SLICKER 6

_ a g enda des e x pos i t i ons à P ar i s & à b ru x elles

_Jet Lag ! au m e x i q ue

_ L e Top 7 des i g n , ar c h i , m us i q ue e t m ode b y : M i h o ± Yan g Z h ao ± O l i v i er L asson ± F i lles à P apa

_ Car t e b lan c h e à s i m on s c h u b er t

_ 8 por t ra i t s d ’ ar t i s t es é m er g en t s à c onna î t re

_ A r t c ul i na i re

_ U n s i è c le d ’ ar t au Me x i q ue

L E J O U R N A L D E S D é c ou v er t es ar t i s t i q ues ± N u m Éro 6 ± P R I N T E M P S 2 0 1 3

SOMMAIRE

PAGE 03

PAGE

PAGE

04

06

À VOIR

PAGE

SÉLECTION

NEWS

AGENDA DES EXPOSITIONS

10

ARCHI / DESIGN / MODE / MUSIQUE

PAGE

14

CARTE BLANCHE À

PAGE

ÉMERGENCE

SIMON SCHUBERT

18

PORTRAITS D’ARTISTES

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27

PAGE

RÉFLEXION

ART CULINAIRE

23

PAGE

JET LAG !

MEXIQUE

SLICKER

±

40,

RUE

DE

RICHELIEU

-

75001

PARIS,

FRANCE

±

S L I C K E R @ S L I C K A RT FA I R . C O M

31

AGIR BRÉSIL : EN QUÊTE D’IDÉAL

±

W W W. S L I C K A R T F A I R . C O M

±

DIRECTEURS

DE

LA

PUBLICATION

A U D E D E B O U R B O N PA R M E , J O H A N TA M E R- M O R A E L ± D I R E C T R I C E D E L A R É D A C T I O N A U D E D E B O U R B O N PA R M E ± D I R E C T R I C E A R T I S T I Q U E R O X A N E LA G A C H E ± S E C R É T A I R E D E R É D A C T I O N C A R O L E D A P R E Y ± G R A P H I S T E - M A Q U E T T I S T E É LO D I E PA L U M B O ± T R A D U C T R I C E PAU L I N E L E M A I R E ± A G E N D A S L I C K E R @ S L I C K A RT FA I R .

C O M ± C O M M U N I C A T I O N E T P U B L I C I T É C O M M U N I C A T I O N @ S L I C K A R T F A I R . C O M ± O N T P A R T I C I P É À C E N U M É R O N U M É R O J U L I E C R E N N , D R . A L F, F I L L E S À P A P A , É L I S E G I R A R D O T, O L I V I E R L A S S O N , S T É P H A N I E L E M O I N E , J É R É M Y L O P E Z , M I H O , M A R G U E R I T E P I L V E N , P A S C A L E P R O N N I E R , L E Ï L A S I M O N , G I L L E S S T A S S A R T, Y A N G Z H A O ± C A R T E BLANCHE À SIMON SCHUBERT ± COUVERTURE ET LOGO _SLICKER SIMON SCHUBERT ±

12

_SLICKER 6

PAGE 04

L I E U X

D ’ A R T

B R U X E L L E S

23

17

16 1_ C A B AR T CE NT E R TH E FOLD, A B SE NCE , D ISAPPE ARANCE AN D LOSS OF ME MORY IN IRANIAN ART DU 1 9 AV R I L AU 15 JU IN 3 2- 3 4, r u e B o rrens _B r uxel les 1050 w w w. c a b. b e 2_ D U BO I S F RI E D L A ND G A L L E R Y CART E BLA NC HE À K ARINE MARE NNE _IND I S C I PLI NÉ E S JUSQU’AU 1 6 AVRIL 9 7, r u e S o u ve raine_B r uxel les 1050 w w w. d u b o is fr ie dland.com 3_GALERIE HUFKENS AN TONY GOR MLE Y _ACCORD ING TO A GI V EN ME AN JUSQU’AU 4 MAI 6 -8 , r u e S a in t-G eorges _B r uxel les 1050 w w w. x avie r h u fkens .com 4_ J O Y E G A L L E R Y MATT H EW C R ASNE R DU 2 5 AV R I L AU 25 MAI 1 25 , c h a u s sé e de Vleurgat_B r uxel les 1 000 w w w. j oye g a l le ry.be 5_KOMPLOT YEA R , L I V R E AVE C U NE PE INTU RE D’ANT H EA H A MILTON DU 1 9 AV R I L AU 22 AVRIL 1 24, r u e d e l’Ins tr uction_B r uxel les 1070 kmplt.be 6_L A M BER T G A L L E R Y LAUR ENT PER B OS DU 2 0 AV R I L AU 25 MAI 4 7, r u e d e P ra etere_B r uxel les 1050 w w w. la m b e r t- gal ler y.com

1 5 _ CENTRA LE F OR C O NTEM PORARY ART L’ ORI G I N E DE S CHOSE S JUSQU’AU 9 JUI N 44, place Sainte-Catherine _Bruxelles 1000 w w w.c e nt ra le -a r t .be

1 0 _LE WIELS T H OMAS BAYR L E_AL L-IN - ON E JUS QU’AU 12 MAI EX P ER IEN Z #2, MAT ER IAL IZ IN G T H E S O CIAL D U 18 AU 21 AV R IL 354, avenue Van Volxem _B ruxel les 1190 w w w. w iels. org

1 6 _ M F C- M ICH ELE D ID IER AL LAN MCCOLLUM_THE B OOK OF SHAPE S JUSQU’AU 18 MAI 19, rue de la Senne _Bruxelles 1000 w w w.mic he le didie r.c o m

1 3 _ B O ZA R CH AN G IN G S TAT ES : CON T EMP OR ARY IR IS H ART & FR AN CIS BACON ’ S S T UD IO JUS QU’AU 19 MAI 23, rue Ravenstein_Bruxelles 1000 w w w. b ozar. be

7_ MAISON PARTICULIÈRE VOYA GES I NT ÉRIE U RS DU 1 8 AV R I L AU 30 JU IN 4 9, r u e d u C h âtelain_B r uxel les 1050 m a is o n p a r t ic u liere.be 8_ V A NH A ER E NT S ART C O L L E C T I O N SYMPAT H Y FOR THE DE VIL AES +F T H E FEAST OF TRIMALCHIO JUSQU’AU 3 0 NOVE MB RE 29, rue Anneessens_B ruxelles 1000 w w w. va n h a e re nts ar tcol lection.com

22

18 7

20

10

21

4

2

1

3 6 9

20_POPPOS ITIONS POPPOSI TI ON S 2013 AU B RASS DU 18 AU 21 AVRI L 3 6 4, ave nue Va n Vo lxe m _ B r uxe l le s 1 1 9 0 po ppo s i t io ns .c o m

19

14

21_F OND A TION A S TICH TING MI TCH E PSTE I N _N E W YORK ARB OR DU 21 AVRI L AU 30 JUI N 3 0 4, ave nue Va n Vo lxe m_ B r uxe l le s 1 1 9 0 w w w.fo nda t io na s t ic ht ing.be

1 8 _ IS ELP D ÉS-ORI E N TÉ (S) JUSQU’AU 4 MAI 31, bo ule va rd de Wa t e r lo o _B ru xe l le s 1 0 0 0 w w w.is e lp.be

22_LA V ERRIÈRE DE S G E STE S DE LA PE N SÉ E DU 20 AVRI L AU 13 JUI LLE T 5 0 , bo ule va rd de Wa t e r lo o _ B r uxe l le s 1 0 0 0 w w w. fo nda t io nde nt re pr is e he r me s .o rg

1 9 _ LA LOGE S IX POSSI B I LI TI E S FOR A S C ULPTURE D U 12 AVRI L AU 29 JUI N 86, r ue de l’ Er mi t a ge _B ru xe l le s 1 0 5 0 w w w.la - lo ge .be

23_GALERIE V ID A LCU GLIETTA CHE RYL DON E G AN _B LOOD SUG AR JUSQU’AU 11 MAI 5, bo ule va rd Barthelemy _ B r uxe l le s 1 0 0 0 v ida lc uglie tt a .c o m

14_LA CAMBRE B OO MER AN G D U 20 AV R IL AU 4 MAI Hôtel Van de Velde 29, avenue Franklin-Roosevel t _B ruxel les 1050 lacambre. be

18

17 L

CHARLES DE GAULLEÉTOILE

K

C

13

5

1 7 _ IM AL OV ERTOON _CHRI STOPH D E B OE CK , AE RN OUDT JACOB S, JEROE N UYTTE N DAE LE , JEROE N VAN DE SAN DE D U 17 AVRI L AU 19 MAI 30, quai des Charbonnages _Bruxelles 1080 www.imal.org

12_ATOMIUM S ÉLECT ION D ’ ŒUV R ES D E LA CO LL ECT ION D E MR S G ALILA BAR Z ILAÏH OLLAN D ER AV R IL 2013 S q uare de l’Atomium _B ruxel les 1020 w w w. atomium. be

GRAND-PLACE

8

9 _ V I L L A E M P AI N F O ND AT I O N B O G H O S S I A N T UR BUL EN CES II JUS QU’AU 1 E R S EM P T EMBR E 67, avenue Franklin-Roosevelt _Bruxelles 1050 w w w. vil laemp ain. com

11_ARGOS H AR UN FAR OCKI D U 15 AV R IL AU 30 JUIN 13, Werfstraat _B ruxel les 1000 w w w. arg osarts. org

11 15

TROCADÉRO

G

GARE DU NORD

9

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17

10 13

D

SAINT-AUGUSTIN

8

M

E

1

CONCORDE

33

2

J

7

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SAINT-GERMAIN DES PRÉS

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DUROC

15

CHÂTELET

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VAVIN

48

22 26

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5 49 39 10 18 27 4 37 6 11 41 15 B 30 32 35 8 23 8 46 12 16 21 3 50 24 44 38 40 29 28 9 36 A 7 31

20 43

14 45 42 PYRÉNÉES

1

RÉPUBLIQUE

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BASTILLE

20 11

I

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F

14

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2

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PLACE D’ITALIE

H

AGENDA DES EXPOSITIONS

6_ GA L ER I E CH RI S T I A N B E R S T JOH N D EV LI N DU 2 6 AV R I L AU 25 MAI 3 -5 , p a s sa g e des G rav il lier s _Par is 3 e w w w. c h r ist ia n ber s t.com 7_ GA L ER I E B I NÔ M E FRA NÇOI S LA RTIGU E _L’OB JE CTIF HU MA NI S T E JUS QU’AU 2 5 MAI 1 9, r u e C h a r le m agne_Par is 4 e w w w. g a le r ie b inom e.com 8_ GA L ER I E J E A N B R O L L Y ALAN CHARLTON_DIAGONAL PAINTINGS JUSQU’AU 27 AVRIL 1 6, r u e d e Mo ntmorency _Par is 3 e w w w. j e a n b ro l ly.com 9_ GA L ER I E CH E Z V A L E NT I N G UY MEES DU 1 6 MA I AU 16 JU IN 9 , r u e S a in t- G il les _Par is 3 e w w w. g a le r ie c hez valentin.com 10 _ G AL ER I E C H AR L O T FRA NÇOI S Z A JÉ GA, DAN B ARICHASSE JUS QU’AU 1 8 MAI 4 7, r u e Ch a r lo t_Par is 3 e w w w. g a le r ie c har lot.com 11 _ G AL ER I E M A RT I NE E T T H I B AU L T DE LA CHÂTRE BE NJA MI N H OCHART_NOU VE LLE S/JAR D IN JUS QU’AU 1 1 MAI 4, r u e d e S a i n tonge_Par is 3 e w w w. la c h a t re galer ie.com 12 _ G AL ER I E C H ANT A L C R O U S E L EXPOS I T I ON DE GROU PE AU TOU R DU FIL M D E JEA N-LU C MOU LÈ NE , « LE S TR OI S GR Â C ES », AVE C NOTAMME NT TH OMAS H I R SCHHORN, SIGMAR POLK E… DU 4 MA I AU 15 JU IN 1 0, r u e C h a r lot_Par is 3 e w w w. c ro u s e l. c om

2 4 _ G AL E R I E Y V O N L AM B E R T JOAN JOAN & LAWR EN CE WEIN ER D U 27 AV R IL AU 31 MAI 108, rue V ieil le-d u-Temple_Paris 3 e w w w. yvon-lamb ert. com 2 5 _ G AL E R I E L O E V E NB R U C K JEAN D UP UY_L ES AN N ÉES COL LECTI VE S (1973- 1983) JUS QU’AU 11 MAI 6, rue Jacques-Cal lot_Paris 6 e w w w. loevenb ruck. com 2 6 _ G AL E R I E K A M E L M E NNO U R AN N V ER ON ICA JAN SS EN S D U 16 MAI AU 23 JUIN 47, rue S aint-André-d es-arts_Paris 6 e w w w. kamelmennour. com 2 7 _ G AL E R I E L A U R E NT M U E L L ER MATTHIAS BECKMANN_BERLINER ATELIERS JUSQU’AU 1 ER JUIN 75, rue d es Archives_Paris 3 e w w w. g alerielaurentmuel ler. com 2 8 _ G AL E R I E D E M U L T I P L E S STÉPHANE CALAIS DU 26 AVRIL AU 5 JUIN 17, rue S aint-Gil les_Paris 3 e w w w. g aleriedemul tip les. com 2 9 _ G AL E R I E O D I L E O U I ZM AN D ES FL EUR S S IN ON R IEN JUS QU’AU 1 E R JUIN 10-12, rue des Coutures-Saint-Gervais_Paris 3e w w w. g alerieouizeman. com 3 0 _ G AL E R I E A L B E R T A P A NE FLO R EN CE G IR AR D EAU & JOAO V ILHE N A D U 16 MAI AU 15 JUIN 14, rue S aint-Claude_Paris 3 e w w w. g aleriealbertapane. com 3 1 _ G AL E R I E P AR I S – B E I J I NG YAN G YON G L IAN G _T H E S IL EN T VA LLE Y JUS QU’AU 11 MAI 54, rue d u Vertbois_Paris 3 e w w w. p arisbeij ing photogal lery. com

13 _ G AL ER I E D AK O T A CLA I R E T R OT IGNON_AVRIL 2 7 b is, r u e Ja cques - Louvel-Tes s ier _ Pa r is 1 0 e (s u r rdv ) w w w. g a le r ie d a kota.com

3 2 _ G AL E R I E E M M A NU E L P E R R OTIN G IAN N I MOTT I D U 20 AV R IL AU 15 JUIN 76, rue de Turenne_Paris 3 e w w w. p errotin. com

14 _ G AL ER I E M A G D A D A NY S Z FRED EER D EKENS_RE MANE NCE S DU 2 0 AV R I L AU 8 JU IN 7 8, r u e A m e lo t_Par is 11 e w w w. m a g d a - g a l ler y.com

3 3 _ G AL E R I E D E S P E T I T S C AR R E AU X IN T ER D IT AUX MIN EURS D U 11 AV R IL AU 25 MAI 43, rue d es Peti ts-Carreaux_Paris 2 e w w w. g aleriedesp eti tscarreaux. com

15 _ G AL ER I E D I X 9 SOPH I A POMP É RY _NO-THINGS OU LA V IE SI LENC I EUS E D E S CHOSE S JUS QU’AU 1 1 MAI 1 9, r u e d e s F i l les - du- C alvaire_Par is 3 e w w w. g a le r ie d ix9.com 16 _ G AL ER I E P AT R I C I A D O RF M ANN MAR K JENKI NS DU 2 2 JUI N AU 19 JU ILLE T 6 1, r u e d e la Ver rer ie_Par is 4 e w w w. p a t r ic ia d o r fm ann.com 17 _ L ES D O UC H E S L A G AL E RI E BRUC E W RI GHTON DU 1 5 MA I AU 22 JU IN 5 , r u e Le g o u v é _Par is 10 e w w w. le s d o u c h es lagaler ie.com 18 _ G AL ER I E F E L L I N OR A D OUA DY DU 4 AU 3 0 AVRIL 127, rue Vieille-du-temple_Par is 3 e w w w. g a le r ie fe l li.com

3 4 _ G AL E R I E P O G G I - B E R T O U X JUL IAN A B OR IN S KI D U 10 MAI AU 8 JUIN 115-117, rue Lafayette_Paris 10 e w w w. g aleriepogg i. com 3 5 _ G AL E R I E P O L A R I S BART BAEL E_WIN T ER LAN D S CAP ES ( T H E ID IOT IS LOS T ) JUS QU’AU 12 MAI 15, rue d es Arqueb usiers_Paris 3 e w w w. g aleriepolaris. com 36_POLKA GALERIE PAT R ICK S WIR C_CAR N ETS D E V OYAG E JUS QU’AU 4 MAI 12, rue S aint-Gil les_Paris 3 e w w w. p olkagalerie. com 3 7 _ G AL E R I E D ANI E L A D A P R ATO CON TACT ER LA G ALER IE P OUR P LUS D ’ IN FO RM AT ION S 6, passag e des Gravil liers_Paris 3 e w w w. d apratogal lery. com

40_GALERIE OLIV IER ROBERT É LODI E LE SOURD_MUSI CAL PE RFORATI ON JUSQU’AU 15 MAI 5 , r ue de s Ha udr ie tt e s _ Pa r is 3 e w w w.ga le r ie o liv ie r ro be r t .c o m

C_CNE AI VÉ RA MOLNAR_TREMBLEMENT JUSQU’AU 2 JUIN Île des impressionnistes_Chatou 78400 w w w.c n e a i. c o m

41_GALERIE THADDAEUS ROPAC PANTIN CLAI RE ADE LFAN G _LE S FORG E S DU 25 AVRI L AU 15 JUI N 69, avenue du Général Leclerc_Pantin 93500 w w w.ro pa c .ne t

D_ESPACE LOUIS VUITTON CORRE SP ONDANCES JUSQU’AU 5 MAI 6 0 , r ue d e B a ssa n o _ Pa ris 8 e w w w.lo u i sv u i tt o n . c o m / e sp a c e c u l t u re l

42_GALERIE DE ROUSSAN PE TRA KOHLE & N I COLAS VE RMOT PE TI TOUTHE N I N _I T DE PE N DS E N TI RE LY UPON THE HUE OF THE LI G HTI N G JUSQU’AU 11 MAI 1 0 , r ue Jo uye - Ro uve _ Pa r is 2 0 e ga le r ie de ro us s a n.c o m

E_F ONDATION D ’ ENT REP RISE RIC ARD WI LFRID ALMENDRA_MATÉRIOLOGIQUE JUSQU’AU 4 MAI 1 2 r ue B o issy- d ’A n g la s_ Pa ris 8 e w w w.fo n d a t io n - e n t re p rise - ric a rd . c o m

44_GALERIE S IT D OW N CHRI STI AN ROUX_COLLE CTI ON PARTI CULI È RE DU 26 AVRI L AU 25 MAI 4, r ue Sa int e -Ana s t a s e _ Pa r is 3 e w w w.s i t do w n.fr

G_LE PLATEAU – FRAC ÎLE-DE-FRANCE PAI N T IT BLAC K JUSQU’AU 12 MAI 33, rue des Alouettes_Paris 19 e w w w.fra c id f- l e p la t e a u . c o m

45_GALERIE S U ZA NNE TA RA S IÈV E PI E RRE SCHWE RZ MAN N _MARS JUSQU’AU 11 MAI 7, rue Pastourelle_Paris 3 e w w w.s uz a nne - t a ra s ie ve .c o m 46_GALERIE D ANIEL TEM PLON JAN FAB RE _G I SAN TS JUSQU’AU 20 AVRI L 3 0 , r ue B e a ubo urg_ Pa r is 3 e w w w.da nie l t e mplo n.c o m 47_GALERIE V A LLOIS JULI E N B I SMUTH_PE RROQUE T MI K E COOTE R_SE T THE ORY DU 17 MAI AU 21 JUI N 3 6 , r ue de S e ine _ Pa r is 6 e w w w.ga le r ie -va l lo is .c o m

49_WHITE PROJECT PASSE UR DU 9 JUI N AU 20 JUI LLE T 2 4, r ue Sa int- Cla ude _ Pa r is 3 e w hi t e pro j e c t .fr 50_GALERIE XIPPAS DAN WALSH JUSQU’AU 1 ER JUI N PE TE R HALLE Y DU 8 JUI N AU 27 JUI LLE T 1 0 8 , r ue Vie il le - du-Te mple _ Pa r is 3 e w w w.x ippa s .c o m 51_GALERIE ZÜRCHER PAUL DE MURO DU 27 AVRI L AU 10 JUI N 5 6 , r ue Cha po n_ Pa r is 3 e w w w.ga le r ie z urc he r.c o m

NEWS

F_FONDATION CARTIER POU R L’ART C ONTEMP ORAIN RON MUECK DU 16 AVRIL AU 23 SEP TEMBRE 2 6 1 , bo u le va rd Ra sp a i l_ Pa ris 1 4 e fo nda t i o n . c a rt ie r. c o m

43_S ÉM IOS E GALERIE FRAN ÇOI SE PÉ TROVI TCH JUSQU’AU 11 MAI 5 4, r ue Cha po n_ Pa r is 3 e w w w.s e mio s e .fr

48_GALERIE LA RA V INCY ALAI N ARI AS-MI SSON _THE PUB LI C POE M RE ACTI VATE D PROJE CT JUSQU’AU 1 ER JUI N 4 7, r ue de S e ine _ Pa r is 6 e w w w.la ra -v inc y.c o m

SÉLECTION

2 3 _ G AL E R I E D U J O U R / AG NÈ S B. H EL LO MON S T ER S MOD ER N G H OS TS 2 JUS QU’AU 25 MAI 44, rue Quincampoix_Paris 4 e w w w. g alerieduj our. com

B_CENTRE P OMP IDOU L’ I MAGE DANS LA SCULP TURE N AVI D NUUR, NINA BEIER, SIMON DENNY E T YORGOS SAP OUNTZIS DU 2 MAI AU 5 AOÛT Pla c e G e o rg e s- Po m p id o u _ Pa ris 4 e w w w.c e n t re p o m p id o u . fr

H _MAC/VAL CHARLES FRÉGER_W ILDER MANN JUSQU’AU 30 JUIN Place de la Libération_Vitry-sur-Seine 94400 w w w.m a c va l. fr I_LA MAISON ROUG E F OND ATION ANTOINE DE G ALBERT SOUS INFLUENC ES, ARTS P LASTIQUES E T PSY CHOTROP ES JUSQU’AU 19 MAI 10, boulevard de la Bastille_Paris 12 e w w w.la m a iso n ro u g e . o rg

ÉMERGENCE

5_ GA L ER I E A NNE B A R RA UL T _DOMI NI QUE F IGARE LLA DU 2 5 AV R I L AU 15 JU IN 2 2, r u e S a in t- C laude_Par is 3 e w w w. g a le r ie a nnebar raul t.com

22_IN SITU JOAN A H ADJIT H OMAS & KH ALIL JORE I G E _T H E LEBAN ES E R O CKET S O CIETY JUS QU’AU 18 AV R IL 6, rue du Pont d e Lodi_Paris 6 e w w w. insi tuparis. fr

39_GALERIE A LM INE RECH MATTHI AS B I TZ E R_AN ATOL E CHO DU 25 AVRI L AU 25 MAI 1 9 , r ue Sa int o nge _ Pa r is 3 e w w w.a lmine re c h.c o m

J _MUSÉE DU LOUVRE MI CHE LANGELO P ISTOLETTO _AN N É E UN, LE PARADIS SUR TERRE DU 25 AVRIL AU 2 SEP TEMBRE 99, rue de Rivoli_Paris 1 er w w w.lo u v re . fr K_PA L AIS DE TOKYO SOLE I L FROID JUSQU’AU 20 MAI 13, avenue du Président Wilson_Paris 16 e w w w.pa la isd e t o k yo. c o m L_LA GALERIE DES G ALERIES CARTE BLANCHE À HENRIK VIBSKOV JUSQU’AU 4 MAI 4 0 , bo u le va rd H a u ssm a n n _ Pa ris 9 e w w w.ga le rie d e sg a l e rie s. c o m M _M USÉE D’ART MODERNE D E LA VILLE DE P ARIS K E I TH HARING_THE P OLITIC AL LINE DU 19 AVRIL AU 18 AOÛT 1 1 , ave n u e d u P ré sid e n t W i lso n _ Pa ris 1 6 e ma m.pa ris. fr

RÉFLEXION

4_ GA L ER I E B E RT RA ND B A RA UD O U TH I ER RY LA GALLA_LA NATU RE E X IST E C’E S T R I GOLO, SAISON 2 JUS QU’AU 3 MAI 6 2, r u e S a in t-Sabin_Par is 11 e w w w. g a le r ie b a raudou.com

2 1 _ G AL E R I E G HI S L A I NE H U S S E NOT AL EX R O SS D U 4 MAI AU 4 JUIN 5 b is, rue d es Haud riettes_Paris 3 e w w w. g aleriehussenot. com

A _CENTRE C ULTUREL SUISSE URI E L ORLOW _UNMADE FILM DU 3 MAI AU 14 JUILLET 3 2 - 3 8 , ru e d e s F ra n c s- B o u rg e o is_ Pa ris 3 e w w w.cc sp a ris. c o m

P A R I S

3_ GA L ER I E A R T : C O NC E P T MART I NE A BA LLÉ A DU 1 3 AV R I L AU 18 MAI 1 3, r u e d e s A rquebus ier s _Par is 3 e w w w. g a le r ie a r tconcept.com

2 0 _ G AL E R I E L A U R E NT G O D I N S COL I ACOS TA_MUS IC OF MOR OCCO JUS QU’AU 11 MAI 5, rue du Grenier-S aint-Lazare_Paris 3 e w w w. laurentgodin. com

38_GALERIE PRA Z- D ELAV A LLA D E THOMAS FOUG E I ROL DU 20 AVRI L AU 15 JUI N 5, rue des Haudriettes_Paris 3 e w w w.pra z- de lava l la de .c o m

I N S T I T U T I O N S

2_ GA L ER I E A I R D E P A R I S M/ M, C ’ES T W OU F !

PÉT R ONE/PÉTROLE _E XPOSITION COLL EC T I V E JUS QU’AU 1 8 MAI 3 2, r u e Lo u is e -Weis s _Par is 13 e w w w. a ird e p a r is .com

1 9 _ G AL E R I E J E A N F O U R NI E R JEAN - FR AN COIS MAURIG E _P OUR QUOI L E R OUG E ?

D U 25 AV R IL AU 8 JUIN 22, rue d u B ac_Paris 7 e w w w. g alerie-j eanfournier. com

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P A R I S

F O N D A T I O N S

G A L E R I E S

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_SLICKER 6

EN FRANCE ET +

À

V O I R PAR STÉPHANIE LEMOINE.

TRENTE ANS APRÈS Fils du mitterrandisme et de la décentralisation, les 23 Fonds régionaux d’art contemporain (Frac) ont déjà 30 ans. En guise d’anniversaire, chacun d’eux invite un artiste à concevoir une exposition ou un dispositif mettant en scène sa collection. Parmi les créateurs auxquels on a délivré cette carte blanche, Jordi Colomer (Basse-Normandie), Claire Fontaine (Haute-Normandie), Xavier Veilhan (Îlede-France) ou Raphael Zarka (Alsace), dont les projets seront par ailleurs exposés du 28 septembre 2013 au 5 janvier 2014 aux Abattoirs de Toulouse.

DES RACINES JUSQU’AU CIEL Né en Albanie en 1969, Adrian Paci s’exile en Italie en 1997.

Au commencement était le verbe : « L’arbre de vie », au collège des Bernardins, est né d’un dialogue entre un théologien et deux commissaires d’exposition, et de leur désir commun de croiser la symbolique chrétienne de l’arbre et ses déclinaisons dans l’art contemporain. Déployée dans la nef, les jardins et l’ancienne sacristie, l’exposition forgée par cet échange rassemble une vingtaine d’artistes confirmés (Michel Blazy, Mark Dion…) et émergents (Émilie Benoist, Jenny Bourassin, Clémence Seilles…), dont quatre ont produit pour l’occasion une installation in situ.

« Les Pléiades, 30 ans des Frac » Jusqu’en décembre 2013 Regroupement des Fonds régionaux d’art contemporain 32, rue Yves-Toudic, 75010 Paris www.frac-platform.com _

« L’arbre de vie » Jusqu’au 28 juillet 2013 Collège des Bernardins 20, rue de Poissy, 75005 Paris www.collegedesbernardins.fr _

Isabelle Arthuis Le Banquet, 2011.

Affiche sérigraphie couleur, 300 x 400 cm.

Collection Frac Bretagne. Courtesy de l’artiste.

Émilie Benoist Série « Ces Milieux ».

Sérigraphie sur vitraux, exécution graphique Bryce Davesne.

Courtesy de l’artiste et School Gallery.

LES CARTES, UN TRÉSOR Depuis l’essor de la géolocalisation, la cartographie jouit dans les arts d’un regain d’intérêt, dont témoigne l’exposition « Mappa Mundi » à Toulon. Autour des œuvres d’une trentaine d’artistes où figurent Alighiero Boetti, Céline Boyer, Jochen Gerner ou le collectif Stalker, l’accrochage examine tour à tour trois modalités de la carte : sa matérialité physique, ses liens avec la guerre et le combat (stratégique ou tactique), mais aussi sa dimension d’exploration et de jeu…

« Mappa Mundi » Jusqu’au 12 mai 2013 Hôtel des arts 236, boulevard du Maréchal Leclerc, 83000 Toulon www.hdatoulon.fr _ Vik Muniz Pictures of Junk, 2008.

Photographie, 149 x 102 cm chaque.

Courtesy Galerie XIPPAS, Paris. © ADAGP Paris 2013.

LA CHANSON CRÉE L’OBJET

LA MUSIQUE DU VENT C’est une « symphonie éolienne » interprétée par des « batteries à hélices », des « harpes éoliennes tambours », des « rubans en tension » ou des « entrechocs libres », et dont les sonorités se dévoilent au gré d’un parcours essaimé de 500 instruments.

Conçu par Pierre Sauvageot dans le cadre de Marseille 2013, l’installation est plantée en plein parc régional des Calanques. Elle propose au spectateur de découvrir, sous la conduite de quelques « passeurs », un espace musical onirique créé sans électricité ni ordinateur.

« Champ harmonique » Jusqu’au 28 avril 2013 Marseille, Les Goudes Parc national des Calanques www.lieuxpublics.com _ Pierre Sauvageot Marche symphonique pour 500 instruments éoliens et public en mouvement. Photo Vincent Lucas.

En 2004, Saâdane Afif demandait à Lili Reynaud-Dewar d’écrire une série de paroles de chansons en résonance avec quatre de ses œuvres. Depuis, l’artiste décline sous forme de concerts, d’albums et de performances ce procédé conceptuel – histoire de souligner sur un mode dérisoire la part de l’interprétation et du commentaire dans tout travail de création.

Jouant la répétition dès son titre, l’exposition que lui consacre l’IAC fait la synthèse des variations musicales conçues autour de son œuvre des dix dernières années. « Blue Time, Blue Time, Blue Time » permet ainsi de saisir la création comme processus et lieu d’une évolution sans fin.

« Blue Time, Blue Time, Blue Time » Saâdane Afif Jusqu’au 28 avril 2013 Institut d’Art contemporain – Villeurbanne 11, rue Docteur Dolard, 69100 Villeurbanne http://i-ac.eu _ Saâdane Afif Blue Time (Sun Burst), 2004.

Vue de l’exposition « Blue Time, Blue Time, Blue Time », Institut d’art contemporain, Villeurbanne/Rhône-Alpes.

Photo Blaise Adilon.

AH! OH! HEY !

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Il y a un an et demi, Anne & Julien déclinaient l’univers pop surréaliste de la revue Hey! sur les cimaises de la Halle Saint-Pierre. Comme un bon film dont on se réjouit de voir la suite, « Hey Part II » offre un nouvel espace au couple de journalistes et rassemble en un second volet ce que les marges artistiques comptent de plus réjouissant : fleurons de la bande dessinée et du tatouage, créatures de cinéma, illustrations, céramiques macabres, toiles érotiques et artistes singuliers…

Créée il y a tout juste un an pour favoriser les échanges culturels avec diverses régions du monde, l’UBS MAP Global Art Initiative du musée Guggenheim consacre sa première exposition à une zone bouillonnante de créativité : l’Asie du Sud et l’Asie du Sud-Est. Mêlant vidéo, sculpture, installation, œuvres sur papier et photo, « No Country » rassemble ainsi 22 artistes et collectifs du Bengladesh, d’Indonésie, de Malaisie, du Pakistan, des Philippines, de Thaïlande ou du Viêtnam.

« Hey! modern art & pop culture Part II » Jusqu’au 23 août 2013 Halle Saint-Pierre 2, rue Ronsard, 75018 Paris www.hallesaintpierre.org _

« No Country: Contemporary Art for South and Southern Asia » Jusqu’au 22 mai 2013 Musée Guggenheim 1071 Fifth Avenue, New York 10128 guggenheim.org/MAP

Carolein Smit Ramshead II, 2010.

Céramique, 26 cm.

Courtesy Flatland Gallery (Utrecht/Paris).

Photo Winnifred Limburg.

NEWS

NO COUNTRY

ÉMERGENCES À MONTROUGE Dédié à la création émergente, le salon de Montrouge poursuit son travail de défrichage et son rôle d’« accélérateur de carrière ». À travers une scénographie conçue par matali crasset, la 58e édition présente les œuvres de 71 artistes âgés de 22 à 49 ans – dont certains sont issus d’Algérie, de Corée, d’Argentine ou du Brésil – et rend hommage à Théo Mercier, invité d’honneur du cru 2013. Remise des prix le 12 juin, en prélude à la présentation des trois lauréats à la fin de l’année au Palais de Tokyo.

NORD ET SUD C’est l’hommage d’une grande école d’art à une autre... Jusqu’au 26 mai, la villa Arson présente les œuvres vidéo de deux jeunes artistes issus du Fresnoy : Laura Huertas Millán et João Vieira Torres. La première filme dans Aequador une spectaculaire remontée d’un fleuve amazonien ; le second, plus intime, ausculte le corps d’un amant avec une caméra thermique. En prolongement à leurs travaux, une exposition regroupe autour du thème de la frontière les œuvres de 14 anciens du Fresnoy, dont Anri Sala, Mati Diop, Mohamed Bourouissa et Bertille Bak.

Salon de Montrouge Du 15 mai au 12 juin 2013 Le Beffroi 2, place Émile-Cresp, 92120 Montrouge www.salondemontrouge.fr _ Sylvie Bonniot Grande Cellulose I, 2011.

Dessin au cutter sur tirage baryté, 120 x 120 cm.

Courtesy de l’artiste.

ÉMERGENCE

Wah Nu and Tun Win Aung White Piece #0131: Forbidden Hero (Breeze Before Storm) (from the installation Four Pieces [of White]) , 2012.

Acrylique et papier journal sur toile, 65 x 47,7 cm.

Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Guggenheim UBS MAP Purchase Fund.

Courtesy des artistes.

SÉLECTION

_

« Aequador », Laura Huertas Millán « Ici, là-bas, et Lisboa », João Vieira Torres Jusqu’au 26 mai 2013 Villa Arson 20, avenue Stephen Liégeard, 06300 Nice www.villa-arson.org _

RÉFLEXION

Voyage en la Terre autrement dite (Journey to a Land Otherwise Known), 2011.

Film HD2K, 23 min.

PALAIS VÉNITIENS À DADA « Faire du réel un palais des glaces qui vire au train fantôme ». À travers cette formule, Théo Mercier rappelle ce que son « Grand Mess » doit à la fête, au plaisir et à la légèreté. Offrant un écho potache aux ready-made et aux jeux des surréalistes, le bricà-brac d’objets qu’il rassemble au Lieu unique puise dans la drôlerie des farces et attrapes et, en pied de nez à l’esprit de sérieux, revendique l’humour, l’ironie et le détournement comme les principaux ressorts de son œuvre.

« Le Grand Mess » Théo Mercier Jusqu’au 28 avril 2013 Le Lieu unique Quai Ferdinand-Favre, 44000 Nantes www.lelieuunique.com _ Théo Mercier Hypster with cucumbers, 2012.

Technique mixte. Courtesy Erwan Fichou.

En 1955, Marino Auriti concevait le projet d’un musée imaginaire où rassembler tout le savoir de l’humanité.

Dans le sillage de cet artiste autodidacte, la 55 e édition de la Biennale de Venise reprend son vœu d’un « palais encyclopédique » et se fixe pour objet de dresser une anthropologie des images à même de questionner la société de l’information et la place qu’elle laisse (ou pas) à l’imagination. Raflant la vedette à Bertrand Lavier, Tatiana Trouvé et Adel Abdessemed, c’est Anri Sala qui portera ce questionnement au sein du Pavillon français.

Biennale de Venise Du 1er juin au 24 novembre 2013 www.labiennale.org _ Camille Henrot Coupé/Décalé, 2010.

Vidéo, 3:54 min.

Courtesy de l’artiste et Kamel Mennour, Paris.

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À VOIR

_SLICKER 6

ARTISTE À VENDRE Facétieux et provocateur, Stefan Sagmeister décrit l’hommage que lui rend le Grand-Hornu comme « une autre exposition sur la promotion et les outils de vente ». Ce titre en forme de clin d’œil à l’activité du graphiste en dit long sur sa démarche décalée et ludique, mais aussi sur la nature de l’accrochage. Pour sa première grande exposition en Belgique, Sagmeister a choisi en effet de n’exposer que des travaux de commande – pochettes de disques de David Byrne ou Lou Reed, identités visuelles, logos, etc. –, histoire de montrer qu’entre les beaux-arts et les arts appliqués, la frontière est ténue.

VOYAGES DANS LEUR TÊTE La collection comme voyage intérieur ? C’est à partir de ce postulat qu’Amaury et Myriam de Solages, fondateurs de la Maison particulière, ont mis en scène une partie de leur collection et convié trois autres de leurs pairs – Galila, Antoine de Galbert, Cédric et Cookie Liénart – à sélectionner et présenter un corpus d’œuvres d’art leur appartenant. Objectif de l’accrochage : examiner ce que ces pièces révèlent de leur passion et plus largement de leur vie intérieure.

« Voyages intérieurs » Du 18 avril au 30 mai 2013 La Maison particulière 49, rue du Châtelain, 1050 Bruxelles www.maisonparticuliere.be _ Michael Johansson Another time, another place, 2012.

Valises, sacs et boîtes.

Courtesy de l’artiste.

« An other exhibition about promotion and sales material » Stefan Sagmeister Du 21 avril au 18 août 2013 Site du Grand-Hornu 82, rue Sainte-Louise, 7301 Hornu www.grand-hornu-images.be _ Stefan Sagmeister Anni Kuan Horse Brochure, 2002.

Concept, courtesy Stefan Sagmeister, Aizone.

CONNAISSANCE DES LIMBES « Heureux celui qui connaît l’origine des choses », écrivait Virgile. À l’instar du poète, la Centrale rassemble une centaine d’œuvres du Cnap et affiche l’ambition de remonter à la source de l’acte créateur. Résultat : un parcours en forme d’énigme rassemblant des figures aussi diverses qu’Ernest T., Rémy Zaugg, Claire Fontaine, Michel Blazy ou Nicolas Schöffer pour mieux questionner la quête avant-gardiste de l’inédit et souligner le rôle du hasard dans la genèse de l’œuvre.

« L’origine des choses : collection du Centre national des arts plastiques » Jusqu’au 9 juin 2013 La Centrale 44, place Sainte-Catherine, 1000 Bruxelles www.centrale-art.be _ Éric Baudart Dust Trek One, 2005.

Diasec, 213 x 182 cm.

Courtesy de l’artiste et galerie Chez Valentin.

LA MAIN ET L’ESPRIT ÉLOGE DE L’INSTABILITÉ Dynamique, instable, imprévisible et chaotique – en un mot dionysienne –, la turbulence participe tout autant que l’ordre au processus de la création, d’où l’intérêt que lui portent artistes et savants depuis l’Antiquité. À la villa Empain, elle sert de fil conducteur à une exposition où sont rassemblés une quarantaine de plasticiens, vidéastes et photographes, dont le trait commun est d’avoir voué leurs recherches au mouvement, sinon aux tourbillons. Parmi eux, Étienne-Jules Marey, Pol Bury, Moataz Nasr ou Shinichi Maruyama…

« Turbulences II » Jusqu’au 1er septembre 2013 Villa Empain – Fondation Boghossian 67, avenue Franklin-Roosevelt, 1050 Bruxelles www.villaempain.com _ Laurence Demaison Feue la Lo, II, 2007.

Photographie, 50 x 38 cm.

Courtesy de l’artiste et Galerie Esther Woerdehoff, Paris.

À Marcel Duchamp, on associe la dématérialisation de l’œuvre et l’affirmation de la primauté de l’idée sur le geste. Constatant que l’artiste a, par ailleurs, conduit de nombreux travaux manuels minutieux proches de l’artisanat, Guillaume Désanges en fait le point de départ d’une exposition consacrée à la pensée au travail. Y sont réunis, autour d’une poignée d’œuvres du « maître », les travaux d’une dizaine d’artistes contemporains, parmi lesquels Benoît Maire, Michel François, Irene Kopelman ou Francisco Tropa…

« Des gestes de la pensée » Du 20 avril au 13 juillet 2013 La Verrière Hermès 50, boulevard de Waterloo, 1000 Bruxelles www.fondationdentreprisehermes.org _ Hans-Peter Feldmann Handprint from Charlotte Wolff (Marcel Duchamp). Courtesy Hans-Peter Feldmann et galerie Martine Aboucaya.

B E L G I Q U E

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L’ART DE PLIER

NEWS

À ceux qui croient naïvement que tracer une image sur une feuille requiert pinceaux, crayons ou tout autre matériel, les œuvres de Simon Schubert apportent un cinglant démenti. Passé maître dans l’art du pli, cet artiste belge de 35 ans en a fait l’outil grâce auquel il transforme une feuille de papier blanc entièrement plane en une succession d’espaces architecturaux classiques et ultraréalistes, constitués de reliefs, d’ombres et de perspectives. Une œuvre virtuose et illusionniste à découvrir à la galerie BodsonEmelinckx.

SÉLECTION

Simon Schubert Du 19 avril au 25 mai 2013 Galerie Bodson-Emelinckx 70, rue de Hennin, 1050 Bruxelles www.bodson-emelinckx.com _ Simon Schubert Untitled (spiral staircase), 2012.

Papier, 75,5 x 64 cm. Courtesy de l’artiste.

Les vidéos de Maria Marshall sont peuplées d’enfants et c’est précisément ce qui les rend si inquiétantes : loin des représentations mièvres et des attendrissements, l’artiste anglaise confronte ses personnages à la solitude, l’enfermement ou le danger, et les fait évoluer au sein d’un univers obsessionnel et inquiétant.

Pour sa première rétrospective en Belgique, elle a sélectionné conjointement avec le MAC’s un ensemble d’une douzaine de films courts où dominent l’angoisse et le refoulement.

KOEN THEYS « HOME-MADE » Né en 1963, Koen Theys est l’un des pionniers de l’art vidéo belge. Proche du mouvement punk, il a décliné sur divers médias (photographie et film notamment) une critique grinçante et teintée d’ironie de la société contemporaine, d’Internet, du monde du spectacle et de la culture de masse.

Avec « Home-made Victories », le S.M.A.K. lui consacre sa première grande rétrospective et dresse l’inventaire de son œuvre des années 1980 à nos jours.

« I Love You Mummy, I Hate You » Maria Marshall Jusqu’au 2 juin 2013 Site du Grand-Hornu 82, rue Sainte-Louise, 7301 Hornu www.mac-s.be _

« Home-made Victories » Koen Theys Jusqu’au 18 août 2013 S.M.A.K. Citadelpark, 9000 Gand www.smak.be _

ÉMERGENCE

L’ENFANT INTÉRIEUR DE MARIA MARSHALL

Maria Marshal Vue de l’exposition au MAC’s. Photo De Gobert.

RÉFLEXION

Koen Theysland Installation vidéo pour un projecteur, 2008.

10:38 min. (en boucle).

LA CAMBRE Comment se monte une exposition ? Grâce aux prêts du Frac Nord-Pas-de-Calais et sous la tutelle de la commissaire d’exposition Sayoko Nakahara, les étudiants de la Cambre s’y sont frottés : avec « Le somniloque et son épouse », ils ont embrassé toutes les étapes d’une démarche curatoriale, de la définition d’un concept jusqu’aux relations avec la presse et les différents publics, en passant par la sélection des œuvres. Résultat : une exposition en forme de découverte du monde de l’art, qui réunit des pièces de Lothar Baumgarten, Maurizio Cattelan, Piero Gilardi, Arno Nollen et Tony Oursler…

« Le somniloque et son épouse » Jusqu’au 19 avril 2013 École nationale supérieure des arts visuels de la Cambre 21, abbaye de la Cambre, 1000 Bruxelles www.lacambre.be _ Piero Gilardi Siège Sassi, 1968. Trois éléments pierre, dont un grand Sedilsasso faisant fonction de siège, polyuréthane expansé et peint.

FOREST La commune de Forest, à quelques pas de la gare du Midi à Bruxelles, se rapproche cette année des acteurs de l’art contemporain en créant un festival autour de six (voire plus) lieux et organisations que sont notamment la Fondation A, le Wiels, Komplot, Poppositions et votre dévouée SLICK Brussels. Expositions, performances, foire d’art contemporain, le tout sur deux kilomètres de ce quartier en pleine expansion et transformation. Une Forest 100 % arty.

Kunst Promenade Du 18 au 21 avril 2013 www.kunstpromenade.be _ FOREST Affiche SLICK Brussels, du 19 au 21 avril à la Wild Gallery, 11, rue du Charroi, 1190 Bruxelles. www.slickartfair.com

_SLICKER 6

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_1 CHÖGYAM TRUNGPA RINPOCHÉ

_4

(Réalisant une calligraphie de lungta, photo Andrea Roth) Selon lui, « l’Art consiste à se rapporter gracieusement au monde des phénomènes ». Je partage totalement cette vision. Dans son livre Au-delà du matérialisme

spirituel, plusieurs enseignements évoquent l’état d’esprit nécessaire à l’action.

ARCHI BY

À

32

DONT

ANS,

IL

ON

ASSOCIÉE

YANG ZHAO

EST

PARLE. DE

_2 ALEXANDRE CHEMETOFF

LE

JEUNE

KAZUYO

L’A G E N C E

Il a dit : « J’ai décidé de pratiquer l’architecture d’une manière libre, avec un regard ouvert sur le monde. » Pour moi, c’est l’espoir de notre métier. Le design est lié à nos réactions face au monde dans lequel nous

ARCHITECTE

SEJIMA,

SANAA

L’A

CO-

vivons, à notre compréhension profonde de ce qui nous entoure.

SÉLEC-

TIONNÉ POUR TRAVAILLER DURANT UN AN

_3 CASTELLO D’OUVO, NAPLES (ITALIE)

À S E S C Ô T É S S U R L E P R O J E T « H O M E - F O R -

J’ai visité cet endroit il y a dix ans, mais il est

A L L » , S O U T E N U P A R R O L E X . F R A Î C H E M E N T

encore toujours gravé dans ma mémoire. C’est

D I P L Ô M É D E L’ U N I V E R S I T É D E H A R V A R D E N

un bel exemple d’une architecture qui n’est pas née

2012,

D’UNE

au départ d’une simple idée, mais bien de notre

LANCÉ

réactivité au changement de contexte.

YANG

MAÎTRISE

ZHAO

EST

TITULAIRE

D ’A R C H I T E C T U R E .

IL

A

S O N P R O P R E C A B I N E T E N C H I N E E N 2 0 0 7, ET IL TRAVAILLE ACTUELLEMENT SUR DEUX

_4 JARDIN DE ROCAILLE À HUANXIU

PROJETS DANS DES ZONES RURALES DE LA

SHANZHUANG, SUZHOU (CHINE)

PROVINCE CHINOISE DU YUNNAN. IL NOUS

(La villa des montagnes à la beauté globale)

P R É S E N T E I C I S E S S O U R C E S D ’ I N S P I R AT I O N .

C’est une installation de rochers par le Maître des jardins de rocaille Ge Yuliang, qui vécut à l’ère de la dynastie Qing. C’est en me promenant sur

_1

le chemin sinueux de ce paysage de montagne que j’ai compris que, quand nous donnons forme au solide, nous devrions nous arrêter un instant sur la notion de vide. Quand nous donnons forme au vide, il n’y a plus que le solide qui compte.

_1

_5 ROBERT IRWIN, « 1°2°3°4° », 1997

_5

Des ouvertures dans des fenêtres existantes.

_6 ANTONI GAUDÍ, COLÒNIA GÜELL, SANTA

Je ne sais pas trop pourquoi, mais c’est pour moi

COLOMA DE CERVELLÓ, PRÈS DE BARCELONE

le symbole de la légèreté et de la liberté.

(ESPAGNE) On perçoit une figure, tout comme on peut en deviner une dans une pierre ou dans un arbre, mais le bâtiment n’est pas figuratif. Tous les êtres vivants ont une figure ; et les bâtiments et les villes

_2

sont des êtres vivants simples ou complexes.

Il suffit de comprendre leur architecture et de déceler ces figures. _7 DOMAINE DE GEOFFREY BAWA, LUNUGANGA (SRI LANKA) Un superbe exemple montrant comment l’artificiel _6

peut collaborer de manière intime avec le naturel.

L’architecte s’est focalisé sur la « création d’un

_3

espace de vie » plutôt que sur la « construction d’un bâtiment ».

_3

_7

NEWS

PAGE 11

_1

_1 NOAH BUTKUS J’aime ses illustrations. J’apprécie son travail depuis longtemps car je le trouve très

DESIGN BY

original et mystérieux.

MIHO

Je trouve ses films toujours intéressants.

J’aime les histoires, les costumes et PRÉSENTÉE

_SLICKER

PAR

À

JULIEN

LA PHAM

RÉDACTION DU

les détails. Et j’aime aussi The Royal

DE

Tenenbaums.

MAGAZINE

« F R I C O T E » , E S T P H O T O G R A P H E P R O F E S S I O N NELLE DEPUIS 2000. EN 2004, ELLE LANCE SAJI,

_3 LÉONARD DE VINCI, « LA CÈNE »

QUI ÉDITE UN MAGAZINE ANNUEL ÉPONYME ET

Cette peinture m’incite à partir à Milan pour

PRODUIT DES ÉVÉNEMENTS MÊLANT GASTRONO-

la regarder. Je n’en connais pas les règles

M I E , M O D E E T A R T. L E C O N C E P T : « C E Q U E T U

picturales et historiques, mais je ressens

SERAS DANS DIX ANS EST LA CONSÉQUENCE DE

le pouvoir de cette œuvre. Les peintres,

C E Q U E T U M A N G E S M A I N T E N A N T. » L A J O I E E T

et non pas uniquement Léonard de Vinci,

L’A M O U R P R O C U R É S P A R L A N O U R R I T U R E E S T

m’inspirent.

AU

CENTRE

DES

P R É O C C U PAT I O N S

DE

C E TT E _4 PHENOMENON

JEUNE ENTREPRENEUSE CULINAIRE. _

Les vêtements de cette marque japonaise

Photo Hideki Makiguchi. www.photo-miho.com www.saji-web.com

me donnent envie de les porter en forêt, ou dans une vieille maison, ou bien encore dans un laboratoire. Chaque collection est vraiment intéressante, et cette image

_2

en particulier parle de bactéries.

http://phenomenon.tv _5 ELLEN VON UNWERTH, « COUPLES » J’ai souvent vu ce livre lorsque j’étais

ÉMERGENCE

MIHO,

SÉLECTION

_2 WES ANDERSON

lycéenne. Je continue à aimer les photos d’Ellen von Unwerth. Elles me procurent de la force et de l’énergie. _6 TRIP AND NEWS de manger, de marcher, de regarder ce qui m’entoure. Je m’intéresse aux premières expériences, aux conversations des autres touristes, je lis les journaux locaux.

Je découvre beaucoup de choses, de nouveaux espaces, j’entends de nouveaux mots. J’aime me poser des questions, me demander pourquoi. _7 HARUKI MURAKAMI Je peux m’imaginer toutes les scènes de son livre La Fin des temps et son style est, _4

lui aussi, très impressionnant.

_3

_3

_5

_6 _7

RÉFLEXION

J’avais l’habitude de partir seule, et donc

_SLICKER 6

PAGE 12

LA

MODE

PAPA,

MESSAGE ON

DES

À

DEUX

PORTER DE

PENSE

SŒURS

BIEN

LIBERTÉ

À

DE

AJUSTÉE,

ET

L’ I N S O L E N C E

FILLES EST

À UN

D’INDÉPENDANCE. DE

DEBBIE

HARRY

ET AU GLAMOUR SANS ÂGE DE KIM GORDON. ENTRE

CASUAL

FÉMININ,

ET

RAFFINÉ

É L É G A N T, ET

MASCULIN

B R U T,

JOUR

ET

ET

N U I T,

L E S P A I L L E TT E S S E M A R I E N T À L’ U T I L I TA I R E , L’ O V E R S I Z E

ÉPOUSE

LE

M O U L A N T.

REFUSANT

DE SE PRENDRE AU SÉRIEUX, CAROL ET SARAH S ’A M U S E N T

AVEC

PARADOXES

ET

LA SA

MODE,

CÉLÉBRANT

V I TA L I T É .

ELLES

SES NOUS

L I V R E N T I C I L E U R S S O U R C E S D ’ I N S P I R AT I O N , PLUTÔT ROCK E T P U N K .

_1

_2

_1 LES MERLI BOOTS DE LAURENCE DACADE Un must-have en matière de chaussures ! La créatrice

MODE BY

dessine les souliers pour Chanel et possède également sa propre marque, d’où est issue cette paire en daim

FILLES À PAPA

noir cloutée. On adore ses créations hyper rock et contrastées. _3

_2 LA TENDANCE NÉO-GRUNGE Le revival du nineties grunge… comme Phillip Lim,

_

Ashish, Dries Van noten... FAP s’inscrit dans cette

www.fillesapapa.com

mouvance et recrée le grunge à travers sa propre vision. _3 MARTIN MARGIELA Les détournements de la maison Martin Margiela.

Plus précisément ici le manteau « guirlandes de Noël » de la collection hiver 2007-2008. _4 LA SUPERMODEL CARA DELEVINGNE, La hottest girl du moment, elle est l’égérie de notre époque. Comme FAP, qui balance les codes de la mode, Cara sait parfaitement comment et quand faire le twist, _3 _5

entre Tomboy et diva du catwalk. _5 LE SWEAT-SHIRT La pièce mode incontournable de notre garde-robe

_4

actuelle. Il est revisité sous toutes ses formes par les différents créateurs, tantôt en version voile transparent,

_5

tantôt en allover print extra-luxe comme ici chez Lanvin, avec d’énormes bijoux royaux superposés aux messages so young, so cool… « COOL, GO, HOT, HELP » On adore ! _6 PHOEBE PHILO Le travail de Phoebe Philo pour Céline est incroyable.

On adore son exagération des volumes. Une de nos pièces favorites : le manteau à carreaux XXL de l’hiver 2013-2014.

_6

_1 LES NUITS 2013, BOTANIQUE

En quelque sorte, un Sébastien Tellier devenu

Après avoir été un lieu d’étude botaniste de

sérieux ou séduisant. Au milieu de quelques

1829 à 1939, cet espace est devenu en 1984

vagues mélancoliques, on entend grincer

le centre culturel de la communauté de la France

les lames du parquet de sa cabane.

en Belgique. Pour Les Nuits, festival printanier,

Herbe et feu de bois conseillés.

plus d’une centaine d’artistes se croisent dans

frankrabeyrolles.bandcamp.com

PAGE 13

B ATT E U R

DÉSORMAIS

DES

DE

DE

L’ E X P É R I M E N TAT I O N

F O R M AT I O N ,

MACHINES,

À

LA

IL

JOUE

RECHERCHE

N O VAT E U R S E T D ’ É M OT I O N S M U S I C A L E S . I L L I V R E LECTEURS

SAISON,

UNE

D ’A RT I S T E S

DE

_SLICKER,

SÉLECTION

EN

CHAQUE

SENSIBLE

M O U V E M E N T,

DE

ET

NOUVELLE POINTUE

MACHINES,

DE

LABELS À CONNAÎTRE. _

Reggie Watts oscille inlassablement entre comédien

sa 20e édition du 30 avril au 13 mai 2013.

et musicien. Il est imprévisible, impossible de

www.botanique.be

voir deux fois de suite le même show, d’entendre

_2 HECQ

de sa démarche. Sa machine lui permet de

Musique concrète, piano éthéré, electro puissante

s’enregistrer en direct, de créer des layers avec

ou minimale, Ben Lukas Boysen, aka Hecq, est actif

sa voix comme unique matière. Les mots, les

comme musicien et sound designer depuis 2003.

sons s’empilent, se frottent, le public est hilare,

Continuellement à l’affut, avec son enregistreur

envouté ! Étrange, créatif, drôle, brillant, le plus

portatif, ses micros furètent et capturent l’essence

comédien des musiciens.

du son qui nous entoure, devenant un moyen

www.reggiewatts.com

efficace pour laisser dans chaque mesure de

PERMANENTE DE SONS INSOLITES, D’INSTRUMENTS AUX

toujours en compagnie d’une looping machine,

aérienne et subtile de Low. Le festival fête

_2

Photo Remy Solomon. www.olivierlasson.com

sa musique un impact émotionnel très fort. Entre

_6 CHRIS DAVE

les projets commerciaux pour Cartier, Leica,

Certains le disent, Chris Dave « is a God » ! Virtuose

Greenpeace… et ses albums plutôt marqués

en voltige, à la verticale de ses futs, il assène à ses

dubstep, Hecq est accro à l’émotion du son et

tambours flamboyants des milliers de roulements à

à son essence narrative et cinématique. Chaque

la seconde. Entre hip-hop, R&B et jazz, Chris manie

détail compte, c’est un orfèvre du genre.

ses baguettes avec génie, réinventant l’approche de

hecq.de

cet instrument puissant. À l’image d’Art Blakey, qui, avec les Jazz Messengers, a su briser la hiérarchie

_3 J.VIEWZ

entre les instrumentistes, il permet un vrai dialogue

Cet artiste né en Israël et basé à Brooklyn est

entre musiciens, avec son groupe Chris Dave and

exaltant, tant sa technique musicale et son

the Drumhedz. Une énergie bouleversante au

esthétique visuelle sont maîtrisées et positives.

service du groove, entre rigueur métronomique

Pour le clip de « Rivers and Homes », 2 000 photos

et liberté totale.

de 300 de ses fans prennent finalement la main

chris-dave.com

ÉMERGENCE

SONORE.

FA I T

Détonant mélange de stand-up et de hip-hop lo-fi,

De la variété tranquille de Lou Doillon à la pop

SÉLECTION

OLIVIER LASSON LASSON

_5 REGGIE WATTS

Cold War Kids, Gonzales ou Mathieu Boogaerts…

la même chanson, c’est entre autres le charme

MUSIQUE BY

OLIVIER

diversité musicale impressionnante : Rachid Taha,

NEWS

cet édifice magnifique et y font résonner une

sur l’action principale du film. Des aubergines et

LES NUITS 2013

WWW.BOTANIQUE.BE

des carottes servent d’instruments pour la reprise

_7 DATAFONE

de « Teardrop » de Massive Attack, transcendée

Datafone est un artiste sonore et un nerd lumineux

par le filtre de son talent. J.viewz déborde d’une

toujours attentif au plaisir de l’auditeur. Il nourrit

créativité singulière, créant une sorte de pop

son electro de la grandeur qu’offrent les paysages

intelligente et accessible. Tout est simple et

de Nouvelle-Zélande, où il part régulièrement

merveilleux quand il joue !

se ressourcer. Beaucoup de basses pour soutenir

www.jviewz.com

des sons glitch torturés, mais il n’oublie jamais

_1 _3

se fraye également un chemin au milieu de ses

Frank Rabeyrolles transpire la solitude magnifique.

synthés bourrés de condensateurs surchauffés et

Posé sur un établi légèrement usé, il bricole une

de ses boîtes aux rythmes syncopés. On attend sur

pop électronique terrienne et étrange, largement

scène, dès que possible, ce condensé de bon goût

vintage, faisant écho aux sonorités marines de

et de provocation auditive.

François de Roubaix, bien qu’aux antipodes.

soundcloud.com/datafone

RÉFLEXION

de rester ludique et mélodique. L’expérimentation _4 FRANK RABEYROLLES

_4

_4

_5

_7

_6

PAGE 14

S I M O N ENTRE BI ET TRIDIMENSIONALITÉ

S C H U B E R T PAR AUDE DE BOURBON PARME

Le volume, tel qu’il apparaît dans vos pliages ou dans vos sculptures aux formes et aux contours très précis, semble occuper une place importante dans votre travail. Je suis un sculpteur, je travaille donc en trois dimensions. Les pliages en papier sont des reliefs qui se situent au croisement de la bi et la tridimensionnalité. La compréhension mathématique de l’espace prend une place importante dans mes œuvres. J’aime réfléchir à la manière dont les choses se développent et évoluent vers la bi ou tridimensionnalité.

Pourquoi vous intéresser à l’architecture du xix e siècle ?

Ces intérieurs dégagent souvent une

atmosphère fantomatique qui vient compléter le sentiment de dissipation des pliages en papier. Selon l’éclairage et le jeu entre l’ombre et la lumière, l’œuvre évolue d’un espace très spatial et illusoire à une simple feuille blanche. J’aime imaginer que mes œuvres sont des images de souvenirs effacés et qu’elles représentent des endroits

Vos pliages me rappellent le travail de Fra Angelico et sa recherche continue en matière de perspective. Ils font aussi penser à des dessins ou des plans d’architecte. Pouvezvous me dire où vous puisez vos motifs, quelles sont vos sources d’inspiration ? La plupart de mes œuvres représentent des intérieurs, des pièces, des escaliers ou des halls d’entrée du xixe siècle.

Sur les murs, on retrouve souvent des pliages en forme d’images, de miroirs, de fenêtres ou de panneaux muraux. Je suis fasciné de voir comment, au travers de ces différents éléments, on ne parvient plus à discerner ce qui est l’espace, l’illusion de l’espace ou la réflexion de l’espace. On ne peut pas se fier à ce qu’on voit.

Tout ça est sous-tendu par l’idée que les choses pourraient être rassemblées en un seul pliage et que l’architecture pourrait être vue comme le pliage de la bi

ou des paysages qui n’existent plus.

La dissimulation des formes/êtres/objets est un thème récurrent dans votre travail. Le moment intéressant est celui où l’on est sur le point d’atteindre ou de voir quelque chose, mais qu’il nous est impossible de nous en approcher suffisamment. C’est comme dans un rêve. Dans la plupart de mes œuvres, on ne parvient pas vraiment à accéder à ce que j’appellerais la partie « intérieure » du personnage, de la sculpture ou de l’espace. Dans une de mes œuvres, un miroir est percé d’un Judas permettant de voir un espace qui pourrait se trouver derrière ce miroir. D’autres sculptures sont totalement couvertes de cheveux ou de plumes, empêchant de distinguer la personne qui se trouve derrière. Il y a toujours une barrière ou quelque chose qui vous retient. La distance est maintenue.

ou unidimensionnalité.

Hannah 2006 105 x 40 x 40 cm.

Collection particulière.

Photo Michael Wittassek.

Vue de l’installation « Das Carbinett » Janvier-mars 2012 Galerie Van der Grinten, Cologne.

Copyright Photos Michael Wittassek.

« Haus II » (Burning House II) 2013 Poudre de graphite sur papier, env. 175 x 125 cm, pièce unique.

Untitled (mirrorroom) 2012 Papier, 75 x 100 cm.

CARTE BLANCHE

Vous réalisez des installations au point de recouvrir

Pour finir, pouvez-vous m’en dire plus sur

l’intégralité de l’espace sous vos dessins, que vous

votre carrière ? Comment votre corpus

habitez ensuite de vos sculptures. Vous travaillez

artistique s’est-il construit au fil du temps ?

actuellement à de nouvelles œuvres, des graphites

Quel est le fil rouge ? Et qu’est-ce qui vous

sur papier, représentant des maisons en feu.

motive au quotidien à continuer de créer ?

Ces œuvres au graphite représentent une nouvelle

À mes débuts à l’Académie des beaux-arts

évolution des pliages architecturaux en papier. Elles ont

de Düsseldorf, j’ai fait connaissance avec

récemment été exposées à Cologne, à la galerie Van

les textes de Samuel Beckett, de Gilles Deleuze

der Grinten. C’est une installation en papier couvert

et de Gottfried Wilhelm Leibniz. Ces textes

de graphite. Les images émergent d’un environnement

m’ont beaucoup influencé. Un des fils rouges

noir et représentent des maisons en feu. Certaines sont

est la recherche d’images d’absence et de

basées sur des photos ou sur des détails de photos, et

dissipation. Il se retrouve dans presque toutes

d’autres sont des créations totalement libres. Les photos

mes œuvres. Actuellement, je suis enthousiasmé

proviennent de journaux, d’Internet ou sont des clichés

par l’idée de continuer à construire mon univers.

SÉLECTION

NEWS

PAGE 15

que j’ai pris moi-même.

Détrompez-moi si nécessaire, mais il me semble

_

que l’ensemble de votre œuvre recrée un univers

CARTE BLANCHE à Simon Schubert >>

parallèle dans lequel les gens se camouflent ou

www.simonschubert.de

ÉMERGENCE

tendent à être des créatures mi humaines mi animales. L’architecture y est rectiligne et froide et l’on n’y trouve aucun détail inutile. Les objets y sont présentés comme des formes pures qui recèlent des mystères. Le temps semble s’y être arrêté. Pouvez-vous nous en dire plus sur cet univers ? Les visiteurs doivent être propulsés dans un autre espace temps, semblable à celui que vous décrivez. Je veux que le spectateur fasse partie de ces endroits et qu’il y soit confronté à certains thèmes et certaines impressions d’une manière très concentrée.

RÉFLEXION

Ceci peut avoir comme effet de changer notre perception.

Untitled (Treppenhaus) 2012 Papier, 150 x 120 cm.

Bild 2013 Tissu, polyester, graphite, env. 65 x 50 cm.

Spiegel, oval (mirror) 2013

Simon Schubert Untitled (study), 2012. Papier, 125 x 200 cm.

_SLICKER 6

PAGE 18

CELINE CLERON Céline Cléron mène une pratique de recherche à la fois mémorielle, historique, encyclopédique et archéologique. Ses pièces émergent d’une rencontre entre des souvenirs souvent liés à son expérience personnelle, à son enfance et à la découverte d’un objet, d’un mot, d’une histoire enfouie. Les matériaux utilisés sont aussi fragiles et précieux que ses réminiscences – résultat d’une sensation, d’un jeu, d’un saisissement. Une bulle de verre est soufflée dans une clé ; les poignées en plastique d’une corde à sauter sont remplacées par des bois de cerf ; des dessins à l’encre sont tracés sur la fine peau de ballons de baudruche ensuite éclatés ; un navire ancien fait du toboggan ; des yo-yo sont réalisés à partir de fossiles d’ammonite ; des coiffes de religieuses sont transformées en cocottes en papier géantes.

_2

_1

_3

Le plus souvent, Céline Cléron travaille en collaboration avec des artisans pour réactiver des techniques et des gestuelles en voie de disparition. Elle s’appuie ainsi sur les compétences d’un souffleur de verre, d’une couturière, d’un céramiste, d’un apiculteur lui-même aidé de ses ouvrières ailées. La Régente (2010) est le fruit de plusieurs corps de métiers : la ruche (une collerette) est présentée sur un réseau de tubes de Plexiglas. Le tout a été minutieusement sculpté par des abeilles au sein de leur propre ruche. Entre découvertes et transmission, l’artiste crée des passages poétiques et humoristiques entre différents territoires, différentes histoires. Elle explore les mémoires qu’elle s’emploie à réunir à travers une œuvre sensible et fascinante.

_4

_1 Lacrymatoire, 2009-2012.

Verre, eau de mer, larmes artificielles, mouchoirs en tissu, tissu, 30 x 30 x 170 cm. _2 Immigration, 2011.

Valises, plumes, goudron. _3 Cultivez votre révolution [Chap.1Les révolutions fleuries, (...)], 2011.

Fleurs artificielles, pots, terre, fils barbelés, bois, dimensions variables.

PAR JULIE CRENN.

_5

Céline Cléron est née en 1976. Elle vit et travaille à Paris.

_4 Passeur #1, 2012.

Bombers de l’armée, clés, moteur, chaîne, Plexiglas, 150 x 150 x 170 cm.

www.celinecleron.com

_5 Obscurantisme, 2010.

Plâtre, crochets, poster, 270 x 300 cm.

mène des recherches sur l’art contemporain dit africain. Elle est critique d’art.

Julie Crenn, doctorante en art à l’université Michel de Montaigne à Bordeaux III, crennjulie.wordpress.com _1 Construction #1, 2009.

Photographie couleur contrecollée sur aluminium, 60 x 90 cm.

BETTIE NIN

_2 Seules les Pyramides ne fondent pas au soleil, 2010.

Encre sur ballon de baudruche, épingles, 17,5 x 12,5 cm encadré.

Photo Bertrand Huet/Tutti.

L’Autre est au centre de son travail d’investigation artistique. L’artiste témoigne des tentatives d’accéder à l’égalité, comme celles des émigrés clandestins victimes des passeurs, propriétaires des clés d’un ailleurs meilleur, ou celles des révolutionnaires. « Cultivez votre révolution », leur lance-t-elle en titre d’une de ses œuvres composées de fleurs encerclées de fils barbelés. Bettie Nin s’inspire de ceux qui refusent l’état des choses. Son monde n’a pas de frontières.

Elle s’intéresse aussi bien aux Russes, qu’aux Français, Africains, Arabes…

Elle découvre leurs récits dans la presse, les rencontre afin d’entendre leurs histoires personnelles, pour enfin créer des œuvres qui mêlent réalité et images symboliques, telles ces valises plongées dans du goudron puis dans des plumes, rappelant les personnages humiliés des westerns.

Bettie Nin ne se limite pas à un médium. Bien au contraire, il s’impose en fonction des sujets : objets de transit, sculptures de plâtre ou de bois, de tissu imbibé d’eau de mer et de larmes, photographies tirées de journaux ou prises par l’artiste. Ses œuvres protéiformes mêlent violence des récits vécus autour des notions d’identité, de flux migratoires, du multiculturalisme de nos sociétés, mais aussi de la critique sociale qui en découle, et douceur du regard de l’artiste porté sur les sujets de ces histoires vécues. Elle fait parler les objets dont elle s’empare. Si les transformations qu’elle leur fait subir semblent imperceptibles, cela n’est qu’en apparence. Bettie Nin ne réalise pas des ready-made. Elle s’empare d’objets inspirés d’histoires personnelles qu’elle modifie et en révèle ainsi la symbolique (le mur pour signifier les frontières mais aussi l’étroitesse d’esprit, les fleurs pour rappeler les révolutions, les clés…). Et en révélant l’universalité de ces moments vécus, elle nous rapproche les uns des autres. « Créer c’est faire des constats et les montrer. C’est soulever le voile du réel », écrit-elle. Bettie Nin partage avec nous la vie de l’autre, celui que nous croisons quotidiennement, mais à qui nous ne prêtons pas toujours attention.

PAR AUDE DE BOURBON PARME.

Bettie Nin est née à Moulins. Elle vit et travaille en région parisienne. bettie.nin.free.fr

_3 La Régente, 2010.

Tissu, cire d’abeille, tubes acrylique, bois, verre, 35 x 54 x 45 cm environ (sculpture), 160,5 x 72 x 61,5 cm (vitrine).

Photo Roberto Ruiz Arguedas.

_1

_4 Une minute de latitude, 2011.

Bois, laiton, PVC, métal, 125 x 25 x 160 cm.

Photo Olivier Mortiz.

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_3

_4

La démarche artistique de Margaux Szymkowicz s’inscrit indéniablement dans un rapport sculptural à ce qui l’entoure, le plaisir de fabriquer constituant une ligne de conduite. Tout l’œuvre de cette artiste est en premier lieu une expérience physique, dans laquelle se glisse le sensible, voire l’émotionnel et le contemplatif. Ses créations nous parlent car elles naissent tout d’abord d’une histoire, d’un moment donné vécu par l’artiste, et le choix de la matière à défier s’inscrit, à partir de ce fait, dans une logique.

Le pays natal de Laura Huertas Millán est la Colombie. Dans sa jeunesse, cette artiste a découvert les chefs-d’œuvre de l’art occidental par le biais de reproductions photographiques à l’échelle 1:1 (il était impossible de faire voyager ces tableaux). De ces émotions esthétiques, l’artiste garde, selon ses propres termes, « la croyance et la crainte envers le pouvoir de ravissement des images ».

Laura Huertas Millán est artiste et cinéaste. Ses films questionnent le statut et l’ontologie des images, le cinéma comme médium mais aussi comme sujet.

Depuis 2009, elle réalise une série de travaux autour de la question de l’étranger et de l’étrangeté, de l’hybridation de récits d’origines différentes.

Le processus de création est à comprendre en plusieurs phases. À l’origine, une expérience personnelle de l’artiste qu’elle capte et dont elle veut faire partager l’émotion. La justesse du propos des œuvres tient à ce « je » qui se transforme en « nous ». L’exposition de son travail, empreinte d’une légère théâtralité, s’accompagne d’un titre indiquant le moment qui a fait émerger l’idée. L’œuvre est présentée une unique fois, elle n’est pas répliquée, bien qu’elle pourrait être déplacée dans d’autres contextes d’exposition ; elle assume son vieillissement et sa temporalité non soumise à une pérennité. On pourrait percevoir quelquefois une parenté avec le romantisme, par le sentiment nostalgique qui émane des œuvres. Mais ce rapprochement serait trop sérieux pour l’artiste qui aime prendre le contre-pied du dramatique, pour se tourner finalement vers des cohérences absurdes – un humour qui sait rire du malheur tout en renfermant une certaine mélancolie.

Toutes les émotions coexistent dans un même ensemble plaçant l’œuvre de Margaux Szymkowicz dans une certaine neutralité et lui permettant, paradoxalement, de nous toucher par ce que Roland Barthes nomme le studium et le punctum, ce goût pour quelque chose et son détail poignant qui nous intrigue, qui l’anime et à la fois nous parle à tous.

Elle a signé Sin Dejar Huella (2009), Voyage en la Terre autrement dite (2011), Orénoque (2011) et Aequador (2012). Ses films évoquent une matière fluide, et sont hantés par les problématiques tournant autour de la notion d’exotisme, comme les tropicalistes brésiliens ou l’afro-futurisme. La nature y est souvent incarnée comme décor ou comme personnage ; l’exploration de ces espaces en forme de dérive semble être le prélude des événements à venir.

En creux, se dessine une vision subtile de la société latino-américaine et de ses représentations.

Actuellement, Laura Huertas Millán présente le film Aequador à la villa Arson à Nice, jusqu’au 26 mai 2013. Un focus lui est consacré à l’occasion de la Saison Vidéo 2013, ainsi qu’une exposition individuelle au musée-château d’Annecy, du 11 avril au 20 mai 2013.

PAR PASCALE PRONNIER.

PAR JÉRÉMY LOPEZ.

Laura Huertas Millán est née en 1983, à Bogota (Colombie). Elle vit et travaille en France.

Margaux Szymkowicz est née en 1987, à Nîmes, où elle vit et travaille.

vimeo.com/laurahuertasmillan

allegoriedurien.blogspot.fr

Pascale Pronnier est responsable des programmations artistiques du Fresnoy.

_1

www.lefresnoy.net

NEWS

LAURA HUERTAS MILLAN

SÉLECTION

MARGAUX SZYMKOWICZ

PAGE 19

ÉMERGENCE

P O RT R A I T S D ’A RT I S T E S

_2

RÉFLEXION

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_3

_1 Sans titre, 2012.

Bois, bougies, 350 x 50 x 30 cm.

_2 _1 et _2 Aequador, 2012.

Film HD, 19’.

_2 « Le sable dans ma poche durera jusqu’à… », 2012.

Nappe en tissu avec un galon, résine, sable, 480 x 200 cm.

_3 et _4 Voyage en la Terre autrement dite (Journey to a Land Otherwise Known), 2011.

Film HD2K, 23’.

_3 « D’ailleurs, c’est toujours les autres qui meurent », 2012.

Paraffine, stéarine, mèche, plaque de verre, 40 x 120 cm (bougie), 100 x 100 cm (plaque de verre).

Photos Laura Huertas Millán Le Fresnoy. _3

_3 _4

PAGE 20

_SLICKER 6

PASCAL LIEVRE

MORGANE FOUREY

Pascal Lièvre refuse de considérer l’histoire de l’art comme un tombeau, où les œuvres prenant la poussière seraient inévitablement happées par l’oubli.

Depuis une dizaine d’années, il s’approprie tous les courants artistiques, tous les médiums, pour en donner une lecture décloisonnante. Il produit un art protéiforme, jonglant aussi bien entre la vidéo, la performance, la photographie et la peinture. De Sandro Botticelli à Alain Declercq, en passant par Paolo Uccello, Marcel Duchamp, Louise Bourgeois et Mounir Fatmi, les œuvres de référence sont remaniées : les fonds sont évacués, les figures et les motifs sont conservés et détourés pour laisser place aux paillettes. Argentées, dorées, colorées, elles apparaissent comme le signe d’une esthétique pop et vivante.

Sa dernière série est consacrée au Black Book de Robert Mapplethorpe.

Il en résulte une impressionnante mosaïque de silhouettes de corps masculins que l’artiste a saturé de paillettes. Sans complexes, il mixe les références, bouscule les habitudes et atomise les hiérarchies, les traditions. Si l’histoire de l’art est au cœur de son projet artistique, la philosophie constitue un second versant, nourrissant quotidiennement sa réflexion. Ainsi, il n’hésite pas à fusionner l’aérobic avec les textes de Friedrich Nietzsche, de Jacques Derrida, de Judith Butler ou de Monique Wittig. La vidéo The Eternal Return rassemble Marcel Duchamp, Alain Badiou et Henry Purcell. Il développe ainsi une esthétique relationnelle (au sens donné par Édouard Glissant) où les territoires s’entrechoquent par l’image, le son et le langage

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PAR JULIE CRENN.

Pascal Lièvre est né en 1963. Il vit et travaille à Paris. www.lievre.fr

_1 Marqueterie OSB. Placages de bois exotiques contrecollés sur plaque de bois aggloméré, 200 x 90 cm. _2 Sans titre (« Fantaisiste »), 2012.

Peinture acrylique, 250 x 120 cm. Œuvre réalisée dans le cadre d’un programme de résidence à Pollen/Monflanquin. _3 Sans titre (« Profilés »), 2012.

Bois, peinture acrylique, dimensions variables. Œuvre réalisée dans le cadre d’un programme de résidence à Pollen/Monflanquin. _4 Sans titre, (« marqueterie Georges de La Tour »), 2011.

Médium, contreplaqué, aggloméré, OSB, contreplaqué bakelisé, 102 x 137 cm.

D’après Saint Joseph charpentier de Georges de La Tour.

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L’originalité du travail de Morgane Fourey tient à la manière dont elle utilise des procédés traditionnels, liés à l’artisanat et au savoir-faire, pour les inscrire dans une approche conceptuelle. Que voyait-on lors de sa récente exposition à la galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois à Paris ? Des cartons d’emballage posés au sol, des profilés en mousse bleue adossés contre un mur, des particules de calage… Jusqu’à ce que le spectateur attentif ne réalise soudain le caractère factice de ces trompe-l’œil habiles : les cartons et les profilés sont en bois peint, et le polystyrène des particules s’avère être du marbre. Au visiteur de révéler ce qui fait œuvre d’art en redoublant d’attention. En trompant ses attentes, c’est sa psychologie de regardeur que vise Morgane Fourey. L’attitude du spectateur change une fois décelée la virtuosité dissimulée dans ces objets banals, il passe de la perplexité à une admiration pour ce travail « bien fait ». On est à la fois dans la fascination rétinienne et dans la mise en question de cette séduction comme finalité ultime de l’art. Qu’est-ce que regarder ? Qu’est-ce qu’exposer ? Morgane Fourey touche à ces paramètres de réception de l’œuvre d’art par une mise en scène paradoxale : ce qui doit disparaître est mis en avant (cartons de transport) et l’œuvre d’art tant attendue n’apparaît pas immédiatement.

Cette mise en scène joue sur la qualité du ressemblant qui, soigneusement démystifié, interroge autant qu’il séduit.

PAR MARGUERITE PILVEN.

Morgane Fourey est née en 1984. Elle vit et travaille entre Rouen et Paris. morganefourey.blogspot.com Marguerite Pilven est critique d’art et commissaire d’exposition indépendante. www.margueritepilven.net

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_1 The Black Mapplethorpe Image n°49, 2012.

Paillettes collées sur image du livre The Black Book, 29 x 29 cm. Courtesy Pascal Lièvre. _2 The Silver Mapplethorpe Image n°55, 2012.

Paillettes collées sur image du livre The Black Book 29 x 29 cm. Courtesy Pascal Lièvre. _3 The Gold Spiderwoman, 2012.

Paillettes collées sur toile, 27 x 20 cm. Courtesy Pascal Lièvre.

_1

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SINTA WERNER Que ce soit dans ses installations ou ses peintures murales, Sinta Werner utilise le même procédé impliquant la mise en place d’une perspective, d’un point de vue, de la reproduction du réel et de l’illusion. Processus propre à la peinture s’inscrivant ici dans un lieu spécifique.

L’espace d’exposition peut être fragmenté, perturbé par des éléments déplacés ou déboîtés. Il peut être photographié puis projeté, ou bien repeint par décalcomanie, toujours d’un angle différent. De cette façon, la reproduction est une sorte de négatif de l’espace. Ces mises en abyme peuvent être également renforcées par l’utilisation d’un miroir.

NEWS

_2

Ces falsifications proches de décors de théâtre ne sont pas sans humour, à l’instar de certains titres nous donnant des clés : Mise en cadre, Mise en scène de la scène... Alors que ces trucages créent l’illusion, l’artiste, dans ces simulations, ne recherche pas la perfection. Créant ainsi un léger décalage, voire une tension entre l’objet lui-même et sa représentation. Nous percevons la limite entre la réalité et l’artifice. L’illusion ne dure que quelques secondes, laissant place à la désillusion. La réalité ainsi représentée, ou plus précisément présentée, devient une énigme incitant à s’interroger sur l’espace qui nous entoure, notre manière de percevoir. Nous oscillons entre deux rendus visuels, deux représentations. Sinta Werner souhaite ainsi nous dérouter, nous invitant à distinguer la vision concrète de l’espace, de l’espace lui-même entendu comme un ensemble d’éléments. L’artiste met aussi en place ces leurres, dans l’idée de révéler différents points de vue.

_1 Silence, 2012.

Trois plaques de tôle à chaud et paraffine, 1,75 x 1 m (x 2) et 1,90 x 1 m.

Photo Jean-Paul Planchon. _2 Reconnaissances, 2011-2012.

Plaques gravées de fer, zinc et tôle, dimensions variables. _3 Les Oubliés de l’Actualité, 2009-2010.

Installation composée de deux animations vidéoprojetées, un meuble en médium vernis, étiquettes et journaux.

PAR LEÏLA SIMON.

Sinta Werner est née en 1977, à Hattingen (Allemagne). Elle vit et travaille à Berlin. www.sintawerner.net Leïla Simon est critique d’art et commissaire d’exposition. Elle prépare actuellement une exposition personnelle de Claire Tabouret pour l’Espace d’art contemporain Les Roches, où elle co-organise les événements. leilasimon4.wix.com/commissairedexpo

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_2 Imperial Measurements, Blackpool, 2010.

Panneau de fibres, bois, carton gris, Styrodur, Perspex, aluminium, peinture. Vue de l’exposition itinérante « Magic Show », de la Hayward Gallery à Londres en 2010. _3 The Problem of Translation, Marrakech, 2012.

Bois, carton gris, tissu. Vue de l’exposition « Higher Atlas » au Théâtre royal, Biennale de Marrakech.

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L’anecdote historique et l’archive font partie intégrante de la recherche plastique de Sybille du Haÿs, autant d’outils qui lui permettent de jouer avec les déclinaisons possibles d’un même récit. Nourri par l’histoire de l’art, le cinéma et la littérature, son travail envisage l’humanité comme un corps politique. Elle saisit l’information pour en livrer son interprétation, comme dans l’installation Les Oubliés de l’actualité (2010). Histoire et mémoire sont deux notions récurrentes de l’engagement plastique de la jeune artiste diplômée en 2012 de l’École supérieure des beaux-arts de Montpellier Agglomération. De l’art à l’histoire politique et institutionnelle, elle balise un champ de recherche ambitieux qui se déploie en plusieurs ramifications de pensée. Elle explore, par exemple, les manifestations d’une spiritualité universelle, inhérente à la vie, et utilise pour ce faire des éléments appartenant au domaine religieux comme le retable ou l’ex-voto.

Dans Reconnaissances (2011-2013), c’est la dichotomie entre les notions de sacré et de profane qu’elle choisit de mettre en avant, tout en manipulant les références artistiques, hommage caustique rendu aux artistes et penseurs à qui elle s’adresse. Dans Silence (2012), l’accumulation de cire coulée crée un débordement ; l’ancrage au sol devient indispensable à la mise en scène de cette pièce qui évoque un temps figé, celui de l’institution religieuse statique. Ces détournements d’objets interrogent la manipulation de la matière, comme dans Portrait d’un aumônier militaire (2012). L’image pixélisée, démantelée, morcelée oblige le spectateur à s’éloigner afin de trouver une distance physique et critique. À travers l’installation, le volume, la peinture, la gravure et la vidéo, Sybille du Haÿs décline une pratique pluridisciplinaire et esquive la conclusion hâtive, s’inscrivant, comme artiste, au cœur de la réflexion mémorielle collective et individuelle.

PAR ÉLISE GIRARDOT.

Sybille du Haÿs est née en 1988, à Versailles. Elle vit et travaille au Chesnay. sybilleduhays.blogspot.fr Élise Girardot, pigiste au Courrier de Genève, prépare actuellement une exposition pour l’espace Kugler à Genève et termine une Master Thesis intitulée « Le musée est mort, vive le musée ! » (MA Critical, Curatorial and Cybermedia studies _3

de la Haute École d’art et de design de Genève).

RÉFLEXION

SYBILLE DU HAYS

la relation entre apparence et réalité, mais aussi entre original et copie. Cette réflexion se retrouve dans les dessins de Sinta Werner qui sont parfois pliés, photographiés puis imprimés. L’impression est ensuite repliée selon l’orignal.

Vivant dans une société où l’image est omniprésente, Sinta Werner nous invite à trier ce qui est vrai et illusion, en reconstituant mentalement ce que l’on a sous les yeux.

ÉMERGENCE

_4 Portrait d’un aumônier militaire, 2012.

Acrylique sur toile, 81 x 116 cm.

L’espace réel sur lequel est projetée sa reproduction devient le support, tel un écran d’ordinateur. La 3D devient donc 2D. L’espace est transformé en une image. Nous amenant à nous questionner non seulement sur

_1 Broken Tautologies, Berlin, 2011.

Carton gris, bois, plâtre, peinture, projection. Vue de l’exposition au Artitude e.V.

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SÉLECTION

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J E T L A G ! M E X I Q U E

- I D E N T I T É S M E X I C A I N E S A U

M E X I Q U E

PAR DR. ALF

« F O R M U L E R D E S S L O G A N S S A N S T R A H I R L E S I D É E S . » WALTER BENJAMIN

_LA NAISSANCE D’UN VOLCAN

Le docteur Atl était un extrémiste politique, un écrivain de science-fiction, un philosophe ainsi qu’un architecte autodidacte et utopiste. En 1900, il marcha de Rome à Paris afin de participer à l’Exposition universelle, où il présenta un autoportrait pour lequel il remporta une médaille d’argent. Quelques années plus tard, séjournant en Europe, il lança un magazine gauchiste, diffusant des idées hostiles à Porfirio Díaz, le dictateur mexicain au pouvoir. À son retour d’Europe, le docteur Atl fut déterminé à faire évoluer le paysage politique. En combinant des idées marxistes à sa haine du colonialisme et à une vision idéalisée des cultures préhispaniques mexicaines, il essaya de mettre en place un nouveau cadre conceptuel pour définir « le Mexicain ». Sa vision de l’artiste prenait des proportions épiques. Il pensait en effet que c’était non seulement le rôle de l’artiste de créer cette identité mexicaine, mais aussi de la communiquer au peuple au travers d’œuvres d’art grandioses. Avant le docteur Atl, les artistes mexicains essayaient surtout de copier l’art européen et d’être appréciés des critiques parisiens. Le docteur Atl leur insuffla la confiance et l’idée que l’art peut changer la société et mener à la révolution.

En 1910, quelques mois avant que la révolution ne commence et que Díaz ne soit poussé à s’enfuir vers la France, le docteur Atl organisa une exposition remarquable présentant des artistes mexicains et des thématiques propres au pays. C’était une réponse à un événement organisé par Díaz avec des artistes espagnols pour commémorer le centenaire de la guerre d’Indépendance. Des années plus tard, le docteur Atl devint professeur à l’académie San Marcos, où les muralistes étudiaient.

En Europe, celui-ci, proche des impressionnistes, investit du temps et de l’énergie dans l’étude des différentes techniques de fresques. « Les rues seront nos galeries », disait-il. À San Marcos, où il enseignait, il visitait les studios et suscitait avec ses étudiants des discussions sur les mythes aztèques, la chapelle Sixtine et ses propres idées. Les muralistes, qu’il inspira, et qui devinrent un gigantesque phénomène international, réalisèrent ainsi ses rêves autour de la figure de l’artiste mexicain.

Si l’identité mexicaine qu’il avait créée relevait de l’utopie, elle devint ensuite l’identité officielle, enseignée dans les écoles publiques et utilisée par le pouvoir. La révolution mexicaine se conclut par une série de trahisons, de meurtres et d’arrangements entre des généraux qui avaient tous une vision divergente du Mexique, pour peu qu’ils en avaient une.

_ Docteur Atl Vista del Popocatépetl, 1934.

Peinture, 100 x 125 cm.

SÉLECTION

D ’ A R T

ÉMERGENCE

S I È C L E

En revanche, l’histoire nous raconte comment des hommes d’État ont signé une constitution basée sur des idéaux de liberté et de justice. L’identité mexicaine imaginée par le docteur Atl a, selon moi, dans le psychisme mexicain, creusé un fossé entre les mots et la réalité, entre le pouvoir et les idées de justice. Les processus géologiques sont parfois utilisés comme métaphores de l’histoire humaine. Dans cette histoire, la métaphore et la réalité s’opposent. En 1943, l’éruption du volcan Paricutín allait transformer le docteur Atl, cet ancien révolutionnaire qui soutint ensuite la propagande antisémique. À la suite de l’éruption, il déménagea pour passer ses journées à écrire, étudier et peindre des volcans. Et comme si tout ceci n’était pas encore suffisamment herzogien, les émanations du volcan provoquèrent une détérioration soudaine de sa circulation sanguine, le menant à l’amputation de sa jambe droite. Mais ceci ne l’arrêta pas. Il se lança alors dans une remarquable série de tableaux de volcans vus depuis des avions et continua à marcher et à faire des randonnées.

Ses écrits communiquent sa passion pour ses aventures, qui font pour lui partie de la pratique artistique.

RÉFLEXION

U N

NEWS

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_SLICKER 6

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_LA PANDERIA

En 1993, deux jeunes riches mexicains juifs fondèrent un espace artistique installé dans une ancienne boulangerie. Il fut nommé La Panaderia (boulangerie, en espagnol). Yoshua Okon et Miguel Calderon avaient tous deux été formés aux États-Unis et ni l’un ni l’autre n’appartenait aux habituelles familles intellectuelles mexicaines d’artistes. Le père d’Okon était le propriétaire de l’espace. Calderon nomma sa boîte de production Papi Paga (« papa paye »). De manière assez paradoxale, leur statut de

fresas (fils de) rendait leur attitude punk crédible et leur espace était plus apte que n’importe quel autre lieu à accueillir des outsiders dans l’appareil culturel mexicain.

La pensée de Calderon était très différente de celle des artistes mexicains qui l’avaient précédé. Il était influencé par les Beastie Boys et George Kuchar, des personnalités dont le public mexicain n’avait jamais entendu parler.

Il titra une de ses premières œuvres El Popo desde mis

huevos, ou quelque chose comme ça. Cette œuvre rompt radicalement avec le monde intellectuel de l’époque et les visions du docteur Atl. Il s’agit d’une photo prise au sol du plus grand volcan du Mexique, le Popocatepetl. Un des testicules de Calderon, aux allures de montagne, figure dans la composition. Ce sens de l’humour était inédit dans le très solennel monde artistique mexicain de l’époque.

Dans un livre récent, Calderon montre la seule chose héritée de son grand-père, une collection de photos prises dans un bar d’Acapulco dans les années 1950. Son aïeul, célèbre séducteur, pose devant l’appareil photo, l’air ivre et souriant.

_UN NOUVEAU CANON

À bien des égards, La Panaderia a joué un rôle crucial dans l’ouverture de la scène artistique et son influence persiste de nos jours. Mais c’est l’élite intellectuelle qui est à l’origine de la nouvelle identité des artistes. Parallèlement à La Panaderia, un groupe d’étudiants en art instaura des réunions hebdomadaires dans une maison abandonnée à Polanco. Le numéro 44 de la rue Temistocles n’allait pas tarder à devenir un espace artistique. Les séances, dirigées par Gabriel Orozco, duraient toute une journée au cours de laquelle celui-ci présentait des livres d’art ou des catalogues d’exposition difficiles à obtenir. Tous les participants allaient plus tard rejoindre la plus célèbre galerie mexicaine, KuriManzuto, dirigée par Monica Manzuto et Jose Kuri. Le couple avait

Nombre d’artistes qui gravitaient autour de La Panaderia

fait ses études à New York. Novices en art, ils créèrent leur galerie, sur les conseils de leur ami

s’inspiraient de la musique et des feuilletons de la chaîne

Orozco, artiste de plus en plus en vue.

Televisa (conglomérat multimédia mexicain, ndlr). Ils jouaient avec la frontière ténue entre l’ironie et l’honnêteté, typique de

À la fin des années 1980, Orozco, en désaccord avec le monde artistique mexicain, quitta son pays

la relation d’amour haine que chaque Mexicain entretient avec

natal pour s’installer en Espagne. Là, tout en se promenant dans la rue, il arrangeait des objets de

Televisa. Ces thèmes sont devenus, il me semble, le nouvel

manière à créer une sculpture ou une installation, et ce, sans se soucier d’en garder des traces.

exotisme mexicain, remplaçant les mythes préhispaniques par

C’est seulement un peu plus tard qu’il se mit à photographier ses actions éphémères. D’un point

les contes de fées des feuilletons. Ceci me rappelle une œuvre

de vue technique, ses photos étaient naïves. Les procédés d’éclairage et les tirages étaient sans

récemment créée par Christian Jankowski pour le Sala de

prétention. En revanche, le cadrage révélait un regard entraîné et intelligent, avec des compositions

Arte Público Siqueiros, un espace artistique en partie financé

attrayantes, équilibrées et bien pensées. Certaines se rapprochaient de la tradition photographique,

par Televisa. Jankowski a reproduit un épisode du feuilleton

d’autres semblaient tirées d’un catalogue de sculptures. L’élément crucial est qu’elles sont bien plus

le plus populaire du moment, avec les acteurs, les lieux,

accessibles que d’autres répertoires artistiques similaires, telles celles réalisées par les membres

l’équipe et même le scénario d’origine. La seule différence

de Fluxus. On les regarde pendant un moment parce qu’elles sont colorées, bien composées

par rapport à l’original est que, tout au long de sa version,

et inhabituelles, et le plaisir visuel est soudainement gâté par l’image d’un artiste préparant

les acteurs pleurent. Il a appelé cette œuvre Crying for the

l’installation et effectuant sa promenade conceptuelle.

March of Humanity, un titre faisant référence à La Marcha de la humanidad, la plus grande fresque de l’histoire réalisée en 1969 par Siqueiros, un des plus talentueux étudiants du docteur Atl.

Orozco lut inlassablement les écrits de Jorge Luis Borges. Pendant ces années de promenades et de workshops, il développa un sens assez clair et fort des valeurs morales et esthétiques entourant l’art et la production artistique. Nombre des artistes de la galerie KuriManzuto s’accordent sur _1

ce manifeste imaginaire. Les idées d’Orozco renforcent celles des textes programmatiques ultraïstes de Borges rédigés à partir de 1920. L’artiste ne devait pas exploiter son statut de Latino-Américain en produisant un discours de type « auto-touriste de jungle et world music ». ll devait rechercher quelque chose comme l’universalité, en évitant de raconter son ressenti au spectateur ou de lui imposer une lecture de son travail. Borges conclut un de ses courts textes en précisant qu’il avait choisi le « rythme » et la « métaphore », comme outils principaux. La « métaphore » symbolisait pour lui « la courbe verbale qui est, presque toujours, tracée entre deux points – spirituels – passant par le chemin le plus court ». J’émets l’hypothèse qu’Orozco ajouterait que le chemin le plus court devrait être mesuré par les pas de l’artiste. En effet, bien qu’une majeure partie de sa critique de l’esthétique mexicaine concerne des questions d’exotisme latino-américain, il critiquait les grands studios d’art qui dominaient la scène new-yorkaise dans les années 1980.

Pour lui, l’art était intimiste et la production artistique ne devait jamais ressembler à un processus de production en série.

_1 Christian Jankowski, Crying for the March of Humanity, 2012.

Vidéo, 16:9, 26 min. Courtesy de l’artiste. _2 Mario García Torres Time to piece, 2010.

Série de 5 puzzles avec images d’horloges publiques.

J E T L A G ! M E X I Q U E

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_3

_4

Borges lisait Schopenhauer et adhérait à sa double interprétation

du monde comme volonté et représentation. La représentation est

NEWS

la somme de tout ce que nous articulons en mots ou en équations.

En définitive, et à l’instar du bouddhisme, ceci est perçu comme insignifiant. La Volonté est la volonté des choses inanimées à exister.

La volonté est ce qui nous meut. En termes bouddhistes, elle s’exprime sous forme de peur ou de désir. Schopenhauer avait attentivement lu les idées épistémologiques de Kant au sujet de « la chose en ellemême » et de notre incapacité à y accéder par les mots. C’était son point de départ, auquel il ajouta le concept de « volonté ».

On voit bien l’influence de ce type de pensée sur le travail d’Orozco,

exemple du premier est sa série « Samurai tree invariants » ; un exemple du second est sa célèbre boîte à chaussures comme

Bien qu’il n’ait pas passé beaucoup de temps à New York et que son

contemplation du vide, au travers de pensées sur les idées d’espace.

travail n’ait pas été beaucoup exposé, Orozco fut tout de même mis

Pour Schopenhauer, l’art a un statut ontologique spécifique. Il n’est

à l’honneur au MoMA. Cela reflète le charisme de l’artiste et la force

ni volonté ni représentation, et c’est à travers l’art que l’on peut

de ses œuvres. Ou, pour le dire avec les mots de Schopenhauer :

accéder à un état semblable au nirvana bouddhiste, libérant ainsi

« La Volonté doit être avec nous. » Dans ce monde, en général,

l’individu de la toute puissante « volonté ». Pour Orozco, l’art devrait

et plus particulièrement au Mexique, avoir « la volonté » avec soi est

être une activité constante et omniprésente, ayant le pouvoir de

un facteur souvent lié à son nom de famille ou à ses liens sociaux.

transformer les relations intimes des individus avec les choses et

Sur Internet, les blogueurs et les conspirationnistes prétendent

les personnes. Le but de la pratique artistique n’est pas le résultat

qu’Orozco est l’exemple même de la pourriture et de l’élitisme de

matériel qui est uniquement un véhicule. Home Run, l’œuvre qu’Orozco

la société mexicaine. Mario Orozco, le père de Gabriel, était le bras

présenta en 1993 au MoMA, est une tentative d’extirper le spectateur

droit de Siqueiros, un personnage clé dans la réalisation de La Marcha

hors de l’espace traditionnel artistique. Le spectateur devait regarder

de la humanidad. Robert Starr, qui fit plus tard partie du conseil d’administration du MoMA, vint au Mexique, probablement pour écrire sur Siqueiros. Il y rencontra le très jeune Gabriel Orozco. Celui-ci, né au sein de l’élite intellectuelle mexicaine, est devenu le leader d’une de ses fractions. Le lecteur est en droit de se demander, tout comme le fait l’auteur, si le destin d’Orozco, et de KuriManzutto, joueront dans les années à venir le même rôle que celui joué par le docteur Atl et les muralistes au siècle précédent. Le leader visionnaire sera-t-il à nouveau perverti par la concentration du pouvoir dans notre pays ?

Se rappellera-t-on de lui pour les vulgaires affichages de sa force ou plutôt pour sa vision et ses réalisations ?

à l’extérieur du musée, vers le bâtiment voisin, où les habitants laissaient tous les matins des oranges à leur fenêtre, transformant ainsi le bâtiment en une grande composition de petites actions individuelles semi-volontaires. Home Run remporta un vif succès.

ÉMERGENCE

Borges, la représentation ultime –, et le bouddhisme. Un bel

SÉLECTION

notamment son intérêt pour les mathématiques – qui sont, selon

_4

Voici une courte liste de faits qui devraient nous

± Kurimanzuto a trouvé en Abraham Cruzvillegas une nouvelle superstar. ± Adriana Lara nous a amusés à la documenta 13. Yoshua Okon s’est allié à certains membres du groupe Temistocles 44 et a fondé une nouvelle école d’art qui présente des artistes prometteurs tels que Nuria Montiel et Ivan Krassoievitch. ± Proyectos Monclova est la nouvelle galerie qui monte, avec en avant-plan Mario García Torres et Tania Perez Cordova et leur travail étonnant.

Si les outsiders continuent à se montrer intéressés par le monde artistique mexicain et si les insiders ne se mettent pas à se comporter comme nos politiciens, nous serons sauvés de notre malédiction mexicaine.

_3 Gabriel Orozco Home Run, 1993.

Oranges, dimensions variables. Vue de l’installation « Projects: 41 ».

The Museum of Modern Art, New York, 1993. _4 Mario García Torres Today... (News from Kabul), 2006.

Graphite sur un mur, dimensions variables.

T R A D U I T D E L’ A N G L A I S P A R P A U L I N E L E M A I R E .

RÉFLEXION

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ART CULINAIRE

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L A

S E M E N C E

L ’ E X C R É M E N T

S P L E N D E U R S

D E S

A R T S

&

_1 Arnaud Kalos Têtes en chocolat blanc, 2011.

Sculpture servie au Nomiya. Photo Gilles Stassart. _2 Hans Gissinger Tartas, 2005. Vidéo. Courtesy de l’artiste.

Photo Gilles Stassart.

NEWS

D E

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M I S È R E S

C U L I N A I R E S

SÉLECTION

PAR GILLES STASSART*

L O R S Q U E Q U E L’ O N S E S A I S I T D E L A T R A N S V E R S A L I T É D E S D I S C I P L I N E S , D U P O I N T D E C R O I S É E , P A R E X E M P L E , D E L’A R T C O N T E M P O R A I N E T D E L A C U I S I N E , O N S E D OT E D ’ U N O U T I L P E R M E TTA N T U N E I N T R O S P E C T I O N P R O F O N D E D E N O T R E M O D E R N I T É E T D E S E S M A U X – E T C E R TA I N E M E N T L’ U N D E S P L U S EFFICACES.

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_2

parts de marché. Encore moins de créer de nouveaux gestes de consommation, d’innover pour un consommateur zappeur, hyperactif, en demande constante d’inédit et de créativité, un consommateur à la recherche perpétuelle de son plaisir… Confronter art et cuisine, pour paraphraser Robert Fillou, c’est faire en sorte que la cuisine rende la vie plus intéressante que la cuisine. Grâce à la nourriture que l’on ingère, nous prenons position dans notre environnement et nous en saisissons les commandes.

Le Transversal a été le restaurant du musée d’art contemporain du Val-de-Marne (Mac/Val) de novembre 2005 à juillet 2008, une concession de l’espace public. À ce jour, il est l’une des expériences les plus complètes pour ce qui est de cette confrontation entre art contemporain et cuisine. En tant qu’entreprise inscrite dans une nécessité économique, l’établissement a néanmoins su, dans le cadre d’un équipement culturel et institutionnel, développer sa vocation de passerelle. Il a existé grâce à Muriel Ryngaert a, responsable des médiateurs du Mac/Val, qui s’est attachée à ouvrir le musée et à l’intégrer dans son contexte. Dans le cas présent, il s’agit du plateau de Vitry-sur-Seine, une zone complexe, composée de grands ensembles érigés entre 1949 et 1974, habités par des dizaines de communautés, étrangères les unes aux autres, une zone d’énergies et de tensions. Autant dire qu’inaugurer un centre d’art contemporain dans ce paysage, c’est fabriquer, par le musée, une frontière culturelle. En conséquence, s’impose la lourde tâche de pratiquer des ouvertures dans l’édifice érigé : il est nécessaire d’ouvrir des portes dans les cimaises pour permettre des liens et des échanges entre le musée et les habitants.

Aussi, lorsque nous avons imaginé le Transversal avec Benjamin Pelletier b, Laurent Charreau c et Iñaki Aizpitarte d, nous l’avons pensé comme une pierre angulaire entre l’institution culturelle et la zone, la zone spécifique de la banlieue difficile. C’est d’ailleurs pour ce contexte « à risques » que cet endroit nous a attirés : ici, cuisine et art avaient quelque chose à fabriquer ensemble.

Concrètement, nous avons imaginé les visites gustatives. Une première dans toute l’histoire de la conservation artistique : Alexia Favre e a donné son autorisation pour la consommation de nourriture dans un espace de collections. Autre audace : elle a accepté la tenue de discours profanes, souvent en décalage ou hors sujet avec le propos scientifique de l’histoire de l’art. Chaque premier dimanche du mois, vingt-cinq visiteurs ont pu suivre une visite, goûter une dizaine de bouchées chacun faisant un lien gustatif, sensuel, instinctif avec une œuvre, tout en suivant un conférencier établir le lien de cette expérience avec l’œuvre présentée. On se souviendra de la moelle de bœuf tiédie avec sucre pétillant devant « Nature morte » (1996), une installation de chaises électriques par Malachi Farell, ou encore des sodas étranges consommés devant le « Bar séduire » (1997), une installation de JeanLuc Vilmouth, où des vidéogrammes livrent aux visiteurs assis sur un siège de bar les confidences intimes d’inconnus. Parmi les nombreuses actions récurrentes ou ponctuelles, notons le festival Filmophage, avec une programmation de films liés à la nourriture, où, durant les projections, les ouvreuses servaient des plats aux spectateurs.

_ Visite gustative dans les collections du Mac/Val. Photo Marc Domage.

*Directeur artistique du Transversal, puis chef à partir de 2007. Vient de publier 600 °C aux éditions du Rouergue.

RÉFLEXION

S O Y O N S C L A I R S ! En confrontant l’art et la cuisine, l’objectif n’est pas d’inaugurer de nouvelles

ÉMERGENCE

P A S O L I N I D A N S « É C R I T S C O R S A I R E S » E N 1 9 7 6 .

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_SLICKER 6

L’aventure avait démarré à l’automne 2004, il y a presque dix ans. Dans cette cuisine en effervescence, nous étions les enfants des Nouveaux Réalistes, Pierre Restany f venait de disparaître. Il restait son portrait suspendu dans le hall d’accueil du Palais de Tokyo, et, pour nous, une autre façon de penser l’art, le réel, éthique plus

qu’esthétique. Nous avions hérité de ce goût de la provocation et de cet intérêt pour les petits riens du quotidien dont l’avantage était d’ouvrir de grandes portes sur le monde : la façon de le parler, la façon de le manger.

L’esthétique relationnelle de Nicolas Bourriaud g conforta le fait que l’on pouvait, avec l’art, sortir la cuisine de son carcan historique pour en faire une performance totale et permanente mettant les individus en relation. Le travail de Rirkrit Tiravanija, ses références au repas en étaient la preuve. Beaux-Arts magazine, avec Fabrice Bousteau, nous entraînait à jouer les empêcheurs de tourner en rond : on désenclavait dans les colonnes du magazine, il était question de littérature dessinée, de cannibalisme, de tauromachie, de parfum, de mode, la french touch battait son plein, tout aussi bien avec la tech qu’avec l’archi. Nous trouvions une énergie dans cette nébuleuse qui nous permettait d’inventer le quotidien d’une entreprise qui ne s’arrêtait jamais. Nous étions dans une performance permanente, mêlant intimement ce que nous étions et ce que nous faisions. L’assiette était alors l’aboutissement d’un processus global, la synthèse d’un dispositif de production dont nous avions aboli les bornes : de la semence à l’excrément. Pour faire simple, le monde se projetait dans notre assiette. Il y avait eu la cuisine aristocratique, la cuisine bourgeoise, la nouvelle cuisine ; à l’époque, la cuisine moléculaire à l’espagnole était sur le devant de la scène, faisant enrager des dynasties de cols BBR ; de notre côté, nous imaginions une cuisine contextuelle.

Nous avions inventé le meilleur. Il n’était pas question du bon, de plaisir, de produits vrais, de terroir, de saveurs d’antan… de toutes ces valeurs vichystes qui allaient surgir avec les légumes oubliés et l’inflation de restaurants pour bobos dans les anciens quartiers populaires. L’art nous permettait d’interroger la cuisine dans ses retranchements avec des problématiques de fonds : « C’est quoi le bon ? Le beau, le laid peuvent-ils exister en cuisine ? Qui mange quoi ? Comment ? D’où viennent les produits ? Qui prépare ? Comment est-il formé ? Par qui ? Qu’est-ce que le bio ? Qu’est-ce que le coût environnemental d’une production alimentaire ? La création gastronomique peut-elle utiliser des outils, des produits de l’agro-industrie ? » Sur un autre versant, le design culinaire et les arts décoratifs appliqués aux comestibles brouillaient les cartes et commençaient leur travail de sape en donnant des lettres de noblesse à une gadgétisation de la cuisine. _David Becker Concert de cocottes au 104, 2008.

Dispositif à l’occasion de SLICK Art Fair à Paris.

Photo Marc Domage.

Avec le Transversal, le champ d’investigation de l’entreprise de restauration s’est porté dans de multiples directions et notamment dans son rapport avec ses employés. Cette petite SARL a été également un centre de formation et d’apprentissage. Cinq apprentis ont été formés aux métiers de la cuisine, mais nous avons accueilli également des élèves de l’École des beaux-arts de Reims et de Chalon-sur-Saône. Par ailleurs, nous embauchions essentiellement les jeunes de la cité alentour. La cuisine et le restaurant sont devenus un creuset où des horizons divers se sont croisés, rencontrant à l’occasion des différentes collaborations des artistes plasticiens parmi lesquels Gwen Rouvillois, Éric Closky, Éric de la Casa, Stephen Dean, Anne Deleporte, Hans Gissinger, Philippe Guillonnet, Claude Levêque, Arnaud Kalos, Pierre Monory, Émile Parchemin, Fred Pradeau, Philippe Ramette, Charwai Tsai... mais aussi des chorégraphes avec Gilles Grillo et Rubin Orlin, et des musiciens, des paysagistes, des vignerons…

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Le ludique est la dernière panacée à la mode : on s’amuse en cuisinant, comme on s’amuse en passant l’aspirateur. La cuisine est alors un loisir _1 Benjamin Pelletier, Laurent Charot, Ignaki Aizpitarte, Gilles Stassart Photo Nicolas Hoffmann. _2 Menu Closky Servi au Mac/Val à l’occasion de l’exposition « 8002-9891 » de Claude Closky, 2008. Photo Marc Domage.

convivial pour une société du plaisir, avide d’hédonisme. Les émissions de cuisine ont glissé vers les cases « divertissement » des programmes télé et les chefs stars ne posent plus seulement pour la promotion de lasagnes surgelées, ils vantent dorénavant les avantages de smartphones, de pull-overs ou encore de pneus.

_Carpaccio de crevette et huile de framboise blanche Servi au Nomiya en 2010.

Courtesy Gilles Stassart.

ART CULINAIRE

Avec le Nomiya, la performance s’est déroulée durant deux années sur le toit du Palais

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de Tokyo, dans un dispositif architectural de Laurent Grasso. Il s’agissait de produire un repas différent chaque jour, un menu unique pour une tablée unique : un temps unique.

Ici, c’est davantage le processus créatif de la cuisine qui a été interrogée. Une forme de cadavre exquis se renouvelant sans cesse pour la performance, chaque repas devenant le maillon d’un immense ensemble. La dimension économique a été fondamentale, liée

Le Transversal a fermé ses portes en 2008. Benjamin

à la participation d’un mécène pour les uns, d’un annonceur pour les autres, qui toutefois

nous avait quittés, foudroyé par une terrible maladie ;

permit à un grand nombre d’inconnus, en provenance du monde entier, de se retrouver

étoile scintillante dans le ciel de la création néo-bistrot, et Laurent, avec l’humilité de l’artisan zen, ouvrait

et de se découvrir autour d’une table d’hôtes dans le ciel pittoresque et parisien. C’était en 2011, avant la bombe qui allait achever les économies européennes et justifier par là les coupes budgétaires et des licenciements en cascade.

le Chat, un bar-restaurant dans la banlieue d’un bourg de province, à Cosne-sur-Loire. L’aventure devait durer

NEWS

Iñaki, avec le célèbre Chateaubriand, était devenu une

encore un peu, puis suspendre son vol.

J’ai alors continué par une série d’actions en dehors de l’espace du restaurant, au risque de me perdre moi-même dans la gadgétisation et la marchandisation, d’autant plus que j’allais user des moyens mêmes du spectacle avec le record de la plus grande barbe à papa

SÉLECTION

du monde et celui du gâteau le plus haut du monde, une construction pilotée par Jean Bocabeille h.

Ces performances et ces fêtes, par un jeu de difformité, nous projetaient comme des enfants, êtres de désirs pulsionnels et télécommandés par les médias, devant des gourmandises disproportionnées, géantes capables de nous avaler : mangés par le gâteau en forme de cheminée d’usine… Une référence à l’industrie sucrière

_Restaurant Nomiya Conçu par Laurent Grasso pour le Palais de Tokyo.

Photo Gilles Stassart.

capable, avec ses lobbys, de pénétrer les institutions politiques les plus élevées pour protéger ses intérêts :

L’A R T E S T R É D U I T À U N E QUESTION DE TRAITS DE SAUCE S U R U N M A R LY D ’A S S I E TT E .

Aujourd’hui, les affaires de malbouffe, d’escroqueries alimentaires, de domination des trusts, de spéculation sur les céréales forment un inquiétant florilège. Les chefs sont bien trop occupés dans leur marathon pour prendre position. De plus, un grand nombre cachetonnent, louant à qui veut leur plus beau profil. Désormais, c’est l’agroindustrie qui a repris le flambeau de la création des arts culinaires. À l’instar de cette

LA S Y N TA X E G O U R M A N D E TOURNE EN ROND.

campagne de Kraft Food et de sa filiale LU avec « Ouvrons le champ des possibles »…

_Jean Bocabeille TSF, 2010.

Création architecturale présentée à la Cité de l’architecture à Paris.

Photo Gilles Stassart, plan de Salem Mostefaoui.

Comment a-t-on pu permettre que le fameux champ des possibles – formule fétiche

ÉMERGENCE

dans notre corps.

des notices et critiques d’œuvres d’art contemporain – s’inscrive en frontispice de goûters à base d’huile de palme ?

T O U T Ç A P O U R Ç A ! Ai-je raté un épisode ? Est-ce le monde de l’art qui s’est égaré ou celui de l’agro-industrie qui, par cynisme, est venu se nourrir de toutes nos expériences ? Auquel cas, chapeau ! Ça, c’est du détournement : très pop ! L’industrie alimentaire est plus encline par ses objectifs de profits à se réfléchir, à produire de la matière cérébrale que le milieu de la cuisine et de la restauration qui, lui, reste figé sur ses marottes. La syntaxe gourmande tourne en rond. Pour le foodista, la soirée est sympa sous une couche d’espuma. Un monde magique de Bisounours où l’art est réduit à une question de traits de sauce sur un Marly d’assiette et où la moindre andouillette porte le nom d’un hardeur des années 1980. Pas de quoi éveiller nos consciences ou amorcer la moindre alternative. « Transversal, reviens ! »

RÉFLEXION

une course folle dont le rythme nous fait souffrir jusque

_Glaces d’artistes Présentées à la Fiac 2006.

Photo Marc Domage.

a. Muriel Ryngaert a dirigé le service des Publics du Mac/Val de 2005 à 2011. b. Benjamin Pelletier a monté et a dirigé le Transversal. Il est décédé le 26 novembre 2006. c. Laurent Chareau a été chef du Transversal jusqu’à l’été 2007. d. Iñaki Aizpitarte a été chef du Transversal jusqu’à l’hiver 2006. e. Alexia Fabre est conservateur en chef des collections du Mac/Val, elle a été directrice artistique des Nuits blanches avec Lamy en 2009 et 2011. f. Pierre Restany : « Les nouveaux réalistes considèrent le Monde comme un Tableau, le Grand Œuvre fondamental dont ils s’approprient des fragments dotés d’universelle signifiance. Ils nous donnent à voir le réel dans des aspects de sa totalité expressive.

Et par le truchement de ces images spécifiques, c’est la réalité sociologique tout entière, le bien commun de l’activité des hommes, la grande république de nos échanges sociaux, de notre commerce en société qui est assigné à comparaître », extrait de « À 40° au-dessus de Dada », préface de catalogue de l’exposition Daniel Spoerri à la galerie J en 1961. g. Esthétique relationnelle, Dijon, Presses du réel, 1998. h. Jean Bocabeille est architecte et fait partie du collectif Plan 01. http://jb-a.fr

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RAIN. IL EST LE PLUS GROS COLLECTIONNEUR

BRÉSILIEN

ET

IL

B Â T I T,

MÊLANT

ART

PIXADORES

DE

ET SÃO

B OTA N I Q U E .

PAULO

VS

SÉLECTION

DEPUIS 2006, UN PARADIS SUR TERRE LES BER-

NARDO PAZ.

ÉMERGENCE

_1

S’ils existent depuis les années 1960, les pixadores, c’est-à-dire les tagueurs brésiliens de São Paulo, ont fait parlé d’eux en 2008 en s’attaquant aux trois institutions phares de l’art contemporain, instances possédant le pouvoir de définir ce qui est art, soit l’université – lieu de formation –, la galerie – lieu de commercialisation, – et la biennale – lieu de consécration de l’art. « On voulait légitimer la pixaçao de São Paulo avec la plus grosse intervention urbaine artistique ayant jamais existé sur terre », explique Choque, photographe et pixador. Leurs signatures caractéristiques, inspirées de l’alphabet runique utilisé par les anciens peuples de langue germanique, recouvrent les immeubles

_2

dominante. Ils reprennent possession de ces espaces urbains en y inscrivant

mère poétesse. Son parc de plus de 1 000 hectares, dont 100 accessibles au public, accueille une centaine

leur nom, celui de la bande à laquelle ils appartiennent, sur les surfaces les

d’œuvres d’art contemporain faisant partie de sa très large collection initiée dès la fin des années 1990

plus hautes afin de le rendre visible par le plus grand nombre et de crier

sur les conseils de l’artiste Tunga. Tout comme Naoshima, Bernardo Paz a commandé à des architectes,

leur force et leur courage d’avoir grimpé si haut. Leur tactique pour accéder

locaux cette fois-ci, des dizaines de structures permettant d’abriter des expositions personnelles et des

à des surfaces inaccessibles : l’échelle humaine. Le pixo est-il un art ? C’est

expositions collectives. Parallèlement à ces pavillons, des artistes d’envergure internationale – Matthew

en tout cas un moyen d’expression reflétant les conditions de vie actuelles à

Barney, Olafur Eliasson, Doug Aitken ou Anish Kapoor, pour ne citer qu’eux – ont produit des installations

São Paulo. Les pixadores agissent pour l’adrénaline mais aussi pour s’affirmer

monumentales disposées au milieu de la végétation. Le public, 400 000 visteurs en 2012, déambule en

à travers le dessin et l’écriture. Pourquoi s’en prendre au milieu de l’art ?

toute liberté au milieu de ces œuvres, qu’il peut toucher, expérimenter, vivre. Inhotim est le jouet de son

« Nous avons voulu montrer à quel point les modèles d’institutions artistiques

fondateur mais aussi des artistes et de son équipe de conseillers et conservateurs. C’est aussi une aubaine

brésiliennes sont dépassées, comme les musées qui vivent seulement du

pour la région, Inhotim employant actuellement 700 personnes, et attirant les touristes qui peuvent

passé », ajoute Choque. Sans doute aussi parce que le street art est devenu

s’installer dans les hôtels construits par Bernardo Paz. Amateur de botanique, Paz collectionne aussi les

un domaine artistique à part entière. Et, parce que l’art contemporain fait de

plantes qui sont rassemblées dans son jardin botanique. La création d’un laboratoire de recherche sur

plus en plus parler de lui et que les artistes deviennent des stars, l’art devient

l’usage médical des plantes est en réflexion. Inhotim est là encore un exemple de capitalisme constructif

une porte de sortie.

lorsque l’argent profite aussi à autrui. « L’art contemporain touche tous les domaines, de l’environnement à la religion, et ouvre d’immenses perspectives. Il possède une force de communication, d’éducation et

À 600 km, dans les terres de Belo Horizonte et à l’autre bout de l’échelle

d’inclusion sans pareille », explique-t-il dans un entretien télévisé.

sociale, un milliardaire a créé en 2006 Inhotim, l’Instituto de Arte Contemporânea e Jardim Botânico, son paradis sur terre. D’un côté, dans le principal

L’Amérique du Sud, et tout particulièrement le Brésil, est, après l’Asie et surtout la Chine et la Corée,

centre financier, commercial et industriel de l’Amérique latine, les uns réa-

l’Afrique et l’Inde, la région du monde vers laquelle les yeux des amateurs d’art se tournent. Espérons que

gissent pour changer leurs conditions de vie et crier les inégalités ; de l’autre,

l’intérêt ne se portera pas uniquement sur une petite frange d’artistes, accentuant encore un peu plus les

dans la jungle de Belo Horizonte, un homme a construit un projet démesuré,

inégalités, mais que la curiosité de chacun incitera à la découverte, loin des lois du marché.

associant art contemporain et botanique et fournissant du travail à près d’un millier de personnes. Nous avions parlé dans le dernier numéro de _SLICKER du Japonais Soichiro Fukutake. Voici donc son pendant brésilien : Bernardo Paz, propriétaire d’une mine de fer, fils d’un architecte et ingénieur et d’une

_1 Dan Graham Bisected triangle, Interior curve, 2002.

Miroir et acier inoxydable, 220 x 713 x 504 cm.

_2 Ben Newman OS Pixadores, 2012.

Vidéo réalisée par le très talentueux Ben Newman (basé à Londres) montrant, à São Paulo, le quotidien de ces artistes de rue, très largement ignorés.

RÉFLEXION

abandonnés du centre de la ville, dans les quartiers désertés par la classe

rigueur