Catalogue de saison 2015-16 - MAI (Montréal, arts interculturels) by MAI (Montréal, arts interculturels)

montrĂŠal, arts interculturels saison quinze-seize

J’ai appris que le monde est aussi cruel que merveilleux et qu’il faut garder nos dents et nos griffes bien acérées. J’ai appris que dans nos faiblesses réside notre force. Que notre fragilité nous unit les uns les autres, et que les mystères et le courage aiguisent notre curiosité... –

ta n ya tag aq

(traduction

Page de couverture I am a demon. Pichet Klunchun © Pichet Klunchun Dance Company Pages centrales Incendies. Série In Between. (2013) © Anna Binta Diallo Design graphique Atelier Mille Mille

libre)

m-a-i.qc.ca 3680, rue Jeanne-Mance, bureau 103 Montréal, Québec H2X 2K5 — billetterie / box office 514 982.3386 billetterie@m-a-i.qc.ca Mardi au samedi, de 15 h à 18 h, et une heure avant chaque représentation. / Tuesday to Saturday, from 3 pm to 6 pm and one hour before performances.

— galerie d’art / art gallery Mardi au samedi, 12 h à 18 h. Entrée libre. Tuesday to Saturday, 12 pm to 6 pm. Free admission.

arts visuels

Les esprits obtus sont dépourvus d’imagination : intolérance, théories déconnectées de toute réalité, terminologie vide de sens, idéaux fauchés, systèmes inflexibles. Voilà des choses qui m’effraient à juste titre. Je les crains et les abhorre à tous égards. haruki murakami

LE CORPS SANS ORGANES (THE BODY WITHOUT ORGANS)

sep.

– 17

oct.

Vernissage : Jeudi 10 sep. – 17 h S’inspirant d’un concept philosophique « Le corps sans organes » développé par le philosophe français Gilles Deleuze, l’exposition regroupe un corpus de trois œuvres – Les becs, Cohesive Disorder et The Sea Smiles from Far Off. Teeth of Foam. Lips of sky – qui fait entrer en dialogue l’univers de deux artistes liés par une même inquiétude : la préoccupation d’un monde menaçant, sous le joug de la guerre et de la violence. La création de Payam Mofidi invite à renégocier notre rapport critique et empathique au réel et à réconcilier la mémoire collective et le récit individuel faits de tensions sociales et de souffrance humaine. Quant à Ila Firouzabadi, celle-ci crée une œuvre hybride faite de corps et de mises en scène traversées par des émotions vives d’où émerge une poésie douloureuse et sans compromis.

Inspired, in part, by philosopher Gilles Deleuze, Le corps sans organes (The body without organs), featuring three distinct works – Les becs, Cohesive Disorder and The Sea Smiles from Far Off. Teeth of Foam. Lips of sky, fosters a dialogue between two unique artists linked by a common concern: an ominous world under the yoke of war and subsequent violence. The art of Payam Mofidi often examines the role of religion and political power. He invites us to renegotiate our critical and empathetic relationship with reality and to reconcile collective memory with individual narratives of social conflict and human suffering. Ila Firouzabadi’s body of work is imbued with emotion from which emerges a painful and uncompromising poetry. Disparate elements converge to create an all-pervading anxiety, suggestive of a world marked by carnage.

− 6

I N S T A L L A T I O N ( M O N T R É A L )

I L A F I RO U Z A BA D I + PAYA M M O F I D I

THE PRESENT FUTURE I S W R I T T E N I N T H E PA S T

n ov .

– 12

déc.

Vernissage : Jeudi 5 nov. – 17 h Dans cette exposition, Diyan Achjadi s’approprie les imageries de toutes cultures et toutes origines pour révéler à quel point chaque culture se nourrit des autres par imitation, ingurgitation, transformation, recyclage permanent. L’artiste déploie dans ses tableaux un mash-up captivant et coloré : imageries de la Renaissance, textiles indonésiens, figures de folklore international, gravures, livres d’enfants ou encore bandes dessinées. De ce chaos surgit un bestiaire fabuleux peuplé de créatures hybrides qui apparaissent déconnectées d’origines précises, dans des espaces incertains.

In this exhibition, Diyan Achjadi appropriates imagery from different traditions and backgrounds to reveal how cultures feed on each other through imitation, transformation, adaptation, and continual recycling. In her drawings, she presents captivating and colourful mash-ups, including Renaissance imagery, Indonesian textiles, wallpaper patterns, figures from folklore, engravings, children’s books and comic books. From the chaos emerges a fabulous bestiary, improbable and fascinating, peopled by hybrid creatures that appear disconnected from their origins, inhabiting uncertain spaces.

Tout au long de l’histoire, c’est cette dissémination des arts, cette pollinisation des imaginaires et des représentations qui composent nos univers mentaux, individuels aussi bien que collectifs ; nos perceptions du quotidien, des gens, des idées. Les tableaux exubérants de Diyan Achjadi explorent ce qui fonde nos imaginaires, les liens artistiques et culturels qui nous relient tous.

Throughout history, through trade, travel, colonization, and migration, it is this dissemination of the arts, this cross-pollination of imaginary worlds and representations, that have constructed our perceptions of the everyday, of people and ideas. Diyan Achjadi’s exuberant drawings explore what builds our imaginary worlds, the artistic and cultural links that connect us all.

− 7

I N S T A L L A T I O N ( V A N C O U V E R )

DIYAN ACHJADI

tirées d’Internet, de publicités, de livres d’histoires ou encore de photos personnelles pour enrichir les différentes couches de ses œuvres. Grâce au collage, mais aussi à la peinture, à l’impression, palimpseste déploie un langage hautement symbolique et très personnel. Anna Binta Diallo s’amuse avec les perceptions, les contrastes et les associations et réagence librement les images et les informations pour mieux créer une nouvelle cosmogonie. Née au Sénégal, Anna Binta Diallo se définit comme une artiste « multidisciplinaire et multimédiatique ». —

I N S T A L L A T I O N ( M O N T R É A L )

S’inspirant du palimpseste, manuscrit qui est gratté et lavé après chaque utilisation pour servir de nouveau, Anna Binta Diallo a conçu les œuvres de cette série par juxtapositions, réinscriptions et par réinventions successives des images. Elle s’inspire pour cela de différentes cultures, notamment celles de la diaspora africaine ou des communautés autochtones, s’approprie des images

Inspired by the palimpsest, a parchment that is erased after each use so that it can be continually reused, artist Anna Binta Diallo created this series by successively rewriting, reinterpreting and reinventing the imagery and visual information that has been part of our collective history. With subjects relating to the Black Diaspora, Canada, to Indigenous peoples, and to her own personal history, this exhibition addresses a theme of reinscription. She appropriates images from the internet, advertising, history books as well as personal photos to enrich the multiple narratives of her works. palimpseste presents a highly symbolic and very personal language manifested through collage, video, painting and installation. By playing with perceptions, contrasts and associations, freely rearranging images and information, Diallo, born in Senegal and raised in Manitoba, seeks to create new visual cosmogonies.

PA L I M P S E S T E ANNA BINTA DIALLO

− 8

fév. –

mars

Vernissage : Jeudi 18 fév. – 17 h

Vernissage : Jeudi 7 avr. – 17 h

À la faveur de leur première performance partagée sous forme de docu-fiction d’anticipation, Matt Macintosh et Keesic Douglas imaginent avec Terra Nullius in Pitching Tents un futur pas si lointain post-apocalyptique. Après la fin de la civilisation et la quasi-extinction de la vie sur Terre commence pour les artistes un processus de réapprentissage et de survie. Terra Nullius… recréera un camp de survie. Il s’agira, plus pragmatiquement, de construire un abri entre le wigwam – foyer traditionnel ojibwé – et la maison moderne. La photographie jouera un rôle primordial de mémoire, mais également de matériaux de construction : des photos d’écorces constitueront le toit, des photos de fourrures serviront de vêtements, des photos aériennes de banlieues résidentielles deviendront des mandalas suspendus aux arbres environnants. Toute la performance sera documentée et présentée sous forme de projection en boucle.

In this performance/installation that takes the form of a social science fiction docu-drama, Matt Macintosh and Keesic Douglas imagine the fall of civilization and the near extinction of the planet. One identifies with his cultural identity and so grounds his sense of self in a notion of individuality and difference; the other seeks detachment from legible notions of a self in search of a pre-linguistic substrate of experiencing, a fundamental form of rediscovery. Pitching Tents in Terra Nullius recreates a survival camp. Pragmatically, this means building a shelter that crosses the wigwam – a traditional Ojibway dwelling – and a modern house. The photograph will play the primordial roles of memory and documentation, but will also be used as a building material. The extended performance will be documented and presented as a looping projection.

N A T I O N C H I P P E WA D E R A M A )

7 av r . – 1 4 m a i

I N S T A L L A T I O N ( K A M L O O P S ) + ( P R E M I È R E

KEESIC DOUGLAS + MATT MACINTOSH

− 9

PITCHING TENTS IN TERRA NULLIUS

arts de la scĂ¨ne

Queerness is essentially about the rejection of a here and now and an insistence on potentiality or on the concrete possibility for another world. jose esteban muĂąoz

PROJET CHEVELU MARIA LITÉ DANSE

dansée, Projet Chevelu prend place dans la relation intime, voire même politique que nous entretenons avec nos cheveux. Point de convergence de l’identité personnelle, sociale et sexuelle, les cheveux dénotent le point de tension entre l’être et le paraître. Tel un monstre insoumis, la coiffe exubérante de la femme noire plonge ses racines dans l’inconscient personnel et collectif. Crinière nébuleuse qui dissimule parfois un monde obscur de douleur ou d’envie. À la fois intimiste et universel, Projet Chevelu se transforme en quête spirituelle.

w o r l d p r e m i e r e – Projet Chevelu is a reflection on the intimate, visceral and even political relationship that we have with our hair. A convergence of personal, cultural, social and sexual identities, hair symbolizes the tension between existence and appearance, between being and being perceived. The exuberant hairstyles of black women are rooted in the personal and collective unconscious, and like an untamed monster, the amorphous mane can sometimes conceal a dark world of pain, shame and envy. Simultaneously intimist and universal, Projet Chevelu becomes a spiritual quest.

Chorégraphe atypique, Maria Isabel Rondon, amalgame avec brio capoeira et danses afro-brésiliennes à un langage résolument contemporain. Ses œuvres se démarquent par leurs géométries surprenantes et le caractère animal du mouvement. Un équilibre surprenant entre contemporanéité et ancestralité interprété par les danseuses Myriam Farger, Sophia Gaspard et Fedora Mathieu.

Maria Isabel Rondon is an atypical choreographer who brilliantly blends capoeira and Afro-Brazilian dance with a resolutely contemporary language. With training in classical ballet and contemporary dance, and specializations in the Silvestre technique and Orixa dances (Brazilian Candomblé ritual trance), Rondon has come to create her own distinctive style.

p r e m i è r e m o n d i a l e – Réflexion

d a n s e ( M O N T R É A L )

sep.

− 11

17 – 19

d a n s e – p e r f o r m a n c e ( M O N T R É A L , M E X I C O ) − 12

T H I S , M Y S E L F, O N E AFTER ANOTHER ANDRÉA DE KEIJZER / JE SUIS JULIO PRÉCÉDÉ DE M I Ú LT I M A F O T O ( M Y L A S T P I C T U R E )

ESTHEL VOGRIG

1 er – 3 p r e m i è r e m o n d i a l e – Ces

performances tentent d’ancrer les notions d’intimité et d’identité à l’ère de l’hyperphotographie. Dans un flot constant de captations des instants de nos vies, chaque photographie du quotidien est la preuve tangible d’un instant vécu, mais c’est aussi sa relégation dans le passé. Du réel passé ne restent plus que des fantômes de soi et des représentations tronquées. Dans Mi Última Foto, Esthel Vogrig joue sur cette ambiguïté et sur l’abondance des images de soi. La chorégraphe et interprète tente en un solo de créer une image vibrante d’elle-même, une image grandeur nature. This, myself, one after another est une réinterprétation du solo Mi Última Foto d’Esthel Vogrig, un remix décomplexé par Je Suis Julio. Chorégraphiée par Andréa de Keijzer en collaboration avec ses interprètes, la performance se développe sur les éléments empruntés à Mi Última Foto. En partenariat avec le Conseil des arts de Montréal.

oct. w o r l d p r e m i e r e – This, myself, one after another is a reinterpretation of Esthel Vogrig’s solo performance. Choreographed by Andréa de Keijzer in collaboration with five dancers, the performance has been developed with elements borrowed, manipulated and reworked from Mi Última Foto. These two works are portraits of impermanence and a transposition of a work across bodies and cultures. By presenting these pieces side by side, the artists open the doors to their creative process and invite a re-examination of ‘originality’ and authorship in the making of performance.

In Mi Última Foto a temporal lecture evolves, created from a dialogue between the real and the portrayed. This solo develops as a game between the past and the present. Every photo erases the previous one, only existing for a brief moment.

U N W R A P P I N G C U LT U R E

p r e m i è r e q u é b é c o i s e – Véritable inquisition artistique, Unwrapping Culture est la rencontre fructueuse de deux visions novatrices portées par deux créateurs fascinants : le Thaïlandais Pichet Klunchun et le Canado-Philippin Alvin Erasga Tolentino.

Dans un métissage inédit de danses contemporaines et traditionnelles thaïes, Klunchun et Tolentino nous livrent une performance hybride des plus actuelles. Pour cette nouvelle création, le duo iconoclaste détourne de ses conventions le Khon, une danse masquée traditionnellement dansée par les hommes. Avec un humour mordant, la gestuelle, théâtrale et narrative, déconstruit avec espièglerie tout le bazar associé aux icônes commerciales de la culture populaire thaïlandaise. Réquisitoire implacable sur le délicat équilibre entre la tradition et la modernité où mouvements poétiques et regards ludiques s’amalgament dans une joyeuse frénésie.

oct.

q u e b e c p r e m i e r e – Filipino-Canadian

choreographer Alvin Erasga Tolentino and Thailand’s Khon dancer Pichet Klunchun conspire to create Unwrapping Culture, a genuine cultural inquisition. Guided by Khon, a royal court dance from Thailand traditionally performed by men in masks, this iconoclastic duo considers the values of continuity, and the legacy of traditional forms while co-authoring a contemporary, hybrid language. With narrative, movement and theatrics, they mischievously deconstruct popular culture and, in particular, commercial Thai cultural icons. Unwrapping Culture coerces and encourages disparate worlds to collide in an implacable yet playful indictment on preservation and innovation. Pichet Klunchun has trained in Khon (Thai Classical Mask Dance) since the age of sixteen, and is considered its undisputed master of the international stage. Exploring issues of gender, identity and cross-cultural dialogue, Alvin Tolentino Erasga, is among Canada’s most active dance artists.

− 13

23 + 24

d a n s e ( B A N G K O K – V A N C O U V E R )

PICHET KLUNCHUN + A LV I N E R A S G A T O L E N T I N O

4 SOLOS

− 14

d a n s e ( L O N D R E S )

NRITTA, IN THE SHADOW OF MAN, MOHE APNE HI RANG MEIN (SUFI KATHAK) & CONSTELLATION

A A K A S H O D E D R A C O M PA N Y

30 + 31

oct.

p r e m i è r e q u é b é c o i s e – Étoile montante de la scène britannique, Aakash Odedra développe une signature empreinte des danses classiques indiennes tout en exaltant ses talents d’interprète avec de grands noms de la danse contemporaine.

Dans Nritta, il convoque les dieux Shiva et Pavarti, combinant puissance et grâce dans une incarnation des cycles de la vie et du nécessaire équilibre entre masculin et féminin. Plus tard, il enracine Mohe Apne…, une danse de l’extase.

Ici, il fait de la danse un acte sacré et déploie des univers poétiques aussi différents qu’envoûtants avec deux solos de son cru et deux autres créés par Sidi Larbi Cherkaoui et Akram Khan.

Il se fait également animal dans la viscérale In the Shadow of a Man et nous transporte au cœur d’une Constellation où se dissolvent les notions de temps et de distance. — 4 Solos, Aakash Odedra transforms dance into a sacred act and opens up poetic universes as different as they are spellbinding, with two solos of his own creation and two others created by Sidi Larbi Cherkaoui and Akram Khan.

q u e b e c p r e m i e r e – In

Nritta displays the coming together of the male and female to give birth to a form in perfect balance. In the visceral In the Shadow of a Man, choreographer Akram Khan explores his continuous fascination with the ‘animal’ within. Mohe Apne Hi Rang Mein (Sufi Kathak) is rooted in Sufi Kathak, a unique form of Kathak that fuses classical vocabulary with the mysticism of Sufi spirituality. Highlighted in Constellation are the different patterns of sound and the different sources of light that come together to create a constellation, with the dancer as the locus.

p r e m i è r e q u é b é c o i s e – Pouvonsnous résister aux excès de la vie moderne ou finiront-ils par avoir raison de notre santé mentale ? C’est la question que pose Alexandra ‘Spicey’ Landé dans Complexe R, faisant allusion à la structure primitive du cerveau reptilien qui gère les instincts liés à la motricité, la vigilance et la survie de l’espèce.

Poursuivant sa croisade pour le décloisonnement de la culture hip-hop, elle renforce l’influence de la danse contemporaine sur la danse de rue en mettant en scène cinq danseuses d’horizons variés. Soif de pouvoir, voyeurisme, quête éperdue de visibilité font partie des symptômes d’une pathologie collective que l’on combat par la révolte ou que l’on fuit dans d’illusoires paradis. Exigeante, la danse hip-hop s’ancre dans une théâtralité teintée de b-girling/b-boying et de waacking, elle trouve de nouvelles formes pour notre plus grand plaisir. — quebec premiere

Her ongoing quest to de-compartmentalize and to reorder dance hierarchies has resulted in choreographies greatly influenced by urban dance – particularly by Hip Hop. For her most recent

creation, Landé assembled a quintet of street dancers to explore the complexes, limits and obsessions of everyday life. Hunger for power and a frenzied search recognition make up the symptoms of a collective pathology to be either resisted through rebellion or evaded via false paradises.

COMPLEXE R

d a n s e ( M O N T R É A L )

– Can we resist the excesses of modern life or will they end up permanently scarring our mental health? This is the question Alexandra ‘Spicey’ ¯ Landé of Compagnie de danse EBNFLOH asks in Complexe R, which refers to that part of the brain that has been nicknamed the Reptile Brain because the behavioral traits for which it is responsible are most often observed in reptiles.

12 – 14

n ov .

− 15

C O M PAG N I E D E DA N S E E B N F LŌ H

˜ © John Londono

OUVRE-MOI TON PLEXUS NOVEMBRE LA BRONZE MISE EN SCÈNE ADIB ALKHALIDEY

− 16

m u s i q u e ( M O N T R É A L )

28 Alliage contrasté, l’auteure-compositriceinterprète La Bronze fait vibrer par sa musicalité pop aux accents trip-hop. Ses textes traitent de passion, de vérité et de quête de liberté. Son timbre envoûtant dénude une poésie unique et assumée. Avec ses envolées vaporeuses ou musclées, La Bronze incarne un songe fluorescent dans la nuit douce-amère. C’est à l’humoriste, comédien et réalisateur Adib Alkhalidey qu’elle s’allie pour créer un spectacle exclusif qui évoquera d’étonnants moments d’éclatements et de joies insoupçonnées. Tout y sera possible. Soyez prêts. Forte de nombreuses récompenses, Nadia Essadiqi, alias La Bronze, dont l’album éponyme est paru en 2014, est nommée en 2015 aux Canadian Music Week Awards comme « Artiste émergente francophone de l’année ». Récipiendaire de plusieurs distinctions, La Bronze recevait le « Prix Télé-Québec Coup de cœur » au Festival de l’Outaouais Émergent.

n ov .

With her exceptional sound-shaping skills, singer-songwriter La Bronze serves up an invigorating dose of pop with a touch of trip-hop, at once gentle and fervent. Her lyrics deal with passion, truth, and the search for freedom. Her effortlessly expressive voice lays bare a unique and honest poetry. Alongside director Adib Alkhalidey, she creates a lavish sounding, ethereal performance where everything becomes possible – mesmeric songs transferred through a theatrical soul. Award-winning artist Nadia Essadiqi, aka La Bronze, released her self-titled album in 2014, and was nominated “Emerging artist of the year” at the Canadian Music Week Awards. This talented multidisciplinarian has recently blazed stages at the Francofolies de Montréal and the Festival francoontarien. The recipient of numerous honours, La Bronze recently received the “Prix Télé-Québec Coup de cœur” at the Festival de l’Outaouais Émergent.

e n t o u r n é e m o n d i a l e – Qu’on

en commun Spider-Man, Bruce Lee ou l’agent Smith dans La Matrice ? Ils ont tous élu domicile dans l’imaginaire débridé de Hetain Patel ! Performance de haute voltige, l’œuvre de Patel nous transporte dans l’arène où plus d’une vingtaine de personnages de films hollywoodiens, de séries télévisées ou de BD se donnent la réplique. Avec un point de vue personnel et humoristique sur nos identités caméléonesques, il secoue notre conception de ce que nous sommes. Sur une chanson de Michael Jackson ou sur un air de Mozart, l’iconoclaste britannique chorégraphie avec minutie ses alter ego qui ont façonné sa personnalité. Avec un humour décapant, le Londonien désarçonne des comportements masculins stéréotypés tout en critiquant la culture populaire qui glorifie la violence et la cupidité. Faussement candide, American Boy est plus qu’un autoportrait satyrique. —

w o r l d t o u r – What do Spider-Man, Bruce Lee and Agent Smith from The Matrix have in common? They have all made their home in Hetain Patel’s unfettered imagination! In a dizzying balancing act, Patel’s performance transports us to a world where over twenty characters from Hollywood films, TV series and comic books share the stage. With a personal and humorous take on identity shape-shifting, he shakes up our understanding of who we really are.

déc.

With a soundtrack including Michael Jackson and Mozart, the iconoclastic Briton carefully choreographs the alter egos that have helped forge his personality. Using caustic humour, the Londoner confounds stereotypical male behaviour while criticizing a popular culture which glorifies violence and greed. Meticulously choreographed, his articulate body is as telling as any of the words he speaks.

(LONDRES)

11 + 12

performance interdisciplinaire

H E TA I N PAT E L

− 17

AMERICAN BOY

− 18

mot du directeur michael toppings

Ionkwatká:rote, ionkwakarià:kon tánon’ iethikarotonnión:ni tsi nihá:ti aionkhirihwaherá:nike’. Teionkwatén:tshon taonsaionkhirihwa’serákwahse’. Ionkhirihwaherá:ni ken káton ionkhi’nikonhrha’tén:ni?

Watianerenhserá:ien ne takattihénhake’. Tóka’ ontionkwe’ta’shòn:’a tho nenionkwariho’ténhake’ - ne akwé:kon taietewattihénhake’ - entewarihwáhton’te’ ne atahkwahswénhtshera’. ovide mercredi

Kawennarò:roks wa’ká:ton’. Tehatiia’toréhtha’ rotiwennón:ni ne kawenní:io’s. Tsik nón:we kawennatshénrion tsi tewaterátshon, tsi tetewata’sharí:sen, tsi tetkahna’netáhkwen tánon’ tsi tkara’nentákton, skén:nen ión:nis tánon’ iakoiéhtha’. Kwah né: ne tóka’ ionterennaientáhkhwa’ nen’ nè:’e, tetewathna’netárions. Teiakorenià:ton, teiakohenréhton, iakoterennó:tahkwe’ tóka’ ni’ teiakotsáhon, ieiakótion ne ón:kwe ionhónhtakon, akawerià:ne, tsi tkaronhiá:te. Niwakewennakà:te, é:so wakerò:ron tsi niióhseres, sewatié:rens teiotenonhianíhtonhkwe’, iotkà:te io’nikonhroriahtòn:ne, tánon’ iotkà:te teio’nikonhrharahtòn:ne. Kí: owenna’shòn:’a wathró:ris ne enskátne aièn:sheke’. Ne taionttihénhake’. Ne tehonttihánion enskátne ahonnè:sheke’. Skátne tewè:shek ne tetewattihánion Andriod - Tsi nén:we enionkwatenróhake’ Iontstha’shòn:’a, atoriahnerónhkwa tánon’ atkahthohtshera’shòn:’a tekaiehstánion ne aiakaón:ni’ aionthró:ri’ oh nahò:ten iontkáhthos tánon’ ionnonhtónnion, iakorihwaka’tèn:’en tánon’ iakotonhnhahéhrha’. Kerihwanontónnions tóka’ enhskwá:ken’ tsi tkarahstánion, tóka’ ónhka’k teionkhiwennáhkwen, tánon’ tóka’ enhsatkáhtho’ tsi ní:tsi iatiónhnhe. Tiakohsé:ton, iakotahonhsatá:ton tóka’ ó:nen ratikwé:kon tánon’ ratikwénie’s ionkhirihwaherá:ni.

Né: kí:ken owenna’shòn:’a wathró:ris ne aierahstánion’ tsi nonkwá:ti ne iótteron, ne aionhkwísron’, tsi ióhskats ne iah tha’taiontóhetste’, ne aierá:ko’, aionte’nién:ten’, tsi na’tekaia’serónnion tánon’ tsi na’tekonterónnion, ne kaia’torehtáhtshera, ne aieié:na’ tánon’ aontaiakorihwaié:rike’, kawenní:io’s tánon’ karihwakwenienstáhtshera. Baraka adé de Soleil, Payam Mofidi, Ila Firouzabadi, Maria Lité Danse, Andréa de Keijzer, Esthel Vogrig, Alvin Tolentino, Pichet Klunchun, Aakash Odedra, Diyan Achadi, Compagnie de danse Ebnfloh, ¯ La Bronze, Hetain Patel, African Guitar Spirit, Playshed, Anna Binta Diallo, Kim-Sahn Châu, Cliff Cardinal, Keesic Douglas, Matt McIntosh, Tableau d’Hôte, Aharona Israel, Black Theatre Workshop, Gregory ‘Kryto’ Selinger & Jacob ‘Kujo’ Lyons. Akwé:kon ò:ia onkwehshòn:’a. Ronónha thotiwenninekèn:’en ne kí:ken, rononhà:ke í:ken ne kí:ken owenna’shòn:’a. ◊ « J’ai le droit d’être différent. Si, comme société, nous appliquions ce principe fondamental – celui selon lequel chaque être humain a le droit d’être différent – nous pourrions combattre l’intolérance dont plusieurs sont victimes. » (traduction libre) o v i d e m e rc r e d i

Je suis devenu un collectionneur de mots. Des mots judicieux, articulés par des gens sensés (pour la plupart). Déchirés, coupés, copiés et collés, des mots provenant de différentes sources, qui apaisent et qui éveillent. À l’image des prières et des mantras, ils se répètent. Des mots partagés, criés, ânonnés ou chuchotés qui cherchent une oreille, un cœur, un ciel. Des mots cueillis au cours de la dernière année, une année sporadiquement horrible, occasionnellement spectaculaire et souvent lassante.

Des mots qui parlent d’appartenance. D’autres qui décrivent la différence. Des mots qui signifient appartenir autrement. Be Together. Not the Same.

Torn, cut, copied and pasted from an assortment of sources, these are words that mollify, that rouse. Like prayers or mantras, they beg repeating. Shared, shouted, chanted or whispered, aimed towards an ear, a heart, a sky.

a n d ro i d : f r i e n d s f u r e v e r

Expliqués, écoutés, ces mots traitent aussi de la façon dont nous recevons un service, qu’il soit payable, offert, dû ou nécessaire. Sommes-nous servis ou dupés? Il s’agit de mots qui parlent de création à risque, du pouvoir de la méthode d’essaierreur, de la beauté de l’échec ; des mots qui parlent de choix, de chances, de croisements et d’intervalles ; des mots qui parlent de justice, d’équité, d’accessibilité, de générosité, de courtoisie et de respect. Baraka adé de Soleil, Payam Mofidi, Ila Firouzabadi, Maria Lité Danse, Andréa de Keijzer, Esthel Vogrig, Alvin Tolentino, Pichet Klunchun, Aakash Odedra, Diyan ¯ La Achadi, Compagnie de danse Ebnfloh, Bronze, Hetain Patel, African Guitar Spirit, Playshed, Anna Binta Diallo, Kim-Sahn Châu, Cliff Cardinal, Keesic Douglas, Matt McIntosh, Tableau d’Hôte, Aharona Israel, Black Theatre Workshop, Gregory ‘Kryto’ Selinger & Jacob ‘Kujo’ Lyons. Et tous les autres. Ils SONT ces mots, et ces mots prennent littéralement vie. ◊ I have a right to be different. If we as a society make that a basic principle — that all human beings have a right to be different — we’d go a long way to solving the intolerance that many people experience. o v i d e m e rc r e d i

I have become a collector of words. Wise words articulated by judicious people (mostly).

I have many such words, collected over the past year, a year that has been sporadically horrific, occasionally spectacular, and often wearisome. These are words about belonging. About difference. About belonging differently. Be Together. Not the Same. a n d ro i d : f r i e n d s f u r e v e r

Nouns, verbs, and adjectives laced together to form observations and opinions, rants and raves. Voiced within my alphabet bag are inquiries into whether we see ourselves reflected, about whether you/we are represented within society, about whether the lives of the people we/you know exist within the art we/you see? Accounted for, listened to, about whether you/we are being served by everyone and everything professing to have a service to offer, a service which is costing us, has been paid for, is owed to us; a service I/we/ you deserve. Served or stiffed? These are words about creating dangerously, about the power of trying, the beauty in failing, about making choices, taking chances, about intersections and in-betweens, about justice and equity, access and generosity, civility and respect. Baraka adé de Soleil, Payam Mofidi, Ila Firouzabadi, Maria Lité Danse, Andréa de Keijzer, Esthel Vogrig, Alvin Tolentino, Pichet Klunchun, Aakash Odedra, Diyan ¯ La Achadi, Compagnie de danse Ebnfloh, Bronze, Hetain Patel, African Guitar Spirit, Playshed, Anna Binta Diallo, Kim-Sahn Châu, Cliff Cardinal, Keesic Douglas, Matt McIntosh, Tableau d’Hôte, Aharona Israel, Black Theatre Workshop, Gregory ‘Kryto’ Selinger & Jacob ‘Kujo’ Lyons. Others. All others. They ARE these words, these words incarnate.

− 19

Noms, verbes et adjectifs qui ensemble forment des observations et des opinions, des critiques et des louanges. Les mots de ma collection s’interrogent sur la façon dont nous nous percevons, dont nous sommes représentés à l’intérieur de la société et dont les autres existent par l’intermédiaire des arts que nous apprécions.

◊

Matt McIntosh, Tableau d’Hôte, Aharona Israel, Black Theatre Workshop, Gregory ‘Kryto’ Selinger & Jacob ‘Kujo’ Lyons.

ovide mercredi

− 22

◊

Tengo derecho a ser diferente. Si como sociedad hacemos de esto un principio básico (que todos los seres humanos tenemos derecho a ser diferentes) podríamos resolver la intolerancia de la que muchas personas son víctima. o v i d e m e rc r e d i

Be Together. Not the Same. a n d ro i d : f r i e n d s f u r e v e r

Me he convertido en coleccionista de palabras. En su mayoría palabras sabias dichas por personas elocuentes. Arrancadas, cortadas, copiadas y pegadas de una serie de fuentes, son palabras que suavizan y provocan. Como plegarias o mantras, ruegan ser repetidas. Compartidas, gritadas, cantadas o susurradas, buscan un oído, un corazón, un cielo. En este último año, el cual ha sido a veces horrible, a veces espectacular, y a menudo tedioso, he coleccionado muchas de estas palabras. Son palabras sobre el sentido de pertenencia. Sobre la diferencia. Sobre pertenecer de una manera distinta. Be Together. Not the Same. a n d ro i d : f r i e n d s f u r e v e r

Baraka adé de Soleil, Payam Mofidi, Ila Firouzabadi, Maria Lité Danse, Andréa de Keijzer, Esthel Vogrig, Alvin Tolentino, Pichet Klunchun, Aakash Odedra, Diyan Achadi, Compagnie de danse Ebnfloh, ¯ La Bronze, Hetain Patel, African Guitar Spirit, Playshed, Anna Binta Diallo, Kim-Sahn Châu, Cliff Cardinal, Keesic Douglas,

Sustantivos, verbos y adjetivos enlazados para formar observaciones y opiniones, críticas y delirios. En mi colección se escuchan indagaciones sobre si nos sentimos considerados, si nos vemos representados en la sociedad, sobre si vemos reflejadas en el arte las vidas de las personas que sabemos que existen.

¿Servidos o inflexibles? Las palabras que colecciono son sobre la creación arriesgada, sobre el poder del intento, la belleza del fracaso, tomar decisiones, aprovechar oportunidades, sobre intersecciones e intermedios, sobre justicia y equidad, acceso y generosidad, civismo y respeto. Baraka adé de Soleil, Payam Mofidi, Ila Firouzabadi, Maria Lité Danse, Andréa de Keijzer, Esthel Vogrig, Alvin Tolentino, ¯ Pichet Klunchun, Aakash Odedra, Diyan Achadi, Compagnie de danse Ebnfloh, La Bronze, Hetain Patel, African Guitar Spirit, Playshed, Anna Binta Diallo, Kim-Sahn Châu, Cliff Cardinal, Keesic Douglas, Matt McIntosh, Tableau d’Hôte, Aharona Israel, Black Theatre Workshop, Gregory ‘Kryto’ Selinger & Jacob ‘Kujo’ Lyons. Otros. Todos otros. Ellos son estas palabras; la encarnación de estas palabras.

◊

我们把名词、动词和形容词系在一起组成自己的意见、观察、批评和怨言。在我的词库搜集中，我会提问：我们的价值观是否已经被反映了？在社会中你们/我们有代表吗？在艺术中有没有反映到我们/你们认识的人的生活？说明了，也听懂了，这些话语同样质问了那些声称为我们服务的人，这些服务是需要付费的，而且我们已经支付了。这是大家都应该享有的服务。得到服务了？还是被骗了？这些话语也代表着创作的危险性、勇于尝试的胆量、失败中的美、抉择的过程、机会的把握、事物的交叉点和两极之间、正义和公平、权利和宽宏、礼仪和尊重。 Baraka adé de Soleil, Payam Mofidi, Ila Firouzabadi, Maria Lité Danse, Andréa de Keijzer, Esthel Vogrig, Alvin Tolentino, ¯ Pichet Klunchun, Aakash Odedra, Diyan Achadi, Compagnie de danse Ebnfloh, La Bronze, Hetain Patel, African Guitar Spirit, Playshed, Anna Binta Diallo, Kim-Sahn Châu, Cliff Cardinal, Keesic Douglas, Matt McIntosh, Tableau d’Hôte, Aharona Israel, Black Theatre Workshop, Gregory ‘Kryto’ Selinger & Jacob ‘Kujo’ Lyons. 还有其他所有人。他们就是这些话语，是话语的化身。

我有权与别人不同。如果我们的社会都以此作为基本准则 - 所有人类都有权与别人不同我们就能够更有效地解决排异问题，很多人都经历过这些遭遇。 ovide mercredi

我成为了文字收藏者。明智的话（大多数）出于贤者口中。从各种各样的出处经过剪贴和复制搜集回来的，都是安抚及振奋人心的话。就像祷文或颂歌一样，需要不断重复。尽管是共享、大喊、高呼或细语，传达的目标都是一只耳、一颗心、一片天空。去年我收集了很多类似的话语，过去一年是充满荆棘的、精彩却令人懊恼的一年。这些话语都关于归属感。关于差别。关于存在差异的归属感。

团结一起。差异。安卓： f r i e n d s f u r e v e r

− 23

Escuchamos también que estamos siendo servidos por los demás, profesando que tenemos un servicio que ofrecer, un servicio que cuesta, que ha sido pagado y nos es debido, y por tanto un servicio que merecemos.

AFRICAN GUITAR SPIRIT RÉCIPIENDAIRE DU PRIX DE LA DIVERSITÉ

ja n v .

African Guitar Spirit, 6e lauréat du Prix de la diversité, est la nouvelle aventure de Gotta Lago. La guitare africaine de ses origines à nos jours ! L’éternel bourlingueur et ses complices – Sadio Sissokho (percussions et voix), Carlo Birri (basse et voix), – nous conduisent vers de nouveaux rivages musicaux.

African Guitar Spirit, sixth recipient of the Prix de la diversité, is the new venture of artist Gotta Lago. This relentless adventurer and his collaborators invite us on a voyage across both familiar landscapes and towards a new musical horizon. African guitar from its roots to present day!

En véritable explorateur panafricain, Gotta Lago poursuit sa recherche musicale. Virée chez le peuple peul ; polyphonie des forêts et de la savane qui embrasse un art vocal africain constamment renouvelé. Tantôt langoureuses, tantôt rebelles, de fécondes mélodies traditionnelles et urbaines partent à la rencontre de sonorités blues pour mieux se fondre aux rythmes sénégalais, takambas ou jazzés. African Guitar Spirit insuffle un nouvel envol à ces destins croisés, empreint d’une conviction tout acoustique.

Pursuing his ongoing musical research and global art philosophy, Gotta Lago creates a polyphonous sound between forest and savannah, and that embraces the constant renewal of African vocal arts, and explorations into music by the Pygmy and the Fulani people. Languorous and occasionally rebellious, a bountiful mix of traditional and urban melodies meets the blues, blending with Senegalese, takamba or jazz rhythms. Collaborators include the virtuoso percussionist Sadio Sissokho and subtly insistent bassist Carlo Birri.

En partenariat avec le Conseil des arts de Montréal et Vision diversité.

In partnership with the Conseil des arts de Montréal, and Vision diversité.

− 24

m u s i q u e ( M O N T R É A L )

COCK

ja n v .

p r e m i è r e q u é b é c o i s e – Mise en scène par Liz Valdez, Cock y va d’un dialogue incisif et impétueux exprimant les subtilités de l’interaction humaine et de la confusion sexuelle. Au cœur même de cette comédie noire du très en vogue auteur britannique Mike Bartlett : la crise existentielle de John, un homme qui entretient depuis de nombreuses années une relation stable avec son compagnon et qui tombe soudainement amoureux d’une femme. Tout le monde s’interroge : qui est John ? Cette femme est-elle l’amour de sa vie ou John succombe-t-il inconsciemment au désir de vivre une vie hétéronormative ?

Jouissive et libératrice, voilà ce qui caractérise la toute première production de la compagnie Playshed. Les artistes émergents Birdie Gregor, Jimmy Blais et Olivier Lamarche ont fondé Playshed en 2014 pour traiter de sujets hors-norme dans une perspective humaniste.

– 14

fév.

quebec premiere

– At the heart of Cock, a dark comedy by the wellknown British author Mike Bartlett, and directed by Liz Valdez, is the existential crisis of John. John has been in a stable relationship with his boyfriend for a number of years, but he accidentally falls in love with a woman he meets by chance. Is she the love of his life, or is he unconsciously giving in to the desire to live a heteronormative life? Cock brilliantly questions the dual nature of sexuality and the complexities of love and commitment in the modern world, and prompts a dialogue around identity, categorization, fluidity and the status quo. This exhilarating and liberating play marks Playshed’s inaugural production.

Playshed was founded in 2014 to address unconventional issues from a humanist perspective.

− 25

t h é â t r e ( M O N T R É A L )

PLAYSHED

HUFF CLIFF CARDINAL UNE PRODUCTION DE NATIVE EARTH PERFORMING ARTS

− 26

t h é â t r e ( T O R O N T O )

24 – 27 fév. Seul en scène, un jeune homme raconte avec un humour caustique la vie dans une réserve amérindienne du nord de l’Ontario. L’enfance avec ses aventures fantastiques et des parents absents. L’horizon qui se barre à mesure qu’on grandit. Le vide qui se creuse et qu’on cherche à combler en sniffant des solvants, en équilibre au bord du suicide. Avec une plume d’une féroce acuité et un jeu d’acteur d’une profonde justesse, Cliff Cardinal livre un texte poignant sur un enjeu crucial pour les Premières Nations. Campant une dizaine de rôles d’humains et d’animaux, il oppose à la fatalité l’espoir d’une possible rédemption. Dans une mise en scène sans artifice de Karin Randoja, ce conteur ultra charismatique lève le voile sur une réalité humaine encore taboue. Un immense succès critique, public, pancanadien.

Alone on stage, a boy describes his life on a Northern Ontario reserve, sharing with us stories about his brothers and sisters, the absence of his parents, his mistakes, the good times. A charismatic storyteller who combines ancestral history with brutal honesty First Nations mythic storytelling and biting stand-up, Cliff Cardinal portrays a whole pageant of characters, human and animal, including two beguiling brothers. Vivid images fuse harsh reality with gas-induced hallucination in a spellbinding tale of family, love, despair, and the possibility of redemption. With the fierce precision of his pen, a true display of acting prowess and with simple staging by Karin Randoja, Cliff Cardinal takes us on a disquieting journey, revealing between bouts of laughter, tears and stupor, a harsh, broken reality we may not be ready to even acknowledge.

ANOTHER HOME INVASION TABLEAU D’HÔTE THEATRE

by Joan Macleod, one of the country’s most honoured contemporary playwrights, Another Home Invasion is a one-woman play about Jean, an 80-year-old whose husband is victim to the throes of Alzheimer’s. As her voice carries the narrative, the audience feels the creeping presence and threat of an intruder.

q u e b e c p r e m i e r e – Written

Produite par la compagnie Tableau D’Hôte Theatre, mise en scène par Mike Payette, Another Home Invasion est une œuvre troublante et surprenante. Tout au long du texte, on retrouve le style limpide, humoristique et franc de Joan Macleod, son attachement à une empathie qui engage le spectateur. Another Home Invasion développe un récit universel qui célèbre nos étrangetés et nos vulnérabilités. Solo brillamment porté, c’est une touchante affirmation du droit au bonheur, au bien-être, à la sécurité, jusqu’aux âges les plus avancés de nos vies.

Produced by Tableau D’Hôte Theatre and directed by Mike Payette, Another Home Invasion is an unsettling piece, and playwright Joan MacLeod uses our collective discomfort to underline the more subdued and quiet indignities endured by the elderly as they move through the aging process.

p r e m i è r e q u é b é c o i s e – Écrit par une des auteures de théâtre contemporaines les plus reconnues, Joan Macleod, Another Home Invasion est un solo théâtral qui suit Jean, une octogénaire, dont le mari souffre d’Alzheimer. Tandis que sa voix porte le récit, la présence potentielle d’un intrus, d’un cambrioleur vient troubler le spectateur.

Joan Macleod is the recipient of numerous awards and prizes, including two Chalmers Awards, a Governor General’s Award, as well as Betty Mitchell, Dora Mavor Moore and Jessie Richardson Awards.

t h é â t r e ( M O N T R É A L )

mars

− 27

9 – 26

AHARONA ISRAEL

1 er + 2

av r .

p r e m i è r e q u é b é c o i s e – Avec Marathon, la chorégraphe Aharona Israel transforme la scène en piste de course pour ses trois interprètes et en arène pour la conscience trouble et complexe d’Israël. Au fil de la course, la fatigue gagne, la douleur et l’essoufflement menacent, mais les dialogues persistent et la parole gagne en intensité. Les histoires personnelles des interprètes se mêlent, les identités individuelles et sociales se cherchent, se brouillent : toute la psyché d’un pays se dévoile, en quête d’identité et de sens.

quebec premiere

– Three figures run a “marathon”, struggling to continue as they spiral into the depths of Israeli consciousness. As their journey becomes more painful, the performers’ personal stories intertwine and break down, revealing the wounds of contemporary Israeli society. Combining dance, text, theatre, and grueling physicality, Marathon uses the autobiographical stories of performers Ilya Domanov, Merav Dagan, and Gal Shamai to reflect a state of constant emergency.

Chorégraphe israélienne, Aharona Israel propose un théâtre physique qui tire son énergie des mouvements du quotidien, des histoires et détails autobiographiques des trois interprètes, Ilya Domanov, Merav Dagan et Gal Shamai. Le spectateur est convoqué à une performance inhabituelle, d’une impressionnante physicalité, qui remet en cause le statu quo de la représentation.

Choreographer and performer Aharona Israel draws from personal stories and on notions of Israeli identity that are then transformed into broader questions on the human condition. Carried by words as much as by the performers’ individual bodies, Marathon is a visceral work that depicts the desperate need to hold onto ideas and ideals in an impossibly unstable world. Who will survive? And at what cost?

p e r f o r m a n c e i n t e r d i s c i p l i n a i r e ( T E L - A V I V ) − 28

MARATHON

Sur la photo : Warona Setshwaelo et Tristan D. Lalla © Tristan Brand

SHE SAID/HE SAID

av r .

première mondiale

– Dans un corps à corps avec les mots, les deux protagonistes recherchent un terrain d’entente malgré la rupture des canaux de la communication. Dialogue de sourds ou bravade des sexes ? She Said ∕ He Said porte un regard incisif sur les relations amoureuses d’un couple noir vues selon une perspective féministe. Inspirée par ses expériences personnelles, la dramaturge Anne-Marie Woods relate la vulnérabilité engendrée par les relations amoureuses et la nécessité de communiquer avec l’autre. Mise en scène par Quincy Armorer, la pièce dessine une joute verbale dont les exhortations se lovent l’une sur l’autre ; une histoire d’amour émouvante et indéniablement drôle. Campé entre monologues percutants, poésie et chansons, le rapport féminin-masculin s’affronte dans un duel jouissif pour cette tragi-comédie. Un regard frais et tout en nuances sur les relations de couple.

– 1 er

mai

w o r l d p r e m i e r e – SHE is a Black woman asking real questions about life. HE is a Black man searching for meaning and understanding. Together, they fight to make their relationship last in a world where “the rules” are always changing.

Inspired by personal experiences, playwright Anne-Marie Woods conveys in this new work the vulnerability felt in romantic relationships and the importance of communication. Through compelling monologues, poetry and song, the female/male rapport is laid bare in this tragicomic battle of wits - a fresh and nuanced look at relationships- directed by BTW Artistic Director Quincy Armorer. This new Black Theatre Workshop production gives a unique perspective on the complexity of matters of the heart.

− 29

t h é â t r e ( M O N T R É A L )

BLACK THEATRE WORKSHOP

CREATIVE EXTREMIST J A C O B ‘ K U J O ’ LY O N S + GREGORY ‘KRYPTO’ SELINGER

− 30

(MONTRÉAL)

d a n s e ( L O S A N G E L E S )

12 – 14

mai

La question n’est pas de savoir si nous serons extrémistes, mais plutôt quelle sorte d’extrémistes nous voulons être. – martin luther king (traduction libre)

The question is not whether we will be extremists, but what kind of extremists we will be. – martin luther king

p r e m i è r e m o n d i a l e – Cette

w o r l d p r e m i e r e – This quote from the emblematic American activist is the starting point for Creative Extremist. How can these inciteful words be embodied on stage? Gregory ‘Krypto’ Selinger challenges his mentor Jacob ‘Kujo’ Lyons in performing a work where text is central, and questions become a driving force.

citation du leader emblématique américain est le point de départ pour Creative Extremist. Comment incarner sur scène des paroles tant chargées d’espoir que de désillusions ? Chorégraphiée par Jacob ‘Kujo’ Lyons et Gregory ‘Krypto’ Selinger, Creative Extremist se veut un monologue gestuel interprété par le soliste Lyons. Malentendant et souvent ostracisé par ses pairs, Lyons est pourtant une figure notoire des danses urbaines sur la scène internationale. Au cœur d’un croisement de danses urbaines contemporaines, le corps et l’esprit devront rivaliser d’adresse pour s’approprier les paroles de King dans cette nouvelle création. Revendiquer son individualité artistique sans aucun compromis; voilà l’essence même de ce manifeste nommé Creative Extremist !

Collaboratively choreographed by the two B-boys, Creative Extremist is a gestural monologue performed by soloist Lyons (of ILL-Abilities), for whom ostracism has always been a predominant theme. Combining various movement styles with improvisation, this new creation coerces a body and mind clash in an effort to decode, to personalize, renew and honour King’s words. Asserting one’s artistic identity without compromise, that is the Creative Extremist manifesto!

EC LE C TI K

Se questo è un uomo (Si c’est un homme) est une œuvre écrite par Primo Levi, un Juif d’origine italienne qui fut incarcéré au camp d’Auschwitz. Rédigée en 1947, la pièce relate l’abominable existence qu’étaient forcés de mener les prisonniers ainsi que les moyens qu’ils ont dû prendre pour assurer leur survie. Avec cette œuvre, Levi voulait extérioriser toutes les horreurs vues et vécues ; porter aux nues la volonté, la persévérance et la force humaine qui émergent lorsque l’humain est poussé à l’extrême, mais aussi les sombres profondeurs vers lesquelles il est capable de plonger.

Dans le cadre de cette 9e édition d’Eclectik, une multitude d’artistes solos aborderont tout autant de perspectives et s’inspireront de cette œuvre pour engager une réflexion sur l’homme du 21 e siècle et sur des questions méta-éthiques comme le bien et le mal, la fluidité des genres et le patriarcat (et sa noble contrepartie, le matriarcat).

ECLECTIK 2016

27 + 28

u n t h é ât r e d e d i f f é r e n c e i s s u d e c o n f i n s é lo i g n é s …

mai

V I CO M A N D O Q U E S T E PAROLE

SCO L P I T E L E N E L VO S T RO CU O RE

STA ND O I N C A S A A N DAN D O P E R VIA CO R I C A N D OVI A LZ A N D OVI

Se questo è un uomo (If this is man) is a work written by Primo Levi, an Italian Jew incarcerated at Auschwitz. Written in 1947, it recounts the inhuman life that prisoners were forced to lead and what they did to survive. Levi wrote his work as an act of bearing witness to the horrors he had both seen and undergone himself. It’s a testimony to both the sheer willpower of perseverance and human strength that emerges when people are stretched to their utter limits, as well as the dark depths to which humanity is capable of sinking. Commissioned for this 9 th edition of Eclectik are solo artists who, from any number of varying perspectives, will treat Se questo è un uomo as a departure point to reflect on ‘man’ in this the 21st century, and on meta-ethical questions regarding good and evil, gender fluidity and the patriarch (and, for sure, its noble counterpart, the matriarch).

− 32

Public Plus 2015-2016

Êtes-vous bien servis ?

Pour progresser, aller de l’avant et se renouveler, il faut d’abord et avant tout se poser les bonnes questions. Ainsi, il est impératif pour le MAI de se remettre constamment en question, et ce, sur plusieurs plans. Qu’avons-nous été et que voulons-nous devenir ? Comment devons-nous nous y prendre pour faire encore mieux ? Qu’apprendrons-nous de nouveau ? Le MAI répond-il bien aux attentes de son public ? De sa communauté ? Et comment peut-il mieux combler ces derniers ? Public Plus est une série entièrement investie de ce mandat. Dans le but de créer des liens entre les artistes et le public, le MAI propose cette dynamique série d’activités qui met de l’avant expositions et performances. On y retrouve notamment des activités élaborées en collaboration avec des partenaires et dont l’objectif est de soutenir les projets des artistes accompagnés par le MAI ou les projets d’artistes indépendants qui cadrent avec la mission de l’organisme. Public Plus tente de creuser les idées, de s’interroger sur les enjeux soulevés par les événements d’actualité qui se produisent à l’échelle mondiale et par ceux qui émanent directement de la société dans toute son universalité, de susciter discussions et débats, de sensibiliser le monde et de provoquer des changements sur le plan social. Au menu : discussions postperformance avec animateurs invités, ateliers, visites de studios et d’artistes, clinique de rédaction de demandes de subvention annuelle du MAI, tables rondes, conversations et occasions de réseautage comme nos éternels Lundis pluriels.

Dans le cadre de la 17e saison du MAI, nous accorderons une attention toute particulière à la réalité de l’artiste plus âgé et proposerons des moyens de contrer les obstacles à la création, de plaider en faveur de la reconnaissance et de la sensibilisation et de recueillir de l’information au sujet des défis actuels et nouveaux. Nous nous pencherons aussi sur le problème que pose le langage que nous utilisons pour discuter de la vieillesse de même que sur la pertinence ou la récurrence générationnelle en matière d’art. En son cœur même, cette initiative se veut un gage de pérennité, une preuve de résilience, un pas vers l’avant. Nous jetterons aussi un regard sur l’ouvrage d’Arjun Appadurai intitulé Fear of Small Numbers, An Essay on the Geography of Anger et dans lequel l’auteur allègue qu’un « narcissisme outrancier », purgatif et violent, particulièrement sensible et intransigeant devant les minorités et l’« autre », s’enracine dans l’érosion de la souveraineté étatique provoquée par l’emprise de la finance mondiale, par les migrations de masse, par la technologie des communications et par la culture populaire, le tout conjugué à une incertitude fondamentale et discordante devant l’identité, le sens et le pouvoir d’ordre national et social. De cette thèse émanent des thèmes qui se raccrochent à la notion de chez-soi et de lieu, à l’immigration et à l’identification raciale, aux droits civils, à la désobéissance civile, aux politiques d’extrême droite, à la Loi antiterroriste (C-51), à la censure et à l’autocensure… des enjeux qui seront tous matière à discussion dans le cadre de cette 17 e saison. Public Plus sert de lieu d’échange et de moyen d’examiner une liste infinie de préoccupations sociales, politiques et culturelles. Voilà une occasion de partager, d’interagir, de débattre et de discuter. Public Plus nous permet, en cette quinzième année du XXIe siècle, de saisir le sens de la vie, lequel nécessite toujours un brin de réflexion.

“One does not begin with answers,” or so it is said. “One begins by asking, ‘What are our questions?’” It is paramount that MAI continually question itself on any number of levels. Who have we been and who we must become? How can we strive to do even better? What will we learn? Public Plus is a series that does just that. Developed with the aim of making links between artists and the public, this dynamic series of activities is offered in tandem with exhibitions and performances, as well as activities developed in collaboration with our partners - presented in support of mentored artist’s projects, and/or that are proposed by independent artists whose work has definitive ties to the MAI’s mandate. It is an attempt to scratch at surfaces, to survey, and track issues of current global events and those central to society itself, sparking dialogue and debate, awareness and social change. Activities include post show discussions with guest facilitators, workshops, studio visits by visiting artists, MAI’s annual grant writing clinic, round table discussions, conversations, and networking opportunities such as the perennial favorite Lundis pluriels. As part of our 17th season, a major gaze will remain fixed on the Older Artist, offering support to counter obstacles to creation, advocating for recognition and increased awareness, collecting data of both ongoing and new challenges, and addressing concerns such as the language we currently use to discuss old age and the generational relevancy and /or redundancy as it relates to art? At the very centre of this inquest, this initiative is, to borrow a term, lastingness, a means of resistance, a movement forward. An additional gaze is driven by Arjun Appadurai’s book Fear of Small Numbers, An Essay on the Geography of Anger, which alleges that a cleansing, violent «predatory narcissism» particularly attuned to and intolerant of small numbers, minorities, the «other» is anchored in an erosion of state sovereignty produced by

the controlling reach of global finance, and by mass migration, communications technology and popular culture to a fundamental, jarring uncertainty around national and communal social identity, significance and power. Surfacing from under this thesis are parametrical issues such as the notion of home, and of place, immigration and racial identification, civil rights, civil disobedience, extreme right politics, the anti-terrorism Act (C-51), censorship… issues that will find their place at a table set for discussion throughout the course of the 17th season. Public Plus serves as a forum for discussion, a means to examine a never ending list of social, political and cultural concerns, and an opportunity to share, interact, debate and discuss. Public Plus helps make sense of life that, in this the 15 th year of the 21st century, is never not in need of a bit of reflection.

− 33

Are You Being Served?

− 34

La Ruche Créations en résidence

LOWER (THE)DEPTHS

BLACK & SCHOLES (1973)

CREATIVE PEOPLES CAUCUS – BARAK ADÉ SOLEIL

E N PA RT E N A R I AT AV E C P R I M .

d a n s e + a r t s m é d i a t i q u e s ( M O N T R É A L )

p e r f o r m a n c e i n t e r d i s c i p l i n a i r e ( C H I C A G O )

r e p r é s e n tat i o n :

sep.

Projet scénique interdisciplinaire tout à fait électrisant, lower(the)depths est le fruit d’une collaboration entre Barak adé Soleil et des artistes et activistes. Puisant à même les adaptations cinématographiques et théâtrales de l’œuvre [Lower Depths] écrite par l’illustre activiste russe Maxim Gorky en 1902, cette reproduction immersive met pleinement de l’avant les enjeux contemporains issus de la marginalisation et de l’interculturalisme. lower(the)depths is a galvanizing interdisciplinary theatre project being developed in collaboration with artists and activists. Sourcing cinematic and performance adaptations of noted Russian activist Maxim Gorky’s socially conscious play [Lower Depths] originally written in 1902, this immersive iteration deeply engages contemporary issues of marginalization and interculturalism. Barak adé Soleil is an award-winning creative practitioner & curator currently residing in Chicago.

KIM-SANH CHÂU

r e p r é s e n tat i o n :

20 fév.

Fusion entre danse contemporaine et arts médiatiques, Black & Scholes… avec sa chimie organique, tisse corps et images dans un même flacon chaotique. Une forme émerge puis dans un ultime effort se déconstruit. Des corps dansent face à une animation vidéoprojetée - représentation visuelle du processus chaotique. Chorégraphie Kim-Sanh Châu Interprétation Maud Llorente, Raquel Lanziner, Nicolas Patry

Black & Scholes… is a work about chaos, a hybrid performance blending contemporary dance and media arts. Here, video becomes a choreographic score. The work of Kim-Sanh Châu revolves around ideas of loss of control and perpetually considering the body in relation to the dynamics of structure, creation and destruction. Choreography Kim-Sanh Châu Performers Maud Llorente, Raquel Lanziner, Nicolas Patry

2015

10 SEP. – 17 OCT.

LE CORPS SANS ORGANES ILA FIROUZABADI + PAYA M M O F I D I

1 7 – 1 9 S E P.

PROJET CHEVELU MARIA LITÉ DANSE

5 N OV. – 1 2 D É C.

2 4 – 2 7 F É V.

THE PRESENT FUTURE IS WRITTEN IN THE PAST

HUFF

DIYAN ACHJADI

1 2 – 1 4 N OV.

COMPLEXE R CO M PAG N I E D E DANSE EBNFLŌH

2 8 N OV.

OUVRE-MOI TON PLEXUS NOVEMBRE

1 E R – 3 O C T.

ANDRÉA DE KEIJZER / JE SUIS JULIO

1 1 + 1 2 D É C.

AMERICAN BOY H E TA I N PAT E L

PRÉCÉDÉ DE

2016

montréal, arts interculturels saison quinze-seize

PICHET KLUNCHUN + A LV I N E R A S G A TOLENTINO

AAKASH ODEDRA CO M PA N Y

MARATHON AHARONA ISRAEL

7 AV R . – 1 4 M A I

PITCHING TENTS INTERRA NULLIUS KEESIC DOUGLAS + MATT MACINTOSH

SHE SAID/ HE SAID

1 5 JA N V.

12 – 14 MAI

AFRICAN GUITAR SPIRIT

CREATIVE EXTREMIST

RÉCIPIENDAIRE DU PRIX DE LA DIVERSITÉ

JACOB ‘KUJO’ LY O N S + G R E G O R Y ‘KRYPTO’ SELINGER

3 0 + 3 1 O C T.

4 SOLOS

TABLEAU D’HÔTE THÉÂTRE

BLACK THEATRE WORKSHOP

2 3 + 2 4 O C T.

UNWRAPPING C U LT U R E

ANOTHER HOME INVASION

13 AVR. – 1 ER MAI

M I Ú LT I M A F OTO ESTHEL VOGRIG

9 – 26 MARS

1 E R + 2 AV R .

LA BRONZE

T H I S , M Y S E L F, ONE AFTER ANOTHER

CLIFF CARDINAL

29 JANV. – 14 FÉV.

COCK

27 + 28 MAI

PLAYSHED

ECLECTIK 2016

18 FÉV. – 19 MARS

SE QUESTO È UN UOMO

PALIMPSESTE ANNA BINTA DIALLO