Revista Marvin 88:: Morbo by Revista Marvin

mvn 88 / febrero 2011 / calle 13 / morbo

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Colaboran en este número Benjamín Acosta, Fausto Alzati, Jorge Arias, Natalia Cano, “Chico Migraña”, Erick Estrada, Arthur Alan Gore, Carlos Gutiérrez, Óscar G. Hernández, Juan Carlos Hidalgo, Andrés Ibarra Ríos “Chelito”, “El Jergas”, David Meléndez, Mildred Pérez, Jesús Serrano, Rafael Toriz, Regina Zamorano. Fotografía Ozcorp, Synthia Franco. ilustración 18 81, Daniel Petris.

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Será un dicho popular choteadísimo, pero algo que nunca podremos refutarle a nuestros padres es la típica advertencia: “Nunca digas que de esa agua no beberás”. A menos que el nihilismo sea llevado hasta sus últimas consecuencias, infinidad de circunstancias nos conducen a probar con personas, alimentos, lugares… y sí, música que antes nos pareció vomitiva. Hace algunos años, recibí una llamada de la entonces coordinadora editorial de Marvin para que cubriera una tocada de Calle 13. Después de aguantarme el coraje, a regañadientes confirmé mi asistencia y resignado me dirigí al lugar –mientras en mi cabeza convivían burlonamente las palabras de mi padre con el híper boricua “Atré, ve, te, te, te” –. Aunque el poder de un estigma es enorme, esa noche Calle 13 demostró ser mucho más que una simple banda de reggaeton; además de que su irreverencia prometía algo inaplazable: en noviembre de 2010 lanzaron Entren los que quieran, un disco que despotrica con esa ponzoña que tanto falta a las bandas de rock actuales. Por esa y otras razones, Calle 13 es la portada de esta edición dedicada a explorar los turbios mecanismos del morbo, ese motor insaciable e impersonal que determina más cuestiones vitales de las que creemos, o estaríamos dispuestos a aceptar públicamente.

EDITORIAL

d i r e c t o r i o

Vicente Jáuregui

MARVIN es una publicación mensual de Milvoces, S.A. de C.V. con domicilio en Calle Cozumel, 61 int. 4, Col. Roma Norte, C.P. 06700, Delegación Cuauhtémoc, México D.F. Tel/Fax:: (55) 1998 0808/1818.

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contenido MVN mvn 86 88 / LOS febrero BUNKERS 2011- GIRA / calle INSURGENTES 13 / morbo 2010 / RECICLAJE

20 6 BUENAS NUEVAS. Noticias de música, cine y arte. 10 ESTILO Tendencias actuales. 11 GADGETS Lo último en tecnología.

Música

12 MÚSICA NUEVA. Carla Morrison. ¿Por qué nos gusta tanto estar enamorados?

14 MÚSICA NUEVA. Twin Tones. Un tributo al spaghetti western. 16 Deerhoof Vs el diablo. 18 St. Vincent. Just a girl from Texas… 22 Mogwai. La desfachatez del rock cerebral en el séptimo día. 24 Kanye West. La hermosa, oscura y retorcida cima de la ambición. 26 The Go! Team o de la fórmula de la felicidad.

PJ H a r v e y.

Convulsiones del mundo interior.

28 OMD: Esto no era música pop. 30 The Flaming Lips. Entrevista exclusiva con Wayne Coyne. 34 El morbo vende, we. 62 DE CULTO Morbo somos y en morbo nos convertiremos.

CINE

46 Ron Jeremy. “La primera vez es la peor”.

En portada

Calle 13. La Revolución Latinoamericana

48 Darren Aronofsky: El cisne negro. 50 Ethan y Joel Coen: Temple de acero. 52 A Serbian Film: el morbo más allá del morbo. 54 Olallo Rubio. This is not a film. 66 DE CULTO El morbo que parecía inocente.

ARTE

56 CÓMIC 58 Flavio Bizzarri. Tiempo suspendido. 68 DE CULTO Body Art. En carne propia.

DE FONDO Jesús Serrano Siempre pendiente del mal de aurora. Fanático de ir a misa y del miércoles de ceniza. Admirador de los personajes repulsivos e infames que nuestro país (curas pederastas, políticos asesinos, policías corruptos) produce constantemente. Tengo dos objetivos en la vida: encontrar el auto que me acaban de robar, o hacer que el seguro me lo pague, y tocar con Lou Reed. También me gusta la música.

36 La vida como telenovela. 38 Del galano arte de vestirse como dama.

RESEÑAS

MÚSICA 70/ CINE 75/ EDUCACIÓN 76/ LIBROS 77/ GAMER 78/ LINKS 79 80 EL PILÓN Ricardo Giraldo. Director de Ambulante.

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Flavio Bizzarri

Los Daniels

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Durante el mes de febrero, estrenamos web. Visita marvin.com.mx y descubre nuestro sitio renovado. Nuevas imágenes, mejores secciones y un sitio más navegable.

Descargas ¡Dios mío! entra a nuestra sección descargas y encuentra tracks de Movus, Napoleón Solo, Carla Morrison, Nos Llamamos, Capo, Nortec, Vicente Gayo y más.

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esencia marvin no. 21

JOE VOLUME NOS LLAMAMOS

Enero es el mes del letargo. Apenas logramos reponernos del maratón de reventones interminables, cuando un frente frío sugería escuchar algo estridente para sacudir la modorra. Nos Llamamos es una banda que desde sus inicios logró una identidad sonora con letras crípticas, melodías vocales intransigentes, además de una predisposición natural para explotar sus canciones con disonancias y ruido blanco. Ellos fueron los encargados de abrir la primer Esencia Marvin del año, a ritmo de fuzz y toneladas de eco. Después vino el señor Joe Volume, quien desde la primer canción se encargó de despeinar al personal con riffs ponzoñosos, voz aguardentosa y un sonido mitad garage y mitad punk. Entre cada rola, Joe se golpea las mejillas, se tira al suelo y pregunta a la audiencia en qué nivel etílico se encuentra. Casi al final del set, Toño Tranquilino de Yokozuna fue invitado al escenario para tocar un blues de Muddy Waters. Así, la Esencia Marvin de ásperos guitarrazos llegó a su fin para augurar un muy buen año. Para el mes de febrero, Esencia Marvin contará con dos invitados para rockear el escenario del Imperial: el primer miércoles de febrero, Furland y Ceci Bastida (ex Tijuana No) nos ofrecerán sus canciones luminosas. Para ganar pases dobles visita www.marvin.com.mx FOT:: Oscar Villanueva.

start a party UNDER THE MAYAN SUN by J&B Llegó el 27 de noviembre, la ansiada fecha en la que la Fiesta Global de J&B se realizaría por primera vez en México, y qué mejor lugar que La Riviera Maya como escenario para que los 400 invitados de varias partes del mundo y afortunados ganadores del viaje, pudieran disfrutar de deliciosos cocteles preparados con J&B, presenciando los actos en vivo de No Somos Machos y Kinky, bailando en arenas blancas a ritmo de rituales mayas entre antorchas, tambores, bailarines, chamanes, penachos con plumas y obviamente el personaje que nunca falta en estas fiestas, el Hombre Bola y sus guapas acompañantes.

En la conferencia de prensa previa al evento se presentaron y prepararon en vivo los cocteles oficiales del evento: Fire of the Sunrise (basado en jugo de naranja y mango) Zama Zing (con jugo de arándano y toronja), Castillo de Oro (con crema de cacao picante) y Guanabana Sling (jugo de guanábana y cerveza de jengibre), todos combinados obviamente con el principal ingrediente, whisky J&B. La celebración fue larga y no paró hasta la llegada del nuevo sol, donde los invitados contemplaron el amanecer en la playa, ya a ritmo de tranquilas

olas, y con Tulum a cuestas. Start a Party, Under the Mayan Sun se suma a la larga lista de fiestas legendarias de J&B en lugares emblemáticos de todo el mundo, como Capadocia en Turquía, Transilvania en Rumanía y Byblos en el Líbano. Este año continúan las fiestas de J&B, estén pendientes porque pronto les informaremos dónde será la próxima y qué es lo que tienen que hacer para ganarse una de las codiciadas entradas.

KINOKI

S e x t a

e d i c i ó n

ambulante

7ma edición

La Selección Oficial conformada por los mejores 40 cortometrajes en diferentes categorías (ficción, animación, documental y experimental) está lista y sólo resta esperar a que sean presentados en la séptima edición del Festival Kinoki (nombre surgido en uno de los primeros movimientos del cine documental, desarrollado en los años 20 por Dziga Vertov). Durante la semana del 21 al 25 de febrero, talleres, master classes y la proyección de los cortometrajes seleccionados, serán los eventos a presentarse en la Universidad Iberoamericana, con la intención de preservar un festival que año con año ha dado difusión a la voz de universitarios, a fin de promover nuevas miradas al séptimo arte. Sin duda una gran oportunidad para promover la creación audiovisual universitaria. Sigan de cerca las actividades del Festival Kinoki a través de www.festivalkinoki.com/kinoki

El proyecto que hace unos años idearon Gael García Bernal, Diego Luna y Pablo Cruz, se logró materializar en 2005 como una organización que tiene como objetivo promover el documental en México, mediante una gira que ha logrado incrementar año con año los niveles de asistencia, presentando una selección con más de 51 títulos en más de 100 sedes ubicadas en 12 estados del país. Además de realizar diversas actividades enfocadas en promover y difundir el desarrollo y producción del documental a través de becas, talleres y pláticas con especialistas, en la sexta edición del Festival Ambulante se estará presentando por primera vez Ambulantito, un espacio dedicado a los pequeños y jóvenes en el que se pretende buscar una mirada crítica y global de situaciones problemáticas y realidades sociales a través de siete pequeños documentales. Otra actividad programada es la retrospectiva al trabajo de la cineasta vietnamita Trinh T. Minh-ha, quien ha desafiado y cuestionado el sistema occidental y comercial de la producción de documentales, desde una mirada crítica y reflexiva. Por otra parte, la sección Sonidero presentará documentales de Blur, Gruff Rhys, Benda Bilili, Feist, Phil Spector y de hip-hop, y durante los próximos 8, 9 y 10 de abril, Ambulante presentará películas documentales en la 12va edición del Vive Latino, donde se instalará una Carpa Ambulante con capacidad de entre 500 y 1, 000 personas, para presentar tres documentales por día. La sexta edición de Ambulante Gira de Documentales se llevará acabo del 11 de febrero al 5 de mayo en la Ciudad de México y once estados de la República Mexicana.

FICUNAM Un apoyo para el cine joven mexicano

Existen varios trabajos fílmicos que se quedan enlatados y no logran trascender por falta de difusión y apoyo a la industria cinematográfica. Ante tal situación la Universidad Autónoma de México ha decidido convocar la primera edición del festival de cine internacional FICUNAM, un espacio para dar a conocer el trabajo de directores emergentes, la oportunidad de exhibir cine contemporáneo internacional y la proyección de cine independiente nacional. Con apoyo de la Dirección General de Actividades Cinematográficas y el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos, FICUNAM busca hacer del cine una fiesta durante los días que van del 24 de febrero al 3 de marzo de 2011.

Belle & Sebastian Pequeñas dosis de drogas, orgías y chismes

Para los fans que no se saciaron con los conciertos que Belle & Sebastian ofreció hace un par de meses, ahora podrán leer un libro escrito por Stuart Murdoch, quien desde hace un tiempo mantiene un diario en línea en el sitio web de la banda. Como se puede leer en www.belleandsebastian.com, podremos leer una colección con todas las entradas que van de 2002 a 2006, pero con el formato de un nuevo libro que lleva el peculiar título The Celestial Café. La editorial encargada de lanzarlo durante los primeros meses de 2011 es Pomona Books, y el libro estará disponible en el sitio de la casa editora www.pomonauk.com Durante varios años Stuart sufrió una especie de cansancio inexplicable, mismo que le mantuvo inactivo hasta el día que, como por arte de magia, el trauma desapareció. Aunque lo narrado en este libro es posterior a esa etapa, nos revela que detrás de Murdoch habita una personalidad moldeada por la soledad y el sufrimiento. Además de que los capítulos del libro ahondan específicamente en las experiencias de la banda durante las giras de Dear Catastrophe Waitress y The Life Pursuit, según Murdoch y aunque en dosis muy leves, el libro trata sobre “ingesta de drogas, orgías y degenere en general”. TXT:: Vicente Jáuregui.

L a fá b r i c a de novelas Hace no mucho en Marvin ofrecimos la reseña de En mil pedazos, la novela autobiográfica con la que James Frey se topó con el éxito y el escándalo. Primero por ofrecer una descripción cruda sobre desintoxicación de drogas, y luego por entrar en los dimes y diretes con los programas más importantes de la televisión norteamericana. Siguiendo un tanto las habilidosas estrategias de uno de sus contemporáneos (Dave Eggers), este “listillo” ha buscado retomar las prácticas de escritura colectiva, pero desde la perspectiva de la literatura. La idea fue crear un dream team de negros escribanos que maquilaran novelas susceptibles de convertirse en best-sellers, o bien de ser vendidas a la industria del cine. Las críticas se acrecentaron cuando se dieron a conocer las condiciones en que contrata a los jóvenes valores que le siguen el juego, necesitados de la “gran cantidad de dinero” que paga (sic): $250 dólares (la mitad a la firma y el resto una vez entregado el material). A estos desesperados talentos no se les paga el 40% correspondiente por derechos de autor, y en caso de que tenga éxito tampoco tienen garantizado continuar en el proyecto. Conrad Rippy, abogado experto en asuntos editoriales y colaborador de New York Magazine, dijo: “Nunca en mis 16 años de carrera vi semejante contrato”. Para mayor sorpresa en torno al caso, la fórmula ya produjo algunos logros: I Am Number Four (en producción vía Dreamworks), The Montauk Project, y The Other World Chronicles (por la que Will Smith ya mostró interés). Retomando una estrategia que ya diera frutos en el campo de la plástica a Warhol, Jeff Koons y Damien Hirst, Frey se defiende alegando que sus contratos no son más violentos de los que suelen existir en Hollywood. Con todo, no logra quitarse la etiqueta del malo de la cinta, pocos lo considera un visionario, y muchos creen que pervierte la creación literaria con su fábrica para maquilar novelas. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Cut&Paste Los ganadores de la primera edición La primera edición de Cut&Paste causó muchas expectativas en nuestro país. Les presentamos a los ganadores de tan reñida convocatoria: en la categoría 2D, el ganador fue Christian Castro Antolin. Después, entre gritos de la gente y mucha música Eugenio García Villareal sería el ganador de 3-D. Para la categoría Motion Design la contienda fue exhaustiva e intensa, pero finalmente el ganador fue Bruno Ferreira. En la contienda digital geeky-licious se batieron a muerte 16 competidores, de los cuales sólo tres resultaron acreedores de un viaje a Nueva York para representar a México en las categorías correspondientes. Ahora sólo nos queda la expectativa por saber qué vendrá el próximo año para la segunda edición de Cut&Paste México.

10 estilo y gadgets

Easytone: tonificar, caminar y vestir al mismo tiempo. Classics EasyTone Tonifica tus músculos ¿Nunca has sentido que caminar sobre la arena tonifica y relaja tus pies? Con la nueva colección de modelos Reebok Classics para mujeres no solo tendrás mucho estilo, su tecnología EasyTone es ideal para moldear músculos clave de glúteos y piernas. Sus cápsulas con aire están diseñadas para fortalecerte mientras caminas o realizas actividades diarias, pero con mayor suavidad y amortiguación que otros tenis. Los modelos en colores blanco y negro están hechos con una lengüeta de cuero suave y flexible salpicada de detalles brillantes. Mientras que los diseños en rosa son una mezcla de nylon y gamuza con detalles de cuero metálico.

Una segunda piel más inteligente Mejora tu postura hasta en un 80% con las bandas tonificantes de las prendas Easytone de Reebok. Elaboradas de manera anatómica, se centran en los receptores nerviosos de la piel estimulando la propiocepción, mientras van tonificando músculos poco usados y débiles que permiten alinear mejor tu columna vertebral. Ya sea sentada o corriendo en el parque, el diseño de las prendas generan mayor comodidad y brindan un incremento de oxígeno para mejor capacidad pulmonar. Además, su tecnología PlayDry® dispersa la humedad, acelera la evaporación, incrementa la ventilación y reduce la fricción sin retener el calor del cuerpo.

Jockey Colección Tecnológica en 3D Jockey, la marca pionera en ropa interior presenta 3D-Physique™, una línea que se adapta al cuerpo humano para ofrecer un perfecto balance entre tela, silueta y fit. Este diseño de Jockey contiene una microfibra ligera que ayuda a eliminar el sudor excesivo de la piel y a balancear la temperatura corporal. Disfruta de la “Ingeniería anatómica” en varios y divertidos colores.

Trivia

Marvin y Jockey te regalan un Jockey Y-front. Para conocer la dinámica de la trivia, visita:

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3DS de Nintendo El futuro de los videojuegos Programado para salir en México durante marzo de 2011, la consola 3DS de Nintendo ya cuenta con algunos títulos en desarrollo como Zelda, Resident Evil, Metal Gear, Paper Mario, Chocobo Racing, Animal Crossing o Kingdom Hearts. De diseño similar a un Nintendo DS, ha causado sensación por ofrecer juegos en tres dimensiones sin necesidad de gafas y con imágenes que parecen tomar vida propia. Con su pantalla superior 3D y una inferior touch, tiene un stick digital añadido a la paleta de controles. Además, cuenta con una ranura para tarjetas SD, compatibilidad con los cartuchos de Nintendo DS y conexión Wi-Fi integrada de última generación.

MTM llega a México Conoce la línea OPS Fabricante de relojes militares a nivel mundial, MTM llegó a México para presentar la línea Pro OPS Series, compuesta de piezas de alta confiabilidad y rudeza. Tras varios años de investigación conjunta con las Fuerzas Especiales y los Navy Seals de los EUA, los Special Ops Watches son sin duda los relojes militares más innovadores y durables disponibles en el mercado. Cada una de estas exclusivas piezas de combate es aprobada por la GSA (General Services Administration), son de producción limitada y cuentan con un número de serie individual.

D-Link MyPocket Internet en tu bolsillo La necesidad de contar con Internet ya no reconoce tiempo ni espacio. El nuevo dispositivo D-Link, es un router de bolsillo que convierte la señal 3G en conectividad Wi-Fi. El modelo y la funcionalidad es como otro aparato similar; sin embargo, su gran ventaja es que no está asociada a ninguna compañía operadora y puede ser usado con la tarjeta que queramos. Funciona con velocidades de hasta 3.6 Mbps, La conectividad Wi-Fi generada es de tipo 802.11g, permite que se conecten hasta 16 equipos y la batería aguanta hasta 2 horas. Es compatible con Mac y PC.

12 música nueva

¿ p o r q u é n o s g u s ta ta n t o e s ta r e n a m o r a d o s ? TXT:: Carlos Jaimes. FOT:: Paulina Suarez

Cantarle

al amor no es tarea fácil, no en estos tiempos en donde el acelerado ritmo de vida generado por la modernidad, nos impide tomar un momento para reflexionar sobre este y otros temas relacionados. Si bien es fácil hablar de amor y lograr que la gente se identifique con el discurso, no lo es el escribir canciones sobre los sentimientos sin convertirse en un payaso pseudo-trovador. Dicha labor requiere talento y sensibilidad para ir más allá de lo obvio. Carla Morrison las tiene, y es por eso que los versos de esta romántica contemporánea originaria de Tecate, Baja California, han cobrado una rápida popularidad en los últimos años. Teniendo estas dos virtudes, no requirió mucho más; únicamente una guitarra, algunos pianos, loops y una ternura que cala hasta el tuétano para hacer suspirar a propios y extraños. Su más reciente trabajo, Mientras tú dormías, fue producido por Natalia Lafourcade y con él reafirma una carrera que hoy le permite abarrotar los lugares en donde se presenta. 2011 pinta bien para ella, sus canciones invaden las ondas hertzianas (heartsianas, en este caso) y se prepara Dolores a colores, un documental que retrata su vida desde su tierra natal. Con motivo de la presentación del disco Mientras tú dormías, Carla Morrison ofreció un par de presentaciones en la Ciudad de México. La primera de ellas en El Imperial, la segunda en el Caradura. Fue este segundo foro el espacio en donde conversamos con ella. Sonriente y dulce en todo momento, nos compartió algunas singularidades. Las composiciones de Carla Morrison giran en torno al amor sentimental. Carla Morrison: Es un tema del que nadie está exento. Trato de pensar en el amor como una parte que todos sentimos, pero que en estos días tratamos de olvidar o simplemente no permitimos salir. En mi caso, considero que soy una persona que no se calla las cosas y habla de un tema al que algunos tienen miedo. Pienso en el caso de las mujeres, la modernidad nos ha dado una condición de seres fuertes ante muchas situaciones, esto no es malo, pero a veces ese papel nos impide hablar de la melancolía, las decepciones y el desamor. Me gusta cantar a esos temas y que la gente se sienta identificada con ellos. Tanto de vivencias personales como las de la gente que me rodea. Trato de escribir sobre las cosas que vivo día a día, pero también me mueve

mucho aquello que me platican mis amigos y amigas. El amor es algo que existe y que simplemente no se puede describir con palabras. ¿Qué me cuentas de las colaboraciones que has hecho con otros artistas? En el caso de Natalia Lafourcade, pude trabajar con ella directamente para la producción de “Mientras tú dormías”. Sin embargo, mi acercamiento con otros artistas, como Julieta Venegas o Ely Guerra, ha sido gracias a mi trabajo, esto me hace sentir muy contenta. Para mí ha sido una experiencia fantástica que otros artistas se acerquen a mi música. Durante mi presentación en El Imperial me dijeron que estaban algunos miembros de Zoé, Joselo Rangel de Café Tacvba, lo cual es increíble. Actualmente llevo una relación muy cercana también con Dennis de Hello Seahorse! ¿Tienes algún ídolo? ¿Alguien a quien te gustaría conocer próximamente? No tengo algún ídolo personal. Pero sí creo en Dios como un ídolo. Siempre había querido conocer a Rubén Albarrán (Café Tacvba), ya lo conocí y fue genial. ¿Qué haces cuando no te dedicas a la música? Vivo en Tecate, Baja California. Es una región muy pequeña en donde puedo darme el lujo de salir a caminar, andar en bicicleta o aprender a cocinar. Es también en Tecate donde formo parte de una comunidad que se dedica a regalar abrazos y algunos detalles a la gente. Es muy curioso, algunas personas se sacan de onda cuando reciben un abrazo. Otras en cambio te agradecen el detalle y hasta llegan a pedirte un abrazo por favor. (risas) ¿Cuáles son tus primeros pensamientos antes de salir al escenario? Me siento nerviosa, pero no en el sentido negativo. Es extraño porque no me imagino lo que puede haber frente a mí. Por ejemplo, durante la presentación de mi disco en El Imperial, me habían dicho que había muchas personas afuera del recinto esperando entrar y a mí no me caía el veinte. Fue hasta cuando se abrió el telón que ví a toda esa gente frente a mí y lo primero que pensé fue “¡Ay güey! Sí hay mucha gente” (risas). Es atemorizante, pero también muy gratificante el hecho de soñar con algo y de repente un día tenerlo frente a tus ojos. M

"En Tecate formo parte de una comunidad que regala abrazos a la gente. Algunas personas se sacan de onda, otras te agradecen el detalle"

14 música nueva

Un tributo al spaghetti western TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: Raúl Raya.

A pesar de desenvolverse en la movida surf chilanga, los Twin Tones son habilidosos para evadir los clichés propios de esa escena: mediante caóticos sampleos encuentran nuevas posibilidades al vocabulario guitarrero de Dick Dale, ante el superávit de máscaras de luchadores visten trajes de “mariachi posmoderno”, en sus shows equilibran virtuosismo y contundencia rítmica por igual, y al no necear en la búsqueda de un buen cantante, terminaron desempolvando los soundtracks western para crear su propia película de vaqueros... Aquí un buen cotorreo con Martínez y González, bajo y guitarra segunda de los Twin Tones. Antes de hablar de su nuevo disco Trío de mercenarios, ¿cómo lograron hacer una gira por España con sus propios recursos y de manera independiente? Martínez: ¡Todo fue por envidia! (risas). Unos amigos que se llaman Los Explosivos se fueron a tocar a España y nosotros no nos quisimos quedar con las ganas de ir, así que planeamos una gira por nuestra cuenta. Por cuestiones del destino, en esos días vino Danny Almis de los Straitjackets, a grabar un disco con "El Truco", que es nuestro baterista. Después nos preguntó si estábamos interesados en hacer una gira por España como su banda de apoyo… ¡y entonces todo coincidió! Danny consiguió 9 fechas, nosotros 14; las suficientes para irnos con un pasaje semi-pagado. González: Llegamos a migración borrachísimos y con sólo 100 euros que logramos reunir entre los seis. Allá encontramos alojo, pero los ahorros nos duraron tres días y nuestro primer toquín era hasta el quinto día. La mayor sorpresa fue que Danny había acordado que le pagarían hasta que se terminara el tour. Como dice mi jefa: ¡Fue cuando los calzones se nos hicieron yo-yo! M: Cuando llegamos a Madrid salimos a comer con la esperanza de gastar 40 varos como en México, pero lo más barato que encontramos fueron kebabs con papas y refrescos por 6 euros. Entonces, ¿cómo lograron resolver su permanencia en España? M: En la primer tocada vendimos 40 discos de a diez euros, y con eso ya comimos como personas. ¡Porque los kebabs no es comida para personas! (risas). G: Cuando terminamos las fechas con Danny nos quedamos un mes y medio por nuestra cuenta e incluso fuimos a Francia por tres días. Allá hay

mucha gente que le gusta la música instrumental y es más fácil que compren discos como los que nosotros hacemos. En Trío de mercenarios hacen covers a manera de tributo a los compositores más emblemáticos del spaghetti western. ¿Crecieron escuchando la música de leyendas como Ennio Morricone o Nino Rota? M: En toda nuestra generación no hay un solo wey que no haya visto una película de vaqueros, por lo menos sabes chiflar el tema de El bueno, el malo y el feo. Además, en las películas italianas siempre había uno o varios mexicanos que la hacían de malos, entonces fue bastante natural para nosotros hacer un disco así. Pudimos hacerlo hasta ahora porque hace nueve años ni nos salían estas rolas (risas). ¿Qué tanto ayudó la incorporación de un ensamble para lograr buenas versiones? M: Muchísimo, porque nos dio las armas para no sonar sólo a surf. Con la flauta, el violín y la trompeta pudimos lograr buenos covers de estas rolas. ¿Qué más ha cambiado durante los nueve años que llevan tocando? G: Al principio sobre-producíamos los discos: en Nación apache tuvimos muchos invitados que tocaron demasiadas cosas, entonces en las tocadas no nos salían. Los siguientes dos discos (Salón Chihuahua y Carpello Di Mariachi) fueron hechos con ideas que salían en las giras; por eso son discos que suenan más en vivo. M: Grabamos la mitad de Trío de mercenarios antes de irnos a España. Mientras estuvimos allá tocamos varias canciones que no habíamos grabado, pero que resultaron ser muy divertidas para la gente, así que decidimos incluirlas en el disco.

Parece que en España las cosas funcionaron mucho mejor que aquí... ¿Existe apoyo por parte de los medios de comunicación mexicanos para la música que tocan? ¿Cuál ha sido el trato que han recibido? M: Yo creo que el trato ha sido "gachido" (risas). Chido porque cuando nos oyen valoran que le hemos ensayado, pero siempre nos pelan cuando no les queda otra que tocarnos… el apoyo siempre se da por carambola. Sentimos que les falta una preocupación de ir más allá, hay muchas bandas que están muy buenas y que les hemos mencionado a la gente de la radio, pero luego no tienen ni idea. ¿Creen que entonces todo funciona por compadrazgo? M: Claro, y no lo culpamos. De alguna forma todos hemos recurrido a él, el problema es de qué forma lo utilizas: puedes usarlo para conocer música más chida, el pedo es cuando sólo sirve para apoyar a tus compas, tengan o no algo de calidad. ¿Se puede vivir del rock en México? M: Se puede, pero medianamente. Se puede ganar algo por toquín, pero no es dinero constante. G: Lo lugares de rock cierran bien rápido, y no se logran hacer circuitos de rock. Además, se enfrentan a mil cosas y por lo mismo no te pueden abrir las puertas del todo. M: Puedes vivir del rock tocando, pero haciendo otras cosas: escribiendo, ilustrando, haciendo tu booking, trayendo bandas de fuera, etc. ¡Tienes que ser un mil usos! (risas). ¿Piensan regresar a Europa ahora que tienen nuevo disco? Por supuesto, queremos ir en junio a España, Francia y desde luego a Italia. M

16 música

contra el diablo TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: Sarah Cass.

Además

de poner de moda los atuendos excéntricos, Yoko Ono anticipó que un séquito de cantantes japonesas estudiantes de arte, bien podrían cantar en bandas gringas de avanzada. En 1993, Kazu Makino se mudó a Nueva York para estudiar arte sin sospechar que terminaría dando voz a Blonde Redhead. Una situación similar ocurrió con Satomi Matsuzaki, cuando dejó el país del sol naciente para cursar la carrera de cine en San Francisco; cosa que cambió cuando Rob Fisk y Greg Saunier la invitaron a cantar en una banda llamada Deerhoof. Han pasado 11 discos desde ese día, un largo camino en el que han sido nombrados influencia de bandas como Sleigh Bells, Dirty Projectors, Grizzly Bear, The Flaming Lips, Sufjan Stevens, St. Vincent, Xiu Xiu y Autolux. Los dejamos con el guitarrista de Deerhoof, Ed Rodriguez. Deerhoof Vs Evil es un título muy sugerente para nombrar su 11vo disco. ¿En qué andan metidos? Ed Rodriguez: El Diablo comenzó todo. Nosotros sólo respondimos el llamado. Si hay una constante en la discografía de Deerhoof, sería que con cada disco demuestran no tener miedo de tomar riesgos al mezclar cientos de influencias y sonidos. ¿Cómo logran balancear tantas ideas sin pelear entre ustedes? Si la banda se encuentra en un territorio de batalla, nos tomamos un respiro para relajarnos y resolver la cuestión de la manera en que funcione mejor para nosotros… funciona igual que como una carrera de 30 días alrededor del mundo, no puedes hacerla sin sus respectivas pausas. Además de "libertad", ¿qué otra cosa los motivó a hacer este disco por sí solos? Lo tuvimos que hacer así porque nadie quiere trabajar con nosotros desde que Greg empujó a un ingeniero de audio contra un piano. Después de tantos años con Kill Rock Star, ¿por qué decidieron cambiarse a Polyvinyl Records? Ya habíamos hablado con Polyvinyl sobre hacer un 7”. Tenemos amigos que trabajaron antes con ellos, así que sabíamos que la disquera contaba con la gente adecuada. Todos en el sello se involucraron en la lluvia de ideas para lanzar el sencillo, al grado de que dijimos: “¿Por qué no hacemos un disco completo con ellos?”. Hemos hecho discos con otros sellos antes, así que la idea no nos resultó tan loca. Nos movimos de Kill Rock Stars con bendiciones... ellos siempre nos han apoyado en todo lo que hemos hecho. ¿Qué tanto los ha influenciado el ambiente de San Francisco para hacer la música que les gusta? Leí que algunos de sus amigos consideran la música de Deerhoof como algo bastante mainstream. Conocemos toneladas de personas que tocan música en San Francisco, de manera que encontramos inspiración por todos lados. Además, hay muchas deliciosas taquerías que nos mantienen fuertes. Por otra parte, algunos amigos nuestros tienen grupos que son bastante extremos, y para ellos nosotros somos como una banda pop. Cuando uno escucha sus discos existe la sensación de que son unos geeks muy clavados en pedales, guitarras y teclados vintage. ¿En realidad son obsesivos con este tipo de equipo? ¿¡A quién estás llamando geek!? Aunque tratamos de ser muy cuidadosos con nuestro equipo, siempre rompemos todo. Todo el tiempo tenemos que reemplazar pedales, tarolas y taclados. Seríamos una gran banda para probar

equipo con los fabricantes porque de alguna manera solemos descomponer todo. Somos muy descuidados... John y yo nos derramamos café en nuestras playeras constantemente. ¿Cuál es el instrumento músical más invaluable o inusual con el que cuentan? No creo que nada de lo que tenemos sea inusual, pero la gente se sorprendería de cómo los usamos. Aunque para nosotros nunca es raro cómo tocamos los instrumentos, te puedo decir que en la última gira John y yo estuvimos tocando guitarras eléctricas de 12 cuerdas y obtuvimos un gran sonido. Greg usó dos platillos enormes en lugar de un contratiempo, de modo que con eso y un kit de batería de dos piezas lograba un sonido realmente alucinante. El bajo Hofner tipo Beatle de Satomi siempre recibe muy buenos comentarios también. ¿Qué bandas te han volando la cabeza recientemente? Me gustan Silentist, Dangerous Boys Club, Knelt Rote, Burmese, Talk Normal. ¿Quiénes son tus héroes musicales? John Cage, Ornette Coleman, Derek Bailey, Jimi Hendrix. El resto de Deerhoof. Muchos amigos. Muchos más. Después de varios discos la prensa comenzó a fijarse en ustedes, incluso Pitchfork y The New York Times los mencionan como una de las bandas más influyentes de los últimos años. ¿Qué tan importante es la opinión de los críticos para ustedes? Desde luego es lindo cuando a alguien le gusta tu disco, pero si alguien lo odia no me afecta profundamente. No toda la música es para todos, eso es imposible. Creo que yo nunca he comprado ni un pedacito de música basado en alguna reseña. Busco la música que otros músicos recomiendan, nunca me fío de los críticos. Si escucho algo que me gusta compraré todo lo que encuentre al respecto. No importa si algún disco es menos bueno, es un riesgo que cada quien debería tomar como parte del aprendizaje. Como músico, creo que siempre estaré investigando y escuchando cosas. Cuando la banda comenzó hubo muchos cambios de alineación y les tomó varios años dedicarse 100% a la música. ¿Alguna vez sintieron ganas de "abortar la misión"? Si esperas algo y no lo obtienes, entonces te puedes sentir decepcionado y sin fe. Pero así no somos nosotros. El objetivo principal nunca fue hacernos famosos o que la banda fuera nuestro único trabajo, sólo hemos tratado de hacer mejor nuestra música y ser felices haciéndola. Hasta el momento en que hubo más gente queriendo escuchar y ver a la banda dimos la bienvenida a disfrutar todo eso por lo que habíamos trabajado tan duro. Nos sentimos muy suertudos de contar con los fans que tenemos. Finalmente, ¿qué es lo primero que se te viene a la mente si digo México? ¡Yo! Soy lo suficientemente afortunado para tener sangre mexicana. M

Creo que nunca he comprado ni un pedacito de música basado en alguna reseña. Busco la música que otros músicos recomiendan, nunca me fío de los críticos. Ed Rodriguez

18 música

Just a girl from Texas… TXT:: Mildred Pérez. FOT:: Synthia Franco.

Annie

Clark es “sólo una niña de Texas”. Así es como se describió la líder de St. Vincent unas horas antes del concierto que dio el pasado 3 de diciembre en el Teatro de la Ciudad, como telonera de Blonde Redhead. Aquí una charla con la egresada de Berklee en su primera visita a México. “Ésta es mi primera vez en el D.F. y hasta ahora todo ha estado muy bien. Anoche comimos tacos, caminamos frente a la catedral, luego comimos más tacos… hay un mínimo de tacos estipulado en mi rider…”, dijo Annie Clarke antes de estallar en delicadas carcajadas. Hace poco más de tres años “la niña de Texas” lanzó su disco debut, Marry Me (2007), el cual promovió en escenarios de Estados Unidos, Europa y hasta en festivales como Coachella. Después de un año de gira, Annie se guardó unos meses en su departamento de Nueva York – donde actualmente reside– para ver sus películas favoritas: Blanca Nieves y los siete enanos, El Mago de Oz, Stardust Memories, Badlands, Annie Hall… Y luego, valiéndose únicamente del software Garage Band, elaboró su segunda producción Actor (2009), donde no tocó un instrumento hasta que llegó la hora de la grabación. Por Marry Me, ganó el premio a Mejor Artista Femenina en los Plug Awards 2008. Por Actor, la cantante, compositora y multi-instrumentalista ha recibido mucho más que una estatuilla. Además de visitar países en los que nunca imaginó estar, la ojiverde que empezó tocando en pizzerías ha sido requerida para colaborar con bandas como Bon Iver, The National y The New Pornographers, y músicos como Beck y David Byrne de los Talking Heads. “Los últimos tres años han sido muy emocionantes. En cierto nivel las cosas han sido graduales. Con Marry Me empecé de gira en lugares pequeños y poco a poco todo creció y creció y creció… ahora que vengo a tocar al D.F., un lugar donde honestamente no sabía si tenía fans o no, me siento muy agradecida, ¿sabes? Porque en el fondo yo sólo soy una niña de Texas. De pronto te encuentras en este tipo de situaciones y piensas: ¿cómo es que estoy tocando para toda esta gente en Beijing, China? ¡Es maravilloso!” Mientras Annie maquina su tercer disco se ha mantenido ocupada con otros proyectos. Uno de los más interesantes fue recrear el Kick de INXS con el proyecto de Beck, Record Club, que consiste en reunir

ahora que vengo a tocar al D.F., un lugar donde honestamente no sabía si tenía fans o no, me siento muy agradecida, ¿sabes? Porque en el fondo yo sólo soy una niña de Texas. a varios músicos para grabar un disco de covers en un día, sin ensayo previo (beck.com/recordclub). “Fue muy chistoso. Un día llamó mi manager y me dijo, ‘oye, ¿está bien si le doy tu teléfono a Beck?’ Y yo así de… ¡ahhh! No tengo que pensar mucho en eso, ¡claro que dale mi teléfono a Beck! Así que llamó y bueno, yo sabía de su proyecto Record Club, me gustó lo que hizo con el disco de Skip Spence. Cuando hablamos me dijo que le encantaría que yo estuviera involucrada. Entonces volé a Los Ángeles, estuvimos un día en el estudio y re-grabamos Kick de INXS. Fue muy divertido porque se te olvida cuántos hits tiene ese disco. Nunca fui muy fan de INXS, pero definitivamente me sabía todas las canciones, no sospechas que te las sabes todas hasta que lo escuchas… es hit tras hit tras hit”.

algo impresionante. A Kid Cudi le gustó mi disco Actor y fue muy lindo conmigo, me dijo que quería exhibirlo y ayudarme a que mi música llegara a más gente. Fue muy agradable”. Aún falta un rato para oír el tercer disco de St. Vincent, pero mientras puedes leer dos “poderosos libros” de un par de mujeres con las que amaría colaborar: uno de ellos es Just Kids, autobiografía de Patti Smith, a quien califica como “sus mayores heroínas” porque “es tan chingona y tan real”, y el otro es When Marina Abramovic Dies, biografía de una performancera con la que Annie quisiera sentarse a tomar una copa de vino.

Otro músico que la buscó fue Kid Cudi. En el tema “Maniac” de su segundo disco, Man On The Moon II: The Legend of Mr. Rager, usó un sampleo de la canción que abre Actor: “The Strangers”. De hecho, en noviembre interpretó magistralmente “Maniac” junto con Kid Cudi, Cage y The Roots en el show de Jimmy Fallon (buscar video en YouTube).

“Además de lo que estoy escribiendo con David Byrne, ahorita estoy trabajando en mi tercer disco que saldrá el próximo otoño. Lo que más me gusta de componer un disco no sólo es escribir las canciones, sino crear un concepto, un trasfondo. Me gusta inventar nuevas maneras de trabajar, paso mucho tiempo en este proceso de construir una idea del proceso mismo. Inevitablemente llegarás a nuevos resultados si lo tuerces, así que ahora estoy construyendo las máquinas”.

“Mi amigo Justin Vernon (Bon Iver), me mandó un mensaje de texto para decirme que estaba a punto de volar a Hawaii para trabajar con Kanye West. El hip-hop es uno de los géneros más populares y en muchos sentidos es la música pop de ahora. En ese género a nadie le da miedo tomar riesgos en la producción, ellos hacen lo que quieren, no sienten temor de hacer cosas tontas o ridículas porque pueden terminar en

Para apaciguar la espera puedes ver en YouTube la serie St. Vincent tour videos, hecha por su mejor amigo Alan, originario de Monterrey. “La gente que secuestra ¿quiere dinero no?”, pregunta Annie. “Por eso no tuve miedo de venir a México, si lo que quieren es dinero, buena suerte ‘¡encuéntrenme!’ Antes de venir mi familia me dijo: ‘¡No hagas que te decapiten!’. Pero sé que estaré bien”. M

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Convulsiones del mundo interior

TXT:: Benjamín Acosta.

El mito que tortura a los artistas es rampante. La gente me piensa como una especie de bruja que practica magia negra, que canta desde el infierno. PJ Harvey

Sombría,

aguerrida, pero también sensual, la artista británica continúa su trayectoria de cuidadas e impredecibles grabaciones. Ahora entrega Let England Shake, el reflejo de una postura política que pesa sobre el costo de las guerras y el reconocimiento de lo que puede considerarse positivo en la vida. Así como sus labios de un rojo intenso destacan sobre la blancura de su piel, su presencia en el escenario contrasta con la personalidad que proyecta cuando concede entrevistas. Al momento de pulsar la guitarra parece una fiera que seduce con el misterio que rodea sus canciones. Cuando el concierto ha quedado atrás, la experiencia es distinta: no puede evitar serenarse. Polly Jean Harvey es una chica tranquila que decide salir de manera esporádica; y en esa medida se ha hecho fama de excéntrica –el productor Steve Albini comentó que sólo comía papas mientras grabaron Rid of Me (1993)–, eran los tiempos del trío que formaba con el baterista Tob Ellis y el bajista Steve Vaughan, una tercia que al desintegrarse permite un trabajo auténticamente solista: To Bring You My Love (1995). En ese momento, una canción como “Down by the Water” irrumpe tanto en las tendencias del brit-pop, como en el grunge trasatlántico que llegaba hasta Londres, ciudad cosmopolita convertida en su nuevo hogar después de la granja de ovejas donde se crió en Dorset, en el oeste de Inglaterra, sitio donde aprendió a tocar guitarra y saxofón. Polly Jean abandonó su lugar de origen con la idea de convertirse en escultora. Si bien fue la música lo que terminó por convencerla, no olvidó la habilidad que tiene para moldear piezas que se han expuesto en el Bridport Arts Centre. Simultáneo a su pasión como intérprete y compositora, también se ha aventurado en el mundo de la actuación al personificar a una moderna María Magdalena en The Book of Life (1998), dirigida por Hal Hartley. A mediados de los noventa la prensa habla sobre ella y sobre sus canciones que plantean historias desgarradoras. Ese toque fulminante es malinterpretado cuando a su alrededor se piensa que se trata de letras autobiográficas. Ella lo niega y reafirma su encanto por las metáforas. “¿Por qué tomar todo esto tan en serio?”, preguntó en una entrevista publicada por The Times en 1998. “El mito que tortura a los artistas es rampante. La gente me piensa como una especie de bruja que practica magia negra, que canta desde el infierno, ¿tengo que estar trastornada o ser oscura para hacer estas canciones? Se dice mucha basura”, comenta la también ganadora del Mercury Prize en 2001. La construcción de teorías alrededor de sus letras parece inevitable. Un ejemplo claro en sus inicios es “Legs”, en la que canta sobre cortar las piernas a un amante que no quiere irse. A las metáforas sexuales se suma el hecho de ser una mujer muy joven –en ese entonces 24 años– que se iniciaba en la exploración de esos ambientes. Con el tiempo la lógica de la diversificación se

asoma en sus letras. “Ahora escribo de otra forma porque ya viví muchas cosas y no siento que deba volver a pasar por eso”, admite quien en lo musical ha paseado por el rock y se ha aproximado al blues, e incluso a melodías sostenidas sólo por un piano que envuelve la introspección de White Chalk (2007). Propositiva y arriesgada como en su momento lo hizo Patti Smith –a quien admira tras descubrirla como consecuencia de las comparaciones–, PJ ha declarado: "En ese momento pensé que sería buena idea escucharla. Encontré el álbum Easter en la colección de mis padres. No sabía que lo tenían. Estuve con ella algunas veces y me pareció una persona carismática y maravillosa". Y además de Smith, su actitud también se asocia con la de Clint Eastwood. "Todo es reserva y perfil bajo", afirmó Björk al comparar ambas personalidades. Por el lado de las relaciones sentimentales, Harvey fue pareja de quien parecía su alma gemela, el también oscuro Nick Cave, con quien además colaboró en el disco Murder Ballads (1996). Con el corazón maltrecho, el no menos sui géneris artista australiano se inspiró para escribir “Into My Arms” y “Black Hair” que se incluyen en el disco The Boatman’s Call (1997), y que apareció cercano al Is This Desire? de la PJ. Más tarde la densidad bajó con Stories from the City, Stories from the Sea (2000). La calidez de “A Place Called Home” y el dueto con Thom Yorke (“This Mess We’re In”) lo comprueban. Desde la critica social y políticamente incorrecta, hasta la descripción de tormentas personales y hallazgos pasionales; de esta forma es como ha conseguido terminar Let England Shake, "Un disco que se ha creado en un estupendo ambiente. No puse reglas, todos estábamos trabajando con mucha vitalidad e intensidad", comenta acerca de un trabajo que escribió entre 2007 y 2008 y que fue grabado en cinco semanas. Producido por Mark Ellis ––mejor conocido como Flood– y con el apoyo de otros viejos amigos como John Parish, Mick Harvey y Jean-Marc Butty; el álbum consigue capturar a una PJ que se reafirma con esa voz de fuerza brutal y extrema sensibilidad que conmueve. “Tocamos la mayor parte de la música en vivo”, relata la artista de 41 años sobre una grabación que registró algunas sesiones dentro de una iglesia de su natal Dorset. “Significó realmente una experiencia disfrutable y pienso que la grabación terminó llena de energía por la misma razón”. Si bien el primer sencillo es “The Words That Maketh Murder”, al iniciar el año se dio a conocer el tema que le da nombre al disco y que contiene un sampleo del clásico “Istanbul (Not Constantinople)”, un éxito de The Four Lads de 1953. Por otra parte, el realismo desolador de “In The Dark Places” y “The Last Living Rose” se distancian considerablemente con algo cercano al optimismo que reflejan “England” y “The Glorious Land”. Es así como el contraste se mantiene en óptimas condiciones. Está en su naturaleza. M

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La desfachatez del rock cerebral en el séptimo día TXT:: Andrés Ibarra Ríos “Chelito”. / Twitter: @chelitochelito

Hardcore Will Never Die, But You Will, es un disco que comprueba empíricamente que la música es más grande que las palabras y más amplia que las fotografías.

post-rock, género que alguna vez fue la epítome de la vanguardia musical, se ha convertido a lo largo de los últimos cinco años en la música de elevador de los melómanos clavados. Al establecerse los cánones del género (música instrumental cinemática, épica, oscura, grandilocuente y ruidosa) el post-rock polinizó ciudades americanas como europeas por igual. En plena época de globalización –y a pocos meses del fin del mundo de acuerdo a los mayas–, es difícil distinguir a una banda post-rockera japonesa de una banda mexicana. Así que, antes de que todo acabe, los mayores exponentes del género (al menos en el siglo XXI) deben recordarnos por qué es excitante y retador dejar que el ruido dicte el destino de nuestras pecadoras almas sonoras. El revestimiento duro del espíritu nunca morirá, pero tú sí; que venga Mogwai a vengar nuestro decadente reino. Glasgow es una de las ciudades que más historia musical carga en sus hombros. Aunque ha tenido tiempos de sequía, la urbe escocesa parece tener un pacto tácito con los dioses: cada generación tendrá una banda que será fundamental para entender la música popular, y cuando la luz y la vitalidad de una banda se apague, la siguiente se encenderá como un círculo de la vida del Rey León.

Mogwai es una de esas bandas. En 1995 tomaron por sorpresa la escena local al retomar los planos que bandas como Slint habían creado. Hasta antes de su llegada, el post-rock era un deleite que pocos oídos recibían de buenas a primeras (recuerden que no había Torrents, ni Pitchforks, ni medios especializados para tirar al cielo). Con un sonido sumamente cerebral y mecánico, acompañado de una actitud de fanático pendenciero del fútbol (usaban playeras que rezaban “Blur es una mierda”), Mogwai lanzó el White Album del post-rock: Mogwai Young Team, un trabajo que marcó los canones del género por más de una década. A pesar de nunca haber tomado grandes banderas ideológicas, Mogwai hizo un statement sumamente claro: no queremos vivir por siempre y no queremos hablar de la clase obrera inglesa, queremos hacer música bipolar. Mogwai no siguió la fórmula de verso-coroverso, sino la de bello paisaje sonoro-ruido blanco-riffs machacantes-bello pasaje sonoro-cerebro derretido. Tras seis álbumes de estudio, Mogwai está de regreso con Hardcore Will Never Die, But You Will, un disco que comprueba empíricamente que la música es más grande que las palabras y más amplia que las fotografías. Si pudiéramos escuchar a las estrellas que, como palestino (disculpa Calle 13 por el plagio), se inmolan, sonarían como este disco. Acerca del desconcertante título, Stuart Braithwaite, guitarra y voz esporádica de la banda, comenta: “Creo que la yuxtaposición de títulos menos serios con música brutalmente seria es muy buena. Mucha de la gente que escuche el

disco tendrá una visión completamente diferente de lo que significa, eso me gusta también”. Esta declaración confirma que el leit motif de la banda ha sido burlarse de la intensidad y dramatismo de sus creaciones con títulos que parecieran provenir de una banda de pubertos enojados. Hardcore Will Never Die, But You Will reunió de nuevo a la banda con Paul Savage, el hombre que produjo su ópera prima puliendo el diamante en bruto que representaba Mogwai hace más de 13 años. El resultado era de esperarse, como cuando dos viejos conocidos se ven las caras de nuevo después de una larga sequía de historias en común que contarse. Pero a todo esto, ¿qué ha cambiado en 13 años de fervoroso post-rock? “Hacer este álbum no fue algo más difícil per se, pero definitivamente fue diferente que los álbumes previos” comenta Braithwaite; “John y Barry no estaban viviendo en Escocia cuando escribimos el álbum, así que compartíamos demos en vez de juntarnos todos en una habitación a tocar. Creo que por eso, este disco tiene una vibra diferente a los anteriores”. Si la distancia hace al olvido, en el caso de Mogwai funciona al revés. Hardcore Will Never Die, But You Will es un disco de varias texturas, por momentos es rasposo como piedra pómez, pero también cuenta con instantes suaves y tersos dignos de un jabonzote rosa. Como en todos los discos, la sorna y la desfachatez se hacen presentes en los títulos de las canciones: "You're Lionel Richie", "George Square Thatcher Death Party", "Rano Pano". Mención aparte es la kraut rockera “Mexican Grand Prix”, donde se asoma la voz de Braithwaite entre el motorik drumming de Martin Bulloch y el ruido del resto de sus compinches (Dominic Aitchison, bajo; Barry Burns, guitarra y teclados; John Cummings, guitarra). Cuando las bandas se vuelven longevas, el riesgo de repetirse ad nauseam es cada vez mayor, los trucos aprendidos se vuelven ficciones de lo que alguna vez fue genialidad y la vitalidad de los primeros intentos se convierte en triste rutina. ¿Qué ha hecho Mogwai para no cumplir estos augurios fatalistas en su brillante séptima placa? Venderle su alma al diablo en especie. ¿Cómo? A través de duelos de guitarra que conducen al chamuco a un clímax sonoro. ¿Por qué? Porque el hardcore nunca morirá, ellos sí, pero el ruido blanco que han producido todos estos años permanecerá en el aire como la nata de smog que protege nuestra ciudad. M

Hardcore Will Never Die, But You Will llegará a tiendas mexicanas el próximo 15 de febrero a través de Arts & Crafts México.

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TXT::Jesús Billy. TXT::1881.

La hermosa, oscura y retorcida cima de la ambición

Como

todos sabemos, vivimos en la era del hype. Lo hemos visto, se ha publicado, en fin, no es nada nuevo; los productos culturales mediatizados son susceptibles a ser sobredimensionados y en ocasiones se les reconoce o interpreta bajo cualidades que no forzosamente poseen, ya sea por un interés económico o por ignorancia. (¿Alguien ha pensado si en verdad The XX merecía el Mercury Prize?, o si en realidad Jack White es un “Rey Midas”, como le han apodado en otras publicaciones, o sólo es que ha sabido rodearse de gente talentosa. No lo sé, espero funcione como ejemplo). Por más comunes que sean las pláticas decembrinas acerca de los discos y los debuts del año, son los medios quienes siempre “aclaran nuestras dudas”, con sus listas y conteos elaboran y maquilan “grandes propuestas” que merecen culto. Todo para después dar “borrón y cuenta nueva”, y es entonces que la “grandeza” de Interpol se desvanece cada día más, y que nadie habla ya de TV on the Radio, The Kooks, Artic Monkeys o Bloc Party… pero si todos eran grandes promesas ¿no? Partiendo de esta premisa, el objetivo es mantenerse escéptico, estimado lector. Desconfiar de los elogios y las críticas, de las calificaciones y los comentarios, del diez absoluto de Pitchfork y las cinco estrellas de Rolling Stone. Seamos sinceros, cuando se hizo público que Kanye West traía un disco entre manos, muchos comenzamos a generar expectativa: ¿Cómo iba el Sr. West a borrar la mancha en su expediente?, o en otras palabras, ¿cómo iba a librarse de la

sombra negativa que su álbum anterior 808's and Heartbreaks significó en su carrera? Ese cuarto disco fue un exceso en muchos sentidos, casi un auto-sabotaje. Con la intención de crear un disco conceptual, West abusó del auto-tune, de los sintetizadores planos y del desamor como fuente de inspiración. Aunque las opiniones fueron diversas, la crítica negativa tuvo la última palabra. Por poco más de un año no tuvimos noticia alguna de Kanye West. A mediados de 2010 se rompió el silencio y vale la pena comentar los detalles. No es en realidad que West haya estado inactivo, sino que se enfocó en su faceta de productor, lanzó “Jockin´Jay-Z” con Jay-Z como preámbulo al esperado The Blueprint 3, y más recientemente colaboró en el segundo álbum de Kid Cudi, The Man on the Moon II: The Legend of Mr. Rager. Sin embargo, lo que anunció con bombo y platillo la llegada de un nuevo disco fueron los viernes… los buenos viernes. Desde finales de agosto, cada viernes pudimos encontrar una nueva canción para descargar totalmente gratis en el sitio de Internet del Sr. West, lo cual se conoció como G.O.O.D. Fridays. No se sabe en qué momento o con qué fin se realizaron los once tracks que hasta la fecha están disponibles para su descarga, lo que sí podemos asegurar es que no se escatimó en su producción. Lo interesante es que, sonoramente, varias de las canciones de G.O.O.D. Fridays se complementan a la perfección con el estilo del último álbum de West. La compilación cuenta con temas como “Chain Heavy” que persigue un hip-hop más tradicional y oldschool, con un flow vocal por demás hábil, “Cristian Dior Denim Flow” que incorpora varios elementos de distintos géneros (coros gospel, guitarras sobresaturadas y breakbeats) y construye su identidad propia, sin duda uno de los mejores temas compuestos por West hasta ahora. Por otra parte está “Take One For The Team”, que constituye un ejercicio estilístico nada convencional, en este caso, las rimas se reproducen sobre una base de beats comprimidos y llenos de fuzz. Después de escuchar lo que nos fue obsequiado cada viernes, la pregunta era: ¿Si esto es, de alguna manera, lo que no cupo en el disco, qué podemos esperar del nuevo material? Fue así que bajo una gran premisa y mucha expectativa, el pasado 22 de noviembre My Beautiful Dark Twisted Fantasy salió al mercado. El adjetivo para describir el trabajo

de Kanye West, y ahora más que nunca, es el de “ambicioso”. Estamos ante el trabajo de alguien obsesionado con ser el mejor en lo que hace, y que no escatima en recursos para lograrlo, …Twisted Fantasy representa la cima en la carrera del músico y productor, hay que decirlo sin tapujos y sin temor a evocar juicios valorativos que no llevan a nada: el disco va más allá de “emocionarse” o no con la música de West, se trata de una producción con un fin meritoriamente cumplido.

y se mantiene constantemente, las canciones de alguna forma se encabalgan y el botón de skip se borra del reproductor. Y no se trata precisamente de un bonche de sencillos pop perfectos para sonar en la radio, son canciones cuya duración en ocasiones excede los seis minutos, pareciera que en esta ocasión West quiso tomarse su tiempo y experimentar con estructuras más complejas, algo similar a lo que sucede con This is Happening de LCD Soundsystem.

Y es que la música de West es un paradoja en sí misma, muchas personas que le presten atención se encontrarán con una lucha constante entre la forma y el contenido, es decir, entre el qué se dice y el cómo se dice. El problema más grave al que nos podemos enfrentar en …Twisted Fantasy es el egocentrismo lírico llevado al extremo. Aunque el músico estadounidense es incapaz de hablar de otra cosa que no sea él mismo, su vida privada puede no resultar del todo cautivante o fascinante para todos los oídos. Sin embargo, West posee dos habilidades que hacen su lírica disfrutable: primero, su inteligente forma de rimar y segundo, un buen sentido del humor. Como muestra, uno de los versos de “Power”:

Por otra parte, el disco cuenta con un desfile de colaboraciones considerable, personalidades como Rick Ross, Kid Cudi, Mos Def, Nicki Minaj, John Legend, The Rza, Q-tip, Elton John, Swizz Beats y por supuesto, Jay-Z. Sin embargo, el protagonismo de West es atroz, algo congruente, siendo que en realidad está contando una especie de cuento, un fragmento de la historia de su vida. ...Twisted Fantasy abre con “Dark Fantasy” y la voz ruda y vulgar de la señorita Minaj nos introduce a una especie de narración infantil para dar paso a un piano y al sampleo de “In High Places” de Mike Oldfield.

“Colin Powers, Austin Powers/ Lost in translation with a whole fuckin´nation/ they say I was the abomination of Obama´s nation/ well that´s a pretty our way to start a conversation”. Tampoco se trata de Kanye West reinventando el hip-hop o estableciendo nuevos estándares de producción musical, el señor está muy ocupado quebrándose la cabeza pensando en producir la canción perfecta. No existe un solo tema en ...Twisted Fantasy que economize elementos, los beats no se encuentran “crudos”, directos de la caja de ritmos, están trabajados y modificados con una serie de efectos. Los sintetizadores trabajan a capas, mientras uno lleva el riff, otros más modestos llevan los arreglos; un poco detrás en la mezcla se encuentran el bajo MIDI siempre punzando en la cabeza, a la vez que evidencia la calidad de nuestros audífonos o sistema de sonido. Y por último en las vocales, West no edita sus rimas, hace lo que su flow le permite, así que no se encuentran desfazadas o se pisan las unas a las otras. Es en los coros donde existen armonías vocales bien trabajadas. …Twisted Fantasy camina a la perfección, el álbum comienza con un nivel rítmico que nunca abandona (mas que en los últimos dos tracks posiblemente),

Por si todo esto fuera poco, Kanye West decidió hacer un videoclip de más de treinta minutos para “Runaway”. Su trabajo pasado en videoclips ya había dejado bastante claro que el músico no cree en lo absoluto que “menos sea más”, sencillos como “Stronger”, “Flashing Lights” o “Touch the Sky” cuentan con un despliegue de producción considerable, pero el formato videoclip/ cortometraje con el que se realizó “Runaway”, tiene antecedentes únicamente en el trabajo de Michael Jackson. Sí, también es sabida la admiración de West por el difunto Rey del Pop, hay quien ve esto como un homenaje y quien lo ve como imitación. Personalmente creo que se trata de la prueba definitiva de West demostrando que tiene control absoluto y total en cualquier faceta de su trabajo. El audiovisual, escrito por el legendario director de videos Hype Williams y dirigido por el propio West, cuenta la historia de amor entre el músico y una mujer-ave que queda deshauciada tras la caída de un meteorito. La pregunta definitiva debe hacerse ahora: ¿Cómo va Kanye West a superar ...Twisted Fantasy? No sabemos cuál es el siguiente paso en la carrera del músico, una vez que ha mostrado al público está extravagante y a la vez experimental etapa, muchos difícilmente aceptaremos algo de menor calidad. Pero por lo pronto, relajémonos y subamos el volumen, que el Sr. West muy probablemente encontrará nuevas formas de sorprendernos. M

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o de la fórmula de la felicidad TXT:: Juan Carlos Hidalgo. FOT:: In House Press.

Suelo

sostener una álgida polémica con arquitectos e ingenieros que insisten en pasar por alto una premisa fundamental, no sólo para su profesión, sino para la vida misma: la función condiciona a la forma. Para obtener una salida rápida y hábil, estos completan la frase con un “y viceversa”, que les da argumentos y los justifica. Encuentro tal premisa funcionalista –tan útil en términos de lenguaje y escritura– aplicable por igual al universo de la composición musical. Se me hace que existe un vínculo indisoluble de “contenido y continente” en cada canción del grupo británico The Go! Team, lo que no parece algo nuevo, dado que ahora que presentan su tercer álbum nos damos cuenta que se apegan al mismo formato y la cosa “funciona”, aunque no sorprenda.

han convertido en animadores esenciales de lo que se entiende por una presentación en grandes festivales: sets cortos, contundentes, rebosantes de energía… inapelables.

Ian Parton –cabeza de la banda y nativo de Brighton– es un músico de conceptos firmes. Tan es así que puedo afirmar que lo suyo… lo suyo… lo suyo, es la búsqueda de la felicidad, para lo cual ha probado variantes de similar combinación: un mismo guiso sazonado de distinta manera. Ese delicado manejo de emociones y endorfinas comienza por él mismo cuando compone y toca, luego se recrea cuando muestra el material a sus compinches y los convence de la grandeza de lo hallado. The Go! Team se

Conforme a lo que esta banda intenta hacer, sus piezas no podrían existir de otra manera, han obtenido su forma pluscuamperfecta: subidones breves conducidos por formas rítmicas para el baile ritual, que no son sino súbditos fieles de lo que dicte la melodía; elemento crucial que los preserva en la corte del pop. No tendría porqué complicarse la cosa, se trata de música que entra por la piel, que se compenetra con pulsiones elementales: el esparcimiento es una de ellas.

Casi está de más consignar que en sus temas hay indie rock de varias cepas, funk, mucha música disco, sus brochazos de hip-hop y algunas referencias vintage. Ninja es una vocalista desbordante… una porrista en ácido que nunca deja de correr; los demás producen la vorágine mientras ella la esparce entre los asistentes. En el escenario son envueltos con el manto de la felicidad, y mientras permaneces delante del escenario no necesitas algo más, luego viene el silencio y te das cuenta de que existe el mundo real (¡Oh, decepción!).

The Go! Team se han convertido en animadores esenciales de lo que se entiende por una presentación en grandes festivales: sets cortos, contundentes, rebosantes de energía… inapelables. Y es que Rolling Blackouts (Memphis Industries) no se guarda nada, ya desde “T.O.R.N.A.D.O”, el sencillo de adelanto, se desata un carnaval marca de la casa, quizás ahora como una evocación a una M.I.A. en una dimensión más pop y acelerada. Pero no aprovecharon únicamente su viaje al parque Yosemite en los Estados Unidos para componer una canción dedicada a aquellos parajes y grabar el disco rodeados de sol, su traslado hacia América les brindó la posibilidad de invitar a unos cuantos amigos –no carentes de fans– para que se sumaran al disco. Es así como aparece Bethany Cosentino, vocalista de unos Best Coast que crecen a pasos agigantados; la guapa chica cantó en “Buy Nothing Day” y en la rola que bautiza al álbum. Mientras que Satomi Matsuzaki, vocalista de Deerhoof, les ayuda a evocar una delirante oficina en Tokio en “Secretary Song”. Otra peculiaridad en las hechuras de este colectivo multi-étnico es su gusto por los temas instrumentales, siempre en sintonía con el cine de serie B; al menos “Bust-Out Brigade” y “Yosemite Theme” consiguen sumergirnos plenamente en ambientes de celuloide a los que cada escucha puede escribirles su propio guión. Todo lo anterior no basta para señalar que en un solo tema se

concentran las propiedades y virtudes de Rolling Blackouts; “Apollo Throwdown” es un tema saltarín, festivo; tiene esas secciones de cuerdas de ensueño y teclados que hacen crecer flores con cada acorde. Durante estos años en que el grupo se mantuvo presente en grandes conciertos, no pocas veces la prensa preguntó a Ian Parton cómo sería la música de su siguiente grabación. El tipo se limitaba a definirla como “schizo music”. Al escucharla, hoy podemos confirmar sus polivalentes facetas: se torna esquizoide en la medida que ama y aprecia muchas cosas que parecerían divergentes. Si fuera arquitecto no podría negar un eclecticismo acendrado. Parton ha sabido combinar nacionalidades y estilos; de repente suena como una banda posmoderna de swing, puede recurrir a un rock and roll bubblegum y luego insertar un rapeo, manteniendo siempre el tono de una fiesta de graduación interminable. Si pensamos en el mundo real, ya lo dijo Charly García: “Cuando todo tira para abajo, es mejor estar atado a nada”. Lo mejor, es que The Go! Team nos hace volar, salir a flote. Ya se sabe, la felicidad debe de ser efímera, volátil e instantánea o no valdrá la pena. Por fortuna, la música nos hace libres mientras dura… lo que tenga que durar. M

28 música

esto no era música pop TXT:: Benjamín Acosta. FOT:: Universal Music.

Clark

, Soft Cell, Erasure y Pet Shop Boys son algunas duplas techno contemporáneas. El caso de Andy McCluskey y Paul Humphreys, quienes dan vida a OMD, terminó por consolidarse como una influencia con el tiempo. Después de 24 años sin grabar un disco juntos –McCluskey usó el nombre de OMD para hacer tres álbumes–, han decidido volver con History of Modern, un trabajo que recupera parte de aquella esencia que los definió en los años ochenta. Lo que en un inicio era sencillamente establecer una serie de reglas propias para hacer “otra” música, encontraría su cauce transformado en tendencia para redefinir el pop británico. Orchestral Manoeuvres In The Dark (OMD) arrancó como un proyecto atípico, motivado de alguna forma por el entonces inusual proceso de composición de Kraftwerk, así como por la historia y el arte que Paul y Andy aprendieron en sus días colegiales. “Cuando compusimos ‘Electricity’ tenía 16 años y Paul había cumplido 15”, recuerda McCluskey, quien además de las letras funge como cantante y bajista del dueto que al final de los años setenta apareció con ese nombre extraño y kilométrico que es resumido con tres siglas: OMD. La mencionada “Electricity” fue su primer sencillo y vio la luz en 1979, justo en el preámbulo de una década que daría cantidades generosas de synthpop. The Human League, Heaven 17 y por supuesto Depeche Mode, encabezan una larga lista en la que también se incluyen Ultravox, que pasaría del punk a un rock de tintes techno; algo similar a lo que sucedió con Joy Division cuando se reconfiguraron como New Order. OMD se ubicó ahí, con un sonido protagonizado por incitantes secuencias y una clara afinidad melódica. “Enola Gay” –en referencia directa al tristemente célebre avión que soltó la bomba sobre Hiroshima– y “Joan of Arc” –himno pop dedicado a la heroína francesa–, marcan lo que el grupo estaba dispuesto a entregar: canciones que representaban la antítesis de lo inofensivo que en muchos casos puede sugerir la música pop.

Después vinieron Architecture and Morality (1981) y Dazzle Ships (1983), quizás los álbumes más arriesgados por su apuesta intelectual y abstracta, equilibrada después con canciones extremadamente pegajosas como “If You Leave” –incluida en el soundtrack de Pretty in Pink–, “Secret” y “So In Love”, auténticos íconos del pop británico que ayudaron a delinear la oferta musical de mitad de los años ochenta, y que se insertan en la oleada del new romantic. OMD continuó por el camino de las canciones de fácil retentiva y poca trascendencia. Sugar Tax (1991) se convirtió en el disco más vendedor de toda su discografía. Los noventa transcurren sin grandes aportaciones y la siguiente década simplemente es habitada por su silencio. History of Modern (2010) es la manera como ellos plantean un flashback que los lleva a esos momentos de espontaneidad que envuelve la composición. Y lo hacen acompañados del productor Mike Crossey (Foals, Arctic Monkeys) y del diseñador Peter Saville (Factory Records).

Conversamos con la mitad de OMD, el también tecladista de 51 años Andy McCluskey, quien respondió desde su casa en Liverpool. Además del tiempo que pasaron sin grabar, ¿en dónde más radica la importancia de este disco? Andy McCluskey: Representa una colección de canciones hechas con el estilo tradicional de OMD, el que inventamos y que nunca debimos abandonar. Muchos grupos o artistas dicen que su disco más reciente es el mejor, y es parte de un discurso que se repite. Pero en esta ocasión creemos absolutamente que es lo mejor que hemos hecho desde los ochenta. A estas alturas no hay un punto de partida para hacer un disco que no valga la pena. Muchas bandas jóvenes nos mencionan como una de sus influencias, entonces lo último que queremos hacer es un disco que sea una basura. En el nuevo disco hay una canción muy larga titulada "The Right Side", algo curioso en su discografía. De hecho, es la canción más larga que OMD ha hecho en toda su historia: dura ocho minutos y medio. Se construyó a partir de una canción que se llama “Looking Down on London” de Komputer, una banda de Mute Records. Ellos trataban de sonar como Kraftwerk, así que la secuencia base es realmente como si OMD se encontrara con Kraftwerk. Es una de mis favoritas. La última canción se llama “The Future, The Past And Forever After” y es otra que me gusta mucho. De hecho es una canción vieja escrita originalmente en 1991. Se quedó ahí y hasta ahora decidimos terminarla. Se trata de una metáfora de la reinvención, es producto de la energía de ese tren que de pronto viaja del futuro hacia el pasado. ¿Con qué te quedas de los ochenta? Fue un momento increíble para nosotros. No intentamos ser un grupo de música pop, esa no era y nunca fue la idea. Era sólo una manera para expresarnos sin mayores pretensiones. Por eso nos sorprendió que Tony Wilson se refiriera a nosotros como el “futuro de la música pop”. Eso nos molestaba (risas), porque queríamos ser justamente lo opuesto a ello. Para nuestros amigos, lo que hacíamos era basura porque ellos escuchaban a Genesis, The Eagles y Pink Floyd. ¿Cuándo decidieron que era momento de grabar otro disco? ¿Tuvo que ver con los shows que hicieron hace unos años? Regresamos hace cinco años porque nos pidieron estar en un show de televisión en Alemania, y sabíamos que no es recomendable hacer un disco sólo porque de pronto te encuentras en esas circunstancias. No existía la idea para regresar porque sabíamos que estábamos fuera de tiempo. El monstruo de rock que tratábamos de matar estaba de vuelta (risas). De pronto decidimos regresar con un nuevo comienzo y encontramos el momento preciso para ello. Hubo nostalgia, claro, pero también intensidad porque las ideas fluyeron muy rápido. Sencillamente sentimos la misma emoción que en los viejos tiempos… cuando derrumbábamos paredes. M

Nos sorprendió que Tony Wilson se refiriera a nosotros como el “futuro de la música pop”. Eso nos molestaba porque queríamos ser lo opuesto a ello.

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Entrevista exclusiva con

Wayne Coyne Wayne Coyne apoya la idea que sobre él tienen muchas personas: está medio loco. Curiosamente es esa demencia artística la que ha hecho que su agrupación The Flaming Lips goce de un gran respeto y una enorme popularidad en el sector mainstream del rock, desde la década de los 90.

TXT::Natalia Cano.

Dueño

de una personalidad peculiar, Coyne no sólo es agasajado por críticos y artistas tan diversos como The Chemical Brothers y Coldplay, sino que su banda ha lanzado álbumes consagrados como The Soft Bulletin y Yoshimi Battles the Pink Robots, y realiza espectáculos en vivo que muestran un espíritu audaz de experimentación y una capacidad aparentemente ilimitada de creación. El mismísimo Robert Plant ha mencionado que el trío –originario de Oklahoma y también conformado por Michael Ivins y Steven Drozd– fue una de sus fuentes de inspiración cuando grabó Dreamland, su álbum solista. The Flaming Lips visitó en diciembre pasado la Ciudad de México para el cierre del Rockampeonato, ocasión en la que Wayne Coyne habló en exclusiva para Marvin, sobre su décimo tercer álbum The Flaming Lips and Stardeath and White Dwarfs with Henry Rollins and Peaches Doing The Dark Side of the Moon y los planes que tiene para el grupo.

¿Cómo fue "redescubrir" un álbum clásico como Dark Side of the Moon? Wayne Coyne: No creo que lo hayamos redescubierto, creo que todo el mundo ha "descubierto" a su modo un álbum tan famoso como ese. Pink Floyd, por supuesto, es una gran influencia para nosotros, sobre todo la era de Syd Barrett es parte de la identidad de The Flaming Lips. Me parece que realmente no pensábamos en hacer un álbum de covers de Pink Floyd. Este disco se dio espontáneamente, pero creo que ahí se muestra nuestro amor y apreciación a la banda. ¿Cómo surgió la idea de invitar a Henry Rollins y a Peaches al proyecto? En realidad fue una coincidencia. Le mandamos un correo a Henry (Rollins) y hablamos. Él estaba en el estudio y dijo que se lo mandáramos. Henry es muy trabajador, así que no creo que haya sido difícil hacerlo, ¡tiene una voz intensa! No somos tan amigos, pero él sabe que me encanta desde la década de los 80, cuando tocaba con Black Flag.

Henry Rollins no dijo que no le gustara Pink Floyd, pero aceptó que nunca había escuchado el Dark Side of the Moon. De algún modo pensé que eso era gracioso y perfecto. Wayne Coyne.

Brian Eno dice que cuando compone una canción, la concibe como una pintura pensando que adoptará otra forma en el futuro. ¿Cuál es tu concepto de crear una canción? No creo que realmente sepas qué jalará el gatillo dentro de tu mente. Brian tiene razón, muchas veces, la gente que tiene mente curiosa y juguetona, si imagina algo, le dan ganas de llenarlo con música, sonidos o atmósferas. A veces, cuando escuchas algo lo quieres completar con algo que puedas ver. Siempre quieres que todas las dimensiones sensitivas de tu mente sean activas. No quiero compararme con Eno, quien me parece genial, pero lo mismo me pasa a mí. Siempre he pensado que si lo visual no existe, el sonido tampoco.

Escuchar música no se trata de una revolución, es algo muy personal y subjetivo. Wayne Coyne. Y con Peaches… cuando la contactamos, estaba en el estudio en Berlín y dijo que se lo mandáramos. Creo que fuimos muy afortunados de que a esas dos personas a las que les pedimos que lo hicieran, aceptaran de inmediato. ¡Peaches es fenomenal! ¡Es una súper cantante! En serio fuimos afortunados de que los dos estuvieran disponibles. Henry Rollins no dijo que no le gustara Pink Floyd, pero aceptó que nunca había escuchado el Dark Side of the Moon. De algún modo pensé que eso era gracioso y perfecto (risas). Creo que de todos los músicos del mundo, Henry es de los pocos que no ha escuchado ese álbum, lo cual me hizo pensar que él era la mejor opción para invitarlo. ¿Qué tan avanzado va el proyecto de llevar a escena uno de sus discos más representativos bajo el concepto de Yoshimi Battles the Pink Robots on Broadway? Greenday también trabaja en un musical para American Idiot y U2 hizo la música para el musical de Spiderman… Sí, hemos trabajado en él desde hace seis años. Tuvimos una junta en 2004, creo que fue la primera vez que se habló de hacer de Yoshimi Battles the Pink Robots on Broadway una gran producción. Hace un par de meses tuvimos una junta muy intensa, justo en la ciudad donde vivo, en Oklahoma. Todo sigue adelante y sucederá muy pronto…

Primero, cuando me enteré, pensé que no era buena idea, pero entre más lo pienso y más me envuelvo, creo que es una gran idea. Sobre todo en esta época del Rockband la perspectiva cambia, definitivamente estamos en otros tiempos. Puedo anticipar que será una gran producción, están hablando de juntar de 15 a 20 millones de dólares para iniciar el proyecto. ¡Será una gran producción, muy emocionante! Queremos pantallas gigantes, efectos especiales, canto, baile, que sea muy divertido. ¡Será cansado, pero saldrá algo genial! ¿Invitarías a actores o ustedes mismos tomarían el rol de los personajes? ¡No creo que yo quisiera ser actor! (risas) Algunos de los musicales en Broadway se presentan hasta dos veces al día, en ocasiones, por varios años, es un trabajo muy intenso. Honestamente, no me gustaría ser parte de eso porque estoy con The Flaming Lips, supongo que seré parte de la producción, ya sabes, elegir a los actores, cantantes y cosas de ese tipo. Estamos trabajando con un gran director, Des McAnuff, quien realiza alrededor de 20 musicales y obras al año, razón por la cual estamos seguros de que será una gran puesta en escena. ¡Si a él le gusta, yo le ayudo a hacerla! (Risas).

Eno también dice que en el futuro habrá una revolución en la música cada 20 minutos, debido a la tecnología, ¿estás de acuerdo con él? Es cierto, en general, pero no creo que sea cierto para los individuos. A la mayoría de la gente no le gusta toda la música que se ha hecho, le gusta un puñado de artistas que son sus favoritos, es todo lo que necesitan. Incluso yo, sé que aunque siempre se está creando música, hay cosas que me gustan y otras que sólo me dan curiosidad. Siempre me dirijo hacia lo que está frente a mí. Anoche fui a un concierto, vi dos grupos que no había visto jamás y fue maravilloso. Estoy abierto a escuchar nueva música y vivir nuevas experiencias, pero pienso que no importa tanto. No creo llamar nada una “revolución”. Escuchar música no se trata de una revolución, es algo muy personal y subjetivo. En ese sentido, ¿cómo ha crecido tu música a través de 27 años? Si tienes suerte, no puedes controlar si crece o no. La parte de mí que realmente ama la música está fuera de mis manos... lo que me gusta de hacer música es que es muy impredecible, te lleva a varios "hoyos de conejo", para bien o mal. Hace 10 años, no tenía idea de que haríamos álbumes, ni siquiera imagino cómo será nuestro próximo disco, sólo tienes que aceptar lo que hay dentro de ti y no preocuparte tanto. Puedo ver que nuestra música ha evolucionado, pero no sé si realmente queremos que así sea. La evolución es buena para los gatos, los peces y la gente, pero no siempre es buena para el arte, a veces el arte es mejor cuando se acaba de crear, cuando está crudo y no tiene que tener sentido. No siempre quiero una evolución, no quiero ser definido y perfecto, quiero ser raro e impredecible. M

34 música

Morbo

TXT:: Chico Migraña.

y metal. Parece una combinación creada en el cielo, pero en verdad es más bien de factura infernal. Muchos rockeros que han hecho historia en el metal y el hard rock han aprovechado el morbo para agenciarse algunos dólares extras. Y aunque están en todo su derecho, la realidad es que los hace parecer seres patéticos, incultos y ansiosos de no perder lo que alguna vez consiguieron con talento, fama y reconocimiento. La manera más accesible de verificar la relación entre morbo y metal es leyendo alguno de los innumerables libros que existen sobre infinidad de bandas. Los hay de todo tipo: buenos, malos, regulares, fantasiosos y grotescos. Y antes de eso habría que separarlos en dos categorías básicas: los escritos en primera persona o autobiografías, y los que escriben “periodistas”, groupies, fans o “allegados”. En el primer rubro están algunos trabajos excepcionales, por ejemplo Mustaine: A Heavy Metal Memoir. En sus páginas, el lector encontrará todo lo que se puede imaginar de una estrella del tamaño del fundador de Megadeth. Sí, hay relatos sobre problemas de drogas y alcohol; sí, hay alguno que otro exceso; sí, hay algo de mala leche contra algunos ex-miembros de la banda. Y sin embargo, son casi notas al pie de página. El sustento real del libro es la vida de Mustaine. Por sus hojas desfilan historias de su infancia que, para no quemar en exceso el contenido, se puede decir que incluye un matrimonio absolutamente disfuncional con problemas de alcoholismo paternal, fanatismo religioso maternal, pobreza e inestabilidad. Más adelante se desnuda para hablar sin orgullo, lucecitas de colores y falsas pretensiones estupidizantes de sus días como narco-menudista, el génesis de Metallica y su participación en dicha banda –una vez más, sin falsos dramas o historietas fantásticas–, así como

En La mayoría de los libros de bandas de metal abundan historias de sexo, drogas y exceso. ¿Por qué venden? Tal vez porque la estupidez humana parece inagotable. sobre el origen de Megadeth… Se abre totalmente para expresar su pesar por haber experimentado con la magia negra, se muestra como un ser en busca de un arreglo espiritual con el universo, lleno de temores y angustias que agravaron por años sus adicciones. Habla sobre la creación de algunos discos, las giras, los problemas internos de la banda, su lesión en el brazo, la ruptura y renacimiento de Megadeth. Ofrece detalles de su matrimonio, la paternidad, el apadrinamiento doctrinal que le proveyó Alice Cooper… En fin, es un libro exquisito de principio a fin que desnuda de manera dramática al ser humano detrás de la gran leyenda que es Dave Mustaine. Tristemente, la otra cara de esa moneda son la mayoría de los libros de otras bandas. El mejor ejemplo es Mötley Crüe. Su libro The Dirt: Confessions of the World’s Most Notorious Rock Band es un compilado de estupidez, decadencia, criminalidad, egocentrismo, megalomanía y ciertamente, un recordatorio burdo, cruel y totalmente amarillista de lo lejos que llegó el concepto del rockstar en Estados Unidos. El simple hecho de que el cantante recuerde el accidente que le costó la vida a una persona y dejó con daño cerebral permanente a otras dos, es patético. El tipo debería estar en la cárcel, y sin embargo, hoy sigue por ahí acumulando arrestos por manejar bajo la influencia del alcohol y/o drogas. El bajista, no conforme con platicar sus ridículas actividades bajo el influjo de la heroína como si se tratara de los pasos de un súper héroe, escribió luego un libro que, ¡oh sorpresa!, se llama Diarios de la heroína. Y es que el exceso vende.

He aquí entonces dos ejemplos de morbo y metal: el primero es manejado con clase, el segundo no. Pero el morbo ahí está, y se consume en grandes cantidades. En la mayoría de los libros de bandas de metal abundan historias de sexo, drogas y exceso. ¿Por qué venden? Tal vez porque la estupidez humana parece inagotable. En ese contexto viven algunos documentos bibliográficos y fílmicos, que al carecer de la suficiente cantidad de morbo, pasan un poco a segundo plano. Existe por ejemplo un documental fantástico que se llama Full Metal Village. Se trata de un relato fílmico de la vida en el pequeñísimo pueblo de Wacken, Alemania. La escritora y directora Sung Hyung Cho, realizó un excepcional trabajo en el cual muestra la vida rural y sin estridencia de los habitantes, que una semana cada año reciben a 80 mil metaleros de todo el mundo. Como documento sociológico y antropológico es maravilloso. Su gran problema es que no ofrece morbo. Es simpatiquísimo ver a las abuelitas pueblerinas cocinar pasteles para “los muchachos”, que en realidad son jóvenes de todo el mundo con el pelo largo y semblantes extravagantes. Pero no hay sexo, no hay abusos, no hay vómito, excremento y babas, así que pasó desapercibido. No hay morbo, y por lo tanto no hay gancho. O por lo menos esa idea nos han vendido los medios durante los últimos 50 años. ¿Por qué la mitad de las series exhibidas en televisión abierta y de paga son sobre crímenes? Porque el morbo vende. ¿Por qué la gente consume libros como el de Mötley Crüe, o los de Aerosmith y demás bandas legendariamente abusivas? Por lo mismo. Es una pena pero es la realidad, y el metal no está exento de ese parásito. M

36 de fondo

Sin duda lo más perverso sigue siendo el Teletón.

Recientemente

TXT:: Fausto Alzati Fernández. ILUST:: 1881.

mi desayuno fue interrumpido por gritos. Al mirar por la ventana del café encontré a una mujer enfurecida, gritando y rugiendo como bestia mientras golpeaba el toldo de un auto con la rama de un árbol. Como yo, las personas se acercaban a la ventana del café, o se detenían al pasar afuera de este lado de la calle, intrigadas por lo sucedido. Desde el asiento trasero del auto golpeado, entre dos personas que imposibilitan su salida, otra mujer gritaba cosas incomprensibles de vuelta a todo pulmón. Por fin, entre varios de quienes supuse eran sus parientes y amigos, inmovilizaron a la embravecida dama que continuaba gritando mientras el auto logró huir con el objeto de su ira. No tengo certeza de cuál fue el motivo o causa de la situación, pero semanas más tarde aún me lo pregunto entre las tantas versiones de los hechos que he armado en mi cabeza. (La más nueva trama sobre venta de órganos y alguna infidelidad con una prima por parte de la pareja de la susodicha). Jamás había oído a alguien gritar así, sin palabras, puros gritos salvajes. Al menos no en la vía pública a media mañana. Debo admitir que al estar observando la escena, entre que estaba más bien pasmado, surgían varias expectativas en mi mente. Por un lado quería, a como diera lugar, que escalara el conflicto, esperaba ansioso un entretenimiento trágico y grotesco —como espectador en el coliseo que quería ver sangre—. Por otra parte, más que angustia me generaba una especie ajena de tristeza aquella mujer enfurecida bramando rabiosa, impotente ante algo penoso y absurdo en su vida. Así también, anhelaba estar enterado sobre las causas y efectos del drama, ante el cual, comoquiera, derivé una sensación de importancia y relevancia hablando de ello y recontándolo con los otros comensales (con quienes 15 minutos antes no hubiese intercambiando más que un escuálido “provecho” de despedida). De vez en vez, cambiando de canales en el televisor, acabo pasmado más tiempo del que imaginaba posible viendo persecuciones policiacas. No sé exactamente qué me provoca mirar estas grabaciones granuladas y aquel momento en que irrumpe la violencia en la pantalla, con la resistencia del conductor ante su arresto. Me impacta el momento en que el cuerpo del arrestado se rinde; la manera en que deja de ser propiedad de su propia autonomía. Así como tampoco entiendo esa mezcla de melancolía y sadismo que me mantiene viendo programas como Intervention o Sex Rehab, donde bajo el lente terapéutico se exhibe la banalidad del sufrimiento humano. Aunque con algo de discernimiento descubro que el tipo de morbo cambia según el contexto. En otras palabras, no es lo mismo —aunque llega a

ser similar— el violento entumecimiento y desconcierto que palpo al ver Peleas callejeras 3, que la entretenida nausea que me brinca al oír al panel de American Idol ejercer su autoridad cultural por medio de la disposición que tienen los participantes a ser humillados. Pero eso sí, sin duda lo más perverso sigue siendo el Teletón. De cualquier manera, ya sea la confesión de Charles Manson o las palabras sentidas del último rechazado de Project Runway, encuentro que el morbo conlleva entre sus componentes un elemento de confusión existencial y otro de fría incredulidad (ambas a primera instancia son sólo vértigo). Es como cuando en un funeral, te acercas a ver el cadáver en el féretro y podrías jurar que aún respira, sólo porque la muerte es de pronto inconcebible. Es el reflejo de un trauma innombrable donde nuestros prejuicios sobre el mundo y la vida parecen validarse. Resulta tan revelador ver la indiferencia bruta de la naturaleza y su causalidad en acción, que hasta provoca extrañamiento. Invita a tantas dudas sobre la validez de las ideas y los planes hacia el futuro. A veces dan ganas de aventarse de un paracaídas sin paracaídas, y otras tantas de no salir de casa y quedarse viendo RealTV. En lo personal, un sitio donde encuentro acrecentado el placentero displacer del morbo son las telenovelas. Las veo y no lo creo y no puedo creer que las sigo viendo. De cierto modo son formidables sus míticas tramas donde el bien y el mal luchan por el derecho al poder o a la inocencia (o a un batidero raros de ambos), la constante tensión, la perpetua intriga molesta, la burda manipulación emotiva de la música de fondo y los caricaturescos personajes complotando y llorando en casas de lujo. Con su formulaico sentido de la tragedia, sus maquiavélicos soliloquios, una situación tensa tras otra, son elementos únicos dando sostén a un morbo al borde de la indignación. Pero en el fondo, para mí, su genialidad reside en que de pronto me confrontan con esa brutal indiferencia de la naturaleza, desmantelando esa exagerada sensación de importancia que me atribuyo. Así, me proponen que quizás esos grandes dilemas de mi vida son en realidad tan inconsecuentes y chafas como los de cualquier telenovela. A ratos, eso creo que es el morbo: un impulso a poner la cosas en su justa dimensión, mezclado con los goces del chisme (ese modo de saber que se enreda y desenreda por igual). Es un estímulo a la memoria que recuerda nuestra propia falta de inmunidad ante el caos de la vida, restituyendo así cada imperfecto e impreciso instante del día con una dosis de gloria. M

38 de fondo

TXT:: Rafael Toriz. ILUST:: 1881.

acuerdo con mis diarios, algunos amigos y un puñado de circunstancias, he podido comprobar que de unos años a la fecha he adquirido un notorio y vivísimo interés por los travestis, es decir, por aquellos caballeros vestidos de mujer con un toque provocativo, más o menos gatuno y decididamente sensual. Por lo general he convivido con dichas personas en bares, otras veces en fiestas y mayormente a orillas de la calle, lo que me ha permitido trazar, no sin cierto aventurerismo, una tipología precaria con respecto a sus actividades laborales. Si bien los he visto fungir como damas de compañía, bailarines, cantantes de burlesque, estilistas, actores o compañeros de parranda, es un hecho que buena parte de los travestidos se dedican al sexo servicio, con las agudas y penosas problemáticas que conlleva el ejercicio de su trabajo. Mi afición, inocua en términos carnales debido a mi temperamento platónico y a algunos pruritos ora cívicos, ora morales, me ha llevado a preguntarme, azuzado por la maledicencia de mi entorno social (de temple más bien pacato, hipócrita, prejuicioso e intolerante) por los límites entre la curiosidad, el morbo y el deseo, una tríada nebulosa y poco precisa en la que es posible confundirse toda vez que, en tanto mexicano, he recibido una educación sexual tendenciosa, limitada, machista y homoerótica, bastante acorde con mi formación en general. Hoy día, en que trato de comprender los resortes intestinos de mi fascinación por la otredad ambivalente –rebajada por el folclor nacional bajo invectivas del tipo “a ti te gustan las viejas con palanca al piso”, “entre bigotones te veas” o “de saber que eras manfloro te metíamos de marino”– reparo en que jamás se me ocurrió pensar que mi curiosidad pudiera revestir una “enfermedad psicológica”, encubrir un “interés malsano” por la gente o expresar cierta “atracción hacia acontecimientos desagradables”, definiciones que se pueden encontrar en el diccionario cuando uno busca la palabra morbo/morboso. Estoy plenamente convencido de que sociedades ignorantes y acomplejadas como la nuestra (entre las que incluyo a Europa, Estados Unidos y toda América Latina) segregan y condenan la diferencia por su incapacidad de enfrentarse a lo desconocido, juzgando de manera negativa todo comportamiento que se sale de la norma. Soy consciente de que algunas de mis inquietudes acaso no puedan ser comprendidas bajo el mote de “humanismo liminar” (no me interesa justificarme en lo absoluto), sin embargo me niego rotundamente a tildar de morboso un encanto habitado por el deseo de comprender algunas de las ramificaciones más curiosas de la vida. En ese sentido “el morbo”, en tanto categoría para entender o analizar la realidad, no me parece otra cosa que un esquema mental estúpido que poco aporta y mucho confunde. Por lo tanto, si atendemos con razón las palabras de David Hume al sostener que la belleza se encuentra en el ojo del observador, podemos suponer con razón que el espanto, el horror y la estupidez radican también en los albañales prejuiciosos de aquellos ofuscados que miran sin mirar.

Crónica de un sentimiento

Mi atracción por las vestidas, como tantas otras cosas torales en mi vida, es una herencia directa de mi padre, un guitarrista profesional que me llevaba, desde mis cuatro años, a las fiestas de bienvenida que organizaban bailarines y bailarinas en un curso de verano en el que él impartía clases de música. Poco alcanzo a recordar –a mi edad la memoria ya comienza sus estragos–, pero retengo con firmeza la emoción de esos convites, en los que el desmadre, la música y la buena ventura constituían el prometedor inicio de las bondades del verano. Siento en el cuerpo todavía la alegría electrizante que me daba ir a ver a esos hombres vestidos de mujer en un gran patio donde el caos y el carnaval eran una forma del afecto. Todos corrían desaforadamente

Empecemos por hablar de frente, sin miedos ni tapujos y transformemos el morbo, esa forma baja de la inquietud, en una puerta hacia la sabiduría y el conocimiento. entre estruendosas carcajadas, abrazos, pelucas, maquillajes, pandereteas, pellizcos, flautas vestidas de todos colores, harina, confetis y serpentinas: un instante de la dicha difuminado entre la levedad y la gracia. Más adelante, al descubrir los espectáculos de los payasos callejeros, fue grabándose en mi psique cierta idea de la femineidad como una caricatura del deseo: pechos voluminosos y nalgas descomunales hechas de globos que invitaban de manera más o menos inconsciente a la profanación y el pinchazo. Un toque de realidad para ese entramado de fantasía. Luego, durante la adolescencia, tuve la fortuna de contar con una educación sentimental provista por el delirio que constituye el Carnaval de Veracruz, un instante mexicano que mezcla la extravagancia con la sordidez y la tristeza con el desfogue. Atribuyo a esas experiencias nodales no sólo mi carácter bullangero y despreocupado ante la vida, sino también la certeza de que en cuestión de género somos mucho más que dos. Finalmente, siendo ya un adulto viajero, descubrí a los travestis más coquetos, atentos y cordiales en las calles de Medellín, Colombia, en donde viven –estoy seguro– los exponentes del arte de la simulación más hermosos del planeta. A este punto conviene hacer una precisión que, al menos a mí, me explica ciertas inclinaciones. Creo que si un hombre heterosexual se siente atraído por los súper cuerpos que despliegan los hombres travestidos –sin llegar al transexualismo– ello es debido a que son la representación carnal de la súper mujer: pechos grandes, nalgas grandes y piernas bien torneadas. Desde mi óptica, es necesario comprender estas sutilezas para poder aspirar a una sociedad democrática, matizada, respetuosa y pluralista. Por otro lado, el hecho de vestirse de mujer es una práctica muy común que en ocasiones, no busca otro objetivo que la comodidad física y psicológica: sólo un temperamento morboso u obcecado puede pensar que la experimentación con la ropa, el peinado y algunas otras señalizaciones del género son aberraciones o prácticas contra natura. Como es costumbre, el tema es vasto y muy corto el espacio. Sin embargo me parece posible entrever una moraleja. Si entendemos que la vida y sus derroteros pueden ser rutas para ensayar lo humano –si hacemos de nuestra vida y nuestros actos una suerte de antropología especulativa– acaso podamos vislumbrar una sociedad más abierta y transparente en la que enfrentarse a ciertos tópicos tabú deje de ser un ejercicio de aislamiento, sorna y discriminación. Mucha sangre se ha vertido debido a odios insensatos, a miedos ignorantes. A estas alturas resulta obligatorio vivir de otra manera. Cada sociedad engendra sus lacras y sus abismos. Empecemos por hablar de frente, sin miedos ni tapujos y transformemos el morbo, esa forma baja de la inquietud, en una puerta hacia la sabiduría y el conocimiento. M

40 EN PORTADA

TXT:: Natalia Cano.

FOT:: Sony Music.

"Hay muchos rockeros psicodélicos que llenan grandes lugares como el Foro Sol, pero que no se atreven a asumir una postura política ni social". René Pérez “Residente”

El primer acercamiento entre René Pérez “Residente” y Zack de la Rocha se estableció cuando Calle 13 se unió a la iniciativa del líder de Rage Against The Machine, The Sound Strike, en la que diversas figuras de la música y el cine apoyan un boicot contra el estado de Arizona para protestar por la polémica ley SB1070. En aquella ocasión, “Residente” sostuvo una conversación telefónica con de la Rocha, en la que ambos músicos acordaron trabajar en una canción que plasmara el problema del racismo en Estados Unidos, específicamente sobre lo sucedido en Arizona, estado que autorizó una ley que prácticamente convierte en delincuentes a los inmigrantes indocumentados en esa zona.

canción que originalmente grabarían lleva como título “Latinoamérica”, tema incluido en el cuarto y más reciente álbum del grupo boricua, Entren los que quieran. En palabras del propio “Residente”, “Latinoamérica” representa “la mejor canción” que ha escrito, motivado en gran parte por la influencia lírica y musical que Rubén Blades ha ejercido en Calle 13, con quien el panameño grabó la pieza “La Perla”, en honor al barrio en donde se gestó la banda también liderada por Eduardo Cabra “Visitante” hace seis años. Por cuestiones de agenda, el plan se vio frustrado, y en lugar del rockero estadounidense René optó por invitar a la colombiana Totó la Momposina, la peruana Susana Baca, la brasileña Maria Rita y el argentino Gustavo Santaolalla, quien participó tocando el ronroco. Cuenta Pérez que el clásico de Blades, “Buscando América”, fue el primer aliciente para escribir “Latinoamérica”. El segundo, su paso por América Latina durante la realización de su documental Sin mapa (2009). “Es una canción que me costó mucho al principio porque tenía varias ideas y empecé con una historia más de lástima que de triunfo, hasta que me dije: 'Pero es que no hay que cogerse lástima ... están pasando grandes cosas allá’”, narra “Residente”, en entrevista con Marvin. “Las canciones, algunas, tienen un discurso, pero también está cabrón que en cuatro minutos puedas

resumir algo importante, eso nos dijo Rubén Blades, ¿verdad René?”, interviene “Visitante”. La idea de cantar “Latinoamérica” con De la Rocha, explica el vocalista, obedecía a unir fuerzas con el músico y activista político para concientizar a los latinoamericanos que viven fuera de Estados Unidos. “Para mí, el trabajo sería traducir lo que dice Zack de la Rocha a Latinoamérica, hacer consciente a la gente… cuando ya se está consciente, entonces pasará algo. Somos muchos, es un continente completo contra un estado pequeño, tenemos la de ganar”, advierte. En julio de 2009, Rage Against The Machine ofreció un concierto en el Hollywood Palladium, en Los Ángeles, a beneficio de dos organizaciones que luchan contra la mencionada ley antiinmigrante de Arizona. Aquella noche, durante su discurso, De la Rocha gritó eufórico los nombres de los grupos Los Tigres del Norte, Calle 13 y Café Tacvba, quienes se han unido a su iniciativa The Sound Strike. “Él (Zack de la Rocha) me invitó, me habló sobre la idea de hacer un concierto en la frontera norte de México, pero vamos a ver qué pasa, le dije que estaba con toda la disposición, que era buena idea hacer el tema, sobre todo porque hay que conectar a la gente de Latinoamérica con lo que pasa en Arizona. Si los 600 millones de habitantes que hay en Latinoamérica se concientizan de lo que está pasando allá, y se puede lograr un cambio radical, que no ha pasado nunca, eso sería perfecto”, afirma. Aunque la carrera musical de Calle 13 es relativamente muy joven (con apenas seis años de actividad y cuatro álbumes de estudio: Calle 13, Residente o Visitante, Los de atrás vienen conmigo y Entren los que quieran), “Residente” ha adquirido un poder como líder de opinión que, si bien le halaga, también le hace sentir una responsabilidad enorme. Pocos músicos pueden jactarse de tener el nivel de convocatoria de la que goza actualmente René Pérez, cuyo carisma e irreverencia ha seducido no sólo al público femenino, sino incluso a figuras como el rockero Andrés Calamaro, quien considera que el cantante de Calle 13 “tiene potencial de líder porque tiene discurso, pero también un talento desbordante”. Por lo anterior, no es aventurado pensar que Calle 13 ocupa actualmente el lugar que Los Fabulosos Cadillacs tuvieron en la década de los 90 y conservaron entrado el siglo XXI, como narradores de la realidad político-social de la América Latina.

“A veces te sientes halagado, pero otras medio confundido, es un rol que estoy asumiendo. En mi país se me hace muy difícil... no sé si en algún momento me canse (de alzar la voz), estoy al servicio de la gente. Hay muchos rockeros psicodélicos que llenan grandes lugares como el Foro Sol, pero que no se atreven a asumir una postura política ni social”, refiere el cantante. “Yo creo que, por mi parte, estoy más metido en el arte, si no hago música, puedo hacer otras cosas. Me puedo poner a hacer otras cosas y puedo ayudar a la gente, muchas veces, estando dentro del sistema que fuera de él”, asegura el músico. Además de “Calma pueblo” (primer sencillo de “Entren los que quieran”

y en el que destaca la guitarra psicodélica de Omar Rodríguez, de The Mars Volta), en su nueva entrega discográfica, “Residente” y “Visitante” incluyeron la canción “Prepárame la cena”, que funge como tema principal de la serie de televisión Capadocia. “’Prepárame la cena trata de las prisiones, no es necesariamente una cárcel física, sino las peores que son las mentales. De momento, si te sientes en esa prisión mental, debes dejar todo y darte una vuelta por el mundo para dejarlo atrás. También, en el nuevo disco tenemos otra canción que se llama “La bala”, que narra toda la trayectoria de la bala hasta que mata a una persona, traté de darle personalidad a la bala”, concluye.

TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

No debe ser fácil arremeter contra tu propia disquera, condicionarla públicamente sobre su papel y lo que le costará la firma de un nuevo contrato; tampoco es usual señalar que hay muchas figuras de la música que se compran sus propios discos. Es un hecho, la payola existe –aunque lo nieguen– y hace que unos pocos

tengan varios sencillos sonando simultáneamente. Se necesita valor para apuntar: “La mitad de los artistas deberían estar presos”. Y es que René Pérez “Residente” tiene muy claro que en su discurso cabe la denuncia política, la crítica social y un humor ácido que sigue

crispando a conservadores y timoratos. Nadie puede decir que no se preocupe por el manejo del lenguaje, por definir la postura grupal e individual, y de hallar ideas filosas que no hacen sino exponer lo que mucha gente rumora y no hace públicas: “No me hablen de cárteles, ni de Los Soprano, la mafia más grande vive en el Vaticano”.

Para sus colegas frívolos y nimios les reserva un: “Tú dices poco, porque sabes poco”. Intenta hábilmente –como en el aikido– canalizar la energía del enemigo y es por ello que asevera, “Adidas no me usa, yo estoy usando Adidas”, además de insistir en su pugna contra los racistas norteamericanos y jactarse que pese a ello los auspicia Coca-Cola. Si a ello agregamos una poliritmia asumida con seriedad, que pasó de probar con sonidos balcánicos a superar por varios años luz los rapeos estúpidos de muchos reggaetoneros, hoy siguen inspirados por la búsqueda de Rubén Blades y poseen la energía viral del rock más combativo (“Calma pueblo”), dándose incluso la oportunidad de hacer alguna bizarra canción de amor (“La vuelta al mundo” y “Muerte en Hawaii”). El uso cotidiano de la inteligencia aplicado al oficio de músico se resume en frases tales como: “A las mentalidades prehistóricas las capturo con groserías, luego las mato con retórica, los problemas no se dan por sentados, y más cuando hay abuso de parte del Estado”. Se entiende así que Calle 13 resulte molesto para ciertos sectores que detentan el poder. Así ocurrió con un tema como “Digo lo que pienso”, que sintetizó el pleito casado con el alcalde de San Juan de Puerto Rico, Jorge Santini, a quien Pérez ha retado para que ambos se realicen exámenes anti-doping, ya que lo considera un “periquero”, además de corrupto. Pero el status quo siempre encuentra la manera de ejercer presión. Desde ahí eligieron la frase “ganarme esos Grammy fue como venirme en tu boca”, para

“El arte no busca la revolución, si es verdadero arte, es la revolución”. Be rtold Brecht censurar el tema en las estaciones boricuas a través de la Junta Reglamentadora de Telecomunicaciones de Puerto Rico, encabezada por Sandra Torres. La funcionaria ha exhortado públicamente a la gente para que le haga llegar por escrito quejas que sustenten su proceder contra la pieza. La instancia ha buscado que el material se considere obsceno e indecente, y alega que la ley persigue cuando se describe o representa de manera ofensiva un comportamiento sexual, definido de manera específica y carece de un valor importante del punto de vista literario, artístico, científico o político (sic). Torres precisó: “Esa frase es demasiado gráfica y nosotros como pueblo debemos sentir indignación. Lo de Santini a mí no me importa, es la vulgaridad y la asquerosidad que él está diciendo. Tenemos que pararlo. Si él quiere cantar y protestar hay manera de decir las cosas”. Una vez que Calle 13 están convencidos de que la vía independiente también les facilitará opciones para seguir adelante, la banda ha respondido vía Twitter: “Nadie tiene el derecho de seleccionar por ustedes la música que quieren escuchar. No dejen que los censuren. El pueblo manda”. Con todo, la persecución a la rola no fue un hecho aislado, la serie Rosario Tijeras y el programa SúperXclusivo

de Wapa TV también fueron señalados como incitadores a la violencia. Ahora que los medios buscaron una réplica, Pérez recordó que ya en los Premios MTV Latinoamérica 2009 había cargado explícitamente contra el gobernador Luis Fortuño, señalando la larga lista de despidos injustificados que llevó a cabo. En el caso de “Digo lo que pienso” precisó que no hacía falta ponerle un nombre específico: “Cuando yo como artista hago música, se la regalo a ustedes y deja de ser mía. Ustedes le ponen el nombre que quieran a esa persona. Cada país que tenga un alcalde usuario de droga, se identificará con su respectivo alcalde. No niego nada. Doy a ustedes la autoridad, la fuerza, la capacidad y responsabilidad de asumir lo que quieran con el tema (…)”. Para Eduardo Cabra “Visitante” –el hemisferio musical de Calle 13– la única manera en que las cosas cambien de fondo es llevando educación a la gente no sólo en su país, sino en el continente entero; una problemática que abordan en “Latinoamérica” y cuya diversidad cultural han buscado plasmar a través de la presencia de vocalistas invitadas de primer orden, como la brasileña María Rita, la peruana Susana Baca y la colombiana Totó La Momposina. Si musicalmente no temen intentar con el merengue, el ska o los ritmos andinos, mucho menos les tiembla la voz al momento de decir cosas importantes. René tiene muy en claro hacia dónde van los verdaderos tiros de su labor: “Estoy poniendo las palabras y la inteligencia por encima de cualquier bala o violencia”. Entren los que quieran es un álbum valiente que muestra a un grupo en pleno crecimiento, señala situaciones concretas mediante un planteamiento universal, como en el caso de “Prepárame la cena”, que parece seguir las formas amorosas de La Bien Querida, cuando habla de los diferentes tipos de encierro –incluso el carcelario–. Calle 13 funciona mejor cuando no se apega a causas y posturas típicas; acierta cuando dispara pa’ todos lados, esparciendo así su crítica a las instituciones. No dejan títere con cabeza ni se someten; ya lo dice “Residente”: “No se puede escribir sobre el dolor cuando se escribe con miedo”. M

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“La primera vez es la peor”

En el submundo del porno existe la leyenda de que toda actriz principiante debe experimentar tres parafilias: el sadomasoquismo, el bestialismo y el sexo con Ron Jeremy. TXT:: Arthur Alan Gore.

Independientemente

de su popularidad como actor “Tres Equis” y su ya reconocido y descomunal aparato reproductor, el carismático Jeremy es un personaje de la cultura pop. Muchas bandas de rock se cuentan entre sus amigos e inclusive ha participado en reality shows. También fue parte de una gira por Estados Unidos en la que se debatía acerca de las bondades del porno. Igual que el rock, ha sido endiosado y censurado por igual. A principios del pasado mes de diciembre Ron Jeremy viajó a México para ser partícipe del Festival del Espárrago, que reuniría a bandas nacionales como Nortec, Los Abominables y Los Yeti, entre muchas otras. Una semana antes de su llegada a nuestro país, el protagonista de películas de culto como One Eyed Monster –en la que su falo de 25 centímetros cobra vida por obra y gracia de una fuerza extraterrestre y se convierte en una criatura asesina– y Orgazmo, y que ahora suma casi 2,000 cintas de sexo, drogas y rock and roll, nos obsequió una entrevista telefónica desde su residencia en Los Ángeles. El ex protagonista de La Vida Surrealista, nos confesó que al igual que el resto de los hombres, “su primera vez” fue la más complicada y que a sus 57 continúa siendo un roble que no requiere de pastillitas milagrosas para empalar doncellas. No cabe duda, todo un amo y señor en los terrenos del morbo. Al porno le pasa lo mismo que al rock and roll, ¿no? Se le acusa de aquello que no es. Sí, en efecto. Y al igual que el rock, se trata de una industria hecha y derecha. ¿Crees que reclutamos a las chicas en los patios de las escuelas? ¡No! Existen agencias especializadas que las contratan y créeme, son muchas las que llegan a las audiciones. Supongo que la adrenalina que sientes cuando te gritan “¡Se rueda!”, es muy similar a la que deben experimentar las bandas cuando entonan el “¡Un, dos, tres, cuatro!”. Lo más complicado es entrar al porno porque a mucha gente le atrae y pertenece a un círculo muy cerrado. En ese sentido, cuando tienes tu primer escena la presión es enorme. Sé que todos los trabajos del mundo involucran estrés y hasta suena chistoso que en una película XXX lo haya, pero así es. Eso sí, una vez que pasaste la prueba te garantizo que te divertirás muchísimo.

A ver, te pareces bastante a lo que solían ser los rockeros de los 60 a lo Grateful Dead, pero hoy en día nuestros músicos usan trajes Versace y lucen mucho más metrosexuales, ¿importa mucho la pinta para tener éxito con las chicas? El problema con los metrosexuales es que utilizan tanta estupidez de cremas y cosas de belleza, que las chicas pueden pensar que se trata de una más de ellas. A mí me gusta que una mujer sepa que soy hombre, por detrás y por delante. Al principio de tu carrera fuiste maestro, e incluso hiciste teatro profesional antes de entrar de lleno en el porno. ¿Ahora prefieres “sexo, drogas y rock and roll” o tienes alguna cuenta pendiente con la actuación convencional? No del todo, porque he realizado muchos trabajos fuera del porno, como en Boogie Nights, Los Cazafantasmas o 9 semanas y media, pero definitivamente, cuando el pene ya no se levante, quizá piense en volver a las clases. Ahora que mencionas tu paso por el cine no porno, uno de tus cameos más célebres fue en Detroit Rock City, la película de Kiss. Además de eso, has realizado videoclips con muchísimas bandas, ¿alguna lleva un estilo de vida tan salvaje como el tuyo? No vivo una vida tan salvaje como mucha gente cree y menos ahora que estoy envejeciendo. Tengo 57 años, sí, y debo presumir que nunca he necesitado Viagra, pero definitivamente sí me tengo que esforzar mucho más. He tenido la fortuna de grabar unos temas de rap y echar desmadre con varias bandas (desde Guns N’ Roses, Nickelback, hasta Moby), y sí, he visto cosas muy locas, pero no me gusta hablar de ello porque podría avergonzar a algunas chicas (risas). Es posible que después de haber realizado 2,000 películas hayas logrado entender a las mujeres. Escúchalas, eso les gusta. Puedes ser un tipo rudo en la cama, pero debes darles flores y chocolates fuera de ella. M

Tengo 57 años, sí, y debo presumir que nunca he necesitado Viagra.

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Una historia sencillamente compleja

TXT:: Jorge Arias. ILUST:: Daniel Petris.

diversidad de temáticas abordadas por Darren Aronofsky en sus filmes parece no tener límites. De matemáticos judíos a entusiastas de las drogas, pasando por luchadores decadentes hasta llegar a bailarinas clásicas, el director neoyorquino nos permite ubicar su punto de encuentro en historias que, al menos en un primer momento, tienen una narrativa sencilla, misma que se torna compleja a partir de sus personajes: seres con una carga dramática brutal que llegan al final de la trama desgarrados, expuestos, humanos. Basta recordar el escalofriante final de los protagonistas de Réquiem por un sueño, o del último vuelo de Mickey Rourke en El luchador, para comprender cómo Aronofsky delega la complejidad de sus películas en ellos, los encargados de redondear una historia bien contada y sencilla… hasta cierto punto.

seductora, pasional, provocativa. La dualidad en los escenarios desata otra ambivalencia en la vida de la Reina Cisne, misma que se intensificará con la llegada de Lily (Mila Kunis), la bailarina rival que encarna a la perfección al cisne negro, convirtiéndose así en un ser que irrumpe en la vida de Nina como funesto complemento.

El nuevo vuelco temático de Aronofsky se llama El cisne negro y aterriza en una compañía de ballet en Nueva York, donde la trama comienza y presumiblemente terminará con Nina, ballerina interpretada por Natalie Portman, justo en el momento de ser nombrada Reina Cisne, personaje principal en una de las representaciones fundamentales en el mundo del ballet: El lago de los cisnes.

En el siglo XVII, los colonos ingleses que regresaban de su viaje por Australia traían consigo cisnes negros, aves que sólo existían en el hemisferio austral y que a su llegada rompieron la creencia de que los cisnes sólo eran blancos. Este hecho permite la “Teoría del Cisne Negro”, que en términos generales enuncia cómo un hecho que hasta entonces no pertenecía a nuestra realidad –debido en parte al desconocimiento que tenemos de la realidad misma–, cambia nuestra percepción de forma radical una vez que se aparece ante nuestros ojos. Quizá en esta teoría se encuentre el meollo de la nueva producción de Darren Aronofsky, sujeto con historias sencillas y personajes complejos. M

El comienzo de lo que podría considerarse la cima en la carrera de Nina, de pronto se transforma en una guerra interior, producto de las exigencias de su personaje, que ya no es sólo ese cisne blanco inmaculado, perfecto, hermoso e ideal; sino que debe combinarse con la figura del cisne negro:

El gran truco La dualidad en el personaje resulta clave en una historia donde pareciera que la realidad ha perdido la batalla contra la imaginación, y esto sin duda resulta alentador. Interpretar al cisne negro provoca que Nina saque a flote una personalidad hundida en el olvido, rasgos en su carácter que aparentemente no tienen cabida en su vida, provocando un choque y la pregunta acerca de qué es real y qué no lo es.

Título: El cisne negro/ Black Swan Director: Darren Aronofsky País: Estados Unidos Fecha de estreno: 01/28/2011 Género: drama, thriller Reparto: Mila Kunis, Natalie Portman, Christopher Gartin, Winona Ryder, Sebastian Stan, Vincent Cassel, Barbara Hershey, Janet Montgomery, Toby Hemingway, Kristina Anapau Guión: Mark Heyman, Andres Heinz

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Ethan y Joel Coen

Cuando el recalentado agarra sabor TXT:: Jorge Arias.

Al salir del cine después de ver No Country for Old Men, se podían escuchar algunos comentarios lamentables de señoras copetonas diciendo: “no le entendí, me gustó más 27 bodas”. Sandeces por el estilo demuestran que el cine de los Coen no es para todos, un punto a favor de quienes gustamos de sus películas, pero un gran punto en contra para quienes tienen los dineros hollywoodenses. Con el paso del tiempo, y con tantos galardones a cuestas, nadie osa cuestionar la calidad fílmica de los hermanos Coen, aunque a veces las masas encuentren incomprensible su humor, ironía o sentido del buen gusto.

Temple

de acero es el nombre de su nuevo filme, y si te suena familiar es porque se trata de una nueva versión de un clásico del western basado a su vez en una novela de 1968, cuyo título original es True Grit. Posiblemente algunas de esas copetonas mencionadas anteriormente irán a ver la versión de los Coen en honor al filme de los sesenta, así que no te enerves si escuchas sus comentarios poco asertivos y bastante patéticos.

Lo nuevo en el Viejo Oeste El western fue un género muy popular durante los 60 y 70, donde podemos encontrar filmes de muy buen nivel como el mismo Temple de acero (1969) o El bueno, el malo y el feo (1966). Sin embargo, perdió su ímpetu poco a poco, y salvo algunos intentos efectivos por resucitarlo, como Los Imperdonables (1992) o El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (2007), las nuevas aventuras en el viejo oeste han sido un desastre fílmico que bien ameritan comentarios dignos de señoras copetonas, si no recuerden Wild Wild West o Shanghai Noon, golpes arteros al buen gusto. Además de un elenco bastante respetable, con Jeff Bridges y Matt Damon a la cabeza del cartel,

Temple de acero tiene a su favor la mano de los Coen, quienes han demostrado en más de una ocasión conocer y dominar todos los géneros fílmicos en los cuales han incursionado, y esta vez parece que no será la excepción. La historia, basada en una niña de 14 años sedienta de venganza tras la muerte de su padre a manos de un bandolero, es narrada de forma formidable por los directores, quienes complementan su obra con un trabajo notable en la fotografía a cargo de Roger Deakins, quien ha participado con los Coen en Sin lugar para los débiles, ¿Dónde estás hermano? y El gran Lebowsky, entre otras. Deakins, por si fuera poco, también ha trabajado con Martin Scorsese y Andrew Dominik, director de la ya citada El asesinato de Jesse James… Como colofón, el filme incluye una banda sonora liderada por la leyenda del country, Johnny Cash, que seguramente será la cereza en el pastel recién horneado por los Coen. En el remoto caso de que al salir de la función te encuentres con comentarios de copetonas prefiriendo cualquier otro bodrio de la cartelera, no te aflijas: comprando estos boletos, ellas aseguran que los Coen llenen las marquesinas con más títulos. Afortunadamente. M

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el morbo más allá del morbo ¿La película más sucia y perversa de la historia?

ciernes, al igual que el manejo actoral, pues semejan ser maniquíes parlantes, pese al alto octanaje de la tragedia. Es preciso señalar que la maquinaria del conservadurismo únicamente logra potenciar una obra menor, que ahora será codiciada en su versión íntegra, sobre todo por el morbo que conlleva una obra prohibida, que a su vez se muestra como una película dentro de otra película, esta última concebida para los morbosos más extremos.

TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

perdamos tiempo. Milos es una leyenda del porno serbio –está dotado con un pene monumental– vive en el retiro con una esposa bellísima y su pequeño hijo. Una ex compañera lo contacta para ofrecerle participar en un proyecto que rebasa cualquier expectativa. Ante la posibilidad de ganar en unas semanas el dinero para garantizar la educación de su hijo, el hombre acepta tan solo para verse sumido en una extraña compañía de paramilitares vueltos cineastas, y que tienen pretensiones de llevar la pornografía a una dimensión nunca antes alcanzada. La cinta inicia lenta y siguiendo el mecanismo de un thriller. El protagonista está desorientado, la producción guarda total hermetismo y secreto. Progresivamente participa en escenas que implican menores de edad y tortura. Milos se da cuenta que no se trata de actores y comienza a averiguar, pero poco consigue. Veladamente circulan datos que remiten a la pasada Guerra de los Balcanes, a la descomposición serbia, y a un circuito de compra-venta de material sádico que envuelve a familiares de gente relacionada con el conflicto. Digamos que hasta un poco más de la mitad transcurre como una cinta de escasos méritos que no espanta a nadie, pero llega el momento en que el delirio se desata. Milos es informado de un anhelo malsano de mostrar lo jamás filmado. Le proyectan rushes en que una mujer embarazada está en los últimos instantes de un parto natural. Ella puja y el niño va saliendo en lo que parece un documental medico, hasta que aparece un hombre desnudo y con capucha que se apodera del recién nacido para tener sexo oral con él. El director de la película se siente un genio por haber creado el porno neonatal. En una parte final de vértigo se mezclan las visiones de un Milos al que han suministrado grandes dosis de viagra para animales, hasta llevarlo a un trance en que se convierte en una máquina sexual sin pensamiento. Vendrán decapitaciones, múltiples violaciones, incesto, y una escena en

que el hombre-pene mata a un tuerto perforándole el ojo seco con su miembro. El clímax implica un derramamiento de sangre y excesos de toda ralea. Srdjan Spasojevic, nacido en Belgrado en 1976, debuta con un trabajo que logró colocar en gran parte de los festivales de cine de terror y fantástico, como los de Bruselas y Londres, después vino Sitges y haría lo propio en San Sebastián, pero como es usual en estos tiempos, la intervención mediática fue creando un halo de “malditismo” en torno a la cinta, considerándola “la más retorcida, peligrosa y deshumanizada de la historia”. La inclusión de coitos con recién nacidos, violaciones a niños de ocho años y escenas sexuales de tortura más que explícitas, movieron a la Confederación Católica Nacional de Padres de Familia a demandar al cineasta apelando a un delito contra la libertad sexual. La exhibición en San Sebastián fue vetada por un juez, tan solo para que se le otorgara un premio en nombre de la libertad de expresión de parte del público. El morbo vende, el filme consigue mayor notoriedad, aunque se presiona por una versión censurada. Ahora circulan por la red ambas alternativas, que no hacen sino potenciar el carácter de pecaminoso objeto de deseo para cinéfilos y curiosos. En medio del escándalo y el seguimiento a los aspectos legales, Spasojevic explicó que intentó reflejar la complejidad política de Serbia y los abusos a los que han sido sometidas las víctimas de guerra. El caso es que el resultado final parece más una apología que una crítica. El director apela a la perspectiva de su protagonista: "Debe de ser tomada como la confesión sincera de una víctima. Una metáfora sobre la violación a la que el ser humano es sometido antes de haber nacido”. Aunque se dice estudioso de directores de culto como John Carpenter, David Cronenberg y Roman Polanski, su lenguaje cinematográfico aún está en

Parte de su leyenda refiere que en Francia un distribuidor fue a ver la película, no pudo aguantar las imágenes violentas, se desmayó y al caer al piso se rompió la nariz. En cada sala donde se proyecta no escasean los abandonos y cuando el director se halla presente no falta quien intenta golpearlo. Pese a todo, esta derivación de las snuff movies ha sido adquirida por invincible films, una distribuidora norteamericana que planea su estreno en 2011; además, Showtime ha expresado interés por emitirla. De A Serbian Film podemos concluir que reanima el debate entre quienes no consiguen distinguir la realidad de la ficción, atribuyendo a esta una carga moral que no le pertenece, pero no deja de ser uno de los tantos esbozos posibles de la torcida mentalidad que dejó la post-guerra, con sus respectivos traumas. En ese sentido, en otra película serbia, The Life and Death of a Porno Gang de Mladen Djordjevic, uno de los personajes –productor de snuff movies, por cierto– apunta: “en los Balcanes hay una rara mezcla de crueldad y creatividad”. Lo que habría que ver es que cuando en un país el trasfondo social incluye campos de concentración, terribles humillaciones a la población civil, mujeres violadas y la muerte como práctica cotidiana, es posible que existan este tipo de filmes, abundantes en necrofilia, incesto, violación y pederastia. Si esto es lo que sale a la superficie y se ventila en las capas más superficiales, ¿qué es lo que habrá verdaderamente en el fondo? No se trata además de un caso aislado: este año, en San Sebastián también se criticó acremente I Saw the Devil, de Kim ji-Woon, a causa de la enorme cantidad de violencia y sangre. El morbo traspasa el umbral de lo conocido, se funde con un apetito sexual y mental que renueva sus patologías; sólo que ahora no se quedan en el diván de un psicoanalista, sino que poseen un mercado. Agazapados, los que mueven el capital esperan una ayudadita de los ultra conservadores para que su material se sobrevalúe y produzca grandes ganancias adicionales. M

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La película no película de un director masivo individual TXT:: Carlos Jaimes.

El apocalipsis, la manipulación mediática, los defectos y los fallos del sistema norteamericano, el cine de mediados de los ochenta, el bourbon, el rock y el heavy metal son algunos de los referentes de la más reciente cinta de Olallo Rubio; This is Not a Movie. Una película muy similar, casi idéntica en esencia a su director: o se odia o se ama.

Quienes

conocen y siguen la trayectoria de Olallo, entenderán perfectamente cada uno de los elementos que compone esta historia en donde Pete Nelson (Edward Furlong) aguarda el fin del mundo encerrado en un hotel de Las Vegas. En ese momento comienza un proceso de crisis interna al tratar de descubrir el sentido de su vida, de ahí se derivan otras historias y personajes paralelos que terminarán en un final que no se parece nada a su principio. Un discurso muy similar al que día con día escuchamos durante varios años cuando Olallo Rubio era locutor de la hoy extinta Radioactivo 98.5, y que en un momento dado puede hacer que el espectador se identifique con la película. En una historia donde la semiótica intertextual juega un papel muy importante, Edward Furlong (Terminator 2: Judgment Day, American History X) representa el

actor ideal para un personaje conflictuado y en decadencia. Cuenta Olallo Rubio en entrevista, que la misma directora de casting no se sentía cómoda con la propuesta de Furlong como actor principal, ya que se trata de una persona que en la vida real es alcohólica, abotargada y con sobrepeso, inclusive en enero pasado tuvo que cancelar su visita a México con motivo del estreno del filme por haber sido arrestado en Estados Unidos. Para This is Not a Movie, es perfecto que aquel John Connor, el eventual salvador a la humanidad de la tiranía de las máquinas sea este decrépito protagonista que no busca otra cosa sino el sentido de su propia existencia. Técnicamente, y según su director, se trata de una sátira a la narrativa convencional del cine. Más allá de lo pretencioso que pudiera sonar, el título del filme es más bien una advertencia al espectador:

“no veas la película porque no va a funcionar como tal, sino que operará bajo su propio sistema de reglas”. La lectura que el espectador pueda darle ya es otra cosa muy distinta. De una vez hay que decir que no es un filme fácil, y que como buen largometraje de un director influenciado por homólogos como Tarantino o Jodorowsky, pretende ir contra muchos de los convencionalismos hollywoodenses. Por ello, váyanse preparando para ver una película incómoda con un final inesperado en muchos sentidos, un filme individual. La gente familiarizada con el rock (particularmente con el heavy metal) encontrará algunos mensajes y guiños: el soundtrack, elaborado por un rockerobluesero y cinéfilo como Slash, resulta un atinado movimiento a la pieza (Guns N’ Roses y Las Vegas juntos, no hay más). La gente que gusta de otro tipo de cine encontrará referencias y homenajes, todos ellos a manera de sátira pero, reitero, todos relacionados estrechamente con su director. M El actor Harvey Keitel manifestó expresamente su deseo por jugar el papel principal de This is Not a Movie. Dave Wyndorf de Monster Magnet era una de las alternativas para realizar el soundtrack de This is Not a Movie. Incialmente, el guión situaba la historia en California. Sin embargo, cambió a Las Vegas tras una visita de Olallo Rubio en 2005 a dicha ciudad. El mismo Peter Coyote sugirió que esta locación fuera utilizada como un símbolo de la parte de Estados Unidos que se estaba destruyendo a sí misma. This is Not a Movie comenzó con un presupuesto de 1 millón cien mil dólares y terminó costando 3 MDD. El corte original de esta película consta de 4 actos. Para hacerla más digerible, se quitó uno. La versión en DVD contará con estos 4 actos.

56 cรณmic

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Tiempo suspendido TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: Flavio Bizzarri del libro Facebook.

Con

solo 25 años de edad, Flavio Bizzarri fundó en 1985 el Istituto Superiore di Fotografia, una escuela de fotografía que se convirtió en una de las más importantes de Italia y de toda Europa. Ese mismo año abrió Prati di Roma, un estudio profesional que rápidamente logró posicionarse como uno de los más prominentes de la década de los 80. A mitad de los 90 decide venirse a vivir a México y desde entonces no para de trabajar en cientos de proyectos que tocan diversos temas e inquietudes peronales. Su trabajo, creado en el Bizzarristudio, ha sido

expuesto en galerías como GMD y Oscar Román, por mencionar algunas. Visitamos a Flavio en su estudio para charlar entre acordes de jazz, música electrónica y un café expreso. ¿Cómo te iniciaste en la fotografía? Nací fotógrafo, pero no sé por qué, quizá porque mi papa tenía esta pasión, aunque en realidad él era notario. En ese entonces tomar fotos no era tan fácil, tener una cámara era una cosa importante, se cuidaban mucho y se sacaban únicamente cuando

valía la pena. Fascinado por el mundo de la foto, a los 14 años pedí a mi papá que me comprara equipo para revelar y ahí inició la maravilla; asocié la parte mecánica con la química y me encantó. ¿Qué recuerdas de tus primeras fotos? Al principio recuerdo que en la secundaria tomaba fotos de los libros y las hacía pequeñas para elaborar “acordiones” muy cómodos (risas). Con el tiempo comencé a ver las situaciones y los objetos de otra manera, con otros ojos, aprendí que la película da una visión diferente de lo que uno ve, reinterpreta distinto tu realidad. Mi primera pasión fue fotografiar arquitectura.

Carlos Zavala por Flavio Bizzarri

En tu trabajo hay una serie de retratos muy peculiares. ¿Qué es lo que te intriga de fotografiar rostros? Esa serie forma parte de un libro de retratos que tiene el nombre de Facebook. Se trata de una invitación para ver las cosas de manera distinta, a percibir lo que tienes delante de tus ojos y que por alguna razón no se está viendo, pero está retratado con un léxico fotográfico diferente, con un estilo e interpretación distinto.

¿Cuál es la diferencia entre hacer retrato y otro tipo de fotografías? Tengo otra búsqueda fotográfica muy personal que hice años atrás y se llama Pasajeros indeseados; con ella retraté todo lo que uno se topa si caminas en la calle y de repente bajas la mirada hacia la banqueta. Cada objeto inanimado que uno se encuentra tiene su historia, te platica algo, pudo ser un objeto querido o usado que proviene de algún coche; un condón o un cigarro o lo que sea.

Luciano Valentinotti por Flavio Bizzarri

En el retrato la historia es distinta porque no habla, quien lo interpreta tiene que añadir esa parte artística o “sensible”. Cuando hago retrato me gusta usar golpes de luces, texturas, y una iluminación poco habitual. Me interesa generar una atmósfera sui géneris que te invite a borrar por completo la costumbre, a reducir las revoluciones para ver las cosas con otra mirada. Hay otras imágenes donde exploras los conceptos del tiempo y su relación con los elementos… Eso es parte de un segundo libro de grandes dimensiones, se trata de un estudio sobre momentos cotidianos: una copa que vuela, una flor que cae

en el agua, una bocanada de humo. Pero lo que me interesaba era desarrollar una estética distinta para que estas imágenes funcionaran como una secuencia que te conduce a una dimensión temporal distinta. La idea era ver las cosas como si fueras un mosco… ellos ven las cosas muy lentas, cuando piensas que los vas a agarrar ellos ya se están burlando muy lejos de nuestra lentitud; con ello me interesaba mostrar la relatividad del tiempo y el espacio… por eso las drogas nos hacen sentir poderosos al afectar e incrementar las posibilidades de nuestros sentidos. ¿Podrías recomendar algunos fotógrafos que para ti sean esenciales? Aprecio mucho a Annie Lebovits por su visión artística, su obra es realmente trascendente, tiene una concepción muy interesante de la

estética y todas sus imágenes están llenas de vigor, fuerza y consistencia. También pondría a Richard Avedon q.e.p.d., él inventó la fotografía de moda. A Oliviero Toscani por haber ideado un acercamiento del fotógrafo a su producto, lo cual es una gran aportación personal a la comunicación de la publicidad aplicada. ¿En qué estás trabajando ahora? Trabajo en una historia escrita y su interpretación fotográfica, una especie de foto-romance donde hay foto-actores que nos cuentan una historia. No pudo platicar mucho al respecto, pero tengo otro proyecto que es la historia de una anchoa (risas); se me ocurrió en la playa, es un proyecto ambicioso narrado con una secuencia, y que mostrará lo que ve la anchoa durante toda su vida. M

62 DE culto música

Cosquillas

TXT:: Arthur Alan Gore.

en los ojos, orgasmos en los oídos, placer culposo que se justifica en su carácter prohibido. Tan criticado, pero a la vez tan inevitable. Amarillista al rojo vivo, el que esté libre de morbo, que tire la primera piedra. ¿Qué sería del rock sin ese condimento morboso que por definición lo sazona? ¿Sería nuestro ídolo Cobain si no se hubiera volado la tapa de los sesos? Si bien el disco Lick it up representó un hitazo de ventas, cuando Kiss decidió quitarse el maquillaje hubo quienes sintieron que algo se había perdido. Desde luego que el fenómeno va más allá de lo experimentado por el cuarteto neoyorkino: a gente como Alice Cooper, Guns N’ Roses, Marilyn Manson, Throbbing Gristle, Madonna e inclusive, en otras

parcelas musicales, Björk (recordemos su vestido de cisne), no se les concibe sin la parafernalia, maquillaje, pirotecnia, teatralidad y vocación circense que acompaña sus actuaciones en vivo. Para quienes crecimos en la década de los 90, presumir que fuimos a los conciertos que Michael Jackson ofreció en el Estadio Azteca en 1993, es comentar si lo viste o no volar. El morbo manda. Uno no se explica el éxito desmedido de Molotov sin la carga morbosa que tuvieron las groserías incluidas en sus canciones, en una época en la que no era común que las hubiera. Tampoco el por qué una banda como las Kumbia Queers ha generado tantos comentarios con sus versiones cumbieras a Black Sabbath y The Cure. El morbo incide de las maneras más impredecibles; es el

morbo lo que ha posibilitado que reencuentros como el de Héroes del Silencio y Soda Stereo (“yo iré a verlos por morbo”, fue una de las frases más repetidas, en referencia a la supuesta enemistad que los líderes de ambos grupos, Bunbury y Cerati, sentían hacia sus compañeros, pero que supuestamente, otra vez, tuvieron que tragarse por obra y gracia del dinero) se conviertan en auténticos fenómenos continentales. Sin la explotación del morbo, personajes que representan la cultura pop como Lady Gaga o Shakira, no serían nada. A continuación, un paseo por algunos casos en donde quizá la música no sea la octava maravilla, pero seguro querrías verlos... por puro morbo.

El modelo post mortem de portada Olvídate de la cubierta de ¿Dónde jugarán las niñas? de Molotov, la portada original (con el robot que recién había violado a una colegiala) del Appetite for Destruction, de Guns N’ Roses, o el Leche de Illya Kuryaky, que tuvo que llevar un cartón especial que cubriera los senos salpicados de ¿leche? que mostraba al frente, para ser vendido en las tiendas.

t.A.T.u.-ajes de tu alma llevo Ni siquiera nos permitíamos parpadear. Respirábamos quedito. Lena Katina y Yulia Vólkova se habían tomado de las manos. Las luces se extinguieron. La canción se había terminado. Ammy volteó a verme y me dijo: “como nos tienen, ¿verdad?”. Claro, al igual que los otros seis mil incautos que habíamos ido a verlas al Palacio de los Deportes (aunque en nuestro caso fuera por trabajo), esperábamos que las integrantes de t.A.T.u. se besaran en la boca. Nunca pasó.

FOT:: Marina Endzhirgli

El grupo es el mejor ejemplo del morbo utilizado en favor de un producto musical. Ivan Shapovalov es su creador, un publicista siberiano con estudios en psicología. Ideó el concepto de t.A.T.u. inspirado en las páginas porno de adolescentes que solía visitar. Algo sabe de morbo, porque se hinchó de billetes, se acostó con un montón de lolitas (así ha declarado que realizó las audiciones para el grupo, de hecho a Yulia la aceptó después de que tuvieron sexo en su auto) y se olvidó del asunto. El morbo mueve montañas y hace otras... de dinero.

Sexo en vivo para salvar el medio ambiente Después de tantos chorros de sangre derramados por Alice Cooper y cientos de luces LED utilizadas por Radiohead en su gira In Rainbows, nunca hubo un performance tan escandaloso como el protagonizado por Leona Johansson y Tommy Hol Ellingsen, dos activistas noruegos que luchan por la conservación de las selvas pluviales. Pero ojo, porque aunque tengan facha de hippies trasnochados, su discurso no es una aburrida retahíla de consignas naturalistas. Lo que ellos hacen es financiar sus actividades teniendo sexo en público y produciendo pornografía. En 2004, ambos se dieron a conocer durante la actuación de Kristopher Schau y The Cumshots en el Quart Festival, cuando tiraron un rollo ecologista y acto seguido, Tommy comenzó a darle por el culo a Leona. Obvio, con la música estridente de la banda como fondo, la gente enloqueció. Dadme el morbo y moveré al mundo.

Sin duda el morbo como instrumento de culto, más allá de la mercadotecnia, fue responsabilidad del noruego Øystein Aarseth, alias Euronymous, guitarrista de la banda de metal extremo Mayhem. Sucede que al interior del grupo ocurrieron toda clase de hermosuras: sus integrantes quemaron iglesias, profanaron tumbas y hasta se mataron entre sí. Varg Vikernes, supuesto colaborador de Øystein Aarseth, lo asesinó a puñaladas en 1993 y purgó 16 años en la cárcel por eso. Pero, antes de morir, Aarseth fotografió el cadáver de Dead, el primer cantante de Mayhem, cuando se suicidó en 1991. En la portada del disco en directo Down of the Black Hearts, aparecen los sesos desparramados del cantante en primer plano. Si quieres conocer otros datos morbosos, hay que decir que Dead solía enterrar su ropa antes de cada concierto, y salía a cantar con animales muertos en una bolsa. Todo ello le permitía llevar consigo “el aroma de la muerte”. Qué buen trip. Morbo kills.

Ivan Shapovalov (…) ideó el concepto de t.A.T.u. inspirado en las páginas porno de adolescentes que solía visitar.

FOT:: Jan Blok

postulados morbosos – Sopor Aeternus no da conciertos para humanos (dice) y (se dice que) cambió de sexo.

– Paul McCartney está muerto y lo que conocemos es un doble.

– Umbra Et Imago combina el metal con actos de sadomasoquismo en vivo.

– U2 tiene gente infiltrada entre el público para reclutar grupies que “convivan” al final del concierto (según la novela American Psycho, de Bret Easton Ellis).

Rata de dos tet... En la tradición de las t.A.T.u., aunque con muchísima más sustancia, se encuentra Emilie Autumn, ex violinista de Courtney Love y ex novia de Billy Corgan (y si consideramos que la Love también anduvo con el calvo de Smashing Pumkins, las dos vienen a ser hermanitas de leche), quien presenta un espectáculo lleno de lesbianismo, desnudos y actos circenses. Veronica, una de sus Crumpets (así bautizó Emilie a sus comparsas, como suele también llamar “ratas” a sus fans), suele elegir a una chica de la audiencia para besarla de lengüita delante de todos. Mujeres necias que acusáis al morboso sin razón.

Fantasías animadas de ayer y hoy Sí, Damon Albarn es un genio. Nadie lo discute. Y Blur una gran banda. Pero de que a Gorillaz le ayudó el morbo de saberse la primera banda integrada por dibujos animados, de eso no cabe duda. Inclusive, quienes tuvimos la oportunidad de verlos en vivo durante su primera gira mundial nos quedamos con cara de "what?", pues nuestras ansias morbosas se vieron insatisfechas con apenas una manta en la cual se apreciaban unas siluetas y una pantalla en la que nos proyactaron caricaturas. Qué decir de su presentación de Coachella el año pasado ¡eso sí fue otra cosa! Morbos vemos, producciones no sabemos. M

FOT:: EMI Music

–Rammstein es incapaz de escribir una rola, componer un disco o planear una gira en la que el morbo no esté presente en alguna de sus muchas manifestaciones.

66 DE culto cine

TXT:: Erick Estrada.

telescopio espía un callejón en pleno verano y lo que capta es la vida cotidiana. Nadie debería interesarse en las rutinas que se escapan por las ventanas de los demás departamentos, pero no. Quien se encuentra detrás del telescopio es un periodista, un espía con licencia, un profesional de la intrusión, un curioso empedernido. ¿Un voyeur?

revelar las fotos hay algo extraño; ha retratado un asesinato mientras dejaba volar a su ojo.

Así, con una introducción certera y cocida a fuego lento, Alfred Hitchcock dejaba clarísimo todo lo que iba a ocurrir en La ventana indiscreta, su película de 1954.

El morbo, es un elemento extraño en el cine. Si hablamos del morbo sexual, de una curiosidad que apenas rebasada la línea puede ser catalogada como insana, la situación se complica aún más.

en los que exhibía de manera casi desinteresada (otros la califican de ingenua) una vida sexual libre en el mejor de los sentidos, dejando claro que el desnudo no solamente es el antecedente del sexo, sino una postura ante la vida. Eso sí, más allá de sus inclinaciones sociales o políticas manifestadas a través del desenfado sexual de esas dos cintas, sus imágenes dejaron satisfechos a tantos morbosos cinéfilos como inquietos a otros muchos que, con un morbo oscuramente retorcido, veían en esas historias mensajes de un hambriento demonio libertario.

Es probablemente por ello que Pier Paolo Pasolini fuera catalogado por sus admiradores como un entusiasta de la revolución y la experimentación sexual a partir de dos cintas de su llamada trilogía erótica: El Decamerón y Los cuentos de Canterbury,

A todo ello debemos agregar la enorme inquietud que Teorema causó en varias buenas y nada morbosas conciencias. La sinopsis lo cuenta todo. En una casa de clase acomodada se aparece de repente un viajero que tras pocos, muy pocos esfuerzos

Un fotógrafo, un ojo profesional, se asoma por la mira de su cámara. Retrata a una mujer mientras la seduce con el ruido del diafragma de la máquina. El fotógrafo sonríe malicioso, demuestra aburrimiento pero el ambiente huele a sexo fácil y por eso deja que la cámara se guíe al seguir a la mujer. Pero al

Así, Michelangelo Antonioni consiguió en Blow Up (1966) retratar los límites a los que puede llevarnos la curiosidad –ese morbo con nombre amable– sin poder darnos cuenta de los límites propios de la realidad.

filosóficos seduce profundamente a la sirvienta, a la madre, a la hija... al hijo y al padre. Una orgía deliciosa dirían algunos mal pensados. Un Teorema en toda la extensión de la palabra dijo Pasolini: ¿cuántas veces puede pasar eso si agregamos que el extraño visitante era nada menos que Dios? La pregunta es morbosa, pero la respuesta alcanza fronteras pocas veces imaginadas. ¿Se deberá a ello el fatal desenlace de su historia? Con la tercera película de la trilogía erótica, Saló o Los 120 días de Sodoma, un decepcionado y deprimido Pasolini dibujaba cuadros negros al más puro estilo de Goya. Ante su desesperanza por la humanidad (nutrida por problemas que aún no resolvemos), mostró la parte menos luminosa de la sexualidad de nuestra especie, la de los fetiches extremos, la de la esclavitud funesta y que demuestra el poder de unos (pocos) sobre otros (muchos). Sus detractores recibieron mal el mensaje y declarando que la cinta era morbosa y depravada cobraron venganza; el precio fue la vida de Pier Paolo. En Ojos bien cerrados, Kubrick disfraza de despecho el morbo extremo que siente su personaje central (interpretado por Tom Cruise), el cual es detonado por las fantasías de su mujer (Nicole Kidman). A partir de la entrevista con su esposa en un viaje de marihuana, este hombre que en teoría no debiera necesitar nada, se entera que toda la suciedad que le ha quitado a su existencia puede ponerle sabor a una noche que seguramente no olvidará. Sí, en un principio es curiosidad, pero después lo vemos caminar por ese Nueva York intencionalmente artificial, convertido en una mezcla de voyeur y amor sádico, de un curioso que quiere enterarse a toda costa de lo que ocurre detrás de la puerta verde (cita porno para los más adelantados). Su vagabundeo es un baño de morbosidad delirante y compulsiva, a veces hacia sus propios límites, a veces hacia los de los demás. Kubrick consigue aquí una de las mezclas morbosas más exitosas, la de eros y tanatos, sexo y muerte, goce y sufrimiento. Justo en el blanco. Crash, la novela de J.G. Ballard tiene alto contenido sexual y despierta el morbo de quien la lee al usar la curiosidad de su protagonista, como combustible en el dibujo de situaciones extremas en todo sentido. La película, dirigida en 1996 por David Cronenberg, deslava bastante la dosis de ciencia ficción del libro, pero le inyecta hambre por la exploración –otro eufemismo para el morbo– y la multiplica cada vez que puede. El morbo aquí llega de parte de quien ve la película, mientras que la curiosidad del personaje nunca se ve satisfecha. Es

esa ansiedad la que hace que la mezcla de sexo, autos, violencia y velocidad nos deje a todos con la boca abierta. Cronenberg consiguió plasmar en la película la inquietud del despertar sexual del primerizo, pero lo hizo con un personaje plenamente maduro, entero, lo que a su vez transformaba esa inquietud en un morbo indescriptible. La experimentación sexual extrema aderezada con cicatrices corporales y metales retorcidos a altísimas velocidades no pueden (o no deben, según muchos) ser sexualmente agradables. Nuestro personaje –Ballard de arriba abajo– decide engordar el morbo y encontrar la respuesta por sí mismo. Para cerrar, un clásico de clásicos. La película se llama Bella de día, dirigió Luis Buñuel en 1967 y

cuenta las aventuras sexuales de una mujer de clase media aburrida de su marido, sexualmente inactivo. Ella, mujer burguesa sin mancha, se enrola en la exploración sexual diurna, convirtiéndose en esclava de personajes muy variados y regresando a su casa a cada anochecer, casta y seria como la dejó su marido por la mañana. Buñuel enreda todo y le da un caracter aún más morboso y salpicado de peligro al pasear entre escenas un misterioso maletín en manos de un hombre adinerado. No sabemos lo que hay en el maletín, nunca lo vemos, nunca nos lo dirán, pero los personajes de la película sí conocen el contenido. Ese morbo final, abierto y provocador, dota de perversidad a la cinta de Buñuel, diurna y luminosa (incluso inocente) sin ese elemento perturbador. Tan perturbador resulta que Tarantino lo homenajeó en Pulp Fiction. Los dos maletines encarnan, sin duda, la mejor definición del morbo en el cine. M

Sus detractores recibieron mal el mensaje y declarando que la cinta era morbosa y depravada cobraron venganza;

el precio fue la vida de Pier Paolo.

68 DE culto ARTE

Después

TXT:: Regina Zamorano.

de la Segunda Guerra Mundial, el panorama artístico reclama una renovación, los ready mades han pasado a la historia y el trabajo de los pop artists se torna convencional y comercial. A mediados de los 50 nace el movimiento Gutai, en Japón. Basado en la decadencia de “lo bello”, inspira a los artistas occidentales para crear el performance y el happening en los 60, de los cuales se desprende el body art en los 70. Los artistas de este género utilizan el cuerpo y sus fluidos —esos que mamá y papá nos enseñaron a esconder de la mirada ajena— para hacer obras extremas, dolorosas e impactantes porque son “reales”. La mayoría comparte los mismos objetivos: vencer el dolor, llevar el cuerpo a límites insospechados y cuestionar el statu quo, muchas veces a costa de poner su vida en peligro. En terrenos de Freud Algunos pioneros en emplear sus cuerpos (y los de otras personas) en sus obras, fueron los llamados

“accionistas vieneses” Otto Muehl, Hermann Nitsch, Gunter Brus y Rudolf Schwarzkogler. Todos fueron perseguidos por la policía, y Brus y Nisch pasaron varios meses en la cárcel por sus desacatos a la moral pública. Sus “acciones”, como las denominaban, consistían en embadurnar los cuerpos de mujeres con comida, automutilarse, realizar orgías públicas, rituales primitivos, entre otros actos. En una sociedad represiva, excesivamente ordenada como la austriaca, lo que estos artistas buscaban era una purificación de las atrocidades de la guerra por medio de estos actos transgresores. ¿Tocar o no tocar? Una característica del body art es que cambia la relación del público con el arte, puesto que obliga al espectador a participar en el performance, aunque ni siquiera se dé cuenta. En 1974, Marina Abramovic, artista yugoslava radicada en Nueva York, realizó su obra “Rhythm 0”. Para ello, dispuso una mesa

con alrededor de 70 artículos que provocaban placer o dolor: plumas, flores, cadenas, navajas y una pistola cargada. Ella debía permanecer pasiva, pero el público podía utilizar cualquier objeto de la mesa. Seis horas después, Marina ya estaba desnuda y con pequeñas heridas en el estómago. Entonces, una persona le puso la pistola en la sien, desatando una trifulca que dio fin al “espectáculo”. En tanto, Chris Burden creó “Doomed”, en 1975. El artista se colocó bajo un cristal como si fuera una obra, en una sala del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago. Las horas pasaban, Chris se hizo del baño en sus pantalones. Sin comer ni beber agua, esperaba que alguien reaccionara, pero los visitantes — acostumbrados al “No tocar” de los museos— permanecían indiferentes a su sufrimiento. Después de 45 horas, un empleado del museo se apiadó de él y le acercó un poco de agua, liberándolo de su martirio. Burden se ha distinguido por llevar las cosas al extremo, para “Shoot” (1971) hizo que un amigo le disparara en un brazo y en

“Transfixed” (1974), apareció crucificado en la parte trasera de un Volkswagen. Bajo el bisturí Otros artistas modifican radicalmente sus cuerpos y exhiben los procesos quirúrgicos que soportan para lograr sus objetivos como parte de su obra. La artista francesa Orlan practica lo que ella llama “arte carnal”. A principios de los años 90 se sometió a numerosas cirugías plásticas que registró en fotos y video, algunas incluso se transmitieron en tiempo real a distintas galerías del mundo. Mientras los doctores trabajaban con su cuerpo anestesiado, Orlan respondía alegremente a las preguntas que el público le mandaba por fax. En una de las intervenciones pidió que le colocaran dos “cuernos” en la frente, ya que su idea es denunciar los canones estéticos impuestos a las mujeres en la sociedad de hoy. En cambio, para Stelarc, artista australiano de origen griego, el cuerpo humano es obsoleto. Sus creaciones están relacionadas con ideologías cibernéticas y “transhumanistas”, que pretenden trascender las limitaciones físicas del hombre por medio de la tecnología. Así, Stelarc ha fabricado varios aparatos y prótesis robóticas para ampliar sus capacidades, como un tercer brazo mecánico. De 2003 a 2006, el artista se operó dos veces para implantarse una tercera oreja (de piel cultivada) en el brazo izquierdo. “Ay dolor, ya me volviste a dar” Bob Flanagan, por su parte, le ganó todas las batallas al dolor. Aquejado de fibrosis quística

asoció el placer sexual y el sufrimiento desde su infancia. Nunca pretendió ser un artista; sin embargo, se ha convertido en una leyenda por sus performances sadomasoquistas (realizados en los 70) de los cuales extraía un verdadero placer sensual, a pesar de que muchos consistían en clavarse el sexo a una tabla. Franko B es un artista italiano poco conocido, pero no por ello menos polémico: en “I Miss You”, presentada en la Tate Modern en 2003, Franko caminó por una pasarela cubierta con un lienzo blanco mientras se desangraba por dos heridas en sus brazos. Por otra parte, Yang Zhichao, discípulo del famoso artista chino Ai Weiwei (sí, así se llama), se ha introducido quirúrgicamente objetos extraños en el cuerpo,

como pasto y tierra del Río Amarillo, para denunciar la contaminación de ese lugar. En el año 2000, realizó “Iron”, para la cual se hizo marcar con un hierro ardiente su número de pasaporte en la espalda, como protesta contra la deshumanización del mundo. Los artistas del body art pueden parecer narcisistas, excéntricos, incluso enfermos mentales, para los sectores más reaccionarios de la sociedad. Sin embargo, ellos sí tienen el control de su cuerpo y lo utilizan en completa libertad, apartándose de las ideologías dominantes. Pero, ¿qué hay de nosotros? ¿Quién tiene el poder sobre la visión predominante y el uso que ordinariamente hacemos de nuestro cuerpo? M

Las obras de arte que despiertan una curiosidad malsana, pero también nos hacen reflexionar.

Songs For Eleonor Crocodiles

Enjambre

Hercules & Love Affair

Casi EP

Discos Tormento ★★★★★

El dueto integrado por Karen Ruíz y Andrés Almeida (con algunas adiciones que poco a poco los llevan a convertirse en una banda en el sentido estricto de la palabra), regresan con su pop ensoñador que destaca por una hermosa voz que da personalidad a las canciones. El EP inicia con la electropopera “In The Mood”, continúa con “Juntos los dos”, primera de dos canciones en las que el grupo enfrenta el reto de componer en español, lo que de algún modo, quizá inconciente y lejano, me recuerda a La Buena Vida, Ama o algunos otros proyectos españoles. “Plant a Seed” es una canción bailable-nostálgica,si es que pudiéramos definirla de algún modo, y por su parte, el penúltimo tema “Tell Me”, destaca por una vocalización triste que contrasta con el ritmo lúdico y la guitarra colorida. “Tienes miedo” cierra el EP y es una buena canción pop a medio camino entre The Mamas & the Papas y el indie pop actual. Recomendable EP que anticipa un luminoso porvenir, y que se puede descargar de manera gratuita en la página web de la disquera, así como en muchas otras fuentes. www.discostormento.com TXT:: Alejandro Mancilla.

Sleep Forever

Blue Songs

★★★★★

Los Crocodiles son unos nostálgicos del krautrock y del shoegaze, sus dos influencias más obvias y evidentes. En su segundo disco, lejos de intentar removerse las etiquetas y motes que su Summer Of Hate (su disco debut) les dejó, la banda se sumerge en un túnel de rock etéreo y machacante, de cabeza agachada y chamarra de cuero. Sleep Forever es una oda al Manchester “drogón” y al Hamburgo de la postguerra. Las 10 canciones que lo conforman no le deben nada a Spritualized o Primal Scream. Sumamente interesante es la cantidad de capas de ruido que cada corte contiene. Si cada canción tuviera que presentar su información nutrimental, todas y cada una de las rolas de este “discacho” sobrepasarían el límite diario de kilocalorías sonoras, y eso, siempre se agradece. Es cierto, la rueda ya ha sido inventada, y estos eternos nostálgicos sólo se plantean hacerla rodar como antes se acostumbraba, pero en tiempos de ironía indie, se disfruta mucho. TXT:: Andrés Ibarra “Chelito”.

Así como los clubes neoyorquinos lanzaron al mundo en 2008 un himno house llamado “Blind” con la voz de Antony Hegarty (Antony and the Johnsons), ahora la pista de baile vuelve a ser el escenario para recibir la segunda producción de Andrew Butler. Blue Songs es el título sugestivo que presenta un sonido más cadencioso por momentos. El juego de palabras dispuesto por Butler incluso raya en el pleonasmo con “My House”, un tema que evita rodeos para incursionar en aquel espacio que permite sacudir al cuerpo. Por supuesto que los invitados a esta fiesta no fallaron a la cita. Kele Okereke (Bloc Party) imprime su estilo post-funky en el tema “Step Up”. La venezolana Aerea Negrot y Shaun Wright hacen lo propio. Con Kim Ann Foxman como cantante principal, grabado en Viena e influenciado por la estética techno de Denver; Blue Songs aparece con un toque particularmente introspectivo que consigue seducirnos. TXT:: Benjamín Acosta.

Nubes en mi casa: Nubes en mi casa. Buen pop minimalista argentino. Carrie: Honey Blue Star. Indie, electropop. electrónica y folk en un solo disco. Lali Puna: Faking the Books. Influyente disco de indietrónica que dio la vuelta al mundo.

Spiritualized: Songs in A & E. Cabeza agachada volumen 1. The Jesus and Mary Chain: Automatic. Cabeza agachada volumen 2. Primal Scream: Screamadelica. Cabeza agachada volumen 3.

Gus Gus: This is Normal. Desde Islandia, ritmos bailables que cohabitan con sublimes baladas. Scissor Sisters: Scissor Sisters. El estilo Nueva York con el sello indiscutible del desenfado. Miss Kittin: I Com. Irreverente esencia de eso llamado electroclash.

Fat Possum

Moshi Moshi

Kanye West

The Decemberists

Gang of Four

The King Is Dead My Beautiful Dark Twisted Fantasy Def Jam

Content

Yep Roc Records ★★★★★

Se trata de un claro ejemplo de que aquello de “porque ustedes lo pidieron” no es un simple cliché. El regreso de la banda post-punk de finales de los setenta fue gracias a la aportación de sus seguidores. La historia de estos británicos se distingue por su accidentada intermitencia tras la grabación de sus primeros tres discos. Héroes en aquellos días en los que la cresta de la ola provocada por los Sex Pistols comenzaba a descender, Gang of Four protagonizó el redescubrimiento del rock de los ochenta. Después de eventuales y nostálgicos retornos en los noventa, el grupo mantiene su nivel de culto y curiosidad de quienes hurgan en la historia del género. En esta ocasión, lo que inició como una serie de sesiones casuales se convirtió en un nuevo disco, liderado por la contundente sobriedad de una canción como “A Fruit Fly in the Beehive”. Producido por su guitarrista Andrew Gill, aquí la visión actualizada de estos veteranos TXT:: B.A.

The Fall: Your Future Our Clutter. Contemporáneos que no muestran síntomas de agotamiento. The Clash: London Calling. Muestra de un punk melódico, pero no menos combativo. Wire: Send Ultimate. Prolíficos y participantes en múltiples batallas. Un clásico que conserva un bajo perfil.

Capitol Records ★★★★★

★★★★★

Después de posicionarse como uno de los Moisés del hip-hop sesudo y contestatario, Kanye West cayó en picada directo a los infiernos del odio gracias a su lengua saltarina (¿recuerdan el incidente Taylor Swift?). La crítica a mansalva se volvió su segunda casa y se olvidó —por momentos— de componer buenas canciones. Ahora, como moderno Lázaro se levanta de la lona del desprecio para entregar My Beautiful Dark Twisted Fantasy, placa de doce temas y un interludio donde retoma la vitalidad ausente de sus álbumes pasados. Incluso West se escucha fortificado y se enfoca hacia el lado sónico del rap al mezclar R&B con pizcas de funk y algo de soul, coctel creativo que se redondea con la colaboración de Kid Cudi, Jay-Z, Pusha T y Rick Ross. Como ya es costumbre, West no olvida la canción experimental con alma progresiva (“Runaway”) con solo de vocoder incluido y nueve minutos de duración. My Beautiful… es el regreso de West al cuadrilátero del triunfo, aunque la portada original del disco ya fue censurada en Estados Unidos y tuvo que ser cambiada. TXT:: David Meléndez.

Lupe Fiasco: Lupe Fiasco's Food & Liquor. Pocas veces lo urbano y lo alternativo embonaron con tal precisión dentro del hip-hop, sin olvidar el retrato social áspero. Eminem: Recovery. Al igual que West, Eminem regresó repuesto, con la furia del flow por delante. Nelly: Sweat. Nelly es experto en batir géneros afines sin que pierdan su cadencia original.

Dentro del mercado alternativo estadounidense, The Decemberists son consentidos natos, y su sexta placa en estudio los eleva al siguiente nivel, puesto que engrasaron sus armonías hasta el punto de escucharse maduros, pero sin perder las espinas sonoras básicas de su estilo. Con The King Is Dead, el quinteto de Portland toma la carretera de la sencillez y construye cada uno de los diez cortes del disco con arreglos básicos cargados de mucha tensión. Claro, no se pierde en lo absoluto la tonalidad alt country, pero ahora funden dramatismo con melodía. A pesar de que el primer sencillo “Down By The Water” es un huracán de rock compacto sin fisuras, en temas como “Rise To Me”, “June Hymn” y “Calamity Song”, The Decemberists se escucha en clave otoñal y con la melancolía bien aterrizada en cada uno de sus acordes. La capa de brillo en materia de invitados la da la guitarra de Peter Buck (R.E.M.) y la voz inconfundible de Gillian Welch, que prácticamente posa sus cuerdas vocales en la totalidad del disco. The King… irradia la fuerza de cualquier tarde de verano, cuando el ocio tomó las riendas del día. TXT:: “El Jergas”.

The Shins: Wincing the Night Away. Cuando lo netamente alternativo alcanza la madurez, se gana experimentación, músculo sonoro y también se llenan estadios. Wilco: Sky Blue Sky. Jeff Tweedy y compañía demostraron su alta alcurnia rockera a pesar de coquetear descaradamente con lo comercial. Rilo Kiley: The Execution of All Things. Colocaron la gota artesanal de prosa y pop a su música, y todo cambió…

Stereolab

Gorillaz

Enjambre

James Blake

Not Music Drag City

★★★★★

A pesar de que Not Music está construido a base de canciones descartadas, rarezas guardadas y uno que otro lado B, al instante mismo en que se presiona play para escuchar el primer tema, la magia lúdica de Stereolab revive con inusitada fuerza. Estos “pilones” de su catálogo fueron grabados para las sesiones de su última placa oficial en estudio titulada Chemical Chords (2008) y cuatro de ellas se retoman en Not Music, con arreglos arriesgados y mucha irreverencia sonora. Basta citar la canción “Silver Sands” que se presenta en un mix de Andy Meecham (Emperor Machine): de ser una melodía cándida sesentera, pasa a ejercicio krautrock con juguetones tintes espaciales, que poco a poco aterrizan en lagos rítmicos llenos de funk. Si bien es cierto que las recopilaciones de canciones sobrantes suelen tener poco atractivo fuera del criterio de sus fanáticos de hueso colorado, en trece cortes Stereolab ofrece pura dinamita rítmica, y creatividad sonora desbordada para todos los gustos. Por desgracia, Not Music no significa que Stereolab regresará a los escenarios (pusieron pausa a su carrera en 2009), así que por el momento no existe mejor manera de recordar su versátil legado que siempre se balanceó entre lo pirado y desfachatado. TXT:: David Meléndez.

Monade: Monstre Cosmic. La vocalista de Stereolab se muestra espacial y elegante en solitario. Saint Etienne: Tiger Baby. Hubo un tiempo en que el folk fue la cereza de adorno en su pastel sonoro. The Pastels: Up For A Bit With The Pastels. Sacadas de un verano alegre y caluroso, sus guitarras siempre atrapan tímpanos.

The Fall

Parlophone ★★★★★

James Blake A&M

★★★★★

El primer disco hecho enteramente en un iPad es justo este. Al parecer ese era el objetivo del que está al mando, Damon Albarn, o al menos eso declaró a mediados de diciembre pasado. Gorillaz quería la primicia en la tableta de Steve Jobs, y al mismo tiempo dar un regalo de Navidad a los miembros de su club de seguidores. The Fall vió la luz digitalmente la mañana del 25 de diciembre de 2010. Se nota que no se hizo con el tiempo que requería, de hecho se grabó durante la última gira del grupo. Es escueto, pero en el caso de Albarn eso da para un disco bueno. No asombroso como lo fue Plastic Beach. Lo asombroso en este caso es la cantidad de música que contiene la cabeza del inglés, un abanico de contrastes sonoros que constantemente está buscando la manera de quedar registrado bajo un seudónimo. Gorillaz nos ofrece un disco que no está a la altura del más reciente, ¿pero acaso no es una barra muy alta? No quiere decir que sea malo, sino que no es tan bueno. Por mí que siga llegando música de la banda virtual. TXT:: “El Jergas”.

Originario de Londres, James Blake tiene depositada en sí mucha expectativa por parte de los medios y escuchas. Su disco debut con título homónimo es uno de los más esperados, a pesar de que a finales del año pasado se filtró en la red a tan sólo un día de haber anunciado el listado de canciones y la fecha de estreno –esto último ya debió de haber sucedio al momento que lean esto–. Blake propaga la tristeza y melancolía a través de su voz perteneciente al soul y bases rítmicas dubstep, una mezcla que en la práctica suena totalmente escultural y delicada al mismo tiempo. James Blake supo cómo elevar la pesadumbre de por sí existente en su primer sencillo, “Limit To Your Love”, original de Feist; una pieza que encuentra la complejidad dentro de la aparente escasez de instrumentos. Recomiendo prestar atención a “Wilhems Scream” y a “I Never Learnt To Share”. Sin dudas, este es uno de los mejores debuts dentro de los últimos 10 años en la música inglesa, y uno de los candidatos a lo mejor de este 2011. TXT:: “El Jergas”.

Gorillaz: Plastic Beach. Una de las maravillas que 2010 nos dejó escuchar. Salem: King Night. Banda de Michigan con un sonido que fusiona el shoegaze y la electrónica. Maximum Balloon: Maximum Balloon . Estreno del proyecto en solista de David Sitek, quien ha trabajado con los Yeah Yeah Yeahs y formado parte de TV on the Radio.

Antony and The Johnsons: I Am a Bird Now. Si ya son cercanos a la obra de Antony Hegarty, entonces no se pueden perder a James Blake. Skream: Outside The Box. Más dubstep de Londres, en este caso enfocado al baile. Caribou: Swim. Reciente producción de este músico de electrónica nacido en Canadá.

Jessy Bulbo Varios

Telememe

Astrud & Col-lectiu Brossa

Lo nuevo

Independiente ★★★★★

Elefant

Broken Hearts & Dirty Windows: Jessy Bulbo se puede jactar de hacer las cosas Songs of John Prine

★★★★★

a su manera, y lucir campante y totalmente despreocupada de lo que dirán los que están al otro lado del audífono. Ese es su gran atributo. Podrá gustarte o no su estilo de música, su peinado, su modo de cantar, pero al final se distingue de los demás grupos nacionales porque no está tratando de repetir la fórmula, sino que se aventura por encontrar nuevas. Telememe es su tercer disco de estudio, y al igual que Taras Bulba y Saga Mama, es un compendido de sonidos de cualquier clase, género y manufactura. Por supuesto que su carta de presentación es la increíble “La cruda moral”, un tributo a nuestro ya celebrado centenario de la Revolución y sus corridos dedicados a los héroes que nos dieron patria. La autora confiesa que la idea vino en un momento de fuerte inspiración inducida por Chava Flores y su legado. Para los que son guardianes de la vieja guardia rocanrolera, Jessy les tiene preparado un cover a “I Want To Be Your Dog” de Iggy Pop, material que les hará desparramar bilis, pero que a los gustosos de la marimba hará sonreír. Telememe es un disco que tienen que escuchar al menos en una ocasión, y de paso sépanse advertidos de que se toparán con un disco que no olvidarán. Además, se puede conseguir gratis en la red con consentimiento del artista. TXT:: “El Jergas”.

Oh Boy

Los Fancy Free: Nevergreens Vol. 2. Martin Thulin fue productor de la gran mayoría de Telememe. Nos Llamamos: Nos Llamamos. Otro grupo que va caminando al contrario. Silverio: Silverio. El primer disco de “Su Majestad Imperial” después del cierre de Nuevos Ricos.

Drive By Truckers: The Big To Do. Merecen el culto que poseen. Lambchop: Damaged. El grupo de Kurt Wagner es una maravilla por descubrir, les sobra misterio e inspiración. Justin Town Earle: Harlem River Blues. Por bueno y no sólo por ser hijo de Steve Earle y llevar uno de los nombres de Townes Van Sandt.

★★★★★

Campeaban los primeros años setenta y John Prine se mostraba como un inspiradísimo compositor que atrajo a los seguidores tanto del country como del folk; sus dos primeros discos hicieron a los apresurados aclamar: ¡he aquí el nuevo Dylan! Y aunque no se encumbró a tales alturas, es un hecho que posee un cancionero espléndido, además de una carrera sazonada a fuego lento. Al menos entre los músicos que aprecian las raíces de la música norteamericana existe la feligresía y el agradecimiento. Aquí se reúne para placer de quienes gustan del folk de nuevo cuño, una pandilla de excelencia que comienza con el hombre que da vida a Bon Iver, Justin Vernon, con "Bruised Orange". Para complacer a un mayor número de escuchas no faltan Conor Oberst (Bright Eyes / Monsters Of Folk) con una versión excelente de "Wedding Day in Funeralville", y My Morning Jacket con “All The Best”, pero en verdad recomiendo el country minimalista y obscuro de Lambchop ("Six O'Clock News") y The Avett Brothers con “Spanish Pipedream”. Sólo nos resta calarnos el sombrero y gritar: ¡eeeeeeeejjjjjjaaaaa! TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Dos músicos libérrimos (Genís Segarra y Manolo Martínez) forman desde hace 15 años un dueto de pop electrónico de gran espíritu dadaísta. Su sonido puede ser chatarrero y minimalista por igual. En España gozan de prestigio entre la movida de vanguardia (lo suyo no es para los 40 principales). Su carrera se veía en una meseta de segura aceptación en la escena de avanzada. Les hacían falta verdaderos retos y para ello se aliaron con el Col-Lectiu Brossa, que desde su trinchera redefinen lo que se entiende por música culta o clásica. El resultado es un grandes éxitos fuera de lo común. Al aparataje electrónico se suman violnchellos, vibráfonos, violas y otras tantas cuerdas para transformar la naturaleza original de los temas. Lo que hay son 14 piezas que concilian perfectamente universos aparentemente distantes. Abanderados por el lema “Porque lo viejo es nuevo y lo culto popular” hacen un disco lleno de detalles (acordeones, efectos), pletórico de frases surrealistas del siglo XXI y muy bien resuelto en sus afanes un tanto barrocos. No todos los días se da un hallazgo de tal lustre; canciones como “Noam Chomsky”, “Vertedero de Sao Paulo”, “Miedo a la muerte estilo imperio” y “Esto debería acabarse aquí” maravillarán al escucha valiente. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Astrud: Performance. Uno de sus mejores y extravagantes discos del que no tomaron ningún tema; incluye “Todo nos parece una mierda”. Single: Monólogo interior. Otra pareja inclasificable (Ibon Errazkin y Teresa Iturrioz); pop retorcido, preciosista… de otra galaxia. Klaus & Kinski: Tierra Trágalos. Alex Martínez y Marina Gómez con su segundo Lp refinan su propuesta de textos brillantes y todo tipo de ritmos. ¡Valen tanto la pena!

Ghostface Killah

Girl Talk

Apollo Kids Def Jam

★★★★★

All Day Ilegal Art

Kid Cudi

The Man on the Moon II:The Legend of Mr. Rager G.O.O.D/Dream on/Universal

A pesar de que Def Jam tiene una marcada tendencia hacia el hip-hop y R&B y un repertorio de artistas breve, de la misma forma nos pueden entregar un más que aceptable disco de Rihanna que lo nuevo de Ghostface Killah. Un aplauso para el Sr. Antonio “L.A.” Reed, CEO, de Def Jam Records y responsable de las ventas multimillonarias de Avril Lavigne, Mariah Carey, Jay-Z y Kanye West. Por otra parte, Ghosface Killah no necesita presentación alguna, cualquier amante del género sabrá perfectamente de quién se trata. Si este nombre no le “suena”, se le aconseja correr a escuchar el debut del colectivo WuTang Clan, Enter The Wu-Tang (36 Chambers) o su colaboración con RZA en: Supreme Clientele. Dennis Coles (nombre real de Killah) ha sido constante en denotar sus influencias (el soul principalmente) y se ha mantenido apegado a un estilo que le funciona la mayoría de las veces. A pesar de tener el sello Def Jam, Apollo Kids se mantiene lejos de las tendencias actuales que persigue el hip-hop, aquí no se mezclan géneros ni se incorporan elementos MIDI súper elaborados. Simplemente se echa a andar una caja de ritmos, se lanzan sampleos de soul de la primera mitad del siglo pasado y se deja a los protagonistas hacer lo suyo: rapear. La lista de invitados no varía mucho de otras producciones de Killah, están presentes Black Thought, Raekwon, Busta Rhymes, The Game y Method Man, una vez más, la cosa se queda en familia. TXT:: Jesús Serrano.

★★★★★

Cuando leí que Glenn Gillis, aka Girl Talk, declaró que su nuevo disco tenía que ser escuchado en una sola sesión, pensé: “Ahora este mamarracho se las da de conceptual”. Habiendo escuchado All Day entiendo la razón y me disculpo por mi arrogancia. Este LP tiene la palabra “fiesta” escrita en letras de neón gigantes, cualquier persona en un rango de edad de 18 a 40 años aproximadamente, lo encontrará divertido por varios minutos. Y en realidad funciona a la perfección para amenizar una buena parte de alguna fiesta, el asunto es que no va más allá. La dinámica de Gillis es simple: crear collages enormes y complejos con retazos de música pop proveniente de los últimos treinta años. Sin embargo, hay que reconocerle dos cosas: la primera es la capacidad que tiene para hacer funcionar los sampleos unos con otros, y la segunda es el gran trabajo de mezcla que este álbum posee, superior al de sus antecesores. Y es así que nos encontramos a Big Boi rapeando sobre las guitarras de Portishead, a Black Sabbath compartiendo ritmo con Jay-Z, o a Kesha cantando sobre el famosísimo riff de “Sunshine of your Love”, para dar paso a Lil´ Wayne que rima sobre “Bizarre Love Triangle” de New Order. Aunque no es imprescindible, este álbum lleva a la cima una técnica que aunque es muy popular en nuestros días, pocos pueden realizar de manera tan ágil y dinámica obteniendo buenos resultados. TXT:: Jesús Serrano.

Hay algo en este disco que permite disfrutarlo, aun sin ser un aficionado del hip-hop. Artistas como Kid Cudi, hacen que cada vez sea más difícil hablar de géneros estrictamente. En el caso del hip-hop, este ha evolucionado con elementos prestados (ritmos, texturas, armonías vocales) y los ha hecho propios dando paso a sonidos cada vez más dinámicos y complejos. Por extraño que suene, en ciertos momentos del disco, no estoy seguro de que el rap (como estilo vocal) sea un elemento vital en la música. Más que melancólico, el segundo material de Cudi se siente somnoliento, como si permaneciera siempre en esa delgada línea entre la vigilia y el sueño. Las vocales reverberantes y las texturas MIDI son los verdaderos protagonistas, se desenvuelven entre beats lentos al mismo tiempo que prometen eternamente una fuerte catarsis, que lamentablemente nunca llega. Las letras cargadas de lamentos y autocompasión junto con los ritmos suaves y las modestas atmósferas (si no es que insípidas) anuncian desde el primer track un trabajo emotivo y profundo que jamás consiguen consolidar. A pesar de todo, Cudi sí nos ofrece canciones que dejan un buen sabor de boca, y que nos distraen de pensar que todo fue una gran tomadura de pelo. TXT:: Jesús Serrano.

Wu-Tang Clan: Enter the Wu-Tang (36 chambers). El primer album del colectivo, indispensable en cualquier acervo. MF Doom: Born Like This. Este álbum es la evidencia del talento de uno de los raperos más under de la escena. Ghostface Killah: Ironman. Agresivo y hostil, el primer disco de Killah fuera del Clan.

The Avalanches: Since I Left You. Otro gran ejemplo de un trabajo obsesivo de sampleo, muy recomendable. Danger Mouse: The Grey Album. Uno de los mash-up más conocidos, el álbum blanco de The Beatles más el álbum negro de Jay-Z. Soulwax: Any Minute Now. Aquí el asunto es más serio, a las mezclas se incorporan instrumentos reales con nuevos riffs.

Kid Cudi: Man on the Moon. El mismo estilo paciente y sereno, al parecer hay talento. Kanye West: 808’s and Heartbreak. Cudi participa como productor y ayuda a Mr. West a construir su disco más modesto y menos valorado. Lupe Fiasco: The Cool. Aunque muchos esperamos Lasers ansiosamente, este disco todavía retumba en nuestras cabezas.

★★★★★

Avatar The fighter

Director: James Cameron Reparto: Sam Worthington, Zoe Saldaña, Sigourney Weaver, Stephen Lang, Michelle Rodríguez, Giovanni Ribisi, Joel David Moore, C. C. H. Pounder, Wes Studi, Laz Alonso País: EUA Género: ciencia ficción Año: 2009 Hace mucho que una película no desataba opiniones tan divididas como Avatar. Por una parte, el mundo futurístico que la dirección de James Cameron hizo posible resultó insuficiente para quienes juzgan a una película por su trama, sin embargo, detonó el efecto contrario para aquellos que ven en la tecnología, un elemento primordial en la construcción estética del cine del nuevo milenio. Y es para estos últimos que Fox lanza uan edición de colección que contiene un set de tres discos en DVD, con una versión extendida de tres horas (y un comienzo alternativo), tres horas de material extra y 45 minutos de escenas nunca antes vistas, además del documental Capturando Avatar, que muestra cómo el director que ostenta el título del recaudador más rápido de Hollywood (Avatar y Titánic son las dos películas que han regresado más dinero en toda la historia del cine) trabajó de manera obsesiva en la construcción del mundo de Pandora.

Director: David O. Russel Reparto: Mark Wahlberg, Christian Bale, Amy Adams Melissa Leo País: EUA Género: drama Año: 2010 Inspirada en una historia real, El peleador narra el duro camino de un héroe del boxeo que luego de varias derrotas, sale del anonimato para conquistar un título mundial que hasta hoy le otorga el adejetivo de leyenda. Micky Ward "El Irlandés" (interpretado por Mark Wahlberg) y de su hermano Dicky Eklund (una magistral actuación secundaria de Christian Bale), ante la adversidad de las drogas y las presiones familiares, ambos se unen en una singular pelea ante la vida que será definida dentro del ring. El peleador nos muestra cómo la reconciliación familiar llega después de años de control maternal, en una película intensa y emotiva que cautiva por el cuidado de los detalles. Nominada al Globo de Oro en las categorías de mejor director, mejor película de drama, mejor actor en una película de drama, mejor actor de reparto y mejor actriz de reparto, David O. Russel logró un retrato puntual de la típica familia blanca estadounidense advenediza.

Director: Guillem Morales Reparto: Belén Rueda, Lluís Homar, Clara Segura, Hèctor Claramunt, Julia Gutiérrez Caba, Francesc Orella, Daniel Grao, Pablo Derqui, Joan Dalmau y Boris Ruiz País: España Género: thriller, terror Año: 2011 Con la actriz principal de El orfanato, Guillermo Del Toro produce la segunda película de Guillem Morales, quien opta por presentar una cinta más apegada a cuestiones psicológicas, que a dirigir una película de terror a secas. Una tragedia es el motor que detona la trama: cuando Julia recibe la noticia del supuesto suicidio de su hermana Sara, es incapaz de aceptar esa versión y empieza a investigar por su cuenta las circunstancias que rodeaban la vida de su hermana, a la que no visitaba desde unos meses atrás. Obsesionada por el deceso, Julia descubre que Sara había dejado a un lado su vida social, cosa que entra en contradicción con su carácter y que no hace sino aumentar las sospechas de que no se trató de un suicidio. La tensión aumenta cuando Julia debe enfrentarse al peligro mientras supera una trágica adversidad: una enfermedad genética degenerativa que le provoca la pérdida progresiva de su visión. Con un excelente reparto y dirección, Los ojos de Julia comprueba lo que ya veníamos sospechando: Belén Rueda es la actriz más importante dentro del cine de horror español actual.

reseñas cine

Los ojos de Julia

Tormenta de sangre

Después del rock

Psicodelia, post-punk, electrónica y otras revoluciones inconclusas

La ventana y el umbral

Chico Migraña y Arthur Alan Gore Ed. Libro a la carta

Simon Reynolds

Casi al comienzo de este texto libre de ataduras y amarras –prosa poética podríamos decir– Armando Vega-Gil escribe: “Sudaba/ humedeció sus labios con polvo de saliva/ los poros le sabían a vodka muerto/ las sábanas sabían a vodka muerto/ ya jamás habría silencio”. Tal es la tesitura de este “delirio escritural” que nos permite entrever a un autor fuera de sus terrenos habituales: la literatura negra y el humor negro. En lo que es un precioso libro-arte-objeto se incluye un CD en que Paco Barrios “El Mastuerzo” musicaliza la presentaciónprólogo junto a su proyecto alterno L@s Jij@as del Máiz, y en cuyo texto y rola se escucha: “Entre la ventana y el umbral/ está la mar del odio y el olvido”. Esta lograda entrega reúne a los tres botellos, pues Sergio Arau –espléndido artista plástico– se encarga de los dibujos que alimentan y potencian al texto. He aquí un extravío íntimo y etílico que da cuenta de los amplios recursos expresivos de Armando. Cala hondo entre más confesional se muestra: “Fingió dormir/ fingió al saber que ella dormía su última vez/ ella soñó que no dormía/ ella saltó por la ventana/ la dejó ir”. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

De entrada hay que apuntar que los dos periodistas que decidieron compilar sus crónicas son profesionales sumamente sagaces, cuyas trayectorias los han llevado a ubicarse en puntos y momentos estratégicos de la industria musical de este país. Ambos poseen el olfato del mejor sabueso y la sensibilidad para inmiscuirse entre los intersticios del negocio-espectáculo-bien simbólico que es el rock. Atrincherados desde backstages, salas de concierto, conferencias y aeropuertos ,han librado feroces batallas en pos del mejor texto posible o una impecable organización. Ahora se han dado a la tarea de reunir escritos que proceden de sus respectivos blogs para contar algunas anécdotas –seguro que tienen muchas más– que explicitan lo kafkiano y surrealista de la escena musical (aunque son hinchas de los ritmos más heavys, incluso filtran algo sobre Lupita Dalessio). Con esta lectura –rebosante de un inteligente y cáustico sentido del humor– habremos de conocer la manera de librar a la más temida manager nacional (Marusa Reyes), saber lo necesario para congraciarse con un Dios en miniatura como Dio, conocer quién era el hombre detrás de la pañoleta de Juan Brujo de Brujería, o cómo el destino puede convertirte en novio fugaz de Belinda. Enhorabuena hora, este par de especialistas han decido hacer públicas sus vivencias. ¡Esperamos con ansias la siguiente entrega! TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Jaime López: El diario de un López. Descubre una faceta inédita en un artista legendario. Armando Vega-Gil: Cuenta regresiva y otras fábulas supernumerarias. El autor moviéndose en una de sus canchas preferidas: el cuento. Botellita de Jerez: Naco es chido. La docu-ficción que cuenta y recrea la historia de una banda seminal del rock mexicano.

Arthur Alan Gore: Martini para suicidas. Féminas ávidas de sangre, incursiones llenas de excesos y noctambufilia. Hugo García Michel: Matar por Ángela. La novela –cuasi autobiográfica– donde el autor hace cera y pabilo de algunas de las estrellas de nuestro rockcito. Fernando Nachón: De a perrito (una novela de celos, sexo y alcohol). Los intelectuales lo corrían por borracho, los borrachos por intelectual.

Ed. Caja Negra

“La escritura en sí misma no tiene por qué ser necesariamente salvaje y delirante, ni echar espuma por la boca como un perro rabioso; puede ser precisa, controlada, incluso severa. Pero su efecto debe ser como la verdad dándote un puñetazo en la boca”. Y no es que el autor se refiera a la ficción –que también aplica perfecto–, pero su campo de acción es el ensayo y la crítica musical. Simon Reynolds (U.K., 1963) posee una agudeza superlativa en los terrenos periodísticos, lo que le ha permitido analizar la cultura pop hasta diseccionar sus elementos y propiedades; lo que ha sido usual en sus colaboraciones para The Wire, Spin y la extinta Melody Maker. Ha tenido la gracia para aplicar nociones de Barthes, Derrida y Deleuze a figuras como Madonna, Radiohead y Joy Division. Sólo un atento analista puede entre ver en Nietzsche al escritor de la primera obra maestra de crítica de rock, un siglo antes de que el rock existiera (El nacimiento de la tragedia). Reynolds fue el hombre que acuñó el concepto de post-rock en alguna de sus incendiarias disertaciones; se trata pues, de una consulta obligada no sólo para lectores melómanos, sino para periodistas profesionales. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Javier Blánquez y Juan Manuel: Teen Spirit. De viaje por el pop independiente. Javier Blánquez y Omar Morera: Loops. Una historia de la música electrónica. Greil Marcus: Rastros de carmín. Un clásico; vislumbrar al punk desde la óptica del situacionismo, dotar a la revuelta callejera de ideología. Escritura de alto nivel.

Armando Vega-Gil Rhythm and Books

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Goethe-Institut Una de las filmotecas más interesantes disponibles en México es sin duda la Filmoteca del GoetheInstitut, que comprende más de 500 películas en formato de 16mm y DVD’s, mismas que van del expresionismo alemán, pasando por el cine clásico hasta llegar a títulos actuales. Si eres amante, estudioso o un simple curioso del cine alemán y te interesa saber los títulos que están disponibles, podrás registrarte en www.goethe.de/ins/mx/ lp/prj/flm/ang y realizar una búsqueda dentro del catálogo. El registro se obtiene mediante tu universidad o colegio, o si perteneces a alguna institución cultural o educativa. Además de esos beneficios, con ello obtendrás otros servicios como son paquetes para ciclos especiales de cine, información sobre festivales de cine en Alemania. Fecha de inicio: Permanente Lugar: Liverpool 89, Col. Juárez Web: www.guuruk.com Información: hernandez@mexiko.goethe.org tel: 5207 0487

¿Cuántas veces has deseado saber contar algo, narrar una historia, escribir un cuento, un relato, una crónica, una biografía, una carta literaria, con plasmar un sueño, pero no lo has hecho por pensar que es complicado? Sabes que quieres escribir, tienes "el qué", pero no dominas "el cómo". El curso camina en dos senderos: facilitar el conocimiento de los recursos de la lengua escrita, reconocer y practicar los elementos para el disfrute de la creación literaria. Porque una cosa es la inquietud de conocer mejor los recursos lingüísticos y literarios de nuestra lengua para concretar con ella nuestros sentimientos, pensamientos, ideas y proyectos, y otra cosa es verternos en verbos y sustantivos que encarnen nuestra condición de seres definidos por la palabra y por la comunicación. Así, respondiendo al llamado de asumir esa vocación irrenunciable del ejercicio de la palabra, el curso Atrévete a escribir se basa en ejercer el rigor de la tecnología de la palabra que hemos construido a través de milenios de civilización y en degustar las palabras exactas, ricas, estéticamente tejidas: el arquetípico placer del constructor, del creador de mundos posibles. Para eso nos reunimos en las aulas del Helénico, y para celebrar, al final, habernos atrevido, seguirnos atreviendo. Fecha de inicio: 29 de marzo de 2011 Instructor: Ricardo Arriaga Campos, Lingüista y Comunicólogo Lugar: Instituto Cultural Helénico Informes: www.helenico.edu.mx/infoAtrevete.htm Teléfono: 5662 1542 / 5662 5793

Gran Turismo 5 Han pasado seis años desde que vimos un juego de Gran Turismo en una consola (sin contar la versión para PSP), y lo que parecía imposible ahora es una realidad. Gran Turismo 5 es uno de los títulos más ambiciosos que se han publicado para el PS3: ofrece poco más de 1000 automóviles reales, más de 20 circuitos con alrededor de 70 variaciones, además de diferentes modos de juego que mantendrán ocupados a los veteranos de la serie, que incluyen el clásico Arcade Mode, Carreras de Campeonato, pruebas para obtener licencias de manejo y por si fuera poco, soporta hasta 16 jugadores de manera simultánea a través de PlayStation Network.

Calificación: 5/5 Distribuidor: Sony Computer Desarrollador: Blizzard Entertainment Género: carreras Género: E (para todo público) Consola: PS3 Numero de jugadores: hasta 16

Visualmente es de lo más espectacular que se ha visto en el género. Igual que las pistas, los autos están sumamente detallados; y es tal el grado de perfeccionismo que le inyectaron sus creadores, que en las repeticiones de cada carrera se ve casi como si se tratara de carreras de verdad. El manejo de los autos responde al de un simulador, por lo que hay que ser muy cuidadoso. Además, por primera vez se incluye daño a los coches, aunque esta opción se le puede quitar. Gran Turismo 5 es un juego para los amantes de las carreras y los simuladores de autos. Probablemente se trate del mejor juego de su tipo para el PS3, y sólo por eso vale la pena ponerse el casco y meterse a correr en este mundo virtual de automóviles. TXT:: Carlos Gutiérrez.

Dead Space 2 La segunda parte de un juego del que pocos esperaban algo ha llegado. Dead Space logró hacer voltear a propios y extraños gracias a su buena experiencia de juego, y sobre todo al tétrico ambiente que hizo brincar de su asiento a más de uno. Con Dead Space 2 tomarás el rol de Isaac Clarke, que en la primer entrega se las tuvo que ingeniar para sobrevivir a la horda de Necromorphs (especie de zombies debido a un virus) y ahora, tres años después, parece que el virus causante de esa extraña enfermedad está de regreso. El sistema de juego es muy similar a la primera parte, sin embargo, todo ha sido mejorado de tal manera que Isaac se siente más ligero, rápido y eficiente con sus movimientos. Además, a lo largo del juego podrás mejorar tu equipamiento y armas. Si lo que buscas es algo de tensión y sustos, lo encontrarás porque la ambientación es impecable, además de que los diferentes tipos de Necromorph que existen saldrán constantemente de sus escondites para quitarte la vida. Calificación: 4/5 Distribuidor: Electronic Arts Género: acción Clasificación: M (Para mayores de 18 años) Consola: Xbox 360, PS3, PC Numero de jugadores: hasta 8

Dead Space 2 no es para los débiles de corazón; el nivel de terror y la violencia lo hacen apto sólo para los más fuertes, aunque no podemos negar que jugarlo con la luz apagada incrementará las posibilidades de que brinques del susto más de una vez. TXT:: Carlos Gutiérrez.

The Smoking Gun – Mug Shots

Body Counters

http://www.thesmokinggun.com/mugshots

http://bodycounters.com

Todo un clásico. The Smoking Gun nos presenta lo mejor de su colección de fotos que van a parar a los archiveros de la policía. Se podrán cruzar con un actor o actriz de vez en cuando.

“Nos encargamos de contar los cuerpos para que tú no tengas que hacerlo”. Hablan de cadáveres que aparecen en películas, desde Tron hasta la película de Los Muppets, aquí se contabilizan humanos, animales, alienígenas, y básicamente todo ser viviente que muere en la pantalla.

The Brigade Video de soldados en combate

Video Viajero en el tiempo en película de Chaplin

http://bit.ly/dKtA0G

http://www.youtube.com/

Muchos de nosotros tenemos como principal reflejo de la guerra a los videojuegos, pero en este video publicado por thebrigade.com podemos observar algo más cercano a la realidad. Se trata de un grupo de soldados americanos durante la guerra en Afganistán, uno de ellos graba con una cámara colocada en su caso el momento en el que son emboscados.

Uno de mis videos favoritos de 2010. Un fanático de Charlie Chaplin decidió comprar la edición especial de The Circus, estrenada en 1928. Al ver el material extra, este seguidor del artista pudo observar a alguien hablando a través de lo que parecía un aparato de comunicación a distancia. ¿Viajero en el tiempo o sólo una malinterpretación?

Kanye West desnudo

Amazing Fact Generator

http://yfrog.com/gyb25suj

http://www.mentalfloss.com/

En octubre de 2010 se dio a conocer la que supuestamente es la fotografía de Kanye West desnudo, misma que el rapero pudo haber enviado a seguidoras suyas a través de MySpace. Yo sólo les mostraré una parte de la imagen, ya está en sus manos saber el resto de la verdad.

Revista virtual de diseño gráfico y lo que resulte. Este gran esfuerzo es realizado por estudiantes de Costa Rica. Vale la pena destinarle un par de minutos.

Idioma: inglés

TXT:: "El Jergas"

Idioma: inglés

80 el pilón

Director de Ambulante TXT:: Vicente Jáuregui.

Creador

independiente de video e instalación audiovisual, compositor de música contemporánea y programador de cine, Ricardo Giraldo es el nuevo director de Ambulante, el festival de documentales que a partir del 11 de febrero presentará más de 60 títulos en alrededor de 140 sedes en toda la república. Atareado con los últimos ajustes de organización y logística, Ricardo nos concedió unos minutos para contarnos los pormenores de esta edición 2011. ¿Quién es y qué hace Ricardo Giraldo? Estudié diseñó durante tres años, pero no terminé, después música y composición. Más tarde me fui a Holanda para seguir estudiando y me involucré en el video digital y en la fotografía. Allá hay mucha flexibilidad y las diferentes disciplinas se pueden aliar de una manera un tanto renacentista. ¿Cómo te involucraste en festivales de cine? Conozco a Paula Astorga (ex-directora del FICCO) desde chavito, y un día que me la encontré en Holanda me platicó del festival. Por mi parte le conté que con Darío Ramírez (Director de la ONG Artículo 19) queríamos darle salida a temas sobre derechos humanos. Después de varias pláticas terminé como director y programador de esa sección que le propuse. Por otras razones comencé a trabajar en Ambulante de manera informal, recomendando películas, etc., pasó el tiempo y hace un año me invitaron a ser programador, lo cual eventualmente se transformó en una invitación para dirigir el festival este año. El festival de cine de Morelia presenta cine de arte, Expresión en corto talento emergente, el festival de Guadalajara cine de corte más comercial, ¿cuál es tu percepción de Ambulante? Cada festival tiene su nicho y un gran recorrido detrás de su historia. Nuestro objetivo es tratar de

llegar a lugares donde los documentales jamás serían vistos, con una oferta en su mayoría gratuita. Salvo las funciones de Cinépolis –que son de costo reducido–, el 65% restante son gratis, e incluso en Cinépolis habrá funciones sin costo para niños. También tenemos una salección de documentales muy amplia y plural, misma que se complementa con la visita de la mayoría de los directores que buscan dialogar con los espectadores. El documental es visto con cierto desdén por una gran parte de la población. ¿Cómo les va en provincia? ¿Logran hacerlo “atractivo” para la gente? Extrañamente, en provincia hemos tenido una respuesta increíble del público. Parte del trabajo es que la gente no crea que el documental es panfletero, serio y aburrido. Por esa razón tenemos cosas para niños, retrospectivas. En “Dedazo” podemos ver una selección con las favoritas de otros públicos del mundo, también tenemos la sección de “Observatorio” que es documental de autor, “Injerto” muestra cosas experimentales, además, hay mucha música… Por otra parte, nos gusta reclamar lugares públicos para que la gente pueda ver un documental en la plaza y darse cuenta de que esos sitios son suyos. Lo que presentamos tiene resonadores naturales con la gente, nunca es una ficción, al contrario, las personas se ven reflejadas y de esa manera se cierra un ciclo de reflexión e intercambio. Todo eso ha ayudado a crear una expectativa para que la gente espere a Ambulante con cariño. De la primera edición a la de 2010 tuvimos un incremento de 12,000 a 68,000 personas. ¿Cuántos documentales reciben por año? Podríamos decir que este año hemos recibido unos 400 documentales. Hay algunas recomendaciones, otros que vemos en festivales. Hay un proceso de

preselección basado en la convocatoria que hacemos. Todo ese trabajo es tarea de cinco personas. Al ser un festival que busca reflexionar sobre temas sociales, ¿no se corre el riesgo de caer en una postura izquierdista acrítica? Creo que para nosotros es muy importante hacer esa crítica a la izquierda, si no sería imposible haber cambios reales. Por eso nos interesa la crítica constructiva que permita discusiones, para encontrar formas de cambiar desde distintas latitudes y aplicadas a problemas concretos. Nos interesa mucho despertar el cuestionamiento en los espectadores. ¿Tendrías algún ejemplo de un documental políticamente incorrecto? Este año tenemos uno que se llama Cool It de Ondi Timoner, basado en el libro The Skeptical Environmentalist: Measuring the Real State of the World de Bjorn Lomborg. En él no se desestiman los choros sobre el calentamiento global, pero se advierte que están planteados para tomar cierta ventaja porque no se ha logrado ir a la raíz del problema, que es la pobreza. Su valor es que confronta y ofrece un ángulo diferente, incluso a Ondi lo han llamado traidor cuando lo único que advierte es que el dinero está mal empleado en convenciones y cosas que no resuelven nada. Por último, ¿qué nos puedes adelantar sobre la carpa Ambulante que estará en el Vive Latino? Queremos presentar trabajos nuevos y otros anteriores, pero altamente relacionadas con la música, bucamos hacer un contrapunto interesante con el Vive. Creo que las cosas se malinterpretaron bastante, llegamos a leer que Diego y Gael iban a hacer una película sobre el Vive donde ellos iban a actuar (risas). Básicamente la idea es documentar lo que ocurre en el Vive Latino desde una perspectiva muy abierta. M