Rivierart n25 08 2017 by Rivierart

rivier a rt

LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÃ&#x153;NSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

CHÂTEAU-D’OEX, DU 6 AU 15 OCTOBRE 2017

17e édition

...concerts

spectacle pour enfants balade didactique

cinéma musique & gastronomie…

INFO | RÉSERVATIONS:

www.bois-qui-chante.ch

PAYS-D’ENHAUT TOURISME: TEL +41 (0)26.924.25.25

SOMMAIRE INHALT CONTENTS découvertes 21 24 - 25

Rencontres & Inspiration 150 ans Montreux Gymnastique

éVéNEMENTs 30 - 31 34 - 35

Festival le Bois qui Chante Biennale de Montreux

Expositions 23 32

John-Francis Lecoultre Regards croisés

artiste 33

Nathalie Masset

MUSéES 8 - 11 12 - 13 14 - 19 20 22 26 - 29 36 - 37 38 - 41 42 - 45 46 - 47 48 - 49

Alimentarium CACY MBAL Maison d’Ailleurs Musée Jenisch Musée Olympique Fondation de l’Hermitage Collection de l’Art Brut Musée Ariana Musées - Vaud, Neuchâtel Musées - Bâle, Berne, Zurich, Zug Grisons, St-Gall, Appenzell, Valais, Schaffhouse, Fribourg, Genève rivierart

rivierart

Editorial Geneviève Brunner-Frass Photo: krakote.com

Fondatrice et éditrice de Rivierart Gründerin und Herausgeberin von Rivierart Founder and editor of Rivierart

Chères lectrices et chers lecteurs,

Liebe Leserinnen und liebe Leser,

Dear Readers,

Le terme d’art des fous forgé dès les années 1920 et rebaptisé «art brut» par Jean Dubuffet en 1945 englobe des œuvres créées par des non professionnels en dehors de tout souci des normes esthétiques établies. Il s’agit donc d’un art spontané, sans prétentions culturelles et sans démarche intellectuelle. Ce qui fascine dans l’«art brut», c’est ce besoin impérieux de créer, cette spontanéité, cette liberté d’expression, cette création sans calcul, sans considération d’un quelconque jugement de valeur. Et si cet été nous nous laissions inspirer par ces artistes, si nous acceptions nous aussi de ne pas forcément chercher un sens à tout, mais tout simplement de nous laisser vivre, de découvrir et de tenter de nouvelles expériences sans prétentions. Nous pourrions par exemple visiter les expositions de nos musées en toute spontanéité ou encore pour les plus sportifs venir faire un tour à Montreux les 23 et 24 septembre !

Der Begriff der „Kunst der Verrückten“, der in den 1920er Jahren aufkam und 1945 von Jean Dubuffet in „art brut“ umbenannt wurde, umfasst Werke, die von Laien ohne jegliches Einbeziehen der festgelegten ästhetischen Normen erstellt wurden. Es handelt sich also um eine spontane Kunst ohne kulturellen Anspruch und ohne intellektuellen Ansatz. Was an der „art brut“ fasziniert, ist der Drang zu schaffen, die Spontanität, die Meinungsfreiheit, die Schöpfung ohne Berechnung, ohne Berücksichtigung von Werturteilen. Wie wäre es, wenn wir uns in diesem Sommer von den Künstlern inspirieren lassen, wenn auch wir akzeptieren, nicht unbedingt in allem einen Sinn suchen zu müssen, uns stattdessen einfach nur treiben zu lassen, zu entdecken und anspruchslos neue Erfahrungen zu sammeln. Wir könnten zum Beispiel spontan die Ausstellungen unserer Museen besuchen und die Sportlichen können auch am 23. und 24. September in Montreux vorbeikommen!

The term ‘art des fous’ which came to prominence in the 1920s and was re-baptised ‘art brut’ or raw art by Jean Dubuffet in 1945, describes an art created by non-professionals outside of any concern for the established aesthetics of the time. It refers to spontaneous art, art without cultural pretensions or intellectual approach. What is fascinating about ‘art brut’ is its imperative for creation, for spontaneity, freedom of expression, and creation without calculation or considerations of value judgment. This summer, what if we allowed ourselves to be inspired by these artists. What if we gave up the need to make sense of everything, but instead allowed ourselves to simply live, discover and try new experiences without pretentions. We could, for example, spontaneously visit a museum exhibition or for the more sporting amongst us, make haste to Montreux on September 23rd and 24th !

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Alimentarium Quai Perdonnet 25 CH-1800 Vevey www.alimentarium.org

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26.06.17 09:11

L’invitée de Rivierart Ursula Zeller Directrice de l’Alimentarium Direktorin des Alimentarium Director of the Alimentarium

photo: © Nicolas Jutzi, Alimentarium

En juillet 2014, je suis arrivée à Vevey pour occuper le poste de directrice de l’Alimentarium (une fondation Nestlé), au milieu d’un processus visant à réformer le Musée pour mieux le préparer à l’avenir. Notre vision: créer un centre de compétences public dont le contenu est mis à disposition de façon objective, sur place mais aussi, via Internet, dans le monde entier. Je dirige ce processus en vue de créer une institution qui satisfasse tant les visiteurs que les internautes. À cette fin, nous avons complètement revisité l’exposition permanente et l’organisation du bâtiment; et via la page alimentarium.org, nous avons développé l’offre numérique pour atteindre un public international. On y trouve l’eMagazine, l’eCollection, l’eSavoir ainsi qu’une académie pour professeurs, élèves et parents. Les contenus sont constamment étoffés. En 2017, le thème choisi, Manger – Vice ou Vertu ? permet d’explorer les notions antagoniques de ‘bon’ et de ‘mauvais’, de ‘naturel’ et d’‘artificiel’. De l’effet magique de certains aliments aux défis du bio en passant par les risques nutritionnels, la thématique actuelle nous absorbe et passionne le public! Quelle période palpitante!

Im Juli 2014 kam ich als Direktorin nach Vevey an das Alimentarium, eine Stiftung von Nestlé – mitten in einen laufenden Prozess, der das Museum neu denken und zukunftsfähig machen soll. Unsere Vision ist ein Public Learning Centre, das seine Inhalte objektiv und verständlich im Museum, aber auch weltweit über das Internet zur Verfügung stellt. Meine Aufgabe ist, diesen Prozess strategisch zu steuern, um eine Institution zu formen, die Besuchern wie Internet-Usern gerecht wird. Daher wurden nicht nur die Dauerausstellung völlig neu und das Gebäude umgestaltet, sondern mit alimentarium.org für ein weltweites Publikum das digitale Alimentarium mit eMagazin, eCollection, eWissen sowie mit einer Akademie für Lehrer, Schüler und Eltern entwickelt. Dessen Inhalte werden ständig aktualisiert und erweitert – 2017 mit dem Thema Essen – Recht oder Schlecht? Im Fokus stehen essensbezogen die Begriffspaare ,gut - schlecht’, ,natürlich -künstlich’. Von magischer Wirkung mancher Nahrungsmittel über Ernährungsrisiken bis zu den Herausforderungen des Bio-Landbaus – das aktuelle Thema hat uns fest im Griff und fasziniert das Publikum. Eine aufregende Zeit!

Dr. Ursula Zeller

I arrived in Vevey in July 2014 to take over the directorship of the Alimentarium, a Nestlé foundation, in the midst of a process to redesign the Museum and make it sustainable. Our vision is to create a Public Knowledge Centre, which shares its content clearly and objectively, both at the Museum itself and worldwide via the Internet. My task is to steer this process strategically, to forge an institution catering for visitors and Internet users alike. We have not only completely revamped the permanent exhibition and building, but also developed alimentarium.org, a digital Alimentarium for a global audience, with eMagazines, an eCollection, eKnowledge, and an Academy for teachers, pupils and parents. Our content is constantly updated and expanded, and 2017 has seen the addition of the theme Food – Vice or Virtue? The focus here is on the notions of ‘good’ and ‘bad’, ‘natural’ and ‘artificial’ in relation to food. From the magical qualities attributed to certain nutrients, to dietary risks, and the challenges of organic farming, this latest topic has captivated us and is fascinating our audiences too! Exciting times! Dr Ursula Zeller

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ALIMENTARIUM Manger - Vice ou Vertu ? jusqu’en avril 2018 vevey - SWITZERLAND Avec Manger – Vice ou Vertu ?, l’Alimentarium lance son premier thème annuel depuis sa réouverture en juin 2016. Une thématique qui apporte du reneau aux trois secteurs de l’exposition permanente - Aliment, Société et Corps. Des effets magiques attribués à certains nutriments aux contraintes économiques de l’agriculture biologique, en passant par les risques et inquiétudes alimentaires, l’Alimentarium propose d’explorer les notions de «bon» et «mauvais», de «naturel» et d’ «artificiel», appliquées à la nourriture et à ses modes de production. Entre perceptions et discours scientifiques actuels, cette thématique offre une saveur nouvelle à l’exposition permanente. Elle évoluera tout au long de l’année avec de nouveaux contenus accessibles en tout temps, tant sur la plateforme digitale qu’entre les quatre murs du Musée.

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Mit Essen – Recht oder Schlecht? startet das Alimentarium sein erstes Jahresthema seit der Wiedereröffnung im Juni 2016. Eine Thematik, die Neuheiten in die drei Bereiche der Dauerausstellung - Essen, Gesellschaft und Körper bringt. Von wunderkräftigen Nährstoffen über Ernährungsrisiken bis zu Problemen des Bio-Landbaus spüren wir den mit Essen und Nahrungsproduktion verbundenen Begriffspaaren „gut“ und „schlecht“, „natürlich“ und „künstlich“ nach. Zwischen subjektiver Wahrnehmung und wissenschaftlichem Diskurs sorgt dieses Thema für frischen Wind in der Dauerausstellung. Das Alimentarium präsentiert dafür das ganze Jahr hindurch neue, jederzeit zugängliche Inhalte – sowohl auf der digitalen Plattform als auch im Museum.

With Food – Vice or Virtue? the Alimentarium is launching its first annual theme since reopening in June 2016. This topic adds a sprinkle of seasoning to the three sectors of the permanent exhibition, Food, Society and the Body. From the magical qualities attributed to certain nutrients, to the economic constraints of organic farming, and to food safety and nutritional concerns, the Alimentarium invites you to explore the concepts of “good” and “bad”, “natural” and “artificial”, when applied to food and how it is produced. Traversing popular notions and current scientific discourse, this theme adds a new twist to the permanent exhibition. It will evolve throughout the year, with the addition of new content accessible in the Museum itself or 24/7 on its digital platform. kebab vegetal alimentarium © Nicolas Jutzi

Secteur Aliment

Bereich Essen

The Food Sector

Nous adaptons la nature afin de répondre à nos besoins alimentaires, en sélectionnant et adaptant les espèces et variétés, en mettant en place des systèmes agricoles et en sélectionnant les aliments dont notre corps a besoin en fonction de leur composition chimique, notamment. Des approches perçues comme naturelles et respectueuses de l’environnement aident à remettre en question le productivisme établi. Qu’en est-il et quelles en sont les conséquences ? Le secteur Aliment aborde la question «naturel vs. artificiel» à travers trois angles d’approche: la composition des aliments du point de vue des molécules qu’ils contiennent, les modes de production, allant de la permaculture à l’agriculture intensive du 20e siècle, pour terminer avec un aperçu des méthodes de transformation et de conservation, qui confèrent aux aliments une plus grande durabilité dans le temps. Comme symbole des modes de culture alternatifs, un « kebab végétal » est placé à l’entrée du Musée. Il montre comment des variétés de fraises, de salades ou de baies de goji sont capables de pousser en « aéroculture », sans terre ni lien avec le sol. Consommés à outrance, certains aliments sains peuvent devenir néfastes. L’oeuf, par exemple, représente un apport en protéines mais fût mis au ban dans les années 80 pour son contenu en cholestérol. Tous les produits, transformés ou directement issus de la nature, sont des assemblages de molécules chimiques aux propriétés particulières dont notre corps a besoin ou non pour vivre et se régénérer, telles que le glucose, le fructose ou le lactose, par exemple. Ainsi, graisses, protéines, sucres, eau et autres solvants, arômes et minéraux, tous participent à la composition de nos aliments. Est-ce bien naturel ? Avec l’industrialisation, de vastes systèmes de production alimentaire ont émergé et notre pain quotidien provient aujourd’hui de toute la planète. Produire plus pour assurer la sécurité alimentaire des populations est l’un des moteurs de l’agriculture qui alimente les débats actuels. Ce moteur en surchauffe fonctionnerait parfois au détriment de notre environnement ou de notre santé. D’autres alternatives existent-elles ? Comment les mettre en place ? Avant d’être consommés, la plupart des aliments subissent des transformations. La fabrication de certains produits, comme les céréales, permet de les rendre consommables, alors que d’autres sont conservés afin d’être stockés ou transportés. Le produit final peut parfois sembler bien éloigné de celui issu de la nature, en raison des différentes étapes de transformation opérées par l’homme pour modifier les propriétés des aliments avant qu’ils terminent dans nos assiettes Des transformations physiques ou chimiques, artisanales ou issues d’une approche scientifique plus récente, mais qui dénaturent sans aucun doute les matières premières.

Wir gestalten die Natur nach unseren Ernährungsbedürfnissen: Auswahl und Züchtung von Tier- und Pflanzenarten, Einrichtung landwirtschaftlicher Systeme, Nahrungsmittelauswahl nach chemischer Zusammensetzung für den Körper. Als naturgerecht und umweltschonend proklamierte Methoden stellen die bisherige Intensivproduktion in Frage. Was ändert sich dadurch, und was folgt aus solchem Planwechsel? Im Bereich Essen nähern wir uns der Fragestellung „natürlich oder künstlich“ aus drei Blickwinkeln: Die molekulare Zusammensetzung von Nahrungsmitteln, die Produktionsweisen – von der Permakultur zur intensiven Landwirtschaft des 20. Jh. - und schliesslich ein Überblick über Verarbeitungs- und Konservierungsmethoden für die Haltbarmachung von Lebensmitteln. Als Symbol alternativer Anbaumethoden zeigen wir einen „Gemüse-Spiess“ der anderen Art im Eingangsbereich des Museums. Er macht nachvollziehbar, wie verschiedene Sorten Erdbeeren, Salat oder GojiBeeren in einer „Aerokultur“ ohne Erde oder Bodenverbindung wachsen. Exzessiv genossen sind einige Lebensmittel schädlich. Eier sind z.B. Eiweisslieferanten, allerdings standen sie in den 1980er Jahren wegen ihres Cholesteringehalts in schlechtem Ruf. Alle Nährstoffe wie Glukose, Fruktose oder Laktose, bearbeitet oder direkt aus der Natur, bestehen aus chemischen Verbindungen mit bestimmten Eigenschaften, die unser Körper zum Leben und zur Regeneration braucht - oder auch nicht. So sind Fette, Proteine, Zucker, Wasser und andere Lösemittel, Aromen und Mineralien Bestandteil unserer Nahrungsmittel. Während Ameisen schon immer die Erde bearbeiteten und andere Spezies durch Züchtung in Dienst nahmen, begnügte sich der Mensch lange mit dem Sammeln und der Jagd von Nahrung, bevor er Ackerbau trieb. Er verbesserte bald seine Technik und erzielte Ernteüberschüsse, die er gegen andere Güter eintauschen konnte. Mit der Industrialisierung entstanden weit gefächerte Nahrungsproduktionsketten: Das Essen kommt heute von allen Kontinenten zu uns. Für die Ernährungssicherung mehr zu produzieren, ist eine Triebfeder der in die Diskussion geratenen Landwirtschaft. Denn deren überhitzter Motor funktioniert womöglich nur auf Kosten der Umwelt oder Gesundheit. Gibt es dazu Alternativen? Wie lassen sie sich verwirklichen? Die meisten Lebensmittel werden vor dem Verzehr verarbeitet. Manche Nahrungsmittel wie z.B. Getreide werden dadurch erst geniessbar. Zur Verarbeitung zählt die Konservierung, die Lagerung und der Transport. Schrittweise verändern wir durch Verarbeitung die Eigenschaften von Nahrungsmitteln bis sie auf unseren Teller kommen; das Resultat kann sich vollkommen vom Naturprodukt unterscheiden. Solche Transformationen basieren auf physischen, chemischen oder handwerklichen Methoden sowie auf modernster Wissenschaft, aber sie denaturieren ohne Zweifel das Ausgangsmaterial.

We alter nature to meet our dietary needs, by selecting and adapting species and varieties, setting up agricultural systems and selecting the food our bodies need based on its chemical composition. Approaches that appear to be natural and environmentally friendly help question wellestablished productivism. How do things stand and what are the consequences? The Food sector addresses the question of “natural versus artificial” from three perspectives: the composition of food in terms of its molecules; production methods, ranging from 20thcentury intensive farming to permaculture; and, finally, an overview of the methods used to process and preserve food to extend its shelf life. To illustrate alternative cultivation techniques, a “plant kebab” is on display at the entrance to the Museum. It shows how varieties of strawberry, lettuce or goji berry are able to grow in “aeroculture”, without soil or any connection to the ground. If eaten to excess, even healthy food may become injurious. If you take eggs for example, they provide proteins, but were shunned during the 1980s for their cholesterol content. All products, whether processed or acquired directly from nature, are assemblies of chemical molecules with specific properties our bodies may or may not need to live and regenerate, such as glucose, fructose or lactose, for example. Fats, proteins, sugars, water and other solvents, flavourings and minerals are an integral part of our food. Is it really natural? While ants have always cultivated the soil and reared other species, human beings harvested and hunted long before they became farmers. They then improved techniques, produced more than necessary and traded the surplus. Industrialisation lead to the emergence of vast food production systems and our food now stems from all over the world. Producing more in order to ensure food security is a driving force in agriculture that is currently fuelling debate. If it becomes too intense, it may have a detrimental effect on the environment and on our health. Are there any alternatives? How can we put them in place? Most food undergoes some form of processing before we consume it. Manufacturing makes cereals edible for example. Preserving makes storage and transportation possible. The various stages of processing modify the properties of food; hence, the final product on our plates may be radically different from its natural counterpart! Such transformations may be physical or chemical, follow traditional methods or result from a more recent scientific approach, yet without doubt, they all denature the raw material.

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photo de gauche - Secteur Aliment, Alimentarium, photo © Nicolas Jutzi - photo de droite - Secteur Société, Alimentarium, photo © Nicolas Jutzi

Secteur Société

Bereich Gesellschaft

The Society Sector

Comment comprendre le fait qu’on attribue des vertus ou des vices à certains aliments ? Manger est avant tout l’un des actes les plus intimes qui soit: se nourrir, c’est faire siens les aliments, qui deviennent ensuite notre propre corps. Sur le plan symbolique, les qualités attribuées à un aliment sont censées devenir celles du mangeur. Rousseau pensait déjà que les végétariens étaient de nature pacifique, alors que les carnivores étaient plutôt des guerriers. Pour Rousseau, « tout est bien sortant des mains de la Nature ». Aujourd’hui, le consommateur a l’impression d’avoir perdu la maîtrise de son alimentation. C’est peut-être l’une des raisons qui le poussent vers des aliments naturels qui donnent plus confiance. D’un point de vue sociologique, manger est un facteur d’appartenance : absorber un produit valorisé par un groupe social permet d’appartenir à ce dernier. La nourriture de l’Autre est souvent inquiétante. Par exemple, le quinoa, ressource alimentaire principale des Incas, fut cultivée jusqu’à l’invasion de leur territoire au 16e siècle par les Espagnols qui interdirent sa culture. Aujourd’hui, pour faire partie des « cools », on se différencie des autres en mangeant des baies de goji et en sirotant du thé vert. Le secteur Société survole différentes thématiques: le dégoût alimentaire, la phobie des plantes nouvelles ou celle de la chaire animale, sans oublier les bienfaits des boissons miracles, le thé ou le café.

Warum schreiben wir bestimmten Lebensmitteln positive oder negative Wirkungen zu? Essen ist eine intime Handlung: Es bedeutet, sich Stoffe anzueignen, die damit Teil unseres Körpers werden. Metaphorisch betrachtet gehen deren Eigenschaften auf den Essenden über. Rousseau glaubte, dass Vegetarier friedliebend, Fleischesser eher kriegerisch seien. Für ihn ist „alles gut, was aus den Händen der Natur kommt“. Heute haben die Verbraucher den Eindruck, die Kontrolle über ihre Ernährung zu verlieren. Vielleicht ist das einer der Gründe, lieber naturbelassene Lebensmittel zu wählen, denen sie vertrauen. Soziologisch gesehen produziert Essen Zugehörigkeit: Eine von einer sozialen Gruppe geschätzte Speise zu verzehren, manifestiert den Gruppenzusammenhalt. Die Nahrung des ‚Anderen‘ dagegen bewirkt Misstrauen. So bauten die Inka ihre wichtigste Nahrungsquelle Quinoa an, bis die Spanier im 16 Jh. ihr Land besetzten und die Anpflanzung verboten. Heute gilt als „cool“, wer sich durch das Essen von Goji-Beeren und Schlürfen von grünem Tee von anderen absetzt. Der Bereich Gesellschaft behandelt mehrere Themenfelder: Die Abneigung gegen bestimmte Lebensmittel, die Angst vor neuen Pflanzen oder tierischem Fleisch – und nicht zuletzt die Attraktivität von Wundertränken wie Tee oder Kaffee.

Why do we drape certain foodstuffs in vice or virtue? Eating is one of the most intimate acts we perform: When we eat, we make food our own. It goes on to become part of our own body. On a symbolic level, the qualities attributed to a foodstuff are said to become those of the person eating it. Rousseau believed that vegetarians were naturally peace loving, while meat eaters were more warrior-like. He declared, “Everything is good as it leaves the hands of Nature.” Today’s consumers feel they have lost control of what they eat. This is perhaps one of the reasons why they are drawn towards natural foodstuffs that inspire more confidence. From a sociological point of view, eating influences our sense of belonging. Ingesting a product favoured by a particular social group enables us to belong to that group. The food of others can often be unsettling. As an example, quinoa, the main food source of the Incas, was grown until the Spanish invaded their territory in the 16th century and banned its cultivation. Today, to be “trendy”, we tend to set ourselves apart from others by eating goji berries and sipping on green tea. The Society sector addresses various topics: food aversion, the phobia of eating animal flesh or new plants, and the benefits of ‘miracle drinks’ such as tea and coffee.

Secteur Corps Les nutriments essentiels à la construction de notre corps et à son fonctionnement sont apportés par la diversité des aliments et leur mode de préparation. Se nourrir est un acte de société, dépendant de notre héritage culturel et rituel, au cours duquel tous nos sens sont mis en éveil. Grâce aux cinq sens, le cerveau crée une image cohérente mais subjective du monde, à partir d’un flot d’informations sensorielles. Une image cohérente n’est pas nécessairement un exact réplica de la réalité - illusions d’optiques et intuition olfactive nous le rappellent. Cette perception parfois trompeuse peutelle influencer nos choix alimentaires ?

Bereich Körper Die für Aufbau und Funktionieren nötigen Nährstoffe erhält der Körper aus unterschiedlich zubereiteten Nahrungsmitteln. Essen ist ein gesellschaftlicher, von Kultur und Tradition bestimmter Akt, der alle Sinne betrifft. Über die fünf Sinne formt das Gehirn in einem einzigartigen Vorgang aus einer Flut von Eindrücken ein zusammenhängendes, aber fiktives Bild der Aussenwelt, das die Realität nicht unbedingt exakt widerspiegelt - wie optische Täuschungen und Geruchserinnerungen belegen. Beeinflusst diese manchmal trügerische Wahrnehmung unsere Ernährungsentscheidung?

The Body Sector The diversity of food we eat and the way it is prepared provide the nutrients that are essential for maintaining our body and enabling it to function. Eating is a social act, dependent on our cultural and ritual heritage, during which our five senses are aroused. The brain then creates its own fictitious image of the world around us from this stream of sensorial information. This subjective image is not necessarily an exact replica of reality, as various optical illusions and olfactory intuition remind us. Can this perception, however misleading, influence our food choices?

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Après avoir sollicité tous nos sens, les aliments que nous mangeons sont décomposés dans le tube digestif. À l’heure du quantified self, les ouvrages de régime se multiplient, les conseils nutritionnels fleurissent de toutes parts et une alimentation saine et équilibrée est un gage de bonne santé. Il fut un temps où l’évaluation de notre état de santé était réalisée exclusivement par le corps médical. Paramètres physiologiques et données autobiographiques étaient ainsi collectés, un diagnostic posé et des conseils prodigués. Désormais, il est possible de mesurer soi-même l’évolution de ces données en tout temps: activité physique, repos, poids et masse graisseuse, tension artérielle, calories consommées, glycémie… Cette disponibilité nous aide-t-elle réellement à faire les choix appropriés ? Les portions consommées ces quarante dernières années se sont faites de plus en plus volumineuses. Apprendre ou réapprendre les bases d’une alimentation variée et équilibrée passe par un ajustement nécessaire des portions consommées. Compter les calories et les nutriments est une mesure essentielle pour le nutritionniste, mais difficile à appliquer dans la vie de tous les jours. Donner des exemples simples, des « assiettes idéales » ou des exemples de portions, telle est la voie suivie par les organismes de santé. Suivre les recommandations présentées sur les emballages, favoriser les fruits et légumes, et utiliser de petites assiettes et des verres allongés, autant de petites astuces à mettre en oeuvre chez soi.

L’ART DE PHOTOGRAPHIER LE SPORT

DU 25.05 AU 19.11.2017

After arousing all our senses, the food we eat is broken down in the digestive tube. In the era of the quantified self, books about weight loss have proliferated, dietary advice abounds all around us, and a healthy, balanced diet is a measure of good health. There was a time when we usually turned to the medical profession to assess our state of health, collect physiological parameters and autobiographical data, make a diagnosis and give advice. It is now possible to measure and track data ourselves, at any time of day: physical activity, rest, weight, body fat, blood pressure, calories consumed, blood sugar levels... Does having this information at hand really help us make the right choices? Always wanting more, anytime, anywhere? Why limit ourselves if we can eat more? Over the past forty years, we have been eating bigger portions. Learning or revising the basics of a varied and balanced diet requires adjusting the portions we eat. How can we do this? Counting calories and nutrients is an essential step for nutritionists, but is not easy to do in everyday life. Health organisations give simple examples, ‘ideal plates’ or suggested servings. Other tips include following the recommendations shown on packaging, making vegetables and fruit the default choice and using small plates and tall glasses.

Beim Essen fordern wir all unsere Sinne; danach werden die verzehrten Nahrungsmittel im Darm verdaut. Im Zeitalter des quantified self, erhalten wir von allen Seiten eine Flut von Diät- und Ernährungsratschlägen. Eine gesunde, ausgewogene Ernährung scheint ein Garant für eine gute Gesundheit zu sein. Früher bewertete der Arzt unseren Gesundheitszustand, sammelte physiologische und biografische Daten, diagnostizierte und gab Rat. Heute messen wir unsere Daten täglich selbst rund um die Uhr: Körperliche Anstrengung, Ruhezeiten, Gewicht, Fettmasse, Blutdruck, Kalorienaufnahme, Blutzuckerspiegel... Doch verhilft uns all das zu den richtigen Entscheidungen? Folglich wurden die Verzehrportionen seit vierzig Jahren grösser. Die Grundsätze einer abwechslungsreichen und ausgeglichenen Ernährung (wieder) zu erlernen, setzt zwangsläufig deren Reduktion voraus. Aber wie? Kalorien und Nährstoffe zu quantifizieren ist für den Ernährungswissenschaftler belangvoll, im Alltag jedoch schwer zu verwirklichen. Gesundheitsorganisationen empfehlen daher ‚ideale Mahlzeiten‘ oder geben einfache Beispiele für ausgeglichene Portionen. Herstellerempfehlungen zu beachten, Gemüse und Obst zu bevorzugen, kleine Teller und schmale Gläser zu benutzen, sind weitere nützliche Tipps.

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cacy From here to ear Céleste Boursier-Mougenot du 29 juillet au 5 novembre 2017 yverdon-les-bains - SWITZERLAND Oeuvre vivante et éphémère de Céleste Boursier-Mougenot, From Here to Ear (v.22) est à comprendre comme un ensemble organique pensé en relation étroite avec l’architecture du CACY, transformé pour l’occasion en volière géante. Cette étonnante disposition sonore associe durant 3 mois guitares électriques et 88 diamants mandarins, de ravissants petits pinsons originaires des steppes australiennes. Chanteurs et grégaires, ces oiseaux nichent en groupe sur d’insolites perchoirs, qui consistent en une quinzaine de guitares et de basses électriques amplifiées et prêtes à accueillir ces volatiles qui, au gré de leurs mouvements sur les cordes, jouent live des accords préenregistrés rock, punk et métal.

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Das lebendige und vergängliche Werk „From Here to Ear (v.22)“ von Céleste Boursier-Mougenot ist als organisches Ensemble zu verstehen, das in enger Beziehung mit der Architektur des CACY erdacht wurde, welches für diesen Anlass in eine riesige Voliere verwandelt wurde. Diese erstaunliche Klanganlage beherbergt 3 Monate lang elektrische Gitarren und 88 Zebrafinken, niedliche kleine Finken aus der australischen Steppe. Diese singenden Schwarmvögel nisten in Gruppen auf ungewöhnlichen Sitzstangen, die aus 15 verstärkten elektrischen Gitarren und Bässen bestehen und bereitstehen, um die Vögel zu willkommen, durch deren Bewegungen die Saiten angespielt werden und aufgenommene Rock, Punk und Metall-Akkorde wiedergeben.

Céleste Boursier-Mougenot’s living and ephemeral work ‘from here to ear (v.22)’ is an organic installation specifically conceived for the space of the CACY, transformed for the occasion into a giant aviary. On exhibition for three months, this astounding sonic arrangement features electric guitars and more than eighty-eight zebra finches, enchanting little chaffinches from central Australia. These tuneful and gregarious birds settle in groups on unusual perches consisting of a dozen amplified electric guitars and basses ready to receive the finches, which, as they fly about on the strings, play pre-recorded rock, punk and heavy-metal chords. Céleste Boursier-Mougenot, From here to ear, Mona Foma © Peter Whyte 2009

Céleste Boursier-Mougenot, from here to ear (v.19), Musée des Beaux-Arts, Montréal, © JustineFevrier

Tandis que les sonorités qu’ils génèrent se superposent à leurs propres chants, le concert de pattes sur guitares électriques qu’ils improvisent est régi par les battements d’ailes des oiseaux ainsi que par les mouvements des visiteurs déambulant dans les salles recouvertes de sable et de graminées. Céleste-Boursier Mougenot répond cet été à la double invitation faite par le CACY et R&Art pour présenter une intervention intra muros à Yverdon-les-Bains et extra muros dans les alpes valaisannes, à l’échelle du village de Vercorin: « Temps suspendu » (du 15 juillet au 24 septembre 2017, vernissage le 15 juillet à Vercorin). Während sich die erzeugten Klänge mit dem Gesang der Vögel überlagert, wird das durch ihre Füßchen auf den elektrischen Gitarren entstandene Konzert mit ihren Flügelschlägen und durch die Bewegungen der Besucher vervollständigt, die durch die mit Sand und Grass ausgestatteten Säle flanieren. Céleste-Boursier Mougenot antwortet diesen Sommer auf die doppelte Einladung des CACY und der R&Art, um eine Austellung intra muros in Yverdon-les-Bains und extra muros in den Walliser Alpen in Vercorin: „Suspended Time“ zu präsentieren (vom 15. Juli bis zum 24. September 2017, Vernissage am 15. Juli in Vercorin). While the sounds they generate are superimposed over their own birdsong, the composition of claws on electric guitars that they improvise is governed by the beating of the birds’ wings and by the movement of visitors as they wander around the sand and grass laid gallery. This summer, Céleste-Boursier Mougenot honours the CACY and R & Art by responding to their double invitation to present in-house in Yverdonles –Bains and open air in Vercorin, a village in the Valais Alps: "Time suspended" (From 15 July to 24 September 2017, opening on 15 July in Vercorin). rivierart

Mbal Utopia, Ina Jang - Document, Henry Leutwyler Entre l’art et la mode, photographies de la Collection Carla Sazzani jusqu’au 15 octobre 2017 le locle - SWITZERLAND Cet été le Musée des Beaux-Arts du Locle célèbre la photographie au travers de 4 expositions. «Entre l’art et la mode» réunit les plus grands photographes du 20e siècle autour de Carla Sozzani. «Document» dévoile la collection d’objets du photographe Henry Leutwyler. Ina Jang se réapprorie le nu féminin et l’exposition photobook offre un aperçu sur cet objet convoité par tous les photographes.

Diesen Sommer würdigt das Kunstmuseum Le Locle die Fotografie mit 4 Ausstellungen. „Zwischen Kunst und Mode“ versammelt die berühmtesten Fotografen des 20. Jahrhunderts um Carla Sozzani. „Dokument“ offenbart die Kollektion des Fotografen Henry Leutwyler. Ina Jang bemächtigt sich des weiblichen Aktes und die dem Bildband gewidmete Ausstellung bietet einen Einblick in diesen von allen Fotografen angestrebten Gegenstand.

This summer the Museum of Fine Arts in Le Locle celebrates photography through 4 exhibitions. “Between art and fashion” brings together the greatest photographers of the 20th century around Carla Sozzani. “Document” unveils Henry Leutwyler’s collection of objects. Ina Jang reappropriates the female nude and the exhibition dedicated to the photobook offers an overview on this object coveted by all photographers.

Utopia, Ina Jang Le langage photographique d’Ina Jang laisse deviner un univers onirique, où les jeux de perceptions, de textures et de formes sont des fondamentaux. Ses portraits à la palette pastelle explorent majoritairement le thème de l’identité féminine en référence à l’image de mode qu’elle pratique parallèlement à son travail personnel.

Utopia, Ina Jang Die fotografische Sprache von Ina Jang transportiert die Vorstellung einer Traumwelt, die vom Spiel mit der Wahrnehmung, mit Strukturen und Formen lebt. In dieser neuen pastellfarbenen Reihe befasst sich Ina Jang mit der weiblichen Identität im Bezug zur Modefotografie, die sie parallel zu ihrer Arbeit praktiziert.

Utopia, Ina Jang Ina Jang’s photographic language hints at an oneiric universe, in which plays on perception, textures, and forms, are fundamental. Her pastel palette portraits explore predominantly the theme of feminine identity in reference to the fashion image that she also cultivates in her personal work.

photo de gauche - Ina Jang,Tangerine, de la série Utopia, 2017 © Ina Jang, Courtesy Christophe Guye Gallery - photo de droite - Ina Jang, Rouge, de la série Utopia, 2017 © Ina Jang, Courtesy Christophe Guye Gallery

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photo de gauche - Ina Jang, Misty, de la série Utopia, 2016 © Ina Jang Courtesy Christophe Guye Gallery - photo de droite - Ina Jang, Watermelon, de la série Utopia, 2016 © Ina Jang Courtesy Christophe Guye Gallery

Une identité qu’elle aime masquer en superposant des couches de divers matériaux (papier, bois, cellophane, stickers etc.) sur l’image finale. Manipulant ses images aussi bien digitalement qu’analogiquement, l’artiste crée un monde poétique et minimaliste, complexe et multidimensionnel où réalité et fiction sont entrelacées. La série Utopia prolonge la réflexion que l’artiste sud-coréenne porte sur la représentation du corps féminin dans la photographie. Ici, Ina Jang se penche sur la figure de la pin-up telle qu’on la trouve dans les magazines de charme. Réalisée à partir d’images trouvées sur des sites Internet japonais, cette série présente des silhouettes de corps féminins aux poses suggestives. On trouve la marque de fabrique de l’artiste dans la technique du collage et le traitement des couleurs en dégradé. Les postures et chevelures n’ont pas été modifiées. En revanche, les corps ont été détourés pour laisser place à des surfaces colorées. Ce catalogue de silhouettes offre le regard d’une jeune artiste du 21e siècle qui s’empare du nu féminin, sujet issu d’une longue tradition remontant à la peinture et prisé par les photographes depuis l’invention du médium au 19e siècle. Admettant que de nos jours, il est encore difficile de devenir femme en s’affranchissant du regard masculin - particulièrement dans les cultures japonaises et coréennes - Ina Jang bouscule les codes de la culture visuelle actuelle. Et si cette série trouve ses origines dans une imagerie créée par des hommes pour des hommes, les couleurs vives, les formes métaphoriques et un certain anonymat établissent un nouveau dialogue avec celui qui les regarde, bien différent de celui entretenu par les images sources. En soustrayant les corps au regard, l’artiste joue avec l’idée d’une toile vierge sur laquelle il devient possible de composer une nouvelle figure de la féminité.

Eine Identität, die sie durch das Überlagen von Schichten verschiedener Materialien (Papier, Holz, Zellophan, Aufkleber, usw.) auf dem endgültigen Bild verbirgt. Sie manipuliert ihre Bilder sowohl digital als auch analog und erschafft eine Welt, zugleich poetisch und minimalistisch, als auch komplex und mehrdimensional, in welcher Realität und Fiktion verflochten sind. In Utopia hinterfragt sie die Stereotypen der Darstellung des weiblichen Körpers in der Fotografie. Hier beschäftigt sich Ina Jang mit der Figur des Pin-up, so wie es in Reizmagazinen abgebildet ist. Das Werk Utopia zeigt die Umrisse weiblicher Körper in verführerischen Posen. Der Stil der Künstlerin kommt in der CollageTechnik und im Einsatz einheitlicher Farbflächen zum Ausdruck. Die Körperhaltung und die Frisur wurden von der Künstlerin nicht verändert. Allerdings wurden die Körper ausgeschnitten, um den farbigen Oberflächen Platz zu verschaffen. Ihr Katalog aus menschlichen Umrissen vermittelt die Perspektive einer jungen Künstlerin des 21. Jahrhunderts, die ein uraltes Motiv für sich erobert: den weiblichen Akt, dessen lange Tradition bis in die Anfänge der Malerei zurückreicht und der bei den Fotografen seit dem 19. Jahrhundert beliebt ist. Zugebend, dass es heute immer noch schwierig ist, Frau zu werden, während man den männlichen Blicken ausweicht - besonders in der japanischen und koreanischen Kultur - erschüttert Ina Jang die Normen der aktuellen visuellen Kultur. Auch wenn diese Serie ihren Ursprung in einer männlichen Bildersymbolik findet, stellen die hellen Farben, die metaphorische Formen und eine gewisse Anonymität einen neuen Dialog mit dem Betrachter her, der von den ursprünglichen Bildern stark abweicht. Indem sie die Körper dem Blick entzieht, spielt sie mit der Idee einer leeren Leinwand und ermöglicht es, eine neue Figur der Weiblichkeit zu erstellen.

An identity that she likes to mask by superposing layers of diverse materials (paper, wood, cellophane, stickers, etc.) on the final image. Manipulating her images both digitally and analogically, the artist creates a world that is poetic and minimalist, complex and multidimensional, where reality and fiction are interlaced. The Utopia series extends the South Korean artist’s reflection on the representation of the female body in photography. Here, Ina Jang relies on the figure of the pin-up as found in magazines. Realized from images found on Japanese internet websites, this series presents silhouettes of female bodies in suggestive poses. We find the artist’s trademark in the technique of collage and the gradient color processing. The poses and hair have not been modified, but in contrast the bodies were trimmed to make space for colored surfaces. This catalogue of silhouettes displays the gaze of a young artist of the 21st century who seizes the female nude, a genre with a long tradition dating back to painting that has been valued by photographers since the invention of the medium in the 19th century. Admitting that even now it is still difficult to liberate one’s self from the male gaze while becoming a woman–particularly in Japanese and Korean cultures - Ina Jang challenges the codes of current visual culture. And if this series finds its origins in imagery created by men for men, the bright colors, the metaphorical forms, and a certain anonymity establish a new dialogue with one who looks at them - a dialogue considerably different from the one preserved in the source images. By subtracting the body from the gaze, the artist plays with the idea of a virgin canvas on which it is possible to compose a new figure of femininity. rivierart

photo de gauche - © Henry Leutwyler, Mohandas Gandhi’s pocket watch, série Document, 2004-2016 - photo de droite - © Henry Leutwyler, Charlie Chaplin’s cane used in City Lights (1931), série Document, 2013

DOCUMENT - Henry Leutwyler La photographie de célébrités est un genre qui ne s’épuise pas. Portraits de vedettes de cinéma, d’artistes, d’hommes d’état, de musiciens, de sportifs... les magazines sur papier glacé savent que le succès est assuré lorsque la photographie nous fait rêver. Henry Leutwyler en sait quelque chose, lui qui a fait les portraits de Julia Roberts, Michelle Obama ou Rihanna et qui travaille pour des magazines aussi prestigieux que Vanity Fair, New York Times Magazine, Esquire, Vogue ou Time. Produit de 12 ans de recherches et de découvertes, la série Document se présente comme une galerie de portraits d’objets ayant appartenu à des célébrités que Leutwyler aurait pu photographier s’il était né quelques années plus tôt ! La montre de poche de Gandhi, les lunettes de John Lennon (et l’arme qui l’a tué), le pinceau d’Andy Warhol, le chausson de boxe de Mohamed Ali, le gant de Michael Jackson, la guitare de Jimi Hendrix, le portefeuille d’Elvis Presley ou la clé de la chambre d’hôtel de James Dean... Leutwyler a photographié des centaines d’objets ayant appartenu à des idoles disparues aujourd’hui. Isolés de leur contexte et de leur propriétaire, ces objets, ordinaires ou iconiques, captent notre attention. Authentiques, usagés, ils sont les témoins matériels de leur propriétaire, leurs reliques. Ces natures mortes nous invitent dans l’intimité des célébrités de manière inédite.

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DOCUMENT - Henry Leutwyler Porträts von Filmstars, Künstlern, Staatsmännern, Musikern, Sportlern... Die Fotografie berühmter Persönlichkeiten ist ein Genre, das nie aus der Mode kommt, denn die Herausgeber von Hochglanzmagazinen wissen, dass der Erfolg sicher ist, wenn die Fotografie unsere Träume beflügelt. Henry Leutwyler kann dies bezeugen, da er bereits Persönlichkeiten wie Julia Roberts, Michelle Obama oder Rihanna fotografiert hat und für namhafte Magazine wie Vanity Fair, New York Times Magazine, Esquire, Vogue oder Time arbeitet. Die aus einer 12-jährigen Entdeckungsreise entstandene Reihe „Document“ erscheint wie eine Objektsammlung aus dem Nachlass von Berühmtheiten, die Leutwyler gerne persönlich fotografiert hätte, wenn er ein paar Jahre früher geboren worden wäre. Gandhis Taschenuhr, John Lennons Brille (und die Waffe, mit der er ermordet wurde), Andy Warhols Pinsel, Muhammad Alis Boxschuhe, Michael Jacksons Handschuh, Jimi Hendrix’ Gitarre, Elvis Presleys Geldbeutel oder der Schlüssel von James Deans Hotelzimmer... Leutwyler hat hunderte von Objekten fotografiert, die verschwundenen Idolen gehörten. Losgelöst von ihrer Geschichte und ihrem Eigentümer fesseln diese Gegenstände unseren Blick. Sie sind greifbare Zeugnisse ihres Besitzers, reale Spuren dieser Berühmtheiten, ihre Reliquien. Diese Stillleben gewähren uns gewissermassen durch die Hintertür Einlass in die Intimität der Berühmtheiten.

DOCUMENT - Henry Leutwyler Celebrity photography is a genre that never runs out of steam. Portraits of movie stars, artists, statesmen, musicians, athletes… glossy magazines know that success is assured when photography prompts us to dream. Henry Leutwyler knows something about this, he who has made portraits of celebrities like Julia Roberts, Michelle Obama or Rihanna, and who works for such prestigious magazines as Vanity Fair, New York Times Magazine, Esquire, Vogue or Time. A product of 12 years of discoveries, the series Document presents itself like a portrait gallery of objects that belonged to celebrities that Leutwyler would have been able to photograph had he been born but a few years earlier! Gandhi’s pocket watch, John Lennon’s glasses (and the weapon that killed him), Andy Warhol’s paintbrush, Mohamed Ali’s boxing shoe, Michael Jackson’s glove, Jimi Hendrix’s guitar, Elvis Presley’s wallet, or James Dean’s hotel room key… Leutwyler photographed hundreds of objects that had belonged to idols who are no longer here today. Isolated from their context and their owner, these objects, whether ordinary or iconic, capture our attention. Authentic, worn, they are their owners’ material witnesses, their relics. These still lifes invite us into intimacy with celebrities in an unprecedented way. The gaze is first seduced by the object which presents itself to us as an icon of the modern world.

Le regard est d’abord séduit par l’objet qui se présente à nous telle une icône du monde moderne. Alors que l’oeil en suit les contours, soudain des souvenirs d’un autre temps émergent. Puis vient le nom de leur propriétaire qui fait naître de nouvelles images, des visages célébrés sur écran et papier glacé. Le célèbre photographe américain Irving Penn disait : « La nature morte est une manière de représenter les gens. Ils sont en arrièreplan, simplement l’appareil photo ne fait pas la mise au point sur eux. » Leutwyler ne le contredira pas, lui qui nous fait relire l’histoire différemment, avec toute la charge émotionnelle inattendue que comporte cette collection d’objets singuliers. Henry Leutwyler est né en Suisse en 1961. Il a vécu et travaillé à Paris pendant dix ans avant de s’établir à New York en 1995. Il doit sa réputation à ses portraits et à ses natures mortes. Le MBAL lui dédie ici sa première exposition dans un musée. Le fait que celle-ci ait lieu en Suisse est particulièrement symbolique aux yeux de l’artiste car l’entrée à l’école de photographie de Vevey lui avait été refusée lorsque, jeune homme, il rêvait de devenir photographe !

Der Blick wird zuerst von dem Objekt angezogen, das sich uns als Ikone der modernen Welt vorstellt. Während das Auge den Konturen folgt, tauchen plötzlich Erinnerungen einer anderen Zeit auf. Dann kommen die Namen der Besitzer und erzeugen neue Bilder, Gesichter auf Bildschirmen und Glanzpapier. Der berühmte amerikanische Fotograf Irving Penn sagte: „Das Stillleben ist eine Art Leute darzustellen. Sie sind im Hintergrund, die Kamera fokussiert einfach nicht auf sie.“ Durch die ungeahnte Intensität der Emotionen, die diese Sammlung aus einzigartigen Objekten auslöst, eröffnet Leutwyler uns eine neue Perspektive auf die Geschichte. Henry Leutwyler wurde 1961 in der Schweiz geboren. Zehn Jahren lebte und arbeitete er in Paris bevor er sich 1995 in New York niederliess. Er verdankt seinen Ruf seinen Porträts und seinen Stillleben. Das MBAL widmet ihm hier seine erste museale Ausstellung. Die Tatsache, dass diese in der Schweiz stattfindet, ist für den Künstler besonders symbolträchtig, da ihm damals die Annahme an der Vevey Fotoschule verweigert wurde, als er ein junger Mann war und davon träumte Fotograf zu werden !

As the eye follows its contours, suddenly memories of another time emerge. Then comes the name of its owner, which gives rise to new images, to those faces celebrated on screen and on glossy pages. The famous American photographer Irving Penn once said: “Still life is a representation of people. They are in the background. The camera is simply not focused on them.” Leutwyler, who prompts us to reread history in a different way, with all the unexpected emotional charge that this collection of singular objects entails, would not contradict him. Henry Leutwyler was born in Switzerland in 1961. He lived and worked in Paris for ten years before settling in New York in 1995. He owes his reputation to his portraits and still lifes. The show at MBAL is his first museum exhibition. The fact that MBAL is located in Switzerland is particularly symbolic in the eyes of the artist because he was refused admission to the Vevey school of photography when he, as a young man, dreamed of becoming a photographer !

entre l’art et la mode Il est rare pour un musée de consacrer une exposition à une collection privée. Généralement, il s’agit d’emprunter une oeuvre d’art ici ou là et d’indiquer discrètement le nom du généreux prêteur si celui-ci ne souhaite pas rester anonyme. Avec cette exposition, Carla Sozzani, figure éminente de l’élégance contemporaine, nous accueille dans son intimité. Sa collection de photographies, qui couvre les 20e et 21e siècles, est remarquable en tous points.

zwischen kunst und mode Es kommt selten vor, dass ein Museum eine Privatkollektion ausstellt. Der übliche Weg besteht darin, ein Kunstwerk hier oder dort auszuleihen und den Namen des grosszügigen Verleihers diskret anzugeben, falls er nicht anonym bleiben möchte. Mit dieser Ausstellung gibt uns Carla Sozzani, eine herausragende Persönlichkeit der Modewelt, einen Teil ihrer Privatsphäre preis. Ihre Fotokollektion, die das 20. und 21. Jahrhundert umfasst, ist in allen ihren Aspekten bemerkenswert.

between art and fashion It is rare for a museum to dedicate an exhibition to a private collection. Generally, it is a matter of borrowing a work of art here or there, and discretely indicating the name of the generous lender if the latter does not wish to remain anonymous. With this exhibition, Carla Sozzani, a legendary figure of contemporary elegance, welcomes us into her intimate space. Her collection of photographs, which covers the 20th and 21st centuries, is remarkable in all respects. Bureau de Carla Sozzani © Ilvio Gallo

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photo de gauche - Dominique Issermann, Carla Sozzani chez Azzedine Alaïa (Carla Sozzani at Azzedine Alaïa) 2014 © Dominique Issermann - photo de droite - Erwin Blumenfeld, Le Décolleté (The Décolleté), Victoria von Hagen, for Vogue, New York, 1952 © The Estate of Erwin Blumenfeld

Plus de 70 photographes sont représentés parmi les 200 tirages choisis par Fabrice Hergott, directeur du Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. On y trouve les plus grands noms - Richard Avedon, Horst P. Horst, William Klein, Man Ray, László Moholy- Nagy, Don McCullin, Daido Moriyama, Helmut Newton, Irving Penn, Paolo Roversi, Alfred Stieglitz - et de nombreuses femmes photographes, telles que Berenice Abbott, Lillian Bassman, Louise Dahl-Wolfe, Dominique Issermann, Sheila Metzner, Sarah Moon, Leni Riefenstahl et Francesca Woodman. La femme est au coeur de cette collection, en tant qu’auteur, sujet et objet. Les photographies réunies ici sont telles différentes scènes qui composent un scénario construit par Carla Sozzani au cours des années. Elles figurent un monde en noir et blanc où prédomine une certaine idée de la beauté. L’ensemble pourrait se résumer à une suite de moments fugaces, énigmatiques, et chargés d’émotion, tels des souvenirs qui laissent leur empreinte dans la mémoire. En parcourant cette vaste collection, nous ne pouvons qu’être saisis par ces figures féminines qui s’exposent et se dérobent à notre regard. Il est vrai que la mode est présente à travers les silhouettes et l’icône n’est jamais très loin. Une harmonie émerge de cette profusion d’images mais on y décèle aussi une passion pour le mystérieux et l’étrange.

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In den 200 Abzügen, die von Fabrice Hergott, dem Direktor des Musée d’Art Moderne der Stadt Paris, ausgewählt wurden, sind über 70 Fotografen anzutreffen. Darunter die berühmtesten männlichen Fotografen - Richard Avedon, Horst P. Horst, William Klein, Man Ray, László MoholyNagy, Don McCullin, Daido Moriyama, Helmut Newton, Irving Penn, Paolo Roversi, Alfred Stieglitz – sowie zahlreiche Fotografinnen, wie Berenice Abbott, Lillian Bassman, Louise Dahl-Wolfe, Dominique Issermann, Sheila Metzner, Sarah Moon, Leni Riefenstahl und Francesca Woodman. Die Frau steht im Zentrum dieser Sammlung, als Autor, Subjekt und Objekt. Die hier vereinten Fotos sind wie unterschiedliche Szenen und bilden ein über die Jahre von Carla Sozzani aufgebautes Drehbuch. Sie stellen eine Welt in schwarz und weiss dar, wo eine gewisse Vorstellung von Schönheit vorherrscht. Das Ganze kann als eine Folge flüchtiger, rätselhafter und emotionaler Momente zusammengefasst werden, die wie Erinnerungen ihren Abdruck im Gedächtnis hinterlassen. Durch diese riesige Sammlung wird man von den weiblichen Figuren erfasst, die sich unserem Blick aussetzen und entziehen. Die Mode ist durch die Silhouetten anwesend und Ikonen sind nicht weit. Die Fülle von Bildern strahlt Harmonie aus und doch erkennt man eine Leidenschaft für das Geheimnisvolle und das Ungewöhnliche.

More than 70 photographs are represented among the 200 prints selected by Fabrice Hergott, director of the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. We find in the show some of the greatest photographers - Richard Avedon, Horst P. Horst, William Klein, Man Ray, László MoholyNagy, Don McCullin, Daido Moriyama, Helmut Newton, Irving Penn, Paolo Roversi, Alfred Stieglitz - and numerous female photographers such as Berenice Abbott, Lillian Bassman, Louise DahlWolfe, Dominique Issermann, Sheila Metzner, Sarah Moon, Leni Riefenstahl and Francesca Woodman. The woman is at the heart of this collection, as author, subject, and object. The photographs, composed of such different scenes, are reunited here in a scenario construted over the years by Carla Sozzani. They figure a world in black and white, where a certain idea of beauty predominates. The whole could be summed up in a succession of moments that are fleeting, enigmatic, and charged with emotion - of such remembrances that leave their imprints on memory. Travelling through this vast collection, we cannot be but seized by these feminine figures that expose themselves and elude our gaze. It is true that fashion is present across the silhouettes and the icon is never very far. A harmony emerges from this profusion of images, but we also detect a passion for the mysterious and the strange.

La photographie nourrit Carla Sozzani depuis le début de sa carrière et sa collection s’enrichit au cours des rencontres. Jouant un rôle fondamental dans la mode depuis le début des années 1970, Carla Sozzani collabore avec de nombreux photographes lorsqu’elle est rédactrice en chef des éditions spéciales de Vogue Italia, puis lorsqu’elle fonde le ELLE italien. Connue pour son regard aiguisé et son sens esthétique, elle participe au parcours de très nombreux créateurs. En 1990, elle fonde à Milan la Galleria Carla Sozzani, où elle expose principalement de la photographie, puis l’année suivante ouvre 10 Corso Como, le tout premier concept store qui s’est depuis lors déployé à Séoul, Shanghai, Pékin et bientôt New York. La richesse de sa collection dévoile une personnalité intelligente, sensible, cultivée, persévérante et éprise de beauté. On y trouve beaucoup d’icônes mais aussi des images méconnues, insolites, et qui nous émerveillent. Cette exposition exceptionnelle, organisée en collaboration avec la Fondazione Sozzani à Milan, est née de la volonté du couturier Azzedine Alaïa, qui appartient au cercle intime de Carla Sozzani, et qui a présenté la collection dans sa galerie parisienne l’hiver dernier.

Seit Beginn ihrer Karriere stellt die Fotografie für Carla Sozzani eine Kraftquelle dar, und ihre Kollektion wuchs durch Begegnungen, die die Jahre mit sich brachten. Carla Sozzani, die seit den l970er Jahren die Modewelt entscheidend mitprägt, arbeitete in ihrer Zeit als Chefredakteurin der italienischen Ausgabe der Vogue und als Gründerin der italienischen ELLE mit zahlreichen Fotografen zusammen. Da sie für ihren geschärften Blick und ihren Sinn für Ästhetik bekannt ist, wirkte sie am Werdegang sehr vieler Künstler mit. Im Jahr 1990 gründet sie in Mailand die Galleria Carla Sozzani, wo sie hauptsächlich Fotografien ausstellt. Ein Jahr später eröffnet sie 10 Corso Como, den allerersten Konzeptstore, der sich seither in Seoul, Shanghai und Peking etabliert hat und bald in New York entstehen wird. Die Vielseitigkeit dieser Kollektion zeugt von einer intelligenten, feinfühligen, gebildeten und ausdauernden Persönlichkeit, die die Schönheit verehrt. Man findet dort viele Klassiker, aber auch in Vergessenheit geratene, ausgefallene Motive, die uns verzaubern. Diese aussergewöhnliche Ausstellung entstand aus der Initiative des Modeschöpfers Azzedine Alaïa, der zum engsten Freundeskreis von Carla Sozzani gehört und diese Kollektion im vergangenen Winter in seiner Galerie in Paris präsentierte.

Photography nourished Carla Sozzani from the very beginning of her career, and her collection was enriched over the course of many encounters and several years. Playing a fundamental role in fashion since the early 1970s, Carla Sozzani collaborated with numerous photographers while she was editor in chief of special editions of Vogue Italia, and continued to do so after she founded Italian ELLE. Known for her sharp eye and her aesthetic sense, she launched the careers of numerous creators. In 1990, she founded the Galleria Carla Sozzani in Milan, where she mainly exhibits photography. Then, the following year, she founded 10 Corso Como, the very first concept store, which has since then been deployed in Seoul, Shanghai, Peking, and will soon open in New York. The richness of this collection unveils an intelligent, sensitive, cultivated, persevering, and beauty-loving personality. We find in it many icons but also images that are unknown, unusual, and that awe us. This exceptional exhibition, organized in collaboration with the Fondazione Sozzani in Milan, originated from the wishes of couturier Azzedine Alaïa, who belongs to Carla Sozzani’s intimate circle, and who displayed the collection in his Parisian gallery last winter.

mbal ENTRE L’ART ET LA MODE – Photographies de la Collection Carla Sozzani - jusqu’au 15 octobre 2017 zwischen kunst und mode - fotografien aus der kollektion carla sozzani – bis zum 15. oktober 2017 BETWEEN ART AND FASHION – Photographs of the Collection of Carla Sozzani – until october 15th 2017 DOCUMENT – Henry Leutwyler- jusqu’au 15 octobre 2017 DOCUMENT – Henry Leutwyler – bis zum 15. oktober 2017 DOCUMENT – Henry Leutwyler – until october 15th 2017 PHOTOBOOK – Le culte du livre – jusqu’au 15 octobre 2017 photobook – der kult des buches – bis zum 15. oktober 2017 PHOTOBOOK – The Cult of the Book – until october 15th 2017 UTOPIA – Ina Jang – jusqu’au 15 octobre 2017 UTOPIA – Ina Jang – bis zum 15. oktober 2017 UTOPIA – Ina Jang – until october 15th 2017 WALL DRAWINGS – Sol LeWitt – jusqu’au 15 octobre 2017 WALL DRAWINGS – Sol LeWitt – bis zum 15. oktober 2017 WALL DRAWINGS – Sol LeWitt – until october 15th 2017 cONTACT ET www.mbal.ch

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maison d’ailleurs Corps-concept jusqu’au 19 novembre 2017 yverdon-les-bains - SWITZERLAND Le transhumanisme: le mot regroupe un ensemble de pratiques déjà présentes dans notre quotidien et qui se généraliseront sans nul doute au cours des prochaines décennies. Ces pratiques relèvent d’une idéologie complexe - celle de l’humain augmenté - qui vise, par l’intermédiaire d’interventions technologiques, à dépasser les limitations propres à la nature humaine et à « fabriquer » notre destin utopique : le posthumain. Par le biais des oeuvres artistiques de Beb-deum, de Matthieu Gafsou, de Jean-Pierre Kaiser et des étudiants de l’ECAL, « Corps-concept » a pour objectif de réfléchir à la conception du corps sous-entendue par le transhumanisme, de pointer les paradoxes de cet idéal de perfectibilité et de contribuer au débat public en vous invitant à vous situer de manière nuancée face à cette utopie contemporaine. Cette exposition ne cherche pas à montrer ce vers quoi nous tendons, elle vise à proposer un dispositif que tous les visiteurs de la Maison d’Ailleurs peuvent s’approprier pour interroger, la conception qu’ils ont de leur propre corps. Un corps devenu, aujourd’hui, une machine - un matériau - qu’on nous enjoint à modifier, à adapter, à augmenter. Le transhumanisme se postule comme un nouvel humanisme: « Corps-concept » désire questionner cet état de fait.

Transhumanismus: das Wort umschriebt damit Praktiken, die in unserem Alltag präsent sind und sich in den nächsten Jahrzehnten zweifellos zu Standards entwickeln werden. Dahinter steckt eine komplexe Ideologie, die es mittles technologischen Eingriffen (Human Enhancement) anstrebt, die Grenzen der menschlichen Natur zu überwinden und somit unser utopisches Schicksal „herzustellen“: das Posthumane. Ausgehend von Kunstwerken von Bebdeum, Matthieu Gafsou, Jean-Pierre Kaiser und Studierenden der ECAL verfolgt die Ausstellung „Corps-concept“ die Ziele, über die Betrachtungsweise des Körpers im Transhumanismus nachzudenken, auf die Paradoxe dieses Ideals der Perfektionierbarkeit hinzuweisen und zur öffentlichen Debatte beiztutragen, indem man eingeladen wird, sich zu dieser zeitgenössischen Utopie eine eigene Meinung zu bilden. Die Ausstellung versucht nicht zu zeigen, wohin die Reise geht, sie zielt darauf ab, dem Besucher ein Dispositiv anzubieten, das es ihm ermöglicht, die Vorstellungen zu hinterfragen, die er von seinem Körper hat. Ein Körper, der heute zu einer Maschine - zur Materie - geworden ist, von der erwartet wird, dass sie abgeändert, angepasst und verbessert wird. Der Transhumanismus bietet sich an als neuer Humanismus: Mit dieser Sachlage möchte sich „Corps-concept“ auseinandersetzen.

Transhumanism: this term comprises a set of practices that are already very present in our daily lives and which will undoubtedly become more widespread in the coming decades. These practices are part of a complex ideology – that of the human enhancement - which seeks, through technological interventions, to overcome the limitations peculiar to human nature and to “fabricate” our own utopian destiny: the posthuman. Through the artistic works of Beb-deum (FR), Matthieu Gafsou, Jean-Pierre Kaiser and students from the ECAL, the exhibition “Corps-concept” aims to reflect on the concept of the body implied by transhumanism, to highlight the paradoxes of this ideal of perfectibility and to contribute to the public debate by inviting you to take a nuanced approach when confronted with this contemporary utopia. This exhibition therefore does not seek to show where we are heading; it aims rather to offer a means which all the visitors to the Maison d’Ailleurs can use to question, according to their own conscience and convictions, the conception that they have of their own body. A body that today has become a machine - a material - that we are enjoined to modify, adapt and enhance. Transhumanism is put forward as a new humanism: “Corps-concept” wishes to question this postulate.

photo de gauche - Exosquelette, Matthieu Gafsou, Tirage pigmentaire contrecollé sur aluminium, © Matthieu Gafsou, 2016 - photo du milieu - © ECAL/Elisa Ribeiro - photo de droite - © ECAL/Yul Tomatala

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RENCONTRES & INSPIRATION Sur les pas de nos hôtes célèbres MONTREUX-RIVIERA - SWITZERLAND Rencontres & Inspiration vous emmène dans différents lieux de Montreux Riviera. Sur le parcours, des bancs dédiés vous invitent à la rencontre de personnalités célèbres ayant séjourné dans la région. Pour profiter pleinement de Rencontres & Inspiration, une application vous guide par le biais d’un smartphone ou d’une tablette. A chaque banc, des anecdotes et un contenu multimédia exclusif vous donnent un aperçu supplémentaire sur chacune de ces personnalités.

Begegnungen & Inspiration führt Sie an die verschiedensten Orte der Montreux Riviera. Auf der Strecke laden Bänke dazu ein, berühmte Persönlichkeiten kennenzulernen, die sich in der Region aufgehalten haben. Damit Sie voll von Begegnungen & Inspiration profitieren, führt Sie die App auf Ihrem Smartphone oder Tablet. Bei jeder Bank erhalten Sie anhand von Anekdoten und exklusivem, multimedialem Material zusätzliche Informationen zu den jeweiligen Persönlichkeiten.

Encounters & Inspiration invites you to discover different places in Montreux Riviera. On the way, benches dedicated to famous people who once stayed in the region offer you the opportunity to learn more about them. In order to enjoy Encounters & Inspiration fully there is an application to guide you using your smartphone or a tablet. At each bench, anecdotes and exclusive multimedia content will give you an additional overview of each famous person.

sur les pas de hugo pratt L’auteur de bandes dessinés italien Hugo Pratt est né à Rimini en 1927. Il s’installa en 1984 au Chemin du Chauderon 6 à Grandvaux. C’est depuis la Suisse qu’il continua à se déplacer aux quatre coins du monde. Il n’hésitait pas à se rendre en taxi jusqu’à Lausanne ou même Paris pour prendre le train ou l’avion. Décédé en 1995, Hugo Pratt repose aujourd’hui au cimetière de Grandvaux. Une statue de son personnage Corto Maltese, réalisée par les artistes sculpteurs Livio et Luc Benedetti, a été installée en 2007 sur la place baptisée Hugo Pratt, située au-dessus du caveau Corto, au milieu du village.

auf den spuren von hugo pratt Der italienische Comic-Autor Hugo Pratt wurde 1927 in Rimini geboren und liess sich 1984 am Chemin du Chauderon 6 in Grandvaux nieder. Von der Schweiz aus bereiste er die ganze Welt. Er zögerte nicht mit dem Taxi nach Lausanne oder sogar nach Paris zu fahren, um dort den Zug oder das Flugzeug zu nehmen. Im Jahre 1995 verstorben, ruht Hugo Pratt nun auf dem Friedhof von Grandvaux. Eine von den Bildhauern Livio und Luke Benedetti realisiert Statue seiner Comicfigur Corto Maltese wurde 2007 auf dem nach ihm benannten Platz Hugo Pratt errichtet. Die Statue befindet über der Caveau Corto in der Dorfmitte.

In the footsteps of hugo pratt The Italian comic strip artist Hugo Pratt was born in Rimini in 1927. He relocated to Chemin du Chauderon 6 in Grandvaux in 1984. From Switzerland the artist continued to travel to the four corners of the world. He would not hesitate to take a taxi to Lausanne or even Paris in order to travel onward via train or plane. Deceased in 1995, Hugo Pratt rests in the cemetery of Grandvaux. In 2007, a statue of his character Corto Maltese, created by sculptors Livio and Luc Benedetti, was erected in Hugo Pratt square above the Corto vault in the middle of the village.

1. Télécharger l’application via le QR-Code | Download the app via the QR-Code | Laden Sie die App über den QR-Code 2. Rendez-vous sur le banc de l’hôte célèbre de votre choix. | Visit the bench dedicated to the famous guest of your choice. Besuchen Sie die Sitzbank des berühmten Gastes Ihrer Wahl. 3. Parcourez la page de l’hôte via l’application et cliquez sur “Scanner sa silhouette”. Visez ensuite le buste pour accéder au contenu interactif. | Open the guest’s page using the app and click on “Scan The silhouette”. Point your smartphone at the torso of the silhouette to access the interactive content. | Via App die Webseite des Gastes öffnen und auf “Silhouette scannen” klicken. Ihr Smartphone auf die Beschilderung der Büste richten und zum interaktiven Inhalt gelangen. www.rencontres-inspiration.com

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Musée jenisch Vertige de la couleur L’estampe en France à la fin du XIXe siècle jusqu’au 1er octobre 2017 vevey - SWITZERLAND Réunissant plus de 180 œuvres provenant de ses fonds et de prêts dont celui considérable d’un collectionneur proche du musée, l’exposition retrace un moment singulier de l’histoire de la gravure. À la fin du XIXe siècle, Paris est le cadre d’un extraordinaire engouement pour l’imprimé sous toutes ses formes, de l’affiche à l’album, en passant par le programme de théâtre. Elle voit de nombreux éditeurs, artistes et imprimeurs se consacrer à cet art. La couleur est partout et sera l’un des facteurs du renouveau artistique de la lithographie presque cent ans après son invention et son origine commerciale. Cette épopée est racontée à travers de nombreuses épreuves inédites de Pierre Bonnard, Paul Gauguin, Odilon Redon, Paul Signac, Édouard Vuillard ou encore Henri de Toulouse-Lautrec.

Mit über 180 Werken aus eigenen und fremden Beständen, darunter der umfangreichen Leihgabe eines dem Museum nahestehenden Sammlers, präsentiert die Ausstellung über den „Rausch der Farbe“ einen besonderen Moment in der Geschichte der Druckgrafik. Im späten 19. Jahrhundert wird Paris von einer aussergewöhnlichen Begeisterung für alles Gedruckte vom Plakat über das Theaterprogramm bis zum Album erfasst. Zahlreiche Verleger, Künstler und Drucker widmen sich dieser Kunst. Die Farbe ist überall und wird einer der Faktoren der künstlerischen Erneuerung der Lithografie fast 100 Jahre nach deren Erfindung und Vermarktung. Diese Geschichte wird hier aufgerollt anhand zahlreicher unveröffentlichter Druckgrafiken von Pierre Bonnard, Paul Gauguin, Odilon Redon, Paul Signac, Edouard Vuillard und Henri de Toulouse-Lautrec.

Bringing together more than 180 works from our own holdings and others on loan, including a large number from a collector closely associated with the Musée Jenisch, this exhibition examines a remarkable chapter in the history of printmaking. At the end of the 19th century, Paris is gripped by a craze for anything and everything printed, from posters and albums to theatre programmes. Numerous publishers, artists and printers are involved with the medium. Colour is ubiquitous, and plays a role in artists’ rediscovery of lithography almost a century after it was invented and first commercialised. The story is told with the help of many previously unseen prints by artists including Pierre Bonnard, Paul Gauguin, Odilon Redon, Paul Signac, Édouard Vuillard and Henri de Toulouse-Lautrec.

photo de gauche - Odilon Redon (1840-1916), Béatrice, planche tirée de L’Album d’estampes originales de la Galerie Vollard (1897), Lithographie en couleurs sur papier de Chine appliqué sur papier, Collection particulière photo de droite - Paul Signac (1863-1935), Saint-Tropez–Le port, planche destinée à L’Album d’estampes originales de la Galerie Vollard jamais publié, 1897-1898, Lithographie en six couleurs sur papier vélin, Collection particulière

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JOHN-FRANCIS LECOULTRE Du Haut-Lac aux sommets valaisans du 8 juillet au 20 août 2017 Saint-gingolph - SWITZERLAND Au bord du Léman ou sur les sentiers d’altitude, amoureux de la lumière, John-Francis Lecoultre en capte les variations, les reflets, les chatoiements. Dans la clarté parfois brutale de ses paysages alpins comme dans la douceur de ses lacs s’exprime quelque chose de l’éternité de la nature, élément intemporel. Son œuvre peut se lire comme l’interrogation de l’artiste sur le pouvoir de la couleur, sur lui-même et sur le monde.

An den Ufern des Genfer Sees oder auf Höhenwegen, J.-F. Lecoultre begeistert sich für das Licht, das er in seinen schimmernden Veränderungen einfängt. In der fast brutalen Helle seiner Alpenansichten wie in der Sanftheit seiner Seebilder drückt sich etwas von der Ewigkeit der Natur aus, von ihrer Zeitlosigkeit. Ein Künstler, dessen Werk die Macht der Farbe auf ihn selbst und auf die Welt zu hinterfragen scheint.

Along the shores of Lake Geneva or the high paths of Canton Valais, the lover of light JohnFrancis Lecoultre captures its variations, multihued reflections and shimmering shades. In the harsh glitter of his mountainscapes or his delicate impressionnistic seascapes, Nature’s timeless presence expresses itself. J.-F. Lecoultre’s work can also be seen as the artist’s questioning the power of colour, himself and the world.

John-Francis Lecoultre, Dents du Midi et Tour Sallière, Pastel 37 x 50 cm

John-francis lecoultre - du haut-lac aux sommets valaisans - pastels Galerie du Château Saint-Gingolph - Exposition du 8 juillet au 20 août 2017 - Tous les jours de 14h à 17h30 Entrée libre contact: aubert.mbeatrice@gmail.com rivierart

150e de la FSG MONTREUX une statue, un témoignage, un symbole Montreux - SWITZERLAND La section montreusienne de la Fédération Suisse de Gymnastique voit le jour le 8 juin 1867 au Café Lamy à Vernex. Jules Allamand, président et moniteur, démarre avec vingt-deux membres. La petite société se donne rendez-vous à Vernex, en plein air, sur un terrain qu’il faut situer à l’heure actuelle sur l’avenue des Alpes, près de l’entrée du Palace. Le 8 juin 2017, les gymnastes montreusiens, désireux de commémorer dignement ce 150e anniversaire en offrant à leur ville un emblème ancré dans notre époque et représentant en même temps les valeurs de leur sport, décident d’installer une statue sur les célèbres quais de Montreux. Elle témoignera également durablement de l’importance du sport dans nos sociétés. Cette statue en bronze, réalisée par Sébastien Gouezigoux, artiste français originaire de Saint-Brieuc en Bretagne, représente celui qu’on appelle aujourd’hui encore le «Prince de la Gymnastique», l’athlète chinois Li Ning. Placer une statue de l’homme aux 106 médailles sur les quais de Montreux se justifie parfaitement, en raison de la longue histoire gymnique de Montreux ainsi que du lien qui unit le gymnaste à la ville. En effet, non seulement ce champion olympique plusieurs fois médaillé enthousiasma le public en remportant la première édition montreusienne du «Mémorial Arthur Gander», lors de la première édition qui fut organisée en 1985 à Montreux au Centre des Congrès, mais la FSG Montreux organisa au cours des ans un nombre impressionnant de manifestations de portée internationale, ce qui valut à la ville de Montreux le titre de «capitale de la gymnastique artistique». C’est d’ailleurs en l’honneur d’Arthur Gander qui personnifiait la gymnastique à l’artistique mondiale, que la FSG Montreux organisa le «Mémorial Arthur Gander» de 1985 à 1997 à la maison des congrès et à la salle omnisports du Pierrier, réunissant à ces occasions les meilleurs gymnastes de la planète. Enfin, et c’est le principal message de la FSG Monteux pour la célébration de son 150e anniversaire: il s’agit de transmettre envie et enthousiasme aux prochaines générations. Au même titre que les jeunes membres montreusiens de la gym ont vu leurs yeux briller en 1985 en découvrant les meilleures athlètes du monde, ceux de 2017 pourront rêver sport et savent que désormais «Anything is possible».

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Die Sektion Montreux des Schweizerischen Turnverbandes wurde am 8. Juni 1867 im Café Lamy in Vernex gegründet und der Präsident und Tutor Jules Allamand begann mit 22 Mitgliedern. Die kleine Gesellschaft verabredete sich in Vernex, im Freien, auf einem Grundstück, das sich auf der heutigen „avenue des Alpes“ hinter dem Eingang des Montreux Palace befindet. Am 8. Juni 2017 beschliessen die Turner von Montreux, die bestrebt sind, dieses 150. Jubiläum gebührend zu begehen, eine Statue auf die berühmten Quais von Montreux aufzustellen, um ihrer Stadt ein in der Zeit verankertes Emblem zu schenken, das gleichzeitig die Werte ihres Sportes verkörpert. Die Statue wird nachhaltig die Bedeutung des Sportes in unserer Gesellschaft bezeugen. Diese von Sébastien Gouezigoux, dem aus Saint-Brieuc in der Bretagne stammende französischen Künstler, erstellte Bronzestatue stellt den chinesischen Athleten Li Ning dar, der heute noch als der „Turnprinz“ bezeichnet wird. Eine Statue dieses Mannes mit seinen 106 Goldmedaillen auf den Quais von Montreux zu installieren, rechtfertigt sich vollkommen aufgrund der langen Geschichte der Gymnastik in Montreux und ihrer Verbindung mit dem Gymnasten. Tatsache ist nicht nur, dass der mehrfache Medaillenträger das Publikum während der ersten Montreux-Ausgabe der „Memorial Arthur Gander“, welche 1985 im Kongresszentrum von Montreux organisiert wurde, begeisterte, sondern auch, dass der STV Montreux im Laufe der Jahre eine beeindruckende Zahl von Veranstaltungen mit internationaler Tragweite organisiert hat, was der Stadt den Titel „Hauptstadt des Kunstturnens“ einbrachte. Es ist auch zu Ehren von Arthur Gander, der wie kein anderer das Weltkunstturnen verkörperte, dass der STV Montreux die „Memorial Arthur Gander“ von 1985 bis 1997 im Kongresszentrum und im Salle Omnisports du Pierrier organisiert, um anlässlich dieser Gelegenheit die besten Gymnasten der Welt zusammenzubringen. Schließlich ist die grundlegende Botschaft des STV Monteux für die Feier ihres 150 jährigen Bestehens: die Lust und die Begeisterung am Sport an die nächste Generation zu übertragen. So wie die jungen Mitglieder des Gymnastikvereins von Montreux glänzende Augen bekamen, als sie 1985 die besten Athleten der Welt entdeckten, werden diejenigen von 2017 von Sport träumen und von nun an wissen: „Anything is possible“.

Montreux’s branch of the Swiss Federation of Gymnastics was founded on 8 June 1867 in Café Lamy in Vernex (Montreux). Jules Allamand, president and instructor, began with 22 members. The small club used to meet outdoors in Vernex, in an area now known as the Avenue des Alpes, near to the Palace entrance. On 8 June 2017, the Montreux gymnasts, celebrated their 150th anniversary. As part of their celebrations and eager to commemorate this event they offered a statue to their city. Situated on the famous docks of Montreux, this statue is a symbol of how highly they regard gymnastics today and into the future. It also testifies to the importance of sport in our society. Sébastien Gouezigoux, from Saint-Brieuc in Brittany, created the statue which represents Chinese athlete, Li Ning, who is still known as “The Prince of Gymnastics”. Placing a statue of the man with 106 gold medals on the docks of Montreux makes perfect sense for at least two main reasons. The first being the long history of gymnastics in Montreux and the special link that the city has with this athlete. Indeed, this gymnast and multi Olympic medallist, enthused the public by winning the first Montreux edition of the “Arthur Gander Memorial”, held in 1985 at the Montreux Convention Centre. Secondly, over the years, the Montreux FSG has organised numerous international events, making Montreux worthy of the title, “capital of artistic gymnastics”. It is in honour of Arthur Gander, who personified global artistic gymnastics, that the Montreux FSG organised the “Arthur Gander Memorial” gymnastics event between 1985 and 1997 at the Montreux Convention Centre as well as the Salle Omnisports du Pierrier, which brought together the very best gymnasts in the world to compete and display their talents. Finally, the principal aspiration of the Montreux FSG in celebrating its 150th anniversary is to transfer excitement, passion and enthusiasm to future generations. In the same way that the eyes of the young members of the Montreux gym first lit up in 1985 as they admired and discovered the best gymnasts in the world, the youth of 2017 can now live and dream sport knowing that “Anything is possible”.

Statue en bronze de Li Ning © Comité d’Organisation du 150e, Giovanni Antonelli

150e de la FSG MONTREUX Montreux Acrobaties, Centre-ville de Montreux, 23 & 24 septembre 2017 Natalis Show gymnique international, Salle omnisports du Pierrier Montreux, 18 novembre 2017 plus d’informations - weitere informationen - more information

www.montreux-gymnastique.ch

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Musée olympique L’art de photographier le sport jusqu’au 19 novembre 2017 lausanne - SWITZERLAND Et si photographier le sport était tout un art? Le Musée Olympique à Lausanne célèbre le 8ème art sous tous les angles avec, au premier plan, une exposition majeure, «Who Shot Sports : Une histoire photographique de 1843 à nos jours» organisée par le Brooklyn Museum et réalisée par l’historienne de la photographie Gail Buckland. Cette rétrospective d’environ 180 photos de 1843 à nos jours rend hommage aux hommes et aux femmes qui ont su saisir la quintessence des gestes sportifs dans leur fugacité, leur finesse et leur dynamisme. Le musée Olympique présente également une rétrospective de «Rio 2016: à travers l’objectif de 4 photographes», une sélection «coup de coeur» de 20 photos du patrimoine du CIO et enfin, un grand weekend évènement dédié à l’imagerie sportive.

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Und was, wenn die Sportfotografie Kunst wäre? Das Olympische Museum präsentiert ein Programm rund um diese Kunst. Im Vordergrund steht eine bemerkenswerte Ausstellung „Who Shot Sports: Eine Geschichte der Fotografie von 1843 bis heute“. Diese Retrospektive des Brooklyn Museums, die von der Fotohistorikerin Gail Buckland realisiert wurde, umfasst rund 180 Fotografien von 1843 bis heute und ist den Männern und Frauen gewidmet, die es verstanden, die Quintessenz der Sportmomente in ihrer Flüchtigkeit, ihrer Feinheit und ihrer Dynamik festzuhalten. Das Museum präsentiert ebenfalls eine Retrospektive von „Rio 2016: durch das Objektiv von vier Sportfotografen“ und eine Selektion „coup de coeur“ von 20 Bildern des Bildfundus des olympischen Erbes und schliesslich ein Wochenende, das sich der sportlichen Bilderwelt widmet.

What if photographing sport was a whole other art? The Olympic Museum in Lausanne is celebrating the 8th art from every angle with, at the top of the list, a major exhibition, “Who Shot Sports: A Photographic History, 1843 to the present” organised by the Brooklyn Museum and curated by photography historian Gail Buckland. This retrospective of around 180 photos, dating from 1843 to the present day, pays tribute to the men and women who have captured the essence of sporting movement in its transience, finesse and dynamism. The Olympic Museum also presents a retrospective of “Rio 2016: through the lens of four photographers”; a “best of” selection of 20 photos from the IOC’s collections; and finally, a big weekend event devoted to sports imagery.

photo page de gauche - © 2016 / IOC / EVANS, Jason Eunice Jepkirui KIRWA (BRN), médaillée d’argent et Jemima Jelagat SUMGONG (KEN), médaillée d’or, célèbrent ensemble leur performance. Athlétisme, marathon. Eunice Jepkirui KIRWA (BRN) 2nd and Jemima Jelagat SUMGONG (KEN) 1st celebrate their performance together. Athletics, marathon. photo page de droite - © 2016 / IOC / KASAPOGLU PUHRER, Mine Un plongeur dans les airs – entraînement. A diver, up in the air, Diving - Training.

L’exposition « Who Shot Sports : Une histoire photographique de 1843 à nos jours » est la première du genre à mettre les photographes sportifs sur le devant de la scène. C’est l’occasion de découvrir comment les photographes du sport ont joué un rôle important dans le développement de la technique photographique. Les photographies exposées ont été sélectionnées non pas en raison de leur importance dans l’histoire du sport, mais parce que ce sont des images esthétiquement fortes. Divisée en neuf sections thématiques et regroupant des exemples des premiers procédés photographiques ainsi que des dernières technologies numériques, cette exposition couvre un large éventail de sports immortalisés par plus de 170 photographes internationaux. Gail Buckland, conservateur invité, explique que «les images de sport ont souvent été oubliées dans l’histoire de la photographie. Leur capacité à visualiser de manière percutante et concise l’endurance, la beauté et l’aspiration humaines a été négligée ou n’a pas été reconnue au même niveau que pour des œuvres similaires dans d’autres formes d’art. Cette exposition a pour but de réexaminer ces images marquantes et de les replacer dans le contexte de l’histoire de la photographie.»

Die Ausstellung „Who Shot Sports: Eine Geschichte der Fotografie von 1843 bis heute ist die erste dieser Art und bringt Sportfotografen auf die Vorderseite der Bühne. Es ist die Gelegenheit zu entdecken, wie Sportfotografen eine wichtige Rolle bei der Entwicklung der fotografischen Technik gespielt haben. Die ausgestellten Bilder wurden nicht auf Grund ihrer Bedeutung für die Sportgeschichte ausgewählt, sondern weil sie ästhetisch eindrucksvolle Fotografien darstellen. Unterteilt in neun Themenbereiche und geordnet nach Beispielen erster fotografischer Verfahren sowie nach neuesten digitalen Methoden, deckt diese Ausstellung eine breite Palette von Sportarten ab, die von mehr als 170 internationalen Fotografen verewigt wurden. Die Gastkuratorin Gail Buckland erinnert, dass „die Sportbildkunst in der Geschichte der Fotografie oft vergessen wird. Die Fähigkeit die Ausdauer, die Schönheit und das menschliche Streben punktgenau und auf prägnante Weise zu erfassen, wurde vernachlässigt oder nicht auf dem Niveau gewürdigt, wie vergleichbare Werke in anderen Kunstformen.“

The exhibition “Who Shot Sports: A Photographic History, 1843 to the present” is the first of its kind to put sports photographers at centre-stage. It is an opportunity to learn how sports photographers have played an important role in the development of photography techniques. The photographs on view were selected not because of their importance in sports history but because they are aesthetically powerful pictures in their own right. Divided into nine thematic sections and encompassing examples of the earliest photographic processes and the latest digital technologies, the exhibition features a wide range of sports captured by more than 170 international photographers. Guest curator Gail Buckland explains that “sports images have mostly been left out of the canon of photographic history. Their ability to powerfully and concisely visualize human endurance, beauty, and aspiration has been discounted, or not recognized as parallel to similar achievements in other art forms. This exhibition seeks to reevaluate these compelling images and contextualize them within the history of photography.” rivierart

Au travers de l’exposition «Rio 2016 : à travers l’objectif de quatre photographes», présenté dans la Galerie, le Musée Olympique propose de redécouvrir les plus beaux moments de Rio 2016 à travers l’objectif de quatre photographes de sport - David Burnett (USA), Jason Evans (USA), John Huet (USA) et Mine Kasapoglu (TUR) - pour capturer les liens étroits qui unissent les Jeux et la photographie. Ils livreront leur vision des Jeux de Rio à travers une exposition d’environ 60 photographies commentées! Certains d’entre eux seront présents lors d’un grand weekend dédié à l’image sportive les 2 et 3 septembre 2017. Ils partageront leurs «tips et best practices» lors d’ateliers et de rencontres inédites. Pour prolonger la visite, le Livre «Rio 2016 à travers l’objectif du photographe» reprend 50 photographies de l’exposition étayées par 15 commentaires «coulisses» et analyses «personnelles» des auteurs des photos. Ce sera également l’occasion de révéler le fonds Images du patrimoine du CIO riche de plus de 120 ans d’histoire avec une sélection «coup de coeur» de vingt photographies olympiques de 1908 à 1948 qui seront visibles dans le Parc Olympique. Soit 40 ans de photographies en noir et blanc en 20 clichés historiques qui déclenchent toutes les plus belles émotions.

Durch die in der Galerie präsentierte Ausstellung „Rio 2016: durch das Objektiv von vier Sportfotografen“, bietet das Olympische Museum an, die schönsten Momente von Rio 2016 durch die Linse von vier Sportfotografen - David Burnett (USA), Jason Evans (USA), John Huet (USA) and Mine Kasapoglu (TUR) - zu entdecken und die enge Beziehung zwischen den Olympischen Spielen und der Fotografie zu erfassen. Sie liefern ihre Vision der Rio-Spiele in einer Ausstellung von etwa 60 kommentierten Bildern! Einige von ihnen werden während eines großen, dem sportlichen Bild gewidmeten Wochenendes am 2. und 3. September 2017 anwesend sein. Sie werden ihre „Tipps und Best Practices“ in Workshops und während spontaner Begegnungen teilen. Um den Besuch zu verlängern, präsentiert das Buch „Rio 2016 durch das Objektiv des Fotografen“ 50 Bilder der Ausstellung, die mit Kulissen-Kommentaren und „persönlichen“ Analysen der Fotografen versehen sind. Dies wird auch die Gelegenheit sein, den reichen Bildfundus des IOK Erbes mit seiner 120-jährigen Geschichte durch eine Auswahl von 20 „Favoriten“Fotografien von 1908 bis 1948 zu präsentieren, die im Olympischen Park ausgestellt werden: 40 Jahre Fotografie in schwarz-weiss in 20 historischen Bildern, die allesamt die besten Gefühle auslösen.

With the exhibition “Rio 2016: through the lens of four photographers” presented (shown/ displayed) in the Galerie, the Olympic Museum is reliving the greatest moments from Rio 2016: through the lens of four sports photographers - David Burnett (USA), Jason Evans (USA), John Huet (USA) and Mine Kasapoglu (TUR) - to capture the close links that unite the Games and photography. They deliver their vision of the Rio Games through an exhibition of around 60 photographs with comments! Some of these photographers will be present during the big weekend devoted to sports imagery on 2 and 3 September 2017. They will share their tips and best practices in a number of unique workshops and meetings. To extend the visit, the “Rio 2016: through the lens of four photographers” book features 50 photographs from the exhibition along with 15 “behind-the-scenes” comments and personal analyses by the photos’ authors. There is also an opportunity to show off the image fonds of the IOC’s collections, formed of over 120 years of history, with a “best of” selection of 20 Olympic photographs from 1908 to 1948. That’s 40 years of black-and-white photography in 20 historic shots that will trigger the most wonderful emotions.

photo page de gauche - © 2016 / IOC / BURNETT, David Usain BOLT (JAM), médaillé d’or. Athlétisme, 200 m – finale. Usain BOLT (JAM), gold medallist. Athletics, 200m - Final photo page de droite - JO Rio 2016, Natation Hommes - Photographes officiels. © CIO

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Enfin, tel est pris qui croyait prendre. Avec « Les photographes photographiés » Le Musée Olympique rend hommage aux photographes sportifs qui, pour une fois, deviennent le sujet de toutes les attentions. À leur insu, à travers une quarantaine de photos, les voilà capturés en pleine action, dans toute la complexité de leur travail. La scénographie présente dix paires de photos en miroir: le photographe en action et la photo qu’il a réalisée. Finalement le Musée Olympique organise deux journées, les 2 et 3 septembre2017, pour vivre la photo sportive avec ceux qui la pratiquent. Présence attendue de 2 photographes de Rio, de David Burnett et de Mine Kasapoglu Puhrer ainsi que de Bob Martin (ANG), Yonathan Kellermann (FRA) et Gérard Uféras (FRA), Au programme: des rencontres avec des photographes de renommés, des ateliers pour s’essayer à des techniques utilisées dans la photo sportive, des projections et des moments inattendus pour décrypter l’image sportive sous divers angles et vivre une aventure immersive en famille. La photographie sportive sera une révélation !

So wird dem genommen, der zu nehmen glaubte. Mit den „Fotografierten Fotografen“ ehrt das Olympische Museum die Sportfotografen, die erstmals zum Gegenstand der Aufmerksamkeit werden. Unbemerkt wurden sie in voller Aktion und Komplexität ihrer Arbeit in circa vierzig Fotografien eingefangen. Die Szenografie stellt zehn Paare spiegelbildlich gegenüber: den Fotografen in Aktion und das Bild, das er realisiert hat. Schliesslich organisiert das Olympische Museum 2 Tage, am 2. und 3. September 2017, um die Sportfotografie mit denen zu erleben, die sie ausüben. Die Anwesenheit von zwei Fotografen von Rio wird erwartet, David Burnett und Mine Kasapoglu Puhrer, sowie die von Bob Martin (ANG), Yonathan Kellermann (FRA) und Gérard Uféras (FRA). Das Programm bietet Begegnungen mit renommierten Fotografen und Workshops, um die in der Sportfotografie verwendeten Techniken zu versuchen, sowie Projektionen und unerwartete Momente, um das sportliche Bild aus verschiedenen Winkeln zu entschlüsseln und ein immersives Abenteuer mit der Familie zu erleben. Die Sportfotografie wird eine Offenbarung sein!

Finally, they are given a taste of their own medicine. With “Photographers Photographed”, The Olympic Museum pays tribute to the sports photographers who, for once, become the centre of attention. Unaware, in around 40 photos, here they are captured in the midst of the action, in all the complexity of their work. The scenography presents 10 pairs of mirrored photos: the photographer in action and the photo that he/she took. Finally the Olympic Museum will organise two days, on the 2nd and 3rd of September 2017, to experience sports photos with those in the know, with the presence of two photographers from Rio, David Burnett and Mine Kasapoglu Puhrer, plus Bob Martin (GBR), Yonathan Kellermann (FRA) and Gérard Uféras (FRA). The programme includes: getting to know famous photographers; workshops to try techniques used in sports photography; and film screenings and marvellous moments to decipher sports imagery from various angles and enjoy an immersive adventure as a family. No doubt that, with such a great programme, sports photography will be a revelation!

musée olympique L’art de photographier le sport - jusqu’au 19 novembre 2017 Die Kunst der Sportfotografie - bis 19. november 2017 THE ART OF SPORTS PHOTOGRAPHY - until november 19th 2017 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

www.olympic.org/musee rivierart

17e édition du festival le bois qui chante du 6 au 15 octobre 2017 château-d’oex - SWITZERLAND Le festival du Bois qui Chante 2017, qui se déroulera du vendredi 6 au dimanche 15 octobre au Pays-d’Enhaut, propose cette année encore un programme pétillant qui saura enthousiasmer tous les festivaliers, petits et grands, jeunes et moins jeunes. L’éclectisme est une nouvelle fois au rendez-vous, avec les «incontournables» (balade en forêt, soirée cinéma, atelier d’orchestre, soirée musique et gastronomie…) mais surtout un éventail sans limite de lieux, de sons, de combinaisons et de couleurs… à l’image de la musique telle qu’on l’aime : ouverte sur le monde. En ouverture, le Quatuor Stuller se muera pour l’occasion en sextuor et fera chanter les cordes en compagnie de Beatrice Villiger, soprano et directrice artistique du Festival, dans un répertoire résolument romantique où des mélodies bien connues présentées sous un jour inhabituel s’associeront à quelques pages moins connues. Puis, en concert de clôture, le Bois qui Chante accueillera la Camerata de Lausanne qui souffle cette année ses 15 bougies. Constitué d’une pléiade de brillants et jeunes musiciens emmenés par Pierre Amoyal, l’ensemble est le symbole de l’exigence artistique et de l’excellence. Le programme du jour s’étendra de Pergolèse à Stravinski. Nul doute que ces palettes de couleurs sauront vous ravir!

Das Festival du Bois qui Chante 2017, das von Freitag dem 6. bis zum Sonntag den 15. Oktober im Pays d’Enhaut stattfindet, bietet dieses Jahr ein prickelndes Programm, das alle Festivalbesucher, groß und klein, jung und alt, begeistern wird. Eklektizismus wird wieder auf die „unumgänglichen“ Klassiker (Spaziergänge im Wald, Filmabende, Orchesterwerkstatt, Musik und Gastronomieabende ...) und vor allem auf eine unbegrenzte Auswahl an Orten, Klängen, Kombinationen und Farben treffen... genau wie man die Musik liebt: weltoffen. Für den Anlass des Eröffnungskonzertes wird sich das Stuller Quartett in ein Sextett umwandeln und die Saiten singen lassen, in Begleitung von Beatrice Villiger, Sopran und künstlerische Leiterin des Festivals, mit einem ausgesprochen romantischen Repertoire, das bekannte Melodien in einem anderen Licht präsentieren und mit unbekannteren Seiten vereinen wird. Für das Schlusskonzert wird das Festival du Bois qui Chante die Camerata von Lausanne, welches dieses Jahr ihr 15. Jubiläum feiert, empfangen. Aus einer Vielzahl großartiger, junger Musiker bestehend und von Pierre Amoyal geleitet, ist dieses Ensemble ein Symbol des künstlerischen Anspruchs und der Exzellenz. Das Tagesprogramm wird sich von Pergolesi bis Stavinski erstrecken. Diese Vielfältigkeit wird Sie ohne Zweifel begeistern!

The 2017 “Bois qui Chante” festival will take place between Friday 6th and Sunday 15th of October in Pays-d’Enhaut and will again deliver a sparkling program sure to delight all festival-goers big and small. Eclecticism is once again a feature of the program, not only in the “must have” events (forest walk, cinema night, orchestra workshop, music soirée and gastronomy night, etc.) but also the wide range of locations, sounds, combinations and colours… which mirrors the music we love so much: open to all. The Stuller Quartet will open the festival performing as a sextet for the occasion. They will be accompanied by Beatrice Villiger, soprano as well as artistic director of the Festival in a resolutely romantic program combining wellknown, rearranged melodies with lesser known strains. To close the festival, Le bois qui Chante will welcome the Lausanne Camerata which turns 15 this year. Made up of a host of young, brilliant musicians and led by Pierre Amoyal, the group is a symbol of artistic dedication and excellence. Their program will range from Pergolesi to Stravinsky. Such variation can do little else but delight!

photo de gauche - Jocelyne Rudasigwa, photo © Sylvain Chabloz - photo du milieu - Quatuor Stuller, photo © Quatuor Stuller - photo de droite - Beatrice Villiger, photo © Ancatan

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CHÂTEAU-D’OEX, DU 6 AU 15 OCTOBRE 2017

PROGRAMME | DU 6 AU 15 OCTOBRE 2017 VENDREDI 6 OCTOBRE Grande Salle, 13h30 et 14h20 (scolaires) : LA VIE DE L’ORCHESTRE

Orchestre des Collèges et Gymnases Lausannois sous la baguette de Luc Baghdassarian Plongez durant 45 minutes dans l’univers de répétition et de « mini » concert de l’orchestre ! Œuvres de Brahms | CHF 10.-

SAMEDI 7 OCTOBRE Temple, 18h00 : CONCERT D’OUVERTURE : LES CORDES DU LIED

Beatrice Villiger, soprano & Quatuor Stuller : Gyula Stuller, Barnabas Stuller, violons ; Yukari Shimanuki, alto ; Julia Stuller, violoncelle ; Avec Johannes Rose, alto & Mary Eliott, violoncelle. Œuvres de Respighi, Rota, Dvorak, Strauss et Wagner | CHF 35.- / 20.- (AVS 30.- / 15.-)

DIMANCHE 8 OCTOBRE Place du village, 11h00 : SONATE & APÉRITIF : COR AUX ALPES

VENDREDI 13 OCTOBRE Temple, 20h00 : LES MUSICIENS DE STENDHAL : VOYAGE AU CŒUR DU QUATUOR Philippe Talec & Jessica Talec, violons ; Laurent Rochat, alto ; Nadège Rochat, violoncelle ; Miaomiao Li, piano. Œuvres de Mahler, Cras, Franck. | CHF 35.- / 20.- (AVS 30.- / 15.-)

SAMEDI 14 OCTOBRE Départs: OT Château-d’Oex 10h00 ou gare de La Tine 10h20 : À LA TINE, BALADE DIDACTIQUE EN FORÊT ET EN MUSIQUE

Balade surprise menée par Jean-Pierre Neff, président du groupement forestier et Robin Jousson luthier. | CHF 25.- prix unique

SAMEDI 14 OCTOBRE Grande Salle de Rossinière , 19h00 : MUSIQUE & GASTRONOMIE L’OPÉRA À BRETELLES & L’ATELIER D’ENBAS

Isabelle Sierro, Yasmine Siffointe, Félicien Fauquert, François le Dahéron : Cor Un peu d’opéra, de musique de film et des airs plus jazzy… Le tout suivi d’une dégustation de vins d’Emanuel Hug, vigneron de Lavaux. Œuvres de Von Weber, Morricone, Zimmer, Turner et Wagner. | Entrée libre, collecte.

Joëlle Delley-Zaho, soprano ; Marie-France Baechler, mezzosoprano ; Michel Mulhauser, ténor ; Jean-Luc Waeber, baryton ; Christel Sautaux, accordéon. Extraits d’opéra et d’opérette. Côté papilles, c’est le talent de Pascal Géraudel qui saura vous ravir ! | CHF 100.- (AVS 95.-)

DIMANCHE 8 OCTOBRE Grande Salle, 17h00 : ATELIER D’ORCHESTRE : Y VIVA ESPAÑA

DIMANCHE 15 OCTOBRE Temple, 11h00 : PODIUM JEUNES MUSICIENS : DUO MADIO

Direction Alexandre Clerc. Œuvres d’Albéniz, Granados, Rimsky-Korsakov, Rodrigo, Bizet et Chostakovitch. | Entrée libre, collecte.

MERCREDI 11 OCTOBRE Cinéma Eden, 20h00 : CINÉ & CONCERT : LE SONGE DU LUTHIER

Film de Christophe Ferrux. Sion Quartett: Sherniyaz Mussakhan & Jana Ozolina, violons ; Kristine Busse, alto ; Nao Shamoto, violoncelle. Documentaire poétique diffusé avant que le quatuor à cordes ne chante dans le Cinéma ! Œuvres de Mozart, Say et Mendelssohn. | CHF 30.- (AVS 25.-)

JEUDI 12 OCTOBRE Fromagerie le Chalet, 20h00 : RAISONNANCES ET CONTRETEMPS

One-woman-show de Jocelyne Rudasigwa, contrebassiste. Un show hors du commun qui allie musique et humour, par un instrument trop souvent relégué au second rang… CHF 15.- prix unique

Marie Heck, violon & Silvie Amadio, accordéon Un florilège d’airs classiques et populaires par un duo pétillant ! | CHF 15.- prix unique

DIMANCHE 15 OCTOBRE Temple, 17h00 : CONCERT DE CLÔTURE : CAMERATA DE LAUSANNE

Direction Pierre Amoyal L’orchestre dont la réputation n’est plus à faire, souffle cette année ses 15 bougies. Fêtons avec eux ! Œuvres de Pergolèse, Tartini et Akutagawa CHF 35.- / 20.- (AVS 30.- / 15.-)

ABONNEMENTS > « Festival » : CHF 255.- (AVS : CHF 235.-) > « 2ème week-end » (13 au 15) : CHF 180.- (AVS : CHF 165.-) > ouverture de la billetterie le 18 août 2017

www.bois-qui-chante.ch

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regards croisés jusqu’au 27 août 2017 clarens - SWITZERLAND En tant que fondatrice et présidente de la fondation «Women against mutilations», Amiira Neff s’engage afin de lutter contre toutes les formes de violences faites aux femmes. C’est au travers de l’art et de la culture qu’elle souhaite informer et sensibiliser sur ce sujet délicat et intime. C’est dans cette optique qu’une exposition, visible jusqu’au 27 août, est organisée à la Villa Murillo avec les artistes de la Fondation - Stéphanie Garbani et Katia Buteau Zucker - ainsi que les artistes présentés par la galerie Plexus - Catherine de Saugy, Dominique Hoffer et Alain Bonnefoit.

Als Gründerin und Präsidentin der Stiftung „Women against mutilations“ verpflichtet sich Amiira Neff, alle Formen von Gewalt gegen Frauen zu bekämpfen. Mit Hilfe von Kunst und Kultur möchte sie über dieses sensible und intime Thema informieren und sensibilisieren. In diesem Zusammenhang wurde eine Ausstellung mit den Künstlern der Stiftung - Stéphanie Garbani und Katia Buteau Zucker - und mit den von der Galerie Plexus präsentierten Künstlern - Catherine Saugy, Dominique Hoffer und Alain Bonnefoit - organisiert, die bis zum 27. August in der Villa Murillo zu sehen ist.

The founder and president of the foundation “Women Against Mutilations”, Amiira Neff is committed to fighting all forms of violence against women. Through art and culture she seeks to inform and sensitize this delicate and intimate subject. Following this vision, an exhibition at the Villa Murilla until August 27th features the artists of the Foundation - Stéphanie Garbani and Katia Buteau Zucker - as well as work by artists presented by the gallery Plexus - Catherine de Saugy, Dominique Hoffer and Alain Bonnefoit.

Stéphanie Garbani, Au-delà de l’horizon terrestre, 70 x100 cm

plus d’informations - weitere informationen - more information www.womenagainstmutilations.com Villa Murillo, rue du lac 61, 1815 clarens, ouvert du jeudi au dimanche de 14h à 18h www.galleryplexus.com

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Nathalie Masset Nathalie Masset expose l’échappée du Lac à la Biennale de Montreux du 12 août au 22 octobre 2017 www.nathaliemassetcaudron.com masset.n1@gmail.com +41 79 670 32 06

L’univers sculptural de Nathalie Masset puise dans le passé, la préhistoire, la mythologie, les arts primitifs et les arts populaires afin d’en proposer une interprétation contemporaine. Ainsi «L’échappée du Lac» est une créature hybride, un être fabuleux, mi-femme mi-poisson. Cette dualité est soulignée par deux styles, deux techniques de fabrication et deux matériaux. Échouée au milieu des terres, elle tourne son regard vers le lac, déchirée entre le monde terrestre et le monde des eaux. Das skulpturale Universum von Nathalie Masset bedient sich der Vergangenheit, der Vorgeschichte, der Mythologie, der primitiven Kunst und der Volkskunst, um eine zeitgenössische Interpretation zu bieten. „L’échappée du Lac (Die Entkommene des Sees)“ ist ein Misch- und Fabelwesen, halb Frau und halb Fisch. Diese Dualität wird durch zwei Stile, zwei Fertigungstechniken und zwei Materialien unterstrichen. Gestrandet in der Mitte des Landes, dreht sie ihren Blick zum See, zerrissen zwischen der irdischen Welt und der Welt des Wassers. The sculptural universe of Nathalie Masset draws from the past and from prehistory, mythology, primitive art and popular art, resulting in a contemporary interpretation. Thus “L’Échapée du Lac (The Lake Escapee)” is a hybrid creature and a fabulous being, halfwoman half-fish. Her duality is highlighted by the two styles, two creative techniques and two materials used. Stranded on land, she turns her gaze towards the lake, torn between the earthly world and that of the water.

Nathalie Masset - L’échappée du Lac, 2015, Tôle inox, fonte d’aluminium, peinture, hauteur 3.8 m, largeur 2.6 m, 740 kg rivierart

montreux Biennale 2017 du 12 août au 22 octobre 2017 montreux - SWITZERLAND L’été 2017 sera l’occasion de se rendre à la 5ème édition de la Biennale de Montreux. Magnifique opportunité pour découvrir une trentaine de sculptures présentées dans un écrin d’exception sur les rives du lac Léman, le long d’un parcours piétonnier d’environ un kilomètre. Cet espace a séduit de nombreux artistes du monde entier (Suisse, Belgique, Allemagne, USA, France, Taïwan,…) souhaitant présenter leurs œuvres dans ce cadre privilégié. Cette 5ème édition confirme donc l’intérêt que représente la Biennale de Montreux dans le panel des événements artistiques suisses et internationaux, aussi bien pour les artistes que pour les visiteurs, collectionneurs et amateurs d’art. La Biennale de Montreux accueillera cette année Taiwan comme pays hôte d’honneur et aura le privilège de présenter 2 œuvres de l’artiste Muxiang Kang dont la visibilité internationale ne cesse de grandir.

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Der Sommer 2017 wird die Gelegenheit bieten, sich zur 5. Ausgabe der Biennale von Montreux zu begeben. Eine großartige Möglichkeit, um an einem wunderschönen Ort am Ufer des Genfer Sees, auf einer Strecke von einem Kilometer etwa dreissig Skulpturen zu entdecken. Diese Gegend begeistert Künstler aus der ganzen Welt (Schweiz, Belgien, Deutschland, USA, Frankreich, Taiwan, ...), die wünschen, ihre Werke in diesem privilegierten Rahmen zu präsentieren. Diese 5. Auflage bestätigt das Interesse, das die Montreux Biennale im Panel der Schweizer und internationalen Kunstveranstaltungen darstellt, sowohl für Künstler, Besucher, Sammler als auch Kunstliebhaber. Die Montreux Biennale empfängt dieses Jahr Taiwan als Ehrengast und wird das Privileg haben, zwei Werke des Künstlers Kang Muxiang zu präsentieren, dessen Bekanntheit international wächst.

This summer 2017, take the opportunity to visit the 5th edition of the Montreux Biennale. It’s a beautiful occasion to discover over thirty sculptures in an exceptional setting, on the shores of Lake Geneva, along a one kilometre pedestrian walk. The event continues to draw a large number of artists from all over the world (Switzerland, Belgium, Germany, USA, France, Taïwan, etc.) showcasing their artwork in this superb setting. This 5th edition is confirmation of the interest the Montreux Biennale generates on both the Swiss and International art stage, as much amongst the artists as the visitors, collectors of art and art lovers. This year, the Montreux Biennale welcomes the country of Taïwan as its guest of honour. It will present two artworks by Muxiang Kang, a Taiwanese artist whose international visibility is only growing. Werner Bitzigeio, Tetraeder 4

Dominique Andreae, L’éléphant

Il y aura également la présentation exceptionnelle de « l’éléphant », une sculpture de 12m de haut et pesant 3,7 tonnes réalisée par l’artiste Dominique Andreae. Elle devra être déposée par hélicoptère sur les quais de Montreux fin juillet. L’architecte italien Paolo Albertelli, bien connu pour son œuvre «le cor des alpes» présenté au cœur de Zermatt depuis 2015 exposera à Montreux un magnifique banc de poissons. Les sculpteurs GAMelle et Werner Bitzigeio, deux artistes ayant participé à la fameuse triennale Bad RagArtz à Bad Ragaz proposeront chacun des créations à la Biennale de Montreux. Le vernissage officiel est fixé au 24 août prochain, en présence des artistes et du sculpteur Igor Ustinov, parrain de cette 5ème édition. Les œuvres seront exposées du 12 août au 22 octobre 2017.

Es wird auch die spektakuläre Präsentation der Skulptur „l‘éléphant“ des Künstlers Dominique Andreae geben, die 12 Meter hoch und 3,7 Tonnen schwer ist. Sie wird Ende Juli per Hubschrauber auf dem Kai von Montreux angeliefert. Der italienische Architekt Paolo Albertelli, der für sein Werk „le cor des Alpes“, das seit 2015 in Zermatt präsentiert wird, bekannt ist, wird in Montreux einen grossartigen Fischschwarm ausstellen. Die Skulptoren GAMelle und Werner Bitzigeio, die an der berühmten Bad RagArtz Triennale in Bad Ragaz teilgenommen haben, werden ihre Kreationen auf der Montreux Biennale zeigen. Die offizielle Eröffnung findet am 24. August statt, in Anwesenheit der Künstler und des Paten dieser 5. Ausgabe, dem Bildhauers Igor Ustinov. Die Werke können vom 12. August bis zum 22. Oktober besichtigt werden.

A special monument “L’éléphant” by artist Dominique Andreae will also feature. Measuring 12m height and weighing 3.7 tons, this sculpture will be installed by helicopter on the Montreux lakeshore in late July. The Italian architect Paolo Albertelli well known for his work “le cor des alpes” located in the heart of Zermatt since 2015, has designed a wonderful shoal of fish for exhibit in Montreux. Also, sculptors GAMelle and Werner Bitzigeio, two artists having taken part in the famous triennial Bad RagArtz in Bad Ragaz, shall separately submit creations for the Montreux Biennale.The official opening will take place on the 24th August with the artists as well as sculptor Igor Ustinov, godfather of this 5th edition, in attendance. The exhibits will be on display from the 12th August to the 22nd October 2017.

les artistes - die künstler - the artists

DeLaPerouze – Caroline Brisset – laurence Louisfert – Alexia Weill – Michal – Fortunée Szpiro – Fernand Greco – Muxiang Kang – Dominique Andreae – Uli Olpp – Gérard Cazé – Joachim Röderer – Isabelle Ardevol – Monique Vogel – Mireille Belle – Annie Berthet – Sylvie Lobato – Veronique Choppinet – Jean Claude Schwarz – Emmanuel Brauer – SaraH – Morgan – Emeric Jacob – Nicolas Bamert – Nathalie Masset – Werner Bitzigeio – GAMelle – Magaret Michel – Michel Laurent – Paolo Albertelli

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fondation de l’hermitage Manet, Cézanne, Monet, Van Gogh… Chefs-d’oeuvre de la collection Bührle jusqu’au 29 octobre 2017 lausanne - SWITZERLAND La Fondation de l’Hermitage a le privilège d’accueillir les joyaux impressionnistes et postimpressionnistes de la collection Bührle. Composée de chefs-d’œuvre d’artistes incontournables des XIXe et XXe siècles, comme Champ de coquelicots près de Vétheuil de Monet (vers 1879), Le garçon au gilet rouge de Cézanne (vers 1888), ou encore Le semeur, soleil couchant de Van Gogh (1888), cette collection particulière compte parmi les plus prestigieuses au monde. En dévoilant les trésors de la Fondation E. G. Bührle, la Fondation de l’Hermitage poursuit l’exploration des grandes collections privées suisses qu’elle mène depuis une vingtaine d’années, avec notamment ses expositions dédiées aux collections Weinberg (1997), Jean Planque (2001), Arthur et Hedy Hahnloser (2011), Jean Bonna (2015). Avec ce nouveau chapitre, c’est à une plongée dans l’un des ensembles les plus importants d’art du XIXe et du début du XXe siècle que l’Hermitage convie ses visiteurs. Rassemblées essentiellement entre 1951 et 1956 par l’industriel Emil Georg Bührle (1890-1956), les œuvres de la Fondation E. G. Bührle, à Zurich, sont d’une qualité prodigieuse. Elles seront présentées en exclusivité à l’Hermitage, où elles pourront être admirées une dernière fois dans l’atmosphère intime d’une demeure du XIXe siècle, semblable à celle du collectionneur. Elles seront ensuite montrées au Japon, avant de rejoindre, à l’horizon 2020, la nouvelle extension du Kunsthaus de Zurich. A l’image de la collection E. G. Bührle, le cœur de l’exposition sera consacré à l’impressionnisme et au postimpressionnisme français, réunissant des chefs-d’œuvre de Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Monet, sans oublier Renoir, et des pères de la modernité que sont Cézanne, Gauguin et Van Gogh. En préambule à ce voyage fascinant, deux salles viendront éclairer la manière dont ces tableaux s’inscrivent dans l’histoire de l’art européen. L’une sera consacrée au portrait, et montrera comment les impressionnistes s’insèrent dans la longue tradition de ce genre, de Hals à Renoir en passant par Ingres, Corot, Courbet et Fantin-Latour.

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Die Fondation de l’Hermitage hat das Privileg die Höhepunkte des Impressionismus und Postimpressionismus aus der Sammlung Bührle zu zeigen. Diese einzigartige Sammlung, eine der renommiertesten der Welt, umfasst Meisterwerke der bedeutendsten Künstler des 19. und 20. Jahrhunderts wie Mohnblumen bei Vétheuil von Monet (um 1879), Der Knabe mit der roten Weste von Cézanne (um 1888) oder Sämann bei Sonnenuntergang von van Gogh (1888). Mit dieser Präsentation von Schätzen der Stiftung E. G. Bührle setzt die Fondation de l’Hermitage ihre vor rund zwanzig Jahren begonnene Erkundung grosser Schweizer Privatsammlungen fort. Die einzelnen Ausstellungen waren namentlich den Sammlungen Weinberg (1997), Jean Planque (2001), Arthur und Hedy Hahnloser (2011) sowie Jean Bonna (2015) gewidmet. Nun lädt die Fondation de l’Hermitage ihre Besucher ein, in eine der wichtigsten Kunstsammlungen mit Objekten des 19. und beginnenden 20. Jahrhunderts einzutauchen. Die hauptsächlich von 1951 bis 1956 vom Industriellen Emil Georg Bührle (1890-1956) zusammengetragenen Werke der Stiftung E. G. Bührle in Zürich sind von herausragender Qualität. Sie werden als Exklusivität in der Hermitage gezeigt, wo sie letztmals in der intimen Atmosphäre eines Herrenhauses des 19. Jahrhunderts bewundert werden können, das demjenigen des Sammlers ähnelt. Anschliessend werden sie noch in Japan zu sehen sein, bevor sie um das Jahr 2020 in den Erweiterungsbau des Kunsthauses Zürich ziehen. Wie in der Sammlung E. G. Bührle werden der französische Impressionismus und Postimpressionismus das Kernstück der Ausstellung bilden mit Meisterwerken von Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Monet und Renoir, aber auch der Väter der Moderne Cézanne, Gauguin und van Gogh. Zur Einstimmung auf diese faszinierende Reise wird in zwei Räumen verdeutlicht, wie diese Bilder in der europäischen Kunstgeschichte einzuordnen sind. Ein erster Raum wird dem Porträt gewidmet sein und zeigen, wie sich die Impressionisten in die lange Tradition dieser Gattung - von Hals über Ingres, Corot, Courbet bis Fantin-Latour und Renoir - einfügen.

The Fondation de l’Hermitage has the privilege to show the Impressionist and post-Impressionist treasures of one of the world’s most prestigious private collections. The Bührle collection features masterpieces by key artists of the 19th and 20th centuries, including Monet’s Poppies near Vétheuil (c. 1879), Cézanne’s Boy in a Red Waistcoat (c. 1888) and Van Gogh’s Sower with Setting Sun (1888). In revealing the outstanding works of the E. G. Bührle Foundation the Fondation de l’Hermitage is continuing an exploration of the great private Swiss collections that it has pursued for some twenty years, notably with exhibitions of the Weinberg (1997), Jean Planque (2001), Arthur and Hedy Hahnloser (2011) and Jean Bonna (2015) collections. With this new chapter the Hermitage will offer visitors the opportunity to immerse themselves in one of the most important collections of 19th and early 20th-century art. Acquired largely between 1951 and 1956 by industrialist Emil Georg Bührle (18901956), the works of the E. G. Bührle Foundation in Zurich are of extraordinary quality. They will be exhibited exclusively at the Hermitage, in the intimate setting of a 19th century residence similar to that of their collector, and will then be shown in Japan before returning to the new extension to the Kunsthaus, Zurich, in 2020. Central to the exhibition, as to the E. G. Bührle collection itself, will be French Impressionism and post-Impressionism, with masterpieces by Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Monet and Renoir, and by the founding fathers of modernism, Cézanne, Gauguin and Van Gogh. As a prelude to this fascinating journey, two rooms will explore the role of these paintings in the history of European art. One will focus on portraits, showing the place of the Impressionists within the genre’s long tradition extending from Hals to Ingres, Corot, Courbet, Fantin-Latour and ultimately Renoir.

photo page de droite - Edouard Manet, Les hirondelles, 1873, huile sur toile, 65 x 81 cm, Fondation Collection E. G. Bührle, Zurich, photo SIK-ISEA, Zurich (J.-P. Kuhn)

L’autre réunira des toiles de Delacroix et Daumier afin d’illustrer l’influence du romantisme et du réalisme dans l’émergence de la peinture moderne. Ce parcours éblouissant s’achèvera à l’aube du XXe siècle, avec des œuvres incontournables des nabis (Bonnard, Vuillard), des fauves (Braque, Derain, Vlaminck) et de l’Ecole de Paris (Modigliani, Picasso, Toulouse-Lautrec). L’exposition accordera également une attention particulière à l’histoire de cet ensemble hors du commun qui incarne le goût d’un collectionneur au milieu du siècle dernier. Une salle sera ainsi consacrée aux documents d’archives et aux résultats de la recherche approfondie que la Fondation E. G. Bührle mène sur ses fonds depuis plus de douze ans, permettant de comprendre le parcours historique, parfois complexe, de certains de ces chefs-d’œuvre.

Im zweiten Raum werden Gemälde von Delacroix und Daumier zu sehen sein, um den Einfluss der Romantik und des Realismus auf die Entstehung der modernen Malerei zu veranschaulichen. Der eindrucksvolle Rundgang endet zu Beginn des 20. Jahrhunderts mit bedeutenden Werken der Nabis (Bonnard, Vuillard), der Fauvisten (Braque, Derain, Vlaminck) und der Ecole de Paris (Modigliani, Picasso, Toulouse-Lautrec). Ein besonderes Augenmerk der Ausstellung wird auch der Geschichte dieser Sammlung gelten, die den Geschmack eines Schweizer Sammlers Mitte des vergangenen Jahrhunderts verkörpert. Ein Raum wird Archivunterlagen und Ergebnisse der umfassenden Forschung präsentieren, welche die Stiftung E. G. Bührle seit über zwölf Jahren zu ihren Beständen betreibt, und damit erlauben, die manchmal komplexe Geschichte einiger dieser Meisterwerke zu verstehen.

The other will illustrate the influence of Romanticism and realism on the emergence of modern painting with a display of paintings by Delacroix and Daumier. This dazzling journey will end at the dawn of the 20th century, with key works by the Nabis (Bonnard, Vuillard), Fauves (Braque, Derain, Vlaminck) and Paris School (Modigliani, Picasso, Toulouse-Lautrec). The exhibition will also shed light on the history of the collection itself, a reflection of the tastes of its mid-20th century Swiss owner. There will be a room displaying archive documents and the results of nearly twelve years of in-depth research conducted by the E. G. Bührle Foundation, revealing the sometimes complex histories of some of these masterpieces.

Fondation de l’hermitage Chefs-d’œuvre de la collection Bührle - Manet, Cézanne, Monet, Van Gogh... - jusqu’au 29 octobre 2017 Meisterwerke der Sammlung Bührle - Manet, Cézanne, Monet, Van Gogh... - bis zum 29. oktober 2017 Masterpieces of the Bührle Collection - Manet, Cézanne, Monet, Van Gogh... - until october 29th 2017 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

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collection de l’art brut Anna Zemánková jusqu’au 26 novembre 2017 Michael Golz - jusqu’au 1er octobre 2017 lausanne - SWITZERLAND Le pays d’Athos est un pays imaginaire inventé de toute pièce par Michael Golz (né en 1957). C’est l’oeuvre d’une vie, à laquelle cet auteur allemand travaille sans discontinuer depuis son enfance dans les années 1960, avec l’aide de son frère Wulf. Dans ce monde fictif parcouru de montagnes, de collines et de vallées verdoyantes où coulent des rivières, les éléments tirés du monde réel côtoient l’étrange et le merveilleux. Le pays est sillonné par un réseau fourni d’autoroutes et de voies ferrées, tandis que les villes et villages qui le constituent disposent de toutes les infrastructures nécessaires à la vie quotidienne: magasins, cafés, cinémas, sans oublier des postes et des banques… Cependant, les habitants ne sont soumis à aucune contrainte. Leur liberté est totale!

„Athosland“ ist ein imaginäres Land, das Michael Golz (geb. 1957) voll und ganz erfunden hat. Es ist ein Lebenswerk, an dem dieser deutsche Künstler seit seiner Kindheit in den 1960er-Jahren mit Hilfe seines Bruders Wulf unablässig arbeitet. In dieser fiktiven Welt, die von Bergen, Hügeln, grünen Tälern und Flüssen durchzogen wird, stehen Elemente der realen Welt neben dem Seltsamen und dem Wunderbaren. Das Land ist mit einem dichten Netz von Autobahnen und Eisenbahnlinien überzogen, während die Städte und Dörfer, die es bilden, über sämtliche Einrichtungen des Alltagslebens verfügen: Läden, Cafés, Kinos, aber auch Postämter und Banken… Die Bewohner sehen sich keinen Zwängen ausgesetzt. Ihre Freiheit ist total!

“Athosland” is an imaginary country that Michael Golz (born in 1957) has invented totally from scratch. The work is a lifetime project on which this German creator, together with his brother Wulf, has been applying himself without a break since his childhood years (1960s). The resulting imaginary world is full of mountains, hills and lush green valleys through which rivers flow; these real-life elements coexist with the strange and marvelous. Wide-spreading highway and railroad grids criss-cross a country whose towns and villages possess an infrastructure that amply fulfills the needs of everyday life: stores, cafés, movie houses abound, as do post offices and banks. At the same time, the land’s inhabitants suffer no constraints: they are wholeheartedly at liberty!

photos pages gauche et droite - Carte géographique du pays d’Athos (détail), 1977 - 2016, Techniques mixtes sur papier, 14 x 17 m, Photographie : Mirjam Wanner, Kunstmuseum de Thurgovie, Ittingen

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Celui qui ne veut pas travailler peut prendre des congés à volonté et se distraire dans des piscines transformées en discothèques, car des robots sont là pour le remplacer. Dans ce monde alternatif, il est possible de payer avec des boutons de veste, des brins d’herbe ou encore des feuilles d’arbre. En appuyant sur un simple bouton, on peut même ressusciter pour un temps ses proches ou ses amis décédés. Si le pays d’Athos semble idyllique, le danger et le mal y sont également présents. Ils prennent la forme de bêtes malfaisantes, tels les «Teufels-Ö-Ifiche» (Diables-Ö-Ifichen), de mèche avec des indigènes malveillants, ou les «Glätschviecher» (Bêtesglaciaires), dont la gueule est couverte de verglas. Quant aux paysages luxuriants de cette contrée fantastique, ils sont menacés par la pollution, entre autres à cause des «Bübsfabriken», imposantes usines coiffées de cheminées d’où sortent des nuages de fumée noire et nauséabonde. Composé à la fois de créations picturales et d’inventions langagières riches en néologismes, l’univers de Michael Golz se développe et s’agrandit jour après jour. L’auteur lui donne corps sous la forme d’une impressionnante carte topographique. Une fois ses différentes parties assemblées - soit aujourd’hui pas moins de 150 feuilles cartonnées - elle atteint une surface d’environ 14 x 17 mètres. Des dessins au crayon de couleur et au feutre l’accompagnent. Ils représentent avec précision les villes et villages pittoresques de ce pays dont les habitants ont tous les cheveux longs. Une série d’épais classeurs numérotés complètent cette oeuvre monumentale. Sortes de guides de voyages où Michael Golz consigne des centaines de feuilles de papier couvertes d’adhésif transparent qui proposent des récits illustrés sur le quotidien des «Ifichen mem», les habitants de ce monde utopique.

Wer nicht arbeiten will, kann beliebig Urlaub machen und sich in Schwimmbädern, die zu Diskotheken umgebaut sind, vergnügen, denn es gibt Roboter, welche die Arbeit übernehmen. In dieser Gegenwelt ist es möglich, mit Kleiderknöpfen, Grashalmen oder Baumblättern zu zahlen. Indem man auf einen Knopf drückt, kann man sogar seine verstorbenen Verwandten oder Freunde für eine Zeitlang zum Leben erwecken. Trotz seines scheinbar idyllischen Charakters kennt das «Athosland» auch die Gefahr und das Böse. Sie nehmen die Form von Untieren an, wie die „TeufelsÖ-Ifiche“, die mit boshaften Einheimischen unter einer Decke stecken, oder die „Glätschviecher“, deren Maul mit Eis bedeckt ist. Die üppigen Landschaften dieser fantastischen Gegend werden von der Umweltverschmutzung bedroht, unter anderem wegen der „Bübsfabriken“, deren mächtige Anlagen von Schloten überragt werden, aus denen ekelhafte schwarze Rauchwolken aufsteigen. Die Welt von Michael Golz, die aus bildnerischen Schöpfungen und sprachlichen Erfindungen voller Neologismen besteht, entwickelt und vergrössert sich Tag für Tag. Der Künstler gibt ihr die Form einer eindrucksvollen Landkarte. Sobald ihre verschiedenen Teile - augenblicklich nicht weniger als 150 Kartonblätter - ausgelegt sind, beträgt ihre Gesamtfläche ca. 14 x 17 m. Zeichnungen mit Farb- und Filzstift begleiten sie. Sie stellen mit grosser Präzision malerische Städte und Dörfer dieses Landes dar, dessen Einwohner alle langhaarig sind. Eine Serie umfangreicher nummerierter Ordner vervollständigt dieses riesige Werk. Sie bilden sozusagen Reiseführer, in denen Michael Golz zahllose mit transparentem Klebeband bedeckte Papierblätter ablegt und die illustrierte Berichte über den Alltag der „Ifichen mem“, der Einwohner dieser utopischen Welt, enthalten.

Those who not wish to work, for instance, can take as much time off as they want; they can enjoy the swimming pools transformed into discos, since robots are there to replace them. Moreover, this alternative world accepts payments in the form of jacket buttons, grass blades or tree leaves... Indeed, pushing a simple button even enables the short-term return of deceased relatives or friends. Still and all, as idyllic as Athosland comes across, danger and evil are likewise present. Thus one can come across beasts such as the “Teufels-Ö-Ifiche” (devil creatures), who are in league with the malevolent natives, or the “Glätschviecher” (glacier beasts) with their icecaked maws. Moreover, pollution threatens this fantasy land’s lush landscapes, due to the presence of the “Bübsfabriken” - imposing chimneycapped factories expelling clouds of black and foul-smelling smoke. Michael Golz’s universe, which continues to develop and expand day by day, consists of both pictorial creations and a language enriched by a wealth of neologisms. The whole is embodied by a most impressive topographic map. Once all the different parts are assembled - which comes to no less than 150 cardboard sheets - that map measures 14 by 17 meters. Accompanying the map are drawings in colored pencil and felt-tip pen; these offer a precise depiction of the land’s picturesque cities and villages. All the inhabitants of this land have long hair. Completing this monumental work is a series of thick, numbered binders: these are meant as travel guides of a kind. Binding together hundreds of sheets of paper sheathed in transparent adhesive film, they offer illustrated stories about the “Ifichen mem” - that is, the inhabitants of his utopian world. rivierart

photo du milieu - sans titre, entre 1960 et 1986, stylo à bille rouge et noir sur papier fin, 29,6 x 20,9 cm, Photo : Amélie Blanc, (AN), Collection de l’Art Brut, Lausanne photo de droite - sans titre, première moitié des années 1970, Pastel, peinture, stylo-bille et crayon de couleur sur papier. 62 x 45 cm, Collection de la famille de l’auteur, Prague

La Collection de l’Art Brut consacre une grande rétrospective au travail de la créatrice d’origine tchèque Anna Zemánková (1908 - 1986). Cette présentation est organisée en étroite collaboration avec la famille de l’auteur, qui s’applique depuis de nombreuses années à valoriser son oeuvre. A cette occasion, la Collection de l’Art Brut réunira une large sélection de près de 130 dessins issus de son fonds et de l’importante collection familiale, dont beaucoup seront montrés pour la première fois, ainsi que d’une collection privée tchèque. L’exposition est accompagnée de documents d’archives, d’un film inédit sur Anna Zemánková et d’une importante monographie. Née en 1908 à Olomouc, en Moravie, Anna Zemánková est très jeune attirée par le dessin mais se heurte à l’incompréhension de son entourage. Elle se marie en 1933 et la famille s’installe à Prague en 1948. Elle pratique le métier de prothésiste-dentaire, mais fait le choix d’abandonner son cabinet à la naissance de son deuxième fils. Une succession d’événements douloureux - le décès d’un de ses fils et des phases dépressives - opère une rupture dans sa vie. Au début des années 1960, âgée de plus de cinquante ans, elle se lance soudain dans le dessin. Elle choisit d’abord le pastel qu’elle pratique sur de grandes feuilles de papier.

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Die Collection de l’Art Brut veranstaltet eine grosse Retrospektive über das Schaffen von Anna Zemánková (1908 - 1986), einer Künstlerin tschechischer Herkunft. Die Schau erfolgt in enger Zusammenarbeit mit der Familie, die sich seit vielen Jahren bemüht, dieses Werk zur Geltung zu bringen. Für die Ausstellung vereint die Collection de l’Art Brut eine breite Auswahl von fast 130 Zeichnungen, die aus ihrem eigenen Bestand, aus der umfangreichen Familiensammlung und aus einer tschechischen Privatsammlung stammen und zu einem grossen Teil zum ersten Mal zu sehen sind. Die Werkschau wird ergänzt durch Archivdokumente, einen unveröffentlichten Film über Anna Zemánková und eine bedeutende Monografie. Anna Zemánková, die 1908 in Olmütz in Mähren geboren wurde, fühlte sich schon sehr früh zur Zeichenkunst hingezogen, stiess jedoch auf das hartnäckige Unverständnis ihrer Umgebung. Sie heiratete 1933, und 1948 liess sich die Familie in Prag nieder. Sie war als Zahntechnikerin tätig, gab jedoch ihr Labor bei der Geburt ihres zweiten Sohns auf. Mehrere schmerzliche Ereignisse - der Tod eines ihrer Söhne und depressive Phasen - führten zu einem Bruch in ihrem Leben. Zu Beginn der 1960er-Jahre begann sie mit mehr als 50 Jahren plötzlich zu zeichnen. Zunächst schuf sie Pastellarbeiten auf grossen Papierblättern.

The Collection de l’Art Brut proudly presents a major retrospective of works by the Czech creator Anna Zemánková (1908 - 1986). The event has been set up in close conjunction with this creator’s family who, for many years now, has sought to promote Zemánková’s oeuvre. To that end, the Collection de l’Art Brut has assembled a large selection of nearly 130 drawings from both its own holdings and the family’s private collection: many of these are being shown for the first time. Works from a private Czech collection will also go on display, together with archival documents, a to-dateunreleased film on Anna Zemánková and a major monograph. Anna Zemánková was born in Olomouc (Moravia) in 1908: at a very young age she was already attracted to drawing, but found no encouragement for that love within her family circle. Wedded in 1933, she and her husband settled in Prague. Here Anna became active as a dental technician, but she gave up that profession upon the birth of a second son. In the wake of a succession of painful events in her life - the death of one of her sons and several bouts of depression - she reached a breaking point. It was in the early 1960s, at the age of over fifty, that she suddenly took up drawing. She first worked in pastels on large sheets of paper

Avec les années, elle développe une technique innovante mêlant le crayon, l’encre, le pastel, la perforation, le collage, le découpage, le gaufrage ou encore la broderie. Dans une démarche proche de la création médiumnique, elle se met à dessiner vers quatre heures du matin, dans un état de concentration profonde. L’aube semble lui procurer un état d’extase propice à capter des forces magnétiques émanant d’un monde parallèle. Elle nous dévoile un herbier fantasmagorique de fleurs et de plantes rayonnantes, dans un flamboiement de couleurs. Anna Zemánková travaille aussi la matière en perforant et modelant le support. Avec l’âge, le diabète qui la ronge contraint ses activités et ses mouvements. Cette situation astreignante la conduit à réduire les formats de ses oeuvres jusqu’à la miniature, où ses fleurs s’épanouissent toujours avec la même force. Encouragée et soutenue par ses fils, elle va se consacrer à la création artistique durant vingt-cinq ans et produire plusieurs milliers de pièces.

Im Laufe der Jahre entwickelte sie jedoch eine innovative Technik, die Bleistift, Tinte, Pastell, Perforierung, Collage, Scherenschnitt, Prägedruck und Stickerei vereint. In einem Vorgehen, das dem mediumistischen Schaffen nahesteht, begann sie um vier Uhr früh mit höchster Konzentration zu zeichnen. Die Morgendämmerung schien sie in einen ekstatischen Zustand zu versetzen, in dem sie magnetische Kräfte aus einer Parallelwelt zu spüren meinte. In prächtigen Farben liess sie eine fantasmagorische Welt aus sich wiegenden Blumen und Pflanzen aufblühen. Zudem bearbeitete sie die Materie, indem sie den Bildträger perforierte und modellierte. Mit zunehmendem Alter schränkte die Diabetes, an der sie litt, ihre Bewegungen und Aktivitäten ein. Deshalb reduzierte sie die Grösse ihrer Werke bis auf ein Miniaturformat, in dem sich ihre Blumen jedoch stets mit der gleichen Kraft entfalten. Von ihren Söhnen ermutigt und unterstützt, war sie 25 Jahre lang künstlerisch tätig und schuf mehrere Tausend Blätter.

Over the following years, she gradually developed an innovative technique blending pencil, ink, pastels, perforation, collage, cut-outs, embossing and even embroidery. In a nigh-to-mediumistic and deeply concentrated fashion, Anna would begin drawing at about 4 am. The dawn hours seemed to incite her to attain a state of ecstasy conducive to capturing the magnetic forces emanated by a parallel world. This in turn induced her to come up with a phantasmagoric herbarium of flowers and plants, all radiating in a blaze of colors. She was also wont to work on the materials themselves, perforating and shaping the support. Increasingly afflicted by diabetes over the years, she was gradually forced to limit her activities and movements. This obligation led her to reduce the size of her works all the way down to miniatures in which, nonetheless, her flowers continued to bloom altogether vividly. Encouraged to do so by her sons, Anna devoted herself to her artistic creation for twenty-five years, resulting in the production of several thousand works.

collection de l’art brut Michael Golz - Voyage dans le pays d’Athos - jusqu’au 1er octobre 2017 MICHAEL GOLZ – REISE INS ATHOSLAND - bis zum 1. oktober 2017 Michael Golz - Travels in Athosland - until october 1st 2017 Anna Zemánková - jusqu’au 26 novembre 2017 Anna Zemánková- bis zum 26. november 2017 Anna Zemánková - until november 26th 2017 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

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Musée ariana Schnaps & rösti Verre émaillé et poterie suisses 17e-19e jusqu’au 18 février 2018 genève - SWITZERLAND Le Musée Ariana poursuit son cycle d’expositions centrées sur ses collections. « L’Ariana sort de ses réserves III » se penche sur l’identité suisse, avec son riche corpus de poterie et de verre de Suisse orientale. D’un côté se déclinent les plats à rösti et autres terrines en terre cuite décorés aux engobes sous glaçure, de l’autre les flacons à schnaps et gobelets en verre blanc ou coloré, rehaussés d’émaux polychromes. Si les techniques et les formes diffèrent, les motifs iconographiques se croisent et se répondent. Fleurs des champs, ours de Berne, hommes et femmes revêtus de leurs plus beaux atours, blasons héraldiques ornent une vaisselle élaborée pleine de fraîcheur. Des dictons religieux, patriotiques ou galants agrémentent le décor et apportent un intéressant éclairage sur la vie quotidienne. La technique de la poterie suisse diffère peu: l’argile tournée, modelée et séchée est généralement recouverte d’un engobe de fond, beige clair ou brun foncé. Le décor est posé sur cette base au pinceau ou à l’aide du barolet (sorte de poire remplie d’engobe); le décor peint est parfois rehaussé de décor gravé ou à la molette. Le récipient est enfin recouvert d’émail avant l’étape finale de la cuisson au four à bois.

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Das Musée Ariana setzt seine Ausstellungsreihe mit Objekten aus eigenen Beständen fort: „L‘Ariana sort de ses réserves III“ ist der schweizerischen Identität gewidmet und präsentiert einen reichen Korpus an Keramik und Glas aus der Deutschschweiz. Röstiplatten und Terrinen aus Irdenware mit Engobedekor unter Glasur treffen auf Schnapsflaschen und Trinkbecher aus weissem oder farbigem Glas, die mit polychromer Emailmalerei verziert sind. Die Exponate unterscheiden sich zwar im Hinblick auf Technik und Form, treten aber über die ikonografischen Motive miteinander in Resonanz. Blumen, Wappendarstellungen und Genrefiguren zieren die naive Bauernkeramik. Oftmals ergänzen Sprüche mit religiösem, patriotischem oder amourösem Inhalt das Dekor und liefern Einblicke in das Alltagsleben. Die grundsätzlich gleichbleibende Töpfereitechnik besteht darin, den Ton nach dem Drehen, Formen und Trocknen mit einer hellbeigen oder dunkelbraunen Grundengobe zu überziehen. Danach wird der Gegenstand mit einem Pinsel oder einem Malhörnchen - einer Art birnenförmigen, mit Engobe gefüllten Pipette - verziert; zusätzlich zur Emailbemalung werden manchmal Springfeder- oder Ritzdekore angebracht.

The Musée Ariana is continuing its series of exhibitions focused on its collections. “The Ariana Selects from its Storerooms III” considers the Swiss identity through a rich display of pottery and glass from Eastern Switzerland. On the one hand, there are the dishes for the rösti potato cake, as well as other earthenware terrines with underglaze slip decoration, and on the other, schnapps flasks and tumblers in clear or coloured glass, enhanced with polychrome enamelling. Although the techniques and forms differ, the iconographic motifs overlap and echo each other. Wild flowers, the bears of Bern, men and women dressed in their best finery, and heraldic coats of arms adorn this ware as elaborate as it is fresh. The designs are often complemented by religious, patriotic or gallant sayings that give us fascinating insights into people’s everyday lives. The pottery techniques differ very little: the thrown, shaped and dried clay is generally covered with a light beige or dark brown base made of slip. The decoration is applied to this base with the aid of a brush or slip trailer. It is sometimes enhanced with circular patterns, engraved or added by means of a roller. The vessel is then given a final coating of glaze before being fired in a wood-burning kiln.

Au sortir du four, les couleurs des engobes se révèlent dans toute leur vigueur sous la glaçure transparente brillante. Si une production de poterie est attestée dans plusieurs régions de Suisse, le canton de Berne regroupe les centres les plus importants : l’atelier d’Abraham Marti à Blankenbourg, les centres de Langnau, Heimberg, Bäriswil et Steffisbourg. Le Musée Ariana conserve un important corpus de près de 200 pièces de poterie suisse, illustrant de manière significative les principaux centres de production, et couvrant une large période s’étendant de 1680 au début du 20e siècle. C’est en 1748 qu’on trouve la première mention d’Abraham Marti comme unique potier du Simmental dans l’Oberland bernois. Entre 1749 et 1789, Abraham Marti produit de la vaisselle céramique (essentiellement des plats) mais également de carreaux de poêles. Les assiettes plates d’Abraham Marti, avec leur décor se détachant sur un fond clair, sont facilement identifiables. Si le profil des assiettes accuse souvent des déformations, notamment sur les pièces de grandes dimensions, la remarquable qualité du décor en fait l’un des fleurons de la poterie suisse. Avec dix-neuf assiettes et plats, la collection de Blankenbourg du Musée Ariana est l’une des plus importantes de Suisse ; le grand plat aux armoiries constitue un chef-d’oeuvre du genre. Schliesslich wird der Gegenstand mit Email überzogen und im Holzofen gebrannt. Der Brennvorgang bringt die kräftigen Engobefarben unter der durchsichtigen, glänzenden Glasur voll zur Geltung. Zwar wurden Töpfereien nachweislich auch in mehreren anderen Schweizer Gegenden betrieben, doch die wichtigsten Produktionsstätten lagen im Kanton Bern: die Werkstatt von Abraham Marti in Blankenburg sowie die Zentren in Langnau, Heimberg, Bäriswil und Steffisburg Die Sammlung des Musée Ariana beherbergt einen bedeutenden Korpus mit an die 200 Schweizer Keramikobjekten. Sie decken einen grossen Zeitraum ab: von 1680 bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts. Abraham Marti findet erstmals 1748 als einziger Töpfer des Simmentals (Berner Oberland) Erwähnung. Von 1749 bis 1789 stellte er Keramikgeschirr, hauptsächlich Platten, aber auch Ofenkacheln her. Mit ihrem Dekor auf hellem Hintergrund sind Abraham Martis flache Teller unverwechselbar. Das Profil der Teller weist zwar besonders bei grossformatigen Stücken häufig Unregelmässigkeiten auf, doch die Arbeiten Martis zählen wegen ihrer bemerkenswerten Dekorqualität zu den Glanzleistungen der Schweizer Töpferkunst. Mit 19 Tellern und Platten besitzt das Musée Ariana eine der schweizweit grössten Sammlungen von Blankenburger Keramik. Der grosse Wappenteller ist ein Meisterwerk dieser Kategorie. On removal from the kiln, the colours of the slip clays are revealed in all their intensity under a shiny transparent glaze. Though evidence exists of pottery production in several cantons, the most important centres were in the Canton of Bern, including Abraham Marti’s workshop in Blankenbourg, and the centres of Langnau, Heimberg, Bäriswil and Steffisbourg. The Musée Ariana has an important collection of nearly 200 pieces of Swiss pottery, significantly representative of the major centres of production and covering an extensive period from 1680 to the early 20th century. The earliest mention of Abraham Marti as the only potter working in the Simmental valley in the Bernese Oberland dates back to 1748. Between 1749 and 1789, he produced ceramic ware (mainly dishes) as well as tiles for stoves. Abraham Marti’s flat plates are easily identifiable by their designs painted on a light-coloured background. Although the plates are often distorted, especially the larger pieces, the remarkable quality of the decoration makes this ware one of the gems of Swiss pottery. With nineteen plates and dishes, the Musée Ariana’s collection of Blankenbourg ware is one of the most important in Switzerland; the large platter bearing a coat of arms is a masterpiece of the genre. page de gauche - photo de gauche - Terrine de mariage, Langnau, daté 1801, Terre cuite, engobes sous glaçure, H. 26,7 cm, Don d’Harry Heiz et Reinhard Steiner, 2016, Collection Musée Ariana, Genève. Photo Andreas Heege page de gauche- photo de droite - Terrine, Langnau (Berne), daté 1803, Terre cuite, engobes sous glaçure, H. 25,8 cm. Legs Alfred Dumont, 1894. Collection Musée Ariana, Genève. Photo Mauro Magliani & Barbara Piovan photo page de droite en haut - Plat, Abraham Marti, Blankenbourg (Simmental, Berne), daté 1758, Terre cuite, engobes sous glaçure, D. 59 cm. Legs Gustave Revilliod, 1890, Collection Musée Ariana, Photo Mauro Magliani & Barbara Piovan photo page de droite au milieu - Plat, Abraham Marti, Blankenbourg (Simmental, Berne), daté 1789, Terre cuite, engobes sous glaçure, D. 34,3 cm. Legs Gustave Revilliod, 1890, Collection Musée Ariana, Genève, Photo Mauro Magliani & Barbara Piovan photo page de droite en bas - Ecritoire, Bäriswil (Berne), 1782-1784 Terre cuite, engobes sous glaçure L. 17 cm, Don d’Anne-Marie et Ramsès Armanios Stehelin, 2015, Collection Musée Ariana, Photo Mauro Magliani & Barbara Piovan

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La commune de Langnau dans l’Emmental a été, à partir du 17e siècle, un terreau fécond pour le développement des poteries. On compte, avant 1850, au moins dix sites attestés qui se consacrent à cet artisanat. Des lignées de potiers, parmi lesquelles la célèbre famille Herrmann, ont développé un savoir-faire qui a donné naissance au « style de Langnau ». Daniel Herrmann (1736-1798) a importé des éléments stylistiques empruntés aux faïences de la manufacture Frisching qu’il a dirigée durant quelques années. Le décor est peint au barolet sur un fond blanc, puis gravé et estampé à la molette avant d’être recouvert d’une glaçure légèrement verdâtre. Les dictons animent la plupart des assiettes. Cependant, la production ne se limitait pas aux seuls assiettes et plats ; pas moins de 250 formes utilitaires différentes sont recensées, dont un bon nombre de terrines de formes variées. Le plus important centre de poterie du canton de Berne dès la fin du 18e siècle se concentre sur la région de Heimberg. Vers 1850, on compte jusqu’à 80 poteries à Heimberg et dans les alentours, qui emploient des compagnons, ainsi que des femmes affectées à la décoration. L’une des caractéristiques de la production de Heimberg réside dans l’application du décor au barolet sur un engobe de fond brun-noir. Les plats creux, dits « à rösti », ont généralement un bord oblique caractéristique. Cependant, il apparaît aujourd’hui certain que cette typologie ne s’est pas limitée au seul centre de Heimberg. En l’absence de marque ou d’inscription permettant d’identifier un potier ou un lieu, il convient donc de se limiter prudemment à l’appellation «à la manière de Heimberg ».

Ab dem 17. Jahrhundert entstanden in der Gemeinde Langnau im Emmental eine ganze Reihe von Töpfereibetrieben. Für die Zeit bis 1850 gibt es Belege für mindestens zehn handwerklich arbeitende Hafnereien. Über mehrere Generationen tätige Hafner, darunter die berühmte Familie Herrmann, entwickelten ein handwerkliches Können, für das der Begriff „Langnauer Stil“ geprägt wurde. Daniel Herrmann (1736-1798) übernahm stilistische Elemente der Frischingschen Fayencemanufaktur, der er eine Zeit lang als Direktor vorstand. Die Malhorndekoration wurde auf weissem Grund aufgetragen, anschliessend mit Ritz- und Springfederdekor kombiniert und schliesslich mit einer leicht grünlichen Glasur überzogen. Die meisten Teller sind zudem mit Sprüchen versehen. Nebst Tellern und Platten wurden auch mindestens 250 weitere Arten von Gebrauchsgegenständen registriert, darunter zahlreiche Terrinen mit unterschiedlichen Formen. Ende des 18. Jahrhunderts befand sich das grösste Töpfereizentrum des Kantons Bern in der Region Heimberg. Um 1850 wurden in der Gegend von Heimberg bis zu 80 Töpfereien gezählt, in denen auch Gesellen und Ausmacherinnen beschäftigt waren. Zu den besonderen Merkmalen der Heimberger Produktion gehört, dass die Verzierungen mit dem Malhörnchen auf eine schwarzbraune Grundengobe aufgetragen wurden. Die tiefen, als „Röstiplatten“ bekannten Servierteller besitzen meistens einen charakteristisch abgeschrägten Rand. Nach heutigen Erkenntnissen beschränkt sich dieser Keramiktyp jedoch nicht auf das Heimberger Töpfereizentrum. Dort, wo Stempel oder Markierungen zur Identifizierung des Hafners oder des Produktionsstandorts fehlen, ist vorsichtshalber der Begriff „Heimberger Art“zu verwenden.

From the 17th century onwards, the town of Langnau in the Emmental valley offered ideal conditions for the development of potteries. Prior to 1850, there were at least ten confirmed sites there dedicated to this craft. Generations of potters, including the famous Herrmann family, developed skills that gave rise to the “Langnau style”. Daniel Herrmann (1736-1798) introduced design elements borrowed from the faience made at the Frisching manufactory, of which he was the manager for several years. The motifs were applied to a white background with the aid of a slip trailer, then roller stamped and engraved before being coated with a slightly greenish glaze. Most of the plates also feature popular sayings. Langnau ware was not just limited to plates and dishes; no less than 250 different utilitarian forms are known, including a significant number of terrines in a variety of shapes. The main pottery centres in the Canton of Berne in the late 18th century were concentrated in the Heimberg region. Around 1850, there were as many as 80 potteries in and around Heimberg, which employed journeymen, as well as women who decorated the pieces. One of the typical features of Heimberg ware is the use of a slip trailer to apply the designs onto a brown-black slip background. The deep dishes, known as “rösti” dishes, generally have a characteristic slanting edge. It now seems certain that this type of ware was not limited to the Heimberg region, for it is known that potters in Berneck, in the Rhine valley, produced similar pieces. As there are no marks or inscriptions enabling us to identify the potter or place of manufacture, we have to be cautious and limit ourselves to the designation “in the Heimberg manner”.

photo de gauche - Sucrier, Langnau, vers 1800-1820, Terre cuite, engobes sous glaçure, H. 18,3 cm, Don de Hippolyte Jean Gosse, 1881, Collection Musée Ariana, Genève, Photo Mauro Magliani & Barbara Piovan photo du milieu - Plat à « rösti », « À la manière de Heimberg » (Berne), 1820-1830, Terre cuite, engobes sous glaçure, D. 28,3 cm, Legs Alfred Dumont, 1894 , Collection Musée Ariana, Genève, Photo Mauro Magliani & Barbara Piovan photo de droite - Petite terrine, « À la manière de Heimberg » (Berne), 1840-1860, Terre cuite, engobes sous glaçure, H. 12,5 cm, Don de Laurent Rehfous, 1934, Collection Musée Ariana, Genève, Photo Mauro Magliani & Barbara Piovan

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photo de gauche - Bouteille, Suisse centrale, vers 1787, Verre soufflé en moule, décor peint aux émaux polychromes, H. 29,7 cm, Collection Musée Ariana, Ville de Genève, Photo : Mauro Magliani et Barbara Piovan photo du milieu - Bouteille et gobelets, Suisse centrale, 18e siècle, Verres soufflés en moule, décors peints aux émaux polychromes, H. max. 19,5 cm, Collection Musée Ariana, Ville de Genève, Photo : Mauro Magliani et Barbara Piovan photo de droite - Flacon, Suisse centrale, 17e siècle, Verre soufflé en moule, décor peint aux émaux polychromes, H. 16,3 cm, Collection Musée Ariana, Genève, Photo Mauro Magliani & Barbara Piovan

C’est apparemment un marchand de céramiques de Thoune qui a donné, à la fin du 19e siècle, l’impulsion à un renouvellement des formes et des décors de ce qu’on appelle couramment la «majolique de Thoune». La technique employée est toujours celle de la poterie décorée aux engobes sous glaçure. Les formes s’inspirant de vases grecs ou étrusques et les décors denses constituent une émanation régionale du style «Arts & Crafts» qui connaîtra un grand succès auprès des touristes et dans les expositions universelles, comme celle de Paris en 1876. À l’occasion cette exposition temporaire consacrée à la poterie suisse des 17e-19e siècles, le Musée Ariana présente simultanément son corpus de verres émaillés, afin de mettre en dialogue ces deux arts du feu. Le Musée Ariana conserve dans ses collections plus de deux cents verres émaillés produits en Suisse, entre le 1er quart du 18e siècle et le début du 19e siècle. Ces pièces témoignent d’un goût populaire très répandu en Suisse centrale. L’iconographie des décors émaillés, parfois accompagnée d’inscriptions, présente des scènes récurrentes. Ces récipients (bouteilles, gourdes, flacons, gobelets, etc.) sont ainsi ornés de motifs végétaux, animaliers, symboliques, héraldiques, voire de personnages, illustrant des sujets religieux, galants ou encore bachiques. Au 18e siècle, de nombreux ateliers itinérants sont actifs au centre de l’Europe. L’installation des frères Siegwart - originaires de Forêt-Noire - dans l’Entlebuch (canton de Lucerne) en 1723, marque un tournant dans l’histoire du verre suisse. Elle inaugure l’établissement de plusieurs entreprises similaires dans la région. L’homogénéité de leur production complique passablement les attributions géographiques. Ces pièces se trouvent d’ailleurs souvent regroupées sous l’appellation générique de «verre de Flühli», du nom d’une commune située dans ce district lucernois. La production de verres émaillés, dits «de Flühli», se concentre entre les années 1720 à 1820. Elle se poursuit encore jusqu’au milieu du 19e siècle, avant de disparaître, remplacée par d’autres techniques de fabrication et de décor.

Es heisst, die Wiederentdeckung der als „Thuner Majolika“ bekannten Formen und Dekore sei Ende des 19. Jahrhunderts, einem Thuner Keramikhändler zu verdanken. Die gängige Bezeichnung ist allerdings irreführend: Technisch handelt es sich bei Thuner Majolika nach wie vor um Irdenware, die mit Unterglasur-Engobedekor verziert ist. Die Formen orientieren sich an griechischen oder etruskischen Vasen, während die üppigen Dekore eine regionale Ausprägung des Stils „Arts & Crafts“ sind, der bei Touristen und auf Weltausstellungen, namentlich 1876 in Paris, grossen Anklang fand. Das Musée Ariana bewahrt in seinen Sammlungen über 200 Objekte aus Emailglas auf, die zwischen dem Anfang des 18. Jahrhunderts und dem beginnenden 19. Jahrhundert in der Schweiz gefertigt wurden. Sie repräsentieren einen volkstümlichen Stil, der in der Innerschweiz sehr beliebt war. Den sich vielfach wiederholenden Bildinhalten sind manchmal auch Inschriften beigegeben. Die Gefässe (Flaschen, Beutelflaschen, Fläschchen, Trinkbecher usw.) tragen Sujets aus der Pflanzen- und Tierwelt, Symbol- und Wappenmotive, sowie auch Darstellungen von Menschen im Zusammenhang mit religiösen, amourösen oder bacchantischen Handlungen. Im 18. Jahrhundert betrieben in Mitteleuropa zahlreiche wandernde Glasermeister von der Alpennordseite bis nach Süddeutschland ihre Glashütten. 1723 liessen sich die aus dem Schwarzwald stammenden Gebrüder Siegwart im Entlebuch (Kanton Luzern) nieder und leiteten damit einen Wendepunkt in der Schweizer Glasgeschichte ein. Bald wurden in der Region weitere Glashütten errichtet. Eine präzise geografische Zuweisung dieser Produktion ist angesichts ihrer Homogenität nur schwer möglich. In Anlehnung an die gleichnamige luzernische Gemeinde werden die Gegenstände deshalb häufig unter dem Sammelbegriff „Flühli-Glas“ zusammengefasst.Emailbemaltes „Flühli-Glas“ wurde hauptsächlich zwischen 1720 und 1820 hergestellt. Die Produktion dauerte jedoch bis Mitte des 19. Jahrhunderts fort und wurde schliesslich durch andere Techniken der Glasherstellung und Glasdekoration endgültig verdrängt.

It was apparently a ceramic merchant from Thun who, in the late 19th century, provided the impetus for a revitalisation of the forms and designs of what is commonly known as “Thun majolica”. This designation is confusing: the technique employed is still that of pottery with underglaze slip decoration. The forms inspired by Greek or Etruscan vases and the rich ornamentation, which were a regional expression of the Arts and Crafts style, proved a great success with tourists and at the world fairs, such as the one held in Paris in 1876. To coincide with this temporary exhibition devoted to Swiss pottery from the 17th-19th centuries, the Musée Ariana is simultaneously presenting its collection of enamelled glassware, in order to create a dialogue between these two disciplines, known in French as the “Fire Arts”. The Musée Ariana has in its collections more than two hundred examples of enamelled glass made in Switzerland between the first quarter of the 18th century and the early 19th century. These pieces are indicative of a very widespread popular taste in Central Switzerland. The enamelled designs have frequently recurring motifs, sometimes accompanied by inscriptions. These vessels (including bottles, flasks, vials and glasses) are decorated with floral, animal, symbolic and heraldic motifs and sometimes with figures, depicting religious, gallant and even bacchanalian subjects. In the 18th century, many itinerant workshops were active in Central Europe. The arrival of the Siegwart brothers - originating from the Black Forest - in the Entlebuch district (Canton of Lucerne) in 1723 marked a turning point in the history of Swiss glass. It opened the way for the establishment of several similar firms in the region. The homogeneity of the glassware produced makes geographical attributions rather difficult. These objects are often grouped together under the generic term “Flühli glass”, named after a commune located in this part of the canton. The production of so-called “Flühli” enamelled glass was mainly concentrated between the years 1720 and 1820. It continued until the mid-19th century, when it died out, being supplanted by other fabrication and decorative techniques. rivierart

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FONDATION DU CHÂTEAU DE CHILLON Avenue de Chillon 21, CH - 1820 Veytaux Tél : +41 (0)21 966 89 10 Fax : +41 (0)21 966 89 12 info@chillon.ch www.chillon.ch Ouvert tous les jours, sauf le 25.12 et le 1.1 Avril-Sept. : 9h-19h Nov-Fév. : 10h-17h Oct.&Mars : 9h30-18h

MUSÉE HISTORIQUE DE VEVEY Rue du Château 2, CH - 1800 Vevey Tél : 021 925 51 64 Fax : 021 925 51 65 musee.historique@vevey.ch www.museehistoriquevevey.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h, et les lundis fériés.

MUSÉE DE LA CONFRÉRIE DES VIGNERONS Rue du Château 2, CH - 1800 Vevey Tél : 021 923 87 05 Fax : 021 923 87 06 confrerie@fetedesvignerons.ch www.fetedesvignerons.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h, et les lundis fériés. Entrée libre.

ESPACE QUAI1 Place de la Gare 3 - 1800 Vevey Tél : 021 922 48 54 www.quai1.ch info@images.ch du mercredi au vendredi de16h à 19h; samedi de 11h à 15h fermé entre les expositions temporaires

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Alimentarium, Musée de l’alimentation Une fondation Nestlé Quai Perdonnet 25, CH – 1800 Vevey Tél : 021 924 41 11 info@alimentarium.org www.alimentarium.ch reservation@alimentarium.org d’octobre à mars de 10h à 17h - d’avril à septembre de 10h à 18h. Fermé les lundis, sauf les lundis fériés. Réouverture le 4 juin 2016

MUSÉE JENISCH VEVEY Av. de la Gare 2, CH - 1800 Vevey Tél : +41 (0)21 925 35 20 Fax : 021 925 35 25 info@muuseejenisch.ch www.museejenisch.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h ; jeudi jusqu’à 21h.

MUSÉE DE MONTREUX Rue de la Gare 40, CH - 1820 Montreux Tél : +41 (0)21 963 13 53 museemontreux@bluewin.ch www.museemontreux.ch ouvert du 1er avril au 31 octobre : tous les jours de 10h à 12h et de 14h à 17h

MUSÉE SUISSE DU JEU Au Château, CP 219, CH-1814 La Tour-de-Peilz Tél: +41 (0)21 977 23 00 Fax: 021 977 23 07 www.museedujeu.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h30 ouvert les lundis fériés

MUSÉE SUISSE DE L’APPAREIL PHOTOGRAPHIQUE Grande Place 99, CH - 1800 Vevey Tél : 021 925 34 80 cameramuseum@vevey.ch www.cameramuseum.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h30 ouvert les lundis fériés

queen the studio experience Casino Barrière de Montreux Rue du Théâtre 9, CH - 1820 Montreux www.queenstudioexperience.com tous les jours de 10h30 à 22h00, entrée libre.

CHÂTEAU D’AIGLE - MUSÉE DE LA VIGNE ET DU VIN Place du Château1, CH - 1860 Aigle Tél: +41 (0)24 466 21 30 Fax: 024 466 21 31 info@museeduvin.ch /info@chateauaigle.ch www.museeduvin.ch/www.chateauaigle.ch janv.-mars, nov.-déc. : du mardi au dimanche de 10h à 16h; avril - juin, sept. - oct. : du mardi au dimanche de 10h à 18h; juillet - août : du lundi au dimanche de 10h à 18h

FONDATION DES MINES DE SEL DE BEX Route des Mines de Sel 55 CP 277, CH - 1880 Bex www.mines.ch info@mines.ch Horaire à consulter sur le site internet réservation recommandée (024) 463 03 30

MUSÉE CANTONAL DES BEAUX-ARTS/LAUSANNE info.beaux-arts@vd.ch www.mcba.ch du mardi au mercredi de11h à 18h; jeudi de 11h à 20h; du vendredi au dimanche de11h à 17h; 26 déc. et 2 janv de 11h à 17h; fermé les lundis, le 25 déc.et le 1er janv. Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE MONÉTAIRE CANTONAL Place de la Riponne 6, CH - 1014 Lausanne Palais de Rumine Tél : 021 316 39 90 Fax : 021 316 39 99 musee.monetaire@vd.ch www.musees.vd.ch/musee-monetaire du mardi au jeudi de 11h à 18h; du vendredi au dimanche de 11h à 17h

MUSÉE DE LA MAIN UNIL - CHUV Rue du Bugnon 21, CH - 1011 Lausanne Tél : 021 314 49 55 Fax : 021 314 49 63 mmain@hospvd.ch www.museedelamain.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h; samedi, dimanche et jours fériés de 11h à 18h Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE D’ART DE PULLY Chemin Davel 2, CH - 1009 Pully Tél : 021 721 38 00 Fax : 021 721 38 15 www.museedepully.ch du mercredi au dimanche de 14h à 18h pendant les expositions

CHÂTEAU DE PRANGINS - MUSÉE NATIONAL SUISSE Av. Général Guiguer 3, CH-1197 Prangins Tél. +41 (0)58 469 38 90 info.prangins@snm.admin.ch www.nationalmuseum.ch/f/prangins/ du mardi au dimanche de 10h à 17h; fermé le 25 décembre

MUSÉE D’ARCHÉOLOGIE ET D’HISTOIRE LAUSANNE Place de la Riponne 6, CH - 1014 Lausanne Palais de Rumine Tél : 021 316 34 30 Fax : 021 316 34 31 www.musees.vd.ch/fr/musee-darcheologie-et-dhistoire du mardi au jeudi de 11h à 18h; du vendredi au dimanche de 11h à 17h

FONDATION DE L’HERMITAGE route du Signal 2, CH - 1000 Lausanne 8 Bellevaux Tél :+41 (0)21 320 50 01 info@fondation-hermitage.ch www.fondation-hermitage.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h; jeudi jusqu’à 21h, (fermé entre les expositions temporaires)

COLLECTION DE L’ART BRUT Av. des Bergières 11, CH - 1004 Lausanne musée de design et d’arts appliqués Tél : 021 315 25 70 Fax : 021 315 25 71 contemporains art.brut@lausanne.ch www.artbrut.ch place de la cathédrale 6, CH - 1005 Lausanne du mardi au dimanche de 11h à 18h, ouvert Tél : +41 21 315 25 27 Fax : +41 21 315 25 39 les jours fériés, fermé les 24, 25 décembre et www.mudac.ch er le 1 janvier Ouvert le lundi en juillet et août. LE MUSéE OLYMPIQUE FONDATION DE L’HERMITAGE du mardi au dimanche de 11h à 18h Entrée libre1le, CH premier samedi du mois. Quai d’Ouchy -1006 Lausanne route du Signal 2, ouvert le lundi de 11h à 18h en juillet et août Tél : +41 (0) 21 621 65 11 CH - 1000 Lausanne 8 Bellevaux info.museum@olympic.org www.olympic.org/musee du 1er mai au 14 octobre, ouvert tous les jours de 9h à 18h - du 15 octobre au 30 avril, ouvert du mardi au dimanche de 10h à 18h, fermé le lundi. Fermé le 25 décembre et le 1er janvier

Tél :+41 (0)21 320 50 01 Fax : +41 (0)21 320 50 71 info@fondation-hermitage.ch www.fondation-hermitage.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h; jeudi jusqu’à 21h, (fermé entre les expositions temporaires)

Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE DU VIEUX PAYS-D’ENHAUT Grand Rue 107, CH - 1660 Château-d’Oex Conservateur :Jean-Frédéric Henchoz Tél : 026 924 65 20 jfrhenchoz@bluewin.ch www.musee-chateau-doex.ch du mardi au dimanche, de 14h à 17h fermeture annuelle durant le mois de novembre.

MAISON D’AILLEURS Musée de la science-fiction, de l’utopie et des voyages extraordinaires MUSÉE DES MINÉRAUX FOSSILES Place PestalozziET 14,DES 1400 Yverdon-les-Bains MUSéE DU VIEUX PAYS-D’ENHAUT Tél: +41 24 425de 64 Rougemont 38 Fax: +41 24 425 65 75 Bâtiment communal Grand Rue 107, CH - 1660 Château-d’Oex www.ailleurs.ch Conservateur :Jean-Frédéric Henchoz Rougemontmaison@ailleurs.ch Tourisme du mardi au vendredi de 14h à 18h ; samedi, Tél : 026 924 65 20 Rte de la Croisette - 1659 Rougemont dimanche16 et jours fériés de 11h à 18h jfrhenchoz@bluewin.ch Fax : 026 925 11 67 www.musee-chateau-doex.ch Tél : 026 925 11 66 du mardi au dimanche, de 14h àinfo@rougemont.ch 17h fermeture annuelle durant le mois de www.chateau-doex.ch novembre.

MUSÉE DE L’ELYSEE COLLECTION DE L’ART BRUT Avenue de l’Elysée 18, CH - 1014 Lausanne Av. des Bergières 11, CH - 1004 Lausanne Tél 021 99 12 Tél : :021 315316 25 7099 11Fax : 021 315Fax 25 71: 021 316 MUSéE DE DESIGN ET D’ARTS APPLIQUéS art.brut@lausanne.ch www.artbrut.ch CONTEMPORAINS www.elysee.ch LA VILLA ROMAINE DE PULLY du mardi au dimanche de 11h à 18h, ouvert Place de la cathédrale 6, CH - 1005 Lausanne du mardi dimanche de 11h àet 18h les jours fériés,au fermé les 24, 25 décembre 2, CH - 1009 Pully Tél : +41 21 315 25Av. 27 Samson-Reymondin Fax : +41 21 315 25 39 le 1er janvier Ouvert sauf le lundiles enjours juillet et août. fermé le lundi, fériés www.mudac.ch Tél : 021 721 38 00 / 021 728 33 04 du mardi au dimanche de 11h à 18h musees@pully.ch ouvert le lundi de 11h à 18h en juillet et août

du lundi au vendredi de 8h30 à 12h et de 14h CENTRE D’ART CONTEMPORAIN à 17h30 ; samedi de 10hCP649, à 12h Place Pestalozzi, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 423 63 80 Fax:+41 24 423 63 82 www.centre-art-yverdon.ch centre-art@yverdon-les-bains.ch du mercredi au dimanche de 12h à18h (fermé entre les expositions)

MUSéE DES MINéRAUX ET DES FOSSILES www.villaromainedepully.ch Bâtiment de Rougemont de mai à sept. le dimanche decommunal 14h à 18h Espace Ballon

MUSéE DE L’ELYSEE Avenue de l’Elysée 18, CH - 1014 Lausanne Tél : 021 316 99 11 Fax : 021 316 99 12 www.elysee.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h fermé le lundi, sauf les jours fériés

rivier aart

LECARREFOUR CARREFOURDES DESARTISTES ARTISTES LE DERTREFFPUNKT TREFFPUNKTDER DERKÜNSTLER KÜNSTLER DER THEMEETING MEETINGPOINT POINTFOR FORARTISTS ARTISTS THE

RIVIERART

REFOUR DES ARTISTES EFFPUNKT DER KÜNSTLER ETING POINT FOR ARTISTS

ESPACE BALLON Chemin des Ballons 2, CH - 1660 Château-d’Oex Tél : +41 (0)78 723 78 33 info@espace-ballon.ch www.espace-ballon.ch Ouvert du mardi au dimanche de 14h à 17h Novembre : Fermeture annuelle

Rougemont Tourisme Rte de la Croisette 16 - 1659 Rougemont Chemin des Ballons 2, CH - 1660 Château-d’Oex MUSéE D’YVERDON ET RéGION, ARCHéOLOGIE & HISTOIRE Tél : 026 925 11 66 Fax : 026 925Tél 11 :67+41 (0)78 723 78 33 Le Château, 1400 Yverdon-les-Bains info@rougemont.ch info@espace-ballon.ch Tél: +41 24 425 93 10 www.chateau-doex.ch du lundi au vendredi de 8h30 à 12h et de 14h info@musee-yverdon-region.ch www.espace-ballon.ch www.musee-yverdon-region.ch à 17h30 ; samedi de 10h à 12h Ouvert du mardi au dimanche de 14h à 17h de juin à sept, du mardi au dimanche de Novembre :11h Fermeture à 17h; d’octannuelle à mai de 13h à 17h; Ouvert les lundis fériés.

la revue suisse des amateurs d’art et de culture RIVIERART

Le Musée Olympique Quai d’Ouchy 1 , CH -1006 Lausanne Tél : +41 (0) 21 621 65 11 info.museum@olympic.org www.olympic.org/musee du 1er mai au 14 octobre, ouvert tous les jours de 9h à 18h - du 15 octobre au 30 avril, ouvert du mardi au dimanche de 10h à 18h, fermé le lundi. Fermé le 25 décembre et le 1er janvier

rivier a rt

LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

MUSÉE D’YVERDON ET RÉGION, ARCHÉOLOGIE & HISTOIRE

Le Château, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 425 93 10 info@musee-yverdon-region.ch www.musee-yverdon-region.ch de juin à sept, du mardi au dimanche de 11h à 17h; d’oct à mai de 13h à 17h; Ouvert les lundis fériés.

NEUCHÂTEL

N 9 août - septembre - octobre 2013 - CHF 10.-

N 13 août - septembre - octobre 2014 - CHF 10.-

Musée des beaux-arts le locle Marie-Anne-Calame 6 - 2400 Le Locle Tel. +41 (0)32 933 89 50 mbal@ne.ch www.mbal.ch du mercredi au vendredi de 12h30 à 17h, samedi et dimanche de 11h à 17h. Le musée est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentecôte, jeudi de l’Ascension, 1er août et Jeûne fédéral. Fermé le 25 décembre et 1er janvier.

1 an - 4 numéros - chf 40.rivierart 1/23/2015 11:55:57 AM

Centre d’art contemporain Place Pestalozzi, CP649, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 423 63 80 Fax:+41 24 423 63 82 www.centre-art-yverdon.ch centre-art@yverdon-les-bains.ch du mercredi au dimanche de 12h à18h (fermé entre les expositions)

Musée des beaux-arts la Chaux-de-fonds Rue des Musées 33 - 2300 La Chaux-de-Fonds Tel. +41 (0)32 967 60 77 mba.vch@ne.ch www.mbac.ch du mardi au dimanche de 10h à 17h. Le musée est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentecôte. Fermé le lundi, le 1er janvier, les 24, 25 et 31 décembre

7/5/2013 3:10:43 PM

flyer dynapress 2014 R13 recto.indd 1

Maison d’Ailleurs Musée de la science-fiction, de l’utopie et des voyages extraordinaires Place Pestalozzi 14, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 425 64 38 Fax: +41 24 425 65 75 maison@ailleurs.ch www.ailleurs.ch du mardi au vendredi de 14h à 18h ; samedi, dimanche et jours fériés de 11h à 18h

rivierart

ac.ch du Le musée de Penteles 24, 25

FONDS -Fonds

.ch du musée Pente24, 25

KUNSTMUSEUM BERN Hodlerstrasse 8–12, CH - 3000 Bern 7 Tel : +41 31 328 09 44 info@kunstmuseumbern.ch www.kunstmuseumbern.ch le mardi de 10h à 21h; du mercredi au dimanche de 10h à 17h, fermé le lundi

KUNSTMUSEUM BERN kunstMuseum bern Hodlerstrasse Hodlerstrasse8–12, 8–12,CH CH- -3000 3000Bern Bern 77 TelTel: +41 3131328 09094444 : +41 328 BERNISCHES HISTORISCHES MUSEUM info@kunstmuseumbern.ch info@kunstmuseumbern.ch Helvetiaplatz 5, CH - 3005 Bern www.kunstmuseumbern.ch www.kunstmuseumbern.ch +41 31 350 77à 11 le leTel. mardi au mardidede10h 10h à21h; 21h;du du mercredi mercredi au didiinfo@bhm.ch manche dede10h àà17h, fermé lelewww.bhm.ch lundi manche 10h 17h, fermé lundi du mardi au dimanche de 10h à 17h

w.mbal.ch 30 à 17h, Le musée de Penteet Jeûne er janvier.

BÂLE FRIBOURG

NATURHISTORISCHES MUSEUM MUSEUM NATURHISTORISCHES DER BURGERGEMEINDE BURGERGEMEINDE BERN BERN DER

MUSEE MUSEE D’HISTOIRE D’HISTOIRE NATURELLE NATURELLE NATURAL NATURAL HISTORY HISTORY MUSEUM MUSEUM

BERNISCHES HISTORISCHES MUSEUM NATURHISTORISCHES MUSEUM BERN Naturhistorisches museum bern Helvetiaplatz CHCH- 3005 Bernastrasse5,15, - 3005Bern Bern Tel.Tel +41 3114h 350à71 77 11mardi, jeudi et vendredi de : 031 350 11 lundi de 17h; info@bhm.ch www.bhm.ch lundi à 17h; mardi, et le vendredi de 9h à de 17h;14h mercredi de 9h jeudi à 18h; week-end du9h mardi dimanche de à le 17h à10h 17h; mercredi à10h 18h; week-end de àau 17h. Ferméde les9h jours fériés. de 10h à 17h. Fermé les jours fériés. MUSEUM NATURHISTORISCHES DER BURGERGEMEINDE BERN

MUSEE D’HISTOIRE NATURELLE NATURAL HISTORY MUSEUM

1517

bal.ch 08 08 / Fax : 022 308 08 59 à 17h, NATURHISTORISCHES MUSEUM BERN 15, CH - 3005 Bern ynapresse.ch / www.dynapresse.ch musée Bernastrasse Tel : 031 350 71 11 Pentebonner lundi à RIVIERART : et vendredi de de 14h à 17h;pour mardi, jeudi Jeûne _ HF 40. 2 ans 8 n° pour CHF 75.9h à 17h; mercredi de 9h à le week-end museum franz Gertsch 18h; anvier. dePlatanenstrasse 10h à 17h. Fermé les jours fériés. 3, CH - 3400 Burgdorf Tel : +41 (0)34 421 40 20 info@museum-franzgertsch.ch 8 08 / Faxwww.museum-franzgertsch.ch : 022 308 08 59 du mercredi au vendredi de 10h à 18h; le apresse.ch / www.dynapresse.ch week-end de 10h à 17h. Fermé lundi et mardi

es :

Migrosmuseum für gegenwartskunst FRI ART TIBET MUSEUM Fondation Alain Bordier Limmatstrasse 270, CH - 8005 Zürich Petites-Rames 22, CH 1701 Fribourg Rue du Château 4, CH - 1663 Gruyères Tel : +41 44 277 20 50 Tél :: 026 026 921 323 30 23 10 51 Fax : 026 323 15 34 Tél info@migrosmuseum.ch info@fri-art.ch www.fri-art.ch info@tibetmuseum.ch www.migrosmuseum.ch mercredi au vendredi de 12h à 18h ; samedi www.tibetmuseum.ch lundi, mercredi, vendredi de 11h à 18h; jeudi et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le de Pâques à Octobre: tous les jours de 11h de 11h à 20h; week-end de 10h à 17h; gratuit jeudi de 18h à 20h. (fermé entre les exposià 18h; de Novembre à Pâques du mardi au le jeudi de 17h à 20h tions temporaires) vendredi FRI ART de13h à 17h; samedi et dimanche dimanche de 10h à 13h et de 14h à 17h de11h à 18h - lundi Petites-Rames 22,fermé CH - 1701 Fribourg Tél : 026 323 23 51 Fax : 026 323 15 34 info@fri-art.ch www.fri-art.ch mercredi au vendredi de 12h à 18h ; samedi et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le Musée Papier peint jeudi de 18h à 20h. (fermé entre les exposiMUSéE du SUISSE DE LA MARIONNETTE MUS ÉE GUTENBERG Au Château - 1684 Mézières tions temporaires) Derrières-les-Jardins 2, CP 556, 1701 Fribourg MUS éE GUTENBERG Tél : 026 347 38 28 Tél Tél.: :+41 02626 322652 8506 1390 info@marionnette.ch Tél : 026 347 38 28 info@gutenbergmuseum.ch FONDATION BEYELER info@museepapierpeint.ch www.marionnette.ch info@gutenbergmuseum.ch Baselstrasse 101 - CH-4125 RiehenBündner / Basel Kunstmuseum Chur www.museegutenberg.ch www.museepapierpeint.ch du mercredi au dimanche de 10h00 à 17h00 www.museegutenberg.ch Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 Bahnhofstrasse 35, CH - 7000 Chur mercredi, vendredi, samedi de 11h à 18h; début avril - fin octobre: jeudiguidées) à dimanche info@fondationbeyeler.ch fermé lundi-mardi (sauf visites et 25- mercredi, vendredi, samedi de 18h; Tel : 081 257 28 70 info@bkm.gr.ch jeudi de 11h à 20h, dimanche de 11h 10h àà 17h www.fondationbeyeler.ch de13h30 à 17h00 ; novembre mars : samedi 26 décembre jeudi de 11h à 20h, dimanche dede10h Tous les jours 10hàà 17h 18h, le mercredi de 10 www.buendner-kunstmuseum.ch KUNSTMUSEUM BERN et dimanche de 13h30 à 17h00. MUSéE DES BEAUX-ARTS LA CHAUX-DE-FONDS h à 20 h. Le musée est ouvert le dimanche et au dimanche de 10h à 17h, jeudi Hodlerstrasse 8–12, CH - 3000 Bern 7 du mardi Rue des Musées 33 - 2300 La Chaux-de-Fonds Tel : +41 31 328 09 44 les jours fériés. MUSéE SUISSE DE LA MARIONNETTE de 10h à 20h Tel. +41 (0)32 967 60 77 info@kunstmuseumbern.ch FRI ART mba.vch@ne.ch Derrières-les-Jardinswww.mbac.ch 2, CP 556, du 1701www.kunstmuseumbern.ch Fribourg MUSéE GUTENBERG Petites-Rames 22, CH - 1701 Fribourg mardi au dimanche de 10h à 17h. Le musée le mardi de 10h à Tél 21h;: du diTél. : 026 322 85 13 info@marionnette.ch Tél : 026 323 23 51 Fax : 026 323 15 34 026mercredi 347 38au28 est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pente- manche de 10h à 17h, fermé le lundi info@fri-art.ch www.fri-art.ch www.marionnette.ch côte. Fermé le lundi, le 1er janvier, les 24, 25 info@gutenbergmuseum.ch mercredi au vendredi de 12h à 18h ; samedi et décembre au dimanche de 10h00 à 17h00 du31mercredi et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le FRIwww.museegutenberg.ch ART jeudi de 18h à 20h. (fermé entre les exposifermé lundi-mardi (sauf visites guidées) et 25- mercredi, vendredi, samedi de 11h à 18h; Petites-Rames tions temporaires) BERNISCHES HISTORISCHES MUSEUM 22, CH - 1701 Fribourg 26 décembre de à 20h, dimanche de 10h à 17h Téljeudi : 026Bern 32311h 23 51 Helvetiaplatz 5, CH - 3005 MUSÉE D’HISTOIRE NATURELLE Tel. +41 31 350 77info@fri-art.ch 11 www.fri-art.ch Chemin du Musée 6, CH - 1700 Fribourg info@bhm.ch www.bhm.ch mercredi vendredi de 12h à 18h ; samedi Tél. : 026 305 89 00 du mardi au dimanche de 10hau à 17h MUSéE DES BEAUX-ARTS LE LOCLE et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le Stiftung Lokremise St.Gallen museehn@fr.ch 6 - 2400 Lewww.fr.ch/mhn Marie-Anne-Calame Locle entre les exposijeudi de 18h à 20h. (fermé ouvert tous933les89 jours Tel. +41 (0)32 50 de 14h à 18h. Fermé le MUSEE D’HISTOIRE NATURELLE MUSéE SUISSE DE LA MARIONNETTEGrünbergstrasse 7, CH - 9000 St.Gallen NATURAL HISTORY MUSEUM mbal@ne.ch www.mbal.ch tions temporaires) 1er janv. et le 25 déc. Entrée libre TelFribourg : 071 277MUS 82éE00 Derrières-les-Jardins 2, CP 556, 1701 GUTENBERG du mercredi au vendredi de 12h30 à 17h, NATURHISTORISCHES MUSEUM BERN Tél. : 026 322 85 13 info@marionnette.ch Tél : 026 347 38 28 info@lokremise.ch www.lokremise.ch samedi et dimanche de 11h à 17h. Le musée Bernastrasse 15, CH - 3005 Bern www.marionnette.ch info@gutenbergmuseum.ch Tel : 031 350 71 11 est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentela partie - Kunstmuseum St.Gallen du mercredi au dimanche de 10h00 à 17h00 muséale www.museegutenberg.ch côte, jeudi de l’Ascension, 1er août et Jeûne lundi de 14h à 17h; mardi, jeudi et vendredi de est ouverte lundivendredi, au samedi dede 13h fermé lundi-mardi (sauf visites guidées) et 25- du mercredi, samedi 11hà à20h; 18h; 9h à 17h; mercredi de 9h à 18h; le week-end er fédéral. Fermé le 25 décembre et 1 janvier. 26 décembre à 20h, dimanche de 10h à 17h de 10h à 17h. Fermé les jours fériés. le dimanchejeudi et de les11h jours fériés de 11h à 18h.

FRIBOuRg

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NATURHISTORISCHES MUSEUM DER BURGERGEMEINDE BERN

Tél. : 022 308 08 08 / Fax : 022 308 08 59 E-mail : abonne@dynapresse.ch / www.dynapresse.ch Oui, je souhaite m’abonner à RIVIERART pour : _ 1 an - 4 n° pour CHF 40. 2 ans - 8 n° pour CHF 75.-

PASQUART KUNSTHAUS CENTRE D’ART Seevorstadt 71, CH-2502 Biel/Bienne Tel : +41 32 322 55 86 info@pasquart.ch www.pasquart.ch mercredi et vendredi de 12h à 18h; jeudi de 12h à 20h; week-end de 11h à 18h.

Kunsthalle Bern Helvetiaplatz 1, CH-3005 Bern Tel : +41 (0)31 350 0045 info@kunsthalle-bern.ch www.kunsthalle-bern.ch du mardi au vendredi de 11h à 18h; le weekend de 10h à 18h; lundi fermé rivierart

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Schloss Spiez Schlossstrasse 16, CH- 3700 Spiez Tel : +41 (0)33 654 15 06 admin@schloss-spiez.ch www.schloss-spiez.ch En 2017 - du 14 avril au 22 octobre, lundi de 14h à 17h, du mardi au dimanche de 10h à 18h; en juillet et août jusqu’à 18h.

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de l’éditeur. Offre valable sous réserve de modification sous réserve de modification de l’éditeur. Offre valable

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onner à RIVIERART pour : 40._ 2 ans - 8 n° pour CHF 75.-

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Date et signature obligatoires : Date

Offre valable sous réserve de modification de l’éditeur.

FONDATION BEYELER Baselstrasse 101 - CH-4125 Riehen / Basel Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 info@fondationbeyeler.ch www.fondationbeyeler.ch Tous les jours de 10h à 18h, le mercredi de 10 h à 20 h. Le musée est ouvert le dimanche et les jours fériés.BEYELER FONDATION Baselstrasse 101 - CH-4125 Riehen / Basel Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 VITROMUSEE ROMONT info@fondationbeyeler.ch Au Château, CH – 1680 Romont www.fondationbeyeler.ch Tél : + 41 (0)26 652 10 95 Tous les jours de 10h à 18h, le mercredi de 10 info@vitromusee.ch www.vitromusee.ch h à 20 h. Le musée est ouvert le dimanche et Avril-Oct : du mardi au dimanche de 10h à les jours 13h et defériés. 14h à 18h; Nov-Mars : du mardi au

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rivierart

BÂLE fONDATION BEYELER Baselstrasse 101 - CH-4125 Riehen / Basel Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 info@fondationbeyeler.ch www.fondationbeyeler.ch Tous les jours de 10h à 18h, le mercredi de 10h à 20 h. ouvert le dimanche et les jours fériés.

pharmazie-historisches museum der universität basel Totengässlein 3, CH - 4051 Basel Tel. 061 264 91 11 info@pharmaziemuseum.ch www.pharmaziemuseum.ch du mardi au vendredi de 10h à 18h; samedi de 10h à 17h. Fermé le lundi, le dimanche et les jours fériés

APPENZELL

Museum Appenzell Hauptgasse 4, CH - 9050 Appenzell Tel : 071 788 96 31 www.museum.ai.ch d’avril à octobre: du lundi au vendredi de 10h à 12h et de 13h30 à 17h; le week-end de 11h à 17h; de novembre à mars: du mardi au dimanche de 14h à 17h

ZUG Kunsthaus Zug Dorfstrasse 27, CH - CH-6301 Zug Tel : (+41) 041 725 33 44 info@kunsthauszug.ch www.kunsthauszug.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h, weekend de 10h à 17h. Fermé entre les expositions

SCHAFFHOUSE

Museum zu Allerheiligen Klosterstrasse 16, CH - 8200 Schaffhausen Tel : +41 52 633 07 77 admin.allerheiligen@stsh.ch www.allerheiligen.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h

VALAIS

Musée d’histoire du Valais Château de Valère, CH - 1950 Sion Tél. 027 606 47 15 sc-museehistoire@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Musée d’art du Valais Place de la Majorie 15, CH -1950 Sion Tél. 027 606 46 90 sc-museeart@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Musée de la nature du Valais Châteaux 12, CH - 1950 Sion Tél. 027 606 47 30 sc-museenature@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre. Centre d’expositions des Musées cantonaux (Ancien Pénitencier) rue des Châteaux 24, CH - 1950 Sion 027 606 47 07 Fermé entre les expositions temporaires

FONDATION PIERRE GIANADDA Rue du Forum 59, CH - 1920 Martigny Tél : 027 722 39 78 Fax : 027 722 52 85 info@gianadda.ch

Le Musée de Bagnes et ses Maisons du patrimoinE Route de l’Eglise 13, CH - 1934 Le Châble 027 776 15 25 musee@bagnes.ch www.museedebagnes.ch

GENÈVE MUSÉE ARIANA - MUSÉE SUISSE DE LA CÉRAMIQUE ET DU VERRE Avenue de la Paix 10, CH - 1202 Genève Tél : 022 418 54 50 ariana@ville-ge.ch www.ariana-geneve.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h

MEG – MUSÉE D’ETHNOGRAPHIE DE GENÈVE Bd Carl-Vogt 65 - 1205 Genève T +41 (0)22 418 45 50 F +41 (0)22 418 45 51 meg@ville-ge.ch www.meg-geneve.ch Ouvert du mardi au dimanche de 11h à 18h. Fermé le lundi, le 25 décembre et le 1er janvier. Entrée libre chaque 1er dimanche du mois; jeunes jusqu’à 18 ans révolus

Mamco - Genève Musée d’art moderne et contemporain 10, rue des Vieux-Grenadiers - 1205 Genève Tél : + 41 22 320 61 22 Fax : + 41 22 781 56 81 www.mamco.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h ; tous les premiers mercredis du mois jusqu’à 21h ; samedi et dimanche de 11h à 18h.

CENTRE D’ART CONTEMPORAIN GENÈVE rue des Vieux Grenadiers10, CH - 1205 Genève Tél : +41 22 329 18 42 info@centre.ch www.centre.ch du mardi au dimanche, de 11h à 18h.

Musée Barbier-Mueller de GENèVE Rue Jean-Calvin 10 - 1204 Genève Tél : +41 22 312 02 70 Fax : +41 22 312 01 90 musee@barbier-mueller.ch www.musees-barbier-mueller.org Ouvert 365 jours par an de 11h à 17 h.

Musée INTERNATIONAL DE LA RéFORME Rue du Cloître 4, cour St-Pierre CH -1204 Genève Tél : +41 22 310 24 31 www.musee-reforme.ch du mardi au dimanche de 10h à 17 h.

Patek Philippe Museum Rue des Vieux-Grenadiers 7 CH-1205 Genève Tél : +41 22 807 09 10 Fax : +41 22 807 09 20 info@patekmuseum.com www.patekmuseum.com du mardi au vendredi de 14h à 18h; le samedi de 10h à 18h. Fermé les jours fériés

Musée d’art et d’histoire Rue Charles-Galland 2, CH - 1206 Genève Tél : +41 (0)22 418 26 00 www.ville-ge.ch/mah mah@ville-ge.ch Ouvert de 11h à 18 h. Fermé le lundi

Musée Rath Place Neuve, CH - 1204 Genève Tél : +41 (0)22 418 33 40 www.ville-ge.ch mah@ville-ge.ch Ouvert de 11 à 18 h. Fermé le lundi

Maison Tavel Rue du Puits-Saint-Pierre 6, CH -1204 Genève www.ville-ge.ch mah@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 37 00 Ouvert de 11 à 18 h. Fermé le lundi

Cabinet d’arts graphiques Promenade du Pin 5, CH - 1204 Genève www.ville-ge.ch cdag@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 27 70 Ouvert de 11 à 18 heures. Fermé le lundi

Bibliothèque d’art et d’archéologie Promenade du Pin 5, CH - 1204 Genève www.ville-ge.ch baa@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 27 00 du lundi au vendredi de10h à 18h ; samedi de 9h à 12h. rivierart

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N° 25 / 2017, Août - Septembre - Octobre parution trimestrielle: février / mai / août / novembre erscheint viermal pro Jahr: Februar / Mai / August / November quarterly publication: February / May / August / November Contact: Rivierart Geneviève Brunner Rue du Léman 2 CH - 1815 Clarens (VD) Info@rivierart.ch www.rivierart.ch Editrice: Geneviève Brunner Publicité: info@rivierart.ch Conception graphique et réalisation: Geneviève Brunner Photolithographie: Patrice Frass Photos: page de couverture, vue de Lavaux © Geneviève Brunner page de dos, vue de Lavaux © Geneviève Brunner Traductions: Zoë Kan Carolin Banerjjee Geneviève Brunner Patrice Frass

Tirage: 7’000 exemplaires

Distribution: Montreux, Vevey, Lausanne, Genève, Fribourg, Gstaad, Berne disponible en ligne par abonnement 6400 envois privés cabinets médicaux entreprises de la Riviera en kiosque dans toute la Suisse dans nos musées partenaires, voir pages 46 à 49 Rivierart décline toute responsabilité quant aux documents qui lui sont transmis. Rivierart declines all responsability for the transmitted documents. It is the sole responsability of the contributor that the painting is not a copy of any copyrighted photo, painting, ephemera or image. La reproduction des textes et illustrations n’est possible qu’avec l’autorisation écrite de Rivierart®. Der Nachdruck von Texten und Bildern ist nur mit schriftlicher Genehmigung von Rivierart® erlaubt. Reproduction of texts and images is subject to the written consent of Rivierart®.

ISSN 2235-8730

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