East End Dubs - Mixmag Spain #29

NÚMBERO #29

Bienvenidos a Mixmag #29

En este caluroso (y divertidísimo) verano tenemos el enorme placer de recibir en nuestra portada a East End Dubs, un artista que ha sabido evolucionar sin perder su esencia, llevando su sonido underground a las pistas más grandes del mundo con EASTENDERZ, una plataforma que hoy es mucho más que una fiesta: también es uno de los sellos más respetados de la escena, reconocible por el característico marmoleado de sus vinilos y por ese groove inconfundible que define cada uno de sus lanzamientos.

EED está a punto de publicar un nuevo álbum que refleja una evidente madurez artística. Un trabajo pensado para la pista de baile, probado alrededor del mundo frente a públicos muy distintos y refinado hasta encontrar el equilibrio perfecto entre profundidad y efectividad.

Siguiendo con las entrevistas, en esta edición compartimos conversaciones realmente interesantes.

Hablamos con el italiano Luigi Tozzi, quien acaba de publicar Deep Blue Vol. 4, un álbum de ambient que mantiene la conexión con sus trabajos anteriores, aunque prescinde por completo de la percusión para dejar que las atmósferas submarinas tomen el control.

También conversamos con Mariiin, la DJ y productora afincada en Reino Unido que ha conquistado las pistas europeas con un sonido que se mueve con naturalidad entre el techno y el house; con Orbe, productor algecireño que ha construido una identidad sonora propia lejos de los focos habituales de la escena; y con Shkedul, fundador de NORD LTD, cuya reputación es tan sólida como sus lanzamientos. Su reciente doble LP, UX-MENTALE, se agotó en apenas unos días.

Charlamos con Ellen Allien sobre New Life, su nuevo álbum editado en BPitch, el origen del proyecto, la evolución del techno y el presente de la cultura club.

Y hablando de nombres imprescindibles, Luciano también ocupa nuestras páginas. Uno de los artistas más respetados de la escena electrónica mundial repasa una carrera construida a base de constancia, evolución y equilibrio después de décadas recorriendo el planeta.

Ahora nos vamos hacia otro universo. Si lo tuyo es la electrónica más experimental, no te puedes perder la entrevista a William Basinski, uno de los compositores de vanguardia más importantes de los últimos veinticinco años. Autor de The Disintegration Loops, una obra ya imprescindible que forma parte del archivo permanente del Museo Nacional del 11-S de Nueva York.

En La Voz de la Industria entrevistamos a Fabiola y Marco, dos de las personas encargadas de dar vida a Polifonic Festival, un encuentro de cinco días en el corazón de Puglia que demuestra que la personalidad, el cuidado por el entorno y una programación coherente siguen siendo capaces de crear una experiencia realmente especial.

Además, dedicamos un interesante artículo al fenómeno de los festivales boutique, explorando por qué cada vez más público y artistas buscan experiencias más íntimas, cuidadas y alejadas del modelo de los grandes macroeventos.

En nuestra sección Cómo Produzco, la madrileña Emi Koto nos abre las puertas de su proceso creativo y comparte cómo construye su particular universo sonoro.

También ponemos a prueba el nuevo Union Audio ELARA.6, un mixer diseñado por Andy Rigby-Jones, el ingeniero responsable de clásicos como la Xone:92, la PLAYdifferently Model 1 y muchos otros equipos que han marcado la historia del DJing.

Y, como siempre, encontrarás nuestra selección de críticas musicales para descubrir algunos de los lanzamientos más interesantes que han aparecido durante el último mes.

Gracias por acompañarnos una edición más. Esperamos que disfruten estas páginas tanto como nosotros disfrutamos haciéndolas.

Federico Cortina

Director

STAFF MIXMAG SPAIN

DIRECCIÓN:

Federico Cortina

REDACCIÓN:

Borja Comino

Federico Cortina

Juanma Molina

Guillermo Cimadevilla

Marian Ariss

Mixmag Spain no se responsabiliza de las imágenes y opiniones vertidas

DISEÑO: Maf Rodríguez

Federico Cortina

DIRECCIÓN CREATIVA: Carlos Pego

MÚSICA: editor@mixmag.es

DEP. COMERCIAL:

Borja Comino campaigns@mixmag.es

Bits Beats

Polifonic Festival

Luciano Shkedul

Luigi Tozzi

Tech: Union Audio - Elara.6

Ellen Alien East End Dubs

Mariiin Orbe

William Basinski

Festivales Boutique

Cómo produzco: Emi Koto

Reviews Álbumes por Bruno Garca

Reviews Ambient & Downtempo por Guillermo Cimadevilla

Reviews Breaks por Eduardo Carbonell

Reviews Drum & Bass por Olga Casas

Reviews House por Francisco Perez

Reviews Melodic House & Techno por Marian Ariss

Reviews Techno por Facundo

Reviews Hard Techno por Alejandro Serrano

bits beats

Teenage Engineering lanza la mesa de mezclas y grabadora portátil ‘TX-6’ con actualización de firmware multitrack

La firma sueca ha consolidado la estabilidad de su ultra-compacta mesa de mezclas TX-6 mediante su última revisión de firmware. El dispositivo ahora permite la grabación directa de 6 canales de audio estéreo (o 12 mono) a 24-bit/48kHz directamente a una unidad flash USB externa sin necesidad de ordenador, optimizando además el mapeo MIDI inalámbrico vía BLE (Bluetooth Low Energy).

+info: https://teenage.engineering/products/tx-6

Serato lanza la versión 4.0.9 incorporando compatibilidad oficial con el nuevo ecosistema de AlphaTheta.

Serato ha desplegado oficialmente su actualización Serato DJ Pro 4.0.9. El parche introduce mapeo e integración nativa en modo plug-and-play para los lanzamientos de hardware de este año de AlphaTheta: el sistema todo en uno de dos canales XDJAN y el nuevo reproductor compacto CDJ-1500X. La actualización permite controlar funciones avanzadas, los Stems de Serato y los Beat Jumps directamente desde las pantallas táctiles de estos equipos.

+info: https://serato.com/dj/pro/downloads

Brunch Electronik Festival 2026 devela su distribución diaria y afterparties oficiales en Barcelona. Festival devela el cartel para su edición 2026

El festival barcelonés ha cerrado el diseño de su edición XXL para este agosto de 2026 en el Parc del Fòrum. Con cabezas de cartel reales como Jeff Mills, Kaytranada, Paul Kalkbrenner, Jamie Jones y Laurent Garnier (bajo su alias Cassius Live), la promotora ha publicado los horarios oficiales y los clubes que albergarán los afterparties nocturnos de la ciudad, confirmando marcas de culto como Input, La Terrrazza, Upload +info: https://brunchelectronikfestival.com/

Amelie Lens anuncia su álbum debut ‘AURA’ en EXHALE Records.

Tras una década dominando la primera línea del techno mundial, la DJ y productora belga Amelie Lens ha presentado formalmente los detalles de su primer álbum de larga duración, titulado AURA. El LP, compuesto por 11 cortes de producción propia, verá la luz el 4 de septiembre en formato digital y en una edición especial de doble vinilo azul y blanco. Fiel a su sonido crudo e hipnótico, el disco combinará la contundencia de la pista con sus propias texturas vocales, estrenándose junto al single de adelanto “Our Frequency”

+info: https://www.exhalemusic.net/

POLIFONIC 2026

SENSORY BLOOM

A GUY CALLED GERALD LIVE

ALEX NERI

BABY ROLLEN

BASHKKA

BASIC CHANEL

BEN UFO

BLACK LOOPS B2B INNOCENT SOUL

CARL CRAIG B2B MOODYMANN

CHET

FAKER LIVE

CHLOÉ CAILLET

CINTHIE

COCO MARÍA

CRAIG RICHARDS

DAVID TRIANA B2B RAKIM UNDER

DEE DIGGS

DJ MARCELLE

DJ MARIA.

DJRUM

DONATO DOZZY

FRANCESCO DEL GARDA

B2B CHRISTIAN AB

GABBS

GERD JANSON B2B DIRTY CHANNELS

GIAMMARCO ORSINI

GNMR

GUY CONTACT LIVE

HEWAN AMAN

HIVER PRESENTS NIGHT HERON

ISABELLA

IVAN SMAGGHE

JAMES FALCO

JOB JOBSE

JOIAH

KARNAK ON ACID

KATIA CURIE

22-26 JULY 2026

ITRIA VALLEY, PUGLIA

KENIA

KITTIN

LE MOTEL

LENA WILLIKENS

LUMIERE

MACE

MAONO

NAP

NICOLA MAZZETTI

NICOLAS LUTZ

O.BEE & TOM Á S STATION

OKEE RU

PANCRATIO

PASCAL MOSCHENI

PEACH

PEARL RIVER SOUND

PEARSON SOUND

PROSUMER

QUEST

SAMA' ABDULHADI

SHACKLETON LIVE

SIMONE DE KUNOVICH

SOLA LIVE

SOUZO

TASH LC

TIGA

VARDAE LIVE

VLADA

VOICES FROM THE LAKE

LIVE

VOLANTIS B2B NICODEMO

XDB

YAS REVEN

Z.I.P.P.O

polifonic

Hay una cosa que siempre me gustó de Polifonic. Nunca tuve la sensación de que quisiera ser el festival más grande, sino uno de esos pocos lugares donde el contexto importa tanto como la música. La arquitectura, la luz, la tierra y el paso del tiempo parecen formar parte de una misma composición.

Después de hablar con Marco Sala y Fabiola Andriolo, entendí que esa sensación no era casual.

Marco llega del clubbing, de crear espacios donde la música dialoga con la cultura. Fabiola, del mundo de la estrategia y el diseño de experiencias, convencida de que un festival puede convertirse en una plataforma cultural mucho más amplia que un simple evento. Dos recorridos muy diferentes que hoy confluyen en una misma manera de entender las cosas.

Con los años, el proyecto ha desarrollado una personalidad muy reconocible. No solo por la selección artística, sino por la forma en la que conviven el paisaje, la arquitectura, la gastronomía y la música. Todo parece responder a una misma visión.

A muy pocos días de una nueva edición, o quizá mientras lo estás viviendo, según cuándo estés leyendo estas líneas, hablamos con Marco y Fabiola, dos de las personas que hacen posible la compleja tarea de levantar cinco días de festival en pleno Valle de Itria, un rincón del sur de Italia donde cada verano miles de personas se reúnen para compartir una misma pasión.

Una conversación sobre los orígenes del proyecto, el trabajo invisible que ocupa los otros 360 días del año y la delicada tarea de seguir creciendo sin perder aquello que hizo especial a Polifonic desde el primer día.

Polifonic ya se ha convertido en una cita imprescindible del verano europeo. Cuando todo empezó en 2017, ¿qué sentíais que faltaba? ¿Cuál fue esa necesidad que os llevó a crear el festival?

M: ¡Hola! Cuando empezamos Polifonic en 2017, Italia apenas contaba con unos pocos festivales de música electrónica. Queríamos crear algo que combinara nuestra pasión por la música con una experiencia más amplia y profunda, una evolución de todo lo que habíamos vivido previamente en los clubes. Después nos enamoramos de Puglia y, de forma muy natural, todas las piezas terminaron encajando.

Más allá de la música, Polifonic siempre ha transmitido una identidad muy ligada al territorio y a la experiencia. Si tuvieras que definir qué representa Polifonic para ti, ¿qué dirías?

F: Para mí, Polifonic es el lugar donde todo converge. Es donde nuestro trabajo y nuestra pasión se encuentran de forma natural.

Siempre he creído que la música está profundamente influenciada por el lugar donde se vive. El entorno no es simplemente un escenario; se convierte en una parte esencial del viaje. Moldea la forma en la que la gente escucha, conecta y recuerda esos momentos mucho después de que el festival haya terminado.

Esta será mi cuarta edición y todavía me sorprendo caminando por el festival y viendo a miles de personas compartiendo esa conexión única entre la música, la naturaleza y el paisaje que les rodea. Probablemente sea la parte más mágica y gratificante de todo lo que hacemos.

Todo festival tiene una historia que el público nunca llega a ver. ¿Cuál fue el momento más difícil durante los primeros años y qué sigue quitándoos el sueño hoy?

M: Sin duda. La primera edición no fue fácil y, desde el punto de vista financiero, supuso un gran desafío. Después llegaron los años de la pandemia, que trajeron dificultades aún mayores: tuvimos que reducir el equipo y atravesar un largo periodo de incertidumbre. Sin embargo, todas esas experiencias han definido quiénes somos hoy.

La gente solo vive cinco días de festival, pero detrás hay un año entero de trabajo. ¿Cómo es realmente ese proceso invisible de construir Polifonic?

F: La gente ve cinco días de música, pero Polifonic es el resultado de un año entero de trabajo. Cada edición comienza justo cuando termina la anterior, con meses de planificación, diseño y cientos de decisiones que acaban dando forma a la experiencia que vive el público.

Construir un festival en un lugar como el Valle de Itria hace que todo sea aún más complejo. La belleza del territorio también implica enormes retos de producción, por lo que cada decisión supone encontrar un equilibrio entre la ambición creativa, la viabilidad técnica, los presupuestos, la sostenibilidad y la preservación de la identidad del propio lugar.

Una de las mayores lecciones que he aprendido es que los imprevistos forman parte del proceso. Mantener la calma, pensar con claridad y adaptarse rápidamente sin perder de vista el objetivo es lo que realmente marca la diferencia.

La identidad musical de Polifonic siempre ha sido muy clara. ¿Cómo construís esa programación año tras año y qué artistas de esta edición os hace especial ilusión recibir?

M: Siempre intentamos presentar un amplio espectro de la música electrónica sin caer en lo mainstream. Nuestro cartel se construye buscando un equilibrio entre artistas legendarios, nuevos talentos y nombres que, con el paso de los años, se han convertido en parte de la identidad de Polifonic.

En cuanto a esta edición, tengo muchas ganas de ver el directo de Voices From The Lake, el live de A Guy Called Gerald, los debuts de Ben UFO, Craig Richards y Nicolas Lutz, el regreso de Job Jobse, el back to back entre Moodymann y Carl Craig, además de Dirty Channels, Gerd Janson y, sobre todo, DJRUM.

Muchos artistas vuelven a Polifonic una y otra vez. ¿Sentís que con los años habéis construido una auténtica familia alrededor del festival?

M: Con el paso de los años hemos construido una comunidad maravillosa alrededor del festival. Algunos artistas nos acompañan desde las primeras ediciones, como Zippo, Hiver, Rudan o Yas Reven.

Otros han contribuido a llevar el sonido de Polifonic mucho más allá del propio festival, como Pascal Moscheni, Simone De Kunovich, Dirty Channels, Der u Obee, que actúa en Polifonic de forma habitual desde 2018.

Hoy producir un festival implica muchísimo más que cerrar un cartel. ¿Qué supone levantar un proyecto independiente como Polifonic?

F: Hoy producir un festival independiente es mucho más complejo que hace unos años.

El verdadero objetivo es crear una experiencia coherente desde el primer contacto que una persona tiene con el festival hasta el momento en que abandona el recinto. Cada detalle importa.

Creo que el mayor reto consiste en crecer sin perder de vista la visión inicial. La clave está en encontrar el equilibrio entre la ambición artística y la sostenibilidad económica, sin dejar de mejorar la experiencia en cada edición.

La relación con el territorio es igual de importante. La idea no es simplemente celebrar un festival en Puglia, sino crear algo que realmente pertenezca a ese lugar y permita que Polifonic evolucione sin perder su identidad.

El Valle de Itria es mucho más que el escenario del festival. ¿Qué tiene este lugar que ha terminado convirtiéndose en una parte inseparable de la identidad de Polifonic?

F: El Valle de Itria posee una identidad visual muy particular. La tierra roja, el verde de los olivos y las masserie de piedra caliza blanca crean un paisaje que cambia constantemente.

Siempre he sentido fascinación por la luz. Nuestras jornadas comienzan al atardecer y terminan al amanecer, por lo que un mismo espacio transmite sensaciones completamente distintas según la hora del día. Los colores cambian, la atmósfera también, y con ella cambia la forma en la que la gente experimenta la música.

Además, el hecho de desplazarse entre los distintos escenarios permite descubrir la diversidad del territorio, desde el campo hasta la costa del Adriático, haciendo que el propio recorrido forme parte de la experiencia.

Después de todo lo que habéis construido, ¿qué sueño sentís que ya habéis cumplido y qué os sigue empujando hacia adelante?

M: Nuestro principal objetivo era crear un encuentro internacional en un entorno verdaderamente especial, y eso es algo de lo que nos sentimos muy orgullosos.

De cara al futuro, nos gustaría seguir llevando este concepto más lejos y compartir ese espíritu mediterráneo tanto en Italia como en otros países.

Detrás de Polifonic hay un equipo enorme trabajando durante todo el año. ¿Cómo conseguís que tanta gente reme en la misma dirección sin perder la esencia del proyecto?

F: Creo que la palabra clave es equilibrio.

Los festivales hablan a un público muy diverso, por lo que quienes los construyen también deberían reflejar esa diversidad. Reunir personas con diferentes perfiles, habilidades, personalidades y puntos de vista genera mejores conversaciones y, en consecuencia, mejores decisiones.

Incluso los propios fundadores son muy diferentes entre sí. Cada uno aporta fortalezas distintas, pero todos comparten una misma visión y una sensibilidad común sobre lo que representa Polifonic. Esa forma de trabajar se extiende de manera natural al resto del equipo.

Mantener a todo el mundo alineado no significa que todos piensen igual, sino ofrecer una dirección clara dejando espacio para perspectivas diferentes.

A medida que el equipo crece cada año, también lo hace el sentido de continuidad: quienes ya conocen el proyecto transmiten su cultura a los nuevos miembros, mientras que las nuevas incorporaciones aportan ideas frescas que nos ayudan a seguir mejorando.

Hoy Polifonic ya no vive únicamente durante el festival. ¿Cómo nació esa idea de convertirlo en un proyecto activo durante todo el año?

F: Con el paso de los años, Polifonic ha evolucionado de forma natural hasta convertirse en una plataforma activa durante todo el año, manteniendo conectada a su comunidad mientras sigue explorando nuevas ideas.

Cada temporada comenzamos la gira de showcases en París, dentro de FVTVR, para después recorrer ciudades como Londres, Berlín (ELSE), Ámsterdam, Barcelona, Lisboa, además de Milán, Roma y Nápoles.

Paralelamente desarrollamos coproducciones con diferentes proyectos internacionales, llevando Polifonic a nuevos contextos y conectando con nuevos públicos.

Esa continuidad es fundamental. Nos permite crear relaciones duraderas con artistas, colaboradores y asistentes, al mismo tiempo que acerca una parte del universo Polifonic a cualquier lugar donde viajamos.

Para terminar, ¿cómo imagináis el futuro de Polifonic? ¿Qué os gustaría seguir explorando durante los próximos años?

M: El mundo cambia a una velocidad enorme, por lo que nosotros también debemos seguir evolucionando para mantenernos relevantes.

Queremos continuar expandiendo el universo Polifonic más allá del festival, tal y como ya hemos empezado a hacer con nuestro sello discográfico, los showcases y proyectos paralelos como MOGO Hi-Fi Bar en Milán o Cala Maka, nuestro beach club en Puglia.

luciano

Uno de los DJs y productores más respetados de la música electrónica global, el artista chileno repasa en esta entrevista para Mixmag una trayectoria marcada por la constancia y el equilibrio construido tras décadas de giras. Habla sobre el papel de las redes sociales y los teléfonos en las pistas de baile, sobre la profunda conexión que mantiene con España, el país donde nacieron sus hijos y que siempre ha sentido como su segundo hogar, y sobre su particular relación con Ibiza. También reflexiona sobre el crecimiento de la escena latinoamericana y el legado que le gustaría dejar dentro de la cultura del baile.

Hola Luciano, ¿Qué tal estás? Un placer tenerte en este número de junio de Mixmag. ¿Cómo afrontas este verano?

Muy bien. Aquí en Ibiza, viajando mucho, pero con la cabeza fría, intentando dar siempre lo mejor de mí y, sobre todo, encontrar un equilibrio. Eso es algo que he trabajado mucho durante los últimos años: saber decir que sí y saber decir que no, no coger demasiadas fechas para poder disfrutar cada una de ellas, llegar descansado y no convertirme en un robot. Es un balance que solo consigues después de muchos años de experiencia.

Después de tantos años de carrera, ¿qué aspectos de la música o de la cultura de club siguen inspirándote o motivándote a día de hoy?

Lo que realmente me sigue motivando es la música. Nunca hay que olvidarse de ella ni quitarle el protagonismo que tiene, porque es lo que todavía me hace vibrar. La escena ha cambiado muchísimo: han llegado las redes sociales, las pantallas, toda esa necesidad de que cada momento quede grabado para que todo el mundo lo filme, y muchas veces se olvida cuál es el lenguaje principal y cuál es la verdadera motivación de todo esto: la música. Si dejas la música en el centro de todo, todo está bien.

La música tiene algo mágico: una belleza enorme, una energía muy especial. El baile también es algo precioso, una cultura antiquísima que existe prácticamente desde la época del Neandertal y que sigue viva hoy en día. Eso es algo verdaderamente único.

Has vivido distintas generaciones dentro de la escena. ¿Qué diferencias encuentras entre el público de hoy y el de tus primeros años como DJ?

La única diferencia que realmente veo es que yo me estoy haciendo más viejo. El mundo evoluciona, llega gente más joven y yo soy el que tiene más años, pero no creo que sea tanto el público el que haya cambiado. Creo que la responsabilidad está mucho más en los promotores, en los DJs y en todos los que construyen la escena.

Ahora veo muchas iniciativas que hablan de prohibir los teléfonos en las fiestas, y sinceramente me parece una tontería. Nosotros venimos precisamente de luchar contra la prohibición, así que no hace falta prohibir nada. Cuando dejas que la música sea el centro de la experiencia, no hace falta decirle a la gente que no saque el teléfono.

He vivido fiestas donde desaparece todo lo innecesario y solo queda la música. Cuando eso ocurre, y cuando hay un buen DJ o un buen productor capaz de sostener ese momento, la gente simplemente baila. No siente la necesidad de grabarlo todo; quizá saque el móvil para identificar un tema o guardar una canción, pero nada más.

El problema aparece cuando conviertes la fiesta en otra cosa, cuando montas un espectáculo enorme de pantallas, efectos y estímulos visuales, porque le estás diciendo al público —y especialmente a los más jóvenes— que mire hacia otro lado, que la música ya no es lo importante. Ahí es donde entra toda esa cultura de las redes sociales, de TikTok, de tener que demostrar constantemente dónde estás o qué estás viviendo.

Pero eso no es culpa de los jóvenes: ellos consumen lo que nosotros les servimos. Por eso la responsabilidad es nuestra. Nosotros tuvimos la suerte de vivir una época maravillosa, pero no porque antes fuera mejor; antes era igual que ahora. Lo importante no es cuándo ocurrió, sino qué decides poner sobre la mesa.

La responsabilidad está en quienes venden los conciertos, en quienes programan los festivales y en quienes eligen a los artistas. Dejad de mirar cuántos seguidores tiene un DJ en redes sociales y empezad a fijaros en la música que pone. Esa es la esencia que hoy nos hace falta recuperar.

Has trabajado con sonidos muy distintos sin perder nunca tu identidad. ¿Cómo encuentras el equilibrio entre evolución y coherencia artística?

Nunca me he hecho esa pregunta. Simplemente nunca he dejado de hacer lo que hago. Siempre me he sentido muy responsable y muy agradecido por la suerte que tengo: primero, por poder dedicarme a algo que amo, y segundo, porque con casi cincuenta años sigo viviendo de la música, que es lo que he hecho toda mi vida. Eso me permite tener una familia, tener una vida muy bonita y sentir que estoy al servicio de la gente.

Como DJ intento seguir atento, leer las pistas de baile cada fin de semana, entender cómo evoluciona el sonido y asumir esa responsabilidad. En cambio, cuando produzco música, soy mucho más egoísta: ahí realmente me da igual si a la gente le gusta o no. Lo único que me importa es hacer algo que me haga vibrar a mí, algo que me haga feliz.

La escena latinoamericana atraviesa un momento de gran visibilidad internacional. Como artista con raíces chilenas y una trayectoria global, ¿cómo observas ese crecimiento?

Yo viví esa transición entre los años noventa y los dos mil. Empecé desde la escena de Chile y fui dejando huellas, digamos, en todo lo que fue pasando allí. Vi nacer una escuela de gente ultratalentosa, y luego otra generación también súper talentosa.

Me hace muy feliz ver todo eso porque, además, creo que es uno de los públicos más divertidos que existen para ir a bailar: Perú, Colombia, Venezuela, Bolivia, Argentina, Brasil, Chile, también Costa Rica... Son lugares donde la pista de baile tiene algo muy especial, algo que creo que viene de una cultura del baile que existe desde mucho antes incluso que la música electrónica: hay algo muy profundo que ocurre ahí. Y ver ahora todos estos productores increíbles que están saliendo de todos esos países realmente me calienta el corazón.

Cuando miras la escena actual, ¿qué artistas o movimientos te generan curiosidad o ilusión?

Ahora mismo estoy muy centrado en mis sellos. Tengo cinco sellos ahora. Los he ido creando de una manera muy discreta, porque me estaba llegando demasiada música buena y ya no tenía suficiente capacidad de salida con un solo sello, así que decidí crear varios, cada uno con una filosofía distinta y con diferentes estilos de música. Y la verdad es que hay tantísima gente talentosa haciendo música... realmente impresionante.

Mirando hacia atrás, ¿hay alguna etapa concreta de tu carrera que sientas especialmente decisiva para convertirte en el artista que eres hoy?

Yo creo que no fue una sola cosa. Fueron muchísimas cosas, pero la principal fue la constancia. Nunca dejé de hacerlo. Nunca dejé que un “no” me frenara. Nunca fue algo que me cuestionara demasiado: simplemente sentía que había algo dentro de mí capaz de transformar una energía en otra a través de la música.

Desde muy joven sentí que tenía una conexión muy natural con ella y que era capaz de transmitir eso a la gente. Entonces pensé: “Bueno, puede que esto funcione porque se siente sincero, se siente natural. No tengo que pensarlo demasiado, ni estudiarlo. Me sale de forma completamente natural.” Y, a partir de ahí, fue simplemente repetirlo una y otra vez. Todos los días. Toda mi vida.

Siempre se lo digo también a mis hijos: desde los quince o dieciséis años nunca más me volví a preguntar qué quería ser en mi vida. Lo tuve clarísimo.

Este verano volverás a encontrarte con el público español en Brunch Electronik Barcelona. ¿Cómo afrontas esta fecha?

Primero que nada, muy contento. Barcelona representa una parte enorme de mi carrera, de mi historia y también de mi corazón. Mis hijos nacieron allí. Es una ciudad de la que me fui con una enorme pinchazón en el corazón. Realmente era una ciudad donde me veía envejeciendo, me imaginaba pasando allí toda mi vida, pero hubo circunstancias complicadas y al final no supe cómo seguir allí.

Cada vez que vuelvo siento una conexión muy fuerte con el público y con la gente. Me encanta estar en España. Tengo dos hijos nacidos aquí y mi madre también tuvo una etapa viviendo aquí, así que para mí España siempre ha sido lo más cercano a aquello que dejé cuando salí de Sudamérica. Estoy muy contento y con muchísimas ganas de volver. La verdad es que ya no puedo esperar a que llegue la fecha.

En eventos tan característicos como Brunch Electronik Festival, donde convive un público muy heterogéneo, ¿cómo te gusta sorprender a la gente desde la cabina?

Hay una cosa que llevo pensando desde hace muchísimos años. Ya cuando hacía fiestas en Friends, aquí en Ibiza, antes incluso de Ushuaïa y de todo eso, siempre sentí que las fiestas de día tienen algo especial. Tienen una magia distinta: la música suena diferente, tiene más melodía, más color, y la gente también se comporta de otra manera.

Hay algo muy bonito en tocar por la tarde, en esos momentos donde todavía hay luz o está cayendo el sol. Siempre me ha parecido un contexto muy especial y por eso disfruto muchísimo actuando en eventos así.

¿Qué sensación te gustaría que el público se llevará después de verte en Brunch Electronik Festival?

(Risas) Que se vaya contento, que se vaya alegre, que se vaya más liviano. Eso es lo que me gustaría: que sienta que vino a pasar un buen momento, que hizo amigos, que disfrutó con la gente con la que vino, con su novio, con su novia, con quien sea, pero que se vaya con el corazón alegre.

Eres un artista especialmente querido en España y eso se refleja en la cantidad de fechas que mantienes aquí año tras año. ¿Qué conexión sientes con el público español para que esa relación siga siendo tan fuerte después de tanto tiempo?

Es como te decía antes: España es lo más cercano a lo que dejé atrás cuando me fui de Sudamérica, siempre ha sido como mi casa. Además compartimos el idioma y eso crea una conexión muy especial con la gente. Cada vez que vengo siento que el público conecta mucho conmigo y, por suerte, siempre me siguen llamando y siempre tengo la oportunidad de volver y de disfrutar de todo lo que significa tocar aquí.

También mantienes una conexión muy especial con Ibiza. ¿Cómo ves la isla en la actualidad y cómo ha cambiado tu relación con ella con el paso de los años?

Mi relación con Ibiza nunca ha cambiado. Nunca. La isla sigue siendo un pedacito de roca con playas maravillosas, con atardeceres increíbles y con gente muy linda. Ibiza sigue siendo Ibiza para mí. Lo que ha cambiado soy yo, que me he hecho más viejo, y eso me ha permitido observar muchas más cosas.

He visto cómo la isla se ha vuelto mucho más rica, mucho más cara y también mucho más restrictiva. Ha dejado de ser tan libre en muchos aspectos, y eso también ha generado frustración y ha dado mucho poder a determinadas personas que se han apropiado de ciertos espacios y que traen propuestas diferentes, con un público distinto.

Hoy en día es un negocio enorme. Hay mucha gente intentando construir auténticos imperios alrededor de la isla y todos están luchando por conseguir más, por controlar más, por tener más. Eso siempre ha existido, pero ahora ocurre con una dimensión muchísimo mayor. Lo único que realmente me da un poco de tristeza es ver cómo, a medida que estas grandes estructuras han ido creciendo y queriendo controlarlo todo, la isla ha ido perdiendo parte de esa libertad que tenía. Ese es probablemente el cambio más importante que he visto durante todos estos años.

También está toda esta cultura del VIP, y quiero dejar claro que a mí no me molestan las mesas VIP ni tengo ningún problema con ellas. Pero un club tiene que asumir una responsabilidad: si la pista de baile no está viva, si la gente no está disfrutando, entonces el negocio de las mesas tampoco funciona, porque quienes pagan una mesa quieren ver una pista llena de gente pasándolo bien.

La pista de baile es el corazón de todo. La cultura del baile es el corazón de todo. Hay que dejar de poner tanta pantalla, tanto espectáculo y tantas distracciones, y volver a poner la música en el centro. Eso es lo principal, eso es lo que hace vivir una pista de baile. Cuando entiendes eso, todo el ecosistema funciona. No hay que olvidarse nunca del ecosistema. Por favor.

¿Recuerdas cuándo fue la primera vez que actuaste en España? ¿Qué sensaciones te dejó aquel primer contacto con el público español y cómo percibes la evolución de la escena desde entonces?

Sí, claro que me acuerdo. La primera vez que toqué en España fue en Barcelona, creo que en 1997. Era un sitio del que ya ni siquiera recuerdo el nombre, un bar con una pista muy pequeñita que estaba en el paseo marítimo. Cuando bajas por Las Ramblas hacia el puerto y giras a la izquierda, entre las primeras rotondas del paseo había un local allí. Fue ahí donde actué por primera vez.

Le tengo un cariño muy especial a Barcelona. Recuerdo que allí conocí a muchos amigos con los que todavía sigo teniendo contacto hoy en día. Tengo recuerdos muy bonitos de aquella época.

¿Qué tipo de legado te gustaría dejar dentro de la música electrónica cuando mires todo tu recorrido con perspectiva?

Creo que lo más importante para mí sería haber inspirado a las nuevas generaciones. Me gustaría dejar un legado honesto, un legado que inspire a quienes vienen detrás. Pero un legado de música, no un legado de imagen, no un legado basado en la apariencia o en otras cosas. Me gustaría dejar un legado de sonido, algo que realmente haya inspirado a una nueva generación y que permita que todo esto siga caminando.

shkedul

“ El simple hecho de panear ligeramente varios instrumentos puede parecer pura magia, dando a la mezcla un espacio inmediato para respirar.”

La trayectoria de Shkedul es un recordatorio de lo que significa mantener el control total sobre la propia narrativa. Con más de 16 años de recorrido entre las cabinas y el estudio, el productor y DJ pasó de ser un adolescente cruzando fronteras para pinchar junto a Gesaffelstein, a consolidar una identidad sonora oscura, densa y sin concesiones.

Su evolución no ha sido una cuestión de azar, sino de decisiones radicales: desde el reseteo artístico que dio vida a su alias actual, hasta la fundación de NORD LTD—un sello exclusivamente en vinilo que el próximo año cumple una década de resistencia e independencia absoluta—. En un circuito obsesionado con la inmediatez digital, proyectos como UX-MENTALE o Amigos (junto a Natural Goofy) confirman que Shkedul sigue encontrando su motor en el respeto al formato físico y el trabajo de estudio.

Hablamos con él sobre evolución, libertad creativa y el peso de mantener un sonido propio a lo largo de los años.

¿Cuál es ese paso en tu proceso creativo que decides entorpecer o ralentizar a propósito, solo para evitar que la música suene demasiado “perfecta” o artificial?

Para mí, todo se reduce a un compromiso absoluto con el audio tracking y el ruteo de hardware. Evito deliberadamente el total recall. Cuando estoy trabajando en un track, grabo mis sintetizadores en vivo a través de mesas de mezclas analógicas vintage, modificando parámetros y niveles en tiempo real, y registro el máster o las pistas directamente. Una vez que está grabado, se queda así. Si una transición tiene una ligera imperfección o un filtro se abre un segundo más tarde de la cuenta, se queda dentro. Eliminar la red de seguridad del “deshacer infinito” o el hecho de volver atrás para cambiar una nota MIDI me obliga a escuchar con los oídos, no con los ojos. Te devuelve ese error humano que la perfección digital suele desinfectar por completo.

¿Has borrado alguna vez un proyecto entero tras darte cuenta de que sonaba “demasiado profesional”? ¿Dónde marcas la línea entre dejar un track pulido y perder su alma?

Para ser sincero, no creo que exista el concepto de “demasiado profesional”. Estamos en 2026 y tenemos la tecnología y los conocimientos necesarios para que los discos suenen increíbles, así que no veo por qué no deberíamos aprovecharlo. De hecho, hay innumerables discos de los 90 que me encantan a nivel artístico pero

que simplemente no puedo pinchar en mis sets porque están mal mezclados. Al ser yo mismo ingeniero de mezcla, el cuidado del sonido y la precisión técnica son fundamentales para mí. La línea entre la claridad absoluta y la pérdida del alma de un track no se cruza por la calidad de la mezcla, sino por la intención que hay detrás. Una mezcla perfecta nunca le quitará el alma a un track si la idea inicial y la energía son auténticas y crudas.

Tu flujo de trabajo se mueve en una delgada línea entre la precisión digital y el caos analógico. Si tu estudio se incendiara hoy y solo pudieras salvar un instrumento, no el más caro, sino el que realmente conoce tus cambios de humor, ¿cuál sería?

Tras muchos años de ajustes y experimentación, por fin he llegado a un punto en el que estoy plenamente satisfecho con mi estudio. Es un ecosistema híbrido que tiende un puente entre la precisión de un DAW y la calidez e imprevisibilidad de los sintetizadores analógicos. Mi flujo de trabajo actual es increíblemente rápido; incluso los compañeros que vienen a colaborar se dan cuenta de lo funcional e inmediato que es este enfoque para plasmar ideas en comparación con un setup 100% analógico. Si el estudio se quemara hoy y solo pudiera salvar un instrumento, no hay duda: me llevaría el Access Virus TI. Es el corazón de casi todas mi producciones. No me intimida; al contrario, me fascina constantemente por su versatilidad. Puede ser milimétrico o totalmente caótico, adaptándose a la perfección al estado de ánimo en el que me encuentre.

Colaborar es, en esencia, dejar que un extraño entre en tu espacio creativo. ¿Hubo algún momento específico en este nuevo álbum en el que un colaborador destrozara una idea que tú considerabas intocable, para acabar dándote cuenta meses después de que tenía razón?

Por supuesto, y ocurrió específicamente con el track Trace Signal. Al principio, el tema estaba producido de una manera completamente diferente y a mí ya me gustaba mucho. Cuando Enrico Vivaldi ,que es mi confidente número uno, colaborador y socio en nuestro proyecto Reibu, empezó a desarmar mi idea original para enseñarme otros ángulos del sonido, al principio me mostré un poco reticente y escéptico. Decidimos dejar el tema aparcado y dejarlo respirar. Un mes más tarde, volví a abrir el proyecto yo solo en el estudio y, motivado por la perspectiva que él me había aportado, lo terminé en menos de una hora. Hoy se ha convertido en uno de los tracks más valorados de todo el álbum.

Qué es lo primero que buscas cuando abres el proyecto de otro artista? ¿Hay algún “mal hábito” que hayas detectado en los demás que te haya inspirado a cambiar tu propio enfoque?

Como mezclo a menudo proyectos de otros artistas, un “mal hábito” que noto constantemente es la falta total de paneo estéreo. Muchos productores tienden a dejar casi todos los elementos justo en el centro. Debido a esto,

los canales izquierdo y derecho se saturan con las mismas frecuencias, haciendo que la mezcla suene plana y ahogada. A veces, el simple hecho de panear ligeramente varios instrumentos puede parecer pura magia, dando a la mezcla un espacio inmediato para respirar. Con los años he aprendido que una buena mezcla no requiere mil plugins ni toneladas de hardware externo. Requiere un oído analítico afilado y la disciplina de hacer menos cosas, pero hacerlas completamente bien.

El mercado actual está saturado de audio en formato de contenido rápido de 30 segundos. Al lanzar un álbum de larga duración, ¿intentas nadar a contracorriente o buscas construir un refugio donde el oyente pueda quedarse un rato?

Uno de los motivos es, sin duda, una invitación a bajar el ritmo. Vivimos en un mundo acelerado y tomarse un momento para respirar no es algo que deba darse por sentado. Pero también quería plantearlo estrictamente desde mi propia perspectiva como DJ. Demasiadas veces he comprado paquetes de doble vinilo (2x12”) para luego darme cuenta de que solo podía pinchar un tema de ocho, ya fuera porque los arreglos no eran funcionales para el club o porque los elementos chocaban entre sí. Con este álbum quería hacer exactamente lo contrario: construir una herramienta real y altamente funcional para los DJs de club. Aquí hay ocho tracks perfectamente cohesivos. Si quisieras,

podrías pinchar el disco del tirón, de la pista 1 a la 8, porque sigue una progresión lógica diseñada específicamente para la pista de baile.

¿Cuál es la actividad más mundana y aburrida que haces cuando no estás en el estudio? Esa clase de tarea en la que, irónicamente, te asaltan las mejores ideas para tus tracks.

Para mí, mi espacio seguro para desconectar es la lectura. Tengo una gran colección de libros que abarcan una gran variedad de temas, y sumergirme en esas páginas me permite aislarme por completo de mi rutina diaria en el estudio, que me mantiene ocupado de 8 a 10 horas al día, de lunes a viernes. Apagar el lado musical de mi cerebro para centrarme en conceptos completamente distintos es, irónicamente, el momento exacto en el que mi mente se relaja y me surgen las mejores perspectivas e ideas para mis tracks.

luigi tozzi

“Más que escribir música sobre el mar, lo que realmente deseo es compartir esa profunda sensación de calma con quienes la escuchan.”

Nos encontramos con Luigi Tozzi, artista italiano con un sólido catálogo que explora los conceptos de atmósfera y profundidad a través de su música envolvente e hipnótica. En esta última década supo crear una visión muy personal del techno, tomando inspiración del ambient pero también de la naturaleza que lo rodea.

Celebrando el lanzamiento de ‘Deep Blue: Volume 4’ en Hpynus Records, y previo a sus presentaciones en Dekmantel (Holanda), Garbicz (Polonia), Nation of Gondwana y Stone Techno Festival (Alemania), hablamos sobre su trabajo en el estudio, escuchar música de un modo intuitivo, sus mejores momentos de gira, sonidos que exploran ideas sobre el agua, y más. primer día.

¡Felicitaciones por ‘Deep Blue: Vol. 4’! ¿Qué te impulsó a expandir la idea de una trilogía?

¡Gracias! La idea del Volumen 4 surgió de forma natural a partir de varias inspiraciones. La primera se remonta a 2017, después de un concierto en Londres. De camino al aeropuerto, tuve una larga conversación con Rod Modell (DeepChord), quien me contó lo mucho que había disfrutado transformando uno de sus álbumes de techno en una actuación en directo de ambient, eliminando toda percusión y explorando cómo interactuaban las capas atmosféricas por sí solas. Esa conversación me acompañó durante años.

La segunda inspiración surgió al revisar ‘Deep Blue Vol. 3’: me di cuenta de que muchas de las ideas más emotivas y melódicas del álbum estaban parcialmente ocultas bajo su estructura rítmica. No lo veo como un defecto; sigo pensando que es uno de los elementos que le dan identidad al disco. Pero me entró la curiosidad de saber qué pasaría si esas mismas ideas musicales existieran sin el marco del techno, con más espacio, más dinamismo y total libertad para respirar. En cierto modo, también se convirtió en un ejercicio psicológico. Revisar el material me dio la oportunidad de presentar la esencia emocional de esas composiciones de una forma mucho más directa, en lugar de dejarla relegada al ritmo.

El proceso comenzó trabajando con las pistas individuales del Volumen 3. Eliminé o reduje los elementos de percusión, a menudo bajé el tempo de 120 BPM a 60 BPM y construí arreglos completamente nuevos sobre esas bases. Una vez que tuve ese nuevo esqueleto, empecé a componer texturas ambientales, armonías y melodías adicionales que pudieran potenciar aún más el lado emocional de la música.

Algunas de las versiones suenan ligeras en comparación con las originales, y más profundas.

Creo que ‘ligeras’ (lightweight) es una descripción muy acertada. Era justo lo que estaba buscando. Como mencioné antes, el objetivo era permitir que la esencia emocional de la música existiera sin el peso de la estructura rítmica, dando así más espacio a esas ideas. Una vez que la percusión desapareció, las melodías, armonías y texturas se convirtieron naturalmente en el centro de atención

Otra parte importante del proceso fue interpretar el material en vivo. El álbum tardó alrededor de dos años y medio en completarse, y durante ese tiempo tuve varias oportunidades de tocar sets de música ambient en directo. Cada presentación se convirtió en una oportunidad para refinar la música, comprender qué era lo que realmente resonaba y, gradualmente, dar forma al álbum hasta su versión final. En muchos sentidos, esas experiencias en vivo se convirtieron en parte del propio proceso de composición.

‘Phantom Deep Blue’ no está presente en ‘Deep Blue: Volume 3’, ¿Cómo surge este tema?

‘Phantom Deep Blue’ tiene un origen diferente al del resto del álbum. En 2022, aproximadamente un año después del lanzamiento de ‘Deep Blue Vol. 3’, Devialet me invitó a componer una pieza para el lanzamiento de su altavoz ‘Phantom Deep Blue’. Me pidieron que creara algo con el espíritu de Deep Blue, y el proyecto me resultó realmente

inspirador, sobre todo sabiendo que el altavoz estaba diseñado para ofrecer un rendimiento excepcional en las frecuencias de graves.

Cuando empecé a trabajar en el Volumen 4, me pareció natural retomar esa pieza junto con el material del Vol. 3. En comparación con las otras versiones, conservé más del movimiento rítmico original, aunque todo se ralentizó considerablemente y se eliminó el kick. A partir de ahí, surgieron gradualmente algunas secuencias melódicas nuevas que se convirtieron en el centro emocional del tema. Hoy en día, es una de las piezas a las que más cariño le tengo del álbum.

¡Hypnus lleva 12 años! ¿Qué se necesitó para mantener su identidad y hacerlo crecer?

Doce años es mucho tiempo, y mirando hacia atrás, ha sido un viaje maravilloso. Gran parte del mérito es de Michel, el fundador de Hypnus. Además de dirigir el sello, siempre ha tenido

una visión curatorial excepcional y ha desempeñado un papel fundamental ayudando a cada artista a desarrollar su propio sonido. Creo que esa es una de las razones por las que Hypnus ha logrado crecer sin perder nunca su identidad. Como artistas, todos hemos cambiado con los años, pero el sello se ha mantenido notablemente coherente, expandiendo naturalmente su paleta de sonidos.

Un aspecto de esa evolución que me parece particularmente emocionante es el desarrollo de herramientas como Slink. La idea de que los artistas no solo contribuyan con su música, sino que también compartan los instrumentos y los procesos creativos que hay detrás, es algo bastante único. Se aleja de la idea de mantener las técnicas en secreto y, en cambio, fomenta el intercambio de conocimientos dentro de la comunidad.

Y a pesar de todo lo que ha pasado en los últimos doce años, cada vez que nos reunimos todavía se siente como en los inicios. Al fin y al cabo, seguimos siendo simplemente un grupo de melómanos con ideas afines que disfrutamos genuinamente haciendo música juntos, tal como lo hacíamos cuando todo esto comenzó.

¿Cuáles han sido tus mejores momentos de gira en lo que va del año?

Sin duda ha sido un año muy ajetreado, pero también logré un equilibrio muy saludable entre giras y trabajo en el estudio, y gran parte

de ello se lo debo a mi agente, Laura. Ella entiende que, para mí, dedicar tiempo a componer es tan importante como actuar en directo. Como solo actúo en vivo, desarrollar música nueva es una parte esencial de mi trabajo, así que encontrar el equilibrio adecuado entre ambas cosas es fundamental. Me ayudó mucho a mantener ese equilibrio, y le estoy muy agradecido.

Si tuviera que elegir un par de momentos destacados, el primero sería sin duda el Hypnus Showcase en Fold, Londres. Se está convirtiendo en una tradición cada marzo, y espero que continúe durante muchos años. Tener a toda la familia Hypnus reunida, con un cartel compuesto casi en su totalidad por actuaciones en directo, en uno de los clubes con mejor sonido en los que he tocado, ante un público londinense tan entendido, hace que cada vez sea una experiencia realmente especial.

Otro concierto inolvidable fue en Industrial Copera, en Granada. Me dieron la oportunidad de tocar en medio de la pista de baile, con el sistema de sonido apuntando hacia mí y el público rodeando todo el escenario. Cambió por completo la experiencia de tocar en directo. En lugar de escuchar a través de monitores separados, oía exactamente lo mismo que el público, al mismo tiempo. Combinado con un sistema de sonido excepcional, fue probablemente la experiencia en directo más inmersiva que he tenido

¿Y tus experiencias más memorables tocando en directo?

Más allá de los conciertos individuales, de lo que más me enorgullezco es mucho más sencillo: desde hace muchos años, viajo y toco exclusivamente con mi propia música. Fue una decisión muy consciente. Hace unos años decidí dejar de pinchar y dedicarme por completo a las actuaciones en directo; se trataba de encontrar el enfoque que me resultara más honesto como músico.

Más que nada, espero que esto fomente una reflexión más amplia dentro de nuestra escena. A menudo me pregunto cómo sería la música electrónica si más artistas pudieran interpretar su propia música en directo con mayor regularidad. Creo que fortalecería la conexión entre composición e interpretación, y quizás acercaría nuestra escena a la dinámica que observamos naturalmente en otras escenas musicales. También pienso que podría ayudar a abordar algunos de los problemas que nuestra escena ha estado debatiendo durante años, especialmente desde la pandemia. Puede que no sea la solución definitiva, pero creo que sería un punto de partida muy significativo.

¿Qué fue lo más difícil de superar para dedicarte a las artes?

Para mí, la relación con la creatividad y la composición siempre fue completamente natural y orgánica. Sentarme en el estudio nunca ha sido algo que haya tenido que forzar; simplemente forma parte de mi vida diaria. Componer es una necesidad diaria para mí y, en muchos sentidos, también es una práctica terapéutica. Una vez que te embarcas en un camino creativo, lo difícil es aprender a preservar tu propia identidad mientras sigues evolucionando. Cada escena desarrolla naturalmente sus propias expectativas y tendencias, y es importante no perderte en ellas.

Al mismo tiempo, no creo en aislarse completamente del mundo exterior. Creo que es importante escuchar las opiniones y estar abierto a diferentes perspectivas, sin dejar que definan tu trabajo. Encontrar ese equilibrio entre ser fiel a uno mismo y estar abierto al crecimiento es probablemente la mayor lección que aprendí a lo largo de los años.

¿Qué es lo último que has escuchado con atención?

Mientras respondo a estas preguntas, estoy pasando una semana en Salina, una pequeña isla de Sicilia donde tengo una casa. Debo admitir que lo mejor que he escuchado últimamente es el paisaje sonoro submarino de la isla durante mis largas sesiones de buceo libre. Siempre me llena de una profunda sensación de calma y ha sido una de mis mayores fuentes de inspiración durante muchos años.

Hay música que explora la idea del agua desde diferentes perspectivas. ¿Tuviste alguna influencia que te haya inspirado de esta manera?

Sin duda, hay algunas obras que me vienen a la mente. La banda sonora de Le Grand Bleu siempre ha sido una gran fuente de inspiración para mí, y también me encanta Submers de Loscil. Ambas capturan una relación con el agua que va mucho más allá de la simple descripción.

Dicho esto, mi relación con el agua va mucho más allá de la música en sí. Creo que estar bajo el agua, y especialmente la forma en que escuchamos los sonidos bajo la superficie, nos reconecta con algo muy primario. Para mí, evoca vívidamente la experiencia del útero materno, la sensación de protección, la suavidad del sonido y una profunda paz interior. Esa sensación es profundamente terapéutica. Es lo que busco cada vez que practico buceo, y es exactamente la misma que busco al componer la serie Deep Blue. Más que escribir música sobre el mar, lo que realmente deseo es compartir esa profunda sensación de calma con quienes la escuchan.

¿Todavía te resulta fácil escuchar música de forma intuitiva?

Esa es una pregunta muy interesante. Con el techno, debo admitir que se ha vuelto bastante difícil. La mayoría de las veces ya no puedo escucharlo de forma totalmente intuitiva o emocional, porque mi mente empieza a analizarlo inmediatamente. Escucho la estructura, el diseño de sonido, el equilibrio de frecuencias, los arreglos, casi automáticamente. Es una forma de escuchar muy propia de un compositor.

Sin embargo, hay raras excepciones. A veces una pieza es tan hipnótica que evita por completo ese proceso analítico. Un buen ejemplo serían algunos lanzamientos de Korridor. La forma en que trabaja con los polirritmos es tan cautivadora que simplemente dejo de analizar y me entrego a la música. Esos momentos me recuerdan a cómo era escuchar techno antes de convertirme en productor. Afortunadamente, hay muchos otros géneros en los que todavía puedo experimentar la música de una manera mucho más instintiva y emocional.

¿Cuál fue el cambio más importante en tu setup desde el primer Deep Blue?

Creo que dedicamos demasiado tiempo a hablar de setups, herramientas y los medios que usamos, y muy poco a hablar de la música en sí. Si bien esos temas son interesantes, también pueden convertirse en una gran distracción si empezamos a creer que son lo que nos hace crecer como artistas.

Para mí, la clave ha sido entrenar mi oído. Con los años, he desarrollado una comprensión mucho más clara de dónde quiero poner énfasis en el espectro de frecuencias, dónde decido deliberadamente atenuar ciertos elementos y cómo esas decisiones dan forma a una identidad sonora que refleja genuinamente mi gusto. Ese tipo de identidad surge de años de práctica diaria, curiosidad y obsesión.

¿Qué es lo más importante que has aprendido desde tus primeras presentaciones en vivo?

Llevo actuando en vivo desde 2017, así que ya han pasado casi 10 años. Como en todo, la práctica fue mi mayor maestra. Cada concierto me ha enseñado algo sobre lo que realmente importa en una presentación en vivo. Mi objetivo nunca fue construir la configuración más compleja posible. De hecho, poco a poco me he dado cuenta de que demasiada complejidad puede ser una limitación. Si estás constantemente pensando en cómo funciona el sistema, es mucho más difícil soltarte, reaccionar con naturalidad y realmente poder tocar.

Lo que he estado intentando construir es un sistema que me dé la mayor libertad creativa posible, sin dejar de ser intuitivo. La única manera que encontré para lograrlo es produciendo

una enorme cantidad de música. Desde 2017 recopilo casi todo lo que creo, y hoy mi set en vivo se nutre de una biblioteca de aproximadamente dos mil pistas, organizadas en catorce canales. Eso me da una enorme flexibilidad sin perder la coherencia del lenguaje musical. El proyecto sigue en constante evolución. Siempre busco maneras de expandirlo o descubrir nuevas posibilidades. Creo que eso es esencial cuando uno actúa con regularidad. Mantener el espectáculo en vivo en constante movimiento no solo mantiene al público atento, sino que también me inspira.

¿Tuviste alguna actuación donde el público no debería estar en el sentido convencional?

Sí, absolutamente. Una de las actuaciones más inspiradoras que di este año fue en Ámsterdam para una organización llamada Zero BPM. Organizan eventos de música ambient de larga duración dentro de una iglesia, centrados en la meditación guiada. Durante las actuaciones, el público no está allí para ver al artista en el sentido convencional. En cambio, todos están completamente concentrados en la meditación y en el sonido mismo. No se habla, no se come ni se bebe, solo se sumergen por completo en la experiencia.

Algo que aprecié particularmente fue que no me ubicaron en el centro de la sala. El foco visual no estaba en el artista, sino en la música. Creo que es una idea muy poderosa. Hoy en día, a menudo se nos anima a mirar a los artistas, mientras que yo prefiero crear situaciones donde la gente simplemente escuche. Para mí, poner la música en el centro en lugar del artista es algo que nuestra escena debería explorar mucho más.

Escucha Deep Blue Vol. 4 aquí

UNION AUDIO: ELARA.6 El

futuro sin renunciar al pasado

Hablar del Union Audio Elara.6 es hablar del legado de uno de los diseñadores de mixers más influyentes de las últimas décadas. Con Andy Rigby-Jones al frente, la firma británica presenta una mesa que apuesta por el sonido analógico, una construcción impecable y una filosofía que prioriza la experiencia del DJ por encima de las modas. La pusimos a prueba dentro y fuera del estudio para comprobar si todo ese prestigio está realmente justificado.

La primera vez que tuve un Union Audio Elara.6 delante llamó muchísimo mi atención. Soy de esas personas bastante clásicas: cuando voy a pinchar en un club voy a preferir una Xone:92 o, como mucho, una Xone:96. No por nostalgia, sino porque después de tantos años esa distribución ya forma parte de mi memoria muscular. Es como escribir en un teclado sin mirar: las manos saben exactamente dónde está cada control.

Cuando me dijeron que el Elara.6 había sido diseñado por Andy Rigby-Jones, el ingeniero detrás de las míticas Xone, mi perspectiva cambió por completo. De repente dejó de ser un mixer que veía de vez en cuando en Instagram para convertirse en una obsesión. Era una de esas piezas que se te meten en la cabeza y hasta que no las pruebas no te las puedes sacar.

Tuve la suerte de poder probarlo en dos situaciones completamente diferentes: primero en mi estudio, donde normalmente utilizo un mixer rotary, y después en una beach party con un sistema Funktion-One como equipo principal. Dos contextos ideales para descubrir tanto su carácter como sus limitaciones.

A primera vista puede intimidar un poco. La distribución del Elara.6 es diferente a la de la mayoría de mixers de club y, de entrada, da la sensación de tener muchísima información concentrada en cada canal. Además del ecualizador, cada strip incorpora controles para los envíos auxiliares, la selección de entrada, una banda de medios totalmente paramétrica y diferentes opciones de monitorización, lo que hace que visualmente parezca más complejo de lo que realmente es. Sin embargo, esa impresión desaparece muy rápido. Después de unos minutos todo empieza a tener sentido y el flujo de trabajo resulta sorprendentemente natural.

Uno de los detalles que más me gustó fue el sistema de monitorización. El Elara.6 incorpora dos salidas de auriculares completamente independientes, algo especialmente útil para sesiones B2B, que fue precisamente como lo utilicé en directo. La primera salida ofrece el clásico selector Cue/Master, mientras que la segunda está dedicada exclusivamente al Cue. Esto permite que dos DJs puedan preparar sus siguientes temas al mismo tiempo sin molestarse entre sí ni tener que turnarse los auriculares.

Pero probablemente la función más interesante esté en la ecualización. Union Audio ha incorporado una banda de medios completamente paramétrica que permite elegir la frecuencia sobre la que quieres trabajar (entre 150 Hz y 2 kHz) y decidir si esa banda actúa sumando o recortando. Puede parecer un detalle técnico, pero en la práctica ofrece un nivel de precisión muy superior al de un ecualizador convencional y abre muchas posibilidades para moldear la mezcla de una forma mucho más musical.

Donde realmente empieza a marcar diferencias es en el sonido. Desde el primer tema transmite una sensación de solidez difícil de describir hasta que la escuchas en un buen sistema. El grave tiene peso, el rango medio conserva mucha definición y el conjunto ofrece una imagen muy abierta incluso cuando la mezcla empieza a cargarse de elementos.

Y, pensándolo bien, tiene bastante lógica... Andy Rigby-Jones lleva más de 25 años diseñando algunos de los mixers más influyentes de la historia, desde la serie Xone de Allen & Heath hasta el PLAYdifferently Model 1 desarrollado junto a Richie Hawtin. Tras fundar Union Audio en 2014, volcó toda esa experiencia en desarrollar mixers sin concesiones, priorizando el recorrido de señal analógico, la calidad de construcción y, sobre todo, el sonido.

Eso es precisamente lo que transmite el Elara.6. No intenta reinventar la forma de mezclar ni impresionar con funciones innecesarias; simplemente está construido para sonar bien. Y cuando lo pruebas en un sistema grande entiendes que detrás de este mixer no solo hay una marca nueva, sino la evolución natural de una filosofía de diseño que lleva décadas perfeccionándose.

ellen allien

“Las tendencias siempre terminan. Lo importante es crear tu propio mundo.”

‘New Life’ (BPitch) no es un álbum al uso. Ellen Allien lo ha ideado como un proyecto abierto que va a ir evolucionando, ya que la idea es seguir incorporando nueva música a lo largo de los próximos años. Pero, más allá del formato, el disco también plantea una reflexión sobre el liderazgo, las jerarquías y la posibilidad de construir otras formas de trabajar y convivir. El abanico sonoro transita el minimal, el darkwave y la euforia hipnótica, el deseo de usar la pista de baile como un espacio para conectar personas, construir comunidad y encontrar algo de luz entre tanta oscuridad.

Hablamos con la eterna ‘Berlinette’ sobre el origen del proyecto, la evolución del techno, el presente de la cultura de club, su vínculo con España y el papel que sigue desempeñando el label BPitch más de dos décadas después de su nacimiento.

El álbum parece mucho más que una colección de temas. De hecho lo has descrito como la idea de construir una vida sin líderes ni jerarquías. ¿Por qué querías expresar este mensaje ahora?

‘New Life’ se produjo entre Berlín y España. Empecé a escribir las vocals en Berlín, lo grabé todo allí y, diez meses después, me fui al estudio en España. Durante ese tiempo hice un tema llamado ‘No Body Needs Any Leader’, y fue entonces cuando me vino esa frase.

Estaba caminando por la playa en España y pensé: ¿por qué tenemos líderes? Los líderes solo montan líos. Los líderes controlan a la gente. Yo trabajo en equipo. Ahora mismo, la mayoría de la gente trabaja en equipo; en realidad, prácticamente todo el mundo. Los equipos colaboran para crear inventos y desarrollar la ciencia. No es el líder, es el equipo. En equipo somos increíbles. Con el liderazgo acabamos creando problemas. Por eso hice este tema y llamé al álbum ‘New Life’, porque, sin líderes, podría empezar una nueva vida para todo el mundo. Ese es mi mayor deseo para nuestro planeta. Es un deseo, pero también es algo realista, porque ya trabajamos así. Si nos centráramos más en ello, seríamos mejores personas.

Este álbum es un proyecto abierto. Voy a añadir remezclas y temas nuevos. Quiero que siga abierto para romper con las normas sobre cómo se supone que tengo que publicar música. Es un proyecto abierto y en marcha. Se llama ‘New Life’.

¿Cómo proteges tu criterio artístico en una escena que cambia cada semana?

Pincho y busco música todas las semanas, así que veo perfectamente lo que está ocurriendo. Pero muchas veces vuelvo a mis memorias USB, a mis discos duros, a grabaciones antiguas o a mi colección de discos. Vuelvo a música que quizá nunca llegué a publicar, escucho demos y añado cosas a mis sesiones.

No se trata solo de comprar temas nuevos que estén de actualidad. Vuelvo al pasado, al presente y al material inédito. Hago edits de mis grupos favoritos y los pincho. Así creo mi propio mundo sin tener que seguir las tendencias. ¿Qué es una tendencia? Todas las tendencias se terminan. Muchas las crean los medios, aunque, por supuesto, también existe una evolución musical provocada por un grupo de productores o artistas que hacen música increíble, que funciona muy bien en los clubes y que acaba generando una tendencia. Ese es el trabajo de los DJs.

Pero, para mí, independientemente de que en mis sesiones haya temas actuales o antiguos, se trata de crear el sonido de Ellen Allien y mi propio mundo. Necesito alejarme de la imagen que proyectan las redes sociales o los periodistas, aislarme y volver a conectar conmigo misma. Necesito crear algo que sienta de verdad y donde pueda desarrollar mi creatividad. Ese es el motor más importante de mi trabajo artístico.

Pinchar es un arte. Es una forma de explorar sin una lista de temas cerrada. La noche, la mañana, el club... es una creación de lo desconocido. Es todo un mundo. Es crear un mundo nuevo, una vida nueva.

Has descrito el techno de principios de los noventa como una forma de libertad e incluso de resistencia. ¿Crees que la cultura de club sigue teniendo ese poder actualmente o se ha convertido en algo completamente distinto?

La cultura de club es el lugar donde conoces gente y donde te pierdes. Sirve para relajarte y te abre la mente y el alma. Es un espacio muy importante, donde puedes formar parte de una comunidad. Comunidades que se ayudan entre ellas.

En Berlín es un espacio libre porque también sigue siendo underground. Evidentemente, existe una parte comercial en todo el mundo, donde la gente activa y calcula hasta el último centímetro de un festival o de un club, la venta de entradas y absolutamente todo, con el objetivo de ganar dinero. Pero también hay muchísimos lugares donde lo importante es la comunidad: festivales pequeños, clubes preciosos... Sigue siendo un punto de encuentro muy potente, un lugar y un espacio donde sentirte libre y escapar de tu vida diaria.

Es un lugar muy importante. Muy, muy importante.

Berlín ha cambiado muchísimo desde los años en los que la ciudad marcó el inicio de tu carrera. ¿Qué echas más de menos de aquella época y qué crees que tiene la generación actual que no tuvo la tuya?

Berlín no nos dio forma a nosotros; nosotros dimos forma a Berlín. La gente creativa dio forma a Berlín. El underground cambió Berlín.

La gente se mudó allí y creó espacios. Ocupó lugares vacíos donde no había nada y los convirtió en salas, bares, galerías, lugares donde los artistas podían producir y donde se podía poner música. Cogieron habitaciones vacías y construyeron algo bonito, espacios donde podíamos poner nuestra música y soñar. Somos nosotros, los seres humanos, quienes damos forma al mundo. Y, por supuesto, también la naturaleza, los animales y cada forma de vida que existe en este planeta. Después llegan los líderes y lo deshacen.

Nací en Berlín. Empecé a pinchar en Berlín, comencé a actuar por los alrededores de la ciudad y después empecé a recorrer el mundo. Ahora me considero una persona muy abierta. Entiendo la política, diferentes formas de vivir y distintos movimientos políticos e históricos de todo el mundo. Diría que soy una persona del mundo y también una persona europea.

No echo nada de menos en Berlín. Solo el mar, y por eso paso el invierno en España. Me quedo cerca del océano porque allí siento que mi alma es más libre. Pero Berlín es la ciudad que amo. Allí puedo vivir de forma independiente. Tengo mis plataformas, el sello y un equipo increíble.

En Berlín me siento independiente como artista. Con We Are Not Alone puedo programar la música que me gusta y crear noches preciosas con DJs increíbles en RSO: tres pistas y treinta horas de fiesta. Es increíble. Berlín tiene una escena underground muy fuerte y siempre descubro sitios nuevos. Hace poco descubrí uno llamado Supermolly. Es un sitio punk donde actuó Alex Wilcox. Hay muchísimos espacios y eventos y la rueda nunca se detiene. Es cierto que todo se está volviendo más comercial, pero siempre se pueden encontrar lugares desconocidos y creativos.

Para mí es importante implicarme en la ciudad. Preocuparme por mi barrio, firmar peticiones o participar en manifestaciones cuando puedo. Es la ciudad que amo, me parece preciosa y quiero que siga siéndolo.

La pista de baile ha sido muchas veces tu laboratorio de experimentación. Después de miles de sesiones, ¿qué continúa sorprendiéndote cuando pinchas en un club? ¿El público todavía puede cambiar por completo tus expectativas?

Sí. Todas las experiencias se quedan dentro de mí. Tengo muchos recuerdos repentinos cuando pongo un sonido o un tema concreto que acabo de hacer en el estudio y quiero probarlo.

También pongo demos de otros artistas y a veces me sorprenden o me decepcionan. Lo mismo ocurre con mis propios temas, y entonces vuelvo al estudio para mejorarlos. También mezclo temas o géneros que nunca había combinado. Por eso, cada sesión sigue siendo un experimento.

La energía del club, la gente, los distintos equipos de sonido, las luces, las personas que bailan delante de mí, el ambiente de la sala... Todo eso es energía y siempre es diferente. Siempre es un reto llegar a ese punto en el que la música toma el control y todo gira alrededor de ese momento. Cuando un sonido nuevo llega a tus oídos y a tu cuerpo y provoca algo en ti... Cada una de esas veces supone una experiencia distinta.

Por eso sigo aquí. Por eso hago esto. Cada vez que pincho, incluso en casa con amigos o sola, mezclando temas simplemente por diversión, paso inmediatamente a otro mundo: el mundo de la música. Me abre la mente y el alma y me siento muy inspirada. Además, después de la fiesta, la producción de dopamina te ayuda a tener un día mejor al día siguiente. Mueves el cuerpo, los pies, los músculos, la piel. Ves a gente sonriendo, hablando, haciendo nuevos amigos y abrazando a personas que no conoce porque la música es increíble. Es algo muy bonito.

Producir discos siempre ha sido tan importante en tu carrera como pinchar. ¿Crees que crear música propia es imprescindible para desarrollar una identidad artística auténtica o alguien puede convertirse en un artista completo dedicándose exclusivamente a pinchar?

Hay DJs increíbles que no producen y productores que son mucho mejores produciendo que pinchando. No existe ninguna fórmula. Siempre depende de cada persona. Para mí, como Ellen Allien, era importante trabajar con gente, crear una plataforma y colaborar con personas más jóvenes, más mayores y procedentes de contextos distintos. Hacer algo juntos. Eso me motiva muchísimo. Hablar de tracks, conocer gente y ver crecer a los artistas. Me gusta mucho celebrar el trabajo de otras personas. También me encanta la combinación de dirigir un sello, organizar eventos en clubes y tiendas de discos, salir los fines de semana a pinchar y producir cuando tengo tiempo.

Cuando produzco, me exploro a mí misma. Cuando pincho, juego con la gente, con la sala y con las luces. Cuando estoy en el estudio, juego con sintetizadores, que ofrecen muchísimas posibilidades, especialmente cuando tienes muchos. Es como un parque de juegos lleno de pequeños juguetes que puedes ir combinando. Es muy divertido.

Por pinchar no te vas a convertir necesariamente en mejor productor, y por producir tampoco vas a ser necesariamente mejor DJ. Pero creo que ayuda conocer todas estas facetas y explorarlas, porque es bueno ser independiente y saber hacer un poco de todo.

España se ha convertido en tu segundo hogar y pasas aquí varios meses al año. ¿Qué hace que sigas volviendo? ¿Vivir aquí ha influido en tu forma de crear o de entender la música electrónica?

En España aprendí a hacer sesiones muy intensas porque la gente es muy expresiva. Gritan y te piden más, así que empecé a pinchar de una forma muy groovy y muy loca, y les encantaba. Yo estaba en plan “¿Aun más locura?”. Y cuanto más loca se volvía la sesión, más se encendía la gente. Hay una muy buena comunidad… Amigos que salen juntos, van de fiesta juntos y lo viven mucho desde el corazón y el alma.

Mi hermana vive en Ibiza y mi sobrino nació allí. Ahora volvemos a vivir juntas en España, así que también existe una conexión familiar. Cuando empecé a pinchar en Ibiza descubrí un club increíble… Circoloco,. Donde actué muchas veces y, además, me convertí en residente. De hecho, transformé la sala principal en una sala de techno. Yo he visto cómo la pista principal pasaba de tener diez personas a estar completamente llena. Toda una pista de techno. Aunque ahora ha vuelto a cambiar.

Me encanta España. Me encanta el mar, la cultura, la naturaleza, la música y la paella. Y me gusta mucho la gente española porque, cuando te lleva en el corazón y no estropeas la relación, es muy leal. Permanece contigo para siempre. No se mueve por tendencias, sino por amistad.

BPitch Control nunca ha parecido un sello más. Mirando atrás, ¿de qué te sientes más orgullosa? ¿Qué papel siguen teniendo los sellos independientes en la escena electrónica actual?

Ahora el sello se llama BPitch. Quitamos la palabra Control hace unos años por las connotaciones que tiene el término “control”, aunque originalmente nos referíamos al control de pitch de un tocadiscos.

Por supuesto que estoy orgullosa. Estoy orgullosa de todos los artistas que han publicado música tan increíble. Es como un equipo creativo. Es una plataforma artística y muchísimas personas maravillosas forman parte de ella. Es increíble. Doy las gracias a todos los artistas, DJs y miembros del equipo que han trabajado en BPitch, además de a las distribuidoras y a las tiendas de discos que han vendido nuestra música. Incluso ahora, después de tantos años, sigue teniendo un impacto enorme para mí, para todos nosotros y también para los DJs o artistas que acaban de llegar al sello. Hoy siguen sintiéndose orgullosos de formar parte de él. Es una plataforma que cambió Berlín y que ofrece un espacio para la creatividad y el arte.

Cuando pienso en BPitch y en lo que significa para mí después de todos estos años, lo veo como una historia de vida muy emotiva. El hecho de estar conectada a tantas otras personas y formar parte de todo esto. Ha supuesto muchísimo trabajo y muchísima gente colaborando en algo, creyendo en la independencia, en el underground, en uno mismo y en el espíritu DIY. Levantarte y hacer aquello que amas. Hay mucha alma y mucho corazón.

Más allá de la música, tu trabajo siempre ha estado muy vinculado a la imagen, la moda y la identidad artística. ¿Qué importancia tiene construir un universo creativo sólido en la escena electrónica actual?

El techno es una forma de vida. Ser artista y DJ es una forma de vida. Llevar ropa cómoda, hacer merchandising para tus seguidores, pegatinas o cualquier otra cosa... Es algo bonito.

En casa tengo una caja de recuerdos donde guardo mis camisetas favoritas de grupos y artistas. A veces me las pongo tanto con vaqueros como con pantalones cortos. Me encantan porque me hacen sentir parte de algo y me hacen sentir como en casa. Es nuestro mundo, el mundo de la música. Nuestro mundo musical incluye ideas, enfoques y estilos de vida diferentes. La forma en la que nos vestimos o nos expresamos a través de nuestra imagen transmite un mensaje.

Creo que es importante no esconder las cosas que realmente le gustan a uno. Y, como producimos muchísima basura, tenemos que prestar atención a lo que compramos y consumimos.

Para mí es una forma de vida. Lo que como, lo que hago... De alguna manera, todo está relacionado con mi mundo musical.

¿Tienes la sensación de que hay algo que todavía no has explorado? Digo creativamente. ¿Qué te haría sentir que estás empezando otra ‘nueva vida’?

Una nueva vida sería un mundo sin líderes. Sin liderazgo. En nuestra escena independiente ya trabajamos sin líderes, como miembros de un equipo, y funciona muy bien. Es un trabajo muy gratificante, pero también muy duro. A veces llegamos un poco al límite. Pero lo hacemos porque formamos parte de una comunidad, creemos en ella y somos independientes.

Mi álbum ‘New Life’ es un proyecto abierto. Voy a ir sumándole más música durante los próximos años. Eso también supone una nueva vida porque, normalmente, un álbum se cierra, pero este no se va a cerrar.

east end dubs

“Las tendencias van y vienen, pero la autenticidad perdura.”

East End Dubs protagoniza nuestra portada de julio en uno de los momentos más importantes de su carrera. A lo largo de los años ha construido un sonido con una identidad inconfundible, creando discos tan atemporales como efectivos, siempre guiados por ese groove que, como él mismo cuenta en esta entrevista, ha perfeccionado recorriendo el mundo y poniendo a prueba su música frente a públicos de todas las culturas y tamaños.

En esta conversación, el fundador de EASTENDERZ, la influyente marca que este verano desembarca con residencia propia en Hï Ibiza, nos habla del proceso creativo detrás de su próximo álbum, probablemente el trabajo más personal y ambicioso de su carrera hasta la fecha. Un proyecto donde mantiene intacta la esencia que lo convirtió en una referencia del underground, pero explorando una faceta mucho más madura.

También hablamos sobre la importancia de construir una comunidad antes que una marca, el papel de EASTENDERZ como plataforma para descubrir nuevos talentos, la paciencia necesaria para desarrollar una carrera duradera y el legado que espera dejar dentro de la cultura de club.

Una entrevista imprescindible para entender cómo uno de los nombres más respetados del circuito underground ha conseguido mantenerse fiel a su visión mientras conquistaba, paso a paso, desde las pistas de baile más exigentes hasta algunos de los escenarios más importantes del mundo.

Siempre has tenido un sonido muy característico que se mueve entre el house, el minimal y la música de club centrada en el groove. ¿Cómo sientes que ha evolucionado tu sonido durante el último año?

Durante el último año, creo que la mayor evolución ha sido más una cuestión de perfeccionar que de reinventar. Siempre me han atraído los discos con mucho groove enfocados, ante todo, en funcionar en la pista de baile, pero últimamente he pasado más tiempo concentrándome en los pequeños detalles de la producción. Quería crear pistas que tuvieran más profundidad y personalidad, sin perder esa energía que la gente asocia con mis sets.

Estar constantemente de gira también influye muchísimo. Tocar para diferentes públicos y en distintos clubes del mundo te da una comprensión real de qué es lo que conecta con la gente, y eso se traslada de forma natural a la música. He estado experimentando con nuevas texturas, sonidos y arreglos, pero la base sigue siendo la misma: música atemporal, guiada por el groove y diseñada para esos momentos en los que la pista de baile está completamente entregada. El objetivo siempre es seguir avanzando sin dejar de ser fiel al sonido que me trajo hasta aquí en primer lugar.

¿De qué lanzamiento reciente te sientes más orgulloso y qué lo hace destacar de tus trabajos anteriores?

Me emociona mucho empezar por fin voy lanzar música de mi próximo álbum. Ha sido un proceso largo llevarlo exactamente a donde quería, y le he dedicado mucho tiempo, energía y cabeza para asegurarme de que represente fielmente el momento creativo en el que me encuentro. Lanzar esos primeros sencillos se siente especial porque la gente por fin está teniendo un adelanto de un proyecto con el que llevo conviviendo bastante tiempo.

Fuera de eso, On A Wave con Jazzy ha sido un momento clave para mí. Conectó con la gente de una manera que siempre es difícil de predecir, y traer sus vocales a mi terreno creó algo que se sentía fresco pero que seguía siendo fiel a mi sonido. Face Bass también ha sido enorme este año. Es uno de esos discos que conectó de inmediato en las pistas de baile de todo el mundo; ver la reacción cada vez que lo pincho ha sido increíble.

Lo que hace que estos lanzamientos destaquen frente a mis trabajos anteriores es que muestran diferentes facetas de lo que hago. El material del

álbum es probablemente mi cuerpo de trabajo más personal y ambicioso hasta la fecha, mientras que temas como On A Wave y Face Bass resaltan ese equilibrio entre musicalidad, groove e impacto en la pista que siempre he buscado. Juntos, se sienten como un reflejo de dónde estoy ahora mismo, tanto como productor como artista.

¿Hay próximos lanzamientos, colaboraciones o proyectos especiales que te entusiasme compartir en los próximos meses?

Mi enfoque principal ahora mismo es el álbum. Es algo en lo que llevo trabajando mucho tiempo y probablemente sea la representación más completa de quién soy como artista hasta el día de hoy. Mucha gente me conoce por los discos de club y por mi faceta más pistera, pero el álbum me da la oportunidad de contar una historia más amplia y mostrar diferentes influencias y emociones que han dado forma a mi sonido a lo largo de los años.

También saldrán algunos sencillos en la antesala del álbum, lo cual me entusiasma mucho, pero honestamente, lo que más espero es simplemente lanzar el proyecto completo al mundo. Llevo mucho tiempo viviendo con esta música y tengo muchas ganas de compartirla por fin con todos y ver cómo conecta la gente con ella. Es un proyecto muy especial para mí y no veo la hora de que lo escuchen en su totalidad.

¿Qué es lo que más te emociona de la dirección actual de EASTENDERZ, tanto como sello discográfico como marca de eventos?

Lo que más me emociona de EASTENDERZ ahora mismo es ver lo lejos que ha llegado. Lo que empezó como un sello y una serie de fiestas se ha convertido en una marca verdaderamente global. No importa a qué parte del mundo vayamos ahora, la gente reconoce EASTENDERZ, entiende el sonido y conecta con la identidad que hemos construido a lo largo de los años.

Me enorgullece que hayamos logrado abrir nuestro propio camino. Nunca seguimos modas ni perseguimos lo que era popular en el momento. En lugar de eso, nos mantuvimos comprometidos con un sonido y una visión que sentíamos auténticos, y con el tiempo eso ayudó a crear un movimiento en el que la gente cree de verdad. Hoy en día se puede escuchar la influencia de ese sonido en toda la escena, y es gratificante saber que fuimos parte de la construcción de ese camino.

Tanto como sello como marca de eventos, lo más emocionante es que seguimos evolucionando. Estamos llegando a nuevos territorios, descubriendo nuevos artistas y continuando reuniendo a nuestra comunidad en las pistas de baile de todo el mundo. El crecimiento ha sido increíble, pero todavía siento que solo estamos rascando la superficie de lo que es posible.

Llevar EASTENDERZ a Hï Ibiza es un momento muy importante para la marca. ¿Qué representa esta residencia para ti en lo personal y para la comunidad de EASTENDERZ en general?

Llevar EASTENDERZ a Hï Ibiza es un hito enorme, tanto a nivel personal como para toda la comunidad de la marca. Hï es uno de los clubes más respetados del mundo, así que ver que la marca alcanza ese nivel es un reflejo de todo el trabajo duro, la fe y el apoyo que se han invertido en construirla a lo largo de los años.

Para mí, personalmente, es un momento de mucho orgullo porque siempre he creído en hacer las cosas a nuestra manera. Construimos EASTENDERZ desde cero, manteniéndonos fieles a nuestro sonido y visión, y esta residencia es la prueba de que se pueden lograr grandes cosas sin comprometer tu identidad.

Para la comunidad global de EASTENDERZ, es una celebración del viaje que hemos hecho juntos. La gente que ha apoyado al sello, que ha ido a las fiestas y que ha conectado con la música ha tenido un papel fundamental para traernos hasta aquí. Llevar EASTENDERZ a Hï Ibiza nos da una plataforma para mostrar nuestro sonido en uno de los escenarios más grandes de la cultura de club, manteniendo al mismo tiempo esa energía íntima y el espíritu que hicieron de la marca lo que es en primer lugar.

Más que nada, se siente como otro paso hacia adelante. Es una oportunidad para presentar el sonido de EASTENDERZ a nuevos públicos, mientras le damos a nuestra comunidad actual algo especial de lo que estar orgullosos y que podamos experimentar juntos.

¿Qué pueden esperar los fans de la experiencia EASTENDERZ en Hï que quizás no hayan visto antes en la marca?

Creo que los fans pueden esperar la experiencia EASTENDERZ que ya conocen y aman, pero a una escala mucho mayor. Algo en lo que siempre nos hemos enfocado es en crear una atmósfera única donde la música sea lo primero y el público se sienta verdaderamente conectado, y eso es algo que llevaremos a Hï Ibiza sin concesiones.

Lo que hace que esto sea especial es la oportunidad de combinar la energía e identidad de EASTENDERZ con uno de los espacios de club más icónicos del mundo. Podremos llevar la producción un paso más allá, presentar a artistas increíbles y crear momentos que simplemente antes no eran posibles, todo esto mientras mantenemos el espíritu íntimo y centrado en el groove que define a la marca.

Al mismo tiempo, siempre buscamos evolucionar. Los fans pueden esperar algunas sorpresas a lo largo de la temporada: invitados especiales, música exclusiva y algunos toques únicos que harán que estos eventos se sientan distintos a todo lo que hemos hecho antes. El objetivo es crear una experiencia que sea fiel a EASTENDERZ, aprovechando al máximo todo lo que un espacio de clase mundial como Hï Ibiza tiene para ofrecer.

En última instancia, se trata de darle a nuestra comunidad algo más grande y ambicioso que nunca, manteniendo la autenticidad y la energía que nos trajeron aquí.

¿Qué esperas que la gente se lleve de una noche de EASTENDERZ en Hï Ibiza que la haga diferente de cualquier otra fiesta de la isla?

Lo que espero que la gente se lleve de una noche de EASTENDERZ en Hï Ibiza es una conexión real con la música y la atmósfera. Ibiza está llena de fiestas increíbles, pero lo que siempre ha diferenciado a EASTENDERZ es la comunidad que hemos construido en torno al amor compartido por la música con groove y la cultura de club auténtica.

Nunca nos ha interesado seguir tendencias ni depender de trucos visuales o trucos de marketing. El enfoque siempre ha estado en crear una pista de baile donde la gente pueda perderse en la música, descubrir nuevos artistas y ser parte de algo que se sienta real. Esa es la energía que queremos llevar a Hï Ibiza cada semana.

Quiero que la gente sienta que ha experimentado algo con identidad y carácter propio. Ya sea por la música, el público, los artistas o la vibra general, EASTENDERZ siempre ha tenido su propio ADN, y eso es algo que nunca perderemos, sin importar cuánto crezca la marca.

Al final del día, si la gente se va hablando de la atmósfera, de la calidad de la música y de lo que sintieron en la pista de baile, más allá del club en sí, entonces habremos hecho bien nuestro trabajo.

Si pudieras volver atrás y decirte algo a ti mismo cuando lanzaste EASTENDERZ por primera vez, sabiendo que algún día tendría una residencia en Hï Ibiza, ¿qué sería?

Probablemente me diría que confíe en el proceso y tenga paciencia. Cuando empezó EASTENDERZ, nunca hubo un plan maestro para terminar en un lugar como Hï Ibiza. Se trataba simplemente de armar fiestas y lanzar música en la que creía de verdad.

Hubo muchos momentos en el camino donde las cosas tomaron su tiempo, las oportunidades no llegaron de la noche a la mañana y el crecimiento se sintió gradual; pero mirando hacia atrás, cada paso fue importante para dar forma a lo que EASTENDERZ es hoy. Me recordaría que mantenerse fiel a tu visión siempre vale la pena, incluso cuando el camino no esté del todo claro. Y lo más importante, me diría que nunca subestime el poder de construir una comunidad real. La razón por la que EASTENDERZ ha llegado a este punto no es por un evento o un disco en particular, sino por años de apoyo de personas que conectaron con el sonido, las fiestas y la cultura que los rodea.

Así que el mensaje sería simple: sigue adelante, confía en tu instinto, no apresures nada y disfruta del viaje, porque un día mirarás atrás y te darás cuenta de que esos pequeños pasos se convirtieron en algo mucho más grande de lo que jamás imaginaste.

Has tocado por todo el mundo recientemente. ¿Qué show internacional fuera de Ibiza te ha dejado la mayor impresión y por qué?

Es difícil elegir solo uno porque hemos tenido shows increíbles en todo el mundo recientemente, pero el EASTENDERZ Tenerife Weekender definitivamente destaca como uno de los momentos cumbre. Tuvimos cuatro días increíbles llenos de fiestas, y lo que lo hizo tan especial fue la atmósfera que se desarrolló a lo largo del fin de semana. Se sintió como un verdadero encuentro de la comunidad de EASTENDERZ, con gente viajando desde todas partes solo para ser parte de ello. Hubo una sensación real de conexión entre los artistas, el público y la música de principio a fin.

Ese tipo de eventos son siempre los más gratificantes porque van más allá de un simple show. Llegas a ver cómo se forman amistades, a la gente totalmente inmersa en la experiencia y a una comunidad uniéndose por una pasión compartida. La energía no paró de crecer día tras día, y al final del fin de semana se sintió como algo realmente memorable.

Para mí, de eso se trata EASTENDERZ: de crear experiencias que vayan más allá de la pista de baile, y Tenerife fue el ejemplo perfecto.

¿Hay alguna ciudad o país que se haya convertido en una parte especialmente importante del viaje de EASTENDERZ a lo largo de los años?

Sin duda alguna, Londres. Es donde nació EASTENDERZ, donde se le dio forma a la visión y donde se construyeron los cimientos de todo lo que hacemos.

Londres siempre ha tenido una de las escenas de música electrónica más diversas e influyentes del mundo, y estar rodeado de ese entorno jugó un papel enorme en la definición tanto del sonido como de la identidad de EASTENDERZ. La ciudad nos dio la plataforma para crecer orgánicamente, construir una comunidad leal y desarrollar la cultura que todavía define a la marca hoy en día.

A pesar de que EASTENDERZ se ha convertido en una marca global y ahora organizamos eventos en todo el mundo, Londres siempre será nuestro hogar. Es donde aprendimos nuestro oficio, donde tuvieron lugar muchas de nuestras fiestas más memorables y donde comenzó realmente el viaje.

No importa qué tan lejos viaje la marca, los valores, la energía y el espíritu que hicieron de EASTENDERZ lo que es hoy siempre estarán arraigados en Londres.

EASTENDERZ siempre ha sido conocida por crear un fuerte sentido de comunidad. En una era en la que la música de baile a veces puede sentirse cada vez más comercial, ¿qué tan importante es preservar esa conexión entre los artistas y los fans?

Es increíblemente importante. El sentido de comunidad siempre ha estado en el corazón de EASTENDERZ, y creo genuinamente que esa es una de las razones principales por las que la marca ha resonado en la gente durante tantos años.

A medida que la música electrónica sigue creciendo y volviéndose más comercial, es fácil que todo se empiece a centrar en los números, las tendencias y las redes sociales. Pero para mí, la parte más importante de esta cultura siempre ha sido la conexión entre la música, los artistas y la gente en la pista de baile. Eso es algo que no se puede fabricar artificialmente, y es algo por lo que siempre hemos trabajado duro para proteger.

La razón por la que la gente sigue regresando a los eventos de EASTENDERZ no es solo por los line-ups o los lugares. Es porque se sienten parte de algo. Ya sea alguien que asiste a su primera fiesta o alguien que ha estado con nosotros desde los primeros días en Londres, todos comparten esa misma pasión por la música y la atmósfera que creamos juntos.

A medida que la marca sigue creciendo, preservar esa conexión se vuelve aún más crucial. No importa qué tan grande se vuelva EASTENDERZ, quiero que la gente sienta que es parte de una comunidad en lugar de simplemente asistir a un evento más. Eso es lo que le da identidad a la marca, y es algo que nunca perderemos de vista.

¿Qué responsabilidad sientes que tiene EASTENDERZ en ayudar a dar forma a la próxima generación de artistas que están surgiendo en la escena?

Esto es algo muy importante para mí en lo personal. Una de las cosas que más he disfrutado siempre de dirigir EASTENDERZ es descubrir nuevos talentos y darles a los artistas emergentes una plataforma para ser escuchados.

Constantemente estoy buscando nueva música y nuevos productores. Probablemente escucho alrededor de 500 pistas a la semana, revisando demos, buscando sonidos frescos e intentando entender qué está creando la próxima generación. Ese proceso me parece inspirador porque me mantiene conectado con lo que está pasando en la escena y me da un vistazo de hacia dónde podría dirigirse la música.

Creo que EASTENDERZ tiene la responsabilidad de ayudar a crear oportunidades para artistas talentosos que merecen ser escuchados. Cada artista consagrado fue alguna vez un productor desconocido que buscaba a alguien que creyera en su música, y nunca olvido eso. Ya sea a través del sello, de nuestros eventos o simplemente apoyando sus pistas en mis sets, quiero que EASTENDERZ siga siendo una plataforma donde el nuevo talento pueda desarrollarse y crecer.

Para mí, una de las partes más gratificantes de este viaje es ver evolucionar a los artistas con el tiempo. Ver a alguien pasar de enviar demos a tocar en eventos importantes o lanzar en sellos respetados es increíblemente satisfactorio. El futuro de la escena depende de las nuevas ideas y del nuevo talento, por lo que apoyar a esa próxima generación siempre será una parte fundamental de la identidad de EASTENDERZ.

Has construido tu carrera de manera independiente y bajo tus propios términos. ¿Qué lecciones de ese viaje compartirías con los artistas más jóvenes?

La lección más grande que compartiría es tener paciencia y enfocarse en construir algo auténtico. Vivimos en una época en la que es fácil compararse con los demás y sentir que el éxito tiene que ocurrir de la noche a la mañana, pero la realidad es que las carreras duraderas se construyen a lo largo de años, no de meses.

Siempre he hecho las cosas bajo mis propios términos y me he mantenido fiel a la música en la que creo. Hubo oportunidades en el camino para seguir modas o tomar atajos, pero creo que es importante crear tu propia identidad en lugar de intentar copiar lo que ya le está funcionando a otra persona. Los artistas que resisten el paso del tiempo suelen ser los que tienen una visión clara y se mantienen constantes con ella.

También diría que el trabajo duro es insustituible. Dedica tiempo a mejorar tu oficio, ya sea produciendo, pinchando o entendiendo el lado del negocio de la industria. Cuanto más esfuerzo pongas en desarrollar tus habilidades, más preparado estarás cuando te lleguen las oportunidades.

Y lo más importante: no tengas miedo de tomar tu propio camino. No todos los viajes se ven iguales y el éxito significa cosas diferentes para cada persona. Si te mantienes dedicado, sigues aprendiendo y amas genuinamente lo que haces, siempre te estarás dando la mejor oportunidad de construir algo significativo y duradero.

Cuando no estás de gira o en el estudio, ¿dónde sueles encontrar inspiración creativa?

Mucha de mi inspiración proviene simplemente de vivir la vida lejos del estudio. Cuando estás constantemente de gira y rodeado de música todos los días, es importante dar un paso atrás a veces y recargar energías.

Viajar siempre ha sido una gran fuente de inspiración para mí. Visitar diferentes ciudades, conocer gente de culturas distintas y experimentar nuevos entornos te da una perspectiva fresca y a menudo despierta ideas que encuentran su camino de forma natural en la música. También estoy escuchando música constantemente, y no solo electrónica. Disfruto buscando discos antiguos, descubriendo música de diferentes géneros y épocas, y encontrando sonidos que puedan inspirar un groove, una melodía o incluso solo una sensación. Mucha de la creatividad surge de ser curioso y mantener los oídos abiertos.

Al mismo tiempo, algunas de mis mejores ideas surgen cuando estoy completamente desconectado, pasando tiempo con mi familia y amigos, relajándome o simplemente disfrutando de la vida cotidiana. A veces, la mejor inspiración llega cuando no la estás buscando activamente. Te da el espacio para regresar al estudio con la mente despejada y una perspectiva renovada.

Has alcanzado muchas de las metas a las que aspiran muchos artistas. ¿Qué te sigue motivando e inspirando después de todos estos años?

Lo que me motiva ahora es probablemente lo mismo que me motivaba cuando empecé: un amor genuino por la música y la sensación que te da conectar con la gente a través de ella.

Por supuesto, alcanzar ciertos hitos en el camino ha sido increíblemente gratificante, pero nunca he sido de los que se fijan una meta y luego sienten que el viaje ha terminado. Tan pronto como termina un capítulo, ya estoy pensando en lo que viene después, en cómo puedo mejorar, qué nuevas ideas puedo explorar y cómo puedo seguir evolucionando como artista. Ahora mismo, una gran fuente de motivación es el álbum. Me ha dado un nuevo desafío creativo y me ha empujado a explorar diferentes lados de mi faceta artística. Más allá de eso, ver que EASTENDERZ sigue creciendo en todo el mundo, descubriendo nuevos talentos y viendo cómo la comunidad se fortalece cada año es algo que me inspira todos los días. Lo que lo mantiene emocionante es que la música siempre se está moviendo hacia adelante. Siempre hay un nuevo disco que descubrir, un nuevo artista al que apoyar, una nueva ciudad en la que tocar o una nueva idea creativa que desarrollar. Mientras siga sintiendo esa emoción cuando entro al estudio o me pongo detrás de los platos, siempre estaré motivado para seguir empujando hacia adelante.

Si tuvieras que describir el capítulo actual de tu carrera en tres palabras, ¿cuáles serían y por qué?

· Crecimiento, porque EASTENDERZ se ha convertido en una marca verdaderamente global. Desde las primeras fiestas en Londres hasta organizar eventos en todo el mundo y asegurar una residencia en Hï Ibiza, es increíble ver lo lejos que ha llegado este viaje.

· Evolución, porque siento que constantemente me estoy exigiendo más a nivel creativo. El álbum es un ejemplo perfecto de eso. Me ha desafiado a explorar nuevas ideas, correr riesgos y desarrollarme como artista sin dejar de ser fiel a mis raíces.

· Gratitud, porque nada de esto sucede sin la gente que me ha apoyado en el camino. Los fans, los artistas, el equipo y todos los que han sido parte del viaje de EASTENDERZ han ayudado a construir algo realmente especial. Cuanto más crezco, más lo aprecio y nunca lo doy por sentado.

Ahora mismo, se siente como si estuviéramos entrando en uno de los capítulos más emocionantes hasta la fecha, y estoy agradecido de seguir teniendo la misma pasión y el mismo hambre que tenía cuando todo esto comenzó.

¿Cuáles son las mayores ambiciones que aún tienes para ti como artista y para EASTENDERZ como marca?

Nunca he sido alguien motivado puramente por los logros o los hitos. Para mí, siempre se ha tratado de seguir creciendo, evolucionando y creando algo que tenga un impacto duradero. Como artista, una de mis mayores ambiciones ahora mismo es seguir exigiéndome creativamente. El álbum es una parte enorme de eso, y quiero seguir explorando nuevas ideas sin perder el sonido y la identidad por la que la gente me conoce. Sigo queriendo hacer discos que resistan el paso del tiempo y continuar mejorando como productor y deejay.

Para EASTENDERZ, la ambición es seguir construyendo sobre lo que ya hemos creado, sin perder nunca los valores que nos trajeron aquí. Nos hemos convertido en una marca global, pero todavía siento que hay mucho más que podemos hacer. Quiero que EASTENDERZ siga descubriendo y apoyando a la próxima generación de talento, llegue a nuevos territorios en todo el mundo y continúe creando experiencias inolvidables para nuestra comunidad. Y lo más importante: quiero que EASTENDERZ deje un legado. No solo como un sello exitoso o una marca de eventos, sino como algo que ayudó a dar forma a un sonido, apoyó a los artistas y unió a la gente a través de un amor compartido por la música. Si podemos seguir haciendo eso mientras nos mantenemos auténticos con quienes somos, entonces estaré muy feliz con el lugar a donde nos lleve el viaje.

Si tuviéramos esta conversación de nuevo dentro de cinco años, ¿qué esperarías que hubieran logrado East End Dubs y EASTENDERZ para entonces?

Si tuviéramos esta conversación de nuevo en cinco años, esperaría que East End Dubs y EASTENDERZ hubieran seguido creciendo, manteniéndose fieles a lo que los hizo especiales en primer lugar. Para mí como artista, me gustaría mirar atrás y sentir que he seguido evolucionando creativamente, lanzado música de la que estoy genuinamente orgulloso y construido un catálogo que resista el paso del tiempo. El éxito es genial, pero lo más importante para mí es crear música con la que la gente siga conectando años después.

Para EASTENDERZ, me encantaría verla seguir siendo una de las marcas líderes en la música electrónica a nivel global, al mismo tiempo que continúa siendo una plataforma que apoya el nuevo talento y hace avanzar la cultura. Me gustaría que estuviéramos operando en aún más territorios, creando mayores oportunidades para los artistas y continuando construyendo una comunidad que se sienta tan fuerte como siempre.

Más que nada, espero que la gente siga viendo a EASTENDERZ como algo auténtico. Las tendencias van y vienen, pero la autenticidad perdura. Si en cinco años seguimos siendo conocidos por la buena música, las fiestas increíbles, el descubrimiento de nuevos talentos y por unir a personas de todo el mundo, entonces consideraría eso un logro enorme.

Al final del día, el objetivo no es solo ser más grandes, sino ser mejores. Seguir subiendo el nivel, seguir inspirando a la gente y continuar construyendo algo que tenga un impacto duradero en la escena durante los próximos años.

Después de todo lo que has logrado hasta ahora, ¿qué te queda pendiente?

Para ser sincero, todavía siento que apenas estamos comenzando. Hemos logrado mucho a lo largo de los años, pero nunca he mirado ningún logro pensando: “Eso es todo”.

Todavía hay mucho que quiero hacer creativamente. El álbum es una parte importante de eso ahora mismo, porque me ha permitido expresarme de una manera diferente y empujar más allá de lo que la gente podría esperar de mí. Sigo sintiendo hambre de crear, experimentar y seguir evolucionando como artista.

Con EASTENDERZ, siempre hay otro capítulo por escribir. Hemos construido una marca global y una comunidad increíble, pero sigo viendo muchísimo potencial por delante. Quiero seguir descubriendo a la próxima generación de talento, haciendo crecer la marca en nuevos territorios y creando experiencias que la gente recuerde durante años.

Lo que queda pendiente es el legado. No en términos de éxito o logros, sino en términos de impacto. Quiero que East End Dubs y EASTENDERZ sean recordados por aportar algo significativo a la cultura, ayudar a dar forma a un sonido, apoyar a los artistas y construir una comunidad que resista el paso del tiempo.

Mientras siga teniendo ideas, me siga sintiendo inspirado y me siga emocionando la música, no creo que el trabajo esté realmente terminado jamás.

¿Cuál esperas que sea el legado de EASTENDERZ cuando la gente mire hacia atrás dentro de veinte años?

Espero que el legado de EASTENDERZ sea que se mantuvo fiel a sí misma de principio a fin. Nunca hemos intentado seguir modas ni ser algo que no somos. Desde los primeros días en Londres hasta convertirnos en una marca global, todo se ha construido en torno a un amor genuino por la música, la cultura y la comunidad. Si la gente mira hacia atrás en veinte años y ve a EASTENDERZ como una marca que ayudó a definir un sonido y creó su propio camino dentro de la música electrónica, eso significaría mucho para mí.

También espero que se nos recuerde por apoyar a los artistas y dar oportunidades a la próxima generación. Eso es algo que siempre ha sido importante para mí en lo personal. La escena solo avanza porque sigue surgiendo nuevo talento, y me gustaría pensar que EASTENDERZ jugó un papel en ayudar a que eso sucediera.

Y lo más importante: espero que la gente recuerde la sensación. Las fiestas, los discos, las amistades, los momentos en la pista de baile y la comunidad que creció a su alrededor. El éxito viene y va, pero crear recuerdos y unir a las personas a través de la música es lo que perdura.

Si la gente puede mirar atrás y decir que EASTENDERZ hizo una contribución real a la cultura, se mantuvo auténtica a lo largo de su viaje y dejó la escena en un lugar mejor de como la encontró, entonces estaré increíblemente orgulloso de ese legado.

mariiin

“Estar

rodeada de una comunidad musical tan vibrante te impulsa naturalmente a crecer y experimentar.”

Nos encontramos con Mariiin, artista radicada en Londres cuyo ascenso es constante y la tuvo y tendrá por nuestras latitudes varias veces este año. Desde un descanso en su Nápoles natal, nos cuenta sobre ‘Hors-série #4’, su último trabajo para Chat Noir, sus inicios en la escena italiana y su crecimiento en el Reino Unido, anécdotas del legendario club Fabric, sus mejores momentos en España dentro y fuera de las cabina, y más. Si aún no la conoces puedes prepararte con esta nota, y disfrutarla en Barcelona a fines de julio en una locación junto al mar, o en agosto comandando Les Enfants ¡Durante toda la noche!

¡Acabas de regresar de un show en Barcelona durante la semana más intensa de la temporada!

Me encantó. Toqué en la playa, algo que no se da muy a menudo, así que fue muy especial. Tocar antes que Emilio y Z@P fue un momento inolvidable, y compartir el día con mis amigos de Siku y Enrenou me hizo sentir como en casa. Barcelona durante la semana del Sónar siempre tiene una energía única, y el público fue increíblemente abierto y participativo.

Siempre es una experiencia increíble. Te reencuentras con viejos amigos, conoces gente nueva, descubres música increíble y pasas unos días completamente inmersa en ese ambiente. Mi último set allí es sin duda uno de mis recuerdos favoritos, pero a lo largo de los años también tuve la oportunidad de ver a muchísimos artistas increíbles, y eso es algo que me sigue inspirando cada vez que vuelvo.

Cuéntanos sobre tus mejores experiencias en España, dentro o fuera de la cabina.

Este año tuve la oportunidad de pasar mucho más tiempo en España y dar más conciertos, algo muy especial. Roof (su agencia) y yo empezamos a colaborar en España con Enrenou, y ha sido un verdadero placer trabajar con Carlos (de Enrenou), que no solo está haciendo cosas increíbles por la escena, sino que además es un gran amigo.

Fuera de la cabina de DJ, el Festival Ombra fue sin duda uno de los momentos más destacados. Me tomé el tiempo para escuchar y descubrir a nuevos artistas y disfrutar del festival como una auténtica amante de la música. Volví a casa muy inspirada, y creo que lo necesitaba.

Dentro de la cabina, ha habido algunos momentos que recordaré durante mucho tiempo.

Tocar en Les Enfants con L.F.T., Siku x Enrenou durante Off-Sónar y el Festival Holz und Blech en el País Vasco. Holz und Blech es muy especial no solo por el lugar precioso y la gente maravillosa que conocí, sino también porque me sentí honrada de formar parte de la historia y la visión detrás de un festival tan único.

¿Hubo algún momento clave en tu formación durante tu estancia en el Reino Unido?

Vivir en el Reino Unido me dio la confianza necesaria para creer más en mí misma y en mis instintos como artista. Estar rodeada de una comunidad musical tan vibrante te impulsa naturalmente a crecer y experimentar. Un capítulo decisivo para mí fue en Leeds, donde realmente empecé a conocer la escena y a forjar relaciones significativas. Luego, mudarme a Londres me abrió un mundo nuevo, sobre todo al tocar por primera vez en clubes como Fabric. Esas experiencias sin duda moldearon a la artista que soy hoy.

¡Craig Richards pinchaba tus producciones hace años en Fabric! ¿Qué tal fue tu primera vez allí?

Lo recuerdo como si fuera ayer. Muchos amigos vinieron a verme pinchar, y me sentía nerviosa y emocionada a la vez. Es un recuerdo tan vívido que me viene a la mente cada vez que tengo una actuación importante. También recuerdo que un disco saltó durante mi set, y eso me enseñó una lección importante: por muy preparada que estés, ¡cualquier cosa puede pasar durante una sesión! En cierto modo, esa imprevisibilidad también forma parte de la belleza de pinchar discos.

¿Algún momento destacado de tus colaboraciones con ellos?

Pinchar en la Sala 1 fue sin duda un momento destacado. Me sentí completamente inmersa en la cabina, algo que rara vez ocurre. Fue una de esas noches en las que pude ser yo misma detrás de los platos. También tengo recuerdos increíbles de hacer el warm up para Time Passages en la Sala 2. Aquellas noches tenían un ambiente muy especial y siguen siendo algunas de mis experiencias favoritas en Fabric.

¡He oído historias increíbles sobre las madrugadas allí!

He pasado mucho tiempo allí, no solo detrás de la cabina, sino también en la pista de baile, sobre todo hace años. Las mañanas en Fabric son difíciles de describir con palabras. Tienen algo mágico: la conexión entre la gente, las sonrisas, la energía compartida. Todo se une a través de la música, y parece que nada más importa.

¿Qué opinas del debate techno entre Berlín y el Reino Unido?

Creo que ese debate fue muy interesante en su momento, pero hoy en día todo se siente mucho más interconectado. Históricamente, Berlín se ha asociado a menudo con un enfoque más hipnótico y minimalista, mientras que el Reino Unido siempre ha adoptado influencias de diferentes géneros, lo que hace que su sonido sea más híbrido e impredecible. Creo que ambas escenas contribuyeron enormemente a la evolución de la música electrónica, y hoy en día los artistas se inspiran constantemente entre sí, independientemente de dónde residan. Para mí, la música más emocionante surge cuando los artistas se centran en desarrollar su propio lenguaje e identidad.

¿Qué hace que Nápoles sea tan especial? ¿Cómo percibes la escena allí?

Creo que Nápoles y Barcelona tienen mucho en común, y probablemente por eso siempre me siento como en casa en Barcelona. Ambas ciu-

dades tienen un fuerte sentido de identidad y comunidad. Creo que se debe a la pasión de su gente. Está en nuestro ADN. Ya sea música, arte, gastronomía o la vida cotidiana, la gente tiende a entregarse por completo a lo que ama, y eso crea una energía muy especial.

La escena cambió mucho con los años, especialmente después de la pandemia. Al mismo tiempo, siento que se está produciendo un verdadero renacimiento, y eso me alegra mucho. Cuando vivía en Nápoles, la escena estaba en pleno auge y podía compararse fácilmente con la de muchas grandes ciudades europeas.

Allí di mis primeros pasos como DJ y tuve la suerte de estar rodeada de gente que creyó en mí, aunque también tuve que superar bastantes prejuicios por el camino.

Hoy siento que la escena se está reconstruyendo y recuperando poco a poco su energía. Compararlo con el Reino Unido es interesante, sobre todo teniendo en cuenta que me mudé allí hace casi diez años. En el Reino Unido encontré una comunidad muy abierta que me animó y me dio la confianza necesaria para creer más en mí misma como artista. ¿Cuáles son tus experiencias más memorables actuando en directo?

Los momentos más memorables son siempre cuando me siento completamente conectada con el público. He tenido la suerte de experimentarlo varias veces, y cuando sucede, es casi mágico. Hay un punto en el que empiezas a sentir que estás creando algo juntos en ese momento. Esas son las experiencias que me dan ganas de seguir.

Si pudieras elegir: ¿Cuál sería el contexto ideal para una actuación tuya?

Mi entorno ideal sería un espacio con un sistema de sonido potente y total libertad para experimentar. Un lugar donde el sonido, la arquitectura y los elementos visuales jueguen un papel crucial en conjunto y donde el público esté abierto a sumergirse en la experiencia. Me encanta la idea de que una actuación se sienta más como un viaje compartido.

¿Qué tipo de conexiones has establecido entre la arquitectura y la música?

Por el momento, la arquitectura y la música siguen siendo dos aspectos separados de mi vida. Ambas son muy importantes para mí, pero aún no he tenido la oportunidad de unirlas en un proyecto significativo. Es algo en lo que pienso a menudo y que me encantaría explorar en el futuro. Sin embargo, antes de hacerlo, me gustaría dedicar más tiempo a investigar y desarrollar una comprensión más

profunda de cómo estas disciplinas pueden interactuar de forma auténtica.

¡Felicidades por tu nuevo trabajo en Chat Noir! ¿Cómo fue tu enfoque para este lanzamiento?

Muchas gracias. Mi enfoque en el estudio suele ser bastante intuitivo. Rara vez decido con antelación lo que va a suceder. Dedico mucho tiempo a escuchar ideas en mi cabeza, a tomar descansos y a reconectar con mis pensamientos antes de volver a la música. Me gusta dejar que las cosas se desarrollen de forma natural y aprendí que no se puede apresurar nada; la música merece el espacio y el tiempo adecuados.

¿Algún elemento de tu estudio que considereimprescindible?

No podría imaginar mi configuración sin el Analog Four, el Analog Rytm y el Virus TI. Se han convertido en herramientas esenciales en mi flujo de trabajo y están presentes en casi todo lo que produzco actualmente. También uso los plugins de Soundtoys principalmente para efectos.

¿Qué fue lo más difícil de superar para dedicarte a la música?

Sin duda, creer en mí misma fue el mayor desafío. Me llevó tiempo confiar en que realmente podía seguir este camino. Otra dificultad ha sido compaginar la música con mi trabajo diario y aceptar que esto puede afectar mis relaciones personales, así que aprender a encontrar ese equilibrio es algo en lo que todavía estoy trabajando.

¿Qué es lo último que escuchaste?

Últimamente he estado volviendo a escuchar música que me encantaba de joven. Es interesante porque se siente menos como nostalgia y más como redescubrirla a través de diferentes oídos y experiencias. Algunos ejemplos: Fischerspooner, Tiga, Timo Maas, Black Light Smoke y Sextile.

¿Planes para la segunda mitad del año?

Mi principal objetivo para la segunda mitad del año es terminar un EP que me entusiasma muchísimo. Estoy a punto de empezar la mezcla y tengo muchísimas ganas de darle vida. Además, planeo una gira, seguiré tocando música y conociendo gente maravillosa por todo el mundo, ¡haciendo bailar a la gente!

orbe

Desde Algeciras hasta los principales escenarios de la electrónica europea, el camino de Orbe es el de un productor que ha construido su identidad sonora lejos de los focos tradicionales de la escena. Formado en una Andalucía con una rica cultura musical y curtido después en el ecléctico circuito madrileño, ha ido forjando con los años un sonido propio y difícil de encasillar. En esta entrevista repasamos sus inicios, su relación con el analógico y su visión sobre el momento que vive la escena española.

Empezaste con la música siendo muy joven en Algeciras, una ciudad que no es especialmente trascendental en la escena techno. ¿Cómo era acceder a música electrónica desde aquellos años? ¿Qué papel tuvieron las tiendas de discos o los primeros eventos en tu formación y carrera?

En Algeciras había una cultura breakbeat muy grande, en Andalucía en general, con tiendas de discos en Málaga, Sevilla, Granada, Huelva y Jaén, incluso en Algeciras. También había un programa que se emitía en la radio pública de Andalucía, Canal Sur, llamado Mundo Evassion, donde sonaban sesiones de breakbeat todos los fines de semana e incluso re-transmitían festivales en directo, fiestas desde La Copera; así fue como entré yo en este mundo.

Algeciras a Madrid es un cambio enorme, no solo geográfico. ¿En qué momento decidiste hacer ese movimiento y qué encontraste —o no encontraste— en la escena madrileña cuando llegaste?

Cuando terminé la época escolar me fui a Sevilla a estudiar, y de allí a Madrid, donde continué mis estudios de sonido. En Madrid conocí a mucha gente, descubrí muchos artistas y fui a muchas fiestas. La oferta era enorme, cada fin de semana grandes artistas venían a tocar, eso me ayudó a nutrirme.

Aunque se te relaciona concretamente con techno, podríamos decir que tu música mezcla muchos otros estilos ¿Cómo describes tú mismo tu sonido cuando alguien te pregunta, sin recurrir a etiquetas? ¿Hay un hilo conductor que une todos esos registros?

Bueno, me identifico con muchos estilos, desde el breakbeat, drum&bass, con el que comencé, me encanta la música ambient, el techno por supuesto, pero también otros ámbitos fuera de la electrónica. La verdad, no sé si hay un hilo conductor, simplemente creo que sé diferenciar entre la buena música y la que no. Si la madre de un amigo me pregunta qué estilo es el mío, siempre contesto “techno oscuro”, jejej.

Has hablado de sintetizadores como el Buchla o el Andromeda como parte central de tu proceso. ¿Qué aporta el hardware analógico que no puedes conseguir de otra manera? ¿Hay una pieza concreta sin la que no podrías trabajar ahora mismo?

Me gusta el hardware porque me gusta tocar, me gusta variar los sonidos con las manos, me gusta el sonido de las máquinas analógicas, también las que no lo son; cada máquina tiene su propio sonido. También hay plugins VST increíbles hoy día que sacan sonidos muy futuristas. Lo que está claro es que no se necesitan máquinas para hacer buena música, todo está en la cabeza de uno.

Tu primer LP en Be as One (el sello de Shlomi Aber) te puso en el radar internacional, con feedback de gente como Nina Kraviz o Marcel Dettmann. ¿Cómo viviste ese momento? ¿Cambia algo en tu manera de trabajar cuando de repente artistas de ese nivel empiezan a conocerte?

Momento bonito, hacer mi primer álbum, lo recuerdo con una sonrisa. Por aquel entonces no vivía de la música, lo hice sin pretensiones, sin presión, sin esperar nada a cambio; cuando empiezas a vivir de la música quizás cambia un poco el foco. Cuando artistas a los que admiras empiezan a reconocer tu música, es siempre un chute de energía. Digamos que es un premio y te afianza aún más en tu propio sonido, ya que sientes que los grandes artistas lo han aprobado, y eso te da confianza.

Fundaste Orbe Records en 2014. Llevas más de una década gestionando un sello de forma independiente, algo que muy pocos hacen de manera sostenida. ¿Qué ha supuesto tener ese espacio propio, más allá de la distribución musical?

Creé el sello sobre todo para editar mi propia música, ya que por aquel entonces no había mucha posibilidad de llevar mi sonido a otros sellos; de esta manera puedes sacar lo que quieras, sin depender de si le gusta a alguien o no, y así crear tu propio sonido. Creo que a día de hoy la gente reconoce el sonido del sello, es bueno cuando alguien escucha un track y lo identifica con tu sello solo por el sonido.

Tu colaboración con Pysk lleva ya varios EP y ha culminado en un álbum conjunto que ha salido este 2026. Una colaboración a largo plazo entre dos productores con identidades muy definidas no es fácil de mantener. ¿Cómo gestionáis el ego creativo en el estudio? ¿Hay momentos en los que no os ponéis de acuerdo y cómo los resolvéis?

Nos llevamos muy bien, dentro y fuera del estudio. La verdad es que casi siempre coincidimos en cuanto a gustos, siempre vamos en la misma dirección. Con el paso del tiempo creo que nuestro sonido se va afianzando cada vez más, y después de varios discos y muchas actuaciones juntos tenemos más claro hacia dónde queremos ir.

España ha ganado peso en el techno europeo en la última década. ¿Cómo ves el estado actual de la escena aquí? ¿Sientes que hay una identidad propia o que todavía se mira demasiado a Berlín como referencia?

Tenemos artistas fantásticos, creo que el cliché de Berlín ya se dejó de lado hace tiempo. La escena aquí es muy buena en cuanto a artistas, no tenemos nada que envidiar al resto del mundo. Cuando viajo, todos me dicen que el nivel de los artistas españoles es increíble, me hace feliz que la gente de fuera nos tenga bien posicionados en el radar.

Tocas regularmente en Europa ¿Sientes que hay algún tipo de prejuicio o expectativa cuando llegas a según qué países siendo español? ¿O la música ya no tiene nacionalidad?

Para nada, la música no tiene nacionalidad. Es más, la gente de España se sorprende más cuando les digo que soy de Algeciras, que la gente de otros países cuando les digo que soy español, jejej.

william basinski

“Si te mantienes firme en algo el tiempo suficiente, eventualmente algo sucede. Soy terco. Simplemente hay que seguir adelante y seguir rezando”

William Basinski es uno de los artistas de música electrónica de vanguardia más destacados del último cuarto de siglo. Compositor de The Disintegration Loops, obra trascendental que fue incluida en el archivo permanente del Museo Nacional del 11-S en New York y reeditada en un box set de lujo de 8 LPS, con una introducción escrita por Laurie Anderson.

Tuvimos el honor de compartir una larga charla con él desde su estudio en Los Angeles, y tocamos temas como la vez que teloneó a David Bowie en los ochenta, o que tuvo a Diamanda Galás cantando en su casa, o su show en la Bienal de Venecia. Su relación con el aclamado ingeniero de sonido Gary Thomas Wright, su trabajo junto a Marina Abramović, haber descubierto a ANOHNI en sus inicios, su proyecto funk Sparkle Division, y mucho más. Recomendamos sumergirse en una de sus obras icónicas que combinan drones, ambient y tape-loops, y perderse en esta nota.

¿Algún momento destacado de tus últimos shows?

Todos han sido fantásticos, los equipos son geniales, el público fue estupendo. Un momento realmente memorable del año pasado fue cuando Caterina Barbieri me invitó a actuar en la Bienal de Música de Venecia. Fue un concierto muy especial, con cuatro pianos y dos percusionistas, e interpretamos la transcripción de Adam Tendler de The Garden Of Brokenness, simplemente preciosa. El diseño de iluminación estuvo a cargo de mi amigo A. J. Weissbard, quien trabajó con Robert Wilson durante años. Lo conocí cuando estábamos montando la ópera ‘La Vida y Muerte de Marina Abramović’ con ANOHNI, donde compusimos la música, A. J. se encargó de la brillante iluminación y conocí a Bob (Brown) y a todos. Marina es genial, es una de las personas más divertidas que jamás conocerás, es divertidísima. Así que sí, la Bienal de Venecia fue fantástica y muy especial.

¿Fue ahí que conociste a Marina Abramović?

La conocí cuando empezamos a trabajar en la Ópera, creo que fue en 2010. Los primeros ensayos y la preparación del espectáculo con Bob y todo el elenco duraron dos semanas en Madrid en septiembre. Tenían la opción de ensayar en Manchester, que era uno de los patrocinadores de la obra, o en Madrid, que también la patrocinaba. Y sabiamente eligieron Madrid, ¡porque ya saben... el clima!

Cuéntame sobre tu rework para Rafael Anton Irisarri. ¿Cómo conociste a Gary Thomas Wright?

Bueno, Gary es mi mejor amigo, mi mejor amigo para siempre. Nos conocimos en la preparatoria hace 50 años, allá por 1976 o 1977. Gary era tan guapo y glam rock, igual que yo. Nos hicimos mejores amigos, solíamos colarnos en clubes de jazz y cosas que nadie quería ver. Nos divertíamos mucho. Terminamos estudiando juntos en la Universidad Estatal del Norte de Texas durante un par de años. Luego él se fue a Los Ángeles y terminó en Boston. Trabajó para sellos discográficos, tiendas de discos, se metió en la ingeniería de sonido y logró entrar en un estudio de grabación. Lo pusieron a trabajar en una consola y se convirtió en un ingeniero de mezcla muy solicitado. Ha trabajado con algunas de las estrellas más grandes de los últimos 40 años: Miles Davis, Cyndi Lauper, Cher, y muchos más. Su currículum es impresionante.

Estuvimos mucho tiempo sin vernos, y luego, en Nueva York, en los noventa, justo después de que The Murmurs firmaran con una gran discográfica (yo llevaba tres años produciéndolos), iba en mi furgoneta por la Quinta Avenida y vi a un tipo caminando por la calle, fumando un cigarrillo, ¡y supe al instante que era él! Así que me asomé por la ventanilla y lo llamé; no se lo podía creer. Se subió al coche, fuimos a Arcadia, a mi loft, pasamos el rato, charlamos... Después, no nos vimos durante mucho tiempo. Yo terminé viniendo a California, Gary pasó unos diez años en Florida, se había retirado de la mezcla, las giras y todo eso. Estaba en Florida

trabajando con George Clinton, ayudándolo a deshacerse de la gente turbia que lo rodeaba. También se encargaba de todas las giras de Parliament, la logística, todo eso, durante años. Y luego, durante la pandemia, su casa se incendió. Estuvimos en contacto entonces, después de que se incendiara su casa le dije: ‘Salva lo que puedas y ven, ya veremos’. Ahora tiene un gran estudio en la habitación grande que antes era el garaje de esta casa. Así que él está allí y yo tengo mi pequeño estudio de Ableton en el otro lado de la propiedad. Y es genial, nos llevamos de maravilla, no me saca de quicio. Me ayuda con todo por aquí, desde la gestión de giras hasta las reservas, los vuelos y la logística, las mezclas, de todo un poco. Es fantástico. Trabajamos muy bien juntos, tiene sus ideas... a veces nos invitan a mezclar o producir juntos, así que le pido que vea qué puede hacer, y luego yo me encargo de la edición. Trabaja en silencio, no enseña nada hasta que está listo, lo cual respeto mucho. Del rework que hablas, nos enviaron algunas pistas de audio y pensamos: “Vamos a usar solo éstas y a ver qué pasa”, y quedó precioso. También le añadí algunas grabaciones de campo.

Si dividimos tu carrera antes y después de The Disintegration Loops, ¿podrías contarme algunos de los momentos más destacados de cada etapa?

Bueno, veamos, tengo que recordar. Sabes, en la primera mitad era joven y tenía mucha energía, e hicimos todo tipo de cosas. Tuve todos los trabajos imaginables: desde oficinas hasta galerías de arte, construcción, cortar el pelo a amigos, tuve una tienda, de todo. Luego restauramos este hermoso loft que se convirtió en Arcadia. Pude tener un estudio, así que decidimos compartirlo y empezamos a organizar conciertos. Una vez, en Halloween de 1992, Diamanda Galás actuó allí; fue increíble. Incluso me dijo después del concierto que sentía que era la cúspide de su carrera en ese momento. Es maravillosa. Estaba de gira con su Blues Songs, cantando y tocando el piano, y tenía su propio ingeniero de sonido para los efectos. Lo grabamos; tal vez algún día, si ella quiere, encontremos la manera de publicarlo. Es espectacular.

Además, descubrí a ANOHNI una noche en el Pyramid Club, cuando estaba produciendo bandas y demás. Después, hablé con ella en el camerino, le di mi tarjeta y le dije: “Tu música es muy especial, me gustaría ver si puedo ayudarte a perfeccionarla. Si quieres, ven a verme”. ¡Y vino! Nos hicimos muy buenas amigas y quedó fascinada con el loft y la belleza de las obras de James Elaine por todas partes. Era como un refugio para ella, ¡como la casa de la abuela! Así que empezamos a trabajar. La ayudé con su primera maqueta y luego seguí bookeándola. Con Arcadia, también volvíamos a bookear a los artistas, ¿sabes? Les ayudábamos a promocionarse y se convertían en parte de la compañía. Fue una época increíble y maravillosa. Pude seguir con mi música, que a ANOHNI le encantaba.

Trabajé con mucha gente que, con el tiempo, se convirtió en una especie de leyenda en Nueva York, y ya sabes... en parte de la historia cultural. Y entonces, en el verano de 2001, surgió Disintegration Loops. Llamé a todo el mundo: “Vengan, no van a creer lo que ha pasado”. Vino ANOHNI, y también mi amigo Howard Schwartzberg, un artista maravilloso con un acento de Conney Island genial, muy inteligente y divertido; fuimos juntos a la escuela de arte. Vino y sabía todo sobre el deconstruccionismo y, ya sabes, todo ese rollo francés del que yo no sabía nada. Y me dijo: “¡Billy, ya lo tienes! ¡Lo has conseguido!”.

Y tenía razón. Cuando finalmente lo publiqué el verano siguiente, fue todo un éxito, saldé una deuda de 30.000 dólares y conseguí conservar el loft unos años más. Entonces, los distribuidores empezaron a pedirme más material, y empezamos a publicar piezas de mi catálogo y demás. Y seguimos haciéndolo durante los últimos 20 años.

¿Cómo es tu proceso creativo?

Sabes, a veces me siento raro por un tiempo, y entonces pienso: “Ya sé, estás embarazado, vas a tener un bebé, tienes que ir al estudio y ver por dónde empezar”. Y entonces ocurre algo mágico. Ahora estoy muy ocupado con el negocio y las giras, tratando con gente de todo tipo, paso mucho tiempo en la oficina, demasiado tiempo leyendo noticias negativas... Pero sí, intento crear cosas nuevas cuando siento que es el momento. También estamos trabajando mucho con material de archivo. Esta nueva pieza para piano se llama ‘Passing The Cup Of Sorrows’ y saldrá en Temporary Residence. Esperamos que sea a finales de otoño, pero hoy en día algunas cosas se retrasan. Ya veremos.

Me encanta Watermusic, I y II. ¿Cómo fue trabajar en esa pieza?

Esa pieza se ha convertido en una de mis obras más populares, especialmente Watermusic II, que suena un poco más fuerte. Es tan de otro mundo.. El proceso de creación duró nueve meses. En mi ático, siempre tenía tres compacteras, tres CD-R con mis grabaciones. CD Uno, CD dos y CD tres, que era la suma de 1 y 2. Todos tenían duraciones ligeramente diferentes. Los ponía en tres reproductores, empezaba a grabar y los dejaba sonar durante la duración del nuevo CD-R. A veces me despertaba en mitad de la noche y estaba sucediendo algo increíble; entonces yo corría, ponía un nuevo CD y volvía a la cama.

Así que, después de nueve meses, estaba en el estudio grabando, y de repente se detuvo. Pensé que tal vez se había fundido el fusible del amplificador o algo así; intenté solucionarlo, pero volvió a sonar. Y pensé: “Ah, entonces este es el final de la pieza”. Y sabía que, si no terminaba eso, ¡no volvería a hacer música nunca más!

Escuchar una performance tuya puede ser algo epifánico. ¿La gente te cuenta lo que les pasa cuando te escuchan en vivo?

Sí, sucede. Hay mucho esfuerzo mental involucrado, incluso en un concierto con portátil, del que a veces la gente se queja. No se trata del equipo. Se trata del lugar, del sistema de sonido, de la gente reunida conmigo, compartiendo algo especial solo por ese día. Eso es lo que hacemos, es como una meditación guiada. La gente me escribe todo el tiempo, suelo salir después de los conciertos a charlar. Siempre es muy agradable recibir ese cariño.

¿Qué fue lo más difícil de superar para dedicarte a las artes?

Bueno, eso no fue realmente un problema porque siempre tuve curiosidad y, ya sabes, lo hacía por mí mismo. Y luego, si te mantienes firme en algo el tiempo suficiente, eventualmente algo sucede. Ya sabes, soy terco. Simplemente hay que seguir adelante y seguir rezando.

Hubo muchos momentos desgarradores a principios de los ochenta cuando estaba haciendo música psicodélica, y ya sabes, deseando que algo sucediera. “Tengo 23 años y tengo todo este trabajo increíble y nadie lo entiende, todo es new wave o no wave, lo que sea”. Así que estaba tocando en diferentes bandas, trabajando con chicos geniales en Nueva York y lo pasamos genial. Pero siempre estaba haciendo mi música, tratando de conseguir algunos pequeños conciertos, había algunos patrocinadores maravillosos en ese entonces, sobre todo en el mundo del arte. Creative Time y el Consejo Cultural del Bajo Manhattan organizaban conciertos en el centro, a la hora del almuerzo, ¡para los trabajadores de oficina! ¡En la plaza del World Trade Center! Actué allí un par de veces. Tuvimos un buen apoyo en el mundo del arte.

¡Los ochenta! Fuiste telonero de Bowie, ¡cuéntanos esa historia!

Sí, fue uno de los días más mágicos de mi vida. Creo que tenía unos 25 años. Había estado tocando con la banda inglesa de rockabilly The Rockats, ¡muy guay! Smutty Smiff fue muy amable conmigo. Nos conocimos en el edificio de RCA en Nueva York, cuando MTV estaba empezando. Solían subir a dos o tres bandas al escenario para grabar. Yo era el saxofonista de un artista inglés de RCA, y The Rockats tenían concierto ese mismo día. Conocí a Smutty y me ayudó. ¡Por aquel entonces también llevaba un look rockabilly!

Le dije: “Smutty, sois una banda de rockabilly, necesitáis un saxofonista, cariño, ¡yo soy el indicado!”. Así que le di mi número. ¡Y me llamaron! Toqué con ellos en el Ritz, luego en algunos clubes de Nueva Jersey, lo cual fue muy divertido. Una vez que entramos a un camerino, que estaba en la planta de arriba, había ventanas que daban a la entrada, por donde entraba la

gente, con césped, arbustos y demás. Smutty, creo que acababa de divertirse mucho, me dijo: “¡Billy, mira!”, y señaló hacia los arbustos, ¡donde estaban sus pantalones blancos que habían salido por la ventana! Fue divertidísimo.

En fin, más tarde ese verano recibí una llamada: los habían elegido para telonear a David Bowie durante la gira Serious Moonlight en Hershey Park, Pensilvania, un gran estadio de fútbol. ¡Treinta mil personas! ¡Era Bowie! Llevaba un traje amarillo enorme. Su mánager habló conmigo después de que le diera una cinta con mi música. Me dijo: “¡Claro! ¿Te gustaría conocerlo?”.

Bowie se acercó mientras esperaba entre bastidores: “¡Hola Billy! ¡Qué buen saxofón, colega! Yo solía tocarlo, ¿sabes? ¿Te gustaría ver el show desde un lado del escenario?”. Y tuve la suerte de ver su concierto desde allí.

Nos subimos a la furgoneta, volvimos, pero los chicos no me dejaron en casa, me bajé justo antes del puente de Brooklyn. Me subí a un taxi amarillo enorme, conducido por un tipo calvo maravilloso, con música jazz preciosa de fondo, uno de esos viejos taxis amarillos. Cruzamos el puente y vi la luz de la luna y pensé: “¡Lo voy a conseguir!”. Ese fue un momento mágico de mi carrera.

Quería hablar de tu proyecto Sparkle Division, ¡me dejó alucinado! ¡No me lo esperaba!

Sí, bueno, ese es Preston (Wendel). Fue mi asistente durante mucho tiempo. Le pregunté qué estaba haciendo, me enseñó su material y me pareció genial. Estuvimos trabajando en estos temas durante un año para el primer disco. No era exactamente lo que yo hacía ni lo que él hacía, era diferente y me encantó.

Antes de la pandemia, se lo hacía escuchar a la gente. Nos lo pasábamos bien en casa, venían amigos a nadar y demás, y era música perfecta para cócteles. Se la enseñé a mis amigos entonces. Finalmente, con la pandemia y todo eso, todo el mundo se vio envuelto en un trauma, y decidí que todos necesitábamos sentirnos apoyados. Fue horrible estar solos durante tanto tiempo.

Me puse en contacto con Jeremy DeVine de Temporary Residence y lo publicamos ese verano. Preston se encargó de la increíble portada del álbum con Leonora Russo, la reina de Williamsburg. Lamentablemente, ella falleció antes de que saliera el disco, pero era una artista excepcional. A la gente le encantó ese disco, y cuando Gary (Thomas Wright) vino aquí, empezamos a trabajar en otro disco llamado Foxy, que es realmente genial y con una producción excelente, pero por desgracia todos estuvimos ocupados y no lo promocionamos mucho, aunque era fantástico.

Metal y ambient: ¿Ves alguna conexión?

Di un concierto en Chicago, en el Cementerio Nacional Ucraniano, el verano pasado, con Blood Incantation. Allí toqué mi set The Last Symphony; a los metaleros les encantó. Los chicos fueron muy amables; uno de ellos (Paul Riedl) también hace música ambient preciosa con su guitarra y teclado. Hicimos un concierto juntos en Denver.

¿Cuál es el lugar más especial donde te has presentado?

He tocado en muchas iglesias, sobre todo en Europa. También ahora cada vez más aquí en Estados Unidos, con este grupo llamado Age Of Reflections, que tiene a este genio del video, Eric Epstein, él mapea el interior de la catedral y luego proyecta video, y es alucinante. Así que he hecho algunos de esos con ellos. También iglesias en Italia... un año antes de la pandemia estuvimos en Nápoles por Navidad, abrieron esta iglesia antigua que había estado cerrada durante décadas. El día anterior entramos y no podíamos creerlo, porque no la habían tocado en absoluto desde que estuvo cerrada. Al día siguiente todo estaba preparado y hermoso, con muebles increíbles, un baño nuevo, que no estaba allí el día anterior, ¡todo fue una locura! Las iglesias son geniales para mi tipo de música.

¿Y si pudieras elegir el lugar ideal para una performance?

Bueno, en Estados Unidos, tal vez la Ópera de Santa Fe, que creo que es al aire libre. Santa Fe es uno de los lugares más hermosos que puedas imaginar, es alucinante. Está muy elevado; si miras hacia abajo, al desierto, puedes ver cómo se acercan las tormentas. Este lugar... el paisaje es el telón de fondo. Sería algo fantástico.

¿Algún otro buen recuerdo de tu tiempo en España?

En Barcelona, hicimos la versión completa de The Disintegration Loops con orquesta, fue precioso. Vi a algunos amigos allí, siempre lo pasamos genial. Maxim Moston, mi hermano de Antony And The Johnsons, que orquestó las piezas, siempre viene a hablar con el director porque es su partitura, así que es genial, súper amable, y además es un gran aficionado a la gastronomía. Una noche encontró un bar de tapas al que ir, ¡y madre mía!, probamos de todo, ¡estaba riquísimo! El jamón de bellota, simplemente maravilloso.

festivales boutique

Naturaleza, aforos reducidos y line-ups más selectos: por qué cada vez más gente prefiere lo pequeño a lo masivo.

Creo que es algo intrínseco del ser humano que, cuando algo tiene éxito, tendemos a pensar o debatir en nuestro círculo que se trata de una moda, que esto también va a pasar y que en realidad la gente no tiene ni idea, que los que sabemos realmente lo que mola somos nosotros. Supongo que es una cuestión de ego, o simplemente de querer sentirnos con un criterio más selecto que el del resto. Es verano, época de festivales sobre todo en España, y esta conversación en torno a la masificación de eventos y los line-ups estratosféricos seguro que ha salido más de una vez en alguna terraza de bar.

Este artículo no va a alimentar esa conversación, ya que los grandes festivales son necesarios y aportan riqueza económica y cultural. Además, no nos vamos a engañar, también mola disfrutar de vez en cuando de ese headliner del que en algún momento de nuestras vidas hemos sido seguidor o admirador. Otro de sus atributos es que, entre grandes nombres, también se pueden descubrir propuestas más que interesantes, por lo que en cierto modo son una puerta de entrada y una oportunidad para quien tiene el interés y la apertura de mente suficientes para descubrir nuevos artistas y sonidos.

Sin embargo, hoy no vamos a hablar de esos grandes festivales, de los que ya se ha hablado mucho en anteriores ocasiones, sino de propuestas que se alejan bastante de eso. Propuestas que quizá en unos años sean la tendencia y las que ocupen las miradas y las conversaciones entre el público general, porque ya han dejado de ser nicho para convertirse en plan recurrente. Hablamos de los festivales boutique.

No creo que sea la primera vez que oyes o lees sobre este concepto, aunque por si acaso conviene preguntarse qué es un festival boutique. Quizá es demasiado pronto para darle una definición al estilo RAE, pero si tuviéramos que intentarlo, podríamos decir que la línea que separa lo convencional de lo boutique, aunque a veces sea difusa, se dibuja en torno a tres factores bastante claros. El primero es la ubicación, ya que este tipo de eventos suele alejarse de las grandes capitales y centros urbanos en busca de entornos más recónditos y naturales. El segundo es el aforo, porque aquí no hay lugar, o no debería haberlo, para la masificación, sino que todo se vive de forma más lenta y se saborea más. Y el tercero, no menos importante, es el line-up, ya que disfrutas de artistas que en otros festivales no ocuparían las primeras líneas del cartel.

Y precisamente por eso, ¿no te ha pasado nunca que descubres a un artista nuevo y lo sientes como un tesoro que no quieres que nadie más conozca, hasta el punto de dudar si compartirlo con tus amigos o en tus stories de Instagram? Pues seguramente ese tipo de artista es el que ocupa estos line-ups. Y este es otro de sus alicientes, ya que compartes cartel y experiencia con un público muy similar a ti, lo que también genera un punto de conexión. Sabes que quien está a tu lado en la pista probablemente ha llegado hasta ahí buscando lo mismo que tú, y no arrastrado por un cabeza de cartel que ha visto en un anuncio. Esa afinidad crea algo que en los grandes festivales cuesta encontrar, que es comunidad real y no solo coincidencia de fechas y ubicación.

En España, la proliferación de este tipo de eventos más selectos cada vez se hace más notable, y el nivel, al igual que ocurre con los grandes festivales mainstream, es cada vez más alto.

Cuando pienso en este concepto de evento, me vienen rápido a la mente proyectos como Días de Campo en Montanejos, en Castellón, Sun & Snow en Sierra Nevada, en Granada, Veta Festival en Barruelo de Santullán, en Palencia, Parallel Festival en Port del Comte, en Lleida, o Astral Plane Festival en La Pinilla, en Segovia. Y si tuviéramos que mencionar uno más como bonus track fuera de España, habría que hablar de Basilar, en la Barragem da Queimadela, en Oporto.

Seguramente, si estás leyendo este artículo, ya conozcas todos estos festis, pero si de repente investigas alguna de estas propuestas y te llama la atención su concepto hasta el punto de decidirte a visitar alguna de ellas, yo ya me doy por satisfecho.

Hay mucho más mundo lejos de los grandes nombres.

emi koto:

cómo produzco

ENTORNO CREATIVO Y FORMACIÓN

Desde muy joven realicé estudios de piano en el conservatorio; es ahí donde empecé a componer e improvisar desde muy pequeña, recreando canciones que escuchaba. en la radio, esa base académica define por completo cómo empiezo el proceso de creación que deriva en lo que será el track final. Mi proceso creativo suele comenzar con la melodía, construyendo primero una atmósfera de sonidos y combinaciones armónicas que encajen entre sí y, partir de ahí, sigo con el bajo, los pads y por último drums. Me ayuda muchísimo improvisar tocando, aunque también lo combino con samples que me llamen la atención. Hago un mix de todo este universo sonoro, si no terminan de encajar no tengo ningún problema en empezar de cero. Si una idea no me convence ni me transmite desde el principio, prefiero empezar con algo nuevo que renueve mi inspiración, sin forzar el proceso.

Nada más entrar por la puerta del estudio construyo mi propio ambiente, una iluminación tenue, un espacio íntimo que me permita concentrarme, aislarme del exterior y fluir. Normalmente entro con alguna idea muy clara en la cabeza, así que me pongo a escucharla y a analizar su estructura y texturas antes de empezar a crear. Algo que me encanta es partir de una o varias referencias que acaban evolucionando en algo completamente diferente.

Hacer música es algo extremadamente personal. Para mí, el estudio es un refugio muy íntimo donde conecto de forma privada con la música, un lugar donde puedo desarrollarme y encontrarme. De hecho, empecé a producir antes que a pinchar, por lo que este proceso siempre ha sido el motor de todo lo que hago.

EVOLUCIÓN

Y MÉTODO

Compré mis primeros sintetizadores en 2019. En mis inicios empecé con Logic, pero con el tiempo encontré mayores facilidades con Ableton. Al principio pasé por esa fase de intercambiar, comprar, probar y vender máquinas hasta dar con el sonido que buscaba. Hoy en día ya no conservo ninguno de los sintetizadores con los que empecé. He reducido el setup a lo que realmente me funciona y me da una identidad: utilizo los romplers Quasimidi Quasar, E-mu Orbit 9090 y el Korg M1 para leads, pads y sonidos one-shot, la Roland MC-505 para baterías y algunos samples, y el Novation Bass Station II para crear bajos analógicos.

Aunque siempre me ha gustado producir con hardware, en estos dos últimos años he aprendido a combinarlo con el entorno digital. Hay VSTs actuales que están increíblemente bien trabajados. Al final, una de las lecciones fundamentales y más importantes que he aprendido es que los sonidos empasten bien entre sí, que dialoguen de forma orgánica dentro de la mezcla, independientemente de si proceden de una máquina física o de un plugin. La clave está en encontrar un método de trabajo genuino yhacer que el work flow sea fluido.

INFLUENCIAS Y ENFOQUE

Mi sonido actual se nutre muchísimo del house y el deep house de los 90 y principios de los 2000. Aunque miro hacia el futuro porque creo que hay producciones contemporáneas increíbles que sirven como grandes referencias, me apasiona rebuscar en el pasado. Puedo pasar horas escuchando lanzamientos de sellos antiguos en Discogs o analizando sonidos que he escuchado en algún set. De hecho, cuando encuentro algo que me gusta, lo grabo en una nota de audio en el móvil para que sea el punto de partida de mis próximas producciones.

Cuando produzco, mi enfoque depende totalmente del mood con el que entre al estudio. Hay temas que construyo pensando puramente en la pista, pero en otros prefiero desmarcarme de esa condición. De hecho, varios de mis últimos trabajos y otros que no han salido aún, tienen un tinte mucho más introspectivo, al final el track siempre acaba por encontrar el espacio idóneo donde confluir con la energía de la pista.

Con los años, he entendido que la mejor forma de evolucionar como productora es refinar la escucha activa y descubrir música constantemente, tanto en el estudio, tiendas de discos o sets de otros artistas que admiro. Eso es lo que realmente me ha dado la madurez y la seguridad necesarias a la hora de estructurar y dar por terminado un track. Hay temas que creo en un par de días y otros necesitan reposar, coger aire y retomarlos semanas después con el oído fresco y nuevas referencias.

TRAYECTORIA Y FUTURO

Mirar atrás y ver el camino recorrido es muy gratificante. Haber vivido en las Islas Canarias varios años fue un punto de inflexión, mis primeros trabajos en vinilo y formato digital provienen de colectivos clave de las islas como Toscal Records, Circa91 o Ears on Earth, los cuales han sido realmente importantes y un orgullo por la inspiración que mis amistades y entorno seguro me generaban. Siempre he defendido que la escena local es una de las mayores fuentes de inspiración que existen.

Cuando regresé a Madrid en 2024, pude tocar en salas de renombre, consolidando mi residencia en las fiestas de Certain Music Records, un sello que fue una de mis referencias durante mi proceso y con el que ahora colaboro estrechamente.

Toda esta evolución e influencias resumen lo que soy ahora mismo. Recientemente he editado música en Circa 91, Pérgola Recordings, Planka Records y, por supuesto, Certain Music Records. Actualmente, sigo en el estudio canalizando toda esta energía y desarrollando la creatividad sonora que impulsa todo mi proyecto.

ÁLBUMES

Autor: Bruno Garca pr@freelastica.com

BOARDS OF CANADA INFERNO WARP

El murmullo creado alrededor del regreso de los escoceses fue de dimensiones colosales. La viralidad del anuncio del disco -13 años en silencio de un dúo esquivo- reactivó el interés de propios y extraños. Una campaña orquestada entre lo críptico y el culto masivo que no ha dejado a nadie indiferente. Visualmente, ‘Inferno’ es un sobresaliente. En cuanto a la música, y demás, el proyecto continúa la senda de la memoria, la riqueza de las texturas analógicas y unas atmósferas oscuras absorbentes que consagran una especie de territorio sonoro con un mensaje tan emocional como hostil. ¿Y con todo esto la espera mereció la pena? Seguro que sí, aunque la apertura en cuanto a soniquetes más orgánicos, voces narrativas, amplitud de las pistas… nos han matado el gusanillo, pero yo necesité más de ese ‘lofi’ único que tanto me empujó a reflexionar. Sin más.

SHED RAVE ECHOES DEKMANTEL

¿Ya estamos en verano, verdad? Pues agua fría y flotador. El debut de René Pawlowitz (Shed) en Dekmantel, figura esencial de la electrónica europea, de esa donde bajamos a fondos abisales y cada burbuja de nuestro tubo de esnórquel se convierte en un beat a medio camino entre el techno (berlinés) y el dubstep, puede darnos esa sensación. Una combinación de oxígeno y contundencia muy evidente en cortes como “Everybody”, “Double Scoop” y “Rave Predator”. Hay muchos recuerdos en este disco, y estos se debaten entre breaks afilados, graves dub y atmósferas difuminadas que evocan el momento en que la fiesta ha terminado pero sus resonancias siguen presentes en la testa. De otra manera, Shed transforma la energía rave en emoción contenida. Un disco sobrio y elegante que encuentra belleza en el eco después de la tralla.

ÁLBUM DESTACADO

MARTYN MUSIC FOR EXISTING 3024 MUSIC

Recuerdo perfectamente las primeras incursiones del neerlandés Martyn, en gran parte culpable de otorgar frescura y nuevos matices al dubstep y techno que por entonces nos llegaba sin impunidad desde el Reino Unido. Con álbumes como ‘Great Lengths’ demostró que no encajaba en esa escena, lo suyo, movimientos más amplios, con tensión rítmica y muy inteligentes. El productor lo ha vuelto a hacer. Sorprende de una manera bárbara con este LP titulado ‘Music for Existing’ firmando uno de los trabajos más personales y ambiciosos de su carrera. Alejado de las convenciones del club, el productor neerlandés fusiona jazz, bass music y electrónica orgánica en un álbum que destaca por su profundidad sonora, el uso de instrumentación en directo y el detalle. Temas como ‘Hypnotoxic Laser’ o ‘When the Sleeper Wakes’ son de una calidad innegable.

DJ SEINFELD

IF THIS IS IT NINJA TUNE

DJ Seinfeld también se “ensimisma”. Acaba de firmar su trabajo más introspectivo hasta la fecha. Un disco donde la inquietud permanente que ha marcado la vida del sueco es el eje de un LP que reflexiona sobre la aceptación, la ansiedad y la dificultad de habitar el presente. A lo largo de doce cortes, equilibra melancolía y esperanza mediante una electrónica cálida y emocional, donde destacan colaboraciones como las de TS Graye o Dan Whitlam. “U Can’t Come Home” o “Quakin’” combinan sensibilidad pop, spoken word y pulsión de club sin perder cohesión. Más que una colección de temones para la pista de baile, el elenco de canciones funciona como una meditación luminosa sobre el desarraigo contemporáneo y la búsqueda de paz en medio de un eterno ajetreo. O algo parecido.

REVIEW CLÁSICO

BOARDS OF CANADA

MUSIC HAS THE RIGHT TO CHILDREN WARP

Tenía previsto este disco hace meses, y claro, con “Inferno” de por medio, ¡a huevo! “Music Has the Right to Children” es una gema musical, qué coño gema, es una obra maestra. Su manera de convertir la nostalgia (estética setentera con aires de hip hop instrumental lofi) en algo orgásmico y polvoriento, no tiene mucho parangón. No hace falta ser impecable en la técnica para resultar brutal y emocional. Tampoco hay que renunciar a la experimentación -cintas deterioradas, melodías infantiles, sintes ligeramente desafinados- y a las capas borrosas para dejarnos babeando como un xenomorfo. Ambient y downtempo envolviendo una paradoja tan atemporal como admirable. Un disco que se nutre de recuerdos imaginarios, y que a pesar de su aspecto maquinal, no es para nada rígido y suena claramente íntimo y humano.

ÁLBUMES

Autor: Bruno Garca

pr@freelastica.com

PRINCIPLEASURE

3

PLEASURE DISK

El angelino huye de los focos mediáticos, solo quiere hacernos partícipes de su música. En su tercer álbum de estudio nos seduce con una decena de cortes de electrónica meticulosamente construidos durante casi cuatro años. En ‘3’ (o ‘III’ como también lo veremos) el artista canaliza influencias del EBM temprano, el techno melódico de los 90, el electro-disco. Todo con un lenguaje propio. Hay que apuntar que en absoluto suena a revival, la nostalgia se limpia con un enfoque actual donde ganan terreno las texturas, la imperfección y la profundidad. Coherente y bastante estético -uno de sus puntos fuertesen ocasiones sacrifica dinamismo y sorpresa en favor del control sonoro. En pistas como “Ahvaz” o “Chrome Loop” no busca inmediatez, sino una escucha inmersiva. Por otro lado, futurismo eléctrico, tensión y baile en “Fluxion” o “System 100”.

CHRISTIAN PROMMER RHYTHMIQUE NOCTURNE

COMPOST RECORDS

El bávaro condensa una década de experiencias en Berlín con un paseo nocturno entre jazz, techno y experimentación sonora. Pianos alterados, cuerdas y percusiones que se readaptan todo el rato, mezclando improvisación acústica con pulsos electrónicos profundos. El culmen de esto puede ser perfectamente “I Am Falling (Falling Deep)”. El ruido de sala y los tempos cambiantes también son una constante. Una obra que oscila entre la precisión algorítmica y la improvisación orgánica, donde el techno profundo convive con armonías de jazz y texturas dramáticas. Entre “Dark Matter” y “Trying Times” existen dos mundos distintos que no colisionan, si comunican. Cada tema explora una identidad distinta manteniendo siempre una tensión hipnótica que refleja la energía nocturna de la capital alemana y la trayectoria de un músico que une club y tradición electrónica en evolución.

SEEFEEL

SOL.HZ WARP

Otro gran regreso que nos ha pillado relativamente por sorpresa -se dice pronto, ya que no teníamos nuevo álbum de ellos desde hace 15 años- es el de Seefeel. Este lanzamiento de título “Sol.Hz” ha tenido una acogida muy favorable, destacando como los británicos han logrado refinar su sonido, sin meterse en camisas de once varas. Esto es, sin embarrarse en problemas ni en reinvenciones innecesarias. Y pienso lo mismo. La atmósfera combinativa de ambient, dub, shoegaze e IDM que tanto les ha caracterizado, persiste dentro de un carácter absorbente, cálido y melancólico. “Behind The Seen” y muy especialmente “Falling First” refuerzan toda esta teoría con la práctica. Encima, la profundidad crece con cada nueva escucha, destacando la interesantísima incursión vocal de Sarah Peacock. Belleza suspendida.

No para el amigo Rone. Y encima todo lo que firma es lo más parecido a esa canela en rama. Desde sus inicios trasteando con el cine, hasta sus últimos escarceos con la composición musical para artes escénicas, Erwan Castex ha demostrado poseer un talento sobresaliente para crear cosas hermosas y poderosas. Cinemática y con mucha variabilidad electrónica. En los últimos años, además, ha desarrollado una dimensión de conciencia social y ecológica bastante potente. Y es justo cuando alcanzamos este nuevo LP, “Megaptera”, el nombre científico de la ballena jorobada. Un viaje marcado por la empatía, el asombro y las revelaciones ante unos seres magistrales de nuestro planeta. Musicalmente se traduce en hondonadas de sintetizadores -incluso un modular diseñado con Cubenx- y frecuencias concretas inspiradas en la vocalización de cetáceos. Hay espacio para la sensibilidad ecológica. Oh, si.

DE-PHAZZ

BELOOPED

MPS

Para los que conozcan el proyecto De-Phazz, estamos ante una banda germana mutante en cuanto a componentes y músicos, sin embargo asentados como pocos en hacernos disfrutar siempre con aires electrónicos de jazz y soul, cálido y ultra-complaciente. De aquello que algunos continúan esmerados en denominar lounge easy-listening. Estamos en la época del año ideal para que un temario como este vea la luz. “Belooped” es un disco donde estos chicos repasan y remezclan joyas del legendario archivo de MPS (sello de jazz más antiguo de Alemania). El resultado -destaca una vez más- por armonizar sonoridades de los 60s-70s e incluso 80s, con ejercicios a medio camino entre lo orgánico y electrónico. Un collage atemporal, sin contradicciones, donde campa la buena vibra y reinan títulos como ‘Shelda’ o ‘Do I Have To’.

AMBIENT AND DOWNTEMPO

Autor: Guillermo Cimadevilla music@mixmag.es

ABUL MOGARD & RAFAEL ANTON IRISARRI WHERE LIGHT PAUSES IN THE SILENCE OF THE SUN BLACK KNOLL EDITIONS

Fue una de esas casualidades de la vida, y se dio en España. Ya pasaron tres años desde aquél primer encuentro en el histórico Centro Cultural Condeduque de Madrid donde, tras brindar cada uno su concierto, improvisaron una sesión juntos e iniciaron así quizá uno de los dúos más interesantes en la música ambient en los últimos tiempos. A aquél encuentro le sucedieron el aclamado LP ‘Impossibly Distant, Impossibly Close’, una serie de performances alrededor del mundo, reworks de Mogard a Irisarri, y ahora ‘Where Light Pauses in the Silence of the Sun’, trabajo que se origina durante una residencia de tres días en Berlín y cuenta con las colaboraciones de Martina Bertoni en cello y Andrea Burelli en violín y canto.

Sintes modulares, guitarra eléctrica ejecutada con arco, altavoz Leslie, violín y cello, trabajos de edición de una nitidez pristina, ‘Where Light Pauses in the Silence of the Sun’ explora más espacios que su primer trabajo juntos, y ofrece una gama de sonidos y progresiones pulidos de modo tal que nos llevan desde la belleza etérea, casi poética de ‘In A Quiet Radiance’ a momentos de intensidad trascendentales como en ‘Of Blessed Ages’ o ‘Among Shadows’, composiciones que demuestran el alcance de las capacidades físicas del sonido, y piden que subamos el volumen.

LOREN MAZZACANE CONNORS & DAVID GRUBBS

SOMEWHERE IN THE WIND ROOM40

Loren Mazzacane Connors es un guitarrista norteamericano que ya cuenta más de 70 primaveras, y es autor de un catálogo notable que se aproxima un poco al blues y al folk, a través de un lente experimental que lo ha convertido en leyenda. Su deconstrucción de lo más esencial del blues a través de su guitarra generó discos indispensables para nosotros como Long Nights, de mediados de los noventa. David Grubbs es un compositor, multi instrumentalista, autor y académico cuya carrera también fue marcada por una personalidad sonora bien definida y en cambio constante.

Room40, plataforma australiana creada por Lawrence English en el año 2000, ofreciendo un catálogo indispensable a la hora de revisar lo más trascendente de la escena ambient / experimental de las últimas dos décadas, nos trae su tercer trabajo en conjunto: ‘Somewhere in the Wind’, un dúo de guitarra eléctrica que surge de unas grabaciones en vivo en Brooklyn en 2025. Son dos piezas de casi veinte minutos cada una donde exploran los confines del noise y las inabarcables posibilidades de su instrumento a través de una técnica elaborada de un modo profundo, con esa sabiduría adquirida gracias a décadas de experimentar en vivo.

TOKYO BEDROOM ORCHESTRA TSUIOKU

KITCHEN

Tokyo Bedroom Orchestra es un proyecto de Hiro Nakamura, compositor japonés que también realiza soundtracks para animé y videojuegos. Desde su base en Saitozaki, península bien alejada de la ciudad, rodeada de mar y montaña, nos ofrece una mixtura de grabaciones de campo, síntesis análoga, guitarra, violines y susurros, todo envuelto en una atmósfera preciosista y onírica, resultado de manipulaciones de cinta y grabaciones en cassette.

Tsuioku significa ‘un recuerdo lejano’, y es en este tipo de imágenes cálidas que pensamos con mientras escuchamos las armonías en ‘Shayou’, los detalles de ‘Yoko’ procesados como reflejos en el agua, o los fragmentos acústicos de ‘Gekkai’.

De a momentos Hiro Nakamura pareciera encontrar un nuevo significado a los objetos e instrumentos que usa, al observarlos a través de un prisma que los resignifica y distorsiona, generando cierto hipnotismo para aquellos amantes de encontrar belleza en las texturas.

BILL ORCUTT & MABE FRATTI

ALMOST WAKING UNHEARD OF HOPE

Mabe Fratti es uno de nuestros más gratos descubrimientos musicales en los últimos años. Además de tener discos magníficos como solista, ella siempre se encuentra ampliando sus colaboraciones: Tenemos ‘A Time To Love, A Time To Die’ de Amor Muere y ‘III: Paz En Las Rupturas’ junto a Concepción Huerta y el dúo experimental La Kriego. También publicó ‘Let’s Talk About The Weather’ junto a Gudrun Gut en Umor Rex, y ‘Hagen’, último trabajo de Titanic -su dúo con I. la Católica- en el sello Unheard Of Hope.

Bill Orcutt es uno de los guitarristas más influyentes de la música experimental contemporánea, con una larga trayectoria en la que ha reinventado constantemente las posibilidades de su instrumento. Ambos tienen la necesidad de expresar lo inefable, y lo logran en ‘Almost Waking’, su primer trabajo en conjunto editado por Unheard Of Hope. A lo largo de 8 piezas, donde destacamos el diálogo de guitarra eléctrica y cello en ‘Arise from Graves and Aspire’, logran expandir su horizonte. Desde elementos de blues casi pastorales con destellos de belleza etérea, hasta profundas y reverberantes capas de texturas sonoras. Tracks como ‘A Rural Pen’ brillan como un ritual minimalista que se extiende sobre un mar de recuerdos en loop.

REVIEW CLÁSICO

THE CARETAKER AN EMPTY BLISS BEYOND THIS WORLD HISTORY ALWAYS FAVOURS THE WINNERS

Leyland Kirby es un artista singular si los hay. Conocido como V/VM en sus inicios entre el noise y collage sonoro (plunderphonics). Tiene un catálogo extendido que incluye diversos alias, pero es con su proyecto The Caretaker, explorando el concepto de demencia a través de la música, que ganó mayor notoriedad. A pesar de que la cúspide de este trabajo sean los seis discos que integran ‘Everywhere At The End Of Time’, lanzados entre 2016 y 2019, año en que cierra el proyecto, nuestro clásico este mes es ‘An Empty Bliss Beyond This World’, lanzado en 2011. Es un disco inspirado en un estudio que sugiere que a los pacientes de Alzheimer les resulta más fácil recordar información cuando se presenta en el contexto de la música.

Construido en base a edits sobre vinilos antiguos, el álbum suena espectral, fantasmagórico, y alcanza niveles profundos de abstracción a través de la repetición. Lleno de ruido de estática oríginal de los discos sampleados, meticulosamente ordenada de algún modo, nos transporta a un estado difícil de describir, pero con muchos elementos descriptos en la idea de la hauntología. Lo que importa es que si logras conectar con piezas como ‘A relationship with the sublime’ o ‘All you are going to want to do is get back there’, tendrás una experiencia singular. Hubo varias reediciones de esta obra de arte, la última fue este año.

BREAKS

Autor: Eduardo Carbonell

music@mixmag.es

FLUKE

THE SECOND BITE SURFACE RECORDS

En el número 17 hablábamos del clásico ‘Risotto’ de Fluke, un año después nos sorprenden con su inesperado nuevo álbum. Lejos de limitarse a una simple recopilación, el trío británico revisita doce composiciones esenciales de distintas etapas de su carrera, actualizando su sonido con una producción moderna sin perder la identidad que los convirtió en referentes de la electrónica de los noventa. Temas emblemáticos como ‘Atom Bomb’, ‘Groovy Feeling’ o ‘Absurd’ adquieren una nueva dimensión, manteniendo su inconfundible atmósfera cinematográfica y su poderosa pegada rítmica. Tras recuperar el control de su catálogo, la banda afronta este proyecto como un ejercicio creativo más que nostálgico, reafirmando su constante interés por la experimentación tecnológica. Con una trayectoria ligada tanto a la cultura rave como a bandas sonoras de culto y videojuegos icónicos, este disco no solo celebra su pasado, sino que lo proyecta hacia el presente con una frescura sorprendente y una ambición artística intacta.

BAAUER U LUCKYME

Baauer firma con ‘U’ el trabajo más personal de su carrera, un álbum que mira hacia la música electrónica que marcó su adolescencia en Londres y que reivindica el espíritu sin prejuicios de la escena dance de principios de los 2000. Producido junto a Hudson Mohawke, el disco despliega una vibrante mezcla de house, breaks, electro y sampleo creativo que evoca la época dorada de las pistas británicas. Temas como ‘Supersonic’, ‘U Give Me Love’, ‘Closer Together’, ‘Somebody’ o el rescatado ‘Nothing’s Ever Real’, junto a Betsy, conectarán de lleno con los aficionados a los ritmos rotos. Energía, nostalgia y una producción impecable, con colaboraciones de Aluna, KUČKA y otros invitados que enriquecen un repertorio lleno de matices. Trece años después del fenómeno ‘Harlem Shake’, Baauer demuestra que su evolución va mucho más allá del éxito viral, entregando un álbum honesto, sofisticado y profundamente conectado con sus raíces musicales.

ANNIE HALL

FUTURE SPORTS

SYNAPTIC CLIFFS

Annie Hall debuta en el sello Synaptic Cliffs con ‘Future Sports’, un EP que lleva su inconfundible lenguaje sonoro un paso más allá. Combinando IDM, electro, breakbeat y electrónica experimental, la productora construye un universo futurista ambientado en un supuesto año 3024, donde la esgrima se ha convertido en el deporte de masas y los sonidos de la competición alimentan la arquitectura musical del disco. El choque de los floretes, la resonancia del equipamiento y la tensión del enfrentamiento se transforman en ritmos precisos y texturas metálicas que refuerzan una atmósfera tan elegante como inquietante. Más que un ejercicio conceptual, ‘Future Sports’ confirma la capacidad de Annie Hall para convertir la ciencia ficción en música de club vanguardista. Como complemento, la edición en vinilo incorpora una divertida animación en la galleta, solo visible cuando se reproduce a 45 RPM, que prolonga aún más la experiencia audiovisual del disco.

MOTIVBREAKS

MU + LEMURIA

DEEP

GARNET RECORDS

El sello Deep Garnet Records de Tesalónica, Grecia, nació como un subsello de V.I.M. Records especializado en deep breaks y future breaks. Es por esta casa por donde se publica el nuevo trabajo del también griego Stamatis Kipouros, más conocido como Motivbreaks. ‘Mu’ y ‘Lemuria’ son dos excelentes producciones de progressive breaks con emotivos paisajes, sugerentes vocales y profundos graves. Muy recomendable darse un paseo por el cátalogo del sello, donde podemos encontrar otras grandes obras como la etérea ‘Deep Flow Theory’ de Sabiani y Deeply Unexpected, el remix con reminiscencias Goa de Astrochimp al track ‘Rythm Morse’ de Deeply Unexpected, el remix nu skoolero de Borka FM al track ‘The Quantum Seeker’ de Sabiani, el electro breaks futurista de ‘Zirconia’, ‘Echidroid’ y ‘Tolerant’ a cargo de Spinnet, el remix electro de Claas Reimer al track ‘Amaterasu Particle’ de T.R.O. o el electro breaks ambiental de Sabiani en ‘Wired To Snap’.

REVIEW CLÁSICO

DJ ICEY SELECTION

ZONE RECORDS

El disco ‘Selection’ captura a Eddie Pappa, más conocido como DJ Icey, en uno de los momentos más inspiradores de la explosión del Florida breaks. Publicado bajo su propio sello, el álbum reúne doce producciones que fusionan breakbeat, electro y Miami bass con una frescura que todavía hoy resulta contagiosa. Cortes como ‘Land of Boom’, ‘Pump the Bass’, ‘As If’ o ‘Your Love’ reflejan la habilidad de Icey para construir ritmos dinámicos, bajos contundentes y grooves irresistibles sin renunciar a una marcada sensibilidad melódica. Lejos de la escena del big beat británico, ‘Selection’ apostaba por un sonido más directo y orientado a la pista de baile, convirtiéndose en una referencia para toda una generación de productores de ritmos rotos repartidos por todo el mundo. Este trabajo consolidó a DJ Icey como uno de los grandes impulsores del breakbeat norteamericano y sentó las bases de una carrera fundamental para la evolución del género.

DRUM AND BASS

Autor: Olga Casas drumandbass@mixmag.es

RESEÑA DESTACADA

WITHOUT YOU FOOTNOTES

Hay discos que se centran en retratar un momento, y eso es precisamente lo que propone ‘The Middle’, la nueva obra de LSB, creada en un período en el que el propio artista confiesa no haber tenido claro si volvería a ser capaz de producir música.

Publicado a través de su propio sello, este trabajo encarna el lema que define a Footnotes: Art over content.

Dentro de sus nueve composiciones aparece ‘Without You’, uno de los temas que mejor resume la esencia del disco. Un piano que se queda grabado desde la primera nota, una vocal femenina utilizada con mucha sutileza y una producción que invita a escucharlo en bucle. Bastan unos compases para reconocer que estás escuchando a LSB, con otra de sus melodías que se quedan en la memoria casi sin darte cuenta.

Una vez más, su sensibilidad vuelve a recordarnos por qué sigue siendo un artista imprescindible para quienes disfrutamos del liquid más dulce y elegante.

GDS, LUCA SYN MURDA MUSTARD MUSIC

Mustard Music vuelve a reunir a buena parte de su familia artística en ‘Inglorious Mustards 2’, un recopilatorio que da continuidad al escaparate abierto el año pasado y sigue dando espacio tanto a nombres habituales como a nuevas incorporaciones. Entre ellas encontramos a GDS y Luca Syn con ‘Murda’, una producción que encaja con naturalidad dentro del sonido del sello.

El tema combina ese punto rolling de ambos productores con una propuesta mucho más dinámica de lo que suele ser habitual dentro del roller más clásico.

Aunque parte de un sonido muy reconocible, evita caer en la monotonía gracias a los cambios que lo mantienen en evolución de manera natural.

‘Murda’ es una muestra más de la complicidad con la que GDS y Luca Syn llevan tiempo construyendo su sonido, tanto en el estudio como en la pista.

HYRAH UNWANTED

THE CHIKARA PROJECT

The Chikara Project vuelve a contar con Hyrah para presentar ‘Too Late’, un EP de cuatro temas que mantiene intacta la personalidad de un sello que ha sabido construir una identidad muy reconocible dentro de la vertiente más “líquida” del drum & bass.

Entre ellos destacamos ‘Unwanted’, una producción que apuesta por la delicadeza desde el primer momento. Aquí no hacen falta grandes giros, todo está medido para que la melodía vaya ocupando su espacio de manera natural, acompañada por una vocal tratada con el mismo cuidado.

‘Unwanted’ encuentra su sitio dentro de un sello que lleva varios años apostando por una forma muy particular de entender el drum & bass.

MITEKISS

PIN DESTROY

GOLDFAT MUSIC

‘Pin Destroy’ es de esos temas que no parecen responder a nada externo, ni a un concepto de álbum, ni a una tendencia, ni a una idea de formato. Simplemente existen dentro de un espacio donde la única norma es hacer música sin condicionantes.

En ‘No Radio Play’, Mitekiss lleva esa filosofía al extremo. Diez temas creados sin encargo, sin presión y sin la necesidad de encajar en ningún tipo de estructura previa. Un proyecto que funciona más como una declaración de principios que como álbum al uso.

Dentro de ese contexto, ‘Pin Destroy’ se sitúa en el lado más directo del trabajo. Un drum & bass más seco y frontal que otros momentos del disco, donde la energía no se construye desde lo emocional sino desde lo físico. El resultado encaja con la propia idea del álbum: música que no necesita justificarse, solo ocupar su espacio. Y ahí está su sentido.

REVIEW CLÁSICO

SABRE, STRAY, HALOGENIX, FRANK CARTER III

OBLIQUE

CRITICAL MUSIC

Una triste belleza que nos produce una bella tristeza, así podríamos definir a ‘Oblique’. Es arte en su máxima expresión. Publicado en 2012 en Critical Music, reúne a Sabre, Stray y Halogenix con la profunda voz soul de Frank Carter III, en una de las colaboraciones más reconocibles de esa etapa del sello.

Entre los tantos oyentes que quedaron encandilados por este tema se encuentra Goldie, y sus declaraciones sobre ‘Oblique’ no dejan lugar a dudas: “No uso las palabras vanguardista y celestial a la ligera, pero esto toca la fibra sensible del arte de este género. Dentro de muchos años, cuando miremos atrás, esta melodía será un punto de referencia de la época.” Y el tiempo terminó dándole la razón.

La producción es extremadamente limpia y cuenta con una solidez que hace que todo encaje sin esfuerzo, con una sofisticación y una delicadeza en la que el espacio que se deja entre los elementos acaba siendo casi tan importante como los propios sonidos. Es difícil explicarlo sin quedarse corto, pero hay temas que definen una escena… y luego están los que consiguen trascenderla.

HOUSE

Autor: Francisco Perez

house@mixmag.es

MATHEW JONSON

TYPEROPE (ORIGINAL MIX)

ITISWHATITIS RECORDINGS

Mathew Jonson, productor canadiense, afincado en Berlín y reconocido por su dominio del hardware analógico, nos deleita con Typerope. Una pieza profundamente hipnótica, aunque es Magic Through Music la que termina revelándose como la auténtica joya del lanzamiento. Su sintetizador carecteristico amarrado a un delay que hipnotiza, actúa como eje magnético de una composición que evoluciona con enorme sutileza. Los elementos aparecen y desaparecen de manera orgánica, construyendo tensión sin recurrir a grandes gestos. A lo largo de sus ocho minutos, el track alcanza una profundidad cercana al universo de Melchior o Villalobos, pero evita caer en la repetición o el exceso de abstracción. Publicado por Itiswhatitis Recordings, sello fundado por Spencer Drennan y posteriormente relanzado por el propio Jonson, el tema confirma una vez más la identidad inconfundible de uno de los productores más personales del circuito underground.

MATEO DUFOUR

BREAK IT UP (ORIGINAL MIX)

GETTRAUM

Mateo Dufour reafirma en Break It Up EP el lenguaje sonoro que lo ha convertido en uno de los nombres más sólidos de la escena sudamericana. El productor argentino apuesta por una combinación de house, tech house y minimal con una marcada esencia old school, donde los grooves sencillos, las líneas de bajo funk y una producción impecable construyen un sonido tan atemporal como efectivo. Esa identidad distintiva convierte cada corte en una herramienta ideal para clubes y festivales, capaz de mantener la tensión en la pista sin perder sofisticación. El remix de Aline Umber aporta una perspectiva complementaria que enriquece su lanzamiento por el sello del magnate francés, mientras que la publicación en Gettraum, el sello de Traumer, encaja de forma natural con la visión elegante y minimalista de la discográfica. Un EP que confirma el excelente momento creativo de Dufour y que merece un lugar entre los lanzamientos más destacados de la temporada.

FERRARI

WORKSENSE (ORIGINAL MIX)

FAITH BEAT

Ferrari debuta en Faith Beat con Heavy Duty, un EP que rinde homenaje a la esencia más pura del house estadounidense sin caer en la nostalgia fácil. A lo largo de cuatro cortes, apoyándose en líneas de bajo marcadas por puro groove e influencias UK garage. Ferrari muestra una producción limpia que prioriza la base atemporal por encima de las tendencias pasajeras. Worksense y Heavy Duty destacan por su energía de peak time, mientras que Crazy Luv y Treno Diurno bajan la intensidad para explorar un enfoque más cálido y deep, con un carácter dub que aporta equilibrio al EP. Publicado en Faith Beat, el sello fundado por Ryan Elliott, este lanzamiento confirma la excelente línea editorial del imprint y posiciona a Ferrari como un artista con una visión clásica, elegante y plenamente orientada a la pista de baile.

GUEDES & KID MOSS

DANZA CON LOBOS

DANCE SHAKE SWING

Kid Moss y Guedes aportan su visión del minimal y el techno a Faith, Hope & Charity for Venezuela, una compilación que demuestra cómo la música electrónica también puede convertirse en una herramienta de apoyo y solidaridad. El dúo, afincado en Barcelona y con una trayectoria ligada al circuito underground, presenta un sonido preciso, profundo y orientado a la pista, manteniendo la identidad que ha caracterizado sus producciones en los últimos años. Más allá de la calidad artística del lanzamiento, el verdadero valor del proyecto reside en su propósito: reunir a destacados nombres de la escena internacional para recaudar fondos destinados a los afectados por el reciente terremoto en Venezuela. Publicado por Dance, Shake, Swing!, plataforma comprometida con la cultura house y techno, este recopilatorio recuerda que la música no solo une a las personas en la pista de baile, sino que también puede generar un impacto real cuando más se necesita.

REVIEW CLÁSICO

TADEO

BATERIA LUP ! CYCLICAL TRACKS

Escuchar Everything Has a Beginning es volver a una etapa en la que Tadeo ya estaba construyendo un lenguaje propio dentro del techno underground. Esta recopilación reúne producciones creadas entre 2004 y 2009 que, lejos de sentirse antiguas, siguen transmitiendo una personalidad difícil de encontrar hoy en día. Su combinación de influencias Detroit, Chicago y una visión mucho más experimental demuestra que Miguel Sar siempre ha entendido la música electrónica como una forma de expresión, no como una simple herramienta para la pista. La remasterización respeta el carácter original de cada tema y permite redescubrir estas producciones con una claridad excepcional. Publicado en Cyclical Tracks, este lanzamiento no solo documenta el inicio de una carrera brillante, sino que confirma que las buenas ideas y un sonido auténtico nunca pasan de moda.

Autor: Marian Ariss

melodictechno@mixmag.es

MELODIC HOUSE & TECHNO

NANDU NUDGING REALITY METRICA

Nandu, el DJ y productor musical originario de Dinamarca, publica en el sello Metrica ‘Nudging Reality’ un track que desde los primeros compases, marca un pulso hipnótico mantenido por texturas en constante evolución. Nandu construye tensión de forma gradual, dejando que los detalles respiren y que la energía fluya de manera natural. Una de las cosas más interesantes de ‘Nudging Reality’ es su capacidad para dar oscuridad sin caer en lo explícito. Hay una carga emocional sutil pero persistente. En el contexto del EP ‘Neglecting The Facts’, este track destaca como una pieza que resume perfectamente la expresión musical de Nandu: introspectivo y envolvente.

JULIAN KOERNDL, TIM WALCHE DROWNING EINMUSIKA RECORDINGS

Lanzado bajo Einmusika Recordings, esta colaboración entre Julian Koerndl y Tim Walche nos da una sensación de inmersión constante. Uno de los puntos fuertes del track es su lado emocional. Lejos de buscar la euforia directa, Koerndl y Walche construyen una tensión melancólica que se filtra a través de pads y líneas melódicas sutiles. En ‘Drowning’ la progresión fluye con calma pero consigue atrapar. Pequeñas variaciones rítmicas y armónicas mantienen el interés mientras va evolucionando sin perder coherencia. Es una track que crece con la escucha, y que con cada repetición va revelando nuevos matices y consolidando el lenguaje de ambos artistas dentro de un melodic techno introspectivo, elegante y emocional.

SKURO (IT)

ADDICTED TO LIES NOW

El productor italiano Skuro regresa a la carga con ‘Addicted to Lies’, un track que acaba de ver la luz a través del sello NOW. Desde los primeros compases, el artista nos deja clara su intención: construir un relato nocturno y oscuro, bastante arraigado en los códigos del melodic techno. Lo que verdaderamente engancha del track es su gestión de la tensión. Lejos de buscar la típica explosión predecible, Skuro apuesta por progresiones melódicas y una potente vocal. Al final, ‘Addicted to Lies’ es ideal tanto para sumergirse con auriculares como para encender la pista de baile en horas más profundas de la noche.

FAHLBERG THE SHIFT

GLOBAL UNDERGROUND

El productor sueco Fahlberg nos trae ‘The Shift’, publicado a través del legendario sello Global Underground como parte de su recopilatorio ‘THIRTY’. Desde el inicio del track, Fahlberg logra equilibrar luminosidad y contundencia en su sonido. Lo que verdaderamente creo que engancha del track es su gestión de la tensión y el groove. El productor apuesta por percusiones orgánicas y una progresión mental. Al final, ‘The Shift’ funciona como el recurso perfecto para dar un giro de energía a la sesión, inyectando dinamismo y frescura en la pista de baile.

REVIEW CLÁSICO

MIND AGAINST ATLANT

LIFE AND DEATH

Lanzado en 2013 en el sello Life and Death, este track cambió bastante las reglas del juego en la electrónica europea, adelantándose a todo lo que vino después. En un momento en que el techno era o muy minimalista o demasiado duro, los hermanos Fognini abrieron un camino nuevo: un sonido oscuro, casi de banda sonora, que demostró que en la pista también se podía conectar con algo más mental y profundo. Lo mejor del track es cómo consigue sonar frío y robótico, pero a la vez transmitirte muchísimas emociones. ‘Atlant’ sigue siendo un tema clave para entender cómo el techno empezó a volverse más melódico. Un clásico con todas las letras que dejó una marca enorme en las noches de club de toda una generación.

Con más de diez años a sus espaldas, el track sigue sonando vigente. No solo marcó un momento clave en la carrera de Mind Against, sino que ayudó a delinear los códigos de un género en plena expansión. Un clásico moderno que en lo personal sigue funcionando tanto como herramienta de pista o como viaje emocional.

TECHNO

Autor: Facundo

techno@mixmag.es

2601 UNTITLED SMILE

El proyecto 2601 forma parte del universo fragmentado de Mammo, quien trabaja bajo distintos alias numéricos como una forma de disolver identidad y reconstruirla constantemente a través del sonido. En este caso, el uso del número no funciona solo como firma, sino como una especie de máscara conceptual: cada combinación abre un estado distinto, una versión reducida o reconfigurada de su propio lenguaje.

Publicado en el sello Heaven Smile, “Untitled” 2 se inscribe en una estética de dub techno introspectivo y de textura granulada, donde el sonido, deliberadamente contenido y velado, genera una atmósfera de aislamiento y tensión. La pieza desarrolla un carácter casi claustrofóbico, convirtiéndose en una expresión sonora coherente con el universo de 2601, dónde identidad, contexto y lenguaje musical convergen en un mismo espacio de introspección.

BRIAND

DOCK SUD 1

PLSLTD

Briand es el proyecto paralelo de Joel aka Pulso, aquí orientado hacia una estética más clásica, cruda y marcadamente loopy, donde el desarrollo se reduce al mínimo para dar lugar a una idea más directa, casi de acción continua. A diferencia de su proyecto principal, más abierto en matices y variaciones, Briand se concentra en la repetición como lenguaje, en el gesto repetido como forma de tensión y control. Publicado a través de su propia etiqueta PLSLTD, “Dock Sud 1” se despliega como un ejercicio de techno minimalista, seco y contundente.

La percusión, con una crudeza muy marcada, incorpora guiños rítmicos que recuerdan a ciertos patrones del drum & bass, aunque reinterpretados desde una lógica estrictamente techno. El resultado es un track de pulso constante, texturas orgánicas bien moldeadas y una energía contenida pero efectiva, pensado para sostener y tensar el momento de pista sin romper su flujo.

SA PA

MOKIRA ULTRA DUB

DUB TECHNO FOR LIFE

El enigmático artista Sa Pa inaugura Dub Techno For Life, un nuevo sello orientado a la faceta más funcional y orientada al club del artista, un terreno que hasta ahora había quedado parcialmente fuera del marco conceptual de sus trabajos anteriores. Este nuevo espacio editorial parece buscar precisamente eso: liberar material pensado desde el sistema de pista, sin perder la profundidad característica de su lenguaje sonoro.

El primer lanzamiento del sello, Girls on Tour EP, abre con “Mokira Ultra Dub”, una reinterpretación extendida a formato club del clásico “Manipulation Musik” de Mokira. El track nació originalmente en paralelo a una versión ambient comisionada para la compilación Kontra X de Kontra Musik en 2016, pero su versión orientada a pista quedó archivada hasta ahora. Con la aprobación de Andreas Tilliander (Mokira), la pieza finalmente ve la luz. El resultado es un ejercicio de dub techno expansivo y contundente, de desarrollo largo y progresivo, donde la densidad del groove se sostiene durante casi diez minutos sin perder tensión. Entre ecos profundos, pulsos hipnóticos y una arquitectura sonora de clara vocación club, el tema se despliega como una pieza de impacto sostenido: lo suficientemente atmosférica para envolver, pero con el empuje necesario para sostener la pista sin concesiones.

MARCEL DETTMANN X TOMMY FOUR SEVEN

PARANORMAL

2 0

Dentro de Stratum II, el segundo movimiento de la serie colaborativa impulsada por Tommy Four Seven en su sello 2 0, el tema “Paranormal” firmado junto a Marcel Dettmann se posiciona como una de las piezas más sólidas del lanzamiento, condensando dos enfoques distintos del techno berlinés en un mismo eje de tensión. “Paranormal” despliega un lenguaje rítmico contenido pero de gran funcionalidad, articulado sobre una evidente influencia dub. Un bajo profundo, sostenido y en constante evolución actúa como columna vertebral del track, mientras elementos percusivos y fragmentos tonales emergen de forma intermitente y casi espectral, generando una sensación de fluidez suspendida. La pieza se configura así como un ejercicio de dub techno de notable precisión, donde la textura granulada, el tratamiento sonoro levemente erosionado y la densidad atmosférica sostienen un pulso hipnótico claramente orientado a la pista. El resultado es una construcción que equilibra con eficacia presión, espacio y repetición, reforzando una identidad sonora tan inmersiva como funcional.

REVIEW CLÁSICO

ROBERT

HOOD REK TRESOR

‘Rek’ forma parte de Internal Empire, uno de los discos fundamentales del catálogo de Tresor y una pieza clave en la consolidación del techno minimalista de Robert Hood en 1994. El trabajo llega en un momento de transición, tras su etapa en Underground Resistance y bajo el alias The Vision, marcando un giro hacia una reducción radical del lenguaje: menos elementos, más impacto.

En ‘Rek’, Robert Hood articula su discurso minimalista a partir de un número extremadamente reducido de elementos, pero con una precisión rítmica extraordinaria. El groove se sostiene sobre un patrón de bajos seco y repetitivo, más percusivo que melódico, cuya ligera oscilación genera una sensación constante de avance sin necesidad de desarrollar una línea narrativa tradicional. Sobre esta base, los hi-hats abiertos desempeñan un papel fundamental: situados en los espacios intermedios del compás y tratados con una sutil variación dinámica, aportan aire, tensión y una sensación de movimiento continuo que expande la rigidez aparente de la estructura. La interacción entre bombo, bajo y elementos metálicos produce un efecto hipnótico característico de Hood, donde la energía no proviene de la acumulación, sino de la repetición y del desplazamiento microscópico de los acentos. El resultado es una pieza de una austeridad radical cuya profundidad emerge precisamente de su economía de recursos.

CLUB MUSIC

Autor: Alejandro Serrano hardtechno@mixmag.es

MADE OF SAND THIS GIRL/THAT BOY 3MUSIC

Made of Sand regresan con This Girl/That Boy, un brillante ejercicio de house con influencias nu-disco que captura a la perfección la energía despreocupada y luminosa de las noches de verano. Publicado el 12 de junio, el sencillo conecta con naturalidad la calidez del disco clásico con la elegancia y precisión de la producción house contemporánea, dando como resultado un tema que suena familiar y fresco al mismo tiempo.

La pieza se sostiene sobre sintetizadores resplandecientes, líneas de guitarra cargadas de groove y unos ganchos vocales irresistibles que permanecen en la memoria mucho después de finalizar la escucha. La producción del DJ y productor italiano Mauoq destaca por su refinamiento, equilibrando elementos orgánicos heredados de la tradición disco con texturas electrónicas limpias y actuales. El resultado es un sonido pensado para terrazas al atardecer, sesiones al aire libre y pistas de baile que cobran vida entrada la noche.

La mayor virtud de This Girl/That Boy reside en su capacidad para conectar de inmediato con el oyente sin renunciar a una identidad moderna y orientada al club. Su ritmo contagioso, su atmósfera optimista y su cuidada construcción convierten el tema en un auténtico imán para la pista de baile. Con este lanzamiento, Made of Sand firman una producción elegante, accesible y cargada de buenas vibraciones, reafirmando el atractivo atemporal de los grooves disco reinterpretados para las nuevas generaciones de amantes de la música electrónica.nt reminder that timeless grooves never go out of style.

DRIVETRAIN

FEEL ME

SOIREE RECORDS INTERNATIONAL

La nueva referencia de Soirée Records arranca con una auténtica declaración de intenciones gracias a Feel Me, el corte de Drivetrain que marca el tono de todo el lanzamiento. Envuelto en atmósferas etéreas, pads envolventes y una repetición vocal hipnótica, el productor construye una pieza de house profunda y elegante que atrapa desde los primeros compases. Su ritmo contundente y perfectamente equilibrado aporta la energía necesaria para la pista de baile sin sacrificar un ápice de sofisticación.

Lo más destacable de Feel Me es su capacidad para generar una sensación de inmersión constante. Los elementos se desarrollan con sutileza, creando una tensión emocional que crece de forma orgánica mientras la percusión mantiene el pulso firme. Es un tema que funciona tanto en la intimidad de una escucha atenta como en los momentos más evocadores de un club a altas horas de la madrugada.

El resto del recopilatorio mantiene un nivel notable. Something 4 U de Jay Strata aporta calidez y emoción mediante pads exuberantes y vocales femeninas sugerentes; Things On My Mind de DJ Sinjin apuesta por un enfoque más directo y funk, impulsado por una línea de bajo poderosa; mientras que Dreams Of An Insomniac de DJ Mourad cierra el conjunto fusionando jazz, acid y texturas experimentales con gran personalidad. Sin embargo, es Drivetrain quien firma el momento más memorable del EP, demostrando una vez más su maestría para crear música electrónica atemporal, profunda y cautivadora.

SAM SPARACIO, MARCO & DOV FEATURING ALISON DEGBE I LIKE YOU

SUNCLOCK RECORDS

I Like You reúne a Sam Sparacio, Marco & Dov en un cruce elegante entre la sofisticación del underground y la energía directa de la pista de baile. El tema principal se erige como el corazón del EP: un viaje luminoso de melodic house guiado por ritmos hipnóticos y la voz soulful, magnética y profundamente emotiva de Alison Degbe.

La combinación entre producción refinada y sensibilidad vocal convierte el corte original en una pieza íntima y expansiva al mismo tiempo, capaz de funcionar tanto en momentos de escucha envolvente como en sesiones de club más abiertas y atmosféricas. Su groove constante y su narrativa emocional refuerzan una sensación de conexión global que atraviesa toda la propuesta. El EP se amplía con una serie de relecturas que llevan el material hacia territorios afro y organic house, aportando nuevas texturas y matices rítmicos. Israel Vich, Guy Ohm, David Monje y RØØT reinterpretan el original desde perspectivas distintas, manteniendo su esencia emocional mientras lo desplazan hacia paisajes más tribales, cálidos y orgánicos.

El resultado es un lanzamiento cohesivo pero diverso, donde cada versión aporta una nueva capa de profundidad. Aun así, es I Like You quien se impone como el momento más brillante, gracias a su equilibrio entre sofisticación melódica, carga emocional y una vocal que actúa como hilo conductor de todo el EP. Un tema que encapsula a la perfección la idea de unidad a través del sonido.

TIGERHOOK

NEW STRAIN

NOFF!

Panama Red Remixes marca el regreso de NOFF! con una colección de reinterpretaciones que amplían el universo sonoro creado originalmente por Randall Jones y Nick Stoynoff. Moviéndose entre el deep, el progressive y la electrónica psicodélica, el lanzamiento reúne a varios productores con personalidades bien definidas, capaces de transformar el material original sin perder su esencia.

Entre todas las contribuciones, destaca especialmente New Strain de Tigerhook, una versión que aporta una intensidad renovada al proyecto. Construido sobre una base rítmica sólida y envolvente, el remix introduce una atmósfera más oscura y dinámica, donde las texturas progresivas evolucionan de forma constante hasta alcanzar un groove hipnótico y profundamente absorbente. Tigerhook logra imprimir carácter propio al tema, convirtiéndolo en uno de los momentos más contundentes y memorables del EP.

El recorrido se completa con la visión detallista y atmosférica de Raica, que apuesta por un enfoque más textural e inmersivo, mientras que Pole Folder aporta una lectura melódica cargada de emoción y profundidad armónica. Por su parte, Legowelt cierra el lanzamiento con una reconstrucción de espíritu analógico que combina nostalgia y modernidad con gran naturalidad.

El resultado es un conjunto coherente y diverso que explora diferentes perspectivas de una misma idea musical. Sin embargo, es New Strain quien emerge como el punto culminante del lanzamiento, gracias a su energía envolvente y su impecable equilibrio entre oscuridad, groove y sofisticación electrónica. Un lanzamiento que reafirma el compromiso de NOFF! con la música electrónica de vanguardia y las voces más interesantes de la escena actual.

REVIEW CLÁSICO

FLOWRY

TRACE OF FEELINGS

BE YOUR OWN

Con Trace of Feelings, Flowry presenta una composición que encuentra su fuerza en la sensibilidad y la sutileza. El tema se desarrolla como un viaje introspectivo donde cada elemento parece diseñado para despertar recuerdos, emociones y estados de ánimo difíciles de describir con palabras. A través de una producción cuidada y una construcción progresiva, la pieza logra captar la atención sin necesidad de recurrir a grandes explosiones sonoras. Su riqueza reside precisamente en los detalles: capas melódicas delicadas, texturas envolventes y una atmósfera que evoluciona de manera orgánica.

La sensación general es la de una obra que invita a detenerse y escuchar con atención. Flowry demuestra un notable control de la dinámica, equilibrando momentos de tensión emocional con pasajes más luminosos y contemplativos. La mezcla se percibe limpia y espaciosa, permitiendo que cada sonido respire y contribuya a la narrativa general. A lo largo de sus poco más de tres minutos y medio, el artista consigue construir una identidad sonora coherente y emotiva. Trace of Feelings es una muestra de cómo la música electrónica puede comunicar profundidad emocional sin perder elegancia ni fluidez.