Aus fernen Ländern

Aus fernen Ländern.

Guus Röell & Dickie Zebregs

Guus Röell & Dickie Zebregs

Aus fernen Ländern from distant shores

Amsterdam & Maastricht, Tefaf 2023

Ein großes japanisches Namban-Lack-Kästchen (Arqueta) für den portugiesischen Markt Kyoto, Momoyama-Zeit, Ende des 16.

Jahrhunderts H. 42 x B. 87,3 x T. 30 cm Aus Hinoki-Zypresse, schwarz lackiert (urishi), in Goldlack (hiramaki-é) verziert, mit Perlmutteinlagen (raden) und vergoldeten Kupferbeschlägen. Drei durch geometrische Bänder getrennte Panels auf Deckel und Körper zeigen fliegende Vögel mit langen Schwänzen, einen Löwen, Schmetterlinge und eine Schildkröte inmitten dichten Laubs, Bambus und blühenden Pflanzen.

Bereits im späten 16. Jahrhundert sind mehrere in europäischen königlichen Sammlungen dokumentiert. Später im 17. Jahrhundert, nachdem die Portugiesen 1630 aus Japan vertrieben worden waren und die Händler der niederländischen VOC die einzigen in Japan zugelassenen Europäer waren, änderte sich der Stil der japanischen Exportlackboxen und -truhen. Sie wurden bildhafter im Design, ausgeführt in Goldlack (hiramaki-e und takamaki-e) auf einem schlichten schwarz lackierten Grund ohne separate Panels, mit wenig oder gar keiner Perlmutteinlage und nicht mehr mit dem halbzylindrischen Deckel (siehe: Japanese Export Lacquer, Oliver Impey

& Christiaan Jörg, 2005). Dieses NambanLackholzkästchen von langer rechteckiger Form und halbzylindrischem Deckel ist ein Beispiel für den frühen Typ der japanischen Exportlacke, die für die Portugiesen hergestellt wurden. Diese größeren Truhen wurden Arqueta genannt und hatten im Gegensatz zu den kleineren Boxen Tragegriffe an den Seiten und alle Ecken waren durch vergoldete Metallbeschläge geschützt.

Die Portugiesen waren die ersten Europäer in Japan und brachten neue Möbelformen mit, die zur Entstehung einer neuen Art von japanischen Lackwaren nach europäischen Vorbildern führten. Die reisenden portugiesischen Jesuiten und später die spanischen Franziskanermissionare bestellten viele kleine liturgische Objekte, wie Altarbilder, Kreuze, Oratorien und benötigten Boxen oder Arqueta, um diese Dinge, ihre anderen Habseligkeiten und ihre Kleidung zu transportieren oder zu lagern. Aber noch wichtiger ist, dass diese Boxen und Truhen zu den ersten Beispielen der japanischen Exportkunst gehörten, die die (königlichen) europäischen Märkte erreichten.

Außergewöhnlicher und extrem seltener viktorianischer vergoldeter Holz-Feuerschutz mit ausgestopften Kolibris, hergestellt und beschriftet von Henry Ward (1812-1878) England, drittes Viertel des 19. Jahrhunderts H. 130 x B. 140 cm Auf zwei geschwungenen blattverzierten Füßen mit Rollen, darüber ein rechteckiger beidseitig verglaster Rahmen. Oben darauf ein beidseitiges Wappen mit Initialen, gekrönt von einer königlichen Krone auf einem Kissen. Die lebhaft gefärbten Kolibris, darunter Annas Kolibri (Calypte anna), Luzifer-Kolibri (Calothorax lucifer), Rubinkehl-Kolibris (Archilochus colubris), Hummelkolibris (Atthis heloisa), Schwertbillkolibri (Ensifera ensifera), kleine Eremiten (Phaethornis longuemareus), Waldnymphen (Thalurania), der wunderbare Spatelschwanz (Loddigesia mirabilis) und viele andere, sitzen hochrealistisch auf Ästen mit Nestern, die aus dem blattverzierten Boden sprießen.

Dieser Feuerschutz, der vor den Kamin gestellt wurde, wenn das Feuer erloschen war, kann als eines der wichtigsten Stücke des viktorianischen Tierpräparats betrachtet werden und ist wahrscheinlich einer der Höhepunkte von Henry Wards Werk, das heute noch in Privatbesitz ist.

Besonders speziell ist das noch vorhandene Schimmern der Federn dieser “Juwelen des Dschungels”, was bedeutet, dass dieser Schirm gut erhalten wurde, da die Farben der Federn oft im Tageslicht verblassen.

Henry Ward ist der Stammvater der WardLinie, die den privat geführten Tierpräparat-

Hype im viktorianischen England startete. Als junger Mann war Henry Ward (1812-78) als Tierpräparator beim legendären amerikanischen Naturforscher und Vogelmaler John Audubon angestellt, mit dem er auf mehreren seiner Expeditionen zusammen war. Sie trafen sich wahrscheinlich während letzterer 1931 England besuchte und kehrten gemeinsam nach Amerika zurück. Wie lange Ward in Amerika blieb, ist nicht bekannt, aber er wird in Handelsverzeichnissen von 1857 bis zu seinem Tod im Jahr 1878 als Tierpräparator in seiner Londoner Adresse (2, Vere Street) aufgeführt. Sein häufigstes Handelsetikett ist sehr klein und befindet sich in seinen Vitrinen.

Das “late Williams” bezieht sich auf die Tatsache, dass Ward für T.M. Williams aus der Oxford Street arbeitete. Auf einem Etikett wird er als “Hauptkünstler im Tierpräparat für den verstorbenen T. M. Williams” beschrieben. Ward übernahm nicht Williams’ Geschäftsräume.

Vitrinen mit Henry Wards eigenem Etikett wurden wahrscheinlich zwischen 1857 und 1878 hergestellt. Rowland Ward erzählt uns, dass er während der zehn Jahre, in denen er mit ihm zusammenarbeitete, erheblichen Gewinn aus dem Wissen und der Erfahrung seines Vaters zog. Zum Zeitpunkt seines Todes war Henry Ward noch in der 2, Vere Street, obwohl er zu diesem Zeitpunkt auch die 5, Vere Street besaß.

Herkunft: Adlige Sammlung, Vereinigtes Königreich

Ein japanisches Okimono aus Holz, das einen Holländer darstellt, der mit einer Fledermaus spielt.

Edo-Zeit, 18./19. Jahrhundert H. 26 cm Der Holländer steht und hält in seiner rechten Hand eine Fledermaus, während er sie mit der anderen Hand streichelt. Er hat einen wohlwollenden Gesichtsausdruck und ist, wie üblich für Holländer, mit langen lockigen Haaren dargestellt. Er trägt eine kurze Jacke über Kniebundhosen und steht auf einer modernen rechteckigen Basis mit einem Papieretikett der Greenfield Sammlung, Nr. 40.

Die Charles A. Greenfield Sammlung japanischer Kunst ist besonders bekannt für ihre Lackarbeiten, die 1980 im Metropolitan Museum in New York ausgestellt wurden. Highlights aus der Sammlung werden von Eskanazi in “The Charles A. Greenfield collection of Japanese lacquer” besprochen. Viele Stücke aus der Sammlung wurden in drei Teilen zwischen 1998 und 1999 bei Sotheby’s in New York verkauft.

Provenienz: Die Charles A. Greenfield Sammlung japanischer Kunst

Ein prächtiges japanisches Exportlackkästchen in Form eines gefalteten liebesbriefes, ausgestattet mit Louis XIV Ormolu-Beschlägen Edo-Zeit, zweite Hälfte des 17. Jahrhunderts H. 9,5 x B. 17,5 x T. 11,2 cm (Kästchen) Bemerkenswert ist, dass das Werk sich in ausgezeichnetem Zustand befindet und selbst die Zinn- und Silbereinlagen von Blütenblättern keine Anzeichen von Oxidation aufweisen.

Ebenfalls bemerkenswert ist das NashijiInnenleben des Kästchens, das komplett mit einem herausnehmbaren Tablett ausgestattet ist, das ein Hira-maki-e-Design von Chrysanthemen trägt, das ebenfalls Hochrelief-Applikationen aus massivem Silber und 13-karätigem Gold beinhaltet.

Das abgewinkelte Design dieses prächtigen japanischen Lackkästchens ist nach einem Musubi-Bumi modelliert, einem aufgerollten und gefalteten Brief, der typischerweise schriftliche Inhalte mit romantischem Interesse trägt. Auf dem teilweise mit Nashiji bespritzten Deckel sehen wir eine blühende Kamelie in kräftigem Taka-maki-e, die weiter durch geschnitzte Perlmutt und - höchst ungewöhnlich - grünen Lack bereichert wird. Die Tatsache, dass zwei verschiedene Farben der Blume zu einem einzigen Bonsai verschmolzen sind, betont die zutiefst romantische und feminine Natur des Kästchens. Ähnlich proportionierte ‘gefaltete Brief’-Kästchen finden sich in den Sammlungen des Nationalmuseums von Dänemark (EAc.65, 68, 93) und des Musée National des Châteux de Versailles et de Trianon (Kopplin, S. 160).

Gegenstände aus dem erstgenannten Ort stammen aus der Sammlung von Frederik III aus dem 17. Jahrhundert. Das andere Kästchen hingegen kann mit Sicherheit der Sammlung von Marie Antoinette zugeordnet werden, da es in zwei königlichen Inventaren aus dem späten 18.

Jahrhundert erscheint.

Der untere Teil des Kästchens zeigt eine allgemeinere Landschaftsszene in Maki-e, die anscheinend wenig ikonografische Beziehung zum Deckel hat. Aus den stilistischen Merkmalen der Bäume, Häuser und Blätter geht hervor, dass das Stück zu einer Gruppe von Gegenständen gehört, die in den Sammlungen von Versailles (Kopplin, S. 92) und Burghley House (JWA09002, 09045, 09064) gefunden werden. Es stammt zweifellos aus derselben

Werkstatt in Kyoto, die maßgefertigte Lackkästchen höchster Qualität für die europäischen Royals produzierte. Schon 1642 finden wir in den Archiven der Niederländischen Ostindien-Kompanie Bestellungen nach kleinen, aber ‘seltenen und kostbaren’ Lackkästchen, die in größeren Truhen und Schränken nach Europa transportiert werden konnten (Canepa, S. 377). Viele davon landeten in Frankreich, dem Land mit einigen der eifrigsten Lack-Sammler der Epoche. Dieses besondere Werk wurde mit Ormolu-Beschlägen aus dem 18. Jahrhundert ausgestattet, die nahezu identisch mit denen aus dem Lack der Adolphe Thiers Sammlung des Musée du Louvre (TH405) sind, was den Verdacht erhärtet, dass es einem französischen Sammler und möglicherweise sogar Marie Antoinette selbst gehörte.

Ein japanischer Namban-Lackkoffer mit Kupferbeschlägen für den europäischen Markt Momoyama-Zeit, Ende des 16./Anfang des 17. Jahrhunderts H. 30,5 x B. 43 x T. 24,2 cm Ein mittelgroßer Namban-Koffer mit gewölbtem Deckel, fein eingelegt mit Perlmutt und reichlich überzogen mit Gold- und Silber-Hira-Maki-e.

Besonders bemerkenswert sind die beiden Perlenspatzen, die den Deckel schmücken, und die wirbelnden Bänder aus goldenen Arabesken, die die ruhige Hand eines erfahrenen Malers zeigen. Am wichtigsten ist jedoch, dass der gesamte Koffer in einem bemerkenswert makellosen Zustand erhalten ist, eine Seltenheit unter Exportlacken aus der bewegten Zeit, die den Übergang von Momoyama zu Edo markiert. Darüber hinaus beinhaltet die originale Ausstattung ein Schloss mit einem Trickmechanismus, der es einem unerwünschten Besucher erschwert, an den Inhalt des Koffers zu gelangen.

Ein seltenes portugiesisch-singhalesisches Durchbrucharbeiten-Elfenbein- und EbenholzKästchen mit Silberbeschlägen Sri Lanka, 1. Hälfte 17. Jahrhundert H. 10 x B. 23,2 x T. 16 cm Das Ebenholzkästchen mit Elfenbeinrändern und Silberscharnieren, Schlossplatte und Eckbeschlägen ist komplett mit durchbrochenen Elfenbeinpaneelen bedeckt. Diese Art von Arbeit wurde typischerweise während der portugiesischen Periode in Sri Lanka durchgeführt.

Die Elfenbeindekoration auf der Vorderseite, Rückseite und beiden Seiten besteht aus Zweigen, die aus Vasen sprießen und in Blumenbasen enden, aus denen Frauen erscheinen. Die mythischen rankenden Reben, die in der Erscheinung einer Frau enden, sind ein sehr häufiges Element im Kandyan-Design und als kinari bekannt, “in jeder Hinsicht von perfekter Schönheit, ruhmreich in Anmut.”

Wie die meisten anderen mythischen Dinge soll die Nari-lata-vala im Himalaya wachsen, wo sie bekanntermaßen die Entschlossenheit von Einsiedlern erschüttert hat. Die zentrale Dekoration der Frau auf dem Elefanten, die in beiden Händen Blumen hält, kann mit der Göttin Sri (Laksmi) in Verbindung gebracht werden, der Gemahlin von Vishnu, der personifizierten weiblichen Schönheit und Göttin des Glücks.

Ein ähnliches Kästchen in der Sammlung des Nationalmuseums von Colombo ist abgebildet in Portugal e Ceilão, Pedro Dias, Lisboa 2006, S.179.

Ein außergewöhnliches indo-portugiesisches Kolonialkästchen mit Perlmutt-Furnier und Silberbeschlägen Indien, Gujarat, 2. Hälfte des 16. Jahrhunderts, die Silberbeschläge wahrscheinlich Goa oder Lissabon H. 16 x B. 24,6 x T. 16,1 cm Ein außergewöhnliches Kästchen aus Gujarat mit einem rechteckigen Körper und einem abgeschrägten pyramidenförmigen Deckel (mit Schrägen an jeder Seite und einer flachen Oberseite) aus exotischem Holz, vermutlich Teak (Tectona grandis), überzogen mit einem Perlmutt-Mosaik. Die Tesserae, geschnitten aus der Schale der grünen Turbanschnecke (Turbo marmoratus, ein Meeresgastropode) in Form von Fischschuppen, sind mit silbernen Kugelkopfnägeln an der Holzstruktur befestigt.

Das Kästchen steht auf Konsolenfüßen an den Ecken. Die meisterhaft gravierte Dekoration der Silberbeschläge folgt dem raffiniertesten und gelehrtesten manieristischen Repertoire von Rinceaux und Ferroneries aus der Mitte des 16. Jahrhunderts. Die hohe Qualität und Raffinesse der Silberbeschläge und ebenso die Silbernägel, die die ursprünglichen Messingstifte ersetzten, mit denen die Perlmutt-Tesserae befestigt wurden, weisen auf die Arbeit eines Silberschmieds hin, der wahrscheinlich in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts in Lissabon arbeitete.

Die indische Herkunft dieser Produktion, nämlich aus Cambay (Khambhat) und Surat im heutigen Bundesstaat Gujarat in Nordindien, ist seit den letzten drei Jahrzehnten konsensuell und vollständig belegt, nicht nur durch dokumentarische und literarische Belege - wie Beschreibungen, Reiseberichte und zeitgenössische Archivdokumentationen - sondern auch durch das Überleben in situ von Holzstrukturen des 16. Jahrhunderts, die mit Perlmutt-Tesserae bedeckt sind. Ein gutes Beispiel ist ein Baldachin, der das Grab (dargah) des Sufi-Heiligen Sheik Salim Chisti (1478-1572) in Fatehpur Sikri im Agra-Distrikt im Bundesstaat Uttar Pradesh in Nordindien schmückt. Dies ist eine künstlerische Produktion von geometrischem Charakter und islamischer Natur, bei der die PerlmuttTesserae normalerweise komplexe Designs von Fischschuppen bilden oder, ähnlich wie die auch mit dieser Technik hergestellten Teller, mit dünnen Messingblechen und Nägeln, stilisierte Lotusblumen. Die abgeschrägte pyramidenförmige Form entspricht, wie ihre zeitgenössischen SchildkrötenpanzerPendants, die ebenfalls in Gujarat hergestellt wurden, einem Möbelstück, das im indischen Subkontinent innerhalb der islamischen Welt vor der Ankunft der ersten Portugiesen verwendet wurde. Diese Form ist in der Tat sehr alt und typisch für ostasiatische Kästchen, Truhen oder Boxen, die dazu dienten, buddhistische Texte, die Sutras, zu enthalten und zu schützen.

Ein ähnlicher Kasten ist die berühmte und große Reliquienkiste aus der Kathedrale von Lissabon, die einst die Reliquien des Stadtpatrons, des heiligen Vinzenz, enthielt. Beide stimmen in ihrer Form überein, haben die gleiche Art von Sockel oder Podest und Konsolenfüße, und in ihren gravierten Silberbeschlägen, die die gleiche Art von raffinierter, gelehrter Dekoration aufweisen. Ihre Unterschiede liegen in den Silberrändern, die die gesamte Länge der Kanten des Kastens (sowohl des Körpers als auch des Deckels) einrahmen, mit Silbernägeln befestigt sind, und auf der Schlossplatte, die im Lissaboner Exemplar wie ein Wappen geformt ist. Angesichts der außergewöhnlichen Dimensionen der Reliquienkiste aus der Kathedrale von Lissabon (48 x 65 x 42 cm) entschied sich der für ihre Montage verantwortliche Goldschmied, zwei konsolenförmige Seitengriffe statt eines oberen Griffs anzubringen, wie bei unserem Kästchen. Ein weiteres ähnliches Exemplar, das wahrscheinlich in derselben Lissaboner Werkstatt montiert wurde wie die anderen Exemplare aus dieser kleinen Gruppe, gehört zur Kathedrale von Sevilla und ist fast unbekannt. Es hat viele Gemeinsamkeiten mit dem in der Kathedrale von Lissabon, nämlich

die Verwendung von gravierten Silberrändern, die entlang der Kanten laufen und das Kästchen schützen. Ein Aspekt, der es von den anderen unterscheidet, ist die Verwendung von Tesserae, die aus Turbo marmoratus geschnitten sind und eine höhere Irisiertheit aufweisen, aber auch aus der Schale der Perlauster, wahrscheinlich Pinctada radiata oder Pinctada maxima, angesichts des weißlichen Farbtons der Basisfarbe. Dennoch ist die Art der quadratischen Schlossplatte ähnlich wie bei unserem Kästchen.

Ein weiteres Exemplar, etwas größer, aber mit weniger Silberbeschlägen, befindet sich in der Sammlung der Kunstkammer Wien im Kunsthistorischen Museum in Wien (Inv. Nr. GS Kap 5) und gehörte zur Habsburger Familie. Die gleiche Art von großen silbernen Kugelkopfnägeln scheint charakteristisch für diese kleine, seltene und bedeutende Gruppe zu sein. Das hier vorgestellte Exemplar ist das zweitbekannte Beispiel in Privatbesitz, wenn man bedenkt, dass die anderen seit dem Zeitpunkt, zu dem sie in den späten 16.

Jahrhundert oder den ersten Jahren des 17.

Jahrhunderts in ihre Sammlungen aufgenommen wurden, an ihrem derzeitigen Ort sind.

Ein prächtiger und seltener Amazonas-indigener Wamara-Holz-Macana-Kriegsclub Süd-Guyana oder Nord-Brasilien, WapitxanaGruppe der Aruak-Völker, 18. Jahrhundert, möglicherweise früher H. 43 cm Die tiefe Patina des Clubs und die Rückstände an der Stelle, an der er gehalten wurde, zeugen von seinem hohen Alter. Dieser ungewöhnlich große Macana ist mit mehreren eingravierten, weiß gemachten anthropomorphen und menschlichen Figuren verziert, eine Dekoration, die nur bei einem anderen dokumentierten Club im British Museum (Inv. Nr. Am1910,-.456) zu finden ist, der in Hjalmar Stolpe, Amazon Indian designs from Brazilian and Guianan wood carvings, New York, Dover Publ., 1974, abgebildet ist.

Unter den ersten Gegenständen, die im 17.

Jahrhundert aus Guyana nach Europa gelangten, befinden sich vier hölzerne Clubs und fünf Hängematten“, die in die Tradescant-Sammlung aufgenommen wurden und sich heute im Ashmolean Museum in Oxford befinden.

Eine frühe Beschreibung dieser Kriegsclubs in Holländisch-Guyana, basierend auf Beobachtungen aus den Jahren 1772 bis 1777, findet sich in dem berühmten Buch Narrative of a five year expedition against the revolted Negroes of Surinam in Guiana on the Wild Coast of South America from the year 1772 to 1777 des Autors Captain John Gabriël Stedman (1744-1797): “Ich darf nicht vergessen, dass jeder Indianer einen Club trägt, den sie Apootoo nennen, zu ihrer Verteidigung. Diese Clubs sind aus dem schwersten Holz des Waldes gemacht; sie sind etwa achtzehn Zoll lang, flach an beiden Enden und quadratisch, aber an einem Ende schwerer als am anderen.“

Eine hoch ungewöhnliche geschnitzte, bemalte, vergoldete und mit Edelsteinen besetzte Schildkrötenpanzer, die der mythischen kosmischen oder welttragenden Schildkröte ähnelt Wahrscheinlich Deutschland, spätes 19.

Jahrhundert L. 32 x B. 26 x H. 20 cm Herkunft: Private Sammlung, München Entlang der natürlichen Formen des Panzers schnitzte der Künstler Medaillen und malte eine überraschende Porträtgalerie, die verschiedene Völker der Welt zeigt, darunter Maori, Singhalesen, Chinesen, Tataren, Papuas, amerikanische Ureinwohner, Inuit, Perser, Europäer und viele mehr. Auf dem oberen Teil der Schale befinden sich Wappen aus China, den

USA, Chile, Uruguay, Kolumbien und Persien.

Darüber hinaus ist die Schale mit Miniaturkopien berühmter romantischer Gemälde, Bildern von Natur und Menschen und mit geometrischen Mustern in Polychromie und Gold verziert. Auf dem letzten, leicht abgerundeten Teil der Schale befindet sich eine ungefähre Globuskarte.

Im 19. Jahrhundert war in Deutschland die romantisch heilvolle Vorstellung von der mythischen Welt tragenden Schildkröte, angelehnt an amerikanische Ureinwohner, chinesische und hinduistische Mythologie, noch sehr lebendig und ein attraktiver Gedanke. Im Wunderkammer bestimmten Seltenheit und Fremdartigkeit die Auswahl der Objekte und vermischten so die Grenzen zwischen den drei Königreichen ‘Exotica’, ‘Naturalia’ und ‘Artificialia’. Insgesamt ist dieses akribisch verzierte Panzer ein beeindruckendes Beispiel für all das oben Genannte.

Charles Frederick de Brocktorff (1775–1850) ‘Camelopard – ein Geschenk des Pascha von Ägypten an den König – auf Malta auf dem Weg nach England’ Unten rechts signiert und datiert mit C.F. de Brocktorff. / 1827. und unten in der Mitte wie im Titel beschrieben Bleistift und Aquarell mit Goldfarbe und Gummi arabicum auf Papier, 36,8 x 27,9 cm

Ein Geschenk, so majestätisch, dass es Könige erröten ließ und so großartig, dass es Europa in einen Rausch versetzte. Pascha Muhammad Ali von Ägypten (1805-1848) tat dies 1827: Er sandte drei magisch gefleckte, gehörnte Kreaturen nach Europa, jede mit einem Hals, der bis zum Himmel reichte, und Beinen so lang wie ein Haus hoch. Eine Giraffe für König Charles X. von Frankreich, eine für Franz I. von Österreich und die sagenumwobenste für König George

Nachfolger von Zacharias Wagener (1614-1688) Tamanuâguasû (Riesenameisenbär) Aquarell auf italienischem Papier des 17. oder 18. Jahrhunderts, H. 28 x B. 43,5 cm Das vorliegende Gemälde ist eine Kopie nach Wageners Malerei des Ameisenbären, Tamanduá-bandeira, welches in seinem “Thier Buch” abgebildet ist, mit 109 Zeichnungen von brasilianischen Fischen, Vögeln und Säugetieren, veröffentlicht in Amsterdam ca. 1641, auf Deutsch.

Zacharias Wagener oder Wagenaer auf Niederländisch, (Dresden 1614 – Amsterdam 1668) war ein echter Abenteurer, der Opperhoofd auf Deshima und Gouverneur am Kap der Guten Hoffnung im Dienst der VOC wurde. Während des Dreißigjährigen Krieges in Deutschland versuchte Wagener sein Glück in Amsterdam, wo er für den Kartographen Willem Blaeu arbeitete. 1634 trat er der WIC bei und ging nach Holländisch-Brasilien, wo er als Schriftsteller und Maler arbeitete, zusammen mit Frans Post, Willem Piso, Georg Marcgraf und Albert Eckhout, um Brasilien für Gouverneur Johan Maurits van Nassau Siegen zu beschreiben und darzustellen. Wagener war der Autor von “Thier Buch”, mit Beschreibungen und Zeichnungen von Fischen, Vögeln, Tieren, Würmern, Früchten usw. aus Brasilien, die in Europa unbekannt waren.

1641 war Wagener zurück in Amsterdam, wo er

sich bei der VOC anmeldete und im September 1642 nach Batavia (Jakarta) segelte. Dort machte er schnell Karriere und bewegte sich in den höchsten Kreisen. 1656 wurde er zum Opperhoofd in Japan ernannt, wo er die Hofreise nach Edo machte und in ein großes Feuer geriet, das den Großteil der Stadt, einschließlich des Palastes des Shogun, zerstörte. Nach einem Jahr reiste er zurück nach Batavia (Jakarta), über Holländisch-Formosa/Taiwan. 1658 schickte ihn Generalgouverneur Joan Maetsuycker für ein zweites Jahr als Opperhoofd nach Japan.

Aufgrund des Bürgerkriegs in China zwischen den Ming und den Qing kamen keine Keramiken mehr aus China, und Wagener war der erste, der in Japan Keramiken bestellte, wobei er deutsche Steinzeugwaren als Vorbilder benutzte. Wieder in Batavia (Jakarta) wurde er zum Vermesser ernannt, aber wegen gesundheitlicher Probleme wurde er 1662 zum Kap der Guten Hoffnung geschickt, als Nachfolger von Jan van Riebeeck, wo er das Schloss der Guten Hoffnung baute.

Wagener führte ein Tagebuch, das posthum 1704 veröffentlicht wurde und 1732 auf Englisch übersetzt wurde als “A short account of the voyages of Mr. Zachary Wagener, performed in thirty years, through Europe, Asia, Africa, and America.”

Eine beeindruckende Sammlung von Mineralien, die in ihrer natürlichen Form an schneebedeckte Berge erinnern Alle in Trepca, Kosovo gefunden.

Von links nach rechts: Sphalerit, Bergkristall, Pyrit & Calcit H. 16 x L. 36 x B. 26. cm Galenit, Bergkristall & Calcit H. 24 x B. 24 x T. 12 cm Pyrit, Pyrrhotin & Calcit H.32 x B. 11 x T. 7 cm Sphalerit, Pyrit & Calcit H.22 x B.12 x T.11 cm

Ein prächtiger niederländisch-kolonialer singhalesischer Ebenholzschrank mit zwei Türen und silbernen Beschlägen Sri Lanka, Kandy, 2. Hälfte 17. Jahrhundert, die Beschläge später hinzugefügt H. 29 x B. 32,5 x T. 23 cm Der Schrank verfügt über eine zentrale Schublade mit verstecktem Fach und die obere Schublade ist in vier Fächer unterteilt.

Die Oberfläche ist vollständig mit sich windenden Pflanzen geschnitzt, die fleischige Lotuspalmetten hervorbringen. Außerdem sind auf den Außentüren ein Paar Kinnaris geschnitzt, oben eine sitzende Gottheit, umgeben von Vögeln, und auf der Rückseite eine zentrale Lotusrosette, flankiert von vierbeinigen Tieren und Vögeln. Zuletzt sind die Seiten mit einem Serapendiya verziert, umrandet von schmalen Diaper Kundi Rakkan-Bändern.

Die reich verzierten Tafeln, die in unterschiedlichen Tiefenreliefs geschnitzt sind, zeigen das Können der singhalesischen Handwerker. Die sich windenden Pflanzen, die eine Fülle von Blumen und Früchten zeigen, sind ein Indikator für den pflanzlichen Reichtum

der Insel. Ihre Stilisierung ist das Ergebnis einer Kreuzbefruchtung von niederländischen und singhalesischen Dekorelementen, die später auf Möbeln, Textilien und Silber im gesamten VOCTerritorium Asiens auftauchten. Die mythischen Kinnaris, Serapendiya und die Kundi RakkanBänder sind typische Formen singhalesischer Ornamentik, die jedoch selten auf Möbeln für die Niederländer zu sehen sind. (Mediaeval Sinhalese Art, Ananda K. Coomaraswamy, Pantheon Books 1908).

Für Schränke ähnlicher Form und Dekoration siehe: Furniture from Indonesia, Sri Lanka and India during the Dutch period, Jan Veenendaal, 1985 S.25, 29 und 58. Vergleichbare singhalesische Möbel und Objekte mit ähnlichen geschnitzten Dekorationen finden sich in der Royal Collection Trust (21610, 21611), dem Museum of Fine Arts Boston (1993.29) und dem British Museum (1943.0712.4) Provenance: Private collection, United Kingdom Peter Lang, United Kingdom

Ein seltenes Paar großer indischer SilberfiligranRosenwassersprüher Frühes 18. Jahrhundert, wahrscheinlich Indien, Karimnagar, anscheinend unmarkiert H. 31,6 und 31,7 cm Da diese Flaschen eine Flüssigkeit enthalten sollten, wurde das Silberfiligran als äußere Dekoration an einer Silberflasche angebracht. Ursprünglich handelte es sich beim Rosenwasserspritzen um einen iranischen Brauch, der während des Festes Ab Pasthan beobachtet wurde, um die Erinnerung an den Regen zu beschwören, der einer Hungersnot ein Ende setzte. Als die Tradition des Rosenwassersprühens nach Indien und weiter nach Südostasien verbreitet wurde und von den Portugiesen, Niederländern und Engländern übernommen wurde, wurde sie allgemeiner.

Es wurde verwendet, um das Hochzeitspaar, den Verstorbenen und generell zur Begrüßung von Gästen zu bespritzen. Heute ist es nicht ungewöhnlich, beim Verlassen eines Restaurants von der arabischen Welt bis nach Südostasien über die Hände gesprüht zu werden. Die Form der Rosenwassersprühflaschen ist von Nahost bis Südostasien im Wesentlichen dieselbe; nur das Material und die Dekoration können variieren.

Eine feine mit Knochen eingelegte Ebenholz-Dokumentenbox mit silbernen Beschlägen, mit Federgravur verziert Coromandelküste, Masulipatnam, 1730-1740 H. 9,5 x B. 30,3 x T. 22,8 cm Die Box ist überall mit feinen Einlagen von kleinen Blumen verziert, die durch sich windende Ranken verbunden sind. In der Mitte des Deckels befindet sich eine Plakette mit einem Doppelkopfadler, einem Symbol, das ursprünglich aus Indien stammt und in Sri Lanka (Bhēruņda pakshaya) sehr verbreitet ist.

Auf der Innenseite des Deckels, eingelegt in Knochen, Zweige mit kleinen Blumen, die aus einer Vase hervorgehen, und im Inneren der Box ein kleines Fächlein mit Deckel und darunter eine kleine Schublade.

Ein außergewöhnliches Paar indischer EbenholzNiedrigstühle, ehemals im Besitz des Herzogs von Westminster Coromandel-Küste, möglicherweise Madras, 16801700 H. 85 x B. 50,5 x T. 45 cm Beide sind insgesamt dicht geschnitzt mit einer Reihe von Meerjungfrauen, Vögeln, Fischen, mythologischen Figuren und floralen und Rankenmotiven. Die Rückenlehnen sind zentriert von einem Papagei (das Attribut von Kama, dem Hindu-Gott der Liebe) unter einer Muschelschale (ein Attribut von Aphrodite/Venus) mit einer Fleurde-lis (ein Symbol der Jungfrau Maria). Die Muschel wird unterstützt von zwei kleinen menschlichen

Figuren und einem Paar Meerjungfrauen, ein weiteres westliches Element, aber auch eine Darstellung der Hindu-Schlangengöttin Nagini, mit hockenden Figuren als Abschlüsse, die an Gottheitsfiguren erinnern, mit Rohrsitzen.

Ein identischer Stuhl ist illustriert in Het Hollandsche Koloniale Barokmeubel von Dr. V. I. van de Wall, 1939, Abb. 26. Die Herkunft dieses Stuhls wird als Herzog von Westminster, Eaton Hall, Chester angegeben. Vor der Restaurierung hatten das aktuelle Paar identische gepolsterte Sitze und die gleichen Rollen wie der Stuhl des Herzogs von Westminster. Daher scheint es sicher anzunehmen, dass die Herkunft des aktuellen Paares auch der ist.

In den Sitzschienen der aktuellen Stühle sind beide jeweils mit II und III nummeriert, so dass sie wahrscheinlich einmal zu einem größeren Set in Eaton Hall gehörten. Diese Art von Stuhl taucht normalerweise in England und selten in Holland auf, obwohl sie auch von den Holländern an der Coromandel-Küste von Indien bestellt wurden.

Möglicherweise wurden die Hindu-Motive von Tieren und Menschen in den Schnitzereien dieser “Kust stoelen” letztlich nicht sehr geschätzt im Muslin/Kalvinistischen Java/Batavia. Diese

Höhepunkte der Ebenholzmöbelherstellung wurden von Hindu-Handwerkern in Südindien hergestellt, die im 16. und 17. Jahrhundert von den Portugiesen zum römischen Katholizismus bekehrt wurden. Diese Möbelmacher, mit ihren Wurzeln in der Hindu-Welt, kombinierten Hindu- und christliche Motive in einer Weise, die nach dem 17.

Jahrhundert in Möbeln aus Indien nicht mehr zu sehen war.

Ein prächtiges und schweres niederländischkoloniales Silberfiligran-Tablett Indonesien, Batavia (Jakarta) oder möglicherweise Padang, Westsumatra, 2. Hälfte 17. Jahrhundert Durchmesser: 22,9 cm Gewicht: 551 Gramm Dieses Filigranwerk wurde wahrscheinlich von chinesischen Meistern in Südostasien angefertigt. Denn stilistisch ähnelt es sehr der berühmten Filigran-Schreibbox mit den Wappen des Statthalters Wilhelm III. (datiert vor 1689), die von Zar Peter dem Großen gesammelt wurde und sich jetzt im Eremitage-Museum in St. Petersburg befindet. Indonesien ist der wahrscheinlichste Ort, an dem dieses Tablett

hergestellt wurde. In der zweiten Hälfte des siebzehnten Jahrhunderts kam Silberfiligran an den europäischen Höfen in Mode. Vieles davon wurde von der VOC in Amsterdam importiert, wo Amalia van Solms, ihr Enkel Wilhelm III. und Vertreter vieler königlicher und adeliger Häuser wie Ludwig XIV., Peter der Große, die deutschen Kurfürsten und die dänischen Könige gierig Filigran aus dem Osten sammelten.

Ein indonesischer, mit Perlmutt eingelegter Mastix-Sirih-Kasten mit Silberbeschlägen Jakarta (Batavia), circa 1720-1730, die Silberscharniere markiert für Batavia, Herstellerzeichen HS oder SH, ein Teil des Silbers rekonstruiert H. 10 x B. 26 x T. 17,5 cm Bevor man sich in der ehemaligen Niederländisch-Ostindien niederließ, musste Sirih in den exquisitesten Kästen angeboten werden, die aus Gold, Silber, mit Edelsteinen eingelegt, Elfenbein, Schildpatt oder, wie das vorliegende Exemplar, mit Perlmutt eingelegt waren. Die Kostbarkeit der eigenen Sirih-Box zeigte den eigenen Reichtum.

In dieser Art ist nur eine weitere Sirih-Box aus Perlmutt dokumentiert. Sie befindet sich in der Sammlung von Kip-Lee-Kip in Singapur (Peter Lee et al., Hafenstädte: Multikulturelle

Kaufhäuser Asiens, 1500-1900, Asian Civilizations Museum, Singapur, 2016, S.206, Nr. 166).

Mindestens einer der Vorbesitzer des hier präsentierten Kastens schien sich der Bedeutung dieser Box bewusst gewesen zu sein, da sie möglicherweise einen Teil ihres Silbers verloren hat, aber mit fein gravierten durchbrochenen Beschlägen aus dem späten 17./frühen 18.

Jahrhundert restauriert wurde. Bei genauer Betrachtung zeigt die Box mehrere Nagellöcher überall, was auf geschlossene Silberecken und -mittelpunkte sowie auf eine Schlossplatte hindeutet.

Bei der Untersuchung einer großen Anzahl von Sirih-Kästen, sowohl im Design als auch für den Peranakan-Markt, wie dieser Kasten wahrscheinlich ist, baten wir einen hochqualifizierten Restaurator, die fehlenden Silberbeschläge zu entwerfen und zu rekonstruieren - mit einem erstaunlichen Ergebnis.

Ein hoch verfeinertes indisches ChevronTulwar mit Tigerstreifen, das möglicherweise Tipu Sultan von Mysore (1750-1799) gehörte Deccan, 17. Jahrhundert

aus Lotusblüten, ein durchbrochener Pommel-Tag vervollständigt den Griff.

L. 94 cm Ein monumentales und gut erhaltenes Beispiel für ein indisches Schwert, bekannt als Tulwar. Der Griff dieses Schwertes ist mit Gold-Einlegearbeiten verziert, die als Tah-i-Nishan bezeichnet werden, eine kostspieligere Technik als das einfache Aufbringen von Gold auf die Oberfläche in der häufiger verwendeten Technik, die als Koftgari bekannt ist.

Anmutige Chevron-Blätter füllen die geschwärzte Oberfläche dieses auffälligen Griffs in Gold, deren federartige Kanten in feinen Details hervorgehoben sind. Der Griff besteht weiterhin aus Lotus-KopfLangets, gewölbten Quillons, einem zentral geschwollenen Griff und einer PommelScheibe, die besonders erfreulich ist durch ihre Integration des gleichen blattartigen Schemas in eine Sonnenstruktur. Eine gewölbte Kappe sitzt auf der PommelScheibe mit einem durchbrochenen Rand

Die große, gebogene Klinge ist aus Muster geschmiedetem Stahl gefertigt und zeigt deutlich einen hervorragenden Erhaltungszustand mit einem wolkigen Muster, das die Struktur des Metalls offenbart. Der erste Abschnitt ihrer Länge zeigt handschriftliche Markierungen, die Zahl ‘98’ innerhalb eines Kastens zusammen mit der Zahl ‘1928’ über einem unbestimmten Wort, das noch entschlüsselt werden muss. Es gibt auch indische Zahlen auf dem Rücken (wahrscheinlich zeitgenössisch zu ihrer Herstellung im Gegensatz zu den anderen Markierungen).

In Gold geschrieben scheinen sie ‘929’ zu lesen.

Das Schwert ist komplett mit seiner roten Samt-bezogenen Scheide, die mit einer aus Wootz-Stahl geschmiedeten Chape versehen und entlang ihrer Grenze mit Gold verziert ist.

Eine große japanische Arita blau-weiße Porzellan VOC-Schüssel Edo-Zeit, spätes 17. Jahrhundert Durchm. 32 cm Diese japanischen Schüsseln im chinesischen Wanli-Stil mit dem VOC-Monogramm der Niederländischen Ostindien-Kompanie in der Mitte wurden zwischen ca. 1658 und 1685 hauptsächlich für den Gebrauch von VOC-Beamten in den vielen verschiedenen Handelsposten der Kompanie in Asien und am Kap der Guten Hoffnung hergestellt und wahrscheinlich auch als diplomatische Geschenke verwendet.

Ein indonesisches, mit Gold verziertes SchildpattBetel- oder Sirih-Kästchen Batavia (Jakarta), Anfang des 18. Jahrhunderts H. 23 x D. 14 x T. 8.5 cm Für dieses Kästchen wurde Schildpatt höchster Qualität verwendet. Die Goldbeschläge sind selten, da sie in Zeiten großer Not oft aus finanziellen Gründen eingeschmolzen wurden. Dieses Kästchen hat eine Schlossplatte und ein falsches Schlüsselloch.

Denn als Indonesier konnte man seinen Besuchern mit einem modischen europäischen Schloss beeindrucken. Ein echter Schließmechanismus und Schlüssel waren jedoch nicht notwendig.

Wenn jemand versuchte, aus einem Kästchen eines Landsmanns zu stehlen, wäre die Strafe so hart, dass es niemand wagen würde.

Eine wichtige indonesische elfenbein-sirih oder schmuckkasten mit goldmonturen Sri Lanka oder Batavia (Jakarta), spätes 18.

Jahrhundert, anscheinend unmarkiert Das Elfenbein schlicht, mit schöner Patina, mit aufwendigen Goldmonturen an jeder Ecke und einem fein gestalteten Schloss, der Deckel mit aufgesetzten Goldmonturen und Monogramm CM. L. 16,2 x B. 10,3 x H. 5,7 cm Die Box könnte als Sirih-Box oder wahrscheinlicher als Schmuckkasten gedient haben. Heute ist nur noch ein Exemplar einer Elfenbein-Sirih-Box mit Goldbeschlägen bekannt, obwohl Nachlassinventare belegen, dass solche Boxen im 18. Jahrhundert nicht besonders selten waren (Jan Veenendaal, Asian Art and the Dutch Taste, 2014, Abbildung 187). Leider ist nicht bekannt, wessen Initialen CM sind

Ein äußerst seltenes, in ArgentinienUruguay hergestelltes, vergoldetes Bronze- und Bronze-Relief geschnitztes Nandu-Ei zum Gedenken an die Schlacht von Obligado, 1845 Montevideo, circa 1845 Die Schnitzerei auf dem Ei erinnert an die Schlacht von Obligado, Argentinien, 20. November 1845.

Die Inschrift in Relief lautet: “En mémoire de la bataille de Lobligado, gagnée le 20 Novembre 1845 par cinq batiments Francais sous les ordres du Capitaine de Vesseau Trehouart, et cinq batiments Anglais sous le commendement du Capitaine de Vesseau Otham, sur 3000 hommes de troupes Argentines, defendans quatre batteries redoutables dans la position la plus avantageuse de la riviere Parana.

Après un combat meutrier l’ennemi abandonna les batteries ayans perdu environ 1000 hommes dans l’action.

Montevideo le premier Janvier 1848 Amerique de Sud”.

H. ca. 38 cm Provenienz: Sammlung Jacob Olie Jbzn, Amsterdam (um 1880) Während der 1830er und 1840er Jahre waren die britische und französische Regierung im Konflikt mit Rosas’ Führung der Argentinischen Konföderation.

Rosas’ Wirtschaftspolitik, die nationale Industrie durch hohe Zölle zu schützen, kombiniert mit seinen Versuchen, Paraguay und Uruguay in die Konföderation aufzunehmen, standen in Konflikt mit den wirtschaftlichen Interessen von Frankreich und Großbritannien in der Region. Während seiner Regierung musste Rosas zahlreiche Probleme mit diesen ausländischen Mächten bewältigen, die in einigen Fällen offene Konfrontationen erreichten.

Zu diesen Vorfällen gehörten zwei Seeblockaden, die französische Blockade von 1838 und die anglofranzösische von 1845.

Mit der Entwicklung der dampfbetriebenen Schifffahrt (die hauptsächlich in Großbritannien, Frankreich und den USA stattfand) im dritten Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts wurden große Handels- und Kriegsschiffe in der Lage, Flüsse mit guter Geschwindigkeit und schwerer

Last zu befahren. Lord Palmerston war der Erste, der 1841 vorschlug, Dampfschiffe für den Handel entlang der Binnengewässer Argentiniens zu verwenden. Diese Technologie ermöglichte es den britischen und französischen Regierungen, die argentinischen Zollhäuser in Buenos Aires zu umgehen, indem sie direkt durch den La PlataMündungstrichter fuhren und direkt mit den argentinischen Binnenstädten Handel trieben. Dies vermeidet Steuern, garantierte den Europäern Sonderrechte und ermöglichte ihnen, ihre Produkte billig zu exportieren.

Die Regierung von Rosas versuchte, diese Praxis zu stoppen, indem sie die argentinischen Flüsse für ausländische Länder sperrte und damit den Zugang zu Paraguay und anderen Häfen verwehrte. Die britische und französische Regierung erkannten diese Erklärung nicht an und beschlossen, Rosas zu trotzen, indem sie mit einer gemeinsamen Flotte flussaufwärts fuhren und damit die Bühne für die Schlacht bereiteten.

Die Schlacht hatte großen Einfluss auf den Kontinent. Chile und Brasilien änderten ihre Haltung (bis dahin waren sie gegen Rosas) und unterstützten die Konföderation.

Sogar einige unitaristische Führer, traditionelle Feinde des argentinischen Caudillo, waren von den Ereignissen bewegt, wobei General Martiniano Chilavert anbot, der Konföderationsarmee beizutreten.

Frankreich und das Vereinigte Königreich hoben schließlich die Blockade auf und verzichteten auf ihre Versuche, die Politik von Buenos Aires zu umgehen. Sie erkannten das rechtliche Recht der argentinischen Regierung über den Paraná und andere Binnengewässer an und ihre Autorität, zu bestimmen, wer Zugang dazu hatte, im Austausch für den Rückzug von Rosas’ Armee aus Uruguay.

Die Schlacht von Obligado wird in Argentinien am 20. November gefeiert, der 1974 zum “Tag der Nationalen Souveränität” erklärt wurde und 2010 ein nationaler Feiertag wurde. Die französische Pariser Metro hatte bis 1947 eine nach dieser Schlacht benannte Station, die nach dem Besuch von Eva Perón in Frankreich in “Argentine” umbenannt wurde.

Eine Elfenbeinfigur eines afrikanischen Amor Flandern oder Süddeutschland, 17. Jahrhundert Auf einer länglichen Basis, sein Kopf nach oben gerichtet, das Elfenbein mit einer schönen Patina.

H. 17,3 cm Diese Elfenbeinfigur scheint voller ikonologischer Bedeutungen zu sein. Mit dem Bogen und den Pfeilen handelt es sich um einen Amor, aber da der Bogen, der Köcher mit Pfeilen und ein einzelner Pfeil zusammen mit einem Schild auf dem Boden liegen, könnten sie erfolglose oder abgewehrte Liebe symbolisieren. Der Amor, der mit seinem Penis spielt und gleichzeitig einen Kreisel bläst, könnte ein Symbol für die Launenhaftigkeit und Vergänglichkeit der Liebe sein. Die Kette mit Kreuz um seinen Hals ist ein römisch-katholisches Symbol und könnte auf ein katholisches Herkunftsland hinweisen, vielleicht Süddeutschland oder Flandern.

Eine pigmentierte Holz-Rassel des Häuptlings der Tsimshian mit dem Zeremoniengegenstand des ‘Raben’ Kanada, British Columbia, um 1860-1880 L. 29,5 cm Diese fein detaillierte Rassel, die aus pigmentiertem Holz in Rot und Schwarz gefertigt wurde, wurde von den Tsimshian hergestellt, einer indigenen Gruppe von Menschen mit Wurzeln in der nordwestlichen Region von British Columbia, Kanada. Es war eine matrilineare Gesellschaft, in der Kinder ihre Abstammung oder ClanZugehörigkeit von ihren Müttern erben würden.

Es gab vier Abstammungslinien: Rabe, Wolf, Adler und Feuerkraut. Ihre Gesellschaft war in drei Hauptklassen unterteilt: Adlige, Gemeine und Sklaven. Der Adel umfasste die unmittelbare Familie des Häuptlings.

Eine ähnliche Rassel ist in der Sammlung des Metropolitan Museum of Art in New York zu finden und ist in der Dauerausstellung in Galerie 681 zu sehen (Zugangsnummer 89.4.2161).

Quelle: Steven C. Brown. Native Visions: Evolution in Northwest Coast Art from the Eighteenth through the Twentieth Century, University of Washington Press, 1998 Provenienz: Privatsammlung, Brüssel Sammlung Lemaire, Amsterdam (ca. 1990) Sammlung Pelt, Niederlande

Eine hölzerne Ahnenskulptur des Nias Adu Zatua Indonesien, Nias, 19. Jahrhundert H. 37,5 x B. 10 cm Skulpturen wie die hier präsentierte sind nicht nur dekorative Gegenstände, sondern werden auch als Behälter angesehen, die die Geister von Vorfahren beherbergen und zur Kommunikation mit ihnen verwendet werden.

Provenienz: Henk Kouw, Amsterdam (1970er Jahre) Sammlung Peter van Drumpt, Amsterdam Sammlung Tijs Goldschmidt, Amsterdam Privatsammlung, Den Haag (1993)

Eine hölzerne Papua-Figur eines Korwar Nordwest-Irian Jaya, Vogelkop-Gebiet, Küstenregion Geelvink Bay, heute Cenderawasih Bay, frühes 20. Jahrhundert H. 34 cm Provenienz: Aus der Sammlung des Missionars D.B. Starrenburg, der von 1906 bis 1938 im Gebiet der Geelvink Bay auf der Halbinsel Roon arbeitete, und von dort durch Abstammung an den letzten Besitzer im Dezember 2019 überging.

Starrenburg veröffentlichte eine Broschüre über seine Mission auf Roon und beschrieb, wie er den Korwar bekam: “Um die Hütte herum gab es Schädel und kleine Ahnenskulpturen (Korwar genannt). Da die Besitzer Christen werden wollten, konnte ich alles mitnehmen, durfte sie aber nicht durch die Vordertür herausnehmen. Also wurde ein Loch in die Seite der Hütte gemacht. An Bord meines kleinen Bootes kam ein Sturm auf und ich hätte fast alles verloren. Die Papua schrieben dieses Ereignis der Macht der Geister zu, aber ich kam trotzdem sicher mit allem nach Hause!”

Starrenburg wird auch in dem berühmten Buch ‘Kruis en Korwar’ von Drs. F.C. Kamma erwähnt, das um 1910 auf Roon spielt.

Der Schild kann für Tapferkeit stehen oder übernatürlichen Schutz bieten. Korwar ist der Name einer bestimmten Art von figurativer Skulptur, die einen Ahnen darstellt und von verschiedenen Gruppen von Menschen mit ihren eigenen Namen und kulturellen Identitäten hergestellt wird, die alle im “Vogelkopf”, Kepala Burung, Bereich von Irian Jaya leben. Korwar stellt die Verbindung zwischen den Welten der Toten und der Lebenden her und wird wie in den meisten ozeanischen Kulturen bei allen wichtigen Lebensereignissen wie Geburten, Hochzeiten und Todesfällen um Rat und Hilfe gebeten. Es könnte auch Schutz und Erfolg bei Kopfjagden, gefährlichen Seereisen und bei der Heilung von Menschen bieten.

Ab den späten 1880er Jahren wurden viele Korwar-Bilder auf Anregung protestantischer Missionare zerstört, aber einige Missionare sammelten auch Korwar, die von Papuas nach ihrer Konversion zum Christentum genommen wurden.

Eine äußerst seltene Papuaholzskulptur eines Korwar Papua-Neuguinea, Cendrawasih-Bucht, Wandammen, Anfang des 19. Jahrhunderts H. 24 x Durchmesser. 18 cm Fein geschnitzt im frühen Stil, sitzt die Figur auf einer kreisförmigen Basis, mit einem länglichen Kopf, detailliertem Gesichtsausdruck mit geschwärzten Augenbrauen, Wimpern, Schnurrbart und Zähnen, die Ohren und Stirn durchbohrt. Alle nach oben gerichteten Bereiche mit einer tiefen schwarzbraunen Patina aus Gebrauch und Insektenkot.

Mit einem handgeschriebenen Etikett am Boden mit der Aufschrift Korwar Patoeng Nenek- Mojang Orang Papua.

Auf der Stirn steht “Biak Papua” und auf der Rückseite des Kopfes undeutlich auf Französisch beschriftet.

Die Patina und die glatte Oberfläche des Korwar aufgrund der Handhabung über einen langen Zeitraum hinweg bestätigen, dass dieser Korwar aus dem frühen

19. Jahrhundert stammt.

Die meisten Korwar-Figuren wurden für die Familien von kranken oder verstorbenen Männern und gelegentlich Frauen während ihrer Krankheit oder unmittelbar nach ihrem Tod angefertigt. Während des Schnitzens wurden Gesänge gesungen, um sicherzustellen, dass die Geisterkraft des Vorfahren in die Figur eindringt. Die Figuren dienten dann als Vermittler zwischen den Lebenden und den Toten. Ihr Rat wurde durch die Handlungen eines Schamanen gesucht, der in Trance geriet und dann in der Lage war, die Worte des Geistes an die lebenden Nachkommen weiterzugeben.

Herkunft: Angeblich von einem Pionier der Royal Dutch Shell (multinationales Öl- und Gasunternehmen) in einem Geschäft in Jakarta Anfang des 20. Jahrhunderts gekauft, der später in einem stattlichen Haus am Fluss Vecht wohnte, von da an durch Erbschaft.

Ein rechteckige Silberfiligran-Kassette mit Klappdeckel Möglicherweise Indien, Karimnagar, 18.

Jahrhundert.

H 9,5 x B.: 15 x T. 10,4 cm Ungefähr 690 Gramm.

Silberfiligran aus dem Osten wurde im frühen 17. Jahrhundert in Europa sehr beliebt.

Anfangs wurde der größte Teil davon über Lissabon importiert und stammte aus Goa, Gujarat oder Macao. Später im 17. Und frühen 18. Jahrhundert gelangte der Großteil des Silberfiligrans aus dem Osten nach Amsterdam und kam aus den Niederländischen Ostindien, Sumatra, Batavia, Indien/Karimnagar und China/ Kanton. Die königlichen Sammler im Westen, wie Louis XIV von Frankreich, Kurfürst Frederik Wilhelm von Brandenburg, Amalia van Solms in den Niederlanden und die russischen Zaren Peter und Katharina die Große, erwarben den Großteil des Silberfiligrans für ihre Sammlungen in Amsterdam. Im Laufe des 18. Jahrhunderts ließ die Begeisterung für Silberfiligran allmählich nach und es wurde im Osten nur noch wenig bestellt.

Ein indo-portugiesische EinlegearbeitTeakholzfigur von Nagini Indien, Goa, 17. Jahrhundert H. 55 cm Die Skulptur kann als solche wahrgenommen werden, ist aber wahrscheinlich eines von vier Beinen eines indo-portugiesischen Contadors.

Diese berühmten, reichlich eingelegten Schränke sind möglicherweise die Verkörperung von Kolonialmöbeln. Hier dargestellt ist eine Naga mit dem Kopf und Oberkörper einer Frau und dem unteren Körper eines gewundenen Schlangen. Nagini ist die weibliche Version der Naga, das Sanskrit-Wort für eine Gottheit oder Klasse von Wesen, die die Form einer riesigen Schlange annehmen.

In der hinduistischen religiösen Kultur gelten Nagas als Naturgeister, die eng mit Wasser, Flüssen, Seen und Meeren verbunden sind, Beschützer von Quellen, Brunnen und Flüssen sind, Regen besänftigen und somit Fruchtbarkeit bringen.

Sie werden sogar in der modernen Zeit noch sehr verehrt, insbesondere in Südindien, wo sie als weibliche Gottheiten verehrt werden, besonders von weiblichen Anhängern, die ihnen Fruchtbarkeit und Wohlstand bringen. Die Nagini hat eine apotropäische Funktion, wenn sie Teil eines Schranks ist: Sie soll böse Absichten abwehren und den Inhalt dieses Möbelstücks schützen, das zur Aufbewahrung von Wertsachen wie Geld, Dokumenten, Schmuck und kostbaren Gegenständen verwendet wird.

Ein äußerst feines, vollständig bewegliches japanisches Elfenbein-Okimono einer Hummer, von Yamazaki Nankai Meiji-Zeit, 19. Jahrhundert, signiert Nankai in Rot darunter L. 55,5 cm Die hochnaturalistische geschnitzte Makrele hat lange, stachelige Antennen, zehn Beine, Mandibeln, einen segmentierten Körper und einen fächerförmigen Schwanz. Selbst beim Berühren des Okimonos ähnelt der Klang dem Krabbeln der Makrele auf dem Meeresboden.

Jedes einzelne Gelenk ist beweglich und durch einen winzigen Elfenbeinstift befestigt, was die absolute Handwerkskunst des Herstellers zeigt.

Eine bemalte Tlingit-Potlatch-Schnitzerei aus Holz eines Wolfs, der zwei Bärenjungen einen Baum hinauf jagt Alaska, Tlingit, 2. Hälfte des 19. Jahrhunderts H. 34,5 cm Die Tlingit teilen sich in zwei deutlich voneinander abgegrenzte Moieties, den Raben (Yéil) und den Adler/Wolf (Ch’aak’/Ghooch).

Diese Moieties basieren auf Familienlinien mit spezifischen Regeln, wonach man nicht jemanden aus der gegnerischen Moiety heiraten darf. Eine rituelle Zeremonie in diesen Gesellschaften ist das Potlatch. Das Wort Potlatch bedeutet “geben”. Potlatches markieren wichtige Anlässe und beinhalten Geschenke, Festessen und kulturelle Aufführungen. Die Zeremonie ist größtenteils dadurch gekennzeichnet, dass Familien einander Geschenke überreichen. Im Gegensatz zur europäischen Gesellschaft, in der viele Geschenke Empfängern zeigen, wie beliebt sie sind, gewinnt in der Tlingit-Gesellschaft derjenige am meisten Respekt, der das wertvollste und vielfältigste Geschenk macht.

Ein Potlach-Geschenk wie das hier präsentierte erforderte viel Aufwand und Zeit für die Schnitzerei.

Quelle: Sergei Kan. “The 19th-century Tlingit Potlach: A New Perspective” in: American Ethnologist, Vol. 13, No. 2, 1986, S. 191-212 Provenienz: Sammlung Rick Ege, Saint Louis Die Flury-Sammlung, Seattle Die Mackley-Sammlung, Hershey

Ein Paar japanische blau-weiße AritaPorzellanflaschen mit den Initialen des Generalgouverneurs Joan van Hoorn von den ehemaligen Niederländisch-Ostindien Japan frühes 18. Jahrhundert H. 24 cm Eine wichtige chinesische blau-weiße Porzellanflasche, markiert mit den Initialen von Joan van Hoorn, Generalgouverneur des ehemaligen Niederländisch-Ostindien Kangxi-Zeit, Ende des 17./Anfang des 18.

Jahrhunderts, markiert mit den Initialen von Joan van Hoorn H. 28,7 cm

Joan van Hoorn (1653-1711) kam 1663 zusammen mit seinen Eltern in Batavia an, einer bankrotten Familie, aber sehr gut vernetzt mit der Amsterdamer Oberschicht. Joan trat im Alter von 12 Jahren der VOC bei. Heirat in die richtigen Familien war im 18. Jahrhundert in den Niederlanden sehr wichtig, und das ist es, was Joan tat. Seine erste Ehe mit Anna Struis brachte ihm ein Vermögen und die Position des Generaldirektors und Mitglieds des Rates von Niederländisch-Ostindien ein.

Nach dem Tod von Anna heiratete er Susanna, die Tochter des Generalgouverneurs Willem van Outhoorn, den er im Jahr 1701 ablöste. Als auch Susanna starb, beschloss Joan, Johanna Maria van Riebeeck zu heiraten, die Tochter seines wichtigsten Gegners im Rat. Er zahlte dem Geistlichen, der seine Hochzeit feiern sollte, tausend Riksdollar für eine Predigt nach seinem Geschmack. Van Hoorn begann, mit neuen Produkten für den europäischen Markt zu experimentieren, wie Tee, Kaffee, Textilien und Keramik.

Im Jahr 1709 kehrte er als wohlhabender Mann nach Holland zurück, aber er genoss seinen Reichtum nur etwas mehr als ein Jahr.

Geneverflaschen wie diese ließ Joan van Hoorn in China und Japan herstellen, um sie als Geschenke zu verteilen.

Ein wichtiges japanisches Lack-Maki-é-Panel, das St. Petersburg am Fluss Neva mit dem Winterpalast links und der Akademie der Wissenschaften rechts darstellt, wahrscheinlich von Lakwerker Sasaya Nagasaki, 1780-1800

Die vorliegende Plakette ist identisch mit einer im Museum of Japanese History in Sakura und einer anderen im Museum of Peter the Great in St. Petersburg. (siehe: Oliver Impey & Christiaan Jörg, Japanese Export Lacquer, 15801850, S. 52-53)

In schwarzem Lack auf Kupfer, die Vorderseite mit Maki-é verziert, die Rückseite mit der Inschrift “Vue Perspective des Bords de la Neva en descendant la Rivière entre le Palais d’hyver de sa Majesté Impériale et les batiments de l’Académie des Sciences à St Petersburg” in Gold und mit Blumen aus Perlmutt eingelegt.

Letztere wurde Catherine der Großen im Jahr 1794 vom schwedischen Arzt Johan Arnold Stutzer geschenkt, der von 1787 bis 1788 bei der VOC in Deshima gedient hatte. Offenbar waren solche Plaketten nicht einzigartig und wurden möglicherweise in mehreren Exemplaren hergestellt.

H. 23 x B. 39 cm

Eine einzigartige und außergewöhnliche japanische Miniatur- oder PuppenhausExportlacktruhe Kyoto, etwa 1620-1640 H. 9,2 x B. 14,5 x T. 7,2 cm Diese Miniatur ist von außergewöhnlicher Qualität und eine perfekte Kopie der berühmten großen Truhen im Transition-Stil.

Sie wurde höchstwahrscheinlich von einer niederländischen Dame für ihr Puppenhaus (poppenhuis) bestellt, ähnlich wie das berühmte Puppenhaus von Petronella Oortman (16561716), das heute zu den Highlights der Sammlung des Rijksmuseums Amsterdam gehört, oder das Puppenhaus von Petronella Oortmansde la Court (1624-1707) in der Sammlung des Centraal Museum Utrecht. Sara Rothé aus Amsterdam bestellte 1743 einen MiniaturTripod-Tisch aus schwarzem Lack und Elfenbein mit goldener chinoiserie Dekoration von Jurriaan Buttner (Monika Kopplin, European Lacquer, 2010, S. 56).

Andere lackierte Puppenhaus-Miniaturen sind bekannt, aber wahrscheinlich alle in Europa hergestellt und dekoriert. Offenbar waren japanische Stücke im Stil bei Besitzern von

Puppenhäusern beliebt. Schon im frühen 17.

Jahrhundert wurden Puppenhaus-Miniaturen aus chinesischem Porzellan und anderen Kuriositäten, auch aus Japan, in die Niederlande gebracht, meist über persönliche Kontakte. Die VOC begann jedoch ebenfalls mit dem Handel von Miniaturen, und in Briefen von Beamten aus dem Jahr 1638 finden sich Bemerkungen über “poppeschoteltgen” und “poppeschaeltgen” (Jet Pijzel-Dommisse, Het Hollandse pronkpoppenhuis, Rijksmuseum 2000, S. 35-36).

Auch auf einem 1637 geenterten portugiesischen Schiff wurden eine große Vielfalt an Miniaturen und “poppegoet” gefunden.

In VOC-Briefen aus den 1660er Jahren finden sich Bestellungen für japanische Lackkabinette, die mit “cleyn Japans porceleyn, cleijne doosgens (kleine Schachteln), coffertjen (kleine Truhen) en andere curieusiteyten en poppegoet” gefüllt werden mussten.

Frühe Miniaturen wie die vorliegende könnten sowohl in Kuriositätenkabinetten als auch in Puppenhäusern aufbewahrt worden sein, aber bisher scheint keine erhalten geblieben zu sein, was diese Truhe einzigartig macht.

Ein einzigartiges Diorama, das die Karibenindigenen am Flussufer darstellt von Hendrik Samuel Schouten (1785-1840) Suriname, 1805 H. 51 x B. 69,5 x T. 20 cm Dies ist das einzige bekannte Diorama von Hendrik Schouten. Er wurde Pflanzer und erbte die Jagtlust-Plantage von seinem Großvater Samuel Loske. Sein älterer Bruder Gerrit Schouten (1779-1839) wurde ein bekannter Künstler, der über vierzig Dioramen schuf, von denen viele sich heute in Museumsammlungen in den Niederlanden und in Surinam befinden, sowie zahlreiche botanische und zoologische Aquarelle von Surinam, von denen die meisten sich jetzt in der Royal Horticultural Society in London befinden. Das früheste bekannte Diorama von Gerrit Schouten stammt aus dem Jahr 1810, also ein Jahr nach diesem Diorama von Hendrik. Es ist verlockend anzunehmen, dass dieses erste und einzige Diorama seines jüngeren Bruders den Anlass gab, dass Gerrit mit der Herstellung von Dioramen begann. Gerrit Schoutens Dioramen von indigenen Lagern unterscheiden sich von diesem dadurch, dass

Hendrik auch natürliche Materialien wie Moos und kleine Zweige verwendete, während Gerrit alles aus Papiermaché herstellte. Hendriks Figuren sind flacher als Gerrits.

Gerrits Dioramen von indigenen Lagern werden immer vom Fluss aus zum Lager hin betrachtet und seine Figuren sind fast immer dem Betrachter zugewandt, während in diesem Diorama die meisten Figuren zusammen mit dem Betrachter zum Fluss hin schauen. Das vorliegende Diorama wird im Ausstellungskatalog “Gerrit Schouten (17791839), botanische tekeningen en diorama’s uit Suriname” von Clazien Medendorp aus dem Jahr 1999 auf den Seiten 134-135 beschrieben und abgebildet und wurde 1999 in den Ausstellungen im Tropenmuseum Amsterdam und im Surinaams Museum Paramaribo gezeigt.

Eine wichtige peruanische Silberplatte mit gehämmerter Verzierung “Die Hochzeit von Martin de Lollora und Beatriz Koya” Peru, Ende des 16./Anfang des 17. Jahrhunderts Die berühmte Paar umgeben von einem Feline, Hund, Affen, Papagei, Blumen, Kind und einem Diener, der einen Regenschirm hält, ist die Platte trapezförmig.

Martin de Lollora und Beatris Koya galten als das erste verheiratete Paar in Peru, bei dem beide Personen aus unterschiedlichen königlichen Linien stammten, einer aus den Eroberern und der andere aus den Besiegten.

Das Paar kann anhand einer Reihe sehr unterscheidbarer Ikonographien in der Kunstgeschichte Südamerikas identifiziert werden.

Zwei chinesische Export-Mignot-Stil-Anhänger aus Elfenbein Um 1600-1650 H. 10,4 x B. 7 cm & H. 12 x B. 8 cm Diese ungewöhnlichen und unverwechselbaren Anhänger aus der ersten Hälfte des siebzehnten Jahrhunderts sind aus Elfenbein gefertigt und stammen fast sicher aus China. Die Vorder- und Rückseite der Scrollwork-Designs wurden von Gravuren von Daniel Mignot, einem in Augsburg ansässigen Hugenotten, und seinen Zeitgenossen inspiriert. Der grundlegende Stil des Anhängers ist westeuropäisch aus der Renaissancezeit, aber andere Elemente weisen auf seine Herkunft aus Asien hin. Vor der Herstellung des endgültigen Stücks in Gold übertrugen RenaissanceGoldschmiede solche Designs auf Modelle aus Blei oder anderen Metallen. Obwohl Elfenbeinproben bisher nicht dokumentiert wurden, deutet die Verwendung dieses Materials auf einen östlichen Ursprung hin und unterstützt dies weiter.

Eine feine niederländisch-koloniale Ebenholzbox mit Silbermontierungen Koromandelküste, Masulipatnam oder Batavia (Jakarta), 2. Hälfte des 17. Jahrhunderts H. 17,8 x B. 33 x T. 22 cm Die Flachrelief-Schnitzerei von sich kräuselnden Ranken und großen Blumen ähnelt Gravuren in niederländischem Silber aus derselben Zeit.

Diese Art der Schnitzerei gehört zu den frühesten Arten der Schnitzerei in Ebenholz, die von den Niederländern in Asien in Auftrag gegeben wurden. Die Koromandelküste beherbergte eine wichtige Industrie zur Herstellung von

geschnitzten Ebenholzmöbeln, bevor die Niederländer dort ankamen. Im frühen 17.

Jahrhundert wurde die niederländische Präsenz an der Küste bedeutender. Sie bestellten ihre “Custmeubelen” oder Küstenmöbel hier, weil es anfangs der einzige Ort war, an dem sie die sehr begehrten Ebenholzmöbel bekommen konnten. Aufgrund schwerer Hungersnöte und vieler Kriege an der Küste in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts mussten viele lokale Möbelhersteller und andere Handwerker sich den Niederländern als Sklaven verkaufen. Viele von ihnen übten ihr Handwerk schließlich in Batavia aus.

Eine seltene und beeindruckend lange japanische Holz-Jizai-Okimono einer Schlange von Masakazu Meija-Ära, 19./20. Jahrhundert L. 175 cm Der vollständig bewegliche Körper des Reptils ist realistisch dargestellt, mit einem beweglichen Unterkiefer, Fangzähnen und Zunge; die Augen sind geschickt in gelbem Perlmutt eingelegt und die Oberfläche der hölzernen Schuppen hat eine warme goldbraune Patina. Unterhalb des Kiefers ist in einer länglichen Perlmutt-Reserve die Signatur Masakazu zu sehen.

Eine Sammlung von Inuit-Jagdharpunen aus Narwalzahn Arktis, Kalaallit Nunaat (Grönland), 18.-19.

Jahrhundert Alle Harpunen weisen eine tiefe Patina und eine glatte Oberfläche sowie alte Reparaturen auf, einige mit alten Sammlungsnummern und einige Harpunen mit einer Krümmung.

Da Narwalzähne von Natur aus niemals gekrümmt sind, deutet dies auf Verschleiß durch jahrhundertelangen Gebrauch hin. Auf den

ersten Blick scheinen diese Harpunen nicht scharf genug zu sein, um die dicke Haut eines jeden Polar-Tieres zu durchdringen. Wenn man sie jedoch in der Hand hält, haben alle eine perfekte Balance und es wird deutlich, dass sie - von einem erfahrenen Jäger genutzt bemerkenswert effizient sind.

Provenienz: Charles Edwards, London (1960er Jahre) Colin Gross, London (ca. 1999) Finch & Co, London (2008) Edric van Vreedenburg, Belgien

Eine feine niederländisch-koloniale Ebenholzbox mit Silbermontierungen Koromandelküste, Masulipatnam oder Batavia (Jakarta), 2. Hälfte des 17. Jahrhunderts H. 17,8 x B. 33 x T. 22 cm Die Flachrelief-Schnitzerei von sich kräuselnden Ranken und großen Blumen ähnelt Gravuren in niederländischem Silber aus derselben Zeit.

Diese Art der Schnitzerei gehört zu den frühesten Arten der Schnitzerei in Ebenholz, die von den Niederländern in Asien in Auftrag gegeben wurden. Die Koromandelküste beherbergte eine wichtige Industrie zur Herstellung von

geschnitzten Ebenholzmöbeln, bevor die Niederländer dort ankamen. Im frühen 17.

Jahrhundert wurde die niederländische Präsenz an der Küste bedeutender. Sie bestellten ihre “Custmeubelen” oder Küstenmöbel hier, weil es anfangs der einzige Ort war, an dem sie die sehr begehrten Ebenholzmöbel bekommen konnten. Aufgrund schwerer Hungersnöte und vieler Kriege an der Küste in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts mussten viele lokale Möbelhersteller und andere Handwerker sich den Niederländern als Sklaven verkaufen. Viele von ihnen übten ihr Handwerk schließlich in Batavia aus.

Eine seltene japanische ExportlackSchmuckschatulle mit Einlagen aus Edelmaterialien, möglicherweise vom KichibeiStudio Japan, 1630-1640 H. 20,3 x B. 25,4 x T. 19 cm Diese reich verzierte Schmuckschatulle mit konkavem Deckel gehört zu einer Periode im japanischen Exportlack, die als Übergangsphase bezeichnet wird. Nachdem die niederländische Ostindien-Kompanie das portugiesische Monopol auf Lackwaren übernommen hatte, verlagerten japanische Lackhandwerker langsam ihren Stil vom gut dokumentierten NambanStil hin zum sogenannten Koumou-Stil, um die Nachfrage ihrer neuen “rothaarigen” Kundschaft zu befriedigen.

Dies bedeutete, dass sie die Verwendung von geometrischen Grenzen mit großzügiger Verwendung von Perlmutteinlagen zugunsten eines nüchterneren, malerischen Stils auf einem

feierlichen schwarzen Hintergrund aufgaben.

Wie bei dieser bemerkenswerten Schatulle zu sehen ist, zeigen die Verzierungen noch Reste der von den Portugiesen bevorzugten dekorativen Grenzen und Kartuschen, während sie gleichzeitig eine starke Entwicklung hin zur neuen Mode zeigen, die nach den 1650er Jahren den japanischen Exportlack dominierte.

Was dieses Kunstwerk so bemerkenswert macht, ist nicht nur die Tatsache, dass es die früheste bekannte Schmuckschatulle dieser Art ist und in welch makellosem Zustand es erhalten geblieben ist, sondern auch der subtile Einsatz von Einlagen aus einigen der seltensten Materialien, die damals verfügbar waren.

Letzteres könnte sogar auf eine Verbindung zum einzigen bekannten signierten Lackgegenstand des 17. Jahrhunderts hinweisen, der dem

The sides of the cabinet with on the right the thistle with the initials M W in the centre highlighted.

💛

‘The William and Mary Cabinet.’

A magnificent Dutch marquetry cabinet on stand, by Jan van Mekeren (1658-1733) possibly made for William III and Mary of England Amsterdam, circa 1687 The oak cabinet is decorated with ëarabesqueí or ëseaweedí marquetry in Turkish walnut (Juglans regia) on a holly (Ilex aquifolium) font, surrounded by a kingwood (Dalbergia cearensis) border.

The top has a modest rectangular cornice of a frieze over two doors revealing the interior fitted with four shelves and five drawers. The inside of the doors and the drawer fronts are veneered with plain cedar (probably Cedrus atlantica). The stand has a frieze drawer and is raised on six S-shaped legs, joined by shaped stretchers and raised on turned ball feet.

The entire cabinet, from the cornice to the stretchers, is covered in marquetry.

H. 209 x W. 178 x D. 67 cm Provenance: King William & Queen Mary of England or their very close circle, thence by descent (possibly) Noble collection, England Literature: Monique Riccardi-Cubitt, Art of the Cabinet, Thames & Hudson, London, 1992, ill. p. 96 (as English, c. 1695)

The stellar feature of this cabinet is the fine marquetry, which shows scrolling vines, plants, and fruits, clearly recognisable but abstract. The latter’s design was not chosen randomly, for it is filled with symbolism specific to the marriage between William of Orange and Mary Stuart. The letters M and W can be found above each other on each side of the cabinet, with vines and leaves forming a heart in between, praised on each side by a narcissus (a spring flower symbol of new beginnings), placed within a giant thistle. W is in the centre of the cartouche, but M is not. When the M is noticed, one will also see the thistle.

Further, the well-known symbols for the House of Orange, recognisable by many in the Netherlands, have prominent places

on the cabinet, such as the Appeltjes van Oranje, which are oranges and their blossom (recognisable because it is the only plant bearing fruit and blossom at the same time); roses for England, olive branches, a symbol of peace and stability (a result of the alliance between England and Holland); thistles (the symbol of the House of - Mary - Stuart, and Scotland); mistletoe, growing in pairs of branches and leaves (stands for being a couple) and is evergreen (for eternity); hazelnuts for fertility; and sunflowers for the transitoriness of/and kinship.

There is, even more iconography, but intended for a specific spectator, possibly even William and Mary. The eagles, which stand for sharp insight and high ideals, pick wheat that could stand for life after death, reminding the spectator that however high one’s ideals are, life is limited. Furthermore, a heart shape within

The presumed date of this cabinet certainly matches.

Today we can’t comprehend that 17th-century people would immediately understand the symbolism. However, sources prove that myths and symbolism were part of education and shared knowledge, at least amongst the literate and educated upper class. With the intricate decoration, a cabinet like this would be a good enough conversation piece for William’s and Mary’s status. After all, a generic one with just a geometric motif was for ordinary people. On the other hand, a cabinet with custom-made iconography would be most entertaining to guests in a candle-lit drawing room. You can imagine a company chatting about the different flowers and their meanings. Another argument for the symbolism being not hidden is a bureau in the Royal Collection Trust, which Gerrit Jensen delivered (in whose studio Van Mekeren worked) in 1690 to William as present on the cabinet, but with a monogram, showing that they were not hidden on both pieces.

There is also a gueridon known, not documented, but by repute in the United Kingdom, with the same decoration.

Now the essential feature of the cabinet is something never seen

on Dutch period furniture before. It is something that - if not mentioned here - many would not even notice. When taking a few steps back, the scrolling vines, plants and flowers will combine, revealing a ferocious but proud Dutch crowned lion’s head on each door glaring back at the spectator.

All these symbols, together with the lion and eagles, are seen on the portrait of the young William III by Jan Davidsz de Heem and Jan Vermeer van Utrecht and on an and Mary. The decoration holds the same flora and symbolism as this cabinet, the only difference being a clear monogram with a crown above.

The symbolic plants and flowers are just as present on the cabinet, but with a monogram, showing that they were not hidden on both pieces. There is also a gueridon known, not documented, but by repute in the

United Kingdom, with the same decoration.

Now the essential feature of the cabinet is something never seen on Dutch period furniture before. It is something that - if not mentioned here - many would not even notice. When taking a few steps back, the scrolling vines, plants and flowers will combine, revealing a ferocious but proud Dutch crowned lion’s head on each door glaring back at the spectator.

All these symbols, together with the lion and eagles, are seen on the portrait of the young William III by Jan Davidsz de Heem and Jan Vermeer van Utrecht and on an engraving

by Pieter van Gunst after Jean Henri Brandon and the designer seems to have used this image for the decoration of this cabinet. Even more plants with their meanings can be identified, as well as combinations that were intended to be made, which could reveal even more spectator-specific meanings. Unfortunately, much of the meaning of the 17th century and earlier symbols has been lost or has yet to be studied.

Jan van Mekeren had six children with his wife, Maria. He had intended for his first son Fikko, born in 1693, to succeed him as a cabinetmaker, but unfor-

tunately, Fikko died in 1731.

After Jan’s death in 1733, the wood trade was continued by his daughter-in-law, but there was no one able to continue his cabinet-making business. Despite a 1624 regulation stipulating members of the Amsterdam cabinetmaker’s guild who offered their wares for sale in the guildís shop, furniture makers in 17th and 18th century Holland hardly marked their work. However, thanks to the inventory after Jan’s death, there is a good list of his workpieces with thorough descriptions, prices, and the names of his clientele.

The estate included many finished and unfinished pieces of furniture, an extensive collection of cabinet woods, and, most interesting, a long list of claims with names of the debtors and the amounts due. Most debtors were well-known Amsterdam patricians.

This cabinet is officially the eighth documented cabinet entirely attributed to, and thus by, Jan van Mekeren. The cabinet’s construction is nearly identical to that of the Van Mekeren Cabinet already in our collection, but also to that of the cabinet in the Rijksmuseum. The construction of the doors is still original and identical to that of the Rijksmuseum. Furthermore, some parts of the marquetry design on the doors and the cen-

17

The ‘Blommenkast’ floral marquetry cabinet-on-stand by Jan van Mekeren (1658-1733) Amsterdam, circa 1700

H. 206 x W. 171 x D. 61 cm

tral marquetry at the front and sides of the frieze are the same as the design on other cabinets

by Van Mekeren.

Two other cabinets of similar form to the present one are known, which can be found at the Fabergé Museum in St. Petersburg, Russia. The other is in the National Trust Kingston Lacy, United Kingdom. However, the construction has not been studied, and the marquetry differs - although it is of the same quality.

Van Mekeren stayed in London around 1682, presumably to master the art of marquetry.

There he is mentioned as an employee of Gerrit Bream, another Dutchman who worked as a furniture maker and marqueteur. It is almost certain that Van Mekeren learned from and worked for Gerrit Jensen (16671715), England’s most famous furniture maker. The influence of Jensen is visible in the cabinet present since the marquetry is still in a somewhat English style.

Together with the form of the

stand, it is an argument for the dating of this cabinet and the possibility of it being one of the earliest works by Van Mekeren.

Remarkably, the other two cabinets mentioned earlier have the same stand but differ in marquetry. The Fabergé cabinet shows a more ‘seaweed’ marquetry closely related to the Jensen workshop manner, and the Kingston Lacy cabinet a bolder marquetry closer to Dutch fashion. The cabinet presented here is right in between and therefore shows a certain tranquillity in the composition. Arguably, these cabinets were made shortly after one another after his arrival around 1686-87 and show Van Mekeren losing the influence of Jensen. The Fabergé cabinet was probably made right after Van Mekerenís return to the Netherlands, possibly even with Jensenís marquetry brought with him as a head start. Because of this ‘Jensen’ style marquetry, we can assume it was made in 1687.

Zugeschrieben an Ludolf de Jongh (1616-1679) Studie eines Hundes Öl auf Papier, auf Holztafel geklebt, 17,5 x 25,5 cm Provenienz Private Sammlung, Niederlande Wir sind Herrn Fred Meijer für seine Zuschreibung an Ludolf de Jongh dankbar.

Ludolf de Jongh war der Sohn eines Schuhmachers. Als sein Vater nach Rotterdam zog, entschied sich der junge Ludolf, Kunst zu lernen statt Schuhmacher zu werden und wurde Schüler von Cornelis Saftleven. Später studierte er bei Anthony Palamedes in Delft und noch später bei Jan van Bijlert in Utrecht.

1635 reiste er mit Francis Bacon nach Frankreich. Sieben Jahre später, 1642, kehrte er in die Niederlande zurück, als er hörte, dass seine Mutter erkrankt war. Er eröffnete ein Geschäft in Rotterdam, und seine ersten signierten Gemälde stammen aus diesem Jahr.

Laut Houbraken sprach er durch seine Reisen so fließend Französisch, dass seine Eltern Französisch lernen mussten, um mit ihm zu sprechen.

De Jonghs Werk zeigt einen starken Einfluss von der Utrechter Schule der CaravaggioBewunderer, insbesondere von Jacob Duck, aber auch von Pieter de Hooch. In den 1650er Jahren war er einer der modischsten Maler von Rotterdam. Er experimentierte in dieser Zeit mit verschiedenen Innovationen im Porträt, sowohl aus psychologischer Sicht mit Ausdrücken als auch im Umgang mit Raum und Licht. Er heiratete die Tochter eines Mitglieds der höchsten Kreise von Rotterdam, Pieter Montagne, und wurde zum Major in der Schutterij ernannt, ein Amt, das er bis zu seinem Tod 1697 ausübte.

Ab 1660 malte er weniger, was möglicherweise auf seine Verantwortlichkeiten als Major, als Händler und später als Magistrat in Hillegersberg zurückzuführen ist.

Ein antiker hindu-javanischer goldener Zeremoniendolch oder Keris-Griff oder Abschluss Indonesien, Zentral-Java, zentral-javanische Periode, 2. Hälfte 9. Jahrhundert n. Chr. Maße: H. 14,7 x B. 7,8 x T. 8,1 cm Gewicht: 126,2 Gramm Dieses Objekt ist beim Dokumentationszentrum für alte indonesische Kunst in Amsterdam registriert.

Wir danken dem Dokumentationszentrum für alte indonesische Kunst in Amsterdam und Herrn Jaap Polak für ihre Hilfe bei der Bestimmung der Einzelheiten und des Datums dieses Abschlusses.

Herkunft: Sammlung eines Notabeln aus Den Haag, der um 1900 in den ehemaligen Niederländischen Ostindien verweilte; darauffolgend durch Erbschaft Gekauft vom oben genannten von einem renommierten niederländischen Sammler (Name ist uns bekannt) zwischen 1970 und 1980 Dieser goldene Abschluss wurde in ZentralJava, Yogyakarta, von einem bemerkenswerten Niederländer gekauft, der um 1900 in Indonesien war. Angeblich wurde er in zwei Teilen (den unteren und oberen Teilen, die getrennt gegossen wurden) von Einheimischen gefunden.

Nach einem heftigen Regensturm und einem darauf folgenden Erdrutsch suchten sie in einer lokalen Flussbiegung, die dafür bekannt war, dass während des Monsuns alte Goldschmuckstücke an Land gespült wurden.

Der große untere Teil, der obere Teil und die Spitze, die von drei Einheimischen gefunden wurden, wurden separat verkauft. Dem Vernehmen nach kaufte der Mann zufällig die drei Teile und fand erst mehrere Jahre später heraus, dass diese drei Teile - zufällig unter dem Rest seiner Sammlung ausgestellt zusammenpassten und ein einziger Abschluss waren.

Nur wenige dieser geheimnisvollen Objekte sind bekannt. Darunter ein oberer Teil eines Abschlusses, fast identisch mit dem hier vorgestellten, im Metropolitan Museum New York (Inventarnummer 1998.544.56) und einige in der Nationalgalerie in Jakarta (alle beim Dokumentationszentrum registriert). Einige behaupten, es handele sich um den Abschluss eines königlichen Schirms, aber wir, wie auch andere, schlagen vor, dass es der Griff eines Zeremoniendolches oder Schwertes ist, dessen Eisenklinge längst im Boden zersetzt wurde.

Wir möchten jedoch, im Gegensatz zum

Dokumentationszentrum für alte indonesische Kunst, argumentieren, dass die Form des heutigen Keris-Griffes auf den tatsächlichen Gebrauch dieser goldenen Abschlüsse hinweist. Er ähnelt stark der gebogenen Kurve, dem Durchbrucharbeit und dem abstrakten Aussehen einiger Keris-Griffe. Obwohl die reine Größe dieses Griffs (und die Klinge, die er getragen hat) nicht mit dem heutigen Keris auf Java übereinstimmt, tut sie dies mit den Dolchen der Balinesen. Logisch gesehen würde uns die alte Hindu-Kultur von Bali - von der wir annehmen können, dass sie mehr der hindu-javanischen Kultur als der javanischen Kultur von heute ähnelt - antworten.

Der Griff würde mit Ton gefüllt werden, und obwohl das Gold ohne diesen stabilen Kern ziemlich fest ist, wäre es nicht für einen Schirm geeignet. Die Dekoration würde verhindern, dass man ihn längere Zeit hochhält, und noch wichtiger, der Druck auf das Gold, der durch den Schirm selbst erzeugt wird, wäre zu hoch, was dazu führen würde, dass er bricht oder sich verbiegt. Außerdem würde er auch nicht als Abschluss eines größeren Schwertes dienen. Das Gewicht der Klinge würde den Abschluss anfällig für Beschädigungen machen.

Daher könnte man vorschlagen, dass dieser Abschluss hauptsächlich eine zeremonielle Funktion hatte. Ein König, der einen Dolch mit einem so prunkvollen Griff trug, war so reich, dass er nicht kämpfen musste.

Nicht im Kampf gehandhabt, in einen Sarong gesteckt oder in einen Ständer gestellt, wenn er nicht benutzt wurde, wäre der Griff vor möglichen Schäden sicher.

Die vertikalen stilisierten Blumenbänder, die aus den Blättern einer Lotusblume hervorgehen, können auch in einem V-förmigen Ohranhänger aus der gleichen Periode gesehen werden, der zuvor in der Sammlung von Polak (19381984) war. Dieses Motiv findet sich im Prah Koh Tempel und in einer weiteren Entwicklung im Baphuon und den Ankor Vat Tempeln in Kambodscha.

Diese stilistische Entwicklung fand auch in Zentral-Java statt, was angesichts der frühen Kontakte zwischen Java und Kambodscha kaum überraschend ist. (Siehe: Jaap Polak, Ancient Indonesian Gold, C. Zwartenkot Art Books, Leiden, 2022, S. 157159, Nr. 19)

Die Geschichte des Keris wird allgemein durch das Studium von Schnitzereien und Basreliefpaneelen in Java, Indonesien, nachverfolgt. Einige der bekanntesten Darstellungen eines Dolches oder eines frühen Keris finden sich in den Basreliefs von Borobudur (825 n. Chr.) und Prambanan-Tempel (850 n. Chr.), die aus dem Hindu-Buddhistischen Mataram-Königreich in Zentral-Java stammen. Außerdem wurde der Begriff Keris in mehreren alten javanischen Inschriften erwähnt, darunter die HumandingInschrift (707 Saka oder 875 n. Chr.), JurunganInschrift und Haliwangbang-Inschrift (708 Saka oder 876 n. Chr.), Taji-Inschrift (823 Saka oder 901 n. Chr.), Poh-Inschrift (827 Saka oder 905 n.

Chr.) und Rukam-Inschrift (829 Saka oder 907 n.

Chr.).

Die Beschreibung eines kleinen Dolches aus Java, der an den Keris erinnert, findet sich auch in einer chinesischen Quelle aus der Song-Dynastie des 10. Jahrhunderts. Im Jahr 992 n. Chr. kam der Gesandte aus She-po (Java) am chinesischen Hof an “mit vielen Geschenken, bestehend aus einem Dolch mit einem exquisiten Griff aus Nashornhorn und Gold, Seide mit Blumenmotiven aus Goldfäden, Elfenbein, Perlen, Seide verschiedener Farben, duftendem Sandelholz, Baumwollkleidung verschiedener Farben, Schildkrötenpanzern, Betel-Sets, einer Rattanmatte mit dem Bild eines weißen Kakadus und einem kleinen Modell eines Hauses aus Sandelholz, verziert mit wertvollen Ornamenten.”

Literatur: Jan Fontein, The Sculpture of Indonesia, National Gallery of Art Washington, 1990, S. 108 (vergleichbar) Jaap Polak, Ancient Indonesian Gold, C. Zwartenkot Art Books, Leiden, 2022 (Vergleich Blumenmotiv)Zugeschrieben an Ludolf de Jongh (1616-1679)

Ein hervorragend eingelegter vizeköniglicher mexikanischer Koffer mit aufwendigen Silberbeschlägen Mexiko, spanische Kolonialzeit, (spätes) 17.

Jahrhundert, circa 1650-1690 H. 33 x B. 40 x T. 27 cm Das Innere ist lackiert, wobei die Innenseite des gewölbten Deckels mit dem IHS-Abzeichen verziert ist, welches für die Jesuiten in Mexiko steht. Möglicherweise wurde dieser Koffer als Reliquienschrein in einer der vielen Kirchen Mexikos verwendet, aber dies ist nicht sicher.

Herkunft: Adlige Sammlung, Spanien

Ein früher kolonialer Silberdraht-Filigran-Kasten Indien, Sri Lanka oder Batava (Jakarta), chinesische Arbeit, 1. Hälfte des 17. Jahrhunderts Ca. H. 10 x B. 7 x T. 5 cm Das Besondere an diesem feinen Filigran-Kasten ist die Darstellung eines triumphierenden Triton mit Trompete. Soweit wir wissen, ist dies der einzige bekannte Filigran-Kasten mit figürlichen Darstellungen darauf.

Ein viktorianisches Gehäuse mit ausgestopftem Prachtquetzal (Pharomachrus Mocinna) England, 19. Jahrhundert H. 82 cm Quetzale sind auffällig gefärbte Vögel aus der Familie der Trogone und leben in den feuchten neotropischen Hochlandregionen. Quetzale haben schillernde grüne oder gold-grüne Flügeldecken, Rücken, Brust und Kopf mit einem roten Bauch. Sie zeigen einen starken Geschlechtsdimorphismus, und Teile des Gefieders der Weibchen sind braun oder grau. Diese größtenteils einzelgängerischen Vögel ernähren sich von Früchten, Beeren, Insekten und kleinen Wirbeltieren. Trotz ihrer berühmten, leuchtenden Gefieder können sie in ihrem natürlichen Waldlebensraum schwer zu erkennen sein. Der Schwanz des Männchens ist zudem länger als sein Körper.

Dieser Vogel hat eine sehr wichtige Bedeutung in der mesoamerikanischen Kultur. Er ist der Nationalvogel von Guatemala und ist auf dessen Flagge und Wappen abgebildet. In der Maya-Mythologie wird er mit der Schlangengottheit Quetzalcoatl und dem Widerstand gegen die spanische Eroberung in Verbindung gebracht.

Ein mit Walross-Elfenbein und blauem Glas eingelegtes osmanisches Messer Türkei oder Balkan, Osmanisches Reich, 18.-19.

Jahrhundert L. 19,7 cm Dieses bemerkenswerte Messer verkörpert brillant die Kunstfertigkeit, die so oft auf außergewöhnliche Stücke von Waffen und Rüstungen angewendet wurde. Seine Scheide ist kunstvoll mit Rondellen in einer schillernden Vielfalt von Farben und Mustern verziert.

Der Griff besteht aus facettiertem blauen Glas, während die Stahlklinge eine Imitation von Damaszierung zeigt und an drei gleichmäßigen Stellen direkt unterhalb des Klingenrückens mit Korallenperlen besetzt ist. Die Oberfläche der Klinge ist auf dem größten Teil ihrer Länge mit einer Inschrift auf der einen Seite mit einem Teil des Nada ‘Ali-Vierzeilers und auf der anderen mit “... Muluk (?) Sultan Malik Tahir (?)” (“... der Könige (?), Sultan Malik Tahir (?)”) graviert, umgeben von Rebenranken, die Reste der ursprünglichen Vergoldung zeigen. Vergoldete Sternmotive zieren ebenfalls den Klingenrücken.

Die Scheide aus Walross-Elfenbein ist reichlich mit Khatamkari-Rondellen besetzt, die himmlische Motive mit Edelsteinen, Perlmutt und verschiedenen Metallen zeigen.

Besonders prächtig sind die Ebenholz-Tesserae, die mit spitzen Sternen in Gold überzogen sind, wobei einige der größeren Beispiele in der Mitte mit einem eingefassten Türkis oder goldenen konzentrischen Kreisen verziert sind.

Der Handwerker hat große Anstrengungen unternommen, um sicherzustellen, dass fast kein Raum unbelegt bleibt, und lädt uns ein, die Oberfläche der Scheide so zu betrachten, als würden wir einen belebten Nachthimmel betrachten. Es ist auch interessant zu bemerken, dass das zentrale Rondell der Vorderseite auf einem schimmernden weißen PerlmuttHintergrund verziert ist, während das auf der Rückseite schwarz (Ebenholz) ist, als ob die Vorder- und Rückseite der Scheide den Tagund Nachthimmel repräsentieren würden. Der vergoldet-silberne Kragen und die Spitze der Scheide sind gestanzt und gejagt, um stilisierte Blätter und Rondelle nachzuahmen, die die zentrale Oberfläche der Scheide imitieren, und sind weiterhin mit kleinen Türkisen sowie farbigen Edelsteinen besetzt, wobei die Spitze in einem kreuzgeschliffenen Eichel-Abschluss endet.

Ein Miniatur-Schwert im Walters Art Museum (Zugangsnummer 51.79) zeigt eine ähnliche Reihenfolge von Einlagen entlang der Rückenkante seiner Klinge.

Published by

Guus Röell and Dickie Zebregs Munich Highlights 2023 Amsterdam 1017DP, Keizersgracht 541-543 dickie@zebregsroell.com tel. +31 620743671

Maastricht 6211 LN, Tongersestraat 2 guus.roell@xs4all.nl tel. +31 653211649 More images and further readings can be found at www.zebregsroell.com Photography Michiel Stokmans Portrait Diederick Bulstra Photography

ZEBREGS&RÖELL FINE ART - ANTIQUES

WWW.ZEBREGSROELL.COM