DIRECCIÓN
MAY OUTEIRAL
PORTADA, DIRECCIÓN DE ARTE Y MAQUETACIÓN
NEREA CARRIÓN
REDACCIÓN
MAY OUTEIRAL
JUANJO BLANCO
JUAN ÁLVAREZ
GABRIELA CORTÉS
JONATHAN GUTIERREZ
COLABORADORES
BEEPDMUSIC
LM PR
JUANJO BLANCO
JONATHAN GUTIERREZ
URBANREBEL PR
En el punto donde la elegancia se encuentra con lo underground, aparece Eleni Zara, también conocida como Ezara.
Mitad griega, mitad sueca, Ezara es una fiel y educada fiestera que se presenta en las pistas de baile y decidió acercarse aún más a los géneros de la música electrónica, atraída y familiarizada con una variedad de sonidos house y techno de calidad.
¿Cómo influyó tu trasfondo multicultural (griego y sueco) en tu enfoque hacia la producción de música electrónica y el DJing?
Un trasfondo multicultural puede moldear significativamente el enfoque de un artista hacia la producción musical y el DJing, especialmente en la música electrónica, que, a menudo, mezcla diversas influencias, lo cual puede generar una identidad artística única.
Poder extraer elementos de dos culturas distintas permite una mayor conexión con audiencias diversas, ya que diferentes elementos musicales pueden resonar con oyentes de distintos orígenes. Integrar elementos de ambas culturas puede llevar a un sonido distintivo. Por ejemplo, incorporar instrumentos o melodías tradicionales griegas a la música electrónica puede crear una fusión fresca y única que destaque en la escena.
¿Puedes contarnos más sobre los sonidos espirituales, anatolios y terrenales que influyen en tus sets y producciones?
La música de Anatolia se caracteriza por sus diversos ritmos, escalas e instrumentos. Incorporar instrumentos tradicionales como el saz o el ney puede introducir patrones melódicos y timbres únicos. Estos elementos pueden dar a las pistas un toque exótico y conectarlas con narrativas históricas y culturales, añadiendo profundidad a la música.
L a combinación de estas influencias de Anatolia y los sonidos terrenales puede evocar una amplia gama de emociones, desde la introspección hasta la celebración. Esta profundidad emocional puede ser particularmente poderosa en sets en vivo, donde la energía de la multitud puede elevarse mediante selecciones cuidadosamente curadas.
Además de mis sets de DJ, en mis producciones muestro mi cultura, mis raíces. Al mezclar estos sonidos espirituales, anatolios y terrenales puedo crear una paleta sonora única que resuene con los oyentes y genere una atmósfera inolvidable en mis sets y producciones.
¿Cuál fue tu experiencia actuando en Art Basel en Miami durante cinco años consecutivos? ¿Cómo influyó en tu carrera?
Ser parte de Illumina Tribe y House of Love me dio la oportunidad de tocar durante cinco años en fiestas de Burning Man en el festival Art Basel de Miami, uno de los festivales de arte y música más grandes del mundo, junto a nombres internacionales como Dennis Ferrer, Blondish, Serge Devant, Birds of Mind, Salomé le Chat y muchos más.
la música electrónica. Esto demuestra profesionalidad y compromiso, lo que puede atraer más oportunidades de alto perfil en el futuro.
Me abrió horizontes a nuevas ideas, nueva música, nueva creatividad, al conocer artistas de todo el mundo. Este intercambio cultural puede llevar a nuevos sonidos e inspiraciones, evolucionando aún más mi estilo y, sin duda, abriendo puertas a nuevos proyectos y países, algo que quieres en tu biografía como artista y como persona.
Has trabajado con varios sellos internacionales como Lump Records y Red Channel Records. ¿Cómo decides con qué sellos colaborar?
Es esencial encontrar sellos que compartan una visión y una ética artística similar. Esta alineación asegura que la música producida sea un reflejo auténtico del estilo y mensaje del artista, haciendo que la colaboración sea más genuina.
Actuar consistentemente en un evento prestigioso puede solidificar la reputación de un artista en la escena de
Trabajar con sellos de renombre como Lump Records y Red Channel Records puede mejorar la credibilidad de un artista en la industria. Investigar la historia de un sello, su lista de artistas y su impacto en la escena puede ayudar a tomar esta decisión. A través de mi sonido, intento asegurar que la música llegue al público adecuado y encaje bien en el catálogo del sello.
¿Qué desafíos has enfrentado al establecerte en la escena de la música electrónica, especialmente como mujer en una industria dominada por hombres?
Las mujeres a menudo enfrentan estereotipos y prejuicios que pueden socavar su credibilidad y talento. Esto puede manifestarse en ser ignoradas para presentaciones, recibir menos apoyo por parte de los compañeros de la industria o que su trabajo sea rechazado.
La escena de la música electrónica puede ser competitiva y excluyente. Construir conexiones y encontrar comunidades de apoyo puede ser más difícil para las mujeres, que pueden sentirse excluidas de redes ya establecidas. Incluso después de 10 años tocando música, especialmente en mi país, Grecia, sigo luchando para abrir puertas y tengo la sensación de que debo ser perfecta y nunca cometer errores porque esos errores serán juzgados. Y ese juicio nunca se lo hacen a otros DJs hombres, porque la respuesta siempre es: “Ah, ella es una mujer por eso toca música”.
Nunca hacemos lo suficiente y tenemos que trabajar el doble de duro, pero al final eso me ha hecho más fuerte y mejor que otros DJs hombres, y estoy feliz de mostrar mi trabajo en todo el mundo de esta manera para poder lograr algo.
¿Puedes compartir algún momento memorable de tus residencias en Mykonos, particularmente en lugares como Astra, Solymar e It Beach?
Compartiré momentos memorables de mi residencia en Bolivar Athens (junto a Guy Gerber, Layla Benitez, Recondite), el proyecto temático pop-up Suburbia, y las fiestas de Illumina Tribe en Mykonos. Se vienen fotos.
¿Cómo es tu proceso creativo al producir una nueva pista? ¿Comienzas con un sonido o sentimiento particular en mente?
Todas mis producciones comienzan siempre con una idea, un proyecto. Nunca creo solo sonidos, quiero contar una historia, desde mi primer EP Byzantio, presentando mis raíces al público hasta ahora. Depende también de mi estado de ánimo, de mis experiencias; eso es lo que cambio y los géneros musicales y sellos les dicen a las personas de esta manera si estoy feliz, enojada o triste.
Soy diferente antes y después de la cuarentena del COVID-19 y después de que mi padre falleciera.
Hasta ahora, valoro la vida de manera diferente y todo ese conocimiento y sentimientos los pongo en mis producciones.
A lo largo de este proceso, puedo oscilar entre diferentes etapas, revisitando ideas y haciendo ajustes a medida que llega la inspiración.
En última instancia, el proceso creativo es altamente individual y puede evolucionar con el tiempo, influenciado por el crecimiento personal y las experiencias.
¿Cómo equilibras tu presencia local en Tesalónica con tus presentaciones internacionales en ciudades como Beirut, Ámsterdam y Berlín?
Desarrollar relaciones con promotores, lugares y otros artistas tanto a nivel local como internacional puede facilitar oportunidades para presentaciones.
Una red sólida puede llevar a colaboraciones e invitaciones que se alineen con aspiraciones locales y globales. Dondequiera que toco, me importa la conexión con la multitud y el intercambio de energías.
Cuando veo a la gente bailar con mi música y apasionarse, ese es mi objetivo, ese es el mejor regalo que puedo recibir de cada escenario y lugar en el que toco, desde Miami hasta Tesalónica, desde Mykonos hasta Berlín, desde Creta hasta Polonia. Ese es mi mejor equilibrio y alegría en la vida, es un sentimiento que no puedo describir.
¿Quiénes son algunos de los artistas que más han impactado en tu carrera y qué aprendiste al trabajar con ellos?
Puedo llamarlos mentores. Gracias a ellos, cambié toda mi filosofía y sonido, y estaba súper emocionada cuando toqué con ellos en el Ritual Club de Atenas, y después de eso, siempre los sigo por todo el mundo.
Creo que, además de ser personas y artistas increíbles, están creando una nueva ola musical en la industria. Colaborar con artistas como ellos puede enseñar valiosas lecciones sobre la importancia de la fusión cultural en la música, el arte de contar historias a través del sonido y la importancia de crear una experiencia compartida durante las actuaciones en vivo.
Trabajar con estos artistas también puede resaltar la necesidad de autenticidad y conexión emocional en la música, recordando la importancia de permanecer fiel a las raíces mientras se exploran nuevos horizontes. Su habilidad para crear sets inmersivos fomenta una comprensión más profunda del compromiso con el público y el poder del ritmo y la melodía para crear momentos memorables.
¿Qué nuevos proyectos o colaboraciones podemos esperar de ti en el futuro cercano?
Continuaré mi gira mundial con mis colaboraciones anteriores, pero en nuevos lugares como Atenas, Polonia, Beirut, Berlín...
Un nuevo proyecto en mi ciudad natal llamado Metamorphosis (un lugar donde cualquiera puede vestirse como quiera, ser libre y mostrarse). Suburbia, un proyecto temático pop-up que se lleva a cabo en Ibiza y Atenas. Cada vez con un código de vestimenta y lugar diferentes.
Mi debut en Tulum, otro sueño que se hará realidad y muchos más que tendrás que seguir de cerca. También mantendré algunos secretos como nuevas producciones musicales y mis nuevos podcasts mensuales en Syncbeat Radio. ¡Estén atentos!
El nuevo tema de Ertan Koculu, “Eren”, cuenta con la encantadora voz de la cantante rusa Ira Ange, creando una fascinante mezcla de vibraciones de indie dance. Esta colaboración muestra un rico tapiz sonoro, donde los ritmos profundos y pulsantes se entrelazan con melodías etéreas que evocan nostalgia y euforia.
Desde el momento en que comienza la canción, los oyentes se sienten atraídos por la voz etérea de Ira Ange, que flota sin esfuerzo sobre un ritmo contagioso. La producción está llena de sintetizadores brillantes y líneas de bajo con mucho ritmo, creando una atmósfera que invita tanto al movimiento como a la reflexión.
“Eren” captura una sensación de anhelo y alegría, lo que la hace perfecta tanto para momentos íntimos como para pistas de baile. El arte de Ertan Koculu brilla en este lanzamiento, combinando un lirismo sincero con un paisaje sonoro vibrante, lo que garantiza que “Eren” resonará entre los fanáticos del indie dance y más allá. Esta canción es un testimonio del poder de la colaboración y promete ser un himno destacado para aquellos que anhelan profundidad y emoción en su música.
El último tema de Cengizhan, “Ozone”, es un viaje cautivador a través de los reinos del house melódico y el techno. Con ritmos vibrantes y sintetizadores etéreos, el tema combina sin esfuerzo ritmos profundos con melodías estimulantes.
Desde las primeras notas, “Ozone” envuelve a los oyentes en un rico paisaje sonoro, evocando una sensación de euforia e introspección. Las líneas de bajo dinámicas impulsan el ritmo hacia adelante, mientras que las intrincadas capas de sonido crean una atmósfera hipnótica perfecta tanto para la pista de baile como para momentos de reflexión.
Cengizhan entrelaza magistralmente elementos de tensión y liberación, asegurando que cada gota resuene profundamente. “Ozone” no es solo un tema; es una experiencia que te transporta a un estado eufórico, lo que lo convierte en un complemento imprescindible para cualquier set de DJ. Ya sea que estés perdido en la música de un festival o relajándote en casa, este lanzamiento promete elevar tu estado de ánimo y encender tu pasión por el house melódico y el techno.
“UFO Meditation” de Muza (Ru) se adentra en el paisaje sonoro cósmico de “UFO Meditation” del productor y DJ ruso Muza (Ru). Esta pista combina a la perfección melodías etéreas con ritmos maravillosos, creando una experiencia inmersiva que invita a los oyentes a embarcarse en un viaje más allá de lo ordinario.
“UFO Meditation” captura la esencia del indie dance, fusionando ritmos vibrantes con capas ambientales que evocan una sensación de exploración e introspección.
Las líneas de bajo hipnóticas y los sintetizadores aireados te transportan a un reino sereno pero enérgico, perfecto tanto para pistas de baile como para momentos tranquilos de reflexión.
Prepárate para ser cautivado mientras Muza (Ru) crea una narrativa sonora que resuena con el espíritu de aventura y el encanto de lo desconocido. Ya sea que estés perdido en tus pensamientos o bailando bajo las estrellas, “UFO Meditation” promete elevar tu experiencia a nuevas alturas.
Únete a Muza (Ru) en este cautivador viaje y deja que la música te guíe a territorios desconocidos.
El festival celebrará su 11º edición entre el jueves 7 y el domingo 10 de agosto en recinto de El Toyo-Retamar junto a Almería capital
Dreambeach arrancó en 2024 una nueva andadura con la celebración de su Décimo Aniversario en su nueva ubicación junto a Almería capital. El festival confirma su nueva edición que tendrá lugar los días 7, 8, 9 y 10 de agosto en El Toyo-Retamar, para volver a convertir a Almería en capital mundial de la música electrónica durante un fin de semana de vértigo junto al Mediterráneo. Un proyecto que batirá todos los récords en su nueva edición el próximo verano.
La última entrega del evento en 2024 superó todas las expectativas del festival en su nueva ubicación, con más de 120.000. Una edición de aniversario en que Dreambeach Festival se ha convertido en un festival de referencia, como marca cultural vinculada con la visibilidad de la ciudad de Almería, además de cuidar al detalle la producción en todos sus aspectos.
La Organización de Dreambeach está trabajando en el cartel más internacional de su historia en su segunda década, donde se creará un nuevo recinto con estructuras espectaculares, en su nuevo espacio para crear una producción de alto nivel con cuatro escenarios independientes, por donde pasarán artistas nacionales e internacionales durante tres días consecutivos (jueves, viernes y sábado). Un espacio donde todos los géneros de la música urbana, electrónica y digital serán protagonistas y tendrán cabida a partes iguales. EDM/ Mainstream/ Hardstyle, Techno, Breakbeat y Drum & Bass a partes iguales en un cartel que se irá completando en los próximos meses. El recinto de Dreambeach también contará con zona de acampada oficial junto al recinto de conciertos.
El cartel de artistas de la 11ª edición presentará muchas sorpresas de talla internacional, apostando tanto por grandes nombres del circuito electrónico que han pasado por Dreambeach a lo largo de esta década, así como nuevos referentes o artistas urbanos, y también dará un espacio de relevancia a la escena nacional y local.
El primer cupo limitado de abonos para Dreambeach 2025 estará disponible el próximo 3 de noviembre a través de la web oficial del festival www.dreambeach.es
FRENCH DREAMS
KING A.K.A SAMPLEKING
Se trata del nuevo trabajo del productor español, King a.k.a Sampleking -también en solitario- después de su reciente trabajo “Day & Night” editado en el sello canadiense, Row Records en el que “bucea” de nuevo dentro del indie dance y en el que combina melodías enérgicas y contundentes con voces france-sas que le dan ese toque tan especial y místico que el tema necesita para “hipnotizar” a la audiencia en la pista de baile.
El devenir del tema está bastante bien desarrollado y encaminado desde su comienzo hasta su final y es justamente, en medio del tema, cuando el productor realiza una gran pausa con ritmos decrecientes y crecientes que desembocan en un éxtasis sonoro en el que la audiencia en la pista de baile solo puede disfrutar con toda su intensidad.
Es, sin duda, otro gran trabajo de este productor español que está muy activo tanto en su presencia en clubs y festivales como en el tema de la producción después de un periodo tan controvertido y estéril como fue la pandemia mundial.
Helen Brown ha sido DJ en la escena de música house desde 1993. Helen comenzó a presentarse profesionalmente en Taormina, Sicilia, en varios clubs asociados con la popularidad de este destino turístico costero. Después de obtener un título en derecho, Helen empezó a trabajar en toda Italia, ofreciendo una amplia variedad de música con un sonido vanguardista y vibraciones enérgicas y dinámicas.
Las presentaciones de Helen se desarrollan en una atmósfera decididamente ecléctica, donde se combinan estilos musicales que van desde Electro Club, Tech House hasta Progressive, fusionados de una manera moderna y única que hace que la pista de baile se encienda mientras ella trabaja.
Helen, llevas más de 20 años en la escena de la música house. ¿Cómo ha evolucionado tu sonido desde que comenzaste hasta ahora?
Comencé cuando era adolescente, tocando en el underground, por lo que siempre he estudiado la música house. Siempre estoy buscando un sonido innovador.
Has colaborado con sellos importantes y artistas, incluyendo remixes para Tiff Lacey. ¿Cómo abordas la creación de un remix que se mantenga fiel al original y al mismo tiempo refleje tu estilo personal?
Cuando creo un remix... siempre respeto la línea del original, pero con el toque de mi estilo. En mi opinión, en un remix, una canción no puede ser completamente desmantelada.
Tu remix de “Here I Go” con Linda Lugnet fue apoyado por DJ Tiesto. ¿Qué impacto tuvo este respaldo en tu carrera y visibilidad internacional?
Increíble, porque después del show de Tiesto, tuve muchas presentaciones alrededor del mundo: Polonia, Túnez, Hong Kong, Francia, etc.
Has tocado en lugares y eventos icónicos en todo el mundo, desde Tresor en Berlín hasta el Festival Atmosphere en México. ¿Qué diferencias notas en las audiencias de ubicaciones tan diversas?
Los festivales te dan una adrenalina increíble porque tocas para miles de personas, ¿verdad? Pero siempre prefiero los clubes pequeños y cálidos donde los clubbers vienen solo por el artista.
Tu carrera abarca una impresionante variedad de géneros, desde Electro Club hasta Tech House. ¿Cómo mantienes un equilibrio entre los elementos tradicionales y de vanguardia en tus sets?
Depende del tipo de DJ set, del club y de otros elementos. No sigo ningún patrón.
En 2008, hiciste tu debut como productora. ¿Cómo fue la transición de DJ a productora y qué desafíos enfrentaste en ese proceso creativo?
La profesión de productora se basa en la creación. No escuchas la música, la ves, la construyes. Es increíble.
La escena electrónica está en constante evolución, con nuevas tecnologías como la IA y herramientas avanzadas de producción. ¿Cómo integras la innovación tecnológica en tu música?
Creo que debemos respetar las innovaciones, y me gustan. Así que, bienvenidas la tecnología y el futuro. Empecé con los tocadiscos Technics 1210, así que ahora todo es mucho más fácil.
Has participado en eventos de moda y programas de radio como Soundzrise en m2o. ¿Cómo adaptas tu música para plataformas más allá de la escena de clubes, como la moda y la radio?
Has tocado en algunos de los clubes más importantes de Italia y a nivel internacional. ¿Cuál ha sido tu actuación más memorable y por qué?
Todas mis presentaciones están en mi corazón. Todos los clubes, todos los clubbers.
Finalmente, ¿qué legado te gustaría dejar en la escena de la música electrónica, y qué podemos esperar de Helen Brown en los próximos años?
Espero poder crear canciones que les gusten y que puedan tocar. Porque la música nos ayuda a alcanzar la eternidad.
Siempre elijo la canción que, para mí, es la más adecuada para ese momento.
I’LL BE THERE DUBVISION
DubVision regresa con su último sencillo, “ I’ll Be There “, una cautivadora mezcla de melodías estimulantes y ritmos pegajosos. Interpretado por Martin Garrix durante la última semana del ADE, es el primer sencillo tras el lanzamiento de su álbum debut “Another World”.
El after se convierte en una reconquista de la noche, luego de que algunas leyes pusieran límites a los clubes formales. Para entender más este espacio, conversé con un productor de fiestas, un DJ y la dueña de uno de los primeros after en el corazón de Santiago de Chile: Dominica.
Hoy este espacio ha estado en la pauta nacional, por aquellas personas que no saben tratar bien la noche y tener cuidado con la comunidad, pero los after son parte de la cultura electrónica desde hace décadas, en todo el mundo. En Chile, hace años que las y los bailarines buscan seguir para compartir buena música y un momento único.
LA NODRIZA
Dominica era un espacio ubicado en la calle Dominica 54, en el sector de Pío Nono, en pleno barrio Bellavista de la ciudad de Santiago. A la cabeza de este lugar tan conocido por la vieja escuela de la escena electrónica en Chile, Jeannette Lucero (junto a su socio Patrio Pino), la mujer que abrió un espacio para todas y todos. De hecho, fue quien decidió comenzar a abrir el after miércoles y jueves para que nuevos talentos tuvieran la oportunidad de tocar. En la actualidad vive en San Pedro de Atacama, y hacemos una videollamada por celular para conocernos y conversar.
“Noestabaplaneado,estuvimosenelmomentopreciso” dice Jeanette, para referirse a la vuelta de la democracia, post dictadura, cuando el socialismo llegó a gobernar y comenzó un auge de la cultura. Fue en los años 2000 que comenzaron las fiestas después de las fiestas. Fueron diez años de gloria, en que lo bailado no se lo quita a nadie de las personas que visitaron: desde famosos de la farándula, periodistas reconocidos y deportistas de alto rendimiento.
“En ese tiempo, comienza a volver la gente que estaba afuera. Exiliada. Estaban buscando la cultura que nos habían quitado”, describe agregando que “Si Gabriela Mistral decía todas querían ser reinas, acá todos querían ser DJs”
Fue el cambio de tiempo el que impulsó a Dominica a ser un punto de encuentro para quienes gustan de bailar, la buena música y la noche. “Después de Pinochet hubieron dos gobiernos La fiesta se acaba y aún tenemos ganas de seguir bailando. Junto a mi gente miramos nuestros celulares y comenzamos a buscar algún after dónde llegar. Esta segunda parte, o tercera, de la noche nos llena de emoción porque no queremos ir a dormir.
democratacristianos entonces, no hubo mucho cambio”, recuerda cuando rememora “una casa fantástica” como la describe, la cual estaba muy cerca de uno de los clubes de música electrónica más importantes en Chile y Latinoamérica: La Feria y dice: “nos enamoramos de la música sin tener nada que ver”
Como todo en la vida, llegan cosas que cambian la perspectiva de lo bueno. Como parte del circuito, Jeanette cree que algunos espacios fueron perjudicados cuando “entró el tema de que era más importante la plata que la música y que el ambiente. Empezaron a inventar estos VIP, que lo único que tenían era una reja, porque la gente se veía aspiracional”, dice, cuando antes bailaban todos con todos.
Hoy recuerda con mucho cariño lo que fue Dominica, y sabe que hay más viudas y viudos de este mítico after. “Me gustaría volver a abrir un lugar así, pero más familiar y más enfocado en la música, que la misma gente que iba antes pudiera ir con su hijo o hija. Como era antes, como eran mis fiestas”, finaliza.
Un espacio para estar con las amistades
Francisco, más conocido como Chopan, se reunió conmigo un día por la tarde para conversar. Animado por contar su experiencia, recuerda el lugar que comenzó con todo. Si, Dominica. Con 20 años de experiencia en la escena electrónica, recuerda que “loparticulardeestosafters, en esos comienzos, es que eran mucho más íntimos de lo que son actualmente. No cualquier persona podía entrar. Tenían que ser conocidos y se privilegiaba totalmente la música”
Explica que Chile es uno de los pocos países con límite de horarios, bien lo sabe puesto que organiza grandes fiestas con miles de asistentes. “Estamos acostumbrados a un horario de represión más que de libertad”, dice agregando que “la escena fue creciendo a medida que crecía la cantidad de gente que en verdad le gusta seguir la fiesta y aparecen los afters como lugares un poco más de nicho y ahora un poco más populares”
Como productor, le encanta el after, ya que al trabajar toda la noche está pendiente de que salga todo perfecto mientras que en esta instancia que parte a las 4:00 de la mañana, “es la parte que no trabajo y que en verdad comparto con mis amigos. Converso, me explayo,
escucho música, hago en verdad cosas que me gustan, se genera un espacio mucho más íntimo y mucho más de confianza entre las personas que la fiesta masiva”.
Para Francisco, este es un espacio donde los DJs pueden tocar con más libertad y creatividad. “Muchas veces el DJ cae en tocar para la fiesta o para el club, porque siguen un estilo específico, cosa que no pasa en el after porque lo veo desde el punto de vista de mi trabajo”, explica.
Ha visto a todos los mejores DJs nacionales tocar en afters, desde Butano, Gustavo Allende, Felipe Venegas, Aldo Foschino. También a Dorian Chávez, un icono de la escena que falleció este año, y que fue residente de Dominica 54 en sus comienzos. Al igual que Jeanette, cree que los afters también son una nueva vitrina para “los nuevos que quieren tocar, porque en el after, de repente les puede escuchar un productor como yo y les puede invitar”
Y así ha conocido a muchos DJ nacionales, en un after. Los invita a tocar y ahora tienen fechas con él. Por otra parte, cree que no es lo mismo de antes, hoy en Chile falta cultura en la escena electrónica, “el chileno de repente es súper aspiracional y no se informa mucho, no se culturiza tanto. Hay muchos artistas en el país que son increíbles artistas y no se les escucha”
A medida que avanza la entrevista, también recuerda lo que dejó la dictadura: el miedo. “La delincuencia llegó al after pero depende donde te quieras meter, hay gente buena y mala pero el after es un lugar donde en verdad te conectas mucho con las personas, te conectas contigo mismo, es un espacio de libertad absoluta, nadie te va a juzgar”
El momento del DJ
Carlos, más conocido como Zikuta, se juntó a tomar un café conmigo para la entrevista. Es DJ y uno de los precursores del Love Parade en Chile y quien me hizo el contacto con Jeanette. Fue entre el año 1993 a 1994 que comenzó, junto a amigos, el colectivo Euforia.
“Yo creo que nosotros inventamos la escena electrónica en Chile. Creo que éramos tal vez dos o tres colectivos y grupos de personas que estábamos creando cosas quenosabíamosloqueseríahoy”,relata. También a la vuelta de la democracia, el underground se tomaba la noche.
Considera que fue Dominica el primer espacio precursor de los afters.
Describe este momento de la noche que “siempre va a ser un lugar donde llega gente eufórica, donde la gente se vuelve loca y donde están su máxima revolución. Era muy chistoso porque yo tocaba ahí y era más chico. Al principio era como una especie de familia”.
Recuerda muy bien cuando comenzaron a restringir las fiestas hasta las 4:00 de la mañana, y desde ahí, el apogeo del afterparty comenzó a pegar. Antes “era un lugar loco porque no solamente era muy estricto el tema de quién podía entrar, sino que también era muy estricto lo que podía pasar dentro. Por ejemplo, cuando yo tocaba, tenía un timbre atrás mío y se acercaba alguien a molestar, yo tocaba el timbre y llegaba un guardia para sacarlos”
Desde su experiencia como DJ, y de acuerdo con Francisco, “es un lugar mucho más mental, donde puedes ser mucho más psicodélico para tocar y donde puedes poner música mucho más abstractas, melódicamente y tal vez mucho más transgresoras”
Las personas que recuerda, que asistían a estos afters, eran gente “que tenía un estilo de vida bastante normal en términos de su día a día. Gente que tal vez decía Qué rico me lanzó un viernes, me recupero el sábado y duermo todo el domingo y el lunes sigo trabajando”, dice agregando que “para mí tampoco tendría mucho sentido ir a un after donde están todos bien portados, donde toda la gente esté súper linda. Yo creo que es un espacio donde más te puedes mostrar como eres. Qué es lo que sientes”
Desde mi experiencia como bailarina y amante de la escena electrónica nacional, y gracias a estas tres conversaciones, me di cuenta de la importancia de mantener estos espacios de ocio y distensión. La narco cultura llegó para quedarse, pero aún está la noche larga, donde hay gente como uno, que solo quiere disfrutar de buena música y un buen momento.
Ars Nova Music es un sello de Buenos Aires, Argentina cuyo owner es el artista Leonardo Menichetti (Menih). La principal meta de dicho label es adentrarse en el lado melódico de la electrónica, explorando géneros como el Melodic Techno, Progressive House, Organic House, Deep House y Afro House.
Fundado en marzo del 2024, su propuesta sonora y calidad artística promete, sin lugar a duda.
En esta ocasión, una de nuestras referencias más importantes es la de los artistas Markyno y Paolo Rem con su nuevo lanzamiento “So Make Me Folen” que consiste en tres pistas de alta calidad con envolventes melodías y atmósferas que van desde el Progressive House al Melodic Techno.
“So Make Me Folen”, cuya pista le da nombre al lanzamiento, nos transporta a un viaje mental con sus notas, arpeggios y una destacable vocal masculina.
“The Night Paradise”, la segunda pista que compone este lanzamiento denota un estilo progresivo más fresco y melancólico con una bella vocal femenina y con un hipnótico arpeggio.
“You Many Keeper”, la última pista, es más agresiva en cuanto a su propuesta instrumental como vocal. Casi podemos percibir tanto es sus sintetizadores como en la vocal principal con un tono “robótico” aguerrido.
Joanna Coelho es una auténtica fuerza de la naturaleza que, infatigable como pocas, aún no está preparada para despedirse de este 2024, por lo que ha decidido hacer un último regalo a sus fans y lanzar más música nueva.
La DJ y Productora brasileña, que se ha trasladado a España, acaba de publicar su nuevo EP “Make you Move”. Editado por el sello británico TMinus Records es una concentración de energía con sonidos que van desde el psytrance al rawstyle.
Está compuesto por tres tracks: ‘Another One’, ‘Make you Move’ y ‘Warrior’, que unen varios géneros pero tienen una constante que es el ritmo.
Noviembre es un mes muy productivo para Joanna Coelho, que ha lanzado un tema llamado “Macete” en dos versiones (“bouncy” y “hard”) para su propio sello Raverse Records.
La DJ también lanzará ‘Bad Bitch’, en colaboración con Paul Clark, en el sello alemán Sonaxx, el día 29. Un track que combina un altísimo nivel de producción a nivel de hard techno.
Subidas y bajadas de intensidad y un tempo que te atrapa y solo te suelta cuando rompe en grandes drops con la guinda del pastel, la propia voz de Joanna.
Una voz que casa perfectamente con la intensidad clásica de un tema de hard techno y lo potencia aún más y que será una bomba cuando suene en directo. ¡Estamos deseando escucharla!.
Eleonora Vologni, habló con Joanna Coelho sobre cómo afrontará el final de 2024 y qué le deparará 2025, pero también de curiosidades sobre la vida de la artista y profundizamos en cómo la DJ produce sus temas.
Hola Joanna, ¿podrías decirnos por qué decidiste mudarte de Brasil a España?
Hola Sync Beat Team, gracias por la invitación! Yo originalmente me mudé de Brasil a Holanda para estudiar en la Universidad de Leiden y en SAE Rotterdam. De ahí me vine a España donde completé mi PhD en la Universidad de Vic.
¿Qué es lo que más te gusta de España y de los españoles?
Está claro qué en España se sabe disfrutar lo mejor de la vida y valorar los momentos y relaciones y esto lo veo muy importante.
¿Quién es Joanna Coelho? Descríbete en pocas palabras.
Una enamorada de la música electrónica que da la vida por su público.
¿Cuándo elegiste ser DJ y productora como profesión?
A los 16 años cuando estudié música electrónica en Aimec en Curitiba. Pero fue solo con 21 que gané mi primer caché en un gig y desde ahí no paré más.
¿Qué significa para ti ser una DJ mujer en una industria predominantemente masculina?
Significa desarrollo y una evolución que ya tardaba mucho. ¡A por más y más mujeres increíbles en la industria! Lo importante es el arte y no el género del artista.
Háblanos de tu nuevo ep, «Make your move», publicado por TMinus Records, ¿de cuántos temas se compone y qué los une?
Este EP cuenta con 3 temas y es muy especial para mi ya qué hace mucho quería lanzar en este sello. Las Tracks “Make You Move”, “Another One” y “Warrior” van de Industrial a Psy Techno en el intento de expresar la pluralidad qué puede tener un set de Hard Techno, incluyendo varios subgéneros.
Sin embargo, los moods de cada track cambian mucho entre sí con lo cual “Warrior” tiene un tono más dramático a la vez qué “Make You Move” es mucho más agresiva y energética, por ejemplo.
¿Cómo funciona tu proceso creativo y de producción?
Casi un cien por cien de mis tracks las empiezo por Los kicks y drums y después me dedico a melodías y vocales. Este es mi workflow en la mayoría de los casos excepto cuando me vienen ideas de melodías en la cabeza desde la nada, pero eso normalmente pasa fuera del estudio cuando estoy completamente dispersa o pensando en otras cosas, conduciendo, tomando un tren etc.
¿De dónde surgen las ideas para los temas?
Algunas vienen de la nada como he dicho en situaciones donde mi no estoy pensando directamente en la música pero acabo creando letras o melodías esporádicamente.
Otras vienen de inspiración escuchando música no solo electrónica pero de los más variados estilos.
Noviembre es un mes lleno de música nueva: también has publicado un tema, «Macete», en tu propio sello, reverse Records. ¿Puedes contarnos algo más sobre ese proyecto?
Este proyecto es una serie de EPs donde lanzaré 2 versiones de una misma track en cada release. Hago este formato de release no solo para explorar mis capacidades como productora pero también aprovechar las ideas que tengo porque muchas veces me gusta hacer versiones en distintos
estilos de una misma idea, me divierto mucho haciéndolo.
También en noviembre, a finales de mes, lanzarás «Bad Bitch» con Paul Clark, en Sonaxx. ¿Puedes contarnos más sobre esta colaboración?
Esta colaboración fue brutal porqué un día Paul me pregunta si quiero grabar vocales para nuestra nueva collab. Me he quedado sin palabras ya qué me encanta su trabajo y mal podía esperar para colaborar con él y aún más aportando también vocales.
Me pasé una semana en el estudio grabando y grabando versiones y preparando mis samples sin saber si le gustaría. Cuando él recibió Los archivos le encantaron los vocales y empezamos a trabajar la estructura del track hasta tenerlo finalizado. Mal puedo esperar el release el 29 de noviembre.
¿Cuáles son tus proyectos para estos últimos meses de 2024?
Hay algunos EPs por terminar y nuevo hardware para testear. Sin hablar de muchas demos y promos qué escuchar para empezar 2025 con todo.
¿Qué deben esperar tus fans de 2025?
Con tantas tracks lanzadas estos últimos 2 años la idea es preparar un Live PA qué será uno de los mayores desafíos de mi carrera.
El primer cupo de entradas estará disponible el 30 de octubre
La marca creada por Klangkuenstler celebrará su segunda edición en el Recinto Ferial de IFEMA MADRID el próximo 1 de marzo
Klangkuenstler vuelve a Madrid en 2025 al frente de Outworld. Tras el éxito de convocatoria de su primera experiencia All Night Long en 2024 en el Recinto Ferial de IFEMA MADRID, Outworld confirma su segunda entrega el sábado, 1 de marzo.
Klangkuenstler es uno de los nuevos nombres del panorama electrónico internacional. Un artista que ha multiplicado su alcance en los últimos años, con una producción constante través de su sello y pasando por los principales festivales del circuito techno, del que se ha convertido en un emblema. Un proyecto donde el sonido de finales de los 90 y principios de la década del 2000 toma fuerza en forma de techno de fuerza industrial, creando paisajes sonoros con atmósferas complejas plagadas de beats.
Un ascenso que ha ido acompañado de los releases de su sello, Outworld, uno de los referentes actuales en el circuito underground, con su correspondencia en directo en Colonia en 2023, o en su primera cita All Night Long el pasado mes de abril de 2024.
El sonido de Klangkuenstler será el absoluto protagonista con una producción de primer nivel, con las últimas novedades en sonido y escenografía en el Recinto Ferial IFEMA MADRID el próximo 1 de marzo. Ocho horas consecutivas de techno alemán en estado puro de la mano de Klangkuenstler en su segunda edición en Outworld 2025.
Outworld presenta una inmersión en el sonido de Klangkuenstler, creando una atmósfera similar a la de un club, con un montaje especial 360 accesible para todos los asistentes como ya distinguió la puesta en escena de Outworld en su primera edición.
Una noche dedicada al sonido de Klangkuenstler que protagonizará el cartel en primera persona con un show único All Night Long. Sonido techno 100% en la segunda edición en Madrid el sábado 1 de marzo.
¡Felicidades por tu último sencillo, “All I Need Is You” con MKJ y Badjack! ¿Qué te inspiró a crear este tema de House tan enérgico y qué mensaje o vibra esperas que los oyentes sientan al escucharlo?
¡Gracias! “All I Need Is You” nació del deseo de capturar la esencia de la conexión y la celebración. Al trabajar con MKJ y Badjack, queríamos crear un tema de House con mucha energía que uniera a la gente en la pista de baile. La inspiración vino de la idea de que a veces, todo lo que necesitas es una persona o un momento para elevar tu ánimo y crear un recuerdo imborrable. Esperamos que el tema transmita una sensación de unidad y pura alegría, dejando a los oyentes animados y listos para disfrutar de los buenos momentos.
You”? ¿Experimentaste con alguna técnica o equipo nuevo que contribuyó a su sonido final?
Con “All I Need Is You”, realmente queríamos ir más allá y experimentar con diferentes técnicas de producción para lograr un sonido fresco y dinámico.
Una característica única fue combinar elementos clásicos del House con algunos giros modernos, incluyendo la superposición de varias texturas de sintetizadores para crear una atmósfera más completa.
También experimentamos con la compresión sidechain de manera más rítmica para darle al tema un extra de potencia y energía.
Trabajar con MKJ y Badjack nos permitió aportar diferentes perspectivas y habilidades, lo que ayudó a dar forma al ambiente final de la canción.
¡Has colaborado con artistas destacados como Yves V y NGHTIME! ¿Cómo influyen estas colaboraciones en tu proceso creativo y en la forma en que abordas la producción?
Colaborar con artistas talentosos como Yves V y NGHTIME ha tenido un gran impacto en mi proceso creativo.Cada colaboración aporta una nueva perspectiva e ideas, lo que me impulsa a salir de mi zona de confort y a abordar la producción desde diferentes ángulos.
Trabajar con otros artistas a menudo me lleva a descubrir nuevas técnicas y experimentar con sonidos que quizás no habría considerado solo. También es una gran experiencia de aprendizaje, ya que intercambiamos conocimientos y habilidades, lo cual me
ayuda a crecer como productor. Estas colaboraciones han moldeado mi enfoque hacia la música, haciéndolo más versátil y abierto.
Has mencionado que tu tema “Veins” alcanzó el Top 10 en las listas de dance en Estados Unidos. ¿Cómo impactó esa experiencia en tu carrera y qué significado tiene ese éxito para tu música en el futuro?
Alcanzar el Top 10 en las listas de dance en Estados Unidos con “Veins” fue un gran cambio en mi carrera.
Validó todo el trabajo duro y la pasión que pusimos en el tema, y abrió muchas nuevas oportunidades, como mayor exposición y ofertas de colaboración. El éxito de “Veins” me dio la confianza para seguir impulsando mi sonido y asumir más riesgos creativos en mi música. De cara al futuro, es un recordatorio de lo que es posible y me motiva a seguir apuntando alto con cada lanzamiento, sin perder de vista mi estilo y visión.
Con más de 300.000 oyentes mensuales en Spotify, tu base de fans sigue creciendo. ¿Qué papel juega esta audiencia en línea en la música que produces y cómo mantienes su interés?
Mi audiencia en línea juega un papel enorme en la música que produzco.
Saber que hay cientos de miles de oyentes pendientes me da un sentido de responsabilidad para ofrecer temas que conecten con ellos.
Presto atención a los comentarios que recibo en redes sociales y plataformas de streaming, lo que me ayuda a entender qué resuena con mis fans y hacia dónde puedo llevar mi sonido. Para mantener su interés, me aseguro de estar activo y compartir contenido detrás de cámaras, adelantos exclusivos y de involucrarlos en el proceso creativo.
Se trata de construir una conexión genuina y hacerlos sentir parte del viaje.
¿Podrías contarnos más sobre el concepto detrás de tu sello 5L-Records? ¿Cómo refleja esta iniciativa tu identidad artística y tu visión para la escena de la música electrónica?
5L-Records es un reflejo de mi pasión por la música electrónica y de mi visión de crear una plataforma que apoye tanto a talentos establecidos como emergentes.
El concepto detrás del sello es superar los límites y traer sonidos frescos e innovadores a la escena, manteniéndose fiel a los elementos esenciales de la música dance. No se trata solo de lanzar temas; se trata de construir una comunidad donde los artistas puedan expresarse libremente y colaborar.
5L-Records representa mi identidad artística al mostrar la diversidad de mis gustos musicales y al brindar un espacio para la creatividad y la experimentación en la música electrónica.
El Piano House es un género tan enérgico, perfecto para clubes y festivales. ¿Qué te atrae específicamente de este género y cómo lo mantienes fresco e innovador?
El Piano House siempre me ha atraído por su energía contagiosa y su vibra edificante. Es un género que conecta instantáneamente con la gente en la pista de baile, brindando una sensación de euforia perfecta para clubes y festivales.
Lo que me atrae es la combinación de melodías clásicas de piano con ritmos de baile modernos: es nostálgico pero con visión de futuro. Para mantenerlo fresco, experimento con diferentes elementos, como mezclas de House con otros géneros o la incorporación de instrumentos y ritmos inesperados. Se trata de encontrar ese equilibrio entre mantener las raíces del género y añadir un toque único que haga que cada tema destaque.
Habiendo actuado en grandes eventos y recientemente en un exitoso ADE, ¿tienes alguna actuación en particular que destaque como un momento definitorio en tu carrera?
Actuar en grandes eventos ha sido sin duda un punto culminante en mi carrera, pero un momento definitorio que destaca fue mi reciente experiencia en el ADE.
La energía fue absolutamente electrizante, y estar rodeado de tantos amantes de la música y profesionales de la industria hizo que fuera realmente especial. No se trató solo de la actuación en sí, sino también de las conexiones e inspiración que obtuve del evento.
Momentos como estos me recuerdan por qué empecé a hacer música y alimentan mi impulso para seguir adelante. Son esas experiencias las que marcan mi crecimiento como artista y definen el camino que quiero tomar.
Las tendencias en la música dance están en constante evolución. ¿Cómo te mantienes al día y logras un sonido único mientras abrazas las últimas tendencias?
Mantenerse al día en la música dance es encontrar el equilibrio entre abrazar nuevas tendencias y mantener tu propio sonido único.
Me aseguro de escuchar una variedad de música, no solo dentro del género dance, para mantenerme inspirado y dejar fluir mi creatividad. Aunque presto atención a lo que está en tendencia, siempre busco maneras de añadir mi propio toque y hacerlo auténtico para mi estilo.
¿Cuáles son tus planes futuros para 5L-Records y tus lanzamientos? ¿Puedes darnos alguna pista sobre próximos proyectos o colaboraciones que tus fans puedan esperar?
Para 5L-Records, planeo seguir ampliando el alcance del sello y continuar apoyando tanto a artistas consolidados como emergentes que aporten algo único a la escena de la música electrónica.
En cuanto a mis propios lanzamientos, estoy emocionado de compartir que mi próximo lanzamiento prioritario, “Lean On My Love”, sale el 8 de noviembre bajo Warner Music SEE. Este tema es especialmente significativo para mí, y no puedo esperar a ver cómo resuena con mis fans y nuevos oyentes.
Hay, por supuesto, más canciones en preparación, pero mantendré esas en secreto por ahora… ¡digamos que hay mucho que esperar!
Es importante evolucionar con la escena, pero me enfoco en lo que hace que mi música sea distintiva y busco ofrecer algo fresco que destaque, en lugar de seguir tendencias.
OVER048 KARRETERO
‘Over048’ presenta una colaboración del productor madrileño con Fatboi, que está disponible en todas las plataformas desde el jueves 7 de noviembre
El dj y productor madrileño Karretero firma ‘Over048’, última referencia del sello Overtones, disponible desde el 7 de noviembre en todas las plataformas. Un hit pensado para la pista que fusiona el sonido club del madrileño con Fatboi, que interviene en la parte vocal del track.
El sello del productor Tony Guerra edita la referencia número 48 con esta alianza de uno de los productores nacionales con mayor proyección, junto a este intérprete que destaca por colaboraciones con HotCreations de la mano de Andrés. Un trallazo pensado para la pista, que combina el contundente sonido de Karretero con las vocales de Fatboi.
Un release que invita al baile a través de su energía house combinada con el sonido latino de Fatboi, que se integra en los sonidos tribales que caracterizan la evolución del track.
Karretero comenzó su carrera musical siendo muy joven en el Conservatorio de Madrid, como intérprete de piano. Su trayectoria ha sido constante y en ascenso en la escena underground de Madrid y progresivamente en los festivales y eventos referentes del circuito nacional.
En la actualidad es uno de los artistas más activos de la escena nacional, habiendo pasado por los principales clubs y citas de música electrónica como Nox, Upper Club, Pachá, WAN Festival, Hallowants o su residencia en Reverse Club por citar algunos ejemplos. Durante 2024 este ritmo ha continuado con actuaciones en festivales de primer nivel como Medusa Sun Beach, Brunch in the Park o la primera edición de Time Warp Spain.
El berlinés Macon ha sido moldeado por la vibrante escena underground de la ciudad desde sus primeros días como raver.
Desde los escenarios de clubes y festivales alrededor del mundo hasta dominar las listas y ganar el título de Artista de Electrónica
Más Escuchado en Soundcloud en 2023, el joven DJ y productor ha recorrido un camino musical que desafía los límites convencionales.
¿Cómo definirías tu sonido característico y cómo lo aplicaste a tu último sencillo ‘Bulletproof’?
Para mí, se trata de tomar canciones que me gustan del pasado y hacerlas adecuadas para mí. Hacerlas adecuadas para tocar en mis shows, jaja.
¿Qué te inspiró a reinventar el clásico de 2009 de La Roux en tu nueva versión de ‘Bulletproof’?
Solía tocar otra versión de esa pista en mis sets, y un día Restricted se me acercó y me sugirió que podríamos hacer una nueva versión juntos, y con el tiempo las cosas se dieron hasta que realmente obtuve la aprobación para hacerlo.
¿Cómo fue la experiencia de trabajar con sellos tan influyentes como Spinnin’ Records y Crash Your Sound para este lanzamiento?
Sin ellos, la canción nunca habría llegado a realizarse. Ellos me acercaron la nueva vocal completa y simplemente dijeron “haz tu magia”. Me enganché de inmediato.
En ‘Bulletproof’, has fusionado elementos de Eurodance y hard house. ¿Qué te atrajo de estos géneros y cómo los incorporaste en la canción?
Creo que lo que aprendí con el hypertechno con el tiempo es que bombardear a la gente con éxitos todo el tiempo no es lo más inteligente.
Con ‘Bulletproof’ trato de introducir más elementos de esos géneros en mis sets para hacerlos más diversos y también atraer a una audiencia completamente diferente, lo cual es mucho más adecuado a cómo me siento como DJ ahora.
¿Cómo lograste mantener la esencia de la versión original de La Roux mientras infundías tu propio estilo único en ella?
Sí, seguir con la idea de “voy a cantar ese coro tan fuerte como pueda” ayudó mucho con ese tema.
Has colaborado con pesos pesados de la industria como Tiesto y Oliver Heldens. ¿Cómo han influido esas colaboraciones en tu evolución musical?
Ambos me inspiraron a hacer algo diferente. ¡Y creo que eso es algo realmente importante de reconocer!
¿Cuál fue el mayor desafío que enfrentaste al producir ‘Bulletproof’, y cómo lo superaste?
Hacerla única y aún así mantenerla en el ambiente de la original.
Con este nuevo lanzamiento, ¿cómo planeas posicionarte en la escena global de la música electrónica?
Realmente quiero adentrarme más en la escena rave. Claramente quiero distanciarme de ser una especie de “reina de los covers” o algo similar.
Mi objetivo es ofrecer música nueva y emocionante de calidad.
Hace unos meses eso era el hypertechno, pero hoy tiene que ser eurotrance.
Además de ‘Bulletproof’, tus remixes para artistas como Lady Gaga y Jason Derulo han ganado un amplio reconocimiento. ¿Cuál de estos trabajos sientes que marcó un punto de inflexión en tu carrera?
Es 100% el de Lady Gaga. Fue el primer remix que llegó a más personas de las que tenía como seguidores en ese momento. Creo que eran como 200 por aquel entonces. Así que realmente marcó el inicio de todo mi viaje.
P.D.: también puede que pronto haya una versión oficial de esa canción en todas las plataformas.
Fuiste nominado a un Grammy por tu trabajo en el álbum de Kx5. ¿Qué significó esa nominación para ti y cómo ha influido en tu enfoque para futuras producciones como ‘Bulletproof’?
Quiero decir, fue un momento enorme para mí y para todos los involucrados en ese disco. Definitivamente creo que me motivó mucho hasta este punto a seguir empujando y dar el 110% constantemente.
La emergente artista brasileña
Maya Fourteen debuta de manera impresionante con su single “Uniqueness”, junto a Francesca, alcanzando recientemente el puesto #8 en el Top 100 Deep House Chart de Beatport.
Este track forma parte del álbum del 20 aniversario de Systematic Recordings, el icónico sello de Marc Romboy’s, una colección especial de 25 temas cuidadosamente seleccionados y lanzados cada viernes desde junio hasta noviembre.
La compilación reúne a algunos de los artistas más respetados de la música electrónica, como Carl Cox, Josh Wink, Timo Maas, Gui Boratto, Rodriguez Jr, y liderada por el propio Marc Romboy. Este álbum celebra el legado de dos décadas de innovación e influencia del sello en la industria de la música electrónica.
“Uniqueness” fue seleccionada personalmente por Marc Romboy en el prestigioso Ibiza Get Signed Summit, donde el debut de Maya Fourteen destacó por su sonido distintivo y energía. Su primer lanzamiento como productora de música electrónica, “Uniqueness” combina ritmos melódicos e hipnóticos con la potente declaración vocal de Francesca Posgai, creando un himno de pista de baile enriquecido con acordes arpegiados y grooves profundos. “Es un retorno a la era dorada del house, evocando la esencia atemporal de Mood II Swing,” dice Marc Romboy, resaltando la conexión profunda del track con las raíces del house y al mismo tiempo dándole un toque moderno y fresco.
El respaldo de Marc Romboy y su inclusión en el álbum de aniversario de Systematic ofrecen a Maya Fourteen una plataforma sólida para llegar a una audiencia global, destacando su visión creativa en este trabajo hipnótico y melódico. “Uniqueness” no solo muestra el talento de Maya, sino que la posiciona como una de las estrellas emergentes de la música electrónica.
Con más de 15 años de experiencia como tecladista, Maya ahora lleva su habilidad de contar historias a la producción de música electrónica, cautivando al público a través de sets dinámicos. Su reciente actuación en World Club Dome, su próxima presentación en el Aniversario de Green Valley (el club número 1 del mundo en cinco ocasiones) y una base de fans en más de 100 países atestiguan su arte y versatilidad. Sets como su Amazon Basin Sunset - favorito de los fans en YouTube y SoundClouddemuestran su atractivo único. Estos logros marcan un emocionante paso en su carrera y consolidan su reputación como uno de los nombres más prometedores de la música electrónica.
