MiraBA 167

SUMARIO JUNIO 2023

Pág. 6 NOTICIAS /Pág. 24 María, es Callas. ”La Callas" está perdiendo su voz y sólo la acompañan las voces de su tormento./Pág. 26 Mujererío, voces y cuerpo/ Pág. 28 Otra vuelta de tuerca por Nicolás Isasi / Pág. 30 Flamenco Argento. Mariana Astutti. Salir del Ruedo / Pág. 34 Azorean Culture, de la isla al mundo por Nicolás Isasi / Pág. 36 Ruise Ñor Lusitano por Nicolás Isasi / Pág. 40 En el Rojas; Recitales de pintura de Lula Mar/ Pág. 42 “Aida” en el Teatro Argentino/ Pág. 46 Ciclo de flamenco en el Teatro Astral /Pág. 48 LITERARIAS /Pág. 50 MUSEOS /Pág. 54 ARCO 2023 por Nicolás Isasi /Pág. 64 PLÁSTICA /Pág. 78 CARTELERA TEATRAL /Pág. 162

MÚSICA /Pág. 213 CINE

Con Silvia Pérez, Mauro Álvarez y el músico Agustín Buquete. Página 136

Revista MiráBA Nº 167 JUNIO 2023. Revista ¨MiráBA¨ es una publicación mensual de interés general. Director: Ángel Luís Díaz. e-mail: diazal@revistamiraba.com.ar Propietario: Angel Luís Díaz. Ciudad Autónoma de Buenos Aires. República Argentina. Versión digital Registro DNDA 5344536. ISSN 23449446 Los artículos firmados y las opiniones de los entrevistados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial y/o dirección. El contenido de los avisos publicitarios es exclusiva responsabilidad de los anunciantes. Queda prohibida la reproducción total o parcial del material gráfico o escrito publicado originalmente en “Revista MiráBA” sin expresa mención de la fuente. Revista MiráBA en Internet: www.revistamiraba.com.ar - www.miraba.com.ar- IG @revistamiraba

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“La última de Bonaparte”

NOTICIAS

OTELO en La Plata

Se estrenó a sala llena el pasado 29 de abril Otelo de William Shakespeare con adaptación y dirección de Nicolás Prado. Producción integral de La Comedia de la Provincia de Buenos Aires como parte de la Temporada 2023. La obra continúa en cartelera los días sábados y domingos de junio y sábado 1 y domingo 2 de julio.

ACTÚAN: Juan Palomino: Otelo /

Fabio Prado Gonzalez: Yago /

Trinidad Falco: Desdémona / Mario Moscoso: Rodrigo / Facundo Guerreschi: Casio / Victoria Hernandez: Emilia / Canela

Corno y Oscar Ferreyra.

MÚSICOS EN ESCENA: Corazones integrado por Pedro Heguiabehere (voz) / Maxi Mazzeo

(trompeta) / Ariel Salinas (bajo)

/ Marcelo Veiga (batería) / James Peralta (guitarra).

ESCENÓGRAFA: Martina

Urruty VESTUARIO: Mariano

Toffi DISEÑO LUMÍNICO: Esteban Ivanec COORDINACIÓN

ARTÍSTICA: Antonio “Tony” Lorenzo ASISTENCIA DE DIREC-

CIÓN: Laura Otero

FOTOGRAFÍA: Fernando Massobrio AUDIOVISUAL: Gabriela

Fernández DISEÑO GRÁFICO: Pirrone / Baldoni

Dice Nicolás Prado - Director

Teatro de actores, teatro de la palabra, el texto como bastión fundamental del impulso que lleva a la acción.

Todo elemento teatral no se es-

conde ni disimula, se exhibe. Nuestro Otelo transcurre en un teatro, sobre un escenario donde se escenifica un campamento militar. Vemos actores personajes que acaso solo son sombras de alguien que relata.

El juego de ficcionar la no ficción, como espejos enfrentados que se repiten infinitamente.

Intentamos aquí exhibir las fisuras e inconsistencia del paradigma de lo masculino y lo femenino, despojándonos de armaduras que terca, torpe e infructuosamente, insistimos en vestir.

Qué es ser un hombre? Cómo debe ser una mujer? Por qué sostener en 2023 un modelo que ya en 1603 Willam Shakespeare nos mostraba obsoleto? Más

NOTICIAS

Estrenó PLAGIO con actores de lujo en sus 4 versiones!

Inés Estevez, Malena Solda, Esther Goris, Nicolás Riera, César Bordón, Thelma Fardín, Diego Ramos y Nicolás Pauls estrenaron “PLAGIO, cuatro versiones del mismo amor”, la nueva propuesta escrita por Mariela Asensio y Jose Maria Muscari que se puede ver en el Teatro Regina.

Cada dupla de actores que aceptó este desafío (dirigido por Muscari) tuvo su estreno a sala llena y con aplausos de pie.

La historia es la misma en las cuatro versiones: un candidato a presidente/a (Estévez, Goris, Bordón, Ramos) con familia tradicional, que tiene a su asesor/a (Pauls, Fardín, Riera, Solda) como amante, quienes transitan la obra por diferentes sensaciones, emociones y situaciones. La diferencia se da en que hay

amor entre mujeres, amor entre hombres y amor con diferencia de edad según la versión. Hay pasión, sexo, escenas jugadas, romanticismo y también mucho humor.

Lo interesante de la propuesta es que los espectadores pueden elegir qué versión ver: el amor entre mujeres llega con Inés Estévez y Malena Solda, quienes le dan vida a Rebeca y Sofía los viernes, sábados y domingos; mientras que la pareja de hombres la componen Diego Ramos (Martiniano) y Nicolás Pauls (Tomás) suben a escena los martes y miércoles.

Esther Goris y Nicolás Riera son Lucrecia y Joaquín los viernes, sábados y domingos; y César Bordón y Thelma Fardín, son los actores que le dan vida a Guido y Mía, dueños un vínculo de

amor y traiciones en una relacion heterosexual donde la diferencia de edad está presente, los domingos 21.30h.

Muscari apuesta a una propuesta diferente una vez más, para incomodar, motivar y hacer pensar “¿Qué amamos cuándo amamos? ¿Uno ama más que el otro?”

La propuesta llegó a la cartelera porteña de la mano de Paola Luttini para PRONOIA PRODUCCIONES y realizan 9 funciones semanales.

Las entradas están a la venta en boletería del teatro o en Plateanet https://linktr.ee/obraplagio

Cabe destacar que los espectadores pueden adquirir un pase con descuento para ver todas las versiones.

"BARTO DANCE", El nuevo espectáculo de "La granja de Zenón"

riencia llena de aventuras.

Los personajes más queridos de la famosa serie de YouTube: Zenón, Bartolito, La Vaca Lola y muchos más, cobran vida en el escenario para deleitar a todos con sus canciones más divertidas .

Dirigida por Sebastián Irigo, esta producción infantil atravesará al espectador con interacciones y efectos especiales; poniendo el foco en los valores de la familia, la amistad, la confianza en uno mismo y la importancia del trabajo en equipo.

El espectáculo cuenta con una producción de alta calidad, escenarios coloridos y personajes encantadores que harán que la familia se sientan parte de esta mágica historia.

“Barto Dance” es el plan perfecto para disfrutar en familia. Se presentará sábados y domingos a las 14.00 y 16.00 horas en el teatro Astral (Avenida Corrientes 1639) y todos los días durante las vacaciones de invierno.

BARTO DANCE

La súper producción infantil vuelve a calle Corrientes.

El espectáculo infantil que ha conquistado los corazones de los más pequeños vuelve a la calle Corrientes con un nuevo

Desde el 20 de mayo, Bartolito y toda la familia de la granja regresan al teatro Astral para contarnos una historia asombrosa donde se mezcla el mundo real y virtual llevándote a una expe-

Entradas a la venta por Plateanet

TEATRO ASTRAL

Avenida Corrientes 1639

PRENSA Shirly Potaz

Alejandro Andolfi

alejandroandolfi@gmail.com

show: “Barto Dance”.

NOTICIAS ESTRENA MATILDA EL MUSICAL, EL SUCESO TEATRAL MÁS ESPERADO DEL AÑO

Con funciones agotadas y más de 75 a la venta, el musical más esperado de la temporada sigue sumando fechas. Entradas disponibles únicamente por TICKETEK o en BOLETERÍA DEL TEATRO

El 1 de junio llega “Matilda, el musical” al Teatro Gran Rex y a más de 2 meses de su estreno ya batió récords de venta. Es por eso que el musical más aclamado de la temporada continúa sumando funciones incluyendo vacaciones de invierno. Sin dudas se trata de un hecho histórico ya que la cifra comparte podio con producciones y artistas que han alcanzado un gran volúmen de funciones en el recinto.

El elenco, integrado por grandes actores argentinos, dará vida a algunos de los personajes más amados de todos los tiempos. Laurita Fernández será la Señorita Miel; Agustín “Soy Rada” Aristarán interpretará a la tan temida directora Tronchatoro; José María Listorti y Fer Metilli serán el Sr y la Sra. Wormwood, es decir, “los singulares, excéntricos, ridículos y por momentos odiosos padres de Matilda”.

Luego de romper récords en taquilla en Broadway y en Londres, el musical se presentará en Argentina de la mano de

Carlos y Tomás Rottemberg, Valentina Berger de GO Broadway, Mariano Pagani de MP y Pablo Kohlhuber y Fernando Moya de Ozono Producciones, en una unión inédita de productoras para llevar a cabo esta súper producción.

Matilda, el musical nos devolverá personajes mágicos como Tronchatoro, Miss Honey y el memorable Bruce Bogtrotter prometiendo atravesar generaciones que crecieron viendo la icónica película que marcó a la primera heroína femenina de una generación.

SOBRE MATILDA, EL MUSICAL

Basado en la homónima novela de Roald Dahl, un autor que ha vendido más de 250 millones de libros y que ha inspirado la

icónica película infantil de los 90 es una megaproducción que lleva presentándose, con gran éxito mundialmente. El show estuvo 12 años en Londres y 4 años en cartel en Broadway con más de 1500 representaciones. Tiene 99 premios internacionales y más de 10 millones de espectadores que ya la vieron.

Además, realizó giras por Australia, Canadá, China, Corea del Sur, Estados Unidos, Filipinas, Irlanda, Nueva Zelanda, Reino Unido, Singapur o Sudáfrica. Próximamente irán a Madrid, Japón, Países Bajos y en junio 2023 llega a Buenos Aires.

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Volvió Perdida Mente con elenco renovado!

Una de las comedias más exitosas de los últimos años volvió a calle Corrientes con elenco renovado.

Las geniales Leonor Benedetto y Ana María Picchio, quienes estrenaron la comedia escrita por Mariela Asensio y Jose Maria Muscari en 2021, recibieron a las nuevas incorporaciones en un reestreno a sala llena y con invitados especiales.

Iliana Calabró, Emilia Mazer y Mirta Wons se sumaron al elenco de la obra dirigida por Muscari y producida por Tomas Rottemberg, que se presenta de miércoles a domingos en el Multiteatro COMAFI.

Perdida Mente cuenta la historia de una jueza de la Nación (Benedetto) que siente que su mente no funciona muy bien últimamente y por eso decide reunir a las mujeres más importantes de su vida para solicitarles ayuda.

Quienes no quisieron perderse el regreso de este éxito fueron Oscar Mediavilla y Patricia Sosa, quien fue parte del elenco y quiso ir a aplaudir a sus ex compañeras.

Además estuvieron Noelia Marzol y su marido Ramiro Arias, Pamela David, Mario Guerci, los ex participantes

de GH Daniela Celis y Thiago Medina, Nacho Sureda, Ana Rossenfeld, Barbie Di Rocco, Andrea Ghidone, Reynado Sietecase, Edda Bustamante, Sabrina Carballo, Alejandra Majluf, Willy Lemos y Payuca.

Tampoco faltó el amor de la familia ya que estuvieron la mamá de Iliana, Coca Calabró y su flamante novio Luis; la madre y el tío de Muscari, Cuky y Beto y la hija adolescente de Emilia Mazer, Uma.

PERDIDA MENTE volvió a la ciudad de Buenos Aires y las entradas están a la venta en boletería del Multiteatro Comafi o por PLATEANET.

NOTICIAS

Reapertura: TEATRO CARLOS CARELLA

¡El Carella vuelve! El teatro Carlos Carella, ubicado en la calle Bartolomé Mitre 970, regresa a la actividad teatral con una programación llevada adelante por el Sindicato Empleados de Comercio de Capital Federal, conducido por el Cro. Armando Cavalieri, y Gustavo Ferrari de la productora ROMA Produce.

La sala reabrió el pasado lunes 8 de mayo sus puertas luego de realizarse algunos trabajos de remodelación con capacidad para albergar a un total de 250 personas, entre afiliados y afiliadas al SEC - Capital Federal y público general, quienes dispondrán de espectáculos para todos los gustos:

Cartelera Mayo-Junio

- El Show de Pablo Agustín

- DesHechas de amor bajo la dirección de Gastón Marioni con Judith Gabbani, Jessica Schultz, Ana Padilla, Mónica Salvador y Cecilia Tognola.

- Anna Bolena de Gaetano Donizetti

- Todas Ellas de Juan Cantafio

Las funciones comenzaron el pasado sábado 13 de mayo, y las entradas podrán ser adquiridas a través de Plateanet. Quienes sean afiliados/as a la entidad mercantil porteña gozarán de un 25 por ciento de descuento en su compra.

¡Los/as esperamos!

¡Buenos Aires recupera un teatro con la firma del recordado Carlos Carella!

A SALA LLENA Y CON INVITADOS ESPECIALES REESTRENÓ

“CUARTO DE LUNA MENGUANTE”

Una historia de des-encuentros, dentro de la complejidad de los vínculos familiares

dentro de la complejidad de los vínculos familiares.

FICHA TÉCNICA ARTÍSTICA

Dirección:

Néstor Caniglia

Intérpretes y dramaturgia:

Matías Villanueva y Bárbara

Abuaf

Supervisión de dramaturgia:

Néstor Caniglia

Producción general:

Caniglia, Villanueva y Abuaf

Asistencia:

Gonzalo Balbiani

Vestuario y escenografía:

Alejandro Mateo

En el reestreno estuvieron presentes grandes figuras como Carlos Belloso, Jorge Suarez, Thais Rippel y representantes de asociaciones relacionadas al Autismo y al Asperger.

La obra se encuentra dirigida por Néstor Caniglia (“Manzi, la vida en Orsai", “Perras”), escrita y protagonizada por Matías Villanueva y Bárbara Abuaf.

La pieza teatral indaga sobre la complejidad de los vínculos familiares, en una historia que combina síntesis, belleza y profundidad. Una invitación a sorprendernos, emocionarnos y pensar.

Se presentaron dos proyectos de declaración de interés cultural de la obra, uno en la Cámara de Diputados y otro en la Legislatura Porteña.

SINOPSIS:

Por una situación límite Rufino tiene como misión reencontrarse urgentemente con su hermana, quien abandonó a la familia hace muchos años. Celeste anhela hallar su lugar en el mundo.

Se debate entre asistir o no a este encuentro que significaría revivir instantes dolorosos de su historia.

Con la luna como única testigo, ambos desafiarán los límites del tiempo y la distancia, tratando de entender los momentos de sus vidas que los llevaron a estar en ese lugar.

Una historia de (des)encuentros que se construye en un tiempo que no es lineal y nos conecta con la inocencia de la infancia

Diseño de iluminación:

Pablo Alfieri

Diseño gráfico:

Agustina Acosta

Fotografía:

Nacho Lunadei

Peluquería:

MB Salón

Duración:

60 Minutos

“Cuarto de luna menguante”

Una historia de des-encuentros, dentro de la complejidad de los vínculos familiares

Sábados 21:00 hs

Beckett Teatro (Guardia Vieja 3556)

Entradas en venta en Alternativa Teatral

Cuarto de luna menguante

Instagram: @cuartodelunamenguante cuartomenguanteobra@gmail.com

NOTICIAS

¡EL ÉXITO MUNDIAL LLEGA A BUENOS AIRES!

DA VINCI il Genio

las máquinas de guerras de Leonardo, dispositivos hidráulicos y máquinas voladoras, fabricados por un artesano tradicional florentino sobre la base de los dibujos del genio del Renacimiento y utilizando materiales tan típicos de la época como la madera, el hierro y el algodón.

La obra digital fue creada por el galardonado Studio de Florencia Art Media Studio, una de las instituciones italianas con trascendencia internacional en creaciones audiovisuales. Se trata de una experiencia audiovisual única e increíble, que viene recorriendo las principales ciudades del mundo.

DA VINCI il Genio. Desde el próximo 16 de junio el Complejo OH! Buenos Aires será la sede de la exhibición de arte inmersivo en 3D del genio italiano Leonardo Da Vinci. Una exposición digital donde se fusionan el arte clásico de uno de los grandes genios de la humanidad y la tecnología actual, en un viaje que estimula todos los sentidos. Una experiencia en donde cada participante podrá adentrarse en la vida de Da Vinci: Leonardo en persona aparece en la forma de un holograma, contando la historia de su vida. Podrá envolverse y disfrutar de la narración, la música y las imágenes en las paredes y en el suelo, en 360°, o admirar las réplicas de la galería de obras, o bien sumergirse

la sala de vuelo, una sala espejada donde se puede apreciar en proyecciones con reconstrucciones 3D las máquinas voladoras que diseñó Leonardo, como el ornitóptero, la hélice, el paracaídas y otros inventos.

Es un evento multisensorial para toda la familia, una exposición revolucionaria contando la historia de este genio renacentista en un lenguaje contemporáneo con hologramas, experiencias inmersivas y videos educativos donde los visitantes siguen un camino innovador siguiendo los pasos de Leonardo, explorando su vida y trabajo en imagen, sonido, música, luz y color.

La exposición también alberga reconstrucciones de algunas de

Leonardo Da Vinci llega por primera vez a Buenos Aires a partir del viernes 16 de junio en el Complejo OH! Buenos Aires (Ex Buenos Aires Design). Entradas en venta a través de Passline:

https://www.passline.com/event os/da-vinci-il-genio170603&m=6&y=2023

PRESENTACIÓN HISTÓRICA Y MÁQUINAS DA VINCI

Un video introductorio describe el Renacimiento, el período histórico en el que Leonardo da Vinci vivió y trabajó. El Renacimiento trajo consigo un cambio en el arte único en su género que afectó a todas las artes, desde la literatura hasta la pintura y la escultura, y Leonardo

fue uno de sus más destacados artistas revolucionarios.

GALERIA DE OBRAS

La Galería, diseñada para parecerse a un auténtico Museo italiano, alberga todas las obras de Leonardo. Obras pintadas reproducidas a escala 1:1 para formar lo que con razón se ha llamado una galería de arte virtual.

HOLOGRAMA

Leonardo en persona aparece en la forma de un holograma, contando la historia de su vida desde su nacimiento en las colinas de Vinci y su mudanza a Florencia donde se formó como pintor, a la madurez artística que él conseguido en Milán.

SALA DE VUELO

Leonardo estaba fascinado por

el vuelo de las aves y estudió sus movimientos desde su más tierna juventud.

En esta sala donde la proyección se multiplica sobre paredes espejadas, respiramos vida (con reconstrucciones 3D) en las máquinas voladoras que diseñó Leonardo (el ornitóptero, la hélice, el paracaídas y otros inventos), sobrevolando la campiña leonardesca "sfumato" y sobre el primer paisaje que dibujó de la casa donde nació en Vinci.

SALA INMERSIVA

La Sala Inmersiva se encuentra en el corazón de la exposición, lanzando a los visitantes a una visión de 360°. experiencia inmersiva de la obra de Leonardo. Un sistema de multiproyección sincronizada de última generación ofrece una experiencia a la

vez educativa, espectacular y cautivadora, en la que -imágenes, la música y los sonidos recorren las paredes y el techo, sumergiendo a los visitantes en el extraordinario estilo de Leonardo mente, sus obras, sus dibujos y sus inventos.

LA ÚLTIMA CENA

En una sala dedicada a Leonardo los visitantes de la Última Cena pueden explorar "virtualmente" el trabajo en una relación 1:1 escala, junto con su preparación bocetos y detalles en extremadamente alta resolución, en un formato único y experiencia impresionantemente hermosa.

Más información en: @Davinci_ilgenio

Desde el domingo 4 de junio, 12 únicas funciones en Ciudad Cultural Konex El cascanueces

una escenografía íntegramente creada con mapping, proyecciones y animaciones que interactúan en escena con los bailarines y un increíble vestuario. Toda la familia podrá disfrutar de los personajes de esta historia maravillosa, en un universo lleno de fantasía.

Funciones a las 11 horas

Junio: domingos 4, 11 y 25

Julio: domingos 2, 9 y 16

En Vacaciones de Invierno:

Julio: Viernes 21 y 28; sábados 23 y 29; domingos 23 y 30

Ciudad Cultural Konex

La Fundación Konex y la Asociación Arte y Cultura presentan este espectáculo especialmente pensado para que los chicos disfruten de uno de los ballets más famosos de todos los tiempos.

En esta ocasión, la reconocida historia de El cascanueces, estrenada en 1891 con música de P. I. Tchaikovsky, sube a escena en una innovadora adaptación de Juan Lavanga, con arreglos musicales del Mtro. Juan Andrenacci.

La coreografía diseñada por Emanuel Abruzzo propone una fusión de ballet, danzas regionales y bailes diversos, en la

que se incluirá al artista foley Facundo Gutiérrez. Actuará el Buenos Aires Ballet bajo la dirección de Federico Fernández (Primer Bailarín Teatro Colón) y Nina Zaera.

La puesta en escena combina

Sarmiento 3131 CABA

Localidades $ 2500 / $ 3500 en venta en www.cckonex.org

VIDEO

Cascanueces C C Konex (trailer) https://youtu.be/D-hErOVz_DQ

ESTRENO: María, es Callas

"La Callas" está perdiendo su voz y sólo la acompañan las voces de su tormento.

El Cultural San Martín, dependiente del Ministerio de Cultura de la Ciudad, realizó el martes 23 de mayo a las 20h al estreno de María, es Callas, escrita por Adriana Tursi y dirigida por Tatiana Santana.

María Callas fue la artista que revolucionó la lírica mundial. También fue una mujer que sufrió los embistes del medio y la prensa; pero sobre todo de aquellos más cercanos: su familia y los hombres.

Nos encontramos con María en su intimidad, mientras "La Callas" está perdiendo su voz y sólo la acompañan las voces de su tormento. Del otro lado del teléfono, la voz de “Ari”, llevándose con él lo que queda de ella.

A 100 años de su nacimiento, queremos honrar en la figura de María Callas a todas aquellas mujeres que, sin ser recompensadas con el amor, cuidado y respeto que merecen, dan hasta lo inimaginable.

Después de espectáculos como Cachafaz, La bestia rubia, El feo y La patria al hombro, este equipo vuelve a El Cultural San Martín con esta obra plena de música y emociones.

FICHA ARTÍSTICA

Autoría: Adriana Tursi

Dirección: Tatiana Santana

Composición y dirección musical: Rony Keselman

Coreografía: Valeria Narvaez

Producción: Feldman - Santacruz Producciones

Elenco: Natalia Cociuffo (María), Sol Agüero, Pedro Frías, Verónica Pacenza (Coro)

Diseño de escenografía: Alejandro Mateo

Diseño de vestuario y caracterización: Uriel Cistaro

Diseño de iluminación: Ivan Nirich

Realización de maquillaje y peinado: Flora Makeup

Fotografía: Nacho Lunadei

Prensa: Marcos Mutuverría

Asistencia de dirección: Julieta Tucci

Producción ejecutiva: Candela M. Bravo y Santa Mole - Artes escénicas

Asistencia de producción y redes: Giuliana Pieruccini

Realización de escenografía: Equipo de realización escenografía de El Cultural San Martín

Realización de vestuario: Sandra Ligabue y Patricia Mizraji

Agradecimientos: Ariadna Asturzzi, Claudio Biancuzzo, EMAD, Embajada de Grecia en Argentina, Héctor Bordoni, Mariel Lewitan, Stephanie Ordoñez, Teatro del Pueblo

FUNCIONES los martes a las 20h y los domingos a las 17h hasta el 11 de julio, con entrada general a $1.800 y a $1.500 para estudiantes y jubilados, las cuales se adquieren a través de entradasba.buenosaires.gob.ar. Sala A. Duración: 60'

El Cultural San Martín www.elculturalsanmartin.ar 25 MiráBA

Mujererío, voces y cuerpo

“Mujererío, voces y cuerpo” es un espectáculo en el que la música y las voces, se entrelazan con poemas y textos que se suman a una puesta en escena sutil y poética.

Una bailarina pone el alma / cuerpo en algunas de las canciones, haciendo de este espec-

táculo algo único, en donde las voces y el cuerpo nos cautivan la atención amorosamente.

Repertorio a capella de canciones argentinas y latinoamerica-

nas que abordan la temática del ser mujer y su diversidad. Autores como Violeta Parra y los Hnos. Nuñez se entremezclan con canciones de jóvenes compositoras como Clara Aita y Maite Fleischmann, arregladas por Violeta Manoukian, creadora y directora del proyecto.

“Mujererío, voces y cuerpo” fue

seleccionado como Beca de Creación del Fondo Nacional de Las Artes 2018, MAPEM 2021, Impulsar MiCA 2022.

Los domingos 4, 11, 18 y 25 de junio, a las 19 h El Excéntrico de la 18 Lerma 420, CABA) Domingos de junio – 19 hs. Entradas por Alternativa Teatral

Staff de “Mujererío, voces y cuerpo”:

Cantoras: Flavia Axelirud, Agustina Caballero, Fernanda Carrera, Maru Cavalchini, Luciana Díaz, Violeta Manoukian, Tamara Pome, Laura Ruíz, Tania Valsecchi, Nadia Villegas

Bailarina: Hebe Hernández

Caja/ Cajón/ Bombo: Flavia Axelirud, Maru Cavalchini

Arreglos vocales: Violeta Manoukian

Directora de puesta en escena: Luciana Díaz

Comunicación en redes y asistente de dirección: Nadia Villegas

Dirección: Violeta Manoukian

“Mujererío, voces y cuerpo” en las redes y las plataformas:

Instagram: https://instagram.com/mujererio.vocesycuerpo?igshid=YmM yMTA2M2Y=

Facebook: https://www.facebook.com/profile.php?id=1000 88003508747&mibextid=ZbWK wL

Youtube: https://youtube.com/@mujereriovocesycuerpo3926

Spotify:

https://open.spotify.com/artist/3adnhhAqUsqmU3rOOBCPC1?si=XSOthuu3TKyh2p0 IYp8Sww

Prensa

Federico “Poni” Rossi

federicoponirossi@gmail.com

Video

Mujererío, voces y cuerpoManos de Mujeres

https://youtu.be/UKUGNJ5kdO E

OTRA VUELTA DE TUERCA

Por Nicolás Isasi @isasi.nick

Nueva obra del CCB

Otra vuelta de tuerca, la ópera de Benjamin Britten compuesta para la Bienal de Venecia y estrenada en 1954 en el Teatro La Fenice de Venecia cuenta con libreto escrito por Myfanwy Piper y se presentó en la sala pequeña del CCB con un elenco de jóvenes artistas y la Orquesta Camerata Atlántica.

La espeluznante historia desarrollada en una mansión victoriana en Inglaterra en 1840 aquí estuvo representada de manera esquemática y acotada en recursos, sin grandes cambios, solo con tres periaktes (prismas de carácter escenográfico que se utilizaban en la Antigua Grecia) blancos que oficiaban de cambios escenográficos movidos por los mismos actores y actuaciones de distintos niveles, bajo la dirección de Jorge Balça. Chicos, fantasmas y adultos, ¿existen realmente? Para unos o para otros, es el público quien debe pensar y descifrar. El vestuario de Dino Alves resultó bastante oscuro en su paleta general, pero quizás el recurso más interesante desde lo dramático a nivel visual fue el uso de la luz de Wilma Moutinho mediante gobos, contraluces y

colores plenos de luz led en el telón de fondo que permitían mayor fuerza a la carga emotiva a cada una de las 15 escenas que componen la totalidad de la ópera.

Otra vuelta de tuerca, también fue llevada al ballet, al teatro de Broadway, a las series televisivas e incluso al cine. La dirección musical a cargo de Cameron Burns fue acertada, mostrando una orquesta con sonoridad unificada, buena afinación, generando climas requeridos por la escena, pero sin grandes momentos de expresividad. Se destacaron el arpa y la percusión, especialmente en los timbales.

Desde el punto de vista vocal,

Susana Gaspar se llevó los aplausos de la noche, con un buen timbre de voz y en estilo, de manera sólida y contundente en su rol de institutriz. Rui Vieira y Beatriz Maia fueron dos niños bien elegidos para sus roles, donde pudieron desplegar el espanto de este mundo infantil y mantener esa pulsión en toda la obra con voces adecuadas y angelicales, sobre todo Flora quien se mostró muy verosímil dentro de su actuación y marcaciones. Paula Doria (Mrs Grose) logró un personaje amable y de buena técnica vocal como ama de llaves. Leonel Pinheiro (Peter Quint, el antiguo criado) tuvo buena presencia y fue acorde a su rol. Monica Lacerda (Miss Jessel) con un buen timbre de voz, tuvo un buen trabajo escénico.

FLAMENCO ARGENTO MARIANA ASTUTTI

Salir del Ruedo

Nueva oportunidad para ver y disfrutar de Salir del Ruedo, el espectáculo de Mariana Astutti y Laura Azcurra. Las funciones serán los domingos 21, 28 de mayo a las 19 hs. y los viernes 9 y 16 de junio a las 20.30 hs. en Morán Cultural (Pedro Morán 2147).

Salir del Ruedo tendrá además

algunas presentaciones en Provincia de Buenos Aires: el Sábado 18 de junio en Costa del Este, el Domingo 25 en Teatro de Ituzaingó y el Miércoles 28 en el Teatro Argentino de La Plata.

Mariana Astutti es una multifacética artista que se ha desarrollado como bailaora, música e investigadora académica poniendo el foco en el lenguaje flamenco pero desde un abor-

daje transdisciplinar, innovador, que deconstruye esquemas y estereotipos e indaga en una identidad con raigambre argentina.

En sus espectáculo se entrecruzan la música, elementos del flamenco y de la danza contemporánea y la exploración escénica.

Siempre curiosa y dúctil, Astutti trabaja actualmente en el lanzamiento del disco Los abanicos de Chinchero -que produjo

MiráBA 30

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junto al músico y compositor Macabre (Catupecu Machu)-, acaba de colaborar con eventos artísticos organizados por la artista visual Nicola Constantino y realizó la coreografía dentro del nuevo espectáculo de Lisandro Penelas y Ana Scannapieco que acaba de estrenarse en Moscú Teatro. Para la segunda parte del año prepara el estreno de Agujetas Cantaoras espectáculo que dirige y en el que comparte escena con la cantante Daniela Horovitz y la bailarina de Graham Victoria Romero; mientras continúa dictando clases y talleres de baile y de cajón (en CABA y en las provincias).

SALIR DEL RUEDO

Dos mujeres construyen un lugar original para desplegar el máximo de la propia fortaleza. A través del lenguaje flamenco, bailan haciendo sonar su propio ritmo. Una obra que es teatro físico, con música, danza y un vínculo que se transforma.

Salir del Ruedo se estrenó en 2016 y desde entonces -salvo durante los primeros tiempos de pandemia- se ha presentado en diversos escenarios del país y Uruguay.

Mariana viene hace varios años sumándose en proyectos diversos -desde obras de teatro, performances, publicidades, etc.colaborando con artistas como Nicola Constantino, el director de cine español Gonzalo García Pelayo o la cantante francesa Alex Pandev.

Con ellos trabaja desde un coacheo / asistencia escénica a partir de la impronta femenina del flamenco, de su carácter expansivo y potente, pero desde un abordaje no convencional (que escapa de los estereotipos) como el que es ya una marca de estilo de Mariana.

BIO MARIANA ASTUTTI

Coreógrafa, bailaora, música e investigadora. Su producción artística y académica pone el foco en un abordaje transdisciplinar del lenguaje flamenco. Es Profesora en Artes Combinadas (UBA), se formó como bailaora en Buenos Aires y en España (con algunos de los referentes indiscutidos de este género: Eva La Yerbabuena, Juana Amaya, Adela Campallo, El Farruquito, Belén Maya y Úrsula López, entre otros). También estudió música, rítmica y cajón flamenco con David Amaya, Ramón Porrina, Piraña Porrina y David Chupete.

TRABAJOS TRANSDISCIPLINARES

COLABORACIONES CON ARTISTAS

En paralelo al trabajo como coreógrafa, bailaora y docente,

Además entrenó y se formó en danza contemporánea con Ana Frenkel, Lucas Condró y Juan Onofri, composición coreográfica con Gerardo Litvak y Silvina Duna, video danza con Susana Szperling. En paralelo cursó varios seminarios teóri-u

photo: paola evelina

cos con Susana Tambutti en la Facultad de Filosofía y Letras. Sus espectáculos "Salir del Ruedo", "Los Abanicos de Chinchero", "Agujetas Cantaoras", "Canciones para Manila". "Preludio Flamenco, un abordaje reflexivo del lenguaje como expresión contemporánea y local" y "Las Diez de la noche, percusión flamenca" recibieron distinciones y apoyos de organismos como Prodanza o Mecenazgo.

Recientemente fue invitada a abrir el 1° Festival de Baile Flamenco en Buenos Aires con su ponencia “Flamenco en Argentina, la búsqueda de un gesto emancipador de la tradición ajena”.

En su faceta académica, ha participado en grupos de estudio y ha presentado trabajos en diversos congresos y jornadas. Es curadora de "Excavaciones performáticas" -Consejo Internacional de la Danza, Unesco (Museo de Antropología y Arte Contemporáneo Ecuador. Dicta seminarios en universidades e instituciones de Argentina, Ecuador y Uruguay.

En 2023 presentará su primer disco, "Los Abanicos de Chinchero" junto al músico y compositor Macabre (Catupecu Machu) por el sello discográfico Brabacam.

MARIANA ASTUTTI

IG @mariana.astutti

Fb @mariana.astutti

Prensa Luciana Zylberberg

@LucianaZylberbergPrensa

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AZOREAN CULTURE, de la isla al mundo

Por Nicolás Isasi @isasi.nick

Un nuevo foco cultural nace en las Islas Azores en el medio del Océano Atlántico. La nueva empresa Azorean Culture inició su actividad cultural en abril pasado en la aldea de Calheta de la isla São Jorge, perteneciente a las tres islas del Triángulo de las 9 islas Azores. La noche de apertura contó con autoridades y prensa local, una presentación emotiva y a la vez didáctica a cargo del prof. Paulo Enes da Silveira en la que estableció los objetivos de Azorean Culture, además de una celebración distendida junto al público. Uno de los momentos especiales de la velada tuvo lugar con la representación de teatro leído sobre el cuento “Nevoeiro” (Niebla) rindiendo homenaje al escritor y dramaturgo portugués Norberto Ávila, fallecido el año pasado.

De esta manera, Azorean Culture se posiciona como una fuente de crecimiento artístico pretendiendo dar valor a las propuestas culturales que el municipio puede ofrecer, ya sea en términos de programación, creación, incluso en infraestructura de nuevos espacios, contando con el apoyo de la Cámara Municipal de Calheta (presidente Décio Pereira), la Junta de Freguesia de Calheta (presidente José Gabriel Matos), y la Junta de Freguesia de Ribeira Seca (presidente Durvalino Rosa Azevedo). Además del apoyo local, Azorean Culture pretende establecer alianzas culturales con museos, asociaciones culturales, sociedades y bandas filarmónicas, involucrando también empresas dedicadas a la hotelería, la gastronomía y el turismo.

Los responsables de Azorean Culture, el profesor universitario y productor cultural Paulo Enes da Silveira y la actriz Ana Enes, cuentan con una vasta experiencia a lo largo de cuatro décadas dedicadas a la cultura en el panorama nacional portugués y también internacional, en los campos de la música, el teatro, la danza, las artes plásticas y la literatura, la televisión, el cine y la edición discográfica. Entre las distintas propuestas presentadas anteriormente, se encuentra Papagueno, Actividades Musicales que se encargó de la producción de 12 ediciones del Festival Internacional de Música de Coimbra y el Festival de Música de Alcácer do Sal, la celebración del 125 aniversario de Francisco de Lacerda, la gestión de Casa do Coreto y el espacio de teatro

A Lua Cheia desde 1996 con la producción de más de cuarenta espectáculos y la publicación de “O Livro dos Fados - 180 Traditional Fados em Partituras” de António Parreira, mediante Artprodes, incluyendo giras de fado en Portugal y España.

Azorean Culture, además de la intervención cultural en sintonía con los demás aspectos culturales del Municipio, la Isla, el Triángulo y las Azores, dedicará

una fuerte apuesta a la concepción y creación de las condiciones que permitan una programación regular para el Centro Cultural de Calheta, así como la necesaria remodelación de su sala de conciertos, dotando al respectivo escenario con tecnología de última generación para distintos tipos de eventos. Entre los proyectos a realizar a futuro, además se encuentra la recuperación de la Academia Musical y su entorno,

con las condiciones necesarias para acoger, en particular, actividades musicales que hagan honor a su nombre y la creación de una nueva Escuela de Música en homenaje a Lacerda, además de proyectos que promuevan la obra del compositor creando nuevas posibilidades para el público, para elevar los valores culturales de la isla São Jorge, abriendo las puertas para un mejor acceso a la cultura universal.

RUISE ÑOR LUSITANO

Por Nicolás Isasi @isasi.nick

O rouxinol es la nueva ópera de Sérgio Azevedo, encomendada y presentada en el Teatro São Carlos de Lisboa. El compositor la define como una chinoiserie en cuatro actos de una hora de duración y es un estreno operístico novedoso de este 2023.

La obra, basada en el cuento de hadas de Christian Andersen, cuenta la historia de un Emperador chino que creía conocer todo lo que había en su imperio, excepto el maravilloso canto del ruiseñor. Al enterarse que todos sabían sobre el pájaro y él era el

único que lo desconocía, decidió traerlo para su palacio y convertirlo en una máquina de cantar sin alma ni corazón. Le regalan un pájaro mecánico como reemplazo que finalmente no resulta como esperaban. Esta lujosa ave mecánica que imita a la perfec-

ción el sonido del ruiseñor hace perder el interés por él y le permite al ruiseñor regresar a su hábitat escapando para lograr su libertad. Con el paso del tiempo, el pájaro mecánico finalmente se descompone y el Emperador enferma. En cuanto el verdadero ruiseñor se entera, regresa a palacio y la “muerte”, conmovida por el bello canto del ruiseñor, permite vivir al emperador. En palabras del compositor, que también escribió el libreto, tomó

la alegoría de la libertad y los efectos que causan la privación de esta: “el ruiseñor vivo se transforma así en el mecánico, una máquina sin alma y allí es donde modifico esencialmente la obra de Andersen que prevé dos ruiseñores distintos”.

Desde el aspecto visual, el mayor impacto fue el vestuario realizado por la diseñadora Patrícia Costa con un uso creativo y divertido como la pollera de

jaula con las plumas que brotaban de la espalda y la cabeza, o servidores del Emperador con bonetes dorados que parecían estrellas de mar. La puesta de Mário João Alves le dio un tono cómico y paródico en consonancia con la música y ese vestuario, con una cuidada puesta de luces, sobre todo en la escena del bosque donde se encuentran nuevas formas y colores. En términos musicales los primeros compases, entre las luces que se

apagaban, resultaron un tanto confusos para el público infantil quizás por ciertas sonoridades percusivas o disonantes más que armónicas y tradicionales, sumado al clima oriental que tanto el cuento como la ópera y la puesta recrea. Ese inicio particular presentaba algunas escenas paralelas en la platea donde algún que otro niño se pasaba de su butaca a la de sus padres, algún que otro llanto o susurro, pero nada fuera de lo esperado en todo espectáculo con público infantil. A los pocos minutos de empezada la obra, en términos musicales cuenta con recursos tonales tradicionales de principal influencia italiana y francesa, con momentos corales destacados que funcionan como un personaje más y una fuerte impronta rítmica y tímbrica por sobre la melódica. Se trata de una música descriptiva que acompaña el desarrollo escénico en una estructura de singspiel con momentos de arias. La dirección musical estuvo a cargo de João Paulos Santos al frente de la Orquesta Sinfónica Portuguesa y el Coro del Teatro Na-

cional de São Carlos que mostraron una buena cohesión en conjunto.

La estrella indiscutida de la velada fue la soprano Ana Sofia Ventura (Rouxinol / Rouxinol mecânico) egresada de la Escuela Superior de Música de Lisboa, que mostró soltura y carisma en todas sus apariciones, con gracia y buena colocación en los complejos a la vez que divertidos pasajes agudos que algunos recordarán al salir del teatro. El barítono colombiano Christian Luján (Imperador) formado en el Instituto de Bellas Artes de Medellín, fue un emperador convincente y agradable con buena emisión sonora y presencia escénica. El otro barítono de la noche, formado en el Conservatorio Nacional fue Diogo Oliveira (Mestre de cerimónias / Mestre de música / Relojoeiro) que cumplía varios roles dentro de la obra. Su buena proyección y carácter logró una voz con matices suficientes para mostrar las facetas de sus roles.

La obra, además de basarse en

la historia de Andersen, tiene también varias citas a algunos personajes cómicos de obras anteriores, tanto desde rasgos musicales como escénicos. En primer lugar, debemos pensar en la primera ópera realizada sobre el mismo cuento por Igor Stravinski de 1914, suspendida en principio por el encargo de “El pájaro de fuego” para danza, y luego si retomando la composición de los 3 actos que tuvo su estreno en la Ópera de París. Más adelante realizaría el poema sinfónico El canto del ruiseñor. También se adaptó al cine en 1927 (corto mudo), 1935 (producción de la MGM) y en 1955 (versión checa). Los primeros personajes que cumplen con esa lógica son aquellos servidores que recuerdan a Ping, Pang y Pong de la obra “Turandot” (1926) de Giacomo Puccini que también tiene entre sus personajes a un emperador chino. Luego, en la primera aparición del ruiseñor, se notaba cierta similitud con la Olympia de “Les contes d'Hoffmann” (1881) de Jacques Offenbach. Con la entrada del ruiseñor regalado, la similitud ya se convierte en una cita explícita tanto vocal como escénicamente con ese robot que en la obra francesa se hacía pasar por mujer y ahora en la ópera portuguesa se hace pasar por pájaro. Luego de los aplausos finales, algunos niños tarareaban algunos pasajes melódicos que quedaron en su cabeza, otros pudieron sacarse fotos con los personajes principales de la obra para guardar en el recuerdo aquel encuentro con el ruiseñor cantor.

EN EL ROJAS Recitales de pintura de Lula Mari

Creo que te puede interesar la propuesta que, en el marco de la expo de la artista, ofrece al público la posibilidad de desarrollar una relación directa con la obra; le acerca las condiciones para que se establezca un diálogo entre objeto y audiencia. Lula Mari ideó este formato que facilita detenerse el tiempo necesario para dejar que la obra, que es una imagen condensada, comience a desenrollarse. Encontró la solución en algo que ocurre en otros ámbitos como el teatro o la música: generar las condiciones para apreciar el arte a partir del silencio, la concentración y

tiempo.

RECITAL DE PINTURAS

Las pinturas se suceden una detrás de otra, encaramadas sobre un atril y manipuladas cuidadosamente por la artista quien decide cuanto tiempo las deja en escena –aproximadamente 6 o 7 minutos cada obra– mientras el público las contempla en silencio. Una luz se posa sobre la pintura mientras el resto de la sala está sumergida en la oscuridad. La idea parece simple, tan simple que no parece novedosa. Sin embargo, es la primera vez que alguien en el mundo exhibe

pinturas de este modo, generando una relación especial con el público. Al mismo tiempo, el concepto es tan original que es difícil de imaginarlo. Al público el recital de pintura ofrece la posibilidad de desarrollar una relación directa con la obra; le acerca las condiciones para que se establezca un diálogo entre objeto y audiencia que está normalmente ausente en las artes plásticas. Este evento genera una respuesta muy fuerte en la gente que muchas veces concurre sin saber qué es lo que va a suceder.

Marcos Zunino

Miércoles 17 y 24 de mayo a las MiráBA 40

19hs Sábado 3 y 10 de junio a las 19hs Auditorio Abuelas de Plaza de Mayo

Centro Cultural Rojas | UBA - Av. Corrientes 2040 Entrada Gratuita – Hasta agotar la capacidad de la sala

YO ESTUVO AQUÍ

Lula Mari

Curadora: Soledad Erdocia

Abierta al público hasta el 15 de junio de 2023

Espacio de Arte. Centro Cultural Rojas | UBA - Av. Corrientes 2040 Lunes a sábados de 9 a 20 Entrada gratuita

“Yo estuvo aquí” reúne alrededor de 80 pinturas realizadas por Lula Mari en los últimos 15 años. Realizar esta muestra fue similar a un trabajo arqueológico, de catalogar años y años de pintura constante, de trabajo ininterrumpido. Lula tiene una necesidad imperiosa de pintar y nunca deja de hacerlo. Esto se ve reflejado en su superproducción pictórica, de una calidad extraordinaria, que quisimos compartir en esta exhibición.

Organizado por el Centro Cultural Rojas y la Secretaría de Relaciones Institucionales, Cultura y Comunicación de la UBA.

Lula Mari (San Fernando, 1977) es una artista que ha desarrollado un lenguaje expresivo a través de la pintura, el dibujo, y los recitales de pintura. Sus trabajos se nutren del imaginario barroco, la naturaleza y el simbolismo para crear un universo propio que oscila entre lo clá-

sico y lo contemporáneo. Sus obras forman parte de las colecciones de museos en Salta, San Juan y Bs As y colecciones particulares en Argentina y otros países. Participó en numerosas muestras individuales y colectivas, entre las que se destacan “Una historia de la imaginación en Argentina”, en el M.A.M.B.A, y “La Razón Sensitiva” en el Museo Franklin Rawson. Algunas distinciones: Mención especial en la Bienal de Dibujo de San Juan, Segundo Premio en Gran Premio Pintura, Museo Banco

Provincia. Desde el 2001, dirige su taller de pintura y dibujo “La Común”. Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina.

IMPORTANTE: Capacidad limitada. Las entradas del público se retiran desde una hora antes en la Boletería del Rojas.

Espacio de Arte. Centro Cultural Rojas | UBA

Av. Corrientes 2040

https://www.rojas.uba.ar/nocturalia

GRAN ÉXITO DE PÚBLICO Y CRÍTICA

8.900 espectadores disfrutaron de “Aida” en el Teatro Argentino

La primera producción operística de la temporada 2023 dejó como saldo cinco funciones a sala llena y elogios unánimes de parte de la crítica especializada. Todas estas actividades forman parte de la agenda impulsada por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.

Las cinco representaciones de la ópera “Aida” de Giuseppe Verdi con las que regresó la ópera al Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino agotaron las entradas gratuitas y convocaron a 8.900 espectadores que terminaron aplaudiendo de pie. Estos espectáculos estuvieron incluidos en la programación promovida por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.

El retorno del género lírico, que fue posible por la reapertura de la Sala “Alberto Ginastera” después de casi seis años, fue con una gran producción que involucró, entre cantantes, músicos, bailarines y figurantes de escena, a más de 220 personas.

Intervinieron los tres cuerpos artísticos estables, es decir la Orquesta -con la conducción musical de su titular, Carlos Vieu-, el Coro -preparado por su actual director, Santiago Cano- y el Ballet.

Cabe destacar que entre quienes encabezaron el staff hubo una gran proporción de mujeres, dado que la dirección escénica estuvo a cargo de María Concepción Perre y María de la Paz Perre, la coreografía de María Marta Colusi, la escenografía de María José Besozzi y el vestuario de Stella Maris Müller,

La puesta en escena de “Aida” también significó volver a poner plenamente en marcha a las artesanas y artesanos que componen las secciones técnicas del Teatro Argentino. Para montar este ambicioso título del repertorio se confeccionaron 176 trajes, 165 sombreros, 176 pares de zapatos, 7 capas, 60 pelucas, 125 collares egipcios, 20 collares para las bailarinas, 200 brazaletes, 40 collares más para diferentes personajes y 4 tocados para solistas. Se construyeron también un cetro, 10 estandartes (en forma de escarabajos, perros, barcas y círculos), 40 báculos (con figuras de patos y flores), 28 escudos, 6 ánforas, dos animales momificados, 4 maquetas de balsas, una corona, un rollo de papiro, un banderín de guerra, la espada de Radamés y la bandeja para trasladarla.

Prácticamente la totalidad de la crítica especializada tuvo juicios sumamente favorables y

expresó, por ejemplo, que fue un “magnífico espectáculo” con “excelencia musical y gran dirección escénica” (“La Nación”), o que “lo que se vio en el escena fue un verdadero milagro” con “una puesta del clásico de Giuseppe Verdi realmente espectacular” (“Télam”).

La Temporada Artística 2023 del Teatro Argentino continuará en junio y julio con el ballet “Romeo y Julieta” de Prokófiev. Incluirá dos títulos más de ópera –“Pagliacci” de Leoncavallo, que se ofrecerá en versión de concierto en agosto y “Falstaff” de Verdi, con representaciones a efectuarse en septiembre y octubre-, dos producciones más de ballet –“Giselle” de Adam en agosto y “El Cascanueces” de Tchaikovsky en diciembre- y un ciclo de

diez conciertos -de los cuales ya se realizaron tres-.

Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino Avenida 51 entre 9 y 10 - La Plata – Provincia de Buenos Aires

FOTOS: Guillermo Genitti / Teatro Argentino

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YT: Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino

COMPAÑIA FLAMENCA DE ARTE ESPAÑOL

presenta Ciclo de flamenco en el Teatro Astral

TRES TITULOS

TRECE GALAS CONSECUTIVAS

40 CANTAORES, MUSICOS, BAILAORES Y BAILAORAS

UNA EXPERIENCIA UNICA QUE BUENOS AIRES ESPERABA.

FIESTA FLAMENCA

5 Únicas Galas:

7 de junio, 4 de julio, 25 de julio 29 de agosto y 19 de setiembre. 20:30 HS.

Noventa minutos de ritmos de ida y vuelta. Desde los más hondos, hasta los más festivos, pasando, también, por los que aportaron al género los rasgos definitivos de la cultura afroamericana. Así brillan y conviven las bulerías, los tangos y los tientos con las guajiras, las colombianas, el tango y el malambo argentino y las rumbas. Un espectáculo sorprendente, que te sorprenderá.

FLAMENCO LORCA Y PASION

4 Únicas Galas: 21 de junio, 11 de julio, 15 de agosto y 5 de setiembre a las 20:30 Hs.

Es inevitable relacionar a Federico García Lorca con el flamenco. Por tal razón, poner en escena partes sustantivas de su Romancero Gitano, de sus célebres romances o sus obras dedicadas a la vida taurina o una

estremecedora suite de YERMA (una de sus obras cumbre) es una experiencia tan desafiante como necesaria para asomarse a la esencia del poeta granadino.

FLAMENCO LORCA Y PASION conmueve. Te despierta aspectos de los sentidos de los cuales no eras consciente. IMPERDIBLE.

LA CASA DE BERNARDA ALBA

4 Únicas Galas: 28 de junio, 8 de agosto, 18 de julio, 22 de agosto, 12 de setiembre a las 20:30 HS.

Recrear la atmósfera de encierro y sometimiento que esta poderosa mujer impone a sus cinco hijas y ser testigos de cómo cada una de ellas expresa su descontento y hasta sus sueños de rebelión. Es un ejercicio profundo que nos propone analizar las relaciones humanas y como se ejerce el poder en los regímenes dictatoriales. Es una confrontación entre los rígidos mandatos sociales de la España de principios del siglo XX, y la deshumanizada forma de imponer el poder.

LA CASA DE BERNARDA ALBA,

en versión flamenca, es un viaje de ida hacia nuestros lugares más luminosos y más oscuros, que nos conducirá a encontrar, a cualquier costo, un camino de salida, un camino hacia la libertad.

ELENCO CANTAORES

Baldomero Cádiz (Principal)

Sol Roldán

Gabriel Espósito (Voz y actuación)

Mari Cruz Utrera (Voz y actuación)

MUSICOS

Esteban Gonda (Guitarra)

Diego Bermúdez (Guitarra)

Daniel López (Bajo)

Fernando Santodomingo (Batería y percusión)

Silvia Martinez (Violín)

Hernán Malagoli (Piano)

BAILAORES

Gastón Stazzone (Bailaor Principal)

Yamil Rabaj

Emiliano Luna

Carlos Canda

Emanuel Hernández

BAILAORAS

Jorgelina Amendolara (Bailaora Principal)

Luján Obrón

Marysol Calvo

Jessica Rosillo

Macarena Montes de Oca

Lucero Berman

Sofía Odiard

Cyntia Campano

Noelia Piccione

Dalma Barrionuevo

Zanubia Jatib

BAILARINES DE TANGO

Matías Torres y

Giselle

Diseño de Vestuario

Mario Pera Ochoa

Iluminación

Paco Urdiales

Prensa

Haydée Marocchi

Alfredo Monserrat

Música Original

Gabriel Espósito

Dirección de Producción

Ricardo Gallo

Producción

Julio Gallo

Libro, Diseño Coreográfico Integral y Dirección General

Jorge Mazzini

TEATRO ASTRAL

Avda. Corrientes 1639

CAMILA ORSI, modelo, escritora, reedita su libro

"Donde no hago pie"

Camila Orsi, la modelo, actriz argentina de 25 años, ha editado en noviembre del 2022 su libro "Donde no hago pie" y a raíz de su gran éxito, que se agotó en tan sólo 14 dias, este año está lanzando la reedición no tan solo en Argentina sino también a nivel internacional.

Camila ha trabajado para marcas de la talla de Calvin Klein, CKeveryone, Dior Beauty, YSL, Guerlain, Nike, Levi´s, Diesel, Narciso Rodriguez, entre otros, y paralelamente fue escribiendo "Donde no hago pie" un libro de poesías que pasa por lugares de crecimiento personal, el desarrigo y la evolución como mujer.

Año de edición: 1era edición noviembre 2022.

2da edición Marzo 2023

Las medidas: 150 mm x 210 mm x 13 mm

El ISBN: 978-9878525211

Peso: 260 g

Sobre “Donde no hago pie” Camila comenta que “este es mi primer libro. Un libro de poesía donde me conecto con mi desarraigo, mi crecimiento como mujer y con el amor.

Hace 8 años que trabajo como modelo, en paralelo que estudio actuación y escritura.

La escritura siempre fue mi ancla, mi momento de desconexión de la rutina de mi trabajo.

Mi carrera como modelo requiere de estar la mayor parte del tiempo conectada con el afuera y necesité de este libro para conectarme conmigo.

Levantarme, ir a trabajar, estar posando 8 horas seguidas, pero volver a casa, ponerme el pijama y escribir hasta cualquier hora, era el balance que necesitaba en mi vida.

quiera leerlo, me da mucho miedo y emoción a la vez. es un desafío que estoy lista para enfrentar, porque gracias a la escritura encontré mi lugar a salvo”.

BIO LABORAL

Campaña internacional de CK everyone. Calvin Klein. Con gráfica en New York.

Campaña en redes de YSL BEAUTY

Editorial: Editorial Dunken

Siempre escribí para mi, y ahora que mi libro deja de ser solo mío y es también de todo aquel que

Campaña internacional de MISS DIOR. by dior beauty Campaña en redes para Ralph Lauren fragancias.

Campaña ABC AYRES.

"Donde no hago pie"

Campaña Narciso Rodriguez fragancia.

Editoriales para marcas como Kosiuko, Paula Cahen Danvers, Ayres, Ossira, De la ostia, etc. Contenido en redes para, Dior, YSL, Nespresso, Diesel, Calvin

klein, Guerlain, The north face, Allo martinez, Delucca, Prune, Kosiuko, Casa chic, Herbal Essence, Swarovski, Swatch, etc.Presencia Fashion Week New york.

Lanzamiento Planeta

Los relatos escogidos y compilados aquí tienen el poder mágico de la buena literatura: generar emociones en el lector de modo casi instantáneo. Es imposible no conmoverse con la historia del Primer Regimiento de Granaderos a Caballo que un abuelo guaraní le cuenta a su nieto y que da título a este libro. O la historia de Clavelina, que nos sumerge en el amor de un hombre maduro, amante del mar y de las letras, en la trampa de un asesinato y en sus fantasías sexuales más profundas.

Estos cuentos nos producen ternura, miedo, perplejidad, risa, enojo, orgullo, deseo y hay que confesarlo, un poco de angustia. Los narradores de estas sorprendentes historias son hombres y mujeres que fueron testigos de momentos de la historia argentina y del mundo.

A través de estos cuentos, podemos conocer también parte de nuestro pasado.

Un granadero Guaraní y otros relatos es, sin duda, una obra ge-

nerosa, multifacética y moderna.

BAF week argentina. Entre otras.

www.camiorsi.com.ar

Prensa Lic. Marcela Núñez marcela@mncomunicacion.co m.ar

Eduardo Kovalivker nos vuelve a atrapar y sorprender con estos relatos imperdibles.

Acerca del autor:

Eduardo Kovalivker: es escritor e ingeniero químico recibido en la Universidad de La Plata. Vivió en Israel y en Francia antes de regresar a la Argentina en 1973. Edito numerosos libros de poesía, cuentos y novelas. Entre sus libros se destacan Las horas que quedaron (1984) y la edición corregida y aumentada del año 2000. En Poesía también publicó

Coloquio de fantasmas (2005, Los ríos de mi sangre (2006), Siempre (2008), Algo Más (2012), Rebelión y ensueño (2015), Los ríos de mi sangre en versión corregida y aumentada (2015), Antología poética (2003), Cosas perdidas, también antología (2011), Poemas compartidos (2014) y Obra poética 1970-2017 (2018). Sus novelas publicadas son El Informe (2010), Clavelina (2015), Bianca (2016), Jannah (2016), Mali (2018), Los luchadores judíos, conjuntamente con Yosi Goldstein (2018), El Pacto (2020), Los luchadores indígenas conjuntamente con Felipe Pigna (2020), Alienígenas y dioses (2022). En 2022 publicó también, junto a Felipe Pigna Los Granaderos de San Martín y Los Cuadernos de Juan Chepoya. Sus obras han sido publicadas en Italia, México, Bélgica, Cuba e Israel.

Florencia Pérez Roldán Directora | PR Comunicaciones www.prcomunicaciones.com.ar florencia@prcomunicaciones.c om.ar

skype: floperezroldan

"Un granadero guaraní y otros relatos" de Eduardo Kovalivker.

Museos

Museo Nacional de Bellas Artes

“

León Ferrari. Recurrencias”

Desde el 17 de mayo, puede recorrerse, con entrada gratuita, la muestra antológica

“León Ferrari. Recurrencias”, que presenta cerca de 250 obras del notable artista argentino.

El pasado martes 16 de mayo, a las 19, se inauguró al público "Recurrencias", primera exposición individual que el Museo Nacional de Bellas Artes le dedica al artista argentino León Ferrari (19202013).

Esta muestra antológica, organizada junto a la Fundación Augusto y León Ferrari Arte y Acervo (FALFAA), y con curaduría de Cecilia Rabossi y Andrés Duprat, presenta cerca de 250 obras, entre las que se incluyen dibujos, tintas, collages, grabados, objetos, heliografías, planos y cerámicas del período 1960-2011, procedentes de la colección del Museo, de la colección de la familia Ferrari y de la FALFAA.

“Esta exposición ‒comenta Du-

prat, director del Museo‒ es un reconocimiento institucional a uno

de los artistas argentinos más relevantes de la historia, creador de una obra sólida y singular, que ha sido celebrada en todo el mundo”. Prevista originalmente para 2020, en ocasión del centenario del artista, pero suspendida por la pandemia global del covid, su postergación la hace coincidir ahora con la conmemoración de los cuarenta años del regreso a la democracia en la Argentina. “Este hecho resulta significativo, ya que muchas de las obras elegidas construyen una suerte de relato de los oscuros tiempos de la última dictadura militar. Esta exposición se vuelve, entonces, un llamado a reflexionar en torno a la construcción de una sociedad sin violencia y autoritarismo, más equitativa y solidaria”,

agrega el titular del Bellas Artes.

“A lo largo de más de medio siglo de prolífica producción ‒explican los curadores, Rabossi y Duprat‒, una serie de preocupaciones recurrentes ‒como la religión, la intolerancia, el poder y la violencia‒acompañaron a León Ferrari. Su posición crítica sobre la matriz cultural occidental y cristiana estuvo atravesada por la ironía y el sarcasmo. Buscaba despertar conciencias; planteaba el arte como un ‘altavoz’, un instrumento para transmitir y amplificar ideas, y reivindicaba su valor cuestionador”.

“León Ferrari. Recurrencias”

‒que puede visitarse, con entrada gratuita, hasta el 13 de agosto en el Pabellón de exposiciones temporarias‒ está organizada en cuatro núcleos. El primero, “Abstracciones”, se centra en obras que el artista denominaba “abstractas”, donde la línea es un elemento central, ya sea sobre la superficie del papel o en la trama tridimensional.

“La civilización occidental y cristiana”, el segundo núcleo, se articula a partir de la icónica obra homónima realizada en 1965 para el Premio Di Tella, ocasión en que fue censurada por motivos religiosos. Esta pieza abrió su producción definitivamente política. Este núcleo incluye, además, “Manuscritos”, “Palabras ajenas” (1967), “Nosotros no sabíamos” (1976), “Nunca más” y “Mimetismos e infiernos”.

“Infiernos y otras cuestiones devotas”, el tercer eje, se concentra en el estudio que Ferrari empren-

dió, desde la década del 80, de los textos y la iconografía cristiana. Investigó entonces la violencia de ciertos pasajes de la Biblia, y cuestionó la idea del Infierno y su representación en la historia del arte. Series como “La Basílica”, “Paraherejes”, “La Biblia”, “Proyecto contra el Infierno” y “Relectura de la Biblia” presentan, en la muestra, distintas aproximaciones al tema.

El último núcleo, “Ciudades y arquitecturas de la locura”, des-

pliega planos y urbanizaciones que exhiben aspectos ilógicos e irracionales de la sociedad moderna. Estas obras se produjeron durante el exilio del artista en San Pablo, a partir de 1976. Allí, experimentó con nuevos medios, como heliografía, sellos, planos, Letraset, video texto, arte correo, expresiones con las que manifestó la enajenación de esos espacios habitables y expuso la opresión de los terribles años de la dictadura militar argentina. Además, en la sala, se proyectará

de forma continua el documental “Civilización” (2012), dirigido por Rubén Guzmán, que recorre las ideas del artista y su producción a través de material de archivo inédito, entrevistas exclusivas y el registro audiovisual de Ferrari mientras realiza una obra original especialmente para este filme.

Como parte de la muestra, también se exhibe la escultura lúdica “Berimbau” al aire libre, en los jardines detrás del edificio del Museo.

Simultáneamente, en el segundo piso, continúa hasta el 28 de

mayo “Fotografías de Augusto Ferrari en la colección del Bellas Artes”, la muestra que el Museo dedica a la obra del pintor, arquitecto y fotógrafo nacido en Italia, y padre de León.

“León Ferrari. Recurrencias” podrá visitarse hasta el 13 de agosto de 2023 en el Pabellón de exposiciones temporarias del Museo, de martes a viernes, de 11 a 20, y los sábados y domingos, de 10 a 20, con entrada libre y gratuita.

El Museo Nacional de Bellas Artes, que depende del Ministerio

de Cultura de la Nación y cuenta con el apoyo de Amigos del Bellas Artes, está ubicado en Av. del Libertador 1473, Ciudad de Buenos Aires.

Sobre León Ferrari

León Ferrari fue uno de los artistas argentinos más originales y relevantes de la historia reciente. El conjunto de su obra, su pensamiento y sus escritos lo revelan como un creador multifacético y, a la vez, como un hombre con una fuerte impronta política, y gran compromiso y sensibilidad social. Reconocido entre los artistas contemporáneos más importantes del mundo, dedicó su vida a denunciar, con valentía, rigor y genio artístico, los daños y las consecuencias de las que han sido siempre sus mayores preocupaciones: la religión, las dictaduras, la intolerancia y la guerra.

Autodidacta, comenzó a trabajar en los años 50 con cerámica y tallas en madera, para luego incorporar diversos materiales y soportes. Posteriormente, dio inicio a las llamadas escrituras abstractas, obras que siguió realizando a lo largo de toda su carrera.

En 1965, produjo una de sus piezas más controvertidas: “La civilización occidental y cristiana”, una imagen de Cristo crucificado sobre un bombardero estadounidense, una potente denuncia de la relación existente entre religión, política y violencia en la cultura occidental.

A mediados de los años 70, dejó la Argentina a causa de la dicta-

dura militar y se radicó en San Pablo, Brasil, donde continuó sus experimentaciones vanguardistas en el campo de las artes visuales. Con el retorno de la democracia, en la década del 80, volvió al país y se instaló definitivamente en Buenos Aires.

Tanto en su exposición “Infiernos e idolatrías”, realizada en el Instituto de Cooperación Iberoamericana (ICI) durante el año 2000, como en su muestra retrospectiva de 2004, que tuvo lugar en el Centro Cultural Recoleta, recibió ataques de intolerantes ultracatólicos, que otorgaron una visibilidad inusual a su obra, hechos que generaron una intensa polémica

acerca de los límites del arte.

Llevó a cabo exposiciones individuales y colectivas en los más importantes centros y eventos artísticos del mundo, como documenta de Kassel, Haus der Kulturen der Welt, (Berlín), Museo Ludwig (Colonia), Alemania; Pinacoteca do Estado, Bienal de San Pablo, Brasil; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España; Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina; Smithsonian Institution, Washington D.C., Estados Unidos; Bienal de La Habana, Cuba, y Museo de Arte Carrillo Gil, México D.F, entre muchos otros.

En 2007, recibió el León de Oro al mejor artista en la 52.° Exposición Internacional de Arte Bienal de Venecia, Italia. En 2009, realizó una exposición en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York y, en 2010, fue invitado de honor en Les Rencontres d’Arles, Francia, ocasión en la que presentó una gran retrospectiva de su obra. En los últimos años, el Museo Reina Sofía de Madrid y el Centro Pompidou de París le han dedicado exhibiciones.

Museo Nacional de Bellas Artes

Av. del Libertador 1473, CABA

https://www.bellasartes.gob.ar/

ARCO 2023

Por Nicolás Isasi @isasi.nick

Luego de su apertura oficial española, ARCOlisboa 2023 se presentó en el viejo edificio industrial de la capital lusitana con una gran convocatoria de artistas y galerías, junto a las máximas autoridades de la comisión organizadora y de la cultura local, al igual que medios especializados de prensa y crítica de arte. Creada en 1982 por la galerista Juana de Aizpuru, ARCO (Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid) tiene el objetivo de reunir diferentes propuestas artísticas de arte contemporáneo celebrando una feria anual

cada febrero en la capital española. En su momento se presentaban unos 264 artistas de 14 países. Hoy está organizada por IFEMA, que en 2021 dio a conocer el espacio digital llamado ARCO E-xhibitions, para que coleccionistas y profesionales del arte contemporáneo descubran las exposiciones en 3D creadas por galerías participantes y en esta sexta edición en Portugal la cifra fue de 470 artistas de 86 galerías y 23 países.

Entre los destacados de esta edición, la galería NVS pre-

sentó un proyecto realizado especialmente a partir de la arquitectura y el espacio del stand entre el novel colectivo portugués Look Kool y el artista argentino Matías Ercole. La primera parte corresponde a una instalación de piezas escultóricas blancas superpuestas, mientras que la obra de Matías presenta una pieza central que funciona como puerta del mismo stand. Su trabajo aborda la luz como fenómeno, pero también ubica al sol como personaje principal. La técnica consiste en un papel pegado sobre tela, con capas

de colores de tinta amarillos y rojos, luego un barniz de cera y una capa de tinta oscura. Una vez que todos estos pasos quedaron sobre el bastidor, el artista va desgastando mediante rayas y marcas la superficie ya pintada, descubriendo escenas que se mezclan unas a otras en misteriosos paisajes llenos de luz y sombra. En la misma sala, la obra lúdica del artista brasileño Nazareno Rodriguez en C.Galería, juega con dados que van mudando sus puntos hacia otros lugares fuera del cubo y también el diseño de coloridos carteles que remiten al POP ART presentados en Gallerie 3. Las pinturas vinílicas con lápiz de grafito y gauche sobre lino con bellísimas escenas de la vida cotidiana crea-

das por Cássio Markowski de la galería This is not a white cube y las inmensas texturas experimentales de Night Lights hechas con acrílico y esmalte sobre plexiglás del portugués Keke Vilabelda en No-No Gallery. Tampoco podemos dejar de mencionar las maravillosas obras de Jean Miró en un rincón de la Galería Mayoral.

Siguiendo en la línea de artistas españoles, dos imperdibles: Juan Asensio y Félix de la Concha. En el caso del primero, el escultor Juan Asensio con su etérea y única obra de mármol blanco, que lleva al relax y nos transporta a lo profundo de su simpleza. La calidad en el esculpido y pulido muestra la suavidad lograda en esa roca en medio del todo. En segundo lugar, la impactante obra del consagrado artista español Félix de la Concha en la galería Fernández-Braso que, además cabe destacar fue de las pocas galerías con excelente calidad en la totalidad de los artistas expuestos (Cristina Almodóvar, Guillermo Pérez Villalta, Soledad Sevilla), lo cual habla de la buena selección de obras y la curaduría en el stand. Félix de la Concha retrata espacios de la vida cotidiana madrileña au plain air como hacían los impresionistas en el siglo XIX pero con la frescura del siglo XXI. Su habilidosa técnica y velocidad le permiten plasmar escenas velozmente con un ojo artístico muy entrenado. Su obra al costado de un camino, realizada en bastidores de dis-

tintos tamaños narra un instante de tiempo y lugar, pero a la vez una secuencia que lleva a pensar en aquellas miniaturas medievales de los Hermanos Limbourg. Una gran panorámica con lujo de detalles en los edificios, el cielo o el pasto, que incluso a la distancia pareciera tratarse de una fotografía digital, aunque su género no sea el hiperrealismo. Por otro lado, existe cierta idea de montaje, por el paso del tiempo en cada una de esas pequeñas partes, en donde la obra pareciera presentar los fotogramas de una misma secuencia cinematográfica.

Félix de la Concha habló en exclusiva con MiráBA sobre el proceso de creación de su obra. “Había hecho varias composiciones, eran 4 o 5 cuadros con la carretera, pero al estar allí sigues explorando, y te empiezan a surgir siempre nuevas ideas… y van creciendo a partir de esa vivencia, donde poco a poco apareció esta idea del gran angular. Luego hice una progresión de tiempos una vez que ya estaba la estructura definida, entonces los lienzos se amoldaban a los objetos que estaba viendo. El tamaño es siempre relativo según la escala, yo doy muchas vueltas a eso. Aquí la estructura era bastante cerrada porque decidí hacer variaciones en cada uno de los bastidores que están organizados y se van ajustando a ciertos encuadres o divisiones del propio lugar”.

El hecho de estar pintando al

aire libre también provoca intercambios con la gente que muchas veces le agradecen esa mirada distinta del artista, la belleza de un lugar común del barrio que los mismos vecinos no consideraban podía ser retratado. “Cuando la gente dice pintas lo que ves, bueno eso es imposible porque interpretar la perspectiva para mí es algo ya natural por una cuestión profesional, pero nosotros vemos en curvatura naturalmente. A veces, con un poco que te muevas puedes cambiar el punto de vista, hago también sutiles variaciones, yo me desplazo y esto coincide de una manera diferente. O sea que también juego con lo

que me interesa, siempre es verosímil da una apariencia de realidad, pero luego juego con esos engaños. Hay también una correspondencia de luz, de la inclinación del sol desde el otoño hasta el invierno, aquí fueron unos meses de realización, lo que hace que cada cielo no se repita” afirma de la Concha. En otra de sus obras, organizadas en tres secciones, se pueden observar estatuas de ángeles en primera instancia, veredas rotas de un cementerio en el medio y luego una serie de calaveras con distintas luces y sombras. Esta serie tiene algo de misterioso y lúgubre, por momentos nos lleva a la idea

del retrato, pero existe alguna metáfora entorno a las 3 partes en que se divide la Divina Comedia de Dante Alighieri: el infierno, el purgatorio y el paraíso.

El recorrido se extiende por dos grandes salones, la duración depende obviamente del interés de cada persona, pero podemos estimar que a paso cómodo y deteniéndose en obras puntuales puede llevar alrededor de 2hs. Para los amantes, profesionales o coleccionistas de arte, el recorrido puede extenderse al doble de tiempo, probablemente con una parada técnica para un café, ya que hay pocos lugares para que el público pueda sentarse a contemplar o descansar entre cada galería. Cruzando el patio interior al aire libre, la otra sala presentaba stands muy reducidos que generaban complicaciones y confusiones entre la galería, el país (algunas comparten países) y la obra, ya que algunas se encontraban en el límite entre un stand y otro, o incluso algunas obras terminan formando parte de otras que claramente no lo son, como si en el cine escucháramos lo que sucede en la sala de al lado. El espacio amplio y ordenado para la presentación de las obras y lugares de descanso extra para el público en general deberían ser contemplados para próximas ediciones, porque marcará una diferencia en la experiencia de encontrar, observar, analizar, comprar o disfrutar del arte con mayor comodidad.

Nueva exposición en el Museo Nacional del Grabado

Las conquistas de lo efímero

GRÁFICA E INDUSTRIA EN TIEMPOS DE CARAS Y CARETAS

Inaugura: viernes 23 de junio a las 18.30

El Museo Nacional del Grabado, abre al público Las conquistas de lo efímero. Gráfica e industria en tiempos de Caras y Caretas, una exposición que muestra las transformaciones en el campo de la cultura gráfica a fines del siglo XIX y los comienzos del XX.

Las conquistas de lo efímero. GRÁFICA E INDUSTRIA EN TIEMPOS DE CARAS Y CARETAS

Inaugura: viernes 23 de junio a las 18.30

Riobamba 985, 2ºpiso | Entrada libre

Hasta el domingo 1º de octubre | Martes a domingos y feriados de 15 a 20

Curaduría: Sandra Szir

La muestra evidencia los procesos de masificación en la producción y el consumo, los efectos en los propios dispositivos (o en los propios objetos impresos) y cómo las tecnologías de producción de impresos — pero también la educación, el comercio y la expansión de la prensa— estimularon esas transformaciones y diseminaron miles de imágenes que fueron consumidas por todo tipo de públicos.

El recorrido se organiza en tres

núcleos. En el primero se exhiben periódicos ilustrados del siglo XIX, de contenidos culturales o satíricos que presentaban

imágenes en blanco y negro, grabadas a partir de la técnica de la litografía que utilizaba una matriz de piedra a partir de la

cual se estampaba el papel. El segundo núcleo muestra aspectos de los procesos de producción de la revista Caras y Caretas (1898-1939), primera publicación periódica que diseminó gran cantidad de fotografías de actualidad para un público masivo. Finalmente, el tercer núcleo presenta los objetos impresos resultado de nuevos procedimientos tecnológicos de reproducción de imágenes y cómo éstos impulsaron una industrialización de la cultura visual.

“Hablar de la tecnología de las imágenes no solo nos autoriza a acercarnos a la materialidad de los impresos, sino que habilita la consideración del mundo gráfico habitado por impresores, litógrafos, grabadores, coloristas, artis-

tas reporteros y muchos otros sujetos que participaron en estos procesos colaborativos”, reflexiona la curadora Sandra Szir, sobre los alcances de su investigación que da sustento a la muestra.

Se exhiben periódicos como Museo Americano, Correo del Domingo, La Ilustración Argentina, El Mosquito o El Sudamericano que a menudo copiaban imágenes de periódicos europeos, pero también creaban las propias y representaban retratos, vistas, temas históricos o de actualidad local, imágenes del desarrollo urbano y la vida social de la época y respondieron a las perspectivas ideológicas y a la curiosidad visual de sus contemporáneos. Con el propósito de resaltar el propio proceso de

reproducción y los cambios — por ejemplo de un medio a otro o de blanco y negro al color— se contrasta el original de una fotografía o ilustración con la imagen publicada en el ejemplar de la revista Caras y Caretas de entonces. Por último forman parte de la exposición objetos impresos con nuevos procedimientos —en particular el fotograbado de medio tono, y la cromolitografía— como los primeros libros escolares de tapas coloridas editados en la Argentina, las primeras postales que circularon en nuestro país, marquillas de cigarrillos de numerosas marcas, coloridas y ricamente ilustradas, las primeras figuritas editadas en Argentina, otras revistas ilustradas que se multiplican al modelo de Caras y Caretas, entre otros ob-

jetos efímeros que formaron parte de la vida cotidiana del pasado. Se consumían de a miles, se atesoraban o se descartaban, generaron experiencias sociales, políticas, estéticas significativas, y sin embargo, fueron ignorados por la investigación académica y por los cánones de la cultura por ser imágenes populares o triviales, en soportes baratos, a menudo impresas rápidamente.

Una amplia programación de actividades acompaña la exhibición como visitas guiadas por artistas, investigadores y diseñadores, conversatorios, y talleres para todos los públicos.

"En el marco de este proyecto el museo inaugura un espacio participativo de experimentación con oficios gráficos. En diálogo permanente con las exposiciones, el espacio-taller permitirá a visitantes de todas las edades conocer y tener acceso a los modos de hacer. Un lugar para experimentar, jugar, aprender y conversar junto a referentes de la gráfica contemporánea", señala Cristina Blanco, directora del Museo Nacional del Grabado.

La muestra podrá visitarse del 23 de junio al 1º de octubre, en Riobamba 985, con entrada gratuita, de martes a domingos y feriados de 15 a 20

Más info y agenda de actividades:

museodelgrabado.cultura.gob.ar Instagram: @mndelgrabado

Facebook: @Museo-Nacionaldel-Grabado

MUSEO DE LA PLATA

Puesta en valor de la obra pictórica de Charles Bergés

En el Museo de La Plata se conservan seis obras de Charles Joseph Bergés (1851-1941) las cuales representan sitios arqueológicos de culturas indígenas de Bolivia y Perú y personajes en escenas costumbristas locales. Las obras se destacan por el valor iconográfico en el contexto científico del museo.

La Directora del Museo de La Plata, Dra Analía Lanteri, presentó el programa de recuperación de obras pictóricas del Museo de La Plata. Luego, la Mag. Marcela Andruchow expuso “Las pinturas de ruinas y color local de Charles J. Bergés”.

Marcela Andruchow es Profesora en Historia de las Artes Visuales, Facultad de Artes, UNLP y Museóloga, I.S.F.D y T. N° 8, Prov. de Bs As. Se desempeña como profesora Titular de Museología I y Museología II, Facultad de Artes, UNLP; y Profesora Adjunta en Historia Sociocultural del Arte, DAM, UNA. Es subdirectora del Instituto de Historia del Arte Argentino y Americano, coordinadora de la Biblioteca y el Archivo y Centro de Documentación de IHAAA, FAD, UNLP. Es docente-Investigadora por la UNLP- Ministerio de Educación de la Nación. Actualmente dirige un proyecto sobre la colección de bienes culturales artísticos del Museo de La Plata.

La puesta en valor material de dos de estas obras implicó el inicio de la recuperación del corpus

de pinturas de Bergés, acervo fundacional de la institución, restaurando recientemente: “Forta-

leza de Chan Chan” y “Chan Chan, norte del Perú, con dos personajes” de 1886.

En esta ocasión se expondrá sobre las características de la obra de Bergés y las técnicas utilizadas en las tareas de consolidación, restauración del soporte y reintegración pictórica a cargo de las restauradoras Marina Gury y Rosana Lofeudo

Marina Gury es Profesora de plástica (UNLP) y Técnica en Restauración de Bienes Culturales (UNA), se dedica a la restauración de pintura habiendo participado de la restauración de varios edificios fundacionales de la ciudad de La Plata. Beca 2022 Conserving Canvas, the Getty Foundation (TAREA, UNSAM). Actualmente trabaja en el Museo de La Plata.

Rosana Lofeudo es Técnica en Gestión Cultural (UNMDP) y Restauración de Bienes Patrimoniales (Escuela Taller Casco Histórico de Bs As, Centro Europeo de Venecia para los oficios de la Conservación del Patrimonio Arquitectónico, Italia). Es presidenta y socia fundadora del Taller de oficios de la Asociación Civil De Buena Madera en la ciudad de La Plata. Ha publicado artículos en numerosos Congresos y Revistas de Patrimonio por CICPBA. Beca 2019 Instituto Valenciano de Conservación, Restauración e Investigación de la Generalitat, España. Actualmente trabaja en el Museo de La Plata.

www.museo.fcnym.unlp.edu.ar

Artes plásticas

MUESTRA RETROSPECTIVA DE KUKI BENSKI

Alicia en el País de las Maravilla

El pasado miércoles 24 de mayo a las 19 horas se inauguró la exhibición retrospectiva “Alicia en el País de las Maravillas” de la artista Kuki Benski en Roseum Arte Contemporáneo en Perón 1719, Dpto 7 “A”, CABA.

Luego de haber obtenido el año pasado el Segundo Premio en la Bienal AREATEC a las Artes Visuales en nuestro país y de haber participado en la Trienal Pictórica Internacional de Tijuana, México, con la instalación “Muñecas de colección”, la reconocida artista argentina Kuki Benski presenta esta retrospectiva de su obra sobre el personaje de Lewis Carroll, además del video inédito “Zoltar & Alice desire”.

A lo largo de su carrera Benski realizó muestras en nuestro país y participó en exposiciones en diferentes ciudades de los Estados Unidos, España, Portugal, Venezuela, Cuba, Japón y Alemania.

Kuki Benski y los desafíos de Alicia en el país de las maravillas.

(Texto Curatorial de Carmen

MiráBA 64

Hernández)

“Benski nos enfrenta a otro de los

rostros de la sexualidad femenina, aquella atmósfera de la infancia que la sociedad de

consumo ha estimulado a través de la figura cándida de la púber y su virtud virginal, representada en el cuento infantil de Carroll, que funciona como imagen modelizadora de una femineidad virtuosa. El imaginario pictórico de Benski, que favorece las hibridaciones y recrea la cultura kitsch, reconoce que la aventura emprendida por Alicia al cruzar el espejo, no tiene una finalidad moralizante de un rito de pasaje.

Pueden ser los impredecibles deseos femeninos que siempre están presentes, aún de manera inconfesable, y que nunca abandonan el sentido lúdico del goce pulsional. Alicia representa esa condición femenina siempre fluctuante que reta las reglas, burlando los estereotipos entre el bien y el mal. Juega como niña y sujeto erógeno y en este proceso, redimensiona los fetichismos que condenan a la femineidad a elegir entre la virtud (el sacrificio de la maternidad) o la condena moral (la libertad y el placer sexual), mostrándose siempre dispuesta a asumir riesgos desde el autor reconocimiento como sujeto gozante. Las mujeres autosuficientes, como la mítica Eva, fueron castigadas socialmente como “brujas” y sus representaciones literarias y pictóricas así lo testimonian, por ello, esta aventura es un reto individual y colectivo que también atañe al arte.”

La exhibición retrospectiva “Alicia en el País de las Maravillas” de Kuki Benski, es una serie de obras que la artista ha desarrollado a lo largo de su extensa carrera y que aún, en la actualidad sigue reto-

mando, como un efectivo recurso para abordar temas del mundo contemporáneo que nos rodea. Se podrán observar obras que ya han sido exhibidas, como sus clásicos lienzos pictóricos intervenidos con collage al estilo kitsch, objetos escultóricos, objetos lumínicos en la sección apartada como una instalación, bajo el título de "Barrio Chino" dentro de la misma exhibición, y un video inédito de la artista: "Zoltar & Alice desire" producido y dirigido por Kuki Benski.

También obras en pequeño formato de los "Zapatos de Alicia en el País de las Maravillas" y de su

"Gato de Chesire" que siempre la acompañaba, pero representado con la iconografía oriental del gato "Maneki-neko" referenciando a la buena fortuna.

Virginia Rojas

Directora

Licenciada en Artes Visuales y Directora de Arte

La muestra podrá visitarse hasta el 19 de Junio 2023. Con cita previa escribiendo a info@roseumcontemporaneo.c om

Prensa Duche&Zárate

+ Media

EXPOSICIÓN EN LA CASA DE LA CULTURA DEL FNA

HOMENAJE A TONY DÍAZ:

ARQUITECTURA, IDEAS Y DIBUJOS (1969- 2013)

El Fondo Nacional de las Artes presenta la exposición homenaje TONY DÍAZ, ARQUITECTURA, IDEAS Y DIBUJOS (1969-2013), organizada conjuntamente con la Cátedra Antonio Díaz para el estudio y la búsqueda de consistencia entre las ideas y la arquitectura, de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo FADU-UBA.

La muestra reúne una serie de 109 dibujos realizados por el arquitecto Tony Díaz a lo largo de su carrera profesional. Estos “dibujitos”, como le gustaba llamarlos, son un repositorio de ideas y soluciones concretas que dan cuenta de un arquitecto comprometido con su tiempo, con su sociedad, con el sentido social de la disciplina.

FADU-UBA —uno de los más numerosos en su momento de la facultad— y de la huella pedagógica que, junto a muchos otros de su generación, dejó en la manera de enseñar. Una obra que, sin duda, marcó los caminos y debates de la arquitectura argentina de toda una época.

“El Fondo Nacional de las Artes recibe en su Casa este proyecto con la intención de visibilizar el trabajo de una camada de arquitectos que pusieron el foco en el aspecto social de su disciplina y en su compromiso político, en el sentido más amplio de la pala- Mirá

Del 3 de junio al 2 de julio de 2023 - Entrada libre Casa de la Cultura del Fondo Nacional de las Artes Rufino de Elizalde 2831 Jueves a domingos de 14 a 19

Si bien son reducidos en su expresión, abstractos, o deliberadamente ingenuos, estos “apuntes de arquitectura” son parte, también, de su trabajo como docente en su Taller de la

bra”, explica la presidenta del organismo, Diana Saiegh.

Acompañan la exhibición una serie de charlas de las que participarán quienes pudieron acompañar su derrotero profesional y su cátedra: colegas, alumnos y ex-alumnos y que tendrán lugar los viernes 9, 23 y 30 de junio, siempre a las 18h (ver más info acá)

SOBRE TONY DÍAZ

Tony Díaz (Antonio Díaz del Bó, 1938-2014) se recibió en la Universidad de Buenos Aires en 1964, realizando cursos en Italia (1968) y en Londres (1969-71), donde obtuvo su título de posgrado en urbanismo por la Architectural Association. En 1971 regresa a Buenos Aires y conforma el estudio BaudizzoneDíaz-Erbin-Lestard-Traine-Varas

, con el que desarrolla hasta 1978 una exitosa trayectoria profesional. Se asocia luego con José Víctor D'Angelo, y posteriormente con Luis Ibarlucía como principal colaborador. En 1988 vuelve a Europa, radicándose en Madrid donde forma su estudio, inicialmente conjuntamente con los arquitectos Eduardo Leira y Damian Quero y luego individualmente.

En 1976, en un contexto de crisis de la arquitectura y de censura impuesta por el régimen militar funda junto a Justo Solsona, Rafael Viñoly y Ernesto Katzenstein funda "La Escuelita", institución de enseñanza alternativa que fue clave para el debate y profundización de los problemas conceptuales propios de la arquitectura.

Entre 1984 y 1989, se desarrolla

el Taller Tony Díaz (que llegó a ser de los más numerosos en cantidad de alumnos de la FADU-UBA), dejando una huella pedagógica y una manera de entender la Arquitectura que perduran hasta el presente. En 1988 se radica en España. Siguió trabajando otros 25 años, enseñando, construyendo obras, obteniendo premios en concursos nacionales e internacionales, publicando también diversos libros y artículos. En su última visita a Buenos Aires, septiembre de 2013, fue nombrado Académico Correspondiente en España por la Academia Nacional de Bellas Artes.

El FNA cerca de los artistas, sostiene cultura.

Fondo Nacional de las Artes https://www.argentina.gob.ar/c

Artes visuales/ 2023

Miguel Dávila: Retrospectiva

Con curaduría de Pelusa Borthwick se presenta, después de varios años, una exposición del maestro de la Nueva Figuración Argentina.

Famatina, acrílico sobre tela, 150x150 cm

Inaugura: miércoles 17 de mayo de 18.30 a 21h

Estudios 1314: Alem 896 piso 13 CABA

“Mi preocupación fundamen-

tal ha sido la búsqueda… Eso me ha llevado a expresarme más libremente: si en algún momento mi obra paMiráBA

reció volcarse al expresionismo o si, ahora mismo, siento una mayor carga expresionista, eso no significa que tenga interés especial en ningún ismo. Pienso que pintar es un hecho más simple, más puro y directo”

Miguel Dávila.

En marzo de 2014 presentábamos en ARCIMBOLDO Arte Contemporáneo la exposición MIGUEL DÁVILA, sus últimas obras con pinturas que aún integran la colección de su esposa Irene Dávila. Se ha escrito profusamente sobre su producción, pero quiero destacar por su importancia, su lugar como referente de la Nueva

Figuración Argentina, junto a la de formador de artistas y la de comunicador de la belleza y poesía de la provincia de La Rioja, en particular cuando funda el Museo de su Chilecito natal, o cuando participa en la creación del Instituto del Profesorado de artes plásticas en esa provincia.

Miguel transitó por los diferentes relatos del Arte de su época, pero siempre leal a su propia identidad. Su fecundo legado: pintura gráfica, murales, films, continúa instándonos a reflexionar sobre el sentido preciso que deben asumir la forma y la materia al hacerse cargo de la compleja función de significar.

Hoy, mayo del año 2023, presentamos en Estudios 1314

“MIGUEL DÁVILA: Retrospec-

tiva” en la que exhibimos obras realizadas entre 1955 y 2007 donde se ve su libre tránsito por distintas etapas recorridas en el desarrollo de su vida en el arte. En su universo creativo el centro es la presencia de los seres humanos dentro de la realidad argentina o global moderna, en entornos cargados de silencios pictóricos y significados; universo en el que lo figurativo y lo abstracto dialogan y crean sus personales visiones, expresiones y reflexiones.

“Para mí la pintura en principio es siempre una abstracción, si a veces me valgo de elementos representativos es para dar una mayor carga sensible o expresiva” dice Miguel.

Agradecemos a Estudios 1314 por recibirnos en sus salas, e invitamos a todos ustedes a recorrer la muestra recordando juntos, a la grandeza del maestro Miguel Dávila.

Pelusa Borthwick, curadora.

Miguel Dávila (1926 2009).

En 1958 La Municipalidad de la ciudad de La Rioja lo convoca como primer director del Museo Municipal de Bellas Artes hoy Museo Octavio de la Colina, cargo que desempeña hasta 1960.

En 1961 obtiene la beca del Fondo Nacional de las Artes en la especialización de pintura para realizarla en París, viaja con Rómulo Macció, Ernesto Deira, Luis Felipe Noé y Jorge de la

Vega, comparte taller con Ernesto Deira. Adhiere al movimiento Neo-Figuración. Premio del Salón Municipal Manuel Belgrano (1964). Gran Premio de Honor del Salón Nacional de Pintura (1981).

Su obra ha sido expuesta en importantes espacios de arte internacionales como Saatchi Gallery-Start Feria de Galerías de Arte Londres, Feria de los Hamptons, Feria de Galerías de Arte New York USA¸ Feria Kiaf Seoul Corea, y a nivel local en el Museo Provincial de Tigre Provincia de Buenos Aires, Museo Nacional de Bellas Artes de la Ciudad de Buenos Aires, Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Buenos Aires, Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad de Buenos Aires, Museo Municipal Eduardo Sívori de la Ciudad de Buenos Aires, Museo Castagnino - Macro –Rosario Santa Fe, Museo de Bellas Artes Rosa Galisteo de Rodríguez de la Ciudad de Santa Fe, Museo Provincial de Bellas Artes de la Ciudad de La Rioja, Museo Provincial Emilio A Caraffa de Bellas Artes de la Ciudad de Córdoba. Y a nivel regional el Museo Nacional de Bellas Artes de la Ciudad de Santiago de Chile (Chile) y Museo de Bellas Artes de la Ciudad Maldonado (Uruguay) entre otros.

Prensa: Paula Simkin

paulasimkin@gmail.com

¿Cómo sentir? Diarios íntimos para el presente

La Casa Nacional del Bicentenario inaugura ¿Cómo sentir? Diarios íntimos para el presente, una exhibición curada por Nicolás Cuello que pone su foco en los lenguajes expresivos de la práctica artística en relación con la ambivalencia anímica que se implica en la experiencia conflictiva del presente. La exposición se podrá visitar hasta el 20 de agosto, de miércoles a domingos de 15 a 20 en la planta baja y primer piso de la Casa.

¿Cómo sentir? Diarios íntimos para el presente ensaya un recorrido posible por el arte contemporáneo argentino trazando un mapa hipotético de estados de ánimo, formas de imaginación y realidades psíquicas, en cuyas relaciones podemos entrar en contacto con los nuevos repertorios del malestar afectivo, como con aquellos modos de la fantasía que se implican en la desafiante tarea de seguir viviendo una vida juntos.

Tomando como referencia la potencia sensible del diario íntimo, en tanto artefacto de narración autoteórica que hace de sus páginas un espacio para la convivencia ambigua de sensaciones incoherentes, ¿Cómo sentir? reúne dibujos, site specifics, pinturas, esculturas, fotografías, textiles, instalaciones y video-

instalaciones de más de cuarenta artistas. Una selección de obras cuyas actitudes emotivas dialogan trazando acuerdos transitorios y conversaciones invisibles que pueden ser pensadas como una manifestación de

Barbara

Bianca LaVogue

rasgos comunes que permiten caracterizar de forma crítica la densidad del presente.

Sobre la exposición

Mirá

mayo a las 19

Cierre: Domingo 20 de agosto de 2023

De miércoles a domingos de 15 a 20. Riobamba 985

¿Cómo sentir? retoma la aparición obstinada de imaginarios infantiles en un amplio conjunto de trabajos, en su mayoría realizados a partir de técnicas artesanales y operaciones amateurs, donde se construye un común a partir de emociones bajitas, afectos ingenuos, privilegiando materialidades precarias y la implicancia de recuerdos personales. Una serie de obras que hacen uso de la desvalorización histórica de lo doméstico, el prejuicio sobre la superficialidad de lo íntimo, la abyección de lo fe-

menino y la inadecuación de lo queer, para ofrecer desde allí modos de contacto con sensibilidades pequeñas y empequeñecidas que, ante la complejidad de lo real, insisten en la belleza del cuidado, en la protección de lo distinto y en la celebración del afecto.

Ese mismo deseo de cuidado que emerge ante la urgencia crítica de la realidad, se vuelve un lenguaje específico desde el cual una parte importante del arte contemporáneo argentino enhebra, específicamente desde la ingenuidad de sus lenguajes expresivos, una sensibilidad animista. Es decir, un deseo y un reconocimiento sobre la aparición inesperada de lo vivo, allí donde

no era posible ni imaginable. Objetos inanimados que sonríen, flores salvajes que parpadean, artesanías que sienten y especies animales que dialogan sobre sus historias personales crean la posibilidad de experimentar alivio más allá de los significados profundos, forjando vínculo allí donde avanza la fragilidad del silencio.

Por otro lado, se presentan un número de obras que a través de abstracciones autómatas, escrituras repetitivas, relatos encriptados, pensamientos obsesivos y una exhibición descarnada de la intimidad, presenta la desafiante tarea que a veces asume el sentir. Un tipo de lenguaje expresivo que asume como método y

Obra de Sofia Torres Kosiba

motivo el comportamiento visceral de lo digestivo, ese segundo cerebro que habita en nuestro cuerpo como caja de resonancia y punto de irradiación de nuestros estados anímicos.

A su vez, la exhibición reúne un conjunto de obras que trabajan sobre una nueva etapa del malestar cultural asociado a la propia imagen. No solo a partir de considerar el reflejo y la proyección de nosotros mismos en las pantallas como una forma de autodiagnóstico, donde la mirada funciona bajo el ritmo de la sanción, la disciplina y la corrección, sino también, donde esta observación obsesiva se posiciona como un objeto de experimentación. Un lugar desde el cual un amplio número de artis-

tas se acercan a la tensión del retrato contemporáneo, haciendo un uso lúdico del grotesco, una aproximación erótica a lo deforme y una apertura hacia modos de aparición colectiva que abre un nuevo lugar a la sensación de tener un cuerpo inadecuado.

Por último, ¿Cómo sentir? ofrece en su amplio espectro de sensaciones, un lugar para aquellos artistas que han optado por experimentar con la pregunta incómoda que ofrece el malestar. Teniendo en cuenta que lo que cuesta, lo que duele, el inconveniente, el conflicto y la diferencia, se han vuelto experiencias sociales ha evitar, este conjunto de obras reconoce a partir de escenas de un

surrealismo oscuro, y otros modos de aparición de lo siniestro, lo raro y lo espeluznante, el valor de las pesadillas, como una forma específica de la imaginación que se esfuerza por lidiar, responder, e incluso evitar de manera provocadora, el imperativo cultural de la satisfacción inmediata y la promesa cruel del consenso en la agenda anímica actual.

+ Info en

Casa Nacional del Bicentenario https://casadelbicentenario.cul tura.gob.ar/

casanacionaldelbicentenario@gmail.com

Facebook: /CNBLaCasa

Twitter: @Cnb LaCasa

IG: @Cnb LaCasa

Obra de Roberto Jacoby

Beatriz de la Rúa vuelve a exhibir en Buenos Aires.

El próximo miércoles 7 de junio a las 18h Buenos Aires alojará nuevamente la obra de Beatriz de la Rúa. Será la primera exhibición que la artista visual realice tras 17 años de desarrollar su carrera casi exclusivamente de forma internacional, en galerías, ferias y museos relevantes de la escena artística global (en estos años la artista había exhibido en Argentina únicamente en muestras colectivas y con sus libros de artista).

La exhibición individual se titulará Letras que no son y el corpus de obra estará compuesto por tintas monocromo sobre papel y lienzo -algunas históricas y otras creadas para la ocasión- y una gran pintura a color realizada con acrílico sobre lienzo.

La muestra será curada por la editora Carla Rey quien acompaña a Beatriz desde las últimas dos décadas de su carrera. En sus palabras:

“Beatriz es un solo de tintas que se imponen como una orquesta, un banquete exquisito, perfume que despierta todos los sentidos, piel del papel que absorbe el gesto de la pincelada (…) Todo está allí … solo hay que descubrirlo. No hay letras, hay gestos e improntas como huellas de un espacio sin tiempo ni reglas” * (Carla Rey, 2023)

Asimismo, el crítico, curador y escritor de arte contemporáneo MiráBA 74

Rodrigo Alonso, quien ya hubiera escrito en el libro retrospectivo de la artista Obras en libertad, ha desarrollado un sustancial texto acerca de Beatriz para la exhibición:

“En la mayoría de sus trabajos, de la Rúa aborda los materiales plásticos sin programas ni bocetos previos. Continuando la tradición del automatismo psíquico practicada por los surrealistas, plasma líneas y manchas sobre una superficie diáfana, en la confianza de descubrir luego formas significativas que transmitan la emoción deseada. Así, las piezas surgen en un diálogo íntimo con el azar, los accidentes, lo desconocido, las fuerzas imprevistas” * (Rodrigo Alonso, 2023)

Letras que no son se inaugurará en Dain Usina Cultural

(Nicaragua 4899, Palermo, CABA) el miércoles 7 de junio de 18 a 20h y se podrá visitar únicamente con invitación (RSVP a delaruaarte@gmail.com).

La exhibición permanecerá abierta al público hasta el miércoles 28 de junio en el horario de apertura habitual de la libre-

ría (de 12 a 20h). Como actividad de la exposición, el 21 de junio a las 18h se llevará a cabo una charla entre Carla Rey y Beatriz de la Rúa acerca de los libros de artistas. El libro de Beatriz de la Rúa, Obras en libertad, se podrá adquirir en Dain a lo largo de toda la exhibición.

Así como es adentro es afuera, Grupo Charco

Espacio Bresson inauguró la muestra de Grupo Charco el pasado 17 de Abril que podrá verse hasta el 9 de Junio. Cuenta con la curaduría de Alec Franco y Kalil Llamazares.

La exposición, que está integrada por obras de Alec Franco, Carla Gimbatti, Gaspar Libedinsky, Kalil Llamazares, Lula Mari, Colo Sartori y David Sisso, se puede visitar de lunes a viernes de 10 a 19 horas con entrada libre y gratuita en Callao 1880.

TEXTO CURATORIAL

Observar es modificar. Esa paradoja, que parecería negar la posibilidad de conocimiento

del mundo, es también su puerta de entrada: el mundo es como es porque lo observamos. La materia es la proyección de la conciencia que asiste a su existencia. Para el artista, que registra su entorno de modos intensos, sensoriales, imaginarios, novedosos y antiguos a la vez, esta puerta de entrada ofrece la promesa de un tesoro, la experiencia consciente de la forma y la materia.

En “Cuerpos Magnéticos”, la

instalación escultórica de Carla Gimbatti, parecemos asistir al instante inmediatamente posterior al Big Bang. Un mundo suspendido en el vértigo de la expansión infinita, una partitura rítmica de las fuerzas creativas que rigen el universo.

Colo Sartori explora topografías antropomórficas en una serie de esculturas cuyo tema es el cuerpo y lo sensual en relación a la materia misma de la obra, su peso, su gravedad, su

temperatura y la conexión sensible que se produce durante su observación.

David Sisso presenta “Improbable Nueva Atlántida”, un tríptico que es parte de su investigación de lenguajes híbridos entre la fotografía y la pintura. El paisaje se vuelve onírico, extrañado. Una neonaturaleza colonizada por organismos improbables de biologías ficcionales.

Lula Mari presenta una serie de obras sobre papel que son parte de su proceso de constante observación directa del mundo natural. Dibujos y acuarelas de un clima misterioso que nos acercan a la magia de la relación íntima entre la mirada y aquello que se mira.

Gaspar Libedinsky observa y modifica un territorio doméstico, íntimo, interior. En el proceso transforma lo ordinario en extraordinario, dotando de trascendencia a materiales y objetos aparentemente intrascendentes.

En su díptico “Nexa I y II” Alec Franco explora paisajes interiores, celulares, microscópicos, que crean la idea de un espacio corpóreo dentro del cuerpo. Macrocosmos y microcosmos se entrelazan y nos enfrentan al misterio de la vida, la fuerza invisible que nos mueve y nos conecta con el todo.

Kalil Llamazares expone “El paisaje es el tótem”, en el que la horizontal dominante de la costa del Río de la Plata se contrapone a la vertical totémica

del formato que invita a una mirada ascendente. La horizontal es la materia y la vertical es el espíritu. En el cruce de ambas reside el misterio.

El conjunto de obras exhibe las singulares manifestaciones de la relación de los artistas con el entorno. Entre sus territorios observamos nexos y vasos comunicantes que sugieren que el mundo exterior responde a patrones y estructuras que tienen un correlato interior. Que conocer el mundo es conocerse a uno mismo y viceversa.

Prensa

PR Comunicaciones

Florencia Pérez Roldán

www.prcomunicaciones.com.ar florencia@prcomunicaciones.c om.ar

skype: floperezroldan

Cartelera

O T E L O en La Plata

William Shakespeare

Mirá

Se estrenó a sala llena el pasado 29 de abril Otelo de William Shakespeare con adaptación y dirección de Nicolás Prado. Producción integral de La Comedia de la Provincia de Buenos Aires como parte de la Temporada 2023. La obra continúa en cartelera los días sábados y domingos de junio y sábado 1 y domingo 2 de julio.

OTELO

William Shakespeare

Adaptación y dirección: Nicolás Prado

Temporada 2023

PRODUCCIÓN INTEGRAL

Comedia de la Provincia de Buenos Aires

FUNCIONES:

Sala Armando Discépolo (calle 12 e/ 62 y 63, La Plata)

Funciones: Abril, mayo y junio.

JUNIO Sábados 21 h, domingos a las 20 h.

JULIO, últimas funciones sábado 1 y domingo 2,

ENTRADA LIBRE Y GRATUITA (se retiran por la boletería del teatro 1 hora antes de cada función ).

ACTÚAN

Juan Palomino: Otelo

Fabio Prado Gonzalez: Yago

Trinidad Falco: Desdémona

Mario Moscoso: Rodrigo

Facundo Guerreschi: Casio

Victoria Hernandez: Emilia

Canela Corno

Oscar Ferreyra

MÚSICOS EN ESCENA

Corazones

Pedro Heguiabehere (voz)

Maxi Mazzeo (trompeta)

Ariel Salinas (bajo)

Marcelo Veiga (batería)

James Peralta (guitarra)

ESCENÓGRAFA: Martina

Urruty

VESTUARIO: Mariano Toffi

DISEÑO LUMÍNICO: Esteban

Ivanec

COORDINACIÓN ARTÍS-

TICA: Antonio “Tony” Lorenzo

ASISTENCIA DE DIRECCIÓN:

Laura Otero

FOTOGRAFÍA: Fernando Massobrio

AUDIOVISUAL: Gabriela Fernández

DISEÑO GRÁFICO: Pirrone / Baldoni

TEATRO

Dice Florencia Saintout Presidenta del Instituto Cultural

La cultura es un derecho que comprende la expresión artística en todas sus formas. En este sentido, el arte teatral debe ser una política pública necesaria e imprescindible.

El teatro es una parte fundamental de las políticas culturales que se están llevando a cabo en la Provincia de Buenos Aires. Desde nuestra gestión, buscamos garantizar la articulación y la puesta en práctica de los derechos de los trabajadores; enfatizar en la construcción de un Estado popular con su institucionalidad, proyección y trayecto; garantizar que todos puedan acceder a lo que el pueblo decida y conciba como cultura; e incen-

tivar la creación de condiciones para el goce y el disfrute.

La reapertura de la Sala Armando Discépolo del Teatro de La Comedia fue un hecho fundamental para nuestra gestión porque era uno de los compromisos asumidos, pero igualmente importante es poder continuar su programación con la presentación de esta segunda producción integral en menos de un año.

A través de una cartelera nutrida, diversa y de libre acceso, buscamos presentar funciones preparadas y pensadas por bonaerenses y para bonaerenses. Siendo uno de los espacios teatrales más importantes de la Provincia, La Comedia es para el Gobierno de Axel Kicillof una apuesta al trabajo colectivo, a la creatividad y a la inspiración, valores insoslayables en el enorme desafío de reconstruir la Provincia.

SOBRE LA OBRA

Dice Nicolás Prado Director

Teatro de actores, teatro de la palabra, el texto como bastión fundamental del impulso que lleva a la acción.

Todo elemento teatral no se esconde ni disimula, se exhibe. Nuestro Otelo transcurre en un teatro, sobre un escenario donde se escenifica un campamento militar. Vemos actores personajes que acaso solo son sombras de alguien que relata.

El juego de ficcionar la no ficción, como espejos enfrentados que se repiten infinitamente. u

Intentamos aquí exhibir las fisuras e inconsistencia del paradigma de lo masculino y lo femenino, despojándonos de armaduras que terca, torpe e infructuosamente, insistimos en vestir.

Qué es ser un hombre? Cómo debe ser una mujer? Por qué sostener en 2023 un modelo que ya en 1603 Willam Shakespeare nos mostraba obsoleto?

Dice Juan Palomino Actor

Volver a La Comedia de la Provincia de Buenos Aires es volver a ese espacio íntimo que te invita al disfrute del reencuentro, la memoria y la creación. Que sea con esta versión de Otelo, que nos interpela en épocas de deconstrucción es para celebrar.

La vida de un actor está teñida por distintas historias y persona-

jes. Esta vez, la aguda y sensible mirada de Shakespeare, me permite revisar mi propia genealogía y vivir un espacio-tiempo complejamente amoroso y desgraciadamente violento. Volví a casa, a éste teatro y me encontré con aquel joven que empezó hace mucho tiempo el camino de la búsqueda, la poética y la creación. No tengo más que gratitud para con el director de la obra, mis colegas, los técnicos y la Dirección del Teatro de La Comedia, por permitirme abrir estas puertas y entrar nuevamente a escena.

Dice Eduardo Albano Director Comedia de la Provincia

OTELO es sin dudas uno de los clásicos más importantes del teatro universal.

Este proyecto da inicio al Pro-

grama de Producciones Integrales 2023 de la Comedia de la Provincia de Bs. As. Una obra fundamental escrita en 1603 y representada, según diversas fuentes por primera vez en 1604 en Londres, aunque su publicación data de 1622.

Adaptada, reversionada y representada en todos los escenarios del mundo, en todos los idiomas tanto en su versión teatral, cinematográfica y musical, esta propuesta apunta a visibilizar las conductas que conducen a la sinrazón y a las decisiones más drásticas que el hombre como animal pensante puede tomar.

La obra que en su versión original transcurre en Venecia y en la isla de Chipre, se adapta en espacio y en tiempo para dar paso a atacar directamente el conflicto que es tan actual como el terreno donde se desarrolla.

El poder, el amor desmesurado, el sujeto como posesión, el artilugio del engaño, la locura y el femicidio sobrevuelan constantemente esta tragedia donde nadie es tan inocente como parece, ni algunos, tan ingenuos como pretenden ser.

En Otelo ninguno de los protagonistas intuye su destino, pero inexorablemente todos son cómplices de una violencia latente que va creciendo como una bola arrojada al vacío en un terreno nevado.

¿Qué se puede esperar de una atmósfera plagada de egos, envidias, inseguridades, recelos, ambiciones, donde un semejante, cual cartero que entrega “ingenuamente” sus misivas, va

tejiendo un sinfín de consejos que provoca la ceguera de la razón para intentar beneficiarse y para dejar expuesto a los demás al desorden de sus emociones?

El Otelo de ayer, es el Otelo de hoy en cada lugar donde habite la especie humana.

Si miras hoy a tu alrededor probablemente, muy cerca, habrá un Yago que te murmure al oído y si no puedes o no eres capaz de descifrar sus intenciones todo se transformará en amenaza, violencia y destrucción.

Trailer Otelo https://youtu.be/T5XJcv9uFGs

Viernes de Junio en Espacio 44, calle 44 entre 4 y 5. La Plata

Con las manos atadas

Una historia policial, un asalto en una escribanía, dos víctimas de un robo.

Humana, sorprendente, desopilante y profunda, esta comedia dramática de Claudia Piñeiro despliega una mirada atenta y sutil sobre las relaciones humanas.

La escribana y su secretario quedan encerrados, atados espalda con espalda en el archivo de la escribanía donde ambos trabajan. En el lugar más inhóspito el caos original deviene en un planteo intimista de "dos personas solas, dos solitarios " como los describe la autora.

La brecha social y jerárquica se desvanece, como en una especie de Saturnalia y el lugar dominante alterna de uno a otro al menos en ese momento único fuera de las reglas donde solo cuentan el uno con el otro.

Elena y Gutiérrez que han compartido el mismo espacio de trabajo por horas durante años desconocen todo el uno del otro y no saben aún que impedidos de liberar sus cuerpos nadie los rescatará hasta el día siguiente.

Tampoco imaginan que ninguno de los dos será el mismo al finalizar esa larga noche. Mirá

LAPLATA

¿nos cuentan si llegaran a sacarla ?

¡¡¡Muchas!!! ¡Gracias!!!!

CON LAS MANOS ATADAS de Claudia Piñeiro.

Actúan MARIANA ARRUPE MARIO MAHLER.

Música original y efectos sonoros:

OSVALDO QUIROGA

Asistencia ROCÍO BARI

Diseño de luces NAHUEL LÓPEZ

Diseño y realización de la Gráfica:

LAURA TALUCCI

Dirección SARA MON.

DURACIÓN: 60 minutos.

FUNCIONES:

Teatro presencial para adultos. Todos los viernes de Mayo y Junio en Espacio 44 , calle 44 entre 4 y 5 de La Plata

CONTACTO:

Sara Mon saramon56@gmail.com

TEATRO ESTUDIO – LA PLATA

*TEMPORADA 2023*

“A.K.A. ALSO KNOWN AS”

la adopción, carece de reelevancia dentro del núcleo familiar Carlos conoce a una joven: Vicky; se enamoran y se inician sexualmente.

Todo va bien, pero la familia de la joven tras conocer el encuentro con Carlos arremete una denuncia judicial, ¿por qué?: porque Carlos tiene otro color de piel. Y es una justicia asociada al poder aristocrático la que le da curso a la causa llevando a juicio a Carlos y a su familia.

Y en ese trayecto, el origen de Carlos comienza a problematizarse ya develar informaciones que hasta entonces él no conocía, poniéndolo frente a frente con la construcción y descontrucción de su propia identidad.

De eso va la obra; de la identidad. de la diferencia entre lo que sentimos que somos y lo que determinan los otros que debemos ser.

El adentro y el afuera de A.K.A.; nos habla de un período de la adolescencia de Carlos del que nosotros formamos parte; de un momento en el que por circunstancias ajenas a él tiemblan sus cimientos, sus raíces.

SÁBADO 3 DE JUNIO 21:00Hs

SÁBADO 10 DE JUNIO 21:00Hs

SÁBADO 24 DE JUNIO 21:00Hs

A.K.A. (Also Known As) narra la historia de Carlos, un adolescente

adoptado de forma irregular en el extranjero por padres argentinos y criado bajo todos los cuidados de la clase media; con mucho amor, respeto y sinceridad. Son una familia "normal" y el hecho de

¿Somos quienes sentimos que somos?, o quien la gente cree que somos?

De eso habla A.K.A.

Libro: Daniel J. Meyer

Intérpretes: Lucas Pose

Diseño de vestuario: Alejandra

Robotti

Realización escenográfica:

Lucas Borzi

Músico En Escena: Facundo Biderbost, Agustín Painefil, Salvador Pecelis

Música original: Facundo Biderbost, Agustín Painefil, Salvador Pecelis, Lucas Pose

Fotografía: Emanuel Lucero, Fabián Scarsella

Asistencia: Juan Camiletti

LAPLATA

Asesoramiento En Espacio Escénico: Martina Urruty

Prensa: Kevin Melgar

Colaboración musical: Martín Cabrera

Dirección: Gaston Marioni

“VORÁZ Y MELANCÓLICO”

DOMINGO 4 DE JUNIO 20:00Hs DOMINGO 11 DE JUNIO 20:00Hs

Voraz es la historia de una posible historia de amor. Un amor que trae consigo un apetito que pareciera no saciarse con nada. Es una historia de amor trunca, que de tan trunca podríamos sospechar, no es tal, no existe.

La Rubia y El Lobo, son el vehículo para que en "Voraz y Melancólico" puedan convivir: el amor materno, las festividades telúricas, la violencia inconducente, la mentira, la sensualidad, la alopatía como excusa para amansar a quien no quiere ser manso; para que conviva con todo eso, lo colérico, lo infantil y lo inocente; lo procaz y lo salvaje, lo puro y lo impuro. Todo esto en medio de juegos de peña y de kermese, bajo una luna vigilante que crece velozmente, y que amenaza con volverse "llena" y traer consigo algún tipo de desgracia esperada o algún tipo de nuevo milagro.

Autoría: Toto Castiñeiras

Actúan: Santiago Garcia Ibañez, Rey Micaela, Ignacio Torres

Pelucas: María Eugenia Palafox

Diseño de vestuario: Daniela Taiana

Diseño de escenografía: Gonzalo Cordoba Estevez

Diseño de luces: Alejandro Le Roux

Música: Juan Ignacio Bianco

Fotografía: Lucas Schlott

Entrenamiento corporal: Diego Rosental

Asistencia de dirección: Rocío

García Loza

Producción ejecutiva: Rocío Gómez Cantero

Dirección: Toto Castiñeira

*TEATRO ESTUDIO*

Calle 3 # 386 entre 39 y 40

Boletería de L a V 16:00 a 20:00

*Entradas a través de Alternativa Teatral*

Acceso a reservas: http://www.alternativateatral.com /espacio544-teatro-estudio

*Toda la información y programación en* www.teatroestudio.com.ar

Una obra atravesada por el mito del hombre lobo y la mujer lobo.

"El cubo de Nina" Teatro de títeres y objetos para toda la familia

Dramaturgia y Dirección: Guadalupe Lombardozzi

Actrices - Titiriteras: Cecilia Martinese, Laura Cardoso, Guadalupe Lombardozzi

Nina se construyó un cubo, se metió adentro y decidió no salir más. Pero allá afuera hay alboroto, enredos, andanzas, algarabía. Entonces Nina espía, duda pero anhela, toma valor pero teme. ¿Se animará a volver a salir y coser, entramar, bordar amistades y vínculos allá afuera?

Una hermosa aventura creada e impulsada por Cecilia Martinese y Guadalupe Lombardozzi.

Desde el domingo 14 de mayo podrá verse "El cubo de Nina", de Guadalupe Lombardozzi. Una obra de teatro físico, títeres y teatro de objetos creada especialmente para las infancias y sus acompañantes. Con un humor sutil y a partir de unas imágenes muy visuales, habla de la soledad, de la amistad y de la gran aventura que son los vínculos humanos y de cómo, a través de los mismos, "cosemos" redes que nos ayudan a sostenernos. Con Cecilia Martinese, Laura Cardoso y Guadalupe Lombardozzi.

Todos los domingos a las 15 hs. en El Método Kairós (El Salvador 4530, CABA).

SINOPSIS

Nina se construyó un cubo, se metió adentro y decidió no salir más. Pero allá afuera hay alboroto, enredos, andanzas, algara-

bía. Entonces Nina espía, duda pero anhela, toma valor pero teme. ¿Se animará a volver a salir y coser, entramar, bordar amistades y vínculos allá afuera?

AGENDA

Funciones: domingos 15 hs.

Lugar: El Método Kairós (El Salvador 4530, CABA)

Entradas: $2500 / Jub. y est.: $2200 / Alternativateatral o en boletería.

Duración: 50 min.

Público: ATP. Recomendada a partir de 5 años.

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA

Actrices - Titiriteras: Cecilia Martinese, Laura Cardoso, Guadalupe Lombardozzi

Diseño y realización de títeres y objetos: Laura Cardoso, Alejandra Farley, Katy Raggi Coreografía: Cecilia Martinese

Diseño de escenografía: Guadalupe Lombardozzi, Cecilia Martinese Realización de escenografía: Laura Cardoso, Duilio de la Pittima Música original y Diseño Sonoro: Agustín

Flores Muñoz, Camila Ibarra

Diseño de vestuario: Laura Cardoso, Manuela Grandal

Realización de vestuario: Laura

Cardoso, Mariana Arzola

Diseño lumínico: Diego Becker

Coach vocal: Katy Raggi

Diseño de maquillaje y peinado:

Luar Pepe Asistente técnico: Francisco Sanchez Recondo

Diseño gráfico: Maria Sol Do-

mecq

Fotografía: Hernán Paulos

Video: Matías Silva

Prensa: OCTAVIA Comunicación

Producción ejecutiva: Lucía

Asurey

Dramaturgia y Dirección: Guadalupe Lombardozzi

Agradecemos la colaboración artística y mirada sensible de Vanina García, Andrea Catalina Corredor, Javier Zuker y Paz Begué. Gracias a Espacio Infinito por alojarnos.

Dice Guadalupe Lombardozzi sobre la obra

¿Qué nos sostiene cuando ocurre algo que nos desestabiliza?

¿Cuáles son nuestros recursos estables, constantes, frente a lo inestable e inesperado de la vida? ¿Qué sucede cuando nuestro sistema de sostén, cuidado con esmero, entra en crisis?

Estas preguntas muy vinculadas a las vivencias durante y post pandemia, nos inspiraron y nos invitaron a la investigación en el espacio, con el cuerpo y con los objetos.

A partir de la metáfora de las costuras y el coser, otorgamos cuerpo a lo que no tiene cuerpo: los vínculos, las redes humanas, los miedos, las fantasías, los anhelos, nuestro lado salvaje. Los vínculos están representados en objetos esféricos que se cosen con hilos y se transforman y crecen: el lado curioso de Nina. Su parte despojada de miedos y de racionalidad está representada en la Niña Salvaje, un títere, quien se encargará de desestabilizar el cubo y ayudar a Nina a convertirlo en algo completamente nuevo.

El resultado es una obra de teatro de títeres, objetos y teatro físico creada especialmente para las infancias y sus acompañantes adultes, que -desde un humor sutil y a partir de unas imágenes muy vi-

LAPLATA C.A.B.A.

suales- habla de la amistad, del miedo, de la soledad, de las aventuras que son los vínculos humanos y de cómo, a través de los mismos, cosemos redes que nos ayudan a sostenernos.

Sobre la Directora y Dramaturga

Guadalupe Lombardozzi es actriz, titiritera, artista visual y directora teatral.

Su última obra "La casa dada vuelta" fue premiada como Mejor Unipersonal en los Premios Javier Villafañe 2018 y como Mejor Realización y Diseño de Escenografía. También fue nominada a Mejor Actriz y Mejor Obra Dramática.

A su vez, en los Premios ATINA 2019, fue premiada como Mejor Intérprete Femenina en la misma obra. Desarrolla sus proyectos artísticos para adultos y niños. En sus obras aborda la relación entre el sujeto, el objeto y la espacialidad, en una búsqueda de integrar los límites entre la actuación, el teatro de títeres, los objetos y las artes visuales.

Escribe, dirige y produce las obras de su compañía La Lupe Teatro.

Sus espectáculos han recorrido teatros y festivales nacionales e internacionales en Argentina, Perú, Chile, Uruguay, Colombia y China.

Coordina talleres de teatro de títeres y objetos para niños en escuelas e instituciones y en su estudio privado y en el área de Extensión Cultural de la Facultad de Artes Dramáticas de la Universidad Nacional de las Artes (UNA). u

Coordinó workshops de Teatro de Objetos para jóvenes y adolescentes en el exterior en la Escuela de Bellas Artes de Cusco y en la ciudad de Lima, en el Festival Internacional de Acciones Escénicas (FIAE).

Desde muy jovencita, a los 14 años, comenzó sus clases de actuación en la escuela El Árbol, con Julia Doynel y Raúl Mereñuk. Ahí se formó en Teatro Antropológico.

Cuervo. Entrenó con Ricardo Bartís y Luz Palazón. En clown se formó con Marcelo Katz y con Ana Alvarado en Teatro de Objetos.

Es titiritera egresada de la Escuela de Titiriteros del Teatro General San Martín. Se formó en dramaturgia con Mauricio Kartún y Lautaro Vilo.

tes de reconocimiento internacional como Oria Puppo, Héctor Calmet, José Carlos Serroni (São Paulo), Pamela Howard (UK), Mónica Raya.

Está pronta a presentar su Tesis de la Especialización en Teatro de Objetos, Interactividad y Nuevos Medios de la Universidad Nacional de las Artes, UNA.

IG: @lalupeteatro #elcubodenina

Se formó como actriz con Pompeyo Audivert en el Teatro El

Es escenógrafa egresada de la Escuela de Diseño Escénico Saulo Benavente. También se formó en dicha área, con docen-

FB: @lalupeteatro Web: www.lalupeteatro.com.ar Mirá

Nueva e innovadora experiencia para las infancias: ELEGÍ!

Una nueva propuesta escénica - innovadora y lúdica - de Valor Vereda, grupo de referencia en espectáculos paras las infancias.

Con la actuación de Elisa López Oroño y Diego Mazurok, y en dos únicas funciones, Elegí! propone transitar una gran aventura basada en la improvisación y la imaginación.

Elegí! se presenta el sábado 17 y sábado 24 de junio a las 17hs en La Carpintería (Jean Jaures 858, CABA). Pre-venta de entradas a 2 x $5000 (hasta el 31-5) y entrada general a $ 3000 - Por Alternativa.

¿Qué es Elegí!? "La apuesta de Elegí! es plasmar la voz en el cuerpo como única presencia escénica. Para que quede de manifiesto el poder de la fantasía cuando se hace cuerpo mediante el relato. Dos actores, vestuarios neutros, y un espacio libre de escenografías reivindican el valor de la presencia humana y del encuentro".

seguir?

Elegí! es una experiencia narrativa vanguardista dónde Eli y Diego, que están en el escenario, van creando mediante técnicas de improvisación, la historia y los personajes. ¡El público es quien define el desarrollo de esta aventura!.

Todo se sitúa en una isla mágica, con un gran objetivo colectivo: llegar a un único final ganador. Los protagonistas de la travesía son Mirá

¿Se acuerdan de esos libros en los que uno elegía qué camino

Ramiro, Mica y Trini, tres hermanos comunes y corrientes. Niños y niñas de hoy, con intereses de hoy, que se meten en una isla encantada para vivir las aventuras de siempre; esas aventuras que trascienden generaciones, que no aparecen en la tablet, que no se pueden saltear en un zapping, porque estamos ahí, siendo protagonistas.

Eli y Diego habitan un doble rol: hacen de narradores y de personajes a la vez. Desde el escenario ceden el protagonismo al público, a los chicos y a las chicas, para que ellos y ellas sean quienes eligen como sigue la historia.

¿Qué eligen? ¿Seguir al sabio de la isla o ayudar a los caballos?

¿Recuperar el huevo de los deseos o volver al barco? Con cada elección, el público tendrá un desafío que seguirá desde sus butacas.

Será nuestra historia, la que el público elija, la que nos conduzca a un final feliz.

“El entrecruzamiento que hacemos entre la fantasía y la realidad (cuando de la historia pasamos a los desafíos que realizan en equipo desde las butacas) es lo que va tejiendo esa responsabilidad compartida de ser parte de algo colectivo y significativo para todos. Cada función es un vértigo, un abismo creativo que nos invita a habitar un show diferente cada vez".

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Idea Original y puesta en escena:

Valor Vereda

Elenco:

Elisa López Oroño y Diego Mazurok

Asistencia:

Nacho Salerno

Vestuario:

Betanha Almendra

Prensa:

Prensópolis

Redes sociales:

Prensópolis

Producción General:

Vale Donati Producciones

Edad sugerida: de 6 a 10 años

Funciones: Sábados 17 y 24 de junio a las 17hs

Sala: La Carpintería

Jean Jaures 858, CABA

Entrada general: Pre-venta de entradas a 2 x $5000 (hasta el 31-5) y entrada general a $ 3000 - Por Alternativa

Duración: 50 minutos

Sobre Valor Vereda

Valor Vereda desarrolla propuestas lúdicas y musicales para niñas y niños de todas las edades desde el año 2007. Los pilares sobre los que despliega todas sus propuestas son: imaginación, fantasía y creatividad.

Es por eso que el grupo fue declarado de Interés Educativo por el Ministerio de Educación de la Nación (2013), de Interés Educativo, Cultural y Social por la Ciudad Autónoma de Buenos Aires (2015) y sigue comprometiéndose para acercarse a las infancias y la comunidad educativa de un modo respetuoso, dinámico,

original y convocante.

Desde el año 2009 hasta 2012, Valor Vereda desarrolla propuestas teatrales lúdicas e interactivas, como ser la obras “Mini Misión”, Caso 1 y Caso 2, en las que los chicos juegan a ser detectives para resolver un misterio. Luego de estas creaciones redobla la apuesta convirtiendo a la música en un nuevo escenario para el juego. Así nacen sus espectáculos “Canciones para no tener miedo” (2012), “Soy Valiente” (2016) y “Chiribitiles” (2018) de los que surgen sus tres discos.

Ganador del premio ATINA varios años consecutivos y siendo nominado a los Premios Hugo en diversas oportunidades, el grupo se va afianzando en la escena musical para las infancias.

Además, realiza giras por todo el país, siendo recibido en ciudades como: Bariloche, Neuquén, Corrientes y San Miguel de Tucumán. En el AMBA, se presenta en prestigiosos escenarios, entre ellos: Centro Cultural Kirchner, Usina del Arte, Tecnópolis, Sala Caras y Caretas, Teatro Margarita Xirgu y Teatro Chacarerean. Sus integrantes son músicos, actores y docentes con amplia experiencia en el ámbito educativo y cultural: Elisa López Oroño, Diego Mazurok, Lautaro Matute y Agustín Lumerman.

Prensópolis Comunicación y Prensa

Dir. Alejandra Pía Nicolosi

prensopolis@gmail.com info@prensopolis.com.ar

Estreno Domingo 4 de junio 17h

El show de Chacovachi en su 40° aniversario como artista Invitada especial Maku Fanchulini

Funciones: domingos 17hs

Teatro Caras y Caretas

Sarmiento 2037 – CABA

Localidades: $2500 https://publico.alternativateatral.c om

En un mundo lleno de contrariedades, inocencia, acidez, conformismo y rebeldía, este payaso es un verdadero vengador de los adultos. No es tonto, ni ingenuo, ni fácil de digerir. Los malabares, la magia, los equilibrios y la globoflexia son la excusa. Dios, la política, la muerte, las drogas, el poder, la falsa modestia, el amor, los ideales y el conformismo son la razón para reír. Su misión en este mundo es despertar almas desprevenidas.

Un espectáculo que emociona, transforma y arde, lleno de risas, sonrisas y carcajadas, muestra a un payaso auténtico rompiendo con todos los códigos tradicionales de los clowns, en su lucha por entretener sin estupidizar y sobrevivir en el intento.

Autor y dirección: Fernando Cavarozzi (Payaso Chacovachi )

Vestuarista: Carolina Spindola

Sonido: Ringo Cavarozzi Asistencia Escenográfica: Lola Cavarozzi Invitada especial Maku Fanchulini Fernando Cavarozzi (Payaso Chacovachi )

Es payaso de calle, circo y sala,

hace ya 40 años. Se ha presentado en los festivales de teatro más importantes y en las calles y plazas más populares o escondidas, como en villas y favelas de cientos de ciudades en decenas de países. Este año estará junto a su compañera Maku Fanchulini en grandes festivales como Festival Parlapatoes / Mayo (S.P. –Brasil), Festival Tierra de Circo / Octubres (Madrid – España), Festival de Payasos / Octubre – Presentador escenario principal Tran Tran (Islas Canarias – España), F.I.C. Festival Internacional de Circo de Tenerife / Octubre (Tene-

rife – La Gomera – Las Palmas / Islas Canarias).

Durante 16 años fue el payaso de Plaza Francia en Buenos Aires, viviendo de la gorra y convirtiéndose en un referente indiscutido de la sucesión de artistas callejeros de América (habla hispana y portuguesa).

Fue director y fundador del Circo Vachi, con 12 temporadas en la costa argentina, y director de la organización de las convenciones argentinas de circo, payasos y espectáculos callejeros (han tenido 22 ediciones).

En el año 2015, editó el libro teórico, filosófico, ideológico y práctico sobre el arte del payaso callejero titulado "Manual y guía del payaso callejero". Ha tenido 5 ediciones en español y 2 en portugués (Argentina, España, México y Brasil).

Creó un nuevo espectáculo de sala, mudo y de dúo de payasos llamado "Juego de malos".

Su espíritu cómico y libre ha inspirado a muchos payasos de América, España y el mundo.

Durante el 2022 participó junto a Maku Fanchulini de los siguientes festivales alrededor del mundo: Festival Circlou / Junio (Rio de Janeiro – Brasil), Parrulas Fest / Agosto (Galicia – España), Festival de Circo de Zamora / Agosta (Castilla y Leon - España), Festival de Miranda de Ebro / Septiembre (Burgos – España), Festival internacional de clown / Septiembre (Évora . Portugal), Festival de Valsequillo / Septiembre (Las Palmas de Gran Canarias – España), Ciclo de Payasos Flipa / Septiembre (Cádiz – España), Festival de Payasos / Septiembre Tran Tran (Islas Canarias – España), Festival Heart (Lanzarote – España), Encontro Internacional Palhacos - Octubre (Villa Conde – Portugal), Festival de Circo Sesc Circo / Noviembre (Camaqua – Brasil), Festival MishMash / Abril (Curitiba - Brasil), Ciclo Tierra de Circo / Agosto (Madrid - España).

“LA TARÁNTULA” de Patricia Suárez

Dirección : Claudio Aprile

Todas las historias son historias de amor. “La Tarántula” cuenta sobre el amor desesperado e imposible y sobre la posesión de la tierra. Una familia inmigrante corrida por la pobreza y las guerras de su Italia natal se instala en el campo argentino, más precisamente en la provincia de Santa Fe. Han prosperado a fuerza de trabajo duro, pero ahora el primogénito quiere la parte del león. Quiere su parte de tierra e instigado por su esposa, requieren que el padre firme la escritura y se la ceda. De pronto, padre e hijo están disputándose el territorio. Pero, ¿la disputa es sólo por la tierra o por algo más? ¿Qué se esconde detrás? ¿Quién es la tarántula en esta historia?

En la telaraña de la pasión está vibrando el peligro.

Ficha técnico-artística :

Dramaturgia: Patricia Suárez

Actúan: Maia Lancioni, Walter Muni, Gonzalo Pedalino

Diseño de escenografía: Díaz

TaiboEscenografías

Realización de escenografía: Díaz Taibo Escenografías

Música original: Florencia Albarracín

Diseño De Iluminación: Lucas

Orchessi

Fotografía: Rosa Laszewicki

Diseño gráfico: Miur Nagur

Prensa: Kasspress

Producción ejecutiva: Cristina

Sisca

Asistencia de dirección: Tatiana

Gallo

Dirección: Claudio Aprile

Funciones : Martes 21 hs. ÍTACA COMPLEJO TEATRAL

Humahuaca 4027 – CABA

La Tarántula en Alternativa. Comunidad en escena. (alternativateatral.com)

Teatro presencial – Adultos

Entrada general $ 2500

Jubilados y estudiantes $ 2300

“La Tarántula” es una obra de ficción basada en hechos reales. Se

trata de una historia real acaecida en la familia de la autora. Según ella, durante mucho tiempo oyó a su abuela María Recchi (19132004) quejarse de cómo su hermano Fiore (1918 - 1999) les había birlado las tierras campesinas de la herencia familiar en Arminda, un pueblo a 60 kms de Rosario, Santa Fe. Al parecer, contaba María, su hermano Fiore había hecho que el padre -el jefe de familia, Marino Recchi (1888 –1948) venido de Ascoli Piceno, Italia, a la edad de 16 años – le -

firmara en vida la cesión de unas tierras. La autora, consultó entonces a su padre, Juan Alberto Suárez (1939 - ), cómo pudo haber sucedido tal atropello y él contestó: “Lo apuntó con una escopeta para que firmara y él firmó”. A partir de aquí, la autora comenzó la escritura de una obra siguiendo los modismos en el habla que le indicaba su propia hermana. Más tarde, a la hora de corregir, hizo leer la obra por mujeres que tenían la misma conformación familiar que los Recchi: dos hijas y un hijo varón, para venir a descubrir que, al menos hasta el momento de la escritura de la obra en 2010, inconscientemente, en la familias se seguía privilegiando al varón por sobre las mujeres. La obra tuvo su primera puesta en escena en 2011 en el Teatro del Pueblo de la mano de Héctor Oliboni y con Pepe López en el papel del padre. La obra tuvo nominación como Mejor obra del año y Mejor Actor, y López recibió el ACE en esa ocasión. Más tarde, en 2014,

la trilogía con la saga familiar (La tarántula – El escorpión – Natalina) fue editada por la editorial rosarina BALTASARA. Gran parte de la magia que ejerció y ejerce la obra, es referir al campesinado argentino, a tantos descendientes de inmigrantes de italianos y otras naciones, que llegaron arrancados de su tierra por la hambruna, la pobreza o la guerra. Por otra parte, el inmigrante, ese pater familias que aparece en la obra, es un ser trizado en su interior, como tantos italianos. Venían a hacer la América y regresar, mas por una razón u otra debieron quedarse. Hay quienes, después, toda su vida le guardaron rencor a la patria que los echó, y otros a la dura vida de trabajo que debieron llevar en la Argentina. Tal como lo trata Florencio Sánchez en toda su obra: los vínculos de estos inmigrantes con su propia familia, no podían menos que ser un caldero de sentimientos encontrados: el ansia de progresar, la ilusión puesta en el descendiente, y la inevitable decepción, el

apego a la tierra - aún más valiosa para ellos que su propia vida. En La tarántula se quiere hacer empatizar al espectador con aquellos que huyen de su tierra, y vienen a la nada, y por eso el matrimonio y el patrimonio que consigan en el nuevo país, tendrá un valor que nosotros, argentinos de tercera generación, distamos mucho de entender. La autora relata la anécdota de cuando llevó la trilogía a la ciudad de Rafaela, Santa Fe, para trabajar con un grupo filodramático de la tercera edad comandado por el director y actor Arturo Gentilini y por el recordado director entrerriano Lito Senkman. Luego de la lectura, los actores/espectadores la consultaron intrigados: “Estas historias, ¿las tomó usted de tal o cual vecino?” “Esto que usted cuenta, le ocurrió a mi tío”, “Esto que usted pone en escena es la historia de mi familia”.

PRENSA Kasspress kassyarte.producciones@gmail. com

“Hermanos Siralmik” Somos lo que recordamos

Dirección: Ricardo Larrama / Teatro El Camarín de las Musas

Domingo 21 de Mayo a las 20 hs. se estrenó la obra “Hermanos Siralmik” protagonizada por Enrique Amido e Isaac

Jorge Lisorski. Escenografía:

Marcela Rodriguez. Vestuario: Ricardo Larrama. Música original: Fepo Forciniti. Fotografía:

Daniel Peluffo. Video: Bruno

Fontana. Diseño gráfico: Manuela Artola. Asistente de dirección: Juan Firpo.

Producción Ejecutiva: Bibiana

Glait. Colaboración en Drama-

turgia: Soledad Manes. Prensa:

Alfredo Monserrat. Dramaturgia y Dirección: Ricardo Larrama

Las funciones se realizarán todos los domingos a las 20 hs. en teatro

El Camarín de las Musas

Mario Bravo 960. CABA.

Informes: 4862-0655. Entradas en venta en el teatro o por http://www.alternativateatral.co m/obra80321-hermanos-siralmik-somos-lo-que-recordamos Duración de la obra: 55 Minutos. Entradas: $3000.

Sinopsis

Daniel, un hombre de 75 años al separarse de su esposa se ve obligado a volver a la casa

que fuera de sus padres dónde vive su hermano menor soltero quien nunca abandonó esa casa.

La convivencia saca a la luz diferencias irreconciliables. ¿Es un drama? No. ¿Es una comedia? No.

Es una obra que refleja la contradicción del vínculo entre hermanos.

Divertida y profunda, muestra retazos de unas vidas opuestas.

Prensa

Alfredo Monserrat

alfredomonserrat@gmail.com

FAMA Y OLVIDO de CARLOS VITTORELLO

El pasado sábado 6 de mayo a las 21 hs. se estrenó esta obra teatral en El Fino Teatro, Paraná 673, CABA, dirigida por Marcelo Albamonte.

Una vez más se unen Estela Ojeda, premiada compositora y pianista que interpreta a Lea, y la actriz y cantante Mercedes Olivera cuyo rol es Marguerite, una cantante de 96 años.

La historia transcurre en Francia, durante las guerras mundiales y narra la vida de Marguerite y su pianista Lea que la acompaña durante toda su carrera musical. Marguerite canta en burdeles pero comienza a estudiar y entra en el mundo de la ópera.

La obra transita diversos momentos de la vida de la cantante de 96 años atravesando prácticamente toda su vida, desde niña, cuando fue abandonada por su familia y pasó hambre, hasta el momento de su muerte. Es un viaje emotivo y musical a lo largo de su vida acompañada por su pianista Lea. Se trata de una realidad muy dura, plagada de miseria y aban-

dono pero de una gran vitalidad y deseo de supervivencia. Las historias amorosas también son protagonistas de la pieza junto con la música y el canto. La complementación entre ambas artistas es sorprendente. Son un dúo muy afinado. Estela Ojeda, eximia pianista, marca por momentos el ritmo de la historia y es muy creativa en el diálogo que entabla con el piano y la intérprete. Por su

parte, Mercedes Olivera muestra gran solvencia y destreza en su actuación y su canto que además viene acompañado por el cambio de un muy adecuado, variado y elegante vestuario. Interpreta fragmentos de La traviata de G. Verdi, de Carmen de Bizet, canciones en alemán y en español. Un disfrute para los amantes del bel canto. Chapeau!!! Mirá

TEATRO EL FINO

Paraná 673 - 1° piso (por escalera)

www.teatroelfino.com

Duración : 75 minutos - Teatro adultos - Presencial

Todos los sábados desde el 6 de mayo al 24 de junio

El valor de la entrada es de $3000 y están disponibles en Alternativa Teatral: Mí amiga Frehel en Alternativa.

LAPLATA C.A.B.A.

Comunidad en escena. (alternativateatral.com)

Libro: Carlos Vittorello

Intérpretes: Mercedes Olivera, Estela F. Ojeda

Piano: Estela F. Ojeda

Dirección de arte: Giselle Lalo

Vestuario: Jorge Maselli

Fotografía : Marcela Russarabian

Asistencia de Dirección: Maca-

rena Machado Zubeldía

Prensa : Kasspress

Dirección general: Marcelo Albamonte

María Inés Grimoldi

www.inesgrimolditeatro.com

Prensa

Kasspress

kassyarte.producciones@gmail. com

ESTRENO 14 DE JUNIO

LO QUE EL RÍO HACE

Una obra escrita, actuada y dirigida por María Marull y Paula Marull

Premios Trinidad Guevara 2022 en el rubro Autoría (María Marull y Paula Marull)

Actuación masculina (Mariano Saborido)

Premio Radio France 2022

Premio Talía de España 2022

Amelia está desbordada, perdida entre objetos y obligaciones, su presente es una montaña de exigencias que trata de escalar cada mañana.

La muerte de su padre la obliga a

MiráBA 100

volver al pueblo donde pasó su infancia: un escenario vacío donde nada es como lo recordaba; salvo el río, que la invitará a reconocerse en su reflejo o a sumergirse hasta tocar el fondo.

¿Y si ésa que fuimos existiera?

¿Si un día se nos presenta? ¿Si de tanto perseguirnos nos alcanza? ¿Qué haríamos con ella?

¿La reconoceríamos? ¿La abrazaríamos ? ¿La ignoraríamos para poder seguir siendo quienes

somos?

¿El tiempo que no vivimos está guardado para nosotros en alguna parte? ¿Las palabras que no dijimos existen todavía? Las que no escuchamos, ¿se volverán a pronunciar para nosotros? ¿Adónde se esconde el tiempo?

ELENCO:

María Marull, Paula Marull, William Prociuk, Mónica Raiola, Mariano Saborido y Débora Zanolli

Música original: Antonio Tarragó Ros

Asistencia artística:

Alejandra D’Elia

Diseño de Iluminación:

Adrián Grimozzi

Diseño de Vestuario:

LAPLATA C.A.B.A.

Jam Monti

Diseño de Escenografía:

Gonzalo Córdoba Estévez

Fotografía: Carlos Furman

FUNCIONES:

Martes y Miércoles de Junio a las 20hs.

Teatro Astros Entradas: $4000

En: www.teatro-astros.com

PRENSA Raúl Casalotti

raulcasalotti@smwpress.com

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¡ESTRENO 2023! Marcelo Moncarz presenta REQUIEM en Área 623

Se presenta por primera vez en Argentina el texto israelí más representado en el mundo. Réquiem (Hashkavá) es la última obra escrita y dirigida por el multipremiado Hanoch Levin, y es también su obra más personal.

Una pareja de ancianos, una joven madre y un cochero, signados por la enfermedad y la lamentación. Borrachos y prostitutas, en busca de una aparente felicidad. Ángeles, redimiéndolos de todo eso que parece insalvable. Inspirado en los personajes de tres historias breves de Antón Chéjov, Réquiem es un bello cuento de hadas sobre la muerte que reflexiona acerca de la vida, la que es, y también la que pudo haber sido...

LUNES A LAS 20 HORAS

Área 623 - Pasco 623

Entrada general $2800

A la venta por Eventbrite

“La vida me fue llevando y yo acepté. Hacía largas colas para recibir un poco de azúcar y pan. Siempre las colas eran largas y mi turno nunca llegaba.”

Hanoch Levin

FICHA TÉCNICA

Autor: Hanoch Levin

Traducción: Susana Novomisky

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LAPLATA C.A.B.A.

Adaptación: Marcelo Moncarz

Actúan: Roberto Mosca, Elena Petraglia, Cristian Sabaz, Marcelo Rodríguez, Paula Vautier

Titiriteras: Ariadna Bufano, Andrea Baamonde, Melisa Joss

Diseño de títeres: Jorge

López y Andrea Baamonde

Realización de títeres: Andrea Baamonde

Colaboración artística en de títeres: Ariadna Bufano

Diseño de escenografía y vestuario: Jorge López

Diseño de iluminación: Daniela García Dorato

Música original: Rony Keselman

Coreografía: Mecha Fernández

Fotografía: Ollantay Sanchez

Diseño: Grafico Cocolino

Comunicación y prensa: Mutuverría PR

Asistencia de dirección: Ollantay Sanchez

Producción ejecutiva y artística: Alejandra García

Puesta en escena y dirección: Marcelo Moncarz

Duración: 75 minutos

Prensa

Mutuverría

info@mutuverria.com

“Siempre en el final hay belleza”

ESTRENO JUEVES 8 DE JUNIO

SUAVECITA Con Camila Peralta Escrita y dirigida por Martín Bontempo

Suavecita funda un mito. Una fantasía marginal y pegajosa. En el hospital donde trabaja, el rumor corre a sus espaldas. El Dr. Rodríguez la utiliza para probar una terapia alternativa en pacientes terminales.

Suavecita viene a traccionar dos universos: por un lado, el de una mujer que descubre un don para curar a pacientes; y por otro lado, el universo de la ciencia y la medicina tradicional en un hospital público del conurbano. En ese espacio entre lo mágico y lo terrenal aparece ella, con un objetivo más terrenal que mágico: ganar dinero para mantener a su hija y darle las mejores condiciones de vida posibles.

Erotismo, ciencia ficción y misterio se mezclan en el relato de Suavecita mientras descubre que su don es más grande de lo que imagina.

A partir del 8 de junio

NÜN Teatro Bar

Juan Ramírez de Velasco 419, CABA.

Jueves 21h – Entradas $2700

Anticipadas en boletería del teatro y por Alternativa Teatral

FICHA TÉCNICA

Escrita y Dirigida por: Martín Bontempo

Actúa: Camila Peralta

LAPLATA C.A.B.A.

Asistente de dirección: Camila

Miranda

Dirección de Arte: Uriel Cistaro

Diseño de Luces: Fernando

Chacoma

Música: Germán Severina

Supervisión de texto: Ignacio

Bartolone

Diseño gráfico: Karina Hernández

Fotos: Facundo Irish Suarez

Diseño de maquillaje: Adam

Efron

Prensa: Varas Otero

Producción ejecutiva: Alejandra

Menalled

Producción General: NÜN Teatro Bar

Crédito fotografías: @irishsuarez

Acerca de Martín Bontempo

Martín Bontempo (35) es actor, dramaturgo, y director de teatro. Se formó con maestros como Daniel Casablanca, Cristina Banegas, y Mauricio Kartun. Nominado como actor revelación de los premios ACE 2021, desde hace más de diez años produce y participa de distintos espectáculos de la escena teatral de Buenos Aires, entre los que se encuentran: “Las Chicas del Zapping” de la Cía Los Quintana, “El Fausto Criollo” Teatro Nacional Cervantes (obra con la que obtuvo la nominación como actor de reparto en comedia premios Estrella de Mar 2017)

“En La Piel” autor, “La Suerte de la Su” “Mortajas” “Manjar” “Momentáneamente Celia” “Cosas Pesadas Caen” “Un Gólem en Buenos Aires” “Muertos de Risa” entre otros.

Acerca de Camila Peralta

Camila Peralta (31) es actriz de

teatro y cine. En el 2022 protagonizó “Pequeña Pamela” de Mariana Chaud en el Teatro Sarmiento. Participó como actriz en teatro de las obras “Los Rotos” de Alberto Ajaka en el Centro Cultural San Martīn, “Asteroide”” de María Zubiri, con dirección de Cecilia Meijide en el Teatro Nacional Cervantes. En el 2017 ganó la Bienal de Arte Joven BA como actriz de la obra “En La Piel” escrita por Martín Bontempo. Escribió y actuó en “Protagonistas” serie web ganadora de la Bienal 2018. “Protagonistas” recibió diversos premios en el Festival de Bilbao, Marsella, Buenos Aires, Sao Pablo y Seúl. También actuó en

las series “Quiero vivir a tu lado” y "Planners I y II" con dirección de Daniel Barone. “División Palermo” de Santiago Korovsky para Netflix, “Casi Feliz” de Sebastian Wainraich, protagonista de "Maternidark" de Romina Tamburello, para la tv pública, entre otras.

Realizó las películas “Puan” de María Alché y Benjamín Nashtiat, “No hay nadie” de Camila Fabri, “Los paseos” de Esteban Tavaznick, “Emilia” de Cesar Sodero, entre otras.

PRENSA Lic. Susan Lonetti

Winnie y Richard

Dramaturgia: Guillermo Vidal - Dirección: Celina González del Solar

Elenco: María Eugenia "Uki" Capellari y Gabriel Nicola

Dos actores que además son pareja ensayan escenas de Romeo y Julieta en una época en la cual las mujeres no podían actuar.

Él, Richard, se ve obligado a hacerse cargo del papel de Julieta donde se destacó cuando era joven, un rol que hace tiempo no desempeña y duda si podrá volver a hacerlo. Es su mujer, Winnie, que deseando ser Julieta accede a ayudarlo, sin dejar de hacer sus reclamos por la imposibilidad que tienen las mujeres de acceder a los roles femeninos.

Este conflicto que atraviesa la obra es una sombra en la relación de ambos, pero no alcanza para desatar una tragedia, lo prioritario es salir a escena y actuar.

FICHA TECNICO / ARTISTICA

Dramaturgia:

Guillermo Vidal

Dirección:

Celina González del Solar

Elenco: :

María Eugenia "Uki" Capellari y Gabriel Nicola

Diseño de escenografía, vestuario e iluminación:

Jorgelina Herrero Pons

Asistente de dirección:

Pía González del Solar

Diseño gráfico:

Guillermo Vidal FUNCIONES

Teatro: Paraje Artesón

Palestina 919 - CABA

Funciones: Domingos 17hs

Localidades: $2200

GUILLERMO VIDAL (autor)

Estudió Dirección de actores con Laura Yusem, dirección con Mariano Tralkiner, dramaturgia con Mauricio Kartum y, actualmente, puesta en escena con Rubén Szuchmacher.

Escribió y dirigió el sainete “El cartero resucitado”. Es autor también de “Las dos orillas”, obra sobre la conquista del Perú estrenada en el teatro “La Rábida” con dirección de Celina González del Solar, donde se desempeñó además como asistente de dirección. Es escritor de ciencia ficción e ilustrador.

GABRIEL NICOLA (Actor)

Gabriel Nicola es actor, psicoanalista (UBA), Ex docente titular del Seminario Arte/Psicoanálisis: La Creación en la escena teatral (UNA). Ha coordinado y dictado talleres de juegos teatrales y cine en dispositivos terapeúticos en el marco de instituciones públicas y privadas. Actuación en las compañías: Teatristas Del Imaginaria y La Muda. Espacio Teatral Del Borde. Como actor se forma con Felisa Yeni, Marcelo Mangone, Ricardo Bartís, Hugo Urquijo entre otros. Ha trabajado en “Yo, Febuerbach”. Dir. Jorge Haker; “Hombres y cosas” Dir. A. Martínez; “Política en enaguas” y “Huellas de tinta” Dir. M. Mangone; “Los desórdenes de la carne” Dir. Alfredo Ramos (Premio ACE Mejor espectáculo alternativo

LAPLATA C.A.B.A.

2009) Teatro Abasto; “Muñeca” y “Antígona furiosa” Dir. Teresa Sarrail / Sandra Torlucci. Teatro DelBorde; “ANTÍOCO y SELEUCO”; Dir. Julio Baccaro/UNA/UCA; “La espera trágica”, de E. Pavlovsky. Dir: Antonio Bax. Teatro Paraje Artesón; Ciclo Teatro Reído. “Gracias por su visita” de Luis Sáez. Dir. Marcelo Mangone. Centro Cultural Borges. “La tempestad” de W. Shakespeare. Dir: Alfredo Martin. Teatro Andamio 90. “Iracunda tristeza”, de Gilda Bona. Dir. Silvia Hilario. Teatro El tinglado; “Corazón de titanio” de Miguel. A. Diani. Dir. Alejandra Galdame. Teatro Del Pueblo. Sala teatro abierto; “Territorio pueblo” Creación colectiva. Dir. Antonio Bax. Vera Vera Teatro. “Mortaja gritona de alas oscuras” Cortometraje de Natalia Fernández, personaje interpretado: Coronel Leiva. “Nacidos por escrito II” Canal Encuentro, conducido por Silvia Hopenhayn, personaje interpretado: Juan José Castelli. “El chico de la habitación azul”, de Miguel. A. Diani. Dirección Enrique Dacal. Teatro del Pueblo; “Casi millonarios” y “El extraño caso del sr. Oruga”, de Miguel A. Diani. Dirección Nora Massi para el radioteatro Las dos carátulas. Radio Nacional.

MARIA EUGENIA CAPPELLARI (Actriz)

María Eugenia Capellari es Licenciada en Actuación egresada de la UNA (Universidad Nacional de las Artes). Se desempeña desde 1996 y hasta el momento como actriz y/o directora o codirectora en diversos espectáculos del medio teatral. u

Entre el 2015 y el 2022 participó como actriz en diferentes espectáculos:

“Los asesinos de los días de fiesta”, adaptación de la novela de Marco Denevi, dirigida por Marcelo Velazquez; “Ciclo de Teatro Breve” de Ariel Barchilon, dirigido por Marcelo Velázquez en el Teatro Celcit. “El Argentino Perfecto” con dirección y dramaturgia de Ana Laura Suárez casino en el Beckett Teatro. Participación en la obra “Algo de Ricardo” de Gabriel Calderón con dirección de Mónica Benavidez en La carpintería teatro; “Antígona furiosa” de Griselda Gambaro, dirigida por Teresa Sarrail y Sandra Torlucci, “La mujer en el auto” de Félix Miterer, dirigida por Teresa Sarrail; y otras.

Como docente en el área de actuación da clases desde el año 2004 en la UNA (Universidad Nacional de las Artes) en materias de la Licenciatura en Actuación y de la Licenciatura en Dirección Escénica. En el año 2012 es Ayudante de Primera concursada en la materia de Actuación III; Cátedra Teresa Sarrail. En dicha cátedra es mencionada JTP interina por resolución del consejo académico de la UNA. Desde el año 2013 y hasta el 2015 fue ayudante invitada en la materia Análisis Dramatúrgico, de la Maestría en Dramaturgia de la UNA. Desde el año 2016 es Adjunta Ordinaria en la cátedra de Actuación III, títular Prof. Mercedes Fraile; y desde el mismo año desempeña el cargo de Coordinadora General y del Departamento de Artes Dramáticas del CINO (Curso Introductorio de Nivelación y

Orientación) en la UNA.

Ha sido jurado de premiación de la categoría “Obra de teatro” en el Festival Artístico de la Universidad de las Artes (FAUNA).

Ha sido jurado de defensas de tesinas en el Departamento de Artes Dramáticas y en el Departamento de Artes del Movimiento de la UNA en los años 2016 y 2021.

Fue docente titular interina en las materias de Actuación II y III y Análisis Dramatúrgico Escénico y Literario II en el Instituto Terciario de Arte y Creatividad de Pilar.

Ha desarrollado muestras de teatro con estructura de obra y dramaturgia grupal dentro del ámbito académico en el marco de las materias Actuación y Dirección Escénica; así como también producción artística por fuera del ámbito universitario como actriz y directora.

Se perfeccionó con Augusto Fernandes, Oscar Cruz, Carlos Gandolfo, Enrique Buenaventura, Valentín Topliakov, Susana Milderman y equipo, Osvaldo Bermúdez, Roxana Grinstein, Adelaida Mangani, Fedora Aberastury, Fanny Fridman, Patricia Lerner.

Se desempeñó como decana del Departamento de Artes Dramáticas del IUNA en 2000 y como vicedecana desde 2001 a 2007; como profesora titular de Actuación I y III en el IUNA.

Como actriz trabajó en: Pelícano, de August Strindberg, dirigida Luis Cano; El marinero, de Fernando Pessoa, dirigida por Mónica Driollet; Madre e hijo, de César Aira, dirigida por Emitia Goiti; Muñeca, de Armando Discépolo, dirigida por Teresa Sarrail y Sandra Torlucci, entre otras.

Dirigió Las dos orillas, de Guillermo Vidal, La Feria de Ringal, Más fácil que llorar, de Bernardo Cappa; Ofelia, creación colectiva y Hombre con Sol, de Luis Sarlanga.

PÍA GONZÁLEZ DEL SOLAR (asistente de dirección)

CELINA GONZÁLEZ DEL SOLAR (directora)

Es profesora nacional de Arte Dramático, egresada del IUNA.

Estudió actuación en formación no académica con Pablo Seijo, Vanesa Maja, Ana Garibaldi, María Inés Sancerni. Estudió en Timbre 4.

Andrea Feiguin Comunicación y prensa info@tehagolaprensa.com.ar www.tehagolaprensa.com.ar

Si alguna vez te hace falta mi vida

Escrita y dirigida por Alfredo Martín

construir un acto nuevo.

DICE ALFREDO MARTÍN:

La obra relata la relación de dos mujeres unidas por un vínculo que se revelará mientras ensayan distintas obras, plenas de citas reconocibles para los amantes del teatro.

FUNCIONES:

Viernes a las 20h.

Teatro El Crisol: Malabia 611CABA-.

Entrada: $ 2000.- con desc a estudiantes y jubilados a 1500.

Sinopsis

Una vieja actriz, refugiada en un teatro abandonado, ensaya su última obra. Los sonidos de la iglesia vecina interrumpen su trabajo. Una periodista le propone una entrevista, y comienzan a desandar su historia. Despiertan los fantas-

mas del pasado, mientras crece la incertidumbre acerca de esa mujer desconocida. Los ensayos avanzan, hasta tornarse compartidos. Convocan a Chejov, García Lorca y Florencio Sánchez, y con ellos bordean un secreto a punto de develarse. La revolución de las pequeñas cosas, planteada por Florencio Sánchez en su obra Puertas adentro, plantea una vuelta al pensamiento anarquista, que recupera la posibilidad de acción política para cada ser humano, desde su propio obrar cotidiano. El recorrido que realizan estas mujeres, aparentemente desconocidas, por distintos autores teatrales, produce una revelación y una transformación de su vínculo humano y familiar. El arte y la ficción se aparean con la vida para

“¿Puede el teatro volver a reunir, lo que la vida ha separado? La poderosa urdimbre que teje la escena, modifica los cuerpos sensibles y despabila las almas. Desde otro lugar se produce un trabajo de reparación, un hacer en libertad, y la vida se vuelve más vivible. El teatro como práctica artística y social, alimenta otras formas posibles de alianza y resistencia, frente del giro individualista, y brutalmente excluyente que está tomando nuestra sociedad actual. Si alguna vez te hace falta mi vida, nos habla de eso.”

FICHA TÉCNICA-ARTÍSTICA

Elenco: Rosana López: Ada, la periodista y Elida Schinocca: Eloísa Quiroga / Asistencia de dirección: Ana Pasulevicius / Asesoramiento Artístico: Marcelo Bucossi / Diseño y realización de escenografía: Fernando Díaz / Iluminación: Fernando Diaz y Alfredo Martín / Vestuario: Nélida Bellomo / Música y sonido: Quique Sosa / Fotografías y redes: Sol Atta / Prensa y difusión: Paula Simkin / Dramaturgia y Dirección: Alfredo Martin

Prensa: Paula Simkin paulasimkin@gmail.com

Estreno sábado 3 de junio 20hs

La ventana del árbol y Ana Frank

Autor: Gustavo Gersber - Adaptación y dirección: Marcia Alejandra Rago

Idea original: Héctor Shalom - Intérprete: Clementina Mourier

A partir de una consigna escolar, Eva se pondrá en la piel de Ana Frank y reflexionará sobre la violencia, la discriminación, el odio y el amor desde de las propias palabras del Diario, sus sentimientos y el mundo que la rodea.

Tras conocer la historia, intentará averiguar cómo a ella le gustaría que sus compañeros la recuerden en un futuro. Ana Frank fue la joven judía alemana que, escondida junto a su familia y otros miembros de la comunidad, registró en su diario íntimo los oscuros años de persecución por parte del régimen nazi.

FICHA TÉCNICA:

Autor: Gustavo Gersberg

Adaptación y dirección: Marcia

Alejandra Rago

Idea Original: Héctor Shalom

Intérprete: Clementina Mourier

Voz locutor: Maximiliano Romero

Realización audiovisual: Samir Bitar

Asistente de realización audiovisual: Rocío Moser

Diseño del vestido: Carlos Di

Pasquo

Diseño de iluminación: David

Seiras

Asistente de dirección: Beatriz

Mayorga

Producción general: Centro Ana Frank para América Latina

Duración: 50 minutos

Funciones: La ventana del árbol y Ana Frank

Teatro Ana Frank: Superí 2639 –CABA

Funciones: sábados 20:00 hs.

Entradas: $2000 - La entrada incluye una visita previa al Museo 18.30hs, donde se encuentra una réplica del escondite donde estuvo la joven escritora. Jubilados, estudiantes y docentes: $1800 https://publico.alternativateatral.c o

CLEMENTINA MOURIER: Estudiante de la Licenciatura en Actuación en la UNA. Tomó clases de teatto con Javier Lombardo, Bernarda Pagés y Walter Scaminaci; y técnica vocal con Otheguy. Fue protagonista, en cine, de La lenta máquina del desamor, Las que fuimos en el alba, Zincarpa, Azul,Juntos, La larga noche, Retuit Cuéntalo, y participó en Juntos, Verano; la obra de teatro Sofi en el reino del revés y fue parte del coro de Ladrones.

MARCIA ALEJANDRA RAGO: Licenciada en Artes y Cs. del Teatro de la Universidad J.F.Kennedy. Actriz, dramaturga, directora, docente. Se formó en

actuación con Hugo Midón, canto con Carlos Gianni y Mariano Moruja, coreografía con Gabi Goldberg y Marta Monteagudo; puesta en escena con Rubén Szchumacher, dramaturgia con Marcelo Bertuccio y Cecilia Propato, narración oral con Ana María Bovo, producción de espacios culturales con Paula Travnik, pedagogía teatral con Débora Astrosky, iluminación con Héctor Calmet. Participó de clases magistrales con Borja Ortiz de Gondra, Patrice Pavis y Augusto Boal. Autora y directora de Te cuento un cuento, Más lindo de a dos, Cuadros de Mujer en 2x4 y Juguemos todos a jugar; estas dos últimas seleccionadas para ser editadas por Editorial Estela y La Crujía. Tuvo a su cargo la dramaturgia y dirección del festejo del 60* Aniversario del Colegium Músicum de Buenos Aires en el Teatro Municipal General San Martín. En 2012 recibió Mención de Honor por sus Monólogos Hiperbreves La Espera y Tiempo en el Concurso Internacional de Microficción Dramatúrgica Garzón Céspedes - España. Actualmente, es Coordinadora de la Sala de Teatro Ana Frank.

TEHAGOLAPRENSA

Andrea Feiguin - Comunicación y prensa info@tehagolaprensa.com.ar www.tehagolaprensa.com.ar

ESTRENO DOMINGO 11 DE JUNIO 19HS

CARMENCITA Comedia farsesca

De Patricia Suárez - Dirección Juan Medina

åEntre las historias personales y familiares de Menena y Rosario, se irán desatando los secretos con los que cargan estas dos hermanas que se reencuentran gracias a la muerte de su madre.

Usando sus historias personales, nos llevarán a cuestionar los estereotipos y mandatos con los que cargaban las mujeres de aquella época y a descubrir cuales siguen vigentes.

Nos sumergimos en el fascinante mundo de la caricatura farsesca, utilizando esta herramienta como medio de distanciamiento para alcanzar una comprensión más profunda y perspicaz de las situaciones planteadas en el texto. Creamos un universo en el que los espectadores se cuestionan constantemente: ¿es esto real? ¿es un sueño? ¿de qué me estoy riendo? Porque, en última instancia, lo más intrigante de una obra no es encontrar respuestas, sino despertar preguntas en nuestra mente.

CARMENCITA

Comedia farsesca

De Patricia Suárez

Dirección Juan Medina

Actrices: Melina

Bustamante y Paula

Villarreal

Teatro Espacio

Abierto

Pasaje Carabelas 255

CABA

Funciones: domingos a las 19hs Entradas $ 2500

Melina Bustamante – Actriz (Personaje. Rosarito) Actriz · Docente teatral. Su formación comprende entrenamiento en Comedia del Arte y uso de máscaras, seminario "la construcción identitaria del sujeto escénico", seminario de Clown y taller

de entrenamiento actoral del Teatro San Martín. Participó de las obras: Ideas (comedia del arte) Impro Callejero, Huellas (proyecto performático multidisciplinario), La Mala Sangre y El Enfermo Imaginario, Deliciosa y espantosa bajo la dirección de Juan medina con la que participaron del festival “Viví teatro Chajarí”. en el contexto de una gira por Entre Ríos

con tres temporadas en CABA y varias funciones por la provincia de Bs. As.

Paula Villarreal – Actriz (Personaje. Menena)

Paula es licenciada en actuación, recibida en el IUNA. y con una formación posterior teniendo como maestros a gene. Carlos Ianni, Rubens Correa, Inda Ledesma y Salvador Amore entre otros. del 2001 al 2005 ejerció la docencia en diferentes talleres de Concepción del Uruguay . Entre Ríos donde nació y dio sus primeros pasos en el teatro, transitando textos desde Alejandro Casona hasta Susana Torres Molina. Ya en Buenos Aires participó de la obra El médico a palos, también protagonizó dos unipersonales: La mujer incompleta de Roberto Talice y La llave bajo la dirección de Juan Medina.

2005. Se formó como director con Salvador Amore en ETBA Y con Carlos Ianni en el CELCIT.

Dirigió La Mujer Incompleta de Talice. Antonio el poeta y Liliana de Abel Bustos. Femenino, La Otra y Dos Mujeres de Daulte. La Llave de H Costantini. La mujer sola de Dario Fó Y Franca Rame. Esperando el Lunes y Desde el Andamio de Carlos Alsina, La Espera Trágica de Pavlovski. Deliciosa de Cuzzani y Co-dirigió y actuó en NN de Salvador Amore en 2019.

Patricia Suárez - Autora Es dramaturga y narradora. Como dramaturga escribió Valhala, realizada en el Teatro del Angel en el 2003; la trilogía Las polacas, compuesta por Historias tártaras; Casamentera (Premio Fondo Nacional de las Artes 2001) y La Varsovia (Premio Instituto Nacional de Teatro 2001), estrenadas en 2002 en Buenos Aires.

obra Kadish para mi madre. Algunas obras suyas fueron representadas en el extranjero, como La rosa Mística en el Proyecto Padre, del Teatro San Martín de Caracas, de la mano de Gustavo Ott (2009); Disparos por Amor dirigida por Jorge Cassino en Madrid (2010) y La engañifa, espectáculo de Marta Monzón basado en Las Polacas, en La Paz, Bolivia, en 2011. Las lecturas de las obras: Herr Klement en la Radio Polaca Nacional (2010), La chica serbia (2011), Chiclana, Cádiz; Casamentera (2012) en la State University de Ohio; Rudolf (2012) Madrid, España y La huelga de las escobas (2012) en co autoría con M. Ogando y R. Aramburu, en el Teatro Stabile di Genova. En 2011, recibió el I Premio Latinoamericano Argentores por su obra Natalina.

Juan Medina - Director Actor

·

Director

·

Escenógrafo · Psicólogo Social- gestor culturaltécnico en comunicación social y cultural. Cursó los tres niveles de Teatro en la Escuela de Teatro Municipal de Moreno (Bs.As.). Actualmente se desempeña como Realizador Escenográfico en la TV Pública, también es Director y Asesor de Arte de Proyectos Teatrales y Audiovisuales desde

Fue nominada al Premio Trinidad Guevara por la autoría de Las Polacas. Recibió el premio Scrittura della differenza por su obra Edgardo practica, Cósima hace magia. También, recibió el Premio Argentores a la Producción 2005 por la obra Roter Himmel, escrita junto a María Rosa Pfeiffer, y el primer premio de Obras de Teatro 2007 del INT por La Bámbola, escrita también junto a Pfeiffer. Recibió además el Primer Premio del IV Concurso de Teatro de humor de la Biblioteca Teatral Hueney de Neuquén por la obra Miracolosa. En 2010, estrenó en Actor’s Studio de Buenos Aires la

Actualmente, está en proyecto un espectáculo musical basado en la trilogía Las Polacas (Polish Girls) para exhibirse en Gala Theatre de Washington con Hugo Medrano como su director, en 2015. Además, acaba de estrenarse Rudolf dirigido por Cristina Rota en el Teatro Mirador, de Madrid y, en los próximos meses, Luis Manuel Cabrera, del Teatro Melpómene de Puebla, Mexico, estrenará la obra El Mal. En este momento, Patricia Suárez está escribiendo El viaje de la vergüenza para ser dirigido por Mario Ernesto Sánchez en el Teatro Avante de Miami.

ESTRENO. El Cultural San Martín - Sarmiento 1551

DESCUBRIENDO AL CHE

Hipótesis desordenada sobre quién fue el Che Guevara

Libro: Miguel Lozupone

Adaptación: Matías Puricelli, Francisco Ruiz Bartlett

DESCUBRIENDO AL CHE narra los últimos días de Ernesto Che Guevara en la selva boliviana. Los momentos previos a su ejecución y el vínculo que tuvo con sus captores, son el punto de partida para imaginar quiénes fueron las personas que le pasaron por su cabeza antes de morir.

Una hipótesis inicial rodea toda la

obra: ¿cómo se transforma una persona en mito? Y cómo es que siendo un mito termina asesinado en Bolivia sin que nadie lo defienda.

A partir de esa premisa indagamos e imaginamos los últimos encuentros que tuvo con las personas más relevantes en su vida: Aleida, su esposa y compañera de lucha; Celia De La Serna,

su madre; Fidel Castro su gran aliado, y Alberto Granado, su amigo incondicional.

Una puesta dinámica con características de bio-pic, en la que dos cámaras en vivo registran los costados más íntimos de las escenas además de un despliegue de proyecciones que ofrecen información documental para dialogar y enriquecer la historia.

LAPLATA C.A.B.A.

A partir del 13 de mayo –Sábados 21h y Domingos 20h

El Cultural San Martín

Sarmiento 1551

En venta en la boletería y por la web del Cultural https://elculturalsanmartin.ar/artes-escenicas/

Ficha Artística / Técnica

Elenco:

Francisco Ruiz Barlett, Enrique Dumont, Graciela Pafundi, Renzo Morelli, Mariel Neira,

Tadeo Macri, Leonel Camo,

Martina Maisterra, Jisa Rodriguez, Samir Carrillo y Greta

Dumont

Libro: Miguel Lozupone

Adaptación:

Matías Puricelli, Francisco

Ruiz Bartlett

Música original:

Juan Ignacio López

Narrador:

Matías Puricelli

Diseño de escenografía:

Giuliano Benedetti

Diseño de vestuario:

Carol Peiretti

Diseño de luces:

Samir Carrillo

Diseño gráfico:

Lucila Gejtman

Fotografía:

Nacho Lunadei

Comunicación y prensa:

Varas Otero

Redes:

Alexis Mazzitelli, Bochinche

Gráfico

Registro audiovisual del proceso de ensayos:

Samir Carrillo

Asistencia de dirección y producción:

Camila Osa

Asistencia de escena:

Carmela Pando

Producción general: Miguel Lozupone, Centro Cultural San Martín, El Método

Kairós Teatro

Puesta en escena: Seku Faillace, Francisco Ruiz

Bartlett

Dirección audiovisual:

Nicolás Grandi

Dirección de actores y dirección general:

Matías Puricelli

CONTACTO info@varasotero.com.ar Instagram @descubriendoalche

PRENSA

Lic. Susan Lonetti susan.lonetti@gmail.com @suvalo

IMAGINARIOS

8va Temporada!

Un espectáculo de impro y humor en el que tres actores y un músico improvisan en escena a partir de las ideas del público

PABLO RUSCONI JUAN DEMARCO

NICO DEVINCENTE

DESDE JUNIO

Todos los viernes a las 22 hs PASEO LA PLAZA

Sala Cortázar

Avda Corrientes 1660 CABA

Tickets $2300.A la venta en Plateanet

Personajes, conflictos, frases, títulos, estilos musicales y mucho más, son la base de este espectáculo de improvisación que juega y se divierte en complicidad con los espectadores.

Músico: Facundo Salas Fotografía: Kimosavi Producciones

Dirección y Producción: Imaginarios

Algunas opiniones del público en Alternativa Teatral

"Es un show excelente. Una propuesta hermosa y divertida para ir tanto con amigos como con familia. Increíbles actores y muy buena la dinámica del show"

"Los fuí a ver tres veces. ¡Cada función es pura risa! Son actores geniales interpretando y creando en escena. El acompañamiento musical también es muy bueno. Ideal para ir en familia y pasar un rato súper!"

"Disfruté y aprendí esta técnica viendo un espectáculo con mucha dinámica y

humor. Es importante que el público esté dispuesto a jugar. Un aspecto importante es que los actores y el público se conecten para encontrar las historias en el escenario (y este grupo sabe convocar y sostener la atención y la tensión)"

ACERCA DE LOS ACTORES

Pablo Rusconi

Actor y Profesor especializado en improvisación. Desde hace 15 años transita el mundo del teatro. De amplia formación, estudió pedagogía teatral, actuación, improvisación y danza contemporánea. Algunos de sus formadores son Raúl Serrano, Lili Popovich, Nesti Domínguez, Gabriel Gavila, entre otros. Como actor, director y productor independiente formó parte de más de 18 espectáculos.

Juan Demarco

Formado en improvisación teatral, entrenamiento vocal, teatro, danza contemporánea. Egresado de la carrera de Re-

LAPLATA C.A.B.A.

alización Audiovisual. Se desempeña como actor improvisador desde el año 2012. Docente a cargo del taller de improvisación teatral Aprende Impro. Cómo músico editó 3 discos solistas, una banda sonora y realizó giras por el país y los Estados Unidos. Como realizador audiovisual dirige videoclips, series web y cortometrajes desde hace más de 10 años.

Nicolás Devincente

Docente de artes en teatro (U.N.A.) y actor argentino, comenzó sus estudios en la escuela de Alicia Zanca, realizó estudios de técnica vocal, canto, clown y expresión corporal, especializado en la técnica de la improvisación.

Contacto de Prensa

IG @medioshabiles

FB @medioshabilescom

TW @Medioshabiles

medioshabilescom@gmail.co m

Video

Imaginarios en Paseo la Plaza https://youtu.be/3_i7RnWqxYA

Una mirada descarnada sobre un mundo hiperconectado que no logra detenerse nunca.

NO ME LLAMES

Breves tragedias virtuales

“Sin la presencia del otro, la comunicación degenera en un intercambio de información: las relaciones se reemplazan por las conexiones, y así solo se enlaza con lo igual”. Byung

Chul Han

¿Qué pasa cuando las relaciones estallan en la virtualidad? ¿En qué deviene la comunicación cuando es intervenida todo el tiempo por las redes sociales? ¿Cómo se resuelve lo afectivo en la era de la inmediatez y los emoticones?

Una pareja discute por WhatsApp, un grupo de amigas intenta resolver la tristeza a través de las redes sociales, un matri-

no me llames

Breves tragedias virtuales

monio quebrado quiere ponerse de acuerdo vía Zoom y un chat de amigos busca concretar un encuentro presencial. Se trata de historias cruzadas y virtuales que navegan por los complicados laberintos de la red.

Con canciones, sensibilidad, humor y situaciones delirantes, se abre el juego a la reflexión y la identificación.

Una mirada descarnada sobre un mundo hiperconectado que no logra detenerse nunca.

¿Acaso no estamos todos presos de nuestros dispositivos electrónicos?

Con historias cruzadas y virtuales, No me llames propone un viaje con destino incierto por los complicados laberintos de la red.

Mariela Asensio trabaja en la hi-

perconexión, el individualismo y la alienación a partir de cuatro tragedias virtuales que dan lugar a que nos preguntemos cómo nos relacionamos con los dispositivos y los conflictos vinculares que pueden generar. Vane Butera, María Figueras, Paola Luttini y Pablo Toporosi abren el juego a la reflexión y la identificación mediante canciones, humor y situaciones delirantes.

NO ME LLAMES.

Breves tragedias virtuales Escrita y dirigida por Mariela Asensio

FICHA TÉCNICA:

Dramaturgia y dirección: Mariela Asensio

Elenco: Vanesa Butera, María Figueras, Paola Luttini, Pablo Toporosi.

Asistente de dirección: Montse-

rrat Godia

Producción ejecutiva: Antonella

Schiavoni, Celeste Martinez

Cal

Ilustración y animaciones: Marina Lovece

Estilismo: Javier tschudy

Fotografía: Nacho Lunadei

Prensa y comunicación: Varas

FUNCIONES

TEATRO DEL PUEBLO LAVALLE 3636 VIERNES 22H

Entradas en venta por Alternativa Teatral

LAPLATA C.A.B.A.

Contacto: Varas Otero www.varasotero.com.ar Prensa Lic. Susan Lonetti @suvalo susan.lonetti@gmail.com

POCHOLA, LA MURGA

Estreno Domingo 4 de Junio a las 20:30hs en Nün teatro bar

Un Biodrama sobre mi madre, Juana “Pochola” Silva, creadora y directora de la primera murga de mujeres llamada “Rumbo al infierno”. Obra escrita en el Posgrado de Dramaturgia de la Universidad Nacional de las Artes, con el asesoramiento dramatúrgico de Vivi Tellas.

Dramaturgia y dirección: Majo Silva / Intérpretes: Claudia Sti-

gol, Juliana Ramirez Gisbert, Victoria Cestau, Carolina Pfocher, Violeta Fernandez Bussy, Fernando D’amico, Matias Garnica Casusso, Federico Accorinti y Majo Silva / Música original: Damián Ricart y Victoria Gutiérrez

Funciones: Domingos del 4 de Junio al 9 de Julio, 20:30h / Sala: Nün teatro bar, Juan Ra-

mirez de Velasco 419 /Entrada: $2500/ Redes sociales: @pocholamurga

Obra ganadora del premio en Artes escénicas “Canelones Prende- Fondos Culturales 2022”, Uruguay.

Una obra autobiográfica que aborda el rol de la mujer en el carnaval y en la sociedad, atra-

vesando los años cincuenta hasta la actualidad. Una historia que da cuenta del origen de la primera murga conformada íntegramente por mujeres: “Rumbo al infierno”.

Se trata de un Biodrama con perspectiva de género que se encuentra dialogando entre un formato de teatro documental y la estructura de una murga, representada por actrices que cantan en vivo. Dicho cruce da origen a una obra original en cuanto a la forma y a la historia que cuenta, que si bien es real, no se ha visibilizado como debería, siendo que se trata de un surgimiento feminista de mediados del siglo XX. Una dramaturgia rioplatense que da a conocer a una pionera junto a un grupo de mujeres que rompieron las formas impuestas. “Pochola, la murga” es un historia que se dirige a todas aquellas personas que luchan por sus sueños.

Abordé la construcción de la obra a partir de una foto de mi madre que data del año 1958, ella como directora de “Rumbo al infierno”, la primera murga íntegramente de mujeres que participó en el Carnaval oficial y de la cual se tiene registro en la historia. En un tiempo en donde el rol de la mujer estaba limitado a los quehaceres domésticos, estas muchachas decidieron atravesar un sin fin de prejuicios y limitaciones que acarreaba semejante rebeldía. La historia transcurre entre Argentina y Uruguay, proyectándose entre ambos países como fue la vida de mi madre, la mía y la de tan-

tas personas que viven escindidas entre un lugar y otro. La estructura de la obra también se divide y se vuelve a encontrar entre situaciones de ficción y de realidad, entre partes actuadas y partes cantadas, porque la obra cuenta con un coro murguero que, por medio de canciones en vivo, finalizan las escenas transcurridas. Esta obra no solo visibiliza la historia de Pochola Silva y su murga de mujeres “Rumbo al infierno” sino que también da cuenta de una parte de la historia de las mujeres rioplatenses, de nuestra identidad cultural, las distintas vivencias de una familia a través del tiempo y el desarraigo que provoca vivir entre dos países. Una historia de amores y desamores que dialogan entre la ficción y realidad, desde mediados del siglo XX a la actualidad.

Su universo nos interpela poniendo de manifiesto situaciones que en el pasado y en el presente se repiten o se transforman construyendo nuestra propia identidad cultural.

Las funciones se harán en Argentina y Uruguay, con elencos distintos en ambos países.

Sobre Majo Silva: es actriz, directora, maestra de Teatro (Universidad Nacional de las Artes, UNA) Especialista en Dramaturgia por la UNA. Se ha formado con: Mauricio Kartun, Ariel Barchilón, Maruja Bustamante, Lautaro Vilo, Vivi Tellas, Bartolone, y Ariel Farace. En actuación con: Pedro Asquini, Alicia Bruzzo y Cristina Banegas, entre otros.

Ha trabajado en teatro, cine y TV. En el terreno televisivo ha participado en más de una decena de programas, tales como: “La nena” (Canal 9; 1996; “Son amores” (Canal 13; 2003); “La pulsera” (Canal 7; 2017) En cine participó de la ópera prima de Paula Hernández “Herencia”, interpretando a Loli amiga del personaje de Julieta Díaz. Con su grupo Teatro en Construcción creó más de 15 obras que se han llevado a escena entre los años 2010 y 2022. Desde el año 2015 en adelante presenta el espectáculo teatral/musical “Homenaje a Tita Merello”, con el Auspicio de Bamúsica. En la actualidad investiga sobre género y dramaturgia femenina, para su tesis de Maestría de Dramaturgia en la UNA. Trabaja para instituciones varias y en su propio estudio como maestra teatral. Su obra “La Floresta” se originó en pandemia, recibió el Auspicio de Proteatro para producción de obra 2021, formó parte del festival Argentina florece teatral organizado por el Instituto Nacional del Teatro y en el 2022 recibió el auspicio de Proteatro para proyectos espaciales-circulación. Su obra “Pochola, la murga” recibió el premio Artes escénicas “Canelones PrendeFondos Culturales 2022”, Uruguay.

Dramaturgia y dirección: Majo Silva

Asesoramiento dramatúrgico: Vivi Tellas

Intérpretes: Claudia Stigol, Juliana Ramírez Gisbert, Victoria Cestau, Carolina Pfocher, Fernando D’amico, Matías Gar-

nica Casuso, Violeta Fernandez Bussy, Federico Accorinti y Majo Silva

Música original y producción mu-

sical: Damián Ricart - Victoria Gutierrez

Asistente de dirección: Andrea

Soto Batería de murga: Pía

Bava - Ximena Bouso Realiza-

ción de casquetes: Alfredo

Iriarte

Realización de vestuario: Luciana Sepulveda Diseño de luces: Luis Emilio Cerna Mazier Diseño de maquillaje: Maga Liendo

PH: Mailo Romano

Producción: El instante 6 funciones: desde el Domingo 4 de Junio al 9 de Julio, 20:30hs

Sala: Nün teatro bar, Juan Ramirez de Velasco 419

Entradas: $2500 alternativateatral.com/

Duración de la obra: 60 minutos

Redes: @pocholamurga

Contacto:

Majo Silva

majosilvaactriz@gmail.com

https://majosilvaactriz.wixsite.co m/teatro

ESTRENO ABSOLUTO....

Inhóspitos y Rehenes de sí mismos

Sinopsis:

Muestra las debilidades humanas con las que tenemos que aprender a convivir, siete pecados capitales representando en cada uno de sus personajes.

Cada uno de sus protagonistas se encuentran en un lugar inhóspito del cual no pueden salir, siendo rehén de sí mismos.

LAPLATA C.A.B.A.

Un callejón de Buenos Aires , una cita , una reflexión sobre la moral , lo vil y visceral que cada uno llevamos dentro.

¿Hay salida?

ELENCO:

Matias Mocciaro

Manuel Acebo

Genaro Garibotti

Nahuel Jimenez

Juan Pedrouzo

Joaquin Acebo

Tomas Bartfai

Fotografía: Cleiton Enri-

que

Producción ejecutiva: Leiza Garay

Asistente de Direccion: May vicente , Sofia Ghio Libro y Direccion General: Ezequiel Castillo

Miércoles 20:00hs a partir de Junio

TEATRO CPM Multiescena

Av corrientes 1764

Prensa sequi castillo sequicastilloteatro@gmail. com

ESTRENO

VIERNES 9 DE JUNIO

Seríamos una familia…

Dramaturgia y dirección Marigela Ginard Inspirada en el poderoso mundo ficcional de Lucía Berlín

La dramaturga y directora Marigela Ginard presenta “Seríamos una familia…”, obra inspirada en el universo literario de Lucía Berlin, donde tres actrices de distintas generaciones encarnan el mismo personaje para narrar el recorrido de una adolescente en la búsqueda de su propia voz.

¿Dónde buscar amparo del desamor, la soledad, la inequidad? ¿En la maternidad, en la familia, en amores que abandonan? De éste o del otro lado de la frontera (de países, de géneros, de clases sociales), el mandato acecha.

Funciones:

Viernes 21 hs. (hasta el 28/07) Teatro Anfitrión - Venezuela

3340Entrada general: $2500 / Desc.

estudiantes y jubilados

Compra online:

www.alternativateatral.com

Efectivo en boletería del teatro

Acerca de la obra

La obra tiene como germen y/o disparador el trabajo literario de la cuentista Lucía Berlín. Habla sobre los vínculos familiares y la realidad femenina, lo que se espera de una y lo que el mundo tiene para ofrecer ante la soledad

y el desamparo. El aborto, los prejuicios religiosos y morales. Explora la violencia, la desigualdad, la marginalidad y el miedo de las mujeres a la clandestinidad.

La obra está contada en primera persona por un personaje femenino protagonista, interpretado por 3 actrices de 3 generaciones distintas. Esta voz se desdobla a su vez en 3 tiempos distintos: pasado, presente y futuro; de

modo que cada situación es por momentos representada o recordada / anticipada desde la narra

ción. La acción avanza, sin embargo, de manera cronológica. Un viaje sirve de metáfora para la travesía vital de los personajes que se mueven entre territorios vecinos pero rreconciliables,

familiares pero extranjeros. Pa timos del concepto de frontera, de límite divisor, pero también de camino, de recorrido y peregrinación. Para potenciarlo planteamos un espacio escénico que interpele al espectador a partir de la bifrontalidad. Un camino central, con platea a cada lado, que permite ver, acompañar y reflejarse o distanciarse de lo que allí sucede.

LAPLATA C.A.B.A.

Ficha técnico/ artística:

Actuación: Valeria Franchi, Pilar Pacheco, Evelia Romano

Asistencia: Laura Silberberg

Diseño de escenografía y vestuario: Lara Risatti

Diseño de iluminación: Ricardo Sica

Realización escenográfica: Marcelo Paradiso

Fotografía: Foto Estudio Inglize

Diseño Gráfico: Mr. Charles

Prensa: Valeria Franchi

Producción: Vanina Fábrica, Ricardo Sica

Dramaturgia y Dirección: Marigela Ginard

Duración del espectáculo: 60 minutos

Marigela Ginard (Dramaturga y directora)

Actualmente curso el último año de la Tecnicatura Superior en Puesta en Escena en la EMAD. Actoralmente realicé seminarios con Augusto Fernandes, Pompeyo Audivert, Javier Daulte, Guillermo Cacace, Leticia

Mazur, Cristian Drut, Sergio Boris, Toto Castiñeiras entre otros. Como directora mis últimos trabajos Destiempos de

H.L.Daniel, Efecto Luna Llena y Un asunto delicado de Guillermo

Hermida. Como actriz, Casa Linguee de Christian García, Tiernas Criaturas de Gonzalo

Senestrari Dirección: Gonzalo

Senestrari y Sebastián Sanchez Amunategui

PRENSA

Valeria Franchi

valeriafranchiprensa@gmail.com

¡PARA TODA LA FAMILIA!

De Guadalupe Bervih y Daniel Casablanca

El espectáculo, que cosechó las mejores críticas y cinco nominaciones a premios Hugo y ACE, regresa a la cartelera a partir del 13 de mayo y hará funciones todos los sábados a las 16h en el CC25.

Oficiando de cuenta cuentos, Guadalupe Bervih y Daniel Casablanca nos despiertan la imaginación y los sentidos, y nos sumergen en esta aventura que cuenta con música en vivo e increíbles sombras de arena.

En la Aldea Miní, una minúscula aldea litoraleña de tan solo dos casas, dos familias; los Pereyraté y los Garciareté viven apaciblemente, pero guardan un secreto…

Un sapo, un chancho, un yaguareté, un yacaré y Teresita y Mateo son los protagonistas de esta historia de inspiración guaraní.

ESTRENO

Sábados 16H

Centro Cultural 25 de Mayo (CC25)

Dirección: Av Triunvirato 4444

Entradas en venta desde $1000 a través de la web https://entradasba.buenosaires.gob.ar/ y en la boletería del centro cultural.

¡CINCO NOMINACIONES!

Premios ACE: Mejor Espectáculo Infantil 2019

Premios Hugo: Mejor Musical Infantil

Premios Hugo: Mejor Libro y/o

Letra de Musical Infantil

Premios Hugo: Mejor Música en Musical Infantil

Premios Hugo: Mejor Dirección en Musical Infantil

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA

Actúan: Guadalupe BervihDaniel Casablanca

Músicos en escena: Ricardo

Scalise, Dolores Usandivaras

Sombras de arena: Alejandro

Bustos

Idea Original: Guadalupe Bervih - Daniel Casablanca

Música Original: Ricardo Scalise

Dirección: Andrés Sahade

Dirección de Arte: Analía Cristina Morales

Realización: Walter Lamas

Realización de Vestuario: Jorge

Maselli y Beatriz Pertot

Diseño de Luces: Sebastián Ochoa

Escenotécnia: Duilio Della Pittima

Diseño de sonido: Martín Scalise

Asistencia de Producción: Melanie Gómez Moschen

Comunicación: Varas Otero

Diseño Gráfico: María Ana Tapia Sasot

Dijo la prensa

“Esta historia poética y sencilla, inspirada en la cultura guaraní, … Una historia de amor, de pueblo, de creencias, de costumbres argentinas.” –Acción - Nora Lía Sormani

representar la historia, en el que Daniel Casablanca y Guadalupe Bervih alternan entre un tono narrado y dialogado y momentos en que asumen directamente los diversos personajes en acción”

La Nación - Juan Garff

“Un paréntesis para la ternura. (…) la historia que cuenta Guadalupe Bervih y Daniel Casablanca, desplegando los recursos del teatro, pero también de ese otro arte milenario, el de contar cuentos. Y junto a ellos haciendo música en vivo, Ricardo Scalise y Dolores Usandivaras. Otro integrante del elenco termina de delinear la particular poesía que atraviesa toda la propuesta, tierna y graciosa a la vez: Alejandro Bustos, con sus sorprendentes y bellísimas sombras de arena.” –

Página 12 - Karina Micheletto

“La dupla Daniel Casablanca –Guadalupe Bervih plasma un hermoso y redondo cuento en su primera labor autoral conjunta en “YATENCONTRARÉ”, un espectáculo con dirección de Andrés Sahade” –Télam - Sergio Arboleya

CONTACTO: https://www.facebook.com/yatencontrare/

https://www.instagram.com/yatencontrare/

Varas Otero

www.varasotero.com.ar

“Imaginación y dinamismo en una historia campestre. El encanto de la puesta en escena radica ante todo en ese modo de

Prensa Lic. Susan Lonetti

susan.lonetti@gmail.com

@suvalo

Reestreno Sábado 3 de Junio. 5 Únicas funciones

"Tres Soledades"

Dir. Fernando González

El dramaturgo Horacio Piñeiro y el director Fernando González, ambos integrantes del Colectivo Escénico 70T, presentan “Tres Soledades”, un tríptico de monólogos que narran la lucha de diferentes mujeres en una sociedad capitalista y patriarcal. La obra cuenta con la participación de un bandoneonista en vivo.

Una actriz se mete en la piel de tres mujeres atravesadas por distintas formas de soledad con el objeto de interpelar al espectador/a en un contexto mundial de desigualdad, donde su lucha es un faro inspirador para las minorías amenazadas y vulneradas. Los cambios de vestuario que se dan a lo largo de la obra enhebran un tríptico de escenas: “El Diván”, “La Trinchera” e “Hibernar.”

Funciones:

Sábados 18:30 hs. (el 17/6 no hay función - Hasta el 8/7)

Teatro El Desguace

México 3694-

Entradas: $2000

Reservas:

www.alternativateatral.com

Acerca de la obra

Los integrantes son o fueron docentes de la escuela

Padre Carlos Mugica y del Colectivo Escénico70T fundado en 2011, grupo teatral dedicado al varieté de tono satírico. En el 2022 comenzaron los ensayos de esta obra con el objetivo de sumar un grano de arena en la lucha de las minorías frente a un mundo cada vez más globalizado y desigual a partir de tres historias de mujeres. Historias aparentemente inconexas, pero unidas por la misma lógica: la sociedad capitalista patriarcal y sus diferentes formas de operar. La obra se desarrolla en el espacio de representación y el camarín de la actriz para recorrerlos de forma alternada entre los monólogos. Las transiciones constituyen momentos de despojo y armado de cada escena.

Ficha técnica/ artística

Dramaturgia: Horacio Piñeiro

Actuación: Noelia Russo

Música en escena: Guillermo

Saldaño

Diseño de vestuario: Cecilia Pedernera

Sonido: Horacio Piñeiro

Fotografía: Vanina Pokorski

Prensa: Valeria Franchi

Dirección: Fernando González

Duración del espectáculo: 55 minutos

Redes sociales: IG @tres_soledades

Horacio Piñeiro (Dramaturgo)

Profesor y Licenciado en Letras de la UBA y trabaja como docente en CABA. En 2011 creó junto a Fernando González el Colectivo Escénico 70T que congregó a compañeros y compañeras de la Escuela Media Padre Carlos Mu-

gica de Retiro en un proyecto de varieté teatral de tono satírico, grupo aún vigente. Publicó además la novela “Los Fantasmas del Gasómetro” sobre la vieja cancha de San Lorenzo de Almagro. Actualmente conduce también el programa radial “Café Beatle” junto a Pablo S. Alonso en Radio con Aguante.

Fernando González (Director)

Actor, docente y director. Egresado de la Escuela Nacional de Arte Dramático en el año 1991 y además egresado de la carrera de Dirección y Puesta en Escena en la misma escuela en el año 2006. Ha realizado seminarios con los profesores Jorge Hacker, Luis Rossini, Manuel Ledvabni y Cristina Banegas. Trabajó como actor en Hecatombre de Christian W. entre 2016 y å2018, Viaje al corazón de las tinieblas, Opera de Martín Queraltó, texto de Alberto Wainer y puesta en escena de Marina Wainer. Dirigió Aire Profano (dirección y autoría) en el Teatro La ranchería durante el 2022; La Fundación, monólogo seleccionado en el Festival Iberoamericano Tierra de Teatro en el 2021, Bluer durante el 2018 y 2019. Además, en docente de teatro para niñxs, adolescentes y adultos desde 1994.

Noelia Russo (Actriz)

Profesora de Enseñanza media y superior de Ciencias Antropológicas de la UBA y docente de nivel medio en CABA desde 2004. Es integrante del grupo teatral Colectivo Escénico desde el año 2011; grupo teatral que además de sus presentaciones particulares mensuales ha formado parte de diver-

sos festivales a lo largo de estos años. Ha realizado el seminario de Abordaje de escena teatral: La acción dramática de Fernando González en el año 2019. Además ha realizado el curso de Entrenamiento Físico para la escena teatral: El cuerpo presente y el curso de Estatua Viviente con Alejandra Robles en el año 2002.

Guillermo Saldaño (Músico en escena)

Profesor en Comunicación de la UBA, docente de nivel medio en CABA desde 2009 y profesor en la UNSAM desde 2015. Estudia y toca el bandoneón desde el año 2013 y en la actualidad con el músico Alejandro Giró. Forma parte del grupo musical Sí, Querida que fusiona canciones de rock con bandoneón y del grupo de teatro Colectivo Escénico 70t desde el año 2011. Además formó parte de diferentes ensambles de bandoneones para estudiantes dedicados al teatro. Conducción en radio: AM radio Identidad y FM Signos (desde 2008 a 2015)

PRENSA Valeria Franchi

valeriafranchiprensa@gmail.com

Reestreno Viernes 2 de Junio. 5 Únicas funciones

Toda construcción siempre deja polvo

Dramaturgia Belén Bottaro, Georgina Mazzotta

Dirección Pablo D' Elía

vinculares en torno al amor y a la dificultad de ejercerlo… “A deja a B, pero en realidad lo que A hizo fue alejarse. Es posible dejar a alguien? MiráBA 130

Dónde se tiene una persona? La construcción, reconstrucción y deconstrucción de los vínculos siempre deja sus sedimentos.

Funciones:

Viernes de Junio 21 hs. (Hasta el 30/6)

Teatro Mandril

Humberto Primo 2758Entrada General $2200

Compra online: www.alternativateatral.com

Acerca de la obra:

¿De qué están hechos los vínculos? ¿Será que estamos acostumbrados a construirlos en cimientos de tensión? ¿Hasta dónde cede esa estructura? En Toda construcción siempre deja polvo, así, entre líneas, como quien no sabe muy bien por dónde ir y busca en medio del caos, la necesidad de encontrar una forma, otra, de vincularnos irrumpe en los cuerpos y en el espacio, devastando y germinando a la vez.

Ficha técnico / artística

Dramaturgia: Belén Bottaro, Georgina Mazzotta

Actuación: Georgina Mazzotta (Ella1), Belén Bottaro (Ella 2), Germán Moldovan (Él 3), Mariano Kevorkian (Él 4), Francesco Piubel / Chezco Beats (DJ)

Diseño y realización de vestuario y escenografía: Antonela Fucenecco

Diseño de iluminación: Lucas Orchessi

Fotografía y diseño de flyer: Pablo Sánchez

Fotografía de función: Eme Insua

Asistencia en movimiento: Natalia Pena

Prensa: Valeria Franchi

Producción musical: Francesco

Piubel / Chezco Beats

Producción general: Sinmediasgrises Producciones

Dirección: Pablo D' Elía

Agradecimientos: Maiamar Abrodos, Liliana Zarlenga

Duración del espectáculo: 50 minutos

Redes sociales del espectáculo: @toda.construccion

Belén Bottaro (Dramaturga - Actriz)

Es egresada de la Lic. en Actuación de la UNA. Estudió dramaturgia con Mariano Tenconi e Ignacio Bartolone. Estudió danza clásica en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, participando en el ballet “El Cascanuenes” y en la ópera “La flauta mágica”. Es egresada del taller de danza contemporánea del Teatro San Martín. Como actriz se formó con Guillermo Cacace, Mariana Obersztein y Marco Berger, entre otros. Participó como actriz y bailarina en “Elevé” dirigida por Paula Etchebhere y Javier Rodríguez Cano, espectáculo que estuvo dos temporadas en el teatro No-Avestruz y participó de los siguientes festivales: FESTEPE realizado en Perú, dirigido por Julio Cesar Martin Ortiz, Festival Internacional de danza en la Habana (Cuba), Festival Internacional de Danza CoCoA. “Entre” dirigida por Laura De Ferrari y Alejandro Escaño, “Fea” versión de Tío Vania, dirigido por Alejandro Escaño.

LAPLATA C.A.B.A.

Es Lic. en Actuación de la UNA. Formada en danza jazz con Gabriela Balbarrey, flamenco con Rocío Aristimuño y Mónica Romero y contemporáneo con Gabriela Romero, Ana Frenkel y Rodolfo Prantte. Formada en actuación con Stella Galazzi, Luciano Suardi, Mariana Obersztern, entre otros. Actuó en Las Hojas, dirigida por Mariana Obersztern; Entre, dirección Lau Deferrari; Conferencia sobre Nada, dirección Pablo D`Elía. Intérprete/bailarina en Chicos de Varsovia, en el Centro Cultural San Martín, dirección Dennis Smith/Aymará Abramovich y La casa de la llave, nueva ópera documental, dirección Teresa Floriach.

Pablo D’Elía (Director)

Es actor, director y dramaturgo. Licenciado en Actuación y Licenciado en Dirección Escénica de la Universidad Nacional de las Artes. Diplomado en Dramaturgia de la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA. Realizó instancias de intercambio académico en la Universidad de Sao Paulo, Brasil; en la Universidad de Guanajuato, Mèxico y en el Tarragon Theatre, Canadá.

Dirigió más de una decena de obras entre las que se destacan: Viendo morir a Gloria (Premio Artei a la producción independiente 2018); Las Guardianas; Fedra; La mujer Glaciar.

PRENSA

Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com

Georgina Mazzotta (Dramaturga - Actriz)

¡ESTRENO 2023! "Salvar el fuego" Inspirada en el trabajo de Mariana Enriquez

SINOPSIS

"Mi casa se estaba quemando y

sólo podía salvar una cosa. Decidí salvar el fuego. No tengo dónde vivir pero el fuego vive en

mí. Y me defiende discretamente de todo lo impuro. Mi futuro ya no es importante. Sólo cuenta la

intensidad del instante".

- Jean Cocteau -

SALVAR EL FUEGO nos lleva al universo de ‘Las cosas que perdimos en el fuego’ de Mariana Enriquez, donde en una cruda pero cercana distopía las mujeres deciden quemarse para no ser quemadas. El material se

propone el relato de esta historia desde los matices de Enriquez, que exponen diversas y complejas aristas de la violencia y las razones poéticas y políticas de la inmolación.

¡ESTRENO 2023!

SÁBADOS DE MAYO Y JUNIO

A LAS 13 Y 14.30 HORAS

De la tía Espacio - Ecuador 751, timbre 2

Entrada general $2000

En venta por Alternativa Teatral Esta obra formó parte la programación del FIBA 2023.

FICHA ARTÍSTICA

Performers: Victoria Duarte, Gabi Moura, Sol Rieznik

Aguiar, Magui Downes, Jazmín Siñeriz, Myriam Ramírez, Daira Escalera, Juliana Ortiz

Fotografía: Laura Castro

Styling: Chu Riperto

Producción: Jorge Thefs, Juliana Ortiz, De la Tía espacio Comunicación y prensa: Mutuverría PR

Diseño de movimiento: Gabi Moura, Magui Downes

Dramaturgia y adaptación: Jorge Thefs

Sobre texto de: Mariana Enriquez

Directora asistente: Daira Escalera

Dirección general y puesta en escena: Jorge Thefs

Agradecimientos: Mariana Enriquez, Anaclara Rios, Magala Rossi, De la Tía Espacio

Duración: 40 minutos

LAPLATA C.A.B.A.

Jorge Thefs es intérprete, performer, bailarín, director y diseñador de iluminación. Maestro de la maestría en Teatro y Artes Performáticas de la UNA y egresado de la tecnicatura Superior en Puesta en Escena de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático. Como intérprete sus trabajos más reconocidos fueron ‘Carne de consumo personal’ de su autoría y dirección, estrenada en FIBA 2021 en el Centro Cultural Recoleta, proyecto potenciado dentro de la residencia “Incubadora de primeras obras” organizada por el CECAP de la DGEART, la obra participio en el Festival de teatro de Rafaela 2021 y el Festival Vicente López en Escena 2022, en Noviembre de 2021 fue declarada de interés cultural por el ministerio de cultura de la nación, que además participó y fue ganadora de la Bienal de Arte Joven 2021-2022; ‘Yegua’ y ‘Ave del paraíso, flor tropical’ ambas dirigidas por Maruja Bustamante (FIBA 2021-2022), y ‘La oscuridad cubrió la tierra’ de Pablo Rotemberg (FIBA 2019). Trabajó en más de 40 producciones en diferentes roles como diseñador de iluminación, entrenador corporal, asistente de dirección, productor ejecutivo y asesor de movimiento. Es coordinador general de De la tía, sala experimental fundada en 2016. Interesado por el cruce continuo y concreto de disciplinas y tradiciones.

CUARTA TEMPORADA DE ÉXITO! MATEN A HAMLET!

Por “Los Macocos”. Banda de teatro

Con más de 38 años de trayectoria la banda de teatro vuelve con su último gran éxito. Abordando nada más, ni nada menos que el clásico de clásicos Hamlet, no para parodiarlo si no para contar una nueva obra.

Matar a Hamlet para que renazca con todo su humor y profundidad de las cenizas de la solemnidad.

SINOPSIS:

Maten a Hamlet, no es ni una versión, ni una parodia. Es una obra totalmente nueva que cuenta el lado B de la archiconocida tragedia.

Los Macocos, asumen el desafío de abordar con su humor la obra que examina el alma humana y reflejarla como ninguna, sus desvelos, les permite jugar una ficción, dentro de otra ficción, dentro de otra. Una obra, dentro de una obra, dentro de otra. Como una mamushka teatral.

Dan vida a cuatro bufones trashumantes, con hambre de escenario y del otro, que por algún milagro dramatúrgico logran entrometerse en el famoso castillo de Elsinor. Ingresan en Hamlet desde Yorick, desde el icono de Hamlet: la calavera. Son los sucesores de ese bufón que le dio

al príncipe la única gota de amor que destila toda la obra de Shakespeare.

Los cómicos giran sutilmente la trama para ver a Hamlet desde el prisma Macocos, con el humor que caracteriza a la banda, llevando las escenas al delirio, ahondan y honran el oficio del actor, se multiplican, se desdoblan en varios personajes, en muchas voces y cuerpos. Son los avatares del oficio artístico desde el siglo XIII hasta hoy. Nada ha cambiado demasiado Según define la pluma del dramaturgo en este texto “el teatro delata la verdad”.

El teatro es ficción, y la ficción y el humor permite que el mundo soporte su verdad.

FICHA TÉCNICA:

Dramaturgia: Salazar, Irigo, Xicarts, Casablanca y Wolf

Los Macocos son: Daniel Casablanca, Martín Salazar, Gabriel Wolf y Marcelo Xicarts

Dirección: Sebastián Irigo.

Asistente de Dirección: Ramiro

Salazar Oks

Productora Ejecutiva: Jimena

Morrone

Diseño Iluminación: Leandra

Rodríguez

Diseño Escenográfico: Marcelo

Valiente

Diseño Vestuario: Analia C. Morales

Asistente de escenario: Gerónimo Xicarts Moreno

Coreografía: Vanesa García Millán

Música original: Axel Krygier

Prensa: Natalia Bocca

Diseño y Realización del Títere:

Gerardo Porión

Producción General: Sebastián

Irigo y Los Macocos

MATEN A HAMLET!

Reestreno: 3 DE JUNIO

Funciones: Viernes 19:30hs. y

Sábados 22:15hs.

CCC - Centro Cultural de la Cooperación. Sala Solidaridad

Av. Corrientes 1543. CABA

Entradas: Platea $3300. Pullman

$3000. En boletería del teatro o por Alternativa Teatral

Duración: 90 minutos

BIOGRAFÍA DE LOS MACOCOS

Nacidos en la Escuela Nacional de Arte Dramático en noviembre

de 1985, Los Macocos han realizado más de veinte espectáculos propios, creando las claves de un estilo propio y original, emparentado con la tradición cómica rioplatense. Se presentaron tanto en salas del circuito independiente, que los vio nacer, como en teatros oficiales,(T.G. San Martin, T.N. Cervantes, etc.), y de la escena comercial (La Plaza, Metropolitan, Astral, etc.).

También presentaron sus obras en ciudades del interior del país y en distintos festivales del exterior, destacándose Festival Grec, Barcelona, Americartes Washington, Montevideo, entre otros.

En su extensa trayectoria de más de 36 años, cosecharon tanto premios grupales, como individuales por sus espectáculos como A.C.E, Maria Guerrero, Trinidad Guevara, Teatros del Mundo, etc.

Sus textos son estudiados en diferentes Universidades y centros educativos de Argentina, y del exterior.

Entre sus obras se destacan “La Fabulosa Historia de los inolvidables Marrapodi”, “Los Albornoz”, “Continente Viril”, o “Macocos, Adiós y Buena Suerte”.

ha desarrollado una visión general e integral de la profesión teatral. Se formó en dramaturgia con Javier Daulte y Mauricio Kartun, entrenamiento actoral con Julio Chavez. Trabajó como asistente de dirección con directores como Manuel González Gil, José María Paolantonio, Claudio Hochman, Alejandro Tantanian, entre otros.

Entre sus trabajos como dramaturgo y director se destaca: Maten a Hamlet con Los Macocos, Lo único que hice fue jugar, Carnaval del Norte, Al Palo, En el Aire, co autor junto a Manuel González Gil y a Martin Bianchedi, premio Estrella de Mar mejor unipersonal 2013, premio Carlos 2020 mejor libro y mejor unipersonal, Lapsus, Ninfas, el musical (2006 Buenos Aires y 2014 Caracas Venezuela), Todos los pájaros que me saludan tiene la sonrisa de Gardel, Me gusta todo. Obras Infantiles: La Granja de Zenón, Las canciones del Zoo, El Circulo, Original laboratorio de clones.

Como Director, ha dirigido a Los Macocos en Los Albornoz, delicias de una familia Argentina, Los 39 Escalones (Punta del Este, Uruguay), Next to Casi Normales, concierto (parte del elenco original de Broadway y de Bs As), Demoliendo Tangos, La asombrosa excursión de Zamba y Nina en Tecnópolis, Mujeres y niñas mueven e inventan el mundo, en el CCK, ambas para Paka Paka, entre otras.

SOBRE EL DIRECTOR:

Sebastián Irigo, dramaturgo, músico, productor y director teatral. Por su formación y experiencia,

Prensa

Natalia Bocca

VUELVE EL GRAN ÉXITO DEL AÑO PASADO “

La última de Bonaparte”

Con Silvia Pérez, Mauro Álvarez y el músico Agustín Buquete.

Dramaturgia y dirección de Dennis Smith sobre el libro homónimo de Walter Ghedin. Desde el 05 de mayo, todos los viernes a las 20:30 hs. en El Camarín de las Musas.

Regreso a El Camarín de las Musas (Mario Bravo 960), uno de los grandes sucesos del 2022 en el teatro independiente con más de 30 funciones con localidades agotadas.

Se trata de “La última Bonaparte” con Silvia Pérez, Mauro Álvarez y el músico Agustín Buquete. Basada en el libro homónimo de Walter Ghedin y con la dramaturgia y dirección de Dennis.

En “La última Bonaparte” se entrecruzan dos vidas: la de Silvia Pérez y la de Marie Bonaparte. Una sex symbol que conduce un docudrama sobre el último eslabón de la familia Bonaparte, una mujer célebre por investigar su anorgasmia a comienzos del siglo XX y discípula de Sigmund Freud.

Las localidades para “LA ÚLTIMA BONAPARTE” están a la venta en Alternativa Teatral o en la web del teatro.

Síntesis argumental

Silvia Pérez es la cara visible de un documental en proceso sobre

Marie Bonaparte, última descendiente de Napoleón, discípula de Freud, princesa griega y obsesiva investigadora de su propia anorgasmia. Su director, Mauro, la llevará a lo largo de un día en el estudio, a recorrer su historia personal y la de Marie, a través de entrevistas, sesiones de voz en off y doblajes. Poco a poco los límites entre la ficción y la realidad irán desdibujándose. Silvia no querrá perder el control y Mauro hará lo posible para que Silvia se pregunte, sinceramente: ¿por qué una mujer que trabajó media vida de sex symbol quiere interpretar a otra mujer que trabajó media vida para dejar de sufrir anorgasmia?

Dice Dennis Smith sobre el proyecto:

“Cuando en medio de la pandemia Walter Ghedin y Silvia Pérez me acercaron el material lo primero que me convocó fue la pregunta: ¿por qué Silvia Pérez, una figura cristalizada en el imaginario popular como una indiscutible sex symbol, tiene tantos deseos de encarnar a Marie Bonaparte, una mujer que padeció anorgasmia?. La cruza me resultó tan atractiva como misteriosa: no hay respuestas muy claras a priori (y no sé si las hay a posteriori), pero algo de esa pregunta me resultó lo suficientemente atractiva para indagar en la profunda y exhaustiva

investigación de Walter Ghedin sobre la figura de Bonaparte y en la figura de Silvia Pérez, a través de entrevistas en las cuales fuimos intentando establecer un paralelo, un posible mapa de conexiones entre la célebre anorgásmica y la célebre bomba sexual.”

FICHA TÉCNICO – ARTÍSTICA

Elenco: Silvia Pérez /Mauro Álvarez

Guitarra en vivo y composición: Agustín Buquete

Fotografía: Nahuel Berger

Realización de video: Lucio

Bazzalo

Diseño lumínico: Ricky Sica

Prensa y comunicación: BMZ Comunicaciones

Coordinadora de Prensa: Verónica Larrea

Producción ejecutiva: Luciana Lippi

Producción general: Walter Ghedin

Libro original: Walter Ghedin

Versión teatral y Dirección: Dennis Smith

Todos los Viernes a las 20:30 hs. El Camarín de las Musas

Mario Bravo 960 – CABA

Entradas en Alternativa Teatral o en la web del teatro.

Dijo la crítica

“La última Bonaparte es un docu-

drama brillante con actuaciones superlativas de Silvia Pérez y Mauro Álvarez Un espectáculo atrapante, estupendamente actuado, que poetiza con humor lo profano y lo sagrado que tiene la vida, que tiene el teatro”.

EXCELENTE (Leni González, LA NACIÓN)

“...a medida que el espectáculo se desenvuelve van apareciendo

reflexiones que parten de la vida personal (de Pérez pero también de Bonaparte) y resuenan distinto en el contexto actual: el patriarcado, los cuerpos, la mirada del otro, el deseo y su construcción social, los estereotipos y las disputas por la libertad de decidir y gozar la propia vida y el propio cuerpo. Batallas actuales que arrastran una historia y que apuntan a formar nuevas conciencias

LAPLATA C.A.B.A.

sobre el deber ser (y el deber desear) de las personas en el siglo XXI”.

PÁGINA 12

“Lo novedoso de esta obra es entonces, la historia detrás de la historia, así como también el entrecruzamiento entre personaje y actriz, que permite a los espectadores entrever los pliegues, los sentidos y los deseos puestos en juego por los actores al interpretar sus personajes”

ESPECTÁCULOS DE ACÁ

“El cuerpo de Silvia Pérez es escenario y testigo de dos vidas: la de Marie y la suya. En una apuesta que mezcla drama y absurdo, la facilidad con la que los actores navegan entre los diferentes registros es remarcable”

AGENDA FEMENISTA

“En sus proyectos Dennis Smith deja todo su espíritu lúdico, juguetón, en una mezcla de obras que traen sus memorias y otras de una gran inventiva, cómo es el caso de su última propuesta, "La última Bonaparte". Convocar a Silvia Pérez es un gran acierto, ya que este dúo artístico creador, es una combinación interesantísima. Dennis toma un libro de Walter Ghedin, lo reversiona a su manera (como suele hacerlo) y en una especie de falso documental nos lleva por la emotiva historia que cuenta y dirige”.

Gustavo Scuderi, FOCO TEATRAL

La Navidad de Georgina (Comedia dramática)

de Carolina Sturla - Dirección: Mariana Díaz

Ganadora del Concurso de Dramaturgia Arte Vivo 2019. Seleccionada para las lecturas dramatizadas de Tejiendo Redes (México).

Participó de la II Feria de Dramaturgias (FEDRAS), donde se leyó un fragmento de la obra en formato de lectura dramatizada.

La Navidad de Georgina es una

comedia dramática que habilita repensar los vínculos familiares y sus aspectos nocivos sin dejar de divertirnos con las estrategias y excentricidades de los personajes con quienes es imposible no encontrar algún punto de identificación.

Georgina quiere festejar la Navidad con su familia como antes,

todos se preguntan para qué. Algunos van por la comida. Otros van por cumplir. Otros van por amor, otros por interés. A nadie le importa la Navidad. Llegan a destiempo. Llegan sin ser invitados. En una noche de equívocos y revelaciones en la que nadie quedará exento, ¿hay algún encuentro posible? ¿Queda algo por celebrar?.

Dramaturgia: Carolina Sturla.

Elenco:

Georgina: Daniela Catz / Hugo: Gabriel Schapiro / Silvia: Patricia Rivero / Guillermo: Juan Cereghini / Julia: Laura Amatto

Loyarte

Diseño y realización de escenografía/utilería: Lau Polet.

Asistencia de escenografía: Camila Colombo y Victoria Chacón

Vestuario y Maquillaje: Mae Velvet

Diseño de iluminación: Soledad

Ianni (ADEA)

Diseño sonoro y musicalización: Pablo Viotti

Composición coreográfica: Liza

Karen Taylor.

Producción ejecutiva: Belén Galain

Diseño gráfico: Guadalupe Guiñazú.

Fotografía: María Paula del Olmo.

Asistente de dirección: Jorgelina Valmarrosa

Dirección: Mariana Díaz.

La Navidad de Georgina

Funciones Domingos 20.30hs

Teatro El Tinglado

Mario Bravo 948 - CABA

Localidades: $2.500

La Navidad de Georgina es un texto construido sobre un témpano profundísimo, del que en principio, vemos su superficie bri-

LAPLATA C.A.B.A.

llante de “comedia dramática”. Adentrándonos en la obra, percibimos con claridad que por debajo orbita la densidad del iceberg que la sostiene.

Poner en escena esta pieza es, entre otras cosas, bucear en las profundidades del vínculo madrehija, más precisamente, en lo fallido del mismo. Es también preguntarse sobre la incomodidad de maternar, y sobre todo, indagar en las estrategias de cada quien para frenar la voracidad materna para desasirse de esa influencia en pos de una separación que habilite ser. La pieza nos adentra en el espejismo que generan los roles familiares y el trabajo que conlleva desmarcarse. Pone de relieve la distinción entre aquellos vínculos que nos dan fuerza y los que nos debilitan. La particularidad del texto está en el abordaje, desde un lugar ágil, luminoso y con condimentos de humor se adentra en la espesura de la temática.

MARIANA DÍAZ

Se desempeña como directora teatral y docente. Integra, desde 2016, el Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín donde se desempeña como Asistente de Dirección, Coordinadora de escenario y Diseñadora de títeres.

Estrenó numerosas obras dentro del circuito independiente y el oficial. Se distingue su dirección en “Sopa de piratas, una aventura bien cochina para gustos refinados” inspirada en el cuento "Delicias piratescas" de Maite Carranza, con libro propio y de T. Till en la Sala Alberdi (CCGSM) y 139 MiráBA

en el Teatro Broadway II. Esta obra fue elegida como mejor infantil por el jurado de los Premios Teatro del Mundo. Algunos de sus últimos trabajos son “El rayo verde” versión de A. Mangani para el Grupo de Titiriteros en la Sala M. Coronado del CTBA. “Vito va de visita” de Claudio Mattos dentro del marco de Fedras. “¡Mirá la luna!” de Carolina Sturla en Microteatro. Fue convocada por el CELCIT para dirigir “Japón” de Alberto Serruya, obra ganadora del concurso de textos dramáticos organizado por ese mismo teatro. En el CELCIT dirigió también "Los derechos de la salud, una versión manipulada" versión de la obra de Florencio Sánchez. Participó del Ciclo “Dos veces bueno” organizado por Ariel Barchilón con el texto “Hablar del clima” de Carolina Sturla. Fue convocada a dirigir en el Ciclo de Autoras Argentinas en el Teatro Nacional Cervantes la pieza "Teatro de operaciones. 74 días/1982" de la dramaturga cordobesa Soledad González. Fue invitada a dirigir "Othello, versión abreviada" de Lukas Bärfuss, dentro de la IX edición del Festival Internacional de Teatro del Mercosur en la Ciudad de Córdoba. Las funciones se realizaron en el Museo de Bellas Artes Genaro Pérez, formando parte del Ciclo Artístico Multidisciplinario "Familia" organizado por el Instituto Goethe de Córdoba. Dirigió otra pieza del mismo autor: "Las Neurosis sexuales de nuestros padres". La obra formó parte del Ciclo Bärfuss Buenos Aires organizado por la Embajada de Suiza en Buenos Aires y contó con la presencia del dramaturgo

para su estreno. Fue invitada por Abuelas de Plaza de Mayo a Rosario con "Cama de manivela" de Luis Cano en el Ciclo Teatro x la Identidad Rosario, en el CEC de Sta. Fe.

Es Profesora de Espacio Escénico I y Profesora Auxiliar de Espacio Escénico II de la Tecnicatura de Puesta en escena de la Escuela de Arte Dramático (EMAD).

Egresada de la Carrera de Formación del Actor de la Escuela Municipal de Arte Dramático. Se formó como Directora con Juan Carlos Gené. Realizó seminarios, talleres y cursos de perfeccionamiento con Guillermo Cacace, Ricardo Bartís, Lorenzo Quinteros, Mauricio Kartún, Ariel Barchilón, Vivi Tellas, entre otros.

CAROLINA STURLA

Es actriz, dramaturga, gestora cultural y licenciada en psicología (UBA). Actualmente trabaja en su tesis de maestría en dramaturgia (UNA). Es egresada de la carrera de comedia musical de la Fundación Julio Bocca (2006). Se formó en canto, danza, guitarra y música. En dramaturgia, tomó seminarios y talleres con Mauricio Kartún, Vivi Tellas, Ariel Barchilón, Lautaro Vilo, Marco Antonio de la Parra, Ariel Farace, entre otros. Trabajó como actriz en teatro, publicidad y televisión. Se estrenaron algunas de sus obras en distintos teatros independientes de Buenos Aires, entre ellas: "Hablar del clima", "Telegrama", "Decímelo con mímica", "Pregunta retórica". Sus obras fueron seleccionadas para las lecturas dramatizadas del Festival Lápiz de Mina

#4 y #5 (Chile), 11th Woman Playwrights International Conference (Chile), Tejiendo Redes (México), FAUNA (Argentina). En 2018 recibió una beca de formación del Fondo Nacional de las Artes. En 2019 su obra "Como a un extraño" ganó el concurso de dramaturgia del Teatro Damero y fue estrenada con dirección de Adrián Blanco; recibiendo también una mención especial del jurado en el Festival FAUNA. El mismo año, su obra "La Navidad de Georgina" recibió el premio de dramaturgia de la Fundación ArteVivo. En 2020 su obra "No existe" fue ganadora del Concurso Incierto 8 del Espacio TBK y fue publicada en conjunto con la editorial Milena Caserola. En 2021, su obra "Levántate, Manuel" resultó ganadora del Concurso Dramaturgas Argentinas (CDA), "Mensaje equivocado" coescrita y co-dirigida con Laura Eva Avelluto obtuvo el premio Creación Vivamos Cultura. El mismo año recibió una Beca de Creación de FNA para una obra en proceso de escritura. Se desempeñó como tutora en la residencia de dramaturgia del Ciclo Incierto 9 y hace supervisiones y seguimientos de obras dramáticas de otros autores y autoras. Es co-creadora y organizadora de la Feria de Dramaturgias (FEDRAS), un festival anual de dramaturgia que tiene como objetivo difundir dramaturgia contemporánea y crear puentes entre dramaturgos y directores para que las obras lleguen a escena. Es parte de la Colectiva de Autoras. Prensa:TEHAGOLAPRENSA www.tehagolaprensa.com.ar

ESTRENO 7 DE MAYO - EL MÉTODO KAIRÓS EL ÓVULO De Carolina Sturla - Dirección Graciela Pereyra

Elenco: Victoria Raposo – Silvina Chamadoira – María

Gaddi – Cristian Sabaz – Gabriel Galindez.

Dirección y puesta: Graciela Pereyra

Música original: Martín Bianchedi

Una mujer que quiere desesperadamente quedar embarazada. Una familia atravesada por ese deseo que no se cumple. Una pareja quebrada frente a años de intentar y no conseguirlo. Una

madre dispuesta a todo para ver a su hija cumplir su más profundo deseo.

Una última oportunidad mediante donación de óvulos. Y una pregunta ¿Hasta dónde se puede llegar para alcanzar un deseo?

Ficha Técnica y artística

Libro: Carolina Sturla

Actúan: Victoria Raposo – Silvina Chamadoira – María

Gaddi – Cristian Sabaz – Gabriel Galindez

Dirección: Graciela Pereyra

Música original: Martín Bianchedi

Puesta en escena: Graciela Pereyra

Diseño de luces: Samir Carrillo

Comunicación: Varas Otero www.varasotero.com.ar

Lic. Susan Lonetti

Periodista - Comunicación - PR susan.lonetti@gmail.com @suvalo

REESTRENO viernes 2 de junio 20.30 hs FRIDAS De

Cristina Escofet

Dirección : Roxana Randón

Frida Kalho representada en un monólogo confesional poético, sutil, por momentos crudo y con un componente de humor desafiante ,que hace que la actriz en sincronización con las pinturas de la artista nos muestre momentos claves de su vida, se arme , se desarme y rearme, viva, reviva y muera en una intimidad compartida con el público como testigo .

¿Cuánto resiste un cuerpo que sufre? La fuerza de las palabras de Frida trazan más de un puente entre la vida y la muerte, lo posible y lo mágico, el sufrimiento y el placer, lo evidente y lo enigmático. Esta pieza propicia nuevas lecturas sobre la vida de una mujer que, signada por los infiernos tanto de su historia personal como de su realidad social, supo ser la portavoz de la resistencia, inmersa en la provocación y la polémica. Fridas es una invitación a reflexionar sobre la potencia del arte para habitar los propios fantasmas y transformar el caos en fantasía. Reflexiones urgentes en tiempos en los que las tensiones sobre los cuerpos de las mujeres siguen vigentes. En un encuentro con las heridas abiertas de una artista que supo crear a partir de su dolor, Verónica Pernisa (Frida) se desintegra en partes, se recompone y

multiplica las miradas sobre sí misma. Avanza por terrenos sinuosos a través de un campo de batalla que tiene a su cuerpo como protagonista. Así, Frida se confiesa por ella y por todas.

Ficha técnico artística:

Dramaturgia : Cristina Escofet

Intérprete : Verónica Pernisa

Iluminación : Alejandra Godoy –Eva López

Proyecciones : Natalia Basconi

Sonido : Natalia Basconi

Realización y vestuario : Verónica Pernisa

Asistente de dirección : Natalia Basconi

Prensa : Kasspress

Dirección general : Roxana Randón

FRIDAS

De Cristina Escofet

Dirección : Roxana Randón

TEATRO ESPACIO ABIERTO

Pje. Carabelas 255 – CABA

Web:

http://www.roxanarandon.com.ar Reservas: 1152606525 43281903

Entrada: $ 2.000- Del 02/06/2023

al 28/07/2023

Duración : 50 minutos

Clasificación : Adultos

PRENSA

kassyarte.producciones@gmail.c om

Te dejo otra novedad teatral: Elena de a ratos de Juan Azar Los viernes

en Ítaca Complejo Teatral

Elena de a ratos es una obra de cuatro personajes para tres actores. El espíritu de Elena es representado intermitentemente por dos de ellos, quienes también hacen de Hilda y Claudio. Esto da además un efecto sobrenatural ya que la apariencia de Elena es a veces la propia y otras la del cuerpo que habita momentáneamente.

SINOPSIS

Llega a oídos de un viudo la existencia de una joven que posee la capacidad de encarnar espíritus. Este le solicita le traiga a su difunta semanalmente. La proximidad de los cuerpos y las almas disparará un triángulo sentimental que promete no acabar bien.

FUNCIONES:

VIERNES A LAS 21 HORAS

Ítaca Complejo Teatral - Humahuaca 4027

Entrada general $2300

En venta por Alternativa Teatral

FICHA ARTÍSTICA

Actúan: Juan Azar , Laura Capellano y Valentino Naughton

Vestuarista: Rocio Alfonso

Realización escenografía: Andrés Gutiérrez

Comunicación y prensa: Mutuverría PR

Asistencia de dirección: Laura

Mateu

Dramaturgia y dirección: Juan

Azar

Duración: 60 minutos

SOBRE LA OBRA

Elena de a ratos, obra escrita y dirigida por Juan Azar, evoca a un teatro de marionetas en escala real donde seres mitad humanos mitad no, representan en forma simbólica un melodrama sobrenatural. Es como si el espectador viera con una lupa el carrete de un film. Cientos de fotos concatenadas en una coreografía sin fisuras y es sobre ese hilván de "fotogramas" que los textos se trenzan dando un efecto tan falso como conmovedor.

Elena de a ratos es una obra de cuatro personajes para tres actores. El espíritu de Elena es representado intermitentemente por dos de ellos, quienes también hacen de Hilda y Claudio. Esto da además un efecto sobrenatural ya que la apariencia de Elena es a veces la propia y otras la del cuerpo que habita momentáneamente.

El único elemento escenográfico (además de dos sillas) es un marco móvil que sirve de soporte a un telón. Este, hace las veces de cambiador de ropas donde se sucede la transformación de la medium. También enmarca diferentes cuadros, como el interior de un auto, puerta y pared de la habitación de la protagonista. La puesta es tan minimalista, que invita al espectador a estar activo, estimulando su imaginación e invitándolo a multiplicar sentidos sobre la trama de la obra.

PALABRAS DEL DIRECTOR Y DRAMATURGO

"Estoy en la investigación permanente de un lenguaje que se abra a aquellos para quienes se supone no está hecho el "buen teatro". Un teatro popular de calidad, lejos de la superficialidad que ofrece el teatro comercial y por otra parte algo que nada tiene en común con el costumbrismo que reina en el off porteño. Elena de a ratos es una obra que se presta a múltiples lecturas pero no se pretende conceptual y no se anda con snobismos, ni elitismos. Encuentro una conexión muy fuerte entre el fenómeno de la actuación y el sonambulismo, en el cual el cuerpo está en el plano de la vigilia con acciones nítidas, mientras que la conciencia está en otro. El tipo de actuación que me interesa es aquella en la que el actor 'se deja actuar', como un medium. Elena de a ratos tiene esa particularidad: narra en la ficción la historia de una encarnación y a su vez presenciamos en la sala, ya fuera de las convenciones teatrales, una encarnación real, la de tres actores que sacrifican su yo momentáneamente para "dejarse actuar" por fuerzas que vienen de otro lado, que son de otro orden. Elena de a ratos no es solo una obra, es también un ritual metafísico. Es lo que llamo 'Teatro sonámbulo'" .

Juan Azar

DECILE QUE SOY FRANCESA

Crecer con padres sordos / Una comedia dramática

El viernes 2 de junio a las 20h llega DECILE QUE SOY FRANCESA, escrita por Gabriela Bianco y codirigida junto a Daniel Cinelli, con funciones los viernes de junio y julio en el teatro Área 623 (Pasco 623, CABA).

La pieza de GABRIELA BIANCO -basada en su propia experiencia como hija de padres sordos- expone la mirada singular del crecimiento de una niña, hoy adulta, en un biodrama de 60 minutos atravesado por altas dosis de humor.

Protagonizada por Gabriela Bianco junto a Daniela Fortunato Lynch (actriz señante), la pieza ofrece una puesta accesible para personas sordas. Bianco investiga desde hace más de 30 años la relación entre lengua y escena inspirada en la mirada de la antropología teatral. Desde 2021 además, coordina el laboratorio de creación escénica en Lengua de Señas Argentina (LSA) del Teatro Nacional Cervantes.

En Decile que soy francesa, la escena está habitada por dos per-

sonajes: Ella y Ella niña. La historia se va contando entre ambas, mediante dos lenguas que se resignifican mutuamente en una rica maquinaria teatral, que va construyendo una poética escénica que incorpora a la lengua de señas como un elemento dramático y estético potente.

Sinopsis: Ella vuelve al club social de personas sordas donde transcurre su infancia y adolescencia en torno a la música y la pista de baile. Evoca a la niña que fue y juntas,

en sus dos lenguas, reconstruyen las formas de relación que sus padres sordos gestionan en el hogar y afuera, en el mundo de los oyentes. La mujer-niña, la que oye en el mundo de los que escuchan con los ojos, revela universos que por su condición se derraman de los límites de lo considerado normal y echa luz sobre la vulnerabilidad de ciertas infancias arrojadas de manera precoz a la vida adulta.

Gabriela Bianco concluye: “Esta obra es memoria llevada a escena. Una historia parecida a la de tantos hijos e hijas de personas sordas que da cuenta de la singularidad, el dolor y la valentía de percibir el mundo desde oídos prestados -los míos- y desde ojos ávidos de sentido, los de ella y él. Es una vuelta al origen, a la lengua materna y es también la po-

sibilidad de ser testigos de un mundo peculiar, el mundo sordo, que se pregunta una y otra vez ¿habiendo lengua de señas, dónde reside la discapacidad? “

DECILE QUE SOY FRANCESA

VIERNES 2 DE JUNIO, 20h

AREA 623, (Pasco 623, CABA). Espacio accesible, cuenta con rampa, ascensor y una programación que integra acciones artísticas multidisciplinarias e interactivas.

Funciones: viernes de junio y julio 20h.

Localidades $2800 disponibles en eventbrite.

Ficha artística / técnica

Ella: Gabriela Bianco

Niña: Daniela Fortunato Lynch

Voces en off: Patricio Barton

LAPLATA C.A.B.A.

Diseño de arte y escenografía: Gastón Joubert

Diseño sonoro y música original: Ale Dolina

Diseño de iluminación: Verónica Alcoba

Diseño y realización de Vestuario

Ella: Fernanda Trosch

Realización de escenografía: Ariel Vaccaro

Realización de utilería:

Angélica Linares y Gastón Joubert

Realización de vestuario de Ella

niña: Panalcooperativa

Colaboración artística y producción ejecutiva: Felicitas Luna

Fotografía: Gabriela Manzo

Comunicación y prensa: Cecilia Gamboa

Asistencia: Nazarena Palacio u

Dirección:

Daniel Cinelli + Gabriela Bianco

GABRIELA BIANCO

Actriz, autora, docente y directora teatral. CODA (por sus siglas en inglés, Child of Deaf Adults). Desde hace 30 años trabaja en la relación entre escena y lengua de señas, inspirada por la mirada de la antropología teatral.

Realizó varios montajes, en algunos casos como dramaturga. Escribió y realizó la conducción de cuatro temporadas de ENSEÑAS, cortos para el canal Pakapaka en los que los personajes Gabian y Lucio, en formato bilingüe, se dirigen a chicas y chicos sordos y oyentes.

De amplia trayectoria pedagógica en relación con el lenguaje audiovisual y literario, por ejemplo, con Cuentos a mano y Clásicos a mano (narraciones en Lengua de Señas Argentina). En 1997 participó de la realización

del primer diccionario de LSA publicado por el Ministerio de Educación.

En 1994 fue coach y actriz en NANO, telenovela que dio el puntapié a la visibilización masiva de la temática.

Actualmente y desde 2021 coordina un laboratorio de creación escénica en LSA en el Teatro Nacional Cervantes con personas sordas.

Hoy estrena “Decile que soy francesa”, obra escrita y co-dirigida por ella junto a Daniel Cinelli . Trabaja desde hace años en proåyectos de intervención performática en lengua de señas de obras teatrales. Una apuesta que a la vez que accesibiliza el teatro, propone una poética escénica innovadora. Más

DANIEL CINELLI

Actor, director, autor, productor y docente. Formado en la ENAD y con Raúl Serrano, entre otros ma-

estros. Desde 1984 participó en más de cuarenta espectáculos teatrales de producción independiente, oficial y comercial.

En el ámbito audiovisual actuó, produjo y dirigió ficciones y películas documentales entre las que se destacan su miniserie "El Asesor", último protagónico para TV de Enrique Pinti y "Glaciares, huellas del tiempo" próximo a estrenarse.

Desde 1990 dicta cursos y talleres de actuación y producción para actores y directores. En 2023 estrenará en teatro su obra "Aquella tarde de agosto" una precuela sobre Hamlet y la comedia "Mujeres desbordadas" de Analía Farfaglia, luego del estreno de "Decile que soy francesa" en co-dirección con Gabriela Bianco.

información en www.gestual.com.ar.

CECILIA GAMBOA Comunicación & Prensa www.ceciliagamboa.com.ar

El Asalto

Sinopsis:

En una reunión de amigos de la infancia, tal como en los viejos tiempos , épocas de los recordados ASALTOS es invitado Gabriel Fernández, ex compañero de colegio al cual no ven de niño.

El asalto lo realizan para recordar la etapa de compañeros, donde justamente Gabriel era víctima constante de las burlas provocadas por ellos. Él asiste, pero con la intención

LAPLATA C.A.B.A.

de expresar todo lo que no pudo de niño.

El asalto nos invita a divertirnos y también a reflexionar, es una obra que retrata lo que pasan muchos niños y adolescentes en las escuelas, *el bullying* .

Elenco :

Belen Vaioli

Ramiro klimkiewicz

Agustina Haberkorn

Juan Sebastián Otero Yair Álvarez

Mariana Currá

Santiago Pasqualetti

Producción ejecutiva: Leíza

Garay

Asistente de dirección: May Vicente, Sofía Ghio

Fotografía: Cleiton Enrique

Libro y dirección General; Ezequiel Castillo

A partir de Junio sábados

22:00hs

Teatro: "Brilla Cordelia" Perón

1926

Valor entrada $2000

Reservas por Alternativa Teatral

PRENSA Ezequiel Castillo

sequicastilloteatro@gmail.com

CLANDESTINO MARACANÁ

(Un

Dramaturgia y Dirección Marcelo Perez

“Una experiencia teatral de la buena. Dónde más allá de la intensidad de la trama, los personajes y las actuaciones; una vez más Marcelo Perez me sorprende con la exquisitez de su propio lenguaje: sutil, irónico, poético y profundo. Un dramaturgo que hay que seguir de cerca.”

Silvina Pizarro

Clandestino maracaná es terreno en pugna, es la fisura del comienzo o el final de una crisis, es estereotipo de un cuerpo pintado con técnica hiperrealista, es el futuro que no llegó hace rato, es

nada y es transformación, es la nobleza de la degradación, es el chispazo de ocurrencia antes de escribir un primer poema, es una manera de hacer teatro.

Sinopsis

Clandestino Maracaná es la historia de un bar y sus sujetos constitutivos, una fonda, un lugar que le queda poco para dejar de ser un lugar, que se aleja cada vez más de lo definido. Pero también es una invitación a reflexionar sobre algo que nos compete a casi todos: La desesperación. El

conflicto como una arbitrariedad: Ofrecer la compra del lugar puede desatar frustraciones imprevisibles, pasiones irracionales Es la disipación de un síntoma es la potencia del subdesarrollo es la vida de la idea es acostumbramiento y zona de actuación, atender los dimes y diretes atentos a lo abrupto y lo anecdótico ¿Es que naide va a pagar la cuenta?

Ficha técnica y artística

asentamiento humano en el que los extraños tienen posibilidades de conocerse)

Dramaturgia y dirección: Marcelo Perez

Intérpretes: Agustín Dieguez (Deliberado), Daniela Colucci (Danielandia), Paula Flaks (Paulatina), Soledad Leone (Soledades), Micaela Minervino (Micaelita), Martin Ojea (Martiniano), Matías Sulas (Polizia), Federico Santisteban (Pavlov), Laura Tarchini (Cocinera L)

Música en vivo: Federico Santisteban (bandoneón)

Asistente de Dirección: Daniela Centurión

Vestuario: Nélida Bellomo

Diseño de escenografía: Marcelo Perez y Guillermo Bechthold

Realización de escenografía: Guillermo Bechthold

Arte Visual: Marcelo Pañale

Dibujos y diseño de flyer: Micaela Lilintal

Diseño de Luces: Marcelo Perez

Fotografía: Santiago Benitez.

CLANDESTINO MARACANÁ

(Un asentamiento humano en el que los extraños tienen posibilidades de conocerse)

Dramaturgia y Dirección Marcelo Perez

Domingos 19hs - Teatro Beckett (Guardia Vieja 3556)

Entradas disponibles en Alternativa Teatral

Duración: 75 min.

Opiniones sobre el espectáculo:

“Cada protagonista con una personalidad definida y llevada adelante por los actores de manera brillante, sin sobre actuaciones con una dirección meticulosa y

detallista del propio creador nos permite divertirnos y reflexionar sobre esta particular mirada sobre las conductas humanas. ¡Se recomienda!”.

Sergio Sapio, La Mirada O.

"Existe una muy buena dirección actoral, ya que, al tener varios personajes en un solo escenario, toca medir la participación de cada uno y que está también tenga una relevancia dentro de la puesta. Es así también, como el ingenioso uso de la escenografía, cuando un personaje da su texto, los demás se encuentran interactuando ahí mismo, cómo espiando detrás de las cortinas, haciendo quehaceres en la cocina o simplemente estando en su mesa durante la puesta. Todo el escenario es aprovechado y logra relucir una excelente ambientación de la fonda".

Daniel Álvarez, La Butaca Web.

“La dirección y dramaturgia de Marcelo Perez están perfectamente amalgamadas. Se ve claramente la construcción escénica de los textos y el aprovechamiento de los recursos interpreta-

tivos de cada uno de los integrantes del elenco. La escenografía recrea un ambiente minuciosamente definido, tanto por la elección los objetos como por la disposición de los espacios. Las actuaciones son muy parejas, y la caracterización de los personajes está por demás lograda, en una puesta donde el soliloquio constituye una parte esencial del entretejido dramático".

Guillermo Ferraro, Espectáculos de Acá.

"Clandestino Maracaná es una pieza ajustada, demandante y compleja, características que a varios espectadores sacará de la comodidad muchas veces transitada".

Gustavo Scuderi, Foco Teatral.

"Las actuaciones sin dudas son un punto muy alto de la pieza. Hay una trabajada composición de los personajes, cada uno con diferentes características y un mérito que tiene el texto, es que pese a tener lo grupal un peso fundamental, todos tendrán su momento para el lucimiento personal. La puesta es otro punto alto de Clandestino

Maracaná. Con un dispositivo escénico a cargo de Guillermo Bechthold, digno de elogio, creando un bar en el escenario de El Tinglado, con gran cantidad de detalles que el espectador podrá notar al ver la obra".

Javier, Pensador Teatral.

Contacto: Instagram: @clandestinomaracana

Micaela Minervino

minervinomica@gmail.com

de Claudia Piñeiro

Los viernes en El Método Kairós

Verona es un grito desesperado de Adriana que pasó los cuarenta y quiere romper los moldes y estereotipos de la hija mayor y perfecta. Encerrada en el baño, en el medio del festejo de cumpleaños de su madre enferma, la encuentran sus hermanas, Gabriela y

Cruz, y comienzan a contenerla. Lo que al principio parecía ser un problema ajeno las termina involucrando. El conflicto lleva a estas hermanas al punto limite del egoísmo, el conservadurismo y la miseria humana. Nadie quiere cuidar a Amanda, nadie se quiere

hacer cargo de "La carga" y todos se lavan las manos. Lo que parecía ser un evento festivo termina siendo un escándalo.

FUNCIONES:

VIERNES A LAS 22.30 HORAS

El Método Kairós - El Salvador

4530

Entrada general $3000

En venta por Alternativa Teatral

FICHA ARTÍSTICA

Dirección y puesta en escena: Valeria Camino

Autora: Claudia Piñeiro

Actúan: Natalia Dobisky, Lulai

Paulini, Zoe Baez, Andrés

Pabón

Escenografía: Julia Serás Rodríguez

Vestuario: Julia Serás Rodríguez y Valeria Camino

Retoques de vestuario: Maite

Mallavia

Realización de escenografía: Julia Seras Rodríguez y Arturo Padial

Diseño de iluminación: Jorge Thefs

Diseño sonoro: Sergio Falcón

Producción: Camila Villalba

Fotografía: Atomobit

Prensa: Mutuverría PR

Asistencia de dirección: Valentina De Carlo

Duración: 30 minutos

PALABRAS DE LA DIRECTORA

"VERONA es una comedia dramática, intimista, sobre la vida de tres mujeres encerradas en un baño, en la que sólo queda lugar para el código de hermandad. Ese diálogo en el que todo está permitido, desde secretos hasta gritos. VERONA habla del amor en todas sus formas. Del amor entre hermanos, del amor de mamá, del amor de pareja y sobre todo del amor hacia una misma. VERONA nace en el año 2022, como proyecto final de la carrera de Puesta en Escena de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático (EMAD), siendo el resultado de la conjunción de todos mis años de estudio e investigación, tanto académica como profesionalmente".

tora, docente de actuación y entrenadora de actrices y actores. Egresada de actuación en el 2007 y egresada de la carrera de dirección en el 2022 de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático conocida como la EMAD. Egresada de Act and Art, escuela de comedia musical, a sus 19 años. Dirige y dicta clases en su escuela de actuación camino del arte, creada en el 2010, y trabaja hace 3 años como asistente de dirección de Javier Daulte y de Mariela Asensio. Hizo infinidad de trabajos como actriz, el último en Amores inesperados serie próxima a estrenar en el 2023 de Starplus bajo la dirección de Marcos Carnevale.

Directores y profesor@s referentes, con los que profundizó sus estudios: Augusto Fernandes, Ciro Zorzoli, Andrea Garrote, Ricardo Bartis, Marcelo Savignone, Javier Daulte, Mariela Asensio, José Cáceres y Mary Sue Bruce. Arranca sus primeros años de teatro a los 7 años en el centro cultural de Barracas Montes de Oca, y continúa sus estudios reforzándolos con danza y comedia musical. Comedia del arte con Cristina Moreira, y entrenó con Ana Frenkel y Guillermo Angelelli. Estudió dirección de Actores con Ciro Zorzoli y Rubén Szuchmacher. En dramaturgia se formó con Mauricio Kartun, Leandro Airaldo, Ariel Barchilón y Eugenia Pérez Tomás.

SOBRE VALERIA CAMINO

Valeria Camino es actriz, direc-

Jueves 1° a las 20.30 JUAN CORNEJO AHORA ROMÁNTICO

Luego de una larga incursión por nuestra canción ciudadana, hoy Juan Cornejo vuelve con una propuesta melódica de boleros y baladas que rescata de su vasto repertorio. Con el excelente acompañamiento musical de Pablo Martinez Zuviria en piano y dirección musical, Damien Poots en guitarra y Tano Diaz Pumara en violín, se completa la propuesta de esta noche tan especial. Bailar Pegados, Y Como es El, No Se Tú, Por Debajo de la Mesa, Contigo en la Distancia serán algunas de sus interpretaciones que podremos disfrutar.

Viernes 2 a las 18

HAPPY HOUR + JAZZ EN VIVO

Todos los viernes: Gustavo Cortajerena trompeta, Sebastián Álva-

piano, Leo Páez contrabajo, Camilo Zentner batería. Happy Hour 2x1 tragos y cerveza

disfrutar!

Viernes 2 a las 21 FESTA ITALIANA EN EL DÍA DE LA REPÚBLICA

Marta Rossi soprano, Mariano Spagnolo tenor y Giovanni Panella piano y dirección musical queremos festejar el día de la Fiesta de la República Italiana proponiendo al público porteño un programa todo italiano de música tradicional, popular, "canzonette" y temas de películas italianas. ¡A

Sábado 3 a las 21 ALMALUSA / CASA DE FADOS

Octava Temporada

Almalusa presenta su ya clásico espectáculo de fados y música portuguesa, con un intenso recorrido por el fado que nos permi tirá sumergirnos en la calidez y la intimidad del género. Integran Almalusa: María Laura Rojas y Dulio Omar Moreno voz, Juan Pablo Isaía guitarra portuguesa, Luis Cativa Tolosa guitarra Ignacio Long contrabajo.

Domingo 4 a las 17

rez saxo tenor, Dante Carniel

C.A.B.A.

ELIGE TU CANCIÓN MARÍA INÉS PEREYRA Y RICARDO RECHES

Pondremos a tu disposición gran parte de nuestro repertorio de tangos, boleros, couples, canzonette, canciones francesas y alemanas...podrás elegir el, la, los, las, que más te interese escuchar. Será un encuentro divertido en el encantador ámbito de La Biblioteca Café. María Inés Pereyra y Ricardo Reches en voz, piano y guitarra.

SUCHERAS / DE MÓNACO / ZENTNER

La Biblioteca Café a puro Jazz, presenta, en su 16º año al trío integrado por Angel Sucheras piano, Gerardo de Mónaco contrabajo y Camilo Zentner batería.

Domingo 4 a las 20.30 CEL MAMONE TRÍO BOSSA, SAMBA Y MPB

Cel Mamone se presenta en formato trío, recorriendo temas de su repertorio discográfico y algunos otros inéditos. Músicas del universo brasileño. Bossa, samba y mpb con ecos de jazz, para invitarnos a compartir una hermosa noche de domingo.

Cel Mamone voz, Rodrigo Agudelo guitarra, voces y arreglos, Joaquín Sellán piano.

Martes 6 a las 20.30 BANDA BRODER BASTOS

CONVIDANDO MÚSICAS DE BRASIL

Broder Bastos/Camilo Zentner/Miguel Oyuela/Rodrigo Aberastegui

Los martes el guitarrista, bajista, compositor y cantante Broder Bastos junto al baterista Camilo Zentner, presentan todos los martes un show de música popular brasilera. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Milton Nascimento y más! Con Miguel Oyuela en guitarra y como invitado especial Rodrigo Aberastegui en piano. Caipirinha 2×1

gentino residente en Perú E-zequiel presentarán juntos este merecido tributo a nuestra queridísima cantora Mercedes Sosa. Luego de su exitosa gira con su espectáculo anterior "Con alma de Chabuca Granda", junto a su hija Teresa Fuller Granda, y de la presentación de su último disco como compositor "Desolación", E-zequiel se une en esta oportunidad al maestro Lucho González, quien fuera guitarrista y director musical de estas dos consagradas artistas, para recorrer de forma coloquial y emotiva gran parte del cancionero interpretado por la gran Mercedes.

Lunes 5 a las 20.30 LUNES DE JAZZ

Miércoles 7 a las 20.30 TONADAS PARA MERCEDES E-ZEQUIEL - LUCHO GONZÁLEZ

El reconocido músico y guitarrista Lucho González y el cantante ar-

Jueves 8 a las 20.30 JAVIER SETTI EN BUENOS AIRES

TRES GENERACIONES EN ESCENA, UNA MISMA PASIÓN Tango, en las voces de Javier Setti, Sofía Setti y Elvira Vasil, acompañadxs en piano por Marina Ruiz y Gastón Petrola en bandoneón.

Viernes 9 a las 18

HAPPY HOUR + JAZZ EN VIVO

Gustavo Cortajerena trompeta /Sebastian Alvarez saxo tenor/Dante Carniel Piano/ Leo

Páez contrabajo/ Camilo Zentner batería. Happy Hour 2x1 tragos y cerveza

parte de Buenos Aires hacia Uruguay, Brasil y Chile para luego continuar rumbo a Europa, con destino Italia y Francia. Alex Dionesalvi, voz. Junto a Tomás Matar en piano, Ezequiel Martino en contrabajo y Camilo Zentner en batería. Los esperamos en la hermosa sala de La Biblioteca Café para vivir esta experiencia musical.

bles Maurice Chevalier, Charles Trenet, Edith Piaf, Yves Montand, Barbara y Georges Brassens. Edith Margulis voz y textos, Ezequiel Dalairac piano y acordeón.

Viernes 9 a las 21 CANCIONES DE UN VIAJERO APASIONADO ALEX DIONESALVI

Alex vuelve a La Biblioteca Café con una nueva propuesta que une dos de sus grandes pasiones: los viajes y la música. Las canciones habitan en las calles de cada ciudad. Nos hablan de su paisaje y del sentir de su gente. Podemos vivir y aún revivir nuestro paso por cada lugar a través de la obra de sus poetas y compositores, cantando o tarareando sus melodias y dar rienda suelta a la emoción. Los invitamos a sumarse a un hermoso viaje que

Sábado 10 a las 21 BAJO EL CIELO DE PARIS 500 AÑOS DE CANCIÓN FRAN-

CESA

Edith Margulis atraviesa la histo ria de la canción francesa comenzando con las baladas de los trovadores medievales, pasando por un aire pastoril del barroco, algo de música de la Belle Époque, un poco de cabaret, hasta llegar a la época de oro de la chanson con los temas que hicieron memora-

Domingo 11 a las 20.30 RICCARDO MANFREDI QUARTET

JAZZ

Por primera vez en Buenos Aires el saxofonista tenor italiano Riccardo Manfredi en un repertorio bop revisado en forma moderna Riccardo Manfredi es conocido por su forma versátil de tocar el saxo, particularmente en el registro muy alto. En Italia en los años noventa fundó un grupo de música latin jazz llamado Calypso night con el que se dio a conocer a nivel nacional. Además del jazz, Manfredi ha compartido profesionalmente el campo del soul con músicos de Memphis. En esta

LAPLATA C.A.B.A.

oportunidad lo acompañan Lautaro Julio piano, Nicolás Chamorro contrabajo, Aro Cáceres batería

gui en piano. Caipirinha 2×1

Lunes 12 a las 20.30 LUNES DE JAZZ SUCHERAS / DE MÓNACO / ZENTNER

La Biblioteca Café a puro Jazz, presenta, en su 16º año al trío integrado por Angel Sucheras piano, Gerardo de Mónaco contrabajo y Camilo Zentner batería.

Miércoles 14 a las 20.30 ENRIQUE FRAGA JAZZ DUETOS

El Enrique Fraga jazz Duetos propone una noche de puro swing e improvisación a través de clásicos del jazz del siglo XX,con interpretaciones inspiradas en la legendaria formación entre Bill Evans y Jim Hall. Enrique A. Fraga en piano y Agustín Layús en guitarra eléctrica, junto a Edgar Bilunik en trompeta como músico invitado, presentarán clásicos como I´ve Got You (Under my Skin), I Hear A Rhapsody, My Funny Valentine, Misty, Garota de Ipanema, entre otros. Será una noche inolvidable a puro ritmo e improvisación en un lugar mítico de la ciudad de Buenos Aires.

vidad. Desde los textos de Manuel J.Castilla, Ariel Petrocelli, Hamlet Lima Quintana, Armando Tejada Gómez, Pablo Neruda, Horacio Ferrer, y en las músicas de Jaime Dávalos, Cuchi Leguizamón, Eduardo Falú y Anibal Troilo, por nombrar sólo algunos, el vino nos abraza y propicia el encuentro. Ferrero será acompañado por Camilo Velázquez bajo, Edu Rikk percusión, Martin Busto voz. También invitamos al público con una degustación de vinos de la bodega mendocina Jorge Rubio!

Martes 13 a las 20.30

BANDA BRODER BASTOS CONVIDANDO MÚSICAS DE BRASIL

Broder Bastos/Camilo

Zentner/Miguel Oyuela/Rodrigo

Aberastegui

Los martes el guitarrista, bajista, compositor y cantante Broder

Bastos junto al baterista Camilo

Zentner, presentan todos los martes un show de música popular brasilera. Caetano Veloso, Gil-

berto Gil, Chico Buarque, Milton

Nascimento y más! Con Miguel Oyuela en guitarra y como invitado especial Rodrigo Aberaste-

Jueves 15 a las 20.30

EL ABRAZO DEL VINO

RUBEN FERRERO

El reconocido pianista y compositor Ruben Ferrero reúne en este concierto temático poemas y canciones dedicadas al vino, néctar de los dioses del arte y la creati-

Viernes 16 a las 18

HAPPY HOUR + JAZZ EN VIVO Gustavo Cortajerena trompeta/Sebastian Alvarez saxo tenor/Dante Carniel Piano/ Leo Páez contrabajo/ Camilo Zentner batería.

Viernes 16 a las 21

ARGENTINA VO’ QUIEN SO’? TANGOS, ZAMBAS, CANDOMBES, CHACARERAS Y MILONGAS

De quienes descendemos los argentinos? Y nuestra música?

Son algunas de las preguntas que Carlos del Pino, junto a Ezequiel Dalairac en piano y Luciano Dalairac en percusión trataran de responder entre tangos, zambas, candombes, chacareras milongas y otros ritmos..

llini ó Tosti. Acompañan otros dos fanáticos del amor: Ezequiel Dalairac al piano y Simón Martins en violín.

Sábado 17 a las 21 PARLAMI D'AMORE CANCIONES DE LA ITALIA ROMÁNTICA - Sexta Temporada

Porque el amor nos salva, porque el amor nos eleva, porque el amor nos transforma. Hablemos de amor! Soñamos, sufrimos y vibramos con las más bellas canciones y canzonettas de todos los tiempos. La soprano Susana

Sánchez Laganá y el tenor Rodrigo Charmiello. nos llevan a recorrer los tiempos de Modugno, Di Bari, Zanicchi ó nos trae imágenes de Cinema Paradiso y El Padrino sin dejar de volar con Be-

Domingo 18 a las 20.30 LOCOS AÑOS 20 CON GRISEL D'ANGELO

¿Cómo sería una noche en los locos años 20? Vení a quebran tar la Ley Seca en una noche para viajar en el tiempo a través del jazz de hace un siglo. Una auténtica experiencia a lo Medianoche en París con música de Cole Porter, Gershwin, Ellington y clásicos de la época interpretados por los más exquisitos referentes en el estilo: Mariano Gianni en piano y Eric Nesich en clarinete acompañando a la cantante y viajera en el tiempo Grisel D'Angelo Charleston, plumas y swing desenfrenado.

Lunes 19 a las 20.30 LUNES DE JAZZ

SUCHERAS / DE MÓNACO / ZENTNER

La Biblioteca Café a puro Jazz, presenta, en su 16º año al trío integrado por Angel Sucheras piano, Gerardo de Mónaco contrabajo y Camilo Zentner batería.

Martes 20 a las 20.30

BANDA BRODER BASTOS CONVIDANDO MÚSICAS DE BRASIL

Broder Bastos/Camilo Zentner/Miguel Oyuela/Rodrigo

LAPLATA C.A.B.A.

Aberastegui

Los martes el guitarrista, bajista, compositor y cantante Broder Bastos junto al baterista Camilo Zentner, presentan todos los martes un show de música popular brasilera. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Milton Nascimento y más! Con Miguel Oyuela en guitarra y como invitado especial Rodrigo Aberastegui en piano. Caipirinha 2×1

Miércoles 21 a las 20.30

LA RUMBALONGA

MÚSICA CUBANA FUSIÓN

Cantos y Canciones con influencias que van desde el Folklore hasta la Música popular con acento de Milongas y Tangos, con un formato de Piano Contrabajo Percusiónes Guitarra y Voces. Nuestra sonoridad pone foco en la variedad logrando emisiones que sanan no solo el cuerpo físico sino también el cuerpo Astral. Somos La Rumbalonga: Nelson Silvestre voz líder y acc, Sebastián Falcón cuerdas y acc, Fernando Alemán percusiones, Teo Ballesi contabajo y voces, Pablo House cuerdas y voces, Marinho Alonso piano acordeón y voces.

Jueves 22 a las 20.30

MARIANO CASTRO CLÉRICI JAZZ TRÍO

Los destacados músicos de la escena joven de jazz porteño Mariano Castro Clerici en piano,

Agustín Sánchez Adamo en contrabajo y Lucas Colagiovanni en batería, se presentan en La Biblioteca Café con un programa en el que homenajean la música de los grandes pianistas de los años ’50 y ’60, como Bud Powell, Ray Bryant, Sonny Clark, Red Garland, entre otros, junto con un repertorio de standards clásicos de jazz. Compartiremos una noche alrededor de la música, recreando piezas tradicionales del jazz y estilos que oscilan entre el swing y el bop.

sentan el repertorio de su próximo disco totalmente autoral con canciones inspiradas en ritmos tradicionales sudamericanos como el carnavalito (Argentina) landó y zamacueca (Perú), candombe (Uruguay), samba, baião y xote (Brasil), entre otros. Las canciones surgen de influencias musicales y poéticas que el dúo recogió a lo largo de sus viajes por los caminos de Sudamérica, así como también surgen del impulso creativo generado por la llegada de la hija de amb@s que da nombre al disco/proyecto que se llamará "Tres". Un resumen poético que trae mensajes de auto-conocimiento y contemplación de la belleza de la vida y la naturaleza transformadas en arte y expresión.

Viernes 23 a las 18

HAPPY HOUR + JAZZ EN VIVO Gustavo Cortajerena trompeta/Sebastian Alvarez saxo tenor/Dante Carniel Piano/ Leo Páez contrabajo/ Camilo Zentner batería. Happy Hour 2x1 tragos y cerveza

Viernes 23 a las 21

MARÉ DÚO

ANTICIPANDO SU DISCO "TRES"

Lucía Soledad, voz y percusión y Martín Katz en voz y guitarra pre

Sábado 24 a las 17

VOCES LÍRICAS presenta UN VIAJE LÍRICO

Arias y romanzas de óperas y zarzuelas, presentadas sin solemnidad pero con la excelencia de las voces de la soprano Ga briela Ojeda, la mezzo-soprano

Greta Paoli y el tenor Elmo Ot-

tado, que cantarán obras de Verdi, Gretti, Serrano, Mascagni, Leoncavallo entre otros, con el acompañamiento en piano de Simón Martins.

Sábado 24 a las 21 ALMALUSA /CASA DE FADOS

Almalusa presenta su ya clásico espectáculo de fados y música portuguesa, con un intenso recorrido por el fado que nos permitirá sumergirnos en la calidez y la intimidad del género. Integran Almalusa: María Laura Rojas y Dulio Omar Moreno voz, Juan Pablo Isaía guitarra portuguesa, Luis Cativa Tolosa guitarra, Ignacio Long contrabajo.

Domingo 25 a las 20.30 THE SOUND PROJECT

The Sound Project es un grupo de músicos con una propuesta orientada al jazz, y también baladas, blues y bossa, Tiene publicados los CD’s Amanece en Bancalari (2014), Ecuaciones Absurdas (2015), Call Me (2017) y Saudades from Manhattan (2018), Formado por Fabio Zilberman en piano, Fabio Fasciolo en saxo tenor, Rolando Fortich en bajo, Walter Cortizo en batería, con Silvina Hunter voz y Luis Pondal voz y guitarra.

Broder Basto/Camilo Zentner/Miguel Oyuela/Rodrigo Aberastegui

Domingo 25 a las 17 COMPAÑÍA DE ESTRELLAS presenta

La Comedia, La Lírica y El Musical

POP LÍRICO Y ÓPERA

Claudio Cid contratenor, Florencia Monteleone, Nicole Rubi y Karina Pelman sopranos, Christian Anchaval tenor

Dirección general Christian Anchaval.

Lunes 26 a las 20.30 LUNES DE JAZZ

SUCHERAS / DE MÓNACO / ZENTNER

La Biblioteca Café a puro Jazz, presenta, en su 16º año al trío integrado por Angel Sucheras piano, Gerardo de Mónaco contrabajo y Camilo Zentner batería.

Martes 27 a las 20.30

BANDA BRODER BASTOS

CONVIDANDO MÚSICAS DE BRASIL

Los martes el guitarrista, bajista, compositor y cantante Broder Bastos junto al baterista Camilo Zentner, presentan todos los martes un show de música popular brasilera. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Milton Nascimento y más! Con Miguel Oyuela en guitarra y como invitado especial Rodrigo Aberastegui en piano. Caipirinha 2×1

Miércoles 28 a las 20.30

NOCHE PARA ENAMORARSE JAZMIN PALÉ

Canta tangos, canciones, baladas y boleros

Jueves 29 a las 20.30

HARD BOP LEGACY 6TET JAZZ

LAPLATA C.A.B.A.

El sexteto integrado por Gustavo Cortajerena trompeta / Sebastián

Marcial Álvarez saxo tenor / Dante Carniel piano / Damián Falcón contrabajo / Lautaro Quipildor

trombón / Camilo Zentner batería

interpreta composiciones de Jazz de finales de los años 50´s. Con temas de Hank Mobley, Art Blakey & the Jazz Messengers, Jimmy Heath, Freddie Hubbard, entre muchos otros mas..

BOLEROS ETERNOS

Nadiah Demarco, cantora argentina denominada "la Dama del

Viernes 30 a las 18

HAPPY HOUR + JAZZ EN VIVO

Gustavo Cortajerena

trompeta/Sebastian Alvarez saxo tenor/Dante Carniel Piano/ Leo

Páez contrabajo/ Camilo Zentner batería. Happy Hour 2x1 tragos y cerveza

Viernes 30 a las 21

NADIAH DEMARCO LA DAMA DEL BOLERO

Bolero", ahijada de Rafael Basurto Lara (última primera voz del Trío Los Panchos original) recorrerá junto al cuarteto integrado por Marco Hernández dirección guitarra y voz, Fabrizio

Troilo guitarra y voz, Julio Hernández bajo y David Battagliese percusión, los orígenes de las canciones nacidas en Cuba y México y que después se difundieron en todo el mundo con rasgos propios. Así escucharemos las más bellas melodías, sus letras y las historias y anécdotas que rodearon a las canciones que nos acompañaron por generaciones. Nadiah Demarco es considerada la artista joven continuadora de la leyenda y la magia del bolero para los próximos años. Este concierto nos llevará por el camino de la emoción y el recuerdo.

Música

RODRIGO ALBORNOZ:

Carlos Gardel: REGRESO

El guitarrista presenta este álbum conceptual de repertorio gardeliano junto a Mariano Escobar y Pablo Suárez en guitarras y las voces de Leonardo Pastore y Jorge Espósito.

PRESENTACIÓN OFICIAL VIERNES 16 de JUNIO 20:30hs en Palacio El Victorial Piedras 722, San Telmo.

Entrada: $2.000

"Carlos Gardel, Regreso" está disponible en Spotify

https://open.spotify.com/album/5r CiuBWfMw2iFQ8B0E7lwT Youtube

https://www.youtube.com/watch?

v=yE10g7w82zk&t=35s y todas las plataformas digitales.

Sello editor: ACQUA RECORDS

"Carlos Gardel, regreso" es un álbum conceptual, consecuencia de una profunda investigación sobre la obra de El Zorzal Criollo. El disco invita a viajar en el tiempo, al año 1936, e imaginar la continuación de su labor artística luego de su "Gira Latinoamericana", que interrumpió sorpresivamente aquel accidente aéreo del 24 de junio de 1935.

“CARLOS GARDEL, REGRESO”

La GRABACIÓN del álbum se llevó a cabo en “Estudios ION” y los técnicos que intervinieron en ella fueron Osvaldo Acedo y Gonzalo Silva. Se utilizó únicamente el micrófono "R44C" de la compañía AEA; una réplica exacta del "RCA 44" con el que Carlos Gardel realizó sus últimos registros en Estados Unidos.

La ecualización y mezcla, de las grabaciones efectuadas, no se realizaron de forma digital: el objetivo fue recrear ambas tal y como

lo hacían en la década del 1930, de manera física, es decir: estuvieron dadas por la disposición en el espacio y distancia entre los intérpretes y el micrófono antes mencionado. Para cumplir con esta metodología se grabó “en vivo” - todos los intérpretes en el mismo momento - y sin divisiones, tabiques o uso de cabinas.

El REPERTORIO del disco está compuesto por

Títulos que estaban en los planes de Gardel registrar al terminar su última gira.

Un tango póstumo de su autoría con la colaboración de Terig Tucci y Alfredo Le Pera.

Obras con las que Gardel logró sensibilizar al público latinoamericano gracias a su trabajo filmográfico, pero no llegó a inmortalizarlas con el soporte musical preferido por él: el conjunto de guitarras. Mas es sabido

(según las pruebas y testimonios) que en su última gira gran parte de su repertorio estaba ocupado por dichos títulos y el soporte musical de estas presentaciones fue el trío de guitarras Aguilar, Barbieri, Riverol.

Lista de temas:

01 – Presentación.

02 – “Evocación” (Tango) – C. Gardel, T. Tucci, A. Le Pera. Obra póstuma.

03 – “Sol tropical” (Bolero cubano)* – T. Tucci, A. Le Pera.

04 – “Taconeando” (Tango) – P. Maffia, J. H. Staffolani.

05 – “Apure delantero buey”

(Canción criolla) – C. Gardel, A. Le Pera.

06 – “Noche de Atenas” (Vals) –Horacio Pettorossi.

07 – “Los ojos de mi moza”

(Jota) – C. Gardel, A. Le Pera.

08 – “Viejos tiempos” (Tango) –

C. Gardel, A. Le Pera.

09 – “Vida mía” (Tango) – O. Fresedo, E. Fresedo.

10 – “Mi Buenos Aires querido” (Tango) – C. Gardel, A. Le Pera.

11 – “El trapiche” (Bambuco colombiano) – Emilio Murillo.

12 – “Sus ojos se cerraron”

(Tango) – C. Gardel, A. Le Pera.

Intérpretes:

Leonardo Pastore (voz en 3, 5, 7, 9, 10, 11).

Jorge Espósito (voz en 2, 4, 6, 8, 12). Mariano Escobar (guitarra).

Pablo Suárez (guitarra).

Rodrigo Albornoz (guitarra, arreglos, dirección).

Grabado el día 26 de octubre de 2022 en Estudios ION. Arte de tapa: Abril Magliocca. Editado por Acqua Records. https://www.youtube.com/shorts/e 7hBPfe4C08

El disco será presentado en vivo en el marco de una serie de conciertos que Rodrigo Albornoz dará durante el mes de Junio, “MES GARDELIANO”:

Domingo 04/06: “Las guitarras de Gardel y Mauro Caggiano”.

Repertorio criollo. Invitado: Moscato Luna (guitarrista).

21:00Hs. en Bar de Fondo, Ju-

lián Álvarez 1200. Entrada: $2.000 Reservas: 113 009-5795

Viernes 09/06: “Seminario LAS GUITARRAS DE GARDEL”.

19:00Hs. en Universidad Nacional de las Artes, Sede Av. Córdoba 2445 1º piso. Entrada libre y gratuita.

Viernes 16/06: Presentación oficial del álbum “CARLOS GARDEL, REGRESO”. Con las voces de Leonardo Pastore y Jorge Espósito.

20.30Hs. en “Palacio El Victorial”, Piedras 722, San Telmo. Entrada: $2.000

Sábado 24/06: “GARDEL ACÚSTICO 4”. Cierre del estudio y análisis cronológico de la obra en el período acústico de “Don Carlos”. Con Mariano Pini (historiador, poeta), Gonzalo Galván (guitarrista) y la voz de Roberto Minondi. Artistas invitados.

18:00Hs. en Museo Casa Carlos

Gardel, Jean Jaures 735. Entrada libre y gratuita.

RODRIGO ALBORNOZ ,biografía breve:

Músico y docente argentino.

Miembro de la Academia Nacional del Tango. Se formó académicamente en el Conservatorio Superior Manuel de Falla y en la Escuela de Música Popular de Avellaneda.

Lleva adelante la investigación

“Las guitarras de Gardel”, presentada en el Instituto Nacional de Musicología Carlos Vega. Se desempeña como intérprete y arreglador de tango y folklore argentino con cuatro materiales discográficos editados recorre todo el territorio nacional y algunos países limítrofes.

Trabaja con artistas como Yamila Cafrune, Enrique Espinosa, Leonardo Pastore.

También compartió producciones con Abel Córdoba, Ariel Ardit y Guillermo Galvé, entre otros.

Instagram: https://www.instagram.com/rodrigoalbornozguitarrista/

Facebook: https://www.facebook.com/rodrigoalbornozguitarrista

Youtube:

https://www.youtube.com/rodrigoalbornozguitarrista

Spotify: https://open.spotify.com/artist/4Fo qllGpWkff9AoXAMln70

Contacto Prensa: Yamila de la Fuente yamiladlf@gmail.com

Video

"LAS GUITARRAS DE GARDEL" - Experiencia Acústica. "Mi noche triste"

https://youtu.be/ksE2P4HT9c4

FUNDACIÓN BESARES: Últimas novedades. Disco y artista seleccionado 2023

Estamos muy emocionados de poder anunciar el lanzamiento del video de “Lamento del Cerro” y del disco CAUDAL de Cruz y LvRod, artistas seleccionados para Disco Solidario el año pasado. El material, verdaderamente único y hermoso, se concretó gracias al apoyo conjunto de Fundación Besares y el aporte de Fundación Itaú a través del programa Mecenazgo de la Ciudad de Buenos Aires. Los artistas comenzarán a dictar su taller de Creación Musical y Escucha Activa el 8 de mayo en el centro cultural Engranajes, en Boulogne, con quien estrechamos una nueva alianza. El taller plasmará por primera vez nuestro nuevo proyecto “Mi canción” cuyo objetivo es que los niños compongan y graben una canción en un estudio financiado por la Fundación, volviéndose verdaderos protagonistas de la creación artística, en plano de igualdad con los músicos que dictan las clases en las casas de apoyo.

SELECCIONADOS 2023

Tras una convocatoria con un aluvión de participantes a comienzos

de año, Catalina Bayá fue la artista seleccionada para el primer cuatrimestre de 2023. Estamos felices de acompañarla en su próximo material discográfico. Dictará clases de música en Casa Rafael, en La Boca. Para el segundo cuatrimestre el artista seleccionado es Juan Ibarlucía, quien nos impresionó con su disco/proyecto audiovisual LA TEMPESTAD.

ACERCA DE FUNDACIÓN BESARES

La Fundación Besares, creada en 1989, se ha desempeñado desde entonces en diversas áreas de interés social, principalmente en cultura, educación y salud.

Entre 2012 y 2017, la fundación funcionó bajo el nombre Centro Cultural Besares, ubicado en el barrio de Núñez en la Ciudad de Buenos Aires. Durante esos años la fundación se focalizó en apoyar el arte independiente y emergente de Buenos Aires a través de muestras, recitales, talleres, y otras actividades del campo cultural. Actualmente la fundación sigue apoyando al arte independiente con las becas del programa Disco Solidario.

Su misión hoy es poner en contacto a dos mundos: el de los niños de los sectores más postergados de la sociedad, con el de los artistas que necesitan apoyo económico para realizar su obra. La fundación otorga becas a los artistas y éstos, a su vez, dan clases de música en diferentes barrios de bajos recursos.

A través de este programa, los chicos tienen la oportunidad de ampliar su contacto con el arte, y los músicos a su vez, tienen la oportunidad de financiar sus obras mediante el trabajo solidario. Así el arte se convierte en un vehículo de transformación social y desarrollo cultural.

Inclusión, igualdad, seguridad, creatividad, y calidad, son los principios que guían el accionar de la fundación. La música y el

arte como formas de contrarrestar los sentimientos de desregulación causados por traumas, desconexión y experiencias extremas.

PROYECTO DISCO SOLIDARIO

Disco Solidario es uno de los principales proyectos de Fundación Besares. Se trata de una plataforma a través de la cual músicos independientes de Buenos Aires, elegidos en convocatorias abiertas, pueden financiar la grabación de sus discos con una beca otorgada por la fundación, y como contrapartida, dictan clases de música en casas de apoyo de barrios carenciados.

La fundación también pone en contacto a los músicos con productores, ingenieros y estudios de grabación considerados apropiados para el proyecto específico del artista, y de esta manera, también contribuye con el desarrollo de las actividades de los profesionales de la grabación.

PROYECTO “CREACIÓN Y GRABACIÓN DE MI CANCIÓN”

Para este proyecto, el músico docente que dicta clases en la casa de apoyo escolar, propondrá una modalidad de taller que tendrá

como objetivo componer una canción con una temática determinada: educación, derechos propios, etc.

A lo largo del taller se documentará todo el proceso en imágenes, para que luego con este material, se pueda crear un videoclip de la canción creada. El mismo se grabará en un estudio a coordinar, financiado por la fundación.

Por último, la canción terminada será subida a una Playlist de Spotify y al canal de Youtube de la fundación para su difusión.

Con el objetivo en mente de tender puentes entre mundos, entre la cultura y la inclusión social, se busca como resultado final, una canción donde los niños son los únicos protagonistas.

Prensa

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Video

Lamento del Cerro (Video Oficial)

https://youtu.be/PkzLRLcMm68

Clara Cantore presenta un concierto circular en el Xirgu

La instrumentista y compositora Clara Cantore presenta oficialmente sus últimos dos trabajos discográficos Entre algarroba y durazno (2020) y La música del vacío (2022) en el hermoso Xirgu Untref en formato íntimo y circular.

Clara Cantore tiene dos discos bajo el brazo, que guardó pacientemente hasta poder presentarlos oficialmente en vivo. Letras con fuerte compromiso social y una sonoridad donde

MiráBA 168

convergen el jazz y el folklore latinoamericano componen Entre algarroba y durazno (2020), producción que por la pandemia no pudo ser presentada ese año.

Por otro lado, versiones muy personales de clásicos y no tanto del cancionero popular (Spinetta, Zitarrosa, Piero, Serrat, Expósito) y de músicos contemporáneos (Ibarburu, Drexler, Santiago Motorizado), en La música del vacío (2022). Este disco audiovisual grabado en directo

es, a su vez, un experimento creativo basado en la energía de las redes colaborativas.

La cantautora cordobesa reafirma con estos trabajos, el sello que viene imprimiendo a su música, innovando con el bajo como instrumento solista.

Afortunadamente, la espera terminó y los dos discos tendrán su presentación oficial en un concierto circular e intimista. La cita es el sábado 3 de junio a las

20.30h en el Teatro Xirgu Untref, Chacabuco 875, San Telmo.

Clara Cantore (bajo y voz) estará acompañada por Ciro Gargaglione (percusión), Juan Torres Fernández (saxo, clarinete, ewi) y Mariano Sarquiz (contrabajo).

Las entradas ya están a la venta a través de Passline o en la boletería del teatro de miércoles a sábados de 15 a 20 h. CLARA CANTORE TRÍO | CONCIERTO CIRCULAR en Xirgu UNTREF - Passline

Sobre Clara Cantore

Clara Cantore nació en Córdoba. Viene recorriendo el mundo con una nueva forma de concebir la música de raíz folklórica en el bajo como instrumento solista. Sus canciones están fuertemente atravesadas por la lucha por la igualdad de oportunidades, principalmente, dentro del movimiento de mujeres latinoamericano. Si bien el folclore argentino y latinoamericano son su primer lenguaje, es muy notoria la influencia del flamenco, el tango y el jazz, fruto de su búsqueda y amplia formación.

Es la impulsora del exitoso ciclo Música por la ciencia, proyecto audiovisual de la Fundación por la Ciencia que pone la música al servicio de la ciencia, haciéndola visible desde un espacio artís-

tico, para comunicar sus avances más relevantes a toda la sociedad. “Música por la ciencia” tiene tres temporadas que han sido televisadas a través de la Televisión Pública, donde participan muchísimos músicos que han colaborado desinteresadamente.

Además de haber realizado giras por Europa, Japón, EEUU, Chile, Uruguay, Colombia y Argentina ha participado en festivales internacionales como Cosquín en Japón (Fukushima, Japón), Kar-

neval der Kulturen (Berlín, Alemania), Barnasants (Barcelona, España) Cantares (CDMX, México), Hollywood Forever (Los Ángeles, EEUU).

Tiene cinco discos editados: Mentiras Criollas (2011) junto a Gonzalo Pereira, Ser Tiempo (2013), Calma (2016), coproducido junto a Raly Barrionuevo, con invitados especiales como Nano Stern, Magdalena Matthey y el propio Raly, Entre algarroba y durazno (2020) y el más reciente, disponible en YouTube, La música del vacío (2022).

PRENSA

Florencia Meluso

Enlazadora de Mundos @flormeluso florenciameluso@gmail.com

Video

La Música del Vacío - Clara Cantore / Concierto en Vivo

https://youtu.be/Xon_u9LCJiY

Irene Goldszer en concierto

Sábado 03 de junio 19.00 hs La Casa Nacional del Bicentenario,Riobamba 985. Gratis

La Casa Nacional del Bicentenario te invita a disfrutar de la presentación de Irene Goldszer, que interpretará canciones de su disco Respirar, de Pedazos -espectáculo de música, teatro y poesía- y composiciones nuevas. Un recital en formato solo set en el que despliega su costado más intimista. La ternura, la crudeza, lo frágil y filoso; una suave canción íntima y otra con la voz a punto de estallar.

Un recital de canciones y también de relatos. Se pueden en-

contrar influencias variadas pero el diferencial es que no tiene un estilo definido y eso lo convierte en un trabajo muy personal. La performance y la improvisación se completan en la comunicación con el público, usando el humor y la ironía para causar tensión con el material poético.

Sobre la artista

Es actriz y cantante. Desde hace más de 20 años trabaja como creadora, compositora e intérprete; en esos años creó 4 espectáculos musicales y un disco:

DeRama Sangre, Y el fin, Pedazos, Respirar un recital y Respirar un disco. Y escribió y editó un libro, Lakúndera.

Actualmente se encuentra trabajando en su próximo proyecto musical A Un Paso Del Tiempo, el cual obtuvo en 2021 la Beca Creación del Fondo Nacional de las Artes y del Fondo Metropolitano.

Desde el 2021 presenta su Solo Set en espacios como Teatro Picadero, El Galpón de Guevara, Quetrén y en eventos culturales

invitada por diferentes Municipios. Junto con Ailí Chen crearon el trabajo performático Tus palabras presentado en Fundación Andreani. Para la CNB realizó un Streaming Acústico del Solo Set. Con sus canciones se presentó también en México. A la par de sus creaciones participó en espectáculos de teatro, circo y música, trabajando con artistas y directorxs como Rubén Rada, Pompeyo Audivert, Villanueva Cosse, Ciro Zorzoli, Mónica Salerno, Gerardo Hochman, Nora Moseinco y De La Guarda. En tv integró el elenco de Junior Express (5 temporadas, Disney Junior Latinoamérica); el programa Valentino el argentino y Reinas Magas, entre otros. En cine trabajó con directorxs como Carina Sama, David Bisbano, Eduardo Mignona, Martín Basterretche, Juan Pablo Martinez, Marité

Ugás y Ernesto Baca. Colaboró en los discos Las llaves del tiempo de Martín Minervini; Música para sonámbulos de X.X. y los discos de los programas de tv en los que participó.

+ Info en

La Casa Nacional del Bicentenario

https://casadelbicentenario.cultura.gob.ar/

Facebook: /CNBLaCasa

Twitter: @Cnb LaCasa

IG: @Cnb LaCasa

Video

Malagueña (autor anónimo)Pedazos, espectáculo de música, teatro y poesía de Irene Goldszer

https://youtu.be/vH760VZjMC8

Juan Ignacio Sueyro presenta su nuevo disco

Oráculo

Se trata de la primera propuesta discográfica de este joven compositor, cantante, multiinstrumentista, arreglador, productor y docente platense.

Lo acompañan en su ensamble actual Joaquine Merino, en guitarra y voz, Sebastián Tozzola, en bajo y Santiago Arroyo, en percusión.

En su disco participan múltiples músicos entre los que se destacan en algunas canciones

Ernesto Snajer, en guitarra. Mariano "Tiki" Cantero, batería y percusión.

Ramiro Flores, en saxo soprano.

Lucía Boffo, en voz.

“Pienso que Oráculo es en sí mismo, una declamación de lo que soy como ser musical. Tiene mucho de la melodía de la canción, de las músicas que se escuchaban en mi casa, en la infancia. Está ahí sin dudas la canción como un eje transversal” Juan Ignacio Sueyro .

Presentación en vivo oficial del disco Oráculo en formato

cuarteto

Viernes 23 de Junio, 20h puntual La Scala de San Telmo Pasaje Giuffra 371/ San Telmo C.A.B.A.

Entradas $2000

Se adquieren en Boletería el día del concierto o por http://www.alternativateatral.com .ar

Reservas e informes Tel: 11 2252-2630

lascala@lascala.org.ar

https://www.lascala.com.ar/

Juan Pablo Di Leone: flauta Fernando Silva: bajo Fretless

Músicos en el concierto

Juan Ignacio Sueyro, piano, guitarra, bajo, batería y voz.

Sebastián Tozzola en bajo

Joaquine Merino en guitarra y voz

Santiago Arroyo en batería y percusión.

Artistas invitados

Ernesto Snajer, en guitarra

Daniel Schnock, en teclados

Paz Estrach, en voz

Guido Briscioli, en guitarra eléctrica

Daniel Chaplet, en armónica

Ramiro Flores, en saxo

En palabras de Juan Ignacio Sueyro acerca del desarrollo y concepto de esta propuesta llamada “Oráculo”

“El disco Oráculo partió de un proceso compositivo y creativo que se inició en el contexto de la pandemia, en el sur fueguino, específicamente en Ushuaia. Yo me radiqué allí hacia finales del 2019 y comencé a trabajar como pianista de un hotel. Luego, en el año 2020 sabemos que el mundo cambió para siempre con el aislamiento obligatorio, y, así, casi sin querer, se me abrió la posibilidad de empezar a grabar un disco en el piano de ese hotel”.

En ese contexto de incertidumbre, surgió este álbum como una posibilidad de construir para mi un mapa propio, un autososten sonoro y conceptual, frente a un contexto de total indefinición para mí y para el mundo.

Empecé a jugar con esta idea de que cada canción y obra instrumental del repertorio, podía cumplir un rol de arquetipo de respuestas de un Oráculo, como si cada una de ellas nos planteara desde lo sonoro y lo visual, una señal, una posible respuesta a una duda o a un proceso premonitorio, o a una adivinación. Por eso, cada canción y obra de este repertorio tiene una pieza gráfica, diseñada específicamente para representar su estado emocional.

(Juan Ignacio Sueyro)

11 Silbando Ando (Juan Ignacio Sueyro)

12 En El Fin, Espero (Instrumental / Juan Ignacio Sueyro)

13 Azul (Juan Ignacio Sueyro)

Ficha técnica Disco Oráculo

Año de grabación 2022/ Edición independiente digital que se presenta en 2023

Todas las obras fueron compuestas por Juan Ignacio Sueyro excepto la canción Luminarias compuesta por Ezequiel Burin con arreglos de Juan Ignacio Sueyro

La canción “Impresión Increíble” cuenta con arreglos y orquestación de Daniel Schnock.

Productor Artístico y fonográfico: Juan Ignacio Sueyro.

Listado de canciones del disco Oráculo

1 Luminarias (Ezequiel Burin/ arreglos Juan Ignacio Sueyro)

2 Andaluz (Juan Ignacio Sueyro)

3 Quintais (Juan Ignacio Sueyro)

4 Lo Puesto y Nada Más (Juan Ignacio Sueyro)

5 Distancia (Instrumental/ Juan Ignacio Sueyro)

6 Intro - Impresión Increíble (Juan Ignacio Sueyro/ arreglos y orquestación Daniel Schnock. )

7 Zamba Amanecida (Juan Ignacio Sueyro)

8 Algo (Juan Ignacio Sueyro)

9 El Río De Ellas (Instrumental/ Juan Ignacio Sueyro)

10 Cuestión De Perspectivas

Ingenieros De Grabación: Marcos Silvestrini (Estudios Om, Ushuaia), Agustín Silberleib (Doctor F, Caba), Pancho Barreña (Estudios Pierrot, La Plata), Facundo Lizondo (Mirífico, La Plata).

Mezcla y máster: Marcos Silvestrini (Estudios Om, Ushuaia)

Juan Ignacio Sueyro: voz, piano acústico, Cp 70 Y Rhodes, guitarra nylon, guitarra acústica, bajo eléctrico, bajo fretless, baterías, accesorios percusión, programaciones Vst, composición y arreglos.

Arte gráfico: Sol Cófreces. Prensa y Comunicación Alicia

Gubitsch

Acerca de Juan Ignacio Sueyro

Juan Ignacio Sueyro (1989/La Plata, Argentina) es músico, multi- instrumentista (pianista, guitarrista, bajista, baterista, cantante), arreglador, productor y docente. Se desempeña hace 10 años como docente de la Cátedra de Lenguaje Musical en la FBA - UNLP, en la Tecnicatura en música popular de la ExEsma (CABA).

En 2013 coprodujo (junto a Renzo Cecenarro), arregló y grabó los pianos en el primer disco solista de Renzo Cecenarro, titulado 'Migmatita'. El mismo contó con la participación de Nadia Larcher, Fermín Ferraris y

Paola Gamberale.

En 2014 comenzó a formar parte de la formación Nadis como pianista, cantante y compositor (se trata de un sexteto en formato de música instrumental y canción, junto a Juana Sallies, Lucas Muñoz, Lautaro Araujo, Francisco Risso y Darío Pita). Junto a este proyecto grabó dos discos titulados 'Alquimia Planetaria' (2014) y 'Transmuta' (2016). Este último disco, contó con la participación de Ana Archetti, Benjamín Rampoldi, Andrés Martínez y Fermín Ferraris. Ambos discos fueron editados y comercializados en Japón por Revista Latina.

En 2016 participó como baterista en el trío de Julieta Román, grabando el primer disco solista de

ella, titulado 'Imperfecta', junto a Diego Amerise (contrabajista en Don Olimpio, La Sonora, Cuarteto Tangor).

En 2017, coprodujo (junto a Joaquinx Merino), arregló, y participó como pianista y cantante del primer disco solista de Joaquinx Merino, titulado 'Arvolar'. El disco contó con la participación de un quinteto estable (guitarra y voz, piano, contrabajo, clarinete y batería) más dos cuartetos (de cuerdas y de maderas). Además contó con la participación de músicos como Rodrigo Carazo, Julián Vanegas, Laura de Iuducibus, entre otros artistas.

También grabó junto a Mariano 'Tiki' Cantero y Joaquinx Merino el single 'Arvolar', en el estudio

de Lito Vitale, producido por Juan Belvis.

En 2018, grabó y co-produjo junto a Pancho Barrena (Estudio Pierrot, La Plata, Bs.As) los primeros dos videoclips de su primer proyecto solista titulados 'Algo' (canción) y ' 'El río de ellas' (instrumental).

En el 2019 participó como jurado, a la par de Ernesto Snajer de un proyecto de becas y subsidios del FNA, en la categoría Jazz.

En el mismo año editó un libro sobre la notación musical desde la percusión corporal, titulado "El cuerpo como vehículo: Notación musical desde la percusión corporal" editado por la Editorial TDF, en el 2023. Con este trabajo viene desarrollando simultáneamente una tarea pedagógica en talleres grupales, apuntada al aprendizaje del lenguaje musical desde la audioperceptiva, el uso de la voz y la percusión corporal.Ver propuesta acà

Formó parte como baterista y tecladista del sexteto de Juana Sallies (2019), como guitarrista, bajista, baterista, pianista y arreglador del disco de Lucia Boffo (2020), como pianista y arreglador del proyecto solista de Ignacio Cano (2022), como cantante, pianista, guitarrista de Joaquinx Merino y la Orquesta de Papel (2022) y como baterista y tecladista del sexteto de Juana Sallies y Tomás Cabado (2022).

Asimismo, trabajó desde el 2020 hasta el 2023 en el Comité de la

Editorial Cultural de Tierra del Fuego, como curador del área de Música.

Cabe destacar que Juan Ignacio Sueyro ha generado un Manifiesto que concientiza a los oyentes a escuchar mejor la música en los tiempos de la era digital vigente. A su vez, este comunicado apela a que las plataformas en las que escuchamos música brinden mayores beneficios a los artistas de la música. Del mismo modo nos recuerda la importancia en asistir a conciertos para escuchar música en vivo y que compremos discos en el formato que los músicos lo promueven.

Participó como miembro del comité para el armado del diseño curricular de una Carrera de Artes combinadas, a implementarse en el 2023 por la UNTDF.

Compuso la música original del largometraje "Río Grande: Lo que el viento no arranca, lo arraiga" (2021).

Actualmente Juan Ignacio Sueyro se encuentra presentando su primer disco solista, titulado “Oráculo” con una edición digital independiente. ( Próximamente se hará una impresión física del disco en formato CD, a editarse por el sello Disk Union, en Japón).

PRENSA

Alicia Gubitsch prensa.aliciagubitsch@gmail.co m

Video Quintais

https://youtu.be/wIdmHhfx7To

MARGER

Marger la artista multicultural Afro-latina con una voz penetrante y potente, con carisma y una incomparable presencia escénica, la cual no puede ser ignorada en un escenario, llega a la Argentina renovada y lista para transmitir alegría.

Marger es una artista multifacetica. Su primer álbum como solista “Inmortal” fue impactante. Durante el año 2018 realizó una extensa gira de medios en Buenos Aires que culminó con una presentación en el Teatro Sony a

sala llena. Tras su regreso a Miami, Marger lanzó un novedoso videoclip del sencillo “SOLA” exclusivo para IGTV y fue realizado en una única toma.

"Como cantante artista y compositora me siento orgullosa de representar la música con honestidad"

Durante la pandemia, Marger tuvo un cambio drástico, primero comenzó siendo la moderadora del primer panel de mujeres Afrolatinas en la música para la Aca-

demia de Grammy Americanos. Luego Participó activamente en charlas con Women in Music y people en español, al lado de otras mujeres poderosas de la industria.

De allí comenzó un giro en su propuesta Musical que su puntapié fué el tema más allá de la piel todavía durante la pandemia.

Marger, luego de muchos retos personales, decidió indagar en sus raíces Afrocaribeñas y experimentar con música de Africa, fu-

Llega más refrescante y lista para hacer bailar a los argentinos, lanzamiento a puro ritmo latino ¡no se lo pueden perder!

sionada con ritmos Latinos y conectarse con la Alegría. De allí nace su nuevo proyecto que comenzó el año pasado con el tema: Shalala Agua de Coco, que logró llegar al top 1 en dos carteleras en los Estados Unidos, En la tropical y en la pop en la plataforma llamada Music Choice.

Shalala Agua de Coco logró sonar en Francia en toda la cadena CHasseu durante 3 meses consecutivos. Luego de un pequeño gap Marger está lista para el nuevo lanzamiento que será próximamente llamada “Salvavida”. Una canción sensual y pegajosa, su misión es que por el baile y con letras simpáticas logramos desconectarnos un poco de nuestros problemas.

MÁS SOBRE MARGER

Marger es cantante, actriz y compositora venezolana. Nace en una familia de músicos y comienza su carrera internacional como Protagonista del Musical “Fama” “Fama el Musical” en la ciudad de México. De allí hace su gira por los más importantes teatros de Latino América.

De México a Argentina, pasando por Puerto Rico, Colombia, Venezuela, Rep. Dominicana Marger logra reconocimiento por su increíble interpretación del rol de Irene Cara. En Argentina trabaja con Alejandro Romay en “La Tiendita

de los Horrores”, Pepito Cibrián en Homenaje, La diva Argentina, Susana Giménez y en la tira de Polka, “El sodero de mi vida”.

De Argentina se muda a Miami y es seleccionada para formar parte del Reality Show “Protagonista de la Música” en donde queda como finalista y consigue su primer Disco de Oro. Graba su primer Disco solista “Como Te Digo” del cual se desprende su tema: Cómo te atreves con el que

logra primeros lugares en Venezuela y Bolivia, así como mantenerse durante 9 meses en el Récord Report de Venezuela y su video en HTV.

Posteriormente, su carrera como compositora crece mientras interpreta temas de Telenovelas exitosas como: El Rostro de Analía y La Patrona de Telemundo NBC. Y también como compositora y autora de canciones para las tiras de Nickelodeon, Grachi, 1111 en mi cuadra nada cuadra y Heidi Bienvenida a casa, en donde también actúa como la chocolatera en la tira. Graba un dueto con Jon Secada y un álbum de navidad llamado “Forever Navidad”

CONTACTO

NIDIA BARONA

nillozepa@gmail.com

Video

MARGER - SHALALA Agua de Coco (Official Music Video)

https://youtu.be/4oazsWTBRv8

Presenta la apertura de )G(ritos, el primer álbum solista de la cantante y compositora argentina Paula

Naanim Telis.

"Tengo Voz" es la canción apertura de )G(ritos, el primer álbum solista de la cantante y compositora argentina Paula Naanim Telis.

"Tengo Voz"

En "Tengo Voz" Paula fusiona su propia raíz rockera con el sonido de la ancestralidad.

“le doy voz a mis historias le doy voz a mis memorias”

Se trata de una canción creada para celebrar que Paula se dispone a hacer uso de su voz en coherencia con lo que verdaderamente piensa, siente y cree, desafiando así siglos de mandatos condicionantes sobre el ejercicio de la voz de las mujeres en representación del propio nombre.

“le doy voz a mis voces”

En "Tengo Voz" Paula hace sonar más de 12 años de investigación como cantante, transitando por sus voces limpias, raspadas, tribales y gritos extremos y se da a conocer como compositora y artista emergente dentro de la escena local.

El video de "Tengo Voz" es una composición que integra elementos del collage, el cyber punk y el videolyrics. En él se observa a una Paula del futuro que viaja a través del tiempo para reunir las memorias de sus animales de Poder.

Sobre )G(ritos

"Tengo Voz" es la canción apertura de )G(ritos, un álbum conceptual con sonido ecléctico: guitarras de 7 cuerdas y bajos sublow al mejor estilo new metal con baterías híbridas que transitan entre lo acústico y lo electrónico junto a un ensamble de

percusión afro latina que sostiene a todas las voces que, por momentos aparecen solas y de forma minimalista pero que también, aparecen juntas para generar un efecto de canto colectivo o canto en tribu.

Para llegar a esta fusión, Paula convocó a lxs músicos Adrián “Burbuja” Pérez (ex Viejas

Locas/Intoxicados), Franco Barroso (ex Panza/ actual Parte Planeta/El 911), Leo Verina (ex Maxi Trusso/ actual Nicolás Dominí), Leandro Alem (actual Fuerzabruta), Matías Telis y Alejandra Mesliuk. La diversidad musical entre lxs intérpretes sin duda ha enriquecido la producción sonora de este álbum, caracterizado por tener un estilo novedoso y original.

y escritora de dos libros. Se dedica a crear y acompañar transformaciones individuales y colectivas realizadas por medio del arte.

El pasado 11 de marzo se realizó una Avant Premier en donde Paula invitó al público a reflexionar respecto de las implicancias de Tener Voz, se proyectó el video que acompaña a la canción y se realizó una experiencia )G(ritual con música en vivo y participación del público presente.

La )G(ritualidad es una propuesta performática de Paula para reunir los elementos y las funciones de los ritos con las dinámicas de un concierto de rock. Utilizando recursos del arte improvisación, la artista convoca a la audiencia para que participe activamente a través de consignas que se van fusionando con la música, generando un recorrido por distintos estados que promueven el pensamiento, el contacto sensible y el encuentro. Esto hace que cada presentación sea una creación viva y una experiencia única e irrepetible.

Un poco más sobre Paula

Cantante y compositora, artista de performance, musicoterapeuta

Como cantante, ha formado parte de bandas de rock alternativo, heavy metal y blues rural, ha compartido escenario con artistas como Claudio Tano Marciello, Hugo Bistolfi, Julian Barret, Chowy Fernandez, Claudio Peña, Malena D’ Alessio, Intirap, Fianru, La Piba Berreta, Cumbio, Lola Bhajan y Karen Bennett; ha teloneado a lxs locales Andrea Alvarez y Gabriel Gratzer y ha colaborado en los proyectos de Nucleo aka Tinta Sucia, Buffalo, Raza Truncka, Mauro De Maria, Darío Poletti, Montarosa y Daniel Telis. Sus últimos escenarios como cantante sesionista son Teatro Metropolitan, Sala Pablo Picasso (Paseo La Plaza), CC Recoleta, Teatro Vorterix y Sala Luis Alberto Spinetta (Radio Vorterix). Pero su investigación artística también se ha nutrido viajando y participando en encuentros ceremoniales de comunidades originarias de América Latina y África subsahariana.

Como artivista, Paula realiza obra de performance para la emancipación de las mujeres y del bienvivir en diversidad. Sus primeros libros -Mujer Basura, 2016 y Mujer Nueva, 2018- desarrollan estos temas. Hay un corto -El Rito Reciclaje, 2019- que documenta esta investigación. Estos materiales fueron presentados oficialmente en la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires durante 3 años consecutivos.

Además, acompaña la formación de cantantes desde El canto del medio, su Escuela de Canto, ofrece el servicio de consultoría y acompañamiento a víctimas/sobrevivientes de abuso sexual y/o de poder y facilita talleres para promover el fortalecimiento de la presencia de las mujeres en las artes.

linktree.com/paulanaanimtelis

PRENSA

Sofía Gómez Pisa

somosprensabla@gmail.com

Video

Tengo Voz - Paula Naanim Telis https://youtu.be/e9zPeEf1UDI

"Tengo Voz" es la canción apertura de )G(ritos

Ticky presenta “Algo nuevo”

“Algo nuevo”, el flamante single de Ticky, es una canción con un sonido nuevo, fresco y atractivo a la escucha, difícil de encasillar en un género en particular, con una letra que pasa por diferentes

MiráBA 180

estados, haciéndote sentir algo nuevo.

Este reciente estreno, grabado y producido íntegramente por el propio Ticky (tecladista y corista de la banda Cruzando el charco), es un adelanto del próximo álbum solista que el músico platense planea lanzar a mediados de este año.

Escuchá “Algo nuevo” en Spotify: https://open.spotify.com/album/3b wPVYHsAJds9YKwQJmCRF

Mirá el video de “Algo nuevo” de Ticky en YouTube: https://youtu.be/Svn3VwRpW40

PRÓXIMOS SHOWS

Viernes 16 de junio: TICKY EN UTOPIA BAR. Bernabé Aráoz 189, Tucumán. 21 hs. Entradas $1500.

Sábado 17 de junio: TICKY EN LEGRAND (Subsuelo del Hotel Selina). San Lorenzo 163, Córdoba. 21 hs. Entradas $1500.

Ticky, nacido en la ciudad de La Plata (Buenos Aires, Argentina), comenzó su camino en la música a los nueve años. Actualmente se desempeña como compositor, intérprete y productor, y cuenta con dos discos de estudio (“Magia” de

2015 y “Simple” de 2017), un EP (“Fuerza que guía. Vol. 1” de 2022) y múltiples sencillos. Su sonido se mantiene fresco y cambiante. En cada canción, una propuesta diferente. Sus letras tienen mensajes positivos que inspiran al amor y al autoconocimiento personal como una de las herramientas más poderosas del ser humano. Además, es tecladista y corista de la reconocida banda platense Cruzando el charco, con quienes se mantiene en constante actividad.

Entre el 2008 y el 2016 tuvo su banda de reggae en la que era compositor y tecladista y fue parte de diversas bandas de rock y reggae como sesionista. Algunas de ellas son: La Cumparsita Rock, Negusa Reggae, Pure Feeling (Br), y muchas otras en las que participó como instrumentista invitado a lo largo de su carrera.

Ticky cantó en vivo junto a grandes artistas de la música argentina y latinoamericana como Los Cafres, Nonpalidece, Axel, Muerdo, Cardellino, Silvina Moreno y Adrián Berra. Además, tocó en varias oportunidades en los escenarios más emblemáticos del país, como lo son el estadio Luna Park, Teatro Gran Rex, La Trastienda de Buenos Aires, Teatro Vorterix, Niceto Club, CC Konex, y en festivales como Cosquín Rock y Baradero Rock. También recorrió las plazas musicales más importantes del país distintas veces girando con la banda platense Cruzando el charco y como solista. Se presentó con su show solista en varias oportunidades en la ciudad de Montevideo (Uru-

guay) y en Asunción del Paraguay.

En su rol de productor se desempeña de manera muy versátil, habiendo hecho trabajos de reggae, rap, rock, trap, reggaeton, comedia musical rock. Además, ha realizado trabajos de composición para otros artistas en varias oportunidades de diversos géneros musicales.

Más info:

https://www.instagram.com/ticky _mago/

https://www.tiktok.com/@dtickyrodriguez

LUCAS SEOANE - PRENSA

lucas.seoaneprensa@gmail.com

Video

Ticky - Algo Nuevo

https://youtu.be/Svn3VwRpW40

QUENA Taborda BITÁCORA Nuevo álbum con composiciones propias

Fernando Quena Taborda presenta su nuevo álbum de estudio. Al frente de una agrupación peculiar -cuatro bandoneones, violín eléctrico, guitarra eléctrica, contrabajo y batería- logra un sonido singular, que abreva en varios géneros y se anima a despegarse de ellos sin complejos: lo que se presenta como tango se vuelve jazz, el jazz candombe; un sólo introspectivo se hace rock... Tal es la naturaleza de su música.

Entre viajeros, el diario de bitácora es un registro de los acontecimientos destacados en el transcurso de un viaje. "Quena"

MiráBA 182

emprendió el suyo con una consigna muy clara y noble: ser él mismo en su música. En ese viaje individual aparece en su bitácora lo universal -el amor, la soledad, el deseo, la ternura, los sueños, las ganas de ser, el encuentro, las búsquedasQuena Taborda le pasa el resaltador fluorescente a las emociones y las colecciona en una serie de registros musicales que podrían perfectamente ser la bitácora de cualquiera que lo escuche en este viaje de vivir que transitamos a diario. Así de humanas son sus canciones: frenéticas y amables, cursis o enroscadas y cantables.

02.-

06.-

07.-

08.- Ciudad desierta 2053 04:50

Grabado y filmado en simultáneo en octubre de 2022 en los estudios Fort de la Ciudad de Buenos Aires.

Ingeniero de grabación: Norberto

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA

Villagra

Asistente de grabación: Martin

Jerez

MÚSICOS:

Fernando Taborda: bandoneón

Rodolfo Roballos: bandoneón

Federico Murrone: bandoneón

Federico Quevedo,: bandoneón

Facundo Curcio: contrabajo y bajo eléctrico

Sebastian Zambrana: guitarra eléctrica

Christine Breves: violín

Tiene una intensa actividad docente en: Escuela de música de Buenos Aires (EMBA) en la Cátedra de bandoneón, ensamble de tango, elementos técnicos del tango y es director de Orquesta Escuela Típica de Tango. También es docente en el Sindicato argentino de Músicos (SADEM) y en el Instituto Superior de Música Popular.

Con las diferentes agrupaciones de las que participa o ha participado ha recorrido el mundo participando en alguno de los más destacados festivales y escenarios:

Festival Internacional de Música de la Ciudad de Bs. As. junto a la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba. Misa Tango en Do menor a Bs. As. De Martín Palmeri.

Acerca de Fernando "Quena"Taborda:

Es músico de tango, bandoneonista, compositor, profesor de bandoneón y arreglador. Participó- desde 1990- en distintas agrupaciones de tango de artistas referentes del género tales como: Rodolfo Mederos, José Ángel Trelles, Alberto Cortez, Ariel Ardit, Lidia Borda, Miguel Poveda, Gilberto Santa Rosa, Daniel Melingo, Julio Pane, Daniel Binelli, Bernardo Baraj, entre otros.

Participa en las siguientes agrupaciones actuales, además de su propio sexteto: Dúo ZambranaTaborda (guitarra y bandoneón); La Cachiporra Tango Fusión; Orquesta Típica de Rodolfo Mederos.

Semana Argentina en San Salvador de Bahía.

Homenaje a Borges en Viareggio, Italia.

Festival Viva el tango, Montevideo.

Festival Internacional de Tango, Granada.

Argentine Music & Film Festival, Londres.

Ópera María de Buenos Aires en

Universidad Passau y la presentación del disco “Porteños Y Gringos” de Schwenkglenks en Passau, Alemania.

Compañía Tangokinesis de Ana María Stekelman en Ópera de Tango y Tango Vals Tango en Berlín y Catania.

Festival ESC Sevilla Entre Culturas. Diálogos 3 Rodolfo Mederos + Miguel Póveda.

BCN Grec 30 Festival, Barcelona. Oslo World Music Festival, Noruega.

Festival Internacional de música y danza, Granada.

Festival Internacional Tamaulipas, México.

Festival Internacional de las Artes, Costa Rica.

Además de su propia discografía tiene una extensísima participación en diversos proyectos discográficos de otros artistas: Rodolfo Mederos; María Estela Monti; José Ángel Trelles y Oscar Kreimer, por solo nombrar algunos. PRENSA

Ana Garland Management anagarland@gmail.com

Video

Amor sin piel https://youtu.be/JtceuwowjSk

MARTÍN BUSCAGLIA Y SUS BOCHAMAKERS En vivo en Buenos Aires y Rosario

Basta de “Basta de Música”

Tour / Junio 2023

Jueves 15 a las 20.30h en Casa Brava - Rosario

Viernes 16 a las 20h en Niceto Club – CABA

Martín Buscaglia regresa a nuestro país para cerrar la gira de “Basta de Música”, su disco de 2020 que estuvo nominado a los Premios Gardel en el rubro Mejor Álbum Canción de Autor y que ganó en Uruguay el Premio Graffiti por Mejor álbum Pop. El material fue presentado en diversas ciudades de América Latina y Europa y ahora es el turno del show despedida ya que el inquieto artista uruguayo encarará nuevos proyectos.

Muy bien acompañado por su

banda “Los Bochamakers”Nacho Matheu en bajo, Matías Rada en guitarra, Martín Ibarburu en batería y Coby Acosta en percusión- Buscaglia trae además algunas canciones nuevas y otras incluidas en sus discos anteriores. Los shows serán jueves 15 y viernes 16 de junio en Rosario y CABA, respectivamente.

Candombe, funk, rock, pop, calypso y hasta cumbia, no hay etiqueta posible para este músico tan talentoso como original y clave en la escena musical latinoamericana.

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Para vencer

Chuza

Acerca de Martín Buscaglia:

Artista, músico, compositor y productor nacido en 1972 en Montevideo, Uruguay.

En los últimos quince años estuvo en constante movimiento: giró y dio conciertos a dúo con artistas como los brasileños Os Mulheres Negras, la mexicana Julieta Venegas, el argentino Li-

sandro Aristimuño y la cubana Yusa. Produjo a diversos artistas, entre ellos Mi amigo invencible con su flamante “Isla de oro” y a Kiko Veneno con su trabajo "Sombrero roto" junto con Santi Bronquio & Veneno himself (Disco del año en España, para Rockdelux y otros).

Grabó un disco a dúo con Kiko ("El Pimiento Indomable", 2012) y otro con el artista excéntrico uruguayo Antolín ("Experiencias musicales", 2015). Además, giró con su banda y con su venerado formato "Hombre orquesta"; grabó un disco en vivo solo con su guitarra ("Somos libres", 2014). Editó un libro sobre la obra poética de su padre ("Mojos", junto al poeta Macachín) y otro con los acordes de las canciones de su proyecto de música para niños ("Cancionero Cantacuentos"). Y condujo su programa de radio “La casa del transformador” y compuso la música para varias obras de teatro.

A lo largo de toda su intensa y extensa trayectoria ha tocado en España, Estados Unidos, Inglaterra, Francia, Australia, Brasil, Argentina, Chile, Paraguay, México y Uruguay, entre otros países, tanto con su banda “Los Bochamakers”, como en su formato “Hombre orquesta”, o solo con su guitarra.

Ha grabado y tocado con artistas como Arnaldo Antunes, Kiko Veneno, Fito Páez, Julieta Venegas, Eduardo Mateo, El Príncipe, Hugo Fattoruso, Rubén Rada, Leo Masliah, Fernando Cabrera,

Jaime Roos, Juana Molina, Jackson Browne, Os Mulheres Negras y Jorge Drexler, entre otros.

Ofició de artista soporte en el show de Paul McCartney en el Estadio Centenario de Uruguay en 2012, así como en shows de Luis Alberto Spinetta, Caetano Veloso, Maceo Parker y Charly García.

Sus discos en solitario son: “Basta de Música” (Los Años Luz 2020), "Somos libres", en vivo (Los Años Luz/Bizarro, 2014), "Temporada de conejos" (Lovemonk, 2010), “El evangelio según mi jardinero" (Lovemonk, 2006), "Ir y volver e ir" (Lovemonk, 2004), "Plácido domingo" (Zapatito, 2000) y "Llevenlé" (Orfeo, 1997 / Reedición: Bizarro, 2011). A dúo, grabó "Experiencias Musicales", con Antolín (Los Años Luz, 2015) y "El Pimiento Indomable", junto a Kiko Veneno (Bizarro/Los Años Luz, 2012/ Satélite K., 2014).

En formato Vinilo, tiene "El Pimiento Indomable", LP (Satélite K., 2015), "Jaula de motos" y "Cortocircuito" remezclados por

K'bonus y Boohgaloo Zoo (Lovemonk, 2010). "Cerebro, orgasmo envidia & Sofía", remezclado por SUMO y Boogie Corporation (Lovemonk, 2007).

En cuanto a DVD´s, en 2009 presentó "Martín Buscaglia y sus Bochamakers En Directo en Montevideo" (Bizarro Records) y en 2008, "Cantacuentos 10 años - Pura maravilla" (Montevideo Music Group). Con este proyecto de música para toda la familia que comparte con su madre, grabó "Cantacuentos en su casa" (Montevideo Music Group, 2011), "Pura Maravilla" (Montevideo Music Group, 2009), "La vuelta manzana" (Montevideo Music Group, 2007), "Canta y cuenta canciones para no dormir la siesta" (Montevideo Music Group, 2005), "Cantacuentos 2" (Ayuí, 2001) y "Cantacuentos" (Ayuí, 1999).

PRENSA: MARINA BELINCO marinabelinco@gmail.com

Video

Martín Buscaglia "ME ENAMORÉ" (video oficial)

https://youtu.be/kp-GQt9UBhc

JULIÁN MEKLER presenta su nuevo álbum VIDA ÚTIL

Jeanette Nenezian en trompeta//Lucas Goicoechea en saxo tenor, Pablo Cavalchini en guitarra eléctrica / Pía Hernández en piano / Martín Freiberg en batería.

VIERNES 9 DE JUNIO- 20:45hs

CENTRO CULTURAL CUERDA MECÁNICA

Juramento 4686, C1431 CABA Entradas por la web: https://cuerdamecanica.com.ar

Julián Mekler presenta Vida útil, su segundo trabajo discográfico al frente del sexteto con el que interpreta sus composiciones. Vida útil se trata de una colección de ocho piezas en las que la sonoridad de este Sexteto se entrelaza con la canción de autor. La música de este disco continúa en la línea potente y sensible de Invasión! (2019, también editado por el sello independiente Isla Desierta Discos), por el que recibió una Mención Especial en los Premios Nacionales 2020. Cuenta

con la participación de Julia Sanjurjo, Juan Belvis, Natalia Spiner y Fer Fontenla como voces invitadas en cuatro de las canciones que integran este álbum para las que además compusieron las letras. El grupo se completa con la participación de Jeanette Nenezian en trompeta, Lucas Goicoechea en saxo tenor, Pablo Cavalchini en guitarra eléctrica, Pía Hernández en piano y Federico Isasti en batería.

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA

LISTA DE TEMAS

Tarde 5:18

La tiranía de los calendarios

6:09

Vida útil 6:56

Verbo 9:03

Un pedazo de papel es un recuerdo 9:01

De un momento 6:12

Fosa común 5:44

Temporal 11:19

Julián Mekler – contrabajo y composición

Jeanette Nenezian – trompeta

Lucas Goicoechea – saxo tenor Pablo Cavalchini – guitarra eléctrica

Pía Hernández – piano

Federico Isasti – bateríaNatalia Spiner – voz y letra en Temporal

Julia Sanjurjo – voz y letra en Un pedazo de papel es un recuerdo

Juan Belvis – voz y letra en Vida útil

Fer Fontenla – voz y letra en

Tarde

Ingeniero de grabación – Sebastián Notte

Mezcla – Juan Belvis

Masterización – Guido Moretti

Diseño de tapa – Julián Mekler

Producido por Julián Mekler

Editado por Isla Desierta Discos

21 de abril de 2023, Buenos Aires, Argentina.

Acerca de JULIÁN MEKLER

Julián Mekler (1992) es compositor y contrabajista, graduado en Jazz del Conservatorio Manuel de Falla y docente en la Universidad Nacional de las Artes (UNA-DAM). Mención Especial en los Premios Nacionales 2020. Becario del Fondo

Nacional de las Artes en 2015, 2017, 2021 y 2022. Participó en tres ediciones del programa Residencias Jazz del CCK (2016)

junto a los músicos estadounidenses Devin Hoff, William Winant y Ben Goldberg. Fundó el sello discográfico y colectivo artístico Isla Desierta Discos, con el que editó sus trabajos “Invasión!” (2019) y "Vida útil" (2023). Tocó con artistas de jazz internacionales como Ralph Alessi y Tony Malaby y grandes referentes de la escena local, Alan Plachta, Juan Pablo Arredondo, la Big Band

del CSMMF, escribir:, entre otros; en su actividad como intérprete tocó y grabó junto a ensambles de folclore y música de cámara.

PRENSA

Ana Garland Management anagarland@gmail.com

Video [TRAILER] Vida útil https://youtu.be/_i9q5g8yo94

JOVEN BREAKFAST LANZA

"El lado fresco de la almohada"

En todas las plataformas digitales.

Joven Breakfast, conocido por ser el bajista y miembro fundador de Perras On The Beach, presenta su primer álbum de estudio "El Lado Fresco de la Almohada", compuesto y producido en junto a Dumelefant (Lucca Beguerie Petrich de

Usted Señálemelo).

El artista oriundo de Mendoza con raíces musicales en el rock, punk y alternativo ha formado parte de diversos proyectos, que lo formaron artísticamente, para finalmente encuentre el rol donde

mejor se desenvuelve como solista: el campo del hip-hop, jazz y funk.

En ese plan lanza "El Lado Fresco de la Almohada", primer álbum que cuenta con la participación de artistas de la talla de Mobeta (trompetista de Anderson

Paak), Machingo Russo (Morbo y Mambo), Joaquín Guevara (Usted Señálemelo), Pablo Cafici, Juan Emilio Cucchiarelli y Catalina, entre otros.

El disco cuenta con dos adelantos, ya disponibles en plataformas: "Puff Puff" y "Ruta 7", en colaboración con Marki.

"Lo-Fi King" es el focus track que acompaña a la salida del álbum, y es el que representa artísticamente la etapa actual de Joven Breakfast: como su nombre lo indica, habla de cómo la música se recicla y reutiliza. Lo-Fi King cuenta con la participación de Marcos Valle, quien permitió utilizar samples de su exitosa canción "Estrelar", y en la que el carioca hace guiños al rap Vieja Escuela y su uso de samples en la música funk, sin perder la escencia latina.

Track-list:

1. Lo-Fi King

2. Melancolía

3. Legos

4. Ruta 7 (Ft. Marki)

5. El Lado Fresco de la Almohada

6. Alma en Pena

7. Puff Puff

8. Amuleto (Ft. Catalina)

+ de Joven Breakfast

Junto con su hermano, co-compositor y director artístico del proyecto Dumelefant, lanzaron sus primeros singles "Fresco", "Hecho un lío" y la dupla "Malas noches/Buenos días" junto a otros artistas de la escena local.

Durante el año 2020 produjeron el EP "Cuarentena" y participaron de los festivales "Argentina en la casa" (organizado por Revista Billboard), "Erizo en casa" (México) e hicieron nota y show en "Se joga em casa", el conocido programa del ex futbolista Juampi Sorín.

En 2021 y con la apertura de shows en vivo, se presenta en los escenarios de Ciclo Vertiente, Luján suena, Alta Primavera (Mendoza), Cráneo y Láser (show apertura, San Luis), Festival Ciudad Emergente, Camping y La Tangente (CABA) y Cosquín

Rock (Córdoba).

Joven Breakfast navega cómodamente por las aguas del hip hop, el rap, funk, soul rap, lo-fi hip hop y el gangsta funk, y tiene como referentes musicales a Mac Miller, Jonwayne, Anderson Paak, Silk Sonic, Cráneo, Lasser, Bejo, entre otros.

CELINA CASSI

Prensa y Comunicación. celinacassiprensa@gmail.com

Video

Puff Puff - Joven Breakfast (Video Oficial)

https://youtu.be/OFWKByRykg8

El pianista argentino Emilio Solla, ganador de un Latin Grammy, lanza nuevo disco:

El Siempre Mar

Junto al saxofonista y cantaor español Antonio Lizana versiona temas populares argentinos en fusión jazz flamenco, además de composiciones propias. El primer corte es una versión de “El arriero” con mucha fuerza y vitalidad.

Emilio Solla , músico mendocino reconocido a nivel internacional por fusionar el tango y el folclore con el jazz, lanza El Siempre Mar. En este nuevo disco, su decimotercero, invita al virtuoso cantante y saxofonista español Antonio Lizana a darle voz a clásicos argentinos

como “Luna tucumana” y “Zamba para no morir” en un estilo que remite tanto al folclore argentino como al flamenco. Un cruce muy particular de lenguajes musicales separados por un océano pero que se han retroalimentado por más de cien años a través de los cantes de ida y vuelta. Y que se combinan en esta obra a la vez con la universalidad del jazz.

Solla empieza a estudiar piano a los 8 años de edad en el Conservatorio Nacional de Buenos Aires. Forma parte activa de la escena musical argentina de los

80 tocando en el Sexteto Apertura, uno de los referentes de las nuevas músicas porteñas. En 1996 emigra a Barcelona y luego se instala en Nueva York, donde se convierte en referente del Tango-Jazz, graba y gira con artistas como Paquito D’Rivera y Arturo O'Farrill, trabaja con Yo-Yo Ma y Wynton Marsalis y escribe para la Boston Symphony Orchestra y la WDR Big Band. Regresa a la Argentina ocasionalmente presentándose en Boris Club, la Usina del Arte y el CCK, donde estrena composiciones propias junto a la Orquesta Sinfónica Nacional.

Después de estar dos veces nominado a los Grammy norteamericanos, en 2020 obtiene un Premio Latin Grammy por su disco Puertos en la categoría “Mejor álbum de jazz latino”, donde competía con artistas como Chick Corea.

El Siempre Mar es su disco número 13, inspirado en los cantes de ida y vuelta que son las variedades de flamenco que surgieron desde el siglo XIX con la inmigración y el cruce con la música latinoamericana. La versión de “El arriero” de Atahualpa Yupanqui muestra el espíritu del álbum: una canción criolla montada sobre unas bulerías al golpe flamencas, con un ritmo de batería inspirado en el huayno andino, conviviendo armoniosamente con el bajo y el piano en clave de milonga. El nombre remite a un poema de Borges: “antes que el tiempo se acuñara en días, el mar, el siempre mar, ya estaba y era”.

Este nuevo material contiene once temas entre clásicos y composiciones de Solla y Lizana, un repertorio que muestra la versatilidad de ambos músicos y sus variadas influencias. La composición y arreglos de Solla que sabe entrelazar con maestría los sonidos tradicionales y los nuevos. La elegancia de Lizana moviéndose entre la fuerza del canto y su destacada interpretación del saxo. Participan también el peruano Jorge Roeder en contrabajo y el húngaro Ferenc Nemeth en batería y percusión. Además, el álbum cuenta con invitados especia-

les: la cantante Roxana Amed y un cuarteto de cuerdas argentino integrado por Patricio Villarejo, Javier Weintraub, Cecilia García y Javier Portero.

“Es un disco que creo expresa el particular vínculo entre España y Argentina que nos atraviesa a muchos. Rescato las melodías de mi infancia, que es la tradición del folclore, sin dudas mis influencias más tempranas. Es lo que se escuchaba en mi casa, una familia argentina que a la vez tiene ascendencia española. Del otro lado del Atlántico, Antonio Lizana viene del mundo del flamenco. Y ambos coincidimos en la fascinación por el jazz que nos abre siempre el camino a la improvisación”.

Emilio Solla

Lista de temas:

1 El arriero (A. Yupanqui).

2 Zamba para no morir (H. Lima Quintana – N. Ambros - H. Rosales)

3 Vidalita - Buenos Aires blues (E. Solla)

4 Luna tucumana (A. Yupanqui)

5 Siempre se vuelve a Buenos

El Siempre Mar FICHA TÉCNICA

Aires (E. Blázquez – A. Piazzolla)

6 Lejos de casa (R. Amed)

7 La piedra (A. Lizana – E. Solla)

8 Silencio de Cristal (C. Corea) (letra en español por A. Lizana)

Bonus tracks

9 Hurry (H. Fattoruso)

10 Una realidad diferente (A. Lizana)

11 El otro mar (E. Solla)

Toda la música arreglada por

Emilio Solla excepto:

# 1 arreglada por E. Solla, A. Lizana y E. Pérez.

# 3, 4 & 7 arreglada por E. Solla y A. Lizana.

# 10 arreglada por A. Lizana.

Músicos:

Emilio Solla: piano

Antonio Lizana: voz y saxo

Jorge Roeder: contrabajo

Ferenc Nemeth: batería y percusión

Roxana Amed: voz en #6

Cuarteto de cuerdas en #2 y #6: Javier Weintraub: violin I

Cecilia García: violin II

Javier Portero: viola

Patricio Villarejo: cello

Grabado en noviembre de 2022 en Big Orange Sheep, Nueva York, Estados Unidos.

Ingenieros de grabación: Chris Benham y Diko Shoturma

Ingeniero asistente: David Turk Cuerdas grabadas en Ideo, Buenos Aires, Argentina - Ingeniero: Pablo Lopez Ruiz.

Roxana Amed grabó en PH211, Miami, Estados Unidos - Ingeniero: Carlos Álvarez.

Editado y mezclado por Brian Montgomery en Soundview Studios, Nueva York, Estados Unidos.

Masterizado por Mike Marciano

en Systems Two, Nueva York, Estados Unidos.

Productores: Denny Abrams, Kabir Sehgal, Emilio Solla, Doug Davis.

Co-Productores: Antonio Lizana, Pablo Aslan.

Asistente de producción: Eduardo Palacios

Arte de Tapa y diseño: Noe Gaillardou

Fotografía: Natalia Chilo

Videos: Hector Pereyra y Oleg Asaulenko.

Video adicional: Valeria Smud

Esta grabación fue apoyada por Chamber Music America y la Fundación Howard Gilman.

www.emiliosolla.com

www.facebook.com/emiliosolla/ www.instagram.com/emiliosolla/ YouTube/emiliosollamusic http://open.spotify.com/album/5tdbIUqgNyFRgSvppgocJH

Prensa en Argentina: Debora Mazzola debimazzola@gmail.com www.deboramazzola.com

Video

El Siempre Mar, a new album by Emilio Solla & Antonio Lizana https://youtu.be/3rm5feAvme8

Natario presenta el videoclip de “Atardeceres”

"La actitud es decisión" canta Natario en “Atardeceres” y nos cuenta cómo a veces tenemos momentos en donde vemos una realidad oscura y gris y nos ponemos máscaras para disimular, aunque igual se note, y de cómo a veces es cuestión de decidir cambiar y mejorar, para empezar a ver y vivir las cosas de otro modo porque "dentro tuyo siempre hay algo mejor".

El músico oriundo de La Plata despide un disco grabado durante la pandemia y que, pese al contexto, le trajo muchas satisfacciones. La presentación oficial en vivo fue con un show Streaming, transmitido por el canal de YouTube, filmado en el "Cultura Estudio" de la ciudad de La Plata.

Luego, fue presentado por distintos lugares de La Plata y alrededores, con una repercusión más que positiva a lo largo y ancho de la Argentina y en países vecinos.

Antes de entrar a estudios para la producción de nuevas canciones, el músico resalta que, desde los comienzos de este nuevo proyecto, la característica principal es y será "adaptarse a los cambios y seguir adelante".

Escuchá el disco de Natario https://open.spotify.com/album/2o arnkSAXF0qr1el7X9sZ9

Natario es el proyecto musical de Pablo Natario, quien fue guita-

rrista de Edipo, banda de La Plata que, durante 10 años, brindó sus shows en la ciudad y en diversos festivales en la provincia de Buenos Aires y otras provincias.

Tras la separación de la banda Edipo en 2013 y varios intentos de armado de otras que no se dieron, Pablo se acercó al productor musical Juan Pablo Herrera. Ambos junto a Pablo Orio produjeron en 2018 el disco “Maquetas en la oscuridad” y su sucesor “Máscaras y espejos” en 2021.

Desde entonces, Natario se presenta en banda con amigos que se van sumando o en formato guitarra y voz. En este momento, el proyecto está pronto a cumplir 5 años y la banda está formada con Pablo Natario en guitarra y voz, Martín Beriay en guitarra, Matías Nadal en batería y Lautaro Cabral en bajo.

Más info:

https://www.natario.com.ar

https://www.instagram.com/natario.ok

https://www.facebook.com/natario.ok

Spotify

YouTube

https://linkbio.co/natario

LUCAS SEOANE - PRENSA

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TW: @lucas_seoane82

Instagram: lucas.seoane

Video

Natario: "Atardeceres"

https://youtu.be/CY9zaoOaRkc

Manuel García se reencuentra con el público argentino en un Concierto especial

Manuel García, reconocido como mejor cantautor chileno en 2022, brindará un único concierto en el teatro Xirgu Untref de San Telmo, el domingo 11 de junio a las 19h.

Manuel García tiene un importante vínculo con Argentina. Tal es así que Atahualpa Yupanqui es una clara influencia en su música.

En 2020 grabó Abrazo de hermanos, un disco a dúo con Pedro Aznar, que ganó un premio Gardel como “mejor álbum conceptual", siendo el primer y único chileno en conseguir este galardón. La última vez que Manuel se presentó en nuestro país, lo hizo en el Centro Cultural Kirchner, con el teatro lleno y con Lito Vitale

como invitado. Fue el pasado mes de septiembre y el concierto fue grabado y se está editando para su publicación pocos días antes de su próxima presentación.

El pasado 2022 fue galardonado con el premio “Mejor cantautor” del año en los Premios Pulsar de Chile. En su último disco, El Caminante, el chileno canta versos junto a Mon Laferte, Silvio Rodríguez, Lenine, Eva Ayllón, Martirio y Raúl Fernández, Muerdo, El Kanka, Francisca Valenzuela, Pedro Aznar y su padre, entre otros. “Hay una conexión natural con muchos artistas en el mundo. Muchas de las colaboraciones fueron muy amorosas y naturales.

Hay cariño, amistad, encuentros, conversaciones. Eran temas que habíamos hecho en escenarios compartidos con algunos, o en distintas casas cantándolas”, dice el hombre, que anda como un nómade por diferentes países por el impacto que tuvieron sus temas en otros artistas. (Gabriel PlazaInfobae)

El domingo 11 de junio a las 19h, será la oportunidad de disfrutar de este artista excepcional en el hermoso Xirgu Untref, Chacabuco 875, San Telmo.

Las entradas ya se encuentran disponibles a través de Passline. Link https://bit.ly/3ApxL5A

"La danza de las libélulas" junto a Mon Laferte, tiene 18 M de reproducciones en YouTube

Sobre Manuel García

Manuel García nació en Arica, Chile en 1970. Ganador en 2008 del Premio Nacional de la Música (Chile), su amplia trayectoria está vinculada a diferentes géneros musicales como el folk-rock latino, la canción popular, el nuevo folclore o el pop-rock electrónico, como muestra en sus discos de estudio y las colaboraciones con importantes artistas. Ganador

Ha publicado diez discos como solista: Pánico (2005), Témpera (2008), S/T (2010), Acuario (2012), Retrato iluminado (2014), Harmony Lane (2016), Los Habitantes (Bestiario) - junto a Sebastián Vegara (2017), Abrazo de hermanos - junto a Pedro Aznar (2020), Compañera de este viaje (2021) y el más reciente El caminante (2022). Además, tiene en su haber varios discos en vivo, Pánico 10 Años (2016), En vivo

Teatro Caupolicán (2011) y Acua-

riovisión (2013). La mayoría de estas publicaciones han obtenido disco de platino o multi platino por sus ventas en Chile.

Dentro de sus colaboraciones, se destacan la más reciente con el cubano Silvio Rodríguez en una nueva versión de su tema “El Viejo Comunista”, con Pedro Aznar con quien registró el disco Abrazo de Hermanos, las grabaciones realizadas con Mon Laferte, la gira que realizó junto a Calle 13, sus colaboraciones con la legendaria banda Los Bunkers, y los españoles El Kanka, Depedro y Martirio, entre otros.

En 2020 recibe el Premio Gardel

a "Mejor álbum conceptual" por Abrazo de Hermanos junto a Pedro Aznar, siendo el único chileno que haya recibido dicho galardón.

Fuera de Chile ha realizado varias giras por México, Argentina, Estados Unidos, España, Francia, Bélgica, Suecia, Puerto Rico, Suiza, China, Suiza y Venezuela.

Prensa Florencia Meluso florenciameluso@gmail.com

Video

Manuel García & Mon LaferteLa Danza de las Libélulas

https://youtu.be/sJDG60HiGkw

MATÍAS GUASTONI PRESENTA "VERSOS DESALINEADOS" su nuevo single

El cantautor y multiinstrumentista Matias Guastoni presenta mundialmente su nuevo single "Versos Desalineados", una nueva pieza musical que sigue anticipando el disco que el artista planea lanzar muy pronto.

"Versos Desalineados" se suma al más reciente lanzamiento de Matías Guastoni, el single "Entonces vi", una hermosa balada que se encuentra girando desde finales del 2022.

"Versos Desalineados" es la canción más sencilla del disco, sin ánimos de desmerecer; de hecho, este autor celebra encontrar la melodía en un puñado de acordes dando lugar a que la lírica nos cuente la canción. La idea de encontrar la belleza en la simpleza (tan ardua tarea). El texto vislumbra aquellas derrotas y milagros (siempre en un sentido agnóstico de la palabra) cotidianos.

Este tema que se edita como simple es la invitación a un disco nuevo, que ansía salir, pero que por lo pronto sólo dejo estos versos.

ACERCA DE "ENTONCES VI"

“Entonces vi” abre la puerta a un próximo disco de una manera intimista, como buscando el “lado B” con tintes y matices clásicos, con una ráfaga de versos que se

cruzan con el minimalismo de los sonidos. Es el primer adelanto del cuarto álbum a editarse este 2023, el cual transita diversos estilos como la canción y el folclore sin dejar la veta pop/rock.

BIO

Matías Guastoni nació en Capitán Bermúdez, Santa Fe, en 1985. Empezó a tocar la guitarra

a los 7 años y desde los 14 compone, interpreta y produce profesionalmente sus canciones, además de participar en numerosos proyectos ajenos como sesionista y colaborador. Guastoni es multiinstrumentista (Guitarra, canto, batería, bajo y piano) y se ha dedicado a la docencia como actividad paralela desde su adolescencia hasta la actualidad.

Formó parte de Tunante Bellaco y lideró los proyectos Euterpe, Multa Paucis y Vitró, además de colaborar como músico y productor en numerosos trabajos de grabación e interpretación en vivo. Las influencias de diversos estilos marcan una mixtura en sus composiciones donde conviven Queen, The Beatles, Spinetta, tintes folcklóricos, etc.

En el año 2012 graba su primer material discográfico solista “Espera” con Bruno Moreno en teclados, Walter Parola en bajo y José Matteucci en Batería y coros. El disco es presentado y muy bien recibido en la escena local (Rosario) y alrededores.

Dando shows ininterrumpidamente desde el lanzamiento de “Espera” a fines del 2014 empiezan los trabajos en estudio del segundo disco.

A mediados de 2015 es seleccionado por el gobierno nacional para grabar en el CIAM (Centro de investigación aplicado a la música) y tocar en la Cúpula del CCK en el marco “Más cerca del arte” y en noviembre del mismo año para tocar en “La Ballena Azul”. En ese mismo año se despide en el teatro Caras y Caretas de Rosario a sala llena, y en el 2016 empieza con una gira acústico/solista por el interior de Santa Fe, Buenos Aires y Córdoba.

En el mes de Agosto sale a la venta su segundo trabajo titulado “Frio”, que presenta en dos funciones en el mes de septiembre en el teatro Pichincha de Rosario, y despide el año en el Caras y Caretas nuevamente.

El 2017 lo encuentra instalado en Buenos Aires tocando por todo Capital Federal y un único show

en Rosario a sala llena. En 2018 empieza a grabar un nuevo material y en 2019 firma contrato con Redmoskito records para sacar el EP 341. Como primer single “Solo es amor” fue incluido en playlist de novedades de Spotify junto a Coti, Calamaro y otros artistas de renombre. Es convocado en Abril para abrir el concierto de Pancho Varona (Joaquin Sabina) en el teatro Lavarden de la ciudad de Rosario. Recibe el mes de Julio con la segunda canción “En la velocidad” disponible en todas las plataformas digitales. En agosto presenta su nuevo material en San Telmo junto al cantautor chileno Emanuel González.

Desde mediados del 2019 y principios del 2020 salen a la luz los sencillos Yo también me perdí y De Algún álamo cerrando el EP 341.

A principios de 2021 se suman al proyecto Lara Hennesy en bajo y voz, Juan Pablo Papávero en batería y coros y Cesar “Cuchu” Dallasta en teclados y coros, con este último además en el mes de abril fundan Otra Cepa estudio donde ambos producen, sesionan y graban a distintos artistas. En los meses de agosto/septiem-

bre la banda ingresa al estudio para preproducción y grabación de nuevo material.

El viernes 29 de Octubre de 2021 sale un nuevo single titulado DESAPARECER, grabado, producido y editado por Otra Cepa estudio.

A lo largo del 2022 se presentó en Capital y el interior del país, y produjeron (y tocaron como sesionistas) junto a Dallasta “Proyecto 22” de Miguelius, “Tesoro” de Sofi Alva, “Menos Explicaciones” de DT Mike y varios singles de otros artistas.

Para finalizar el año 2022 el tema “Entonces vi” abre la puerta al disco nuevo que se editará en 2023.

“Versos Desalineados” asoma a finales de Abril del 2023 para seguir allanando el camino para ese cuarto hijo musical que empuja por nacer.

CULTURA SG PRENSA

Un proyecto de Cultura Infernal y SG Prensa y Difusión

Sofia del Nido y Susana Galarza culturasgprensa@gmail.com

Video

Versos desalineados

https://youtu.be/wOzvJtUUx-8

MKQ presenta RECORRIDO

La agrupación interpreta composiciones originales con la impronta y la concepción del jazz, mixturado con diferentes músicas: funk, samba, tango, candombe, entre otras, en un show dinámico y ecléctico.

El grupo de jazz cumple 15 años de trayectoria y los celebra presentando su tercer disco.

JUEVES 8 DE JUNIO 21hs en CAFÉ VINILO

Estados Unidos 2483 (Entre Alberti y Matheu) - CABA

Entradas $1.500 en http://cafevinilo.com.ar/

Contacto: (011) 15-2533-7358 info@cafevinilo.com.ar

MKQ son:

Mariano Kahayan: bajos y composición - Mike Luisi: piano y

composiciónEsteban Kahayan: batería - Daniel Perez: saxos.

RECORRIDO disponible en Spotify

https://open.spotify.com/album/0 SnWZD1wAVwkmOsCXdQMkz en Youtube

https://www.youtube.com/watch?

v=3MuW4NDND5M&list=OLAK5 uy y en todas las plataformas digitales.

"RECORRIDO"

1- Orillas

2- Después de la tormenta

3- Esa sonrisa todo lo puede

4- La niña de las golosinas

5- Waikiki's Groove

MÚSICOS:

Mariano Kahayan: bajos y composición

Mike Luisi: piano y composición

Daniel Pérez: saxos

Esteban Kahayan: batería

Grabado el 3 de julio 2022 en LaBase estudio.

Grabación, Mezcla y Master: Esteban Kahayan

Arte y foto de tapa: Mike Luisi

HISTORIA DEL GRUPO

MKQ surgió en Buenos Aires a fines del año 2008 como un proyecto personal del bajista y compositor Mariano Kahayan; con el tiempo, el grupo fue afianzándose y el compromiso de sus cuatro integrantes terminaron enriqueciendo la propuesta y volviéndola colectiva.

Si bien el grupo tiene 15 años de historia, la célula madre es el trío "3,14", creado a mediados de los

años '90, integrado por Mariano en bajo, Esteban Kahayan en batería y Mike Luisi en piano. El trío resultó ganador del Concurso Metrovías-jazz con su tema “Vals para Armenia”.

En 2008 Daniel Perez regresó al país después de haber tocado durante 8 años en Francia y España; a su llegada decidió sumarse y, de este modo, la agrupación se consolidó como cuarteto, incorporando el saxo a la formación.

MKQ interpreta composiciones originales de sus integrantes con la impronta y la concepción del jazz, mixturado con música de nuestro país, así como también ritmos de otras regiones.

En todos estos años de trayectoria, el grupo realizó presentaciones en destacados espacios de la ciudad, como la Legislatura Porteña, Museo Quinquela Martín, Anexo del Congreso de Diputados de la Nación, Facultad de Derecho, Facultad de Filosofía y Letras. Además, en Bar 33 Billares y El Hipopótamo, ambos al resultar seleccionados en el marco del ciclo Bares Notables Jazz, organizado por el Gobierno de la Ciudad de Bs As. Paralelamente, actuó en diversos clubes de jazz del circuito local - como Bebop y Borges 1975 - más su reciente participación en el Festival de jazz Saldías.

MKQ también fue invitado a tocar por la Universidad Nacional de San Martín así como por el Departamento de Cultura del Partido de Vicente López y se ha presen-

tado en numerosas ocasiones en la Costa Atlántica y la Región Patagónica de nuestro país.

DISCOGRAFÍA

En el año 2011 editaron de forma independiente su primer disco, “Apertura”, cuya presentación en vivo contó con la participación del prestigioso bajista Marcelo Torres como músico invitado. Este álbum debut está conformado íntegramente por composiciones de Mariano Kahayan.

En 2017 el grupo presentó el segundo disco de estudio, “Invitación", donde comenzaron a incluirse temas de la autoría de sus distintos integrantes.

A principios de 2023 MKQ lanzó "Recorrido", su tercer trabajo discográfico.

El nombre hace alusión no sólo a los 15 años contínuos de historia como banda, sino también al trayecto imaginario que conecta los diferentes paisajes evocados por cada composición.

Antes de entrar a grabar, el grupo transitó un período de numerosos conciertos, en los que se fue con-

solidando el nuevo material; es por esto que, una vez en el estudio de grabación, el disco pudo ser registrado en sólo una tarde, lo que da cuenta de un largo camino previo compartido.

Un camino para seguir recorriendo.

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Contacto Prensa: Yamila de la Fuente yamiladlf@gmail.com

Video Orillas

https://youtu.be/3MuW4NDND5 M

ERUCA SATIVA

Con quince años de trayectoria, Eruca Sativa sigue deslumbrando a todos los presentes que gozan con la energía, el carisma que la banda proyecta en cada una de sus canciones y ahora, la banda cordobesa se llevó dos Gardel en esta edición de los premios: mejor videoclip largo por Seremos primavera en vivo en la Ballena azul y mejor álbum de grupo de rock por Dopelganga.

Al subir la banda al escenario para agradecer el reconocimiento, Pedernera le dio gracias a su mánager, al equipo de Sony (”siempre están atrás nuestro”) y a sus dos compañeras de grupo: “Significa mucho para nosotros este premio”.

“¡Gracias, que siga viva la música!”, cerró Lula

Eruca NO PARA, cerró un gran 2022 con una nominación a los Latin Grammys, Sold out en el Estadio Obras y arranco el 2023 con 3 nominaciones a los Premios Gardel, distinción como personalidad destacada de la ciudad de Buenos Aires y sold out en el Teatro Coliseo.

El trio sigue festejando sus 15 años y por entradas agotadas en Buenos Aires agrega dos shows, el próximo 15 de julio festejando los 25 años de Niceto Club (Entradas agotadas) y el 22 de julio en el mítico Auditorio Sur de Temperley.

Mirá

En simultaneo, van a estar recorriendo todas las provincias argentinas, Uruguay y varios shows en España.

“DOPELGANGA”

1) AFUERA

2) BOLERO FALAZ

3) CORAZON DELATOR

4) EL AMOR ES MAS FUERTE

5) LAS HABLADURIAS DEL MUNDO

6) MANDOLIN

7) OJALA

8) SOLA EN LOS BARES

Eruca Sativa SIGUE FESTEJANDO SUS 15 AÑOS y presentando su último disco de estudio “DOPELGANGA” por todo Sudamérica.

Se trata de una gran producción, compuesta por 8 versiones de grandes compositores de Argentina y Latinoamérica, Producido por Lula Bertoldi, Brenda Martin y

Gabriel Pedernera. Arreglos de Eruca Sativa Y masterizada por Daniel Ovié en Ovié Mastering.

Fue grabado entre el 12 y el 16 de septiembre de 2022 en WOMAN Studio por Facundo Rodríguez, que también se encargó de la mezcla en Quark Studio

Eruca recorrió desde sus inicios (2007) importantes escenarios de Argentina, Latinoamérica (Chile, Bolivia, Paraguay, Uruguay, Colombia, México y Cuba) y España. En estos años participaron en festivales como Vive Latino, Cosquín Rock (ediciones de Argentina, México y Bolivia), Cosquín Folclore, Personal Fest, Lollapalooza, Rock al Parque Bogotá, Festival de Santa Lucía México, Rock & Roll All Stars, Mother of all en Monterrey e innumerables eventos regionales además de compartir escenario con artistas como Guns´n Roses, Foo Fighters y Aerosmith entre otros.

¡Entre festivales, nominaciones, premios y sold outs sigue festejando sus 15 años!

En octubre de 2015 el grupo realizó su primer show en el estadio Luna Park (Buenos Aires) y durante el año 2016 se abocó a la producción y grabación de un nuevo disco sin dejar de recorrer el país con sus shows. A fines de 2016 se presentó en Cuba por primera vez, fue nominado a los Latin Grammy 2016, en la categoría “Mejor canción de rock” (por Nada Salvaje) y obtuvo el Premio Gardel por el videoclip “Nada Salvaje”.

El 2017 incluyó para Eruca la obtención de dos Premios Gardel por “Barro y Fauna”, en las categorías “Producción del año” y “Mejor disco de Rock”, mismas nominaciones a los Latin Grammy, un Luna Park colmado y exitosas giras por Colombia, México y varios países de Latinoamérica presentando “Barro y Fauna” y celebrando los 10 años de carrera.

En septiembre de 2017 el grupo viajó a Colombia, donde formó parte del line up principal en los festivales de aniversario de Radionica (Radio estatal colombiana que tiene a Eruca Sativa en los primeros puestos de su ranking de habla hispana). El trío, que ya había visitado el país en dos oportunidades anteriores, resaltó la excelente recepción del público que cantó con énfasis las canciones del trío.

Finalizaron el año con un show en el mítico Estadio Obras de Buenos Aires y el lanzamiento de un EP en formato digital con 4 tracks grabados en vivo en el Estadio Luna Park.

En 2018 emprendieron la gira “Barro y Fauna” visitando varias localidades de España (Madrid, Barcelona y Bilbao). Se presentaron en Bolivia y regresaron a México por 5º vez, para realizar una serie de shows en el marco del “Trío Tour” en varias localidades compartiendo escenario con el grupo mexicano “The Warning”, un trío compuesto por mujeres.

Formaron parte del festival “Mother of all” en Monterrey – México, junto a bandas legendarias como Guns N’ Roses, Garbage y Whitesnake, entre otras.

El 2019 comenzó para Eruca con la participación en los Festivales Cosquín Folclore, Cosquín Rock, Rock en Baradero y varios shows en Uruguay, Colombia y el interior de Argentina.

En noviembre presentó su sexto disco de estudio “Seremos Primavera”, y a mediados de mes el grupo emprendió una nueva gira por varias localidades de Argentina denominada “TRIO TOUR 2019”, en la que compartieron escenario en todas las fechas junto a The Warning (México) y en cada show suma-

ron un trío diferente para abrir la noche. Con la misma recorrieron Rosario, La Plata, Santa Fe, Mar del Plata, Mendoza, Córdoba y CABA.

Eruca cerró el año en el Festival Amnistía Internacional en el Estadio Obras.

En el año 2020 el grupo recibió el Premio Gardel 2020 en la categoría Mejor álbum grupo de rock por “Seremos Primavera” y obtuvo tres nominaciones a los Latin Grammy por el mismo en las categorías: Mejor álbum de rock, Mejor canción de rock “Creo” y Mejor canción alternativa “Carapazón”. Anteriormente había recibido dos nominaciones por el disco “Barro y Fauna” (2017) y una anterior en la categoría Mejor canción de rock por “Nada Salvaje” (2016).

PRENSA Y DIFUSIÓN

Gaby Sisti Press

gabrielasisti@hotmail.com

www.gabysisti.com

Eruca Sativa - Sola en los Bares (Official Video)

CNB MÚSICA

https://youtu.be/BfDGrBVIClk

Cata Raybaud lanza su nuevo single “El Protagónico”

A casi un año del nacimiento de su cuarto álbum de estudio “Escorpio”, que la llevó por una gran cantidad de escenarios y los más importantes festivales del verano argentino, Colombia y Chile, la artista vuelve con una canción de amor que juega y nos divierte, al estilo Cata.

Una vez más, esta joven cantautora porteña vuelve a invitarnos a recorrer este nuevo espectro compositivo que la convirtió en una de las revelaciones más interesantes de la escena independiente en 2022.

El Protagónico encarna el deseo de seguir siendo la figura de los

sueños de un amor. De una manera lúdica pide una reunión con “la producción” para no perder el papel principal de una historia que no puede soltar. Un juego entre el ego, el amor y la necesidad de seguir ocupando un lugar único y posesivo en la vida (y en los sueños) de la otra persona.

“Dame una reunión con la producción, no quiero perder el protagónico mi amor”.

Esta canción con fuerte reminiscencias del Indie-Pop, fue producida de la mano de “Polska”, Joaquín Bañuelos y compuesta por “Cata Raybaud” durante el verano de 2023, y se convierte

en el primer single luego de haber lanzado su último álbum, “Escorpio” en Agosto de 2022.

Próximas presentaciones:

11/8 Festival Sonorama, Aranda

Del Duero, España

20/8 Mela Festival, Oslo, Noruega

19/9 Festival Inspira, Fabra i Coast, Barcelona

Acerca de Cata Raybaud

Cata Raybaud es música y compositora de Buenos Aires, Argentina, con más de una década de trayectoria transitando entre sonidos indie con aires folk, pop y un suave bossa que la han posicionado como una de las voces femeninas más queridas en la escena independiente de Argentina y el resto de Latinoamérica.

La música siempre estuvo en su vida y supo hacerla su forma de vivir: En sus más de diez años de carrera solista lleva editados cuatro LP: “Detrás de lo que vieran” (2011), “Deja que corra el agua” (2014), “Tribu” (2017) y “Escorpio” (2022). Además cuenta con dos EP en vivo y varios singles con colaboraciones de artistas como Kevin Johansen, Loli Molina, Ana Prada

(Uruguay), Sol Pereyra, Marta Gómez (Colombia), entre otros.

Compone desde los 22 años, siempre teniendo a la canción como foco y como forma de expresión, más allá de los géneros. Su estilo combina las sonoridades eclécticas creando una propuesta musical fresca e innovadora.

Durante el 2022, Cata Raybaud presentó su cuarto álbum, Escorpio, donde cuenta con los feats. de Benjamín Walker y las Yorka de Chile.

Desde el 2015 gira ininterrumpidamente por Chile, Brasil, Uruguay, Colombia, México, Venezuela, Guatemala, Costa Rica y España.

C+G Prensa y Comunicación cygprensa@gmail.com info@cygprensa.com.ar IG. @cgprensaycomunicacion FB. /cgprensaycomunicacion TW. @CGprensacom

Video

Cata Raybaud - DE VIAJE (Live Session) Estero Arte & Biología https://youtu.be/QFhNrd1d1Ac

Datos del concierto

Sábado 10 de junio, 20.30 h

Tertulia Don Torcuato

Ituzaingó 1016, esquina Obarrio

Don Torcuato

Provincia de Buenos Aires

Valor de la entrada $1500

Teléfono para adquirir entradas: 11 5038 4661

Carolina Dussaut – Voz

Ana Larrubia - Guitarra

Ignacio Bianchi - Bajo

Mariano Velardi - Bateria y percusión

Músicos invitados Santiago Rodríguez Ferrer y Andrés Chañar

“La canción nueva Amor es una invitación a habitarnos en lo más matérico y carnal que tenemos, con el único fin de vivir con mayor calidad”, dice Carolina Dussaut.

En este contexto de estrenos además, la artista celebra diez años desde la grabación de su primer proyecto solista en el que afianzó su búsqueda artística como intérprete.

Acerca de la canción nueva Amor

En palabras de Carolina Dussaut

“Esta canción es una redefinición del concepto amor” y vale

por sí misma por las múltiples ideas que me dispara y contiene.

La cantautora Carolina Dussaut presenta su nuevo concierto. El repertorio incluirá un estreno: su canción autoral

También abordará todas las obras propias de su trayectoria artística con arreglos especiales.

Surgió de investigaciones que estoy realizando como docente de canto, acerca de la técnica vocal, la medicina china y el taoísmo, y asimismo, atravesado toda información por el feminismo. Aborda conceptos acerca del sometimiento que se vuelve síntoma, la educación que nos insensibiliza sobre nuestros propios cuerpos, nuestro placer supeditado al placer del otro, o más bien, inexistente, ¿prohibido? diría: censurado y mal comprendido, enfermado”.

“El uso del tiempo, algo muy presente en el resto de mis canciones, es convocado acá también ya que se reivindica ir lento, como resistencia a la hiperproductividad ansiosa que tanto nos daña; tanto daña que sentir, se vuelve un privilegio. Sin embargo, podemos democratizar el placer mediante la horizontalización de la información, descolonizando la materia de falsas ideas que hicieron y hacen mella”.

“Amor es una invitación a habitarnos en lo más matérico y carnal que tenemos, con el único fin de vivir con mayor calidad”.

“En términos musicales, pensé en el género Soul desde un primer momento porque necesitaba plasmar el erotismo de habitar el cuerpo, me pareció el mejor ritmo para transmitir eso. La presencia de coros (que siempre están en mis obras ya que me encanta armonizar voces) también fue pensada desde el comienzo. El “groove” de la canción debía reflejar ese ritmo

corporal biológico y la calma, el bombeo del corazón y el latido del útero. La forma de cantar también fue concebida para esta canción para poder estirar las frases, sin exigencia, con placer (la famosa liberación de la voz)”.

“Le propuse al productor, Mariano Prover, que él también sea parte en esta canción con su voz, por dos motivos: en primer lugar, necesitaba incorporar un nuevo timbre vocal a mi música para que la enriqueciera (nunca lo había hecho, siempre hago los coros). Me parecía interesante la presencia de “dos” en la canción, siendo que además se llama “AMOR”, pero no estamos hablando de amor romántico sino una reflexión sobre ello para repensar ese concepto y preguntarnos: ¿dónde está? ¿dónde se origina? ¿quién lo tiene? ¿quién lo da? ¿lo tenemos todos? ¿dónde?”.

Concepto del arte de tapa de la canción Amor (fotógrafa Inés Allievi)

Dice Carolina Dussaut “Sabía que quería mostrar el cuerpo, el adentro del cuerpo, la materia. Pero con la fotógrafa elegimos que en vez de poner una imagen interna, juguemos con las texturas de la materia del exterior del cuerpo. Para ésto, pensamos en pliegues, articulaciones, piel. Así salió la tapa, luego de hacer varias pruebas de qué podía plegar u operar en el cuerpo para dar la idea de “adentro”.

Concepto del arte las fotos elegidas para ilustrar y acompañar el

lanzamiento de la canción Amor (Fotógrafa Inés Allievi) Ver fotos acá

“En estas fotos artísticas como se quería hacer foco en la materia, se eligió contrastar el cuerpo con ropa de colores planos, formas sintéticas; así como los fondos, de formas geométricas, en contraste con las formas orgánicas del pelo, la piel, articulaciones, formas humanas” en palabras de Dussaut

Ficha técnica de la canción

Amor

Año de grabación: 2022

Producido, mezclado y grabado en PELUSÓN

Composición Carolina Dussaut

Esta propuesta cuenta con el apoyo del INAMU Instituto Nacional de la Música

Intérpretes:

Carolina Dussaut: Voz y coros

Mariano Prover: Voz y coros

Rodrigo de Haro: Bajo, teclados y programaciones

Mariano Prover: Guitarras

Acerca del concierto

Este será una experiencia muy

especial ya que es el primer concierto que hará la artista con un repertorio que abordará canciones propias con nuevos arreglos y sonoridades. Su nueva canción Amor será la protagonista.

La acompañará un grupo de músicos que ella misma eligió especialmente para la ocasión en formación de cuarteto ( voz, guitarra, bajo y batería).

Nos dice Carolina:

“Quiero celebrar este momento del camino artístico y personal en equipo y disfrutar la música en vivo en un formato de ensamble. Cantar acompañada por un grupo de músicos es muy lindo. Tengo mis primeros recuerdos en mi adolescencia, cuando una guitarra me daba el pie para comenzar a cantar… siempre me emociona ese momento”.

“En este concierto, contaré además, con músicos amigos invitados: Santiago Rodríguez Ferrer y Andrés Chañar. Ellos son amigos de la música con los que he crecido como artista, me han acompañado con su guitarra, escucha y arte durante diez años”.

“Mis canciones de todos los tiempos serán tamizadas por mi presente, con el ritmo y cuerpo como leitmotiv. Muchos conocen esta obra con otra sonoridad y una estética determinada. Esta

vez las presentaremos en formato cuarteto (voz, guitarra, bajo y batería), haremos nuevas versiones sin que pierdan su esencia. Me gusta que las canciones sean reconocidas por el público habitual y que descubran estas nuevas versiones y, del mismo modo, siempre estoy abierta a las sugerencias de los músicos que me acompañan e incorporar nuevas ideas a mis obras. La idea es que todos disfrutemos de nuestra creatividad, transmitiendo eso al público”.

Acerca de la cantautora Carolina Dussaut ( 1984 / Nació en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y fue criada en Don Torcuato partido de Tigre, Provincia de Buenos Aires).

Mancilla, docente de su barrio, mientras cursa Diseño Gráfico en la UBA. En 2006 estudia con la Profesora Carmen Gómez Carrillo (ex integrante del Cuarteto Gómez Carrillo de Santiago del Estero, década del 40). En 2007 estudia con la Lic. Patricia Keller, foniatra y fonoaudióloga, durante un año. En 2009, discontinúa la carrera de Diseño Gráfico en donde adquirió herramientas que luego fueron fundamentales para complementar la estética de su música, y comienza a estudiar la carrera Lic. en Restauración y Conservación de Bienes Culturales en la Universidad Nacional del Arte. El paso por esta carrera la conecta con los artistas visuales de todas las épocas y la anima a crear su propia obra musical. La irreverencia de los artistas que desafían el canon le saca todo prejuicio y la inspira profundamente. Notó ahí que valía la pena crear y expresar.

De 2009 a 2017, estudia con Yael Rodríguez, cantante y compositora de la banda “Reggae Rockers”, quien la introduce al Método Funcional de la Voz y a la autoexploración, la autoconciencia del movimiento y la liberación de la voz. Participará de la Banda de Don Torcuato “Copersucar”, con Humberto Magistrelli, Javier Hernandez y Miguel Ángel Pila González.

En 2010 asiste a “Vinicius de Moraes y Tom Jobim - Curso Vocal”, Mirá

En 2003 comienza a estudiar canto con la Profesora Silvia

en la Casa do Brasil y forma la banda “Bobba Nosa” de música popular brasileña, junto con Franco Moretti y Diego Casals. En 2011 asiste a un Seminario de Fonética Portuguesa dictado por la Profesora Mariana Jodara en la Escuela de Música Tema y en 2012 viaja a Brasil para participar de la “30° Oficina de Música de Curitiba”, donde asiste a los talleres de técnica vocal, práctica coral, pandeiro y música nordestina. Forma a su regreso, la banda “Parceiros”, música popular brasileña y latinoamericana, con Humberto Magistrelli.

En 2013 graba su primer EP "Carolina Dussaut" con un compilado de versiones de obras de otros autores, con el guitarrista Santiago Rodríguez Ferrer. Eligió tres ritmos que son una foto artística de ese momento: un samba brasilero de Dona Ivone Lara, un huayno de Raúl Carnota, y un folk de Paul Buchanan, versionado por Lila Downs (artista mexicana que la impacta con su técnica vocal, su compromiso y su arte).

Inicia un período de conciertos en vivo de Música Brasileña (Bossa Nova, MPB, Forró), Folclore Argentino, Música Latinoamericana y Música Internacional, aprovechando toda oportunidad para cantar.

En 2016 comienza a estudiar música y composición con Juan Rosasco (Líder del grupo Juan Rosasco en Banda) y un proceso de elaboración de temas propios. En mayo de 2017 presenta sus canciones en La Trastienda, como telonera de Juan

Rosasco en Banda.

En 2019 graba su primer EP autoral, titulado “Ampliar”, y trabaja en la difusión de su material solista durante 2019.

En 2020, durante la Pandemia, es seleccionada por Estudio Urbano (Dirección General de Música y Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires) para grabar un Streaming en el Ciclo “Sonido Inminente 2020” transmitido por la página web del Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti y de Estudio Urbano. Dedica ese año también a la profundización de la técnica vocal, estudiando de forma autodidacta, y a la composición.

En 2021 lanza dos nuevos singles autorales: “Loca” y “Serena Panthera”. Ambos producidos de forma independiente con la productora “Pelusón”, de Mariano Prover y Rodrigo de Haro.

En 2022 comienza a gestar el actual lanzamiento de la canción Amor y sale seleccionada para ser beneficiaria del subsidio del INAMU (Instituto Nacional de la Música) para la

finalización del proyecto.

En 2023 está presentando su nueva canción “Amor” y dará un concierto muy especial en el que abordará este estreno y todas sus canciones autorales.

Discografía Carolina Dussaut

Obras propias

2013 – Carolina Dussaut (EP/versiones de canciones de Dona Ivone Lara, Raúl Carnota y Paul Buchanan) - edición independiente2019 – Ampliar (EP/ canciones propias) - edición independiente2021 – Loca (canción propia/single) - edición independiente2021 – Serena Panthera (canción propia /single) – edición independiente2023 - Amor ( canción propia single) - edición independiente -

Prensa

Alicia Gubitsch prensa.aliciagubitsch@gmail.co m

Video Amor - Carolina Dussaut https://youtu.be/CeeYStC-KMA

1 2 3 ANDRÉS

ADIVINA ADIVINADOR

Homenaje a la compositora argentina MARÍA ELENA WALSH

Donde participan artistas de Argentina

Cada 11 de Mayo se celebra en Argentina el Día del Autor y Compositor Musical. Grandes compositores y autoras han dado la vuelta al mundo con su música, llevando los sonidos de nuestro país a muchos rincones.

Entre grandes personalidades hoy celebramos a María Elena Walsh, quien ha escrito canciones para adultos y peques instalándose en nuestros corazones con personajes entrañables que permanecen en la memoria.

Los ganadores del Latin Grammy: Christina y Andrés, son los integrantes del dúo 123 Andrés, una pareja de artistas infantiles que celebra la cultura latinoamericana en los Estados Unidos por medio de música, videos y libros para las infancias. Este es su sexto trabajo discográfico.

En torno a esta celebración el productor argentino Leandro Álvarez y el dúo 123 Andrés organizan el lanzamiento de su disco homenaje a María Elena Walsh en todas las plataformas digitales. El álbum se titula Adivina Adivinador y cuenta con la participación de artistas nacionales que se unen a este proyecto:

Topa, Los Nocheros, Los Tekis,

Atención-Atención, Flor Paz, Franco Luciani nos regalan por primera vez versiones de sus canciones favoritas de Walsh.

Todos ellos honrando la obra de la artista que marcó su infancia con canciones inolvidables como El reino del revés, Canción para

El nuevo disco del dúo ya se encuentra en las plataformas digitales

tomar el té, La reina batata y muchas más.

El álbum contiene 11 tracks en donde el productor argentino Leandro Álvarez es quien aporta los sonidos del folclore con atisbos de electrónica, junto al talento del legendario ingeniero de mezcla Rafa Sardina.

La sorpresa en Adivina adivinador es el tema El amor a la palabra, una canción dedicada a María Elena Walsh escrita especialmente para este proyecto. Con letra del poeta guatemalteco Julio Serrano y con música de 123 Andrés, que celebra la sabiduría de las palabras que la querida compositora ha sabido utilizar siempre y que han cruzado fronteras, barreras temporales y generacionales.

Videos:

Están en proceso de producción dos videos:

1. Adivina Adivinador junto a TOPA - estará listo a comienzos de Junio

2. Baguala de Juan Poquito junto a NOCHEROS para mediados de Junio.

Más BIO

Andrés Salguero es de Bogotá, Colombia y creció tocando la guitarra con su padre. Ha estado vinculado a la música desde muy pequeño, estudiando clarinete en el Conservatorio y teniendo su primera experiencia en un estudio a la edad de ocho años. Posteriormente, Andrés obtuvo su Docto-

rado en Música y el primer premio en un concurso nacional de composición en Colombia.

Christina Sanabria creció en una familia de habla hispana en Estados Unidos, aunque provienen de Colombia. A lo largo de su infancia estuvo involucrada en el teatro y la danza, y luego obtuvo una Maestría en Educación en Pensilvania. Christina aplicó esta educación para encontrar su pasión en la enseñanza a través de la música.

Su primer disco, ¡Uno, Dos Tres Andrés! En español y en inglés, fue lanzado en 2015, con 22 canciones educativas; 11 en español y 11 en inglés. Fueron nominados a un Grammy Latino.

Su siguiente disco, Arriba Abajo, llegó al año siguiente y volvió a las premiaciones al ganar el Grammy Latino 2016 al Mejor álbum de Música Infantil. También ganó el premio de oro Parents' Choice. El tercer álbum es una colección de canciones de cuna titulada La Luna.

El álbum Cantas las Letras, fue diseñado para ayudar a los

niños a aprender elementos fundamentales del idioma español, específicamente las letras y sus diferentes sonidos. Este álbum fue creado en colaboración con Benchmark Education Company. Originalmente fue hecho para uso en un salón de clases, pero se decidió poner el álbum a disposición del público en general.

En 2021, lanzaron Actívate, un disco con la colaboración de Rubén Blades, Gilberto Santa Rosa, Los Rabanes, Rafael El Pollo Brito, Henry G, entre otros. 10 de las 21 canciones que componen el disco están en español. Fue nominado en la 64ª entrega de los Premios Grammy como "Mejor Álbum de Música Infantil", siendo el único álbum sudamericano nominado en esa categoría.

Sonia R. Cabral

Prensa + Gestión cultural prensasoniacabral@gmail.com IG: @soniacabralprensa

FB: Sonia Cabral

Video

Adivina Adivinador - 123 Andrés https://youtu.be/kqZ5PzJDj68

TELECINE presenta su primer lp “MONSTRUO MARINO”

Telecine, el proyecto interdisciplinario, liderado por Sebastián Sigal (músico y realizador audiovisual) presentó su primer LP “Monstruo Marino”. “El disco atraviesa paisajes sonoros que proponen transmitir un efecto muy visual. Y es una mezcla entre una estructura más rígida y de diseño plasmada en baterías programadas, y elementos más reales que van jugando orgánicamente. El disco narra y recorre la experiencia de una criatura que se ve atravesada por un cambio de energía y asciende desde las profundidades del océano hasta la superficie exterior”

El disco, además, cuenta con un videoclip, dirigido por el estudio de animación Chow Juan.

Telecine es un proyecto argentino creado en 2020 que propone una música placentera, con texturas cinematográficas. Es anacrónico, aunque puede percibirse una suma de muchas décadas de música popular.

Con influencias de trip hop, pop, rock, electrónica, R&B, soul, el sonido se fusiona en bases que luego rescatan el valor de la canción y sus líricas. La música y el contenido audiovisual cobran la misma importancia, borrando así los límites entre las disciplinas.

El primer video de Telecine (Génesis) fue premiado en el Buenos Aires Music Video Fest y selec-

cionado en diversos festivales de cine como el Barciff y Around Films Festival de Barcelona.

ACERCA DE SEBASTIAN SIGAL

Sebastián Sigal (Buenos Aires, 1983) vivía en una constante encrucijada: no podía quedarse con una sola de las muchas vocaciones que lo llamaban. Así, la inquietud lo llevó a estudiar dirección de cine, guión, dramaturgia, fotografía, música y actua-

ción. A pesar de la versatilidad de su formación, su estilo se caracteriza por la dirección de actores y el humor.

Comenzó a dirigir colectivamente en el estudio de diseño multidisciplinario CINCO. Su carrera de director de cine publicitario se afianzó en la productora Películas Cortitas. Formó parte de los staff de directores de Landia, Winona y Mu Films. Actualmente forma parte del roster de Oruga cine.

Además de su carrera de director, mantiene activas sus otras vocaciones como el proyecto musical Telecine. En 2018 publicó la novela Chancho de Agua, bajo el sello Reservoir Books de Random House.

C+G Prensa y Comunicación cygprensa@gmail.com

info@cygprensa.com

Video

Telecine - Solar https://youtu.be/bTIwwDdhnbo

Concierto temático

EL ABRAZO DEL VINO

Una travesía llena de poesía, música y narrativas. Idea y dirección general: Ruben Ferrero.

la cultura del vino y su capacidad de unir a las personas.

Ruben Ferrero, piano. Martin Busto, voz. Camilo Velázquez, bajo. Edu Rikk, percusión.

Auspicia: Bodega Jorge Rubio - Vinos de autor

JUEVES 15 DE JUNIO, 20:30 hs. EN “LA BIBLIOTECA CAFÉ”

Marcelo T. De Alvear 1155

(CABA)

Reservas : 011 4811 0673 o por whatsapp 11 6515 9514

Más información en www.labibliotecacafe.com.ar

"El Abrazo del Vino" un concierto temático del pianista, compositor y director Ruben Ferrero reúne poemas y canciones de diversos autores del mundo dedicadas al vino, néctar de los dioses del arte y la creatividad.

El vino es mucho más que una simple bebida, es una invitación al encuentro y al compartir. Y eso es precisamente lo que propone “EL ABRAZO DEL VINO” : una travesía mágica llena de poesías, canciones y narrativas sobre el amor, la amistad y todo aquello que nos hace brindar.

Con textos de grandes poetas como Manuel J. Castilla, Ariel Petrocelli, Hamlet Lima Quintana, Ar-

mando Tejada Gómez, Pablo Neruda y Horacio Ferrer, y música de reconocidos artistas como Jaime Dávalos, Cuchi Leguizamón, Eduardo Falú y Anibal Troilo, entre otros, el pianista y compositor Ruben Ferrero, rinde homenaje a

Prensa: Malvina Giglione malvinagiglione@gmail.com

Video

Ruben Ferrero "Esta es mi Música"

https://youtu.be/1wrZbkJCIe0

Cine

ESTRENO 1 DE JUNIO "El Legado"

film documental que retrata la relación del pintor neofigurativo argentino , Jorge Demirjian con su hijo Rodrigo

Tras su participación en el 24 BAFICI y su paso por HOTDOCS , el film documental "El legado" del polifacético artista argentino Rodrigo Demirjian estrenará en las salas argentinas el 1 de junio.

El film retrata la relación de Ro-

drigo con su padre, el fallecido pintor neofigurativo argentino, Jorge Demirjian.

SINOPSIS

Tras quince años sin pisar Argentina, Rodrigo viaja de Madrid a Buenos Aires al funeral de su

padre, el renombrado pintor argentino Jorge Demirjian. Transitar el duelo junto a su familia y gestionar las más de dos mil obras que ha dejado en un viejo taller, provoca un reencuentro que lo lleva a reconciliarse con la figura de su padre y reflexionar sobre su futura paternidad.

FICHA TÉCNICA

Título original: El Legado

Título internacional: The legacy

Duración:90 min.

Idioma: Español

País: España // Argentina

Año: 2023

CON

Jorge Demirjian

Evangelina Popolizio

Rodrigo Demirjian

Florencia Demirjian

Jorge Manuel Djeredjian COCO

Mario Córdoba

Luisa Freixas

Eduardo Darío Álvarez

Leonello Zambón

Felipe Noé

Bianca Temperini

Alan Brian Setian

Olga Rosado Vélez

RODRIGO DEMIRJIAN - DIRECTOR

Rodrigo Demirjian es un artista polifacético argentino afincado en Madrid. Se forma en el Instituto Superior de Música Popular de Buenos Aires y en el International Center of Photography de New York. En 2001 gana el Subsidio a la Creación otorgado por Fundación Antorchas en Buenos Aires. Ha obtenido dos Menciones en vídeo experimental por el Salón Nacional de Buenos Aires en 2004 y en 2007. Y ha sido seleccionado en el premio MAMba Fundación Telefónica de Buenos Aires en 2002, 2003 y 2005.

SOBRE EL PROYECTO

"Cuando falleció mi padre tuve que enfrentarme a la ambigua y complicada relación que tenía con él, y a la vez, hacerme cargo de su legado artístico: unas dos mil obras encerradas en su antiguo taller de Buenos Aires. Ciudad donde me crié y en la que no vivo desde hace casi veinte años. La única forma que encontré para afrontar esta situación fue hacer esta película.

Aunque “El legado” es una película íntima y personal sobre la pérdida de un padre, quise darle un tono ligero y paródico que me llevó poco a poco a reencontrarme con la figura de mi padre ausente y, a su vez, replantearme mi futura paternidad. - Rodrigo Demirjian -

EQUIPO TÉCNICO

Dirección

Rodrigo Demirjian

Guión

Rodrigo Demirjian, Kike Costas

Productores

Omar Al Abdul Razzak, Carolina Alvarez, Natalia de la Vega Compañías productoras

Tourmalet Films (España), AH!

CINE y Navega Cine (Argentina)

Dirección de fotografía

Mayi Gutierrez Cobo , Carolina

Alvarez, Natalia de la Vega

Dirección de Producción

Manuel Arango

Dirección de Arte

Florencia Demirjian

Edición

Rodrigo Demirjian,Manuel

Bauer, Omar Al Abdul Razzak

Diseño de Sonido y y Postproducción sonora

Mariana Delgado (ASA)

Música Original

Leonello Zambón

Color y Postproducción de Imagen

Juan Martin HSU (Zebra Films)

Distribución

Santa Cine

Con el apoyo de ICAA, INCAA, Comunidad de Madrid, Mecenazgo Cultural Gobierno de la Ciudad de Bs As y Fundación

Itaú

PRENSA

Erica Denmon

erica@denmon.com.ar

Video

El legado - Trailer - español https://youtu.be/bO47-veQtwY

E R R A N T E La conquista del hogar

Un filme de Adriana Lestido

Argentina / Documental / 77 min. / Color/ 2022

Avant Premiere Malba CineViernes 2/6 | Funciones: Viernes 20 hs.

Sala Lugones (del 1 al 8/6) Gaumont (desde el jueves 8/6)

El viernes 2 de junio, en Malba Cine y luego también en la Sala Lugones (hasta el 8 de junio) y en el Cine Gaumont (a partir del jueves 8), se estrena Errante, primera película filmada por la gran fotógrafa Adriana Lestido, un documental de singular belleza rodado en solitario por Lestido durante cuatro viajes que realizó entre 2019 y 2020 por di-

versos puntos del Círculo Polar Ártico. Errante cuenta con producción de Lita Stantic y Maravillacine y fue galardonada en la última edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata con el Premio a la Innovación Artística al Mejor Largometraje Argentino en todas las categorías, otorgado por PCI (Proyecto de Cine Independiente).

SINOPSIS

Errante es una meditación visual sobre el retorno al origen a partir

del registro de un viaje en soledad de un año y medio alrededor del Círculo Polar Ártico por gélidas e inhóspitas regiones. En ese desierto blanco, lo inabarcable, lo enigmático y lo melancólico se funden en la auténtica búsqueda que la directora comparte con el espectador. Lestido transforma la cámara en una herramienta de indagación no sólo del espacio sino también de su propia y solitaria experiencia personal. Es la conquista del hogar en el sentido de poder llegar al lugar que nos pertenece. El final del ciclo y la vuelta a la

vida otra vez desde la transformación y el renacimiento. Un viaje hacia otro estadio.

Cuenta Lestido sobre el proceso de este singular proyecto: "Entre enero de 2019 y mayo de 2020 viajé sola alrededor del Círculo Polar Ártico (Islas Svalbard, Islandia y norte de Noruega). Antes, en el 2012, había sido la Antártida y el Polo Sur como inicio de un pasaje. Pero en ese momento fueron imágenes fotográficas en blanco y negro. El pasaje ahora es también al movimiento y al color. El movimiento dentro de un único punto de visión y el sonido ambiente imprimiendo lo que sucede. Hice el registro visual y sonoro sin equipo técnico de apoyo buscando priorizar la experiencia personal de soledad en lugares extremos y desconocidos. Lo que me gustaría transmitir con Errante es el largo camino a

casa. Quizás la vida no sea más que eso, un viaje de vuelta, el retorno al origen. Y la tarea, volver mejores. Desaparecer en el universo. Ser nada. Poder encontrar, en el ver, el camino de regreso, la vuelta al hogar."

Al registro visual y sonoro que hace de esa naturaleza indómita y su transformación a lo largo de cinco estaciones (primavera, verano, otoño, invierno y otra vez primavera), Lestido suma una delicada selección de textos de Haruki Murakami, Luis Alberto Spinetta, Liliana Bodoc, Frigyes Karinthy, Theodor Kallifatides, Antonio Gamoneda y Doris Dörrie, y de canciones de Nick Cave, Gabo Ferro y Ketil Bjornstad.

Un paisaje inhóspito retratado con gran belleza por la cámara de Lestido en Errante

REPERCUSIONES DE PRENSA

"Son planos fijos de paisajes nevados, animales, volcanes y auroras boreales cuya acumulación genera una experiencia hipnótica, subyugante. (...) un bellísimo ensayo sobre la soledad frente a la inmensidad de la naturaleza en su estado más puro."

Diego Batlle, otroscines.com

"...la virtud principal de Lestido es lograr un nivel de experiencia con el territorio retratado que va abriendo un espesor inmersivo. (...) No se trata nunca de una devoción contemplativa al paisaje, a su belleza pétrea de postal, sino a una posibilidad de que en ese territorio se puedan percibir los cambios, sutiles o estruendosos..." Diego Trerotola, Página 12

"Experiencia extrema y pro-

funda, una prueba. Este viaje es un viaje de registro pero también es un viaje interior que requiere coraje y valentía.(...) Errante establece fuertes relaciones entre la naturaleza y el plano cinematográfico, entre la fotografía fija y la imagen en movimiento, entre la soledad y el valentía de una mujer. Es una película pródiga y estimulante para pensar en el estatuto de la imagen en el cine contemporáneo y en la mirada femenina en él. Es que Adriana Lestido ha hecho una película tan gélida como hermosa" Marcela Gamberini, conlosojosabiertos.com

FICHA TÉCNICA

Dirección: Adriana Lestido

Productores: Lita Stantic, Paula

Zyngerman, Leandro Listorti, Adriana Lestido

Compañías productoras: Lita

StanticProducciones S.A.,

Maravillacine S.R.L.

Producción Ejecutiva: Lita Stantic, Paula Zyngierman, Leandro Listorti, Maria Gowland

Director de Fotografía: Adriana

Lestido

Director de Sonido: David Mantecon

Editor: Elizabeth Wendling, Adriana Lestido

Tratamiento de Color: Ada Fontini

VFX: Nico Agarzua / Alexia Miller

Post Producción de Imagen: Zebra Films / Periférica Cine

Diseño Gráfico: Pablo Engel

BIO ADRIANA LESTIDO (Ph. Freddy Heer)

Buenos Aires, 1955. Comenzó estudios de cine y de fotografía en 1979 en la Escuela de Cine y Técnicas Audiovisuales de Avellaneda. Entre 1982 y 1995 trabajó como fotoperiodista para La

Voz, Página12 y la Agencia Diarios y Noticias. Se ha dedicado intensamente a la enseñanza coordinando talleres y clínicas; en 2010 fue invitada a impartir uno de los campus PhotoEspaña Grandes Maestros. Fue la primera fotógrafa argentina en obtener al Beca Guggenheim, la beca Hasselblad y el Premio Mother Jones. También fue nombrada Personalidad Destacada de la Cultura por la Legislatura de Buenos Aires, obtuvo la Medalla del Bicentenario, el Gran Premio Adquisición Salón Nacional de Artes Visuales, el Konex de Platino y el Premio a la Trayectoria, otorgado por la Academia Nacional de Artes Visuales, entre otras distinciones.

Su trabajo se ha exhibido en todo el mundo e integra las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes y Museo de Arte Moderno Buenos Aires, Argen-

tina; Fondation Cartier pour l’art contemporain, Bibliothèque Nationale de France, Chateau d’eau Toulouse, Centre Regional de la photographie du Nord Pasde-Calais. Douchy- les-Mines, Casa Europea de la Fotografía, Francia; Museum of Fine Arts

Houston, Museum of Fine Arts

Boston, USA; Museo de Bellas

Artes Caracas, Venezuela; Hasselblad Center Gotebörg, Suecia; Fundación Comunidad

Autónoma Castilla/La Mancha, España.

Publicó ocho libros: Metrópolis, Ediciones Larivière / RM, Madrid

2021, Antártida negra, Capital Intelectual, Madrid, 2017. Antártida negra (los diarios) Tusquets, Buenos Aires, 2017. Lo que se ve, Antología, CI, Madrid, 2012. La obra, CI, Madrid, 2011. Interior, CI, Madrid, 2010.

Mujeres presas, Colección Fotógrafos Argentinos, Buenos Aires, 2001/2008. Madres e hijas, La

Azotea Editorial/ Fundación

Guggenheim, Buenos Aires, 2003.

Sobre LITA STANTIC

Cuenta con una extensa trayectoria de más de 50 años en la industria cinematográfica. Fue Jefa de Producción durante 10 años, entre otras películas, de La Raulito (Lautaro Murúa) y La parte del león (Adolfo Aristarain). En 1978 asociada con Alejandro Doria produjo La Isla y Los miedos. En 1980 se asocia con María Luisa Bemberg para producir Momentos, Señora de Nadie, Camila, Miss Mary y Yo, la peor de todas. En 1993 dirigió el largometraje Un muro de silencio. Desde 1997 ha impulsado y difundido en su rol de productora el trabajo de jóvenes cineastas. Produjo, entre otras, Dársena Sur (Pablo Reyero), Mundo Grúa (Pablo

Trapero), La Ciénaga (Lucrecia Martel), Bolivia y Un Oso Rojo (ambas de Adrián Caetano), Tan de repente (Diego Lerman), La Niña Santa (Lucrecia Martel), Hamaca Paraguaya (Paz Encina), Cordero de Dios (Lucía Cedrón), Café de los Maestros (Miguel Kohan), Diletante (Kris Niklison), Habi, la extranjera (María Florencia Álvarez), La Guarderia (Virginia Croatto), La Deuda (Gustavo Fontan) y Errante (Adriana Lestido). Actualmente se encuentra en post producción del film Gruta Continua de Julián D`Angiolillo. Fue distinguida con los siguientes premios: Príncipe Claus (Holanda), Rezzónico (60º Locarno Film Festival.), Astor de Oro (Festival de Mar del Plata) Mayahuel de Plata junto a Fernando Solanas y Fernando Birri (Festival de Guadalajara.), Premio Konex Platino Espectáculos 2001-2010 (Producción), fue

nombrada Personalidad Destacada de la Cultura por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires, Premio a la Trayectoria del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata 2012, Premio Panambí Honorífico Augusto Roa Bastos (2014), Premio Cóndor a la Trayectoria otorgado por la Asociación Argentina de Cronistas de Cine en 2017, Mención de Honor Senador Domingo Faustino Sarmiento por su gran aporte artístico y su lucha en la defensa del cine nacional otorgado por el Honorable Senado de la Nación Argentina (2017). En 2019 recibe el Coral a la Trayectoria en el Festival de La Habana.

Se hicieron retrospectivas de sus films en París, New York, Ginebra y Friburgo.

Sobre MARAVILLACINE

Es una Productora argentina creada en 2016 por Paula Zyngierman y Leandro Listorti luego de años de trabajo en el área de la producción de cine y TV, y de una vasta experiencia en los campos de archivo y programación cinematográfica, respectivamente.

En MARAVILLACINE producimos a nuevos cineastas, acompañamos proyectos que asumen riesgos y coproducimos largometrajes de corte autoral que se han proyectado en festivales internacionales y en plataformas de calidad.

FILMS:

Herbaria de L. Listorti (Arg/Alem)

| Visions du Réel - Premio especial del Jurado 2022

Ese fin de semana de M. Pescio

(Arg/Br) | San Sebastián F.F. New Directors 2021

Borom Taxi de A. Guerberoff| Visions Du Réel 2021

Mapa de sueños latinoamericanos de M. Weber (Arg/Méx/Noruega/EEUU) | Mejor

Documental Cinélatino, Rencontres de Toulouse 2021

Las facultades de E. Solaas | ZINEBI Grand Prize 2019

Ínsula de M. Onis | Visions du Réel 2019

Chubut, libertad y tierra de C. Echeverría | Biarritz Film Festival 2019

Doce Clavos (Corto), de P. Hernández | Best Short Film Award

Shnit Festival 2018

Marilyn de M. Rodríguez

(Arg/Chile) | Berlinale & San Se-

bastián | Mejor película Tel

Aviv International Film Festival & Queer Lisboa 2018

La película infinita de L. Listorti| Rotterdam Film Festival 2018

Miss de R. Bonomo| BAFICI 2017

@errante.lapelicula

@errante.lapelicula

@litastanticproducciones

@litastanticproducciones @maravillacine_ @maravillacine_

Luciana Zylberberg

luzylberberg@gmail.com

Video Errante - Teaser (ESP https://vimeo.com/575360071

Cine y MUBI anuncian su colaboración para estrenar en los cines de

MEDUSA DELUXE

Una película de Thomas Hardiman

EN CINES DE ARGENTINA A PARTIR DEL 8 DE JUNIO DE 2023

EN EXCLUSIVA EN MUBI EN ARGENTINA A PARTIR DEL 4 DE AGOSTO DE 2023

MACO Cine y MUBI se complacen en anunciar su colaboración para llevar la ópera prima del guionista y director Thomas Hardiman, el atrevido, camp e inigualable murder mystery Medusa Deluxe, a los cines de Argentina a partir del 8 de junio

de 2023.

Medusa Deluxe estará disponible en streaming en exclusiva en MUBI a partir del 4 de agosto de 2023.

Haciendo foco en el obsesivo mundo de la peluquería, esta extravagante historia de crimen sin resolver cuenta con una serie de actuaciones electrizantes de su dinámico reparto que incluye a Clare Perkins (Secrets & Lies, Censor, Eastenders), Kae Ale-

xander (Fleabag, Maleficent: Mistress of Evil), Harriet Webb (I May Destroy You, Big Boys), Darrell D’Silva (Informer), y Luke Pasqualino (Skins, Snowpiercer, Shantaram).

Tras la muerte de un estilista, el resto de los concursantes intenta descubrir al asesino a lo largo de una noche. La rivalidad y la desconfianza aumentan a medida que el grupo sospecha que alguien puede estar intentando manipular el concurso, elimi-

Maco

argentina.

nando de manera terrible a sus participantes.

Medusa Deluxe cuenta con la impresionante fotografía del nominado al Oscar® Robbie Ryan (The Favourite, American Honey), cuya cámara, inquieta y misteriosamente estable, se desplaza de escena en escena, a través de un laberinto de salas entre bastidores, áreas de espera, espacios teatrales y estacionamientos. Los deslumbrantes y vanguardistas diseños de peinado son obra del renombrado estilista Eugene Souleiman y de la diseñadora de peinado y maquillaje Scarlett O'Connell, cuyo trabajo ganó la película Mejor Diseño de Maquillaje y Peinado en los British Independent Film Awards 2022. La banda sonora electrónica es de Koreless. Nominada en la categoría Mejor Director Debutante y al Mejor Diseño de Producción en los British Independent Film

Awards del año pasado, este drama de conjunto, vivaz y absurdamente cómico, mantendrá al público en tensión hasta el final.

La película está producida por Michael Elliott, Louise Palmkvist Hansen y Lee Groombridge y es una producción de EMU Films.

La película fue desarrollada y financiada por el BFI, a través de la National Lottery Funding, y BBC Film, y financiada en asociación con Time Based Arts.

Los productores ejecutivos son Eva Yates por BBC Film, Lizzie Francke por BFI, y Jim Mooney y Walli Ullah por EMU. Para más información por favor contactar a another: mubi@another.co

joaquin.basile@another.co

Sitio web

another.co

Video

MEDUSA DELUXE | Tráiler Oficial | Próximamente

https://youtu.be/8TGqHgxRvog