Toda esa saliva que sale en pantalla es real. Al principio se realizaron pruebas para lograr, mediante angulación de cámara, un efecto de vómito, pero ella decidió hacerlo realmente. Al final los chicos de efectos visuales apoyaban con hilos atados a las marionetas de los gatitos para darles movimiento”.
‘Brand New Cherry Flavor’
Cámara: Sony Venice
Óptica: Mini Hawk
Cinefotógrafa: Celiana Cárdenas AMC Gaffer Vancouver: Trevor Crist Gaffer L.A.: Eric Fahy
Superando Retos
La corrección de color fue un proceso muy complicado para la directora de fotografía.
“Yo mandaba stills que tomaba directamente en set al colorista, pero el flujo de trabajo se vio afectado por el COVID y cuando se quiso retomar, todo esos stills se perdieron. Hubo una confusión con respecto a cómo se debería de trabajar. No me gustó hacía donde se inclinó la primera corrección y optamos por reiniciar el proceso para acercarnos lo más posible a mis stills”.
Otro reto al que se enfrentó Celiana Cárdenas fue al sufrir una fractura en el tobillo durante la filmación de la serie.
“Era de madrugada y el trailer estaba estacionado incorretamente. Bajé rápido y, por el desnivel entre las escaleras, se me fracturó el tobillo. Aún con el dolor, cumplí mi jornada laboral desde las 6 am hasta las 8pm. Solo al terminar el llamado me fui al hospital a que me atendieran. Fueron 6 semanas con muletas y una bota en el pie”.
“Me gusta rodearme y trabajar con gente que entienda lo que necesitamos como directores de fotografía para poder llevar a cabo todo lo que se requiere en un proyecto audiovisual. Cuando hablo con mi equipo, espero que todos entreguen el máximo. Existe una frase que me gusta para compartirla con mis colaboradores: `I don’t do good enough, I do great´ (`No estoy aquí para hacerlo bien, sino excelente´).
“A pesar de las dificultades, este ha sido uno de los proyectos más gratificantes por el simple hecho de que disfruté hacerlo; disfruté de jugar, de la libertad creativa y de experimentar con un género nuevo. Ha sido una experiencia increíble. Me recalcó la fortaleza que tengo e hizo hincapié en la gran pasión que siento por mi trabajo”.
Trailer ‘Brand New Cherry Flavor’: https://www.youtube.com/watch?v=wOzM3c33TVg
Sigue a Celiana Cárdenas AMC:
IMDB: https://www.imdb.com/name/nm0194595/ https://www.instagram.com/celiboy22/
‘Brand
New Cherry Flavor’ Celiana Cárdenas AMC
‘Brand New Cherry Flavor’ Celiana Cárdenas AMC
‘Brand New Cherry Flavor’ Celiana Cárdenas AMC
‘Brand New Cherry Flavor’ Celiana Cárdenas AMC
1ª Exposición de fotografía fija de la AMC Mirada íntima,
memoria
colectiva
Por Dunia Rodríguez
Fotos: Milton R. Barrera / Expo Foto AMC
La luz con su sombra. Escenarios, rostros, cuerpos, geometría. Instantes. La textura y sus contornos. El tiempo capturado. Un fragmento de la vida y su esencia asida en el papel. Eso y más muestran las 49 piezas de la Primera Exposición de Fotografía fija de la AMC que se exhibe en la Ciudad de México.
¿Una aventura o una nueva forma de interactuar entre socios y hacia el público? Sí, como también es una mirada al archivo íntimo de las mujeres y los hombres que integran la Sociedad Mexicana de Autores de Fotografía Cinematográfica.
En sus tres décadas de vida, la AMC junta por primera vez a la mayoría de sus integrantes en un proyecto común, en el que cada quien se presenta con una pieza que expresa su sentir del mundo. Una imagen con la cual denuncia, describe el caos o la ilusión o la rutina, una imagen que delinea la belleza o el infinito, la espera o la añoranza. La exposición inaugurada el 11 de septiembre en Dichroic Lab, surge como una necesidad de romper la relación virtual y con el letargo de estar en los proyectos individuales para inaugurar otras formas de comunicar y conocerse entre sí.
“Definitivamente son vasos comunicantes. Es como el lado b, el más cercano; como los pulmones y la sensación de respirar, de estar vivos. Es lo que nos conecta con vivir”, dice Iván Hernández AMC, promotor de la iniciativa junto a León Chiprout AMC y ambos parte del equipo de curaduría compuesto también por la curadora Estela Treviño y Mariel Baqueiro AMC. “Porque al final, la foto es el origen de todo, porque el cine al igual que la foto es una cuestión muy íntima, es el hecho único de la mirada propia”, afirma.
Abrir la exposición pasó por un proceso de siete meses que inició con la idea, seguida del diseño de los mecanismos de participación y la convocatoria. Un periodo que se antoja breve si se considera la novedad intrínseca del proyecto. La fortuna fue que cada fase significó un encuentro y el descubrimiento entre las y los socios desde una mirada distinta.
“Todo vino a raíz de la exposición a la que me invitó Dichroic Lab. Presenté dos imágenes y después León me dijo: ‘Hagamos una’ y todo mundo dijo sí. Luego vino Mariel, después Estela que nos ayudó a hacer realmente la curaduría”, narra Iván.
“Fue un proyecto en equipo que incluyó el trabajo exhaustivo de curaduría y producción para presentar la mirada única de los miembros de la Sociedad que participaron”, dice León Chiprout.
Foto: Milton R. Barrera
Pero antes estuvo el vínculo con el laboratorio Dichroic lab, que encabeza el fotógrafo Misael Rodríguez, quien a dos años de iniciar con su proyecto, abre las puertas a la primera exposición de la AMC.
“Es como el primer paso, es una prueba piloto y si todos los ejes se ponen de acuerdo podemos generar algo mucho más grande y darle realmente una exposición y difusión a grandes maestros que están dentro de la fotografía y que tal vez no conocemos”, expresa Misael Rodríguez.
Así, el vínculo AMC-Dichroic lab se concreta en la exposición que fusiona experiencias, se retroalimenta en técnicas e invoca la apuesta por explotar la fotografía análoga.
Día cero
A finales de marzo de 2021 los 88 socios de la AMC recibieron la invitación a participar en la exposición, para ello debían enviar un par de fotografías. En ese entonces, se establecieron periodos de entrega, selección de materiales y se determinaron los núcleos temáticos: retrato, abstracto, paisaje, blanco y negro, color.
“Desde el día cero creyeron en el proyecto”, aunque hubo quienes mostraron apatía, se abrió un diálogo que permitió romper con el letargo “de solo estar en tu lugar haciendo tus cosas y no encontrar mejores maneras de relacionarnos”, revela Iván Hernández AMC.
“Fue una invitación abierta en la Sociedad. Parte de mi genuino interés junto con León fue hacer cosas juntos, juntar fuerza, energía, juntar buena onda y promover otra manera de dialogar, otra manera de acercarnos a la comunidad cinematográfica, al público, a los jóvenes”, añade.
La respuesta se tradujo en que 49 de los 88 socios de la AMC, están presentes en la Primera Exposición de Fotografía Fija de la AMC.
Algunos decidieron no participar, otros dijeron no hacer foto fija, pero hubo quienes enviaron hasta 10 fotografías para la selección.
“Está bien, no es obligación, sino una cuestión de gusto. Realmente es un ejercicio, otra manera de entender que no habitamos como seres únicos, que la diferencia entre hacer cine es que la película proyecta, y con esta exposición escudriñas en tí y vas hacia afuera. Es una ventana hacia nosotros mismos”, anota.
Izq. a der.: Fito Pardo AMC, Juan Pablo Ramírez AMC, Mario Luna AMC, Iván Hernámdez AMC, Jano Mejía AMC e Isi Sarfati AMC
Eres tú y quien mira
Elegir un par de ejemplos del archivo de cada cinefotógrafo, supone un proceso complejo. Tirarse un clavado y revisar el material para decidir: son éstas, y de ellas quedar sólo una para la muestra, es quizá la etapa más rica del proceso, por la exploración y el descubrimiento.
Y es que durante los meses de preparación emergió una faceta distinta a la que se ve del cinefotógrafo en una obra diseñada a partir tanto de un guión como del trabajo conjunto con la dirección, actores, producción; el enorme equipo que está detrás de una película, un documental o un comercial.
Iván Hernández AMC explica que cada fotografía “es como un viaje al centro de la tierra, es entrar al núcleo, a la parte más esencial de la persona; cada fotografía es la persona que está abriendo su memoria”.
Porque, “en cada pieza hay un contexto y la persona ahí habitando el cuadro. Entonces es el cuadro por el cuadro y es la experiencia de quien mira, porque al final es tu memoria, tus gustos, tus miedos, el tú. Es lo que de alguna manera puede evocar o representar, entre comillas, este momento”, expresa.
Memorias colectivas
En la elección algunos optaron por enviar paisajes o retratos, incluso de sí mismos. Pero la idea era hurgar en la memoria, decir: “en este momento tengo un diálogo con esta imagen, porque hay algo, una memoria, una saudade o meramente el recuerdo”.
No se trataba del Director o Directora de Fotografía como personaje, sino cómo recogen y proyectan las múltiples capas que los habitan; el ser-estar-existir interactuando en matices, el tiempo propio traducido en luz. Es así porque la foto, manifiesta Iván Hernández AMC, “tiene que ver más con un estado de la conciencia, de algo que está ahí dentro y de alguna manera activa tu ser inmediato. Es una exploración sin guión porque el guión lo estás escribiendo todos los días, todo el tiempo”.
Tal es el discurso de la muestra. Un transitar entre el yo y el nosotros, la visión personal de un instante, un escenario o un personaje puesto en el viaje infinito de la interpretación. Un discurso como reactivo de memorias colectivas. Un discurso que, tras meses de organización, encuentra recompensa en el espectador que se sacude o vuela a otros lugares con la imagen de alguno de los cinefotógrafos.
Más de ellas
En la historia de la AMC, la Primera Exposición de Fotografía Fija marca el punto de arranque para impulsar otras propuestas tanto hacia afuera de la agrupación como entre los socios, que en esta actividad se encontraron y se descubrieron desde otra arista.
Sin embargo, antes de dar paso a nuevos incisos, como intentar una muestra más grande o una bienal o irrumpir en otros espacios, la valoración de este primer ejercicio aunque deja un buen sabor, tiene algunos pendientes.
Por ejemplo, la participación de más directoras de fotografía, porque de 49 piezas en exposición sólo seis son de socias, cuenta Iván Hernández AMC y reflexiona sobre este faltante no solo en la muestra sino en general en el mundo del cine.
En tal sentido, la ausencia no obedece al apremio del evento ni la convocatoria, sino a inequidades históricas que con gran fuerza están rompiendo las mujeres. Por ello, ver a más Directoras de Fotografía, definitivamente, es uno de los puntos por solventar en otras muestras, expresa.
“Creo que la satisfacción más grande es leer los comentarios de la gente que ha visitado la exposición. Se logró el cometido principal que era dar conocer la mirada del fotógrafo fuera del trabajo y simplemente como una pasión curiosa y sincera por ver y observar”, dijo Mariel Baqueiro AMC.
Por su parte, el anfitrión Misael Rodríguez, habla de fortalecer el vínculo iniciado con la exposición, ser recíprocos, compartir experiencias, hacer talleres y formar una comunidad fotográfica más amplia.
Así, mientras la exposición recibe visitas y se hace acopio de las anécdotas que llevaron a buen fin la idea provocadora de mostrar su lado b, Iván Hernández AMC anuncia que se baraja la propuesta de otra colectiva en un espacio mayor con alrededor de 100 obras y, por qué no... ¿una bienal?
Talento hay. Las siglas AMC arropan a los más destacados artistas de la lente quienes hoy comparten un fragmento de su vasto universo de imágenes.
¿Habrá una nueva oportunidad para el encuentro con la mirada íntima y profunda que desencadena la memoria compartida? Se sabrá en su momento, por lo pronto cada obra es un umbral a la seducción de los sentidos.
La Primera Exposición de Fotografía fija de la AMC se exhibe en la galería de Dichroic Lab, ubicada en Manuel María Contreras 66-PH 7, San Rafael, Ciudad de México. Está abierta al público del 11 de septiembre al 2 de octubre de 2021.
Esta exposición no hubiera sido posible sin la ivaluable ayuda de María de Jesús Reyes de CTT Exp & Rentals, Georgina Terán de EFD, Fernando Hernández de Revolution, Andrés Martínez de AMTEC, el equipo de Labo y el equipo de Dichroic Lab.
‘Estefindesemanapudeirporfinalaexposición defotoAMC.Mediotantogustoconoceresapartedeustedes.Estanpersonalcadafoto;lamaterializacióndecadadiscursopersonal,fueradela ficciónolacreaciónenequipoqueimplicaeltrabajocinematográfico.Nossentítanexpuestospero tansinceros.Disfrutarsusaproximacioneséticas, estéticasodesimpleexperimentación,fueinvaluable.Losadmiroymesientotanorgullosodeperteneceraungrupoqueustedesintegran.Quela luzsea,colegas’
‘Leon,Mariel,IványEstela,quierofelicitarlosmuycariñosamente.Creoqueestacomunidadrespondealasbuenasideas. ¡Quémásquehonraralafotografía,alaluzyalassombras!‘
Jerónimo Rodríguez-García AMC
Guillermo Granillo AMC, AEC
1ª Expo Foto Fija AMC
En este y los siguientes números de la revista 23.98, iremos publicando el total de las fotos presentadas en la 1ª Expo Foto AMC.
Sara Purgatorio AMC, AIC, Apertura
Técnica de impresión : Giclée
Título: L’albero silenzioso
Fecha: 2021
Lugar: Castel Giorgio, Italia
Mariel Baqueiro AMC, Apertura
Técnica de la impresión: Giclée
Titulo: S/T
Fecha: 2017
Lugar: Japón
1ª Expo Foto Fija AMC
Alexis Zabé AMC, ASC Técnica de la impresión: Giclée
Titulo: S/T
Fecha: 2017
Lugar: Big Sur, California
César Gutiérrez Miranda AMC Técnica de impresión: Giclée
Título: Hermanas
Fecha: 2017
Lugar: Cuauhtémoc, Chihuahua Comunidad Menonita).
1ª Expo Foto Fija AMC
Henner Hofmann AMC, ASC
Técnica de impresión: Giclée
Título: Bicicletas
Fecha: Diciembre 2020
Lugar: Venice, California, USA
María Secco AMC, Apertura
Técnica de la impresión: Giclée a partir de negativo 120mm
Titulo: No es noche de ahogarme
Fecha: 2018
Lugar: Morelos, México
1ª Expo Foto Fija AMC
Técnica de la impresión: Plata gelatina RA4 negativo
120mm
Titulo: Cantos
Fecha: 2021
Lugar: Bahía de los Ángeles, Baja California
Luis García AMC
Técnica de impresión: Giclée
Título: Lecho Nocturno
Fecha: Febrero 2013
Lugar: Bahía de San Ignacio , reserva “El Vizcaíno”
Baja California Sur
Iván Hernández AMC
1ª Expo Foto Fija AMC
León Chiprout AMC
Técnica de la impresión: Giclée a partir de 35mm película positiva en color.
Titulo: Gorda
Fecha: 1995
Lugar: Isla de Chipre
Mario Luna AMC
Técnica de impresión: Giclée
Titulo Distancias
Fecha: 2018
Lugar: Praga
CAROLINA
1.- ¿ Cuál es tu sueño de proyecto?
Siempre es el proyecto en el que estoy trabajando en ese momento; siempre. También, me gustaría hacer una película que pueda llegar a un público grande y diversificado, como las películas de aventura de los 80 y 90, o como las de Spielberg al principio de su carrera, que son películas que toda la familia podía ver en los cines pero que tenían profundidad, muchas capas.
2.-¿ Cuál es el reto más grande que has tenido en fotógrafía y cómo lo resolviste?
Uy, ¡fueron tantos! Serían muchas páginas para contestar esta pregunta, pero el más reciente fue en ‘Heroico’, la película que acabo de terminar, dirigida por David Zonana. Teníamos muchos exteriores y el clima fue muy inconsistente en la locació; muchas veces no podíamos filmar en las horas que queríamos. Fue un reto abrazar lo que nos daba la naturaleza y entender cómo podía hacer que fuera parte de la narrativa y no estar en combate con algo sobre lo que no tengo control. Después, el reto fue cómo llevar este look que teníamos a los interiores para tener continuidad con los tonos exteriores que habíamos hecho.
3.- ¿ Dejando de la lado la técnica, qué es lo que más te gusta de tu profesión?
Poder conocer mundos que me eran desconocidos, otros universos. A través de los proyectos puedo profundizar y valorar la multiplicidad.
4.- ¿ Qué nivel de decisión consideras que debe tener la o el colorista sobre la imagen final?
Creo que la o el colorista es fundamental para hacer crecer la película, darle alcance. Esta colaboración es tan importante como la del gaffer, por ejemplo. Las y los coloristas llegan al final del proceso y pueden tener una mirada más fresca del material.
5.- ¿ Con qué director te gustaría trabajar?
Me hubiera gustado trabajar con Antonioni, Bergman y Bresson. De los contemporáneos Paul Thomas Anderson y Jane Campion.
6.- ¿Cómo preparas una escena?
Primero me gusta entender por qué los personajes hacen y dicen ciertas cosas; la razón psicológica detrás de ellos. Después, entender de quién es el punto de vista. Esto es muy importante porque va definir en dónde va la cámara; hay pocos lugares para poner la cámara y contar la historia. La luz también viene de la narrativa; en parte es instinto, pero me gusta intelectualizarlo durante la preproducción. Ya en set, me gusta seguir mi instinto, dejarme influenciar por la locación y los actores.
7.- Cuando no sabes cómo resolver algo ¿a quién le preguntas?
En general a colegas en los que confío y de quienes conozco sus habilidades. Tengo un par de personas con quien hice la maestría y a los que llamo siempre ya sea para una situación política o técnica.
8.- ¿ Cuando hay mucho estrés en el set, ¿qué haces?
Salgo de set por 5 minutos y me imagino en un bosque. Lo más importante es no contagiarte, porque el stress es como un virus muy rápido.
9.- ¿Qué película te hubiera gustado fotografiar?
‘Drácula’ de Coppola.
10.-Si no fueras cinefotógrafa ¿a qué te dedicarías?
Creo que seria arquitecta o ingeniera civil.
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SUGERENCIAS DE LECTURA AMC
Te dejamos dos sugerencias para este bimestre y sigas enriqueciendo tus conocimientos sobre la cinematografía mundial.
Memorias de un cineasta
bolchevique
Autor: Dziga Vertov
Dziga Vertov, uno de los creadores más importantes de la vanguardia cinematográfica, fue uno de los primeros cineastas rusos en usar técnicas de animación y desarrollar ciertos principios fundamentales del montaje en el cine. Para Vertov el montaje es el alma de la película, el motor de su estética y de su sentido. Su teoría del Kino-Pravda (Cine-Verdad), inspiró futuras teorías y prácticas en una área fundamental del cine: el contacto directo del ojo de la cámara con el evento filmado, la verdadera realidad, al contrario de la ficción, que necesita del plató
Editorial: Capitan Swing Libros, S.L.
El péndulo
Precio: $472.00
La fábula cinematográfica
Autor: Jacques Ranciere
La caja televisiva no es el instrumento de “consumo masivo” que marca la muerte del gran arte. Más profundamente, más irónicamente, es el artefacto visual que suprime la distancia mimética y realiza, a su modo, el proyecto panestético del nuevo arte de la presencia sensible inmediata. Este artefacto no anula la potencia del cine sino su “impotencia”. Anula el trabajo de la contrariedad que siempre animó sus fábulas. Y la tarea del director de cine consiste en darle una vuelta de tuerca a ese juego mediante el cual la televisión “consuma” al cine.
Editorial: Ediciones Paidós Planeta de libros 16.00 Euros
AGENDA AMC
Octubre - Noviembre 2021
Te presentamos algunos de los festivales de cine que se realizarán este bimestre y que pueden ser de tu interés:
Festival Internacional de Cine
para Niños y no tan niños
Noviembre 7 al 13
El Festival Internacional de Cine para Niños (...y no tan Niños) es un proyecto cultural independiente que tiene como objetivo principal programar y exhibir cine de calidad de México y otras regiones del mundo para fomentar entre el público infantil el gusto por el cine y retroalimentar a las niñas y niños con la recreación de costumbres, inquietudes y cotidianidad de las niñas y niños en otras partes del mundo. https://www.lamatatena.org/inicio.html
25 Tour de cine francés
A
partir de Octubre 14
¡La mejor selección de cine francés contemporáneo festeja un cuarto de siglo! Como cada año, la 25° edición del Tour de Cine Francés llegará en a partir del 14 de octubre de 2021 y trae consigo 7 películas francesas que podrán disfrutar en 73 ciudades en la República Mexicana gracias a la Sala de Arte de Cinépolis. https://www.tourdecinefrances.com/ediciones_ del_tour/25-tour-de-cine-frances/
Festival Internacional de Cine de Morelia / FICM
Octubre 27 a Noviembre 1
Uno de los festivales más importantes de Latinoamérica en su edición número 19, tendrá desntro de sus actividades, ‘Impulso Morelia 7’, un espacio que propone un programa de largometrajes mexicanos en distintas fases de edición y postproducción con el objeto de generar un diálogo constructivo sobre las propuestas y ofrecerles visibilidad internacional. Etse año el Festival se llevará a cabo de manera presencial y online. https://moreliafilmfest.com
Festival Internacional de Cine de los Cabos
Noviembre 10 al 17
Como parte de las celebraciones del décimo aniversario este año abrieron una convocatoria a estudiantes, diseñadores y artistas gráficos de todo el país, invitándoles a pensar, crear y desarrollar un concepto visual que le brindara un rostro único e irrepetible a #LosCabos10. Este año habrá programación en linea y de manera presencial. https://www.cabosfilmfestival.com
REDES SOCIALES
Te invitamos a conocer y a seguir a algunos socios de la AMC a través de sus redes sociales.
Tonatiuh Martínez
https://vimeopro.com/user42885601/demotonatiuh-martinez-cine
https://www.instagram.com/tonatiuhmartinez/ https://www.imdb.com/name/nm1560990/
Gerardo Madrazo
https://www.madraxdp.com
https://www.imdb.com/name/nm1031048/ https://www.instagram.com/mr_madrax/
Fito Pardo
https://fitopardo.com https://www.instagram.com/fitopardo/ https://www.imdb.com/name/nm1831075/
Jerónimo Rodríguez-García
https://vimeo.com/jeronimorodriguezg https://www.instagram.com/jero_rod/ https://www.imdb.com/name/nm2128118/?ref_=fn_al_ nm_1
Carlos F. Rossini
https://www.imdb.com/name/nm1920796/ https://www.instagram.com/cfrossini/
Javier Zarco
https://javierzarco.com https://www.imdb.com/name/nm1439314/ https://www.instagram.com/javierzarco/
CONSEJO DIRECTIVO
CARLOS R. DIAZMUÑOZ PRESIDENTE
DAVID TORRES 1er VICEPRESIDENTE
ISI SARFATI VOCAL
ARTURO FLORES
SECRETARIO
CELIANA CÁRDENAS VOCAL
MARTÍN BOEGE 2do VICEPRESIDENTE
ESTEBAN DE LLACA VOCAL
ERIKA LICEA TESORERA
COMITÉ DE HONOR Y JUSTICIA
JUAN JOSÉ SARAVIA ALBERTO CASILLAS
HENNER HOFMANN
EMMANUEL LUBEZKI MIGUEL GARZÓN
NICOLÁS AGUILAR
ALFREDO ALTAMIRANO
JUAN PABLO AMBRIS
ALBERTO ANAYA
PEDRO ÁVILA
JOSÉ ÁVILA DEL PINO
MARIEL BAQUEIRO
FEDERICO BARBABOSA
GERARDO BARROSO
MARC BELLVER
DANIEL BLANCO
DONALD BRYANT
ALEJANDRO CANTÚ
LUIS ENRIQUE CARRIÓN
ROBERTO CORREA
CAROLINA COSTA
ALEJANDRO CHÁVEZ
LEÓN CHIPROUT
GABRIEL FIGUEROA
JACK LACH
ALEX PHILLIPS BOLAÑOS
CALDERÓN
SOCIOS HONORARIOS
TOMOMI KAMATA
XAVIER GROBET
MARIO LUNA
GERÓNIMO DENTI
SOCIOS
EDUARDO FLORES
MARIO GALLEGOS
DIANA GARAY
LUIS GARCÍA
RICARDO GARFIAS
FREDY GARZA
GUILLERMO GARZA
RENÉ GASTÓN
PEDRO GÓMEZ MILLÁN
CÉSAR GUTIÉRREZ
IVÁN HERNÁNDEZ
SEBASTIÁN HIRIART
PAULA HUIDOBRO
DANIEL JACOBS
ERWIN JAQUEZ
KENJI KATORI
ALBERTO LEE
JUAN CARLOS LAZO
JOSÉ ANTONIO LENDO
MATEO LONDONO
DARIELA LUDLOW
GERARDO MADRAZO
RODRIGO MARIÑA
TONATIUH MARTÍNEZ
ALEJANDRO MEJÍA
HILDA MERCADO
JAVIER MORÓN
JUAN PABLO OJEDA
MIGUEL ORTIZ
FITO PARDO
FELIPE PÉREZ BURCHARD
IGNACIO PRIETO
SARA PURGATORIO
SOCIOS AETERNUM
JORGE STAHL
EDUARDO MARTÍNEZ SOLARES
RUBÉN GÁMEZ
ÁNGEL GODED
GABRIEL BERISTAIN RODRIGO PRIETO GUILLERMO GRANILLO
JUAN PABLO RAMÍREZ
FERNANDO REYES
JAIME REYNOSO
JERÓNIMO RODRÍGUEZ
CARLOS F. ROSSINI
SERGUEI SALDÍVAR
SANTIAGO SÁNCHEZ
LUIS SANSANS
MARÍA SECCO
JORGE SENYAL
EDUARDO R. SERVELLO
PEDRO TORRES
RICARDO TUMA
EDUARDO VERTTY
EMILIANO VILLANUEVA
ALEXIS ZABÉ
JAVIER ZARCO
SANTIAGO NAVARRETE
CARLOS DIAZMUÑOZ GÓMEZ TAKASHI KATORI
AGUSTÍN
EDITORA
Solveig Dahm
EQUIPO TÉCNICO Y COLABORADORES
Solveig Dahm
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Alfredo Altamirano AMC
Kenia Carreón
Milton R. Barrera
Dunia Rodríguez
Eduardo ‘Tato’ Flores AMC
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Celiana Cárdenas AMC “Brand New Cherry Flavor’
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