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SUMARIO
Pág. 6 NOTICIAS / Pág. 20 RUIN de Agustín Soler -La decadencia de la belleza- / Pág. 22 Italia cinematográfica. 18º FESTA DO CINEMA ITALIANO por Nicolás Isasi / Pág. 26 LORCA. El teatro sobre la arena dirigido por Laura Paredes / Pág. 30 EL MILAGRO ESLOVENO EN ARGENTINA. Entrevista a Daniel Grbec
por Nicolás Isasi
/ Pág. 34
CARMEN de Georges Bizet por la Compañía Artística Clásica del Sur / Pág. 38 El Ballet del Teatro Argentino presenta ROMEO Y JULIETA / Pág. 40 LA MADRE: ELLA EN SU CABEZA por Irene Bianchi / Pág. 42 Un tempo triunfal. TEATRO DE ÓPERA DE SÃO CARLOS por Nicolás Isasi / Pág. 46 En el C. C. RECOLETA: Un recorrido por la singular historia de la moda en Argentina / Pág. 48 LITERARIAS / Pág. 70 ARTES PLÁSTICAS / Pág. 76 MUSEOS / Pág. 78 CARTELERA TEATRAL / Pág. 182 MÚSICA / Pág. 220 CINE.
Carmen Tagle, Lucía Brasa y Jesica Elois en "RUIN La decadencia de la belleza” de Agustín Soler Página 20 Revista MiráBA N. 190 Mayo 2025. Revista MiráBA es una publicación mensual de interés general.Director: Ángel Luís Díaz. e-mail: diazal@revistamiraba.com.ar Propietario: Angel Luís Díaz. Ciudad Autónoma de Buenos Aires. República Argentina. Versión digital Registro DNDA 5344536. ISSN 2344-9446 Los artículos firmados y las opiniones de los entrevistados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial y/o dirección. El contenido de los avisos publicitarios es exclusiva responsabilidad de los anunciantes. Se permite la reproducción total o parcial del material gráfico o escrito publicado originalmente en la Revista MiráBA con expresa mención de la fuente. Revista MiráBA en Internet: www.revistamiraba.com. ar - www.miraba.com.ar Contacto redacción: redaccion@revistamiraba.com.ar Publicidad: publicidad@revistamiraba.com.ar Suscripción digital: suscripcion@revistamiraba.com.ar
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NOTICIAS “TARTUFO” de Moliére llega a la calle Corrientes
Malena Verón Diseño de vestuario: Martina Carral Caetano y En lo más profundo, “Tartufo” Malena Ferraro es la trágica historia de Escenografía y maquillaje: quienes gozan de la más Malena Ferraro y Martina absoluta impunidad, a través Carral Caetano El sábado 3 de mayo a las del poder, la mentira, las Confección de vestuarios: ilballocostumes 17.30 h, el Grupo Avanti apariencias y la falsa moral. Producción de Pelucas: estrena su versión de “Tartufo” (El impostor), de Dice Tartufo: “quien peca mgpelucasypostizos Molière, en el Multiescena en silencio no peca; es el Diseño y puesta de luces: CPM, Av. Corrientes 1764. Las escándalo lo que vuelve Leandro Álvarez Técnico en iluminación y funciones serán los sábados pecaminosa la acción”. Sonido: a las 17.30 h. Entradas por Actúan: Hernán Guebard, Juan Frías Plateanet. Paula Seminara, Carlos Foto de Promoción: Juan Amaya La hipocresía es el tema Bottaro, Gustavo Rovira, principal de “Tartufo”, y en Nicolás Sabatini, Diego Diseño y comunicación: Attik-diseño+comunicación ella se esconde también un Parodi, Sol Capuccio, ataque al papel demasiado Benjamín Avilés, Bruno Producción General: Grupo Avanti influyente que tienen algunos Spagolla, Barbara personajes que existen en Stolarczyk, Sabina Fortunato, Dirección y puesta en distintos ámbitos de nuestra Maximiliano Cesto. escena: Maximiliano Cesto sociedad, especialmente en la política, que utilizan su Ficha Técnica: CONTACTOS capacidad para convencer y @grupoavantiok dominar a quienes los siguen. Música Original: Nehuen Martino Guillermo Yuste En realidad son saqueadores Piano en vivo: yuste68@gmail.com El Grupo Avanti estrena el sábado 3 de mayo su versión de la célebre obra francesa, con dirección y puesta en escena de Maximiliano Cesto.
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que pretenden conseguir el poder y bienes materiales.
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NOTICIAS
ESTRENO 4 DE JUNIO EN EL MULTITEATRO
“LA FUNCIÓN QUE SALE MAL” La comedia que hizo delirar al mundo llega a la Argentina. La función que sale mal, el fenómeno teatral internacional, se estrena el próximo 4 de junio en el Multiteatro y contará con funciones de miércoles a domingos. La obra está protagonizada por Diego Reinhold, Héctor Díaz, Fredy Villareal, Dan Breitman, Victoria Almeida, Gonzalo Suárez, Maida Andreanacci y Federico Ottone, y dirección de Manuel González Gil.
Hasta la fecha, La función que sale mal ha sido vista por más de dos millones de espectadores en todo el mundo. Desde su estreno en 2012 en Londres, la obra ha tenido producciones en más de 30 países, incluyendo Estados Unidos, Australia, Francia, España, Alemania, México y Argentina. La versión local cuenta con la producción de Juan Manuel Caballe, Tomás Rottemberg y Faroni Producciones. Sinopsis: Una historia de crimen...más o menos: Hay un asesinato, hay un detective, pero también hay un elenco que no podría hacer las cosas peor aunque lo intentara.
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En La función que sale mal los actores de la Sociedad de Teatro de Cornley ponen todo su empeño en presentar un drama serio...pero lo que termina pasando en escena es un caos desternillante. Paredes que se caen, actores que se olvidan los textos, utilería fuera de control y una coreografía del desastre que no te deja parar de reír.
The New York Times la definió como “el equivalente teatral de un desastre de múltiples autos en cámara lenta” y The Huffington Post la llamó “la obra más graciosa jamás vista”. ¿Quién mató a Charles Haversham? Nadie lo sabe. Pero la risa está garantizada.
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SORPRESA A BETO POR SU CUMPLEAÑOS
¿QUIÉN ES QUIÉN? la obra éxito del momento festejo a lo grande el cumpleaños de su protagonista junto a su familia y una torta al finalizar la función del viernes
pie muy conmovedora.
FICHA TÉCNICA
Autora: Audrey Schebat Traducción: Pablo Rey Actúan: Luis Brandoni y Soledad Silveyra Dirección: Héctor Díaz Asistente de dirección: Miguel Kot Diseño de escenografía: Lula Luis Brandoni y Soledad SINOPSIS Silveyra protagonizan la ¿Quién es Quién? de Audrey Rojo Diseño de vestuario: obra teatral más importante Schebat es una comedia Romina Giangreco Diseño iluminación: Stefany del año, dirigida por Héctor fresca y aguda que se de Díaz y producida por Tomás adentra en la vida de una Briones Leyton Apuntador: Rottemberg y Juan Manuel pareja moderna atrapada Pablo Arambarri Diseño Nico Rejlis en la rutina. Ante la espera gráfico: Caballé. Machado Cicala de una pareja de amigos a Fotos: Management: 40.000 espectadores ya cenar, se desata un torrente Community Peralta Fotos y disfrutaron de la obra que de situaciones hilarantes y Lucía agotó todas las funciones a reflexiones profundas sobre videos de escena: Rosario la venta desde su estreno. el amor, la comunicación y la González del Cerro Prensa: Prensa Producción ¿Quién es Quién? es búsqueda de la felicidad. A Soy protagonizada por dos de través de diálogos ingeniosos ejecutiva: Florencia Spinelli los artistas más importantes y un ritmo dinámico, la obra Coordinación de producción: Gómez Cantero y queridos de nuestro país explora cómo lo cotidiano Rocío transformarse en Producción general: Tomás subieron juntos por primera puede vez al escenario con un teatro extraordinario con un toque Rottemberg y Juan Manuel Caballé. lleno y con una ovación de de locura.
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¿Quién es Quién? se puede disfrutar en el Teatro Liceo y las entradas se encuentran disponibles por PLATEANET o boleteria dele teatro.
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RADA FUE OVACIONADO EN LA FUNCIÓN DE PRENSA DE CHANTA Aristarán se pone en la piel de un personaje atrapante en una obra que fusiona ironía, crítica social y una puesta en escena innovadora. La dirección está a cargo del prestigioso director Marcelo Caballero. El libro pertenece a los directores y guionistas de cine y series Mariano Cohn y Gastón Duprat junto al Los famosos no quisieron escritor Juan José Becerra. perderse la función especial Chanta, es una obra que que se realizó en el Teatro sorprende al público con su Metro; Dario Barassi, estilo provocador y original. Andres Ciro y parte de la banda de Los Piojos, Chanta sigue la historia de José María Listorti, Nacho Julio Ballesteros, un hombre Elizalde, Manu Martínez, que, tras su muerte, reflexiona Evelyn Botto, Pablo sobre su vida, la sociedad y Turturiello, Nancy Dupláa, la hipocresía que lo rodea. A Pablo Echarri, Julieta Nahir lo largo de diferentes etapas Calvo, Mauricio Dayub, de su vida, la obra expone Denise Dumas, Campi, con un tono cínico, mordaz Martin Garabal, Malena y profundamente irónico Guinzburg, Matías Martin, las contradicciones del Miguel Ángel Rodríguez protagonista y de la sociedad entre otros celebrities argentina. acompañaron a Agustín Rada Aristarán en su gran A través de monólogos estreno. agudos y diálogos incisivos, el protagonista desnuda Chanta es protagonizada por las costumbres, prejuicios Agustín “Rada” Aristarán y y miserias humanas con un desde su estreno el 11 de humor ácido, una mirada abril en el Teatro Metropolitan desencantada sobre la vida agota las funciones. y la muerte, y que fue tan buen chanta que terminó La pieza está protagonizada convirtiéndose en un emblema por Agustín “Rada” Aristarán, de esa argentinidad tan difícil uno de los artistas más de explicar pero tan fácil de versátiles y carismáticos del reconocer. La obra explora la espectáculo nacional. Con decadencia, la ambición y el una trayectoria destacada en oportunismo, el humor, la música y el teatro, convirtiéndose en una sátira
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sobre el paso del tiempo y el absurdo de las convenciones sociales. Todo contado con un ritmo frenético y cinematográfico, donde el escenario muta a cada instante, transformándose en postales delirantes de cada etapa de su vida. No hay escenarios estáticos: hay imágenes en movimiento, cambios de juego inesperados, momentos que se deslizan de lo absurdo a lo poético, de lo poético a lo patético. Un teatro que no espera, que avanza con la rapidez de un truco bien hecho. El estilo de Chanta combina elementos de la comedia negra y la crítica social, con un guión inteligente, una puesta en escena impactante y el talento indiscutido de Agustín “Rada” Aristarán. Chanta se perfila como una cita imperdible para los amantes del teatro y del buen humor. Entradas disponibles por Plateanet y en la boletería del Teatro Metro
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LA SIRENITA, llevó a cabo una impactante sesión de fotos.
Con vestuario, luces y emoción, una de las historias más entrañables de Disney anticipa un show deslumbrante.
pusieron por primera vez en la piel de sus personajes.
Con una venta de entradas extraordinaria de más de 10.000 entradas anticipadas, Se realizó una sesión de fotos el elenco y la producción de magnífica en un singular LA SIRENITA, continúa con la estudio fotográfico. La maquinaria en marcha para superproducción, muestra llegar a su debut este año en por primera vez al elenco de el Gran Rex, y encontrarse la obra caracterizados como con su expectante público. Ariel, Úrsula, Tritón, Eric, Estreno 5 de junio en el Sebastián y Flounder. Teatro Gran Rex. entradas pueden Albana Fuentes, Evelyn Botto, Las Osvaldo Laport, José María adquirirse en hasta 6 cuotas interés con tarjeta Listorti, Pablo Turturiello sin VISA. La y Valentín Zaninelli, se SANTANDER
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compra de entradas puede realizarse de manera online en TUENTRADA.COM y en la boletería del Gran Rex. Sobre LA SIRENITA LA SIRENITA cuenta con la producción y con el mismo equipo creativo de sucesos como Matilda y más recientemente School of Rock. Ozono, MP y Los Rottemberg Encabeza esta espectacular producción la talentosa Albana Fuentes en el papel protagónico de Ariel. A ella se suma Evelyn Botto,
actriz, cantante y conductora quién representará a Úrsula, la villana más temida del océano. El querido y consagrado Osvaldo Laport se pondrá en las escamas de Tritón, el poderoso rey de los mares. Por su parte el carismático José
María Listorti interpretará a Sebastián, el divertido cangrejo. Completa este elenco excepcional, Pablo Turturiello, actor, cantante y bailarín, quien dará vida al joven príncipe Eric. Este
elenco de grandes figuras promete traer a la vida los inolvidables personajes de esta historia que ha conquistado corazones en todo el mundo. @lasirenitaelshow
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NOTICIAS La 49.° Feria Internacional del Libro de Buenos Aires
El acto oficial se llevó a cabo el pasado jueves 24 de abril a las 18 horas en el predio La Rural. Estuvieron presentes tanto autoridades nacionales, diplomáticas, de la Fundación El Libro, de Riyadh, Ciudad Invitada de Honor de este año; como periodistas y escritores. Juan Sasturain fue quien pronunció el discurso de apertura de la edición que nos acerca cada vez más al aniversario 50.
actividades culturales para todas las edades.
La ciudad es testigo de una nueva edición de la Feria del Libro, el evento que todos los años festeja la literatura y reúne a la industria editorial internacional. Esta edición cuenta con una programación repleta de presentaciones de libros, charlas con escritores y
Durante los tres primeros días está dedicada a la industria editorial y a la capacitación de los profesionales. Editores, libreros, distribuidores, agentes literarios, gráficos, traductores, ilustradores y bibliotecarios se dan cita para realizar intercambios
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Nuestra Feria Es organizada por la Fundación El Libro, una entidad sin fines de lucro cuya misión es la promoción del libro y los hábitos de la lectura. Realizada por primera vez en 1975, se ha consolidado a través de los años y hoy en día es uno de los eventos culturales más importantes del mundo.
comerciales, concretar negocios y participar de seminarios de actualización. También dedica una importante cantidad de actividades a los docentes y otros mediadores de lectura, a quienes considera como pilares fundamentales. El jueves abre al público general y se convierte en una verdadera ciudad de libros, con más de 45 mil metros cuadrados de exposición y alrededor de mil quinientos expositores de más de cuarenta países. Se destaca por ofrecer una programación amplia que incluye unas mil quinientas propuestas culturales: conferencias, presentaciones de libros, cursos, charlas, firmas de ejemplares, un festival de poesía, un
encuentro de narradores y una jornada de microficción, entre muchas otras. La han visitado autores de la talla de José Saramago, Paul Auster, John M. Coetzee, Mario Vargas Llosa, José Mauro de Vasconcelos, Ítalo Calvino, Jorge Amado, Susan Sontag, Ray Bradbury, Elena Poniatowska, Doris Lessing, Julián Marías, Edgar Morin, Hanif Kureishi, Eduardo Galeano, José Donoso, Camilo José Cela, Tom Wolfe, Wilbur Smith, Marc Augé, Cees Nooteboom, Carlos Fuentes y Henning Mankell, por nombrar solo algunos. ¿Dónde? Puertas de Ingreso: Av. Santa Fe 4201 Av. Sarmiento 2704 (con estacionamiento) Av. Cerviño 4474 (con estacionamiento) Ingreso gratuito para menores de hasta 12 años
inclusive, visitas escolares, docentes (con recibo de sueldo) y personas con discapacidad (con comprobante que acredite esa condición). Pabellones Azul, Amarillo, Blanco, Verde, Ocre y 9 ¿Cuándo? Desde el 24 de abril al 12 de mayo de 2025 Lunes a viernes, de 14 a 22 h. Sábados, domingos y jueves 1º de mayo, de 13 a 22 h. La Feria Internacional del Libro de Buenos Aires tiene una superficie de más de 45.000 metros cuadrados y es la más concurrida en el mundo de habla hispana. Durante sus casi tres semanas de duración la visitan más de un millón de lectores y más de doce mil profesionales del libro. Ciudad Invitada Riyadh es la Ciudad Invitada
de Honor en esta edición de la Feria. Entradas, promociones y descuentos Valor de la entrada Lunes a jueves (excepto jueves 1° de mayo): $5.000 (cinco mil pesos) Viernes, sábados, domingos, y feriados del 1.° y 2 de mayo: $8.000 (ocho mil pesos) Pase tres visitas: $12.000 (doce mil pesos). Exclusivo venta online. El pase es personal e intransferible, permite una única visita por día a la Feria. Las entradas podrán adquirirse AQUÍ o a partir del 24 de abril en las boleterías de la Feria. Beneficios con la compra de la entrada El visitante que compre una entrada (para cualquier día) o pase (para tres visitas) recibirá un chequelibro
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de $8.000 para usar en las librerías adheridas una vez que finalice la Feria. Si el visitante quiere aumentar el valor del chequelibro a $12.000 puede optar por usarlo en las librerías de barrio adheridas. En breve publicaremos el listado de librerías participantes. Cada entrada, además, estará acompañada por vales de descuento que podrán utilizarse para la compra de libros en los stands de la Feria. Las entradas de $5.000 tendrán dos vales de $1.500 y dos vales de $1.000. Las entradas de $ 8.000 y los pases de 3 visitas tendrán dos vales de 2.000, dos vales de $1.500 y un vale de $1.000. Cada vale de $2.000, $1.500 ó $1.000 podrá usarse para cubrir hasta el 10% del pago en compras de $10.000 o superiores. Los
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vales son acumulativos, por ejemplo: para la compra de un libro de $45.000.- puede descontar un vale $2.000, un vale de $1.500 y un vale de $1.000. IMPORTANTE: Si la compra de la entrada se realiza online, el chequelibro y los vales de descuento se retiran presencialmente en la Feria, presentando la entrada adquirida online en los mostradores del Hall Central (Pabellón 9) o Pabellón Azul. Ingreso gratuito Importante: no es necsario tramitar entrada online – Se presenta en cada caso comprobante en el ingreso (puede ser físico o digital) Todos los días para menores de hasta 12 años inclusive, visitas escolares y personas con discapacidad. Todos los días para docentes. Deberán
presentar recibo de sueldo o comprobante que acredite condición. Lunes a viernes (excepto 1° y 2.° de mayo) para estudiantes, jubilados y pensionados. En todos los casos es necesario presentar comprobante que acredite condición. Sábado 26 de abril, Noche de la Feria, con ingreso libre a partir de las 20h. Todos los días presentando Pase Cultural. Miércoles 30 de abril, Día del Banco Provincia en la Feria, presentando App de cuenta DNI, tarjeta de débito o crédito del Banco Provincia en cualquiera de los accesos de la Feria de 14 a 22h. Lunes 28 y martes 29 de abril; lunes 5, martes 6, miércoles 7 y jueves 8 de mayo. Ingreso gratis de 20 a 22h. Estos ingresos gratuitos cuentan con el auspicio del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.
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El pasado domingo 13 de abril a las 17 horas se estrenó la última obra de Agustín Soler, “RUIN – La decadencia de la belleza” en El Galpón de Guevara, ubicado en Guevara 326, en el barrio de Chacarita. Un decadente circo llamado “RUIN” agoniza. Son pocas las manos que quedan en la compañía para sostener esta antigua herencia que, con el pasar de los años, comenzó a
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risa, el hambre y las rutinas destartaladas, que no ayudan El afuera se asoma repe- a conquistar más público, ni titivamente como una a escuchar la risa, o a matar posibilidad de cambio, una el hambre. Mientras tanto seducción a lo distinto, una el público que se sienta a invitación a despojarse de contemplar la decadencia de lo viejo e iluminarse por lo la belleza, el circo RUIN. nuevo para volverse luz. obra payasa, en Pero no es tarea fácil afrontar Una los grandes cambios, menos ausencia de texto, física en cuando se crece creyendo su totalidad, y delicada en imagen. que otra vida no es posible. colgar de un hilo.
Mientras tanto el público, la
FICHA ARTÍSTICA:
Actúan: Carmen Tagle, Jesica Elois y Lucía Brasa Colaboración musical: Santiago Blomberg Diseño de Luces: Lucas Orchessi Maquillaje y Realización de utilería: Guillermina Guardia Vestuario y escenografía: Celina Santana Realización de peluca: Soraya Ceccherelli Fotografía y video: Luis Alejandro Villegas Landaeta Community Manager: Lucrecia Benavente Álvarez Prensa: Dafne Strobino Niedermaier Asistente de escenario: Sofía Reyes Asistente de Dirección y Producción: Melany Flores Co-Producción: Galpón de Guevara Producción: Agustín Soler
Dramaturgia y Dirección: Agustín Soler Duración: 55 minutos
Eso lo acercó a cursos de clown del Centro Cultural Eternauta.
FUNCIONES: Domingos 17 h. Público destinado: + 7 años Entradas en venta por Alternativa Teatral:
Se formó intensamente en clown, teatro, danza y aprendió la técnica del Mimo en Mimo.Teatro Escocbar & Lerchundi.
BIO DEL DIRECTOR Y DRAMATURGO
Trabajó de payaso en circos europeos y en obras de teatro argentinas como “Ruedos”, “Medida x medida”, “Othelo” y “Sr. Mockinpott”, entre otras. Dirigió obras como “Ruin”, “Ciertas Petunias”, “Povorot”, “Mortajas” y “Otro Fatal Intento”, siendo estas dos últimas de su autoría. Contacto en redes sociales: @agustensoler
Agustín Soler es actor, mimo, director y docente de teatro.
PRENSA Dafne Strobino Niedermaier En el 2006 comenzó su @dafnesn camino artístico sobre las www.agendacultural15.com sendas peatonales, haciendo www.nuestrobarrioweb.com. malabares en un semáforo. Fotografía @natimoriones
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ITALIA CINEMATOGRÁFICA 18º FESTA DO CINEMA ITALIANO Por Nicolás Isasi @isasi.nick
El Festival de Cine Italiano celebró una nueva fiesta con una amplia programación de largometrajes de distintos géneros de una misma procedencia. Desde hace dieciocho ediciones, la ciudad de Lisboa y luego otras localidades portuguesas a lo largo del año, reúnen lo más resonante o visto del cine italiano reciente y también algunas secciones retrospectivas o una particular llamada ópera na tela, dedicada
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exclusivamente a la ópera. La scommessa de Giovanni Dota fue la mejor comedia del festival. Ambientada en un hospital napolitano, dos enfermeros se enfrentan a una apuesta inusual ante la aparición del Sr. Caputo que llega en estado crítico. La apuesta gira en torno a la vida o muerte del paciente y allí es donde comienza una serie de artimañas y locuras descabelladas para salvar o atentar contra la vida del
mismo, con el objetivo de ganar el dinero en cuestión. Esta comedia negra, explora el cinismo y el absurdo de situaciones cotidianas con un guion bien aceitado y actores que ponen al cine italiano en alto. El homenajeado de este año fue por el centenario de Marcello Mastroianni, ocurrido en septiembre pasado, evocando el paso del reconocido actor por Portugal a través del cine y
la fotografía en el histórico Cine São Jorge. El homenaje incluyó varias de las cintas que el actor representó en Lisboa, como la obra de Antonio Tabucchi, su papel como alter ego de Manoel de Oliveira, y una exposición fotográfica que nos hace partícipe del universo de uno de los mayores íconos del cine mundial. Entre las películas que se proyectaron se encontraban: Afirma Pereira de Roberto Faenza, Viagem ao Princípio do Mundo de Manoel de Oliveira, Mi ricordo, sì, io mi ricordo de Anna Maria Tatò, y el 30º aniversario de Sostiene Pereira de Antonio Pelliccia. Aunque también se proyectó una exquisita selección de algunos de sus clásicos como La Dolce Vita y 8 e ½ de Federico Fellini o Una giornata particolare de
Eslovaquia, cuenta con la dirección de Peter Vaclav y nos sumerge en las turbias aguas del siglo del libertinaje erudito y la monarquía absoluta en decadencia. Entre representaciones de ópera y majestuosos palacios italianos ocurre tanto la creación como Otra de las secciones la promiscuidad por doquier. destacadas fue Ópera na El film cuenta con una gran tela que presentó varias dirección de arte que incluye óperas filmadas. Y dentro un maravilloso diseño de incluidas las del marco operístico, la vestuario, película El bohemio sobre representaciones operísticas, la vida y los amores del y el maquillaje presenta músico y compositor checo un nivel de detalle en el Josef Mysliveček, apodado rostro final de Josef que es “el bohemio”, quien fue una verdaderamente aterrador. figura destacada de la música Se destaca el trabajo de para todos los del siglo XVIII, aclamado en casting especialmente su tiempo y luego eclipsado personajes, por la intensa brillantez de su protagonista Vojtěch Dyk Wolfgang Amadeus Mozart. que encarna al compositor en Esta coproducción entre diversas facetas de su vida u República Checa, Italia y con atino y profundidad. Ettore Scola. Marcello Mio, del año pasado, es un ensayo poético de Christophe Honoré que cuenta parte de la vida de la hija del actor junto a Catherine Deneuve, y fue estrenado en el Festival de Cine de Cannes.
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caso conocido en Italia de suicidio adolescente causado por bullying y cyberbullying. Una película filmada de un modo muy actual y jovial que muestra la vida activa y feliz de un chico romano hasta Entre las películas premiadas, que un episodio simple como el galardón máximo del absurdo desata una tragedia. jurado integrado por el Un pantalón regalado por dibujante y presentador Hugo su madre cambia de color van der Ding, el productor rojo a rosa tras ser lavado cinematográfico de O Some incorrectamente dando lugar a Fúria Luís Urbano, y el a un sinnúmero de cargadas programador y actual director y burlas escolares. El joven, de Locarno Pro Markus valiente y fuerte, resistió hasta Duffner fue para Anywhere, donde pudo aquel castigo Anytime de Milad Tangshir social que vivía en carne sobre un joven inmigrante propia, pero sus verdaderos ilegal que sobrevive en amigos y familia no pudieron Turín. En palabras del jurado: “la película nos sorprendió por la manera humilde y profundamente humana en que retrata la vida tal como es, evocando el neorrealismo y dando visibilidad a tantos que permanecen invisibles en las ciudades”. Por otro lado, el premio del público fue para Il ragazzo dai pantaloni rosa de Margherita Ferri, basada en la historia real del primer Entre los jóvenes talentos, un actor germano parlante que interpreta a Mozart de niño junto a su padre Leopold, con total soltura y ternura, incluso tocando el clave.
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frenar el ataque virtual que traía aparejado el mal uso de las redes sociales, generando un impacto tan negativo como desalentador para el adolescente que toma aquella inesperada decisión. Este premio del público no sorprende, ya que Il ragazzo dai pantaloni rosa además de ser ovacionada al final de la proyección, fue una de las películas italianas más vistas del año, con más de 1,5 millones de espectadores en Italia. VIDEO O Boémio - Ópera à Italiana | 18ª Festa do Cinema Italiano 2025
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Lorca. El teatro sobre la arena
dirigido por Laura Paredes (Piel de Lava) “LORCA, el teatro bajo la arena”, la obra dirigda por Laura Paredes (Piel de Lava) ofrece funciones los jueves de abril y mayo a las 21h en el teatro El Portón de Sánchez (Sánchez de
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Bustamante 1034, CABA). Escrita por Laura Paredes junto al cineasta Mariano Llinás, la obra propone un futuro, más o menos cercano, donde las corridas de
toros están prohibidas. Dos investigadoras argentinas disertan sobre la obra de Federico García Lorca. La conferencia sucede en una plaza de toros recientemente cerrada, en
Almería. Allí, sobre la arena, formulan acaloradamente diferentes versiones sobre la vida y la producción del poeta granadino: sus piezas canónicas, sus declaraciones, sus textos malditos. Mientras suceden las aguerridas exposiciones, el antiguo personal de la plaza deambula, sonámbulo
y desocupado. Y recita, cada vez que puede, el romancero gitano. La obra surgió por una invitación del ciclo “Invocaciones”, curado por Mercedes Halfon y Carolina Martín Ferro que invitaba a directores y directores a invocar a autores del siglo XX. «Así apareció la idea de trabajar sobre el universo de Lorca en diálogo con Argentina y con ese desborde emocional que es tan propio del lenguaje actoral de Buenos Aires. Mi objetivo fue buscar esas conexiones, encontrar el humor en ese exceso de pulsiones ya su vez hacer un homenaje a un autor que admiro profundamente», expresa Paredes y agrega: «queríamos que fuese una invocación amorosa y un poco irreverente. O, por lo menos, cuestionar el excesivo respeto con el que a veces se montan los clásicos. Atentar contra lo marmóreo y abrazar al poeta como si fuera mi amigo de la adolescencia y conectarme con lo que me sucedió a esa edad cuando lo leía, enardecida. LORCA. El teatro bajo la arena. Jueves de abril y mayo, 21h El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, CABA). Funciones: jueves de abril a las 21h.
Localidades $15.000 estudiantes y jubilados $13.000) disponibles en Alternativa o en la boletería del teatro. FICHA ARTÍSTICA Dirección: Laura Paredes Dramaturgia: Laura Paredes, Mariano Llinás Elenco: Claudia Cantero, María Inés Sancerni, Agustín Gagliardi, Nicolás Levin y Manuel Attwell Colaboración artística y coreografía: Constanza Feldman Escenografía: Rodrigo González Garillo Vestuario: Julieta Harca Iluminación: Matías Sendón Composición Musical: Gabriel Chwojnik Asistencia de dirección: Olivia Daiez Producción: Olivia Daiez, Agustín Gagliardi Fotografía: Estudio Levin Asesoramiento teórico: Maximiliano De La Puente Realización de máscara: Axel Caponi Prensa: Cecilia Gamboa Poema final F. García Lorca: Manuel Attwell y Mariano Manzanella Guitarras y estudio de grabación: u
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Mariano Manzanella ı Estudio 321 Laura Paredes nació en Buenos Aires en 1980. Es actriz, dramaturga y codirige el grupo teatral Piel de Lava desde hace diecinueve años. Es egresada de la Carrera de Dramaturgia de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático dirigida por Mauricio Kartún. También es docente de actuación desde el año 2009.
Canadá, Bélgica, España y Holanda. También dirigió y escribió “Todo lo cercano se aleja” en el Teatro Nacional Cervantes y “Lorca, el teatro bajo la arena” en el Portón de Sánchez. Como actriz trabajó en cine con Mariano Llinás (La Flor), Laura Citarella (Ostende, Trenque Lauquen), Martín Rejtman (Dos disparos), Santiago Mitre (Argentina, 1985), Rodrigo Moreno (Los delincuentes), Matías Piñeiro (Viola, La Princesa de Francia), Andrea Testa y Francisco Márquez (La larga noche de Francisco Sanctis) y Sebastián De Caro (Claudia). En el año 2018 fue parte del programa Artista en Residencia del Complejo
En teatro trabajó, entre otros directores, con Rafael Spregelburd, Javier Daulte, Walter Jakob y Agustin Mendilaharzu, Mariana Chaud, Romina Paula, Mariana Obersztern, Santiago Loza, Matías Feldman, Mariano Pensotti, Mariano Tenconi Blanco y realizó giras por Chile, Uruguay, Francia, Portugal,
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Teatral de Buenos Aires con una retrospectiva de todas las obras del grupo Piel de Lava (Colores Verdaderos, Neblina, Tren y Museo) y estrenó Petróleo en la Sala Sarmiento. En el 2019 se reestrenó “Petróleo” en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín y luego realizó funciones en el Teatro Metropolitan. Actualmente actúa y codirige la obra “Parlamento” del grupo Piel de Lava y actúa en “Las Cautivas” con dirección de Mariano Tenconi Blanco y reestrena “Lorca, el teatro bajo la arena” escrita en colaboración con Mariano Llinás. Cecilia Gamboa Comunicación & Prensa info@ceciliagamboa.com.ar
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EL MILAGRO ESLOVENO EN ARGENTINA ENTREVISTA A DANIEL GRBEC Por Nicolás Isasi @isasi.nick
En el marco de las conmemoraciones por los 80 años de la Segunda Guerra Mundial, los actores Daniel Grbec y Boris Rot realizarán una gira por Eslovenia entre el 19 de junio y el 03 de
Daniel Grbec y Boris Rot.
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julio próximo, con la obra teatral Un trágico a pesar suyo (Трагик поневоле en su título original) del dramaturgo Antón Chéjov. Escrita a principios de mayo de 1889 y basada en su cuento anterior
Uno entre muchos (1887), Un trágico a pesar suyo, es una obra de teatro en un acto estrenada el 1 de octubre de 1889 en el Club Alemán de San Petersburgo como parte de una de las ocho obras de
vodevil que escribió el autor ruso a lo largo de los años. Esta dupla de actores colabora desde hace tiempo con el Club Esloveno Hladnik Dom, que lleva su nombre en honor al sacerdote Janez Hladnik (1902-1965), quien arribó a Argentina en 1936 con el objeto de atender pastoralmente a los eslovenos llegados a nuestro país en la primera inmigración, fundando la parroquia de San José de Pompeo en la localidad de Lanús. En 1961 obtuvo el título honorífico de Monseñor por el Papa San Juan XXIII por su trabajo con los eslovenos en el barrio de Pompeo donde todavía sigue existiendo una gran comunidad eslovena. La acción de la obra transcurre en el departamento de Murashkin (Boris Rot), quien recibe la visita de su amigo Tolkachov (Daniel Grbec), cargando muchos objetos y notablemente agotado. Al llegar, su hartazgo es tan grande al punto de pedirle un revólver y Murashkin, sorprendido, le pregunta para qué lo necesita. Allí es donde Tolkachov intenta justificarse diciéndole que esa noche debe atravesar el bosque y tal vez pueda necesitarlo. Pero Murashkin reconoce que su amigo
miente, recordándole que es un padre de familia. Así es que Tolkachov se sincera con un memorable monólogo, como es costumbre de Chéjov, donde explica que lejos de ser un padre de familia se siente un mártir, una bestia de carga, un esclavo, y que está fastidiado por la monotonía que vive en su trabajo, con su familia y sus vecinos que se aprovechan de él cuando va a trabajar a la ciudad pidiéndole encargos mientras ellos descansan en sus casas de verano. En los preparativos para esta gira 2025, la revista MiráBA habló en exclusiva con Daniel Grbec, sobre su doble desafío como director y protagonista. IN: ¿Qué les atrajo de hacer esta obra de Chéjov en Argentina? DG: “Habiendo dirigido varias obras del gran dramaturgo ruso Antón Pavlovic Chéjov y teniendo presente que todas fueron muy bien recibidas por el público esloveno que vive en Argentina en los últimos años, fue que descubrí esta obra llamada Trágico a pesar suyo (1889). Anteriormente, realizamos El oso (1888), El pedido de mano (1888) o Sobre el daño que hace el tabaco (1886), piezas que él escribió en sus inicios como dramaturgo. Todas ellas, fueron representadas
en esloveno en diferentes espacios culturales de la comunidad. Trágico a pesar suyo es una obra en un acto que hicimos durante 2015 y 2016 en el Hladnikov Dom de Lanús, el Club esloveno de San Martín, el club esloveno Nuestro hogar de San Justo, el club esloveno de Ramos Mejía, en la casa eslovena que se encuentra en el barrio de Floresta y ahora en esta gira por Eslovenia en el marco de los actos en conmemoración de los 80 años del éxodo esloveno al finalizar la Segunda Guerra Mundial”. IN: ¿Qué podés decirnos de estos personajes y cómo fue el proceso de construir a Tolkachov? DG: “Los dos personajes de la obra son Iván Ivanovic Tolkacov, que es un padre de familia, y Aleksej Aleksejevic Muraskin, que es su amigo. Son dos personas comunes, ni héroes ni villanos. Sino humanos que viven su vida en forma corriente con sus propios fracasos y anhelos. A Tolkachov lo imaginé pensando como hablaría con sus compañeros de oficina. La manera en cómo se comporta con ellos, con su mujer y vecinos que, aunque no aparecen en escena están presentes todo el tiempo. Por otro lado, su forma de hablar, al igual que sus movimientos y acciones, la forma de u
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caminar en escena, demuestra el cansancio que Tolkachov lleva acumulando durante tanto tiempo”. IN: ¿Qué paralelismo encontrás entre la problemática planteada por Chéjov hace más de un siglo y un personaje similar en la actualidad? DG: “Principalmente le encuentro paralelismo en la vida alienada donde las personas se sienten ajenas a uno mismo, a su entorno y a sus semejantes. Donde todo trabajo les resulta una carga”. IN: ¿Cuál fue el proceso más difícil al momento de crear este monólogo? DG: “Tal vez lo que más me resultó difícil es dirigirme a mí mismo. Entrar en ese diálogo interno de director y actor a la vez, porque anteriormente hice otras obras donde estaba solamente en el rol de director. En este caso, asumir el doble rol de director y actor a la vez, lo tomé como un nuevo desafío”. IN: ¿Qué significa para vos como actor poder interpretar en esloveno? DG: “Hacer teatro en esloveno para mí es interpretarlo en el idioma de mis paisanos, logrando una conexión con el público donde uno siente un poco lo que se llama
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comúnmente actor popular. Esto es lo que me sucede principalmente cuando actúo en esloveno para público esloveno. Aquellos llamados argentinoseslovenos nacidos en Argentina donde todos nos conocemos y, más allá del teatro, compartimos otras actividades en comunidad. Para mí, esta gira me crea muchas expectativas de ver qué repercusiones tendrá la obra en Eslovenia, donde haremos 6 funciones. En principio porque es un público que no me conoce y, por otro lado, me da mucha curiosidad descubrir si se creará aquella comunión que vivo cuando actúo para eslovenos nacidos en Argentina”. IN: ¿Cuál es la importancia de esta gira por Eslovenia en particular? DG: “La gira se encuentra en el marco de los actos que habrá en Eslovenia en conmemoración de los 80 años del éxodo de eslovenos que hubo cuando finalizó la Segunda Guerra Mundial, donde alrededor de 30.000 refugiados eslovenos tuvieron que abandonar Eslovenia en mayo de 1945. Muchos eslovenos que llegaron a Argentina en esa oleada fueron los que formaron las escuelas y los clubes que mencioné, donde se realizan muchas actividades que tienen que
ver con la tradición eslovena entre piezas de teatro, bailes, misas o conciertos. En Eslovenia quedan sorprendidos por esta forma de preservar el idioma y la cultura eslovena después de tanto tiempo, mencionándolo como «el milagro esloveno en Argentina»”. GIRA ESLOVENA 2025: UN TRÁGICO A PESAR SUYO -19 de junio: Biblioteca Nacional y Universitaria (NUK) -22 de junio: Salón parroquial de Stara Loka -25 de junio: Sala parroquial de Siska -26 de junio: Biblioteca de Logatec -29 de junio Campamento para eslovenos por el mundo en Instituto San Stanislav -03 de Julio: Velada Argentina en el Centro Cultural Loize Bratuz
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Compañía Artística Clásica del Sur, Sol Producciones celebran los 150 años de esta obra cumbre de la ópera.
Carmen
de Georges Bizet
CARMEN con todo su esplendor, bajo la dirección musical de César Tello, dirección escénica de Gabriel Villalba y un elenco internacional encabezado por la extraordinaria mezzosoprano brasileña Luciana Bueno y los tenores Gabriel García y Nicolás Sánchez. Homenaje a Luis Lima. FUNCIONES 9, 10, 16 y 17 de mayo a las 20:30 h. Teatro Avenida Av. de Mayo 1222 CABA
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Entradas en venta a través de Ticketek desde $8050 y en la boletería del teatro Tras el gran éxito de su puesta de Nabucco en 2024, Clásica del Sur vuelve en mayo al Teatro Avenida con una de las obras más famosas y apreciadas por el público, en la cual Georges Bizet combinó con maestría una historia dramática de alto voltaje que conmovió con una música deslumbrante y personajes que trascendieron el universo del género.
Con dirección musical de César Tello y un elenco encabezado por la mezzosoprano brasileña Luciana Bueno, considerada “la mejor ‘Carmen’ del Brasil” y los tenores argentinos Gabriel García y Nicolás Sánchez en el rol de Don José, a través de una composición escenográfica que hace base en el clasicismo e incorpora imágenes pictóricas del Pablo Picasso apasionado por la tauromaquia y una dirección escénica dinámica
que marida a la perfección con el libreto de Ludovic Halévy y Henri Meilhac, Gabriel Villalba propone un viaje en el tiempo y el espacio a la Sevilla de 1820. El estreno de Carmen, el 3 de marzo de 1875 en el Teatro Nacional de la OpéraComique de París, provocó un escándalo inmediato, fundamentalmente por el carácter que el libreto imprime a su principal protagonista, que según el director actual de la sala, Louis Langre, “hace apología de la libertad de ir hasta el de fondo de sus deseos y de sus convicciones”. Para el musicólogo Jean Cristophe Branger, experto en la ópera francesa del último tercio del siglo XIX citado por el periodista español Rafael Cañas en una reciente reseña, la Carmen de Bizet “es una mujer libre, emancipada”, en una época en que la mujer seguía siendo vista como “una propiedad”. Pero además de la presunta inmoralidad de la mujer que vive según el dictado de su deseo y el hombre que por amor deserta del mandato de defender a su patria, la representación de la vida proletaria y su trágico final impactaron de manera negativa en el público de la época, que tardó varios
años para otorgarle la notoriedad que la convertiría en una de las tres óperas más representadas en el mundo.
CLÁSICA DEL SUR / SOL PRODUCCIONES / JUAN MANUEL FERNÁNDEZ ARIZA
Sin duda alguna, el peso de su música y la potencia de sus personajes, aún controvertidos, se impusieron a los prejuicios y a aquel rechazo inicial. Precisamente Langree señala que esta obra conjuga “el genio de la melodía pero también de la teatralidad, con una orquestación perfecta”.
Carmen Luciana Bueno Don José Gabriel García (9-16) / Nicolás Sánchez (10-17) Escamillo Bruno Sciaini (9-17) / Esteban Hildebrand (10-16) Micaela Virginia Molina (9) / Eugenia Coronel Bugnon (10-16) / Belén Rivarola (17) Frasquita Clara Dardanelli (9-16) / Natalia Vivas (10-17) Mercedes Claudia Drescher (9-16) / Laura Domínguez (10-17) Morales Franco Gómez Acuña (9) / Marcelo Reynes (10-16-17) Zúñiga Miguel Gualano Dancairo Néstor Género (9-16) / Mauro Luna (10-17) u
“En esta obra se produce la conjugación de una fuerza teatral extraordinaria y de una belleza musical inolvidable”, agrega el director de la Opéra-Comique sobre la composición, que desde la obertura hasta la ‘canción del torero’, pasando por la seguidilla del primer acto, tiene momentos musicales inolvidables coronados por la melodía universal de la Habanera. FICHA Preparación y dirección musical: CÉSAR TELLO Dirección de escena: GABRIEL VILLALBA Diseño de escenografía: ZACARÍAS GIANNI Producción:
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escénica que impulsan proyectos de calidad, al mismo tiempo que hacen eje en la transmisión de valores, ideas, informaciones y en el estímulo de las facultades intelectuales, estéticas y emocionales de los individuos, que representan un elemento central a los fines de un desarrollo integral del ser. El objetivo es producir espectáculos accesibles que logren atraer a un público de amplio rango de orígenes sociales, condiciones económicas y edades, a través de una forma de contacto divertida e informando con la ópera, la música clásica y las artes en general.
Remendado Miguel Balea (9-16-17) / Juan Pablo Juárez (10) Lilas Pastia Rodrigo Cartault
por la Legislatura porteña, la Compañía Artística Clásica del Sur se enfoca en la realización de actividades culturales y sociales que desarrollen, promuevan, CORO ESTABLE DE CLÁSICA incentiven, refuercen y difundan la actividad lírica DEL SUR / DIR. MTRO. y las artes, fomentando CÉSAR TELLO la inserción de jóvenes CORO DE NIÑOS DE estudiantes a la actividad CLÁSICA DEL SUR / DIR. profesional de la música NATALIA VIVAS y dando la posibilidad a Sobre la Compañía Artística nuevas promesas del género. Clásica del Sur La Compañía está integrada por un elenco estable y Creada en 2014 y declarada en 2024 “De Interés Cultural” especialistas en producción
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Clásica del Sur es una compañía que realiza un trabajo original en el desarrollo de sus producciones de ópera y eventos culturales, e involucra a cientos de cantantes, instrumentistas, directores musicales y de escena, escenógrafos, técnicos, iluminadores, vestuaristas, maquilladores, peluqueros, asistentes, fotógrafos y montajistas, entre profesionales de diferentes disciplinas. Arte prensado Prensa y comunicación Eduardo Slusarczuk eduardo.slus@gmail.com
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Nuevas funciones del ballet
Romeo y Julieta en el Teatro Argentino El Ballet y la Orquesta Estables continúan ofreciendo esta obra con coreografía de Iñaki Urlezaga. A partir del miércoles 30 de abril se habilitará la reserva online de entradas gratuitas para el sábado 3 y el domingo 4 de mayo. Esta gran producción, realizada íntegramente en los talleres del Teatro, forma parte de la agenda impulsada por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires. El ballet “Romeo y Julieta”, con música de Sergei Prokofiev y coreografía de Iñaki Urlezaga, volverá a subir a escena, con entradas agotadas, el martes 29 y el miércoles 30 de abril, a las 20, en la Alberto Ginastera del Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino, ubicado en la Av. 51 entre 9 y 10. Habrá más funciones el sábado 3 de mayo, a las 20 y el domingo 4, a las 18. Las reservas gratuitas para estas dos últimas presentaciones se podrán realizar de manera online a partir del miércoles 30. Esta propuesta forma parte de las actividades programadas por el Instituto Cultural de la Provincia de
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Buenos Aires. Intervendrán el Ballet Estable que dirige María Fernanda Bianchi y la Orquesta Estable, conducida en esta oportunidad por Luis Gorelik. La pareja protagónica estará constituida por Melisa Heredia y Miguel Ángel Klug (29 y 30/4 y 3/5) y
por Julieta Paul y Bautista Parada -Primer Bailarín Invitado, ex miembro del Cuerpo de Baile del Argentino- (4/5). Todos los demás papeles serán interpretados por integrantes del Ballet Estable. La escenografía original es de Sergio Massa y fue repuesta por Lucas Borzi, el vestuario corresponde a Mariano Toffi y la
iluminación a Roberto Traferri. Las entradas gratuitas para los espectáculos del 3 y 4 de mayo se podrán obtener ingresando a partir del miércoles 30 de abril, desde las 12, al link disponible en las redes sociales del Instituto Cultural y del Teatro Argentino. Las personas mayores de 65 años tendrán además la opción de reservar tickets de forma presencial, mediante un cupo de entradas destinadas a tal fin. Para las funciones del 3 y 4 de mayo podrán hacerlo el miércoles
30, de 12 a 18, acercándose a la boletería del Teatro y presentando su DNI. Esta producción de “Romeo y Julieta”, reposición de la ofrecida en 2023, implicó movilizar nuevamente muchos de los recursos artísticos y técnicos del Teatro Argentino. Entre integrantes del Cuerpo de Baile y figurantes, cada función contará con más de 50 personas en escena y convocará a más de 100 músicos, ubicados en el foso de la orquesta o componentes de la banda interna. Todo fue realizado por los propios talleres e
incluyó, entre otros elementos, la construcción de imponentes escenografías que varían en los distintos actos; la confección de más de 150 trajes; la elaboración de turbantes, cascos y tocados para más de 60 personajes; la fabricación de 70 pares de botas y otros calzados; la creación de más de 40 pelucas, máscaras y antifaces y la concreción de múltiples muebles y objetos de estilo renacentista. Para esta versión 2025 se produjo además una nueva tumba de madera de 1,50 m. x 2 m. y se pintaron dos nuevos telones de 18 x 10 m. y 12 x 10 m. La obra en palabras de su creador Dice Iñaki Urlezaga: “Pensé la coreografía del ballet en tres actos y en escenas continuas, de modo de poder representar de la manera más fiel la tragedia de los amantes más famosos de Verona. El drama shakespeariano está abordado con una línea coreográfica neoclásica y, junto a la maravillosa partitura de Prokofiev, me permitió profundizar la trágica historia de este amor. El amor puro de Romeo y Julieta no alcanzó para ser vivido en una sociedad profundamente patriarcal, en la que no solamente no lograron llevar adelante su historia sino que tampoco pudieron rebelarse a la imposición paterna”.
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“LA MADRE”: ELLA EN SU CABEZA Irene Bianchi
@irenebeatrizbianchi “La Madre”, obra del autor francés Florian Zeller, protagonizada por Cecilia Roth, Gustavo Garzón, Martín Slipak y Victoria Baldomir, no es una pieza de fácil lectura e interpretación. El espectador no sabe a ciencia cierta si lo que está viendo es lo que realmente está sucediendo en escena entre los personajes, o más bien lo que acontece en la atribulada mente de esa madre que padece, entre tantas otras cosas, la ausencia de su hijo (¿e hija?) Nicolás. Hay una sucesión de escenas, cada una calcada de la anterior, pero con leves, casi imperceptibles diferencias. Inevitablemente la asocio con “El día de la marmota”, con esa exasperante repetición que propone el film, esa reiteración ad-infinitum de gestos, palabras, frases, movimientos, conductas, casi automatizadas. Una suerte de “looping” eterno, en el que nada se resuelve, nada termina, todo vuelve a empezar. Imagino la dificultad de memorizar la letra, dada la reiteración de diálogos casi idénticos. Esta es la primera vez
que veo a Cecilia Roth en teatro. Su interpretación de “Ana” es medular y destila verdad. Una mujer a la deriva que ahoga sus penas en alcohol y ansiolíticos, reclamando a gritos afecto y atención. Su vínculo patológico con su hijo (Slipak), la frialdad e indiferencia de su pareja (Garzón), el desprecio y celos que siente hacia la novia de Nicolás (Baldomir). Una vez cumplida su tarea de madre, pareciera que Ana no sabe qué hacer con su vida, nada para ella tiene sentido, da lo mismo seguir viva o no. Coquetea con la idea del suicidio, aunque no queda claro si es una manipulación para victimizarse, o puede llegar a concretarlo. Lo evidente desde el vamos es que su salud mental está en juego.
compacto, sincronizado, afiatado, fluyendo sin escollos a lo largo de esta pesadilla doméstica. Gran elenco. El público platense colmó y disfrutó las dos funciones de “La Madre” el pasado fin de semana en el Teatro Municipal Coliseo Podestá.
Gustavo Garzón, Martín Slipak y Victoria Baldomir modifican sutilmente a sus criaturas a lo largo de la acción dramática, con distintas actitudes en cada escena, aun cuando se digan las mismas cosas. ¿Acaso son proyecciones del inconsciente de Ana? ¿Productos de su afiebrada imaginación? Los cuatro conforman un equipo
“La Madre” completa la trilogía de Florian Zeller, precedida por “El Padre” (llevada al cine, protagonizada por Anthony Hopkins) y “El Hijo” (con Hugh Jackman ). Una perturbadora antología familiar.
Tanto el diseño de escenografía de Micaela Sleigh como el diseño de iluminación, juegan papeles vitales en la puesta. Ambos crean el clima onírico que la obra exige. La dirección de Andrea Garrote es muy precisa. Mueve a los personajes como piezas en un tablero de ajedrez, avanzando, retrocediendo, desapareciendo, reapareciendo entre tules, en un clima surrealista y engañoso.
Contacto: https://irenebianchi.com.ar @irenebeatrizbianchi
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UN TEMPO TRIUNFAL
TEATRO DE ÓPERA DE SÃO CARLOS Por Nicolás Isasi @isasi.nick
En una temporada atípica debido a su pendiente restauración, el Teatro Nacional São Carlos de Lisboa está presentando sus espectáculos en un ciclo denominado São Carlos em andamento que propone diversos espectáculos en espacios a lo largo y a lo
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ancho de Portugal. En este caso, se trató del oratorio Il trionfo del Tempo e del Disinganno HWV 46a (El triunfo del tiempo y la desilusión), sobre los dilemas morales de cuatro personajes alegóricos, compuesto por Georg Friedrich Händel (1685-1759) en 1737.
Si bien Händel pudo adentrarse rápidamente en Italia por tratarse de un virtuoso organista, poco antes de su llegada, el Papa había prohibido la representación pública de óperas únicamente en la ciudad de Roma. Fue el cardenal Benedicto Pamphili,
un hombre de cultura y de letras, quien le encargó a Händel la composición de un oratorio con libreto propio, titulado La Bellezza ravveduta nel trionfo del Tempo e del Disinganno (La belleza arrepentida en el triunfo del tiempo y la desilusión). Esta producción del Festival Internacional de Buxton, ahora realizada por el Teatro Nacional São Carlos de Lisboa, contó con la dirección escénica de Jacopo
Spirei, la dirección musical de Michael Hofstetter, escenografía y vestuario de Anna Bonomelli y diseño de iluminación de D. M. Wood. La idea plantea el debate y la discusión de una familia de cuatro integrantes durante la cena de Navidad. Allí es donde Belleza y Placer cumplen el rol de jóvenes adolescentes algo rebeldes ante sus dos padres, el Tiempo y el Desilusión. El espacio durante toda la obra presenta una casa de clase media, con un living, sala de estar, cocina y una ventana que da al jardín interno. El uso de la iluminación fue fundamental para crear variaciones sutiles pero perceptibles en el desarrollo de las tensiones dramáticas que plantean tanto el texto como la música. La Orquesta Sinfónica Portuguesa bajo la dirección musical de Michael Hofstetter tuvo una actuación estable, con altibajos en algunos de los conjuntos, contrastes dinámicos y una sonoridad suficiente para un teatro pequeño, pero de una considerable acústica como es el Teatro São Luiz ubicado en el corazón de BaixaChiado. El gran trabajo de escenografía e iluminación le dio a esta puesta en escena un sentido concreto. Los cuatro cantantes crearon personajes muy definidos y creíbles para tratarse
de temas filosóficos como la bondad, la juventud, la belleza, la desilusión o el tiempo. La Belleza y el Placer estaban representados por dos chicas rebeldes y ansiosas. Aunque el Tiempo y la Decepción anuncian el triunfo desde el título, el personaje de Belleza es el más grande y complejo de todos. Con más de siete arias y varios números de conjunto para cantar, Belleza es un papel que le permitió a Eduarda Melo exhibir al máximo su talento interpretativo sobre todo, en el registro más agudo, con pasajes de coloratura exigidos y difíciles. Claro que una obra de semejante complejidad, por momentos llevó su voz al límite. Con una peluca platinada y un vestido al cuerpo lleno de lentejuelas comienza como el alma de la fiesta en una casa que se agrieta y resquebraja lentamente hasta convertirse en una casa velatoria con ataúd incluido. Su aria final, Tu del Ciel ministro eletto, de una pesadumbre emocionalmente desolada fue una conclusión dura que dejó perplejo al público hasta la ovación al mismo tiempo que se despoja de su vestuario festivo. Placer, tenía una apariencia más alternativa, algo dark y largas colitas de pelo, interpretada por Ana Vieira Leite, con una voz cálida y u
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pequeña de agradable legato dio lugar al aria más famosa del oratorio que es Lascia la spina, cogli la rosa. Aunque en verdad en 1711, cuatro años después de esta composición, Händel volvió a utilizar la misma melodía del aria Lascia la spina para la ópera Rinaldo. Y fue gracias al éxito de esta ópera que terminó inmortalizada hasta el presente con el texto de Lascia ch’io pianga. Los padres fueron presentados con estilo y humor, haciendo especial énfasis en una pareja arquetípica de la década del cincuenta. El retrato de Tempo del tenor Marco Alves dos Santos fue sólido
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a la vez que sensible con su primera aria, Urne voi, che racchiudete, haciendo uso de una medida interpretación como un clásico y aburrido padre de familia, con un peculiar baile en el momento de la alucinación que hizo reír a la platea. Mientras que su esposa, Desilusión, en la voz de Cátia Moreso tenía un vestuario que reflejaba su monótona vida rutinaria de ama de casa, muy sobria y servicial que junto a una voz de matiz oscuro y potente nos hizo adentrar en el physique du rôle del personaje ideal. Vale destacar sus momentos de escenas paralelas, sin cantar, en la cocina, el jardín del fondo o sus momentos de
soledad frente a la TV como pequeños detalles visuales que otorgaban verosimilitud a la propuesta visual. Este oratorio, difícil y extraño, producido en tres versiones diferentes a lo largo de los cincuenta años de carrera de Händel siempre con la misma trama aunque con leves variaciones, logra en esta versión demostrar que se trata de una obra que resuena dentro de cada uno de nosotros con cuatro personajes que plantean e interpelan al público con una belleza musical temas filosóficos tan importantes para la humanidad. PH. Antonio Pedro Ferreira
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El Centro Cultural Recoleta celebra el 120° aniversario de la Cámara Argentina de la Moda
Un recorrido por la singular historia de la moda en Argentina El pasado martes 15 de abril a las 18 h se inauguró la exposición titulada “120 vestidos, 120 años de moda argentina” en la sala 13 del Centro Cultural Recoleta, con entrada libre y sin costo para residentes y argentinos. La exhibición celebrará el 120° aniversario de la Cámara Argentina de la Moda reuniendo por primera vez 120 vestidos de 120 diseñadores diferentes argentinos. Esta síntesis visual de la moda nacional rinde homenaje a quienes construyeron su rica identidad e impacto cultural a través de la historia. Silvina Vicente, curadora de la muestra comenta: “La realización de esta exhibición supuso un laborioso ejercicio de búsqueda, rescate y puesta en valor de las piezas exhibidas visibilizando la importancia de construir una memoria colectiva que reconozca el valor de la creatividad y el trabajo de los talentos argentinos, así como el rol de la indumentaria como reflejo de nuestra cultura visual y de las prácticas sociales de diversas épocas”.
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HENRIETTE
A través de los años de un país signado por desafíos económicos y convulsiones políticas, la moda argentina demostró una notable capacidad de reinvención. Algunos momentos cruciales abordados en la muestra son: la irrupción del Instituto Di Tella (década del 60) con su efervescencia artística, la guerra de Malvinas (1982) y el advenimiento de la democracia (1983). También la primera Bienal de Arte Joven (1989) que constituyó un espacio vital para la visibilización de una sexualidad no normativa, desafiando las convenciones sociales de la época, dejando una huella imborrable en la cultura de la moda.
de la formación académica, con la creación pionera de las carreras de Diseño de Indumentaria y Diseño Textil en la Universidad de Buenos Aires en 1988, marcaron el inicio de una nueva y prolífica era creativa. “120 vestidos, 120 años de moda argentina” no solo celebra un legado de 120 años de historia y creatividad, sino que a la vez aspira a inspirar y fortalecer el reconocimiento de lo propio. La moda es también identidad, fuente de trabajo, patrimonio tangible e intangible y constituye una parte esencial de la identidad visual de nuestra nación.
ha desarrollado proyectos en espacios como el ex Palacio de Correos y el Teatro San Martín. Su trabajo también se ha enfocado en el diseño, creando contenidos para Puro Diseño y curando Tendencias Arenales. Su trayectoria incluye la creación de una editorial independiente y la producción de contenidos culturales en distintos formatos.
DE WAR. De Mirtha Legrand
Silvina Vicente (curadora)
IBAÑEZ
La posterior aparición del concepto de “diseño de autor” y la consolidación
Es curadora y gestora cultural especializada en vestuario teatral. Ha curado importantes muestras como “Colección Tesoro” en Madrid y “Colección Shakespeare” en Buenos Aires. Creó el ciclo “Vestuario en escena” y
Centro Cultural Recoleta, Junín 1930. Entrada libre y sin costo para residentes y argentinos. Las visitas son de martes a viernes de 12 a 21 h. Sábados, domingos y feriados de 11 a 21 h. Programación completa en: http://www. centroculturalrecoleta.org/ . PRENSA Cecilia Gamboa Comunicación & Prensa
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Presentación
Territorios imaginarios: mesa de autoras latinoamericanas Las escritoras Katya Adaui (Perú), Daniela Alcívar Bellolio (Ecuador), Cynthia Rimsky (Chile) e Inés Bortagaray (Uruguay) conversaron junto con María Sonia Cristoff (Argentina) sobre sus territorios imaginarios en el campo de la literatura latinoamericana el pasado miércoles 16 de abril - 19h. Auditorio MALBA. Territorios imaginarios forma parte de una serie de antologías sobre prácticas artísticas que impulsamos desde Excursiones con el deseo de problematizar diferentes escenas culturales. En este caso, les pedimos a dieciséis escritoras latinoamericanas que reflexionaran sobre su propia praxis. El libro permite componer un panorama literario contemporáneo pero también saltan a la luz muchas divergencias. Basta tener en cuenta el formato heterogéneo que toman sus
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innegable su condición de latinoamericanas, en el fondo la literatura es su verdadero país, del cual huyen y al cual regresan siempre.
Territorios imaginarios ISBN 978-987-47626-4-1 144 páginas Arte de Cristina Schiavi poemas, cuentos, novelas y ensayos para concluir que aunar a las autoras en un género literario sería un error. Tampoco sería justo referirse a ellas por su género (¿femenino?) ya que a menudo escriben con el foco puesto en otro aspecto de su construcción identitaria. Y si bien es
Sus territorios imaginarios dan forma a un paisaje complejo que se resiste a la simplificación. En ellos se abordan diversos significados de la escritura: escribir es una demostración de amor, es una traición, un acto de resistencia y también un conjuro. Nunca es tan solo un oficio, jamás un gesto maquinal que no las involucra personalmente. Por el contrario, fragmentos de su vida aparecen mezclados con lecturas, películas y viajes mientras las autoras de este libro se preguntan por el origen de la escritura. Autoras: Katya Adaui (Perú), Daniela Alcívar Bellolio (Ecuador), Jazmina Barrera (México), Inés Bortagaray (Uruguay), Alejandra Costamagna (Chile), Leonor
Courtoisie (Uruguay), Ana Paula Maia (Brasil), Lina Meruane (Chile), Cynthia Rimsky (Chile), Giovanna Rivero (Bolivia), Legna Rodríguez Iglesias (Cuba), Claudia Salazar Jiménez (Perú), Carolina Sanín (Colombia), Veronica Stigger (Brasil), Daniela Tarazona (México) y Olivia Teroba (México). El libro incluye dos postales coleccionables!!!
Artista: Cristina Schiavi
nació en Buenos Aires en 1954, donde actualmente vive y trabaja. Entre sus exposiciones individuales se destaca Esplendor de verano en Walden Naturae, Uruguay (2022) y en Walden galería, Buenos Aires (2021). Sus últimas exposiciones colectivas fueron Vida abstracta y Óptica cromática en el Museo de Arte Moderno (2022), Premio Trabucco en el Centro Cultural Kirchner (2022), Desesperadas por el ritmo en el Recoleta (2021), Trama Sinfónica en el Museo Marco (2021), Tácticas Luminosas en la Colección Fortabat (2019), Para todes tode en el Centro Cultural Conti (2019) y Una llamarada pertinaz en
el Museo de arte Moderno de Buenos Aires (2018). Junto con los artistas Esteban Álvarez y Tamara Stuby dirigió el proyecto de residencias para artistas “El Basilisco” (2004-2009). Con el artista Juan Tessi realizó el proyecto “Mark Morgan Perez Garage” (2009). Su trabajo forma parte de la colección del Museo Nacional de Bellas Artes, del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, del Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, del Museo Franklin Rawson de San Juan y del Museo de Arte contemporáneo de Bahia Blanca.
El poemario EL FARO DE LOS DUENDES
se presentará en la 49ª feria internacional del libro de buenos Aires. jueves 1° de mayo, a las 19 hs, en el Stand N.º 1722, de SADE (Sociedad Argentina de Escritores), Pabellón Amarillo del Predio Ferial de Palermo.
El poeta Javier López Trezza presenta su flamante poemario El faro de los duendes, en la 49ª Feria Internacional del Libro de Buenos Aires 2025, el día
“Me emociona un poema de Elvira Sastre o un blues de Magic Slim, por ejemplo, y siento que estoy en un remanso en plena madrugada, entonces vuelco en una hoja aquello que necesito decir. Desde ya que entiendo que afuera la realidad apabulla, que el mundo es un campo de batalla, pero sentirme a resguardo de la muerte en un
ámbito de luz, entre musas, literatura y música, es como vivir en un faro manejado por duendes”, dijo el escritor Javier López Trezza, al momento de editar esta obra, en febrero de 2025. “Agradezco a los amigos de Puntoaparte Ediciones Independientes por haberme permitido registrar mi noveno trabajo literario, cuyo Prólogo escribió la enorme poetisa y amiga Yésica Bernardou. El Epílogo pertenece a la locutora y periodista Graciela Soto y las imágenes del libro son un enorme trabajo de la artista plástica Betina Portolesi”, concluye el vate.
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JULIO BRAVO. OBRA COMPLETA de Marcelo Jaureguiberry Un hecho inédito hoy en la Argentina La edición de un libro de arte. Presentamos JULIO BRAVO OBRA COMPLETA Curador / compilador Marcelo Jaureguiberry La trayectoria de un gran artista en imágenes y textos seleccionados Un recorrido por la extensa y reconocida carrera artística de Julio Bravo JULIO BRAVO. OBRA COMPLETA de Marcelo Jaureguiberry, se presentará el próximo miércoles 16 de octubre a las 18 h. en el Auditorium David Viñas. Integrarán la mesa de presentación: el periodista Alejandro Seselovsky, Jorge Bravo, que escribe un artículo en el libro y hermano del artista, el Dr. Marcelo Jaureguiberry director de GEPA -Gestion Editorial Para Artistas- y curador/compilador, y el artista Julio Bravo. Museo del libro y la lengua. Biblioteca Nacional. Avda. Las Heras 2555. CABA
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El libro del artista Julio Bravo de 280 páginas a todo color es un aporte insoslayable para la construcción de la historia de las artes visuales en Argentina. Bravo desarrolla toda su labor como artista plástico desde la ciudad de Quilmes desde su taller particular de dibujo y pintura y de historia del arte, y de allí se ha expandido realizando exposiciones en todo el país, así como también en Uruguay, Italia, Bélgica o España. Además, se ha desempeñado como profesor en instituciones de enseñanza pública y privada en los niveles medio y superior. El libro está estructurado
en dos grandes bloques temáticos. El primero tiene que ver con el testimonio de algunas personas que fueron compañeros en el camino de la producción pictórica de Julio Bravo y en su aporte a la educación artística. Podemos citar las reseñas y comentarios del propio Jaureguiberry –compilador y curador del volumen- en Tragedia onírica en la obra de Julio Bravo; Jorge Bravo -su hermano- en Divagaciones sobre la carrera de Juio Bravo; Elena Lessi - alumna del taller de historia del arteEncuentros con Julio; Marcela Ghilino -artista visual y alumna de BravoAnécdota con Julio Bravo; Hugo Poltronieri -amigo- Un hermano de la vida; Victoria Person-performer en sus instalaciones- Desde el amor; Francisco Matta Alsina -diplomático- Semblanza y difusión de la obra de Julio Bravo en Uruguay. Completan este primer bloque un extenso reportaje de carácter biográfico realizado por el destacado
periodista Alejandro Seselovky. El segundo eje está compuesto por más de 380 imágenes a todo color de la obra de Julio Bravo a lo largo de sus 40 años de trayectoria en los que se puede observar la amplitud temática y la versatilidad discursiva que transitó el artista a través de estos años. JULIO BRAVO
Recibió premios en Argentina y en el exterior; y reconocimientos por su actividad artística. También son muchas las referencias bibliográficas sobre el artista y su obra Se puede acceder a sus obras y su trayectoria en su sitio web www.juliobravoart.com; y a través de numerosos videos en Youtube MARCELO JAUREGUIBERRY
Artista plástico, profesor de Artes Plásticas (Argentina) y Licenciado en Bellas Artes (España). Perfeccionamientos en HISTORIA del ARTE, y Restauración de Pintura Antigua. Ha realizado más de 40 exposiciones individuales en Argentina y en Uruguay. (Pinturas, dibujos, obra gráfica, Instalaciones, Performances, videos) Participó en numerosas exposiciones colectivas y Ferias de Arte, así como también en exposiciones de Arte Argentino en España, Bélgica, Italia y Uruguay.
Doctor en Filología Española, Universidad de Valencia, España. Arquitecto, Universidad Nacional de La Plata -UNLP-. Licenciado en Teatro Universidad Nacional del Centro de la Pcia. De Buenos Aires. Escenógrafo, director, productor e investigador teatral. Se ha desempeñado como docente e investigador en la Facultad de Arte de la Universidad Nacional del Centro de la Pcia. de Buenos Aires. Actualmente dirige el Instituto de Estudios Escenográficos en Artes Escénicas y Audiovisuales – INDEES - (www.arte. unicen.edu.ar/indees ), el Centro de Documentación “Guillermo de la Torre” y de la revista EscenaUNO ( www.escenauno.org), publicación especializada en escenografía, dirección de arte y puesta- de la Facultad
de Arte de la UNICEN. Socio fundador de la Asociación de Diseñadores Escénicos Argentinos (ADEA). Ha sido evaluador del CONICET y del Instituto Nacional del Teatro (INT), donde también formó parte del Consejo de Dirección. Realizó la curaduría y el diseño de las exposiciones: Los espacios teatrales según Gené -Di Pasquo; Germen Gelpi, escenógrafo; Trayectorias de la escenografía argentina; Rene Diviu, Escenógrafo, maquetas y bocetos; y Guillermo de la Torre, escenógrafo. Por su labor en dirección teatral y como escenógrafo ha recibido innumerables premios. Ha publicado los libros: Carlos Di Pasquo escenógrafo (Wolkowizc Editores 2018), distinguido por la Universidad de Buenos Aires con el Premio Teatro del Mundo en la categoría mejor labor editorial; Germén Gelpi, escenógrafo, (Wolkowizc Editores 2019) Premio Teatro del Mundo, Trabajos Destacados, rubro ensayístico, Universidad de Buenos Aires y Jorge Ferrari, escenógrafo (Editorial EUDEBA,2021). Actualmente dirige GEPA -gestión editorial para artistas- e integra el cuerpo de jurados de los PREMIOS HUGO al teatro musical en Argentina. Duche&Zarate alejandro@duchezarate.com.ar
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"SECRETA VOLUNTAD DE MORIR“ La historia de un niño que sobrevivió a la dictadura de Stroessner en Paraguay
Llega a Latinoamérica la última novela del escritor y periodista paraguayo, radicado en Madrid, Robertti Gamarra. Ambientada en el Paraguay de 1980, un país sumido en la dictadura militar, donde la vida de la familia Cantero se ve abruptamente alterada tras el atentado contra el exdictador nicaragüense, Anastasio Somoza Debayle en Asunción. Disponible en librerías y plataformas digitales. LA DICTADURA DE STROESSNER Esta es la historia de un niño de 10 años que sobrevive a las ausencias y descubre el mundo por sus propios
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medios, que relata la dificultad de convivir con las restricciones, las amenazas y la traición de amistades impostadas en una sociedad anclada en casi 40 años de dictadura militar. 1980. El día del atentado terrorista contra Anastasio Somoza Debayle en Asunción, Paraguay, la vida de Primitivo Cantero se deshace y se lleva por delante a su hermano Secundino, a su hermana Divina y a su hijo Celso. ¿Sabrá Celso, un niño de 10 años, comprender y aceptar la situación? ¿Cómo influye la dictadura en una familia vigilada subrepticiamente por los militares? ¿Podrá Secundino sostener a la familia mientras busca a Primitivo, quien debe aclarar su relación con los terroristas? Al tiempo que Celso idealiza una convivencia imposible con su padre y su madre, crea su propia realidad imaginándose historias en el patio de su casa. ¿Cómo consigue Celso coexistir con los adultos cuando ser un niño es prácticamente no ser nada? Esa es la historia que Secreta voluntad de morir pretende entregar a sus lectores. Un acercamiento sin más a una realidad
completamente dominada por la fuerza militar y policial. LA DIMENSIÓN DE LA NOVELA
Gamarra construye un relato íntimo y profundo, explorando la resiliencia de un niño que, a pesar de las adversidades, encuentra refugio en su imaginación. La ambientación histórica está meticulosamente lograda, situando al lector en una época de tensiones políticas y sociales. La figura de Somoza, cuyo asesinato en Asunción sirve como detonante de la trama, es presentada, no sólo como un hecho histórico, sino como un elemento que influye directamente en la vida de los personajes.
LA TRAMA A través de los ojos de Celso, el lector es testigo de cómo la represión y la vigilancia militar afectan a su tía Divina y a su tío Secundino, quienes luchan por mantener la unidad familiar en medio de la incertidumbre y el miedo. La trama se centra en Celso, un niño de diez años, que debe hacer frente a la desaparición de su padre, Primitivo Cantero, y las consecuencias que este hecho desencadenan en su entorno familiar. RELATO ÍNTIMO Gamarra construye un relato íntimo y profundo, explorando la resiliencia de un niño que, a pesar de las adversidades, encuentra refugio en su imaginación.
Celso crea historias en el patio de su casa, buscando sentido y escapatoria a una realidad opresiva. Esta dualidad entre la crudeza del contexto político y la inocencia infantil otorga a la novela una dimensión emotiva que invita a la reflexión sobre la capacidad humana para adaptarse y resistir. Esta conexión entre la historia social y la personal es uno de los aciertos de la obra. Secreta voluntad de morir es una reflexión sobre la familia, la pérdida y la búsqueda de identidad en tiempos convulsos. Robertti Gamarra, nacido en Tavaí, Paraguay, en 1967, cuenta con una trayectoria literaria notable. Entre sus obras destacan ‘Hilo infinito‘ (2023), ‘El altar del milagro‘
(2021), traducida al inglés y publicada en la India como ‘The altar of miracle‘ en 2023, y ‘El destino no tiene puerta de salida‘ (2019). Además de su labor como novelista, Gamarra es técnico experto en guión de cine y televisión, dramaturgo y conductor del programa de radio ‘Cultureto‘ en Punto del Plata 100.9 FM, Madrid. Se formó como escritor en España, donde reside desde hace más de treinta años. Trabajó varios años como corresponsal de una emisora de radio paraguaya en Europa, brindando cobertura a la inmigración latinoamericana. Contacto: Hernán Colmenares hernancolmenaress@yahoo. com
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Lanzamiento del libro Colección “Historia Social de la Canción” Nro. 3
“La Amanecida»
Hamlet Lima Quintana / Mario Arnedo Gallo La colección “Historia Social de la Canción”, que reúne crónicas y ensayos sobre la circulación social de la música y sus formas de apropiación por el pueblo, inició la Pre-Venta de su segundo título: “Y esta zamba que canta y te nombra”, libro dedicado a la obra “La Amanecida”, una composición de Hamlet Lima Quintana y Mario Arnedo Gallo. La gestora cultural Silvia Majul es la autora del tercer libro de la colección. La serie Historia Social de la Canción” se inauguró el año pasado con “No pienses que nos perdiste”, el libro del periodista Sergio Arboleya sobre “Oración del Remanso”, del compositor santafesino Jorge Fandermole; y continuó con “Por una cabeza”, de Carlos Gardel y Alfredo Le Pera, escrita por los periodistas Mariano Suárez y Miguel Angel Aguilera. En “Y esta zamba que canta y te nombra”, Majul narra la historia de una canción que no fue aceptada pacíficamente en el momento de su estreno: su poética y
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su “exceso de metáforas” no se conciliaban con las formas habituales de la época. Fue incómoda para los sectores más conservadores, pero no sólo para ellos.
Registrada en SADAIC el 13 de diciembre de 1962, sin embargo, “La Amanecida” fue compuesta nueve años antes. Este libro reconstruye diferentes versiones sobre la noche de su composición para abonar a una narrativa que crece sobre el matiz. “Y esta zamba que canta y te nombra” ya se puede encargar -con descuentoen la pre-venta en www.
milcampanas.com.ar. El libro físico estará en librerías a partir de mayo. También ya está disponible la versión e-book en la plataforma de Google Play, disponible para descarga desde todos los países del mundo. Mil Campanas que ha editado numerosos títulos musicales: “Dino Saluzzi. Una vida en diez jornadas” (Javier Magistris), “Yupanqui. La Flecha ya está en el aire” (Alejandro Gómez Monzón, 2023), “Troilo. Una Teoría del Todo (Mariano Suárez y Miguel Taboada, 2022), “Carlos García. Tangos en Piano Vol. 1” (Leda Torres); “Héctor Stamponi. Sus tangos en piano solo” (Leda Torres), “La vida secreta de Margarita Gauthier” (Paula Suárez), “El silencio tiembla” (Leda Torres), “Kliber” (Diego Dipi Kvitko), entre más. LA AUTORA Silvia Majul nació en Llao Llao, Río Negro, pero vivió en Santiago del Estero, Córdoba y Buenos Aires. Actualmente está radicada en Unquillo. Es agente
de prensa, realizadora audiovisual autodidacta y colaboradora en medios radiales, televisivos y gráficos desde hace tres décadas. Como agente de prensa trabajó con artistas, actores y escritores nacionales y extranjeros de un gran abanico ecléctico. Ideó y produjo muestras, espectáculos y el álbum doble “Canciones para no morir”, homenaje a Hamlet Lima Quintana, con importantes artistas de todos los géneros. Como realizadora audiovisual dirigió “Un pueblo hecho canción, una película sobre Ramón
Navarro” (2017), “El nombrador, una película sobre Daniel Toro” (2021) y —con dirección colectiva— el “El andariego, historia de un grupo vocal” (2024). También colaboró en la investigación y prensa de otras películas, produjo y fue guionista de ciclos para canales de Buenos Aires y Córdoba. En el plano literario escribió el ensayo “Entré a mi pago sin golpear. La identidad cultural santiagueña en algunas canciones de Trullenque”, junto a Carlos Juárez Aldazábal; y obtuvo 2° Premio Fundación Cultural de Santiago del Estero. PEDÍ TU LIBRO (Papel - envíos a todo el país
- encargalo ahora con descuento antes de su salida) Contacto: +54 9 3543 9311 silviamajul@gmail.com @silviamajul OTROS TÍTULOS MUSICALES DE MIL CAMPANAS Otros títulos de la colección Historia Social de la Canción. Vol 1 - Oración del Remanso Sergio Arboleya Historia Social de la Canción. Vol 2 - Por una cabeza Mariano Suárez y Miguel Taboada ACCEDÉ A LOS LIBROS DE MIL CAMPANAS editorialmilcampanas@ gmail.com
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El CCEBA presenta “Los Doscientos: hacía un coleccionismo alternativo e inclusivo” en ArtexArte.
El Centro Cultural de España en Buenos Aires, CCEBA, presenta en ArtexArte la exposición “Los Doscientos: hacía un coleccionismo alternativo e inclusivo”, una aproximación a más de una treintena de artistas contemporáneos españoles, a través de obras originales y cuidadas publicaciones. La exposición cuenta con la curaduría de Rafael Doctor Roncero. Además, la muestra nos acerca a un modelo especial de editorial de arte que incita al coleccionismo de la obra original a través de una fórmula diferente a la convencional. La editorial Los Doscientos, creada por el curador español Rafael Doctor en 2014, es un híbrido entre editorial de arte y galería. Libros y obras de arte originales se conjugan de una forma natural en este proyecto. Cada publicación cuenta solo un club de interesados e n esta con 200 ejemplares y cada fórmula, por lo que los libros uno de ellos lleva consigo se entregan directamente y una obra de arte que además se elimina tanto su tiempo aparece reproducida en el en la librería como en la libro. distribución. Esto Gracias a las redes se formó abarata muchos los costos
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y hace que la publicación, con su respectiva obra original, pueda obtenerse por un precio muy inferior al que tendría en el mercado convencional. Por otra parte, Los Doscientos
potencia el encuentro entre las personas como un acto fundamental en el desarrollo de la acción artística. Cada una de las entregas abre un espacio de convivencia que incide en la generación y cohesión de un grupo de personas afines que se han juntado por su amor al arte. Dos son las líneas editoriales: artistas contemporáneos y fotografía popular. Esta combinación es positiva para ampliar el espectro de la creación contemporánea y sobre todo para relativizar todo lo concerniente a la mercantilización todopoderosa que rige el sistema artístico.
Manuel Antonio Domínguez, Guillermo Martín Bermejo, Ana Locking, Ana de Alvear, Felipe Romero y Marius Scarlat, Mari Rosa Aránega, Cristina Lucas, Bernard Plossu, Cristina García Rodero, Lua Ribeira, Estela De Castro, Fernando Sánchez Castillo, Agence Meurisse, Lua Gándara, Juan Santos, Silvia Lermo.
en España: Canal de Isabel II, Casa de América o Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Creó y dirigió durante siete años el MUSAC.
LOS200 en ArtexArte Lavalleja 1062, CABA. Hasta el 31 de mayo – Entrada libre y gratuita. Horarios: martes a viernes 14 a 20h y sábados de 15 a 19h. Domingos y feriados cerrados al público
En la actualidad es comisario independiente y está centrado en el arte y la cultura animalista a través de la plataforma Capital Animal. Creó en 2014 la editorial Los Doscientos que dirige hasta el momento. A través del heterónima Monstersforanimals mantiene un activismo directo con la causa animal en España.
ACERCA DEL CURADOR: La exposición “Los Doscientos” se plantea como un paseo por cada una de las 42 publicaciones que se han editado hasta la fecha. Además de los libros, se pueden contemplar algunas de las obras de arte que los acompañan.
Rafael Doctor Roncero (Calzada de Calatrava, Ciudad Real, España, 1966). Historiador del arte y gestor cultural. Desde principios de los noventa ha trabajado en importantes instituciones
Ha escrito varios ensayos de arte contemporáneo, así como es director de los Encontro de Artistas Novos desde hace tres años.
https://losdoscientos.com/ PRENSA: Cecilia Gamboa info@ceciliagamboa.com.ar
ARTISTAS QUE PARTICIPAN: Enrique Marty , Cristina de Middel, Julio Falagan , Jorge Galindo , Aitor Saraiba, Santiago Ydañez, Javi al Cuadrado, Ruth Gómez, Felicidad Moreno, Federico Granell, Sandra Paula Fernández, Pierre Gonnord, María Moldes y Ana Esmith, Olga Albescu, María Cañas, Cristina Toledo,
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Lucía Fainboim lanza
“Cuidar las infancias en la era digital” por Editorial Noveduc Uso de pantallas, pornografía, apuestas, acosos y prevención desde la familia y escuela, son algunos de los tópicos que recorre el nuevo libro de la especialista en crianza digital y Directora de la consultora Bienestar Digital, Lucía Fainboim.
Editado por Noveduc, “Cuidar las infancias en la era digital” se propone revalorizar el rol adulto en tanto figura de cuidado también en los territorios digitales. Para cumplir ese objetivo, el libro brinda información acerca de algunos de los principales dilemas, tensiones, conflictos y oportunidades que pueden aparecer en el entorno
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digital, para que familias, docentes, profesionales y cuidadores puedan conocerlos, profundizar en ellos y tomar nota. “Las actuales personas adultas nacieron y se criaron en un mundo analógico o poseen recuerdos recientes del mismo, y debieron empezar a conocer, entender y transitar territorios digitales que, en muy poco tiempo, comenzaron a cambiarlo todo. El crecimiento del entorno digital es exponencial, lo que le suma vértigo al desafío: nos cuesta asimilar determinados cambios y, aun sin llegar a comprenderlos, es necesario pasar al siguiente casillero. A menudo avanzamos sin haber entendido cabalmente el paso anterior y acumulamos temores, dudas, desconocimientos y prejuicios”, señala la autora. Entonces, ¿Quién cuida a los chicos y las chicas en estos entornos? ¿De quién aprenden? ¿Quién observa sus necesidades? A lo largo de diez capítulos se abordan temas como la vinculación con pantallas
y plataformas, la crianza digital, los juegos en línea y la infancia en busca del juego perdido, pornografía algorítmica o porno scroll, de qué hablamos cuando hablamos de apuestas online, ¿cómo se vinculan con otras personas en Internet?, nuevas necesidades en la convivencia, abuso sexual infantil en Internet, apuntes para familias y para la escuela, entre otros. “La invitación está hecha. Internet expresa un clima de época y tenemos la oportunidad de que la soledad de los chicos y las chicas no sea una marca distintiva.” La idea es que, al final del día, la tecnología no se perciba como una amenaza, sino como una gran oportunidad para conectar, aprender y crecer en sociedad. No solo se trata de proteger de peligros, sino también de fomentar un ambiente en el que cada interacción sume y cada experiencia sea una oportunidad para mejorar los vínculos presenciales y reales.
publicaciones y documentos didácticos acerca del cuidado de niños, niñas y adolescentes en Internet. Es autora del capítulo “Crianza digital y apuestas online” en el libro “Apuestas online. La tormenta perfecta”, coordinado por Federico Pavlovsky (Noveduc, 2024). Colabora con Unicef y OEA. Acerca del libro Ficha técnica
ACERCA DE LA AUTORA Lucía Fainboim Licenciada en Ciencias de la Comunicación (UBA). Diplomada en Educación, Imágenes y Medios en la Cultura Popular (Flacso). Maestranda en Educación (UNQ). Directora de la consultora Bienestar Digital. Coordina e lárea de
convivencia y ciudadanía digital en la Red La Salle Argentina-Paraguay. Dirige la diplomatura “Tecnología y salud: desafíos y emergentes” junto a Federico Pavlovsky (UCA). Hace más de quince años que estudia, investiga y lidera proyectos vinculados a la ciudadanía y crianza digital. Es autora de numerosas guías,
Título: Cuidar las infancias en la era digital Subtítulo: Uso de pantallas. Pornografía. Apuestas. Acosos. Prevención desde la familia y la escuela Autora: Lucía Fainboim Prólogo: Melina Masnatta Editorial: Noveduc ISBN: 978-631-6603-59-3 Páginas: 172 Edición: Marzo 2025, 1ra. edición Formatos: Edición impresa disponible en librerías y en www.noveduc.com | Ebook disponible en todas las tiendas digitales Más información en: https://www.noveduc. com/productos/cuidar-lasinfancias-en-la-era-digital/ Flor Carrozza Prensa y Comunicación florcarrozza.webnode.es/ www.instagram.com/ florcarrozza.prensa/
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“Sanar para criar”
de Denise Kornitz, se presenta en la feria del libro conectar con tu historia emocional y transformar la manera en que criás y te relacionás con el mundo. Dirigido a madres, padres, cuidadores, profesionales de la salud, docentes y todas aquellas personas que desean generar un impacto positivo en las infancias, este libro propone un camino de reflexión y sanación personal para poder criar desde un lugar más auténtico y amoroso. DENISE KORNITZ SANAR PARA CRIAR 170 Páginas PVP $26,000 La autora y educadora Denise Kornitz brindará una charla abierta en el marco de la Feria del Libro para presentar Sanar para Criar, su primer libro. Será un encuentro íntimo, inspirador y movilizante, pensado para madres, padres, cuidadores y profesionales que buscan herramientas para una crianza más consciente, conectada y amorosa.
Con un enfoque inspirador, emocional y práctico, Sanar para Criar ofrece herramientas claras y concretas para conectar con el niño interior, fortalecer la autorregulación emocional y fomentar una crianza consciente. Una guía honesta y transformadora, escrita con cercanía y profundidad, que te acompaña a explorar tu propia historia emocional para transformar aquello que hoy te hace ruido. Sobre la autora: Denise Kornitz
Sanar para Criar Sanar para Criar es más que un libro: es una invitación a descubrir tu potencial,
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Denise Kornitz es educadora, creadora de espacios de contención y directora de un jardín
rodante con base en Nueva York desde hace más de 16 años.
Es fundadora del espacio “Sanando Infancias”, donde acompaña a personas adultas en procesos de sanación emocional. Dicta clases de teatro, juego y resolución de conflictos para adolescentes, brinda capacitaciones para docentes y es productora artística del musical familiar Mimu, un mundo dentro del mundo. Todo su trabajo está atravesado por una misma búsqueda: el bienestar integral, la conexión con uno mismo y el acompañamiento amoroso de los procesos personales. @denisekornitz www.casitadeartenyc.com 0KM Prensa kevin.0kmprensa@gmail. com
¿Cómo aprende el cerebro... y cómo deberíamos enseñar? El nuevo libro de Laura Lewin invita a repensar la educación desde la neurociencia. ¿Cómo se activa la atención de un estudiante? ¿Qué impacto tiene una palabra de aliento, una sonrisa o incluso la postura corporal en el proceso de aprendizaje? ¿Es posible enseñar mejor si entendemos cómo funciona el cerebro?
buscan comprender qué sucede en la mente de los estudiantes y cómo liberar su verdadero potencial.
Con más de 14 libros publicados y una extensa trayectoria como formadora de docentes, conferencista, escritora y oradora TEDx, Lewin vuelve a Estas son algunas de las Laura preguntas que aborda Laura sorprender con una obra que Lewin en su nuevo libro, combina ciencia, pedagogía una obra que propone un recorrido fascinante por los descubrimientos más recientes de las neurociencias aplicadas a la educación. Con un enfoque claro, dinámico y accesible, Laura traduce los conceptos científicos en estrategias prácticas que pueden transformar la manera en que se enseña y se aprende en las aulas.
y pasión por la educación. Un libro necesario, que interpela a todos los que creen que otra escuela es posible. Preventa: https://www.editorialbonum. com.ar/ FLOR CARROZZA Prensa y Comunicación instagram.com/florcarrozza. prensa/
A través de ejemplos reales, anécdotas conmovedoras y explicaciones basadas en evidencia, el libro revela cómo ciertas decisiones pedagógicas pueden potenciar —o bloquear— el aprendizaje. Desde las claves para sostener la atención hasta los secretos de la memoria, el texto se convierte en una herramienta indispensable para quienes
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Molinos Mariano Zotelo
Puntoaparte Ediciones se complace en anunciar el lanzamiento de “Molinos”, la nueva obra de Mariano Zotelo, una colección de relatos donde lo cotidiano se entrelaza con el misterio y la emoción humana.
revelar un secreto oculto, la oscuridad de la noche estremece la piel, y lo que parece un simple encuentro cotidiano encierra el destino de todo un pueblo.
una selección de sus escritos fue publicada en la revista Hablar de Poesía.
En 2005, Zotelo tomó la difícil decisión de alejarse de la música y la literatura, una pausa que se extendió SOBRE EL AUTOR por quince años. Hoy, ha Mariano Zotelo nació en retomado con fuerza su Buenos Aires y es escritor vocación, dedicándose por de narrativa y poesía. Es completo a la escritura y Molinos profesor nacional de música la exploración de nuevos Mariano Zotelo con especialidad en piano, horizontes narrativos. 107 Páginas egresado de la Universidad PVP $20.790 Nacional del Arte (UNA), y su “Molinos” invita a descubrir pasión por la creación lo llevó lo extraordinario en lo simple En aquellos rincones a estudiar también armonía, y a sumergirse en un universo olvidados del mapa, donde contrapunto y composición. donde el suspenso y la el viento susurra secretos y poesía conviven en perfecta las calles desiertas ocultan En los años 90, tuvo la armonía. sombras indecibles, se oportunidad de conocer y despliegan las historias de frecuentar a poetas como Contacto y redes sociales: este libro. Con la precisión Jorge García Sabal, Joaquín @marianozoteloescritor de un relojero y la sutileza O. Giannuzzi y Olga Orozco, www.puntoaparte.com.ar de un poeta, Zotelo sumerge quienes influyeron en su Puntoaparte Ediciones al lector en escenarios primera etapa como escritor. pueblerinos cargados de En ese período, obtuvo 0KM Prensa suspenso, nostalgia y poesía. distinciones, menciones y kevin.0kmprensa@gmail. Aquí, una mirada fugaz puede premios literarios. En 2003, com
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Hombres y apariciones Lynne Tillman
Una sociedad se sostiene y se desploma por los valores que promueve. Ezequiel Stark, antropólogo cultural, especialista en fotografías familiares y narrador de esta historia, lanza frases como perdigones sobre los valores familiares, los valores etnográficos, los valores de las imágenes, los valores del arte y los valores faciales. El tono es extraño, aforístico. Ezequiel tiene algo extraño, su Hermanita Matilda fue tildada desde muy pequeña como definitivamente extraña, su hermano Hart es tan normal que duele. Su madre repite: “Esto es crítico”. Su padre se ahoga en un vaso de whisky. Los valores familiares colapsan. La etnografía intenta leer las fotografías pero fracasa. Los valores del arte apenas llegan a formularse. Quedan los valores faciales. En efecto, no solo no hay nada fuera de las imágenes, sino que “una superficie no es una mentira”, aunque tampoco es una verdad. Una superficie es un misterio. “La muerte, la visualidad, lo disfuncional de las familias, las citas de artistas y etnógrafos reales que entran en la historia de ficción y se mezclan son algunos de los leitmotivs en la producción de Tillman.
Los excitantes parentescos entre realidad y ficción van constituyendo el hilo conductor de este trabajo que, igual que el resto de los de Tillman, reservan un lugar de honor para el humor inteligente y a menudo áspero”. Estrella de Diego de sus obras son The Velvet Years: Warhol’s Factory 196567 (con fotografías de Stephen Shore, 1995), American Genius, A Comedy (2006), What Would Lynne Tillman Do? (2014) y Mothercare (2023), entre otras. Ha escrito ensayos monográficos sobre artistas como Amy Sillman, Raymond Pettibon, Dana Schutz y Steve Locke. Colabora en las publicaciones Frieze, Bomb, The Whitney Review, Bookforum, Aperture, Artforum y N+1. Hombres y apariciones Es Profesora/Escritora Lynne Tillman residente en el departamento Prólogo de Estrella de Diego de Inglés de la Universidad Traducción de Patricia Scott de Albany y dicta clases en el Tapa de Hombres y Programa MFA de Escritura apariciones sobre Arte (School of Visual Arts). No cree haber Lynne Tillman (Nueva York, redimido jamás una historia o 1947) un personaje. Es una editora, directora de cine y escritora de ficción y no La primera traducción al ficción de carácter revoltoso, castellano de esta autora mordaz y lúdico. Sus obras fue publicada por RIPIO en han abierto caminos híbridos el exquisito Las realidades que confunden la clásica de Madame realismo y otras división por géneros. Algunas historias (2021).
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Editorial Planeta presenta
“Mil batallas” de Pato Albacete ¿Quién es realmente Pato Albacete? ¿Qué se necesita para ser un líder que inspira dentro y fuera de la cancha, y qué secretos guarda uno de los íconos más influyentes del rugby argentino?
Patricio Albacete, uno de los íconos más influyentes del rugby argentino - ex PUMA-, ha marcado una huella imborrable tanto en el deporte como en la vida de quienes lo rodean. Desde sus primeros pasos en el Club Manuel Belgrano hasta su consagración en Europa y su destacada participación en Los Pumas, Albacete ha demostrado que el liderazgo va más allá de la técnica y la fuerza física. A lo largo de su carrera, que incluye más de 50 partidos con la
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selección argentina, el “Pato” no solo se destacó por su capacidad en la cancha, sino también por su carácter y su influencia fuera de ella.
se realizará el 5/4 a las 18s en Dain Usina Cultural (Nicaragua 4899- CABA).
Su historia está llena de superación y dedicación, convirtiéndolo en un referente de perseverancia y resiliencia. Más allá de su fortaleza, precisión y resistencia, Albacete ha sabido inspirar a sus compañeros y amigos, motivándolos a dar lo mejor de sí mismos en cada momento. A través de su ejemplo, ha enseñado que el rugby es mucho más que un deporte: es una filosofía de vida en la que la pasión, la honestidad y el trabajo en equipo son los pilares fundamentales. Una de las anécdotas más significativas de su carrera fue un inolvidable viaje a Argentina, que conectó su vida europea con sus raíces, reafirmando el profundo vínculo que siempre ha mantenido con su país y su gente. Patricio Albacete, más que un jugador destacado, es un líder que inspira dentro y fuera de la cancha, dejando un legado de compromiso, trabajo en equipo y humildad.
(Buenos Aires, 1981) es un ex jugador de rugby destacado, reconocido por su carrera tanto a nivel nacional como internacional. Comenzó su carrera en el Club Manuel Belgrano en Argentina, pero su trayectoria despegó al mudarse a Francia, donde desarrolló la mayor parte de su carrera profesional. Jugó en clubes de renombre como el Stade Toulousain, donde obtuvo importantes títulos, incluidos múltiples campeonatos del Top 14 francés y una Copa de Europa en 2010.
La presentación del libro
PATO ALBACETE
A nivel internacional, fue una pieza clave en el seleccionado argentino, Los Pumas. Participó en tres Copas del Mundo de Rugby (2003, 2007 y 2011). Su contribución más recordada fue en el Mundial de 2007, cuando Argentina obtuvo el histórico tercer puesto. Albacete se destacó por su fortaleza física, habilidad en las formaciones fijas y liderazgo dentro del campo. En Francia, se recibió de Licenciado en
Administración de Empresas e hizo un Master de Marketing y Negocios Internacionales en la TBS (Toulouse Business School). Tiene un Master en Banca y Mercados Financieros y es Coach
Ontológico Profesional de la GCF (Global Coaching Federation). En la actualidad se dedica a actividades empresariales, entre ellas la vitivinicultura, y desarrolla proyectos
comerciales en Argentina y Francia. Flor Carrozza Prensa y Comunicación https://florcarrozza. webnode.es/ https://www.instagram.com/
Los hombres ebrios de Dios Quizás el mundo celeste y el terrestre no están separados más que por un hilo finísimo al que no será posible percibir a menos que entrenemos alma y mente a fin de dar un sentido más noble y elevado al ineludible paso del tiempo, y quizás esos anacoretas fueron, en sí mismos, hebras de luz en la gran noche del desierto. Pero antes, sintieron agudamente la distancia de dolor entre tierra y cielo. Puede leerse este libro no sólo como una visita admirada a paisajes e historias abandonadas y desaprovechadas, también como una advertencia acerca del modo de vida que llevamos aquí y ahora, si de súbito llegara a advenir el Reino de los Cielos. Peter Sloterdijk señalaba, a propósito de la huida al desierto como abandono del mundo, que quizás haya sido el acto poético más radical al que jamás se atrevieron los hombres. Quien decide ir al desierto, “eleva su vida al estado de alarma metafísica: estar en vela es todo” para
alcanzar un estado de prescindencia de ese mismo mundo y sus deseos. El Papa Francisco se refería no hace mucho a la pereza y señalaba que la sabiduría de los antiguos Padres del Desierto indicaba que “la raíz de esta pereza es la acedia, palabra que en griego significa falta de cuidado”. Los hombres del desierto conocían bien esta sensación, que los atormentaba sobre todo hacia la mitad del día. Expuestos al sol lacerante, al viento, también al frío y a las alimañas sin otro escudo que su cuerpo, su voluntad era la de resistir. (....)
a escribir relatos de viaje en los que gravitaba su pasión por la civilización griega. En 1947, viajó por primera vez a Grecia con el Grupo de Teatro Antiguo de la Sorbonne. En 1950 pasó varios meses en Creta y en el Monte Athos. Viajó la mayor parte del tiempo a pie, por lo cual se lo considera uno de los precursores del senderismo.
Jacques Lacarrière (1977) Nació el 2 de diciembre de 1925 en Limoges, Francia, y pasó toda su juventud en Orleans. Su nombre adquirió relevancia cuando comenzó
Los hombres ebrios de Dios Traducción de Margarita Martínez Prólogo de Christian Ferrer 368 páginas ISBN:978-987-84952-9-3
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EDITORIAL LOS ROBLES PRESENTA
“Donde el destino nos lleve” LA BIOGRAFIA DE AMILCAR NADAL POR ANA CAMPOS hacer realidad su sueño: regresar a Argentina y reunirse con su hermano Fidel, un ícono del reggae, fundador de la mítica banda “Todos tus muertos”. Juntos formaron “Lumumba”, con la que se lanzaron a una vida de giras internacionales, conciertos multitudinarios y un sin fín de experiencias que desvelan lo que realmente ocurre tras los escenarios.
Merlo, en la planificación del asesinato del dictador nicaragüense Somoza, desde Suecia. Un hecho que convierte al libro en un testimonio histórico y político de enorme valor.
ANA CAMPOS Ana Campos nació en Santiago y es periodista de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Ejerció en la revista “Qué Pasa”, en Con una prosa directa, un el diario “El Mercurio” y en sentido del humor contagioso otros medios escritos. Fue “DONDE EL DESTINO TE y una sinceridad que no deja profesora universitaria. LLEVE” una obra de Ana lugar a evasivas, Ana revela Asistió por seis años a los Campos, escritora Chilena los altibajos de la carrera de cursos de verano de escritura que nos cuenta en este texto Nadal, enfrentándose a las creativa en la Universidad la vibrante historia de un trampas de la fama, donde de Iowa, EEUU. Participa hombre que emergió desde los egos desmesurados y las en forma activa en el taller un gueto en Estocolmo para adicciones son compañeros literario de la escritora Ana conquistar el mundo al ritmo frecuentes. Esta obra no es María Güiraldes. Algunos del reggae. A través de sus solo una biografía, sino un de sus cuentos han sido propias palabras, este hijo de testimonio de tenacidad, premiados en concursos en un revolucionario argentino optimismo y resiliencia. Es la el extranjero. El libro está de los ’70, afrodescendiente historia de un hombre que, sin disponible con envíos a todo y exiliado en Suecia relata espacio para el resentimiento, el mundo a través de la tienda con sinceridad y emoción ha transformado cada desafío www.mandibula.com.ar sus primeros años, marcados en una nueva melodía, por el abandono paterno, mostrando al mundo que, REDES SOCIALES las carencias económicas y con valentía y perseverancia, @amilcar.ok obstáculo @anacampos_escritora la discriminación en las frías cualquier calles suecas. Superando puede convertirse en una @serialeditorial @mandibulaproducciones esas adversidades, Amíl- oportunidad para crecer. @losrobleslibros car Nadal encontró en la música su salvación y, Uno de los puntos más con una determinación impactantes del libro es la NR&SA PRENSA inquebrantable, comenzó a revelación de la participación nrpress@yahoo.com.ar ahorrar cada centavo para de su padre, junto a Gorriarán @saprensaydifusion
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Lanzamiento del libro
“A flor de piel”de la Dra. María Florencia Paniego
Un enfoque integral para sanar desde la piel hacia el alma La Dra. María Florencia Paniego, especialista en el tratamiento de enfermedades de la piel, presenta su esperada obra “ A flor de piel”, editado por Hojas del Sur, un libro que desafía los límites de la medicina tradicional. En él, propone un enfoque integral para abordar las enfermedades crónicas de la piel, explorando su conexión con factores emocionales, inmunológicos y sistémicos.
trate los síntomas, sino que restaure el equilibrio completo de la salud”, expresa la Dra. Paniego. Con un estilo directo y empático, este libro invita a repensar el tratamiento de las enfermedades cutáneas y a tomar control de nuestra salud de manera integral, ofreciendo tanto conocimiento científico como un mensaje de esperanza para aquellos que buscan soluciones más allá de los enfoques convencionales.
El Método Paniego, nacido de años de experiencia y profundos estudios, se centra en restablecer la salud FICHA DEL LIBRO cutánea de manera holística, promoviendo mejoras tanto físicas como emocionales. En “A flor de piel”, la Dra. Paniego comparte su historia personal y los hallazgos que la han llevado a transformar la vida de miles de personas, restaurando su equilibrio físico, mental y espiritual. “Este libro nace de mi profundo deseo de compartir lo que he aprendido a lo largo de mi carrera, uniendo la medicina tradicional con un enfoque que contempla la conexión entre cuerpo, mente y emociones. Mi propósito es brindarles a las personas un camino hacia una sanación real, que no solo
Editorial: Hojas del Sur Edición: 2024 Dimensiones: 21 × 14 × 1,5 cm Peso: 0.300 kg ISBN: 9786316631190 SOBRE LA AUTORA La Dra. María Florencia Paniego (MN. 94996) es Médica graduada de la Universidad de Buenos Aires y cuenta con 28 años de trayectoria profesional. Es especialista en Medicina Interna, Alergología, Inmunología y Dermatología. Actualmente, dirige las tres clínicas que llevan su nombre, ubicadas en Recoleta, Adrogué y Nordelta. Con un enfoque innovador y holístico, ha ayudado a miles de personas a restaurar su salud, y es la creadora del Método Paniego, que integra el cuidado físico y emocional para lograr una sanación completa. El libro está disponible en www.draflorenciapaniego. com En librerías de todo el país.
Autor: Florencia Paniego Géneros: Desarrollo personal Cantidad de Páginas: 221 Tapa: Rústica
Nara Briega Prensa & Comunicación IG: @narabriega narabriega@gmail.com
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Novedades - Hotel de las ideas
El gato de rabino. Vol 3 Joann Sfar
Tercer tomo de la serie de integrales del clásico de la historieta francesa, que recopila los volúmenes 6 y 7 de la edición francesa. En el sexto volumen, el gato está desesperado: su ama, Zlabya, está embarazada… ¿Qué va a pasar? ¿Seguirá interesándose por él? ¿Seguirá recibiendo sus mimos y viéndola cuando él quiera? ¿Cuál será su lugar ahora? Quizás es el momento de buscar un nuevo hogar… En el séptimo volumen, el rabino Sfar y su primo el imán intentan acercar sus irreconciliables posturas. Sin embargo, cuando la mezquita se inunda, ambos acuerdan que los musulmanes puedan, durante las obras, rezar en la sinagoga. Pero este gesto de buena voluntad provoca una situación muy tensa entre las comunidades judía, musulmana e incluso cristiana, obligadas a compartir espacio a la fuerza. Mientras tanto, el gato del rabino atraviesa momentos difíciles: no solo siente celos del bebé de Zlabya, sino que, para empeorar las cosas, unos gatitos se han refugiado en la sinagoga.
fábula poética que reflexiona sobre cómo las creencias religiosas determinan los actos humanos.
Joann Sfar vuelve con esta
Joann Sfar
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(Niza, 1971) Además de guionista, dibujante y director de cine es Licenciado en Filosofía. Su formación se completa en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París. Entre sus principales creaciones se encuentran La Mazmorra (en colaboración con Lewis Trondheim) y las series Klezmer, Grand Vampire, Petit Vampire y El Gato del Rabino. Además, en 2008 publica una versión en comic de El Principito.
El gato del rabino integral 3 Joann Sfar Detalles 144 páginas. Formato 17 x 23 cm. ISBN 978-631-90946-0-2. Color. Primera edición: 2022.
En el ámbito del cine, es director de Serge Gainsbourg (vie héroïque), biopic sobre el popular cantante estrenada en 2010, y adaptaciones animadas de dos de sus obras: El Gato del Rabino (2011) y Petit Vampire (2020). Con un padre sefaradí y una madre azquenazí de origen ucraniano, la crianza de Sfar en una familia judía de profundas creencias religiosas es una de las influencias más importantes para la creación de El Gato del Rabino. info@hoteldelasideas.com Distribución y librerías +5411 1651 6861
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El Centro Cultural de España en Bs As (CCEBA) inaugura el 2025 con 3 exhibiciones nuevas
Luz propia, La ligera sorpresa de la acción y Trance Hudson
Autoridades, artístas y curadores durante la inauguración.
El Centro Cultural de España en Buenos Aires (Paraná 1159,CABA) inaugura su programación 2025 con tres exhibiciones nuevas: Luz propia (sala I), La ligera sorpresa de la acción (sala II) y Trance Hudson (sala III).
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Seleccionadas entre más de 120 proyectos de distintos países presentados dentro de la convocatoria pública que el CCEBA impulsa -por segundo año consecutivopara el desarrollo, la producción y concreción
de proyectos expositivos emergentes que contó con Eva Grinstein como jurado invitada. Se pueden visitar, hasta el 31 de mayo, con entrada libre y gratuita de lunes a viernes de 10 a 19h y sábados de 12 a 18h.
Mesías (Ecuador), Candela Sotos (España) y Rodolfo Sousa Ortega (México). Entre ruinas e imaginaciones sin tiempo fijo, los paisajes de Faktor (AR) se ubican en el umbral de un mundo que colapsa y otro que está por venir. Candela Sotos (ES) presenta una serie de imágenes y un amuleto parte del proyecto Yrupé. En la serie escultórica Misil suave, Rodolfo Sousa (MX) se adentra en las tramas del grafito y desentraña las historias alrededor de su invención, En Luz propia (sala I), ligada a propósitos bélicos. curada por Claudia Kozak, la Por su parte, Jesu Antuña arquitecta Claudia Rofman, (AR) recupera los renders la artista visual Gioti y el que tapian las construcciones artista sonoro Joaquín Laks de desarrollos inmobiliarios proponen una superposición e identifica un denominador entre el lenguaje gráfico y el común: los pájaros. En audiovisual destacando la luz “Pulverizar el mundo” Paula nocturna que ilumina desde Proaño Mesías (EC) cuestiona las fachadas convirtiéndose la escisión entre la naturaleza en protagonista de la y lo “humano” desde la identidad urbana. Un aire ecología espiritual. acondicionado, una ventana abierta, una persiana baja Trance Hudson (sala III) nace pueden funcionar como del interés de los artistas: indicios o conectores entre Ana Audivert, Manuel Barcia, el adentro y el afuera siendo Santiago Comin y Federico parte de una estructura que muta según quién la habite. Cada ventana es un universo, cada puerta una invitación a explorar esos mundos. De la mano de artistas de Argentina, Ecuador, España y México las nuevas exposiciones invitan al público a reflexionar sobre la vida en la ciudad y a construir cierta identidad urbana delimitando las fronteras entre la vida pública y privada al interior de las viviendas. A pensar y establecer lazos entre el presente y el futuro a partir de la memoria y a adentrarse en la llanura rioplatense a través de la figura de Guillermo Hudson.
Grillo en torno a la figura de Guillermo Hudson, escritor y naturalista que nació en Argentina en 1841 donde vivió hasta sus 33 años. A través de fotografías, pinturas y un universo sonoro, el grupo artístico convoca a los visitantes – guiados por la narrativa de Hudson – a reflexionar sobre el territorio y los cambios que el paisaje soporta. Las tres exhibiciones se podrán visitar hasta el 31 de mayo, de lunes a viernes de 10 a 19h y sábados de 12 a 18h, con entrada libre y gratuita en el Centro Cultural de España (Paraná 1159, CABA). Las muestras han sido acompañadas en su desarrollo y producción por el equipo del CCEBA con asesoría curatorial de Laura Spivak. Programación completa: https://www.cceba.org.ar/ PRENSA Cecilia Gamboa Comunicación y Prensa info@ceciliagamboa.com.ar
La ligera sorpresa de la acción (sala II), curada por Tania Puente (México) está integrada por obras de Jesu Antuña (España), Faktor (Argentina), Paula Proaño
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Dos nuevas e impactantes exposiciones llegan a el Recoleta para desafiar los límites de la materialidad.
Obra de Laura Códega.
El pasado miércoles 30 de abril a las 18 h se inauguron dos grandes muestras en el Centro Cultural Recoleta : “Un perfume de amor, sangre y nervios” , primera exposición institucional de la artista Laura Códega en la sala C —que cuenta con la curaduría de Carla Barbero—, y “La vigilia de los harapos” , de la artista Josefina Labourt —curada por Javier Villa—, en la sala J. En “Un perfume de amor, sangre y nervios” (sala C)
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la artista Laura Códega despliega un lenguaje visual desarrollado durante más de dos décadas en el que atraviesa diversos medios como la pintura, el video, la escultura, el grabado, la música y la escritura. Su obra, de fuerte material impronta, revisa las narrativas históricas para desafiar las formas hegemónicas de representación. Con un interés particular en las tradiciones populares y los relatos periféricos, la artista recupera figuras y temas
olvidados o marginales, proponiendo una mirada crítica sobre imaginarios despreciados, cuentos como los paganos y antimodernos. “La vigilia de los harapos” presenta una selección antológica de las obras de Labourt, realizada entre 2017 y la actualidad. En ellas conviven la escultura, el relieve, la pintura y el collage. La artista trabaja con materiales como la resina, toallas, gasas, cáscaras de huevo o cartapesta, entre otros, con los cuales
Obra de Josefina Labourt.
representan cuerpos femeninos que empujan a la vejez, la decrepitud o incluso la deformidad. Josefina Labourt se para entre el desconcierto y la crudeza que envuelven al tiempo de un cuerpo real y la superficie brillante, resbaladiza y teatralmente de su representación.
1957) y Adolfo Bellocq (Buenos Aires, 1899 - 1972) pertenecientes al acervo del Museo Nacional del Grabado. Ambos fueron parte de los Artistas del Pueblo, un grupo formado entre 1913 y 1914 que se opuso a los cánones académicos y exclusivos del arte oficial de su tiempo.
Como parte del programa curatorial de este año en el Centro Cultural Recoleta, ambas exposiciones proponen un diálogo entre generaciones con el arte argentino. La exhibición de Códega lo hace con una serie de grabados de Abraham Vigo (Montevideo, 1893 - Buenos Aires,
Por su parte, “La vigilia de los harapos” lo hace con las obras del escultor Norberto Gómez (Buenos Aires, 19412021) que refuerzan en sala la importancia histórica de la representación de los cuerpos como canal para visibilizar el drama social. Ambos escultores comparten una fascinación por ciertos
materiales como la resina y su efecto viscoso y visceral. Pero mientras Labourt se concentra en la piel, la máscara o la cáscara, Gómez se concentra en la carne, las vísceras y los huesos. Ambas exposiciones pueden verse, de martes a viernes de 12 a 21 h. sábados, domingos y feriados de 11 a 21 h. con entrada libre y sin costo para residentes y argentinos en Junín 19030, CABA. Programación completa en: http://www. centroculturalrecoleta.org/ PRENSA Cecilia Gamboa info@ceciliagamboa.com.ar
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Júpiter de Gauchópolis del Teatrito Rioplatense de Entidades
cordobés Deodoro Roca rebautizó a su comprovinciano Leopoldo Lugones allá por 1918. El gran poeta había endiosado al gaucho al punto de creerlo descendiente del Júpiter de Gauchópolis es la “linaje de Hércules”. Una sexta exposición del Teatrito imagen forzada que buscaba Rioplatense de Entidades complacer la autoestima de la (TRE) en Galería Mar Dulce. aristocracia criolla, (aquella El TRE es un colectivo de misma que había colaborado creadores que se ocupa, en con la desaparición del esta muestra al menos, de gaucho), y en detrimento repoetizar la percepción de la inmigración, llamada argentina de la Historia y su por Lugones “la plebe ultramarina”. inclinación por el mito. Los desbocados caballos de Platinia, acrílico sobre papel, Los colaboradores del TRE para esta exposición son: 13 × 18 cm., © Ral Veroni. Júpiter de Gauchópolis es Mila, Ral Veroni, Cintia Vietto, el apóstrofe con el que el Inês Melo, Carlos Bernabei, Inaugura sábado 3 de mayo, 16-19 h. visitas martes a sábado 16-19 h, hasta el 28 de junio del 2025 en Uriarte 1490, CABA.
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Ana Vivas, Ieie & Franco Milonga, Hernán Ramos, Gustavo Ibarra, Roberto Cubillas yGerardo Dell’Oro. Guardia de Horneros, soldaditos de plomo intervenidos, © Ieie Milonga y Ral Veroni. Veroni presenta los dioramas que campean en la sala. Cientos de figuras intervenidas realizadas junto a los Milonga se encuentran desplegados sobre un gran maqueta de Ramos en el centro del salón: cañones con bombillas, mates hechos carrozas capitaneadas por teros, escuadrones de vacas y aguiluchos, entre otros
regimientos, épicos en contradicciones, en su gesta de ensueño y chanfle. Como en un intento de presentar orden sobre estas masas de soldados, Cubillas y Veroni prepararon el gran cuadro expuesto en la ventana a la calle, impreso por Dell’Oro. En la pared central encontramos las obras de Mila, cultor del filete porteño, que explora y rediseña los símbolos nacionales. Van acompañados por los fotocollages de Bernabei que abordan nuestro culto por el Hornero. Con el mismo
espíritu tenemos las tres piezas de cerámica realizadas por Vivas de nuestro pájaro con gorro frigio que cabalga su bombilla. A esto se agregan las pinturas de Veroni, en que podemos observar algunos tótems en donde figuran la Vaca, el Hornero, una figura estilizada de la Argentina, y Al Pedín, dios de las causas inútiles, entidad que aletea con éxito sobre la superficie de nuestras voluntades.
celebraciones, donde ella es su directora artística. Como ejemplo de aquellas performances se presenta también el traje emplumado diseñado por Vietto y la máscara del Furnarius Rufus realizada por Melo. Galería Mar Dulce se especializa en obras de pequeño y mediano formato de pintura, dibujo, grabado, libros de artista y objetos, realizadas por artistas rioplatenses clásicos y contemporáneos.
Finalmente tenemos los dibujos de Vietto, que recrean Galería Mar Dulce una de las performances Uriarte 1490 que hace el TRE en sus Palermo. CABA
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MUSEOS
“Platería argentina, una pasión. Un siglo de coleccionismo”
Jarro de plata con faja cincelada. Procedencia porteña. Época colonial. Col. Carlos Daws.
El pasado miércoles 23 de abril a las 18 h se inauguró la muestra “Platería Argentina, una pasión. Un siglo de coleccionismo”, en la sede del Museo de Arte Popular José Hernández, Av. del Libertador 2373. La exposición reune las colecciones de dos amantes y apasionados del arte de la platería argentina: Carlos Daws y Oscar Collazo. A través de una cuidada selección de piezas, el
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público podrá recorrer la evolución de este oficio desde el virreinato hasta la actualidad. Carlos Daws (18701947), una figura central en la preservación de la tradición gauchesca, creó en su residencia del barrio porteño de Balvanera, a principios del siglo XX, el Museo Familiar Gauchesco, abriendo sus puertas a los interesados
que quisieran disfrutar de su colección. La casa albergaba una diversidad de objetos que incluía platería, soguería, ponchos, pinturas, fotos y grabados, testimonios de la vida de los paisanos, criollos e indígenas, en una Argentina que experimentaba su transformación hacia una sociedad urbana con fuerte presencia inmigrante. Su colección de platería
criolla es considerada una de las más importantes de la ciudad de Buenos Aires, comprendiendo piezas de gran valor histórico y artístico cultural como mates, bombillas, cuchillos, estribos y rastras, intrínsecamente ligadas a la vida del gaucho y al campo argentino. Al fallecer este hijo de inglés y empleado administrativo del Ferrocarril del Oeste, su viuda y única heredera ofrece su colección a la Municipalidad que la adquiere para el Museo de Motivos Populares Argentinos, hoy Museo de Arte Popular.
colección abarca diversas técnicas y estilos, reflejando un gusto por la platería que persiste a lo largo del tiempo.
Daws, anciano, en su casa.
La curaduría de esta exposición, realizada en conjunto por Segundo Deferrari, especialista en platería criolla y director del Museo Las Lilas en Areco (Pcia. de Buenos Aires), Roberto Vega, director de Hilario, Artes Letras Oficios y Horacio Torres, curador del museo, sugiere un singular diálogo entre ambas colecciones. La muestra invitará al público a observar los cambios y las coincidencias entre las prácticas del coleccionismo y de la exhibición de antaño y las actuales, a conocer a los artesanos plateros y sus destacados trabajos y a resaltar el mensaje único que guarda cada pieza. Este encuentro entre dos colecciones, separadas por el tiempo, pero unidas por la misma pasión, ofrecerá una perspectiva enriquecedora sobre la historia y el valor cultural de la platería argentina.
Un siglo más tarde, Oscar Collazo, con la misma pasión, reunió más de doscientas piezas, buscando también testimoniar la tradición platera, arraigada en nuestro país desde sus comienzos. Su cuidada
En el marco de la muestra, hay visitas guiadas y mesas redondas a cargo de diversos especialistas y variadas propuestas educativas para todas las edades. Museo de Arte Popular José Hernández
Avenida del Libertador 2373 Horario: lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19 h. Sábados, domingos y feriados de 11 a 20 h. Martes cerrado. Entradas: público general $1500. Extranjeros no residentes $7500. Miércoles sin costo. Jubilados, estudiantes universitarios presentando acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, menores de 12 años y grupos de estudiantes de colegios públicos, sin cargo.
Mate de plata repujado y cincelado con aplicaciones de oro. Punzón F. Calandro. Col. Carlos Daws.
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Cartelera TEATRO
RODOLFO RANNI y MARÍA VALENZUELA vuelven al escenario con
LA NOCHE DE LA BASURA Rodolfo Ranni y María Valenzuela se preparan para debutar juntos en “La Noche de la Basura”, una impactante obra de Beto Gianola, con adaptación de Aníbal Litvin y Rodolfo Ranni, que promete ser uno de los estrenos teatrales
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más esperados del año. Con un texto que combina humor, drama y un gran realismo, esta puesta en escena hará reflexionar y emocionar al público. En la noche del casamiento de su único hijo, una pareja en
crisis enfrenta una conversación postergada durante años. Entre reproches, frustraciones y verdades ocultas, los protagonistas desatan un duelo verbal intenso, cargado de ironía y crudeza, que oscila entre la risa y la emoción.
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Rodolfo Ranni, Giuliano Bacchi y María Valenzuela. La historia nos sitúa en el modesto dormitorio de esta pareja, un espacio que simboliza su lucha cotidiana y su desgaste emocional. A través de diálogos afilados y llenos de humor negro, se exponen las diferencias de clase, los sacrificios silenciosos y las heridas no cerradas, mientras se cuestiona el significado del amor, la paternidad y la comunicación en una relación desgastada por los años. Pero, pese a su dureza, La Noche de la Basura es también una celebración de lo absurdo y lo humano. Con una mezcla de carcajadas y emoción, la obra nos recuerda que, en medio de las miserias cotidianas, siempre hay espacio para la risa y la
reflexión. Un clásico imperdible que sigue atrapando al público argentino y del mundo.
convirtiéndolos en una dupla inigualable sobre las tablas que emocionará a los espectadores.
La obra, producida por Giuliano Bacchi, tuvo su esperado debut el pasado 15 de abril en el Teatro Metropolitan, con 10 funciones únicas para luego salir de gira por las principales ciudades de Argentina.
El espectáculo se podrá disfrutar los días martes a las 20.00 horas y los días viernes a las 20.15 horas en el teatro Metropolitan. Las entradas ya se encuentran a la venta en la boletería del teatro o a través de Plateanet.
Este regreso marca un momento muy especial para María Valenzuela, quien vuelve a los escenarios tras atravesar un desafiante proceso personal. La idea de esta nueva puesta en escena fue impulsada por el propio Tano Ranni, con quien Valenzuela ha compartido una sólida trayectoria artística,
FUNCIONES Martes, 20.00 horas. Viernes 20.15 horas. Teatro Metropolitan. Avenida Corrientes 1343. Entradas a la venta por Plateanet PRENSA Agencia Coral
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con Valeria Correa (Piel de Lava)
Domingo 13 de abril en Espacio Callejón
Primer Premio del Concurso Universitario de Dramaturgia Roberto Arlt 2023 (UNA)
El pasado domingo 13 de abril
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comenzó la 2º temporada de «PLOT», obra teatral escrita y dirigida por el joven y prolífero dramaturgo Valentino Grizutti, y ganadora del Primer Premio
del Concurso Universitario de Dramaturgia Roberto Arlt 2023 organizado por la Universidad Nacional de las Artes.
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El elenco está conformado por Valeria Correa (integrante del grupo Piel de Lava), Nicolás Giménez, Guido Losantos, Andrés Granier, Agustín Gagliardi y Raúl Antonio Fernández, con el debut de la pequeña gran actriz Vera Busetti.
suspende la vida.
La trama gira en torno a una pareja recién separada, que tras unas noches después de navidad, se reúne para que su hija pase año nuevo con su madre. Lo que comienza como una charla casual, termina en un reencuentro sexual de medianoche, frente a una televisión de tubo que nunca se apaga.
Dice Valentino Grizutti, dramaturgo y director de «PLOT»: «El lenguaje cinematográfico se ha transformado en la gramática universal con la que ordenamos y leemos los acontecimientos; es por eso que todos nuestros sueños, nuestras anécdotas, nuestros recuerdos son iguales a una película que vimos o que podríamos haber visto. «PLOT pone a la luz del teatro los procedimientos y convenciones del cine, develando los mecanismos de construcción de la ilusión que rigen nuestra vida. La pieza reflexiona en torno a esa dialéctica sin síntesis entre ficción y realidad, en un divertido e intenso juego actoral y dramatúrgico que oscila entre ambos lenguajes».
En medio de la madrugada, unos hombres irrumpen violentamente en el departamento de la ex pareja obligándolos a protagonizar una ficción ajena: un policial clase B de dudosa traducción. El plan de rodaje incluye todas las reglas básicas del género: el policía que se enamora de la sospechosa; las escenas de seducción entre la femme fatal y el detective; la negociación de información confidencial. Toda separación es una ficción, una en la que casi nunca es posible actuar bien: un misterio plagado de silencios, sobreentendidos y especulaciones indescifrables. La ficción es siempre un acontecimiento que irrumpe y
«Plot» se presenta desde el 13 de abril, todos los domingos a las 20h en Espacio Callejón (Humahuaca 3759, CABA). Entrada general a $15.000 (Desc. estudiantes y jubilados). Por Alternativateatral.com.ar
PLOT en los medios (selección 2024) LAS 12 / PÁGINA 12: “Su trabajo recuerda las primeras obras de Felicitas Kamien por lo arriesgado de la propuesta y por la voluntad de apelar a un despliegue escénico complejo para el teatro independiente» Por Alejandra Varela.
ALTERNATIVA: «Unas metáforas fabulosas. La vida como un rodaje forzado. Seguir escena tras escena antes de que se vaya la luz. Excelentes actores metidos en un guion y dirección de un hermoso abismo”. Por Eva Halac. CARLOS DIVIESTI – Critico de cine: «¿Alguna vez te pusiste a pensar en qué pasaría en tu vida cotidiana si la cultura te tomara por asalto? si la cultura te agarrara de prepo de los pelos y te obligara a hacer cosas que no sabés cómo se hacen pero que te las pasás mirando sin descanso en la(s) pantalla(s) o en el escenario (incluso fuera del teatro)”. CIRCULAR DE ARTE: «Mención especial para Valeria Correa, que se mueve en un amplio espectro de emociones y en un increscendo de esa femme fatale que su personaje admira y que permite al espectador identificar las evocaciones y aspiraciones dialécticas de la vida cotidiana y la caja de ficciones que consumimos». Por Javiera Miranda Riquelme. INDIE HOY: «5 obras de teatro para ver en julio en Buenos Aires.» Por Josefina Chalde. LOCURA EN ARGENTINA: “Valentino Grizzuti escribió y puso en escena una excelente obra de tesis, un espectáculo muy recomendable en el que se pone en debate las violencias de la industria audiovisual como u
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problemática social”. Por Alan Robinson. FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA Elenco: Valeria Correa, Nicolás Giménez, Guido Losantos, Andrés Granier, Agustín Gagliardi, Raúl Antonio Fernández, y Vera Busetti Voces en off: Guadalupe Cuevas, Maitina De Marco, y Rafael Spregelburd Diseño de escenografía: Santiago Badillo Realización escenográfica: Tomas González Diseño de iluminación: Ricardo Sica Diseño de vestuario: Paola Delgado Música original y diseño de sonido: Ismael Pinkler Diseño gráfico: Agustina Suásquita Fotografía: Santiago Benitez Producción artística: Carolina Stegmayer Prensa: Prensópolis Asistencia de dirección: Sofía Siniscalco Dramaturgia y dirección: Valentino Grizutti Duración: 90 minutos Funciones: Domingos a las 20hs Sala: Espacio Callejón Humahuaca 3759, CABA. Entrada general: $15.000 por Alternativateatral.com Producida con el apoyo
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de: ProTeatro, INT, Fondo Metropolitano de las Artes, Beca Creación 2023 del Fondo Nacional de las Artes y Premio S, otorgado a Valentino Grizutti. Sobre el autor y director: Valentino Grizutti
Nació en Buenos Aires, el 7 de julio de 2001. Es actor, dramaturgo y director teatral. A su corta edad, ha obtenido numerosos reconocimientos por su trabajo, entre ellos: la Beca Creación del Fondo Nacional de las Artes, la Beca Nacional Sagai, el Premio S, el Primer Premio del Concurso Universitario de
Dramaturgia “Roberto Arlt” y una nominación a los Premios Trinidad Guevara como Revelación Masculina. Entre algunos de sus maestros se destacan: Mauricio Kartun, Alejandro Tantanian, Rafael Spregelburd, Andrea Garrote, Mariano Tenconi Blanco y Rubén Szuchmacher. Actualmente, cursa la Licenciatura en Artes de la Escritura en la UNA. Es fundador de Compañía Labrusca, colectivo de creadores escénicos que se propone el trabajo y la reflexión sobre los modos de representación, con el que ha estrenado tres montajes bajo su dirección: «Toma Tres» (2022), «Así así, acá acá» (2022) y «Casual de noche» (2023). Prensópolis Comunicación y Prensa Dir. Alejandra Pía Nicolosi prensopolis@gmail.com info@prensopolis.com.ar
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TERCERA TEMPORADA!
UN ENFERMO IMAGINARIO De: Moliere Adaptación y Dirección: Klau Anghilante
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Convencido de sus enfermedades, Argán, vive rodeado de médicos y boticarios. Es tanta su obsesión que no duda en concertar un matrimonio de conveniencia entre su hija Angélica y Tomás, hijo de un médico y estudiante de medicina. Entretanto, Belisa su segunda esposa lo presiona para que haga un testamento dejándola como única heredera. Pero Antonio, su criado, con la complicidad de Beraldo, hermano de Argán, harán todo lo posible para desenmascararla. FICHA TÉCNICA: Dramaturgia: Molière Actúan: Ciro DI Meglio, Lean Fernandez, Luciana Guacci, Omar Guzmán Torrez, Jose Larralde, Facundo Narvaez Mancinelli, Misha Segurado, Analia Sirica, Diego Verni Fotografía: Nacho Lunadei Asistencia de dirección: Ana Masotta Prensa: Natalia Bocca Producción general: Peras Compañía Teatral Adaptación, Puesta en escena y Dirección: Klau Anghilante
SOBRE LA DIRECTORA:
Bari, reconocida actriz estadounidense, en la obra Casta Diva. Filmo para TV Polaca, participó en el Festival Shakespeare para el Gob. de la Ciudad de Bs As. Durante 6 años formó parte de FOT, festival que obtuvo mención especial en los premios Florencio Sanchez.
Klau Anghilante Actriz, docente teatral y directora. Como actriz ha pisado escenarios tales como el teatro Gral San Martín, Teatro Colón, Cetc del Teatro Colón, donde recibe excelentes críticas por su rol protagónico. Trabajó junto a Irene Di
Desarrolló, a su vez, trabajos para radio, audiovisuales y conducción de tv por cable, (premio conductora revelación y producción a programa de tv de cable). En paralelo dicta clases de nivel avanzado en actuación y a la fecha ha dirigido más de 30 obras y distintos audiovisuales. PRENSA Natalia Bocca nataliabocca@gmail.com
FUNCIONES: Domingos a las 12:00h. Teatro La Carpintería Jean Jaures 858. CABA Entrada General: $15.000 en boletería del teatro o por Alternativa Teatral Duración: 60 minutos
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FRANCISCO PESQUEIRA Y EMILIANO SAMAR ESTRENAN
“Víctor, vení a buscar los discos”
(Un espectáculo de boleros...ponele) Una experiencia sensible y visual, con músicos en vivo, para dejarse llevar y salir cantando.
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El pasado domingo 20 de abril a las 16:30h fue el estreno de una nueva obra de la exitosa dupla Francisco Pesqueira - Emiliano Samar en el Patio de Actores, Lerma 568, CABA. “Victor, vení a buscar los discos” (Un espectáculo de boleros... ponele) es un unipersonal musical protagonizado por Francisco Pesqueira, con puesta en escena y dirección de Emiliano Samar que recorre boleros mientras cuenta una historia de amor. Es una historia entre varones, otra historia de amor en este siglo desencontrado. El humor se colará entre melodías y la crudeza contemporánea que a cada uno nos refleja. ¿El final? La esperanza colectiva de bailar. Al fin de cuentas, siempre surge el encuentro en el arte de rodar. Una experiencia sensible y visual, con músicos en vivo, para dejarse llevar y salir cantando.
de Emiliano Samar y Francisco Pesqueira
SINOPSIS:
Con Francisco Pesqueira
”Víctor, vení a buscar los discos” (Un espectáculo de boleros... ponele) cuenta la historia de Juan, recientemente separado de Víctor. Luego de muchos años de pareja y con sus cincuenta años cumplidos, Juan descubre que su ex se dejó los discos de boleros y le exige que venga a buscarlos. A la espera del posible regreso de Víctor, Juan busca dar lugar a nuevos amores. Con humor y música en vivo los boleros se suceden entre relatos y personajes.
Músicos: Pepo Lapouble (piano) y Fede Razetti (percusión) Arreglos y dirección musical: Pepo Lapouble Fotos prensa: Gianni Mestichelli Fotos gráfica: Daniel Roffo Diseño de luces: Malena Miramontes Boim Asesoramiento en vestuario: Sandra Ligabue Realización escenográfica: Analia Schiavino Diseño gráfico: Luis Escudero / Leconsag Prensa: BMZ Comunicaciones Coordinadora de Prensa:
VÍCTOR VENÍ A BUSCAR LOS DISCOS Un espectáculo de boleros.. ponele
Vero Larrea Producción ejecutiva: Andrea Widerker Puesta en escena y Dirección: Emiliano Samar Duración: 70 min FUNCIONES Desde el 20 de abril, todos los domingos a las 16:30h Patio de Actores Lerma 568, CABA Venta de entradas en la boletería del teatro y en Alternativa Teatral PRENSA Marcelo Boccia BMZ Comunicaciones marcelo@bmzcomunicaciones. com.ar FB BMZComunicaciones X BMZComunica IG BMZComunicaciones
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DOMINGOS 20h.
RASTROS DEL GESTO ANALOGICO
Obra ganadora del Premio ARTEI 2024 - 12° edición ¿Qué imágenes habitan nuestros cuerpos? SINOPSIS ¿Qué historias habitan nuestros cuerpos, nuestros gestos? Tres personajes siguen los rastros de la herencia femenina a través de una mecánica posible de reconstrucción de la memoria. Objetos, fotografías, títeres, luces, sonido y proyecciones analógicas, se montan y desmontan a la vista del público hilvanando huellas,
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compartiendo relatos. FICHA ARTISTICA Textos: Carolina Tejeda Intérpretes: Carolina Tejeda, Ignacio Rodríguez de Anca y Norberto Moreno Música original: Norberto Moreno Idea y realización general: Boca de Gallo Dirección: Carolina Tejeda e Ignacio Rodríguez de Anca BOCA DE GALLO son Carolina Tejeda, Ignacio Rodríguez de Anca, Norberto
Moreno Ig: @bocadegallo bocadegallo@gmail.com FUNCIONES: Domingos a las 20 horas Localidades: $10.000.Jubilados, estudiantes y docentes $8.500.En venta por Alternativa Teatral Teatro La Gloria Yatay 890 - Caba DIJERON SOBRE EL ESPECTÁCULO: “La línea de investigación de este grupo es tan clara que por momentos pareciera que todo podría ser un mismo espectáculo, o una misma saga: las mil formas
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de contar un relato. Y la palabra viaja, perdiendo el sentido y encontrándolo, los significantes se mezclan, pero dejan en el cuerpo una sensación, un reconocimiento de familiaridad que se trenza con los objetos, todos de un tiempo pasado.” Por Agustina Soler – Revista Llegás “Un teatro de objetos afectuoso porque es un grupo que insiste en una poética que enlaza de manera sensible los dispositivos escénicos analógicos, la actuación y la manipulación. Un ritual delicado del decir, hacer y ser en escena. (…) Un escenario poblado de virtuosos autómatas y montajes fotográficos en distintas técnicas y soportes que, junto a la dupla actoral, nos contagian esa épica de añoranza y, a la vez, de puesta en valor de aquellas mujeres, narradas a través de sus historias simples, sin embargo, con voz propia. La misma simpleza de los parrales de las casas o los tendales que ofician de pantallas que nos acercan quizás, al anhelo creativo de Boca de Gallo: ¿qué imágenes habitan los cuerpos y los gestos de estas mujeres? ” Por Claudia Quiroga - Revista Fervor “Lo analógico tiene su lugar preponderante vinculado a lo fotográfico.(..) quisiera vincular otra afirmación barthesiana con la propuesta escénica en cuestión: “Esta fatalidad (no hay foto sin algo o alguien) arrastra a la fotografía hacia el inmenso
desorden de los objetos -de todos los objetos del mundo ¿por qué escoger (fotografiar) tal objeto, tal instante y no otro? – “Algo de ese procedimiento remeda Rastros ¿con qué construir la memoria colectiva? ¿y la individual? con las fotos que encontramos, con los gestos que reproducimos, con los objetos que construimos, con todos y cada uno de los dispositivos técnicos que habilitan la proyección de una imagen. Pero también su sombra, su focalización ajustada, la repetición, el brazo que es
manipulado por el otro brazo, la falda que funciona como pantalla, la música con el luthier, el juego sonoro que captura y reproduce.” Mónica Berman – Máquina de escribir Duche&Zárate Comunicación + Media prensa@duchezarate.com.ar @duchezarate alejandro@duchezarate.com.ar VIDEO RASTROS DEL GESTO ANALOGICO, TRAILER
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ARNALDO ANDRÉ Y SILVIA PÉREZ PROTAGONIZAN UNA HERMOSA COMEDIA PARA REÍR Y EMOCIONARSE “NO ME OLVIDES” libro y dirección Hernán Krasutzky
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Desde el pasado domingo 13 de abril en Calle Corrientes “NO ME OLVIDES”, libro y dirección de Hernán Krasutzky, una comedia hermosa para reír y emocionarse protagonizada por ARNALDO ANDRÉ y SILVIA PÉREZ, producida por Circus
Producciones. Las funciones son todos los domingos a las 18:30 en el Teatro Picadilly, Av. Corrientes 1524, CABA y las entradas están en venta en la boletería del teatro y por Plateanet.
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SINOPSIS: Juani, un viudo solitario de buen pasar económico, visita un asilo para ver las instalaciones y mudarse cuando de pronto es interceptado por Beba, una residente rebelde que busca escapar de su encierro y lo invita a un cita con el fin de enamorarlo y que la ayude a escapar. El único problema es que Juani tiene un alzheimer especial y olvida los hechos recientes. Por lo cual Beba inventa un plan minucioso que le va a complicar las cosas más de lo que se imagina NO ME OLVIDES de Hernán Krasutzky Con Arnaldo André - Silvia Pérez Escenografía: Victoriano Pololla Vestuario: Christian Bachetti Música: Martín Bianchedi Piano: Alito Gallo Peinado: David Duquezne Técnica: Alan Zárate Diseño gráfico: Victoriano Pololla Fotos: Nacho Lunadei Prensa: BMZ Comunicaciones Coordinadora de prensa: V ero Larrea Asistencia general:
Miguel Catalán Producción: Haydée Codón Dirección de Producción: Gustavo Enrietti Producción general: Alberto Raimundo para CIRCUS PRODUCCIONES Dirección: Hernán Krasutzky Duración: 80 minutos FUNCIONES Todos los domingos a las 18:30h Teatro Picadilly Av. Corrientes 1524, CABA Entradas en venta en la boletería del teatro y en Plateanet
Sobre Arnaldo André Arnaldo André nació el 10 de noviembre de 1943, en San Bernardino, Departamento de Cordillera, Paraguay. Saltó a la fama en la década de 1970, tras haber co protagonizado con Mirtha Legrand la obra teatral 40 kilates. En los años setenta participó de películas
taquilleras como Mi amigo Luis junto a Luis Sandrini, y su fuerte se generó en la pantalla chica simbolizando al galán de esos años, en telenovelas como Pobre diabla y Piel naranja. Tiempo después viajó a Venezuela para protagonizar Rafaela y María del Mar ambas con la actriz venezolana Chelo Rodríguez, así como las telenovelas Penélope y Rosa de la calle, compartiendo créditos esta vez con Amanda Gutiérrez. En los años ochenta formó una pareja memorable junto a Luisa Kuliok, en tiras como Amor gitano, Amo y señor y El infiel, y en los años 90 protagonizó la novela “Amándote I y II”. Entre 2000 y 2001 participó en la exitosa telenovela mexicana Abrázame muy fuerte junto a Victoria Ruffo, Aracely Arámbula, Fernando Colunga y César Évora. En 2007 actuó en la obra Los monstruos sagrados de Jean Cocteau, junto a Graciela Martinelli y Claudia Lapacó. En 2009 protagonizó la telenovela Valientes, en donde interpretó al terrateniente Laureano Gómez Acuña, el hombre más poderoso de un pueblo del interior de la provincia de Buenos Aires, quien le quitó las tierras al campesino Roque Sosa. Este queda sumido en la pobreza y muere un tiempo después, y sus hijos Leonardo (Luciano Castro), Segundo (Mariano Martínez) y Enzo (Gonzalo Heredia) quienes son separados y adoptados por tres familias distintas, vuelven a reunirse años después, y planean una venganza con u
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la idea de arruinarle la vida a Laureano. Las historias de amor incluidas ponen en conflicto los sentimientos de los personajes y su lealtad a dicho plan. Por su interpretación del personaje Laureano Gómez Acuña, en 2010 ganó su primer premio Martín Fierro.Encarnó al jefe en la serie de El Trece Los únicos, en el papel de Alfredo Monterrey.
Sobre Silvia Pérez Actriz de cine, teatro y televisión desde 1980. Después de 15 años de carrera, siguió formándose con maestros de gran prestigio como Carlos Gandolfo, Julio Chávez, Augusto Fernandes y Roxana Randon, entre otros. Entre sus últimos trabajos destacan el film junto a Luis Ziembrowski “EL CUENTO DEL TÍO” y en televisión “DELOREAN DE DOMINGO” junto a Atilio Veronelli. En los últimos años filmó “ENCARNACIÓN” de Anahi Berneri (ganadora del Fipresci en San Sebastián), “TETRO” de Francis Ford Coppola y “ONDA SU ONDA” con Alessandro Gassman y Rocco Papaleo. Actuó en teatro en “LA VAGINA
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ENLUTADA” de Walter Ghedin, y en “LA RESTAURACION” de A. Stefanoni y J.M. Cerveto, nominada como Mejor actriz y Mejor obra por los Premios ACE. Durante 3 temporadas presentó exitosamente la obra de Walter Ghedin y Dennis Smith “LA ÚLTIMA BONAPARTE” con excelentes críticas y respuesta de público. Conductora de sus propios programas de radio, en Radio Nacional: “Corazón Valiente”, “El poder de los valores” y en Radio UBA: “Tesoros Escondidos”, ambos programas realizados con el propósito de exaltar la importancia de la práctica de valores humanos para la evolución de la humanidad a través de reflexiones y entrevistas a personalidades de distintos ámbitos, cultura, política, deporte, etc. Su propósito es promover la educación integral que es aquella que contempla la educación académica junto a la educación en valores. Ha facilitado el PEVHP en casi toda la República Argentina, así como en Chile, Bolivia, Venezuela, Brasil.
durante sus primeros años de carrera profesional. Comenzó a escribir y dirigir teatro en 2015 con la obra musical infantil, El gran mago blanco. Editó su primer libro en 2017, el Héroe de la sombra, un thriller psicológico que ya lleva dos ediciones. Luego presentó dos comedias con mucho éxito en Buenos Aires, en el teatro porteño en Calle Corrientes, La vuelta a casa en 2018 y Tiempos de amor en crisis en 2019. Luego se instaló en Miami donde presentó Amor a lo Miami durante un año en Winwood Theater y más de 10 obras en Micro Theater Miami. Luego de la pandemia fue convocado para la reapertura de Micro Theater Miami con una temporada que llevó su nombre: Temporada Hernan Krasutzky con tres obras suyas. En mayo de 2023 presentó su primera obra comercial en Argentina, Nunca te fíes de una mujer despechada, que al día de hoy lleva 3 temporadas y consiguió 6 nominaciones a los premios Carlos en Villa Carlo Paz. Incluidos Mejor director y mejor comedia.
Sobre Hernán Krasutzky (libro y dirección)
Redes sociales: @circusproduccionesok
Hernan Krasutzky, escritor y director argentino, nacido en la ciudad de La Plata. Realizó sus estudios en la Facultad de Bellas Artes y luego en la Universidad del Cine. Produjo, escribió y realizó diferentes proyectos audiovisuales independientes
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SINÓPSIS: La historia transcurre en un viejo cementerio de un pueblo, donde dos amigas se encuentran luego de haberse quitado la vida con la expectativa de volver a encontrarse con el hombre que fuera objeto de deseo de ambas. Y en este marco cruzado de humor negro, con toques reflexivos y hasta filosóficos, Marta y Juana vuelven a repetir el vínculo que las unió en vida: la competencia, la envidia, pero por sobre todo, la admiración mutua reconociendo el paralelismo de sus vidas. Con este planteo, estas mujeres recorren un camino de conocimiento recíproco y quizás, de redención. Nuevamente Rafael Bruza, con este texto, vuelve a jugar con los sentimientos básicos del ser humano con una comicidad repleta de humanidad. FICHA TÉCNICA: TÍTULO: La penúltima oportunidad AUTOR: Rafael Bruza ELENCO: Giuliana Regazzoni y Katherine Feitl
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ESCENOGRAFÍA Y VESTUARIO: Katherine Feitl ILUMINACIÓN Y MUSICALIZACIÓN: Sergio Bermejo FOTOGRAFÍA: Carmen Morin y Octavio la caria DISEÑO ESCENOGRÁFICO Y VESTUARIO: Sergio Bermejo DISEÑO GRÁFICO: Giuliana Regazzoni ASISTENTE DE DIRECCIÓN: Giuliana Regazzoni DIRECCIÓN GENERAL: Sergio Bermejo
boletería (Sólo efectivo) o por Alternativateatral: Contacto: 11-3355-0663 HISTORIA DE NUESTRO GRUPO TEATRAL “TEDRYS TEATRO” En 1994 Sergio Bermejo (Director del grupo) comienza a dictar clases de teatro en la S.F. Drysdale de Carapachay. En 1998 le da vida al grupo actual Tedrys Teatro. De 2003 a 2020 funcionó como un Taller de Prod. Teatral, dependiente de la Sec. de Cultura de Vte. López. Desde el 2022, el mismo
continúa de forma privada. En 2010, se forma un grupo estable e independiente, con el cual lleva representadas las obras: “La casita de los viejos”, “Desde el zaguán”, “¡Maldito bolero! La comedia”, “Adiós a Berlín”, “Tartufo”, “Oigo tu voz”, “El coso”, “Los hermanos queridos” y “Tata”. TEDRYS TEATRO grupoteatral_tedrys@yahoo. com.ar www.tedryanos.blogspot.com VIDEO LA PENÚLTIMA OPORTU...
DURACIÓN: 60 min GÉNERO: Comedia negra FUNCIONES SÁBADOS MAYO, 20 H. TEATRO EL PICCOLINO: FITZ ROY 2056, Palermo; CABA. Entrada general: $12000. Venta de entradas por
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ESTRENO
de Arístides Vargas 96 MiráBA MiráBA 96
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ESTRENO “Flores arrancadas a la niebla” de ¿Arístides Vargas Con Alejandra Arístegui y María Seghini, bajo la dirección de Ana Padilla. Un tren, un viaje, un encuentro, dos mujeres: Aida y Raquel. Cada una lleva consigo su propio mundo, discrepan, se cuestionan, pero pronto se ven hermanadas por el dolor del desarraigo y la soledad que supone el destierro. Flores arrancadas a la niebla nos habla de coraje, fuerza y desamparo. De fronteras, exilio e incertidumbre. De nuevos encuentros y de lazos de amistad que se tejen en los márgenes. Una obra habitada y vivida por mujeres abiertas al dolor y al goce. Un texto lleno de lirismo y de un sentido del humor reconfortante.
Alejandra Arístegui, Ana Padilla y María Seghini.
FICHA TÉCNICA ARTÍSTICA
Arístides Vargas
Autoría: Arístides Vargas Actúan: Alejandra Arístegui y María Seghini Diseño Sonoro y música original: Ana Foutel Vestuario: Sandra Li Escenografía: Carlos di Pasquo Luces: Fernando Díaz Redes: Las Maiselman Prensa: Paloma García / Garbo Prensa Asistente de dirección: Laura Assieu Dirección: Ana Padilla
Nace en Córdoba (Argentina) y vive desde muy niño en Mendoza. Trabaja en algunos de los grupos de teatro locales y estudia teatro en la Universidad de Cuyo. En 1975 tiene que exiliarse debido al golpe militar. Este hecho marcará su obra dramatúrgica. Ha dirigido importantes grupos y compañías latinoamericanas. Es fundador de uno de los grupos más prestigiosos de América Latina: el grupo Malayerba de Ecuador, que dirige en la actualidad. Entre otras, es autor de las siguientes obras: “Jardín de Pulpos”, “Pluma”, “La edad de la ciruela”, “Donde el viento hace buñuelos”, “Nuestra Señora de las Nubes”.
FUNCIONES Sábado 18 hrs Duración: 60 minutos Patio de Actores Lerma 568 CABA
Garbo Prensa Paloma García palogarciaperiodista@gmail.com garbocultura@gmail.com
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«¿Qué sucede cuando un psicópata decide vengarse de Netflix en vivo? Solo el público descubrirá el desenlace?.» Un unipersonal que desafía los límites de la cordura. ¿Qué sucede cuando un psicópata convierte su historia en espectáculo?
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Con un humor negro que hiela la sangre, un psicópata abre las puertas de su vida al público, revelando secretos de una infancia traumática y su reciente «robo» por parte de Netflix, que distorsionó su historia para ganar audiencia. A través de relatos perturbadores y una puesta en escena absorbente, el protagonista encarna los personajes que marcaron su
vida, mientras elabora una venganza perfecta que el público quizás no vea venir… ¿Quién realmente protagoniza el acto final?. FUNCIONES: “EL PSICOPATA” de Fernando Schmidt Segunda Temporada. DOMINGOS A LAS 18:00 H.
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Teatro Border Godoy Cruz 1838. CABA Entrada general: $15.000 A la venta en Alternativa Teatral Duración: 60 minutos FICHA TÉCNICA Dramaturgia: Fernando Schmidt Intérprete: Pablo Pieretti Coach de Caracterización: Fran Cantó Diseño Escenográfico: Paula Molina Diseño de Iluminación: Mario Gómez Diseño Gráfico: Rocío Moser González Sonido en vivo: Andres Merlo Redes sociales: Fabian Roetto Fotografía: Sofia Perez Ortego Producción Ejecutiva: Valeria Ormeño Prensa: Natalia Bocca Producción General: Pablo Pieretti y Melisa Fuentes Dirección: Melisa Fuentes SOBRE El ACTOR Pablo Pieretti, actor y periodista Se consagró ganador del Premio Estrella de Mar 2017 a “Mejor Actor protagónico de drama”, por su trabajo en “Entropía o el orden de lo vano”, obra de Merceditas Elordi que también se consagra como “Mejor
obra de teatro alternativo”, y nominado al Premio ACE 2022 como Mejor Actor de Drama por «El Beso de la Mujer Araña» de Manuel Puig, obra con la que gana en la categoría a “Mejor obra de Drama” 2021/22. Entre sus formadores se encuentran Jackie Kruguer, Augusto Fernandes, Nora Moseinco, Carlos Evaristo y Leo Bosio. Protagonizó decenas de obras, y su anterior trabajo fueron 3 temporadas de «Insania» de Paul Caballero, que protagonizó y también se desarrolló como productor. Entre sus trabajos en el campo audiovisual, se destaca en series y tiras televisivas como «El Marginal», “Envidiosa”, «100 días para enamorarse», «Educando a Nina», “Viudas e hijos del Rock and Roll”, Vecinos en guerra” e “Historia Clínica”. También fue parte de “Guapas”, “Farsantes”, “Alguien que me quiera”, “Malparida”, “Loco por vos” y “Casi Ángeles”. En cine es uno de los protagonistas de la multi premiada a nivel mundial docuficción «Tornando a casa» de Ricardo Preve, con producción ítalo-argentina. Además, ha tenido una destacada participación en numerosas publicidades locales y extranjeras.
«Maquinando» bajo la dirección de Norman Briski, «Orguyo» de Cristian Morales y Leticia Bredice y «Crápulas» de Paul Caballero, donde se desempeñó como asistente de dirección y diseñadora audiovisual. También participó en la relectura de «Matadero. Etcheverría x Impacto» y fue VJ en la primera presentación de Duki en el Luna Park. Formó parte del equipo de «Rapsodia Bohemia sinfónico» de Ángel Mahler y Luis Pascual.
SOBRE LA DIRECTORA
Fernando Schmidt escritor y director uruguayo, dramaturgo y guionista de cine, carnaval, radio y televisión. Se destacó en proyectos como: “El Humor en los Tiempos del Cólera”; “Humor al Mango”; u
Melisa Fuentes Entre sus trabajos destacados se encuentran «El beso de la mujer araña,» que ha ganado tres premios ACE, también
Comenzó su formación actoral a los 8 años en el Centro Cultural San Martín con Gabriela González López y continuó durante más de 22 años con destacados docentes como Pablo Mariuzzi, Raúl Serrano, Nora Moseinco, Leticia Bredice, Cristian Morales y Jackie Krueger. Estudió Diseño de Imagen y Sonido en la UBA y ha participado en diversos proyectos en cine, televisión, publicidad y teatro. Actualmente, desarrolla diseños para puestas en escena, explora el arte electrónico y trabaja como directora Creativa en un espectáculo inmersivo, así como en un proyecto de Thriller/ Sci-fi. SOBRE EL DRAMATURGO
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“Track (Siete personajes en busca de amor)”; “Gasalla; Gasalla – Perciavalle”; “Llena tú eres de gracia”; “Gracias por todo”; “Boom”, “La Revue”; “Paté de Fuá”; “Gasalla y “Perciavalle en el Conrad”; “Perciavalle en las nubes”; “Parábolas Triste”s; “Maipo siempre Maipo”; “¿Quién fue el gracioso?”; “Sonríe, te estamos grabando”; “Radoska”; “El botones”.
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Ha recibido menciones y premios como: Premios Iris. El Diario El País lo distingue con el Caracol de Plata (Premio World Trade Center) a la excelencia artística; Premios Musa. La Asociación General de Autores del Uruguay -AGADU- lo distinguió con el premio Musa como Libretista de Cine; Premios Musa. La Asociación General de Autores del Uruguay -AGADU-
lo distinguió con el premio Musa a la producción teatral; Premios Musa. La Asociación General de Autores del Uruguay -AGADU- lo distinguió con el premio Musa como Libretista de Televisión; Premio Municipal de Dramaturgia Ciudad de Montevideo PRENSA Natalia Bocca nataliabocca@gmail.com
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Atte Tus Vecinos Obra de Teatro Musical Lo que nació como una tesis universitaria se convirtió en un fenómeno del teatro musical independiente. “Atte. Tus Vecinos”, la comedia desopilante que combina vodevil y enredos clásicos, volvió al escenario
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del Galpón de Guevara para su cuarta temporada, consolidándose como una de las producciones más destacadas del género. Creada por un talentoso equipo de jóvenes artistas, la obra fue desarrollada por Belén Amadio, Julieta Molina, Joaquín Scotta,
Agustina Quaglia, Micaela Vargas, Renato Pinto y Clara Suárez, quienes además de escribir el texto, protagonizan el espectáculo. La dirección general está en manos de Rubén Viani, con dirección musical de Juan Pablo Schapira y coreografías de Vanesa García Millán.
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Desde su estreno en septiembre de 2023, el musical ha cosechado elogios y premios. Fue reconocido con los Premios Hugo a Mejor Musical del Off, Mejores Letras de Musical y Mejor Dirección en Musical Off, además de los Premios GEA Musical a Mejor Musical del Off y Mejor Música. En los Premios Hugo 2024, suma nuevas nominaciones en las categorías de Mejor Música Original, Mejor Interpretación Femenina en Musical Off (Julieta Molina) y Mejor Interpretación Masculina en Musical Off (Joaquín Scotta). Con un humor imparable, personajes inolvidables y un ritmo que no da tregua, “Atte. Tus Vecinos” sigue conquistando al público con una historia que demuestra que la convivencia puede ser un verdadero campo de batalla… pero también una fuente inagotable de risas. Reseña de la obra: Ante una amenaza de desalojo por parte del consorcio, Verónica, decide hacerse pasar por su ex prometido Marcos. Bajo esta nueva identidad, intentará recuperar su lugar en el edificio. ¿Quién diría que un bigote y un par de anteojos serían la fórmula perfecta para desatar caos y enredos en la alborotada vida de los vecinos? Premios: PREMIOS HUGO: Ganadores ¨Mejor musical del off¨ “Mejores
letras de musical” Joaquín Scotta - Juan Pablo Schapira “Mejor dirección en musical off” Rubén Viani PREMIOS GEA MUSICAL: Ganadores ¨Mejor musical del off¨ y ¨Mejor música¨ NOMINACIONES A LOS PREMIOS HUGO 2024: Mejor música original - Joaquín Scotta y Juan Pablo Schapira; Mejor interpretación femenina en musical off - Julieta Molina; Mejor interpretación masculina en musical off - Joaquín Scotta El Director: Ruben Viani Actor, director de teatro y docente. Se formó en actuación con Julio Chávez, Augusto Fernández y Carlos Rivas. En dirección y puesta en escena con Augusto Fernández y Rubén Szuchmacher; en dramaturgia con Mauricio Kartun y en artes plásticas con Elena Visnia, Nora Dobarro y Pablo Suárez. Ganador del Premio HUGO a Mejor Dirección de Actores por “Despertar de primavera” (2010) y fue galardonado con el Premio HUGO a Mejor Dirección en 2024 por “Atte. Tus Vecinos”, obra de teatro musical ganadora del premio “Mejor Musical Off”. Ese mismo año realizó la dirección de “La Noche Soñó un Verano“ de Juan Dasso. Realizó una exitosa gira por Barcelona y Madrid con la obra “Como Juegan los perros” de Lucas Ranzani.
Realizó la dirección general de los espectáculos musicales “Espíritu traidor”, “Los fabulosos ¡BUU!” y “Delirio Encantado”. También estuvo a cargo de la dirección actoral y puesta en escena de “Por amor a Sandro”, “Despertar de primavera”, “Cabaret” y “Aladín… será genial”. Actualmente dirige “Lo que la naturaleza no da”, de Juan Francisco Dasso, y “Como juegan los perros”, de Lucas Ranzani (3ra temporada). En teatro de texto, dirigió “Opción Múltiple” de Luis María Moncada, “Cabaña Suiza” de Lautaro Vilo, “Fuera de juego” de Alfredo Allende, “La Tienda. Poder. Pueblo. Revolución” y “Breve reseña sobre el final de las cosas” de Gustavo Lista, “El efecto de los rayos gamma sobre las caléndulas” y “Largo adiós” de Tennessee Williams, “Sobre el daño que hace el tabaco” de Antón Chéjov, “El bello indiferente” de Jean Cocteau, “La señorita Julia” de August Strindberg, “La última cinta” de Samuel Beckett, “El difunto” de René de Obaldia y “El montaplatos de Harold Pinter”, entre otras. También adaptó y dirigió “Diario de un loco” de Nikolái Gógol. En cine, co-protagonizó la película “Por tu culpa”, dirigida por Anahí Berneri. Desde hace 30 años, dirige y es docente en “RV – Estudio de Entrenamiento Actoral Rubén Viani”. Además, es docente, u
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Pelucas y peinados: Mbsalon, Miguel Ángel González Caracterización: Mbsalon, Miguel Ángel González Supervisión dramatúrgica: Juan Francisco Dasso Ha sido jurado en las Fiestas Supervisión de escenografía: Regionales de Teatro Micaela Sleigh Independiente de Buenos Aires (en dos ocasiones), en “Cosecha Asistencia de dirección: Tomás Barrionuevo Escénica” (Rosario, Santa Fe) Producción ejecutiva: y en el Concurso de Teatro de Sol Muñoz, Estanislao Molteni, La Comedia de la Ciudad de La Marianela Dollera Albarracin Plata. Coordinación de producción: Santiago Algan Ficha Técnica Artística: coordinador pedagógico y académico de la “Licenciatura en Artes Escénicas” de la Universidad UADE. En 2018, fue reconocido con el Premio Mejor Docente UADE.
Dramaturgia: Belén Amadio, Julieta Molina, Joaquín Scotta, Agustina Quaglia, Micaela Vargas, Renato Pinto, Clara Suarez. Dirección General Ruben Viani Dirección Coreográfica: Vanesa García Millán Dirección musical: Juan Pablo Schapira Composición Musical: Juan Pablo Schapira, Joaquin Scotta Orquestación Especial: Pablo Flores Torres Actúan: Belén Amadio, Julieta Molina, Joaquín Scotta, Agustina Quaglia, Micaela Vargas, Renato Pinto, Clara Suarez. Covers y coros de cabina: Dolores Basualdo, Florencia Diez, Federico Solla Diseño de vestuario: Laura Staffolani Diseño De Iluminación: Ariel Ponce
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Prensa: Caro Arellano. Expansión Teatral FUNCIONES MAYO: Lunes 5 - 20.30hs Lunes 12 - 20.30hs Lunes 19 - 20.30hs Lugar: El Galpón de Guevara Guevara 326, CABA Contacto de Prensa: Caro Arellano. Expansión Teatral expansionteatral.prensa@gmail. com
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UNA OBRA EMOTIVA Y TRANSFORMADORA ANA POR LA VENTANA CON CARLA PANDOLFI DIRECCIÓN DE ALBERTO LECCHI Ana por la Ventana, una obra de Alfredo Allende protagonizada por Carla Pandolfi y dirigida por el reconocido cineasta y director teatral Alberto Lecchi (en su regreso al teatro), en el Camarín de las Musas (Mario Bravo 860, CABA) viernes 04 de abril a las 22:30 horas. Las funciones se llevarán a cabo todos los viernes y las entradas ya están disponibles en Alternativa Teatral y en la boletería del teatro. En esta historia entrañable y poderosa, Ana, una mujer atravesada por mandatos y rutinas, descubre en un día de lluvia, un pequeño tesoro. Ese hallazgo se convertirá en un camino de autodescubrimiento a través de una ventana. Ese acto de arrojo será la poderosa fuerza para cambiar su vida
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SINOPSIS Ana por la Ventana es una obra sobre la posibilidad de alcanzar la felicidad. Ana, una mujer sencilla, cálida y cordial, atraviesa la vida cumpliendo con lo que se espera de ella. Pero una mañana lluviosa encuentra un pequeño tesoro que cambiará su destino. En ese instante se abre una ventana, y con ella, la posibilidad de ser protagonista de su propia historia. Una pieza emocionante que nos enfrenta a la pregunta: ¿Es posible cambiar el rumbo de nuestra vida? FICHA TÉCNICA Autor: Alfredo Allende Actriz: Carla Pandolfi Director: Alberto Lecchi Iluminación: Claudio Del Bianco Música original y sonido: Rafael Sucheras Fotografía: Nacho Lunadei Diseño: Nahuel Lamoglia Vestuario: Analía Manouelian Prensa y RRSS: 0KM Prensa Asistencia de dirección: Zulema Villalonga Producción artística: Pablo Silva y Valeria Baranchuk Producción: Juan Nicolás Broens SOBRE CARLA PANDOLFI Actriz con una sólida trayectoria en teatro, cine y televisión. Licenciada en Teatro por la Universidad Nacional de Córdoba y egresada de la Escuela de Teatro de Buenos Aires. Desde hace varios años se desempeña en el circuito artístico integrando diferentes elencos tanto en el ámbito Teatral como
Audiovisual. Entre ellos se destacan sus interpretaciones dentro de producciones como “Envidiosa”,”Espartanos”, “Un Gallo para Esculapio”, “Diario de un Gigoló”,, “Inmaduros”, “Perfectos Desconocidos” y “Parque Lezama”, entre muchas otras. Fue nominada a los Premios ACE como Mejor Actriz de Reparto en Drama/ Comedia. SOBRE ALBERTO LECCHI Director de cine, teatro y televisión con una trayectoria
destacada. Ha dirigido películas como “Nueces para el amor”, “Apariencias”, “Sola contigo” y “El frasco”. En televisión, fue responsable de éxitos como “Mujeres Asesinas”, “En Terapia” y “Epitafios”. En teatro, ha dirigido obras como “Illia, historia de un hombre honesto” y “Feria Americana”. Ha sido galardonado con premios como el Martín Fierro y el Cóndor de Plata. PRENSA 0KM Prensa kevin.0kmprensa@gmail.com
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Luego de presentarse con gran éxito en Chile a sala llena durante 4 años, en el mes de abril llega a Buenos Aires la obra “DANIEL, voy a ser el gay más famoso de Chile”, dirigida por Ramón Mazuela Falchetti. Basada en hechos reales y con elenco argentino, la obra ofrece una mirada profunda y conmovedora sobre la vida
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de Daniel Zamudio, un joven cuya historia es un recordatorio poderoso de la lucha por la aceptación y el amor. “DANIEL, voy a ser el gay más famoso de Chile”, una obra inspirada en la lucha por la identidad, el amor y la aceptación.
el Teatro Buenos Aires (Rodriguez Peña 411, esq. Corrientes. CABA). Es una producción de Teatro La Matrera, compañía teatral que realiza obras en Argentina y en Chile.
Las funciones serán todos los jueves de abril y mayo a las 20h.
“DANIEL, voy a ser el gay más famoso de Chile” ofrece una
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mirada profunda y conmovedora sobre la vida de Daniel Zamudio, un joven cuya historia es un recordatorio poderoso de la lucha por la aceptación y el amor. La obra presenta su vida de manera cruda y melancólica, explorando su relación con su familia, su novio y sus asesinos. Nos recuerda su brutal asesinato, un crimen homofóbico que marcó a Chile y que aún resuena en nuestra sociedad. “DANIEL, voy a ser el gay más famoso de Chile” es un relato conmovedor que aborda la vida, los sueños y los desafíos de quienes luchan por ser aceptados por quienes realmente son, a través de un enfoque lleno de emoción, humor y sensibilidad. A través de su historia, la obra y su puesta buscan generar conciencia sobre la violencia y la discriminación que enfrentan las personas LGBTQI+. SOBRE DANIEL ZAMUDIO Daniel Zamudio fue víctima de un ataque homofóbico en 2012 que conmocionó a Chile y al mundo. Su muerte generó un movimiento social en favor de los derechos humanos y la Ley Zamudio, que tipifica como delito la discriminación por orientación sexual. Esta obra rinde homenaje a su memoria, manteniendo viva la lucha por la igualdad y la aceptación. EQUIPO CREATIVO Actúan:
Matheo Falvo, Juan Lucero, Pamela Maviglia, Aldana Sosa, Mili “Rubi” Cayguará, Miguel Jacinto Olano, Mateo Ricci, Nicolás López, Silvana Masi, Javier Salas, Alejo Ron, Lucila Saffores, Camila Biglieri Lefiú, José Manuel Muñoz Olivera, Roro Odriozola, Cruz Benavidez. Gráfica y audiovisual: Nicolás Viguera Prensa: Alexis Mazzitelli Producción: Teatro La Matrera Técnica: Isabel Guerra Dirección: Ramón Mazuela Falchetti JUEVES DE ABRIL Y MAYO 20H. EN EL TEATRO BUENOS AIRES Instagram @teatro_la_matrera Entradas por Plateanet SOBRE EL DIRECTOR monchofalchetti)
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Ramón Mazuela Falchetti es un destacado director y actor chileno. Debutó en 2005 con la obra “Con Pecados Concebidas”, escrita por Rosario Valenzuela, que fue un éxito absoluto de taquilla durante dos años en varios teatros de Chile.
A lo largo de su carrera, ha dirigido más de 35 montajes teatrales. En 2019, estrenó la obra “Hiroshima Mon Amour”, escrita por Margarite Duras, en el Teatro Las Tablas. Sin embargo, debido al estallido social en Chile, solo se pudieron realizar tres funciones. En 2020 celebró los 18 años de su compañía teatral “La Matrera” con cuatro funciones de su primera obra, “Con Pecados Concebidas”. También ha dirigido talleres y obras teatrales con actrices y actores destacados de Chile. Recientemente ha dirigido la obra “Daniel: Voy a ser el gay más famoso de Chile”, la cual aborda temas de homofobia y violencia. La obra ha sido bien recibida por la crítica y el público y hasta el día de hoy continúa en cartelera en Santiago de Chile por su importante mensaje a la sociedad. En el 2023 decide irse a vivir a Buenos Aires, ciudad en la que crea el Espacio Cultural La Mansión Matrera en el barrio de Almagro. Es en ese espacio donde sigue las creaciones de sus proyectos: Siete obras dirigidas por él y una película Argentina-Chilena. Actualmente, Ramón se encuentra estrenando su octava obra “Una Duda Razonable” en Av Corrientes. PRENSA Alexis Mazzitelli @mazzitellialexis
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EL AVARO de Moliére 10 actores en escena! EL AVARO de Molière con dirección general, adaptación, vestuario y ambientación de Alberto Madin. Aunque se presenta en una sala independiente, su calidad y el tamaño del elenco (10 actores) hacen de ella una producción que bien podría estar en un teatro de la magnitud del San Martín. Las funciones son los domingos 18h. en MUY Teatro: Humahuaca 4310, Almagro, CABA. Reservas: https://www.alternativateatral. com.ar/obra90870-el-avaro Precio de las entradas: $12.000 La ambición desmedida y la codicia conducen inevitablemente a la soledad, atrapando al individuo en una incansable búsqueda de beneficio propio sin considerar a los demás. Molière se sumerge en esta realidad y nos entrega El Avaro, un clásico inmortal que, en esta versión renovada, cobra vida con una mirada fresca, divertida y original. Esta puesta en escena invita al público a espiar el mundo de Harpagón, un hombre cuya obsesión por la riqueza lo lleva a descuidar a sus seres queridos. En su avidez
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insaciable, no disfruta, no sonríe, no comparte. Su mezquindad despierta el grotesco y provoca el rechazo de quienes lo rodean: sus hijos, sus sirvientes y su círculo más cercano. Con un ritmo ágil y dinámico, la obra despliega un universo de personajes pintorescos que, a través del humor y la ironía, dan forma a una historia donde la sátira social se convierte
en un espejo implacable. La cuidada adaptación sorprende con actuaciones precisas, vestuario colorido y una puesta vibrante que mantiene al espectador cautivado de principio a fin. Molière afirmaba: “La regla de oro, por sobre todas las cosas, es divertir…” Y en esta versión de El Avaro, el deleite está asegurado.
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FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA Autoría: Molière Actúan: Ariel Arroyo, Leandro Caccia, Alberto Alburquerque, Daniel Di Rubba, Rocío Estévez, Alejandra Figueras, Rubén Noceda, Ernesto Ocampo, Rubén Otero, Micaela Ventoso Musicalización: Andy Buonfrate Asistencia de dirección: Lina Rodriguez Dirección general, adaptación, vestuario y ambientación: Alberto Madin
Alberto Madín (Director) Es actor, director, escenógrafo y docente teatral. Egresó del Instituto de Arte Moderno. Trabajó en “Los dos hidalgos de Verona” (director), “Jettatore” (actor y director), “El médico a palos” (Director), “El enfermo imaginario” (actor y director), “El Burgués Gentilhombre” (director), “El avaro” (director), “Las criadas” (director), “Reflejos en el agua” (director), “Alimañas ponzoñosas” (autor y director).
con una vasta trayectoria en el escenario y en la formación actoral. Con más de tres décadas de experiencia, se ha consolidado como un intérprete versátil y comprometido con su arte.
Egresado de la Escuela de Teatro de Buenos Aires (ETBA), ha perfeccionado su técnica con referentes como Raúl Serrano, Javier Daulte y Rodolfo Graziano. Su formación incluye pedagogía teatral, clown, teatro gestual y entrenamiento físico para actores. En el ámbito teatral, ha protagonizado y dirigido numerosas producciones, destacándose en obras clásicas de Molière como El enfermo imaginario, El avaro y El
burgués gentilhombre, así como en piezas contemporáneas como Las criadas, Reflejos en el agua y Inevitable. Pasión y muerte de Eva Perón. Su labor también se ha extendido a la dramaturgia y dirección, con montajes reconocidos en festivales nacionales e internacionales. Como docente, ha formado actores durante más de 20 años, dictando clases en instituciones educativas y talleres privados. Su compromiso con la enseñanza del teatro lo ha llevado a especializarse en la pedagogía teatral, transmitiendo su pasión a nuevas generaciones de intérpretes. Con un recorrido que abarca el teatro, la televisión y el cine, Daniel Di Rubba sigue apostando por proyectos que desafían los límites de la interpretación y el arte escénico. TEHAGOLAPRENSA Andrea Feiguin info@tehagolaprensa.com.ar
Daniel Alejandro Di Rubba Actor, director y docente teatral
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¡ESTRENO 2025! Roxana Berco presenta
Viernes en Patio de Actores
Tres mujeres, dos generaciones, habitan un refugio. Los cuartos oscuros funciona como un símbolo polisémico. Es el cuarto de donde salió el resultado electoral que atormenta a estas tres mujeres, es el cuarto oscuro donde se autoexiliaron, y en el que la descendencia parece desdibujarse ante un mundo asolado por lo que ellas creen la barbarie. Es una polaroid del sentir actual de tres mujeres y sus modos de adaptarse a una
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violencia creciente y delirante que intenta introducirse en su frágil hogar. FUNCIONES VIERNES A LAS 20 HORAS Patio de Actores Lerma 568 Entradas $14.000 En venta por Alternativa Teatral FICHA TÉCNICA Elenco: Lili Popovich, María Valiente,
Pía Fonseca, Horacio Banega Escenografía: Marcelo Valiente Asistencia de escenografía: Laura Spampinato Vestuario: Marcelo Valiente, Laura Spampinato Diseño sonoro: Carmen Baliero, Manuel Brener y María Valiente Diseño de iluminación: Gonzalo Calcagno Fotografía: Marcela Russarabian Diseño gráfico:
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Andrea Boass Comunicación y prensa: Mutuverría PR Asistencia de dirección: Manuel Brener Dramaturgia y Dirección: Roxana Berco Agradecimientos: Dora Milea, Verónica Allocati, Mariano Pérez de Villa, Alberto Berco y Mayra Gómez Kemp Duración: 75 minutos PALABRAS DE LA DIRECTORA Roxana_Berco “Se trata de una comedia negra en la que seguiremos a una madre y sus dos hijas que, luego de un evento nacional descorazonador, se ayudan mutuamente a sobrellevar el estado de degradación
generalizado que impera en su entorno y que se está introyectando en forma de enfermedad de los cuerpos y trastornos en la percepción de la experiencia. Las dos hermanas se encuentran desconcertadas ante la responsabilidad de cuidar a una madre que ha bajado los brazos y se ha entregado a una desesperanza ciclotímica e histriónica. Un afuera agresivo e invasivo penetra en el hogar, después de un incendio, a través de un vecino, vendedor de armas. Una erótica vinculación transgeneracional se juega entre estas mujeres y él. La propuesta artística hace énfasis en las restricciones cotidianas que asolan al sujeto urbano contemporáneo. Hábitats domésticos confrontados a un entorno de alta incidencia sonora y muy limitada
percepción visual del afuera... El deseo, los anhelos épicos y la desesperada búsqueda de significantes transforman el ambiente doméstico en un antro distópico.”
SOBRE ROXANA BERCO Roxana Berco es actriz, directora, maestra de teatro y dramaturga. Nació en Buenos Aires en una familia de actores de cine y teatro. Comenzó su formación artística con Augusto Fernández, Lito Cruz, Caelos u
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Gandolfo, Julio Ordano y Antonio Mónaco. Se entrenó también en seminarios con Dominic de Fazio, Eric Morris, Bruce Katzman, Chris Hayes, Jeremy Stockwell, Katya Benjamín, Jane Boston, Serge Nicolai, Olivia Corsini y Jeremy James, Julio Chavez, Federico León, Marcos Arano (Clown y Máscaras), Mariano Gonzalez y Mariano Saba. Diplomatura en dramaturgia en el Centro Cultural Paco Urondo (UBA). Desde sus comienzos incursionó en un espectro de producciones tan ecléctico como programas de humor con Olmedo. telenovelas (Lozano Dana), comedias musicales (Pepe Cibrián–Ricky Pashkus) y formó parte del TIT Taller de investigaciones teatrales. dirigido por juan Uviedo. Luego trabajó en teatro en obras como “Greek”de S.Bercoff dir: Analía Fedra García, nominada como Mejor Actriz Teatro Alternativo 2012 (Premios ACE); “Los días felices”, de S. Beckett (dir: Lamberto Arévalo; “La boda de Fanny Fonaroff” (dir. Roxana Berco) Absurdo Criollo (dir. Marcos Arano) En cine en “La película del rey” “Cautiva”, “Como pasan las horas”. “El nido vacío”; “Verdades Verdaderas”; “Mariel espera”; “El corte”, “La otra piel”, entre otras. En televisión ha participado en ciclos como: “Vulnerables”; “Signos” (miniserie de Polka). Terapia alternativa, entre otros. Cómo directora y autora: “Las miserias espantosas” (Serie de Performance en Paladium
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y Cemento-1984); “La tribu, trabajo en retroceso” 2008); Titania (Performance , sobre una instalación de los artistas plásticos- 2015); La boda de Fanny Fonaroff. Como autora y directora (2016 y 2017) Sueño de una noche de verano (Adaptación para jóvenes con autismo y TGD). Codirección con María Valiente. Patio de Actores 2018. Los Natansohn. 2019. El cielo sobre el camarín. Coautoría y codirección con María Valiente.2022 Una sabe de esas cosas (de Virginia Ariztoy. dirección Roxana Berco) Río Grande Argentina 20232024
en múltiples instituciones tales como: Centro Cultural San Martín; Fundación Universidad de Cine; Escuela Superior de Cine (dirección de actores); Club de Teatro; Escuela de Comedia Musical de Julio Boca; Río Plateado (Centro de Formación Teatral dirigido por Hugo Midón). AUPA Centro educativo y terapéutico de día para personas con autismo y trastornos generalizados del desarrollo. Ha impartido cursos de entrenamiento expresivo al cuerpo periodístico del Cronista comercial y de Infobae. www.roxanaberco. com.ar
Desde 1988 hasta la fecha ha desempeñado su tarea como docente teatral en su estudio y
PRENSA Mutuverria PR info@mutuverria.com
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REGRESA AL TEATRO METROPÓLITAN “MAMÁ ESTÁ MÁS CHIQUITA” Emocionante musical que aborda en profundidad temáticas sociales, regresó al teatro Metropólitan el pasado Jueves 17 de abril a las 22.15 h. Esta obra ha sido aclamada por su profunda exploración de las relaciones familiares y su enfoque tierno y emotivo. El elenco está formado por Tomás Wicz; Débora Turza, Paloma Sirven, Julia Tozzi, Juan Manuel Barrera y Beatriz Dellacasa. La Dirección General es de Marcelo Albamonte. SINOPSIS Rita tiene dos hijos: Diego, de dieciocho años, y Clara, de dieciséis. Diego es muy sensible. Toda la vida fue especial, pero en los últimos años su universo de fantasía ha ido ganando lugar por sobre la crudeza del mundo real. Clara es una adolescente que intenta liberarse del ambiente opresivo de su casa, de la mano de su novio Germán. Es que Rita es una madre muy presente. TAL VEZ Demasiado. Rita recibe una noticia que pone en cuestión sus pretensiones de controlar y proteger el nido para toda la vida. Se está haciendo más chiquita, y tarde o temprano va a desaparecer.
forma más viable de enfrentar ciertas verdades FUNCIONES: jueves a las 22.15 h. Teatro Metropolitan Av. Corrientes 1343 – CABA. Duración de la obra 80 minutos. Entradas a la venta en www.plateanet.com o por boletería del teatro FICHA TÉCNICA Libro y letras: Ignacio Olivera Elenco: Juan Manuel Barrera, Beatriz Dellacasa, Paloma Sirvén, Julia Tozzi, Déborah Turza, Tomás Wicz Música y letras: Juan Pablo Schapira Dirección musical y arreglos vocales: Juan Pablo Schapira Dirección: Marcelo Albamonte Asistente de dirección: Augusto Moreno Asistencia de producción; Violeta Cárcova Vestuario: Marisol Castañeda Vestidora:
Carola Jazmín Schiavo Escenografía: Lucila Rojo, Gastón Sagali, Heber Fleitas Diseño de luces: Samir Carrillo, Caio Senicato Asesoramiento coreográfico: Diego Bros Diseño gráfico: Martín Bayne, Micaela Orfali Redes: Ludmila Minicelli Fotos: Mel Ercoli Video: Lucas Caponnetto Prensa: SMW asesores de prensa Músicos: Franco De Paoli (batería), Gustavo Urkel (guitarra y bajo), Juan Pablo Schapira (piano), Juan Ignacio Unzurrunzaga (cello y bajo) Producción ejecutiva: Emiliana di Pasquo y Juana Civit Coordinación de producción: Nicolás Alan Medina Producción general: MAYKA PRENSA Raúl Casalotti SMW - asesores de prensa FB: smwpress TW / IN : @smwpress
La historia transcurre entre la realidad y la fantasía. Mejor dicho, en una realidad intervenida y aumentada por la fantasía. Cuando el diálogo abierto es temido, el juego parece ser la
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Estreno
de Leticia Coronel El pasado domingo 6 de abril a las 18 horas, se estrenó Ojos látigo, con dramaturgia y dirección de Leticia Coronel. La obra trae el ritual a escena. Cuatro cuerpos invocan a su amigo fallecido, le dedican palabras, un recital, un baile; hacen de su ausencia una presencia viva. Todo sucede en una esquina y en una noche. El sentimiento de la obra es un homenaje al tiempo compartido con otros que ya no están y a la reconstrucción de lo aprendido en los primeros años de vida: la inocencia. La infancia, la vereda, ese lugar donde todo es posible. Las funciones son todos los domingos de mayo a las 18 horas en El Extranjero Teatro (Valentín Gómez 3378, Abasto). Entradas a través de Alternativa. SINOPSIS Un homenaje a un amigo que ya no está. Un ritual barrial para invocarlo y hacer viva su ausencia. Esta obra está dedicada al hermano de Leticia Coronel,
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Leonel Coronel, quien en el año 2023 perdió a su mejor amigo, y a todas las personas que, a pesar de la ausencia, siguen viviendo y continúan con el
trabajo del recuerdo y el amor. “Pensé en los amigos de mi hermano, en el barrio, en los lugares comunes de las infancias de los años 2000:
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las esquinas, los quioscos, los bancos, las canchas de fútbol, los espacios improvisados. La amistad como un sustituto de padres y madres ausentes por trabajo excesivo. La amistad como el centro de tiempo, relato, emoción y existencia. Cuando uno está con amigos, está a salvo; el mundo puede desmoronarse, equivocarse, retroceder, pero mientras estemos enlazados, seguimos avanzando”, Leticia Coronel. FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA Actores y creadores escénicos: Julián Vila Graca, Mathias Percat, Matías Coronel y Vicente Pérez. Colaboración artística: Damiana Gamarra, Manuel Fuster y Maira Annoni Vestuario: Uriel Cistaro Diseño coreográfico: Vicente Pérez Diseño gráfico: Manuel Mateu Diseño audiovisual: Trinidad Falco Diseño sonoro: Moreno Curubeto Diseño de iluminación: Paula Fraga Prensa: Marisol Cambre Producción ejecutiva: Leticia Coronel, Manuel Fuster y Damiana Gamarra Asistencia de dirección: Jennifer Hernández Dramaturgia y dirección: Leticia Coronel
como directora escénica y dramaturga se destacan Hacer vivir un corazón, Un presente y Estoy acá sin fin, esta última fue seleccionada como obra nacional en el Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA) 2024. Actualmente se encuentra trabajando en sus nuevas creaciones: Ojos látigo y Los Tesoros. Sobre Leticia Coronel Leticia Coronel es dramaturga, directora escénica, docente, actriz y productora. Comenzó su formación actoral en 2002 y en 2010 cursó la Licenciatura en Actuación en la UNA. A lo largo de su carrera, se formó con referentes destacados de las artes escénicas. En 2019 fue seleccionada como Bienalista de Arte Joven de Buenos Aires junto a Federico Pereyra, por su obra HIJAS. Actualmente dicta clases de entrenamiento actoral en el Teatro Abasto Social Club y en el Centro Cultural Ricardo Rojas. También se encuentra cursando la diplomatura en escritura creativa en NN (nuevas narrativas). Desde 2018 coordina los seminarios de escritura De la intimidad a la ficción, Adentrarse y El cuerpo que escribe, con especial foco en talleres dirigidos a la escritura en primera persona. Entre sus últimos trabajos
FUNCIONES Teatro El Extranjero Valentín Gómez 3378 Domingos a las 18 horas Duración: 70 minutos Entrada general: $15.000 Estudiantes y jubilados: $12.000 Instagram - Material fotográfico Hasta el domingo 25 de mayo Quien tuvo un amigo al que pudo aferrarse fuerte sabe que, en gran parte, eso es haber aprendido a vivir. PRENSA Marisol Cambre prensa@marisolcambre.com.ar
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“MIRAR AL RÍO. Diálogos con lo inanimado” Una experiencia onírica, musical e inmersiva. La obra en tres actos está organizada como una coreografía visual en las que se arman y desarman ágilmente paisajes y atmósferas poéticas que recrean retazos de la memoria de nuestro territorio. La puesta es escena conjuga elementos multidisciplinarios innovadores, con un elenco que danza con los instrumentos
Una creación multidisciplinaria de la Compañía cuerpoequipaje y artistas invitados. En el marco del festejo por sus 10 años la reconocida Compañía cuerpoequipaje conformada actualmente por Tatiana Sandoval, Bárbara García Di Yorio, Cecilia Candia, Gabriela Baldoni y artistas invitados, presenta “MIRAR AL RÍO, diálogos con lo inanimado”. Una obra sobre la memoria y el territorio. La propuesta conjuga elementos performáticos, visuales inmersivas, danza, objetos y música en vivo.
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e interactúa con visuales y pequeños objetos. SINOPSIS “MIRAR AL RÍO”. Es una obra sobre memoria y territorio. La acción transcurre en las orillas del Río de la Plata.
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Se conjugan tiempos ancestrales y un pasado cercano. ¿Cómo recuerda el río, a aquellos cuerpos que ya no están? Un ensamble de recuerdos que se mixturan en esa máquina de la memoria que es el escenario. FICHA ARTÍSTICA Dramaturgia y dirección escénica y coreográfica: Tatiana Sandoval Composición y dirección musical: Cecilia Candia
Diseño de visuales: Gabriela Baldoni
Fotografía: Patricia Ackerman
Elenco: Bárbara García Di Yorio, Estefania Amoruso, Josefina Sabaté y Baudron, Leo Volpedo, Diego Nuñez y Gabriela Baldoni. Diseño de iluminación: Adrián Grimozzi Diseño de vestuario: Lucia Mezzera y Fiamma Greco Asistente de dirección: Romina Giselle Asatt.
FUNCIONES SÁBADOS 10, 17, 24 y 31 de mayo a las 18 h. TEATRO ÁREA 623 PASCO 623, CABA Reservas para público en general: por el sitio Alternativa Teatral: Mirar al río Diálogos con lo inanimado O al cuerpoequipaje.adm@gmail. com PRENSA Carla Segalini www.facebook.com/correydile Instagram @correydileprensa
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SÁBADO 18H. EN ÍTACA
“Las Bingueras de Eurípides” es una comedia trágica, vibrante y desbordada, donde el mito y lo cotidiano se cruzan en un bingo clandestino. Inspirada en “Las Bacantes” de Eurípides, la obra sigue a un grupo de mujeres que, entre cartones, confesiones y desafíos, encuentran en el juego mucho más que azar: un espacio de resistencia, comunidad y
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liberación. Todo cambia con la llegada de Dionisia, una figura tan magnética como disruptiva, que las arrastra a una celebración donde lo festivo se vuelve ritual y la risa, desafío. Con música en vivo, humor afilado y un ritmo vertiginoso, “Las Bingueras de Eurípides” nos sumerge en un viaje donde el caos y la libertad se abrazan.
PALABRAS DE FRANCISCO CIVIT, DIRECTOR. “Bingueras…” es un feliz gran desafío. Desde su comisión por Argentores para el semimontado, hasta su posterior producción y actual estreno, fue un camino sinuoso pero lleno de acuerdos, accidentes y aciertos. Creo que conjurar a un elenco tan numeroso y salir a
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producir en este contexto desde el independiente, ya es un logro en sí mismo. Dar forma, con el equipo artístico técnico y lxs intérpretes, a este material tan particular fue el mayor de los logros: una comedia desfachatada, guaranga, en verso y con un contenido político que dialoga directamente con el presente de nuestro querido y maltratado país. “Las bingueras de Eurípides” es un pieza que nos habla sobre comunidad, apoyo ante la adversidad, la rebelión y el trágico fin que genera en víctimas y victimarios la opresión. FICHA TÉCNICO – ARTÍSTICA: Dramaturgia: Ana López Segovia Dirección: Francisco Civit
Actúan: Cristina Blanco, Gabriela Calzada, Vanesa Cardella, Ariel Cortina, Gisella Crimi, Natalia Chiesi, Analía González Bravo, Daniela Lozano, Juan Pablo Maicas, Federico Minervini, Roberto Monzo, Natalia Olabe, Mariana Ortiz Losada, Mar Bel Vázquez. Diseño de Vestuario y Escenografía: Gabriella Gerdelics. Diseño de Iluminación: Facundo Estol. Coreografía: Silvina Duna. Música original: Juan Pablo Maicas y Francisco Civit. Arreglos musicales: Juan Pablo Maicas. Colaboración musical: Juan Pablo Maicas, Mar Bel Vázquez, Julián Vilar, Gabriela Calzada, Gisella Crimi, Vanesa
Cardella, Ariel Cortina, Natalia Olabe, Roberto Monzo y Francisco Civit. Asistente de dirección: Carlos Farías. Prensa: Pablito Lancone Producción ejecutiva: Anabella Moreno. Diseño gráfico: Adrián Riolfi. Co-producción: Teatro El Crisol. FUNCIONES: Sábados 18h. Ítaca Complejo Teatral Humahuaca 4027 Entradas por Alternativa Instagram: “Las bingueras de Eurípides” @bingueras.de.euripides PRENSA Pablo Lancone pablolancone@gmail.com
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RE-ESTRENO
La Señora y la Chica del Tótem Dramaturgia y Dirección de Laura Gonzalez SINOPSIS Es Nochebuena. Una señora está observando la lluvia desde la ventana de su departamento. Decide cancelar un compromiso al que no desea asistir y, a
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partir de allí, vivirá una serie de sucesos fantásticos e inesperados que la llevarán a enfrentarse con sus recuerdos. El encuentro virtual con la chica del tótem de seguridad de su edificio potenciará lo mágico de
esta noche. Son dos mujeres que, en principio, parecen no tener nada en común; pero que se unirán en la aventura de vencer la distancia, encontrarse y realizar un rito para invocar la presencia de un misterioso ángel
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que parece traer un mensaje. Dice la autora sobre la obra “La señora y la chica del tótem” surgió en el 2018 a partir de una imagen mental que me obsesionó: se trataba de una señora que estaba charlando con la persona del Tótem de seguridad en Nochebuena. En esta obra de teatro, la soledad y la culpa se entrelazan en una narrativa que explora la complejidad de las relaciones humanas, revelando las profundidades del dolor y la nostalgia que pueden surgir tras la pérdida de un ser querido. La protagonista, sumida en el vacío que le dejó la ausencia física de su marido, se ve obligada a confrontar su pasado, donde se esconden las palabras no dichas y los errores que la atormentan. Sin embargo, en medio de la desesperanza, la obra nos recuerda que nunca es tarde para reparar y pedir perdón, ofreciendo una esperanza de redención y sanación. A través de un elemento fantástico, encarnado por una joven que se manifiesta en un tótem de seguridad, la obra recupera la mística y el milagro, conceptos que han sido relegados de nuestra cotidianidad. Esta unión de lo real y lo sobrenatural nos invita a reflexionar sobre la conexión entre lo terrenal y
lo divino, y a considerar la posibilidad de que haya algo más allá de lo que podemos ver y tocar. La obra nos lleva a explorar la frontera entre lo visible y lo invisible, y a descubrir que lo que parece invisible puede estar presente en nuestras vidas de maneras inesperadas. Más allá de las creencias individuales, esta obra busca resonar en la audiencia, ofreciendo una reflexión sobre la importancia de los vínculos familiares, el perdón y la conexión con un mundo sutil, aparentemente invisible, pero presente en nuestras vidas. AGENDA Re-estreno: sábado 3 de mayo, 18:30 hs. Funciones: sábados, 18:30 hs. Lugar: Machado Teatro Antonio Machado 617, CABA Entradas: $14.000 / PROMO 2x $20.000 (hasta agotar 10 loc.) / Jub. y est. $8000 (hasta agotar 6 loc.) / Alternativateatral o en boletería Duración: 60 min. Público + 18 años FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA Elenco: Adriana Cerruti y Candelaria Monzón Música en vivo: Martín Bari Composición musical:
Rubén Lesgart Diseño y realización de escenografía: Leonardo Massari Vestuario: Sol Fernández Maquillaje: Yami Church Iluminación: Juan Manuel Sodorini Diseño gráfico: Micaela Costa Prensa: OCTAVIA Comunicación Asistencia de dirección: Jesica Boladeras Dramaturgia y Dirección: Laura Gonzalez BIO Laura Gonzalez Laura Gonzalez es una actriz y directora teatral que reside en CABA. Comenzó su formación hace más de 25 años. Ha realizado numerosos cursos y talleres de actuación, dramaturgia, dirección y dirección de arte con destacados profesores. Su trayectoria incluye participaciones en obras de teatro, películas y proyectos autogestivos en los que escribió, actuó y dirigió. Actualmente, se desempeña como directora de la obra „La Señora y la Chica del tótem“, de su autoría. Instagram: @lasenoraylachicadeltotem PRENSA OCTAVIA María Eugenia Souto eugenia@octaviacultura.com.ar
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Memoria de un crepúsculo De Stephen Belber.
Dirección: Merceditas Elordi. Actuaciones: Cecilia Chiarandini y Alejandro Giles.
Dijo The New Yorker: “La pequeña y deslumbrante obra de Stephen Belber se desarrolla como un cuento
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elocuente. Con trazos ágiles, Belber… capta la extraña manera en que un encuentro casual puede repercutir a
través del tiempo”. Juan y Magui se reencuentran ante la posibilidad de una
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segunda oportunidad. Dos vidas unidas en el pasado y separadas en tiempo y espacio. Un atardecer en la playa y un recuerdo que insiste en volver hasta el final de sus días. Molly y Ray se encuentran inesperadamente 25 años después de una aventura adolescente de una tarde. Ella tiene una exitosa carrera en los medios de comunicación; él es dueño de una pequeña empresa de jardinería. Ambos comienzan a idealizar su reencuentro fortuito, pero una renovada conexión se interrumpe cuando Ray revela los sórdidos detalles de un episodio ocurrido años atrás. Su encuentro revela dos caminos muy diferentes y dos almas solitarias que intentan recuperar un momento de posibilidad, cuando eran jóvenes y tal vez estaban en su mejor momento. Autor: Stephen Belber Traducción: Cecilia Chiarandini Adaptación: Giles / Elordi Título original: Dusk Rings a Bell Intérpretes: Cecilia Chiarandini y Alejandro Giles. Escenografía e iluminación: Edgardo Aguilar Fotografía: Laura Elizabeth Ibarborde Diseño Gráfico: Leandro Martín Correa
Música original: Braian Arévalo Redes sociales: Nico Matías Urra Prensa: Duche&Zárate Vestuario: Crepúsculo. Dirección: Merceditas Elordi Dijo The New York Timer: “Un drama sublime”. Una historia apasionante, una segunda oportunidad… pero algo pasó en el medio con ellos. FUNCIONES: Sábados a las 17.30 h. Teatro El Tinglado Mario Bravo 948 - CABA
guionista y director de cine estadounidense. Sus obras se han representado en Broadway y en más de 25 países. Ha recibido múltiples distinciones a lo largo de su carrera. En 1997 fue el ganador del Premio Fringe NYC a la Excelencia General en dramaturgia por Finally y en 2000 ganó el mismo premio por The Death of Frank. En el 2001 aborda el proyecto The Laramie Proyect, por cuyo trabajo como escritor de la película fue nominado a los premios Emmy. En 2004 debutó en Broadway con su obra Match que le valió a Frank Langella una nominación al Tony y que se ha representado Francia, Suiza, Alemania , Israel , Bosnia y otros lugares. Desde entonces y hasta el presente ha tenido una frondosa carrera artística con representación de sus obras en Brodway y en el mundo. En 2010, Dusk Rings A Bell fue producida por la Atlantic Theater Company de Nueva York, protagonizada por Kate Walsh y Paul Sparks, y dirigida por Sam Gold.
Stephen Belber (nacido el 3 de marzo de 1967) es un dramaturgo,
PRENSA Duche&Zárate Comunicación + Media Walter Duche – Alejandro Zarate prensa@duchezarate.com.ar @duchezarate
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LA VIDA ANIMAL
Un hombre es perseguido por lobos salvajes. Un grupo de duendes canta alrededor del fuego. Un vikingo espera el tren, pajarracos bailan en un antro rockero. LA VIDA ANIMAL es una fábula contemporánea, donde los personajes se preguntan acerca del amor, la muerte y la amistad. ¿Es la capacidad de amar lo que nos emparenta con el resto de los animales? ¿O es la de sufrir? ¿Si morir es no moverse nunca más, bailar es una forma de escapar de la muerte? LA VIDA ANIMAL propone un juego de representación, escenas fragmentadas donde conviven el dolor y la pavada.
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Duración: 60 minutos SOBRE LA OBRA El material reflexiona sobre nuestra relación con las propias fantasías y los propios fantasmas, eso que nos acosa (muchas veces permanentemente), que nos interpela, que nos pregunta, que a veces se nos presenta de forma indefinida, nos asalta. Eso que soy y que esta fuera de mi control, como una
inundación o un incendio, como una fuerza de la naturaleza. En la mayoría de los casos no podemos resolverlas, ni hacerlas desaparecer, no tenemos respuesta, sino que estamos obligados a convivir. ¿Es la pieza un entrenamiento para enfrentar la muerte? ¿Un ritual para elaborar el dolor? Si el lenguaje es un símbolo de la civilización, de la domesticación de lo salvaje, ¿cómo sería el proceso contrario? ¿Es a partir del cuerpo? ¿De la música?
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¿Del baile? La obra es un intento de dar respuesta a estos interrogantes. FICHA TÉCNICA Intérpretes: Albertina Vázquez, Andrés Ciavaglia, Román Tanoni & Julián Rodríguez Rona. Escenografía y vestuario: Cecilia Zuvialde. Iluminación: Matías Sendón & Adrian Grimozzi. Movimiento: Constanza Feldman. Colaboración coreográfica: Luciana Acuña. Diseño sonoro: Pablo Viotti. Música original: Pablo Viotti & Julián Rodríguez Rona. Supervisión dramatúrgica: Martín Flores Cárdenas. Ilustración: Juan Reos. Diseño gráfico: Mercedes Moltedo. Fotografía: Flora
los objetos y su materialidad, lo sonoro y la poética de las palabras sencillas.Desde inicios del 2000 realiza colaboraciones con destacados artistas de la escena de Buenos Aires como Mariano Pensotti, Martin Flores Cárdenas, Marina Otero, María Marull, Mariana Chaud, Ciro Zorzoli, entre otros.En 2017 SOBRE EL DIRECTOR estrenó su ópera prima “Lo lindo de calzarse es pisar en cualquier lado” como autor y director. En 2019 funda, junto al artista visual Juan Reos, “El teatro es una pintura que es un teatro” laboratorio de investigación que indaga en la frontera de las artes Julián Rodríguez Rona es escénicas y las artes visuales. En actor, músico, dramaturgo y 2024 presenta su nuevo trabajo director. En su trabajo se puede “La vida animal” donde además distinguir el interés por lo onírico de estar a cargo de la dirección y y lo fantasmal. La relación entre la dramaturgia, integra el elenco. el dolor y la ingenuidad, una ARTÍSTICA DEL constante pregunta acerca de RESEÑA la relación entre naturaleza y GRUPO naturaleza humana. En su obra estos temas están fuertemente El grupo se conforma en 2023 atravesados por preguntas en con el objetivo realizar un entrenamiento y exploración torno al uso del espacio, de lenguaje común que permita abordar la singularidad experimental y coral de la pieza. Durante el proceso se investigó en torno a la relación con la palabra, lo musical en sentido amplio, el universo de lo visual, el trabajo con los objetos, el movimiento. Y una serie de preguntas en relación a la actuación, a la representación, que es lo que finalmente hilvana todos estos elementos. Rosa y Fuerte, Julián Cardoso. Prensa: Mutuverria PR. Asistencia de dirección: Micaela Gibelli. Colaboración artística y producción: Nadia Crosa. Producción ejecutiva: Catalina Fusari Dramaturgia y dirección: Julián Rodríguez Rona.
Contacto: Julian Rodriguez Rona julianrodriguezrona@gmail.com
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HEDDA GARCÍA BLAQUIER Adaptación y Dirección de Lisandro Fiks
Sinopsis El aburrimiento, el resentimiento, los celos, el despecho por un amor que no fue, el desprecio por las clases sociales inferiores, son algunos de los posibles motivos del accionar de Eda, una mujer aristócrata que padece la desventaja femenina frente al machismo de su entorno. Su matrimonio la condena a una vida aburrida, su casa es una prisión doméstica, pero la llegada de una antigua compañera de colegio que viene a pedir ayuda, la motiva para llevar adelante un juego peligroso de manipulación y destrucción, tanto de ella misma cómo de su entorno, y finalmente, todo se le va de las manos. ¿Qué otros motores
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guían los actos de Eda? Este es uno de los grandes interrogantes que Ibsen nos deja, lo que sí queda claro es que es una mujer que considera que una muerte digna tiene más valor que una vida patética, y quizás éste sea uno de los puntos fundamentales del por qué hace todo lo que hace. Agenda Estreno: viernes 2 de mayo, 20 hs. Funciones: viernes, 20 h. Lugar: El Galpón de Guevara Guevara 326, CABA. Entradas: $15.000 / Jub. y est. $12.000 Por Alternativateatral o en boletería Duración: 75 min.
ATP (+12 años) Ficha técnico-artística Dramaturgia: Lisandro Fiks Elenco: Federico Marrale, Ezequiel Rodríguez, Sofía González, Martina Zalazar y Lisandro Fiks. Escenografía: Micaela Sleigh Vestuario: Jessica La Torre Diseño de luces: Horacio Novelle Diseño gráfico: Estudio Papier Redes sociales: Boria Audiovisual Prensa: OCTAVIA Comunicación
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Producción ejecutiva: Gigi Courtade para Trías Gestión Cultural Producción general: Maia Dirección: Lisandro Fiks Dice Lisandro Fiks autor/director sobre la obra Hedda Gabler siempre me atrajo, considero que es uno de los personajes más complejos y misteriosos del teatro. Es difícil comprender con claridad cuáles son las razones que la impulsan a generar tanto caos a su alrededor. Es considerada como una villana, pero a mí me resultaba poco interesante ponerle esa etiqueta. Además de que Henrik Ibsen -adelantado a su tiempo- nos espeja, tanto en “Hedda Gabler” como en “Casa de Muñecas” la semilla del feminismo está plantada de manera directa y clara. En ambas obras explora la condición de una mujer aristócrata teniendo que enfrentarse a las limitaciones que le son impuestas por la sociedad, una sociedad llena de mandatos, que las oprime y dificulta su búsqueda de identidad. “Hedda Gabler” sucede en la Noruega de 1890. “Eda García Blaquier” mantiene el conflicto dramático original, pero el intento de esta versión traída a la Argentina actual es que el público pueda identificarse sin dificultad. La obra invita a una reflexión profunda sobre temas y realidades socioculturales universales que el autor planteó hace más de un siglo y que su magnitud, permite su
reescritura.
María Vilches como mejor obra.
BIO Lisandro Fiks
Durante 14 años Fiks fue actor, arreglador, compositor y director musical del recordado grupo Los Amados, con el cual recorrió la Argentina y el mundo y fue galardonado en varias ocasiones con premios como el Premio Gardel, los ACE, los premios Florencio Sánchez, entre otros.
Actor, director, autor y músico. Se formó principalmente como actor y director con Augusto Fernándes por más de 12 años. También se formó con Beatriz Spelzini y Julio Chávez, entre otros. Es egresado de la Escuela de Música Popular de Avellaneda, y posee además una extensa trayectoria como músico profesional, arreglador, compositor y director musical. Entre sus obras se destacan “25 millones de argentinos” por la que ganó el premio Trinidad Guevara como mejor autor. Tanto esta obra como “1982 obertura solemne” fueron declaradas de interés cultural por el Honorable Senado de la Nación. Su versión de “La Fiaca”, rebautizada “La Gran Renuncia” y la de “Un enemigo del pueblo” fueron programadas por el Teatro San Martín y continuadas luego en el circuito comercial. Por su versión de “Un enemigo del pueblo” fue destacado a los Premios Teatro del Mundo y obtuvo el Premio ACE, el Estrella de Mar y el José
Docente de la UNA (Universidad Nacional de las Artes) de 2005 a 2022, actualmente es docente en la Universidad de La Matanza. Como actor en cine se destacan “La ira de dios” de Sebastian Schindel, “La noche de 12 años” de Álvaro Brechner y “Los dos papas” de Fernando Meireles, con Anthony Hopkins y Jonathan Pryce. Esta obra cuenta con el auspicio de la Real Embajada de Noruega Instagram: @heddagarciablaquier.obra OCTAVIA Comunicación prensaoctavia@gmail.com
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3° Temporada - Funciones a sala llena
El sonido Una obra imperdible de Javier Daulte
Berta, una joven trastornada, está segura de oír la voz de su madre muerta en el sótano de su casa. Sus hermanos mayores no terminan de aceptar su estado mental. Su ex niñera, una diputada de extrema derecha, una vieja leyenda del rock nacional y su coequiper completan el entorno familiar. Olaf, un sueco sin escrúpulos, llega a la Argentina con un curioso aparato con el que dice poder recuperar los sonidos producidos a lo largo de la historia de la humanidad. Los intereses creados, las
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pasiones cruzadas y las ideologías trastocadas harán que todos los personajes se vean envueltos en las redes del ambicioso sueco. Una comedia trepidante que plantea los límites entre lo real y lo imaginado, y la relación que establecemos con la verdad y sus detractores: la posverdad, la negación y la manipulación. Dramaturgia y Dirección: Javier Daulte Elenco: Ramiro Delgado, Luciana Grasso, Silvina Katz, Paula
Manzone, Agustín Meneses, Marcelo Pozzi, William Prociuk, Jorge Gentile, María Villar Iluminación: Sebastián Francia Escenografía: José Escobar Vestuario: Ana Markanian Música: Fernando Albinarrate Asistencia de Vestuario: Julia Seras Rodríguez Dramaturgista: Diego Morán Vera Fotografía: Atomobit
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Diseño Gráfico: Laura Tavacca Prensa: Duche & Zárate Asistencia de dirección: Valeria Camino Producción ejecutiva: Zoilo Garcés Música grabada y mezclada en Syntagma Música por Ezequiel Kosiner Blanco y Agustín Boria. Agradecimientos: Dana Basso, Jorge Gentile Este proyecto cuenta con el acompañamiento de Fundación Santander Argentina a través del Régimen de Promoción Cultural (Mecenazgo) del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires. ¿Hasta qué punto los fantasmas son patrimonio exclusivo de la imaginación y la locura? ¿Dónde convergen lo ocurrido, lo recordado y lo imaginado? La respuesta, en El sonido, se desliza de forma metafórica. Es el teatro ese lugar fantasmagórico que adquiere mágicamente la consistencia y el semblante de lo real. Podemos ver y oír a esos personajes en la medida en que sabemos que no son reales. Si lo fueran, serían inaprehensibles e incomprensibles. FUNCIONES: Martes 20h. ESPACIO CALLEJON
Humahuaca 3759 - CABA Entradas: $15.000 general / Estudiantes y jubilados: $ 13.000.Compra por Alternativa Teatral Apreciación de Javier Daulte sobre su trabajo con Equipo Espacio Callejón y El sonido El Equipo Espacio Callejón es un colectivo de artistas con los que vengo montando obras desde hace 4 años, desde el estreno de la obra Clarividentes. En este equipo participan actrices, actores y colaboradorxs que se vinculan con nuestro teatro y nuestra poética desde diferentes lugares y en múltiples oportunidades. El Equipo Espacio Callejón tiene una línea de programación, de búsqueda y de creación que le confiere una identidad definida, no solo en los espectáculos que dirijo, sino también en los que son programados en la sala. TEATRO LÍQUIDO, por brindar un ejemplo (Héctor Díaz, Silvia Gómez Giusto, María Marull, Paula Marull y yo) es el colectivo de creadores (autores / directores) que congregué hace ya también cuatro años y cuyas obras se han ensayado y estrenado o están en proceso de preparación, nutriéndose siempre artísticamente del Equipo Espacio Callejón. De ese encuentro surgieron espectáculos como Valeria radioactiva, Amor de película, Un cuerpo salvaje y se espera el
estreno de La Oportunidad. EL SONIDO El sonido es el segundo proyecto con un equipo integrado exclusivamente con el elenco que protagonizó Luz testigo, mi última obra. Luz testigo nace desde el Equipo Espacio Callejón, como una propuesta en medio de la situación de pandemia y confinamiento del 2020, para hacer teatro cuando no se podía hacer teatro. Es por eso que se impulsó el concurso del mismo nombre, convocando a autoras y autores a participar escribiendo obras que tangencialmente abordaran la situación que estábamos y estamos atravesando. El jurado que seleccionó las obras es también en parte del EEC: Dana Basso, Paula Manzone, Sebastián Irigo, Leandro Arecco, María Marull, Paula Marull, Silvia Gómez Giusto y Héctor Díaz. Además, la mayoría de los que participan en el proyecto, desde Sebastián Francia, José Escobar (iluminación, escenografía), Ana Markarian (vestuario), Alejandro Zárate y Walter Duche (prensa y comunicación) y Zoilo Garcés (producción) así como gran parte el elenco, ya han sido partícipes de varios proyectos en común que nos han involucrado. PRENSA Alejandro Zarate / Duche&Zarate alejandro@duchezarate.com.ar
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Una obra donde lo central es el humor, la sorpresa, la vejez, el alzheimer y la amistad , el tango y el mate.
por Sergio Mercurio
¿Qué harías cuando el amigo de toda tu vida comienza a perder la memoria?
Ala hora de la creación me pregunté qué material representaría o sería indispensable en la amistad entre dos viejos argentinos: desde ese momento pensé que debía hacer algo con mates.
Siempre Guardavidas narra una amistad nacida en el mar, que fuera de él se nutrió de mates, Esta obra demoró 10 años en ser tiempo, humor y tango. creada, no solo por la creación de Estrenada en 2013 en el Teatro la narrativa, sinó la creación de Luis Poma de El Salvador, los materiales, recursos, ciertas destrezas como la animación con Centroamérica yerba mate, hasta que entendí Sergio Mercurio aborda de manera que los dibujos se asemejaban poética el mal de alzhéimer, a grabados, y seguí por ese utilizando un entramado de rumbo. Mi desafío era contar lenguajes múltiples, entre los que los momentos importantes de la destaca la animación con yerba relación usando la yerba mate, la actuación y títeres Por mi experiencia en las formas Breve comentario acerca de la animadas, decidí crear un muñeco de tamaño natural que obra
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sea el personaje principal y con quien actuaría al lado. Todo mi trabajo está relacionado con la memoria, por eso esta vez fue el mal de Alzheimer. La vejez, los modismos de la vejez, los sentimientos, las costumbres, el valor de la amistad, el compartir, la añoranza, son ejes centrales en esta obra El tango, también forma una parte importante de la obra, y fue entonces homenajear a Osvaldo Pugliese FICHA TÉCNICA Actores : Sergio Mercurio es el personaje Juárez, manipula a Juanito (muñeco) y dibuja con yerba
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mate @sergiomercurio_oficial Laura Pagés: Amiga de Juanito (comparte manipulación de Juanito y manipula palomas, realiza tramolla) @itereslaurapages Amanda Mercurio: Actriz interpreta Pepo, la amiga de Juanito ( manipula gaviotas y palomas, realiza tramolla ) @sosunaceituna Música original: Juan Pablo Marcó @juanpablo.marco Diseño de Escenografía: Sergio Mercurio Diseño de Luces: Wagner Correia @wagfcorrea Maquinaria: Cristiano Pitón @cristianopiton Diseño Gráfico: Aurelio Valdez @aureliovaldez Fotografía: Pablo Gonzáles @photogonzalezsierra Producción Ejecutiva: Sergio Smientniaski Asistente de Dirección: Debido al tiempo de creación hubo diferentes asistentes de dirección. Año 2003 Rosimari Jacomelli, Hector Lopez Girondo, Hernan Herrera Posteriormente. Año 2010 Laura Pagés, Julia Sigliano. Año 2013 Xavier Chataigner. Dramaturgia: Sergio Mercurio Dirección: Sergio Mercurio Gracias a la colaboración del amigo Guillermo Cacace @guillermo_cacace Duración del espectáculo: 55 minutos
FUNCIONES Reestreno 6 de mayo (obra estrenada en 2013 en El Salvador) Teatro Chacarerean Martes 6, 13, 20, 27 de Mayo / 3 y 10 de junio Teatro Chacarerean. Nicaragua 5665-Palermo Entrada general $20000 PLATEANET
Coghan (Autor, director) Con Teresa Orelle. CABA. 2016 El camino de Eva (autor, director) Con Laura Pagés 2020 La compañía de Danza de Gira a China (Autor, director) Con J. Villegas y L. Sanchez.Tilcara 2021 Livro-me (autor director) Con Fabio Lins. Curitiba Brasil 2023 Siempre Guardavidas Reestreno (autor, actor, director) 2025
Sobre SERGIO MERCURIO
CRITICAS
Artista nómade oriundo de Banfield, conocido por la calidad de sus espectáculos en todo el mundo (Francia, España, Bélgica, Italia, Alemania, Portugal, EEUU; México Brasil, Uruguay, Bolivia, Chile, Perú, Ecuador, Venezuela, Nicaragua, El Salvador, Guatemala, por la obras de teatro, por sus películas y sus libros,
La obra presenta una muy acabada propuesta teatral verdaderamente insuperable. Mercurio hace reír, su fino humor es cuasi necesario en sus montajes. Pero esta vez también analiza un tema distinto: el desgaste cerebral que provoca el alzhéimer, igual con mucha delicadeza y muy teatral. Sergio Mercurio nos trajo y regaló la mejor puesta en escena de 2013; una verdadera cátedra del quehacer teatral. Héctor Ismael Sermeño, (Critico Teatral) El Salvador dic 2013
Desde el año 1992 se desempeña exclusivamente en la actividad artística como escritor, actor,director de cine y teatro, escritor, titiritero, artista plástico y formador. En teatro ha escrito, dirigido y actuado en más de 10 espectáculos de teatro y títeres para adultos. En la actualidad se mantiene en cartelera: Viejos (autor,actor director) 2007 Viejos de mi… (autor, actor, director) 2013 El ángel de la valija (autor, director) Con Severo Callacci Rosario 2017 Beatriz (autor, director) Con Laura Pagés. Prov. Buenos Aires. 2008
» el dibujo de don Osvaldo Pugliese surgiendo magicamente de tus manos, ante la mirada absorta de su esposa lidia y los cientos de espectadores que colmaban el teatro municipal de lomas de zamora, nos emocionó a todos cuando culminó con una recreación del maestro, que como toda tu obra artística fue mucho más alla de lo físico. « Natalio Pedro Etchegaray. PRENSA Carla Segalini prensacorreydile@gmail.com www.facebook.com/correydile @correydileprensa
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Rumbo a Peor
Worstward Ho! Una obra de Samuel Beckett - Traducción de Pablo Finamore “Si podemos decir hemos llegado a lo peor, no hemos llegado a lo peor” Rey Lear. W. Shakespeare
inquietante y poéticamente cautivadora, un viaje a un lugar muy extraño. De cara a lo peor hasta que haga reír.
Penúltimo trabajo de Samuel Beckett, aún no estrenado en argentina, es un parlamento endemoniado donde recapitula sus argumentos fundamentales. Con la mínima cantidad de palabras posible, el protagonista se propone poner en escena un proceso de deconstrucción hasta llegar a un grito, un silencio, una imposibilidad de decir. Está en el orden del intento: fallo luego existo.
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Puede haber un gran significado filosófico en la obra, cualquiera puede interpretar lo que desee, pero lo que sucede en la acción es simplemente eso que sucede, una aventura asombrosa,
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Domingos 20 h. Moscú Teatro Ramírez de Velasco 535 - CABA Entradas: Preventa $15.000 / Valor general $18.000 Compra online www.alternativateatral.com ACERCA DE LA OBRA: Ya desde su título, la obra está poseída por la ironía y el humor, porque es una parodia al título de una novela inglesa de 1855, “Westward Ho”, o sea: “Hacia el barrio del oeste”. Esto lo vociferaban desde las diligencias para atraer a los pasajeros,
anunciando hacia dónde se dirigían. En “Worstward Ho”, la expresión sería: “Hacia el peor barrio”, o “Rumbo a Peor”. Así desde el inicio la cuestión implica un protocolo del empeorar. Puede empeorar lo que existe. Lo que implica otra paradoja: El máximo fracaso del ejercicio mental es el mayor éxito. Mejor peor. FICHA TÉCNICO/ ARTÍSTICA Autor: Samuel Beckett Traducción: Pablo Finamore Interprete: Pablo Finamore Diseño de iluminación: Leandra Rodríguez (Adea) Diseño de sonido: Nicolás Diab (Mux) Realización de Vestuario:
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Daniela Catz Diseño gráfico: Nahuel Lamoglia Prensa: Valeria Franchi Producción ejecutiva: Adriana Yasky Dirección: Pablo Finamore Duración del espectáculo: 60 minutos Pablo Finamore (Director y Actor) Actor, director, docente, creador, y guionista. Formado con María Esther Fernández; Alejandra Boero; Juan Carlos Gené; Verónica Oddó; Ricardo Bartís, Héctor Malamud, Lorenzo Quinteros, Josep Montanyes (Barcelona), Stephen Motran (Suecia), Patrice Pavis (Francia) Anna Strasberg (EEUU), Raúl Manso (Italia) y en dramaturgia Mauricio Kartun y Benjamín Galimeri. Desde 1988 ha participado en más de cuarenta obras profesionales, en más de diez oportunidades en el Complejo Teatral de Buenos Aires; en el Teatro Nacional Cervantes, en teatros comerciales como el Maipo, el Metropolitan, el Multiteatro, en más de veinte salas de reconocido prestigio en el circuito independiente de la ciudad de Buenos Aires. Giras por Alemania, Francia, España, Brasil y el interior de nuestro país. Fue dirigido por directorxs como Jorge Lavelli, Alejandra
Boero, Juan Carlos Gené, Daniel Veronese, Lía Jelín, Claudio Martínez Bel, Lorena Romanín, Emilio García Webhi, Ana Alvarado, Silvio Lang, Facundo Ramírez, Alicia Zanca, Daniel Suarez Marzal, Irina Alonso, Osvaldo Bonet, Carlos Ianni, Manuel Iebvadni, Kado Koztzer, Román Lamas, Marcelo Nacci, Dora Milea, Román Podolsky, Mateo Chiarino, Tony Lestingi, Onofre Lovero y María Esther Fernández. Entre sus últimos trabajos, fue actor en “El Entenado” en el Complejo Teatral de Buenos Aires, en “Olvidate del Matadero” y en “Las Criadas”, fue director de “Núremberg” y de “Cuántos fantasmas en un beso”. Ha participado en diversas series y películas. Las últimas son: “Diciembre 2001” de Benjamín Ávila (Disney); “Reflejado” de Juan Baldana; “El rapto” de Daniela Goggi. Ha recibido importantes premios destacándose el Trinidad Guevara por su actuación protagónica en “El Salvaje”, el María Guerrero por actuación en unipersonal en “Olvidate del Matadero”, el ACE como actor protagónico en drama por “Las Criadas”, un Estrella de Mar por “El Salvaje” y otro por “Canciones para Mirar”. También varias nominaciones entre otras a los Premios Teatro del Mundo y a los Luisa Vehil. Leandra Rodríguez
ADEA - (Diseño de iluminación) Leandra Rodríguez es bonaerense, descubre que el teatro es el lugar donde quiere desarrollar su vida profesional, luego de mucha formación escénica en casi todas las áreas, reconoce el diseño de iluminación como canal expresivo y se dedica fundamentalmente a ello. Ha recibido numerosas distinciones y premios en el rubro. Actualmente coordina la Licenciatura en diseño de Iluminación espectacular de la UNA, es diseñadora, miembro fundadora de ADEA, directora escénica y docente reconocida internacionalmente. Nicolás Diab MUX - (Diseño sonoro) Desde 1988 hasta la actualidad, Nicolás Diab explora múltiples territorios musicales y sonoros como el rock, la improvisación, el ruidismo, la canción, las instalaciones sonoras, la performance, el arte radiofónico, las grabaciones de campo, etc. Trabaja en proyectos discográficos, teatrales, coreográficos, audiovisuales, documentales o digitales con artistas y agrupaciones de Argentina y del exterior, además de impulsar sus propias producciones. En el último año expuso Aigokeros III en la Sala Sonora del CC Kirchner y El Elefante u
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en el Centro Municipal de Arte de Avellaneda.
Ha creado contenido para las señales Encuentro y Paka Paka.
Asincronía, en colaboración con Luciana Fernández, fue adquirida por el Museo Sívori Compuso también la música original de las obras de teatro Super, Un Héros Presque Parfait, de Guillermo Pisani (FRA); Juega la Palabra, de Fernado Rosen (ARG); y Demasiado Juntas (URU)
Es fundador e integrante de los grupos musicales La Mesa y Las Orejas y La Lengua.
Es docente en el Profesorado de Teatro del CEPEAC nro 1 de Lomas de Zamora y en la Tecnicatura de Artes Escénicas de la Universidad de La Matanza. Es parte de Kroc, productora de contenidos audiovisuales para infancias y adolescencias.
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Su música fue publicada por el sello Viajero Inmóvil Records (ARG) y Electronic Music Foundation (USA) Es integrante de la Compañía E de teatro (dir. Leandra Rodríguez) y de la compañía de danza De La Paternal (dir. Gabriela Romero) Ha trabajado junto a Marta Minujín, Narcisa Hirsch, Graciela Taquini, Boy Olmi, Oscar Barney Finn, Gustavo Garzón, Mariana Bellotto, Marcelo Allasino, Pablo Solarz, Zypce, Alan Courtis y Ar Detroy, entre otros.
Adriana Yasky Producción Ejecutiva Productora ejecutiva con una sólida formación en teatro independiente. Desde hace más de diez años, ha producido más de cincuenta espectáculos, muchos de ellos con premios y nominaciones. Entre las últimas premiadas se encuentran “Olvidate del Matadero” y “600 gramos de olvido”. Redes sociales del espectáculo: @rumboapeor Redes sociales del elenco: @pablo_finamore @leandraescenica @nicodiab @adriyasky PRENSA Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com
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Estreno jueves 1 de mayo - 21h.
Drama épico histórico. Pupitres Vacíos nos sumerge en la historia de Guille, un joven que enfrenta la desgarradora realidad de su propia desaparición. Desde los centros clandestinos de detención, reconstruye con su mente la figura de El General, intentando comprender su lógica y humanidad, si es que la tiene. Desde una sensibilidad única, esta obra expone la crudeza de la dictadura argentina y el vacío dejado por una generación arrancada de sus pupitres, pero no de la memoria. Dramaturgia y dirección: Thomas Guzmán Elenco: Jorge Pestille, Lourdes
Prenafeta, Giuliano Amadio, Joaquín Prato Producción: Catargsis Producciones Duración: 60 min
disruptiva, es porque hay algo que necesitaba ser interrumpido, una voz que necesitaba volver a escucharse y una patria que necesita recordar.”
Estreno y función de prensa: Jueves 1 de mayo - 21h. Teatro Multiescena Av. Corrientes 1764, CABA Funciones: Jueves de mayo, 21h. Entradas: $15.000
Thomas Guzmán es un actor, dramaturgo y director con una fuerte vocación por la creación y puesta en escena de obras independientes. Su formación artística comenzó en la Fundación Cambio de Rumbo y se fortaleció a través de su paso por la Academia de Teatro de Pablo Flores Torres, donde participó en un taller de montaje. Actualmente, continúa perfecciou
Palabras del autor y director, Thomas Guzmán (22 años) «Pupitres vacíos no solo recuerda el pasado, sino lo que este dejó. Me preguntaba cómo podía volverse borroso el ‘Nunca Más’. Si esta obra es
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nando su técnica en dirección teatral en Andamio 90. A lo largo de su carrera, ha desarrollado múltiples roles dentro del ámbito teatral. Es el creador y director de su propia productora independiente, desde donde ha llevado adelante diversas producciones. Entre sus trabajos más recientes se destacan Piezas Rotas (2023/2024), donde desempeñó el rol de actor, dramaturgo y director, y Pupitres Vacíos (2024/2025), obra en la que se encarga de la dramaturgia y la dirección. También ha incursionado en el unipersonal con El Salmista (2024), demostrando su capacidad para el trabajo escénico en solitario. Además de su trayectoria en el mundo del teatro, posee una variedad de intereses y habilidades que enriquecen su perfil artístico. Ha trabajado en distintas áreas, incluyendo la gastronomía, y está matriculado como APM. Su curiosidad lo ha llevado a incursionar en la gestión digital, estudiando Community Management, y en el ámbito musical, explorando el rap como forma de expresión. Con una mirada creativa y una gran capacidad de autogestión, Thomas Guzmán continúa construyendo un camino propio en la escena teatral, consolidándose como un artista versátil y comprometido con su visión artística.
www.tiktok.com/ @louprena?_ t=ZM-8uGsrmrU7Px&_r=1 con una sólida formación en artes escénicas y una versatilidad que la ha llevado a explorar distintas disciplinas dentro del ámbito artístico. Su pasión por la actuación comenzó desde temprana edad y la llevó a formarse con reconocidos maestros y en prestigiosas instituciones. Actualmente, continúa perfeccionando su técnica en el Estudio Julio Chávez con la profesora Cristina Osses, mientras que previamente ha recibido entrenamiento actoral en la Escuela de Agustín Alezzo y el Instituto Argentino de Musicales, bajo la dirección de figuras como Ricky Pashkus y Fernando Dente. A lo largo de su carrera, Lourdes ha sido parte de diversas producciones teatrales, destacándose en obras como Las Descartadas, presentada en Teatro Buenos Aires y Nün Teatrobar en 2023, Camas Separadas en Teatro Jufré (2022) y su participación en Los Miserables, llevada a escena en el Teatro Trinidad Guevara y otros espacios culturales entre 2012 y 2019.
Además de su desempeño en el teatro, Lourdes posee habilidades en dirección de cine, animación digital, doblaje, canto y danza en múltiples estilos, como jazz, ballet y tap. Su creatividad se extiende al ámbito de la escritura y la composición, lo que Lourdes Prenafeta es una complementa su desarrollo como actriz, reconocida tiktoker https:// artista integral.
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Dominando el inglés de manera bilingüe y con conocimientos básicos de francés, Lourdes amplía su horizonte artístico hacia proyectos internacionales. Su compromiso con la profesión y su constante búsqueda de nuevos desafíos la consolidan como una artista con una proyección en ascenso dentro del mundo del espectáculo. Amadio Giuliano Américo es un actor, clown y artista circense con una sólida trayectoria en teatro, cine y publicidad. Su formación actoral comenzó en la EMAD y se consolidó a lo largo de los años con diversos talleres y seminarios especializados en actuación frente a cámara, improvisación, clown y teatro físico. Ha trabajado con destacados referentes como Claudio Persico, Gastón Cocchiarale, Jorge Marrale y Juan Minujín, entre otros. En el ámbito audiovisual, ha participado en múltiples cortometrajes universitarios y largometrajes, destacándose en “Bardogento” (dirigido por Claudio Santorelli) y “Morirás al alba” (dirigido por Gustavo Chapa), ambos en 2024. También formó parte de grandes producciones como “El robo mundial” (Paramount), “La reina del Sur 3” (Underground) y “Diario de un Gigoló” (Underground). En teatro, ha sido parte de numerosas obras, combinando su destreza actoral con su formación en clown y bufón. Actualmente se presenta en "La
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Milagrosa" (Teatro El Vitral) y “Amontonados” (Sala Cortázar, Paseo La Plaza). Entre sus trabajos anteriores destacan “Por el amor de Zeus”, “Camas separadas”, “Tragedia inadaptada de Hamlet” y “El funeral fue un éxito”, donde tuvo un papel protagónico. Su talento multifacético lo ha llevado a desempeñarse también en el ámbito publicitario, participando en campañas para YPF, Lysoform y Tersuave, y como modelo en diversas producciones fotográficas. Además, ha combinado su pasión por la actuación con la docencia, impartiendo clases de teatro y circo para niños y adultos. Con un perfil versátil que fusiona el teatro, la actuación audiovisual y las artes circenses, Amadio continúa expandiendo su carrera con nuevos desafíos en la escena artística.
Doña Rosa, donde se inició en el teatro infantil y luego continuó con talleres de actuación para adolescentes. Desde entonces, ha desarrollado una sólida carrera en la escena teatral de Quilmes y Bernal, destacándose en diversas producciones. Como actor, ha participado en obras como Drácula, un musical inmortal (Teatro Mariano Moreno), Picnic, un río con historia y Un funeral de mala muerte (ambas de Gustavo Castignola). También formó parte de la compañía Sortilegio en Cabaret, el musical (Teatro Cervantes, Quilmes) y ha trabajado como asistente de producción en Entre Mujeres de Santiago Moncada. En su faceta como director y dramaturgo, llevó adelante Romeo y Julieta, un clásico en Quilmes con la Cía. Clásicos Quilmes y actualmente se encuentra al frente de la dirección y producción de Rojo Pasión, Rojo Sangre en la Casa de Arte Doña Rosa.
Además de su labor en el teatro, se desempeña como animador y actor en producciones infantiles con Marcelo Tórrez Producciones. Su versatilidad y compromiso con la escena artística lo han convertido en un creador apasionado, siempre en Joaco Prato es actor, director búsqueda de nuevos proyectos y y animador, con una trayectoria desafíos. en teatro que abarca desde la actuación hasta la dramaturgia Jorge Pestille es un actor con y la producción. Su formación experiencia en cine, televisión comenzó en la Casa de Arte y teatro, además de contar con
una destacada presencia en plataformas digitales. Su carrera en el ámbito audiovisual comenzó en 2018 con su participación en el largometraje El Origen de la Tristeza. Posteriormente, en 2021, formó parte de la serie Maradona: Sueño Bendito, consolidando su presencia en la industria televisiva. En teatro, ha participado en diversas producciones, incluyendo No seas Maricón y Fiesta en Pijamas en 2024, mostrando su versatilidad en el escenario. También ha incursionado en la publicidad, protagonizando la campaña de 2024 de Tulipán, titulada El sexo reactiva la economía. Además de su trabajo en cine y teatro, Jorge ha desarrollado un fuerte perfil en redes sociales y plataformas digitales, formando parte de Cachetes la Serie, un proyecto en colaboración con Rubén Tuesta. Su creatividad lo ha llevado a generar contenido en plataformas como YouTube, TikTok e Instagram, expandiendo su alcance y explorando nuevas formas de expresión artística. Con una sólida formación y un espíritu inquieto, Jorge Pestille sigue abriéndose camino en la escena actoral, combinando su talento con una destacada capacidad para la autogestión y la innovación en medios digitales. TEHAGOLAPRENSA https://www.tehagolaprensa. com.ar/blog/
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Un biodrama performático salvaje, punk y cursi.
Yo también soy Ofelia
Dramaturgia, dirección e interpretación Victoria Mariconda Ofelia flota en cada uno de sus miedos, se sumerge en sí misma. ¿Qué lleva a Ofelia a la locura y al suicidio? ¿Qué hay en común entre Ofelia y la actriz? Yo también soy Ofelia se sumerge en el propio vacío de la intérprete para, sin saber a dónde salga dirigida, abrirse a las mil posibilidades de perderse en el trágico destino de Ofelia. Quizás ahí, al entregarse a la posibilidad de ya no reconocerse, al finalizar esta obra podamos - artista y espectadores- mutar de piel,
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fantasmales” creación propia (C.C.Recoleta), y la fotografía “Alegría” de Marcos Lopez. Participó en la Bienal de Arte Joven 2022, en el XI Festival de Shakespeare de Bs As y en el FIBA 2020.
parirnos a nosotros mismos, sabiendo que probablemente nos tengamos que volver a parir una o mil veces más. FUNCIONES: Viernes 20 h. Hasta el 30 de Mayo Beckett Teatro Guardia Vieja 3556 Entrada gral. $ 12.000/ $ 10.000 est. y jub. Compra online: www.alternativateatral.com
Redes sociales del espectáculo: @yotambiensoyofelia @victoria.mariconda Palabras de Victoria Mariconda acerca de la obra
FICHA TÉCNICO/ ARTÍSTICA Intérprete: Victoria Mariconda Diseño de Escenografía y Vestuario: Antonela Fucenecco Diseño de Luces: Lucas Orchessi Dirección de Video y Fotografía: Carla Rabuffetti Diseño Visual: Carla Rabuffetti y Lef Diseño Gráfico: Mariano Furmanski Coreografía: Malena Giaquinta Coach Vocal: Mariana Álvarez Prensa: Valeria Franchi Producción Ejecutiva: Yanina Martino Asistencia de Dirección: Marina Cacia Dramaturgia y Dirección: Victoria Mariconda Duración del espectáculo: 50 minutos
Victoria Mariconda Licenciada en actuación de la Universidad Nacional de las Artes. Con más de 15 años de trayectoria en teatro y artes performáticas. Comenzó en la provincia de Mendoza, luego en el 2010 se traslada a la Capital Federal donde se forma con Alejandro Catalán, Guillermo Cacace, Analía Couceyro, Stella Gallazzi, Pompeyo Audivert y Sergio Boris. Como actriz trabajó con directores como Guillermo Cacace, Pablo Novak y Julio Molina. Entre sus trabajos performáticos más destacados se encuentran “El casamiento con la eternidad” de Marta Minujin (MALBA 2023), Shows de Marilina Bertoldi y LOUTA con giras por el país, “Proyecto Border In” (Latin Arab Film Festival), “Recorridos
Yo también soy Ofelia es una versión contemporánea de la tragedia de Shakespeare. Tomo el personaje de Ofelia, lo hago personal, y me permito perderme en este encuentro vertiginoso. En esta obra lo trágico y lo cómico conviven, así como la ficción y la realidad se cruzan todo el tiempo. Y en este cruce indagamos sobre los vínculos sexo afectivos, sobre el vínculo con nosotros mismos e incluso con la existencia. En un diálogo entre distintos lenguajes, en “Yo también soy Ofelia” el texto dramático, el cuerpo, la performance, lo coreográfico, lo sonoro, la escenografía, el vestuario, lo audiovisual, lo lumínico y el contenido documental se funden en una obra intensa, divertida y muy original. PRENSA Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com
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SEGUNDA TEMPORADA!!!
"PRÓCER"
De: Gerónimo Gutiérrez - Dirección: Ramiro García Zacarías. El cruce de los andes. Dos soldados anónimos, Fulano y Mengano, al mando del Gral San Martin, cumplen con la guardia nocturna cuando son sorprendidos con una aparición inesperada. La visión de los 200 años de historia argentina es reflejada sobre la montaña. ¿Qué hacer con esa información del futuro? Contribuir con la patria y la liberación del colonialismo español y al mismo tiempo ser recordados como próceres de nuestra historia. La dramaturgia propone transportarnos al osado cruce de los andes de 1817 donde más de 5000 soldados, en su mayoría anónimos, empezaron a librar América Latina de las tropas colonialistas. Lo hace
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mirando desde abajo, dándole voz y cuerpo a dos integrantes del ejército de poco rango, que entre la espera de las guardias y el fragor de la lucha, plantean algunos dilemas sobre qué es la patria y la trascendencia humana en la historia. La dramaturgia se apoya en el lunfardo del siglo XX, pero deja filtrar algunas expresiones del lenguaje actual, propio de la narrativa centennial, generando una comicidad en ese contraste, que guarda relación con la aparición del futuro dentro de la ficción, sorprendente tanto para los personajes como para público, reforzando de esta forma,
forma una perspectiva anacrónica y desfachatada para contar este acontecimiento tan importante en la historia argentina. “PRÓCER” de Gerónimo Gutiérrez. Segunda Temporada. SABADOS A LAS 22:30 HORAS Teatro el Grito Costa Rica 5459. CABA Entrada general: $15.000 A la venta en Alternativa Teatral. com.ar Duración: 55 minutos FICHA TÉCNICA Dramaturgia: Gerónimo Gutiérrez Con: Agustín Chenaut, Gerónimo
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Gutierrez, Tomás Buccella Composición Musical: Tomás Buccella Escenografía y Vestuario: Juana Aguer Diseño Audiovisual: Aarón Wang Iluminación: Victoria Girón Diseño gráfico: Romina Salerno Prensa: Natalia Bocca Asistencia de dirección: Dario Chiocconi Dirección: Ramiro García Zacarías SOBRE LOS ACTORES Agustín Chenaut Actor. Licenciado en Actuación de la UNA (Universidad Nacional de las Artes). Como actor trabajó en “Es una Tragedia!” (de Sofia Kali, Microteatro), en “Los Tiempos” (dir. Federico León, 2023, Teatro Sarmiento), en “El Infortunio” (dir. Gerónimo Gutiérrez y Lucia Cisneros), en “Yo escribo, vos dibujás” (dir. Federico León, Teatro Nacional Cervantes) “Teatro por la Identidad” (desde el 2017-2022), en “Dale que Va! Impro” (actor y director), en “Cadáveres Show” (dir “Los perros de Pavlov), en “Sueño de una Noche de Verano” (adaptación y versión dir. Mariana Moschetto), en “El Inspector Futón en busca de la Dama de los Disfraces” (dirección: Apuroteatro compañía), en “Martita, de regreso al país de nunca jamás” (adaptación del texto de Javier
Daulte, dir Mariana Moschetto), en “Y los trajo la Marea” (dir Adrián Juliá) Sé formó además con Matias Feldman, Santiago Gobernori, Cristina Martí, Cristina Moreira, Martín Salazar, Marcelo Savignone, Nahuel Cano, Silvio Lang y Natalia Monteferrario.de regreso al país de nunca jamás” (adaptación del texto de Javier Daulte, dir Mariana Moschetto), en “Y los trajo la Marea” (dir Adrián Juliá). Gerónimo Gutiérrez Actor y dramaturgo. Licenciado en Actuación de la UNA (Universidad Nacional de las Artes). Se formó además, con Raúl Serrano (ETBA), Pompeyo Audivert, Guillermo Angelelli, Diego Bernachi y Alejandro Roque Garay. Como actor participó en diversas obras tanto en Tucumán como en Buenas Aires, entre las que se destacan, Oscuro, Fragmentos de un sueño, con dirección de Pompeyo Audivert, Aguja de Matías Santos, trabajo por el que fue nominado a los premios Trinidad Guevara como Actor Revelación 2019. Además, participó en Un sino de sombras con dirección de Lucas Santa Ana, en La fiesta del viejo con dirección de Fernando Ferrer y Charco de Lodo, con dirección de Ramiro García Zacarías. Dirigió
El
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o
las
consecuencias de hacer teatro, obra de su autoría y fue asistente de dirección en La traduccion (Prueba 8) de Matias Feldman y Obra posible (La asamblea de los espíritus), como parte del Proyecto de graduación de la Universidad Nacional de las Artes. Coordina Teclas Negras Teatro, talleres de actuación presenciales y virtuales. SOBRE EL MÚSICO
Tomás Buccella Egresó de la Carrera de Formación del Actor y del Profesorado de Teatro, en la Escuela Metropolitana de Arte Dramático. Egresado también de la Diplomatura en Dramaturgia en el C.C. Paco Urondo, perteneciente a la Facultad de Filosofía y Letras (UBA). Como actor participó en diversas obras, las más destacadas son: Sueño con canciones, de Flor Sartelli y Tomás Buccella, Soy (una gaviota), de Euge Carla; Niebla, de Gastón Díaz; La Bestia, de Diana Szeinblum; La amenaza del corazón purpúreo, de Vittoria Tambasco; Aspecto Criminal , de Berenice Quiroga; Hécuba, de Eurípides, dirigida por Naiquén Aranda; Cuidar a Boris, de Gastón Díaz. Como director estrenó Rainbowcity, donde el plástico u
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de actuación en el estudio Apacheta de Guillemo Cacacce (2019), realizó el taller corazón y pases cortos, dictado por Daniel Fanego (2008– 2009), realizó el taller de iniciación teatral, dictado por María Inés Sancerni, en el centro cultural San Martín, (2001 Como dramaturgo escribió Nueve y 2002). Realizó un seminario de de cada diez estrellas de cine dramaturgia con Ignacio Apolo en me hacen llorar; Después de la el CELCIT (2013). Trabaja desde Nieve; Una de Superhéroes; La el 2017 en la gestión del teatro dinastía más grande sobre la faz Querida Elena, sencillas artes. de la tierra; Amigos temporales; Como director trabajó en No sé Menjú, una excusa de sabor; Una quien soy, pero tengo donde fórmula para Floreal; Leo, romper echarme un meo, de su autoría, el papel que te sostiene; Cupido en Querida Elena (2024), en El precio internacional del mango, es Cupido; y Me mata la culpa. de su autoría, en El Jufré (2024), Como músico se desempeña en Charco de Lodo, de su autoría, como vocalista de la orquesta en El Jufré (2023), en Hondos Vértigo López; y participó como Giros, Querida Elena (2023), en músico en las obras de teatro: La canción del camino viejo de Dos intérpretes bajo la luna de Línea de tres, en Querida Elena Eros, de Rocío Maruenda; Noche (2023), en Proyecto VAD, de su de Reyes, de W. Shakespeare, autoría, en Querida Elena (2022dirigida por Enrique Dacal; 2021), en Los días de pesca, Canción de cuna para un gato, sobre un cuento de Ana María de Juan Arena; y Sueño con Shúa, en Querida Elena (2022), en Aniversario, de su autoría, canciones, de su autoría. en Timbre4 (2019- 2018), en Nada, una experiencia musical, SOBRE EL DIRECTOR de su autoría, en Querida Elena (2021- 2020), en Extranjeros de Ramiro García Zacarías Darko Lukic, en Querida Elena Es licenciado en Dirección (2019), en El deseo atrapado Escénica, por la UNA por la cola de Pablo Picasso, en (Universidad Nacional de las Querida Elena, (2017– 2018– Artes). Actualmente cursando la 2019), en La voz de Juana, de maestría en Destión Cultural por Diego Faturos, en Vera Vera, (2016), en Los días se volvieron UdeSA imbéciles, de su autoría, en Se formó en actuación en la Teatro Fandango (2015– 2016) escuela Timbre 4 (2012- 2016), Como actor trabajó en Charco en clown Espacio Aguirre de Lodo, en El Jufré (2023) Las (2012-2014), realizó un taller Lloronas, de Isabel Donati, en no sangra, con el colectivo Las Berthas; El desamor, de Martín Sancia Kawamichi, obra ganadora del CicloINcierto; Después de la Nieve; Socorro, sos vos, monólogo que formó parte del ciclo Minitas.
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Querida Elena (2022- 2023), en Extranjeros, de Darko Lukic, en Querida Elena, (2019), en Pilates Perverso, de Martín Albistro, danza teatro, en Timbre4 (2019), en El deseo atrapado por la cola, de Pablo Picasso, en Querida Elena (2019), en Por todo lo que no me querés, de Agustina Gielis, en Espacio Polonia (2017), en Un día voy a morir, de Maruja Bustamante, en Timbre4 (2016– 2017), en A propósito de la duda, de Patricia Zangaro, en el ciclo Teatro por la identidad, en el Teatro Nacional Cervantes, (2009), en La Malasangre, de Griselda Gambaro, Centro cultural El Colectivo (2009). Como asistente de dirección trabajó en Lulú, con dirección de Cintia Miraglia, en El portón de Sanchez (2023), en Mío, de Julieta Carrera y Lucía Baya Casal en el CCC y en el Teatro Marechal (2016– 2017- 2019), en Las de barranco, versión de Toto Castiñeiras, en Querida Elena, Timbre4 y La Casona Iluminada, (2016– 2017– 2018), en Vos me decís que esto no es morir, de Diego Faturos, en Timbre4 (2015). Escribió No sé quién soy, pero tengo donde echarme un meo (2024), El precio internacional del mango (2024), Charco de Lodo (2023), Hondos Giros (2023), Proyecto VAD (2021) Nada, una experiencia musical (2020), Aniversario (2018, 2019, 2024), Los días se volvieron imbéciles (2015). PRENSA Natalia Bocca nataliabocca@gmail.com
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PARA PARTIR
Cuando la presencia más potente es la de quien ya no está. Para Partir. La entrañable pieza, escrita y dirigida por Ignacio Sánchez Mestre ofrece una nueva temporada de funciones los martes a las 20h en El Galpón de Guevara (Guevara 326, CABA).
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Interpretada por un elenco de lujo integrado por: Mara Bestelli, Mónica Raiola, Walter Jakob, Daniela Korovsky, Pilar Mestre, Andy Pruss y Sofia Saborido, la obra indaga en la pérdida de uno de los miembros centrales de una familia y en cómo los familiares que quedan
enfrentando las historias y creencias que orbitan en torno a esa ausencia, desencadenando una serie de situaciones conmovedoras. Para Partir se desarrolla en un paisaje costero, envuelto en niebla, donde los roles se invierten: el que ha partido no ha dejado un solo detalle al azar. La presencia más potente de esta historia es la de quien ya no está. En “Para Partir”, Roberto (el padre) parece haber organizado su propia despedida: frente al mar, con su canción favorita,
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un poco de whisky y sólo los invitados que él mismo eligió para compartir su tiempo, su espacio y su voz. Una voz poética y lacónica, como el sonido del mar. Ignacio Sánchez Mestre apunta: “cuando perdemos a alguien, tenemos la costumbre de reunirnos. Todos ahí, alrededor de la muerte, tratando de entender, como si necesitáramos un tiempo más antes de que ese cuerpo desaparezca por completo. Y con ese cuerpo cerca, tomamos un café, un té y hasta comemos un sándwich de miga mientras lloramos, insultamos, recordamos y también nos reímos”. La obra se estrenó en el Teatro Sarmiento del Complejo Teatral de Buenos Aires en marzo de 2019 luego realizará una breve temporada de funciones en el Teatro Astros, en el marco de la programación 2024 de Paraiso Club, y regresa en 2025 en El Galpón de Guevara con el apoyo del Fondo Metropolitano.
Música original: Fernando Tur. Iluminación: Juan Zoglio. Vestuario: Lara Sol Gaudini. Escenografía: Santiago Badillo. Asistencia de dirección: Valentina Santelli. Prensa: Cecilia Gamboa. Producción: María La Greca. Dirección: Ignacio Sánchez Mestre. FUNCIONES En el Galpón de Guevara Guevara 326, CABA. Funciones: martes de abril y mayo a las 20h. Localidades $14.000 disponibles en https: //www.alternativateatral.com Duración: 65 minutos.
FICHA ARTÍSTICA Actúan: Mara Bestelli, Mónica Raiola, Walter Jakob, Daniela Korovsky, Pilar Mestre, Andy Pruss y Sofia Saborido. Fotos: Ignacio Coló. Diseño: Alpha Cobra. Asistencia de escenografía: Lara Stilstein.
Ignacio Sánchez Mestre nació en San Juan, Argentina, en 1982. Es actor, guionista, dramaturgo y director de teatro. Como autor y director estrenó las obras “demo” (2012), “Lunes Abierto” (2014), “Despierto” (2016), “La Savia” (Teatro Nacional Cervantes - 2017), “Para partir” (Teatro Sarmiento
- CTBA - 2019) y “Lo tejió la Juana” (Paraíso club en Timbre 4 - 2023). Actuó para Ariel Farace, Laura Kalauz y Lucía Seles entre otrxs. En cine trabajó para Vladimir Duran, Luz Obrennon y en la trilogía de Lucía Seles donde ganó el premio a la mejor actuación en equipo. También en “Terminal Young”, de Lucía Seles (Gran Premio del Jurado en Bafici 2023). Escribió y dirigió el cortometraje “UNA PARTE”, coescribió la película “Voley” (2014, Martín Piroyansky) y “Todo incluido” (2018, Diego y Pablo Levy). En TV escribió junto a Piroyansky las series “Tiempo Libre”, “Bar San Miguel” y “El galán de Venecia” para UN3TV. Fue uno de los autores de la serie “División Palermo” (2022, para KyS Films - Netflix) por la cual ganó el Cóndor de Plata al mejor guión original y “Soy tu fan - tercera temporada” (2023, para Disney México). Realizó residencias artísticas en la Sala Beckett (Barcelona) y en el Kunstenfestivaldesarts (Bruselas). Sus obras “demo” y “Lunes Abierto” fueron publicadas por la editorial Libros_Drama y “Despierto” en la Colección Novísima Dramaturgia Argentina, de Ediciones del CCC. Es uno de los socios fundadores de Paraíso, club de artes escénicas. PRENSA Cecilia Gamboa Comunicación & Prensa info@ceciliagamboa.com.ar
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ESTRENÓ EN EL MÉTODO KAIRÓS «Milonguita Palcora” Escrita y dirigida por Maira Monteagudo. Tres amigos se encuentran a compartir un plato de fideos en la única noche en la que los planetas se alinearon y pudieron coincidir. El vino y la luna, hacen que viejos deseos,
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odios y amores salgan a la luz. Tres personajes cercanos pero lejanos, que cada vez escuchan más y más a ese monstruo que tenemos dentro. ¿Se puede amar y odiar al mismo tiempo?
lo que es y lo que podría ser, donde el presente se cae a pedazos, pero no deja de haber lugar para imaginar un futuro posible, en donde todos nuestros sueños del ayer puedan estar embebidos en el hoy, porque creo que eso es la realidad. Hacer lo que se puede esperando un futuro mejor.
Milonguita Palcora para mí es “un salto al vacío”, la prueba más explícita de que confiar vuelve el proceso más interesante. Confiar en un grupo Palabras de Maira Monteagudo, con ganas de hacer, confiar en directora y dramaturga que un texto propio pueda tener la potencia requerida para estar Esta obra es el diálogo entre expuesto en algún espacio junto
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con otros colegas a los cuales admiro muchísimo y confiar en que yo pueda tener la convicción suficiente para decirle a todo aquel que lo necesite “Todo va a estar bien” a pesar de no estar tan segura de estarlo. Es la obra de mis sueños y mis demonios. Una apertura a todos mis miedos, que estoy segura de que muchos los compartimos y, a aquellas certezas que de vez en cuando tambalean para apoyarse en el hombro de mis compañeros y así volverse más fuertes. Es el trabajo de un equipo, de una compañía, de un grupo de amigos que se juntaron a tomar mate con fideos a las 6 de la tarde en una calurosa tarde de febrero.
FICHA TÉCNICO – ARTÍSTICA Dramaturgia: Maira Monteagudo Actúan: J. Sebastián Benitez, Clara Lucia Biondo, Berenice Zapiola Diseño De Iluminación: J. Sebastián Benitez Coreografía: Astrea Ojeda Composición Musical: Camil Bravo Fotografía: Paz Colotto Diseño gráfico: Melisa Costa Asistencia de dramaturgia: J. Sebastián Benitez Asistencia de dirección: Santiago Uñates
Redes sociales y Prensa: Nico Matías Urra Dirección: Maira Monteagudo La obra, escrita y dirigida por Maira Monteagudo, tendrá funciones a las 21:00 h en la sala de El Salvador 4530. Entradas por Alternativa. FUNCIONES: Lunes 21:00 h. El Método Kairós Teatro El Salvador 4530. CABA Entradas por Alternativa: Milonguita Palcora en alternativa.com @milonguitapalcora PRENSA Nico Matías Urra nicomatiasurra@outlook.com
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DIEGO PERETTI y FEDERICO D’ELIA PROTAGONIZAN
“EL JEFE DEL JEFE”
UNA COMEDIA DE LARS VON TRIER DIRIGIDA POR JAVIER DAULTE
“El problema con este jefe, no es que sea frío y distante. ¡El problema es que este jefe… no existe!” Diego Peretti y Federico D’Elia protagonizan el estreno en Argentina de EL JEFE DEL JEFE, una comedia “feroz” de Lars von Trier basada en su
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película “The Boss of it All”, adaptación teatral original de Jack McNamara, dirección de Javier Daulte y producción general de Pablo Kompel, Ricardo Hornos y Adrián Suar. El elenco se completa con Juan Isola, Ariadna Asturzzi, Andrea Lovera y Cristian Jensen. El JEFE DEL JEFE se
presenta en Paseo La Plaza, Av. Corrientes 1660, CABA. con funciones de miércoles a domingo. Las entradas se adquieren a través de Plateanet o en la boletería del teatro. Gabriel (Federico D’Elia) es el dueño de una empresa en venta. El problema es que
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cuando fundó la empresa, Gabriel inventó a un presidente ficticio para quitarse de encima al peso de tomar decisiones incómodas o impopulares. De esta manera, Gabriel quedó siempre bien parado ante sus empleados. Pero cuando unos peculiares compradores extranjeros insisten en negociar cara a cara con “El Jefe”, y a riesgo de perderse un negoción, no se le ocurre mejor idea que contratar a Cristian (Diego Peretti), un actor desocupado para que simule ser el “presidente de la empresa”. Pero no estamos ante cualquier actor, sino ante uno del método de la improvisación, y que se dispone a asumir su personaje como si se tratase de una actuación consagratoria; permitiéndose ciertas licencias sobre el preciso guión que le fuera encomendado. Muy pronto y junto al disparate en su máxima expresión; iremos descubriendo un juego de engaños que nos hará reír a carcajadas, mientras pone a prueba nuestra propia escala de valores. Lars von Trier nos revela en EL JEFE DEL JEFE una comedia tan feroz como brillante, que amaremos desde los fans de “The Office” a los cultores de las farsas de Pinter y Ionesco; desenmascarando los mecanismos curiosos y poco racionales que definen las relaciones entre jefes y subordinados, así como todas las incoherencias que aparecen
cuando nos toca asumir un rol de poder. La adaptación teatral de Jack McNamara de EL JEFE DEL JEFE se estrenó en el Soho Theatre en Londres en 2013. La producción en Buenos Aires representa su estreno en castellano en Latino América, bajo la versión de Ricardo Hornos y Pablo Kompel. En noviembre de 2024, la obra se estrenó en español en el Teatro Pavón de Madrid; con dirección de Ricardo Hornos. La película original de Lars von Trier, “The Boss of it All”, se estrenó en Dinamarca en diciembre de 2006. Comentario del director Javier Daulte: “Un grupo de empleados senior obedece sin saberlo a alguien que no existe: un jefe inventado. O peor, un actor actuando como jefe de una empresa de la que no tiene idea ni de qué se ocupa ni de su dinámica. Ni siquiera ha visto nunca a esos empleados que dicen conocerlo tanto. ¿Pero es esto un obstáculo? En principio, cualquiera diría que sí; y uno bastante grande. Pero en la sociedad en la que vivimos, en la que parece importar más lo que se pretende que lo que es, las cosas funcionan de otra manera. Porque en un mundo de apariencias resulta más verdadero lo que creemos, que aquello que, en definitiva, es cierto. Es más, quizá un jefe inventado puede resultar mejor y más eficaz que un
jefe real. Por más disparatado que esto suene. EL JEFE DEL JEFE es una comedia inteligente cuyos protagonistas creen estar siempre pisando suelo firme, cuando apenas, y muy peligrosamente, están pedaleando en el aire”. EL JEFE DEL JEFE de LARS VON TRIER Adaptación Teatral Original JACK McNAMARA Versión RICARDO HORNOS y PABLO KOMPEL DIEGO PERETTI FEDERICO D‘ELÍA JUAN ISOLA ARIADNA ASTURZZI ANDREA LOVERA CRISTIAN JENSEN Director JAVIER DAULTE Diseño de Escenografía JULIETA KOMPEL Diseño de Vestuario ANA MARKARIAN Diseño de Iluminación MATÍAS SENDON Diseño y Edición de Sonido PABLO ABAL Asistente de Dirección & Stage Manager VICTORIA SARCHI Realización Técnica WILLY PÉREZ y equipo, HERNANDO TEIJERO Vestidora LIDIA QUIROGA Fotografía Estudio ALEJANDRA LOPEZ u
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Comunicación Digital BUSHI CONTENIDOS Comunicación Visual NICOLÁS REJLIS Prensa SMW Comunicación y Medios PATRICIA BAREIRO Productor Ejecutivo MANO SZERESZEVSKY Productor Ejecutivo Principal JAVIER MADOU Director de Producción ARIEL STOLIER Productores Generales PABLO KOMPEL, RICARDO HORNOS y ADRIAN SUAR
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El JEFE DEL JEFE (“The Boss of it All”) se presentó por primera vez el 1 de agosto de 2013 en Assembly Roxy, como parte del Edinburgh Festival Fringe 2013. Presentada por acuerdo con Nordiska ApS – www.nordiska.dk Actividad teatral protegida. Ley 12.576. Secretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. EL JEFE DEL JEFE PASEO LA PLAZA FUNCIONES: MIÉRCOLES 20:15h / JUEVES 20:15h.
VIERNES 20h SÁBADO 19:45 y 21:45h / DOMINGO 19:15h. VENTA DE ENTRADAS POR PLATEANET www.plateanet.com 5236-3000 www.paseolaplaza.com.ar @paseolaplazaok PRENSA Raúl Casalotti SMWPress FB: smwpress @smwpress@gmail.com info@smwpress.com
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Teatro físico, acrobacia y danza - Cía Demasiado Gorda presenta
Devorando el vacío
Dirección y autoría Paula Palomo La compañía Demasiado Gorda estrena Devorando el vacío, pieza con la que cierra la trilogía iniciada con Carne picada (2016) y seguida por El filo de las cosas (2022). La obra expone a través de una combinación de lenguajes, la relación intrincada entre las diferentes entidades que
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conviven y conforman el mundo interno de la Mujer-oso a lo largo de su existencia En un recorrido autobiográfico, Paula Palomo, directora y autora de la obra, decide profundizar en su propia patología y los diferentes ciclos que fue vivenciando en su vida, ahondando y desnudando la
convivencia de estas partes internas contrastantes. Con Iván Carmona protagonizando y encarnando diferentes entidades, ambos intérpretes toman el escenario y lo transforman en un viaje repleto de climas, imágenes sensoriales bellas y perturbadoras, evidenciando su
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relación íntima y toxica, pero necesaria. Siempre enmarcada dentro del circo contemporáneo pero cada vez más afianzada en la composición de un lenguaje propio, la Compañía presenta su nuevo espectáculo. FUNCIONES: Sala: La Central. Manuel A. Rodríguez 1566 (entre Galicia y Tres Arroyos) CABA Sábados de mayo 20.30h. Entradas por Alternativa Teatral Duración: 55 minutos
DEVORANDO EL VACIO “…En este momento me interesa escapar del engranaje, saber si lo inevitable puede tener salida… Lo que interesa es la posibilidad de evasión, un salto fuera del rito implacable, una loca carrera que ofrece todas las posibilidades de esperanza…” Albert Camus, “El extranjero”’ SOBRE LA OBRA: “Devorando el vacío” nace de la necesidad de darle continuidad a uno de los últimos trabajos escénicos de la Cía. Demasiado Gorda, “El filo de las cosas” (2022). La obra busca interiorizarnos en la relación entre la enfermedad y la interprete, esa mujer-oso que atraviesa la escena buscando disipar la locura a través de la ficción, el desborde y la poesía. Con Devorando el vacío, la compañía Demasiado Gorda se dispone a cerrar un tríptico que tuvo inicio en el año 2016 con su primer trabajo “Carne Picada”. FICHA ARTÍSTICO TÉCNICA:
Apta mayores de edad
Autoría: Paula Palomo Intérprete: Paula Palomo e Ivan Carmona Diseño sonoro: Lucas Trosman Iluminación: Laura Saban Vestuario: Soledad Miravalle Escenografía: Cía. demasiado Gorda Fotografía: Hernán Paulos
Audiovisuales: Fernando Sánches Diseño gráfico: Rampa Estudio Prensa y difusión: Daniel Franco Community mánager: Azul Colombo Producción: Cía. Demasiado Gorda Asistencia de dirección: Florencia Montaldo Dirección y dramaturgia: Paula Palomo SOBRE LOS INTÉRPRETES: Paula Palomo: artista escénica, acróbata, bailarina, docente y performer. Directora de la Cía. Demasiado Gorda. Fue gimnasta federada (Gimnasia Artística) desde los 6 (seis) hasta los 15 (quince) años de edad. Finalizados sus estudios secundarios, comenzó la carrera de Licenciatura en Artes visuales en el I.U.N.A (Instituto Universitario Nacional De Artes). Estudié Escenotécnia e Iluminación en el Centro Cultural San Martín. Paralelamente, empezó su formación en Danza y en un gran número de disciplinas acrobáticas (acrobacia de piso, trapecio, trapecio a vuelo, aro, telas, arneses) Desde los 20 años comenzó a trabajar en diferentes compañías de danza/teatro y acrobacia, como intérprete (Compañía de La Arena, dirigida por Gerardo Hochman, Compañía El Descueve, como intérprete en la reposición de “Todos Contentos”, dirigida por Mayra Bonard, entre otras). u
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En el 2017 forma la Compañía Demasiado Gorda (circo contemporáneo, teatro físico y acrobático), que dirige hasta la actualidad, con la que realiza sus primeros proyectos: “Diente de León” (dirigido por Javier Marra), “Carne Picada” (su primera obra como directora). Durante los años 2020 y 2021 la Compañía estrena cuatro producciones: “BESTIA”, “De todo lo que trate de decirte”,” La Reconstrucción” y “VELO” (directora e interprete). En octubre del año 2022, se estrena “El filo de las cosas” (directora e interprete). En noviembre del año 2023, se estrena “GLORIA” (directora e interprete). En noviembre del año 2024, estrena “Devorando el vacío” (directora e interprete), su última obra. Desde el año 2006 y hasta la actualidad da clases regulares de Acrobacia aérea, de piso y dicta talleres de composición y montaje escénico. Iván Carmona: Licenciado en Artes Escénicas (UNSAM), docente e Intérprete en las compañías Demasiado Gorda y Proyecto Amor Eterno. Es licenciado en artes escénicas con focalización en circo de la Universidad de San Martín. Con formación en acrobacia aérea, de piso y danza contemporánea, formó parte del elenco de Corteza, obra prima de la compañía de alumnos de
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la UNSAM, dirigida por Blancaluz Capella y Rafael Moraes. Actualmente trabaja como docente de circo integral para niñes y adolescentes con integración para personas con TGD y TEA y de adultos en diferentes espacios. A su vez dicta seminarios de acrobacia aérea en diferentes provincias del territorio nacional y forma parte del jurado idóneo en las competencias de circo y danza
de Flavio Mendoza Desde el año 2020, forma parte de la Cia. Demasiado Gorda, dirigida por Paula Palomo, interpretando trabajos como “Velo”, “De Todo lo que Traté de Decirte”, “Gloria” y “Devorando el Vacío”. PRENSA Daniel Franco IG: danielfrancoprensa prensa@danielfranco.com.ar www.danielfranco.com.ar
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CORAZA. CÁSCARA. CASA. DE VANESA BUTERA Dirección: Sebastián Suñé Músicos en vivo: Javier López del Carril, Carlos Britez, Lisandro Etala, Matías Cadoni EL MÉTODO KAIRÓS TEATRO SÁBADOS 20:30H - ENTRADAS CORAZA. CÁSCARA CASA es un espectáculo musical con canciones y textos originales de Vane Butera, repleto de humor y emoción. Un personaje emprende una limpieza imposible. Cuando una mudanza, una ruptura o un golpe inesperado son la oportunidad perfecta para dar de nuevo y reacomodar el espacio. Con la poesía de lo cotidiano, y la risa como escudo para atravesar una transformación, tan total como inesperada. ¿Qué de todo lo que nos construye está ahí por nostalgia? ¿Por miedo? ¿Por costumbre? ¿Por culpa? ¿Y qué de todo eso estamos dispuestos a dejar ir?
GONZALO CORDOBA ESTEVEZ Diseño de Luces: SAMIR CARRILLO Diseño gráfico: KARINA HERNANDEZ Producción Ejecutiva: JUAN YACAR Prensa: Varas Otero Fotografía: Irish Suárez Redes: SAMI y CECI SOSA Arreglos musicales: Javier López del Carril Libro, Música y Actuación: VANE BUTERA Músicos: Javier López del Carril, Carlos Britez, Lisandro Etala, Matías Cadoni Sobre Vane Butera Actriz, cantante y compositora Argentina. Tiene una larga trayectoria tanto en la música como en la actuación. Referente del teatro musical Argentino, trabajó en títulos
como “Hairspray“, „Pegados“, „Company“, „Tita,llamarada pasional“, Colección primavera verano”, “22:22”, “Como te soñé”, “Entretelones”, “No me llames” y “sex” entre muchas otras. En televisión formó parte de los elencos de “Sandro de América”, “Fronteras“, „Simona“ y “Esperanza mía”. Nominada y ganadora de múltiples premios, como los premios ACE, Trinidad Guevara, Maria Guerrero, Clarín Espectáculos y Hugo al teatro musical. Como cantautora recorre desde hace más de 15 años escenarios de Argentina y giró por Uruguay, México, EEUU y países de Europa. Fue telonera de Joaquín Sabina. Tiene 4 discos de estudio. Compuso música y letra para teatro musical. Lic. Susan Lonetti Periodista - Comunicación - PR susan.lonetti@gmail.com @suvalo
FICHA TÉCNICA: Dirección: SEBASTIÁN SUÑÉ Dirección Musical: JAVIER LÓPEZ DEL CARRIL Escenografía:
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LLEGA A CALLE CORRIENTES UNA DE LAS COMEDIAS MÁS DESOPILANTES DE BROADWAY
AGOTADOS
CON ARIEL STALTARI Y DIRIGIDA POR PABLO FÁBREGAS
Un restaurante, 40 personajes y un menú delirante Bajo la dirección de Pablo Fábregas, esta hilarante puesta en escena desafía a un solo actor Ariel Staltari a interpretar a más de 40 personajes en un despliegue de talento y creatividad sin límites. Basada en la obra Fully Committed de Becky Mode y Mark Setlock, éxito en Broadway con Jesse Tyler Ferguson (Modern Family), esta adaptación incorpora guiños a la cultura argentina, desde personalidades de la farándula hasta figuras del ámbito político y mediático.
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Paseo La Plaza Sala Neruda Jueves 22:15 h Entradas a la venta por Plateanet Sam es un actor en ascenso, pero mientras espera esa gran oportunidad, su realidad es muy distinta: trabaja atendiendo el teléfono de reservas de Byron, el restaurante más exclusivo de Buenos Aires. Lo que parece un trabajo rutinario se convierte en un verdadero caos cuando más de 40 comensales hacen lo imposible para conseguir una mesa el sábado por la noche. Sam tiene que lidiar con maltrato, desprecio, gritos,
coimas y hasta amenazas. Mientras se pregunta si el gran día llegará o este es su destino. Agotados es una comedia vertiginosa que nos sumerge en un día frenético en la vida de un joven con el corazón roto, la billetera vacía y un padre experto en chantajes emocionales. Mientras atiende llamadas sin respiro, sigue aferrado a su sueño: conseguir la audición que le cambiará la vida. @agotadosobras PRENSA Soy prensa hola@soyprensa.com.ar
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PASAPORTE MUSICAL que llega al TEATRO PICADILLY Dicen que los argentinos
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siempre tienen el Pasaporte listo, pero… ¿Qué pasa cuando el verdadero viaje es INTERNO ?
Llegó a la cartelera porteña desde el pasado 7 de abril y durante los meses de abril y mayo PASAPORTE, un musical original de Nicolás Alan Medina
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y Delfina Jorge con música original de Facundo Cicciu que combina filosofía, humor y una historia de transformación personal. La obra nos sumerge en la vida de Lila Blanco, una joven que está a punto de cambiar su destino cuando, a solo 24 horas de tomar su vuelo a Madrid, su pasaporte desaparece. En un torbellino de emociones, encuentros inesperados y reflexiones filosóficas, Lila deberá decidir entre el pasado que la ata y el futuro que la espera.
o por boletería del teatro FICHA TÉCNICA Autores: Nicolás Alan Medina y Delfina Jorge
Elenco: Rosario Cabrera Martínez (Lila); Ignacio Vidiri (Matías); Florencia Róvere (Silvina); Agos Becco (Candela); Fabio Aste (Roberto); Francisca Pinheiro (Cover Lila/Candela); Federico Heinrich (Cover Matías) Música: Facundo Cicciu. Letras: UN MUSICAL SOBRE EL Nicolás Alan Medina y Delfina VIAJE MÁS IMPORTANTE: EL INTERNO. PASAPORTE es más Jorge. que una historia de despedidas: Dirección General: Nicolás Alan Medina y Delfina es una exploración de las crisis Jorge. existenciales, la identidad y el Dirección Musical: peso de nuestras decisiones. Facundo Cicciu. Con una puesta innovadora Dirección vocal: y un relato dinámico, la obra Facundo Cicciu. entrelaza elementos teatrales, Coreografía: música en vivo y filosofía en Nicolás Alan Medina y Delfina un espectáculo que desafía Jorge. y emociona al espectador. El Producción Ejecutiva: rol protagónico de “Lila” está Olivia Casado. a cargo de Rosario Cabrera Asistente de Dirección: Martínez bajo la dirección de Olivia Casado. Nicolás Alan Medina y Delfina Asistentes de Producción: Jorge. Con Dirección musical y Violeta Cárcova. vocal de Facundo Cicciu. Stage Manager: Violeta Cárcova. FUNCIONES: Escenografía: Giuliano Benedetti. Los lunes a las 20.30 h. Diseño de luces: Teatro Picadilly Avda. Corrientes 1524 – CABA. Leo Muñoz. Duración de la obra 90 minutos. Diseño Gráfico: Nacho Correa. Entradas a la venta en Fotografía: www.plateanet.com
Mel Ercoli. Prensa: SMW asesores de prensa Producción: Mayka Producciones y Producciones Tauro. Filósofo asesor: Jero Maña Mayka Producciones Productora de contenidos artísticos variados, formada por jóvenes, con el fin de apoyar y potenciar proyectos de artistas en crecimiento. Dedicada principalmente al cine, estando en postproducción del largometraje musical “Lo Que Nos Queda”, sus contenidos tienden a relacionarse con el Teatro Musical. https://www.maykaprod.com/ Producciones Tauro Productora de contenidos artísticos teatrales y musicales. Formada por dos jóvenes artistas basadas en Buenos Aires y Barcelona. Dedicada principalmente al teatro musical, clases y a talleres de montaje desde el año 2020. @produccionestauro Instagram: @pasaporte.musical PRENSA Raúl Casalotti SMWPress raulcasalotti@smwpress.com
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DIVERTIDO MUSIC HALL “LABORATORIO DE AMOR (prueba y error)” Una creación de go Mamma, producida por Tana Produce
sábados a las 20:00h en Teatro Border, Godoy Cruz 1838, CABA y las entradas se pueden adquirir en la boletería del teatro y/o en su página web
Desde el pasado sábado 05 de abril se puede ver “LABORATORIO DE AMOR (prueba y error)”, una creación de GO MAMMA producida por TANA PRODUCE con Feli Canavesio, Sol Castagnari, Giuli Paz, Enzo Ferrari y Franco De Paoli, bajo la dirección de Fede Fedele.
SINOPSIS:
Las funciones serán todos los
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Tres científicas se encuentran en su laboratorio para cantar canciones de amor que todos conocemos y cantamos en la ducha, exponiendo así su profunda teoría: Hipótesis: El amor es una mierda. Objetivo: Confirmar o refutar la hipótesis planteada. Instrumentos de evaluación: Testimonios,
pruebas, ensayos y hechos verídicos (propios y prestados). Vení a ser parte del estudio más revelador de la historia. Será un antes y un después para la comunidad científica. Acerca de TANA PRODUCE: Es una productora de espectáculos que busca generar contenidos de alta calidad y aportar experiencia, organización, trabajo y profesionalismo a la industria teatral Argentina. Con el foco puesto en el trabajo en equipo, el orden, el respeto, la armonía
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y pasión por el teatro musical le brinda a los amantes del buen teatro producciones de gran calidad. Entre sus producciones se destacan: “Familia, sustantivo femenino”, espectáculo que obtuvo 7 nominaciones a los Premios Hugo y ganó 3 de ellos, incluyendo “Mejor musical off”; “Lexi, hablemos de dislexia”, espectáculo que obtuvo 13 nominaciones a los Premios Hugo y ganó 5 de ellos, incluyendo “Mejor musical infantil”; además fue nominado como “Mejor infantil” a los Premios ACE, ganó el Premio Luisa Vehil 2024 y declarada de “interés educativo y en defensa y promoción de los niños, niñas y adolescentes” por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. TANA además produjo “Perra que ladra a la luna”, “Laboratorio de amor (prueba y error), eventos y audiovisuales. Acerca de GO MAMMA: Nació a fines del 2019 a la salida de una clase de ensamble vocal: Giuli, Sol y Feli juntaron sus ganas de cantar y conocieron a Enzo quien se sumó como arreglador vocal. Pocos meses después comenzó la pandemia, así que tuvieron que reinventarse grabando videos a distancia. En 2021 fueron invitadas desde España a participar del décimo Encuentro Cultural En-Cuadra vía streaming, donde compartieron programación con grandes de la música como Hilda Lizarazu. Fue recién a fines de ese año que pudieron hacer su primer show en vivo en Paseo la plaza. Después de cantar en diferentes
espacios se dieron cuenta de dos cosas: 1- que querían darle una vuelta de tuerca a su espectáculo y 2- que cantaban puras canciones de amor aunque a ellas, en general, les iba bastante mal en esa materia. Así que a partir de anécdotas amorosas propias y prestadas comenzaron a escribir su historia y con eso, su show a medida. En 2024 se unieron con TANA Produce y todo comenzó a sonar como siempre se imaginaron. LABORATORIO DE AMOR (prueba y error) Libro: Giuli Paz - Sol Castagnari - Feli Canavesio (GO MAMMA) Elenco: Giuli Paz Sol Castagnari Feli Canavesio Piano, arreglos musicales y vocales: Enzo Ferrari Percusión: Franco De Paoli Asistente de Dirección y de Producción: Cami Garavaglia Escenografía: Giuliano Benedetti
Fotos: Nacho Lunadei Diseño gráfico: Sol Castagnari Prensa: BMZ Comunicaciones Coordinadora de prensa: Vero Larrea Producción General: TANA - GO MAMMA Dirección General: Fede Fedele Las funciones serán todos los sábados a las 20:00h en Teatro Border, Godoy Cruz 1838, CABA Teatro Border, Godoy Cruz 1838, CABA Venta de entradas: en la boletería del teatro y en su sitio web Valor de las entradas: $15.000.Duración: 60 min REDES SOCIALES: @tana.produce @gomamma_ PRENSA Marcelo Boccia BMZ Comunicaciones marcelo@bmzcomunicaciones. com.ar IG BMZComunicaciones
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PROGRAMACION DE MAYO LUNES DE JAZZ TRIO SUCHERAS / DE MÓNACO / ZENTNER
DE LUNES A VIERNES A LAS 18 HAPPY HOUR + JAZZ EN VIVO Lunes: José Gómez guitarra, Roberto Villagra contrabajo, Santiago Sbarbati batería. Martes Sofía Rovetto piano, Fermín Suarez contrabajo, Camilo Zentner batería. Miércoles: Ricardo Pereyra piano, Roberto Villagra contrabajo, Camilo Zentner batería. Jueves Facu Canosa piano, Leo Páez contrabajo, Camilo Zentner batería. Viernes: Sebastián Marcial Álvarez saxo tenor, Dante Carniel piano, Fran Covito contrabajo, Camilo Zentner batería LOS LUNES A LAS 20.30
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Todos los martes el guitarrista, bajista, compositor y cantante Broder Bastos junto al baterista Camilo Zentner, presentan un show de música popular brasilera. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Milton Nascimento y mas! Con Miguel Oyuela en guitarra y como invitado especial Rodrigo Aberastegui en piano.
La Biblioteca Café a puro Jazz, presenta, en su 16º año al trío integrado por Angel Sucheras piano, Gerardo de Mónaco contrabajo y Camilo Zentner batería.
LOS MARTES 13, 20 y 27 ALAS 20.30 BANDA BRODER BASTOS CONVIDANDO MÚSICAS DE BRASIL
Viernes 2 a las 21 LEONARDO PASTORE A SOLAS El cantor Leonardo Pastore se presenta en La Biblioteca Café a solas con su guitarra en un concierto íntimo en el que recorre las obras que están en su memoria emotiva de intérprete muy conocedor de todos los repertorios. Cantante invitada: Maria Cecilia Aquino.
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entre muchos otros mas. Seba Marcial saxo, Dante Carniel piano Fermín Suárez contrabajo, Camilo Zentner batería. Con artistas invitados!!
Sábado 3 a las 17 CICLO GRANDES INTÉRPRETES PIANO DAY INTERNATIONAL 2DA EDICIÓN El primer sábado de cada mes La Biblioteca Café inaugura este espacio en que participan 4 pianistas de excelencia, cada uno en su género. En esta oportunidad serán Ezequiel Sarubbi quien interpretará un repertorio clásico, Luis Lugo, Cuba, Latino, Contemporánea, Miguel Pereiro, Tango y Jazz, Rubén Ferrero Folklore Fusión, Free Jazz. Momentos históricos del piano, desde su creación y la evolución del mismo hasta nuestros días.
Sábado 3 a las 21 HARD BOP LEGACY 4TET JAZZ CON INVITADOS Composiciones de Jazz de finales de los años 50´s. Con temas de Hank Mobley, Art Blakey & the Jazz Messengers, Jimmy Heath, Freddie Hubbard,
Domingo 4 a las 17 LIZZA CANTA ELIS / 80 AÑOS DE SAUDADES DOS VOCES, UNA PASIÓN: LA MÚSICA Varias coincidencias unen las historias de Elis Regina y Lizza Dias. Ambas cantantes, de Rio Grande do Sul, nacidas en Porto Alegre. Lizza tenía solo 7 años cuando Pimentinha se fue a cantar al cielo y siempre encontró inspiración en la voz de Elis. Lizza Dias se destaca por su voz potente y timbre impactante y trae al espectáculo toda la emoción, alegría y personalidad del huracán Elis Regina. Un momento de poesía para celebrar el talento de Elis Regina. Músicos Acompañantes: @Machitorrez percusión, @ Gabinomusico guitarra Domingo 4 a las 20.30 GIL ROSEIRO 4tet JAZZ BRASILEÑO Una inmersión en el universo del jazz y la música brasileña con composiciones del álbum Passos de Formiga, grabado en vivo en la Universidad Estatal de
Campinas, en São Paulo, Brasil. El cuarteto explora la fusión de ritmos como baião, maracatu y samba, aportando una sonoridad moderna con un toque de jazz. Gil Roseiro piano y composición, Vale Saxo saxofón, Edu Gabriel bajo, Ícaro Leony batería.
Martes 6 a las 20.30 CONVIDANDO MÚSICAS PRESENTA A PAULINA TORRES canta, acompañada por Pablo Figueroa en guitarra y Camilo Zentner en percusión. Invitados: Daniela Cesario piano, Leo Páez bajo.
Miércoles 7 a las 21 TRIO DABANCH/COVITO/
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CALUCH JAZZ Dabanch / Covito / Caluch jazz trio es un grupo en el tradicional formato de piano trio, y que recorre el repertorio tradicional de estilo, combinando la estética de los grandes pianos tríos cómo los de Óscar Peterson, Red Garland, Wynton Kelly, etc y una sonoridad más moderna, pero siempre respetando la sonoridad y el lenguaje tradicional del género. Piano trio de jazz está conformado por el pianista Matías Dabanch, el contrabajista Fran Covito y el baterista Pablo Caluch.
Jueves 8 a las 21 QUINTETO CRIOLLO GONZALEZ CALO & JUAN SEREN presentan su nuevo álbum ESCALERAS, CANDILAZOS Y BALDÍOS El quinteto comandado por el bandoneonista, compositor y arreglador Mariano González Calo junto al letrista y cantor Juan Seren. en un repertorio que se reparte entre composiciones propias y de colegas contemporáneos, como Juan Carlos Cáceres, Leandro Nikitoff y Alfredo “Tape” Rubín. La sonoridad del grupo remite al cuarteto de Troilo y
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Grela, enunciada desde una perspectiva contemporánea, una mirada que González Calo y Seren militan desde siempre. Entre tangos canción e instrumentales, milongas sureras y camperas, aires de vidala y de triunfo, valses y palabras exactas y lucidas, el quinteto aumentado expande sus variantes y capacidades expresivas Guitarras: Emilio Cossani y Jonatan Álvarez, guitarrón criollo: Pepe Gutiérrez, contrabajo: Federico Maiocchi, bandoneón: Mariano González Calo, canta: Juan Seren.
Viernes 9 a las 21 SERRAT A LA CARTA SUSANA SÁNCHEZ LAGANÁ / EZEQUIEL DALAIRAC Las canciones mas amadas del Nano, siendo el público quién elige el repertorio, interpretadas por Susana Sánchez Laganá con Ezequiel Dalairac al piano y como invitadxs Rodrigo Charmiello, Lorena Sánchez, Edith Margulis y algunas sorpresas. Sábado 10 a las 17 DUELOS Y QUEBRANTOS MÚSICA DEL SIGLO DE ORO ESPAÑOL Acompañanos en este concierto para disfrutar Música del
siglo de oro español con una rica merienda y en un lugar ideal. Un paseo por danzas tradicionales y canciones nos revelan los textos típicos de la época; tonos humanos que hablan de las emociones y sus permanentes contradicciones, plagadas de metáforas y mucha ironía. Duelos y quebrantos, ensamble de música barroca española a cargo de Laura Munizaga Alfaro soprano, José Papotto viola da gamba y Laura Fainstein Sestopal guitarra barroca.
Sábado 10 a las 21 ALMALUSA / CASA DE FADOS 10 ° Temporada Almalusa presenta su ya clásico espectáculo de fados y música portuguesa, con un intenso recorrido por el fado que nos permitirá sumergirnos en la calidez y la intimidad del género. Integran Almalusa: María Laura Rojas y Dulio Omar Moreno voz, Juan Pablo Isaía
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guitarra portuguesa, Luis Cativa Tolosa guitarra, Ignacio Long contrabajo. Almalusa Ha sido declarada de Interés Cultural por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires.
Domingo 11 a las 17 UNA TARDE DE ENSUEÑO Una tarde de ensueño constituye una propuesta innovadora, donde en el transcurso de poco más de una hora, la palabra – cantada o narrada – devuelve el valor a la interacción entre audiencia y artistas. Con la actuación estelar de la Sra. Cristina Conde, (ahijada artística de Estela Raval y Ricardo Romero; precursora de las voces femeninas del rock nacional, como relevación año 78 en Grandes Valores del Tango); la participación estelar de Jorge Tortosa, (cantautor de zona norte de Bs As, y conductor radial); y Dúo por la vida, (Embajadores Culturales de la pcia. De Córdoba; declarados a su vez de interés cultural por el Ministerio de Cultura de la Nación). Con un repertorio que va desde milongas, tangos, folklore de cámara, música clásica y melódico internacional, “Una tarde de ensueño” rescata historias y personajes que forman parte de nuestro
acervo cultural, brindando a la audiencia un espectáculo desde una postura de respeto hacia la belleza de la música, la palabra, y la co-creación entre audiencia y artistas.
Domingo 11 a las 20.30 CLÁSICOS Y ROMÁNTICOS EN ESPAÑOL Zarzuelas y Canciones Argentinas y Españolas Canto guitarras y piano : una variada selección de canciones de cámara, arias y conjuntos de zarzuela, y solos de piano de autores argentinos y españoles, clásicos y populares. Gilda Siniscalco soprano, Gladys Albicoro Marín mezzosoprano, Juan Spaini y Gerardo Russo canto y guitarras y la Mtra Viviana Lazzarin al piano. Obras de Astor Piazzolla, Carlos Guastavino, Alberto Ginastera, Federico García Lorca, Fernando Obradors, Federico Mompou, Manuel de Falla, Manuel Penella (Don Gil de Alcalá) y Federico Moreno Torroba (Luisa Fernanda). Miércoles 14 a las 21 RICARDO TAYLOR + TRÍO / A MI MANERA SINATRA Y STANDARDS JAZZ Las canciones más emblemáticas de Frank Sinatra
y los temas de la era dorada del jazz en la voz de Ricardo Taylor junto al trío formado por Dante Carniel piano, Leo Páez contrabajo y Camilo Zentner batería.
Jueves 15 a las 21 COMO EN CASA Swing, baladas, boleros, tangos, guaranias y otros ritmos hilados por la magia de hacer música como en casa. Con Malu Baibiene, Graciela Quintana y Juan Martín Bouquet junto a la maestría de Pablo Martinez Zuviria piano, arreglos y dirección musical, Juan Pablo Ferreyra guitarra, Lucas Argomedo cello y Tomás Argomedo batería, Felix Vega voz. Viernes 16 a las 21 JULY BANNER / RIO GRAND MÚSICA COUNTRY Prepárense para una noche espectacular de música country con la cantante estadouniu
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acordeón, Nicolás Courreges en bajo y Fabián Miodownik en batería.
dense July Banner y la banda Rio Grand con invitación de lujo, Henry Donati. Conocido por su carácter sureño, Rio Grand es una visita obligada para los amantes de la música country con temas de Patsy Cline, Emmylou Harris, Hank Williams, Linda Ronstadt y más… Vengan temprano, toman una bebida, piden algo de comer y disfrutan la música country!
Sábado 17 a las 17 CONSTANZA BIS PRESENTA BRASIL EN CANCIONES & BUEN DÍA Tarde mágica entre clásicos de Brasil, de Bahía y música autoral. Un recorrido por ritmos y letras que nos hacen viajar, revisitando artistas como Dorival Caymmi, Caetano Veloso, Adriana Calcanhotto, Tribalistas y canciones de Constanza Bis en portugués y castellano. La artista presenta el nuevo sambareggae „Buen día“ junto a Martín Rivero en piano y
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Sábado 17 a las 21 PARLAMI D‘AMORE CANCIONES DE LA ITALIA ROMÁNTICA – OCTAVATEMPORADA Porque el amor nos salva, porque el amor nos eleva, porque el amor nos transforma. Hablemos de amor! Soñamos, sufrimos y vibramos con las más bellas canciones y canzonettas de todos los tiempos. La soprano Susana Sánchez Laganá y el tenor Rodrigo Charmiello. nos llevan a recorrer los tiempos de Modugno, Di Bari, Zanicchi ó nos traen imágenes de Cinema Paradiso y El Padrino sin dejar de volar con Bellini ó Tosti. Acompañan otros dos fanáticos del amor:Ezequiel Dalairac al piano y Simón Martins en violín
Domingo 18 a las 20.30 ANTÍDOTO DE DOMINGO PAULINA TORRES
Los domingos se llenan de música, poesía y buena energía con Antídoto de Domingo. En este ciclo musical, la actriz y cantante Paulina Torres nos transportará a través de sus canciones e interpretaciones por diversos géneros y temáticas artísticas. Acompaña el maestro Pablo Figueroa en la guitarra y los arreglos. y Camilo Zentner en batería. Una experiencia única No se lo pierdan, les esperamos.
Miércoles 21 a las 21 EXPERIENCIA La Orquesta JAZZ + COCINA DE AUTOR Por quinta oportunidad presentamos con gran éxito en el Espacio Experiencias LA ORQUESTA, una combinación de show de jazz y pop en vivo con una propuesta diferente de cocina de autor, en donde la música se intercala y se complementa con la comida. En esta cena vas a poder disfrutar de 6 tiempos en los que progresa la sofisticacion de los platos y los vinos, junto a la intensidad de la música, buscando así activar todos tus sentidos. En la cocina: Misael Noe. Pastelera invitada Vicky Paste. En el show el Cuarteto de Jazz integrado por Sebastián Marcial Alvarez
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saxo, Dante Carniel piano, Fran Nava contrabajo, Camilo Zentner batería.
Jueves 22 a las 21 JUAN CORNEJO SENSACIONES Juan Cornejo trae un renovado repertorio romántico de boleros y baladas, siempre con el excelente acompañamiento musical de Pablo Martinez Zuviria en piano y dirección musical, Damien Poots en guitarra y Lucas Argomedo en bajo, Por El, Si Tuviera que Elegir, Momentos serán algunas de sus interpretaciones que podremos disfrutar.
Viernes 23 a las 21 JUST FRIENDS & ABRIL MC LENNAN JAZZ Y BOSSA Abril Mc Lennan voz, Carlos Ferrero piano y dirección, Freddy Prochnik bajo, Enrique Bidoglio batería y coros. Saxo invitado: Franco Baldassini.
Sábado 24 a las 17 CUARTETO ANTIGUA VIENA DEL VALS VIENÉS AL VALS CRIOLLO El Cuarteto Antigua Viena surge de la inquietud de Johannes Mantler de interpretar en Buenos Aires música tradicional vienesa. Música con una específica tradición interpretativa, que el violinista ex integrante de la orquesta de la Ópera Estatal de Viena cultiva con pasión y dedicación, y que tiene ahora la oportunidad de trabajar en conjunto con músicos argentinos. El cuarteto de cuerdas está integrado por: Johannes Mantler violín l, Carlos Golluscio violín ll, Mercedes Sánchez viola y Martin Devoto cello.
Sábado 24 a las 21 EL ASUNTO AGUSTÍN LÓPEZ NÚÑEZ Y PATRICIA MALANCA Agustín López Núñez y Patricia Malanca presentan EL ASUNTO,
el espectáculo romántico musical que con toques de humor y amor desentraña las relaciones entre dos géneros rebeldes: el tango y el bolero. Acompañados en piano por Paula de Ovando. Agustín López Núñez, humorista, conductor, locutor, imitador y cantante, humorista en Radio El Destape Sin Fin. Patricia Malanca, cantante, compositora, ganadora del Premio Gardel 2022.
Domingo25 a las 17 LA HISTORIA CANTADA DEL ROCK ARGENTINO DÚO CONFLUENCIA Andrés Mormann guitarra acústica- voz y Gustavo Cazzola guitarra acústicaarmónica-voz, conforman este dúo nativo de la ciudad de La Plata nacido en los años 80 en el colegio secundario, presentan una revisión histórica del rock fundacional argentino. 43 años rindiendo homenaje a los máximos exponentes de nuestra música nacional...Sui Generis, Vivencia; Vox Dei, Pedro y Pablo, Almendra, Pastoral y otros. Domíngo 25 a las 20.30 PARA LA LIBERTAD LA REVOLUCIÓN, ESE SUEÑO ETERNO u
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De Espartaco a Bolívar, de la Bastilla al Cordobazo, los pueblos vienen luchando por sus derechos. Sublevaciones, disturbios, rebeliones, levantamientos, movimientos, revueltas, alzamientos y revoluciones; muchos nombres para un solo ideal: liberación y justicia social. Y todos esos nombres van acompañados de símbolos, de emblemas y de himnos; himnos y canciones que nos recuerdan las luchas que esos pueblos protagonizan y las hacen inmortales, en todo el mundo y a lo largo de los tiempos. Para la Libertad nos reunimos y lxs convocamos a celebrar con nosotrxs el día de la Patria: Ezequiel Dalairac, Luciano Dalairac, Carlos del Pino, Simon Martins y Edith Margulis.
Miércoles 28 a las 21 COMO EN CASA Swing, baladas, boleros, tangos, guaranias y otros
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ritmos hilados por la magia de hacer música como en casa. Con Malu Baibiene, Graciela Quintana y Juan Martín Bouquet junto a la maestría de Pablo Martinez Zuviria piano, arreglos y dirección musical, Juan Pablo Ferreyra guitarra, Lucas Argomedo cello y Tomás Argomedo batería, Felix Vega voz.
Jueves 29 a las 21 SAUDADE BRASILEIRA TRIBUTO A BRASIL / MÚSICA & POESÍA Con el corazón puesto en la obra del inigualable Caetano Veloso, este concierto recorre las melodías y palabras que han marcado generaciones, entrelazando clásicos de la música popular brasileña con poemas y textos que evocan la profundidad y belleza del gigante sudamericano. Martín Maroni guitarra y piano, Lara Voo voz y pandeiro y Patricia de la Torre voz y poesía, se unen en escena para dar vida a un espectáculo íntimo, profundo y luminoso. Música en vivo, palabra dicha, climas y paisajes sonoros que celebran a Brasil en su expresión más auténtica. “La poesía no quiere adeptos, quiere amantes.” – Caetano Veloso
Viernes 30 a las 21 MARTA ROSSI,/ GIOVANNI PANELLA DEL ENAMORAMIENTO AL AMOR Ese momento mágico cuando por primera vez se cruzan miradas y no se sabe que se está mirando directo al propio futuro… A través del ciclo de canciones “L’innamoramento” de Giovanni Panella (sobre poesías de Marta Rossi) y otros compositores, nuestros artistas nos ofrecerán una noche de música inolvidable. Marta Rossi, soprano Giovanni Panella, piano
Sábado 31 a las 21 FÉNIX JAZZ BAND 50 AÑOS DE JAZZ, 50 AÑOS DE HISTORIA…. La legendario agrupación presenta su último álbum que procurara reflejar su actualidad llena de jazz, buenos momentos, buenos amigos, compartiendo la enorme alegría de sentirse parte
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de la historia del jazz argentino. Confiamos que la satisfacción de hacer lo que hacemos pueda brindarle momentos gratos y divertidos. Es que nuestro
objetivo original no ha cambiado. Queremos que Ud. disfrute tanto escuchando como nosotros lo hacemos tocando” Claudio Cagegi trompeta, Carlos Caiati
clarinete, Eduardo Manenti trombón, Ezequiel Pallejá piano, Fernando Montardit banjo, Hector García tuba, Hernán Avella batería y washboard.
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El Teatro Municipal Coliseo Podestá presenta la agenda de MAYO Temporada 2025 El Teatro Municipal Coliseo Podestá informa la cartelera con las propuestas artísticas y musicales de mayo Rodolfo Ranni, Graciela Pal, Mauricio Dayub, Hermana Beba, Alejandro Dolina, Sandra Mihanovich, Sex, Aventuras Mineras y AHYRE, además de obras del teatro independiente de nuestra región, son algunas de las propuestas que ofrecerá el Coliseo Podestá durante mayo. Las entradas se encuentran a la venta en la boletería del Teatro, de martes a domingos 10 a 20 hs y feriados de 15 a 20 horas.
La Jenny ¿Dónde está Juan Carlos? Wali Iturriaga Stand Up/Humorístico + 16 años En esta nueva aventura teatral, el multifacético artista trae una historia de enredos disparatados que hace centro en la rebelión del querido Juan Carlos con su “tóxica” esposa y madre de sus hijos “La Jenny”. El ganador del Premio Estrella de Mar 2024 - como Mejor Humorista, vuelve a La Plata con este espectáculo que cautiva y llena de risas a grandes y chicos con actuaciones magistrales y una puesta en escena sorprendente!
familia. Prepárense para vivir una experiencia mágica con “Plim Plim, Energía Musical”, el exitoso espectáculo en formato recital que ya conquistó a miles de familias en Latinoamérica. Con un increíble despliegue multimedia y la impronta de siempre, este show invita a grandes y chicos a cantar, bailar y jugar mientras promueve valores positivos y hábitos saludables. De la mano de su creador, Guillermo “Tita” Pino, Plim Plim y sus amigos se han convertido en el fenómeno infantil de mayor crecimiento en habla hispana.
Domingo 4, a las 15:30 horas Plim Plim Infantil. + 2 años Plim Plim llega al Coliseo Podestá con un show lleno de energía y diversión para toda la
Domingo 4, a las 20:30 horas Héroe Lírico & Pop- Cinema Lírico Recital + 13 años Un espectáculo único que combina la potencia del Lírico
Las localidades también se pueden conseguir a través de Plateanet.
Sábado 3 de mayo, a las 19:00 y a las 21:00 horas
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Pop con la emoción del cine. A través de una puesta en escena innovadora y cautivante, el show transporta al público a los momentos más icónicos del Séptimo Arte. En esta nueva propuesta podrán disfrutar de temas o imágenes de Casablanca, Cinema Paradiso, El Padrino, Cantando Bajo la Lluvia, Il Postino, Mujer Bonita, El Fantasma de la Ópera, Titanic y muchos éxitos más.
Jueves 8, a las 20:00 horas Diagonal 8 – Banda vocal Teatro Independiente/ sala China Zorrilla Música. Apto todo público DIAGONAL 8 fue creado como octeto vocal en agosto de 1990 con la idea de recrear la música de todas las épocas con las infinitas posibilidades del instrumento universal, la voz humana. Con el formato actual de sexteto vocal masculino, estrenado a principios de 2002, DIAGONAL 8 acerca una vez más al público una estructura realmente singular dentro de la música vocal. DIAGONAL 8 está integrado por:
Pedro Augé, Carlos Guillaume, Juan Ignacio Ponz, Fabricio Manfredi, Jerónimo Díaz Ruiz y Ricardo Cobeñas, con dirección de Federico Trillo. Operación de sonido en vivo: Jorge Suarez. Arreglos: Víctor Testani, Hugo de la Vega, Manuel Bayala, Bernardo Latini y Ricarban Condeñas.
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pudiera volver a ser niño. Es una forma soñada de compartir parte de nuestra vida, deleitando, ilusionando. Sin tristezas, con euforia y emoción. Para salir con el ímpetu necesario y demostrar que el mundo es de los que se animan a perder el equilibrio.
Viernes 9, a las 21:00 horas Crónico – Nicolás de Tracy Stand Up/ humorístico + 13 años Nicolás de Tracy llegá al Coliseo Podestá con su tercer unipersonal: Crónico. Es uno de los comediantes jóvenes con mayor crecimiento este último tiempo. Después de más de 10 años de carrera, logró afianzarse como una figura de referencia en el stand up local.
Sábado 10, a las 21:00 horas El equilibrista, con Mauricio Dayub Comedia. + 13 años El equilibrista es la historia que cada una de nosotros podría contar acerca de su vida, si
Domingo 11, a las 20:00 horas La noche de la basura, con Rodolfo Ranni y Graciela Pal Comedia + 13 años Un clásico del teatro argentino que vuelve con más fuerza que nunca. Porque no todo es Disney, amigos. El teatro argentino tiene grandes historias de amor, humor y crítica social y La Noche de la Basura es una de ellas. Escrita por “Beto” Gianola y con adaptación de Aníbal u
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El Teatro Municipal Coliseo Podestá presenta la agenda de MAYO
Litvin y Rodolfo Ranni, esta obra regresa a los escenarios con una vigencia innegable. Con la producción de Giuliano Bacchi y las actuaciones estelares de Rodolfo Ranni y Graciela Pal, esta comedia ácida y conmovedora nos sumerge en la intimidad de un matrimonio que, en la noche de bodas de su único hijo, desata viejos reproches, frustraciones y recuerdos cargados de ironía y melancolía.
Jueves 15, a las 20:00 horas Papa’s Shake Teatro Independiente/ sala China Zorrilla Música. Apto todo público Formada a mediados de 2019 por Cristian Papa, esta agrupación cuenta con un estilo de instrumentación típico de las grandes bandas de jazz tradicional. La orquesta propone un repertorio 100% swing
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bailable, que recrea el clima de los antiguos bailes de salón, para invitar al público a bailar y divertirse al ritmo de canciones populares y fácilmente reconocibles para un auditorio de todas las edades.
Sábado 17, a las 21:00 horas Otro cantar con Sandra Mihanovich Recital. Apto todo público En su nuevo espectáculo, “Otro Cantar”, Sandra Mihanovich se propone compartir canciones que han marcado su carrera, junto con temas inéditos y otros que nunca antes había grabado. Un viaje musical que abarca desde sus clásicos imprescindibles hasta las joyas más recientes de su repertorio. En este nuevo show, Sandra no solo rendirá homenaje a su propia historia, sino también a grandes figuras de la música, como Chico Navarro, a quien
recientemente dedicó un sentido tributo, sino que el repertorio incluirá canciones de su álbum “Bendiciones”, temas emblemáticos y algunas sorpresas que prometen emocionar al público. “Otro Cantar” no solo es un espectáculo, sino una experiencia que respeta los clásicos que han definido su carrera, al mismo tiempo que incorpora una frescura y una energía renovada.
Domingo 18, a las 20:00 horas SEX, con Diego Ramos , Gloria Carra , Julieta ortega y Nicolás Riera Comedia. + 16 años Una obra de texto sobre el universo del goce, un espectáculo teatral en donde el sexo es el tema central y el humor un lenguaje reflexivo: ¿cómo el sexo nos acompaña en nuestras emociones
y la vida diaria?. Cuatro grandes intérpretes para abrir interrogantes con glamour e inteligencia: ¿Te reís cuando gozas ?, O ¿gozar es cosa seria?. Diego Ramos, Gloria Carra, Julieta Ortega y Nicolás Riera se suben al escenario y no hacen personajes: son ellos mismos atravesados por el discurso sexual. Veni a reírte y a gozar con SEX - la obra - un extraordinario estreno a nivel nacional al que lo antecede un show en Buenos Aires que marcó un antes y después en el mundo del sexo y el teatro con 6 años ininterrumpidos en la cartelera porteña.
Jueves 22, a las 20:00 horas Wild Strings – Concierto enmascarado Teatro Independiente/ sala China Zorrilla Música. Apto todo público La orquesta Wild Strings fusiona el universo sonoro de la orquesta con géneros musicales pop, electrónicos, melódicos y bailables. Junto a la calidez de la
cuerda frotada, aparecen nuevos elementos de dichos estilos más populares, generando una propuesta plena y versátil. La propuesta escénica es fundamental en sus performances, el diseño de iluminación de escenario, las máscaras origami en dorado y el desarrollo constante en las coreografías, la corporalidad con el instrumento y la interacción con el público, generan una impresión multisensorial que cautiva al espectador, logrando una experiencia inolvidable. Wild Strings se presenta en formato Gran Orquesta, conformando un equipo donde intervienen: directores de regie, encargado de luminotecnia. encargado de sonido, Dj en vivo, productor musical, productor ejecutivo y director musical.
Viernes 23, a las 21:00 horas Habitación Macbeth, con Pompeyo Audivert Drama. Apta+ 13 años Habitación Macbeth es el intento de arrojar junto a Shakespeare un piedrazo en el espejo también en el nivel de las formas de producción,
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violentando la actuación y exaltando su metáfora: el actor como habitáculo, zona de encarnaciones, estructura de una presencia desparasitada del yo histórico y en disposición de manifestarse, de salir a la luz, de representarse teatralmente. La actuación como fenómeno paranormal, como alcance teatral de esa identidad de estructura donde habita nuestra presencia. Esa es la apuesta paradojal de esta obra: por un lado señalar, a través de Macbeth y sus circunstancias, cómo la identidad histórica es arrastrada a las compulsiones criminales que rigen al mundo y por otro, hacerlo mediante un procedimiento que reestablezca y exalte las facultades sagradas de nuestra identidad poética, su capacidad de vibración y devenir: a través de un cuerpo habitado, un cuerpo habitación donde sucede la tragedia. Actuación y dirección: Pompeyo Audivert.
Sábado 24, a las 21:00 horas La venganza será terrible, con Alejandro Dolina u
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Si amas los videojuegos, no te podés perder este show infantil en vivo, pensado para toda la familia. Acompañá a Alex y Steve en una increíble misión minera, donde juntos deberán recolectar minerales, superar desafiantes pruebas y, sobre todo, aprender el verdadero poder de la amistad y el trabajo en equipo.
Evento. + 13 años El espectáculo radial llevado al teatro que conduce Alejandro Dolina. Lo acompañan Patricio Barton, Gillespi y El trío sin nombre integrado por: Ale Dolina, Martin Dolina y Manuel Moreira. La Venganza Será Terrible se transmite de lunes a viernes por AM 750 a las 00hs. Se emite a la medianoche en toda la República Argentina y en la República Oriental del Uruguay. Desde su creación, hace más de 35 años, se ha mantenido al frente de las mediciones de audiencia. El programa se realiza con la presencia de público, en diferentes ámbitos teatrales de gran capacidad. El programa tiene una breve sección musical donde los conductores cantan y ejecutan instrumentos. Más que un programa de radio convencional, La Venganza Será Terrible es una pequeña experiencia teatral cotidiana. Ir al programa es ya una tradición juvenil, de modo que el clima en que se desarrolla forma parte de la dotación artística del programa . El ciclo ha obtenido innumerables premios y distinciones Domingo 25, a las 15:00 horas El corazón del océano Infantil. Apto todo público ¡Embárcate en una aventura mágica con tus personajes favoritos! Te invitamos a vivir una
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experiencia única donde la emoción, la música y la diversión se combinan en un espectáculo inolvidable para toda la familia. Acompañanos en este viaje a través del océano, junto a semidios favorito de la gente y nuestros amigos Loto y Moni, donde se enfrentarán con grandes desafíos, trabajarán en equipo y conectarán el océano con nuevos pueblos, les dará mucha fuerza y demostrarán que, con coraje y siendo un equipo, todo es posible.
Domingo 25, a las 17:00 horas Aventuras Mineras Infantil. Apto todo público + 2 años ¡Sumate a la aventura más épica del mundo gamer!
29, a las 20:00 horas La Bestia Folk, A brillar mi amor Teatro Independiente/ sala China Zorrilla Música. Apto todo público + 2 años Esta banda de folclore de mujeres se atreve a folclorear hits de todos los tiempos, transgrediendo los límites de los géneros musicales. El proyecto se caracteriza por adaptar al lenguaje folclórico músicas de diversos géneros, épocas y estéticas. Canciones que por su carácter de “hits” o clásicos han trascendido geografías y tiempos, (siendo por todos conocidas y de carácter sumamente popular) llevadas a versiones folclóricas
LA P para bailar, cantar y divertirse. Con cada producción que realizan, las bestias se proponen llevar adelante lo que ellas mismas denominan “diversión comprometida”. Conscientes de su responsabilidad artística y de su deber como mujeres en los escenarios de esta época, buscan salirse de la solemnidad, romper un poco las normas establecidas e invitar al público a abrir sus mentes y sus corazones dejando así fluir a los cuerpos y entregarse a su particular y atractiva propuesta musical.
una comedia; es un viaje emocionante a través de la infancia, la familia, y los temas actuales de Argentina y el mundo, vistos a través de los ojos de Fat. Con una perspectiva única y sin filtros, Hermana Beba promete una noche de risas y reflexión, porque al fin y al cabo: Ella es una Mina Bien! Mina Bien es más que un espectáculo, es una experiencia inmersiva donde la comedia se mezcla con la crítica social, ofreciendo un espejo de nuestra sociedad con una agudeza y una sinceridad sin igual. El espectáculo, que es un éxito, lleva meses de gira por Argentina y el exterior con localidades agotadas. Hermana Beba visitó gran parte de la Argentina, Uruguay, Madrid y Barcelona.
Viernes 30, a las 21:00 horas Mina bien en un cumple, con Hermana Beba (Jorge Haddad) Comedia- + 13 años Un espectáculo unipersonal donde Hermana Beba da vida a Fat, la carismática rubia que ha ganado fama en las redes sociales por sus diálogos con figuras de la televisión y la política. Prepárate para una celebración sin precedentes, donde Fat festeja su cumpleaños en un encuentro hilarante y desopilante con el público. Este show no es solo
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Fusiona la fuerza de la raíz latinoamericana con nuevas texturas, timbres y colores que exponen su mirada universal de la música. Su reciente álbum “ECO” es el reflejo de nuestra cultura; sus sonidos acompañan y exponen su mirada universal de la música, fusionando la fuerza de raíz latinoamericana con nuevas texturas, timbres y colores.
En 2024 recibió las dos gaviotas de plata en VIÑA DEL MAR con “La luna” como “Mejor Canción” y “Mejor intérprete” y la consagración del Festival de Folklore Cosquín. También obtuvo el premio GARDEL 2020 a Mejor álbum grupo de folklore y la consagración del Festival Nacional de Doma y Folklore Jesús María (2020) y sumó tres nominaciones a los Gardel 2021 en las ternas: «Mejor Álbum en vivo», «Mejor Canción de folklore» y «Mejor videoclip Largo». La banda, compuesta por Juan José Vasconcellos, Sebastián Giménez, Hernando Mónico y Federico Maldonado, cuenta con la colaboración de Guido Bertini, en percusión y batería.
Sábado 31, a las 21:00 horas AHYRE Eco Acústico Recital-Apto todo público La banda ganadora del festival VIÑA DEL MAR 2024, AHYRE vuelve a presentarse en el Teatro Municipal Coliseo Podestá.
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Música Yamil Isaac presenta su nueva canción y video
“Sincronía”
La misma cuenta con la participación de Carlos “Negro” Aguirre, pianista y compositor de relevancia nacional e internacional, quien aporta su elevado vuelo a la canción. Ya disponible en todas las plataformas digitales “Sincronía” es el nuevo single del proyecto solista de Yamil Isaac, músico, cantante y guitarrista paranaense. Inspirada
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en la comunión con la naturaleza y la admiración de la misma, la canción cuenta con la valiosa participación de Carlos Aguirre en el piano y Silvia Salomone en voz, dos intérpretes de enorme musicalidad y una vasta trayectoria en la región y el país. El track fue grabado y filmado en el estudio de Yamil, estando la grabación a su cargo y la mezcla y mastering en manos de Bruno Leurino, técnico de la vecina ciudad de Santa Fe.
El estreno salió acompañado de un video, ya disponible en el canal de Youtube del artista que muestra, además del proceso de grabación, imágenes del Islote Curupí, que se encuentra frente a la costa de la ciudad de Paraná. La realización integral del aspecto visual estuvo a cargo de Nahuel Beade. Cabe destacar que el single se lanzará a través del sello Shagrada Medra, el que nuclea a grandes artistas en su
catálogo.
FICHA TÉCNICA Letra y música: Yamil Isaac Voz y guitarra: Yamil Isaac Piano: Carlos Aguirre Voz: Silvia Salomone Bajo: Gastón Dutruel Batería: José Luis Viggiano Grabación de audio: Yamil Isaac Mezcla y mastering: Bruno Leurino Realización integral: Nahuel Beade Producción audiovisual: Corte/Criollo
dentro de la “canción de autor”, fusionando distintas ramas del rock, entre otros elementos. Durante 2022 Yamil Isaac lanzó en todas las plataformas digitales el disco “En el film”, su primer trabajo como solista. Las ocho canciones que componen ese viaje creativo e introspectivo reflejan un proceso de formación y trabajo. Se destaca en el álbum una versión propia de “Lo que has hecho siempre: quererme”, canción del grupo
santafesino Sig Ragga. Actualmente en 2025 se encuentra presentando su nuevo material “Sincronia”. Fuente: D&M Prensa y Diseño IG: @dym_prensa Daniela Fortonani danielafortonani@gmail.com VIDEO Yamil Isaac - Sincronía (con Carlos Aguirre y Silvia Salomone)
SOBRE EL ARTISTA Yamil Isaac es un músico oriundo de la ciudad de Paraná. Instrumentista y compositor, ha formado parte de diversas agrupaciones a lo largo de su trayectoria y tocado en distintas ciudades de Argentina. Su proyecto personal se enmarca
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Tita Parra estrena videoclip de su emblemática canción
“Qué haría yo” Compuesta en 1985 como un homenaje a las mujeres víctimas de violencia de género, “Qué haría yo” sigue tan vigente como hace cuatro décadas. Hoy, la canción que forma parte del álbum Latidos mantiene su poderoso mensaje y se renueva de la mano de un videoclip que honra, agradece y refuerza la lucha por los derechos de las mujeres.
El primer videoclip de Tita Parra fue de la canción “Amigos tengo por cientos”, dirigido por Hugo Arévalo y estrenado en 1991. Treinta y cuatro años después, la cantautora chilena comparte su segunda producción audiovisual, esta vez para “Qué haría yo”, icónica composición escrita en 1985 e inspirada en el asesinato de su hermana Claudia Paz Rojas en 1979, una joven mujer con la que mantuvo una estrecha relación durante su niñez y parte del exilio en París: “Lo que me movió a escribir esta canción fue el dolor de perder a una hermana maravillosa. Claudia y yo éramos muy afines, nos unía la música sobre todo. A esto se sumó las innumerables noticias de mujeres torturadas durante la dictadura, desaparecidas, presas, perseguidas; jóvenes, madres y abuelas. Casi todas las mujeres hemos sufrido abuso sexual, violencia, racismo; el dolor universal de ser mujer violentada”, explica Tita.
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Este nuevo videoclip, que marca el regreso de Tita Parra al formato audiovisual, fue grabado en enero de este año en los impresionantes acantilados de Horcón, Caucau y Quiriyuca
Sur, ubicados en la V Región de Chile. La producción, dirigida por Eduardo A. Guaita y montada por Martín Palma, se presenta como una extensión de la canción, uniendo imagen y música para
enmarca en la era de digitalización de Tita Parra, período que comenzó el año pasado con la subida a internet de su catálogo discográfico para que nuevas generaciones puedan acceder a su música. Hoy, los álbumes Amigos tengo por cientos (1978), Amor del aire (1982), La noche tan bella (1992), Latidos (2001) y El camino del medio (2008) se encuentran disponibles en plataformas de streaming, acercando su legado a un público más amplio. dar mayor profundidad a un mensaje poderoso y sumamente necesario: “Las imágenes no son una representación literal de la letra; el canto es reflexivo, las emociones son encauzadas por una poética sanadora, y las imágenes reflejan ese estado sin ninguna pretensión. Los lugares escogidos son de mi territorio vivencial e imaginativo, en el que me siento cómoda caminando”, detalla la autora sobre el clip que también incluye registros de la lucha de las mujeres en las calles del mundo.
y en los roles de género que asigna. El arte y la educación deben ayudar a desaprender estos patrones”.
“El tema de la violencia hacia las mujeres no ha dejado de ser urgente y necesario, y es una lucha constante que debemos visibilizar no solo en las conmemoraciones del 8M, sino en todos los días del año. Cada mujer del mundo ha de seguir luchando por su liberación, y en esta liberación el hombre también debe liberarse. Nuestra sociedad entera es esclavizante en su estructura,
Este importante lanzamiento se
“Qué haría yo” refleja la profunda preocupación de Tita Parra por la violencia de género, un tema que ha abordado a lo largo de su carrera, mucho antes de que se convirtiera en un debate global. Así, el videoclip no solo es un recordatorio de la relevancia histórica de la canción, sino también una invitación a seguir luchando.
Tita Parra sigue siendo una figura clave en la cultura chilena, no solo por su música, sino también por su compromiso social y político. A través de su arte, continúa promoviendo un mensaje de resistencia, dignidad y lucha por la igualdad, reafirmando su lugar como una de las voces imprescindibles en la historia de la música chilena. Fotos por Patricia Alegría Ramirez PRENSA Agencia Ovoide loretaneiraocampo@gmail.com
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SIXTO YEGROS, RAMMA Y TOBI LANZAN EL TRAP
LO MERECE
EL EP QUE REDEFINE EL SONIDO DEL TRAP ARGENTINO
Con una fusión explosiva de talento y estilos, Sixto Yegros, Ramma y Tobi se unen en un proyecto sin precedentes. El Trap lo Merece es un EP de seis temas inéditos que encapsulan la versión más fresca y potente del género, combinando líricas que trascienden, ritmos innovadores y raíces auténticas. Luego de una larga espera y con una audiencia ansiosa, este esperado trabajo finalmente ve la luz. Desde mediados del año pasado, los artistas han estado presentando en vivo estas canciones inéditas, generando
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una reacción arrolladora en redes sociales, donde los videos de sus shows se volvieron virales. El primer single, Siempre lo supe , irrumpió con fuerza en las plataformas digitales, alcanzando el puesto número 7 en la playlist Novedades Viernes Cono Sur de Spotify y posicionándose en TRAPPERZ, con más de 100.000 reproducciones en solo 72 horas. Esto solo confirma que El Trap lo Merece es mucho más que un EP: es una declaración de principios y una revolución
sonora dentro del género. El tema homónimo, El Trap lo Merece , se erige como el himno de un movimiento imparable. “Faltaban tres piezas, y ahora las tenés acá”, afirman los artistas, dejando claro que este tridente llegó para marcar un antes y un después en la música urbana de Argentina. Con un sonido contundente y una visión innovadora, Sixto Yegros, Ramma y Tobi demuestran que el trap sigue evolucionando y que este EP es la prueba definitiva de ello.
Sixto Yegros – La Nueva Generación del Trap Respaldado por el sello independiente Sponsor Dios, Sixto Yegros se posiciona con fuerza tras el éxito de “De Frente”, un álbum de 12 temas 100% trap. Tras llenar el Niceto Club en Buenos Aires, encender el festival Harlem en Santa Fe y protagonizar un inolvidable show en BSAS TRAP, Sixto continúa expandiendo su influencia a lo largo del país con el Tour de su disco que recorrerá ciudades como Rosario, Córdoba, Salta, Tucumán, Mar del Plata y más. Ramma – Una Promesa Demostrando Luego de un año cargado de emoción y una actuación memorable en BSAS TRAP, Ramma se prepara para un nuevo desafío. Con más de 550.000 oyentes mensuales en Spotify y éxitos como “Incrédulo” e “Intrépido”, el artista redefine el concepto de headliner. Su último disco, “Inmortal”, marca un antes y un después en su carrera, reflejando la madurez y profesionalismo que ahora lo caracterizan. Para Ramma, cada nota es un testimonio de esa etapa en la que cada experiencia se convierte en parte de su legado.
sigue marcando tendencia con su música. Desde su debut hasta “METAMORFOSIS”, su último álbum, Tobi se renueva sin perder la esencia que lo consagró. Su carrera es un recorrido de constante exploración y evolución, aportando siempre ese toque digital y característico que lo distingue.
PRENSA MP Comunicación María Peluffo maria@mariapeluffo.com https://linktr.ee/maria_peluffo_ marketing VIDEO 02 - SIXTO YEGROS, RAMMA, TOBI - SIEMPRE LO SUPE (prod. Elixir)
Tobi – Pionero y Evolución Constante Pionero del trap argentino que
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LUZ Y VIENTO
Registro fílmico del concierto para piano y orquesta de Lucía Caruso Por la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires del Teatro Colón
Usina del Arte | Concierto para piano y orquesta Luz y viento - Lucía Caruso junto a la Filarmónica PRESENTACIÓN ESPECIAL: Jueves 8 de mayo, 19.30 h. Manzana de las Luces Perú 272, CABA Entrada libre y gratuita Se encuentra disponible en el canal oficial de Youtube del Teatro Colón el registro filmográfico del Concierto para piano y orquesta “Luz y Viento” de Lucía Caruso (compositora y pianista argentina radicada en Nueva York), interpretado por la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires del Teatro Colón. Pero además, el próximo jueves
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8 de mayo a las 19:30 hs. en el complejo histórico cultural La Manzana de las Luces (Perú 272, CABA), el público podrá disfrutar con entrada libre y gratuita de una función especial presentada por el director de este registro, el cineasta Emiliano Romero y que contará con la presencia de algunos de los integrantes de la orquesta. Romero realizó el registro de este concierto logrando captar la belleza de la pieza interpretada en vivo por Caruso y la Filarmónica (bajo la dirección de la norteamericana Annunziatta Tomaro) y con la participación especial del compositor portugués Pedro
H. da Silva; todos confluyendo en el imponente escenario del Auditorio de la Usina del Arte. Dice Lucia Caruso sobre la creación de la obra: “La composición del concierto fue un encargo del gran artista koreano Ahae, un fotógrafo que hizo millones de fotos de la naturaleza desde una misma ventana. Cuando nos conocimos simplemente me dijo: la luz y el viento es lo que pinta la fotografía. Entonces me inspiré en todas esas fotografías para que en la música se logre ver y sentir la luz, el viento, las brisas, los distintos colores del día.” Por su parte, Romero da detalles
sobre el intenso trabajo de filmación y edición del concierto: “Filmamos a cuatro cámaras desde la platea pero también hicimos registros durante la prueba de sonido desde el escenario logrando captar sutilezas; luego la edición fue artesanal y llevó muchos meses! Pero creo que logré que el montaje acompañe emotivamente las melodías y acordes.” En la función especial de La Manzana de las Luces se proyectarán también otros cortometrajes de música clásica del mismo realizador. (Ver programa completo) El video del concierto “Luz y Viento” tuvo su estreno internacional el 20 de marzo en New York en The Rheingold (Brooklyn).
Bio Lucía Caruso Es una compositora y pianista argentina radicada en Nueva York, cuyos numerosos premios incluyen el Segundo Premio en composición en el Concurso Internacional de Piano y Composición de la World Piano Teachers Association
(WPTA) en 2021 y 2022, Mejor Documental Emergente en el Festival de Cine de Cannes 2019, un Premio Internacional Portugués de Música 2017 y tres Premios ASCAP Plus 2015, 2016, 2020 y 2022. Después de recibir su licenciatura en Piano Clásico de la Escuela de Música de Manhattan, obtuvo una maestría en Composición y Música Cinematográfica de la Universidad de Nueva York. Tiene una carrera internacional con encargos para orquesta, danza y cine. Compuso la banda sonora para la serie de televisión y realidad virtual “4 Pies de Altura”, para Arte France. Protagoniza y compone la banda sonora de “Forte”, un largometraje documental sobre su vida y la de otras dos mujeres pioneras en la música. Como compositora y artista residente de Orchestra of the Swan desde 2016, estrenó una de sus canciones de Shakespeare para coro y orquesta en el Shakespeare 400 Memorial en Stratfordupon-Avon, Reino Unido, en 2019. Grabó un ciclo completo de canciones de Shakespeare. En 2019 con el coro y la Orquesta del Cisne, dirigida por Bruce O’Neil, director musical de la Royal Shakespeare Company. En Abbey Road Studios, recientemente grabó su concierto para piano con la Academy of St. Martin in the Fields. Caruso se ha presentado en las salas de conciertos más importantes del mundo incluyendo Weill Hall en
Carnegie Hall, Lincoln Center, Kennedy Center en Estados Unidos; El Palacio Real de Kew en Reino Unido, el Museo del Louvre y el Palacio de Versalles en Francia, entre otros. Bio de Emiliano Romero Emiliano Romero es un premiado director, productor, montajista, camarógrafo y guionista de cine, dueño de una estética particular. Realizó su licenciatura en la Universidad del cine. Dirigió dos largometrajes: “Topos” (ficción), “Sarah” (documental), más de 100 cortometrajes y más de 200 piezas audiovisuales de música, danza y teatro. Produjo 14 series y largometrajes. Sus films ganaron 69 premios internacionales destacándose Mejor película en el Festival de la Ciudad de New York, Mejor película iberoamericana en el Fantaspoa 2012, mención especial del jurado joven en ClermontFerrand 2003, finalista en la selección para los Oscars de la Academia de Hollywood 2003 y Berlinale Talent Campus 2006. Es Productor Cultural y distribuidor alternativo de cine independiente. Fundó el circuito de exhibición alternativa “No solo en cines”. Es investigador y docente de actuación cinematográfica. En 2006 fundó la Academia Argentina de Actuación para Cine. Es el Director Artístico del Centro Cultural Woki Toki u
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en Buenos Aires. Bio Annunziatta Tomaro Nació en Estados Unidos. Comenzó sus estudios musicales en The Juilliard School en Nueva York y completó su doctorado en dirección orquestal en la Universidad de Cincinatti. Fue Directora Musical del Phoenix Ensemble en Estados Unidos, del Opera Theater and Music Festival de Lucca y del Festival de Spoleto en Italia; así como Directora Adjunta de la Orquesta de Cámara de Cincinnati y Directora Suplente de la Sinfónica de Cincinnati. En 2014 fue invitada por el Teatro Colón para cumplir los roles de Jefa de Música de Escenario y Asistente de la Dirección de la Orquesta Estable durante dos años. En dicho teatro, dirigió a la Orquesta Estable, la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires y la Orquesta Académica. Se presenta regularmente junto con las orquestas más renombradas del país. Recibió los siguientes premios: Concurso Internacional de Dirección Antonio Pedrotti; “Directora Extraordinaria” de la League of American Orchestras; el Robinson Award de Conductor’s Guild; el Presser Award; y el Fulbright en Alemania. Es invitada con frecuencia para dirigir y dar clases magistrales en EE. UU. Desde 2017 es profesora de Dirección de Ensamble de
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Música Contemporánea en el Conservatorio Superior de Música “Manuel de Falla”. En 2023 se sumó al equipo docente de la Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional de Cuyo. Bio Pedro H. da Silva El Dr. Pedro Henriques da Silva es un compositor portugués altamente reconocido en música de concierto y cine, así como un talentoso multi instrumentista, profesor y conferencista. Sus logros incluyen varios premios importantes, como el ASCAP Plus y los Premios Internacionales de la Música Portuguesa. Es miembro destacado de la facultad de la Universidad de Nueva York y es conocido por sus clases magistrales y conferencias internacionales sobre una amplia gama de temas musicales y artísticos. Pedro ha dejado una marca significativa en el mundo de la música, desde interpretar y arreglar música para eventos destacados hasta ser seleccionado como compositor y artista residente para la
Orquesta del Cisne. Ha realizado actuaciones aclamadas en importantes escenarios de todo el mundo, desde Carnegie Hall hasta el Musée du Louvre. Además de su destacada carrera como intérprete y compositor, Pedro también es un investigador acústico reconocido que explora nuevas fronteras en la creación musical. Su profundo compromiso con la música y la exploración cultural se refleja en su diversa colección de instrumentos, su amplia experiencia internacional y su dedicación a la enseñanza y la investigación. @emiromero @teatrocolontv Ya disponible en el canal oficial de Youtube del Teatro Colón PRENSA Luciana Zylberberg info@lucianazylberberg.com.ar VIDEO Usina del Arte | Concierto para piano y orquesta Luz y viento - Lucía Caruso junto a la Filarmónica
Mariana Perdomo anuncia su primer show del año
"De Rock & Bandoneón" Luego de lanzar “Genesis” en todas las plataformas, Mariana Perdomo anuncia su primer show del año “ De Rock & Bandoneon”, será el 22 de Mayo a las 22 hs en “Mamita Bar” Av. Alvarez Thomas 487, CABA. Luego de varios meses de trabajo arduo, Mariana lanzó a finales de 2024 “Genesis” un álbum con 10 canciones que fueron grabadas en los estudios Fort Music y asistida por el prestigioso Técnico de Grabación Norberto Villagra. El disco se encuentra disponible en todas las plataformas. Sin embargo para este 22 de Mayo, Mariana prepara un show diferente, un homenaje al Rock Nacional titulado “De Rock & Bandoneón» será en “Mamita Bar” Av. Álvarez Thomas 487, Ciudad Autónoma de Bs As. La entrada es libre y gratuita . Para este show la van a acompañar Pablo Figueroa en Guitarra, Alejandro Grinschpun en Teclado y coros, Olmo Sosa en Guitarra eléctrica, Martin Cecconi en Bandoneón, Rodrigo Figun Correa en Bajo y Fabian Miodownick en Batería. El setlist del show tendrá canciones que forman parte de su historia y la de muchos de nosotros y la incursión del Bandoneón le dará un toque diferente pero a la vez característico de la banda, disfrutaremos de grandes
clásicos del Rock Nacional y además promete algunas sorpresas. PRENSACCIONES Gustavo Antonopolos gustavoantonopolos@gmail.com
VIDEO Luna de miel en la mano (Sesión acústica) - Mariana Perdomo https://youtu.be/wkUyFoe Uxwg?feature=shared
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Jo Marcel presenta
“PRIMAVERA”
Una zamba entre la herida y la esperanza
Con una lírica potente, una estética cuidada y una interpretación visceral, Jo Marcel lanza una obra que respira sensibilidad y compromiso. “Primavera” es una zamba contemporánea que canta la esperanza sin negar la crudeza del presente. Letra: Jo Marcel Música y producción: Franco Ramírez Piano: Gina Duarte Voces: Aguspeh, Franco Ramírez, Rulo Godar, Franco Di Catarina Videoclip: idea, cámara, edición y dirección de Jo Marcel Danza: Ely Wieliki
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Desde la aparición de una joven Evita hasta el pulso de una danza que avanza pese al dolor, esta obra nos interpela desde lo íntimo y lo colectivo. Una invitación a no resignarse, a volver a creer en el nosotros.
Jo Marcel es una de esas
artistas que no pasan desapercibidas. Su voz tiene carácter, su interpretación es profunda y su presencia en el escenario deja huella. Con un estilo que fusiona folk, rock y canción de autor, logra un equilibrio entre fuerza y sensibilidad, explorando la tradición sin perder de vista la modernidad. Es cantautora, percusionista y productora, con formación en la Universidad Nacional de La Plata y un recorrido que la llevó desde el rock hasta el folklore, adaptándose con naturalidad a distintos escenarios, desde festivales hasta peñas folklóricas. Su sonido no se
encasilla: no es solo folk, no es solo indie, no es solo rock. Es un cruce de caminos donde la canción es el eje central. Lo que hace única a Jo es su manera de interpretar. No canta las canciones, las habita. Su voz se mueve con libertad entre lo sutil y lo crudo, con una expresividad que logra emocionar sin artificios. Su propuesta es directa, honesta y visceral, y en vivo construye un espacio donde la música es más que sonido: es un diálogo con el público, un encuentro real. Comenzó su carrera en la escena del rock, destacándose como vocalista en distintos proyectos grupales. En 2021, lanzó su carrera solista con la producción de Franco Ramírez, explorando una nueva etapa más enfocada en la canción de autor, el folk y el indie. Actualmente, además de su proyecto solista, forma parte de Nación Wiphala, banda que cruza música de raíz latinoamericana con rock y electrónica, con un repertorio que incluye tanto composiciones propias como versiones de Violeta Parra, MPA y más; e integra también la banda del artista Franco Ramírez, donde se destaca como percusionista y vocalista, sumando su interpretación en un formato electroacústico. Jo Marcel tiene una capacidad única para hacer que cada canción suene viva. Su música equilibra lo íntimo y lo expansivo, lo acústico y lo eléctrico, con una voz que puede ser dulce y feroz en un mismo tema. No es solo una cantante,
ni solo una instrumentista. Es una artista completa, una intérprete con identidad propia, con una forma de decir que deja marca.
TEHAGOLAPRENSA info@tehagolaprensa.com.ar VIDEO Primavera . Jo Marcel
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Diego Torrente presenta
“Emergencias” su nuevo single.
el repertorio de Diego: ante emergencias, hay que romper el cristal.
Este es el tercer adelanto de su próximo álbum y cuenta con la colaboración destacada de Juan Rosasco en Banda. En esta canción folk/rock la cálida interpretación característica de Juan se funde con la prosa escrita por Diego, la épica de los estribillos, otorgada por los arreglos de vientos y la letra reflexiva. “Emergencias” es un tema con una letra intensa y sentida, en donde el artista reflexiona sobre
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El single fue grabado en diferentes estudios (Vagabond Studios Miami, Spector Studios Buenos Aires, Electric Studios Buenos Aires y La Comarca Drumming Buenos Aires). los sinsabores cotidianos pero sin una lectura melancólica, sino optimista, y con frases que quedarán grabadas en
La producción, mezcla y máster estuvieron a cargo de Lorenzo Leto. El tema cuenta con las colaboraciones de el Tano Baccega en guitarra
líder, Guille Salort en batería y la inconfundible voz de Juan Rosasco Diego ya estrenó otros dos temas de su nuevo disco: “Caparazón” y “El Don”. DIEGO TORRENTE Nacido y criado en Buenos Aires, Diego Torrente se encuandra en esa conocida y cálida categoría de singer-songwriter argentinos, mitad rocker, mitad folk-croner. Diego es parte de una generación fuertemente influenciada por el rock “canción», típica expresión de la música argentina y el rock español de los 90 hasta el día de hoy, y sus canciones se fueron moldeando en distintos proyectos durante todo ese tiempo. Desde hace más de 20 años Diego Torrente compone y compone, con muchos cuadernos llenos de canciones, textos y estribillos que fueron abasteciendo todos sus proyectos. Con su álbum debut “Aeropuertos” del año 2000, comienza a definir una impronta y narrativa musical, incluyendo singles como “El robo” o “Silencio” (con colaboración de Rodrigo Manigot de “Ella es Tan Cargosa”).
tratarán de sorprendernos, reivindicando su esencia más pura, aquella que nace para ser cantada por miles, que trasciende modas y se arraiga en la memoria colectiva.Con importantes colaboraciones y nuevas influencias, sin perder la marca registrada de Diego, pop/rock armado de guitarras, puñados de verdades: frases pegadizas y estribillos que nos
dejan cantando. Escuchar “Emergencias” en Spotify Anima Prensa Iván Salomonoff Director de Proyectos www.facebook.com/animaprensa VIDEO Caparazón - videoclip
Luego de cuatro años de haber publicado su álbum debut, Diego vuelve a traer un puñado extralarge de canciones durante 2024 y 2025. Canciones que
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CARLA CECCHE presenta
7 MARES
Un proyecto artístico, poético y musical que propone revalorizar la canción de autxr y la nueva poesía como un mascarón de proa que atraviesa los mares. CARLA CECCHE 7 MARES Domingo 4 de Mayo - 20hs. Pista Urbana Chacabuco 874 - San Telmo Entradas: https://publico.alternativateatral. com
canciones de este trabajo: Ana Larrubia, (guitarra) Soledad Mársico (compositora, poeta), Manu Navarro (guitarra), Mariano Botto, (guitarra), Miguel López (bandoneón) y Kawole Kataoka (voz y caja desde Monte Rokko, Kobe, Japón).
“El mascarón de proa, que siempre suele ser una mujer, tiene una mirada más allá del horizonte. Guía el camino porque ya recorrió todos los mares, y sabe lo que está por venir” cuenta la artista en su documental ¨Prófugos del mar¨, acercando así la idea de titular 7 mares al proyecto.
Dicen que, de forma metafórica el mar, símbolo de caos y de misterio, se convierte así en De la misma forma, es la canción el lugar de origen de la luz y el la que guía y muestra el camino, orden, según los designios del tan solo resta confiar. Universo o de Dios. En Pista Urbana los 7 mares, otras canciones, serán Carla Cecche presenta “7 Un mascarón de proa, de y MARES”, un EP donde 7 la artista plástica peruana interpretadas por Carla Cecche canciones y 7 videos guían una Rosamar Corcuera, como musa con cada uno de los músicos que aventura poética por los mares. inspiradora, conduce, impulsa participaron. Los músicos que la acompañan y da vida desde el comienzo al Además, esa noche, el artista/ ilustrador Pablo Fernández son en su mayoría autores de las trayecto artístico de 7 MARES.
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4. Pasajeros – Letra: Osvaldo Padrevechi y Música: Mariano Las canciones quedaron Botto plasmadas en un registro fílmico 5. Baguala de la esperanza – y fueron compartidas durante 7 Atahualpa Yupanqui domingos consecutivos, antes de 6. La noche adentro – Miguel su primera presentación en vivo. López 7. Al otro lado del miedo, de Videos: En el Canal de Youtube Soledad Mársico Barabini 8. Poema – Contatto inmediato – de Carla Cecche. https://www.youtube.com/@ Arnaldo Antunes carlacecche/videos Sobre algunas canciones: Me gusta percibir el entusiasmo, esa chispa de pasión que La sensación que tuve, desde compartimos con cada une y que que empezó a latir la idea de podemos sumarla para encauzar 7 Mares, es que aparecen las personas, canciones y lugares, esta idea – Carla Cecche. de una manera fluida, liviana, y yo sólo les abro paso. LISTA DE TEMAS: realizará dibujos en vivo.
1. Volver a volver – Gabo Ferro 2. Se nace por amor – Letra: Horacio Peñalva y Música: Manu Navarro 3. Artesanas – Letra: Silvia Manzini y Música: Ana Larrubia
Hemos elegido rinconcitos en el patio de la Peña @del. michi, también en el jardín, para filmar los videos, junto a @ hazproduccionesmusicales en cuestiones técnicas del sonido
y en imagen trabajó @nico_ stefanazzi. ¨Frío / Hace tanto frío / Que no puedo más que arder” así comienza Volver a volver. Elijo cantarla sola, acompañándome con la guitarra. Me gusta tomar este desafío, en solitario, porque siento que la canción refleja el momento de crecimiento personal que estoy transitando. A veces, ese camino es solitario y así quisiera interpretarla. Otro de los 7 Mares, Baguala de mi esperanza, lo comparto con @kawole_utautau, mi hermana japonesa. Ella enseña canto con caja en Japón, y lo transmite con mucho compromiso y pasión. La conocimos en la primera gira por su país con el dúo El balcón. Ella se acercó sonriente a saludarnos y algunas frases u
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llenas de miradas y gestos nos ayudaron a encontrarnos. Luego compartiríamos todos los conciertos de la segunda gira con ella y su grupo Preto Plato. Nos llamamos hermanas porque sentimos una conexión que va más allá del idioma y la distancia. Así grabó con sus alumnas, un grupo de mujeres japonesas con sus cajas cantando juntas el tema de Atahualpa, canción que conocí gracias a @santaires.grupo, en la cálida voz de @marioangeleri. BIO CARLA CECCHE: Nacida en Béccar, Buenos Aires, se formó en Canto lírico en el Conservatorio Juan José Castro. En comedia musical en la Escuela de Julio Bocca y con maestras particulares como Patricia Beliéres y actualmente: Soledad Mársico. Integra desde 2009 a la fecha, el Dúo El Balcón junto al guitarrista y compositor Mariano Botto. con quien lleva editados 3 discos de manera independiente. Su último trabajo discográfico, “Parece”, 2022, en su mayoría de composiciones propias, fue presentado en grupo, sumando percusión y contrabajo. Sus canciones fueron compartidas en numerosas giras nacionales e internacionales, incluyendo Europa y Japón. Cantó con la Orquesta de Tango de Buenos Aires, presentando el vals “Luces de inocencia”,
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ganador del Certamen Hugo del Carril 2010 en mejor composición de letra y música. 7 Mares, proyecto audiovisual, es su primer trabajo como solista. Interpreta en él composiciones de Manu Navarro, Ana Larrubia, Sole Mársico, Mariano Botto, Miguel López, Atahualpa Yupanqui junto a Kawole Kataoka y Gabo Ferro. https://www.instagram.com/ carla_cecche/
https://www.facebook.com/carla. cecchetto.1 https://www.youtube.com/@ carlacecche Sonia R. Cabral Prensa + Gestión cultural prensasoniacabral@gmail.com IG: @soniacabralprensa FB: Sonia Cabral VIDEO 7 MARES- Carla Cecche, “Volver a volver”, de Gabo Ferro
Denu Cirulli presenta su nueva canción
«Lágrimas de Oro” Denu Cirulli, la cantante conquista redes sociales y escenarios, presenta su nuevo corte musical “Lágrimas de Oro”, una fusión de ritmos que no encaja en géneros tradicionales como el reggaetón o la cumbia, pero que sabe comprender lo que los más jóvenes buscan escuchar.
Denise «Denu” Cirulli, conocida en las redes como Denu42, es furor en TikTok por la creatividad de su contenido. En pleno confinamiento por Covid creó un perfil y comenzó a subir videos sin imaginar lo que vendría después. Oriunda de Saladillo (Pcia. de Buenos Aires) la adolescente tiene más de 3 millones de seguidores y uno de sus videos superó los 86 millones de vistas, lo que la ha posicionado como primera en comedia a nivel mundial. Actualmente, Denu reside en Buenos Aires, combinando su carrera artística con estudios de nutrición. “Es un complemento que me apasiona y que espero también compartir en redes”, afirmó.
Denu no sólo la rompe en TitkTok y en Instagram, además es cantante, modelo y actriz. En mayo de 2021 lanzó su primer single “Reggaetón”, que tiene más de 100 mil reproducciones en YouTube y más tarde su segundo corte “Por Tonto” que fue un éxito también. Luego de haber hecho campañas de moda para marcas reconocidas y revistas de moda, Denu está haciendo una publicidad para China y cuenta con seguidores de todas partes del mundo. También se ubicó en el Top 10 music Titktokers in Argentina y
fue invitada a varios programas de TV, entre ellos Pampita Online y LAM. «Es contenido sano el que hago, canto desde chiquita pop y reggaetón. A mi no me gustan los escándalos, yo trato de llegar de otra manera. Lo vivo tranquila, siempre con buena onda de la gente. Creo que con las redes sociales es mucho más fácil llegar a la gente, antes no podías y ahora con un celular podés mostrar todo tu talento», afirma. Denu en las redes: TikTok: @denu422 Instagram: @denu422 Canal de Youtube FLOR CARROZZA Prensa y Comunicación https://florcarrozza.webnode.es/ https://www.instagram.com/ florcarrozza.prensa/ VIDEO “Lágrimas de oro”-Denu-
“Comencé en la pandemia porque estaba aburrida, no le dije a nadie y subí un video. Me sorprendió que había logrado mil vistas, ya que era el único y no tenía seguidores”, relata Denu.
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BRYCHTTA estrenó su nuevo álbum
“Patada Voladora” -El dúo de música electrónica formado por Evlay y José Bonetto presenta nuevo material-
BRYCHTTA, el dúo formado por los productores y músicos argentinos Evlay y José Bonetto, lanzó “PATADA VOLADORA”, su segundo álbum disponible en plataformas digitales. El material fue estrenado con una poderosa presentación en vivo de 3 horas y media en el mítico Crobar Club, el pasado sábado 5 de abril, con la sala completamente llena. PATADA VOLADORA es un disco de siete tracks a pura energía. Desde la intro las percusiones suben sin freno hasta explotar en un hardgroove demoledor. El nombre no es casualidad: cada tema es un golpe certero que confirma la evolución y madurez del dúo, que en solo un año conquistó escenarios internacionales y clubes icónicos y prestigiosos de la escena electrónica. Entre los temas destacados, “PUNKY” levanta la bandera de este disco y logra encapsular el espíritu de BRYCHTTA con un bajo distorsionado, loops repetitivos y vocales pitcheadas, creando una experiencia sonora adictiva. “TUMBANDO LA RAVE” revive los icónicos vocals
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de “Tumbando el Club” -Neo Pistea-, un himno del trap, mientras que “CHILLA MCFLY” mezcla vocals de “Cómo Chilla Ella” -Ysy A - con el bajo inconfundible de McFly -CA7RIEL-, ambos tracks producidos por Evlay. Concebido en Berlín, Finlandia, Dublín y Eslovenia, “PATADA VOLADORA” refleja la búsqueda de un sonido propio, con la calidad de producción que distingue a Evlay y Bonetto. BRYCHTTA sigue empujando los límites y dejando su marca en la música electrónica.
BRYCHTTA -Evlay & José BonettoLanzamiento de su nuevo álbum “PATADA VOLADORA” DISPONIBLE EN Spotify – Deezer- Apple Music – Amazone Music - Soundcloud - Tidal https://orcd.co/patadavoladora ALGO MÁS ACERCA DE BRYCHTTA Evlay, elegido como “Productor del Año” en los premios Gardel en 2002 y 2024, y con múltiples nominaciones a los premios Grammy, conoce por casualidad
a José, con quien conecta muy fuertemente por el lado de la electrónica. Ambos, sin buscarlo, comienzan a darle vida a este proyecto. En marzo de 2024 lanzaron su álbum debut, titulado “001”, logrando una entrada triunfal en la escena de la música electrónica. Desde entonces, han cautivado al público con actuaciones destacadas en algunos de los eventos más importantes de Argentina, llevados a cabo en prestigiosos clubes como Niceto, Crobar y C Art Media, entre otros. Después de instalarse durante casi seis meses en Alemania y teniendo míticas presentaciones, tales como el aftershow oficial de Babasónicos o un showcase agotando el reconocido Hoppetosse, el dúo volvió a su tierra natal para presentar su nuevo disco, y llevarlo de gira por todos los lugares posibles. EVLAY es un artista originario de Lanús, Buenos Aires, Argentina, reconocido como uno de los productores más destacados de la escena urbana. Como DJ, se especializa en los géneros RAW y Hardgroove, y ha logrado forjar un sonido único que fusiona intensidad y técnica, destacándose por su capacidad para capturar la esencia del groove en sus diversas facetas. A tan solo un año de comenzar su carrera como productor y DJ en el ámbito de la música electrónica, formó el dúo
BRYCHTTA junto al DJ José Bonetto y fundó Central Norte, un sello discográfico bajo su main label, Caraza Records. Este proyecto lo lleva adelante junto a Peter Ehrlich y con la dirección creativa de BATTO90, consolidando un espacio clave para artistas con un estilo propio y experimental. Central Norte se ha convertido en un referente en la escena local de música electrónica, promoviendo una visión fresca que impulsa el desarrollo de nuevos talentos. EVLAY ha tocado en los clubes más emblemáticos de la escena local, como Niceto, Crobar
y C art Media, y ha llevado su propuesta a destacados espacios internacionales como Hoppetosse y Metropol en Berlín, PrivatClub en Alemania y Workman’s Cellar en Irlanda. Jose Bonetto es un productor y DJ italo-argentino radicado en Berlín. Enfocado en la música techno, con un estilo personal bien definido y explorando diferentes facetas de este género, Jose logró lanzar su primer sencillo en el mítico sello de Thomas Schumacher, “Electric Ballroom”, uniendo fuerzas con el pro- u
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ductor A.D.H.S. Este lanzamiento alcanzó el puesto #20 en el Top 100 de Techno Peak Time de Beatport y contó con el apoyo de artistas de renombre como Adam Beyer, Lilly Palmer, FJAAK, Stella Bossi, Eats Everything, Nicolas Taboada, entre otros. Luego, hizo su debut con su primer EP en el sello de Metody Hristov, “Set About”, que recibió el apoyo de Bart Skillz, Monika Kruse, Layton Giordani, Victor Ruiz, Alex Stein, Lilly Palmer, Xenia, A.D.H.S., entre otros. Este EP de 4 tracks logró colocar tres de sus canciones en el Top 100 de Techno Peak Time de Beatport, alcanzando las siguientes posiciones: #26 con “1 a.m. Tram”, #38 con “Orbital” y #89 con “Liberate your mind”. En junio de 2023, lanzó su nuevo single “Magnetic Fields” en el sello Spannung Records de Lilly Palmer. Este lanzamiento marcó su mayor éxito hasta la fecha, alcanzando el puesto #3 en el Beatport Techno Peak Time Hype Top 100 y el puesto #12 en el Techno Peak Time Top 100. “Magnetic Fields” recibió el apoyo en vivo de grandes artistas como Joyhauser, Bart Skils, Lilly Palmer, Sama Abdulhadi, entre muchos otros. En marzo de 2024, comenzó un nuevo proyecto paralelo llamado “Brychtta” junto al productor Evlay. El dúo se enfoca en un sonido “Hardgroove”/”Warehouse” y acaban de lanzar su álbum debut titulado “001”. En julio de 2024, lanzó su
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último EP “Within” en Spannung Records, alcanzando el puesto 3/4 en la playlist oficial de Spotify “Techno Bunker” y fue seleccionado por Beatport en el puesto #1 en el “Best New Techno Chart”. Este lanzamiento también fue apoyado por artistas de primer nivel como Lilly Palmer, Joyhauser, Space 92, Eli Brown, entre muchos más. Como DJ, ha compartido cabina con Lilly Palmer, Eli Brown, Thomas Schumacher, Umek, Egbert, Deborah Deluca, Spektre, Pavel Petrov, Fancy Inc, Simone Liberali,
Bassel Darwish, entre otros. Ha tocado en eventos como “Zurich Street Parade”, “Ritter Butzke”, “Symbiotkka - Kit Kat”, “Hive Festival”, “Waagenbau”, “Anomalie Club”, “House of Weekend”, “Crobar Club”, “Rio Electronic Music”, “Switch Club”, “Session 909”, entre otros. PRENSA Romina contacto@rominagirardi-prensa. com VIDEO BRYCHTTA // EVLAY - JOSE BONETTO // CHELA #2
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ALAN SUTTON presenta
ALGO FELIZ / ESTAR MEJOR
Primer adelanto de su próximo nuevo álbum titulado BERRINCHE El nuevo single doble de Alan Sutton y las Criaturitas de la Ansiedad llega como un respiro y un despertar. “Algo Feliz / Estar Mejor “ abre la puerta a “Berrinche”, el esperado álbum que saldrá en abril. Alan Sutton y las Criaturitas de la Ansiedad presentan “Algo Feliz / Estar Mejor”, un doble adelanto que marca el inicio de una nueva etapa en su sonido. Este single doble ofrece un vistazo único a Berrinche, su próximo álbum que verá la luz el 10 de abril. Grabado en una cabaña en la Patagonia durante mayo de 2024, “Algo Feliz” es un respiro en medio de la tormenta, una reflexión luminosa sobre la calma que llega después del caos. Nació en el proceso más libre del álbum, cuando Berrinche aún no tenía forma definida. En contraste, “Estar Mejor” refleja una energía más profunda, un reconocimiento de que, aunque la vida pesa, siempre existe la posibilidad de liberarse. Si la primera canción es la chispa de un optimismo espontáneo, la segunda es el impulso por salir al sol y encontrar claridad. Estas dos canciones juntas son más que un simple adelanto: son el puente entre la intuición y la intención, entre la ligereza y la profundidad, reflejando la
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transición del impulso inicial a la complejidad de todo el disco. Con “Algo Feliz” y “Estar Mejor”, Alan Sutton deja atrás la efusividad de su etapa anterior y abre la puerta a un sonido más íntimo, introspectivo y cercano. Estas canciones no sólo marcan el tono de Berrinche, sino también el giro que la banda está experimentando en su trayectoria. Este álbum representa un paréntesis en su historia, donde la banda se permite explorar nuevas sonoridades y explorar una estética más personal.
principio de un año que promete ser de grandes cambios para Alan Sutton y las Criaturitas. Tras un 2024 marcado por giras internacionales y un show consagratorio en el Estadio Obras, la banda se prepara para llevar Berrinche a escenarios de todo el mundo. Mientras tanto, “Algo Feliz / Estar Mejor” ya está disponible, dando el primer vistazo a este nuevo capítulo. ACERCA DE ALAN SUTTON
Alan Sutton y las Criaturitas de la Ansiedad es una banda Este lanzamiento es sólo el de Buenos Aires, Argentina,
formada en 2017 a partir del encuentro entre Jerónimo Romero y Alan Sutton. Con una propuesta sonora que desafía los límites de los géneros, la banda se caracteriza por su capacidad para llevar al oyente a un viaje distinto en cada canción. Desde la crítica social más cruda hasta el existencialismo más desgarrador, pasando por un optimismo arrollador, su música no deja indiferente. Cada tema refleja una búsqueda única, una identidad propia y un universo sonoro en constante evolución. La banda, nacida de la colaboración entre cantautor y productor, no se limita a un solo estilo, sino que se nutre de la transformación y el cambio como motor creativo, explorando las complejidades de un mundo lleno de estímulos y ansiedad. CRÉDITOS Autor y compositor: Alan Sutton Producción Musical: Jerónimo Romero Co-Producción Musical: Alan Sutton, Gonzalo Moreno Ingeniero de grabación: Gonzalo Moreno Ingeniero de mezcla: Gonzalo Moreno Ingeniero de mezcla ATMOS: Federico Giordano Ingeniero de mastering: Lucas Romano Arreglos Jerónimo Romero, Alan Sutton, Gonzalo Moreno Arte de tapa: Jerónimo Romero,
Vanina Balza 01. Algo Feliz Voz principal Alan Sutton Guitarras Nylon Jerónimo Romero, Alan Sutton Coros Jerónimo Romero, Alan Sutton 02. Estar Mejor Voz Principal Alan Sutton Guitarra Nylon Alan Sutton Guitarra Acústica Jerónimo Romero Guitalele Jerónimo Romero
Batería Jerónimo Romero Bajo Jerónimo Romero Percusión Jerónimo Romero Coros Jerónimo Romero CyG Prensa info@cygprensa.com IG: @cgprensaycomunicacion FB: /cgprensaycomunicacion TW: @CGprensacom VIDEO ESTAR MEJOR (Video Oficial) Alan Sutton y las criaturitas de la ansiedad
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CHULE FT. OLIVIA WALD LANZAN
¨ESTO ES AMOR¨
( REMIX)
Chule y Olivia Wald unen sus voces en ¨Esto es Amor¨, una canción que fusiona pop y ritmos latinos en una historia de pasión y complicidad.
Chule y Olivia Wald nos regalan una de las colaboraciones más vibrantes del año con Esto es Amor, un tema que captura la esencia de la pasión y el deseo en una historia llena de química y emoción. Bajo la dirección de Juan Pulido y con la fotografía de Lautaro Sánchez, el videoclip de Esto es Amor fue filmado en Cañuelas, Provincia de Buenos Aires, un entorno natural que enmarca a la perfección la energía de la canción. Desde los primeros acordes, Esto es Amor nos sumerge en una atmósfera envolvente, donde la intensidad de los sentimientos se refleja en cada estrofa: “Pasaron años, seguimos queriéndonos, ¿o no? ¿Qué me dices? Hoy tú no te me escapas, quiero esa boca besar. Y lo que pase será un secreto escondido entre tú y yo.” Con un sonido fresco que fusiona pop y tintes latinos, Chule y Olivia transmiten una conexión única a través de sus voces. El video refleja esa complicidad, mientras las artistas interpretan con
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emoción una historia de amor que se desborda en cada imagen. “Cuando te acercas voy perdiendo la cordura, ya no hay dudas. No hay explicación, loca por ti yo estoy.” El videoclip no solo refuerza el mensaje de la canción, sino que también resalta la autenticidad y versatilidad de ambas cantantes, quienes han demostrado ser dos de las artistas más prometedoras del panorama musical actual. Esto es Amor es una declaración apasionada que, con su ritmo contagioso y su letra sincera, promete convertirse en un himno del romance moderno. CHULE Chule es una artista argentina de 26 años de Pehuajó (Provincia
de Buenos Aires). Ha hecho diversas colaboraciones musicales: con Los Tekis, Los Auténticos Decadentes, Juan Ingaramo, Bauti Mascia, Ramiro Bueno y Fran Charco entre otros. Reflejando la versatilidad de la cantautora al combinar diferentes géneros musicales. Chule ha tenido la oportunidad de acompañar a la legendaria banda mexicana Jesse & Joy en su gira de veinte conciertos a lo largo de USA y de abrir los conciertos del canadiense Shawn Mendes en el Movistar Arena de Argentina. Ha demostrado su talento en la actuación en la serie de Netflix „Millennials“ y en el show televisivo „Bailando Por Un Sueño“. También ha realizado shows propios en México, Chile, USA, Uruguay y en más de quince provincias argentinas. Ha
sido invitada a los escenarios de Rombai, Destino San Javier, Axl y el colombiano Santi Cruz como algunos ejemplos. En RRSS tuvo cruces musicales con Maluma, Pedro Capó, Farruko, Sebastián Yatrá, Wisin, Mau & Ricky, Becky G, La Sole, Tini y Reik entre muchos otros. Tiene su versión propia del himno nacional argentino, utilizado por Las Leonas en la copa del mundo Londres 2018. Actualmente Chule tiene publicadas via Warner Chappel Music más de 38 canciones propias, además de un álbum en homenaje al folklore argentino llamado «Folk». En 2023 hizo el opening del uruguayo Cardellino en el Luna Park, cómo así también del peruano Gian Marco y del riojano Sergio Galleguillo, ambos en el Teatro Gran Rex. Además lanzó su balada pop llamada „Agradezco haberme equivocado“, como así también el feat. «Pa Decir Adiós» junto a la banda Lemonchamp. En 2024 colaboró con Agapornis en un clásico de Chayanne y publicó un EP de su show en vivo en Belo Horizonte (Brazil). Su último lanzamiento se llama „Intentarlo Una Vez Más“ y junto a Los Totora salió el clásico de Marcela Morelo “Te está pasando lo mismo que a mi“, versión cumbia.
lo largo de 2024, se consolidó como una de las artistas con mayor proyección en la región, gracias a su talento para fusionar géneros y crear un sonido único que conecta con el público.
El álbum también incluye canciones que reflejan la versatilidad artística de Olivia, como En La Cara, un éxito viral donde el soft rock se combina con elementos urbanos para dar vida a un himno para los corazones rotos. Asimismo, temas como Corazón y Pulso exploran sonidos que van desde el trap hasta el soul y el R&B, consolidando su identidad musical.
Con su debut, Olivia Wald no solo demuestra su capacidad para reinventar el pop, sino que también se posiciona como una El 4 de marzo pasado, Wald de las voces más prometedoras lanzó su primer álbum de larga de América Latina. Su talento y duración, titulado Cuerpo, bajo creatividad la proyectan como el sello Universal Music. Este una artista clave dentro de la trabajo discográfico representa nueva generación de la música un viaje musical donde el pop en español. y la electrónica se entrelazan con otros estilos, dando como MP Comunicación resultado una propuesta fresca María Peluffo y vanguardista. Entre sus temas maria@mariapeluffo.com más destacados se encuentra el https://linktr.ee/maria_peluffo_ sencillo homónimo Cuerpo, una marketing balada pop que incorpora arreglos instrumentales innovadores y se VIDEO convierte en una pieza central de Esto es amor (remix) Chule & Oliva Wald (official video) su obra.
OLIVIA WALD Olivia Wald es una cantante y compositora argentina que ha irrumpido con fuerza en la escena del pop indie latinoamericano. A
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PABLO ALBORÁN PRESENTA SU NUEVO SINGLE
“CLICKBAIT”
QUE SORPRENDE CON SU NUEVO SONIDO Pablo Alborán regresa a la música con el lanzamiento de “CLICKBAIT”, un single que presenta un sonido nuevo dentro del registro de Pablo. “CLICKBAIT” derrocha mucha fuerza y sonidos fuertes y vanguardistas además de un mensaje muy contundente sobre las ‘fake news’, los prejuicios y la obsesión por los likes. Por primera vez, no es una canción de amor a las que el compositor nos tiene acostumbrados, aunque es uno de sus temas más íntimos, ya que se abre en canal sobre el vacío de la fama y la obsesión por las Redes Sociales. Esta canción invita a todas aquellas personas que están hartas de las etiquetas, de los prejuicios y de vivir esperando la aprobación de los demás. En palabras del propio Pablo: “Esta canción está dedicada a la gente que te quiere conocer más allá de lo que creen saber de ti. Es algo que le pasa a todo el mundo y todo el que tiene una red social lo vive, no es algo exclusivo de artistas o famosos. Espero que muchas personas se sientan identificadas y la canten y la disfruten conmigo”. Pablo ha querido trasladar todo este concepto al videoclip, donde podemos encontrar
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un sinfín de referencias y metáforas, empezando por la
propia figura de la fama que aparece encarnada por una
bailarina vestida de época durante todo el videoclip que es una representación del cuadro de Strozzi llamado “La personificación de la fama”. El artista propone un alegato contra el ruido mediático con el que consigue impactar y que rompe con todo lo que hemos escuchado anteriormente en su carrera. Además de la liberación que ha significado este single a nivel personal, “CLICKBAIT” es el comienzo de una nueva etapa en la carrera musical del artista. Alborán ha estado trabajando junto al productor puertoriqueño Albert Hype, conocido por sus trabajos con otros grandes artistas como Bad Bunny, Kali Uchis o Shakira. Pablo explora terrenos nuevos con unas composiciones y producciones más atrevidas con las que está creando un repertorio más emocionante y profundo. Coincidiendo con este lanzamiento, Pablo Alborán anuncia una gira completa mundial, que recorrerá numerosos países de América y Europa, así como las principales ciudades de España, en una gira que durará un año completo. Alborán vuelve a los escenarios con más fuerza que nunca, prometiendo emocionar a todos los espectadores que acudan a la extensa lista de conciertos en la gira.
inicia una nueva etapa en su carrera musical, combinando su estilo personal con nuevos sonidos y ritmos en tendencia. Los shows de Pablo buscarán transmitirán esta innovación junto a la emoción que aportarán sus grandes temas, en una experiencia que no dejará a nadie indiferente.
PRENSA María Nolte mnolte@indigopress.com.ar IG: @merynolt Nicolás Tavella nicolastavella@indigopress.com. ar VIDEO Pablo Alborán - CLICKBAIT
Esta gira llega en un momento de cambios para el artista, que
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NIEVES ROSELL presenta su nuevo nuevo EP
BOLEROS
percusión. Domingo 11 de mayo 21:30 hs. BEBOP CLUB Uriarte 1658- Palermo-CABA FICHA TÉCNICOARTÍSTICA: TEMAS: 1.- Déjame ir 2.- Se te olvida 3.- Tú, mi delirio 4.- Velho piano
La cantante rosarina Nieves Rosell se presenta por primera vez en Bebop Club con su reciente EP “Boleros” en formato quinteto con la participación y la dirección del reconocido bajista Daniel Maza.
Canciones del repertorio popular de Brasil como Dorival Caymmi y Antonio C. Jobim también tendrán su lugar en este recital.
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GRABADO EN ESTUDIO SOUNDREC @divo.soundrec Técnico de estudio: Ricardo Sans @ricardosanz_ bss GRABADO EN CyA estudio Mezcla y masterización : Javier Mazzarol @ javimazzarol
“Boleros”, que previamente será estrenado en su Rosario natal, trae al presente grandes obras de Cuba, México y Argentina. Composiciones de Chico Novarro, Alvaro Carrillo, Maria Grever, Cesar Portillo de la Luz (entre otros) formarán parte de un repertorio seleccionado con delicadeza que invita a generar un clima de disfrute, rindiendo homenaje a los clásicos del género.
Producción: Daniel Maza Arreglos: Daniel Maza / Leandro Marquesano
MÚSICOS NIEVES ROSELL presenta su nuevo nuevo EP BOLEROS junto a Daniel Maza en bajo y dirección musical Leandro Marquesano en teclados Fabián Miodownik en batería y Agostina Bertozzi en
Piano y teclados: Leando Marquesano @ Leandro Marquesano Bajo eléctrico: Daniel Maza @ danielmazacorrea Batería: Fabián Miodownik @
fabianmiodo Percusión: Agostina Bertozzi @ agostinabertozzi PARTICIPACIONES ESPECIALES Tú mi Delirio / Trombón: Juan Canosa @trombonosa Déjame ir / Cello: Fer Silva @fersilvamusico Se te olvida / Guitarra: Leo Amuedo @leo.amuedo VIDEO OFICIAL: Cámara: Pacho Benetti y Olivia Color Edición: Olivia Color Teaser : Olivia Color Arte: Monique Almeida @cottidianices Fotografia: Iryna Makukha @iryna_makukha Acerca de Nieves Rosell: Cantante y compositora nacida en la ciudad de Rosario.
rosarinos, dedicándose al rock, pop y música argentina.
español y portugués.
En 2023 lanzó el sencillo El giro que la define hoy en “Cassia” (co autoría con el día llegó con sus primeros legendario poeta y músico viajes, donde comenzó a rosarino Adrian Abonizio), que fue grabado en San Pablo escuchar Jazz y Bossa Nova. y producido por el pianista Nieves se mudó a Brasil con Lisandro Massa, con Iury intenciones de aprender a Batista en contrabajo y Carlos fondo sobre la música que la Bala en batería. apasiona. A fines de 2024 editó el presente álbum “Boleros”, coproducido, grabado y arreglado por el reconocido bajista uruguayo Daniel Maza. El álbum cuenta con la participación especial del guitarrista Leonardo Amuedo e incluye a Leandro Marquesano en piano, Daniel Maza en bajo, Fabian Miodownik en batería y Agostina Bertozzi en percusión. Sus primeros trabajos autorales ‘Bocado de paz’ y ‘Sereia’ (fueron producidos por Daniel Pellegrinet) y son una mezcla de ritmos de Brasil, jazz melódico y canciones pop con letras en
PRENSA Ana Garland Management anagarland@gmail.com VIDEO «Déjame ir” Nieves Rosell feat. Fer Silva (Video Oficial)
Actualmente divide su tiempo entre Brasil y Argentina trabajando en cruceros entre conciertos y grabaciones. Aprendió su oficio de cantante desde joven en su ciudad natal donde tocó con muchos de los mejores músicos
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Vivac presenta su nuevo álbum
“40 grados bajo la sombra” un golpe de calor sonoro
Desde Misiones, la banda de rock Vivac presenta su tercer disco “40 grados bajo la sombra”, un recorrido por ese espacio intermedio entre la luz y la sombra. Donde, a diferencia de lo que se imagina, la sombra representa alivio; y la luz, agobio y calor. Las canciones que componen este flamante material nacen de esa paradoja. Desde la caminata nocturna que abre el álbum hasta la coda mántrica que lo cierra. Cada sonido, cada palabra, traza el mapa de un lugar que no es del todo luz ni del todo oscuridad. Un espacio de tránsito, donde
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lo perdido y lo posible se miran cara a cara.
Grabado en pleno verano porteño en el legendario Estudios Panda, en el barrio de Floresta, el disco captura
la intensidad, la crudeza y el espíritu de la banda que grabó en vivo los tres músicos en simultáneo -José Gallero (guitarra y voz), Ignacio Gallero (batería) y Fernando Villar (bajo)-. Este álbum promete sumergir a los oyentes en una experiencia sonora y viajera. “40 grados bajo la sombra” está disponible en todas las plataformas digitales y cuenta con una versión “Full álbum subtitulada” en YouTube, que acompaña todo el recorrido del disco, asegurando una experiencia inmersiva.
FICHA TÉCNICA Voz y guitarra: José Gallero. Batería: Ignacio Gallero. Bajo: Fernando Villar. Grabado en pleno verano porteño en el mítico Estudios Panda, ubicado en el barrio de floresta. Febrero 2024. Grabado, mezclado y masterizado por Leo López. Producción artística: Pol Páez. Drum Doctor: Maturana. Asistencia técnica: Nacho Arce. Cocinero y fotógrafo en estudio: Miguel Campero. Vivac es una banda de rock argentina de la localidad de Puerto Rico (Misiones), integrada actualmente por José Gallero en voz y guitarra, Ignacio “Nacho” Gallero en batería y Gabriel “Bicho” Ríos en bajo. En 2014 se juntaron para armar un proyecto de canciones de autor combinados con covers. El grupo empezó a tocar en bares y lugares abiertos con un repertorio mixto. La primera formación fue con Gabriel Rudacoff en el bajo, luego en 2018 (hasta 2024) su lugar fue ocupado por Fernando Villar.
promocionar su música. El demo tomó forma de disco y salió el 23 de mayo de ese año. Pero dada las restricciones del Covid la banda no pudo salir a presentarlo. Durante las restricciones de la pandemia, en el año 2021, Vivac grabó una serie de composiciones nuevas en la sala de ensayo y así dio forma a su segundo álbum “Cualequemaqueré” (lanzado en mayo del 2022), con éxitos como “La remera”, “Cualequemaqueré” y “La rana que perdura”. Medios especializados de México lo catalogaron como el mejor disco de Rock Latinoamericano del año 2022 (BRAVO REVISTA). Durante 2023 y 2024 la banda giró por toda la provincia de Misiones consolidando un circuito de espacios alternativos como Espacio Yopará en San Pedro, La Cabaña de los Muñecos en Puerto Iguazú, Sala Teatro Mbopi en Eldorado, entre otros. Así, Vivac se transformó en la única banda misionera en su género en lograr girar por toda la provincia con una propuesta propia y un repertorio distintivo. “40 grados bajo la sombra”, su
último trabajo discográfico, fue grabado en Buenos Aires, en el mítico “Estudio Panda” del barrio de Floresta, durante los primeros días de febrero de 2024. Así nacieron ocho nuevas canciones que fueron lanzadas el 21 de diciembre de 2024. El 4 de enero de 2025 la banda organizó el festival “40 Grados” con motivo de la presentación de este trabajo invitando a bandas amigas como Guerrapé, Araucaria, Elene, Lobo del Hombre, Naevis, entre otros artistas que se presentaron ese día. De esta manera, Vivac terminó de consolidarse como un proyecto cultural que propone más allá de lo musical. Más info https://www.instagram.com/ vivacmusica LUCAS SEOANE - PRENSA lucas.seoaneprensa@gmail.com Instagram: lucas.seoane VIDEO Vivac | 40 grados bajo la sombra (Full Album)
En enero de 2020 grabaron un disco con la intención de tener un demo para compartir y
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¨ Vulka¨
VULKA lanza su primera erupción, un álbum homónimo que nos muestra su esencia más profunda, pura y genuina.
VULKA es una grieta en la superficie del nuevo pop electrónico que une y conmueve a través del baile y la introspección.
Cuando la lava se enfría, el paisaje revela su nueva forma. VULKA es ese cambio, una huella que transforma.
Las letras sostienen la tradición de la canción, buscando el filo de las emociones mientras encienden el cuerpo y la voz.
Escucha ¨Vulka¨ Vulka presenta el videoclip de ‘La espera’, focus track de su primer álbum.
Sin temor a las contradicciones, la identidad sonora de VULKA se mueve entre el éxtasis y la melancolía, entre lo íntimo y lo expansivo, entre lo físico y lo etéreo.
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Este álbum es más que un impulso a los sonidos sintéticos; es una confesión, un diálogo entre el cuerpo y la mente. Es un espejo que refleja el tiempo presente, su velocidad, su vértigo, su belleza frágil.
Video Con influencias como Massive Attack, Billie Eilish y Portishead, VULKA construye un tema sólido con texturas electrónicas y pulsos melancólicos. La espera podría tratarse
de una pausa, pero termina siendo un abismo: un espacio suspendido entre la búsqueda y la ausencia. El entorno sonoro y las letras de la canción expresan esa vulnerabilidad de buscar en un estímulo externo, algo que en realidad habita dentro de uno. Hay una manifestación sutil de esa esperanza, donde hiere el vacío de las palabras no dichas. El videoclip profundiza esta atmósfera: ella como protagonista y una figura sin rostro que se mueve a su alrededor como una sombra. Esta presencia actúa como un espejo roto que refleja lo que falta, potenciando la sensación de soledad y la idea de buscar afuera lo que duele adentro. Con La espera, VULKA se atreve a adentrarse en las zonas grises, en los espacios donde la música se convierte en un eco de pensamientos y la imagen en un espejo distorsionado de la realidad.
canto y producción musical de manera autodidacta.
Durante los últimos años, ha trabajado como instrumentista en varios proyectos musicales, colaborando con artistas de la escena independiente. Esta experiencia le ha permitido ahondar en el mundo de los sintetizadores y acumular experiencia en el escenario. Sin embargo, este año abre camino al lanzamiento de VULKA, un proyecto
musical caracterizado por sonidos sintéticos y letras que exploran la expresión humana, el tiempo presente y la naturaleza. VULKA combina Pop, Electrónica y Rock en una propuesta que invita a la reflexión mientras mantiene un carácter bailable. PRENSA Nadya Cabrera nadyacabreraprensa@gmail. com VIDEO VULKA| La espera (Videoclip oficial)
PH Valentina Cuesta Julia Consolo (Buenos Aires, La Plata, 1996) productora, compositora, pianista y cantante, presenta su nuevo proyecto musical VULKA. Desde temprana edad, Julia estuvo involucrada en la música, aprendiendo piano,
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Rocco Posca presenta su nuevo disco
¨Amor Valiente¨ Rocco Posca presenta ¨Amor Valiente¨ su cuarto álbum de estudio. Es una obra que sintetiza mucho los primeros discos del artista para unirse en algo nuevo.
Actualmente se encuentra inmerso en la producción de nueva música, anticipando emocionantes proyectos futuros, como el lanzamiento de “Viento
Según Rocco ¨le puse a este disco Amor Valiente por que lo sentí. Si me pongo a pensar, me hace mucho sentido en esta época haberle puesto ese nombre, porque el amor como matriz de luz y creación se transformó en El álbum debut de Rocco, un acto de Valentía en el mundo . titulado ‘Niños del universo’, lanzado en 2017, marcó el inicio de su carrera discográfica y fue Acerca de Rocco Posca seguido por “Fervor” en 2018, Rocco Posca es un artista ambos inmortalizados en formato Actualmente, cuenta multifacético y versátil. Comenzó vinilo. su carrera musical en 2016 a sus 17 con tres álbumes de estudio, años, y continúa desarrollándose siendo “El Gaviota” su obra más como músico, cantante, reciente, lanzada en 2021. Este compositor y actor. Su expresión último trabajo refleja la evolución escénica en el ámbito del rock se artística y la madurez de Posca caracteriza por la fusión de riffs como creador musical. El 14 de guitarras distorsionadas con de abril de 2018 en Tecnópolis, composiciones introspectivas participa del Festival Soundhearts acústicas, creando una Buenos Aires encabezado por Radiohead, siendo Rocco el experiencia sonora única. único artista argentino en la grilla. El 29 de marzo de 2017, Rocco Posca abrió el concierto de Catfish and the Bottlemen en el local The Roxy Live. Luego, el 27 de abril del mismo año, realizó la hazaña de tocar en el Cabaret del Maipo, en CABA, adelantando canciones de lo que sería su primer disco, con grandes figuras como Fito Páez, Diego Rodríguez de Babasónicos y Lolo Fuentes, ex Miranda!.
helado”, su sencillo inspirado en la película “La sociedad de la nieve”, nominada a los Oscars 2024. su single ¨En la tierra¨ junto a Lisandro Aristimuño contó con un gran recibimiento tanto del público como de la prensa especializada y ¨Uno de los dos¨
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La trayectoria de Rocco Posca se distingue por su dedicación a la excelencia artística y su capacidad para trascender géneros, consolidándose como un referente en la escena musical contemporánea. PRENSA Nadya Cabrera nadyacabreraprensa@gmail. com VIDEO Rocco Posca | Mejor (oficial)
SPINETTANGO lanza
SPINETTANGO 2 Primer single: “FERMÍN” El proyecto SPINETTANGO tiene un nuevo capítulo. En 2022 se lanzó un disco dedicado a la vida y obra de Luis Alberto Spinetta, con músicos de diferentes vertientes rindiéndole tributo al compás del 2x4. El álbum fue nominado a los Latin Grammy en 2022 y a los premios Gardel en 2023.
Ahora es el turno de SPINETTANGO 2. Con el mismo concepto, Santiago Muñiz y Damián Torres Quinteto intervienen 12 gemas del Flaco en tiempo de tango acompañados por célebres invitados.
Camel” Sforzini. Fue grabado, mezclado y masterizado en Afro Studios de Lanús: @ afrorecordingstudio
La foto de la portada del álbum está adaptada, pero pertenece a la propia casa de Luis, donde aún viven sus hermanos. SPINETTANGO 2 verá la luz en vinilo, en CD y estará disponible en plataformas digitales a través de Tango Explícito Discos. A mediados de abril se anunciará el listado de temas completo y los próximos cortes. Ahora, es momento de “FERMIN”, interpretado por Los Altiyeros: Santiago Muñiz en voz, Christian Esquivel en contrabajo, Joel Tortul en piano y sinte, Dante Ascaino en guitarra eléctrica, Leandro Liuzzi en violín, y Damián Torres en bandoneón, arreglos y dirección musical. Corría el año 1967 y en el barrio porteño de Belgrano se formaba
Almendra, primera banda de Luis Alberto Spinetta. Almendra es considerado uno de los grupos fundacionales del rock argentino junto con Los Gatos y Manal. Entre sus influencias se encontraban grandes valores del Tango como Astor Piazzolla, Rodolfo Mederos y Eduardo Rovira. A sus 19 años Spinetta comenzaba a proponer un estilo de música inclasificable, sin preconceptos, en el que la poesía jugaba un papel determinante. Tomada de su primer álbum lanzado en 1969, SPINETTANGO 2 versiona el clásico “FERMÍN”, a modo de adelanto del flamante trabajo a lanzarse en mayo de 2025. Contacto Diego Perri perridiego69@gmail.com VIDEO Spinettango - Fermín
El corte adelanto es “FERMÍN”, que llegará a todas las plataformas este viernes 4 de abril. SPINETTANGO 2 cuenta con Litto Nebbia, Melingo, Mimi Maura, Pipi Piazzolla, Marcelo Torres, Nico Sorín y otros. La producción artística corresponde a Hernán “Don
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Frank Capouch, el Médico Traumatólogo Infantil lanza su primer disco solista y firma con Universal Music.
El reconocido Médico Especialista en Ortopedia y Traumatología Infantil nunca dejó de lado su faceta artística, si bien lo vemos en ocasiones hablando de medicina y de su especialidad en los informativos más importantes del país, nunca deja de crear. Así es que uno de los sellos más importantes, le ofreció firmar y llevar su música a todas partes, además como frutilla del postre, el Canal La Nación + le pidió una canción para el nuevo programa de Horacio Cabak, y ya se está usando como cortina. Frank Capouch Desde muy chico supo que la música lo iba a acompañar toda su vida, el click le llegó a los 10 años cuando vio una Les Paul en una casa de música de su Chivilcoy natal, y en ese momento la conexión fue tan fuerte que dijo “esto es lo que yo quiero”. Así fue que al año siguiente armó su primera banda y fue adquiriendo experiencia, las cosas iban empezando a tomar
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Frank Capouch y su Productor Mariano Cusano.
forma, pasaron los años, llegaron las composiciones propias, llegaron los shows, y la sorpresa de ganar como mejor banda de Rock en los Torneos Juveniles Bonaerenses, un gran incentivo que les sirvió para saber que estaban haciendo grandes cosas y apenas estaban finalizando la secundaria. VOLUMEN I, consta de 10 canciones muy intimistas grabadas en el estudio de Maria-
no Cusano (músico y productor). El primer sencillo se llama “Adonde vas nena?”. Universal Music Argentina le propuso firmar un contrato editorial. @franciscopraglia PRENSACCIONES Gustavo Antonopolos prensacciones@gmail.com VIDEO No Voy A Retroceder
JUAN BARO PRESENTA
¨INVISIBLE¨
INVISIBLE es el tercer corte del nuevo álbum de Juan Baro que verá la luz en mayo de 2025. Una canción de apariencia luminosa que oculta su melancolía detrás de un beat housero y rockero a la vez.
de rock/pop electrónico como de deep house y progressive, gracias a su amplia gama sonora que se mueve entre estos dos mundos. Juan BARO es un músico del nuevo milenio que trae a la electrónica las resonancias del rock, el tango y la música clásica. Nacido en La Plata, Argentina, el joven artista lanzó en el 2022 su primer álbum “Día de Noche” y en 2023 un disco
de remixes de estos temas. El 2024 lo encontró produciendo su segundo material de estudio que promete interacciones más marcadas entre la tradición y el sonido actual. PRENSA Nadya Cabrera nadyacabreraprensa@gmail. com VIDEO Invisible | Juan Baro
Con este nuevo tema. el artista platense, baja el pulso con respecto a los primeros singles y expone el lado más profundo del nuevo pop argentino. INVISIBLE funciona tan bien en playlists
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Cine
227 Lunas
de Brenda Taubin, Tendrá su estreno en salas argentinas el jueves 1ro. de mayo
227 Lunas de Brenda Taubin, tendrá su estreno en salas argentinas el jueves 1ro. de mayo SINOPSIS Alejandro es un apasionado del espacio que hace pequeños planetas a escala de manera artesanal. Un día recibe un inesperado correo de la Agencia Espacial Europea que tras descubrir casualmente su página web le hacen un
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pedido particular. La agencia lanzará una misión a Júpiter y sus lunas en busca de vida y el deseo es que Ale realice los souvenirs para los trabajadores de esa misión. Le encargan 227 lunas. El documental entrelaza una épica personal y una misión espacial donde lo pequeño puede ser infinito, los sueños realidad y un pedazo de universo puede entrar en la palma de tu mano. PALABRAS DE LA DIRECTORA
Crecimos haciéndonos preguntas sobre el espacio, sobre nuestro planeta, sobre la luna y el resto de la galaxia. Nos preguntamos si hay vida allá afuera. Escuchamos y leímos miles de historias fantásticas y crecimos viendo películas de ciencia ficción. Buscamos afuera para entendernos adentro. El rodaje de esta película nos hizo ver lo complejo y emocionante que puede ser convertir en posible lo que antes sólo existía en el deseo o la
imaginación. En un café, Alejandro me confesó que no sabía si podía cumplir con las 227 lunas a escala pedidas por la Agencia Espacial Europea. La dificultad era técnica y emocional, pero me quería ayudar a que esta película sucediera de alguna manera. Esta película existe como invitación a abrazar el deseo a pesar del miedo. BIO DIRECTORA
Brenda Taubin es egresada de la Escuela de Teatro de Buenos
Aires (ETBA) y de la Carrera de Diseño de Imagen y Sonido de Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (UBA), donde en la actualidad se desempeña como docente. Su ópera prima Telma, el Cine y el Soldado participó como proyecto en Ventana Sur 2018 en donde resultó proyecto ganador. Formó parte del
Marche du Film del Festival de Cannes, del Mercado del Festival de Málaga (Premio al Mejor Proyecto) y de la sesión de pitching del IDFA Industry 2019. La película se estrenó en BAFICI del 2022 y se mantuvo en cartel durante más de 6 meses, convirtiéndose en el documental argentino con mayor asistencia a salas del año. u
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Además para televisión realizó los capítulos de „Salimos a la cancha“: „Cantando Victorias“ y „Yo? arbitra“ producidos por Salamanca Cine que fueron transmitidos en Construir TV y DeporTV. Dirigió para Canal Encuentro los programas de „Ciclo de Cine y literatura“ para UNNOBA. 227 Lunas es su segundo largometraje como directora. 227 Lunas (Argentina, Francia; 2025, 76’) Con: Alejandro Martín Ines, Olivier Witasse, Carolina Kleng, Pablo De Giovanni. Dirección: Brenda Taubin Guión: Brenda Taubin Producción: Carolina M. Fernández, Jorge Leandro Colás, Murielle Thierrin
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Producción ejecutiva: Carolina M. Fernández, Alexandre Collombier Compañías Productoras: Salamanca Cine, Aldabra Films Jefa de Producción: Carolina Porte Dirección de fotografía: Aylén López Montaje: Karina Expósito Dirección de arte: Noe Volpe
Sonido: Daiana Fernández, Carlos Olmedo Música: Andrés López Feijóo DIFUNDE Julieta Bilik bilikjulieta@gmail.com https://www.julietabilik.com.ar/ VIDEO 227 LUNAS TRAILER
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NANCY Una película de Luciano Zito Argentina / Drama/ 75 min. / Color / 5.1 / 2025 / DCP ESTRENO 8 DE MAYO (Gaumont 20.15 h.y salas del país) Tras participar en la sección de Noches Especiales del 26 BAFICI y cosechar elogiosos comentarios del público y la crítica, el próximo jueves 8 de mayo a las 20.15 hs. en el Espacio Incaa Cine Gaumont y en salas del país se presenta Nancy, película de Luciano Zito (director de documentales como El señor de los dinosaurios, Rawson o Tocando en el silencio, entre otros) protagonizada por Camila Peralta (Puan, Cambio Cambio, Clara se pierde en el bosque en cine y la multipremiada Suavecita en teatro).
SINOPSIS Nancy trabaja limpiando casas en una pequeña y bella localidad costera que se transforma una vez concluido el verano. El conocer a Juan en el trabajo, pondrá rápidamente en tensión su frágil estado emocional, llevándola a hacer cosas impensadas. La diferencia de clases sociales, el universo de las casas vacías y del clima hostil del otoño configuran el escenario perfecto para esta historia. Dice Luciano Zito, guionista y director de esta película: “[Nancy] Es solitaria, introvertida, parece no tener pasado. Inevitablemente nos obliga a preguntarnos sobre su origen, su estado emocional, su forma de atravesar y resolver los conflictos. Quise siempre trabajarla desde la sutileza y dejar que el espectador
complete esa parte de la historia que no aparece, pero que el encuentro con Juan dinamiza, haciendo que Nancy se ponga en tensión, como si su cuerpo y su mente quisieran o necesitaran cosas diferentes.” CRÍTICAS «Nancy es un pequeño film que nos va a mantener atrapados en todo momento para ver a dónde nos lleva tanta contención e intensidad. Buenas decisiones técnicas y una lograda interpretación de su protagonista nos brinda una película donde la atracción por lo desconocido, la pulsión de los deseos y la libertad se van a hacer presentes.” Samantha Schuster, cinefiloserial “Nancy evita el subrayado. No hay discursos, no hay denuncias directas, no hay victimización. Pero sí hay una construcción u
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minuciosa del clima: los sonidos, la luz filtrada, el polvo que se acumula. Todo habla de un mundo interior a punto de colapsar.” Juan Pablo Russo, escribiendocine “...los contrastes, las acciones y el sentir de los personajes se plasman en la habilidad del realizador para visibilizarlos y, por supuesto, en la interpretación de la protagonista quien presenta a una mujer contenida, pero contundente.” Matías Frega, cineargentinohoy
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“Una escena en un auto con un triste monólogo de Nancy (excelente, como siempre, Peralta) es el punto culminante y acaso la razón de ser de esta sencilla pero aguda película.” Diego Lerer, micropsiacine ELENCO Nancy, Camila Peralta Juan, Luciano Ledesma EQUIPO TÉCNICO Director, guionista: Luciano Zito Directora de fotografía: Victoria
Pereda Director de arte: Lucas Koziarski Vestuario Mariana Seropian Director de sonido: Nahuel Palenque Sonido directo: Joaquín Diaz Bavio Edición: Ana Remon (SAE), Sebastián Schjaer Música original: Jackson Souvenirs Productor ejecutivo: Iván Eibuszyc Productores: Iván Eibuszyc (Frutacine), Luciano Zito BIO PROTAGONISTA Camila Peralta es actriz. En cine, participó en Puan de María Alché y Benjamín Naishtat (nominada como actriz revelación en los Premios Sur y los Martín Fierro de Cine), en Clara se pierde en el bosque de Camila Fabri -presentada en el Festival de San Sebastián-, Cambio cambio de Lautaro García Candela, Los paseos
de Esteban Tavaznick, Emilia de César Sodero y Adulto de Mariano González y entre otras. Acaba de terminar el rodaje de En el barro, una producción de Underground para Netflix. Fue actriz y guionista de la serie web Protagonistas, ganadora de la Bienal de Arte Joven 2017, premiada en festivales de Bilbao, Marsella, Buenos Aires, São Paulo y Seúl. Tiene un largo recorrido teatral. Actualmente, protagoniza Suavecita, escrita y dirigida por Martín Bontempo en el Teatro Metropolitan, rol por el cual ganó el Premio Trinidad Guevara como Actriz Revelación, el Premio ACE como Mejor Actriz de Unipersonal y el María Guerrero como Mejor Actriz. BIO DIRECTOR, GUIONISTA Luciano Zito nace en 1975 en Buenos Aires. Es Diseñador de Imagen y Sonido en la UBA y Máster en Teoría y Práctica en Documental de Creación en
la Universidad Autónoma de Barcelona.
Dirigió numerosos documentales y series documentales, como Pensamiento si, ¡Colonia no! (2023), El señor de los dinosaurios (2018), Rawson (2012), Tocando en el Silencio (2008), Tapados (1999), que han participado en importantes festivales valrededor del mundo y emitidos por diferentes televisiones internacionales. Nancy (2025) es su primera ficción. BIO COMPAÑÍA PRODUCTORA Frutacine es una compañía de producción creada en 2009 por Iván Eibuszyc con especial interés en el cine
de autor. Desde entonces ha producido 13 largometrajes de reconocidos directores de diferentes nacionalidades como Santiago Loza (Arg.), Dominga Sotomayor (Chile), Rania Attieh (Líbano) y Daniel García (USA), Gastón Solnicki (Arg.), Andreas Koefoed (Dinamarca), Iván Fund (Arg.), Delfina Castagnino (Arg.), Alejandro Fadel (Arg.) y Clara Escobar (Brasil). Coproducciones con Portugal, Francia, Brasil, USA, Dinamarca y Chile ayudaron a posicionar la compañía a nivel internacional. Sus películas han sido seleccionadas y premiadas en importantes festivales como Cannes, Berlín, Venecia, San Sebastián y Toronto. @camilasicamila @peliculanancy @luczito75 @frutacine Luciana Zylberberg Prensa info@lucianazylberberg.com.ar
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Todas las fuerzas de Luciana Piantanida Ganadora del premio a la mejor película de la Competencia Argentina del [26] BAFICI, se estrenará el 15 de mayo. La nueva ficción de Pensar con las manos trasciende el realismo para poner el foco -a través de lo fantástico- en las realidades de mujeres trabajadoras migrantes que debutan como actrices en la película. SINOPSIS Marlene vive en la casa de la anciana a la que cuida. Su trabajo es a tiempo completo pero cuando se entera que una amiga suya desapareció, escapa por las noches e inicia una investigación. Las pistas la conducen a trabajos nocturnos donde Marlene conoce a otras mujeres que, como ella, han desarrollado sus dones hasta convertirlos en superpoderes. PALABRAS DE LA DIRECTORA
Vivo a pocas cuadras de la Plaza Once. Acá coincidimos argentinas, bolivianas, paraguayas, venezolanas y peruanas. La convivencia es tensa y desigual y cuando quiero ponerme a escribir una película cuya protagonista es una mujer boliviana de mi edad me doy cuenta de que no tengo idea de quiénes son mis vecinas. Las mujeres latinoamericanas que llegaron en los años noventa al país ya pasaron en la Argentina más de la mitad de su vida. Sus hijos nacieron acá y están enlazadas íntimamente a esta tierra. Las conocemos todos. Los trabajos que les damos son los que sostienen la vida: acercarnos el alimento, coser el abrigo, limpiar los lugares que habitamos, cuidar a los que queremos. Están inexorablemente atadas a nuestras vidas y sin embargo quienes nacimos acá seguimos sin verlas. Hacer esta película es el intento de acercarme a mis vecinas, de tratar de saber quién son. El
resultado es este: una película que quiere ser un policial, pero no tiene policías y en vez de detective privado tiene una mujer migrante que se escapa de su trabajo para ir tras las pistas. La película también quiere ser de género fantástico pero finalmente se trata de abordar un tema social desde una perspectiva lo más humana posible. BIO DIRECTORA
Luciana Piantanida nació en Buenos Aires en 1977. Estudió cine en el Cievyc. Es directora, guionista y productora. Fue guionista de NK, Mala y la serie Uruguayos campeones de I.A. Caetano. Desde 2015 es parte de la productora u
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“Pensar con las manos”. Fue productora de La larga noche de Francisco Sanctis de A. Testa y F. Marquez y de Niña Mamá de A. Testa, entre otras. Dirigió y escribió cortometrajes y series documentales para la televisión local. Su primer largometraje Los Ausentes resultó ganador de la sección WIP del BAFICI y del SANFIC y se estrenó en 2016. Todas las fuerzas
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Argentina, Perú; castellano, quechua; 70 min Calificación: SAM 13 años DCP - Color - Scope - Sonido 5.1 FICHA TÉCNICA Productoras: Pensar con las manos y La dupla Guión y dirección: Luciana Piantanida Producción: Andrea Testa,
Francisco Márquez, Luciana Piantanida Producción ejecutiva: Andrea Testa, Francisco Márquez, Daniel Vega Vidal Directora de producción: Verónica Lobariñas Director de Fotografía y cámara: Gustavo Schiaffino Dirección de Arte: Sebastián Rosés Sonido: Omar Mustafá Vestuario: Paola Delgado Maquillaje y peinado: Katty Carbajal Montaje: Lorena Moriconi Música: Karin Zielinski Coach actoral: Jimena Anganuzzi Jefa de producción: Mariana Villalba Asistencia de dirección: Francisco Márquez Casting: Andrea Testa, Jimena Anganuzzi, Coca Solís ELENCO Celia Santos, Silvina Sabater, Andrea Garrote. Sandra Chavez Ordoñez,
Sadhit Cruzado Crispin, Gabriela Trejo Farfan, Marina Espejo Choque, Victoria Choque Callata, Nieves Torres Colque, Fulvia Almirón Oviedo y Marcelo Estebecorena. PREMIOS Y FESTIVALES [26] BAFICI - Mejor película de la Competencia Argentina Ganadora del Fondo de Coproducción Minoritaria de DAFO, Perú Participó en la sección “Copia final” de Ventana Sur 2024 Proyecto ganador del premio Marché du Films en el BAL BAFICI Sobre Pensar con las manos Pensar con las Manos somos tres directores-productores: Andrea Testa, Luciana Piantanida y Francisco Márquez. El cine es, para nosotrxs, una herramienta de intervención y transformación. Confiamos en los procesos creativos como espacios de movimiento, libertad y reflexión
en donde las imágenes y los sonidos se funden sensiblemente en los contextos históricos, políticos y sociales que nos atraviesan. Pensamos cada película como un desafío nuevo y colectivo porque queremos, por sobre todo, aportar a una cinematografía diversa y descolonizante. Filmografía Pensar con las manos 2015 Después de Sarmiento de Francisco Márquez 2016 Pibe chorro de Andrea Testa 2016 Los Ausentes de Luciana
Piantanida 2016 La larga noche de Francisco Sanctis de Andrea Testa y Francisco Márquez 2019 Niña Mamá de Andrea Testa 2020 Un crimen común de Francisco Márquez 2018 Atenas de César González 2024 Ciudad Oculta de Francisco Bouzas PRENSA Julieta Bilik bilikjulieta@gmail.com VIDEO Trailer Todas las Fuerzas
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EL FONDO NACIONAL DE LAS ARTES ANUNCIÓ LOS GANADORES DEL CONCURSO DE PROYECTOS DE CORTOMETRAJES “ARTE REGISTRADO” 2024
Gisela Emma Saccavino
Buenos Aires, 25 de abril de 2025.- El Fondo Nacional de las Artes anunció los ganadores del Concurso de Proyectos de Cortometrajes “Arte Registrado”.
Los cortometrajes premiados abordan la vida y obra de artistas o colectivos de distintas disciplinas, oriundos de la misma provincia que los postulantes. Estos son:
Gracias al convenio entre el Fondo Nacional de las Artes y el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), seis proyectos recibirán un apoyo económico de 5.242.500 de pesos para su realización.
1. Título: Xalpen (Danza), por Sol Bottaro y Joaquín Estévez Díaz Tierra del Fuego Guion experimental que utiliza los paisajes imponentes de Ushuaia y Tierra del Fuego como escenario para explorar la fuerza del grupo de bailarinas de malambo Xalpen. A través de la danza, el bombo legüero y las boleadoras, la compañía encuentra una forma de conexión con la naturaleza, el viento y las memorias de sus ancestros.
Las propuestas fueron seleccionadas entre las 19 elegidas el año pasado por el jurado del certamen (Diego Lumerman, María Eugenia Ferrer y Maximiliano Gutiérrez) y el director de Artes Audiovisuales del FNA, Miguel Pereira.
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Fallo del jurado: La creación parece no tener límites físicos ni geográficos para este notable grupo de mujeres patagónicas. El montaje parece repiquetear al compás de los bombos legüeros y los cuerpos que rasgan el paisaje más austral de nuestro país. 2. Título: Sumergida: Claudia Gatti (Artes Visuales), por María Josefina Lens Chaco Una obra audiovisual que condensa el proceso creativo de la artista Claudia Gatti, y que confluye en dos de sus obras instalativas más enigmáticas: “Pan de Río” y “Anido”. La primera se gesta en el río Paraná y la segunda en el monte chaqueño.
Fallo del jurado: Arte que emerge del río y se mezcla con el enmarañado monte chaqueño. Mirada femenina que recoge la obra de Claudia Gatti que, a su vez, rescata a las mujeres y la naturaleza de su entorno. 3. Título: Pequeños ojos (Artes Visuales), por Gabriela San Martín Córdoba Guillermo Franco fotografía todos los días una misma ciudad con cámara analógica. Guarda los rollos durante años, los revela azarosamente, archiva los negativos y luego imprime y comparte esas imágenes. Su obra no se queda en lo íntimo: las muestra gratis en espacios públicos, postales y libros que no vende. Este cortometraje documental rescata su proceso artístico y revela la esencia de quien, quizás, sea el mayor exponente de la fotografía de la vida cotidiana en Córdoba. Un retrato de la singularidad de su mirada y su método de creación como promesa de memoria de un lugar. Fallo del jurado: El corto busca atrapar la mirada de un hombre que capta, con su cámara de fotos, la espontaneidad de la gente en las calles cordobesas, hasta que esas imágenes latentes surgen a la vida, trayendo una sonrisa pensativa a nuestros rostros. 4. Título: Un cuerpo, un teatro (Teatro), por Gisela Emma Saccavino Mendoza
Un equipo de filmación sigue a Manuel García Migani durante los ensayos de una obra teatral que se presentará en la celebración de los 25 años del Teatro El Taller, una sala de teatro independiente de Mendoza. Fallo del jurado : El cine registrando el teatro. La comedia que nos conduce hacia la tragedia a través de los cuerpos y la intertextualidad. Una oportunidad única para descubrir la interacción entre un director de teatro y una realizadora de cine. 5. Título: Hecho a mano (Artes Visuales), por Carolina Inés Miy Jujuy El corto nos acerca a la vida y obra de Nicolás Anun , un artista plástico y muralista cuya pasión por el arte está profundamente conectada con la identidad cultural de su tierra. A través de su mirada única y su firme compromiso con la comunidad, Anun transforma espacios urbanos en coloridos lienzos que narran historias de resistencia y celebración. Fallo del jurado: En Jujuy, el cielo ya fue pintado por la Pachamama. Nico Anun imita este fenómeno pintando su arte en los altos edificios de la ciudad y en las humildes casas de los barrios marginales. El corto sigue su derrotero, mostrando su talento. 6. Título: Suelo (Artesanías), por Emilio Lozano CABA
Un corto-documental que revela la esencia de la práctica artesanal como un viaje de transformación constante. A través de la mirada de Viviana Posincovich, se explora cómo la materia se resignifica mediante la observación de la naturaleza, convirtiéndose en el punto de partida para nuevas creaciones. Fallo del jurado: Gran desafío del realizador al develar, cuadro a cuadro (stop motion), las manos de la artista que transforma elementos de la naturaleza en artesanías que, al final del proceso, se convierten en arte. 7. Mención especial otorgada por el Directorio: “Conociendo a Cuqui Honik” (Audiovisuales), por Luis Urquiza Río Negro La propuesta del film busca, por un lado, poner en valor la trayectoria de Jorge “Cuqui” Honik, un artista versátil y prolífico; y por el otro, reflexionar sobre el impacto de su obra en el contexto social. Desde una mirada de psicología grupal, se aborda cómo el sujeto transforma su entorno a través de la creación. La figura de la muerte también está presente como cierre inevitable, frente al cual el protagonista responde con su única defensa: el acto creativo. Equipo de Prensa Fondo Nacional de las Artes Contacto: prensa@fnartes.gob. ar
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