NUEBO #33 mayo 2025

SANGUIJUELAS DEL GUADIANA

VAN A SER ENORMES

QUERALT LAHOZ

JUICY BAE

SECRETO A VOCES

JIMENA AMARILLO / GRISO / SANGUIJUELAS

JIMENA AMARILLO

DOS CAFELIKOS DESPUÉS

VOL. 33 MAYO 2025

CARA A CARA 34 46 64 36 52

ENEMIGOS

SANGUIJUELAS

DEL GUADIANA DE PUEBLO

MODEL/ ACTRIZ

EL SHOW MÁS GAY NUNCA VISTO

FILLAS DE CASSANDRA

GALICIA CALIDADE

LA TRAMA FENICIA

EL MUNDO DE WES

ARTIST PUBLICIST

DESDE DETRÁS DEL ESCENARIO

62

CARLOS ARES AL MARGEN REBEKA ARCE AND THE WINNER IS...

EDITORIAL

En un mundo cada vez más chiquito donde las decisiones caprichosas de los Trump, Putin y compañía trastocan de forma inapelable nuestras vidas, nos olvidamos con facilidad de quiénes somos y el lugar del que venimos. La globalización ha traído grandes avances comerciales y también culturales, qué duda cabe, abocándonos a un crossover que de昀椀ne el arte y el consumo pop de nuestro tiempo. Con giros tan inesperados como la todavía reciente expansión de la música latina por todo el mundo, desa昀椀ando el hasta hace nada incontestable dominio cultural anglosajón. En ese tránsito, sin embargo, algo se ha perdido. Aunque en la postpandemia, aún traumatizados por sus efectos, se produjo un proceso, fugaz, de huida al mundo rural, hoy más que nunca todo vuelve a pasar por las megalópolis: la toma de decisiones, la cuenta

de resultados y hasta los elementos diferenciadores que nos definen como comunidad y como seres humanos. Por el camino se pierden los matices. Por eso nos emociona la historia de los protagonistas de una de nuestras portadas de este número: Sanguijuelas del Guadiana. Su viaje de ida y vuelta desde ese pequeño pueblo de Extremadura en el que crecieron, y la manera en que el reencuentro con sus gentes se convierte en motor creativo de su música, supone una reivindicación, nada forzada y sin ira, del valor de las tradiciones y los pequeños núcleos urbanosenesaconstantemutacióndelartepop(ular). Su ejemplo pone en valor algo de lo que ya hemos hablado por aquí muchas otras veces: la urgencia por crear, mantener y apoyar pequeñas comunidades ajenas a la cultura laminadora de las grandes corporaciones. Ahí estamos. 48 54

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FOTOGRAFÍA PORTADA

Jose Carvajal (Queralt Lahoz), Juan Gama de Cossío (Griso), Jara García (Juicy Bae), Judith Melsió (Jimena Amarillo), Vera Novella (Sanguijuelas del Guadiana). www.nuebo.es / @somosnuebo

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EL AÑO PASADO LANZÓ UNO DE LOS MEJORES DISCOS DEL CURSO, ‘CUANDO LAS SOMBRAS SE ALARGAN’, Y SIGNIFICÓ UN PEQUEÑO GIRO

A SU CARRERA EN EL QUE, SIN RENUNCIAR A ESA OSCURIDAD QUE LE SALE CASI SIN DARSE CUENTA, ABRAZABA UN POP MÁS EXPERIMENTAL.

AHORA LE TOCA PONERLO DE LARGO POR TODA ESPAÑA DE LA MANO DE JÄGERMUSIC, ACOMPAÑADA DE BAILARINAS Y CON UNA INTENCIÓN MÁS PANORÁMICA. QUE EL FIN DEL MUNDO NOS PILLE BAILANDO.

XeniaRubioJiménez

CastellóndelaPlana 24-08-2000

•LlevounsintetizadorRolandJDXIqueusoamododecontrolador MIDI,otro controladorMIDIde padsyknobs,unsamplerRoland SPxs,yunatarjetadesonido Behringerde18entradasy20salidas.Tambiénllevounmicrófono inalámbricoSennheiserysuelo pedirsistemadeinearspara escucharme.Usomiordenador dondetengounproyectodeAbletonLivedesdeelquetrabajo.Este eselequipoqueyocontrolo,pero siemprellevoalguiendevisuales olucestambién,yahoraenmayo comienzanlosconciertoscon bailarinas/performersqueme estarán acompañandotodala giradefestivales.

• Creoquelosdiscosquemásme hanmarcadosonForEmma,ForeverAgodeBonIver,FireWithinde Birdy,DepressionCherrydeBeach House,ParachutesdeColdplayy Contre-TempsdeFlavienBerger Resumenbastantemisinquietudesalolargodelosaños.

LA NUEBA XENIA

• Creo que uno de los conciertos quemecambiaronlavidafueel de Belako en el Low Festival de 2016. Fueelprimerfestivalalque fui, tenía como 15 años. Ver tocar a la banda, la intensidad... Me inspiró muchoymehizoquerer ser como ellas.

• Ahora mismo estoy trabajandomuchoeneldirecto, así quehabrá muchos conciertos y festivales donde se va a ver toda esta preparación. Además,estoy trabajandoennuevamúsica quesaldráprontoycuentacon colaboraciones de artistas a las queadmiro mucho.

La artista malagueña, nacida en 2003, ha estado un año componiendo y creando con artistas como Hey Kid, Yarea, Daniel Sabater o St. Woods después de quedarse a las puertas de entrar en la última edición de Operación Triunfo, y es ahora cuando está lista para empezar a compartir con el mundo su voz y sus propias canciones. Toda la vida, su primer sencillo, producido junto a St. Woods, abraza el folk pop brillante y viajero heredero de Mumford & Sons, conectando con artistas como Joaquina, y es la primera piedra de un próximo EP que verá la luz en los próximos meses de la mano de Universal, que ha visto en ella el talento de una joven estrella con todo el futuro por delante. Las cosas que tiene la vida: ahora compartirá o昀椀cina con muchos triun昀椀tos, probablemente alguna colaboración, demostrando que los caminos, en esto de la música y de la creación, seguirán siendo siempre inescrutables.

EXPOSICIÓN EN EL CCCB

03/04 — 09/11/2025

Chris Ware, uno de los autores más innovadores del cómic moderno, ha transformado este medio de expresión con obras como Jimmy Corrigan y Rusty Brown. Las creaciones de este historietista tratan temas como la vida y la existencia con una gran profundidad.

Chris Ware. Dibujar es pensar presenta, a través de una amplia selección de su obra original, animaciones, objetos y piezas escultóricas, a un autor muy influyente que ha sabido activar la mirada y la percepción de todos sus lectores.

SHABOOZEY

Beyoncé estuvo lista -y muy necesaria; a Cleopatra lo que es de Cleopatra- cuando identi昀椀có que algo estaba pasando en EE UU, y que los jóvenes negros estaban reclamando de vuelta las raíces de la música country a través de la música urbana. El fenómeno de Lil Nas X y su Old Town Road le dio a la de Houston la con昀椀rmación que necesitaba, y en su último trabajo, Cowboy Carter, contó no solo con grandes 昀椀guras negras de la música country como Linda Martell, también con nuevas voces. Una de ellas fue la de Shaboozey. Su estilo ya había llamado la atención por esa mezcla entre country, folk rock, americana, roots y hip hop que se decantaba siempre más hacia lo orgánico. Pero la proyección que le dio su partipación en el disco de la Yoncé fue el empujón que necesitaba: coincidió con el lanzamiento de su tercer álbum, Where I've Been, Isn't Where I'm Going, y ayudó a aupar a su canción A Bar Song (Tipsy) a números multimillonarios, igualando precisamente a Old Town Road con 19 semanas encabezando el top de Billboard y llegando al Disco de Oro en nuestro país, entre otros muchos éxitos más. Ahora el artista de Virginia presenta la versión de昀椀nitiva de aquel trabajo, con nuevas canciones y colaboraciones con otras estrellas del nuevo country y el folk pop como Sierra Ferrel y Myles Smith.

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DANIEL PRAKOPCYK

SURUSINGHE

Nacida en Melbourne, pero asentada desde hace unos años en Londres, donde ha podido desarrollar plenamente su devoción por el bass, la productora anteriormente conocida como Suzuki Drift ya está en la primera línea del relevo generacional a las cabinas. Su Boiler Room ayudó a poner los nuevos sonidos de Melbourne en el radar -lo mismo que el sello Steel City Dance Discs, con quien estuvo relacionada en sus inicios-, y ha publicado con dos de los sellos más interesantes del mundo ahora mismo, TraTraTrax -HooHooHoo, como parte del recopilatorio No pare, sigue sigue 2- y AD 93 -un EP, Break Fluid-. Ha compartido cabina con HAAi, Bitter Babe o Moktar; la pinchan Ela Minus, Elkka, Jamie xx, Mall Grab, or:la, Ben UFO, So昀椀a Kourtesis. Y es que su mezcla de sonidos post rave -dubstep, jungle, deconstructed club, breaks ultradiluidos- y ritmos globales -baile funk, gqom, latin club-, junto a su diseño sonoro extremo, futurista y distópico, captura a la perfección las necesidades del clubbing contemporáneo. Ahora, Surusinghe abraza el hard techno y el sonido de KNTXT -label de Charlotte de Witte- en FTRW!, primer adelanto de un EP que verá la luz el 20 de junio y con el que que la australiana debuta en dh2, el sello de música electrónica que George Daniel (The 1975, Charli XCX) comanda para Dirty Hit, y que también acoge a Kelly Lee Owens. Llega justo a tiempo para una gira descomunal que acaba de pasar por el Warm Up Festival, y que la llevará a Glastonbury o al Dekmantel holandés, paraíso europeo de las cabinas más alternativas.

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LEANDA HELER

SADIE SINK

Nacida en Texas en 2002, Sadie Elizabeth Sink empezó a destacar en la actuación en el circuito de musicales de Broadway y haciendo alguna aparición en series como The Americans, pero fue su llegada a la segunda temporada de Stranger Things para interpretar a Max May昀椀eld lo que la puso en los ojos de todo el mundo. Una de las que alucinó con su actuación fue Taylor Swift, que no dudó en llamarla en 2021 para protagonizar el videoclip/cortometraje de la ya mítica Taylor's Version de All Too Well, con sus diez minutazos. Darren Aronofsky le dio la oportunidad de su primer gran papel interpretando a la hija de Brendan Fraser en el drama psicológico sobre la obesidad mórbida La ballena, resultando en sus primeras nominaciones en el cine y las primeras alfombras rojas de festivales europeos. Después, en lo que seguimos esperando el 昀椀nal de la 昀椀cción retrowave de Netflix, su carrera entró un poco en fase per昀椀l bajo, regresó a Broadway para hacer John Procton is the Villain... Hasta la 昀椀ltración hace unas semanas de que tendrá un papel protagonista en la próxima aventura del Hombre Araña en 2026, Spider-Man: Brand New Day, su debut en el Universo Cinematográ昀椀co de Marvel. El viaje no ha hecho más que empezar.

PARARSE A MIRAR

POR: MARÍA SANTOYO

Directora de PHotoESPAÑA

No hay ninguna práctica artística que sea tan democrática como la fotografía. Todos hacemos fotos y salimos en ellas, aunque esa pulsión responda menos a una necesidad artística que a nuestra adicción al registro vital y la auto昀椀cción en una era en la que la interconexión digital ha exacerbado el individualismo de las sociedades capitalistas. La fotografía amateur ha transitado desde el álbum familiar y el álbum de viajes a una constante exaltación del yo como producto de consumo. Dirijo un festival de fotografía que se fundó cuando tenía dieciocho años. Ahora tengo cuarenta y cinco y soy consciente del salto generacional entre mis inquietudes y las de las de los adolescentes actuales. La fotografía también ha evolucionado y cambiado profundamente: hay nuevas prácticas, nuevos referentes y el público se relaciona de manera muy distinta con la imagen, pero también con la ciudad y con su oferta cultural.

Me interesa hacer del festival un lugar de encuentro para todas las expresiones de la imagen y para todos los públicos. Aspiro a que sea un espacio de celebración cultural, pero también de promoción del arte y del pensamiento crítico, y esto pasa por generar una oferta diversa, distintos niveles de lectura, distintos formatos y estrategias de mediación. Estoy especialmente comprometida con el público perteneciente a las generaciones digitales -millennials, zetas y alfas-, tal vez por haber dedicado muchos años de mi carrera profesional a formar a jóvenes creadores y comprobar que incluso personas licenciadas en bellas artes o comunicación audiovisual tenían di昀椀cultades para leer las imágenes más allá de su super昀椀cie, interpretarlas desde una perspectiva crítica o atreverse a conjeturar posibles signi昀椀cados desde la curiosidad o la imaginación. La alfabetización visual es una asignatura pendiente para casi todes. Si no desarrollamos esta capacidad lectora, seremos presa de las imágenes que otros generan para convertirnos en clientes, votantes o fans, pero no necesariamente para fomentar el libre pensamiento. La caverna de Platón actual es scrollear un fake in昀椀nito. Por eso recomiendo pararse a mirar, atreverse a leer, y defender una fotografía que sea, de verdad, democrática.

FOTO: CORTESÍA ARMANI BEAUTY

JAY WHEELER

El artista puertorriqueño está de dulce batiendo récords con su recién publicado nuevo disco, Girasoles. Más de 90 millones de streams en los 10 días siguientes desde que vio la luz le convierten en tendencia global. Girasoles es támbién el disco más personal de Wheeler, inspirado por su experiencia reciente como esposo y padre.

RODRIGO

CUEVAS

Su Romería está nominada entre las candidatas a mejor gira del año en los II PREMIOS DE LA ACADEMIA DE LA MÚSICA DE ESPAÑA, y Rodrigo se toma un break. Tras 117 conciertos celebrados en ocho países distintos y más de 300 mil asistentes, llega el momento de parar, encontrar algo de calma en casa y concentrarse en nuevas creaciones. Está previsto que el nuevo disco de Rodrigo Cuevas se edite en la primavera de 2026, igual que su nueva gira. Seguro que este verano le vemos de romería, pero sin escenario de por medio.

EL ARTE DE VIVIR

EL ARTE URBANO ES LA PUERTA DE ENTRADA

A LAS 22 RESIDENCIAS DE ESTUDIANTES QUE LIVENSA LIVING TIENE DISTRIBUIDAS POR TODA LA PENÍNSULA. A TRAVÉS DE SUS MURALES, LIVENSA RESIGNIFICA SU LUGAR EN EL ENTORNO URBANO, PONIÉNDOLO EN VALOR, Y BUSCA INSPIRAR A LAS NUEVAS GENERACIONES DESDE LA IDEA DE HOGAR.

MADRID / GETAFE

BARCELONA / DIAGONAL ALTO

“Un mural aporta identidad, dinamiza el espacio y crea un ambiente inspirador para los estudiantes”, dicen PichiAvo, responsables de la conceptualización de la residencia de Diagonal Alto, en Barcelona. “Les da un lugar donde sentirse parte de algo más grande, y promueve su creatividad. El arte siempre suma y ayuda al crecimiento personal”. Es una idea fundamental para las residencias de Livensa: darle al espacio una identidad propia, pero también que se genere un estímulo en los estudiantes que se alojan; los propios PichiAvo residieron en el edi昀椀cio mientras terminaban su reinterpretación de los mitos de Atenea y Poseidón. Boa Mistura, artí昀椀ces de la decoración de la residencia de Getafe, en

Del mismo modo que la artista Marina Capdevila hace referencia a Los Pajaritos, el barrio granadino donde se encuentra la residencia intervenida por ella, con unos pájaros que también simbolizan la creatividad y la apertura de mente, Íñigo Sesma dibuja el atardecer de la Parte Vieja de Donostia y el icónico parque de atracciones de Monte Igueldo en su mural para la residencia de San Sebastián.

La conexión entre pasado y futuro, entre una ciudad “vieja” y una nueva generación de personas inquietas dispuestas a habitarla con responsabilidad, es una tónica en todos estos trabajos, pero especialmente en estos dos, que contraponen ideas espaciotemporales: una anciana con cadenas, tatuajes, chucherías, uñas de gel y muchos pájaros en la cabeza preside la residencia de Fuen-

Madrid, coinciden: “Es una etapa de observar y aprender todo lo que se te ponga por delante, de construir los cimientos de un futuro”. Por eso su trabajo se realizó en torno a las ideas de hogar y unión. “En este caso, al ser un edi昀椀cio en construcción, no teníamos la mirada local que nos gusta, por lo que fue un reto proyectar desde un lugar diferente: poniéndonos en la piel de los hipotéticos residentes, en cómo nos gustaría sentir el lugar en el que vamos a habitar esa etapa de la vida, crear una identidad que haga sentir a los estudiantes que el lugar que habitan es único. Igual que en otras ocasiones el lugar determina la obra, nos gusta pensar que, en este caso, la obra determina el lugar”.

/ FUENTENUEVA

tenueva, Granada. Y una joven se integra en un mapa rústico en el que también brilla la inocencia de la niñez, componente básico para la imaginación -el propio Sesma habla de la influencia de la jolastokia, concepto euskera para referirse a un espacio de juego, de recreo, y de una reflexión sobre “identidad, vulnerabilidad, conexión con la ciudad”-, en el mural de la residencia de San Sebastián, la última en sumarse al colorido mapa peninsular de Livensa.

GRANADA

DONOSTIA

Diego Vicente, artista tras el abstracto mural sobre conectividad y magia que preside la residencia de Aravaca, en Madrid, también habla del componente emocional de estas obras: “Creo que convivir con arte te genera un sentimiento de pertenencia: la pintura interactúa con el día a día de las personas que habitan y trabajan en la residencia, puede ser una fuente de inspiración y un respiro visual en medio de la rutina”, asegura, e invita a “mirar con calma: lo más bonito de la pintura es lo que despierta en cada uno, lo que te hace sentir, y eso requiere de tiempo”. Él coincide con Boa Mistura en que el diálogo con el espacio urbano que se está ocupando también es importante: “Es un guiño al resto de la calle y una invitación de bienvenida al que llega”. Es una idea que también ronda los trabajos de Mr. Dheo

MÁLAGA / FERIA

Encajar en el espacio de una forma que resulte al mismo tiempo original y única y respetuosa e integradora es una preocupación común de todos los muralistas. “Quería diseñar algo que encajase bien con el entorno y sus habitantes”, comenta Zoonchez sobre su pareja de murales para la residencia de Valencia. En ella, una paleta cromática claramente mediterránea y muy marcada por la luz se une con elementos

tradicionales valencianos como una cerámica de Requena: “Es una oportunidad para generar preguntas, transmitir valores, inspirar, divertir... Son estudiantes y absorben información como esponjas en esa edad, así que puede ser algo bastante positivo tener este tipo de estímulos en su entorno. Siempre mejor que una pared blanca o un scroll in昀椀nito”.

El reto de Misterpiro en sus intervenciones en la residencia y el edi昀椀cio de alojamiento flexible de Málaga Feria fue integrar su estilo fluido, etéreo y expresionista en los límites rectos y geométricos de los edi昀椀cios. “La obra simboliza la conexión entre las personas y su entorno a través de la incorporación de elementos expresionistas abstractos”, reconoce. “Desde la subjetividad, busca conexiones creativas con el entorno para generar un abanico de sensaciones y recuerdos”.

VALENCIA / VIVEROS

para las dos residencias de su Oporto natal y la de Marqués de Pombal, en Lisboa. “Para mí era muy importante que los jóvenes que van a habitar estos espacios se sientan más felices y motivados, que sientan que con pasión y trabajo todo se consigue. Que les guste que ese componente artístico tenga una presencia fuerte en el espacio que será su casa, su refugio”.

MADRID / ARAVACA

LISBOA / MARQUÉS DE POMBAL

Ya está abierto el proceso de reserva de plaza en las 22 residencias de estudiantes de Livensa Living en la península para el curso 2025/26. ¡Sigue el QR y entérate de más!

ENTREVISTAS

Hay algo casi mágico en la reunión de talentos que se produjo en la edición 2023 de Operación Triunfo, en la que que se dieron cita artistas como Juanjo Bona, Martin, Ruslana, Paul Thin, Salma o Naiara Moreno (la triunfadora del talent show). También, por supuesto, Denna y Violeta, que -cada una por su ladollevan tiempo dando pistas, en forma de singles, de hacia dónde van encaminadas sus carreras artísticas mientras preparan su debut largo. Denna presenta Sexto sentido, y Violeta acaba de estrenar III. OJALÁ!, singles que en ambos casos llegan de la mano de sus respectivos videoclips. Puedes encontrar estas entrevistas en www.nuebo.es y nuestro canal de youtube.

En las próximas semanas podéis disfrutar de últimos vídeos de esta temporada de NUEBO Talento antes de que hagamos el parón de rigor con la llegada del verano. Nos despedimos de la mejor forma posible, con lOrna interpretando un tema de su primer álbum, MissUnderstood, y una apuesta de futuro, Yunell, interpretando Me transporto

TIKTOK CUESTIONARIOS

Nuestras reporteras de Tik Tok, Eva y Paula, no paran. Además de habituales de los mejores eventos de Madrid, no pierden oportunidad para plantear cuestionarios a cuantos artistas se encuentran por la calle. Como, por ejemplo, los que puedes ver bajo estas líneas: Juanjo Bona y Leo Rizzi

UNA PRODUCCIÓN DE: NUEBO & GAMÍN ESTUDIOS

DIRECCIÓN Y POSTPRODUCCIÓN: PABLO BERDÚN

JEFE DE PRODUCCIÓN: AXEL CASTILLO

GRABACIÓN, MEZCLA Y MASTER: PAPISOUND

FOTO FIJA: BELÉN FRANCO

DISEÑO GRÁFICO: LILLIE CARPIO

LOCALIZACIÓN:

THE SOCIAL HUB

UNA ESCUELA DE ARTES DIGITALES

VOXEL SCHOOL ES EL CENTRO UNIVERSITARIO DE ARTES DIGITALES DE REFERENCIA EN ESPAÑA, ADSCRITO A LA UNIVERSIDAD DE DEUSTO Y ESPECIALIZADO EN LA FORMACIÓN DE NUEVOS TALENTOS EN LA INDUSTRIA DE LOS VIDEOJUEGOS, EL CINE, LA ANIMACIÓN DIGITAL Y EL DISEÑO. UN OASIS PARA LA CREATIVIDAD MÁS VANGUARDISTA EN PLENO CENTRO DE MADRID, EQUIPADO CON TECNOLOGÍA PUNTERA Y EN UN ENTORNO DE APRENDIZAJE BASADO EN LA REALIDAD LABORAL, EN ESTRECHA CONEXIÓN CON LA INDUSTRIA Y CON EL ENFOQUE PUESTO EN LA CREACIÓN DE UNA COMUNIDAD PROPIA.

Seguro que muchas veces has soñado con dedicarte al mundo de los videojuegos. Diseñar niveles, historias interactivas, personajes increíbles, fantasías de otro mundo... Pero has pensado que eso te quedaba muy lejos, que no es algo a lo que la gente pueda dedicarse en España. Y en el pasado quizás así fuese, pero nada que ver con la realidad, hoy: gracias a Voxel School puedes formarte en todas las ramas creativas que se abren en el ecosistema digital -desde el diseño de videojuegos a la animación, los efectos visuales y el modelado en 3D, pasando por ilustración, diseño, publicidad o visualización arquitectónica y realidad virtual- de la mano de grandes profesionales del sector, todos ellos en activo y con currículums intachables. Cursos con un enfoque eminentemente práctico y la vista puesta en el futuro profesional, que combina la educación y la investigación con la participación en proyectos profesionales de la mano de empresas y partners tecnológicos de primer nivel, poniendo el énfasis en la internacionalización, la innovación y la interdisciplinaridad.

A昀椀rma Pablo Jiménez que en las aulas se encuentra “gente apasionada, creativa y con muchísima curiosidad. Hay una mezcla muy potente de talento técnico y sensibilidad artística”.

LABORATORIO DIGITAL EN MADRID

Situada en pleno corazón universitario de Madrid, C/ los Vascos 25, Voxel School cuenta con instalaciones modernas y equipos de última tecnología. Además de ofrecer a sus alumnos la oportunidad

de convivir con empresas del sector con espacio de trabajo propio en el campus -Kraken Studios, Wachajack, Miopia FX o PlayStation- o a través de prácticas -en Secret 6, Core Animation, Electronic Arts, Able & Baker o Beauty & The Bit-, trabaja mano a mano con 昀椀rmas tecnológicas para dotar a su formación de un componente experimental. Voxel es un centro de experimentación de HP, cuenta con formación autorizada en Autodesk o SideFX y está reconocida como el primer centro de España en asociarse con Epic Games para el desarrollo académico de Unreal Engine. También es el único centro oficial de PlayStation en nuestro país validado por Sony, lo que le permite ofrecer programas exclusivos en colaboración con la compañía y oportunidades únicas de desarrollo profesional a los alumnos.

“SABER INTERPRETAR LA CULTURA ACTUAL ES UNA VENTAJA CLAVE PARA CUALQUIER PROFESIONAL DE LAS ARTES DIGITALES”

AMPLIA GAMA DE ÁREAS DE ESTUDIO

La escuela ofrece grados universitarios en Diseño y Arte Digital para Videojuegos; Composición, Postproducción y Efectos

Visuales; Animación Digital, y Diseño Grá昀椀co y Motion Graphics. También másteres centrados en arte digital que permiten a los estudiantes especializarse en áreas concretas de la industria del entretenimiento: videojuegos y 3D, animación digital, visual fx, diseño y publicidad, escultura digital, modelado y renderización, archviz o visualización arquitectónica... Por último, cuenta con programas intensivos de mentoría profesional -especializados en concept arts para personajes y escenarios y animación de personajes en 2D y 3D- en los que grandes profesionales abren las puertas de la industria a través de su trabajo. “En un entorno marcado por la IA y la internacionalización, saber leer e interpretar la cultura actual es una ventaja competitiva clave para cualquier profesional de las artes digitales: permite conectar con audiencias de todo el mundo, ver tendenciasy generarnarrativassigni昀椀cativas en contextos creativos y tecnológicos”, dice Malu Barnuevo, profesora en Voxel.

y Videojuegos

Trabajo de Gala Giráldez, alumna del Máster Avanzado en Modelado y Texturizado de Environments & Props para Videojuegos AAA

Es uno de los másteres más especializados de Voxel School, e incluye un período de prácticas en Secret 6 Madrid, donde los alumnos participan en la creación de arte 3D en el seno de un estudio con renombre internacional.

Sigue el QR para descubrir todas las opciones formativas que Voxel School tiene para ti en campos como el diseño, el arte digital, los videojuegos...

José Ángel Molina cursó una de las opciones de doble máster avanzado de Voxel School, especializándose en hard surface -modelado de vehículos, armas, edi昀椀cios... cosas “no orgánicas”- y modelado de escenarios y props

UNA COMUNIDAD DE ARTISTAS DIGITALES

Voxel School es un centro universitario creado por artistas para artistas. Sus docentes tienen una reconocida trayectoria en compañías como PlayStation, Secret 6 -los responsables de Lords of the Fallen- o Tequila Works, estudios como El Ranchito, Outpost, B-Water o The SPA Studios; e incluso gigantes de la ilustración que van de El Jueves a Marvel o Games Workshop. Y ponen su experiencia y sus conocimientos actualizados no solo al servicio de la formación de los alumnos, sino de la con昀椀guración de una comunidad creativa que pueda retroalimentarse con los estudiantes y entre las distintas disciplinas del entorno digital. Organizando eventos como el Clúster de Videojuegos, charlas, workshops y encuentros con otros profesionales de la industria, Voxel School se convierte también en un espacio de inspiración y networking para los estudiantes, que se integran así en dinámicas colectivas, impulsando junto a ellos el sector, reforzando su músculo en el tablero internacional. Esta apuesta por el nuevo talento y la economía creativa se traduce también en un programa de becas estimulado por la propia escuela, que se une a las becas ofrecidas por el Ministerio de Educación y la Comunidad de Madrid para estudios superiores, y que persigue democratizar el acceso a los estudios, apoyando la creatividad y el potencial artístico de los estudiantes y facilitando en la medida de lo posible la continuidad de la trayectoria formativa. Porque para Voxel School es importante que exista un tejido fuerte que sirva para lanzar carreras de éxito hacia una industria consolidada y con relaciones globales: si la industria del arte digital y el videojuego tienen futuro en España es gracias a los creadores y las creadoras que han decidido ser David en un mundo de Goliats. Pero, sobre todo, a que estos puedan transmitir su experiencia a las nuevas generaciones de creadores digitales, así como la seguridad de un horizonte profesional brillante en el que mostrar nuestros talentos en un escaparate internacional. “La industria está viva, en expansión, y necesita talento preparado para innovar y contar historias que viajen por todo el mundo”, concluye Pablo.

Laura Pérez, Ilustración

David López, 3D

POR: DIEGORUBIO

JUAN, CARLOS Y VÍCTOR SALIERON DE SU PUEBLECITO EN LA SIBERIA EXTREMEÑA PARA BUSCARSE LA VIDA EN MADRID, PERO SE DIERON CUENTA PRONTO DE QUE ELLOS ERAN UNAS SANGUIJUELAS DEL GUADIANA, Y QUE TENÍAN QUE ESTAR CERCA DE LA TIERRA, Y DEL RÍO, PARA PODER RESPIRAR SU DEBUT LARGO ES EL DIARIO DE ESA HUIDA Y LA POSTERIOR VUELTA A CASA, LA ‘REVOLÁ’, UN TRABAJO AMBICIOSO EN EL QUE RECONCILIAN SUS FILIAS MUSICALES ACTUALES, NORMALES PARA UNOS CHAVALES DE VEINTIPOCOS, CON LO QUE SE MAMA EN EL PUEBLO Y DE LA SABIDURÍA POPULAR. Y EN EL QUE LA NOSTALGIA ES REALMENTE EL CLAMOR DE LO QUE NOS ATA NO AL PASADO, SINO A NUESTRAS RAÍCES

FOTOS: @VERA.NOVELLA

Fuck el centralismo. Sanguijuelas del Guadiana salieron de su pueblo -Casas de Don Pedro, en la Siberia Extremeña; 1.370 habitantes censados- para buscarse un futuro, y lo que encontraron fue una revelación: no es tan importante saber irse como aprender a regresar. Su disco debut, Revolá, recopila los tres capítulos de esta historia de reconocimiento y culmina con un cuarto que captura esa idea de retorno como una resurrección. “Nos dimos cuenta de que al 昀椀nal el disco hablaba de lo que habíamos vivido nosotros”, reconocen Juan, Carlos y Víctor desde su pequeño local de ensayo/base de operaciones en el pueblo, una vieja discoteca abandonada. “Desde esa infancia en la que somos amigos, en el pueblo, todo más salvaje, que sería la primera parte, ‘Jaribe’. Luego la segunda habla de cuando te haces más mayor en el pueblo y te das cuenta de que te toca irte porque no puedes hacer lo que quieres, que sería el ‘Barrunte’. Y en el tercer capítulo es ya cuando te has ido a las capitales por falta de recursos en el pueblo y quieres crecer... en nuestro caso con la música, empiezas a estudiar... Al 昀椀nal toca la ‘Revolá’, que además es el nombre del disco: esa decisión de hacer todo este trabajo desde el pueblo y asumiendo con orgullo las raíces de aquí, de devolver el proyecto a donde pertenece”. Los tres se conocen de toda la vida. “No somos como otras bandas, que te vas juntando con gente afín, con otros músicos... Nosotros somos amigos antes que músicos”, dicen. Su primer contacto con la música se produce en la banda municipal del pueblo, y desde entonces han tenido claro que querían dedicarse a esto. “Venimos casi de la nada. Hemos empezado poco a poco, y tampoco es que seamos unos prodigios. Mucho Internet, mucha prueba y error... Luego sí hemos estudiado y tal. Carlos estudió producción musical... Poco a poco le vamos cogiendo el punto”. Por esa vía, y con una promesa grabada, como muchos otros jóvenes, llegaron a Madrid. Y aunque les sirvió en su camino -así conocieron a la gente de Infarto-, sobre todo les hizo entender lo que querían. “Toda la industria y esas cosas está en Madrid. Pero viviendo ya un tiempo allí nos dimos cuenta de que también es más complicado en Madrid, tanto por tiempo -que no hay- como por economía -que su昀椀ciente tienes con mantenerte-. Así que pensamos que a lo mejor volver podía ser la mejor opción. Claro que es difícil y dudas, porque habíamos estudiado allí y además ya estábamos medio asentados, ya teníamos un grupo de amigos, nos llamaron incluso para empezar a trabajar... Teníamos la vereda hecha para seguir allí. Y además es un poco de lo que hablamos en el disco: a ti te educan diciéndote que te tienes que ir fuera. Entonces, el momento de plantearte que igual lo que tienes que hacer es volverte al pueblo otra vez ya no solo te hace dudar a ti, también a todo tu entorno. Todo el

“NOSOTROS ESTAMOS LLEVANDO EL PROYECTO DESDE EL PUEBLO, ASÍ QUE ESPERAMOS QUE OTRA PEÑA ENTIENDA QUE

CUALQUIER BANDA

PODRÍA HACERLO”

mundo te dice ‘Pero entonces te vas a venir al pueblo, ¿y qué vas a hacer? Si aquí no hay nada que hacer’. Nuestro vehículo ha sido el grupo; sin él, a lo mejor no nos podríamos haber vuelto al pueblo. Y por supuesto que hemos pensado en volver a Madrid, ¿eh? Porque somos conscientes de todas las limitaciones que hay: nos hacemos cada fin de semana 200 kms de más por vivir donde vivimos. Pero nos trae cuenta. No sabemos lo que va a pasar en el futuro, pero de momento estamos muy bien aquí porque tenemos más tiempo, para ensayar, para quedar, para hacerlo todo...”.

Su regreso, en cierto sentido, tiene también tintes de devolución. “Cuando estás aquí no te das cuenta de lo que tienes, lo empiezas a valorar cuando te vas. A nosotros la realidad que nos toca es esta, y creemos que lo más puro en la música es hablar de lo que te toca de verdad. Las canciones no solo hablan de nosotros, hablan de un pueblo”, dicen, y por eso tiene todo el sentido integrar a sus gentes y a otras voces de la Siberia “La verdad que todo el pueblo está volcado con nosotros y nos han impulsado muchísimo. Aunque solo sea por pesados, que se llevan un año diciéndole a todo el mundo ‘Escucha esto, escucha esto’”, bromean entre risas. “Para grabar vídeos, por ejemplo. ‘¿Necesitáis un tractor?’. Siempre hay alguno que se mosquea por los autotunes, pero son los menos”. En Llevadme a mi Extremadura samplean a Los Cabales, una de las primeras bandas en llevar el folclore extremeño a la cultura pop. “Les enseñamos el tema y, claro, nosotros acojonaos. Son bastante mayores ya, y hacer el tema así, con bombos, con autotune... Estábamos en plan: ‘¡Nos van a echar de Extremadura!’. Y les moló bastante, así que fue un orgullo”. En la intro, una marcha de tambores que pasan por el pueblo se acelera y se convierte en el sample de percusión de 100 amapolas, y en la clausura una jota popular adquiere una dimensión nueva. En varias de estas canciones cuentan, además, con la voz de Celia Romero, una cantaora de la Siberia. Son sus formas de actualizar el acervo, y también de dar con una fórmula rock mestiza con la que se puedan identificar. “Nosotros lo que más hemos escuchado es rock, y en mucha medida la música que hacemos es el rock que a nosotros nos gustaría escuchar”. Una mezcla entre el Quien no corre, vuela de Ray Heredia, el Random Access Memories de Daft Punk y el ¿Dónde están mis amigos? de -cómo no- Extremoduro, seguro uno de los últimos grandes iconos de esa España rural y vaciada a la que también apelan y que abanderan Sanguijuelas.

Precisamente por eso, su forma de llevar el proyecto desde el pueblo tiene algo de alegato político, al menos social. “Creemos que Extremadura es la única zona de España en la que no hay un circuito de salas, por ejemplo. Nosotros estamos intentando hacer una gira por aquí por Extremadura y, literalmente, nos estamos teniendo que inventar las salas, estamos haciendo disco

tecas, locales y lo que se puede. Y sin eso es muy difícil que se forme una escena. Pero esperemos que cambie pronto, porque aquí, como en todas partes, hay muchísimo talento. Al 昀椀n y al cabo, nosotros estamos llevando el proyecto desde aquí, así que espero que sirva para que otra peña entienda que cualquier banda o cualquier artista también lo podría hacer. A día de hoy al pueblo llega todo, y lo que suena en Madrid también puede escucharse aquí. Puede que llegue más tarde, o que no haya su昀椀ciente gente para hacer una escena y sea una cosa como personal de cada uno, pero al 昀椀nal prácticamente toda la juventud llega a las cosas por Internet, aquí y en Madrid”. En cualquier caso, tampoco es que les preocupe, al menos de momento, ser ejemplo de nada, y todo se ha dado de forma muy natural como una sucesión de acontecimientos. Al principio el disco iba a ser un EP con tres canciones, de hecho, lo normal para un grupo que está empezando,

“pero los de Infarto nos propusieron guardarlo para hacer algo más grande. Jorge (González, de Infarto Producciones; también batería y programador en Vetusta Morla) es como nosotros, y según íbamos haciendo nos íbamos calentando. No teníamos idea de hacer un proyecto tan ambicioso, pero al 昀椀nal con esas canciones que teníamos nos encerramos un verano en una casa en el campo, en Cáceres y allí salió casi todo. No ha habido demos como tal en el disco, se ha ido grabando todo sobre la marcha. A lo mejor Jorge bajaba un par de semanas a echarnos una mano y seguíamos ese proceso. Luego se han grabado baterías encima, pero no ha sido esto de hacer unas demos, mandárselas a él y que le diera la vuelta en plan superproducción”. Será que en el pueblo de verdad se hace todo a otro ritmo, más tranquilo. “Eres más libre en un pueblo de estos chiquininos que encerrao en una ciudad con todo el mogollón de gente”. Y tienen toda la razón.

REVOLÁ (INFARTO PRODUCCIONES, 2025)

Intro / 100 AMAPOLAS / La brecha / Jaribe / Me da igual / Yesca / Siempre + / Quiere parecer / Septiembre / Llevadme a mi Extremadura / Revolá / Intacto / El Estandarte / Mirando por los míos / Jota 昀椀nal CD / DIGITAL / LP

LLEVADME A MI EXTREMADURA

Hacemos zoom sobre los orígenes de Sanguijuelas del Guadiana, de la Siberia extremeña a estrenar su disco el 15 de mayo en una de las 昀椀estas más importantes de su pueblo.

Llamada así por su desconexión respecto a Badajoz, capital de provincia, la Siberia Extremeña está marcada por una orografía abrupta con vías de comunicación de difícil acceso y por el éxodo de jóvenes a las ciudades. La España vaciada.

Casas de Don Pedro es de los pueblos más apartados de la Siberia, a más de 150 km de Badajoz. Linda con el Guadiana, una parte fundamental de su identidad popular: en torno a él se formaron estas Sanguijuelas que ahora tienen allí su base.

El impacto del río Guadiana en la agricultura de toda la zona hace que una de las 昀椀estas regionales más importantes para los habitantes del pueblo sea la romería de San Isidro Labrador, celebrada el 15 de mayo.

Familias y amigos se reúnen para pasar el día a orillas del río. Este año será especial: Sanguijuelas estrenarán su disco con un concierto gratuito en la playa de Calicanto, frente al Guadiana. Y rodeados de los suyos. Como tiene que ser.

ENEMIGOS

POR: FERNANDO BERNAL

LLEVAN TIEMPO HACIENDO RUIDO, PERO A PARTIR DE ‘ENEMIGOS’ NO VAS A PERDER DE VISTA A CHRISTIAN CHECA Y HUGO WELZEL. DOS ACTORES QUE RONDAN LOS VEINTE Y QUE SON EL PRESENTE INMEDIATO DEL CINE Y LAS SERIES QUE SE PRODUCEN POR AQUÍ. EN ESTA PELÍCULA SE EMBARCAN, BAJO LA DIRECCIÓN DE DAVID VALERO, EN UNA HISTORIA SOBRE ACOSO Y BULLYING QUE EN SU FONDO ESCONDE UNA HISTORIA DE AMISTAD, Y QUE TIENE ALGO DE FEEL GOOD MOVIE CON UN MARCADO ACENTO GENERACIONAL. NUEBO HABLA CON SUS DOS PROTAGONISTAS PARA QUE SEAN ELLOS QUIENES NOS LO CUENTEN.

David Valero, que debutó como director de largometraje en 2012 con el sorprendente documental Los increíbles (Ala rota, La dama de hierro y La mujer radiactiva), plantea en su nueva película una historia protagonizada por un acosador y su víctima. Chimo (Christian Checa) y El Rubio (Hugo Welzel) son dos adolescentes de un barrio de Alicante, víctima y verdugo, cuyas vidas siempre han estado ligadas por ese enfrentamiento que les convierte en enemigos. Sin embargo, tras un accidente, el destino ofrece a Chimo la oportunidad de desquitarse de años de vejaciones, humillaciones públicas y violencia física. Sobre este esquema, el cineasta propone un relato que, en el fondo, es el de la amistad entre dos personajes totalmente antagónicos, y que se basa en gran parte en la potencia de las interpretaciones de sus dos protagonistas. Jóvenes que llegaron al cine de una manera bien distinta. “Empecé a los 12 años, así que llevo media vida trabajando”, relata Christian Checa (Madrid, 2001). “Al principio en publi, que no era algo que me apasionara, pero fue la primera toma de contacto con este mundillo. La verdad es que me lo pasé muy bien, desde pequeño me lo he tomado como un juego, algo que hay que disfrutar. Cuando vas creciendo te lo planteas ya como algo más serio. Cuando me cogen para las primeras series y esto avanza empiezo a pensar que puedo dedicarme a esto. Fue todo muy

progresivo y, poco a poco, me fui enamorando de la profesión. Es bonito vivir cada momento”. Luego llegó su gran oportunidad, participar en la película de Juan Diego Botto En los márgenes (2022), donde compartió protagonismo con algunas de las 昀椀guras sagradas del cine español. Un papel que, además, le valió una nominación al Goya como mejor actor revelación. “Desde el minuto cero hasta el 昀椀nal del recorrido, que fue la nominación, lo viví como un auténtico sueño. Fueron cuatro castings, un periodo largo en el que Juan estuvo presente todo el tiempo. Desde el principio estuve con él, mano a mano. Coprotagonizar una película con Luis Tosar, también estaba Penélope Cruz y, además, dirigido por un actor… fue como tener un poco el síndrome del impostor. Pero cuando trabajas con ellos, todo se pasa, porque te dan muchísima con昀椀anza. Poder aprender con ellos y que te dirija un actor… La comunicación que tengo con Juan aún hoy en día es increíble. Estoy muy satisfecho con esta película porque trata un tema muy sensible, los desahucios, que te hace reflexionar. Y yo ese viaje, como persona, también me lo llevo”.

En el caso de Hugo Welzel (Sevilla, 2024), la interpretación fue una válvula de escape, la salida a una situación personal muy complicada en su adolescencia. “Empecé con 13 años porque tenía un entorno de amigos que a mí no me hacía

“EL BULLYING ES UNA CAPA IMPORTANTE, PERO LA PELÍCULA ABORDA TAMBIÉN CÓMO ESO AFECTA A LA FAMILIA”

sentir bien, no estaba de acuerdo con las cosas que se hacían y las dinámicas que tenía ese grupo, y decidí refugiarme en el cine. Estuve mucho tiempo solo y centrado en ver películas, hasta que decidí dedicarme a esto. El cine me ha salvado la vida, le ha dado sentido. He encontrado el espacio donde yo me siento seguro, que es lo más importante”. Después de aparecer en el reparto de varias series como La chica invisible (2023), su gran oportunidad le llegó también la televisión con El hijo zurdo (2023), un papel estremecedor en una serie que impacta y que le acercó a un tipo de personaje que, reconoce, le gusta. “La verdad es que he tenido mucha suerte: para la corta carrera que tengo me han tocado papeles muy interesantes, que son los que quiero tener cerca. Esos personajes complejos de entender, que no sean los que vemos todos los días. Tanto en la serie, como ahora El Rubio, son jóvenes que tienen problemas que no se suelen ver habitualmente, y me hace muy feliz poder meterme en su mundo y en sus emociones”. Lo que le atrajo de El Rubio en Enemigos fue precisamente esa complejidad. “Alguien que opta por hacer lo que él hace, antes tiene que haber vivido cosas radicales. Me llamó la atención poder investigar cómo un ser humano puede actuar con tanto odio. Tratar a la gente con amor ya lo hago en mi vida, pero poder profundizar en lo contrario me atraía muchísimo”.

DINÁMICASENTREACOSADORESYVÍCTIMAS Últimamente sí se está dando visibilidad en el cine a estas situaciones de abusos y bullying. Pero, en este caso, Valero decide no centrarse en un ámbito concreto como suele ser el de la escuela, sino que lo traslada a otras parcelas de la vida. Es una historia de acoso que empezó en el

colegio y que luego se prolonga durante años en el barrio y en cualquier lugar en el que los protagonistas coinciden. “Hay muchos ‘Rubios’ y no hay tantos ‘Chimos’”, dice Christian. “Sobre todo, por su forma de ser, muestra una manera diferente de hacer las cosas. No digo que esté bien o mal, cada uno que decida. Yo, afortunadamente, no he sufrido en el colegio y en el barrio, como le sucede a muchas niñas y niños. Lo más sorprendente es que la gente no hace nada, cuando pasas del colegio al instituto ves que hay gente más violenta, otra más paradita. A través de la sociedad deberíamos castigar ciertos comportamientos, pero es complicado. Cuántas veces se ha visto una situación injusta y nadie se mete. No estoy hablando de ejercer violencia, sino castigar y ver cómo se puede ayudar a la víctima e, incluso, al verdugo”. Para él, la película es compleja porque, además, trata otros temas. “Aunque el bullying es una capa importante, aborda cómo afecta a la persona que lo sufre, pero también a la familia. Es una historia compleja y dura, que no trata solo de un enemigo”. El acoso es también un tema que preocupa a Hugo, que asume el rol de acosador, una 昀椀gura que ha visto en ocasiones en acción en su vida real. “No he conocido nadie como El Rubio, porque él es bastante extremo, pero sí he conocido gente que se refugia en el odio y encuentra su camino en intentar hacer más pequeño al que tiene al lado, para ser el más grande y sentirse más seguro. Es bastante habitual, todo el mundo ha visto a alguien que hace que el que tenga al lado sea más pequeño. Yo me lo he encontrado y alguna vez se han 昀椀jado en mí, pero nunca ha llegado la situación de que me peguen una paliza”. En sus consecuencias está el motor central de la película.

ENTRE

LOS RITMOS DE STEVE LEAN Y LAS RIMAS DE BNET

La música tiene un papel protagonista, y no solo es una forma de hablar en la película. Clásicos del hip hop nacional junto con temas de Yung Beef suenan en la banda sonora, que además cuenta con el ya mítico productor Steve Lean a los mandos del score. “La música urbana y también el hip hop de la vieja escuela, que no es tan vieja, me gustan. Poder contar con canciones de Kase.O o SFDK ha sido una maravilla. Aunque nací en 2001, he escuchado mucho esta música, y al 昀椀nal a mí me flipa todo esto. Además de tener los temas de Bnet o la banda sonora de Steve Lean… Meterlo todo en una película donde la música es un personaje más ha sido una pasada. Cuando empezábamos con los ensayos, David [Valero] nos dejó proponer, y se interesaba mucho por lo que escuchábamos nosotros”, recuerda Christian. Mientras que, para Hugo, el papel de la música va todavía más allá. “Para mi personaje, la música representa ese hogar que yo encontré con el cine. Es el único lugar donde puede relajarse, estar en paz y mirar lo que tiene dentro. Cuando escribe o ensaya una letra que ha escrito, es el único momento en el que se mira en el espejo. Vive en un contexto social extremo con mucho odio, donde es muy importante conectar con uno mismo y utilizar el arte como espejo. Me parece algo muy bonito y necesario de lo que habla la película”.

ENEMIGOS (9 mayo)

Atípica Films / España / 2025 / Dirección: David Valero

Reparto: Christian Checa, Hugo Welzel, Luna Pamiés, Sara Vidorreta, J.M. Poga

Model / Actriz

POR: DIEGO RUBIO

EL CUARTETO ASENTADO EN NUEVA YORK ENTREGA UN SEGUNDO TRABAJO QUE ES COMO UN ARABESCO, UN GIRO EN EL QUE APUESTAN POR LA MELODÍA Y SE ENTREGAN DEFINITIVA Y DEVOTAMENTE AL HEDONISMO Y LA EUFORIA DEL CLUB SIN PERDER EL EMBRUJO GÓTICO, LA OSCURIDAD Y LA INTENSIDAD NOISE QUE LES HIZO ROMPER MOLDES ROCK EN 2023. ‘PIROUETTE’ ES TAN VANGUARDISTA, RUIDOSO E INCÓMODO COMO ‘DOGSBODY’... PERO TAMBIÉN ES MÁS LUMÍNICO Y ES MÁS ESPERANZADOR. EL CIELO EN UNA MANSIÓN GÓTICA ENCANTADA.

En 2017, Cole Haden (voz) decidió poner fin a Model/Actriz, una banda que empezaba a hacer ruido, nunca mejor dicho, en la escena experimental de Boston. “Hicimos nuestra primera gira autogestionada de algo así como un mes, y empecé a sentir que estaba empezando a disociarme de la banda, estaba perdiendo la noción de por qué necesitaba estar en una banda en ese momento. Comenzamos a componer un disco, o al menos a intentarlo, y me di cuenta de que no tenía nada que decir ni me sentía conectado al proyecto, que no sentía que pudiera aportar nada verdaderamente auténtico. Así que lo discutimos y decidimos separarnos, quizá no de forma permanente, ¿no? Pero sí. Completamente convencidos de que solo volveríamos cuando fuera el momento adecuado”. Jack Wetmore, guitarrista, se mudó entonces a Nueva York y siguió tocando en bandas para llenar el vacío dejado. Hasta que, en junio de 2019, Cole fue a verle tocar con una de ellas durante una visita a la ciudad. “Después del concierto me acerqué a hablar con él y le pregunté si le apetecía volver a meterse en un cuarto conmigo y con Ruben (Radlauer, batería) a ver si nos salía algo, y me dijo que sí, que estaba interesado”. Muy poco después de aquella conversación les invitaron a dar un concierto de reunión, y fue entonces cuando tuvieron que buscar a un bajista y encontraron a Aaron Shapiro, que había coincidido con ellos en Berklee y llevaba ya tiempo viviendo en Nueva York. “Como que se alinearon los astros y supimos que quizá ese era el momento adecuado que estábamos esperando. Yo me mudé a Nueva York en otoño de ese mismo año”.

En pocos meses se convirtieron en una de las nuevas sensaciones de la ciudad, pero de pronto estalló la pandemia. “Menos mal que estábamos un poco en la primera línea aquí, llamando la atención y pudiendo mantenernos, antes de que la pandemia golpeara”, recuerda Haden. “Porque complicó mucho las cosas, y a mí esta ciudad me encanta, adoro Nueva York; no me hubiera gustado tener que irme, y menos cuando todos juntos estábamos empezando ya a mimetizarnos con el espíritu de la ciudad”. El con昀椀namiento le sirvió para meterse de lleno en la composición de Dogsbody, su primer disco. “Realmente lo condicionó mucho, no solo por todo el ambiente postapocalíptico que había, que se sentía un poco como el 昀椀n del mundo, también porque escribía todas las noches después de trabajar, toda la noche”. Para cuando lo lanzaron, a principios de 2023, ya eran toda una realidad, y el runrún de que sus directos eran una experiencia transformadora empezó a correr como la pólvora. Ahora, dos años después, y convertidos en la bandera de un movimiento que le está devolviendo al rock la experimentación ruidosa y electrónica que siempre caracterizó a la ciudad, cuna del no wave, regresan con Pirouette, y el arabesco es real: sin perder nada de lo que había en Dogsbody y sin cambiarlo, consiguen darle una vuelta a su sonido en varias formas diferentes. “La inspiración detrás de los

RUIDO EN NEW YORK

Repasamos algunas bandas que han convertido a la ciudad en una de las capitales del ruido.

Glenn Branca también emergió de la escena artística de Boston, pero -tras un paso por Londresse estableció de昀椀nitivamente en Nueva York. Allí contribuyó al desarrollo del noise rock y a la fundación de la escena no wave.

De aquella escena surgirían también los apocalípticos Swans con un sonido aún más extremo que unía blues demoniaco, drone y noise, minimalismo, espiritualidad, rock gótico, doom metal y música industrial.

Una de las primeras bandas a las que Branca editó en su propio sello, Neutral Records, fue Sonic Youth, la gran revolución del rock estaounidense entre los 80 y los 90. Consiguieron trascender la vanguardia e insertarse a ruido en el imaginario popular.

Tras Model/Actriz, Nueva York ha vuelto a vibrar en esa intersección entre las guitarras, la experimentación electrónica y el ruido. El último gran ejemplo son YHWH Nailgun, 昀椀rmados por el sello británico de moda, AD 93. Su debut es fuego.

dos discos es parecida, pero esta vez, en lugar de sugerir música electrónica, queríamos trabajar las canciones y mezclarlas para que pudieran sostenerse en un DJ set, básicamente. Además, Ruben consiguió un Clap Stack -un platillo triple que reproduce de forma natural la palma de 8 bits-, que suena básicamente como una 909: sin eso jamás podría sonar para mí como un disco de club. Queríamos hacer música club que sonara eufórica pero que no se construyera en torno al drop, sino a la tensión, tensión, tensión. Encontrar un modo de hacerlo grati昀椀cante, pero sin llegar nunca a una satisfacción total”.

Son, sin embargo, o al menos aparentan ser, una banda “de guitarras”. Una que reconoce no coger inspiración de ahí, de los instrumentos de rock tradicionales, sino de la música club. “Lo que pasa es que no usamos ordenadores, lo replicamos todo con instrumentos, así no copiamos per se”. Esas contradicciones y tensiones, que toman de Nicolas Jaar, se plasman en todo momento en su forma de trabajar. “Este disco tiene más diseño de sonido en torno al mundo del bajo. Supongo que la gente no se percatará hasta que vea el show, pero en el estribillo de Cinderella, por ejemplo, el sonido pulsante no es una guitarra, es

un bajo, y la guitarra está haciendo las oleadas de graves. A los subgraves de Vespers, Aaron los llama ‘las bombas’. La gente suele sorprenderse porque lo hacemos todo con pedales, no con electrónicas. Aaron y Jack hacen brujería en ese sentido, y además no tienen unas pedaleras tan grandes como podría parecer, tendrán 7-8 pedales cada uno. La verdad es que no sé cuántos pedales usan Swans, pero seguro que más”, bromea Cole.

Aunque son siervos del ruido -“es ASMR para mí”, reconoce Cole, “además de que me gusta la música que es realmente atronadora”-, y aun habiendo intensificado la propuesta, esta vez también han dejado salir un lado más melódico. “Al principio creo que lo que nos unió fue que nos flipaban Death Grips, y lo que intentamos era usar el menor número de notas musicales posible o incluso ninguna nota. Con el tiempo nos

hemos vuelto más flexibles en este sentido. Esta vez quería cantar más porque me encontraba en un lugar mucho más luminoso en mi vida, todo lo contrario que en la época de Dogsbody: por mucho que me encantara cantar, lo que quería era gritar. Ahora hay un grito en Audience, pero lo hice por la cultura. Melódicamente me gusta Janet Jackson, la Lady Gaga de Born This Way, Arca… También me ha interesado mucho la música de Croatian Amor, por eso en Pirouette hay secciones un poco más ambient”.

Ese interés también ha reforzado el aura de diva folclórica de Haden, toda una ruptura en círculos con un aura tan heteraza. “Al principio, conectar con mi feminidad era algo que no me permitía hacer en esta banda, pero era una especie de autoimposición, mi percepción era la de que el punk o el post-punk quizá no eran los mejores contextos para sacar toda la pluma; tampoco es que hubiera muchos ejemplos”, reflexiona. “Y no es tanto que el público lo rechace como que a veces les resulte incómodo porque no están familiarizados con ello. Es justo eso lo que me ha empoderado para subir la rueda gay hasta diez en Pirouette: quiero darles el show más gay que hayan vivido nunca”. En el escenario, Haden se exorciza, se consume, se incinera, con un arrojo y maneras que supuran BDSM; un “vaudevillian delivery” con el que no solo quema calorías. “Me siento desnudo y vulnerable en el escenario, pero esa es la clave para mí”, cuenta. “Es dramático, es teatral, y aunque esté muy expuesto es en el momento en el que más conectado me siento con mi cuerpo, más presente. Me encanta andar por el mundo como si fuera un escenario. A los tres años me enamoré de Cats, el musical, y ese fue mi primer contacto con la actuación. Me encanta ese rollo old Hollywood bitch, así que ese es mi background: Bette Davis, Joan Crawford, Gloria Swanson. Y hay una búsqueda consciente del deseo, del placer... ¿Por qué seguimos usando la expresión ‘placer culpable’? Yo intento experimentar todos mis placeres sin culpa, así que, si lo siguen diciendo, sí, supongo que el hedonismo es revolucionario”, sentencia con convicción y algo de picardía. “Björk ha sido también muy influyente para mí en ese interés por mezclar lo fantástico con la literalidad del mundo real”. En la portada de Pirouette, una puerta de aires victorianos deja ver al otro lado el cielo, un paraíso de liberación total. Pero también tiene algo turbador, como cualquier tipo de belleza. “Yo lo veía como algo más celestial, pero sí, supongo que mi cielo podría ser perfectamente una mansión gótica encantada”. Una fantasía de cuero, espadas y noise.

PIROUETTE (TRUE PANTHER / DIRTY HIT, 2025)

Verspers / Cinderella / Poppy / Diva / Headlights / Acid Rain / Departures / Audience / Ring Road / Doves / Baton CD / DIGITAL / LP

EN SU SEGUNDO ÁLBUM, ‘EL SECRETO’, LA JUICY BAE DA LAS CLAVES DE SU POTENCIAL PARA QUIEN SEPA LEERLAS: PASAR DE MITOS Y CONFIAR EN EL TALENTO Y CARISMA DE UNA MISMA, EN LA PROPIA VOZ. LA AMPARA GRAN PARTE DE LA INDUSTRIA, ON Y OFF STAGE, MÁS INTERESANTE DE TODO EL PANORAMA NACIONAL -E INTERNACIONAL-: EL PRODUCTOR PMP, LA ZOWI, VILLANO ANTILLANO, HOKE, AKRILLA, ABHIR, DIEGO900... CRISTINA REDEFINE EL ORGANICISMO EN UN ÁLBUM OSCURO QUE VIAJA DEL R&B CONTEMPORÁNEO AL HIP HOP EN LOS RIELES DE LA EXPERIMENTACIÓN ELECTRÓNICA.

POR: AÏDA CAMPRUBÍ

FOTOS: JARA GARCÍA

Tú y cuántos más se necesitan para poder con un mujerón. A Cristina Vela (Sevilla, 1998) llevan desde que debutó en 2017 preguntándole que cuál es el secreto de su éxito o del de su aka, la Juicy BAE. Como si fuera una fórmula replicable que cualquiera se pudiera tomar y adquirir los poderes de artista; la sustancia. Lo que está claro es que hay unos pasos que te demuestran quién está o no está puesto para trabajarse una carrera en el ámbito musical. Por ejemplo, construirse un estudio, aunque sea en el terreno más precario y con los propios medios, como hizo con las amigas en su ciudad natal. O estar dispuesta a moverse de Barcelona a Madrid, a bregar con la industria de las capitales, y con lo difícil que lo ponen a veces, cuando parece que todo se centraliza desde allí y que una no puede hacerse grande desde su tierra. O irse a Miami y volver con lo puesto, para que la llamen de vuelta unos meses más tarde y empezar a grabar en serio. Siempre hay más, claro. En el caso de Juicy BAE no estamos hablando de un disco debut. Su primer álbum -PTSD, basado en el síndrome de estrés post traumático- llegó en 2022. Y lleva más de cuatro EPs en su carrera; el último, Antes de conocerte (Parte I: Premonición) (2023), con una segunda parte inédita con la que no tuvo piedad. “La tiré a la basura, te lo juro. Quería volver a mis inicios del rap sin autotune y a una experimentación mucho más orgánica donde probar otra música de nuevo y sentirme fresca, ¿sabes?”, reconoce. En este tiempo ha tenido que vérselas con los claroscuros del amor y de la industria, y aunque no haya salido indemne, sí aprendida. Contarnos ahora Elsecreto de todo lo ocurrido la sitúa de昀椀nitivamente en su lugar. Su nuevo trabajo responde un poco a lo que nosotras hemos decidido bautizar como “la venganza a Cupido”: sobreponerse a las circunstancias, enamorarse de una misma, ver en una lo que enamora a los otros, saber lo que nos pertenece.

La génesis de El secreto hay que buscarla en Buenos Aires, tras su concierto en la edición argentina del Primavera Sound en 2022. Estaba con uno de sus productores fetiche, el multitalentoso músico BABYBOOM -con los artistas chilenos y argentinos tiene un crush mutuo-, metida de lleno en una jam de instrumentación orgánica, muy en el affaire de Justin Timberlake y Pharell en los 2000, cuando el tipo le suelta: “Deberías cantar con tu voz, boluda, tu voz es increíble”. A pesar de ser andaluza y vivir en Madrid, parece que Juicy debe ir a la capital bonaerense -Duki la apoyó en sus inicios, y allí ha colaborado con Taichu, La Joaqui o Lara91k- para tener revelaciones. Su voz se convirtió en el hilo conductor de su nuevo trabajo, y todo el proceso en una búsqueda artística descarnada de esa voz propia que está en el radar de cualquiera con sensibilidad artística, pero que nunca es tan fácil sacar de las entrañas. De todos los momentos cumbre en este camino, quizás el primero fue conectarse con sus raíces. “Me doy cuenta de que si me dicen ‘canta’, lo hago

en español y a lo flamenquito. Mi abuelo Pedro cantaba desde siempre, y aunque mi abuela no cantara tan bien, me hacía bailar copla con ella y mi madre”, recuerda. “Esta a昀椀ción me ha llevado a buscar música más orgánica. Empecé a desarrollar un interés por crear música desde pequeños acordes de guitarra o de piano. Me gusta empezar desde cero e ir construyendo poco a poco. Quiero escuchar carpetas con samples o con sonidos que se puedan desarrollar, que la letra y la melodía sean acompañadas por el resto de la composición y no al revés. Ya pasó la época de meterme en la carpeta de ‘beats’ y adaptarme a ellos”. El estigma de la mayoría de artistas del pop urbano actual es que no saben actuar sin autotune. Un juicio externo e injusti昀椀cado, probablemente muy de persona que no sabe de la habilidad que requiere modular, a昀椀nar y sacarle jugo a cualquier efecto para moverse fluidamente en él. Es otro love-language que hay que reconocer en la música. Teóricos y musicólogos como Kit Mackintosh o Simon Reynolds ya andan con estas teorías triposas y contemporáneas de la psicodelia vocal, donde el uso de este pedal o plug-in es el summum de la expresión de la emotividad entre espíritu y máquina. Por supuesto, de la negación al exceso de academización hay toda una escala de grises. Pero volviendo a nuestra protagonista, trabajando con los grados y el volumen del autotune, en este disco Juicy ha encontrado tres nuevos deliveries, del más vestido al más desnudo, del rap al pop pasando por el R&B y siempre en el mismo rango de crudeza. “Me di cuenta de que tenía otro disco cuando vi que realmente podía con昀椀ar en mi voz, ver qué me deparaba”, con昀椀esa. Tiene muchos niveles de simbolismo poder creer en tu voz, ¿no? Es poder delegar en tu palabra, en tu mensaje, en tu potencia, en tu forma de llegar al resto. Ella venía de múltiples viajes a Miami, después de que la llamara el productor Sky Rompiendo y la invitaran a una variedad de estudios donde probar y descubrirse, y entre idas y venidas iba ganando con昀椀anza. “Allí trabajan con muchas topliners y van a saco, es donde aprendí a adaptarme a la presión para materializar mis ideas, y a 昀椀ltrar mejor. En el estudio soy de meterme en mi burbuja y no hablar con los demás, apunto mi idea antes de volver otra vez a la sesión. Necesito sentir cuál es la reacción de mi cerebro al sonido que me están proponiendo”. Pero lo que más les sorprendió fue “mi estilo andaluz y el flamenco, que les vuelve locos; no entienden ni el acento ni la voz a pesar de ser la mitad latinos. Es algo que también me pasó en Londres”. Si una persona que no ha escuchado a Juicy está leyendo esto, probablemente se piense que hablamos de una folclórica. Y en cierto modo lo es, pero del presente. Los toques de sus raíces se ven 昀椀ltrados por el gran diggin’ que hace a nivel musical. Cuando le preguntamos por el resto de influencias que han complementado el disco nos habla de Blaqbonez, Vory, Sasha Keable, AMARIA BB o Anycia, solo en materia del R&B. Imagínate

“YA PASÓ LA ÉPOCA DE METERME EN LA CARPETA DE BEATS Y ADAPTARME A ELLOS. QUIERO SONIDOS QUE SE PUEDAN DESARROLLAR”

si hiciera un name dropping del resto. Por buscar en El secreto algunos ejemplos de sus equilibrios estilísticos, ha infusionado el duende con las barras urbanas, llevando a su territorio a artistas como el indo-canario ABHIR, con quien ya compartió colabo y una Gallery Sessions. En su último dueto, Contacto visual, le cantan al amor platónico. “Me puse en la piel de él, porque su novia es andaluza y es también amiga mía. Le meto un fraseo muy del sur como podría ser ‘Mi niña la más linda del lugar’, pero con un ritmo más cercano al trap, sin dejar de ser cantada. ABHIR nunca se había mostrado tan blandito, y ahí le pillé por banda, la verdad”. En Ébano 01 también le canta a modo de homenaje al carácter de la mujer andaluza, mimetizada en una pura raza azabache. Y en Potencial Interlude convierte el fraseo de Conexiones de David Marley y Rvfv en un quejío más melódico. “La quería versionar y se la enseñé a Rafa y me dijo: ‘Te la regalo, hazla tuya porque me encanta’. A mí su canción también me parece espectacular, recuerdo subir un TikTok tarareándola y que el vídeo se volviera viral”. Vemos aquí otra dinámica que ha funcionado a lo largo de la historia de la música: igual que en el flamenco se recuperan letras -en forma de glosas-, en la reciente tradición urbana también se les da una doble vida a esas partes que más nos interpelan, interconexiones de una canción a otra para formar un tejido de sentires generacionales.

Pero hablando de las mecánicas inamovibles que Juicy sí se ha pasado por banda, es una bad bitch que ha roto la absurda barrera, más plantada por el público que por las propias artistas, de ser exclusivamente para el público femenino o gay -aunque, reconozcámoslo, no hay nada más homoerótico que hombres heteros asistiendo solo a conciertos de propuestas masculinas-. Sus colaboraciones siempre han sido diversas, más por multiplicidad de afinidades que por políticas de tokenización, y en todas ellas encaja perfectamente en la foto, de la misma forma que ellos encajan en la gran pintura que es su trayectoria: Recycled J, Nickzzy, Dano, Sticky M.A., West Dubai, Bon Calso, Aleesha, Natalia Lacunza, Taichu... El secreto lo lleva aún más allá, con昀椀rmándola como nueva miembra nuclear de la nobleza rapera en español, de la mano de Villano Antillano, Akrilla, Diego900, La Zowi -sobre un sample del tema de James Bond- o el último ídolo valenciano: “Hoke me lleva por bandera, se ha creado una hermandad, y me alegro muchísimo, sinceramente. Entrando en el campo hetero, ¿sabes? Tengo para todos los gustos”. Con

su colaboración, Bitch, abre el disco y se marca un videoclip en el que aparecen frente al público, posando, protegidos por una mampara de cristal. “Con esa imagen quería mostrar la dualidad de una persona que se encuentra súper expuesta y a la vez doing it herself. Me ha pasado de todo en las redes sociales, se han metido conmigo por el físico, y después de esto he aprendido que no tengo que leer”.

Cómo le va a echar cuentas a nadie si está donde quiere y ha puesto el check en todos sus goals. Al menos hasta el momento, fuck haters y fuck Cupido. “La madurez, tanto personal como artística, es alcanzar un point of view diferente con el que tienes más información para jugar la partida, y en eso me considero experta”. Aun así, le siguen preguntando que cuál es el secreto, como si los códigos para el éxito pudieran sintetizarse en uno solo. Como si no supieran que la magia detrás de cualquier incógnita tiene que ver menos con la respuesta y más con el misterio que se genera alrededor.

EL SECRETO (SONIDO MUCHACHO, 2025)

Bitch / Frien-emies / IDGaG / Ébano 01 / Contacto visual / 69 /

Potencial Interlude / Obsesionado con mi culo / Soltera nunca sola / Cupido / Tranquila / Jet Lag Freestyle / Trap Star / CTRL / Heridas

CD / DIGITAL / LP

de Fillas Cassandra

ARANCHA BRANDÓN

EL DÚO GALLEGO PRESENTÓ HACE UNOS DÍAS SU NUEVO TRABAJO, ‘HIBERNARSE’, UNA TRANSICIÓN CLARA E

INTERESANTE DESDE SU ANTERIOR PROPUESTA MÁS EVIDENTEMENTE FOLCLÓRICA Y FILOSÓFICA. NOS VEMOS

CON ELLAS PARA HABLAR DEL PECULIAR LANZAMIENTO POR FASCÍCULOS, DE LA EXIGENCIA DEL DESCANSO, DE UN TRABAJO QUE PERSIGUE SIEMPRE EL DIÁLOGO CON UNO MISMO -TAMBIÉN CUIDARSE, TRANSFORMARSE, ROMPERSE Y VOLVER A REARMARSE- O DE EXPERIENCIAS SOTERRADAS DE SOLIDARIDAD.

FOTO:

POR: MIGUEL PARDO

“ASUMIR QUE EL TIEMPO VA A SEGUIR CORRIENDO Y CONVIVIR CON ELLO ES UNA FORMA DE RESISTENCIA: RECHAZAMOS EL MODELO MASCULINO DE IR SIEMPRE HACIA DELANTE”

Hibernarse: la premisa es sencilla. María SOA y Sara Faro nos la cuentan justo después de dormir, a primera hora de la mañana en una habitación de hotel próxima al estudio en el que están grabando una colaboración. “Cuando empezamos con este proyecto nos apetecía que el lenguaje musical se integrase con otros”, afirma Sara refiriéndose al multiformato -palabra que les encanta y les divierte- que implica su último EP, acompañado por un vídeo largo, un fanzine y algunas otras sorpresas. “En el fanzine puedes volcar una parte que en una canción de 2:30 a lo mejor no cabe. De eso va este proyecto, de poder mostrar todas las costuras”. “Realmente lo que nos apetecía era poner el foco en esos procesos artesanales”, confirma María. En la pausa o el detalle que implican reside parte de la rítmica con la que se ha ido construyendo Hibernarse, a diferencia de su predecesor. “Aquí fue luchar con muchas cosas que vienen de fuera. Todos los fantasmas de los relojes diarios que te pone la sociedad. Crear contenido nuevo”. Como reza el propio trabajo: llegar tarde es mejor que no llegar. “Al 昀椀nal nos pasa también a nosotras. Aunque intentes apartarte de ello, es una vorágine que te vuelve a absorber”, puntualiza Sara. “Es muy fácil caer en ir rápido y en la productividad”. Con una iconografía cargada de relojería y timings, su videoclip intenta recordarnos que tiene que haber otras formas de experimentar el tiempo. “Tiempo sano es no sentir que es tiempo perdido. Queremos estar como en Las chicas están bien”, comentan entre risas.

En este sentido, su nuevo trabajo no es tanto el periodo de hibernación en sí como el reclamo clamoroso y enfurecido del mismo. “Sí que hay algo ferviente. Hablábamos el otro día de Arderse y de que es casi una huida hacia adelante, un grito de ‘necesito parar’. Creo que hay que forzar a la gente a echarte de menos y, si te olvidan... pues te olvidan”, dice mientras ambas ríen por la asertividad con la que acogen la calma y el sosiego. “Se trataría de asumir que el tiempo va a seguir corriendo a tu alrededor, que tú vas a estar detenida y que no pasa nada”, con昀椀rma Sara. “Convivir con ello es una forma de resistencia: rechazamos el modelo masculino de ir siempre hacia adelante, comerse el mundo, Y apostamos por otro que repiensa las cosas”. “Las mujeres llegamos más tarde a trabajar en los circuitos que ya estaban dominados por los hombres. Al 昀椀nal el espejo de cómo se hacen las cosas, de cómo se trabaja, es el de cómo lo hacen ellos. Nunca tenemos la libertad para investigar cómo hacerlo nosotras. Y nos han impuesto la necesidad de cuestionarnos

constantemente si lo que estamos haciendo es lo correcto”, razona María. Con un mensaje algo más íntimo o personal que su predecesor y un proceso de fuera hacia dentro, Hibernarse tiene sin embargo una patente carga política en torno a estos tiempos del patriarcado y su impacto en la feminidad.

También en su uso de gallego y en su actualización de la tradición local por la vía de la vanguardia. “La mezcla no fue algo premeditado; hablar gallego sí que lo fue. Hay muchos estereotipos y prejuicios con empezar a hablarlo cuando no es tu idioma de cuna. Nos conocimos hablándolo. Entonces, en ese sentido sí que fue muy orgánica esta recuperación o inspiración de melodías y demás, pero no siempre supuso un punto de partida para nosotras; aparece y desaparece”, dice Sara. Y María lo con昀椀rma. “Lo entendemos como herramientas. Que usemos una pandereta no signi昀椀ca que con ella tengamos que hacer un ritmo tradicional gallego”. Aquí el mejunje globalizado de música de baile y percusiones tradicionales nos remite directamente a Baiuca, admitiendo que, efectivamente, el mix no solo refuerza una perspectiva histórica, sino que al mismo tiempo rearma lo comunitario. “Ahora mismo están en auge todas esas raíces, también la de Euskal Herria, por esa necesidad de tener comunidad. Poder consumir todo desde un dispositivo te puede hacer sentirte solo. Encontrar foliadas y música que se consume solamente en esos espacios hace que la sientas de todos, y así se crea comunidad”. Para ellas la música gallega ha trascendido lo localista en el sentido de que ya no necesariamente tiene que hablar de la propia tierra de manera reivindicativa o ser escuchada por oyentes que hablan la lengua, y eso es otra conquista política más. “Cuando empezamos era un poco más de nicho, pero ahora en los festivales los conciertos de música en gallego se llenan. Es precioso ver cómo está siendo fructífero, porque ves a niñas que lo cantan y que no están en esa lucha, pero a lo mejor cuando sean mayores piensan que estuvo bien estar ahí”, celebra María. El poder de reunión de la música es crucial para ellas, que ya concibieron su debut como un ágora. “Forjamos nuestra amistad a través de la música y eso hizo que cediéramos un montón. La música es para nosotras un lugar de encuentro”. Pero también de respeto: en un momento de hiperconexión, aunque resulte paradójico, podemos estar juntes y empatizar precisamente a través del reconocimiento de la necesidad de distancia y espacio. Descanso y desconexión. Y quién pudiera hibernar de vez en cuando.

HIBERNARSE (ALTAFONTE, 2025)

Feito a man / Arderse / Quebrantarse / Hibernarse

DIGITAL / VINILO

LA TRAMA FENICIA

POR: FELIPE RODRÍGUEZ TORRES TRAS ‘LA CRÓNICA FRANCESA’ Y ‘ASTEROID CITY’, WES ANDERSON LLEVA HASTA SUS ÚLTIMAS CONSECUENCIAS SU ESTÉTICA SUBLIMADA CON ‘LA TRAMA FENICIA’. UNA SUERTE DE THRILLER ESTILIZADO CON UN BENICIO DE TORO COMO GRAN ESTRELLA DE LA FUNCIÓN, ACOMPAÑADO POR DOS INTÉRPRETES QUE SE ESTRENAN EN LA GALAXIA ANDERSON: MICHAEL CERA Y MIA THREAPLETON. TENDRÁ SU PREMIERE MUNDIAL EN EL FESTIVAL DE CANNES -DENTRO DE LA SECCIÓN OFICIAL- PARA LUEGO LLEGAR A LAS SALAS DE CINE EL 30 DE MAYO.

Dos años después del estreno de Asteroid City en salas y tras el breve interludio con el gigante del streaming Netflix, para el que realizaría el mediometraje La maravillosa historia de Henry Sugar adaptando relatos de Roald Dahl -una 昀椀ebre constante con el escritor que ya dio los frutos de Fantástico Mr. Fox-, Wes Anderson regresa a la gran pantalla con La trama fenicia. Un relato de espías muy a la Anderson, de título enigmático y enrevesado y con una escueta sinopsis: “La historia de una familia y de un negocio familiar”. Y una aparente locura más en la que el universo estético tan característico del realizador texano abraza la locura posmoderna entre Jean-Luc Godard y el cine de Alain Robbe-Grillet sin sus derivas BDSM. Para Anderson, sin embargo, este universo no es tal, y así se lo explicaba a Deadline durante la promoción de Asteroid City en 2023: “En realidad”, cuenta el cineasta, “la evolución de mi estilo proviene de lo que voy realizando en cada película que dirijo. Y a menudo pienso que esa es la manera en la que las cosas evolucionan cuando haces películas. Encuentras lo que te gusta, y lo vuelves a hacer, pero de una manera algo diferente, y es entonces cuando dices: ‘De acuerdo, voy a hacerlo de otra manera. Voy a tirar por otro camino’”.

En realidad, si vemos la obra en conjunto de un realizador que lleva casi treinta años tras las cámaras -desde el estreno de Bottlerocket en 1996 y su consagración como nuevo talento gracias a Academia Rushmore dos años después-, existe una evolución y unos cambios evidentes. Cambios que podríamos dividir en tres etapas: la primera, desde la mencionada Bottlerocket hasta Viaje a Darjeeling en 2007, diríase de personajes; la segunda comenzaría con sus primeros escarceos con la animación stop motion en Fantástico Mr. Fox (2009) y terminaría con su consagración de昀椀nitiva en el imaginario popular a raíz de El Gran Hotel Budapest en 2015. Es en la tercera, realmente, donde ha pulido -¿quizá también sublimado?el manierismo estético hasta alcanzar un cierto grado de vaciado formal, y así lo con昀椀rman La crónica francesa, Asteroid City y muy posiblemente La trama fenicia, conformando así una especie de tríptico sobre el poder expresivo del cine como medio puramente visual. En La trama fenicia -que llegará a las salas de cine el 30 de mayo previo paso por la nueva edición del Festival de Cannes, donde obtendrá su premiere mundial como parte de la Sección O昀椀cial-, Anderson se reúne de nuevo con uno de sus socios creativos más importantes, Roman Coppola -director de segunda unidad y creador de los trucajes on set de obras tan importantes como el Dracula de Bram Stoker de su padre, Francis Ford Coppola-, y continúa así explorando la organicidad y 昀椀sicidad de su cine, muy cercana a lo teatral. Una seña de identidad, en el fondo, de un director que ya a principios de milenio nos entregaba películas como Los Tenenbaums. Una familia de genios o The Life Aquatic, quizá sus dos grandes obras maestras.

En todas ellas, una variopinta troupe de actores y actrices consagradas, 昀椀eles a la visión estética de Anderson, protagonizan historias en general corales, una idea que vuelve a hacerse patente en esta última cinta. Para empezar, por el regreso de actores que provienen casi desde sus inicios -es el caso de Mathieu Amalric (La crónica francesa, El Gran Hotel Budapest), Jeffrey Wright (Asteroid City, La crónica francesa) o Bryan Cranston (Asteroid City, Isla de perros)-, o de otros más recientes como Benedict Cumberbatch (La maravillosa historia de Henry Sugar), Scarlett Johansson y Tom Hanks -ambos estrenados en el universo del director en Asteroid City- o Benicio del Toro, que se estrenó La crónica francesa y comanda aquí el reparto. Pero en todo este elenco todavía faltaba por hacer acto de presencia un nombre fundamental del panorama indie de las tres últimas décadas. Un actor que extrañamente no había participado aún dentro de este universo tan particular, y que le viene como anillo al dedo a las estéticas e intereses del director: nos referimos a Michael Cera. Su debut andersoniano es con un papel a su medida, interpretando a Björn, el tutor noruego encargado de la educación de los hijos de Zsa Zsa Korda, el excéntrico hombre de negocios al que da vida Benicio del Toro. Cera llevaba esperando esta oportunidad “toda la vida”, como le contó a la revista Empire en el número de abril de 2025: “Vi Los Tenenbaums en el cine, y Academia Rushmore en bucle en el momento de su estreno”. Y aunque encaje a la perfección en la iconografía Anderson -él mismo podría haber sido un Tenenbaum en otra línea temporal-, reconoce que conectar con la extraña comicidad, casi hiératica, del cine de Anderson ha sido un verdadero reto interpretativo. Tanto por el peculiar acento europeo que debía recrear como por su estrafalario vestuario,

CONEXIÓN ANDERSON/ WARE

El lenguaje del cómic se relaciona normalmente con una composición de página estilizada a partir de escorzos imposibles o contrapicados y picados para realzar el dramatismo de lo narrado. En cambio, la obra de Clowes y Ware contrasta por un uso de la narrativa secuencial donde la distancia hacia los sujetos y los objetos observados, y una cierta asepsia emocional, se complementan con una composición de página que aúna la línea clara, un uso limitado de la paleta cromática y una composición de página simétrica, dando lugar a una tensión entre la estilización de sus imágenes y la violencia física y emocional que transmiten sus relatos. Observando el cine de Anderson, nos encontramos con una traslación y reinterpretación en movimiento de las páginas procedentes de la obra de Clowes y Ware. Un cine de viñetas congelado en el tiempo, en el que Anderson, a partir de sus estilizados tableaux vivants, reinterpreta los experimentos narrativos de Chris Ware y su manera de llevar al límite los recursos y maneras del arte secuencial, desde las herramientas que proporciona el arte cinematográ昀椀co.

hablar su idioma”, bromeaba al respecto el actor estadounidense.

Para redondear la trinidad protagonista que conforma el reparto del 昀椀lme, junto a los ya mencionados Benicio del Toro y Michael Cera tenemos a una joven promesa, Mia Threapleton, como Liesl, la hija monja del personaje de Del Toro. Con una trayectoria aún corta a sus espaldas, la hija de Kate Winslet -que carga con el peso de las comparaciones con una gigante de la actuación- ya destacó en 2023, con solo 22 años, precisamente de la mano de su madre en una cinta titulada I Am Ruth, en la que, precisamente, las dos interpretaban a una madre y su hija. Dirigida por Dominic Savage, la película le valió a Winslet el Bafta a la mejor interpretación femenina de aquel año, y la actriz no dudó en dedicárselo a su hija: “Esto lo hemos logrado juntas, nena”. Era una manera de poner en valor su trabajo. Threapleton adoptó el apellido de su padre para que no se la pudiera relacionar directamente con Kate Winslet, y se ha esforzado en desviarse de los privilegios nepobabies manteniendo una carrera discreta -apenas la película italiana Shadows en 2020, seis episodios de la adaptación televisiva de Las amistades peligrosas y la serie británica The Buccaneers-, circunstancia que seguramente cambiará el día de la premiere de La trama fenicia en Cannes.

un atrevido salto al vacío para vestir a personajes absolutamente inusuales, y que en muchas ocasiones rozaba la caricatura. “Siempre tuvimos que jugar en el límite para que mi interpretación no cayera en lo bochornoso o lo ridículo”. Un ridículo que ha intentado evitar, sobre todo cuando tuvo que enfrentarse al acento noruego. Lo hizo de la mano de un entrenador, y también gracias a la ayuda de un amigo noruego del propio Cera, que le grababa las líneas de diálogo para ayudarle a que su dicción estuviera lo más cerca posible del auténtico acento de aquel país. “No se si los noruegos acabarán vomitando cuando me escuchen

Completan el reparto Bill Murray -su actor fetiche, protagonista inolvidable de The Life Aquatic-, que regresa con un pequeño papel al universo Anderson; y otra ilustre nepobaby que debuta con el cineasta texano: la actriz y cantante Charlotte Gainsbourg. De昀椀nida escuetamente en la 昀椀cha de la película como “la primera mujer”, suponemos que del personaje interpretado por Benicio del Toro, la heredera de Jane Birkin y Serge Gainsbourg añade otro atrevimiento más a su espectacular currículum todoterreno, donde destaca, claro, su opresiva y esquizoide participación en esa especie de trilogía sobre la depravación y la decadencia humanas que componen las poderosas, complejas y polémicas Anticristo, Nymphomaniac y Melancolía Anderson, en fin, vuelve a apostarlo todo al pastel, la excentricidad y el goce visual para rubricar su singular forma de entender el cine.

LA TRAMA FENICIA (30 mayo)

Universal / EE UU / 2023 / Dirección: Wes Anderson

Reparto: Benicio del Toro, Michael Cera, Mia Threapleton, Tom Hanks, S. Johansson.

PUBLICIST

¿CÓMO SE GESTIONAN LAS GIRAS DE ALGUNOS DE LOS ARTISTAS NACIONALES Y LATINOS MÁS GRANDES DEL CIRCUITO? ¿CÓMO CRUZAN EL CHARCO, DE UN LADO A OTRO, LOS ARTISTAS PARA ACERCARSE A LA PRENSA, A LOS MEDIOS EN GENERAL, O A SUS FANS? ¿POR QUÉ ES TAN IMPORTANTE CONSTRUIR UN “RELATO LOCAL”? SON PREGUNTAS QUE MUCHOS NOS HACEMOS, Y PARA TRATAR DE RESPONDERLAS NOS SENTAMOS CON TOMÁS PALACIOS, FUNDADOR Y DIRECTOR DE LA AGENCIA ARTIST PUBLICIST, QUE GESTIONA LA PROMOCIÓN Y TOURING DE ESTRELLAS COMO SHAKIRA, ANA MENA, NATHY PELUSO, LUIS MIGUEL, J BALVIN, MÓNICA NARANJO, RELS B, DUKI O RIGOBERTA BANDINI.

¿Cómo te empezaste a dedicar a esto?

En realidad, en la música caí de forma fortuita. Estuve trabajando para El Corte Inglés más de ocho años, coordinando el trato con celebrities en la parte de moda y belleza. Y en un momento dado tuve el flechazo con la música, que era mi verdadera pasión.

¿Y a partir de qué momento, o con qué artista, supistequehabíasllegadoalaprimeradivisión? La primera oportunidad la tuve con la cantante Natalia: siempre venía a los des昀椀les de la marca y nos hicimos muy amigos, así que contó conmigo para uno de sus lanzamientos. Mi evolución profesional se da gracias a las oportunidades que me han dado sellos discográ昀椀cos y managers. Me di cuenta de que había llegado a la primera división cuando fui capaz de cerrar a Nathy Peluso su primera portada con Vogue España.

¿Cuál es el lugar de Artist Publicist entre Latinoamérica y España?

Somos un nexo entre ambas culturas. Entendemos ambos mercados y eso nos permite posicionar artistas latinoamericanos en España con autenticidad, y también llevar talento español hacia América Latina con una narrativa sólida.

Y ¿cómo fue el momento en que empezasteis a trabajar con Latinoamérica?

Nuestro primer cliente internacional fue Nathy Peluso cuando sacó la sesión con Bizarrap, y eso fue un punto de inflexión en mi carrera. Recuerdo perfectamente la llamada de su manager. Desde ese momento no han parado de pasarme cosas.

¿Ha cambiado mucho la forma en que se hacen nuevos contactos en este negocio con la llegada de las redes sociales y de Internet?

Cien por cien. Las redes sociales han acelerado las conexiones, pero también han hecho más hostil el entorno. Todo se mueve a gran velocidad y uno tiene que saber que no todo contacto digital puede ser un buen aliado en tu carrera.

Y ¿cómo se cuidan las relaciones en un entorno tan digitalizado?

Con la piel. Las relaciones siguen siendo persona con persona. Es vital estar presente y no olvidar que trabajamos con seres humanos y no con máquinas.

¿Cómodeimportanteesparalosartistaslatinos tocar en España?

Vital, sin duda. España es la puerta a Europa y, además, hay una conexión cultural importante. El público de nuestro país, además, es muy difícil de encontrar en otras partes del mundo.

Tomás Palacios, extremeño, de Badajoz, se vino a Madrid a estudiar y terminó currando en el departamento de prensa de El Corte Inglés. Eso le dio los contactos necesarios para lanzarse a la aventura de fundar, en 2014, Artist Publicist, una agencia con una cartera de clientes espectacular que ha sabido entender cómo serían las relaciones musicales entre Latinoamérica y España en esta última década.

POR: ADRIANA RAMIRO

DUKI

J BALVIN

“CIUDADES COMO COLONIA TIENEN UNA COMUNIDAD LATINA MUY IMPORTANTE; EL ÉXITO ES APRENDER A ADAPTARSE A LOS TERRITORIOS Y TENER UNA BUENA COMUNICACIÓN”

¿Hay posibilidades reales de, desde aquí, llegar a otras ciudades de Europa, donde no hay tanta presenciadelespañol?¿Cómoveselmercadoeuropeo ahora mismo respecto a la música latina?

Sí que las hay, claro, pero es complejo y requiere de una buena estrategia. Ciudades como Colonia, Londres o París, por ejemplo, tienen una comunidad latina muy importante, y es evidente que hay mercado, pero es más difícil entrar a nivel de comunicación y hay que saber adaptarse a los contextos. Hay artistas como Christian Nodal, Camilo o Tini que dentro de sus fechas siempre cuentan con su público europeo. Y es que el éxito de esto es aprender a adaptarse a los territorios y tener una buena comunicación.

¿Creesqueseharevolucionadoelcostedegirar? Sí, sin lugar a dudas. Ahora mismo girar es una operación empresarial de alto nivel que hay que plani昀椀car con mucha antelación y corriendo muchos riesgos.

¿Cómo gestionas la “guerra” que existe ahora mismo entre La Revuelta y El Hormiguero? Honestamente, creo que es una guerra más de los medios de comunicación. El Hormiguero tiene un target completamente distinto a La Revuelta y el tono es diferente también. Yo creo que la suma de los dos programas en un plan de medios es sumamente importante para poder llegar a todo tipo de público.

¿Cómo se encuentra el equilibrio entre prensa especializada y prensa generalista? Yo trabajo con ambos. La prensa especializada da credibilidad y la generalista es más masiva. Creo que la suma de ambas es parte de una buena estrategia de comunicación.

LUIS MIGUEL

¿Por qué crees que cuando los artistas se van haciendo grandes tienden a dejar de lado a la prensa más especializada?

Porque pueden creer que no la necesitan, y es un error grande. Los medios de comunicación son aliados en las carreras de los artistas. Me gusta repetir esa frase siempre a mis clientes.

¿Cuáles dirías que son los mejores momentos de tu profesión?

Cuando anunciamos un sold-out. Uno de mis clientes es Iglesias Entertainment, y me han permitido vivir tours con Luis Miguel -doble soldout en el Santiago Bernabéu-, con Camilo -doble sold-out en el Movistar Arena- o con Kany García, una artista puertorriqueña con la que llevamos trabajando el live en España desde el primer minuto y que también ha hecho sold-out. Esa sensación es increíble.

¿Alguna anécdota de todos estos años trabajando con artistas?

Recuerdo una vez antes de un show que empezamos hora y algo tarde porque el artista estaba haciendo una clase de yoga por FaceTime. También muchos buenos momentos en meet & greets con personas del club de fans. Me encantan los artistas cercanos con su fanbase, creo que esos detalles marcan la diferencia.

¿Qué hay que tener en cuenta para organizarle una gira por España a un artista latino, por ejemplo?

Creo que hay que entender el calendario cultural y construir un relato local. Las visitas promocionales de los artistas en nuestro país creo que son muy importantes a la hora de hacer un tour con éxito.

¿Por qué Bad Bunny no ha venido a España en estos años si Karol G, por ejemplo, puede hacer cuatro estadios?

Bueno, ¡él ya anunció que venía! Y estamos todos deseándolo. Los artistas, lamentablemente, no deciden por dónde pasan primero sus shows.

LOLA ÍNDIGO & TINI

LA ARTISTA VASCA, QUE ACABA DE OPTAR A UN GRAMMY POR SU DISEÑO PARA LA COMPILACIÓN ‘WE BLAME CHICAGO’ DE LA BANDA DE CULTO 90 DAY MEN, HA CONSTRUIDO EN ZIG-ZAG UNA IDENTIDAD PROPIA QUE, DICE, “SIEMPRE LLEVA CONSIGO ALGO DE MUSICALIDAD Y RITMO”. SU CONTACTO ESTRECHO CON LOS MUNDOS DE LA CULTURA -ESPECIALMENTE LA MÚSICA, EL CINE Y SU INTERSECCIÓN- Y LA VANGUARDIA SE TRADUCE EN MINIMALISMO, EN ABSTRACCIÓN Y EN UN ESTRUCTURALISMO, SIN EMBARGO, MUY FÍSICO. Y SU VOCACIÓN INTERNACIONAL LA HA LLEVADO A OCUPAR EL PUESTO DE DIRECTORA CREATIVA EN LA AGENCIA NEOYORQUINA COLLINS. ESTE MES, REBEKA ARCE PROTAGONIZA NUESTRA GALERÍA.

Rebeka Arce

POR: JUAN ÁNGEL ASENSIO

Hay trayectorias que no se trazan con mapas ni objetivos de昀椀nidos, sino con una brújula cuyo único norte es la constante necesidad de búsqueda y, en cierto sentido, de reinvención. La de Rebeka Arce (Barakaldo, Euskadi, 1988) es una de ellas. Su camino en el diseño, lejos de caminar en línea recta, ha sido una consecución orgánica de hallazgos que la han llevado a peregrinar de Madrid a Berlín, y de ahí a Nueva York, donde en la actualidad ejerce como directora creativa en un estudio tan prestigioso como COLLINS. Arce entiende cada identidad como una experiencia que se recuerda, y su trabajo, impregnado de impulso crítico y de voluntad narrativa, cuestiona las formas establecidas y, a su vez, propone nuevas maneras de mirar, sentir y construir el mundo a través del diseño. Hablamos con ella poco después de que haya pasado por la alfombra roja de los Grammy junto a Farbod Kokabi por la nominación a su diseño conjunto para We Blame Chicago. Publicado el año pasado por el prestigioso sello discográ昀椀co Numero Group, esta profusa antología de cuatro LPs recopila el trabajo más destacado de 90 Day Men, banda de culto del underground de Chicago en los noventa que supo evolucionar desde el post hardcore hacia un sonido más experimental gracias a interiorizar la tradición

vanguardista de la ciudad. Otro ejemplo más de la versatilidad para el diseño de la artista vasca, y de su relación constante con el mundo de la música experimental.

Tu trayectoria abarca desde el diseño grá昀椀co hasta la dirección de arte en proyectos internacionales. ¿Cómo describirías la evolución de tu carrera?

Siempre he estado en una búsqueda constante. De niña quería ser arqueóloga, pero al mismo tiempo me obsesionaba rebuscar en las cajas de fotografías de mi abuelo y robar los discos de mis hermanos para ver sus portadas y descubrir qué había dentro. Y creo que la evolución de mi carrera ha sido algo así, un cúmulo de intereses y decisiones orgánicas que me llevaban a la siguiente, sin tener un plan realmente de昀椀nido. Así es como estuve trabajando de manera independiente durante casi diez años entre Madrid y Berlín, colaborando con creativos de diferentes disciplinas para desarrollar proyectos más holísticos, especialmente en el contexto digital y motion. Este último fue crucial, tras haber estudiado el Máster de Motion Graphics en el IED Madrid en 2013, escuela de diseño que recientemente me ha otorgado uno de sus premios, el IED Next Thirty Design Awards, en la categoría de Diseño Grá昀椀co. Desde entonces, siento que todo lo que hago lleva consigo alguna forma de

"SER

RECONOCIDOS POR LA INDUSTRIA DE LA MÚSICA, CON EL DISEÑO DEL ÁLBUM PARA

musicalidad y ritmo, incluso en una imagen estática. En 2022, una necesidad de cambio me llevó a entrar en COLLINS como Directora Creativa,en Nueva York, sin saber si ese era el cambio que estaba buscando. Pero si algo he aprendido es que nunca voy a saber si algo es lo que buscaba hasta que comienzo a hacerlo, hasta que estoy en materia.El tiempo en COLLINS ha expandido mi mirada hacia el mundo, mi actitud, y mi percepción respecto al diseño y las narrativas que contamos a través de él.

Como diseñadora multidisciplinar, ¿cómo integras las diversas disciplinas del diseño (branding, dirección de arte, comunicación digital) en un solo proyecto?

Creo que el branding abarca muchas de las disciplinas de un modo u otro. Una marca es el recuerdo de una experiencia que has tenido. Y para manifestar esa marca o ese recuerdo lo que hacemos es crear herramientas visuales y hacerlas trabajar de manera conjunta para crear narrativas. Esto a veces implica dirección de arte, otras veces comunicación digital, packaging, una pieza editorial, una experiencia física, o un sonido.

¿Qué papel juega la investigación en la construcción de identidades visuales que conecten con distintos públicos y culturas?

Para mí, una identidad se basa en aquel rasgo único y genuino que caracteriza a una persona, cómo esa persona se relaciona con los demás, y cómo ellos

perciben a esa persona. Por ello, la comprensión de lo más profundo del comportamiento de una marca y cómo queremos que esta sea percibida por los demás es fundamental a la hora de crear identidades visuales, y más cuando se trata de marcas globales que abren diálogos con diferentes públicos y culturas. ¿Cómo puedes crear una identidad de marca genuina y signi昀椀cativa para distintas audiencias sin que pierda su carácter único o se vuelva excesivamente homogénea?

Tu reciente nominación al Grammy ha sido todo un acontecimiento. ¿De qué forma viviste este proceso y qué signi昀椀có para ti esta nominación?

Cuando Numero Group me llamó para darme la noticia no me lo creía, la verdad. No sabía que el sello lo había enviado a los Premios Grammy, por lo que todo sonaba irreal para mí, y aún se sigue sintiendo así incluso después de haber vivido la experiencia de la ceremonia. Este trabajo surgió de una inquietud por colaborar con Farbod Kokabi.Farbod y yo nos conocimos en COLLINS en Nueva York y la música nos unió. Queríamos trabajar juntos, así que surgió este proyecto paralelo a nuestro trabajo en la agencia, y fue la primera oportunidad que tuvimos de trabajar de la mano. El hecho de que fuera en el contexto de la música hizo que todo el proceso fuera aún más especial.

La ceremonia, para nosotros, fue un espacio para reencontrarnos, esta vez en Los Ángeles, y celebrar el trabajo que realizamos juntos. Considerando la cierta uniformidad que encontramos en los concursos del sector del diseño, valorados y observados por diseñadores, el hecho de ser reconocidos en la industria de la música, a través del diseño de un álbum para una banda de post hardcore de los noventa, es lo que realmente nos emociona.

En otra entrevista dijiste que “Cuestionar lo establecido debería ser parte de la esencia de cualquier diseñador”. ¿Cuáles son las estructuras o ideas que más te interesa replantear?

No me concentro en un tema especí昀椀co al replantear ideas, es más bien una actitud persistente de cuestionar todo aquello que percibo para poder transformarlo en algo diferente, y que eso provoque conversaciones que no se habían planteado previamente dentro del contexto de un proyecto, o dentro de la organización para la que esté trabajando en ese momento.

Por último, ¿qué consejo le darías a una diseñadora joven que quiera construir un camino propio sin renunciar a esa mirada crítica?

No hay camino propio que se construya sin una mirada que interroga por defecto, y hay una dimensión muy instintiva e intuitiva a la que resulta esencial seguir y escuchar, aunque a veces nos cause temor. Estar abierto al cambio, ya sea a nivel tecnológico, cultural o en términos de perspectiva, también se convierte en una necesidad fundamental para construir ese camino.

POR: PAULA LÓPEZ ROS / FOTO: XULIAN SAMBADE Y ANDRÉS TORRES

TRAS UNA DÉCADA DE TRABAJO EN LA MOCHILA, EJERCIENDO DE PRODUCTOR PARA ARTISTAS COMO PAULA CENDEJAS, MARC SEGUÍ O NATALIA LACUNZA, CARLOS ARES, CREADOR TODOTERRENO, DECIDIÓ

DARLE UN VUELCO A SU CARRERA EMPUJANDO SU PROPIO PROYECTO. EL RESULTADO DE ESA CONVICCIÓN, ‘PEREGRINO’, FUE UNO DE LOS MEJORES DISCOS NACIONALES DEL PASADO AÑO, LO QUE LE LLEVÓ A LA PORTADA DE NUEBO. SU SIGUIENTE PASO LLEVA POR TÍTULO ‘LA BOCA DEL LOBO’, EN UNA CARRERA DOMINADA SIEMPRE POR EL FACTOR SORPRESA.

“HE QUERIDO VOLVER A CANTAR HASTA DONDE PUEDO, SIN EDITARME TANTO. RECUPERAR LA SENCILLEZ COMO UNA VIRTUD”

Carlos Ares (A Coruña, 1997) lleva tiempo construyendo su propio lenguaje en la música, pero desde la publicación de Peregrino todo ha sido un no parar. En menos de un año ya tenemos entre manos su nuevo trabajo, La boca del lobo, y el título deja clara la intención: enfrentarse a un espacio incómodo, de exposición y vértigo, y ver qué sucede ahí dentro. “Sentía que me estaba metiendo en un lugar del que no sabía si quería formar parte. Exponerme, ganar popularidad, tocar para más gente… Sufría ese vértigo”, reconoce Ares. 2024 ha sido su primer año de conciertos, de estructuras profesionales y un equipo que no ha parado de crecer. Y también uno de los años más intensos a nivel personal. “He tenido que aprender de todo, desde lo técnico a lo humano. Fue un proyecto muy colectivo, y lo que me llevo son las personas”, reconoce. También aprender a liderar, y a lidiar con los imprevistos. Lejos de cerrarse, este disco es una apertura: continúa lo iniciado con Peregrino, pero lo hace desde un lugar más ruidoso, más urgente, más colectivo. “El año pasado había canciones que no eran apropiadas para ciertos escenarios. Este disco nace para sustituir algunas de las que tocábamos entonces y para complementar las sensaciones del directo con algo más enérgico”. Es el hábitat natural de sus canciones, el escenario, y por eso que sean de la gente ya es para él todo un alivio. “Crear me cuesta, soy muy crítico conmigo mismo. Cuando publico es porque ya lo he aceptado. Entonces las canciones ya no me pertenecen del todo”. Así, toda su construcción viene determinada por el directo, y por el calendario de la gira. “Quería volver a sentirme satisfecho, como con el primero. Esta vez lo más difícil fue el tiempo. No había mucho margen, todo tenía que estar preparado meses antes, y eso cambia la manera de trabajar”, recuerda. Sin embargo, Carlos no lo concibe como un giro, sino como una expansión. Una forma de seguir contando lo mismo, pero con más propuestas, más adaptadas a lo que pide una gira y al crecimiento natural del proyecto. La boca del lobo es más eléctrico, más inmediato, más distorsionado... “Hay más rock. Algunas canciones necesitaban ese desahogo, esa potencia. La temática pedía una guitarra enfadada”, con昀椀esa. Pero el objetivo no ha cambiado: emocionar desde un lugar reconocible, manteniendo una personalidad sonora sin caer en lo repetitivo. “Sigue siendo una búsqueda de versatilidad dentro de una misma voz. Quería conservar lo reconocible, que se consolidase mi sonido, pero sin dejar de proponer cosas nuevas. Sigo con la misma banda; tienen un aura especial, son artistas con perso-

nalidad. Y hemos preparado arreglos nuevos, buscamos que cada concierto tenga momentos de sorpresa, que sea dinámico y divertido”. En directo, cada canción encuentra otra vida, más física, más compartida.

En paralelo a ese crecimiento externo, Ares ha querido volver a algo más sencillo. Un regreso a la raíz de lo que hacía cuando empezó en 2015 aproximadamente, antes de producir para otros, antes de pensar en estructuras o en giras. “Entonces no sabía escribir letras, me guiaba por las melodías. Era muy inocente, y eso lo hacía puro. Ahora sé escribir, sé producir, pero he querido volver a cantar hasta donde puedo, sin editarme tanto. Recuperar la sencillez como una virtud”. Esa búsqueda de naturalidad también se traslada a la voz: sin efectos, sin arti昀椀cios, sin ambición de mostrar más de lo que realmente puede hacer. “Mis canciones no responden a ninguna moda. Funcionan en distintos formatos. Son melodías que sobreviven con poca cosa. Lo importante es escribir buenas canciones, cuidar la letra, las armonías”. Ares entiende la música de forma atemporal, pero también como una intuición. “No compongo de una sola forma. A veces parto de una frase, otras de una melodía o de un instrumento raro. Me gusta mantenerlo experimental, intuitivo”. Esa libertad es lo que le permite abrir caminos dentro de un universo que, aunque propio, no se encierra en sí mismo. Uno de ellos es Páramo, una de las piezas centrales del disco. El videoclip se grabó en las ruinas de Segóbriga, en un homenaje consciente al mítico directo de Pink Floyd en Pompeya. “Me pasaron varias localizaciones y al ver esa pensé en ellos. Son una de mis mayores influencias. Un beso y el sol está muy inspirada en su música”. El guiño no es solo estético: es una forma de colocar su música en un espacio más amplio, donde la emoción también puede ser monumental. Y es que, en el fondo, las canciones de La boca del lobo nacen de experiencias emocionales fuertes, y muy recientes. “Siempre me baso en cosas que vivo, aunque a veces están inspiradas por personas cercanas”, con昀椀esa Carlos. Días de perros, por ejemplo, surge tras el intento de suicidio de una amiga. “La canción está contada desde mi perspectiva, intentando entender lo que ella vivió, desde el respeto”. Carlos no dramatiza, pero tampoco se esconde. Sus canciones no eluden lo difícil, y ese gesto atraviesa el álbum. La boca del lobo no es una respuesta, ni una corrección al disco anterior. Es el siguiente paso. La forma de avanzar sin dejar de mirar hacia adentro. Un movimiento autoconsciente hacia lo incierto.

LA BOCA DEL LOBO (BMG, 2025)

La boca del lobo / Días de perros / Luengas calvas / Collar / Un beso del sol + Con solo un dedo / Páramo / Autóctono / Ultimátum / Importante / Mineral DIGITAL / LP

KAOTIKOby GermánBernad

KAOTIKO,LAMARCAMÁS NOSTÁLGICA PARA LA GENERACIÓN DE LOS MILLENNIALS,CELEBRA SU 25 ANIVERSARIO. UNA FIRMA STREETWEAR QUE HA EVOLUCIONADOENLOSÚLTIMOS DIEZAÑOSDELAMANODE SUCEO,GERMÁNBERNAD, PERO SIN PERDER SU ESENCIA CALLEJERA DEL PRINCIPIO. CON UN LEGADO DE “BARNA ES CASA”,HABLANELIDIOMADELA CALLE Y SON REFERENTES EN EL QUE SE INSPIRAN LAS NUEVAS FIRMAS URBANAS. HOY,SE ENORGULLECEN DE TENER CUATRO TIENDASFÍSICASENESPAÑA,DE COLABORAR CON OTRAS MARCAS TAN POTENTES COMO KFC O MCDONALD’S Y DE ENCONTRARSE ENPLENAEXPANSIÓN INTERNACIONAL.

POR: ALBA Gª VALERO

En Kaotiko se reunían todos aquellos jóvenes interesados por marcas internacionales como Carhartt, Dickies o Vans. Una tienda de moda multimarca barcelonesa fundada por Katia Vilaginés y Ángel Palacios, que se convirtió en marca con identidad propia y era punto de encuentro de todos los que seguían las tendencias más underground del momento. Ilustraciones de cartas del tarot, dibujos de rosas o de tigres inundan las camisetas y sudaderas de Kaotiko y, al frente de todo, Germán Bernad (Elche, 1979), CEO desde hace 10 años. Hablamos con él para entender la trayectoria de la marca, el concepto actual de Kaotiko y cuáles han sido sus retos más personales como director general dentro de esta empresa ya histórica en el campo de la moda en España.

¿Germán, cómo llegaste al Universo Kaotiko? Mi llegada a Kaotiko fue hace 10 años,en 2015,cuando mi familia compró el 51% de la empresa y arranqué siendo el director de expansión. Yo me encargué de abrir la primera tienda en Madrid, Coruña y Valencia... Cuando llevábamos tres años, Katia y Ángel, nuestros socios fundadores, tuvieron que salir de la empresa y mi familia decidió que yo fuera el CEO.Nosotros conocemos la marca porque antes yo trabajaba en Puma y mi hermano en Diesel,y Kaotiko era cliente deambos.Cuandolossociosfundadoresdecidieronque había que expandirse porque la marca estaba muy potente,buscaron un socio para que les ayudara con la gestión y la expansión económica. Y así empezó todo

¿Podrías contarnos cómo ha cambiado la marca a lo largo de estos 25 años? Yo creo que la evolución de Kaotiko ha sido brutal, y es normal, porque 25 años es mucho tiempo. Creo que la marca ha evolucionado de la manera en la que había que evolucionar, ha ido leyendo lo que pasaba en cada momento… las tendencias y las necesidades de nuestros clientes. Kaotiko sigue teniendo los mis

mos valores y principios, pero con una adaptación al mercado actual.

¿Cuál es la herencia que os dejaron Katia y Ángel? Nos dejaron una herencia preciosa. Kaotiko está vista como una marca con heritage, con archivo y con solera. Una marca pionera durante la época en que empezaron a llegar a la gente un tipo de prendas solo porque Kaotiko las vendía. Una de las cosas que siempre ha tenido la marca es poner la moda en la ca lle y hacer que la gente no tan de moda se atreviera a llevar ciertas prendas. Eso sigue exis tiendo ahora. También el equi po. Hay un equipo de diseño y producción que signi昀椀ca la base de Kaotiko. Evidentemente, si yo montara una marca de cero habría cosas que, por genera ción, haría de otra forma. Pero la herencia de Kaotiko es brutal. Ahora mismo decir que hay una marca de camisetas y sudaderas que lleva veinticinco años en España es para temblar.

Kaotiko es referente de toda una generación y marca pionera de moda urbana. ¿Cómo de昀椀nirías el concepto actual de Kaotiko y cuál es el sello diferenciador?

A Kaotiko le caracteriza algo muy concreto y es que somos una marca que siempre ha escuchado mucho la calle, somos muy ‘Barcelona es casa’. Nos gusta estar mucho fuera y empaparnos de todas las tribus y comunidades para saber muy bien cuáles son las

tendencias, ya sea a nivel música, deporte o moda. Creo que el nutrirse de la calle ha hecho que hayamos evolucionado al mismo tiempo que evoluciona la sociedad y las generaciones. Sin duda, esto es algo que nos identi昀椀ca mucho, porque siempre hemos tenido un estilo propio, adaptándonos a las tendencias, pero sin perder nuestra esencia de callejeros de Barna en la que respiramos mar, skate y urbe por ‘to’ los poros.

¿Qué sistema de producción seguís? ¿Siempre contáis con los mismos proveedores?

Siempre hemos estado muy ligados a la producción nacional. Hemos tenido proveedores potentes desde mucho tiempo en Mataró o en Igualada donde hemos hecho siempre el tejido más noble como el punto o el crochet. En Granada también hemos fabricado la plana y el vaquero.Es verdad que conforme ha ido pasando el tiempo hemos empezado a producir también fuera por un problema de posibilidades,ya que España está muy limitado en cuanto a máquinas y o昀椀cios…Por ejemplo, fabricar en España el calzado o las prendas de exterior que necesitan ser más trabajadas, como puede ser un plumas, tiende a ser más difícil porque, por desgracia, la industria cada vez es más pequeña y hay menos recursos. Intentamos hacer un mix para seguir haciendo cosas aquí, pero sin llegar a estancarnos para poder producir prendas fuera que en España no tenemos la posibilidad de fabricar.

¿Cómo es vuestro público? ¿Cómo habéis conseguido 昀椀delizar a vuestros clientes? Nuestro público a día de hoy ha madurado al mismo tiempo que nosotros, o nosotros al mismo tiempo que ellos… Piensa que acabamos de cumplir 25 años y la gente que ahora mismo tiene 40,más o menos,son los que a través de Kaotiko descubrieron muchas cosas en cuanto a moda y tendencias.Ahora mismo hay gente, sobre todo gente de Barcelona de esa generación, que la escuchas decir:‘Mis primeras Vans me las compré en Kaotiko’,‘Mi primer pantalón ancho, me lo compré en Kaotiko’,‘Mi primer skate, me lo compré en Kaotiko’… Somos un referente para una generación y la primera marca en España de camisetas y sudaderas.Y creo que hay una generación ahora de los nacidos en los años ochenta que escuchan la palabra Kaotiko y esbozan una sonrisa con nostalgia porque le traslada a su juventud y a la época del skate.

¿Con qué marcas habéis colaborado en estos años? ¿Cuál es la colaboración de la que más orgulloso estás?

La verdad que hemos hecho un poco de todo y lo de unirse con otra gente que habla tu mismo idioma es muy guay. Cogerse de la mano con otra marca y apoyarse es muy bonito. Los años que trabajé en Puma fue una escuela muy potente que me enseñó mucho de colaboraciones: hicimos colaboraciones con Jil Sander o Alexander McQueen y esa unión de fuerzas es una genialidad. En Kaotiko hemos hecho colaboraciones con Ron Bacardí,Brunch Electronik,Ron Barceló,Nesquik,... Con KFC fue de las más potentes porque era la más distinta. McDonalds, La Casa de las Carcasas o con el Team Heretics, que es una de las últimas y de

de la talla de Alberto

de la marca el presentador David Broncano (2), las cantantes Chiara Oliver y Violeta Hodar (3) y el actor Xoán Fórneas (4).

las más divertidas… La que recuerdo con más orgullo porque salió muy bien y los equipos no estaban muy por la labor de hacerla es la colaboración con KFC: fue muy disruptiva, se habló mucho del resultado y fue muy grati昀椀cante.

¿Cuál ha sido el mayor reto que has tenido que afrontar desde que te incorporaste a Kaotiko?

¿Y lo más grati昀椀cante?

El mayor reto en estos años ha sido mantener el legado que Ángel y Katia crearon. Para mí coger las riendas de esta empresa creada por ellos era un desafío muy grande y complicado.Pero después de todos estos años estoy muy orgulloso de haber evolucionado, de seguir teniendo un equipo tan brutal como el que tenían ellos y de poder mantener esa ilusión hasta el día de hoy

¿Qué has aprendido en estos años estando al frente de Kaotiko? ¿Cambiarías algo? Heaprendidoqueeltrabajoenequipoesfundamental, que la comunicación es primordial y que el esfuerzo es indispensable para triunfar. ¿Arrepentirme de algo?

Hombre de alguna cosilla…Pero como cuando me pregunta mi madre,‘¿Lo volverías hacer?’. Y le respondo… ‘Con los ojos cerrados’. Creo que ahí te he contestado.

“KAOTIKO ESTÁ VISTA COMO UNA MARCA CON  HERITAGE, CON ARCHIVO Y CON SOLERA”

Artistas

Jiménez (1), del grupo de música Miss Caffeina, forman parte de la comunidad Kaotiko. También aparecen vestidos

POR: RAMÓN BAYLOS

DECIR ‘DOOM’ ES TANTO COMO DECIR DESTRUCCIÓN, SALVAJISMO, BRUTALIDAD, HEAVY METAL. LA FRANQUICIA DESAROLLADA POR ID SOFTWARE SENTÓ A PRINCIPIOS DE LOS AÑOS NOVENTA LAS BASES DE LO QUE IBA A SER JUGAR, SOLO O EN LÍNEA, A UN SHOOTER EN 3D EN EL FUTURO, Y CON LOS AÑOS HA DEMOSTRADO TAMBIÉN QUE EN LA CULTURA POP HAY HUECO -E INCLUSO SED- PARA UNA EXPRESIÓN ARTÍSTICA DELICIOSAMENTE ULTRAVIOLENTA. EN LA TERCERA ENTREGA DE SU SEGUNDA ITERACIÓN, ‘THE DARK AGES’, LA ICÓNICA SAGA TURBOGORE INVESTIGA SUS PROPIOS ORÍGENES Y REIMAGINA LOS DEMONIOS ALIENÍGENAS Y LOS MECHAS DESDE UNA PERSPECTIVA MEDIEVAL.

¿EL ‘DARK SOULS’ DE LOS JUEGOS DE ‘DOOM’?

La última trilogía de DOOM supone un ejercicio de reinvención sin precedentes en el medio. Más que un remake, más que un simple reinicio, DOOM ofrece todo lo que un shooter noventero trasladado a la jugabilidad de la última década.

DOOM (2016)

En 2016, id Software llevó a cabo el movimiento más crucial en la historia del estudio. Después de haber estado años desarrollando un hipotético DOOM 4 que se acabó cancelando por no encontrar la dirección adecuada, la compañía lanzó un órdago sin precedentes: si se iban a arruinar, por lo menos lo harían siendo 昀椀eles a su propio legado. Así surgió el nuevo DOOM, que remasterizaba gracias a la nueva tecnología todos los elementos reconocibles de la saga integrándolos en una jugabilidad mucho más física. El resultado es un shooter adrenalínico que dejó de 昀椀jarse en las tendencias del mercado para sentar nuevos precedentes.

DOOM Eternal (2020)

Si el DOOM de 2016 sentó las nuevas bases de la franquicia, Eternal, cuatro años después, no haría sino pulir hasta lo esquizofrénico cada detalle y cada ingenio de su predecesor, redoblando todas las apuestas y aterrizando por todo lo alto en los Game Awards en los que The Last of Us Parte II arrasó. La secuela era más rápida, vertiginosa, brutal y epiléptica... Y, sobre todo, Mick Gordon puso tanto metal en el asador de la banda sonora que hasta Oliver Sykes, cantante de Bring Me The Horizon, le llamó para un álbum de la banda, Post Human: Survival Horror: no había día en el con昀椀namiento en el que no jugara al Eternal

DOOM: The Dark Ages (2025)

Si id Software defendía el DOOM de 2016 como un run & gun y Eternal como un jump & shoot, The Dark Ages podría ser perfectamente el stand & 昀椀ght de la compañía. Una concatenación de conceptos que se ha ido metamorfoseando junto al jugador con el paso de los años, y que distingue la experiencia de cada juego desde lo puramente mecánico: en el primero éramos un marine, en la secuela un caza, y en The Dark Ages seremos el tanque llevando las mecánicas de 昀椀nalización cuerpo a cuerpo de Eternal a un nuevo nivel de profundidad. La sombra de los soulslike es alargada.

Origen, caída y resurrección

Más de treinta años de DOOM: tres décadas con momentos decisivos para la supervivencia de la saga a través de varias generaciones.

DOOM siempre ha estado ahí, casi como acto de rebeldía adolescente frente a los prejuicios que existían hacia los videojuegos en la década de los noventa. El primer juego, en 1993, cumplió intencionalmente con las preocupadas expectativas que se tenían en torno a él por aquel entonces: estridentes solos de guitarra eléctrica, gore sin control y violencia desmedida como denominador común.

2003 fue el año en el que la franquicia casi desaparece por completo a causa de DOOM 3, un juego que se alejó del fan clásico con tal de convertirse en una especie de survival horror que malinterpretó por completo la mayor virtud de DOOM: en esta franquicia, nosotros somos la amenaza, lo que los demonios del mismísimo in昀椀erno deben temer, y no al revés.

En el año 2016 id Software llevó a cabo la mayor apuesta de toda su historia. Sobre todo, después de haber estado años intentando hacer una suerte de DOOM 'callofdutyzado'. Por suerte, aquello no solo no llegó a ningún sitio, sino que propició que el estudio se alejase de las tendencias de mercado para buscar una libertad creativa su昀椀ciente como para confeccionar una nueva obra maestra.

Los padres de ‘DOOM’

Detrás de la saga hay muchos nombres icónicos, pero DOOM no existiría como hoy lo conocemos sin la visión clave de estos tres locos geniales.

Mick Gordon

Mick Gordon jugó un papel importantísimo en el reboot de DOOM en 2016 como compositor de su banda sonora. No es solo que el reinicio necesitara encontrar un punto en el que modernizar las características melodías del original sin que estas perdieran su esencia, sino que Gordon logró crear un sonido increíblemente icónico. Tanto es así que hoy en día cualquiera es capaz de distinguir las guitarras de los nuevos DOOM con solo oírlas. El flow destructivo de la franquicia se vería peligrosamente interrumpido sin sus riffs demoníacos.

John Romero

Publicó su primer juego, Scout Search, para el Apple II, una máquina en torno a la que se reuniría con John Carmack años más tarde compartiendo la misma fascinación por sus entrañas. Juntos fundaron id Software en 1991 y, aprovechando los avances del sistema operativo de IBM, revolucionaron el gaming con Wolfenstein 3D y, sobre todo, DOOM, un juego que por su velocidad frenética y di昀椀cultad impulsó el nacimiento de la comunidad speedrunning.

John Carmack Mostrando una pasión insana por la informática desde su adolescencia, John Carmack aprovechó el Apple II que le regalaron sus padres para comenzar a programar sus primeros prototipos. A los 21 años fundó id Software junto a John Romero, y juntos programaron no solo el motor grá昀椀co de DOOM, también el que iba a correr otra nueva revolución, Quake (1996). En este caso la BSO sería de Trent Reznor.

DOOManía

Si DOOM consiguió mantenerse vivo en el lapso de tiempo que transcurrió entre 2003 y 2016 fue gracias a una ferviente comunidad de fans que se propuso el reto colectivo de hacer que el primer título fuera jugable en cualquier dispositivo: tests de embarazo, calculadoras, parquímetros, vapers, lavadoras, Minecraft, impresoras, archivos PDF y Excels... La lista de entornos capaces de acoger el código fuente de DOOM es prácticamente interminable. Desde luego tiene sentido: además del speedrunning, DOOM es todo un antecedente para los modders.

DOOM: THE DARK AGES ID SOFTWARE 13 de mayo PC, PS5, Xbox Series X|S

POR: ANNA PÉREZ / FOTOS: JOSE CARVAJAL / EDITORA DE MODA: ALBA Gª VALERO

QUERALT LAHOZ ES DE ESAS POCAS ARTISTAS CON UNA HUELLA PERSONAL INCONFUNDIBLE, QUE IMPREGNA TODO LO QUE TOCA. INTENSIDAD, MESTIZAJE, CHULERÍA, INTIMIDAD Y MUCHA AMBICIÓN SON ALGUNAS DE LAS CLAVES DE SU CARRERA. CON SU NUEVO ÁLBUM, ‘9:30 PM’, Y DE LA MANO DE UN PLANTEL DE PRODUCTORES ENCABEZADO POR ELLA MISMA, FEDE YASMIN Y MARC SOTO Y COMPLETADO CON PMP, ÇANTAMARTA O TONI ANZIS, LA CATALANA HABLA DE VULNERABILIDAD, Y NOS PERMITE ADENTRARNOS EN SUS RUTINAS Y CONOCER MEJOR LAS CLAVES DE SU VIDA A TRAVÉS DE UN PAISAJE SONORO QUE EXPLORA SIN MIEDO A MEDIO CAMINO DE LA TRADICIÓN Y LA MODERNIDAD.

Top: Reebok

Traje: Zara

Zapatos: Jeffrey Campbell

ASISTENTES FOTO: NORA RUIZ Y NOELIA SANJUAN / ESTILISTA: MARA

CAPLLIURE / ASISTENTE

ESTILISTA 1: SOFÍA SEIS K / ASISTENTE ESTILISTA 2: ELIA DOMÍNGUEZ

MUAH: CELIA MOLLA / ASISTENTE DE MUAH: MARIANA RODRÍGUEZ

AGRADECIMIENTOS:

REEBOK EUROPE + FEVER PRODUCTIONS

Queralt llega ajetreada a la entrevista. Y digo “llega” porque, aunque cada una estemos en nuestra casa y la entrevista se realice por Zoom, se nota que la catalana es de ese tipo de personas a las que las 24 horas del día se le quedan cortas. “Llegué ayer a la 1:30 a mi casa en Barcelona desde Tenerife, estoy malísima de la garganta, me puse a hacer sopa… Total, que se hicieron las 3 de la mañana y a las 9 ya estaba cantando otra vez y en el estudio. Hoy es día de entrevistas, mañana me voy de nuevo…”. De昀椀nitivamente, Queralt Lahoz vive tres días cada día de los nuestros. Por eso no es de extrañar que con 33 años pueda estrenar con aplomo y seguridad un disco autobiográ昀椀co en el que salta de género en género con gran maestría. Para ella, 9:30 PM es su “primer álbum de verdad”, en el que ha puesto todos los sentidos, emoción, razón y corazón. “Creo que lo más profundo y difícil que un artista puede hacer es hablar de sí mismo. Pero no en plan ‘estoy aquí, soy el puto amo’, sino ahondar en tus profundidades y rascar en tus costuras. Y poder volver a coserlas de nuevo, eso es muy difícil, especialmente si tu vida no ha sido sencilla. Yo he pasado turbulencias bastante altas y no me avergüenzo de ninguna de ellas ni creo que ninguna tenga que ocultarse. Es más, siento que este álbum es un regalo que yo me he hecho a mí misma”. El título es la hora de su nacimiento, y a partir de ahí recorre retales de su vida: la primera ruptura de amistad, el primer amor, la muerte de un ser querido... “Son bolitas de recuerdos metidas en mi cerebro, como en InsideOut… He seleccionado unas poquitas porque al 昀椀nal yo quería hacer un disco que hablara de emociones y ciertos momentos de mi vida: sentir rencor, el miedo al rechazo… Y me he remontado a los primeros recuerdos porque creo que es muy importante saber viajar hacia ellos sin miedo para poder aceptarnos hoy en día y para poder saber por qué sentimos así ahora. Los duelos no son pantallas de la Nintendo, son una realidad: el ser humano tiene una memoria donde hay huellas, y quería revivirlas. Ha sido un viaje introspectivo bastante fuerte y muy especial”.

“HE PASADO

TURBULENCIAS Y NO ME AVERGÜENZO DE ELLAS. ES MÁS, ESTE ÁLBUM ES UN REGALO A MÍ MISMA”

También terapéutico tras muchos años en los que su salud mental era una preocupación diaria. “A los 23 fui feliz por primera vez. He vivido con mucha ansiedad toda la vida, me ingresaban constantemente. Ahora sé que es algo mucho más común de lo que me parecía, pero cuando estás hundida crees que todo te pasa a ti. Con perspectiva supe que quería hablar de todo lo que había vivido y usar el proceso creativo como una forma de sanar. Para mí, sin duda, lo más difícil ha sido el dolor ajeno; hacer un álbum sin que los demás se sientan perjudicados”. Lahoz dejó la terapia clínica durante un tiempo para sumergirse en la creación del álbum, y cuando ya lo tenía encarado volvió a la psicóloga para adquirir nuevas herramientas. “Quiero defender este disco durante mucho tiempo, y tengo que ser consciente de cómo expreso el dolor para que no se me haga imposible cantar las canciones”. También porque, como reconoce en la última canción, 'seguía doliendo igual'. “Creo que soy la hostia, y sé que cantar es lo único que me puede salvar y lo que he venido a hacer... Aun así, en el proceso de este disco estuve a punto de dejarlo todo. Ha sido un punto de inflexión fuerte en mi vida, porque tras años volvía la depresión sin yo saberlo, estaba otra vez ahí. Hubo un momento en que hablé con mi equipo y dije ‘Lo paro todo… ¿Y si dejamos de luchar con esta industria tan embustera?’. También se suma la decepción: ves que hay muchas cosas que suceden más allá del talento y de la música, y de eso hablo en La fe”.

Ese “hasta aquí” viene de un pasado y unos orígenes que impregnan cada pieza del imaginario de la artista. Sus abuelos emigraron de Guadix (Granada) a Santa Coloma de Gramanet (Barcelona) como tantos otros andaluces que buscaron una vida mejor en las fábricas de la periferia barcelonesa a mediados de los sesenta. La cantante dedica Sntk a su ciudad, un pasodoble rescatado de un cancionero antiguo, interpretado junto a su guitarrista de con昀椀anza, Daniel Felices, vecino de una de esas urbes industriales, Terrassa. “He rescatado este tema porque es la música con que nos hemos criado nosotros: con el pasodoble, con esa letrilla de los emigrados andaluces con orgullo. Quería tener ese discurso porque también es parte de mis emociones y de las emociones que he sentido a lo largo de mi vida… Si cuando bajo al sur no soy del sur, porque es que no lo soy, pero cuando llego a Cataluña tampoco soy de allí, ¿pues yo de dónde coño soy?”. Queralt creció en una de las ciudades obreras del llamado Cinturón Rojo, en las que afloró el término “charnego” para designar a todos aquellas personas inmigrantes procedentes de una región de habla no catalana y a sus descendientes. El término, que se usaba habitualmente de manera despectiva, ha revivido estos últimos meses gracias al debate que ha generado la película El 47 y el discurso de su guionista Eduard Sola en los Premis Gaudí. “Para mí fue un discurso impecable, de acuerdo con cada palabra y con cada coma… La gente tiene la piel muy 昀椀na y no quieren entenderlo, quieren discutirlo. Se habla de la clase obrera: yo he vivido en Santa Coloma, en el extrarradio, y rodeada de cultura andaluza. Nosotros somos la otra Andalucía le pese a quien le pese, y yo siempre he reivindicado de dónde venimos porque yo he crecido con un rechazo, con el ‘cuidado no hables mucho andaluz’. Y fíjate, en El 47, que ha hecho la banda sonora mi amiga Valeria Castro, que la amo y no puede haber una artista más grande en este país, me parece curioso que no hayan llamado a ninguna artista del extrarradio de Barcelona, que somos un montón. En Santa Coloma también secuestramos autobuses, en muchos barrios de Barcelona, ¿y no has podido pensar en nadie?”.

De ese orgullo de barrio y de clase habla indirectamente también Favorosa, un tema con corazón de funk brasileño. “Viajamos a Sao Paulo para actuar con unos colectivos de rap en un ambiente reivindicativo, con colectivos trans, y yo me di cuenta de que en todos los lugares del mundo lo que coincide es que, en el extrarradio, las favelas en este caso, sale gente y especialmente salen mujeres extraordinarias. Porque somos el motor de superación constante y esto nos conecta a todas seamos de donde seamos, vengamos de donde vengamos. Entonces, yo me inventé el término 'favorosa', que es para mí la mujer que consigue todo, aunque el tiempo se le ponga de culo. Es nuestra madre, es nuestra abuela, es nuestra vecina la charcutera que se levanta a las 6 de la mañana para que sus hijos puedan estudiar en una escuela, esa mujer que nació con otra identidad… Son esas mujeres. La favorosa es la que está en el barrio, con昀椀gura todo lo que se mueve a su alrededor, controla cómo se conjuga el barrio. Arrancamos este funk carioca junto a Toni Anzis hace un tiempo, y quise recuperarla cuando tenía más acabado el álbum”. Cuando vamos terminando la entrevista Queralt se prepara para irse otra vez. “Empezamos el stage en breve, tenemos una cantidad de conciertos que tengo que mentalizarme más allá de lo físico. Es un show muy exigente, pero creo que lo merece el álbum”. Os aseguro que sí.

Chaqueta y shorts: Reebok Zapatos: Mango

Body y Sneakers: Reebok Pantalones: Entire Studios

LasFavorosas

Estas son algunas de las referencias que aparecerían en el diccionario de Queralt Lahoz si buscaras la palabra FAVOROSA, el neologismo de la artista para hablar de las mujeres sobre las que orbitan sus barrios.

Las Ninyas del Corro. El dúo de rap formado por Laüra Bonsai (Sant Adrià del Besòs, 1996) y Felinna Vallejo (Bon Pastor, 1999) es un referente actual en cuanto a la música creada en la periferia de Barcelona. Puro boom bap, chulería y clase.

Las charcuteras del Mercado de Singuerlín. Queralt las menciona como ejemplo inequívoco de favorosas de su barrio: la vieron crecer desde muy pequeña.

Las Niñas. El grupo andaluz formado por Alba Molina, Aurora Powers y Vicky Luna que triunfó a principios de los dosmiles con Ojú es un imprescindible. Orgullo de clase, R&B, flamenco y rap… ¿qué podría salir mal?

Tasha e Tracie. Queralt las conoció en Brasil e inspiraron el término. Son un dúo de hermanas que unen el rap con el funk carioca y el activismo desde Jardim Peri, en la zona norte de Sao Paulo.

Las pasajeras del bus B27: El autobús que une Santa Coloma de Gramenet con Badalona era el transporte habitual de Queralt. “De hecho, así se iba a llamar el disco antes de decidirme 昀椀nalmente por 9:30 PM”.

9:30 PM (SAY IT LOUD / COSTA FUTURO, 2025) 19/17 / QL / YNEPN / 5ªvenida / Setolvida / Favorosa / La fe / Vuelves / Santa Rosa / UnPoco+ / Sntk / Corazón / La fuente l'amapola / NTN / Me dolía igual CD / DIGITAL / LP

POR: FELIPE RODRÍGUEZ TORRES

HASTA EL 9 DE NOVIEMBRE PUEDE DISFRUTARSE EN EL CCCB LA EXPOSICIÓN

MÁS AMBICIOSA Y EXTENSA SOBRE EL GENIO DE LA NARRATIVA GRÁFICA, QUE

HA CAMBIADO Y REVOLUCIONADO EL PANORAMA DEL CÓMIC DE LAS ÚLTIMAS

DÉCADAS PARTIENDO DE LOS ORÍGENES

DEL MEDIO. OS DAMOS ALGUNAS CLAVES

DEL UNIVERSO WARE PARA ACUDIR A VERLA.

Comisariada por Jordi Costa y con la participación de La Gossa -la escuela de cómics fundada por la diseñadora Berta González y el ilustrador Alfredo Borés en el barrio de Gràcia de Barcelona-, Chris Ware: Dibujar es pensar posiblemente sea la exposición más ambiciosa y extensa que se haya realizado del que sin duda alguna sea uno de los artistas grá昀椀cos y autores de cómics más importantes y relevantes de los últimos cuarenta años -top 1, de hecho, en nuestro reciente repaso comiquero a este cuarto de siglo-. Una exposición que se puede disfrutar desde el pasado 3 de abril y que se extenderá en el CCCB barcelonés hasta el 9 de noviembre, donde sus visitantes podrán adentrarse en el complejo y profundo universo de un creador sin parangón en la narrativa grá昀椀ca contemporánea.

Ya lo adelantaba Jordi Costa, jefe de exposiciones del CCCB desde el año 2019, en una entrevista para Jot Down meses antes de la inauguración de la exposición, donde desarrollaba y explicaba la importancia de Ware no solo en el mundo del cómic, sino en el de la narrativa en general. “Chris Ware es un grandísimo modelo de alguien que da la impresión de que ha inventado un lenguaje o de que ha utilizado unos recursos en el cómic que no estábamos acostumbrados a ver o a disfrutar. Pero cuando lo lees a fondo, te das cuenta de que realmente no ha hecho tanto una invención de lenguaje como tener la capacidad de desarrollar todas las potencias que tenía el lenguaje del cómic desde los orígenes”. Una relevancia que incluso ha hecho que desde un prisma perpendicular se le haya comparado con el mismísimo James Joyce. Algo con lo que el propio Costa no está en absoluto en desacuerdo. “En el caso del cómic, que evidentemente también ha vivido sus pequeñas revoluciones -como la del underground y la de lo contracultural, o cierta historieta europea de autor que también puso el lenguaje en cierta tensión-, de repente aparece alguien como Chris Ware que hace algo que la gente ha llegado a comparar con el Ulises de Joyce. Y yo creo

que no es una comparación exagerada ni gratuita. Por ejemplo, en Rusty Brown, en el capítulo de Jason Lint, él acaba haciendo una especie de Ulises, contando una historia a partir de la corriente de conciencia de un personaje. Esa es la capacidad que tiene Chris Ware para ser innovador, deslumbrante, nuevo, pero al mismo tiempo sin romper la tradición, sino extrayendo todas las potencias de la tradición sin perder en ningún momento una voluntad de llegar a todo el mundo”. En una entrevista realizada el pasado mes de marzo con el Financial Times, el propio Ware analizaba la influencia del Ulises a través de otro autor en apariencia tan diferente en la super昀椀cie como es Vladimir Nabokov. “Nabokov sugirió, en su edición anotada del Ulises de James Joyce, que todos pensamos por igual

GENERACIÓN WARE

Si Ware ha sido influenciado por autores tan dispares como Herriman, King, Crumb o McGuire, su trabajo también ha dejado impronta en toda una generación de autores contemporáneos. Sobre todo uno: Daniel Clowes, fundamental para entender la historia norteamericana contemporánea independiente. El estilo de Clowes se ha ido transformando sin perder su fuerte personalidad a través de verdaderos artefactos grá昀椀cos de precisa arquitectura narrativa, caso de obras como Ice Haven, El rayo mortal o Mr. Wonderful, y como en Ware, la misantropía y el nihilismo han ido derivando en una suerte de sensibilidad y empatía humanista que se plasman en trabajos más recientes como Wilson, Paciencia o Mónica Parecido ocurre con Adrian Tomine: sus relatos humanistas se han impregnado de la construcción milimétrica de los experimentos formales de Ware, sobre todo en el que es su último trabajo en el mundo del cómic hasta la fecha, ese relato de vidas cruzadas, tan aséptico formalmente como cálido emocionalmente, que es Intrusos. En el cine, lo vemos en el Wes Anderson más esteta, otro claro amante de la arquitectura Chris Ware.

en imágenes que en palabras, y yo creo que el medio del cómic o la narrativa grá昀椀ca es el medio que mejor permite que ambos elementos coexistan. Cada página de un cómic tiene la capacidad de reorganizar las experiencias, los espacios y las imágenes de una manera digamos similar o análoga a como nuestro cerebro interconecta los recuerdos. Y por eso yo intento en mi obra que las imágenes escriban la historia con la misma intensidad que las palabras”.

ANTIGUAS PERO MODERNAS

La transformación radical del lenguaje del cómic acometida por Chris Ware no se entiende sin eso, la raíz, las comic strips, sobre todo una de las obras maestras de los inicios del medio, Krazy Kat. Obra del historietista norteamericano George Herriman, inspiró el que a la postre sería uno de los trabajos más populares de Ware, Quimby the Mouse, y el propio Ware se encargaría posteriormente del diseño de la reedición para la prestigiosa editorial Fantagraphics. También trabajos menos populares como el Gasoline Alley de Frank King o Polly and Her Pals de Cliff Sterret. Toda esta influencia la explicaría Ware en profundidad al periodista Jordi Sabaté para el periódico online Eldiario.es el pasado 2 de abril. “En efecto, siempre he prestado atención a los clásicos. Estilísticamente, para mí los cómics se congelaron en los años treinta y cuarenta.

PUZLE GRÁFICO

La obra de Ware es tan sucinta como fundamental para entender la evolución de la narrativa grá昀椀ca como medio: la revolucionaria Jimmy Corrigan: El chico más listo del mundo (2000), el homenaje a Krazy Kat que es Quimby the Mouse (2003), ese artefacto fascinante entre kit de construcción y relato grá昀椀co que es Building Stories (2012), o su trabajo más reciente, la novela grá昀椀ca Rusty Brown (2019), son todo un conjunto de piezas interconectadas que confluyen en una obra recopilatoria tan fundamental como es The Acme Novelty Library

A partir de entonces, empezaron a imitar el lenguaje del cine, viendo la viñeta como una cámara a través de la cual mirar la realidad, intentando imitar las películas. Mientras que antes, con Krazy Kat, Gasoline Alley u otras tiras similares, había cierto poder inherente a los propios dibujos. Así que he intentado basar mi trabajo en eso y no en el lenguaje cinematográfico. De hecho, hubo un momento en que dejé de ver la televisión para borrarla de mi memoria lo máximo posible, de modo que no influyera en mi forma de experimentar e intentar recrear historias”.

Pero no solo de los autores primigenios de la comic strip bebe Chris Ware: en el libro In the Studio: Visits with Contemporary Cartoonists, él mismo explicaba su admiración por Richard McGuire, el autor de la fundamental Aquí: ya sea en su versión original aparecida en la revista Raw! o en su versión extendida en formato novela grá昀椀ca, que a su vez fue adaptada al cine el pasado año por Robert Zemeckis. “Creo que Richard McGuire es uno de los mejores

artistas del mundo. Todo lo que ha hecho ha sido verdaderamente revolucionario en el auténtico sentido de la palabra. Es decir, que ha expandido las posibilidades de expresarse a sí mismo y, en consecuencia, las posibilidades para el resto de artistas. Yo he imitado su obra muy por encima de la de cualquiera, y es un testamento a su grandeza que incluso haciéndole eso, él todavía me deje llamarle 'amigo'. Mi admiración hacia él es in昀椀nita”.

Por supuesto, es imposible olvidar su extensa colaboración con la revista más prestigiosa del panorama editorial, The New Yorker, donde Ware lleva trabajando regularmente como portadista desde el año 1999. De todas sus portadas, el autor destaca, en una entrevista para el medio online Domus, la del 16 de marzo de 2016, sobre el Black Lives Matter, con la que Ware revela en qué se ha convertido el sueño americano. “Una metáfora de cómo Norteamérica ha cambiado en unos pocos años. Porque el arte debe ser empático, y nosotros estamos perdiendo la empatía”.

MODA

POR: DIEGO RUBIO | FOTOS: PEDRO MÁRNEZ & AGUSTÍN ESCÁMEZ (Q&CUMBER) | EDITORA DE MODA: ALBA Gª VALERO | ESTILISTA: LUCÍA SOBAS | ASISTENTE DE ESTILISTA: UXUE ZUAZO MARTÍN | MUAH: BURDAMPI | ESTUDIO: Q&CUMBER

CANDELA SAITTA

La joven actriz argentina, con tan solo 21 años y asentada desde hace tres en Madrid, ha entrado en la industria audiovisual poco a poco, pero en los últimos dos años de repente todo ha adquirido para ella escala internacional: sus últimos proyectos, las series ‘Máxima’ y, sobre todo, ‘吀栀e Walking Dead: Daryl Dixon’, demuestran la versatilidad y las ganas de quien sabe que va a comerse el mundo. Hablamos con ella antes del estreno de la nueva entrega zombi.

Candela Saitta lleva solo tres años en España, pero su papel en The Walking Dead: Daryl Dixon es español, le sale clavado el acento castellano y maneja a la perfección el inglés. “Estoy muy familiarizada de siempre con el acento porque tengo familia en España, por eso me vine, y tengo mucha facilidad para cambiarlo”, cuenta mientras compartimos un café en una terraza de Lavapiés, por 昀椀n en una mañana soleada. “De hecho el primer mes de rodaje casi nadie sabía que yo era argentina, ni siquiera en el equipo, porque estaba todo el día o hablando en inglés o como si fuera española. Ya un día con más con昀椀anza me cansé, y en una cena saqué mi acento natural. ¿Te crees que no se lo creían y me preguntaban que por qué me salía tan bien el acento argentino?”. Realmente le divierte jugar a los acentos, con昀椀esa, pero sobre todo le da mayor versatilidad como actriz. “Tenés que tener capacidad para poder adaptarte a lo que venga, y abrir el abanico de posibilidades a nuevos papeles”.

A sus 21 años tiene las cosas sorprendentemente claras, y trabaja todos los días para mejorar. Empezó a actuar muy pequeña. “De hecho, mi primer trabajo fue a los 6 años. Un amigo mío del cole hacía castings, y su madre le decía siempre a la mía que me llevara también porque sabía que yo estaba dando clases de teatro. Al 昀椀nal me terminó llevando ella, y ya se empezó a dar todo. Mis padres, después, me apoyaron muchísimo, y creo que eso es muy importante para una carrera como esta”. Nada más salir del colegio rodó una serie, El primero de nosotros, para Paramount, y ese mismo año rodó otra serie, Último primer día, por la que recibió una nominación a mejor actriz revelación en los Premios Produ. El casting de Máxima, su primer gran proyecto internacional, lo empezó en Buenos Aires y lo terminó en España, obteniendo el papel de la reina -de origen argentino- de Holanda en su adolescencia después de un proceso durísimo de cinco audiciones. En el casting para Walking Dead competía con un millón de chicas españolas. Y aún así sigue estudiando, “ahora con Claudio Tolcachino, un director argentino muy importante. También estoy tomando clases de batería, y me encantaría dar clases de esgrima en algún momento. Soy muy curiosa, me gusta empezar cosas todo el tiempo. También tomé clases de equitación por un papel y seguí un par de clases más... No solo son cosas que me nutren como actriz, sino como persona. Me dan cualidades nuevas, sí, pero también perspectivas diferentes”.

Tiene las dos facetas, la personal y la profesional, bastante reconciliadas, y no es mucho de pensar en el futuro ni de ambicionar nada. “Creo que lo más sano, como persona y como actriz, es enfocarme en el presente, en hacer bien mi trabajo en cada momento, con paciencia, con calma, sin desesperarse”, reconoce con serenidad. “Y si luego llegan más oportunidades pues bienvenido sea. Obviamente, amo mi trabajo y me encantaría poder seguir viviendo de esto

toda la vida, pero no dar las cosas por sentado y dejar que todo llegue cuando tenga que llegar son dos claves muy importantes. Estoy muy contenta con el presente que estoy viviendo, que es un sueño para mí, pero lo vivo con paciencia y con con昀椀anza”. Para mantenerse así de serena intenta aprovechar los numerosos viajes de trabajo para conocer algo de las ciudades que visita. “E intento siempre hacer por lo menos algo de ejercicio, aunque llegue muerta de rodar. No muy tarde, porque si no quedo muy acelerada y no duermo, pero sí. La actividad física me ayuda a desconectar mucho, y cuando no estoy rodando ya te digo que me encanta hacer cualquier tipo de actividad”. Es un salvavidas, pero no es el único, y quizá tampoco el más importante. “Esta es una industria que te puede arrasar por fuera y por dentro, ¿no? Así que además de todo eso, creo que es fundamental y muy necesario tener una red de contención, un círculo que te permita volver al mundo real. Porque al 昀椀nal es muy fácil quedarte en un mundo solo de actores y actrices porque compartes muchas horas y es muy intenso: a veces son seis meses rodando sin parar, lejos de casa. Para Walking Dead, por ejemplo, empezamos a rodar en agosto, septiembre del año pasado y terminamos este febrero. Estuvimos viajando de aquí para allá, por toda España: Galicia, Granada, Zaragoza, Belchite, El Espinar, Sevilla, Sepúlveda, Barcelona... Tener amigos fuera de eso y una familia a la que poder acudir, gente que te quiera, es muy importante, ya te digo”. Aunque ahora está asentada en Madrid y ya tiene un círculo de amigos en la capital, sigue yendo a visitar a su familia a Buenos Aires a menudo, y no le preocupa demasiado perder empuje allí porque sabe que siempre será su casa y habrá hueco para ella. Su carrera ha adquirido muy rápido una dimensión internacional, “algo loquísimo” que evidentemente no se esperaba, y precisamente por eso sabe que las fronteras, a día de hoy, están cada vez más diluidas, y que podrá seguir trabajando en Argentina igual que en Holanda mientras siga viviendo en España. Va con cuidado, despacito y con buena letra, pero es innegable que todo le está saliendo como muy pocas veces sale. “Lo de Walking Dead, por ejemplo, a mí me parece loquísimo. Es justo la primera temporada que hacen ambientada aquí en España, yo me acababa de mudar, me llega el mensaje de mi representante en plan: ‘Mira el mail que tengo un pedazo de casting que vas a alucinar’. Es el primer casting que hago en español, con acento español además... ¿Y me cogen entre un millón de chicas? Trabajando con productores estadounidenses, con el director, Dan (Daniel Percival), que es británico... Muy loco todo”. Este mes de mayo irá por primera vez al Festival de Cannes a acompañar a una amiga que presenta cortometraje. Y el futuro, aunque siempre incierto, se le presenta lleno de proyectos. El sueño a veces asusta, pero en el caso de Candela, puede tocarlo con los dedos. Es real.

“ESTA

ES UNA

QUE PUEDE ARRASARTE POR FUERA Y POR DENTRO, Y CREO QUE ES NECESARIO TENER UNA RED DE CONTENCIÓN”

Vestido: Rotate

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Total look: Jean Paul Gaultier

Chaqueta y falda: Petar Petrov

Body: Rotate Medias: Calzedonia Zapatos: Paris Texas

TENDENCIA ATHLEISURE

LA FRASE “PARA PRESUMIR HAY QUE SUFRIR” YA ES ALGO QUE FORMA PARTE DEL PASADO Y AHORA LA CLAVE ES LLEVAR ROPA DEPORTIVA SIN NECESIDAD DE IR AL GIMNASIO. LO QUE ANTES SE VEÍA COMO UNA DICOTOMÍA ESTILÍSTICA ENTRE COMODIDAD Y ELEGANCIA, HOY ESTRECHAN LAZOS DE MANERA NATURAL, MEZCLANDO EN UN MISMO LOOK PRENDAS DEPORTIVAS CON OTRAS QUE BIEN PODRÍAMOS UTILIZAR PARA IR A LA OFICINA. BIENVENIDOS A LA ERA DE LA TENDENCIA ATHLEISURE.

1. Falda de deporte de FILA (59,95€) / 2. Zapatillas México 66 de ONITSUKA TIGER (160€)

3. Top sin mangas de ADIDAS ORIGINALS (32,35€) / 4. Gabardina de DESIGUAL (199€) / 5. Gafas de sol de D.FRANKLIN (54,99€) / 6. Shorts de NEW ERA (39,95€) / 7. Jersey de punto de KAOTIKO (79,95€)

8.Falda pantalón de DIESEL (175€) / 9. Gorra American Athletic Club de PULL&BEAR (9,99€) / 10. Short chándal de PULL&BEAR (15,99€)

11. Camiseta Cropped Turtleneck de ADIDAS ORIGINALS (75€) / 12. Bermuda técnica sport de BERSHKA (22,99€) 13. Speedcat rojas de PUMA (109,95€) / 14. Leggins Flared de ADIDAS ORIGINALS (69,95€) / 15.Bolsa de mano de PUMA (130€) 16. Cazadora técnica sport de BERSHKA (39,99€) / 17. Sudadera cremallera de BERSHKA (35,99€) 8. 9.

18. Chaqueta de COLD CULTURE (79€) / 19. Gafas de sol Diamond Gold de D.FRANKLIN (59,99€) / 20. Camiseta Football Baby Tee de PUMA (49,95€) / 21. Zuecos Sonax Clog de D.FRANKLIN (41,99€) / 22. Pantalones de COLD CULTURE (79€) / 23. Vestido + Leggins Heritage de LACOSTE (169,95€) / 24. Zapatillas by Boris Bidjan Saberi de REEBOK (199,95€) / 25. Sudadera Les Mills de REEBOK (17,95€)

DIRECCIÓN DE ARTE:

LILLIE CARPIO

ASISTENTE DE FOTO: PACO GELARDO

POST: DANI ARÁNEGA Y LIDIA MOLINA

MUAH: PAULA GONZALO

LOCALIZACIÓN:

GILDA HAUS

@GILDAHAUS_

POR: GABRIEL CAREY

FOTOS: JUAN GAMA DE COSSÍO

VOLVER A EMPEZAR NUNCA ES FÁCIL, PERO ES UNA OPORTUNIDAD PARA VIVIR TODO LO QUE NO SE VIVIÓ LA PRIMERA VEZ. AL MENOS, PARA SABOREARLO MEJOR. ERIC GRISO YA SABE LO QUE ES EL ÉXITO GALOPANTE, CON LO BUENO Y LO MALO, PERO AHORA, CON EL LANZAMIENTO DE ‘LUNÁTICO’, SU PRIMER DISCO EN SOLITARIO, QUIERE TOMÁRSELO TODO A SU PROPIO RITMO. HABLAMOS CON EL ARTISTA CATALÁN SOBRE EL VIAJE EMOCIONAL QUE SUPUSO EL FIN DE ARNAU GRISO, EL RENACIMIENTO QUE REPRESENTA ESTE TRABAJO Y EL PLACER DE DISFRUTAR DE LOS PEQUEÑOS PASOS.

Un día, estás jugando con tu colega a hacer canciones sobre el gol de Iniesta o el postureo. Al siguiente actuando en lo que era el Palacio de los deportes de Madrid, ahora Movistar Arena. “Se nos fue bastante de las manos”, con昀椀esa Eric Griso sobre su experiencia como parte de Arnau Griso. Tres años después del último concierto del dúo, y tras reclamar su apellido, GRISO está preparado para volver a empezar.

Lo de Arnau Griso fue tanto un meteórico ascenso como una amarga caída. “Llegó un punto en el que había muchos roces y queríamos hacer cosas muy distintas. Cuando las diferencias ya pasan a estar en lo artístico, es insalvable”, con昀椀esa hoy. El buenrollismo desmedido del proyecto, razona, quizá le acabó pasando factura a ambos integrantes. “Fue una condena que nos llevó a los dos a estar jodidos. Fue un error defender esa etiqueta e intentar cargar con esa energía constantemente”. Es por eso que Lunático, el primer disco en solitario de GRISO, está “compuesto en su mayoría en plena depresión. Yo sabía que iba a volver a hacer música, pero no sabía a qué nivel. No sabía si podía seguir haciendo música de forma profesional”.

Por esto mismo, GRISO describe la creación de Lunático como un “viaje” y una “búsqueda” a la vez. En de昀椀nitiva, un camino bien loco. “Ha sido una etapa de mi vida con muchísimos altibajos, fases, desfases… Cuando estás mal tiendes a evadirte como puedas. Mucha 昀椀esta, para qué engañarnos. Han sido dos años muy intensos a nivel emocional, y precisamente por este camino recorrido no soy la misma persona”. De los errores, siempre se aprende. “Del proceso de hacer este disco he aprendido más que en los diez años anteriores”, reconoce. Escribir sobre pastillas antiamor ya no es lo que pide el cuerpo. “Ha sido un proceso de agarrar mierdas que me remueven y escupirlas al mundo, de convertir una tara en algo bonito. Es muy tópico, pero he llorado un montón”. Tampoco es que su público pida lo mismo que el de Arnau Griso. “No esperaba que estuviesen ahí. Ha pasado mucho tiempo y soy una voz distinta a la que estaban acostumbrados. Yo cantaba un tema en los bolos y ya”. Esto resulta ser una oportunidad para disfrutar de una carrera musical al uso, sin saltarse ningún paso. “Estoy volviendo a los orígenes, incluso a los que no llegué a tener. Hacer bolos para 20 personas o 50… En el primer concierto de Arnau Griso había como 1.200 personas”. Lunático es, así, un proyecto marcado por la madurez y la transformación. Nada que ver con los temas tratados en Arnau Griso. “Hacíamos algo muy friki que nos convertía en únicos porque había una es-

pecie de fetiche con las palabras hasta un nivel enfermizo, y eso le daba mucha personalidad, pero no eran canciones personales. Ahora que puedo decidir todo el proceso voy a hacer algo totalmente distinto”.

GRISO es un romántico, reivindicador de lo clásico y lo analógico, y de ahí las dos caras del LP: una llena de piezas optimistas, luminosas, que bebe del mejor pop; y otra, “como la luna misma”, mucho más oscura y experimental. “Hay de todo a nivel estilístico. Desde mi yo más desnudo y cantautor a movidas más cercanas al power rock, con elementos de electrónica… Están todas mis influencias”. Todo posible gracias a un equipo de músicos proveniente de distintas partes del globo. “Me está molando el proceso de crear un equipo nuevo que, además, es de todas partes. Tengo músicos brasileños, mexicanos… Y el proyecto bebe de todos ellos”.

El primer adelanto del disco es una declaración de intenciones en toda regla. Desde su título, Me muero si no lo intento, GRISO habla con su público y consigo mismo. “Soy mucho de dejar las cosas a medias y venirme abajo, así que tenía que tatuarme el mensaje. Aunque no sea el single más comercial, era el empujón que necesitaba”, reconoce. Todo el disco ha sido, en sus palabras, “una búsqueda del sonido hipernecesaria. Con Arnau Griso tenía la sensación de que había una fórmula y un engranaje del que formas parte, que estaba todo muy

PASITO a PASITO

Recorremos los principales pasos de GRISO hasta el lanzamiento de Lunático, un viaje intenso y lleno de subidas y bajadas.

Eric Griso y Arnau Blanch, dos colegas de Sant Cugat del Vallès, en Catalunya, se juntan en 2011 para reírse de la vida en forma de canciones. Blanch, como cantante; Griso, a la guitarra. Ni siquiera se consideran músicos de verdad.

Tres años después, en 2014, su vida cambia con Es gratis. Un himno a los pequeños placeres que también sirve para que el nombre de Arnau Griso llegue al otro lado del charco. Todos recordamos aquella de los “besitos en el cuello”…

“HAN SIDO UNOS AÑOS MUY INTENSOS A NIVEL EMOCIONAL. MUCHOS ALTIBAJOS, FASES, DESFASES... MUCHA FIESTA. POR ESTE CAMINO RECORRIDO NO SOY LA MISMA PERSONA”

Arnau Griso anuncia su separación en 2021, con una emotiva gira de despedida que comienza en febrero de 2022 y que les lleva alrededor del país. El último concierto o昀椀cial tiene lugar en el Sant Jordi Club de Barcelona, el 25 de noviembre de ese año.

El nombre es lo único que GRISO mantiene de su anterior grupo. Después de una etapa de tristeza, desenfreno y reconstrucción, el artista catalán lanza su primer disco el 25 de abril. La gira de Lunático pasará por once ciudades españolas, desde octubre.

engrasado”. Pero en Lunático se ha permitido dar rienda suelta a su imaginación, e involucrarse de lleno en todos los procesos del disco, no solo en la composición. En este sentido, la canción de la que más ha disfrutado el proceso es Chica del viento, su colaboración con Luis Fercán. “El tema tiene diez versiones diferentes y al 昀椀nal optamos por la más minimalista, a guitarra y voz”. Además, con un toque experimental muy singular. “Tiene un beat, muy divertido de grabar, hecho con el sonido de gotas de agua”. Si escogieron la versión más simple es por el corazón old school de GRISO. “Muchas veces nos cargamos las canciones con la producción, y creo que mis siguientes pasos van a ir a una movida con un estilo más desnudo. Te enamoras de ese primer momento”.

Y, efectivamente, todos nos enamoramos de la maqueta acústica de Es gratis, la broma viral que lo empezó todo. Sin embargo, la versión de estudio que salió en Revolución Bananera (2018), el primer disco de Arnau Griso, no tuvo el mismo efecto. “Fue una cagada, te lo digo ya”, reconoce Eric. “Nos acabamos comiendo un rollo que iba como al twist, con un arreglo de voces… Y es como: tío, mantén la original, que sabes que funciona”. Lanzada originalmente

LUNÁTICO (CALAVERITA RECORDS, 2025)

Me muero si no lo intento / Chica del viento / Lejos de la tierra / Perro de Pavlov / Por si acaso / 1001 Noches / Magia negra / Calma rota / Pirañas / Welcome to the manicomio CD / DIGITAL / LP

en 2014 como un vídeo de YouTube, Esgratis superó todas las expectativas de sus creadores. GRISO contó en su momento que esperaban llegar a las 8.000 visitas. Hoy en día, el vídeo está cerca de los 20 millones. “Era la época dorada de YouTube, que llegabas ahí y estaba todo por hacer. Se podía decir cualquier cosa”. En ese momento se produjo un cambio generacional. “Salíamos artistas de Internet y las discográ昀椀cas iban perdidísimas porque tenían la crisis existencial de no vender discos. Tuvieron que reconvertir su modelo de negocio”. Cuatro años después, era hora de incluir la canción en su primer proyecto. “Estábamos grabando el disco a contrarreloj y nos acabamos comiendo esa versión. A veces pasa, que te comes cosas porque no hay nada mejor en el momento, pero es como un tatuaje. No puedes quedarte con un diseño que no te encante; eso lo he aprendido”.

GRISO admite que, por aquel entonces, “los tickets se vendían solos y todo era un poco más fácil”. Había números, así que no había de qué preocuparse. Para Lunático, el artista catalán se puso como objetivo ignorar la dictadura de las visitas y las reproducciones para hacer solo lo que le llenase de verdad. En los tiempos que vivimos, eso sí que parece de locos. “He llegado al punto de borrarme cualquier movida que sea cuantitativa, como Spotify For Artists. Ver en tiempo real cuántas personas te escuchan o cuántos oyentes tienes al día te lleva a una obsesión enfermiza”.

Todo lo ocurrido en su grupo anterior fue necesario para encontrar el camino en el que se encuentra Eric actualmente, pero, además de un dúo creativo, Arnau Griso también eran dos colegas. “Los dos salimos muy removidos y nos ha costado muchos meses normalizar la situación. Los divorcios artísticos son muy jodidos. Mira los Gallagher: son hermanos y llevan toda la vida así. En mi caso, con Arnau, es una amistad y mucha peña en común”. Y nada se olvida de la noche a la mañana: “En el fondo somos hermanos, pero también son cosas que necesitan tiempo para sanar y cogerlo desde una perspectiva distinta”. GRISO cuenta que la decisión de separarse fue mutua. “Tenía que haber terminado en 2020, pero con el COVID se alargó dos años. Ese tiempo añadido nos cargó y perturbó profundamente a ambos”. Pese a todo, GRISO se reconcilia con sus demonios en Lunático, un reflejo 昀椀el del momento vital en el que se encuentra, y ya es capaz de mirar al pasado y sonreír. “Vivir todo eso fue precioso. Las giras que hicimos, el vínculo que se creó con un público que apareció de la nada… La verdad, estoy muy agradecido por esa época”. Al 昀椀n y al cabo, es gratis.

CON UNA FORMACIÓN SÓLIDA EN LA MÚSICA ACADÉMICA E INSTINTO NATURAL HACIA LO EXPERIMENTAL, AMANDA MUR HA ENCONTRADO EN LA HIBRIDACIÓN SU TERRITORIO CREATIVO.

‘NEU OM’, AUTOPRODUCIDO Y MEZCLADO POR EL MÍTICO JOKER, ABSORBE LO APRENDIDO EN LOS AUDITORIOS Y LO CONFRONTA CON LA ESPONTANEIDAD DE LA MÚSICA POPULAR Y EL CARÁCTER RITUAL DEL FOLCLORE. MUR

PROPONE UNA EXPERIENCIA EN LA QUE EL DOGMA DESAPARECE Y EL INTELECTO SE FUNDE CON EL OCIO. PRESENTARÁ ‘NEU OM’ EL MIÉRCOLES 11 DE JUNIO EN CASA MONTJUÏC (BARCELONA) Y UN DÍA DESPUÉS, JUEVES 12, EN SALA VILLANOS (MADRID).

FOTO: PABLO DE PASTORS

DIR. CREATIVA: ANA DOMÍNGUEZ

POR : MARTA ESPAÑA

“YA NO TENGO EL FILTRO DE LO ACADÉMICO. TAMPOCO DE LO POPULAR. ESTOY EN MEDIO”

Amanda Mur entiende (casi) toda manifestación sonora como un ritual, un conjunto de gestos, palabras o acciones con carácter simbólico que operan en un contexto social determinado. La música académica tiene los suyos: sentarse, no beber, no hablar, no aplaudir entre movimientos. La popular puede parecer más permisiva, pero esa actitud laxa también es un ritual en sí mismo. En el folclore impera el respeto, simbolizado a través de otras vías. La cántabra estrena un nuevo proyecto con el álbum Neu Om, en el que intenta integrar todos los ritos que ha aprendido en cada una de las escenas. Lo de昀椀ne como “una liberación. Vengo de música para concierto, que es una enseñanza, aun con convenciones y su parte experimental, muy institucionalizada. La música popular también, pero es como un alivio. Ya no tengo el 昀椀ltro de lo académico; tampoco de lo popular. Estoy en medio”. Es su debut, pero no es, ni mucho menos, una debutante: ya ha compuesto obras de concierto representadas en el Auditorio Nacional o el Teatro de la Zarzuela y trabajado como orquestadora en películas y series de tv. Pero le faltaba algo de anarquía. Para ella, en realidad, todo está relacionado. “En mi casa se ha escuchado siempre de todo, desde Manolo García hasta Maria Callas. El flamenco me ha dado una base rítmica o el deseo de incluir el cante en un montón de dinámicas. En realidad, no está tan lejos nada: cuando estudias composición te das cuenta de que siempre se generan rupturas en la historia de la música, pero la convención persiste; hay unos rasgos comunes que sobreviven y pasan de un lenguaje a otro”. Neu Om bebe del folclore, de la enseñanza reglada y del antidogmatismo popular, unido todo por “la intuición. Yo estudié con Sánchez Verdú, y él me enseñó a imaginarme la partitura, algo muy bonito. Quiero relajarme, escuchar lo que hago y dejar un poquito a la intuición. Por eso empecé a producir, sobre todo en pandemia, que tuve más tiempo”. De hecho, Pandemic es una de las composiciones que integran el trabajo, una pieza entre electrocumbia y medievalismo que invita a una danza tribal con la que empezó a imaginarse la totalidad del álbum. “La pandemia fue como una especie de ruptura existencial, ¿no? Yo justo estaba dejando de estudiar lírico, porque mi profesor se iba a mudar a Italia. Con el conser estaba muy agobiada, y salirme y hacer esto fue una liberación. Hay una parte de intelectualización que no se va a ir, e incluso dentro de la intuición también me sale la parte intelectual, pero sí que hay una desestructuración mental. De lo que es el purismo, ciertos clichés, ciertas formas de pensar académicas que van un poco con el látigo. No

siento que tenga que demostrar nada, pero sí que se mantiene el juego de experimentar, porque hay una parte de mí que reclama la originalidad”. Para mantenerse original, recurre al contraste. “La música contemporánea me ha enseñado a buscar la sorpresa. Tengo que encontrar un punto de contraste que desestabilice el ritmo. En Maithuna, por ejemplo, empiezo con una intro, Así habló Zaratustra(Strauss), incrementando la tensión, pero de repente cae un estribillo”. Maithuna es un concepto en sánscrito que simboliza la unión sexual en un contexto ritual, cuyo signi昀椀cado tántrico se relaciona en el LP de la cántabra con Hildegard von Bingen, una de las compositoras sacras más famosas de la Edad Media. “Tuve mi etapa de yoga friki. Me interesa aunar culturas distintas en el pensamiento de las religiones. Hildegard fue una mujer muy particular, porque dentro de la religión creía que la sexualidad o el cuerpo femenino no eran pecado. El tantrismo arropa esta unión sexual y espiritual, pues la materia es necesaria para trascender”. La mención a Hildegard no es algo aislado, y es que dentro de la música clásica lo que más le interesa a Mur es la música antigua. “No es pretenciosa, y dentro de ella es muy difícil desvincular lo popular de lo oculto, así como lo sacro y lo profano. Aúna los dos mundos: popularizar una cosa e intelectualizar la otra”. En Neu Om aparecen la viola da gamba de Arturo de las Casas y una zanfoña, sampleada en Canto a los migrantes. “Nosotros, como españoles, somos los principales migrantes. Mutante juega con una amalgama entre 3/4 y 6/8 que puede ser de guajira o de soleá, pero justamente esa amalgama también viene de los cantes de ida y vuelta mexicanos. Somos la mezcla de muchas cosas, y esta canción juega con el canto gregoriano, que para mí es el rezo más claro que hay. Se me pone la piel de gallina cuando escucho una zanfoña”. Amanda no reniega de su formación académica, pero tampoco se somete a ella. Y en esa fricción entre lo aprendido y lo sentido, genera un espacio de libertad en el que la música deja de ser objeto de distinción social para convertirse en acto de comunión. “En todos los géneros hay necesidad de generar identidad y unas normas propias. Pero en el clásico hemos descuidado mucho la dimensión social de la música. ¿Qué pasa para que la gente no vaya a tantos conciertos de contemporánea? La culpa no la tiene el público. El público va a ver conciertos de música electrónica que tampoco entiende. La culpa la tiene un sistema que se presenta como no accesible”. Entre la intuición y la memoria, la música siempre termina encontrando su propio cauce: esperemos que al alcance de todos.

NEU OM (LA CASTANYA, 2025)

Maithuna / Pandemic / Canto a los migrantes / Interludio 1 / Mutante / Interludio 2 / Vapah / Péndulo que baila / Neu Om CD / DIGITAL / LP

MADRID SE CONVIERTE DEL 20 AL 24 DE MAYO EN LA CAPITAL MUNDIAL DEL PODCAST EN ESPAÑOL GRACIAS A ESTACIÓN PODCAST, LA GRAN CITA DE LA CREACIÓN SONORA IBEROAMERICANA. EN SU CUARTA EDICIÓN, A SU EXTENSA PROPUESTA DE PODCASTS, ORGANIZADA EN TORNO A LA CULTURA POP, LOS SALSEOS DE LA VIDA COTIDIANA, EL TRUE CRIME, LA DIVULGACIÓN O EL HUMOR, SE AÑADEN UNA DIMENSIÓN PRO -CON DEBATES, TALLERES Y MASTERCLASSESY ESTACIÓN MUSIC, CON CONCIERTOS Y ACTIVIDADES MUSICALES DE LA MANO DE SUBTERFUGE. NUEBO HABLA CON DOS DE LOS PROGRAMAS: ¡DALE AL PLAY!

ESTACIÓN

POR: DIEGO RUBIO

“El podcast es un formato largo y sin cortes con el que podemos profundizar en las cosas que nos interesan. Los tres tenemos contextos diferentes en muchos sentidos, y eso hace que traigamos distintos puntos de vista sobre todos los temas de los que hablamos en el programa”. Radio La Pera empezó a 昀椀nales de 2022, dicen sus miembros -Celia Castle @celiacastle, Chim @mychimyk y Borja Martínez @_goldem-, como “una excusa para vernos, estar y hacer algo juntos. Justo antes de hacer Radio La Pera veníamos de otro proyecto que no salió como nos hubiera gustado, pero esto era otra cosa. El planteamiento que teníamos esta vez era algo cercano y seguro para nosotros porque nos conocíamos muy bien. De vez en cuando nos recordamos algo muy bonito: en el momento de empezar los tres nos prometimos que este proyecto no nos iba a llevar por delante; primero vamos nosotros y nuestra amistad, segundo todo lo demás. Pero, vamos, más allá de eso, cero misterio: Radio La Pera es un proyecto de tres amigos que están viviendo la veintena en Madrid”.

Gracias a su frescura y la cercanía con la que tratan temas cotidianos han conseguido calar

PODCAST

entre los oyentes de la gen Z y generar una comunidad sólida, que trasciende sus backgrounds personales en Internet. “Antes del podcast cada uno ya tenía su propio recorrido: veníamos de YouTube y traíamos comunidades distintas”, dicen. “Pero con Radio La Pera existe una comunidad 昀椀el, genuina y con un lenguaje propio. Se han fusionado los tres universos para crear algo nuevo, con narrativas y bromas internas, como pasa en un grupo de amigos”. Es esa idea, precisamente, la que estructura las temáticas, y lo que garantiza el alto grado de empatía que pueden desarrollar con los oyentes. “Procuramos buscar temas de los que hablaríamos con nuestros amigos y sobre los que nos gustaría escuchar. Hay pocas cosas que te puedan sorprender ya en Internet, y a veces el interés no está en los grandes titulares, sino en el valor de lo que cada uno tiene que decir sobre un tema concreto”.

Manejar esa intimidad, en cualquier caso, a veces es complicado. “Hay algo contradictorio en contar según qué cosas personales a tus amigos con la con昀椀anza de que, en el momento de decirlas, solamente les tienes a ellos delante, y publicarlo para todo el mundo. Cuando un programa se emite, de repente se disemina y pierdes el control de quién lo ve. Es como si le contaras un secreto a tu amiga y alguien lo estuviera escuchando por un agujero. Hay un equilibrio, a veces difícil, entre exponer tu vida cada semana y no contar demasiado”. Desde luego les renta, porque prácticamente a todos los niveles Radio La Pera es un proyecto autogestionado. “Es un programa autoproducido y auto昀椀nanciado. Vamos, que nosotros ponemos la pasta para el alquiler de los estudios y el material técnico, y luego nos encargamos de montarlo para que salga todos los lunes. Claro que nos encantaría que en algún momento esto pudiera ser rentable de alguna forma, pero de momento luce utópico y nos damos con un canto en los dientes si nos sale a pérdidas”. “NOS

“La idea de hacer Keep It Cutre comienza cuando ambas trabajábamos juntas de dependientas en una boutique de lencería. Pasábamos mucho tiempo haciendo inventarios en el almacén, charlando y riendo, y nos parecía tan divertido lo que surgía de esas conversaciones que un día dijimos: ‘¿Y por qué no ponemos un micrófono aquí en medio?’. Y a partir de ahí, con mucha inocencia y la egolatría justa como para pensar que la gente querría escucharnos, empezamos a publicar esas charletas de amigas que acabaron convirtiéndose en el formato que tenemos ahora”, dicen Ángela Henche y Albanta San Román, responsables de este podcast desenfadado y rosita que ya va por su décima temporada. Para ellas, esa espontaneidad DIY ha representado una verdadera revolución a nivel de la creación cultural. “La industria del podcast es maravillosa porque por primera vez los talentos no hemos necesitado que alguien confíe en nosotros para ponernos los medios y permitirnos hacer, simplemente hemos hecho. Y resulta que al otro lado había mogollón de gente interesada en escucharlo. Nosotras nos llamamos Keep It Cutre precisamente porque en 2019, cuando nos lanzamos a la aventura, no teníamos prácticamente medios y grabábamos el audio del programa con las notas del móvil en un almacén”.

Es un poco lo que pasó en la industria musical tras la democratización de los medios de creación y productivos. Y, como en la música, puede generar esa sensación de que “cualquiera” puede hacer un podcast, lo que conduce a una burbuja. “Quizá sí que haya una burbuja, porque empezar un podcast es sencillo”, reconocen. “Lo difícil, creemos, es mantenerlo”. Para ellas, por ejemplo, el camino ha sido relativamente tortuoso, muy cambiante para el poco tiempo que llevan, poco más de cinco años. “Al principio, nosotras no le vimos el potencial comercial, fue una plataforma de pago la que nos compró el proyecto. Y, a partir de ahí, empezamos a comprender lo que generaba nuestro formato”, recuerdan. La plataforma, sin muchas explicaciones, las “despidió”, como ellas mismas contaban en el anuncio de la resurrección del podcast desde la independencia en abril del año pasado. “Chica, habrá que asumir que no somos relevantes, que no hemos salido en OT, que no hemos tenido gresca con nadie”, decía Ángela, y Albanta respondía: “Es que yo no quiero un Ídolo, yo lo que quiero es un puto contrato laboral... Joder, es que 243 podcasts y ¿en serio tienen que cancelar el nuestro?”. “A día de hoy estamos en abierto, por nuestra cuenta, y sigue siendo una fuente de ingresos gracias a marcas y patrocinios”. Pero a veces también una lucha contra los elementos. Y en esa pelea se generan carreras innecesarias que recuerdan a las viejas -y nuevas: ahí están El Hormiguero y La Revuelta- guerras de

la radio y la televisión. A ellas, que basan una buena parte de su formato en los invitados, cada vez les cuesta más encontrarlos, por ejemplo. “En parte sentimos que el mundo del podcast está ya muy trillado en este sentido. Parece que hay una lucha por llevar a la persona más famosa sin importar nada más. Y nosotras siempre hemos priorizado el contenido a los números, lo que en ocasiones nos ha hecho quedarnos atrás a nivel de visualizaciones, pero también mantener siempre nuestra esencia. Esta supuesta burbuja no nos preocupa porque cuantos más seamos, más crecerá la industria y más gente querrá escuchar podcasts, así que nosotras encantadas”. En su podcast hay un episodio con casi 300K visitas que vapulea a cualquier otro que hayan publicado, el del mundialmente conocido streamer malagueño -nominado en los Game Awards a mejor creador de contenido, ahí es nada- Illojuan. Podrían seguir esa dirección, pero pre昀椀eren mantener su esencia. “La naturalidad, la conversación. Nuestra audiencia nos dice mucho que escucharnos es como tomarse una cerveza con dos amigas y creemos que ahí está la clave”.

En su caso, en sus redes personales acumulan muchos más seguidores que en el podcast, lo que habla de una enorme exposición. “Al 昀椀nal, la de podcaster y la de creador de contenido son facetas complementarias”, reconocen. “Llevamos tanto tiempo en Internet que el tema de la exposición lo tenemos muy trabajado. Por supuesto pueden llegar oleadas de odio, y hay que dibujar límites férreos y blindar las líneas rojas personales para tener nuestra salud mental a salvo. Pero en general lo que nos aporta Internet es maravilloso, y el cariño que recibimos gana con creces”.

“PUEDE HABER UNA BURBUJA, PORQUE EMPEZAR UN PODCAST ES SENCILLO. LO DIFÍCIL, CREEMOS, ES MANTENERLO”

CADA VEZ MÁS CONSCIENTE DE QUE SU FORMA DE RELACIONARSE CON LA MÚSICA POPULAR ES DESCARADA E INTELIGENTEMENTE ÚNICA, LA ARTISTA VALENCIANA JIMENA AMARILLO PRESENTA ‘ANGÉLIKA’, SU TERCER ÁLBUM DE ESTUDIO Y EL MÁS EXPERIMENTAL HASTA LA FECHA. A TRAVÉS DE UN ALTER EGO PERFORMÁTICO, JIMENA EXPLORA CON HUMOR E IRONÍA CUESTIONES DE GÉNERO, IDENTIDAD Y DESEO, CONSOLIDANDO UNA PROPUESTA PROFUNDAMENTE QUEER DESDE LA AUTOPRODUCCIÓN Y EL POP ELECTRÓNICO.

TEXTO: MARTA ESPAÑA FOTOS: JUDITH MELSIÓ / ESTILISMO: MARINA DURÁN

Pido dos cafés con leche en la cafetería en la que me espera Jimena, y le digo al camarero, que tendrá unos cincuenta años, que estamos fuera. No hay otra mesa en la terraza. “Estás ahí con tu novio, ¿no?”, señala con un poco de sorna. Pienso que es un poco gilipollas. También recuerdo, vagamente, un par de barras de Flow deskiciada, el primer single de esta nueva etapa de Jimena Amarillo: “¿Butch o maricón? Justo, cada día yo también me lo pregunto”, canta la valenciana a昀椀ncada en Madrid. El humor es parte de su ADN, y se permite el lujo de que a v resulte obsceno o incluso algo básico porque sabe q tiene recursos de sobra para darle la vuelta por completo, y esa doble cara está bien, le sienta bien. Le ha permitido, en cierto modo, liberarse.

KA, su nuevo álbum, es di vertidísimo y superingenioso, una suerte de reflexión loca so bre el género en la que, además, te meas de la risa. “La que no sea trans no viene” o “Ella se metió en el lesbianismo de pleno, le hacía falta ya” son algunos de los versos que Jimena Amarillo regala en su tercer LP. No es para menos: Angélika es, según la propia artis ta, “mi alter ego trans. Es todo lo que yo he querido ser, o cómo me he sentido a veces en la vida, como si es tuviera actuando”.

Ante todo, Jimena deja claro que todas las disertaciones excéntricas sobre la comunidad queer las hace como persona in tegrante del colectivo y, por tanto, puede permitirse tirar un poco más de la cuerda. Angélika es, así, una mujer trans que le sirve a Amarillo para vencer la timidez que la embarga durante su proceso creativo. “Siento que yo realidad, soy una tiesa. No me veo pudiendo jugar m con el género o con ciertas cosas, así que se me va y creo un muñeco gigante, extremo. Y todo el disco se envuelve un poco en esa idea de que yo me he descocao, pero no hablando de mí directamente, sino de esa otra parte que es como un muñeco. Es una oda a liberarme un poco de la vergüenza, de todo eso que he escondido. De esas cosas que siempre quise hacer y no hice”.

“SIEMPRE HE QUERIDO TENER UN PERSONAJE, PERO DE NORMAL YA SOY UN PERSONAJE: SOY UN PUTO CUADRO”

de tener la performance lúdica con la que se presenta al mundo este 2025, Amarillo se hizo conocida con Cómo decirte, mi amor. Publicado en 2021 con tan solo 19 años, su LP debut incluía canciones como Cafeliko o Jugando a Los Sims: lentas, intensas y emocionales, de昀椀nidas por la valenciana, simplemente, como “pop moñas”. El cambio es grande, si bien ahora piensa que está en su mejor momento. “Nunca había encontrado la manera de mostrar lo que pienso hasta ahora, lo que realmente quería enseñar. Siento que soy una persona muy ligada a la imagen, y he querido hacer muchas cosas que no he hecho, ya sea por vergüenza o porque empecé de una manera y luego no supe cómo hacer ese cambio. Y he ido arrastrando una cosa que, en realidad, no me ha molado del todo. Así que ahora es como: venga, a

En su propuesta conceptual, ahora mismo, todo son muñecos. Un imaginario que no le es nada ajeno a la valenciana, que en 2022 ya lucía -para la portada de Mientras ando- 昀椀gura de acción. Angélika es una cabezuda de pechos grandes hecha con papel maché que cuenta con su propio Instagram (@angelikaangelikaangelika_). En su per昀椀l de Spotify aparece la propia Jimena con un disfraz a lo action man: pecho descubierto, tableta de chocolate, articulaciones robóticas y tatuajes de calcomanía. Antes

Como a la eliminación de todas sus inseguridades decidió darle una fisicalidad, Amarillo dibuja y esculpe a su alter ego a la imagen y semejanza de una conocida suya: “Hay una chica en Valencia que ni siquiera es mi amiga, es amiga de mi mejor amiga. Siempre tengo la broma de que esta persona parece trans, porque yo me permito decirlo porque soy del colectivo. Y me hacía mucha gracia porque es súper racheta, y dije ‘Quiero hacer un muñeco de La Merlo’, que así se llama ella. Y ya está. La visto de leopardo porque mi alter ego trans yo creo que tiene que ser como una racheta de leopardo con unas tetas enormes y unos piercings”. No era cuestión de imaginar desde cero, sino de partir de algo que ya le resonaba. Así fue como encontró en una cara ajena la semilla perfecta para crear su propia 昀椀cción. Sin embargo, tanta imaginación actoral parte de la diversión más que desde algo más profundo. no es un disco sobre La Merlo, sino sobre Jimena. Las letras, en primera persona, hablan sobre ella. “Hablo de mí y lo hago como broma, como que me intento hacer un personaje. Yo siempre he querido tener un personaje, pero es que considero que yo de normal ya lo soy, porque soy un puto cuadro. Ahora he intentado irme un poco de lo mío, y con Angélika performo otra cosa. Juego con el humor y solo quiero humor. Mi estilista me dice que no sabe cómo vestirme porque siente que todo me lo tomo a coña. Esa es la 昀椀nalidad de mi música, de mi persona y de mi todo. Y siento como que este es el año en el que me he dado cuenta de que con la música también lo puedo hacer”. Esa distancia entre ella y el personaje también le permite jugar con el proceso creativo desde otro lugar, uno donde no tiene que responder ante nadie más que ante sí misma. Al no estar sujeta a una narrativa

Angélika: un arquetipo lésbico-pop

En su tercer disco, Jimena Amarillo da vida a un personaje performático que, más allá de ser una máscara, funciona como arquetipo identitario: el de una lesbiana concreta, visible y entrañablemente reconocible dentro del imaginario queer contemporáneo. Angélika no es una abstracción: tiene flequillo “así de vasca”, viste con leggins de leopardo y encarna una estética asociada a una lesbiana que ama las raves, vive en Granada o en Valencia y mezcla lo hippie con lo moderno. Es una 昀椀gura con raíces culturales reconocibles dentro de ciertos códigos comunitarios, especialmente entre mujeres queer: el arquetipo parte de la ironía a la vez que combina ternura y presencia. Jimena se identi昀椀ca como butch y describe a Angélika como “el tipo de lesbiana que a ella le gusta”. Puede permitirse la caricatura porque ella forma parte de ese todo. Por ello, Angélika nace de una experiencia íntima: Jimena se inspira en sus amigas vascas, en su entorno cotidiano, en lo que ve y ama. “Yo solo escribo verdades, y de la gente con la que estoy”, dice. Así, el arquetipo se convierte en un espejo colectivo, una forma de narrarse desde lo comúnmente cómplice. Este personaje también cumple una función estructural dentro de la propia identidad artística de Jimena. Siendo ella misma una mujer butch, y en sus propias palabras: “Yo no puedo tener esa estética, entonces ¿qué hago? La creo en un muñeco”. En esa construcción hay una lectura muy rica sobre los límites de la autoexpresión dentro del género. Angélika permite a Jimena jugar con estéticas feminizadas, travestirse simbólicamente, y experimentar otras posibilidades sin disociarse de su propia corporalidad.

cerrada, puede moverse con libertad entre géneros, tonos y emociones. Porque si el personaje es libre, ella también lo es a la hora de escribir, cantar y reinventarse. Es ahí donde entra el freestyle como herramienta para soltarlo todo, y la autoproducción como forma de mantener el control. Angélika no responde a un plan, responde al momento. Y ese caos, lejos de ser un obstáculo, se convierte en método “Todas las letras son freestyle. Antes, era muy contrastante la música que hacía con lo que yo era. Solo representaban un momento muy concreto de mi personalidad: por la noche, cuando me pongo triste. Estas canciones me representan a todas horas. Ahora me he puesto el micrófono y he dicho cosas sin pensar. Otro factor es que no he tenido novia. Eso es de puta madre, la verdad, porque no estaba en modo intenso. Solo amigos, solo mis trans de Madrid, mis gays, mi todo. Entonces, eso me ha permitido decir lo que me diera la gana”. Aunque no ha centrado su proceso creativo en otra persona, Jimena Amarillo dice que es “lesbiana, y, por tanto, no voy a hablar de una silla”. En Angélika, el tú femenino aparece de forma natural, porque forma parte de su día a día y de su manera de ver el mundo. El lenguaje, los referentes, las bromas internas, el entorno y los afectos que rodean al disco son profundamente queer, como lo es ella. Incluso cuando el proceso creativo nace del caos, del juego o del freestyle, el punto de vista siempre es el suyo, con todas sus complejidades: el de una artista lesbiana y performática que ha encontrado en la exageración y el humor un espacio para decir lo que le da la gana. “En Flow deskiciada me inventé a una persona… bueno, era una tía en Instagram que yo veía mucho. A mí, desde el principio, se me ha dicho que hago música para lesbianas. Me enfadaba. ¿Música lésbica? Yo hago indie normalillo. Ahora que he rodado un poco, he dicho: ‘Venga, sí, pues entonces creemos un estilo propio’. Quizás tiene que ver mucho con la estética”. Ese giro, esa apropiación de lo que al principio le incomodaba, la ha convertido sin querer en referente para muches niñes que se ven por 昀椀n reflejades en una artista joven. Jimena representa desde un lugar fresco, contradictorio y real, sin necesidad de discursos grandilocuentes ni pancartas. “Mi música es política as fuck, obviamente, pero yo no me quiero meter en la política partidista. Mi música es política con lo que yo quiero hacer”. A principios de año, Jimena fue acosada en redes sociales por núcleos nazis al cantar en el acto conmemorativo del 50º aniversario de la muerte de Franco: “Me llamaban la hija adoptada de Pedro Sánchez. A mí me sirvió mucho, primero para animar a mi target, y segundo para darme cuenta de que esto podía ocurrir. Lo pasé mal, pero entendí que era algo que me iba a pasar simplemente por cómo llevo el pelo, por cómo me visto… porque la mayoría de los comentarios

no eran sobre la canción, eran sobre mi estética. No me di cuenta al principio de lo que me estaba afectando, pero un día llegué a casa de mi novia y me puse a llorar. Ella me preguntó qué me pasaba y yo le dije: ‘Pues no lo sé, igual es que llevo un mes recibiendo mensajes directos de nazis literales’. En plan, ‘Ojalá no se hubiera muerto Franco y te hubieras muerto tú’. Muy heavy. Y dentro de todo, doy gracias porque no me afecta tanto, pero también pienso que si esto le pasa a alguien que no sea un cuadro como yo le puede hacer muchísimo daño”. En un panorama donde aún escasean voces que hablen de lo queer con humor y ternura, ella aparece como esa amiga mayor que ya ha pasado por ahí y te dice que no es un drama sentirte perdida, vestirte raro o (como no para de repetir) “ser un puto cuadro”. Su forma de narrar el deseo, la amistad o la identidad no es didáctica, pero sí política, precisamente por su cotidianeidad. Y por eso, sin proponérselo, Jimena está marcando el camino para una nueva generación que se niega a elegir entre ser intensa o graciosa, entre hacer pop o deconstruirse completamente.

ANGÉLIKA (MUSHROOM PILLOW, 2025)

Me lo invento / Mi onda / Puesta lleva la ropa / Otra cara / Pikete repetido / Cosas importantes (freestyle) / Flow deskiciada / Lo que ella me da / En la calle Ave María / Yo la veo DIGITAL / LP

NRM de 12 años

Disponibles en puntos de venta habituales y en www.canalocio.es www.elcorteingles.es www.fnac.es www.amazon.es

POR: GALO ABRAIN

FOTO: IYÁN ALTUBE

EL CUARTETO VASCO SIGUE EN BUSCA DE AÚN MÁS CRIATURAS

EXTRAORDINARIAS EN SU NUEVO TRABAJO, EL AUTOEDITADO ‘KABAKRIBA’, DISPONIBLE

DESDE EL 9 DE MAYO. UN CÓCTEL

VIGORIZANTE DE PSICODELIAS

GUITARRERAS, PUNK, JAZZ, FUNK, ROCK Y BAILE QUE RECUERDA, POR SU VISIÓN SIN LÍMITES, A

PARQUET COURTS O VIAGRA BOYS.

LLÁMALO POST-PUNK, SI TE DA EL AIRE. O LLÁMALO COMO QUIERAS.

LO IMPORTANTE ES QUE, ANTES DE NADA, LO LLAMES EZEZEZ.

Cuando, de críos, nos incitan a comer de todo, alguno siempre se toma la expresión al pie de la letra. Ves entonces a niños curiosos degustando palos silvestres o mucosas petrificadas recién rascadas de la nariz. También indigestos experimentos como un yogur con morcilla. Por norma, el ensayo sale rana. Otras veces, mezclas la pera con el gorgonzola y surge un manjar de mil demonios. Los bilbaínos EZEZEZ -sin referencias al WC, sino a la triple negación en euskera- son a la música lo que la pera y el gorgonzola a la gastronomía. “La clave es no ponernos puertas. No importa de dónde venga la idea, si nos convence, tiramos para delante. Eso es lo que hace que suene tan ecléctico”, reconoce Eneko Ajangiz (guitarra). “Componemos de forma muy comunal. Casi todo nace de la improvisación en el local. Alguien empieza con un riff o un ritmo, y los demás vamos entrando. El esqueleto de los temas surge ahí, en caliente. Luego ya los vamos puliendo, pero no solemos traer ideas de casa. Es todo muy del momento”. Unai Madariaga (voz, guitarra) completa. “Igual era por la mañana y veníamos de comer, y lo que sale es algo tranquilo. Esa es la línea. Algo orgánico. Jamás hemos dicho: ‘Somos una banda de punk’”.

El desbocado sentido de la musicalidad de esta banda tan polifacética ya causó sensación con su segundo trabajo, Katuzaldia, pero ahora vuelven a pisar fuerte el acelerador con Kabakriba, un álbum donde los Viagra Boys se dan codazos con los golfo昀椀eras de Sleaford Mods, mientras todos dan vueltas alrededor de unos Stooges en pleno tripi. También hay pop y jazz y funk, porque estos zagales se han tomado en serio lo de mezclar todas las vitaminas. Son parte de una generación de artistas vascos, jóvenes, con orgullo por sus orígenes, pero también un imaginario de referencias variado y una doble ambición: trascender tanto la escena local como la asociación vaga con el rock radikal vasco. Merina Gris, Nakar, Silitia, TOC, Mirua, J Martina, Naxker... comparten valores sin tener por qué compartir sonido, y sobre todo el uso del euskera como vehículo de comunicación. “Ya no es una barrera”, dice Unai. “La gente viene, lo disfruta y se lo pasa bien en los directos. Y eso para un músico es clave: ver que hay respuesta, que te devuelven el cariño. Nos sorprende, porque llevamos tiempo tocando y esto hace una década no habría sido igual. Hay un cambio evidente”. Para Álvaro Olaetxea (batería) -que completa la banda junto a Mikel Irigoyen (bajo)- “la gente joven es mucho menos prejuiciosa, quizás porque no han vivido épocas anteriores tan cerradas. Ahora esa diversidad se

abraza, sentimos que hay mucha más apertura hacia propuestas distintas que hace unos años. Hay un nuevo público que escucha música en gallego, en euskera, en catalán… y le da igual el idioma si la propuesta es buena”. Cantar en euskera, por tanto, no es necesariamente una decisión cien por cien política. “Fue un poco algo que yo, como letrista, quería experimentar”, reconoce Unai. “El primer disco lo hicimos en inglés; incluso el que saqué en solitario también. Pero llega un punto en que el inglés se agota. Ya no me parecía real. En cualquier caso, sí tiene un punto político: aunque no lo hagas con esa intención, cantar en euskera en Sevilla, por ejemplo, ya es político. Es algo que yo también decidí abrazar. Además, al principio no pensábamos que el proyecto fuera a escalar tan rápido. Así que tampoco pensamos tanto en el ‘qué pasará si...’. Y luego, mira, acabamos cantando en euskera en el Parque Real”. La energía electri昀椀cante de sus conciertos es una de las razones principales. Pero en su nuevo álbum han decidido modular la intensidad. “Hay dos vertientes”, reflexiona Unai. “Una claramente dirigida al directo; componemos pensando en cómo nos lo vamos a pasar nosotros y el público en el escenario. Pero también hay otra parte más introspectiva, que sale en segundas o terceras escuchas”. “Es lo bueno de tener un disco”, completa Álvaro, “hay temas muy de directo y otros muy de casa. El tema Nueva York, por ejemplo, es precioso, pero si lo tocas en un bolo puede que la peña se duerma. Es más de 昀椀nal de concierto, más contemplativo”. Esta expansión se nota desde el mismo título, Kabakriba, como explica Unai. “Es un acrónimo de Katuzaldia Baino Kriatura Bakanagoak -criaturas más extraordinarias que Katuzaldia-, el título del anterior disco, que traducido era algo así como ‘gatocaballo’. Esta vez hay criaturas aún más extraordinarias, y queríamos dejar patente esa evolución”. La portada, que recuerda a BojackHorseman, refuerza esa idea incluyendo además al oyente. “Queríamos jugar con la idea de que la criatura más extraordinaria eres tú mismo. Al verte reflejado en la portada, participas en el concepto del disco. Cualquiera puede ser una criatura aún más extraordinaria”. De ellas están plagadas las canciones de Kabakriba, construidas casi como cuentos. “Zorozelai, por ejemplo, habla de una especie de Robin Hood que roba a los ricos, no para dárselo a los pobres, sino para que se lo pasen bien. Es una forma distinta de hablar de la riqueza. Hay una crítica, pero desde lo fantástico. Me gusta hablar de cosas serias con un punto absurdo. Reírse un poco de todo, incluso de uno mismo”.

KABAKRIBA (AUTOEDITADO, 2025)

Punto昀椀nal / Zorozelai / Noraezean / Static Txomin / Ez da iristen / New York / 108.00 FM / Kalekume / Na hay pescau / Laberinto Club / Hi pake / Babesleku

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“LA GENTE JOVEN

Taïn

POR: GALO ABRAIN / FOTO: MARÍA POL

TAÏN ES JOVEN. ESTÁ, COMO QUIEN DICE, EN BARBECHO. DEFINIÉNDOSE. HURGANDO EN SÍ MISMO Y EN LOS SONIDOS A LOS QUE LE APETECE TIRARLES LOS TEJOS. PERO HA HECHO UN ALTO EN EL CAMINO, EMBRIAGADO POR EL ANSIA DE NARRAR. YA A PRINCIPIOS DEL AÑO PASADO PUSO LA MAQUINARIA EN MARCHA PARA PARIR SU EP DEBUT ‘AMOR SUBTERRÁNEO, VOL.1’. LUEGO SURGIÓ EL SEGUNDO EP, ‘AMOR SUBTERRÁNEO, VOL.2’. Y AHORA, CON LA TEMPERATURA MUSICAL MEJOR TOMADA Y LA ESPELEOLOGÍA DEL CORAZÓN HECHA, SE LANZA A LA CONFIRMACIÓN DE UNA CARRERA CON ‘AMOR SUBTERRÁNEO’, SU ÁLBUM DEBUT: UNA GRANADA POP-ROCK DISPUESTA A HACER ESTALLAR SENSIBILIDADES.

“LO QUE ME ENCANTA DEL POP ES QUE TE PERMITE CONTAR COSAS MUY DURAS, MUY PERSONALES, PERO ENVUELTAS EN MELODÍAS LUMINOSAS”

Mientras se estaba construyendo como artista, Taïn se estaba más construyendo como persona. “Empecé a los 14 o 15 años”, recuerda. “Todo arrancó con el freestyle, improvisando, por culpa -o gracias- a un par de amigos que me animaron a probar. Escribí unas canciones, las grabé casi sin pensar, gustaron, y desde entonces no he parado. En ese momento hacía rap melódico, algo más cantado. No era de esos que van con el micro a matar, sino que ya entonces buscaba algo más emocional, más íntimo, aunque seguía dentro del hip hop. Creo que eso ha sido una constante: buscar siempre una conexión emocional con lo que hago”. Su transición hacia el pop-rock, por tanto, ha sido “algo bastante natural. No me sentía del todo cómodo en la escena rapera, como que no terminaba de encajar. Empecé a tocar la guitarra y eso me fue llevando poco a poco hacia sonidos más melódicos. Además, escuchaba más ‘indie’ que rap: artistas como Iván Ferreiro, Xoel López o Beto Zamorla me influenciaban mucho más”, cuenta. El 昀椀nal de este camino, tras dos EPs, es Amor subterráneo, su disco debut y el resultado de un proceso profundo de reflexión.

“Todo empieza con una canción a guitarra y voz que se llama Contigo”, explica el artista gallego. “La escribí después de un viaje a Madrid, donde en el Rastro encontré un libro de Miguel Hernández, La savia sin otoño. Ese hallazgo me tocó. Me puse a leerlo y, entre sus versos, surgió la idea del ‘amor subterráneo’. El disco no tiene un hilo conceptual claro, no sigue una historia cerrada, pero sí que hay un trasfondo emocional constante. Junto a Juan de Dios, mi productor, fuimos dando forma al sonido que queríamos”. Y era el que mejor vistiera todo ese hurgado emocional. “Lo que me encanta del pop es que te permite contar cosas muy duras, muy personales, pero envueltas en melodías que suenan luminosas. Viene de un sitio más accesible emocionalmente, menos cargado de solemnidad. Eso lo hace muy poderoso: puedes estar hablando de una ruptura devastadora, pero con una sonrisa”. Hay, así, algo de desahogo y de lamentación romántica implícitas desde el origen de este trabajo. “Es un disco un poco nihilista”, reconoce, “y tiene ese punto oscuro, algo derrotista”. Pero al mismo tiempo fue muy liberador. “Dejo ahí toda la mierda, toda esa carga emocional que a veces cuesta sacar en el día a día, y eso me permite estar bien personalmente. Es un canal por donde puedo expulsar lo que me pesa, para no llevarlo conmigo todo el tiempo. Me siento muy liberado cuando termino una canción desde el desamor, por ejemplo; desde el amor, curiosamente, solo me han salido

dos canciones. El desamor, en cambio, tiene una intensidad que te empuja a escribir, es mucho más potente como motor creativo. El dolor, la pérdida, esa tristeza compartida... hacen que quien escucha se sienta comprendido. Son emociones que son más fáciles de identi昀椀car para el oyente. Cuando estás mal, lo primero que haces es buscar canciones tristes: te hacen sentir menos solo, te validan en ese momento. Y como artista, a veces sin quererlo, acabas queriendo volver a esos sitios oscuros porque sabes que desde ahí puedes escribir algo que realmente toque”. Procesar esos dolores y resistir la tentación de dejarse llevar por ese impulso oscuro ha sido fundamental para afrontar la nueva etapa que se abre ante sus ojos. “Más antes que ahora, pero sí que me he tatuado para calmar la ansiedad. Había una parte de mí que se sentía culpable por muchas cosas, y hacerme daño con la aguja era como una especie de redención”. Controlarse con la pornografía emocional, la última clave, necesaria para mantener un cierto control de la dimensión puramente artística. “Hay cosas que no quieres ni recordar, y otras que pre昀椀eres guardar por respeto, hacia ti mismo o hacia los demás. No lo cuento todo, incluso aunque sea crudo y pueda ser material de una gran canción”.

Ahora, después de este proceso, le toca por 昀椀n hacer frente a su propia con昀椀rmación. Cuando compone, con昀椀esa, se ducha, se perfuma y se pone guapo, porque sabe que está ante un momento importante, trascendental, puede que decisivo. “Es una especie de ritual. Me siento a ver si la inspiración aparece, como quien espera a alguien especial. Por lo general, empieza con una frase que me viene casi sin buscarla, y tiro de ese hilo hasta que aparece la canción. Y si no llega, no pasa nada: al día siguiente lo intento de nuevo. No soy de los que se emborrachan a las tres de la mañana y se ponen a escribir con el corazón roto. Lo mío es más de constancia y cuidado”. Ese respeto por la capacidad evocadora y conectiva de la música hace que le piquen curiosidades más profundas. “Me gusta mucho cómo Iván Ferreiro trata temas más filosóficos, por ejemplo, más maduros. Tiene canciones como Enelalambre. Ese tipo de pensamiento profundo, de reflexión, me interesa muchísimo. Creo que la 昀椀losofía y el pensamiento serán parte de mi música más adelante. No ahora, porque aún estoy construyéndome, pero sí en unos años”, cuenta. De momento sigue explorando, pero con su amor por la música como una brújula de la que poder 昀椀arse. “La música es conexión y desconexión al mismo tiempo. Es todo lo que está bien en este mundo”.

AMOR SUBTERRÁNEO (ESMERARTE, 2025)

He vuelto a crecer / Por inercia / Contigo / Super昀椀cial / Protagonista / Lo distinto de lo mismo / Copiloto / La voy a joder / Si pudiéramos hablar / Una historia que salvar / No vuelvo a decir adiós a lo que soy

CD / DIGITAL / LP

“Mi padre nació en Beaconsfield, pero Terry Pratchett, el autor, nació en la biblioteca de Beaconsfield”. Las palabras de Rihanna, hija del escritor británico, resumen a la perfección el origen de la temprana vocación de su añorado progenitor. Lector temprano y voraz de Conan Doyle y H.G. Wells, el barbilampiño Terence David John Pratchett (1948-2015), al que todos llamaban cariñosamente Terry, encontró en los libros un mundo de fantasía en el que refugiarse de las penurias de un humilde pueblo inglés tras la II Guerra Mundial. Esa obsesión por zampar letras solo era comparable con su precocidad para juntarlas: con apenas 13 años recién cumplidos publicó su primer relato. Y diez años después, en 1971, llegaría su primera novela, El pueblo de la alfombra, esa que hoy Minotauro pone en castellano por primera vez en nuestras manos. Mientras daba sus primeros pasos en la literatura, el joven Pratchett se ganaría la vida como periodista y viñetista en semanarios regionales como Bucks Free Press o diarios locales como Bath Chronicles. También como relaciones públicas en una central nuclear, trabajo que no abandonaría hasta llegado el tercer título de su saga Mundodisco una década después, el celebrado Mort, en el que daba muestras de su peculiar sentido del humor. “Veamos, ha habido un pequeño accidente. Pero uno muy pequeño. Lo más probable es que no os podáis volver a bañar en aguas inglesas en

POR: TALI CARRETO

La publicación ¡por 昀椀n! en nuestro país de la primera novela de Terry Pratchett, ‘El pueblo de la alfombra’, de la mano de Minotauro, coincide con el décimo aniversario del fallecimiento del añorado autor. Un lanzamiento y una efeméride que pone en relieve una vez más la sempiterna actualidad de un escritor que supo reírse hasta de su sombra mientras edi昀椀caba un universo de fantasía tan prolijo en historias como único en su especie: ese Mundodisco que casi medio siglo después de su nacimiento sigue y sigue girando en nuestras cabezas.

los próximos 70 años, pero ha sido un accidente pequeño y divertido”, redactó en una ocasión como nota de prensa a los medios. El humor, sin duda alguna, es el eje sobre el que se vertebra su obra: ya en El pueblo de la alfombra investigó conjugándolo con los grandes temas que recorrerían su obra, la religión o la muerte, dejando la puerta abierta a la aparición de Mundodisco, desde la seminal El color de la magia hasta la póstuma La corona del pastor. En 41 entregas, que él mismo siempre recomendó leer desordenadas y no de manera lineal, el genio de Pratchett se tomó a choteo el género de espada y brujería, los cuentos de hadas y hasta los dioses primigenios en un mundo plano -¡antes de que los terraplanistas se pusieran de moda!- como los que ya había utilizado en El pueblo de la alfombra y en Strata (1981), sostenido por cuatro elefantes que, rizando el rizo, descansan sobre el caparazón de Gran A’Tuin, la tortuga estelar. ¿Les suena a pura ilusión? Nada más lejos: pese a contar con personajes como brujas, magos, guerreros, hombres-lobo o hasta la mismísima Muerte, las novelas de Mundodisco nos hablan de temas tan cotidianos como la familia, el racismo, la política, la religión o los cambios sociales. Para ello, Pratchett no duda en parodiar los relatos de J.R.R. Tolkien, Robert E. Howard o H.P. Lovecraft, auténticos iconos del fantastique, pero tampoco se libran de la mofa los mismísimos Shakespeare o Dickens, vacas

“ESTE LIBRO (‘EL PUEBLO DE LA ALFOMBRA”) TIENE DOS AUTORES, Y LOS DOS SON LA MISMA PERSONA”

sagradas de la literatura británica. Más allá de sus tocayos Terry Jones y Terry Gilliam, esos Monty Python tan dados a la risa y a no dejar títere sin cabeza, si hay alguien con quien comparar al bueno de Terry Pratchett es con Émile Zola, porque como ocurre en la obra del francés, Mundodisco versa en su totalidad sobre la condición humana. Así de simple. Así de real. Y no solo Mundodisco, ojo: pese a lo fantástico de sus premisas, todas las historias de Pratchett siempre se tornan humanistas y dejan hueco para la esperanza. Resulta cuanto menos curioso, y así lo destacaban los periodistas John Tones y Javi Sánchez en una más que recomendable conversación sobre el escritor publicada hace unos seis años, cómo la duradera saga emprendida por Pratchett nació en pleno thatcherismo. Porque en lugar de optar por el pesimismo, por el lado oscuro a la hora de denunciar en su obra los efectos nocivos de dicha ideología, como hicieron tantos autores al amparo de la legendaria cabecera fantástica 2000 AD -léase John Wagner, Grant Morrison o Alan Moore-, él siempre vería la luz al 昀椀nal del túnel. Nada extraño, en realidad, para un tipo que siempre tomó el humor como bandera y que contaba con otras cualidades que le convertían en una persona entrañable.

Comenzando por su a昀椀ción a relacionarse directa y abiertamente con sus fans, no solo en ferias de libros, 昀椀rmas de ejemplares o convenciones frikis, sino también a través de Internet, en una época en la que los grupos de noticias como USENET funcionaban como la prehistoria de Facebook o Instagram. Y terminando por esa propensión a valorar la amistad por encima del trabajo, algo apreciable en su relación con Neil Gaiman, pal -que dirían los ingleses- antes que pareja creativa en Buenos presagios -esa respuesta vacilona y extrañamente optimista a la película La profecía-. O en los elogios que siempre propinó a Josh Kirby, legendario artista grá昀椀co -suyos son los carteles de La vida de Brian o El retorno del Jedi, entre otros- y portadista de la saga Mundodisco desde sus inicios hasta su muerte en 2001. “Yo solo inventé el Mundodisco. Josh lo creó”, llegó a confesar sin modestia falsa alguna Pratchett. Y es que el creador de otro personaje tan querido como Johnny Maxwell fue, siempre y ante todo, un caballero. Y no por ser nombrado por la reina Isabel II en 2009 como Caballero del Imperio Británico, sino por su arrojo, su compromiso y sus convicciones, que llevaría hasta el 昀椀n de sus días: diagnosticado con Alzheimer, Terry Pratchett dedicó sus últimos años entre nosotros luchando en pos de la legalización de la muerte asistida, de un adiós digno, protagonizando incluso una serie documental para la BBC. Sin perder su humor habitual, eso sí, pues declararía poco

después de anunciar su enfermedad: “La vida es un hábito, resulta muy difícil dejarla”. Fallecido en marzo de 2015 en el calor de su hogar, muy cerca de la mágica Stonehenge y a punto de cumplir los 67 años, aun podía presumir de haber vendido más de cien millones de ejemplares en más de treinta y tantos idiomas por todo el mundo. Solo la mamá de Harry Potter y ese Hogwarts tan pratchettiano, J. K. Rowling, pudo arrebatarle la corona de escritor británico más vendido. Su huella es hoy fácilmente rastreable no solo en otros escritores como Christopher Moore, Matt Ruff, Jasper Fforde o Patrick Rothfuss, por citar unos

Normalmente asociado a fantasías elevadas y épicas como Mundodisco, Pratchett también tuvo una gran sensibilidad para la literatura infantil y juvenil... y para algunas cosas más.

EL PUEBLO DE LA ALFOMBRA (1971)

Pratchett escribió su primera novela con 17 años, planteando un mundo plano sobre una alfombra gigante en el que se desarrolla, con un tono cómico y juvenil lleno de frescura, un conflicto colectivo entre la tradición y la modenidad, the times they are a-changin'. Punto de partida de su estilo, Pratchett la reescribió en 1992 tras el éxito de Mundodisco, diciendo: “Este libro tiene dos autores, y los dos son la misma persona”.

TRILOGÍA DE JOHNNY MAXWELL (1992-1996)

El idilio de Pratchett con la literatura fantástica infantil y juvenil continuó años más tarde en esta trilogía donde volcó su pasión por las computadoras y los videojuegos -recordemos que era todo un gamer disfrutón de títulos como Tomb Raider o Doom-, los relatos de fantasmas y la ciencia 昀椀cción a lo H.G. Wells, con alienígenas y viajes en el tiempo incluidos. Sus arquetipos siempre demuestran ser mucho más de lo que parecen.

cuantos nombres a vuelapluma -nunca mejor dicho-, sino también en cineastas como Taika Waititi y hasta en viñetas como las de Bribones, de nuestro querido El Torres. Incluso ahí afuera, en el espacio exterior, ese que retrataría también con humor otro contemporáneo suyo como Douglas Adams, viaja todavía un asteroide que lleva su nombre: 127005 Pratchett. Nada mal para un chico al que, a los 6 años, en su pequeño pueblo inglés, un director de escuela le dijo que nunca llegaría a nada. Qué equivocado estaba. Claro que cómo diablos podía imaginar que estaba ante el futuro hombre que un día crearía todo un universo llamado Mundodisco

THE ELDER SCROLLS IV: OBLIVION / THE ELDER SCROLLS V: SKYRIM

Ya lo hemos dicho: Pratchett, como cualquier escritor de fantasía, era también un ávido jugador de videojuegos. En 2006 le dio por Oblivion, la cuarta entrega de la gran saga de fantasía RPG de Bethesda, y se alió con la comunidad modder del juego para escribir todas las líneas de diálogo de un compañero añadido en el mod -Vilja, un Sam, un Jaskier-. Repitió en Skyrim (2011).

Minotauro

págs. / Novela fantástica

EL PUEBLO DE LA ALFOMBRA (ya en librerías)

TERRY PRATCHETT

TOP ALTA

FANTASÍA

La fantasía nos explica. Todas las sociedades acceden a su cosmogonía a través de una serie de historias que tratan siempre de explicar fenómenos inexplicables, y por lo tanto son relatos siempre imaginativos, fantásticos. En la fundación de nuestros propios valores como sociedad están también los orígenes de la alta fantasía, porque solo a través de abstracciones legendarias, arquetipos e identi昀椀caciones a nuestro alcance podemos acercarnos a lo inefable, pero también porque hay un misterio ahí fuera al que necesitamos poner nombre, y rostro, para poder temer. “Para encontrar la realidad hay que darle la espalda y pasar por lo fantástico”, decía Michael Ende, autor de La historia interminable, y tiene razón. Es en esa cara oscura donde podemos encontrar las costuras de lo que creemos, de lo que defendemos, de lo que reclamamos, y cuanto mejor la entendamos más conscientes seremos del mundo en que vivimos. Hoy, que hablamos tanto de distopías, que vivimos bajo el yugo de amenazas más próximas a la ciencia ficción, parece el mejor momento para 昀椀jarnos en que en las fantasías más oscuras siempre se escondió ese reflejo sórdido de la maldad humana que nos ha conducido a donde estamos, como también el halo de luz que desprende la esperanza que

POR: DIEGO RUBIO

ES MUY FÁCIL MIRAR HACIA DELANTE Y ASISTIR A UN APOCALIPSIS DISTÓPICO

QUE YA ESTAMOS TELEVISANDO -BUENO SCROLLEANDO- EN TIEMPO REAL, Y EN ESE CONTEXTO ENTENDER LAS FANTASÍAS COMO UN REFUGIO, ALGO MÁS RELACIONADO CON EL ESCAPISMO. PERO LA ALTA FANTASÍA PLANTEA REALMENTE TODO LO CONTRARIO: MIRAR AL PASADO CON PROFUNDIDAD CASI HISTÓRICA

PARA RESCATAR SUS MITOS Y REINTERPRETARLOS PARA CONSTRUIR MUNDOS NUEVOS, PERO ESPEJOS TAMBIÉN DEL QUE TENEMOS NOSOTROS. NO ES UNA LOCURA DECIR, ASÍ, QUE ESTA SELECCIÓN FORMA UNA COSMOGONÍA DE LOS MITOS FUNDACIONALES DE NUESTRA SOCIEDAD CONTEMPORÁNEA.

enarbolan los ilusos que aún conservan algo de fe en nuestra humanidad. En esas dicotomías se mueven muchas de estas obras, y las oleadas reactivas siempre han estado ahí, mientras el género avanzaba en conversación directa con los juegos de rol primero, los videojuegos después y más tarde las comunidades de Internet y las convenciones unidas por un sentimiento friki. Al optimismo de Tolkien le sobrevino una oleada más brutal conocida como grimdark; y, del mismo modo, al boom de El SeñordelosAnillos en los dosmiles por la adaptación de Peter Jackson (que caló hondó con su luz en un mundo post 11-S, igual que lo hizo Harry Potter) le sobrevino tras la crisis económica el pelotazo de Juego de Tronos. En estos últimos años hemos asistido a la darksoulsización de muchas 昀椀cciones populares en todos los campos, de la televisión al videojuego. Pero también a un proceso de deslocalización de la alta fantasía que nos está permitiendo acercarnos a otras mitologías y a culturas periféricas, a una apertura de voces que rompen el canon blanco y masculino, y a otra nueva reacción, el hope punk, que vuelve a creer, quizá inocentemente -como hizo Tolkien-, en que el mundo merece ser salvado, y que quizá entre unos pocos locos, por qué no, podamos lograrlo.

Publicado en tres partes -La Comunidad del Anillo, Las dos torres, El retorno del Rey-, en su momento El Señor de los Anillos contaba con apenas antecedentes, y llegó como una especie de shock divisivo a una sociedad británica que solo podía agarrarse a las obras de C.S. Lewis, fundamentalmente la Trilogía Cósmica, de ciencia 昀椀cción, y Las crónicas de Narnia, más fantasía del montón que lo que estaba proponiendo su amigo y colaborador, Tolkien. Tomando inspiración de distintas leyendas europeas, de la poesía épica y de las mitologías nórdicas, el mundo dibujado por el autor inglés era complejísimo e inabarcable históricamente, explicaba toda una cosmogonía en la que los acontecimientos de la novela funcionan como eje del cambio, como gran revolución. De lo concreto, Tolkien consigue llegar con maestría a lo universal, sentando las bases de lo que iba a ser la alta fantasía de ahí en adelante. Con el tiempo, muchos autores han tratado de buscarle las costuras, pero incluso por oposición su sombra sigue siendo alargada y relevante: el grimdark surgió como una oposición al maniqueísmo quizá exacerbado de El Señor de los Anillos, y Frodo nunca dejará de ser un poco un emblema del hope-punk. 1

EL SEÑOR DE LOS ANILLOS

J.R.R.Tolkien/ 1954-1955

PERCEVAL O EL CUENTO DEL SANTO GRIAL

Chrétien de Troyes / 1180

Hay muchos ejemplos en la literatura medieval europea de leyendas y fantasías, del Beowulf a la saga Völsunga que inspiró El anillo del Nibelungo de Wagner. Pero ninguno tan antiguo y elaborado en su worldbuilding, más allá de la mitología, como el del autor francés, ideando los mitos artúricos e introduciendo el Santo Grial y personajes como Lancelot, Arturo o Gawain. ¿El verdadero padre de la alta fantasía? 2

LA PRIMERA LEY

Joe Abercrombie / 2006-2022

Uno de los grandes representantes del grimdark, Abercrombie es experto en personajes intrincados y en tramas políticas retorcidas y complejas que destrozan las expectativas.

EL ARCHIVO DE LAS TORMENTAS

Brandon Sanderson / 2010-

La complejidad de reglas rectoras que plantea Sanderson en Roshar aún no tiene parangón, y aquí desborda las posibilidades de su Cosmere.

LOS LIBROS DE TERRAMAR Úrsula K. Le Guin / 1968-2001

Magia, tahoísmo, influencias de Tolkien y un mundo que recuerda a la civilización micénica y los pueblos del mar sirven de fondo profuso a historias mucho más íntimas. Ahí Le Guin gana.

EL LEGADO DE ORÏSHA

Tomi Adeyemi / 2018-

La escritora afroamericana rompió el canon aplicando las leyes de la alta fantasía mágica a un mundo inspirado en el África occidental y en sus leyendas. Literatura empoderada.

LA MUERTE DE ARTURO

Thomas Malory / 1485

Fundación real de la novela fantástica según hoy la entendemos, es una revisión muy particular, adelantada a su tiempo, de las leyendas artúricas de los Caballeros de la Mesa Redonda. 3

LA RUEDA DEL TIEMPO

Robert Jordan / 1990-2013

Nexo entre Tolkien y Brandon Sanderson, que de hecho se ocupó de cerrar la historia con una trilogía tras la muerte de Jordan: magia avanzada, luz vs oscuridad y mucha epopeya. 5

4

MALAZ: EL LIBRO DE LOS CAÍDOS

Steven Erikson / 1999-2011

Concebido el universo en origen para ambientar partidas de rol, esa fue precisamente su gran revolución, entender que la alta fantasía iba más allá de lo literal.

NACIDOS DE LA BRUMA

Brandon Sanderson / 2008-2025

Pocos autores han planteado en su universo un sistema de magias, la alomancia, como el de Sanderson en la primera gran serie de su Cosmere. Su influencia -p. ej. en RPGs- es inabarcable.

MUNDODISCO

Terry Pratchett / 1983-2015

Cuatro elefantes sostienen un disco sobre una tortuga gigante que surca el cosmos en el Mundodisco de Pratchett. Un universo colosal con casi medio centenar de obras divididas en varios arcos argumentales en las que el británico plasmó sus preocupaciones religiosas, políticas, espirituales y cientí昀椀cas, desbordando ideas de Tolkien y La historia interminable hacia una cosmogonía inspirada en la física de partículas.

LA COMPAÑÍA NEGRA

Glen Cook / 1984-2025

Grimdark antes del grimdark, Malaz antes de Malaz, la saga brutal de Glen Cook insertó los modelos ominosos, terrorí昀椀cos y violentos de la fantasía oscura en los códigos de la alta fantasía.

CRÓNICA DEL ASESINO DE REYES

Patrick Rothfuss / 2007-2025

Lo complejo del universo de Rothfuss está en la multiplicidad, a veces mentirosa, de puntos de vista, algo aprendido del enfoque “guionista” de Martin.

LA DINASTÍA DEL DIENTE DE LEÓN

Ken Liu / 2015-2025

Saga inaugural del silkpunk -versión asiática del steampunk-, tiene todo lo que tiene que tener la alta fantasía pero muy sublimado. Un espectáculo total.

BERSERK

Kentaro Miura / 1989-2025

La gran influencia tras la saga de videojuegos de Dark Souls es este manga tristemente inacabado que es canon de cómo aplicar la espectacularidad nipona a la sobria fantasía medieval oscura.

EL ÚLTIMO UNICORNIO

Peter S. Beagle / 1968

El propio Beagle escribió el guion de la adaptación animada devenida en cinta de culto que se estrenó quince años después con las voces de Alan Arkin, Mia Farrow, Angela Lansbury o Jeff Bridges, todos enamorados del dibujo y de la novela original. Un cuento de trasfondo oscuro y desolador que se adelanta a muchas de las preocupaciones ecológicas actuales; la historia más Ghibli salida de Occidente.

NAUSICAÄ DEL VALLE DEL VIENTO

Hayao Miyazaki / 1982-1994

Si alguien podía subvertir la ciencia 昀椀cción y convertirla en alta fantasía medieval, ese era el genio de Ghibli. Su obra más ambiciosa aún resuena.

EMPIRES OF DUST

Anna Smith Spark / 2017-2019

Incomprensiblemente inédita en España, una trilogía fundamental para entender el grimdark contemporáneo que apuesta por una magia a veces olvidada pero muy poderosa: la voluntad.

LA ERA DE LA LOCURA

Joe Abercrombie / 2019-2021

Después de un setting medieval y una elaborada fundación de mitos, el metódico escritor británico continua su periplo por el universo de La Unión adentrándose en la Revolución Industrial. 21

CANCIÓN DE HIELO Y FUEGO

George R.R. Martin / 1996-2025

Canon del grimdark moderno gracias a la adaptación de HBO, Martin plantea un mundo cruel muy cercano al nuestro en el que apenas cabe la magia si no es en su forma más demoníaca.

STARDUST

Neil Gaiman / 1997

Si la alta fantasía podía ser poética, evocadora y fabulística, la prueba estaba en la segunda novela del malogrado escritor británico. Una vuelta a Nunca Jamás o el País de las Maravillas

22

EL EMPERADOR GOBLIN

Katherine Addison / 2014

Más allá de su historia detallada y bien hilada, esta novela es un ejemplo excepcional de cómo hacer alta fantasía costumbrista sin perder conflicto, epicidad y densidad de tramas políticas.

24 23

LOS CABALLEROS BASTARDOS

Scott Lynch / 2006-2025

El mito de la Venecia carnavalesca le sirve al autor estadounidense para imaginar uno de los universos de alta fantasía recientes, pero sobre todo una de las historias más apasionantes.

LA HISTORIA INTERMINABLE

Michael Ende / 1979

Quizá el clásico contemporáneo de la alta fantasía infantil más inamovible de todos, y una reflexión sobre el escapismo como vía de acceder a lo real, en la línea de El Principito pero dark.

LAS MONARQUÍAS DE DIOS

Paul Kearney / 1995-2002

El autor irlandés tenía amplios conocimientos de navegación marítima, y los aplicó en profundidad en esta pentalogía que de昀椀nió junto a Malaz y Juego de Tronos la nueva fantasía oscura.

TRILOGÍA DE LA SANGRE

Mark Lawrence / 2011-2013

La historia de un príncipe destronado con sed de venganza se convierte en la excusa perfecta para una revisión profunda de cómo la violencia con昀椀gura inevitablemente las sociedades.

LEOPARDO NEGRO, LOBO ROJO

Marlon James / 2019

El autor jamaicano bucea en una historia animalista y espiritual sirviéndose de mitos y leyendas de la diáspora afrocaribeña, y entroncándolos excepcionalmente en el canon altofantástico.

THE LAST HERALD-MAGE

Mercedes Lackey / 1989-1990

El salseo romántico siempre ha sido uno de los puntos fuertes de la autora estadounidense y del universo de Valdemar. En esta trilogía introduce el primer protagonista gay de la alta fantasía.

LA TIERRA FRAGMENTADA

N.K.Jemisin / 2015-2017

Siguiendo el manual de Nausicaä y de Warhammer 40.000, la escritora sienta las bases de una nueva ciencia 昀椀cción fantástica en esta saga afrofuturista sobre un apocalipsis climático.

REINOS EN LLAMAS

Tasha Suri / 2021-2024

Magní昀椀co y trepidante ejemplo del proceso de deslocalización que vive actualmente la alta fantasía, en este caso elaborando sobre las leyendas y mitos de una India ancestral y mágica.

LA FURIA DE LOS DRAGONES

Evan Winter / 2017-2025

Apasionante como Juego de Tronos, inciendiaria como Dragon's Dogma, primitiva como Primal y brutal en su enfoque poscolonial, la saga del canadiense, además, es un fenómeno.

SAGA DE GERALT DE RIVIA

Andrzej Sapkowski / 1992-2013

Una serie de videojuegos le descubrió al mundo esta saga fantástica polaca inspirada en las mitologías eslavas y en leyendas populares protagonizada por el carismático brujo, The Witcher.

BONE

Jeff Smith / 1991-2004

Editada en formato integral por Astiberri en 2020, la novela grá昀椀ca de Jeff Smith resiste el paso del tiempo y sigue inspirando a generación tras generación de autores del género fantástico. Un giro cómico a la fantasía oscura y una subversión constante de sus tropos, además de un dibujo espectacular y un tono inteligente y mordaz, son sus baluartes principales. Obra maestra en toda regla.

CRÓNICAS DE LA DRAGONLANCE

M. Weis, T. Hickman / 1984-1985

Creada originalmente como escenario de campaña para el juego de rol Dungeons & Dragons: a partir de ahí se convirtieron en dos mundos inseparables.

VIAJE AL OESTE

Wu Cheng'en / 1592

El Oeste mítico le sirve a esta obra fundacional de la literatura china para fabular con los orígenes de las leyendas y mitos chinos y la naturaleza de su sistema religioso y de valores.

OLVIDADO REY GUDÚ

Ana María Matute / 1996

Seguramente nuestro gran ejemplo de alta fantasía, una fábula de ambientación medieval, espadas y hechiceros con fuerte poso antibelicista que conviene leer ahora más que nunca.

LAS NIEBLAS DE AVALON

Marion Zimmer Bradley / 1983

El gran hallazgo de la escritora estadounidense no fue solo repensar todas las leyendas artúricas desde el punto de vista de las mujeres:. También redescubrir el mito de la Tabla Redonda.

EL IMPERIO HUNDIDO

Andrea Stewart / 2020-2023

Alta fantasía enrevesada, con políticas complejas y amplitud de miras, y con reflexiones interesantes sobre la presencia de la magia en el mundo e inspiración de algunas leyendas chinas.

PORTADORA DE TORMENTAS

Michael Moorcock / 1965

Seguramente la novela más importante de toda la saga de espada y brujería de Elric de Melniboné, todo un icono de la alta fantasía contemporánea. Tolkien aún no había tenido su revival.

LA GUERRA DE LA AMAPOLA

R.F. Kuang / 2018-2020

Historia de alto calado emocional sobre empoderamiento racial y femenino que se explica dentro del ya mencionado proceso actual de apertura hacia las periferias literarias de la alta fantasía. En cierto modo es como Mulán pero a lo bestia: con crueldad política, más acción de la que parece y una interesante reflexión sobre la clase con muchos paralelismos con la sociedad contemporánea. 42

LA MALDICIÓN DE LA SANGRE

M.L. Wang / 2023

Aunque Wang está más apegada a la ciencia 昀椀cción, su interés por la magia y la alquimia se sublima en esta novela de alta fantasía con pulso implacable y poso feminista.

LA HIJA DE LA DIOSA LUNA

Sue Lynn Tan / 2022

La autora china tira también de su mitología y folclore, pero en su caso lo hila todo en una alta fantasía romántica que, además, ofrece una perspectiva feminista de muchos mitos fundacionales.

VENCER AL DRAGÓN

Barbara Hambly / 1985

Hay muchas historias de niños, héroes y dragones, pero ninguna tan honda en todos los aspectos como esta de la californiana. Brandon Sanderson dijo que leerla le convirtió en escritor.

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EL ÁNGEL DE LA NOCHE

Brent Weeks / 2008

Si te flipaba Assassin's Creed pero no te renta demasiado su deriva, esta trilogía oscura, frenética y violenta puede darte justo lo que pides: espionaje, ritmo, intrigas, magias, bajos fondos... De todo.

EL PÁJARO QUE BEBE LÁGRIMAS

Lee Young-do / 2003-2025

La novela fundacional de la alta fantasía coreana, muy devota de su denominación de origen -leyendas y mitos del floclore localpese a un setting medieval.

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EL GIGANTE ENTERRADO

Kazuo Ishiguro / 2015

¿Que el maestro japonés quiere adentrarse, aunque sea solo por la super昀椀cie, en la alta fantasía?

Pues le perdonamos todo: lo que hace es repensar sus cualidades -y su 昀椀n- como género literario.

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EL HOBBIT

J.R.R. Tolkien / 1937

Una pequeña historia, casi un cuento, sobre un pequeño Hobbit que encuentra un misterioso anillo del que depende el destino de toda la Tierra Media. ¿La fundación de la alta fantasía?

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REINOS OLVIDADOS

Ed Greenwood / 1987-2025

Realmente hay cientos de historias de este universo creado por Greenwood originalmente como campaña para Dungeons & Dragons: toda la saga Baldur's Gate, por ejemplo, se inserta dentro.

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LOS DÍAS DEL VENADO

Liliana Bodoc / 2000-2004

Un gran ejemplo de alta fantasía latinoamericana, la escritora argentina toma prestado del realismo mágico y del relato colonialista para construir una historia épica y emocionante.

50

THE SPEAR CUTS THROUGH WATER

Simon Jimenez / 2022

Una novela con mucha lírica, espiritual y animista, plagada de cuentos orales sobre el para muchos desconocido folclore 昀椀lipino. El futuro pasa por aquí.

Spanish Leather

Sony

16 mayo

El primer largo de Álvaro Lafuente, La cantera (Sony, 2022), dejó una cosa clara: Guitarricadelafuente no estaba dispuesto a dejar que los algoritmos, tan proclives a hundir propuestas de equilibristas como la suya, dictaran su carrera en la indeterminación de playlist con nombres tipo ‘Café con Leche’. Rasgando en busca de las heridas, dio con una vulnerabilidad, apoyado en todo momento por ese sonido dolido, áspero, que tan bien le sale a ese reinventor folclórico que es Raül Refree.

Ahora, tras un proceso de extroversión y una expansión no solo artística y estilística, también geográ昀椀ca, el valenciano regresa con Spanish Leather. Una salida del armario, podría decirse -desde su mismo título-, en la que la intimidad conseguida entre él, su guitarra y Refree se va de vacaciones a Los Ángeles para disfrutar del sol, del mar y del tiempo con los amigos. Producido también de la mano de Carter Lang (Doja Cat, SZA) y pablopablo, con aportaciones de un equipo internacional que ha trabajado con Adele, Sampha, The xx o Camila Cabello, y con colaboraciones de TRISTÁN!, Ciutat o Teo Planell, este nuevo trabajo es más electrónico sin perder el pulso folclórico, más sexy sin perder la profundidad y, sobre todo, más físico. Y busca un hueco entre la vanguardia pop desde ese lugar atemporal en el que reinan los cantautores.

GUITARRICADELAFUENTE

CARSEATHEADREST

The Scholars Matador / Popstock!

2 mayo

Lo que le faltaba hacer a Will Toledo: una ópera rock llena de pasajes increíbles. Flipante.

JENNYHVAL

Iris Silver Mist

4AD / Popstock!

2 mayo

Nebulosa pop inspirada en un perfume de Serge Lutens y el mejor disco de Hval. Viva 4AD.

YUNGLEAN

Jonatan World Affairs 2 mayo

Se veía venir: el sueco extrae lo mejor de jonatan leandoer96 junto a OPN para su disco ¿pop?

ARCADEFIRE

Pink Elephant

Columbia 9 mayo

No esperes que rompa porque no lo va a hacer -demasiado-: esto es un repliegue hacia sus detalles.

BILLYWOODS

Golliwog

Backwoodz Studioz 9 mayo

Un Woods maduro y en control pone la guinda a sus mejores años con su mejor trabajo. GOAT.

ELATAUBERT

Preguntas a las 11:11

Universal 9 mayo

Pop panorámico, cinematográ昀椀co y lordiano en el esperado debut largo de la colombiana.

LABRAT

In The Walls We Wait

Mushroom Pillow 9 mayo

Bien de tatuajes, bombo, skate, Converse y gorras planas: el Machine Gun Kelly de Melbourne.

KALIUCHIS

Sincerely, Capitol 9 mayo

Más Lana que nunca, Uchis vuelve al inglés con un disco opulento, vaporoso y clasicote.

MARKPRITCHARD&THOMYORKE

Tall Tales

Warp 9 mayo

Diggea: uno de los Global Communication le planta a Yorke la 昀椀esta que necesitaba. Big words.

lOrna

Miss-Understood / All Nighters / 23 mayo

Las chicas de la Queens League ya marcan goles en solitario, y ganan balones de oro. Tras el éxito del debut de Metrika en 2023, ahora es el turno de la rapera de Cartagena. Miss-Understood, su primer trabajo largo, es la forma perfecta de cerrar su etapa formativa y subir de nivel: un explosivo de trap distorsionado, beats apocalípticos, efectos psicoactivos y guarrerías electrónicas. Adictivo.

MARTAKNIGHT

Unbothered La Castanya 9 mayo

Nuevo EP de la barcelonesa, probando con el castellano y el catalán con su delicia usual.

METRIKA

Neó昀椀ta

All Nighters 9 mayo

Lo prometido es deuda: la saga vampírica y demoniaca de la rapera se cierra por todo lo alto.

PINKPANTHERESS

Fancy That

Warner 9 mayo

Carta de amor de la británica a Basement Jaxx y a todos los clásicos de la electrónica UK.

RICONASTY LETHAL

Fueled By Ramen 16 mayo

La rapera se calza la chupa de cuero y las tachuelas en un disco negro, rockero y blacksabathero.

GHOULJABOY

Dante Technicolor

Mushroom Pillow 23 mayo

Ghoulja desciende a los in昀椀ernos de sus orígenes urbanos como Dante, y con todo lo aprendido.

PABLOPABLO

Canciones en Mi Autoeditado 23 mayo

Compuesto en la carretera durante la gira con Tangana, gran debut con ecos a Rusia IDK y The 1975.

SMERZ Big City Life Escho 23 mayo

Ojo porque este será uno de los discos del año. Fuck aceleracionismo: el nuevo pop pasa por aquí.

THESENEWPURITANS

Crooked Wing

Domino / Music As Usual 23 mayo

El pop trascendental e industrial de los británicos vuelve a estar en boga. Lo sabe hasta Charli XCX.

CAROLINE caroline 2

Rough Trade / Popstock! 30 mayo

Otra maravilla -vaya mes-. Igual de inmersivo y reichiano pero más emocional y emocionante.

ESPINELI

Hablando en plata

Mushroom Pillow 30 mayo

Muy dark e inspirado en el deconstructed club, nuevo EP de la propositiva artista madrileña.

Dir. Luis Otega

Rep. Nahuel Pérez Biscayart, Úrsula Corberó

Argentina / 2024 / Caramel 30 mayo

Estrenada dentro de la Sección O昀椀cial del Festival de Venecia y reconocida como una de las mejores películas latinoamericanas del pasado curso, candidatura de Argentina a los Oscar, la última cinta del irreverente director de Caja negra, Luis Ortega, es una nueva vuelta de tuerca a su cine entre lo noir, lo suspendido, lo onírico y lo visceral. Llega a las salas de nuestro país El jockey, una especie de fábula distorsionada con ecos de Tirano Banderas, ciertamente esperpéntica, sobre un jinete de carreras trasnochado -pletórico y versátil Nahuel Pérez Biscayart, ya brillante en Un año, una noche- que vive una vorágine de excesos y de autodestrucción, lo que pone en jaque su relación con Abril, también jinete, interpretada con solvencia por Úrsula Corberó. Furia animal y una sobriedad a veces magní昀椀ca, con pulsión de pura sangre, alimentan esta cinta excesiva en muchos momentos y siniestramente desnuda en otros, de extremos, que demuestra que el thriller criminal más oscuro también puede ser tremendamente camp sin entrar en los terrenos de la serie B.

LANDING / CINE / POR: ADRIANA RAMIRO

MISIÓN IMPOSIBLE: SENTENCIA FINAL

Dir. Christopher McQuarrie

Rep. T. Cruise, Hayley Atwell

EE UU / 2025 / Paramount 23 mayo

Secuela de la mejor película de la saga del agente Ethan Hunt, la octava entrega de Misión Imposible promete incluso superarla con una trama conclusiva y más acción, valga la redundancia, imposible. ¿Una despedida por todo lo alto? Esperemos que no, pero si lo es, el legado de Cruise será merecedor de revisión. Al tiempo.

STARWARS:TALESOFTHEUNDERWORLD

Cr. Dave Filoni

Animación

Serie / 4 mayo

Tercera entrega de la antología de personajes de la franquicia galáctica. Esta vez sumergiéndose en los bajos fondos del Imperio, habitados por piratas y cazarrecompesas.

LACANCIÓN

Cr. Pepe Coira, Fran Araújo

Rep. Patrick Criado, Carolina Yuste

Serie / 8 mayo

La historia, dramatizada pero real, de cómo TVE organizó a 昀椀nales de los sesenta una Operación Eurovisión para dar con la canción perfecta para conquistar el festival.

DIDDY:THEMAKINGOFABADBOY

Dir. Lisa Bloom, Al B. Sure! Documental 8 mayo

Nuevo documental sobre Diddy, Puff Daddy, al calor de las múltiples acusaciones de abuso sexual, conducta inapropiada, extorsión... El chico malo, ¿también criminal?

ELCIELODELOSANIMALES

Dir. Santi Amodeo

Rep. Raúl Arévalo, Manolo Solo Largo / 9 mayo

Una antología de cuentos y fábulas inspirada en los relatos del autor estadounidense David James Poissant: historias sobre la pérdida, el duelo, con magia y sensibilidad.

KAIJUNº8:MISIÓNDERECONOCIMIENTO

Dir. Shigeyuki Miya, Tomomi Kamiya Animación 9 mayo

Si no entraste en el anime o no lo conoces, esta es tu oportunidad: acción a raudales a toda pantalla con una animación impactante que te dejará con ganas de más.

SECUNDARIAS

Dir. Arturo Dueñas

Rep. Inés Acebes, Marta R. de Viñaspre Largo / 9 mayo

Curioso drama de actrices de teatro entre bambalinas, con el telón de fondo de una obra de época: los fantasmas de las mujeres de Carlos V enturbiando su lecho de muerte.

SATURDAYNIGHTLIVE:DETRÁSDELASCÁMARAS

Dir. VV AA Serie documental 10 mayo

50 años de Saturday Night Live dan para mucho: esta miniserie documental se adentra en el corazón de uno de los grandes mitos de la historia de la televisión.

MALOSPENSAMIENTOS

Dir. Rami Hachache, Jeremy Konner, Tom Segura

Rep. Tom Segura, Dani Hurtado Serie / 13 mayo

El surrealista cómico estadounidense le da su propia vuelta al especial de comedia con una especie de antología chriswariana sobre hilarantes miserias humanas.

Cr. Tim Miller Serie animación 15 mayo

Nueva entrega de la antología de ciencia 昀椀cción animada de Netflix, con historias independientes que demuestran el gran estado de las técnicas animadas de la actualidad.

ANZU,GATOFANTASMA

Dr. Nobuhiro Yamashita, Yôko Kuno Animación 16 mayo

Preciosa fábula animada sobre la pérdida y el duelo con el profundo animismo sintoista de los japoneses, y una historia como Doraemon pero con profundidad 昀椀losó昀椀ca.

CENTAUROSDELANOCHE

Dir. Marc Recha

Rep. Lluís Soler, Montse Germán Largo / 16 mayo

Una película poética y misteriosa sobre cómo la ausencia de los sentidos, en este caso la visión, abre nuestra percepción a entidades, energías, más superiores. LOVE,DEATH+ROBOTS.VOL.4

LO QUE QUEDA DE TI

Dir. Gala Gracia / Rep. Laia Manzanares,Àngela Cervantes España / 2025 / Karma Films / 16 mayo

Tándem infalible de actrices y directora en plena rampa de despegue nos sumergen en esta historia que es como empezar una partida en el Stardew Valley: dejarlo todo, en este caso una prometedora carrera jazzística, a punto de grabar disco en Nueva York, -muy hipster todo-, para reflotar la granja y el rebaño de ovejas familiar tras la muerte del padre. Conectar con las raíces libera y sana.

MATABOT

Cr. Chris Witz, Paul Weitz

Rep.Alexander Skarsgård Serie / 16 mayo

Drama de ciencia 昀椀cción con tintes de comedia sobre un robot que adquiere conciencia y voluntad propia, y se embarca en una misión peligrosa. Él solo quería ver culebrones.

LASENDADELPECADO

Dr. Alberto Utrera

Documental 16 mayo

A los 32 años, Juan Dávila deja su puesto en la policía municipal y se entrega por completo a la comedia. El resto es viaje frenético y un salto sin red que recoge este documental.

NINEPERFECTSTRANGERS(2ªT)

Cr. John-Henry Butterworth, David E. Kelley

Rep. Nicole Kidman, Michael Shannon Serie / 22 mayo

Vuelve con una segunda temporada la serie rival -más cuadro- de The White Lotus, con una Nicole Kidman encabezando a poquitos el reparto y convertida ya en toda una tv star.

LAFUENTEDELAETERNAJUVENTUD

Dir. Guy Ritchie

Rep. Natalie Portman,John Krasinski

Largo / 23 mayo

Guy Ritchie, ya completamente desprejuiciado, le aplica su delirante tratamiento punky al género de aventuras arqueológicas con esta búsqueda loca de la vida eterna.

LOSTORTUGA

Dir. Belén Funes

Rep.Antonia Zegers, Elvira Lara Largo / 23 mayo

El drama de los deshaucios y la compra de los barrios de Barcelona por parte de fondos buitre a través de una familia a la que, de repente, se le truncan los planes de futuro.

RICKYMORTY(8ªT)

Cr. Dan Harmon, Justin Roiland Serie animación 26 mayo

Nueva temporada de la serie de animación cientí昀椀ca más disparatada de la historia de la tele. Poco más se puede decir: viajes espaciales, multiversos y mucha diversión.

LOSMALDITOS

Dir. Roberto Minervini

Rep.Jeremiah Knupp, Cuyler Ballenger Largo / 30 mayo

Una compañía de voluntarios es enviada a la frontera oeste de EEUU durante la Guerra de Secesión... Pero no saben que donde están yendo realmente es al in昀椀erno.

CAPITÁN AMÉRICA: BRAVE NEW WORLD

Dir. Julius Onah / Rep. Anthony Mackie, Harrison Ford, D.Ramirez EEUU/2025/Disney/ 14 mayo

Sam Wilson tomando el testigo de Steve Rogers, el Hulk Rojo y Harrison Ford como un Presidente de los Estados Unidos con paralelismos poco casuales con Donald Trump. En esencia esos son los superpoderes de esta cuarta entrega de la saga Capitán América, que para vídeo se presenta en todos los formatos posibles, con audiocomentarios, escenas eliminadas...

BAMBI,UNAVIDAENELBOSQUE

Dir. Michel Fessler Francia / 2024 / A Contracorriente 3 mayo

Adaptación de imagen real y tono cuasidocumental de la novela del húngaro Felix Salten sobre un cervatillo, que Disney convirtió en uno de sus primeros grandes éxitos.

SEGUNDOPREMIO

Dir. Isaki Lacuesta, Pol Rodríguez

Rep. Daniel Ibañez, Cristalino España / 2024 / BTeam / 13 mayo

Además del cartel de la película incluye making of, entrevistas con Alondra Bentley, Fernando Navarro y Javi Frutos, y el paso de Lacuesta por el videopodcast Kinótico.

MEMORIAS DE UN CARACOL

Dir. Adam Elliot Australia/2024/Divisa 27 mayo

STARTREK:SECCIÓN31

Dir. Olatunde Osunsanmi

Rep. Michelle Yeoh, Sam Richardson

EE UU / 2025 / Paramount / 4 mayo

Spin off de Star Trek: Discovery con Michelle Yeoh como protagonista absoluta. Ediciones en todos los formatos, steelbook en UHD y contenidos adicionales en abundancia.

ACOMPLETEUNKNOWN

Dir. James Mangold

Rep. T. Chalamet, E. Norton EE UU / 2024 / Searchlight / 27 mayo

La segunda maravilla de la animación stop-motion que 昀椀rma Adam Elliot -en 2009 se estrenó en formato largo con Mary and Max- y un nuevo ejercicio de fantasía a medio camino del cuento gótico y el realismo social británico. Imprescindible una edición que además incorpora los seis cortometrajes previos -entre ellos el oscarizado Harvie Krumpet- y una entrevista en San Sebastián.

La historia del ascenso al primer plano de la cultura popular de Bob Dylan se completa aquí con el audiocomentario del director y un making of en cuatro partes.

BRIDGETJONES:LOCAPORÉL

Dir. Michael Morris

Rep. Renée Zellweger, Chiwetel Ejiofor

EE UU / 1990 / Universal / 30 mayo

La cuarta entrega ya de la heroína romántica con la que crecieron las mujeres de la Generación X. Como extras incluye making of, escenas eliminadas y dos featurettes.

ESTE

AMOR

SÍQUEDUELE

Dir. Jonathan Eusebio

Rep. Ke Huy Quan,Ariana DeBose

EE UU / 2022 / Universal / 30 mayo

Papel protagonista para el oscarizado

Ke Huy Qua en otra comedia de acción in昀椀nitamente menos afortunada que Todo a la vez en todas partes Incluye 昀椀nal alternativo.

HOMBRELOBO

Dir. Leigh Whannell

Rep. Christopher Abbott,Julia Garner

EE UU / 2025 / Universal / 30 mayo

Ediciones en todos los formatos, steelbook y audiocomentario del director y el guionista (entre otros extras) para este intento de revitalizar la licantropía pop.

PADDINGTON:AVENTURAENLASELVA

Dir. Dougal Wilson

Rep. Hugh Bonneville, E. Mortimer RU / 2024 / Universal / 30 mayo

Tercera entrega -y, de largo, la más floja también- de la trilogía de cine infantil que adoran quienes algún día se enamoraron de Amelie.Adicionales enfocados también a los críos.

THEBRUTALIST

Dir. Brady Corbet

Rep. Adrien Brody, Felicity Jones EE UU / 2024 / Universal / 30 mayo

Fantástica reflexión sobre los dilemas y peajes del acto creativo a partir de la 昀椀gura (昀椀cticia) de un arquitecto húngaro refugiado en EE UU tras la II Guerra Mundial. Sin extras.

ELDEN RING: NIGHTREIGN

FromSoftware / : PC, PS5,Xbox Series X/S / 30 mayo

Este spin-off de Elden Ring toma elementos de algunas de las tendencias más populares de la actualidad para embutirlas dentro del formato soulsborne, creando así una especie de Dark Souls-Battle Royale enfocado por completo al multijugador. Su mayor reto, más después de haber anunciado su próximo juego como exclusiva de Switch 2, es demostrar que no es un mero cashgrab.

DESPELOTE

Sebastián Valbuena / Julián Cordero : PC 1 mayo

La experiencia de un niño crecido en Quito en el año 2001 hecha videojuego, y adoptando la peculiar forma de un walking simulator repleto de corazón y melancolía.

REVENGEOFTHESAVAGEPLANET

Raccoon Logic Studios Inc. : PC, PS4, PS5,Xbox One,Xbox Series X/S 8 mayo

Parodia futurista y llena de gags cómicos del ultracapitalismo, construida a través de un metroidvania en primera persona irreverente y necesario. Jugablemente una gozada.

THEMIDNIGHTWALK

MoonHood : PC, PS5 8 mayo

Aventura narrativa de fantasía oscura que roza lo terrorí昀椀co y cuya mayor virtud es su fascinante estilo visual en stop-motion. Tiene una pinta espectacular, además de bastante turbadora.

AMERICANARCADIA

Out of the Blue Games : PS4, PS5,Xbox One,Xbox Series X/S, Nintendo Switch 15 mayo

Juego de puzles y plataformas made in Spain lleno de suspense, en el que tendremos que escapar de un reality show a lo El show de Truman

ONIMUSHA2:SAMURAI’SDESTINY

Capcom : PC, PS4, PS5,Xbox One,Xbox Series X/S, Nintendo Switch 23 mayo

Versión remozada -y necesaria- del superclásico samurái de PlayStation 2, antecedente junto a Ninja Gaiden de sagas como Nioh... e incluso de Sekiro

LOSTSOULASIDE

Ultizero Games : PC, PS5 30 mayo

Uno de los proyectos más ambiciosos salidos de la industria de China, pero desarrollado por una sola persona en forma de juego de acción con tintes de Final Fantasy y Devil May Cry. Hay ganas.

VIOLENCEGIRL

Alice Bag / Liburuak / 466 p. / Autobiografía, música

Es una auténtica luchadora, una chica(na) en pie de guerra que se ha convertido en referencia tanto para el punk como para el feminismo más genuino. La propia Alice relata su infancia dura y su refugio en The Bags, una de las primeras bandas de punk en la escena de Los Ángeles, California. Chicana, activista, artista, su talento narrativo refleja la energía que le pone a la vida.

ACONTRACORRIENTE.

LAHISTORIADE4AD

Martin Aston

Contra

736 p. / Música

Cuántasbandas,cuántascarreras vinculadasaestadiscográ昀椀cabritánica.Pixies,CocteauTwins,DeadCan Dance...Historiadelpostpunk.

AGNÈSVARDA

Carlos Tejeda

Cátedra

480 p. / Cine

Nonoscansaremosnuncade recomendaralacineastamástransgresoradelahistoria.Suformadever elmundo,divertida,azarosa,contada conmimo.

ALIADAS

Txell Feixas

Capitán Swing

152 p. / Deporte, Sociedad

LacorresponsalenBeirutnossumergeenlahistoriadesuperacióndeun grupoderefugiadasquehallaunoasisenmediodelin昀椀erno:unacancha debasketdondesísonvencedoras.

ELIMPERIODELA NORMALIDAD

Robert Chapman

Caja Negra

256 p. / Ensayo

Estejovenautorsabe,porquelosufre, cómoselasgastaelcapitalismoconla saludmental.Hallegadoelmomento dequitarlelacaretaalanormalidad.

ESTACUERPAMÍA

Uri Bleier

Alfaguara

296 p. / Novela

EmiliaPérezesunapinchecenicienta alladodeMónica,laprotadeeste novelóncumbiero,enelque Tijuana hueleavicioyseríedependejos comotú.

AQUÍABAJO

Laia Viñas

Colectivo Bruxista

180 p. / Novela

Nohaynostalgiaporquelaautorani siquierahabíanacidoentonces,pero muestraqueserjovenxaquíerayes bakalao,nocheslocasentreamigos, jugarconfuegodeclubenclub,vivir...

ELEXAMINADOR

Janice Hallett Ático de los libros

600 p. / Novela

Estudiantesdifícilesyunaprofesora especialprotagonizanunodelosthrillersdelaño,escritoporladamadel misteriomásenformadelasletras anglo.Nopodrásdejardeleerlo.

AUDICIÓN

Katie Kitamura

Sexto Piso

184 p. / Novela

Enpocasnovelasseparticipatanto comoenesta.Suspersonajespasean ynosllevan,igualqueunacintade Möbius,poruncaminocontinuoy noorientable:elescenariodelavida.

ELPATIO

Thomas Korsgaard

Random House

264 p. / Novela, auto昀椀cción

MediaEuropahabladelnuevoautor revelación,quedesdeunagranja danesanarraporentregas(1de3)lo amargaquepuedeser,hoy,laexistencia.Nolefaltahumor,muydelnorte.

LOSIDÓLATRASYTODOS

LOSQUEAMAN

Adriana Murad Konings

Anagrama

320 p. / Novela

Lamadrileñanosseduceentreperros ygatos,fantasmasysecretosdefamiliaenunacasainquietantedonde nadaparecereal.Menudasorpresa.

LAZORRA

Bora Chung

Alpha Decay

160 p. / Novela fantástica

Fantasía,comediarománticayterror. Ingredientesque,delamanodela autoracoreana,dejanelamorentre uninstructoryunacriaturamitológica envueltoenpuraoriginalidad.

KANIKOSEN

Takiji Kobayashi

Satori

280 p. / Relatos

Encabezadaporsuobramaestra,El cangrejero(Kanikosen),estaantología reúnerelatos-denunciaquetodavía hoysiguenenbogaentrelosjóvenes japoneses.

CARTASAUNAJOVENPOETA

Varias autoras

Demipage

164 p. / Narrativa

Tiembla,Rilke.Vocesnuevasyconsagradas,francófonasydetraductoras españolas,reunidasenunmani昀椀esto depluralidadybellopoderliterario quereplanteaelvalordelofemenino.

UNALANCHAMOTORA

Seli Ka

Cuadernos del laberinto

62 p. / Poesía

Atraparlaverdaddelosmomentos cotidianosresultatareaimposible, peroelintento,hechopoesía,llevaa Selihaciaterritoriosmuyjugosos.Su vozfloreceenlabuenadirección.

CABALLEROLUNADEJEFFLEMIRE

Jeff Lemire, Greg Smallwood / Panini / 320 p. / Color / 35 €

Se pueden contar con los dedos de una mano los fans de una de las mejores series de Marvel, Caballero Luna. Yo soy uno de ellos. No en vano entrevisté al director Mohamed Diab para esta misma publicación. Gran parte de las ideas loquísimas del sanatorio mental salieron de esta brillante etapa del guionista Jeff Lemire y el dibujante Greg Smallwood. 14 números imperdibles.

ANZUELO

Emma Ríos

Astiberri

304 p. / Color / 29 €

TrastrabajarenEEUUparaotros guionistas,EmmaRíosselanzaconsu novelagrá昀椀camáspersonalydelicada sobretresniñosperdidosenunmundodevoradoporlasolasdelmar.

CANARIONEGRO:LOMEJORDE LOMEJOR

Tom King, Ryan Sook

Panini / 32 p. / Color / 2 €

DespuésdemeterlemanoaWonder Woman-sindoblesentido-TomKing selanzaarenovarotropesopesadode DC,laincreíbleCanarioNegro,enuna historiacercanaaRocky

CÓMOSOBREVIVIRENELNORTE

Luke Healy

Nórdica

200 p. / Color / 25 €

Sitegustanlasnovelasgrá昀椀casenlas quesehablayse昀椀losofamucho,Luke Healyestuhombre:traslarecienteLa autoestimayel昀椀ndelmundollegaeste cómicsobrelugaresinhóspitos.

DARKSPACES:INCENDIO FORESTAL

Scott Snyder, Hayden Sherman

Planeta Cómic / 168 p. / Color / 18 €

Unequipodebomberasesperan suoportunidadparadarelgrangolpe: robarunamansiónrepletaderiquezasduranteungranincendio.Ocean’s ElevenmeetsLlamaradas

DR.VÉRTIGO

Martí

La Cúpula

64 p. / Color / 18,90 €

LaCúpulanostraeotrajoyaindómita desuyaindómitocatálogodela revistaElVíbora.Consuestilotan50's herederodeChesterGould,Martí trataelpsicoanálisiscomomuypocos.

THEGROCERY

Aurélien Ducoudray, G. Singelin

Nuevo Nueve

440 p. / Color / 45 €

Singelinyanoshabíafascinadocon aquelspinoffdeMutafukazllamado Lobaloca.ConelguionistaDucoudray vuelveasumergirnosenlosEEUU urbanosmásmarginales.

LOSMICRONAUTAS

Bill Mantlo, Michael Golden Panini

720p. / Color / 80€

TrasRom,Paninirecuperaotrajoya de昀椀nalesdelossetentayprimeros ochenta,quepocagenterecuerda, losMicronautasdeMantloyGolden, basadosenunalínearealdejuguetes.

NOHAYTUMBA

Skottie Young, Jorge Corona

Norma

152p. / Color / 26€

¿YsielpendencieroasesinodeSin perdón,WilliamMunny,fuerauna mujer?Conesepuntodepartida, YoungyCoronanostraenunwestern crepuscularesotéricodealtura.

LAPLAGA

Juan Gallego, Javier Gallego Reservoir Books 128p. / Color / 24,90€

LoshermanosGallego,JavierdeCarne CrudadeguionistayJuanconsusalucinantesdibujos,vuelvenacolaborar enunanovelagrá昀椀casobreproblemascotidianosdelavidamoderna.

LOMEJORDESIMONYKIRBY

Joe Simon, Jack Kirby, Mort Meskin, Bill Draut Diábolo

280p. / Color / 44,95€

TraslaWWII, loslegendariosSimony KirbyfundaronMainlinePublications parainundarlasestanteríasconcómicsdetodotipo.Diábololosrecopila.

HISTORIADELPRÍNCIPEALCAVARÁN

Juan Alcudia, Miguel M. Barbero Madragón Editorial

110 p. / Color / 25 €

Sitegustaelmazmorreomásloco, entreD&DyEldenRing,Alcudiay Barberotienenunapropuestafrescay divertidaconlaslocasdesventurasde Alcaravánenunmundoincreíble.

TUCARTA

Hyeon A Cho

Norma

264p. / ByN / 15,95€

Pocoscómicscoreanosencontrarás quetenganunaversiónanimada anunciada.Historiaderelaciones epistolaresentredosalumnosde secundaria.La昀椀ebremanhwaesreal.

TOKYO ALIEN BROS

ShinzoKeigo

Milky Way Ediciones

224p. / ByN / 9€

Con un sentido del humor similar al de Taiyo Matsumoto de Tekkonkinkreet, Keigo nos habla sobre dos hermanos extraterrestres que tienen que aprender más sobre la vida en el gran Tokio. Si piensas viajar a Japón también te sirve.

FESTIAL!

Complejo Polideportivo Municipal y varios espacios

ALCÁZAR DE SAN JUAN (CIUDAD REAL)

Viernes 23 y sábado 24 de mayo

AMAIA / VIVA SUECIA / DUNCAN DHU

LA CASA AZUL / DELAPORTE / DEPEDRO

BESMAYA / CARLOS ARES / MERINO

ÁNGELA GONZÁLEZ / BAUER / EMBUSTEROS

JORDANA B / LEY DJ

Con la garantía de tener detrás a El Planeta Sonoro -la empresa organizadora de Sonorama-, esta nueva edición de Festial! lo con昀椀rma como una escapada perfecta en este arranque de primavera, aunando música, turismo rural (¡esos molinos de viento!) y coartada gastronómica en una población histórica como es Alcázar de San Juan. De hecho, el festival proporciona la posibilidad de alojarse en camping por 10€ extra que sumar al abono sencillo (70€) o VIP (con acceso a zona exclusiva y descuentos en bebidas. 110€).

En el Complejo Polideportivo, los conciertos arrancan a las 18:30 (apertura de puertas 18:00) y se prolongan hasta las 4:00 h. Habrá una 昀椀esta de bienvenida el jueves 22 en el Auditorio Corazón de la Mancha, y conciertos gratuitos mañaneros tanto el viernes 23 como el sábado 24 en la plaza del Ayuntamiento y la Explanada exterior del Bar Cartelera.

SALAWURLITZER MAYO 2025

CÁLMESESEÑORA+ AGUASINTERNACIONALES

Jueves 1

YOUTHYARD+MATRIARCA Viernes 2

ULTRAMEGA+DEMORALLY+ANALYSIS Sábado 3

THEMOVEMENT Domingo 4

TECHNOPOLICE+COLEGIATA+ SEGGSTAPE+PESSEGOEUVA Martes 6

CARRERABLANCA+LASMOSKITO Miércoles 7

JOHNNYCASINO +THEWILLIAMFOLKNERS Jueves 8

WEAK+ZEROAZUCAR Viernes 9

CORTE!+PRIMA Sábado 10

FESTIVALES

WARM UP

La Fica (MURCIA)

2 y 3 de mayo

M.I.A., Franz Ferdinand, Clapatone, Polo & Pan, Mando Diao, Carolina Durante, Amaia, Baiuca, Zahara, Fat Dog, Niña Polaca, Ralphie Choo, Alcalá Norte, Julieta, Barry B, pablopablo, Shego, Trashi, Teo Lucadamo, Tristán!, Hofe x 4:40, Ultralágrima,....

KALIMA FEST

Complejo Embrujo (GRANADA) 10 de mayo

MVRK, Disobey, Elbugg, Vera GRV, D. Valentino, Casa Pepa, Lucía Reina, DJ Popi, Joan Cortés, Batanero, Sote, DaniBM, Escanez, Chokolate, Serrato, Kratos, Paula García, Maikel Dass.

L.E.V. FESTIVAL

Varios espacios (GIJÓN)

Del 1 al 4 de mayo

El Teatro de la Laboral acoge las actuaciones de Ryoji Ikeda; Katarina Gryvul & Alex Guevara; Pinch & Lorem; Amelie Duchow; YESSi PERSE; Ash Fure. Algunos de los estrenos más esperados tendrán lugar en La Nave de LABoral con las actuaciones de Scanner & Freeka Tet; BABii; Iglooghost; Mun Sing; Cortical. Muséu del Pueblu d’Asturies acogerá como sede al aire libre las actuaciones de la uruguaya Lila Tirando a Violeta, que presenta en primicia su próximo álbum, explorando nuevas dimensiones sonoras con influencias latinoamericanas. El artista Kabeaushé aporta su energía rave y su visión excéntrica de la electrónica. Por su parte, el asturiano Jailed Jaime estrenará Hyperdrive, un trabajo que mezcla electro, jungle y UK garage.El festival cierra esta edición en el Jardín Botánico Atlántico con las actuaciones Dylan Henner y Mizu sumando propuestas que fusionan música, tecnología e investigación sonora. Y esto solo en la parte musical!!! https://levfestival.com

WRONGERAFEST2:JASETHEROCKSTAR +FIASCO+PITIYMEVOY+VIGO +LOTESTALVY Domingo 11

THEREDCROW Miércoles 14

SOUNDISIDRO:SEÑORITATRUENO (FOTO) +SISTEMANERVIOSO Jueves 15

LOSIDIOTAS+ANTIMUMS+LOSPOLICÍA

Viernes 16

CONCIERTOS

ÁLVARO DE LUNA

Cartuja Center. Sevilla. Sábado 3 Movistar Arena. Madrid. Sábado 10

CA7RIEL & PACO AMOROSO

Sant Jordi Club. Barcelona. Martes 7 Movistar Arena. Madrid. Miércoles 28

l0RNA (SOUND ISIDRO)

Clamores. Madrid. Jueves 8

RECYCLED J

Movistar Arena. Madrid. Viernes 9

TATE MCRAE

Palacio Vistalegre. Madrid. Viernes 9

DUA LIPA

Movistar Arena. Madrid. Domingo 11 y lunes 12

LA BLACKIE (SOUND ISIDRO) Clamores. Madrid. Viernes 16

ALEESHA (SOUND ISIDRO) Clamores. Madrid. Sábado 17

ULTRALÁGRIMA (SOUND ISIDRO)

Copérnico. Madrid. Sábado 17

YOUNG MIKO

Movistar Arena. Madrid. Domingo 18

MYKE TOWERS

Movistar Arena. Madrid. Martes 20 y miércoles 21 Bahía Sound. Cádiz. Jueves 22 Coliseum da Coruña. A Coruña. Viernes 23 Marenostrum. Fuengirola. Sábado 24

Palau Sant Jordi. Barcelona. Miércoles 28 y jueves 29 Navarra Arena. Pamplona. Viernes 30 Parking Norte de la Expo. Zaragoza. Sábado 31

LOSPUÑALESDEMARTÍN+THEDOPPLERS Sábado 17

LOWMARCO+DULCEDESGRACIA Domingo 18

TRASMOTH+MADMESS Martes 20

AIEARTISTASENRUTAPRESENTA:RÜDIGER Miércoles 22

BOOMBOOMKID+CÁNDIDA Viernes 23

FIERA+STA Sábado 24

13:00MARLINSOFIE+SINTRONNISON MARILIANSPRESENTABIBLICALSOCCER Domingo 25

THEGEESTRINGS Lunes 26

STEROLIKES#26 Miércoles 28

SPLITSYSTEM+SEGGSTAPE +ABENDMITTAGESSEN Jueves 29

WHORES+HELP Viernes 30

KASVOT+THESTIRRINGS+ANGST/JOY Sábado 31

MARÍA TERREMOTO

Teatro Albéniz. Madrid. Sábado 24

ED SHEERAN

Riyadh Air Metropolitano. Madrid. Viernes 30 y sábado 31

AUDIOVISUALES

FANT 2025

Varios espacios (BILBAO)

Del 2 al 10 de mayo

El festival de cine fantástico, FANT, inaugurará el viernes, 2 de mayo en el Teatro Campos Eliseos su 31ª edición con el estreno en España de la nueva película del director Babak Anvar, Hallow Road, tras su paso por el festival SXSW de Austin. Se trata de un thriller psicológico protagonizado, entre otros, por Rosamund Pike y Matthew Rhys. La Sección O昀椀cial presenta de nuevo una programación diversa y variada en cuanto a subgéneros y países de origen de las cintas se re昀椀ere. Los 19 largometrajes seleccionados se proyectarán en el auditorio de Azkuna Zentroa-Alhóndiga Bilbao y en los cines Golem Alhóndiga. Espantaho (Filipinas, 2024) del cineasta Chito Roño; El instinto (España, 2024) de Juan Albarracín; Freewaka (Irlanda, 2024) dirigida por Aislinn Clarke; Gatillero (Argentina, 2025) de Cris Tapia Marchiori; Giro 昀椀nal (España, 2024) con dirección de Norberto Ramos del Val; Krazy House (Países Bajos, 2024) de Steffen Haars y Flip Van der Kuil; Mads (Francia, 2024) del cineasta David Moreau o Pig That Survived Foot-And -Mouth Disease (Corea del Sur, 2024), de Hur Bumwook, son algunos de los títulos más esperados del presente año. A su vez, la apuesta por los cortometrajes ha sido siempre una de las señas de identidad de FANT desde sus primeras ediciones. Durante una semana, la sección de cortos exhibirá la cifra de 30 títulos, 10 de ellos de producción vasca. El festival se clausurará con la bizarra comedia Timestalker, de la directora y Premio Estrella del Fantástico Alice Lowe https://www.fantbilbao.eus

MADRID EN DANZA

Teatros del Canal / MADRID / Del 8 de mayo al 1 de junio

EL FESTIVAL CELEBRA SU EDICIÓN NÚMERO 40 CON 25 ESPECTÁCULOS DE CINCO PAÍSES Y UN RECUERDO A ARTISTAS Y OBRAS DESTACADAS DE SU TRAYECTORIA

Figuras destacadas de la escena internacional como Angelin Preljocaj, Mette Ingvartsen, Alexander Vantournhout presentarán sus espectáculos. Se recuperarán piezas de éxito como Le Sacre du printemps de Marie Chouinard o la memorable rave de Gisèle Vienne: Crowd. Es la ocasión ideal para ver el #INCUBATIO Circumambulatio de la Compañía Nacional de Danza (en la foto).

PLAY DOC

Varios espacios (TUI, PONTEVEDRA)

Del 7 al 11 de mayo

El Festival Internacional de Cine de Tui vuelve a apostar con fuerza por el cine hecho en Galicia. Un año más, Play-Doc se consolida como un espacio de referencia que reúne a distintas generaciones de cineastas, combinando el trabajo de nombres reconocidos con nuevas voces emergentes.Hay ganas de ver el último trabajo de Carla Andrade, Nayan, o Deuses de pedra, de Iván Castiñeiras. Además de presentar las películas recientes que formarán parte de la Competición Galicia, el festival dedica también un espacio a proyectos en distintas fases de desarrollo, así como a la recuperación de voces desconocidas: pioneros del cine gallego que, como en esta ocasión, 昀椀lmaron por a昀椀ción y cuya obra rara vez ha tenido lugar en los circuitos habituales de exhibición y estudio. https://www.play-doc.com

DOCUMENTA MADRID

Varias sedes (MADRID)

Del 6 al 11 de mayo

La no 昀椀cción y mayo tienen su gran cita anual en la ciudad, y van 22. Documenta se rea昀椀rma en su compromiso con el cine como espacio de reflexión, memoria y experimentación. La programación -que se desplegará en Cineteca Madrid como sede principal, y en el Museo Nacional Centro de Arte Reina

Sofía, Filmoteca Española, la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid (ECAM), La Casa Encendida y Fundación Casa de México- propone un viaje cinematográ昀椀co por realidades diversas, lenguajes audaces y narrativas que desafían lo convencional. Las películas de la Competición Internacional exploran formas de habitar el mundo a través del cine. Ejemplos: 7 promenades avec Mark Brown (7 paseos con Mark Brown), de Pierre Creton y Vincent Barré, convierte una caminata botánica en una reflexión sobre la belleza natural. En Another Other, de Bex Oluwayotin Thompson, se yuxtaponen imágenes de 昀椀cción y discursos reales para denunciar la represión ideológica. En la Competición Nacional, la naturaleza también está presente en Pneuma, de Adrià Expòsit-Goy, que propone una experiencia sensorial en el bosque. Y en las secciones especiales, TWST: Things We Said Today, del cineasta Andrei Ujică, aborda la llegada de los Beatles a Nueva York como reflejo de una América convulsa. https://www.documentamadrid.com

DOCS BARCELONA

Varias sedes (BARCELONA) Del 8 al 18 de mayo

Mucho y bueno. Es la sensación que generan los 48 títulos que podrán disfrutarse de la próxima entrega del festival, la 28ª edición. Giran en torno a tres grandes líneas. La primera tiene que ver con Europa:

de dónde venimos, dónde estamos y hacia dónde vamos. El certamen abrirá sus puertas el jueves 8 de mayo a las 19:30 en la Sala Phenomena de Barcelona con Riefenstahl. Según la directora artística y jefa de programación del DocsBarcelona, Maria Colomer, "las películas seleccionadas no ofrecen respuestas fáciles, sino que invitan a reflexionar sobre las contradicciones de nuestra historia y nuestro presente", y además de la cinta inaugural, vincula dos títulos, Facing War o Yalla Parkour a esta tónica reflexiva. La segunda línea apuesta por el documental como forma artística. Ahí se ubican obras como Unanimal (de Sally Jacobson y Tuva Björk) o La memoria de las mariposas (de Tatiana Fuentes Sadowski). Y el tercer eje estará dedicado al archivo como herramienta creativa, con títulos como Trains (de Maciej J. Drygas), ganadora del IDFA, o Ernest Cole: Lost and Found (de Raoul Peck). https://docsbarcelona.com

ARTES ESCÉNICAS

FIP 2025

Varios espacios (GRANADA)

Del 5 al 9 de mayo

El Festival de Poesía de Granada es uno de los eventos culturales más destacados en España dedicado a la literatura, con repercusión global. Reúne tanto a poetas nacionales como internacionales que ofrecen recitales en diferentes espacios de la ciudad, creando un ambiente íntimo y enriquecedor para los amantes de la poesía. Además de las lecturas, se suelen organizar talleres, charlas y encuentros con autores, dirigidos a diferentes públicos. El festival busca acercar la poesía a la ciudadanía, promoviendo la participación activa y el diálogo entre poetas y oyentes. ¿En qué nos 昀椀jamos? El día 5 hay un taller de poesía y rap con Sara Socas, presentado por Lena Carrilero. El día 6, un homenaje A Ernesto Cardenal. Intervienen: Aitana Monzón, Andrés París y Daniel Rodríguez Moya. Presenta: Juan de Dios Villanueva Roa. O el del día 8, un taller de Poesía y música con Julia Medina y Elsa Moreno en conversación con Adriana Moragues. El entorno es envidiable. https://www.昀椀pgranada.com

EN OTRAS PALABRAS

CaixaFórum (VALENCIA)

Desde el 13 al 25 de mayo

Como dice Kuki Keller, "a las 昀椀estas se llega hablao". Salvo que el evento sea sobre la palabra, donde tardeo poético, conciertos y charlas centran todo el protagonismo en las voces invitadas: diálogos entre Leila Guerrero y Pol Guasch (día 15), Nacho Vegas y Hans Laguna (día 17), Enrique Vila Matas y Marta Carnicero (día 22), Ede y Berta García Faet (día 24), se verán enriquecidos por conciertos o intervenciones solitarias, como las de Joan Amargós o nuestra querida Astrid Sonne. De este evento, como mínimo, sacarás conversación para tu próxima 昀椀esta, aunque lo mejor sería que siguieras el consejo de Kuki y bailases. https://caixaforum.org

ICEBERG

Teatro Tantarantana (BARCELONA)

Hasta el 11 de mayo ¿Estás preparadx para algo así? Es duro, pero merece la pena, porque no se suele hablar de esto, y un escenario permite contemplar y pensar sobre el asunto. Hay música, acción y palabras duras. Siete jóvenes en el escenario explican, a través de diferentes escenas, las problemáticas derivadas de los conflictos sociales y estructurales que afectan directamente a la salud mental de la juventud. A partir de la danza, el texto, las proyecciones, la música tecno y la performance, las intérpretes construyen un iceberg alegórico que acaba evidenciando la problemática actual del suicidio juvenil. Una propuesta que adopta un carácter crítico y social para oscilar entre la comedia más sarcástica y el drama más profundo. Es el retrato de una sociedad que vive de espaldas a sus propios síntomas. Es realidad cruda, catártica. Muy provechosa. Una obra de Les Heyvan dirigida por Carla Abulí y Genís Lama https://tantarantana.com

CON UN CARTEL QUE TRAZA LÍNEAS CADA VEZ MÁS INVISIBLES ENTRE LA ELECTRÓNICA, EL POP, EL FLAMENCO, EL ROCK O EL PUNK, QUE APUESTA POR LAS NUEVAS PROMESAS -Y REALIDADES- DEL PANORAMA MUSICAL TANTO COMO POR UNA NOSTALGIA SIEMPRE ACTUALIZADA, Y QUE PONE AL MISMO NIVEL LO INTERNACIONAL Y LO NACIONAL, EL FESTIVAL TOMAVISTAS VUELVE A LA CAJA MÁGICA DE MADRID DEL 29 AL 31 DE MAYO.

EUFORIA ELECTRÓNICALUJO IBÉRICO

Caribou con su último disco, Honey, una especie de resurrección lumínica; Kelly Lee Owens con el panorámico y extrovertido Dreamstate; el regreso a los escenarios madrileños de la oniria paisajística de Kiasmos -el proyecto más pistero de Ólafur Arnalds-, o el hedonismo remember de Romy de The xx marcan una edición de Tomavistas que te vas a bailar.

ENTRADAS

Sigue el QR y consulta las distintas opciones de abono: abono general desde 125€ + gastos, abono de dos días desde 100€ + gastos y entradas de día desde 55€ + gastos. También disponibles opciones para menores de edad por tramos y personas con movilidad reducida.

Mala Rodríguez dará en Tomavistas un concierto especial por el 25 aniversario de su rompedor debut, Lujo ibérico. Buena forma de de昀椀nir otras propuestas del festival que cuentan sus giras por llenazos: Amaia, Judeline, María José Llergo, Barry B, pablopablo, Viva Belgrado, Biznaga, La Élite, Carlos Ares, Carlangas, Depresión Sonora... 100% bellota.

PARIDAD Y VARIEDAD PARA TODOS LOS PÚBLICOS

Si por algo se caracteriza el cartel de Tomavistas en 2005 es por su apuesta por las mujeres como cabezas de cartel: Romy, Amaia, Judeline, la Mala o Kelly Lee Owens encabezan una propuesta paritaria en la que Jimena Amarillo, Ganges, Xenia, Maika Makovski, María José Llergo y Las Dianas, y bandas mixtas -Trashi y Frente Abierto- casi empatan en presencia con sus compañeros masculinos. Esta apertura se traduce también en el rango estilístico del festival -del pop a la electrónica pasando por el rock, el punk y el flamenco- y en su abanico de edades: de clásicos como Mogwai a chavales como Barry B, pasando por Caribou.

EL CLÁSICO CICLO DE CONCIERTOS MADRILEÑO, DESDE EL JARDÍN BOTÁNICO DE LA UNIVERSIDAD COMPLUTENSE, REGRESA OTRO AÑO PARA PONER BANDA SONORA

A LAS NOCHES VERANIEGAS DE LA CAPITAL. ENTRE JUNIO Y JULIO, DISFRUTA PRÁCTICAMENTE EN PETIT COMITÉ DE UNA RIQUÍSIMA PROGRAMACIÓN DIARIA PRÁCTICAMENTE ININTERRUMPIDA CON MÁS DE SETENTA CONCIERTOS, QUE RECORREN EL AMPLIO ESPECTRO DE LA MÚSICA CONTEMPORÁNEA EN TORNO A ALGUNAS DE LAS FIGURAS CLAVE DE LAS MÚSICAS DEL SIGLO XX Y EL SIGLO XXI.

Sevdaliza / Wasia Project / 16 jun

Aún por publicar el disco que, presumiblemente, la con昀椀rmará como una estrella del pop de vanguardia mundial, la artista iraní sigue envuelta en una interminable gira que no deja de evolucionar para integrar todos los sonidos, extremos pero irresistibles, con los que Sevdaliza coquetea. A ella se une el dúo de jazz pop británico Wasia Project, formado por Olivia Hardy y el actor William Gao: presentarán sus dos EPs -y quizá debut- con banda completa.

Ha*Ash / Allison / 29 jun

Una jornada, la del 29 de junio, con sabor chicano: el dúo mexicoestadounidense

Ha*Ash -Hanna Nicole y Ashley Grace-, que a lo largo de dos décadas se ha convertido en toda una institución del country pop en castellano y que ha colaborado con Brandi Carlile, protagoniza esta jornada en la que la intensidad la aportan, en clave rockera, Allison. El cuarteto mexicano, algo así como los Weezer del Distrito Federal, ha experimentado el éxito en EEUU acompañando a artistas a昀椀nes como Fall Out Boy, Bring Me The Horizon o Paramore, y también ha atravesado algún hiato, pero ahora están viviendo una especie de madurez merecida, dando conciertos acústicos, recuperando la intensidad. Y preparando un nuevo álbum del que seguro tendremos más pistas tras su paso por Noches del Botánico.

Una leyenda. Sin más. La reina del funk ya dejó huella en los 70 al frente de Rufus, de los que se despidió con la inconmensurable Ain’t Nobody, y despegó su carrera en solitario con el himno I’m Every Woman. Su legado, vivo, ha sido fundamental para la fundación del hip hop y del house en Chicago. Eterna es poco.

Maxwell / Aloe Blacc / 9 jul

El neoyorquino Maxwell -Gerard Maxwell Rivera- fue uno de los actores principales, junto a D’Angelo, The Fugees, Erykah Badu o Tony Rich, de la revolución que vivió el soul a 昀椀nales de los noventa gracias a un trabajo que todavía hoy resuena: Maxwell’s Urban Hang Suite (1996). Aloe Blacc -Egbert Nathaniel Dawkins III-, por su parte, fue en los 2010 uno de los que le tomó el testigo del neo soul gracias al éxito de Lift Your Spirit (2013), que coincidió además con el pelotazo de Wake Me Up, con Avicii. Ahora llegan los dos compartiendo cartel a Madrid: Maxwell envuelto en The Serenade Tour, y Blacc con nuevo álbum bajo el brazo, Stand Together

ENTRADAS Y PROGRAMACIÓN

Consulta la programación completa de Noches del Botánico siguiendo el QR, y escoge los conciertos que más te gusten. Cada uno tiene precios diferentes y múltiples opciones, ¡así que busca bien y ajústate a lo que más te apetezca!

La legendaria agrupación de hip hop y jazz de Filadel昀椀a, The Roots, responsables del fundamental Things Fall Apart (1999) y banda o昀椀cial del show de Jimmy Fallon, regresa a España en una ocasión única para demostrar que hay pocos como ellos. A Questlove y Black Thought se une en la jornada del 1 de julio Tori Kelly, cantante y compositora estadounidense especializada en pop soul que ha alcanzado gracias a TORI. (2024) un nuevo nivel de repercusión en su carrera. Lo presentará en directo con banda al completo.

Chaka Khan / 23 jun

The Roots / Tori Kelly / 1 jul

PHotoESPAÑA 2025

Varios espacios / MADRID / Del 30 de abril al 14 de septiembre APRENDE, PARTICIPA, VISITA ALGUNO DE SUS ESPACIOS. HAY IMÁGENES PARA TODOS LOS GUSTOS. EN PHotoESPAÑA, LA FOTO NO ES MÁS IMPORTANTE QUE LA FORMA DE MIRARLA.

Un total de 103 exposiciones y la aportación de 360 fotógrafos y artistas visuales componen la programación de esta edición del PHE. La evolución histórica de la práctica fotográ昀椀ca y su relevancia frente al entorno social, político, histórico y cultural, no solo como documento, sino también como herramienta creativa ante momentos de incertidumbre, son algunos de los temas que explorará la nueva edición del festival.

ORLANDO

Teatro María Guerrero (MADRID) Del 25 de abril hasta el 8 de junio Once intérpretes, entre ellos, Laia Manzanares, Abril Zamora, Nao Albet o Alberto Velasco, dan vida sobre las tablas a la historia de uno de los personajes de 昀椀cción más icónicos y deslumbrantes de la literatura, Orlando, que vive 300 años y una noche se acuesta y, por la mañana, se levanta transformado mágicamente en mujer. “Same person. No difference at all. Just a different sex”. Virginia Woolf retrataba así a su Orlando, protagonista de su novela homónima que el Centro Dramático Nacional lleva ahora sobre las tablas con dirección de Marta Pazos y dramaturgia conjunta de la creadora gallega y Gabriel Calderón. La dimensión plástica y 昀椀losó昀椀ca de Marta Pazos arriesga de nuevo y se tiñe aquí de verde croma, el color que habla de la posibilidad de lo narrativo, premisa que la creadora explora con este nuevo montaje. Pazos investiga y explora los límites de la escena fusionando diferentes lenguajes artísticos y estéticos para ofrecer una experiencia que trasciende el tiempo y el espacio. Laia Manzanares interpreta al personaje protagonista de esta historia. Para la actriz, “Orlando es una persona que experimenta vivir en diversas épocas y desde ambos géneros para con昀椀rmarnos que el género es un constructo que afecta a cómo nos relacionamos en y con el mundo pero no cómo nos sentimos. A pesar

de los cambios, Orlando siempre es Orlando”. Esta vez, el montaje contemporáneo no pierde la esencia de la obra clásica. https://dramatico.inaem.gob.es

LA FURA DELS BAUS: CARMINA BURANA

Teatre Tívoli (BARCELONA)

Del 20 de mayo al 1 de junio

Imagina una experiencia única que combina la intensidad de la música clásica con una puesta en escena visualmente impactante y llena de energía. La Fura dels Baus te invita a sumergirte en Carmina Burana, un espectáculo que despierta todos tus sentidos, donde la pasión, la teatralidad y la fuerza de la música se fusionan en una propuesta irresistible. Es una oportunidad para dejarte llevar por una atmósfera vibrante y seductora, que te hará sentir vivo y conectado con cada nota y cada imagen. Sobre el escenario, un gran cilindro de diez metros de diámetro envuelve literalmente a la orquesta, mientras unas imágenes proyectadas sobre él ilustran toda la obra. Una luna gigante, el deshielo, cascadas de agua, un éxtasis floral, una vendimia en directo, vino, agua y fuego… El Carmina Burana de La Fura dels Baus es un espectáculo sensorial, musical y teatral, vital y enérgico, que ya ha sido visto por más de 410.000 espectadores en Europa, Asia y América. Carlus Padrissa, miembro fundador de La Fura dels Baus, ha concebido un Carmina Burana trepidante donde el

espectador, a través de impactantes escenas, efectos especiales e incluso fragancias primaverales, se sumerge de lleno en el universo de La Fura dels Baus. En 1936, el compositor Carl Orff convirtió en una famosa cantata escénica un conjunto de poemas medievales, y esa composición musical ha llegado a ser muy popular por su energía y expresividad. Pero esto es mucho más que música.

https://www.balanaenviu.com

VAGABUNDUS

CCC CONDEDUQUE (MADRID)

21 y 22 de mayo

No hace falta mucho para llegar a la esencia del baile, del canto. Cantar y bailar. Son las dos capacidades en las que el coreógrafo mozambiqueño Idio Chichava cree que reside una condición humana natural olvidada. Por eso en Vagabundus, el espectáculo para 13 insólitos bailarines-cantantes que ha montado con su compañía Converge+Dance, no hay diseño de trajes, efectos especiales, golpes de efecto lumínicos ni otra cosa que no sean 13 cuerpos que cantan y bailan. En su propuesta, la dimensión emocional lo ocupa todo y la consigue con esos cuerpos que no dejan de moverse al ritmo de las canciones populares que ellos mismos entonan. https://www.condeduquemadrid.es

EXPOSICIONES

ART PHOTO BCN

Disseny Hub (BARCELONA)

Del 23 al 25 de mayo Feria, visionados, talleres, actividades y Photobook market hacen que este festival fotográ昀椀co se haya consolidado como un punto de encuentro clave para artistas, galerías, coleccionistas y profesionales en la ciudad condal. Art Photo Bcn sigue apostando por propuestas innovadoras con la continuidad de espacios como Taché Art Gallery, que exhibe una relectura contemporánea de Walter Benjamin a través del trabajo de Sanspi; y Pigment Gallery, con la impecable obra de Haidé Costa. Además, participan un año más PH21 Gallery con Fern L. Nesson, y Carlos Caamaño, que presenta a Mafe Rivera, una artista que lleva la tradición fotográ昀椀ca a un nuevo nivel de producción artesanal. Imaginart Gallery ofrece una mirada reivindicativa mediante tres importantes autoras: Rada Akbar, Zanele Muholi y Rosalía Bronstein. Disfrutaremos también de la obra de Peter Pflügler, quien dispondrá de un espacio propio de exposición tras haberse hecho con el galardón principal de los Visionados Art Photo Bcn de la XI edición con su conmovedor proyecto Now is Not the Right Time. Su obra explora temas como el silencio, los secretos y las dinámicas familiares desde una perspectiva íntima, pero con gran impacto visual.

https://artphotobcn.com

¡ESO NO ES CÓMIC! IVAM (VALENCIA)

Desde el 16 de mayo al 9 de noviembre Bueno, ya imaginaréis que los fanzines no son cosa nueva, pero siguen taaan vivos... Los fanzines constituyen el primer paso de atrevidas propuestas desde las que resquebrajar el molde establecido. El lenguaje del cómic ha encontrado en la experimentación formal un aliado para la evolución constante. Durante los últimos años no sólo se ha investigado el estilo grá昀椀co desde el fanzine: las temáticas se han abierto radicalmente a todo tipo de aportaciones que han permitido la entrada de innovadoras visiones, alejadas de imposiciones narrativas. Esta exposición, comisariada por Álvaro M. Pons y Noelia Ibarra (Cátedra de Estudios del Cómic Fundación SM-UV) no sólo intenta ofrecer una panorámica de estas nuevas posibilidades expresivas gestadas en el fanzine a través de la obra de más de cuarenta autores y autoras, sino también explorar las dinámicas creativas que están dando lugar a estos cambios y hallazgos.

https://ivam.es

PROTOTIPOAK

Azkuna Zentroa - Alhóndiga (BILBAO)

FOTO: AYANA V. JACKSON

Del 27 al 31 de mayo

La Bienal Internacional de Nuevas Formas Artísticas de Azkuna Zentroa es el encuentro de creadoras y creadores que, desde diferentes miradas y procedencias, proponen otras formas de experimentar la cultura contemporánea, de ver y vivir el arte desde todos los sentidos para generar relaciones, conocimientos, recuerdos y vivencias compartidas. Aunque se visibiliza la última semana de mayo, Prototipoak Bilbao ha empezado meses antes y algunos proyectos seguirán activos a lo largo del año. La Bienal de 2025 se conforma con los proyectos multidisciplinares de: Luz Broto, hablarenarte & Christian Fernández Mirón, Orangconsong, Dimitri De Perrot, Ça Marche, Chiharu Shiota, Lore Stessel, Hanna Tuulikki y Héctor Zamora. A través de sus propuestas, la mayoría site-speci昀椀c, invitan al público a adoptar una relación sensible con el mundo y la naturaleza desde la empatía, el asombro, la curiosidad, el extrañamiento, el desasosiego, el deseo, lo sensorial… Son trabajos que trascienden, expanden y diluyen los límites de las disciplinas artísticas a través de las acciones performativas, el teatro, la fotografía o las artes visuales. https://prototipoak.azkunazentroa.eus

IT'S PLAYTIME

Centre Pompidou (MÁLAGA)

Hasta febrero de 2026

No es fácil saltar a París para disfrutar de las últimas semanas abiertas al público del emblemático centro cultural (entra en reformas que llevarán años), pero el salto a Málaga puede ser una buena alternativa, y os permitirá conocer esta divertida expo. It’s Playtime! es una instalación inmersiva de la artista neerlandesa Guda Koster, compuesta por siete coloridas esculturas-juego. Las piernas de los maniquíes se combinan con formas geométricas y grá昀椀cas, ocultando determinadas partes del cuerpo. El público se ve envuelto en un universo alegre, a veces inquietante, pero siempre enigmático. El dispositivo

SALA BERLANGA

Programación de mayo 2025

Madrid

Cicloaudiovisual:Cuentosdehadas

Actividadparalelaalestrenodelaópera'El cuentodelzarSaltán'enelTeatroRealde Madrid

Del 1 al 3 de mayo

19h y 21h

Entradas: 3,50 euros

Cicloaudiovisual:Thrillerrural

Del 6 al 10 de mayo

19h y 21h

Entradas: 3,50 euros

Cicloaudiovisual:Cine昀椀liasyhomenajes

Del 15 al 17 de mayo

19h y 21h

Entradas: 3,50 euros

está concebido como un terreno de experimentación destinado al público joven. Las esculturas ofrecen un sinfín de posibilidades, desde reptar y trepar hasta interactuar con lo visible y lo invisible. Los textiles permiten jugar con la luz y las sombras, al escondite y a transformarse con los disfraces. https://centrepompidou-malaga.eu

ROBIN KID : THE FUTURE IS OLD MOCO (BARCELONA)

Hasta el 25 de mayo Todavía quedan unas semanas para disfrutar del trabajo de uno de los artistas de moda en el mundo del arte pop actual. Igualmente amado por coleccionistas y visitantes de importantes instituciones en todo el mundo, desde Le Grand Palais en París hasta el Museo del Siglo XXI en Chicago, ROBIN KID (alias THE KID) es un ciudadano del mundo y una presencia realmente impactante en la evolución de la escena artística contemporánea. Nacido en 1991 y de ascendencia holandesa, THE KID es un artista contemporáneo neo-Pop multidisciplinar y autodidacta. Su obra secuestra una variedad de imágenes sociales, políticas y tradicionales del pasado y presente, extrayendo intuitivamente del mundo de la publicidad, internet, la televisión y recuerdos de la infancia. ¿El resultado? Narrativas visuales provocadoras que cuestionan nuestro mundo polarizado del siglo XXI y la delgada frontera entre la inocencia y la corrupción que enfrenta la Juventud de hoy. https://mocomuseum.com

MMMAD

Varios espacios (MADRID)

Hasta el 24 de mayo Sexta edición para un festival que combina magia y tecnología, Abracadabraaaaa, innovación y arte, sorpresas, emociones, espacios de convivencia, molestias y agrados. Este año, su programación contará con tres exposiciones, cuatro performances y cinco talleres, además de obras de arte digital en pantallas

repartidas por toda la ciudad. MMMAD pretende acercar el arte digital al público general a través del desarrollo de acciones en el espacio público, al aire libre; innovar en los formatos y espacios para el arte digital, creando experiencias híbridas entre los mundos físicos y digital que escapan de los formatos convencionales. Entre las artistas de esta edición 昀椀guran Alejandría allapopp Candela Capitán Carles Castaño Common Accounts Guerreiro do Divino Amor, Lolo&Sosaku, MANS O + Joan Sandoval, Mayte Gómez Molina, Meritxell de Soto, PATIO studio (Johanna Jaskowska, Yuri Rodriguez, Felina HDB, Carlos Ojeda, Rune Bering, Simone C Niquille, Sputniko! y YESSi PERSE https://mmmad.art

INTENTO DE BRILLAR

La Mur Photo Gallery (MADRID) Hasta el 17 de mayo

Como explica el subtítulo de esta muestra fotográ昀椀ca, he aquí un breve ensayo sobre el parecer exterior y el padecer interior, o dicho de otro modo, una intención de encontrar un territorio habitable entre lo que se padece y lo que aparece. El proyecto de Eva Casanueva fue desarrollado durante más de diez años como fruto de un proceso de duelo tras el diagnóstico de una enfermedad. La construcción de este cúmulo de imágenes operó no sólo como compañera de la incertidumbre y el sufrimiento, sino también como a昀椀rmación de una identidad concreta, compleja y vulnerable que reclama su derecho al dolor, al placer, al miedo y al descaro. Finalmente, este ensayo visual se ha convertido en una exposición instalativa y un fotolibro diseñado por Javi al Cuadrado La muestra contiene 18 obras de diferentes formatos y ofrece una mirada experimental al medio fotográ昀椀co. Impresas en lonas y suspendidas del techo, las piezas transforman el espacio en un laberinto que simula el recorrido por el proceso de reconstrucción de la identidad de la propia artista. https://lemurgallery.com

Lecturadramatizadade‘Primerasangre’ deMaríaVelasco

PorlosalumnosdeTAI,obraganadoradelPremioNacionaldeLiteraturaDramática2024 20 de mayo

Consultar horarios

Entrada libre previa inscripción

Festivaldecortometrajes:SGAEen Corto2025 21 y 22 de mayo 19h y 20.30 horas

Entrada libre hasta completar aforo

Ciclodeconciertos:FarOutJazz

ConManuelBorrazGroup,MartaSáncheza dúoconRománFiliú,JavierMorenoQuinteto CapitalyMBMTrío+PelayoArrizabalaga 23 y 24 de mayo 20 horas

Entradas: 6,50 euros

MAINLINE MAGIC ORCHESTRA

Desde que empezaron un poco como el brazo musicalmente armado del colectivo ampurdanés Mainline incendiando distintos Primavera Weekender (DEP) con alocadas y originales performance, la Magic Orchestra se ha consolidado como el supergrupo house más bizarro y divertido de la escena. Harri Potter, su debut, lanzado el año pasado, sirve para acercarse a su desternillante universo 昀椀estero, para hacerse a la idea de su maratón deep, pero ni puede ni pretende compararse con la energía que desprenden sus presentaciones en vivo, verdadero lugar comunional para esta secta del hedonismo clubero que adora a los corderos sagrados de Chicago, de Detroit, de Berlín y del UK Bass. Cuando uno entra en el club Mainline no sabe ni cuándo ni cómo va a salir, pero sí que entre medias habrá un gabinete de curiosidades, bizarrerías y payasadas de los que no se olvidan. Quizá también de los que solo se cuentan a medias.

PROGRAMACIÓN ARTISTAS

ELNIÑOLORD.CAH

viernes 2 mayo

J&J / Granada

viernes 16 mayo

El Veintiuno / Huesca

EMILIAYPABLO

viernes 9 mayo

Café Teatro Rayuela / Tenerife

SPACESURIMI

viernes 9 mayo

Garaje Beat / Murcia

MARILIAMONZÓN

sábado 10 mayo

La Yesería / Murcia

EN RUTA

RÜDIGER MARILIA MONZÓN

ELNIDO

sábado 17 mayo

El Corral de las Cigüeñas / Cáceres

viernes 23 mayo

Dabadaba / San Sebastián

viernes 30 mayo

La Lata De Bombillas / Zaragoza

YELIYELI

sábado 17 mayo

La Yesería / Murcia

RÜDIGER

jueves 22 mayo

Wurlitzer Ballroom / Madrid

viernes 23 mayo

Black Bourbon / León

sábado 24 mayo

Avalon Café / Zamora

BALA 23 mayo

Malandar / Sevilla

MAINLINEMAGIC ORCHESTRA

viernes 23 mayo

MAYO 2025

Mondo / Vigo

sábado 24 mayo

Playa Club / A Coruña

TOC

viernes 23 mayo

Sala Z / Zaragoza

EL NIDO

MISS VAN Twin Gallery (MADRID)

Hasta el 24 de mayo

Miss Van es una artista reconocida por su trabajo y su singularidad en el arte callejero. Es famosa por sus pinturas de 昀椀guras femeninas sensuales y misteriosas, que suelen aparecer en murales y paredes de ciudades internacionales como si fueran hadas. ¿Te has topado con alguna? Su obra combina elementos del arte urbano con un toque artístico más delicado, lo que crea un contraste interesante y atractivo. La artista francesa muestra por primera vez en una galería de Madrid sus musas desnudas, delicadas y potentes, conectadas con animales salvajes que representan lo masculino. Su obra es un mani昀椀esto de libertad creativa.

FOTO: MISS VAN. INDOMABLE I