Es Born
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Revista mensual, de carácter divulgativo y cultural AÑO II · número 6 · octubre de 2014
UN
SAN SEBASTIÁN DE CINE
C
El ‘7’ del United
onocí a Guillem Gisbert Puig, vocalista, guitarrista y ukelelista del grupo Manel un 20 de agosto de 2013. Habíamos quedado en el bar Alegría de Barcelona. Eran las 11:32 en un día exageradamente caluroso. Decidí que haría aquella entrevista en la terraza, así que busqué una mesa con dos sillas y una buena sombra. Gisbert no tardó en llegar. Fumando. En cuanto le saludé se disculpó, cogió el cenicero de una de las mesas que había alrededor y apagó el cigarro. En seguida supe cómo tenía que hablarle. Estudió Periodismo, y es músico «de casualidad» y admitió no tener ni idea de solfeo. Cuando le pregunto por un ‘hit generacional’ no duda ni un instante: saca su iPhone y me enseña la discografía de ‘The Wedding Present’, un grupo indie de origen británico que dedicó su primer disco al ‘7’ más carismático del Manchester United. George Best (1987). Por aquel entonces el Beattle, el que fuera el mejor extremo de la Historia del United ya había colgado las botas. Vistió como red durante diez años, entre las temporadas 63-64 y 73-74, y con tan solo 22 años se convirtió en el primer norirlandés que ganaba un Balón de Oro. Fue en 1968, por de lante de estrellas mundiales como Bobby Charlton o Beckenbauer. Gisbert admite que en los recreos jugaba de una forma «más o menos digna» como extremo, pero también confesa: «tengo la suerte de poder hacer de una pasión mía mi profesión».
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por Àlvar Moreno
sumario
Núm. 6
En este número han colaborado...
Miguel Mayans Joan Pujol Joan Rubí Pere Flaquer Daniel Besalduch Carol Feijóo y avid astelo D C
octubre 2014
San Sebastián, ciudad del cine internacional por una semana [20]
y además... Cómo aprender cualquier cosa en tiempo récord (pág. 10) De Georges Méliès a John Lasseter (pág. 14) Espectáculo lúdico (pág. 20)
Edward Hopper y el cine: EL LENGUAJE DE LA SOLEDAD [26]
Blue Bird (pág. 22) Cinema Paradiso (pág. 24) Es Born es una revista cultural, sin ánimo de lucro y que sale cada mes. La hacen alumnos universitarios; y si desea publicar en ella, háganos llegar un e-mail a: revistaesborn@gmail.com
@revistaEsBorn
Valiant Hearts: The Great War [17]
DIRECTOR: Àlvar Moreno JEFE VIDEOJUEGOS: Daniel Besalduch JEFE GRAFISMOS: Pere Flaquer JEFE CULTURA: David Castelo JEFE CINE: Joan Rubí 3
San Sebasti谩n, ciudad del cine internacional por una semana por Miguel Mayans
Siempre que se acerca el final de las vacaciones para muchos de nosotros, los estudiantes, el cine se convierte en el tema principal de muchos medios de comunicaci贸n. Y con raz贸n, ya que la ciudad de San Sebasti谩n prepara uno de los eventos de mayor importancia: su festival internacional de cine. 4
Desde el primer momento que pisé la magnífica ciudad de San Sebastián, lugar donde el elemento cultural dota a la ciudad de un aire místico y, a su vez, creativo por sus grandes citas culturales internacionales (no tan solo cinematográficas), pude percibir el gran ambiente cinéfilo que se respiraba. Sin ir más lejos, en el aeropuer-
to, y después de reconocer a algunos periodistas, redactores y cámaras que iban a cubrir el evento, me pude encontrar con Juana Acosta, actriz y modelo colombiana que desarrolla gran parte de su carrera en España. No hacía ni quince minutos que estaba en la ciudad y ya sabía que esto iba a prometer, y mucho...
NO HIZO FALTA espe-
rar demasiado para ver cómo todos los engranajes se iban ajustando para que, a lo largo de nueve días, la ciudad acogiese uno de los grandes festivales internacionales a nivel europeo y, por qué no, mundial. La gran cantidad de gente que abarrotaba la urbe, las largas colas de espera para comprar las entradas, el enorme despliegue de medios de comunicación que iban de un lado para otro, juntamente con la mayoría de técnicos del festival, apresurados para ultimar los detalles, ya se pudieron vivir un día antes de que el festival abriera sus puertas. El día de la apertura no podía empezar mejor. Cine matutino
con una de las películas que más pompa mediática tuvo debido a que fue la elegida para abrir el festival y, también, gracias a sus dos grandes figuras que forman parte del film: el director estadounidense Antoine Fuqua y el actor Denzel Washington (premio de honor en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián). Una mezcla potente si recordamos la película Training Day del mismo director y actor, el cual se hizo con su segunda estatuilla en los premios de la Academia de Hollywood, allá por el año 2002. The Equalizer, película que competía dentro de la Sección Oficial del festival, dejó indiferente a más de uno en la sala de
proyección del Kursaal. Un guion repleto de clichés en donde un ex-agente de la CIA (Denzel Washington) debe poner a salvo su vida tras ayudar a una prostituta (Chloë Grace Moretz) de las manos de la mafia rusa. La trama plagada de acción y violencia exacerbada e incomprensible, en la que el actor en cuestión ya no es del todo apto para películas donde el desgaste físico es importante (el montaje de la película ya lo dice todo). Una extensión desproporcionada del metraje y la mitificación del personaje de Washington como el nuevo justiciero de la ciudad, hacen de la película una excelente opción para ir a pasar un buen rato al cine. 5
Después de salir del Kursaal (sede principal del festival), descontento y con ganas de más, me dirigí al Teatro Principal para ver otro film totalmente distinto al anterior. Mommy, dirigida por Xisco Dolan, candidata canadiense a los premios Oscar y ganadora del Premio del Jurado en el Festival de Cannes (2014), trata la historia de una madre divorciada que
debe hacerse cargo de su hijo adolescente con graves problemas de ADHD (Trastorno por déficit de atención e hiperactividad). La inestabilidad de ella por hacerse cargo de su hijo provoca una degradación en la vida familiar de ambos, que se ve rejuvenecida por la intrusión de un nuevo individuo, su vecina, personaje misterioso con pretensiones de poder ayudar. La película muestra la dureza y el sacrificio de estos tres personajes para lidiar y solucionar la situación en la que se ven inmersos. De un aspecto formal impre6
sionante, debido a la utilización del formato cuatro tercios, para mostrar la presión con la que conviven nuestros personajes, y el dieciséis novenos para mostrar, metafóricamente, la liberación en ciertos momentos de la trama, hacen de la película una de las mejores del festival. Aviso de antemano, cuidado con la gala de los premios Oscar 2015 en la sección de película de habla no inglesa [...]. Llegamos al tercer día y con otra gran apuesta fuerte, esta vez, de cine español. Se trata de La Isla Mínima, largometraje dirigido por Alberto Rodríguez, y que nos presenta a dos policías atormentados y “castigados” (Javier Gutiérrez y Raúl Arévalo) por sus respectivos pasados, que se ocupan de un caso relacionado con la desaparición de dos adolescentes en una población inhóspita de las marismas del Guadalquivir. Muchos habréis escuchado y leído que es una versión de la aclamada serie policíaca americana, True Detective, y es del todo cierto. No tan solo por nuestros dos protagonistas sino también por la atmósfera opresiva que contiene la trama. Lugares remotos, paisajes perdidos, personajes misteriosos que callan o dicen medias verdades, entre otros, además
de nuestros dos personajes, contradictorios entre ellos y movidos por un fin común (resolver el caso), son claros ejemplos de la conectividad entre la película y la serie de la HBO. Aunque esta aún no se había emitido cuando el rodaje de la película estaba ya finalizando. Thriller angustioso y sucio, en donde los temas policiacos se
entremezclan en la época en que está ambientada la película (en los años 80, periodo de transición entre el franquismo y la democracia), en la que el ritmo lento y pausado (necesario) nos induce a poder disfrutar de una de las mejores películas del cine español de los últimos tiempos. Destacar el gran trabajo de Alex Catalán, el director de fotografía, por crear ese ambiente malsano, lluvioso, fangoso y terroso que fue recompensado con el único premio que se llevó el film en el Festival de San Sebastián.
El tercer día, después de algunos intentos fallidos para poder ver The Drop pasamos directamente al cuarto día. Esta vez tocaba cine asiático de la mano del director coreano Sung Bo Shim con la película Haemoo. El film nos narra la historia de una pequeña tripulación de un navío
descendencia judía y cantante que es enviada a los campos de concentración nazi. Al regresar, con la cara totalmente desfigurada, pide a un cirujano que se la reconstruya exactamente igual a como la tenía antes. Una vez reconstruida se dispone a encontrar a su marido un famo-
que iba a ver a continuación no iba a defraudar. Después de una breve pero clara presentación de la mano de su actriz principal, Jessica Chastain, daba comienzo la película La desaparición de Eleanor Rigby. Historia que trata el tema del desamor y, porque no, del amor, de una manera muy
Cuando vi pasar a Jessica Chastain por delante de mis narices me autoconvencí de que su película no me iba a defraudar pesquero que se introduce en el peligroso mundo del transporte de inmigrantes ilegales. Las diferentes complicaciones que van apareciendo a lo largo del metraje llevan a la tripulación a una situación de extrema locura donde lo ético y lo moral es puesto en duda. Película que destaca, sobre todo, por un guion magistral donde el drama y el terror se entrecruzan hasta el punto que, en algunas partes, el tratamiento de la locura es excesiva (provoca alguna que otra risilla en el público). Sin apenas poder descansar un minutillo ya nos encontramos sentados (otra vez) para ver y analizar la siguiente proyección. La película de Christian Petzold, ganadora del Oso de Berlín, Phoeni, nos cuenta la historia de Nelly (Nina Hoss), una joven de
so pianista alemán. Película que trata temas como la pérdida de la propia identidad, el reencuentro, la vida y la muerte y que, únicamente, peca de tener algún que otro patinazo histórico. Al ver pasar por delante de mis narices y a menos de veinte centímetros a la protagonista de la próxima película que voy a tratar ya me decía a mí mismo que, de una u otra manera, el filme
peculiar, ya que se puntualiza desde dos perspectivas: tanto la de él (James McAvoy) como la de ella (Jessica Chastain). Película que en un principio debía ser de tres horas, ya que estaba formada por dos largometrajes donde se mostraba el punto de vista, único, de ella y viceversa, solo se pudo ver en el festival de Toronto. Esto se debe a que tuvo que ser acortado por temas de derechos de distribución. En definitiva. Decir que es un metraje que destaca por el elenco de actores, el guion (diálogos muy trabajados y precisos), el color global del filme y un montaje cuidado y pausado (muy necesario). Lo único discutible es la duración, que se excede en algunos fragmentos para explicar lo ya explicado. 7
El quinto día se presentaba con otra película que competía dentro de la Sección Oficial en el festival. El film Edén, dirigido por la jovencísima directora Mia Hansen-Love, nos sitúa en la Francia de la década de los noventa donde un nuevo género musical, el grunge (subgénero de la música electrónica), empieza a hacer mella en la noche parisina. Un grupo de jóvenes, empujados por la pasión musical, decide internarse en la experiencia de montar un grupo de música electrónica llamado Cheers. Temas como la fama, el egocentrismo, la pasión y el deseo son tratados en la película desde el punto de vista de uno de ellos,
de Paul (Félix De Givry), en las distintas etapas de su vida. Film que nos hace vibrar, gracias a la brillantez con la que la directora nos muestra los escenarios, donde la fiesta y la música son las máximas protagonistas, y que nos entristece, debido a la sutileza de la parte melancólica de la trama, muestran las dificultades que surgen por querer cumplir un sueño. Películas, películas y más películas... pero, a continuación, vamos a hacer un pequeño parón para hablar de otra proyección, 8
esta vez, de un género audiovisual distinto, el documental. The Kingdom of Dreams and Madness, dirigido, escrito y realizado por la japonesa Mami Sunada, nos narra la historia de uno de los grandes estudios dentro del mundo de la animación y, en especial, de la animación japonesa, el Studio Ghibli, que abre sus puertas para dar a conocer los grandes entresijos que hay detrás de su metodología de trabajo. Una visión del trabajo enfocada, primordialmente, en sus tres figuras de más renombre, los directores; Hayao Miyazaki e Isao Takahata y el productor; Toshio Suzuki, fundadores de dicho estudio. Documental centrado en el proceso de creación de sus dos últimos proyectos; El viento se levanta (Miyazaki) y La historia de la princesa Kaguya (Takahata) en el cual se nos muestra e introduce, mediante un sistema de realización sencillo y arcaico, típicos de la película documental donde la cámara en mano es la base de toda narración fílmica, en el corazón del estudio para indagar y descubrir las grandes particularidades que envuelven la magia de sus películas. Una magia que engloba los sueños, la pasión, las inquietudes y la perseverancia de cada uno de
sus miembros. Ya estamos en el sexto día y, con esto, el penúltimo día del festival. Esta vez tocaba ver la película que, finalmente, consiguió la Concha de Oro a la mejor película. Se trata de Magical Girl, film dirigido por Carlos Vermut. En ella se tratan los límites que existen entre la razón y el instinto (entre lo animal y lo humano) desde el punto de vista de tres personajes muy diferentes entre ellos pero relacionados por un elemento cohesionador. La trama cuenta como Luís (Luís Bermejo), profesor de literatura en paro, trata de conseguir hacer el sueño de su hija (Lucía Pollán) realidad, ya que padece un cáncer y le quedan pocos días de vida. El sueño consiste en conseguir el vestido original de la serie japonesa de animación Magical Girls Yukiko que, debido a su alto precio económico, inducirá a Luis a cometer varios chantajes. Dichos chantajes van destinados a Bárbara (Bárbara Lennie), una joven mujer con graves trastornos mentales que Luís conoce de manera fortuita. Dentro de este emparejamiento aparece la figura de Damián (José Sacristán), un profesor marcado por un tormentoso pasado.
Un director o, mejor dicho, autor, que nos propone un cine novedoso y, si me permiten la expresión, experimental, que deja “con el culo al aire” a aquellos que se pensaban que ya no había nada más por ver. Una trama en la cual las líneas argumentativas serpentean entre sí (dejando a más de uno desencajado) y una cadencia fílmica de lo más original la hacen merecedora del premio. Uno de los directores que va a dar mucho de qué hablar en el nuevo panorama del cine español. Después de seis días intensos, tanto de ver películas, de analizarlas como de puntuarlas, ha llegado el último día del Festival
como lo que realmente es, una princesa. Por dicho motivo deciden abandonar el pueblo e ir a la ciudad donde van a vivir en una gran mansión repleta de lu-
Carlos Vermut se encarga de dejar “con el culo al aire” a los que creían que ya no quedaba nada más por ver de San Sebastián y no podía ser mejor la despedida que acudir a ver la última del director Isao Takahata, La historia de la princesa Kaguya. Cine de animación japonés en estado puro basado en un cuento popular nipón y anónimo del siglo IX titulado: La historia del cortador de bambú. En un pequeño poblado del Japón rural vive una pareja de ancianos que se encuentran, en un tallo de bambú, a una pequeña niña recién nacida decidiendo cuidarla como si fuera su hija. Ya hecha una mujer los ancianos deciden que debe ser tratada y educada
jos. Son muchos los hombres que intentan cortejarla, incluido el emperador, pero ella los rechaza diciendo que proviene de la Luna
y que pronto deberá volver. Un cine al que no nos tiene acostumbrados el Studio Ghibli ni el propio director (si recordamos su película de más renombre, La tumba de las luciérnagas). Una trama melancólica que se mueve con gran agilidad y maestría gracias al soporte de una nueva animación no realizada, anteriormente, por el elenco de directores que forman parte de Ghibli. El garabato, el carboncillo, las manchas de pintura, la velocidad de sus escenas y la animación que juega con las formas, dependiendo de la profundidad de campo de la escena, son elementos característicos del filme. Una animación que nos traslada a los principios y al surgimiento de ésta sin provocar que la trama pierda color y emoción. Al salir de la proyección, entusiasmado y pensativo por lo que acababa de ver, sentía, a la misma vez, tristeza. Se ponía fin, no solo al festival en cuestión sino, también, a una semana repleta de ganas, entusiasmo e ilusión de disfrutar del mejor cine en un festival tan prestigioso como éste. Un evento casi obligado para todo aquel que ama el cine y la cultura en general. La 62ª edición del Festival de cine de San Sebastián terminó. Ahora ya solo toca pensar en la siguiente, en sus películas y en los miembros de la industria que van a participar. Hasta el momento solo queda decir: ¡hasta el año que viene, San Sebastián! Miguel Mayans es estudiante de 3º de Comunicación Audiovisual
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Cómo aprender cualquier cosa en tiemp récord ¿HACE MUCHO QUE quieres aprender algo? ¿Ya
lo has intentado anteriormente pero has acabado abandonando? Es normal, tranquilo, nos ha pasado a todos. La buena noticia es que tiene solución. A veces solo nos hace falta un método, un mapa, algo que nos guie en el proceso. Es posible aprender cualquier cosa en seis meses o incluso menos. Con la actitud y el método adecuados puedes conseguir milagros. Son muchos los que se quedan estancados durante años en cursos de inglés o de cualquier cosa en general sin progresar demasiado. Algo falla. Siempre pensé que tenía que haber una mejor manera de aprender que con el sistema tradicional. Ya sabes, ir a clase muchas horas, llegar a casa y leer el libro; apuntes una y otra vez [...]. Con el tiempo he ido experimentando, probando diferentes métodos de productividad, leyendo a diferentes autores hablar sobre el tema. Esta pequeña guia es el resultado de ese proceso, y espero que te sea de tanta utilidad como lo ha sido para mí.
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Primero: Identifica qué es lo que quieres aprender. Este paso es obvio, pero imprescindible. Decide qué es lo que quieres aprender. Si no tienes una idea muy definida de qué es lo que quieres aprender no te preocupes, aquí te propongo algo con lo que empezar:
adecuados muchas cosas pueden salir mal. Mucha gente ha experimentado y fracasado en todos los ámbitos de la vida. Por suerte para nosotros algunos de ellos han dejado libros con sus experiencias y errores. Si podemos aprender de los errores de los demás evitamos cometerlos nosotros también. BusI) Toma nota en tu día a día de li- ca libros que retratan las experienbros, películas o temas que te inter- cias de otras personas en el mundo esen para luego profundizar de los negocios para luego poder más en ellos. montar el tuyo sin cometer grandes errores. II) Aprende más acerca Segundo: Explora un poco el tema de tu cam- antes de sumergirte. Realiza un par
libro en su página puedes ver la opinión de decenas de otros compradores que han valorado y analizado su contenido. Esa herramienta te permitirá leer únicamente los libros más relevantes en cada área. Leer es una inversión de tiempo importante. Al año el número de libros que podremos leer es limitado, así que esta herramienta nos permitirá centrarnos solo en lo más importante y evitarnos más de una mala experiencia por haber malgastado el dinero y el tiempo en algo que no cumple con lo prometido. Busca libros acerca del tema que quieres aprender en Amazon.
*Por supuesto puedes apoyarte en cursos, pero en algún momento necesitarás de una referencia, o notarás que no hay cursos sobre un tema en concreto o que los que hay no son de calidad po profesional. Si no aprendemos acerca del campo al que nos dedicamos, nuestros conocimientos se quedan obsoletos. Cada varios años sale una tecnología que destruye una industria. El mundo es como el juego de las sillas, si no vas con ojo puedes quedarte sin lugar. Aprender algo nuevo constantemente reduce drásticamente la posibilidad de que seamos nosotros los que nos quedemos de pie.
de búsquedas en Google acerca del tema que te interese. Una buena idea para empezar es buscar en Wikipedia. Estos artículos son perfectos porque contienen de manera resumida la información de base. Si entendemos bien los conceptos generales es mucho más fácil recordar luego el material. Además, también nos permiten saber el grado de interés que tenemos en un tema, si sigues leyendo al cabo de cinco minutos es una buena señal.
III) ¿Alguna vez has soñado con montar un negocio? Bien, pues antes de que lo hagas ten presente que sin los conocimientos
Tercero: Busca en Amazon los mejores libros* sobre el tema. Amazon ha revolucionado el mundo. Al menos para mí. Si buscas cualquier
El truco se encuentra en filtrar para que solo nos muestre los resultados de de cuatro o cinco estrellas. Eso nos dejará solo la lista de lo mejor de lo mejor. Cuarto: Primero busca libros introductorios o generales. Si no tienes mucho conocimiento en el área que estás tratando de aprender empieza por libros que contengan la palabra “introducción” en el título. Estos libros hablan acerca de las ideas más importantes. A partir de ahí más o menos cada tema se convierte en un subapartado para posterior profundización sobre el tema. 11
Quinto: Fíjate en el índice. Una vez hemos identificado los libros que nos interesan debemos consultar su índice. El índice es el esqueleto del contenido. Nos dice qué temas trata y en qué profundidad. Si hay algún conocimiento previo que necesites tener para poder entender completamente el libro en cuestión, entonces busca el mejor libro que encuentres sobre ese otro tema. Sexto: Ordena el contenido. De entre todos los libros y cursos que hayas marcado ahora toca decidir en qué orden se deben consumir. Prepara una lista.
la seriedad de este punto. Determinará el éxito o el fracaso de nuestro plan. El hábito cuesta al principio, pero luego nos ayuda. Si haces algo durante una semana, a la siguiente notarás menos resistencia, y a la siguiente aún menos. Céntrate al principio en hacer lo posible por no cansarte. Esto incluye escribir las razones por las que quieres aprender x tema, o tomarte descansos frecuentes (sin pasarse) para aligerar el peso de nuestra nueva disciplina.
Octavo: Fíjate un horario, una horas determinadas cada día para centrarte en la lectura de los libros. Como he comentado, al Séptimo: Planificación. principio es una cuestión Muchas metas están con- de hábito. Así que lo medenadas desde el principio. jor es planificar unas horas Debemos tener un plan en concretas del día, unos días concretos de la semamente, debemos decidir: -Qué queremos sacar de na. Escríbelo en tu agenda, los libros / cursos que con- calendario o en un trozo de papel. Pero cumple con sumamos. -En cuánto tiempo pla- tus cuotas diarias. Cuando neas hacerlo. El cuándo. hayas cumplido la cuota Es aconsejable establecer diaria tacha el elemento unas horas determinadas de la lista y no sigas. Seguir al día para este tipo de co- puede llegar a quemarte. sas. Ya que lo más impor- Es una cuestión de autotante es la consistencia. Ir control y consistencia. avanzando cada día, por poco que sea. Brevemente, Noveno: Éxito. En este debemos hacer un compro- punto tienes un plan bien miso con nosotros mismos. definido. Sabes qué quiPiénsalo de este modo: si eres hacer, cómo y por qué. no te fuerzas a ti mismo a Si por alguna razón no ves hacer esto ¿cómo vas a vi- lo detalles claros busca invir tus sueños? Es de vital formación acerca de estos importancia que notemos detalles que te preocupan. 12
Una: Nunca hagas más de lo que te has propuesto, sigue una disciplina. Es mejor tener consistencia que hacer 3 horas extra y al día siguiente quedarte corto. Dos: Tomar notas. Leer o ver vídeos no es suficiente, tomar notas sobre lo más importante nos ayuda a interiorizar mejor los conceptos.
Seis: Ganar comprensión lectora en inglés te permite acceder a una mayor cantidad de información y muchas veces de mayor calidad. Siete: Empieza con cosas pequeñas y a medida que vayas ganando confianza podrás enfrentarte con mayor facilidad a retos mayores. Ocho: ¿Sabes que hay gente que puede memorizar el orden de las cartas de una baraja en menos de un minuto? Este tipo de logros son posibles gracias a sistemas para ayudarnos a memorizar mejor. Si sientes curiosidad busca acerca de la mnemotecnia.
Tres: La práctica es la mejor forma de asimilar las cosas. Haz ejercicios o lleva a cabo un proyecto relacionado con lo que estás intentan- Nueve: La motivación es el comdo aprender. bustible para hacer Cuatro: Apunta cualquier cosa. ¡Es lo que no entien- importante no quedas, para buscarlo darse sin! Debes saber las razones después. por las que haces Cinco: Si fallas un algo. Si las apuntas día no significa que en un papel y las hayas fracasado. To- lees al irte a dormir dos tenemos malos y al despertar verás días. No seas per- como eres capaz de feccionista. Simple- lograr mucho más. mente concéntrate Diez: Resulta que en seguir. en casi todo el 20%
de los resultados vienen dados por el 80% de nuestros esfuerzos y que el 20% de nuestros esfuerzos dan el 80% de los resultados. Esta regla es conocida como el principio de Pareto. Al hacer cualquier cosa (en este caso el estudio) intenta buscar el 20% de las cosas que dan el 80% de los resultados. Once: Tómate algún día libre. Anteriormente he dicho que es importante ser consistente. Pues bien, si queremos evitar quemarnos es importante dejar espacio para descansar. Cualquier plan que no tenga esto en cuenta esta condenado. Y doce: Sigue el proceso. Céntrate en lo que tienes ahora en mano. Al ver que tenemos un camino muy largo por delante nos quedamos bloqueados, no sabemos qué hacer. Al romper el camino en trozos pequeños podemos evitar estos bloqueos. Simplemente céntrate en el presente. Haz lo que indica el plan y todo irá bien.
¿Por qué este método funciona? 1.- Estudias por voluntad propia, no porque alguien te obliga. En la escuela el aprendizaje es lento, entre otras cosas, porque no estás estudiando el material que tú mismo has seleccionado. Aquí, en cambio, eres tú mismo quien hace el plan de estudios. 2.- Estudias directamente de las mejores fuentes, no importa dónde vivas, gracias a Internet tienes acceso a los mejores profesores. 3.- Al convertir el estudio en algo que haces cada día el progreso es muy rápido. Las semanas pasan igualmente, pero al hacer del estudio parte de tu rutina se convierte en algo casi automático. ¿Por qué este método puede no funcionar? Este sistema requiere de disciplina, lo que significa que si no tienes no lo conseguirás. No voy a alargar más el artículo con este tema pero quiero dejar claro que la disciplina es el paso número 1 hacia cualquier logro, incluyendo aprender alguna cosa en tiempo récord. ¿Qué hago ahora? 1.- Sigue el método desde el paso 1. 2.- Aplica el método una hora cada día de lunes a sábado durante 30 días. 3.- Al haber acabado el periodo, reflexiona sobre todo lo que has conseguido y date una palmadita en la espalda. Si no lo has logrado identificar la razón y vuelve al punto 1. Buena suerte. Joan Pujol es desarrollador móvil y web
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De George Méliès a John Lasseter
por Joan Rubí
CON EL PRELUDIO DEL
siglo XX, se empezaron a introducir una serie de trucajes en el mundo cinematográfico encabezados por el maestro Georges Méliès, que con su Viaje a la Luna (1902) dejó con la boca abierta al público de antaño. Dichos métodos de manipulación alteraban la realidad con intención de crear una especie de atmósfera fantástica. Pero fue con la llegada de los años 50 cuando se produjo un cambio drástico en referencia a los efectos especiales y su universo virtual. De este modo, la innovación tecnológica actuó como revulsivo en los años 50-60 aportando superproducciones anglosajonas que alcanzaron fama mundial, tales como La guerra de los mundos o Jasón y los argonautas. A pesar de la preponderante renovación en las técnicas visuales de la época en comparación con el cine clásico, los efectos especiales aún sufrían un exceso Méliès predijo el alunizaje 67 años de precariedad e inestabilidad. antes de que ocurriera. Pere Flaquer
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2001: una odisea del espacio es el origen de la revolución informática en el cine de ciencia ficción.
El genio Stanley Kubrick, con su 2001: Una odisea del espacio (1968), fue uno de los cineastas que transformaran los efectos ópticos en lo que conocíamos como cine, con la ayuda de modelos gráficos creados por ordenador. Los efectos digitalizados presenciados en la obra cumbre de Kubrick fueron consolidados en la última entrega de Star Wars (El retorno del Jedi, 1983), en la que George Lucas trabajó los efectos especiales con una industria que creó él mismo llamada ILM. A partir de la trilogía de Lucas, los ordenadores comenzaron a cobrar una cierta repercusión en la difusión del séptimo arte. Ya en la década de los 90 se produjo un florecimiento de la digitalización gracias a la utilización del método stop-motion para conseguir la animación de movimientos, con películas dominadas por imágenes creadas por ordenador como son Terminator II. El juicio final (1991) o Parque Jurásico (1993). Sin embargo, se puede señalar que el camino moderno de las técnicas generadas por ordenador es iluminado por las producciones iniciales que decide patrocinar el estudio estadounidense de Walt Disney Pictures, dejando su primer sello en la producción de Tron (1982). No
Amigos hasta el infinito...
obstante, el filme respaldado por Disney fracasó comercialmente. Por otro lado, no es posible hablar de la relevancia de los efectos animados por computadora sin recalcar la envergadura de Toy Story. El filme de John Lasseter estableció un antes y un después en el aspecto de la animación informática, convirtiéndose en el primer largometraje de la historia generado por ordenador en su totalidad. Además, Toy Story significó un espejo para la construcción de figuras en 3D de cara a los futuros audiovisuales animados.
etc. En este proceso creativo cabe rememorar la figura de John Lasseter, creador de las aventuras de Woody, Buzz Lightyear y compañía, y uno de los artistas con más cartel en la casa de la lámpara flexo. Ambos estudios consolidaron una corriente de suprema belleza cinematográfica que, desde su caparazón puramente infantil, continúa deslumbrando y emocionando a nivel mundial a consecuencia de su intacta perfección técnica.
Así, el 1991, año en que Walt Disney Pictures y Pixar Animation Studios firmaron el acuerdo para realizar Toy Story, es considerado como el nacimiento de la supremacía en cuanto a la red digitalizada del universo cinematográfico. Desde el salto de Toy Story a la gran pantalla, el vínculo Disney-Pixar nos ha dejado absolutamente perplejos con sus numerosas historias creadas con efectos digitales de manera íntegra, de entre las que destacan un puñado de valiosísimas cintas: Bichos, Toy Story 2, Monstruos S.A., Buscando a Nemo, Los increíbles, Cars, Wall·e, 15
De forma paralela, también cabe anotar la existencia de otras distribuidoras que se uniformaron con el empeño de producir largometrajes totalmente digitalizados por computadora. Podemos destacar las películas creadas por la unión entre las compañías PDIDream Works (Hormigas, Shrek, El Espantatiburones, Madagascar, Kung Fu Panda, Cómo entrenar a tu dragón) y las productoras Blue Sky
ha situado en la cúspide de la cinematografía contemporánea. El proceso de realización del filme dirigido por Pete Docter y Bob Peterson se llevó a cabo a semejanza de las anteriores producciones en las que colaboraron ambos estudios de animación. En la fase de preproducción se ilustró un guión previo a modo de viñetas dibujadas a lápiz (storyboard), que servía de hilo conductor para entender
una grabación previa de la voz de los intérpretes con la finalidad de programar un mayor realismo en el aspecto de la expresión facial de los personajes. Finalmente, antes de la exhibición final del filme, se originó un último esbozo por ordenador que tenía la función de encajar todos los efectos de iluminación para el resultado concluyente del largometraje. En la fase de postproducción se digitali-
La unión de las compañías PDI-Dream Works, pese a conseguir una importante recaudación y a ser aplaudidos por un público unánime, nunca consiguieron igualar el peso audiovisual de las cintas producidas por Disney y Pixar Studios-Twentieth Century Fox (Ice Age, Robots, Ice Age 2, Río). Dichos filmes animados, a pesar de conseguir una importante recaudación y ser aplaudidos por un público prácticamente unánime, nunca llegaron a igualar el peso audiovisual con el que nos siguen deleitando las cintas producidas por Disney y Pixar, donde la labor informática de sus respectivos modeladores se
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la historia de la película. Dichas zaron los fotogramas con una espeviñetas se transformaron en “to- cial dedicación a la policromía de mas” por medio de un software in- sus figuras en 3D. En definitiva, los formático que digitalizaba modelos métodos visuales utilizados en Up en 3D con el propósito de aportar mantienen una capacidad activa de un movimiento concreto a cada fig- captar el movimiento fluido de sus ura representada. Posteriormente, formas y recrear un dinamismo trisiguiendo el modelo de las innu- dimensional que tiene su punto de merables filmaciones animadas arranque en Toy Story. del nuevo milenio, se realizó una maquetación del diálogo mediante Joan Rubí es estudiante de 3º de Comunicación Audiovisual
Valiant Hearts: The Great War por Daniel Besalduch
Ubisoft Montpellier abandona la felicidad de Rayman para sorprendernos con Valiant Hearts, una aventura gráfica que narra los horrores, las penurias y el compañerismo que se engendraron durante el transcurso de la Gran Guerra. El motor UbiArt Framework vuelve a dar lo mejor de sí y demuestra que no hacen falta infinidad de polígonos para transmitir una buena idea
Narración coral Ubisoft Montpellier se inspiró en cartas reales para recrear con estilo propio la historia del videojuego. El título se divide en cuatro capítulos, cada uno con siete secciones (equivaldrían a pantallas), exceptuando el capítulo final, que consta de seis. Todos ellos los recorreremos a través de cuatro personajes jugables: Karl, marido de la hija de Emile (Marie) adscrito en el bando alemán de manera forzada; Emile, un granjero francés que es llamado a luchar en la guerra y trata de buscar a su yerno; Freddie, voluntario americano en busca de venganza; y Anna, estudiante belga de enfermería que decide sumergirse en el conflicto para encontrar a su padre. A medida que avanza la trama, los personajes se unen para alcanzar una meta común, ya que todos sus objetivos se hallan en la misma dirección: buscar al Barón Rojo. También es importante destacar la figura de Walt, el perro de guerra. Pese a que no representa un personaje jugable, debemos utilizarlo constantemente para poder alca-
nzar nuestros propósitos. Es un acompañante que auxilia a todos los personajes y al que podemos dar órdenes con finalidades diversas, como despistar a los guardias o acceder a lugares imposibles. Como dato peculiar, quizá muchos estéis pensando en la ausencia de George, un piloto británico que aparece en los trailers y carteles del título y aparenta ser un personaje jugable. No obstante, únicamente aparece en el tramo final de la aventura, sin posibilidad de control y como mero ayudante de Emile. Todavía no se sabe la razón de este cambio repentino, pero al parecer los desarrolladores decidieron (o se vieron obligados) a “eliminarlo”. En mi opinión, podría tratarse de un as guardado bajo la manga con expectativas futuras. Cada uno de los personajes po-
see unos elementos particulares que desencadenan un tipo de jugabilidad: Emile puede cavar con su pala, con lo que abundan las pantallas ubicadas en túneles bajo las trincheras o con alguna posibilidad de perforar el terreno; Freddie puede cortar alambres de espino con sus tenazas y la acción directa es su principal campo; Anna se centra en curar a los heridos y todo nuestro cometido gira en torno a ello mediante un pequeño minijuego de soncronización de teclas, muy parecido al control de títulos como Guitar Hero. Todo esto aporta modos de juego variados y contextualmente distintos.
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En el terreno narrativo es importante subrayar que se trata de un punto de vista coral, es decir, el conocimiento de los personajes se convierte en la única fuente de información que tenemos de la trama. En este punto entra en juego un elemento interesante: el diario. A medida que avanzamos, los personajes van escribiendo notas de sus vivencias y pensamientos. Esto genera en muchas ocasiones situaciones potentes, ya que nosotros sabemos el estado del conjunto de personajes mientras ellos pueden descon-
ocer el paradero de los demás. De esta manera poseemos una omnisciencia narrativa del grupo que el título utiliza constantemente para enervarnos.
fica con un estilo cercano a los títulos de Telltale Games (que recomiendo estrechamente), centrados en los diálogos. En Valiant Hearts no se nos permite seleccionar diálogos, ya que prácticamente son inexistentes; en su lugar encontramos “gruñidos” acompañados por bocadillos rellenos de dibujos. En parte, recuerda al recurso que utiliza Brothers: A Tale of Two Sons, donde los gestos de los Por último, cabe destacar que personajes clarifican la ilegibValiant Hearts avanza a través ilidad del diálogo. La duración de puzzles. Muchos usuarios del título ronda las 6-8 horas. esperaban una aventura grá-
Cómic en movimiento Como ya he mencionado en la introducción, el motor UbiArt Framework vuelve a brillar. Los diseños 2D (o 2.5D) de los escenarios y personajes funcionan y logran crear un contraste muy rico con los horrores que se narran. Los fondos se convierten en un elemento que dota de significado toda la acción jugable: Ubisoft Montpellier logra que aporten mucho más que profundidad visual. Por una parte, añaden vida y epicidad a las situaciones, sobre todo en los capítulos centrados en conflictos; consiguen que la acción no se desarrolle tan solo delante de nosotros, sino también a nues-
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tro alrededor, con soldados cargando, explosiones rezumbando y paisajes destruyéndose: conciben un contexto de desolación y espanto. Por otra parte, se integran como una mecánica jugable más; en según qué capítulos, podemos despla-
2D. Asimismo, en muchas ocasiones los acontecimientos del fondo poseen una repercusión directa en nuestra “línea”. Otro dato interesante es la integración de viñetas para desvelar componentes que no se encuentran en pantalla pero poseen un peso directo sobre la narración, como estados de otros personajes o amenazas inminentes. También es atractivo el uso de bocadillos para representar las necesidades de los personajes no jugables, es un buen modo de expresar los engranajes necesarios para zarnos entre fondos hasta lle- resolver puzzles. Todas estas gar a crear mapas complejos, decisiones aportan una estética siempre cogidos de la mano del todavía más cercana al cómic.
Una lección de historia
Uno de los componentes más sorprendentes de Valiant Hearts y que sirve como elemento diferenciador es la vertiente didáctica. El título posee un apartado llamado “Hechos Históricos” que contiene información formativa de los sucesos de la Gran Guerra, compuesto por objetos coleccionables y datos. Los objetos coleccionables, una vez encontrados, nos proporcionan información variada del conflicto: desde explicaciones sobre las vestimentas, vehículos, propagandas de los medios o incluso monedas de los diferentes países, hasta descripciones de curiosidades que llevaban a cabo los soldados o civiles, como reutilizar el hierro para hacer anillos y enviarlos a sus famili-
Calidad sonora
Todo lo expuesto anteriormente quedaría vacío sin un buen trabajo sonoro. Lo primero que se debe señalar es el doblaje: el título se halla totalmente en castellano, tanto voces como textos, con un doblaje trabajado y de calidad. Para los más devotos, puede ser algo negativo no poder jugar con subtítulos en castellano y voces originales, sin embargo, yo me considero uno de ellos y tengo que reconocer que me ha sorprendido; el casting de voces está bien escogido, cada una adquiere el tono necesario y encaja con el personaje: Carlos Kanaowsky (narrador), Juan Antonio Arroyo (Emile) y Laura Pastor (Marie) realizan una labor maravillosa; se nota que son profesionales y
as o utilizar pieles de cabra para pasar el invierno. Por otra parte, la sección “Datos” se desbloquea a medida que avanzamos y nos otorga más información que contextualiza los sucesos que estamos viviendo con el personaje, como descripción de batallas,
acontecimientos tecnológicos importantes, la función de las profesiones que participaron en el conflicto o la transformación de las ciudades. Además, la pro-
pia trama está muy trabajada históricamente y un mapa nos indica al comienzo de cada sección la ubicación donde nos encontramos, el año y otros datos significativos, todo narrado. La información está acompañada de infografías del aclamado documental Apocalipsis: La Primera Guerra Mundial, decisión que se agradece mucho. Pese a que se centra en la vertiente francesa (lógico tratándose de Ubisoft Montpellier), es un título neutral. A diferencia de videojuegos como Call of Duty o Battlefield, Valiant Hearts simplemente muestra personas que han resultado forzosamente exiliadas para combatir en una guerra que no comprenden. No hay americanos buenos ni alemanes malvados.
veteranos en su campo, con más emotivo y utilizan el piano como de cincuenta videojuegos (y otras instrumento principal: muchas películas) a sus espaldas. Son temas profundos y emocioEvidentemente el nivel se man- nales que logran aludir a las pertiene para el resto de elementos: sonas y no a los soldados. Son todos los “sonidos de campo” piezas que se alejan del orgullo rugen intensamente para trans- y la hombría de la guerra. Reivindican la tristeza y melancolía de la misma, el absurdo de la destrucción, las relaciones arruinadas y las vidas perdidas. Por último, merece una alusión especial la sincronía que se genera en algunos momentos mitir el contexto bélico. con música clásica no original. El Mención aparte merece la ban- título se permite crear breves inda sonora. Casi cuarenta te- stantes de ensoñación que conmas compuestos por Peter Mc- trastan totalmente con la trasConnell y Daniel Teper terminan cendencia del contexto: Esquivar de colocar la guinda al título. La bombas, disparos y minas a ritmo inmensa mayoría de composi- de Brahms logra gestar una belleciones se mueven por el terreno za increíble.
Los temas de la banda sonora aluden a personas, no a soldados
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Mención aparte merece la banda sonora. Casi cuarenta temas compuestos por Peter McConnell y Daniel Teper terminan de colocar la guinda al título. La inmensa mayoría de composiciones se mueven por el terreno emotivo y utilizan el piano como instrumento principal: Son temas profundos y emociona-
les que logran aludir a las personas y no a los soldados. Son piezas que se alejan del orgullo y la hombría de la guerra. Reivindican la tristeza y melancolía de la misma, el absurdo de la destrucción, las relaciones arruinadas y las vidas perdidas. Por último, merece una alusión especial la sincronía que se genera
en algunos momentos con música clásica no original. El título se permite crear breves instantes de ensoñación que contrastan totalmente con la trascendencia del contexto: Esquivar bombas, disparos y minas a ritmo de Brahms logra gestar una belleza increíble.
Valiant Hearts: The Great War es un videojuego único. Belleza visual y sonora se unen para incubar una obra puzzlera muy peculiar. Es un título que consigue crear un gran contraste entre el estilo visual y los acontecimientos que se narran. La gran apuesta y riesgo de los desarrolladores se hallan en el campo didáctico; en mi opinión, los escépticos decididos a impedir la incursión de los videojuegos en el terreno educativo se quedarían sin argumentos si degustasen una mínima porción de esta obra
Espectáculo lúdico por Daniel Besalduch
DESDE HACE ALGUNOS
lúdicos. Por otra parte, Youtube tamaños, Twitch ha demostrado que los vid- bién continúa construyendo su camino eojuegos tienen un público inmenso, y de youtubers, con miles de gameplays a éste le gusta observar videojuegos sin y contenido episódico, pese a que éste la necesidad de jugarlos, tanto en una todavía queda relegado a la influencia vertiente profesional (League of Leg- que uno ten- ga en la red, sin importar la calidad del conends, Dota 2, Counttenido. Por lo tanto, er Strike, Starcraft Cada vez más gente hay faros suficientes II, ...) como amse gana la vida jupara predecir que ateur o absurda poco a poco se va a (los peces jugando gando a videojuegos ir construyendo una a Pokémon o Street Fighter son el gran y cercano potente indu- stria destinada espeejemplo). El reciente documental cíficamente al espectáculo de videoFree to Play (Valve Films, 2014) apor- juegos. Cada vez más gente se está gata una visión bastante verídica de los nando la vida con ello, y cada vez más empresas esincreíbles festán viendo el tivales que se potencial que edifican para estos eventos fraguar eventos poseen. En un terreno paralelo, aparece Upsilon Circuit, un título de mazmorras destinado a PC y La audiencia tomará desarrollado por Robot Love Kitty, creadores de Legend of Dungeon. decisiones importantes La finalidad del juego es explotar esa creciente masificación del es- que afectarán al juego pectáculo lúdico a través de un formato prácticamente televisivo. Tan solo ocho personas podrán jugar al videojuego simultáneamente y sólo dispondrán de una vida. Sí, la muerte significará el final, literalmente. El objetivo de los desarrolladores es re-
transmitirlo a través de webs de streaming siguiendo siempre un formato serial: sólo se emitirá unas horas cada semana y estará adornado con previews y resúmenes para los usuarios que se hayan perdido el “capítulo” anterior. Todo estará acompañado de Ray-Gon, un host que se ocupará de fraguar un nexo entre jugadores y espectadores a través de las redes sociales o el propio chat en vivo de las páginas.
Daniel Besalduch es estudiante de 3º de Comunicación Audiovisual 21
Blue Bird Palma es una ciudad maravillosa, y más aún cuando se que su teatro principal albergará el sábado 8 de noviembre el espectáculo de una de las más dulces, soberbias, poderosas e hipnotizantes obras musicales que mis oídos han tenido el placer de escuchar. Una composición que hace que mi caracol salga de su concha sin temer provocar una hecatombe y que mi Órgano de Corti se excite sin remedio posible. Hablo de la novena sinfonía de Beethoven. La ciudad de Palma se ha portado. por Carol Feijóo
Pero, hay un dicho que afirma “no es oro todo lo que reluce”, y esta sinfonía reluce como el pecado y la restricción. Es una sinfonía planteada para señores f e u dales que estén dispuestos a pagar 60 euros por un trozo de papel rectangular (he visto esta clase de trozos mucho más baratos), o para aquellos que estén dispuestos a pasar un mes comiendo pan con atún solo por poder escuchar en vivo esta sinfonía hecha por oídos, a parte de sordos, divinos. Yo tengo algo que deciros: las más bellas piezas musicales, sin despreciar ni por asomo a la novena, se pueden oír gratis. Están al alcance de todos. Están en la calle. Bob Dylan está en la calle, los más grandes músicos de jazz están en la calle, el reggae está en la calle, hasta podemos escuchar grupos locales maravillosos en la calle. Sesenta euros es un sacrificio muy grande por una obra cuando músicos de a pie nos deleitan gratis con las otras miles de maravillas musicales que existen.
maravillosa ciudad donde está prohibido tocar, y otras donde los músicos no pueden ocupar más de un metro cuadrado de pavimento. Qué maravillosa es Palma. Palma se ha portado. Los jefes debieron de pensar que el erizar de nuestros pelos al caminar mientras alguien toca ‘The bird’ de Charlie Parker era porque nos espantaba, y decidió eliminarlo en nuestro beneficio. Qué lista y maravillosa es Palma. También supongo que eso de dificultar la licencia de café concierto a nuestros bares
s a l l e b ás m e s s a s L e l a ic s u m piezas oír gratis n puede
melodías han tomado cartas en el asunto. El día de la Nit de l’Art, descubriéndola como una gran excusa para salir, aunque lo más cercano a una pieza de arte que veas sea el posavasos de todas las cervezas que te tomes, encontré un mensaje, seis para ser exacta. Un mensaje de descontento y furia dividido en seis pegatinas de más de un metro esparcidas por las cercanías de las galerías palmesanas. Eran músicos. Eran músicos, y a cada uno le acompañaba una fiera domesticada, amansada por su música. Un claro mensaje para la empática, lista y maravillosa Palma.
ica Después de dos semanas casi s ú m la ninguna queda en pie. Me e u q o r e t d o entristece y me anima al o d Pue n a r mismo tiempo, puede que pa e d r a p t r é Palma tenga un poquito de ibe est l u s r miedo, puede que la músio p e p ca esté preparando otro golpe gol
preferidos y por su libertad. Dicen que hay prohibir que tengan música un blue bird, después de que su músico le fuese arrebatapuesta más tarde de las doce es porque Cedo, que mantiene constante nicienta se su estático vuelo como si sentía celodijese: “Cuidado empática, sa de la genlista y maravillosa Palma”. te que si que podía hacer más tarde que ella. Qué empática, lista y maraAunque puede que os haya men- villosa es Paltido. Puede que hace tiempo no ma. hubiera sido mentira, pero ahora si. La música de la que os aca- Claro que, bo de hablar está a punto de ser parece que los Carol Feijóo es estudiante de 2º de erradicada. Ya hay zonas de esta creadores de Comunicación Audiovisual
os l e d s o l e c a í s t á n e m s a a as nt c e i a c i r n a g e Ce l l n a dí o p e u q la l e e u q tarde 23
por David Castelo
Cinema Paradiso: la nostalgia y épica del silencio
La cinta de Giuseppe Tornatore volverá a proyectarse en cien salas de ACUDO AL CINE cine durante una semana en su CON cierto reparo y previgesimoquinto aniversario. juicios para revisar Cinema Paradiso, una de las pocas películas que me conmovió y llamó la atención junto a La mejor oferta (su última y maravillosa película) de este curioso director llamado Giuseppe Tornatore y que sin embargo en sus posteriores revisiones observo excesivos recursos fáciles, fórmulas sensibleras y clichés para encandilar al público. Me asolan las dudas, dado que no soy un acérrimo entusiasta de Tornatore (películas como Baarìa, La desconocida o Malèna 24
no despertaron en mí gran empatía). Cosa que sin embargo, sí me ha pasado con la maravillosa La mejor oferta. Película que bebe de lo mejor de Brian de Palma, Polasnki o incluso del aroma poético y tenebroso de Vértigo de Hitchcock, una obra prodigiosa. Puedo apreciar ciertos tonalidades poéticas, belleza y complejidad, y una desgarradora escenificación de la resignación, ante el paso del tiempo, ante las heridas irreparables de la vida.
La relación que establecen el pequeño huérfano Salvatore , conocido como “Toto” y Alfredo, el operador de Paradiso el cine de un pequeño pueblo de Sicilia. Crea un vínculo dónde el pequeño colecciona en secreto aquellos descartes que el sacerdote -nombrado el censor- corta de las películas proyectadas. En esos recortes, Toto viaja fascinado a través del maravilloso mundo de la imaginación tras los besos y caricias, los desnudos y miradas del lenguaje cinematográfico.
Ambientada a finales de la década de 1940, poco después de la Segunda Guerra Mundial. Salvatore es un niño hijo de una viuda de guerra que encuentra refugio en el cine, en la gran pantalla, en las historias amor y desamor, en la dureza de los personajes trágicos, ello le empujará a soñar algún día con ser director de cine. La película gira alrededor de momentos trágicos y bellos, de épica y resurrección. No solo en las relaciones y secuencias en torno a Salvatore, si no que Cinema Paradiso nos redime a una época nostálgica, de lirismo y redención: el inefable paso del tiempo y la resignación ante los eventos cruciales de nuestra vida. Hay dos momentos trascendentales a lo largo del metraje, que definen la historia de Salvatore.
ricachón que invierte sus loterías y demás chanchullos. El segundo es la relación de amor imposible con Elena (hija de un banquero rico clasista) junto a quien contraerá un vínculo que le marcará de por vida, pero que debido a la desaprobación de la familia Elena se mudará y Salvatore perderá todo contento con ella. Todo ello mezclado en una atmósfera de suma delicadeza y tersura, donde uno queda absorbido por el rostro del pequeño y sus aventuras. El personaje de Alfredo también nos invita a contraer cierta empatía ocupando ese vacío de referente paternal del pequeño. Salvatore crece y es llamado por el servicio militar, lo cual significará un cambio drástico en el desarrollo de su vida, donde
Cinema Paradiso nos redime a una época nostálgica El primero, cuando la tragedia del incendio en el cine y la posterior ceguera permanente de Alfredo, que significará que Salvatore a pesar de su juventud sea contratado como nuevo proyector gracias la reconstrucción del cine por un ciudadano
vuelta al pueblo tras la muerte de Alfredo. Una de las imágenes que más me estremecen durante la película es cuando recibe la noticia de que el cine va a ser demolido y acude a verlo recreando imágenes de vivencias junto a los vecinos con los que ha compartido noches de cine. Ese momento de reminiscencia, de secuencias y recuerdos de su infancia: el final de una época. A pesar de mi dilema, salgo del cine con un cierta conmoción. Deduzco que para aquellos que la desconocían y acudían al cine por primera vez a verla salgan con una sonrisa, una sensación de haber contemplado una obra maestra, y que han invertido un tiempo en una buena causa. Yo sigo manteniendo mi opinión, una buena película pero que jue-
Cuando Salvatore crece es llamado por el servicio militar
deberá dejar atrás su infancia y renunciar a ciertos momentos inolvidables de su vida. Y que vislumbrará trágicamente a su
ga con trucos frente de cara al público. Aún así uno no puede evitar dejarse llevar por los ojos y la historia de Salvatore, la historia de un niño despidiéndose del lugar donde empezó a volar, donde empezó a definir sus vivencias y sueños.
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Edward Hopper y el cine: EL LENGUAJE DE LA SOLEDAD
por David Castelo
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Hará cosa de dos años, tuve el placer de acudir a la exposición que organizó el Museo Thyssen-Bornemisza de una de las mayores joyas que ha dado el mundo de la cultura, el arte y la pintura: Edward Hopper. Probablemente uno de los mejores retratadores a través de su obra pictórica de la sociedad americana y que deslumbró a través de su lenguaje la soledad, la incomunicación y la decadencia del individuo.
A TRAVÉS DE
ese lenguaje personal que magníficamente se describe en sus cuadros de mujeres solitarias, desnudas o vestidas, en habitaciones con ventanas, acompañadas de hombres misteriosos o con aspecto lúgubre, tenebroso y ciertamente misterioso o de parajes con cierta tonalidad melancólica han influenciado al mundo cine-
Hopper rehúye de estilismos y estéticas postmodernistas distancia inquieta al espectador. No es la única película en la que aparece, también la podemos observar en secuencias de películas como Gigante, de George Ste-
actual y fuentes de inspiración del cine moderno. Sus cuadros nos presentan imágenes enigmáticas, desgarradoras y perturbadoras de personajes anónimos protagonistas -los cuales en muchas ocasiones ni vemos sus rostros- que viven atrapados en espacios urbanos llenos de melancolía. Directores como David Lynch en Terciopelo Azul, Sam Mendes en vens o en Días del cielo de Ter- Camino a la perdición o Abrarence Malick (uno de los mayores ham Polonsky en El poder del adeudos del legado de Hopper). mal beben directamente de su Edward Hopper es uno de los influencia. O series como Mad Men recrean principales personajes represenque perfecttantes del amente forRealismo marían parte del siglo XX, del mundo de cuyas obras Hopper. son referencia de la soledad en el mundo
Las obras de Hopper inspiraron al cine moderno matográfico, literario y cultural. La casa que aparece en Psicosis del genio Alfred Hitchcok se inspira en el cuadro de House by the railroad de 1925 recreando el motel Norman Bates con en esa tonalidad oscura y terrorífico, esa mansión aislada, imponente y solitaria y como desde la
Sus personajes viven atrapados en espacios melancólicos
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Uno no puede dejar de estremecerse y preguntarse en qué estarán pensando los personajes anónimos que aparecen, la sensación de que viven atra-
idad aparece simplificada en volúmenes y formas, donde los personajes no se tocan ni dialogan entre sí. Es como si el espectador asistiera a un momento de “congelación” en el tiempo, donde el silencio y los protagonistas esperan a que suceda un acontecimiento: esperando sentados, mirando por ventanas, fumando
marca y sello personal. A pesar de que fue contemporáneo de Giacometti y Picasso, su influencia bebe de autores clásicos como Manet y Degas a los que estudió profundamente en sus viajes por Europa. Lo más fascinante de Hopper es que rehúye de estilismos y estéticas pseudomodernistas, su poética reside en retratar y transmitir las singularidades, las simplezas y lo ignorado en el devenir de lo cotidiano de sus personajes. Transcribe tal cual el comportamiento y el lenguaje del propio silencio, la ausencia y la melancolía, la tristeza y la soledad. El silencio de la soledad más atroz
‘Digestión filosófica’ y ‘Habitación de hotel’ parecen un storyboard de una película muda donde la realidad aparece simplificada en volúmenes y formas pados y recluidos en un mundo turbio, decadente y ciertamente melancólico. Contemplar la Digestión filosófica de 1959, como aquella mujer estirada en la cama dando la espalda al hombre que está sentado junta a ella en posición reflexiva, con un libro cerca y perdido en sus dudas y miedos, palpando la asfixia y opresión que transmite el silencio y la soledad en referencia a la sociedad contemporánea. U otras joyas como Autómata, de 1927 o Habitación de hotel, de 1931 parecen ser storyboard originales, como fotogramas de una película muda donde la real-
o simplemente perdidos en sus jamás retratado con tan suma pensamientos. belleza y estilo. El sentimiento de aislamiento que David Castelo es poeta desprenden las mujeres y hombres que aparecen en habitaciones de motel vacías donde la luz y el contraste se convierten casi en un recurso fotográfico en relación al fuerte halo dramático de sombras, su