Revista Marvin 106 :: Contrastes by Revista Marvin

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ECTORI R I

CO-EDITORA Y COORDINADORA GENERAL JIMENA GÓMEZ jimena@revistamarvin.com

DIRECTOR DE ARTE ABRAHAM BELTRÁN bran@revistamarvin.com DISEÑADORA GRÁFICA DONAJÍ CRUZ dona ji@revistamarvin.com EDITOR WEB ROBERTO GONZÁLEZ CLAPÉS roberto@revistamarvin.com REDACTOR WEB Pablo PULIDO pablo@revistamarvin.com CORRECTOR DE ESTILO fEDERICO RUBIO ASISTENTE DE DISEÑO DAVID HERNÁNDEZ WEBMASTER ERNESTO MAGAÑA ernesto@revistamarvin.com PRODUCTORA YAMILY CHIQUINI yamily@revistamarvin.com

R PA

RP Y PUBLICIDAD DELHY SEGURA delhy@revistamarvin.com COORD. COMERCIAL Y ALIANZAS JEANINNE RODRÍGUEZ jeaninne@revistamarvin.com

En esta edición de Marvin hemos integrado una vez más una nueva manera de experimentar la revista, una que existe en 3 dimensiones: videos y entrevistas que –literalmente– se levantan de nuestras páginas. Para acceder a este contenido lo único que tienes que hacer es seguir estos sencillos pasos:

ADMINISTRADOR Y RESPONSABLE SUSCRIPCIONES EMMANUEL CORTÉS emmanuel@revistamarvin.com RESPONSABLE DISTRIBUCIÓN CARLOS GONZÁLEZ MARTÍNEZ carlosgm@revistamarvin.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com MARVIN TV PABLO SEGOVIA pablo@lphantfilms.com

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COLABORAN EN ESTE NÚMERO Luis Arce, Enrique Blanc, Manú Charritton, Sebastián Franco, Hugo García Michel, Alejandro González Castillo, Vicente Carcaño, Jorge Grajales, Óscar Hernández, Juan Carlos Hidalgo, Malfi, Alex Malverde, Alejandro Mancilla, Juan Maya, Paola Tinoco, Rafael Toriz, Jasiel Villa, Regina Zamorano.

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CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo Flores, Juan Carlos Hidalgo, Leonora Milán, Humberto Polar, Nacho Rettally, Rafael Toriz, Carlos Verástegui.

MVN 106 :: CONTRASTES JOHN CAGE Y MOONASSI

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Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 106 correspondiente a: NOVIEMBRE 2012. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2011-100610180100-102. MARVIN es una Marca Registrada.

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en portada

46 MOONASSI. BLANCO/NEGRO. 4 0 contrastes en el tiempo .

08 BREVARIO. Perfiles y noticias de música, cine y arte

literatura MÚSICA

MVN

106

14 #NewKidInTown. Porque la moneda del hype tiene dos caras: TOY 16 COORDENADAS. Nuevos talentos musicales 18 Festivales: CORONA CAPITAL 2012. 30 Andrew Bird. Claro/Oscuro. 32 Suede. Entrevista con Brett Anderson. Subestimados/Legendarios. 34 Paul Banks. Solo/Acompañado. 36 Crystal Castles. Diferente/Igual. 37 Soundgarden. Lux/Tenebras. 38 Fenomenología del hype III. Opinión/Crítica. 58 DE CULTO. El tétrico Doom Metal. Suave/Denso.

CINE

56 54 Muestra Internacional de Cine. Cineteca Nacional. Clásica/Moderna.

54 Contrastes en la literatura mexicana. Norte/Sur.

REPORTAJE

50 Contrastes urbanos. Ricos/Pobres.

MODA

58 adidas Icons: Try walking in my shoes. Retro/Actual

COLUMNAS

72 Bajo Presupuesto. Cridens contra Bitles. Por Hugo García Michel. 72 Off The Record. Sexo sin amor sin sexo. Por Juan Maya. 73 El cuaderno amargo. Daniel lo sabía todo. Por Paola Tinoco. 73 Aguarraces porteñas. Los mirlos tocan en casa. Por Rafael Toriz.

RECOMENDACIONES

ARTE

74 Música 82 TV 83 Cine 86 Libros 84 Gadgets 85 Estilo

70 DE CULTO. Obras en los extremos. Todo/Nada.

80 EL PILÓN. “Cuando no tienes un peso un millón es mucho. Cuando tienes un millón un peso no es nada”. Entrevista con Juan Uzcanga Pérez Ganar/Perder.

68 DE CULTO. Cuando el cine malo termina siendo bueno. Ridículo/Genial. 64 Cómic. “Always do the best you can and you’ll be a happy man, wait and see”. By Taquito Jocoque.

El silencio como música. El arte como vacío. El recuerdo como presente. Contrastes. En un acto de ambiciosa libertad creativa, la naturaleza creó un universo lleno de ellos, donde opuestos viven lado a lado y cuya sola existencia nos ayuda a discernir el mundo en sí; cómo se ha de definir el placer sin saber antes qué es el dolor, lo bello sin lo horrible, lo suave sin lo áspero. En el arte, los contrastes subliman esta cualidad denotativa y logran convertirse en catalizador del cambio. A veces, para avanzar hay que escupirle al pasado, ver las viejas ideas y correr en dirección opuesta. En una suerte de catarsis, el trabajo del artista coreano Moonassi que aparece en nuestra primera portada, logra conjugar el abstracto concepto que da tema a esta edición. Su obra invadida de tinta negra delimita el vacío y constituye un contraste literal y metafórico (el arte de lo que no se dibuja). Por otro lado, John Cage –genio y compositor musical, que le debe su mayor éxito a un obra de 4 minutos y 33 segundos de silencio– nos brinda otro contraste primordial (la música del silencio) y de él tomamos la frase de nuestra segunda portada. Las viejas ideas, peligrosas y abusadas en el nombre de lo retro o lo referencial, lo inundan todo. Basta entonces de la nostalgia musical, tan incestuosa y cruel con la innovación. Tomemos el vacío y hagamos arte, tomemos el pasado y démosle la espalda. Fueron estas ideas las que construyeron esta edición. Con los contrastes como motor trazamos un fresco recorrido musical, uno que toma las raíces de momentos claves en la música y busca su más próximo opuesto. De Buddy Holly a Alt-J (∆), pasamos por un sinfín de improbables conexiones que no hacen más que demostrar que el resultado de la suma de dos extremos, es el movimiento. El punk se negó al virtuosísimo de los solos de guitarra de 15 minutos; nos dijo que con un par de acordes era suficiente, Elvis borró todo lo que entendíamos de la música, Radiohead nos enseñó que otro rock era posible, Bowie que otros yos eran posibles y así, ad infinitum. Contrastar entonces, es construir un puente, donde del negro al blanco se avanza al crear grises. Pero claro, no habría por qué parar ahí; tomamos cada página y la desbordamos de opuestos; fuimos de la soledad de Paul Banks, al eterno epónimo de Crystal Castles y a la grandeza tan injustamente subestimada de Suede, sin dejar de hacer paradas en el autoexilio de Andrew Bird, o en el recuento no tan lejano del Corona Capital, en el cual las interrogantes mantienen presente al pasado. Pero tampoco nos detuvimos en este devenir; qué tal hablar del cine tan malo que se vuelve bueno o del "horror vacui" y el maximalismo; por qué no hacer un reportaje de ciudades perdidas, donde ricos y pobres coexisten en el delicado equilibrio de la indiferencia; qué tal hablar de la injusticia social de nuestra ciudad. Por qué no hacer que cada título sea un contraste o qué tal si no hay una banda en nuestras portadas, sino una idea, la idea de hacerse estas preguntas, la de no tener miedo a sus respuestas. JIMENA GÓMEZ ALARCÓN / @jimena_blue

PECTI V A

Las ondas del sonido están compuestas por moléculas vibratorias que se desplazan a través del aire. El oído humano puede captar de 20 a 20 mil Hertz (Hz), Comprendiendo que los sonidos graves oscilan entre los 20 y 300 Hz, y los agudos de 2 mil a 20 mil Hz. La única forma en que podemos percibir los Hz menores a 20 (denominados infrasonidos) es a través de la piel.

Para obtener el contraste matemático de color dentro del círculo cromático, es necesario que los dos colores se encuentran a distancias opuestas del mismo. Para comprender el aspecto luminoso de un color en específico, basta con observar que entre más oscuro sea éste (es decir, más cercano al color negro) su brillo disminuirá.

O DAÍSM

MO CIEN

CIA

POSIT

ICISMO

IVISM

Cuando el occidente del s. XX comenzaba a aceptar –de mala gana- la verdad absoluta dictada por la ciencia, algunos intelectuales y artistas que no compartían dicha filosofía establecieron un nuevo estilo de vida con base en la no lógica.

NT ROMA

Los conservadores alemanes del s. XVIII no dieron crédito a la razón de la Ilustración; el romanticismo buscaba exaltar los valores nacionalistas, así como los sentimientos.

IG REL

IÓN

Según la ciencia, lo que nos hace humanos es la capacidad de controlar y mejorar nuestro entorno, así como a nosotros mismos; mientras que la fe dicta que todo es visto y controlado por la voluntad Dios, pues nuestras almas son un simple objeto de su propia creación.

BREVARIO

—MÚSICA

ÁL

MUTEK.MX 2012 Los organizadores del festival se tomaron

Alain Mongeau, director general de MUTEK Internacional, calificó a esta edición como la mejor que se ha hecho en nuestro país, después de que en 2011 el festival se mostrara muy apresurado.

Contrastes

muy en serio las predicciones mayas sobre el fin del mundo, ¿por qué decimos esto? Pues sólo basta recordar el cartel de este año, el cual no tuvo límites al incluir famosas figuras (algunas consideradas míticas) de la cultura digital, todas dentro de una plataforma que apuesta por hipnotizar los sentidos mediante arte no convencional. Nuestra lengua aún no encuentra conceptos que puedan describir lo que pudimos apreciar del 1 al 7 de octubre en la Ciudad de México, empezando por el show audiovisual de 1021 Architecture y su Euphorie, una arriesgada exploración de tiempo-espacio a través de la música minimal e instalaciones tridimensionales, y el mundo abstracto de Jon Hopkins, ese extraño personaje que escapó de las garras del pop para inmiscuirse en un confuso espiral de IDM y dubstep. Detrás del mundo virtual, de esas imágenes interactivas y sonidos oscuros, se encuentran sus autores, personajes que deciden adelantarse a nuestra época. Nombres como Nils Frahm, Luke Abbott y Deadbeat, explicaron sus metodologías creativas en las distintas conferencias y charlas sobre cómo disfrutar el verdadero hipermundo: pantallas, circuitos y comandos. Si algo aprendimos de esta edición del MUTEK.MX es que el arte evoluciona a grandes pasos, tal vez el único conflicto es que la mayoría del público puede no comprender en su totalidad lo paradigmático que esto significa: nuevos signos y exigencias de percepción. ¿Qué pasará el próximo año? Eso no lo sabemos, pero como diría Matias Aguayo: “Que la música hable por sí sola”.

T X T : : PA B L O P ulido . FOT:: FELI GUTIÉRRES.

BREVARIO

—CINE

FICM

Desde su nacimiento, el FICM ha coordinado más de mil vuelos, 2000 acreditaciones, además de extrañas peticiones por parte de sus invitados, como helado de nuez de macadamia, sopa tarasca y albercas mirando al sol.

Contrastes

son diez años los que cumple el FICM reuniendo y promoviendo el nuevo talento del cine mexicano; en esta nueva edición, que se llevará a cabo del 3 al 11 de noviembre, serán 91 títulos entre largometrajes, cortometrajes y documentales los que integrarán la Selección Oficial. Fieles a sus orígenes, los organizadores del festival mantendrán las mismas categorías: Sección Michoacana, Cortometraje Mexicano, Documental Mexicano y Largometraje Mexicano, así como el Concurso Michoacano de Guión de Cortometraje, dirigido exclusivamente a originarios y residentes que conozcan de principio a fin este Estado de gran riqueza cultural. Nueve realizadores entre los que se encuentran Humberto Hinojosa, Yulene Olaizola, Pablo Delgado, Haroldo Fajardo y Alfonso Pineda Ulloa, se disputarán el premio por Mejor Largometraje Mexicano, el cual recibirá estímulos para su distribución, además de “El Ojo”, escultura realizada por el artista plástico Javier Marín (oriundo de Uruapan, Michoacán), la cual ha sido entregada a 50 directores durante los diez años del FICM. Para que no haya duda de la decisión inapelable de los ganadores de cada competencia, el jurado será compuesto por prestigiados especialistas de la industria cinematográfica. Pero el honor no acaba ahí, ya que cada ganador formará parte de muestras tanto nacionales como extranjeras afiliadas al festival. A pesar de su alto carácter nacional, el FICM también recibe el apoyo de la Semana de la Crítica del Festival de Cannes impulsando el talento y proyectos entre ambos eventos, además de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos, que ofrece la posibilidad de inscribir a los premios Oscar a los ganadores de cortometrajes. Durante nueve días, Morelia y Pátzcuaro se verán envueltas por el amor a los 24 fotogramas por segundo, tanto en foros como al aire libre, mesas redondas y conferencias magistrales.

BREVARIO

—ARTE

¿Sabías

que el movimiento también es objeto de investigación en las artes plásticas? La artista española ha estudiado el fenómeno físico durante años a través de diversos proyectos que involucran el dibujo y la pintura, con una cuidadosa selección tanto técnica como cromática. En el marco del Día Mundial de la Animación, el Museo del Chopo albergará la muestra Carmen Aeris, del 25 de octubre al 13 de enero de 2013. La exposición compuesta por 37 piezas, retrata distintas formas humanas que interactúan en un universo dinámico. Estos cuerpos de identidad propia, en perfecta armonía con el espacio, provocan la sensación de traspasar el papel, debido a sus posturas que exhortan a entregarse al trance de la alegría y el goce. Carmen Aeris contendrá el cortometraje titulado Sinsis, el cual fue realizado a partir de líneas, planos y experimentación de color plasmados en papel, acompañados de un interesante juego sonoro. El proyecto ha formado parte de distintos festivales de cine en Estados Unidos, Canadá, España y Argentina. Doctora en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y catedrática de la misma institución con numerosos trabajos y tesis doctorales bajo su tutela, Carmen Lloret ha desplegado su talento estético en más de 135 exposiciones individuales y colectivas alrededor del mundo. El dinamismo pictórico de Lloret visitará nuestro país gracias a la participación de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP), Radio UNAM y la Dirección General de Actividades Cinematográficas (UNAM). Se trata de una oportunidad singular para conocer la nueva faceta de la expresión plástica del siglo XXI. Lugar: Museo Universitario del Chopo. Doctor Enrique González Martínez No. 10. Col Santa María la Ribera. Horario: Martes a domingo de 10am a 7pm. Costo: General $30, estudiantes e INAPAM $15 . Martes entrada libre.

El día Mundial de la Animación se celebra cada 28 de octubre, fecha que coincide con la presentación del Praxinoscopio en 1892 (antecedente del teatro óptico y el cine), inventado por Émile Reynaud.

Contrastes

Sabemos que recibes una gran cantidad de información, la mayoría proveniente de los miles de blogs de música que a diario te dicen qué está de moda y a quién debes escuchar. En esta sección, nos damos a la tarea de poner las cosas en perspectiva y valorar por qué o por qué no debes escuchar al nuevo chico de la cuadra. De esa manera, podrás decidir si quieres recibirlo en tu iPod o enviarlo a la bandeja de reciclaje.

CONTRA

REALIDAD AUMENTADA

Cuando uno es joven (¡Oh juventud!) la incomodidad es una constante, y en un acto de ingenua sabiduría recurrimos al recuerdo de épocas pasadas donde todo parecía mejor, ¿quién no quisiera haber nacido en los años 60? ¿Charlar con Kerouac whisky en mano? O incluso, para aquellos de sueños más pequeños, ¿bailar disco en un club de Nueva York? Así veo y escucho a TOY. Ataviado en su mejores ropas vintage sesenteras, intentando mantener contacto con el escucha pero traicionados por su profunda incomodidad, y es que ellos mismos (en el fondo) saben que se encuentran disfrazados de sus héroes, que es sólo maquillaje, accesorios y una mueca ensayada. PRO Su disfraz vive en su música y se mueve en los terrenos Por fin una banda que difiere del aburrido imperio de aquellas que no del rock psicodélico indie que tanto intentar sonar a otras cosas. Las superan la técnica de guitarras divertidas y voz genérica (no hay más referencias están al 3x2 en la música de TOY, siendo la más actual y culpable de este terrible fenómeno que Artic Monkeys); TOY resulta clara, The Horrors –increíble banda inglesa que en sus inicios también de los últimos 30 años de la música británica, razón por la que no es abuso del maquillaje y las influencias– pero ésta es sólo la punta del extraño que evoque a The Jesus and Mary Chain, The Stone Roses y The iceberg, si nos vamos más abajo, llegaremos a Syd Barrett pasando por Jennifers. Pulp y Joy Division, haciendo paradas en cada escalón de la historia Tom Dougall –líder de la agrupación– toma la batuta del shoegaze inglesa del rock. Sus técnicas y lugares comunes en ocasiones logran para concretar un nuevo sonido en el que imperan géneros como el rock, acomodarse bien, y en otras el resultado es tan ridículo como usar post-punk y krautrock. De la exagerada atención que se le ha puesto a sus un cuello de tortuga sobre el escenario. TOY nos da un muestrario de similitudes con The Horrors, hay que contrastar el hecho de que TOY, a sonidos, mas no una propuesta original, al menos todavía. diferencia de sus compatriotas, no tiene miedo de exprimir su talento Gracias a su debut, e incluso un poco antes de que éste viera la luz, los ingleses ya se han ganado un lugar en una de esas hasta el punto de crear temas experimentales –e intrumentales– llenos de psicodelia y sensaciones similares a las que te ofrecen un par de infinitas y cíclicas listas de “lo mejor de”, honor que sólo garantiza una alucinógenos. importante cantidad de atención, misma que sólo garantiza discusiones La calidad y reconocimiento de TOY no es cuestión de suerte, tres sobre su valía musical y artística, mismas que sólo sirven para llegar a de sus miembros estuvieron en las filas de Joe Lean & The Jing Jang Jong, opiniones baratas y peligrosas, mismas que valen menos que el papel banda elogiada por los medios especializados pero que tuvo una corta vida; en el que están escritas. Entonces, ¿por qué yo, tan consciente de la Dougall, además es hermano menor de Rose Elinor Dougall (mitad de The futilidad de todo este ejercicio, no tiro los brazos al aire y pronuncio: Pipettes); y por si fuera poco, Rhys Webb, bajista de The Horrors, los ha (citando las sabias palabras de un juez de lo Simpsons) “Los chicos siempre serán chicos”? Pues es muy simple, justo en este número de la catalogado como lo más emocionante de este año. El grupo se formó en 2010 y sólo tardaron dos años para lanzar su revista hablamos de la importancia de los contrastes en la música y de debut homónimo, el cual es considerado como una de las mayores sorpresas lo esenciales que resultan para que ésta avance, así pues vivir en una (pregúntenle a la NME) y no era para menos, ya que Dan Carey fue el eterna nostalgia, mirando siempre para atrás como perros que su amo encargado de producir la maqueta. ¿Y quién es ése? Nada más y nada menos ha abandonado en casa, no hace ningún bien; pronto no habrá un punto más lejano al cual revivir, pronto nos encontraremos en un estado de que la mente detrás de varios discos como el Blood Pressures de The Kills o el One Life Stand de Hot Chip, además de una extensa lista de colaboraciones reciclaje cultural insostenible, uno cuyo único resultado serán bandas mutantes engendradas de retazos de otros grupos. Es por esto que no en donde se encuentran CSS, Django Django y Tame Impala. puedo aceptar a TOY, no puedo alabar la precisión de sus referencias o Nos encontramos frente a una banda que no ha copiado nada su enorme conocimiento musical. Ellos son un síntoma de la decadencia a nadie, sino que nació de la propia evolución cultural de su país tan de la música y aceptarlos sería afirmar que no es necesario innovar, que acostumbrada a romper los paradigmas más doctrinales. Las acusasiones caerán durante mucho tiempo, pero no hay de qué preocuparse, así surgieron no es necesario avanzar, y oponerme a hacer tal afirmación, eso NUNCA será fútil. muchos íconos. TXT:: Pablo Pulido / @PabloPonciano

Contrastes

TXT:: Jimena Gómez Alarcón / @jimena_blue

Coordenadas es un sección dedicada a las bandas y proyectos a seguir, ya sea porque están editando nuevo material o porque sean propuestas emergentes interesantes. Origen: D.F. Género: Pop experimental Discografía: Tomo I (E.P., 2012) Integrantes: Alenka Ríos “Estella Vortex” (voz), Abel Casillas “Orion” (teclados, beats, guitarras y voz); Tavo Franco “Sir Frank Thomas VIII” (bajo) y Christian Albretch “Bill Pilgrim” (visuales y samplers). Sobre si creen en las conspiraciones reptiloides y esos temas: “Un mundo nos vigila, tal vez no reptiles, igual y son delfines muy evolucionados”. Alguien me pasó uno de los videos del grupo: “Becerro de Oro”, canción en clave pop que te atrapa de inmediato (junto con el video): “Nos gusta jugar con símbolos, profanarlos, sacarlos de contexto y darles la vuelta”, comentan al preguntarles por qué abordan temas como “falsos ídolos melancólicos” en sus letras. “Nuestras canciones hablan de religión, símbolos universales y hasta ocultismo”, confiesan. El grupo combina una muy interesante parte visual con la idea de volver el viaje sónico “una experiencia envolvente”, según sus propias palabras. Sin duda, un novel proyecto muy original que por momentos, puede parecer un tanto obscuro pero que rebosa sensibilidad luminosa. Redes:

/laeravulgar

laeravulgar

Sobre los contrastes: El sonido del grupo puede ser contrastante debido a nuestras influencias, de repente hay cosas muy light y otras más obscuras. El grupo tiene algunos temas en inglés, lo cual se les da muy natural ya que Alenka, la cantante, es mitad mexicana y mitad jamaiquina. Influencias: Beach House, Chromatics, Fiona Apple, Lucybell y los Babasónicos en sus inicios.

@laeravulgar

Cuando hay empatía la hay… hasta le puedes poner así a tu banda. Se trata de un grupo de amigos que hace música, digamos 27.5% disco post-moderna, 42.5% rock y 30% pop. Esa es la fórmula: bailable y nostálgica a la vez. “Somos un grupo dance, pero con destellos de obscuridad”. Y sí, su propuesta puede ser de fiesta, pero también tiene ese toque lo suficientemente miserable que ellos describen como “nuestro lado B”. Digamos que si su música la pusieran de fondo en un elevador con varias guapas ejecutivas y éste se atorara, se armaría una juerga muy interesante ahí.

Origen: Monterrey Género: new disco, no wave, tecno-pop. Integrantes: Fernando Luna (voz y bajo), Andrés Duarte (sintetizadores y teclado) y Sixto Moreno (batería).

Redes:

@The_Empathy

Contrastes

Sobre los contrastes del mundo de la música independiente: “Nos gusta mucho la tecnología, los nuevos instrumentos... pero no tener la posibilidad de comprarlos es muy estresante. Y mientras tanto, cierto grupo de fiesta versátil que hace covers pasteleros, se acaba de comprar un carísimo sampler y no lo sabe usar."

fernandopando@me.com

sk8@hotmail.com

Discografía: Ave (E.P. 2012)

T X T : : A le j andro M ancilla .

A manera de broma, los integrantes de este grupo comentan que su vida es como un Big Brother, y que seguirán tocando hasta que el ultimo salga. Se trata de una agrupación de ska formada en la prisión y que un día decidió grabar música: “No sólo se trataba de hacer un disco, el logro real es demostrar que aquí también se pueden crear cosas, afortunadamente los medios se han dado cuenta de nuestro trabajo. Creemos que la readaptación social se hace por medio del arte y la cultura”. Lo cierto es que a pesar de llamar la atención por lo sui géneris de su proyecto, el grupo en realidad tiene la calidad necesaria para gustar a un gran público. Ya tienen fans como integrantes de La Maldita Vecindad o Botellita de Jerez. El mensaje es claro: Hazlo. Las cosas se pueden hacer con un poco de compromiso, no importa si estás en la posición más cómoda o tratando de hacer arte desde la prisión. Origen: El reclusorio preventivo Oriente en el D.F Género: Ska

Redes:

/Segregados

Integrantes: Jonathan Álvarez (voz y guitarra), Tony Álvarez Tostado (voz), Luis Morales (guitarra), Fabián Monzón (bajo), Toño Garza (batería), Paco Ramírez (percusión), José Luis Flores Tlapala (trompeta y violín), Sergio Corona (trombón), Carlos Albarrán (saxofón) y Ángel González (teclados).

Discografía: Todo es Playa (Intolerancia Records, 2012), grabado con puro ingenio, que incluye entre otras cosas, macetas transformadas en instrumentos de percusión.

@Segregados

Escríbeles una carta física al reclusorio preventivo Oriente (abstente de mandarles seguetas). Más info en: www.reclusorios.df.gob.mx.

Origen: Hermosillo, Sonora Género: Ska-punk Cristiano.

Punk: género musical que le debe tanto a la anarquía como al D.I.Y. y el rock and roll primitivo. Es por esas características que se antoja contrastante un grupo con un mensaje cristiano de salvación, pero a la vez es muy válido. La banda decidió tomar esa ideología para demostrar que “con la música, se puede tener el camino hacia un Dios único y verdadero”. El grupo, con varios años en la escena, considera que “todo género, sin importar ritmo y forma, fue hecho e inspirado para la alabanza”. Ya lo sabes, si estás cansado de letras sobre odio a la policía, pachucos (cholos y chulos), nihilismo y demás delicias urbanas, esta banda tiene un mensaje espiritual a ritmo frenético. Redes:

agentedoce (Sí, aún ocupan esta red social)

/agente12oficial

Integrantes: Carlos Inzunza (voz), Guillermo Moreno (bajo), Rubén Terán (guitarra), Julio Vidaña (batería), Arturo López y Jesús Iván Yezu Gutiérrez (saxofones), Daniel Martínez y Jonathan Miranda (trompetas), Carlos López (trombón). Influencias: The O.C Supertones y MuteMath. Sobre el origen del nombre del grupo: “Porque los primeros con una misión fueron los doce discípulos de Jesucristo. Tenemos una misión que cumplir (Proverbios 24:11) de ir con los que están en peligro de muerte y rescatarlos a través de nuestra música, sin una misión u objetivo un "agente" no tiene razón de ser”. Discografía: ¿Quién fue? (2004), varios demos y un nuevo disco a salir en enero de 2013.

@agente_12

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F O T : : A R T U R O L A R A R A M Í R E Z . ( F O T D I E A N T W O O R D : : D A N I E L PAT L Á N . )

Un altar a la música. Desde nuestro stand en el CC12 le rendimos culto a las bandas que conformaron el cartel más fuerte que los festivales de nuestro país nos han ofrecido. Un calaverita por cada banda, y ahora un recuerdo para acompañar cada presentación. Durante dos días este festival nos enfrentó a un sobrecarga de música en directo. Absorber, documentar o simplemente recordar cada acto, resulta una tarea ambiciosa y placentera. Con la ayuda de tuits de figuras claves de la música y el arte mexicano y la participación de nuestros seguidores en redes, logramos capturar esos momentos. Además, gracias a las entrevistas en exclusiva que realizamos en el stand de Marvin –nuestra casa en el CC12– a escritores y editores de medios ingleses (NME, The Quietus, The Guardian y MOJO) obtuvimos una nueva perspectiva. Ahora con la información ya más digerida, creamos un analítico recuento, donde las preguntas mantienen vivo al recuerdo.

DIE ANTWOORD ¿Esperaban los sudafricanos de Die Antwoord convertirse en el gran acontecimiento del Festival?

SUEDE

¿Imaginaban los espectadores una aplanadora sonora de hip-hop mutante?

¿Habremos saldado la deuda con la nostalgia con la actuación de Suede?

MIIKE SNOW ¿A cuántas dimensiones nos habrá transportado el show de Miike Snow? ¿Desde cuando a ese potente directo le quedan cortas las etiquetas?

¿Es electrónica, es rock, es psicodelia? Contrastes

¿Brett Anderson nos sorprendió lo suficiente con su elegancia y garbo?

¿Sabían los Death in vegas que la gente los recibiría como si el tiempo nunca hubiera pasado? ¿La grandeza de su arte electrónico siempre estuvo allí?

DEATH IN VEGAS Sandrushka Petrova (DESCARTES A KANT)

¿Son la energía desbordante y la entrega absoluta, los únicos ingredientes esenciales de una gran presentación?

THE HIVES

CAT POWER

@sandroide: Y que se baja con la gente el vocalista de The Hives! #MarvinCC12

¿Una artista tan del presente como Cat Power habría de hacer concesiones y hacer de su concierto una avalancha de éxitos?

Jorge Tellaeche

@Jorge_Tellaeche: Soy el más fan de @catpower

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THE BLACK KEYS

ALEJANDRO GONZÁLEZ CASTILLO

@soypopesponja: una certeza: el mundo necesita más blues porque sufre, porque requiere alivio.

¿Llegaron los headliners a llenar tan grande título?

BASEMENT JAXX

¿los fans siguen gritando?

THE BIG PINK “¿Cómo están?¿Qué pedo?” The Big Pink hizo todas las preguntas correctas.

¿Propuesta, complacencia o sólo baile?

Contrastes

I CAN CHASE DRAGONS

DUM DUM GIRLS ¿Fue suficiente la belleza? ¿La dulzura y guitarras resultan hipnotizantes?

I Can Chase Dragons!

@icanchase: Zona de camerinos con hamacas, futbolito, tacos y mezcal! #Uffa #MarvinCC12

¿Debemos seguir creyendo que I can Chase Dragons son una gran promesa o han pasado a ser una realidad?

Sandrushka Petrova (DESCARTES A KANT)

@sandroide: Impecable Florence+The Machine, muy pro, muy inspiradora #MarvinCC12.

FLORENCE +THE MACHINE ¿Qué más se le puede pedir a Florence, que suavidad y fuerza, canciones que llevan al pop a límites de elegancia que parecían inalcanzables?

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Plastics Revolution

@PlasticRev: Además del show de @icanchase lo mejor del primer día del Corona Capital fue cotorrear con James Murphy y Here We Go Magic. ¡Woop!

I Can Chase Dragons!

@icanchase: Viendo a Here We Go Magic. ¡Uno de nuestros favoritos del cartel!

HERE WE GO MAGIC ¿Qué es un festival sin una buena banda que haga del sol una cálida cobija?

¿Es suficiente una fiel de legión de fans para competir con tal cartel?

FRANZ FERDINAND

HELLO SEAHORSE!

¿Nostalgia noventera? ¿Somos ya tan viejos?

Contrastes

LEÓN LARREGUI ¿Cuándo el espíritu que posee y enloquece a Alison Mosshart, la dejara descansar en el escenario? ¿Queremos que eso suceda? ¿Vivir de sombras? O, ¿reinventarse entre ellas?

THE KILLS

MY MORNING JACKET ¿Tendrá límite My Morning Jacket en cuanto a la capacidad que tiene de emocionarnos? ¿Conoce su música de épocas, de estilos y géneros? ¿Hace cuánto que se encuentran en estado de gracia?

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NEW ORDER ¿Durante cuánto tiempo permanecerá en nuestra memoria ese: Forever Joy Division? ¿Habría imaginado Bernard Summer toda la pasión y fervor que le guardaba el público mexicano? ¿Estábamos preparados para escuchar en directo 3 temas de Joy Division? ¿Pensamos alguna vez que las canciones de New Order podrían envejecer? ¿Tenemos conciencia plena de que vimos un capítulo central de la historia de la música de los siglos XX y XXI?

Jorge Tellaeche

THE RAVEONETTES ¿Cómo hacen The Raveonettes para que sus canciones no pierdan un ápice de torrente eléctrico, misterio y vibra rocker?

Contrastes

WHOMADEWHO

@Jorge_Tellaeche: Forever Joy Division ¡Woooouuuuuuu! + mil

¿Exigimos demasiado a nuestros cuerpos para prodigarnos con la combinación de electo rock, funk y champaña de Whomadewho? ¿Dimensionamos que se trata de una de las expresiones más exquisitas del panorama internacional de la música?

THE WALLFLOWERS

THE VACCINES ¿Por qué tras escuchar a The Vaccines nos queda la sensación de que hacen covers de The Ramones?

¿Son los años suficientes para convercer al público de permanecer atentos?

¿Qué tanto les falta para acercarse de verdad a The Strokes?

¿Cundirá el ejemplo de los Black Lips de dejarse el pellejo en cada presentación y dar todo de sí mismos cada vez que tocan?

THE BLACK LIPS www.marvin.com.mx

El Corona Capital se internacionaliza Los mejores medios ingleses nos comparten su experiencia cc12

MOJO Ross Bennett Escritor

The Guardian Caspar Llewellyn Smith Editor de música

Es mi primera vez en México, el festival se ve muy bien organizado y el ambiente es muy bueno. Me sorprendí al ver que en el show de Die Antwoord chicos de 15, 16 años en el público se sabían cada canción. Es impresionante que una banda un tanto desconocida de Sudáfrica tenga esta respuesta en México.

Contrastes

Creo que este festival es brillante. Para que un festival de verdad funcione necesitas dos cosas, una las bandas, pero también necesitas un buen público. Eso es lo mejor que he visto; en todas las presentaciones el público ha sido genial. También influye que sea la primera vez que muchas bandas vienen a México, Suede por ejemplo, tiene 20 años de carrera y es su primera vez aquí. El público se volvió loco. También creo que el espacio es genial, no es muy grande lo cual es bueno ya que te permite llegar de escenario a escenario con facilidad. Vi a Dum Dum Girls, fueron buenas. Pasé mucho tiempo en el escenario Bizco Club, vi a The Wookies, me parecieron buenos. Cat Power, fue un buen set, pero al principio me pareció que le estaba costando trabajo conectarse, pero de repente (cuando llegó el atardecer) se acomodó el ambiente y fue hermoso. My Morning Jacket, fue increíble. The Vaccines no me emocionaron tanto, no soy muy fan de bandas indie, he visto a muchas, hay demasiadas en todas partes, así creo que debes ser muy bueno, tener canciones increíbles, para sobresalir y no sé si The Vaccines tienen eso.

NME Kevin Perry Escritor

Me parece que el festival está lleno de buenas señales. El tamaño de los escenarios es impresionante, hay buenas bandas en cada uno. Tener un cartel tan fuerte es difícil. Creo que mi escenario preferido ha sido el Bizco, en mi mente le llamo el escenario bailable. El sonido es muy bueno ahí. Vi a Die Antwoord, que son impresionantes, fue muy temprano en el día y fue una verdadera fiesta. Vi a The Wookies, Cat Power, que fue muy lindo. El público es asombroso, conocen cada canción, creo que eso no pasa tanto en Inglaterra. Suede, que tienen esta audiencia como de culto aquí. The Hives, me pareció que tocaron demasiado (risas). Y estoy enamorado de James Murphy. New Order, que siempre han estado adelantados a su tiempo y siguen demostrando que aún lo están.

The Quietus April Welsh Escritor

El clima hace una gran diferencia, está hermoso aquí. Encontrar fans tan dedicados a las bandas inglesas del cartel fue extraordinario, no tenía idea de que Suede tuviera esta clase de audiencia aquí, es muy interesante. Queda claro que los mexicanos tienen buen gusto. También hay mucha nostalgia. Para mí, ver a Suede o New Order, es la primera vez que los veo, y fue genial. Cat Power, no me encantó, creo que es genial pero no me gustó tanto.

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#MarvinCC12

A TRAVÉS DE NUESTRAS REDES SOCIALES NOS AYUDASTE A CUBRIR EL CORONA, AQUÍ LAS 5 FOTOS MÁS RETUITEADAS. @esebeto_

@goey_soyalex

@indiansb

@cardofhouse @xnorlogic

Dicen que dos ojos son mejor que uno, así que miles son invaluables. Nuestros seguidores nos compartieron su experiencia #CC12, aquí las fotos ganadoras de nuestro concurso en Twitter.

Contrastes

TALENTO FOTOGRÁFICO JOVEN ESTUDIANTES DE .357 estudio y espacio creativo.

El mare mágnum humano que logró elevar al festival a nuevas dimensiones, fue capturado por los estudiantes del Estudio y Espacio Creativo .357, proyecto del renombrado fotógrafo Carlos Álvarez Montero, quien además realizó retratos dignos de un rockstar al público que visitó nuestro stand. Agradecemos a OCESA y Corona Music por su apoyo al talento joven.

FOT:: Cesar Delgado

FOT:: Juan Palomo

FOT:: Carolina Grimaldi

FOT:: Daniel Monroy

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O TXT l :: A ej

Contrastes

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R O

Un tipo meditabundo rodeado de una veintena de antiguas cornetas para gramófono sostiene su violín para después, con serenidad, pisotear el montón de pedales que tiene a sus pies y hacer música. ¿Dónde se encuentra ese sujeto?

stá echado sobre un ramaje perdido en algún lugar del mundo. Su rostro lo delata; goza saberse extraviado entre esas digitaciones que lo alejan del radar de las brújulas; sin embargo, aunque su cabeza –y las de quienes lo escuchan– roza los lengüetazos del sol, sus calcetines se encuentran bien pegados al suelo. Su nombre es Andrew Bird y nació en Chicago. A los cuatro años de edad descubrió que el violín era la extensión que le hacía falta a su brazo para alcanzar las nubes y, aunque los grupúsculos indie y folkies lo adoran como un santo, el hombre considera que el rock no fue su principal fuente de inspiración durante sus años de formación. Él mismo lo explica: “Cuando era más joven me aburría el britpop y el indie rock; yo prefería lo exótico, lo denso y complicado”. Muy pronto, Bird desarrollaría una relación profunda con el instrumento de cuatro cuerdas, misma que imprimiría en su álbum debut (Music of Hair, 1996) para luego colaborar con los Squirrel Nut Zippers y más tarde liderar su propia banda, Andrew Bird's Bowl of Fire, cuyo tercer álbum (The Swimming Hour, 2001) le permitiría ganarse las palmas de los pseudo críticos de Pitchfork. Hasta acá todo parece seguir el orden normal de estrellato indie ¿Cierto? Pero el buen Andrew tenía un plan poco complaciente con las historias de éxito, así que de pronto echó su violín al estuche y se largó del ensayo de Bowl of Fire. Y no es que con sus viejos compañeros la música fuese

mala; simplemente necesitaba aceitar las clavijas de su violín, darles el ajuste que sólo ese excelso laudero llamado “solitario” proporciona. El capitulo II en la historia del de Chicago arranca con éste sentado frente a su robusta colección de pedales, con una presentación en puerta y sin la disposición de los músicos con quienes llevaba tiempo tocando. Era momento de arreglárselas solo. “Decidí deshacerme de las restricciones del violín para manipularlo en otro nivel, para llevarlo a una más amplia variedad de sonidos. Jamás pretendí suplantar a una banda; sólo expandí mi paleta de sonidos”. Así, con tres máquinas para crear loops y una serie de filtros bajo sus suelas, Andrew descubrió que podía presentarse con sus colegas –Martin Dosh, Jeremy Ylvisaker y Mike Lewis– durante sus cuatro discos más recientes o a solas, apenas con sus silbidos, violín y voz. Con la revelación de que los loops elevaban su potencial sónico a niveles celestes sin la necesidad de más brazos, el violinista le tendió el tapete de bienvenida a la improvisación, haciendo así de cada concierto un momento irrepetible. Desde entonces “nada está a tiempo; sino sujeto al margen del error humano. El violín solía ser una extensión de mis brazos, pero ahora cuenta con un anexo tecnológico”, explica el también cantante respecto a su colección de pedales; “ya casi no salgo a tocar sin ella”. Pero no todo son loops y bondades tecnológicas de última generación en los parajes de Bird; éste prefiere la vieja escuela

“Unir oscuro con oscuro es aburrido, pero con la yuxtaposición se consigue eso que llamamos melancolía…”

a la hora de grabar canciones. Ya saben, con él y sus músicos encerrados en una habitación, acompañados de una grabadora de cinta que ni siquiera califica como joya de museo, sino que funciona correctamente para que los ejecutantes se vean orillados a dar su mejor esfuerzo debido a sus limitantes y, por naturaleza, le nieguen el acceso a los retoques. Sí, aquello de resanar fisuras en la post producción no va con Bird y su par de álbumes más cercano (Break It Yourself y Hands of glory, ambos editados en 2012). “Vengo de un periodo de ocho años en el que me sentí autosuficiente a nivel musical. Estuve con Bowl of Fire durante unos cuatro y tomé una especie de camino solitario (el autor se refiere a Weather Systems y Andrew Bird and the Mysterious Production of Eggs, editados en 2003 y 2005, respectivamente) que me resultó saludable, pero, no sé; ahora somos cuatro haciendo música juntos, una situación con la cual me tomó tiempo sentirme a gusto”. El hecho de que actualmente Bird se acompañe de tres músicos no significa que haya hecho a un lado sus pedales; es más, los usa a diario porque, según él, su imprecisión le ofrece ese toque de nerviosísimo que hace que la banda tenga los cabellos de punta durante sus presentaciones en TV. Pero, con los guiños que el autor de “Desperation Breeds…” lleva tiempo haciéndole a la denominada música clásica, ¿se muestra dispuesto a dar el siguiente paso, a trabajar con una orquesta? Su respuesta es afirmativa siempre y cuando el protocolo de conocerse dos horas antes de la grabación –partituras de por medio– sea eliminado porque, para Andrew es importante conocer a quienes tiene a su alrededor sólo al momento de crear sonidos.

La manera en que Andrew concibe la creación de sonidos es peculiar por decir lo menos, para empezar a entenderlo habrá que ir atrás unos cuantos párrafos y revisar el arranque de este texto, cuando Bird se encontraba creando música con la ayuda de esas arcanas bocinas que en conjunto se denominaron Sonic Arboretum dentro del MCA (Museum of Contemporary Art) de Chicago y que fueron ideadas por el propio Andrew. “Mi fantasía es levantarme y pedalear mi bici a esa hora en que todos se dirigen a trabajar –comenta– y bueno, llegar al museo para hacer música con Sonic Arboretum por tres o cuatro horas. Es así como obtengo otro nivel de composición, ¿sabes? Me coloca en algún lugar en medio de lo que llaman un compositor clásico y un improvisador de free jazz”. Así llegamos a Hands of Glory, (disco lanzado el 30 de octubre) una muestrario de todo lo que Andrew a recogido en su camino, grabado con sus músicos ante el sistema de cornetas tan querido por él y grabado ante un sólo micrófono. Canciones que recuerdan a un pasado más claro a través de notas pesadas, con un estilo dulce y condensado como un último abrazo entre amantes de verano, agridulce. Este álbum está plagado de luz y oscuridad, de tristeza y esperanza. Ya vamos entendiendo. Puntos de encuentro. Como los que existen entre las nubes y el sol. Entre la luz y la oscuridad. Entre el deseoso futuro y los recuerdos. Es el propio Andrew quien coloca las tonalidades finales en su paleta luminosa: “Unir oscuro con oscuro es aburrido, pero con la yuxtaposición se consigue eso que llamamos melancolía y ahí se encuentra la base de mucha de mi música. A mí, definitivamente, me gustan los contrastes”. M

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VISTA ENTRCEON

Brett Anderson

T TX

: Jimena

Al Gómez

arcón / @jimen

a_blue

Suede es una de la mejores bandas del mundo. Esto no es una opinión subjetiva y mucho menos una pregunta. Afirmo con todas sus letras la grandeza que esta banda inglesa tuvo a bien darnos. Sin embargo, y como el voluble, impaciente y manipulable público que somos, muchos hemos olvidado la astucia de sus letras, la extraordinaria lucidez de sus melodías y hemos preferido enfocarnos en un inútil y caduco ejercicio de comparación que quiere englobarlo todo ba jo el término de britpop.

Contrastes

azy”, “Stay Together”, “Electricity”, “Moving” y un largo etcétera componen un imaginario que a más de uno acompañó en los incómodos momentos de la adolescencia, en nuestros primeros pasos por los confusos caminos del amor, del sexo, de las drogas y la inconformidad. En Suede encontramos madurez y ansiedad puberta al mismo tiempo. Hemos crecido, ellos también, y por separaciones y discos (que incluso ellos mismos llaman) decepcionantes, nuestros caminos se han alejado. En la pasada edición del Corona Capital, encontramos a Suede de nuevo. Como ver a un viejo amigo a quien los años han marcado, a un ex amante que ahora está casado, como ver al amor de tu vida, ése que se escapó; así fue ver a Suede por primera vez. Antes de su presentación hablamos con Brett Anderson, carismático frontman, quien sin ningún tipo de reparos nos contó de su nuevo material, de su relación con Bernad Butler, del extinto proyecto The Tears y de cómo se siente ser una banda subestimada.

no es algo que tuvimos que pensar de

¿Cómo fue grabar este nuevo material? El primero en más de una década... Brett Anderson: Ha sido increíble, en realidad. Lo grabamos con Ed Buller quien produjo nuestros primeros tres discos; no ha sido difícil en lo absoluto, al contrario, ha sido un proceso encantador hasta ahora. Es algo muy interesante pues había pasado mucho tiempo desde que hice un álbum tan grande. Es un alivio de cierta forma; trabajando como solista toda la responsabilidad cae en ti, es muy agradable tener a la banda de nuevo.

que a más gente le gustan, pero no creo que haya tantas bandas que la gente ame de la manera que aman a Suede y eso me

Los últimos dos discos de Suede no fueron muy bien recibidos, tanto por medios como los fans… Supongo que todos estaban esperando algo distinto, ¿qué podemos esperar de este nuevo álbum? Yo creo que se parece más a nuestros primeros trabajos, es un disco de guitarras; un grande y brusco álbum de pop –mi idea de qué es un disco de pop es muy diferente a lo que la gente piensa–, se siente como Suede,

más. Es sólo el sonido del

ruido que hace Suede cuando se encierra en un cuarto. En sus presentaciones en vivo, casi nunca tocan canciones de Head Music o New Morning, ¿a qué se debe eso? Tocamos los temas que suenan mejor en vivo para ser honesto. Tocamos algo de Head Music, pero hay muchas cosas de ese álbum que no funcionan en vivo y hay muchas cosas de New Morning que no son buenas en lo absoluto, así que para decidir qué tocar básicamente nos sentamos y escogemos nuestras 20 canciones favoritas. Muchos fans, yo incluida, tienen la percepción de que Suede es una banda subestimada, ¿tú cómo te sientes con el lugar que ocupan en la música? Sí. Probablemente soy la peor persona a la que se le puede preguntar esto. Todas las bandas creen que son subestimadas, creen que deberían ser más grandes de lo que son. Yo estoy bien con el hecho de que hay bandas

hace muy feliz.

Y claro, la pregunta incómoda. ¿Por qué Bernard Butler no fue parte de la reunión de la banda? Pues ya habían limado asperezas en su relación...

Bernard no estaba interesado y para mí la alineación que tenemos ahora es el verdadero Suede, ¿sabes? Es la que ha estado junta por más tiempo, la que hizo más discos y la que disfruto más. Nunca tuve duda de que si nos reuníamos sería con esta alineación.

Las letras de Suede siempre han gozado de una precisión impresionante. ¿De qué va hablar el nuevo Suede? Yo sólo puedo cantar de mí mismo y de la gente a mi alrededor, no soy uno de esos que puede escribir del siglo XIV, básquetbol o algo así. Creo que se trata de componer una canción sobre algo que le importe a la gente en México, en Manila o en Londres, y para lograr eso debe tener una emoción pura, honesta, universal: amor, odio, celos, pasión, miedo.

Ya no cantó sobre la vida adolescente. No es donde

estoy ahora, pero siendo honesto, tampoco soy mucho más sabio emocionalmente de lo que solía ser cuando era joven. Supongo que sigo cantando sobre las mismas cosas pero en diferentes contextos. M

Por otro lado, ¿crees que la percepción general que se tiene de tu persona es acertada? ¡Oh por Dios, no! ¡Pero la de nadie lo es! Todos nos convertimos en caricaturas una vez que entramos al ojo público, es imposible no serlo. Lo bueno es que tengo las canciones, en ellas soy yo; en ellas está la realidad de mí. Quería preguntarte acerca de The Tears, proyecto que a mi parecer generó un gran disco… ¿Hay alguna posibilidad de que salga algo nuevo? No. Entre mi trabajo solista y con la banda, no tendré tiempo de hacer nada más. Quizá estaré una década ocupado.

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ENTREV I ST CON A

S O L

JIMENA GÓ

MEZ

a T : : C o r t e s í a d e M at

Contrastes

ds.

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T::

AÑ MP

Pensar en Paul Banks sin la palabra Interpol a un lado, todavía parece improbable. Con su segundo álbum de solista, Banks planea posicionarse en la mente de fans y nuevos escuchas como un individuo, pero sabe que no será camino fácil, que Interpol invoca una fuerte sombra sobre su música, sabe que los oídos son fieles y que no todos quieren oír la soledad de su propuesta.

Paradoja de conjuntos

ara este disco Paul deja la capa de Julian Plenti para simplemente firmar como Banks (noviembre 2012), el resultado es una suerte de matrimonio entre sus tres caras, no muy lejos se encuentra el sonido de su banda, tampoco su primer esfuerzo solista, sin embargo algo fresco se traza y se escucha bastante bien. Queda claro que no va a desistir, él quiere caminar solo, así que (supongo) poco importa si decidimos acompañarlo.

Para mí, la idea original era ser un artista solista, nunca quise estar en una banda. Yo era un artista en solitario antes de unirme a Interpol –Julian Plenti–. Así que para mí escribir canciones es algo que existe antes de la banda, o antes de siquiera considerar estar en un grupo. Cuando conocí a Daniel (Kessler) me impresionó tanto la calidad de canciones que estaba produciendo. En ese momento él se encontraba trabajando con Carlos (Dengler), quien también tiene un talento impresionante, y pensé que debía unirme a ellos, trabajar en su música, ser parte de ella. En Interpol, Daniel es la guía, todo comienza con sus ideas, yo pongo vocales, letras, guitarras y todos colaboramos en el desarrollo de las canciones. Trabajar solo te da total control, es un medio de expresión completo e individual. En Interpol soy un colaborador, pero una banda no puede ser el único vehículo creativo de un músico. En conjunto logras un esfuerzo mágico, resultado de todas la energías involucradas, eso es quizá imposible de recrear en solitario.

Polaridad musical

No me puedo preocupar mucho por lo que la gente piense o cómo reaccione a mi disco. Me importa y quiero que les guste y así poder continuar haciendo lo que amo. Pero nunca asumo que a la gente le va a gustar. Entiendo que la mayoría me conoce con Interpol y verme solo es nuevo para ellos. Para mí son dos cosas distintas, formas de arte distintas. Creo que va tomar tiempo para que la gente se dé cuenta de que soy serio en cuanto a mi trabajo de solista. Tomará tiempo, sé que este disco tal vez no lo logré, quizá sea mi tercer disco el que convenza a la gente y entiendan que esto es algo muy importante para mí. Es difícil para los fans, creo que son un poco escépticos y no tienen el tiempo o interés de ver qué tienes para ofrecer. Quizá sólo quieren quedarse con lo que ya conocen y les gusta. Tomará tiempo, pero es algo por lo cual siento gran pasión y creó fehacientemente en él. Sé que este disco es mejor que el primero, y que el tercero será mejor que éste. M

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Naces en Canadá, creces, tus padres te regalan un Nintendo pero tú prefieres el Atari de tu hermano mayor. Tanto, que al proyecto que inicias con una guapa punk de 16 años llamada Alice lo bautizas con el nombre de un videojuego de 1983.

DIFERENTE

T X T :: A LE JA

n día, mucho tiempo después, lanzarás un sencillo llamado "Baptism" en el que aquella punk gritará sobre bases electrónicas que podrías haber tomando de un rave noventero. Llegar a este punto, tomó algo de tiempo, recuerda que antes habías lanzado un disco el cual contenía tu primer pequeño gran hit, “Alice Practice”, recuerda que ese mismo disco te llevó a la lista de NME de los mejores álbumes de la década pasada. El éxito te hizo más sabio, ahora sabes que los fans siempre están atentos, las acusaciones de plagio (“Insecticon” se parece mucho a “My Little Droid Needs a Hand” de Lo-Bat) tanto de canciones como del arte de tus discos, te enseñaron eso. También son fieles, te perdonan hasta el molesto hecho de que tus discos se llamen igual. Admítelo, es de lo más hipster, además esto –en caso de que lo ignores– ocasiona molestos inconvenientes en la tienda de discos, imagina esta escena:

N D A N CI LL A .

IG U AL

Contrastes

Ya sé lo que estás pensando, que ya nadie compra tus discos en la tienda, la mayoría los baja de la red… y gratis. Reconoce que eso te molesta un poco, casi tanto como la visión de los canadienses que tienen muchas personas por culpa de South Park. A veces te miras al espejo para ver si no eres una caricatura. No importa, a pesar de eso y de que tanto a ti como a Alice Glass no les gusten las cámaras, Robert Smith aceptó colaborar contigo en tu cover a “Not in Love” de tus paisanos Platinum Blonde, eso es éxito y lo sabes. El recuerdo de cuando escuchabas tu casete de The Head on the Door en la soledad

Empleado: “¿Que qué disco quieres? ¿El de Crystal Castles? Fan: “Sí, pero quiero el segundo que se llama igual” Empleado: …

de tu cuarto adolescente sigue grabado en tu memoria. Y la cara se te pone tiesa al pensar que esa colaboracón con Smith se ganó los halagos de los medios, quienes fueron tan lejos hasta afirmaran que ese sonido (el que tú ayudaste a construir) es el que el The Cure moderno debería entregar. Eso te halaga. Entonces dime, ahora que has recordado, ¿tu cuarto disco se llamará igual que los tres primeros? Vayamos por

partes, el tercero acaba de salir este seis de noviembre después de dos años de abstinencia. El pasado a veces regresa a ti con sonidos que se “esfuerzan por descubrir lo que ha sucedido en los días de silencio” como dice la letra de la canción "Lovers Who Uncover" –track de The Little Ones, al que le hiciste un buen remix– pero es tiempo de ver al futuro, lejos están los años cuando un ingeniero de grabación registrara en secreto tu primera

sesión con Alice y de que comenzara la historia. Tu banda es joven, de eso te enteraste al encontarte una foto de Kraftwerk en una revista y al descubrir que los sonidos con los que juegas son más viejos que tú. Claro, ellos son robots y tú un miembro honorario de los 8 bits people. No es cierto, los tipos de 8 bits deben odiarte, has puesto de moda los sonidos Lily Ledy, haciéndolos mainstream y eso ya no es geek. Llegó la hora, han pasado 2 años, tiene rato que has venido dando pistas en los conciertos y anunciándolo en Twitter. Hasta el cierre tenías 64,543 seguidores. Uff, alguien se salió. No importa, tu nuevo disco autoproducido ya salió. Tu novia está feliz. Ya no tienen que ocultar su relación, cuando ella tenía 16 años era un poco complicado, el castillo de cristal podría romperse, como el tobillo de Alice en Tokio hace un año. Llegamos a “Plague”, el primer sencillo de tu nuevo disco. Con él pareces querer exorcizar tus miedos, literalmente. El video muestra una especie de posesión diabólica que sí da algo de terror mezclado con morbo (¿estás contento?). Esta canción continúa la senda marcada por tus anteriores trabajos: teclados lo-fi, voces alteradas, bajos profundos y la variante es que la batería sincopada le da un ritmo más ligero al tema, digamos que es lo más cercano que te puede salir a hacer una balada, claro que se trata de una demente con letras que susurran como gritos ahogados de pesadilla: “I need you pure. I need you clean”. Aceleremos un poco más al presente: “Wrath of God”. ¿De dónde sacaste esos sintetizadores góticos? Del mismo baúl del que has echado mano en los últimos discos. El horizonte sigue luciendo brillante, no has cambiado mucho, pero se necesitarían tres volúmenes más para decir que te has convertido en un cliché o en esa caricatura en la que tanto temes mutar. Eres joven y violento, musicalmente hablando, se nota en los 12 tracks nuevos, registrados en un estudio de Varsovia. Alteras conciencias y las haces bailar en tu nuevo disco (el número III –epónimo– de tu banda) a pesar de las letras y títulos tan extraños como “Pale Flesh” o “Child I Will Hurt You”. Después de todo eres Ethan Kath. M

LUX

EL NUEV O

RA EN EB

lgo.

urante los últimos meses he recorrido algunas ciudades del país presentando la novela Rutas para entrar y salir del Nirvana; me acompañan en cada viaje un seminarista ficticio y el fantasma de Kurt Cobain. La idea es evocar 1994. El año del asesinato de Colosio, del alzamiento zapatista, del suicidio del cantante de Nirvana y los crímenes de estado (Ruiz Masseiu dixit). Ese momento en la memoria de algunos y ajeno para muchos más permanece fresco, quiero creer que el grunge fue un momento coyuntural que trató de confrontar la manera en que se comercializa y distribuye la música. Aquel movimiento, cuyo nombre sus miembros no aceptaban, se debió a la suma de voces de una camada que llegaba a la vida adulta en plena crisis económica. Las posibilidades para muchos de obtener empleos dignos eran minúsculas. El esquema familiar propuesto por padres hippies no funcionaba. Tocó turno a una generación escéptica, descreída y fastidiada de componer canciones de amor. Bajo esa manta, o mejor dicho como parte de ella, Soundgarden engendró su particular tipo de grunge, uno que en pleno 2012 busca tomar la luz que aún mantiene el género y transportarla, más allá de la nostalgia, al presente.

o u T:: J an Carl

La sombra de los noventa no se desvanece, generaciones enteras nacidas mucho después de la muerte de Cobain identifican perfecto la luz del grunge y sus ídolos. Nirvana, Pearl Jam, Alice in Chains, Pavement, Smashing Pumpkins, y, por supuesto, Soundgarden.

Lux

El quinteto encabezado por el vocalista Chris Cornell y el guitarrista Khim Tayil –de origen hindú– alcanzó cuotas importantes en cuanto al aspecto estrictamente musical. Una base rítmica tan eficaz como una aplanadora servía de basamento a un juego guitarrístico lleno de creatividad. El marco perfecto para que un frontman de espléndida voz y personalidad atrayente pudiera brillar. Las letras preferentemente se centraban en frases crípticas.

Tenebras

En 1997, los procesos de desgaste interno ponen lo que parecía un punto final a la historia del grupo (comenzaron en 1984), dejando tras de sí cinco álbumes de distinto impacto y calidad, entre los que se destacan Badmotorfinger (1991) y Superunknown (1994). A Cornell no le fue mal con Audioslave, donde se reunió con los músicos de Rage Against the Machine, pero no se puede decir lo mismo de su trayectoria en solitario, ya que ésta nunca levantó.

Lux

Tras reunirse en 2010 para promocionar la edición de Telephantasm, un recopilatorio, se volvió a abrir un impasse que ahora se rompe con la inserción

de “Live to rise”, un nuevo tema original, como la rola insignia del soundtrack de The Avengers, la cinta de la saga de Marvel Comics, y que funcionó como el anticipo inmediato de un nuevo LP.

Tenebras

Si consideramos el lamentable estado musical en el que ahora se encuentra Billy Corgan y sus Smashing Pumpkins esquiroles, cabe preguntarse acerca del verdadero sentido del regreso de Soundgarden. Se justifican las especulaciones sobre si la recaudación monetaria sea el verdadero móvil o, en sentido contrario, el sincero reconocimiento de que es a través de esa alineación (única y original) que logran hacer aparecer la magia del arte musical.

Lux

King Animal (Seven Four Entertainment/Republic Records) no representa del todo la reinvención del estilo del grupo; algo que después de tantos años se agradece. Los juegos retorcidos de guitarras se destacan –aunque en el pasado Cornell se ponía celoso de ellos–. Esa amalgama les daba personalidad. Y al escuchar “Worse dreams” y “Been Away Too Long” sabemos que el sello

de la casa no se ha desdibujado (si acaso suenan menos pulcros y más distorsionados). Para ello grabaron en Seattle con el productor Adam Kasper, veterano que ha trabajado con Pearl Jam, Foo Fighters y Queens of the Stone Edge, además de los propios Soundgarden.

Tenebras

El grupo apenas está en proceso de recuperar su plena forma sobre un escenario. Los asistentes al Festival Sonisphere han expresado ciertas dudas, pero es comprensible tras tantos meses sin tocar juntos. ¿Puede una leyenda permanecer incólume al paso del tiempo? ¿La música actual vale por sí misma?, ¿se impone a la mera nostalgia?

Lux

13 canciones ofrecen amplio margen de evaluación y disertación. King Animal tendrá en “A Thousand Days Before” –canción muy simbólica–, “Taree” y “Blood on The Valley Floor” los puntos de inflexión. Con todo, no será fácil recuperar el lugar que antaño ocupaban, pero los músicos no rehúyen al reto y han declarado que “siguen haciendo rock, que son heavies, pero también un poco raros”. M

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OPINIÓN

TXT:: Luis

E: . C A L AV E RA / BEHANC : SR : T

era.

CRÍTICA

Los artistas contemporáneos tienen cada vez más alternativas para presentar, distribuir y, en casos muy paradigmáticos, legitimar su música. Las plataformas digitales han creado canales de difusión que están directamente vinculados con la pretensión del artista en la era digital. Aparentemente todo arte está abierto a la fabricación suministrada por los medios de producción democratizados. Por lo tanto, toda opinión lo está también. Hemos arribado a ese momento histórico donde la verdad es tan aparente como cualquier mentira y donde toda producción artística puede ser tan imprecisa como el cúmulo de opiniones que buscan justificarla. n la sobreexplotación de los recursos utilizados para difundir música ocurrió un fenómeno sumamente particular. No sólo los escuchas se han pervertido hacia meros consumidores de mercado y toman la música como si fuese una bebida de cola, sino que dentro de este panorama desolador, se ha diversificado otro tipo de escuchas. Escuchas que han virado hacia la relación más empírica entre música y sonido, hacia el detallado océano de la observación.

Contrastes

Sellos y compañías disqueras parecen haberse percatado de esto. En años recientes han procurado, aunque sea en virtud, de mantener un mercado de nicho, por este tipo de escuchas. La empresa consiste en hablar de coleccionistas y lanzar una misma obra en diversos formatos: edición normal de un sólo CD, edición en LP, edición de doble CD, edición digital con bonus tracks, edición DVD de lujo, y edición über deluxe con DVD,

dos CDs, vinil, estampas, playera y cualquier artilugio que se haya caído dentro de la caja durante el momento de la fabricación. Si algo queda claro, es que las compañías disqueras quieren que compremos. Necesitan que lo hagamos. Tenemos tantas ediciones de una sola obra como opiniones respecto a ella. Los escuchas, por supuesto, utilizan canales de producción tan parecidos y desatendidos como los utilizados por los artistas

que ahora promocionan. En una sociedad donde demasiadas cosas constituyen una manifestación cultural, el retorno cíclico de absolutamente toda semiótica, la opinión está condenada a ser irrelevante. Indiscutiblemente, entendemos esa opinión como nuestra, aunque pertenezca, de antemano a la proporción del vacío intelectualista donde está sumergida. Su fundamento es un pacto de credibilidad en la democracia de la producción.

Se dice demasiado; es cierto. Pero también somos capaces de guardar silencio. Atentamos contra las posturas; pero también asumimos que muchas de ellas son valiosas. El criterio, escapismo y truco de la subjetividad reconocida, es un juicio que parte, y debe partir, exclusivamente de una experiencia propia. Resulta necesario volver a ser espectadores, no sólo productores. Finalmente la obra es algo que se conjuga dentro del espectador. Está completa cuando precisa una convivencia dentro de él. El producto final debe ser la fundación de un nuevo criticismo para nuevas formas de producir arte. Rock, pop, rap, jazz o blues son conceptos que asumimos como intrínsecos en la música que escuchamos.

Devenires históricos, con uno o dos rasgos característicos que permiten, simplemente por utilidad, encajonarlos en gabinetes desparramados cuyas etiquetas son descritas como “géneros”. Está claro que estas etiquetas han sufrido mutaciones. Son propiedades transestéticas. En respuesta a esto, y a la imposibilidad de nominar con facilidad, los escuchas más sensatos optan por trabajar con estilos, hablan de bass, space rock, drone o third stream, vocablos más o menos relacionados con la música, que buscan explicar el fenómeno de lo novedoso, y sus correspondientes rupturas. Todo lo que se dice sobre la música emana de la música misma. Evoca, en su propia instrumentación, sea crítica o

balbuceo, disertaciones en las que reposa mucho de nuestro entendimiento como personas. La realidad, la apariencia de realidad, y hasta los sueños tienen la necesidad de transmitirse. La experiencia del escucha, es algo que se transmite también. Los fenómenos mediáticos, son el signo de algo que está por suceder, de algo que siempre se está transmitiendo, y por lo tanto, transmutando. Todo nuevo estilo, es una fractura o una ramificación de lo sucedido. Lo que hay detrás de ese estilo, es una preparación de la imaginaria simultaneidad en la que conviven los aspectos de la música tal y como la escuchamos. Un diálogo existe, incluso con todas sus fracturas. Ese diálogo es

lo que escuchamos detrás de lo escuchado, el espacio en perpetua metamorfosis de las manifestaciones humanas. Maurice Blanchot, en su ensayo El encuentro con lo imaginario, escribe sobre las sirenas: “No obstante con sus cantos imperfectos, que sólo eran un canto por venir, conducían al navegante hacia ese espacio donde el cantar comenzaría verdaderamente.” No se trata de observar el presentimiento de la relevancia de un individuo, o una canción, dentro del medio en el cual se desenvuelve. Al contrario; el medio; esa multiplicidad de relaciones que alimenta el sujeto, comunica parte de su relevancia. Basta sencillamente con escuchar el canto que yace detrás de las sirenas. M

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Contrastes

POR TADA

La pureza, la transparencia y Peggy Sue. Gracias a Buddy Holly apareció una voz juvenil que le daba cuerda a los sueños de manos sudadas y tardes debajo de las estrellas. Sus letras inocentes y ritmos pegajosos dejaban ver el romanticismo de aquellos soñadores que añoraban conocer su alma gemela. Su Fender Stratocaster era lo único que lo dividía de su público y su extraña pronunciación y carisma sureño lo hacían adorable. Una de las razones por las cuales su éxito resulta incomparable, es que representaba lo que debía ser un joven norteamericano en los años cincuenta: respetuoso, melódico y seguramente cristiano. Su trágica muerte (a los 22 años) en un avionazo lo perpetuó en la memoria de todos los músicos. Es probable que de no haber sido por este lamentable suceso no lo veríamos como el ícono que ahora es. La abstracción del country mezclado con el inicio del pop lo establecieron como una figura autoritaria de futuros líderes musicales.

Nadie hubiera creído que un músico negro con influencias country fuera a inspirar a miles y miles de músicos como Elvis Presley, The Beatles o que incluso artistas tan reconocidos como los Beach Boys se robarían una canción del llamado padre del Rock n’ Roll. En una época donde el racismo estaba a flor de piel, Chuck destruiría estos dogmas de segregación con canciones que harían que la gente (de cualquier raza) quisiera bailar al ritmo de su guitarra. Ya lo dirían en Volver a Futuro, Chuck inventó un nuevo género. Tal vez no fue el primer rockstar de la historia, pero sin duda sentó bases que definirían la música de las décadas venideras; la manera de comportarse y dominar el escenario y los solos de guitarra que hacían a las quinceañeras gritar, son sólo algunos ejemplos. Lamentablemente fue precisamente su gusto por las menores lo que interrumpió abruptamente su carrera, pues fue acusado de violar a una, y el sueño de Chuck Berry terminó en la cárcel. Afuera miles de músicos blancos seguirán sus pasos y poco a poco estarían robando la escena musical que le pertenecía.

El silencio como música: contraste glorioso y complejo por el cual John Cage –compositor, filósofo o en una palabra: genio– es quizá más conocido. Su obra 4’33’’ puede ser tocada por cualquier instrumento y consta de tres movimientos donde cada nota es silenciosa. En la partitura la única indicación de Cage es la palabra “Tacet”, anotación musical (que tiene su raíz en el latín) que podría traducirse como “él calla”. De Cage tomamos la frase que ocupa nuestra portada, y también la pauta para el tema de esta revista: Contrastes. Así de la compleja, variada y universal palabra, creamos una tesis –cuyo riesgo recae en su desmedida ambición–: en la historia de la música, y del arte en general, corrientes y estilos son precedidos y seguidos de uno contrastante. De las complejas estructuras sonoras de Pink Floyd, pasamos a la simpleza de tres acordes del punk (para ilustrar este momento basta recordar la icónica playera de Johnny Rotten que leía “I Hate Pink Floyd”). De modo que cada estilo será contrastante con el anterior, así hasta el infinito. Esta polarización, esta cualidad reaccionaria de la música, es el catalizador de la evolución. Lo anterior no implica una destrucción del pasado, pues sin él no habría qué contrastar, pero de vez en cuando hay que escupirle para pulir el futuro. Hay que aprender de él y seguir adelante. ¿Qué sería de la música si alguien no se hubiera atrevido a romper estructuras o guitarras, a mover las caderas o dejarse el pelo largo? Aquí seguimos una modesta ruta donde opuestos se encuentran e improbables conexiones se trazan, todo para proveer de otra posible perspectiva a una historia destinada a seguir contrastando con sí misma.

T X T : : J I M E N A G Ó M E Z A L A R C Ó N , PA B L O P U L I D O , M A L F I Y J O S H U A L I R A .

C SI Ú AM EL D A I OR HIST UN A L N REC IARO ORR CAMB E U IDO A Q TRAVÉS DE LOS CONTRASTES

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Después de estar desaparecidos tanto tiempo de la escena (masiva) musical, los afroamericanos una vez más querían retomar ese lugar que alguna vez habían tenido, y qué mejor manera de hacerlo que con una banda muy a la Beach Boys pero en vez de tocar surf, traían el funk y el soul en la sangre. Estos géneros se disiparon en el público de una manera extraordinaria. A diferencia de The Beatles, los Jackson 5 utilizaron el concepto del grupo góspel para darle a Estados Unidos una banda popular que tuviera valores familiares y que casualmente, eran Testigos de Jehova. A partir de la comercialización del pequeño Michael, esta banda regresó el poderío a Motown, cuyas raíces preceden al quintento pero del cual son quizás la cara más familiar. Aquí, representan un punto contra el racismo musical de los años 50 y 60. Quizá su único acto de denuncia fue el éxito que alcanzaron y las implicaciones que éste habría de tener en la historia de la música. Demostrando así que los tiempos estaban cambiando y que los jóvenes tenían un poco más de libertad. Irónicamente, los Jackson 5 vivían en una familia llena de estrictas reglas y un padre violento. A diferencia de los Beatles que siempre fueron los “fab four”, la fama sólo llegó para uno de los Jackson 5. El pequeño Michael pasaría a ser un titán de la música, mientras que sus hermanos vivirían del recuerdo de las épocas de gloría.

Estados Unidos sufría de penosas crisis sociales a mediados del siglo XX: el asesinato de John F. Kennedy conmociona al país, se toleraban a los negros en los medios de comunicación (entre ellos a los Jackson 5 con quienes fue contemporáneo) pero no en la vida cotidiana y la Guerra de Vietnam comenzaba a perder sentido, por citar algunos ejemplos. La juventud pierde la esperanza y emprende una búsqueda de nuevos profetas. Allí es cuando apareció Bob Dylan, un delgado joven de ojos retadores y voz rasposa, quien con apenas una veintena de años le da un nuevo giro a la música folk. Sus canciones no son banas subjetividades sino historias verídicas sobre violencia, inconformidad, opresión y una completa ausencia de los derechos humanos. A pesar de sufrir varios incidentes con sus propios fans debido al cambio en su sonido (de acústico a eléctrico), Dylan se mantuvo fiel a la filosofía de encontrar todas las respuestas en la música, sin importar creencias, dogmas o críticas.

¿Que hicieron The Beatles al principio? robar atención. Con canciones de Chuck Berry y fanáticas del mismo calibre que Elvis Presley, este cuarteto comenzó una legión británica que hasta el momento no ha podido ser superada. De pronto era políticamente aceptable que un grupo de blancos cantara exactamente las mismas canciones que artistas negros sin repercusiones y probablemente con un mayor éxito. De no haber sido por composiciones como “Roll Over Bethoveen” de Chuck Berry, “Please Mr. Postman” de The Marvelettes y “You’ve Really Got a Hold on Me” de Smokey Robinson and The Miracles, estos alegres jóvenes no serían leyendas. A diferencia de Elvis, ellos comenzaron a darse cuenta que no podían estancarse en el pop, se aburrieron de la simplicidad del género y comenzaron a distorsionar su sonido para expandir su música, mientras expandían su mente. A partir de la segunda época de su historia musical, justo en el momento en el que la psicodelia daba sus primeros pasos, The Beatles abrió un millón de posibilidades para futuros músicos, revelándose ante su sociedad y ante las creencias religiosas de la época.

Cuando un niño blanco es apoderado por un alma negra, el mundo debe cuidarse, especialmente cuando este niño lleva el nombre de Elvis Aaron Presley. Digamos que Elvis fue el primer ícono pop real. Carisma, belleza y una sonrisa encantadora enamoraban a las madres mientras que unas caderas sin límites enamoraban a las hijas. Elvis cantaba lo que Chuck Berry no podía decir, pero se veía como el niño bueno que bien podría haber sido el mejor amigo de Buddy Holly, ahí su éxito. De no ser por estos dos grandes músicos, Elvis no hubiera tenido ninguna columna vertebral en la cual basarse para tener una carrera tan benéfica. Al final de su vida, nos dimos cuenta de que en realidad era una copia y en ningún momento fue vanguardista. Nunca compuso una sola de sus canciones, pero denotó lo que ahora conocemos como fanatismo enfermizo. Aun sin contenido original tuvo un éxito legendario. ¿Qué tan diferente es Elvis a todos los chiquillos de ahora que roban gritos con sus sonrisas?

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Hartos de escuchar la basura conceptual setentera, cuatro chicos de clase media deciden crear su propia banda. La principal característica de su propuesta era tocar lo más rápido y furioso posible, pues The New York Dolls, The Rolling Stones, The Clash y todas esas bandas, ya eran muy anticuadas para entender a la nueva juventud, ansiosa por golpear al de a lado por el sólo gusto de compartir la sensación de caos. Años atrás se combatía la injusticia con flores y coros, en ese momento todo era más agresivo, pues por fin se comprendió que para levantar la voz no se necesitaba de un permiso. El movimiento punk fue tan repentino que la industria perdió el control por un momento: el nuevo orden estaba a cargo de los de pelos puntiagudos y chamarras de piel. Los Ramones se enfrentaron al alcoholismo, a la drogadicción y a la censura durante más de 20 años, hasta que sus miembros originales (Dee Dee Ramone, Johnny Ramone y Joey Ramone) partieron de este mundo terrenal tras cumplir su misión: cambiar de nueva cuenta el rumbo de la música.

Eran los ochenta, el pelo abultado y las mallas de leopardo eran el furor, y la gente aún usaba el término furor. En la radio, Mötley Crüe cantaba odas a las chicas cuya profesión era desnudarse. Hedonismo, guitarras estruendosas y coros fáciles de cantar. ¿Cómo llegamos a este punto? La reacción siempre es directamente proporcional a la acción, de la denuncia con tintes punk caminamos sin percatarnos a la banalidad, a crear rock ensimismado en el rockstarismo. Cansados de enumerar carencias, emocionales o sociales, los músicos optaron por pasarla bien. Canciones como “Girls, Girls, Girls” o “Keep Your Eye on the Money”, eran justo lo que el Dr. Feelgood nos recetó para nuestro grave caso de profundidad lírica.

Hijos mutantes del art rock y el punk, estos ingleses decidieron decir no al mainstream de la década (para crear otro). Como pandas tristes crearon una oscuridad a la cual cualquiera con sangre en las venas podía suscribirse. Compañeros de delineador de Poison y maquillaje de Kiss –pero de nada más–, Smith y compañía le cantaron a la soledad, a la tristeza y al viernes. Su éxito dio paso a una nueva cara de la época, una donde la emocionalidad subjetiva retomó la intimidad con el escucha. No hay nada de aspiracional, sólo emociones crudas.

A muy temprana edad descubrió que la religión no era otra cosa más que una herramienta tirana de control, por ello decide encontrarse consigo misma mediante la narración, la poesía, el performance y la música. Su vida da un completo giro cuando conoce a Robert Mapplethorpe, con quien viviría los años más felices y tormentosos de su vida. Durante su juventud, Smith compusó versos sobre la verdadera esencia de las cosas, hasta que en 1974 incursionó en el ámbito musical, logrando combinar sus viejos textos con partituras y cuerdas que concientizaron a su público sobre la bondad y la hermandad, algunos incluso la nombraron la madrina del punk. Tras la muerte de su esposo Fred Smith y de su hermano Todd, Patti se refugió con algunos de sus más íntimos amigos, entre ellos Michael Stipe de R.E.M, y se volvió a enamorar de una vieja pasión: la fotografía (siempre bajo el recuerdo de su antiguo amante Mapplethorpe).

Desde la adolescencia Bowie sabía que su destino era convertirse en una estrella, algo que buscó a través de los sonidos que imperaban en el Reino Unido durante los años sesenta. Al principio su voz se acompañó de una delicada guitarra folk con fuertes influencias norteamericanas (Dylan, aquí evidente), pero con un toque más extravagante que divagaba entre la búsqueda espiritual y las drogas. Poco a poco el músico se transformó en un ser que el mundo tardaría en entender: Ziggy Stardust. La enorme presión de satisfacer las necesidades de un extraño alter ego lo consumió hasta el punto de desmoronarse, pero algo había de adictivo en ello: la posibilidad de ser alguien más cuando quisiera, era un don que no todos poseían. Este camaleónico estilo de vida permitió a Bowie una honestidad y seguridad en su trabajo posterior. Las delicadas melodías se convirtieron en secuencias experimentales que evocaban fama, baile y glamour.

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Del otro lado del mundo, unos chicos blancos se anotaban al trip hop. Con una aguda voz por delante, el scratch nacido en Harlem llegaba a nuevas y emocionantes atmósferas. Era un momento emocionante, sin duda puente y resultado al mismo tiempo, lo que construyó la banda de Beth Gibbons y Geoff Barrow retó los gustos del público y acercó a los oídos mainstremeros a otros sonidos y géneros, incluido el uso incipiente de elementos electrónicos. Sus primeros dos discos son obras maestras de espeluznante perfección, y Roseland NYC Live es (quizá) uno de los mejores discos en vivo jamás grabados.

Y, ¿qué pasa cuando los chicos no sólo quieren divertirse? El final de los ochenta llegó con un apático grito ahogado de una generación que poco quería saber del placer; se la pasaban mal, pero ya se habían acostumbrado. El grunge le escupió a todo lo que vino antes de él, sin la energía iracunda del punk, pero con el mismo rechazo a su contexto; nos encontramos con la siguiente gran figura del rock: Kurt Cobain. De Seattle y con incipiente gusto por la heroína, Cobain alcanzó la fama sin pensar mucho en sus consecuencias, de inicio tenía una mala mano y en el juego al que decidió apostar sus fichas, tenía todas las de perder. Quizá aquí lo único que se ganó es un breve, pero maravilloso catálogo (mismo del que actualmente come Courtney Love, princesa que muestra con maestría la decadencia de la cual Cobain se salvó). Generaciones que llegaron mucho después que la bala a la cabeza del ídolo, siguen cantando sus canciones; la increíble precisión con la que capturó la incomodidad, el enojo y desencanto, permanece. Esa, la universalidad, es la verdadera muestra de su genialidad.

“Primero tenemos que irnos antes del grunge, entender por qué existió. Las bandas de ‘pelo’ dominaban el género y éste se volvió más acerca de las apariencias que de la sustancia, y se alejó de su esencia: el espíritu rebelde de la juventud. Es por esto que ‘Smells Like Teen Spirit’ explotó, llegó en el punto indicado cuando todos se sentían así”. Esto dijo Jay-Z en entrevista con Pharrel Williams. Unas líneas después afirma: “Fue extraño (cuando esto sucedió), porque el hip-hop estaba agarrando fuerza y entonces el grunge llegó y paró todo por un segundo”. Lo anterior, saca a la luz un punto y conexión que podría obviarse fácilmente, el grunge y hip-hop, además de coincidir en tiempo, fueron la consecuencia (contrastante entre sí y entre su entorno) de un década que decidió ignorar sus problemas. Dos voces se encuentran aquí, Tupac rapero nacido en East Harlem y el antes mencionado Cobain. Tupac le dio voz a otro sector de jóvenes, creó algunas de las letras más concisas que el rap nos ha ofrecido, y rescató el valor poético en un género que aún era visto como ignorante y pobre. Su lucidez, no se ha vuelto a encontrar en las líneas cada vez más complacientes del género (aquí incluyo al mismo Jay-Z). Su figura permanece (holográfica o no) y su aportación sobrevive a la bala que paró (momentáneamente) todo.

“My Name Is Prince”, nos decía el músico de Minnesota, para luego presentarse más a fondo con tracks como “Dirty Mind, Do it All Night”. Genio musical cuyo aporte al pop y funk es innegable, el artista cuyas reencarnaciones incluyen ser conocido sólo como un símbolo, nos habló de sexo como nadie lo había hecho antes, sobre música elegante y con los eufemismos más sucios y creativos jamás puestos en forma de canción. Prince llevó la intimidad a otro nivel. El sexo en su música toma profundidad y complejidad. Sus discos son icónicos y su valor en la música palpable. Reinventó la imagen de la súper estrella pop, volviéndola la de un pequeño y flaco hombre de origen afroamericano; no hay que olvidar que el pop seguía siendo juego de blancos y que los artistas de color seguían más o menos relegados al R&B. Las líneas comenzaban a difuminarse.

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Aquí, nos encontramos con una bifurcación en el camino. Mientras el rock “alternativo” tomaba cautivos los oídos exigentes de un sector, el hip-hop, retomaba la fuerza (masiva) que la muerte de Tupac y Biggie había aminorado, al frente de esta invasión mainstream se encontraba un improbable representante del género: Eminem, un chico blanco con mucha ira en su corazón y un baúl repleto de disfraces. Es quizá esta una de nuestras conexiones más contrastantes, una que muestra un momento donde la música dio un giro. También es importante anotar que el pop se encontraba en auge; Britney Spears, Backstreet Boys y demás eran el único panorama al que la mayoría podía acceder, y entonces llega este hombre a burlarse de todos y de pasó a unirse a sus filas de súper estrellas masivas. Insultos a celebridades, una actitud de molestia y enojo contra el mundo, el odio a su madre; no fueron freno ante el impacto que tendría este rapero que incluso ganó un Grammy de mejor disco del año. Mejor prueba del éxito popular, imposible. Eminem había llegado para demostrar que el hip-hop tenía más fuerza que antes. Ahora es difícil concebir al mainstream sin el hip-hop, y esto en gran medida se debe a este chicuelo blanco.

Pasaría el tiempo y la música volvería a cambiar una vez más, la simplicidad se mantenía pero regresaban los elementos electrónicos, y era momento de que todo el mundo hablara de The xx. Originarios de Londres, la banda se formaría en la Elliott School, misma escuela de donde saldría Hot Chip, The Maccabees y Four Tet, y para el 2009 eran catalogados como una de las bandas a seguir. Sonidos sencillos, casi todo etéreo y atmosférico, acompañados de una variada instrumentación electrónica; sin dejar de lado elementos básicos como la guitarra y el bajo que mantenían el estilo y se hacían presentes con riffs repetitivos, muy al estilo de Joy Division, y lo más importante: la voz de Romy Madley y Oliver Sim. Con The xx regresamos a canciones llenas de sentimientos y romanticismo, aunque estén escondidas debajo de capas y capas de texturas. Encontramos gracias a ellos un nuevo idioma del amor dentro de la música, uno que está basado en la percepción humana más que en la precisión musical.

Tal y como Radiohead lo había previsto en el 2000 con Kid A y Amnesiac, esos serían los sonidos de la música del futuro, y Alt-J llegaría en el 2012 para demostrarlo con su álbum An Awesome Wave. Un regreso triunfal de la deconstrucción del rock con la música electrónica vendría incluido en cada una de las 14 canciones del disco; totalmente conceptual y dividido en tres partes que logra unir elementos del pop y rock. Alt-J es la amalgama de lo que ha sucedido en los últimos años en la escena musical británica. De pronto hubo una saturación de secuencias y distorsiones que erróneamente fueron denotadas como post-dubstep-soul-pop, pero realmente se trataba de una serie de sonidos idefinibles en sentido o idioma. Lo que Alt-J hace es recobrar un sistema de ecuación musical que resulta en un sonido métrico, definiendo una generación de músicos hambrientos por autenticidad musical. M

En el 2005 una canción estremecería los oídos de muchas personas, "Banquet" era el nombre de tan especial hit y Bloc Party sería la banda que traería nuevas emociones al mundo de la música alternativa. Dicha canción formaba parte del álbum Silent Alarm, que gracias a este nuevo sonido sería aclamado como el mejor álbum del año según la NME. Guitarras rápidas y bailables, una batería con ritmos que se te quedaban en la cabeza, pero nada tan especial como la voz de su vocalista Kele Okereke, una mezcla entre sonidos agudos y cantos despreocupados, que logran una armonía en todas sus canciones. Un carismático frontman negro llevaría de nuevo al rock a un lugar codiciado en los gustos del público en general. Esto claro, no implica obviar a The Strokes y demás bandas que ayudaron antes retomar camino en nombre del género. Bloc Party le regresó al rock parte de lo que era antes: jóvenes divirtiéndose, tocando melodías sencillas, bailables y divertidas, nuevamente se había dejado de lado lo pretencioso, y sería una tendencia en muchas bandas en lo que restaría de la década. Aquellas ideas y conceptos que se habían creado tiempo atrás con Holly, Berry y los Beatles habían regresado de la mano de Bloc Party, no se buscaba la distinción por hacer cosas complejas, simplemente había regresado el amor por el buen rock.

BLOC PARTY

Originarios de Abigdon, Inglaterra, esta banda siempre ha dado de qué hablar, pero antes de comenzar el siglo parecía que Thom Yorke había ido al futuro para traernos lo que sería la nueva música. Para octubre del 2000, Radiohead lanzaría su cuarto material, Kid A, el primero de dos materiales grabados en la misma sesión. Los ingleses ya no eran una banda más de rock. Lejos quedaron las estruendosas guitarras grunges, y en su lugar aparecieron una gran variedad de instrumentación, como ondas de Martenot, baterías programadas e instrumentos de cuerda; Radiohead había llegado con un nuevo sonido electrónico. Un año más tarde vendría Amnesiac; con la misma tónica, Radiohead alcanzaría un éxito comercial sin precedentes; un segundo lugar en las listas de popularidad de Estados Unidos, así como una nominación a los premios Mercury. De pronto el rock ya no era el mismo, había perdido aquella agresividad para volverse intelectual, se había dejado el purismo y lo mecánico para traer un sonido surrealista, lleno de elementos que parecían sacados de los sueños y que nos transportaban a mundos desconocidos por el hombre hasta ese momento.

무 나 씨

D a

NEGRO

BLANCO

"En mis dibujos uso solamente tinta negra sobre papel blanco, así organizo mis pensamientos y documento mis sentimientos. Principalmente dibujo acerca de la relación con el otro, sus complicaciones y matices". www.moonassi.com

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REPORT AJE

Cuando el escritor, antropólogo e historiador Fernando Benítez afirmó que “México es muchos Méxicos”, además de hablar de diversidad, hablaba de desigualdad. Ba jo un falso orgullo hemos cobijado los enormes contrastes sociales e idiosincráticos con el lema de folclor y “color”. Esto que Dalí vio en nuestras calles y enunció como surrealismo, no es más que una profunda injusticia social. Hijo de una crisis que no somos capaces de recordar, nuestras urbes viven en un geográfico contraste, donde pobres y ricos viven codo a codo mientras alejan la mirada los unos de los otros. ¿Qué es esto que denominamos mexicanidad, si no nuestras raíces, nuestro pasado? Entonces, ¿qué dice de nosotros como nación y gobierno, que demos la espalda a la mayoría del pueblo –la que vive en pobreza de distintos grados y rubros–?, ¿que los releguemos a las orillas de la ciudades, a las mismas que los obligamos a migrar ba jo la ilusión de traba jo que crea una sociedad centralizada? Ciudades perdidas se imponen orgánicamente, entre las calles abandonadas, terrenos baldíos y en lo alto de los cerros, en todo esto que nos atrevemos a denominar como una ciudad moderna. Pero el problema, tan profundo como nuestra historia, vive más allá del gobierno, y se esparce en un terreno mucho más peligroso que los bordes perdidos de la urbe, en la mente de cada habitante cada vez que finge no ver la pobreza a su alrededor. Somos un pueblo pobre, lo hemos heredado. Nadie está exento de este fenómeno, ¿acaso no la mayoría de nuestros padres migraron a esta ciudad con el mismo objetivo: un futuro mejor? “La falta de empleos bien remunerados es lo que motiva a las personas a buscar más oportunidades en otros lados, ya que muchas veces no lo encuentran en su lugar de origen. Sin duda, México sufre de un enorme deterioro social y económico que no permite mejorar las condiciones de vida, vayas a donde vayas”, entre estas palabras de la Dra. Isabel Rueda Peiro (Doctora en Estudios Latinoamericanos en la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM), se encuentra un punto de origen. Es quizá demasiado ambicioso encontrarlos todos, pero más difícil resulta ignorar el hecho de que nos afectan. En un círculo cuya circunferencia abarca más que al país mismo, las cosas se conectan en un desesperanzador ciclo: la pobreza en el campo obliga a la migración, la sobrepoblación y crisis económica impide que haya traba jo para todos y al final la perspectiva de mejores posibilidades se traduce en delincuencia, crimen e inseguridad o simplemente, en más pobreza. Son estos los síntomas que no podemos calmar, sin importar que tan altas sean las rejas o gruesos los muros, la ciudad (con lo bueno y malo) nos alberga a todos. Las soluciones disponibles palidecen ante la complejidad del problema; la educación, bastión de primer mundo, no alcanza a cubrir las carencias de una sociedad cuyas bases parecen permanecer en el feudalismo. “Ésta no tiene un papel muy importante para la activación de la economía, si vemos que en México crecemos poco, lo primordial es darle de comer a la gente y después cubrir sus otras necesidades”, concluye la Dra. Rueda. Y qué decir de la filantropía a la mexicana, ya sea pública y privada, ejercicio simbólico no muy lejano a una alucinación masiva. Así, con gotas de humanismo, populismo o caridad, seguimos caminando de largo mientras colonias perdidas, que ni en mapas merecen mención, crecen anárquicamente; buscando con ingenio y hambre, lo mínimo para vivir. INTRO:: JIMENA GÓMEZ ALARCÓN.

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T X T : : PA B L O P U L I D O .

FOT:: NADIA REYES ALDACO.

El origen del contraste

Urbanismo pobre y espontáneo

Entrevista con Baltazar Gómez Pérez, Licenciado en Sociología por la UNAM. Durante años se ha dedicado a estudiar la cultura popular y la memoria hispánica, así como distintos fenómenos urbanos. "Existe un problema de estructura en las distribución de las riquezas, algo que afecta principalmente al campo. Recordemos que estamos hundidos en una crisis desde la década de los ochenta y la única alternativa para las personas que se han dedicado a la siembra toda su vida es venir a la ciudad, en donde el único espacio que tienen para laborar es en el sector servil, del que perciben poco dinero y los orilla a vivir en vecindades o invadir predios. Poco a poco el Distrito Federal alberga cada vez más ciudades perdidas; debemos entender que estos espacios muchas veces nacen primero que las zonas residenciales, y de alguna u otra forma explota una extraña lucha por el espacio y provoca que ésta crezca de forma muy anárquica. Por ejemplo, el pueblo de Santa Fe ya existía cuando se hizo toda la infraestructura del complejo empresarial, muchos de los lotes en donde se encuentran los grandes edificios eran basureros y rellenos sanitarios.

Durante los años setenta la zona de Ajusco fue invadida por mucha gente que venía del campo y crearon las colonias 2 de octubre, Belvedere, Ajusco Medio… Ahora vemos que han llegado las zonas residenciales que poco a poco se han ido incrustando y desplazando a estas antiguas colonias. La ciudad de México es muy polarizada, te puedes encontrar una gran residencia en una colonia popular o viceversa. En vez de analizar quién llegó primero y quién tiene derecho a ese espacio, tanto los sectores populares como los residenciales deberían llegar a un acuerdo para convivir en paz, algo que podría ser muy complicado, ya que ambas tienen necesidades completamente distintas. Otro de los grandes problemas de vivienda en la ciudad, son las organizaciones como el Frente Francisco Villa que invaden lotes a la fuerza con el argumento de que tienen derecho a un hogar, el problema es que estas propiedades tienen dueño. En algunos casos, lo que parece ser un conflicto social se convierte en un botín político, muchos funcionarios apoyan estos movimientos a cambio de compromisos partidarios. Entre las colonias que sufren de estos fenómenos se encuentran la Roma, la Del Valle y Campestre Churubusco.

La centralización de la economía y servicios también es la causa del aumento de migración campo-ciudad. No es posible que la Secretaría de Marina o la Agraria se encuentren en el Distrito Federal en vez de las zonas en que es necesaria su presencia. Sumando a esto el asentamiento en la urbe de las más grandes zonas comerciales y educativas. Si no hay un cambio urgente, el campo desaparecerá y el problema será mayúsculo. No se puede vivir toda la vida de vendedor ambulante. El gobierno deberá atender el problema antes de que la crisis empeore. Es increíble que vivamos con los hombres más ricos del mundo y a la vez con más de 20 millones en pobreza extrema, que probablemente aumentarán debido a las nuevas reformas laborales, de educación y de salud. Por citar un ejemplo, de un cien por ciento de estudiantes que salen de las universidades, los que entran al área y que encuentran un espacio de acuerdo a sus objetivos como profesionistas apenas llegan al 10 por ciento. ¿Esto que nos quiere decir? Que mucha gente tiene que buscar otro tipo de actividades, pues los salarios no son los que esperaban. La clase rica es muy egoísta, es un sector que cree que con donar para la construcción de bibliotecas se les perdona el vivir tan opulentamente. Vivimos en una sociedad que se está deshumanizando en todos los sentidos, pues la crisis económica no sólo afecta a la cartera sino también a las relaciones. Mientras unos acumulan riquezas que asegurarán el futuro de hasta 3 generaciones, existen pueblos tan miserables como los de la sierra de Guerrero, en donde la población se está muriendo de hambre y tienen que migrar y abandonar todo. Debe haber una forma más equitativa de distribuir tanta

riqueza y es ahí en donde el Estado se convertiría en una balanza entre los que tienen mucho y los que tienen poco, no estamos hablando de un sistema socialista sino de crear un país mas humanitario hacia los que menos tienen. Las empresas plantean mucho las causas sociales como el Teletón, pero lo que realmente están haciendo es que la gente ayude a los demás con sus propios recursos cuando estos también son pobres, y se propone que paguemos a los bancos una crisis que nosotros no provocamos. Todo está va fomentando que la clase rica se deshumanice y vea a los miserables como “la prole”, como aquello que no le interesa, sin darse cuenta que están promoviendo la criminalización. Mientras se siga polarizando la riqueza va a seguir ese fenómeno de descontento. Gente que tiene residencias, yates, barcos y casas en todo el mundo se me hace una exageración para un país tan miserable como en el que vivimos.

Volver a ser humanos

El Estado debe ver más hacia los sectores necesitados, había una propuesta muy interesante sobre cobrar más impuestos a los ricos, pero resultó al contrario, los pobres terminaron pagando más. Estos sectores opulentos creen que no se les puede tocar, ya que al ofrecer –pobres– fuentes de trabajo, su contribución social ya está hecha. La educación apenas recibe el 1.8 de producto interno, algunas jordanas laborales de hasta 8 horas pagan sólo 60 pesos, razones por las que es urgente que el gobierno ayude a la clase media y baja socializando el capital, en vez de comprar armas, cañones y demás cosas inútiles. Si las cosas no cambian es muy probable que suceda un estallido social, pero no hay problema para los ricos ya que tienen casas en otros países, el problema es para los que nos quedamos".

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“La clase rica es muy egoísta, es un sector que cree que con donar para la construcción de bibliotecas se les perdona el vivir tan opulentamente”. Testimoniales: Voces escondidas

Conocer nuevas personas parece ser tarea sencilla, pero ¿Cómo acercarte a quienes viven una realidad completamente distinta a la tuya? Encontrar habitantes de estas ciudades perdidas con quién hablar no fue tarea sencilla. Sin embargo, en poco tiempo se hizo evidente que las aprensiones comunes, arraigadas en clichés de pobreza y riqueza, no funcionan en la vida real. Al escuchar ambos polos es inevitable identificarse y comprobar que al fin y al cabo no somos tan distintos como nos lo pinta el materialismo. “Vivir la vida”, de eso se trata, y habría que entenderse como un acto colectivo, en el que la diferenciación es un error que motiva a la discriminación. Así, ir y hablar con los habitantes de 4 colonias ubicadas en los bordes o centros de zonas lujosas, resultó un acto esclarecedor, uno que permite quitar el velo de individualismo a nuestra mirada y conversar con gente esencialmente igual a ti.

Col. Rancho Las Cabañitas.

Rancho Las Cabañitas se encuentra ubicada sobre calzada de las Bombas, delegación Coyoacán. Sus pequeños callejones no están registrados en mapas, y colinda con las colonias Jardines de Coyoacán y El Parque, ambas cuentan con circuito cerrado de entrada y salida. Karina Delgado “Hay personas que no se llevan bien, pero también estamos los que convivimos sin ningún problema con todos los vecinos o familiares. Entre más cerca vivamos, la relación es mejor. Es durante la fiesta de la Divina Infantita (la niña de nuestra pequeña iglesia) cuando las diferencias se dejan atrás para cooperar y organizar una celebración digna, al igual que el 12 de diciembre, cuando le cantamos las mañanitas a Nuestra Señora de Guadalupe. Recién cumplí los 19 años y estoy orgullosa de vivir aquí, seguir con las tradiciones de mis abuelos, quienes fueron de los primeros habitantes de este lugar hace ya varias décadas. Nuestra relación con las otras colonias no es muy buena, por ejemplo con Carrizal, en donde viven varios muchachos que tienen conflictos con algunos de aquí, incluso han llegado a pelearse muy fuerte. Digamos que es peligroso ir para allá y que ellos vengan para acá. Desconocemos totalmente a los vecinos de acá atrás (Col. Jardines de Coyoacán), pues tienen cerradas todas las calles y no te dejan pasar si no vives allí.

Contrastes

Considero que estamos ubicados en una zona muy buena, pues tenemos a unos pasos el Hospital General, el supermercado, la Preparatoria 5 y varias primarias como secundarias por toda las avenidas Coyoacán y Tlalpan. Todos los niños que viven aquí asisten a la escuela. Es muy a parte lo que hacen los muchachos más grandes, pues muchos de ellos deciden dejar de estudiar y prefieren vagar por la calle todo el día. Independientemente de todo, creo que es una colonia muy segura, y es normal que mucha gente se espante y no quiera pasar por aquí. Pero no pasa nada; ahorita estás con tu cámara y el teléfono celular y nadie te dice nada".

Col. Jardines de Coyoacán

Es una colonia cercada al sur de la Ciudad de México. Colinda con El Parque, Prados de Coyoacán (ambas cercadas) y Canal de Miramontes. Contiene todos los servicios, escuelas, parques privados y vigilancia. Javier Gress Monzón “Tengo 23 años viviendo en esta zona. La relación entre todos nosotros es pacífica, converso con varios: con los que salen a correr, vecinos cercanos a mi casa, más con los que tienen mascotas ya que compartimos más cosas y hemos entablado un muy buen compañerismo. La única colonia con la que tenemos relación es con El parque, pues estamos conectados por una puerta. Existe un convenio entre los habitantes de permitir el libre acceso entre ambas zonas, pues gozamos de espacios de recreación. La decisión de controlar la entrada y salida de las colonias se remonta a hace 15 años, cuando se desató una gran ola de delincuencia, se metían a robar las casas y los coches simplemente desaparecían. Comenzaron a cercar calle por calle, hasta que todos nos pusimos de acuerdo para hacer lo mismo, simplemente la razón fue conservar la seguridad”.

“Nosotros somos más jodidillos, y por ello nos tienen aquí encerrados y escondidos.”

Santa Fe Pueblo

Pueblo Santa Fe es un conjunto de barrios ubicado a un costado de la carretera federal México – Toluca. Se encuentra ubicado a escasos kilómetros de City Santa Fe y Bosques de las Lomas, consideradas dentro de las colonias más ricas del país. Se trata de un pueblo fundado en el siglo XVI. Gregorio Ramírez González “El Jarocho” Es obvio que no todos nos llevamos bien, pues nos roban; dejamos las cosas sobre la calle pensando que mañana las veremos y cuando nos damos cuenta ya no amaneció. Pero intentamos jalar parejo, vivimos aquí todos y tratamos de hacer las cosas lo mejor posible, cuando surge un problema allá vamos para solucionarlo en conjunto. Recordar que los ricos de Santa Fe nos ven como inferiores es algo que se resiente. Le he dicho a mucha gente que si tuviera la oportunidad yo ya no estaría viviendo aquí, sino en las Lomas, Polanco o Satélite y tener a sirvientes a tu completa disposición; llevaría a mi familia a Cancún o a Cozumel… Pero eso no va a pasar, vivimos aquí con los pobres porque somos pobres, allá están los riquillos.

Es gracioso pensar que entre nosotros también hay categorías. Por ejemplo, vemos a un cuate que está más abajo que nosotros (N. Del E; dice mientras señala a un hombre tirado sobre la calle) pero no nos burlamos de él porque caeríamos en la misma discriminación. Hace algún tiempo era un joven muy activo, cargaba 2 o 3 costales sobre su espalda; ahora, con un balazo, y hasta fierros –perdón por la palabra– en las nalgas, el pobre sólo se la pasa tirado en la grava. Los más picudos de la manzana son quienes nos dirigen, porque aunque no lo parezca no vivimos como animalitos. Ha llegado gente a prometernos una mejor calidad de vida a cambio de favores políticos, sin embargo, ya no les hacemos caso porque nunca hacen nada y seguimos viviendo como siempre. Regularmente no nos dejan pasar hacia el centro de Santa Fe, si voy con mi camión el retén me detiene. Sólo está permitido el acceso a pura gente de categoría, nosotros no podemos ir pero ellos sin problema pueden venir para acá. Nunca les hacemos el feo porque todos somos hijos de Dios, pienso yo, aunque los otros se sientan superiores a nosotros por su dinero. Nosotros fuimos los primeros en habitar todo este lugar. Yo llegue aquí de chavito, aquí me crie y me traje a mi novia y aquí nacieron mis 'changos'. Yo soy más de aquí que de allá; los señores más antiguos ya se

murieron, sólo quedan unos 10 o 20, pero todos hacemos lo mismo: luchamos por nuestra vivienda. Ha venido gente que quiere invadir, por ejemplo los paracaidistas y la asamblea de barrios, un grupo muy pesado. Si vienen ahorita y dicen que se van a quedar, se desata un verdadero conflicto. No hace mucho tiempo se plantaron en la glorieta, la gente se dio cuenta y reclamaron sin ninguna respuesta, no sé, lo más probable es que hubo dinero de por medio. Pero no hay problema, todos nos queremos, nosotros somos más jodidillos, y por ello nos tienen aquí encerrados y escondidos. No vivimos como los de la “lana”, no nos vemos como ellos, esa es la verdad y no podemos hacer nada. El gobierno y los empresarios han venido a ofrecernos dinero por nuestros terrenos, quieren construir vialidades y edificios. ¿A ellos qué les cuesta? Si quisieran podrían comprar la colonia completa, sólo quieren que firmes un contrato, te dan el dinero y se quedan con tu propiedad, algo que mucha gente no va a hacer.

Col. Santo Domingo

Esta colonia es muy joven, hace 40 años fue habitado por gente proveniente de otros Estados. Ubicada al sur de la Ciudad, entre Eje 10, Av. Imán, Av. Aztecas y Delfín Madrigal. A escasos metros de Ciudad Universitaria. Verónica Patricia Díaz Morales "Vengo de un pueblo muy chico llamado La Grandeza, ubicado en el estado de Chiapas. Hace un año que llegué a la Ciudad de México para trabajar y vivir cosas nuevas; ha sido una experiencia muy grata, pues conozco a mucha gente y me he hecho de varios amigos. Me gustará decir que todas las personas son muy amables y tratan bien a la gente de otros Estados pero no es así, de repente puedes encontrarte con alguien que te insulte por tus rasgos físicos. Me instalé en la Santo Domingo porque la renta es más barata, allí vivimos varios primos y familiares. Durante todo el día el ambiente en las calles es muy animado, ponen música y la gente convive. Yo trabajo en la colonia Roma, y ahí no es así, todo es muy callado y oscuro, la gente es muy reservada. Es normal que mucha gente de mi pueblo se venga al Distrito o se vaya a Estados Unidos para ganar más dinero. Me parece que la solución para no salirse de sus casas sería la oportunidad de tener un negocio propio, pues allá se siembran muchas cosas. El gobierno podría ayudarnos más."M

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Vivimos en un país de alto contraste. Así de polarizado se encuentra su esquema social. Un pequeño círculo de ricos y un amplísimo sector de pobres en expansión. A pasos agigantados la clase media se va extinguiendo. Una sociedad contrastada, inevitablemente producirá una cultura contrastada, una en la que muchas voces se encuentran y distancian ante el peso de su contexto. En estas páginas nos concretarnos a la literatura nacional, en búsqueda de las diferencias regionales que un país tan característico como México ofrece. ¿Qué tanto contrastan la literatura hecha en el norte con la que proviene del sur del país? TX

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EDRANO PA U L M GO Y JUAN C L A D I H A R LO S

¿En qué momento nos norteñizamos? ¿Cuándo empezamos a decir troca, en lugar de camioneta? ¿Cuándo dejamos que la carne asada se volviera platillo típico nacional? ¿Cuándo, las botas y sombrero se convirtieron en el atuendo tradicional? Las interrogantes se plantean más allá de fenómenos post norteños, literatura del narco, generaciones espontáneas o xenofobia banal. Pero sin duda, la literatura del norte de los últimos años se puede identificar por temáticas ligadas, cultural y socialmente, a su geografía. Prueba del ritmo y éxito que las plumas norteñas tienen actualmente, es el coahuilense Carlos Velázquez quién obtuvo el Premio Bellas Artes en la disciplina de Testimonio. Un logro más para la literatura norteña que

Contrastes

tanto ha acaparado la atención de la crítica y los medios. Para el autor de La marrana negra de la literatura rosa también es una oportunidad para ampliar sus registros escriturales más allá de la temática escandalosa, narcótica y casi porno que lo ha encumbrado. Como él, la lista de escritores que ha parido el norte del país resulta enorme: Edmundo Valadés, Élmer Mendoza, Jesús Gardea, David Toscana, Eduardo Antonio Parra, Juan José Rodríguez y Luis Humberto Crosthwaite. Nombres que han generado un legado que sobrepasa la circunstancias actuales de esa región de México, pues si bien es cierto que los temas a los que los escritores norteños recurren actualmente –y quizá por los cuales reciben mayor atención– están ligados

a la violencia y el narcotráfico, hay que subrayar que el interior de su literatura sigue basándose en aspectos universales, indispensables para una buena narrativa. Sobre esto el periodista tampiqueño Manuel Juárez apunta: “El norte aún está de moda, pese a que la violencia se esparció por el resto del país. A consecuencia de la generalización de la violencia, la literatura se afilió y, pese a que el contexto de los libros sigue llevando al narcotráfico –por mercadotecnia–, las historias van a lo profundo. Los temas del norte se regenerarán sin que se evada la realidad. Hoy como siempre será importante la memoria literaria que se legue”. Federico Vite, también autor de Parábola de la cizaña (UAM, 2012), sentencia: “Los norteños no contemplan tanto, intervienen su territorio constantemente y eso se nota en sus libros: manejan un esquema realista que incide poco a poco entre obra y facto. Hablan de lo que les importa poniendo a sus territorios como ejes”. Mientras que la periodista hidalguense Guadalupe Gómez, afirma:

“La región norte es la que ha alumbrado el camino de la literatura mexicana; en la tradición de escritores como Daniel Sada y Élmer Mendoza, plumas como la de Carlos Velázquez, Luis Jorge Boone y Julián Herbert destacan por contrariar los clichés de la violencia, el crimen, la prostitución y la corrupción. No obstante, hay quienes voltean a otros sitios y con diferentes temáticas, como el zacatecano Tryno Maldonado. El trabajo del norte se caracteriza por extraer visiones y posturas personales, pero incluyendo al entorno como un invitado más; Herbert se enfrenta a su pasado y al de su madre en Canción de Tumba, Velázquez te muerde la conciencia con relatos como El alien agropecuario y La jota de Bergerac, mientras que Boone te extirpa la última gota de soledad a través de Las Afueras. Le preguntamos su opinión a Yuri Herrera, considerando que Trabajos del reino es una novela que aunque tiene a un compositor de narcocorridos como protagonista, jamás utiliza la palabra narcotráfico o sucedáneos en el todo el libro. Pese a ello, insisten en colocarlo en tal cajón de sastre, aun cuando su siguiente obra, Señales que precederán al fin del mundo, se remite a un planteamiento en clave simbólica acerca de la migración. Lo que sí, la frontera es un elemento fundamental y nos da una zona gris: la de escritores fronterizos o transfronterizos. “Diría que sí, el lugar es importante en la escritura, pero no define todo. Y sí, hay contrastes entre la literatura del norte y del sur, pero no es algo rígido: no comulgo con la idea de que la literatura de un lado o de otro sea homogénea, ni en estilo, ni en temas ni en calidad; además de que estas etiquetas tienen que ver sobre todo con la atención que se le presta a una región o a un tema en un determinado momento”, nos dice Yuri, y con estas palabras se abre una nueva puerta de reflexión.

UN ÚNICO MÉXICO La actualidad cultural nos permite movernos por terrenos variados, pero no necesariamente separados. Autores que se encuentran en puntos grises de esta geografía. Por ejemplo, Tryno Maldonado –quien realiza una intensa promoción de su más reciente novela Teoría de las catástrofes– vivió un buen tiempo en Oaxaca, por lo que se aboca a reconstruir el conflicto entre la Appo y el Magisterio en contra del Gobierno, mismo que derivó en una especie de guerra civil. Maldonado se concentró para su escritura en Zacatecas, estado donde ha residido por largo tiempo. Esto nos lleva a pensar, ¿Tryno debería ser considerado un autor norteño por su residencia? ¿El asunto que trata la obra hace que lo consideremos una figura literaria del sur del país? También nos encontramos con el caso de de Julián Herbert –cuya educación es norteña pero él es de Acapulco– sobre el cual Nahum Torres señala: “Uno podría decir que no importa que él sea más bien norteño pero sería mentira, o más bien, habría que matizar: la mayoría de la literatura norteña tiene rasgos comunes que Herbert rompe. Es verdad, la geografía condiciona; estoy convencido de ello. Pero hay quienes dicen que también el género condiciona. Habría que señalar que se trata de una cuestión que los escritores del Crack intentaron dinamitar; tratar de desdibujar esa relación intrínseca, pero escriben en español; uno neutro, pero mexicano a fin de cuentas”. Y es que las líneas no sólo se trazan sobre tierra, no se puede negar que exista competencia entre las diferentes regiones en que se suele clasificar a la literatura hecha en México. Se trata de una situación compleja y multifactorial. Es ingenuo pensar en que exista un discurso único, por lo que para abordar esta zona de tensión nos viene bien consultar a distintos autores y periodistas.

“Pienso en literatura del sur mexicano e invariablemente pienso en poesía; me remonto a literatura del norte y pienso que hay mucho: cuento, novela, y poesía”, nos dice Nahum Torres –editor de Librosampleados–. Resulta fácil coincidir con él, en la historia de la literatura mexicana el sur ha sido fuerte semillero de poetas. Federico Vite, autor de Fisuras en el continente literario (Tierra Adentro, 2006), matiza esta perpectiva: “El norte se dio a la tarea de hablar de su pueblo, de contar las historias que les han cambiado la forma de relacionarse entre sí. El sur no ha iniciado esa explicación vía literaria. Allá poseen más interés por explicarse qué y cómo se mueven sus ciudades. Hay muchos más autores que en el sur en cuanto a narrativa, porque el sur de México está mucho más emparentado con la poesía. Es una región poética, hay una especie de tradición que los acerca más a la densidad poética pues. Quizá haya una forma mucho más natural de mirar con belleza ciertas cuestiones, pero los sureños no apuestan tanto por la narrativa. Creo que la mentalidad de los norteños tiene que ver con su entorno; poseen menos en cuanto a naturaleza que el sur, pero ambicionan más, en el sur no se ambiciona tanto: se contempla el mundo y se da cuenta de eso mayoritariamente en versos”. Allí está la producción de José Carlos Becerra, Jeremías Marquines, Ángel Carlos Sánchez, Óscar Oliva, Juan Bañuelos y Jesús Bartolo. Otro tonalidad que podemos encontrar nos la brinda Xalapa, donde se lleva a cabo el Hay Festival, un festejo internacional de las letras, que sirve de marco para que se presente un número especial de la revista Granta en español dedicado a México. Lo llamativo de la publicación es que ofrece a una serie de escritores que se deslindan de aquellos que escriben sobre narcotráfico y violencia. ¿Una respuesta ante el predominio del norte? Allí están autores de diferentes generaciones deslindándose de los temas y registros que últimamente han relacionado al país con las cuestiones de la delincuencia organizada, la violencia y el tráfico de estupefacientes. Entre estos disidentes se encuentran: Hugo Hiriart, Valeria Luiselli, Pablo Soler Frost, Álvaro Uribe, Verónica Murguía, Mario González Suárez, David Miklos y Guadalupe Nettel. El grupo es importante y tiene calidad, pero en ningún sentido representan “La otra cara de las letras mexicanas”, como nos quiere hacer creer la publicación de origen inglés. Todos ya están insertos en el mercado con editoriales importantes (incluso alguno publicado por la misma revista). No se trata en modo alguno de talento emergente. Torres apuntala: “La literatura norteña (que no es lo mismo a la del norte) acapara la producción, mientras que la del sur es prácticamente desconocida, acaso la poesía tiene mayor promoción”. Pero Guadalupe Gómez apela a una perspectiva de futuro: “En Teoría de las Catástrofes, Maldonado se traslada a una tierra fértil con tendencia a cosechar la inestabilidad laboral: Oaxaca. El zacatecano toma de sí la experiencia ciudadana, muchos muertos, un gobernador excesivo, desapariciones y torturas. Maldonado ya no escribe de Golo y su cocaína, no compila escritores, sino que se arriesga a narrar una historia digerida por el odio mediático, la sociología del riesgo, el poder del sistema y el caos como única medida. Si los del norte se muestran desfachatados y severamente reales, la literatura del sur que está gestando Tryno se torna elegante, una literatura que aborda tres tiempos, dos posturas, una especie de estudio desde la literatura con acciones del hoy”. El poeta Antonio Salinas opina que en el sur: “Nuestra idea de desarrollo permea en la cultura. Arriba está el progreso, abajo la pobreza. Esta fijación geográfica del arriba y abajo, arriba el norte, abajo el sur, influye en la literatura. No es tan difícil notar que en el sur hay muy pocos novelistas y los que son talentosos y disciplinados tarde o temprano acaban en lo que llamamos norte, es decir del D.F. para arriba, ¿cuál es la razón por la que los escritores del sur se inclinan más por la poesía? Es innegable que una de las razones de peso se llama frontera. Los jóvenes aspiran a ser ciudadanos de mundo. Mientras arriba nuestra frontera es vista con aspiraciones, abajo está la frontera dominada por el hambre y el atraso, y un gran novelista no puede ser tragado por los demonios de los que huye”.

A manera de conclusión, Gómez deja el optimismo por las obras por venir y acota el devenir con cierto halo de pesadumbre: “A pesar de que el norte y sur son muy distintos, podemos ver una apuesta por escribir sobre una crisis del proyecto de la modernidad –nacional y global–. Wieviorka asegura que la violencia es el resultado de la desarticulación de procesos sociales, entonces podemos decir que estos escritores no ven el final, sino el tránsito en el cual se desenvuelven protagonistas, personajes e historias específicas”. M

5 Libros norteños

5 Libros SUREÑOS

La biblia Vaquera Carlos Velázquez

Se está haciendo tarde (final en laguna) José Agustín

Balas de plata Elmer Mendoza

Ojos que no ven, corazón desierto Iris García Cuevas

Tierra de nadie Eduardo Antonio Parra

Entrecruzamientos Leonardo da Jandra

Trabajos del Reino Yuri Herrera

Fisuras en el continente literario Federico Vite

Canción de tumba Julián Herbert

Benzulul Eraclio Zepeda

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estra Inter

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MODERNA

Cosmópolis

CLÁSICA

ALARC

ÓN

Dir.: David Cronenberg Necesitamos un corte de cabello.

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JIMENA

Han pasado 290 días desde que la Cineteca Nacional cerró sus puertas. Su ausencia no fue en vano, aunque sí resentida. Pensar en cine, de calidad, en la Ciudad de México, es pensar en este recinto que durante años le ha dado la espalada a cintas complacientes que pretenden vender más palomitas que historias o persona jes. Esta postura se conjuga cada año en la Muestra Internacional de Cine, que en esta ocasión celebra su 56ª edición en un remodelado recinto, cuyas mejoras plantean nuevas posibilidades para el cinéfilo. Desde un espacio para proyecciones al aire libre, una videoteca digital con 25 cabinas de revisión, hasta la completa remodelación de las salas, el proyecto representa una ambiciosa respuesta a la necesidad de mejores espacios para el disfrute del cine. Pero todo esto no puede sostenerse sin una gran programación. Aquí recomendamos cinco cintas que se podrán disfrutar durante el mes de noviembre en el marco de la Muestra Internacional de Cine.

La Cineteca Nacional abre sus puertas el 7 de noviembre, con la presentación de Devoción, un tributo a cintas emblemáticas del cine mexicano a cargo del cineasta Emilio Maille, y con música del compositor Michael Nyman.

Contrastes

En mundo al borde del caos, donde el delicado equilibrio es sostenido por algo tan frágil y abstracto como el dinero, Cronenberg encuentra su nuevo universo. No toma mucho tiempo entender qué nos quiere decir este director (uno de los mejores que existen actuamente), el mensaje no es el punto, o mejor dicho no es el destino. Sino que es el cómo lo interesante, es en el trayecto donde se encuentra el fin, quizás es por esto que la cinta resulta anticlimática; pero claro esto no es sorpresa, Cronenberg nunca ha pretendido crear picos, sensaciones de cierre, o hablando francamente: narrativa. La cinta transcurre en una limosina, extensión metafórica –más no sutil– del personaje principal, un millonario (interpretado por Robert Pattinson) que lo tiene todo, lo único que necesita esta joven y vacua figura es un corte de pelo. Así, en un hecho tan banal, como la propia cultura que el director critica en la película, encontramos la única motivación narrativa de la cinta. El trayecto es largo y la vida (la historia) es el trayecto. Los personajes aparecen esporádicamente; con malas noticias, a hacer negocios, a tener sexo, o a realizar exámenes de próstata… Cada uno se presenta con un monólogo filosófico y pesado, cada uno de ellos es recibido con la misma mueca congelada de un nombre lleno de todo, vaciado por lo que el dinero le ha permitido obtener. Cada suceso que ocurre dentro del auto es enmarcado por un mundo frenético, un mundo desbordante de carencias. Así, esta cinta nos presenta a un universo familiar, –intrínsecamente imperfecto– a través de unos ojos muertos y que ven, desde una ventana de “lujo”, al universo arder.

Cesare deve moriré Dir: Paolo y Vittorio Taviani Arte como libertad.

Las tragedias que Shakespeare plasmó sobre papel y escenarios, permanecen como algunos de los retratos más certeros de la psique humana que el arte ha tenido a bien producir. En su obra podemos encontrar rasgos y situaciones universales que no sólo pasan las pruebas del tiempo, sino que en su infinita generosidad permiten ser moldeadas a través de la historia. Con la obra de Julio César como vehículo, los cineastas Paolo y Vittorio Taviani documentan la vida en la prisión de máxima seguridad de Rebibbia, donde los presos se encuentran en el proceso de montar la clásica obra. El resultado es un documental honesto y analítico, donde el arte resulta metáfora y método de rehabilitación.

Amour

Dir.: Michael Haneke ¿Qué es el amor? Inteligente, íntima, emocional y desgarradora. Esta cinta examina de manera fresca lo que significa el amor. Una pareja de retirados profesores de música vive una feliz existencia, su interacción tiene el perfecto ritmo que sólo se consigue después de muchos años de vida compartida. Viven la vejez perfecta, lúcida y cómoda, pero el tiempo no perdona y somete al cuerpo y mente a la decadencia que cada uno de nosotros ha de experimentar. Anne, (la esposa) se enferma, su mente comienza a ceder y poco a poco se desvanece en un cascaron inútil. Su esposo, se encuentra ante la desaparición de su amada y quizá de su amor en sí. La abstracción del término, tan relajadamente usado en canciones y poemas, es analizada ante la separación del ser amado y el amor. ¿Dónde vive este sentimiento?, ¿en lo amado?, ¿en el que ama? ¿Puede el amor sobrevivir sin alguna de estas partes? Haneke plantea estas interrogantes con maestría y logra de manera orgánica matizar la complejidad del sentimiento, creando seres enteros, personajes cuya profundidad no se ve mellada por sus circunstancias narrativas.

Los mejores temas Dir.: Nicolás Pereda Distancia emocional.

Gebo et l’ombre

Dir.: Manoel de Oliveira Pobreza universal.

103 años tiene Manoel de Oliveira, más de la mitad de ellos se los ha dedicado al cine. Basada en una obra de Raul Brandão, la cinta es un viaje al pasado –narrativa y técnicamente– que cuenta la historia de una familia de principios del siglo XX, conformada por padre, madre y un hijo ausente que eventualmente regresa a casa. La pobreza y los lazos familiares son el eje de esta cinta, cuyo ritmo y estructura resultan refrescantes y, sorprendentemente, relevantes. Prueba de que el buen cine ha de ser universal y por lo tanto, no puede caducar. El ritmo y estilo de Manoel nos recuerda a una época cinematográficamente distinta, cuando las audiencias eran más pacientes y no estaban acostumbradas a la pesada inmediatez de la modernidad.

En un híbrido entre documental y ficción, Pereda une sin dificultad estilos directos y honestos con la ayuda del elemento esencial de toda narración, una anécdota simple. Un hombre abandona su hogar y familia, años después regresa. Su hijo y esposa lo reciben con recelo y se quedan con ganas de una explicación. Narrativa cruda y humana, apoyada de creatividad. En esta cinta se encuentran guiños a tradiciones narrativas teatrales y cinematográficas; como herramienta innovadora vale la pena mencionar el hecho de que un sólo personaje es interpretado por dos actores. Un cinta valiente, que ve los límites y se ríe de ellos, una apuesta para el cine que se rehúsa a ser complaciente, a los directores que creen que aún hay cosas nuevas bajo el sol o al menos nuevos soles para iluminar a las viejas cosas. M Cesare deve moriré. Entrevista con directores. www.marvin.com.mx/mas-cine

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a d i d a s

i co n s

FOTÓGRAFOS fernando y gerardo montiel klint ASISTENTE DE FOTO Roberto Corona PRODUCCIÓN YAMILY CHIQUINI MAQUILLAJE Gabriel GarcÍa TALENTO El Chá! (Javier Ramirez) Y VESSPA (Rodrigo Barba, Felipe Madero, Patricio Dávila, Roque Falabella, José Pablo Ibarra)

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1960s

La banda conocida como The Quarrymen cambia su nombre a The Beatles, un par de años más tarde adidas lanza el modelo Samba. En 1969 se toma la icónica fotografía de Abbey Road, un año antes adidas lanza el modelo Gazelle.

GAZEL L

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1970s

En el 70 adidas estrena el modelo Dragon, ese mismo año The Beach Boys, lanzó Sunflower, su álbum número 16, que años más tarde llegaría a considerarse como uno de los mejores 500 discos de todos los tiempos. Dos años después lanzarían Carl and the Passions ("So Tough") , difícil álbum que no logró sobreponerse del todo al cambio de integrantes. Más éxito tuvo adidas en el 72 con el lanzamiento del modelo SL.

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LA Tr ainne

1980s

Michael Joseph Jackson lanzó 1982 el disco Thriller, dos años más tarde ese disco lo llevaría a ganar 9 premios Grammy, el mayor número obtenido por un artista hasta el momento. adidas presentó dos modelos que capturarían (al mismo grado que el estilo del propio Jackson) el estilo de la década: Beckenbauer y LA Trainers.

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l heavy metal o rock pesado es uno de los géneros del rock que más sub categorías tiene. Es en sí mismo una enorme caja de contrastes en la que caben igual el black metal –de temática antirreligiosa– y el metal cristiano; el death metal “arcaico”, ríspido y gutural y el death melódico; el speed y el doom. Es en éste último donde podemos diseccionar la naturaleza contrastante del género; su mera existencia contrasta con la idea generalizada que se tiene del metal. Pensar en música rápida con gritos o voces guturales, es quizá la manera más común de entender el metal. Sin embargo, el doom es lento, mientras más mejor; se toca con instrumentos afinados en tonalidades graves, no requiere ajustarse a un temario lírico determinado y tiene una enorme ductilidad que le permite adherirle varios elementos. En éste hay contrastes tan marcados como meter voces femeninas complementadas por voces guturales (gothic doom) o tener bases musicales lentas y pesadas acompañadas de experimentaciones sonoras e instrumen-tales (avant garde doom); así el doom goza de variadas preparaciones e ingredientes. Sin embargo, el resultado ha de ser siempre el mismo: como un trago de cerveza negra de alta graduación que deja una capa de deliciosa amargura en cada centímetro de la garganta que recorre. El sabor es fuerte y no apto para cualquier paladar, es por esto, y por su afinación extremadamente grave (a veces en Do), que el doom aún es considerado de culto, a diferencia de sus primos hermanos el thrash, black, death o clásico, géneros que gozan de aplausos en todo el mundo. Sobrevive porque rasca las costras del penar y la desesperación de las paredes de la insalubridad sonora, paredes dentro de las cuales todos vivimos alguna vez. Cualquiera que esté familiarizado con la pintura El Grito podrá imaginarse esa expresión como la máxima gloria en el contexto doom. Se trata de arte puro, magia oscura y un halago, no es música para las masas, su éxito no se mide en estadios sino en la oscuridad, donde irónicamente busca un hilito de luz, que el encanto de lo tétrico brote y se convierta en sutileza sonora, todo para generar empatía con el escucha. La banda rusa Scald por ejemplo incorporó un maravilloso solo de campanas en el tema “Ragnaradi Eve”. Puede parecer excesivo o fuera de lugar, pero en los confines de esta música esos contrastes son como brotes de hierba en tierras muertas. Existe, muchas bandas doom que tienen calidad suficiente para ser llamadas buenas. Un puñado o tal vez una medida

aún más pequeña han colocado sus nombres en la mirilla internacional. Candlemass, Cathedral, Solitude Aeternus, My Dying Bride y en lo último de su discografía Celtic Frost, son nombres que no están enterrados tan dentro del subterráneo y han hecho que el género provoque la atención suficiente para no desvanecerse en el olvido. Bandas que han demostrado que tocar lento requiere de una enorme capacidad de entender lo que se hace, para transmitirlo en un formato que no sea aburrido y desangelado. En contraste, algunas bandas que practican por ejemplo el drone doom añaden la pesadez del género a la característica pared de sonido generada por el bajo de las bandas drone. Es música que puede ser muy repetitiva pero que está diseñada para sentirse físicamente. Un buen ejemplo de esto puede ser Sunn O))). Candlemass por otro lado, es una de las bandas donde el contraste dentro del género queda más claro. Desde su disco Epicus Doomicus Metallicus –un clásico del metal en general– y hasta hace apenas algunos años, los suecos fueron los reyes en contrastar la penuria dolorosa del doom con una voz aguda. Aquella primera placa contó con la participación en la voz de Johan Langqvist, aunque fue con la llegada del segundo vocalista, Messiah Marcolin, que el doom ancló su nave y demostró que también se podían cantar falsetes en medio de las notas gravísimas que escribía Leif Elding. Curiosamente, así como existe el Big Four del thrash también existe un llamado “Peaceville Three” que tiene que ver con la nebulosa Inglaterra. A principios de los 90 surgieron Paradise Lost, Anathema y My Dying Bride. Todas eran bandas del sello Peaceville, todas hacían doom y fueron muy famosas en su momento. Y siguen vigentes, sólo que un par han variado su acercamiento doom hacia otras posibilidades sonoras: Paradise Lost ahora hace algo muy parecido al pop gótico y Anathema es cada vez más una gran banda de rock progresivo con tintes oscuros. ¿Contrastante? Por supuesto. Basta escuchar al Anathema de Serenades (1993) y contrastarlo con el sonido de Waether systems, su más reciente larga duración para entender el concepto “contraste” en el seno de una banda doom.

El doom metal se mantendrá por muchos años más como un sub género “chico”. No tiene los elementos necesarios para acce-der a las grandes ligas del emporio del entretenimiento, y es muy probable que si algún día los tuviera, el mismo público doomster se las arreglaría para que no sucediera. Es el tipo de música que necesita estar en las sombras para sobrevivir, es algo así como una alternativa subterránea dentro de un enorme compuesto de bandas y subgéneros.

Digamos que el metal en general es un género que se puede comparar con una casa de tres pisos. En el penthouse viven los grandes consagrados como Metallica, Megadeth, Black Sabbath, Iron Maiden, Judas Priest… En el segundo piso viven las bandas que aspiran a llegar ese nivel: Slayer, Mastodon, Opeth, Helloween, Nightwish… En la planta baja viven infinidad de bandas de culto, algunas que ya se establecieron pero que no han podido dar el brinco hacia el segundo piso con balcón: Amon Amarth, Black Label Society, Sabaton, Overkill, Testament y muchísimas más. Y finalmente en el sótano viven, todas las bandas doom. Irónicamente una de las bandas más exitosas y famosas, Black Sabbath podría fácilmente ser catalogada como doom. M

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Contrastes

e dice que para disfrutar una película, el espectador debe entrar voluntariamente en la suspensión de la incredulidad que construye su narrativa. Sabemos que lo que vemos en pantalla no está sucediendo realmente. Nadie muere de verdad. No existen los príncipes azules. Nadie tiene súper poderes. Todo es actuado. Pero al ver una película entramos en un pacto de verdad en el que estamos dispuestos a creer todo lo que sucede dejándonos llevar por su trama, muchos recordarán la frase publicitaria de la adaptación cinematográfica de Superman de 1979 que decía: “ creerán que un hombre puede volar”. Sin embargo, cuando en una película se evidencia a sí misma como una mera fabricación con elementos malogrados que rompen este “pacto de verdad” –como pésimas actuaciones, micrófonos que se

Dreyfuss y los hermanos Medved The Fifty Worst Films of All Time (And How They Got That Way) publicado en 1978 fue el primero en darse cuenta de estos antivalores. Y serían también los hermanos Medved los primeros en declarar que Plan 9 del Espacio Exterior era la peor película de todos los tiempos en su siguiente libro titulado The Golden Turkey Awards. Lo cierto es que después de estos seminales libros de los Medved la apreciación por el cine “tan malo que termina siendo bueno” se ha ampliado pero también se ha confundido y tergirversado. Sobre todo en estos tiempos postmodernos que vivimos en donde varios cineastas tratan de replicar esa incompetencia de manera consciente. Aquí, nuevamente sucede ese hecho del rompimiento del pacto de verdad al intentar hacer algo malo intencionalmente. Podría parecer una contradicción, pero el hecho

entrometen en la escena, sombras de los técnicos reflejadas en las paredes, efectos especiales de cartón, etc.– es mucho más difícil entrar en complicidad con la trama. Es en ese momento cuando el intento de sumergirse en la historia es abandonado del todo por el espectador y comienza a reírse de la ineptitud de la realización fílmica. Y a mayor grado de torpeza cinematográfica, mayor es la distancia que se tendrá suspendiendo la incredulidad. Estamos antes una mala película. Pero he aquí una sublime contradicción, hay películas tan malas tan malas, que por derecho propio terminan siendo buenas. Estamos hablando aquí de películas que existen en el extremo opuesto de la curva de Bell: si en uno encontramos a El Ciudadano Kane, en el otro estará El Plan 9 del Espacio Exterior. Si por un lado está Historia de Tokio, en el otro seguramente hallaremos After The Last Season. El chiste para muchos de estas películas “tan malas que terminan siendo buenas” radica en el hecho de que en lugar de reírnos con ellas nos reímos de ellas, gracias a su supina estulticia cinematográfica. El libro de Randy

es que las películas consideradas hoy día los ejemplos más perfectos de “cine malo/ bueno”, filmes como la mencionada Plan 9 del Espacio Exterior, Manos: The Hands of Fate, Troll 2, The Room, After The Last Season o Birdemic, no se propusieron ser malas en un principio. Son resultado de un fracaso total y completo en lograr lo que se proponían, pero cuyos autores firmemente creyeron que habían cumplido a cabalidad. Tomemos por ejemplo el caso de la película The Room, dirigida en 2003 por Tom Wiseau. Concebida como un melodrama intenso alrededor de un triángulo amoroso formado por el protagonista, su prometida y su mejor amigo, la película comenzó a ser alabada en ciertos sectores que no paraban de reír antes las evidentes fallas narrativas y sobreactuaciones. Con el tiempo la película ha alcanzado niveles de culto al grado de hacerse funciones especiales con cines repletos. Al ver el efecto causado en el público, un avergonzado Tom Wiseau – el director, productor, guionista y protagonista de la película– comenzó a declarar que realmente había concebido a The Room como una farsa desde un principio, lo

cual queda evidentemente desmentido tras ver su película. Un accidente feliz como diría Bob Ross, del cual el cine tan malo que termina siendo bueno está plagado. Y que a todas luces es imposible de reproducir de manera consciente. Otro buen ejemplo de ello es el estupendo documental Best Worst Movie de Michael Paul Stephenson, centrada en Troll 2 de la cual Stephenson fue protagonista siendo niño. El documental nos presenta como a pesar de ser una película vilipendiada por su completa y evidente estupidez, siendo celebrada precisamente por ello, su

director el italiano Claudio Fragasso cree sinceramente que hizo una buena película de horror. La celebración de este contraste cinematográfico se ha visto en series de televisión como Mystery Science Theatre 3000 o en películas como Ed Wood o El Fantástico Mundo de Juan Orol, y resulta al final de cuentas un recordatorio de que la basura de unos termina siendo el tesoro de otros, reservada para aquellos dispuestos a convertirse en pepenadores cinematográficos, que sepa diferenciar la verdadera basura fílmica, de esa basura maravillosa.

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Contrastes

El terror a la hoja en blanco, el miedo al vacío y la compulsión de ocuparlo todo, ha llevado a artistas en distintas épocas y contextos a rellenar la página, canvas, o muro con un sinfín de figuras y detalles. Asesinando efectivamente y afirmando su propia materialidad.

T elme x icas

S al v atr u chas

“Natividad Salvatrucha”, “Rituales de los TELMEXicas” o “Narco Night Watch”, son algunas de las obras de Óscar de las Flores, salvadoreño que huyó de su país debido a la guerra civil y ahora reparte su tiempo entre Canadá y México. Sus cuadros, inspirados en la estética grotesca de Goya, tratan temas actuales con una técnica conocida como “horror vacui”, o “miedo al vacío”, muy frecuente en los grabados e ilustraciones del medioevo, que se caracteriza por no dejar ningún espacio en blanco en la obra, llenándola hasta el mínimo rincón con intrincados detalles. En una abigarrada superposición de formas y personajes, los dibujos de Flores, en tinta sobre papel, no ofrecen ninguna escapatoria al espectador, obligándolo a ver la realidad de Latino-américa de frente, las injusticias y “la inmoralidad” –como la llama Óscar– contemporánea. Los artistas han utilizado frecuentemente el “horror vacui” para realizar comentarios y críticas ingeniosas de la sociedad de su época. Por ejemplo, Jerónimo Bosch, El Bosco, en “El jardín de las delicias” (1490), o Pietr Brueghel, El Viejo, cuyas escenas describen el vicio y la virtud humana con humor y saña implacables, tales como “El combate entre don carnaval y doña cuaresma” o “El triunfo de la muerte”, donde puede verse una batalla sangrienta.

“ Q u er í a saber si D ios e x iste ”

Además de nuestros sucios pecados, hay otra frontera que ha sido explorada con el detalle obsesivo del “horror vacui”: la parte invisible del mundo. Pablo Amaringo (1946-2009), chamán y artista peruano, descubrió su talento para dibujar tras una enfermedad del corazón que lo dejó postrado un par de años cuando era adolescente. Empezó dibujando en pedazos de cartón con lápiz, pues no tenía los recursos para comprar papel ni pinturas, a veces, incluso usaba el bilé de sus hermanas. Después de que él mismo se curó con ayahuasca, Pablo se formó como chamán y luego viajó más de seis años por la selva amazónica sanando a la gente. Sin embargo, decidió dejar el mundo de los espíritus porque, según él, su vida corría peligro. Entonces se dedicó a pintar y a enseñarles inglés a los lugareños, hasta que dos extranjeros lo descubrieron y lo animaron a pintar las visiones que había tenido en su época de curandero, cuando tomaba ayahuasca cada noche. Muchos de sus cuadros están superpoblados de personajes humanos y fantásticos, extraños animales de poder y naturaleza, así como de figuras geométricas y colores hipnóticos, parecidos a los cuadros de los huicholes, que celebran las visiones del peyote. Sus imágenes buscan transmitir el conocimiento obtenido de la ayahuasca que “enseña cómo debe comportarse, cómo debe estar con los humanos siendo humano”. Según sus propias palabras, Amaringo se inició en eso “porque quería saber si Dios existe. Me he metido en otras cosas pero no me convencían. Ahora sé que Dios existe, es imposible que no exista ”.

La utilidad de la nada es el título de un verso del Tao, porque quizá al principio hay que explorar las cosas y su existencia, como en los ejemplos anteriores, pero después es necesario despojarse de todo para descubrir realmente la utilidad y presencia de los seres y los objetos. Tal vez descubrimos más de ellos cuando podemos observar su ausencia.

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Yves Klein, un nombre que equivale a la vanguardia, la espiritualidad, la esencia del arte moderno y postmoderno, y a mucho, mucho color azul. Creador de su propio tono de azul, el IKB: International Klein Blue, eligió hacer pinturas monocromática en ese tono, ya que lo considerada el color más abstracto, “todos los colores provocan asociaciones de ideas concretas, mientras que el azul recuerda a lo mucho el mar y el cielo, lo más abstracto que hay dentro del mundo de lo tangible y lo visible”. Por supuesto, no fue el único que exploró el poder de lo monocromático. En 1918, el suprematista ruso Kazimir Malevich, había presentado su obra “Cuadro blanco sobre fondo blanco” con el fin de transmitir su fe en que el socialismo liberaría al hombre del materialismo, encaminándolo hacia el reino de lo espiritual. Malevich resumía su filosofía como la supremacía del sentimiento y la percepción pura en la expresión pictórica, como el momento cuando “el infinito, el espacio libre de lo insondable, se abre frente a ustedes”. Klein intentaba que el espectador sintiera la existencia en vez de sólo razonarla a través del arte figurativo. Promotor del “arte inmaterial”, organizó en 1958, la “Exposición del vacío”. Tres mil personas hicieron fila para asomarse a la galería Iris Clert en París, sin saber que dentro les esperaban salas vacías, enteramente pintadas de blanco e iluminadas con una tenue luz azul. Sí, llovieron quejas.

isibles

En la bienal de Venecia de 1993, Gabriel Orozco presentó una obra bastante fácil de transportar: una árida e insolente caja de zapatos vacía. Para él, esto era un comentario sobre el lugar que le dieron para exponer su obra, un “espacio en un espacio en un espacio”, dice en un audio que puede escucharse en la página del MoMa. Para los espectadores, la caja es desconcertante (y eso que ya tenemos digerido a Duchamp) y las reacciones que provoca, extremas. Un reportero británico pasó un día completo en la Tate al lado de ella para enterarse de sus aventuras. Así, vio cómo la pateaban, le tiraban kleenex sucios y envolturas de chicles o la ignoraban. Al parecer, con su sola presencia, la caja vacía (aparentemente inútil) logró emanar más que aire y provocar aún más.

H ow to disappear completel y

Lo menos que se puede decir sobre Laurie Parsons es que es un poco anticuada. No tiene pretensiones, no es protagónica, no quiere brillar ni ser famosa. De hecho al momento de escribir estas líneas, Laurie Parsons ya ha desaparecido del mundo del arte. Empezó como muchos, presentando ready-mades de objetos que encontraba en las calles de Nueva Jersey. Rápidamente, alcanzó cierta fama y reconocimiento pero conforme se vendían sus obras, Parsons comenzó a sentirse incómoda y pidió a sus agentes que dejaran de ofrecer sus trabajos. Cuatro años después, tras algunos trabajos que consistían en observar la participación de la gente y las interrelaciones humanas (vivió unas semanas en una galería alemana, trabajando en un hospital psiquiátrico y conociendo a los habitantes de la ciudad), Laurie deja por completo el mundo del arte para dedicarse a la escritura, el trabajo social y la espiritualidad. En adelante, jamás volverá a mencionar su oscuro pasado de artista y así fue como se convirtió en una especie de negación del arte, una especie de Bartleby que renunció a todo para volverse a sumergir en esa espesa nada del anonimato. ¿Arte? “Preferiría no hacerlo”, y quizá ésa sea su obra maestra.

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BAJO PRESUPUESTO

OFF THE RECORD

Columnista de Milenio Diario y director de La Mosca en la Red. Facebook: /hgmichel

Periodista de rock y escritor de ficción.

Siempre he sostenido que el arte no es una cuestión de competencia. Quien pinta un cuadro, redacta un poema o compone una sinfonía debe hacerlo, pienso yo, a manera de expresión personal, sin más finalidad que la de externar, de manera auténtica y desinteresada, lo que tiene dentro de sí. Tal vez se trate de una posición utópica o, peor aún, ingenua… y, creo que lo es. Porque en el mundo real, en este mundo en el cual la idea de competencia y de ser “el mejor” se les enseña a muchos desde pequeños, el arte no puede permanecer ajeno a ello. Por eso, el ideal del artista a quien sólo le interesa expresar, ha caído en desuso desde hace… ¿siglos? Decía Cioran que cinismo es ver las cosas como son y no como quisiéramos que fuesen. Desde ese punto de vista, hoy día el arte de la música es un terreno muy competido. Demasiado tal vez. Este sentido de competencia ha sido fomentado por la industria musical y ello se ve claramente en la existencia de las famosas listas de popularidad. Los medios y las empresas disqueras, aunque también los propios músicos, buscan a como dé lugar la posibilidad de alcanzar los primeros lugares. Para ello, la mayoría se olvida de escribir canciones como un medio de expresión y trata de conseguir que sus composiciones tengan ganchos comerciales, que posean coros pegajosos y letras simples que puedan quedar en el consciente o, mejor todavía, en el inconsciente de quienes las escuchan. El público se convierte así en un mero receptor pasivo de melodías simples y repetitivas que comprará con oligofrénica alegría. Por supuesto que para llegar a los sitios más altos de esos hit parades se da una competencia feroz, en la que se olvidan escrúpulos, amistades y purezas artísticas. El arte se transforma así en mera mercancía y pierde su esencia más preciada. Cuando era un adolescente, allá a fines de los años sesenta del siglo pasado, algunas estaciones de radio en AM solían producir programas en los cuales ponían a competir a algunos grupos de rock, contrastando a unos contra otros. Los más famosos fueron quizás el de Beatles contra Monkees en Radio Éxitos y el popularísimo Creedence contra Beatles (o Cridens contra bitles) de Radio Capital, en los que los radioescuchas llamaban por teléfono a la estación para votar por su agrupación favorita y ver cuál era la ganadora al final de la emisión. “¿Bueno, por quién votas?”, era la frase clásica de los locutores al responder las llamadas. Este burdo ejemplo de competencia muestra hasta dónde puede llegar la estupidez de ese concepto. La mera idea de contraponer, de contrastar a un artista frente a otro resulta por demás absurda. No obstante, esto se ha dado incluso en la literatura barroca española (Góngora contra Quevedo) o en las artes plásticas mexicanas (muralistas contra pintores de caballete), por mencionar tan sólo un par de ejemplos culteranos. El síndrome del Cridens contra Bitles permanece también en el rockcito nacional (habría que ver la mala sangre que existe entre muchos músicos mexicanos al referirse en forma despótica a sus “competidores”).El contraste puede ser positivo, cuando se usa para comparar diversas situaciones en busca de alguna conclusión. Pero si se utiliza como pretexto para impulsar la competencia, puede llegar a convertirse en un arma perversa. Así las cosas en este nuestro querido mundo. Bueno, ¿y usted por quién vota?

“¿Qué opinas del sexo sin amor?”, le pregunté a Carolina. “¡Qué rico! ¡Es sexo! “, me respondió sin titubear. Por aquella agilidad que caracteriza mi pensamiento, viajé 15 años atrás cuando Luisa, una amiga de la preparatoria me dijo, igual que Caro, cerveza en mano: “Quiero llegar virgen al matrimonio”. Teníamos 17. Hoy tengo 34, pero Carolina es diez años más joven. No tiene reparos en hablar acerca de su bisexualidad o su disposición a entablar relaciones abiertas. Tres lustros atrás, mi amiga Luisa se sonrojaba cuando alguien mencionaba la idea de tener sexo en el asiento de atrás de un Cavalier (obvio, remontémonos a principios de los 90). ¿Y qué rayos tiene qué ver todo esto con el rock? A Carolina le gusta Carla Morrison y Enjambre. Palabras más, palabras menos, la letra de una de sus canciones favoritas de la primera dice: “Esta soledad/me está quemando las pestañas/ llenándome de telarañas/ y me pone a chillar”. De los hermanos Navejas, recuerdo: “Pero en cambio a ti te tengo/ mi fiel enamorada/sólo contigo me entretengo/ me vigilas a mis espaldas”. A Luisa, 15 años atrás, le fascinaba la Cuca: “Pues estaba yo pensando en caer enamorado/ pero la verdad quisiera ver tu certificado/ se te ve divina/ pero quién adivina/ si tu tienes la pucha asesina”. Y según recuerdo, también le gustaba mucho una de La Lupita que decía: “Tu(s) alma, cuerpo, nalgas, ojos/ ¡quiero, quiero!/ menéalo, préstamelo, aflójalo, pero sin amor”. Vaya cosas. Lo que en los 90 la juventud aparentemente sólo se atrevía a decir en canciones ahora se reconoce abiertamente mientras que el amor romántico se mudó a los terrenos de la literatura. Pero ese no es el único contraste. Apenas el fin de semana vi a The Hives en el Corona, también a Franz Ferdinand. Ambos iban impecablemente trajeados, igual que aquellos dandy que en los 90 nos sacaban ronchas cuando vestir las garras propias de un menesteroso nos hacía sentir la encarnación viva del grunge. Pésele a quien le pese, aplaudo que la mayoría (que no todos) de los cambios sociales apuntan la brújula hacia la inclusión y la libertad. Hace poco hablaba con un señor ya grande, sesentón, acerca de la homosexualidad. “No los entiendo”, decía él de la comunidad gay, “no soy tan moderno”. “En realidad”, le respondí, “eres más moderno de lo que crees. Si revisamos la historia, Grecia por ejemplo, lo verdaderamente nuevo no es la homosexualidad, sino la homofobia”. Abogo porque un día alguien muy joven pregunte: “¿Qué demonios era la guerra contra el narco?”. Significará que habrá quedado en el olvido.

TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL.

Contrastes

T X T : : J U A N M AYA .

EL CUADERNO AMARGO

AGUARRACES PORTEÑAS

Escritora. Twitter: @paolatinoco

Escritor y vagabundo.Twitter: @ninyagaiden

Recuerdo con cariño las últimas conversaciones que sostuve con Daniel Sada. Algunas tratando de evitar que comiera cosas que no estaban permitidas por su médico (como chilaquiles o tortas de salchicha) a causa de la diabetes que padecía, y otras simplemente comentando los libros que iban saliendo. ¿Qué se está publicando ahorita? Me preguntaba, y yo le daba la lista de libros de diferentes editoriales y los nombres de los escritores que iban apareciendo. Con algunos de ellos levantaba las cejas, con otros fruncía el ceño. En algunos casos se reía, pero el comentario que me hizo pensar en la palabra “contraste” fue su opinión acerca de ser escritor joven en México hace algunas décadas y lo que es hoy en día. Se ven muchos escritores peleando un lugar en la lista de solicitantes a las becas de Conaculta. Muchos de ellos con más de treinta y cinco años llenando solicitudes para conseguir residencias artísticas y sobre todo vemos que a esa edad (avanzados los treinta años) el gobierno que otorga esas becas los sigue considerando jóvenes. El problema no es la edad sino la falta de compromiso con la literatura. A esa edad, escritores como Octavio Paz, Juan Rulfo o Carlos Fuentes por mencionar sólo algunos, ya habían escrito grandes obras y sin duda más de tres libros. A esa edad ya eran escritores consagrados ¿y qué sucede ahora? La juventud entre muchos de los escritores importa para saber cuánto dinero se puede conseguir de premios, becas y apoyos institucionales para no tener un trabajo de oficina y tratar de conseguir viajes gratis con la medalla de escritor colgada en el pecho. El tema es que estos “jóvenes escritores” a sus treinta y tantos, tienen una pobrísima producción literaria comparada con las muchas becas en su haber. No es que Daniel no creyera que los escritores jóvenes tuvieran poco qué decir, los apoyaba a través de su taller literario, al que asistían personas de todas las edades pero en los últimos años tuvo entre sus alumnos a escritores de entre 20 y 37 años. Había que reconocer algo, sin embargo: Muchos de ellos estaban ahí porque sabían que cuando Daniel se entusiasmaba con el trabajo de alguno de ellos los recomendaba con editores y en más de una ocasión consiguió que les publicaran sus novelas o cuentos. ¿Qué querían los escritores de antes y qué quieren los de ahora? Los primeros, escribir grandes libros (aunque siempre ha habido de todo, eso hay que decirlo) los segundos, ser reconocidos, así sea por un libro malo. Alargar su estancia en la juventud a fin de poder seguir consiguiendo becas gubernamentales. Lograr que un libro los lleve a dar la vuelta al mundo, les proporcione premios (con dote, por supuesto) y cuando se haya terminado el beneficio de ese libro, ni hablar, ponerse a escribir otro.

Cada cosa que existe en el mundo tiene su contraparte, una especie reflejo que perpetúa la imagen primigenia distorsionándola o, más precisamente, complementándola. Dichos contrastes nunca son tan evidentes como cuando vivimos en una Metrópoli, donde la diversidad de personas y la cantidad de individuos es tan grande que sólo permite que las cosas se definan por sus contrastes: visto está que la forma más simple de aprehender la realidad es siempre clasificándola. Buenos Aires, como cualquier capital latinoamericana, es un ejemplo puntual de las abismales disparidades que existen entre sus habitantes, y no sólo por las escandalosas diferencias de clase y raza entre porteños, bolivianos, paraguayos y senegaleses, sino también entre los mismos argentinos. No es lo mismo vivir dentro de los límites de Capital Federal que en la provincia de Buenos de Aires: aquí la villa no se junta con el castillo. Hace unos meses fui testigo de un caso de notable ausencia de entendimiento. Tocaban en Niceto Vega –uno de los bares más cool de la escena musical– Los Mirlos, peruanos especialistas en cumbia amazónica bastante famosos debido a una recopilación llamada The Roots of Chicha: Psychodelic Cumbias from Peru hecha por unos franceses en Nueva York, lo que hizo no sólo que los hipsters locales volvieran los oídos hacía una música hace tiempo rechazada, pero que ahora es el epítome de lo jípiris-nice. En opinión de Jayce Clayton, “no se trata de una simple recontextualización. Ha sido una toma de conciencia de que ese rasgo poco elegante de la cultura peruana ha pasado a formar parte del diálogo global, incorporando guitarras, drogas, disparatadas modas de los años setenta, trágicos accidentes de avión y elementos retro chic”. Estoy de acuerdo. Cuando Los Mirlos salieron al escenario, un público compuesto principalmente por porteños –no muchos peruanos– se encendió por completo y adoraron a berridos a sus ídolos. Los Mirlos, que tienen toda la pinta de un grupo de boda de pueblo, se veían espantados e inquietos. El vocalista comenzó diciendo “los nenes con los nenes” y prosiguió con “palmas arriba, palmas arriba”, ante la total indiferencia de la gente. Nadie tenía ni puta idea de lo que estaba pasando, lo que volvía el evento morbosamente divertido. Empezaron tocando temas que nadie conocía y el concierto nacía muerto. Los infelices músicos experimentaban el trago amargo de la incomprensión hasta que tocaron el tema que popularizaron los franceses. El bar reventó y esa misma euforia fue la que los obligó a tocar su hit cinco veces. La historia se repitió con un par de temas que la concurrencia conocía. En esa estábamos cuando un pareja marginal se metió a empujones al centro de la pista. En un festival como el Vive Latino habrían pasado absolutamente desapercibidos, unos chicos banda del Chopo. En un lugar como Palermo y con la desafiante actitud de su apariencia, eran la viva encarnación de Lucifer. Tardé poco en acercarme al que se veía más macizo para preguntarle cualquier cosa y entonces que me di cuenta de que no iba preparado para que alguien le hablara. Iban a dar un show, sabiéndose diferentes en una ciudad racista, acomplejada e inhibida. Por toda respuesta obtuve una sonrisa triturada.Los Mirlos se fueron en hombros, contentos sin entender nada. Yo recordé que los extranjeros radicales, cueste lo que cueste, siempre vivimos en casa.

T X T : : paola tinoco .

T X T : : R A FA E L T O R I Z .

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disco del mes

Allelujah! Don’t Bend! Ascend! El primer track dura alrededor de veinte minutos. Efectivamente, GSY!BE está de vuelta. Y lo hicieron con la misma discreción de sus composiciones mientras evolucionan. Parten de un silencio arreglado, propio de armonías cuyo conjunto respeta cada uno de los aspectos de la composición tal y como la escuchamos en la pista: una coalición instrumental que lo mismo desarrolla space-rock, drones categóricos, música de cámara, crescendos desenfrenados, y la habilidad para unir todo esto ba jo un mismo sentido del entendimiento. De la misma manera que una orquesta, Allelujah! moviliza los sentidos del escucha en todas direcciones debido al uso inteligente de cada sección del conjunto. En cierto sentido, resulta imposible extraviarse, cuando la pista para el despegue, el aterriza je y el plan de vuelo están tan claro. El conjunto de Montreal no ha perdido pista de la esencia que los mantiene juntos y Allelujah! es tan devastador y grandioso como cualquier intento pasado de GSY!BE por cambiarnos la vida.

T: :

Arc

C o n s t e l l at i o n R e c o r d s

Contrastes

BOB MOULD / SILVER AGE / M E R G E

Volver a las andadas. Regresar a los orígenes. No quizás a los orígenes más remotos, pero sí a esos otros que te dieron identidad. Eso es lo que ha hecho Bob Mould en este Sil ver Age, al retomar abiertamente el estilo de su segunda banda, Sugar, luego de su paso primigenio por el legendario grupo post punk-pre grunge Husker Dü. Con este, su décimo álbum en estudio como solista, Mould se ha olvidado de las experimentaciones electrónicas y ba jo la formación del trío (con Jason Narducy en el ba jo y Jon Wuster en la batería) nos entrega un disco al estilo de lo que fue Sugar, una agrupación potente, agresiva, ruidosa y grungera. Temas estupendos como “Star Machine”, la homónima “Silver Age”, el sencillo “The Descent”, la semi psicodélica “Round the City Square” o la apacible “First Time Joy” son muestras del mejor Bob Mould, aquél que se asoma a sus raíces para disfrutar, a sus 52 años, de un floreciente rejuvenecimiento. T X T : : H u g o G a rc í a M i ch e l . HUSKER DÜ NEW DAY RISING ¿Existe la fórmula para mezclar el post punk con el rock pop de los años sesenta del siglo pasado? Husker Dü dio con ella y la reveló en este disco, su mejor trabajo.

SUGAR COPPER BLUE Un disco fundamental de principios de los noventa. Grunge y power punk con una sabia pizquita de pop y hasta algún guiño a los Pixies.

FOO FIGHTERS THE COLOUR AND THE SHAPE ¿La obra maestra de Dave Grohl y compañía? Difícil decirlo, pero esta poderosa y a la vez melódica placa se aproxima a ello.

The Chris Robinson Brotherhood / The Magic Door R e l at i v i t y E n t e r ta i n me n t / S i lv e r Arr o w R e c o r d s

Al mando de los Black Crowes supo lo que significaba ser la estrella de todas las fiestas desde el tope de las listas de éxitos, justo en la época en que el grunge y las bandas de hair metal dominaban los canales de TV. Los años han pasado, pero Robinson aún hace lo mismo: rock & roll en estado puro, con los pies hundidos en el blues, hierba deshebrada circulando en los pulmones y la mente extraviada en largos para jes sonoros (“Vibration & light suite”, por ejemplo, raspa los catorce minutos de duración) cuando lo correcto es hacerse de una gafas de pasta y beber mezcal hasta vomitar. Cierto, el ánimo hippie hace rato pasó de moda (¿acaso Blind Melon lo sepultó?), pero lo que Chris propone es estimular una especie de estado mental; vamos, ponerle el apellido “ina” al mezcal para encontrarse con la neblina violácea. T X T: : A l e ja ndr o G on z á l e z C a s t i l lo. Led Zeppelin Led Zeppelin III Robinson le debe harto a Led Zeppelin. Muchos de sus trucos los aprendió de este disco.

Jimi Hendrix Axis: Bold As Love “Discúlpenme mientras beso el cielo”, decía Jimi, y miren que era trompudo.

The Doors The Doors Aquella lumbre que Morrison solicitaba encender permanece intacta en la mente de Chris.

D I S C O S 3 x

Wild Nothing / Nocturne / C a p t u r e d

Tr a ck s

¡Oh la música independiente! El lo-fi como recurso, la ropa y su imagen estética, la depresión, el amor/ desamor, grabar un disco y reflejar tu sentir; quizá no logres fama pero te haces leyenda de unos cuantos y así (con un poco de suerte) lograrás inspirar a otros a formar su banda. Éste es el contexto de Jack Tatum, líder de Wild Nothing, quien en 2010 entregó su debut, Geminí, lleno de referencias a The Pastels y My Bloody Valentine, o lo que es lo mismo, un cliché para la escena indie rock. Nocturne su segundo LP, se siente como una obsesión a la perfección del pop; transcurre natural, con base a armonías orquestadas con sintetizadores y guitarras llenas de distorsión (suave) y romanticismo. Desde la inicial "Shadow" hasta "Rheya" las once canciones son enteramente disfrutables, sí algo tristes con onda-fiesta-ochentera a la Donnie Darko (pero menos dark). Nocturne, tiene la cualidad de hacerte sentir bien, y después de todo para eso es la música. T X T: : Ja s i e l Vi l l a . Violens True Contemporáneos de la escena indie estadounidense, sonido e influencias similares, también editaron su segundo disco este 2012, sumamente recomendable.

The Radio Dept. Passive Aggressive: Singles 2002-2010 Pioneros en mezclar shoegaze/ indie/new wave. Referencia inmediata para Wild Nothing.

Exlovers Moth Desde Inglaterra, este año debutaron con esta belleza, que hará felices a quienes gustan de los grupos antes mencionados.

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RICKIE LEE JONES / THE DEVIL YOU KNOW / C ON C O R D

Quienes hace un par de décadas disfrutaron de ese espléndido disco de covers que es Pop Pop (1991), en el que Rickie Lee Jones recreó con sabiduría una docena de canciones a jenas, sabrán gozar de nueva cuenta con este flamante álbum en el que la canadiense toma una serie de temas de gente de los tamaños de Neil Young (“Only Love Can Break Your Heart”), los Rolling Stones (“Sympathy for the Devil”, “Play with Fire”), Robbie Robertson (“The Weigh”), Van Morrison (“Comfort You”), Tim Hardin (“Reason to Believe”), Donovan (“Catch the Wind”) y otros para rendirles pleitesía de la mejor manera: con enorme sentimiento y profundo respeto. Una producción fina y austera, así como interpretaciones contenidas y conmovedoras hacen de The Devil You Know una obra que en su modestia refleja su grandeza, así como la de una de las más grandes cantautoras de la historia del rock. T X T : : H u g o G a rc í a M i ch e l . CAT POWER THE COVERS RECORD Versiones originalísimas y desnudas de cualquier artificio. Un disco austero, seco, esencial.

PATTI SMITH TWELVE De “Are You Experienced?” de Jimi Hendrix a “Smells Like Teen Spirit” de Nirvana, la Smith recrea doce temas en forma esplendorosa.

JAMES TAYLOR COVERS El siempre grato estilo de Taylor adopta una docena de disímbolas canciones ajenas para hacerlas cálidamente suyas… y nuestras.

I S C O S 3 x 1

The Tiger Lillies / Rime of the ancient mariner / M i s e ry

Guts Music

Con el paso del tiempo la bizarra expresión del dark cabaret de estos ingleses se ha vuelto más refinada e impactante. Mucho dramatismo, influencia del clown grotesco y un ánimo siniestro, confluyen en esta especie de carnaval victoriano de una gran calidad conceptual e instrumental. Lo que han ido haciendo es ponerse cada vez retos más grandes y ahora nos presentan uno de enormes proporciones y que les tomó cuatro años terminar: la adaptación del clásico poema de Cooleridge. Se trata de un monta je músico-teatral de largo aliento que contó con muchas colaboraciones en el estudio, mismas que fueron coordinadas por el productor Myles Boisen. Sobre la marcha incorporaron al artista multimedia Mark Holthusen que armó las imágenes de video y la presentación mediante dos pantallas simultáneas. El conjunto fue estrenado en La Maison de la Musique en Nanterre, Francia, durante marzo de este año. Un disco generoso y extenso que va entreverando canciones, instrumentales y pasa jes narrativos en pos de una experiencia completa y vaya que lo logran. Las historias fatales de los hombres que vienen del mar y se marchan al amanecer aquí cobran tintes épicos. T X T : : J UAN C A R LOS H IDAL G O . The Dresden dolls Yes Virginia También cultivan el cabaret oscuro y la influencia de Bertold Brecht.

Contrastes

The Tiger Lillies The Gorey end Su disco más laureado hasta antes de este. Colabora The Kronos Quartet.

Iron Maiden “Rime of the ancient mariner” El mismo poema convertido en una canción clásica del heavy metal.

MUMFORD & SONS / BABEL / G LASS

NOTE

Hay un dejo de dramatismo en la música de Mumford & Sons, esta peculiar agrupación británica que parece sacada de una vieja película del oeste estadounidense. Nativo de Londres y no de Nashville, el grupo ha sabido ganarse poco a poco un prestigio basado sobre todo en su autenticidad. La vena dramática que da su principal característica a la banda se refleja a la perfección en su más reciente grabación, una preciosa colección de canciones basadas en el folk, el country y el bluegrass, con el banjo y el dobro como protagonistas casi tan importantes como las voces de sus cuatro integrantes, cuyas interpretaciones corales prestan un sello memorable a los 12 cortes del disco, (quince en la edición especial, incluida en ésta su grandiosa versión a “The Boxer” de Simon & Garfunkel). Producido por Markus Dravs (el mismo que estuvo detrás de The Suburbs de Arcade Fire), Babel posee un tono épico y desafiante, en momentos estremecedor. Un muy buen segundo álbum de estos tradicionalistas londinenses. T X T : : H u g o G a rc í a M i ch e l . THE AVETT BROTHERS EMOTIONALISM Para muchos, el mejor álbum de los de Carolina del Norte. Un trabajo de una finura excepcional, una pequeña obra de arte.

FLEET FOXES FLEET FOXES El debut de los de Seattle es un clásico automático, una belleza colosal desde su purísima concepción.

The Killers / Battle Born / U n i v e r s a l

THE SHINS OH, INVERTED WORLD ¿Quieren un disco significativo de eso que se suele llamar rock indie? Helo aquí.

D I

/ I s l a nd

Desde su debut, allá por 2004, The Killers nos atrapó; el carisma de Brandon Flowers, el potencial de convertirse en un banda de estadios, de esas que hacen canciones épicas. Sin embargo, la tienen difícil; el público y la crítica son duros y su error fue quebrarse ante las expectativas, fue temerle (tanto) al fracaso. Entonces tenemos que Battle Born es un disco frágil, en el que se nota la intención del éxito ("Here With Me", "Miss Atomic Bomb", "From Here On Out"). La producción es impecable, las letras siguen siendo ganchos pop sentimentales, siguen siendo The Killers, pero ya no son cool. T X T: : Ja s i e l Vi l l a .

S C O S

Duran Duran Greatest Su referencia eterna – niéguenlo–. Queremos un "Best Of de The Killers".

U2 The Joshua Tree Es tardado llegar a hacer una obra maestra, U2 lo logró hasta el quinto disco.

Coldplay X&Y Musicalmente tiene momentos muy similares.

Green Day / ¡UNO! / Wa r ne r

A estas alturas de la vida a los de Green Day lo que menos les interesa es ser complacientes y cuestionarse si aún tiene credibilidad. Su carrera tiene varios momentos importantes que han cambiado de alguna forma el mundo (Dookie, American Idiot). Muchos pensaríamos que continuarían el camino de la obra conceptual, sin embargo ¡UNO!, cambia el curso de nuevo. En menos de dos años los estadounidenses entregarán tres discos, siendo éste (lógicamente) el primero, mientras que DOS! y ¡TRÉ!, se editarán en noviembre y febrero de 2013, respectivamente. ¡UNO! es un disco alegre, puro punk pop de canciones rápidas, tarareables, mucha armonía y coros juguetones, se les escucha confiados, se divierten haciendo lo que saben, y aunque muchos puritanos pegaron el grito por la pieza bailable "Kill The Dj", no hay que olvidar que The Clash también puso a bailar a su público y que, después de todo, el rock es para bailar (también el punk). A sus 40 años el trío, con el lugar que ya tienen en la historia, gozan de la libertad necesaria para hacer lo que quieran. T X T: : Ja s i e l Vi l l a . Against Me! New Wave Se puede ser punk, comercial y radical sin perder credibilidad. Por cierto también hicieron una pieza bailable llamada "Stop".

The Enemy We´ll Live and Die In These Tonws Debutaron en 2007 con este disco, son tres ingleses y son unos infravalorados punks hijos de Green Day.

Stiff Little Fingers Inflammable Material Banda de culto que bien podría ser el papá de Billie Joe y compañía.

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D I S C O S

WOODS / BEND BEYOND / W OODSIST

¿Puede existir un subgénero al que llamemos noise-folk? Después de oír a Woods, el singular cuarteto originario de Brooklyn, NY, la respuesta tendría que ser afirmativa. Más aún después de escuchar Bend Beyond, su más reciente disco. No es que estemos frente a una combinación, digamos, entre los estruendosos feedbacks de Sonic Youth y la dulzura melódica de los Avett Brothers. Sin embargo, el sonido de Woods posee peculiaridades que sin apartarlo del llamado alt-folk, le añaden una velada agresividad, una ligera desarmonía. Es, valga la expresión, como un paradójico y sutil estruendo. No porque se trate de una grabación especialmente ruidosa, sino porque las canciones de pronto muestran una aspereza que se agradece y se disfruta. Temas como “Cali in a Cup”, “Is It Honest?”, “Find Them Empty” o “Impossible Sky”, son buenos ejemplos de esto. Bend Beyond es el mejor traba jo de Woods hasta ahora, el más compacto, el más sólido, el más brillante. En verdad vale la pena. T X T : : H u g o G a rc í a M i ch e l . BONNIE “PRINCE” BILLY THE MARBLE DOWNS Una de esas joyas a quienes pocos hacen caso. Un enorme disco, a la vez retro y actual. Espléndido.

IRON & WINE THE SHEPHERD’S DOG Un trabajo suntuoso, colorido, de gran belleza. Posiblemente la obra maestra de Iron & Wine.

KURT VILE CHILDISH PRODIGY Como una especie de nuevo Lou Reed, este nativo de Filadelfia escribe canciones llenas de sangre, grasa y otras sustancias igualmente interesantes.

x PONDEROSA / POOL PARTY / NE W

W EST

Desde Atlanta, Georgia, llega este cuarteto con su segundo traba jo, luego del estupendo Moonlight Revival con el que debutaron discográficamente en 2011. La diferencia es que mientras en su primer álbum apostaron por un rock sureño con olor a whiskey y bar, con Pool Party dan un giro de 180 grados para sumergirse en una especie de psicodelia mezclada con dream pop y una leve tintura de sus raíces folkies. El salto entre un disco y otro (con tan sólo un año de distancia entre ambos) resulta radical hasta en la instrumentación utilizada, ya que aquí hay teclados, sintetizadores, ca jas de ritmo, efectos de estudio, ecos en las voces. Más cerca de The Flaming Lips que de los Black Crowes, Ponderosa se ha refundado apenas en su segundo opus y no sabemos lo que nos depara en su tercero. Pero las cosas funcionan en Pool Party, a pesar de todo, con ese sonido expansivo que se aleja del rock de raíces en un experimento cuando menos inusual. Escúchelo, usted tendrá la última palabra. T X T : : H u g o G a rc í a M i ch e l . THE FLAMING LIPS THE SOFT BULLETIN Una de las obras maestras de Wayne Coyne y compañía. Pop sinfónico para oídos exquisitos.

Contrastes

MERCURY REV DESERTER’S SONGS Lleno de texturas, atmósferas, arreglos finísimos, suntuosidad y belleza, uno de los discos fundamentales del desaparecido grupo de Buffalo.

BEIRUT THE RIP TIDE El disco con el cual Zach Condon rompió, al menos relativamente, con el estilo de sus dos primeros álbumes. Una maravilla.

Kitsuné Maison 14 / Varios Artistas / K i t s u n é

¿Quién hubiera pensado que ya son diez años de que este sello francés nos entrega sus deliciosas recopilaciones? Cierto, son disparejas, pero siempre son chispeantes, felices y marcan tendencias en cuanto a ese marida je entre electrónica y rock. Han sabido mantenerse como punta de lanza y ello los convierte en un asunto notable. Su concepto no se ha desdibujado o vuelto soso; todo lo contrario ese french touch se ha expandido al resto del mundo para hacernos bailar. Lo que comenzó como una marca de ropa y tienda, fundada por Masaya Kuroki en París, se volvió toda una avalancha gracias a los haceres de Gildas Loaec –manager de Daft Punk-; ambos eligen a los artistas y suelen mezclar sets. Por doquier han servido sus selecciones trendy tan dadas al más juvenil y desparpa jado hedonismo. Ellos han apostado por Two door Cinema Club, Is tropical, James Juill y Citizens, y ahora lo hacen con Wildcat!Wildcat! que presentamos cono New Kind in Town el número pasado (punto para este reseñista que los apoyaba). No sólo buscan talento emergente en Estados Unidos, ahora husmean en Australia y de allí se traen a Plastic Plates y Rufus para la placa de aniversario. Aunque también destaca el tema a medias entre el alemán Lorenz Rhode y Jamie Lidell. No esperemos un giro radical, se mantienen firmes en la línea de música que les llenas el alma. Ellos contribuyen a mantener una idea: París es una fiesta.

T X T : : j ua n C a r l o s Hi da l g o . Two Door Cinema Club Beacon Sus chicos consentidos desparraman energía y ganas de fiestear eternamente.

Kitsuné Kitsuné America El draft de talento que han hecho de este lado del charco; muy variopinto.

The Moons / Fables of History / Sch n i t z e l

Citizens! Here We Are Se suponía un fenómeno indie pero las masas los acogieron con alegría. Producidos por Alex Kapranos de Franz Ferdinand.

Records

“No tienes que violar todos los códigos para hacer algo destacable. Basta con que hagas canciones con gancho y el suficiente soul para impresionar lo mismo a Edwyn Collins de Orange Juice (quien produjo su anterior disco) o a los The Stone Roses (a quienes les han estado abriendo algunos shows” Eso parecía decirles su voz interior y, siguiendo sus instintos de pop básico, han creado un disco que abraza con orgullo su lina je brit y raspa en el legado de The Turtles, The Kinks, The La 's y demás distinguidas huestes, para entregar un gran disco de pop psicodélico en el que no se complican la vida tratando de descubrir el hilo negro ni en ser muy vanguardistas, pero sí eficientes a la hora de crear pequeñas y perdurables canciones. Y no, no estoy exagerando, los tipos tienen talento (sobre todo Andy Crofts, el artífice principal). Disponible en un vinilo blanco si eres de los que aún valoran ese objeto que muchos se empeñan en desaparecer.

I S C O S

T X T : : a l e j a n d r o ma n c i l l a . The Smiths. The Queen is Dead No es que tengan mucho que ver, Pero su versión de “There is a light that never goes out” con Mani de Stone Roses es muy buena.

Orange Juice. You Can't Hide Your Love Forever Igual de británicos (bueno, escoceses) que estos.

DIY: Starry Eyes: UK pop 2 (1978-79) Perdí este CD, si alguien lo tiene se lo compro.

3 x

Dead Can Dance / Anastasis / 4 AD

Táchenme de irrepetuoso con las leyendas, pero no me late mucho la voz de Lisa Gerard, se me hace muy new age, muy world music. En cambio, desde siempre he sido un rabioso fan de las partes donde Brendan Perry hace lo suyo en el grupo. Es por eso que casi siempre que escucho un disco del dueto, suelo ponerle más atención a la voz de Perry y, es la razón que de este afortunado regreso me quede con joyas como “Amnesia” (cantada por Perry), que es un regreso a esa obscuridad elegante y la melancoclia de sus primeros discos. Claro, que temas como “Agape” gustarán a los fans sin prejuicios (como yo) del grupo (Lisa se luce, como siempre) y es de los momentos barrocos del disco. El oriente sigue siendo referencia en el sonido del grupo, así como las percusiones muy marcadas. Sin duda, mi tema favorito es “Opium” (a já, con Brendan), pero como suele pasar con estos discos, cada quien disfrutará de diferente manera la obscuridad latente. T X T : : A l e j a nd r o Ma n c i l l a . Brendan Perry Ark Reciente disco solista del artista. Más que recomendable.

Love Spiral Downwards Idylls Dream pop, goth y música atmosférica en un solo paquete, directo de 1992.

Black Tape for a Blue Girl Mesmerized By The Sirens “Olvídate de Bauhaus o Sisters of Mercy…esos eran rock, nosotros somos los verdaderos goth” dijo alguna vez el líder de este grupo.

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Clinic / Free Reign / D o m i no

Con un poco más de diez años en la escena independiente Clinic están convertidos en una banda cuya maduración y experiencia les ha garantizado composiciones fértiles y una presencia discreta pero consistente entre público y crítica. Con Bubblegum (2010), Clinic buscó direcciones más gentiles y rela jadas para su música; pero esa etapa de introversión parece haber culminado aquí. No es que la banda haya regresado al sonido art-punk de sus primeros álbumes; sino que han encontrado el punto exacto donde se conjugan tranquilidad y agresividad. Y es precisamente en ese punto donde Free Reign encuentra su lugar en una discografía que ya abarca siete álbumes de estudio. Es un álbum de balance. Una búsqueda de equilibrio que entusiasma más por la promesa de generar un nuevo fenómeno en torno a la banda, que por la banda. Finalmente, como todo en Clinic, es parte de una obra verdadera, la obra de una banda que solamente por tener esta clase de obra, ya no se parece a ninguna otra. T X T : : L u i s Arc e . Suuns Zeroes QC Una banda cuya influencia determinante de Clinic moldeó un sonido plagado de referencias y estéticas similares.

Can Tago Mago Es inevitable, el espíritu de Can, agresivo y travieso, respira con tranquilidad en bandas como Clinic.

Suicide Suicide Faltan algunos años para comprender la verdadera relevancia de Suicide en el sonido de la música contemporánea. Pero aquí está bastante claro.

S C O S Taken by trees / Other worlds

3 x 1

/ S e cr e t ly

C a n a di a n

Para su Segundo LP Victoria Bergsman via jó a Pakistán con un porta-estudio y su amigo y productor Andreas Söderström. El planteamiento era registrar a músicos locales y ambientes, además de sus propias intervenciones, para luego dar forma a las canciones de regreso en casa. El proceso le satisfizo a tal grado que para su siguiente entrega ahora el sitio elegido fue Hawaii. Pero no se espere que el resultado sea una cita literal o un producto folklórico al estilo National Geographic; nada que ver, aquí hay una exploración que luego pasa por un filtro personalísimo. Este tercer disco es mucho menos étnico y más tendiente a un pop muy refinado y exquisito. Aquí luce la experiencia de Victoria y sus 11 años al frente de The Concretes –un grupo de culto–. En su presente hay un austero dream pop con toques tropicalistas bien moderados (el sonido del mar casi es un fondo constante). Se nota su cambio de residencia (la sueca se fue a Los Angeles) y nuevo productor: Henning Fürst (The Tough Alliance). Una docena de canciones de lustre (muy acuáticas), entre las que se pueden recomendar: “Only you”, “Pacific blue”, “Large” y “Highest high”. Música para via jar al interior mientras te sientes cobijado por la aldea que es el mundo. T X T : : J UAN C A R LOS H IDAL G O .

Taken by trees East of Eden Un segundo disco bien asiático que incluye un gran cover a Animal Collective.

Contrastes

Peaking Lights 936 Comparten el gusto por los sonidos brumosos, las guitarras ululantes y el dub.

Club 8 The Boy Who Couldn't Stop Dreaming Un dueto sueco que también tiende a los sonidos etéreos y la búsqueda de calidez y ensueño.

El Perro del Mar / Pale Fire / C o n t r o l

G rou p

Es una verdadera lástima que este disco sobresalga sólo por una canción: “Walk On By”, el equilibrio perfecto entre la voz de Sarah Assbring, instrumentos de viento y un ritmo hipnotizante, (vamos, ¡hasta el video es genial!). Por desgracia lo demás se queda estancado en un mar de sonidos lo-fi que se encuentran por montones en la red, esforzándonos podemos destacar “Love in Vain” (que sería perfecta sin esa melodía reggae, género que se resiste a morir) y “I Carry The Fire”, perfecta para un remix acelerado y vulgar, digamos, a cargo de Trentemoller o Funkstörung. Se trata de un regreso indiferente y tal vez una de las últimas oportunidades de esta compatriota de Lykke Li y Robyn, que en vez de aprovechar esa encantadora voz con melodías como la citada al principio de este texto, prefiere experimentar con sonidos oscuros que opacan la creatividad Por último… ¡Qué alguien le diga que los temas instrumentales no son su fuerte! T X T : : Pa b l o P u l i d o . A Camp A Camp Nina Persson y su esposo Nathan Larson crearon un hermoso recorrido por los distintos estados emocionales del amor. Lágrima segura.

The Concretes The Concretes La mejor obra de la banda con Victoria Bergsman en la voz (otra que después se fue por el lado equivocado).

Marissa Nadler Songs III: Bird On The Water Un ejemplo de cuando la gente encuentra el sonido indicado.

D I

Diamond Rings / Free Dimensional / S e cr e t

City

Lo que nos faltaba, otro fulano pretencioso con ropa y peinado extravagante, creyendo ser el David Bowie del siglo XXI, perdón, el nuevo Jobriath (porque él es más under). Tras conquistar los bares de moda con su talento para cantar y bailar temas de Technotronic, el hombre decidió que era momento de lanzar su debut como solista y que el mundo conociera a un nuevo ídolo. Esta grosería, más que remembranza a la época pop de los ochenta, pretende conquistar a aquellos ingenuos ansiosos de más Lady Gaga (recordemos a esos insoportables Semi Precious Weapons), La Roux, Little Boots, Goldfrapp, Depeche Mode, Bauhaus, y un largo etcétera. Se trata de uno más que busca la fama a partir de la imitación y la ridiculez. Y entonces, ¿qué le hace merecedor de esta generosa calificación? Fácil: la forma en que acomodó todas sus influencias para demostrar lo que nunca llegará a ser. T X T : : Pa b l o P u l i d o .

Trust Trst Dúo que logró combinar con éxito el techno de la vieja escuela con el actual.

Scissor Sisters Scissor Sisters Un glamuroso monstruo que arrasó con todo lo que estaba a su paso.

Paul Weller / Sonik Kicks / Y e p

Theophilus London Timez Are Weird These Days Parte de la nueva generación del R&B, más apegado al electropop.

Roc

Si algo debemos agradecerle a Paul, además de sus discos con The Jam, es que ha sabido encausar su carrera en términos regulares. Su reciente disco es un ejemplo. Haciendo uso de ciertas texturas electrónicas y programaciones, el artista sigue respetando las melodías, requisito indispensable para quienes creemos que son la base de una buena canción. “Dragonfly” es uno de los buenos momentos del disco que claro está, a veces tiende a resbalar y caer en terrenos del AOR (no te preocupes Paul, en 30 años MGMT o Die Antwoord igual serán AOR), es un material bien equilibrado que lo mismo incluye esos mencionados matices bailables, que algo de folk ("By the Waters") o un single que muchas banditas que mueren por la bendición de Pitchfork o blogs por el estilo, desearían por tener en su repertorio (“That Dangerous Age"). El resto del material que navega por momentos por la intrascendencia. Sí, Paul está en una edad peligrosa, pero se niega a ser una caricatura de sí mismo todavía. T X T : : A l e j a nd r o Ma n c i l l a . The Jam This is the Modern World Disco clave en la historia del punk. Y Paul estaba ahí.

The Style Council Café Bleu Escucha indispensable para comprender lo que hace actualmente Paul Weller (quien estaba también ahí).

Ocean Colour Scene Moseley Shoas Segundo disco de los de Birmingham comparados muy injustamente con los pelmazos de Oasis. (Weller no estaba ahí, pero son sus protegidos).

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C O S 3 x 1

¿Una serie sobre un vigilante que se viste de arquero durante la noche mientras disfruta de una vida de millonario durante el día? La respuesta es afirmativa, o al menos lo fue para algún brillante ejecutivo que encontró en este pitch la mezcla perfecta entre Batman, Hunger Games y Gossip Girl. Con una fuerte promoción y un elenco trazado mejor que en photoshop, CW le apuesta con todo a la historia de un joven rico que se autoexilia en una isla para volverse un gran arquero, y así poder regresar a proteger su ciudad. Genial idea. Pues, como todos sabemos, nada te protege mejor del crimen moderno (con armas, bazucas, o simplemente cuchillos) que una flecha y arco. Es difícil asegurar qué será de esta serie… pero me atrevo a decir que será un bodrio de absurda narrativa, o lo que es lo mismo: un éxito entre adolecentes.

T E L E V I S I Ó

Esta serie que acaba de concluir su primer temporada, es la nueva reencarnación de la tele inteligente. Creada por Aaron Sorkin y transmitida en HBO, pretende ser una crítica social, intelectual e históricamente correcta del actual panorama político de Estados Unidos. Su narrativa es impecable y sus guiones se deslizan con maestría a través de las geniales actuaciones de sus protagonistas. Sin embargo, peca de ser ensimismada y su crítica más seguido que no, se lee condescendiente. Sorkin, quiere civilizar a su público, pero para hacerlo la historia toma un postura aleccionadora la cual, además de ser pesada, nos hace preguntarnos en qué tan alta estima tendrá a su audiencia. Al final, logra sobrepasar sus enormes pretensiones gracias a una buena construcción de persona jes y tramas. Seguramente la segunda temporada aminorará sus fallas, esto si el público no se cansa antes de que le hablen como si fuese estúpido.

N En la larga y honrosa tradición de comedias de un sola cámara, The Mindy Project llega como una extensión nada sutil de su creadora, quien se escribe a la medida una comedia, un persona je y varias tramas. Esta libertad –tan raramente vista en el cada vez más competido mundo de la tele gringa– lo consiguió Mindy Kailing gracias a su éxito como guionista de The Office, serie norteamericana (adaptación de la versión inglesa) que encantó a crítica y masas con singular alegría. Su nuevo show trata, como suelen pasar con este tipo de comedias, de un carismático persona je (una ginecóloga) y sus singulares aventuras con un colorido grupos de amigos. Sus primeros capítulos fueron bien recibidos, en parte gracias a la facilidad con la que Kailing se adapta al género al mismo tiempo que lo reta (hay hasta quienes se han atrevido a calificar a este show como feminista).

Contrastes

El director Jacques Audiard es famoso por sus historias esperanzadoras sin necesidad de recurrir a sentimentalismos. Se trata de su sexto largometra je¬–basado en el libro Rust and Bone de Craig Davidson¬–el cual relata la historia de Alí, un fornido hombre que recién conoce a su pequeño hijo. Sin hogar ni traba jo, el inexperto padre tendrá que refugiarse con su hermana, mientras éste organiza su vida. Alí encuentra traba jo como seguridad de un club, allí conocerá a la joven Stéphanie (una entrenadora de orcas) de la forma menos amable: golpeada y ensangrentada. Ambos desarrollan una fugaz amistad, hasta que tiempo después la tragedia los vuelve a reunir. Ella ha perdido las piernas y toda esperanza, él le devolverá las ganas de vivir en un círculo de solidaridad, amor frío y sexo violento.

C I N Quentin Tarantino toma las riendas de la producción de esta cinta escrita y dirigida por su gran amigo RZA (sí, el integrante de Wu-Tang Clan). La narrativa se desarrolla en China durante el siglo XIX, en donde un grupo de guerreros, una organización de asesinos despiadados y un solitario forastero deberán unirse para derrotar a una fuerza mayor que planea aniquilarlos. La película inspirada en los grandes títulos de Kung-Fu, reunirá a Russel Crowe, Lucy Liu, Dave Bautista (sí, el luchador de la WWE), Pam Grier, Cung Le y Daniel Wu.

Como una sátira a los libros de enseñanza para niños, 26 directores especialistas en el horror se dieron a la tarea de crear el alfabeto de la muerte. Cada realizador eligió una letra para crear su propio cortometra je en el que no hubo ninguna limitación, se trataba sólo de retratar de la forma más asquerosa el cruce a la otra vida. Entre las mentes invitadas para esta sangrienta compilación se encuentran: Jason Eisener, uno de los guionistas de Grindhouse; Ti Westm, miembro del sádico grupo que escribió V/H/S, y el director de The House of the Devil; así como Yoshihiro Nishimura, nombre famoso por su traba jo en Suicide Club y Tokio Gore Police.

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Vanguardismo / Tradición

Tomar café es un ritual que exige personalización y diseño, elementos incluidos en la nueva máquina de Nespresso: U. Considerada la más perfecta hasta ahora, gracias a su fácil manejo y limpieza, la U fue ideada para preparar una taza de espresso en tan sólo segundos. Su imagen minimalista fue elaborada en un 30% con materiales reciclables, además ahorra energía al apagarse después de permanecer en desuso por más nueve minutos. Sus dimensiones hacen que puedas colocarla en cualquier lugar, así no tendrás que preocuparte por accidentes y podrás tomar tu bebida caliente favorita cuando quieras.

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A D G Moderno / Clásico

En un mundo en el que todo comienza a verse a través de pantallas digitales, el reloj se ha convertido en el accesorio vintage por excelencia. Marc Ecko presentó The Tran, su modelo más vendido de la temporada debido a su aspecto clásico y textura metálica, combinando estilo y elegancia. La caratula resalta el logo distintivo de la marca en color negro, sus manecillas rompen los tradicionales esquemas con su forma triangular y la correa goza de tonalidades grises, toda esta combinación hace que el reloj se vea bien en cualquier situación y a cualquier hora.

T S

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Sonido / Silencio

Para escuchar música, la expresión más hermosa de todas, se necesita de mucha concentración y la mejor fidelidad. Nixon recién lanzó a la venta sus nuevos audífonos The Trooper con bocinas de 40 mm y varios tamaños de a juste, con los que no te perderás ni un segundo de tu playlist. The Trooper tiene un resistente cable de goma y almohadillas a base de silicona resistente al sudor, además de un estuche exclusivo para llevártelos a cualquier lugar con toda seguridad. Los audífonos están disponibles en: negro, blanco, amarillo, gris, azul y rojo.

Contrastes

Innato / Adquirido Viveza / Tranquilidad El favorito de la marca española está de regreso más potente y equipado que nunca. Con su motor de 4 cilindros, 1.8 litros turbo, 160 caballos de fuerza y transmisión automática DSG de 7 velocidad, lo convierten en el modelo indicado para manejar tanto en carretera como en la ciudad. Por dentro: computadora de via je, control de audio en el volante, sensor de estacionamiento y conexión Bluetooth. Por fuera: rines de aluminio de 17 pulgadas, poderosos faros bixenón y de niebla. Sin olvidar su sistema de seguridad compuesto por frenos ABS, control de tracción y de estabilidad, dirección electromecánica y asistente de arranque en pendientes.

Durante cuatro semanas, el concurso Movida Corona Light buscó sin descanso al mejor DJ de México para representarnos en la final de Estocolmo, Suecia que se llevará a cabo en los próximos meses. Se realizaron seis semifinales en distintos foros de la Ciudad de México, con invitados de lujo como The Wookies, NSMPSM, Camilo Lara (IMS), Disco Ruido y Josef Bamba. El jurado lo conformó Gely Hernández (Comunidad Electrónica), Kermit (Beat FM), Marco Arce (Dream Beat) y Mark Kamins (Fermatta). El ganador indiscutible fue Dohko, originario de la ciudad de Mérida, Yucatán, quien además de ganar su via je a Europa, se presentó junto a sus compañeros de competencia en la carpa Scratch House del Corona Capital. ¡Muchas felicidades!

Glamour / rudeza Creado por los Haus Laboratories a base de “lágrimas de belladona”, el “corazón roto de una orquídea tigre”, “velo negro de incienso”, chabacano pulverizado, azafrán y miel, el perfume de la figura pop más influyente de los últimos años vio la luz después de meses de escándalo (tan acostumbrada a ello). Tras su lanzamiento rápidamente se convirtió en número uno en ventas, debido a sus peculiares características: se trata de la primer esencia color negro que se vuelve transparente con el aire y tanto hombres como mujeres pueden usarlo.

Actividad / Descanso

Tendencia / Permanencia

La ciudad es un terreno que nunca se termina de conocer, desde sus interesantes habitantes, surreales calles y modernas tradiciones, todo exige cierta paciencia e inteligencia para discernir cada uno de sus elementos. Capa de Ozono se inspiró en los grandes urbes para su nueva colección para todos los gustos. La nueva línea se divide en Asfalto de color: calzado de colores pop y estilo despreocupado; En un barrio lejano, serie pensada para aquellos via jes lejos de casa, impera el estilo cowboy de colores oscuros; Excursión urbana, para aquellos que les agrada caminar todo el tiempo, y Luces de la Ciudad, texturas y colores exclusivos para el estilo nocturno

La gran cantidad de actividades que haces día con día puede provocarte sudoración y mal olor, pero no te preocupes ya que Rexona Men estará contigo para que continúes dando lo mejor de ti. Con 15 años de experiencia, Rexona Men presenta sus tres presentaciones: Aerosol, Stick y Roll-On, con protección de hasta 48 horas. Además, no te pierdas la oportunidad de conocer al campeón de boxeo Juan Manuel Márquez y verlo pelear el 8 de diciembre en Las Vegas, Nevada. No olvides visitar www.rexonaformen.com.mx para conocer las bases del concurso.

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E S T I L O

Arnie Bellstorf Baby´s In black. La historia de Astrid Kirchhherr y Stuart Sutcliffe SinsEntido

L I B R O S 3 x

Astrid conoció a The Beatles en Hamburgo durante 1960 para, literalmente, cambiarles la vida. Porque mientras aquellos teddy boys sólo querían embriagarse, tocar rock & roll y drogarse para sostener el trote, ella se presentó como una mujer culta y sensible que amaba el arte en todas sus formas. Stuart entonces se desempeñaba como ba jista con los de Liverpool, pero al conocer a la fotógrafa decidió que abandonaría al grupo para quedarse en Alemania y dedicarse a pintar. La historia de amor entre ambos, sofisticada y cándida, es relatada en este cómic (¿novela gráfica?) trazado por las finas manos de Bellstorf, quien recurrió a la propia Kirchherr para no alimentar mitos y ser certero respecto a aquel idilio. Así, hoja a hoja, cuadro a cuadro, globo tras globo, el lector anda por las malolientes y rijosas calles de la Alemania de aquellos años para llegar a un final tan trágico –y, por cierto, tan delicadamente sugerido por Arnie– que no faltará quien truene la boca como signo de reprobación tras terminar la obra. De los relatos del pop, éste es uno de los más tristemente célebres. T X T: : A l e jandro G on zá lez Casti llo.

Cynthia Lennon John Aquí la primera esposa de Lennon deja muy mal parado al autor de “Imagine”, pues lo retrata como un auténtico desgraciado durante sus años rebeldes en Liverpool. Spencer Leigh The Beatles in Hamburg Un trabajo pleno de información de primera mano e interesantes fotografías que aluza los oscuros días de los Beatles en Alemania. ¿Quién fue…? John Lennon Un comic exquisito hecho en México por Vid Editorial (incluye trivia beatle y patrocinio de Radio Éxitos).

Contrastes

Darío Jaramillo Agudelo Antología de crónica latinoamericana actual A l fa g ua r a

Entrevista, reporta je, cuento, ensayo, teatro, novela, autobiografía… Villoro dice que la crónica contiene un poco o un mucho de estos géneros porque es el ornitorrinco de la prosa; sin embargo, Jaramillo va más lejos al decir que a la receta falta agregarle un toque de poesía e incluso se atreve a comentar que la crónica es algo más que un género, es un territorio. Si se atienden como ciertas estas impresiones, habría que acotar que esa zona de letras tiene la forma de Latinoamérica, la patria donde desde hace tiempo se cultivan las mejores plumas y se leen las mejores frutas de la crónica mundial. Resultaría ocioso enumerar la cantidad de autores que integran este volumen (53 textos son firmados por 48 escritores); basta decir que se trata de una compilación esencial para entrever el rumbo del periodismo latinoamericano y, claro, un traba jo destacado para quienes deseen pasar horas de entretenimiento con un puñado de historias que hablan de mundos extraños, no sólo por lo distantes que sus persona jes se encuentran de la cotidianeidad, sino por el filo que cada párrafo presume en un mundo donde la vulgaridad verbal se asoma como reina en el planeta de los best sellers. TX T:: Ale jandro G onz ál ez Castil lo. Jorge Carrión Mejor que ficción. Crónicas ejemplares Veintiuna crónicas unidas por un diccionario de cronistas latinoamericanos que opera como mapa a seguir. Robert Hilburn Desayuno con John Lennon y otras crónicas para la historia del rock Hilburn se codeó con Cobain, Presley, Dylan, Springsteen y Cash; algo interesante debe querer decirnos ¿no?. Sam no es mi tío. Veinticuatro crónicas migrantes y un sueño americano Textos sin Visa ni pasaporte, más allá de las fronteras, cruzando algo más hondo que ríos y esquivando algo más que patrullas.

Ricardo Cartas Nuestra generación no sabe escribir cartas B . U n i v e r s i da d A u t ó NO Ma de P ue b l a

El alter ego del autor emprende un viaje por Oaxaca, pero no es una incursión iniciática, el personaje, aunque visitante, tiene allí sus orígenes y decide ampliar sus experiencias entre litros y litros de cerveza, cerros, pueblos polvosos y lejanía –de sí mismo y del entorno urbano en el que vive–. Una tehuana mulata será coparticipe de una incursión en busca de acontecimientos que sacudan la entraña. He allí la esencia de ¡Corre Gicha! En aquella franja de la provincia, el calor hace que el sexo se recargue y que la gente se pase el tiempo buscando saciar la calentura. En su segunda incursión en la novela, Ricardo reúne dos piezas de muy distintos registros, pues en la primera se acerca al tono de las obras del boom latinoamericano, mientras que en la noveleta que cierra el libro y le da título opta por un hilarante realismo al estilo de Eusebio Rubalcaba y Óscar de la Borbolla. Aquí el autor obtiene los mejores dividendos en cuanto a fluidez y efectividad narrativa. En la segunda historia, la escritura fallida de una carta –ya sea por ineptitud generacional o por el desmadre exacerbado– es un símil de la ruptura del propio lenguaje y el ruido imperante que nos rodea. Cartas es un autor ya no tan emergente que desde Puebla –y con oficio por delante¬– se hace de un lugar en la competida pasarela nacional. Habrá que estar atentos a su siguiente entrega. T X T:: Juan Ca rlos Hidalgo. Richard Ford La última oportunidad Otro viaje etílico y lleno de intensidad por Oaxaca. Carlos Arellano Canciones Domésticas Un tema de este cantautor poblano le sirve a Cartas para escribir una de las historias. Este es su disco más conocido. Juan Rulfo Pedro Páramo Esta inmensa figura de la literatura mexicana ejerce un importante magnetismo sobre Cartas.

GANAR / PERDER ENTREVISTA CON JUAN UZCANGA PÉREZ T X T : J i me n a G ó me z A l a rc ó n . F OT: Pa b l o P u l i d o .

Ganar la lotería es uno de los sueños que prácticamente cada persona en el mundo ha tenido. “¿Qué harías si ganaras?” Todos tenemos nuestra respuesta lista; via jes, coches, ropa, bebida, inversiones, etc. Pero qué pasa en verdad, qué tanto cambian la vida unos millones de pesos, la respuesta evidentemente depende del contexto. El contraste entonces no es obligado. Buscando a un ganador que entrevistar, nos encontramos con Juan, hombre que siempre gozó de una vida cómoda y en cuyo caso, el contraste existe en un ámbito alejado de la riqueza o la pobreza, entre los excesos y la abstinencia. Bebedor durante 20 años, ahora vive en total sobriedad. Sus millones se han esfumado, pues los disfrutó hasta acabar con ellos. En su vida no ha habido grises.

E L P I L Ó N

"Un sábado 10 de octubre de 1985. Gané 48 millones de pesos, en aquella época gané el premio mayor con sus cuatro series. Yo traba jaba en una empresa de gobierno, SIDERMEX, y participaba en el comité de crédito. Justo esa mañana había tenido problemas con el comité, fue un día muy pesado. Normalmente comíamos todos juntos, todos éramos borrachos y nos encantaba comer, tomar y jugar domino. Ese día en particular, yo no traía dinero en efectivo ya que al día siguiente me iba a ir de via je, por lo que ya había cambiado todo a dólares, pero igual fui a comer con mis compañeros ya que la empresa pagaba. Mientras estábamos ahí, llego la señora que siempre nos vendía los billetes de lotería, yo en es época participaba en cada sorteo, no traía dinero, pero recordé que en el coche tenía un boleto con reintegro. Escogí un billete y le pedí a la señora que me diera las cuatro series, pero no estaba completo, así que le dije que ella lo escogiera. Normalmente, cada vez que compraba boletos de lotería los repartía en la mesa, pero ese día como estaba enojado con ellos, simplemente guardé las series. Me fui de via je, cuando volví a la oficina encontré un escándalo, pensé que nos había corrido. En cuanto entró a la oficina me dicen que me busca mi jefe, subo pensando que ya no tenía traba jo, entró y estaban ahí todos los amigos y compañeros de traba jo, de repente veo que la señora que nos vendía los boletos estaba ahí. Me dicen que había ganado algo –yo nunca veía los billetes, hasta la fecha– yo pensé que había ganado cualquier cosa, y de repente me dice mi jefe: “Te sacaste el premio mayor, ganaste 48 millones”. Entonces los invite a comer, a donde ellos quisieron, pedimos 10 botellas de champagne. Me encontré a un tío, a él le regalé un millón de pesos. En la noche regresé a mi casa, mi ex esposa hizo de cenar y les conté. Mis hijos eran muy pequeños así que no entendían muy bien, les expliqué que la diferencia era que si querían irse de via je podían, que si querían ir a estudiar al extranjero podían hacerlo, no teníamos que preocuparnos por nada, que su vida estaba resuelta. En eso cambió mi vida. Yo seguí traba jando, bebiendo y comiendo. Hice lo que quise y no me quedé con antojo de nada, compre un coche para mi ex esposa, via jamos, pero en realidad no fue tan distinto; yo ya tenía un buen traba jo, pero claro la tranquilidad sí se nota, pero no fue de tener nada que comer y de pronto comer sólo caviar. Lo que cambió fue el poder ayudar a mi gente, a mi papá , hermanos y amigos. Pero claro también me pasó que la gente me pedía dinero, muchos conocidos sentían que era mi obligación darles dinero, eso no fue tan agradable. Mucha gente no me pagó, pero en realidad no me importó. Yo creo que el dinero es para vivirlo, abrí una agencia de via jes, puse un taquería, me pasé 20 años bebiendo todos los días, nunca planeé, nunca guardé, no soy un buen organizador. Quizá si hubiera sido más organizado, tendría ahora 300 millones, pero ese dinero se acabó, tengo dos casas y un departamento, todo lo demás me lo gasté. Yo creo que la vida se vive al momento, hace poco tuve un problema muy fuerte de salud, y sé que esto se puede acabar en cualquier momento. Nadie tiene la vida comprada". Así, Juan vive feliz, con su pareja y familia, abocado a una de sus pasiones: la comida, de la cual logró hacer un éxitoso negocio. Después de hablar con él, no me cabe duda de que se trata de un hombre con suerte, y con esto no me refiero al dinero. Contrastes