Rivierart_N30_11_2018 by Rivierart

rivier a rt

LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÃ&#x153;NSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

BIENTÔT À MONTREUX ! CATHERINE LARA SUR LA CORDE

GOSPEL POUR 100 VOIX

MICHEL JONASZ QUARTET

VEAU N O U AC L E T C E P S

EN É SIVIT XC L U

EN ITÉ USIV

E XC L

DI 4 NOV. À 19H AU REFLET – THÉÂTRE DE VEVEY

SA 17 NOV. À 20H

ME 21 NOV. À 20H

EN ITÉ USIV

E XC L

TOUS EN CHŒUR

LAURENT VOULZY ET 200 CHORISTES 14-15-16 DÉC.

VEAU NOU AMA E T CL SPEC

VEAU N O U AC L E T SPEC

SONIA GRIMM NOËL 2.0

HYPERSENSORIEL

SA 22 DÉC. À 14H & 18H

VEAU N O U AC L E T SPEC

5 MARS2019 À 20H

MESSMER

PASCAL OBISPO

I MUVRINI

MA 5 MARS 2019 À 20H

VE 5 AVR. 2019 À 20H

ME 6 FÉV. 2019 À 20H

OESCH’S DIE DRITTEN

ES RE D ERTU S OUV OLIE NOF A M GER

VE 8 NOV. 2019 À 20H

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Transports publics gratuits sur la Riviera (zones 70-77 Mobilis). Voir conditions sur www.lasaison.ch/infos-pratiques

SOMMAIRE INHALT CONTENTS artiste 19

Noël Hémon

MUSéES 8 - 9 10 - 13 14 - 18 20 - 21 22 - 23 24 - 27 29 30 - 32 33 34 - 37 38 - 39 40 - 41 42 - 43 44 - 45 46 - 47 48 - 49

Museum zu Allerheiligen Château de Chillon Fondation Beyeler Kunsthaus Zug CACY Zentrum Paul Klee Maison Tavel Mudac Bündner Kunstmuseum Kunsthaus Zürich Musée de l’Elysée Migrosmuseum für Gegenwartskunst Cabinet d’arts graphiques Collection de l’Art brut Musées - Vaud, Neuchâtel Musées - Bâle, Berne, Zurich, Zug Grisons, St-Gall, Appenzell, Valais, Schaffhouse, Fribourg, Genève

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CHÂTEAU DE CHILLON ™

V E Y TA U X

M O N T R E U X

L’EAU À LA

CHE BOU EXPOS ITION du 14.09.2018 au 28.04.2019

BOIR E ET M A NG AU MO ER YEN ÂGE

#LEauAlaBouche #ChateaudeChillon #Chillon

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www.chillon.ch

Editorial Geneviève Brunner-Frass Photo: krakote.com

Fondatrice et éditrice de Rivierart Gründerin und Herausgeberin von Rivierart Founder and editor of Rivierart

Chères lectrices et chers lecteurs,

Liebe Leserinnen und liebe Leser,

Dear Readers,

Le cycle de Rivierart accompagne celui des saisons et nous voici déjà après les chaleurs estivales aux portes de l’hiver. Dans notre imaginaire collectif, l’hiver reste une saison froide, morne, voire une morte saison. Nombreux sont les écrits de poètes et d’écrivains associant le topos de l’hiver à la fin d’un cycle, voire métaphoriquement à une fin tout court. Ceci nous ramène inévitablement au rapport de l’individu au temps qui passe et à son désir de le mesurer, peut-être dans une tentative de le retenir… mais ceci est illusoire, le temps est une des rares choses sur laquelle nous n’avons aucun prise. Voilà pourquoi sans doute l’architecte et humaniste Alberti disait au XVe siècle déjà, comme sans doute tant d’autres avant lui, que le temps était l’un des biens les plus précieux. Ainsi profitons de ce précieux temps de l’hiver pour sortir, visiter des musées, passer de belles fêtes de fin d’année en famille et entre amis et lire le 30ème numéro de Rivierart.

Der Zyklus von Rivierart begleitet den der Jahreszeiten und nun sind wir bereits nach der Sommerhitze vor den Toren des Winters. In unserer kollektiven Vorstellung bleibt der Winter eine kalte, trübselige Jahreszeit oder gar eine tote Saison. Zahlreich sind die Schriften von Dichtern und Schriftstellern, die den Topos des Winters mit dem Ende eines Zyklus verbinden und metaphorisch gesehen sogar mit dem Ende schlechthin. Das bringt uns unweigerlich zur Beziehung des Individuums mit der verstrichenen Zeit und seinem Wunsch, sie zu messen, vielleicht in dem Versuch sie zurückzuhalten... aber das ist illusorisch. Die Zeit ist eines der wenigen Dinge, auf die wir keinen Einfluss haben. Dies ist vielleicht der Grund, warum der Architekt und Humanist Alberti, wie wahrscheinlich so viele andere vor ihm, bereits im 15. Jahrhundert sagte, dass die Zeit eines der wertvollsten Güter ist. Nutzen wir also die kostbare Zeit des Winters, um auszugehen, Museen zu besuchen, schöne Feiertage mit Familie und Freunden zu verbringen und die 30. Ausgabe von Rivierart zu lesen.

The cycle of Rivierart follows that of the seasons and here we find ourselves on the other side of the summer heat and at the gates of winter. In our collective imagination, winter is a cold, dreary, even dead, season. Many poets and writers link the topos of winter to the end of a cycle, and even metaphorically to an end quite simply. This inevitably brings us back to the individual’s relationship with the passing of time and her desire to measure it, perhaps in an attempt to slow it down... but this is illusory, time is one of the few things that we do not have a hold on. This is probably why the architect and humanist Alberti said in the fifteenth century, as most probably so many others before him did, that time is one of our most valuable possessions. So let’s make the most of this precious winter time and go out, visit museums, spend a beautiful holiday season with family and friends and read the 30th issue of Rivierart.

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L’invitée de Rivierart Jennifer Burkard Conservatrice pour l’art contemporain au Museum zu Allerheiligen de Schaffhouse Kuratorin für Gegenwartskunst im Museum zu Allerheiligen, Schaffhausen Curator for contemporary art at the Museum zu Allerheiligen, Schaffhausen

photo: © Jürg Fausch, Schaffhausen.

La carte blanche à l’artiste schaffhousois Yves Netzhammer d’exposer dans «son» musée a ceci de particulier qu’elle invite, en plus de son installation principale, à (re)découvrir les collections permanentes du Museum zu Allerheiligen, au cœur de la charmante vieille-ville de Schaffhouse. En véritable maître des lieux, l’artiste place ses dessins, ses projections d’animations et ses commentaires sculpturaux, dans, sur, à côté, en regard des joyaux du splendide monastère remontant au 11ème siècle, dans lequel se situe le musée pluridisciplinaire. S’approprier, retravailler, ajouter à une œuvre une strate de sens, questionner nos systèmes visuels et modes de (re) présentation des choses, voici la conception de l’art que Netzhammer privilégie; la réflexion naît toujours de ce qui existe déjà, et ce bien qu’il utilise le moyen d’un monde virtuel et stérile peuplé de figures sans visages. Profondément humaines, cependant, ces figures se meuvent ainsi sur les murs du réfectoire d’hiver gothique du monastère, qui devient pour l’occasion un réflectoire. Une belle occasion pour un voyage au bord du Rhin! Jennifer Burkard

Yves Netzhammer lädt im Museum seiner Heimatstadt mit seiner Ausstellung dazu ein, neben der eigenen Hauptinstallation auch die Dauerausstellungen des Museums zu Allerheiligen, in der charmanten Altstadt von Schaffhausen, (wieder) zu entdecken. In persönlicher Verbundenheit mit dem Ort setzt der Künstler seine Zeichnungen, seine projizierten Computeranimationen und seine skulpturalen Kommentare in, auf, neben und gegenüber den Herzstücken des prächtigen Klosters, in dem sich das Museum befindet und das auf das 11. Jh. zurückgeht. Sich ein Werk anzueignen, es umzuarbeiten, es letztlich umzudeuten, unsere visuellen Systeme und Darstellungsmodi zu hinterfragen, das ist Netzhammers bevorzugte Vorstellung von Kunst; das Denken entsteht aus dem Bestehenden und dies, obwohl er das Medium einer virtuellen und sterilen Welt wählt, das von gesichtslosen Figuren bevölkert wird. Dennoch sind sie zutiefst menschlich und bewegen sich zum Beispiel auf den Wänden des gotischen Winterrefektoriums des Klosters, das zu einem Reflektorium wird. Eine schöne Gelegenheit, um in die Stadt am Rhein zu reisen!

The white card given to Schaffhausen artist Yves Netzhammer for his exhibit at the Museum zu Allerheiligen, his hometown museum, is unique in that in addition to his main installation his work encourages visitors to (re)discover the permanent collection, all within the heart of the charming old town of Schaffhausen. In true mastery of the location, the artist places his drawings, animated projections and sculptural commentary, in, on, next to, and opposite the centrepieces of the splendid monastery, dating back to the 11th century, in which the multidisciplinary museum is located. Appropriating, reworking, ultimately reinterpreting and adding stratums of meaning to, questioning our visual systems and modes of representations, this is the concept of art privileged by Netzhammer. Reflection arises from what is pre-existing even though he employs the medium of a virtual and sterile world populated by faceless figures. These figures, nevertheless unmistakably human, move on the walls of the monastery’s gothic winter refectory, transformed for the occasion into a reflectory. What a wonderful opportunity for a journey to the banks of the Rhine!

Jennifer Burkard

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MUSEUM ZU ALLERHEILIGEN Yves Tell Netzhammer Biografische Versprecher jusqu’au 17 février 2019 Schaffhausen - SWITZERLAND Après de nombreuses expositions à l’étranger, le suisse Yves Netzhammer, (*1970) artiste média et créateur d’installations, présente son travail actuel à Schaffhouse, sa ville natale. Au travers de son langage visuel incomparable, l’artiste s’est fait un nom sur la scène artistique internationale. En 2007, il a par ailleurs représenté la Suisse à la Biennale de Venise.

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Der Schweizer Medien- und Installationskünstler Yves Netzhammer (*1970) zeigt nach zahlreichen Ausstellungen im Ausland sein aktuelles Schaffen in seiner Heimatstadt Schaffhausen. Mit seiner unverkennbaren Formsprache hat er sich im internationalen Kunstgeschehen einen Namen gemacht. 2007 vertrat er die Schweiz an der Biennale von Venedig.

After numerous exhibitions abroad, the Swiss media and installation artist Yves Netzhammer (*1970) is showing his current work in his hometown of Schaffhausen. Netzhammer made a name for himself in the international art scene with his unmistakable visual language. In 2007 he represented Switzerland at the Venice Biennale.

page de gauche - Yves Netzhammer, Biografische Versprecher, 2018 © Yves Netzhammer page de droite - Yves Netzhammer, Biografische Versprecher (Intervention am Kesslerloch, Museum zu Allerheiligen), 2018 © Yves Netzhammer

Qui plonge dans l’univers numérique d’Yves Netzhammer entre dans un monde poétique, parfois inquiétant, de personnages sans visage qui occupent une place importante dans sa nouvelle installation créée spécialement pour l’exposition à Schaffhouse. Projections d’animations multimédia, éléments en mouvement et objets tridimensionnels transforment l’espace en un cosmos d’images multimédia multicouche. Till Eugenspiegel, un bouffon dans la tradition du bas Moyen Âge et alter ego de l’artiste en est le personnage principal. Au travers d’un non-conformisme anarchique, de sagacité et d’espièglerie, il reflète les conditions, les règles et les modalités actuelles de notre société, en prenant sa ville natale pour exemple. Yves Netzhammer intègre également dans son travail les expositions permanentes du Musée de Schaffhouse. Avec des interventions ponctuelles dans tout le musée, il interagit, tantôt concrètement, tantôt métaphoriquement avec les objets de la collection.

Wer in Yves Netzhammers digitales Universum eintaucht, betritt eine poetische, mitunter auch verstörende Welt gesichtsloser Gestalten. Diese prägen auch seine neue, eigens für die Schaffhauser Ausstellung geschaffene Rauminstallation. Projizierte Computer- animationen, bewegte Elemente und dreidimensionale Objekte verwandeln den Raum in einen vielschichtigen multimedialen Bilderkosmos. Als Hauptdarsteller und Alter Ego des Künstlers tritt ein Narr in der Tradition des spätmittelalterlichen Till Eulenspiegels auf. Mit anarchischer Unangepasstheit, und Schalk reflektiert er die Umstände, die gegenwärtigen Regeln und Bedingungen unserer Gesellschaft am Beispiel seiner Heimatstadt. Yves Netzhammer bindet auch die Dauerausstelllungen des Schaffhauser Universalmuseums in seine Arbeit ein. Mit punktuellen Interventionen im ganzen Haus reagiert er - mal konkret, mal metaphorisch - auf die Objekte der Sammlung.

Upon diving into Yves Netzhammer’s digital universe, we enter a poetic, sometimes disturbing world of faceless figures. These also feature prominently in his new installation created specifically for the exhibition in Schaffhausen. Projected computer animations, articulated elements, and three-dimensional objects transform the space into a multilayered cosmos of images. The main character and alter ego of the artist is a jester in the tradition of the late medieval character Till Eulenspiegel. With anarchic nonconformity, ingenuity, and a sly sense of humor, he reflects on the circumstances, current rules, and conditions of our society using the example of his hometown. Yves Netzhammer has also integrated the permanent exhibitions at the universal museum in Schaffhausen into his work. With interventions at points throughout the museum, he reacts - sometimes concretely, sometimes metaphorically - to the objects in the collection.

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Château de chillon L’Eau à la bouche - Boire et manger au Moyen Âge jusqu’au 28 avril 2019 veytaux - SWITZERLAND Du 14 septembre 2018 au 28 avril 2019, la Fondation du Château de Chillon présente sa nouvelle exposition « L’Eau à la bouche - Boire et manger au Moyen Âge ». Au menu: des installations et des objets patrimoniaux inédits, comme le banquet aristocratique, des visites guidées spécifiques et gourmandes, un cycle de visites-conférences élaborées par des spécialistes autour du boire et du manger au Moyen Âge ainsi que des événements autour des boissons, dont le vin et la bière, et de la gastronomie médiévale.

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Bis zum 28. April 2019 präsentiert die Schloss Chillon Stiftung ihre neue Sonderausstellung: „Lecker! Essen und Trinken im Mittelalter“. Auf dem Menü stehen: neue und noch nie ausgestellte Installationen und Kulturgüter, sowie die Nachstellung eines adligen Gelages, Führungen durch die Ausstellung speziell für Feinschmecker, ein Konferenzzyklus mit Fachpersonen zum Thema Essen und Trinken im Mittelalter sowie weitere Anlässe rund um die mittelalterlichen Getränke, (z.B. Bier und Wein) und die mittelalterliche Gastronomie.

Chillon Castle Foundation (Fondation du Château de Chillon - FCC) presents its latest exhibition ‘Mouthwatering - Eating and drinking in the Middle Ages’, from September 14th, 2018 until April 28th, 2019. On the menu: unseen installations and heritage items, such as an aristocratic banquet, special gastronomic guided tours, a cycle of conference-tours put together by specialists, along with medieval drinks, like wine and beersand food-based events.

photo page de gauche - visuel de l’exposition «L’Eau à la bouche - Boire et manger au Moyen Âge» au Château de Chillon, photo © Château de Chillon photo page de droite - photo de gauche - Alexander and the Niece of Artaxerxes III, Maître du Jardin de vertueuse consolation, Livre des fais d’Alexandre de grant, 1470 - 1475, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles photo page de droite - photo de droite - Tondal Suffers a Seizure at Dinner, Simon Marmion, 1475, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles

Boire et manger au Moyen Âge à Chillon Au travers de cette exposition le château de Chillon™ vous propose de découvrir l’histoire médiévale de la table, ainsi que les us et coutumes alimentaires de la cour de Savoie et à Chillon, du XIIIe au XVe siècle. Au coeur d’une muséographie innovante et ludique et à travers des objets du passé, le public se familiarise avec les pratiques ancestrales de Maître Chiquart, le fameux cuisinier du duc Amédée VIII de Savoie. Quelles étaient ses recettes secrètes ? Dans son ouvrage Du fait de cuisine, rédigé en 1420, des listes gargantuesques d’ingrédients font comprendre qu’au Moyen Âge, il était inopportun de compter les calories, à la table seigneuriale, lors de ripailles: 2000 têtes de volailles, 6000 oeufs, 130 moutons, moult chevreuils, beaucoup de lièvres, suffisamment de dauphins, de turbots et de saumons, des kilos de safran, le tout agrémenté de vin à foison…

Essen und Trinken im mittelalterlichen Chillon Mit dieser Ausstellung lädt Sie das Schloss Chillon™ dazu ein die Geschichte der mittelalterlichen Ess- und Trinkkultur sowie die Ernährungsgewohnheiten des savoyischen Hofs in Chillon im 13. und 15. Jahrhundert kennen zu lernen. Eine innovative und spielerische Ausstellungsgestaltung sowie historische Gegenstände erlauben es den Besucherinnen und Besuchern unter anderem, die Arbeit und Person von Maître Chiquart - dem berühmten Hofkoch von Herzog Amadeus VIII. von Savoyen - zu entdecken. Was waren seine Geheimrezepte? In seinem Buch „Du fait de cuisine“ von 1420 finden sich enorme Einkaufslisten, die zeigen, dass während der mittelalterlichen Gelage keine Kalorien gezählt wurden. Auf den Listen finden sich beispielsweise 2000 Stück Geflügel, 6000 Eier, 130 Schafe, zahlreiche Rehe, viele Feldhasen, genügend Delfine, Steinbutte und Lachse, mehrere Kilogramm Safran, das Ganze mit reichlich Wein begossen…

Eating and drinking in the Middle Ages at Chillon Through this exhibition the Chillon™ Castle is giving you the chance to discover the history of the medieval dinner table, as well as the habits and customs at the heart of the Savoyard court, and at Chillon, from the 13th to 15th centuries. At the heart of this innovative and entertaining museum theme, through items from the past, visitors will familiarise themselves with the ancestral practices used by Master Chiquart, the famous chef to Duke Amadeus VIII of Savoy. What were his secret recipes? In his work “On Cooking” (Du fait de cuisine), written in 1420, gargantuan lists of ingredients demonstrate that, in the Middle Ages, they certainly did not count calories when it came to feasts: 2,000 poultry heads, 6,000 eggs, 130 sheep, plenty of venison, a handful of hares, ample dolphins, turbot and salmon, kilos of saffron, all with a hearty helping of wine.

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Les tempérants et les intempérants, Master of the Dresden Prayer Book, Faits et dits mémorables des romains 1475 - 1480, The J. Paul Getty Museum, Los Angeles

Les objets patrimoniaux phares Unique au monde et prêté exceptionnellement par la Médiathèque du Valais, le seul manuscrit conservé de «Du fait de cuisine» en fascinera plus d’un. De nombreux objets précieux ponctuent la visite dans cet espacetemps surprenant, telles que des pièces issues de fouilles archéologiques menées au château de Chillon™ à la fin du XIXe siècle. Couverts et vaisselle, registres, manuscrits, monnaies et batterie de cuisine sont mis à disposition par nos institutions partenaires commele Musée de Cluny (FR), le Musée des Arts de la Table (FR), les Archives d’État de Turin (IT), la Stiftsbibliothek à Einsiedeln (CH), le Musée Cantonal d’Archéologie et d’Histoire (CH), le Musée Monétaire Cantonal (CH) et les Archives Cantonales Vaudoises (CH).

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seltene Kulturgüter Das einzige noch erhaltene Manuskript „Du fait du cuisine“, das ausnahmsweise von der Mediathek Wallis ausgeliehen wurde, wird das Publikum zweifellos faszinieren. Viele wertvolle Gegenstände begleiten das Publikum auf der Reise durch die mittelalterliche Genusswelt. Dazu zählen Objekte, die während der archäologischen Ausgrabungen gefunden wurden, die Ende des 19. Jahrhunderts in Chillon stattfanden. Daneben sind auch Geschirr und Besteck, alte Verzeichnisse und Handschriften, Münzen und Küchenausstattungen zu sehen, die vom Museum für Tischsitten, dem Staatsarchiv in Turin, der Stiftsbibliothek Einsiedlen, dem kantonalen Museum für Archäologie und Geschichte, dem kantonalen Münzmuseum und dem Waadtländer Kantonsarchiv zur Verfügung gestellt werden.

Major heritage items One-of-a-kind, and as a one-off loan from the Médiathèque du Valais library, the only preserved manuscript of “On Cooking” (Du fait de cuisine) is sure to fascinate the world over. This surprising tour through time and space is punctuated by numerous precious objects, such as items from archaeological digs carried out at Chillon Castle at the end of the 19th century. Cutlery and tableware, registers, manuscripts, coins and kitchen utensils are will all be put on display by our partner institutions, which include the Cluny Museum (FR), the French Museum of Table Art (FR), Turin State Archives (IT), the Stiftsbibliothek in Einsiedeln (CH), the Cantonal Museum of Archaeology and History (CH), the Cantonal Monetary Museum (CH) and the Vaud Cantonal Archives (CH).

Des parcours alléchants pour adultes et enfants Nos visiteurs, petits et grands, apprendront pourquoi les enfants buvaient du vin, pourquoi les nobles répugnaient à manger du panais mais ne refusaient pas du cygne et pourquoi les gens du peuple consommaient des oignons et non pas du cerf… Un parcours pour les 8 à 12 ans (en français, allemand et anglais) enrichira la visite en famille ! Cerise sur le gâteau: une reconstitution d’un festin organisé en l’honneur de l’union de Louis de Savoie, comte de Genève et d’Anne de Lusignan, princesse de Chypre. Eva Pibiri, commissaire scientifique de l’exposition, auteure du catalogue et docteure en histoire à l’Université de Lausanne souligne: « Au sein de la société du bas Moyen Âge, l’essor de la gastronomie et du banquet deviennent des marqueurs essentiels de la distinction sociale. » Les thématiques de l’exposition mettent ainsi en lumière quelle nourriture différenciait les trois ordres de la société médiévale : oratores, (ceux qui prient) bellatores (ceux qui guerroient) et laboratores (ceux qui travaillent).

Leckere Rundgänge für Gross und Klein Zusammen brechen die kleinen und die grossen Besucherinnen und Besucher auf, zu lernen, weshalb die Kinder im Mittelalter Wein tranken, weshalb die Adligen keine Pastinaken essen wollten, Schwan aber als Delikatesse galt, und weshalb die Leute aus dem Volk Zwiebeln assen, aber keine Hirsche… Geheiratet haben Ludwig von Savoyen, der Graf von Genf, und Anne von Lusignan, die Prinzessin von Zypern. Eva Pibiri, die wissenschaftliche Kuratorin der Ausstellung, Autorin des Ausstellungskatalogs und Dozentin für Geschichte an der Universität Lausanne, unterstreicht: „In der hochmittelalterlichen Gesellschaft wurden die Kulinarik und die Gelage zu einer Art, sich gesellschaftlich von den übrigen Schichten abzuheben.“ Die verschiedenen Module der Ausstellungen zeigen denn auch, wie die Ernährung die drei grossen gesellschaftlichen Gruppen voneinander unterschied: die oratores (diejenigen, die beten), die bellatores (diejenigen, die kriegen) und die laboratores (diejenigen, die arbeiten).

Enticing children’s and adults’ trails Little and big visitors will understand why children drank wine, why the nobility were repulsed by parsnips but happy to eat swan, and why commoners ate onions and not deer... All children (812 years old) will receive a little booklet and will head out on our trail for a fun, enriching quest. The cherry on the cake: a remake of a feast organised in honour of union between Louis of Savoy, Count of Geneva, and Anne of Lusignan, Princess of Cyprus. Eva Pibiri, scientific curator of the exhibit, catalogue author and Doctor of History from the University of Lausanne highlights that: “At the heart of society in the late Middle Ages, the rise of gastronomy and banqueting became an essential marker of social distinction.” The exhibition modules bring to light the food that distinguished the three orders of medieval society: oratores (those who pray), bellatores (those who fight) and laboratores (those who work).

château de chillon

L’Eau à la bouche - Boire et manger au Moyen Âge. - Du 14 septembre 2018 au 28 avril 2019 Lecker! Essen und Trinken im Mittelalter - vom 14. september 2018 Bis zum 28. April 2019 Mouthwatering - Eating and drinking in the Middle Ages - from september 14th, 2018 until april 28th,2018 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 46

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L’ aliment a un visage

The faces behind food Nahrung hat ein Gesicht Thème annuel mars 2018 - 2019 Alimentarium Musée de l’alimentation Quai Perdonnet 25 CH - 1800 Vevey www.alimentarium.org

ma alim 18 TA Rivierart 195x125 Exe.indd 11

05.04.18 15:33 rivierart

Fondation beyeler Balthus du 2 septembre 2018 au 1er janvier 2019 Basel - SWITZERLAND Avec l’exposition Balthus, la Fondation Beyeler présente l’un des derniers grands maîtres de l’art du 20e siècle, également l’un des artistes les plus singuliers et les plus controversés de l’art moderne. Cette présentation d’envergure, dont la planification a débuté en milieu d’année 2016, prend pour point de départ l’oeuvre majeure Passage du Commerce-Saint-André (1952 - 1954), qui se trouve à la Fondation Beyeler depuis de nombreuses années en tant que prêt permanent d’une importante collection privée suisse. Dans son travail aux facettes et aux lectures multiples, vénéré par certains et rejeté par d’autres, Balthus, de son vrai nom Balthasar Klossowski de Rola (1908 - 2001), trace une voie artistique alternative, voire opposée aux courants des avantgardes modernes et des représentations que l’on peut s’en faire. Dans cette voie solitaire, le peintre excentrique se réfère à un large éventail de prédécesseurs et de traditions artistiques allant de Piero della Francesca à Poussin, Füssli, Courbet et Cézanne. Mais un examen plus attentif révèle aussi les impulsions de certains courants artistiques modernes, notamment la Nouvelle Objectivité ou le Surréalisme, qui offrent un contexte aux stratégies parfois provocatrices de mise en scène picturale de Balthus et aux dimensions abyssales et insondables de son art. Sa distanciation fondamentale du modernisme, démarche que l’on peut presque qualifier de postmoderne, mène pourtant Balthus à développer une forme toute personnelle d’avant-garde, qui apparaît d’autant plus pertinente aujourd’hui. Balthus s’affirme en effet comme l’artiste de la contradiction et du trouble, dont les oeuvres à la fois sereines et fébriles font se rencontrer des contraires qui mêlent de manière unique la réalité et le rêve, l’érotisme et la candeur, l’objectivité et le mystère, le familier et l’étrange. Dans ce jeu de contrastes, Balthus combine des motifs de la tradition artistique à des éléments empruntés aux illustrations populaires de livres pour enfants du 19e siècle. Ses tableaux sont empreints d’ironie tant implicite qu’explicite, réfléchissant et s’interrogeant par là sur les possibilités et les impossibilités figuratives et esthétiques de l’art du 20e siècle et au-delà.

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Mit der Ausstellung Balthus präsentiert die Fondation Beyeler einen der letzten grossen Meister der Kunst des 20. Jahrhunderts, der zugleich zu den singulärsten und kontroversesten Künstlern der Moderne zählt. Ausgangspunkt für diese umfangreiche Präsentation, die seit Mitte 2016 in Planung ist, bildet Balthus’ Hauptwerk Passage du Commerce-SaintAndré von 1952 bis 1954, das sich als Dauerleihgabe einer grossen Schweizer Privatsammlung seit vielen Jahren in der Fondation Beyeler befindet. In seinem facettenreichen und mehrdeutigen Schaffen, das ebenso Verehrung wie Ablehnung erfährt, verfolgt Balthus, mit vollem Namen Balthasar Klossowski de Rola (1908 - 2001), einen künstlerischen Weg, der alternativ, ja geradezu entgegengesetzt zu den Entwicklungen moderner Avantgarden und den gängigen Vorstellungen davon verläuft. In dieser Abkehr bezieht sich der exzentrische Maler auf eine Vielzahl kunsthistorischer Traditionen und Vorläufer, die von Piero della Francesca über Poussin bis hin zu Füssli, Courbet und Cézanne reichen. Zugleich sind bei näherer Betrachtung aber auch Impulse moderner Kunstbewegungen, namentlich etwa der Neuen Sachlichkeit sowie des Surrealismus auszumachen, in deren Kontext sich Balthus’ teilweise provokante Bildinszenierungen und damit die abgründige Dimension seiner Kunst einordnen lassen. In seiner beinahe als postmodern zu beschreibenden, grundsätzlichen Distanzierung von der Moderne entwickelt er jedoch zugleich seine ganz eigene Form von Avantgarde, die heute umso zeitgenössischer erscheint. Tatsächlich erweist sich Balthus als Künstler des Widerspruchs und der Irritation, in dessen ebenso ruhevollen wie spannungsreichen Werken Gegensätze aufeinandertreffen, die Wirklichkeit und Traum, Erotik und Unbefangenheit, Sachlichkeit und Rätselhaftigkeit sowie Vertrautes und Unheimliches auf einzigartige Weise verbinden. Insbesondere in dieser Kontrastsetzung kombiniert Balthus Motive der Kunsttradition mit Elementen populärer Kinderbuchillustrationen des 19. Jahrhunderts. So sind seine Bilder auch fortwährend von expliziten und impliziten Aspekten der Ironie durchdrungen und reflektieren und befragen nicht zuletzt auf diesem Weg darstellerische und ästhetische Möglichkeiten und Unmöglichkeiten der Kunst des 20. Jahrhunderts und darüber hinaus.

With its Balthus exhibition, the Fondation Beyeler presents one of the last great masters of twentieth-century art, and also one of modern art’s most singular and controversial exponents. This extensive presentation, which has been in planning since mid-2016, takes as its starting point Balthus’ key work Passage du Commerce-Saint-André (1952 - 1954), which has been on permanent loan from a major Swiss private collection to the Fondation Beyeler for many years. With his multifaceted and ambiguous oeuvre, which has prompted both reverence and rejection, Balthasar Klossowski de Rola (1908 - 2001), known as Balthus, pursued an artistic path running distinct from, or even counter to, the currents of modernist avant-gardes and our established notions thereof. On this solitary path, the eccentric painter drew on a number of art historical traditions and predecessors, ranging from Piero della Francesca to Poussin, Füssli, Courbet and Cézanne. Yet closer consideration also reveals some affinities with modern artistic movements, namely the Neue Sachlichkeit (New Objectivity) and Surrealism. These provide a context in which to view Balthus’ at times provocative images and their cryptic and unfathomable quality. Yet with his fundamental dissociation from modernism, which might almost be termed postmodern, he developed his very own form of avant-garde, which appears all the more contemporary today. Balthus is an artist of contradiction and disturbance. In his paintings, both serene and tense, opposites meet, uniquely blending the real and the dreamlike, the erotic and the candid, the matter-of-fact and the enigmatic, the familiar and the uncanny. Playing with these contrasts, Balthus combined traditional artistic motifs with elements derived from illustrations in popular nineteenth-century children’s books. His images are infused with irony, both explicit and implicit, which is one of the ways they reflect and question the representational and aesthetic possibilities and impossibilities of art in the 20th century and beyond. Balthus himself was defined by paradox.

Les paradoxes s’étendent aussi à la personne de Balthus, qui dans un geste de modestie tenait à être considéré comme un « artisan » tout en adoptant la posture et le statut de l’aristocrate intellectuel cultivant des liens étroits avec de grands philosophes, écrivains, gens de théâtre et cinéastes de son temps. Sa longue vie, qui a coïncidé avec la quasi-totalité du 20e siècle, a ainsi oscillé constamment entre ascèse et mondanité. L’artiste entretenait des liens étroits avec la Suisse. Il a passé son enfance à Berne, Genève et Beatenberg, épousé la Bernoise Antoinette de Watteville et vécu avec elle en Suisse romande et alémanique. Les dernières décennies de sa vie ont eu pour cadre l’imposant Grand Chalet à Rossinière. Depuis les années 1930, une profonde amitié le liait par ailleurs à Alberto Giacometti, artiste pour lequel Balthus avait la plus haute estime.

Paradoxe zeichnen auch die Person Balthus aus, der sich als Künstler in einem Gestus der Bescheidenheit a priori als „Handwerker“ verstanden wissen wollte und zugleich die Pose und den Status des intellektuellen Aristokraten einnahm, der im engen Austausch mit grossen Philosophen, Literaten, Theaterleuten und Filmschaffenden seiner Zeit stand. So changierte sein langes, nahezu das gesamte 20. Jahrhundert durchlaufendes Leben fortwährend zwischen Askese und Mondänität. Den Künstler verband eine enge Beziehung zur Schweiz. Er verbrachte seine Kindheit in Bern, Genf und Beatenberg, heiratete die Bernerin Antoinette de Watteville und lebte mit ihr in der französischen wie deutschen Schweiz. Im imposanten Grand Chalet in Rossinière verbrachte er schliesslich die letzten Jahrzehnte seines Lebens. Auch verband ihn seit den 1930erJahren eine tiefe Freundschaft mit Alberto Giacometti, den Balthus als Künstler überaus schätzte.

As an artist, in a gestus of modesty, he sought to be viewed as a “craftsman”, while at the same time adopting the stance and status of an intellectual aristocrat nurturing close relationships with leading philosophers, writers, theatre professionals and filmmakers of his day. His long life, which spanned almost the entire 20th century, thus continuously shifted between asceticism and worldliness. The artist had close ties to Switzerland. He spent his childhood years in Bern, Geneva and Beatenberg, his first wife Antoinette de Watteville was Bernese, and together they lived in both French- and German-speaking Switzerland. The last decades of his life were spent in the imposing Grand Chalet in Rossinière. In the 1930s, he became close friends with Alberto Giacometti, whose art he greatly admired. Balthus, Passage du Commerce-Saint-André, 1952–1954, Huile sur toile, 294 x 330 cm, Collection privée, © Balthus, Photo : Mark Niedermann

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L’exposition rétrospective de la Fondation Beyeler est la première qu’un musée suisse consacre à Balthus depuis dix ans. C’est aussi la première présentation d’envergure de son travail en Suisse alémanique. L’exposition réunit 40 tableaux clé de toutes les phases de sa carrière, des années 1920 aux années 1990. À travers cette sélection, c’est pour ainsi dire la quintessence de l’oeuvre de Balthus que découvrira le visiteur, fruit d’une carrière très longue qui n’aura pourtant produit que quelque 350 travaux. Parmi les temps forts de l’exposition figurent entre autres des toiles telles La Rue (1933), scène de rue parisienne avec des figures mystérieuses paraissant comme figées dans leurs poses sur une scène de théâtre. Cette suspension qui frappe les actions des personnages dans les oeuvres de Balthus est aussi apparente dans Les Enfants Blanchard (1937), acquis en 1941 par Pablo Picasso, avec lequel Balthus entretenait une relation amicale. La Jupe blanche (1937) est probablement le plus beau portrait réalisé par Balthus de sa première épouse Antoinette de Watteville. Le Roi des chats (1935) est un rare autoportrait dans lequel Balthus, alors âgé de 27 ans, se figure avec un maintien assuré sous les traits d’un dandy élégant accompagné d’un chat. Les chats jouent un rôle important dans la vie et dans l’oeuvre de Balthus: ils apparaissent régulièrement dans ses tableaux, souvent en tant qu’alter ego de l’artiste. Avec La Partie de cartes (1948–1950), toile rarement prêtée, l’exposition présente une oeuvre à la tension ensorcelante. Le portrait Thérèse rêvant (1938), qui a récemment fait l’objet d’une attention internationale, fait également partie de l’exposition. C’est l’un des exemples les plus précoces et célèbres des représentations caractéristiques de Balthus de jeunes filles au seuil de l’âge adulte, qui recèlent une tension difficile à cerner entre insouciance enfantine et érotisme séducteur. Le monumental Passage du Commerce-Saint-André (1952 - 1954) condense de manière particulièrement forte le souci intense du peintre de rendre visibles les dimensions de l’espace et du temps et de révéler leur rapport avec les figures et les objets – aspects fondamentaux de son art. Présentées dans le cadre de la Fondation Beyeler, les oeuvres de Balthus apparaissent comme les représentantes d’un modernisme qu’on pourrait dire « autre » tant elles opèrent en véritable contrepoint à la notion de modernisme qui a guidé Ernst et Hildy Beyeler dans leur activité de collectionneurs.

Die retrospektiv angelegte Ausstellung in der Fondation Beyeler ist die erste zu Balthus’ Werk in einem Schweizer Museum seit zehn Jahren und die erste umfangreiche Präsentation seines Schaffens in der deutschsprachigen Schweiz überhaupt. In ihr sind 40 zentrale Gemälde aus sämtlichen Schaffensphasen des Künstlers von den 1920er-Jahren bis in die 1990er-Jahre vereint, die gleichsam die Quintessenz von Balthus’ langem, dennoch aber nur rund 350 Werke umfassendem malerischen OEuvre vor Augen führen. Zu den Höhepunkten der Ausstellung gehören unter anderem Gemälde wie La Rue von 1933, das eine Pariser Strassenszene darstellt, in der rätselhafte Figuren wie auf einer Theaterbühne in ihren Posen erstarrt erscheinen. Dieser Stillstand, den Handlungen in Balthus’ Werken erfahren, wird auch in Les Enfants Blanchard von 1937 bildlich, das 1941 von Pablo Picasso erworben wurde, mit dem Balthus befreundet war. La Jupe blanche von 1937 ist das wohl schönste Porträt, das Balthus von seiner ersten Ehefrau Antoinette de Watteville gemalt hat. Le Roi des chats von 1935 ist eines der seltenen Selbstbildnisse, in dem sich der damals 27-jährige Balthus in einer selbstsicheren Haltung als eleganter Dandy mit Katze präsentiert. In Balthus’ Leben und Werk spielen Katzen eine wichtige Rolle. Immer wieder tauchen sie in seinen Gemälden auf, nicht selten als Alter Ego des Künstlers. Mit La Partie de cartes (1948–1950) zeigen wir ein besonders spannungsgeladenes Werk, das nur selten ausgeliehen wird. Zu sehen ist auch das Porträt Thérèse rêvant von 1938, das in jüngster Zeit international Aufsehen erregt hat. Es ist eines der ersten und prominentesten Beispiele für Balthus’ charakteristische Darstellungen von Mädchen an der Schwelle zum Erwachsenwerden, die eine schwer fassbare Spannung zwischen kindlicher Unbekümmertheit und verführerischer Erotik bergen. Im monumentalen Passage du Commerce-SaintAndré (1952 - 1954) verdichtet sich in besonderem Masse Balthus’ intensive und weitreichende künstlerische Beschäftigung mit der Visualisierung von räumlichen wie zeitlichen Dimensionen und deren Verhältnis zu Bildfigur und -objekt - Grundaspekte von Balthus’ OEuvre. Im Kontext ihrer Präsentation in der Fondation Beyeler bilden Balthus’ Werke als Vertreter einer gleichsam „anderen“ Moderne einen regelrechten Kontrapunkt zu jenem Begriff der Moderne, der Ernst und Hildy Beyeler bei ihrer Sammeltätigkeit leitete, und erweitern und vervollständigen somit in gewisser Weise die Perspektive auf die moderne Kunst innerhalb des Museums.

The Fondation Beyeler’s retrospective is the first exhibition devoted to Balthus by a Swiss museum in a decade and the first-ever extensive presentation of his work in German-speaking Switzerland. Featuring 40 key paintings from all periods of the artist’s career, from the 1920s to the 1990s, it seeks to convey the very essence of an oeuvre that, though spanning a long period of time, comprises no more than some 350 pictures. Highlights of the exhibition include paintings such as La Rue (1933), a Parisian street scene in which enigmatic figures appear as if frozen in their poses on a theatre stage. This standstill to which movements and activities appear to have been brought in Balthus’ works also becomes apparent in Les Enfants Blanchard (1937), which was acquired in 1941 by Pablo Picasso, a friend of the artist. La Jupe blanche (1937) is probably the most beautiful portrait painted by Balthus of his first wife Antoinette de Watteville. Le Roi des chats (1935) is a rare self-portrait, which shows the 27-year-old Balthus as a poised and elegant dandy with a cat at his feet. Cats played an important role in Balthus’ life and work, repeatedly appearing in his paintings, often as the artist’s alter ego. La Partie de cartes (1948–1950), a rare loan, is a particularly unnerving work. The exhibition also features Thérèse rêvant (1938), which has recently been the focus of much international attention. It is one of the earliest and most prominent examples of Balthus’ characteristic depictions of young girls on the threshold to adulthood, which harbour an elusive tension between childlike insouciance and seductive eroticism. The monumental Passage du Commerce-Saint-André (1952 - 1954) condenses to a particular degree fundamental aspects of Balthus’ art - his far-reaching, intensely probing engagement with visualising the dimensions of space and time and their relation to figures and objects. Seen in the context of their presentation at the Fondation Beyeler, Balthus’ works officiate as representatives of an “other” modernism and offer a veritable counterpoint to the conception of modernism that guided the collecting activity of Ernst and Hildy Beyeler. As such, they expand and complement the vision of modern art conveyed by our museum.

fondation beyeler balthus - du 2 septembre 2018 au 1er janvier 2019 balthus - vom 2. september 2018 bis zum 1. januar 2019 balthus - from september 2nd, 2018 until january 1st, 2019 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 49

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Elles élargissent et complètent ainsi d’une certaine façon la vision de l’art moderne que propose notre musée. Bien que Balthus ne soit pas représenté dans la collection du couple Beyeler, plusieurs oeuvres importantes de l’artiste ont été vendues ou entremises par leur galerie, dont la scandaleuse et légendaire Leçon de guitare (1934), Jeune fille à la fenêtre (1957) et la version des Trois Soeurs peinte en 1964. Exposer Balthus est un défi particulier pour un musée. Aujourd’hui encore, l’artiste est fréquemment associé à ses représentations de jeunes filles et de jeunes femmes qui continuent à provoquer parfois un certain malaise chez les spectateurs et à susciter des débats sur les limites de la représentation artistique. En novembre 2017, l’importante toile Thérèse rêvant (1938) a provoqué un scandale public au Metropolitan Museum of Art de New York lorsqu’une pétition lancée en ligne a exigé son décrochage ou sa recontextualisation en raison des connotations érotiques de l’image. Malgré l’écho important rencontré par la pétition, le Metropolitan Museum a décidé de laisser en place l’oeuvre contestée. En pleine controverse, le tableau nous parvient donc aujourd’hui sous de nouveaux auspices en tant que symbole d’un débat culturel ravivé. La présente rétrospective Balthus doit elle aussi être l’occasion d’un débat et d’une réflexion sur les possibilités et les fonctions de l’art. Obgleich Balthus nicht in der Sammlung des Ehepaars Beyeler vertreten ist, sind mehrere bedeutende Werke des Künstlers über ihre Galerie verkauft und vermittelt worden, darunter das skandalös-legendäre Gemälde La Leçon de guitare von 1934 sowie Jeune fille à la fenêtre von 1957 und die 1964 entstandene Version von Les Trois Soeurs. Eine Ausstellung zu Balthus stellt für ein Museum eine besondere Herausforderung dar. Bis heute wird der Künstler oft mit seinen Darstellungen junger Mädchen und Frauen assoziiert, deren Anblick beim Publikum immer wieder Unbehagen und dementsprechende Debatten über künstlerische und darstellerische Grenzen ausgelöst hat und auslöst. So sorgte in jüngster Vergangenheit Balthus’ bedeutendes Gemälde Thérèse rêvant von 1938 im Metropolitan Museum of Art in New York für öffentliche Aufregung, als im November 2017 in einer Online-Petition aufgrund der erotischen Konnotation des Bildes dessen Abhängung beziehungsweise Neukontextualisierung gefordert wurde. Obgleich die Petition auf breite Resonanz stiess, liess das Metropolitan Museum das umstrittene Werk hängen. Inmitten dieser Kontroverse reist das Gemälde nun unter veränderten Vorzeichen bei uns an und erlangt Symbolstatus für eine wieder entfachte Kulturdebatte. Though Balthus is not represented in the Beyelers’ collection, several major works of the artist were sold by or via the Beyelers’ gallery, among them the legendarily scandalous La Leçon de guitare (1934), Jeune fille à la fenêtre (1957) and the 1964 version of Les Trois Soeurs. A Balthus exhibition presents a museum with special challenges. To this day, the artist is often associated with his depictions of young girls and women, eliciting unease and triggering debates about the limits of art and representation. In November 2017, Balthus’ major painting Thérèse rêvant (1938) caused a public outcry at the Metropolitan Museum of Art in New York when an online petition demanded for the picture to be removed from view or recontextualised on account of its erotic connotations. Despite widespread support for the petition, the museum decided to leave the contentious work on display. In the midst of this controversy, the painting is now reaching us under new auspices as the symbol of a newly ignited cultural debate.

photo du haut - Balthus, Thérèse, 1938, Huile sur carton sur bois, 100.3 x 81.3 cm, The Metropolitan Museum of Art, New York, Légué par Mr. et Mrs. Allan D. Emil, en l’honneur de William S. Lieberman, 1987, © Balthus, Photo: The Metropolitan Museum of Art/Art Resource/Scala, Florence photo du bas - Balthus, Le Roi des chats, 1935, Huile sur toile, 78 x 49,7 cm, Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne, Donation de la Fondation Balthus Klossowski de Rola, 2016, © Balthus, Photo: Etienne Malapert, Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne rivierart

L’art est tout particulièrement porteur d’ambiguïté et de perspectives multiples sur le monde. Pardelà le bon et le beau, cela inclut également les aspects insondables, déroutants, déplaisants ou provocateurs de l’imaginaire et de la condition humaine dans sa vérité. Cette complexité et cette richesse qui sont non seulement celles de l’art mais celles du monde en général, c’est précisément aux musées qu’il incombe de les explorer et d’en être les médiateurs critiques, afin d’inciter le spectateur à l’exercice de la pensée et du questionnement. Dans ses multiples facettes, l’oeuvre de Balthus apporte une contribution importante à cette dimension réflexive essentielle de l’art en tant que forme d’expression libre. L’exposition est accompagnée d’un important programme de médiation artistique qui inclut entre autres une table ronde réunissant des intervenants de haut niveau et des visites guidées spéciales le dimanche suivies de discussions. Un mur de commentaires dans le musée présentera les voix de défenseurs et de détracteurs de Balthus et permettra aussi aux visiteurs d’y exprimer leur opinion. Dans les salles d’exposition, des médiateurs artistiques se tiendront à la disposition du public pour dialoguer. Pour réaliser cette grande rétrospective, la Fondation Beyeler a pu s’assurer un grand nombre de prêts inestimables de musées au rayonnement international dont le Metropolitan Museum of Art et le Museum of Modern Art à New York, le Centre Pompidou à Paris, le Hirshhorn Museum à Washington et la Tate à Londres. De nombreuses oeuvres majeures en provenance de collections privées européennes, américaines et asiatiques, auxquelles le public n’a normalement pas ou peu accès, feront pour certaines leur première apparition en public. Le catalogue de l’exposition propose des textes instructifs des historiens de l’art Olivier Berggruen, Yves Guignard et Juan Ángel López-Manzanares portant sur la vie et l’oeuvre de l’artiste. Beate Söntgen, professeure d’histoire de l’art, consacre un article aux représentations de jeunes filles de Balthus. C’est également sur ce sujet largement débattu que se penche le texte de Michiko Kono, qui traite des figures féminines dans les oeuvres de Balthus. Raphaël Bouvier discute dans son article des divers aspects de la dimension temporelle qui s’ouvrent dans la conception artistique de Balthus et auxquels il donne forme dans l’ensemble de son oeuvre.

Auch diese Balthus-Retrospektive soll zu Diskussion und Reflexion über die Möglichkeiten und Funktionen der Kunst anregen. So zeichnet sich Kunst in besonderem Masse durch Ambivalenz und eine Vielfalt von Perspektiven auf die Welt aus, die jenseits des Guten und Schönen auch abgründige, unkonventionelle, irritierende und provokative Aspekte mit einschliessen, die ebenso zur Fantasie des Menschen und zur Wahrheit des menschlichen Daseins gehören. Dieser Facettenreichtum nicht nur der Kunst, sondern der Welt überhaupt muss gerade im Museum erschlossen und kritisch vermittelt werden, um den Betrachter zum Nachdenken und zu Fragen anzuregen. Gerade die Vielschichtigkeit von Balthus’ Werk leistet einen wichtigen Beitrag zu dieser essentiellen reflexiven Dimension der Kunst als freie Ausdrucksform. Die Ausstellung wird von einem umfassenden Vermittlungsangebot begleitet. Dieses reicht von einer hochkarätig besetzten Podiumsdiskussion bis zu Sonntagsführungen, in deren Anschluss die Gelegenheit zu Diskussion und Gespräch besteht. Eine Kommentarwand im Museum wird Stimmen Pro und Contra reflektieren und auch dem Besucher ermöglichen, sich einzubringen. In den Museumsräumen werden Kunstvermittler den Besuchern als Gesprächspartner zur Verfügung stehen. Für die umfangreiche Retrospektive konnte die Fondation Beyeler eine Vielzahl von wertvollen Leihgaben international bedeutender Museen gewinnen, darunter das Metropolitan Museum of Art und das Museum of Modern Art in New York, das Centre Pompidou in Paris, das Hirshhorn Museum in Washington und die Tate in London. Zahlreiche bedeutende Werke aus europäischen, amerikanischen und asiatischen Privatsammlungen, die der Öffentlichkeit sonst nicht oder nur selten zugänglich sind, werden in der Ausstellung zum Teil zum ersten Mal zu sehen sein. Der Ausstellungskatalog bietet aufschlussreiche Texte der Kunsthistoriker Olivier Berggruen, Yves Guignard und Juan Ángel López-Manzanares rund um das Leben und Wirken des Künstlers. Beate Söntgen, Professorin für Kunstgeschichte, setzt sich mit den Mädchenbildern von Balthus auseinander. Diesem viel diskutierten Thema widmet sich ebenfalls Michiko Konos Text, der die weiblichen Figuren in seinen Werken thematisiert. Raphaël Bouvier zeigt in seinem Artikel die vielfältigen Aspekte der Zeit, die sich in Balthus’ künstlerischer Konzeption eröffnen und in seinem gesamten Schaffen anschaulich werden.

This Balthus retrospective also seeks to foster discussion and reflection on the possibilities and the functions of art. Art operates in the realm of ambiguity. It provides a plurality of perspectives, which go beyond the good and the beautiful to encompass such equally valid aspects of human existence and imagination as the unfathomable, the unconventional, the disturbing and the provocative. It falls to museums in particular to explore and critically mediate this complexity of both art and the world as such in order to encourage viewers to reflect and question things. In its very intricacy and multidimensionality, Balthus’ work makes an important contribution to the essential reflexive dimension of art as a free form of expression. The exhibition is framed by a comprehensive art mediation programme, featuring among others a distinguished panel discussion and special Sunday tours offering room for conversation. A comments wall will display pro and contra voices, and also allow visitors to express their opinion. Art mediators will be present in the exhibition spaces and can be called upon directly by visitors. To put together this extensive retrospective, the Fondation Beyeler was able to secure numerous valuable loans from major international museums, among which the Metropolitan Museum of Art and the Museum of Modern Art in New York, the Centre Pompidou in Paris, the Hirshhorn Museum in Washington and the Tate in London. Many significant works from European, American and Asian private collections, never or rarely seen, will for some be on public view for the first time. The exhibition catalogue contains insightful essays on the artist’s life and work by art historians Olivier Berggruen, Yves Guignard and Juan Ángel López-Manzanares. Of special note is a personal essay by filmmaker and photographer Wim Wenders, a close friend of Balthus and his family. Beate Söntgen, professor of art history, writes about Balthus’ paintings of girls. This much-debated topic is also the focus of Michiko Kono’s text, which deals with the female figure in Balthus’ paintings. Raphaël Bouvier considers the manifold aspects of time contained and made visible in Balthus’ artistic conception and output.

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Noël Hémon Exposition de peintures à l’huile: « L’identité humaine » Noël Hémon expose à la Galerie Atelier du Lac 11a Rue du Lac 11a, 1006 Lausanne - du 22 novembre au 19 décembre 2018. Horaires d’ouverture: du lundi au vendredi de 16h30 à 18h30 ainsi que le samedi et le dimanche de 14h30 à 18h30 Vernissage le jeudi 22 novembre 2018 dès 18h00 La galerie Artph7 expose les peintures à l’huile et sculptures de Noël Hémon au Montreux Art Gallery - MAG 2017 - du 7 au 11 novembre 2018 - Stand 33 www.noelhemon.net noel.hemon@gmail.com

Le Weisshorn, 80 x 100 cm, huile sur lin

Au travers de ses oeuvres réalisées à l’huile, au pastel, au fusain... dans son atelier à Ouchy, Noël Hémon nous propose paysages de montagne, scènes urbaines gagnées pas la végétation, façades marquées par le marche du temps.... L’artiste qui se décrit comme un gardien du temps souhaite montrer au public qu’observer la nature permet d’être en symbiose avec elle..

Durch die in seinem Atelier in Ouchy realisierten Öl-, Pastell-, Kohlewerke… bietet Noël Hémon uns Berglandschaften, städtische Stadtszenen von Pflanzenwuchs erobert und durch den Lauf der Zeit beschädigte Fassaden… Der Künstler, der sich selbst als Hüter der Zeit bezeichnet, möchte dem Publikum zeigen, dass es uns die Natur zu beobachten ermöglicht, mit ihr in Symbiose zu sein.

Through his oils, pastels and charcoals... created at his studio in Ouchy, Noël Hémon gives us mountain landscapes, urban scenes reclaimed by vegetation and facades marked by the march of time... The artist, who describes himself as a guardian of time, wishes to show that by observing nature we can be in symbiosis with it.

Vers l’ouest Genève, 80 x 130 cm, huile sur lin

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kunsthaus zug komödie des daseins Art et humour de l’antiquité à nos jours jusqu’au 6 janvier 2019 zug - SWITZERLAND L’exposition présentée au Kunsthaus Zug est frivole, peut-être un peu crue, tapageuse voire même décontractée et un peu dingue. Elle est toutefois à certains égards également profondément triste. Elle puise son inspiration chez le philosophe Friedrich Nietzsche, qui a décrit les iniquités de la vie comme une comédie de l’être. Selon lui, les esprits libres doivent pouvoir rire également d’eux-mêmes. Voilà pourquoi nous avons tout à la fois besoin d’un art enjoué et de la figure du fou, afin qu’au quotidien, nous ne perdions jamais de vue notre liberté et que nous puissions tels les danseurs et les enfants, planer, rire et jouer. Cela se reflète dans le désir qu’ont les artistes de se jouer d’eux-mêmes. Ceci n’a rien de nouveau, on en veut pour preuve l’attaque tragique à l’encontre de la rédaction du magazine satirique Charlie Hebdo, basé à Paris qui a ravivé la question séculaire du rôle de l’humour dans une démocratie libérale. Le Kunsthaus Zug précipite les visiteurs dans l’histoire de l’art de l’humour. Depuis 2011, un groupe de travail interne composé d’étudiants et de chercheurs s’est penché sur la relation entre l’art et l’humour, remontant jusqu’à la Grèce antique, en passant par le Moyen Âge et la Réforme tout en questionnant la richesse de l’étendue du sujet du siècle dernier à nos jours. Littérature, musique et philosophie y sont également associées, tout comme le théâtre, le cabaret et le cinéma. Ce voyage nous conduit également à rire à l’église, au théâtre de rue et au carnaval.

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Es wird frivol zu- und hergehen in den Räumen des Kunsthauses Zug. Vielleicht nur ein bisschen derb. Womöglich ausgelassen oder verkorkst. Mitunter tief traurig. Die Ausstellung lehnt sich an den Philosophen Friedrich Nietzsche an, der das ungeheuerliche Leben als Komödie des Daseins beschreibt. Freie Geister müssten lachen können, auch über sich selbst. Man brauche dafür eine heitere Kunst genauso wie den Narren, damit man bei all den Dingen seine Freiheit nicht verliere und wie Tänzer und Kinder schweben, spotten und spielen könne. Das zeigt die Lust von Kunstschaffenden am clownesken Spiel mit sich selbst. Spätestens der tragische Anschlag auf die Redaktionsräume des Pariser Satiremagazins Charlie Hebdo hat die alte Frage nach Humor in freiheitlichen Demokratien neu aufkochen lassen. Das Kunsthaus Zug schickt die Besuchenden in Siebenmeilenstiefeln durch die Kunstgeschichte des Humors. Seit 2011 recherchiert eine Arbeitsgruppe aus dem Haus mit Studierenden und Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftlern die Beziehungen von Kunst und Humor und geht zurück bis zu den Griechen, überschlägt sich in Um- und Irrwegen übers Mittelalter zur Reformation und bestreitet die Materialschlacht im letzten Jahrhundert und im Heute. Literatur, Musik und Philosophie sind einbezogen, Theater, Varieté und Kino. Die Reise führt zum Lachen in der Kirche, zum Strassentheater und an die Fasnacht.

This exhibition at the Kunsthaus Zug is frivolous. Maybe a touch crude. Boisterous, possibly, botched even - perhaps. Nonetheless, in places it is also profoundly sad. The exhibition is inspired by the philosopher Friedrich Nietzsche, who described the iniquities of life as a comedy of being. In his opinion, free spirits must be able to laugh, even at themselves. To this end, we need both a joyful kind of art and the figure of the fool, so that in all that life throws at us, we never lose sight of our freedom and can stay afloat, mock and caper around like dancers and play like children. This is reflected in artists’ desire to partake in a clownish game with themselves. All this is nothing new: the tragic attack on the editorial offices of the Paris-based satirical magazine Charlie Hebdo dramatically reignited the age-old question of the role of humour in a liberal democracy. The Kunsthaus Zug is giving its visitors seven-league boots and sending them off through the history of humour in art. An in-house working group has spent the last six years collaborating with students and scholars to research the relationship between art and humour, going back to Ancient Greece, taking a detour through the Middle Ages to the Reformation, and on to the wealth of material on the topic composed in the last century up to the present day. Literature, music and philosophy join the fray, as do theatre, cabaret and cinema. The journey leads us to guffaws in church, street theatre and the carnival. Gender relations and social oppression.

page de gauche - photo de gauche - Anonym, Askos, 360/350 v. Chr., Ton, Antikenmuseum Basel und Sammlung Ludwig - page de gauche - photo du milieu - Ai Weiwei, Perspektive, 2000, Sammlung Urs Meile - page de gauche - photo de droite - Timm Ulrichs, Der erste sitzende Stuhl (nach langem Stehen sich zur Ruhe setzend), 1970, WENTRUP, Berlin, © 2018, ProLitteris, Zurich page de droite - photo de gauche - Anonym, Pope-Devil, ca. 1600, Museum Catharijneconvent, Utrecht - page de droite - photo de droite - Jean-Étienne Liotard, Liotard riant, ca. 1751, Musées d‘art et d‘histoire Genève

Les relations de genre et l’oppression sociale, la confrontation avec le corps et avec la mort sont des constantes. La finalité étant que le visiteur rie, brisant ainsi ce qui semblait alors un tabou: le rire au musée. Reste à savoir de quoi on rit et aux dépends de qui. L’exposition se transforme en une expérience du comportement des visiteurs au musée ainsi qu’à une autocritique de son autorité. Cette exposition présente plus de 300 œuvres - des prêts de collections suisses et européennes ainsi que des œuvres de sa propre collection. Il s’agit là d’une exposition expérimentale présentant des vases, des tracts, des dessins, des magazines, des peintures, des sculptures, des photographies et des vidéos. Parfois le rire s’étrangle dans la gorge, d’autres fois on peut sourire de l’humour de Brueghel l’Ancien ou de Goya, d’Ensor ou de Klee, de Daumier, de Picasso ou de Heartfield, de Duchamp ou de Warhol, d’Oppenheim ou encore d’Ai Weiwei. Souvent le comique de situation et l’effroi, le désir et la honte, la joie et la terreur se côtoient étroitement.

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Geschlechterbeziehungen und gesellschaftliche Unterdrückung, Auseinandersetzung mit dem Körper und mit dem Tod sind Konstanten. Klar ist: Die Betrachtenden sollen lachen. Ein vermeintliches Tabu im Museum wird gebrochen. Fragt sich, wer worüber lacht? Die Ausstellung gerät zum Experiment über das Besucherverhalten im Museum und zur Selbstkritik an seiner Autorität. Über 300 Arbeiten versammelt die Komödie des Daseins - Leihgaben aus der Schweiz und aus Europa sowie Werke der eigenen Sammlung. Es ist eine Versuchsanordnung mit Vasen, Flugblättern, Zeichnungen, Zeitschriften, Gemälden, Skulpturen, Fotografien und Videos: Hier bleibt das Lachen im Halse stecken, da wird geschmunzelt über den Humor von Bruegel d. Ä. oder Goya, Ensor oder Klee, Daumier, Picasso oder Heartfield, Duchamp oder Warhol, Oppenheim oder Ai Weiwei. Manchmal stehen Situationskomik und Schrecken, Lust und Scham, Freude und Entsetzen nebeneinander, dicht an dicht.

The body, bodily functions, and death – these remain constant themes throughout. The point of all this soon becomes clear: the artists’ intent is to raise a laugh, shattering what once seemed a taboo laughter in the museum. The question is who exactly has the last laugh - and at who’s expense? The exhibition becomes an experiment in visitor behaviour in the museum setting and an act of self-criticism of the museum’s own authority. The Comedy of Being brings together over 300 works - loans from collections in Switzerland and Europe as well as the museum’s own holdings. It is an experimental display featuring vases, broadsheets, drawings, magazines, paintings, sculptures, photographs and videos. Visitors have the chance to sample the humour of Bruegel the Elder and Goya, Ensor and Klee, Daumier, Picasso and Heartfield, Duchamp and Warhol, Oppenheim and Ai Weiwei - some may cause us to stifle a laugh, others to smirk. For it is often the case that situation comedy and fright, lust and shame, joy and disgust are sometimes so closely related that there is little to tell them apart.

La comédie de l’être. Art et Humour de l’Antiquité à nos jours - jusqu’au au 6 janvier 2019 KomÖdie des Daseins. Kunst und Humor von der Antike bis heute - bis zum 6. januar 2019 The Comedy of Being. Art and Humour from Antiquity until Today - until january 6th, 2019 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 49

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Centre d’art contemporain Yverdon-les-Bains Echo - Renate Buser du 24 novembre 2018 au 3 février 2019 yverdon-les-bains - SWITZERLAND Renate Buser voyage à travers le monde à la recherche de bâtiments modernistes et brutalistes qu’elle documente par la photographie.

Renate Buser reist auf der Suche nach modernistischen Gebäuden im Stil des Brutalismus durch die Welt, um diese fotografisch zu dokumentieren.

Renate Buser travels around the world in search of modernist and brutalist style buildings which she documents with her photography.

Renate Buser, projet de l’exposition (septembre 2018) pour le CACY ©Renate Buser

Le jury du projet «Les petits inventeurs», © Raphaël Wagnières - Le Castrum

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Travaillant essentiellement sur l’architecture, elle s’inspire toujours d’éléments de constructions existants pour réaliser de grandes installations, placées de manière à questionner notre rapport à la réalité. De grand format, ses images installées sur des façades en extérieur jouent souvent avec des mises en abyme ou des trompe-l’œil. Certaines sont des œuvres pérennes - Bâle, Lausanne, Genève et Thoune en Suisse - d’autres répondent à des nécessités temporaires. Renate Buser développe un projet inédit pour le CACY, prenant en compte l’architecture du lieu comme un tout qu’il s’agira de redécouvrir au travers de nouvelles perspectives. Des photographies monumentales pour un regard décalé sur la spatialisation.

Ihre Arbeit orientiert sich wesentlich an der Architektur. Die Künstlerin lässt sich von bestehenden Konstruktionselementen inspirieren, um große Installationen zu realisieren, die so platziert werden, dass sie unsere Beziehung zur Realität in Frage stellen. Ihre auf Aussenfassaden installierten grossformatigen Bilder spielen oft mit Mise en abyme oder Trompe l’oeil. Manche ihrer Werke sind dauerhaft, wie die in Basel, Lausanne, Genf und Thun in der Schweiz, andere entsprechen temporäre Notwendigkeiten. Renate Buser entwickelt ein unveröffentlichtes Projekt für das CACY unter Berücksichtigung der Architektur des Ortes als Ganzes, das durch neue Perspektiven wiederzuentdecken sein wird. Monumentale Fotografien für einen unkonventionellen Blick auf die räumliche Wirkung.

Working essentially with architecture, she draws her inspiration from elements of existing constructions in order to create large installations, designed so as to question our relationship with reality. Her large-format images installed on outdoor facades often play with mise en abyme (a picture within a picture) or trompe l’oeil (optical illusions). Some are perennial works - such as those in Basel, Lausanne, Geneva and Thun in Switzerland - whilst others meet temporary needs. Renate Buser is developing an original and innovative project for the CACY, using the architecture of the venue as a whole and allowing it to be rediscovered from new perspectives. Monumental photographs facilitating an offbeat look at spatial planning.

centre d’art contemporain yverdon-les-bains ECHO – RENATE BUSER - DU 24 NOVEMBRE 2018 AU 3 FEVRIER 2019 ECHO – RENATE BUSER - vom 24. november 2018 bis zum 3. februar 2019 ECHO – RENATE BUSER - from november 24th, 2018 until february 3rd, 2019 PLATTFORM#19 - DU 2 MARS AU 31 MARS 2019 ECHO – RENATE BUSER - vom 2. märz bis zum 31. märz 2019 ECHO – RENATE BUSER - from march 2nd until march 31st, 2019 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

www.centre-art-yverdon.ch

CONNAISSEZ-VOUS L’ART DE VOTRE TEMPS ? Le Centre d’art contemporain d’Yverdon-les-Bains propose 4 ExPOSITIONS PAR ANNéE pour présenter l’état de la création actuelle. Inscrivez-vous à la newsletter du CACY et découvrez les nombreux rendez-vous pour vous donner le goût à l’art d’aujourd’hui ! Pour plus d’informations : CENTRE-ART-YVERDON.CH —— CENTRE D’ART CONTEMPOR AIN (rez-de-chaussée de l’Hôtel de Ville, à 5 minutes à pied de la gare) Place Pestalozzi, CP 649 – CH-1400 Yverdon-les-Bains t. +41 24 423 63 80 – f. +41 24 423 63 82 centre-ar t@ y verdon-les-bains.ch

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zentrum paul klee Paul Klee. Animalité du 19 octobre 2018 au 17 mars 2019 Emil Nolde du 17 novembre 2018 au 3 mars 2019 Bern - SWITZERLAND Paul Klee. Animalité Pour la première fois, une exposition est consacrée au regard que Paul Klee porte sur les rapports entre l’homme et l’animal.

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Paul Klee. Tierisches Erstmals widmet sich eine Ausstellung Paul Klees Blick auf das Verhältnis von Mensch und Tier.

Paul Klee. Animality For the first time, a Paul Klee exhibition provides a glimpse of the relationship between humans and animals.

photo page de gauche - Paul Klee, Tiere auf der Menschenhaut, 1924, 96, Feder auf Papier auf Karton, 12,4 x 18,9 cm, Zentrum Paul Klee, Bern photo pag de droite - Paul Klee, unternehmendes Tier, 1940, 79, Bleistift und Kleisterfarbe auf Papier auf Karton, 20,9 x 29,5 cm, Zentrum Paul Klee, Bern, Schenkung Livia Klee

Aujourd’hui comme hier, notre relation aux animaux prend des formes diverses et contradictoires. Les animaux peuvent être redoutés, dressés, choyés ou abattus. Paul Klee a beaucoup réfléchi à la nature et aux rôles respectifs de l’homme et de l’animal et, dans ses œuvres, il a commenté leurs particularités sur un mode critique. Découvrez avec Klee la part animale de l’être humain et la part humaine des animaux! Durant toutes les phases de sa création, Paul Klee s’est intéressé aux animaux. Pour lui, l’étude de la nature constituait une base essentielle de la création artistique. C’est pour cela qu’il collectionnait les algues, les coquilles d’escargot et les coquillages, et qu’il les exposait dans son atelier. En observateur attentif, il décelait l’animal qui se cache dans l’humain et, inversement, l’humain dans l’animal.

Damals wie heute ist unser Umgang mit Tieren vielfältig und widersprüchlich. Tiere werden gefürchtet, dressiert, verhätschelt oder geschlachtet. Paul Klee hat intensiv über die Rollen und das Wesen von Tieren und Menschen nachgedacht und ihre Eigenheiten in seiner Kunst kritisch kommentiert. Erkunden Sie mit Paul Klee das Tier im Menschen und die menschliche Seite der Tiere! In allen Phasen seines Schaffens interessierte sich Paul Klee für Tiere. Das Naturstudium war ihm zufolge eine der zentralen Grundlagen künstlerischen Schaffens. Er sammelte deshalb Algen, Schneckenhäuser und Muscheln, und stellte diese in seinem Atelier aus. Als genauer Beobachter entdeckte er im Menschen oft das Tier, im Tier dagegen den Menschen, und kehrte die traditionellen Rollen um.

Then and now, our dealings with animals are diverse and contradictory. Animals are feared, trained, pampered or slaughtered. Paul Klee thought intensely about the roles and nature of animals and human beings and commented critically upon their qualities. Join Paul Klee in exploring the animal in humanity and the human side of animals! In every phase of his work Paul Klee took an interest in animals. In his view, the study of nature was one of the central principles of artistic creation. For that reason he collected seaweed, snail shells and sea-shells and displayed them in his studio. As a precise observer, he often discovered the animal in human beings, and the animal in human beings, and reversed the traditional roles. rivierart

Dans ses oeuvres les hommes s’animalisent, tandis que les animaux s’humanisent. Il recourt aux fables pour commenter les événements politiques et ses scènes animalières presentent avec humour un comportement qui n’est que trop humain. Oiseaux et poissons occupent une place privilégiée dans le bestiaire de Klee. Ils exerçaient sur lui une fascination particulière, car contrairement à l’homme lié à la terre par la pesanteur, ils peuvent se mouvoir dans l’air ou dans l’eau en toute liberté. Ils évoluent donc dans un territoire qui leur est propre et difficilement accessible à l’homme. Les chats aussi ont une importance centrale, dans la vie de Klee tout comme dans son œuvre. Dans plus de 50 travaux et 250 photos, très souvent floues, il a cherché à immortaliser ses animaux préférés. Quand il écrivait à sa femme Lily, il donnait régulièrement une «bonne poignée de patte» à ses chats Fritzi et Bimbo et leur envoyait «un baiser bien mouillé sur le museau». Par ailleurs, les jardins zoologiques de Klee sont peuplés d’inventions fantaisistes - des hybrides tels que le Double queue-triple oreille, de sphinx issus de la mythologie et d’aurochs à l’allure pataude. L’exposition rassemble quelque 130 œuvres provenant des collections du Zentrum Paul Klee, dont une bonne partie est montrée pour la première fois. Les prêts du Musée d’Histoire naturelle de Berne permettent au public d’étudier directement les animaux en suivant les traces de Klee.

In seinen Werken „vertieren“ Menschen, während Tiere menschliche Züge aufweisen. Das politische Geschehen kommentierte er mit Tierfabeln und zoologische Szenen führen uns humorvoll allzu menschliches Verhalten vor Augen. Vögel und Fische nehmen einen speziellen Platz in Klees Bestiarium ein. Sie übten eine besondere Faszination auf ihn aus, weil sie sich im Gegensatz zum Menschen, der durch die Schwerkraft an die Erde gebunden ist, in der Luft oder im Wasser völlig frei bewegen können. Sie haben somit ihre eigenen Reviere, die dem Menschen nur schwer zugänglich sind. Klees Katzen nahmen nicht nur in seinem Leben, sondern auch in seinem Werk einen zentralen Platz ein. In über 50 Werken und über 250 meist verschwommenen Fotografien versuchte er seine Lieblingstiere zu verewigen. In Briefen an seine Frau Lily liess er seinen Katzen Fritzi und Bimbo regelmässig „Pfotendruck und kaltnasse Nasenküsse“ ausrichten. Darüber hinaus bevölkern Klees Tiergarten fantasievolle Erfindungen von Mischwesen wie der DoppelschwanzDreiohr, mythologische Sphinxen und tapsige Urchse. Die Ausstellung versammelt rund 130 Werke aus den Sammlungsbeständen des Zentrum Paul Klee, von denen viele erstmals gezeigt werden. Zudem ermöglichen Leihgaben aus dem Naturhistorischen Museum Bern das unmittelbare Studium der Tiere auf den Spuren Klees.

In his works humans “turn animal”, while animals display human traits. He commented on political events with animal fables, and zoological scenes humorously show us human behaviour. Birds and fish assume a special place in Klee’s bestiary. They exerted a particular fascination on him because unlike humans, who are bound to the earth by gravity, they can move completely freely in air or water. This gives them their own territories which are difficult for humans to access. Klee’s cats occupied a central place not only in his life, but also in his work. He tried to immortalize his favourite animals in over 50 works and more than 250 mostly blurred photographs. In letters to his wife Lily he regularly had his cats Fritzi and Bimbo pass on “pawprints and coldwet nose-kisses”. Apart from that Klee’s zoos are populated by fantastical inventions of hybrid creatures like the doubletail-three-ears, mythological sphinxes and ungainly urchses. The exhibition brings together some 130 works from the holdings of the collection of the Zentrum Paul Klee, many of which are being shown for the first time. Loans from Bern Natural History allow the public to engage in the immediate study of animals on Klee’s traces. photo de gauche - Paul Klee, der Torso und die Seinen (bei Vollmond), 1939, 256, Aquarell auf Grundierung auf Jute; originale Rahmenleisten, 65 x 50 cm, Zentrum Paul Klee, Bern - photo de droite - Paul Klee, Bastard, 1939, 1132, Kleister-, Ölfarbe und Tempera auf Jute, 60,5 x 70 cm, Zentrum Paul Klee, Bern, Schenkung Livia Klee

zentrum paul klee Paul Klee. Animalité – Paul Klee. tierisches - Paul Klee. Animality jusqu’au 17 mars 2019 - bis zum 17. märz 2019- until march 17th, 2019 emil nolde - du 17 novembre 2018 au 3 mars 2019 - vom 17. november 2018 bis zum 3. märz 2019 - from november 17th, 2018 until march 3rd, 2019 plus d’informations - weitere inforamtionen - for more information

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Emil Nolde Emil Nolde, qui compte parmi les artistes les plus célèbres du 20e siècle, est considéré comme l’un des plus importants représentants de l’expressionnisme. Son travail se distingue au travers de l’intensité unique des couleurs. Emil Nolde explore le grotesque, le fantastique et l’exotisme afin d’une part de développer son propre langage visuel et d’autre part d’échapper à la tradition de l’art européen. Ces aspects qui constituent le fil rouge de son oeuvre se trouvent mis en avant au travers des quelque 170 oeuvres présentées dans l’exposition. Emil Nolde et Paul Klee n’étaient pas seulement des contemporains mais également des amis. Ils se rendaient visite et ont entretenu une correspondance régulière entre les années 1920-1930. L’exposition présentée au Zentrum Paul Klee ne propose pas de comparer les deux artistes car leur langage pictural diffère trop. Cependant, l’accent est mis sur les aspects qui, dans le travail de Nolde, constituent un fil conducteur de ses oeuvres et que l’on retrouve constamment chez Paul Klee. En effet, ils partagaient tous deux une réelle fascination pour le grotesque, le fantastique et l’exotisme.

Emil Nolde Emil Nolde zählt zu den bekanntesten Künstlern des 20. Jahrhunderts und zu einem der wichtigsten Vertreter des Expressionismus. Seine Kunst zeichnet sich durch eine einzigartige Intensität der Farben aus. Um der europäischen Kunsttradition zu entkommen und eine eigene Bildsprache zu entwickeln, setzte er sich mit dem Grotesken, Fantastischen und für ihn Exotischen auseinander. Diese Aspekte ziehen sich wie ein roter Faden durch sein Schaffen und werden in der Ausstellung mit rund 170 Werken vorgestellt. Nolde und Klee waren nicht nur Zeitgenossen, sondern auch Freunde, die sich gegenseitig besuchten und in den 1920er- und 1930er-Jahren regelmässig korrespondierten. Die Ausstellung im Zentrum Paul Klee wird keine Gegenüberstellung beider Künstler, da sich ihre bildnerische Sprache allzu stark unterscheidet. Dennoch konzentrieren wir uns in Noldes Schaffen auf Aspekte, die sich wie ein roter Faden durch sein Werk ziehen und denen wir auch bei Klee immer wieder begegnen. Beide Künstler teilten die Faszination für das Groteske, Fantastische und Exotische.

Emil Nolde Emil Nolde is considered a leading representative of expressionism and one of the most wellknown artists of the 20th century. His work is widely known for its extraordinary intensity of colour. Nolde explored the grotesque, the fantastic and the exotic in order to develop his own pictorial language and escape from the European tradition of art. This exhibition presents a selection of 170 works by the artist and sheds light on these and other themes in his oeuvre. Nolde and Klee were contemporaries as well as friends who regularly visited and corresponded with each other during the 1920’s and 1930’s. The purpose of the exhibition at the Zentrum Paul Klee is not to compare the two artists, as their aesthetics are too divergent. Rather, we are concentrating on the common themes that run through both artists’ oeuvres. For instance, they shared a fascination with the grotesque, the fantastic and the exotic.

Emil Nolde (1867 - 1956), «Triumph der Weisheit», 1946, Öl auf Leinwand, 67 x 88 cm, Nolde Stiftung Seebüll, Foto: Fotowerkstatt Elke Walford und Dirk Dunkelberg, © Nolde Stiftung Seebüll

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MAISON TAVEL L’esprit de Hodler dans la peinture genevoise jusqu’au 24 février 2019 genève - SWITZERLAND Les liens rattachant Ferdinand Hodler à Genève sont multiples, bien que celui-ci ne puisse véritablement passer pour un peintre genevois. Son oeuvre exerce une influence sur nombre d’artistes à la carrière reconnue localement, mais aussi plus largement. De quelle nature est cet héritage hodlérien et comment se manifeste-t-il dans les travaux de ceux qui s’en réclament ou s’y réfèrent inconsciemment? À travers une sélection de leurs tableaux, la Maison Tavel se propose de souligner ce qui unit certaines de leurs créations à celles du maître. Le rapport est parfois littéral, mais il se trouve également sous des aspects détournés, dans la composition, le sujet ou encore la touche.

Zwischen Ferdinand Hodler und Genf bestehen vielfältige Verbindungen, obwohl der Künstler eigentlich nicht als Genfer Maler bezeichnet werden kann. Sein Werk hat zahlreiche lokal geschätzte, aber auch über Genf hinaus anerkannte Künstler beeinflusst. Welcher Natur ist das sich auf Hodler berufende Erbe, und wie tritt es in den Bildern jener in Erscheinung, die sich darauf berufen oder unbewusst beziehen? Anhand einer Auswahl solcher Arbeiten sucht die Maison Tavel hervorzuheben, was diese mit den Werken des Meisters vereint. Gelegentlich ist der Bezug direkt, doch mitunter finden sich auch indirekte Aspekte, wie die Komposition, das Thema oder der Pinselstrich.

Ferdinand Hodler is linked to Geneva for a number of reasons, even if he cannot truly be called a Genevan painter. His work influenced many artists with careers recognized both locally and more widely. What exactly is Hodler’s heritage and how does it manifest itself in the work of those claiming to draw on it or who unknowingly refer back to it? Through a selection of their paintings, the Maison Tavel aims to highlight what links certain pieces to those of the master. The relationship is sometimes literal, but it can also be more indirect, discernible in the composition, the theme or the artists’ touch.

photo de gauche - Albert Schmidt, Femme en bleu, bras étendus, (copie du tableau de Ferdinand Hodler, Le chant lointain), 1919, Huile-fresque sur toile, déposée sur Pavatex, 141 x 121 cm, Dépôt Berthe Hodler-Jacques, © Musée d’art et d’histoire de Genève, photo: Bettina Jacot-Descombes - photo de droite - William Müller, Angoisse I, 1904, Huile sur toile, 133 x 88 cm, Collection privée, Genève, © photo: René Martin

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Mudac Histoires à modeler jusqu’au 20 janvier 2019 Lausanne - SWITZERLAND Histoires à modeler, conçue par le Gewerbemuseum de Winterthur, est la première exposition du genre à s’intéresser à l’univers de la pâte à modeler et aux diverses possibilités qu’offre ce matériau. Ludique, colorée, généralement destinée aux enfants, la pâte à modeler est également utilisée dans un large éventail de domaines de la création. L’exposition présente des oeuvres du champ de l’art contemporain, et fait surtout la part belle à l’usage de la pâte à modeler dans le film d’animation, un genre à part qui compte encore de fervents adeptes malgré une importance croissante de la technologie numérique. Histoires à modeler montre des réalisations anciennes et récentes, datant des années 1950 à nos jours, offrant ainsi un large aperçu allant des classiques du cinéma d’animation aux films de renommée internationale pour enfants et adultes, en passant par les vidéo clips et les films expérimentaux.

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Die vom Gewerbemuseum Winterthur gestaltete Ausstellung befasst sich erstmals mit der Wandelbarkeit und der ästhetischen Ausdruckskraft von Plastilin. Knete ist nicht nur für das Spiel in Kinderhänden gemacht, sondern kommt in ganz unterschiedlichen kreativen Feldern zum Einsatz. Mit über 30 internationalen Werken aus Animation und zeitgenössischer Kunst stehen die Vielfältigkeit und die Geschichte dieses faszinierenden Materials im Fokus. So ist es auch eine Hommage an ein Material mit einer bunten Tradition, wird doch heute Plastilin gerade im Animationsfilm laufend von anderen Materialien und von Digitalisierungsverfahren abgelöst. Die Ausstellung stellt aktuelle und frühe Anwendungen seit den 1950er-Jahren bis heute nebeneinander, gewährt Einblick in eine Vielzahl von Animationsfilmklassikern, in internationale Erfolgsfilme für Kinder und Erwachsene sowie in Musikvideos und Experimentalfilme.

The exhibition Plot in Plastilin, designed by the Gewerbemuseum Winterthur, is the first of its kind to focus on the world of plasticine and the various possibilities it offers. Playful, colourful, generally intended for children, plasticine is also used in a wide range of creative fields, as evidenced by this selection of works drawn from animation, contemporary art and design. The exhibition gives prominence to the use of plasticine in animated films, a unique genre that still counts a significant number of fervent supporters despite the growing importance of digital technology. The exhibition features older as well as recent works, dating from the 1950s to the present, offering a broad overview that ranges from animated classics to internationally renowned features for both children and adults, via video clips and experimental films.

photo page de gauche - Richard Goleszowski & Christopher Sadler (réalisation) / Aardman Animations (animation & production), Shaun the Sheep – Saturday Night Shaun, film d’animation, film d’animation, 7’, sans dialogue, © Aardman Animations photo page de droite - Nick Donkin, Bill & Tony, 2015, film d’animation, film publicitaire pour Coca Cola, 3 x 30’’, sans dialogue, © Nick Donkin

De plus, elle présente également des oeuvres plastiques: objets, installations, photographies. La mise en scène d’un making-of complète l’exposition. Comme aucun autre matériau, la pâte à modeler évoque instantanément la transformation, la métamorphose: facilement malléable, cette pâte souple peut être modelée rapidement, et les formes modifiées à l’infini - c’est pourquoi ses caractéristiques en font un des médiums privilégiés du film d’animation et de la narration en images (notamment de la technique du stop motion). Beaucoup utilisée également dans le domaine de l’art contemporain - qu’il s’agisse d’installations, de photographies ou d’oeuvres vidéo animées - ou du design, sa polyvalence est appréciée à différents moments de la création, qu’elle intervienne au stade de la conception ou bien qu’elle soit modèle dans la réalisation. Des classiques du film d’animation seront présentés dans Histoires à modeler, notamment les films de Jan Švankmajer et Bruce Bickford, qui très tôt ont exploré le potentiel fantaisiste de la pâte.

Daneben präsentiert sie künstlerische Positionen, Objekte und Installationen wie auch Modelle aus dem Produktedesign. Abgerundet wird die Schau mit der Inszenierung eines Making-ofs. Wie kein anderes Material steht Plastilin für Metamorphose. Die mühelos formbare und weiche Knete kann spielend und rasch verändert werden und eröffnet gerade auch für den Animationsfilm seit jeher ein kreatives Paradies sonder¬gleichen. Auch in der zeitgenössischen Kunst findet sich der vielfältig wandelbare und inspirierende Stoff, sei es in Installationen, Fotografien oder animierten Videoarbeiten; und im Produktedesign, aber auch als Vorlage für grafische Gestaltungen erfährt das modellierbare Plastilin dank seiner technischen Vorteile ebenso Verwendung. Die Ausstellung „Plot in Plastilin“ widmet sich dem grossartigen Variantenreichtum von Plastilin in Animation, zeitgenössischer Kunst und Design. Dazu gehören Animationsfilmklassiker von Jan Švankmajer oder Bruce Bickford, welche schon früh die fantasievolle Ausdruckskraft von Knete würdigten.

It also features art works: objects, installations and product design prototypes. The making-of a film complements the exhibition. Plasticine, like no other material, stands for metamorphosis. The easily mouldable soft dough can be transformed quickly and endlessly, making it one of the favourite mediums for animated films and image-based narratives (specifically using stop motion). Often used in the field of contemporary art (whether for installations, photography or animated video works) and design, its versatility is well appreciated at various steps in the creative process, whether at the design stage or in graphic design modelling. “Plot in Plastilin” includes classic animated films by Jan Švankmajer and Bruce Bickford, who were some of the first to showcase the imaginative expressive force of modelling clay.

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Henrik Jacob, Café Deutschland International, 2015, installation, médias mixtes: pâte à modeler et verre, 400 x 280 x 100 cm, © Henrik Jacob

Mais l’exposition présente également de célèbres productions telles que «Wallace & Gromit» et «Shaun le mouton», des séries pour enfants comme «Pingu» (une création anglosuisse), des films expérimentaux, des courts-métrages et des spots publicitaires, des vidéo-clips ainsi que des oeuvres artistiques, qui témoignent d’une recherche constante propre au potentiel plastique de ce matériau très singulier. Destinée aussi bien à des amateurs d’art et de design qu’à des cinéphiles ou à des passionnés de la matière, aux écoles comme aux familles, l’exposition propose donc de prendre son temps et de se laisser happer par les méandres de la matière !

Die Ausstellung präsentiert jedoch auch bekannte Produktionen wie „Wallace & Gromit“ und „Shaun the Sheep“, Kinderserien wie „Pingu“, eine Schweizer Erfindung, sowie alte und neue Experimental-, Kurz- und Werbefilme, Musikvideos und künstlerische Arbeiten, die eine stete Auseinandersetzung mit dem ganz eigenen ästhetischen Ausdruck des Materials demonstrieren. Die verspielte und farbenfrohe Inszenierung des Themas mit künstlerischen Positionen, Projektionen mit Animationsfilmen in Voll- oder Teillängen, Musikvideos und Experimentalfilmen, Serien mit Fotografien, Bildern oder Werbung breitet das Thema in einer fächerartigen Erzählung aus und lädt zum Verweilen ein. Die Ausstellung richtet sich an Kunst- und Designinteressierte, Cinephile und Material-Aficionados ebenso wie an Schulen und Familien.

In addition, the exhibition presents well-known productions such as “Wallace & Gromit” and “Shaun the Sheep”, children’s series such as “Pingu” (a British-Swiss production), experimental films, short movies and advertisements, alongside music videos and works of art, all of which demonstrate an ongoing engagement with the unique aesthetic expressiveness of this material. Intended for art and design enthusiasts, film enthusiasts, plasticine aficionados, students and families, the exhibition lets you take your time to be swept away in the wonders of modelling clay!

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histoires à modeler - jusqu’au 20 janvier 2019 Plot in Plastilin - bis zum 20. januar 2019 Plot in Plastilin - until january 20th, 2019

The Bauhaus #itsalldesign - du 20 septembre 2018 au 6 janvier 2019 The Bauhaus #itsalldesign - vom 20. September 2018 bis zum 6. januar 2019 The Bauhaus #itsalldesign - from september 20th, 2018 until january 6th, 2019 Jardin d’addiction. de Berdaguer & Péjus - jusqu’au 1er janvier 2020 Jardin d’addiction. de Berdaguer & Péjus - bis zum 1. januar 2020 Jardin d’addiction. de Berdaguer & Péjus - until january 1st, 2020 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

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bündner kunstmuseum Die Leichtigkeit des Zufalls. Hugo Weber im Dialog mit Alberto Giacometti jusqu’au 6 janvier 2019 chur - SWITZERLAND Le plasticien et peintre Hugo Weber (1918 - 1971) qui émigra aux Etats-Unis en 1946 fut le seul suisse à prendre part à l’expressionnisme abstrait américain. L’exposition met en avant l’un des aspects du travail de Hugo Weber qui avait jusqu’à maintenant à peine été pris en considération, à savoir son dialogue avec Alberto Giacometti qui se manifestait tout au long de son processus de travail, nourri par les nombreuses visites d’atelier ainsi que par leur contact régulier dès 1939 et jusqu’au décès d’Alberto Giacometti en 1966. L’exposition présente une cinquantaine d’oeuvres des deux artistes, des sculptures, des tableaux et des dessins complétés par des photos, des lettres et des textes documentant la relation entre les deux artistes.

Der Plastiker und Maler Hugo Weber (1918–1971), der 1946 in die USA emigrierte, war der einzige Schweizer, der am amerikanischen Abstrakten Expressionismus teilhatte. Die Ausstellung rückt einen Aspekt von Webers Schaffen in den Mittelpunkt, der bislang kaum Beachtung gefunden hat: Seine Auseinandersetzung mit Alberto Giacometti, die sich in den verschiedenen Schaffensphasen manifestiert und genährt wurde durch zahlreiche Atelierbesuche und regelmässige Kontakte von 1939 bis zu Alberto Giacomettis Tod 1966. Die Ausstellung zeigt rund 50 Arbeiten der beiden Künstler - Skulpturen, Bilder und Zeichnungen und wird durch Fotografien, Briefe und Texte, die die Beziehung der beiden Künstler dokumentieren ergänzt.

The sculptor and painter Hugo Weber (1918-1971) who emigrated to the USA in 1946 was the only Swiss who participated in American Abstract Expressionism. The exhibition spotlights one aspect of Weber’s work, which hitherto has hardly attracted attention: His preoccupation with Alberto Giacometti (1901-1966), this manifests itself in his different creative phases and was nurtured by numerous studio visits and regular contacts from 1939 until Alberto Giacometti’s death in 1966. The exhibition at the Bündner Kunstmuseum shows roughly 50 works by both artists - sculptures, paintings and drawings. Photographs, letters and texts, which document the relationship between the two artists, complete the show.

Hugo Weber mit seinem Porträt von Abraham Lincoln, 1963, Fotografie von unbekannt, © für die Werke von Hugo Weber: Nachlass Hugo Weber, Gabriele Lutz, Zürich

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kunsthaus zürich Oskar Kokoschka. Une rétrospective du 14 décembre 2018 au 10 mars 2019 zürich - SWITZERLAND Du 14 décembre 2018 au 10 mars 2019, le Kunsthaus Zürich présente Oskar Kokoschka, expressionniste, migrant et citoyen du monde, et lui consacre sa première grande rétrospective depuis 30 ans en Suisse. Parmi les 200 oeuvres présentées, on notera le triptyque monumental intitulé «Prométhée», qui sera exposé pour la première fois en Suisse. Comme Francis Picabia et Pablo Picasso, Oskar Kokoschka (1886–1980) fait partie de cette génération de peintres restés fidèles à la peinture figurative alors que l’abstraction renforçait sa prédominance, après la Seconde Guerre mondiale. Si aujourd’hui la figuration et l’art abstrait peuvent être pratiqués côte à côte, sans guerres de tranchées idéologiques, c’est aussi grâce à eux. Les artistes contemporains se réclament tout particulièrement de Kokoschka. Explicitement ou implicitement, des peintres comme Nancy Spero, Georg Baselitz, Herbert Brandl et Denis Savary s’inspirent de sa manière expressionniste. Ils admirent la gestuelle expressive de son coup de pinceau, saluent son ouverture sur le monde, ou partagent l’attitude pacifiste qui imprègne l’oeuvre, la vie et l’héritage du maître viennois. Bien après sa dernière grande présentation individuelle, en 1986, le Kunsthaus se propose de faire connaître à de nouvelles générations de visiteurs cette oeuvre dont le créateur est décédé en 1980 au bord du lac Léman, et dont d’importants pans de la succession se trouvent à Vevey et à Zurich.

Vom 14. Dezember 2018 bis 10. März 2019 präsentiert das Kunsthaus Zürich Oskar Kokoschka, den Expressionisten, Migranten und Weltbürger, in seiner ersten Retrospektive nach 30 Jahren wieder in der Schweiz. Highlight unter den rund 200 Werken ist das monumentale Triptychon „Prometheus“, welches noch nie in der Schweiz zu sehen war. Oskar Kokoschka (1886 – 1980) gehört mit Francis Picabia und Pablo Picasso zu jener Malergeneration, die an der gegenständlichen Malerei festhielt, als die Abstraktion nach dem Zweiten Weltkrieg ihre Dominanz etablierte. Dass heute die gegenstandslose Malerei und die Figuration ohne ideologische Graben-kämpfe nebeneinander praktiziert werden können, ist auch ihr Verdienst. Künstler der Gegenwart berufen sich insbesondere auf Kokoschka. Seine expressionistische Malweise nehmen Nancy Spero, Georg Baselitz, Herbert Brandl und Denis Savary ex- oder implizit zur Inspirationsquelle. Sie schätzen die gestische Artikulation seines Pinselstrichs, loben den weltoffenen Charakter des Wieners oder teilen die pazifistische Haltung, die Kokoschkas Werk, sein Leben und Vermächtnis prägen. Nach seiner letzten grossen Einzelpräsentation 1986 macht das Kunsthaus nun neue Besuchergenerationen mit dem Werk bekannt, dessen Schöpfer 1980 am Genfersee starb und von dessen Nachlass sich bedeutende Bestände in Vevey und Zürich befinden.

From December 14th, 2018 to March 10th, 2019 the Kunsthaus Zürich presents Oskar Kokoschka - Expressionist, migrant and pacifist - in the first retrospective of his work in Switzerland for 30 years. The highlight among the 200 exhibits is the monumental triptych ‘Prometheus’, which has never before been seen in Switzerland. Oskar Kokoschka (1886–1980) is, along with Francis Picabia and Pablo Picasso, one of a generation of artists who retained their allegiance to figurative painting after the Second World War, even as abstract art was consolidating its predominance. It is also thanks to them that nonrepresentational painting and figurative art can now be practised side by side without partisan feuding. Artists of the present day acknowledge their debt to Kokoschka in particular. For Nancy Spero, Herbert Brandl and Denis Savary, his expressionistic style is an explicit or implicit source of inspiration. They value the gestural articulation of his brushwork, praise his open-minded, cosmopolitan attitudes or share the pacifism that, especially after the traumatic experiences of the First World War, runs like a thread through Kokoschka’s work, life and legacy. Following his last major solo show in 1986, the Kunsthaus now sets out to acquaint a new generation of visitors with this artist, who died by Lake Geneva in 1980 and whose works are held in substantial numbers in both Vevey and Zurich.

Oskar Kokoschka, La saga de Prométhée (Hadès et Perséphone, Apocalypse, Prométhée), 1950, Huile et technique mixte sur toile, Hadès et Perséphone: 239 x 234 cm, Apocalypse: 239 x 349 cm, Prométhée: 239 x 234 cm, The Samuel Courtauld Trust, The Courtauld Gallery, Londres, © Fondation Oskar Kokoschka / 2018 ProLitteris, Zurich

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Oskar Kokoschka, Matterhorn II, 1947, Huile sur toile, 90 x 120 cm, Collection particulière, Suisse, © Fondation Oskar Kokoschka / 2018 ProLitteris, Zurich

MIGRANT ET EUROPÉEN Cette rétrospective revient sur les motifs et les motivations de l’artiste, qui au cours de sa vie a élu domicile dans pas moins de cinq pays. La commissaire de l’exposition, Cathérine Hug, a rassemblé 100 tableaux et autant de travaux sur papier, photographies et lettres datant de toutes les phases de sa production artistique qui dura près de 60 ans. Ces documents d’époque montrent comment Kokoschka a surmonté le national-socialisme qui avait cloué son art au pilori, le jugeant «dégénéré»: des commandes de personnalités célèbres du monde de la littérature, de l’architecture et de la politique lui ont permis de survivre. Exilé à Prague puis à Londres, il est devenu un ardent défenseur de la liberté, de la démocratie et des droits de l’homme; un humaniste, dont l’oeuvre laisse tout autant de place aux paysages et aux enfants qu’aux métaphores et aux figures mythologiques qui rappellent l’horreur des deux guerres mondiales, mais aussi la force de l’amour et la beauté de la nature. C’est ce langage artistique de la contestation politique qui fait toute la singularité de Kokoschka et le rend inimitable.

MIGRANT UND EUROPÄER Die Retrospektive spürt den Motiven und der Motivation des Malers nach, der in nicht weniger als fünf Ländern zuhause war. Aus allen Lebensphasen ver-sammelt Kuratorin Cathérine Hug rund 100 Gemälde und ebenso viele Arbeiten auf Papier, Fotografien und Briefe. Diese Zeitzeugen belegen, dass Kokoschka die Diffamierung seiner Kunst als „entarte“ während des Nationalsozialismus einigermassen aufrecht überstand: Auftragsarbeiten berühmter Persönlichkeiten aus Literatur, Architektur und Politik sicherten sein Überleben. Im Exil wird er zum unbeugsamen Kämpfer für Freiheit, Demokratie und Menschenrechte; ein Humanist, der in seinen Werken Landschaften und Kindern ebenso einen Platz einräumt wie mythologischen Gestalten und Metaphern, die gegen Kriegsgräuel und für die Kraft der Liebe und die Schönheit der Natur stehen. Es ist diese eigenständige, künstlerische Sprache des politischen Protests, die Kokoschka unverwechselbar macht.

MIGRANT AND EUROPEAN The retrospective traces the motifs and motivations of a painter who felt at home in no fewer than five countries. Curator Cathérine Hug has brought together 100 paintings and an equal number of works on paper, photographs and letters from all phases of his career. They reveal that while Kokoschka’s art was defamed as “degenerate” by the Nazis, the artist himself came through the ordeal relatively unscathed, making a living executing commissions for celebrated figures in the worlds of literature, architecture and politics. In exile he becomes an indomitable champion of freedom, democracy and human rights; a humanist whose work is broad enough to encompass everything from landscapes and portraits to mythological figures and metaphors denouncing the horrors of war and defending the power of love and the beauty of nature. It is this independent-minded artistic language of political protest that makes Kokoschka unique.

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DEUX TRIPTYQUES RÉUNIS POUR LA 1ERE FOIS HORS DE L’ANGLETERRE Deux oeuvres en trois parties de grand format (huit mètres de largeur sur deux mètres de hauteur chacun), «Prométhée» (1950, Courtauld Art Gallery, Londres) et «Les Thermopyles» (1954, Université de Hambourg) représentent un des sommets de l’oeuvre mature de Kokoschka muraux n’ont été présentés ensemble qu’une seule fois, en 1962, à la Tate. Ils ont été peints dans une phase de transition: après une décennie d’exil, l’artiste s’était installé en 1953 à Villeneuve, en Suisse, où il allait vivre jusqu’à la fin de ses jours. L’imposant triptyque «Prométhée» (à l’origine, une décoration de plafond commandée par un noble Anglais à Londres) n’avait jamais été exposé en dehors des îles britanniques depuis 1952, date à laquelle on l’avait laissé aller à la Biennale de Venise. Comme «Les Thermopyles», cette représentation de Prométhée, père de la civilisation humaine, est un appel à tous les hommes, qu’il somme de se comporter en frères et soeurs et de s’unir dans la paix et la liberté. Au-delà du contenu, ces deux oeuvres permettent aussi de saisir le processus de création qui distinguait Kokoschka de ses contemporains.

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TRIPTYCHEN ERSTMALS AUSSERHALB ENGLANDS VEREINT Zwei grossformatige, je rund acht Meter breite und über zwei Meter hohe dreiteilige Gemälde - „Prometheus“ (1950, The Courtauld Art Gallery, London) und „Thermopylen“ (1954, Universität Hamburg) stellen den Höhepunkt von Kokoschkas reifem Werk dar. Und von dieser Retrospektive. Erst einmal, 1962 in der Tate, waren beide Wandbilder gemeinsam zu sehen. Sie entstanden in einer Transitionsphase: nach einem Jahrzehnt im Londoner Kriegsexil übersiedelte der Künstler 1953 nach Villeneuve in die Schweiz, wo er bis zu seinem Tod 1980 leben sollte. Das imposante „Prometheus“-Triptychon - ursprünglich eine Innendekoration für einen adligen Auftraggeber in London - war seit 1952, als es an die Biennale von Venedig reisen durfte, nie ausserhalb der Britischen Inseln ausgestellt. Die Darstellung des Prometheus, Urheber der menschlichen Zivilisation, ist wie das „Thermopylen“-Triptychon ein Appell an die Menschen, sich als Brüder und Schwestern in Frieden und Freiheit zu vereinen. Neben der inhaltlichen Dimension kann an diesen Exemplaren auch der Schaffensprozess abgelesen werden, mit dem sich Kokoschka von anderen Zeitgenossen unterschied.

TRIPTYCHS ON SHOW FOR THE FIRST TIME OUTSIDE BRITAIN Two impressive triptychs, each around eight metres wide and two metres high - “Prometheus” (1950, Courtauld Art Gallery, London) and “Thermopylae” (1954, University of Hamburg) are the high point of Kokoschka’s mature oeuvre, and of this retrospective. The two works have only been shown together once before, at the Tate in 1962. They were created during a transitional phase: after a decade of wartime exile Kokoschka moved in 1953 to Villeneuve in Switzerland, where he lived until his death in 1980. The imposing “Prometheus” triptych originally a ceiling decoration for an aristocratic client in London - has not been shown outside the British Isles since 1953, when it travelled to the Venice Biennale. Like the “Thermopylae” triptych the depiction of Prometheus, originator of human civilization, enjoins human beings to come together as brothers and sisters in peace and freedom. Aside from their content, these works also document the creative process that set Kokoschka apart from his contemporaries. Oskar Kokoschka, Dresde, pont Auguste avec personnage de dos, 1923, Huile sur toile, 65,5 x 95,7 cm, Museum Folkwang, Essen, photo: Museum Folkwang, Essen / ARTOTHEK, © Fondation Oskar Kokoschka / 2018 ProLitteris, Zurich

Oskar Kokoschka, Lac Léman II, 1924, Huile sur toile, 64 x 95 cm, Musée d’Ulm - saisi en 1937 par le Ministère du Reich, offert en 2014 en mémoire de Paul E. et Gabriele B. Geier, © Fondation Oskar Kokoschka / 2018 ProLitteris, Zurich

Les coups de pinceaux et les dégradés de couleurs permettent à l’observateur de suivre ou du moins de sentir le mouvement du peintre, qui travaillait selon un processus performatif inhabituel pour la peinture figurative. Expressionniste fidèle à la figuration, Kokoschka a fondé à Salzbourg une «école du regard» qui existe encore aujourd’hui. Pourtant, Kokoschka a longtemps été considéré comme un ennemi de la modernité - en fait, il défendait un accès démocratique à la culture et une société ouverte et pluraliste.

Pinselstriche und Farbverläufe lassen den Betrachter die Bewegung des Künstlers, einen für die figurative Malerei unüblichen performativen Produktionsprozess, erkennen. Der an der Figuration festhaltende Expressionist, der eine Schule des Sehens gründete, die bis heute in Salzburg fortbesteht, galt damals vielen als antimodern - tatsächlich kämpfte er für einen demokratischen Zugang zu Bildung und für eine offene Gesellschaft.

The brushwork and colour progressions reveal the artist’s movements - a performative production process unusual in figurative painting. Kokoschka, the Expressionist who remained faithful to figurativism and founded a “School of Seeing” that endures to this day in Salzburg, was regarded by many at the time as anti-modern; in fact he fought for democratic access to education and an open society.

kunsthaus zürich Robert Delaunay et la Ville Lumière. - du 31 août au 18 novembre 2018 Robert Delaunay und paris - vom 31. august bis zum 18. november 2018 Robert Delaunay and The City of Lights - from august 31st until november 18th,2018 Oskar Kokoschka. une rétrospective - du 14 décembre 2018 au 10 mars 2019 Oskar Kokoschka. eine retrospektive - vom 14. dezember 2018 bis zum 10. märz 2019 Oskar Kokoschka. a retrospective - from december 14th, 2018 until march 10th, 2019 fly me to the moon. 50e anniversaire du premier pas sur la lune - du 5 avril jusqu’au 30 juin 2019 fly me to the moon. 50 jahre monlandung - vom 5. april bis zum 30. Juni 2019 fly me to the moon. the moon landing: 50 years on - from april 5th until June 30th, 2019 plus d’informations - weitere informationen - more information

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musée de l’elysée Liu Bolin. Le Théâtre des apparences du 17 octobre 2018 au 27 janvier 2019 lausanne - SWITZERLAND Cette exposition à caractère rétrospectif rassemble près de septante photographies monumentales issues des grands thèmes abordés dans l’oeuvre du performeur et photographe chinois Liu Bolin: la tradition et la culture chinoises, la politique et la censure, la société de consommation et la transformation de l’environnement. En 2005, sa série Hiding in the City [Se cacher dans la ville] s’ouvre sur un autoportrait en couleurs de l’artiste immobile, recouvert de peinture et se confondant avec les décombres de son propre atelier situé dans le quartier d’artistes rasé par le gouvernement chinois.

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Diese Ausstellung mit retrospektivem Charakter vereint fast siebzig Monumentalbilder der grossen Themen, die der chinesische Performer und Fotograf Liu Bolin in seinem Werk behandelt: chinesische Tradition und Kultur, Politik und Zensur, Konsumgesellschaft und Umweltveränderung. 2005 beginnt seine Serie Hiding in the City mit einem farbigen Selbstporträt des Künstlers, der am Boden liegt und durch seine Bemalung mit den Überresten seines eigenen Ateliers verschmilzt, das sich im von der chinesischen Regierung niedergewalzten Künstlerviertel befand.

This retrospective exhibition brings together some 70 monumental photographs linked to the major themes addressed in the work of the Chinese photographer and performer, Liu Bolin: Chinese culture and tradition, politics and censure, consumer society and the transformation of the environment. In 2005, his series Hiding in the City was inaugurated with a selfportrait of the artist, immobile, covered in paint and melting into the rubble of his own studio located in the artists’ quarter razed by the Chinese government. Liu Bolin, Mobile Phones, de la série « Hiding in the City », 2012 © Liu Bolin / Courtesy Galerie Paris-Beijing

Liu Bolin, Your World, de la série « Hiding in the City », 2014 ©, Liu Bolin / Courtesy Galerie Paris-Beijing

« J’ai décidé de me fondre dans l’environnement. Certains diront que je disparais dans le paysage ; je dirais pour ma part que c’est l’environnement qui s’empare de moi. » Depuis, cet artiste caméléon, avec l’aide de ses peintres assistants, sans aucun trucage numérique, se fond dans le décor - les yeux fermés, sa silhouette à peine visible, puis fige cette performance grâce à la photographie. Il pose ainsi pendant des heures devant un monument, un paysage, un mur ou une accumulation d’objets à l’instar d’une protestation silencieuse: l’artiste se rend invisible pour mieux désigner le visible devant lequel il se confond. Liu Bolin est né en 1973 dans la province de Shandong, à l’est de la Chine. Il a étudié à l’Académie des beaux-arts du Shandong avant d’être diplômé de l’école des beaux-arts de Pékin en 2001. Il vit et travaille à Pékin.

„Ich habe entschieden, mit der Umgebung eins zu werden. Einige werden wohl sagen, dass ich in der Landschaft verschwinde; ich für meinen Teil würde eher sagen, dass die Landschaft sich meiner bemächtigt.“ Seither verschmilzt dieser ChamäleonKünstler mit Hilfe seiner Malerassistenten ohne jegliche digitale Bearbeitung, mit geschlossenen Augen und kaum erkennbarer Silhouette, mit dem Dekor und hält diese Performance dann in einer Fotografie fest. Er posiert so stundenlang vor einem Monument, einer Landschaft, einer Wand oder einer Anhäufung von Objekten im Sinne eines stillen Protests. Der Künstler macht sich unsichtbar, um besser auf das Sichtbare hinzuweisen, mit dem er verschmilzt. Er wurde 1973 in der ostchinesischen Provinz Shandong geboren, studierte an der Kunstakademie von Shandong, bevor er 2001 die Kunstschule von Peking mit Diplom abschloss. Er lebt und arbeitet in Peking.

“I decided to blend into the environment. Some would say that I disappeared into the landscape; personally, I would say that the environment swallowed me up.” Since, this artist-chameleon, with the help of his painting assistants and without any digital manipulation, becomes part of the background - eyes closed, his silhouette barely visible - and then captures the performance with a photograph. He thus poses for hours in front of a monument, a landscape, a wall or an accumulation of objects in the manner of a silent protest: the artist makes himself invisible to more effectively illustrate the visible of which he is an integral part. Liu Bolin was born in 1973 in Shandong province in eastern China, He studied at the Academy of Fine Arts in Shandong before earning a degree from the Central Academy of Fine Arts in Beijing in 2001 He lives and works in Beijing.

musée de l’elysée Liu Bolin. Le Théâtre des apparences - du 17 octobre 2018 au 27 janvier 2019 Liu Bolin. Le Théâtre des apparences - vom 17. oktober 2018 bis zum 27. januar 2019 Liu Bolin. Le Théâtre des apparences - from october 17th, 2018 until january 27th, 2019 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 47

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migrosmuseum für gegenwartskunst Maria Eichhorn - Zwölf Arbeiten du 20 novembre 2018 au 3 février 2019 zürich - SWITZERLAND L’exposition de l’artiste allemande Maria Eichhorn (*1962, Bamberg / Allemagne) au Migros Museum für Gegenwartskunst réunit des oeuvres des années 1988 à 2018. Depuis ses débuts, Maria Eichhorn interroge dans sa pratique artistique les normes établies qui régissent la vie quotidienne et l’art. L’artiste s’interesse tout particulièrement aux processus socioéconomiques.

Die Ausstellung der Künstlerin Maria Eichhorn (*1962 in Bamberg, Deutschland) im Migros Museum für Gegenwartskunst vereint Werke aus den Jahren 1988 bis 2018. Seit ihren Anfängen beschäftigt sich Eichhorn in ihrer Kunst mit der Befragung festgeschriebener Normen, die Alltagsleben und Kunst reglementieren. Ihr besonderes Augenmerk gilt dabei sozioökonomischen Prozessen.

Maria Eichhorn, Κτίριο ως περιουσία άνευ ιδιοκτήτη / Building as unowned property (Gebäude als Nichteigentum), 2017, Ausstellungsansicht EMST National Museum of Contemporary Art, Athens, Courtesy of the artist, Foto: Stathis Mamalakis © ProLitteris, Zürich

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This exhibition of the artist Maria Eichhorn (b. Bamberg, Germany, 1962) at the Migros Museum für Gegenwartskunst brings together works created between 1988 and 2018. Since the beginning of her career, Eichhorn has made art interrogating codified norms that regiment everyday life and art, with a particular interest in socioeconomic processes. Value, time, property and possession are the foci of the questions that arise.

Ellle remet en question dans ses travaux les notions de valeur, de temps, de possession et de propriété en démontant leurs principes de fonctionnement par des recherches et des analyses détaillées. Maria Eichhorn reproduit des processus établis et met en évidence leur inadéquation, ouvrant la voie au questionnement critique. Son approche crée des plateformes qui incitent à reconsidérer les choses. L’artiste initie un changement dont les effets peuvent se manifester avec le temps, sous l’influence des acteurs impliqués. Aux rapports complexes invisibles auxquels l’artiste s’intéresse s’oppose une forme particulière et précise de présentation. Sa dernière oeuvre Κτίριο ως περιουσία άνευ ιδιοκτήτη / Building as unowned property (2017) a été réalisée en coproduction avec la documenta 14 et présentée pour la première fois pendant la documenta à l’EMST, National Museum of Contemporary Art à Athènes. Elle figure dans l’exposition au titre d’acquisition du Migros Museum für Gegenwartskunst. Maria Eichhorn vit et travaille à Berlin et à Zurich. Son travail a été présenté dans le cadre de diverses expositions personnelles, notamment à la Chisenhale Gallery à Londres (2016), à la Morris and Helen Belkin Art Gallery à Vancouver (2015) et au Kunsthaus de Bregenz (2014). Maria Eichhorn a participé à la documenta 11 à Kassel (2002), à la documenta 14 (2017) à Athènes et Kassel, ainsi qu’aux 45e et 56e Biennales de Venise (1993 et 2015) et aux 4e et 9e Biennales d’Istanbul (1995 et 2005). Die daraus resultierenden Fragestellungen sind auf Wert, Zeit, Besitz und Eigentum fokussiert. Deren Wirkungsweisen werden in ihren Arbeiten mittels ausführlicher Recherche und feinsinniger Analyse gezielt unterwandert. Eichhorn wiederholt etablierte Abläufe, überführt sie der Unzweckmässigkeit und bietet so die Möglichkeit zur kritischen Hinterfragung. Mit ihrer Art der Sichtbarmachung schafft sie Plattformen für ein Umdenken. Die Künstlerin initiiert einen Wandel, dessen Auswirkungen sich im Lauf der Zeit und unter Einfluss der beteiligten Akteure konstituieren können. Den vielfach hochkomplexen, undurchsichtigen Zusammenhängen, mit denen sich die Künstlerin auseinandersetzt, steht eine spezifische, präzise Form der Präsentation gegenüber. Die jüngste Arbeit, Κτίριο ως περιουσία άνευ ιδιοκτήτη / Building as unowned property (Gebäude als Nichteigentum) (2017), die in Koproduktion mit der documenta 14 entstand, war erstmals während der documenta im EMST, National Museum of Contemporary Art in Athen zu sehen und wird für diese Ausstellung sowie als Sammlungsankauf des Migros Museum für Gegenwartskunst weiter ausgeführt. Maria Eichhorn lebt und arbeitet in Berlin und Zürich. Ihr Œuvre wurde international in zahlreichen Einzelausstellungen gezeigt, zuletzt u.a. in der Chisenhale Gallery, London (2016), der Morris and Helen Belkin Art Gallery, Vancouver (2015) und im Kunsthaus Bregenz (2014). Eichhorn nahm an der documenta 11 in Kassel (2002), der documenta 14 in Athen und Kassel (2017) sowie an der 45. und 56. Biennale Venedig (1993, 2015) und der 4. und 9. Biennale Istanbul (1995, 2005) teil. Her work employs strategies of extensive research and sophisticated analysis to deliberately undermine the efficacy of these concepts. Reenacting established procedures, Eichhorn spotlights the ways in which they are incompatible with their designated purposes to allow for critical scrutiny and debate. By generating visibility, she creates platforms for fresh ways of thinking. The artist initiates processes of change whose repercussions can emerge over time and under the influence of the involved agents. The extraordinary complexity and opacity of the sets of issues the artist addresses contrast with the specific mode of precise presentation she has devised. Her most recent work, Κτίριο ως περιουσία άνευ ιδιοκτήτη / Building as unowned property (2017), which was co-produced by documenta 14, was first on view during the documenta at EMST, National Museum of Contemporary Art in Athens, will be revised for the exhibition and purchased for the Migros Museum für Gegenwartskunst’s collection. Maria Eichhorn lives and works in Berlin and Zurich. Her oeuvre has been the subject of numerous solo exhibitions, including, most recently, at the Chisenhale Gallery, London (2016), the Morris and Helen Belkin Art Gallery, Vancouver (2015), and the Kunsthaus Bregenz (2014). Eichhorn participated in documenta 11, Kassel (2002), documenta 14 in Athens and Kassel (2017), the 45th and 56th Venice Biennales (1993, 2015), and the 4th and 9th Istanbul Biennales (1995, 2005). rivierart

CABINET D’ARTS GRAPHIQUES DU MUSÉE D’ART ET D’HISTOIRE Exclusivement contemporain la société suisse de gravure fête ses 100 ans du 19 octobre 2018 au 3 février 2019 genève - SWITZERLAND Fondée à Zurich en septembre 1917, la Société suisse de gravure a pour but de promouvoir la production d’estampes d’artistes contemporains suisses. Ainsi, depuis 1918, elle édite chaque année une ou plusieurs oeuvres (des planches gravées, des multiples ou des portfolios) qu’elle distribue à ses 125 membres.

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Die im September 1917 in Zürich gegründete Schweizerische Graphische Gesellschaft hat sich zum Ziel gesetzt, die Produktion von Druckgrafik zeitgenössischer Schweizer Künstler zu fördern. Seit 1918 gibt sie jährlich eines oder mehrere Werke (Grafikblätter, Multiples oder Portfolios) heraus, die sie an ihre 125 Mitglieder verteilt.

The Swiss Graphic Society (Schweizerische Graphische Gesellschaft/Société Suisse de Gravure), founded in Zurich in September 1917, aims to promote printmaking by contemporary Swiss artists. Since 1918, it has published annually one or more works each year (prints, multiples or portfolios), which it distributes to its 125 members.

photos page de gauche - Philippe Decrauzat (Lausanne, 1974), D.T.A.B.T.W.H.A.H.E.(recto/verso), 2010, Imprimé par Voumard & Chauvy, Bière, Sérigraphie, sur vélin BFK Rives, 740 x 1040 mm Cabinet d’arts graphiques du Musée d’art et d’histoire Abonnement, inv. E 2011-2503-002, © Philippe Decrauzat page de droite, photo de gauche - Richard Paul Lohse (Zurich, 1902 — Zurich,1988), Kontrastierende Farbgruppe, 1982, Sérigraphie en couleur, sur demi-carton Superbus, 600 x 600 mm (image), 700 x 700 mm (feuille), Cabinet d’arts graphiques du Musée d’art et d’histoire, Abonnement, inv. E 87-0245-003, © 2018, ProLitteris, Zurich page de droite, photo de droite - Max Bill (Winterthur, 1908 — Berlin, 1994), Sans titre, 1972, Imprimé par Albin Uldry, Hinterkappelen, Sérigraphie en couleur, 645 x 495 mm, Cabinet d’arts graphiques du Musée d’art et d’histoire, Abonnement, inv. E 73-0511, © 2018, ProLitteris, Zurich

À partir des années 1930 et plus intensivement depuis les année 1990, elle sollicite des artistes internationaux de renom comme Emil Nolde, Eduardo Chillida, Roni Horn, Rosemarie Trockel, Katharina Fritsch ou Wade Guyton, tout en poursuivant ses engagements envers des artistes suisses. Le Musée d’art et d’histoire en est l’un des membres fondateurs et, depuis, d’importantes institutions s’y sont affiliées. À l’occasion des cent ans d’activité de la Société suisse de gravure, le Cabinet d’arts graphiques lui rend hommage avec une exposition qui révèle la richesse et la variété de ses éditions. Une sélection d’environ 140 pièces (sur les 255 éditées) fournit un panorama inégalable de la production graphique et des tendances artistiques en Suisse aux XXe et XXIe siècles.

Ab den 1930er Jahren, intensiviert seit den 1990er Jahren, beauftragte sie parallel zu ihrem Engagement für Schweizer Kunstschaffende auch international renommierte Künstler wie Emil Nolde, später Eduardo Chillida, Roni Horn, Rosemarie Trockel, Katharina Fritsch oder Wade Guyton. Im Laufe der Zeit schlossen sich ihr angesehene Institutionen an, wobei das Musée d’art et d’histoire eines des Gründungsmitglieder war. Anlässlich des 100-Jahr-Jubiläums der Schweizerischen Graphischen Gesellschaft würdigt das Cabinet d’arts graphiques mit einer Ausstellung die Fülle und Vielfalt der Editionen. Aus den 255 herausgegebenen Arbeiten wurden rund 140 Werke ausgewählt, die ein unvergleichliches Panorama der graphischen Produktion und der künstlerischen Tendenzen des 20. und 21. Jahrhunderts bieten.

From the 1930s, intensified since the 1990s, the Society commissioned increasingly international renowned artists such as Emil Nolde, Eduardo Chillida, Roni Horn, Rosemarie Trockel, Katharina Fritsch and Wade Guyton in parallel to her commitment to Swiss artists. Over the years prestigious institutions became affiliates to the Society, while the Musée d’art et d’histoire is one of its founding members. On the occasion of the 100th anniversary of the Swiss Graphic Society, the Cabinet d’arts graphiques honours the wealth and diversity of the editions with an exhibition presenting some 140 works out of the 255 editions published. It offers an incomparable panorama of graphic production and artistic trends of the 20th and 21st centuries in Switzerland.

CABINET D’ARTS GRAPHIQUES DU MUSÉE D’ART ET D’HISTOIRE LA SOCIÉTÉ SUISSE DE GRAVURE FÊTE SES 100 ANS - jusqu’au 3 février 2019 100 JAHRE SCHWEIZERISCHE GRAPHISCHE GESELLSCHAFT - bis zum 3. februar 2019 THE 100TH ANNIVERSARY OF THE SWISS GRAPHIC SOCIETY - until february 3rd, 2019 cONTACT ET HORAIRES EN PAGE 49

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collection DE L’art brut Acquisitions 2012 - 2018 jusqu’au 2 décembre 2018 lausanne- SWITZERLAND ACQUISITIONS 2012-2018 Avec l’exposition Acquisitions 2012-2018, la Collection de l’Art Brut à Lausanne propose au public de découvrir une sélection d’oeuvres, parmi celles entrées dans la Collection de l’Art Brut depuis l’arrivée de Sarah Lombardi à la tête du musée, en 2012.

NEUERWERBUNGEN 2012–2018 Mit der Ausstellung Neuerwerbungen 2012–2018 ladet das Collection de l‘Art Brut das Publikum ein, Werke zu entdecken, die aus all jenen ausgewählt sind, welche seit der Übernahme der Museumsleitung durch Sarah Lombardi im Jahr 2012 in die Collection de l’Art Brut gelangten.

ACQUISITIONS 2012-2018 The Acquisitions 2012-2018 show presented at the Collection de l’Art Brut in Lausanne, invites visitors to discover a selection of works that include several pieces added to the Collection de l’Art Brut holdings since Sarah Lombardi became the museum’s director in 2012.

photo de gauche - Martha Grünenwaldt, sans titre, sans date, gouache, craie grasse et crayon de couleur sur papier, 45,5 x 30,6 cm, photo: Claudine Garcia, AN, Collection de l’Art Brut, Lausanne - photo de droite - Charles Boussion, Icône Bernadette, 2015, collage, feutre et correcteur blanc, 50 x 60 cm, photo: Marie Humair, AN, Collection de l’Art Brut, Lausanne

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photo de gauche - Gaël Dufrène, Moteur Renault 12 type 810-06, entre 2016 et 2017, crayon de couleur sur papier, 99 x 64 cm, photo: Claudine Garcia, AN, Collection de l’Art Brut, Lausanne photo de droite - Karl Beaudelere - KXB7, Lui bleu, 2014, stylo à bille sur papier, 55 x 46 cm, photo : Margot Roth, AN, Collection de l’Art Brut, Lausanne

Cette présentation réunissant plus de 150 dessins, peintures, sculptures, pièces textiles et photographies met en lumière le dynamisme de l’institution. Si certains de ces travaux sont exposés pour la première fois, d’autres ont été montrés dans le cadre d’expositions thématiques ou monographiques qui se sont tenues au musée de 2012 à 2018. L’exposition, qui illustre la variété des créations et les origines très diverses de leurs auteurs, s’articule autour des deux principaux axes de la politique d’acquisition du musée. D’une part, il s’agit de renforcer les corpus existants d’oeuvres d’auteurs historiques, comme Aloïse Corbaz, Philippe Dereux, Marguerite Burnat-Provins ou Henri Salingardes. D’autre part, l’objectif est d’intégrer les travaux de nouveaux auteurs, comme Karl Beaudelere - KXB7, Manuel Lanca Bonifacio, Charles Boussion, Gaël Dufrène, Davood Koochaki, Mehrdad Rashidi ou encore Melvin Way, témoignant tous de la vitalité de la création actuelle dans le champ de l’Art Brut. Cette présentation met également en évidence le rôle essentiel des donateurs dans l’enrichissement du fonds du musée lausannois au cours des sept dernières années.

Die Schau, die mehr als 150 Zeichnungen, Gemälde, Skulpturen, Textilarbeiten und Fotografien umfasst, zeugt von der Dynamik der Institution. Einige Werke werden zum ersten Mal präsentiert, während andere bereits in thematischen oder monografischen Ausstellungen zwischen 2012 und 2018 zu sehen waren. Die Ausstellung, welche die Vielfalt der Arbeiten und die unterschiedliche Herkunft ihrer Urheber veranschaulicht, orientiert sich an den beiden Hauptachsen der Ankaufspolitik des Museums. Dabei geht es darum, einerseits die vorhandenen Werkbestände historischer Art-Brut-Künstler wie Aloïse Corbaz, Philippe Dereux, Marguerite Burnat-Provins oder Henri Salingardes zu erweitern, andererseits die Arbeiten neuer Kunstschaffender wie Karl Beaudelaire - KXB7, Manuel Lanca Bonifacio, Charles Boussion, Gaël Dufrène, Davood Koochaki, Mehrdad Rashidi und Melvin Way zu sammeln, die alle die Vitalität des gegenwärtigen Schaffens im Bereich der Art Brut beweisen. Die Schau unterstreicht überdies die wesentliche Rolle der Spender für die Bereicherung des Bestands des Lausanner Museums in den letzten sieben Jahren.

The over 150 drawings, paintings, sculptures, textile pieces and photographs highlight the museum’s dynamism. Some works are being shown for the first time, while others have already appeared in various thematic or monographic shows held at the museum between 2012 and 2018. Bringing into play both the variety of the creations themselves and the highly diverse origins of their creators, this show reveals the museum acquisition policy’s two main focus points. These are, on the one hand, to reinforce the existing bodies of works by such historic creators as Aloïse Corbaz, Philippe Dereux, Marguerite Burnat-Provins and Henri Salingardes and, on the other, to integrate works by new creators - the likes of Karl Beaudelaire - KXB7, Manuel Lanca Bonifacio, Charles Boussion, Gaël Dufrène, Davood Koochaki, Mehrdad Rashidi and Melvin Way - all of whom bear witness to the vitality of current Art Brut creativity. This presentation also gratefully acknowledges the vital role that donors have played over the last seven years in enriching the Lausanne museum’s holdings.

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les Musées partenaires de Rivierart VAUD

FONDATION DU CHÂTEAU DE CHILLON Avenue de Chillon 21, CH - 1820 Veytaux Tél : +41 (0)21 966 89 10 Fax : +41 (0)21 966 89 12 info@chillon.ch www.chillon.ch Ouvert tous les jours, sauf le 25.12 et le 1.1 Avril-Sept. : 9h-19h Nov-Fév. : 10h-17h Oct.&Mars : 9h30-18h

MUSÉE HISTORIQUE DE VEVEY Rue du Château 2, CH - 1800 Vevey Tél : 021 925 51 64 Fax : 021 925 51 65 musee.historique@vevey.ch www.museehistoriquevevey.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h, et les lundis fériés.

MUSÉE DE LA CONFRÉRIE DES VIGNERONS Rue du Château 2, CH - 1800 Vevey Tél : 021 923 87 05 Fax : 021 923 87 06 confrerie@fetedesvignerons.ch www.fetedesvignerons.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h, et les lundis fériés. Entrée libre.

ESPACE QUAI1 Place de la Gare 3 - 1800 Vevey Tél : 021 922 48 54 www.quai1.ch info@images.ch du mercredi au vendredi de16h à 19h; samedi de 11h à 15h fermé entre les expositions temporaires

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Alimentarium, Musée de l’alimentation Une fondation Nestlé Quai Perdonnet 25, CH – 1800 Vevey Tél : 021 924 41 11 info@alimentarium.org www.alimentarium.org reservation@alimentarium.org d’octobre à mars de 10h à 17h - d’avril à septembre de 10h à 18h. Fermé les lundis, sauf les lundis fériés.

MUSÉE JENISCH VEVEY Av. de la Gare 2, CH - 1800 Vevey Tél : +41 (0)21 925 35 20 Fax : 021 925 35 25 info@muuseejenisch.ch www.museejenisch.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h ; jeudi jusqu’à 21h.

MUSÉE DE MONTREUX Rue de la Gare 40, CH - 1820 Montreux Tél : +41 (0)21 963 13 53 museemontreux@bluewin.ch www.museemontreux.ch ouvert du 1er avril au 31 octobre : tous les jours de 10h à 12h et de 14h à 17h

MUSÉE SUISSE DU JEU Au Château, CP 219, CH-1814 La Tour-de-Peilz Tél: +41 (0)21 977 23 00 Fax: 021 977 23 07 www.museedujeu.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h30 ouvert les lundis fériés

MUSÉE SUISSE DE L’APPAREIL PHOTOGRAPHIQUE Grande Place 99, CH - 1800 Vevey Tél : 021 925 34 80 cameramuseum@vevey.ch www.cameramuseum.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h30 ouvert les lundis fériés

queen the studio experience Casino Barrière de Montreux Rue du Théâtre 9, CH - 1820 Montreux www.queenstudioexperience.com tous les jours de 10h30 à 22h00, entrée libre.

CHÂTEAU D’AIGLE - MUSÉE DE LA VIGNE ET DU VIN Place du Château1, CH - 1860 Aigle Tél: +41 (0)24 466 21 30 Fax: 024 466 21 31 info@museeduvin.ch /info@chateauaigle.ch www.museeduvin.ch/www.chateauaigle.ch janv.-mars, nov.-déc. : du mardi au dimanche de 10h à 16h; avril - juin, sept. - oct. : du mardi au dimanche de 10h à 18h; juillet - août : du lundi au dimanche de 10h à 18h

FONDATION DES MINES DE SEL DE BEX Route des Mines de Sel 55 CP 277, CH - 1880 Bex www.mines.ch info@mines.ch Horaire à consulter sur le site internet réservation recommandée (024) 463 03 30

MUSÉE CANTONAL DES BEAUX-ARTS/LAUSANNE info.beaux-arts@vd.ch www.mcba.ch du mardi au mercredi de11h à 18h; jeudi de 11h à 20h; du vendredi au dimanche de11h à 17h; 26 déc. et 2 janv de 11h à 17h; fermé les lundis, le 25 déc.et le 1er janv. Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE MONÉTAIRE CANTONAL Place de la Riponne 6, CH - 1014 Lausanne Palais de Rumine Tél : 021 316 39 90 Fax : 021 316 39 99 musee.monetaire@vd.ch www.musees.vd.ch/musee-monetaire du mardi au jeudi de 11h à 18h; du vendredi au dimanche de 11h à 17h

MUSÉE DE LA MAIN UNIL - CHUV Rue du Bugnon 21, CH - 1011 Lausanne Tél : 021 314 49 55 Fax : 021 314 49 63 mmain@hospvd.ch www.museedelamain.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h; samedi, dimanche et jours fériés de 11h à 18h Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE D’ART DE PULLY Chemin Davel 2, CH - 1009 Pully Tél : 021 721 38 00 Fax : 021 721 38 15 www.museedepully.ch du mercredi au dimanche de 14h à 18h pendant les expositions

CHÂTEAU DE PRANGINS - MUSÉE NATIONAL SUISSE Av. Général Guiguer 3, CH-1197 Prangins Tél. +41 22 994 88 90 info.prangins@museenational.ch www.nationalmuseum.ch/f/prangins/ du mardi au dimanche de 10h à 17h; fermé le 25 décembre

MUSÉE D’ARCHÉOLOGIE ET D’HISTOIRE LAUSANNE Place de la Riponne 6, CH - 1014 Lausanne Palais de Rumine Tél : 021 316 34 30 Fax : 021 316 34 31 www.musees.vd.ch/fr/musee-darcheologie-et-dhistoire du mardi au jeudi de 11h à 18h; du vendredi au dimanche de 11h à 17h

Le Musée Olympique Quai d’Ouchy 1 , CH -1006 Lausanne Tél : +41 (0) 21 621 65 11 info.museum@olympic.org www.olympic.org/musee du 1er mai au 14 octobre, ouvert tous les jours de 9h à 18h - du 15 octobre au 30 avril, ouvert du mardi au dimanche de 10h à 18h, fermé le lundi. Fermé le 25 décembre et le 1er janvier

COLLECTION DE L’ART BRUT Av. des Bergières 11, CH - 1004 Lausanne Tél : 021 315 25 70 Fax : 021 315 25 71 art.brut@lausanne.ch www.artbrut.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h, ouvert les jours fériés, fermé les 24, 25 décembre et le 1er janvier Ouvert le lundi en juillet et août. Entrée libre le premier samedi du mois.

MUSÉE DE L’ELYSEE Avenue de l’Elysée 18, CH - 1014 Lausanne Tél : 021 316 99 11 Fax : 021 316 99 12 www.elysee.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h fermé le lundi, sauf les jours fériés

FONDATION DE L’HERMITAGE route du Signal 2, CH - 1000 Lausanne 8 Bellevaux Tél :+41 (0)21 320 50 01 info@fondation-hermitage.ch www.fondation-hermitage.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h; jeudi jusqu’à 21h, (fermé entre les expositions temporaires)

musée de design et d’arts appliqués contemporains place de la cathédrale 6, CH - 1005 Lausanne Tél : +41 21 315 25 27 Fax : +41 21 315 25 39 www.mudac.ch du mardi au dimanche de 11h à 18h ouvert le lundi de 11h à 18h en juillet et août

LA VILLA ROMAINE DE PULLY Av. Samson-Reymondin 2, CH - 1009 Pully Tél : 021 721 38 00 / 021 728 33 04 musees@pully.ch www.villaromainedepully.ch de mai à sept. le dimanche de 14h à 18h

MUSÉE DU VIEUX PAYS-D’ENHAUT Grand Rue 107, CH - 1660 Château-d’Oex Conservateur :Jean-Frédéric Henchoz Tél : 026 924 65 20 jfrhenchoz@bluewin.ch www.musee-chateau-doex.ch du mardi au dimanche, de 14h à 17h fermeture annuelle durant le mois de novembre.

MUSÉE DES MINÉRAUX ET DES FOSSILES Bâtiment communal de Rougemont Rougemont Tourisme Rte de la Croisette 16 - 1659 Rougemont Tél : 026 925 11 66 Fax : 026 925 11 67 info@rougemont.ch www.chateau-doex.ch du lundi au vendredi de 8h30 à 12h et de 14h à 17h30 ; samedi de 10h à 12h

Espace Ballon Chemin des Ballons 2, CH - 1660 Château-d’Oex Tél : +41 (0)78 723 78 33 info@espace-ballon.ch www.espace-ballon.ch Ouvert du mardi au dimanche de 14h à 17h Novembre : Fermeture annuelle

CARREFOUR DES ARTISTES LE LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS THE MEETING POINT FOR ARTISTS

LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

N 27 février - mars - avril 2018 - CHF 10.-

N 26 novembre - décembre - janvier 2017-2018 - CHF 10.-

RIVIERART

LE CARREFOUR DES ARTISTES DER TREFFPUNKT DER KÜNSTLER THE MEETING POINT FOR ARTISTS

RIVIERART

la revue suisse des amateurs d’art et de culture r a rt rriivviieerraarrtt rivier a rt

-4

numéros

- cHF 40.-

Maison d’Ailleurs Musée de la science-fiction, de l’utopie et des voyages extraordinaires Place Pestalozzi 14, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 425 64 38 Fax: +41 24 425 65 75 maison@ailleurs.ch www.ailleurs.ch du mardi au vendredi de 14h à 18h ; samedi, dimanche et jours fériés de 11h à 18h

Centre d’art contemporain Place Pestalozzi, CP649, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 423 63 80 Fax:+41 24 423 63 82 www.centre-art-yverdon.ch centre-art@yverdon-les-bains.ch du mercredi au dimanche de 12h à18h (fermé entre les expositions)

MUSÉE D’YVERDON ET RÉGION, ARCHÉOLOGIE & HISTOIRE

Le Château, 1400 Yverdon-les-Bains Tél: +41 24 425 93 10 info@musee-yverdon-region.ch www.musee-yverdon-region.ch de juin à sept, du mardi au dimanche de 11h à 17h; d’oct à mai de 13h à 17h; Ouvert les lundis fériés.

NEUCHÂTEL

Musée des beaux-arts la Chaux-de-fonds Rue des Musées 33 - 2300 La Chaux-de-Fonds Tel. +41 (0)32 967 60 77 mba.vch@ne.ch www.mbac.ch du mardi au dimanche de 10h à 17h. Le musée est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentecôte. Fermé le lundi, le 1er janvier, les 24, 25 et 31 décembre

Musée des beaux-arts le locle Marie-Anne-Calame 6 - 2400 Le Locle Tel. +41 (0)32 933 89 50 mbal@ne.ch www.mbal.ch du mercredi au vendredi de 12h30 à 17h, samedi et dimanche de 11h à 17h. Le musée est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentecôte, jeudi de l’Ascension, 1er août et Jeûne fédéral. Fermé le 25 décembre et 1er janvier. rivierart

ac.ch du Le musée de Penteles 24, 25

FONDS -Fonds

.ch du musée Pente24, 25

KUNSTMUSEUM BERN Hodlerstrasse 8–12, CH - 3000 Bern 7 Tel : +41 31 328 09 44 info@kunstmuseumbern.ch www.kunstmuseumbern.ch le mardi de 10h à 21h; du mercredi au dimanche de 10h à 17h, fermé le lundi

KUNSTMUSEUM BERN kunstMuseum bern Hodlerstrasse Hodlerstrasse8–12, 8–12,CH CH- -3000 3000Bern Bern 77 TelTel: +41 3131328 09094444 : +41 328 BERNISCHES HISTORISCHES MUSEUM info@kunstmuseumbern.ch info@kunstmuseumbern.ch Helvetiaplatz 5, CH - 3005 Bern www.kunstmuseumbern.ch www.kunstmuseumbern.ch +41 31 350 77à 11 le leTel. mardi au mardidede10h 10h à21h; 21h;du du mercredi mercredi au didiinfo@bhm.ch manche dede10h àà17h, fermé lelewww.bhm.ch lundi manche 10h 17h, fermé lundi du mardi au dimanche de 10h à 17h

w.mbal.ch 30 à 17h, Le musée de Penteet Jeûne er janvier.

BÂLE FRIBOURG

NATURHISTORISCHES MUSEUM MUSEUM NATURHISTORISCHES DER BURGERGEMEINDE BURGERGEMEINDE BERN BERN DER

MUSEE MUSEE D’HISTOIRE D’HISTOIRE NATURELLE NATURELLE NATURAL NATURAL HISTORY HISTORY MUSEUM MUSEUM

BERNISCHES HISTORISCHES MUSEUM NATURHISTORISCHES MUSEUM BERN Naturhistorisches museum bern Helvetiaplatz CHCH- 3005 Bernastrasse5,15, - 3005Bern Bern Tel.Tel +41 3114h 350à71 77 11mardi, jeudi et vendredi de : 031 350 11 lundi de 17h; info@bhm.ch www.bhm.ch lundi à 17h; mardi, et le vendredi de 9h à de 17h;14h mercredi de 9h jeudi à 18h; week-end du9h mardi dimanche de à le 17h à10h 17h; mercredi à10h 18h; week-end de àau 17h. Ferméde les9h jours fériés. de 10h à 17h. Fermé les jours fériés. MUSEUM NATURHISTORISCHES DER BURGERGEMEINDE BERN

MUSEE D’HISTOIRE NATURELLE NATURAL HISTORY MUSEUM

1517

bal.ch 08 08 / Fax : 022 308 08 59 à 17h, NATURHISTORISCHES MUSEUM BERN 15, CH - 3005 Bern ynapresse.ch / www.dynapresse.ch musée Bernastrasse Tel : 031 350 71 11 Pentebonner lundi à RIVIERART : et vendredi de de 14h à 17h;pour mardi, jeudi Jeûne _ HF 40. 2 ans 8 n° pour CHF 75.9h à 17h; mercredi de 9h à le week-end museum franz Gertsch 18h; anvier. dePlatanenstrasse 10h à 17h. Fermé les jours fériés. 3, CH - 3400 Burgdorf Tel : +41 (0)34 421 40 20 info@museum-franzgertsch.ch 8 08 / Faxwww.museum-franzgertsch.ch : 022 308 08 59 du mercredi au vendredi de 10h à 18h; le apresse.ch / www.dynapresse.ch week-end de 10h à 17h. Fermé lundi et mardi

es :

Migrosmuseum für gegenwartskunst FRI ART TIBET MUSEUM Fondation Alain Bordier Limmatstrasse 270, CH - 8005 Zürich Petites-Rames 22, CH 1701 Fribourg Rue du Château 4, CH - 1663 Gruyères Tel : +41 44 277 20 50 Tél :: 026 026 921 323 30 23 10 51 Fax : 026 323 15 34 Tél info@migrosmuseum.ch info@fri-art.ch www.fri-art.ch info@tibetmuseum.ch www.migrosmuseum.ch mercredi au vendredi de 12h à 18h ; samedi www.tibetmuseum.ch lundi, mercredi, vendredi de 11h à 18h; jeudi et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le de Pâques à Octobre: tous les jours de 11h de 11h à 20h; week-end de 10h à 17h; gratuit jeudi de 18h à 20h. (fermé entre les exposià 18h; de Novembre à Pâques du mardi au le jeudi de 17h à 20h tions temporaires) vendredi FRI ART de13h à 17h; samedi et dimanche dimanche de 10h à 13h et de 14h à 17h de11h à 18h - lundi Petites-Rames 22,fermé CH - 1701 Fribourg Tél : 026 323 23 51 Fax : 026 323 15 34 info@fri-art.ch www.fri-art.ch mercredi au vendredi de 12h à 18h ; samedi et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le Musée Papier peint jeudi de 18h à 20h. (fermé entre les exposiMUSéE du SUISSE DE LA MARIONNETTE MUS ÉE GUTENBERG Au Château - 1684 Mézières tions temporaires) Derrières-les-Jardins 2, CP 556, 1701 Fribourg MUS éE GUTENBERG Tél : 026 347 38 28 Tél Tél.: :+41 02626 322652 8506 1390 info@marionnette.ch Tél : 026 347 38 28 info@gutenbergmuseum.ch FONDATION BEYELER info@museepapierpeint.ch www.marionnette.ch info@gutenbergmuseum.ch Baselstrasse 101 - CH-4125 RiehenBündner / Basel Kunstmuseum Chur www.museegutenberg.ch www.museepapierpeint.ch du mercredi au dimanche de 10h00 à 17h00 www.museegutenberg.ch Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 Bahnhofstrasse 35, CH - 7000 Chur mercredi, vendredi, samedi de 11h à 18h; début avril - fin octobre: jeudiguidées) à dimanche info@fondationbeyeler.ch fermé lundi-mardi (sauf visites et 25- mercredi, vendredi, samedi de 18h; Tel : 081 257 28 70 info@bkm.gr.ch jeudi de 11h à 20h, dimanche de 11h 10h àà 17h www.fondationbeyeler.ch de13h30 à 17h00 ; novembre mars : samedi 26 décembre jeudi de 11h à 20h, dimanche dede10h Tous les jours 10hàà 17h 18h, le mercredi de 10 www.buendner-kunstmuseum.ch KUNSTMUSEUM BERN et dimanche de 13h30 à 17h00. MUSéE DES BEAUX-ARTS LA CHAUX-DE-FONDS h à 20 h. Le musée est ouvert le dimanche et au dimanche de 10h à 17h, jeudi Hodlerstrasse 8–12, CH - 3000 Bern 7 du mardi Rue des Musées 33 - 2300 La Chaux-de-Fonds Tel : +41 31 328 09 44 les jours fériés. MUSéE SUISSE DE LA MARIONNETTE de 10h à 20h Tel. +41 (0)32 967 60 77 info@kunstmuseumbern.ch FRI ART mba.vch@ne.ch Derrières-les-Jardinswww.mbac.ch 2, CP 556, du 1701www.kunstmuseumbern.ch Fribourg MUSéE GUTENBERG Petites-Rames 22, CH - 1701 Fribourg mardi au dimanche de 10h à 17h. Le musée le mardi de 10h à Tél 21h;: du diTél. : 026 322 85 13 info@marionnette.ch Tél : 026 323 23 51 Fax : 026 323 15 34 026mercredi 347 38au28 est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pente- manche de 10h à 17h, fermé le lundi info@fri-art.ch www.fri-art.ch www.marionnette.ch côte. Fermé le lundi, le 1er janvier, les 24, 25 info@gutenbergmuseum.ch mercredi au vendredi de 12h à 18h ; samedi et décembre au dimanche de 10h00 à 17h00 du31mercredi et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le FRIwww.museegutenberg.ch ART jeudi de 18h à 20h. (fermé entre les exposifermé lundi-mardi (sauf visites guidées) et 25- mercredi, vendredi, samedi de 11h à 18h; Petites-Rames tions temporaires) BERNISCHES HISTORISCHES MUSEUM 22, CH - 1701 Fribourg 26 décembre de à 20h, dimanche de 10h à 17h Téljeudi : 026Bern 32311h 23 51 Helvetiaplatz 5, CH - 3005 MUSÉE D’HISTOIRE NATURELLE Tel. +41 31 350 77info@fri-art.ch 11 www.fri-art.ch Chemin du Musée 6, CH - 1700 Fribourg info@bhm.ch www.bhm.ch mercredi vendredi de 12h à 18h ; samedi Tél. : 026 305 89 00 du mardi au dimanche de 10hau à 17h MUSéE DES BEAUX-ARTS LE LOCLE et dimanche de 14h à 17h; entrée libre le Stiftung Lokremise St.Gallen museehn@fr.ch 6 - 2400 Lewww.fr.ch/mhn Marie-Anne-Calame Locle entre les exposijeudi de 18h à 20h. (fermé ouvert tous933les89 jours Tel. +41 (0)32 50 de 14h à 18h. Fermé le MUSEE D’HISTOIRE NATURELLE MUSéE SUISSE DE LA MARIONNETTEGrünbergstrasse 7, CH - 9000 St.Gallen NATURAL HISTORY MUSEUM mbal@ne.ch www.mbal.ch tions temporaires) 1er janv. et le 25 déc. Entrée libre TelFribourg : 071 277MUS 82éE00 Derrières-les-Jardins 2, CP 556, 1701 GUTENBERG du mercredi au vendredi de 12h30 à 17h, NATURHISTORISCHES MUSEUM BERN Tél. : 026 322 85 13 info@marionnette.ch Tél : 026 347 38 28 info@lokremise.ch www.lokremise.ch samedi et dimanche de 11h à 17h. Le musée Bernastrasse 15, CH - 3005 Bern www.marionnette.ch info@gutenbergmuseum.ch Tel : 031 350 71 11 est ouvert le lundi de Pâques, lundi de Pentela partie - Kunstmuseum St.Gallen du mercredi au dimanche de 10h00 à 17h00 muséale www.museegutenberg.ch côte, jeudi de l’Ascension, 1er août et Jeûne lundi de 14h à 17h; mardi, jeudi et vendredi de est ouverte lundivendredi, au samedi dede 13h fermé lundi-mardi (sauf visites guidées) et 25- du mercredi, samedi 11hà à20h; 18h; 9h à 17h; mercredi de 9h à 18h; le week-end er fédéral. Fermé le 25 décembre et 1 janvier. 26 décembre à 20h, dimanche de 10h à 17h de 10h à 17h. Fermé les jours fériés. le dimanchejeudi et de les11h jours fériés de 11h à 18h.

FRIBOuRg

NEuCHÂTEL

BÂLE

ST. GALL

NATURHISTORISCHES MUSEUM DER BURGERGEMEINDE BERN

Tél. : 022 308 08 08 / Fax : 022 308 08 59 E-mail : abonne@dynapresse.ch / www.dynapresse.ch Oui, je souhaite m’abonner à RIVIERART pour : _ 1 an - 4 n° pour CHF 40. 2 ans - 8 n° pour CHF 75.-

PASQUART KUNSTHAUS CENTRE D’ART Seevorstadt 71, CH-2502 Biel/Bienne Tel : +41 32 322 55 86 info@pasquart.ch www.pasquart.ch mercredi et vendredi de 12h à 18h; jeudi de 12h à 20h; week-end de 11h à 18h.

Kunsthalle Bern Helvetiaplatz 1, CH-3005 Bern Tel : +41 (0)31 350 0045 info@kunsthalle-bern.ch www.kunsthalle-bern.ch du mardi au vendredi de 11h à 18h; le weekend de 10h à 18h; lundi fermé rivierart

BERNE

FRIBOuRg

Schloss Spiez Schlossstrasse 16, CH- 3700 Spiez Tel : +41 (0)33 654 15 06 admin@schloss-spiez.ch www.schloss-spiez.ch En 2017 - du 14 avril au 22 octobre, lundi de 14h à 17h, du mardi au dimanche de 10h à 18h; en juillet et août jusqu’à 18h.

GRISONS

FRIBOuRg

de l’éditeur. Offre valable sous réserve de modification sous réserve de modification de l’éditeur. Offre valable

oires :

1517

onner à RIVIERART pour : 40._ 2 ans - 8 n° pour CHF 75.-

ZURICH

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DE-FONDS de-Fonds

BERNE BERNE

Date et signature obligatoires : Date

Offre valable sous réserve de modification de l’éditeur.

FONDATION BEYELER Baselstrasse 101 - CH-4125 Riehen / Basel Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 info@fondationbeyeler.ch www.fondationbeyeler.ch Tous les jours de 10h à 18h, le mercredi de 10 h à 20 h. Le musée est ouvert le dimanche et les jours fériés.BEYELER FONDATION Baselstrasse 101 - CH-4125 Riehen / Basel Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 VITROMUSEE ROMONT info@fondationbeyeler.ch Au Château, CH – 1680 Romont www.fondationbeyeler.ch Tél : + 41 (0)26 652 10 95 Tous les jours de 10h à 18h, le mercredi de 10 info@vitromusee.ch www.vitromusee.ch h à 20 h. Le musée est ouvert le dimanche et Avril-Oct : du mardi au dimanche de 10h à les jours 13h et defériés. 14h à 18h; Nov-Mars : du mardi au

7/10/2016 6:32:14 PM

rivierart

BÂLE fONDATION BEYELER Baselstrasse 101 - CH-4125 Riehen / Basel Tel. +41 - (0)61 - 645 97 00 info@fondationbeyeler.ch www.fondationbeyeler.ch Tous les jours de 10h à 18h, le mercredi de 10h à 20 h. ouvert le dimanche et les jours fériés.

pharmazie-historisches museum der universität basel Totengässlein 3, CH - 4051 Basel Tel. 061 264 91 11 info@pharmaziemuseum.ch www.pharmaziemuseum.ch du mardi au vendredi de 10h à 18h; samedi de 10h à 17h. Fermé le lundi, le dimanche et les jours fériés

APPENZELL

Museum Appenzell Hauptgasse 4, CH - 9050 Appenzell Tel : 071 788 96 31 www.museum.ai.ch d’avril à octobre: du lundi au vendredi de 10h à 12h et de 13h30 à 17h; le week-end de 11h à 17h; de novembre à mars: du mardi au dimanche de 14h à 17h

ZUG Kunsthaus Zug Dorfstrasse 27, CH - CH-6301 Zug Tel : (+41) 041 725 33 44 info@kunsthauszug.ch www.kunsthauszug.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h, weekend de 10h à 17h. Fermé entre les expositions

SCHAFFHOUSE

Museum zu Allerheiligen Klosterstrasse 16, CH - 8200 Schaffhausen Tel : +41 52 633 07 77 admin.allerheiligen@stsh.ch www.allerheiligen.ch du mardi au dimanche de 11h à 17h

VALAIS

Musée d’histoire du Valais Château de Valère, CH - 1950 Sion Tél. 027 606 47 15 sc-museehistoire@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Musée d’art du Valais Place de la Majorie 15, CH -1950 Sion Tél. 027 606 46 90 sc-museeart@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre.

Musée de la nature du Valais Châteaux 12, CH - 1950 Sion Tél. 027 606 47 30 sc-museenature@admin.vs.ch www.musees-valais.ch oct. - mai: mardi au dimanche 11h à 17h Juin - septembre: tous les jours de 11h à 18h Fermé le 1er janvier et le 25 décembre. Centre d’expositions des Musées cantonaux (Ancien Pénitencier) rue des Châteaux 24, CH - 1950 Sion 027 606 47 07 Fermé entre les expositions temporaires

FONDATION PIERRE GIANADDA Rue du Forum 59, CH - 1920 Martigny Tél : 027 722 39 78 Fax : 027 722 52 85 info@gianadda.ch

Le Musée de Bagnes et ses Maisons du patrimoinE Route de l’Eglise 13, CH - 1934 Le Châble 027 776 15 25 musee@bagnes.ch www.museedebagnes.ch

GENÈVE MUSÉE ARIANA - MUSÉE SUISSE DE LA CÉRAMIQUE ET DU VERRE Avenue de la Paix 10, CH - 1202 Genève Tél : 022 418 54 50 ariana@ville-ge.ch www.ariana-geneve.ch du mardi au dimanche de 10h à 18h

MEG – MUSÉE D’ETHNOGRAPHIE DE GENÈVE Bd Carl-Vogt 65 - 1205 Genève T +41 (0)22 418 45 50 F +41 (0)22 418 45 51 meg@ville-ge.ch www.meg-geneve.ch Ouvert du mardi au dimanche de 11h à 18h. Fermé le lundi, le 25 décembre et le 1er janvier. Entrée libre chaque 1er dimanche du mois; jeunes jusqu’à 18 ans révolus

Mamco - Genève Musée d’art moderne et contemporain 10, rue des Vieux-Grenadiers - 1205 Genève Tél : + 41 22 320 61 22 Fax : + 41 22 781 56 81 www.mamco.ch du mardi au vendredi de 12h à 18h ; tous les premiers mercredis du mois jusqu’à 21h ; samedi et dimanche de 11h à 18h.

CENTRE D’ART CONTEMPORAIN GENÈVE rue des Vieux Grenadiers10, CH - 1205 Genève Tél : +41 22 329 18 42 info@centre.ch www.centre.ch du mardi au dimanche, de 11h à 18h.

Musée Barbier-Mueller de GENèVE Rue Jean-Calvin 10 - 1204 Genève Tél : +41 22 312 02 70 Fax : +41 22 312 01 90 musee@barbier-mueller.ch www.musees-barbier-mueller.org Ouvert 365 jours par an de 11h à 17 h.

Musée INTERNATIONAL DE LA RéFORME Rue du Cloître 4, cour St-Pierre CH -1204 Genève Tél : +41 22 310 24 31 www.musee-reforme.ch du mardi au dimanche de 10h à 17 h.

Patek Philippe Museum Rue des Vieux-Grenadiers 7 CH-1205 Genève Tél : +41 22 807 09 10 Fax : +41 22 807 09 20 info@patekmuseum.com www.patekmuseum.com du mardi au vendredi de 14h à 18h; le samedi de 10h à 18h. Fermé les jours fériés

Musée d’art et d’histoire Rue Charles-Galland 2, CH - 1206 Genève Tél : +41 (0)22 418 26 00 www.ville-ge.ch/mah mah@ville-ge.ch Ouvert de 11h à 18 h. Fermé le lundi

Musée Rath Place Neuve, CH - 1204 Genève Tél : +41 (0)22 418 33 40 www.ville-ge.ch mah@ville-ge.ch Ouvert de 11 à 18 h. Fermé le lundi

Maison Tavel Rue du Puits-Saint-Pierre 6, CH -1204 Genève www.ville-ge.ch mah@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 37 00 Ouvert de 11 à 18 h. Fermé le lundi

Cabinet d’arts graphiques Promenade du Pin 5, CH - 1204 Genève www.ville-ge.ch cdag@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 27 70 Ouvert de 11 à 18 heures. Fermé le lundi

Bibliothèque d’art et d’archéologie Promenade du Pin 5, CH - 1204 Genève www.ville-ge.ch baa@ville-ge.ch Tél : +41 (0)22 418 27 00 du lundi au vendredi de10h à 18h ; samedi de 9h à 12h. rivierart

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N° 30 / 2018 - 2019, Novembre - Décembre - Janvier parution trimestrielle: février / mai / août / novembre erscheint viermal pro Jahr: Februar / Mai / August / November quarterly publication: February / May / August / November Contact: Rivierart Geneviève Brunner Rue du Léman 2 CH - 1815 Clarens (VD) Info@rivierart.ch www.rivierart.ch Editrice: Geneviève Brunner Publicité: info@rivierart.ch Conception graphique et réalisation: Geneviève Brunner Photolithographie: Patrice Frass Photos: page de couverture, vue de la Riviera © Geneviève Brunner page de dos, vue de la Riviera © Geneviève Brunner Traductions: Zoë Kan Carolin Banerjjee Geneviève Brunner Patrice Frass

Tirage: 7’000 exemplaires

Distribution: Montreux, Vevey, Lausanne, Genève, Fribourg, Gstaad, Berne disponible en ligne par abonnement 6400 envois privés cabinets médicaux entreprises de la Riviera en kiosque dans toute la Suisse dans nos musées partenaires, voir pages 46 à 49 Rivierart décline toute responsabilité quant aux documents qui lui sont transmis. Rivierart declines all responsability for the transmitted documents. It is the sole responsability of the contributor that the painting is not a copy of any copyrighted photo, painting, ephemera or image. La reproduction des textes et illustrations n’est possible qu’avec l’autorisation écrite de Rivierart®. Der Nachdruck von Texten und Bildern ist nur mit schriftlicher Genehmigung von Rivierart® erlaubt. Reproduction of texts and images is subject to the written consent of Rivierart®.

ISSN 2235-8730

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