Catalogue de saison 2014-15 - MAI (Montréal, arts interculturels) by MAI (Montréal, arts interculturels)

montréal, arts interculturels saison quatorze quinze

m-a-i.qc.ca 3680, rue Jeanne-Mance, bureau 103 Montréal, QC, H2X 2K5 — billetterie / box office 514 982.3386 billetterie@m-a-i.qc.ca Mardi au samedi, 15 h à 18 h et une heure avant chaque représentation. / Tuesday to Saturday, 3 pm to 6 pm and one hour before performances.

— galerie d’art / art gallery Mardi au samedi, 12h-18h. Entrée libre. Tuesday to Saturday, 12 pm to 6 pm. Free admission.

Page de couverture To Rebel is Justified (2014). Chun Hua Catherine Dong © Qu Chang Pages centrales After the Hunt. Emily Jan © Eric Tschaeppeler Design graphique Atelier Mille Mille

mot du directeur artistique michael toppings

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Kaié:ri iawén:re / Wísk iawén:re niwakenhnhò:ten

Nok ká:ien ne karáhston, teiotenonhianíhton tsi nikaweién:te aonsaiako’nikonhraie’wénhtho’ tánon’ aontaiako’seronnénhten’ tsi niiakona’khwèn:’en. Karáhston enkakwé:ni’ enión:ni’, tenwatkén:ni’, entiako’nikonhratih éntho’, eniakona’kón:ni’, eniako’nikonhró:ri’, eniakó:ion’ ne aiekwé:ni’ aiontatka’én:ion’ aiontaterihohétsten’ tánon’ ne taiontatté:ni’. Karihwahtentià:tha ne taontenatákha’, taiontenonhwerá:ton’ tsi sha’tetewaia’tò:ten tánon’ tsi tetewattihánion. Karáhston sénha nà:kon tewa’nikòn:rakon ieionkwaia’ténh-as, ionkwarihwá:wis ne aietewatkáhtho’ tsi nahò:ten iah thaionkwatkáhthonke’, ionkwana’tón:nis nahò:ten akwáh tewatshà:nis, sok enionkwaia’takéhnha ne taietewanonhwerá:ton’ tánon’ ne tóhsa aonsetewatshà:nike’.

Í: ken khok kattó:kas káton onkwehshòn:’a ronentorà:se ne othé:nen ahatirihwaié:rite ? Teionkwatà:’on ken ne tión:kwe tsi ionkwatehiahróntie, kwah néne tóka’ ionkwate’serehtaierí:ton. Á:ienhrek ken se-watié:rens tsi iah tetewakwénie’s é:ren aietewahá:wihte’ tsi na’tetewaia’to’ténhne ohén:ton shiiowehnó:tahkwe, tsi iah tetewakwénie’s aonsetewarihwahserón:ni’ tsi na’teionkwatatierà:se tóka’ ni’ aietewaterien’tatshén:ri’ oh ní:ioht tsi aonsetewarihwahseronniánion’ tsi niiawen’hátie nontionhontsà:ke.

Karáhston tsonkwehiahrahkwén:nis nahò:ten ioterihwatatén:ron naié:iere’ nonhontsà:ke. Karáhston enkakwé:ni’ ne aiakohrhá:reke’, tánon’ aonsaiontatkwatá:ko’.

Oh nontié:ren tsi iah nowén:ton othé:nen tesewatkwatákwas? Oh nontié:ren tsi né: sha’orì:wa’s enkaién:take’ tánon’ tenwattsinonwaténia’te tsi ní:ioht ne è:rhar ranitahsahserenóntie’ – ateriióhsera, a’wentáhtshera, atatshwénhsera, atatshwénhsera ne thiionkwehserá:te, konwatírios ne konnón:kwe, kaiesáhtha tsi niiakoianerenhserò:ten, tewatténie’s tsi niwenhniserò:ten, iakó:ten, iontonhkária’ks tánon’ karihwakwarihsionhtsheráksen, etc.

Saison quatorze / quinze

Í: ken tión:kwe iah tetewakwénie’s káton iah tho teionkwa’nikonhrò:ten ne taonsetewatté:ni’? Káton ken wetewatoríshen tsi othé:nen tewatsteríhstha tánon’ wetewarèn:nha’? Iah ken thaón:ton’ sénha è:neken iaiétewe’ tsi nitewakwénie’s. Wa’onkwá:ti ken tsi teionkwatonhontsó:ni tánon’ tsi tetewehtáhkhwa tsi aietewakwé:ni’ othé:nen taietewaté:ni’? Enionkwentenhtónhake’ ken nontionhontsaksèn:ke? Ieniakwatahsónteren’ ken tsi ienakaraienhtáhkhwa ieiakwaníhara’s nó:nen í:wehre othé:nen taonsontté:ni’ káton nó:nen tewatshà:nis. Tentewatatahséhthake ken né: tsi tewáhsehre ne kó:ra akoianerenhsera’okon’kénha tánon’ ón:kwe tsi niiakoteweiennò:ten, né: ne akwé:kon ó:ia tkontiniarotáhrhoks nek tsi iáhten ne kanoronhkhwáhtshera. Wakenà:khwens. Í:kehre kanonhtónnion tsi sénha ioianere teionkwatén:tshon.

Oh nisaierà:se ne karáhston ? —

Suis-je le seul à avoir l’impression que l’humain a parfois du mal à aller de l’avant ? Comme si notre évolution était paralysée, en panne. Nous semblons incapables de modifier nos comportements dépassés, incapables de résoudre nos vieux conflits, de trouver des solutions aux mille et un problèmes de notre planète. Pourquoi les choses ne se règlent-elles pas; pourquoi les mêmes problèmes surgissentils encore et encore ? Nous tournons en rond. Conflits armés, génocides, racisme, xénophobie, violence contre les femmes, atteinte aux droits de l’Homme, changements climatiques, pauvreté, famine, injustices sociales, etc. Quand tout cela s’arrêtera-t-il ? L’humain est-il incapable de changement ? Ou peut-être ne le souhaite-t-il pas réellement ? Sommes-nous plongés dans l’apathie et la soumission, sommes-nous tombés dans l’inertie ? Avons-nous perdu notre ténacité et arrêté de croire que nous pouvons changer les choses ou sommes-nous simplement

enlisés dans notre propre dysfonctionnement collectif ? Lorsque nous faisons face à la différence ou que nous avons peur, pourquoi nous rabaissons-nous les uns les autres, en utilisant pour justification des principes hermétiques établis par le gouvernement ou la société, des principes motivés par tout sauf par l’amour ? Ce constat me met en colère. J’y pense, et je me dis que nous méritons mieux.

Are we, as a species, incapable of or unwilling to change, have we perhaps been lulled into apathy and submission, and have we not perhaps peaked, lost our will, lost faith in our own power to foment change? Are we simply doomed to stew in our own global dysfunction, incessantly reaching for the stick when confronted with difference, or when afraid of something, killing each other in the name of arcane principles of government and social conduct, driven by everything else that isn’t love?

Et puis, il y a l’art. L’art qui apaise toute cette colère. L’art et son immense capacité d’éduquer, de remettre en question, d’inspirer, d’enrager, de divertir. L’art qui nous permet de contempler, d’évoluer, et, si j’ose dire, de changer. L’art comme catalyseur de la cohésion sociale par lequel nous arrivons à célébrer nos points communs comme nos différences. L’art qui nous permet d’aller au plus profond de nous-mêmes et de poser un regard différent sur les choses. L’art qui façonne nos plus grandes angoisses et qui nous aide à les surmonter. L’art nous rappelle que nous avons encore beaucoup à faire dans ce monde. Il incarne l’espoir, le renouveau.

And yet, there is art with its enormous capacity to console, to assuage that very anger. Art, in its ability to instruct, challenge, inspire, to enrage, to entertain, proffers a means for contemplation, a means to process, and, dare I say, to change. It is a catalyst for community cohesion, a celebration of human commonality and of difference. Art takes us deeper inside ourselves permitting us to see things we wouldn’t otherwise see, giving shape to our deepest fears, and helping us to address and overcome them.

Et vous ? Quelle place l’art occupe-t-il dans votre vie ?

Art reminds us of all there is left to do in the world. Art equals hopefulness, regeneration.

—

I get angry. I think I, we, deserve better.

What does art do for you? —

Season fourteen / fifteen Is it just me or does humankind seem to have a difficult time making a go of things? As a species does our development not seem arrested, stalled like a clunker of a car? Do we not sometimes seem incapable of shaking off antediluvian behaviors, seem unable to negotiate resolutions to our hoary conflicts or in finding solutions for our many planetary problems?

Why doesn’t anything ever get fixed? Why do the same problems linger in a state of perpetuity, spinning about like a dizzy dumb dog chasing its tail - armed conflict, genocide, racism, xenophobia, violence against women, human rights abuse, climate change, poverty, hunger and social injustice, etc. x ad infinitum.

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¿ Por qué nunca nada parece arreglarse ? ¿ Por qué los mismos problemas parecen estar detenidos en un estado de perpetuidad, dando vueltas sobre sí mismos como un perro tonto persiguiendo su propia cola (conflicto armado, genocidio, racismo, xenofobia, violencia de género, abuso de derechos humanos, cambio climático, pobreza, hambre e injusticia social, etcétera ad infinitum) ?

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¿ Somos, como especie, incapaces o reticentes al cambio ? ¿ Será quizás que hemos caído en la apatía y la sumisión ? ¿ Será que se rebozó la copa y hemos perdido la voluntad y la fe en nuestro propio poder para fomentar el cambio ? ¿ Estaremos simplemente condenados a nuestra disfuncionalidad, siempre a la ofensiva cuando nos enfrentamos a la diferencia ? ¿ Estaremos condenados a que, cuando algo nos asusta, nos matamos en nombre de principios gubernamentales y de conducta social arcaicos, motivados por cualquier otra cosa menos por el amor ?

—

Temporada catorce / quince ¿ Seré solo yo, o será que la humanidad parece tener dificultades en conseguir las cosas ? ¿ Acaso no parece que nuestro desarrollo como especie está atrasado, estancado como la chatarra ? ¿ No parece que a veces somos incapaces de deshacernos de comportamientos retrógrados, incapaces de negociar acuerdos para resolver viejos conflictos, o incapaces de encontrar soluciones a nuestros muchos problemas planetarios ?

Yo me enfurezco. Pienso que yo, nosotros, merecemos algo mejor. Y sin embargo, está el arte con su enorme capacidad de consuelo, de aliviar esa indignación. Con su habilidad de instruir, desafiar, inspirar, irritar, entretener, el arte ofrece un medio para la contemplación, un medio para procesar y, me atrevo a decir, para cambiar. El arte es un catalizador para la cohesión comunitaria, una celebración de la humanidad y de la diferencia. El arte nos lleva a lo más profundo de nuestro ser permitiéndonos ver cosas que no veríamos de otra manera, dándole forma a nuestros miedos más profundos y ayudándonos a abordarlos y a superarlos. El arte nos recuerda todo lo que aún hay por hacer en el mundo; es esperanza, regeneración. ¿ Qué hace el arte por ustedes ?

arts visuels

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For An Epidemic Resistance Jacqueline Hoang Nguyen (Montréal, Stockholm)

Vernissage Samedi 13 sep. / 15 h

L’installation sonore For An Epidemic Resistance évoque un phénomène rare, toujours inexpliqué, qui a eu lieu en Afrique centrale en 1962 : une épidémie de fou rire. Se déclenchant dans un pensionnat pour jeunes filles du village de Kashasha, l’épidémie a duré six mois et contaminé des centaines de personnes, pour la plupart des enfants ou de jeunes adultes. Les symptômes pouvaient durer de quelques heures jusqu’à 16 jours chez certaines personnes.

Ce fait divers d’hystérie collective a suscité doutes, études, polémiques. L’artiste québécoise d’origine vietnamienne Jacqueline Hoang Nguyen choisit elle de s’intéresser au rire comme mécanisme social, déconnecté de tout humour ou intention comique. À quoi sert ce rire ? Que signifie sa contagion ? Proposant une immersion dans une installation sonore de 25 canaux, For An Epidemic Resistance fait partie d’un corpus d’œuvres qui questionnent la pertinence politique d’anecdotes anciennes, passées inaperçues, ou jugées anodines. Jacqueline Hoang Nguyen vit à Malmö (Suède) et, son travail est reconnu et exposé internationalement, tant en Europe qu’aux États-Unis et au Canada. Elle participera à la prochaine Biennale de Montréal en novembre 2014. (Nguyen) believes that her role as an artist is to find new truths, to disrupt the dominant narrative without necessarily relying on pure facts. — Fuse

For An Epidemic Resistance evokes a rare phenomenon which took place in central Africa in 1962 and that has yet to be explained: a laughter epidemic. Starting at a girls’ middle school in Kashasha, the epidemic lasted six months and infected hundreds of people, mostly children and young adults. The symptoms lasted from a few hours to 16 days. This story of collective hysteria has raised doubts, studies and polemics. Québécoise artist of Vietnamese origin, Jacqueline Hoang Nguyen chose to study laughter as a social mechanism, disconnected from humor or comedic intention. What is laughter’s purpose? What is the significance of laughter’s contagiousness? For An Epidemic Resistance, a 25-channel sound installation, is part of a body of work that questions the political relevance of historical anecdotes that went unnoticed or were deemed innocuous. Jacqueline Hoang Nguyen lives in Malmö, Sweden. Her work is internationally recognized across Europe, the United States and Canada. She will participate in the upcoming Biennale de Montréal in November 2014.

13 sep. — 18 oct. © Leo Sjölund et Jacqueline Hoang Nguyen. Courtoisie de l’artiste.

installation

arts visuels

The Collective Man

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Tehnica Schweiz

Katja Melzer, commissaire

(Budapest, Berlin)

L’installation pluridisciplinaire The Collective Man est le fruit d’un travail intensif d’archivage de photographie, de recherches et d’entrevues avec des habitants du kibboutz Yad Hanna. Fondé en 1950 par des survivants hongrois de l’Holocauste, il fut longtemps le kibboutz communiste le plus célèbre d’Israël. Mais c’est sa transformation au fil des décennies et sa lente désintégration que raconte ici le collectif Tehnica Schweiz (Gergely László, Péter Rákosi et Katarina Ševi´c), et ce, à partir de photographies, de récits du quotidien et de micro-histoires recueillis de 2008 à 2010. Touchante, intrigante, cette réappropriation collective et créative n’aspire pas à la reconstitution objective ou à la vérité historique, mais remet en question la pertinence des archives dans la perception du passé, leur rôle vis-à-vis des grands récits historiques. De cette œuvre émerge la difficulté de poursuivre des idéaux utopiques et des projets collectivistes au fil du quotidien, des épreuves futiles, des aléas de la vie communautaire. Il s’agit de la première présentation du travail de ce collectif au Canada. Through multiple iterations and formats, László highlights the failures of the system as well as its ideal moments of verve and glory in this changed community, yet without reducing the complexity of Yad Hanna’s current and historical state. — Context & identity in contemporary hungarian art

The multidisciplinary installation The Collective Man is the product of intensive photographic archiving, research and interviews with inhabitants of the Yad Hanna kibbutz.

1er nov. — 6 déc. i n sta l l at i on

Founded in 1950 by Hungarian survivors of the Holocaust, it was the most famous communist kibbutz in Israel for many years. In The Collective Man, the Tehnica Schweiz collective (Gergely László, Péter Rákosi and Katarina Šević) tells the story of its transformation over time and its slow disintegration using photographs, everyday anecdotes and micro-histories collected from 2008 to 2010. Touching and intriguing, this collective and creative reappropriation does not aim for objective reconstitution or historical truth, but questions the relevance of archives in the perception of the past, and their role in greater historical narratives. It brings up the difficulty of pursuing utopian ideals and collective projects on a day-to-day basis, with its trivial challenges and the vagaries of communitarian life. This is the first Canadian presentation of this collective work.

Vernissage Samedi 1 er nov. / 15h

arts visuels

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Neither Here Nor There / Ni ici ni ailleurs Nika Khanjani (Montréal)

Première mondiale

Écrivaine, activiste et vidéaste d’origine iranienne, Nika Khanjani propose des expériences sensibles et troublantes jouant sur les contrastes et sur une patiente révélation de la beauté. Accueillie en résidence au MAI dans le cadre d’un partenariat avec PRIM, elle compose avec la vidéo d’art Neither Here Nor There : a study of an adopted city une immersion dans des espaces urbains et lieux sociaux qui ont frappé son imagination à son arrivée à Montréal : galerie souterraine, cour d’école, club social italien… Filmés la nuit ou à la tombée du jour, les lieux sont vides ou quasi déserts tandis que le son diffusé a quant à lui été capté en pleine

journée, moment où ces lieux sont très animés. Ce décalage, cette tension entre l’image et le son, viennent révéler la grande sensibilité d’une personne immigrante en quête de repères et d’attachements dans de nouveaux espaces urbains et sonores et qui s’attarde donc à en capter toutes les impressions. Un témoignage délicat sur l’exil et la distance, sur l’influence mentale et sensible des lieux où nous vivons… avec une pensée pour ceux qui en sont absents. — Born in Iran, Nika Khanjani is a writer, activist and video-artist. By exploring contrasting extremes with a patient sense of beauty, she creates disorienting sensory experiences. Recipient of the joint PRIM-MAI residency in 2013, Khanjani has created the video art piece Neither Here Nor There: A Study of an Adopted City, which immerses the viewer into those urban and social spaces that struck the artist’s imagination upon her arrival to Montréal: an underground shopping mall, a schoolyard, an Italian social club… Filmed at night and at dusk, the spaces are empty or practically deserted. The accompanying soundtrack was captured however while each space was bustling and at its liveliest. This disparity between image and sound is meant to reveal the sensitivity of new immigrants. Neither Here Nor There reflects the immigrant’s struggle to find his or her bearings in new urban spaces by remaining focused on capturing all possible impressions. A delicate testimonial on exile and on distance… with thoughts of those who are absent.

12 déc. / 19h © Nika Khanjani

vidéo d’art

arts visuels

dans une salle de bain, la performeuse se prête au jeu de la soumission érotique.

To Rebel is Justified

L’exposition regroupe un corpus de douze photographies capturées en Chine en 2013. La démarche de Chun Hua Catherine Dong s’inscrit dans la mouvance de l’avantgarde féministe.

Chun Hua Catherine Dong (Montréal)

Le corps est politique. La vie est une performance. — Chun Hua Catherine Dong

« To Rebel is Justified », tel était le slogan employé par les gardes rouges lors de la révolution culturelle! Avec l’exposition To Rebel is Justified l’artiste revisite dans un contexte performatif cette période sombre de l’Empire du Milieu.

“To Rebel is Justified” is the slogan used by the Red Guards during the Cultural Revolution. With To Rebel is Justified, the artist revisits this dark period of Chinese history in a performative context.

Chun Hua Catherine Dong se met elle-même en scène et personnifie un garde rouge imaginaire. Vêtue d’un uniforme militaire, l’antirévolutionnaire du XXIe siècle explore la vulnérabilité humaine dans un contexte d’humiliation rituelle. Dans un détournement de sens et de symboles, la « garde

Chun Hua Catherine Dong puts herself on stage and personifies an imaginary Red Guard. Dressed in a military uniform, the anti-revolutionary of the 21st century explores human vulnerability in the context of ritual humiliation. Reversing meaning and symbols, Chun Hua’s “Red Guard” welcomes

rouge » Chun Hua accueille Mao Tsé-toung dans une porcherie plutôt qu’à la place Tian’anmen. Tantôt attachée sur une chaise dans une classe d’école, tantôt agenouillée

Mao Tse-tung to a pigsty rather than Tiananmen Square. Both tied to a classroom chair and kneeling in a bathroom, the performer plays with erotic submission.

14 fév. — 21 mars

The show brings together a collection of 12 photographs captured in China in 2013. Chun Hua’s approach is influenced by the avant-garde feminist movement.

photographie performance

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Vernissage Samedi 14 fév. / 15h

▲ The Healing Performance de l’artiste le 7 fév. / 15 h The Healing The artist will perform on February 7th at 3 PM

arts visuels

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Folklore Futur Shabnam Zeraati + Emily Jan (Montréal)

Vernissage Samedi 28 mars / 15h

Scène de bagarre entre députés du parlement ukrainien – cette comédie humaine a donné naissance au projet d’exposition de Shabnam Zeraati : Assemblée générale des actionnaires. Cette installation mixte est composée d’une dizaine de dessins grand format et d’une centaine de petites sculptures. Personnages allégoriques et intrigants, hommesanimaux et têtes de poulets évoquent une mythologie personnelle et portent un regard critique sur les conflits sociaux. Les œuvres de l’artiste d’origine iranienne ont été vues à plusieurs expositions internationales, dont Tape Moderne à Berlin et Open Here à Séoul.

Emily Jan conçoit des installations sculpturales créées à partir de matériaux recyclés, de textile, de papier mâché et d’objets trouvés. Figures archétypales et bestiaire fantastique révèlent un paysage mythologique réinventé. rain falling from a clear sky – paysage shanshui revisité. Dans l’espace de la galerie repose un troupeau de cerfs Sika. Non loin est disposé un étrange renard à neuf queues (kitsune) suspendu au-dessus d’une « montagne » hétéroclite. Pour l’artiste, cette figure mythique représente l’esprit féminin indompté dans une société occidentale dominée par une trop grande rationalité masculine. En 2011, Emily Jan a reçu une importante distinction lors de la VIe biennale internationale d’art textile contemporain. — The tragicomedy of a brawl between members of the Ukrainian parliament gave rise to this exhibition by Shabnam Zeraati, entitled Assemblée générale des actionnaires. This mixed media installation includes large-scale drawings and a multitude of miniature sculptures. Fascinating allegorical characters, man-animals and chicken heads conjure up a personal mythology and cast a critical eye on social conflict. The works of the Iranianborn artist have featured in several international exhibitions, including Tape Modern in Berlin and Open Here in Seoul. Emily Jan creates sculptural installations using recycled materials, textiles, papier mâché and found objects. Archetypal characters and a fantastical bestiary reveal a reinvented mythological landscape in rain falling from a clear sky. In the gallery space sits a herd of Sika deer. Nearby, a strange nine-tailed fox (kitsune) is suspended above a mountainlandscape. For the artist, this mythical figure represents the untamed female spirit in a Western society dominated by patriarchal thought. In 2011, Emily Jan received a prestigious distinction at the sixth International Biennial of Contemporary Textile Art.

28 mars — 9 mai © Emily Jan

installation

arts de la scĂ¨ne

arts de la scène

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Yeux de Cérès Ilya Krouglikov / Kapostroff + Eduardo Ruiz Vergara / Estantres Danza

Première mondiale

(Montréal, Bogota)

Dialogue à la frontière des genres et des traditions, Yeux de Cérès convoque le spectateur à un univers de métamorphoses, à une rencontre entre deux corps et deux voix en mutation. Inspirés par les mythes, les deux complices élaborent une partition gestuelle abreuvée de rêves, mais ancrée dans le quotidien. Monstres, cyclopes et créatures imaginaires émergent de mouvements familiers, d’une histoire de cuisine. Comme une offrande à Cérès, déesse des moissons et de la fécondité, leur parcours confronte la fertilité de l’esprit aux limites du réel. Chorégraphe, interprète et codirecteur de la compagnie Estantres Danza, Eduardo Ruiz Vergara participe à la conception de

plus d’une quinzaine de créations avant de s’installer à Montréal. Sa recherche l’amène à explorer les relations croisées entre le son, l’image et le mouvement. En quête d’une rencontre ultime avec les arts, Ilya Krouglikov met en œuvre des projets indisciplinés et collabore avec des artistes de différents horizons. Attiré par la danse, il se prête au jeu à titre d’interprète et apprivoise le métier de dramaturge dans l’accompagnement des créations pour la scène. — A dialogue straddling varying genres and traditions, Yeux de Cérès transports the audience to a universe of metamorphoses, to a meeting between two mutating bodies and disparate voices. Two accomplices develop a gestural score inspired by dreams and by the mythological but rooted nevertheless in the everyday. Monsters, cyclops and other imaginary creatures materialize from the familiar movements of everyday life. Like an offering to Ceres, goddess of harvests and fertility, this journey confronts spiritual fertility at the very margins of reality. Choreographer, interpreter and Co-director of Estantres Danza, Eduardo Ruiz Vergara participated in the conception of fifteen artistic creations before settling in Montreal. His pursuit of a corporeal language has brought him to explore the intersecting relationships of sound, image and movement. In pursuit of an ultimate artistic encounter, Ilya Krouglikov has initiated “undisciplined” projects and collaborated with a wide range of artists. Drawn to dance, this performer is also developing his playwriting skills by supporting stage creations.

26 + 27 sept. performance © Orion Szydel

interdisciplinaire

arts de la scène

Unrelated Daina Ashbee (Montréal)

Création amorcée en 2012, Unrelated met en lumière la lutte des femmes autochtones dans la reconstruction de leur identité. Œuvre sombre et cruelle qui porte sur la disparition de centaines de femmes autochtones sur le territoire canadien mais aussi sur l’absence de soi, la dépendance et la toxicomanie. D’une lucidité déconcertante, Unrelated lève le voile sur le sentiment de vide : perte de la langue autochtone, perte de rituels, etc. La danse de Daina Ashbee s’inspire du langage contemporain et traditionnel; ses créations sont délibérément sombres, vulnérables et fréquemment sensuelles. Recherchant le subconscient dans sa corporalité, la chorégraphe s’applique à déconstruire les cadres de référence qui ont conditionné son image personnelle. Interprétée avec brio par deux danseuses, Unrelated entamera en 2015 une tournée dans quatre villes mexicaines.

tion. With a disconcerting lucidity, Unrelated unveils the feeling of emptiness: the loss of Aboriginal language, rituals, etc. Daina Ashbee’s dance draws on contemporary and traditional language; her creations are deliberately dark, vulnerable, and often sensual. A study of the subconscious in its corporeality, the choreographer deconstructs the frames of reference that conditioned her personal image. Excellently interpreted by two dancers, Unrelated will tour to four Mexican cities in 2015.

D’origine hollandaise et descendante des nations crie et métisse, Daina Ashbee est née en Colombie-Britannique. Elle chorégraphie pour le Dance Matters (2013) et le Talking Stick Festival (2010, 2012) et danse notamment pour les compagnies battery opera et Kokoro Dance Theatre pour ne nommer que celles-là. — Daina Ashbee began working on Unrelated in 2012, a creation that expresses the struggle of Aboriginal women through a reconstruction of their identities. It is a dark and cruel work about the disappearance of hundreds of Aboriginal women in Canada, but that also explores the absence of self, and addic-

3 + 4 oct. danse

performance

Born in British Columbia, Daina Ashbee is of Dutch, Cree and Métis descent. She has choreographed for Dance Matters (2013), the Talking Stick Festival (2010, 2012) and dances for the battery opera and Kokoro Dance Theatre Companies, among others.

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Première mondiale

arts de la scène

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La fille du soleil Collectif Lisanga

Patience Bonheur Fayulu Mupolonga + Tachandy Barnett + Dumisizhe Vuyo Bhembe

Précédé du spectacle

Les mots et les maux Joujou Turenne

publique Démocratique du Congo, l’univers de ces contes s’anime généreusement en ombres chinoises, au fil de projections vidéo, et grâce à la danse contemporaine et africaine. Mupolonga a ouvert le processus de création à trois artistes remarquables : la danseuse et chorégraphe Tachandy Barnett, la marionnettiste, comédienne et metteure en scène Patricia Bergeron et le musicien Dumisizhe Vuyo Bhembe, originaire du Swaziland. Sur cette trame métissée se déploient avec éloquence deux contes issus de la tradition orale africaine traitant de la place des femmes et de leurs droits dans les villages africains.

(Montréal)

Dans une ambiance de feu de veillée, les lumières se tamisent et les percussions battent le rythme. L’heure du conte a sonné. Entrée sur scène de Mikombe le démon et Liloli, la fille du soleil. Projet de l’inventif Patience Bonheur Fayulu Mupolonga, artiste multidisciplinaire originaire de la Ré-

Conteuse, auteure et comédienne, Joujou Turenne pose un regard féminin pluriel sur l’Amérique contemporaine. Nomade moderne née au Cap Haïti, « l’Amie du Vent » sème une parole engagée porteuse de rêves et de libertés. —

In a campfire atmosphere, the lights dim and we hear percussion rhythms. Story time has begun. Enter Mikombe, the demon, and Liloli, daughter of the sun. In this project from the innovative Patience Bonheur Fayulu Mupolonga, a multidisciplinary artist born in the Democratic Republic of the Congo, the world of these tales generously comes to life through shadow puppets, video projections and contemporary African dance. Mupolonga supported the creative process of three remarkable artists: dancer and choreographer Tachandy Barnett, puppeteer, actor and stage director Patricia Bergeron, as well as musician Dumisizhe Vuyo Bhembe from Swaziland. In this intercultural tableau, a meshing of two tales from African oral tradition unfold eloquently, dealing with the role of women and their rights in African villages. Joujou Turenne, storyteller, author and actress, offers a woman’s perspective of contemporary America. A modern nomad born in Cap Haïti, this “Friend of the Wind” spreads a message filled with dreams and freedom.

17 oct. — 19 oct. © Sebastian Furtado

conte interdisciplinaire

arts de la scène

NeoIndigenA

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Santee Smith / Kaha:wi Dance Theatre (KDT) (Toronto) Première québécoise

Danse mythique aux frontières du chamanisme, NeoIndigenA (2014) évolue entre les portails sacrés du Monde du Ciel, du Monde la Terre et du Royaume souterrain. Lumineuse et animale, rude et transcendante, cette nouvelle création laisse découvrir le passage consacré de la relation entretenue envers soi et envers l’univers. Quête spirituelle à la recherche d’une humanité, émotivement chargée, NeoIndigenA est une œuvre envoûtante d’une grande physicalité. Santee Smith interprète avec brio ce solo exigeant. Une œuvre toute en introspection sur le cycle de la vie. Née à Hamilton dans le clan de la tortue de la nation mohawk Six-Nations, Santee Smith est formée à l’École nationale du ballet du Canada. Fondatrice et directrice artistique de Kaha:wi Dance Theatre, Smith a créé plus d’une quinzaine de chorégraphies à ce jour. Plusieurs de ses œuvres ont été primées, dont Susuriwka – willow bridge (2011), création ayant obtenu le prestigieux prix Dora Mavor Moore pour son interprétation exceptionnelle. Les créations de la compagnie ont été présentées sur la scène internationale notamment en France, au Japon, en NouvelleZélande, aux États-Unis et au Canada.

of compelling physicality, an emotionally charged spiritual quest for humanity. Santee Smith performs this introspective work on the cycle of life with equals parts brio and intimacy. Hamilton-born Santee Smith is a Mohawk from the Turtle Clan of the Six Nations First Nation. She trained at Canada’s National Ballet School and is the founding Artistic Director of Kaha:wi Dance Theatre. Smith has choreographed more than 15 performances to date. Several of her works have earned awards, including Susuriwka - willow bridge (2011), which received a prestigious Dora Mavor Moore Award for outstanding performance. The company has performed their creations in countries around the world, including France, Japan, New Zealand, the United States and Canada.

— A mythical dance bordering on shamanism, NeoIndigenA (2014) moves through the sacred portals between Skyworld, Earthworld and Underworld. Luminous and animalistic, raw and transcendent, this new creation invites us to explore the sacred pathways of our connection with ourselves and the universe. NeoIndigenA is a captivating work

6 — 8 nov. danse

performance

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arts de la scène

Corpus Teesri Duniya Theatre (Montréal) Première québécoise En anglais

Dans Corpus, une jeune et ambitieuse chercheuse étudie la relation trouble entre la femme d’un officier nazi et un prisonnier juif polonais du camp de concentration d’Auschwitz. Cette recherche académique l’amènera bien plus loin que prévu, dans des zones troubles. Écrite par Darrah Teitel, la pièce nous confronte à l’histoire, à l’horreur et se penche sur le besoin de transformer l’histoire en fictions pour mieux l’appréhender et faire un travail de mémoire. Mise en scène par Liz Valdez, Corpus est une pièce brillante qui pose des questions morales fondamentales. Comment considérer des atrocités aussi inconcevables que l’Holocauste ? À quel point doit-on chercher à comprendre la psychologie de ceux qui les perpètrent ? Comment cette écriture du passé influe-t-elle sur notre présent ? Truffée de fulgurances d’humour noir, l’œuvre brouille les frontières entre passé et présent, entre réel et virtuel, entre Auschwitz et Canada contemporain. Corpus est une production du Teesri Duniya Theatre, compagnie montréalaise vouée à créer et à présenter des œuvres marquantes, pertinentes sur les plans social et politique, et ce, à partir des expériences de différentes communautés.

Teesri Duniya Theatre is one of the most unique theatre companies in Quebec’s distinct society, expanding its horizons, mixing social activism with art. — Montreal Gazette

In Corpus, a young and ambitious scholar is studying the troubling relationship between the wife of a Nazi officer and a Polish Jewish prisoner at the Auschwitz concentration camp. Her academic research takes her to troubling, unexpected places. Written by Darrah Teitel, this piece confronts history and horror, questioning the need to transform history into fiction to better understand and come to terms with our past. Directed by Liz Valdez, Corpus is a brilliant piece that asks fundamental moral questions: How do we deal with unthinkable atrocities like the Holocaust? How much do we need to understand the psychological states of its perpetrators? How does the past’s writing influence the present? Interspersed with dark humor, Corpus blurs the lines between past and present, real and virtual, Auschwitz and contemporary Canada. Corpus is produced by the Teesri Duniya Theatre, a Montreal-based company dedicated to drawing on the experiences of different communities to create and present striking politically and socially relevant work.

12 — 30 nov. t h é ât r e

arts de la scène

Yellow Towel Dana Michel (Montréal)

Enfant, Dana Michel se drapait les cheveux dans une serviette jaune (yellow towel) pour imiter les petites filles blondes de son école. Adulte, elle se propose de revisiter cet imaginaire enfantin, curieux tout autant que fondateur. Performance solo créée et portée par la chorégraphe et performeuse montréalaise Dana Michel, Yellow Towel invente un rituel fiévreux et fascinant. Reprenant, détournant et retournant les stéréotypes de la culture noire, empruntant également aux esthétiques de la mode, de la culture queer, du vidéoclip ou encore de la comédie, la performeuse tisse et détisse sa propre identité. Au fil de la métamorphose émerge une créature aux gestes et au parler déroutants, une créature étrange, à apprivoiser.

As a child, Dana Michel would drape a yellow towel around her head to imitate the blonde girls at school. As an adult, she revisits this imaginary world, creating a seminal and singular work. In her solo Yellow Towel, she weaves and unravels her identity by mimicking and distorting black cultural stereotypes, while also borrowing from fashion aesthetics, queer culture, music videos and comedy. Through this metamorphosis, a strange, untamed creature emerges with baffling gestures and language. At once serious, foolish, impressive and vulnerable, Dana Michel’s performance confirms her strong physical presence and unbridled imagination. Not only has Yellow Towel been lauded by critics, but it has made a long-lasting impression on audiences, notably at Montréal’s Festival TransAmériques and New York’s American Realness Festival.

Tour à tour grave, bouffonne, impressionnante et vulnérable, Dana Michel se révèle dans cette performance à la physicalité intense et à l’imaginaire débridé. Non seulement Yellow Towel a reçu des critiques dithyrambiques, mais cette création a indubitablement frappé les esprits lors de ses représentations, notamment au Festival TransAmériques ainsi qu’au American Realness Festival de New-York. Ms. Michel’s “Yellow Towel” was engrossing. Offbeat in the extreme, it cast an imaginative theater spell that recurrently evoked the great New York performance artists Eiko & Koma, while showing Ms. Michel’s intense individuality. (…) powerful imagination and psychological force. — The New York Times

4 — 6 déc. danse

performance

20/32

21/32

arts de la scène

Tounkara-Lavoie Trio Récipiendaire du Prix de la diversité

(Montréal)

Tounkara-Lavoie Trio, 6e lauréat du Prix de la diversité, se distingue par son riche métissage de sonorités maliennes et de créations originales parfois chantées en français ou en bambara. Formée en guitare classique, Estelle Lavoie, originaire de Québec, a eu un véritable coup de cœur pour la richesse des musiques d’Afrique de l’Ouest. Mohamed N’Diaye se distingue par sa double formation en musique et en danse. Le Guinéen d’origine multiplie les collaborations avec artistes et compagnies de divers horizons : Angélique Kidjo, la Compagnie Créole, le Cirque du Soleil, etc. Né au Mali, Diely Mori Tounkara a lui grandi en apprenant la kora pour ensuite manier la guitare, inspiré par son grand frère, Djelimady Tounkara, guitariste de renommée internationale. De cette rencontre entre ces trois mélomanes naît une musique généreuse jumelée à des danses africaines contemporaines qui créent l’harmonie entre tradition et modernité et qui invitent à la paix et à la convivialité.

Le Prix de la diversité est rendu possible grâce au MAI, au Conseil des arts de Montréal, à la Place des Arts et à Vision Diversité. — Concerts by the Tounkara-Lavoie Trio, the 6th recipient of the Prix de la diversité, are a rich mélange of traditional Malian music and original compositions in French and Bambara, along with a smattering of African contemporary and traditional dance. Estelle Lavoie, originally from Québec City, studied classical guitar before falling in love with the rich music of Western Africa. Originally from Guinea, Mohamed N’Diaye works with a diverse range of artists and companies: Angélique Kidjo, la Compagnie Créole, and Cirque du Soleil, among others and is recognized for his fluency in both music and dance. Born in Mali, Diely Mori Tounkara grew up learning the kora before becoming inspired by his internationallyrenowned older brother, Djelimady Tounkara, and moving on to the guitar. Together these three musicians join in complicity to assemble a rich, harmonious repertoire which covers Africa, Quebec, and sometimes beyond. The Prix de la diversité is awarded collaboratively by the MAI, the Conseil des arts de Montréal, the Place des Arts, and Vision Diversité.

16 + 17 jan. musique

arts de la scène

NTU, Skwatta Vincent Mantsoe Compagnie NOA (Soweto, Paris)

Deux œuvres à caractère social et politique qui dénotent la force de l’esprit humain et sa capacité de résilience. NTU, danse rituelle et intuitive, traite du vide : l’espace de tous les possibles. La création n’étant pas la finalité, mais plutôt le chemin pour y arriver. Skwatta se veut une réflexion sur la misère qui sévit dans les townships sud-africains, un milieu dans lequel Vincent Mantsoe a grandi. Enfouis dans un chaos de beauté et de folie, dans les bidonvilles skwattas aucune fuite n’est possible pour les « sophistiqués des caniveaux ».

dance, takes us into nothingness, the place where all is possible. Creation is not an end in itself, but rather the path to get there. Skwatta is a reflection on the misery afflicting the townships of South Africa, where Vincent Mantsoe himself grew up. Deep in the chaotic beauty and madness of the Skwatta Camps, no escape is possible for the “sophisticated in the gutters.” Skwatta is a captivating exploration of western street dance, martial arts and traditional African dance, all performed by an unparalleled artist. The role of spirituality in his work, which he describes as a process of “borrowing from the ancestors,” highlights the importance of understanding the sources of his traditional movements. The world-renowned choreographer and performer has done extensive tours of Europe, Asia and North America. His notable achievements in dance include performances at Jacob’s Pillow Dance Festival (USA) and Maison de la Danse (France).

Une fascinante exploration des danses urbaines occidentales, des arts martiaux et des danses traditionnelles africaines interprétée par un créateur incomparable. L’action de la spiritualité dans sa démarche créatrice qu’il décrit comme un processus « d’emprunt aux ancêtres » souligne l’importance d’apprécier les sources de ses mouvements traditionnels. De renommée mondiale, le chorégraphe et interprète a réalisé d’importantes tournées en Europe, en Asie et en Amérique du Nord. Sur scène, il a dansé notamment au Jacob’s Pillow Dance Festival (États-Unis) et à la Maison de la Danse (France). (…) a magnetic soloist. — The Guardian Mr. Mantsoe performed a solo of such fierce stamping, writhing intensity that he appeared to enter into a trancelike state. — The New York Times

These two works of a social and political nature embody the strength and resilience of the human spirit. NTU, an intuitive ritual

23 + 24 jan. danse

22/32

En tournée canadienne

arts de la scène

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The Nisei & The Narnauks

Paul Van Dyck Persephone Productions (Montréal)

Première mondiale En anglais

Quand une enfant d’origine japonaise rencontre la puissante mythologie des premières nations de la côte ouest du Canada… Les Nisei sont la deuxième génération de Cana-

dienne Vanessa Tsamu). L’œuvre révèle des pans méconnus de l’histoire du Canada, et pose une question fondamentale : comment le fantastique peut-il aider à traverser les épreuves ? Paul Van Dyck A META Award winner for Outstanding Direction for his adaptation of Oroonoko presented at the MAI in 2013.

diens d’origine japonaise dont le destin a été marqué par la déportation et l’internement lors de la Seconde Guerre mondiale. Les Narnauks sont des êtres surnaturels qui peuvent, en revêtant une peau d’animal, devenir ce même animal. La pièce suit le voyage de Kimiko, une enfant nisei à la recherche de sa grand-mère, depuis le camp d’internement de Slocan Valley. Parcourant la Colombie-Britannique, Kimiko voit s’animer sur son chemin les mythologies de la nation haïda, dans un grand déploiement de marionnettes, de masques, de musique live et de technologies d’animation. Produite par la compagnie montréalaise Persephone Productions, la pièce est écrite et mise en scène par Paul Van Dyck et racontée sur scène par la petite-fille de l’héroïne (la comé-

The Nisei are the second generation of Japanese Canadians, whose lives were marked by deportation and internment during World War II, while a narnauk is a supernatural creature that transforms into an animal by putting on the skin of that animal. In The Nisei & The Narnauks, a child of Japanese descent encounters the compelling mythology of the First Nations on Canada’s West Coast. It follows the journey of Kimiko, a Nisei girl who sets out from an internment camp in the Slocan Valley in search of her grandmother. As she crosses British Columbia, Kimiko sees the myths of the Haida nation come to life through puppetry, masks, live music and animation. Written and directed by Paul Van Dyck, and narrated on stage actress by Vanessa Tsamu, Nisei & The Narnauks is produced by Montréal’s Persephone Productions. It reveals a little-known period in Canadian history and raises a fundamental question: how can mythology help us overcome hardship?

5 — 22 fév. t h é ât r e

arts de la scène

Sweet Gyre Su-Feh Lee + Benoit Lachambre (Vancouver, Montréal)

creator-performers: Malaysian dancer, choreographer and dramaturge Su-Feh Lee, and the radical Québécois choreographer Benoît Lachambre.

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Throughout their artistic careers, both Lee and Lachambre have relentlessly pursued authentic, instinctive, and fluid gesture, free from various social and cultural constraints and representations. Liberated bo-

Sweet Gyre est un travail captivant sur le corps, sur les possibilités du corps, sur la transmission d’énergie d’un organisme à un autre, porté par deux créateurs-performeurs atypiques et surdoués : l’interprète, chorégraphe et dramaturge d’origine malaisienne Su-Feh Lee et l’impertinent et radical chorégraphe québécois Benoît Lachambre. Tout au long de leur parcours artistique, les deux artistes se sont toujours obstinés à rechercher un geste authentique, instinctif, fluide, délivré de toutes sortes de contraintes et représentations sociales aussi bien que culturelles. Des corps libérés, des corps politiques. Leur rencontre donne lieu à une œuvre fascinante, intense, qui repousse et enrichit sans cesse les perceptions de l’anatomie humaine, aussi bien que de l’espace et du temps. Sweet Gyre n’est pas un spectacle auquel on assiste, mais une expérience organique et sensorielle que le public ressent intensément. Prenant place dans un environnement plastique du photographe Robert Flynt et dans un riche environnement sonore du compositeur Jesse Zubot, lauréat d’un prix Juno, Sweet Gyre a été présentée pour la première fois en 2013 au Dance Centre à Vancouver. Les deux chorégraphes [Benoît Lachambre et Su-Feh Lee dans Body-Scan] sont curieux du rapport qui lie espaces internes et externes, de la circulation des fluides, du rythme interne des manifestations corporelles, et enfin, de l’étendue de la force de la douceur. — Df Danse

Sweet Gyre is a work based on the body, its possibilities, and the transmission of energy between organisms. This piece is brought to life by two gifted and prolific

5 — 7 mars danse

performance

dies, political bodies: The two come together to create a fascinating and intense work that continually pushes and deepens our perceptions of human anatomy, space and time. Audiences don’t watch Sweet Gyre – it is an organic, sensory experience that stirs up intense emotions. Situated within a visual environment by photographer Robert Flynt, accompanied by a soundscape by Juno Award-winning composer Jesse Zubot, Sweet Gyre was first presented in 2013 at the Dance Centre in Vancouver.

Première québécoise

arts de la scène

25/32

Random Imago Theatre / Black Theatre Workshop (Montréal)

Première canadienne En anglais

En 2008, les médias londoniens se sont fait l’écho d’une série de meurtres de jeunes issus de la communauté noire, dont le seul tort était de flâner innocemment au milieu des conflits et des règlements de comptes des autres. Pièce coup de poing vouée à donner un visage et un sens à ces drames absurdes, RANDOM parle de cette violence aveugle, aléatoire, qui peut frapper partout, endeuiller toute famille, faire voler en éclats toutes apparences de normalité. Mise en scène par Micheline Chevrier sur un texte de la Britannique Debbie Tucker Green à l’écriture forte et poétique, RANDOM est portée par la performance solo d’une comédienne exceptionnelle, Lucinda Davis. Celle-ci incarne tour à tour les membres d’une famille pour qui tout bascule avec l’irruption de la police. Réussissant à faire rire au fil d’un drame qui glacerait le sang de tout parent, la pièce captive et surprend. Le texte, aux émotions puissantes, vient révéler et troubler nos propres préjugés, déjouant les stéréotypes et les conditionnements sociaux.

Micheline Chevrier directs Debbie Tucker Green’s strong and poetic RANDOM, interpreted by the exceptional Lucinda Davis. Her performance brings each family member to life, showing how their lives were transformed after the police burst into their home. While this captivating and shocking drama will curdle the blood of any parents in the audience, it also has some lighter moments. The strongly emotional text reveals and upsets our own prejudices, playing with stereotypes and social conditioning.

Where Debbie Tucker Greens script really soars is in its searing details (…). There is music in her use of words, poetry milked out of everyday speech. The play grabs you and shakes youand leaves you exhausted, drained. — MUSIC OMH

In 2008, the London media reported rumors of a series of murders in the black community that targeted young people, who merely walked into innocent conflicts or settled other peoples’ debts. A hard-hitting piece devoted to explaining and giving a face to these absurd tragedies, RANDOM discusses the arbitrary, blind violence that could strike anywhere, impact any family, and make normalcy a thing of the past.

18 mars — 4 avr. t h é ât r e

arts de la scène

Chasing Trails

26/32

Geeta (Montréal) Première mondiale

Nouveau concert multimédia de Geeta Pearson, Chasing Trails transporte le spectateur dans un univers surréaliste, un monde singulier de métamorphoses où s’entrelacent folie, révolte et rêverie. Paysages sonores oniriques et rituels de transe influencés par le chamanisme célèbrent la vie et la mort. Par ses mélodies mélancoliques, ses harmonies planantes, ses rythmes tribaux et son imagerie hypnotique, Geeta ensorcelle. Sur scène, l’enchanteresse est accompagnée du multi-instrumentiste François Girouard et des chanteuses du Bandit Choir. Une expérience unique et multisensorielle. Fougueuse et sauvage, Geeta nous offre ses compositions musicales, tantôt intimes, tantôt vertigineuses, mais constamment animées d’une énergie viscérale. Sa démarche artistique s’inspire des mouvements expressionniste et surréaliste. Des artistes comme David Lynch, Luis Buñuel, John Cage, Yma Sumak, Diamanda Galás et Björk constituent des références incontournables.

rebellion and reverie are intertwined. Dreamlike soundscapes and trance rituals influenced by shamanism celebrate life and death. With melancholy melodies, soaring harmonies, tribal rhythms and hypnotic imagery, Geeta casts her spell. The enchantress is accompanied onstage by multi-instrumentalist François Girouard and the singers of the Bandit Choir. A unique multisensory experience. The intensely spirited Geeta offers musical compositions driven by a visceral energy that is sometimes intimate, sometimes dizzying. Her artistic approach is inspired by the expressionist and surrealist movements, and references to artists such as David Lynch, Luis Buñuel, John Cage, Yma Sumak, Diamanda Galás and Björk are found throughout. In 2013, the singer-songwriter was artist in residence at the Arts and Cultural StudiesLaboratory in Armenia and recently completed a major European tour.

De retour d’une résidence à l’Arts and Cultural Studies Laboratory en Arménie, l’auteure-compositrice-interprète a réalisé une importante tournée européenne en 2014. Over the other memorable ones, Geeta’s alluring cabaret/folk compositions breaks out from the easy-formula we often find ourselves in front of; with only a piano and percussions, they bring out a cinematic soundtrack absolutely pleasing to the ears. — Indecent Exposure

A new multimedia concert from Geeta Pearson, Chasing Trails transports the audience to a surreal universe, an extraordinary world in metamorphosis where madness,

17 + 18 avr. m us i qu e i n t e r d i s c i p l i na i r e

arts de la scène

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The Tashme Project: The Living Archives Julie Tamiko Manning + Matt Miwa (Montréal, Ottawa)

Première québécoise En anglais

Mise en scène par Mieko Ouchi, The Tashme Project reconstitue le destin méconnu des Nisei, la deuxième génération de Canadiens

silence et la honte : les souvenirs de jeux et d’aventures dans les camps, les souvenirs d’épreuves, d’injustice, de réinstallation dans la misère de l’après-guerre, les souvenirs des décennies suivantes. Dans un montage fluide, les voix se mêlent et se répondent, anonymes, portées par Julie Tamiko Manning – Othello, girls!, girls! girls! – et Matt Miwa – Little Martyrs, Lost in TV –, deux comédiens chevronnés, issus de la jeune génération japonaise canadienne. Ceux-ci ajoutent leur témoignage aux voix discrètes et touchantes de leurs aïeux. C’est ainsi toute une génération, et son héritage, qui se révèlent, une génération marquée par l’adversité, le racisme, la persévérance et la dignité. Sometimes funny, sometimes heartbreaking, the stories recreate the confusion, the resilience, the shame that comprised –and still does–the lives of the interned. — Ottawa Citizen

The Tashme Project pieces together the unknown stories of the Nisei, the second generation of Japanese Canadians. The piece brings to life the accounts of twenty members of this community, whose childhoods were impacted by the forced World War II internment. Often hidden, this chapter of Canadian history is revisited through interviews conducted by Julie Tamiko and Matt Miwa: memories of games and adventures in the camps, memories of injustice, deportation and resettlement in the painful post-war period, and memories of the decades that followed. The entire history of the Nisei, from the camps to present day, takes the stage, breaking silence and shame. In a fluid installation, the anonymous voices intermingle and respond to each other. Tamiko and Miwa add their stories to the understated, moving voices of the Nisei, who are now in their seventies and eighties. An entire generation and their heritage is revealed, along with their experiences in adversity, racism, perseverance and dignity. The Tashme Project is an essential story, with an entire community taking the stage.

d’origine japonaise marquée par l’internement forcé dans des camps pendant la Deuxième Guerre mondiale. Souvent occulté, ce chapitre de l’histoire canadienne revit grâce aux entrevues de vingt septuagénaires et octogénaires. De l’époque des camps jusqu’à aujourd’hui, c’est tout le parcours de ces Nisei qui est mis en relief, brisant le

7 — 17 mai t h é ât r e

exposition

arts de la scène

SalonEsque

Eclectik 2015 Buscar

L’événement est inspiré d’une tradition qui remonte à l’époque où l’Académie des beauxarts, sanctionnée par l’autorité royale, tenait sa première exposition d’arts semi-publique au Salon Carré, à Paris. En 1725, le Salon avait lieu au Palais du Louvre. Symbolisant une faveur royale, il représentait un passage essentiel pour tout artiste souhaitant se faire connaître en France. Le MAI reprend cet événement historique sous la forme d’une exposition sans jury dans laquelle chaque section des murs de la galerie est remplie de haut en bas – plus il y a d’art, plus il occupe l’espace. Un gala aura lieu pour la soirée d’ouverture et mettra à l’honneur l’esprit parisien, 27 rue de Fleurus, début du 20e siècle. — Borrowing from a tradition when the royally sanctioned Académie des beaux-arts held its first semi-public art exhibit at the Salon Carré in Paris. In 1725, the Salon was held in the palais du Louvre and was essential for any artist to achieve success in France, marking a sign of royal favor. The MAI’s version of this historical event takes the form of a non-juried exhibition where section by section of the gallery walls will be filled from floor to ceiling (the more art, the more space covered). Featuring an opening night gala in the spirit of early 20th century Paris, 27 rue de Fleurus.

Pour sa huitième édition il mettra en vedette des artistes de tout genre pour qui la scène se trouve souvent dans une station de métro, sur un coin de rue ou dans un parc public. Depuis l’Antiquité, divers artistes ont performé sur la place publique pour recevoir deniers, boustifaille et autres donations – troubadours, jongleurs, mariachis, charlatans et hommes-orchestres. Eclectik 2015 – Buscar, qui signifie chercher en espagnol (pensons à la quête de gloire et de fortune), rassemble une bande de troubadours et de saltimbanques des temps modernes qui nous offriront deux soirées de musique itinérante. En effet, certaines des aires de spectacle les plus vibrantes et les moins connues de la ville seront déplacées provisoirement sur la scène du MAI. Un prix du public sera attribué ! — Highlighted are those culturally diverse performers whose stage is often situated on the inside of a metro station or outside on the corner of a street or in a public park. Dating back to antiquity, the practice of performing in public for money, food, drink or gifts has taken on a number of guises through history notably minstrels, troubadours, jongleurs, Mariachis, medicine shows and one man bands. Eclectik 2015 – Buscar, meaning to seek in Spanish (as in seeking one’s fame and fortune) assembles a posse of modern day troubadours and street performers for two nights of brilliant and unexpected performances, relocating some of the city’s most vibrant, underground performance spaces onto the MAI stage. A prix du public to be awarded!

21 — 30 mai

29 + 30 mai performance

a rt s v i s u e l s

i n t e r d i s c i p l i na i r e

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billetterie / box office Tarifs / Prices

Taxes incluses - Tax included

Une pièce justificative valide est requise pour les tarifs Réduit et Étudiant. Une (1) entrée par carte. / A valid ID is required for when purchasing or picking up discounted tickets. One (1) ticket per card holder.

25 $ Régulier / Regular 20 $ Réduit / Discount

Professionnels des arts, Aînés, Étudiants Carte Accès Montréal, Membres du DAM, ELAN — Professional artists, Seniors, Students, Accès Montréal cardholders, DAM, ELAN members.

18 $ Série Création bourgeonne Yeux de Cérès de Ilya Krouglikov et Eduardo Ruiz Vergara + Unrelated de Daina Ashbee + La fille du soleil du Collectif Lisanga

15 $ Groupe / Group (10 +) 18 $ Eclectik 2015

partenaires publics

partenaires culturels

Forfaits / Special Rates — Les soirs de première – 2 pour 1 Deux billets pour 25 $.

Passeport 4/4 Quatre Spectacles à 60 $

Passport 4/4

Sauf pour RANDOM.

4 Performances For $60

— Opening Night Special – 2 for 1 Two tickets for $25.

Profitez de nos nouveaux abonnements !

Except for RANDOM.

En prévente uniquement. Applicable jusqu’à 24 hrs avant la représentation. / Pre-sales only. Up to 24 hrs prior to the performance.

— Après-midis jeunesse pour certaines représentations. Admission gratuite pour les 16 ans et moins.

— Sunday youth afternoons. Free admission for 16 years and under.

Vente en ligne / Online sales Frais de service en sus de 3.50 $ par billet / A $3.50 service charge per ticket will apply.

Danse Quatre spectacles en danse au choix / 4 dance performances of your choice. Théâtre Quatre spectacles en théâtre au choix / 4 theatre performances of your choice. Multi Quatre spectacles de votre choix / 4 performances of your choice. Les abonnés au Passeport 4/4 auront droit, sur présentation de leur titre d’abonnement de la saison en cours, à un rabais de 15 % à l’achat de billets de cinéma au prix régulier (11,50 $) au Cinéma du Parc. Passport holders will be entitled to, upon presentation of their annual subscription, a 15% discount on regular priced movie tickets ($ 11.50) at the Cinéma du Parc.

performances conférences at e l i e r s

Série Public Plus Dans le but de créer des liens entre les artistes et le public, le MAI propose la dynamique série d’activités Public Plus, qui met de l’avant expositions et performances. On y retrouve notamment des activités élaborées en collaboration avec des partenaires qui souhaitent soutenir les projets de nos artistes mentors ou les projets d’artistes indépendants qui cadrent avec la mission du MAI. En plus des activités régulières visant à tisser des liens, l’édition 2014-2015 de Public Plus se penchera sur trois thématiques précises et sur différents aspects qui s’y rapportent. L’exploration se fera dans le cadre d’une gamme de forums dont l’objectif sera de lutter contre la marginalisation en plus d’offrir un espace aux « marginalisés ». Ces trois thématiques sont la peau, l’autre relève et la communauté culturelle queer. La peau – La peau, comme une métaphore; surface, mais également racisme, couleur, discrimination et ségrégation raciale, dépi-gmentation, vitiligo, préjugés divers, etc. Le plus grand organe du corps et probablement l’un des plus importants éléments identitaires que nous portons. C’est sur la peau que nos origines, nos histoires de vie et les signes du temps s’y inscrivent. Couleur, texture et cicatrices : toutes ces caractéristiques racontent qui nous sommes. La peau est l’un des éléments qui nous identifient et nous rassemblent, mais constitue en outre la barrière qui nous sépare des autres. Sentiment d’équité ou de discrimination, acceptation ou rejet de soi, appartenance ou ségrégation; ces attitudes et comportements sont en lien avec la pigmentation de la peau. Par le biais notamment de tables rondes avec des artistes et des activistes préoccupés par ces questions, le MAI convie le public à discuter de ces enjeux qui ont trait à la peau, ce point de contact entre nous et les autres. L’artiste plus âgé : l’autre relève – À une époque où la population est vieillissante et où le monde de l’art contemporain est sans cesse à la recherche de nouveauté et de jeunesse, non seulement le soutien aux artistes plus âgés est inexistant, mais aucune politique et aucun programme n’a même été envisagé à ce chapitre. Le gouvernement in-

vestit dans le soutien des artistes émergents, mais porte très peu d’attention à ces artistes d’un certain âge, qui ont une pratique soutenue et qui, comme on le suppose souvent, connaissent déjà du succès, n’exercent plus, ont pris leur retraite, n’ont pas besoin de financement, etc. Ces artistes négligés continuent de faire face aux mêmes problèmes que les artistes d’autres générations, mais doivent également relever les défis liés au vieillissement. Outre la discussion de groupe sur l’art, le vieillissement et l’âgisme, le Programme d’accompagnement – créativité et développement de carrière 2014-2015 du MAI mettra particulièrement l’accent sur la réalité des artistes plus âgés. Queer – D’une grande complexité et engendrant de multiples formes d’expression, les questions de genre et de sexualité ont engendré un terreau très fertile où les logiques sexistes et hétéronormatives ne correspondent pas à la réalité de la société d’aujourd’hui. Cela dit, porter une identité sexuelle qui n’est pas largement valorisée par la société n’est pas toujours facile. Et lorsque les valeurs d’où l’on vient condamnent notre propre nature, conserver un héritage culturel dans lequel notre sexualité n’est pas reconnue comme étant légitime devient une source de conflit. Comment s’approprier simultanément notre identité sexuelle et le regard de l’autre ? Dans le domaine des arts, ces questions sont la force motrice d’une vague de créateurs d’ici et d’ailleurs pour qui les enjeux liés à la diversité sexuelle et du genre sont le point primordial de leurs démarches artistiques.

Carte blanche, événements spontanés, discussions et panels, conversations et interventions urbaines seront offerts par des artistes queer et activistes.

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Public Plus 2014/2015 With the aim of making links between artists and the public, the MAI proposes Public Plus, a dynamic series of activities offered in tandem with exhibitions and performances. Activities also include those developed in collaboration with partners, presented in support of projects by our mentored artists, and/or proposed by independent artists whose work is tied to the MAI’s mandate. In addition to regular connecting activities, Public Plus 2014/2015 is axed on three subjects with multiple stratums each. Explored through a variety of forums with the specific objective of demarginalizing the marginalized, in providing space for the ‘other’, those three areas of focus are skin, the older artist, and the queer culturally diverse community. Skin – skin as a metaphor, as a surface, racism and skin colour, shadeism, pigmentocracy, depigmentation, vitiligo, the many shades of prejudice, etc. Skin - the largest organ of the body and likely one of the most significant identity cards that we carry. It is on the skin that our origins, our life stories and the signs of the times are etched. Color, texture, and scars: these are the features that help tell who we are. The skin is one of the elements that bring us together as a species, and yet often the very same barrier that separates us from the other. Fairness, discrimination, prejudice, acceptance or rejection, belonging or segregation are all often linked to the color of one’s skin, to pigmentation, and to skin conditions. Featuring video projections, and a round table discussion with artists and activists concerned with issues particular to skin and its many varied ramifications. Older – with the graying of the population, and in an age when the contemporary art world is forever chasing the new and the young, support for older artists is not only non-existent, policies and programs haven’t even yet been considered. With government funds pouring into support for emerging artists little attention is paid to those artists with a sustained practice of a particular age who, it is often assumed, are successful, no longer practicing, retired, not in need of funding, etc. However these neglected artists continue to experience the very same problems, challenges as other artists of differing generations as well as additional challenges

that come with being of a certain age. Aside from a panel discussion on art, aging and ageism, especial focus will be placed on older artists in 2014/2015 through the MAI’s Programme d’accompagnement – créativité et développement de carrière. Queer – Of great complexity and a source of multiple forms of expression, Queerness becomes a way to make a political move against heteronormativity of the larger culture while simultaneously refusing to engage in traditional essentialist identity politics. How does one simultaneously align one’s sexual identity with the gaze of the other? How does sexual diversity and cultural diversity align? In the field of the arts, these issues are the driving force behind a wave of artists for whom queer and its sociopolitical connotations are at the core of their artistic practices.

Carte blanche, pop-up events such as panel discussions, conversations, performances and guerilla acts by cultural diverse queer artists and activists.

montréal, arts interculturels saison quatorze quinze

2014

2015

13 sep. — 18 oct.

16 + 17 jan.

For An Epidemic Resistance

Tounkara-Lavoie Trio

Jacqueline Hoang Nguyen

Récipiendaire du Prix de la diversité

26 + 27 sep.

23 + 24 jan.

Ilya Krouglikov + Eduardo Ruiz Vergara

Vincent Mantsoe / Compagnie NOA

3 + 4 oct.

5 — 22 fév.

Yeux de Cérès

Unrelated

Daina Ashbee

17 — 19 oct.

NTU, Skwatta

The Nisei & The Narnauks

Persephone Productions

La fille du soleil

7 fév.

Précédé du spectacle

Chun Hua Catherine Dong

Collectif Lisanga

The Healing

Les mots et les maux Joujou Turenne

14 fév. — 21 mars

1er nov. — 6 déc.

Chun Hua Catherine Dong

The Collective Man

5 — 7 mars

6 — 8 nov.

Su-Feh Lee + Benoit Lachambre

Santee Smith / Kaha:wi Dance Theatre (KDT)

12 — 30 nov.

Corpus

Teesri Duniya Theatre

4 — 6 déc.

Yellow Towel Dana Michel

12 déc.

Neither Here Nor There / Ni ici ni ailleurs Nika Khanjani

Chasing Trails Geeta

7 — 17 mai

The Tashme Project: The Living Archives Julie Tamiko Manning + Matt Miwa

21 — 30 mai

SalonEsque 29 + 30 mai

Eclectik 2015 Buscar

To Rebel is Justified

Tehnica Schweiz

NeoIndigenA

17 + 18 avr.

Sweet Gyre

18 mars — 4 avr.

Random

Imago Theatre / Black Theatre Workshop

28 mars — 9 mai

Folklore Futur Shabnam Zeraati + Emily Jan

Toutes les représentations des spectacles sont à 20 h, sauf les dimanches à 15 h. Admission générale. Aucun retardataire n’est accepté. / General admission. Latecomers will not be admitted.

m-a-i.qc.ca