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publicacion bimestral

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GACETA INFORMATIVA DE LA AMC. SOCIEDAD MEXICANA DE AUTORES DE FOTOGRAFIA CINEMATOGRAFICA S.C.

NO. 24 / julio-AGOSTo 201

Espacio Interior LA MUERTE DE UN METODO SUPLEMENTO ESPECIAL PT3

AZUL INTANGIBLE Taquillas y Antenas Mexicanas CARTELERA MAY / JUN

veintitres punto noventa y ocho fotogramas por segundo

DISTRIBUCION ELECTRONICA GRATUITA

Foto cortesía: Claudia Mera O.


editoral. sociedad mexicana de autores de fotografia cinematografica sc

E

ste es el número 24, lo que significa cerrar cuatro años de publicación bimestral ininterrumpida. Cuando iniciamos la publicación, el nombre de 23.98fps surgió porque la mayoría veía a la película como un medio de adquisición hegemónico y el mundo digital se veía lejano. Necesitábamos iniciar un proyecto para actualizar a los cinefotógrafos sobre el uso de las nuevas tecnologías. El nombre 23.98fps representa el vínculo entre ambos mundos, película y electrónica: CINE DIGITAL. Muchos nos vieron como una publicación que tenía que surgir; agradecemos a todos los que han creído en nuestro proyecto y que han sido testigos de estos 4 años que han permitido una vinculación entre cinefotógrafos, ha sido un medio de divulgación sobre nuestro trabajo y una vía para fomentar la actualización e interés por el CINE DIGITAL. Hace cuatro años el HD y 2K como resolución para exhibición eran tecnologías que estaban introduciéndose, la guerra entre tecnologías ha sido una batalla campal y hoy en día el futuro se vislumbra con un 4K como standard. Para el 2014 muchas salas a nivel mundial deberán cambiar sus proyectores de nueva cuenta, la TV en 4K ya es una realidad y eventos como es el mundial de Brasil o las Olimpiadas de Rio seguramente tendrán transmisión paralela en 4K en las ya comercializadas pantallas de 4K para el hogar. En Sudáfrica 2010 el 3D era la tecnología paralela que dejaba mucho que desear al requerir de lentes especiales, pero sentó precedente para la industria audiovisual; la cual buscará liderazgo en medios que lleguen directo al hogar, sea con la resolución que sea. Para una industria que tiene el reto natural de atraer audicencias nuevas a las salas, el tener una TV de ultra alta definición implicará un reto para redefinirse y buscar llevar a las salas mejores contenidos y tecnologías que no sea tan fácil tener en casa. Para muchos espectadores el ir al cine nos es un evento importante porque es el tiempo en el que concentras la atención y se supone que las condiciones de proyección son óptimas... aunque en muchas salas, los operadores dejan encendidas las luces de la cabina de control, el sonido no está al volumen indicado, la luminosidad está alterada y eso sin olvidar a los que no apagan su celular y que peor aún contestan llamadas dentro de la sala... para eso se inventaron los buzones de voz. ¿Qué será lo que consumirán nuestros hijos o nietos en las salas de cine o la TV? Muchos comentan que el aumento de resolución es cada vez mayor y será mayor, y es cierto, siempre ha sido así, desde que el cine se inventó ha existido una lucha

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por buscar el mayor tamaño de pantalla, mayor resolución, nitidez, por ejemplo el formato de 65mm o 70mm, estos sistemas, dependiendo de la patente, podían correr en vertical u horizontal. Al correr horizontal la superficie de proyección en algunos formatos, como el 65mm 8 perforaciones, el cual era más de cuatro veces el tamaño de super35mm y por lo tanto el triple de peso en las copias, cámaras más grandes, más costo de revelado, edición más compleja, en general mucho más caro por lo que muchas patentes pasaron a la historia; en definitiva han existido tecnologías con mucho más resolución, más color, más canales de audio, pero el mercado es el que definió la patente más popular, dejando al 35mm como estándar aunque existieran otras de mayor calidad. ¿Qué sigue? Quizá el hiper, ultra, mega resolución en 3D en el cual, por una extensa resolución de captura y óptica podría ser que el espectador sea quién escoja el encuadre amplificando y modificando la historia a placer, el editor entonces tendría que editar solo “MASTERS” y el cinefotógrafo solo exponer correctamente.

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Juan José Saravia AMC Coordinador de edición. Presidente AMC editorial@laamc.com

Foto cortesía:Carlos R. Diazmuñoz

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POR: Juan Jose SARAVIA AMC.

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ESPACIO INTERIOR

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a primer llamada oficial que recibí fue la de Rafa Cuervo, productor de varias películas internacionales y buen amigo con quién he trabajado en varias ocasiones. -Tengo un guión que espero puedas leer y el director quiere que tú hagas la peli- me dijo Rafa mientras yo estaba en un descanso del rodaje de la película “Ventanas al Mar” que estábamos filmando principalmente en Cozumel y haríamos unas escenas en Puerto Morelos, Quintana Roo, México. La pre-producción comenzaría en tres o cuatro semanas por lo que tendría que leer el guión rápidamente. Rafa me platicó la sinopsis durante mi breve llamada y entonces recordé que antes de viajar a la Rivera Maya, Philippe Caire, un exalumno que a pesar de haberlo criticado rigurosamente el día de su titulación en la Universidad, supo apreciar mi trabajo y ya me había invitado al mismo proyecto. Recibí el guión por mail. La segunda secuencia decía: Interior, Cuarto Blanco, Día. Conforme iba leyendo las primeras diez páginas no había indicios de que el cuarto blanco se ampliara o que dejara de aparecer un sin número de veces y sobre todo sin ventanas ¿cómo haríamos la distinción de día y noche?

__________________________________________________ IZQUIERDA. Poster de la película. Cortesía de: http://www.espacio-interior.com.mx

DERECHA. Momentos durante la filmación. Fotos: Juan José Saravia AMC / Cortesía: Glorieta Films

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-¿Blanco?,¿Qué tan blanco?, ¿Qué tipo de Blanco?- me preguntaba con cada cuartilla leída. Página 15 y solo un par de secuencias de un secuestro. Mi superego cineasta comenzó a atacarme, ¿Blanco?, ¿Todo, todo blanco? -¡ALTO!- me detuve en la lectura y regresé a la primera página a leer el guión como un espectador. La lectura fluyó pero mi sensación de que era un proyecto sumamente complejo no me abandonó. Esto era un gran reto, es el tipo de proyectos que me gusta realizar. -¿Rafa? Ya leí el guión, sí me interesa pero tengo que hablar con el director porque tengo muchas dudas- le dije al productor por vía telefónica. Unos días después en Puerto Morelos, en el día de descanso de rodaje, llegó el director con todo y una maqueta de escenografía en las manos.

__________________________________________ Momentos durante la filmación. Kuno Becker Rocio Verdejo (Espaldas sentada) Hernán Mendoza Juan José Saravia AMC director de fotografía Fotos: Juan José Saravia AMC y David Maruri / Cortesía: Glorieta Films

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-Hola, soy Kai, mucho gusto- me dijo el co-guionista y director del proyecto y colocó su maqueta blanca, una serie de papeles y abrió su computadora portátil sobre la mesa del restaurant del hotel. Más de dos horas estuvimos platicando. Me mostró muchos documentos en los cuales estaban todo tipo de cálculos de tiempo, acotaciones de las emociones de los personajes, diagramas que para mi, más que una guía de la peli, eran los planos arquitectónicos de un razonamiento de largo tiempo entre un grupo de jóvenes entusiastas que querían hacer bien una película. Acepté el proyecto y dos semanas antes, en la víspera de Navidad, comenzamos a trabajar en sesiones maratónicas para iniciar preproducción en tres semanas. _______________________________________________________________________________ ARRIBA IZQ. Estructura para escenas de secuestro dentro de la camioneta. ARRIBA DER. Juan José Saravia AMC, Carlos Sanchez Lira (extrema derecha) Fotos: David Maruri / Cortesía: Glorieta Films

ABAJO. Set principal. Combinación de temperaturas de color en el set. Foto: Juan José Saravia AMC / Cortesía: Glorieta Films

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________________________________________________________________________________________________________________________________________________________ IZQUIERDA. Alejandro Barrios (izq), Gerardo Taracena (mascara) Rocio Verdejo (espaldas), Hernán Mendoza, Raymundo Verde (Asistente de cámara) y Gerardo Manjarrez (Op. Steadicam). DERECHA. Rocio Verdejo SIGUIENTE PAG . IZQUIERDA.Textura de las paredes. DERECHA. Kuno Becker y Kai Parlange y algunas pruebas de color, textura, luces y sombras. Fotos: Juan José Saravia AMC / Cortesía: Glorieta Films

No se con exactitud en qué proporción Espacio Interior se desarrolla dentro del cuarto blanco, pero más de la mitad de la película eso seguro. Es decir que teníamos que contar una historia con más de 45 minutos en pantalla adentro de un espacio alrededor de 1.40m x 2.50m, fueron 4 semanas de encierro en un foro y es sin lugar a dudas uno de los retos más complejos de mi carrera.

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Sinopsis Situado en la Ciudad de México a principios de los 90, Lázaro, es un arquitecto que fue secuestrado y llevado a una casa de seguridad en el cual estuvo encerrado en un espacio improvisado por más de dos centenas de días. El paso del tiempo, sin referencia exacta del día y de la noche al estar confinado generó una fuerza interior para sobrevivir, ese es el desarrollo de la historia. Es la historia de un ser humano viviendo una situación límite, un historia que bien vale la pena contarse y sobre todo porque es una historia real.

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El encierro, historia de la vida real. Cuando comencé el rodaje, el significado de la experiencia del personaje de Lázaro no lo dimensioné en su totalidad hasta que casi un año después el secuestro se acercó a mi vida. Un familiar muy cercano, como el familiar de miles de Mexicanos que han sido afectados por una falta de sensibilidad en la humanidad, fue asesinado como mercancía que no logró “arreglo”. Amar la vida y buscar la libertad es lo que lleva a sobrevivir una situación límite, vivir cada segundo que la vida nos presta debería ser prioritario. Espacio Interior, durante la edición, corrección de color y demás procesos adquirió para mi, un significado diferente.

¿La luz? Era un hecho que en un espacio tan pequeño, cualquier foco iluminaría intensamente; todo el espacio se llena de luz de golpe, no había mucha opción, por lo que tuvimos que trazar una serie de paradigmas o ejes de transición. Necesitábamos apostarle al movimiento de la cámara, a construir un discurso con ejes de cambio dependiendo del momento dramático por el cual el personaje protagónico estaba pasando.

Textura Diana Quiróz y Gabriel Cortéz, nuestra diseñadora de producción y director de arte, trabajaron mucho el detalle, una gran ventaja para mi porque el espacio tenía la textura que sí funciona en el cine. En la vida real el material original era una colchoneta plástica blanca, utilizado como bajo alfombra; este material en cámara, con la luz tan brillante perdería toda profundidad y controlar la luminosidad

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entre el fondo y el personaje no generaba distancia porque cuando el foco estaba en nuestro actor, por lo menos al fondo tenía algunos detalles fuera de foco que marcaban algo de profundidad, con el material plástico nunca hubiera podido separar al personaje de las paredes. Durante todo el secuestro el arquitecto hace dibujos y anotaciones sobre la pared los cuales van armando un entramado que me permitió trabajar la profundidad. La ejecución y diseño de las ilustraciones los realizó Mariano Grimaldo. ¿NOCHE Y DÍA? Día tras día, confianza en el tiempo, hacer propio el espacio. Sin lógica de luz natural, para nuestro personaje encerrado en este espacio durante nueve meses el sol eran los focos, y la luna el resplandor de la luz que entraba por las rendijas de la puerta.

__________________________________________________ IZQUIERDA. Día y noche consecutivamente. DERECHA. KDT, Hernán Mendoza.

La cámara se mueve, como un testigo, trata de moverse con la misma dificultad que Lázaro. La evolución del personaje se refleja en la evolución de uso de lentes largos, telefotos y medios durante todo el proceso de secuestro. El espacio es claustrofóbico, incómodo, sin control, espacio opresor. Conforme pasa el tiempo y el personaje se adecua el espacio se agranda, toma una dimensión diferente, la certeza de conocer el espacio vital nos da espacio. Los recuerdos y la imaginación es lo único que nos saca del espacio confinado. La añoranza de la libertad y la mente de Lázaro es la que nos lleva a sus recuerdos y metáforas.

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Secuencia de FX Especial.

Fotos: Juan José Saravia AMC / Cortesía: Glorieta Films

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________________________________________________________________________________________________________________________________________________________ Luz modificada para las pruebas de vida. Estas secuencias fueron iluminadas con series navideñas. Fotos: Juan José Saravia AMC / Cortesía: Glorieta Films

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23.98 TECNICA Para las secuencias del secuestro filmamos diferentes puntos de vista Espacio interior fue realizada con negativo Kodak, 5219 Vision 3 500T fue y después se colocó el vendaje en post. Para los tiros interiores quela emulsión más utilizada. Trabajamos con óptica Master Prime de Zeiss ríamos ver a Lázaro sometido, visto desde un punto de vista imposible, la cual me permitió trabapara lo cual se reprodujo jar con muy poca luz. Hubo el interior de la camionevarias secuencias iluminata de acción en el estudio das con series navideñas con un chasis de una cay prácticamente toda la pemioneta similar pero sin el lícula la hicimos con luces toldo para que la cámara normales de alta potencia, pudiera estar arriba. Para para cualquier mexicano ver evitar grúas extras se hizo un foco de 500W o 250W una estructura con escalearriba de un puesto de carras de alumino a la cual se nitas es normal, le llamábale colocó un riel que manmos el “taquero” a un foco damos fabricar para que de 250W de tungsteno sin la cámara viajara de lado recubrimiento por lo cual la a lado en un perfecto “top luz emitida directamente del shot” (posición cenital) filamento producía sombras y utilizamos una cabeza duras y un segundo foco, lambda para poder hacer photoflood o fotolámpara el tiro cenital. tipo A de 250W entintado para luz de día fueron la luz En toda la película hay vaprincipal dentro del espacio rios efectos visuales, uno del cuarto blanco. El área de los más complejos fue de los celadores la iluminé una de las secuencias inicon otro foco “Taquero” de ciales en las que Lázaro 250W, estas tres fuentes de despierta de una ensoluz las controlábamos con ñación porque lo golpean dimmers independientes y con la cacha de un arma, _________________________________________________________________________________________ Foto: Juan José Saravia AMC / Cortesía: Glorieta Films recubríamos con difusión tuvimos que hacer la caídependiendo del periodo da de Kuno Becker tanto emocional del personaje. Al principio de la historia hay más sombras duras, en el espacio confinado como en la locación en el paseo de la Reforconforme Lázaro se adecua al lugar la luz se hace ligeramente más satinada. ma durante un maratón. Carlos Sanchez (gaffer) construyó junto con su

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23.98 equipo un sistema con el cual podíamos hacer que Kuno cayera en ambas locaciones con una velocidad relativamente similar para filmar la caída al piso a 150 cuadros por segundo y que la posición del actor y de la cámara fuera muy similar para hacer la transición de un espacio a otro en post. La disciplina de trabajo con negativo es sin lugar a dudas mucho más precisa que con la tecnología digital actualmente, todos los días realizábamos los procedimientos de calibración de cada rollo filmado, hoy en día pocas veces se ve una carta de color en set o un chart de alineación del visor.

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________________________________________________________________________________________________________________________________________________________ ARRIBA IZQ Y EXTREMA DER. Mariano Grimaldo: Te nos adelantaste en el camino. Tus ilustraciones quedarán en el recuerdo de todos nosotros y en el negativo que las capturó. Fotos: Juan José Saravia AMC / Cortesía: Glorieta Films

ABAJO IZQ. Momento durante la filmación. ABAJO CENTRO. Juan José Saravia AMC

Fotos: Juan José Saravia AMC y David Maruri / Cortesía: Glorieta Films

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AMC V E I N T I T R E S P U N T O N O V E N T A Y O C H O F O T O G R A M A S P O R SFOTO E GPORTADA: U N D OCARLOS DIAZMUNOZ 13


“ LA MUERTE DE UN MÉTODO ” ENTREVISTA CON MAYA GODED He usado muchas cámaras, según en que proyecto estoy trabajando, escojo el tipo de cámara que voy a utilizar, el tipo de acercamiento que necesito. Empecé estudiando fotografía con el formato de 35mm, me compré una NIKON, tardé mucho en juntar para comprarme una LEICA 8 que era una cámara para toda la vida, me importaba que fuera discreta y

chiquita, si te metías en zonas complicadas y lugares peligrosos era la ultima cámara que se querrían robar, nunca he sido alguien que cargue mucho equipo, lo básico un set de lentes el 35mm el 24mm y párale de contar, mejor estar cómodo y pensar el la situación que estas viviendo, qué vas a fotografiar y cómo , no invertir tiempo en estar cambiando de óptica.

Empecé un serie en la Merced , al principio me funcionaba muy bien la LEICA, porque me la escondía, entraba con las mujeres a hoteles y cuartos, me venía bien la cámara chiquita, pero después empecé a necesitar la cercanía, nunca he sido una fotógrafa veloz, la velocidad no me importa mucho, ya no quería ponerme la cámara en frente de los ojos porque sentía que la gente que estaba frente a mi sabría en que momento yo tomaba la foto, lo sentía como agresivo, me compre una ROLLEI en Donceles, usada muy económica y como estaba trabajando en la merced, me hacían broma que me iban a comprar una cámara mejor, nunca me iban a robar esa cámara,

cambié al negativo 6 X 6, lo cual me gusto mucho, me acostumbré, con el cambio sacrifiqué y perdí muchísimas fotos porque no es nada rápido, sacar doce fotos, cambiar de rollo era muy tardado, pero lo que más me importaba era estar viendo a la gente a los ojos en el momento de tomarles la foto, eso se volvió lo más importante, ésta es una serie en donde me están viendo mucho a mi, el 6 X 6 hacía que yo tomara las fotos un poquito más abajo que la altura de los ojos, me gustaba la forma de la cámara y le dio esa singular característica a este trabajo, así iba cambiando de cámara según las necesidades de cada proyecto.

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Me gusto el 6 X 6 de por si no me interesa ser muy rápida, pero quería un poquito más de velocidad, para otros proyectos utilice la Mamiya 6 X 6, veía el negativo en grande me encantaba ver en la hoja de contactos, en un negativo tan grande, ves muchas más cosas y el formato cuadrado me encanto, componer en el cuadrado es muy especial, en las series de fotos que tomé en 6 X 6 lo que quería era meterme en la persona, en su alma, este formato tan asfixiante me lo daba. Después llegó a mi vida el digital, regrese al formato 35mm, el mundo alrededor de las personas me empezó a interesar más, ya no era llegar nada más al alma y cerrarme entre esa persona y yo, el entorno se volvió importante y mi foto cambio. En la cámara análoga había flexibilidad en cuanto a formatos, que negativos usar y que tamaños y como podías ver el material, cuando cambié al digital era duro, pues las cámaras de formato grande digital son muy caras, mis posibilidades estaban en el 35mm y por ahí explore.

En la fotografía análoga algo que me gustaba eran los accidentes, soy muy distraída por lo tanto siempre tengo muchos accidentes, horribles algunos pues he perdido muchos negativos, pero lo bonito son los accidentes que te hacen una foto, los accidentes son importantes, un mal revelado una sobreimpresión sin quererla, la humedad adentro de la cámara , le acabas dando mucha importancia al accidente. Extraño también el cuarto de revelado meterme ahí con un tequilita, música, me borraba 7, 8, 9 horas, increíble como se me pasaba el tiempo ahí adentro, era un momento de concentración, donde realmente pensabas en las imágenes que habías tomado, la obscuridad , las fotografías apareciendo, el proceso que es largo, la impresiones de las fotos también las hacía yo, todo este proceso era un momento de reflexión del trabajo que estaba haciendo, de mis fotografías, no así el proceso tan inmediato que es el digital.

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Yo soy lenta y el proceso análogo siempre lo he sentido más cerca, por eso escogía cámaras complicadas, revelaba he imprimía yo y me tomaba el tiempo necesario para generar mis fotografías. Cuando la fotografía es rápida el proceso es menos reflexivo siento que mi trabajo no es el mismo, no me gusta tanto. Yo soy dada a obsesionarme con los temas, leo mucho me informo, oigo música hago investigación me nutro de muchos lugares, me tomo mi tiempo. Una cámara que me obliga a pensar, a que si me queda una sola fotografía en el carrete piense bien el momento del disparo, a que si cambio el rollo igual y se me va la gran fotografía, pienso que todo esto hace que reflexiones mucho lo que estas buscando. No quita que con el digital también he tenido accidentes, algunos afortunados, me fui a la frontera norte con un tema de prostitución y el ultimo día ya despidiéndome según yo estaba tomando fotos pero realmente estaba grabando, los clips son muy malos, pero la grabación la estoy incorporando a mi trabajo fotográfico, estoy haciendo un libro digital en el cual estoy incorporando algunas grabaciones. La fotografía digital es un proceso mucho más rápido, diferente, después de hacer las tomas te puedes ir a verlas inmediatamente, con el analógico si estabas de viaje no veías tu material hasta regresar , el no ver tu material hace que no estés tan preocupado de cómo salió, si se ve bien o no, te metes al tema y vives el tema, el momento, el ahora. Con el digital al final del día estas revisando material, creo que la espera y una vez mas la reflexión de lo que se esta haciendo me gusta más. Llevaba mucho tiempo queriendo hacer documental con sonido, las posibilidades que te dan las nuevas cámaras digitales de hacer fotografía y video me dieron la posibilidad de dar ese salto, siento que al ser la misma cámara hago los documentales como hago las fotografías, claro vas con un equipo de gente más grande, mas planeación, el sonidista por supuesto, siento que toda esta parafernalia siempre te frena un poco, a diferencia de la fotografía en donde vas más libre y más a tus tiempos, pero el aprendizaje de trabajo en equipo realmente me gusta. Mi paso por la Agencia Magnum fue toda una experiencia de mucha competencia de un confrontamiento con un mundo de profesionales, en donde importa mucho quien gana más y quien tiene el mejor trabajo, era un sueño para mi estar en esa agencia me enamore de la fotografía me enamore de Robert Capa, yo quería

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enamorarme de un hombre así, los ideales, la realidad, cuando llegué ahí era la guerra de Irak, la verdad es que me di cuenta de que no era exactamente lo que yo me imaginaba, fue interesante ver como se mueven las agencias extranjeras y las revistas, intente trabajar para algunas, pero me di cuenta de que no era mi mundo me gustan los proyectos a largo plazo, de más reflexión, no soy una fotógrafa que todos los trabajos me salgan bien, me tiene que interesar y pegarme emocionalmente. En este momento estoy haciendo puro video, desde que integre el sonido ya no quiero hacer las exposiciones como antes, tengo dos proyectos uno que estoy haciendo en la India para el cual ya llevo dos viajes, el otro en una cárcel vacía, todo lo hago con sonido, video y fotografía, quiero trabajar en mis próximas exposiciones con las tres cosas, mi interés por la foto también está cambiando, antes quería contar un tema y ahora con el video puedo contar historias, tengo ganas de jugar diferente. Llegue a un punto, donde me empecé a cansar, cosa que me pasó en Magnum, me empiezo a repetir, encuentras una formulita que funciona y me doy cuenta que me empecé a aburrir de mi fotografía y de mi misma, por eso busque el video y estoy buscando otras formas de acercarme a la fotografía.

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La fotografía se abre, ahora se valoran mucho las impresiones antiguas y el campo de la fotografía análoga no se ha cerrado del todo, el digital esta fuerte y las posibilidades creativas son cada vez mayores, en el campo documental que es de donde yo soy, cada vez esta más difícil, cada vez interesa menos, las exposiciones son muy caras los libros impresos lo son más y las posibilidades de mostrar un video en vez de una exposición o un libro digital que puede ser más accesible para un mayor numero de personas es lo que gana hoy en día. Es un constante ir y venir de adelante para atrás utilizando lo viejo en lo nuevo, hoy en día las fotografías impresas están muy valoradas, a un coleccionista le interesa más la plata sobre gelatina que una impresión digital que no se valora tanto. El cambio es bueno mientras puedas seguir jugando visualmente. El archivo de fotografías es un tema totalmente diferente, ya que en el digital tienes la opción de borrar tus fotografías, yo tengo el vicio de regresar muchas veces a la revisión de mis negativos, al encuentro de alguna imagen olvidada, en digital ya no sabemos que tenemos guardado y que se borro o que se perdió, es mas inestable. Lo que más extraño del viejo método es definitivamente el tiempo, que es otro acercamiento a la imagen, no es tan inmediato como el digital.

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Todas las agencias te piden fotografía y video, no se quien puede sobrevivir solo de fotografía, ahora los fotógrafos tenemos que estar abiertos a los medios electrónicos, antes te podían contratar para explayarte en un tema por un tiempo largo podías contar historias y tardarte un tiempo considerable, hoy nadie te da tiempo todo es en corto y con menos dinero. Las historias que te puedo contar con la película son puras desgracias, yo cuando estoy nerviosa no me salen bien las cosas; se murió mi suegra, yo estaba en un momento muy complicado, mi madre estaba pasando por un mal momento estaba deprimida, vivíamos en otro país estaba tronando con mi marido, estaba en un momento horrible, la hermana de mi esposo está casada con otro fotógrafo y es el fotógrafo oficial de la familia y no estaba, entonces me pidieron a mi que tomara las fotografías del velorio, les tome varias fotografías muy tristes, pero como yo sabía que me podían salir mal porque no estaba yo en un buen momento, agarre un rollo de color y lo puse en una cámara automática asegurándome de que no salieran mal las fotografías, mi esposo me preguntaba- ¿seguro que te van a salir?, ¿seguro? ¡ porque estas muy mal ! a la vez yo estaba trabajando en

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la Merced y le estaba enseñando fotografía a una niña, hija de una prostituta, le daba rollos tomaba fotos y después las comentábamos, las fotos eran divinas 12 años, llena de vida la sexualidad a todo lo que da, un ambiente bastante pobre, muy marginal en fin, pasaron unos días revelé los rollos, no los había visto, los empecé a revisar en un vuelo regresando a España porque estaba viviendo ahí, veo los rollos y casi me da un ataque, aparecía mi suegra muerta con toda la familia en un momento muy triste en una casa muy bonita en una zona bonita de Cuernavaca y en sobreimpresión estaba esta niña llena de vida en una casa muy pobre en la merced, todas las fotos estaban sobreimpresas, una amiga me dijo son las mejores fotos que has tomado en tu vida, yo las quería tirar y esconder para que nadie las viera nunca, me afecto muchísimo, era muy raro por un lado la muerte y por el otro la vida que estaba empezando para una niña de 12 años con toda su sexualidad y una mujer muerta mayor, el contraste era impresionante, bien lo sabía mi esposo que esas fotos no iban a salir, si no estuvieran en esta historia quizás las fotos si hubieran sido realmente obras de arte pues la combinación si era realmente particular.

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Todo este cambio en la fotografía ha generado que vea la imagen de una manera más abierta, antes era la imagen nada más y ahora me interesa la imagen en general, entendida como algo más complejo que una foto perfecta, siento que ahora es más importante la edición, hay tantas imágenes y de fuentes tan diversas que lo interesante es que vas a decir con todas esas imágenes, aquí entramos en un trabajo de selección muy fuerte, ¿que quieres decir? -¿qué estas buscando? El formato para hacerlo es lo de menos, habría que

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buscar una reflexión profunda, de cual es nuestra nueva relación con las imágenes y nuestro papel como creadores para abordar los temas que nos interesan. En vez de que nos entre la tristeza de que ya se acabó algo, veo la alegría de puertas y puertas que se abren para explorar y utilizar nuevos elementos no importa si es con un teléfono o una cámara de seguridad, no importa si viene la imagen de google maps o de la nube en internet, lo importante es tener algo que decir.

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“ LA MUERTE DE UN MÉTODO ” POR MANUEL CABALLERO Del Haluro al Pixel Un día por casualidad encontré tirado junto al basurero de un cine un pedazo de película, era la primera vez que sostenía en mis manos material como este, era una vieja copia en 35mm de alguna película que no pude identificar jamás. Tenía yo 13 años, y aunque me gustaba ver películas no pensaba en estudiar cine, es más, ni siquiera me interesaba estudiar. De cualquier manera estos 200 pies de material me fascinaron, me parecía increíble sostener en mis manos los cuadros que se proyectaban en gran tamaño en el cine. No era la primera vez que recogía lo que para algunos era basura y así lo atesoré en mi casa algunos años. Años después, al estudiar en la Universidad Iberoamericana, tuve la oportunidad de filmar alrededor de 70,000 pies. Tuve la fortuna de estudiar en una generación dónde todos mis compañeros eran

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Directores, y esto me dio la posibilidad de fotografiar una gran cantidad de proyectos. Entonces no imaginaba que la película se acabaría, la frontera digital parecía lejana todavía; por fortuna todos mis cortos y ejercicios de clase logré filmarlos en 16mm. Me fascina pensar que cuando miraba por el visor y pegaba mi oído al cuerpo de la cámara, escuchaba lo mismo que Gabriel Figueroa o Raoul Coutard, el sonido del motor de arrastre, o el golpeteo de la cinta en el chasis cuando se terminaba el rollo mientras la cámara seguía corriendo. Era un sonido que arrastraba la historia entera del cine y hasta ahora lo entiendo así. Filmábamos casi todos los fines de semana, cuando algún modernista proponía trabajar en HD pensaba burlonamente “esas cámaras son para grabar la Navidad o vacaciones familiares”. Pensar así ahora es una osadía por que sin saberlo, me burlaba de la tecnología que hoy me da de comer.

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Con muchísimo cariño recuerdo la primera charla que sostuve con Guillermo Granillo (AMC, AEC) la cuál me parece prudente mencionar. Memo me preguntaba “para tí, ¿cuál es la diferencia entre una Red One y el 35mm?”. Me atreví a enumerar una serie de especificaciones técnicas, que marcaban la diferencia entre ambos respaldos, Memo me detuvo y dijo “todo lo que dices es cierto” e inmediatamente me aleccionó “pero la más importante, es el alma”. Y es muy cierto, la película no sólo tiene alma, es un ser que vive, respira, tiene olor y textura. Una película filmada la puedes sentir, es un objeto material que apela a los cinco sentidos. Me siento muy afortunado de haber utilizado película, siento que pertenezco a una generación de transición, entre el fin de una era y el principio de otra, la era del haluro y la era del pixel. Agradezco que mi formación académica haya sido en material fílmico ya que me forjé con el rigor de la emulsión. Con lupa de contraste al cuello, exposímetro en mano y sin un monitor. Cuando terminé la escuela, fuera de los cortometrajes de algunos amigos que aún estudiaban, jamás volví a fotografiar un proyecto en película. En el primer spot que fotografié como profesional, el productor me pidió una lista de equipo y personal como proveedores con los que quería trabajar; lo único que era impuesto era la cámara: una Betacam SP. Esta decisión me desequilibró por completo, la primera pregunta que me hice fue “¿Que ASA es esto?”. Al terminar la junta salí corriendo a comprar un libro y me topé con el ASC Video Manual. Después de tantos pies filmados, me preguntaba “¿Cómo voy a exponer con esta cámara?”. Afortunadamente y por necesidad devoré mi nuevo libro para poder tomar el proyecto, el cuál me hizo darme cuenta desde entonces que filmar se estaba convirtiendo en un privilegio de los cinefotógrafos elite. Steven Soderbergh estaba por estrenar su película Che, el argentino, capturada en Red One, y el debate sobre el respaldo en el que capturó las imágenes, un sensor, permeaba entre los puristas del cine. Si bien es cierto que hasta entonces habían intentos anteriores de hacer películas en video, nadie puso a temblar a Kodak y Fujifilm como Jim Jannard, director de Oakley. En este contexto, ya estaba muriendo para mi, toda posibilidad de filmar y apenas me había graduado de la universidad. Los grandes discutían sobre las ventajas de utilizar película, pero sólo algunos de ellos seguirían filmando. Mi realidad ya giraba en torno al cine digital.

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Danzón No. 2 es un proyecto que marcó mi vida como cinefotógrafo. El cortometraje, proyecto de tesis de Guillermo Ortiz Pichardo, un compañero de la carrera, y ahora un gran amigo, se rodaría en 16mm, pero solamente contábamos con 6 latas de 400 pies provistas por la escuela y 2 semanas de rodaje compuestas de llamados nocturnos en su mayoría. La historia se desarrolla en un salón de danzón de la Ciudad de México durante los años 40, la gran era dorada del danzón. Una historia de pasión entre dos personajes arquetípicos del cine de oro mexicano contada exclusivamente con la pieza homónima del Maestro Arturo Márquez. Dado el concepto buscaba yo emular la estética cinematográfica de la época en que se desarrollaba la historia. Con Guillermo recorrí museos y rincones de la ciudad, buscando locaciones e investigando la estética de muralistas como Rivera y Orozco. La referencia estética más importante era el clásico Salón México de Emilio ‘El Indio’ Fernández. Era claro, al menos para mí, que este proyecto con su romanticismo por la época no podía ser registrado en pixeles. Una semana entera de llamados nocturnos  bajo la lluvia para filmar una secuencia de persecución, la protagonista huye del hombre que le rompió el corazón, desolada por los rincones emblemáticos del Centro. La primer noche era perfecta para filmar, cálida y sin lluvia, justo como exigía el guión. En la segunda noche llegó la lluvia para quedarse. Hice todo lo posible para evitar fotografiarla, por la continuidad de la historia. Evitaba los backs y para filmar uno de los momentos mas importantes de la película, creamos un techo con lonas, y secamos el piso de la calle con todos los minibrutos disponibles en el móvil. En el set del salón de danzón teníamos que filmar un plano secuencia que dura cerca de un minuto, la productora nos avisó al comenzar el día que no tendríamos steadicam. Ensayamos medio día con un dolly que simulaba flotar entre las parejas en la pista de baile, logramos la toma perfecta en el sexto intento, no solo creando la ilusión del steadicam pero también evitando toda la compleja tramoya creada para iluminar el salón. Dado que habíamos elegido Kodak vision2 200T 7217, para evitar el grano, requeríamos bastante luz. Este proyecto, con sus múltiples retos, me enseñó muchísimas cosas y le guardo mucho cariño. La pequeña cantidad de material nos obligó a ser muy precisos, a detallar la preproducción a un grado milimétrico, todo para capturarla en inmortal celuloide.

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Termino este pequeño texto pensando en las muchas dichas y enseñanzas que filmar me trajo, pero estoy a la expectativa de explorar todas las posibilidades que el digital tiene por alcanzar. Definitivamente el cine digital es la evolución natural del medio, con

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esto no me refiero a que sea mejor, simplemente creo que es diferente y admito con cierta nostalgia que extraño aquellas particularidades que solamente la película suponía; más allá de las diferencias técnicas, su alma.

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“ LA MUERTE DE UN MÉTODO ” La secuencia de sucesos siempre va acompañada de una gran dosis de emociones, el juego de la memoria nos permite visitar por un momento los viejos cajones donde guardamos lo vivido y lo sentido, me pasa con algunas películas y con algunas fotografías que generan el estallido de alguno de esos sucesos y con ellos afloran sentimientos, mismos que me recuerdan quien soy y de dónde vengo. Reflexión que me invita a compartir mis experiencias, ahora les hablare de mi primera experiencia en el cine español. En la escuela de cine, cuando miraba las películas Europeas tenía el sueño de algún día estar filmando en aquellos países que me fascinaban, lo veía tan lejano e imposible, no conocía ni había viajado nunca a Europa por lo cual estaba lejos muy lejos. Terminando la carrera por fin tuve la oportunidad de tan ansiado viaje, recorrí varios países entre ellos por supuesto España, trabajaba para seguir viajando tenia la esperanza de encontrar trabajo en cine pero con nada de experiencia eso era imposible a lo mas que llegué fue a servir cañas en un bar, apenas y juntaba para la comida del día y ahorraba para el siguiente tren, ahí tuve una Epifanía algún día vería en

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POR GUILLERMO GRANILLO AMC / AEC una gran marquesina de un cine en la Gran Vía el anuncio de una película en donde yo estuviera en los créditos principales. No se sí sirve de algo profundizar un deseo o tener la firme convicción de que algo va a suceder, pero en ese momento, el sueño se conservó y se mantuvo vivo durante largos años. Años más tarde, a través de Nela mi esposa tuve la oportunidad de realizar por fin mi sueño, ella conocía a todo un grupo de españoles con los que había trabajado en México entré ellos a Santiago Segura , las películas que había rodado con Ripstein gozaban de una buena fama en España, y a Santiago le gustaba mi trabajo, Nela me puso en contacto con Santiago y me llamaron para hacer la segunda parte de “ TORRENTE ”. Aquí empezó a concretarse ese deseo, llegue a España ya con unas cuantas películas en mis espaldas, pero era un territorio totalmente nuevo ,el crew mucho más pequeño y la manera de rodar totalmente diferente, recuerdo que me pidieron la lista de equipo que utilizaría para la película leyendo el guión que estaba lleno de efectos especiales y de acción, configure una lista a la usanza mexicana según yo

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protegiéndome un poco, la respuesta fue -¿Qué piensas ? que vamos a filmar “ BEN HUR ”, en España se filma con muy poco equipo y con muy poca gente. Llegué por fin a preparar la película y me fui acomodando a sus maneras y costumbres. Lo particular en esta película es que el director actuaba en un 90% de las tomas, lo cual tenía sus bemoles. Siempre había trabajado siguiendo las indicaciones de los directores con los que había trabajado, a sus órdenes, estaba acostumbrado a la pirámide mexicana en dónde la última palabra la tiene el director, aquí me enfrenté por primera vez a una situación totalmente diferente, empecé a trabajar pensando que se me diría cuál era el encuadre, la toma y el trazo escénico, claro a partir de ahí yo empezaría a construir los ambientes, pues nada, Santiago esperaba algo más de mi trabajo: solución, planteamiento, resolución, dirección, los primeros días nos atrasábamos mucho y no estábamos cumpliendo con los planes,

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estábamos filmando en Marbella y me llamaron a una reunión con el productor, el AD y Santiago, sus palabras fueron textuales, yo no necesito un director de fotografía, necesito una niñera, te pedimos que dirijas nuestros pasos, te vamos a seguir a ti, no tú a nosotros ¿creés qué puedes hacerlo? – En ese momento sentí que estaba fuera del proyecto, me sentía el más inútil , el más lento y el más extraviado, pero lo bueno es que el cine está lleno de retos, siempre he pensado que el fotógrafo esta para resolver problemas, no para crearlos y teniendo la escuela de don Arturo, pues nada, me amarré los pantalones y junto con Sergio Fco. AD me puse a la tarea de confeccionar la película, plano por plano hacíamos el shooting diario y descubrí algo que estaba muy oculto en mi personalidad, el don de mando, las maneras españolas son más toscas, no se pide nada por favor, se pide y la gente responde.

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Acostumbrarme a ensamblar una película con un montón de nuevos nombres, menos gente y en un territorio ajeno no es cosa fácil, pero a partir de que me soltaron las riendas la cosa fluyo de maravilla, cabalgué un poco desbocado pero con astucia. Mi única condición para hacer la película había sido mi asistente de cámara, me acompañó en esta aventura el gran Miguel “MIKE” Enríquez, nunca he tenido un asistente tan bueno como él, agradezco enormemente su capacidad técnica de llevar el foco y su ojo clínico para llevar continuidad, en ejes de luz y miradas. En ese entonces no existían, o más bien no estaban en uso cotidiano las cámaras digitales y para llevar un registro de fotografía utilizaba una Mamiya 6 X 6 , con back-polaroid y tomábamos polas cada emplazamiento, me acuerdo que el tener que sacar la cámara y tomar la pola nos hacía pensar mucho en cómo estábamos haciendo las cosas. Alguna vez me lo dijo Arturo: “El cine no se hace con la cabeza, se hace con la panza y más abajo”. Uno de los personajes clave en esta película fue el “ maquinista “

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así se le dice al que lleva el Dolly, este personaje Alfredo “ FREDY ” Díaz, ingeniero mecánico de profesión diseñó y construyó su propio Dolly “ La grúa mecano “ única en el mundo ya que solo existen dos, la que maneja él y la que lleva su hijo, tenía la particularidad de ser desde un rig para coche a convertirse en una grúa de tres metros para operador y asistente, cabía en una VAN pequeña y no necesitaba más gente para armarla operarla y transportarla, única y de una versatilidad enorme, creo que nunca vendió la patente a pesar de tener ofertas muy jugosas. La manera de trabajar en España me hizo reflexionar en los sistemas de trabajo a los cuales estamos acostumbrados, muchas veces pensamos que con más gente se solucionan las cosas más rápido, o que dar los llamados a ciertas horas nos va a hacer rendir más, o que los cortes a comer están en horarios que son parte de una costumbre, sin preguntarnos como realmente funciona mejor, me llamo la atención ver que todos los aparatos pesados tenían rueditas, que en vez de ser a 110 funcionan a 220, haciendo que el peso de los

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cables y la vida de las lámparas sea más ligero y más longevo respectivamente, y que los grupos de trabajo son más pequeños, es más pequeño el transporte y por lo tanto es más ágil el montaje y el desplazamiento en general, en México vamos atrasados pero al fin de cuentas ya se esta migrando al 220, el transporte es tan pequeño como tu lo configures, y estamos en la carrera para modernizar nuestras lámparas pero donde no hay manera es en la cantidad de gente, llevamos un pequeño lastre heredado de los sindicatos, en donde, los penaltis, las horas extras y los puestos obligados mandan

y dictan el ritmo del trabajo. Creo importante que los fotógrafos de hoy se fijen metas y expectativas pero no solo en las consecución de una linda fotografía, creo que hay que voltear a ver cómo hacemos el trabajo, cómo lo confeccionamos, afín de cuentas cómo lo producimos, tenemos que tener el tiempo para hacer de este trabajo colectivo algo más armónico, más rápido, más eficiente y por lo tanto más barato y pienso que simplemente es tener conciencia a la hora de diseñar nuestro trabajo, nuestras imágenes.

Aprendí de mis capacidades ocultas, el subir este escalón me llenó de confianza pues reafirme muchas de mis capacidades y una vez más el celuloide me acompaño en esta aventura, me dio la satisfacción de cumplir uno más de mis sueños, trabajar en España y no solo eso, una vez que se estreno la película estuvo anunciada por todo Madrid

y fue la mas taquillera en su año. Siendo autocritico, no es mi mejor película, ni es cine de arte, pero le tengo mucho cariño pues fue mi puerta de entrada a la industria española y fue una ventana muy importante para conocer otras maneras, otra gente y otros sueños de los cuales está plagada nuestra gran familia de cinefotógrafos.

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POR: Juan Jose SARAVIA AMC.

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AZUL INTANGIBLE

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on las videoconferencias via internet el mundo se reduce al verte frente a una pequeña pantalla para charlar aunque estés a más de 1,000 km de distancia de tu interlocutor. El enlace fue muy estable, tuve una muy larga charla, amena y muy interesante con dos grandes personajes que sin lugar a duda hoy se han ganado un lugar especial en la filmografía Mexicana al hacer uno de los pocos documentales subacuáticos de la actualidad nacional. Sin quitar el mérito al resto del equipo y sobre todo en un proyecto en donde la cinefotografía tiene dos autores involucrados: Santiago Torres como director de fotografía y Alfredo Barroso como cinefotógrafo submarino. Hago una excepción para concentrarme en la experiencia de fotografiar abajo del mar sin quitar el mérito a la fotografía de superficie que también implicó retos como fue una serie de tomas aéreas de varias zonas de la península de Baja California entre otros sitios, pero hoy enfocaré a la compleja y delicada tarea de la fotografía submarina. Mi llamada por turnos fue con Eréndira Valle y Alfredo Barroso, directora y cinefotógrafo submarino, ambos con cientos de horas abajo del agua. La charla con ambos fue extensa y trataré de resumir la basta experiencia que ellos tienen y sobre todo quisiera reflejar la pasión que transmiten en cada palabra, por el mar y sus habitantes. La complejidad de fotografiar debajo del agua, en un ambiente en el cual no somos naturales cualquier ser humano tiene que llevar un procedimiento minucioso y un equipo de supervivencia para poder estar ahí, en el campo de batalla y a este hecho hay que sumar la complejidad de dirigir, esperar y buscar que la actividad de vida marina confluya frente al lente.

___________________________________________________________________________________ Poster de la película. Cortesía de: http://elhornitomagico.blogspot.mx/2012/05/azul-intangible.html

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________________________________________________________ Cuadros de la película. Cortesía de: Erendira Valle / Alfredo Barroso

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________________________________________________________________________________________________________________________________________________________ Cuadros de la película. Cortesía de: Erendira Valle / Alfredo Barroso

Para Eréndira, el documental inició seis años antes, buscó por todos los medios a su alcance el poder realizar un sueño que la llevó a mudarse a la orilla del mar y dedicar una parte de su vida a producir AZUL INTANGIBLE, los costos de viajes a las islas Revillagigedo y otros sitios de buceo implicó un gran esfuerzo. ”Uno nunca sabe cuando van a llegar los bichos y tenía a todos los prestadores de servicio de buceo pendientes para que me dijeran cuándo llegaban las Móbulas y llegaron antes de tiempo con la mala suerte de que las Orcas llegaron al mismo tiempo y huyeron de la zona” Eréndira me platicó varias anécdotas, pero sobre todo me compartió su pasión por el mar, misma pasión que imprime en un documental que nos presenta escenas de la vida marina de muy alta calidad estética y técnica. Alfredo Barroso es uno de los mejores cinefotógrafos submarinos de la

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región y seguro con el tiempo llegará a ser uno de los más reconocidos del orbe, nacido en Cuba, hace mucho tiempo decidió irse a donde está la acción, el Mar de Cortés que alberga una de las variables más amplias de la biodiversidad marina del mundo. Basado en La Paz Baja California ha viajado a varios destinos teniendo grandes encuentros con muy diversos habitantes marinos: orcas, tiburones martillo, mantarrayas, móbulas y cientos de especies de peces que viven en el mar. AZUL INTANGIBLE es un documental que nos lleva por el noreste del país y nos adentra a las profundidades en donde móbulas, ballenas, tiburones y otras especies nos recuerdan lo activo, maravillos y a la vez frágil que es este ecosistema ahora. El documental nos lleva en una especie de road movie desde la ciudad de México hasta el mar de la zona noreste del país. Las imágenes captadas son reflejo del arduo trabajo que tuvo el equipo y muchas horas de buceo.

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Alfredo utiliza un housing Gates para su cámara RED, el cual le ha dado buen rendimiento para el trabajo submarino, aunque la mayoría del material de AZUL INTANGIBLE, según me dijo Erendira, se utilizo una cámara Panasonic P2. Aunque el documental tiene una mezcla de formatos se unificó bastante bien con el trabajo de corrección de color supervisado por Santiago Torres, Ariel Gordon y Fedra como colorista en sistema Davinci. La cantidad de tonalidades de azul cambia radicalmente entre el azul del agua en arrecifes y aguas no tan profundas a como lo son las aguas azules profundas de Revillagigedo. La estética visual de todo el documental es un extraordinario trabajo que compite a nivel mundial y pretende hacer conciencia de lo que tenemos en México. “No puede ser que en un país con tanto litoral y tanto mar no tengamos un uso virtuoso de nuestros mares, fuera de Australia no hay otro país que tenga la biodiversidad marina que tiene solo el mar de Cortés, podríamos hacer un uso más consciente de nuestros recursos” Eréndira asegura que podríamos ser una potencia al explotar los recursos marinos mesuradamente y nos falta mucha educación para cuidar los mares y no arrasar como muchos buques pesqueros que pescan de forma irracional e ilegal además para consumo en otros países, sobre todo asiáticos. Hace ya varios años en los que la producción fílmica nacional ha ido en aumento y sin lugar a dudas los proyectos de cine documental han ido ganando un espacio de calidad. AZUL INTANGIBLE llega en próximas fechas a algunas salas de cine del país y definitivamente vale la pena observar las impresionantes imágenes que lograron en este proyecto.

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_____________________________________________________________________ Cuadros de la película. Cortesía de: Erendira Valle / Alfredo Barroso

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23.98 Directorio coordinacion y diseno- editoral juan jose saravia amc coordinacion y distribucion claudia mera olguin CONSEJO DIRECTIVO amc juan jose saravia amC presidente

CARLOS DIAZMUNOZ - AMC vicepresidente

oscar hijuelos AMC vicepresidente

donald bryant AMC tesorero

jaime reynoso AMC secretario

Fito Pardo AMC Vocal

www.cinefotografo.com www.laamc.com equipo tecnico y colaboradores Juan JosE Saravia AMC Iniciativa AMC Ricardo CerdAn Claudia Mera o Jorge Montalvo Aguirrebeitia Eduado San MartIn Especiales GUILLERMO GRANILLO AMC ESUTAQUIO DEL RIO Gaceta informativa de la sociedad mexicana de autores de fotografia cinematografica sc publicacion electronica bimestral derechos reservados 04-2009-120312595300-203 sugerencias

editorial@laamc.com siscripcion gratuita

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mexico

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TEXTO Y FOTOGRAFIAS POR: EUSTAQUIO DEL RIO.

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Taquillas y Antenas Mexicanas

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omó lugar la experiencia para productores, en la cineteca nacional, la temática fue la pre-producción y el desarrollo de proyectos, dónde los ponentes fueron: Amat Escalante, Anna Roth, Alejandro Springall, Fernando De Fuentes III, Fernando León, Herminio Gutiérrez, Horacio Rodríguez, Joaquín Silva, José Rodríguez López, Juan Carlos Lazo, Juan José Saravia AMC, Juan Uruchurtu, Julián Hernández, Laura Imperiale, Leo Eduardo Mendoza, Leonardo Zimbrón, Luis Díaz, Luis Mandoki, Sandra Solares, Sebastián "Batán" Silva, SVS Asesores, Vanessa Hernández, Xavier Robles. Uno de los temas del seminario fue el financiamiento, para el cual realizó el siguiente análisis : Para poder hablar de desarrollo de un guión se debe hablar de cómo se va distribuir o comercializar, por ello es necesario este análisis. Comentaron los ponentes que sólo el 6.76% de ingresos en taquilla en cines Mexicanos, derivan de la producción nacional. El apoyo gubernamental es un arma de dos filos, si bien esta serie de estímulos y apoyos a la industria cinematográfica activan la producción, también generan una dependencia económica mermando la inversión privada en películas; en Hollywood existen fondos de inversión tales como Relativity media, los cuales invierten en una serie de películas a la vez, dividiendo así el riesgo de la inversión. Es decir: “no poniendo todos los huevos en la misma canasta”. En México existen muy pocos fondos privados, y los que existen son principalmente dependientes de “acreditadores” fiscales como IMCINE, inclusive algunas empresas Mexicanas o transnacionales no sólo aprovechan el estímulo fiscal, sino que piden ROI (Return on Investment). Sin embargo esto no es lo adecuado, ya que al invertir en la película ya deducen impuestos y además desean que esta acreditación fiscal sea rentable. Existen pocos fondos privados que no son dependientes del apoyo gubernamental en México, tales como integradora cinematográfica o videocine. Existen dos tendencias en la producción cinematográfica en México actualmente, la primera es el cine de autor y la otra el cine mas comercial. Una de las panelistas, Anna Roth comentó al respecto de la producción de cine comercial que; “ Deben haber películas Mexicanas comerciales que puedan retribuir económicamente al fondo proporcionado por el gobierno Mexicano, ya que esto hace que la industria sea más sana”. Muy pocas películas que reciben financiamiento gubernamental tienen éxito en taquillas quizás sólo el 5-7% de las películas nacionales exhibidas. Las películas comerciales son tan importantes como el cine de autor. La exhibición es quizás lo más importan-

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___________________________________________________ Poster del 8º Seminario de Experiencia para Productores. Cortesía de: http://www.cinergica.com/

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________________________________________________________________________________________________________________________________________________________ Entre los panelistas estuvierón: Fernando De Fuentes III, Laura Imeriale, Carlos Cuarón, Luis Mandoki, y José Antonio Elo, organizador del seminario.

te, ya que es la parte final en la vida de una película, su ultima tendencia. La razón por la que se crean es para que sean vistas. Como podemos ver actualmente existe una diferencia consistente entre la cantidad de películas que son producidas (112 en el 2012) y las que tienen éxito en taquilla. En gran medida se debe a las condiciones que la ley pone al duo-polio de exhibición que existe en México. Por un lado cinepolis con el 58% del Mercado y cinemark-cinemex con el 40%. Todavía en el 2009 eran 4 exhibidores, los ya disueltos cinemark y MM cinemas son recordados con añoranza. La ley que garantiza el espacio en pantallas no es efectiva en la práctica, y no existen sanciones para quién la quebrante. El Anuario Estadístico de Cine Mexicano del 2012 nos refleja los siguientes datos:v si bien el cine Estadounidense estrenó el 52% de las películas en cartelera, obtuvo el 89% de la asistencia, el 11% restante se divide entre Europa con el 2.90%, Latino-América con el .11% principalmente con películas Argentinas y el 6.67 de otros países Latinoamericanos.

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Estos números reflejan que aunque exista cine Mexicano o Internacional en cartelera, duran muy poco en cartelera y por ende generan muy poca asistencia, pocos ingresos para el distribuidor y productores al final de la línea de recuperación económica de lo invertido. Esto es por varios factores, por la planeación comercial de los exhibidores, por la promoción o publicidad que se le da a las películas y por las tendencias o gustos del púbico. Así mismo as películas extranjeras o Latinoamericanas, tienen por lo regular un contenido más cultural o reflexivo, lo que nos dice que la población Mexicana tiene poco consumo de cultura en nuestro país. Observamos que de acuerdo a datos de CONACULTA 6% de la población escribe algún texto literario al año, 27% lee un libro al año, pero el 75% les gusta el cine. El interés de cultura viene de la formación educativa de la persona y de acuerdo al reporte de competitividad global México, del Foro Económico Mundial ocupa el nivel 112 Educativo a nivel mundial. Estamos en un país donde sólo el 30% de los jóvenes tiene acceso a la enseñanza superior. Estas cifras nos indican que el Mexicano promedio al carecer de educación se siente más atraído al cine comercial e irreflexivo.

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La batalla entre el oligopolio de los estudios Estadounidenses, el cine Europeo, Latino y el cine Mexicano es muy difícil de ganar sin el apoyo de los exhibidores. En las salas de cine Nacionales, U.S.A. ingresó en taquillas $8,743,424,000,000 (en pesos) en el 2012, el cine Mexicano ingreso $612,949,000,000 y estrenó 112 películas, U.S.A estreno 276 películas . Es decir el cine estadounidense con poco más de la mitad de las películas, obtiene casi el 90% de la taquilla. Sin embargo poca gente en México asiste al cine, las salas se concentran en las ciudades, y sólo el 20% de los habitantes de las metrópolis asiste al cine frecuentemente. El productor de cine actual debe preguntarse desde el desarrollo de la película ¿Qué se quiere hacer con la películas?, ¿Ganar dinero?, ¿Promoción o prestigio? El prestigio se logra a través de nominaciones en festivales internacionales. Se podría sintetizar que una película es exitosa cuando 1) Logra una crítica positiva. 2) Qué es vista por mucha gente, reflejado en las taquillas 3) Aquellas que logran ambas, como ejemplo Amores Perros. Hemos observado entonces carencia de intres en educación y cultura en nuestro país. Ante una visión reduccionista en la que se ve a las industrias culturales como un gasto y no como una inversión detonante, ya que los Mexicanos tienen poco interés en Cultura, esto deriva de la educación. Esto se deben preguntar aquellos involucrados en el quehacer fílmico nacional.

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Se debe admitir que aunque IMCINE mantiene su carácter incluyente proporcionando fondos para películas de autor, culturales, y comerciales, atraviesa por un momento complicado a partir de la reducción de presupuesto federal designado para el presente año, ya que dejó de contar con $175 millones de pesos. Otra plataforma de distribución del las cintas es la televisión nacional, pero la ley consagra la desregulación del espectro digital en favor del duopolio mediático mexicano formado por Grupo Televisa y TV Azteca que concentran el 95% de la TV Mexicana, debido a esto las películas para la TV con transmisión en el extranjero son una opción de salida a la producción nacional. La manera de utilizar la TV como canal de distribución, dependerá de la apertura a producciones nacionales de nuevos canales de TV y de la apertura a la transmisión de este otro duopolio de las telecomunicaciones. Ante un escenario poco alentador en la industria del cine en México ¿Cual es la solución?,¿Son las salas de cine la única solución a la exhibición de la producción nacional? Ante el duopolio de las salas de cine existen otros canales de distribución, entre ellos el DVD, el cual es aun menos rentable, y va en decadencia, debido al

______________________________________________ ARRIBA. La cede fue la Cineteca Nacional. ABAJO. José Antonio Elo, dirigiendo las disertaciones.

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23.98 fácil acceso de las películas en línea. Por su parte la TV que tiene una creciente demanda de contenido. En el internet la tecnología actual facilita creación de paginas web de distribución o transmisión de audiovisuales y al igual que en el cine también se tiene que invertir en promoción para que la pagina sea conocida por el mercado. Quizás otra alternativa puede ser que los productores Mexicanos puedan realizar más mediometrajes o películas para TV estilo Hallmark para mercados extranjeros donde exista mayor apertura en la exhibición en cine y la transmisión en TV.

Derivado de la situación actual tanto en la taquilla como en otros canales de distribución es casi imposible que existan fondos de inversión privados para la producción de cine y por otro lado el gobierno Mexicano lo considera un gasto cada vez mas innecesario. El modo de pensar de apoyo gubernamental y privado es ¿Cómo voy a invertir en algo que no me retribuya económicamente? Ante los bloqueos para el cine nacional de parte de los duopolios en el Cine y la TV por estas empresas Mexicanas nos invitan a pensar en soluciones de distribución y transmisión.

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________________________________________________________________________________________________________________________________________________________ Otros de los panelistas fuerón: Joaquín Silva, Anna Roth, Vanessa Hernández, Juan José Saravia AMC, Horacio Rodríguez y José Antonio Elo.

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CARTELERA 23.98 que refleja lo etéreo e intangible de esta conexión, a partir de metáforas audiovisuales de sutil encanto para el espectador. FICHA TÉCNICA. Título original: AZUL INTANGIBLE Año: 2012 Duración: 70 min. País: México Director: Eréndira Valle Guión: Eréndira Valle Música: Richard Córdoba, Andrés Sánchez Fotografía: Alfredo Barroso, Josiane Dalcourt, Santiago Torres Productora: CUEC-UNAM / FOPROCINE / Atl Producciones Género: Documental SITIO WEB. http://www.azulintangible.com

SINOPSIS. Un viaje sobre y dentro del mar, que retrata el encanto y diversidad de las aguas del noroeste de México. Un equipo de documentalistas citadinos y buzos zarpan varias semanas en un barco, El Sandman, y descubren lo inédito: seres sorprendentemente grandes y amistosos, aguas llenas de vida, belleza y movimiento concentrados en reservas naturales del Golfo de California y el Pacífico, únicas en el mundo. De vuelta a la metrópoli se evidencia el vínculo natural entre los habitantes de la ciudad y el mar,

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SINOPSIS. En un pequeño rincón de Veracruz, el barro se convierte en vida y la sabiduría se convierte en vuelo. FICHA TÉCNICA. Título original: CANÍCULA Año: 2011 Duración: 72 min. País: México Director: José Álvarez Guión: Sebastián Hoffman, Jose Álvarez Música: Martín Delgado, Tomás Pérez, Esteban González Juárez

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Fotografía: Sebastián Hoffman, Pedro González Rubio, Fernanda Romandía Productora: Alacrán con alas Género: Documental

secuestro fetichista de la Depositaria de Carla por parte de Pedro, ex-pareja de ella que trata de sustituir al objeto perdido de su amor; y por otro lado la persecución y combate de las acciones de Los Impares, un grupo clandestino que trata de sabotear esta tecnología. Las cosas se complican para Cabal cuando, en vísperas de convertirse en padre, se descubre enamorado de Marcia, colaboradora de la Policía que resulta ser un agente infiltrado por el propio grupo que combate

REPARTO. Hermelinda Santes González, Esteban González Juárez, Mario García García, Sebastiana León Cerecedo, María Morales Hernández.

FICHA TÉCNICA. Título original: DEPOSITARIOS Año: 2011 Duración: 111 min. País: México Director: Rodrigo Ordoñez Guión: Rodrigo Ordoñez Música: Xavier Asali de la Mora Fotografía: Guillermo Granillo AMC Productora: De Cuernos Al Abismo Género: Ciencia ficción

SINOPSIS. La trama nos sitúa en un México en el que la Medicina, la Informática y la Genética han permitido acabar con el dolor físico y psicológico, filtrándolo a través de otros seres creados ex profeso para esta tarea, conocidos como Depositarios. Mario Cabal e Ignacio Pardo, dos investigadores de una División Especial de la Policía dedicada a perseguir los nacientes crímenes que se relacionan con la implementación de esta nueva tecnología, se ven involucrados en dos casos que terminarán por transformar por completo las nociones de vida de Mario Cabal: por un lado el

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REPARTO. Gustavo Sánchez Parra, Anilú Pardo, Paola Núñez, Alejandra Ambrosi, César Ramos, Humberto Busto, José Carlos Montes, Karina Gidi, Fernando Becerril, Tenoch Huerta, Juan Carlos Barreto, Claudia Ríos, José Sefami.

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CARTELERA 23.98 FICHA TÉCNICA. Título original: DESEO Año: 2011 Duración: 90 min. País: México Director: Antonio Zavala Guión: Antonio Zavala (Obra: Arthur Schnitzler) Música: Lila Downs, Iraida Noriega, Franz Zavala Fotografía: Esteban de Llaca Productora: IMCINE / Jade Films / Salvador Rocha & Asoc. / Brand Star / J.L. Caballero & Asoc. Género: Comedia / Romance REPARTO. Christian Bach, Ari Borovoy, Pedro Damián, Paulina Gaitán, Edith González, Paola Núñez, Gerardo Taracena, Leonor Varela, Geraldine Zinat, Lila Downs, Iraida Noriega, AngelKent, Allan Kent, Josie Agnesi, Franz ZK. SITIO WEB. http://deseothemovie.com/Desire.html

SINOPSIS. A partir de un encuentro casual entre una prostituta adolescente y un marinero, se sigue una cadena de relaciones entre personajes arquetípicos que representan los diferentes estratos de la sociedad polarizada en México, donde el deseo sexual, debido a la clase, el estado y los prejuicios raciales, nunca desarrolla el amor.

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SINOPSIS. Encerrado y vigilado en un cuarto de 3 x 1.50 metros, Lázaro se enfrenta a un aislamiento absoluto y por un tiempo totalmente indefinido. Entre la esperanza de ser liberado y la constante amenaza de ser ejecutado, la mente de Lázaro es puesta a prueba cada día. En este camino al filo del abismo, aparentemente no tiene nada, absolutamente nada a lo que sujetarse. Sin embargo, desde la pérdida, la privación y la cercanía con la muerte,

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Lázaro, a través de la aceptación de esta nueva realidad, con imaginación, y recordando sus sueños y recuerdos encontrará respuestas, amor y libertad en lo único que le queda: el espacio interior.

FICHA TÉCNICA. Título: FECHA DE CADUCIDAD Año: 2011 País: México Formato: 35 mm Color Duración: 100 min. Sonido: Dolby digital Director: Kenya Márquez Producción: Puerco Rosa, Secretaria de Turismo y Secretaria de Promoción Económica del Gobierno del Estado de Jalisco, Universidad de Guadalajara, Guadalajara Gobierno Municipal, Göteborg International Film Festival Fund (Suecia). Productoras: Karla Uribe, Kenya Márquez Productor ejecutivo: Héctor Zubieta Guión: Kenya Márquez, Alfonso Suárez Director de fotografía: Javier Morón Directora de arte: Sofía Carrillo Diseño sonoro: Nerio Barberis, Santiago Arroyo Editor: Felipe Gómez, Juan Manuel Figueroa Música: Mario Osuna, Alejandro Segovia Post productor: Pedro de la Garza

FICHA TÉCNICA. Título Original: ESPACIO INTERIOR Director: Kai Parlange Tessmann Productores: Carlos Corral, Alejandra Cárdenas y Rafael Cuervo Glorieta Films Compañías Productoras: Sin Sentido Films Productores Ejecutivos: Philippe Caire y José María Irisarri Idioma: Español Guión: Pierre Favreau y Kai Parlange Fotografía: Juan José Saravia AMC Música y Sonido: Javier Umpiérrez Edición: Alex Rodríguez, Kai Parlange y Jorge García Dirección de Arte: Diana Quiroz País y Año: México, 2012 Género y Duración: Drama, 87 min. Sonido: Dolby Digital Formato: 35 mm Estreno en México: 26 de julio del 2013 REPARTO. Kuno Becker, Ana Serradilla, Hernán Mendoza, Gerardo Taracena, Rocío Verdejo, Marina de Tavira SITIO WEB. http://www.espacio-interior.com.mx

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SINOPSIS. La vida de la viuda Ramona se desequilibra cuando desaparece Osvaldo, su único hijo. Su búsqueda le lleva a pensar que Genaro, un patético multiusos que colecciona la nota roja y con quien se ha topado en el servicio forense, está relacionado con la desaparición de su hijo, pero la llegada de la atractiva y joven vecina Mariana, quien parece huir de algo, la dirige a nuevas pistas. Uno y otra acabarán en la mira de la obsesiva y paranoica Ramona.

REPARTO. Ana Ofelia Murguía (Ramona), Damián Alcázar (Genaro), Marisol Centeno (Mariana), Martha Aura (Milagros) Eduardo España (Osvaldo), Jorge Zárate (Forense), Catalina López (Empleada de perfumería) Laura de Hita (Empelada de zapatería), Eduardo Villalpando (Gordo). SITIO WEB. http://fechadecaducidadpelicula.wordpress.com

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CARTELERA 23.98 Director de Fotografía: Lorenzo Hagerman Edición: Natalia López Sonido Directo: Catriel Vildosola Diseño de Sonido: Sergio Díaz Mezcla de Sonido: Vincent Arnardi Arte y Vestuario: Daniela Schneider Productor en Línea: Nicolás Celis Producida por: Mantarraya, Tres Tunas En asociación con: Nodream Cinema Coproducción: Le Pacte, Foprocine – Conaculta, unafilm, Lemming Film, Ticoman, IKE Asistencia Con el apoyo de Fonds Sud Cinema, Film und Medien Stiftung NRW, The Netherlands Film Fund, Sundance / NHK, ZDF Arte País: México REPARTO. Armando Espitia, Andrea Vergara, Linda González y Juan Eduardo Palacios SITIO WEB. http://mantarraya.com

SINOPSIS. Estela, una niña de 12 años, se acaba de enamorar perdidamente de un joven cadete que se quiere escapar con ella y casarse. Al intentar cumplir este sueño, su familia tendrá que vivir la violencia que azota la región. FICHA TÉCNICA. Título Original: HELI Director: Amat Escalante Guión: Amat Escalante y Gabriel Reyes Productor: Jaime Romandía En asociación con: Amat Escalante y Carlos Reygadas

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SINOPSIS. Algunas veces, cuando al luna es propicia y una madre, arrastrada por un profundo deseo, pronuncia las palabras indicadas es posible que el alma de una hija salga del limbo y ronde sobre la tierra, como cuando estaba viva. El conjuro es inmediato y, en cuestión de segundos, se da la magia: de entre las olas surge la joven que ha revivido para cumplir su mayor deseo y después, regresar complacida al mundo de los muertos y acabar con la pena de los sueños rotos que dejó su muerte.

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CARTELERA 23.98

FICHA TÉCNICA. Título original: LLUVIA DE LUNA Año: 2011 Duración: 90 min. País: México Director: Maryse Sistach Guión: Maryse Sistach, Consuelo Garrido Música: Eduardo Gamboa Fotografía: María Jose Secco Productora: Producciones Tragaluz, S.A. de C.V. / FOPROCINE / IMCINE Género: Drama / Fantástico

FICHA TÉCNICA. Título Original: MI UNIVERSO EN MINÚSCULAS Dirección: Hatuey Viveros Producción: Henner Hofmann, Liliana Pardo, Nicolás Celis Compañía Productora: Centro de Capacitacion Cinematográfica, A.C., Fondo para la Producción Cinematográfica de Calidad (FOPROCINE) Guión: Ana Mata, Inti Aldasoro Fotografía: Vidblaín Balvas Edición: Aina Calleja Diseño de Sonido:León Felipe González Sonido: Axel Muñoz Música: Galo Durán, Juan Pablo Ramírez Dirección de Arte: Shantal Franceschi Diseño de Vestuario: Alejandro Dorantes

REPARTO. María Filippini, Naian González, Alan Estrada, Luisa Pardo, Maricela Peñalosa, Marisol Centeno, Natalia Córdova SITIO WEB.

REPARTO. AINA-Aida Folch, JOSEFINA-Diana Bracho, CHOFER TAXI-Jorge Zárate,GLORIA-Eugenia de la O,MIGUELHarold Torres, CLIENTE TACOS-Enoc Leaño, EMPLEADO BANCO-Moisés Arizmendi, JOVEN BOXEADORGabino Rodríguez, JARDINERO-Dagoberto Gama, KARINA-Sonia Couoh

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SINOPSIS. Una mujer extranjera llamada Aina llega a la Ciudad de México en busca de su padre, su única referencia es una foto de la infancia con una nota en la parte trasera “nuestra casa en el 37 de la calle Juárez”. Esta dirección la llevará a emprender una búsqueda monumental entre la gran cantidad de calles con ese nombre y le brindará la posibilidad de explorar los universos minúsculos de cada número 37 para construir su experiencia de habitar la Ciudad de México.

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CARTELERA 23.98 FICHA TÉCNICA. Título original: NO QUIERO DORMIR SOLA Año: 2012 Duración: 83 min. País: México Director: Natalia Beristáin Guión: Gabriela Vidal, Natalia Bersitain Música: Pedro de Tavira Fotografía: Dariela Ludlow Productora: Chamaca Films / Woo Films / Fidecine / Foprocine / CONACULTA / IMCINE Género: Drama REPARTO. Mariana Gajá, Adriana Roel

SINOPSIS. Amanda es incapaz de dormir sola. De día es una mujer tranquila y ordenada, y de noche encadena amantes que la ayudan a superar la oscuridad. Sin embargo, su estilo de vida se trastoca el día que tiene que hacerse cargo de su abuela Dolores, una actriz retirada que vive del alcohol y de los recuerdos de sus glorias pasadas. En ese momento, los mundos de Amanda y Dolores colisionan.

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SINOPSIS. La trama inicia con el estruendoso ruido de dos disparos, uno por un posible homicidio y el otro por suicidio. El primero, porque Nora le apunta con una pistola a su esposo Aarón, a quien le reclama su infidelidad, y el segundo porque ‘Félix’ cae en depresión por carecer del apoyo de su novia y no volver a jugar futbol soccer. A partir de este momento la historia se remonta ocho meses antes.

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CARTELERA 23.98 País: México Director: Eduardo Lucatero Guión: Eduardo Lucatero Fotografía: Fido Pérez-Gavilán Productora: Los Güeros Films / Babieca / Tubo Post Género: Romance / Drama

FICHA TÉCNICA. Título original: NO SÉ SI CORTARME LA VENAS O DEJÁRMELAS LARGAS Año: 2013 País: México Director: Manolo Caro Guión: Manolo Caro (Obra: Manolo Caro) Fotografía: Daniel Jacobs Productora: Woo Films / Itaca Films Género: Comedia. Romance | Comedia romántica

REPARTO. Ana Serradilla, Luis Arrieta, Tiaré Scanda, Elsy Reyes, Javier Rivera, Adriana Diaz Chapa, Héctor Garza Jr.

REPARTO. Ludwika Paleta, Luis Ernesto Franco, Luis Gerardo Méndez, Raúl Méndez, Zuria Vega, Rossy de Palma, José María Yazpik, Cecilia Suárez, Erick Elias, Claudia Álvarez, Marimar Vega, Livia Brito, Juan Pablo Medina, Ricardo Korkowski, Anabel Ferreira, Mariana Treviño, Jorge Mondragón, Pamela Reiter, Omar Ceballos, Federica García González, Africa Zavala SITIO WEB. http://woofilms.tv/cine/no-se-si-cortarme-las-venas-o-dejarmelas-largas/

SINOPSIS. Durante una fiesta, un aspirante a rockero comienza a platicar con una chef que acaba de regresar a la ciudad. El encuentro, narrado en tiempo real y sin cortes, podría cambiar para siempre la vida de ambos. FICHA TÉCNICA. Título original: PRELUDIO Año: 2010 Duración: 72 min.

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