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publicacion bimestral

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GACETA INFORMATIVA DE LA AMC. SOCIEDAD MEXICANA DE AUTORES DE FOTOGRAFIA CINEMATOGRAFICA S.C.

NO. 9 / eNERO 2011

DANIEL PEARL ASC EN MEXICO PARTE 2

This is not a movie Plus CAMERIMAGE 2010 Edu Grau FICCMEXICO 2011 PRESENTACION DEL FESTIVAL 5TO. SEMinario De EXPERIENCIA Para PRODUCTORES ALEXA Llega a mexico

A M C DISTRIBUCION ELECTRONICA GRATUITA

veintitres punto noventa y ocho fotogramas por segundo Foto cortesía: Juan José Saravia AMC


editoral. sociedad mexicana de autores de fotografia cinematografica sc

Foto cortesía: Juan José Saravia AMC

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n año más que pasa y de nueva cuenta nos vemos a nosotros mismos con la esperanza anual de que cada vez sea mayor y mejor la producción y exhibición de cine mexicano. Ya pasó el año de celebraciones y el 2011 se vislumbra como un reto ante la situación económica y social de nuestro país, factor que en definitiva nos a afectado. México ha dejado de ser uno de los países más atractivos para la producción internacional, sobre todo norteamericana. Necesitamos que el apoyo y fomento a la producción cinematográfica se extienda de forma sistemática a toda la cadena productiva si queremos ver una industria sólida y competitiva a nivel internacional. El 2011 está programado con varios estrenos de películas mexicanas que han tenido caminos sinuosos para su terminación y finalmente se alinean para su estreno tras varios años de espera, ojalá que estos proyectos alcancen a sus espectadores y logren aceptación ya que en los últimos años hemos perdido la capacidad de hacer que los mexicanos entren a las salas a ver películas nacionales. La producción audiovisual a nivel mundial está continuamente en búsqueda de nuevas fórmulas de producción y distribución, es por ello que requerimos de una constante actualización para dominar las opciones del mercado y así producir y comercializar productos de calidad con los nuevos formatos y medios. Recibimos el 2011 con varios modelos nuevos de cámaras en todos los segmentos de mercado, ARRI apuesta por la calidad en la imagen asociada con una ágil vía de administración de los datos adquiridos; SONY le apuesta a extender la posibilidad de montar óptica PL a sus equipos semiprofesionales, Panasonic lleva al consumidor el naciente mercado del 3D y mejora sus formatos de captura, los fabricantes de cámaras de foto fija continúan con el gran éxito de las cámaras SLR. Nos están llegando muchas opciones, pero sea cual sea la herramienta para adquirir la imagen, es de suma importancia que fomentemos la calidad de contenido en nuestros proyectos para así poder atraer espectadores, ya sea a las salas de cine o pantallas de televisión.

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Juan José Saravia AMC Coordinador de edición. Vicepresidente AMC editorial@laamc.com

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l pasado 25 de Septiembre se presentó Daniel Pearl ASC, en las instalaciones de EFD en la ciudad de México, como parte de una serie de presentaciones que tuvo en nuestro país. Cabe destacar que Daniel fue invitado por Georgina Terán, la revista American Cinematographer, y el CCC (Centro de Capacitación Cinematográfica).

En este evento que duró al rededor de seis horas, Daniel nos compartió una serie de comerciales y videoclips en los que la característica principal era que todos tenían una serie de “beauty shots” en los que los personajes (casi todas mujeres) se veían realmente bien, además de demostrar su versatilidad y gran conocimiento de la luz .

Daniel Pearl A.S.C. en Mexico Parte.2

Después vino una sesión de preguntas y respuestas en las que expuso gran parte de su experiencia para hacer este tipo de imágenes, así como a tratar de explicar como había logrado que la iluminación y/o el encuadre fueran los ideales para llegar a el resultado deseado. Y así fue como Daniel nos introdujo en el mundo de los “beauty shots”. Todos los elementos estaban listos para que Daniel pudiera comenzar a dar instrucciones a los chicos del “staff” para que fueran colocando las luces como era debido, además de contar con 3 modelos que le ayudarían a exponer sus conocimientos en el tema. Daniel aprovechaba cada momento para explicarnos sobre como modificar la imagen con diferentes texturas de la piel, como trabajar las líneas de expresión, exceso de brillo en la piel y tener conciencia de las imperfecciones que cada rostro tiene, en fin, todos los problemas que surgen al momento de estar haciendo fotografía cosmética. Con las modelos fue mostrándonos diferentes situaciones que se tienen que resolver en el set.

________________________________________________________________________________________________ Daniel Pearl. Cortesía de: Claudia Mera O.

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Una anécdota que mencionó fue cuando estaba trabajando con el cantante de “Simply Red” Mick Huck­nall pues resulto que Mick tiene la piel de la cara con ciertas imperfecciones, así que Daniel decidió usar película en blanco y negro y cuando

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________________________________________________________________________________________________________________________________________________________ Izq. y Der. Daniel Pearl. Cortesía de: Claudia Mera O.

el director Andy Morahan le pregunto el porque de esa decisión Daniel le explico que al usar este tipo de película en la piel de Mick lograría que las imperfecciones de su piel se desvanecerían. Daniel casi siempre usa una “estrella de luces” que es una estructura cuadrada con una serie de tubos de “kino-flo” puestos al rededor de un pequeño circulo. La distribución de las lámparas hace un circulo más grande cuyo vértice es el lente de la cámara. Esta estructura es una gran fuente de iluminación y la “estrella” llega a reflejarse en los ojos de las personas que están frente a cámara, lo que genera un efecto muy particular que sirve de apoyo al resto de la iluminación. Al final del evento Daniel agradeció a los asistente y el apoyo brindado por EFD para la realización de este tipo de eventos y dijo estar esperanzado en volver pronto. EFD a parte de proporcionar sus instalaciones y equipo, agasajo a Daniel con un pastel, ya que el día anterior fue su cumpleaños. Sin duda alguna este tipo de experiencias son de gran beneficio para la industria cinematográfica, tanto para los que ya tienen un camino recorrido como para las nuevas generaciones que siempre estamos ávidos de saber los secretos y experiencias de los grandes.

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________________________________________________________________ Cortesía: Claudia Mera O.

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Por: Jorge Montalvo Aguirrebeitia.

Press Kit enviado por Kungfu Films.

This Is Not A Movie

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nte el inminente fin del mundo, Pete Nelson (Edward Furlong) se encierra en un hotel de Las Vegas e intenta comprender su confusa realidad influenciada por el cine, la televisión, la cultura pop, la desinformación, las drogas y la propaganda. En esta búsqueda apocalíptica, surrealista y sicodélica, nada es lo que parece...

___________________________________________________________________________________________________________________________________________________________ Cortesía de: KungFu films / Pete Nelson S.A.de C.V.

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Olallo Rubio presenta su segundo largometraje, primero de ficción, en el cual hace un recorrido muy intenso dentro de la personalidad de Pete Nelson. El director describe a THIS IS NOT A MOVIE: “Como una tragicomedia existencial apocalíptica, sicodélica y surrealista, a veces más cómica que trágica y a veces más trágica que cómica. Es el diálogo interno de un personaje con una serie de conflictos existenciales que debe resolver en unas cuantas horas antes de que acabe el mundo. Es el ego de un sujeto completamente dominado por su mente. Narrativamente funciona como el proceso mental de una persona muy inestable; los procesos cognitivos del ser humano tienden a ser caóticos, los de algunas personas más, los de otras menos. Pete Nelson sufre un trastorno de ansiedad generalizado, vive atormentado por el futuro y por la ausencia de un pasado que lo identifique. No sabe quién es y está desesperado por saberlo antes de morir “.

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23.98 Para realizar la fotografía de THIS IS NOT A MOVIE, se pensó primero realizarla de una forma más simple, utilizando formatos de cine digital de gran perfil, finalmente fue realizada en formato de 35mm con alguna mezcla de formatos digitales. “This is not a Movie es un proyecto que Olallo me presentó varios años antes de que filmáramos la peli, la idea original era hacer una película sencilla en cuestión de rodaje, en un principio casi todo el concepto era filmar contra pantalla verde (técnica para reemplazar el fondo de la imagen con efectos visuales u otras imágenes) y para ahorrar recursos la primer propuesta fue buscar filmar con alguna técnica de cine digital; de ese proyecto original tras varios años prácticamente solo quedó el título…“ comenta Juan José Saravia AMC, director de fotografía. “Varios años después Olallo me llamó para presentarme el nuevo proyecto y tras una larga plática me dio el guión para leerlo, de primera instancia me cautivó porque es uno de los guiones más inusuales que he leído o visto realizado, inmediatamente me involucré en el proyecto y me puse a trabajar en la propuesta visual” “Se filmó en los Estudios Churubusco de la Ciudad de México, Torreón, Coahuila y Las Vegas Nevada. La inversión es 100% mexicana y el equipo, los productores, el fotógrafo, la diseñadora de producción, el sonidista, el staff, etc. son mexicanos. Los únicos gringos que participaron fueron ________________________________________________________ Arriba. Edi Gathegi y Edward Furlong Abajo. Peter Coyote

Cortesía de: KungFu films / Pete Nelson S.A.de C.V.

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________________________________________________________________________________________________________________________________________________________ THIS IS NOT A MOVIE Cortesía de: KungFu films / Pete Nelson S.A.de C.V.

Edward Furlong, Peter Coyote, Edi Gathegi, Slash, una abogada que nos representa en Estados Unidos, y un par de operadores de grúa en Las Vegas. Algunas bailarinas también eran extranjeras. Pero los carpinteros, pintores,herreros, electricistas, decoradores, asistentes de producción, etc. todos fueron mexicanos. Tuvimos las mismas condiciones de trabajo que cualquier producción mexicana de gran escala. Algunas personas piensan que es una co-producción con Estados Unidos pero This is not a Movie es una producción 99% mexicana” comenta Olallo Rubio. ¿Qué formatos utilizaste y por qué? Juan José Saravia comenta: “Inicialmente propuse realizar la película con algún formato digital, ya que el guión requería de varios cientos de efectos visuales y de modificaciones en el cuadro; hay retoques digitales en muchos cuadros que ya ni siquiera yo detecté cuando vi la copia final, son integraciones muy finas de los efectos visuales. Cuando leí el guión, sugerí utilizar el formato HDCAM SR para que los archivos pasaran directamente a post sin necesidad de revelar material fílmico y así reducir los costos de la adquisición de la imagen y aunque sacrificaría un poco la resolución era mejor invertir los recursos en la post, pero en la época que filmamos la película no había ninguna cámara digital de gran formato disponible en México, ni “F23” ni la “F35” que estaba recién estrenada, por las características de la historia necesitábamos 2 cámaras del mismo formato por lo

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que no lo logramos con HDCAM SR para las fechas en las que iniciamos rodaje. La segunda opción era filmar con la RED ONE pero en esa época nadie sabía cómo postproducir con ella, así que realicé una serie muy exhaustiva de pruebas tanto de sensitometría, resolución y proceso de post para asegurar que podía ser una opción viable, aunque considerablemente más lenta en sensibilidad y latitud o rango dinámico que la F23 y menor que super 35mm pensé que podía ser una buena opción para optimizar los recursos de la peli y así asignar el presupuesto a mejores procesos de efectos visuales, pero al final del día los costos de arrendamiento de las cámaras RED y los costos de discos duros terminaron siendo casi los mismos que el precio ofrecido por EFD y Kodak para poder filmar en Super 35mm. Sin dudarlo tomamos la decisión de filmar en Super 35mm con materiales Kodak 5217, 5201, 5219 y procesar en New Art Lab. Para filmar la secuencia del Rubick´s utilicé la Phantom HD, una de las secuencias que seguramente todo el público adolescente me agradecerá haberla filmado a más de 300 cuadros por segundo; en esta secuencia combinamos super 35mm y Phantom en 2K recortando el cuadro al aspecto 2.35:1, las escenas filmadas en Las Vegas, utilizamos una cámara 435 de Arri a 4 perforaciones en Super 35mm; algunas escenas de la ciudad se grabaron con la cámara XDCAM EX1 de Sony, el intermedio digital fue realizado en Ollin Studio y Daniel Amado fue el colorista. ¿Qué tan complejo fue contar una historia dentro de un cuarto y cual o cuáles fueron los retos más grandes? “De entrada, contar una historia dentro de una habitación fue todo un reto, y filmar el interior de la ___________________________________________________________________ THIS IS NOT A MOVIE Cortesía de: KungFu films / Pete Nelson S.A.de C.V.

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23.98 habitación a más de 1000 km de distancia del exterior requirió de una extrema planeación junto con Olallo para que tuviera un ritmo eficiente. Cuando yo entré el proyecto me mostraron un animatic (un video de la película con dibujos y los diálogos grabados de los personajes que se utiliza para darse idea de la duración y eficiencia de las escenas antes de filmarlas) hecho con dibujos y una banda sonora impecable, se escuchaba mejor que la banda sonora de muchas pelis que he visto. Este animatic me clarificó la búsqueda que tenía Olallo al respecto de la imagen, así que la primera fase de la propuesta de la imagen fue mucho más sencilla de elaborar para encontrar los estilos y las técnicas que utilicé, pero sobre todo nos ayudo para medir ritmo visual; aunque todas las películas las terminan modificándo en edición fue una gran ayuda para salir en tiempo y lograr reducir en varios días el plan de trabajo original.

La peli está plagada de efectos visuales, muchos que evidéntemente se ven en pantalla por estilo, pero el reto era crear los efectos visuales que no detectas pero que hacen ver la imagen impecable, para nosotros uno de los grandes retos fue crear a Pete Nelson y sus alteregos interactuando consigo mismo, que no fuese evidente y se viera natural, orgánico, cómo si fueran dos personas distintas. Utilizamos muchos efectos ópticos tradicionales que se terminaron en post con la intensión de que se vieran filmados. Por otro lado la peli se filmó en los Estudios Churubusco, para lo cual era necesario planear de forma eficiente cuándo y cómo veríamos la ciudad de Las Vegas, por ello se planearon varias tomas para los efectos y otras descriptivas, las cuales fuimos a filmarlas después de tener el primer corte terminado, reduciendo los días de rodaje originalmente pensados”

________________________________________________________________________________________________________________________________________________________ Izq. Edward Furlong. Autor: Juan José Saravia AMC. Der. Juan José Saravia AMC. Autor: Valentina Siniego. Cortesía de: KungFu films / Pete Nelson S.A.de C.V.

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¿Visualmente cuáles son tus secuencias favoritas o qué te significaron un reto técnico?

_________________________________________________________________________________________ Arriba. THIS IS NOT A MOVIE. Rubick´s Club. Abajo. Edward Furlong, Miguel Enriquez (1er AC), Juan José Saravia AMC. Autor: Marisa Velez. Cortesía de: KungFu films / Pete Nelson S.A.de C.V.

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“This is not a Movie es un proyecto que me permitió explorar muchos estilos, evidentes homenajes a grandes realizadores, escenografías muy complejas técnicamente, y sobre todo mucho tiempo dentro de un cuarto de hotel. Una de las secuencias que más complejidad tuvo, fue el club Rubick´s, que requería de una gran cantidad de iluminación para poder exponer a 400 cuadros por segundo y poder cambiar de color los grandes cubos que Hannia Robledo, la diseñadora de producción de la peli mandó construir. Carlos Sánchez fue mi gaffer en este proyecto, él con su equipo fabricaron una serie de luces de 2,000 W las cuales se podían colocar debajo de las plataformas de acrílico de los asientos y plataformas que asemejaban cubos Rubick para iluminar de abajo a más de 20 modelos que estarían bailando en el set. Bajo cada plataforma había por lo menos 3 lámparas construidas por Carlos y su equipo, sumando más de 100,000 W solamente en las bases de acrílico, todas las lámparas se conectaron a una consola de control para poder cambiar de color los cubos y sobre todo para poder encender y apagar las luces por poco tiempo ya que el calor almacenado era muy grande y no queríamos poner en riesgo a todo el personal que estábamos en el set, esto aunado a una serie de mecheros que emanaban momentáneamente llamaradas de 2 a 3 metros de altura. La cantidad de luces y los efectos de fuego, definitivamente tuvieron un alto grado de dificultad para la seguridad y que no existieran accidentes, esto aunado

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23.98 a que las más de 20 modelos estaban en bikinis de forma que todo el personal masculino de Churubusco quería ponerse a trabajar… Son varias secuencias las que me gustan, This is not a Movie me permitió hacer homenajes en particular a Kubrick, y a otros directores y cinefotógrafos que he admirado por su trabajo, pude explorar la estética norteamericana, iluminar para blanco y negro y fotografiar la ciudad más fotografiada del planeta: Las Vegas. Tuvimos oportunidad de que Slash hiciera la música de la película, desde el rodaje tuvimos algunas pistas grabadas que al escucharlas me permitieron vibrar el mood de la imagen y en muchos casos operar la cámara ya con la intensión de la edición final, formalmente creo que es una peli no sólo atractiva e intensamente visual, también tiene una calidad auditiva fuera de lo común”, concluye Saravia. ¿Por qué hacer una producción mexicana en inglés? Olallo Rubio comenta: “Esta pregunta se aclara cuando ves la película. Pero lo importante es saber que así nació. Yo soy mexicano pero crecí durante gran parte de mi infancia en San Diego, California; Ronald Reagan fue el primer presidente que identifiqué, consumí toda la cultura estadounidense y la adopté como propia, aprendí a hablar inglés y español al mismo tiempo. Cuando regresamos a México seguí consumiendo la cultura estadounidense y al mismo tiempo descubrí su lado oscuro (en gran parte gracias a ciertas expresiones artísticas provenientes de EE. UU.), hasta hoy mantengo una relación amor-odio con el país vecino, como casi todos los mexicanos. Por otro lado, yo creo que si filmas una sátira acerca de narcotraficantes mexicanos es más coherente si es hablada en español, si haces una sátira acerca de gringos disfuncionales lo ideal es que sea hablada en inglés. Hollywood hace películas sobre mexicanos contínuamente y sus personajes hablan inglés”. _______________________________________________________________________________________ Der. Olallo Rubio. Autor: Juan José Sarvia AMC. Cortesía de: KungFu films / Pete Nelson S.A.de C.V.

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23.98 Juan José Saravia AMC comenta: “Independientemente de que el idioma debe ser acorde con las necesidades de la historia, creo que hacer películas desde México para públicos fuera de nuestras fronteras es un ejercicio que necesitamos explorar más en nuestro país para hacer del cine nacional una verdadera industria, hacer proyectos que requieran por su contexto el uso de otro idioma que no sea el Castellano no se pelea con realizar proyectos que retraten la realidad Mexicana y que sean los vehículos de exportación de la cultura mexicana”.

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____________________________________________________________________________________________________________________________________________________ Pagina Anterior. CREW THIS IS NOT A MOVIE. Autor: Valentina Siniego. Arriba Izq. THIS IS NOT A MOVIE. Jesus CH. M. Autor: Juan José Saravia AMC. Arriba Der. Olallo Rubio, Max Blasquez, Victor Herrera Mc.Juan José Saravia AMC.Autor: Valentina Siniego Abajo Izq. On Board. Autor: Juan José Saravia AMC Abajo Der. Juan José Saravia AMC, desierto de Coahuila. Autor: Velentina Siniego Cortesía de: KungFu films / Pete Nelson S.A.de C.V.

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This is not a Movie se estrena en México en cines el 28 de Enero del 2011. No hay mejor opinión que la que uno se forma, por ello es importante verla.

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This is not a Movie.

2009, México, 99 min. Director: Olallo Rubio. Director de Fotografía: Juan José Saravia A.M.C. Formato de Adquisición: Super 35mm 3 y 4 perf. Phantom HD (2K Output) XDCAM EX1 Formato de Distribución: 35mm

Trailer disponible en www.thisisnotamovie.com

Artículo realizado con: entrevista realizada por 23.98fps a Juan José Saravia AMC y entrevista a Olallo Rubio otorgada por KungFu films.

Productores: Producción ejecutiva: Guión: Diseñadora de Producción:  Edición: Música Original: Diseño de Vestuario: Diseño de Audio: Directora de Casting: Productor Asociado: Co-Productor: Reparto:

Antonio Reyes L., José Nacif, José Antonio O´Farrill W. Olallo Rubio. Jesús Cuevas Mauricio Cuevas. Olallo Rubio. Hania Robledo. Olallo Rubio Max Blásquez Abraham Neme. Slash. Lupita Peckinpah. Gabriela Fernández. Javier Umpierrez. Carla Hool. Juan García. Jaime Romandía. Edward Furlong Peter Coyote Edi Gathegi.

_________________________________________________________________________________________________ THIS IS NOT A MOVIE Cortesía de: KungFu films / Pete Nelson S.A.de C.V.

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Por: Eduardo San Martin.

Plus Camerimage 2010

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omúnmente, durante todo el año se pueden encontrar en las redes sociales anuncios, comentarios, preguntas y en general una alta expectativa sobre como será el festival CAMERAIMAGE cada año. Este año, fue diferente la expectativa, comenzó varios meses antes al enterarnos de que el festival cambiaba de sede. Durante años la casa del festival era la ciudad de Lodz, Polonia, y era en esa ciudad donde estaba planeada la creación del Centro Plus CAMERIMAGE con espacios diseñados para el estudio, exhibición y promoción del cine. La espera fue larga y la nueva ciudad aun no se anunciaba, los fatalistas decían que ya no habría festival, los optimistas decían que eso se solucionaría y el centro sería construido, y el festival comunicaba que estaban haciendo todo su esfuerzo para llevarlo a cabo fuese donde fuese, pues el festival no es la ciudad sino el concepto. La noticia seria que el festival tenia nueva sede, la ciudad polaca de Bydgoszcz, situada al norte de Polonia. La aventura comenzó en encontrar la forma de llegar a Bydgoszcz, encontrar alojamiento y estar pendientes de los pronósticos del clima pues con antelación se anunciaba que las temperaturas estarían a 9 grados bajo cero. Por otro lado semanas antes del inicio del festival se fueron anunciando las películas en competición, cortos, videoclips, Workshops, invitados, y el programa general. ________________________________________________________________________________________________________________________________________________________ Opera Nova, cede del festival. Cortesía de: Eduardo San Martín.

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23.98 *Competición Principal: “127 hours” (DP: Anthony Dod Mantle y Enrique Chediak), “Another Year” (DP: Dick Pope), “Black Swan” (DP: Matthew Libatique), “Buried” (DP: Eduard Grau), “Enter the Void” (DP: Benoit Debie), “Essential Killing” (DP: Adam Sikora), “Inception” (DP: Wally Pfister), “The King´s Speech” (DP: Danny Cohen), “Last Night” (DP: Peter Deming), “Louis” (DP: Vilmos Zsigmond), “Mandoo” (DP: Bayram Fazli), “My name is Khan” (DP: Ravi K. Chandran), “Silent Souls” (DP: Mikhail Krichman), “Submarino” (DP: Charlotte Bruus Christensen), “Swansong: Story of Occi Byrne” (DP: Alexander du Prel), “Venice” (DP:Arthur Reinhart). Como todos los años la oferta de actividades es abundante y variada así que solo hubo oportunidad de asistir a un par de proyecciones de la selección oficial en competición. “127 hours”, dirigida por Danny Boyle es una historia basada en un hecho real sobre un escalador de montañas Aron Ralston, que cae dentro de una fisura en la tierra y su brazo queda atascado entre una de las paredes y una roca enorme, dejándolo aislado e incomunicado. Durante 5 días Aron repasa su vida y llega al limite de tomar una fuerte decisión, extirparse el mismo su brazo que lo mantiene prisionero. Una historia visceral, difícil de pasar por alto, pero también difícil de digerir, pero es una muestra de cómo los seres humanos podemos hacer cosas impensables cuando tenemos que escoger seguir viviendo. Como es tradición antes de la proyección de la película el Director de Fotografía, (en este caso los directores de fotografía) Anthony Dod Mantle y Enrique Chediak subieron al escenario para hablar un poco sobre la historia, pero no sin antes recibir los aplausos del publico que fueron bastante notables. La película fue rodada con varios formatos desde 35mm para los paisajes, la Canon 1D Mark IV, 5D Mark II y 7D para la mayor parte de secuencias , la Moviecam Compact MK2 con ópticas Zeiss y Cooke, y la SI-2K de Silicon Imaging con Zeiss Ultra Prime, Cooke Panchro, Schneider y Fujinon. Como ya se conoce, Anthony maneja excelente la tecnología digital, y en conjunto con Danny Boyle hicieron un uso extraordinario de todos los formatos. Por su parte la historia muy bien contada es un poco cruda y difícil de soportar por que al final logra su cometido, sufres junto con Aron la agonía, el dolor y la desesperación por tener el brazo atrapado.

__________________________________________________ Arriba: Enrique Chediak. Abajo: Anthony Dod Mantle Cortesía de: Eduardo San Martín.

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23.98 “Black Swan”, fue la película que abrió el festival, dirigida por Darren Aronofsky y con Matthew Libatique como Director de Fotografía, causó revuelo y mucho interés por su propuesta y por que fue rodada en 16mm, con algunas escenas rodadas con la Canon 5D Mark II y 7D con ópticas Canon L-Series, con un aspecto ratio de 2.35 : 1 y posteriormente crecido a 35mm en positivo de Fuji. Lamentablemente por cuestiones de fechas y horarios me fue imposible asistir a esta proyección pero seguro no me la perderé en cuanto llegue a las salas de cine, en México se estrena en frebrero de 2011. Adam Sikora presentó “Essential Killing” dirigida por Jerzy Skolimowski, es la historia de Mohamed quien es perseguido por haber estado en el momento equivocado a la hora equivocada, y nunca sabemos si es terrorista, civil, militar o comerciante, es perseguido y capturado. En general una película que no gustó del todo al publico asistente. Con una fotografía al estilo documental, rodada en exteriores con nieve en su mayoría. “The King´s Speech” fue presentada por uno de sus productores quien comentó que el DP Danny Cohen estaba rodando la próxima película de Oliver Parker y por eso no podía estar presente. La película presenta una fotografía muy cuidada, al ser una historia de diálogos más que de acción debía de tener un encanto especial, una fotografía atractiva y bien lograda. Apoyándose mucho en los decorados que en su mayoría son en estudio, el cuidado en el arte, los colores, las texturas y por supuesto la iluminación hacen una película agradable al gusto visual. Por otro lado los encuadres pretenden dar dinamismo a lo estático, cambiando aires, encuadrando fuera de lo “estético” que al final funciona y ayuda a la historia que trata del Rey George VI, el ________________________________________________________________________ Arriba: Oriol Buschets, Marc Miró, Maite Sanchez, Pau Esteve y Edu Grau. Abajo: Pau Esteve. Cortesía de: Eduardo San Martín.

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razón Grau bromeando le dijo a Reynolds que él era su mejor Gaffer. Cuando Edu subió al escenario a presentar “Buried”, los aplausos no se hicieron esperar, en principio por que estaba su grupo de colegas y de amigos Cinefotógrafos españoles y otro por que Edu se ha ganado el cariño y respeto del público, por su sencillez, por su sinceridad y por supuesto por su calidad como Cinefotógrafo ya desde siempre demostrada. Después de un par de palabras pidió a su equipo de cámara que subiera y le acompañara pues sin ellos y sin el trabajo de un equipo fuerte y que se quiere, nada hubiera sido posible, entre ellos estaban su Operador de Cámara y Director de Fotografía de la segunda unidad Pau Esteve, Foquista: Oriol Busquets, 2do. Asist. De Cámara: Maite Sánchez, Video Asistencia: Marc Miró. Entre aplausos y mucha emoción el equipo bajó del escenario para dar inicio a la proyección de Buried, la cual al final recibió los aplausos y agrado del publico presente. Ésta es sin duda una película que ha marcado su posición y será siempre la primer película hecha 100% dentro de un ataúd.

padre de la reina Elizabeth II quien tiene problemas para hablar en público, su hermano Albert abdica al trono heredado por su padre el Rey George V y tiene que superar esa limitación para poder ser un digno monarca. Fue rodada en 35mm con material Fuji, utilizando la Arricam LT con ópticas Zeiss Master Prime. Edu Grau presentó éste año “Enterrado” (Buried), dirigida por Rodrigo Cortés. Es una pelicula asfixiante pero llena de adrenalina al puro estilo Hitchcock, toda la trama se desarrolla dentro de un ataud, ni un solo frame fuera de él. Tiene soluciones muy creativas y Edu Grau junto con Pau Esteve trabajaron muy de cerca con Ryan Reynolds interpretando a Paul Conroy pues la mayor parte de la pelicula es él mismo quien se ilumina. Por esa

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En la competencia de cortometrajes me encontré con la sorpresa de que había un corto mexicano “El Vacío”, dirigida por Abraham López y fotografía por María Saravasti Herrera las temáticas y estilos fueron muy variados, pero quien se llevó la peor parte fue el corto mexicano, pues al parecer por un fallo técnico el corto se proyectó sin sonido, fue una lastima. Como todos los años en el ambiente se respiraba lo que llamaría “coleguísmo”, en festivales como éstos te haces amigo de la gente que esta haciendo fila contigo para entrar a la sala, con los que te sientas, con los que tienes cerca al tomar un café, con los que presencias los talleres, las películas, los cortos, etc. Un momento de euforia colectiva fue cuando apareció en la sala Keanu Reeves, las cámaras se volcaron hacia él y los flashes iluminaban el espacio, eran las 10:30 pm y presentó “Henrry´s Crime”, película de la cual es

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Éste año los “Workshops” tuvieron cabida en el gimnasio de la Universidad de Economía de Bydgoszcz y para comodidad de todos los asistentes, estaba a 5 minutos caminando desde Opera Nova y como siempre fueron cita obligatoria para todos los estudiantes y muchos profesionales. La oferta era variada, había muy técnicos y comerciales como Zeiss, Kodak, Hawk, Stuart Craig Seminar sobre Diseño de Producción en Harry Potter y el plato fuerte y especialidad de la casa; los de PANAVISION y los de ARRI.

protagonista y productor. Y en general no fue una película que gustó mucho, no se si por la hora, el cansancio o la falta de interés un tercio de el publico fue saliendo de la sala uno a uno. Al final estaba planeada una rueda de prensa en el salón dedicado para tal efecto, pero los organizadores al ver la cantidad de gente que quería escu charlo decidieron hacer la conferencia en la sala principal del Opera Nova. Keanu respetuosamente respondió preguntas sobre la película, comentó su interés de producir un documental sobre el controvertido tema de “fotoquímico o digital”, pero lo que se llevó la noche fue la cantidad de preguntas absurdas que le hicieron, por ejemplo: Keanu, ¿tu que crees, estamos en la vida real o en la Matrix? Pregunta de la cual Keanu trató de responder de la manera mas política posible, pero, no hubo una sola que tuviera un nivel calidad óptimo para un festival de cine especializado en fotografía, aunque al principio trató de dar la mayor cantidad de detalles que pudo como que fue rodada con material Fuji, y que utilizaron ópticas Cooke S4.

_______________________________________________________________________________________ Página Anterior. Edu Grau. Arriba Izq. Keanu Reeves. Abajo Der. Bocetos de Stuart Craig. Diseño de Producción de Harry Potter.

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PANALUX SEMINAR – Técnicas y equipos de iluminación. Seminario donde Cinefotógrafos discutieron sobre los actuales equipos de iluminación, comentando sobre su cualidades y como las utilizan. Los Cinefotógrafos invitados fueron: Alfonso Beato (Todo sobre mi madre, The Queen), Dion Bebee (Nine, Memorias de una Geisha, Collateral, Chicago) , Roberto Schaefer (Quantum of Solace, Cometas en el cielo, Finding Neverland) y Tom Stern (Gran Torino, Cartas desde Iwo Jima, Million dollar baby, Mystic River).

____________________________________________________ Arriba Izq. Tom Stern Arriba Centro. Roberto Schaefer, Tom Stern, Dion Bebee, Alfonso Beato y Benhamin B. Arriba Der. Dion Bebee. Abajo Der. Matthew Libatique, Edu Grau y Phil Meheux. Cortesía de: Eduardo San Martín.

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PANAVISION GROUP SEMINAR – Las decisiones del Cinefotógrafo. Seminario donde se discutieron las principales decisiones que tiene que tomar un cinefotografo en preproducción, producción y postproducción dando ejemplos con sus propios trabajos. Los Cinefotógrafos invitados fueron: Michael Chapman (Taxi Driver, Cazafantasmas II, operador de cámara de: El Padrino, Tiburón), Edu Grau (Buried, A single man, Animals), Matthew Libatique (Black Swan, Iron Man 1 y 2, Tigerland, Requiem for a dream, Pi: el orden del caos), Phil Meheux (Casino Royale, La leyenda del Zorro, El hombre bicentenario, La mascara del Zorro, GoldenEye, La emboscada)

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23.98 Los seminarios de PANAVISION como siempre fueron bien moderados por Benjamin Bergery (Benjamin B.) amigo de 23.98fps®, quien fue entrevistado para la edición del primer aniversario de nuestra revista. ARRI LIGHTING WORKSHOP – Iluminando estados de ánimo para rostros con Oliver Stapleton, BSC. “Workshop” practico donde Oliver Stapleton ilustró los diferentes efectos que tiene la luz sobre el rostro humano, y como cada rostro requiere de una iluminación especifica. Aunque el taller iba dedicado a la luz en el rostro, Stapleton hizo participe al publico mostrando fotografías y preguntando como las iluminarían y con que tipo de luces, también pidió a un voluntario para iluminar una escena en el plató y después el fue corrigiendo y comentando como se podía mejorar. Como siempre los talleres de ARRI no decepcionaron y la capacidad y pasión de Stapleton por enseñar y compartir comprobaron una vez mas que estos talleres no se pueden pasar por alto.

_____________________________________________________________________________________________________ Arriba Izq. Oliver Stapleton, BSC. Arriba Der. y Abajo. Workshop Arri Lighting – Iluminando estados de ánimo para rostros Cortesía de: Eduardo San Martín.

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En el taller se utilizó una cámara ALEXA conectada a un monitor HD y a un proyector de 2K para que el publico pudiera ver el resultado y al mismo tiempo comprobar con sus propios ojos la sensibilidad de la cámara.

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ARRI LIGHTING WORKSHOP – Técnicas de iluminación con Michael Ballhaus, ASC. Michael Ballhaus fue seleccionado para recibir el reconocimiento por su trayectoria por parte de Plus Camerimage. Y también para presentar éste taller de ARRI. Ballhaus comentó: “La ALEXA tiene algunos dones especiales que otras cámaras no tienen, especialmente cuando ruedas en condiciones de bajas luces”. En este taller Michael Ballhaus comenzó con la frase: “Motion is emotion” (movimiento es emoción) y pidió a un par de voluntarios, uno para que dirigiera a los actores y otro para que se encargara de la luz, destacando la importancia de saber que tipos de luces necesitas. Mientras tanto Ballhaus comentaba sus experiencias en películas de su filmografía y de tanto en tanto corregía y explicada las mejoras en la luz que estaba haciendo el estudiante voluntario. Su primera tarea era crear un “interior - día”, pero el resultado parecía mas un interior noche. Poco a poco fue modificando las luces hasta encontrar el punto en el que el resultado a través de la cámara era el correcto.

__________________________________________________ Arriba Der. Oliver Stapleton, BSC. Abajo. Workshop Arri lighting - Técnicas de iluminación. Cortesía de: Eduardo San Martín.

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VINTAGE SEMINAR (HAWK Anamorphic Lenses) Éste año no podía faltar la gente de Hawk quienes presentaron sus objetivos con relación de compresión de 1.3x, ideales para fotoquímico y para digital, destacando su alta calidad, su tamaño reducido y su peso mucho menor. Presentaron también un novedoso sistema de “Video Asistencia HD (PSU-3)” que incorpora mejoras destacables respecto a su antecesor el “PSU-1” lanzado en el 2002, como son pantalla táctil, visualización del espectro, funciones de editado y visualización muy avanzadas, sistema de desanamorfización, entre otros. El seminario fue apoyado por Roberto Schaefer quien comentó la calidad de los objetivos y las facilidades que le dieron las gente de Hawk para utilizarlos. El único problema que expuso es que no cuentan con una gama grande de longitudes focales. KODAK SEMINAR - YOU HAVE THE CHOICE! (Tú tienes la opción) Lamentablemente Kodak aún no se pone las pilas y no se da cuenta de que todo sigue evolucionando. Éste año la presentación de Kodak fue igual a la anterior, salvo que presentaron dos productos nuevos el “Kodak Vision 3 200T 5213/7213” y el “Kodak Vision 3 Color Digital intermediate film 2254/5254” los cuales presentan mejoras en el grano a bajas luces, extensión de hasta 2 stops en las altas luces y mejora en la reproducción del color. ______________________________________________________________________________ Arriba. Detalle de lente Hauk Centro. Roberto Schaefer y equipo de Hawk Anamorphic Lenses. Abajo. Exibción de los nuevos lentes anamórficos Hawk Cortesía de: Eduardo San Martín.

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________________________________________________________________________________________________________________________________________________________ Arriba. Christian Berger. Centro y Derecha . Workshop Cine Reflect Lighting System. Cortesía de: Eduardo San Martín.

Durante toda la presentación no se cansaron de mencionar: “Esto es para demostrarles que Kodak esta interesado en satisfacer sus necesidades”. Proyectaron comparaciones de gráficos e imágenes, pero al final de todo nada nuevo ni nada espectacular. Es una pena, pues Kodak debería de abrazar este festival y aprovecharlo al máximo, haciendo un seminario que convoque e interese a todos los públicos, pues los profesionales ni si quiera entraron por que ya saben de que va, y los estudiantes se salían a media presentación por que era inaguantable. Esta es la oportunidad de enamorar a los Cinefotógrafos jóvenes y de reafirmar la confianza y lealtad de los consagrados. CINE REFLECT LIGHTING SYSTEM By Christian Berger Christian Berger (El listón Blanco, Caché, La Pianista) presentó su sistema “Cine Reflect Lighting System” (CRLS) que ha utilizado en sus ultimas películas como “El listón Blanco”, el cual consiste en la combinación de una o mas luces especiales, reflectores especialmente diseñados y controlados y accesorios. Presentó un video instructivo un tanto aburrido, pero después explicó como lo utilizó en “El listón Blanco” y después hizo una demostración práctica de sus posibilidades. En realidad es un sistema que cualquiera puede hacer en casa, la única diferencia es que los elementos del CRLS están calibrados y diseñados

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23.98 para tal efecto como la luz que proviene de un PANABEAM ajustado para proyectar un haz de luz concentrado y muy potente, que después puede ser rebotado en los reflectores y buscar los efectos deseados. Menciona que algunas de las cualidades son que puedes “colocar” luces en donde es prácticamente imposible por las limitaciones del espacio, pues únicamente colocas los reflectores ahí y tienes una fuente de luz regulable. La flexibilidad que te proporciona, los diferentes resultados que puedes obtener de una sola fuente de luz, etc. Las demostraciones las hizo en el interior del gimnasio y en el exterior, justo la noche en que comenzaba una fuerte ventisca que mantuvo la temperatura a -15 grados por un par de días, pero eso no impidió que el seminario continuara hasta su fin. *Para el próximo numero de 23.98fps publicaremos los comentarios y técnicas de los seminarios de PANAVISION, al igual que la información relevante de los talleres de ARRI.

_______________________________________________________________________________________________________________________________________________________ Opera Nova, cede del festival. Cortesía de: Eduardo San Martín.

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el Cinefotógrafo Arthur Reinhart por la película Venice.” CINEMATOGRAPHERS’ DEBUTS FILM COMPETITION: · Award for the Cinematographer Adam Arkapaw for Animal Kingdom. DIRECTORS’ DEBUTS FILM COMPETITION: · Award for the Director Michôd for Animal Kingdom.

__________________________________________________________________________________ Cortesía de: Eduardo San Martín.

El festival llego a su fin con la emotiva entrega de las Ranas del Camerimage: *Competición Principal: •Bronze Frog Award: Buried “Esta película presenta ingeniosas y sorpresivas soluciones para situaciones desesperadas, la Rana de Bronce del Plus Camerimage 2010 es para el Cinefotógrafo Eduard Grau por la película Buried”. •Silver Frog Award: Silent Souls “Esta es una película simple y conmovedora, la Rana de Plata del Plus Camerimage 2010 es para el Cinefotógrafo Mikhail Krichman por la película Silent Souls. •Golden Frog Award: Venice “El jurado encontró que la película logra una atmosfera impresionista extremadamente bien realizada, La Rana de Oro del Plus Camerimage 2010 es para

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STUDENT FILMS COMPETITION: · Bronze Tadpole Award Johan Holmquist for the film Bekas. · Silver Tadpole Award Phillip Haberlandt & Jens Hallman for the film St. Christophorus: Roadkill. · Golden Tadpole Award Jakub Giza for the film I Won’t Be Here Tomorrow. MUSIC VIDEOS COMPETITION: · Best Music Video: Kora, “Zabawa w chowanego” (Game of Hide-and-Seek) Cinematographer Marek Sanak; Director Bartłomiej Ignaciuk · Best Cinematography: How to Destroy Angels, “The Space Between” - Cinematographer Greig Fraser; Director Rupert Sanders. DOCUMENTARY FEATURE FILMS COMPETITION: · Honorable Mention: Pau Mirabet for the film Letters from the Desert (Eulogy to

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Slowness). · Discovery Networks Central Europe Award: Andrew Thompson for the film Mugabe and the White African. · Grand Prix Golden Frog Award: Tim Hetherington and Sebastian Junger for the film Restrepo. SHORT DOCUMENTARY FILMS COMPETITION: · Honorable Mention: Marek Septimus Wieser for Out of Love. · Discovery Networks Central Europe Award: Jaro Valko for Arsy Versy. · Grand Prix Golden Frog Award: Piotr Stasik for The Last Day of Summer. 23.98

-*DP: Director de Fotografía Cinematográfica Bydgoszcz: http://www.bydgoszcz.eu/ Plus CAMERIMAGE: http://www.pluscamerimage.pl/index.php?lang=en Benjamin B. http://thefilmbook.com/ Fotos de Edu Grau: www.rozmi.com Hawk Anamorphic Lenses: http://www.hawkanamorphic.com/en/index.php CRLS: http://cine-rls.com/ *Resultados:http://www.pluscamerimage.pl/index. php?lang=en&pg=8f44844ae4262c4 _______________________________________________________________________________ Arriba. Isaac Vila, Javier Ruíz, Oriol Buschets, Edu Grau, Marc Miró, Gris Jordana, Maite Sanchez, Pau Esteve y Arnau Valls. Autor: Sylwester Rozmiarek Abajo. Foto cortesía de Eduardo San Martín.

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EDU entrevista GRAU

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acido en Barcelona, Eduard Grau, es egresado de la ESCAC (Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya, España) y de la NTFS (National Film and Television School), con especialidad en cinefotografía. Ha sido ganador de varios premios, incluyendo 2 Palm Springs por “Friends Forever” y “The Natural Route”. En 2006 gano en Sundance por mejor cortometraje y en 2007 fue nominado a los Student Oscars. A los 23 años de edad filmo su primer largometraje “Honor de Cavallería” de Albert Serra, estrenada en el Festival de Cannes en 2006. Posteriormente filmo su primer largometrahe en Hollywood “A Single Man” de Tom Ford, cinta que tuvo varias nominaciones en Venecia, Toronto, los Oscares y premio a mejor actor Colin Firth en los premios Bafta y los Critics Choice Award. Recientemente filmó “Buried” de Rodrígo Cortés y protagonizada por Ryan Reynolds. Con esta película Eduard se hizó a creedor a la “Rana de Bronze” premio otorgado por el festival Plus CAMERIMAGE 2010 por mejor cinefotografía. __________________________________________________________________ Tu dices que has tenido mucha suerte en tu carrera profesional. ¿Cómo fue que te entaraste de Buried? Me llamó Oriol Maymó (mi antiguo profe en el ESCAC) a las 10 de la mañana, y sin contarme nada me dijo que tenía que conocer a este director que tenía un proyecto muy interesante. Yo tenía un vuelo a Londres al cabo de 3 horas, pero decidí ir al meeting porque sonaba misterioso. Me encontré con Rodrigo Cortés y con Adrián Guerra (el productor) y no me podia creer que me hablaran de una peli en un ataúd….Pero pronto vi que era un proyecto único, de ésos que solo te llegan una vez en la vida. Tan emocionado me quedé que tuve que sobornar al taxista para no llegar tarde al avión. Me leí el guión inmediatamente. ________________________________________________________________________________________ Edu Grau Cortesía de: Sylwester Rozmiarek

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¿Qué referentes tomaron para esta pelicula? Visualmente sabíamos que tenía que ser muy oscura, pero que tenía que tener ciertos puntos de respiro para no agobiar sobremanera al espectador. ¿Que equipo utilzaste para la película? Rodamos con la Moviecam compact y la serie de “Superspeeds T1,3, incluido el 65mm,. Tamién teníamos un zoom Optimo T2,2. Era una cámara 3 perforaciones que nos permitía rodar menos negativo y las ópticas Zeiss eran duras, definidas y más luminosas que ninguna otras. Es curioso que en Buried hubiera un Director de Fotografia de la Segunda unidad,. Comentanos un poco sobre ello. Rodamos toda la peli con una 2a càmara (una 535) que estaba junto a la 1a cuando había espacio y sino avanzaba otros planos a cargo de Pau Esteve. Rodé prácticamente toda la peli a T1,3 a excepción de los planos con zoom o macros y las secuencias de linterna, donde iba más holgado. Los foquistas Oriol Busquets y Pau Reig (unos auténticos cracks) tienen un par de canas con mi nombre, pero la verdad es que hicieron un trabajo increíble, casi imposible. Trabajo con un equipo de cámara muy joven que nos conocemos casi todos desde la ESCAC. Pau Esteve, operador de 2a cámara y amigo del alma hizo planos increíbles, como el de 4 minutos cuando Conroy habla con su madre y sólo le vemos el ojo. Fue sin ensayo, y sólo hicimos dos tomas (la buena fue la 1a) pero para mí es el mejor plano de la peli. Estar tan al límite, en un momento tan íntimo, me parece de una simplicidad y belleza increíble. En la conferencia de prensa comentaste sobre las posiciones de camara y el encuadre y como conforme trasncurre la historia éstos evolucionan de ser muy rigidos y cuadrados a dinamicos e ingeniosos, tratando de nunca repetir un plano. ________________________________________________________ Poster de la película “Enterrado” (Buried). Cortesía de: http://www.experienceburied.com/index.html#/downloads/

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¿Como fue la planeación? Rodrigo controla la narración y el tempo con maestría y tenía una planificación detallada con planos particulares a los que les poníamos nombres homenajeando a directores o películas. En rodaje cambiábamos cosas, e improvisábamos según lo que veíamos y necesitábamos en cada momento. Intentamos no caer en la planificación obvia, y nos propusimos no repetir planos, así que siempre buscábamos un ángulo diferente, jugar con las ópticas y hacer movimientos cuando fuera necesario. Lo difícil era que al fin y al cabo siempre estábamos rodando hacia Ryan y con una pared de madera de fondo, y a veces nos teníamos que estrujar el cerebro para no repetirnos. La peliícula tenía que fluir, tenía que reinventarse un poco a cada secuencia. ¿En que equipo montaron la cámara? Teníamos una Panther y para días concretos traíamos de Service Vision ( que estaba justo encima del plató) una cabeza calientes de 3 ejes o una grúa. ¿Qué negativo/s elegiste para rodar Buried? ¿Por qué? Rodamos con Kodak 5260, el susituto del 5279 porque probamos todos los negativos de alta sensibilidad y el grano y el color que nos gustó más fue ése. Tenía más contraste que el 5218 y el grano era más notorio. Además forzamos toda la peli un stop, porque íbamos muy justos de luz y porque la textura del forzado daba a la peli un toque más sucio y remotamente nos recordaba a la arena. ¿Como planteaste la iluminación? Queríamos que la iluminación no pareciera existir, que la sensación fuera siempre de estar dentro de un ataúd con Paul. Muchos elementos funcionaban por si solos (el zippo, la linterna) pero siempre había planos donde se los tenía que reproducir para tener más exposición o para iluminar una área más grande o lejana. Pero no teníamos ninguna luz grande, tod era muy pequeñito y sencillo. En casos como el móvil, sin embargo el falseo era absoluto: el móvil llevaba leds controlados por control remoto, que cuando

________________________________________________________ Las “Ranas” premio que otorga el festival Plus CAMERIMAGE. Cortesía de: Sylwester Rozmiarek

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23.98 el teléfono iba a la oreja reproducíamos con un rebote que nos iluminaba los brillos de su cara para que la imagen no fuera absolutamente negra. Esconder esa luz era complicadísimo y estaba expuesta a -3 o sea que la alopecia en esas semanas también tiene su causa. Pero eso era bueno, queríamos poner muchas agallas en esta peli, teníamos una oportunidad única para jugarnos la salud. Hay algo en mí que me dice que has de sufrir para hacer pelis, has de tomar riesgos e ir al límite para estar orgulloso del resultado. Esa adrenalina es la que me llevó a querer hacer cine. ¿Al convertirse el ataud en el set, ¿que modificaciones tuvo y cuantos ataudes utilizaron? Había un ataúd principal con tapas móviles y perfecto para sonido que es el que utilizábamos normalmente, pero teníamos otras 4 versiones para los planos específicos que necesitaban otros requerimientos, como uno muy alargado u otro dónde las tapas se deslizaban para hacer el plano en que damos 2 vueltas enteras al ataúd. ¿Cual es tu escena que te genera mayor satisfacción? La secuencia que me gusta más es la última, ya que contiene todos los elementos que definen la peli. Me gusta su riesgo, su realismo, su brutalidad y su extraña belleza.

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Artículo realizado con: entrevista realizada a Edu Grau Para más información sobre Edu Grau: www.edugrau.com

A M C

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fps ®

La Sociedad Mexicana de Autores de Fotografía Cinematográfica S.C. Tiene el honor de felicitar a EDU GRAU por haber sido ganador de la “RANA DE BRONCE” a la mejor Cinefotografía, dentro del Festival Plus CAMERIMAGE 2010, por la cinta “BURIED” de Rodrigo Cortés.

Eduard Grau ha colaborado en EMISIONES anteriores de 23.98fps® al compartir con nosotros su experiencia en el arte de la cinefotografía. Ciudad de México. Enero 2011

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Por Claudia Mera O.

FICCMEXICO

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l pasado 24 de Noviembre, se realizo una conferencia para presentar oficialmente y ante los medios de comunicación el Festival Internacional de Cine en la Ciudad de México (FICCMÉXICO). El cual se llevará a cabo del 4 al 13 de Febrero de 2011. En el marco de este festival la AMC (Sociedad Mexicana de Autores de Fotografía Cinematográfica S.C) otorgará el premio K´in a la mejor fotografía de largometraje en competencia nacional. En palabras de sur organizadores, este festival pretende lograr un acercamiento del público a las diferentes obras nacionales e internacionales mismas que se darán cita en este festival. Algunos de los asistente a la presentación fueron Elena Cepeda de la Secretaría de Cultura del D.F, Cristina Prado del IMCINE, Sergio Noriega de Panasonic, Terry Fernández de Argos, Carlos Barrón de AMFI, Patricia Blasio Productora General del Festival y Fernando Uriegas Director de Cfilma D.F., entre otros.

_______________________________________________________________________________________________ Patricia Blasio, Cristina Prado, Elena Cepeda y Carlos Barrón. Cortesía de: Claudia Mera O.

La mayoría de los sectores que intervienen en la producción cinematográfica estarán representados en este festival por algunas de las asociaciones más importantes del país como la Asociación Mexicana de Productores Independientes (AMPI), la Asociación Nacional de Actores (ANDA), la Sociedad Mexicana de Directores-Realizadores de Obras Audiovisules, la Sociedad Mexicana de Autores de Fotografía Cinematográfica (AMC), y la Asociación Mexicana de Filmadoras Independientes (AMFI) y cada una de ellas contará con una

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23.98 noche especial dentro del festival para reconocer al mejor productor, actor, director, cinefotógrafo y al mejor comercial realizado en la Ciudad de México, respectivamente. Entre las actividades planeadas para este festival se encuentra la presentación de diversas funciones gratuitas y al aire libre en diferentes plazas, parques, explanadas delegacionales incluyendo el Zócalo. Además de contar con algunos de los más importantes teatros y centros culturales así como las Fábricas de Artes y Oficios (FAROS) Los mejores largometrajes nacionales e internacionales serán premiados con “Las Alas” y Panasonic participará con el “Reto Panasonic”, y el ganador obtendrá una de estas estatuillas. A la par del circuito cinematográfico se realizarán otro tipo de actividades. Entre ellas, habrá un homenaje al Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC); una proyección especial de lo mejor de Shorts Shorts Film Festival México; en los Estudios Churubusco se llevará a cabo la Expo Loccine y Televisión. En esta ocasión Cuba será el país invitado y se realizará una retrospectiva de más de 30 largometrajes y cortometrajes de ficción, animación y documentales provenientes de ese país. Para mayor información de todos los eventos, así como los horarios y cedes puede consultarse el sitio web del festival www.ficcmexico.com

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Por: Claudia Mera O.

5To. SEMINARIO DE EXPERIENCIA PARA PRODUCTORES

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os días 25, 26 y 27 de Noviembre de 2010, se llevó a cabo por quinta ocasión el Seminario de Experiencia para Productores, organizado por Cinérgica (Sinergia para la Cinematografía Mexicana, A.C.) la sede fue la Cineteca Nacional y contó con el apoyo de CTT Exp & Rental y avalado por El Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUECUNAM) ya que el seminario tiene valor curricular. Tanto para los asistentes, como para los expositores fueron tres días de charlas muy amenas, y didácticas que en resumidas cuentas tuvieron como objetivo transmitir conocimientos prácticos, vivencias y ángulos de visión que sirvan de herramientas a los cineastas para comprender, prever, dimensionar y mejorar eficientemente el proceso de filmación de las películas. Ya que el seminario fue sobre la “experiencia” de los expositores en la etapa de producción o rodaje, parte de las enseñanzas dejadas en este seminario fue aprender que no existe un sólo camino para llegar al mismo punto, que siempre hay que estar bien preparados para prevenir cualquier contingencia y en caso de existir algún problema saber tomar las decisiones correctas que afecten en menor medida al desarrollo del proyecto y que aseguren la continuidad del rodaje. Ya que desde que se concibe el guión hasta el día de la Premiere existen muchos factores de riesgo que varían de acuerdo a cada proyecto, historia, y personas que intervienen en el.

________________________________________________________________________________________ Arriba Izq. José Antonio Elo. Arriba Der. Antonio Hernández. Abajo. Tita Lobardo, Rafael Cuerco y Walter Navas. Cortesía de: Claudia Mera O.

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La idea principal de estos seminarios es que los asistente puedan tener un contacto más cercano con los expositores, saber qué piensan a cerca de un rodaje, cómo resuelven los problemas que se van presentando a lo largo de las semanas de preproducción, producción y postproducción de una película. Comprender un poco más de los distintos departamentos que intervienen, entender que momento es el más adecuado para hacer las contrataciones de personal, qué o quiénes nos conviene tener desde la preproducción, a quiénes hay que dejar hasta el último, cómo intervienen las decisiones de los productores, saber más sobre las jerarquías que se manejan en la parte de producción, cuándo y cómo el Productor decide incluso quién es el que debe dirigir la película, qué pasa cuando el director es productor también, cómo afectan las opiniones de los departamentos de fotografía, diseño de producción, vestuario, locaciones, etc. sobre todo en la etapa de desarrollo antes de llegar a la etapa de preproducción y rodaje de una película. Muy importante son el presupuesto y el correcto manejo del flujo de capital, este punto es la columna vertebral de toda película. Sin dinero nada se puede hacer, y por ello se debe cuidar y hacer uso de él de manera que siempre haya suficiente para cada etapa del proyecto. El manejo del presupuesto parece como un trabajo de malabarismo pues los productores al tener que depender de terceros cuentan con partidas de dinero que no siempre llegan a tiempo y por ello el trabajo de un productor

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general será siempre asegurar que el gasto corriente no se detenga por nada ya que con esto se asegurará de que al menos se llegue a filmar el guión. ALGUNOS APUNTES AL RESPECTO José Antonio Elo, principal organizador se este seminario, haciendo una pequeña síntesis de la historia de estos seminarios, comentó que estaba muy a gusto de estar en la Cineteca Nacional. Definitivamente que esta clase de eventos tengan una sede como esta es un honor y un privilegio. Ya que la Cineteca posee una gran historia y es uno de los lugares de exhibición por excelencia no sólo de cine nacional sino también del internacional. Más allá de las cadenas de cine comercial, la Cineteca es un lugar de culto en nuestro pais. Así que yo creo que es natural que este tipo de eventos se lleven a cabo en este lugar.

____________________________________ Arriba. Tlacateolt Mata. Centro. Carlos Morales. Abajo. Fernando Uiregas

Por la parte de los expositores que tuve oportunidad de escuchar, me queda claro que cada cabeza es un mundo como cada película es un reto diferente, no importa en cuantas películas hayas trabajado antes, pues con cada nueva película vienen nuevos retos por afrontar. Que no importa cuantas veces hayas trabajado con el mismo personal siempre cada vez es distinto. Que siempre hay que tomar en cuenta a todos y cada uno de los departamento que intervienen. Que nada debe ser dejado a la suerte, y que siempre hay que tener un plan “B”.

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Cortesía de: Claudia Mera O.

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23.98 Los expositores fueron: (en orden alfabético)

__________________________________________________ Arriba. Roberto Fiesco y Laura Imperiale. Centro Izq. Silverio Palacios. Centro Der. Martín Corkidi. Abajo. Ricardo Díaz. Cortesía de: Claudia Mera O.

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Jorge Aguirre Chava Cartas Claudio Contreras Martín Corkidi Rafael Cuervo Ricardo Díaz Luis Estrada Luis Alberto “Pollo” Estrada Roberto Fiesco Toño Hernández Laura Imperiale Tita Lombardo Gustavo Loza Lorenza Manrique Tlacateotl Mata Carlos A. Morales Walter Navas Eamon O’Farrill Silverio Palacios Salvador Parra Joaquín Silva Fernando Uriegas Juan Uruchurtu Christian Valdeliévre René Villarreal

Directorio Producción General Fotografía Diseño de Producción - Arte Gerencia de Locaciones Producción Ejecutiva y/o de Línea Coordinación de Transportes Dirección Gerencia de Locaciones Producción General Producción General Producción General Producción Ejecutiva y/o de Línea Dirección Diseño de Producción - Arte Supervisión de Postproducción Supervisión de Postproducción Producción Ejecutiva y/o de Línea Gerencia de Producción Actor Diseño de Producción - Arte Primer Asistente de Dirección Gerencia de Locaciones Gerencia de Producción Producción General Primer Asistente de Dirección

Dirigido por: José Antonio Elo de Cinérgica (Sinergia para la Cinematografía Mexicana, A.C.)

coordinacion y diseno editoral juan jose saravia amc coordinacion y distribucion claudia mera olguin CONSEJO DIRECTIVO amc juan jose saravia amC vicepresidente CARLOS DIAZMUNOZ AMC vicepresidente

oscar hijuelos AMC vicepresidente

donald bryant AMC tesorero

jaime reynoso AMC secretario

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mexico

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Por Juan José Saravia AMC.

EFD la demuestra a detalle en sus instalaciones.

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principios del 2010 se presentó la cámara que significa la mayor apuesta de ARRI para recuperar el mercado que con tantas películas, comerciales y series de TV habían logrado obtener alrededor del mundo. Arnold and Richter (Arri) son los fabricantes de cámaras y equipo cinematográfico que entre los 80´s y 90´s lograron introducirse en la industria Hollywoodense y apoderarse de más del 50% de la realización de películas a nivel mundial y hacer que Panavision, el hasta ese entonces principal proveedor de cámaras a nivel alta producción pensara en modernizar sus sistemas de adquisición de imagen y aliarse con Lucas Films y Sony para hacer la primer cámara digital de alto desempeño para el rodaje de Star Wars, la Genesis. Han pasado más de 10 años de ese momento en que Arri se metió al mercado cinematográfico y desplazó la hegemonía de Panavision en la industria fílmica mundial. Varios años pasaron en la guerra tecnológica entablada entre Arri, Panavision y su aliado Sony cuando varios fabricantes comenzaron a lanzar productos basados en tecnología de adquisición de imagen más parecida a la TV, en ese entonces se puso de moda el hablar de data to film o en muchos casos el film look, es decir que la forma de adquirir imagen era procesada como TV y posteriormente transferida a datos y para poderse exhibir regresar a película, o simplemente convertir la TV a 24 cuadros por segundo. Fue en medio de esta guerra personalizada

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Alexallegadea Arri Mexico

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cuando apareció la RED, una cámara que se lanzó como una opción muy baja en precio: la primer promesa fue que costaría 20,000USD (aunque en realidad para poder explotar la calidad de esta cámara en su totalidad requería de una inversión no tan baja, ya que cada accesorio aumentaba la inversión entre 60,000 y 80,000 USD como mínimo para hacerla operativa) y con una resolución muy alta, punto que siempre ha sido muy controvertido ya que esa resolución es resultado de un muy inteligente procesamiento de datos, sin embargo la información nativa o conocida como RAW (cruda) en realidad es de mucha más baja resolución.

__________________________________________________ Alexa de Arri. Cortesía de Arri Inc.

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23.98 No cabe duda que la RED fue la cámara que desató la fiebre y aceptación de la tecnología digital y provocó que la industria mundial pasara al siguiente paso: la exhibición digital. A nivel mundial se considera que más del 35% de los complejos cinematográficos ya está utilizando proyecciones digitales y los planes son migrar a tecnología digital de proyección para poder exhibir proyectos estereoscópicos comúnmente llamados 3D para competir con la creciente demanda de cines en casa y hacer que los espectadores regresen a las salas de cine. En México se calcula que en los últimos 5 años se han colocado anualmente 2.2 millones de pantallas planas (formato 720P y 1080 full HD, aspecto de cuadro 16x9), de tal forma que existen por lo menos 11 millones de pantallas planas en formato 16x9 en nuestro país ya que van por lo menos 8 años de venta de este tipo de pantallas en México. Estas pantallas han hecho que muchos espectadores consuman las películas en casa y no en la sala cinematográfica. Los mercados de consumo han modificado la costumbre de distribución, por lo cual las herramientas han cambiado y principalmente las inversiones de equipamiento, así que las cámaras y equipos de postroducción también han sufrido cambios en las capacidades y sobre todo en procesamiento dependiendo del mercado al cual se va a distribuir. Alexa es la apuesta de Arri para buscar el liderazgo en la producción fílmica, al momento en que las salas de exhibición ya no son el principal mercado pero no por ello no atractivo, entra en juego la posibilidad de atacar con un solo equipo todas las posibilidades de mercado. La Alexa permite dos principales salidas que permiten tres configuraciones distintas.

____________________________________________________ Alexa de Arri. Accesorios compatibles con Arri. Cortesía de Arri Inc.

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1.- Salida rápida a HD para post vía tarjetas de memoria SxS. Esta modalidad, permite que la cámara grabe en formato ProRES (conocido como Codec, Apple Prores 4:4:4 y 4:2:2) pudiendo configurar la cámara para una calidad intermedia y alta en full HD. Esta configuración permite entrar directamente a flujos de trabajo de producción para TV. Muchas productoras de publicidad tienen “in-house” sistemas de edición que son capaces de administrar directamente este formato. Apple con su Final Cut se perfila como la forma ideal de terminación, aunque este CODEC también se puede desplegar en AVID. Al trabajar con esta configuración se aprovecha la gran capacidad de captura del sensor de la Alexa combinada con la óptica de super 35mm y los accesorios ya conocidos de Arri en un tamaño de imagen en HD, este formato es ideal para producción que termine en TV, ya sea HD o Standard. 2.- Salida HD-SDI, a una máquina grabadora. Esta opción de configuración permite que la imagen que procesa la Alexa sea grabada en otros formatos, como son Aja Ki PRO o cualquier máquina que grabe el CODEC ProRES 4:2:2 YCbCr, esta configuración se puede utilizar para flujos de trabajo de TV o publicidad que tengan otros formatos en su flujo de trabajo que no sea Apple o tarjetas SXS. 3.- Salida HD-SDI 3g/1.5g para grabación de archivos en crudo ArriRAW a disco externo de memoria que tengan compatibilidad con Arriraw T-link . Esta configuración es la indicada para proyección en gran formato y para los casos que se requiera Data fo film a 35mm . La Alexa logra capturar 13.5 pasos de latitud, la forma en que lo logra es muestreando (sampling) dos veces cada elemento del foto sensor, una vez para capturar el segmento de luces y otra vez para capturar el segmento de sombras, el procesador logra juntar ambas informaciones y así crear un archivo con mucho más escalas de grises que cualquier otra tecnología. (Para mayor información visitar:http://www.arridigital.com/technical/bayermask información sobre el esquema Bayer de captura y codificación).

____________________________________________________________ Arriba. Ranura para Tarjetas SxS. Abajo. Tiene montura PL. Cortesía de Arri Inc.

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Las imágenes que nos mostraron los representantes de ARRI de Los Angeles son verdaderamente sorprendentes por la pureza y ausencia de ruido en los negros a la par de muy buena reproducción de blancos con una sensibilidad sorprendente. En la AMC estamos preparando pruebas exhaustivas a la cámara, los resultados los publicaremos en 23.98fps en cuanto los tengamos. Apectos técnicos, “datos en duro”. - Resolución nativa 3.5 K máximo. - Superficie del sensor idéntica al tamaño del cuadro de Super 35mm. - Diseño modular, el diseño se realizó modular para poder ir actualizando en el futuro los módulos y poder actualizar la óptica, el medio de captura e inclusive el módulo de procesamiento. - La ALEXA se comercializa con Montura PL pero se podrá cambiar la montura a Panavisión, B4, Nikon, etc.

_____________________________________________________________________________________________________ View Finder electrónico. “La calidad de imagen y resolución del Viewfinder es sorprendente por no ser molesta a la vista” Cortesía de Arri Inc.

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Para poder explotar al 100% la información que puede capturar la cámara se requiere de grabar el formato Arriraw en un disco industrial externo para almacenar la gran cantidad de información, los sistemas más populares son CODEX y OB-1 de S-TWO.

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23.98

Estos discos son arreglos de memoria sólida de alto desempeño. Al grabar en esos discos la información está protegida por una sólida plataforma además de poder almacenar en las tarjetas SxS para que esta información se utilice como off line y se pueda editar en cualquier Final Cut configurado para FullHD. Los discos externos se pueden copiar y respaldar a discos externos o LTO (Cintas de datos) y con la información de un EDL (Edit decisión list) se puede conformar el master desde los archivos ArriRAW y proceder a corregir color desde el origen de la información capturada y así poder aprovechar los 13.5 pasos de rango dinámico (latitud).

_______________________________________________________________________________________ Arriba Izq. Rene Gaston Aguilar AMC, Juan José Saravia AMC, Eduardo Vertty AMC. Arriba Der. Ted White de S.two Corp. Cortesía de: Donald Bryant AMC.

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23.98 Alexa fue presentada en México en las instalaciones de EFD, por el momento hay pocos cuerpos disponibles en México, pero seguramente en el 2011 esta cámara significará la recuperación de la hegemonía de Arri en la producción fílmica ya que varias casas arrendadoras en México y Latinoamérica están esperando las suyas. Veremos como responde la competencia a lo largo del año para ofrecer la mejor calidad de imagen con el costo más apropiado para las condiciones del mercado latinoamericano. La realidad es que esta cámara hará necesario la inclusión o la determinación de un experto en configuración de formatos y cámaras, las opciones disponibles en el mercado cada vez son mayores y con ello la posibilidad de error. La discusión sobre cómo será la operación del cine digital en el futuro inmediato y el futuro de las responsabilidades de los cinefotógrafos está ya en el tintero. A nivel mundial hay una preocupación para que se haga patente la responsabilidad de un DIT o Postproductor que vincule el trabajo en el set y los centros de post, no significando ser solamente un copiador o administrador de archivos, el DIT debe ser una persona calificada que pueda configurar cualquier cámara y que sea el responsable del cuidado técnico de la imagen, así como la importancia de que los cinefotógrafos se actualicen y dominen las opciones digitales.

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___________________________________________________________________________________ Arriba. Donald Bryant AMC. Abajo. Stephan Ukas de ARRI Inc. Cortesía de: Donald Bryant AMC.

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sociedad mexicana de autores de fotografia cinematografica sc Foto cortesía: Juan José Saravia AMC

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23.98 fps #9 Enero 2011  
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Revista veintitres punto noventa y ocho fotogramas por segundo. 23.98 fps es una publicación de la AMC (Sociedad Mexicana de Autores de F...

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