DFIN espacios y artificios Junio 2009

Guía DFin espacios y artificios, sorteando la crisis financiera y sobreviviendo a la influenza, sale a las calles con todo y tapaboca y lanza su quinto número, llevando a los habitantes de la Ciudad de México de manera gratuita, parte de la vida cultural, artística y científica que se desarrolla en esta megalópolis azteca. Nuestra sección de “Ciudad Natura” te invita a conocer las actividades, eventos, conferencias, talleres y exposiciones que se llevarán a cabo dentro del marco del Día Mundial del Medio Ambiente, la cita con tu planeta está hecha para el próximo viernes 5 de junio. También entérate del nuevo Observatorio HAWC, ubicado al oriente del estado de Puebla, en el que, a través del análisis del agua, se podrá estudiar al universo y así ser capaces de descubrir algunos de sus grandes misterios.

Para los cinéfilos de corazón, se reanuda el Vigésimo Noveno Foro Internacional de la Cineteca en el cual se proyectarán 14 largometrajes y como detalle peculiar, se abrirá la sección de “Ventana Digital”, ¡en donde podrás disfrutar algunos filmes en alta definición! Además, en nuestra sección de “Entrevista” conocerás el trabajo del director de cine guanajuatense, Amat Escalante, el cual presenta su nueva película “Los Bastardos”, único filme mexicano que participó en el Festival de Cannes en el 2008.

Conoce la historia de tu Alameda Central, lugar de ligue permanente desde hace más de 100 años; y desde el Centro Capitalino nos vamos hasta el sur para presentarte a “Los Compadres”, que más que un restaurante, es una verdadera catedral del Rock & Roll mexicano donde podrás disfrutar de música en vivo al son de una rica birria. Siguiendo en tono DFa, Café Tacvba recorre México y el mundo con su nueva gira “20 Años/20 Ciudades” y Metallica regresa al D.F. para presentar su nuevo álbum “Death Magnetic”.

Para los amantes de la lectura, Mónica Lavín nos cuenta acerca de su nueva novela histórica, “Yo la peor”, vida de Sor Juana Inés de la Cruz. En “Artes escénicas” te invitamos a presenciar “Palabras encadenadas”, obra teatral que muestra los momentos esquizofrénicos a los que llega una pareja contemporánea.

Pero que no se queden atrás los chamacos, en nuestra sección de “Niños” te decimos qué puedes hacer para el mes de Junio, desde recomendaciones de lecturas infantiles hasta a dónde lanzarte a la aventura y acampar. También concursa en nuestra trivia infantil y gánate uno de los 5 DVDs de Wallace y Gromit. Por si fuera poco, tenemos para ti más trivias en nuestra sección de “DVD´s”, participa y gánate uno de los 5 DVD’s de Operación Valkiria, Todas las mañanas del mundo y Tú que estás vivo, que tenemos para ti. Y no olvides de checar nuestra sección de “Los Galletas” (o gadgets) en donde los amantes de la cocina podrán enterarse de la última novedad en lectores de recetarios electrónicos, “El Demy”.

Luis Aldo Sánchez Ortega Director General

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Una catedral para el Rock & Roll Sergio Raúl López

¿Quién podría creer ahora, bien entrados como estamos en el siglo XXI, que el rock estuvo prohibido en México, especialmente en el Distrito Federal? Algo había en esta música tan viva, tan rítmica, tan juvenil, que hacía temblar incluso a los presidentes del país. Tan cierto como que después de los dos días de conciertos en Avándaro, en septiembre de 1971, ya no se permitieron las congregaciones masivas y los músicos tuvieron que ocultarse en canchas de frontón o bodegas de las zona conurbada.

Un par de generaciones, al menos, quedaron marcadas por esa persecución, que impidió el desarrollo de la industria musical en México y muchos aspirantes a rockeros tuvieron que cambiar de género y mudarse al tropical, como lo muestran la mezclilla, el cabello largo y las guitarras eléctricas del tabasqueño Chico Ché, del tamaulipeco Rigo Tovar, de Los Ángeles Negros, y claro, del precursor, el jalisciense Mike Laure y su grupo Los Cometas (clara referencia a Bill Halley).

Lo más extraño de todo es que fue el odiado Carlos Salinas quien abrió, en enero de 1991, la puerta a la modernidad, al libre comercio y a los grandes conciertos masivos de rock, pues el grupo australiano INXS tuvo permiso para actuar en el Palacio de los Deportes. Esos fueron los primeros pasos de Ocesa, la empresa de entretenimiento masivo que ahora es un gigante que contrata a las bandas más importantes del rock mundial (de Pink Floyd a Metallica, de Depeche Mode y The Cure a Radiohead), sin importar que los ofrezca a precios altísimos, excesivos para el público, de entre los más caros en el mundo. ¿Pero en verdad que la única opción para escuchar buenos conciertos de rock en la actualidad es soltar cantidades considerables para acabar mirando a los músicos en una pantalla gigante y gritar letras memorizadas mientras nos llegan canciones de sonido idéntico al disco? ¿Es ese el espíritu original del Rock & Roll?

CUATRO

Disimulada detrás del toldo de un restaurante, semioculta entre el tráfico de las avenidas División del Norte y Churubusco, instalada en una zona de comercios de azulejos y muebles para baño, yace Los Compadres, una verdadera catedral para escuchar el mejor Rock & Roll de México, además de muy buen jazz e interpretaciones de altura de las grandes bandas de rock de los años setenta.

Y no exagero, porque aquí no se trata de escuchar covers ni de mirar a fanáticos disfrazados de los Fab Four o del rey Elvis. No, acá se trata de escuchar a grandes músicos entre un público pequeño, privilegiado.

De la birria al rock Los grupos fueron cayendo en el sitio como piezas de dominó formadas en línea. Y era natural, sólo se necesitaba el primer impulso. Por supuesto que esa no fue la intención original de Alejandro Villanueva, el propietario del sitio, pero cuando implementó un pequeño escenario entre las mesas del restaurante para que su grupo de rock, llamado Tercera Llamada, tocara el repertorio de Rock & Roll de los pioneros mexicanos y estadounidenses, el destino ya estaba marcado.

A fin de cuentas, había puesto en pie el restaurante Los compadres con un solo propósito: pasarla bien haciendo lo que más disfruta que es cocinar birria, mole de olla y arrachera. Y de paso, dar rienda a su gusto por tocar en vivo, con sus amigos, los viejos himnos del género musical que cambió la sociedad occidental.

Para cuando Armando Molina, el cantante del grupo La Máquina del Sonido, apareció en el lugar, las cartas ya estaban echadas y la noticia comenzó a desperdigarse: había un nuevo espacio para escuchar y para tocar. Así se lo comunicó a Federico “Fede” Elizondo, guitarrista y cantante del grupo Rock Division, quien pronto llegó con la banda a interpretar canciones de los Hoolies, Chicago, The Turtles o The Doors.

El desfile que siguió fue portentoso, pues comenzaron a llegar verdaderos mitos de los orígenes del rock en México como Fito de la Parra, el baterista que fuera miembro de la banda Canned Heat de Los Ángeles, y miembro de la banda pionera Los Sinner’s, aquellos que cantaban “La carrera del Oso”; también llegó Horacio Reni del mismo grupo Los Sinner’s, que en la guitarra

Además se escucha jazz, standards que solía cantar Frank Sinatra, piezas de Dave Brubeck y demás, con grupos como la Jazz Birria’s Band o la Sandino’s Band, en la que este baterista, cantante y saxofonista que llegó a tocar con la orquesta de Dámaso Pérez Prado.

Restaurante Los Compadres. Av. División del Norte No. 2522, casi esquina Río Churubusco.

Música en vivo jueves, viernes y sábado a partir de las 14:00 horas y hasta las 22:00 horas.

Entrada libre con consumo,

Ilustración: Molcajete medios

acústica comandó éxitos como “La novia de mi mejor amigo”, y que ahora tiene un grupo de blues; Alejandro “Alex” Robles, baterista original de Los Rockin Devils, que se presenta con éxitos como “Bule Bule” y “Perro Lanudo”; Armando Nava de los Dug Dugs, y Carlos Del Vecchyo, guitarrista de los Blue Caps, quien en la actualidad es un reconocido cirujano plástico.

Pero además, pueden verse milagros verdaderos, como escuchar una guitarra Fender Lap Steel de Pedestal de 1938, tocada por Paul, un verdadero virtuoso que sin problemas interpreta a su estilo los viejos éxitos de Santo & Johnny Farina como Sonámbulos (Sleepwalk) y Venus, que justo hace medio siglo sonaban en estaciones como 620 de la radio mexicana. Pero que puede tocar casi todo el repertorio y más, pues este músico autodidacta ha tocado desde country, hasta música china y árabe, pasando por salsa, cumbia, quebradita con grupos como Los Tilos, Los Rockets, La Ouija e incluso Los Apson Boys.

O conocer a Carlos Carbajal, quizás el mejor laudero de México que ha confeccionado guitarras para Santana y Alex Lora, y que se presenta con su grupo Los Sleepers; también se aparece Ricardo Ochoa, quien fuera parte del grupo Peace & Love, y “El Negro” Orozco, ex cantante de El Clan, quien se presenta con el grupo Los Profetas.

O puede escucharse a Gabriel Hernández Orozco, ex cantante de Los Master, quien además de ser politólogo de la UNAM, fue uno de los mejores intérpretes, en inglés, de la música de Elvis Presley, Gene Vincent, Carl Perkins, Chuck Berry, Johnny Burnette o Ricky Nelson. “Yo tenía talento, no imito, sino que ofrezco mi versión en rock, soy rockabillero, pero también canto Rock & Roll, twist, a go go, ska, ya no canto a The Beatles porque ellos no hicieron rock, sino su música pop. Esto es un pinche templo musical de distintos géneros”.

El mundo cabe en Tlalpan Por: Sergio Raúl López

No todo se perdió entre los cubrebocas, el alcohol en gel y el cierre de los lugares públicos como estadios, teatros y restaurantes. De entre los restos de la contingencia sanitaria, el festival Olin Kan de Tlalpan nos invita a recuperar el ánimo reanudando la programación trunca de su sexta ediciónzque se realizaría entre el 13 de abril y el 10 de mayo — en la que se reúnen expresiones artísticas de todas partes del mundo con una característica en común: que sean culturas en resistencia.

Los conciertos ya se han reactivado desde el 26 de mayo y proseguirán hasta el 7 de junio con la actuación de representantes de 33 países y 38 agrupaciones mexicanas, en 22 escenarios tanto de la Ciudad de México como de 10 entidades más con músicas tan diversas que irán desde el samba, hasta el funk, pasando por el rock y el jazz, las fusiones y nuevas tendencias sonoras como el mangue beat, el zydeco o el fado portugués.

Para el cierre del festival, entre el 3 y 7 de junio, la variada programación contempla música africana, jazz, son jarocho e instrumentos como el balafón, la marimba y la kora. Destacan entre los invitados una gran leyenda del jazz, el gran saxofonista neoyorquino Archie Sheep (quien ha alternado con Lee Morgan, Kenny Rogers, Cecil Taylor y Bill Dixon) para ofrecer un concierto especial de jazz m0andinga: junto con Cheick Tidiane, Babani Koné y Mangala Camara.

Ahí, compartirá escenario con uno de los mayores artistas malienses, el tecladista y compositor

El festival Olin Kan sobrevivió a la

influenza

seIS

Cheick Tidiane Seck quien pese a ser poco conocido, es una de las grandes figuras de la región y ha compartido con Salif Keita, Youssou N’Dour, Hank Jones y Carlos Santana.

Además, se ha confirmado la presencia de la banda Kleztory de Canadá, el grupo Muntu Valdo de Camerún, Pibo Márquez y las Manos Calientes de Venezuela, Retrovisor de Colombia, Iva Nova de Rusia, Tiris de la República de Saharaui, Huong Thanh Asian Colors de Vietnam, China y Japón, Osama Abdulrasol de Irak, Kissmet de India e Inglaterra, Xosé Manuel Budiño de Galicia, Lepistö & Lehti de Finlandia, Paban Das Baul de India, Minino Garay de Argentina, X Alfonso de Cuba y Mezcal de Bélgica De México, se presentarán ceremonias huicholes y chichimecas, danza contemporánea e indígena, narraciones náhuatls y música Huave, juego de pelota Purépecha o la Danza del Tigre. Grupos tradicionales de todo México como El Gabinete del D.F., La Danza del Tigre de Guerrero, Trovadores de la Tierra de Zapata de Morelos, los Gallos Plateados de Guerrero, además de grupos de rock como La Barranca, Los de Abajo y Panteón Rococó.

Todo ello en diversos escenarios, entre los que se cuentan el recién abierto foro Conciertódromo Ollin Kan (Cantera esquina Avenida Fuentes Brotantes), el Parque Ecológico Loreto y Peña Pobre (San Fernando 765 esquina Insurgentes), Multiforo Ollin Kan (Av. San Fernando s/n esquina Juárez), Universidad Autónoma de Chiapas en Tapachula, Centro de Tlalpan, el Teatro de la Ciudad (Donceles 36, Centro Histórico), Centro de Tlalpan, el Foro Cultural Xóchitl (Corregidora s/n esquina Campo Xóchitl) o la explanada de la Delegación Benito Juárez.

Para mayores informes: http://www.ollinkan.tlalpan.gob.mx O en las oficinas del festival: Plaza de la Constitución No.10 Esq. Morelos Col. Centro de Tlalpan México Distrito Federal, Delegación Tlalpan México 14000 Teléfono: 54859048

jas

Re Las máscaras del México Profundo Por: Sergio Raúl López

Las rejas que circundan al Bosque de Chapultepec por el lado de Paseo de la Reforma, se han convertido en una de las más gozosas experiencias para admirar fotografías. Ahora, con la exposición de la fotógrafa de origen alemán Ruth D. Lechuga, Otros rostros de México, podremos mirar 135 imágenes con retratos de máscaras de las diversas fiestas populares del país con rostros ancestrales, señas de animales, caras de infierno, historia, leyenda y fantasía. Además, la galería abierta cuenta con equipamiento nuevo, más limpio y amigable con el medio ambiente.

Otros rostros de México. La mirada de Ruth D. Lechuga.

Galería Abierta de las Rejas de Chapultepec Hasta el 23 de junio.

novadas

Re

El futuro ideal de la industria cinematográfica, tal y como lo imagina Amat Escalante, es que cada casa tuviera una pantalla gigante y conectada a una red como la de Internet, que tiene, disponibles, todas las películas del mundo a un costo de dos o tres pesos, y parte de ese costo va para el productor. En ese tiempo, predice, las salas de exhibición ya no existirán más. Muchos defectos actuales, como los fueras de foco, las luces bajas y otros, se eliminarían con la proyección digital.

Los bastardos, relatos del desencuentro entre norteamericanos Sergio Raúl López

A pesar de eso, el joven y exitoso cineasta guanajuatense quiere seguir filmando con rollos de película y cámaras mecánicas, no con aparatos digitales. Al menos, así ha filmado sus dos primeros largometrajes, Sangre (2005) que ganó el premio de la federación internacional de críticos, la FIPRESCI, en el Festival de Cannes, además de decenas de otros premios. Y su segunda película, Los bastardos (2008), fue la única realización mexicana en competir en Cannes en ese año, en la sección Una cierta mirada.

Autodidacto en materia de cine, Amat se formó como director acudiendo de niño a las películas de arte que se proyectaban en el Cine Club de la Universidad de Guanajuato y después en El Paso, Texas para, finalmente, tardar cinco años en realizar su primer documental, Amarrados (2002).

“No sé, a mí me gustaría seguir filmando en cine por lo que te da. O cuando salga un formato digital que sí llegue al nivel del cine ya me convenceré. Pero como quise hacer cine por verlo, pienso que si no lo hago con película, estoy haciendo algo menos”.

Gil Jacob, el presidente del Festival de Canes declaró hace unos meses a la revista Variety, que considera a Amat uno de los tres más importantes directores del futuro. Tras radicar un año completo en Turquía, el

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joven y exitoso director mexicano finalmente arriba a la cartelera mexicana con Los bastardos, en la que aborda el tema de los migrantes mexicanos pero no como criaturas abandonadas dejadas a su merced en un país extraño, sino como seres humanos que no pueden adaptarse a una cultura tan ajena a la propia.

— En esta cinta, tú no presentas a los migrantes mexicanos como víctimas en Estados Unidos.

— Yo quería hacer una película con dos chavos mexicanos tal y como los conozco, aparte de que sean migrantes. Si uno llega a Estados Unidos a ganarse la vida tras cruzar el desierto, eso quiere decir que son personas fuertes y de carácter, de manera que no tenía sentido para mí contratar a dos actores para representar a los indocumentados, quería que fueran fuertes y que tomaran decisiones. Son víctimas, es verdad, pero no tan obviamente.

— Es que no es un asunto tan maniqueo como lo presentan la mayoría de las películas mexicanas, tiene sus aristas y sus complejidades.

— Cada que veía personajes migrantes en las películas, siempre eran así, las víctimas y, más que eso, los pobrecitos. Yo quería dos hombres que confronten al público y no darle nada más lo que se espera de ellos, el cliché del migrante. Y curiosamente en Estados Unidos han criticado la película porque, dicen, estoy mostrando al mexicano cliché a los ojos de los estadounidenses. Pero uno no puede limitarse para no hacer un cliché, allá lo que creas, pero para mí no lo es.

— Aunque presentas una zona residencial, de los suburbios, los protagonistas comen comida congelada, Coca-Cola y cochinadas. No tienen un nivel de vida tan bueno como podrían pensar los personajes mexicanos.

— Claro. La casa que invaden, para mí, es una metáfora de Estados Unidos. Estos dos chavos anhelan un poco de calor humano, una mujer, comida, un poco de diversión y estar apapachados por un rato. Entonces deciden entrar a esta casa en la que saben que va a estar una mujer sola, realmente no van con la intención de matarla, pero resulta que ahí hay elementos que van empeorando la situación: la droga, el hijo y entonces al final salen peor de lo que entraron, salen perdiendo.

— Me parece que exploras el choque cultural. ¿Cómo observas a los Estados Unidos?

— Yo viví en Estados Unidos e incluso en uno de estos suburbios. Cuando caminaba en la calle estaba yo solo, está todo desolado y hay tensión. Por ejemplo, un coche y unos chavos te gritan algo. Eso es casi impensable aquí en México porque es otro estilo de vida. Y yo quería enseñar ese país que no es fácil de penetrar. Estos chavos están en Estados Unidos pero realmente no pueden entrar, aunque estén ahí. Y tampoco están en México. Entonces, ¿dónde están? Esa es también la idea de la película, que nunca penetran y son rechazados. Octavio Paz decía, en El Laberinto de la Soledad que en el estado de California las dos culturas flotan en el aire pero nunca se tocan, y eso siempre lo tenía en mente, incluso antes de la película. Quería filmar el choque de esas dos culturas y a ver qué pasa cuando están al mismo nivel y dentro de una casa.

— Los dos comparten el desconocimiento absoluto del otro, pero no sólo no pueden comunicarse por el lenguaje, hay algo más que les impide fraternizar.

— Sí, la idea en la película es que ellos se comunican porque ella necesita algo que ellos le dan un poco. Ya ves que su hijo rechaza la comida y ellos la aceptan, ella está sola y ellos la acompañan, se están comunicando de alguna manera, y mi idea era el hecho de estar dentro de la casa los igualara, ya no son víctima y victimario, vemos que ella tiene problemas, que está sola y que de hecho ellos tal vez están en una mejor posición, aunque no lo sepan. Quería enseñar eso un cierto tipo de comunicación que no es verbal pero sucede. Y lo que el chavo ve en ella representa la perdición: las drogas, el sexo, estar ahí porque alguien la quiere matar.

— Tus personajes inician la cinta caminando por un canal de drenaje, pero van jugando con un balón de futbol, en un tono contemplativo.

— Eso era mi idea, hacer una película algo ambigua y neutra, aplanarla para que cada quien se refleje en ella. Quería enseñar una muerte que realmente afectara a público, no como las de Hollywood o las de Batman, donde ves a 150 muertos pero como un show y cada muerto es una cosa que vende boletos.

Si iba a mostrar un asesinato tenía que hacerlo como es en realidad porque la violencia es horrible, asesinar es un fenómeno muy grande, muy feo, y eso quería yo sacar de la película.

Palabras encadenadas muestra los momentos esquizofrénicos a los que llega una pareja contemporánea.

Julieta Sánchez Quiroz

A través de la irrealidad y el manejo de los escenarios y artificios, Palabras encadenadas, obra del dramaturgo catalán Jordi Galcerán montada en el Teatro Helénico bajo la dirección de Alejandro Aragón, trata un tema fundamental: lo subjetivo a partir de la experiencia única de cada quien, en este caso la relación límite de una ex pareja.

Tortura y maltrato psicológico es el juego que se crea en esta puesta en escena (donde comparten actuaciones Juan Carlos Bonet, Yolanda Ventura, María Rebeca y el propio Aragón) convirtiéndolo en un ejercicio lúdico de palabras, expone el director del montaje en entrevista con DFin. — ¿Qué ventajas le permite ser actor alternante al mismo tiempo que director?

— Es una obra que tenía muchas ganas de actuar pero no encontré a nadie en quién confiar, por la propuesta de la obra, y no me sentía seguro. Así que la tuve que hacer y conseguimos una especie de química de taller: aunque tenía muy claro lo que quería hacer con la obra, me ayudó mucho compartir todas las experimentaciones, improvisaciones y trabajo de mesa con los actores, así que me sirvió para encontrar el camino de cómo montarla.

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— En Palabras encadenadas toca temas de violencia actual, como el secuestro y el asesinato, ¿por qué hacerlo así?

— Como temas del día, solamente. Cuando hablas de secuestro y asesinato, hablas de artificios; cuando hablas de cosas reales de la obra, estás hablando de la tortura, del maltrato psicológico que infringe el uno al otro, cómo hombre y mujer son víctimas y victimarios de lo mismo, como en todas las parejas. De hecho, la vida en pareja determina una serie de cosas de valor y autoestima, te hace ver todo como en un espejo.

Creo que ése es el gran ejercicio de la obra: no solamente el secuestro y el asesinato simulados; que obviamente en este caso son así.

— ¿Qué efectos consigue la ambigüedad entre víctima y victimario y qué significa la verdad?

— La única verdad absoluta que tiene la obra es el mundo de la irrealidad, donde tenemos nuestra versión personal de todo: de cómo es su vida en pareja, de lo que pasó, de lo que va a suceder, de tu óptica en cuanto a cómo ha vivido. Lo único real y sustentable, y que puedes decir que sí pasó, es que son personas jugando, peleando o tratando de imponer una verdad subjetiva; no sabes si esta obra termina en verdad asesinándola o si simplemente es una simulación y después ambos se levantan y dicen ‘vamos por los niños a la escuela’. Es una vida tan única, tan privada, donde cada día juegas un rol diferente que cambia como los momentos. Ése es el verdadero estudio de la obra. Se habla de un asesinato, vemos que la mata, pero el texto no dice que la mata. Lo que realmente importa es cómo sufre el personaje varón, es una víctima, y cómo después ella es la víctima y él el torturador, violento, drogadicto y pervertido sexual, que a lo mejor ninguna de esas cosas es cierta y sólo es algo de lo que están hablando.

Fotos: Cortesía Centro Cultural Helénico

— La obra es, digamos, la exploración de las relaciones de pareja llevadas al límite, ¿es parte de la contemporaneidad?

— Es lo más contemporáneo que he visto, nunca había visto que un señor realmente se volteara a ver a la pareja, de una manera tan realmente esquizofrénica, como somos todos. Creo que en el mundo de la pareja, esta dispersión tan particular de nuestras realidades, es lo que determina el que sobreviva o no como tal: jugar en tantos roles, donde a veces pasas del peor enemigo al mejor amigo. Este autor lo que hizo fue abrirlo en canal a través de una dinamita que es un gran juego, el de las palabras encadenadas, y quién se supone que sobrevive. Finalmente, ése es el mundo de la pareja: una gran conversación y una gran apuesta de postura de vida. Ningún otro autor, ni contemporáneo ni anterior, había explorado de esa forma a la pareja.

— ¿Eso le llamó la atención de la obra?

— Las palabras, cada palabra que se dice en la obra, constituye una oración brillante e inteligente.

Aquí no se habla como en la vida real, en ella no construyes así, sino que es un texto muy bello y eso fue lo que me llamó bastante la atención.

Además está la situación de la obra, quiero decir las circunstancias y la relación de fuerzas que tienen los personajes. Para mí resultó muy importante cómo construir esas oraciones.

— En cuanto a la escenografía, ¿corresponde a un mandato del texto o usted la eligió?

— Necesitaba que la obra dejara de ser aparentemente realista. Imaginas a alguien secuestrado en una covacha sucia o en una casa de seguridad, pero no en un lugar como en el que se está desarrollando esta diatriba entre los personajes. Lo importante es que no esté definido, o sea, no se sabe si es el sótano o el basamento de una casa, un cuarto de un hospital para enfermos mentales; planeamos algo neutro, que no dijera claramente lo que es. Es una necesidad para mí en la obra.

— ¿Qué tan difícil es no caer en excesos a la hora de desarrollar tantas vueltas de tuerca?

— Casi nadie ha leído a Jordi Galcerán, sus textos provocan juicios que nos van a dar elementos para llegar a la comunicación, rompiendo con los convencionalismos. Te da una serie de elementos, rompe las narraciones y para ti como espectador es un ejercicio. Es la más brillante recurrencia.

— ¿A qué responde la utilización del video?

— Se dio por una cuestión de ver todo a través de un monitor, es un recurso, un “aparato feo”; se desplaza la gran pantalla para darle teatralidad.

— ¿Qué opina de la condición del teatro mexicano?

— Es un movimiento noble del gremio, llevar cosas al público. La tele no es un arte, permea al pueblo de la cultura. El teatro cumple con su compromiso ideológico y cultural.

Palabras encadenadas se presenta en el Teatro Helénico (Avenida Revolución1500, San Ángel Inn). Hasta el 28 de julio. Ma, 20:30 h. Boletos en taquilla y sistema Ticketmaster. $200.

Política existencial desde el corazón Por Javier Pérez

Dice Ana Francis Mor que la risa es una de las flechas más certeras y que, en el caso mexicano, tiene además la cara pintada de calaca. Fraudestein, espectáculo de cabaret contemporáneo que este mes de junio se presentará en el teatro-bar El Vicio, está para ejemplificarlo. Con el conocido humor mordaz que caracteriza a Las Reinas Chulas, del que forma parte y produce el espectáculo, Mor –acompañada por Adriana Moles- reinterpreta al Frankenstein de Shelley en una mescolanza de temas políticos, existenciales y hasta de amor que ya habían dado de qué hablar cuando se presentó en el Festival de Cabaret Contemporáneo del año pasado.

contemporáneo mexicano (salvo honrosas excepciones) es esta “lejanía” con respecto al acontecer cotidiano, al contexto. Si los griegos no lo hicieron, ¿por qué nosotras tendríamos que hacerlo?

— La risa es fundamental en esta clase de espectáculos, ¿cómo trabajarla con profundidad?

— Te permite cruzar de lado a lado el corazón de l@s espectador@s. La risa es —desde nuestro punto de vista— una oportunidad para reflexionar desde el placer, desde la imaginación, desde el sí a la diversión, desde el dolor del alma y la alegría de sentir. No hay risa más profunda que aquella que viene de la muerte, de la conciencia de la existencia, del desazón, de la sinrazón nacional.

La risa mexicana tiene la cara pintada de calaca.

— ¿Por qué conjugar estos tres puntos, aparente- Eso es inevitable. mente disímbolos, en un espectáculo de cabaret — ¿Qué significa el cabaret contemporáneo para contemporáneo?

Las Reinas Chulas?

— Supongo que para mí la política es parte de mi — La oportunidad de gritar a todo pulmón que la existencia y la vivo desde el corazón. Imposible vida es un placer y que la culpa es como las esculsería separarlos. Intentar que un espectáculo fuera turas de Sebastián: grandotas, feas e inservibles. sólo amoroso o existencial, sería una falacia. De

Foto: Cortesía Las Reinas Chulas

hecho, uno de los grandes fracasos del teatro

— Fraudestein alude en su título a algo fraudulento, ¿estamos ante una obra de denuncia? ¿De qué tipo?

— Más bien de premonición, pero sobre todo de juego con la condición impune de la política mexicana. La democracia mexicana es un fraude, el sistema de salud es un fraude, las instituciones que conforman el Estado que procura el bienestar de los ciudadanos son un fraude de risa loca. Lo electoral es la punta del iceberg. Decir denuncia es un término extraño, suena como a panfleto.

Supongo que el cabaret intenta compartir el dolor, desde la risa, desde la catarsis y la alegría. Desde la libertad de la risa, porque reírse a carcajadas es un acto transgresor.

Teatro-bar El Vicio (Madrid 13, Coyoacán). Vi y sá, del 12 al 27 de junio, 22:30 h. $200. Boletos en taquilla.

Los cuestionamientos existenciales han llevado a la humanidad a profundas reflexiones, prueba de ello es el pensamiento filosófico.

Pero también el arte responde a estos cuestionamientos. A partir de la pregunta ¿quién soy?, Jessica Sandoval y Pamela Cuadros trascendieron la creación de una coreografía para situarse en el terreno de la exploración escénica en Antropía, puesta de danza contemporánea que se estrena este mes en el Foro Sor Juana del Centro Cultural Universitario. Dirigidas por Juliana Faesler, las tres “presencias” (las bailarinas Abigail Soqui, Renata Wimer y la propia Sandoval) se mueven en un escenario interactivo donde danza, teatro, música e intervención audiovisual se funden al servicio del concepto. Lo importante es que las reacciones de la interacción vayan más allá el espacio limitado permitiendo la interpretación de los espectadores en una especie de conciencia colectiva de las consecuencias de nuestras acciones.

Foro Sor Juana Inés de la Cruz del Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000). Mi, 20 h. $100 y $50 con descuento.

Foto: Danza UNAM

Danza existencial

Delirium tremens Por Redacción DFin

Foto: José Jorge Carreón/Teatro UNAM

Entre 1976 y 1978, Ignacio Solares — actual director de la Revista de la Universidad — entrevistó a más de 100 alcohólicos con la finalidad de encontrar las respuestas a las dudas que tenía en relación con el delirium trémens, padecimiento alucinatorio (visual, auditivo y hasta olfativo) que aqueja a algunos alcohólicos. Los resultados, recogidos en el reportaje homónimo, le aclararon que esta lesión cerebral parecía no dejar huella en el enfermo, aunque sí una clara tendencia al misticismo. Antonio Crestani, director y adaptador del best seller a las tablas, mantiene en escena el espíritu del trabajo periodístico, sin olvidarse del humor y evitando a toda costa los juicios moralinos que pudieran hacerlo caer o en la condenación o en la apología. La obra tiene como personaje principal a Gabriel (Jorge Ávalos), quien, en su búsqueda del ser divino (la enfermedad, a su vez, permite extrasensorialidad), liga las historias que se entrecruzan a lo largo de la puesta en escena.

Teatro Santa Catarina (Jardín Santa Catarina 10, Coyoacán). Ju y vi, 20 h; sá, 18 y 20; do, 18. $140 (ju, $30). Descuentos especiales. Hasta el 5 de julio.

Cabaret de arte acción Por Redacción DFin

Foto: cortesía Niña Yhared

Niña Yhared (1814), como se hace llamar Yhared Lago, es una de las artistas del performance, o arte acción, más destacadas de México: actualmente dirige La Casa de la Niña, galería de performance donde exhibe su obra pictórica de temática erótica (además, está por publicar su segundo volumen de cuentos y dibujos). En Venus Cabaret, espectáculo multidisciplinario de corte minimalista que presenta en Casa del Lago, realiza una reflexión sobre las crisis actuales (llámense económicas, políticas o existenciales) a partir de lo que califica como juego de espejos entre principios del siglo 20 (los “locos” años veinte) y los turbulentos primeros años del 21, donde el ambiente de los viejos cabarets parisinos da la mano a las expresiones minimalistas que permite el arte acción. Presentado a finales del año pasado en la Plaza de la Danza del Centro Nacional de las Artes, es una buena oportunidad para acercarse a una propuesta de arte contemporáneo detonada a partir de La Venus de la pieles, de Sacher Masoch, e influenciada por el cine expresionista alemán (en especial La caja de Pandora) en donde danza, video y música de piano crean un sugestivo ambiente que emplea al cuerpo como metáfora y punto de creación.

En Casa del Lago, Bosque de Chapultepec 1ª. sección.

Vi, 20 h y sá 19 h, hasta el 13 de junio. $150. Venta de boletos una hora antes de cada función. Descuentos especiales.

TRECE

Veintinueve ediciones del Foro de la Cineteca Integrada por 14 largometrajes, esta edición incluye filmes de Mike Leigh y Laurent Cantet Por Javier Pérez

Debido a la contingencia sanitaria de finales de abril y principios de mayo, el vigésimo noveno Foro Internacional de la Cineteca pospuso su arranque hasta este 4 de junio, con 14 largometrajes programados en esta edición. Resalta que en ésta se abre la sección “Ventana digital”, la cual, con el apoyo de la firma Sony, ofrecerá alta definición en las proyecciones digitales, como será el caso de la película inaugural del foro: la nunca estrenada comercialmente en México Mishima (1985).

Los herederos México, 2008.

Dirige: EugenioPorPolgovsky.

Documental.

Remedios Buendía Tras Trópico de cáncer, Polgovsky se confirma como un documentalista capaz de asomarse a la intransitable e inconfesable realidad sin dejos de tremendismo ni sensacionalismo, pero con la habilidad necesaria para convertir a la imagen en diálogo preciso, crítico y analítico. Los herederos a los que refiere el título son aquellos niños que, a lo largo del México rural, son sometidos a duras jornadas laborales en pos de la supervivencia. 6 y 7 *

Mishima: Una vida en cuatro capítulos Mishima: A Life in Four Chapters; EU, 1985.

Dirige: Paul Schrader. Con: Ken Ogata, Masayuki Shionoya, Junkichi Orimoto.

Aunque son cuatro episodios, el filme del también guionista de Taxi driver se centra en tres universos del genial escritor japonés Yukio Mishima (quien se decía samurái y tenía su propio ejército): el público, avalado por su narcicismo y su éxito como novelista, y que abre y cierra (con el ritual suicida) el filme; el privado, que da matices biográficos y utiliza una estilizada fotografía en blanco y negro; el literario, con la poética recreación de pasajes de tres de sus novelas. Por cierto, la música de Philip Glass inyecta vitalidad y puntea la emotividad. 4 y 5 *

Involuntario De Ofrivilliga; Suecia, 2008.

Dirige: Ruben Östlund. Con: Villmar Björkman, Linnea Cart-Lamy, Leif Edlund. Östlund ha comentado que lo primero que decidió fue partir del tema del comportamiento de grupo. Así, y apostando por la contemplación (¿voyerismo Eimbckiano?) a través de tomas sostenidas y alejadas, planos secuencia y encuadres arriesgados, propone un retrato de la sociedad sueca en cinco episodios. 7 y 8 **

Kabuli Kid

Kabuli Kid; Francia-Afganistán, 2008. Dirección, guión y música: Barmak Akram. Con: Hadji Gul, Valery Schatz, Amélie Glenn.

La dulce vida Apoyado en la cámara en mano para otorgar Happy Go-Lucky; GB, 2008. Dirige: Mike Leigh. un toque documental a su debut fílmico, Akram Con: Sally Hawkins, Elliot Cowan, Alexis Zegerman. arma un mosaico citadino que se desarrolla en Parece que en esta cinta no ocurre nada y que las calles de Kabul, ciudad en construcción que peca de banalidad, pues la historia de una alegre mantiene a sus habitantes en una actitud contramaestra de primaria superoptimista no promete. dictoria, al desarrollar la historia del taxista Kahled Sin embargo, en las manos de Leigh, pero sobre quien encuentra a un bebé abandonado en el todo en la habilidad de Sally Hawkins (quien asiento trasero de su auto y trata de encontrarle obtuvo el Oso de Plata de Berlín por su actuación) un hogar ante el desinterés general. 8 y 9* como la institutriz Poppy, adquiere una dimensión distinta, profunda, reflexiva y desde luego emotiva. 5 y 6 **

CATORCE

Cazadores desde el principio de los tiempos Hunters since the beginning of time; Rusia-ItaliaSuiza, 2008. Dirige: Carlos Casas. Documental.

En 2001, el realizador barcelonés se propuso la tarea de rodar una trilogía documental dedicada a los lugares más extremos de la Tierra. En Cazadores…, con el que ganó el Ficco 2008, recoge la tradición de los chukchi, un grupo de cazadores de ballenas del norte de Siberia, mostrando sus rituales y costumbres. 9 y 10**

Viaje de bodas Sveitabrúðkaup; Islandia, 2008. Dirige: Valdís Óskarsdóttir. Con: Hreinn Beck, Erlendur Eiríksson, Ágústa Eva Erlendsdóttir.

En esa línea tan característica del cine escandinavo, entre lo hilarante y lo depresivo, se mueve la ópera prima de la experimentada editora Óskarsdóttir, quien trabajó en cintas dogma clásicas como Festen y Mifune y para Harmony Korine, Gus van Sant y Michael Gondry. La boda ideal de Ingibjorg y Baröi va a celebrarse en una parroquia rural, pero el viaje con una familia disfuncional adquiere derroteros insospechados. 10 y 11 *

La sangre brota Argentina-Francia-Alemania, 2008.

Dirige: Pablo Fendrik. Con: Arturo Goetz, Nahuel Pérez Biscayart, Guillermo Arengo, Stella Galazzi.

Lo que parecía un filme entre tantos (es decir, inocuo) de repente adquiere una dimensión completamente radical al convertirse en un encontronazo familiar. Arturo, un taxista sexagenario, tiene que conseguir mil dólares en menos de 24 horas para ayudar a su hijo mayor, pero justo ese día su hijo menor, un dealer en ciernes, planea robarle sus ahorros. 11 y 12 ** Ilustración: Molcajete medios

El limonero Etz Limon; Israel-Alemania-Francia, 2008. Dirige: Eran Riklis. Con Hiam Abbas, Ali Suliman, Rona Lipaz-Michael.

Inteligente metáfora sobre el conflicto entre israelíes y palestinos, El limonero parte de un drama que involucra a una viuda palestina que enfrenta los absurdos que conlleva el control de la seguridad estatal israelí cuando el ministro de defensa de ese país se instala como su vecino y considera una amenaza los limoneros que llevan más de 50 años ahí. 12 y 13 *

Los que se quedan México, 2008. Dirigen: Juan Carlos Rulfo y Carlos Hagerman. Documental.

Ganadora de la reciente edición del Festival de Guadalajara en la categoría de documental, la cinta retrata a las familias que quedan desmembradas tras la partida de algunos de sus miembros por varias partes del país, con el estilo reflexivo y estético que caracteriza el cine de Rulfo. 13 y 14 **

La clase Entre les murs; Francia, 2008. Dirige: Laurent Cantet. Con: François Bégaudeau, Nassim Amrabt, Laura Baquela.

La Palma de Oro 2008 parte de una premisa bastante explorada por el cine de Estados Unidos: la de la relación entre jóvenes estudiantes y alguno de sus maestros y cómo a lo largo de su interacción se ven transformados en distintos niveles de profundidad. Cantet lo hace con frescura, sin idealismos y presentando a uno y otro como lo que son: seres humanos con aciertos y errores.

14 y 15*

El cielo, la tierra y la lluvia Chile-Francia-Alemania, 2008. Dirige: José Luis Torres Leiva. Con: Julieta Figueroa, Pablo Krögh, Mariana Muñoz y Angélica Riquelme.

Una bella cinematografía y un sutil diseño de sonido enmarcan la vida solitaria de cuatro habitantes de una pequeña isla al sur de Chile, así como la naturaleza que los rodea. Lo que importaba al realizador, según sus propias palabras, era la fusión del hombre con su entorno. 15 y 16 **

Tony Manero Chile-Brasil, 2008. Dirige: Pablo Larraín. Con: Alfredo Castro, Paola Lattus, Héctor Morales.

El reflejo político no puede ser más certero: es 1978, cuando Chile se encuentra sometido al régimen dictatorial de Pinochet, donde reina la tensión y una falta de moral que permea todo el filme, incluido el comportamiento del cincuentón Raúl en su afán por imitar a Tony Manero, el personaje encarnado por John Travolta en Fiebre de sábado por la noche.

16 y 17*

Vals con Bashir Vals im Bashir; Israel-Alemania-Francia, 2008.

Dirige: Ari Folman. Con: Ori Sivan, Ronny Dayag, Schmuel Frenkel, Zahava Solomon.

La animación va adquiriendo un respeto cada vez mayor. En manos del documentalista Ari Folman se vuelve en un asunto crítico, que permite una reflexión sobre el pasado y el presente a partir de la reconstrucción de una masacre (la de la invasión a Líbano en el 82), donde el propio realizador fue combatiente.

Cineteca Nacional (Av. México Coyoacán 389, Xoco), en las salas 1 (*) y 2 (**). En cada sala, primer día de exhibición de una película: 12, 16, 18:15 y 20:30 h; segundo día, 13, 16:30, 18:45 y 21 h, excepto La clase. El circuito metropolitano también incluye la Sala Julio Bracho del CCU (www.filmoteca.unam.mx), Cinemanía Plaza Loreto (www.cinemanias.com.mx), auditorios Alejo Peralta (Zacatenco) y de la Escuela Superior de Medicina IPN (www. cultura.ipn.mx), Lumiere Reforma (www.cinemaslumiere.com), Centro Universitario Cultural (www.cuc.org.mx), Cinépolis Diana, Perisur y Universidad (www.cinepolis. com.mx), Cinemex Altavista, Casa de Arte, Insurgentes (www.cinemex.com) y Cinemark Coapa.

DIECISEÍS

EU, 2009. Dirige: Pete Docter.

Compendio de emociones sostenido a partir del uso cada vez más óptimo de la técnica de animación (es el primer filme hecho con la Disney Dgital 3-D) y de una historia de amistad, comprensión, aceptación y confrontación de las soledades, Up es la apuesta veraniega de los estudios Pixar. Sin dejar de lado las fórmulas clásicas del bien contra el mal, el filme consigue mantener la atención del espectador (adultos incluidos) con el acierto de encontrar en la fatalidad de la vida misma (la muerte de un ser querido, los padres ausentes) y en la desprotección de las estructuras más frágiles y por ende más solitarias de la institución familiar, niños y adultos mayores, un sólido arranque que, por trágico, resulta no menos que atractivo. Aunque no es una tragedia, sino una cinta de aventuras con todo y happy end.

El casi octogenario Carl Fredricksen decide, antes que recluirse en un asilo, aprovechar sus habilidades como globero para hacer volar su casa y buscar las cataratas de su ansiado viaje por Sudamérica. Pero lleva a un inesperado compañero de viaje, el pequeño Russell, de ocho años, con quien aprenderá a valorar el poder de la amistad, el compañerismo y las emociones en un peligroso viaje por la selva donde ronda el tecnologizado Charles Muntz, héroe de la infancia de Carl que vive rodeado de perros parlanchines, obsesionado por atrapar una extraña especie de ave.

Buenavista International Pictures

Up

Fritt Vilt 2; Noruega, 2008. Dirige: Mats Stenberg.

Con: Ingrid Bolsø Berdal, Marthe Snorresdotter Rovik, Robert Follin.

En principio, esta cinta noruega que sigue el patrón de las slasher convencionales aparentemente no presenta nada nuevo bajo el sol. Sin embargo, su manufactura y la manera como el realizador, Mats Stenberg, aborda el filme, la convierten en una cinta de horror que, al cobijarse en atmósferas gobernadas por el miedo a lo desconocido cuyo catalizador no es más que el propio espectador y sus fobias, se percibe novedosa. Stenberg emplea cortes bruscos, movimientos de cámara rápidos, un score frenético y antimelódico que sube y baja a placer, una fotografía oscura que recurre a lo básico de la cinematografía (sombras y reflejos) para que la historia de Jannike (Ingrid Bolso Berdal), la única sobreviviente de la primera parte, siga su curso sin dar ningún respiro. Ella, que mató a Geir Olav Brath (Robert Follin), el maloso que asesinó a sus amigos, llega a un hospital, donde es atendida. Tras contar su peripecia, un grupo sale a corroborarla y regresa con todos los cadáveres, incluido el de Brath, quien revive de manera inexplicable.

Cortesia Zima Entertainment

Escalofrío 2

Transformers: Revenge of the Fallen; EU, 2009.

Dir. Michael Bay. Con: Megan Fox, Shia LaBeouf.

Exaltación de la lucha del bien contra el mal, Trasformers: la revancha de los caídos responde a las “necesidades” de los estudios por acaparar a los espectadores veraniegos ávidos de superproducciones llenas de efectos especiales. En este caso el entorno es inmejorable para darle vuelo a la tecnología: la batalla entre un par de ejércitos de robots alienígenas gigantes (decépticons y autobots) en busca de o bien controlar o resguardar el universo con la consabida exaltación visual y sonora que permiten las explosiones, persecuciones y la historia romántica que se cuela en la que se involucra a una de las actrices más buscadas del momento (Megan Fox). Skorpinox, uno de los decépticons, roba el cuerpo de Megatrón y lo revive (desde la primera entrega se sabía que era revivible), mientras el resto de su ejército se repliega y prepara el combate bajo el comando de Starscream. En la Tierra, Optimus Prime, líder de los autobots (por cierto, cuya voz es la original de la caricatura de los ochenta), crea una alianza con los ejércitos internacionales para pacificar y salvar el Universo.

La visita de la banda

Bikur hatizmoret; Israel-EU-Francia; 2008.

Dirige: Eran Kolirin. Con: Sasson Gabai, Ronit Elkabetz, Saleh Bakri.

Ojalá que no suceda lo de siempre con estos filmes pequeños (en cuanto a sus alcances de exhibición), calificados como cine de arte, que se mantienen apenas una, dos semanas en la cartelera comercial, porque siempre vale la pena mirar otro tipo de ritmo, otra manera de filmar, encuadrar y contar historias. Y más cuando éstas son tan sorpresivas como La visita de la banda, filme sobre la convivencia de dos culturas aparentemente enemigas (la árabe y la israelí) en un pueblo del desierto israelí adonde llega la egipcia Orquesta Ceremonial de la Policía de Alejandría en el autobús equivocado. La convivencia ocurre naturalmente, liderada por Dina (Ronit Elkabetz), la dueña de una cafetería, y Tewfiq (Sasson Gabai), el líder de la banda. Todos los posibles caminos que podrían pensarse adquiriría el filme de Kolirin (desde una comedia de situación hasta un dramón de alcances raciales o una historia romántica) acaban por tomar otros rumbos y se centran en un reflexivo comentario sobre la soledad compartida.

Cortesia Zima Entertainment

Paramount Pictures

Transformers: la revancha de los caídos

Bienal de Diseño Convoca: el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, a través del Centro Nacional de las Artes y la Escuela de Diseño del INBA. Pueden participar diseñadores, artistas visuales y estudiantes de diseño residentes en México, en las siguientes categorías: a) regulares (diseño de publicaciones, mobiliario y telas) y en categorías especiales: diseño de envase, joyería, vestuario, proyecto de envase e investigación de licenciatura.

Los interesados pueden presentar máximo tres obras, ya sea de creación individual o colectiva, diseñadas y producidas en México entre 2005 y 2007.

Premios: 1er lugar, $35,000 por categoría; 2do lugar, una beca de estudios de posgrado, por categoría. Para categorías especiales, becas y asistencia a congresos.

Periodo probable de recepción de inscripciones: de mayo - agosto de 2009.

Para mayores informes: Conaculta/Escuela de Diseño del INBA Xocongo 138 Tránsito CP 06820, Azcapotzalco, Distrito Federal Tels. (55) 55 22 51 61, 55 22 57 62 edinba@correo.inba.gob.mx http://www.envaseyembalaje.com.mx Festival Nacional de Cine y Video Científico Convocan: la Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM, a través de la Dirección General de Actividades Cinematográficas.

Pueden participar instituciones del sector público, privado y particulares que hayan producido programas de cine y video científico con fines de divulgación, investigación y educación en la República mexicana. Quedan excluidos materiales con fines de publicidad y propaganda. Los interesados pueden enviar un máximo de tres programas que se inscriban dentro de las siguientes áreas: ciencias naturales y tecnología; ciencias biomédicas y antropología.

Premios: categoría divulgación científica; 1er lugar, $20,000; 2do lugar, $10,000. Categoría enseñanza; 1er lugar, $20,000; 2do lugar, $10,000. Recepción de inscripciones: por definir.

Para mayores informes: Dirección General de Actividades Cinematográficas de la UNAM San Ildefonso 43 Centro Histórico CP 06020, Cuauhtémoc, Distrito Federal Tels. (55) 56 22 95 97. http://www.filmoteca.unam.mx/site/

Con el fin de crear conciencia sobre la actual situación ambiental Segunda llamada y Natura México invitan a participar en el concurso de diseño de cartel con el tema: El impacto del consumismo en el medio ambiente Podrán participar profesionales y estudiantes de las áreas de diseño, comunicación visual y carreras afines. Se otorgarán 3 primeros lugares y se seleccionarán veinte trabajos finalistas para ser expuestos en la semana de la sustentabilidad de Natura México.

FORMATO / 60x90 / Negro ó Escala de grises / 150dpis / JPG FECHA LIMITE / Viernes 19 de Junio de 2009 Más información de: Bases / Formato / Jurado / Fechas / Premios www.segundallamada.com contacto: gus@segundallamada.com alejandrasandoval@natura.net

DIECINUEVE

Ilustraci贸n: Molcajete medios

Por Jorge Caballero

VEINTE

Después de algunos meses de merecido descanso, la banda más importante del rock mexicano e hispanoparlante, Café Tacvba, vuelve a la carga. El cuarteto de Ciudad Satélite festejará a lo grande sus dos décadas de exitosa y avasalladora vida artística, con la gira 20 Años/20 Ciudades. Sus seguidores de México, Estados Unidos, Centroamérica, Sudamérica y Europa enloquecerán con sus memorables clásicos.

La presentación que nos interesa, la del Distrito Federal, se realizará el 13 de junio en el Foro Sol. Lo que comenzó en un garaje de una casa en Satélite, donde cuatro amigos que se habían conocido en la escuela, llamados Rubén, Quique, Joselo y Meme, hacían sus primeras tocadas para presentar el grupo y pasar un buena noche de sábado bailando.

Era sólo un buen comienzo de lo que hoy es una mítica historia de rocanrol.

Eran finales de los ochenta y Café Tacvba era un grupo que alternaba con bandas de rock, tocaba en bares roqueros pero que no seguía los mismos lineamientos ni las mismas estructuras.

Después del garaje tocaron por primera vez en el escenario del legendario Hijo del Cuervo en junio de 1989; a partir de ese momento, comenzaron las tocadas por el circuito de antros de aquel entonces: El 9, Tutti Frutti, Rockotitlán y LUCC. Hoy, 20 años después, son la banda mexicana de rock más importante y trascendental del mundo. Su carisma y gran talento, les ha valido reconocimiento a nivel mundial. Café Tacvba forma parte de una generación que surgió impetuosa y con varias decenas de propuestas. Su transformación, además de evidente, ha sido benéfica, pues se convirtió en una, o posiblemente la única de su generación, en agotar localidades en foros importantes del continente americano.

Café Tacvba ha hecho de la fusión de ritmos y la independencia de la música armas muy certeras. Así, Meme, Quique, Joselo y Rubén, bajo cualquiera de sus múltiples encarnaciones (Rita Cantalagua, Anónimo, Élfego Buendía, Sizu Yantra, Nru, Gallo Gas, Pinche Juan), actualmente están en una posición privilegiada, respetada y venerada.

Café Tacvba se alista para realizar la gira 20 Años/20 Ciudades Recientemente la banda informó que no habrá disco nuevo para la celebración, pero sí dos libros: uno de entrevistas, hecho por Enrique Blanc, y otro de imágenes tomadas a lo largo de estas dos décadas. Además están preparando un documental bajo la dirección de Ernesto Contreras.

De las ciudades escogidas para la gira, por puro gusto según refirieron, sobresale el concierto en La Habana, Cuba, a la cual con un aire de esperanza dijeron: “Invitaremos a Fidel Castro; sólo esperamos que vaya mucha más gente que la vez anterior que tocamos en La Habana, pues sólo alcanzamos a ver cerca de mil o mil 500 personas”.

El tour 20 Años/20 Ciudades comenzó el pasado 21 de mayo en San Salvador, El Salvador (concierto que de último momento se canceló); el 23 de mayo en Caracas, Venezuela; 27 de mayo en Bogotá, Colombia; 29 de mayo, Quito, Ecuador; 30 de mayo, en Lima, Perú; 3 de junio en La Paz, Bolivia; 5 de junio en Santiago, Chile; 6 de junio en Buenos Aires, Argentina; 9 de junio en La Habana, Cuba; 11 de junio en San Juan, Puerto Rico; 13 de junio en DF, México; 16 de junio en León, Guanajuato; 17 de junio en Guadalajara, Jalisco; 19 de junio en Monterrey, Nuevo León; 21 de junio en Tijuana, Baja California; 24 de junio en Los Ángeles, Estados Unidos; 26 de junio en Chicago, Estados Unidos; 28 de junio en Nueva York, Estados Unidos; 23 de julio en Londres, Inglaterra, y 25 de julio en Barcelona, España.

La venta de boletos para los conciertos de la ciudad de México (13 de junio, Foro Sol), León (16 de junio, Domo de la Feria) y Guadalajara (17 de junio, Arena VFG) se realiza en los lugares de costumbre.

Foto: cortesía OCESA

De regreso en México Redacción Dfin.

El cuarteto fundado en 1981 por Lars Ulrich y James Hetfield regresará a México por tercera vez los próximos jueves 4, sábado 6 y domingo 7 de junio, al Foro Sol. La banda promueve Death Magnetic, su más reciente disco, en tres presentaciones que prometen no defraudar a sus seguidores.

Metallica es un cuarteto formado en Los Ángeles, aunque su carrera se desarrolló básicamente en San Francisco. Comenzaron a grabar discos en 1983 con Kill ‘em all. Luego, en 1984, grabaron Ride the Lightning. Ambos álbumes contienen algunos de los clásicos del metal de todos los tiempos, parte del set list acostumbrado por la banda.

En 1986 lanzaron Master of Puppets, uno de los discos más influyentes en la historia del metal. Llegó al número 29 de los 200 más vendidos de Billboard y se mantuvo en esa lista durante cerca de 20 meses. Fue también el primer disco de la banda en ser certificado Oro, en 1986. Para el 2003 había alcanzado el estatus de seis veces platino.

Su siguiente disco fue ...And Justice for All, el primero con el que obtuvieron una nominación al Grammy, que luego se convirtió en el primero de nueve de dichos premios obtenidos a lo largo de su carrera. En 1991 lanzaron Metallica, también conocido como “el álbum negro”, el cual debutó en el número uno de la lista de Billboard. Con el tiempo se convirtió en uno de los discos más vendidos de la historia.

Entre 1996 y 1997 sacaron dos discos: Load y Re Load. Luego vino un espacio de cinco años sin producciones de estudio, aunque ocuparon ese tiempo para sacar Garage Inc. (colección doble de cóvers) y S&M (concierto sinfónico) en 1998 y 1999, respectivamente. Para el 2003 ofrecieron St. Anger, su octavo disco en estudio. También en esos tiempos realizaron el documental Some Kind of Monster. Ya en el 2008 terminaron Death Magnetic, su noveno disco en estudio, el cual los traerá de regreso a nuestro país, 10 años después de su última visita. Avenged Sevenfold será la banda invitada.

Metallica en el Foro Sol, ju 4, sá 6 y do 7 de junio. Boletos disponibles en el sistema Ticketmaster, al teléfono 5325 9000 y www.ticketmaster.com.mx.

VEINTIDÓS

Odisea abismal Redacción DFin

Una odisea por el abismo del rock, entre guitarras eléctricas, baladas mórbidas y danzas tribales. Así es la esencia de The Sisters of Mercy, la banda británica que conquistó a una generación de amantes de la oscuridad al ritmo de Temple Of Love.

Junto con Bauhaus, Sisters of Mercy es considerado uno de los grupos clave del movimiento gótico, con sus atmósferas hipnotizantes, simbología y rituales esotéricos. Ellos se han alejado de los estereotipos gracias a su original sonido, compuesto por poderosas guitarras eléctricas desprendidas de sus raíces hard rock y ritmos electrónicos. Un sonido solemne y sofisticado, que puede expresar las más intensas pasiones, gracias al bajo y poderoso timbre de voz de Andrew Eldritch, vocalista y líder de la banda.

Formada en Leeds, Inglaterra, en 1980, Sisters of Mercy toma su nombre de la canción homónima de Leonard Cohen, en la que el cantante utiliza el término para describir a las amantes callejeras. “Nos gustó la ambigüedad del nombre, al referiste tanto a la orden religiosa como al concepto adoptado por Cohen -explica Eldrich- , parecería que la prostitución es una buena metáfora para una banda de rock”.

Creadores de obras maestras del movimiento dark gótico como First, Last and Always, Floodland y Vision Thing, Sisters of Mercy es referencia obligada para los seguidores de la música oscura y atmosférica, por lo que serán homenajeados el próximo viernes 6 de septiembre a las 21:00 h en el café Les Fleurs Du Mort. La programación correrá a cargo de Víctor Hugo Guerrero, productor de desaparecidos programas de rock alternativo como Darkwave y Metalmorfosis, y miembro de bandas locales como Illusions y Angelique.

Circo Volador, 10 de junio. Boletos en los lugares de costumbre.

Mónica Lavín relata en su novela histórica "Yo, la peor" la vida de sor Juana Inés de la Cruz Por Javier Pérez

Antes de ser la figura grabada en un billete y la poetisa estudiada por eruditos, sor Juana Inés de la Cruz fue Juana Inés, figura de carne y hueso que Mónica Lavín (Distrito Federal, 1955) se encarga de desmitificar en su novela histórica Yo, la peor (Grijalbo). No se trata de una biografía novelada; de hecho, Lavín eligió la parte más oscura e incomprobable de la autora novohispana.

“Al trabajar con sor Juana siempre se está en una línea fina entre el riesgo, el atrevimiento y la posiblidad de construir una ilusión de realidad. Es una figura mística y acartonada hasta cierto punto, lejana para los jóvenes, poco atractiva porque la ven como una monja sin nada que ver con ellos”, dice la autora en entrevista.

Lavín imagina los pasajes poco abordados de Juana Inés: su juventud, su complicidad con la virreina, su relación con su maestra Refugio Salazar, pero a partir de una multiplicidad de voces de las mujeres que la rodeaban (como la madre, la abuela Beatriz, la esclava Catalina, la monja Cecilia, la negra Virginia y, desde luego, la virreina María Luisa) creando un retablo de la época y circunstancias de Juana Inés.

“No iba a describir a una Juana Inés en primera persona por el respeto que se merece su voz escrita; además, era una visión limitada. Necesitaba todos los ojos para mirar su caleidoscópica figura, necesitaba esas voces porque quería curiosear en ellas. No me conformaba con una historia con el personaje central de Juana Inés sin otros personajes fascinantes. La época era muy rica en estratos, en circunstancias en las cuales ser criolla, indígena, negra, mestiza o mulata te permitía o prohibía moverte de cierta manera”.

(Pero sin descuidar el mundo masculino que estaba ahí y detentaba el poder, para ver “ambas partes del tejido”). Esto le permitiría a la también cuentista (tiene seis volúmenes publicados) ver la calle cuando Juana Inés entrara al convento: así seguiría existiendo el mundo de fuera. “Hice este tapiz de la época porque no se trata de entender, aunque uno siempre lo desea, posibles conductas y actos, sino acercarse a ellos”.

VEINTICUATRO

Aunque no era una biografía novelada, Lavín se atuvo a los hechos: “tenía un destino trazado, a diferencia de las otras novelas, donde eres el Dios que decide lo que sucede con tus personajes; aquí hay un árbol genealógico, unos destinos precisos. Eso me liberó narrativamente para dedicarme a otros asuntos, que tienen que ver con lo interior y lo ambiental. Eso quita tensión y permite saborear espacios, momentos y escenas.

Aunque tenía el final de la vida de sor Juana, inamovible, era un dilema cómo acabar la novela”.

Lavín apostó por la hipótesis de que sor Juana fingió su renuncia a la palabra y al estudio: “es la parte más riesgosa porque no se puede comprobar, este enlace cómplice con la virreina (la condesa de Paredes) en un momento en que ella había decidido, aparentemente, renunciar a la palabra y al estudio. Quizá me aproximé a algo posible o quedo desbancada, pero no lo hubiera podido escribir de no ser descubiertos Los enigmas de la casa del placer, un manuscrito atribuido a sor Juana que circulaba unos 20 años después de su muerte pero que fue terminado en 1695, cuando murió. Escribir novela histórica es una labor de detective: hay hilos, pistas, y tú los tomas o los dejas”.

En ese sentido, la también autora de Hotel limbo recurrió a documentos originales, libros sobre la poetisa Sor Juana (como los más de cinco de Margo Glantz o Las trampas de la fe, de Octavio Paz), el apartado “Todo sobre sor Juana” de la Biblioteca Virtual Cervantes, donde encontró artículos de Antonio García Rubiel (con información valiosa sobre la vida en el siglo 17) y Sara Poot, quien comparte su premisa. También vio una copia del testamento del abuelo de Juana Inés y, desde luego, visitó Nepantla y la Hacienda de Panoaya.

Ilustración: Molcajete medios

“Ese lugar fue clave para meterme en el pellejo de Juana Inés y sus familiares”, comenta Lavín. Así, y con la ayuda de mapas de la época, pudo imaginar su viaje en barca hacia la Ciudad de México desde Chalco. “Y para la escritura fue fundamental La respuesta a sor Filotea, documento autobiográfico de sor Juana. Tiene muchos detalles que crecí y donde encontré uno para idear un personaje, darle cuerpo, forma y nombre a quien acompañaría a Juana Inés, la maestra de la escuela Amiga.

También me dio hasta a la propia sor Filotea que, siendo hombre, se viste de mujer, dándome la clave de que incluso los hombres tenían que estar alrededor de ella como mujeres”.

—Eres una escritora versátil, ¿qué te permite ser así?

— Las circunstancias de la vida me han ayudado, y me gustan los retos. Cuando escribí La más faulera (su novela para jóvenes) era un pequeño cuento que metí a concurso. Alguien me dijo que lo convirtiera en novela y lo intenté. Esta sensación de ver si puedo me ha resultado atractiva.

Es una inconciencia del riesgo y la dispersión: lo mismo me gusta el periodismo científico que el gastronómico, y así como estudié biología luego me dediqué a escribir.

—Mencionabas que hablar de la primera persona de Juana Inés te limitaba, ¿cuál es el riesgo de tomar a un personaje como ella?

— Es una figura muy estudiada, y eso es un riesgo y una ventaja porque hay mucha información útil para construir el mundo emocional, las atmósferas, noches y días de los personajes, pero también muchas ideas encontradas entre los especialistas que de seguro contravienen algunas de mis posiciones; pero es un riesgo que asumo. Por otro lado, las partes oscuras son las más jugosas para, más que inventar, imaginar.

Con cualquier figura histórica siempre es riesgoso entrar en sus flaquezas.

—¿Qué desencadenó que te interesaras por el personaje?

— Hace unos años, Ana Benítez dirigió una colección de cocina virreinal en Clío, me dijo que había un recetario atribuido a sor Juana y que modernizaría algunas de estas recetas. Me pidió que escribiera un ensayo sobre sor Juana y la cocina. Nunca se me hubiera ocurrido porque no la relacionaba con la cocina, y a través de este acercamiento me parecieron interesantes el personaje y la época. Entonces quedó latente la idea. Después de Hotel Limbo, quise mirar este mundo del siglo 17.

Una obra clásica y fuera de género, un tríptico de la soledad y un par de reinterpretaciones de un personaje sometido a la decadencia forman la selección de este mes, dedicada al teatro.

Por otro lado, abrimos nuestro listado con lo nuevo del mes.

Los diálogos frustrados

Antonio Tabucchi – Ediciones El Milagro Por Enrique Montañez

Los diálogos frustrados es un tríptico de la soledad, la individualidad extrema y la incapacidad humana para escuchar y hacerse escuchar. Antonio Tabucchi (Italia, 1943) orquesta un teatro (quehacer literario poco conocido de su obra) que autocuestiona sus principios y estatutos estéticos, enuncia la tragedia del destino, denuncia la gran falacia de la libertad individual y enjuicia las repercusiones impredecibles de la yoidad, el rencor humano y la psique en estados apremiantes. A Tabucchi no le bastó ser el mejor traductor y crítico de Fernando Pessoa al italiano: el poeta portugués se le impuso como personaje en Señor Pirandello, le llaman por teléfono, donde encierra a un Pessoa ficticio en un manicomio y lo somete a un autoanálisis multifocal que roza el delirio en una puesta en escena de pesadilla y claustrofobia. Enrico se presenta en una habitación de hospital para ver a su hermano accidentado, fallecido unos minutos antes de la visita; lejos de una trama de dolor, El tiempo apremia, segunda obra del volumen, se convierte en un ajuste de cuentas de odio y resentimiento familiar donde espacios cerrados, agobiantes, acendran malsanamente la fractura de la razón. Marconi, si mal no recuerdo es la última pieza del libro; pese a no tener las mismas hechuras que las anteriores, guarda relación en cuanto a esas voces “de gente no presente”.

Fiorenza

Thomas Mann – Sexto Piso/Conaculta Por Darío González

Es comprensible que al hablar de teatro se citen obras y dramaturgos famosos, pero todavía es mejor si se incluye a autores que, siendo célebres en otros géneros, hayan tenido también la osadía y el acierto de escribir una obra para teatro. A esta categoría pertenece el novelista y ensayista alemán Thomas Mann (18751955, premio Nobel de literatura en 1929) luego de publicar en 1906 su Fiorenza, obra en tres actos situada en pleno Renacimiento, un día antes de la muerte del protagonista Lorenzo El Magnífico (mecenas de artistas tan renombrados como Botticeli, Da Vinci y Miguel Ángel), quien en su lecho de muerte descubre las intenciones de su confesor, el Prior Jerónimo (Savonarola), por la conquista del dominio político de Florencia. La pasión por el poder ha podido hermanar, por unos instantes, a estos dos personajes antagónicos, a su vez representantes de cosmovisiones por lo regular opuestas: arte-religión y humanismo-fanatismo.

VEINTISÉIS

Casanova o la humillación David Olguín – Ediciones El Milagro Por Julieta Sánchez

David Olguín (Ciudad de México, 1963) es uno de los dramaturgos más consolidados del teatro mexicano. Su actividad no se reduce a la dirección ni a la autoría de obras (La representación y Belice, por ejemplo, se han publicado y montado en países como Francia y la República Checa) que lo han llevado a la obtención de premios internacionales (como el de Teatro de Autor Domingo Pérez Minik en España, por Siberia), sino también a la promoción de las artes escénicas a través, primero, de la editorial El Milagro desde 1992, después de su productora independiente homónima y, finalmente, de su foro en la colonia Juárez. En Casanova o la humillación, obra que nos ocupa, está demostrada su capacidad creativa para retomar a un personaje como el manoseado Giacomo Casanova, al tiempo que refleja intensamente la condición vejatoria de los males contemporáneos: explotación, maltrato, crimen… ¿contra quiénes? Contra los marginados por una sociedad con hambre de poder económico y político (aquí encarnado por el férreo, testarudo, corrupto y doblemoralino Feldkirchner), pero sobre todo excesivamente controladora. Los fantasmas del pasado que envuelven a Casanova mientras escribe sus memorias, enfrentan al lector (o al espectador, según sea el caso) ante una realidad decadente.

NOVEDADES

CRÓNICA: Elogios criminales, de Julio Villanueva Chang (Mondadori).

NOVELA: Moby Dick, de Herman Melville (Alianza Editorial) / Todo por una chica, de Nick Horby (Anagrama) / Niños rociando gato con gasolina, de Alberto Torres Blandina (Siruela). EXPERIMENTAL: Vacío perfecto, de Stanislaw Lem (Impedimenta).

ENSAYO/NOVELA: Tres lindas cubanas, de Gonzalo Celorio (Maxi Tusquets).

ENSAYO: Un encuentro, Milan Kundera (Marginales Tusquets).

CUENTO: Cuentos de amigas, Laura Freixas, edición y prólogo (Anagrama).

POESÍA: Al sesgo de su vuelo, de José María Espinasa (Ediciones sin Nombre).

Réquiem por Benedetti

Cortesia Alfaguara

El 17 de mayo pasado falleció el poeta , cuentista y novelista uruguayo Mario Benedetti, figura de la literatura latinoamericana que a punta de emotividad, frescura y un sentido lúdico generoso se insertó en el imaginario colectivo de diversas generaciones de jóvenes, que lo vieron elevado a figura de culto en un filme del argentino Eliseo Subiela: El lado oscuro del corazón. Su obra completa se encunetra disponible editada por Alfaguara.

El violón de pierna

Eso, justamente, significa la Viola da Gamba. Un violón o una viola de pierna, es decir, que no se colocaba en el brazo sino como el actual violoncello, con la diferencia de que ese instrumento no pertenecía a la familia del violín y no acabó formando parte de la orquesta sinfónica moderna. Fue desterrado y quedó fuera de lo moderno, de lo clásico incluso, al igual que la guitarra, el acordeón, la armónica o la gaita —muchos de los cuales retornaron a las salas de concierto en el siglo XX—. A diferencia del violín, de cuatro cuerdas y afinado por quintas, la viola da gamba se afinaba por cuartas y tenía trastes y seis cuerdas, similar a la guitarra moderna.

Y claro, su sonido metálico, ronco y melancólico, recordaba a la voz humana. No por nada el más genial de los compositores del instrumento, el francés Marin Marais, nombró a la última parte de su tercera suite como “Les voix humaines” (La voz humana).

Y quién sino el más espléndido intérprete del instrumento, el catalán Jordi Savall junto con su orquesta especializada, Les Concerts des Nations, podía interpretar con instrumentos de la época la música de un filme medio biográfico medio de ficción hiper-romántica, del maestro de ese compositor, Sainte-Colombe (Gérard Depardieu) y su libérrima interpretación de ese sabio, virtuoso y ermitaño que más que música, enseña la vida misma. Más que la excéntrica interpretación del mundo de Corneau, vale la pena el despliegue musical con obras de Marais, Colombe, Lully y Couperin, el gran barroco francés en celuloide.

Todas las mañanas del mundo (Tous les matins du monde, 1991) de Alain Corneau. Con Gérard Depardieu, Jean-Pierre Marielle y Anne Brochet.

Zima Entertainment.

La mala reeducación

El idealismo no siempre encuentra forma de aterrizar en la realidad sin significar un amargo golpe.

Y justo eso es lo que enfrentan Los Edukadores, un misterioso grupo que deja mensajes radicales aunque plenos de creatividad artística en un exclusivo club de yates para avisar a los adinerados que “sus días de abundancia están contados”. Pero el par de amigos que en secreto realizan esos actos verán amenazado su anonimato cuando la novia de uno de ellos, deba compartir el techo de ambos por falta de dinero y acabe enamorada de ambos. Así, al verse obligada a pagar a uno de esos ricachones por un accidente de auto de la que fue responsable, ambos deciden castigarlo con la técnica de Los Edukadores, pero las cosas saldrán de control, y al ser descubiertos, realizarán un secuestro para el que deberán ocultarse en una casa de campo.

El acto ya no es pacífico y mucho menos artístico, además que pronto deberán tratar con el despiadado mundo de los adultos que creen combatir, pues el poder está en manos, precisamente, de la gente que creen enfrentar. Y la lección no se olvidará tan fácilmente.

VEINTIOCHO

Los Edukadores (Die fetten jahre sind vorbei, Alemania-Austria, 2004) de Hans Weingartner. Con Daniel Brühl, Julia Jentsch y Stipe Erceg. Alfhaville cinema.

Existencialismo desde Escandinavia

El viejo cine de la Escandinavia, de la Europa oriental y de la Alemania de los setenta destacaba hasta por su deslavado uso del color. Historias lentas, de la íntima quemazón interior, que bien habían recibido la herencia de una sociedad acostumbrada al invierno, al protestantismo, al existencialismo pionero y a las guerras heredadas por continente ya viejo, ya cansado. Esa es justo la sensación que provocan las cintas del sueco Roy Andersson, un cineasta de humores acres y que pareciera heredero directo de un Ingmar Bergman, pero vertidos en un hombre que dedica su tiempo a filmar comerciales y que, cada varios años, produce cine de toque muy personal y que ha levantado el interés internacional tras ganar el Premio del Jurado en el Festival de Cannes en el año 2000 por la cinta Canciones desde el segundo piso, basada en la poética de César Vallejo.

Ahora, decide explorar desde una diversidad de pequeñas historias, la monotonía y el hastío pueden erosionar cualquier sociedad.

Incluso un pequeño pueblo arrasado por la guerra pero que estaba ya en decadencia desde mucho antes. Esta es una de esas cintas que pueden generar adoración o repulsión, pero difícilmente dejar indiferente a alguien.

Tú que estás vivo (Du levande, Suecia-Dinamarca-Nuruega, 2007) de Roy Andersson. Con: Jessica Lundberg, Elisabet Helander, Björn Englund y Leif Larsson. Zafra Video.

El maletín que no alcanzó al Führer

El atentado es tan famoso que ha habido reconstrucciones científicas del History Channel, una serie televisiva alemana del 2004 y ahora, finalmente, el interés de Hollywood por recrear con una mirada dramática el complot para asesinar a Hitler surgido dentro del propio ejército del Tercer Reich y empleando sus propios planes de defensa. ¿Es una historia de moral y dignidad humanas o, simplemente, de reacción para evitar el suicidio de todo un pueblo en nombre de la megalomanía personal del líder, del Führer?

Curiosamente, es Bryan Singer, el fanático de las adaptaciones de cómic a las superproducciones fílmicas (ya se encargó de dos entregas de los Hombres X y de la más reciente de Supermán), quien relata con los esfuerzos del coronel Claus von Stauffenberg, caracterizado por un Tom Cruise finalmente actuando como adulto y ya no como adolescente de sonrisa cautivante, y de otros generales del ejército alemán, en Berlín, el corazón mismo del Imperio, donde la derrota ya era un hecho más que anunciado.

El maletín ingresa al bunker, la bomba estalla, pero el magnicidio no ocurre. Sin embargo, el proceso se narra de manera interesante aunque apresurada y con muchos de los recursos del cómic a los que el director es tan asiduo. El DVD ofrece, además, comentarios de Cruise, Singer y los guionistas Christopher McQuarrie y Nathan Alexander, además de dos documentales, El viaje a Operación Valquiria y El legado de Operación Valquiria.

Llévate uno de los cinco DVD de Valquiria, que Guía DFin y 20 th Century Fox Home Entertainment traen para ti contestando: ¿De qué exitosa serie de televisión es creador el director de esta película?

Operación Valkiria (Valkyrie, Estados Unidos-Alemania, 2008) de Bryan Singer. Con Tom Cruise, Kenneth Branagh, Bill Nighy y David Lamber. 20 th. Century Fox Home Entertainment.

Participa por uno de los cinco DVD, que Guía DFin y Zima Entertainment traen para ti de Todas las mañanas del mundo, respondiendo: ¿En qué año se estrenó este filme y quién fue el encargado de componer la música?

Uno de los cinco DVD que Guía DFin y Zafra Video te regalan este mes de la película Tú que estás vivo, enviando una pequeña sinopsis de ésta.

Envía tus respuestas a: redacción@df-in.com.mx / sergio@df-in.com.mx

Recientemente, el Fondo de Cultura Económica publicó un nuevo libro del artista irlandés: El misterioso caso del oso.

Por Javier Pérez

Es difícil encontrar un artista tan completo: hace pintura figurativa, instalación, ilustración y, desde luego, libros ilustrados para niños. Con dominio absoluto de su capacidad de síntesis, Oliver Jeffers (Irlanda del Norte, 1977) trabaja sus libros para niños a partir de historias sencillas aunque profundas, donde aquel dicho de que una imagen vale más que mil palabras cobra sentido.

“No me considero a mí mismo un escritor, sino más bien como un artista que utiliza las palabras en sus imágenes.

Uso tan pocas palabras como me es posible, y creo que esa motivación describe mi estilo de escritura, prefiero que el arte sea el que cuente la historia tanto como se pueda. Las palabras sólo unifican todo, son como una especie de esqueleto y la ilustración sirve como la carne”, explica Jeffers en entrevista.

Como artista reconocido (ha expuesto en Dublín, Nueva York, Londres, Sídney, Washington y Belfast) y cofundador del colectivo OAR, Jeffers ha hecho una obra en la que busca

un balance entre la forma y el contenido, entre la lógica y la emotividad; incluso encontró la manera de hacer un paralelismo entre el arte y la ciencia.

Sin embargo, desde hace seis años encontró un camino de expresión en los libros ilustrados y ya lleva cinco títulos (editados en México por el Fondo de Cultura Económica) dirigidos a los lectores pequeños: Cómo atrapar una estrella, De vuelta a casa, Perdido y encontrado, El increíble niño comelibros y El misterioso caso del oso.

“Simplemente pienso que es una plataforma muy rica para hacer arte, estoy muy interesado en contar historias; cuando crecía me gustaba mucho escuchar historias. Así que creo que los libros son una excelente plataforma para hacer arte y contarlas”.

No me considero escritor, sino un artista que utiliza las palabras en sus imágenes: Oliver Jeffers

—¿Consideras importante que los niños tengan libros? ¿Por qué?

—Sí, es muy importante porque es una parte escencial del desarrollo, de tu inteligencia, tu personalidad, tu educación. Requiere mucho de tu imaginación y tu receptividad y la lectura resulta más interactiva que la televisión o los videojuegos. Es una forma que ha estado entre nosotros por miles de años. Creo que los libros están disponibles en cualquier momento, los niños pueden usarlos cuando quieran, son completamente suyos, pueden elegirlos como gusten y ésa es una parte importante del desarrollo porque cada quien es distinto. Como ya dije, requieren de mucha imaginación y le ayudan a los niños a reflexionar sobre su mundo.

—¿Qué te hace sentir que haya niños que leen tus libros justo antes de dormir?

— Me siento honrado y bastante emocionado porque yo recuerdo las historias que leía cuando tenía cuatro años o que me leían, y fueron una parte imprescindible de mi vida.

—De que surge la idea de la historia a que se convierte en libro, ¿cuánto tiempo te lleva?

— El proceso completo dura como un año. Juego con varias historias y analizo cuál es el tipo de historia que voy a hacer, lo que me lleva como dos o tres meses, pero no son dos o tres meses dedicado de tiempo completo, también veo otros proyectos. Hago el trabajo de arte de los libros, los storyboards, decido hacia dónde voy, luego hago los manuscritos y me toma como otros tres meses llegar hasta el arte final y ahí es cuando me encierro en mi estudio sin hacer nada más: como, duermo y hago el arte de mi libro. Es algo tan envolvente y una necesidad tan fuerte que no creo sea posible hacerlo de ningún otra manera, y eso me lleva como dos meses. Toma como un año, pero en realidad son como siete meses de trabajo.

—¿Por qué te gusta el cielo, es decir, la estrella, la luna…?

— Es muy visual, además de que es muy bello y significa cosas muy distintas para personas diferentes. Nos recuerda cuán pequeños somos, y cambia todo el tiempo. Es una extensión de noso—¿Qué técnicas usas para hacer tus libros? tros, de cómo nos vemos. Eso es fascinante. Creo — Empiezo con acuarelas sin saber por qué, pues que no estamos solos, y por eso mis libros son tan no las utilizo en ninguna otra ocasión. Imagino que populares: no importa dónde estés en el mundo, es así porque empecé a hacer los libros cuando es algo en lo que todo mundo piensa. Trato de ser era estudiante, entonces no tenía dinero y las tan grande como me sea posible: el niño no tiene acuarelas eran lo más barato. Después me interesé nombre, las locaciones son cualquier lugar en paren otros estilos de arte, introduciendo acrílico, otros ticular. Trato de que todos quienes lean los libros tipos de pintura, como el collage, así que la técnica puedan ser los personajes y el lugar donde ocurre de los libros ha cambiado entre un libro y otro. En el la historia, donde ellos viven; eso incluye a niños nuevo libro (El misterioso caso del oso), publicado de China, México o Alemania. Esa grandeza es lo por el Fondo de Cultura Económica, hay acuarela, que hace interesarse a la gente. pero también collage, acrílico, y algo de photoshop.

Siempre está cambiando.

—¿Te gusta el cambio?

Uso cualquier técnica que crea conveniente —Sí, me gustan los cambios, la infinidad, y la para crear mis imágenes. filosofía de que somos tan pequeñitos y el universo tan inmenso. Nuestros esfuerzos al ir hacia —En algunos de tus libros, el personaje principal el universo es encontrar tanto como sea posible parece el mismo. de él, pero implica un poco de fatalidad porque —Sí, el niño está en tres libros, que se sucedieron somos casi insignificantes. simultáneamente, es una especie de trilogía. Me gusta el personaje y no me preguntes por qué lo —También recurres al mar hice así. Tras el primer libro, empecé a gestar la —Amo el mar, es tan poderoso y nadie puede idea del siguiente, y cuando acabé el segundo, acabar de entenderlo, está justo ahí. Es hermoso, sabía que lo haría sobre el mismo personaje. Pero podría hacer arte sobre el mar por el resto de mi cuando estaba por terminar el tercero, supe que vida. Trabajo en un cortometraje de Perdido y ennecesitaba otro personaje, así que decidí que contrado, de 24 minutos, así que la historia debía sería la última historia. extenderse. La compañía eligió mi historia original y empecé a buscar elementos que no estuvieran en ella; de hecho, mucho de la película ocurre debajo del agua y eso es un aspecto muy interesante y espero que llegue a México próximamente.

TREINTA Y UNO

Para la oreja Por Julieta Sánchez Quiroz

Foto: Cortesía La Fonoteca Nacional

Si te despiertas con el trinar de un pájaro, con el grito del tamalero o una gotita de agua, no los detestes: ¡son sonidos ambientales que actualmente ignoramos! Para rescatarlos, la Fonoteca Nacional ha lanzado un programa de “Estimulación sonora infantil hacia una cultura de la escucha”, que incluye una serie de material didáctico sonoro, impreso y multimedia para “sensibilizar y aproximar al público infantil al maravilloso mundo de los sonidos”, según palabras de Lidia Camacho, directora general de la Fonoteca Nacional. Dos de las publicaciones sonoras ya las encuentras a la venta: El canto del planeta. Sonidos en peligro de extinción es un volumen que contiene un libro y un disco, donde los más pequeños tendrán una perspectiva de la ecología acústica a partir del sonido del agua, el viento, el fuego y la tierra; Cuaderno para exploradores sonoros es un libro, disco y multimedia donde los niños tendrán como misión descubrir los sonidos de la vida cotidiana.

En verano habrá cursos y talleres en las instalaciones de la fonoteca; destacarán la importancia del sonido con actividades como caminatas y juegos sonoros interactivos. También existe material para maestros y padres de familia.

Fonoteca Nacional, Francisco Sosa 383, Barrio de Santa Catarina, Coyoacán. www.fonotecanacional.gob.mx

Fotos: Cortesía Aardman

Pa’ que veas

Hace ya varios años, algunos antes de que se estrenara en todo el mundo el largometraje Wallace y Gromit: la batalla de los vegetales, la casa Aardman produjo una serie de episodios que tenía a ese par de amigos como protagonistas.

Uno de ellos fue Una rasurada al ras, donde por primera vez apareció la oveja Shaun, personaje algo rebelde y obstinado que se granjeó la simpatía del público y su propio show. Aunque no se han transmitido en México (por lo menos no en televisión abierta), Tycoon reúne algunos de los ya más de 20 cortos en un DVD. Con el carácter de Shaun, es evidente que el caos gobierna. Más cuando se incluyen personajes secundarios tan atractivos como el perro Bitzer (a quien el rebaño le hace cuanto puede con tal de que no descubra lo que hace), el Granjero, los Cerditos Traviesos, el bebé cordero Timmy y la gigantesca oveja Shirley, que se come todo lo que está a su paso. La serie mantiene el espíritu Aardman: diálogos escasos, historia sencilla y un humor chispeante.

Pa’ que leas

La curiosidad es una cualidad que no debemos perder ni como niños ni como adultos. El Fondo de Cultura Económica ha publicado dos títulos que ayudan a fomentarla. ¿Cómo es tu mamá?, de Rosanela Álvarez, parte de la colección Ojitos Pajaritos, propone que los niños se imaginen cuál es la textura y forma de conejos, cocodrilos, koalas, etcétera, para que de paso aprendan qué hace una mamá para proteger y alimentar a sus hijos. Las ilustraciones, realizadas por Yasushi Muraki, simulan figuras geométricas.

Los autores israelís Shira Gefen y Etgar Keret entregan Noche sin luna, historia donde la niña Zóhar no puede dormir pues su habitación ha quedado en penumbra y la luz de la luna, que debería iluminarla, no está. Entonces sale a buscarla, enfrentando diversos contratiempos, como un policía malhumorado y un calvo nervioso y medio mentiroso. Las ilustraciones de David Polonsky realzan la luminosidad de la Luna: de veras se antoja leer en la oscuridad total.

Desempaca tu sleeping

Despertar en una hacienda alguna vez habitada por revolucionarios, pasear en caballo, hacer rapel y, si se te antoja, subirte a un bote para atravesar el lago de Valle de Bravo y deslizarte por las rocas de la cascada Velo de Novia son algunas de las actividades que Campamentos Pipiol ofrece todos los veranos. También puedes pasar unos días en las montañas para lanzarte de una tirolesa. El reto es dejar atrás la tecnología y los servicios que tienes en casa y acercarte a la naturaleza y la convivencia social. Este año, Pipiol cumple 45 años; es un lugar recomendado por la Asociación Mexicana de Campamentos liderado por Genaro Tirado, quien organiza las actividades de acuerdo con la edad de cada niño. Hay varios niveles: desde los 4 hasta los 15 años, divididos en nueve diferentes grupos que inician actividades escalonadamente en campamentos de 6 y hasta 22 días. Por cierto, algunos de los guías fueron alguna vez visitantes de Pipiol.

Cada campamento incluye alojamiento, equipo y material, servicio médico, transportación México-Valle, seguro de gastos contra accidentes, comidas, programa completo de actividades, equipo de instructores. Informes e inscripciones: www.pipiol.com.mx o al 5202-1827.

Foto: Julieta Sánchez

Llévate uno de los 5 DVD que Tycoon y DFin tienen para ti. Sólo contesta: -¿En qué episodio de Wallace y Gromit apareció por primera vez Shaun?

-¿De qué país es la casa productora de Shaun?

Manda tus respuestas a julieta@df-in.com.mx y redaccion@df-in-com.mx

TREINTA Y TRES

Por: Emir Olivares Alonso

En el siglo 19, las mujeres con grandes peinados, abanicos, enaguas y ajustados corsés paseaban a lo largo de los jardines y pasillos de la Alameda Central. ¿Su objetivo? Hallar algún buen partido pa’ marido. Mientras, los galanes, andando con corbatín, sombrero, pelo relamido y reloj de cadena, incluso soportaban las inclemencias del tiempo para atraer la atención de una encantadora damisela. Las señas, muecas y gestos eran fundamentales.

TREINTA Y CUATRO

Construida en el siglo 16, por el virrey Luis de Velasco, la Alameda Central es el parque público más antiguo de la ciudad, uno de los lugares de esparcimiento más entrañables para los capitalinos. Hacia 1592, Velasco ordenó crear un paseo que le otorgara belleza a la capital de la Nueva España y que a la vez se convirtiera en lugar de recreo para sus habitantes.

Debe su nombre a que en el novel jardín virreinal se sembró una gran cantidad de álamos; sin embargo, al notar su lento crecimiento, las autoridades virreinales decidieron retirarlos y sustituirlos por fresnos y sauces. La Alameda se ubicó justo al sur del Templo de Santa Veracruz, actual sede del Museo Franz Mayer.

Al terminar el mandato del virrey Velasco, el parque decayó hasta el punto de haber sido utilizado por vecinos de la ciudad para que sus caballos pastaran. Posteriormente, también durante la época de la Colonia, fue el sitio de recreo preferido por la alta sociedad, razón por la cual las autoridades virreinales lo enrejaron para impedir el ingreso de la barriada o los humildes.

Con la ascensión al trono español de la dinastía de los Borbón, Felipe V, quien conoció la belleza de los jardines de Versalles, dio instrucciones para que se construyeran varias fuentes en la Alameda.

También ordenó la siembra de nuevos árboles y la ampliación de los portones de acceso al parque.

En 1775, el virrey Carlos Francisco de la Croix amplió las calzadas laterales de la Alameda, con lo que de la forma cuadrangular que mantuvo por casi dos siglos se transformó en un gran rectángulo.

Asimismo, se trazaron las calzadas interiores y mandaron construir cuatro nuevas fuentes.

Entonces se convirtió en el sitio para los enamorados, aunque en esa época las damiselas acudían con la infaltable supervisión de un chaperón.

Fue la emperatriz Carlota Amala, esposa de Maximiliano de Habsburgo, quien durante el segundo imperio mejoró la jardinería del sitio al sembrar cientos de rosas. Y donó al parque la fuente de Venus conducida por céfiros, del escultor Mathurin Moreau.

Con el triunfo de los liberales y la implementación de la República, el presidente Benito Juárez ordenó que los muros que cercaban el primer jardín de la ciudad fuesen derribados, para que, así, las clases populares regresaran a los paseos.

Además, en 1868 se implementó un sistema de iluminación para evitar crímenes.

Posteriormente, Porfirio Díaz retomó la costumbre del virrey Bucareli y ordenó que todos los domingos se efectuaran recitales musicales, tradición que aún se vive en la Alameda. Como parte de las obras que el general Díaz inició para mejorar la ciudad, le dio una manita de gato a la Alameda Central, además de que mandó edificar el Palacio de Bellas Artes –inaugurado en 1934— y el Hemiciclo a Juárez, del arquitecto Guillermo Heredia.

Por siglos, este sitio ha sido escenario de duelos amorosos, fuente de inspiración para artistas, lugar de juegos para niños y punto de reunión para cientos de capitalinos. Dentro de este sitio se halla el monumento al compositor alemán Beethoven, esculpido por Gladembec, y obsequiado a la ciudad en 1921, por los 100 años de la Novena sinfonía.

Domingo a domingo, en la Alameda se da cita toda una gama de personajes. Como hace más de 100 años, los ligues continúan. La modernidad dejó atrás la caballerosidad y el glamour de un pañuelo al piso. Los chicos de hoy, de jeans, playeras holgadas y peinados anarcopunk, tienen la misma intención: encontrar alguien con quien compartir muchas cosas, aunque ya no sea necesariamente pal casorio.

Sitio de ligue permanente, descanso, paseo y convivencia familiar, la Alameda Central de la ciudad de México se erige fastuosa e imponente en el centro del primer cuadro de la capital.

Chicharrones, algodones de azúcar, nieves de limón, tepachitos, hotdogs, hotcakes, artículos jipiosos, cuadros, discos piratas, globos, flores –especialmente rosas para los enamorados—, libros y otros se venden a diario, sobre todo cada domingo, en la Alameda Central.

Merolicos, payasos, mimos y pregoneros que ofrecen fórmulas mágicas para muchos males aparecen en el surrealismo del jardín más antiguo de la ciudad. También hay besos, parejitas, familias entre los jardines disfrutando de un día de campo en medio de la urbe, chavos practicando algunas suertes en patineta, patines o bicicleta. Lugar de descanso, esparcimiento, recreo, paseo, ligue, la Alameda es un híbrido citadino.

Emir Olivares Alo

TREINTA Y SEIS

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El Centro Históric o de la ciudad de México es uno de más fastuosos no los lugares sólo de la capita l, que el 11 de dicie mbre de 1987 la Un sino del mundo. Tan es así esco lo declaró Pa Cultural de la Hu manidad. Sin em bargo, por la antig trimonio estructuras y su üe mala planeación estratégica, tambi dad de sus de los más riesg én resulta uno osos.

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A través del agua se tendrá la oportunidad de estudiar parte del universo y descubrir varios de sus grandes misterios. Esto será posible gracias al observatorio HAWC (High Altitude Water Cherenkov), el cual estará formado por 900 tanques rellenos con agua cristalina y ubicado en el volcán Sierra Negra, al oriente del estado de Puebla.

El proyecto, que se comienza a desarrollar en México por especialistas nacionales y extranjeros, permitirá la realización de un sinnúmero de investigaciones y descubrimientos del cosmos.

Luego de que el observatorio Milagro, ubicado en el Laboratorio Nacional de Los Álamos, Nuevo México, identificó dos regiones con exceso de rayos cósmicos (partículas energéticas provenientes del espacio que impactan la atmósfera terrestre, identificadas a través de cascadas de partículas secundarias), se concluyó que los rayos detectados no deberían apuntar hacia la fuente de origen.

El descubrimiento cuestiona el entendimiento que se tenía del campo magnético cercano al sistema solar, pues se cree que los rayos cósmicos derivan de éste. Entonces, se abre la posibilidad de que algún efecto cercano “desconocido” sea la explicación a dichos fenómenos. Como surgió la necesidad de continuar con las investigaciones, se creó HAWC. HAWC será la segunda generación del observatorio de rayos gama. El anterior (Milagro) consistía en una alberca gigantesca de gran profundidad, tapada para que no filtrara la luz visible. En su interior se encontraban censores de luz que medían el tiempo en que pasaba la partícula y la luz que depositaba.

Esto permitió realizar un mapa del cielo.

El observatorio está concebido como detector Cerenkov de agua, de 150 metros de lado ubicado a más de 4000 metros de altura. Se divide en 900 celdas de 5 metros de lado,

las cuales permiten muestrear a detalle la llegada de partículas al detector y reconstruir la información del rayo gama o rayo cósmico que originó la cascada de partículas. Su diseño consta de 900 tanques de 5 metros de diámetro, que actúan como pixel del detector para muestrear de dónde y cuándo llega una partícula de alta energía.

Cabe destacar que ya se instaló el primer tanque, financiado por México, aunque no en el sitio previsto por inconvenientes de permisos. Sin embargo, se colocó cerca del Gran Telescopio Milimétrico (GTM) de Tonanzintla.

Ahora la siguiente fase es desarrollar todos los aspectos científicos, por lo que se está creando sofware de simulación para el estudio de ráfagas solares.

Además de los estudios arriba mencionado para los que se pretende usar HAWC, se le quiere emplear para descifrar las aparentes muertes de estrellas; a su vez, se quiere observar la muerte de hoyos negros primordiales, hacer estudios de centros activos de galaxias e incluso lograr algo que no se pudo con Milagro: entender centros activos de galaxia y hacer correcciones a la velocidad de la luz, pues se cree que ya no es constante.

La investigadora del Instituto de Astronomía de la UNAM, María Magdalena González Sánchez, es la encargada de dirigir el proyecto; pero no es la única mexicana involucrada en él. También participan especialistas de los institutos de Física, Ciencias Nucleares y Geofísica de la Universidad Nacional; del Nacional de Astrofísica, Óptica y Electrónica (INAOE); de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla (BUAP); del Centro de Investigaciones y Estudios Avanzados (CINVESTAV) y de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo (UMSNH).

EL UNIVERSO VISTO A TRAVÉS DEL LÍQUIDO VITAL

Por Remedios Buendía

TREINTA Y OCHO

Por Aline Juárez

La divulgación de la ciencia y la tecnología, áreas de suma importancia para el desarrollo del país, se ha concentrado en especialistas de la rama y el uso de lenguaje complicado y poco comprensible para la población en general. A su vez, existen pocos, por no decir nulos, programas dentro de los medios masivos de comunicación que se encargan de esto y más si se toma en cuenta que los niños, casi siempre quedan fuera de los mismos.

Ambas ramas son temas que desde que somos niños nos interesan y apasionan, ya que la labor científica se nos muestra llena de misterios y acertijos por resolver. ¿Quién en algún momento de su niñez no deseó ser científico? Al ver programas como Odisea Burbujas o El Tesoro del Saber se nos resolvían parte de nuestras preguntas diarias; por desgracia, las nuevas generaciones ya no tienen ese tipo de oportunidades, ¿o acaso has observado algún programa televisivo parecido a los antes mencionados?. Y hago referencia a la televisión porque es uno de los medios masivos más consultado por todos.

La ciencia no es una fuente de juicios de valor subjetivos, a pesar de que sí puede hablar de cuestiones de ética y política pública, indicando consecuencias de ciertas acciones. Pero no nos puede decir cuál de esas consecuencias es la "mejor".

Por todo ello, y con el objetivo de acercar a la niñez mexicana al conocimiento científico y tecnológico, el gobierno del Distrito Federal, a través del Instituto de Ciencia y Tecnología (ICyTDF), abrió la convocatoria para el Segundo Concurso de Cuentos Infantiles “Ciencia y Tecnología para los Niños y Niñas de la Ciudad de México”.

En la premiación de la primera edición del concurso, la directora del instituto, Esther Orozco Orozco, detalló que el GDF busca que la niñez y la juventud de la ciudad sean capaces de desarrollar un pensamiento científico, para que sean capaces de analizar lo que tienen enfrente.

A su vez, aclaró que la ciencia y la literatura no están divorciadas, una necesita de la otra para llegar a la gente. Por tal motivo, reconoció que “en este mundo en crisis, la ciencia y la literatura tienen que juntarse, porque amalgamadas pueden ser una manera de hacerle llegar a la gente la esperanza de que las cosas sean diferentes, de que la tecnología bien aplicada, bien administrada, con una política clara, puede llevar a este país a otros derroteros, a otros espacios mejores”.

En la pasada edición se inscribieron 123 obras de todo el país, que participaron en tres categorías: A, literatura dirigida a niñas y niños menores de 6 años; B, a niñas y niños de entre 6 y 11 años, y C, para mayores de 12.

A su vez, las obras participantes, inéditas y originales, deberán contribuir a divulgar entre la niñez conceptos, procesos, métodos y conocimientos científicos y tecnológicos en general, que fortalezcan una cultura científica en las nuevas generaciones.

El jurado calificador será presidido por el cuentista Francisco Hinojosa y estará integrado por especialistas en literatura y divulgación de la ciencia, quienes evaluarán la originalidad de la obra, la precisión y claridad en el manejo de los conceptos científicos, así como la calidad literaria del texto. El fallo del mismo se dará a conocer el mes de octubre de 2009, a través de la página web del ICyTDF, (www.icyt.df.gob.mx).

Los premios constan de 40 mil pesos para los primeros lugares; 30 mil para los segundos; y 20 mil para los terceros, además de diploma y la publicación de las obras en antologías.

Las bases completas están disponibles en la misma página del Instituto y, para mayores informes, los interesados pueden comunicarse a los teléfonos 5512 1012, extensiones 247 y 225, o a través del correo difusion.icytdf@gmail.com.

El sueño lento es como estar muerto Por Remedios Buendía

Es posible morir noche tras noche, ya que cuando entramos al sueño lento perdemos toda conciencia, aseguró el especialista Fructuoso Ayala Guerrero. “Uno no debe tener miedo de morir, morimos cada noche cuando entramos al sueño lento. Es la inconciencia total, realmente nos desconectamos de la realidad, y todos lo hemos experimentado”.

El sueño es un fenómeno oscilatorio, organizado en unidades, que dura cerca de 90 minutos, es decir, cada hora y media termina una unidad y empieza la otra. En una noche normal se presentan de tres a seis unidades o “ciclos”, expuso.

El encargado del Laboratorio de Neurociencias de la Facultad de Psicología de la UNAM detalló que el sueño lento se divide en cuatro etapas, y se nombra así porque la actividad cerebral presenta ondas lentas de gran amplitud.

A este sueño le sigue el more, representado por movimientos oculares rápidos, que en promedio dura 15 minutos. Éste, desde 1953, ha sido el centro de atención de diversos estudios, ya que es el momento en que se presentan los sueños.

Recordó que diversos estudiosos han centrado su trabajo de investigación en esa fase, no sólo por ser el momento en el que se presentan las ensoñaciones, sino porque buscan descifrar el significado de las mismas.

CUARENTA

Esta fase del sueño indica que el cerebro está muy activo, por tanto es mentira que mientras se duerme el cerebro descansa, comentó. “En el sueño more, el cerebro está, en ocasiones, más activo que en la vigilia”.

Los sueños, recordó, pueden ser percepciones agradables o desagradables, dependiendo el comportamiento del individuo. Cuando en el día hay situaciones desagradables, pueden originar una pesadilla. Esto nos habla de la calidad del sueño.

Aunque las ensoñaciones están ligadas con la realidad, una parte de ellas es transformada por el cerebro, que, de acuerdo con Ayala Guerrero, hace combinaciones de situaciones reales con imaginarias.

Los libros que “pretenden” interpretar los sueños son una falsedad. Con ellos, sólo se abusa de la fe de la gente y su interés por conocer qué quieren decir sus sueños, dijo. “Eso de interpretar los sueños a través de símbolos contenidos en ellos es falso”.

El especialista sostuvo que aún no se cuenta con herramientas para tratar de entender el significado de lo que se sueña; sin embargo, lo que sí se puede decir es que lo que soñamos está relacionado con lo que almacenamos durante el día en la memoria.

A su vez, recordó que las pesadillas pueden relacionarse “con lo que percibimos, vemos, sentimos y memorizamos”, por ello, aclaró, si nos ubicamos en un medio ambiente estresante, “que molesta o produce miedo”, se puede reflejar en la noche y “se presentan los sueños terroríficos”.

Por otra parte, el investigador de la UNAM señaló que la sociedad está privada de sueño, ya que “tenemos tanto que hacer y queremos hacer tantas cosas que el día no nos alcanza. Le robamos tiempo a la noche, principalmente al sueño”.

Finalmente, informó que la sociedad en general duerme, en promedio, menos de siete u ocho horas al día, “cantidad de tiempo recomendado para descansar”. Por ello, al “privarnos voluntariamente del sueño”, el cuerpo lo reciente y esto a su vez “tiene consecuencias”: no dormir produce alteraciones cognoscitivas como problemas de atención, aprendizaje y memoria; además, altera los estados emocionales. “El no dormir bien tiene como secuencia una cascada de eventos”.

Por: Alan Favero

EN EL M A RCO D EL D Í A M U N D I A L D EL M ED I O A M B I EN T E El próximo 5 de junio se celebrará el Día Mundial del Medio Ambiente, DMMA, en todos los países que integran la Organización de las Naciones Unidas. Este día fue establecido en el año de 1972 y su creación obedeció a la necesidad de crear conciencia en todos los países sobre la importancia de los temas ambientales, promover la participación activa de las personas en el desarrollo sustentable y fomentar la cooperación internacional en este rubro.

Cada año, una ciudad del mundo es la sede oficial del DMMA y con esto de múltiples actividades, como exposiciones de arte relacionadas con el tema, conciertos ecológicos, conferencias, concursos de cartel, reforestaciones, campañas de reciclaje y mucho más. El ambiente está presente en los medios de comunicación, se genera crítica y diálogo al respecto.

El DMMA representa para muchos países la oportunidad de acelerar tratados o acuerdos tendientes a mejorar las políticas ambientales existentes. En México hemos avanzado hasta ahora en el tema, y aunque tenemos un gran camino por recorrer, somos de los países de América Latina con más proyectos en marcha para mejorar o restituir el medio ambiente.

Paradójicamente, también estamos entre los que destruyen con mayor velocidad la biodiversidad.

Este 2009 representa para la Ciudad de México una gran oportunidad para reivindicarse con el tema y propiciar un cambio real en la visión de la gente. No podemos olvidar ahora que nuestros gobiernos tienen una capacidad de reacción tan fuerte que lograron, hace apenas un mes, que millones de personas usaran un cubrebocas y se tomaran medidas preventivas generalizadas de manera estricta.

¿Por qué esto no se ha hecho para buscar que la (a través de Youtube) atestiguarán el lanzamiento, población sea más respetuosa con la naturaleza, en los cinco continentes, de este trabajo filmado cuide el entorno y recursos que tiene a su dispo- en más de 50 países vistos desde el cielo, comsición? ¿Cuándo será esto considerado una emer- partiendo su asombro pero también su preocupagencia nacional? ción. Las ciudades que se vestirán de gala para Nosotros seremos este año la sede oficial del este evento serán Cancún, Nueva York, Barcelona DMMA, cuyo eslogan es “Tu planeta te necesita y Bristol, pues llevarán a cabo funciones públicas unido contra el cambio climático”, por lo que en el masivas en espacios emblemáticos. marco de las actividades que habrá en muchos Yann Arthus Bertrand nos guía en un recorrido lugares de la ciudad y el país, tenemos la oportu- maravilloso en el que, por un lado, se muestra la nidad de invitar a todo el que podamos a participar perfección y el delicado balance del que pende en ellos. De esta manera, aportaremos que alguien nuestro frágil hogar y, al mismo tiempo, lo que nos conozca más sobre la importancia de cuidar nues- ha llevado al lugar en el que estamos. Al final de tro hogar y el planeta, y sobre lo que cada uno pue- este siglo se habrán agotado prácticamente todos de hacer para ser parte de la solución. los recursos naturales del planeta. Necesitamos Este año es particularmente álgido en el tema, ser conscientes de la abusiva explotación de los pues 180 días después de la celebración del DMMA regalos que la Tierra nos da y cambiar nuestra forse realizarán en Copenhague las negociaciones ma de vivir radicalmente. Se trata de una cuestión para generar un nuevo acuerdo en la materia, que de supervivencia. El mundo está críticamente ensustituirá al actual Tratado de Kyoto. Estados Uni- fermo pero un fututo distinto es posible si todos dos, que se había negado a firmarlo, participará en decidimos crearlo juntos. el cónclave, lo que ha generado gran expectación Este filme podrá ser disfrutado de manera grapor lo que pueda derivarse de esto. tuita por los mexicanos en diversos lugares del Actualmente existen cada vez más voces que país. Como mencionaba anteriormente, Cancún nos dicen que estamos en un punto crucial para será uno de ellos; en el DF, algunos lugares lo la supervivencia del hombre en la Tierra. Si dentro exhibirán. de los próximos 10 años no cambiamos radicalUna de las sedes de las celebraciones en nuesmente nuestras costumbres y modos de vivir ha- tra ciudad será la Casa de Francia, que desarrocia la sustentabilidad, tendremos que enfrentar las llará con el apoyo de instituciones mexicanas consecuencias aceleradas de nuestro paso por el múltiples actividades culturales en torno al memundo, en el que cada vez cobra mayor importan- dio ambiente a lo largo de todo el día, tales como cia la frase piensa global y actúa local. Nos queda exposiciones de arte, foto, conferencias y stands cada vez menos tiempo. de organizaciones ambientalistas. Al final de las Somos casi 7 mil millones de habitantes en el actividades proyectará HOME (alrededor de las planeta. Si cada uno modifi20 h). cara algún hábito, como por Es una gran oportunidad El mundo está crítiejemplo reciclar el papel o para ver la conjunción de arte aluminio que consume, ten- camente enfermo pero y medio ambiente. El objeto es dríamos un impacto positivo un futuro distinto es llegar a cientos de millones de e inconmensurable. En repepersonas para sembrar una tidas ocasiones pensamos posible si todos decidisemilla y abrir nuestros ojos que difícilmente esto podría mos crearlo juntos. sobre la situación que enfrensuceder, pero en la actualidad tamos hoy. No te pierdas la existen vehículos de difusión experiencia, acude el viernes masiva como el cine. Gracias a este medio se ha 5 de junio a las actividades en la Casa de Francia logrado una toma de conciencia importante sobre y aprovecha la oportunidad de ver este magnífico el ambiente, además de que se conocen con ma- documental al aire libre, en un entorno agradable, yor facilidad los conflictos sociales e históricos, y lleno de vida y sin costo alguno. pueden dimensionarse de manera más objetiva Filmada en 120 locaciones, 217 días de filmación para buscar soluciones. en 18 meses, esta película será distribuida en 87 Este 5 de junio se estrenará a nivel mundial el países y será traducida al menos a 14 idiomas. Indocumental HOME, de Yann Arthus Bertrand, de vita a un amigo. No faltes a esta cita con el mundo. manera poco usual. Cines, televisión, dvd e internet Más informes: www.cinefrances.com.mx

CUARENTA Y TRES

Día Mundial del Medio Ambiente

La cita con tu planeta está hecha. Este 5 de junio se celebra el Día Mundial del Medio Ambiente y hay actividades irresistibles para todas las edades. Actividades para niños, conferencias sobre medio ambiente, talleres de aprendizaje acerca de residuos sólidos, videos, presentaciones relacionadas con proyectos ambientales actualmente realizándose en nuestra ciudad y exposiciones de arte. Para cerrar con broche de oro, están las proyecciones de los documentales de la serie Planeta Tierra, de la BBC, y Home, de Yann Arthus Bertrand, que te dejarán boquiabierto. ¡Nuestro mundo nos necesita, apoya este evento llevando gente para que nuestra conciencia crezca cada vez más!

Casa de Francia (Havre 15, Juárez). Viernes 5 de junio a partir de las 10 y hasta las 22 h

Reforestación de México

En el mes de junio comienza la temporada de reforestación en nuestro país. ¿Por qué existe una temporada de reforestación? ¿No es todo el año?

Los árboles recién plantados necesitan de una cantidad de agua regular por un tiempo determinado, para aumentar su probabilidad de subsistencia. Es en el periodo de lluvias cuando esto sucede. Así que recuerda que, además de inundar las calles y provocar tráfico, la lluvia ayuda a que los árboles recién plantados puedan sobrevivir.

Cuando plantas un árbol, estás ayudando a que el CO2 sea absorbido por éste durante su crecimiento, beneficiando al planeta y contrarrestando tu huella ecológica en la Tierra. Es un evento gratuito, divertido y enriquecedor para la familia.

Salida a lugar de reforestación desde el Centro Cultural la Pirámide (Cerrada la Pirámide s/n, esquina Calle 24, San Pedro de los Pinos).

Sá 13 y 27 de junio, de 8:30 a 18h.

Registro: http://www.manosalatierra.org/cms/ viewpage.php?page_i=2, teléfono: 8596 4979

CUARENTA Y CUATRO

Bici rally por la movilidad, cambio climático y energía

Para todos quienes piensan que andar en bici está de hueva, les tenemos esta sorpresa. El próximo 7 de junio se llevará a cabo un divertido rally que promete el esparcimiento sano de la gente. Forma tu equipo de cinco cuates (mayores de 12 años) para seguir una ruta en bicicleta por ocho bases distribuidas a lo largo del Paseo Dominical, vence los obstáculos realizando actividades relacionadas con movilidad, cambio climático y energía. Si no tienes bici, no te preocupes, habrá algunas en préstamo en el lugar de arranque. En caso de que tu equipo gane, ¡el premio será una bicicleta!

Frente al Hemiciclo a Juárez (Avenida Juárez, entre Reforma y Eje Central). Do 7 de junio, de 8 a 12 h

Green Drinks + Mestli

Si quieres experimentar unos tragos distintos, existe una opción que, además de asegurar la diversión, ampliará tus conocimientos ambientales. Green Drinks es una asociación de personas que se interesa en el ambientalismo y se reúne periódicamente para convivir y brindar por la Tierra. Además, hacen presentaciones audiovisuales de 5 minutos de cualquiera que esté interesado en compartir su experiencia con la naturaleza... puedes ser tú.

Casa Mora (Tonalá 261, entre Tlaxcala y Aguascalientes, Roma). Miércoles 10 de junio a partir de las 20 h.

Informes: http://greendrinks.org/index. php?country=Mexico&city=Mexico%20City

los

galletas Por Redacción DFin

demy: El mAyordomo de lA CocinA Para todos los amantes de la cocina, profesionales o amateurs, “El Demy” es un dispositivo que les encantaría tener en sus cocinas; se trata de un lector de recetas o e-recipe, similar a un lector de e-books.

La pantalla es táctil, y a todo color. Es muy resistente a la suciedad y la grasa por lo que resulta más fácil de limpiar que las tradicionales y viene completamente sellado. Cuenta con una pantalla de 7 pulgadas y es capaz de almacenar hasta 2.500 recetas, que se pueden sincronizar con tu PC a través de su conector USB Por dentro todo se ha pensado al milímetro, y se incluyen programas y miniaplicaciones para tener un reloj temporizador, una calculadora y conversora de unidades, posibilidad de hacer más grande o pequeño el texto, enlaces a las recetas favoritas o consejos para sustituir ingredientes.

Es en definitivo un gran asistente de cocina. http://www.mydemy.com/

CAzAFAntAsmAs: El VideojueGo Se estrena en PLAYSTATION 3 y PlayStation 2, y en otoño la versión portátil para PSP. En Los Cazafantasmas: El Videojuego los jugadores podrán agarrar su pistola de protones y hacer que sus fantasías de ser un auténtico cazador de entes se haga realidad, convirtiéndose en el nuevo fichaje del equipo de los Cazafantasmas, en una historia que comienza dos años después del argumento que planteaba la segunda película de la serie.

Una vez más, la ciudad de Manhattan se ve invadida por demonios, fantasmas y todo tipo de espeluznantes criaturas. Será misión de los Cazafantasmas capturar a todos los espectros y recuperar el control de la ciudad.

El argumento del juego ha sido escrito por los guionistas originales de las películas, Harold Ramis y Dan Aykroyd, y ha conseguido reunir a los miembros del reparto original por primera vez en veinte años. Bill Murray, Dan Aykroyd, Harold Ramis y Ernie Hudson, quienes prestan sus voces al juego, en el que también participan los talentos de William Artherton (Walter Peck), Anni Potts (Janine) y Brian Doyle-Murray (alcalde Jock Mulligan).

Desarrollado por Terminal Reality y Red Fly Studios, Los Cazafantasmas: El Videojuego, llegará a PS3 y PS2 el próximo 19 de junio, y está previsto que la versión portátil para PSP (PlayStationPortable) salga al mercado en otoño de 2009. http://www.sony.com.mx/ps3/ http://mx.playstation.com/Home

Para esta edición el centro cultural independiente Border, afincado en la colonia Roma, nos presenta el trabajo de 3 artistas con los que han estado trabajando este primer semestre del año. Aseguran que la selección propuesta para Guia Dfin es fiel reflejo de las intenciones de la galería del centro cultural.

Según su director, Eugenio Echeverría, “Border galería se estructura a partir de dos lineas curatoriales. La primera busca desarrollar primeras exposiciones individuales de artistas cuya trayectoria se ha establecido a partir del graffiti, el arte urbano o el diseño en las cuales Border Galería funciona como asesor y promotor artístico. La segunda línea busca difundir el trabajo de artistas emergentes, con una clara dirección estética y conceptual y una trayectoria en construcción” El pasado 19 de febrero, la artista española Helena Fernández-Cavada inauguraba su quinta exposición individual por título “A dónde fueron las pepitas de la sandía?” La exposición presenta un total de 3 piezas. Por un lado el dibujo Blanket Party, de 40 x 40 cm, graffito sobre papel del que la artista comenta:“Blanket Party, éste nombre paradójicamente es el de un castigo hacia quien es el último en una estructura militar. Un castigo que no se oye y no deja huellas visuales. Una especie de violencia impuesta, velada u oculta bajo una manta, que mantiene anónima a la víctima. Tenemos imágenes, en The Full Metal Jacket. Aún así en mis dibujos, no sabemos qué hay debajo de la manta, quizá una almohada, quizá un cuerpo muerto o quizá uno dormido.” La segunda pieza es “La indefensión del durmiente” de medidas variables, vidrio grabado, vidrio quemado, funda de almohada, tinta y grafito sobre papel. Y finalmente “Fuego amigo” que son dos máscaras de oxígeno. Con este trabajo la artista sigue explorando los límites de la percepción y como ésta afecta al significado de lo real.

Dos meses después se inauguró “Time Life”, primera exposición individual de Dhear, graffitero de formación autodidacta con una trayectoria de 10 años en el arte urbano. La exposición, de dibujo y pintura, es el resultado de un trabajo conjunto de un año de duración entre el artista y el director de Border Galería. Al respecto Echeverría comenta: “Curiosamente la primera intervención que se hizo en el Border de la calle de Orizaba fue de Dhear y también la presentación de la instalación “El monstruo come estrellas”. Para mi esta exposición es especialmente significativa porque he podido seguir de cerca su trabajo, apoyarle en lo necesario y aprender del mismo proceso curatorial y de promoción del artista. Producir primeras exposiciones de graffiteros ó diseñadores implica un riesgo importante.

Helena Fernández

Rafael Uriegas

Dhear

Dhear

Desarrollar un buen proyecto artístico es muy dificil y siento que Dhear realmente ha podido concretar su estilo con consistencia y profundidad sin ser pretencioso que es otro de los grandes riesgos de los jóvenes artistas.” La exposición cuenta con un total de 23 piezas entre dibujos y pinturas y es una exploración visual a partir de los fenómenos recogidos en la enciclopedia “Time Life” de la edición de 1984 lo que genera una serie de fragmentos descriptivos y fantásticos vínculados únicamente a partir de lo orgánico. Estará activa hasta el próximo 3 de Junio.

Tras presentar el trabajo de una artista con 6 años de trayectoria y de un graffitero que a penas incursiona en el campo de las artes visuales, Border Galería presentará el próximo 10 de Junio la primera exposición de Rafael Uriegas, artista recién egresado de La Esmeralda. Axel Velázquez, quien prepara el texto de la exposición “Santa María en Marte”, comenta sobre su propuesta: “es estridente y provocadora, segrega un sentido sensual y fantasioso donde el cuerpo humano llega a transfigurarse en formas orgánicas de colorida extrañeza, y donde la noción del sexo acude en metáforas visuales de fenómenos naturales enrarecidos y extraños”.

Con respecto a la labor del centro cultural Border, su director opina: “Lo interesante a nivel curatorial es poder desarrollar varios procesos o líneas de investigación en paralelo a través de las cuales la escena del arte jóven se pueda ver representada y de este modo, espectador, artistas, curadores, visitantes y curiosos puedan ir definiéndose y decantándose por unas u otras tendencias. El graffiti ó el diseño gráfico no son disciplinas con pretensión artística, lo cual no quiere decir que aquel que las práctica no quiera o pueda expresarse a ese nivel. De la misma manera que muchos autodenominados “artistas” esconden tras su práctica dudosas motivaciones que los alejan de la práctica artística.

Lo interesante es observar que lo más rico del proceso artístico, la coherencia y consistencia entre el artista, su experiencia, su discurso y su obra, no entiende de etiquetas, disciplinas, ni formatos.”

Hasta la fecha han expuesto en Border Galería: Zombra , Amor Muñoz, Adriana Riquer, Gabriela Rodríguez, Marco Arce, Luis Hurtado, Andrea M. Medina, Roni Horn, Ciler, Gustavo Abascal, Vena2, Carlos Olvera, José Luís Rojas, Andrea Sicsik, Juan José Rivas, Fernando Moreno, Apolo Arauz, Dulce Chacón, Rita Pone de León, Antonio Domínguez, Ferrous, Dhear, entre otros.

Fotos: cortesía Border Galería

CUARENTA Y SIETE

Centro Cultural Border Zacatecas 43. Colonia Roma. www.border.com.mx 55 84 75 57

Los profetas de la porcelana Carlos Castañeda

CUARENTA Y OCHO

Foto: Molcajete medios

En nuestra vida cotidiana, hay espacios y momentos que nos transportan a un ambiente único, privado. Es ese momento cien por ciento introspectivo y personal: “la zona”, cuando sale lo mejor de nuestras capacidades, de nuestra velocidad mental y habilidades creativas.

Dichos momentos tan contados son dignos de aprovecharse y no tirarse por la borda, es el tiempo preciso de dejar nuestra huella en la posteridad y nuestras gotas de sabiduría en la tierra.

El baño se vuelve entonces el confesionario por excelencia, el estudio del artista, la musa inspiradora, el lugar y tiempo en el que nadie puede escapar a tener un momento real consigo mismo para evaluar con honestidad y realidad objetiva lo que cada uno de nosotros realmente somos.

Frases proféticas como “Soy el hombre más feliz de mi vida”, “Cuando vaya al baño piense, para que cuando piense no la cague” o “El futuro de México está en tus manos”; Que traen verdades tan honestas que son difíciles de encontrar en otro lado y que con su carga de humor, no se borran fácilmente de la memoria.

Jeroglíficos urbanos y obras de arte que retratan anatomías únicas con proporciones y perspectivas que ni Botero ni Picasso hubieran logrado en tan corto tiempo.

Relatos de encuentros ocurridos y por ocurrir. Diarios y crónicas que nos explican a detalle las más ocultas de las pasiones de la gente, sí, de la gente en general, porque el baño es el lugar en donde todos convergen, todos los sexos, todas las clases económicas, todos los títulos educativos. Es el espacio de comunicación idóneo para que los mensajes sean enviados y recibidos en gran cantidad de disciplinas de expresión diferente.

Por eso, te invito a no pasar por alto ese tiempo tan limitado de dar y recibir conocimiento, el baño es donde se lee y se escribe, se pinta y se recuerda; ¡Úsalo con sabiduría!