Viernes 26 de agosto de 2016
VIERNES 26 AGOSTO 2016
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FIN DE SEMANA DE MAESTROS • Dos jurados chilenos
• Directores de Competencia de Cine Chileno
• Directores de cortos 1
ÚLTIMAS SEMANAS EXPOSICIÓN
LA EXPOSICIÓN MUNDIAL DE LUCES YA ESTÁ EN CHILE.
PREVIO RETIRO TICKET - CUPOS LIMITADOS ENTRADA LIBERADA: LUN A DOM DE 10:00 A 17:30 HRS. ENTRADA PAGADA: LUN A DOM DE 18:00 A 19:30 HRS. $3.500 Estudiantes / $6.000 General
MEDIOS ASOCIADOS
PROGRAMACIÓN ACOGIDA A LA LEY DE DONACIONES CULTURALES. PROYECTO EDUCATIVO FINANCIADO POR FONDART, CONVOCATORIA 2015.
PATROCINA
Presidenta Directorio SANFIC María Catalina Saieh Fundadores SANFIC Carlos Núñez Gabriela Sandoval Co-Fundadores SANFIC Fundación CorpArtes María Soledad Saieh Jorge Tacla Director Artístico Carlos Núñez Directora de Producción Artística Gabriela Sandoval Directora de Producción Ejecutiva Viviana Bendeck Productor de Contenidos Sebastián Vivero Editor Diario Digital Joel Poblete Diseño y Diagramación Sofía Benavides Periodistas y Redactores Matías Herane Joel Poblete Sebastián Vivero
CONTENIDOS / 26 DE AGOSTO 4 FIN DE SEMANA DE MAESTROS 6 MIRADAS DESDE OTRO ÁNGULO Matías Bize y Gianfranco Foschino
8 ENTREVISTA Carlos Leiva y Alex Anwandter
12 CUESTIONARIO
Directores de Competencia Cortometraje Talento Nacional
15 SOCIALES Presentaciones, lanzamientos y almuerzos
Viernes 26 de agosto de 2016
Fin de semana de Maestros Herzog, Verhoeven, Panahi, Sokurov, Jodorowsky, Hansen-Løve… esos y otros más serán algunos de los nombres de la sección Maestros del Cine que se podrán ver en lo que va quedando de festival. La noche del viernes, y el sábado y domingo, serán la oportunidad para disfrutar de las más recientes producciones de elogiados autores. Además de las cintas de la retrospectiva de Paul Schrader y del ya clásico Taxi Driver, en este SANFIC 12 hay un espacio donde los cinéfilos pueden acudir cuando busquen nombres consagrados y talentos de prestigio. De hecho, es una sección que todos los años se convierte en una de las más solicitadas y comentadas en el festival: Maestros del Cine. En este marco ya en los días previos se han mostrado lo más reciente de Philippe Garrel y el propio Schrader -Dog eat Dog, de la que ya escribimos el martes 23 en la primera edición de este diario y volverá a repetirse este sábado-, y el domingo se exhibirá nuevamente La primera luz, de la que hablaremos en la edición del sábado. Pero acá aprovechamos de destacar diez imperdibles de esta sección que aún podrán verse en estos últimos días de festival.
queridos. CineHoyts Parque Arauco: sábado 27, 20:45. CineHoyts La Reina: domingo 28, 16:10 Elle, de Paul Verhoeven Michéle es una de esas mujeres que parece no sentirse afectada por nada. Dirige una gran empresa de videojuegos y maneja los negocios y su vida sentimental con mano de hierro. Un día es atacada en su casa por un misterioso desconocido y su vida da un vuelco. Decidida, busca a su agresor y entonces comienza una especie de juego entre ellos, un juego que en cualquier momento se puede desvirtuar. CineHoyts La Reina: sábado 27, 21:50; domingo 28, 18:50 Francofonía, de Aleksandr Sokurov
Aquarius, de Kleber Mendonça Filho Clara, una ex crítica musical de 65 años, vive retirada en el edificio Aquarius, construido en la década de 1940 sobre una avenida que bordea el océano. Un importante promotor ha comprado todos los departamentos, pero ella se niega a vender el suyo y emprende una batalla personal contra la empresa que la acosa. La estresante situación la lleva a pensar en su vida, en su pasado, en sus seres 4
En la Francia ocupada por los nazis durante la II Guerra Mundial, las autoridades decidieron proteger la mayor y más valiosa colección de pintura del mundo: el Museo del Louvre. Esta historia explora la relación entre el arte y el poder, con dos hombres protegiendo los tesoros de dicho museo, al tiempo que los ejércitos arrasaban el corazón de la civilización. CineHoyts San Agustín: viernes 26, 22:20. CineHoyts La Reina: sábado 27, 22:15.
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Fuocoammare, de Gianfranco Rosi
Poesía sin fin, de Alejandro Jodorowsky
La isla Lampedusa se ha convertido en un lugar masivo de desembarco de inmigrantes ilegales procedentes de tierras africanas. El largometraje aborda la dura realidad de miles de personas que realizan esta travesía buscando escapar de la guerra y el hambre; al mismo tiempo, Samuel es un niño que vive su apacible adolescencia mientras todo a su alrededor habla del mar y del drama de quienes intentan cruzarlo para llegar allí. CineHoyts La Reina: viernes 26, 22:00. CineHoyts San Agustín: sábado 27, 22:30
Ambientada durante los años 40 y 50 en Santiago de Chile, es la continuación de La danza de la realidad; Jodorowsky, ahora de 20 años, decide convertirse en poeta contra la voluntad de su familia, conociendo a un círculo artístico de intelectuales vanguardistas y bohemios de su tiempo, incluyendo a Enrique Lihn, Stella Díaz, Nicanor Parra y Pablo Neruda. Inmerso en este mundo de poesía y experimentación, vivirán juntos la sensualidad, la libertad y la locura. CineHoyts La Reina: viernes 26, 19:50; sábado 27, 21:20
Heart of a Dog, de Laurie Anderson
Taxi, de Jafar Panahi
Un ensayo documental que explora temas en torno al amor, la muerte y el lenguaje. Con la voz de la autora siempre presente, aborda historias y recuerdos de su perro Lolabelle, la reciente pérdida de su madre y de su marido Lou Reed, entremezclándolos con fantasías de la juventud, política e incluso teorías filosóficas. CineHoyts La Reina: sábado 27, 20:30; domingo 28, 19:40
Como tiene prohibido dirigir películas, el prestigioso director iraní Jafar Panahi se hace pasar por taxista, y con su cámara colocada en el tablero del vehículo, rueda clandestinamente este documental que captura el espíritu de la sociedad iraní a través de este recorrido por las vibrantes y coloridas calles de Teherán, trasladando a pasajeros muy diversos, quienes le expresan abiertamente su opinión de variados temas. CineHoyts San Agustín: miércoles 24, 22:30. CineHoyts La Reina: viernes 26, 22:30
Saludos desde Fukushima, de Doris Dörrie Después de haber perdido su gran amor, lo único que quiere Marie es irse muy lejos, por eso viaja con una organización a Japón para ayudar a las víctimas del tsunami y de la explosión en la central nuclear en Fukushima. Pronto, Marie se da cuenta que esa tarea no se le da muy bien, pero en vez de huir, conoce a la anciana última geisha de Fukushima, quien decidió volver a su casa en ruinas en la zona de exclusión. CineHoyts La Reina: martes 23, 20:15. CineHoyts Parque Arauco: domingo 28, 19:40. Lo and Behold, Reveries of the Connected World, de Werner Herzog
Things to Come, de Mia Hansen-Løve Nathalie y Heinz son dos profesores de filosofía, casados desde hace varios años y con dos hijos ya adultos. La pareja está más unida por la rutina y los intereses intelectuales compartidos que por el amor, que se ha ido reduciendo a lo largo de los años. Un día, él le dice a Nathalie que se ha enamorado de otra mujer, y que se muda con ella, remeciendo la vida de la protagonista. Pero esto es sólo el comienzo… CineHoyts Parque Arauco: viernes 26, 22:00. CineHoyts La Reina: sábado 27, 19:10
La sociedad depende de internet para casi todo, pero rara vez se piensa en su infinito potencial y su perturbadora omnipotencia. Este documental del legendario Werner Herzog incluye entrevistas a individuos peculiares y encantadores, desde pioneros de internet a víctimas de radiación inalámbrica, cuyas reflexiones hilan un complejo retrato del nuevo mundo. CineHoyts Parque Arauco: viernes 26, 19:40. CineHoyts La Reina: domingo 28, 21:40
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Miradas desde otro ángulo Dos exponentes del audiovisual chileno que han estado previamente en nuestro festival están presentes en SANFIC 12 integrando jurados de competencia, lo que les permite abordar la creación artística desde otra perspectiva. El cineasta Matías Bize participó el año pasado en la Competencia Internacional con La memoria del agua, y el artista visual Gianfranco Foschino –quien en estos días está en el Museo de Artes Visuales, MAVI, con su exposición LOCUS- estuvo en SANFIC 7 con una de sus obras en el marco de la sección Shoot the Shooter. Aquí nos cuentan cómo es la experiencia de estar en este otro ámbito. Matías Bize, jurado de la Competencia Internacional -Te hemos tenido presente como invitado en distintas ediciones del festival, y el año pasado además como parte de la competencia internacional... ¿Qué te parece volver a participar en SANFIC, pero ahora como jurado? Para mí siempre es un honor y un placer ser parte de SANFIC, es un festival hecho por grandes personas, donde me siento como en mi casa y volver ahora después del año pasado de haber estado en la competencia, fue muy bonito, y ahora volver como jurado es también una experiencia que me encanta. Además estar viendo cine chileno es un placer, es como además una muy buena manera de enterarse de lo que se está haciendo acá en Chile, así que también súper contento de estar de jurado en la sección de Cine Chileno. -Ya has sido jurado en otras ocasiones en distintos festivales, ¿qué te parece poder estar desde este otro ángulo, tan diverso al de ser un cineasta participando en una competencia? La experiencia de ser jurado la encuentro súper gratificante; es una suerte poder ver películas distintas y conocer diferentes directores, y además en este caso me parece una suerte doble, igual lo repetí en la pregunta anterior, al poder estar viendo cine chileno, porque muchas veces cuesta también, yo estoy viajando a veces, estoy afuera y cuesta ver los estrenos chilenos pero me parece también una suerte poder estar viendo todo lo que se hace en Chile. Y la labor de jurado siempre es contradictoria, porque tampoco soy muy amigo de premiar una película y no premiar a otra, creo que la película siempre encuentra su público o depende mucho de la subjetividad de cada uno, y yo creo que ahí 6
me produce un poco de contradicciones el tema de los premios, pero superado eso es como disfrutar y tener la suerte de poder estar viendo muchas buenas películas. -Terminaste recientemente el rodaje de tu nuevo largometraje, que tiene la particularidad de ser una nueva versión de una de tus películas más reconocidas, pero ahora en el contexto de otro país. ¿Cómo fue la experiencia? Ya habías filmado antes una historia fuera de Chile, en “Lo bueno de llorar”, pero esta experiencia debe haber sido muy diferente, ¿qué nos puedes comentar al respecto? La verdad es que fue una experiencia súper enriquecedora. El 90% del equipo era dominicano, el guión lo hicimos con Julio Rojas, el director de fotografía es Arnaldo Rodríguez, y la montajista es Valeria Hernández, con la misma que montamos La memoria del agua, entonces fue un desafío muy muy bonito, ellos me armaron un equipo técnico también de primerísimo nivel y lo disfruté muchísimo. Una experiencia en la que me sentí súper cómodo, también estando en un país diferente siempre es enriquecedor y estoy súper contento la verdad, es un proyecto que surgió a partir de un remake de En la cama, pero finalmente hicimos una película nueva explorando los temas de pareja, temas que he venido ya desarrollando con los anteriores trabajos, así que estoy súper contento y ahora en pleno proceso de edición.
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Gianfranco Foschino, jurado de la Competencia Cortometrajes Talento Nacional -Ya habías estado antes en el festival, pero en otro contexto... ¿Qué te parece volver a participar en SANFIC, pero ahora como jurado? Me parece una fantástica oportunidad para participar de las actividades en torno al festival, conocerlo desde un lugar nuevo. Hace mucho que no le dedico tiempo al cine, así que encantado y súper agradecido de la invitación.
Llevo años haciendo cortometrajes, ahora éstos claramente no poseen una estructura narrativa muy clara y la gran mayoría no han sido concebidos para ser exhibidos en un cuarto oscuro. El video arte no es más que cine (cortometraje o largometraje) proyectado en otro lugar distinto a la sala. El cine narrativo convencional me entusiasma mucho y siempre ha sido una gran e inspiradora escuela, espero poder graduarme uno de estos días! Ser lo suficientemente paciente como para enfrentar una aventura como tal.
-Probablemente esta es tu primera vez como jurado en un festival de cine, ¿qué te parece poder abordar lo audiovisual desde este otro ángulo? Es todo un desafío, me gusta lo de tener un voto... Sin duda será un lindo ejercicio y una experiencia enriquecedora, no por el hecho de ser crítico sino por la posibilidad de formar y compartir criterios de evaluación. -¿Qué elementos valoras y destacas más en un cortometraje como representación audiovisual? Creo que hacer un cortometraje es muy complicado por un tema de tiempos. Para contar una historia atractiva es necesario establecer un ritmo narrativo muchísimo más eficaz que cuando estás trabajando en un largometraje. El arco dramático es más corto, y eso lo hace más intenso y preciso a la vez.
Matías Bize
-¿Estás contento con la recepción que ha estado teniendo tu nueva exposición?¿esperas que quizás a través del festival de cine pudiera llegar un público distinto? La verdad es que estoy feliz con la exposición LOCUS en el Museo de Artes Visuales, fue un desafío personal muy grande y hasta último minuto estuvimos trabajando resolviendo todos los detalles… Me alegra que ésta haya coincidido con el festival y estoy muy expectante con lo que pueda pasar. Espero esas críticas Joel!
Giandranco Foschino
-Tuviste formación audiovisual y has desarrollado una ascendente trayectoria como artista visual, ¿has considerado alguna vez poder incursionar también en la dirección de cortometrajes o incluso largometrajes? 7
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Competencia de Cine Chileno
CARLOS LEIVA, director de El primero de la familia -¿A nivel visual y narrativo, fue muy complicado el paso del cortometraje original a esta película?¿Qué elementos te interesaba aprovechar de profundizar y desarrollar? A nivel narrativo el paso no fue demasiado complejo, ya que tanto el cortometraje como el largometraje mantienen a nivel temático el mismo ADN. En ese sentido la película es una maduración y mayor exploración reflexiva a una familia que ya se bosquejaba en el cortometraje. El mayor desafío fue encontrar un hilo conector que ligara emotivamente a todos los integrantes de la familia. Y el mismo cine, mágicamente, me entregó ese conector. Yo terminé el cortometraje a fines del 2009 y en agosto del 2010 lo seleccionaron en el festival de Sao Paulo. A los 24 años me subía por primera vez a un avión, siendo el primero de la familia en hacerlo. Hicimos una celebración (igual que en la película). Y así se me iluminó la ampolleta. El viaje en avión iba a ser el suceso que conectara a la familia durante el fin de semana en el que transcurre la película. A nivel visual el desafío fue mucho mayor. El cortometraje lo hicimos con lo que había no 8
más en la universidad. Su factura técnica era bien mala pero se disimulaba por la estética realista y la crudeza de la historia. El desafío en la película era mantener esa estética realista pero con una factura técnica mejor pensada y mejor ejecutada. En la práctica nos enfrentamos con las dificultades mismas de la locación, que era muy pequeña. El hacinamiento que se ve en la película es totalmente real. Con suerte entraban los actores y el director de fotografía. Entonces también tuvimos que adecuarnos y funcionar con una constante modificación de la puesta en escena in situ. Por ejemplo, para varias escenas teníamos pensado hacer tres planos, pero eran imposibles en las piezas tan pequeñas de la casa. El mayor problema fue el baño. -Debe haber sido un gran apoyo el contar con Camilo Carmona tanto en el corto como en el largometraje, ¿de qué manera trabajaron en conjunto su personaje protagónico? Tener a Camilo ha sido fundamental en todo el proceso. Porque no sólo es un gran actor, sino también es un gran profesional y un gran amigo. Él al igual que yo, desde el principio sintió que la historia del cortometraje podía derivar hacia un largometraje. Entonces desde el principio también comenzamos a planificarlo juntos; él desde la actuación, yo desde la dirección.
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Si digo que el guión comenzó a ser escrito desde el 2010 también tendría que decir que el personaje principal también fue discutido arduamente desde ese año. Tuvimos cientos de conversaciones de cómo tenía que ser el Tomás de la película. Era un desafío interesante, porque el protagonista es el personaje menos intenso de todos. Sus otros familiares siempre están viviendo un drama muy feroz que manifiestan en palabras y acciones. El personaje de Camilo siempre es como el testigo de todo esto, casi como una visita incómoda dentro de su propia familia. En la escritura y en los ensayos sabíamos que el personaje nunca iba a explotar, nunca iba a hacer alguna acción tan intensa, sólo contener una gran pulsión hasta donde más pudiera, como alguien que sobrellevaba una gran cantidad de traumas que quería dejar atrás con este viaje a Europa por algunos años. Otro aspecto muy importante y que estudiamos mucho con Camilo fue la relación del personaje con su hermana chica. Esa relación pseudo incestuosa no podía reducirse a ser sólo eso; tras esa pulsión había muchas cosas, el peso de una crianza machista y exitista sumado al enorme peso de la relación angustiante con su casa. Un personaje que toda su vida ha dormido en la misma pieza que su hermana. Todo en esa casa tiene injerencia en él; todos los espacios de ese hogar familiar son una especie de herida. Herida que se manifiesta en una pulsión sexual hacia ella que se va tornando insostenible. Cuando estábamos cerca del rodaje ensayamos mucho la película. Hicimos ensayos con cada integrante de la familia, Tomás con su padre (viendo todas las emociones que el padre implicaban para el personaje principal) y así con todos. Dándole mayor preponderancia a los ensayos entre él y la actriz que interpreta a su hermana. Esa relación entre los hermanos fue bastante conversada y ensayada. También hicimos ensayos de la familia.
-La temática social acá es muy importante, ¿crees que en el cine chileno hace falta abordar mucho más estos temas que no siempre están presentes en las películas de nuestra cinematografía? Lo social para mí es fundamental. Yo al menos no concibo que el cine no se haga cargo desde algún lugar por lo menos de la crítica situación que vive nuestro país. Para mí el cine es una manifestación artística que puede llegar a ser muy política y contingente. Me parece que como realizadores nunca debiésemos permitir que se apague la llama crítica que el cine tiene. Ni siquiera que se apague por cinco minutos. En ese sentido, El primero de la familia se plantea como una película que propone una reflexión crítica sobre el Chile actual desde una familia chilena que vive en una población santiaguina. Una reflexión que aborda la idea de un supuesto progreso del país dándole amplias oportunidades a los jóvenes de surgir y profesionalizarse. Es una película que desde esta idea de país progresando reflexiona sobre aquello que está debajo. Sobre lo que se oculta tras el azaroso triunfo de un joven que logró surgir desde el barrio. Sobre los que no triunfaron y no van a triunfar. Y sobre todo el costo real de ese supuesto progreso social que tendrá el protagonista en el futuro. Hago hincapié en siempre mantener activa la llama crítica, porque siento que hay momentos en los que las oleadas de nuestro cine se dejan llevar por aires que ponen el acento casi exclusivamente en la forma y en lo artístico. No quiere decir que piense que sólo haya que hacer cine social, pero sí instaría a los jóvenes de las escuelas de cine, y a los autodidactas, que nunca hay que olvidar esa llama crítica.
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ÁLEX ANWANDTER, director de Nunca vas a estar solo -¿Qué tanto de ficción y realidad hay en tu relato? Es sólo ficción, informada por nuestra realidad, por supuesto. La homofobia es real y la violencia es concreta, pero la ficción -hacer una historia de ficción en vez de una biopic sobre Daniel Zamudio, por ejemplo- sirve como una herramienta para decir que este es un tema a discutir. No fue algo que le pasó a un solo niño y sólo sucedió hace 4 años. Sucede todos los días. -¿Cómo fue el proceso de rodaje mezclando actores de trayectoria con nuevos talentos? Personalmente, no hice ninguna distinción en el trato porque ambos me merecen mucho respeto y también me parecía importante exigirlos por igual. Creo que tanto los actores con mucha experiencia como los debutantes apreciaron esos criterios. En lo personal, una de las cosas que más valoro del rodaje fue la amistad que pude forjar con Sergio Hernández. -¿Qué opinión te merece la ley de antidiscriminación que dio origen este terrible caso? Me parece importante que el Estado no participe de invisibilizar esa violencia y la condene a través 10
de sus leyes. Por otra parte, creo que hasta que la homofobia -o la violencia por discriminación o de género- no sean parte de nuestra cotidianidad, de la representación en medios, humoristas, etc. falta un cambio cultural que demora décadas. -Lamentablemente, siguen ocurriendo casos como los de Daniel Zamudio. ¿Cuál crees que es el origen y la solución para que no sigan ocurriendo estos hechos de violencia homofóbica en nuestro país? Creo que pensar que hay una sola solución posible borra el hecho que es un problema sistémico. ¿Por qué es gracioso aún para parte de la población el chiste del peluquero afeminado? Porque es un hombre actuando femeninamente. ¿Por qué eso es malo? Porque la mujer y lo femenino son considerados aún inferiores en muchas dimensiones de nuestra vida. Algo que afecte tantas esferas -si puedes caminar por la calle con tu pareja del mismo sexo sin ser agredido, si puedes doblar la muñeca o no, si vas a ganar el mismo sueldo que otro colega de otro sexo, si te puedes casar, si eres dueña de tu cuerpo- no se puede describir sino como una red de violencias. Una red que se desmantela lenta, pero constantemente. El cine e historias como la que se ven en Nunca vas a estar solo permiten abstraer estas redes que nos afectan a todos y funcionan como un vehículo de reflexión que nos sirve como sociedad, no sólo a los receptores de esta violencia.
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Directores Competencia Cortometraje Talento Nacional YERKO FUENTES / Director de Santiago -¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? Surgió por una necesidad de autoexpresión, acerca de mi pueblo, San Javier, mi niñez. Creo que ese periodo es el que sienta las raíces existenciales de cualquier ser humano, y en efecto determina el porvenir creativo de un hacedor de arte. En aquel entonces fui testigo de la verdadera pobreza, azumagada en el adobe y los pisos de tierra, la pobreza con ratones muertos y pañales encallados a orillas de los riachuelos colmados de agua pluvial. La marginalidad de personajes con problemas mentales, conductas aberradas, a veces infrahumanas. San Javier en los años 90 era un pueblo mojado. No sé por qué en aquellos años llovía tanto, había mucha niebla o caían heladas terribles, siempre todo era blanco y azul, brumoso. El agua siempre estaba presente en sus tres estados, ese elemento también es algo que quedó impregnado en mí, sobre todo el agua sucia. Además, como por efecto de realismo mágico, años más tarde viví situaciones muy similares a las que veía en estos escenarios; frío y hambre en muchos niveles. Quiero decir que estas sensaciones no solo existen en un nivel físico, los seres humanos también vivimos hambre y frío en el espíritu. Quizá el cortometraje no muestra tan profundamente todos los elementos que menciono, pero sí estarán presentes en la versión largometraje que ya estoy escribiendo y pretendemos realizar en un futuro no muy lejano. -¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? Me interesa crear un reflejo de lo universal, a través de un elemento singular. Me interesa hablar de mis propios sentimientos y mi visión acerca de lo que significa la pobreza y la marginalidad, aspectos 12
que se viven de muchas maneras y en muchos niveles, mas allá de la forma estandarizada que los medios tienen de abordar estas problemáticas. La pobreza para mí existe en muchas capas del ser humano, quiero decir; existe la pobreza material, la más comúnmente conocida, pero también cohabita en nosotros la pobreza intelectual, eso se manifiesta en el violento desarrollo de la sociedad, a veces no somos capaces de comprender sus dinámicas. También existe la pobreza espiritual, eso se manifiesta en la falta de amor, del contacto sutil entre seres humanos, porque pareciera ser que hoy en día sólo se valida el contacto, la comunicación práctica, sobre todo en capitales como Santiago. Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época. No veo mucho cine, soy muy ignorante al respecto, pero me gusta mucho Rosetta de los hermanos Dardenne, Attenberg, Nostalgia, etc. Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época. Insisto, no veo casi nada de cine, lo que más hago es aprender de forma empírica, pero me gusta mucho el sensible y honesto trabajo de los hemanos Dardenne, el universal simbolismo del maestro Tarkovski: más allá de su cine, él es un ser muy hermoso. David Lynch ha desdoblado la narrativa a su antojo, eso lo admiro mucho. Él es en su propia forma.
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-¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? Me interesaba mostrar una violencia institucionalizada en nuestro país, la individualidad que conduce a la desconfianza, y la desconfianza que es motor de un fascista encubierto en cada uno de nosotros. Cada vez se está haciendo más normal que suban videos de ajusticiamiento social, o es fácil escuchar al señor del almacén que se va a armar para protegerse en las noticias. Algo que considero que es parte de una tradición histórica en América Latina, “para el oprimido su sueño es dejar de serlo para convertirse en opresor” (Paulo Freire). Yerko Fuentes, Director de Santiago
SEBASTIÁN SAAVEDRA / Director de Últimos días -¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? La idea surgió el año pasado, cuando en el verano me vino a visitar mi hermano, quien vive en el extranjero. Poco nos vemos, pero tratamos de aprovechar el tiempo creativamente, hicimos una especie de remake de la misma película que hacíamos cuando chicos, la que era de acción; drogas, disparos y persecuciones, para el caso él compró una pistola a fogueo. Grabamos con un celular y una tascam portátil: The devil loads the gun, un corto aún en proceso. Cuando se fue me dejó el arma para que siguiera haciendo películas, pues no se la dejarían entrar a su país, ahí fue cuando comencé a cuestionarme la normalidad y facilidad que se adquieren estas armas en nuestro país, y cuál era su uso aparte de props para películas. En ese mismo tiempo tenía que hacer mi tesis para la universidad, quería hacer algo con la pistola, pero no el remake de esas mismas películas de acción, tenía la idea de trabajar con el género de suspenso, pero más psicológico y aterrizado a un universo chileno contemporáneo. Así que puse la misma pistola de fogueo en las manos de un personaje que la fuera a comprar motivado por el miedo y la desconfianza, algo que considero una característica del chileno aferrado a su mundo material. El dueño de una panificadora y su cotidiano familiar fue el punto de partida.
-Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época. Perfect Blue, de Satoishi Kon - Cuentos de Tokio, de Yasujiro Ozu - Los idiotas, de Lars von Trier - 2001, odisea en el espacio, de Kubrick – Bolivia, de Israel Adrián Caetano - Mi enemigo íntimo, de Werner Herzog - Matar a un hombre, de Alejandro Fernández Almendras - Julien Donkey Boy, de Harmony Korine Under the Skin, de Jonathan Glazer - Tres tristes tigres, de Raúl Ruiz. -Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época. Pedro Costa, Cristián Sánchez, Tsai Ming Liang, Werner Herzog, Joshua Oppenheimer
Sebastián Saavedra, Director de Últimos días
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IÑAKI VELÁZQUEZ, PAMELA HURTADO/ Directores de Victoria Rosana Maite -¿Cómo surgió la idea de filmar este cortometraje? Iñaki Velázquez (IV): Hace unos años, me enteré de que un colegio que estaba cerca de mi casa en Viña del Mar, había sido denunciado por discriminación homofóbica. Busqué esa noticia y me contacté con la familia real que sufrió este episodio. Ellas nos invitaron a su hogar, nos contaron su historia y nos inspiramos en eso para hacer el retrato de una familia homoparental. Una familia como cualquiera, con particularidades como mi familia y la tuya. Pamela Hurtado (PH): Esta idea nace en una primera instancia desde mi codirector Iñaki, me contó sobre la historia real e inmediatamente me interesé en desarrollar juntos un guión. Me atrajo mucho la crudeza de los hechos, me impactó la crueldad, pero al mismo tiempo fue enternecedor ver a estas tres mujeres sólidas y orgullosas de lo que son. Entonces pensé que sería muy interesante ficcionarla tratando de retratar ambos polos, trabajar en los matices y además intentar de sacar a la luz este tipo de hechos que suceden en Chile y el mundo. A mí me gustó conocer esta historia, conocerlas a ellas, por lo tanto querré que más gente la conozca también aunque esté ficcionada.
-Menciona entre cinco y diez películas que te gusten mucho y/o sean tus favoritas, de cualquier nacionalidad y época. IV: El viaje de Chihiro, La madre del cordero (que fue dirigida por mis compañeros de universidad), Bestias del sur salvaje, Ida, Gloria. PH: El chacal de Nahueltoro – El club – Love: Paradise – La cinta blanca – Festen – La chica del dragón tatuado (Fincher) - Her - Alicia en el país de las maravillas (Tim Burton) -Cinco cineastas a los que admires, de cualquier nacionalidad y época. IV: Hayao Miyazaki, Yasujiro Ozu, Wes Anderson (que fueron referencias directas en nuestro corto), Kathryn Bigelow y Sebastián Lelio. PH: Samira Makhmalbaf, Bela Tarr, Andrei Tarkovsky, Gaspar Noe, Thomas Vinterberg.
-¿Qué te interesaba contar o mostrar con tu corto? IV: El objetivo principal era mostrar la realidad particular de una familia homoparental en Chile, y una crisis de pareja que las hace pasar por un complejo momento, para terminar más unidas que nunca. De hecho, por eso el título Victoria Rosana Maite. Porque eso está en juego, la unidad de ellas como familia. Por eso decidí no separarlas con una gramática correcta. PH: Yo diría que el punto central es tratar de sensibilizar al espectador, tanto con el hecho duro de discriminación en sí, como con todo lo que una situación de este tipo involucra. Para nuestra protagonista la crisis desata confusión, rabia, impotencia y ambiente problemático en todas los aspectos de su vida; me gusta eso, me gusta meterme y ver qué pasa con esas cosas.
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Iñaki Velázquez, Director de Victoria Rosana Maite
Pamela Hurtado, Directora de Victoria Rosana Maite
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Presentaciones, lanzamientos y almuerzos Muy movidos han estado los primeros días de funciones en SANFIC, en particular en las primeras proyecciones de producciones chilenas. En estas imágenes destacamos algunas, incluyendo presentaciones de bloques de la Competencia Cortometraje Talento Nacional, y los estrenos de dos títulos de la Competencia de Cine Chileno: El primero de la familia, de Carlos Leiva, y Nunca vas a estar solo, de Álex Anwandter. Además de las películas que se pueden ver en las salas durante SANFIC, muchas otras actividades se realizan en el marco del festival. Entre ellas, acá destacamos el lanzamiento del libro Memoria emotiva de la actriz Catherine Mazoyer, que convocó a grandes rostros de la actuación nacional, quienes se reunieron para celebrar a la mujer en la historia de la escena local. También se realizó el tradicional almuerzo que reúne a los jurados de las distintas competencias. Ambas actividades se efectuaron en Grand Hotel Hyatt.
Gabriela Sandoval, Sonia Mena, Viviana Bendeck, Bélgica Castro, Catherine Mazoyer y Alejandro Sievenking
Isidora Cabezón, Viviana Bendeck, Catherine Mazoyer, Delfina Guzmán, Grimanesa Jiménez y Gabriela Sandoval
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Cristián Carvajal y Luz Jiménez
Amparo Noguera, Catherine Mazoyer y Gloria Laso
Catherine Mazoyer
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Sonia Mena, Bélgica Castro, Ximena Rivas, Delfina Guzmán y Alejandro Sieveking
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Almuerzo Jurados
Benjamín López, José Rodríguez, Molly O’Keefe y Langdon Page
Fernando Sokolowicz, Viviana Bendeck y Juan Pablo Galli
Carlos Núñez. Yenny Chaverra y Benjamín López
Langdon Page, Benjamín López y Inti Cordera
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Presentaciones pelĂculas
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