Rivierart N29 08 2018 by Rivierart

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LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÃ&#x153;NSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

Picasso Lever de rideau L’arène, l’atelier, l’alcôve du 21 juin au 7 octobre 2018 Musée Jenisch Vevey Cabinet cantonal des estampes

Pablo Picasso, 4.8.68 I [Vieux peintre rembranesque peignant des bacchantes], de la Suite des 347, 4 août 1968, aquatinte et pointe sèche sur vélin, 198 × 326 mm, Musée Jenisch Vevey, Fondation Jean et Suzanne Planque © Succession Picasso / 2018, ProLitteris, Zurich

SOMMAIRE INHALT CONTENTS Exposition 16 - 18

Marizeth Baumgarten

Festival 14 - 15

Le Bois qui Chante

MUSéES 8 - 13 19 - 23 25 26 - 27 28 - 29 30 - 33 34 - 36 38 - 39 40 - 43 44 - 45 45 46 - 47 48 - 49

Kunsthaus Zürich Mudac CACY Zentrum Paul Klee Musée Ariana Musée Olympique Musée de l’Elysée Musée Jenisch Château de Prangins Fondation de l’Hermitage Maison Tavel Musées - Vaud, Neuchâtel Musées - Bâle, Berne, Zurich, Zug Grisons, St-Gall, Appenzell, Valais, Schaffhouse, Fribourg, Genève

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spectacle pour enfants musique & gastronomie

cinéma

balade didactique

CHÂTEAU-D’OEX, DU 12 AU 21 OCTOBRE 2018 18e édition

INFO / VENTE : Pays-d’Enhaut Tourisme Tél : +41 (0)26 924 25 25 info@bois-qui-chante.ch Achetez vos billets online !

www.bois-qui-chante.ch Les concerts jusqu’à 16 ans, c’est GRATUIT !

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Editorial Geneviève Brunner-Frass Photo: krakote.com

Fondatrice et éditrice de Rivierart Gründerin und Herausgeberin von Rivierart Founder and editor of Rivierart

Chères lectrices et chers lecteurs,

Liebe Leserinnen und liebe Leser,

Dear Readers,

Cet été, l’offre culturelle invite au voyage à travers le temps, l’espace et même par l’imagination. Il vous sera donc aisé de voguer vers d’autres cieux tout en restant en Suisse. L’exposition organisée au Château de Prangins nous propose de découvrir l’Inde au travers de l’histoire des indiennes, la Fondation de l’Hermitage offre à notre regard l’éblouissement des couleurs intenses de la méditerranée, plus précisément celles de Saint-Tropez et le Kunsthaus Zurich présente la ville Lumière au travers du regard de Robert Delaunay. La galerie d’art Museum LV présente quant à elle, des peintres lettons, le Mudac propose une exposition sur l’époque du Bauhaus en Allemagne et le musée Olympique nous invite à entreprendre un voyage autour du monde au travers du look des Jeux. Les œuvres installées au Musée Ariana invitent quant à elle à la contemplation et nous permettent de nous évader, tout comme les œuvres issues de l’imagination débordante et sans limite des enfants que le CACY expose dans ses espaces. Il en va de même avec celles de l’artiste Marizeth Baumgarten dont l’univers surréaliste nous entraîne même dans l’infini de l’espace Cet été, l’offre culturelle est donc bien ouverte sur le monde et ne manquera pas de stimuler notre imagination à l’instar du programme du Festival Le Bois qui Chante à Château d’Oex.

Diesen Sommer lädt das kulturelle Angebot ein, durch Zeit, Raum und Fantasiewelten zu reisen. Es wird Ihnen leicht fallen, zu neuen Ufern aufzubrechen, ohne die Schweiz zu verlassen. Die im Château de Prangins organisierte Ausstellung lädt uns ein, Indien durch die Geschichte der Indiennes zu entdecken. Die Fondation de l’Hermitage bietet unseren Augen den Glanz intensiver Mittelmeerfarben, genauer gesagt derjenigen von Saint-Tropez und das Kunsthaus Zürich präsentiert die Stadt des Lichts durch die Augen von Robert Delaunay. Was die Kunstgalerie Museum LV betrifft, so stellt diese lettische Maler vor. Das Mudac bietet eine Ausstellung über die Bauhaus-Zeit in Deutschland und das Olympische Museum lädt uns ein, eine Reise um die Welt durch den Look der Spiele zu unternehmen. Die im Museum Ariana installierten Werke regen zur Betrachtung an und ermöglichen uns zu entfliehen, genauso wie die Werke, die aus der überbordenden und grenzenlosen Phantasie der Kinder stammen und die das CACY in seinen Räumen enthüllt. Dasselbe gilt für die Werke der Künstlerin Marizeth Baumgarten, deren surrealistischen Universum uns sogar in die Unendlichkeit des Raumes entführt. Diesen Sommer ist das Kulturangebot sehr weltoffen und wird unsere Fantasie ohne Zweifel anregen, nach dem Vorbild des Programms des Festival Le Bois qui Chante in Château d’Oex.

This summer’s cultural offerings will take you on a journey through time, space and even imagination. You can sail to new horizons all the time never leaving Switzerland. The exhibition at the Château de Prangins invites you to discover India through the history of chintz, the Fondation de l’Hermitage will dazzle your eyes with the intense colors of the Mediterranean (or more precisely those of Saint- Tropez) and the Kunsthaus Zurich presents the City of Light through the regard of Robert Delaunay. As for the Museum LV art gallery it features Latvian painters, the Mudac shows an exhibition about the time of the Bauhaus in Germany, and the Olympic Museum invites us on a trip around the world through the exhibition The Look of the Games. As for the works installed at the Ariana Museum they welcome contemplation and give us invitation to escape, much like the overflowing and limitless imaginative works by children on exhibit at the CACY. The same goes for the works of artist Marizeth Baumgarten, whose surrealist universe even draws us into the infinity of space. This summer it’s clear, the cultural events on offer are international and, much like the program of the Festival Le Bois qui Chante in Château d’Oex, will not fail to spark your imagination.

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L’invitée de Rivierart Julija Jeresjko Propriétaire et fondatrice de la galerie d’art Museum LV Eigentümerin und Gründerin der Kunstgalerie Museum LV Owner and founder of the art gallery Museum LV

photo: © Anne-Laure Lechat

Le charme tranquille de l’art baltique La Lettonie est un petit pays situé sur la côte est de la mer Baltique, dont les artistes ont toujours été très appréciés en Europe, tout particulièrement durant l’Exposition universelle de Paris au début du 20e siècle. Les œuvres de ces artistes lettons renommés sont désormais visibles à Montreux! Le Centre culturel letton Grata JJ et la galerie Museum LV ont, en association avec l’entreprise suisse Grata Eco House Swiss, ouvert au cœur de la ville une exposition permanente mettant en vente les œuvres d’artistes contemporains lettons. L’exposition se situe à proximité des rives du lac Léman, vers l’auditorium Stravinsky. Cette exposition fait partie d’un projet international de grande envergure organisé par le Centre culturel Grata JJ situé à Riga, capitale de la Lettonie. Ce dernier accueille régulièrement des événements créatifs pour les poètes et les acteurs, ainsi que des concerts, des conférences sur la littérature et l’art, des discussions et des excursions pédagogiques pour les étudiants et les organisations publiques. Les œuvres d’art sélectionnées par la galerie sont non conventionnelles. Sujettes à interprétations et souvent polémiques, elles suscitent la discussion. L’exposition présente environ 70 œuvres, utilisant toutes des techniques différentes: la peinture, la sculpture, les arts graphiques. Au travers de ses œuvres, Roberts Diners illustre par exemple les mythes et les légendes, explicitant la représentation de la mythologie ainsi que celle de l’imaginaire. En utilisant les éléments de la culture populaire, du folklore et des légendes locales, ainsi que la singularité des paysages baltes, ces artistes expriment un art d’une réelle originalité. Julija Jeresjko

Der stille Charme der baltischen Kunst Lettland ist ein kleines Land an der Ostküste der Ostsee, dessen Künstler in Europa und besonders während der Pariser Weltausstellung zu Beginn des 20. Jahrhunderts sehr geschätzt wurden. Die Werke dieser renommierten lettischen Künstler sind jetzt in Montreux zu sehen! Das lettische Kulturzentrum Grata JJ und die Galerie Museum LV haben in Zusammenarbeit mit dem Schweizer Unternehmen Grata Eco House Swiss eine Dauerausstellung im Herzen der Stadt eröffnet, die Kunstwerke zeitgenössischer lettischer Künstler zum Verkauf anbietet. Die Ausstellung befindet sich am Ufer des Genfer Sees, neben dem Auditorium Stravinsky. Diese vom Kulturzentrum Grata JJ in Riga, der lettischen Hauptstadt, organisierte Ausstellung ist Teil eines internationalen Projekts. Riga veranstaltet regelmäßig kreative Events für Dichter und Schauspieler sowie Konzerte, Vorträge zu Literatur und Kunst, Diskussionen und Bildungsreisen für Studenten und öffentliche Organisationen. Die von der Galerie ausgewählten Kunstwerke sind unkonventionell - eher zweideutig und oft polemisch, sie laden zur Diskussion ein. Die Ausstellung präsentiert etwa 70 Werke, die alle unterschiedliche Techniken verwenden: Malerei, Skulptur, Grafik. Beispielsweise die Werke Roberts Diners über Mythen und Legenden, in denen sowohl die Darstellung der Mythologie als auch die des Imaginären erläutert wird. Durch die Verwendung von Elementen der Volkskultur, Folklore und von lokalen Legenden, sowie die Verwendung der Einzigartigkeit ihrer Landschaften, drücken sich diese Künstler durch eine Kunst der Originalität aus.

The Quiet Charm of Baltic Art Latvia is a small country on the east coast of the Baltic Sea, whose artists have always been highly appreciated in Europe, especially during the World Paris Fairs of the early twentieth century. And, now, the works of famous Latvian painters have been brought to Montreux! The Latvian cultural centre Grata JJ and the Museum LV gallery, in association with the Swiss company Grata Eco House Suisse have opened a permanent exhibition and sale of works of art by contemporary Latvian painters in the heart of the city. The exhibition is located on the Lake Geneva banks, next to the Stravinsky Hall. This collection is a part of a large-scale international project organised by the cultural Centre Grata JJ located in Latvia’s capital, Riga. On a regular basis, it hosts creative events for poets and actors, along with concerts, lectures on literature and art, discussions and educational field trips for students and public organisations. The works of art selected by the gallery are nonstandard - far from being unambiguous and often controversial, leading to some meaningful discussions. The exhibition presents about 70 works, each work employing different techniques: painting, sculpture, graphic arts. For example, works about myths and legends by Roberts Diners that explain the representation of mythology, but also that of the imaginary. By using the elements of popular culture, folklore and local legends, as well as the singularity of their landscapes, these artists embrace art of real originality

Julija Jeresjko

Julija Jeresjko rivierart

kunsthaus zUrich «Robert Delaunay et la Ville Lumière» du 31 août au 18 novembre 2018 zurich - SWITZERLAND Du 31 août au 18 novembre, le Kunsthaus Zürich présente une grande exposition consacrée à l’oeuvre de Robert Delaunay (1885 - 1941), dont les thématiques majeures sont Paris, les débuts de l’aviation et la couleur à l’aube de la modernité. Avec 80 tableaux et travaux sur papier, il s’agira de la plus importante exposition jamais organisée en Suisse sur l’art de Delaunay. Robert Delaunay a été un précurseur. Il s’est intéressé à l’utilisation de la couleur dans la représentation du mouvement, de la technique et du sport, se demandant quelle position lui-même pouvait occuper dans l’évolution d’un monde moderne, nouveau et dynamique dont il voulait être une figure centrale.

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Vom 31. August bis 18. November 2018 präsentiert das Kunsthaus Zürich eine grosse Ausstellung zum Werk von Robert Delaunay (1885 - 1941). Sein Werk kreist um Paris, die frühe Luftfahrt, den Sport und die Farbe am Beginn der Moderne. Mit 80 Gemälden und Arbeiten auf Papier ist es die bislang umfangreichste Ausstellung von Delaunays Œuvre in der Schweiz. Delaunays Arbeiten waren von zukunftsweisender Natur. Er untersuchte den Einsatz von Farbe in der Darstellung von Bewegung, Technik und Sport und die Frage, wie er sich selbst als zentrale Figur innerhalb der Entwicklung einer dynamischen, neuen und modernen Welt positionierte.

From 31 August to 18 November 2018 the Kunsthaus Zürich is staging a major exhibition devoted to the work of Robert Delaunay (1885 - 1941). Its key themes include Paris, early aviation, sport and role of colour in painting at the dawn of the modern era. Presenting some 80 paintings and works on paper, it is the most comprehensive exhibition to date of Delaunay’s oeuvre to be shown in Switzerland. A pioneer of abstract art, Delaunay investigated the use of colour in the depiction of movement, technology and sport. Robert Delaunay, Air, fer, eau. Étude pour un mural, 1936–1937, Gouache sur paper et bois, 47 x 74,5 cm Albertina, Wien. Collection Batliner

photo de gauche - Robert Delaunay, La Tour Eiffel et l‘avion, 1925, Huile sur toile, 155 x 95 cm, Courtesy Galerie Le Minotaure, Paris - photo de droite - Robert Delaunay, Rythmes: Joie de Vivre, 1930, Huile sur toile, 146 x 130 cm, Collection privée

Le Kunsthaus présente toute la richesse de son travail: des premiers portraits «divisionnistes», marqués par le style fauviste, des années 1906 et 1907 jusqu’aux croquis du Palais des Chemins de fer et du Palais de l’Air pour l’Exposition universelle de 1937 et à sa dernière grande série de tableaux intitulée «Rythmes sans fin», qu’il créa au cours des dernières années de sa vie. Cette rétrospective est complétée par des clichés et des films d’importants photographes et cinéastes de l’époque, comme par exemple Germaine Krull, Man Ray, André Kertész, Ilse Bing, René Le Somptier, eux aussi inspirés par la ville de Paris.

Das Kunsthaus zeigt die ganze Bandbreite: von seinen frühen „divisionistischen“ und vom Stil der Fauves geprägten Porträts der Jahre 1906 und 1907 bis hin zu den Entwürfen für das Palais des Chemins de Fer und das Palais de l’Air bei der Weltausstellung 1937, und seine letzte grosse Gemäldeserie „Rythmes sans fin“, die in seinen finalen Lebensjahren entstand. Die Schau ist durch fotografische Aufnahmen und Filme bedeutender Fotografen und Filmemacher der Epoche ergänzt, wie zum Beispiel Germaine Krull, Man Ray, André Kertész, Ilse Bing, René Le Somptier, die sich ebenfalls von der Stadt Paris inspirieren liessen.

The Kunsthaus exhibition will consider his position as a central figure within the Parisian art world and will show the full range of his work, from the early ‘divisionist’ and Fauve portraits of 1906 and 1907 to his designs for the Palais des Chemins de Fer and the Palais de l’Air at the 1937 Paris World’s Fair and the last great series of paintings, “Rhythms without End”, created in the final years of his life. The presentation will be enriched by the inclusion of photographs and films by prominent contemporaries who were also inspired by the city of Paris, such as Germaine Krull, Man Ray, André Kertész, Ilse Bing and René Le Somptier.

LA TOUR EIFFEL, SYMBOLE DU PROGRÈS TECHNIQUE Un langage pictural fondé sur les contrastes de couleurs et l’utilisation de cercles comme éléments formels et symboles cosmiques sont devenus les marques de fabrique de la peinture de Delaunay. On trouvera dans l’exposition des exemples de ses célèbres séries, comme les voûtes élancées et les vitraux colorés de l’église Saint-Séverin, dans le Quartier latin, ou encore ses représentations de la tour Eiffel, monument emblématique de Paris et symbole par excellence de la modernité.

DER EIFFELTURM ALS SYMBOL TECHNISCHER ERRUNGENSCHAFT Eine auf Farbkontrasten basierende Bildsprache und der Einsatz von Kreisen als formale Elemente und kosmische Symbole wurden zu Markenzeichen von Delaunays Kunst. Die Ausstellung zeigt Beispiele seiner berühmten Serien, wie die geschwungenen Gewölbe und die Buntglasfenster der gotischen Kirche Saint-Séverin im Quartier Latin in Paris und seine Darstellungen des Eiffelturms, Pariser Wahrzeichen und Symbol der Moderne par excellence.

the EIFFEL tower and the advance of technology A pictorial vocabulary based on colour contrasts and circles, acting as formal elements and cosmic symbols, became the hallmarks of Delaunay’s work. The exhibition will include several important examples of his famous series from the pre First world War years, such as his renditions of the curved vaults and stained-glass windows of the late-Gothic church of Saint-Séverin in the Quartier Latin and images of the quintessentially Parisian landmark and symbol of modernity, the Eiffel Tower. rivierart

Les toitures parisiennes, une gigantesque grande roue et des avions dominent ces toiles souvent baignées de soleil. Avec la série «Les fenêtres», Delaunay engage sa peinture dans une voie nouvelle. Répondant aux jeux réciproques de la lumière, de l’espace et du mouvement, elle s’appuie entièrement sur le contraste des couleurs. Dans ces oeuvres, l’univers structuré de la ville semble se dissoudre en une surface plane composée de multiples teintes rompues.

Pariser Dachlandschaften, ein gigantisches Riesenrad, Flugzeuge sowie die Sonne beherrschen die Bildfläche. Mit der Serie „Les Fenêtres“ schuf Delaunay eine neue Art der Malerei. Als Gegenstück zum Zusammenspiel von Licht, Raum und Bewegung, basierte sie völlig auf Farbkontrasten. In diesen Arbeiten scheint sich das Gefüge der Stadt in einer Fläche aus gebrochenen Farbtönen aufzulösen.

His related images of “The City”, where views of the rooftops of Paris, a giant Ferris wheel, aeroplanes and the sun dominate the picture plane; and his “Window” series, in which Delaunay created a new type of painting based entirely on colour contrasts as equivalents to the interaction of light, space and movement. In these works the fabric of the city seems to dissolve into a field of broken hues.

photo page de gauceh - Robert Delaunay, La Tour Eiffel et jardin du Champ-de-Mars, 1922, Huile sur toile, 178,1 x 170,4 cm, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington, DC, The Joseph H. Hirshhorn Bequest, 1981, Photo: Lee Stalsworth

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André Kertész, Tour Eiffel, 1929, Épreuve gélatino-argentique, 27,5 x 34,4 cm, Musée Carnavalet - Histoire de Paris, Photo: Musée Carnavalet / Parisienne de Photographie, © RMN-Grand Palais

Guillaume Apollinaire, poète, critique et grand défenseur de l’art de Delaunay, intégra ces effets visuels fondés sur les relations, les tensions et les harmonies intrinsèques de la couleur pure, à son propre concept d’«orphisme», par lequel il tissait des analogies entre la couleur, la lumière, la musique et la poésie. Delaunay, lui, préférait qualifier ses tableaux de «peinture pure», concept qui trouve sa plus parfaite expression avec le fameux «Disque (Le premier disque)» (1913), dans lequel il élimine toutes les références directes au monde visible et leur substitue une représentation concrète d’effets lumineux prismatiques.

Guillaume Apollinaire, Kritiker und Unterstützer von Delaunays Kunst, ordnete diese optischen Effekte, die auf den in sich geschlossenen Beziehungen, Spannungen und Harmonien reiner Farbe beruhten, seinem eigenen Konzept des „Orphismus“ zu, in dem er Vorstellungen zu Farbe, Licht, Musik und Poesie miteinander verband. Delaunay bezeichnete seine Gemälde lieber als „reine Malerei“, ein Konzept, das seine höchste Vollendung in seinem gefeierten „Disque (Le premier disque)“ (1913) fand, in dem er alle erkennbaren Bezüge auf eine sichtbare Welt eliminierte und stattdessen eine konkrete Darstellung prismatischer Lichteffekte bot.

Guillaume Apollinaire, the critic and supporter of Delaunay’s work, assigned this optical effect, based on the self-contained relationships, tensions and harmonies of pure colour, to his own concept of Orphism, an approach that brought together colour, light, music and poetry. Delaunay preferred to refer to it as “pure painting”, an idea that was perhaps best explored in his celebrated “Disc (The First Disc)” (1913), in which he avoided all apparent references to the visible world, instead offering a concrete representation of prismatic light effects.

kunsthaus zürich Magritte, Dietrich, Rousseau. Objectivité visionnaire - jusqu’au 2 septembre 2018 Magritte, Dietrich, Rousseau. Visionäre Sachlichkeit - bis zum 2. september 2018 Magritte, Dietrich, Rousseau. visionary objectivity - until september 2nd, 2018 Robert Delaunay et la Ville Lumière. - du 31 août au 18 novembre 2018 Robert Delaunay und paris - vom 31. august bis zum 18. november 2018 Robert Delaunay and The City of Lights - from august 31st until november 18th,2018 plus d’informations - weitere informationen - more information

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Robert Delaunay, Les coureurs, 1924 - 1925, Huile sur toile, 153 x 203 cm, Collection privée

dynamisme sur terre, sur l’eau et dans les airs La forme du cercle devient récurrente dans les tableaux de Delaunay dès 1906, et vers 1912 1913, elle s’impose comme motif principal de nombreux tableaux sous le titre «Soleil et lune», par exemple dans la spectaculaire toile qui fait partie de la collection du Kunsthaus. Une série de travaux réalisés en 1914 et dédiés à Louis Blériot, pionnier de l’aviation, fait aussi abondamment usage de la forme circulaire. Mû par la volonté de représenter le dynamisme, l’artiste réalise une série de travaux plutôt figuratifs sur la vie moderne, dont les célèbres toiles «Les coureurs» (1924 - 25). Delaunay s’était déjà livré à des expériences picturales autour de motifs sportifs dans ses tableaux sur «L’équipe de Cardiff», et il connaissait bien sûr la célèbre toile du Douanier Rousseau représentant des joueurs de football. On peut toutefois supposer que son intérêt pour le mouvement et la compétition a encore été stimulé par le spectacle des jeux Olympiques organisés à Paris en 1924.

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dynamiK AUF DER ERDE, ZU WASSER UND IN DER LUFT Die Kreisform taucht in Delaunays Gemälden ab 1906 immer wieder auf und gegen 1912 - 1913 war sie zum Motiv etlicher Bilder mit dem Titel „Soleil et lune“ geworden, wie das spektakuläre Gemälde in der Sammlung des Kunsthauses. Eine Serie von Arbeiten aus dem Jahr 1914, die dem Luftfahrtpionier Louis Blériot gewidmet ist, macht von der kreisrunden Form ebenfalls ausgiebig Gebrauch. In seinem Bestreben, die Dynamik abzubilden, fertigte der Künstler eine Reihe eher gegenständlicher Arbeiten des modernen Lebens, darunter die berühmten Gemälde „Les coureurs“ (1924 - 25). Delaunay hatte bereits in seinen Bildern der „Équipe de Cardiff“ mit Sportmotiven experimentiert und Henri Rousseaus berühmtes Gemälde der Fussballspieler von 1908 war ihm selbstverständlich bekannt. Vermutlich wurde sein Interesse an Bewegung und Wettrennen jedoch durch das Spektakel der Olympischen Spiele entfacht, die 1924 in Paris stattfanden.

dynamisme on land, water and in the air The disc form recurs in Delaunay’s paintings from 1906 onwards. Between 1913 and 1932 this shape formed the subject of several canvases entitled “Sun and Moon”, such as the spectacular example in the Kunsthaus’s own collection. A series of works from 1914 dedicated to the pioneer of aviation, Louis Blériot, also makes extensive use of the circular form. In his quest to depict dynamism, Delaunay embarked on a series of more representational works of modern life, including his famous “Runners” paintings of 1924 - 25. He had already tackled the sport theme in his earlier “Cardiff Team” paintings. It is probable that his interest in movement and the races was rekindled by the spectacle of the Olympics, which were held in Paris in 1924. During the 1920s he also painted numerous portraits of his circle in Paris, among them the poets and writers Philippe Soupault and Tristan Tzara, together with several fashionable socialites who are shown wearing fabrics designed by Sonia Delaunay.

Dans les années 1920, Delaunay crée de nombreux portraits de gens qu’il côtoie dans la capitale, comme les poètes Philippe Soupault et Tristan Tzara, ou d’autres personnalités élégantes de la société parisienne qu’il peint vêtues de tissus imaginés par Sonia Delaunay. À travers la série «Rythmes sans fin», il se rapproche de l’univers de l’abstraction géométrique qui avait pris un bel élan à Paris au début des années 1930. Plus tard, ses travaux serviront de modèle à l’Op Art et ouvriront de nouvelles voies à des artistes développant un style concret, constructiviste. des prêts du monde entier Simonetta Fraquelli, commissaire invitée, spécialiste indépendante de l’art parisien du début du 20e siècle, a bénéficié pour cette exposition du soutien de nombreux musées importants et de collectionneurs particuliers. Ceux-ci ont mis à sa disposition des chefs-d’oeuvre qui, pour des raisons de conservation, ne sont plus que rarement prêtés. C’est notamment le cas du Centre Pompidou (Paris), de l’Abbemuseum (Eindhoven), du Solomon R. Guggenheim Museum et du Museum of Modern Art (New York), du Museum of Fine Arts (Houston), de l’Art Institute (Chicago) et du Moderna Museet (Stockholm). Im Laufe der 1920er-Jahre schuf er zudem zahlreiche Porträts seines Pariser Umfeldes, darunter die Dichter Philippe Soupault und Tristan Tzara, zusammen mit etlichen eleganten Persönlichkeiten der Gesellschaft, die er in Stoffen nach Entwürfen von Sonia Delaunay wiedergab. In seiner Serie „Rythmes sans fin“ näherte er sich der Welt geometrischer Abstraktion an, die zu Beginn der 1930er-Jahre in Paris an Dynamik gewonnen hatte. Seine Arbeiten sollten später der Op Art als Vorbild dienen und wurden richtungsweisend für Künstler, die sich eines konkreten, konstruktivistischen Stils bedienten. leihgaben aus aller welt Viele bedeutende Museen und Privatsammlungen in Europa und Amerika unterstützen die Gastkuratorin Simonetta Fraquelli - eine unabhängige Expertin für die Pariser Kunst des frühen 20. Jahrhunderts - indem sie Meisterwerke zur Verfügung stellen, die wegen konservatorischer Auflagen nur noch selten reisen dürfen, darunter das Centre Pompidou in Paris, das van Abbemuseum in Eindhoven, das Solomon R. Guggenheim Museum und das Museum of Modern Art in New York, das Museum of Fine Arts in Houston, das Art Institute of Chicago sowie das Moderna Museet in Stockholm. In his series “Rhythms without End”, Delaunay became close to the world of geometric abstraction that was gathering momentum in Paris in the early 1930s. His work later served as a model for Op Art and also became a leitmotif for artists working in a concrete, constructivist vein. loans from all over the world Major museums and private collections in Europe and America are assisting Simonetta Fraquelli, a freelance curator specializing in early 20th-century Parisian art, by lending some of their Delaunay masterpieces which, for conservation reasons, are rarely permitted to travel. They include the Centre Pompidou in Paris, the van Abbemuseum in Eindhoven, the Solomon R. Guggenheim Museum and Museum of Modern Art in New York, the Museum of Fine Arts in Houston, the Art Institute of Chicago and the Moderna Museet in Stockholm.

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Magritte, Dietrich, Rousseau. Objectivité visionnaire Magritte, Dietrich, Rousseau. Visionäre Sachlichkeit Magritte, Dietrich, Rousseau. visionary objectivity jusqu’au 2 septembre 2018 - bis zum 2. september 2018 until september 2nd, 2018 Robert Delaunay et la Ville Lumière. - Robert Delaunay und paris - Robert Delaunay and The City of Lights - du 31 août au 18 novembre 2018 - vom 31. august bis zum 18. november 2018 - from august 31st until november 18th,2018 plus d’informations - weitere informationen - more information www.kunsthaus.ch rivierart

le bois qui chante du 12 au 21 octobre 2018 château d’oex - SWITZERLAND Cette année encore le festival présente un programme éclectique qui saura enthousiasmer son public. Si les incontournables du festival, la balade en forêt, l’atelier d’orchestre, la soirée musique et gastronomie ou encore la soirée cinéma seront au rendez-vous, le festival propose surtout une musique ouverte sur le monde. Le Quatuor Terpsycordes et le bandonéiste William Sabatier joueront par exemple des airs de Piazzolla, d’Edith Piaf et de Debussy, L’Ensemble Fratres, accompagné à la flûte de pan par Hanspeter Oggier proposera une escapade européenne et Alp Opus mêlera le yodel, l’opéra et autres lyobas. Le festival présentera cette année également une Micromédie Musicale Improvisée, avec deux chanteurs-acteurs et un pianiste créant en direct toutes les mélodies en suivant le thème imposé par le public. Nul doute que ce voyage au coeur de la musique saura vous ravir !

Dieses Jahr präsentiert das Festival erneut ein vielseitiges Programm, das sein Publikum begeistern wird. Wenn die Unvermeidlichen des Festivals, der Waldspaziergang, der Orchesterworkshop, der Musikund Gastronomieabend oder der Filmabend aufeinander treffen, bietet das Festival vor allem eine weltoffene Musik. Das Quartett Terpsycordes und der Bandoneonist William Sabatier spielen unter anderem Stücke von Piazzolla, Edith Piaf und Debussy, das Ensemble Fratres, begleitet auf der Panflöte von Hanspeter Oggier wird einen europäischen Spaziergang vorschlagen und Alp Opus wird das Jodeln, die Oper und andere Lyobas vermischen. Das Festival wird dieses Jahr auch eine Improvisierte Musikalische Mikromödie präsentieren, mit zwei singenden Schauspielern und einem Pianisten, der alle Melodien nach dem vom Publikum vorgeschriebenen Thema frei kreieren wird. Dieser Ausflug ins Herz der Musik wird Sie ohne Zweifel begeistern!

This year the festival again presents an eclectic program sure to delight. As well as the festival’s essential events, the walk in the forest, orchestra workshop, music and gastronomy evening, and movie night, the festival will showcase music with an international flavour. The Quartet Terpsycordes together with the bandoneon player William Sabatier will for example play airs by Piazzolla, Edith Piaf and Debussy, the Ensemble Fratres accompanied on the panpipes by Hanspeter Oggier will present a European escapade and Alp Opus will intermingle yodelling, opera and other lyobas This year the festival will also showcase an Improvised Musical Micromedy, which involves two singing actors and a live pianist who will create melodies in real time following a theme chosen by the public. This journey into the universe of music will not disappoint!

photos page de gauche - photo de gauche - Alp Opus © Alp Opus - photo de droite - Micromedie © Micromedie - photos page de droite - photo de gauche - Ensemble Fratres © Fratres photo de droite - Quatuor Terpsycordes 2016 © Taco Van Der Werf

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Valentina Rebaudo clarinette, Irene Puccia piano œuvres de Verdi, Tchaïkovski, Bizet et Dvorak

Girolamo Bottiglieri & Raya Raytcheva violons, Blythe Teh Engstroem alto, François Grin violoncelle

CHF 10.-

20h00 - hors série Grande Salle Château-d’Oex

11h - Brunch Grande Salle L’Etivaz

COMÉDIE MUSICALE IMPROVISÉE

MERCREDI 17 20h Cinéma Eden Château-d’Oex

LE PROFESSEUR DE VIOLON Un film brésilien de Sergio Machado (2015)

Odile Cantero & Grégoire Leresche comédiens-chanteurs et Daniel Perrin piano

avec Lazaro Ramos, Kaique de Jesus, Elzio Vieira, Sandra Corveloni, Fernanda de Freitas.

Un spectacle de 60 minutes improvisé d’après les propositions du public!

CHF 15.- (AVS 12.-)

Adultes : CHF 35.- enfants : CHF 15.-

Soirée spectacle

œuvres de Debussy, Piazzola et de W. Sabatier : les hommes de Piaf

DIMANCHE 14

Soirée cinéma

18h Temple Château-d’Oex

QUATUOR TERPSYCORDES & WILLIAM SABATIER BANDONÉON

DUO RUSALKA

PROGRAMME / DU 12 AU 21 OCTOBRE 2018 WWW.BOIS-QUI-CHANTE.CH

SAMEDI 13

Les incontournables

14h - Scolaire Grande Salle Château-d’Oex

Concert d’ouverture

Journée pédagogique

VENDREDI 12

17h CHF 35.- / 20.- (AVS 30.- / 15.-) ORCHESTRE DES Grande Salle JEUDI 18 COLLÈGES ET Thème annuel 2018, Alimentarium - Photo ©Anne-Laure Lechat Château-d’Oex 20h GYMNASES Avec ce nouveau thème articulé autour de plu- Mit diesem neuen Thema zu handwerklichenATELIER the Be- With this new theme focusing Restauranton Le professions, Chalet LAUSANNOIS D’ORCHESTRE : Château-d’Oex sieurs métiers et leurs environnements respectifs, Alimentarium invites visitors to think about the rufen und deren Umfeld lädt das Alimentarium Direction Luc Baghdassarian CHANTE Mozart ouverture de la Flûte seine Besucher ein, all diejenigen zu würdigen,BOIS ALP OPUS l’Alimentarium convie ses visiteurs à honorer celles who work to make our food “good” in die QUIpeople Enchantée ; SYMPHONIQUE Beatrice Villiger & interactive Tobias Egmont Ouverture ; unsere Gaumenfreuden beruflich bedienen. Das et ceux qui les exercent pour le plaisir deBeethoven nos papilles every sense. The theme features exKönig chant, Gyorgi Spassov

Direction Luc Baghdassarian

Boléro de Ravel

Etoile montante

Journée de clôture

Journée plaisir

gustatives. Privilégiant les expériencesConcert interactives, periments extending across neue Jahresthema setzt auf interaktive Erlebnisse, accordéonthe Museum’s three Schubert Entracte n°3 de Rosamunde de fin de stage de ces & Beethoven Symphonie n°1 - Food, Society Spectacle yodel, - suppleadolescentsdu talentueux. le thème se déploie dans les différentsjeunes secteurs sectors and mêlant the Body erstreckt sich über alle Ausstellungsbereiche - Essen, opéra et autres lyobas. Entrée libre, collecte libre, collecte. Musée - Aliment, Société et Corps - etEntrée se prolonge and events, Gesellschaft, Körper - und wird durch CHF 25.DIMANCHE 21 Vorträge und mented by various presentations de façon ponctuelle par des conférences et évé- Veranstaltungen its digital content and the columns of its online auf allen digitalen Informations11h nements sur tous les contenus digitaux ainsi que trägern sowie Temple durch Château-d’Oex Beiträge in seinem Magazin magazine. dans les colonnes de son magazine digital. SAMEDI 20 ergänzt. PODIUM JEUNES 19 Five professionsVENDREDI in the spotlight 10h MUSICIENS im Scheinwerfer The passion for food-related 20h Cinq corps de métiers en lumière Fünf Berufsbereiche professions is often Départ Il était une fois 125 ans…» Temple Château-d’Oex Les métiers de l’alimentation font partie de ceux Die Berufe der «Spectacle Lebensmittelbranche werden meist handed down from one generation to the next. OT Château-d’Oex musical retraçant CONCOURS l’évolution musicale etund péda-über Generatioqui se transmettent avec passion de BALADE générations mit Leidenschaft ausgeübt Over the course of the year ahead, the AlimenEN FORÊT gogique en Suisse à travers TIBORwill VARGA en générations. Pour son nouveau thème annuel, nen vererbt. Für sein neues Jahresthema hat das tarium’s new annual theme present five differla SSPM (société Suisse de à Rougemont avec des Stella Chen violon, Lauréate pédagogie musicale) surprises musicales l’Alimentarium a choisi d’explorer cinq corps de et autres Alimentarium fünf Berufsbereiche ausgewählt, die ent lines of work. Each particular craft will be highdu concours 2017 Chœur, piano, harpe, chant, découvertes sur les métiers & Kristina Rohn, piano métier, présentés tout au long de l’année. Chaes das Jahr über vorstellt. Jeder von ihnen wird im lighted with in-depth explanations and themed orchestre. Avec des musicens du bois de Bach, Chausson, Brahms d’ici etmit d’ailleurs. CHF 25.cun est pimenté d’éclairages et d’animations au Lauf der Monate besonderen Informationen activities. The year gets œuvres underway with a discovery CHF 35.- / 20.- (AVS 30.- / 15.-) Entrée libre, collecte fil des mois. À commencer par les métiers und Animationen illustriert - am Beginn bis Anfang of vocations related to dairy products, until May. 19h en lien 17hverbundenen Berufe. Im Juni und avec les produits laitiers jusqu’au moisGrande de mai. Mai, die mit Milch Confectioners will then take centre stage in June SalleLes Rossinière Temple Château-d’Oex confiseurs seront ensuite à l’honneur en juin et juilJuli stehen die Konditoren im Rampenlicht, gefolgt and July, before making way for those working in MUSIQUE ET let, suivis par les professionnels des fruitsGASTRONOMIE et légumes :im August undENSEMBLE September von den Berufen der the field of fruit and vegetables, in August and SepFRATRES & HANSLES PATCHWORKS en août et septembre, un secteur particulièrement Obst- und Gemüseerzeugung - einem besonders tember. This is a particularly demanding profession, OGGIER Aux fourneaux : exigeant puisqu’il s’agit de produits vivants, fragiles anspruchsvollenPETER Bereich, weil von lebendigen, as it involves dealing with live and fragile products. Urs Weidmann et sa brigade. FLÛTE DE PAN et périssables. Les métiers de la boucherie-charcuempfind lichen und verderblichen Produkten han- Meat-related trades will be featured from October Marie Heck violon, Sylvie Maxime Alliot violon, accordéon, Pascal terie feront les beaux jours d’octobre àAmadio décembre. delnd. Die Berufe derGalliano Metzgerei-Fleischerei sind von to December. Finally, from the beginning of 2019 Laurent alto, Corthésy tuba, Emmanuel Mathieu Rouquié violoncelle Enfin, le début d’année 2019 sera gourmand avec Oktober bis Dezember an der Reihe. Das Jahr 2019 through to March, the theme will focus attention Violi bugle et percussions œuvres de Purcell, Mozart, Strauss, & Anaël Debussy,genussvoll Bartok la boulangerie jusqu’en mars. Si chacun enGenet fait saxophone sa beginnt besonders - mit den Bäcker-Be- on the bakery sector. Whatever our own particular CHF 100.- (AVS 95.-) CHF 35.- / Mahlzeit 20.- (AVS 30.- / 15.-) propre définition, l’expression « préparer un repas rufen bis März. „Eine mit Liebe zubereiten“ definition, “food made with love” is an expression avec amour » n’est pas anodine. - für jeden hat dieser Satz eine eigene Bedeutung that certainly hits home. rivierart

E = mc and stars Marizeth Baumgarten du 3 au 14 septembre 2018 2

genève - SWITZERLAND Invitée à exposer au CERN à Genève du 3 au 14 septembre 2018, Marizeth Baumgarten y présentera quatre œuvres grand format spécialement réalisées pour l’occasion. Son exposition intitulée « E = mc2 and stars » invite le spectateur à entrer dans un univers mêlant l’imagination et le monde onirique de l’artiste à la réalité. En effet, si les constellations, les trous noirs, les planètes et les étoiles sont disposés sur la toile selon l’inspiration de l’artiste, chaque élément pris indépendamment représente le plus fidèlement possible ce que l’on peut observer avec un télescope puisque c’est au travers de photos de l’espace que l’artiste a composé ses œuvres. On y retrouve ainsi ce qui définit l’univers de Marizeth Baumgarten.

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Marizeth Baumgarten wurde eingeladen vom 3. Invited to exhibit at the CERN in Geneva from bis 14. September im CERN in Genf auszustellen September 3rd to 14th, 2018, Marizeth Baumgarund wird dort vier grossformatige Werke präsen- ten will present four large format works espetieren, die eigens für diesen Anlass geschaffen cially created for the occasion. Her exhibition wurden. Ihre Ausstellung „E = mc2 and stars“ lädt entitled “E = mc2 and stars” invites the viewer to den Betrachter ein, in eine Welt einzutauchen, enter a universe which mingles the imaginative welche die Vorstellungen und die Traumwelt der dream like world of the artist with reality. Whilst Künstlerin mit der Realität vermischen. In der Tat, the constellations, black holes, planets and stars wenn die Sternbilder, schwarzen Löcher, Planeten have been arranged on the canvas according und Sterne nach der Inspiration der Künstlerin auf to the artist’s inspiration, each element taken inder Leinwand angeordnet sind, so repräsentiert je- dependently has been represented as faithfully des Element für sich selbst am ehesten, was durch as possible according to telescope observaein Teleskop beobachtet werden könnte, da die tions, the artist having composed her work using Künstlerin ihre Werke mit Hilfe von Fotos des Welt- photos of space. We can thus contemplate the raumes zusammengestellt hat. Man findet darin, universe of Marizeth Baumgarten. was die Welt von Marizeth Baumgarten ausmacht. Physics x Chemistry, acryl on canvas, 180 x 150 cm, 2017-18

Relativity, acryl on canvas, 180 x 150 cm, 2017-18 Cette créatrice d’émotions se laisse emporter par une inspiration faisant appel au surréalisme en vue d’exprimer sa créativité et de stimuler ainsi l’imagination, le rêve et la fantaisie du spectateur. Il y trouvera du mouvement, un symbole lyrique et du romantisme à la limite du réel, tout ce qui permet un langage surréaliste. Cette artiste cosmopolite, est originaire d’Allemagne mais est née au Brésil, pays où elle a obtenu son diplôme de professeur d’art à l’Université d’Armando Alvarez Penteaso à Sao Paulo. Elle a également habité plusieurs années en Espagne où elle a étudié les Beaux-arts à l’Universidad Complutense à Madrid. L’artiste vit et travaille actuellement à Zurich. Ses expériences artistiques multiples l’auront formée tout à la fois à l’art, à son histoire ainsi qu’à sa restauration. En plus de ses autres titres, Marizeth Baumgarten est également diplômée en histoire du mobilier italien des XVe aux XVIIIe siècles, ceci explique aussi certainement pourquoi l’artiste ne se restreint pas aux toiles mais crée également sur du mobilier ancien, mêlant ainsi son amour pour le mobilier ancien à l’expression de son univers surréaliste et coloré. Car Marizeth Baumgarten est une coloriste avant tout, mais elle est aussi une dessinatrice précise et évocatrice de ses mondes intérieurs, dans la continuité d’un certain surréalisme.

Diese Künstlerin der Emotionen lässt sich von einer Inspiration mitreissen, die an den Surrealismus appelliert, um ihre Kreativität auszudrücken und damit die Vorstellungskraft, die Träume und die Fantasie des Betrachters anzuregen. In ihrem Werk findet sich Bewegung, lyrische Symbolik und Romantik am Rande der Realität, was wiederum eine surrealistische Sprache ermöglicht. Die aus Deutschland stammende kosmopolitische Künstlerin wurde in Brasilien geboren, wo sie ihr Diplom als Kunstprofessorin an der Universität von Armando Alvarez Penteaso in Sao Paulo abschloss. Sie hat mehrere Jahre in Spanien gewohnt und an der Universidad Complutense in Madrid Bildende Kunst studiert. Die Künstlerin lebt und arbeitet jetzt in Zürich. Ihre vielfältigen künstlerischen Erfahrungen haben sie zugleich Kunst, deren Geschichte und deren Restaurierung gelehrt. Zusätzlich zu ihren anderen Titeln ist Marizeth Baumgarten auch in der Geschichte des italienischen Mobiliars aus dem 15. bis 18. Jahrhundert diplomiert. Dies erklärt, warum sie sich nicht nur auf Leinwände beschränkt, sondern auch auf antiken Möbeln kreiert und so ihre Liebe für diese mit dem Ausdruck ihres surrealen und bunten Universums kombiniert. Denn Marizeth Baumgarten ist vor allem eine Koloristin, aber auch eine präzise Zeichnerin. Ihre Arbeiten erinnern an ihre inneren Welten in der Kontinuität eines gewissen Surrealismus.

This emotive artist allows herself to be carried away by inspiration, using surrealism to express her creativity and thus stimulate the viewer’s imagination, dreams and fantasies. We find movement, a lyrical symbolism and a romance that borders on reality, everything that captures a surreal language. This cosmopolitan artist is a native of Germany but was born in Brazil, where she obtained her professor’s diploma of art at the University of Armando Alvarez Penteaso in Sao Paulo. She also lived in Spain for several years where she studied Fine Arts at the Universidad Complutense in Madrid. The artist currently lives and works in Zurich. Her multiple artistic experiences have educated not only her art, but also informed her in its history as well as its restoration. In addition to her other achievements, Marizeth Baumgarten also holds a degree in history of italian furniture from the fifteenth to the eighteenth centuries, which certainly also explains her reach beyond painting on canvas to creating on antique furniture, thus mixing her love for antique furniture with the expression of her surreal and colorful universe. Because Marizeth Baumgarten is a colorist foremost, but also a designer of precision, her work echoes her inner worlds in the continuity of a certain surrealism. rivierart

Star table and chair, Biedermeier 19th century, 2012-2013

Marizeth Baumgarten - E = mc2 and stars L’exposition «e = mc2 and stars de L’artiste marizeth baumgarten aura lieu du 3 au 14 septembre 2018 au Cern à GEnève adresse de l’exposition - CERn, 1211 GEnève 23 visite de l’exposition sur demande - veuillez contacter l’artiste à l’adresse suivante : mb@baumgart-arts.com contact de l’artiste - marizeth Baumgarten www.baumgart-arts.com mb@baumgart-arts.com

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Mudac The Bauhaus #itsalldesign du 20 septembre 2018 au 6 janvier 2019 Lausanne - SWITZERLAND Conçue par le Vitra Design Museum et revisitée par le mudac pour son étape lausannoise, l’exposition The Bauhaus #itsalldesign présente un aperçu complet du design au sein du mouvement Bauhaus. Outre de nombreuses oeuvres clés, l’exposition comprend une multitude d’oeuvres rares, pour certaines jamais exposées, issues des domaines du design, de l’architecture, de l’art, du film et de la photographie. L’exposition établit également un parallèle entre le concept de design développé au Bauhaus et les tendances actuelles en confrontant les pièces historiques à des oeuvres de designers, artistes et architectes contemporains.

Die von Vitra Design Museum entworfene Ausstellung „Das Bauhaus #allesistdesign“ wird von die Lausanner Etappe ergänzt und präsentiert eine umfangreiche Übersicht über das Bauhaus und seinen Designbegriff. Die Ausstellung umfasst neben zahlreichen Schlüsselwerken auch eine Vielzahl seltener, teilweise nie gezeigter Exponate aus Design, Architektur, Kunst und Fotografie. Zugleich konfrontiert sie den Gestaltungsbegriff des Bauhauses mit aktuellen Designtendenzen, indem sie den historischen Exponaten Werke heutiger Designer, Künstler und Architekten gegenüberstellt.

Conceived by the Vitra Design Museum and adapted by Mudac for the Lausanne venue, the exhibition “The Bauhaus #itsalldesign” presents a comprehensive overview of the Bauhaus and its approach to design. In addition to numerous landmark pieces, the exhibition encompasses a great number of rare, in some cases never-before-seen exhibits from the fields of design, architecture, art, and photography. At the same time, it juxtaposes the Bauhaus’ concept of design with current debates and tendencies in design by contrasting the historical exhibits with the works of contemporary designers, artists, and architects.

Photographie issue d’un manuel d’utilisation des outils, Thonet Frères, 1935, Collection Alexander von Vegesack, Domaine de Boisbuchet, www.boisbuchet.org (photographe inconnu)

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L’exposition The Bauhaus #itsalldesign révèle ainsi l’étonnante actualité de cette institution légendaire. L’objectif du « Staatliches Bauhaus », école fondée en 1919 à Weimar par Walter Gropius, était de former des créateurs d’un genre nouveau. Au sein du Bauhaus, ceux-ci devaient acquérir des bases artisanales et artistiques, au même titre que connaître la mentalité humaine, le processus de perception, l’ergonomie et la technique; un profil professionnel complet dans lequel les designers s’inscrivent encore aujourd’hui. Selon le Bauhaus, le designer est en outre chargé d’une mission de création totale: non seulement responsable de la création d’objets répondant aux besoins du quotidien, il doit aussi prendre une part active dans la restructuration de la société d’après-guerre. Le Bauhaus se place ainsi aux prémices d’une vision englobante du design, qui prévaut aujourd’hui plus que jamais: les termes de «Social Design», «Open Design» ou «design thinking» renouvellent en effet la discussion afin de déterminer comment les designers peuvent intégrer leurs travaux dans un contexte plus vaste et, au-delà du design des objets quotidiens, contribuer activement à réinventer la société. Partant de cette perspective très actuelle, l’exposition présente le Bauhaus comme un mouvement complexe, profond, le «laboratoire de la modernité», étroitement lié aux tendances de design actuelles. L’exposition se compose de cinq parties rattachées à des thématiques différentes. Elle s’ouvre sur un aperçu du contexte historique, culturel et social duquel le Bauhaus a emergé. La deuxième partie met en avant la double formation du Bauhaus, reliant la mise en pratique aux questionnements théoriques. Elle présente des oeuvres emblématiques du mouvement, tout comme des objets de design méconnus d’apprentis et de maîtres, reliant ainsi la pratique et la théorie, l’enseignement et les travaux pratiques, l’art et la technique à la tentative de développer des modèles variés destinés à une production en série.

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Auf diese Weise offenbart „Das Bauhaus #allesistdesign“ die überraschende Aktualität dieser legendären Institution. Ziel des 1919 von Walter Gropius in Weimar gegründeten Staatlichen Bauhauses Schule war es, einen neuen Typus des Gestalters auszubilden. Dieser sollte am Bauhaus handwerkliche und künstlerische Grundlagen sowie Kenntnisse der menschlichen Psyche, des Wahrnehmungsprozesses, der Ergonomie und der Technik erwerben - ein Profil, das bis heute das Berufsbild des Designers prägt. Das Designverständnis am Bauhaus wies dem Designer aber auch einen umfassenden Gestaltungsauftrag zu: Er sollte nicht nur Dinge des täglichen Gebrauchs gestalten, sondern aktiv an der Nachkriegsgesellschaftlichen Umgestaltung teilnehmen. Damit steht das Bauhaus am Anfang eines umfassenden Verständnisses von Design, das heute mit neuem Nachdruck gefordert wird: Unter Stichworten wie Social Design, Open Design oder „design thinking“ wird erneut diskutiert, wie Designer ihre Arbeit in einen größeren Zusammenhang stellen und über die Gestaltung von Alltagsgegenständen hinaus auch die Gesellschaft aktiv mitgestalten können. Ausgehend von dieser aktuellen Perspektive betrachtet die Ausstellung das Bauhaus als komplexes, vielschichtiges „Labor der Moderne“, das mit heutigen Designtendenzen eng verknüpft ist. Gegliedert ist die Ausstellung in fünf Themengruppen. Sie beginnt mit einem Blick auf den historischen, sozialen und kulturellen Kontext, aus dem das Bauhaus hervorgegangen ist. In einem zweiten Bereich steht die duale Ausbildung am Bauhaus im Vordergrund, die das Lernen im praktischen Tun mit theoretischen Fragestellungen verband. Ikonische ebenso wie weniger bekannte Objekte von Studierenden und Meistern illustrieren eindrücklich das Zusammenspiel aus Theorie und Praxis, aus Formlehre und Handwerk, aus Kunst und Technik und die Versuche, vervielfältigungsreife Modelle für die industrielle Serienproduktion zu entwickeln.

In this way, “The Bauhaus #itsalldesign” reveals the surprising modern-day relevance of this legendary institution. The mission of the “Staatliches Bauhaus” school, founded by Walter Gropius in Weimar in 1919, was to educate a new type of designer. Students at the Bauhaus were to acquire artisanal and artistic foundations as well as knowledge of the human psyche, the process of perception, ergonomics, and technology - a complete professional profile that continues to define the occupation of the designer to this day. Yet the concept of design at the Bauhaus also assigned designers a comprehensive creative mandate: they were not only to fabricate objects for daily use, but were expected to take an active role in the transformation of post-war society. Based on this approach, the Bauhaus sketched out an all-encompassing understanding of design, one that today is being embraced with new vigour. The rise of key terms such as social design, open design or “design thinking” shows a renewed interest in how designers locate their work within a larger context and - beyond the creation of everyday objects - play an active role in shaping society. Viewed from this present-day perspective, the exhibition regards the Bauhaus as a complex, multi-dimensional “laboratory of modernism” with close links to current design tendencies. The exhibition is divided into five thematic groups. The first section begins by taking a a look at the historical, cultural, and social context out of which the Bauhaus emerged. A second section focuses on the Bauhaus’ principle of dual education, which merged practical learning with theoretical questions. Iconic as well as lesser known objects designed by students as well as masters offer impressive illustrations of the interplay of theory and practice, of the study of form and craftsmanship, of art and technology, as well as the experiments aimed at developing production-ready models for industrial manufacture.

page de gauche - photo de gauche - Alessandro Mendini, fauteuil Wassily Chair de la série “Redesign di sedie del movimento moderno», 1983, Collection Vitra Design Museum, Photo: © Vitra Design Museum, Jürgen Hans page de gauche - photo de droite - Marcel Breuer, chaise modèle B3 (connu comme Chaise Wassily), 1925, Collection Vitra Design Museum, Photo: © Vitra Design Museum, Jürgen Hans page de droite - AYRBRB, Home ‘14: Pavilion, basée sur la Co-Op room de Hannes Meyer, 2014 © AYRBRB

La troisième partie se consacre quant à elle à la thématique de l’espace. La danse, le théâtre, la scène y sont montrés comme des «lieux» importants pour les membres du Bauhaus, qui pouvaient y développer leur propres idées et conceptions de l’espace. En plus d’objets artistiques, on y trouve aussi des ébauches de scènes, de décors, de papiers peints et de tapisseries ainsi que des réflexions sur le logement minimaliste et la possibilité d’appliquer des méthodes industrielles au sein du processus de construction. Le Bauhaus s’affiche ici comme la première «expérience totale» de la modernité sur le plan artistique grâce à la synergie de l’architecture et de la vie, de la technologie et de l’art. Enfin, les deux dernières sections retracent la stratégie de communication du Bauhaus ainsi que la formation d’un mythe et d’une image emblématique qui demeurent attachés au mouvement aujourd’hui encore. Des manifestes et des articles de journaux, des expositions et des livres, des séries de publications et même une revue produite par le Bauhaus ont permis à ce mouvement de se situer sur le devant de la scène médiatique et de devenir l’une des plus importantes voix dans les débats de l’époque.

Ein weiterer Bereich ist dem Raum gewidmet. Tanz, Spiel, Bühne werden als Orte gezeigt, an denen sich in der Vorstellung der Bauhäusler Raumvorstellungen bilden und Raumkonzepte entwickeln lassen. Zu sehen sind neben künstlerischen Experimenten auch Bühnenentwürfe, Farbraummodelle, Tapeten- und Stoffentwürfe ebenso wie Überlegungen zur Minimalwohnung und zur Übertragbarkeit industrieller Fertigungsmethoden auf das Bauen. In diesem Zusammenspiel von Architektur und Lebensform, Technologie und Kunst offenbart sich das Bauhaus als das bedeutendste künstlerische „Totalexperiment“ der Moderne. Die beiden letzten Bereiche beschäftigen sich mit der Kommunikation des Bauhauses und der Schaffung jener Mythen und Klischees, die das Bauhaus bis heute umgeben. Mit Manifesten und Zeitungsartikeln, Ausstellungen und Büchern, Publikationsreihen wie den Bauhausbüchern und sogar einer eigenen Zeitschrift setzte sich das Bauhaus für die Medienöffentlichkeit außergewöhnlich gekonnt in Szene und wurde zu einer wichtigen Stimme in den zeitgenössischen Debatten.

The third section of the exhibition is dedicated to the concept of space. Essential “places” in which Bauhaus artists could envision notions of space and develop spatial concepts included dance, plays, and the stage. In addition to artistic experiments, this section includes stage designs, spatial colour models, tapestries and textile designs, as well as reflections on minimalist dwellings and the applicability of industrial manufacturing techniques in building construction. When we combine all of these aspects, the Bauhaus reveals itself as what is most likely the first artistic “total experiment” of the modernist period. The last two sections consider how the Bauhaus presented itself and the creation of myths and clichés that continue to surround the movement to this day. By means of manifestos, newspaper and magazine articles, exhibitions, catalogues, and publication series like the Bauhaus book series or the Bauhaus magazine, the movement set effectively the scene and became an important contributor to contemporary debates. Although this cannot be described as a targeted communications strategy, over the years the Bauhaus nonetheless managed to develop its own corporate identity. rivierart

Certes, on ne peut pas parler de stratégie de communication ciblée, mais au fil des ans, le Bauhaus s’est créé sa propre «identité d’entreprise», qui, aujourd’hui encore, reste exemplaire en matière de commercialisation d’une idée. Ceci s’est toutefois accompagné d’une simplification des idées complexes et des courants divergents qui ont pourtant rendu le Bauhaus si unique. On l’a réduit de plus en plus souvent à un style, puis ce style est devenu un mythe, qui n’a toutefois rien perdu de sa fascination jusqu’à aujourd’hui. Tout au long de l’exposition, l’actualité et l’ancrage contemporain du Bauhaus sont soulignés par la juxtaposition d’oeuvres historiques de la période Bauhaus et d’oeuvres de designers contemporains, qui se confrontent de manière directe ou indirecte à l’héritage du Bauhaus. Ainsi, sont présentés les meubles produits par ordinateur de Minale Maeda, le «Hartz IV-Möbel» de Van Bo Le-Mentzel, mais aussi des manifestes de designers tels que Hella Jongerius et Thomas Lommé, des interviews avec des concepteurs tels que Lord Norman Foster ou Enzo Mariou ou encore des hommages rendus au Bauhaus par des designers tels que Mike Meiré ou Yuya Ushida. Hannes Meyer, Co-op room, Basel, 1926, © Archiv ETH Zürich

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Wenn auch nicht von einer gezielten Kommunikationsstrategie gesprochen werden kann, so hat das Bauhaus im Laufe der Jahre doch eine eigene Corporate Identity entwickelt, die als erfolgreiche Vermarktung einer Idee immer noch Vorbildfunktion hat. Damit einher ging aber auch die Vereinfachung der komplexen Inhalte und widerstreitenden Strömungen, die das Bauhaus so einzigartig machten. Es wurde immer häufiger auf einen Stil reduziert und schließlich zu einem Mythos stilisiert, der bis heute seine Faszination nicht verloren hat. Die aktuelle Perspektive auf das Bauhaus wird vermittelt, indem historische Exponate aus der Bauhaus-Ära den Werken heutiger Gestalter gegenübergestellt werden, die sich direkt oder indirekt mit dem BauhausErbe auseinandersetzen. Darunter sind digital produzierte Möbel von Minale Maeda, Van Bo Le-Mentzels „Hartz-IVMöbel“, Manifeste von Designern wie Hella Jongerius und Thomas Lommé sowie Interviews mit Gestaltern wie Lord Norman Foster oder Enzo Mari, aber auch Hommagen an das Bauhaus von Designern wie Mike Meiré oder Yuya Ushida.

A revolutionary breakthrough at the time, its successful campaign strategy remains an exemplary role model to this day. Yet the the creation of this corporate identity was accompanied by the simplification of the complex content and conflicting tendencies that made the Bauhaus so unique. The identity was gradually reduced to one particular style, before finally being styled into a myth that has lost nothing of its original fascination. The current perspective on the Bauhaus is achieved by juxtaposing historical exhibits from the Bauhaus era and works of contemporary designers that directly or indirectly draw upon Bauhaus heritage throughout the exhibition. These include digitally produced furniture designs by Minale Maeda, Van Bo Le-Mentzel’s “Hartz IV furniture”, as well as manifestos by designers such as Hella Jongerius and Thomas Lommé, interviews with creative figures including Lord Norman Foster or Enzo Mari, as well as homages to the Bauhaus by Mike Meiré, Yuya Ushida, and other designers. These contemporary contributions highlight the broad spectrum of influences the Bauhaus continues to exert, ranging from textile design for Hugo Boss to the furniture series Pipe (2009) by Konstantin Grcic for Muji and Thonet, which was inspired by Marcel Breuer.

L’ampleur de l’influence du Bauhaus est particulièrement visible dans les designs textiles pour Hugo Boss ainsi que les meubles Pipe (2009) de Konstantin Grcic pour Muji et Thonet, inspirés par Marcel Breuer. Quatre projets ont été réalisés spécifiquement pour l’exposition par l’artiste originaire de Leipzig Adrian Sauer, l’artiste conceptuel Olaf Nicolai, ainsi que les architectes et auteurs Joseph Grima et Philipp Oswalt. Cette confrontation des oeuvres historiques et actuelles propose une nouvelle compréhension du design produit par le mouvement Bauhaus. Elle fait disparaître le cliché selon lequel ce que l’on appelle le «designBauhaus» aurait été principalement minimaliste, froid et géométrique et révèle au contraire comment les designers issus de ce mouvement avaient à coeur les questions de contexte, d’expérimentation et de processus dans la société. Il apparaît donc d’une part que de nombreux débats actuels rejoignent de manière surprenante ceux du Bauhaus, qu’il s’agisse des possibilités offertes par les nouveaux moyens de production et les nouveaux matériaux, le rôle du designer dans la société ou encore les avantages du travail collaboratif interdisciplinaire. D’autre part, le Bauhaus, en élargissant le terme de design, a contribué à sa diffusion dans notre société actuelle, une connexion rappelée dans le sous-titre même de l’exposition: #itsalldesign. Dabei wird nicht zuletzt die Bandbreite des Bauhaus-Einflusses sichtbar - vom Textildesign für Hugo Boss bis hin zur Möbelserie Pipe (2009) von Konstantin Grcic für Muji und Thonet, die von Marcel Breuer inspiriert ist. Eine besondere Rolle unter diesen aktuellen Beiträgen spielen vier Projekte, die eigens für die Ausstellung von dem Leipziger Künstler Adrian Sauer, dem Konzeptkünstler Olaf Nicolai sowie den Architekten und Autoren Joseph Grima und Philipp Oswalt entwickelt wurden. In der Gegenüberstellung von historischen und aktuellen Exponaten ergibt sich ein neues, differenzierteres Bild des Designs am Bauhaus. Es räumt auf mit dem Klischee, das sogenannte Bauhaus-Design sei primär minimalistisch, kühl und geometrisch gewesen und zeigt, wie interessiert Designer am Bauhaus an sozialen Zusammenhängen, Experimenten und Prozessen waren. Dabei offenbart sich zum einen, dass viele der aktuellen Debatten denen am Bauhaus auf überraschende Weise ähneln - ob jene über die Möglichkeiten neuer Herstellungsverfahren und Materialien, über die Rolle des Designers in der Gesellschaft oder über die Vorteile interdisziplinärer Zusammenarbeit. Zum anderen wird sichtbar, dass das Bauhaus mit seinem offenen Designbegriff ganz entscheidend dazu beigetragen hat, dass Design heute unsere gesamte Lebenswelt durchzieht - eine Verbindung, auf die auch der Untertitel der Ausstellung anspielt: #allesistdesign. Among the current works featured in the exhibition, the four projects commissioned especially for the exhibition by the Leipzig-based artist Adrian Sauer, concept artist Olaf Nicolai, as well as the authors and architects Joseph Grima and Philipp Oswalt play a particularly important role. The juxtaposition of historical and current exhibits yields a new and more differentiated picture of design at the Bauhaus. It does away with the clichés that primarily described Bauhaus design as minimalistic, cool, and geometric while showing the great interest Bauhaus designers had in social interconnections, experiments, and processes. With its open concept of design, the Bauhaus has played a decisive role in the omnipresence of design today. The exhibition reveals surprising parallels between many of the current debates in design and those that played a central role at the Bauhaus, such as discussions focusing on opportunities provided by new production methods and materials as well as the role of the designer in society or the advantages of interdisciplinary collaboration. This is also reflected in the exhibition’s subtitle - #itsalldesign, which invites visitors and readers to share their own views on this topic. “The Bauhaus #itsalldesign” is an exhibition of the Vitra Design Museum and the Art and Exhibition Hall of the Federal Republic of Germany.

musée suisse de la céramique et du verre genève

Contained | Contenu — D u 2 0 a v ri l a u 7 o c t o b re 2 0 1 8

Anne Marie Laureys (Belgique, 1962) | Dappled Cloud, 2018 | Terre cuite tournée, déformée, modelée, engobes pulvérisés 38x40x35 cm | Collection de l’artiste | Photo : Peter Claeys

Potières d'Afrique — V o y a g e a u c œ u r d ’u n e t ra d i t i on c o n t e mpo ra i n e D U 1 6 MA RS A U 9 S E P T E MB RE 2018

Jarre | Nigeria, Giri | Population Gwari | Entre 1990 et 1995 | Photo : Pierre-Olivier Deschamps - Agence VU

Assiettes parlantes — décors historiés imprimés sur faïence fine au 19 e siècle JU S QU ’a u 9 s e pt e mb re 2 0 1 8

Assiette «À l'Exposition», 1889 | Manufacture Keller & Guérin, Lunéville (France) | Collection Musée Ariana | Photo: Musée Ariana

Un musée Ville de Genève www.ariana-geneve.ch

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LES PETITS INVENTEURS DU 16 AOÛT AU 28 OCTOBRE 2018

CENTRE D’ART CONTEMPORAIN, YVERDON-LES-BAINS LE-CASTRUM.CH — CENTRE-ART-YVERDON.CH

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PHOTO : DOMINIC WILCOX © LITTLE INVENTORS

LE CASTRUM ET LE CACY PRÉSENTENT :

Centre d’art contemporain Yverdon-les-Bains Le Castrum du 16 août au 28 octobre 2018 yverdon-les-bains - SWITZERLAND Les seules limites que connaît notre imagination sont celles que l’on s’impose à l’âge adulte. Enfant, rien n’est impossible, irréalisable, impensable. Un parapluie pour coccinelles, un sac à main qui se transforme en chaise ou un chapeau haut de forme distributeur de sucreries. Autant d’inventions géniales imaginées par des écoliers à travers le monde avec le projet Little Inventors. Grâce à des artisans talentueux, Dominic Wilcox donne vie à ces idées, tantôt utopiques, tantôt innovantes, toujours poétiques. Dans le cadre du Castrum, des écoles de la région yverdonnoise ont participé à des ateliers. Le but: montrer aux enfants la puissance de leurs idées. Plus de 200 écoliers (âgés de 7 à 15 ans) ont dessiné des inventions, sans aucune contrainte. Après la sélection d’un jury, certaines d’entre elles seront réalisées et exposées au CACY. Durant les quatre jours du festival, tous les visiteurs auront également la possibilité de dessiner leur propre invention dans le cadre d’un atelier.

Die einzigen Grenzen, die unsere Vorstellungskraft kennt, sind diejenigen, die man sich im Erwachsenenalter selbst auferlegt. Als Kind ist nichts unmöglich, unausführbar, undenkbar. Ein Regenschirm für Marienkäfer, eine Handtasche, die zu einem Stuhl wird oder ein Zylinderhut als Süßigkeitenspender. Dies sind einige der genialen Erfindungen, die sich Schüler dank des Projektes Little Inventors weltweit ausgedenken konnten. Mit Hilfe von talentierten Handwerkern gibt Dominic Wilcox diesen mal utopischen, mal innovativen aber immer poetischen Ideen Leben. Schulen der Region Yverdon haben im Castrum an Workshops teilgenommen. Das Ziel: Kindern die Kraft ihrer Ideen zu zeigen. Über 200 Schulkinder, im Alter von 7 bis 15 Jahren, haben völlig frei Erfindungen gezeichnet. Einige von der Jury ausgewählten Objekte werden realisiert und anschließend im CACY ausgestellt. Während der vier Tage des Festivals werden alle Besucher ebenfalls die Möglichkeit haben, ihre eigene Erfindung im Rahmen eines Workshops zu zeichnen.

The only limits that our imagination knows are those imposed by adulthood. As a child, nothing is impossible, impracticable, or unthinkable. An umbrella for ladybugs, a purse that turns into a chair or a top hat dispensing sweets. So many brilliant inventions imagined by schoolchildren around the world in the Little Inventors project. Thanks to talented artisans, Dominic Wilcox brings these sometimes utopian, sometimes innovative, always poetic ideas to life. As part of Castrum, schools in the region of Yverdon took part in workshops. The purpose: to show children the power of their ideas. Over 200 schoolchildren aged between 7 and 15 drew inventions without restriction. After selection by jury, some will be brought to realisation and put on exhibition at the CACY. Over the festival’s four days, visitors will also have the opportunity to participate in workshops and draw their own inventions. Le jury du projet «Les petits inventeurs», © Raphaël Wagnières - Le Castrum

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zentrum paul klee Etel Adnan jusqu’au 7 octobre 2018 Bern - SWITZERLAND Avec Etel Adnan, le Zentrum Paul Klee ouvre ses portes, en juin 2018, à une exposition unique née d’une collaboration étroite avec l’artiste, à la fois poète, peintre et philosophe. Son oeuvre réunit des peintures aux couleurs vibrantes, des leporellos et des travaux sur papier pleins de poésie, un film et des tapisseries de grand format. Avec sa participation à la dOCUMENTA 13 en 2012, Etel Adnan, maintenant âgée de 93 ans, est rendue célèbre à un public international. L’artiste libanaise, qui vit actuellement en France, est l’une des représentantes les plus importantes de la modernité arabe. C’est dans les années 1960 qu’Adnan découvre Paul Klee au travers de ses journaux. Ses textes ainsi que son oeuvre ont durablement influencé l’activité artistique de l’artiste. L’exposition présentée au Zentrum Paul Klee fait dialoguer l’œuvre d’Etel Adnan avec celle de Klee. La biographie d’Etel Adnan est marquée par un environnement multiculturel. Elle naît en 1925 à Beyrouth, au Liban, alors administré par les Français. Fille d’une Grecque chrétienne et d’un Syrien musulman, elle étudiera plus tard à la Sorbonne à Paris et aux États-Unis à Berkeley et Harvard. Sa vie se déroule dorénavant entre la baie de San Francisco, Beyrouth et Paris. Ses origines, sa famille et l’histoire du Proche-Orient sont particulièrement présentes dans son oeuvre littéraire. Dès les années 1970, elle se fait un nom sur le plan international avec ses essais philosophiques, ses romans, ses poèmes et ses textes journalistiques, et devient une voix importante de la littérature arabe.

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Mit Etel Adnan öffnet das Zentrum Paul Klee im Juni 2018 die Tore zu einer einzigartigen Ausstellung, die in enger Zusammenarbeit mit der Dichterin, Malerin und Philosophin selbst entstanden ist. Ihr Werk vereint Gemälde von vibrierender Farbigkeit, Leporellos und Arbeiten auf Papier voller Poesie, eine Filmarbeit und grossformatige Tapisserien. Mit ihrer Teilnahme an der dOCUMENTA 13 im Jahr 2012 ist die heute 93-jährige Etel Adnan schlagartig einem grossen internationalen Publikum bekannt geworden. Die heute in Frankreich lebende libanesische Künstlerin ist eine der bedeutendsten Vertreterinnen der arabischen Moderne. Adnan entdeckte Paul Klee anfänglich über seine Tagebücher in den 1960erJahren. Sein Werk und seine Texte sollten sie in ihrer künstlerischen Tätigkeit nachhaltig prägen. Die Ausstellung im Zentrum Paul Klee entwickelt einen Dialog zwischen Etel Adnans und Paul Klees Werk. Etel Adnans Biografie ist geprägt von einem multikulturellen Umfeld. Sie kommt 1925 in Beirut, im französisch besetzten Libanon, zur Welt. Die Tochter einer christlichen Griechin und eines muslimischen Syrers studiert später an der Sorbonne in Paris und in den Vereinigten Staaten in Berkeley und Harvard. Ihr Leben spielt sich fortan zwischen der Bucht von San Francisco, Beirut und Paris ab. Vor allem in ihrem literarischen Schaffen sind ihre Herkunft, ihre Familie und die Geschichte des Nahen Ostens präsent.

In June 2018, the Zentrum Paul Klee is opening its doors to Etel Adnan, a unique exhibition that was organized in close collaboration with this outstanding poetess, artist, and philosopher. Etel Adnan’s work is a combination of not only intensely lyrical, vibrantly colourful paintings, concertina leaflets, and works on paper but also a film piece and large-format tapestries. With her participation at dOCUMENTA 13 in 2012, the now 93-yearold Lebanese artist all of a sudden has become known to an international audience. Etel Adnan now lives in France and is a leading protagonist of Arab modernism. At first she discovered Paul Klee through his diaries in the 1960s. His work and his texts made a lasting impression on her artistic work. The exhibition at the Zentrum Paul Klee unfolds a dialogue between the work of Etel Adnan and Paul Klee. Etel Adnan’s biography is defined by a multi-cultural environment. She was born in 1925 in Beirut, in French-occupied Lebanon. Her mother is a Greek Christian and her father a Muslim Syrian. Etel Adnan later studied at the Sorbonne in Paris and at Berkeley and Harvard in the United States. From this time onward, San Francisco Bay, Beirut, and Paris were all equally her home. Her origins, family, and the history of the Middle East are especially present in her literary work. As early as the 1970s, she acquired international renown with her philosophical essays, novels, poems, and journalistic texts, becoming a leading figure in Arabic literature.

Photo page de gauche - Etel Adnan, Ohne Titel / Sans titre / Untitled, 1965, Leporello / Leporello / Folded leporello book, 21.2 x 243.2 cm, Courtesy the artist and Sfeir-Semler Gallery, Hamburg / Beirut, photo: Volker Renner, Hamburg - photo page de droite - Etel Adnan, Wendell Berry, 1963, Leporello / Leporello / Folded leporello book, 29.8 x 532.8 cm, Courtesy the artist and Sfeir-Semler Gallery, Hamburg / Beirut, photo: Volker Renner, Hamburg

Pour d’Etel Adnan, la peinture n’est ni narrative ni descriptive. Elle conçoit l’art abstrait comme une écriture poétique, indépendamment d’une langue qui serait marquée par sa culture. Ses oeuvres sont pour la plupart des peintures, faites de champs chromatiques, et des dessins aux mouvements rythmés dans lesquels elle recherche un équilibre fragile. Dans ces images abstraites, l’artiste exprime les mouvements de l’âme et de la pensée; elle représente, à sa façon, l’équilibre de la vie. Ce sont des déclarations d’amour à l’univers: elle s’inspire de phénomènes naturels. Le Mont Tamalpaïs est pour elle un compagnon de route de longue date. Il est situé au nord de San Francisco, près de Sausalito où elle a vécu de 1958 à 1972, puis de 1977 à 2012. Cette montagne est devenue un motif artistique et une surface de projection reflétant ses propres états d’âme et la condition humaine en général. Dans des dizaines de tableaux et des centaines de dessins à l’aquarelle et à l’encre de Chine, elle a pris pour thème « sa » montagne; elle affirme même, dans une interview télévisée, qu’elle la considère comme la rencontre la plus importante qu’elle ait jamais faite. Alors que ses tableaux et ses dessins se réfèrent rarement à des réalités concrètes, ses leporellos constituent un espace de résonance pour des textes littéraires, des souvenirs personnels et des impressions relatives à ce qui se passe dans le monde. Dans ces partitions poétiques, le dessin, la couleur et l’écriture coexistent sous la forme de créations plastiques uniques en leur genre. Avec ces cahiers pliés, Etel Adnan révolutionne le monde de la calligraphie arabe et, à l’instar de Paul Klee, ne se laisse pas guider par les normes existantes mais développe ses propres signes et symboles.

Mit ihren philosophischen Essays, Romanen, Gedichten und journalistischen Texten macht sie sich schon in den 1970ern international einen Namen und avanciert zu einer wichtigen Stimme der arabischen Literatur. Für Adnan ist Malerei weder narrativ noch deskriptiv. Abstrakte Kunst versteht sie als poetisches Schreiben, losgelöst von einer kulturell geprägten Sprache. Es sind weitgehend Farbfeldmalereien oder bewegt-rhythmische Zeichnungen, in denen sie ein fragiles Gleichgewicht sucht. In diesen abstrakten Bildern drückt die Künstlerin die Bewegungen der Seele und der Gedanken aus und stellt auf ihre eigene Art das Gleichgewicht des Lebens dar - es sind Liebeserklärungen an das Universum, in denen sie auch von Erscheinungen der Natur ausgeht. Ein langjähriger Wegbegleiter ist der Mount Tamalpais. Der Berg liegt nördlich von San Francisco, in der Nähe von Sausalito, wo sie von 1958 bis 1972 sowie von 1977 bis 2012 lebt. Der Berg dient ihr als künstlerisches Motiv und Projektionsfläche individueller und allgemeiner Befindlichkeiten der Menschheit. In Dutzenden Gemälden und Hunderten Aquarell- und Tinte-Zeichnungen thematisiert sie „ihren“ Hausberg - in einem Fernsehinterview bezeichnet sie ihn sogar als die wichtigste Begegnung ihres Lebens. Während sich ihre Gemälde und Zeichnungen selten auf konkrete Gegebenheiten beziehen, bilden ihre Leporellos einen Resonanzraum für literarische Texte, persönliche Erinnerungen und Eindrücke des Weltgeschehens. In diesen poetischen Partituren treffen Zeichnung, Farbe und Schrift in Form einzigartiger Bildschöpfungen zusammen. Etel Adnan revolutioniert mit diesen gefalteten Notizbüchern die Welt der arabischen Kalligraphie und, ähnlich wie Paul Klee, orientiert sie sich nicht an bestehenden Normen, sondern entwickelt eigene Zeichen und Symbole.

Adnan views painting as being neither narrative nor descriptive. In her eyes abstract art is lyrical writing, independent of a culturally informed language. Her works are largely colour field paintings or highly vibrant, rhythmical drawings in which she strives to attain a delicate balance. The artist expresses emotions and ideas in her abstract pictures. They represent harmony in life in their own way; they espouse love of the universe and have as their point of departure the manifestations of nature. One of her companions over many, many years is Mount Tamalpais. The mountain lies north of San Francisco, near Sausalito, where the artist lived from 1958 until 1972 and again later from 1977 until 2012. In the mountain she found both an artistic motif and a screen onto which to project humanity’s individual and universal states of mind. She engages with “her” backyard mountain not only in dozens of her paintings and hundreds of her watercolours - but also in her pen-and-ink drawings. In a television interview she also claims that this landmark was the most important encounter in her life. Whereas her paintings and drawings seldom refer to concrete situations, her concertina leaflets are “resonance” chambers for literary texts, personal memories, and impressions of world affairs. These lyrical scores unite drawing, colour, and writing in the shape of unique visual creations. Employing these concertina leaflets as notebooks, Etel Adnan revolutionized the world of Arabic calligraphy and, like Paul Klee, found artistic orientation in developing her own signs and symbols instead of taking recourse to existing norms.

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Musée ariana Contained - Contenu jusqu’au 7 octobre 2018 genève - SWITZERLAND Conviée par le Musée Ariana, Monique Deul, fondatrice de la galerie genevoise TASTE Contemporary, a réuni sept artistes contemporains (Alison Britton, Anne Marie Laureys, Deirdre McLoughlin, Richard Meitner, Marit Tingleff, Andrea Walsh et Jeremy Maxwell Wintrebert) perpétuant le dialogue entre contenant et contenu, allant au-delà de la fonction utilitaire de l’objet, vers des préoccupations plus conceptuelles.

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Monique Deul, Gründerin der Genfer Galerie TASTE Contemporary, folgte der Einladung des Museums Ariana und brachte sieben zeitgenössische Kunstschaffende zusammen (Alison Britton, Anne Marie Laureys, Deirdre McLoughlin, Richard Meitner, Marit Tingleff, Andrea Walsh et Jeremy Maxwell Wintrebert), die den Dialog zwischen Behältnis und Inhalt pflegen und dabei jenseits des funktionalen Aspekts von Gebrauchsgegenständen auch die konzeptuelle Ebene ansprechen.

At the request of the Museum Ariana, Monique Deul, founder of the Genevan gallery TASTE Contemporary, has brought together seven contemporary artists (Alison Britton, Anne Marie Laureys, Deirdre McLoughlin, Richard Meitner, Marit Tingleff, Andrea Walsh et Jeremy Maxwell Wintrebert) who continue the dialogue between container and contained, going beyond the utilitarian function of objects to address more conceptual concerns.

Photo page de gauche - Anne Marie Laureys (Belgique, 1962), Cloud by my Fingers No 4, 2015, Terre cuite tournée, déformée, modelée, engobes pulvérisés, slips, Earthenware, thrown, deformed and hand-built, pulverised slips, 50x52x47 cm, Collection de l’artiste, Photo : AmandP photos page de droite - photo de gauche - Anne Marie Laureys (Belgique, 1962), Cloud by my Fingers No 2, 2015, Terre cuite tournée, déformée, modelée, engobes pulvérisés, Earthenware, thrown, deformed and hand-built, pulverised slips, 55x38x30 cm, Collection de l’artiste, Photo : AmandP photo page de droite - photo de droite - Anne Marie Laureys (Belgique, 1962), Cloud by my Fingers No 3, 2015, Terre cuite tournée, déformée, modelée, engobes pulvérisés, Earthenware, thrown, deformed and hand-built, pulverised slips, 52x57x30 cm, Collection de l’artiste, Photo : AmandP

Le mot « contenu » englobe ce qui est tenu dans certaines frontières, enfermé dans un volume ou espace, mais également ce qui est signifié ou révélé, le sens profond, latent. Le céramiste construit autour du vide; à l’inverse, le souffleur de verre crée ce vide. Entre tension et équilibre, les réceptacles repoussent les limites de la matière contrainte et maîtrisée; ils enveloppent un espace intérieur, physique ou métaphorique. Les pots d’Alison Britton renferment des coulures d’engobes et d’émaux tandis que les plats monumentaux de Marit Tingleff accueillent des paysages abstraits. Une présence tangible émane des sculptures en grès, montées au colombin puis finement polies, de Deirdre McLoughlin. Elles dialoguent avec celles, tournées en terre cuite, déformées et assemblées d’Anne Marie Laureys. Les créations en fibre de verre de Richard Meitner jouent sur ce matériau rappelant parfois le métal ou le terrazzo. Également en verre, les précieuses boites d’Andrea Walsh incluent des éléments en porcelaine, tandis que les formes soufflées par Jeremy Maxwell Wintrebert s’inspirent des poteries africaines de son enfance. Empreintes des expressions singulières de chaque artiste, ces oeuvres oscillent entre matérialité et émotion; elles invitent à la contemplation.

Das Wort „Inhalt“ verweist auf etwas, das eingeschlossen, beziehungsweise in einem Volumen oder Raum enthalten ist, aber auch darauf, dass etwas ausgedrückt und dargestellt wird - auf den tiefen, latenten Sinn. Im Gegensatz zum Glasbläser, der Leere schafft, bauen Keramiker ihre Objekte rund um die Leere auf. Behältnisse stehen zwischen Spannung und Gleichgewicht. Sie drängen die Grenzen der bezwungenen und beherrschten Materie zurück. Sie umschliessen einen physischen oder bildlichen inneren Raum. Die Töpfe von Alison Britton zeigen Tropfspuren von Engobe und Email. Auf den monumentalen Platten von Marit Tingleff sind abstrakte Landschaften zu erkennen. Von den Steinzeug-Skulpturen, die Deirdre McLoughlin mit Tonwülsten aufbaut und anschliessend fein poliert, geht eine fühlbare Präsenz aus. Sie stehen im Zwiegespräch mit den gedrehten, verformten und zusammengesetzten irdenen Arbeiten von Anne Marie Laureys. Richard Meitners Glasfaser-Kreationen spielen mit diesem Werkstoff, der Ähnlichkeiten mit Metall oder Terrazzo aufweist. Die exquisiten Dosen von Andrea Walsh enthalten Elemente aus Porzellan, während die geblasenen Formen von Jeremy Maxwell Wintrebert Reminiszenzen an die afrikanischen Töpfereien seiner Kindheit sind. Die Objekte zeigen die Eigenheiten der einzelnen Künstler auf und bewegen sich zwischen Materialität und Emotion. Sie laden zum Verweilen ein.

The word “contained” implies something held within certain limits, enclosed inside a volume or space, while the notion of content also suggests something signified or revealed, a deep, latent meaning. While the ceramist constructs around a void, the glassblower creates this void. Poised between tension and equilibrium, vessels push back the limits of the constrained and controlled material; they envelop an inner, physical or metaphorical space. Alison Britton’s pots are completed with runs of slip and glazes, while Marit Tingleff’s large-scale ceramic plates feature abstract landscapes. A tangible presence emanates from Deirdre McLoughlin’s stoneware sculptures, coil-mounted and then finely-polished. They dialogue with the vessels of thrown clay, then remoulded and assembled, by Anne Marie Laureys. Richard Meitner’s fiberglass creations play with this material, making it at times resemble metal or terrazzo. Also shaped in glass, Andrea Walsh’s precious boxes incorporate porcelain elements, while the blown glass forms of Jeremy Maxwell Wintrebert are inspired by the African pottery of his childhood. Each bearing the imprint of their maker’s unique expressive language, these works oscillate between materiality and emotion; they invite contemplation.

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musée olympique Olympic language jusqu’au 17 mars 2019 lausanne - SWITZERLAND Le point commun entre les mascottes, les pictogrammes, la torche ou encore les médailles, c’est leur identité graphique. L’identité visuelle développée à l’occasion des Jeux est un vocabulaire en soi qui participe au langage universel des cinq anneaux. L’exposition Olympic language montre comment les villes hôtes se présentent au monde en mettant en lumière le looks des Jeux particulièrement intéressants. Si le souci d’un langage visuel est absent des premières éditions, la recherche d’une cohérence graphique apparaît à Stockholm (1912) et à Amsterdam (1928) et s’inscrit dans les courants artistiques de l’époque. Cela disparaît peu à peu au profit d’une recherche axée davantage sur les caractéristiques de la ville ou du pays hôte. Les anneaux quant à eux, apparaissent en 1920 à Anvers et deviendront quelques années plus tard, l’élément central du langage graphique. En 1964 les pictogrammes de Tokyo illustrent une volonté d’être compréhensible par tous. Mexico (1968) et Munich (1972) parviennent à créer un design global. L’identité des Jeux est cohérente et se décline de l’emblème à la signalétique jusqu’aux objets dérivés. En 1984, Los Angeles marque les esprits par des couleurs qui donnent une unité à l’ensemble de la manifestation et s’invitent jusque sur les plateaux télé. Lillehammer (1994) et Athènes (2004) expriment leur identité à travers leur patrimoine, qu’il soit naturel ou culturel et en 2012 Londres prône l’éclatement plutôt que la concentration: chacun peut s’approprier le look des Jeux. C’est la limite de l’exercice qui entre en concurrence avec la protection de la marque.

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Die Gemeinsamkeit zwischen den Maskottchen, den Piktogrammen, der Fackel und den Medaillen ist die grafische Identität. Die visuelle Identität, die anlässlich der Spiele entwickelt wird, ist das Vokabular an sich, das in der universellen Sprache der fünf Ringe ausgedrückt ist. Die Ausstellung Olympic Language veranschaulicht, wie sich die Gastgeberstädte der Welt präsentieren, indem sie die interessantesten Looks der Spiele hervorheben. Während das Interesse an einer Bildsprache in den Erstausgaben noch fehlte, begann die Suche nach einer grafischen Kohärenz in Stockholm (1912) und Amsterdam (1928) und wurde Teil der künstlerischen Strömungen jener Zeit. Dies führte allmählich zu einer Fokussierung auf die Merkmale der Gastgeberstadt oder des Gastlandes. Was die Ringe betrifft, so erscheinen sie zum ersten Mal 1920 in Antwerpen und werden einige Jahre später zum zentralen Element der grafischen Sprache. 1964 illustrieren die Piktogramme Tokios das Bestreben, für alle verständlich zu sein. Mexiko (1968) und München (1972) gelang es, ein globales Design zu schaffen. Die Identität dieser Spiele ist kohärent und zieht sich vom Emblem über die Beschilderung bis zu den Nebenprodukten durch. 1984 hinterlässt Los Angeles einen bleibenden Eindruck mit kräftigen Farben, die den gesamten Anlass eine eigene Stimmung geben und sogar in den Fernsehstudios verwendet werden. Lillehammer (1994) und Athen (2004) drücken ihre Identität durch ihr natürliches oder kulturelles Erbe aus, und London bietet im Jahr 2012 Spiele, deren Look sich jeder aneignen kann, eine Grenze, die mit dem Schutz der Marke konkurriert.

What the mascots, pictograms, torches and medals all have in common is their graphic identity. The visual identity developed for the Games reflects the spirit of a city and a country; it is a language in its own right that forms part of the universal language of the five rings. OLYMPIC LANGUAGE shows how host cities present themselves to the world by shining a spotlight on some particularly interesting Looks of the Games. While there was little interest in establishing a visual language at the early editions, graphic consistency first became a goal in Stockholm (1912) and Amsterdam (1928), and became part of the artistic trends of the time. The rings, as for them, appear in Antwerp in 1920. They will become, a few years later, the central element of the graphic language. This gradually gave way to a focus on the characteristics of the host city or country. In 1964 the Tokyo pictograms illustrated a desire to be understood by everyone. In 1968 Mexico City and Munich in 1972, managed to create an all-embracing design. The Look of the Games was consistent and was applied to the emblem, signage, decorations throughout the city and spin-off products. In 1984, Los Angeles made a lasting impression with bold colours that brought unity to the whole event, and which were even used in the TV studios. Lillehammer (1994) and Athens (2004) expressed their identity through their natural and cultural heritage.And in 2012 the more the merrier as far as London was concerned: everyone was encouraged to make use of the Look of the Games. At the risk of running into brand protection issues.

page de gauche, photo de gauche - Tokyo 64, Poser Design Project. © CIO. Les pictogrammes de Tokyo 1964 illustrent une volonté d’être compréhensible par tous. photo du milieu - Pré-emblème Stockholm 1912. © CIO. Si le souci d’un langage visuel est absent dès premières éditions, la recherche d’une cohérence graphique apparaît à Stockholm 1912 et à Amsterdam 1928 et s’inscrit dans les courants artistiques de l’époque. Cela disparaît peu à peu au profit d’une recherche axée davantage sur les caractéristiques de la ville ou du pays hôte. photo de droite - JO Anvers 1920 - Les délégations du Japon et de l’Italie. Les anneaux apparaissent à Anvers 1920. Ils vont être, quelques années plus tard, l’élément central du langage graphique. © CIO page de droite, photo de gauche - Beatrice Trueblood, responsable des publications. Grand hommage à Mexico 68, un look global particulièrement réussi qui fête ses 50 ans. © Beatrice Trueblood photo du milieu - JO Mexico 1968, Village Olympique - L’embleme des JO. Grand hommage à Mexico 68, un look global particulièrement réussi qui fête ses 50 ans. © 1968 / Kishimoto/IOC photo de droite - Eduardo Terrazas responsable de l’Urban design de Mexico 68, ici dans son studio. © Eduardo Terrazas Archive

Aux Jeux Olympiques, le spectacle ne s’arrête pas aux stades. La ville entière est à la fête. Il faut créer une identité graphique qui s’adapte à l’esprit des Jeux, à la ville, à la région, voire même au pays… Un exercice loin d’être simple mais qui démontre l’extraordinaire créativité de celles et ceux qui en ont la charge. Mexico 1968 a particulièrement bien réussi l’exercice. Cela tombe bien, car 2018 marque le 50e anniversaire de cette édition des Jeux. Ce voyage à travers le look de certains Jeux débute dans le parc, au Pavillon avec une exposition photos et se poursuit à l’intérieur du Musée Olympique dans l’espace Art Lounge avec un retour sur l’exceptionnel programme culturel de Mexico 1968 avec une présentation des affiches originales ! DE L‘UNION DES CINQ ANNEAUX à L‘EMBLèME DES JEUX L’exposition commence par la naissance et l’évolution des anneaux olympiques, aujourd’hui un des logos les plus connus dans le monde ! Voyagez à travers le look des Jeux avec sept éditions marquantes (Tokyo 1964, Mexico 1968, Munich 1972, Los Angeles 1984, Lillehammer 1994, Athènes 2004, Londres 2012) dont trois qui ont réussi un design global : Mexico 1968, une tradition modernisée, Munich 1972 et sa grille de « lecture graphique », Lillehammer 1994 et son design nordique. Le parcours continue avec une ligne du temps digitale qui met en scène la construction de l’identité visuelle des Jeux Olympiques depuis leur début jusqu’à nos jours. Grâce à ces quelques éditions marquantes, l’exposition montre comment se construit l’identité visuelle des Jeux Olympiques et les principales composantes de ce vocabulaire (emblèmes, affiches, pictogrammes, mascottes, signalétique, objets dérivés…)

Während der Olympischen Spiele begrenzt sich die Show nicht nur auf die Stadien. Die ganze Stadt feiert mit. Darum muss eine grafische Identität geschaffen werden, die sich dem Geist der Spiele, der Stadt, der Region und sogar dem Lande anpasst... Dies ist keine leichte Aufgabe, aber es zeigt die außergewöhnliche Schaffungskraft derer, die dafür verantwortlich sind. Mexiko 1968 war diesbezüglich besonders erfolgreich. Das trifft sich gut, denn 2018 ist das 50. Jubiläum der Ausgabe dieser Spiele. Die Reise durch die Darstellung mancher Spiele beginnt im Park und im Pavillon mit einer Fotoausstellung. Sie wird im Olympiamuseum in der Art Lounge mit einer Belichtung auf das außergewöhnliche Kulturprogramm von Mexiko 1968 mit einer Ausstellung der Originalplakate fortgesetzt! VON DER UNION DER FüNF RINGE ZUM EMBLEM DER SPIELE Die Ausstellung beginnt mit der Geburt und Entwicklung der Olympischen Ringe, heute einer der berühmtesten Logos der Welt! Reisen Sie durch den Look der Spiele mit den sieben Meilensteinen (Tokio 1964, Mexiko 1968, München 1972, Los Angeles 1984, Lillehammer 1994, Athen 2004, London 2012), darunter drei, die ein globales Design fertiggebracht haben: Mexiko 1968, eine modernisierte Tradition, München 1972 und sein Raster der „graphischen Lektüre“, Lillehammer 1994 und sein nordisches Design. Die Ausstellung geht weiter mit einer digitalen Zeitliste, die den Aufbau der visuellen Identität der Olympischen Spiele von ihren Anfängen bis heute zeigt. Dank dieser bedeutenden Ausgaben zeigt die Ausstellung, wie die visuelle Identität der Olympischen Spiele konstruiert wird und welche die Hauptbestandteile dieses Wortschatzes sind (Embleme, Plakate, Piktogramme, Maskottchen, Schilder, Nebenprodukte…)

At the Olympic Games, the show is not confined to the stadiums. The whole city celebrates. But not just any old how: visual consistency is important too. For that, a graphic identity has to be created, and this must match the spirit of the Games, the city, the region, even the whole country… This is far from easy, but it demonstrates the extraordinary creativity of those whose job it is. Mexico 68 was a particularly successful example. Which is good, as 2018 marks 50 years since those Games. This journey through the Look of the Games starts here at the Pavilion with a photography exhibition and continues inside The Olympic Museum in the Art Lounge space showing the exceptional cultural progam of Mexico 1968 with the original posters ! FROM THE UNION OF THE FIVE RINGS TO THE SYMBOL OF THE GAMES The exhibition starts with the creation and the evolution of the five olympic rings, which have since become one of the most known logos in the world! Explore the Look of the Games through seven noteworthy editions (Tokyo 1964, Mexico 1968, Munich 1972, Los Angeles 1984, Lillehammer 1994, Athènes 2004, Londres 2012), three of which succeeded in producing a global design: Mexico City 1968, a modern take on ancient tradition; Munich 1972 and its grid system; and Lillehammer 1994 with its Nordic design. The journey continues with a digital timeline that depicts how the visual identity of the Olympic Games has been constructed from their beginnings to the present day. Through these standout editions, the exhibition shows how the visual identity of the Olympic Games is constructed, as well as the key elements that make up this vocabulary (emblems, posters, pictograms, mascots, signage, licensed products, etc.). rivierart

MEXIKO 1968, VERS UN LOOK GLOBAL Mexico invente un concept complètement fou: le design global. Il ne s’agit plus de décorer seulement les lieux de compétitions, mais toute la ville. MEXIKO 1968, L‘AFFICHE OFFICIELLE Cet emblème, né de l’imagination de Pedro Ramirez Vazquez, concentre l’air du temps : lignes psychédéliques et esprit folk. Le chiffre 68 s’inscrit dans les cinq anneaux et semble dégager des ondes à l’infini. Après un brainstorming avec Beatrice Trueblood et Eduardo Terrazas, le graphiste Lance Wyman apporte la touche finale à cet hallucinant motif. Imprégné de l’art traditionnel des Indiens Huichol, du mouvement concentrique de l’onde, l’emblème flirte avec le mouvement artistique de l’époque, l’Op’art ! TOKYO1964, L‘AFFICHE OFFICIELLE Le logo de cette 18e olympiade est d’une magnifique simplicité: sur un fond clair, le rond rouge du drapeau japonais, les cinq anneaux olympiques et la mention «Tokyo 1964» à la base. Cette grande réussite a pourtant failli ne jamais exister ! Incroyable mais vrai: le grand designer Kamekura Yusaku a complètement oublié qu’il doit créer le logo des Jeux… Un ami lui demande où il en est. In extremis, et avec une grande efficacité, Yusaku imagine en deux heures cette affiche inoubliable ! Cet emblème était tellement efficace que le comité d’organisation décida de l’utiliser pour l’affiche des Jeux.

MEXIKO 1968, EIN GLOBALER LOOK Mexiko erfindet ein völlig verrücktes Konzept: das globale Design. Es geht nicht nur darum, die Wettkampfstätten zu dekorieren, sondern die ganze Stadt wird mit einbezogen! MEXIKO 1968, DAS OFFIZIELLE PLAKAT Dieses Emblem, das eine Schöpfung von Pedro Ramirez Vazquez ist, konzentriert den Zeitgeist: psychedelische Linien und Folk-traditionen. Die Zahl 68 schreibt sich in die fünf Ringe ein und scheint Wellen bis ins Unendliche freizusetzen. Nach einem Brainstorming mit Beatrice Trueblood und Eduardo Terrazas verleiht der Grafikdesigner Lance Wyman diesem erstaunlichen Motiv den letzten Schliff. Imprägniert mit der traditionellen Kunst der HuicholIndianer, der konzentrischen Bewegung der Welle, flirtet das Emblem mit der künstlerischen Bewegung der Zeit, der Op‘art! TOKYO1964, DAS OFFIZIELLE PLAKAT Die Schlichtheit des Logos dieser 18. Olympiade ist einfach wunderbar: der rote Kreis der japanischen Flagge auf hellem Hintergrund, darunter die fünf olympischen Ringe und die Erwähnung „Tokyo 1964“ an der Basis. Doch diese Erfolgsgeschichte hätte beinahe nie existiert! Unglaublich aber war: der renommierte Designer Kamekura Yusaku hatte völlig vergessen, dass er das Logo der Spiele erstellen musste... Ein Freund fragt ihn, wie weit er ist. In letzter Minute und mit grosser Effizienz erstellt Yusaku Kamekura dieses unvergessliche Plakat in zwei Stunden!

MEXIKO 1968, GOING FOR A GLOBAL LOOK For the XIX Olympiad, Mexico City came up with a crazy idea: the pervasive design. To redecorate not only the event venues but the whole city. MEXIKO 1968, THE OFFICIAL POSTER With its psychedelic lines and folk spirit, this emblem, the brainchild of Pedro Ramirez Vazquezcaptured the zeitgeist of the time. The figure 68 is blended into the five rings and seems to radiate out ad infinitum in waves of lines. After a brainstorming session with Beatrice Trueblood and Eduardo Terrazas, graphic designer Lance Wyman provided the finishing touch to this striking pattern. Steeped in traditional indigenous Huichol art with its concentric wave motion, the emblem also flirts with the artistic style of the time, Op art! TOKYO 1964, THE OFFICIAL POSTER The emblem for this XVIII Olympiad was plain and simple: against a pale background, the red circle of the Japanese flag hovered above five Olympic rings beneath which ran the words “Tokyo 1964”. But this exemplary design almost never happened. Unbelievable but true: Yusaku Kamekura completely forgot the commission. One day, a friend asked how he was getting along. So, at the very last minute, he came up with something in just two hours! The emblem was so successful that the Organizing Committee decided to use it on the poster!

photo de gauche - Tokyo 1964, affiche officielle. Designer: Yusaku KAMEKURA. ©1964 / Comité International Olympique (CIO) - photo de droite - Mexico 1968, affiche officielle. Designers: Eduardo Terrazas / Lance Wyman. Grand hommage à Mexico 68, un look global particulièrement réussi qui fête ses 50 ans. © 1968 / Comité International Olympique (CIO)

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photo de gauche - Lillehammer 1994, affiche officielle. Designer : DesignGruppen ’94 . © :1994 / Comité International Olympique (CIO) - photo de droite - Munich 1972, affiche officielle. Designer: Otl AICHER. © : 1972 / Comité International Olympique (CIO)

MUNICH 1972, MISSION PERFECTION Le look de Munich 1972 est l’aboutissement d’une réflexion commencée huit ans plus tôt aux Jeux de Tokyo. Couleurs, emblème, communication, ambiance: tout doit aller ensemble. Cette fois, les designers pensent à tout! Avec rigueur et esprit, l’équipe de super pros menée par Otl Aicher atteint une quasi perfection. LILLEHAMMER 1994, LES JEUX BLEU CRISTAL Les XVIIe Jeux d’hiver organisés en Norvège frôlent le cercle polaire. Une région où la nature est implacable et l’hiver, un mode de vie. Un cadre rude pour une édition des plus originales. Sous la houlette de Petter T. Moshus, les créateurs exaltent leur pays, sa nature, son originalité, son ouverture. Leur attachement viscéral à l’écologie a marqué.

MüNCHEN 1972, MISSION PERFEKTION Der Look von München 1972 ist das Ergebnis einer Überlegung, die acht Jahre zuvor bei den Olympischen Spielen in Tokio begonnen hatte. Farben, Emblem, Kommunikation, Atmosphäre: Alles muss zusammenpassen. Diesmal denken die Designer an alles! Das Super-Profi Team von Otl Aicher erreicht mit Gründlichkeit und Gemüt nahezu eine Perfektion. LILLEHAMMER 1994, DIE BLAUEN KRISTALLSPIELE Die 17. Winterspiele in Norwegen sind dem Polarkreis nah. Eine Gegend, wo die Natur unerbittlich und der Winter eine Lebensweise ist. Eine raue Umgebung für eine sehr originelle Ausgabe. Unter der Leitung von Petter T. Moshus verherrlichen die Schöpfer ihr Land, seine Natur, seine Originalität und seine Offenheit. Ihre tief verwurzelte Bindung an die Ökologie hat prägend gewirkt.

MUNICH 1972, MAKE IT PERFECT The style adopted for the Munich Olympics in 1972 represents the high-point of a process begun at the Tokyo Olympics, eight years earlier. Colours, emblem, PR, atmosphere must all connect and correspond. A design team is there to coordinate the lot. Otl Aicher’s super-professional, disciplined and witty crew makes things perfect. LILLEHAMMER 1994, A CRYSTAL BLUE OLYMPICS The XVII Winter Games were held up near the Arctic Circle, in Norway. Here, nature can be hostile and winter is a way of life: a wild venue for an exceptional meeting. Petter. T. Moshus, Director of Design encouraged his creative team to celebrate Norwegian values, the love of nature, the uniqueness, the openness. A visceral ecological thread runs through their work.

MUSéE OLYMPIQUE Olymic language un voyage à travers le look des Jeux - jusqu’au 17 mars 2019 Olymic language EINE REISE DURCH DEN LOOK DER OLYMPISCHEN SPIELE - bis zum 17. märz 2019 Olympic language, exploring the look of the games - until march 17th, 2019 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

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musée de l’elysée Jean Dubuffet. L’outil photographique jusqu’au 23 septembre 2018 lausanne - SWITZERLAND Cette exposition présente la première étude du fonds photographique conservé à la Fondation Dubuffet, en regard de l’oeuvre de l’artiste (peintures, sculptures ou éléments du spectacle Couco Bazar). Dès le début de son activité artistique dans les années 1940, Jean Dubuffet (19011985) invente un système de référencement photographique.

Die Ausstellung präsentiert die erste Studie zum von der Fondation Dubuffet verwahrten fotografischen Nachlass, die sich mit dem künstlerischen Schaffen Jean Dubuffets (Gemälde, Architekturmodelle oder Elemente des Bühnenspektakels Coucou Bazar) beschäftigt. Bereits zu Beginn seiner künstlerischen Tätigkeit in den 1940er-Jahren erfindet Jean Dubuffet (1901–1985) ein fotografisches Referenzsystem.

This exhibition presents the first study of the photographic collection kept at the Dubuffet Foundation, in relation to the artist’s work (paintings, sculptures or elements of the Coucou Bazar show). From the beginning of his artistic activity in the 1940s, Jean Dubuffet (1901-1985) invented a system of photographic referencing.

photo page de gauche - Jean Dubuffet - Augustin Dumage (photographe), Tour aux figures, esplanade du Trocadéro, Paris, 1967 © Fondation Dubuffet / ProLitteris, 2018 photos page de droite - photo de gauche - Jean Dubuffet, Affiche de l’exposition et du spectacle Coucou Bazar, Palazzo della Promotrice delle Belle Arti, Turin, 1978 © Fondation Dubuffet / ProLiterris, 2018 - photo de droite - Kurt Wyss, Jean Dubuffet sur la Closerie Falbala, Périgny-sur- Yerres, 3 août 1973, © Kurt Wyss, Bâle / Archives Fondation Dubuffet, Paris

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A partir de 1959, il entreprend d’organiser un secrétariat chargé, entre autres, de documenter tous ses travaux éparpillés de par le monde, en vue de constituer un catalogue raisonné qui sera publié sous forme de fascicules entre 1964 et 1991. Cet ensemble de plusieurs milliers de phototypes (négatifs, tirages, albums) s’inscrit dans l’ambition de l’artiste de constituer un fonds documentaire exhaustif de son oeuvre, à la fois au service de son travail en cours et de sa diffusion maîtrisée. Il révèle l’attention de Dubuffet pour la qualité des reproductions photographiques et les progrès techniques du médium. Si cette organisation découle de sa conviction que l’oeuvre ne peut être comprise que dans sa globalité, elle est également motivée par le besoin d’établir « une carte du chemin parcouru et de voir dressé le tableau des lieux visités ». La photographie compte aussi parmi les nombreux outils employés par l’artiste pour la réalisation de ses oeuvres. Source iconographique pour certaines séries, son caractère multiple permet également la reproduction de mêmes éléments et leur utilisation dans différents travaux.

1959 richtet er ein Sekretariat ein, das unter anderem die Aufgabe hat, alle seine weltweit verstreuten Arbeiten zu dokumentieren, um einen Catalogue raisonné zusammenzustellen, der ab 1964 bis 1991 in Form von Heften veröffentlicht wird. Diese mehrere tausend fotografische Dokumente umfassende Sammlung (Negative, Abzüge, Alben) widerspiegelt die Ambition des Künstlers, eine umfassende Dokumentation seines Gesamtwerks zu erstellen, die seinen laufenden Arbeiten und einer kontrollierten Verbreitung dienen soll. Sie zeigt auch die Aufmerksamkeit, die er der Qualität der fotografischen Reproduktionen und den technischen Fortschritten des Mediums schenkt. Eine derartige Ordnung des Werks entspricht seiner Überzeugung, dass es nur in seiner Gesamtheit verstanden werden kann. Sie liegt aber auch im Bedürfnis begründet, „eine Karte des zurückgelegten Weges zu erstellen und zu sehen, wie ein Bild der besuchten Orte entsteht“. Die Fotografie ist zudem eines der vielen Werkzeuge, die der Künstler für die Realisierung seiner Werke verwendet. Einerseits ikonografische Quelle für bestimmte Serien, erlaubt ihre Vielseitgkeit andererseits die Reproduktion gleicher Elemente und deren Verwendung in unterschiedlichen Arbeiten.

From 1959, he undertook to organize a secretariat responsible, among other things, for documenting all his works scattered throughout the world, with a view to constituting a catalogue raisonné which would be published in the form of fascicles between 1964 and 1991. This collection of several thousand phototypes (negatives, prints, albums) is part of the artist’s ambition to constitute an exhaustive documentary collection of his work, both in the service of his current work and its controlled distribution. It reveals Dubuffet’s attention to the quality of photographic reproductions and the technical progress of the medium. If this organization stems from its conviction that the work can only be understood in its entirety, it is also motivated by the need to establish “a map of the road travelled and to see the picture of the places visited“. Photography is also among the many tools used by the artist to create his works. Iconographic source for some series, its multiple character also allows the reproduction of the same elements and their use in different works.

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Pour son exposition Édifices en 1968, il présente des photomontages intégrant ses créations architecturales dans l’espace public. La projection photographique intervient à partir des années 1970 comme procédé d’agrandissement pour la réalisation d’éléments tels que les praticables de son spectacle Coucou Bazar. Enfin, l’exposition rétrospective organisée par Fiat à Turin, en 1978, innove à travers une mise en scène spectaculaire associant oeuvres originales et projections lumineuses d’autres peintures, complétée par une multiprojection consacrée à son oeuvre majeure, la Closerie Falbala. L’exposition est coproduite par la Fondation Dubuffet, le Musée de l’Elysée et les Rencontres d’Arles, avec la participation de la Collection de l’Art Brut, Lausanne.

1968 zeigt Dubuffet in seiner Ausstellung Édifices Fotomontagen, die seine architektonischen Kreationen in den öffentlichen Raum integrieren. Die Fotoprojektion kommt ab den 1970er-Jahren zum Einsatz: als Vergrösserungsverfahren bei der Herstellung von Elementen wie den Praktikabeln seines Bühnenspektakels Coucou Bazar. Die 1978 von Fiat in Turin organisierte Retrospektive bringt weitere Neuerungen mit einer spektakulären Inszenierung, die Originalwerke mit Diaprojektionen anderer Gemälde kombiniert und durch eine seinem Meisterwerk Closerie Falbala gewidmete Multiprojektion ergänzt wird. Gemeinsam von der Fondation Dubuffet, dem Musée de l’Elysée und den Rencontres d’Arles produzierte Ausstellung, unter Beteiligung der Collection de l’Art Brut, Lausanne.

For his exhibition Edifices in 1968, he presents photomontages integrating his architectural creations into the public space. Photographic projection has been used since the 1970s as an enlarging process for the production of elements such as the stage elements of his show Coucou Bazar. Finally, the retrospective exhibition organized by Fiat in Turin in 1978, innovates through a spectacular staging combining original works and luminous projections of other paintings, completed by a multi projection dedicated to his major work, the Closerie Falbala. The exhibition is co-produced by the Dubuffet Foundation, the Elysée Museum and the Rencontres d’Arles, with the participation of the Collection de l’Art Brut, Lausanne.

collaboration avec la collection de l’art brut L’exposition Jean Dubuffet. L’outil photographique est organisée en collaboration avec la Collection de l’Art Brut à Lausanne. Du 8 juin au 23 septembre, le Musée de l’Elysée et la Collection de l’Art Brut s’associent et proposent un billet commun. En 1945, Jean Dubuffet invente la notion d’«art brut» pour désigner «des ouvrages exécutés par des personnes indemnes de culture artistique» et penser l’art autrement. Avant même de réunir des productions pour constituer une collection, Dubuffet rassemble un important fonds photographique documentaire en vue de définir ce concept. Ainsi, les dix premiers albums des années 1945 - 1951 révèlent, par la provenance d’images très diverse, l’étendue de son champ d’étude: reproductions d’objets conservés dans des collections institutionnelles ou privées, prises de vue commandées par Dubuffet d’oeuvres d’auteurs identifiés, agrandissements de photographies de tatouages obtenues auprès de la Préfecture de Police de Paris ou acquisition de douze tirages de Graffiti du photographe Brassaï. Ces images contribuent surtout à «élucider un peu l’entreprise de l’art brut, notamment sur ce point qu’elle a consisté non pas à montrer l’art brut après l’avoir défini mais à chercher où est l’art brut, en vue de réunir une documentation qui pourrait peut-être finalement le définir». Certains de ces albums sont exceptionnellement montrés dans le cadre de l’exposition Jean Dubuffet. L’outil photographique.

Zusammenarbeit mit der collection de l’art brut Die Jean-Dubuffet-Ausstellung. Das fotografische Werkzeug wird in Zusammenarbeit mit der Collection de l’Art Brut in Lausanne organisiert. Vom 8. Juni bis 23. September bieten das Musée de l’Elysée und die Collection de l’Art Brut gemeinsam ein Ticket an. 1945 erfand Jean Dubuffet den Begriff „art brut“, um „Werke von Menschen ohne künstlerische Kultur“ zu bezeichnen und Kunst anders zu denken. Noch bevor die Produktionen zu einer Sammlung zusammengeführt werden, sammelt Dubuffet einen wichtigen fotografischen Dokumentarfonds, um dieses Konzept zu definieren. So zeigen die ersten zehn Alben der Jahre 1945 - 1951 durch die Provenienz sehr unterschiedlicher Bilder den Umfang seines Fachgebietes: Reproduktionen von Objekten, die in institutionellen oder privaten Sammlungen aufbewahrt werden, Fotografien im Auftrag von Dubuffet von Werken identifizierter Autoren, Vergrößerungen von Tattoo-Fotografien, die von der Präfektur der Polizei in Paris erworben wurden oder der Erwerb von zwölf Graffiti-Drucken durch den Fotografen Brassaï. Diese Bilder tragen vor allem dazu bei, „das Unternehmen der art brut ein wenig zu verdeutlichen, insbesondere in diesem Punkt, dass es nicht darin bestand, die art brut nach ihrer Definition zu zeigen, sondern zu suchen, wo die art brut ist, um eine Dokumentation zu sammeln, die sie vielleicht endlich definieren könnte“. Einige dieser Alben werden ausnahmsweise in der Jean-Dubuffet-Ausstellung „Das fotografische Werkzeug“ gezeigt.

collaboration with the Collection de l’art brut The exhibition Jean Dubuffet. The photographic tool is organized in collaboration with the Collection de l’Art Brut in Lausanne. From June 8 to September 23, the Musée de l’Elysée and the Collection de l’Art Brut offer a common ticket. In 1945, Dubuffet founded the “art brut” notion, defining it as “works made by people unscathed by artistic culture” and to reconsider the “art” concept. Even before gathering works into a collection, Dubuffet assembled a large group of photographs in order to define the concept. The highly diverse provenance of images in the first 10 albums (1945 - 1951) - reproductions of objects in institutional or private collections; reproductions commissioned by Dubuffet of works by identified authors; enlargements of photographs of tattoos obtained from the Paris Prefecture of Police; and 12 prints from Brassaï’s Graffiti series - reveal his wide range of interests. After the reactivation in 1962 of the Compagnie de l’Art Brut (dissolved in 1951), Dubuffet reorganized his earliest albums and increased his documentation. As for the archives of his own work, the photographs were numbered and listed in notebooks. These images help “shed some light on the art brut enterprise,” he said. They are intended “not to show art brut after defining it, but to look for where art brut is with a view to collecting documentation that could eventually define it.” Some of the albums are shown in the exhibition.

musée de l’elysée Jean Dubuffet. L’outil photographique - jusqu’au 23 septembre 2018 Jean Dubuffet. Fotografie als Werkzeug - bis zum 23. september 2018 Jean Dubuffet. The photographic tool - until september 23rd, 2018 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

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musÉe jenisch Picasso - Lever de rideau l’arène, l’atelier, l’alcove jusqu’au 7 octbre 2018 vevey - SWITZERLAND De la série des Saltimbanques gravée en 1905 aux dernières planches érotiques de la Suite des 347, eaux-fortes réalisées entre mars et octobre 1968, Picasso n’a cessé de privilégier le thème du spectacle dans son recours à l’estampe. Du chapiteau à l’arène, de l’arène à l’atelier, de l’atelier à l’alcôve, ce sont les prouesses du cirque, le combat des taureaux, les créations des peintres et sculpteurs face au modèle, enfin les joutes d’amour des corps enlacés, qui sont tour à tour présentés sur le devant de la scène. Cette « grande parade » aux mille acteurs sera magnifiquement évoquée dès le 21 juin 2018 au Cabinet cantonal des estampes du Musée Jenisch dans une exposition rendue possible grâce aux récents dépôts de la Fondation Werner Coninx et de la Fondation Jean et Suzanne Planque.

Von der Serie der Saltimbanques aus dem Jahr 1905 bis zu den letzten erotischen Radierungen der Suite des 347, die zwischen März und Oktober 1968 entstanden, beschäftigte sich Picasso in seinen Druckgrafiken zeitlebens mit dem Thema des Schauspiels: Von der Manege zur Arena, von der Arena zum Atelier, vom Atelier zum Alkoven werden die kühnen Nummern des Zirkus, der Kampf der Stiere, die Arbeit der Maler und Bildhauer vor dem Modell sowie die Liebesspiele verschlungener Körper immer wieder ins Rampenlicht gerückt. Diese „grosse Parade“ mit ihren unzähligen Beteiligten kann ab 21. Juni 2018 im Cabinet cantonal des estampes des Musée Jenisch bewundert werden in einer Ausstellung, die dank der neuen Leihgaben der Werner Coninx Stiftung und der Fondation Jean et Suzanne Planque ermöglicht wurde.

Beginning with the Saltimbanques series of 1905 and through to the late erotica of the Suite des 347 etchings created between March and October 1968, Picasso’s prints reveal a constant preoccupation with the theme of spectacle. From the circus tent to the arena of the bullring and from the artist’s studio to the bedroom, a company of players made up of circus performers, bullfighters, painters and sculptors with their models, and lovers amorously entwined take their turn upon the stage. This “grand parade”, with its cast of thousands, is brought magnificently to life by an exhibition in the cantonal prints collection of the Musée Jenisch that opens on 21 June 2018. It has been made possible by the recent deposits of the Fondation Werner Coninx and the Fondation Jean et Suzanne Planque.

photo de gauche - Pablo Picasso (1881-1973). La Famille du saltimbanque, 16 février 1954. Lithographie sur papier vélin, 495 x 645 mm. Musée Jenisch Vevey, Fondation Werner Coninx. © Succession Picasso / 2018, ProLitteris, Zurich. Photo Julien Gremaud photo de droite - Pablo Picasso (1881-1973). La Famille des Saltimbanques au macaque, de la Suite des saltimbanques, 1905. Pointe sèche sur vergé, 236 x 178 mm. Musée Jenisch Vevey, Fondation Werner Coninx. © Succession Picasso / 2018, ProLitteris, Zurich. Photo Julien Gremaud

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Pablo Picasso (1881-1973). Minotaure caressant une dormeuse, de la Suite Vollard, 18 juin 1933. Pointe sèche sur vergé, 340 x 445 mm. Musée Jenisch Vevey, Fondation Werner Coninx © Succession Picasso / 2018, ProLitteris, Zurich. Photo Julien Gremaud

Issues de ces collections prestigieuses et de prêts extérieurs, les estampes de Picasso présentées dans l’exposition rendent compte d’un arc de plus de soixante ans de création. Elles témoignent ainsi de la formidable production gravée d’un artiste qui a su exploiter avec virtuosité les multiples aspects techniques et artistiques de ce médium. Leur présentation aux cimaises du musée est articulée selon les grands thèmes chers à l’artiste: la tauromachie, l’étreinte ou le couple, et l’artiste et son modèle dans l’atelier. L’exposition se déploie dans les deux ailes du rez-de-chaussée du Musée Jenisch, ainsi que dans le Pavillon de l’estampe, nouvel espace entièrement consacré à l’art de l’estampe, situé au coeur du musée.

Picassos Drucke, die aus diesen prestigeträchtigen Sammlungen und Leihgaben stammen, spannen einen Bogen über mehr als sechzig Jahre Schöpfung. Sie bezeugen so die große Grafikproduktion eines Künstlers, der die vielfältigen technischen und künstlerischen Aspekte dieses Mediums virtuos zu nutzen wusste. Ihre Präsentation an den Wänden des Museums artikuliert sich nach den für den Künstler wichtigen Hauptthemen: dem Stierkampf, der Umarmungen oder dem Paar und dem Künstler und seinem Modell im Atelier. Die Ausstellung entfaltet sich in den beiden Flügeln des Erdgeschosses des Jenisch Museums sowie im Pavillon de l’estampe, einem neuen Raum, der ganz der Kunst der Druckgrafik gewidmet ist und sich im Herzen des Museums befindet.

Coming from these prestigious collections as well as external loans, the Picasso prints presented in the exhibition reflect an arc spanning more than sixty years of creation. They are thus testament to a great production of engravings by an artist who explored with great virtuosity the multiple technical and artistic aspects of this medium. Their arrangement and placement on the walls of the museum is an articulation of the artist’s main cherished themes: bullfighting, the embrace or the couple, and the artist and his model in the studio. The exhibition unfolds across both wings on the ground floor of the Jenisch Museum, as well as in the Print Pavilion, a new space dedicated entirely to the art of printmaking, located within the heart of the museum.

musée jenisch Picasso - Lever de rideau, l’arène, l’atelier, l’alcove - jusqu’au 7 octbre 2018 Vorhang auf, Arena, Atelier, Alkoven - bis zum 7. oktober 2018 The Curtain Rises, arena, studio, bedroom - until october 7th, 2018 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 46

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château de prangins Indiennes. Un tissu révolutionne le monde! jusqu’au 14 octobre 2018 prangins - SWITZERLAND Aux XVIIe et XVIIIe siècles, l’Europe entière s’enthousiasme pour des toiles de coton imprimées appelées « indiennes ». Cet engouement sans précédent pour ces tissus aux motifs nouveaux va marquer durablement la société, l’économie et la mode pendant près de deux siècles. Pour la première fois, la participation de nombreux Suisses à cette industrie extrêmement lucrative est décrite en détail.

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Im 17. und 18. Jahrhundert lässt sich ganz Europa von den bedruckten Baumwollstoffen namens „Indiennes“ beflügeln. Der beispiellose Enthusiasmus für die Stoffe mit den neuartigen Motiven prägt fast zwei Jahrhunderte lang nachhaltig die damalige Gesellschaft, Wirtschaft und Mode. Erstmals wird nun ausführlich die Rolle der zahlreichen Schweizer beschrieben, die den höchst rentablen Industriezweig mitgestalteten.

In the 17th and 18th centuries, a passion for the printed cotton fabric known as chintz sweeps across Europe. This unprecedented craze for a material and its novel motifs will influence society, the economy and fashion for almost two centuries. Now, for the first time, an exhibition describes in detail the key role played by many Swiss in this highly profitable industry. Chinois et Pagode, Jouy, manufacture Oberkampf, après 1776. Impression à la plaque de cuivre. © Musée national suisse

Offrande à l’amour, Jouy, manufacture Oberkampf, vers 1799. Impression à la plaque de cuivre. Dessin de Jean-Baptiste Huet. © Musée national suisse

Cette exposition inédite nous plonge dans l’histoire des indiennes, de leurs origines en Inde jusqu’à leurs nombreuses imitations européennes. Des chefs d’oeuvre issus des meilleurs ateliers indiens et des plus célèbres manufactures françaises et suisses permettent de découvrir les secrets de fabrication ainsi que les arcanes d’un commerce florissant et si étendu qu’il fait des indiennes le premier produit mondialisé. Une histoire passionnante! Jouant un rôle dans l’habillement et l’ameublement, ces toiles aux motifs dessinés par des artistes talentueux se révèlent être d’une grande variété: motifs floraux et bucoliques, sujets littéraires ou musicaux comme Les Noces de Figaro. Elles reflètent parfois aussi l’actualité - vols pionniers en montgolfière, prise de la Bastille - mais surtout elles servent de monnaie d’échange dans le commerce triangulaire et la traite des esclaves. La majorité des toiles présentées dans l’exposition proviennent de la collection de renommée internationale de Xavier Petitcol, expert en étoffes anciennes. Elles ont été acquises par le Musée national suisse en 2016. L’exposition est placée sous le haut patronage de l’ambassade de France en Suisse.

Diese Ausstellung vermittelt die Geschichte der bedruckten Baumwollstoffe von ihrem indischen Ursprung bis zu den zahllosen europäischen Imitationen. Meisterwerke aus den besten indischen Werkstätten und den namhaftesten französischen und schweizerischen Manufakturen lassen die Produktionsgeheimnisse und Enigmen des blühenden und weitläufigen Markts entdecken, der die Indiennes zum ersten globalisierten Produkt überhaupt machte. Die Motive der sowohl für den Bekleidungs- als auch den Innendekorationsbereich hergestellten und von begnadeten Künstlern gestalteten Stoffe sind vielfältig: Nebst floralen und bukolischen Motiven und Erfolgen aus Literatur und Oper wie zum Beispiel „Die Hochzeit des Figaro“ finden sich darunter auch Themen aus dem damaligen Zeitgeschehen, etwa die ersten Ballonflüge oder der Sturm auf die Bastille. Allem voran dienen die Indiennes aber auch als Zahlungsmittel im atlantischen Dreieckshandel und folglich auch im Sklavenhandel. Die meisten Stoffen kommen aus der renommierten Sammlung des Experten für historische Textilien Xavier Petitcol, die 2016 vom Schweizerischen Nationalmuseum erworben werden konnten.

This ground-breaking exhibition is a journey through the history of chintz, from its origins in India to its many European imitations. Masterpieces from the finest Indian workshops and the most famous factories in France and Switzerland unlock the secrets of chintz manufacture and tell the fascinating inside story of a trade that flourishes far and wide, ultimately creating the first global product. Used for both clothing and furnishings, these printed cloths bearing designs by talented artists are revealed in all their extraordinary variety, with everything from floral and bucolic motifs to literary and musical subjects such as The Marriage of Figaro. Sometimes they also reflect current events - the first balloon flights or the storming of the Bastille - but above all they serve as a currency of exchange in triangular trading and the slave trade. The majority of the chintzes on display come from the internationally renowned collection of Xavier Petitcol, an expert in antique textiles. They were acquired by the Swiss National Museum in 2016. The exhibition is organised under the high patronage of the French Embassy in Switzerland. rivierart

L’exposition retrace toute l’histoire des indiennes, de leur origine en Inde jusqu’à leurs nombreuses imitations européennes en passant par la période de la prohibition française (1686 - 1759). Evoquant le savoir-faire et l’apport en capitaux des fabricants et négociants helvétiques, elle montre comment des Suisses se sont retrouvés au coeur d’une économie mondiale. Des indiennes de Neuchâtel, Genève ou Bâle côtoient les plus belles toiles de Jouy et de Nantes, mais aussi d’opulentes créations de la côte de Coromandel en Inde, des livres d’échantillons, des reçus de capitaines de navire, des planches à imprimer ou une rarissime indienne destinée à la traite. Suivant de près l’actualité, les motifs des toiles relaient tour à tour le soutien apporté par la France à la guerre d’indépendance de l’Amérique, la mort de Jean-Jacques Rousseau ou la popularité de Jacques Necker. Une immersion dans les secrets de fabrication ainsi que des approfondissements avec des historiens sur le commerce triangulaire ou l’implication des Suisses dans la traite complètent l’accrochage. Plusieurs personnalités, qui ont joué un rôle clé dans la saga des indiennes, sont présentées dans l’exposition, comme le Neuchâtelois Jacques-Louis de Pourtalès ou le Bâlois Christophe Bourcard. Dans un espace de découverte ludique pensé pour les familles, Guillaume Tell, les fables de la Fontaine et d’autres toiles authentiques livrent leurs secrets aux jeunes et aux moins jeunes.

Die Ausstellung vermittelt die Geschichte der Indiennestoffe vom Import der indischen Indiennes über die Phase der französischen Prohibition bis zu den europäischen Imitaten. Mit einem Fokus auf das Savoir-faire und die Kapitalanlagen von Schweizer Fabrikanten und Kaufleuten wird aufgezeigt, wie Schweizer diesen weltumspannenden Wirtschaftszweig wesentlich prägten. Gezeigt werden Indiennestoffe aus Neuenburg, Genf und Basel, einige der schönsten Kreationen aus Jouy und Nantes, Prachtwerke aus der indischen Koromandelküste sowie Warenmusterbücher, Quittungen, hölzerne Druckmodel und ein äusserst seltener, eigens für den Sklavenhandel produzierter Indiennestoff. Die stark auf das damalige Zeitgeschehen ausgerichteten Stoffmotive thematisieren zum Beispiel den französischen Beistand im amerikanischen Unabhängigkeitskrieg, den Tod von Jean-Jacques Rousseau und die grosse Beliebtheit von Finanzminister Necker. Die Ausstellung geht aber genauso den Herstellungstechniken auf den Grund, und Historiker erläutern den Hintergrund zum atlantischen Dreieckshandel und der schweizerischen Beteiligung am Sklavenhandel. Zudem werden verschiedene Persönlichkeiten wie der Neuenburger Jacques-Louis de Pourtalès oder der Basler Christophe Bourcard vorgestellt, die in dieser Indiennes-Saga eine Schlüsselrolle einnahmen. In einer eigenen kleinen Familienausstellung haben Gross und Klein die Gelegenheit, den Stoff „Wilhelm Tell“, einen Stoff mit der Illustration einer La Fontaine- Fabel und weitere echte Indiennestoffe spielerisch zu entdecken.

The exhibition retraces the entire history of chintzes, from their origins in India to their numerous European imitations, and also covers the period of the French prohibition (1686 - 1759). It examines the contribution of both expertise and capital made by Swiss manufacturers and traders, and how they found themselves at the heart of a global economy. Chintzes from Neuchâtel, Geneva and Basel appear alongside the finest toiles from Jouy and Nantes, as well as lavish creations from India’s Coromandel Coast, books of samples, receipts from ship’s captains, printing blocks and an extremely rare chintz for trading. Some bear highly topical motifs telling of French support for the American Revolutionary War, the death of Jean-Jacques Rousseau and the popularity of Jacques Necker. An exploration of the secrets of chintz manufacture and indepth interviews with historians on the triangular trade and Swiss involvement in slave trading round off the presentation. A number of individuals who played a key role in the saga of chintzes are introduced, including Jacques-Louis de Pourtalès from Neuchâtel and Christophe Bourcard from Basel. In a playful discovery section for families, William Tell, the Fables of La Fontaine and other original cloths will reveal their secrets to visitors of all ages.

page de gauche, photo de gauche - Le tombeau de Jean-Jacques Rousseau, Munster, manufacture Soehnée l’Aîné & Cie, après 1796. Impression à la plaque de cuivre. © Musée national suisse page de gauche, photo de droite - Le ballon de Blanchard, Normandie, manufacture non identifiée, après 1784. Impression à la planche de bois. © Musée national suisse page de droite, photo de gauche - La beauté guidée par la prudence et couronnée par la perfection, Nantes, manufacture Petitpierre & Cie (?), vers 1795. Impression à la plaque de cuivre et planche de bois. © Musée national suisse page de droite, photo de droite - Le mariage de Figaro, Jouy, manufacture Oberkampf, 1788. Impression à la plaque de cuivre. © Musée national suisse

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la collection xavier petitcol et le musée national suisse Le Français Xavier Petitcol, expert en étoffes anciennes et collectionneur de tissus imprimés, a réuni en plus de quarante ans une collection de près d’un millier d’indiennes. De renommée internationale, elle rivalise avec les ensembles conservés dans les plus prestigieuses institutions du monde (Victoria & Albert Museum à Londres, Cooper Hewitt Museum à New York, Musée de l’impression sur étoffes à Mulhouse, Musée de la toile de Jouy à Jouy-en-Josas). Contacté par Xavier Petitcol, le Musée national suisse a sélectionné quelque 150 toiles de première qualité dans le but d’enrichir ses propres collections, notamment de nombreuses pièces attribuées avec certitude à des manufactures dans lesquelles ont travaillé des Suisses. D’autres indiennes encore témoignent de la popularité de thématiques en lien avec la Suisse: des toiles entières sont ainsi consacrées à Jean-Jacques Rousseau, à Jacques Necker, à Guillaume Tell. Un autre intérêt notoire de la collection Petitcol est le nombre de toiles portant un chef de pièce (marque de fabrique permettant une attribution certaine à telle ou telle manufacture). Rares, les toiles avec chef de pièce sont les plus convoitées. Enfin, plusieurs toiles achetées par le Musée national suisse sont accompagnées des gravures qui ont servi de modèle aux dessinateurs. Sur les 150 toiles achetées et présentées dans l’exposition, trente-cinq sont inédites et une vingtaine porte un chef de pièce.

die sammlu7ng xavier petitcol und das schweizerische nationalmuseum Über mehr als vier Jahrzehnte hinweg begründete Xavier Petitcol, französischer Experte für historische Textilien und Sammler von bedruckten Stoffen, eine international bekannte Sammlung aus fast tausend Indiennestoffen, die sich weltweit mit den Sammlungen der renommiertesten Häuser messen kann. Auf die Kontaktaufnahme von Xavier Petitcol hin traf das Schweizerische Nationalmuseum zur Erweiterung seiner Sammlungsbestände eine Auswahl aus rund 150 hochwertigen bedruckten Baumwollstoffen. Darunter befinden sich etliche Objekte, die mit Sicherheit Manufakturen zugeordnet werden können, in denen Schweizer Fachkräfte tätig waren. Andere zeugen wiederum von der Beliebtheit, die Themen mit einem Bezug zur Schweiz genossen: Ganze Stoffe waren beispielsweise Jean-Jacques Rousseau, Jacques Necker, Wilhelm Tell oder alpinen Landschaften gewidmet. Die Sammlung Petitcol zeichnet sich durch eine hohe Anzahl an Stoffen mit einem sogenannten „chef de pièce“ aus (ein Herstellervermerk, der eine sichere Zuordnung zu einer bestimmten Manufaktur erlaubt). Mit einem «chef de pièce» versehene Stoffe sind selten und entsprechend begehrt. Mehrere der vom Schweizerischen Nationalmuseum erworbenen Stoffe sind in Begleitung von Druckgrafiken, die den Stoffzeichnern als Vorlage dienten. Von den 150 erworbenen und in der Ausstellung gezeigten Indiennestoffen sind 35 die einzigen bekannten Exemplare ihrer Serie, rund zwanzig verfügen über ein „chef de pièce“.

the xavier petitcol collection and the swiss national museum French antique textiles expert and printed fabrics collector Xavier Petitcol amassed a collection of almost a thousand chintzes over a period of more than forty years. Internationally renowned, it rivals the ensembles held by the world’s most prestigious institutions (the Victoria & Albert Museum, London, Cooper Hewitt Museum in New York, Musée de l’impression sur étoffes in Mulhouse and Musée de la toile de Jouy in Jouyen-Josas). The Swiss National Museum was approached by Xavier Petitcol, who offered it the chance to select around 150 top-quality cloths for its own collections, including numerous items conclusively attributed to factories employing Swiss workers. Other chintzes bear witness to the popularity of themes with a Swiss connection: entire cloths devoted to Jean-Jacques Rousseau, Jacques Necker, William Tell and Alpine landscapes. Another prominent feature of the Petitcol Collection is the number of cloths bearing a “chef de pièce” - a manufacturer’s mark enabling it to be attributed conclusively to a particular factory. Such cloths are rare and exceptionally sought-after. Finally, a number of the cloths purchased by the Swiss National Museum are accompanied by engravings that were used as models by the designers. Of the 150 cloths acquired and presented in the exhibition, 35 have not been shown before and around 20 have a manufacturer’s mark. rivierart

fondation de l’hermitage Manguin - La volunpté de la couleur jusqu’au 28 octobre 2018 lausanne - SWITZERLAND Cet été la Fondation de l’Hermitage présente une grande exposition consacrée à Henri Manguin (1874 - 1949) retraçant les premières années du parcours artistique de cet amoureux de la couleur, surnommé le «peintre voluptueux» par Apollinaire. L’accent est mis sur la période fauve, durant laquelle Manguin accompagne et parfois même précède les audaces de ses amis peintres, en quête de nouveaux moyens expressifs par le biais de la couleur. Offrant de somptueuses harmonies chromatiques, les toiles de cette époque témoignent d’un talent et d’une inventivité rares.

rivierart

Diesen Sommer zeigt die Fondation de l’Hermitage eine grosse Ausstellung zu Henri Manguin (1874 - 1949). Sie zeichnet die ersten Jahre der künstlerischen Laufbahn dieses Liebhabers der Farbe oder „sinnlichen Malers“ nach, wie ihn der Dichter Apollinaire nannte. Der Schwerpunkt liegt auf der fauvistischen Periode, in der Manguin, auf der Suche nach neuen Ausdrucksmitteln mit Farbe, sich den Kühnheiten seiner Malerfreunde anschliesst und diese manchmal sogar vorwegnimmt.

This summer the Fondation de l’Hermitage presents a major exhibition of Henri Manguin’s work (1874 - 1949), an artist who loved colour and whom the poet Apollinaire called the “voluptuous painter”. The main focus will be on Manguin’s early career and notably his Fauvist period, when he shared the audacity of his fellow artists in that group and sometimes outdid them in the quest for new means of expression through the use of colour. With their sumptuous chromatic harmonies, the paintings from this period reflect Manguin’s rare talent and creativity.

photo de gauche - Henri Manguin, Jeanne sur le balcon de la villa Demière, 1905, Huile sur toile, 81 x 65 cm, Collection privée, Photo Fabrice Lepeltier, © 2018, ProLitteris, Zurich photo de droite - Henri Manguin, Jeanne à l’ombrelle, Cavalière, 1906, Huile sur toile, 92 x 73 cm, New York, Peter Findlay Gallery, Photo tous droits réservés, © 2018, ProLitteris, Zurich

C’est à l’Ecole des arts décoratifs que Manguin fait en 1892 la connaissance d’Albert Marquet et d’Henri Matisse. Ils entrent à l’Ecole des beauxarts en novembre 1894, dans l’atelier de Gustave Moreau, et forment alors un groupe de jeunes peintres qui, avec André Derain et Maurice de Vlaminck, seront baptisés «fauves» au Salon d’automne de 1905. Fidèle à l’expression d’une sensualité heureuse, Manguin a pour sujets de prédilection les nus, les paysages méditerranéens, les scènes de la vie de famille et les natures mortes, qui sont autant d’hommages au bonheur de vivre. L’exposition compte une centaine d’oeuvres (peintures, aquarelles et dessins) et s’ouvre avec une section dédiée à la formation du peintre qui, très tôt, se distingue dans l’organisation colorée de ses compositions. La période fauve est ensuite à l’honneur avec des oeuvres réalisées à Saint-Tropez, dont les couleurs intenses reflètent l’éblouissement méditerranéen. Flamboyants, ces tableaux - essentiellement des nus et des paysages arcadiens - disent l’exaltation de Manguin et son épanouissement artistique au sein d’une nature édénique. Un ensemble de dessins et d’aquarelles illustre sa pratique précoce de ces techniques, décisives dans la recherche d’équilibre de la composition et de la libération de la couleur à l’aube du XXe siècle. Les années de guerre passées en Suisse sont également évoquées, montrant l’évolution de son art à l’abri des événements tragiques qui frappent l’Europe.

Mit ihren prachtvollen Farbharmonien zeugen die Gemälde aus dieser Zeit vom aussergewöhnlichen Talent und Erfindungsreichtum des Künstlers. An der Ecole des Arts décoratifs lernt Manguin 1892 Albert Marquet und Henri Matisse kennen. Im November 1894 treten sie als Studenten der Ecole des BeauxArts ins Atelier von Gustave Moreau ein. Sie bilden eine Gruppe junger Maler, die gemeinsam mit André Derain und Maurice de Vlaminck am Herbstsalon von 1905 den Namen „Fauvisten“ erhalten wird. Die bevorzugten Sujets Manguins, der das Sinnenglück zum Ausdruck bringen möchte, sind Akte, Mittelmeerlandschaften, Szenen des Familienlebens und Stillleben, allesamt Hommagen an die Lebensfreude. Die rund hundert Werke (Gemälde, Aquarelle und Zeichnungen) zählende Ausstellung beginnt mit einem Teil zur Ausbildung des Malers, der sich schon sehr früh durch die Farbgebung seiner Kompositionen auszeichnet. In der Folge wird die fauvistische Periode präsentiert mit in SaintTropez entstandenen Werken, deren intensiven Farben das Licht des Mittelmeers widerspiegeln. Diese leuchtenden Gemälde - hauptsächlich Akte und arkadische Landschaften - veranschaulichen Manguins Begeisterung und künstlerische Entfaltung inmitten einer paradiesischen Landschaft. Eine Reihe Zeichnungen und Aquarelle illustrieren Manguins sehr frühe Nutzung dieser Techniken. Sie sind für den ausgewogenen Bildaufbau und die Befreiung der Farbe entscheidend, die er zu Beginn des 20. Jahrhunderts anstrebt.

Manguin met Albert Marquet and Henri Matisse in Paris in 1892, while he was training at the Ecole des Arts décoratifs. In November 1894 the three young painters enrolled at the Ecole des BeauxArts, where they worked in Gustave Moreau’s studio, and joined forces with André Derain et Maurice de Vlaminck to form a group that acquired the name “Fauves” - meaning “wild beasts” - at the Autumn Salon of 1905. Manguin’s work always expresses a happy sensuality, his subjects of choice being nudes, Mediterranean landscapes, domestic scenes and still lifes, all genres that express the joys of being alive. The exhibition features around a hundred works, including oil paintings, watercolours and drawings. The first section explores Manguin’s formative period, when his work soon stood out for the organisation of colour in his compositions. After this the focus will be on the Fauvist period with works created in Saint-Tropez, their intense colours reflecting the dazzling surroundings of the Mediterranean. These flamboyant works - mostly nudes and Arcadian landscapes - convey Manguin’s sense of exaltation at the natural paradise around him, which carried his art to its peak. A set of drawings and watercolours illustrate his early use of those techniques, which played a key role in the quest for compositional balance and the liberation of colour at the dawn of the 20th century. rivierart

les Musées partenaires de Rivierart VAUD

FONDATION DU CHÂTEAU DE CHILLON Avenue de Chillon 21, CH - 1820 Veytaux Tél : +41 (0)21 966 89 10 Fax : +41 (0)21 966 89 12 info@chillon.ch www.chillon.ch Ouvert tous les jours, sauf le 25.12 et le 1.1 Avril-Sept. : 9h-19h Nov-Fév. : 10h-17h Oct.&Mars : 9h30-18h

MUSÉE HISTORIQUE DE VEVEY Rue du Château 2, CH - 1800 Vevey Tél : 021 925 51 64 Fax : 021 925 51 65 musee.historique@vevey.ch www.museehistoriquevevey.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h, et les lundis fériés.

MUSÉE DE LA CONFRÉRIE DES VIGNERONS Rue du Château 2, CH - 1800 Vevey Tél : 021 923 87 05 Fax : 021 923 87 06 confrerie@fetedesvignerons.ch www.fetedesvignerons.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h, et les lundis fériés. Entrée libre.

ESPACE QUAI1 Place de la Gare 3 - 1800 Vevey Tél : 021 922 48 54 www.quai1.ch info@images.ch du mercredi au vendredi de16h à 19h; samedi de 11h à 15h fermé entre les expositions temporaires

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Alimentarium, Musée de l’alimentation Une fondation Nestlé Quai Perdonnet 25, CH – 1800 Vevey Tél : 021 924 41 11 info@alimentarium.org www.alimentarium.org reservation@alimentarium.org d’octobre à mars de 10h à 17h - d’avril à septembre de 10h à 18h. Fermé les lundis, sauf les lundis fériés.

MUSÉE JENISCH VEVEY Av. de la Gare 2, CH - 1800 Vevey Tél : +41 (0)21 925 35 20 Fax : 021 925 35 25 info@muuseejenisch.ch www.museejenisch.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h ; jeudi jusqu’à 21h.

MUSÉE DE MONTREUX Rue de la Gare 40, CH - 1820 Montreux Tél : +41 (0)21 963 13 53 museemontreux@bluewin.ch www.museemontreux.ch ouvert du 1er avril au 31 octobre : tous les jours de 10h à 12h et de 14h à 17h

MUSÉE SUISSE DU JEU Au Château, CP 219, CH-1814 La Tour-de-Peilz Tél: +41 (0)21 977 23 00 Fax: 021 977 23 07 www.museedujeu.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h30 ouvert les lundis fériés

MUSÉE SUISSE DE L’APPAREIL PHOTOGRAPHIQUE Grande Place 99, CH - 1800 Vevey Tél : 021 925 34 80 cameramuseum@vevey.ch www.cameramuseum.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h30 ouvert les lundis fériés

queen the studio experience Casino Barrière de Montreux Rue du Théâtre 9, CH - 1820 Montreux www.queenstudioexperience.com tous les jours de 10h30 à 22h00, entrée libre.

CHÂTEAU D’AIGLE - MUSÉE DE LA VIGNE ET DU VIN Place du Château1, CH - 1860 Aigle Tél: +41 (0)24 466 21 30 Fax: 024 466 21 31 info@museeduvin.ch /info@chateauaigle.ch www.museeduvin.ch/www.chateauaigle.ch janv.-mars, nov.-déc. : du mardi au dimanche de 10h à 16h; avril - juin, sept. - oct. : du mardi au dimanche de 10h à 18h; juillet - août : du lundi au dimanche de 10h à 18h

FONDATION DES MINES DE SEL DE BEX Route des Mines de Sel 55 CP 277, CH - 1880 Bex www.mines.ch info@mines.ch Horaire à consulter sur le site internet réservation recommandée (024) 463 03 30

MUSÉE CANTONAL DES BEAUX-ARTS/LAUSANNE info.beaux-arts@vd.ch www.mcba.ch du mardi au mercredi de11h à 18h; jeudi de 11h à 20h; du vendredi au dimanche de11h à 17h; 26 déc. et 2 janv de 11h à 17h; fermé les lundis, le 25 déc.et le 1er janv. Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE MONÉTAIRE CANTONAL Place de la Riponne 6, CH - 1014 Lausanne Palais de Rumine Tél : 021 316 39 90 Fax : 021 316 39 99 musee.monetaire@vd.ch www.musees.vd.ch/musee-monetaire du mardi au jeudi de 11h à 18h; du vendredi au dimanche de 11h à 17h

MUSÉE DE LA MAIN UNIL - CHUV Rue du Bugnon 21, CH - 1011 Lausanne Tél : 021 314 49 55 Fax : 021 314 49 63 mmain@hospvd.ch www.museedelamain.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h; samedi, dimanche et jours fériés de 11h à 18h Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE D’ART DE PULLY Chemin Davel 2, CH - 1009 Pully Tél : 021 721 38 00 Fax : 021 721 38 15 www.museedepully.ch du mercredi au dimanche de 14h à 18h pendant les expositions

CHÂTEAU DE PRANGINS - MUSÉE NATIONAL SUISSE Av. Général Guiguer 3, CH-1197 Prangins Tél. +41 22 994 88 90 info.prangins@museenational.ch www.nationalmuseum.ch/f/prangins/ du mardi au dimanche de 10h à 17h; fermé le 25 décembre

MUSÉE D’ARCHÉOLOGIE ET D’HISTOIRE LAUSANNE Place de la Riponne 6, CH - 1014 Lausanne Palais de Rumine Tél : 021 316 34 30 Fax : 021 316 34 31 www.musees.vd.ch/fr/musee-darcheologie-et-dhistoire du mardi au jeudi de 11h à 18h; du vendredi au dimanche de 11h à 17h

Le Musée Olympique Quai d’Ouchy 1 , CH -1006 Lausanne Tél : +41 (0) 21 621 65 11 info.museum@olympic.org www.olympic.org/musee du 1er mai au 14 octobre, ouvert tous les jours de 9h à 18h - du 15 octobre au 30 avril, ouvert du mardi au dimanche de 10h à 18h, fermé le lundi. Fermé le 25 décembre et le 1er janvier

COLLECTION DE L’ART BRUT Av. des Bergières 11, CH - 1004 Lausanne Tél : 021 315 25 70 Fax : 021 315 25 71 art.brut@lausanne.ch www.artbrut.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h, ouvert les jours fériés, fermé les 24, 25 décembre et le 1er janvier Ouvert le lundi en juillet et août. Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE DE L’ELYSEE Avenue de l’Elysée 18, CH - 1014 Lausanne Tél : 021 316 99 11 Fax : 021 316 99 12 www.elysee.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h fermé le lundi, sauf les jours fériés

FONDATION DE L’HERMITAGE route du Signal 2, CH - 1000 Lausanne 8 Bellevaux Tél :+41 (0)21 320 50 01 info@fondation-hermitage.ch www.fondation-hermitage.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h; jeudi jusqu’à 21h, (fermé entre les expositions temporaires)

musée de design et d’arts appliqués contemporains place de la cathédrale 6, CH - 1005 Lausanne Tél : +41 21 315 25 27 Fax : +41 21 315 25 39 www.mudac.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h ouvert le lundi de 11h à 18h en juillet et août

LA VILLA ROMAINE DE PULLY Av. Samson-Reymondin 2, CH - 1009 Pully Tél : 021 721 38 00 / 021 728 33 04 musees@pully.ch www.villaromainedepully.ch de mai à sept. le dimanche de 14h à 18h

MUSÉE DU VIEUX PAYS-D’ENHAUT Grand Rue 107, CH - 1660 Château-d’Oex Conservateur :Jean-Frédéric Henchoz Tél : 026 924 65 20 jfrhenchoz@bluewin.ch www.musee-chateau-doex.ch du mardi au dimanche, de 14h à 17h fermeture annuelle durant le mois de novembre.

MUSÉE DES MINÉRAUX ET DES FOSSILES Bâtiment communal de Rougemont Rougemont Tourisme Rte de la Croisette 16 - 1659 Rougemont Tél : 026 925 11 66 Fax : 026 925 11 67 info@rougemont.ch www.chateau-doex.ch du lundi au vendredi de 8h30 à 12h et de 14h à 17h30 ; samedi de 10h à 12h

Espace Ballon Chemin des Ballons 2, CH - 1660 Château-d’Oex Tél : +41 (0)78 723 78 33 info@espace-ballon.ch www.espace-ballon.ch Ouvert du mardi au dimanche de 14h à 17h Novembre : Fermeture annuelle

CARREFOUR DES ARTISTES LE LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS THE MEETING POINT FOR ARTISTS

LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

N 27 février - mars - avril 2018 - CHF 10.-

N 26 novembre - décembre - janvier 2017-2018 - CHF 10.-

RIVIERART

LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

RIVIERART

la revue suisse des amateurs d’art et de culture r a rt rriivviieerraarrtt rivier a rt

-4

numéros

- cHF 40.-

Maison d’Ailleurs Musée de la science-fiction, de l’utopie et des voyages extraordinaires Place Pestalozzi 14, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 425 64 38 Fax: +41 24 425 65 75 maison@ailleurs.ch www.ailleurs.ch du mardi au vendredi de 14h à 18h ; samedi, dimanche et jours fériés de 11h à 18h

Centre d’art contemporain Place Pestalozzi, CP649, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 423 63 80 Fax:+41 24 423 63 82 www.centre-art-yverdon.ch centre-art@yverdon-les-bains.ch du mercredi au dimanche de 12h à18h (fermé entre les expositions)

MUSÉE D’YVERDON ET RÉGION, ARCHÉOLOGIE & HISTOIRE

Le Château, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 425 93 10 info@musee-yverdon-region.ch www.musee-yverdon-region.ch de juin à sept, du mardi au dimanche de 11h à 17h; d’oct à mai de 13h à 17h; Ouvert les lundis fériés.

NEUCHÂTEL

Musée des beaux-arts la Chaux-de-fonds Rue des Musées 33 - 2300 La Chaux-de-Fonds Tel. +41 (0)32 967 60 77 mba.vch@ne.ch www.mbac.ch du mardi au dimanche de 10h à 17h. Le musée est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentecôte. Fermé le lundi, le 1er janvier, les 24, 25 et 31 décembre

Musée des beaux-arts le locle Marie-Anne-Calame 6 - 2400 Le Locle Tel. +41 (0)32 933 89 50 mbal@ne.ch www.mbal.ch du mercredi au vendredi de 12h30 à 17h, samedi et dimanche de 11h à 17h. Le musée est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentecôte, jeudi de l’Ascension, 1er août et Jeûne fédéral. Fermé le 25 décembre et 1er janvier. rivierart

ac.ch du Le musée de Penteles 24, 25

FONDS -Fonds

.ch du musée Pente24, 25

KUNSTMUSEUM BERN Hodlerstrasse 8–12, CH - 3000 Bern 7 Tel : +41 31 328 09 44 info@kunstmuseumbern.ch www.kunstmuseumbern.ch le mardi de 10h à 21h; du mercredi au dimanche de 10h à 17h, fermé le lundi

KUNSTMUSEUM BERN kunstMuseum bern Hodlerstrasse Hodlerstrasse8–12, 8–12,CH CH- -3000 3000Bern Bern 77 TelTel: +41 3131328 09094444 : +41 328 BERNISCHES HISTORISCHES MUSEUM info@kunstmuseumbern.ch info@kunstmuseumbern.ch Helvetiaplatz 5, CH - 3005 Bern www.kunstmuseumbern.ch www.kunstmuseumbern.ch +41 31 350 77à 11 le leTel. mardi au mardidede10h 10h à21h; 21h;du du mercredi mercredi au didiinfo@bhm.ch manche dede10h àà17h, fermé lelewww.bhm.ch lundi manche 10h 17h, fermé lundi du mardi au dimanche de 10h à 17h

w.mbal.ch 30 à 17h, Le musée de Penteet Jeûne er janvier.

BÂLE FRIBOURG

NATURHISTORISCHES MUSEUM MUSEUM NATURHISTORISCHES DER BURGERGEMEINDE BURGERGEMEINDE BERN BERN DER

MUSEE MUSEE D’HISTOIRE D’HISTOIRE NATURELLE NATURELLE NATURAL NATURAL HISTORY HISTORY MUSEUM MUSEUM

BERNISCHES HISTORISCHES MUSEUM NATURHISTORISCHES MUSEUM BERN Naturhistorisches museum bern Helvetiaplatz CHCH- 3005 Bernastrasse5,15, - 3005Bern Bern Tel.Tel +41 3114h 350à71 77 11mardi, jeudi et vendredi de : 031 350 11 lundi de 17h; info@bhm.ch www.bhm.ch lundi à 17h; mardi, et le vendredi de 9h à de 17h;14h mercredi de 9h jeudi à 18h; week-end du9h mardi dimanche de à le 17h à10h 17h; mercredi à10h 18h; week-end de àau 17h. Ferméde les9h jours fériés. de 10h à 17h. Fermé les jours fériés. MUSEUM NATURHISTORISCHES DER BURGERGEMEINDE BERN

MUSEE D’HISTOIRE NATURELLE NATURAL HISTORY MUSEUM

1517

bal.ch 08 08 / Fax : 022 308 08 59 à 17h, NATURHISTORISCHES MUSEUM BERN 15, CH - 3005 Bern ynapresse.ch / www.dynapresse.ch musée Bernastrasse Tel : 031 350 71 11 Pentebonner lundi à RIVIERART : et vendredi de de 14h à 17h;pour mardi, jeudi Jeûne _ HF 40. 2 ans 8 n° pour CHF 75.9h à 17h; mercredi de 9h à le week-end museum franz Gertsch 18h; anvier. dePlatanenstrasse 10h à 17h. Fermé les jours fériés. 3, CH - 3400 Burgdorf Tel : +41 (0)34 421 40 20 info@museum-franzgertsch.ch 8 08 / Faxwww.museum-franzgertsch.ch : 022 308 08 59 du mercredi au vendredi de 10h à 18h; le apresse.ch / www.dynapresse.ch week-end de 10h à 17h. Fermé lundi et mardi

es :

Migrosmuseum für gegenwartskunst FRI ART TIBET MUSEUM Fondation Alain Bordier Limmatstrasse 270, CH - 8005 Zürich Petites-Rames 22, CH 1701 Fribourg Rue du Château 4, CH - 1663 Gruyères Tel : +41 44 277 20 50 Tél :: 026 026 921 323 30 23 10 51 Fax : 026 323 15 34 Tél info@migrosmuseum.ch info@fri-art.ch www.fri-art.ch info@tibetmuseum.ch www.migrosmuseum.ch mercredi au vendredi de 12h à 18h ; samedi www.tibetmuseum.ch lundi, mercredi, vendredi de 11h à 18h; jeudi et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le de Pâques à Octobre: tous les jours de 11h de 11h à 20h; week-end de 10h à 17h; gratuit jeudi de 18h à 20h. (fermé entre les exposià 18h; de Novembre à Pâques du mardi au le jeudi de 17h à 20h tions temporaires) vendredi FRI ART de13h à 17h; samedi et dimanche dimanche de 10h à 13h et de 14h à 17h de11h à 18h - lundi Petites-Rames 22,fermé CH - 1701 Fribourg Tél : 026 323 23 51 Fax : 026 323 15 34 info@fri-art.ch www.fri-art.ch mercredi au vendredi de 12h à 18h ; samedi et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le Musée Papier peint jeudi de 18h à 20h. (fermé entre les exposiMUSéE du SUISSE DE LA MARIONNETTE MUS ÉE GUTENBERG Au Château - 1684 Mézières tions temporaires) Derrières-les-Jardins 2, CP 556, 1701 Fribourg MUS éE GUTENBERG Tél : 026 347 38 28 Tél Tél.: :+41 02626 322652 8506 1390 info@marionnette.ch Tél : 026 347 38 28 info@gutenbergmuseum.ch FONDATION BEYELER info@museepapierpeint.ch www.marionnette.ch info@gutenbergmuseum.ch Baselstrasse 101 - CH-4125 RiehenBündner / Basel Kunstmuseum Chur www.museegutenberg.ch www.museepapierpeint.ch du mercredi au dimanche de 10h00 à 17h00 www.museegutenberg.ch Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 Bahnhofstrasse 35, CH - 7000 Chur mercredi, vendredi, samedi de 11h à 18h; début avril - fin octobre: jeudiguidées) à dimanche info@fondationbeyeler.ch fermé lundi-mardi (sauf visites et 25- mercredi, vendredi, samedi de 18h; Tel : 081 257 28 70 info@bkm.gr.ch jeudi de 11h à 20h, dimanche de 11h 10h àà 17h www.fondationbeyeler.ch de13h30 à 17h00 ; novembre mars : samedi 26 décembre jeudi de 11h à 20h, dimanche dede10h Tous les jours 10hàà 17h 18h, le mercredi de 10 www.buendner-kunstmuseum.ch KUNSTMUSEUM BERN et dimanche de 13h30 à 17h00. MUSéE DES BEAUX-ARTS LA CHAUX-DE-FONDS h à 20 h. Le musée est ouvert le dimanche et au dimanche de 10h à 17h, jeudi Hodlerstrasse 8–12, CH - 3000 Bern 7 du mardi Rue des Musées 33 - 2300 La Chaux-de-Fonds Tel : +41 31 328 09 44 les jours fériés. MUSéE SUISSE DE LA MARIONNETTE de 10h à 20h Tel. +41 (0)32 967 60 77 info@kunstmuseumbern.ch FRI ART mba.vch@ne.ch Derrières-les-Jardinswww.mbac.ch 2, CP 556, du 1701www.kunstmuseumbern.ch Fribourg MUSéE GUTENBERG Petites-Rames 22, CH - 1701 Fribourg mardi au dimanche de 10h à 17h. Le musée le mardi de 10h à Tél 21h;: du diTél. : 026 322 85 13 info@marionnette.ch Tél : 026 323 23 51 Fax : 026 323 15 34 026mercredi 347 38au28 est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pente- manche de 10h à 17h, fermé le lundi info@fri-art.ch www.fri-art.ch www.marionnette.ch côte. Fermé le lundi, le 1er janvier, les 24, 25 info@gutenbergmuseum.ch mercredi au vendredi de 12h à 18h ; samedi et décembre au dimanche de 10h00 à 17h00 du31mercredi et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le FRIwww.museegutenberg.ch ART jeudi de 18h à 20h. (fermé entre les exposifermé lundi-mardi (sauf visites guidées) et 25- mercredi, vendredi, samedi de 11h à 18h; Petites-Rames tions temporaires) BERNISCHES HISTORISCHES MUSEUM 22, CH - 1701 Fribourg 26 décembre de à 20h, dimanche de 10h à 17h Téljeudi : 026Bern 32311h 23 51 Helvetiaplatz 5, CH - 3005 MUSÉE D’HISTOIRE NATURELLE Tel. +41 31 350 77info@fri-art.ch 11 www.fri-art.ch Chemin du Musée 6, CH - 1700 Fribourg info@bhm.ch www.bhm.ch mercredi vendredi de 12h à 18h ; samedi Tél. : 026 305 89 00 du mardi au dimanche de 10hau à 17h MUSéE DES BEAUX-ARTS LE LOCLE et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le Stiftung Lokremise St.Gallen museehn@fr.ch 6 - 2400 Lewww.fr.ch/mhn Marie-Anne-Calame Locle entre les exposijeudi de 18h à 20h. (fermé ouvert tous933les89 jours Tel. +41 (0)32 50 de 14h à 18h. Fermé le MUSEE D’HISTOIRE NATURELLE MUSéE SUISSE DE LA MARIONNETTEGrünbergstrasse 7, CH - 9000 St.Gallen NATURAL HISTORY MUSEUM mbal@ne.ch www.mbal.ch tions temporaires) 1er janv. et le 25 déc. Entrée libre TelFribourg : 071 277MUS 82éE00 Derrières-les-Jardins 2, CP 556, 1701 GUTENBERG du mercredi au vendredi de 12h30 à 17h, NATURHISTORISCHES MUSEUM BERN Tél. : 026 322 85 13 info@marionnette.ch Tél : 026 347 38 28 info@lokremise.ch www.lokremise.ch samedi et dimanche de 11h à 17h. Le musée Bernastrasse 15, CH - 3005 Bern www.marionnette.ch info@gutenbergmuseum.ch Tel : 031 350 71 11 est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentela partie - Kunstmuseum St.Gallen du mercredi au dimanche de 10h00 à 17h00 muséale www.museegutenberg.ch côte, jeudi de l’Ascension, 1er août et Jeûne lundi de 14h à 17h; mardi, jeudi et vendredi de est ouverte lundivendredi, au samedi dede 13h fermé lundi-mardi (sauf visites guidées) et 25- du mercredi, samedi 11hà à20h; 18h; 9h à 17h; mercredi de 9h à 18h; le week-end er fédéral. Fermé le 25 décembre et 1 janvier. 26 décembre à 20h, dimanche de 10h à 17h de 10h à 17h. Fermé les jours fériés. le dimanchejeudi et de les11h jours fériés de 11h à 18h.

FRIBOuRg

NEuCHÂTEL

BÂLE

ST. GALL

NATURHISTORISCHES MUSEUM DER BURGERGEMEINDE BERN

Tél. : 022 308 08 08 / Fax : 022 308 08 59 E-mail : abonne@dynapresse.ch / www.dynapresse.ch Oui, je souhaite m’abonner à RIVIERART pour : _ 1 an - 4 n° pour CHF 40. 2 ans - 8 n° pour CHF 75.-

PASQUART KUNSTHAUS CENTRE D’ART Seevorstadt 71, CH-2502 Biel/Bienne Tel : +41 32 322 55 86 info@pasquart.ch www.pasquart.ch mercredi et vendredi de 12h à 18h; jeudi de 12h à 20h; week-end de 11h à 18h.

Kunsthalle Bern Helvetiaplatz 1, CH-3005 Bern Tel : +41 (0)31 350 0045 info@kunsthalle-bern.ch www.kunsthalle-bern.ch du mardi au vendredi de 11h à 18h; le weekend de 10h à 18h; lundi fermé rivierart

BERNE

FRIBOuRg

Schloss Spiez Schlossstrasse 16, CH- 3700 Spiez Tel : +41 (0)33 654 15 06 admin@schloss-spiez.ch www.schloss-spiez.ch En 2017 - du 14 avril au 22 octobre, lundi de 14h à 17h, du mardi au dimanche de 10h à 18h; en juillet et août jusqu’à 18h.

GRISONS

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de l’éditeur. Offre valable sous réserve de modification sous réserve de modification de l’éditeur. Offre valable

oires :

1517

onner à RIVIERART pour : 40._ 2 ans - 8 n° pour CHF 75.-

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FONDATION BEYELER Baselstrasse 101 - CH-4125 Riehen / Basel Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 info@fondationbeyeler.ch www.fondationbeyeler.ch Tous les jours de 10h à 18h, le mercredi de 10 h à 20 h. Le musée est ouvert le dimanche et les jours fériés.BEYELER FONDATION Baselstrasse 101 - CH-4125 Riehen / Basel Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 VITROMUSEE ROMONT info@fondationbeyeler.ch Au Château, CH – 1680 Romont www.fondationbeyeler.ch Tél : + 41 (0)26 652 10 95 Tous les jours de 10h à 18h, le mercredi de 10 info@vitromusee.ch www.vitromusee.ch h à 20 h. Le musée est ouvert le dimanche et Avril-Oct : du mardi au dimanche de 10h à les jours 13h et defériés. 14h à 18h; Nov-Mars : du mardi au

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rivierart

BÂLE fONDATION BEYELER Baselstrasse 101 - CH-4125 Riehen / Basel Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 info@fondationbeyeler.ch www.fondationbeyeler.ch Tous les jours de 10h à 18h, le mercredi de 10h à 20 h. ouvert le dimanche et les jours fériés.

pharmazie-historisches museum der universität basel Totengässlein 3, CH - 4051 Basel Tel. 061 264 91 11 info@pharmaziemuseum.ch www.pharmaziemuseum.ch du mardi au vendredi de 10h à 18h; samedi de 10h à 17h. Fermé le lundi, le dimanche et les jours fériés

APPENZELL

Museum Appenzell Hauptgasse 4, CH - 9050 Appenzell Tel : 071 788 96 31 www.museum.ai.ch d’avril à octobre: du lundi au vendredi de 10h à 12h et de 13h30 à 17h; le week-end de 11h à 17h; de novembre à mars: du mardi au dimanche de 14h à 17h

ZUG Kunsthaus Zug Dorfstrasse 27, CH - CH-6301 Zug Tel : (+41) 041 725 33 44 info@kunsthauszug.ch www.kunsthauszug.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h, weekend de 10h à 17h. Fermé entre les expositions

SCHAFFHOUSE

Museum zu Allerheiligen Klosterstrasse 16, CH - 8200 Schaffhausen Tel : +41 52 633 07 77 admin.allerheiligen@stsh.ch www.allerheiligen.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h

VALAIS

Musée d’histoire du Valais Château de Valère, CH - 1950 Sion Tél. 027 606 47 15 sc-museehistoire@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Musée d’art du Valais Place de la Majorie 15, CH -1950 Sion Tél. 027 606 46 90 sc-museeart@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Musée de la nature du Valais Châteaux 12, CH - 1950 Sion Tél. 027 606 47 30 sc-museenature@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre. Centre d’expositions des Musées cantonaux (Ancien Pénitencier) rue des Châteaux 24, CH - 1950 Sion 027 606 47 07 Fermé entre les expositions temporaires

FONDATION PIERRE GIANADDA Rue du Forum 59, CH - 1920 Martigny Tél : 027 722 39 78 Fax : 027 722 52 85 info@gianadda.ch

Le Musée de Bagnes et ses Maisons du patrimoinE Route de l’Eglise 13, CH - 1934 Le Châble 027 776 15 25 musee@bagnes.ch www.museedebagnes.ch

GENÈVE MUSÉE ARIANA - MUSÉE SUISSE DE LA CÉRAMIQUE ET DU VERRE Avenue de la Paix 10, CH - 1202 Genève Tél : 022 418 54 50 ariana@ville-ge.ch www.ariana-geneve.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h

MEG – MUSÉE D’ETHNOGRAPHIE DE GENÈVE Bd Carl-Vogt 65 - 1205 Genève T +41 (0)22 418 45 50 F +41 (0)22 418 45 51 meg@ville-ge.ch www.meg-geneve.ch Ouvert du mardi au dimanche de 11h à 18h. Fermé le lundi, le 25 décembre et le 1er janvier. Entrée libre chaque 1er dimanche du mois; jeunes jusqu’à 18 ans révolus

Mamco - Genève Musée d’art moderne et contemporain 10, rue des Vieux-Grenadiers - 1205 Genève Tél : + 41 22 320 61 22 Fax : + 41 22 781 56 81 www.mamco.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h ; tous les premiers mercredis du mois jusqu’à 21h ; samedi et dimanche de 11h à 18h.

CENTRE D’ART CONTEMPORAIN GENÈVE rue des Vieux Grenadiers10, CH - 1205 Genève Tél : +41 22 329 18 42 info@centre.ch www.centre.ch du mardi au dimanche, de 11h à 18h.

Musée Barbier-Mueller de GENèVE Rue Jean-Calvin 10 - 1204 Genève Tél : +41 22 312 02 70 Fax : +41 22 312 01 90 musee@barbier-mueller.ch www.musees-barbier-mueller.org Ouvert 365 jours par an de 11h à 17 h.

Musée INTERNATIONAL DE LA RéFORME Rue du Cloître 4, cour St-Pierre CH -1204 Genève Tél : +41 22 310 24 31 www.musee-reforme.ch du mardi au dimanche de 10h à 17 h.

Patek Philippe Museum Rue des Vieux-Grenadiers 7 CH-1205 Genève Tél : +41 22 807 09 10 Fax : +41 22 807 09 20 info@patekmuseum.com www.patekmuseum.com du mardi au vendredi de 14h à 18h; le samedi de 10h à 18h. Fermé les jours fériés

Musée d’art et d’histoire Rue Charles-Galland 2, CH - 1206 Genève Tél : +41 (0)22 418 26 00 www.ville-ge.ch/mah mah@ville-ge.ch Ouvert de 11h à 18 h. Fermé le lundi

Musée Rath Place Neuve, CH - 1204 Genève Tél : +41 (0)22 418 33 40 www.ville-ge.ch mah@ville-ge.ch Ouvert de 11 à 18 h. Fermé le lundi

Maison Tavel Rue du Puits-Saint-Pierre 6, CH -1204 Genève www.ville-ge.ch mah@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 37 00 Ouvert de 11 à 18 h. Fermé le lundi

Cabinet d’arts graphiques Promenade du Pin 5, CH - 1204 Genève www.ville-ge.ch cdag@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 27 70 Ouvert de 11 à 18 heures. Fermé le lundi

Bibliothèque d’art et d’archéologie Promenade du Pin 5, CH - 1204 Genève www.ville-ge.ch baa@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 27 00 du lundi au vendredi de10h à 18h ; samedi de 9h à 12h. rivierart

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N° 29 / 2018, Août - Septembre - Octobre parution trimestrielle: février / mai / août / novembre erscheint viermal pro Jahr: Februar / Mai / August / November quarterly publication: February / May / August / November Contact: Rivierart Geneviève Brunner Rue du Léman 2 CH - 1815 Clarens (VD) Info@rivierart.ch www.rivierart.ch Editrice: Geneviève Brunner Publicité: info@rivierart.ch Conception graphique et réalisation: Geneviève Brunner Photolithographie: Patrice Frass Photos: page de couverture, vue de Montreux © Geneviève Brunner page de dos, vue de Montreux © Geneviève Brunner Traductions: Zoë Kan Carolin Banerjjee Geneviève Brunner Patrice Frass

Tirage: 7’000 exemplaires

Distribution: Montreux, Vevey, Lausanne, Genève, Fribourg, Gstaad, Berne disponible en ligne par abonnement 6400 envois privés cabinets médicaux entreprises de la Riviera en kiosque dans toute la Suisse dans nos musées partenaires, voir pages 46 à 49 Rivierart décline toute responsabilité quant aux documents qui lui sont transmis. Rivierart declines all responsability for the transmitted documents. It is the sole responsability of the contributor that the painting is not a copy of any copyrighted photo, painting, ephemera or image. La reproduction des textes et illustrations n’est possible qu’avec l’autorisation écrite de Rivierart®. Der Nachdruck von Texten und Bildern ist nur mit schriftlicher Genehmigung von Rivierart® erlaubt. Reproduction of texts and images is subject to the written consent of Rivierart®.

ISSN 2235-8730

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