N° 79 OCTOBRE 2017 WWW.LOFFICIEL.COM
JOËLLE TOUMA RANDA MIRZA BONNIE TYLER THE BUNNY TYLERS ZEINA EL KHALIL
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L’OFFICIEL
SOMMAIRE
40
NEWS
L’édito — page 52
Le “Broche” de Gucci — page 68
Tendances — page 70
Comme un journal de voyage — page 78
Passantes sans soucis — page 80
Plaine Monceau — page 90
Les sacs cosmiques des sœurs Marzook — page 94
Moi plus — page 96
Une mode cousue d’art et de voyages — page 102
La révolution permanente — page 104
Rugir de plaisir — page 106
Senteurs d’automne — page 108
Naissance d’un classique — page 112
L’éclat de l’ombre — page 114
Petit déjeuner avec Karma Salman — page 120
La lumière pour le dire — page 122
Le clou de la soirée — page 126
Un temps pour elle — page 128
Nos nuits américaines — page 130
Day light — page 146
Adèle Farine, l’esthète — page 156
Angèle Metzger, la réfléchie — page 164
Globe créateur — page 174
Grammaire moderne — page 178
Demain, ce beau jour Sep Jordan n’est — page 182 pas un basketteur — page 190
Toucher du bois pour le plaisir — page 192
La forme des éléments — page 194
Guérir par le feu— page 198
PHOTOS DR
page 54
L’OFFICIEL
SOMMAIRE
42
La femme mosaïque — page 200
Randa Mirza, un nouveau regard sur Beyrouth — page 202
Art de combat — page 206
Écrire "L'Insulte" — page 208
Plus près des étoiles— page 212
Mille et une pages — page 216
Le sexe d'une ville — page 222
Les Bunny Tylers, ex fans des 80's — page 224
Quand Bonnie rugit sa tendresse — page 228
Cedrar, au coeur des cèdres — page 232
Autour d'un bassin — page 234
La colline aux effluves — page 236
L'auberge espagnole — page 240
Et Riva.. créa la mer — page 242
Retraites dorées — page 244
Corps et âme — page 246
Entrez dans la zone — page 248
MAD, du business dans la folie créative — page 250
"We are the people" — page 252
Les ingrédients de la Dolce Vita — page 254
L"Ahm" de la nuit — page 256
De l'énergie en barre — page 258
Ça flambe au "Meats and Bread"— page 260
Mireille Hayek remet le couvert — page 264
ADRESSES page 270
Demeure de bon goût — page 268
Toot toot Beyrouth — page 272
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ÉDITO
LA MODE À CONTRE-JOUR Elle était où, toutes ces années, la matière douce, la précieuse, la délicieuse et délicieusement désuète, celle dans laquelle on taille les rideaux de scène et les robes des divas, celle dont le nom est synonyme de volupté ? Velours, velours, velours, il suffit de le faire glisser entre les dents, vibrer entre les lèvres, pour le sentir frémir, à peine effleuré. « Petit velours » disent les Canadiens pour exprimer le plaisir. Yeux de velours, pattes de velours, loup de velours, et bien sûr gant de velours pour poing d’acier, rarement étoffe aura véhiculé autant de sens et d’émotions, inspiré autant de comparaisons. On l’aura compris, le velours est la matière reine de la nouvelle saison. A la fois saturée, sombre et dense, elle reçoit la lumière avec subtilité, l’absorbe et la retient pour la laisser courir dans sa texture. En velours, on est drapée de luxe et de mystère. On joue les soleils noirs, les astres éteints, la braise sous la cendre. En plein jour on est à contre-jour. La nuit on est à contre nuit. Le reste du temps, à contre temps.
Fifi Abou Dib
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NEWS
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ÇA RUGIT CHEZ KENZO
Derrière la griffe Kenzo, il y a toute une culture instaurée par le Japonais le plus célèbre de Paris. Si Kenzo Takada n’est plus aux commandes de sa maison, son esprit y règne, de plus en plus avant-gardiste, de plus en plus libre, pop, léger et joyeux. Pour accompagner ses imprimés déments, ses détournements d’estampes et sa palette fluo, l’enseigne lance des baskets frappés d’un tigre signature dont le graphisme traditionnel contraste avec la vive modernité des matériaux. Kenzo, Rue Fakhry, Beirut Souks, Centre-Ville, Beyrouth, +961 1 99 11 11 ext. 590 Kenzo, Aïshti by the Sea, Antelias, L3, +961 4 717 716 Ext. 295
LA GUERRE DES ÉTOILES GELÉES
Aïzone, 71 Rue El-Moutrane Street, Centre-Ville, Beyrouth +961 1 99 11 11 ext. 140 Moncler, Aïshti by the Sea, Antelias, GF, +961 4 717 716 Ext. 202
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Qui parle de réchauffement climatique ? Moncler mise sur une nouvelle ère de glaciation qui va nous attirer la convoitise de tous les Aliens mal habillés du cosmos. Dans un petit film dirigé par Golgotha Alexis Petit, la griffe la plus stylée que l’on puisse croiser sur les neiges de notre galaxie habille deux magnifiques spécimens humains avec les nouveaux anoraks métallisés de sa collection hiver 2017-18. Un Martien sort de sa soucoupe volante et aspire leurs vêtements avec son rayon vert. Il les laisse presque nus et rentre chez lui. Mais il fait d’autres jaloux dans le système solaire. Y aura-t-il des anoraks Moncler Moonray pour tout le monde ? On attend la suite de l’aventure.
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NEWS
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L’ÂGE DE LA GRANDE GUERRE
En 1917, l’horloger parisien Louis Cartier, plongé dans l’invention d’une montre à cadran rectangulaire (le format traditionnel, naturellement dicté par le mouvement des aiguilles étant le rond), observe un autre mouvement à crémaillère : celui des chars d’assaut Renault apparus sur les champs de bataille de la Première guerre mondiale. Aussitôt lui vient l’idée de rendre hommage à cette belle invention française qu’il résume dans son art en un rectangle entouré de deux brancards rappelant les chenilles: un tank vu de haut. Aujourd’hui, la Tank de Cartier fête allègrement son centenaire. Éternellement jeune et rebelle, elle a couru du poignet de Rudolf Valentino (1926) à celui de Gary Cooper ou Catherine Deneuve, en passant par Andy Warhol sans prendre une ride. Cartier, 109 Rue Allenby, Centre-Ville, Beyrouth, +961 1 97 26 00
LA SAISON DES NOUVEAUX KOOPLES C’est une invitation à un voyage dans le temps, quelque part entre les 60’s et les 70’s. Un road trip qui va d’une fête à l’autre et célèbre toutes les tendances musicales de l’époque en les restituant dans un esprit rock et de nonchalantes afterparties. Cet hiver, les pièces iconiques de l’enseigne Kooples, tops fluides, cols zippés, chemises écossaises et pantalons de jogging, reviennent dans un style encore plus audacieux et s’accompagnent du nouveau sac Emily, véritable petit cartable qui peut jouer tous les rôles. The Kooples, 148 Rue Saad Zaghloul, Centre-Ville, Beirut, +961 1 99 11 11 ext. 535
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The Kooples, Aïshti by the Sea, Antelias, L3, +961 4 717 716 ext. 287
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MI FANTÔMETTE, MI MARIEANTOINETTE
De loin, on aura l’impression de découvrir le vestiaire secret d’une super-héroïne qui se déguise avec des charlottes quand personne ne regarde. Mais dans le détail, les codes de Balenciaga sont bien là, puissants, musclés, structurés, rigoureux. Les drapés sont sculpturaux, l’équilibre des silhouettes est magistral. Au-delà du rappel kitsch et décalés des imprimés industriels des 70’s, entre fleurs et compositions géométriques, ainsi que du « hoodie » transformé en bonnet à festons attaché sous le menton, on osera les pantalons à escarpins intégrés, on adorera les robes en jersey à col haut, on craquera pour les sacs triangulaires mi sport mi chic qui s’accoudent partout sans chichi. Balenciaga, Rue Fakhry Bay, Beirut Souks, CentreVille, Beyrouth, +961 1 99 11 11 Ext. 570 Balenciaga, Aïshti by the Sea, Antelias, GF, +961 4 717 716 Ext. 208
ON S’ATTACHE…
En 2005, Chloé inventait le sac bracelet, jouant la carte ultra-féminine du double accessoire. Depuis, la maison parisienne ne cesse de recréer ce best seller dont trois versions incarnent à merveille les codes Chloé : lignes arrondies, élégance discrète, mélange de matières, cuirs souples, détails métalliques dorés. Avec les lignes Nile et Drew, le Pixie rencontre autant de succès que ses versions fausses jumelles. Son arrondi ludique et son fini de qualité joaillière parlent d’eux-mêmes. Chloé, Rue Fakhry Bay, Beirut Souks, Centre-Ville, Beyrouth, +961 1 99 11 11 ext. 580
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CÂBLÉ
Comme toute belle chose, à l’origine de la collection Renaissance de David Yurman, il y a une histoire d’amour. Jeune apprenti sculpteur, l’artiste qui deviendra joaillier rencontre à l’atelier où il fait ses armes celle qui allait devenir la femme de sa vie. Pour elle, il réalise un collier au moyen d’un câble de marine torsadé. Elle le porte lors d’un vernissage et les commandes pleuvent. L’histoire a lieu dans les années 60. Le succès de ce bijou ne s’est jamais démenti. Devenue l’une des marques de bijoux les plus célèbres du monde, l’enseigne David Yurman ne cesse d’éditer de nouvelles versions et déclinaisons de son collier fétiche. David Yurman, Aïshti, 71 Rue El Moutrane, Centre-Ville, Beyrouth, +961 1 911 111 ext. 131 ext. 104-105 David Yurman, Aïshti by the Sea, Antelias, GF, +961 4 717 716 Ext. 353
POUR TOUTES NOS PREMIÈRES FOIS Féminine mais injectée de puissance, Marella se fait complice de l’entrée des jeunes femmes dans la vie active. Sa petite robe noire prend l’option bustier, légèrement asymétrique, plissée et volantée de haut en bas pour la grâce du mouvement. Contrastes de noir et blanc, chemisier boy friend rayé en version masculine ou sans manches, accessoirisé d’une écharpe, la marque petite sœur de Max Mara cultive un style net, preppy, avec une touche rock. Première robe de soirée, premier entretien d’embauche, première tenue soutenue, l’enseigne propose une ligne classique, mais ébouriffée par un vent de liberté. A découvrir dans l’ élégante boutique qui vient d’ouvrir dans le complexe Aïshti by the Sea. Marella, Aïshti by the Sea, Antelias, L3, +961 4 717 716 ext. 291
« Dessinez-moi vos rêves », avait demandé Annie Beaumel, responsable des vitrines d’Hermès, à Leïla Menchari, ce jour de 1961 où la jeune diplômée des Beaux Arts s’était présentée au 24, Faubourg Saint Honoré, proposant ses talents. Depuis, les rêves de Leïla illustrent la dimension onirique de l’univers d’Hermès et racontent aux passants, à travers le décor enchanteur des vitrines, des voyages fantastiques illustrés par des œuvres d’artistes et d’artisans. Bientôt se tiendra à Paris, au Grand Palais, une exposition sur les mondes de Leïla Menchari intitulée « Hermès à tire-d’aile » : huit saynètes qui invitent à redécouvrir cet univers insolite et surprenant, si représentatif de la culture particulière de la maison sellière. Hermès, Bab Idriss, Beyrouth, T +961 1 999 710
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LES HUIT RÊVES DE LEÏLA
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ESCLAVES DU BOOGIE
C’est comme les souliers rouges du conte d’Andersen. Quand on les enfile, on ne plus s’empêcher de danser. Les robes de la nouvelle collection Jessika K baptisée « Slave to the Boogie » évoquent une apparition de Ziggy Stardust au Studio 54. Un hommage aux années disco avec une petite touche vintage intemporelle. Beaucoup de paillettes et de textures souples métallisées, des sequins, du velours, du vinyle, du doré, de l’argenté, mais surtout du sensuel, du fluide, du floral, du moulant, du confortable et du résolument séduisant. La jeune marque libanaise jongle avec les tendances de l’hiver en toute originalité et compose son vestiaire avec toutes nos envies. Jessica K, Hotel Monroe,Kennedy street, Beirut,Lebanon Tel: +961 1 371122
COMME UNE ELFE
Les Cornouailles, leurs falaises abruptes, leur spiritualité païenne, leur Antiquité celte, leurs ruines médiévales. C’est dans ce décor romantique pétri de surnaturel que Sarah Burton, en digne dauphine d’Alexander McQueen, a placé la collection automne hiver 2017 de l’enseigne de mode la plus ancrée dans l’histoire de la Grande Bretagne dont elle déroule un récit continu. Hauts à basques, robes et jupes à volant latéral, patchworks, maille, plumes, mousseline, cuirs souples et dentelles, une garde-robe taillée pour des elfes, à la dimension d’un conte de fées. Aïshti, 71 Rue El- Moutrane, Centre-Ville, Beyrouth, +961 1 911 111 ext. 131
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Alexander Mcqueen, Aïshti by the Sea, Antelias, Level 2, +961 4 717 716 Ext. 251
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COMME UNE ORCHIDÉE DANS LE NOIR Cette saison, Loewe immerge la femme dans une inquiétante obscurité mais lui offre de quoi s’orienter dans l’épaisseur du mystère. Inspirée des œuvres du photographe sri-lankais Lionel Wendt (1900-1944), et notamment de ses orchidées rares, la collection de cet automne hiver est tout en clair-obscur, voilédévoilé, contrastes de mat et de satiné, de sombre et de lumineux. Les sacs, qui prenaient l’an dernier l’apparence de têtes d’animaux sympathiques pour casser la rigueur de la collection se font, cette année, classiques et intemporels pour mieux ancrer dans le réel cette inspiration teintée d’irréalité. Aïshti, 71 Rue El-Moutrane Street, Centre-Ville, Beyrouth +961 1 99 11 11 ext. 104 Loewe, Aïshti by the Sea, Antelias, GF, +961 4 717 716 Ext. 209
Stella McCartney, Rue Fakhry Bey, Beirut Souks, Centre-Ville, Beirut, +961 1 99 11 11 ext. 575 Stella McCartney, Aïshti by the Sea, Antelias, L2, +961 4 71 77 16 ext. 250
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FAUX CUIR, VRAI STYLE
Il va faire fureur, le nouveau sac Popper de Stella McCartney. Venu compléter une collection hivernale inspirée des débuts de la créatrice à Savile Row dans la création masculine, en cross bag ou en cabas, on adore ses gros boutons dorés piqués aux blazers, sa forme de grosse enveloppe à secrets, son cuir qui n’en est pas un – on ne fait pas de mal aux animaux chez Stella- mais qui ressemble au nappa à s’y méprendre et même en mieux, et aussi sa tête sympathique de compagnon familier, son côté facile à vivre, chic en toute circonstance.
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ANATOMIE D’UN SAC
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Le “Broche” de Gucci Plus sophistiqué que jamais, le célèbre sac de la maison florentine se réinvente. S’il rend hommage à l’iconique poignée bambou, il reflète aussi l’esprit faune et flore, si précieux à Alessandro Michele. PAR LÉA TRICHTER-PARIENTE
Bambou mania Dans sa collection de sacs à main automne-hiver 2017/2018, le directeur de la création de Gucci, Alessandro Michele, a décidé de célébrer la poignée en bambou en référence à l’héritage de l’entreprise florentine. Gucci a commencé à utiliser le bambou en 1947, faute de matières premières après la guerre ; c’est aussi un élément emblématique de l’éclectisme et de l’esthétique contemporaine de la maison. More is more Le détail maître de ce sac portable uniquement à la main est sans aucun doute sa poignée. Marque d’élégance ultime, elle s’associe à de nouveaux détails accrocheurs. Renard et insectes animent les différentes superpositions de matières qui mêlent cuir lisse et peaux exotiques.
Sac “Broche” en cuir et reptile, ornements en or imprimé, anse en bambou et fermoir en métal vieilli, Gucci.
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Œuvre d’art à porter Outre la boucle “tête de renard”, un cadre doré fait le tour du sac, une abeille en métal est appliquée, tout comme des imprimés dorés de scarabées sur la partie inférieure. Sublimé, il devient un véritable sac amulette décliné en noir ou rouge. Le tout nouveau maxiformat présente quant à lui un effet tendance encore plus appuyé.
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TENDANCES
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Miu Miu
Prada Gucci
Calvin Klein
Alexander McQueen
Oscar de la Renta
Fendi
Gucci
JE VOLE Avec ces plumes en multitude dans toutes les collections, la saison s’annonce tout en légèreté. Realisation
Sophie
Nahas
et
Clara
Melki
Alexander McQueen
Oscar de la Renta
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Prada
Miu Miu Valentino
Chloé
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TENDANCES
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Hermès
Moncler
Brunello Cucinelli
Hermes
Bottega Veneta
Gucci
Oscar de la Renta
Prada
ARMY Vestes d’officier, manteaux corsetés, kaki et boutons dorés, la rigueur militaire est de retour. Realisation
Sophie
Nahas
et
Clara
Melki
Alexander McQueen Fendi
Dolce & Gabbana
Hermès
Chloé
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Dolce & Gabbana
L’OFFICIEL
TENDANCES
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Dolce & Gabbana
Gucci
Valentino
Valentino
Prada
Dior
Miu Miu
TOUT DOUX Le velours fait son grand retour et nous habille de douceur. La diva qui sommeille en nous en raffole. Realisation
Sophie
Nahas
et
Clara
Melki
Brunello Cucinelli Prada
Gucci
Saint Laurent Stella McCartney
Stella McCartney
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Helmut Lang
L’OFFICIEL
TENDANCES
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Dolce & Gabbana
Gucci
Saint Laurent
Etro
Prada
Dolce & Gabbana
Saint Laurent
Moncler
SAUVAGES Stella McCartney
On assume son côté félin. L’imprimé léopard réveille les tonalités éteintes de l’hiver. Realisation
Sophie
Nahas
et
Clara
Gucci
Melki
Prada
Gucci
Jimmy Choo
Roberto Cavalli
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Dolce & Gabbana
Aïshti Downtown Beirut, Aïshti By the Sea Antelias, Aïshti Verdun
dvf.com
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COMME UN JOURNAL DE VOYAGE
GUCCI
FOCUS
DOLCE & GABBANA
DIOR
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FOCUS
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C’est une mode qui nous vient des années 60, premiers voyages en stop, premiers séjours de langue… et premières collections de badges qu’on recousait sur les trous des jeans usés, sur les casquettes et les sacs à dos ; trophées d’une belle aventure dont on gardait des étoiles plein les yeux. PAR F.A.D.
La démocratisation du voyage et l’entrée des smart phones dans nos vies a réduit nos grandes échappées à quelques photos que nous partageons sans attendre, heureux de récolter au passage des commentaires et autant de petits cœurs, dérisoire mesure de notre popularité. Les réseaux sociaux nous encapsulent dans l’éphémère en remplaçant boites à souvenirs, cartes postales et journaux de voyage. Au retour, il ne reste plus grand-chose à raconter et le vécu se banalise, se disperse, perd de son mystère, de son émotion, de sa densité. A l’arrivée affleure une certaine frustration. Tout devient si banal. Même le bleu de la mer et les couchers de soleil sont affligeants de trivialité. Afficher sa singularité Notre addiction à l’Internet nous trahit, on le sait, et les créateurs bénéficient d’une incroyable somme d’informations sur nos rêves et nos comportements. Rarement l’offre de la mode aura été aussi proche de nos désirs, et ces dernières saisons, le vêtement manipule avec subtilité notre envie de partager un peu de poésie avec nos contemporains tout en soulignant notre singularité. De plus en plus, nos vestiaires vont ressembler à un « scrapbook », un journal de voyage, voire un journal intime où s’inscrivent en motifs appliqués les lieux, les souvenirs, les images qui nous touchent. Une tradition des maisons malletières En tête des maisons qui cultivent nos manies de collectionneurs, les anciennes maisons malletières qui ont longtemps développé l’art de l’étiquette du bagage. Gucci par exemple, issue de l’art du voyage, lançait en juillet dernier l’application Gucci Places qui permet à l’utilisateur de visiter les lieux d’inspiration de l’enseigne et surtout d’en ramener de véritables trophées, comme les sacs de la collection Courrier. Ces derniers sont ornés de toutes sortes de badges évoquant des pays ou des voyages en soucoupe volante, et surtout du mystérieux macaron « l’aveugle par amour ». Sous la direction d’Alessandro Michele, amoureux de la culture britannique, les collections Gucci ressemblent par ailleurs de plus en plus à de somptueux herbiers où s’épanouissent des fleurs sulfureuses, sur d’improbables patchworks de couleurs vives. Fleurs et bolduc La maison Dior, de son côté, déroule des bandes de bolduc brodées de messages, noir sur blanc, dont le fameux « Christian Dior, j’adore » qui court sur les bretelles comme un mantra. Là aussi foisonnent les applications de broderies florales, surtout dans la pré-collection de cet automne. La collection haute couture automne hiver 2018 déploie pour sa part une nouvelle carte du tendre.On y retrouve des agrandissements de certains lieux de cette géographie amoureuse tout aussi amoureusement brodés, ainsi que des motifs inspirés des cartes d’un tarot précieux appartenant à la directrice artistique Maria Grazia Chiuri. Cœurs et typos Chez Dolce & Gabbana, la manie du patch est élevée au rang d’un art joyeusement loufoque, où rien n’a rien à voir avec rien. Un jeu de cartes où l’as de cœur est encadré du mot « Love » côtoie sur un bomber pailleté des messages de la même veine qui semblent découpés dans la une d’un journal. Sur les pantalons, des chatons de cartes de vœux entourés de roses sont bousculés par des graffitis qui se détachent en noir sur la toile blanche. Sur les robes, des cosmonautes côtoient des coqs, des cœurs kitsch et des roses intergalactiques. Partout, patches ou badges de cœurs, de signes du zodiac, de graffitis ou imitant des insignes universitaires, font un brillant chahut.
PASSANTES SANS SOUCIS On ne fait que traverser, ne vous retournez pas. Nos boucles d’oreilles sont énormes, nos bijoux barbares, nos couleurs tapageuses, de l’or dans le bleu, des pois dans le blanc, du kimono dans la veste, du vernis dans l’imper… On passe, ne vous retournez pas. PHOTOGRAPHIE BACHAR SROUR STYLISME MELANIE DAGHER RÉALISATION SOPHIE SAFI
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ACCESSOIRES
De gauche à droite de haut en bas: Boucles d’oreilles, JESSICA K. Boucles d’oreilles, CÉLINE, top, JESSICA K, et sac, PRADA. Sandale, PRADA. Pochette, ALICE + OLIVIA. Chaussures, THE ATTICO. Boucles d’oreilles, JESSICA K, top, CHLOÉ. Boucles d’oreilles, CÉLINE.
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Boucles d’oreilles, CÉLINE. Trench, JESSICA K. Bracelet et bagues, CHLOÉ.
Veste et pantalon, HERMÈS.
De gauche à droite de haut en bas: Trench, JESSICA K, collier, DAVID YURMAN, et collier, CARTIER. Sac, PRADA, et bracelet, CHLOÉ. Boucles d’oreilles, CARTIER, trench, BALENCIAGA, et bagues, BUCCELLATI. Boucles d’oreilles, DAVID YURMAN. Collier, DAVID YURMAN. Sac, VALENTINO. Bague, CARTIER. Manteau, STELLA McCARTNEY, et chaussures, TOD’S. Boucles d’oreilles, BUCCELLATI.
Robe, VALENTINO. Mules, PR ADA.
Robe, SAINT LAURENT. Collier, CÉLINE. Bague, CHLOÉ.
Robe, VALENTINO. Lunettes de soleil, THOM BROWNE. Boucles d’oreilles, SAINT LAURENT. Sandales, PR ADA.
Robe et sac, STELLA McCARTNEY. Chaussures, BALENCIAGA.
Robe, BALENCIAGA. Bracelet, CHLOÉ. Sac, SAINT LAURENT. Sandales, PR ADA.
De gauche à droite de haut en bas: Jupe, BALENCIAGA, et chaussures, CÉLINE. Boucles d’oreilles, CÉLINE, sac, CHLOÉ, et veste, JESSICA K. Sac, LOEWE. Sac, BALENCIAGA, Boucles d’oreilles, CÉLINE, et trench, JESSICA K.
Plaine Monceau
Flâner dans les rues de la capitale, s’attabler à la terrasse d’un café pour lire sont les passe-temps favoris d’Héloïse Giraud. Celle qui a grandi entre Bretagne et Asie a tout compris du chic parisien. PHOTOGRAPHIE QUENTIN STYLISME DEBORAH REYNER SEBAG
T-shirt en alpaga et Nylon, MES DEMOISELLES PARIS. Pantalon en laine diagonale, CHLOÉ. Sac “Clasp Mini” en cuir, CÉLINE,. Ceinture “Hunter” en veau, HERMÈS. Montre “Tank” en or jaune et alligator, CARTIER.
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ACCESSOIRES
Robe en viscose, BA&SH. Montre “Panthère” en or jaune, CARTIER. Bottines en cuir, GIANVITO ROSSI.
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ACCESSOIRES
Trench-coat en gabardine brodée, GUCCI. Pull en coton et laine mélangée, SEE BY CHLOÉ. Carré en twill de soie façonné abeilles, HERMÈS. Sac “Dioraddict” en veau lisse, DIOR.
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ACCESSOIRES
Pull en cachemire, ÉRIC BOMPARD. Jean en denim, LEVI’S. Cuissardes en cuir de veau stretch, AGL. Sac “Constance III Mini” en veau Sombrero, HERMÈS. MODÈLE : HÉLOÏSE GIRAUD CHEZ VIVA. MAQUILLAGE ET COIFFURE : CÉLINE CHEVAL. ASSISTANTE STYLISME : DAISY OLDFIELD.
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LES SACS COSMIQUES
PHOTOS ELI REZKALLAH PLASTIC MAGAZINE
DES SÅ’URS MARZOOK
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ZOOM
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Dans le graphisme de leur nom, il y a deux « O » qui suggèrent des cercles concentriques: l’intersection de leurs deux créativités. Les sœurs Marzook ont l’art dans les gènes et travaillent en tandem sinon rien. Par F.A.D.
Elles sont ainsi depuis l’enfance, à tout créer à partir de rien. L’originalité de l’une alimente la vision de l’autre et vice versa. Adolescentes, elles lancent ensemble une première collection d’accessoires qui fait la joie de la famille, des amis et du cercle des intimes. Ce premier succès privé les convainc qu’elles ont un rôle à jouer dans le domaine du design. Le talent est périssable s’il n’est pas entretenu. C’est ainsi que les sœurs Marzook foncent tête basse dans la création d’objets. Elles veulent repousser les limites, défier les normes de la mode et réinventer une plastique qui exprime leur singularité. « Chaque objet sorti de notre atelier est unique et puise son inspiration dans l’art, l’architecture et la nature. Nous créons manuellement une forme d’art qui rejoint le luxe », disent elles. Et de fait, entre leurs mains, les formes subissent des distorsions inédites, les normes sont chahutées. Elles fuient les systèmes, s’efforcent de suivre la méthode des Surréalistes, procèdent par association d’idées, raisonnements clairs et juxtapositions improbables. Leur design, à la croisée des cultures orientales et occidentales, reflète le milieu dans lequel leur marque s’est développée, avec un accent particulier sur le modernisme et l’Art déco. A l’arrivée,
leurs accessoires dégagent un glamour décalé et une réjouissante impression de bizarrerie, avec un ADN de cabinet de curiosités. Des muses du temps passé La nouvelle collection Marzook, baptisée « Bound » (anglais pour « attaché ») puise son inspiration auprès des grandes figures féminines d’avant le féminisme, « attachées » au propre comme au figuré. Car cette absence de liberté s’exprimait aussi dans le vêtement. Les sacs issus de cette ligne sont sphériques comme l’orbe royal symbolisant l’univers. Ils reçoivent des détails empruntés à l’histoire du costume, entre tuyautage et boutonnage frontal. Les reines Elisabeth 1ère, Victoria, Mary, Catherine La Grande et même Anne Boleyn se profilent derrière chaque sac à travers des détails qui leurs sont propres. Satin, cristaux et perles sont les attributs du sac Victoria. Le sac Elisabeth est agrémenté d’une fraise. Ann Boleyn inspire pour sa part des détails joailliers. La reine Mary aimait le noir et la provocation, d’où un objet corseté en « v » qui véhicule en sa mémoire une touche érotique. Pour les sœurs Marzook, ces souveraines ont successivement marqué la mode et l’ont faite évoluer au gré de leurs goûts imités par qui le pouvait. Le luxe a toujours été symbole de pouvoir. Dont acte. En vente chez Aïshti, www.marzook.co
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PHOTOMATON
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MOI PLUS Comme une nursery créée sur-mesure pour l’éternelle petite fille qui sommeille en nous, le concept store We Are the People est une véritable salle de récréation où l’on passerait des heures à s’imaginer autre, surprenante et irréelle. On peut aussi le devenir pour de vrai. We Are the People, Aïshti, rue el Moutran, centre-ville Beyrouth R É A L I S AT I O N
SOPHIE
SAFI
PHOTOGRAPHIE
TONY
ELIEH
De gauche à droite de haut en bas: Lunettes de soleil, LINDA FARROW et sac, FENDI. Sac, GUCCI. Chaussures, VALENTINO. Chaussures, SAINT LAURENT. Sac, BALENCIAGA. Mules, DIOR. Sac, DIOR. Sandales, JIMMY CHOO. Sac, DIOR.
MOSCHINO.COM
2 2 5 F o c h S t . , D o w n t o w n B e i r u t , Te l . + 9 6 1 1 9 9 1 1 1 1 E x t . 4 8 0 A ï s h t i B y t h e S e a , A n t e l i a s , Te l . + 9 6 1 4 4 1 7 7 1 6 E x t . 2 3 4
L’OFFICIEL
STYLE
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UNE MODE COUSUE D’ART ET DE VOYAGES LES OUVERTURES DE MUSÉES ET L’INTÉRÊT CROISSANT DES PAYS DU GOLFE POUR L’ART SE RÉPERCUTENT DE MANIÈRE DE PLUS EN PLUS ÉVIDENTE SUR LA SPHÈRE CRÉATIVE LOCALE. LA CRÉATRICE DE MODE NORA AL SHAIKH FAIT PARTIE DE LA JEUNE GÉNÉRATION SAOUDIENNE QUI ÉCUME LES MUSÉES POUR EN NOURRIR SON INSPIRATION.
PHOTOS NORA AL SHAIKH
PAR F.A.D.
Son diplôme en gestion des affaires à peine décroché, Nora Al Shaikh s’inscrit à l’Institut des Arts et des Compétences de Riyad qui lance alors son premier programme de formation en arts de la mode. Un vieux rêve qu’elle réalise enfin. En 2009, elle présentait sa première collection à Sachs Fifth Avenue, Riyad. En 2014, elle recevait le prix Forbes Moyen-Orient attribué aux « visionnaires ayant le pouvoir d’initier le changement et de contribuer au développement futur de l’Arabie Saoudite ». Entre ces deux événements fondateurs, la jeune créatrice lance son label éponyme en 2012. Elle participe ensuite à des shows exclusifs et expose dans des magasins éphémères à New York et Los Angeles. Elle vient d’ouvrir une boutique privée sous son propre label, dans la ville portuaire de Djeddah. Un salon feutré et intime où les clientes peuvent la rencontrer et bénéficier de ses conseils. Le monde est un carnet d’inspiration Voyageuse passionnée, Nora Al Shaikh remplit ses yeux et ses carnets d’idées, de références, de souvenirs, de couleurs et d’histoires. Ces impressions sont presque toutes investies dans la création de ses collections et traduites en dessins. Londres, Paris, Oman, L.A, New York, pas une ville, pas une rencontre, pas une installation artistique, pas une exposition qui n’infuse ses détails dans la coupe d’une robe, le choix d’un tissu, la forme d’un pantalon. « De Masqat, j’ai retenu les costumes traditionnels et la forme des outils exposés au Musée national. A la Tate
Modern, au Centre Pompidou, au LACMA, j’ai exploré le travail des artistes contemporains et celui d’expressionnistes abstraits tels que Helen Frankenthaler et Lee Krasner. D’une manière ou d’une autre, tout a été traduit dans ma nouvelle collection » confie la créatrice. Subtilité des tissus, flexibilité du vestiaire De fait, ces toiles subtilement rayées, zébrées d’un fil métallique, ces taffetas légers retravaillés au pinceau, ces laines fines provenant de filatures françaises et italiennes restituent à la perfection l’inspiration éclectique de cette flamboyante vagabonde. « J’ai également trouvé un velours soyeux avec des nuances de rose poudré, bleu de nuit, ou d’un vert émeraude profond qui fera la nouveauté, cette saison », ajoute Nora Al Shaikh qui développe par ailleurs une ligne de chemises et blouses déconstruites, agrémentées de pans de maille métallisée et de volants plissés. Le vestiaire qu’elle crée est aussi luxueux que contemporain et facile à porter. Tout se marie avec tout. Les pantalons «Palazzo» flirtent avec des robes tuniques, et trouvent facilement de quoi s’apparier parmi vos pièces des saisons précédentes. Le raffinement contemporain n’est pas ailleurs, souligne cette créatrice bien de son temps, qui se détourne de l’ostentation pour ne garder que la beauté des matières, la simplicité des silhouettes, l’indispensable confort et le respect des ressources. Collection disponible en ligne sur OUNASS.com
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LE MONDE DE
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La révolution permanente Lady Vivienne Westwood, aujourd’hui septuagénaire, investit avec la même passion la création et le militantisme écolo. Depuis Londres, elle nous confie sa devise : “Acheter moins, choisir bien, le faire durer…” La reine du punk n’a rien perdu de son esprit rebelle.
La vie de Vivienne Westwood, née en 1941 dans un village du Cheshire, pourrait faire l’objet d’un biopic tant elle colle à l’Histoire, aux avancées des femmes et à l’émergence d’une jeunesse en rupture avec des mœurs dépassées. À aujourd’hui 76 ans, elle est l’un des piliers de la mode contemporaine. Si l’on devait donner une raison à cela, la première qui vient en tête est l’actualité de sa mode, qu’elle mêle avec justesse à ses engagements politiques. La reine du punk raconte : “Les hippies ont politisé ma génération et, en 1970, avec Malcolm McLaren, nous nous sommes intéressés à la mode des années 1950. C’était le début d’une ère nostalgique ; Yves Saint Laurent s’intéressait aux années 1940 et nous à la décennie suivante, parce que nous étions déjà des activistes et nous haïssions la génération qui nous précédait à cause de la mort et de la destruction qu’avaient portées les gouvernements. Nous avons réinventé les années 1950, mais en nous concentrant sur la jeunesse.” Cette idée de dualité pour créer, on la retrouve dans son travail actuel qui, s’il s’est défait des fifties, n’a jamais réellement quitté le punk. Anticonformisme, radicalité…, Westwood estime que la période actuelle est “ouvertement politique”. Il faut dire que, depuis plusieurs années, avec son mari Andreas Kronthaler, on la voit s’engager pour les droits de l’homme, comme lorsqu’elle passe par l’Ethical Fashion Initiative qui permet aux marques de travailler équitablement avec des artisans africains, ou encore avec sa ligne consacrée aux questions climatiques. Elle semble infatigable et c’est peut-être aussi l’époque qui l’exige. Surtout à Londres, où Westwood a élu domicile en 1958.
La ville sur laquelle sa mode a fait souffler un vent de liberté et d’anarchie se retrouve aujourd’hui confrontée au Brexit, au clash de classes sociales et à la fermeture des clubs. Il y a quelques mois, Vivienne Westwood a d’ailleurs organisé une soirée à la Fabric, club incontournable des nuits londoniennes : “Nous avons organisé une soirée de lancement pour Switch, la campagne que je mène pour que la moitié de l’Angleterre fonctionne à l’énergie verte d’ici à trois ans, et la première étape est l’économie verte. C’est ce qui aidera à saboter le système financier corrompu. La culture londonienne se fait évincer de la ville avec le simple objectif de construire des immeubles pour des investisseurs ; l’immobilier est un réel problème ici”, explique-t-elle. On pourrait croire que ces questions l’éloignent de la mode. Pourtant, pour elle, tout fait sens et surtout tout se rattache à la mode. Comme sa décision, pour l’automnehiver 2017/2018, de présenter ses collections masculines et féminines en même temps : “C’est incroyable, aujourd’hui, le rejet de la polarisation entre les deux genres permet aux femmes de s’élever au rang d’individus à part entière.” Il semblerait que, pour elle, il ne suffise plus d’habiller les femmes ; à travers sa mode, elle leur permet de prendre possession du monde qui les entoure, d’y affirmer leur place, leurs envies et ce, dans le respect d’elles-mêmes et des autres. “Acheter moins, choisir bien, le faire durer”, se plaît-elle à répéter. Un mot d’ordre qu’elle entend faire résonner dans toute l’industrie, aussi longtemps que nécessaire. www.viviennewestwood.com
PHOTO MEINKE KLEIN, MARCIO MADERIA, DANIEL ELLIS, DAVID MONTGOMERY/GETTY IMAGES, DR
PAR MÉLODY THOMAS
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1. Un look du défilé automnehiver 2017/18. 2. Vivienne Westwood en Amazonie. 3.Andreas Kronthaler et Vivienne Westwood. 4. Avec Malcolm McLaren dans leur boutique de King’s Road à Londres, en 1985.
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KALÉIDOSCOPE
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RUGIR DE PLAISIR Bien dans leurs baskets, Carol Lim et Humberto Leon fêtent leurs six ans chez Kenzo, des idées plein la tête. Leur fantasme ? Une parfaite fusion de la street culture et de l’ethno-chic cher au fondateur. PAR MATHILDE BERTHIER
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La collection Présentée à Paris en mars dernier, la collection “Memento N° 1” réactualise l’immense patrimoine laissé par Kenzo Takada depuis les années 1970. Avec pour point de départ l’imprimé floral, symbole de la maison, ce nouveau projet du duo Lim/Leon mêle tailleurs, robes ballon, sweats et geta géantes (1). L’adresse Déjà bien implanté rive gauche et dans le triangle d’or, Kenzo a choisi le Marais et la rue Vieille-duTemple pour sa sixième adresse parisienne. Carol Lim et Humberto Leon (2) ont choisi l’architecte Fabrizio Casiraghi, auteur du Café de l’Esplanade, pour le décor : technicolor et un brin futuriste. À quelques encablures, un pop-up éphémère marque le lancement de la basket “Kenzo Move”. 3
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L’objet du désir Qui mieux que Kenzo, grand manitou du street wear, pour dépoussiérer la sneaker ? Pop et sport, la nouvelle “Kenzo Move” (3) associe patchwork de couleurs et forme ergonomique, dans la lignée du vestiaire hybride de “Memento N° 1”. La signature de cette basket unisexe ? Le motif tigre iconique, lui aussi revisité. Le film Après Carrie Brownstein ou Kahlil Joseph, Kenzo s’associe à l’actrice et productrice américaine Natasha Lyonne pour réaliser son traditionnel film de rentrée. Baptisé Cabiria, Charity, Chastity (4), le court-métrage place Maya Rudolph, alias Chastity, au centre d’un monde burlesque. Au casting : le culte Macaulay Culkin. Kenzo, 71 Rue El Moutran, Centre-ville, Beyrouth, +961 1 99 11 11 ext.140. www.kenzo.com
PHOTOS INEZ+ VINOODH, DR
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BEAUTE
SENTEURS D'AUTOMNE Goutte après goutte, sur la paille sèche de l’été, la première pluie réveille des odeurs d’une sensualité affolante. La terre s’ébroue, révèle sa substance en effluves d’aiguilles de pin mouillées, de fruits murs, d’épices à vertige. Bientôt les insectes se taisent, les oiseaux migrateurs partent pour les îles. Il nous reste le parfum, ce manteau chamarré du vent qui passe. PHOTGRAPHIE TONI ELIEH REALISATION SOPHIE SAFI
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L'eau de parfum, "La Vie Est Belle - L'éclat", LANCÔME.
Bougie à l'oranger, DIPTYQUE.
Huile pour cheveux, " Black Opium", YVES SAINT LAURENT.
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BEAUTÉ
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Naissance d’un classique Que faut-il pour qu’un parfum devienne intemporel ? Quelques ingrédients savamment dosés, à commencer par un nom. Gabrielle, que l’on associe à un patronyme mythique, est désormais une fragrance Chanel signée Olivier Polge, en voie d’entrer, avec élégance, dans l’Histoire. PAR ANTIGONE SCHILLING
Kristen Stewart vue par le réalisateur Ringan Ledwidge.
Classique, vous avez dit classique ? En parfumerie, un classique, inéluctablement, traverse le temps. Il s’impose comme une référence admirée pour sa justesse de ton, pour la réunion sous une bonne étoile de tous les paramètres qui le composent. Au départ il s’inscrit remarquablement dans son époque, il peut la bousculer ou au contraire s’y fondre avec pertinence. Grâce à des qualités intrinsèques, il doit réussir à s’imposer par une dimension quasi universelle. Parfum à signature, il se reconnaît à son sillage, personnel. Et après… il y aura ou pas alchimie avec son époque avant de devenir pérenne. Chaque décennie livre quelques classiques, certains parfois s’endorment, s’enlisent dans une accélération du temps qui ne pardonne pas le silence, mais le respect demeure pour les références immuables. Chez Chanel, le N° 5 demeure le classique par excellence ; cette composition quasi centenaire est désormais la plus célèbre du monde. Un parfum réussi et qui a des chances de durer, explique le designer de flacons Pierre Dinand, est comme une machine à sous au casino, il faut aligner les quatre cerises ou les quatre bananes. La fragrance, le nom, le flacon et la communication incarnent ces quatre éléments. Si l’alignement des planètes est réussi, les augures se présentent bien.
PHOTO CHANEL
Le nom Prénom des origines, Gabrielle a bercé l’enfance et a accompagné l’adolescence de la couturière avant que Coco ne s’invente et que ne se forge une personnalité audacieuse et hors du commun. Gabrielle, ce sont les origines, les racines autour d’un prénom d’archange. Marquée par la disparition de sa mère et par un père dépassé par les événements, Gabrielle Chanel passe son adolescence en pension dans un lieu austère, à Aubazine, une abbaye cistercienne à la géométrie stricte. Edmonde Charles-Roux, dans L’irrégulière, s’interroge : “Est-ce le monastère d’Aubazine qui lui donna le sens du dépouillement dont elle témoigna par la suite, son horreur instinctive pour ce qui dépassait la mesure, et la distance qu’elle sut marquer à l’égard de l’excès ?” Inconsciemment sans doute, Aubazine demeure une des sources de l’esthétique Chanel. Gabrielle, c’est toute la puissance d’un être en devenir, d’une personnalité hors norme qui va jaillir. Une femme libre, audacieuse, mais aussi une grande amoureuse, une insoumise qui jamais ne renonce, qui toujours avance, gère ses créations, sa vie avec détermination. Gabrielle, le parfum, s’annonce comme l’identification à une femme qui a réussi, une des personnalités les plus célèbres de la planète. Ce prénom s’ouvre à une nouvelle vie, pour une femme prête à conquérir le monde : “J’ai choisi ce que je voulais être et je le suis.” Un parfum Indiscutablement, instinctivement, la composition est signée. Une sensation étrange surgit au débouché : c’est un Chanel ! Une conviction inébranlable et pourtant de l’ordre de l’inexplicable. Olivier Polge a choisi de privilégier les fleurs tout comme Gabrielle Chanel avait décidé pour son premier parfum que les fleurs seraient majeures et qu’elles seraient les plus belles et dans les meilleures qualités de l’époque, tout en voulant avec détermination “un parfum qui soit construit”. Pour ce nouveau bouquet abstrait, imaginaire, Olivier Polge a d’abord choisi quelques fleurs déjà très Chanel : l’ylang-ylang, le jasmin et la fleur d’oranger. Avec ces fleurs, Olivier Polge a joué. La fleur d’oranger pétille, rafraîchie de notes hespéridées, d’écorce de mandarine, de zeste de pamplemousse et de touche de cassis. Le jasmin accentue l’intensité. L’ylang-ylang, avec l’ajout de muscs blancs, a des accents “velours”. À ce glorieux bouquet, Olivier Polge a eu l’audace d’ajouter la plus ténébreuse des fleurs, la plus puissante, la plus hypnotique, la plus sensuelle
et peut-être la plus déroutante de la parfumerie, la tubéreuse de Grasse. Autour de cette fleur, les légendes se sont tissées : il ne fallait pas laisser les jeunes filles s’en approcher la nuit par crainte de stimuler leurs sens. La tubéreuse ici se dompte, s’adoucit avec un santal suave, lacté. Une composition florale abstraite et résolument Chanel. Le flacon D’apparence sobre, simple, sage géométrie de mise au carré, le flacon recèle des prouesses techniques orchestrées sans ostentation, avec élégance. Déjà à l’époque du N° 5 cette sobriété à contrecourant fascinait. Pour Edmonde Charles-Roux, “ce qu’il y avait de remarquable dans le bloc à angles vifs que mettait en circulation Gabrielle, c’est qu’il soumettait l’imaginaire à un nouveau système de signes. Ce liquide d’or, prisonnier d’un cube de cristal nu et rendu visible à seule fin de désir.” Foin de décor alambiqué, de fioritures, la simplicité incarnée. Pour Gabrielle, le sobre carré est réinventé et réussit une nouvelle perfection. Pour composer cet univers ont été choisies des sources d’inspiration issues de la couture : des broderies Lesage, un collier Desrue à motif de plumes… et une boîte en or et vermeil offerte à Coco Chanel par le duc de Westminster. Dans la base du flacon, point de poids de verre inutile, souvent associé au luxe, mais son contraire, en légèreté et transparence. La marloquette, terme technique qui qualifie la goutte de verre au fond des flacons, a été repoussée vers l’extérieur puis polie, éliminant le côté bombé pour réaliser une assise parfaite et droite. Sur les faces, de légers biseaux orchestrent une découpe géométrique de verre dont les lignes en rayons convergent vers le centre pour que s’y déploie l’étiquette. Un bouchon carré lamé mat siglé du double C coiffe le tout. Quintessence du style Chanel, il est reconnaissable, il remet le carré à l’honneur dans une version discrètement sophistiquée. L’égérie Pour incarner ce nouveau parfum, une personnalité d’aujourd’hui, une actrice déjà très Chanel, ambassadrice dans des campagnes pour les métiers d’art et le maquillage. Remarquée adolescente pour son rôle dans Panic Room, Kristen Stewart est passée de la saga Twilight à de grands films américains comme Into the Wild et à des films d’auteur comme Sils Maria ou Personal Shopper d’Olivier Assayas. Actrice aux choix précis, Kristen Stewart affiche également un style bien à elle. Déjà égérie du nouveau sac “Gabrielle”, elle va incarner le parfum et sera à découvrir dans une campagne photo signée Karim Sadli tandis que le film sera réalisé par Ringan Ledwidge. Une nouvelle Gabrielle. Un, deux, trois, quatre… Un alignement de quatre critères pour réussir un nouveau classique ? www.chanel.com
L’éclat de l’ombre
L’OFFICIEL
ACCESSOIRES
Le bruissement des feuilles dans un jardin en clair-obscur. Une lumière soudain. Le reflet de la lune sur des pierres précieuses et fascinantes. Enchanteresses, les plus belles créations de haute joaillerie envoûtent et éblouissent dans le crépuscule. PHOTOGRAPHIE JULIEN ROUX RÉALISATION EMILY MINCHELLA S E T- D E S I G N E R : M A R I E J A M B E R S AS S IS TA N T E P H OTO: YO N A H I L L AT
Bracelet en or jaune, jaspe sculpté, émeraudes et diamants, collection “Résonances”, CARTIER.
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Collier “Serpenti” en or rose serti de deux diamants taille poire et de diamants taille brillant, BVLGARI.
Collier “Trianon Diamant” en ors rose, jaune et blanc, diamants, saphirs, émeraudes, grenats tsavorites et spessartites, turquoises, tourmalines Paraïba et rubis, collection “Dior à Versailles, côté jardins”, DIOR JOAILLERIE.
Manchette en ors blanc et jaune sertis d’un diamant Fancy Intense Yellow taille rond, de saphirs et de diamants taille brillant, collection “Flying Cloud”, CHANEL.
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C’EST FAÇONNABLE.
149 SAAD ZAGHLOUL STREET, NEXT TO AÏSHTI DOWNTOWN T. 01 99 11 11 EXT. 525 AÏSHTI BY THE SEA ANTELIAS T. 04 71 77 16 EXT. 233
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PETIT-DÉJEUNER
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PETIT DÉJEUNER AVEC KARMA SALMAN Née à Londres, Karma Salman se passionne pour la création de bijoux dès l’adolescence. Elle étudie les Beaux-arts à la LAU, Beyrouth, et revient dans sa ville de naissance pour se spécialiser au GIA. Les bijoux qu’elle crée s’inspirent, par leur délicatesse et leur ergonomie, de l’architecture, de la tradition et de la calligraphie. PAR F.A.D.
A quelle heure sonne votre réveil ? C’est Lexie, mon chien, qui me reveille entre 6:30 et 7:00 Que faites-vous dès votre lever ? Je me mets à la recherche de mes lunettes #viedemyope. Votre menu idéal ? Un bon café. Vos meilleures adresses de petit déjeuner ? Casablanca, Soosi, Tawlet Souq el Tayeb, Afran al Mostabal, à Beyrouth; Smile to Go à New York, Claus à Paris, Blacksmith à Houston. Votre humeur du moment ? Une combinaison étrange entre «vraiment sympa» et «je te tuerai dans ton sommeil». Comment décririez-vous votre nouvelle collection? En relief et confortable
Votre devise matinale ? Chaque jour est un cadeau, il faut en profiter!
PHOTOS TONY ELIEH
Plutôt imprimante 3D ou plutôt fer à souder? Fer à souder.
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AÏSHTI BY THE SEA, AÏSHTI DOWNTOWN, AÏSHTI VERDUN
LA LUMIÈRE POUR LE DIRE ILS ÉTAIENT DEUX À RACONTER L’HISTOIRE, LE JOAILLIER ET LE TÉMOIN ÉBLOUI. NAGIB TABBAH EST ENCORE ADOLESCENT QUAND, VERS LA FIN DES ANNÉES 90, NABIL, SON PÈRE, REÇOIT COMMANDE D’UNE CRÉATION DIGNE DU CAPRICE DE PEAU D’ÂNE : UNE PARURE HORS DU COMMUN, EN FORME DE DÉCLARATION D’AMOUR. PLUS DE VINGT ANS PLUS TARD, ILS EN RETROUVENT LA TRACE.
PHOTOS PHOTOS DR DR
PAR F.A.D.
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BIJOUX
Chez Tabbah, le flambeau se transmet de génération en génération depuis le début du 19e siècle. Une telle constance n’a pas d’autre secret qu’un amour du métier entretenu par des événements inoubliables. L’entrée, il y a plus d’une vingtaine d’années, dans la boutique monégasque de l’enseigne, d’un client richissime (ce qui est accessoire), éperdu d’amour (ce qui est la condition du miracle), fait partie de ces temps forts. Nabil Tabbah connaît bien le personnage, et cela rend plus aisée la confidence. Il est amoureux fou d’une jeune femme si exceptionnelle à ses yeux qu’il veut lui offrir la parure la plus exceptionnelle qui se puisse créer. Le joaillier est prêt à relever le défi. Des bijoux d’exception, il a souvent eu l’occasion d’en concevoir. Mais celui-ci promet de surpasser tous les autres. Nabil Tabbah sait déjà ce qu’implique ce projet. Le rêveur et le magicien Tout commence par l’écoute. Nabil Tabbah interroge son client. Comment est-elle, cette femme ? Les superlatifs se bousculent (elle est belle, elle est raffinée, elle est…), mais n’aident en rien. Qu’aime-t-elle ? Les roses. Chaque matin, l’amoureux fait livrer à sa belle un arrangement de roses rose au centre duquel trône une rose blanche, unique, « l’absente de tous bouquets » dont parle Mallarmé. Le joailler commence à « voir ». Il imagine des diamants blancs entourés de diamants roses, c’est déjà un
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début. Mais la haute joaillerie, c’est comme la haute couture, dit-il : l’exception ne se trouve pas sur le marché, elle se crée de toutes pièces. Dès ce moment va commencer une recherche haletante qui durera trois ans. A la poursuite de la pierre de lumière Nabil Tabbah trace le dessin, un art qu’il maîtrise avec jubilation comme en témoignent les innombrables archives de la maison. Sur le papier scintille à l’aquarelle un diamant poire bleu blanc de plus de 70 carats. Le collier doit comprendre 13 paires identiques de diamants de dimension décroissante, de même qualité, de même lumière. Chaque pierre est entourée d’une nuée de petits diamants roses non moins difficiles à assortir, leurs couleurs devant être identiques pour assurer une harmonie visuelle. Le client approuve, enchanté. Mais la différence entre la magie et la réalité se mesure au temps que nécessite la création de l’objet. Il faudra, en parallèle, que l’amour dure au moins trois ans, une période minimale pour rassembler les gemmes et réaliser la parure, entre collier, bracelet, boucles d’oreilles et bague. Le joaillier enfile la casquette de l’enquêteur. La course est lancée. La maison, ses limiers, ses correspondants à travers le monde recherchent la lumière parfaite, les pierres de charme, « sexy », dans leur jargon. « Il ne suffit pas de trouver la pierre parfaite, souligne Tabbah. Deux diamants peuvent avoir des
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certificats et des qualités identiques de couleur, de taille, de dimension et de clarté, mais quand on les confronte, seul un joaillier, par son regard et son expertise, peut détecter les faux jumeaux. Il sera inévitablement attiré par l’un au détriment de l’autre. Ca ne s’explique pas. Une lumière violente et une pureté parfaite ne sont pas nécessairement des critères de charme. Notre art consiste ensuite à monter la pierre choisie de manière à en faire ressortir la puissance. C’est ce qui fait notre différence » « Romancing the stone » La recherche des pierres est donc lancée. Dans le milieu très fermé des diamantaires, l’information circule. Certaines pierres sont proposées, mais rarement les bonnes. Pour la pierre de centre, pierre angulaire du précieux édifice, Nabil Tabbah se résout à faire tailler un diamant brut. Là encore, cette coquille peut s’avérer vide. En ces années 90, on n’a pas encore la possibilité technique d’interroger le contenu de la gangue informe. Il faut avoir l’œil, et encore, on n’est jamais assuré du résultat. Par bonheur, le diamant brut repéré par le joaillier est le bon, un bleu-blanc d’une pureté exceptionnelle. Le joaillier va jusqu’à New York pour en superviser la taille. L’aventure pouvait se poursuivre. Les diamants acquis pouvaient déjà promettre un appariage parfait. Il restait à garantir une lumière homogène au pavage de diamants roses entourant les pierres de centre. A cet effet, il fallait attendre la sortie de la production d’une mine en Australie, connue pour le reflet pastel
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de ses pierres. Et puis les trier une à une en les fixant à la pince sur le moule. Quand il place les pierres au creux de ses mains, Nabil Tabbah a l’impression de tenir la Voie lactée. Il connaît déjà le nom qu’il va donner à la parure : Galaxy of Light. Le dernier rendez-vous Le jour de la livraison, plus de 36 mois et d’incalculables heures de travail plus tard, tandis que s’entrouvre le coffret de velours bleu-marine, laissant échapper ses rayons, le client reste bouche bée. Emu, Nabil Tabbah lui révèle que tout au long de la réalisation de la parure, il a songé à préserver l’émotion contenue dans son touchant bouquet quotidien, l’immortalisant dans la lumière et l’eau des pierres. Le client voulait que sa bien-aimée se sente comme une reine. Il obtenait exactement ce qu’il avait souhaité. Durant toute la durée du processus de création et de confection, un jeune homme assistait à l’une des plus grandes aventures qu’il ait été donné à l’enseigne de vivre et à l’une de ses plus somptueuses réalisations. Nagib, le fils de Nabil Tabbah, a rejoint l’enseigne familiale depuis quelques années déjà. Marqué par ce projet fondateur, il retrouve avec son père la trace de la femme pour l’amour de laquelle a été déployé tant de talent. Elle s’appelle Safia El Malqui et possède toujours sa parure, même si, naturellement, elle ne l’a pas beaucoup portée. Nagib Tabbah brûle de lui poser une question. « Vous-êtes vous sentie comme une reine en recevant ces bijoux ? ». A quoi Mme El Malqui répond : « Non, mais je me suis sentie aimée ». Rue Allenby, Centre-ville, Beyrouth, T. +961 1 975 777
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LE CLOU DE LA SOIREE Aux oreilles, juste un détail. Discret et lumineux, raffiné et sophistiqué. Réalisation Stéphanie Missirian et Emily Minchella
1. Cartier Boucles d’oreilles “Diamants légers”, en or gris et diamants.
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2. George Hakim Boucles d’oreilles en formes de fleurs, qui allie l’or rose et blanc à l’éclat du diamant blanc, autour d’une perle rosée. 3. Tabbah Boucles d’oreilles édition « Beret », en or gris et diamants. 4. Bvlgari Boucles d’oreilles Diva, en or blanc et diamants. 5. Buccelati Boucles d’oreilles Opera, en or jaune et blanc, et daimants. 6. David Yurman Boucles d’oreilles «Small Pavé Cushion », en diamant.
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7. Gucci Boucles d’oreilles « Running-G », en or jaune et topazes colorées.
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UN TEMPS POUR ELLE Nouvelles et déjà classiques, ou classiques et toujours nouvelles ? Ces montres intemporelles ne nous quitteront plus.
1.Mouawad «La Griffe» Boîtier en acier inoxydable, cadran en nacre noire, diamants taille ronde, glace en cristal saphir, mouvement suisse à quartz, bracelet en alligator noir. 2. Bulgari “Serpenti Skin” Boîtier en acier, mouvement à quartz, bracelet en karung. 3. Dior Horlogerie “Dior VIII Montaigne” Boîtier en acier, lunette sertie de diamants, cadran en nacre blanche sertie de diamants, glace en cristal saphir antireflet, mouvement à quartz, bracelet en alligator. 4. Hermes “Cape Cod” Mouvement à quartz, bracelet en alligator lisse double tour. 5. Chanel horlogerie “Boy.Friend” Grand modèle en acier, mouvement mécanique à remontage manuel, bracelet en alligator. 6. Louis Vuitton Montre “Tambour Slim” Boîtier en acier, cadran guilloché effet soleil avec fleurs de Monogram grises et décoré d’un motif Hologram Monogram, index en diamants, mouvement à quartz, bracelet en alligator.
7. Alain Philippe en vente chez George Hakim La « Collection Traditionnelle » suisse 18 ct en or blanc, jaune ou rosé de forme ronde ou carrée, sertie de diamants blancs ronds parfaitement incrustés avec des instruments de temps, brille irrésistiblement avec une bande en vrai cuir ou un bracelet en or. 8. Cartier «Tank Louis Cartier», XL Mouvement mécanique à remontage manuel calibre 430 MC. Boîte en or rose 18 carats sertie de 42 brillants et couronne perlée ornée d’un brillant 0,92 carats. Cadran grené argenté. Aiguilles en forme de glaive en acier bleui. Glace minérale. Bracelet en alligator semi-mat marron et double boucle déployante réglable 18 mm en or rose 18 carats.
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Realisation Emily Minchella
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Aïshti by the Sea, Antelias 04. 71 77 16
NOS NUITS AMÉRICAINES Jour, contre-jour, faux jour ou vraie nuit. Ambiance. La nouvelle saison diffuse une lumière intime qui donne envie de jouer avec les couleurs. On fait vibrer des verts et des rouges dans l’or passé de l’automne. On vient d’ailleurs, d’une autre époque. Peu importe laquelle. PHOTOGRAPHIE STEFAN GIFTTHALER STYLISME AMELIANA LOIACONO RÉALISATION MÉLANIE DAGHER
Combinaison, EMILIO PUCCI. Sandales, EMILIO PUCCI
Sandales, FENDI
Robe, THE ATTICO. Sandales, EMILIO PUCCI. Ceinture, VINTAGE YVES SAINT LAURENT.
Robe, bottes et lunettes de soleil,FENDI. Body, AGENT PROVOCATEUR.
Pochette, TORY BURCH.
Robe et chaussures, GUCCI.
Manteau,TORY BURCH Ceinture, CAVALLI&NASTRI MILANO. Sac, ROBERTO CAVALLI. Collant, AGENT PROVOCATEUR.
Pochette, MICHAEL KORS.
Robe, PHILOSOPHY di LORENZO SER AFINI. Sous vetements, AGENT PROVOCATEUR. Boucles d’oreille, CAVALLI&NASTRI MILANO.
Robe, ALBERTA FERRETTI. Boucles d’oreilles, CAVALLI&NASTRI MILANO.
Chaussures, GUCCI.
Veste, MICHAEL KORS. Robe et top, MARNI. Boucles d’oreilles, vintage KRIZIA chez CAVALLI&NASTRI MILANO.
Robe, DOLCE&GABBANA. Collant, AGENT PROVOCATEUR.
Top, jupe, chaussettes et sandales, PR ADA. Collier, MARNI.
MODÈLE, ANNA CHOLEWA @THEFABBRICA MAQUILLAGE, MARY CESARDI @ATOMO COIFFURE, ALESSANDRO REBECCHI
Robe, VALENTINO. Bouclles d’oreilles, CAVALLI&NASTRI MILANO.
Sous-pull en jersey de soie, jupe en jacquard et patch en gomme, sandales en gomme, PR ADA.
DAY PHOTOGRAPHIE : FIONA TORRE STYLISME : VANESSA COCCHIARO
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Manteau en cuir d’agneau double face, YVES SALOMON.
Top en coton lĂŠger et jupe en agneau, BOTTEGA VENETA.
Pull en micro-maille et rubans gros grain, FENDI.
Robe longue en jersey de soie brodé de perles et bottes en cuir de veau et python, LOUIS VUITTON.
Manteau en Lurex brodé, jupe en Lurex rayé et bandes tissées à la main, GUCCI.
Blouson parka en cuir et top en dentelle, SAINT LAURENT PAR ANTHONY VACCARELLO.
Top en soie et pantalon en coton et soie, ETRO.
MODÈLE : EMMA CHEZ IMG. COIFFURE : NORI TAKABAYASHI. MAQUILLAGE : YUMI ENDO. ASSISTANTE PHOTO : VANESSA KROUPA. ASSISTANTE STYLISME : GABRIELA CAMBERO.
CABIRIA, CHARITY, CHASTITY A FILM BY NATASHA LYONNE
Cabiria, Charity, Chastity follows Chastity, on a surreal journey through a parallel plane, as she realizes that in order to face her future, she must first reconcile her Vaudevillian past. NOW SHOWING AT KENZO.COM/CHASTITY
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AÏSHTI BY THE SEA, ANTELIAS FAKHRY BEY STREET, BEIRUT SOUKS, DOWNTOWN BEIRUT
Adèle Farine, l’esthète Visage mutin et beauté naturelle, elle a les atouts de la parfaite Parisienne. L’étudiante nous raconte son Paris, une “humeur” loin de l’image d’Épinal.
PHOTOGRAPHIE MYRO WULFF STYLISME MONIKA TATALOVIC TEXTE ELSA FERREIRA
Pantalon en jean enduit, LOUIS VUITTON. Bottes en cuir, KENZO.
Manteau en laine brodĂŠ avec col amovible, GUCCI. Veste en jean, A.P.C. Bottes en cuir, KENZO.
Manteau en laine prince-de-galles avec fourrure de vison, ERMANNO SCERVINO. Chemise en nylon, DSQUARED2. Jean en denim de coton, DIOR. Bottes en cuir, KENZO.
Veste en denim à volants, IRO. Bottes en cuir, KENZO.
Trench-coat en cuir, TOD’S.
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“LA MODE EST UN MILIEU OÙ IL SE PASSE PLEIN DE CHOSES, OÙ CHAQUE PERSONNE APPORTE DE LA CRÉATIVITÉ. IL FAUT SE FAIRE CONFIANCE, NE JAMAIS SE FORCER À FAIRE DES CHOSES ET PROFITER DES BELLES RENCONTRES ET DES BEAUX PROJETS” Adèle Farine
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Dans l’appartement londonien de Myro Wulff, le photographe qui capture aujourd’hui sa beauté naturelle, le jeune mannequin enchaîne les tenues beaucoup trop chaudes pour la journée, le sourire solidement accroché aux lèvres. Si Adèle Farine (son vrai nom, précise-t-elle, “parce qu’on me le demande souvent”) envisage sa carrière naissante de mannequin comme “de grandes vacances”, celles-ci ne sont assurément pas de tout repos. Qu’à cela ne tienne. À tout juste 20 ans, elle a la sagesse de celles qui préfèrent la compagnie des adultes. “Petite, j’étais timide”, raconte-t-elle. Repérée il y a moins d’un an dans une rue de Paris par une “agence qui n’existait pas encore”, devenue depuis Girl Mgmt, Adèle a prêté son visage mutin à Grazia, Paulette, le magazine londonien Schön ! et a posé pour la marque de sousvêtements Breakfast Club Paris. Consécration, elle a célébré en avril sa première couverture, pour le magazine Jalouse. Un solide démarrage et l’occasion pour elle de découvrir la mode au-delà du papier glacé. “C’est un milieu où il se passe plein de choses, où chaque personne apporte de la créativité”, se réjouit-elle. “Il faut se faire confiance, ne jamais se forcer à faire des choses et profiter des belles rencontres et des beaux projets.” Le rôle de la Parisienne lui va à ravir. Elle a la beauté naturelle et la moue boudeuse qui auraient fait d’elle un parfait premier rôle dans un film de Godard. Pourtant la jeune fille, née et élevée à Paris, ne se reconnaît pas dans l’image d’Épinal de la cité de l’amour, “le Paris cliché des quartiers bourgeois”, décrit-elle. “J’ai grandi dans le 19e, un quartier populaire. Quand nous allions au parc, nous allions à la Villette, pas au jardin du Luxembourg ou au parc Monceau.” Exit les bâtiments haussmanniens et les icônes à la Inès de La Fressange – “même si je l’adore”, s’empresse-t-elle d’ajouter –, son Paris à elle est ancré dans la réalité : “Paris est une humeur, c’est une façon qu’ont les gens de vivre ensemble, de se dire que, d’une certaine façon, nous sommes tous dans le même bateau.” D’ailleurs, “à Paris les gens les plus intéressants viennent de province. Ils ne sont pas dans le ‘blabla’, ils font plus qu’ils ne parlent. Ça fait du bien”, tranche-t-elle. Il faut le reconnaître : à défaut d’avoir totalement l’âme parisienne, Adèle Farine manie avec brio l’art bien français de la provoc’. L’année prochaine, elle entrera aux Beaux-Arts de Paris pour se perfectionner en peinture, qu’elle pratique déjà en amateur, et aimerait se mettre à la sculpture monumentale. Esthète, elle recherche avant tout la beauté, que son travail lui plaise visuellement. “Certaines personnes trouvent ça limite, de ne chercher que le beau. Mais il y a tellement peu de chose dans ce monde que l’on trouve joli…” On compte sur elle pour changer ça. Retrouvez la vidéo d’Adèle sur www.lofficiel.com
Angèle Metzger, la réfléchie En tenue de soirée, dentelles ou sequins, tulle ou satin, elle nous entraîne dans son sillage de jour comme de nuit. Cette Parisienne littéraire et noctambule séduit l’objectif de notre photographe comme la plume de son “beau-père” Simon Liberati.
PHOTOGRAPHIE JULIETTE CASSIDY STYLISME VANESSA BELLUGEON TEXTE SIMON LIBERATI
Body épaulé en velours brodé de strass, pantalon et bottes “Niki” en velours, ceinture fine en cuir, SAINT LAURENT PAR ANTHONY VACCARELLO.
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UNE FILLE COMME ANGÈLE METZGER, MI-COOL MI-SÉRIEUSE, TRAVAILLANT SON LATIN ENTRE DEUX PHOTOS ET UN PREMIER RÔLE D’ANOREXIQUE AU CINÉMA, JE N’EN AI JAMAIS CONNU
Montmartre, mardi 4 juillet, 20 h 45. “Tu peux ouvrir Toutou, c’est Lukas…” Toutou c’est moi, la voix sortie nue du dressing c’est Eva, Lukas c’est le jeune homme habillé en blanc avec un chapeau de cowboy, quelques tatouages et le physique d’un jeune premier dans un vieux Warhol, genre Lonesome Cowboys… Près de lui, contre lui, se trouve Angèle, un faux air de Susan Atkins, la plus jolie des sorcières de la famille Manson… Elle porte une combinaison rouge avec des chaussures blanches, vaguement Courrèges. Une grande fille calme, jolie, posée, avec une voix traînante. Ce sont mes beaux-enfants, on s’embrasse, on ne se connaît pas encore si bien que ça, c’est sexy comme deux couples qui viennent de se rencontrer dans un bar à la plage… Lukas est super-content de son chapeau, qu’il vient d’acheter aux Halles dans une boutique western. Le précédent avait été écrasé dans une soirée : “Putain, j’ai retrouvé une galette, j’avais les boules… Ahaha…” Eva sort du dressing dans un halo d’antimite… Elle porte une robe longue blanche, Chloé vintage époque Karl Lagerfeld. Ma belle-fille est enthousiaste, Eva avait d’abord mis une robe rouge, genre péplum (Vivienne Westwood), mais quand elle a su qu’Angèle était en rouge elle a changé. “Ça pue ici, c’est quoi ?” Lukas est tout blanc, comme son chapeau… Je lui explique que c’est l’antimite. Qu’Eva a un toc avec les mites, vu qu’elle passe son temps chez Guerrisol. On s’enfuit vite dans l’Uber Van, en direction de la rue de Richelieu. Mes beaux-enfants aiment l’ambiance du restaurant de Davé… Les photos sur les murs, le rouge façon cabaret et Davé lui-même, bien sûr, avant tout. Dans la voiture, Lukas montre à Eva des photos qu’ils viennent de faire avec Angèle pour V Magazine avec Brett Lloyd. Eva reste impavide devant les clichés de son fils nu avec son chapeau, une sorte de majesté ironique qu’elle a beaucoup développée depuis quelque temps. Bronzée, bouclée, décolletée, elle me fait penser à quelqu’un, une Italienne fin 70s, Dalila Di Lazzaro ou Alessandra Mussolini. Elle parle lentement, souvent hors propos, on dirait que son oreillette de traduction synchronisée est en panne. Lukas : “En même temps, maman, mes fesses, c’est ce que tu vas voir dans ton film.” Je m’empresse de noter la réplique de mon beau-fils, sur un bout de papier que j’ai trouvé dans ma poche. Angèle s’étonne de me voir ainsi noter n’importe où. Je lui explique que je fais toujours ça. Elle me parle d’une scène qu’elle a aimée dans un de mes livres. Une agitée californienne, Suzanne, la fondatrice des jeans Earl, que j’avais rencontrée à Deià en compagnie de son chihuahua
Superdog et qui citait Jean Genet. Angèle lit beaucoup, c’est son job, elle est en hypokhâgne. Mutatis mutandis, le monde a changé depuis que j’étais à la Sorbonne. Une fille comme Angèle Metzger, mi-cool mi-sérieuse, travaillant son latin entre deux photos et un premier rôle d’anorexique au cinéma, je n’en ai jamais connu. Elle est contente parce que son prof a accepté qu’elle soit absente en septembre pour son tournage. Davé nous accueille dans son antre, moulé dans son traditionnel T-shirt Marc Jacobs. Lukas l’aime bien et je crois que c’est réciproque. À la table à côté, il y a les Jalou, Éléonore, son fiancé, son chien, sa cousine Jennifer, enceinte et coiffée avec des macarons en forme de cornes. Il y a même Marie-José, sa “reum”, qui a abandonné son taxi parce qu’il y avait trop de publicités peintes dessus et qu’elle ne voulait pas arriver avec à la soirée de lancement du parfum Gabrielle de Chanel. Va savoir pourquoi, la conversation tombe sur les drogues. La maman de Jennifer nous raconte la garde à vue de sa fille, quelques semaines après moi et Beigbeder. À la sortie du Baron elle aussi. “C’était horrible, ils l’avaient enchaînée à un radiateur. Nous avons dû appeler un pénaliste.” Jennifer ricane avec Lukas et Angèle. Avec l’âge, je suis très content d’avoir une famille moi aussi. Je me rappelle mon studio de Pigalle dévasté par les stups… Ma solitude. Un ange passe. Deux Italiennes en jupes fendues jusqu’à la taille. Je mets mes lunettes de vue, ce qui n’échappe pas à Lukas, qui rigole. Je prends alors l’air sérieux. Je me sens un peu comme Bruce Jenner dans Keeping Up with the Kardashians, chargé d’âmes… Eva s’agite : “Il faut en profiter, le vin est meilleur que d’habitude.” Eva s’est réveillée. Elle parle de Karl et de Chloé avec Davé. Éléonore me présente Hugo, qui va conduire la voiture de la soirée, une Bentley décapotable. Hugo me confie qu’il possède aussi quatre Range Rover. Je lui demande pourquoi il possède quatre Range Rover, il m’explique qu’il les achète 3 000 € pour les revendre dix fois plus cher. Je m’écrie : “Comme Simone Weber !” Passé un certain âge il faut accepter que certaines blagues restent incomprises… J’en place encore environ 60 %… Ça va aller, comme dirait Doc Gynéco… Texto de Jennifer : un selfie avec Pharrell Williams : “Je lui ai pourri son show !” Avant de nous rendre à la soirée Chanel, Lukas a prévu de passer au Scandale, un bar proche de Pigalle. Le cameraman nous prévient qu’il va falloir se serrer à quatre à l’arrière de la voiture. Lukas a apporté un CD de rock identitaire. Oi ! Oi ! Oi ! crient les chœurs skinhead pendant que nous remontons l’avenue de l’Opéra. Angèle rit comme une enfant pendant que Hugo Pratt accélère à 120-130… “Je n’ai jamais fait de décapotable dans Paris.”
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ON ARRIVE AU SCANDALE… JE LE CONNAIS, J’Y SUIS ALLÉ DANS UNE VIE PRÉCÉDENTE. J’AI PEUR QUE LES GENS DE LA VIE PRÉCÉDENTE SOIENT ENCORE LÀ MAIS ILS SONT PARTIS. SUPER-ANGÈLE SE JETTE AU COU DE DEUX NOUVEAUX AMIS Ça aussi ça m’étonne… À 20 ans j’aurais pris l’air blasé. Eva demeure impassible, ses yeux se ferment en demi-lune. Je vois qu’elle a sommeil ou qu’elle pense à autre chose. Les accélérations d’Hugo la font crier mais c’est plus par politesse que par émotion. Je la connais, je suis sûr qu’elle va vouloir aller se coucher dans pas longtemps. En fait, elle est contrariée parce qu’elle voulait passer à la fête Chanel avant d’aller dans le bar de Lukas. Impossible de dire ça à son fils sinon ils vont s’engueuler. Ils sont pareils, la tête près du chapeau. Hugo nous demande si ça va. “Tant que mon beau-fils ne perd pas son chapeau de cow-boy.” Lukas rigole, ça me fait toujours plaisir. On arrive au Scandale… Je le connais, j’y suis allé dans une vie précédente. J’ai peur que les gens de la vie précédente soient encore là mais ils sont partis. Super-Angèle se jette au cou de deux nouveaux amis. Nassim, un adorable grand éphèbe de 19 ans genre Mille et Une Nuits drapé dans un maxi-manteau, et un Américain irrésistible de 18 ans qui ressemble à Lukas en plus manga. C’est le coup de foudre, je l’adore, je voudrais bien le prendre comme secrétaire particulier. “Comment tu t’appelles ? – Quinn Bentley.” Décidément… Quinn Bentley a des yeux de Bambi, il a une manière très étudiée de bouger ses mains comme une danseuse balinaise. Il me dit qu’il vient de Portland, Oregon. Les Jalou nous ont suivis à scooter, le fiancé d’Éléonore nous montre un tour marrant avec son chien, il fait semblant de tirer dessus et le chien se couche sur le dos pour faire le mort. Lukas propose d’aller au fond du bar sur une sorte de mini-scène arrangée en box. J’adore le papier mural : des photos de palmiers comme du papier journal agrandi. Ils prennent tous des scandales (le cocktail maison) et moi un Perrier. J’explique au cameraman que j’ai arrêté de boire mais que je recommencerai à 75 ans. J’essaye de me rappeler la dernière fois que je suis venu ici, impossible. Angèle me dit que le barman a dit que je ressemblais à Bukowski. Je pense que c’est à cause de mes cheveux. Quinn Bentley trouve la nouvelle coiffure d’Angèle très réussie (elle s’est coupé les cheveux pour jouer l’anorexique). “Toutou, j’ai sommeil, j’ai envie de rentrer à la maison !” Eva a les yeux de plus en plus troubles. Hugo Pratt propose de la raccompagner mais j’opte pour un taxi. Nous sortons sur le trottoir dans la chaleur de la nuit. Eva me fait des adieux touchants. Nous remontons dans la Bentley, à trois c’est plus cool à l’arrière. Je regarde la colonne Vendôme et la pharmacie Swann alors que l’autoradio diffuse I Wanna Be Your Dog à fond. Accélération sur la place de la Concorde et le cours la Reine. L’aiguille dépasse de nouveau les
100… Hugo nous explique qu’il pratique le pilotage en amateur. Juste en dessous du Palais de Tokyo, il refait une pointe à 130 dans une rue étroite devant un car de flics en faction. J’entends les policiers crier : “Bande de cons.” Au Palais de Tokyo, la soirée Chanel touche à sa fin. Je joue à cache-cache avec Lukas et Angèle dans un labyrinthe de miroirs déformants. L’ambiance est fantomatique, quelques attardées corporate sanglées par de petits sacs blancs molletonnés-chaînésdorés s’agitent sur un mini-dancefloor perdu comme une île lumineuse au milieu des vastes espaces. C’est sur la terrasse du Palais de Tokyo que se retrouvent les derniers invités. Je tombe sur quelques connaissances, Camille Bidault Waddington, Pilooski… Angèle et Lukas ont des dizaines d’amis. Je présente à Lukas un autre amateur de Stetson, un hallucinant octogénaire californien vêtu en lézard, qui possède une maison sublime non loin de chez Sharon Tate, à Benedict Canyon. Il m’a expliqué qu’il avait acheté le terrain en 1970 juste après l’assassinat, le prix du mètre carré avait baissé. C’est l’heure de rejoindre ma citrouille, un bon vieux taxi G7 direction Montmartre. Je texte à mes enfants qui vont couler leur vie de noctambules sans moi. Retrouvez la vidéo d’Angèle sur www.lofficiel.com
Costume en crêpe de chine imprimé, GUCCI. Chaussures en cuir verni, GIANVITO ROSSI.
Manteau en laine brodé de cristaux, MIU MIU.
Robe en satin et plumes, PR ADA. Boucles d’oreilles en laiton, CÉLINE. Cuissardes en satin brodé, GIANVITO ROSSI.
Robe et pantalon en velours, VALENTINO. Boucles d’oreilles en laiton, CÉLINE. Chaussures en cuir verni, GIANVITO ROSSI. Maquillage : Gregoris Pyrpylis Coiffure : Simone Prusso Assistant photo : Jean-Romain Pac Assistant stylisme :Damèse Savidan
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GLOBE CREATEUR Irlandais du Nord habitant à Paris et travaillant pour la maison espagnole Loewe, Jonathan Anderson poursuit son périple et collabore avec la marque japonaise Uniqlo. PAR KAREN ROUACH
Si on le croisait dans la rue, on l’imaginerait jeune start-upper de la Silicon Valley. Jonathan Anderson a une allure d’éternel ado, jean/T-shirt/baskets, qui rougirait lorsque l’attention se porte sur lui. Cependant, il ne faut pas se fier aux apparences. Nous l’avons rencontré à Londres à l’occasion du lancement de sa collection pour Uniqlo : le designer nord-irlandais, fils d’un joueur de rugby, n’est pas si timide. Il a déjà eu assez de cran pour quitter sa campagne natale et s’essayer à la comédie aux États-Unis. Il fait finalement demi-tour et Manuela Pavesi, bras droit de Miuccia Prada, le repère alors qu’il travaille comme vendeur dans une boutique à Dublin, puis le pousse à lancer sa marque, J.W. Anderson. Dix ans plus tard, son nom est sur toutes les lèvres, il assure la direction artistique de Loewe et rend son art accessible grâce à une collaboration avec Uniqlo. Il ne sait toujours ni coudre ni dessiner. Jonathan est un cérébral avant tout – avec des avis tranchés et des idées par centaines –, qui ne considère pas le vêtement comme un simple bout de tissu, mais comme le reflet d’une époque.
Ci-dessous, présentation de la collection Uniqlo x J.W. Anderson, à Londres en juillet dernier. Page de droite, Jonathan Anderson.
Vous venez de lancer une collection en collaboration avec Uniqlo, comment vous sentez-vous ? Jonathan Anderson : Comme dans ces moments où vous avez attendu quelque chose pendant très longtemps et que ça arrive enfin. J’ai accepté tout de suite car pour moi cela faisait sens, tout simplement. Je me donne une occasion d’essayer de changer la donne.
Votre approche du vêtement, lorsqu’il porte l’étiquette de votre maison, semble bien différente. Quel lien faites-vous entre les valeurs d’Uniqlo et les vôtres ? Je fais douze collections par an et je voyage beaucoup, donc le matin je n’ai pas envie de réfléchir à ce que je vais porter. Il y a dix ans, quand j’ai créé ma maison, j’imaginais une garde-robe partagée, je voulais que les hommes et les femmes puissent porter la même chose. Je me suis alors toujours demandé comment
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Peut-on dire qu’avec cette collection, vous vous “ouvrez” ? Je suis pour la démocratisation du vêtement, le fait que l’on puisse en acheter précisément pour telle ou telle occasion. C’est ça, la philosophie d’Uniqlo, une histoire d’instinct.
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RENCONTRE
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“CE QUE J’AIME LE PLUS CHEZ LES FRANÇAISES, C’EST QU’ELLES SONT INCROYABLEMENT SÛRES D’ELLES. ELLES ONT UN RAPPORT TRÈS DIRECT AVEC LES GENS, JUSTEMENT CAR ELLES SONT TRÈS INDÉPENDANTES.” JONATHAN ANDERSON
Qu’avez-vous appris de cette expérience ? Elle a justement influencé la manière dont je me comporte désormais vis-à-vis de ma propre marque. L’idée de ramener quelque chose à son essence même est assez typique de la culture japonaise : on réduit un élément au minimum pour en tirer le maximum. Pas besoin de fioritures. Ça me fait penser à cette phrase d’Yves Saint Laurent : “J’aurais aimé inventer le jean.” Nous mettons souvent en lumière la french girl. Comment la voyez-vous ? Tolérante et cultivée. Insolente, aussi. Mais ce que j’aime le plus chez les Françaises, c’est qu’elles sont incroyablement sûres d’elles. Elles ont un rapport très direct avec les gens, justement car elles sont très indépendantes. J’habite à Paris et je peux constater au quotidien cette dichotomie, qui est vraiment intéressante. Je voyage continuellement entre Londres, Madrid, New York et
Tokyo, et j’ai fait ce constat : les femmes sont toujours différentes d’un pays à l’autre, mais avec le temps elles s’uniformisent. Ne trouvez-vous pas que la mode s’homogénéise ? Il est de plus en plus difficile aujourd’hui de différencier la nationalité d’une femme en fonction de son style. Comment l’expliqueriez-vous ? Nous vivons une période où la mode est confuse. Je pense que nous nous sommes éloignés de la réalité, de ce que nous voulons vraiment. Tout va tellement vite que l’industrie de la mode est perpétuellement en train d’essayer de rattraper son retard. À travers la mondialisation, nous avons commencé à changer notre manière de consommer l’information, donc nous construisons nos looks de manière très différente depuis quelques années. La définition même du vêtement a changé. Le marché est là. Mais nous, est-ce que nous sommes là ? Votre marque J.W. Anderson est basée à Londres, vous travaillez aussi pour une maison espagnole qui appartient à un groupe français, et maintenant vous collaborez avec une marque japonaise. À quel endroit de la terre vous sentez-vous le mieux ? Dans l’Eurostar ! Je viens du nord de l’Irlande, qui est techniquement ma maison, mais comme je n’y vis plus, j’ai l’impression d’être un touriste partout où je vais. En fait, dès que je vois des choses que je ne pourrais pas voir dans mon pays, ça me rappelle que, finalement, je ne suis qu’un touriste. Sortie de la collection Uniqlo x J.W. Anderson le 20 septembre.
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faire une garde-robe universelle, ce qui s’avère très compliqué, figurez-vous. Uniqlo excelle dans cet art, et donne la définition même de classicisme. Quel a été votre point de départ ? La collection pose cette question : quels sont les classiques du vestiaire british aujourd’hui ? Pull torsadé, duffle-coat, chemise oxford, jupe à volants…, toutes ces pièces ont construit l’âme et les codes du style anglais, et chacune possède un twist caché. Le trench traditionnel, une des pièces fortes, est par exemple doublé de tartan. Comprendre leur psychologie, les réinterpréter pour mieux les redéfinir, voilà mon but. Nous avons en commun avec Uniqlo cette volonté de proposer du nouveau.
Une silhouette de la collection Uniqlo x J.W. Anderson.
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FEUILLETON
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Grammaire moderne Le deuxième épisode de notre série consacrée au 70e anniversaire de la maison Dior est l’occasion de passer en revue son vocabulaire et son lexique de mode, tous ces éléments distinctifs qui, depuis le premier jour, ont édifié une histoire au ton unique.
Ci-dessus, Linda Evangelista et Kristen McMenamy lors du défilé Dior haute couture automne-hiver 1992. À droite, une robe de soirée signée du maître en 1949.
Nom de code : “Bar.” Trois lettres qui ont bouleversé l’histoire de la mode. Et dont l’évocation, depuis sept décennies, passionne la “fashionsphère”. À l’origine, ce fut l’intitulé d’un modèle : un tailleur dit “d’après-midi”, inspiré à Christian Dior par les clientes très Café Society du bar du Plaza, et présenté lors de son tout premier défilé le 12 février 1947. Un tabac ! Avec sa veste de shantung aux basques amplifiées, jouant du contraste entre finesse de la taille et rondeur des hanches, ainsi que sa longue jupe de lainage noir au plissé feuilleté, l’ensemble “Bar” attira tous les projecteurs. À le retrouver aujourd’hui, exceptionnellement visible dans le cadre de l’exposition “Christian Dior, couturier du rêve” au musée des Arts décoratifs*, on ne peut que ressentir l’émoi qu’il provoqua dès son apparition. S’il ne fut pas le bestseller de la collection – la robe “Maxim’s”, par exemple, au gros nœud de velours posé sur la poitrine, se vendit davantage –, le tailleur “Bar” s’imposa aussitôt comme un symbole, étendard chic de la révolution stylistique engagée par ce couturier débutant de 42 ans, propulsé star internationale dès ce premier tour de piste. “Dear Christian, your dresses have such a new look !” s’enthousiasma Carmel Snow, prêtresse du Harper’s Bazaar, à la sortie de ce show inaugural, lançant ainsi l’expression qui allait désigner l’allure imaginée par le créateur avant de qualifier, par extension, celle des fifties. Mais si l’appellation de New Look lassa vite son concepteur (“Qu’ai-je fait, bon sang, qu’ai-je fait ?” s’écriait-il en entendant ce terme repris partout), l’esprit “Bar”, lui, devint l’un des piliers de son foisonnant univers. Un code fondateur où s’exprime, aujourd’hui encore, la modernité de la maison Dior. D’héritiers en héritière, chacun en a fait une pièce totem : déconstruite et rebâtie, exprimée a minima ou hyper-amplifiée, destructurée ou détournée, la veste aux basques outrées renaît à chaque collection, mise à jour à l’infini. Avec Maria Grazia Chiuri, première femme à diriger la mode dans l’histoire de la marque, le concept, exploré dans sa sophistication la plus extrême tout comme il le fut avec ses prédécesseurs, s’ouvre à l’esprit sporty. Un open “Bar”, d’une certaine façon, souple et modulable. Ainsi, cet automne-hiver, il dégaine la capuche, inspiré d’un modèle de 1949 intitulé “Chevrier”, sorte de hoodie aux hanches généreuses. Une façon pour la créatrice italienne d’ancrer la “femme-fleur”, cet idéal féminin cultivé par le couturier bâtisseur, dans le terreau de l’empowerment et du féminisme contemporain. Ode à la grâce et au bonheur Rendre à la femme tout son pouvoir : tel était déjà le propos de
PHOTO JONATHAN LENNARD, LAZIZ HAMANI
PAR EMMANUELLE BOSC
monsieur Dior. Mais, pour lui, en ces années où la Française venait tout juste d’obtenir le droit de vote, cela signifiait d’abord, après les traumatismes de la guerre, lui restituer son pouvoir de séduction. Une mission à laquelle il s’employa, déployant pour elle d’insensés métrages de tissus somptueux, dans une période où les tickets de rationnement alimentaient encore le quotidien. La couture Dior, ode à la grâce et au bonheur, qui s’épanouit en une opulence de splendides matières et de merveilleuses broderies, de délicats plissés et de savants drapés, est avant tout une sacralisation de l’être femme. “La robe est une architecture éphémère destinée à exalter les proportions du corps féminin”, écrivait-il**. Exit “les tailleurs de boxeurs” et autres uniformes des années sombres, place aux épaules douces et aux courbes délicieuses. Une morphologie conceptualisée comme jamais auparavant, notamment par ses fameuses lignes (en “8”, en “S”, “Ovale” et autre “Sinueuse”) qui titraient chacune de ses collections et qui, pour maintenir en haleine les amoureuses de mode, variaient à l’envi le jeu des volumes et des reliefs : manches ailées un jour, effet pouf sur les hanches le suivant, coussin drapé au bas du dos le lendemain… Même la taille étranglée, autre signature Dior, respire un air nouveau d’une saison à l’autre. Un glamour inédit, inspiré des crinolines et des décolletés pigeonnants du siècle des Lumières, période fétiche de la maison, notamment dans la décoration de ses boutiques, tout autant que par l’insouciance de la Belle Époque, temps béni de l’enfance du couturier. Un cocktail détonnant qui, tout en puisant dans un passé idéalisé, s’imposait comme le socle d’une nouvelle contemporanéité. De haut en bas, un ensemble Dior dans “L’Officiel” d’avril 1950. Défilé printempsété 2017. Une création de Gianfranco Ferré pour Dior dans “L’Officiel”
PHOTO POTTIER/ARCHIVES L’OFFICIEL, MARCIO MADEIRA, BRUNO BISANG/ARCHIVES L’OFFICIEL
de mars 1995.
Un déluge pyrotechnique de robes “L’Europe en avait assez des bombes, elle voulait tirer un feu d’artifice”, écrit-il dans ses mémoires**. Sa créativité, dont l’éclat influence les dressings du monde entier, redonnant à Paris sa place de capitale de la mode, s’exerce dans un déluge pyrotechnique de robes. Il y a celles en forme de corolles, autant fondatrices de la grammaire Dior que la veste “Bar”, célébrant cette vision de la femme à la délicatesse absolue. Mais aussi les décolletés bustier, les tailleurs fourreaux, les robes-manteaux portées à même la peau… Et toutes sortes de spécimens “Trafalgar”, ainsi qu’il appelait ces modèles voués à éblouir le public et à nourrir l’image d’exception de la maison. Des coups d’éclat qui arrivaient, selon une scénographie savamment orchestrée, en milieu de défilé, la plupart du temps nimbés de rouge. Une des couleurs Dior par excellence, dont la palette, infiniment riche, déploie, depuis sa naissance, toutes les nuances de rose, de noir et de bleu. Sans oublier le gris Trianon, cher à l’esthète Dior. Et les fleurs, à foison. Autant de points d’ancrages explorés par ses successeurs et qui constituent désormais la matrice de la maison. En témoigne, notamment, une nouvelle anthologie consacrée aux sept directeurs artistiques qui en ont fait l’histoire***. Autres empreintes labellisées CD : l’imprimé panthère, présent dès la première collection de 1947, temps où le rock’n’roll n’existait pas encore et où se montrer féline constituait une audace, tout comme les tissus traditionnellement réservés à la mode masculine, tels que le prince-de-galles. Car, belle et altière comme reine, la femme Dior n’a jamais froid aux yeux. N’estelle pas la Parisienne absolue, celle qui, d’un bout à l’autre de l’univers, donne le la des élégances ? Tout, dans son sillage, traduit l’âme d’une pionnière. Une conquistaDior. * Jusqu’au 7 janvier. www.lesartsdecoratifs.fr ** “Christian Dior & Moi”, de Christian Dior paraît en 1956, réédité en 2011 par Vuibert.*** Déjà parus aux éditions Assouline, “Dior par Christian Dior” et “Dior par Yves Saint Laurent”.
Demain, ce beau jour Le noir et le blanc, en marge des palettes, sont des valeurs qui modifient toute autre nuance. Puissantes. Symboliques. Noir, blanc, et pourquoi pas rouge, dans n’importe quel ordre, il faut de l’audace. Mélanger. Laisser reposer sur une chaise. On verra demain. Demain est un beau jour pour oser. PHOTOGRAPHIE RAYA FARHAT RÉALISATION SOPHIE SAFI
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DESIGN
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SEP JORDAN N’EST PAS UN BASKETTEUR Le nombre croissant de réfugiés au Moyen-Orient donne à une poignée de décideurs l’idée de valoriser les talents et la dextérité des habitants des camps, en donnant à leur art une visibilité internationale. C’est ainsi que naît SEP Jordan, un label d’accessoires de mode élégants, raffinés et personnalisés.
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PAR F.A.D.
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Avec un nom comme SEP Jordan, on imagine spontanément un champion de basket ou de foot, ou un Anglais de la trempe d’un Jim Thompson, roi de la soie mystérieusement disparu en Thaïlande. Il n’en est rien. SEP est une entreprise (et non une société de bienfaisance) créée par quelques visionnaires qui ont vu dans les talents d’un grand nombre de personnes vivant dans des camps de réfugiés, notamment des femmes, la possibilité de monter une affaire aussi bénéfique pour ces artisans que séduisante pour le public des consommateurs de luxe. Une équipe d’experts passionnés La fondatrice de SEP, Roberta Ventura, est basée à Genève. Avec une expérience de 22 ans dans la banque d’investissement et la gestion de patrimoine, cette ancienne du monde des affaires, convaincue que les réfugiés ont droit à l’emploi, à l’éducation et à l’autonomie financière, a formé une équipe pour mettre en place sa vision. Stefano d’Ambrosio, économiste formé à Bocconi à Milan et à LES à Londres, met son expérience au profit du contrôle des coûts et de la précision des plannings de SEP Jordan. Nawal Aradeh, enseignante et animatrice d’atelier au camp « Gaza » de Jerash, en Jordanie, est directrice de projet. C’est grâce à elle que le petit noyau constitué de vingt brodeuses, au départ, en regroupe aujourd’hui trois cents. C’est aussi grâce à sa motivation et à sa volonté d’améliorer les conditions de vie dans le camp que les commandes sont traitées de la manière la plus professionnelle en termes de qualité et de respect des délais. Asma Saleh est la contrôleuse de qualité. Brodeuse de grand talent, basée au camp « Gaza » de Jerash, elle a l’œil pour détecter les anomalies ou défauts les plus discrets. Mahmoud Al Haj, coordinateur régional, basé entre Jerash et Zarqa, est au départ photographe et interprète. Sa plus grande joie est de constater au quotidien l’impact social
généré par SEP. Annapaola di Prisco, ambassadrice passionnée de SEP, est à la base avocate. Membre de la Chartered Society of Designers, elle s’occupe du marketing de l’enseigne. Tout est parti du point de croix Grâce au travail de fond fourni par ce noyau, SEP Jordan est désormais le chouchou des grands magazines de mode et art de vivre. Il ne se passe pas une saison sans que Vogue, Traveler (Condé Nast), Elle, The Times, Evening Standard, The Telegraph et bien d’autres présentent à leurs lecteurs leurs pièces préférées, ou tout simplement attirent attention et désir sur ce label singulier. Tout est parti du point de croix, technique que les femmes du Moyen Orient maîtrisent à merveille et appliquent à des dessins traditionnels pour embellir leur intérieur ou personnaliser leurs vêtements et ceux des membres de leur famille. L’idée conductrice du projet a été d’investir ce talent dans des designs plus internationaux, moins vernaculaires ou folkloriques. Une équipe de créateurs a donc été constituée pour proposer de nouveaux dessins, proches des schémas locaux mais plus grands, plus dépouillés et dans des coloris plus modernes. L’inspiration principale demeure cependant l’art mauresque et islamique. Chaque pièce est brodée de bout en bout par une même personne, ce qui lui confère son caractère unique, sa « signature ». Les accessoires SEP Jordan, écharpes, coussins, kimonos et autres sont désormais vendus dans plusieurs centres commerciaux et boutiques de luxe à travers le Moyen Orient, le Royaume Uni et l’Europe. Des commandes sur-mesure peuvent être posées sur le site sepjordan.com. Une belle manière d’ouvrir virtuellement les portes des camps au reste du monde, en attendant le retour des familles dans leurs foyers. www.sepjordan.com
TOUCHER DU BOIS POUR LE PLAISIR
Elle fait partie des étoiles montantes du jeune design libanais. Géométrie et textures caractérisent son travail sobre et net, sans détails superflus. Chez Stéphanie Moussallem, l’utile et l’agréable ne font qu’un. PAR F.A.D.
Cette expertise se détecte avant tout au toucher. Dans les meubles et objets de la créatrice, aucune aspérité involontaire. Ce « lisse» voluptueux qui caractérise chez elle le travail du bois ou des métaux est gage de sensualité, tant pour l’œil que pour la main. Vient ensuite l’esprit, souvent teinté d’humour, à travers lequel l’objet « communique » en quelque sorte avec son usager. On retrouve cette identité dans le duo de serre-livres « Calvin & Hobbes » illustrant la philosophie de ces deux penseurs. L’un est représenté par une coque sphérique en métal doré mat, entrouverte sur une autre sphère en métal doré poli, l’autre inspire un flanc de montagne miniature personnalisé par un morceau de marbre gris, brut. D’autres objets, comme le bar ambulant « Recovery », présentent les mêmes caractéristiques décalées. Ce dernier est composé de deux plateaux reliés entre eux par des barreaux verticaux, et ressemble à un espace carcéral derrière lequel les bouteilles de spiritueux sont gardées prisonnières. Mais un jeu de torsion entre deux barreaux livre justement un accès et permet de les atteindre facilement en cas d’impatience. Ce même chariot en bois satiné et détails de métal noir est équipé comme un bar professionnel avec des
trous permettant de tenir les aromates des cocktails à portée de main, ainsi qu’une planche à découper amovible. Parmi ses autres objets, on trouvera un présentoir à stylos adressé aux collectionneurs de cet outil en voie de disparition. Il s’agit d’une sphère en métal noir perforée de manière à présenter les stylos comme les rayons d’un astre éteint. Dans le même esprit, on aimera ce calendrier manuel, idéal pour faire un pied de nez au tout digital et dont on n’oubliera pas le nom un rien ironique: « Yesterday ». Car il s’agit d’un magnifique cylindre en acier poli et gravé sur lequel on déplace de simples curseurs, premier geste concret avant de commencer une journée de travail. On s’arrêtera aussi aux bols à apéritif, grande tradition libanaise, présentés comme des demi-sphères creuses soutenues par des cylindres en métal doré, laqués de violet mat. Pupille du prestigieux incubateur de talents libanais « Starch », Stéphanie Moussallem a participé à la toute première exposition de House of Today baptisée « Confessions ». Depuis la création, en 2015, de son propre studio de design, elle est de toutes les expositions locales et internationales, et multiplie les collaborations. Smo Gallery, Varenna-Poliform, OTC Editions, WallpaperSTORE, elle est partout et participe parallèlement à plusieurs projets d’aménagement de résidences privées. « Casser les archétypes ou les faire évoluer, qu’importe, pourvu qu’on touche à l’intemporalité », une devise avec laquelle cette grande travailleuse tente de repenser notre univers familier. www.stephaniemoussallem.com
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Certes, elle a dûment terminé à Beyrouth ses études en architecture d’intérieur avec une spécialisation en design produits. Mais c’est son expérience de quatre années au sein d’une prestigieuse compagnie régionale de design et de production qui lui permet de réellement trouver sa signature, armée d’une compétence acquise en exécution et finition de luxe.
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Aperitivo, seau à champagne géant en laiton plaqué argent et laque. Page de gauche: Recovery, bar mobile en acier peint, bois massif, cuir et laiton.
Calvin & Hobbes, serre-livres en marbre Tala maron et sphère en laiton doré.
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LA FORME DES ÉLÉMENTS
ÊTRE CÉRAMISTE SIGNIFIE DOMPTER LE FEU, MAIS AUSSI SE LAISSER APPRIVOISER. AU CONTACT DE CET ÉLÉMENT, LA TERRE SE TRANSFORME ET JAILLISSENT ALORS COULEURS, LUMIÈRES ET ONDULATIONS. RENCONTRE AVEC HALA MATTA BARAKAT, CÉRAMISTE PASSIONNÉE. PAR MARIA LATI
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PHOTO CHERINE JOKHDAR
Elle n’aime rien autant que se retrouver seule dans son atelier, à mouler l’argile sur son tour de potier. Dans ses œuvres, elle introduit une esthétique puisée dans ses souvenirs de voyages, ses visites de musées, empreinte de minimalisme japonais qui mêle le beau et l’utile ou encore de ces années 50 où la céramique française a connu un essor. Mais c’est en s’exerçant sans relâche, en maitrisant la technique au fil des répétitions de séries de cylindre, pots ou bols que la main intègre les réflexes et peut alors se laisser aller plus librement pour guider la création au gré des fantaisies de l’artiste. Tempo et dosage donnent lieu à des boitiers aux reliefs foisonnants, à des vases montants aux couleurs flamboyantes ou des pots aux motifs géométriques incisés. Du feu et des femmes Hala Matta Barakat s’essaye à différentes méthodes de cuisson: four à bois, à gaz, électrique, cuisson unique ou multiple, elle les révise sans cesse. Sa préférence va au raku, poterie traditionnelle japonaise à cuisson rapide, fabriquée très près du feu. Elle s’y sent dans son élément: « Le feu est essentiel à la naissance d’une poterie, souligne-t-elle, mais on a souvent tendance a l’oublier. Dès que celle-ci se retrouve sur les étagères des galeries, on n’en voit plus que la forme et la couleur ! » Pour maitriser les éléments de la nature, la jeune femme accumule les formations. Elle s’inscrit à des stages au Danemark, en France, en Grèce ou encore en Egypte et prépare un prochain voyage au Japon. Avec son coté solitaire, Hala apprécie de se sentir en osmose avec l’argile qu’elle travaille dans son atelier. Mais son art s’enrichit aussi au fil de rencontres. Une artiste peintre à qui elle donne des cours de poterie, devient sa partenaire. Ensemble, elles créent des pièces insolites ou explorent le champ des possibles. Parmi les nombreuses femmes qui l’ont soutenue dans son parcours, Hala cite Samar Mogharbel, dont
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la générosité, la bienveillance, la curiosité et l’exigence de qualité l’inspirent, ainsi que Nathalie Khayat, qui allie puissance et fragilité dans ses pièces pleines de poésie. Déclic, passion et collaborations C’est en effet en suivant le cours de poterie de Nathalie Khayat que Hala a le déclic. Elle se souvient qu’après sa première leçon, elle s’était empressée d’acheter des sacs d’argile pour s’entrainer à la maison, ne pouvant patienter jusqu’au cours de la semaine suivante. Il y a quatre ans, à l’occasion de son anniversaire, trois des ses amies proches lui ont offert un four de potier. Le lendemain Namika Atelier voyait le jour. Hala Matta qui a débuté sa carrière comme banquière chez Paribas, a fait un virage à trente ans dans le luxe chez Louis Vuitton à Paris, puis Dubai et Beyrouth. Au contact des artisans qui réalisent des pièces pour la maison de maroquinerie, elle se rend compte que ce qu’elle préfère par dessus tout, c’est le travail manuel, utiliser ses doigts pour fabriquer des objets rares et nobles. Elle quitte alors son poste et trouve dans la céramique un exutoire pour assouvir son gout du beau. Elle aborde son métier avec un regard quasi militant et se fait un devoir de transformer un matériau brut en une œuvre appelée à durer. Désormais, ses céramiques sont en vente à la galerie Saleh Baraket, à Clémenceau. Elle ont été exposées à la villa Empain à Bruxelles et à la galerie éphémère de Gabriel et Guillaume. Les doigts infatigables et la tête pleine d’idées, Hala Matta planche sur trois nouveaux projets pour la rentrée: Une collaboration avec un maitre céramiste grec Théodoris Galigalidis, un projet d’exposition conçu par Joanna Chevalier avec Rabih Kayrouz et le peintre français Pierre Malbec, et enfin une collaboration pour Beirut Design Fair avec la peintre Katia Traboulsi et l’artiste sud-africain Vivian Van Blerk. www.instagram.com/namika_atelier
PHOTO BY CHERINE JOKHDAR, WORK BY VIVIAN VAN BLERK
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GUÉRIR PAR LE FEU Plus qu’une artiste, Zena el-Khalil est une sorte de prêtresse dont les œuvres procèdent d’un rituel de purification. Née sous le signe chinois du Dragon, le feu est son matériau de prédilection. Ses toiles de cendres conservent la mémoire des lieux tragiques qu’elle libère au moyen de son art. PAR NICOLE V.HAMOUCHE
Des éclats de noir, de gris, d’écaille, de blanc, dans tous les sens. On dirait des peaux de crocodile, de l’écaille de serpent. Avec leur peau de cendre, ces toiles géantes ressemblent à des mandalas autres, venus d’ailleurs, du fond de la mémoire de Zena el-Khalil, du fond d’une mémoire ancestrale. C’est avec cet élément, le feu, que l’artiste compose ses encres. Chaque pigment est spécifique à un site où elle a brûlé des éléments trouvés sur place. Le thème de sa nouvelle exposition, « Catastrophe sacrée : guérir le Liban », révèle son désir de soigner, réconcilier et transformer par le feu. Commissionnée par la Fondation Merz et par Liban Art, cette exposition s’est ouverte le 18 septembre pour quarante jours à Beit Beyrouth, Musée de la Mémoire.
Purifier les lieux maudits Zena el Khalil a travaillé sur des lieux symboliques, abandonnés pour la plupart ou stagnants, comme la prison de Khiam marquée par la torture, Souk el Gharb village traumatisé par l’occupation syrienne, l’ancienne ambassade des Etats-Unis à Ain el Mreisseh qui a subi un attentat historique, ou le Grand Hotel de Sofar également vandalisé pendant la guerre. Après une cérémonie de guérison qu’elle conduit seule sur le lieu, entre méditation, danse rituelle et incinération, elle récupère les cendres dont elle fera ses pigments. L’œuvre est produite sur place. Elle retourne sur les lieux plus d’une fois si nécessaire pour achever le processus, comme elle l’a fait notamment à Khiam. Ce travail a commencé
Zena el Khalil, “Space without the dark could not hold the stars”, ink, ash, pigment and embroidery on canvas.
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L’artiste qui a vécu un peu partout dans le monde, entre Lagos, New York, Londres ou ailleurs, est habitée par l’histoire du Liban et au-delà par le lien qui attache les humains les uns aux autres, qu’elle cherche à apurer par son art. Avec une énergie que l’on pourrait qualifier de mystique dont elle se dit le simple agent. Le processus à l’origine des œuvres exposées en atteste. Zena el Khalil, qu’un long cheminement a menée plus d’une fois en Inde et qui s’est penchée sur les énergies, le reiki, le yoga du son, la méditation, en a infusé son travail. Elle a choisi de débarrasser certains lieux de notre histoire et de la sienne de l’énergie négative dont ils sont chargés, les ouvrant ainsi à la paix et à la réconciliation. À l’artiste qui y voyait le lieu d’accueil par excellence de son travail, la Municipalité de Beyrouth a accepté d’offrir l’espace du Musée de la Mémoire qui n’a pas encore été officiellement inauguré.
Zena el Khalil, “Site specific paintings”, (abandoned) Grand Hotel Sawfar, Lebanon.
en 2013 dans les maisons abandonnées ayant appartenu l’une à la famille de son père à Hasbaya dans le Sud, et l’autre à celle de sa mère à Aley. Marquées par un passé de guerre, d’expulsions et d’exactions, ces maisons inspirent à l’artiste un périple dans les lieux de mémoire collective. Hautement symbolique, le keffieh palestinien est un leitmotiv dans les toiles de Zena el-Khalil. Plus qu’un contrepoint esthétique, ce foulard invite à un retour à l’essentiel, la résolution du conflit israélo-palestinien, source de toute la violence au Moyen-Orient. Constater, avancer Refusant les étiquettes en « iste », Zena el-Khalil ne se considère pas non plus comme une activiste. Elle se dit simplement engagée dans son espace et son temps : « Je crée mon propre vocabulaire avec les matériaux, avec ce qui m’entoure. J’essaie d’être vraie; vraie à ce que je suis et au lieu où je me trouve; ce qui se traduit par le fait de dessiner à partir de mon propre environnement ». L’artiste qui a commencé sa quête il y a une vingtaine d’années rappelle aussi que l’art contemporain au Liban et dans le monde arabe est encore relativement très jeune - une cinquantaine d’années - et qu’il appartient aux artistes de la région d’inventer leur propre langage, ce qu’elle tente elle-même de faire. «Bien évidemment» intéressée par cette partie du monde, elle est à ce stade davantage interpellée par l’universel que par l’identité, «par les cycles de la vie, ce quelque chose qui continue à se transformer. » C’est dans cette perspective qu’elle a aussi recours aux lieux d’énergie positive pour guérir les lieux blessés. Elle s’est ainsi rendue au plus haut temple de Shiva, à Tungerath en Inde ; sur les bords du Gange où elle a trempé ses pinceaux pour faire son encre, dans l’ashram de Maharichi Mahesh à Rishikesh ou les Beatles avaient séjourné en 1968. Ses thématiques ont évolué avec son propre cheminement et ses pérégrinations : les œuvres de la première décennie traitaient directement de la guerre et de la société consumériste et capitaliste, la première étant un produit de la deuxième selon l’artiste, qui à l’époque utilisait des matériaux incarnant son message, à savoir le plastique et le pétrole. Zena el-Khalil évolue maintenant de la dénonciation à la proposition : «J’ai passé dix ans à dire : voilà ce qui se passe.
Aujourd’hui la question que je me pose est : comment faire pour avancer ? Nous sommes informés, comment agir ? J’ai moi-même évolué de la carte individuelle à la carte collective. » Interaction et rituels Dans ce même esprit universel, l’artiste guérisseuse a choisi d’engager le public. S’il le souhaite, il ne sera pas simple spectateur. Durant les quarante jours de l’exposition sont prévus une station de peinture de mantras permanente, des ateliers de yoga, de reiki, de méditation du son, ainsi que trois soirées de poésie autour du thème de la paix et de la réconciliation. La station de peinture de mantras est le prolongement d’un projet d’envergure globale établi par l’artiste: les mantras s’articulent autour des mots arabes mawadda (tendresse), ghefran (pardon), rahma (miséricorde), salam (paix). L’artiste offrira au public tous les jours, à 17h, sa musique et ses rituels de purification et de guérison. Son travail avec le son s’insèrera aussi dans une installation dédiée aux 17 000 disparus déclarés de la guerre : 17 000 lignes vertes, une pour chacun, rempliront le deuxième étage de la bâtisse située précisément sur l’ancienne Ligne verte, ainsi dénommée parce qu’envahie par les herbes folles au temps ou elle scindait la ville en deux. Une symphonie composée par Zena el-Khalil à partir de sons rapportés des différents lieux où elle a opéré, servira de fond à l’expérience de cette exposition. « L’art peut clairement être un outil de transformation, de paix et de réconciliation, avec soi et avec le monde », souligne dans un Ted Talk Zena el Khalil, qui fait partie du club très exclusif des 400 Ted Fellows triés sur le volet à travers le monde. C’est dans cette logique qu’elle crée des ateliers pour que le public, non seulement voit mais aussi participe, ressente... «Par les processus créatifs, les résidus d’énergie négative sont transformés en lumière et en amour» affirme-t-elle. Quand ouvrira-t-on ce Musée de la Mémoire, qui n’attend qu’à être visité, exploré, animé? Cette opération, avec ses rituels énergétiques, permettra peut-être la réouverture de ce symbole douloureux de l’histoire de Beyrouth avec compassion et tendresse, selon les mots de l’artiste. www.zenaelkhalil.com
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SAVOIR-FAIRE
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LA FEMME MOSAÏQUE
A l’heure où le digital détruit peu à peu le manuel, survit à Beyrouth une artiste qui s’est éprise de l’art de la mosaïque et s’attèle à lui restituer sa noblesse en le modernisant. Voici Dana Adada, la mosaïste aux pinces d’or.
PHOTOS DR
PAR MYRIAM RAMADAN
Céramique, céramique émaillée, céramique pleine masse, pâte de verre, smalti…Bienvenue dans le monde de la mosaïque, celui dans lequel Dana Adada se fait un plaisir de vous accueillir. Son atelier qui est presque sa seconde maison vous emporte dans un univers où tout n’est que gaité, imagination et petites pierres colorées. Mais il ne faut pas se leurrer, ces œuvres qui semblent réalisées dans une confiserie exigent précision, minutie et rigueur. Dana Adada est une autodidacte passionnée qui, en compulsant des livres et essuyant « beaucoup d’échecs », s’est perfectionnée par elle-même, pierre après pierre, pièce après pièce. Les débuts En 1996, elle décide de réaliser son premier projet, une table en mosaïque. Elle prend quelques cours de base avec le mosaïste italien Michel Tissot, mais le cours s’interrompt subitement. S’ensuit un diplôme en études supérieures d’arts plastiques à l’Université Libanaise. Aussitôt, des projets de mosaïques lui sont proposés. A ce stade post -diplôme, Dana Adada, forte de son bagage académique, mélange les techniques acquises à l’université avec ses propres méthodes, et de là nait l’innovation. Elle voit son art progresser et s’imprégner d’une touche personnelle. Son propre style commence à naitre et à prendre forme. Une vision contemporaine de l’Orient En travaillant assidument à parfaire sa technique, la mosaïste a voulu briser l’image que l’on se fait de la mosaïque « classique ».
Elle s’éloigne des couleurs terre pour aller vers une palette forte et osée. Quand Dana Adada décrit son art, elle souligne : « Mon travail est une expression artistique basée sur un concept créatif ; un mélange de mes origines orientales et de la vie moderne que je mène ». A part les pierres, Dana Adada utilise une vaste gamme de matériaux pour embellir et moderniser ses pièces, tels le cuivre, l’acier inoxydable et le fil de plomb, entre autres. L’artiste qui pendant dix-huit ans a donné des cours de mosaïque pour enfants et adultes (cours privés, Université Pour Tous, atelier à l’Université Antonine), estime que toutes ces expériences pédagogiques ont réussi à lui procurer une force intérieure qui l’a poussée encore plus à donner de l’âme à sa passion. Avide de conférer à ses créations un caractère intrinsèque, Dana Adada allie l’artistique à l’artisanal. Parmi ses œuvres, la mosaïque murale que l’on voit chez « Paul » (Gemmayzé), donne tout son cachet au lieu. L’artiste réalise aussi des projets résidentiels privés à la demande d’architectes d’intérieur. Elle conçoit d’importantes pièces sur-mesure, des parterres en guise de tapis, des meubles, des fontaines, des portes, le tout patiemment réalisé dans son atelier avant d’être ensuite installé in situ. Ces grands projets ne l’empêchent pas de créer de petites lignes accessibles et divers accessoires de maisons : des plateaux, des tables, des sousverres, des sous-plats aux couleurs et formes vivifiantes. L’identité artistique de Dana Adada découle de techniques uniques qu’elle a développées entre recherches et expérience. www.instagram.com/danaadada
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Artiste visuelle, Randa Mirza s’est lancée il y a six ans dans un projet de photographie centré sur Beyrouth, enrichi de nouvelles réflexions au fil des expositions. Je l’ai rencontrée à la veille de son nouvel accrochage à la galerie Thierry Marlat, dans le cadre de la deuxième Biennale des photographes du monde arabe contemporain, programmée du 13 septembre au 12 novembre à Paris. PAR SABYL GHOSSOUB
CREDIT PHOTO RANDA MIRZA
RANDA MIRZA, UN NOUVEAU REGARD SUR BEYROUTH
CREDIT PHOTO ANDA MIRZA
Entre utopie et absurdité Cette image fait partie de sa série Beirutopia commencée en 2011. Dans le cadre de ce projet toujours en cours, elle photographie encore Beyrouth, à chacun de ses passages dans la ville. «Ma manière de photographier a beaucoup changé maintenant que le discours est posé. Je m’intéresse à créer de nouvelles images avec des compositions plus aérées, en essayant de souligner l’absurdité du projet. Je prends mon temps avant de faire une sélection, puis je choisis au fur et à mesure des expositions.» Mise en abyme d’affiches publicitaires placardées sur les panneaux et murs de la ville, Beirutopia présente une série d’images d’immeubles virtuels, encadrés depuis l’espace dans lequel ils se trouvent. Le croisement des situations réelles et virtuelles confère aux photographies une étrangeté qui reflète la transformation actuelle de la ville. Par son cadrage, entre jeu d’échelles et de plans, Randa pose un regard critique sur son environnement. Sa nouvelle exposition à Paris s’enrichit de trois compositions créées en 2013. «Entre ciel et mer, des hommes plongent dans la conscience aigue du spectacle. Enfants, adolescents et adultes se donnent aux hauteurs, étirent leurs corps dans la grâce et l’apesanteur. Ils se jettent à l’eau - pèsent-ils ce qu’il faut pour accomplir la traversée du vide? Il reste à Beyrouth un espace dérobé au temps, une falaise en retrait du bruit et de la frénésie urbaine. En dépit de la modernité, au pic de l’avancée de la reconstruction et de l’aménagement de la côte, persiste un lieu qui tend à disparaître.»
Ces mots de Rita Baddoura, écrits en 2003 à propos de la série de photos en noir et blanc La grotte aux pigeons de Randa Mirza, n’ont pas pris une ride à l’heure ou la société civile libanaise se bat quotidiennement pour préserver les quelques accès gratuits à la mer. Depuis quinze ans que l’artiste visuelle travaille sur Beyrouth et le monde arabe, ses images reflètent ses pensées, ses réflexions et ses doutes. « À Beyrouth, ces dernières années, l’environnement s’est dégradé. Les situations économiques et environnementales sont difficiles. Pourtant, je continue à y retourner. Trois ou quatre fois par an. Toutes mes réflexions et pensées viennent de là, de mes origines. C’est à travers ce prisme que je regarde le monde », confie Randa Mirza qui a, aujourd’hui, posé ses valises à Marseille. «C’est un bon compromis entre Beyrouth et Paris, l’Orient et l’Occident. J’ai choisi une ville qui me fait penser à Beyrouth mais dont l’accès à la mer reste gratuit.» Sons, images, pertinence Randa Mirza, je l’ai découverte à travers le projet Love And Revenge, le duo qu’elle forme avec le musicien libanais Rayess Bek et qui se réapproprie les grands succès de l’âge d’or de la musique et du cinéma arabes. Entre musique électronique et montage vidéo en temps réel, l’œuvre est un va et vient entre son et image, performances où se mêlent, entre autres, les voix d’Asmahan, Warda ou Farid el-Atrash et se croisent les films Cigara W Kass, Abi foq Al-Shagara, Khali Balak min Zuzu ou même Badawiya Fi Paris. Dans ce projet, Randa Mirza est davantage artiste visuelle que photographe. « Il y a 15 ans, quand j’ai commencé à exposer, je me définissais comme photographe. Puis petit à petit j’ai intégré la vidéo avec des installations et des performances live. Je me considère maintenant comme une artiste visuelle car c’est l’image qui m’intéresse. Une artiste visuelle qui utilise la photographie, la vidéo. » Ce matin, je suis passé prendre le café avec mon père. Je l’ai interrompu dans sa lecture quotidienne pour lui montrer et lui expliquer les images de Randa Mirza. Il m’a regardé et m’a répondu du fond de sa cuisine : « Voilà pourquoi après quarante ans d’exil, je lis encore les journaux et revues du Liban ». www.randamirza.com
CREDIT PHOTO RANDA MIRZA
Enfant, je voyais tous les matins mon père lire les journaux dans la cuisine à Paris. Avec son café, il prenait d’abord les nouvelles de Beyrouth, du Liban, ce pays qui ne l’a jamais quitté. Quelques années plus tard, je me retrouve à l’imiter. Tous les jours, à sept heures, je lis l’actualité du monde arabe et spécifiquement celle du Liban. La tablette a remplacé le papier, sinon rien n’a changé. Après avoir lu la presse, il s’arrêtait un instant et regardait dans le vide. Il réfléchissait, prenait du recul et parfois de la hauteur. Moi aussi. Enfin, j’essaie. C’est dire combien la photo Beirut is back and it’s beautiful de Randa Mirza, m’a touché. Ce vieil homme au dos courbé, résigné, qui observe Beyrouth de haut, c’est mon père, c’est moi, et probablement aussi son auteure, Randa Mirza.
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PORTRAIT
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ART DE COMBAT Historienne et critique d’art, Élisabeth Lebovici publie “Ce que le sida m’a fait”, un ouvrage dense où elle analyse les ressorts de la lutte contre le sida, menée à travers l’art et l’activisme des années 1980-1990. Plus que jamais d’actualité.
Élisabeth Lebovici lors d’une manifestation d’Act Up en 1996.
Père : figure historique de la psychanalyse et de la psychiatre de l’enfant. Mère : professeure de mathématiques puis psychanalyste. Sœur : psychiatre, psychanalyste. Voilà pour la famille cellulaire. No more comment. Élisabeth Lebovici entend, à l’âge qui est le sien, ne plus être “la fille de”. Regard taillé à la serpette, sourire rare mais parole généreuse. Et précise. Les classiques, elle les connaît bien. Tout lu de la littérature française. Dont Monique Wittig. Son opus L’Opoponax allait marquer d’un sceau inédit la manière du récit de l’enfance et des jeunes années, à la découverte d’un corps lesbien. La même Wittig qui déposait une gerbe sous l’Arc de Triomphe, en hommage à “la femme du soldat inconnu”. C’était en 1970, elle cofondait tout juste le MLF, et Élisabeth Lebovici venait d’avoir 17 ans. “Je lisais sans relâche. Lire constituait un rempart”, indique-t-elle. Rampe de lancement en béton armé vers les combats de la vie. À commencer par celui d’une voie à rebours de celle dictée par l’hérédité. Lebovici se consacre ainsi à des études de philosophie et d’histoire de l’art. “J’ai fait le choix d’une discipline du visuel et non de l’empathie.” Avant d’opérer une distance géographique, direction New York (1979), où elle est admise à suivre un cursus d’études de commissariat d’exposition. Elle y demeurera trois ans. Expérience fondatrice. Elle fait la rencontre de nombreux artistes, mais voit l’irruption de l’épidémie du sida. La confinant, tout d’abord, dans une sidération glaçante, face à la multiplication des malades et des morts dans son cercle proche. Faire acte, témoigner. Débute alors pour elle un volet qui constituera sa marque de fabrique : la critique d’art, notamment pour Beaux Arts Magazine, dont elle fut corédactrice en chef, et Libération. Grande époque. On la sait ombrageuse, guerrière. Forte de son savoir et de ses convictions. Implacable avec les faux-semblants des pouvoirs publics sourds et aveugles aux ravages de l’épidémie. “C’était une époque où nombre de sujets donnaient matière à exprimer sa colère”, dit-elle. Notamment pour imposer la visibilité déniée aux malades et aux lesbiennes. Combat dans le combat. Act Up avait été créée en 1987 à New York, deux ans après l’association émergeait à Paris. Lebovici y milite activement de 1994 à 1999. Le deuil, la tristesse, l’impuissance se sont mués en volonté d’action. La lutte initiale contre le sida la mobilise dans le combat contre l’homophobie et la misogynie. En 2007, la parution de Femmes artistes/Artistes femmes, Paris, de 1880 à nos jours (éd. Hazan), coécrit avec Catherine Gonnard, souligne l’absence marquante des femmes artistes dans les musées. Sentinelle en veille permanente, Lebovici se définit par son activisme, une vitalité irriguée par le travail accompli sur des sujets qui relèvent du politique. “La colère est une façon de militer”, souligne-t-elle. De refuser l’inacceptable. La question du corps des femmes dans l’espace public continue de figurer au rang de ses sujets de réflexion. “Les discussions autour du port du voile nous le rappellent. On parle à la place des femmes, la présence de leur corps en extérieur reste un enjeu.” Et une bataille
“Ce que le sida m’a fait. Art et activisme à la fin du xxe siècle”, d’Élisabeth Lebovici (éd. JRP Ringier et La Maison rouge).
PHOTO ACTION N° 44/ACT UP-PARIS
PAR YAMINA BENAÏ
ÉCRIRE «L’INSULTE » « ELLE DONNERAIT DES AILES À UN ANGE » DIT D’ELLE DAVID HURY*. JOËLLE TOUMA EST LA PART DE L’ANGE ET EN TOUS CAS L’ÂME FÉMININE DU BLOCKBUSTER LIBANAIS L’INSULTE, DE ZIAD DOUEIRI, DONT ELLE A CO-ÉCRIT LE SCÉNARIO. A L’HEURE OÙ LE FILM ENREGISTRE UN RECORD D’ENTRÉES AU LIBAN, ELLE RACONTE SON EXPÉRIENCE. PAR F.A.D.
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CINEMA
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De moins en moins actrice, de plus en plus scénariste, comment a eu lieu ce glissement ? Le glissement s’est fait il y a bien longtemps. Mais le métier de scénariste est difficile à assumer dans le sens où le moment où l’on écrit est extrêmement fragilisant. On écrit avec ce qu’on est, on se révèle beaucoup plus que devant une caméra et on ne se sent jamais à la hauteur. C’est aussi un métier solitaire et loin des projecteurs, à l’opposé du métier d’acteur. Cela dit, l’un n’empêche pas l’autre et jouer me manque. Dans l’Insulte, vous étiez deux à écrire le scénario, vousmême et Ziad Doueiri. Comment se déroule ce travail à quatre mains ? Cela dépend des projets, parfois nous sommes tous les deux devant le même écran d’ordinateur et parfois nous écrivons chacun une scène différente puis nous les revoyons ensemble et nous les modifions. Nous discutons beaucoup, l’avantage de la co-écriture c’est ce feedback, ce retour immédiat, cela fait avancer plus vite et permet d’aller beaucoup plus loin, à condition bien sûr de laisser son ego de côté et d’être ouvert. Nous réécrivons beaucoup, nous questionnons constamment chaque idée, chaque dialogue de l’un ou de l’autre. L’Insulte est probablement notre scénario le plus abouti et paradoxalement celui que nous avons écrit avec le plus de spontanéité, je suis tentée de dire de « facilité », même
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si je trouve qu’écrire est toujours difficile et qu’un scénario s’enfante toujours dans la douleur! Mais ce film est le fruit de tout ce que nous avons ressenti, discuté, vécu depuis la fin de la guerre. Il me semble que beaucoup de Libanais partageront ce sentiment. C’est comme si je le portais en moi et qu’il n’avait plus qu’à être écrit. Comment décririez-vous votre apport dans ce genre de collaboration ? Je crois que j’apporte tout simplement ce que je suis. Assistez-vous au tournage des films dont vous rédigez le script ? Participez-vous au casting des acteurs et actrices? J’ai assisté à une grande partie du tournage de l’Insulte parce que ce scénario me tient à cœur, parce que chaque scène, chaque mot résonnent pour moi avec beaucoup de force et parce qu’il se déroule au Liban et ça aussi, ça me touche particulièrement. Je ne participe pas du tout au casting, c’est exclusivement le rôle du réalisateur de choisir ses acteurs, en tous cas au cinéma. Vous arrive-t-il de modifier une scène ou un dialogue en cours de tournage ? Si oui pour quelle raison ? Cela peut arriver, qu’une scène ou un dialogue soit modifié
Joelle Touma © David Hury
Pourriez-vous raconter une anecdote ou un événement marquant liés à l’écriture, au tournage ou à la présentation de L’Insulte (à part l’arrestation de Ziad) ? Ce n’est peut être pas lié exclusivement à l’Insulte, mais c’était encore plus marquant pour moi avec ce scénario, peutêtre parce que j’en suis particulièrement fière, mais quand j’entends les dialogues et que je vois les scènes prendre vie, incarnés par les acteurs, je suis émerveillée. Ziad Doueiri a été arrêté quelques heures à son arrivée à Beyrouth pour la première de L’Insulte. Où étiez-vous à ce moment-là? Comment avez-vous réagi, à quoi avez-vous pensé ? Etait-ce prévisible ?
Quand Ziad a été arrêté je m’apprêtais à le rejoindre pour une réunion où nous devions discuter des derniers détails pour l’avant première du film et sa sortie. Je me suis précipitée à l’aéroport où je savais que ses parents l’attendaient pour être avec eux. J’étais choquée et je réfléchissais à cent à l’heure à ce qui pourrait lui arriver ou à ce que son arrestation impliquait. Evidemment, je me suis doutée que le prétexte était probablement lié au tournage de L’Attentat en 2011 et à la chasse aux sorcières dont il faisait l’objet depuis plusieurs jours. Mais son arrestation semblait quand même absurde dans le sens où Ziad était revenu au Liban des dizaines de fois depuis 2011 et qu’il avait tourné L’Insulte au Liban, au Palais de Justice à Adlieh, que la police avait apporté son aide et participé à certaines scènes et que l’armée avait prêté un hélicoptère pour certains plans du film! Sans compter que le Liban officiel venait de choisir L’Insulte pour représenter le Liban aux Oscars. Sur un registre plus personnel, que faites-vous quand vous n’êtes pas sur un scénario ? Comment se déroule une journée ordinaire de Joëlle Touma ? Quand je n’écris pas je passe du temps avec ma fille de 9 ans et je vais au cinéma. J’aime beaucoup aussi m’asseoir sur les terrasses des cafés et regarder les gens vivre. C’est mon sport favori.
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en cours de tournage. Soit parce que tout d’un coup on a une meilleure idée, soit parce qu’on se rend compte que le texte, une fois joué, passe moins bien qu’on ne se l’imaginait. Ou alors juste parce qu’un scénario c’est comme le bon vin, plus le temps passe et plus il mûrit, jusqu’au bout. En tous cas, quand ça arrive, il faut réfléchir vite et ne pas faire n’importe quoi. Un scénario c’est un travail extrêmement minutieux, chaque petit changement peut provoquer un enchaînement de conséquences. Donc il s’agit davantage d’ajustements que de grandes modifications, on ne peut pas bouleverser un tournage en cours.
Où peut-on vous croiser, à Paris ? Beaucoup chez moi parce que c’est de là que je travaille. Où peut-on vous croiser à Beyrouth ? A Beyrouth j’aime aller au Sporting. J’adore cet endroit, pour moi il est délabré et vrai comme le Beyrouth que j’aime. J’aime regarder la mer de là bas, c’est un peu surélevé par rapport à l’eau, je trouve que ça donne des reflets uniques. Un rêve raisonnable ? Pouvoir continuer à écrire des films. Un rêve impossible ? Revenir en arrière et comprendre certaines choses plus vite. Un lieu qui vous inspire ? Beyrouth Quelque chose à ajouter ? Merci!
*David Hury est auteur, photographe et journaliste. Voir notre article sur son roman « Pentes douces » dans ce numéro.
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PLUS PRÈS DES ÉTOILES Robert Pattinson a une carrière des plus surprenantes, passant de la saga “Twilight” à des films de David Cronenberg et, bientôt, Claire Denis. Alors que sort sur les écrans “Good Time”, des frères Safdie, cet acteur pressé nous a parlé de son rapport au cinéma, de la manière dont il se voit et de musique. PAR JULIETTE MICHAUD
Page de droite, Robert Pattinson dans “Good Time” des frères Safdie.
Pourquoi vouliez-vous jouer dans Good Time ? Robert Pattinson : J’adore les clips vidéo sous très haute tension, et je rêvais de trouver un long-métrage qui aurait la même adrénaline. Les frères Safdie ont insufflé de bout en bout ce genre d’énergie explosive, tout en signant un film minutieux et contrôlé. Je ne sais toujours pas comment ils ont accompli un tel exploit . D’où vous vient ce désir d’urgence ? J’ai tendance, quand je fais un film, à avoir l’impression qu’il sonne faux, ou que je suis moi-même un imposteur, et dans ce cas je me rétracte. Je ne livre qu’une prestation superficielle, en
CREDIT PHOTO AD VITAM DISTRIBUTION
En jouant une petite frappe dans Good Time, le polar fou et jubilatoire des jeunes réalisateurs new-yorkais Ben et Josh Safdie, Robert Pattinson pulvérise une bonne fois pour toutes son image de beau gosse. Cet acteur anglais qui a toujours fait preuve d’audace s’impose, à 31 ans, comme l’un des plus excitants de sa génération, digne relève d’un Joaquin Phoenix qui lui a chipé de justesse le Prix d’interprétation au Festival de Cannes cette année. C’est d’ailleurs dans le palace le plus rock’n’roll de Cannes, le Marriott, que nous avons pu rencontrer ce grand garçon (1,85 m) dénué de prétention. Jean et coiffure rebelle, séduction lancinante de son regard à la fois bienveillant et troublant, Robert Pattinson nous a expliqué sa quête obsessionnelle de travailler avec les talents de demain.
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RENCONTRE
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Dans “The Lost city of Z” de James Gray.
Ben et Josh Safdie. Deux scènes de “Good Time”.
gardant pour moi mon côté plus complexe, ou du moins plus angoissé. Depuis plusieurs années, je me disais que, pour sortir de ce piège, il me faudrait un metteur en scène qui serait si rapide que je n’aurais pas le temps de réfléchir. Je cherchais quelqu’un qui me permettrait d’être plus instinctif. Vous connaissiez le travail des frères Safdie, qui comptent parmi les réalisateurs les plus prometteurs du cinéma indépendant américain, mais dont le succès était jusqu’alors confidentiel ? Oui, parce que je suis obsédé par les critiques de films, c’est la seule chose que je lis, du matin au soir, sur internet, et par la découverte de nouveaux talents. J’étais très intrigué par ces nouveaux “frères Coen” à la petite trentaine. Je savais qu’ils avaient déjà fait trois films cassavetiens (The Pleasure of Being Robbed en 2008, Lenny and the Kids en 2009 et Mad Love in New York en 2014, ndlr), des portraits de New-Yorkais marginaux avec budget minimal, caméra à l’épaule, beaucoup d’improvisation et un goût certain pour l’absurde. Ça me parlait bien. Présentez-nous votre personnage dans Good Time. Il s’agit de Connie, un jeune braqueur instable, qui entraîne dans ses mauvais coups Nick, son frère handicapé mental joué de façon stupéfiante par Ben Safdie lui-même. Un braquage tourne mal, Nick est arrêté et Connie essaie de le faire s’évader. Sauf que tout foire et Connie est entraîné dans un enchaînement de situations cauchemardesques. Le personnage est compliqué. Ce qui m’a aidé à le trouver sympathique est que les frangins n’avaient pas terminé le scénario quand je les ai rencontrés : j’ai pu comprendre et assimiler la mentalité de Connie pendant l’écriture. Vous habitez ce rôle, comme vous l’avez fait dans The Lost City of Z de James Gray, où vous étiez méconnaissable en explorateur barbu à petites lunettes. J’avais accepté The Lost city of Z non seulement pour le
romanesque de James Gray, mais aussi parce que c’était deux mois de tournage dans la jungle amazonienne. Good Time, c’est plus la jungle urbaine. Pour me préparer, je suis resté deux mois enfermé seul dans la cave d’un immeuble insalubre de Harlem avec des boîtes de thon pour toute nourriture. Je dois avoir une intoxication au mercure (rires). Je n’ouvrais jamais les rideaux, je dormais tout habillé. Cela paraît extrême, mais il fallait cultiver ce sentiment d’isolement pour obtenir un résultat crédible. Ensuite, le tournage, c’était des journées de seize ou dix-sept heures. On a tout mis dans ce film. On a aussi l’impression que les frères Safdie se sont amusés avec votre image de vampire de Twilight… C’est vrai que j’entre brun dans le film, pour en ressortir les cheveux décolorés et le regard hagard, exsangue. Ben et Josh sont malins, ils s’amusent avec tout. Avez-vous toujours le sentiment qu’il vous faut casser votre image de jeune premier, que vous devez encore faire vos preuves ? Non, car je suis toujours surpris que l’on me considère comme une “belle gueule”. Je considère que je devrais prouver que je peux être un beau jeune premier ! (Rires.) Cette image vient du succès phénoménal de la série Twilight : les gens me confondaient avec mon personnage, c’était insensé. Mais j’espère que je n’ai pas l’air de me plaindre. D’autant que l’ère des paparazzis s’étiole, et que je vis à Londres où je parviens à avoir une vie normale. Ce qui m’importe, c’est de pouvoir jouer. C’est un tel privilège… Comment voyez-vous votre propre parcours ? Lorsque j’avais 15 ans, un agent m’a remarqué au théâtre. Je n’ai fait aucune école d’art dramatique et je ne viens pas du milieu du cinéma. Ma mère travaillait dans une agence de pub et m’a fait passer des auditions à 12 ans. J’ai eu un peu de succès dans le mannequinat car j’étais alors assez androgyne, ça plaisait,
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“J’AI EU UN PEU DE SUCCÈS DANS LE MANNEQUINAT CAR J’ÉTAIS ALORS ASSEZ ANDROGYNE, ÇA PLAISAIT, ENSUITE JE PENSE AVOIR EU LA
Dans “The Rover”, d’Anton Corbijn (2014).
PIRE CARRIÈRE DE MANNEQUIN DE TOUTE L’HISTOIRE.” ROBERT PATTINSON
PHOTOS AD VITAM DISTRIBUTION, DAVE HOGAN/GETTY IMAGES, ELEONORE HENDRICKS, HEILEMANN/CAMERAPRESS/GAMMA-RAPHO, GEORGE PIMENTEL/GETTY IMAGES, DR
Avec Karl Lagerfeld, en 2016.
ensuite je pense avoir eu la pire carrière de mannequin de toute l’histoire ! (Rires.) Vous êtes devenu égérie de Dior, photographié par Karl Lagerfeld… pas mal pour une carrière ratée ! (Rires.) Je me souviens, quand j’ai signé avec Dior, avoir été très nerveux. À l’époque, les acteurs tournaient des pubs uniquement au Japon pour être sûrs que personne ne les verrait jamais ! Mais j’ai pensé que ça me rendrait bankable, et que cela inciterait de jeunes réalisateurs à m’utiliser. En cours de route, j’ai appris à apprécier l’équipe de Dior. Et un an après mon contrat, tous les acteurs se sont mis à faire comme moi ! Apparaître dans de la pub n’est plus un dilemme moral pour les acteurs. Vous avez vite recherché des projets plus personnels, qui culminent lors de votre collaboration avec David Cronenberg. Décrocher rapidement un rôle dans Harry Potter et la coupe de feu a tout fait démarrer vite, les Twilight ont ensuite mis le feu aux poudres, il fallait calmer le jeu. Endosser le rôle de Bel Ami, pour moi qui adore Maupassant, était formidable. Retrouver, dans De l’eau pour les éléphants, Reese Witherspoon avec qui j’ai débuté au cinéma, dans Vanity Fair, La Foire aux vanités en 2005, c’était magnifique. Je suis tout aussi fier du western futuriste australien The Rover ou de Life d’Anton Corbijn… Mais Cosmopolis et Map to the Stars avec le très grand Cronenberg ont montré que j’avais mûri.
Vous êtes aussi musicien. Cherchez-vous à trouver un rôle musical ? Je joue de la guitare et du piano et j’essaie depuis toujours de faire un film sur le groupe The Band. Ils avaient tous moins de 23 ans quand ils ont réussi, ça me fascine. Le scénario est écrit, je cherche encore un producteur et un réalisateur. Les chansons que vous écoutez en ce moment ? Laissez-moi regarder… (Il s’empare de son smartphone.) Il y a Donny Hathaway, Janet Jackson… J’écoute aussi de la musique bizarre : la bande originale de Metropolis de Fritz Lang. Comment est-ce possible, c’est un film muet ! Je vous dis, je suis très bizarre (rires). Un acteur qui vous a donné envie d’être acteur ? Jack Nicholson. Quel est votre état d’esprit actuel ? Je viens d’entrer dans une phase où j’aime vraiment jouer. Je joue dans le prochain Claire Denis, un film de science-fiction et son premier en anglais. Si on m’avait dit cela un jour, je ne l’aurais pas cru. Tourner avec Claire Denis, c’est le sommet de ma carrière.
“Good Time”, de Ben et Joshua Safdie, Avec Robert Pattinson, Jennifer Jason Leigh, Barkhad Abdi, Ben Safdie… sortie le 13 septembre.
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RENTRÉE LITTÉRAIRE
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MILLE ET UNE PAGES Un prix Pulitzer et un chroniqueur de “L’Officiel”, parmi d’autres sensations d’une très riche rentrée littéraire. PAR MARGUERITE BAUX
État de grâce Summer est un roman écrit comme à contre-jour, dans l’éblouissement d’une silhouette manquante : celle de Summer, disparue l’été de ses 19 ans au bord du lac Léman et immortalisée au sommet de sa splendeur dans la mémoire de son petit frère Benjamin, avec ses longues jambes et son short minuscule. Après Tout cela n’a rien à voir avec moi, prix de Flore 2013, et CransMontana, Monica Sabolo creuse son délicat sillon d’images trop parfaites et d’érotisme amer, de jeunesse profanée et de secrets de famille. Entre fantôme et fantasme, suspense et élégie, la note est tenue jusqu’au bout.
mère toute-puissante, mort sans tombeau. Lui dans un journal bibliophile, Les Rameaux noirs, rêverie ombreuse que déclenche une crise de démence de son père admiré, le poète surréaliste André Liberati. Quête œdipienne ou hommage aux pénates : deux beaux autoportraits se répondant à distance. Au même moment, Simon Liberati publie Les Violettes de l’avenue Foch, son “press-book de monomane”, recueil de ses précieux articles et interviews pour la presse – dont L’Officiel.
“Summer”, de Monica Sabolo (éd. JC Lattès).
Puissance motrice Ne jamais croire un sujet épuisé. Avec Underground Railroad, Colson Whitehead signe un magnifique roman sur l’esclavage, qui réinvente l’Histoire et déjoue les attendus. Soit l’épopée d’une jeune esclave s’évadant d’une plantation du Sud pour découvrir que l’Amérique, c’est toujours plus loin. Jusqu’ici prisé des critiques mais ignoré du grand public, Whitehead est l’homme fort de la rentrée, couronné par le Pulitzer et le National Book
Couple de plume Indépendants mais inséparables, à moins que ce ne soit l’inverse, Eva Ionesco et Simon Liberati font leur première rentrée littéraire ensemble, éditeur à part mais sujet commun, avec deux livres sur la figure paternelle. Elle dans Innocence, une enquête à vif sur ce grand absent de son enfance, faible héros écarté par une
Innocence”, d’Eva Ionesco (éd. Grasset), “Les Rameaux noirs” et “Les Violettes de l’avenue Foch”, de Simon Liberati (éd. Stock).
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RENTRÉE LITTÉRAIRE
Award, recommandé par Obama et Oprah, bientôt adapté par Barry Jenkins. À la fois conceptuel et poignant, postmoderne et populaire : un train à ne pas manquer. “Underground Railroad”, de Colson Whitehead (éd. Albin Michel).
Comme un torrent Habitué des formes incisives, de son premier roman Rapport sur moi à Cap Canaveral en passant par L’Invité mystère, Grégoire Bouiller lâche ses chevaux dans Le Dossier M, un sensationnel roman d’amour en deux volumes de huit cents pages – dont le prochain sera publié en janvier. Avec une intensité qui vous cueille d’emblée et une hargne réjouissante contre les biopics calibrés, il tente le coup de “tout dire” sur son histoire avec “M”. Mais où commencer, où finir, jusqu’où tirer les fils ? Bouillonnant, exaspérant, mélodramatique : une nouvelle drogue au rayon autofiction.
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“Le Dossier M”, de Grégoire Bouillier (éd. Flammarion).
Jeune premier Dans la mode, il est connu sous le nom de Roman, sans “d”. Dans Mon père, ma mère et Sheila, très court récit autobiographique, le coiffeur Éric Romand livre son enfance crue, ballottée dans les rituels populaires des années 1970 et 1980,
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entre une mère qui se tait, un père hostile à ses manières efféminées et Sheila, dont il ignore encore qu’elle est un “chanteur à pédé”, comme ils disent. Mange-disque, camping, initiations secrètes, revanche sociale : dans la succession de vignettes claquant comme des gifles, un émouvant récit tenu par le non-dit des sentiments et une terrible guerre de la tendresse entre père et fils. “Mon père, ma mère et Sheila”, d’Éric Romand (éd. Stock).
Fin(s) du monde De source sûre, l’apocalypse est proche. Reste à savoir laquelle et les écrivains s’en donnent à cœur joie. Avec Notre vie dans les forêts, Marie Darrieussecq rêve de clones rebelles dans un conte à la malice lacanienne et aux faux airs de Truismes. L’Écossaise Jenni Fagan penche pour la glaciation mais le réchauffement des cœurs dans Les Buveurs de lumière, Thomas Flahaut cherche une sortie du nucléaire dans son premier roman, Ostwald, et Margaret Atwood dresse la satire de la crise économique dans C’est le cœur qui lâche en dernier. C’est l’horreur à la carte, une affaire de style. “Notre vie dans les forêts”, de Marie Darrieusecq (éd. P.O.L), “Les Buveurs de lumière”, de Jenni Fagan (éd. Métailié), “Ostwald”, de Thomas Flahaut (éd. de l’Olivier), “C’est le cœur qui lâche en dernier”, de Margaret Atwood (éd. Robert Laffont).
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ROMAN
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Le sexe d’une ville Beyrouth inspire des sentiments mitigés. Mais rarement cette relation d’amour-haine, de répulsion-attraction avec la ville aura été aussi crument relatée que par David Hury, qui signe avec «Pentes douces » (Editions Riveneuve) son premier roman. PAR F.A.D.
« Je la savais sorcière et elle me savait bourreau. Elle me savait esclave et je la savais reine (…). Je m’agenouillai devant elle, la nuque baissée. En signe de soumission. Puis je relevai le visage et elle lut dans mon regard le coup d’Etat que je préparais. Mes yeux ne lui laissèrent aucun doute sur mes intentions. Je me redressai, ôtai le pagne qui seul masquait ma virilité. Je lui bandai les yeux. Je lui dictai les règles du jeu : elle, ma reine, devait me donner des ordres. Des ordres que je lui soufflerais au préalable. Elle m’ordonnerait de lui faire ce que moi j’avais envie de lui faire. Ma reine-esclave. Je lui ai d’abord demandé si elle voulait que je la déshabille, elle m’ordonna de la déshabiller. La règle était simple, les exceptions interdites. Je dégrafai la broche qui retenait l’étoffe à son épaule. (…) Mon sexe dressé frôlant ses fesses, ses hanches et son basventre. D’une vasque en pierre, je pris une poignée d’un baume huileux qu’un prêtre de son culte avait préparé pour sa peau.
L’huile coula le long de son dos. (…) Ma main déversa quelques gouttes de ce baume sur ses seins que je voyais s’arrondir. Luisants. Je lui dis que cette nuit-là, cette antique et unique nuit, je la ferai jouir. Que j’allais prendre son sexe comme jamais personne ne l’avait pris, qu’elle allait aimer quelque chose que Sa Majesté n’avait encore jamais fait : ma bouche sur son clitoris, mes doigts dans son sexe et dans son cul. Qu’elle allait aimer ça. Qu’elle allait se laisser apprivoiser. Qu’elle allait apprendre toutes les merveilleuses sensations que son corps de demi-déesse pouvait ressentir, que tous ses orifices étaient source de plaisir. Je pris ses seins, caressai son ventre de mes mains glissantes. » Mais tout cela n’est que fantasme et Joana a disparu : « Mais elle, elle avait choisi l’absence. Elle avait fait de moi l’homme le plus seul sur terre. Si seul, sans un début d’indice pour la retrouver. (…) Tous les canaux de communication étaient aussi secs que ces petits oueds de montagne taris depuis longtemps. Je savais depuis des lustres qu’elle avait annihilé sa vie d’avant. Tout lui suggérait une sensation de gâchis au Liban. Je la comprenais sur ce point. Et les endroits qu’elle fréquentait autrefois n’existaient plus. Exit le Babylone, exit le Monkey Rose, exit le B0-18 canal historique. Je n’avais rien à quoi me raccrocher. Pas le début d’une piste, pas un endroit où aller traîner, où j’aurais pu renifler son odeur. Pendant trois semaines, j’alternais entre le clavier de mon ordinateur et les rouleaux de scotch pour fermer mes cartons. Je vidai ma vie. Cela me permettait surtout de ne pas trop penser à son silence. Je le savais : je vivais mes dernières semaines à Beyrouth. Peut-être même mes derniers jours. »
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Auteur et journaliste, David Hury est surtout photographe, même quand il écrit. Avec « Pentes douces » il livre un récit sous forme d’enquête amoureuse à la fois enracinée dans la guerre et dans la réalité du Liban d’aujourd’hui, surtout ses routes parmi les plus dangereuses du monde, surtout ses saisons, printemps gardénias et étés poubelles, surtout Beyrouth et sa géographie nocturne. Le roman respire à travers 93 photographies en noir et blanc, granuleuses, texturées, suggestives, sensorielles. Joana, la femme perdue puis retrouvée, absente obsédante et double de la ville, souffle au narrateur un argot imagé et des pages d’un érotisme inspiré dont nous avons choisi presque au hasard ces extraits:
DO DENIM DIFFERENT.
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MUSIQUE
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Ils s’appellent Charbel Haber et Fadi Tabbal et se cachent derrière un curieux nom de groupe qui révèle leur nostalgie des années 80. Ensemble, les « Bunny Tylers » improvisent un krautrock électrique qui transporte la scène beyrouthine « vers des paysages sonores en Technicolor ». C’est Charbel Haber qui raconte l’aventure. PAR MARIE ABOU-KHALED
PHOTOS AYLA HIBRI, DESIGN MELANIE DAGHER
LES BUNNY TYLERS, EX FANS DES 80’S
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MUSIQUE
PHOTOS ROLAND RAGI
Naissance d’un duo « En fait nous avons d’abord commencé chacun seul, à l’adolescence. Fadi Tabbal et moi avons suivi des chemins parallèles jusqu’en 2002. Nous nous sommes connus lors du lancement d’une compilation de divers artistes libanais indépendants publiée par la CDthèque. Fadi jouait dans un groupe qui s’appelait « April Ash », puis il a fait « The Incompetents ». J’étais avec les Scrambled Eggs. Je lui ai proposé une collaboration. Et puis il est allé faire ses études au Canada. A son retour, il a fondé Tunefork Studio. Nous avons commencé à enregistrer chez lui et cela a grandement influencé l’évolution de Scrambled Eggs, du fait que nous partagions les mêmes goûts et les mêmes références musicales. Avant lui, on enregistrait avec des ingénieurs du son qui s’occupaient surtout de musique populaire arabe et qui ne pigeaient rien à ce qu’on faisait. Fadi comprenait spontanément l’apparition d’un « feedback » de guitare qui semblait incongru, mais qui appartenait au contexte ». La musique comme un roman noir « En 2007, à force de s’impliquer dans la production, Fadi a fini par rejoindre le groupe, d’abord en studio, et plus tard sur scène. Notre identité musicale, faite de débordements un peu bizarres et de paysages insolites, était basée sur deux guitares, et l’un des deux guitaristes était parti. Fadi a empoigné l’instrument à sa place et nous avons continué à jouer tous deux les secondes guitares. Jouer ensemble était une évidence, tant notre approche
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de l’instrument est la même. Nous avons donc créé un duo détaché de toutes nos activités respectives. Nous ne pensions même pas au succès. Nous étions comme deux enfants capables de manger tous les jours des hamburgers et des frites et adorant se voir resservir le même plat. Quand on jouait ensemble, on était dans un sanctuaire où se combinaient tous les sons de guitare, les pédales, les couches sonores insolites, et c’est de cette jubilation que sont nés les Bunny Tylers. Plus qu’un groupe ou un duo, cette formation reflète tout ce que nous aimons dans l’art, le cinéma ou la littérature, dans une atmosphère un peu « roman noir », à la Twin Peaks. Nous sommes aussi de grands fans de Burroughs, W.G.Sebald, Don Delillo, Truman Capote, Thomas Pynchon. C’est la rencontre de nos deux univers, du travail de Fadi en solo et du mien, de mes dessins et de mon écriture. J’ai toujours un récit en tête qui se traduit par un médium ou un autre. Cela dit, je suis musicien à plein temps, je compose pour le cinéma et le théâtre, même si les dessins qui accompagnent le nouvel album des Bunny Tylers sont de moi. Quand je chante, j’évoque Leonard Cohen, et aussi Mike Patton et Chino Moreno, et même Bush ! Derrière ce nom, le goût délicieux du beurre rance « The Bunny Tylers ? C’est l’invention de Fadi Tabbal. Moi, je suis nul en noms de groupes, je préfère donner des titres aux morceaux. Pour en revenir à The Bunny Tylers, si vous écoutez notre nouvel enregistrement, et si vous écoutez nos anciennes expériences musicales, vous constaterez que notre
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travail est très enraciné dans les années 80, la grande époque de Bonnie Tyler. Nous y revenons presque tout le temps, avec notamment l’ajout de synthétiseurs. Il me semble que cette époque a produit un mouvement puissant qui a évolué en flèche et qui s’est brusquement interrompu, happé dans un tourbillon de recyclage et de cannibalisme. Après l’apogée des 80’s, les musiciens ont commencé à se comporter comme des charognards. Notre référence à Bonnie Tyler est dans ce contexte un jeu de mots un peu ironique, mais elle est aussi infiniment affectueuse. Ironique parce que les années 80 sont perçues comme une époque naïve (il faut être un peu naïf pour porter les épaulettes à la mode de ces années-là, n’est-ce pas ?). Aujourd’hui cette naïveté a un goût d’interdit, comme ce Merry Cream que j’adore manger chez Ludwig en allant au studio, à Bourj Hammoud. Son goût de beurre rance est précisément ce qui à mes yeux lui donne cette saveur unique. Enfant, mes parents m’interdisaient d’en manger à cause des coupures d’électricité qui le rendaient toxique, paraît-il. Je crois que c’est cela, Bonnie Tyler, pour nous ». Je rêvais d’être un tueur en série… « Parfois nous nous asseyons ensemble et nous nous lançons des sons l’un à l’autre en quelque sorte, et les choses prennent forme. Comme nous avons les mêmes références, nous sommes parfaitement complémentaires, rien ne peut mal tourner. Le romantisme de la mort est au cœur de mon esthétique
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personnelle. Mon livre d’artiste (à paraître l’an prochain) a pour titre « While we danced, I dreamt of being a serial killer » (« En dansant avec toi, je rêvais d’être un tueur en série »). J’ai ce côté « mélancolie des ruines » qu’on retrouve autant dans mes dessins que dans mes textes. La fin de l’amour, la perte de l’innocence, la pourriture, les drogues, font partie de mes thèmes. Dans les années 90, une chaîne locale en période probatoire avait décidé de diffuser MTV 24h/24 pour tester son antenne. Du coup, toute une génération de Libanais s’est passionnée pour la musique Grunge qui était la grande mode de l’époque. C’est dans cela que nous avons grandi. Ça, et les cassettes. Nous adorons les cassettes. Nous en avons enregistré deux, dont l’une est le fond sonore de l’exposition de Joanna Hadjithomas et Khalil Joreige au musée du Jeu de Paume à Paris. C’est au moment où je composais la musique du court-métrage « Eté 91 » de Nadim Tabet qu’a commencé ma collaboration avec Fadi. J’avais besoin d’une petite touche d’électronique que lui seul pouvait m’apporter, et il est monté à bord. Le morceau s’appelle « Mothers make murderers » et c’est le titre officiel des Bunny Tylers si je peux dire. Nous avons également travaillé ensemble sur un autre film de Nadim Tabet, « One of these days », qui sort l’année prochaine. En fait, nous nous retrouvons parfaitement dans l’univers de ce réalisateur et nos morceaux, qui parlent de notre vie d’adolescents à Beyrouth, de sexe, de drogue et de rock’n’roll, collent tout à fait aux scènes de son dernier film. La musique est notre thérapie ».
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QUAND BONNIE RUGIT SA TENDRESSE
PAR MARIE ABOU-KHALED
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Bonnie Tyler, la rockeuse fleur bleue des années 80 aux tubes planétaires tels que « Total Eclipse of the Heart », « Holding Out for a Hero » et « It’s a Heartache » a donné un concert au festival de Batroun en août dernier, dans le cadre de sa tournée internationale. L’occasion d’une grande interview où la chanteuse iconique nous parle de sa carrière et de ses passions.
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« J’ai entendu dire que tout le monde ici connait mes chansons! J’espère qu’ils chanteront avec moi ce soir ! Vous faites ça ici?», s’enthousiasme Bonnie Tyler, sourire radieux, derrière un bataillon de micros placés par les télévisions locales. Pour elle, tout commence lorsque sa tante l’inscrit à un concours de talents à Swansea, dans son Pays de Galle natal. « Dans ma chambre, devant le miroir, je brandissais ma brosse à cheveux comme un micro et je chantais. J’ai été tellement, tellement chanceuse que ma tante m’inscrive à ce concours. C’était au club de rugby local. Au Pays de Galle, on préfère le rugby au football, bien qu’on ait une excellente équipe de foot aussi! J’ai donc chanté dans cette compétition en 1969. Vous voyez, c’est fou ! Heureusement qu’il y a le botox: Bref, j’ai remporté la deuxième place et j’ai gagné un prix : 1£! C’est vrai ! Et maintenant on gagne des contrats de plusieurs millions de dollars avec des maisons de disques à la télévision… J’avais 1£. Et c’est bien là que j’ai réalisé que je voulais en faire ma carrière. Mais regardez où ça m’a menée ! » Cette signature vocale… Après ça, Bonnie Tyler trouve un travail de chanteuse avec son groupe dans un club de Swansea. « J’ai été découverte quasiment par accident. Un dénicheur de talent était venu de Londres pour voir un chanteur qui chantait à l’étage du dessus avec son groupe. Heureusement pour moi il s’est trompé d’étage. Il m’a invitée à Londres pour enregistrer une démo. C’est moi qui ai décroché le contrat. » Peu après, Ronnie Scott et Steve Wolfe deviennent ses managers, auteurs/compositeurs et producteurs, à l’origine de ses premiers singles parmi lesquels le doux « Lost In France» qui rencontre un timide succès commercial en Europe. C’est notamment sa signature vocale éraillée qui a élevé Bonnie
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Tyler au rang de star internationale. Si elle ne l’a pas toujours eue, elle la doit à son tempérament rebelle : « Je venais à peine de commencer ma carrière, quand un jour mon médecin me dit que j’ai quelques nodules sur les cordes vocales, et qu’il faut que je subisse une opération pour les enlever. J’avais tout juste une chanson à succès, et j’ai pensé « Mon Dieu, je ne vais plus jamais pouvoir chanter ! » L’opération a réussi, mais après cela j’étais censée arrêter de parler pendant six semaines. Vous vous rendez compte ? Je ne tenais pas en place, et bien entendu je n’ai pas respecté l’ordre du médecin. Quand je suis entrée au studio pour enregistrer « It’s a Heartache » comme prévu, j’ai fait « It’s a… » de ma grosse voix et tout le monde s’est regardé avec étonnement, j’étais la première surprise ! » Cette voix hors du commun nécessite un entretien qui sort tout autant de l’ordinaire : « J’ai une coach vocale merveilleuse que j’emmène partout où je me produis. Si quelqu’un entend des bruits bizarres à l’hôtel cet après-midi là, c’est moi. » dit-elle en riant, « parce qu’on ne chante pas dans ces exercices, on émet des sons insolites et fous, et ça marche ! Mais je suis toujours embarrassée au cas où il y a quelqu’un à côté qui se demande ce qui peut bien se passer dans ma chambre » Croire, oser, jubiler « Commencez par former un groupe avec vos amis, répétez dans un garage, construisez votre répertoire, et lorsqu’il est solide, jouez pour des œuvres de bienfaisance. N’oubliez pas que j’ai chanté pendant 7 ans avant d’avoir l’immense chance de percer», conseille cette «ancienne » aux musiciens et chanteurs néophytes, elle dont le parcours n’est plus que plaisir: « Pour moi l’important n’est plus de vendre des albums. J’adore ma vie, et les spectacles en direct. J’adore mon répertoire aussi, je
« Eclipse » et consécration Bonnie se souvient de la genèse de sa chanson iconique : « C’est Jim Steinman qui m’a écrit Total Eclipse Of The Heart. Je lui suis tellement reconnaissante pour cette chanson. La première fois que je l’ai entendue, Jim Steinman me l’a jouée au piano et c’est Rory Dodd, l’homme qui chante les « turn around » dans la version finale, qui avait chanté. Mon Dieu,
j’étais en pleurs, je l’ai trouvée tellement belle. Mais je n’ai pas pensé une seconde qu’elle passerait à la radio, car dans sa version originale elle faisait plus de 8 minutes. Jim Steinman a dû éliminer la moitié de sa propre chanson et ça a été très difficile. Mais le sacrifice en valait la peine : ce fut une telle réussite qu’on demandait la version complète. » C’était en 1983. Son deuxième succès fulgurant est la chanson « Holding Out For A Hero », bande son du film Footloose, l’histoire d’un adolescent de Chicago épris de danse qui emménage dans un village d’Amérique profonde où la musique est bannie. « Cette chanson a été co-écrite par Jim Steinman et Dean Pitchford. Ils m’ont emmenée au studio, pour voir les images de la scène pendant laquelle passerait la chanson. C’était une scène très animée et pleine d’adrénaline, où le héros se lance dans une joute (en anglais « chicken game) en tracteur contre son rival. Chacun a son groupe de supporters, et c’est à celui qui va rester le plus longtemps sur son tracteur avant que les deux véhicules n’entrent en collision. La chanson est restée numéro deux pendant six semaines, parce qu’il y avait un concurrent de haut calibre : la chanson de David Bowie et Mick Jagger, Dancing in the Street… On ne pouvait que s’incliner !» Le dernier album de Bonnie Tyler, « Rocks and Honey » (2013) l’avait menée à l’Eurovision avec le single « Believe in Me ». En ce moment, la chanteuse prépare un album de chansons inédites prévu pour 2018, avec son premier producteur, celui de « Lost in France » et « It’s a Heartache » : « Quand je l’ai rencontré ses cheveux étaient bien noirs, maintenant ils sont argentés. » En ce moment, Bonnie Tyler écoute « Frankie Miller’s Double Take » un album de chansons inédites du chanteur devenu incapable de parler suite à une hémorragie cérébrale. Les chansons sont interprétées par nombre de ses amis musiciens parmi lesquels Elton John, Rod Stewart, Joe Walsh, Kim Carnes et Ms. Tyler elle-même. Si elle avait le choix de faire un duo, ce serait avec Rod Stewart « On me dit souvent que c’est mon alter ego masculin ».
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ne me lasse pas des anciennes chansons, et je me réjouis d’en créér de nouvelles. Je suis en tournée depuis janvier. Cette fois je suis arrivée très loin sur cette planète. J’ai fait la Nouvelle Zélande, le Mexique, l’Allemagne, l’Australie, l’Afrique du Sud, la Suède et les Pays Baltes ». Elle confirme avoir décliné une opportunité de faire partie du jury de The Voice Irlande: « Je ne peux pas imaginer dire la vérité à quelqu’un s’il n’est pas bon. Si je trouve une performance géniale, je le dis avec bonheur, mais si ce n’est pas le cas, je dois être honnête. C’est pour ça que je ne veux pas le faire, je ne veux décevoir ni enfoncer personne ». « J’étais une grande fan du producteur et auteur-compositeur Jim Steinman qui avait fait la trilogie hard rock Bat Out Of Hell pour le chanteur Meat Loaf, et mon rêve était de travailler avec lui. Quand j’en ai fait part à ma maison de disques, leur réaction a été « Tu es folle ? Il est trop occupé, il ne le fera jamais». J’ai répondu, « comment savoir si on ne le lui demande pas ? Demandez et vous risquez d’être surpris ». C’est ce qu’ils ont fait sans trop y croire. Deux albums avec Jim Steinman plus tard, je me souvient des paroles de ma mère, qui disait toujours « Ais confiance en toi et vas jusqu’au bout de tes rêves » c’était drôle d’entendre ça d’une femme si timide et réservée, mais nous, ses enfants, on a largement compensé par la suite ! J’ai trois sœurs, deux frères, 16 nièces et neveux, et 14 petites nièces et petits neveux. Vous ne voulez pas avoir ma liste de Noel ! » plaisante la chanteuse. « Ma sœur s’est remariée l’an dernier et j’ai chanté à la cérémonie »
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LIEU
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La station des Cèdres de Becharré est la plus ancienne du Liban, mais aussi la moins développée. Toute une génération y a appris à skier à la suite des skieurs alpins du Mandat français qui gravissaient les pentes sur des skis enveloppés de peaux de phoques. Le projet Cedrar se promet de restituer son prestige à cette station chère au cœur des Libanais. PAR F.A.D.
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CEDRAR, AU CŒUR DES CÈDRES
Il n’y a qu’à sortir les vieux albums de photos de famille. Pas un qui ne contienne un photo de groupe, la première descente de papa, le premier flirt de maman, bonnets de laine tricotée, fuseaux à sous pieds, pulls en jacquard, skis de bois fartés de frais, fièrement piqués dans la neige qui scintille au soleil. Mieux qu’aucune villégiature libanaise, les Cèdres incarnent la jeunesse et respirent la liberté et la joie de vivre. Autour des baraquements laissés par l’armée française du Levant se sont érigés des chalets et des guinguettes où trois générations ont vécu leurs plus belles vacances. Ici on a ri, on a bu, on a dansé, on a aimé. On a été piégé par les tempêtes, merveilleux prétexte pour prolonger des escapades toujours trop courtes. On a marché dans la forêt sacrée des « cèdres de Dieu », fait des vœux dans la petite église, croisé des étourneaux, repéré un étrange iris presque noir. On a emprunté le premier télésiège comme un jeu de fête foraine. On a risqué la piste noire sans expérience, on s’est cassé un truc ou deux pour ne jamais oublier. Au cœur de la nature Hiver comme été, les cèdres distillent leur magie. Mais avec un parc hôtelier vétuste et limité, le village a du mal à retenir ses visiteurs plus d’une journée. En attendant, les sports d’hiver ne cessent de se développer et leurs adeptes, de plus en plus nombreux, se sentent à l’étroit dans les stations libanaises. C’est la réflexion que se sont faite Sandra Abou Nader, Carlos Ghosn et Mario Saradar avant de s’engager, à travers la société Cedrar, dans la construction d’un « village dans le village », à une encablure de la forêt de cèdres millénaires et de la Vallée
Sainte. Présidente de Cedrar, Sandra Abou Nader explique : « Ce projet s’adresse à toute personne qui rêve de se réfugier dans un cadre idéal en toute saison, de profiter de la tranquillité et du grand air au cœur de la nature, tout en disposant de tout le luxe que peut offrir l’architecture contemporaine. Nous avons surtout pensé aux Libanais de la diaspora qui ont réussi leur vie et qui peuvent s’offrir des vacances dans les lieux les plus exclusifs du monde, et que le Liban tente, mais qui sont réticents à y revenir en raison des problèmes de toute sorte, notamment celui des embouteillages que nous entendons surmonter grâce à des navettes d’hélicoptères. Un ilot de luxe Ce village en cours de construction a pour objectif d’inciter les Libanais de la diaspora à écrire une nouvelle page de l’histoire des Cèdres et de l’art de vivre qui y est attaché. Véritable ilot de luxe à une encablure du domaine skiable, doté de tous les équipements de pointe et totalement respectueux de l’environnement, ce village conçu par 109 Architectes bénéficiera d’un hélipad pour un accès rapide depuis l’AIB, d’un hôtel, de 45 chalets, d’un restaurant, de magasins et de plateformes de sport et de détente et contribuera à la création de près de 200 emplois dans la région. Cerise sur le gâteau, Cedrar a conclu un accord avec Jouzour Loubnan, ONG représentée par Raoul Nehmé et Magda Kharrat, pour enrichir la forêt de nouveaux plants de cèdre germés sur le site ainsi que d’Iris Cedreti sur 130000m2. Rue Tabaris, Achrafieh, Beyrouth, T. +961 1 215 252
C’est un petit bijou de demeure nichée en pleine nature. A la lisière du Chouf et du Liban Sud, Dar el Berkeh, nouvelle trouvaille de l’agence L’Hôte Libanais, vient d’ouvrir ses portes aux touristes. Par Philippine de Clermont-Tonnerre
PHOTOS PAUL GORRA POUR L'HÔTE LIBANAIS
AUTOUR D’UN BASSIN
Vieille de trois siècles, Dar el Berkeh a toujours eu vocation à accueillir des visiteurs. C’est autour de son bassin d’eau de source (berkeh en arabe) que Cheikh Said, figure religieuse druze et avocat, recevait les villageois. Trois-cents ans plus tard, son descendant Nabil Hamdan a décidé, avec sa femme Nana de l’ouvrir au public en la transformant en maison d’hôte. Située dans le village de Bater, dans le sud du Chouf, elle est ouverte depuis cet été et peut héberger jusqu’à 12 personnes. Mais, précise sa propriétaire Nana Hamdan, «on peut toujours ajouter des palettes en bois sur lesquelles on met des matelas pour accueillir des hôtes supplémentaires». La maison est proposée à la location pour un minimum de deux nuits. Un petit déjeuner traditionnel à base de produits locaux est servi tous les matins. A l’intérieur, le mobilier, simple et raffiné, est celui de la famille, comme en témoignent ces deux portraits des arrières grands-pères de Nabil réalisés par le peintre libanais Moustapha Farroukh. Longtemps lieu de retrouvailles de la tribu familiale, Dar el Berkeh a été peu à peu été désertée. « Mes trois enfants sont la plupart du temps à l’étranger et ne rentrent qu’un mois l’été. J’avais envie de continuer à la faire vivre », explique Nana, 69 ans, grand-mère de six petits enfants. Déjà, à son retour de Paris en 1994, le couple, qui réside à Ramet el Baida à Beyrouth, avait ressuscité la demeure pour en faire sa résidence secondaire.
Une végétation luxuriante L’architecture de ce petit palais est typique du 18e. « La forme est différente des maisons plus récentes. On retrouve un motif trilobé au niveau des fenêtres et le toit est plat car l’arrivée des tuiles rouges est plus tardive », note Orphée Haddad de L’Hôte libanais, agence de maisons d’hôtes. L’été, on vit dans le jardin. La végétation est luxuriante : rosiers, figuiers, pins, ormes ou encore hibiscus et, attenant à la maison, ce champ d’oliviers millénaires, également propriété de la famille. Dans ce décor méditerranéen, on croise de temps en temps des poules et un âne « qui circulent tranquillement dans le jardin », affirme Nana. Dans le bassin, on trouve aussi des poissons. Mesurant cinq mètres de long sur quatre mètres de large, « cette grande baignoire », comme l’appelle la propriétaire, fait office de piscine. Des transats ont été installés autour de ce point d’eau. La maison est ouverte de mai à novembre. « On vit au rythme des saisons qui sont magnifiques ici », assure Nana. « A l’automne, les arbres deviennent rouges, les kakis s’ornent de petites boules oranges ». La région environnante, à la frontière entre le Chouf et le Liban Sud, non loin de Jezzine et de la réserve de pins de Bkassine, est encore largement préservée. L’endroit idéal pour pratiquer « une autre manière de faire du tourisme », assure Orphée Haddad. Bater, Chouf, www.hotelibanais.com/bed-and-breakfast/dar-el-berkeh
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LA COLLINE AUX EFFLUVES Pour le 70e anniversaire de la maison Dior, L’Officiel propose un périple en cinq épisodes. Chapitre I : le château de la Colle Noire, trésor provençal de Christian Dior Parfums.
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PAR EMMANUELLE BOSC
Le grand bassin et la façade sud-ouest du château de la Colle Noire, à Montauroux dans le Var.
Souvenirs olfactifs À la Colle Noire, tout n’est que lumière. Symbolique, d’abord. Pendant la guerre, c’est dans un village voisin, à Callian, que Christian Dior et les siens, notamment sa sœur Catherine (engagée dans la Résistance, elle sera déportée plusieurs mois) trouvèrent un temps refuge, ne subsistant qu’en labourant la terre pour y planter des légumes. À cette époque, “je n’avais même pas de quoi acheter un manteau”, a écrit le couturier. Son attachement profond à ce pays de Fayence vient du cœur et imprègne ses collections qui, à cette époque, après le succès de la forme “corolle” des débuts, explorent de nouvelles lignes. Tout, ici, l’inspire. La clarté de l’air, propre à la Méditerranée toute proche et au vent qui s’engouffre dans ses vallons, que le couturier sillonne à bord de son Austin Princess ou de son cabriolet Hotchkiss. Les couleurs des fleurs, princesses du domaine : roses de mai et jasmins à profusion, muguet fétiche qui parsème les sous-bois, et tant d’autres encore. Les jeux d’ombre et de lumière des arbres, oliviers, cyprès, amandiers qu’il a fait planter par centaines et qui s’étendent, étagés à l’italienne, sur cinquante hectares. Et les effluves de cette flore luxuriante, que son nez de parfumeur perçoit avec délices. C’est dans la région de Grasse, aujourd’hui terre d’élection de la maison de parfums, qu’il avait, quelques années plus tôt, conçu Miss Dior. Aujourd’hui, les souvenirs olfactifs de la Colle Noire sont réunis en un parfum éponyme, création récente dont chacune peut s’imprégner pour y voyager un instant. Reflet de fantasmes Pour l’homme Christian Dior, visionnaire optimiste mais nostalgique, messie du luxe le plus prodigieux et épris du plaisir de la terre,
“J’AI PASSÉ LA JOURNÉE ENTIÈRE ENTRE MES RANGÉES DE VIGNE ET C’EST LE SOIR QUI M’A CONTRAINT À RENTRER” Christian Dior
Christian Dior à l’entrée de la Colle Noire, en avril 1957.
le château de la Colle Noire est un aboutissement. Un reflet de ses fantasmes, à l’image de ce miroir d’eau qu’il y fait surgir, bassin de quarante mètres où se contemple, la nuit, l’immensité du ciel étoilé. “L’avenue Montaigne est très loin ; elle est au bout du monde. J’ai passé la journée entière entre mes rangées de vigne – occupé à l’inspection de la future vendange – et c’est le soir qui m’a contraint à rentrer”, écrit-il dans son journal de bord. Brouettes et caisses à vin marquées au pochoir des initiales CD, étoile porte-bonheur gravée en de multiples alcôves, comme celle qui surplombe le lit du couturier superstitieux : chaque détail fut minutieusement pensé. Et fidèlement restauré par la maison Christian Dior Parfums, qui est devenue propriétaire de la Colle Noire en 2013. À la chambre Retour d’Égypte et autres salons d’origine ont été ajoutées cinq suites, dont le nom (Picasso, Dalí, Chagall, Gruau, Bérard) est un hommage aux amis et invités du prestigieux maître des lieux. Parmi de nombreuses autres personnalités comme Marie-Blanche de Polignac (fille de Jeanne Lanvin) ou les époux Maeght, ils ont partagé les soirées d’été du couturier, réunis sous la pergola. Sans oublier la régente des lieux, Raymonde Zehnacker, sa plus proche collaboratrice qui, là aussi, veille sur tout. Une joyeuse bande que l’on retrouve dans le beau livre Dior et le Sud*, où l’on partage, par des photos d’archives inédites, ainsi que des dessins signés Jean-Philippe Delhomme, ces instants d’éternité, ces heures de bonheur prolongées par de rocambolesques virées. Et où, conformément à ses désirs, oubliant Dior un instant l’on suit Christian dans ses escapades, de la villa des Noailles à Hyères jusqu’à l’île de Porquerolles, où il ose le short, en passant par Cannes, au bras de Marlene Dietrich. Sans oublier Saint-Tropez – en esprit gourmand, il s’y rend pour s’approvisionner, chez Sénéquier, de ses friandises favorites : les mandarines confites. C’était l’âge d’or de la Colle Noire… * “Christian Dior et le Sud : le château de la Colle Noire”, de Laurence Benaïm et Jean-Philippe Delhomme (éd. Rizzoli).
CREDIT PHOTO: LORD SNOWDON/TRUNK ARCHIVES, BRUNO SUET/PARFUMS CHRISTIAN DI0R
Dire son nom, c’est commencer à rêver : le château de la Colle Noire… Même Charles Perrault n’y avait pas pensé. Pas plus que le marquis de Sade. Des lieux que l’on imaginerait, si on ignorait l’identité de son propriétaire, sinon peuplés d’ogres à la Barbe bleue ou de sorcières à la Maléfique, pour le moins hantés d’une atmosphère de sombre mystère, toute prête au songe. Imaginez un château-jardin perché dans l’arrière-pays varois, à quarante kilomètres de Cannes et dix-huit de Grasse, au milieu des cigales… Une bastide provençale édifiée à la fin du xixe siècle par un notable local, Maître Poulle, qui ne doit sa grandeur qu’à sa restauration par Christian Dior, qui l’acquiert en 1950. C’est là que le couturier, applaudi dans le monde entier depuis la création de sa maison de couture en 1946, file se ressourcer, à bord du Train bleu puis, surmontant sa peur de l’avion, par la nouvelle liaison Paris-Nice, dès que la mode lui laisse un instant de répit. Là surtout qu’il réalise son rêve ultime, bâtissant son éden intime. “Cette maison-là, je voudrais qu’elle fût ma vraie maison. Celle où – si Dieu me prête longue vie –, je pourrai me retirer. (…) Celle où je pourrai vivre enfin tranquille, oubliant Christian Dior pour redevenir tout simplement Christian”, écrit-il dans son autobiographie Christian Dior et moi, publiée en 1956… Un an plus tard, le couturier décédait à l’âge de 52 ans, laissant la Colle Noire inachevée. Un paradis retrouvé : tel fut le dessein, comme le dessin, de ce cocon enchanté dont les jardins, conçus par le couturier, étaient l’écho méridional de ceux de la villa Les Rhumbs, célèbre maison normande de son enfance. À jardin secret, nom mystérieux : Ad Collam Narbone, villa Narbone, Colla Narboa ou tout simplement le logis de la Colle, l’appellation du château a beaucoup varié, pour ne trouver ses véritables lettres de noblesse qu’avec le roi du New Look. Même si, à Montauroux, village médiéval qui l’abrite et où le couturier a marqué les mémoires, on l’appelle désormais le château Dior. Avis à ceux qui chercheraient un sens occulte à son nom officiel : la Colle Noire ne doit rien à quelque potion poisseuse mais désigne la colline qui l’avoisine, au maquis dense et vert-noir.
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ÉVASION
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L’AUBERGE ESPAGNOLE Voilà comment on fait du resort dans les années 2010 : le W Barcelona, hôtel multi-concepts du groupe Starwood, logé dans l’un des plus ambitieux projets architecturaux de la décennie, maintient le cap depuis sept ans. Et signe, cette année, une rénovation d’envergure. PAR EUGÉNIE ADDA
Perdre l’équilibre Dressée face à la Méditerranée, l’intimidante structure de métal et de verre se confond, selon l’heure, avec le ciel ou la mer. Réfléchissant la ville entière sous la lumière zénithale de midi, fantomatique entre chien et loup, terrible par mauvais temps, la voile d’argent prouve que l’obsession de Bofill pour le reflet ne l’a jamais lâché. Dans l’hôtel aussi, c’est avec les éléments que l’on vit. Les 473 chambres regardent toutes vers le large et semblent s’y confondre, surtout depuis leur impressionnante rénovation achevée au printemps dernier. Orchestré par le jeune studio londonien Bowler James Brindley, le re-design défini comme “un environnement aquatique et urbain” joue sur un colorama sixties où l’azur est partout. Au sol, une hypnotique moquette rappelle la mer agitée, quand le blanc pur des murs et des plafonds capte les rayons pour irradier toute la pièce. Manger, boire, manger encore Jamais à court de concept, les équipes du W ont doté l’adresse barcelonaise de six restaurants et bars. Au centre de l’attention, le Bravo24 par Carles Abellán, chef superstar local. Il signe ici un
menu consensuel et saisonnier, où les nostalgiques des années Erasmus retrouveront patatas bravas et croquetas, mais aussi des viandes grillées, des pêches du jour et des spécialités catalanes à dévorer sur la grande terrasse végétalisée. Au programme également, un bar pour la nuit en rooftop, un lounge aux airs d’aquarium pour la caution mixologie ou encore le Salt, nouveau spot à burgers, mignon club de plage pour prendre l’apéro les pieds dans le sable. Coup de cœur absolu : l’option Extreme Wow Cabana, meilleure initiative pour se prendre pour un milliardaire le temps d’une soirée. L’hôtel propose de privatiser la terrasse Cabana de la suite Extreme Wow pour organiser cocktails bien sapés, anniversaires et autres enterrements de vie de jeune fille, le tout en profitant de l’impressionnante vue sur la baie. C’est ici que le gotha mode barcelonais organise ses plus beaux dîners. Atmosphère navette spatiale En plus de sa plage privée, l’hôtel a mis les bouchées doubles dans ses bassins chlorés. Au rez-de-chaussée, une grande piscine à l’ambiance Miami Beach un rien 90s, (très) entourée de transats et canapés pour nous permettre de traîner toute la journée avant de se lever pour danser sur de l’électro à la tombée de la nuit. Mais surtout, semblant déborder sur la mer, le Sun Deck, second bassin moins encombré, idéal pour organiser ses événements privés. Plus confidentielle encore, la mini-piscine du spa, bel espace de 700 m2 répartis sur deux étages. Atmosphère navette spatiale ultra-clean, huit cabines de soins, obligatoire combo saunahammam-jacuzzi, joli salon mani-pedi et surtout les produits de la marque américaine Bliss. À la carte, des soins high-tech dont les noms sentent bon les années 2000. Bel effort, aussi, du côté des activités sportives, puisque le club de sport Fuel propose boxe, bootcamps, Pilates et sup yoga, pour faire le chien tête en bas sur son paddle. On est bien en 2017. W Barcelona, plaça Rosa dels Vents, 1. www.w-barcelona.cat
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Ricardo Bofill est un utopiste. L’un des seuls dont le bureau fondé dans le dernier sursaut d’émulation intellectuelle des années 1960 ose encore réunir urbanistes et philosophes. Et si Instagram adule le futurisme antique des Espaces d’Abraxas, cité postmoderne de Noisy-le-Grand et décor du tournage de Hunger Games, si les appartements de la Muralla Roja sont l’événement d’Airbnb en Espagne, c’est que cette utopie, qu’il décrivait comme un échec lors d’un entretien au Monde en 2014, n’a jamais été si nécessaire à nos existences ultra-terrestres. Envolons-nous au-dessus de l’impersonnelle Barceloneta pour la première utopie hôtelière de Bofill, une voile rutilante de 99 mètres qui semble celle d’un navire immense entrant dans le nouvel espace maritime. C’est là que se trouve le W Barcelona, devenu en seulement sept ans l’un des monuments de la capitale espagnole de l’architecture.
De haut en bas, la piscine du Sun Deck débordant sur la mer. La terrasse d’un bungalow privé. La voile rutilante de verre et d’acier signée Ricardo Bofill de l’hôtel W Barcelona.
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PLAISANCE
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Lia Riva sur son Aquariva, lors du dernier Festival de Cannes.
ET RIVA… CRÉA LA MER Quelles autres embarcations incarnent à ce point les plaisirs qu’offrent les rivages de la Côte d’Azur ? Plus que des yachts élégants et rapides, ces bateaux au pont en acajou symbolisent un style de vie. Rencontre avec l’héritière d’une marque légendaire.
L’Aquarama, le bateau créé par le génial ingénieur disparu en avril 2017 Carlo Riva, symbolise à lui tout seul la dolce vita et le glamour du Saint-Trop’ des sixties. Il est devenu l’icône de l’élégance de la French Riviera en séduisant Brigitte Bardot pour ses baignades privées au large de sa Madrague, mais aussi tout ce que l’on comptait comme égéries les plus chic du cinéma et du show-biz des années 1960, et les reines, princesses et sultans, suivis par toute la jet-set internationale. Lors de la soixante-dixième édition du Festival de Cannes, nous avons rencontré Lia Riva, l’héritière de la plus célèbre enseigne du luxe motonautique. Vous étiez à Cannes pendant le Festival, le cinéma est-il toujours aussi important pour Riva ?
PHILIPPE
Lia Riva : C’est majeur pour nous d’être au Festival de Cannes, de perpétuer la tradition et de prolonger l’amour entre le cinéma et Riva depuis les années 1960. Parmi toutes les stars de cinéma qui ont adopté nos bateaux, lorsque je suis ici, à Cannes, sur le ponton du Majestic, je pense à Anita Ekberg, la protagoniste de La Dolce Vita, sur les sièges zébrés de son Tritone. Nous sommes d’ailleurs en cours de montage d’un film avec tous les extraits où notre bateau apparaît au cinéma, de James Bond à Georges Clooney. Les Riva classiques en bois ne sont désormais plus fabriqués. Comment gérez-vous cet héritage laissé par votre père, qui vient de nous quitter à l’âge de 95 ans ? Bien que Riva soit passée sous pavillon chinois, je continue à faire restaurer avec
COMBRES
amour la flotte de prestigieux propriétaires et je dirige Monaco Boat Service, créée à Monaco en 1959. Mon père avait eu l’idée révolutionnaire de creuser un tunnel dans la roche, sous le palais Grimaldi, qui pouvait abriter une centaine de bateaux. Nous avons des bureaux à Monaco, SaintTropez et Cannes. L’Aquariva que nous proposons aujourd’hui est l’héritier direct de l’Aquarama, il est en fibre de verre bien sûr, équipé de la technologie d’avant-garde, mais nous avons conservé le pont en acajou, pour son côté vintage et reconnaissable entre tous. Un peu comme dans les maisons de couture, lorsque les modèles évoluent tout en respectant les fondamentaux de la marque. Pensez-vous justement à des collaborations avec des marques de mode ? Oui et non (rires), car la mode change
PHOTOS VINCENT DESAILLY, GHISLAIN DUSSART/GAMMA-RAPHO, MONACO BOAT SERVICE RIVA, DR
PAR
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PLAISANCE
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De gauche à droite et de haut en bas : Le play-boy Gunter Sachs sur son Riva Ariston, à Saint-Tropez. Carlo et Lia Riva. Anita Ekberg sur un Riva Tritone n° 142, en 1960.
beaucoup, même s’il y a de prestigieuses maisons de luxe qui ont su garder leur âme. Nous préférons nous concentrer sur nos savoir-faire et réaliser, par exemple, une ligne de mobilier et des lampes inspirées du monde Riva. Nous avons maintenant nos lunettes de soleil monogrammées, produites en édition limité avec le lunetier italien Avrone. Nous avons aussi créé une ligne de bijoux avec Vhernier, évoquant la couleur Aquamarine Blue des banquettes et du volant de l’Aquarama – couleur choisie par mes parents alors qu’ils se promenaient sur les Champs-Élysées : ma mère était tombée en admiration en voyant ce turquoise sur une robe. Nous nous sommes aussi associés à l’icône “terrestre” de la dolce vita et avons lancé la Fiat 500 Riva. Notre équipe de designers a conçu l’intérieur, avec un tableau de bord
en acajou et des lignes turquoise supposées montrer la ligne d’eau du plus petit yacht au monde. Vous vous intéressez beaucoup à l’art, notamment contemporain ; êtes-vous aussi collectionneuse ? J’aime à découvrir de nouveaux artistes, je vais à Art Basel tous les ans. J’ai organisé de nombreuses expositions mettant en scène l’univers du nautisme à Venise, à l’Arsenal et au musée d’Histoire navale, c’était magnifique d’assister au dialogue d’œuvres récentes avec des bateaux de plus de trois cents ans. Je soutiens aussi Artmonte-carlo, une jeune foire qui monte. Nous avons aussi réalisé un Riva en édition limitée en collaboration avec le designer Marc Newson et le galeriste Larry Gagosian. La marraine était la princesse Caroline, qui préside le Nouveau Musée national de
Monaco. En hommage à mon père, je vais d’ailleurs créer le prix Carlo-Riva et c’est l’artiste Mimmo Paladino qui en réalisera le premier trophée. Comment voyez-vous l’avenir du marché du nautisme actuel ? J’apprécie particulièrement le monde de l’art et du design, avec lequel je partage la même passion et le même plaisir pour l’art du nautisme, à mille lieues de certains qui utilisent désormais le bateau comme un statut “symbole” et non comme un style de vie. Riva, c’est le mythe d’un plaisir qui perdure, comme le dernier samedi de juillet, avec le Riva Runabout de SaintTropez, une manifestation qui réunit des dizaines de bateaux sur la plage des Jumeaux en l’honneur d’un bateau qui représente l’identité du village. www.riva-mbs.com
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BEAUTÉ
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RETRAITES DORÉES S’extraire de notre trépidante vie citadine pour se recentrer sur ses envies et son propre bien-être, est-ce possible ? Oui, avec ces lieux inspirants pour se ressourcer. PAR MÉLANIE MENDELEWITSCH
1. www.bodhimaya.com
COMO SHAMBHALA L’évasion au cœur de l’océan On s’envole pour les Maldives, où le sublime complexe Como Maalifushi associe hôtellerie grand luxe et expertise bien-être. Ce havre de paix permet à ses hôtes de bénéficier de cures encadrées par une équipe d’experts, qui déterminent des parcours adaptés à chacun. Le programme La philosophie bienfaitrice de Per van
Spall aide à optimiser le magnétisme naturel de notre corps pour booster nos flux d’énergie. Aashly Jayan, naturopathe, acupuncteur et physiothérapeute indien, enseigne comment gérer le stress au moyen de sessions intimistes alternant yoga et techniques d’alignement postural. La cuisine exploite le meilleur des saveurs locales en conservant l’essentiel des vitamines et précieux enzymes des produits frais. Mention spéciale Une option idéale pour les réfractaires aux cures restrictives. Et Cara Delevingne doit son teint glowy aux extraordinaires retraites qu’elle y accomplit. 2. www.comohotels.com
SHANTI-SOM Entre Orient et Occident Si la déco balinaise de Shanti-Som et la végétation sauvage du parc naturel alentour paraissent exotiques, ce lieu ne se trouve qu’à deux heures de vol de Paris, à Marbella, en Espagne. Ce petit paradis chaleureux revendique un apprentissage pédagogique de la santé émotionnelle et physique. Le programme En fonction de ses besoins, on opte pour une formule yoga, perte de poids ou détox. Les professeurs alternent hatha yoga, pranayama et vinyasa. On teste les programmes maison, tels l’ayurveda, qui met l’accent sur l’élimination des toxines et la relaxation, l’étonnant massage Harmonyum Healing, qui restaure l’organisme en profondeur, ou encore le Chi Nei Tsang, massage abdominal puissant
inspiré de la médecine traditionnelle chinoise, qui réduit les troubles du sommeil et l’anxiété. Mention spéciale Shanti-Som met également l’accent sur le suivi post-retraite, en remettant à chaque participant un mini-guide avec des règles simples à appliquer pour prolonger les bienfaits de ce moment. 3. www.shantisom.com
THE ASHRAM Boot-camp version cinq étoiles The Ashram est niché dans les collines californiennes, près de Calabasas, dont le clan Kardashian a fait son fief. Cette luxueuse retraite est due aux Suédoises Anne Marie Bennstrom et Catharina Hedberg. Le programme Une déconnexion totale. L’abstinence numérique est de rigueur, les écrans sont proscrits, remplacés par des randonnées dans les collines, des sessions de Pilates, de yoga, de danse, de musculation, et des menus ascétiques limités à 1 000 calories par jour. Axé sur le concept de dépassement de soi, The Ashram s’enorgueillit par ailleurs de respecter une éthique écoresponsable. Mention spéciale C’est l’un des secrets les mieux gardés de la planète mode, au point qu’il est indispensable de réserver plus d’un an à l’avance. The Ashram n’accueille qu’une dizaine de privilégiés à la fois, tels que Amber Valletta, Gwyneth Paltrow et des designers venus déconnecter. 4. www.theashram.com
PHOTO OLIVER YOAN, DR
BODHIMAYA Pour le corps et l’esprit À une heure de Londres, la Cowdray House jouxte les ruines de ce qui fut le manoir de la famille Tudor. La retraite Bodhimaya, encadrée par les deux frères experts Cornelius et Daniel O’Shaughnessy, propose de soigner les maux inhérents à notre mode de vie. Le programme On alterne des cours quotidiens de yoga et de méditation, des consultations avec une nutritionniste, des cours de cuisine pour modifier notre alimentation, des massages deep tissue avec de longues marches et des plongeons dans la piscine chauffée. Chaque participant concocte son propre programme : s’il est recommandé de détoxifier son corps avec trois jours de diète, libre aux plus frileux d’opter pour des menus healthy. Mention spéciale L’atmosphère intimiste et chaleureuse séduit les célébrités en quête de discrétion, à commencer par Kate Moss.
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Le Pura Vida, au Costa Rica.
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Corps et âme Besoin de soulager son organisme et son esprit en cette rentrée ? On optimise sa parenthèse beauté avec ces trois protocoles malins qui combinent des soins complets, du visage aux orteils. Gain de temps garanti et bienfaits assurés. PAR CALINE CHAAYA
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ENTREZ DANS LA ZONE La mode à Beyrouth se porte bien, merci. La preuve, le succès du nouveau centre ABC à Verdun qui offre des journées entières sous les arbres et multiplie le plaisir du shopping. Le géant du luxe Aïshti et sa boutique « casual », Aïzone, y figurent en belle place. PAR F.A.D.
C’est donc Lahoude qui a inventé ces curieux panneaux perforés qui attirent le regard et donnent envie de découvrir l’espace qu’ils cloisonnent. Les salons d’essayage sont enveloppés dans une atmosphère chaleureuse et confortable, en détails dorés et
marbre de Carrare pour les femmes et canon de fusil et marbre gris pour les hommes. Les comptoirs ressemblent, quant à eux, à des sculptures en marbre Pocahontas, rappelant que l’art contemporain fait partie de la culture Aïshti, véhiculée par la Fondation d’art de l’enseigne. Obéissant à un triple principe de style, fonctionnalité et durabilité, Lahoude et sa directrice de studio Katharina Hoerath ont développé des détails sophistiqués qui courent entre les étagères flottantes, sur les murs de marbre, les engrenages métalliques et le revêtement des colonnes, des points de lumière se dégageant de toutes les fixations. Autant de détails qui dégagent une atmosphère aussi propice à la détente qu’en adéquation avec la qualité et l’exclusivité des créations proposées en boutique. ABC Verdun, rez-de-chaussée, T. +961 1 796 495/7
PHOTOS RAYA FARHAT
L’ABC a décidément retrouvé sa place historique en tant que destination beyrouthine du shopping et des loisirs. Avec son nouveau centre géant à Verdun, l’enseigne s’est surpassée en attractivité. Dès l’entrée, participant à cette nouvelle dynamique, la boutique Aïshti-Aïzone se présente comme un cylindre de verre abritant 770m2 dédiés à la mode et à l’art de vivre, au féminin comme au masculin, sans oublier l’enfant. Marbre, métaux et autres détails naturels habillent l’espace décoré par Lahoude Studio dont le talentueux fondateur, Christian Lahoude, a marqué de sa griffe l’agencement intérieur du complexe Aïshti by the Sea.
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PLATEFORME
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MAD, DU BUSINESS DANS LA FOLIE CRÉATIVE Les artistes ont rarement le talent de gagner de l’argent. Tout à leur créativité, ils n’ont pas non plus l’audace ni le temps de nouer ces précieux contacts propres à lancer leurs carrières. C’est pour eux qu’a été conçue la plateforme MAD.
Francophonie, MAD.
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PAR NICOLE V.HAMOUCHE
Louise Elizeon, MAD. Elles sont jeunes, elles comprennent la génération de créatifs d’aujourd’hui, nomades, ouverts sur le monde, digitaux, légers, engagés. Les deux sœurs franco-libanaises Rima et Elise Yaacoub ont créé avec Bruno Weitzmann, un ami serial entrepreneur, l’entreprise MAD (acronyme de Music Art Design), qui n’a rien de traditionnel mais respire un air de famille joyeuse. Cette plateforme physique et digitale se situe à la jonction de la nouvelle économie et de l’art, du Liban et de la France, avec une ambition géographique à la mesure de la jeunesse du monde d’aujourd’hui. Des ailes pour les talents prometteurs MAD est donc une plateforme digitale collaborative multiservices à l’adresse des artistes et créatifs. Son adresse électronique www. howmadareyou.com signifie à peu près « jusqu’où oseriez-vous ». Un nom provocateur qui invite les créatifs de tout poil à débrider leurs talents. Capitalisant sur la puissance des réseaux tant virtuels que réels, MAD offre à des talents prometteurs choisis et référencés sur sa plateforme, un accompagnement dans leurs démarches de promotion et de financement, essentiellement via le crowdfunding mais aussi le sponsoring et les collaborations diverses. Venant elles-mêmes du terrain et du marketing, fondatrices de Createmotions, une société d’externalisation marketing, les sœurs Yaacoub ont développé un concept hybride pour talents hybrides ou pas, pourvu qu’ils soient aboutis. Ce concept leur permettra d’interagir avec leur public et leur apprendra comment devenir des «influenceurs», notamment en les mettant en relation avec des marques dont ils pourraient servir la stratégie marketing. Les talents visés incluent les chanteurs, compositeurs, musiciens, DJs ; les photographes, réalisateurs, illustrateurs, peintres ; les danseurs, les écrivains, les designers de bijoux, de mode, de produits… Par « talents aboutis », Rima Yaacoub entend des artistes qui ont déjà leur univers, une certaine consistance et un potentiel de développement international. MAD se propose de créer une communauté autour de ces talents, entre supporters, « followers » et amis. Cette communauté comprend aussi des marques commerciales pour lesquelles ces artistes feront office d’ambassadeurs, ainsi que des médias et des galeries, à titre d’exemple. On l’aura compris, cette plateforme accueille aussi les artistes pluridisciplinaires qui ne s’inscrivent pas nécessairement dans les circuits classiques de distribution. Les frontières s’estompent dans le cadre de MAD, y compris sur le plan géographique. La startup souhaite faire rayonner les talents référencés au delà de leur environnement local.
La Tendre Meute, MAD. « Business angels » et artistes de tout crin C’est grâce à ce modèle économique innovant que la plateforme a été sélectionnée pour faire partie de Cargo, l’incubateur parisien qui se veut un centre d’émergence et d’accélération de jeunes entreprises opérant dans le contenu numérique et les industries créatives. La plateforme avait été pré-incubée à Paris. Pionnières, structure qui assiste les femmes entrepreneurs dans la mise en place de leurs projets. MAD est soutenue financièrement par un réseau de « business angels » libanais tels que Seeders, IM Capital, une émanation de Berytech et iSME, de Kafalat ainsi que par des investisseurs privés. Les sœurs Yaacoub jonglent ainsi entre Paris et Beyrouth créant par la même occasion des collaborations et des ponts entre les deux capitales. MAD soutient actuellement différents projets, tels que: Boshies, designer de tarbouches; Antonio Manzoni, tailleur pour homme; Louise Elizeon, marque de prêt à porter féminin créée par des anciennes d’ESMOD ; La Tulipe Noire qui stylise des casques de moto ; Boo ; In the Dead of Night ; Livre de chevet plus ; Das Pampas, festival de musique en argentine ; Ouzville, projet collaboratif de street-art à Ouzaï, Beyrouth. Des «dénicheurs de talents» dans les differents coins du globe contribuent à alimenter la communauté MAD. Assembler ceux qui se ressemblent La société organise également des « MAD sessions », grands évènements qui se donnent tous les deux mois à Paris et deux fois par an à Beyrouth. Ces grand-messes sont l’occasion de faire émerger de nouveaux talents et de permettre aux artistes sélectionnés de rencontrer leur public ainsi que des partenaires et soutiens potentiels. La plateforme rapproche aussi les talents entre eux. Elle met à disposition de ceux-ci une boutique en ligne sur laquelle ils peuvent vendre leurs créations, et contribue à leur promotion directement en réalisant elle-même du contenu éditorial : vidéos, blogs, etc. Cette offre de services multiples par un collectif d’experts et ce cadre de proximité visent à donner aux artistes une plus grande liberté. Elle leur évite de se plier aux impératifs commerciaux des industries de masse et leur permet de contourner l’intermédiation traditionnelle qui risque souvent de les pousser à dénaturer l’essence de leur travail. Les trois mousquetaires MAD contribuent ainsi au décloisonnement des industries créatives. Dans l’art et l’entrepreneuriat, l’audace a le vent en poupe. La créativité organisée de MAD est pleine de promesses.
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C’est un coin design à la dimension d’un rêve de fahionista. On se laisse étourdir par le graphisme op’art des murs et la foultitude d’objets, vêtements et accessoires de créateurs mis ensemble pour affoler le désir. On aime tout, on traverse le miroir dans tous les sens.
D’une entreprise dédiée au commerce du luxe, la très beyrouthine enseigne Aishti a pris le parti de se développer en « maison » en promouvant, en plus de ses griffes de créateurs, une culture contemporaine à travers l’art, et un « lifestyle » international entre ses restaurants People, son spa Urban retreat, ses événements, ses vitrines et ses magazines, notamment « A Mag » . C’est dans cette logique que vient d’être créé l’espace « We Are the People », un mini concept store destiné à mettre en avant les vêtements, accessoires et objets culturels les plus exclusifs de l’enseigne et le meilleur de ce qu’elle a à offrir. Dans un coin plutôt spacieux, en retrait du restaurant People de la rue Al Moutran, au centre-ville, l’architecte Rabih Geha a créé un lieu ludique en totale rupture visuelle avec la sobriété ambiante de l’espace restauration. Ici, les lignes zigzaguent et les couleurs explosent. Le revêtement Op Art sur-mesure qui court du sol aux plafonds se décline en noir, gris et rose. Véritable illusion d’optique répétée par un jeu de miroirs, ce décor est animé de présentoirs blancs ajourés de motifs géométriques et de cubes jaunes et verts dont la forme correspond, comme dans un jeu de maternelle, aux vides creusés dans les stands. C’est la styliste Mouna Harati qui est chargée d’animer ce lieu pétillant, avec une sélection pointue de vêtements et d’accessoires, mais aussi d’objets de décoration et livres d’art. « La marchandise que reçoit Aïshti est à la fois si abondante et si sélective que l’idée de présenter les choses comme on le ferait avec un grand portfolio s’est imposée. » souligne-t-elle. On se déplace dans cet espace comme dans les pages d’un magazine animé et interactif, jeune et dynamique, où la musique d’ambiance elle-même est sélectionnée dans l’esprit de chaque présentation. Celles-ci changent en moyenne une fois par mois, et l’on peut à chaque fois habiter un nouveau personnage, avec son univers et les choix esthétiques qui l’accompagnent. Une invitation ouverte à la joie de vivre en toute saison Aïshti, Rue 140 El Moutran, Centre-ville, Beyrouth, T. +961 1 911 111 ext. 151
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LES INGRÉDIENTS DE LA DOLCE VITA Combattre la monotonie en caressant les cinq sens et même le sixième quand on le tient, c’est le défi que relève l’Empereur du Nowheristan, Michel Elefteriades, magicien insensé et encensé de la nuit beyrouthine, en créant sur le toit du complexe Aïshti by the Sea « B by Eleftériadès ». A
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Si les sens sont en alerte en ce moment, c’est qu’ils se sentent en danger. Alerte à la routine : l’été s’achève et il faut bien revenir à l’infernale trilogie travail, grisaille, cœur en tenaille. Mais il n’y a pas de fatalité, n’est-ce-pas, et rien n’empêche de s’éclater après de longues journées de bureau au lieu d’aller se calfeutrer entre écrans et couettes. L’intense et joyeuse animation qui règne dans les MusicHall créés par Michel Elefteriades prouve qu’il y a bien une vie après la vie. Aux espaces magnétiques de Starco et Beirut Waterfront vient de s’ajouter un nouveau temple dédié aux sens et au bon goût. Sur le toit du complexe Aïshti by the Sea où se côtoient les plus grandes marques de luxe et l’élite des artistes contemporains dont les œuvres sont exposées à la Fondation Aïshti, Elefteriades s’engage à créer « un bon esprit de voisinage » entre le baroque, le surréalisme kitsch et les réminiscences pop des installations iconoclastes de son cru recouvrant 500m2 de murs, et les chefs d’œuvre de Damien Hirst, Glenn Ligon ou Richard Prince qui murmurent leur satire un étage plus bas. Ce lieu attachant s’appelle « B by Elefteriades », B, comme « Be », une invitation à être un peu plus soi-même, loin de toute contrainte. Idéalement situé sur la mer avec une vue imprenable sur la péninsule de Beyrouth, ce nouveau concept à la fois bar, pub, restaurant, scène, boîte de nuit et balcon à rêve bénéficie des talents culinaires des grands chefs catalans Jacob Vila et Christian Sala dont le menu innovant met à l’honneur la gastronomie méditerranéenne. La musique du Nowheristan qui, habituellement, regroupe sous la houlette d’Elefteriades les ensembles les plus talentueux des quatre coins du monde nomade, est dans cet espace plus occidentale. A minuit, les groupes « live » cèdent la place à un magicien des platines qui relance l’énergie jusqu’aux premières heures du matin. Le décor tout cuivre et or, clair-obscur, intriguant mais familier, à mi-chemin entre baroque, rétrofuturisme et steempunk, vous plonge d’emblée dans un univers décalé qui ne reconnaît aucune règle hormis la sienne. N’est-ce pas le principe de ce « Nowheristan » créé par Michel Elefteriades qui s’en est sacré empereur, un lieu fictif, soustrait à la géographie et à toutes contingences, souverainement libérateur ? Aïshti by the Sea, Rooftop, Antelias, T. +961 81 29 00 29
L’ « AHM » DE LA NUIT C’EST LE NOUVEAU CLUB À LA MODE. SON NOM EST SUR TOUTES LES LÈVRES DEPUIS SON OUVERTURE FIN JUILLET, AU BIEL, À BEYROUTH. SITUÉ SUR LE FRONT DE MER AVEC SON TOIT OUVERT SUR LE CIEL ÉTOILÉ DE LA CAPITALE, AHM – À PRONONCER « AME », PREND RAPIDEMENT DES ALLURES DE BATEAU DE CROISIÈRE. PAR JOSÉPHINE VOYEUX
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PHOTO CARL HALLAL & IMAD CHALAWIT
A l’entrée, les clubbers ne franchissent pas le pas de la porte mais embarquent à bord. Le ton est donné. Instantanément. Niché sur une estrade, le DJ surplombe la salle et endosse le rôle du capitaine. Il manie ses platines comme un gouvernail. Au rythme de ses compositions, il entraine la foule dans un voyage en haute mer qui pourrait s’apparenter à un plongeon dans les tréfonds de l’imagination des trois concepteurs d’AHM, Tala Mortada, Wassim Bou Malham et Jade. Leur nom n’est sûrement pas inconnu : ces trois jeunes artistes occupent la scène alternative beyrouthine depuis une dizaine d’années. A la tête de l’agence de création Clap Clap, ils sont au cœur du marketing des soirées CUNXTSAT, Factory Fridays, The pop up hotel, MWF, Reunion et The Grand Factory (qui n’est autre que le pendant hivernal d’AHM. « Avec ce club, nous avons voulu créer un nouveau concept inspiré des lieux, explique la DJette et directrice artistique Tala Mortada. Nous sommes proches de la mer sur une terre qui a été construite et reconstruite à travers les millénaires. Ahm est comme un paquebot sur lequel on peut voyager dans le temps et dans l’histoire ». A chaque nuit son univers Résultat : le club propose chaque semaine, du jeudi au samedi à partir de 21h30, trois soirées à thèmes qui se veulent comme un périple à travers les différentes sociétés et humeurs qui se sont côtoyées dans cette partie de Beyrouth. A chaque nuit donc, son univers et son répertoire musical. En invitant des DJs des quatre coins du monde aussi divers que le Brésilien Victor Ruiz, les Allemands Stephan Bodzin et Recondite ou encore le Canadien Richie Hawtin, AHM propose des styles de musique aussi bien house, pop, RnB, dance, techno, électro que disco et rock. « Nous avons
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tous les trois imaginé chacune des ambiances que nous pouvions insuffler à AHM. Le jeudi, c’est la love night, le vendredi house of pop et le samedi AHM X, poursuit Tala Mortada. Cela a été un vrai challenge de rêver puis d’injecter ces atmosphères car nous avons dû tout créer de zéro. L’endroit était désertique quand nous nous y sommes installés ». Pour planter le décor, l’équipe de Clap Clap a fait appel aux services de l’architecte Rabih Jeha. « Cela a été une merveilleuse collaboration, poursuit Tala Mortada. Nous avons expliqué à Rabih Jeha le concept que nous souhaitions développer. Puis il a réalisé plusieurs croquis qui reflétaient tout à fait notre état d’esprit ». Jeux de lumière et séduction absolue Le résultat est ainsi à l’image du succès que remporte le club. Impressionnant. Les danseurs d’une nuit sont transportés dans un design qui rappelle l’environnement portuaire. La salle est quadrillée de gigantesques piliers métalliques noirs éclairés de néons et spots lumineux verticaux qui ressemblent aux mats desquels se déploient les voiles des navires. Derrière le DJ, un luminaire rond, qui change de couleurs au gré des ambiances distillées au cours de la soirée, s’apparente au soleil ou à un phare. Le ton est donné, totalement séduisant. Depuis son ouverture, AHM accueille plus de 5000 personnes par weekend. « Nous sommes comblés, résume Tala Mortada. Ce projet s’inscrit dans la continuation d’une superbe aventure qui promet de perdurer dans le temps. Nous allons laisser AHM se reposer à partir du mois de novembre mais nous rouvrirons l’été prochain. C’est un endroit que nous considérons désormais comme notre maison ». Bloc Market Waterfront, Beyrouth, T. +961 70 885 882
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DE L’ÉNERGIE EN BARRE LE SKYBAR REVIENT EN FORCE DEUX ANS APRÈS L’INCENDIE QUI L’A DÉVASTÉ, EMPORTANT DU MÊME COUP LE POINT DE MIRE DES NUITS BEYROUTHINES. DANS SA VERSION 2.0, IL NOUS EMBARQUE DANS UNE EXPÉRIENCE SENSORIELLE FUTURISTE MAIS SOMME TOUTE NOSTALGIQUE.
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PAR MARIA LATI
Des amis s’étreignent chaleureusement ou se saluent avec les trois bises de rigueur, des connaissances échangent des sourires polis, des regards scrutent des pieds à la tête et des étrangers observent, l’œil inquisiteur mais ravi. Pas de doute, nous sommes bien au Skybar. Musique de fond d’avant minuit et les seules deux personnes qui se sont mises à danser sont repérables depuis l’autre bout de la terrasse, mais déjà les conversations fusent, les écrans crépitent et puis il y la vue imprenable sur les lumières de la montagne, le port et la ville de Beyrouth, avec la Méditerranée pour horizon. Début de soirée relativement classique. Pourquoi alors tant de nostalgie, de bons souvenirs qui remontent, quand, à 21 ans, les rares fois où l’on avait réussi à entrer sans même avoir réservé une table, on ressentait l’immense fierté d’avoir pu berner le videur? Une recette infaillible Minuit passé, le son monte, les tables et les bars sont pleins, les lumières zèbrent dans toutes les directions, le champagne circule d’une table à l’autre et alors les souvenirs se précisent. Impossible de ne pas se laisser transporter par l’ambiance, de se retenir de danser, et de résister à l’envie de prolonger la soirée jusqu’à deux heures, puis trois heures, puis jusqu’au petit matin. Le Skybar, club devenu dans le monde entier un symbole de la nightlife beyrouthine, a rouvert ses portes au Beirut Waterfront le 2 aout 2017, quinze ans après son lancement sur la terrasse du Palm Beach Hotel, et 2 ans après sa fermeture au Biel. A l’origine de ce temple de la vie nocturne, Chafic El Khazen CEO de Sky Management. Quand, il y a quelques années, ce dernier achève ses études à Los Angeles, il se rend régulièrement au rooftop de l’hôtel Mondrian. Il se dit que ce concept pourrait fonctionner au Liban. À son retour, en 2003, le jeune homme ouvre le Skybar, le premier restaurant-club à ciel ouvert. Pari réussi.
Entre nostalgie et irréalité Le nouveau local raconte nostalgie et résistance, et cette résilience qui fait la particularité de la société libanaise. Les deux architectes du projet, les sœurs Tessa et Tara Sakhi de Atelier2té’s, s’inspirent de la désillusion ambiante, empreinte néanmoins d’espoir, tout en conservant les codes du Skybar mis en place à l’origine par l’architecte Sari El Khazen, pour maintenir l’identité du concept. Revêtement composé de miroirs coupés qui reflètent la dense végétation, séries fragmentées d’écrans, lumières qui s’alignent à l’infini. Une accumulation de lumières et d’écrans LED qui a pour effet de transporter dans une ambiance un brin surréelle. Les deux sœurs utilisent des matériaux de récupération, tôles oxydées et tiges de métal qui évoquent un Skybar renaissant de ses cendres avec une approche neuve. La tonalité brique rosée au sol réchauffe l’atmosphère, et l’onyx rouge couplé de vert des différents bars rappelle la végétation très présente. Soirées mythiques et engagement social Les architectes ont en effet travaillé main dans la main avec Roots, designer paysagiste afin d’intégrer pleinement les plantes au concept, pour stimuler le regard, l’odorat mais aussi le gout entre oliviers, citronniers ou kumquat. Le Sushi Bar, les lounges privés et un bar en étage créent une ambiance cocooning pour ceux qui veulent se retirer un moment du rythme effréné. Au centre du décor, le bar principal, et les platines du DJ visibles de tout les coins du lieu. Au programme, soirées mythiques de mercredi à samedi avec des DJ locaux ou internationaux. La responsabilité sociale reste une valeur clé du groupe Sky Management et l’espace du Skybar est accessible du dimanche au mardi pour les associations qui souhaitent y organiser leurs événements. Un endroit bien pensé pour accueillir nos futurs souvenirs ! Beirut Waterfront, Centre-ville, Beyrouth, T. +961 3 939 191
Un mur de brique, l’autre de broc. Des alcôves où s’entassent des rondins ; des tables de bois brut ; des chaises en fer noir ; des pelles, des hachoirs, des livres, du cuivre, des tuyaux de couleurs vives et…un grill. Le décor est tout posé pour ce resto convivial où feu et flammes réveillent l’instinct grégaire. PAR MYRIAM RAMADAN
PHOTOS FADI ARAJI & JAD BECHARA
ÇA FLAMBE AU « MEATS AND BREAD »
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RESTAURANT
Avec sa barbe et ses tatouages, Riad Abu Lteif, 42 ans, incarne à merveille le concept de son nouveau restaurant, le « Meats and Bread ». Mâle et brut, ce repaire créé sur-mesure pour les amateurs de barbecue et de viandes savoureuses est niché à Gemmayzé. Comme ces dimanches où l’on se relaie au grill, l’ambiance y est décontractée et amicale. Ancien architecte, profession qu’il a exercée treize ans durant, Abu Lteif a décidé il y a cinq ans de changer de carrière. « Avec l’âge et la maturité qui l’accompagne, j’ai voulu m’adonner à ma vraie passion qui est la nourriture ». Il commence par consulter sa mère. Celle-ci lui transmet des recettes et des conseils, et voilà qu’il se met à cuisiner pour ses amis. Ensuite, destination Londres, où il suit une formation en art culinaire. Opération « Ferdinand » Riad Abu Lteif est un homme qui croit fermement en son pays natal et sa culture gastronomique. « Notre terre et notre table sont riches en excellent produits », dit-il. Ces produits qu’il chérit, il ne lui reste qu’à en faire bon usage. Son parcours dans le monde de la restauration débute avec la reprise du pub « Ferdinand » à Hamra avec son partenaire Walid Merhi. Ensemble, ils relookent l’endroit pour en faire un bar de voisinage où il fait bon se retrouver entre amis et déguster des cocktails créatifs, ainsi que cent quatorze différents genres de « single malts » et vingt trois autres de bières, locales et importées. « Meats and Bread », feu et fumée En 2015, Riad tente un nouveau concept à Souk el- Akel, le marché de produits locaux créé par Kamal Mouzawak. L’idée est d’associer différents genres de pain ou d’accompagnements tels le pain de maïs ou la sauce Tot Boss, à des viandes comme le Pulled Skinny Pig (porc effiloché) ou le Holy Grail Brisket (poitrine fumée et juteuse, dont la cuisson très technique est
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considérée, si elle est réussie, comme le Saint Graal des amateurs de barbecue. Le client peut mélanger les sauces et assortir son plat comme il le souhaite. Le concept est un succès, et les deux associés inaugurent Meats and Bread en Juillet 2017. Une solide étude du marché et des ressources leur permet d’offrir des produits de bonne qualité à prix raisonnables. Le décor intérieur correspond à l’image que l’on aurait d’un restaurant de viandes : un grill imposant, des tables et des chaises en bois et métal brut, et des amoncellements de buches ici et là, le tout donnant à l’endroit un aspect chaud et convivial. De la ferme à la table Riad Abu Lteif qui collabore avec deux autres chefs du « Meats and Bread » qualifie ce tout nouveau projet de « chantier en cours». Il souhaite en faire un lieu où tout est permis… gastronomiquement bien sur. Ce passionné aimerait avoir l’opportunité de changer sa carte aussi souvent que possible et proposer des improvisations quand il le peut. Pour l’instant, le menu propose du bœuf (US Prime et Australian), du porc et du poulet. Le chef envisage éventuellement d’ajouter à sa carte le gibier et le canard. En 2016, les deux partenaires ont acquis un terrain sur lequel ils ont commencé à planter et récolter des légumes de saison. Très consciencieux sur la qualité de tous les produits servis aux clients, le tandem projette dans un futur proche de mettre en place le concept « de la ferme à la table», où seraient servies les viandes provenant d’élevages locaux permettant de contrôler la manière dont les animaux sont traités et nourris. Leur souhait aujourd’hui est de mériter leur place dans le cercle des restaurants et restaurateurs tout en restant humbles et ouverts à toutes les possibilités qui leur permettraient de progresser et de faire une différence. A vos couteaux, messieurs-dames ! Rue Gouraud, Beyrouth, T. +961 1 449 060
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MIREILLE HAYEK REMET LE COUVERT La restauratrice aux doigts de fée vient d’ouvrir Numéro 6. Une carte savoureuse dans un décor un peu fou.
PHOTOS RAYA FARHAT
Par Philippine de Clermont-Tonnerre
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GASTRONOMIE
C’est son petit dernier. Onze ans après ses premiers pas dans l’art culinaire, Mireille Hayek, 47 ans, ouvre un nouveau restaurant. Numéro 6, comme son nom l’indique, est le sixième restaurant de l’entrepreneure, déjà à la tête d’enseignes très appréciées en ville comme Em Sherif et La Parilla. Pour cette nouvelle aventure gastronomique, la passionnée de cuisine affirme avoir opté pour « un concept venu d’Europe, mi asiatique, mi français ». À la carte, on trouve donc aussi bien de la cuisine vapeur que des steaks au poivre, des nems de poulet que des burgers. Ouvert de 9h à 1h du matin, l’endroit se veut polyvalent. « Ce sera un caféresto, il y aura un five-o’clock tea avec du thé et du champagne. Pourquoi ? Parce que j’adore boire du champagne à cette heure là ! », s’exclame-t-elle. Amoureuse des bonnes choses, cette gastronome née a un fil conducteur : la poursuite de ses envies. « Pour moi ce n’est pas du business. Je travaille avec le cœur, je m’amuse ! » lance-t-elle. Le goût qu’on aime La restauratrice aux goûts assurés a su anticiper les nôtres, et c’est sans doute là une des clés de sa réussite. À ce flair, s’ajoute une bonne couche de perfectionnisme. Affirmant « être le chef de tous (ses) restaurants », Mira, comme l’appellent ses amis, conçoit elle même les menus et n’hésite pas à rester postée en cuisine jusqu’à ce que son équipe soit totalement rôdée. Sa spécialité ? « Tout ce qui est bon ! » répond-elle du tac au tac. « C’est vrai, insiste Mireille, pour moi tout ce qui est bien fait est bon ». Assise à côté, Zeina, une amie, ne tarit pas d’éloge :
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« C’est du délire ce qu’elle fait. Chaque bouchée est incroyable au point qu’on se dit qu’il faudrait ne manger que chez elle ! ». Mère au foyer convertie sur le tard à la vie professionnelle, Mireille Hayek a su marquer de sa touche toutes ses adresses. Chaque projet est personnalisé ; deux de ses restaurants, Em Sherif et Yasmina – aujourd’hui fermé - portent le nom de ses enfants. Une déco 18e siècle « homy chic » Pour la décoration intérieure du Numéro 6, le designer Rami Boutros, a imaginé un camaïeu de bleus. « Cette couleur que l’on retrouve sur les murs et le parquet est l’identité de Mireille », explique le créateur de meubles d’exception. La décoration du restaurant est à l’image de sa propriétaire : accueillante et sophistiquée. « On voulait avoir l’impression d’être à la maison. Pour créer cette atmosphère « homy », on a récupéré plusieurs éléments du 18e siècle », explique-t-il. Dans la première partie de la pièce, les boiseries à moulures et la cheminée monumentale proviennent d’un palais construit sur les Champs Elysées pour La Païva, de son vrai nom Esther Lachman, célèbre courtisane du 19e siècle. Au dessus des grandes baies vitrées, on peut apercevoir une frise de médaillons de la fonderie Barbedienne. Dans ce décor qui rappelle le style ostentatoire des demeures du 18e, ont été injectés des objets contemporains. L’immense suspension, les appliques et le bar en bronze laqué ont été dessinés par Rami Boutros. D’autres belles pièces, comme le buffet de Castelli ou la console du créateur parisien Hubert le Gall font leur apparition dans cette mise en scène, enrichie
vous murmure son histoire », affirme Rami Boutros. Pas de doute, cette histoire-là est partie pour durer. « Apparemment la passion pour la cuisine est génétique dans notre famille », sourit Mireille Hayek. Actuellement en stage chez le chef multi étoilé Paul Bocuse, sa fille, Yasmina, rentre de temps en temps au pays. « Pour l’instant elle se concentre sur sa formation, mais elle pense peut-être un jour travailler avec moi », souffle la restauratrice. La relève est assurée. Minet El Hosn, Beyrouth, T. +961 81 786 666
PHOTOS RAYA FARHAT
d’une sélection de toiles bien senties. Impossible en entrant de ne pas prêter attention à cet étrange cycliste qui surplombe la salle, un autoportrait du Syrien Khaled Fakriky. Dans le coin « lounge », on retrouve un immense tableau de Rocio représentant une scène de bar. Plus discrètes, les trois peintures du moderniste libanais Michel Harmouche apportent une dose supplémentaire de chaleur et d’hospitalité à l’endroit. « Quand on réside dans une maison toute une vie, on a envie de s’entourer de belles choses. Ici chaque objet, chaque tableau
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DEMEURE DE BON GOÛT Bondé depuis son ouverture cet été, Le Camondo dépasse largement la fonction de cantine du musée consacré aux arts décoratifs. Terrasse abritée et jardin d’hiver, ce nouveau spot du quartier Monceau devrait adoucir nos premiers jours de rentrée. PAR EUGÉNIE ADDA
À droite, Delphine Sauvaget et Pauline d’Hoop. En bas à droite, le chef Alexis Le Tadic.
Les décoratrices Le très jeune duo de l’agence Favorite, formé par Pauline d’Hoop et Delphine Sauvaget. Déjà repérées pour La Gazette (Paris 16e), La Romanella (15e) ou encore le C.O.Q, leur premier hôtel ouvert l’année dernière en plein 13e, elles signent ici un nouveau projet d’envergure et prennent du galon en sortant du cliché boutique fifties pour réinventer l’esprit grande demeure. Marqueterie, cannages, velours ocre et grands tapis persans, nous voilà dans une version ultra-contemporaine de l’hôtel particulier. Le chef Le Breton Alexis Le Tadic, 25 ans. Formé chez Alain Ducasse et fasciné par Alain Passard, il livre ici des assiettes sans détour, où ultra-saisonnalité rime avec produits bruts et délicatesse de circonstance : tourteau/pamplemousse/pois chiches, orecchiette aux fruits de mer, ceviche de bonite, tataki de bœuf sésame ou encore une pièce de viande bien sourcée à partager. En apéro avec des cocktails sages, un douillet croque-monsieur au jambon Prince de Paris ou un tarama maison. En épilogue, des pâtisseries signées Christophe Michalak. Le Camondo, 61 bis, rue de Monceau, Paris 8e. www.lecamondo.fr
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Le lieu Un espace à l’ambiance postindustrielle et aux volumes intimidants, logé dans l’ancien garage du musée Nissim de Camondo. Structuré par le grand bar rectangulaire et les colonnes laissées brutes, le restaurant débouche sur une terrasse de soixante-dix couverts bordée d’un jardin, bien à l’abri de la relative agitation du quartier. On s’y pose non-stop de midi à minuit, pour un déjeuner d’affaire, une glace au soleil, un aperitivo à la fraîche et, surtout, un dîner éclairé à la bougie dans une ambiance teintée d’orientalisme.
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L’OFFICIEL
CORRESPONDANCE
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TOOT TOOT BEYROUTH Le tapis convoyeur de bagages tombe en panne toutes les cinq minutes, au grand dam des voyageurs qui viennent de débarquer. Bienvenue à l’aéroport de Beyrouth. Tout le monde trépigne d’impatience en attendant de récupérer ses bagages et enfin s’échapper de là. Mais la sortie vers la zone des arrivées est encore plus bordélique. C’est bondé, les gens se piétinent les uns les autres en attendant leurs proches. L’air est saturé de sueur et de parfums trop capiteux. Je regarde l’amie qui m’accompagne et lui souffle « c’est vraiment une preuve d’amour que de venir chercher quelqu’un ici ». Et c’est là que je découvre ma famille et mes amis qui se sont concertés pour me faire la surprise. Shoot de bonheur, de reconnaissance. Ca fait chaud au cœur, une sensation qui durera tout au long de mon court séjour « à la maison ». A partir du moment où l’on quitte le Liban, y revenir revêt une importance quasi symbolique. Tout devient plus brillant et touchant vu de l’extérieur. L’éloignement favorise cela, même s’il y a ceux qui font un véritable rejet et s’éloignent au fur et à mesure que le temps passe. Et d’autres, qui, comme moi, sont au contraire de plus en plus attachés et attendris, même si très heureux ailleurs. On fantasme les voyages de retour, on les attend, on fait un décompte des derniers jours qui nous séparent de la maison. Et, une fois arrivés, on joue les touristes. On veut pouvoir raconter notre pays sous son plus beau jour, une fois repartis dans notre pays d’adoption. Quitte à en être un peu ridicule à tout mitrailler à tout va. Quitte à fermer les yeux sur ce qui fâche pour se délecter d’anecdotes sur l’hospitalité libanaise. Comme ce monsieur si jovial à la station-service qui a refusé de nous laisser partir après avoir fait le plein. Il tenait à offrir une bouteille d’eau à chacun des passagers de la voiture. Juste « parce que ca ne se fait pas de vous laisser partir sans rien.
C’est votre maison ici ». Merci Monsieur. Alors ces séjours à Beyrouth passent souvent vite, trop vite. Avec toujours un goût amer de fin de vacances quand on retrouve l’aéroport, dans le sens inverse cette fois. Et puis c’est le retour, parfois vers la grisaille. Les quelques jours de transition sont parfois un peu rudes, le temps de se réhabituer, et de réenchanter sa ville d’adoption. Quelques jours plus tard, j’entame un samedi tout gris dans un train qui fonce dans la brume matinale. J’ai quitté l’école depuis quelques années déjà, mais continue à avoir besoin de «marquer» la rentrée. Comme à chaque mois de septembre, je fais une razzia de magazines dans le kiosque du coin - de quoi ravitailler en lecture un régiment. Je déballe mes achats presse au fil du trajet en train. La femme qui me fait face, couronne de longs cheveux gris jusqu’au creux des reins, oscille entre sommeil et lecture. On est toutes les deux gênées par notre voisin de route, apparemment assez éméché, qui passe son temps à interpeller les contrôleurs. Le train est trop bondé pour changer de place. On échange un regard complice quand il descend enfin à l’un des stops, soulagées d’être débarrassées de sa présence assez pesante. Alors qu’elle range ses affaires, prête à descendre à l’arrêt suivant et que je reste dans le train, elle m’offre le magazine dans lequel elle était plongée, édité par un label indépendant. « J’espère qu’il vous plaira, me dit-elle, vous avez l’air d’adorer les magazines ». Son geste m’a beaucoup touchée. On est champion du monde en générosité au Liban. Mais parfois, ca vaut le coup de voir que cela existe aussi ailleurs. Rien que pour se sentir un peu comme à la maison avant le prochain retour ! Ca, et la valise de kibbé que je rapporte avec moi à chaque fois. Rien de mieux qu’une kibbé party pour égayer un début d’automne !
PHOTO DR
PAR LAURA HOMSI