Catalogue de saison 20.21 - MAI (Montréal, arts interculturels) by MAI (Montréal, arts interculturels)

PRENDRE À CŒUR S’EN FOUTRE

20 . 21

MAI (Montréal, arts interculturels) est situé en territoire autochtone volé, lequel n’a jamais été cédé. Nous reconnaissons la nation Kanien’kehá:ka comme gardienne des terres et des eaux sur lesquelles nous nous réunissons et travaillons aujourd’hui. Tiohtiá:ke/Montréal est historiquement connue comme un lieu de rassemblement pour de nombreuses Premières Nations, incluant les Abénakis, Algonquins, Anishinabek, Atikamekw et Hurons-Wendat. C’est dans le respect des liens avec le passé, le présent et l’avenir que nous reconnaissons les relations continues entre les peuples autochtones et autres personnes de la communauté montréalaise.

MAI (Montréal, arts interculturels) is located on stolen Indigenous territory, which has never been ceded. We recognize the Kanien’kehá:ka Nation as the custodians of the lands and waters on which we gather and work today. Tiohtiá:ke/Montreal is historically known as a gathering place for many First Nations including Abenaki, Algonquin, Anishinabek, Atikamekw and Huron-Wendat. We respect the continued connections with the past, present and future in our ongoing relationships with Indigenous and other peoples within the Montreal community.

KULNURA (NOUVELLE-GALLES DU SUD, AUSTRALIE), JANVIER 2020 / K U L N U R A ( N E W S O U T H W A L E S , A U S T R A L I A ) , J A N U A RY 2 0 2 0 © M A RY V O O R W I N D E I N S TA G R A M - @ P H O T O G R A P H Y BY M A RYA U S W W W . P H O T O G R A P H Y BY M A RY. C O M . A U

Alerte au déclencheur — ce symbole indique que la performance peut présenter certains éléments dérangeants. Contactez la billetterie pour plus d’information à ce sujet. Trigger warning — this symbol indicates that the performance may have some disturbing elements. Contact the box office for more information.

en WTF ! Peut-être que le meilleur plan, dans certains cas, c’est de savoir laisser les vieux plans en plan. La seule constante consistante est la douleur, puisque tout ça s’accompagne d’un massif dénombrement de morts. 350 000 et c’est loin d’être fini… chacune de ces pertes étant absolument singulière. Et en dépit de cela, je devrais à ce qu’il parait tirer une sorte d’inspiration de tout ce désordre, me forcer à déblatérer avec enthousiasme à propos d’un avenir connecté, en ligne ; exploiter soudainement le foisonnement des opportunités numériques et technologiques comme si c’était une manne ; et planifier le retour à une nouvelle normale (puisque apparemment la normale ne sera plus jamais normale). Au moment où j’écris ces lignes (jeudi le 20 mai 2020), j’écris en tant qu’être non essentiel (tel que déterminé par le gouvernement en temps de Covid-19) Est-ce que les mots d’un être non essentiel sont non essentiels ? Gagnent-ils en essence si l’essentialisme est réévalué, réinstauré ? Une chose dont je suis certain en ce moment c’est que je ne suis certain de presque rien. Je n’ai pas la moindre idée de la forme que prendra la prochaine saison, ultimement. Je connais la forme qu’elle aurait dû prendre, mais nous voilà en pleine pandémie, et à la merci des dérapages de la raison comme de la déraison. Le Plan A se mue en Plan B qui se mue en WTF ! Peut-être que le meilleur plan, dans certains cas, c’est de savoir laisser les vieux plans en plan. La seule constante consistante est la douleur, puisque tout ça s’accompagne d’un massif dénombrement de morts. 350 000 et c’est loin d’être fini… chacune de ces pertes étant absolument singulière. Et en dépit de cela, je devrais à ce qu’il parait tirer une sorte d’inspiration de tout ce désordre, me forcer à déblatérer avec enthousiasme à propos d’un avenir connecté, en ligne ; exploiter soudainement le foisonnement des opportunités numériques et technologiques comme si c’était une manne ; et planifier le re-

MOT DU DIRECTEUR

Au moment où j’écris ces lignes (jeudi le 20 mai 2020), j’écris en tant qu’être non essentiel (tel que déterminé par le gouvernement en temps de Covid-19) Est-ce que les mots d’un être non essentiel sont non essentiels ? Gagnent-ils en essence si l’essentialisme est réévalué, réinstauré ? Une chose dont je suis certain en ce moment c’est que je ne suis certain de presque rien. Je n’ai pas la moindre idée de la forme que prendra la prochaine saison, ultimement. Je connais la forme qu’elle aurait dû prendre, mais nous voilà en pleine pandémie, et à la merci des dérapages de la raison comme de la déraison. Le Plan A se mue en Plan B qui se mue en WTF ! Peut-être que le meilleur plan, dans certains cas, c’est de savoir laisser les vieux plans en plan. La seule constante consistante est la douleur, puisque tout ça s’accompagne d’un massif dénombrement de morts. 350 000 et c’est loin d’être fini… chacune de ces pertes étant absolument singulière. Et en dépit de cela, je devrais à ce qu’il parait tirer une sorte d’inspiration de tout ce désordre, me forcer à déblatérer avec enthousiasme à propos d’un avenir connecté, en ligne ; exploiter soudainement le foisonnement des opportunités numériques et technologiques comme si c’était une manne ; et planifier le retour à une nouvelle normale (puisque apparemment la normale ne sera plus jamais normale). Au moment où j’écris ces lignes (jeudi le 20 mai 2020), j’écris en tant qu’être non essentiel (tel que déterminé par le gouvernement en temps de Covid-19) Est-ce que les mots d’un être non essentiel sont non essentiels ? Gagnent-ils en essence si l’essentialisme est réévalué, réinstauré ? Une chose dont je suis certain en ce moment c’est que je ne suis certain de presque rien. Je n’ai pas la moindre idée de la forme que prendra la prochaine saison, ultimement. Je connais la forme qu’elle aurait dû prendre, mais nous voilà en pleine pandémie, et à la merci des dérapages de la raison comme de la déraison. Le Plan A se mue en Plan B qui se mue

Iah othé:nen tó:ske té:ken táhnon akwé:kon enwá:ton – Enter Shikari

Tsi nikarì:wes wakhiatóntie kí:ken (Ratironhia’kehronòn:ke, Onerahtokkó:wa 21 shískare, 2020 niiohserò:ten), ken’ nikatiérha tsi náhe iah tha’teiotonhontsóhon nikonkwe’tò:ten (tsi tehotiia’toréhton ne kakoráhsera ne Covid-19 aorihwà:ke).

RAIA’TAKWE’NÍ:IO RAOTERIHWANOTÀ:TSHERA

Iah ken teiorihowá:nen ne nahò:ten iah tha’teiotonhwentsóhon niionkwe’tò:ten aiaí:ron? Sénha ken enkarihowánha’ne nó:nen tenshatiia’tó:rehte nahò:ten teiotonhwentsóhon? Wakaterièn:tare se’ kí:ken nón:wa tsi kwah ken’ nikón:’a orihwí:io tsi wakaterièn:tare. Kwah iah tewakaterièn:tare oh neniawèn:seron ensewakénnha’ne. Wakaterièn:tare oh ní:ioht aó:wenk naiá:wen, nek tsi kanhranákere nón:wa niiawen’onhátie, tánon wa’onkwanahskón:ni ne teioni’tón:ni né:ne iah teioweién:naien. Karihwahserón:ni A tenwatté:ni tsi niió:re ne Karihwahserón:ni B tenwatté:ni tsi niió:re ne WTF! Khé:re’ nón:wa aonhá:’a tioiánere tkarihwahserón:ni sewatié:rens iah tekahserón:ni. Iah tekahserón:ni & iah tekaia’tateríhston. Ne énska iorihwató:ken tsi ieiokontáhkwen né:’e ne kakarewahtà:tshera ahse’kén akwé:kon è:neken iá:ken neniá:wen tsi náhe ronatiohkowá:nen oheion’ta’shón:’a entiohsé:tonke. 350 thaó:sen tánon shé:kon tionhsé:ta’s, né:ne tseia’tátshon iakawenhé:ion akwé:kon aonhá:’a skátshon.

Ne ki’ shé:kon, ne rawé:ron, á:ienhre, akwé:kon kí:ken teioni’tón:ni nentewake’nikonhrakétsko, ne takhwihshátsten’ne tánon akerihówanahte tsi neniawèn:seron karonwará:kon í:wa; ne kwah óksa’ aieié:na orihwasé’tsi iontstáhkwa tánon iotkanón:ni ate’shén:naien kwah né:ne tóka’ ówera né:’e; rawé:ron akerihwahserón:ni ne á:se thiká:nion’k enkénhake (ahse’kén wè:ne tsi nahò:ten ens thiká:nion’k iah nonwén:ton thiká:nion’k thaonsakénhake á:re). Wentó:re ne aonsaionnonhtónnion, aionnonhtonnión:ko nahò:ten enwá:ton naiá:wen’ne iotohétston tsi kanhranákere nek tsi nó:nen watonnharenhróntshera tekaiéhston ne nahò:ten rotihtharáhkwen, ka’nikonhro’ktà:tshera iorahkwawérhos; wentó:re aionnonhtonnión:ko tsi nia’tekarihwaién:ta’s nó:nen sha’teiohnó:tehs ne niiohnotéhsha iontawenhstáhkwa. Hen, nón:wa sénha tsi ní:ioht ne nonwén:ton, entá:’onk á:se aonsetewaka’én:ion táhnon iah thaontaionkwatkáhthon tsi nonká:ti ne tsi nitewatiérhahkwe nek tsi sénha nentionkwatkáhthon tsi nonká:ti ne nahò:ten enwá:ton nón:wa naetewátiere. Nek tsi kí:ken ne ok nahò:ten’k, iah thaón:ton kwah nek ne aká:ion thiká:nion’k aonsaié:ien ne á:se thiká:nion’k tóka’ iah tiotierénhton teiakorihwahnirá:ton tsi á:se thiká:nion’k ó:nen akwé:kon tkatáhkwen ne nahò:ten iah tetkaié:ri ne aká:ion thiká:nion’k aorihwà:ke. Iah thaón:ton aetewaríhon ne í:ions kahsennarónnion waterihwentó:re iah teskakwatákwen tóka’ni atstè:shon tsi skakwatákwen akontoríhshen nek ne karihón:ni ne á:se kakaronnià:tshera ón:wawe. Ónhka akorihwà:ke kí:ken saiontétshen akénhake ohontsakwé:kon? Nahò:ten ta’nón:wa iotahséhton tsi kanahstáhere? Arenhátien wenhniserá:te atién:tere’ne tsi thiká:nion’k ne atetshénhsera.

Thóha akwé:kon wenhniseraténion iah tha’tékta’s tsi kanonhtónnions tsi tentsitewatenaneri’taterien’tawénrie. Á:re. Tsi nienhén:we.

Nek tsi sewatié:rens kenh ní:ioht tsi niiá:wen’s; sewatié:rens senorónhstha énska nahò:ten nó:nen ó:ia’k nahò:ten nisatkonhsaierá:ton. Ne ó:ia ní:ioht aiaí:ron, senorónhstha ne ionnhétshera nó:nen kaheiónhsera nisatkonhsaierá:ton ok niiohtánion. Ne kí:ken, í:kehre í:kehre, tsi akwá:wen á:se thiká:nion’k né:’e, atetshénhsera

* Tsi náhe wákhson kí:ken wa’khiatónnion (Onerahtokkó:wa 25, 2020), wa’katerò:roke tsi wahonwanonhwenhserário ne George Floyd (Rahnahòn:tsi Nahaia’tò:ten) ne Karíhton Derek Chauvin (renhnarà:ken) né:ne Mr. Floyd raniarà:ke iahatkwitshà:reke ne 8 nikahseriiè:take nikarì:wes táhnon 46 tsi na’taiontkahkwíro’ke – e’thó:ne thontaiawénhstsi kí:ken owén:na, owén:na, owén:na – akwé:kon kí:ken owenna’shón:’a tontáhsawen ó:ia akén:ton’ne.

— Traduit par Tehawennahkwa Miller

MICHAEL TOPPINGS

Ken’ í:ke’s nón:wa tékeni iawén:re niwenhnì:take iotohétston, ne shá:ka tsi niwakatienawáhston. Oh ní:ioht iah thakénhake? Kanhranákere, wa’tarihenseranákere, iohontsahthà:ton, tsistarare’kó:wa, iawehnó:ton, teionien’kwatá:se, teioweratase’kó:wa táhnon iorhatékha.

Testiaté:ren ne aienónhna nó:nen iakawenhé:ion, wáhi? Tsi nón:we tehonatawénrie ne ronenhé:ion táhnon ronónhnhe. Ionkwè:taien onkwentióhkwakon né:ne, aienónhnha ne oieròn:ta, táhnon tsi niiá:kon kén:’en né:ne, kwah enthonteweièn:ton, nek ne enhotihné:ko’ne. Tsi niiá:kon enionterén:naien, tsi niiá:kon eniontonhwéhshen. Né:ne ronenhé:ion tsi rón:ne, né:ne ronónhnhe tsi rón:ne. Enhatihahseraié:na ahòn:swahte tsi tiò:kara’s tóka’ni (tiótkon tóka’ni kawén:naien) enhonhténtia’te tsi tiò:kara’s enhatirhò:roke ne oháhsera. Shakotinehrakwáhtha, shakonatentorià:tha; tehshakoti’nikonhratihénthos, shakoti’nikonrhárha. RONTSTERÍHSTHA IAH. TEHONTSTERÍHSTHA.

RAIA’TAKWE’NÍ:IO RAOTERIHWANOTÀ:TSHERA

Kè:iahre tsóhsera tsi náhe, shikerihwahserón:nis ne 2019/2020, tsi niwakatienawáhston tsi tewatténies tsi niwenhniserò:tens átste. Tsi wa’kewennahnó:ton tsi ieierihwá:kens tsi ón:kwe akwé:kon enhona’wénthonke ákta sha’tekahá:wi ne MAI akaierón:nitste ne 50 niiohserakéhaton nitió:ien. Ieieron’taráhkwa ken karontò:tshera táhnon ohso’kwákeri tesewatonhontsó:ni? Kè:iahre tsi takatáhsawen akatenhniseratiesahtánion, tekatia’tarèn:rons tsi na’tetiátere ne iah sótsi teionkwa’nísko, shé:kon enwá:ton aetewanónhstate ne ohóntsa tánon motherfucking fuck, kwah teionkwatfucked; tsi na’tetiátere ne taontakerihwaié:rite táhnon akahská:neke ok nahò:ten akatè:ka’te. Wa’tewatté:ni ne atkahrì:tshera, tánon aonhá:’a tiwentó:re tsi niiawén:’on né:’e kwah karì:wes iah teskeniahé:sa’skwe ne nahò:ten watió’tens. Thontaiawénhstsi kattó:ka’skwe tsi akwé:kon nek ne iera’sénhstha tánon, tsi niiorihwanekhé:ren’t, iah tha’teiotonhontsóhon (existential episode #957).

ò:ni. Wakerihwahseronnihátie tsi nikarì:wes ne ohén:ton tsi niió:re enwatonhontsò:kten, iotohétston tsi kanhranákere nikahá:wi; ratirihwahserón:ni ratiráhstha né:ne yptic tóka’ni demic róntstha tsi ratiráhstha; ratirihwahserón:nis ne ohén:ton tsi niió:re enwatonhontsò:kten, iotohétston tsi kanhranákere thiionkwè:tate tóka’ rotiié:’on, rati’nikòn:rare káton ó:ia (rononhà:ke nahò:ten iohsté:rihst)

Rien n’est vrai et tout est possible – Enter Shikari

Au moment où j’écris ces lignes (jeudi le 21 mai 2020), j’écris en tant qu’être non essentiel (tel que déterminé par le gouvernement en temps de Covid-19).

MOT DU DIRECTEUR

Est-ce que les mots d’un être non essentiel sont non essentiels ? Gagnent-ils en essence si l’essentialisme est réévalué, réinstauré ? Une chose dont je suis certain en ce moment c’est que je ne suis certain de presque rien. Je n’ai pas la moindre idée de la forme que prendra la prochaine saison, ultimement. Je connais la forme qu’elle aurait dû prendre, mais nous voilà en pleine pandémie, et à la merci des dérapages de la raison comme de la déraison. Le Plan A se mue en Plan B qui se mue en WTF ! Peut-être que le meilleur plan, dans certains cas, c’est de savoir laisser les vieux plans en plan. La seule constante consistante est la douleur, puisque tout ça s’accompagne d’un massif dénombrement de morts. 350 000 et c’est loin d’être fini… chacune de ces pertes étant absolument singulière. Et en dépit de cela, je devrais à ce qu’il parait tirer une sorte d’inspiration de tout ce désordre, me forcer à déblatérer avec enthousiasme à propos d’un ave-

nir connecté, en ligne ; exploiter soudainement le foisonnement des opportunités numériques et technologiques comme si c’était une manne ; et planifier le retour à une nouvelle normale (puisque, apparemment la normale ne sera plus jamais normale). Il est difficile, ceci dit, quand les discussions sont teintées de panique et assombries par le désespoir, de penser et d’envisager les possibilités que la pandémie laissera derrière elle ; difficile en fait d’envisager des solutions qui soient plus profondes qu’une pataugeoire. Oui, maintenant plus que jamais, il faut tout réviser, et non pas en se basant sur nos façons de faire habituelles, mais en nous fondant sur ce qu’il nous est possible de faire maintenant. Mais le problème c’est qu’on ne peut pas tout bonnement remplacer la vieille normale par une nouvelle normale, sans s’assurer auparavant que la nouvelle normale a été expurgée de tout ce qui n’allait pas dans la vieille normale. On ne peut pas simplement laisser en suspens la longue liste de problèmes non réglés, ou superficiellement traités, simplement parce qu’un nouveau cataclysme arrive en ville. Pour qui est cette utopie réinventée ? Qu’est-ce qui se cache au fond du placard ? En tout temps, je reconnais sans hésitation la normale comme tenant du délire. La plupart du temps, je n’arrive pas à me convaincre qu’on ne va pas tout faire foirer. Encore. Ad Infinitum. Je me souviens à quel point l’année dernière, pendant la préparation de la

Et me voici maintenant, quelques 12 mois plus tard, tout aussi préoccupé, obnubilé. Et comment ne pas l’être ? Les pandémies, les vagues de chaleur, les sécheresses, les nuées d’insectes, les inondations, les tempêtes hivernales, les ouragans et les feux de forêt. Mais c’est ainsi que vont les choses, parfois ; on apprend à apprécier la valeur d’une chose au moment où on se retrouve confronté à ce qui s’y oppose. En d’autres mots, on apprécie la vie si, d’une façon ou d’une autre, on fait face à la mort.

Pas bien différent d’une veillée funèbre, non ? Quand les mort-e-s et les vivant-e-s se mêlent les un-e-s aux autres. Il y a celles et ceux parmi nous qui, avec grande diligence, vont veiller le corps

Cette saison, les artistes captent la lumière et dissipent les ténèbres ou (il y a toujours un ou) invoquent l’obscur, et engouffrent la lumière. Iels éblouissent, iels dérangent, iels séduisent, iels énervent. IELS SE SOUCIENT. SANS SE SOUCIER. AVEC SOIN.

* Au moment où je termine ce texte (le 25 mai 2020), je suis devenu l’un des nombreux.euses témoins de l’assassinat de George Floyd (un Afro-Américain) par le policier Derek Chauvin (un blanc) qui a maintenu son genou sur le cou de M. Floyd pendant 8 minutes et 46 secondes - et les mots, les mots, les mots - tous ces mots prennent un sens entièrement nouveau.

— Traduit par Marion Lessard

MICHAEL TOPPINGS

Voilà - du moins, je pense que je le pense - ma nouvelle normale, délirante, déroutée. Je mets sur pied une programmation en des temps pré-apocalyptiques, post-pandémiques. Je programme des artistes avec une pratique yptique ou démique (c’est une forme, j’ose le dire), pour un public pré-apocalyptique, post-pandémique, que celui-ci soit éveillé, ou non.

et celles et ceux parmi nous qui, avec grand abandon, vont simplement être abasourdi-e-s, paralysé-e-s. Celles et ceux qui prient, celles et ceux qui font la fête. Celles et ceux qui vont mort-vivant-e-s, celles et ceux qui font vivre la mort.

MOT DU DIRECTEUR

saison 2019/2020, j’étais obnubilé par l’urgence climatique. J’avais lu qu’on prédisait l’extinction de l’espèce humaine dans un avenir proche, qui coïnciderait grosso modo avec le 50ème anniversaire du MAI. Ça gâte le gâteau… Et je me rappelle comment j’ai commencé à buter dans mon quotidien, passant de « Oh mon dieu il n’est pas trop tard, on peut encore sauver la planète » à « Merde de merde de merde, on est dans la merde absolue c’est la fin » ; passant du besoin de sauver les meubles, à l’élan nihiliste de foutre le feu. Les règles du jeu avaient changé, et le plus difficile c’est que pendant un très long moment je ne croyais plus en ce que je faisais dans la vie. Ça me semblait tout d’un coup si décoratif - et de façon assez ironique - non essentiel (épisode existentiel #957).

Nothing Is True & Everything Is Possible – Enter Shikari

As I write this text (Thursday, May 21st, 2020), I do so as a non-essential being (as determined by government re: Covid-19).

Are the words of a non-essential being non-essential? Might they grow in essence once essentialism is reassessed, re-instated? What I do know for certain at this very time is that I know very little for certain. I have absolutely no idea how next season shall ultimately unfold. I know how it’s supposed to unfold, but we’re in the midst of a pandemic, and at the mercy of a madness without method.

A WORD FROM THE DIRECTOR

Plan A morphs into plan B morphs into WTF! Perhaps the best laid plans are sometimes unlaid plans. Unlaid & unblessed. The one consistent constant is pain for all of the above comes accompanied by a massive body count. 350K and counting with each loss being wholly singular. Even so, I am meant, it would seem, to somehow draw inspiration from all this disorder, to whip myself into a frenzy and rave about how the future is in the wires; to suddenly harness technology and burgeoning digital opportunities as if they were wind; meant to plan for the new normal (because apparently normal will never again be normal). It’s difficult to rethink, to consider post-pandemic possibilities however when discussions are tinged with panic, shaded by desperation; difficult to consider solutions when they are often about as deep as a wading pool. Yes,

now more than ever, we need to scan everything anew and not from a perspective of what we use to do but rather from the perspective of what we now can do. But here’s the thing, you can’t just replace the old normal with a new normal without first making sure that the new normal has been exorcised of everything that was wrong with the old normal. We cannot simply let the long list of unattended issues or superficially attended issues fall into abeyance just because there’s a new cataclysm in town. For whom is this re-imagined utopia? What might be hidden in the attic? On any given day I well-recognize normal as delusional. On most days I cannot but think that we’re going to fuck it up. Again. Ad Infinitum. I remember last year, when programming for 2019/2020, just how consumed I was by the climate emergency. How I had read that the extinction of the human species was predicted for in and around the same time that MAI would be marking its 50ieth anniversary. Coffin and cake anyone? Remember how I began to stutter through my day to day, oscillating between golly gosh it’s not too late, we can still save the planet and motherfucking fuck, we’re absolutely fucked; between needing to set things aright versus nihilistically wishing to set something afire. The game had changed, and the hardest part was that for a good long while I no longer trusted in what I did for a living. Suddenly it felt all so decorative and, ironically enough, non-essential (existential episode # 957). Here I am now some twelve months later, equally consumed. How can I not be? Pandemics, heatwaves, droughts, locusts, flooding, winter storms, hurricanes and wildfires. But undoubtedly this is how things sometimes go; you sometimes appre-

ciate the value of one thing when confronted by its opposite. In other words, you value life when you face death in some way or another.

Not a little unlike being at a wake, is it? Where the dead and the alive bind together. There are those here among us who, with great diligence will attend to the body, and those among us here who, with great abandon, will simply get hammered. Those who shall pray, those who shall party. They who walk dead, they who walk alive. They capture the light dispel the dark or (there’s always an or) conjure the darkness engulf light. They dazzle, they disturb; they beguile, they bother. THEY CARE. THEY DON’T. CARE.

MICHAEL TOPPINGS

* As I finished this text (May 25, 2020), I became one of the many witnesses to the murder of George Floyd (an African-American man) by police officer Derek Chauvin (a white man) who held his knee on Mr. Floyd’s neck for 8 minutes and 46 seconds and suddenly these words, words, words - all these words take on new meaning.

A WORD FROM THE DIRECTOR

This, I think I think, is my new normal, delusional and all. I am programming during pre-apocalyptic, post-pandemic times; programming artists with an yptic or demic art practice (it is I daresay a form); programming for a pre-apocalyptic, post-pandemic public whether awake, aware or otherwise (the joke being on them).

Nada es verdad y todo es posible – Enter Shikari

Al escribir estas líneas (jueves 21 de mayo de 2020), lo hago como persona no esencial (tal como lo determinó el gobierno en tiempos de Covid-19).

CARTA DEL DIRECTOR

¿Las palabras de una persona no esencial serán igualmente no esenciales? ¿Será que adquirirán esencia si el esencialismo es reevaluado, reinstaurado? Si de algo estoy seguro en este momento, es que no tengo certezas de casi nada. Tampoco tengo la más mínima idea de cómo se presentará la próxima temporada. Sé como debería ser, pero aquí estamos en plena pandemia, a la merced de las derivas tanto de la cordura como de la locura. ¡El plan A se transforma en Plan B que a su vez se convierte en «¿qué mierda?» Puede ser que el mejor plan sea aprender a dejar los viejos planes en estado de plan. La única constante consistente es el dolor, ya que todo esto viene acompañado de un recuento masivo de muertos, 350 000, y estamos lejos de que acabe y contando… cada una de estas pérdidas es absolutamente única. A pesar de esto, al parecer tendría que encontrar alguna forma de inspiración en todo este desorden, debería es-

forzarme en predicar con entusiasmo sobre un futuro conectado, en línea, tendría que explotar repentinamente la abundancia de oportunidades numéricas y tecnológicas como si fueran una bendición y planificar el retorno a la nueva normalidad (ya que la normalidad no será probablemente nunca más normal). Ahora bien, cuándo las discusiones se tiñen de pánico y se ven oscurecidas por la desesperación, se hace difícil pensar y vislumbrar las posibilidades que dejará la pandemia. En realidad, se hace difícil ver soluciones que sean más profundas que una charca de agua. Sí, ahora, más que nunca es necesario revisarlo todo, y no como lo hacemos habitualmente, sino que enfocándose en las posibilidades que nos da el instante presente. Lo problemático, es que no se puede simplemente remplazar la antigua normalidad por una nueva, sin antes asegurarse de que esta nueva normalidad haya sido purgada de todo lo que no funcionaba en la antigua. No se puede simplemente dejar en suspenso la larga lista de problemas no resueltos, o que fueron tratados superficialmente, bajo el pretexto de que llegó un nuevo cataclismo. ¿A quién está destinada esta utopía reinventada? ¿Qué se estará ocultando? Permanentemente y sin vacilar reconozco la normalidad como producto del delirio. La mayoría de las veces no logro convencerme de que no lo arruinaremos todo. Una vez más. Ad Infinitum.

Y aquí estoy ahora, 12 meses más tarde, tan preocupado como antes, desconcertado. ¿Y cómo no estarlo? Las pandemias, las oleadas de calor, las sequías, las nubes de insectos, las inundaciones, las tempestades invernales, los huracanes e incendios forestales. Pero así van las cosas, y a veces se aprende a apreciar el valor de una cosa cuando uno se ve enfrentado a lo que se le opone. En otras palabras, se aprecia la vida cuando de una forma y otra se hace frente a la muerte.

¿No difiere mucho de una marcha fúnebre, no?

Entre nosotros hay quienes cuidarán el cuerpo con gran atención, y hay aquellos quienes, con un gesto de abandono, nos quedaremos simplemente atónitos, paralizados. Habrá quienes rezan, y quienes que celebran. Quienes van como muertos vivientes, y quienes que hacen vivir la muerte. En esta temporada, las y los artistas captan la luz y disipan las tinieblas o (siempre hay un o) invocan lo oscuro y engullen la luz. Deslumbran, molestan, seducen, irritan. SE PREOCUPAN. SIN PREOCUPARSE. CON CUIDADO.

* Mientras termino este texto (el 25 de mayo de 2020), me he transformado en uno de los tantos testigos del asesinato de George Floyd (un afroamericano) por el policía Derek Chauvin (un blanco) quien mantuvo su rodilla en el cuello del Sr. Floyd durante 8 minutos y 46 segundos, y las palabras, las palabras, las palabras- todas estas palabras toman un sentido totalmente nuevo.

— Traduit par Amelia Orellana

MICHAEL TOPPINGS

Eso es, al menos pienso que lo estoy pensando. Creo que es esta mi nueva normalidad, delirante, desbandada. Elaboro una programación en tiempos pre-apocalípticos, post pandémicos. Programo artistas con una práctica íptica o démica (de una cierta forma, me atrevo a decirlo), para un público pre-apocalíptico, post-pandémico, ya sea consciente o no.

Cuando los muertos y los vivos se mezclan unos con otros.

CARTA DEL DIRECTOR

Recuerdo hasta qué punto el año pasado, durante la preparación para la temporada 2019/2020, andaba obsesionado con la urgencia climática. Había leído que la extinción de la especie humana estaba anunciada para un futuro próximo que coincidía aproximadamente con el 50º aniversario del MAI. ¡Qué aguafiestas! Recuerdo cómo en el cotidiano titubeaba entre decirme «Dios mío, no es demasiado tarde, aún se puede salvar el planeta» o bien, «mierda, mierda, mierda, estamos jodidos, es el fin». Pasaba de un minuto en que pensaba que había que salvar todo lo posible, a otro, en que me ganaba un impulso nihilista de quemarlo todo. Las reglas del juego habían cambiado, y lo más difícil fue que durante un largo momento, ya no creía nada en lo que hacía en la vida. Todo me parecía de repente tan superfluo e irónicamente, tan no-esencial (episodio existencial #957).

‫‪10‬‬

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‫ا لر ئيس‬

‫ا لر ئيس‬ ‫كلمة‬

— Traduit par Oula Hajjar

MICHAEL TOPPINGS

没有什么是真实的，一切皆有可能 – Enter Shikari

当我开始撰写这段文字时（2020年5 月21日星期四），我是作为一个非必要的存在（在政府Covid-19政策的定义下）来写的。

主任寄语

非必要的存在这个词是不必要的吗？一旦必要性被重新评估和定义，它的必要性可能会增长吗？我现在确定的是，我知道确定的东西太少了。我完全不知道下一季活动最终会如何开展。我只知道它本应该是如何开展的。但我们正处于一场全球疫情之中，受到没有办法的疯狂的摆布。 A计划演变成B计划又演变成TMD什么鬼! 也许最好的计划有时是未定的计划。未定的和未受祝福的。以上计划所带来的不变的结果是痛苦和大量的尸体。35万，并且每个生命的消亡都是完全单一的。即使如此，我希望我能以某种方式从所有这些混沌中汲取灵感，激励自己进入一个癫狂的状态，然后宣扬自己

已经掌握了未来的走向；我希望对新的技术驾轻就熟，从而把握住蓬勃发展的数字时代的机会；我希望我能为新的正常生活而计划（因为显然正常的生活将永远不再正常）。然而，当讨论夹杂着恐慌、被绝望所笼罩时，我们很难重新思考大流行后的可能性；当解决方案的深度如同涉水池时，我们很难找到出路。是的，现在我们比以往任何时候都更需要重新审视一切，不是从我们过去已知的角度，而是从我们现在所能做的事情的角度。但问题是，在不先确保新常态已经驱除了旧常态的一切问题前，我们不能只用新常态代替旧常态。我们不能因为有了新的大灾难，就简单地终止考虑一长串未处理的或表面上已解决的问题。这个重新构想的乌托邦是为了谁？阁楼上又可能暗藏着什么？任何一天，我都能清醒的意识到正常只是妄想。大多数日子里，我不能阻止自己担忧我们会再次把事情搞砸。如此反复，无穷无尽。我还记得去年策划2019/2020年活动时，气候危机是如此让我担忧，消耗我精力。我当时算过，科学预测人类物种灭绝的那年，将刚好是MAI 50周年纪念。有人想吃棺材和蛋糕吗？我还记得当时我是如何无法启齿的度过我的每一天，在“是的，一切还不算太晚，我们还可以拯救地球”和“去他妈的，我们已经玩完儿了”的矛盾中徘徊；在迫切让一切回归正轨与绝

望的想把一切点燃之间摇摆不定。一切都变了，最困难的是，在很长一段时间里，我不再能从自己的工作中找到意义所在。突然间，我觉得一切都是装饰，而且，具有讽刺意味的是，一切都好像变得不必要了（存在=第 957章).

但无疑，事情有时就是这样，当你被一件事的对立面挑战时，你就会体会到它的价值。换句话说，当你以某种方式面对死亡时，你就会珍惜生命。我想，这也许就是我的新常态吧，带着妄想和所有。我在世界末日前、后疫情时代策划我们的活动；为具有末前（世界末日前）或者疫后（疫情之后）艺术形式的（我敢说这是一种形式）艺术家策划活动；为世界末日前、后疫情时代的大众策划活动，无论他们是否清醒，是否有意识（笑话说在前头）。

MICHAEL TOPPINGS

这和守夜有点一样，不是吗？在那里，死者和生者联系在一起。在我们中间，有的人会尽心尽力地侍奉尸体，而有的人则会放任自流。那些祈祷的人，那些聚会的人。他们行尸走肉，他们活蹦乱跳。他们捕捉光明驱散黑暗，或者（总有一个 «或者»）召唤黑暗吞噬光明。他们耀眼，他们打扰；他们迷惑，他们烦扰。他们关心他们不。关心。

— Traduit par Lei Zheng

主任寄语

大约十二个月后的现在的我，精力同样被消耗着。我的能量怎么能不被消耗呢？疫情、热浪、干旱、蝗虫、洪水、冬季风暴、飓风和森林火灾。

* 当我写完这段文字时（2020年5月25日），我成为了乔治-弗洛伊德（一名非洲裔美国人）被警察德里克·肖万，一名白人，谋杀的众多目击者之一。他用膝盖顶住弗洛伊德先生的脖子长达8分46秒… …突然间，这些词，句，和段落——所有的文字都有了新的意义。

randy reyes ÂŠ Yvonne Portra

ESPACE NORD — GALERIE

ANNA KHIMASIA, R E H A B N A Z Z A L & S T E FA N S T- L A U R E N T © Raeda Saadeh

COMMISSAIRES

Organisée par AXENÉO7 en collaboration avec DAÏMÔN (Gatineau) et A Space Gallery (Toronto).

SOLEIL LAUNIÈRE

EXPOSITION

PA L E S T I N E

2 4 S E P T. — 2 4 O C T. 2 0 2 0

J U M A N A E M I L A B B O U D + N I H AYA H A L H A J + K H A L I L A L - M O Z A I N + RANA AFFO BISHARA + MOHAMED HARB + MANAL MAHAMID + M O H A M M E D M U S A L L A M + M O H A M A D M U S TA FA + M O H A M M A D O B E I D A L L A H + RAEDA SAADEH + SHARIF WAKED Cette exposition réunit des œuvres performatives qui demandent au public de se pencher sur la manière dont la rencontre des corps, des actions et des images construit du sens dans des espaces géopolitiques spécifiques. Donnant à voir le travail d’artistes contemporain-e-s aussi bien émergent-es qu’établi-es qui vivent et travaillent actuellement en Palestine, Live in Palestine déploie des œuvres qui allient les pratiques performatives à l’engagement politique et aborde certaines des complexités de la vie quotidienne en Palestine occupée. Commissariée par Anna Khimasia (Los Angeles), Stefan St-Laurent (Gatineau) et Rehab Nazzal (Bethléem), Live in Palestine a pris forme lors de la conférence Art et Résistance à l’Université de Dar al-Kalima (Bethléem).

PERFORMANCE INSTALLATION

This exhibition brings together performance work that asks the viewer to consider how bodies, actions and images produce meaning in particular geopolitical spaces. Showcasing prominent and emerging contemporary artists currently living and working in Palestine, Live in Palestine focuses on work that combines performative practices with political engagement, addressing some of the complexities of living in occupied Palestine. Curated by Anna Khimasia (Los Angeles), Stefan St-Laurent (Gatineau) and Rehab Nazzal (Bethlehem), Live in Palestine was initiated at the Art & Resistance conference in Dar al-Kalima University (Bethlehem).

17 MONTRÉAL

0 3 — 0 8 N O V. 2 0 2 0

Convoquant la présence d’un être bispirituel dialoguant avec le territoire et un dispositif technologique, Sheuetamu est une installation déambulatoire et sonore créée par l’artiste interdisciplinaire Innue Soleil Launière, qui se déploie continuellement pendant 5 jours.

Created by Innu interdisciplinary artist Soleil Launière, Sheuetamu is a performative and auditive installation that unfolds continuously over 5 days. The piece convenes the presence of a two-spirit being, caught in conversation with its surrounding territory and technology.

Faisant appel à un état de porosité, la performeuse-forêt fait corps avec les êtres végétaux qui l’entourent. Sa relation avec le territoire se décline en chant vocal, sons et images, notamment grâce à une technologie expérimentale reposant sur des capteurs de bio data. Entremêlant le passé, le présent et le futur, cette pièce-rituel puissante amplifie la présence Autochtone, déstabilisant le récit de la modernité capitaliste et coloniale. Le public peut s’y immerger à n’importe quel moment de la journée, partir et, s’il le souhaite, revenir.

The performer-forest summons a bodily state of porosity, and in-so-doing merges with the plant beings surrounding her. Thanks to the use of experimental technology that relies on bio-data sensors, her relationship to the territory is expressed through vocal chants, sounds, and images. Interweaving the past, the present and the future, this powerful ritual-performance amplifies Indigenous presence and disrupts the narrative of capitalist and colonialist modernity. Audiences can immerse themselves in the piece at any time of the day, and come and go as they please.

D A P H N E B OY E R

FA R A H AT O U I & V I V I A N E S A G L I E R

COMMISSAIRES

CO P R É S E N T É PA R

COLLECTIVE HISTORIES, DESIRED FUTURES

EXPOSITION

MONTRÉAL

Otipemisiwak* célèbre la vie et la culture matérielle de trois femmes : l’arrièregrand-mère de l’artiste, Eléanore, sa grand-mère Clémence, et sa mère Anita. L’exposition, qui donne à voir des œuvres récentes sur papier, textiles et animation 360°, met en lumière une technique de perlage numérique développée par l’artiste et nommée « des baies aux perles ». Apparentée à l’extraordinaire perlage traditionnel du peuple Métis, cette technique constitue tant une forme d’art processuel qu’une pratique exigeante et minutieuse. Daphne Boyer est une artiste visuelle et phytologue canadienne. Entremêlant une pratique d’artisanat féminin traditionnel, des plantes et des outils numériques haute résolution, ses œuvres convoquent l’héritage Métis de sa famille et rendent hommage au végétal comme source de la vie sur Terre.

0 6 J A N . — 0 6 F É V. 2 0 2 1

Showcasing recent process-based works on paper, textile and 360º animation, Otipemisiwak* celebrates the lives and material cultures of three women: the artist’s great grandmother, Eléanore; her grandmother, Clémence; and her mother, Anita. Works feature a digital-beading technique the artist invented called ‘Berries to Beads’. The technique mirrors spectacular traditional Métis beading; it is both a meticulous and technically demanding practice and art form. Daphne Boyer is a Canadian visual artist and plant scientist. Her iterative practice combines plant material, high-resolution digital tools and women’s traditional handwork to create art that convokes her family’s Métis heritage and honours plants as the basis of life on earth. * People who live by their own rules.

* Des gens qui vivent selon leurs propres règles.

EXPOSITION

INTERNATIONAL

0 1 AV R I L — 0 1 M A I 2 0 2 1

MARWA ARSANIOS + BASEL ABBAS & RUANNE ABOU-RAHME + A L I C H E R R I + M O H A M M A D S H A W K Y H A S S A N + A L I K AYS + R A E D & R A N I A R A F E I + J AYC E S A L L O U M + S A N A Z S O H R A B I + M O S I R E E N Making Revolution explore les luttes et les révolutions dans le Moyen-Orient et en Afrique du Nord à travers l’art vidéo et l’installation. Cette exposition commissariée par Farah Atoui et Viviane Saglier revisite l’histoire multiple des insurrections à travers la production et la circulation des images. Bien que les soulèvements de 2011 soient souvent considérés comme un tournant dans l’histoire politique de la région, Making Revolution rompt avec cette manière de voir et convoque d’autres temporalités en s’intéressant à des révolutions antérieures et à leurs traces politiques et poétiques. En mettant de l’avant la physicalité des corporéités qui façonnent les soulèvements, les oeuvres présentées attirent notre attention sur la dimension incarnée de la révolution à travers le médium de l’image en mouvement.

Making Revolution explores forms of struggle and revolution in the Middle East and North Africa through video art and installation. This exhibition curated by Farah Atoui and Viviane Saglier revisits histories of uprisings through the production and circulation of images. While the 2011 upheavals are often considered a turning point in the region’s political history, Making Revolution engages with different temporalities, earlier revolutions, and their political and poetic legacies. The artworks foreground the physicality of corporealities in uprisings, thereby drawing attention to the embodiment of revolution through the medium of the moving image.

Marikiscrycrycry Â© Elise Rose

ESPACE

INTER

PRENDRE PLACE : A PERFORMANCE SERIES

TA K I N G P L A C E : U N E S É R I E DE PERFORMANCES

est un événement biennal d’art en direct entremêlant de l’art performatif, du théâtre, de la musique, des installations, des interventions publiques ainsi que des conversations. Cette troisième édition donne à voir des collaborations et des propositions performatives de renommée internationale. Cellesci se déploient dans l’entre-deux : entre le nihilisme et l’existentialisme ; entre le soin et l’abandon ; entre le très tranquille et le tonitruant. Bouddha et la bête.

is a biennial live art event including performance art, theatre, music, installations, public interventions, and conversations. This 3rd edition features internationally acclaimed performances and collaborations that straddle an inter-space: in-between nihilism and existentialism; between care and abandon; between the oh-soquiet and the oh-so-loud. Buddha and the beast. Ethical, political, random.

Éthique, politique, aléatoire.

TOUTES LES PERFORMANCES SONT EN ANGLAIS / EV E RY S H O W I S I N E N G L I S H

TORONTO

12 MAI 2021

[ FIELD ]

PERFORMANCES IN PREPARATION FOR DEATH

1+1=0: performances in preparation for death est un un rituel artistique participatif inspiré par la pratique cérémonielle consistant à laver et à vêtir les personnes décédées - tel que représenté dans le film japonais Departures datant de 2008 – et par le concept Bouddhiste non-dualiste « soi/Soi ». Comme locus de recherche spirituelle et comme une méditation sur la mort à travers des pratiques d’amour qui sont queer, intergénérationnelles et interculturelles, cette installationrituel permet d’accéder à des textures changeantes et simultanées de significations à travers la perception, les affects et le ressenti énergétique. [ field ] est une série continue de collaborations en matière de performance et d’installation associant l’architecte et créateur d’installations Brian Smith et l’artiste de performance Coman Poon.

1+1=0: performances in preparation for death is a participatory art ritual inspired by the ceremony of washing and dressing the deceased, as featured in the 2008 Japanese film Departures, as well as the non-dualistic Buddhist concept of ‘self/Self.’ As a site for numinous research and a death meditation on intergenerational, queer and cross-cultural sites of love, this ritual and installation offers access to shifting and simultaneous layers of meaning accessible through perception, affect and energetic sensing. [ field ] is an ongoing series of performance and installation collaborations between architect-installationist Brian Smith and performance artist Coman Poon.

La pratique de Rajni Shah est axée sur l’écoute et la rencontre, qui constituent des actes créatifs et politiques pour iel. Rajni a invité les êtres pluriels Fili Apothicaire et Ses Seçkin Kaya Çınar pour faire et performer avec iel tout au long d’une année. Cette performance marquera la fin de ce processus.

RAJNI SHAH

mountain dismantle est une méditation, se remplir puis se vider, se superposer puis se défaire de ses couches. Un moment de repos, d’écho et d’abandon. En tant que membre du public, vous êtes invité-e à assister à la première partie, à la deuxième ou aux deux. Attendez-vous à de la lenteur, de l’espace, de l’expansion et du lâcher prise.

mountain dismantle is a meditation, a filling up followed by an emptying, a layering and unlayering. A moment of rest, echo, and surrender. As an audience member, you are invited to attend part one, part two, or both. Expect slowness, spaciousness, expansion, and letting go. Rajni Shah’s practice focuses on listening and gathering as creative and political acts. They have invited plural beings Fili Apothicaire and Ses Seçkin Kaya Çınar to make and perform with them over one year. This performance will mark the end of that year-long process.

Gender Diasporist correspond à la mise en oeuvre anticoloniale d’un refus actif. Cette performance interdisciplinaire se penche en direct sur la demande de citoyenneté polonaise faite par Tobaron Waxman, en tant que personne transsexuelle d’ascendance juive. Refusant le caractère colonial de la « loi du retour » en Israël, ainsi que le colonialisme intrinsèque à la citoyenneté canadienne, cette création constitue un acte de solidarité à l’égard aussi bien des LGBTQ+ que des activistes féministes en Pologne, tou-te-s confronté-e-s à une violence croissante. Alliant vidéo, photo, performance vocale et artéfacts, ce projet auto-ethnographique fait appel à ce que Waxman appelle « les savoirs transsexuels » afin d’examiner la manière dont les frontières et les concepts en matière de citoyenneté peuvent avoir des conséquences morales et éthiques sur les corps.

Gender Diasporist is an anti-colonial enactment of active refusal. This interdisciplinary live performance examines Tobaron Waxman’s application for Polish Citizenship as an out, transsexual person of Jewish heritage. While refusing the colonialism of the ‘law of return’ to Israel, and the inherent colonialism of Canadian citizenship, this work is simultaneously an act of solidarity with LGBTQ+ and feminist activists in Poland, who face increasing violence. Using video, photography, vocal performance and artifacts this auto-ethnographic project engages what Waxman calls ‘transsexual knowledge’, to interrogate how borders and concepts of citizenship make moral and ethical claims on bodies.

TORONTO VARSOVIE B RO O K LY N

12 MAI 2021

13 MAI 2021

TOBARON WAXMAN

SYDNEY

ANH VO

Les collages multimédias fragmentés d’Anh Vo sont imprégnés par la terreur et le plaisir des hantises érotiques. Portant le nom d’une évacuation massive d’enfants du Sud-Vietnam vers les États-Unis en 1975 qui a résulté dans la mort de 78 d’entre eux en raison d’un accident aérien, BABYLIFT s’attaque aux séquelles de la guerre du Vietnam (autrement dit la guerre de résistance contre l’Amérique impérialiste). S’efforçant de transformer une histoire masculiniste linéaire en la rendant queer, Vo puise également dans les mémoires culturelles du Mouvement des droits civiques, dans les fantasmes étasuniens en matière de liberté des années 1960 et dans l’activisme de gauche actuel. Anh Vo est chorégraphe, interprète, théoricien-ne et activiste. Vietnamien-ne, iel est basé-e actuellement à Brooklyn aux États-Unis.

Anh Vo’s fragmented and collaged multi-media works combine the terror and pleasure of erotic hauntings. Named after a 1975 mass evacuation of children from South Vietnam to the U.S., resulting in a plane crash that killed 78 of those children, BABYLIFT confronts the afterlives of the Vietnam War (a.k.a. the Resistance War Against Imperialist America). Striving to queer a linear masculinist history, Vo weaves this together with cultural memories of the Civil Rights Movement, American freedom fantasies of the 1960s, and current leftist activism.

NEW-YORK HANOI

SAN FRANCISCO LISBONNE

13 MAI 2021

14 MAI 2021

randy reyes

VECTORS OF ADVERSE DESIRES

Anh Vo is a Vietnamese choreographer, dancer, theorist, and activist currently based in Brooklyn, NYC.

Party en boîte à plusieurs étages, manifestation introvertie, concert de popsicle timide, sieste extrême, installation-conférence sur la fausse fourrure, cercle de guérison. Real Talk # 2.0 traite d’écologies érotiques et de dramaturgies opaques en matière de sexe. Faisant appel à l’esthétique queer de boîte de nuit, à la pulsation, au traum-ah et à la collaboration avec l’invisible en tant que source primaire de mouvement dans l’espace, cette création pose la question suivante : « Au lendemain d’une rupture, comment prenons-nous soin de la blessure ? » La musique house palpitera à travers l’espace, se transformant en direct en bain de son temporel et révélant des messages subliminaux de ce qui est en jeu pour nous tous et toutes, encore et encore, seul-es et ensemble. Chorégraphe, artiste de performance et guérisseur-euse, randy reyes est afro-guatémalien-ne et queer. Different parts club dance party, introverted protest, shy popsicle concert, extreme nap time, faux fur lecture installation, and healing circle, Real Talk # 2.0 deals with erotic ecologies and opaque dramaturgies of sex. Mobilizing queer club aesthetics, pulse, traum-ah, and collaboration with the unseen as a primary mover in the space, the work asks: “In the aftermath of a rupture, how do we tend to the wound ?” Electronic House music will throb throughout the space transforming itself into a live temporal sound bath revealing subliminal messages of what is at stake for us all, again and again, alone and together. randy reyes is a queer, Afro Guatemalan choreographer, performer and healer.

Basé-e à Londres au Royaume-Uni, Malik Nashad Sharpe est chorégraphe, performeur-se et conseiller-ère en mouvement.

M A R I K I S C RYC RYC RY

Faisant appel à une trame sonore conçue par Danielle Brathwaite-Shirley, cet assemblage de danse, de textes et d’actions s’efforce de développer une esthétique de mélancolie et d’aliénation. Celle-ci n’est pas un inhibiteur politique, mais un nexus où une poétique radicale peut proliférer et être légitime. La performance va au-delà d’une politique d’identification essentialiste en puisant dans le courant de fonds, l’émotionnel, l’affectif, le non-narratif, le non-linéaire et ce qui met en mouvement. S’efforçant d’amplifier et de maximiser le pouvoir du corps marginal, ce solo expérimente avec les ontologies Noires et queer.

With a soundtrack composed by Danielle BrathwaiteShirley, this assemblage of dance, text, and action attempts to further an aesthetics of melancholia and alienation, not as a political inhibitor, but as a nexus where radical poetics can be justified and proliferated. Moving beyond the politics of identification and essentialism by leaning into the undercurrent, the emotional, the motorising, the affective, the non-narrative, and the non-linear. Striving to facilitate and maximise the power of the marginal body, this solo experiments with the articulation of Black and Queer ontologies.

Force mythique en danse depuis plus de deux décennies, le duo Beauty and the Beast (Amanda Apetrea et Halla Ólafsdóttir) présente DEAD. Une danse dystopique pornographique fusionnant avec de la poésie, de la musique, la beauté des ténèbres, l’entre-deux et le dévoilement des réalités internes et externes. L’exploration de la sexualité, du corps et du genre à travers une esthétique métal, évoquant l’univers de la sorcellerie, convoque tour à tour des moments surprenants de tendresse et des voix de démon. Le pouvoir de la chair et de la luxure, qui peut soulever des montagnes selon le duo, devient une arme. La pièce fait appel au consentement conscient du public. Oubliez Madonna, Prince, Elvis, Beyoncé, Whitney et Britney. Halla et Amanda n’ont jamais eu besoin de leurs noms de famille et maintenant elles s’attaquent aux plus grands mononymes de l’histoire et vous époustouflent. The duo Beauty and the Beast (Amanda Apetrea and Halla Ólafsdóttir) who, for more than two decades, have remained a mythical force in dance are now DEAD. Or their show is. DEAD is a pornographic dystopian dance merged with poetry, music, the beauty of darkness and the in-between, seeing inner and outer realities. Exploring expressions of sexuality, body, and gender with their witchy metal aesthetic cuts gravely demon voices and surprisingly tender moments. They weaponize the power of horniness and lust. A power that they believe can move mountains. The show will practice conscious consent with the audience. Forget Madonna, Prince, Elvis, Beyoncé, Whitney and Britney. Halla and Amanda never needed their last names and now they take on the greatest mononymes in history and blow you away.

LONDRES

STOCKHOLM

15 MAI 2021

AMANDA APETREA & HALLA ÓLAFSDÓTTIR

Malik Nashad Sharpe is a choreographer, performer and movement director based in London, UK.

Amanda Apetrea & Halla Ólafsdóttir © Märta Thisner

ESPACE SUD — THÉÂTRE

KAMA LA MACKEREL

RÉCIPIENDAIRE DU PROGRAMME ALLIANCE

DIANA LEÓN

INTERDISCIPLINAIRE

ÎLE MAURICE MONTRÉAL

0 6 — 1 0 O C T. 2 0 2 0

ENGLISH

Performance solo de Kama La Mackerel, ZOM-FAM, combine poésie, conte et danse. À la fois personnel et politique, ZOM-FAM (qui signifie « homme-femme » en créole mauricien) est le récit d’un-e enfant transgenre vivant sur une plantation de canne à sucre à l’île Maurice pendant les années 1980-90. Maniant une multitude de voix et imprégnée d’une narration complexe, ZOM-FAM mêle invocations ancestrales, langues maternelles, débris de langages coloniaux et une subjectivité queer et délicate, dans un contexte d’esclavage et d’engagisme. Kama La Mackerel est un-e artiste pluridisciplinaire, écrivain-ne, éducateur-trice et médiateur-trice culturel-le qui vient de l’île Maurice et vit à Tio’tia:ke (Montréal) au Canada.

ZOM-FAM is a solo performance by Kama La Mackerel that combines poetry, storytelling and dance. At once personal and political, ZOM-FAM (meaning “manwoman” in Mauritian Creole) narrates the story of a gender-creative child growing up in the 80s and 90s on the plantation island of Mauritius. Multiply-voiced and imbued with complex storytelling, ZOM-FAM interweaves narratives that bring together ancestral voices, femme tongues, broken colonial languages and a tender queer subjectivity, all of which are grappling with the legacy of plantation servitude. Kama La Mackerel is a multi-disciplinary artist, writer, educator and cultural mediator from Mauritius who lives and loves in Tio’tia:ke (Montréal), Canada.

29 DANSE

MONTRÉAL

2 0 — 2 4 O C T. 2 0 2 0

FRANÇAIS (20-22-24) + ENGLISH (21-23)

Sur ce chemin, tu es sûre de te perdre est un solo multidisciplinaire, entre danse, théâtre et musique, fruit de trois collaborations successives de Diana León avec des créateurs émergents (Paco Ziel, Jeremy Galdeano, Vera Kvarcakova). Leur fil directeur : la connaissance de soi, le travail nécessaire, entre pressions sociales, démons intérieurs et aspirations, pour trouver sa propre voix. Sur les compositions d’Alejandro Loredo, de Tom Jarvis et de Diana León, une puissante évocation du plaisir de trouver son propre rythme, en écho à ceux qui nous entourent et nous inspirent. Interprète et créatrice originaire de Mexico, Diana León a notamment dansé pour les Grands Ballets Canadiens.

This multidisciplinary solo, somewhere between dance, theatre and music, is the fruit of three collaborations between Diana León and emerging creators Paco Ziel, Jeremy Galdeano and Vera Kvarcakova. Their guiding theme is knowledge of the self and the work necessary – amidst social pressures, inner demons and aspirations – to find one’s own voice. With compositions by Alejandro Loredo, Tom Jarvis and Diana León, Sur ce chemin, tu es sûre de te perdre is a powerful evocation of the pleasure in finding one’s own rhythm, in response to those who surround and inspire us. Originally from Mexico, Diana León is a performer and creator and, notably, a dancer for the Grands Ballets Canadiens.

H E AT H E R M A H

RÉCIPIENDAIRE DU PROGRAMME ALLIANCE

I M A G O T H E AT R E

DANSE

MONTRÉAL

Dans Pomegranate, performance solo de la vétérane montréalaise Heather Mah, la danseuse revisite la vie de sa grandmère. Il s’agit d’une épopée fragmentée à travers des récits familiaux et migratoires débutant en Chine, en 1895. Au cours de sa carrière, Heather a travaillé, en tant qu’interprète, avec quelques-unes des compagnies québécoises les plus audacieuses : la Compagnie Marie Chouinard, Lucie Grégoire Danse et Le Carré des Lombes, entre autres. En 2005, elle a obtenu un baccalauréat en psychologie avec distinction ainsi qu’un certificat en coaching de mieux-être. Elle danse toujours aujourd’hui, en plus d’agir comme enseignante en yoga danse, tout en appliquant des pratiques visant la promotion de la santé et de l’équilibre entre le corps et l’esprit.

1 7 — 2 1 N O V. 2 0 2 0

Pomegranate is a solo by veteran Montreal dancer Heather Mah. The performance is an interpretation of her grandmother’s life, a fragmented journey told through stories of family and migration that begin in China in 1895. As a performer Heather has worked with some of Quebec’s most innovative dance companies: Compagnie Marie Chouinard, Lucie Grégoire Danse, and Le Carré des Lombes, to name but a few. In 2005, she obtained a B.A. with distinction (Psychology) and a certificate in coaching. Still a dancer today, she also works as an instructor and coach, employing wellness practices to promote health and balance in body and mind.

31 THÉÂTRE

MONTRÉAL

27 — 30 JAN. 2021

ENGLISH

Imago Theatre donne à entendre une série de trois courtes pièces radiophoniques inédites commandées à des autrices dramatiques à travers le Canada. Tuning In se penche sur les questions de soin, de déni et de peur. Explorant de nouvelles perspectives autour des réalités en rapide mutation et des vérités qui nous relient, cette série invite à questionner notre posture de silence et d’inaction face aux inégalités affectant nos communautés depuis longtemps. Dans la forme du drame radiophonique, les pièces sont généralement diffusées en direct afin que les gens puissent les écouter chez eux. Il arrive également que les spectateur-trice-s puissent rejoindre les performeur-euse-s dans le même espace, constituant un « radio-public » et assistant ainsi au travail d’un-e spécialiste en matière d’animation de l’environnement sonore.

Imago Theatre presents a commissioned series of three new short audio plays penned by women playwrights from across Canada. Tuning In tackles issues of care, denial and fear. Exploring new perspectives reflecting our fast-changing realities and the truths that bind us together, the series invites us to question our silence or inaction when faced with the inequities that have long plagued our communities. In true ‘radio drama’ form, the plays are aired live for people to listen from the comfort of their own homes, while others can become a live ‘radio audience’, joining the performers in the space and witnessing the work of a Foley artist as they bring the aural environments to life.

FA K E K N O T

HODA ADRA

RÉCIPIENDAIRE DU PROGRAMME ALLIANCE

INTERDISCIPLINAIRE

VANCOUVER

0 9 — 1 3 F É V. 2 0 2 1

ENGLISH

Dans whip, duo de 60 minutes interprété entièrement en cagoules de cuir, les interprètes sont aveuglé-e-s tout au long de la pièce. Inspirée par les balancements de tête virtuoses que l’on trouve dans une multitude de formes de danse, la présence des cagoules fait également référence à la culture axée sur le consentement propre à la communauté BDSM. Les corps mis en jeu explorent l’acte de donner et de recevoir à travers une vaste gamme de contacts physiques. Cette création fait appel à un éclairage interactif et à une trame sonore originale.

whip is a 60 minute duet performed entirely in leather hoods, leaving performers blind for the duration of the work. Inspired by the virtuosic head-whip motion found in a multitude of dance forms, the leather hoods also reference the consent-based culture of the BDSM community. Bodies explore giving and receiving through a range of physical touch, with the support of interactive new media light and originally composed sound design.

UNE COPRODUCTION DE FAKE KNOT E T D E M A I ( M O N T R É A L , A R T S I N T E R C U LT U R E L S ) DANS LE CADRE DE QUEER CAMP PERFORMANCE

THÉÂTRE

MONTRÉAL BRUMANIE TRIPOLI (LIBAN)

33 2 3 — 2 7 F É V. 2 0 2 1

FRANÇAIS

Les formes qui nous traversent ressuscite une trentaine de carnets de bord écrits à la main durant un long enfermement. Ce ciné-concert imaginé et porté par la poète de spoken word Hoda Adra, lui fait prendre la scène après son départ d’une fictive Brumanie - où des boules roses dans les gorges étouffent les voix. S’inaugure alors une première parole, vacillant entre timidité, autocensure, séduction, humour, maladresse, honte, urgence, satire… comme si elle apprenait à marcher. Et tout à coup, l’apparition mystérieuse d’une forme rose fluo : le fantôme-écrivain Ghostwriter. La nuit, il hante la cuisine et remplit des pages de théories existentielles. L’écriture vécue comme pouvoir de rapatriement de soi, partagée comme acte de résistance.

Les formes qui nous traversent unearths thirty hand-written log books recording a long period of isolation. Imagined and created by the spoken-word poet Hoda Adra, this film-concert sees her take the stage after leaving the land of Brumania, a fictitious country where pink blobs choke the voices of its people . It’s the story of the birth of a voice, oscillating between shyness, self-censorship, seduction, humour, awkwardness, shame, urgency, satire… as if it were taking its first steps. Suddenly, a fluorescent pink shape appears: the phantom Ghostwriter. It haunts the kitchen each night and fills page after page with existential theories. Writing becomes an experience of returning to oneself, shared as an act of resistance.

GABRIEL DHARMOO

RÉCIPIENDAIRE DU PROGRAMME ALLIANCE ET COPRODUCTION D E PA N D E M I C T H E AT R E

M. LAMAR

INTERDISCIPLINAIRE

MONTRÉAL

16 — 20 MARS 2021

FRANÇAIS + ENGLISH

Gabriel est compositeur de musique et vocaliste expérimental. Bijuriya est artiste de drag inspirée par la culture Sud-asiatique. Gabriel valorise la prise de risques et l’innovation, navigant des scènes artistiques eurocentriques. Sur les réseaux sociaux et par le lip-sync, Bijuriya touche le cœur de personnes queer brunes. Bien que Gabriel et Bijuriya aient en commun la marginalité de leurs pratiques, leurs publics sont très différents. Gabriel et Bijuriya sont une seule et même personne ; il est temps de les réunir sur scène. Intervertissant constamment les codes entre le drag, le discours critique et le chant expérimental, cette pièce rend hommage à la brunitude de l’artiste en déclinant la gamme de ses talents surprenants. Une exploration décalée et vulnérable de son inaptitude à représenter entièrement leurs sous-cultures.

Gabriel is a music composer and experimental vocalist. Bijuriya is a drag artist engaging with South Asian culture. Gabriel values innovation and risk taking as he navigates Eurocentric artistic scenes. On social media, Bijuriya lip-syncs her way into the hearts of brown queers. Both of them have marginal practices but they have very different audiences. Gabriel and Bijuriya are one person; it’s time to bring them together on one stage. Code-switching between drag, critical discourse and sound singing, this piece celebrates the artist’s brownness through an array of unexpected talents. A quirky yet vulnerable exploration of their inadequacy to fully represent the subcultures they seek to embrace.

35 MUSIQUE

B RO O K LY N

0 9 + 1 0 AV R I L 2 0 2 1

ENGLISH

Tout à la fois vidéo multimédia, installation environnementale et performance musicale, American Cuck ausculte la suprématie blanche persistante dans l’imagination pornographique et la psyché de l’État-nation étasunien ainsi que ses effets sur tous les aspects de la Vie Américaine. En particulier, M. Lamar explore la construction de l’homme blanc cocu, celle de l’homme noir qui est l’objet de son obsession, ainsi que leur rapport à tous deux à une culture émergeant de la plantation et entremêlant racisation, désir et violence. Pour Lamar, la construction de la personne noire hypersexualisée dans l’imaginaire blanc continue à mener à la mort noire (black death) au sein d’une société suprémaciste blanche. La personne noire hyper-physique et hypersexualisée dans l’esprit du suprémaciste blanc est source de plaisir et de danger virtuoses. Cette représentation fonde l’identité nationale.

American Cuck is a multimedia video and environmental installation and musical performance exploring the maintenance of white supremacy in the pornographic imagination and psyche of the U.S. nation-state, and its effects on every aspect of American Life. M. Lamar specifically explores the construction of the white male cuckold, the black male object of his obsession, and the relation of both to a plantation culture of race, desire, and violence. Indeed, it is Lamar’s argument that the construction of the hyper-sexual black person in the white imagination continues to lead to black death in a white supremacist society. The hyper-sexual, hyper-physical black person in the white supremacist mind offers virtuosic pleasure and threat. This is core to nation identity.

T R AV I S K N I G H T S

CY N D I C H A R L E M A G N E

DANSE

TORONTO

Faisant appel aux claquettes et au récit, Ephemeral Artifacts fouille l’histoire du jazz et des claquettes, ainsi que la connexion de ces genres entremêlés aux corps noirs. Déployant une signature chorégraphique magnétique, à la fois intime et complexe, le danseur de claquettes professionnel Travis Knights incite le public à être attentif aux histoires et aux corporéités du passé, gardées vivantes par la danse et l’oralité. La généalogie des claquettes est à la fois une méditation et une métaphore. Elle touche au rythme, à l’adaptation, à l’improvisation et à la résistance à travers les corps racisés.

1 3 — 1 7 AV R I L 2 0 2 1

Ephemeral Artifacts uses tap dancing and storytelling to explore the histories of tap and jazz, and the connection of these intertwined genres to black bodies. Professional tap dancer Travis Knights draws us in with his signature style, both intimate and intricate, encouraging audiences to listen to the stories, and the bodies, that have been kept alive through dance and oral traditions. The lineage of tap is both a meditation and a metaphor; on rhythm, adaptability, improvisation, and resistance through racialized bodies.

CO - P R É S E N TAT I O N D E T H E AT R E PA S S E M U RA I L L E ET ANANDAM DANCETHEATRE PRODUCTIONS

37 MUSIQUE

MONTRÉAL

Soul Whisper, une proposition de la chanteuse, autrice et compositrice québéco-haïtienne Cyndi Charlemagne, est une performance musicale soul jazz où la poésie et le chant se font écho. Ce « murmure de l’âme » est pour Charlemagne une évocation de nos fors intérieurs, du sentiment intuitif qui nous permet de rester en phase avec nous-mêmes, dans les expériences heureuses comme éprouvantes. Les poèmes récités serviront d’exergue aux chansons puisées dans la richesse expressive des répertoires jazz et soul. Oscillant entre complexité et sonorités épurées, mettant en valeur riffs musicaux, agilité vocale et improvisation, la musique de Cyndi Charlemagne dévoile un jeu vocal chargé de sincérité, soutenu par des musicien-ne-s chevronné-e-s.

2 3 + 2 4 AV R I L 2 0 2 1

Soul Whisper, put forth by the HaitianQuebecoise singer, author, and composer Cyndi Charlemagne, is a soul-jazz musical performance where poetry and song share notes. For Charlemagne, this soul whisper evokes our innermost thoughts, the intuition that allows us to stay connected to ourselves through both joyful and trying times. The spoken poems help set the stage for songs that dig deep into the expressive richness of jazz and soul. Swinging between complexity and stripped-down sounds, unleashing musical riffs, vocal agility and improvisation, Cyndi Charlemagne’s music features playful vocals charged with sincerity, backed by skilled musicians.

NADIA MYRE & JOHANNA NUTTER

NOTRE TOUTE PETITE MAISON BIENVEILLANTE. S E R É I N V E N T E R P O U R M I E U X FA I R E FA C E A U X D É F I S U N I Q U E S Q U ’ I M P O S E L A S I T U AT I O N PA N D É M I Q U E M O N D I A L E . Par souci de sécurité, celle des artistes que nous présentons cette année et la vôtre, notre public, la 22ème saison du MAI, 20-21, déploie une série de solos (hormis quelques exceptions) au sein d’un théâtre transformé par une installation de l’éclairagiste et artiste visuel montréalais Paul Chambers, dans une configuration pouvant accueillir un maximum de 20 spectacteurs-trices par représentation. Les productions et les expositions présentées dans l’espace de la galerie accueilleront également de petits publics. Pour les plus récentes informations concernant les mesures de prévention et protocoles actualisés mis en place par le MAI, consultez m-a-i.qc.ca/covid19 ou contactez notre équipe d’accueil au 514 982-1812 poste 221.

INTERDISCIPLINAIRE

MONTRÉAL

Rencontre interdisciplinaire entre deux vieilles amies, STRIKE/THRU réunit l’artiste visuelle canadienne-française d’origine algonquine Nadia Myre et l’artiste de théâtre Johanna Nutter dans une exploration des malaises liés au fait d’être Autochtone ou non-Autochtone. Six membres du public reconstruisent une conversation enregistrée entre des gens aux origines métissées, un écrivain invité réinterprète les intentions des artistes sur une dactylo des années soixante tandis que les camarades de jeu enregistrent et évaluent leurs espaces personnels et politiques. Les constructions identitaires s’en trouvent chamboulées. Véritable élan vers la conciliation et la réconciliation, cette œuvre traduit brillamment le climat actuel entourant les relations entre Autochtones et colons.

01 — 05 JUIN 2021

STRIKE/THRU is an interdisciplinary encounter between two old friends, Algonquin/French Canadian visual artist Nadia Myre and theatre artist Johanna Nutter, about the uncomfortable feelings around being native and/or non-native. Six members of the audience reconstruct a recorded conversation between culturally-mixed people, a guest writer reinterprets the artists’ intentions on a 1960s typewriter, and the playmates make records and reckonings of personal and political space. Oscillations of identity constructs ensue. A live impetus for conciliation and reconciliation, this work speaks to the current climate around Indigenous/Settler relations.

O U R T I N Y H O U S E . R E I N V E N T I N G O U R S E LV E S TO BETTER MEET THE UNIQUE CHALLENGES IMPOSED BY T H E C U R R E N T G L O B A L PA N D E M I C S I T U AT I O N . For the sake of safety, that of the artists we are presenting this year and yours, our audience, MAI’s 22st season 20-21 moves forward with a series of solos (some exceptions) within a theatre transformed through an installation by lighting designer and visual artist Paul Chambers, in a configuration for a maximum of 20 spectators per performance. Small audiences pertain to any productions or exhibitions being held within the gallery space. For updated information regarding preventative measures and updated protocols put in place by MAI, please consult m-a-i.qc.ca/covid19 or contact our box-office team at 514 982-1812 ext. 221.

A C C O M PA G N E M E N T J U M E L É CAM + MAI

Le partenariat du Conseil des arts de Montréal et du MAI en matière de soutien aux artistes en danse offre un accompagnement sur mesure et un éventail de services à un-e chorégraphe (ou à un collectif de chorégraphes) rencontrant des obstacles structurels et systémiques dans leur participation aux arts en raison de leur-s identité-s revendiquée-s et/ ou perçu-e-s par la société. Outillant les artistes dans leur recherche créative et leurs questionnements, ce partenariat leur permet d’expérimenter de nouvelles idées et méthodes, et de tisser des collaborations tout au long d’un processus où l’artiste est soutenu-e et bénéficie de temps et d’espace pour réfléchir à sa pratique. En 2021, deux présentations de travail en cours auront lieu.

Conseil des arts de Montréal and the MAI partner to offer a range of services to a choreographer (or a collective of choreographers) who encounters structural and systemic obstacles in their artistic practice based on their identities. This partnership provides artists with the means to question, test ideas and techniques, to collaborate and create through a well-supported process that is inclusive of time, space and administrative resources. In 2021, two in-process showing will take place.

ARIANA PIRELA SÁNCHEZ

41 DANSE

MONTRÉAL CARACAS

Parfois, il faut s’éloigner de chez soi pour mieux comprendre ses racines et retomber amoureux de ce qu’on regardait, par trop de proximité, avec indifférence. Deux solitudes dans une même présence aborde la (re)construction de l’identité à partir du déracinement et du corps en exil. L’expérience de migration de la chorégraphe et danseuse vénézuélienne Ariana Pirela Sánchez teinte intimement ce solo où le corps, porteur de mémoires ancestrales, est perçu comme un véhicule de désirs, de résistance et de résilience. Épousant la forme de la narration confessionnelle, l’artiste explore les thèmes de l’oubli, de la compensation par l’imagination et du rejet propres au processus d’assimilation culturelle afin de mieux ramener à la surface ses mémoires les plus profondes.

26 MARS 2021

Sometimes you have to leave home in order to understand your roots and fall back in love with what you’d seen too frequently to appreciate before. Deux solitudes dans une même présence explores the (re-)construction of identity through uprooting and the body in exile. The experience of migration intimately informs this solo piece by Venezuelan choreographer and dancer Ariana Pirela Sánchez, where the body, carrying its ancestral memories, is seen as a vehicle for desire, resistance and resilience. Embracing the form of a confessional narrative, the artist explores themes of forgetting, confabulation and rejection in the face of cultural assimilation in order to exhume her deepest memories.

SONIA BUSTOS

DANSE

MONTRÉAL

Je ne vais pas inonder la mer est une élégie dansée qui aborde le rapport aux mères et la part d’héritage en jeu dans la construction de la féminité. Pour composer ce solo, la chorégraphe et interprète mexicaine Sonia Bustos a puisé matière dans son histoire personnelle et dans sa quête identitaire marquées par le poids du deuil de sa mère et de sa grand-mère. Au confluent des questions sur la condition féminine, la filiation et la mémoire, l’artiste explore dans sa danse théâtrale les phénomènes de réminiscence en mobilisant les cinq sens. Bouffe, musique, évocation des mœurs, des croyances et des rites viennent nourrir cette création.

30 AV R I L + 01 M A I 2021

Je ne vais pas inonder la mer is a danced elegy that explores the role our relationship with mothers and our heritage play in the construction of femininity. This solo piece by Mexican choreographer and performer Sonia Bustos, draws from her personal history and search for identity, tinged with the pain of grieving her mother and grandmother. At the crossroads of questions on feminine condition, lineage, and memory, the artist explores the phenomena of reminiscence through theatrical dance, awakening all five senses. Food, music, and an evocation of social norms, beliefs and rituals inspire and inform this visceral creation.

PUBLIC + m-a-i.qc.ca/public-plus

Chaque année, le MAI œuvre à tisser des liens entre les artistes, les publics et les communautés locales. Inaugurée en 2009, Public + est une série d’activités offertes par le MAI parallèlement à sa programmation. Nouveauté cette saison, c’est à la fois in situ ET en ligne que se déploieront ces initiatives, afin de les rendre accessibles auprès de celles et ceux qui ne peuvent se déplacer jusqu’au MAI. MAI has long been committed to making connections between artists, audiences, and local communities. Initiated in 2009, Public + is a dynamic series of activities offered in tandem with MAI’s programming. New this season, these initiatives will be both in situ AND online to make them accessible to those who cannot get to MAI.

→ Rendez-vous sur notre site internet pour tous les détails et pour accéder au contenu en ligne. → Please visit our website for full details and for access to online content.

IN SITU REPRÉSENTATIONS DÉCONTRACTÉES / RELAXED PERFORMANCES Une représentation décontractée désigne une représentation ouverte à tous-tes, particulièrement aux personnes ayant un handicap sensoriel ou intellectuel, ou un trouble neurologique ou d’apprentissage et aux personnes accompagnées de jeunes enfants. L’ambiance sonore et visuelle du spectacle ainsi que l’accueil seront adaptés pour créer un environnement calme et inclusif. A relaxed performance refers to a performance that is open to all - particularly those individuals with a sensory or intellectual disability, or a neurological or learning disorder, and for people accompanied by a young infant. The reception, soundscape and visual atmosphere are all designed to create a calm inclusive environment. VISITES GUIDÉES / GUIDED TOURS Tous-tes sont les bienvenu-e-s au MAI, qui offre des visites interactives guidées de toutes ses expositions en arts visuels. MAI offers guided, interactive group visits of its exhibitions year-round.

EN LIGNE CAPSULES VIDÉO / VIDEO CAPSULES Entrevues vidéo inédites mettant en lumière la pratique des artistes faisant partie de la programmation 2020-2021 du MAI. Video interviews with artists included in MAI’s 20-21 programming. COMPLÉMENT D’EXPOSITION / EXHIBITION SUPPLEMENT Documentation visuelle et informative entourant les expositions en cours, incluant des vues 360° de la galerie, les biographies des artistes, les cartels des oeuvres présentées ainsi que des textes critiques permettant de les mettre en contexte. En collaboration avec l’artiste photo et vidéo Paul Litherland. Visual and informative documentation surrounding current exhibitions, including 360° views of the gallery, artists’ biographies, media/support/ technique information of works presented as well as critical texts that contextualize them. In collaboration with photo and video artist Paul Litherland.

ÉV É N E M E N T S S AT E L L I T E S

CAM EN TOURNÉE théâtre / theatre

EN 20-21, LE MAI EST U N E F O I S D E P LU S F I E R DE SOUTENIR LES TO U R N É E S D E 2 A RT I S T E S DA N S L E C A D R E D U P RO G RA M M E C A M E N TO U R N É E . 2 Œ U V R E S ORIGINALES QUI VOUS F E RO N T P E N S E R , I M AG I N E R ET VIVRE LE MONDE AU T R E M E N T À V OT R E P O RT E .

I N 20- 21, M A I I S O N C E AG A I N P RO U D TO S U P P O RT T H E TO U R S O F 2 A RT I S T S A S PA RT O F T H E P RO G R A M C A M E N TO U R N É E . 2 I M P O RTA N T W O R KS T H AT BR I N G U S TO T H I N K , I M AG I N E A N D L I V E T H E W O R L D D I F F E R E N T LY, P R E S E N T E D AT A V E N U E N E A R YO U.

Sophie Gee | Nervous Hunter Lévriers Aux yeux de qui, selon quels critères réussit-on ? Lévriers est une enquête théâtrale portée par la metteure en scène Sophie Gee et cinq personnes qui, comme elle, ont refait leur vie à Montréal : une comédienne hollandaise, une danseuse québécoise, un joueur de rugby rwandais, un rappeur antillais et un homme d’affaires retraité juif. Tout au long d’un laboratoire créatif, chacun cherche dans son parcours et sa culture des manières de définir la « réussite ». Au-delà des angoisses nord-américaines de performance et d’individualisme, s’ouvre un débat complexe, touchant, existentiel. Metteure en scène chinoise-canadienne diplômée de l’École nationale de théâtre du Canada, Sophie Gee façonne un univers particulier, entre théâtre, danse, recherche et art contemporain. According to what criteria and in whose eyes do we achieve success? Lévriers is a theatrical investigation led by director Sophie Gee and five others who, like her, have remade their lives in Montreal: a Dutch actress, a Québécois dancer, a Rwandan rugby player, an Antillean rapper, and a retired Jewish businessman. Over the course of a creative laboratory, they all look back on their journey and their culture for ways to define what “success” means. Beyond North American performance anxiety and individualist worries, a debate is opened that is at once complex, touching, and existential. A graduate of the National Theatre School, Chinese-Canadian director Sophie Gee develops a unique space of creation, between theatre, dance, research, and contemporary art.

www.nervoushunter.com > 12 NOV. 2020 — L’Entrepôt, Lachine > 25 FÉVRIER 2021 — Maison de la Culture du Plateau Mont-Royal > 10 MARS 2021 — Maison de la culture Janine-Sutto

DAZIBAO + MAI exposition / exhibition

installation

Naghmeh Sharifi To live as an organ within oneself

Lara Kramer, printemps 2021

Cette exposition de l’artiste irano-canadienne Naghmeh Sharifi entremêle dessins à l’encre et éléments sculpturaux. Sharifi creuse les thèmes de l’identité éphémère et de la psychologie corporelle vues de l’intérieur, comme un territoire habité, une géographie en soi. À travers différents médias, elle convoque le corps dans une multitude d’environnements, comme autant d’interprétations fictionnelles des nombreux lieux qu’elle a habités.

Panneaux d’affichage situés sur les façades du Café Cherrier et du Marché Bonsecours, présentés par Dazibao en collaboration avec le MAI dans le cadre de Dazibao satellite. Billboards located on the facades of Café Cherrier and Bonsecours Market, presented by Dazibao in collaboration with the MAI as part of Dazibao satellite.

Vivant à Montréal, Sharifi a exposé ses œuvres à Téhéran, Berlin, Toronto, Mexico, Los Angeles et Skopje (Macédoine). En 2015, elle a été sélectionnée pour la Résidence Empreintes du Musée des beaux-arts de Montréal. Sharifi a récemment obtenu sa maîtrise en beaux-arts de l’Université Concordia. This exhibition by Iranian-Canadian artist Naghmeh Sharifi features ink-on-paper drawings and sculptural elements. Sharifi examines themes of transient identity and the psychology of the body from within, as a lived space and geography. Working in disparate media, she situates the body within diverse environments— fictional interpretations of the diverse places she herself has inhabited. Based in Montreal, Sharifi has exhibited her work in Tehran, Berlin, Toronto, Mexico City, Los Angeles, and Skopje (Macedonia). In 2015, she was selected for the Empreintes (Impressions) Residency at the Montreal Museum of Fine Arts. Sharifi recently completed her MFA at Concordia University.

www.naghmehsharifi.com > 07 NOV. 2020 AU 10 JANV. 2020 — Salle Maurice-Domingue, Pointe-aux-Trembles > 14 JAN. AU 14 FÉV. 2021 — Centre Culturel et Communautaire Henri-Lemieux, La Salle > 19 MARS AU 02 MAI 2021 — Maison de la culture de Côte-des-Neiges > 08 MAI AU 27 JUIN 2021 — Maison de la culture de Verdun > 11 SEPT. AU 10 OCT. 2021 — Maison de la culture Mercier > 28 OCT. AU 20 DÉC. 2021 — Maison de la culture Rosemont–La Petite-Patrie

complices

Complices est la plateforme de soutien aux artistes du MAI. Centrée sur les souhaits des participant-e-s, elle s’adresse aux artistes autochtones (Premières Nations, Inuit, et Métis), aux artistes racisé-e-s (y compris les artistes récemment immigré-e-s), aux membres de la communauté 2SLGBTQQIPAA+, ainsi qu’aux artistes qui vivent une situation de handicap ou de maladie chronique, qui ont des capacités différentes, sont neurodivers-e-s ou Sourd-e-s malentendant-e-s. Accompagnant les artistes qui oeuvrent au croisement des champs, des récits, des imaginaires et des cultures, Complices offre une réponse sur mesure à leurs besoins, leurs expériences et leurs manières de travailler. Elle regroupe cinq ensembles d’activités et de services (le programme annuel Alliance, la Ruche - créations en résidences, les résidences en studio, les ateliers et formations, ainsi que les appuis du MAI). Illustration © Thaïla Kampo

artist-driven support

studio residencies workshops

appui aux artistes

résidences en studio ateliers

Complices applies to the many services MAI offers in terms of artistic development, providing support for artists working at crossroads of disciplines, practices, histories and cultures. Complices offers a tailor-made response to a broad range of artists’ needs, backgrounds, and ways of making. Artist-driven and intended for Indigenous artists (First Nations, Métis, and Inuit), racialized artists (including recent immigrants), members of the 2SLGBTQQIPAA+ communities, and artists who are living with a disability, differentlyabled, D/deaf or hearing-impaired, neuro-diverse and/or chronically ill. Complices groups together five types of activities and services: Alliance (mentorship), la Ruche (research/creation residencies), studio residencies, workshops & training, as well as sponsorships).

m-a-i.qc.ca/complices

YO U H AV E P L AY E D , (I THINK) A N D B R O K E T H E T OYS YO U W E R E F O N D E S T O F , AND ARE A LITTLE TIRED NOW; T I R E D O F T H I N G S T H AT B R E A K , A N D — JUST TIRED. SO AM I. — ee cummings

BILLETTERIE / BOX OFFICE

FRAIS DE SERVICE ET TAXES INCLUSES

Nous savons que vous avez vécu beaucoup de choses difficiles dernièrement. Nous savons que ces derniers mois ont été très exigeants et que les temps continuent d’être durs. Vous avez lutté et continuez à lutter pour tenir bon. Vous, votre famille, votre communauté. Nous aimerions vous offrir une pause. Nous savons que vous le méritez. Les billets pour toutes les représentations tout au long de la saison seront à 10 $. C’est le moins qu’on puisse faire.

ALL FEES AND TAXES INCLUDED

We know you’ve been through a lot. We know that times have been extraordinarily challenging, that they continue to be. You’ve been working hard at keeping it all together. You, your family, your community. We’d like to offer you a break. We know you deserve it. Tickets to all performances throughout the entire will be available for $10. It’s the least we can do.

VENTE EN LIGNE / ONLINE SALES billetterie.m-a-i.qc.ca STATIONNEMENT / PARKING

ACCESSIBILITÉ / ACCESSIBILITY

GRATUITÉ / FREE ENTRY

INDIGO LES GALERIES DU PARC 3625 DU PARC OU 3550 JEANNE-MANCE

Le MAI s’engage à offrir un milieu inclusif. Tous nos espaces sont accessibles aux personnes à mobilité réduite. / MAI is committed to providing an inclusionary milieu. All our spaces are accessible to people with reduced mobility.

Accompagnateur-trice-s pour les spectateur-trice-s ayant un handicap. Contactez la billetterie pour plus d’informations. / Accompanying persons for spectators with a disability. Please contact the Box office for more information.

 Rabais de 5 $ en tout temps.

Veuillez récupérer votre bon de réduction à la billetterie du MAI. / Please pick up your coupon at MAI Box Office.

m-a-i.qc.ca/accessibilite

É QUIP E Michael Toppings — directeur général et artistique

PARTENAIRES PUBLICS

Philip Richard-Autier — directeur technique Marie-Charlotte Castonguay-Harvey Claudia Parent — coordonnatrices des productions Anthony Plagnes Payá — chef des communications Nayla Naoufal — coordonnatrice à l’engagement artistique Richard Houle — assistant directeur technique Gio Olmos — coordonnateur des activités et des locations Bassirou Mbodji — comptable Jean Grünewald — adjoint administratif Hongyu Chen — responsable de la billetterie

PARTENAIRES MÉDIA

CONS E IL D ’ADMINIST RAT IO N

Rhodnie Désir — présidente Mabel González — vice-présidente Himmat Shinhat — trésorier Marie-Hélène Busque — secrétaire Julie Jodoin — administratrice Manuel Mathieu — administrateur Mike Ross — administrateur

BROC HU RE — Production Marie-Charlotte Castonguay-Harvey Anthony M. Plagnes Payá Michael Toppings — Rédaction Jean-Matthieu Barraud Mélanie Carpentier Ariana Disman Nayla Naoufal — Traduction Marion Lessard Oula Hajjar Tehawennahkwa Miller Amie Monroe Nayla Naoufal Amelia Orellana Lei Zheng — Révision Jelena Djukic — Design graphique Atelier Mille Mille

PARTENAIRES CULTURELS

m-a-i.qc.ca 3680, rue Jeanne-Mance, Montréal, Québec H2X 2K5 514 982-1812 info@m-a-i.qc.ca

billetterie / box office 514 982-3386 billetterie@m-a-i.qc.ca Mardi au samedi, de 15h00 à 18h00, et une heure avant chaque représentation. Tuesday to Saturday, from 3pm to 6pm and one hour before performances.

administration Lundi au vendredi de 10h00 à 18h00 Monday to Friday from 10am to 6pm

galerie d’art / art gallery En temps d’exposition, mardi au samedi, de 12h00 à 18h00. Entrée libre. During exhibitions, Tuesday to Saturday from 12pm to 6pm. Free admission.

LIVE IN PALESTINE JUMANA EMIL ABBOUD + NIHAYAH ALHAJ + KHALIL AL-MOZAIN + RANA AFFO BISHARA + MOHAMED HARB + MANAL MAHAMID + MOHAMMED MUSALLAM + MOHAMAD MUSTAFA + MOHAMMAD OBEIDALLAH + RAEDA SAADEH + SHARIF WAKED

MAKING REVOLUTION MARWA ARSANIOS + BASEL ABBAS & RUANNE ABOU-RAHME + ALI CHERRI + MOHAMMAD SHAWKY HASSAN + ALI KAYS + RAED & RANIA RAFEI + JAYCE SALLOUM + SANAZ SOHRABI + MOSIREEN

ZOM-FAM KAMA LA MACKEREL

AMERICAN CUCK, FROM PLANTATIONS TO PORNHUB TO BREITBART.COM M. LAMAR

24 septembre — 24 octobre 2020

06 — 10 octobre 2020

SUR CE CHEMIN TU ES SÛRE DE TE PERDRE DIANA LEÓN 20 — 24 octobre 2020

SHEUETAMU SOLEIL LAUNIÈRE 03 — 08 novembre 2020

POMEGRANATE HEATHER MAH 17 — 21 novembre 2020

01 avril — 01 mai 2021

09 + 10 avril 2021

EPHEMERAL ARTEFACTS TRAVIS KNIGHTS 13 — 17 avril 2021

SOUL WHISPER CYNDI CHARLEMAGNE 23 + 24 avril 2021

OTIPEMISIWAK DAPHNE BOYER 07 janvier — 06 février 2021

TUNING IN IMAGO THEATRE 27 — 30 janvier 2021

JE NE VAIS PAS INONDER LA MER SONIA BUSTOS 30 avril + 01 mai 2021

PRENDRE PLACE / TAKING PLACE [ FIELD ] + RAJNI SHAH + TOBARON WAXMAN + ANH VO + randy reyes + MARIKISCRYCRYCRY + AMANDA APETREA & HALLA ÓLAFSDÓTTIR

WHIP FAKEKNOT

09 — 13 février 2021

LES FORMES QUI NOUS TRAVERSENT HODA ADRA

12 — 15 mai 2021

23 — 27 février 2021

BIJURIYA GABRIEL DHARMOO 16 — 20 mars 2021

STRIKE/THRU NADIA MYRE &JOHANNA NUTTER 01 — 05 juin 2021

DEUX SOLITUDES DANS UNE MÊME PRÉSENCE ARIANA PIRELA SÁNCHEZ 26 mars 2021

Veuillez noter que les dates indiquées dans cette brochure sont susceptibles de changer. Consultez notre site internet pour les dernières informations à jour. /

20 . 21

Please note that the dates indicated in this brochure are subject to change, and we invite you to check our website for updated information.