DP MAGAZINE Year 9 Issue 52

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SPANISH & GERMAN EDITION dp52 Dic-Ene 2009-10 1euro

Costa de sa Pols, 6 local 16_07003 Palma de Mallorca t. +34 971 72 78 90 revistadpalma@yahoo.es / info@d-palma.com www.d-palma.com Editor y Director Creativo / Herausgeber und Creative Director Gori Vicens Coordinador de Redacción / Redaktionsleiter Joan Vich Montaner Redacción alemán / Deutsche Redaktion Alexandra Wilms - media & more s.l.

Diseño y maquetación / Design und Layout doctormari.com Publicidad / Werbung Tito Fuster 677 42 95 42 Colaboradores / Freie Mitarbeiter Manuela Redondo, Elisa Reus, Miquel Orfila, Dani Nicolau, Joan Cabot, Magda Albis, Andrés Castaño, Xisco Martorell, Fernando Gómezdelacuesta, Cristina Bugallo, Ana Arenas, Elisa Domenech, Cati Bestard, Mireia Font, Daniel Canchado, Marcos Jávega, Marcos Augusto, Bárbara Celis (New York) Fotografía / Fotografie Xevi Castejón, J.Alsina Ferrando, Concha Jeréz y Gori Vicens Reservados todos los derechos, prohibida la reproducción total o parcial de los artículos, fotografías, ilustraciones y demás contenidos, sin permiso previo del editor.

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Fotografía de portada/Fotografie Titelseite Sherihan actrice Ágyptienne (París Photo’09)

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Ilustraci贸n Gerard Armengol

Carolina, 2002

Gabriel Ramon Històries de cossos, rostres i temps

Geschichten von Körpern, Gesichtern und Zeit

Després de tants d’anys de viure a la nostra ciutat, resulta curiós pensar en l’origen francès de Gabriel Ramon –nascut a França, de pare mallorquí i mare italiana–, en la seva condició d’estranger resident a Mallorca. Gabriel Ramon és un artista vinculat a la nostra terra i és considerat de manera unànime com un mestre del retrat, fet a partir d’un excepcional domini de la llum, però també amb una extraordinària capacitat d’aproximació als homes i a les dones que es posen davant el seu objectiu i que li permeten contar “històries de cossos, rostres i temps”, impensables potser a partir d’altres mitjans creatius.

Històries que, en aquest cas, ens resulten molt properes, fins i tot familiars.

Els que vivim a Palma reconeixerem en aquests retrats episodis de les nostres pròpies vides per haver mantingut algun tipus de vinculació amb els retratats: amics, veïns, coneguts, visitants... Però, en qualsevol cas, els qui s’acostin al treball de Gabriel Ramon el que hi descobriran és la mirada d’un creador que ha recollit la gran tradició documental i artística de la fotografia, de l’art d’escriure i de pintar amb la llum.

L’obra de Ramon no és una simple galeria de fotos. Ocult rere el seu objectiu, ha anat creant una obra intemporal a la qual sorprèn el gran domini dels recursos tècnics, però també la seva sobrietat, la capacitat per transmetre emocions o captar l’esplendor o la decadència del rostre humà. Podria dir-se que, a la seva manera i des del reduït àmbit d’un petit estudi en una illa mediterrània, construeix i articula la seva particularíssima història de l’Home, el seu retrat.

La mostra “Gabriel Ramon. Històries de cossos, rostres i temps” ens permet revisar l’obra d’aquest retratista excepcional d’estil inconfusible, alhora que completa la suggestiva programació que des de fa anys desenvolupa el Casal Solleric amb exposicions de fotografia tan significatives com “Ferdinando Scianna. Les formes del caos”, “Robert Capa. Els rostres de la història”, “Henri Cartier-­Bresson.

Europeus”, “Werner Bischof 1916-1954”, “Elliott Erwitt. Retrospectiva”, “Martín Chambi”, “Reuters mira el mundo”, “Richard Kalvar. Retrospectiva”, “Martin Parr.

Assorted Cocktail” o “Malick Sidibé. Retrats”, entre d’altres.

Nachdem er seit so vielen Jahren in unserer Stadt lebt ist es irgendwie seltsam, sich den französischen Ursprung von Gabriel Ramon – geboren in Frankreich, Vater Mallorquiner und Mutter Italienerin – vor Augen zu führen und damit seinen “Ausländerstatus” auf Mallorca. Gabriel Ramon ist als Künstler mit unserer Insel verbunden und wird einstimmig als Meister des Porträts gefeiert – nicht zuletzt wegen seiner außergewöhnlichen Begabung für Belichtung, aber auch wegen seiner Fähigkeit, sich den Männern und Frauen vor seiner Linse zu nähern und ihnen Gelegenheit zum Erzählen von “Geschichten von Körpern, Gesichtern und Zeit” zu geben – das wäre bei anderen kreativen Medien undenkbar.

Die Geschichten erscheinen uns in diesem Fall sehr bekannt, fast schon familiär.

Wir Bewohner von Palma erkennen in diesen Porträts Episoden unseres eigenen Lebens, denn jeder ist den Porträtierten auf die eine oder andere Weise verbunden: Freunde, Nachbarn, Bekannte, Besucher... Eines steht fest: Wer sich dem Werk Gabriel Ramons nähert, entdeckt den Blick eines Künstlers, der auf eine lange dokumentarische und künstlerische Tradition in der Fotografie zurückblicken kann: der Kunst, mit Licht zu schreiben und zu malen.

Das Werk Ramons ist nicht einfach eine simple Fotogalerie. Hinter seinem Objektiv versteckt hat er ein zeitloses Werk geschaffen, das durch die Beherrschung der technischen Mittel überrascht, aber auch durch seine Schmucklosigkeit, die Fähigkeit, Emotionen und den Glanz und Verfall des menschlichen Gesichts zu vermitteln. Man könnte sagen, dass er aus dem begrenzten Raum eines kleinen Studios auf einer Mittelmeerinsel seine ganz eigene Menschheitsgeschichte konstruiert und artikuliert: das Porträt des Menschen.

Die Ausstellung “Gabriel Ramon. Geschichten von Körpern, Gesichtern und Zeit” erlaubt dem Betrachter, das Werk und den unverwechselbaren Stil dieses außergewöhnlichen Porträtkünstlers umfassend zu genießen. Gleichzeitig ergänzt sie hervorragend das suggestive Programm, welches das Casal in Sachen Fotografie schon seit Jahren mit großartigen Ausstellungen wie “Ferdinando Scianna. Die Formen des Chaos”, “Robert Capa.

Die Gesichter der Geschichte”, “Henri Cartier-­Bresson. Europäer”, “Werner Bischof 19161954”, “Elliott Erwitt. Retrospektive”, “Martin Chambi”, “Reuters blickt auf die Welt”, “Richard Kalvar. Retrospektive”, “Martin Parr. Assorted Cocktail” oder “Malick Sidibé. Porträts” bietet.

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Por/Von Elisa Reus

Neurona

Un primer motor inmóvil

Hay un punto en el que la separación entre lenguaje y emisor se pierde de vista, en el que música e instrumento se convierten en simples palabras que poco sirven para definir aquello de lo que verdaderamente estamos hablando. Hablamos de ceros y unos, hablamos de computación, de sonido, de geometría y, en última instancia, de geodesia.

Pedro Servera, Neurona, lleva años trabajando en el semianonimato, a solas, en su casa, sin apenas mostrar el resultado de su trabajo excepto en contadas ocasiones -la última, en Es Baluard, durante la presentación del libro ‘Porcs, Mirades tallades’editado por DPalma-. Tras su paso por Plan 9, abandonó el rock ortodoxo y empezó a experimentar con la música ambient, militando en CtrlAltSupr y Submundo Ameboide. “Siempre me han interesado los ambientes, lo onírico. Me atraen las reverberaciones, las emulaciones de espacio. En mi caso, va con el tempo interior”.

Desde hace años trabaja en solitario, versión ermitaño. “Es una vida más fácil, sin la presión de tener que mostrar mi trabajo”. La imagen ha ganado importancia en sus creaciones y ya no toca instrumentos, los crea. Más o menos. “Es algo más complejo que darle al play a un secuenciador”, cuenta. “Más que componer música, yo programo. Creo un motor que genere sonido e imágenes por sí mismo”. El resultado cae en un campo neutro entre la no-música y la instalación sonora. “Me gusta trabajar a partir de un concepto, desarrollarlo, crear imágenes para luego poder modificarlas en tiempo real. ¿No-música? Es sonido. De igual forma que te puede gustar escuchar el sonido de los pájaros o el mar, yo creo imágenes sonoras que te llevan a algún sitio. No creo que lo que hago se parezca al ambient de Brian Eno, mi música es más oscura y obsesiva”.

Arte abstracto: Neurona parte de conceptos filosóficos para crear ecosistemas sonoros autónomos en los que la más mínima intervención de su creador produce efectos hasta cierto grado imprevisibles. “Reflexiono sobre conceptos como un primer motor inmóvil o la música de las esferas. Últimamente trabajo sobre la idea de la expansión del universo”.

Esoterismo o ciencia. A veces resulta difícil distinguir uno de otro.

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Der erste unbewegliche Motor An einem bestimmten Punkt verliert man die Trennung von Sprache und Sender aus den Augen, werden Musik und Instrument zu simplen Wörtern die das, von dem wir wirklich sprechen, nicht definieren können. Die Rede ist von Nullen und Einsen, von Informatik, Sound, Geometrie und nicht zuletzt von Vermessung.

Pedro Servera, Neurona, arbeitet seit Jahren in der Halbanonymität, alleine, in seiner Wohnung, praktisch ohne das Ergebnis jemals der Öffentlichkeit vorzustellen – von wenigen Ausnahmen abgesehen. Die letzte dieser Ausnahmen war sein Auftritt auf der Buchvorstellung von ‘Mirades tallades’ im Es Baluard. Nach seinem Ausstieg bei Plan 9 ließ er auch vom orthodoxen Rock ab und begann, mit Ambient-Musik zu experimentieren, arbeitete mit CtrlAltSupr und Submundo Ameboide. “Atmosphärisches und träumerisches hat mich immer schon gereizt. Ich mag Rückstrahlungen, Emulationen des Raumes. In meinem Fall nach meinem inneren Tempo.”

Seit Jahren arbeitet er jetzt allein, Einsiedler-like. “Das Leben ist einfacher so, ohne diesen Druck, meine Arbeit vorzeigen zu müssen”. Das Bild ist in seinen Schöpfungen immer wichtiger geworden, und er spielt keine Instrumente mehr, sondern erschafft sie. Mehr oder weniger.

“Es ist schon etwas komplexer, als den Play-Knopf am Sequenzer zu drücken”, erklärt er. “Ich programmiere eher, als das ich Musik komponiere. Ich erschaffe einen Motor, der selbstständig Sound und Bilder generiert”. Das Ergebnis lässt sich auf einem neutralen Feld, irgendwo zwischen Nicht-Musik und Toninstallation verorten. “Ich arbeite gerne von einem Konzept ausgehend, ich entwickle, schaffe Bilder, um sie dann in Echtzeit zu verändern. Nicht-Musik?

Es sind Klänge. Genauso wie dir der Klang der Vögel oder des Meeres gefallen kann, erschaffe ich Tonbilder, die dich an einen bestimmten Ort versetzen. Ich denke nicht, dass meine Arbeit dem Ambient von Brian Eno gleicht, meine Musik ist dunkler und obsessiver”.

Abstrakte Kunst: Neurona geht von philosophischen Konzepten aus und erschafft so eigenständige klangliche Ökosysteme, in denen schon ein minimales Eingreifen ihres Schöpfers Effekte auslöst, die bis zu einem gewissen Grad nicht vorhersehbar sind. “Ich denke über Konzepte nach wie den ersten unbeweglichen Motor oder Sphärenmusik. In letzter Zeit beschäftige ich mich mit der Expansion des Universums”. Esoterik oder Wissenschaft sind manchmal schwer auseinander zu halten.

Por/Von Joan Cabot

Miquel Moya

Pau Arévalo

El mejor comic “jove” de Balears viaja a Barcelona Los mejores comics de los jóvenes de Balears ya están expuestos en Barcelona, la ciudad con más tradición en el ámbito de la historieta de todo el Estado y toda una referencia a nivel europeo. El Programa Cultural Art Jove una vez más ha sido el culpable que lo ha hecho posible. Desde el pasado 1 de diciembre el Espai Mallorca de la capital catalana acoge la exposición de las obras premiadas y finalistas del certamen de Cómic d’Art Jove 09.

Los jóvenes artistas que han presentado sus trabajos en Barcelona son: Miquel Moya, ganador del primer premio, Pau Arévalo y Juan Fran ganadores ex aequo del segundo premio y por último los tres finalistas, Beatriz Colom, Dani Triay y Javier Cruz. Todos los participantes son mallorquines excepto Dani Triay que es de Menorca. Los visitantes que se acerquen a la exposición además podrán ver en las pantallas instaladas en el recinto de la exposición el Video resumen del Art Jove 2009 con todos los eventos y finales de las distintas disciplinas artísticas; teatro, música, fotografía etc. Donde podrán contrastar la calidad de las obras presentadas a concurso.

Art Jove, con sus más de tres lustros de historia a sus espaldas, se ha convertido en una plataforma de lanzamiento muy consolidada para los jóvenes artistas de Baleares que quieren mostrar toda su sensibilidad y talento en las Islas o fuera de ellas, como en este caso. Y concretamente el certamen de Cómic es uno de los más veteranos con sus once ediciones de historia y de historietas

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El mundo del cómic en España no pasa por su mejor momento en cuanto al apoyo institucional. Carece de las ayudas públicas de las que goza el cine u otras disciplinas artísticas, y una facturación que no llega al 3% de la producción editorial del país. Por ello colaboraciones como la del Espai Mallorca y Art Jove, -que por cierto ya no es la primera vez que lo hacen-, son muy bien acogidas por los jóvenes dibujantes deseosos de abrirse camino.

Prueba de la calidad artística de los trabajos de la exposición, es que la obra del ganador del certamen, Miquel Moya estará presente otra vez en Barcelona muy pronto con motivo de la celebración del prestigioso Salón Internacional del Cómic de Barcelona 2010. También es interesante destacar que Balears se ha convertido en un feudo donde el mundo del cómic esta cobrando protagonismo año a año, prueba de ello es que dos de sus dibujantes más reconocidos como Max, y Tolo Seguí son los ganadores del Premio Nacional de Cómic 2007 y 2009 respectivamente además de jurados de este certamen.

Concentrar en un espacio físico valores como talento, sensibilidad artística y juventud creadora, es el mejor argumento para que os acerquéis al Espai Mallorca de Barcelona. La exposición permanecerá abierta hasta el 9 de enero.

Por/Von Elisa Reus

Foto realizada en la Biblioteca de Babel

Aníbal Guirado Ramón Giner

www.gdos.net

Del diseño aplicado al arte

Vom angewandten Design zur Kunst

“Aníbal y yo nos dedicábamos a lo mismo, cada uno por su lado”, explica Ramón Giner.

Cuando uno se iba de vacaciones le pasaba trabajos al otro y viceversa. Un día se unieron bajo el paraguas de Gdos y se especializaron en el diseño editorial y, en particular, en los catálogos artísticos. De ahí han venido las alegrías, como el premio Laus por el diseño del libro de la exposición Miró-Sert. “Está bien tener un reconocimiento, aunque nunca he creído mucho en los premios. Hay trabajos muy buenos que no se presentan y otros que sí que se presentan que no son tan buenos”.

“Es cierto que los libros tienen una estructura prefijada, que es la que funciona”, comenta Ramón. “Pero con los catálogos de arte puedes ser más personal, debes captar el universo del artista, reflejar su estilo. Lo que sí hay que tener siempre claro es que el protagonista es el trabajo del artista. El diseño no puede estar por encima del contenido”. Su último trabajo ha sido ‘Porc, Mirades Tallades’ editado por DPalma y coeditado por IEB, en el que han podido manejar las fotografías de Gori Vicens, las pinturas de Albert Pinya y los textos de Andreu Manresa con total libertad. “Había más con lo que jugar. No teníamos ni idea de lo que nos íbamos a encontrar.

Aquí sí que tuvimos que inventar, porque no había una estructura o un guión. Nuestra intención era que todo formara parte de un mismo hilo conductor, así que no tuvimos más remedio que cortar el texto de Manresa, porque no lo queríamos al principio, separado de las fotografías e ilustraciones. El diseño es bastante anárquico, con el texto incrustado y acompañando las imágenes, con algunas frases ampliadas... Nos dieron libertad total”. El resultado amplifica la esencia del libro, dedicado a la sacrosanta mezcla de carne y vísceras.

Aníbal Guirado y Ramón Giner disfrutan con su trabajo. “Yo había trabajado en galerías de arte, y cuando la obra de un artista te interesa te involucras mucho más en el proyecto”.

“Aníbal und ich arbeiteten jeder für sich an den gleichen Sachen”, erklärt Ramón Giner. Wenn einer in Urlaub ging, überließ er dem anderen Arbeit und umgekehrt. Eines Tages taten sie sich als Gdos zusammen und spezialisierten sich auf Printdesgin – genauer gesagt auf das Entwerfen von Kunstkatalogen. Und das war offensichtlich eine gute Entscheidung, wie unter anderem der Laus-Preis beweist, den sie für die Gestaltung des Katalogs der Miró-Sert-Ausstellung überreicht bekamen. “Die Anerkennung tut gut, auch wenn ich nie sonderlich an solche Preise geglaubt habe. Es gibt sehr gute Arbeiten, die nicht an Wettbewerben teilnehmen – und andere, die teilnehmen, sind nicht so gut.”

“Natürlich haben Bücher eine vorgegebene Struktur, nämlich die, die sich bewährt hat”, so Ramón. “Aber Kunstkataloge sind da persönlicher in der Gestaltung, du musst das Universum des Künstlers erfassen, seinen Stil widerspiegeln. Man darf nicht aus den Augen verlieren, dass die Arbeit des Künstlers im Mittelpunkt steht. Das Design darf nicht über dem Inhalt stehen.” Ihr neuestes Werk ist ‘Porc, mirades tallades’, in dem sie mit den Fotos von Gori Vicens, den Illustrationen von Albert Pinya und den Texten von Andreu Manresa vollkommen frei herumspielen konnten. “Das Material hätte für drei Bücher gereicht.

Wir hatten keine Ahnung, was uns bei diesem Buch überhaupt erwartet. Wir mussten also wirklich erfinden, es gab weder Vorgaben zur Struktur noch Skript. Wir wollten, dass alles einem roten Faden folgt. Deshalb blieb uns nichts anderes übrig, als die Texte von Manresa zu kürzen, denn wir wollten sie nicht an den Anfang stellen, ohne Bezug zu Fotos und Bildern. Das Design ist ziemlich anarchisch geworden, der Text ist eingebettet in die Fotos und Bilder, einige Sätze stechen groß hervor… wir hatten vollkommen freie Hand”. Das Ergebnis verstärkt noch einmal die Quintessenz des Buches, das der hochheiligen Vermischung von Fleisch und Eingeweiden gewidmet ist. Aníbal Guirado und Ramón Giner hat die Arbeit offensichtlich Spaß gemacht. “Ich habe auch schon in Kunstgalerien gearbeitet, und wenn dich die Arbeit eines Künstlers interessiert, bringst du dich viel mehr in das Projekt ein”.

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Por/Von Joan Cabot

Neus Pastor L’ull de l’ànima Autodidacta, inquieta i humana. Pot resultar presumptuós intentar definir a una persona en tres paraules, no és la intenció, però s’acosten a la personalitat i a l’obra de la fotògrafa Neus Pastor.

L’auto aprenentatge ha estat fonamental per a aquesta artista que mira als ulls de la gent i així ho demostra la seva obra “Rostres”, en la qual cerca l’ànima de les persones.

“Pot ser és excessiu pensar en capturar l’ànima en tan sols un segon, però diu tant d’una persona...”, i ho afirma fluixet per si resulta massa profund el caire de la reflexió, però veient les fotografies, els ulls ens fan pensar en històries i en persones.

I això és el que cerca, persones, i les troba a prop seu i també les cerca enfora, a la Índia, d’on són bona part de les 200 fotografies que té la seva sèrie “Rostres”. Les ha exposat a sales de Mallorca i Berlín. També a La Fàbrica de Barcelona, on realitzà un muntatge en format vídeo en el qual afegí una altra bateria d’imatges d’un dia plujós a la Índia. Va anar allà cercant moviment i sensacions, que és el mateix que vol per la seva obra i que expressa en una peça que té exposada ara a la sala Whitebox de Munich, on ha experimentat amb una nova tècnica d’impressió sobre tela formant un collage en blanc i negre. L’obra forma part d’una exposició col·lectiva, en format de subhasta, en la qual els beneficis són per a hospitals a Palestina.

“Tu ets el petit príncep”, li digueren uns nens a Guatemala als que Neus donava classes, “cerques altres móns, respectes la diferència”. I així continua, amb nous projectes ara amb una càmera Hassel a les mans (ha deixat el digital, torna a l’analògic), i dóna pistes però encara no té data de finalització de les pròximes obres: puzzle, mans... Confiem en els resultats, mentre youtube i internet en permeten gaudir-ne.

Das Auge der Seele Autodidaktisch, ruhelos und menschlich. Eine Person mit nur drei Wörtern zu beschreiben kann überheblich wirken, ist in diesem Fall aber nicht die Absicht: Sie beschreiben treffend die Persönlichkeit und die Arbeit der Fotografin Neus Pastor.

Der autodidaktische Lernprozess war ein wesentlicher Faktor für diese Künstlerin, die den Menschen in die Augen schaut – ihre Arbeit “Rostres” (Gesichter), in der sie die Seele der Porträtierten darstellen will, beweist das deutlich. “Es ist vielleicht vermessen, die Seele eines Menschen in einer einzigen Sekunde festhalten zu wollen, aber diese Sekunde sagt so viel über die Person aus...”, erklärt sie mit leiser Stimme, als könne diese Überlegung zu tiefgründig wirken – doch die Augen der Fotografierten erwecken im Betrachter Geschichten und Personen zum Leben.

Genau das will sie ablichten: Menschen, die sie in ihrer nahen Umgebung und in weiter Ferne trifft, in Indien, wo ein Großteil der 200 Aufnahmen aus der Serie “Rostres” entstand. Die Fotos hat sie bereits in Ausstellungen auf Mallora und in Berlin gezeigt. In La Fábrica in Barcelona verwirklichte sie eine Video-Montage, in der sie eine weitere Reihe von Aufnahmen eines Regentages in Indien hinzufügte. In Indien suchte sie Bewegung und Empfindung, zwei Elemente die sie auch in ihrem eigenen Werk zum Ausdruck bringen will. So wie auf dem Bild, das in der Whitebox in München ausgestellt ist: hierfür hat sie mit einer neuen Technik von Druck auf Leinwand experimentiert und so eine Schwarz-Weiß-Collage erschaffen. Das Werk ist Teil einer Gruppenausstellung, die Arbeiten werden zugunsten von Krankenhäusern in Palästina versteigert.

“Du bist der Kleine Prinz”, erklärten ihr Kinder in Guatemala, die sie dort unterichtete, “du suchst andere Welten und respektierst die Unterschiede”. Und genau so macht sie weiter, ihre neuen Projekte geht sie jetzt mit einer Hasselblad in den Händen an (von der Digitalfotografie ist sie zur analogen Aufnahme zurückgekehrt). Sie verrät zwar Bruchstücke, weiß aber noch nicht, wann das Ganze fertig sein wird: Puzzle, Hände... Wir freuen uns schon auf das Ergebnis, während Youtube und Internet uns bereits jetzt ihre Arbeiten bewundern lassen.

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Por/Von Elisa Domènech

Firmani

BAC! 09 Las cajas de Pandora

Die Büchsen der Pandorra

A lo largo de su historia, el Festival de Arte Contemporáneo de Barcelona, BAC!, ha logrado consolidarse como uno de los encuentros de Arte Contemporáneo más importantes de España y con una repercusión notable en el extranjero. Su décima edición está dedicada en su totalidad a la producción desarrollada por artistas mujeres de todo el mundo. No es ningún secreto que las temáticas de género siguen siendo un fuerte tema de debate en los últimos tiempos: diferencias en los tratos salariales, techos de cristal, distintas oportunidades laborales, discriminaciones más o menos veladas según el sexo. El hombre sigue aprovechando su ventaja histórica sobre las mujeres, una dominación que llevamos tan metida en los genes que cuesta sacarse de encima incluso cuando se es perfectamente consciente de su existencia.

El BAC! se une este año a la lucha con una propuesta que escapa de estereotipos para presentar una visión fresca, dinámica y movilizadora de la vinculación del género al mundo del arte, con el humor, la ironía y la divergencia como principales aportes dinamizadores.

La parte central del festival esta constituida por las selecciones de obras realizadas por cuatro comisariados invitados que se realiza en el CCCB. Macu Moran realizará una selección de alrededor de 70 artistas en video arte. Federica Matelli propone una selección de cinco videos realizados por artistas internacionales de generaciones, nacionalidades, y estilos distintos. Katerina Valdivia Bruch recuerda los temas de imágenes femeninas en dos instalaciones y un video. Associazione 22:37, nacida de la iniciativa de tres jóvenes comisarias y una artista, presentará una selección de obras en diversas disciplinas de seis artistas italianas.

Por último el Festival procura también crear una red que ponga en relación ciudades, personas, realidades diferentes a nivel nacional y transnacional. Bac! Redes contempla la participación de galerías de España y diversos países del mundo, cada espacio con la selección de un artista en el campo del video-arte.

Im Laufe seines Bestehens hat sich das Festival de Arte Contemporáneo Barcelona, BAC!, als eines der wichtigsten Treffen der zeitgenössischen Kunstszenen in Spanien etabliert und sich auch im Ausland Beachtung verschafft. Die zehnte Auflage des Kunstfestivals ist in diesem Jahr vollständig den Arbeiten von weiblichen Künstlern aus der ganzen Welt gewidmet. Dass das Geschlechterthema nach wie vor für erregte Debatten sorgt, dürfte dabei kein Geheimnis sein: Gehaltsunterschiede, Aufstiegsbarrieren, Zugangsbeschränkungen und eine mehr oder weniger verschleierte Diskriminierung sind nach wie vor aktuell. Männer haben immer noch einen historisch bedingten Vorteil gegenüber Frauen, und diese “Herrschaft” scheint dermaßen in unseren Genen festgeschrieben zu sein, dass es schwer fällt, das ganze abzustreifen – selbst, wenn man sich der Problematik vollkommen bewusst ist.

Das BAC! schließt sich dem Emanzipationskampf an: Mit einem Programm, dass den Klischees entkommen und eine frische und dynamische Sicht der Geschlechterfrager in der Kunstszene eröffnen will: humorvoll, ironisch und divergent.

Das Herzstück des Festivals bildet die Auswahl von Werken, die vier Gast-Kuratorinnen im CCBB präsentieren. Macu Moran hat sich für etwa 70 Videokünstlerinnen entschieden, Federica Matelli stellt fünf Videos von Künstlerinnen unterschiedlichster Alterstufen, Nationalitäten und Stilen vor. Katerina Valdivia Bruch nimmt weibliche Bilder in zwei Installationen und einem Video auf. Associazione 22:37, Produkt einer Initiative dreier junger Kuratorinnen und einer Künstlerin, präsentiert eine Auswahl verschiedener Disziplinen von sechs italienischen Künstlerinnen.

Zudem will das Festival auf nationaler und internationaler Ebene ein Netzwerk zwischen Städten, Menschen und unterschiedlichen Realitäten schaffen. Bei Bac! Redes sind zahlreiche Galerien aus Spanien und anderen Ländern der Welt vertreten, die jeweils einen Künstler aus dem Bereich Video-Kunst repräsentieren.

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Por/Von Miquel Orfila

Vanneraud Franรงoise

Ramos Yapci

http://wilhelmstaehle.com/wilhelm/

Wilhelm Staehle La extraña estética

Die seltsame Ästhetik des Wilhelm Staehle

Iba a titular este texto ¡El logo del champú Schwarzkopf engorilado!, pero reculé pensando que era en exceso efectista, así que me replanteé el asunto. Lo que sí puedo afirmar con rotundidad es que uno de los puestos ambulantes que más me llama la atención es el de las siluetas. No es nada espectacular, todo lo contrario: el guiri de turno se sienta mientras sufre más sofocado por la mirada de los transeúntes curiosos –a los que sólo les falta lanzarle unos cacahuetes- que por el foco que proyecta su sombra. Un proceso sencillo el de trazar el perfil, pero de enigmático resultado. Hay algo de magia en ese hueco reflejado en el lienzo. Esa plasmación revela un abismo personalizado, el acceso a la madriguera de conejo que conduce a otro lugar de nuestro yo. Y no es descabellado utilizar una imagen propia de Alice in Wonderland, dado que el universo creado por Wilhelm Staehle tiene que ver más con la imaginería decimonónica que con artefactos digitales de hoy. Vaya, de hecho, su trabajo sí podría considerarse digital por realizarlo a mano, a golpe de tijeretazo o uso del cutter con espíritu DIY, pero de acabado sofisticado y mensajes de contundencia punk.

El hombre que le da voz a las sombras Este artista/artesano (también confecciona pastillas de jabón) poco cuenta de sí mismo, sólo que es un ser deforme que despierta de su estado vegetativo para asustar a los bambinos. Y le creemos. Sabemos que uno de sus actos más recientes fue pasear su mostrenco aspecto por la prestigiosa Comic-Con de San Diego, meca del cómic, y por exposiciones en Nueva York.

Wilhelm Staehle rellena el espacio de la luz ausente con frases con doble sentido, juegos de palabras (steam punk con steam-punch) y otros retruécanos imprescindibles para crear el punchline. En su obra también hay chistes visuales, naïf a veces, surrealista otras (Terry Gilliam). Todo, en el diminuto dintorno de un espacio opaco. ¡Quién hubiera dicho que cabía tanta crueldad concentrada en un tableautin!

Taxidermista de la mojigatería burguesa A través de sarcásticas sombras chinescas y escenas de cuentos infantiles tenebrosos es capaz de transformar la miseria victoriana en humor cáustico, disolver la gravedad de la atmósfera dickensiana aportando mordaz frescura. En sus sutilezas más siniestras me recuerda a las desazones sufridas por los críos de Edward Gorey (“Y si muero antes de despertar… por favor, llévate a mi hermana también”), otras veces a Banksy por la inmediatez de su consigna gracias a su fuerza icónica y economía narrativa. Nos sorprende con referencias a la cultura pop (Victorian Delorean), descontextualizando las obras de los paisajistas románticos e inyectando cinismo en escenas falsamente bucólicas.

En suma, lo que Wilhelm Staehle nos viene a contar es que las sombras ni son inútiles ni están vacías, son un corpus a rellenar, una extensión donde otro firmamento continúa en desarrollo. Ahorra 30 dólares, acelera tus lecciones de inglés y adquiere una de sus piezas.

Tu casa lucirá con más gracia que con un impersonal cacharro de Ikea pero, ah, una cosa, el sentido del humor no se puede comprar.

Eigentlich wollte ich diesen Text mit Das mutierte Schwarzkopf-Logo betiteln, aber irgendwie erschien mir das dann doch zu reißerisch, also habe ich mich noch mal umentschieden. Fest steht: Eine der Straßenkünste, die mich am meisten faszinieren, ist der Scherenschnitt. An sich nicht spektakulär, eher im Gegenteil: Irgendein Ausländer nimmt Platz, leidet mehr unter den aufdringlichen Blicken der Passanten (die kurz davor sind, ihm Erdnüsschen zuzuwerfen) als unter dem Licht des Schweinwerfers, das seinen Schatten auf ein Stück Papier wirft. Das Nachzeichnen des Umrisses ist einfach, das Ergebnis aber geheimnisvoll. Die Leerstelle auf der Leinwand verströmt eine gewisse Magie. Diese Darstellung ist eine Art personalisierter Abgrund, der Zugang zu einem Kaninchenbau, der uns zu einem anderen Ort unseres Ichs führt. Die Verwendung eines Bildes aus Alice im Wunderland ist dabei nicht abwegig, denn das Universum von Wilhelm Staehle hat mehr Ähnlichkeit mit der Bildlichkeit des 19. Jahrhunderts als mit den digitalen Artefakten unserer Zeit. Obwohl, eigentlich kann seine Arbeit sehr wohl als digital im besten Wortsinn verstanden werden, denn er arbeitet von Hand, mit der Schere oder dem Cutter im Do-it-yourself-Stil, wenn auch in hochwertiger Endausführung und mit einer geradezu punkig-schlagkräftigen Message.

Der Mann, der den Schatten eine Stimme verleiht Der Künstler/Kunsthandwerker (er gestaltet auch Seifenstücke) gibt wenig von sich selbst preis, außer dass er ein missgestaltetes Wesen ist, das nur aus seinem vegetativen Zustand erwacht, um kleine Kinder zu erschrecken. Und wir glauben ihm das. Zuletzt soll er sein verlottertes Äußeres über die Comic-Con in San Diego, dem Mekka des Comics, und durch diverse Ausstellungen in New York geschleppt haben.

Wilhelm Staehle füllt die Stelle des abwesenden Lichtes mit doppeldeutigen Sätzen, Wortspielen (steam punk wird zu steam-punch) und anderen unverzichtbaren Kalauern, um so die Pointe zu setzen. In seinen Werken finden sich auch visuelle Gags, manchmal naiv, manchmal surreal (Terry Gilliam). Und das alles in dem winzigen Bereich des schwarzen Raumes. Wer hätte gedacht, dass so viel konzentrierte Grausamkeit in ein kleines Bildchen passt!

Präparator bürgerlicher Bigotterie Mittels sarkastischer Schattenspiele und Szenen aus finsteren Kindergeschichten gelingt es Staehle, das viktorianische Elend in ätzenden Humor zu verwandeln, die Schwere der Dickenschen Atmosphäre durch bissige Frische aufzulösen. Seine unheimlichsten Subtilitäten erinnern mich mal an das Unbehagen, das die Kinder von Edward Gorey erleiden mussten (“Und wenn ich vor dem Aufwachen sterben sollte…nimm bitte auch meine Schwester mit“), mal an Bansky, wegen der Unmittelbarkeit seiner starken Ikonographie und Erzählökonomie. Er überrascht mit Referenzen an die Pop-Kultur (Victorian Delorean), dekontextualisiert die Werke der romantischen Landschaftsmaler, indem er Zynismus in fälschlich bukolische Szenen injiziert.

Alles in allem erzählt uns Wilhelm Staehle, dass Schatten weder nutzlos noch leer sind, sie sind zu füllende Körper, eine Erweiterung, in der ein anderes Firmament in Entwicklung begriffen ist.

Spar 30 Euro, mach hinne mit dem Englischkurs und kauf dir eines seiner Werke. Verleiht deiner Wohnung definitiv mehr Charme als eine unpersönliche Ikea-Vase, aber, achja, eine Sache: Den Sinn für Humor kann man leider nicht kaufen.

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Por/Von Dani Nicolau

Sophie Truant Un petit crayon Suelen ser nuestras propias cosas, las más cercanas, las que nos definen con mayor exactitud y las que van componiendo nuestros valores más íntimos y elementales; las que, a pesar del tiempo que llevamos compartido con ellas, resultan más difíciles de transmitir, de explicar. Es posible, también, que por el minucioso conocimiento que tenemos de las mismas y porque afectan de manera evidente a nuestra verdadera esencia, no seamos capaces de describir –con otro medio que no sea el de la emoción sentida- la totalidad de sus recovecos, lo insondable de sus contenidos. Un tránsito comunicativo en el que algunos de estos conceptos se van difuminando, a veces por pudor, otras sin que sepamos la verdadera razón, gracias a unas veladuras interpuestas que impiden, incluso al observador atento, percibir con claridad todos los matices de nuestros propios sentimientos.

Quizás en muchas ocasiones nos perdamos en la forma sin encontrar la manera, nos enredemos en la técnica sin hallar el medio, nos obcequemos en el fin sin saber el modo, cuando, en realidad, las emociones más primarias, los contenidos más elementales y nuestros valores más puros, requieran unas maneras, unos medios y unos modos lo más directos y sencillos posibles, tratando de perder lo mínimo en las curvas del camino. Y es que, cegados como estamos por esta omnipotencia tecnológica que parece permitirnos alcanzar cualquier cosa, a veces es un lápiz y un papel la forma más adecuada para transmitir la pureza y la sencillez de lo verdaderamente importante.

Sophie Truant se vale de la simplicidad de los medios que emplea, del dibujo cotidiano, de la línea sin barroquismos innecesarios, del color sin sofisticaciones y de la exquisita austeridad de sus materiales, para transmitir de la forma más certera sus propias emociones, lo que oye, lo que lee, lo que mira. Dibuja –escribe- sobre las cosas extrañas, normales, inquietantes o anodinas que encuentra en su entorno más inmediato, en su ámbito familiar: la maternidad, la herida, el sexo, lo interior, la trascendencia, lo orgánico, lo endógeno o las creencias, son objetos de un lenguaje en permanente evolución que se enriquece a medida que avanza, un abecedario cuya semántica se puede obtener con cada elemento, uniendo las letras, formando palabras, creando frases, una escritura, a veces automática, que se mueve en esa frontera, que frecuentamos a diario y que termina definiéndonos, entre lo que nos fascina y lo que nos repele.

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Meist sind es unsere eigenen, uns am nächsten stehenden Sachen, die uns am treffendsten definieren und die unsere innersten und elementarsten Werte ausmachen; diejenigen Dinge, die – obwohl wir schon so viel Zeit mit ihnen verbringen – am schwersten zu vermitteln oder zu erklären sind. Vielleicht ist auch das minutiöse Wissen, das wir von ihnen haben, oder die Tatsache, dass sie den Inbegriff unserer selbst anrühren können, dafür verantwortlich, dass wir sie nicht (ohne Rückgriff auf erlebte Emotionen) in der Ganzheit ihrer Windungen, der Unergründlichkeit ihrer Inhalte beschreiben können. Ein kommunikativer Transit, in dem einige dieser Konzepte sich verlaufen, manchmal aus Scham, andere ohne dass wir den wirklichen Grund dafür kennen; all dass dank einer dünnen Schicht die es selbst dem aufmerksamen Beobachter verbieten, all die Nuancen unserer eigenen Gefühle klar zu erfassen.

Oft verlieren wir uns in der Form, ohne die Art und Weise zu finden; verwickeln wir uns in der Technik, ohne das Medium zu entdecken; lassen wir uns vom Ziel blenden, ohne das Mittel zu kennen; obwohl es in Wirklichkeit darauf ankommt, die unmittelbarsten Gefühle, die elementarsten Inhalte und unsere reinsten Werte auf möglichst direkten und simplen Wegen, Medien und Mitteln auszudrücken, um dabei nicht aus der Bahn geworfen zu werden. Und blind wie wir angesichts der technologischen Omnipotenz sind, die uns scheinbar alles ermöglicht, erkennen wir oft nicht, dass manchmal ein Bleistift und ein Stück Papier die adäquateste Form sind um die Reinheit und Schlichtheit des wirklich Wichtigen zu vermitteln.

Sophie Truant bedient sich einfacher Elemente - der schlichten Zeichnung, einer schnörkellosen Linienführung, Farben ohne viel Schnickschnack und einer wunderbaren Genügsamkeit in der Materialauswahl - um ihre eigenen Emotionen, das was sie hört, liest und sieht, zum Ausdruck zu bringen. Sie zeichnet und schreibt über seltsame, normale, beunruhigende und nichts sagende Dinge, die sich in ihrer unmittelbaren Umgebung oder ihrer Familie abspielen: Mutterschaft, Verletzungen, Sex, Seelenleben, Wichtiges, Organisches, Endogenes oder Überzeugungen sind die Gegenstände ihrer Sprache, die sich ständig weiterentwickelt und ständig besser wird. Sie benutzt ein ABC, dessen Semantik sich mit jedem Element besser erschließt, vereint Buchstaben, formt Worte, baut Sätze und so – manchmal ganz automatisch – eine eigene Handschrift innerhalb dieser Grenzen, auf die wir täglich stoßen und die uns schließlich definieren: Zwischen dem was uns fasziniert und dem, was uns abstößt.

Por/Von Gómezdelacuesta

Esther Ferrer

La transgresión no tiene edad für manches ist es nie zu spät El Espai Quatre inauguró en la pasada Nit de l’art una instalación de la artista Esther Ferrer.

No es a lo que nos tiene acostumbrados Neus Cortés, su comisaria, cuya línea de actuación es seleccionar con muy buen ojo a jóvenes artistas que están consolidando sus carreras, como Javier Pérez o Germán Gómez, pero no podemos más que felicitarnos por que la artista vasca Esther Ferrer (San Sebastián, 1937) nos presente un trabajo suyo.

Poco conocida en nuestro país, es una de las pioneras de la performance. Instalada en París desde la década de los setenta, en una suerte de autoexilio, su obra ha gozado de más popularidad fuera de nuestras fronteras que dentro. Formó el siempre poco reivindicado grupo ZAJ junto a Juan Hidalgo, convirtiéndose en un referente del arte conceptual patrio.

El descubrimiento de la obra de Ferrer tiene su culminación a finales de la década de los noventa, cuando representa a España, junto a Manolo Valdés, en la Bienal de Venecia en 1999, y culmina en 2008, cuando se le concede el Premio Nacional de Artes Plásticas.

El trabajo que podemos ver en el Solleric lleva el sugerente título de “La parte de los ángeles”, expresión que la artista extrae de la viticultura, donde en el proceso para la elaboración de los licores se dejan las barricas abiertas fermentando y a lo que falta, a lo que se evapora, se le denomina la parte de los ángeles. Y con un material muy simple y cotidiano como son los vasos, licores e hilo, crea una atmósfera muy sugerente y liviana que se integra en el menor de los espacios del Solleric. Así nos lo cuenta la artista: “hace algunos años decidí hacer una serie de instalaciones sobre este tema. Cuando visité por primera vez la cava del Casal Solleric, me vino a la mente inmediatamente esta expresión, y me encantó la idea de llenar este espacio con la mayor mezcla posible de vapores procedentes de todos los tipos de bebidas alcohólicas que pudiese encontrar”. En definitiva, con esta nueva entrega del Espai Quatre pasa lo mismo que con las anteriores; perdérsela no tiene perdón de dios. Ni de los ángeles.

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Der Espai Quatre stellte auf der vergangenen Nit de l’Art eine Installation der Künstlerin Esther Ferrer aus. Das sind wir von Kuratorin Neus Cortés nicht gewohnt, denn normalerweise sucht sie treffsicher junge Künstler aus, die sich erst am Anfang ihrer Karriere befinden, wie beispielsweise Javier Pérez oder Germán Gómez – doch zu diesem Bruch können wir ihr und uns nur gratulieren: Nur deshalb kamen wir in den Genuss des Werks der baskischen Künstlerin Esther Ferrer (San Sebastián, 1937).

In unserem Land relativ unbekannt, gilt sie als eine der Pionierinnen der Performance. Seit den 70ern lebt sie im glücklichen Selbstexil in Paris, und ihre Werke sind im Ausland wesentlich bekannter als in Spanien selbst. Gemeinsam mit Juan Hidalgo war sie Teil der avantgardistischen Band ZAJ, die sich schnell als Referenz schlechthin für spanische Konzeptkunst etablierte. Die Entdeckung des Werkes von Esther Ferrer beginnt Ende der 90er, als sie gemeinsam mit Manolo Valdés Spanien auf der Biennale in Venedig vertrat, und gipfelt in der Verleihung des Premio Nacional de Artes Plásticas 2008. Die im Solleric gezeigte Arbeit trägt den suggestiven Titel “La parte de los ángeles”, ein Begriff aus der Welt des Weinbaus: Bei der Herstellung von Likören werden die Fässer zum fermentieren der Flüssigkeit offen gelassen, und der Verdunstungsanteil wird von den Winzern “Engelsanteil” genannt. Mit alltäglichen Materialien wie Gläsern, Likören und Fäden erschafft sie eine suggestive und leichte Atmosphäre, die hervorragend mit dem kleinsten Ausstellungsraum des Solleric harmoniert. Die Künstlerin selbst erklärt es so: “Vor einigen Jahren beschloss ich, eine Serie von Installationen zu diesem Thema zu machen. Als ich den Keller des Espai Quatre zum ersten Mal betrat, kam mir sofort dieser Ausdruck in den Sinn, und die Idee diesen Raum mit so vielen verschiedenen Alkoholdünsten wie möglich zu erfüllen gefiel mir sofort.” Für die aktuelle Ausstellung im Espai Quatre gilt das gleiche wie für die vorherigen: Wer sie verpasst, dem wird nicht verziehen. Auch nicht von den Engeln.

Por/Von Marcos Augusto Foto Concha Jeréz

The last cigarette

Never grow up

Cefalu Orange Yellow Blue

Fille aux tabourets

Untitled, St. Petersburg, Russia

ParisPhoto 2009 What’s on in Photography Un año más, París ha sido la ciudad del mundo más fotografiada y con más fotografías expuestas por metro cuadrado durante la semana de su feria de fotografía anual. Sus galerías, sus museos y sus calles -especialmente el Carrousel del Louvre, donde se han situado las salas de exposicionesse han visto inundadas por el arte fotográfico de, una vez más, la feria de la fotografía más importante del mundo: el París Photo 2009.

Este año París Photo ha destacado por la diversidad de países participantes, en total 89 galerías y 13 editoriales de 23 países. Un 75% de participación extranjera y 31 nuevos expositores. Líbano, Marruecos, Portugal, Rusia, Túnez y los Emiratos Árabes son los nuevos países que este año se han incluido en este París Photo. Se ha prestado determinante atención a los países árabes y, sobre todo, a la fotografía iraní. Los más de 38.000 espectadores que este año han pasado por las salas de exposiciones han podido visitar, de la mano de Catherine David –comisaria de la sección especial-, exposiciones que les han llevado a descubrir la escena fotográfica de ese país y de la ciudad de Beirut, mientras que fotógrafos emergentes de la región han expuesto sus trabajos conjuntamente con los fotógrafos más internacionales. 102 expositores se han presentado en esta convocatoria enseñando el panorama fotográfico mundial. Expresiones artísticas desde comienzos del siglo XIX hasta el tiempo actual. Este año, en su sexta edición, el premio BMW-ParisPhoto 2009, dotado en 12.000 euros, ha recaído en Karijn Kakebeeke.

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Wieder einmal war Paris während der jährlichen Fotografie-Messewoche die meist fotografierte Stadt – und die mit den meisten ausgestellten Fotos pro Quadratmeter.

Anlässlich der ParisPhoto 2009, der weltweit wichtigsten Foto-Messe überhaupt, wurden Galerien, Museen und Straßen – vor allem auch die Ausstellungssäle des Carrousel du Louvre – von Foto-Kunst schier überschwemmt. In diesem Jahr fiel vor allem die Vielfältigkeit der teilnehmenden Länder ins Auge: insgesamt waren 89 Galerien und 13 Verlage aus 23 Ländern mit dabei, 75 Prozent der Teilnehmer kamen aus dem Ausland, 31 neue Aussteller präsentierten sich. Libanon, Marokko, Portugal, Russland, Tunesien und die Arabischen Emirate waren in diesem Jahr zu ersten Mal auf der PhotoParis vertreten. Im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit standen die arabischen Länder und vor allem die iranische FotografieSzene. Mehr als 38.000 Besuchern wurde in den Ausstellungsräumen die FotografieSzene des Landes und der Stadt Beirut vorgestellt. Catherine David, die Kuratorin der Sonderausstellung, hat neben bekannten internationalen Künstlern auch Neuentdeckungen aus dem Iran einen Platz eingeräumt. 102 Aussteller haben in diesem Jahr das ganze Panorama internationaler Fotografie gezeigt: Kunstwerke vom Beginn des 19. Jahrhunderts bis heute. Der diesjährige BMW-ParisPhoto-Preis, der bereits zum sechsten Mal vergeben wurde, ging an Karijn Kakebeeke.

Por/Von Gori Vicens

The Red Purse, From the series- Sparrow Lane

www.lahistoriadelapublicidad.com

Sergio Rodríguez Historia del Planeta

Die Geschichte des

Conocemos mejor los tejemanejes del mundo de la publicidad gracias a la triunfante serie “Mad Men” que, a pesar de las licencias de la ficción, expone vía dramaturgia lo que los publicitarios llaman la revolución creativa de los 60s. En su flamante libro “Busque, compare y si encuentra un libro mejor, ¡cómprelo!”, Sergio Rodríguez (Mahón, 1973) consigue con creces sintetizar la historia de la publicidad desvelando su origen, su desarrollo y, por tanto, su naturaleza. Hablamos de lo promocional y lo divino con él, responsable de Creaciona y Neimin, dedicada a la creación de marcas nominativas.

En tu libro se hace un exhaustivo repaso a las campañas que más han marcado nuestra vida y que, sin duda, se han convertido en referentes vitales. ¿Qué es lo que ha perdido o ganado la publicidad en todos estos años?

La publicidad ha evolucionado con el tiempo, y normalmente hacia delante, para bien. Otra cosa es que temas como la tecnología queden por encima del mensaje publicitario, lo cual es un paso atrás. ¿Son mejores los anuncios que vemos ahora que los que veíamos hace 30 años?

Las circunstancias de mercado han cambiado. Hace 20 años un anuncio en TVE, único canal de televisión que había, te garantizaba un 90% de cobertura. Hoy, la diversidad de medios de comunicación beneficia a nuestro sector porque tenemos al público más segmentado e identificado, pero por otro lado nos complica enormemente llegar a todos con la misma intensidad. Por otro lado, antes la publicidad tenía un poder de convocatoria y de ensoñación que hoy en día no tiene. Además, se hace muy buena publicidad, pero quizás poco memorable, casi más de usar y tirar en muchos casos; una publicidad de “low cost”. ¿Qué es lo que tiene que tener un buen creativo publicitario?

Primero, olvidarse de que es un artista, pues no lo es. La publicidad no tiene nada que ver con el arte. Gran parte de los errores creativos de este país es su confusión y creerse más de lo que son. Un creativo es un profesional más. No se puede sacralizar.

La pregunta del millón: si tuvieras que quedarte con un anuncio, ¿cuál de entre los cientos de millones que existen cogerías y por qué?

No existe el mejor anuncio. Hay algunos a los que sí que les tengo especial admiración: el de Retevisión y la cabina de José Luis López Vázquez; el de “Calvo, claro”; la trayectoria de El Almendro; el calvo de la lotería; “Si no hay Casera, nos vamos...”. No hay un producto más difícil que otro. Con todos hay que hacer que se vendan. ¿Qué hay de cierto en la idea de que el publicista es un tipo sin escrúpulos? ¿Y el abogado? ¿Y el taxista? ¿Qué hay de cierto en ello? Evidentemente, nada. Supongo que aún sigue dando coletazos aquella publicidad de medicamentos milagrosos de hace poco más de 100 años. Por otro lado, si no existiera publicidad D-Palma costaría 15 euros al público en lugar de tenerlo gratis. Y así no sólo con todos los medios de comunicación del mundo sino también con gran parte de los espectáculos, ¿a que ya no huele tanto a azufre la publicidad? ¿Qué no le puede faltar a un buen anuncio?

Que venda. Cualquier otra cosa es un fuego artificial tras el cual sólo queda una cortina de humo.

Die erfolgreiche Serie “Mad Man” hat uns die Machenschaften der Werbewelt und die sogenannte kreative Revolution der 60er näher gebracht – zwar mit den üblichen Abstrichen der Fiktion, aber immerhin. In seinem neuen Buch “Busque, compare y si encuentra un libro mejor, ¡cómprelo!” (Suchen Sie, vergleichen Sie, und wenn Sie ein besseres Buch finden kaufen Sie es!) gelingt es Sergio Rodríguez (Mahon, 1973) auf’s Vorzüglichste, die Geschichte, Ursprung, Weiterentwicklung und somit das Wesen der Werbung an sich zusammen zu fassen.

Wir sprechen mit dem Chef von Creaciona und Neimin über Gott und die Werbung.

In deinem Buch besprichst du ausführlich Werbekampagnen, die unser Leben geprägt haben und die ohne Zweifel mittlerweile zum Kulturgut gehören. Was genau hat die Werbung in diesen Jahren verloren bzw. gewonnen?

Die Werbung hat sich mit der Zeit entwickelt, und zwar normalerweise zum Guten. Was anderes ist es, wenn Themen wie Technologie wichtiger werden als die Werbebotschaft, das ist eher ein Rückschritt.

Ist die Werbung die wir heute sehen besser als die von vor 30 Jahren?

Die Marktsituation hat sich geändert. Vor 20 Jahren garantierte dir eine Werbung auf TVE, dem damals einzigen Fernsehsender, eine Reichweite von 90 Prozent. Die Diversifizierung der Trägermedien kommt heute unserem Sektor zu gute, denn das Publikum ist zwar viel segmentierter und besser identifiziert, gleichzeitig aber auch viel schwieriger umfassend zu erreichen. Auf der anderen Seite hatte die Werbung früher eine Überzeugungskraft und Glaubwürdigkeit, die sie heute nicht mehr hat. Außerdem wird zwar gute Werbung gemacht, die aber nicht lange im Gedächtnis bleibt, “Einweg-Werbung” sozusagen, “low-cost”-Werbung.

Was muss ein guter Werber können?

Sich als erstes von dem Gedanken verabschieden, ein Künstler zu sein, das ist er nämlich nicht.

Werbung hat nichts mit Kunst zu tun. Ein Großteil der kreativen Irrtümer in diesem Land ist auf die Verwechslung dieser beiden Bereiche zurückzuführen. Ein Kreativer ist einfach nur ein Fachmann, das lässt sich nicht glorifizieren.

Die Millionenfrage: wenn du eine einzige Kampagne aus den Trilliarden existierenden aussuchen müsstest, welche wäre das und warum?

Die beste Werbung gibt es nicht. Ein paar bewundere ich wirklich: die von Retevisión mit José Luis López Vázquez und der Telefonzelle; die von “Calvo, claro”; die weiterentwicklung von El Almendro; der Glatzkopf aus der Lotterie; “Si no hay Casera, nos vamos…”. Es gibt keinen unterschiedlichen Schwierigkeitsgrad von Produkten, man muss sie alle an den Mann bringen.

Was ist dran an der Vorstellung, dass Werbeleuet skrupellos sind?

Und Anwälte? Und Taxifahrer? Wie skrupellos sind die? Natürlich gar nicht. Ich glaube dieses Vorurteil geht immer noch zurück auf die Werbung für dieses Wundermedikament von vor über 100 Jahren. Wenn es keine Werbung gäbe, würde die D-P 15 Euro kosten statt gratis auszuliegen. Und das gilt nicht nur für weltweit alle Medien, sondern auch für Theater oder Musical. Und schon ist Werbung nicht mehr ganz so anrüchig, oder?

Was macht eine gute Anzeige aus?

Dass sie verkauft. Alles andere ist Schall und Rauch.

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Por/Von Dani Nicolau

www.rubenimichi.com

Rubenimichi Triángulo de amor bizarro Bizarrer Dreier Hace ya un tiempo vi el cuadro “Juramento”, un retrato de la cantante Roberta Marrero rodeada de animales en un ambiente muy místico y muy suyo. Me encantó la obra y rápidamente busqué de quién era. Supe que Rubenimichi era -son- el autor del retrato.

Rápidamente me hice fan de ellos. Hace muy poquito inauguraron una exposición con el sugerente título de A-N-I-M-A-L en la Fresh Gallery de Madrid.

Vor einiger Zeit sah ich das Bild “Juramento”, ein Porträt der Sängerin Roberta Marrero mit Elementen des Stilllebens wie Schädel und totem Vogel, sehr mystisch und sehr eigen. Das Bild gefiel mir, und so begann ich meine Suche nach den Künstlern. Ich wusste, dass es von Rubenimichi stammt, zu deren Fans ich mich seither zähle. Vor kurzem eröffneten sie eine Ausstellung mit dem Titel A-N-I-M-A-L in der Fresh Galery in Madrid.

Rubenimichi son tres personas. ¿Cómo empieza la colaboración entre vosotros?

Pues empiezo a pintar yo (Michi). Tenía que participar en una exposición colectiva sobre Eurovisión y, como soy tan vago, le pedí ayuda a Rubén, que vivía conmigo. Así comenzó.

Y después, al cabo de siete años, se unió a nosotros Luis.

Y desde desde ese punto inicial hasta ahora, ¿qué es lo que ha pasado?

Ha sido un poco una evolución lenta buscando el estilo que queríamos, y que ahora vamos consiguiendo. Al principio era un poco un hobby. Íbamos haciendo cuadros e iban saliendo exposiciones, pero no era una cosa muy seria. No buscamos vender los cuadros, nos daba pena. Teníamos la casa llena y no nos queríamos deshacer de ninguno. Desde hace cinco años la cosa ha cambiado, podríamos decir que se ha profesionalizado. Ahora los queremos vender todos.

Participáis en Fast Gallery, vendéis en vuestra web, ¿cómo veis los cambios en la cadena de producción y venta del arte? Cada vez parece que está menos presente la galería.

A nosotros nos parece muy bien. El arte como negocio esta ahí. Somos un poco como Andy Warhol, hacemos arte pero nos interesa el arte comercial. No sólo queremos crear cosas, queremos que a la gente le guste tenerlas. Cuando te pagan un cuadro, de alguna forma te están reconociendo un trabajo.

Y para terminar, ¿qué nos encontramos en A-N-I-M-A-L? La exposición se llama A-N-I-M-A-L porque en los quince acrílicos que hay se da un juego entre lo humano y lo animal. Los animales adquieren facultades humanas y viceversa. Los hombres constituyen un juego para los animales.

Rubenimichi sind drei Leute. Wie kam es zu eurem Zusammenschluss?

Also, ich hab angefangen zu malen (Michi). Ich sollte an einer Gruppenausstellung zum Thema Eurovision teilnehmen, und da ich echt faul bin bat ich Ruben, mit dem ich zusammenwohnte, um Hilfe. So fing alles an. Und dann, nach sieben Jahren, stieß Luis zu uns.

Was ist so passiert seit euren Anfängen bis jetzt?

Unsere Evolution ist ziemlich langsam verlaufen, wir suchten lange nach unserem eigenen Stil, und den finden wir allmählich. Am Anfang war das mehr ein Hobby. Wir machten Bilder, und die wurden ausgestellt, aber wir haben das nicht sehr ernst genommen. Wir wollten die Bilder gar nicht verkaufen, das hätte uns Leid getan. Das ganze Haus war voll von Bildern, und wir wollten uns von keinem einzigen trennen. Vor fünf Jahren hat sich das geändert, man könnte sagen professionalisiert. Jetzt wollen wir alle verkaufen.

Ihr seid bei Fast Gallery dabei, verkauft auf eurer eigenen Website: Wie beurteilt ihr die Veränderung in Produktionskette und Verkauf von Kunst? Galerien scheinen zunehmend an Einfluss zu verlieren.

Die Veränderung finden wir gut. Nur so kann man mit Kunst auch Geld machen. Wir sind da ein bisschen wie Andi Warhol, wir machen Kunst, aber die kommerzielle Kunst interessiert uns ebenso. Wir wollen nicht nur Sachen erschaffen, sondern auch, dass die Leute diese gerne haben möchten. Wenn du für ein Bild Geld kriegst, ist das auch eine Form der Anerkennung für dein Schaffen.

Und zum Schluss: Was erwartet uns in A-N-I-M-A-L? Wir haben diesen Titel gewählt, weil die 15 Acrylbilder der Ausstellung das Humane und das Animalische nebeneinander stellen. Die Tiere erhalten menschliche Eigenschaften und umgekehrt.

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Por/Von Marcos Augusto

www.myspace.com/welovepetit

Petit VS Petit Querido Joan, No hay duda: Petit se ha hecho mayor. Si no hubiera crecido, nunca se hubieran escrito en la prensa que sus canciones “de pop elegante y riquísimo” (Looc Baleares) “alcanzan ese valor de universalidad” (Victor E. Conejo, Diario de Mallorca) y que tú, el piloto de este avión bautizado Petit, eres “un músico y un letrista que sabe encontrar la sonoridad y la referencia exacta para cada una de sus canciones” (Jordi Nopca, MondoSonoro). Así que te propongo una autoentrevista a lo Truman Capote. ¿Qué te parece la idea?

Lieber Joan, Jetzt steht es fest: Petit ist erwachsen geworden. Wäre er nicht gewachsen, hätte man in der Presse wohl kaum lesen können, dass seine “eleganten und köstlichen Pop-Songs” (Looc Balears) “diesen Zustand der Universalität erreichen” (Victor E. Conejo, Diario de Mallorca) und dass du, Pilot des Flugzeugs namens Petit, “ein Musiker und Songschreiber, der für jedes seiner Lieder die exakte Klangfülle und Referenz trifft” (Jordi Nopca, MondoSonoro) bist. Deshalb schlage ich dir an dieser Stelle ein Selbstinterview à la Truman Capote vor. Was hältst du davon?

Petit: ¿Quién eres?

Petit: De pequeño quería ser piloto de avión. Y músico. Viendo a los Tequila en Aplauso tuve claro que quería una tele (caster). Mis pelis favoritas eran “Aterriza como puedas” y “El imperio contraataca”. Las dos tienen un puntito tragicómico. Y la vida es un poco así. Primero aprendí a volar y, cuando ya tenía una tele, X me preguntó si lloraba cuando escribía canciones. Ya tenía mi tragicomedia: escribía canciones personales y X se las tomaba a cachondeo.

P: Pero, ¿por qué?

P: Todavía no lo sé. Me lo pregunto cada día. Tic, tac, tic, tac. Es la necesidad de objetivizar lo que me conmueve. Podría hablarte del vendedor de cacahuetes del mercado de al lado de mi casa que siempre lleva los calcetines desparejados, de cómo nació en la calle Bonavista y de cómo se quedó ciego viendo pelis de Sofia Loren. Pero la investigación previa a la descripción de los personajes me asusta tanto como el Everest. Es más sencillo hablar de mí mismo. Por lo menos, tú y yo somos humanos y tenemos un hombro donde apoyarnos cuando estamos de bajón. Yo te canto y, si es necesario, estoy a tu lado. Como cuando estás de resaca.

P: ¿Qué hace un avión que vuela sin destino?

P: Malgastar combustible. Pero si me das un metro cuadrado donde bailar, Petit hará la actuación de tu vida. Una vez digerido Loveshines Firefly, estoy componiendo nuevas canciones, más de ahora, más de mí. Esto de hacerlo todo uno mismo tiene la ventaja de que aprendes muchas cosas, como geografía: ¿sabes qué distancia separa Vigo de A Coruña? Estoy preparando la gira de Artistas en Ruta que me llevará, en unos meses, a tocar por todos lados. Como una ruta gastronómico-musical combinada con Alka-seltzers y Bloody Mary’s. El combustible es muy importante, tanto como saber dónde quieres ir. Yo, de momento, voy tirando. ¿Tienes un cigarro? Gracias.

Petit: Wer bist du?

Petit: Als kleiner Junge wollte ich Pilot werden. Und Musiker. Nach dem Auftritt von Tequila in Aplauso wusste ich, dass ich eine Telecaster haben muss. Meine Lieblingsfilme waren „Die unglaubliche Reise in einem verrückten Flugzeug“ und „Das Imperium schlägt zurück“. Beide haben einen tragikkomischen Touch. Und das Leben ist auch ein bisschen so. Erst lernte ich zu fliegen, und als ich schon eine Tele hatte fragte mich X, ob ich beim Songschreiben heulen würde. Schon hatte ich meine Tragikkomödie: Ich schrieb persönliche Songs, und X hielt sie für Jux. P: Warum denn?

Das weiß ich immer noch nicht. Frag ich mich bis heute jeden Tag. Tick, tack, tick, tack. Es ist die Notwendigkeit das, was mich bewegt, zu objektivieren. Ich könnte auch von dem Erdnussverkäufer auf dem Markt bei mir um die Ecke erzählen, der immer zwei verschiedene Socken anhat, wie er in der Call Bonavista geboren wurde und beim schauen von Sofia Loren- Filmen erblindete. Aber die Recherche, die man vor der Beschreibung einer Person anstellen muss, schreckt mich in etwa so ab wie der Everest. Es ist einfacher, von mir selbst zu reden. Du und ich sind wenigstens Menschen und haben Schultern, an denen wir uns anlehnen können wenn wir down sind. Ich singe dir was und bin, wenn nötig, an deiner Seite. Bei einem Kater, zum Beispiel.

P: Was macht ein Flugzeug, das ohne Ziel fliegt?

P: Sprit verschwenden. Aber wenn du mir einen Quadratmeter Tanzfläche gibst, legt dir Petit den Auftritt deines Lebens hin. Nachdem ich Loveshines Firefly verdaut habe, komponiere ich jetzt neue Lieder, mehr jetzt, mehr ich. Der Vorteil wenn man alles selber macht ist der, dass man viel lernt, wie zum Beispiel Geografie: Weißt du, wie weit es von Vigo nach A Coruña ist?

Ich bereite gerade die Tour von Artistas en Ruta vor, da spiele ich dann hier und da. So eine Art gastronomisch-musikalische Rundreise in Kombination mit Alka-Seltzer und Bloody Mary. Der Sprit ist echt wichtig, genauso wichtig wie zu wissen wo du hin willst. Bei mir ist im Moment alles ok. Hast du mal ne Kippe? Danke.

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Por/Von Mireia Font y Petit Foto Xevi Castejón

Dan Deacon El pájaro loco

Verrückter Vogel

Dan Deacon es, cuanto menos, un personaje de película al que ningún cineasta, salvo Terry Gilliam, podría hacer justicia. La secuencia de arranque sería caótica, desparejada y trepidante: el llanto de un bebé en Baltimore, Maryland, podría conducirnos, sin necesidad de transición, al intermitente brillo del sudor bajo los flashes de un afterparty en Florida y, de ahí, al polvo gris que provoca el thermite entrando por la ventana de un apartamento neoyorkino en la mañana del 11/S. Confundido y algo resacoso, Deacon cerraría la ventana y, en el repentino silencio del colapso, limpiaría de sus gafas el polvo de la gran catástrofe.

Fue precisamente en la ciudad de Nueva York donde este personaje único y genial completó sus estudios en música electro-acústica y se graduó en algo que podríamos traducir como composición musical por computador. Mientras esto sucedía, Deacon sembró de colaboraciones musicales locales del Bronx y estudios de Manhattan. Tocó la tuba en Langhorne Slim, improvisó a la guitarra para la banda grindcore Rated R y se retroalimentó con trabajos para Nite Club y Regina Spektor. La genérica diversa de estos nombres debería dar ya la pauta definitiva para retratar a Dan Deacon como un producto postmoderno y dispar, fruto maduro del collage musical y la electrónica más incatalogable.

Desde el espectacular Spiderman of the Rings (2007), sus publicaciones son cada vez más brillantes y sorprendentes. En ellas, títulos como Lifeguard, Snookered, Get Older, Wooody Wooodpecker, Wham City, Surprise Stefani, Big Milk o Pink Batman son la puerta de entrada al mundo Deacon. Un mundo marcado por bucles, percusiones, generadores de ondas y psicosis polifónicas.

Hace ya muchos años oí decir que las discotecas serían las catedrales del futuro: un lugar donde los humanos comulgaríamos con un amplio abanico de sustancias para compartir el infinito ritual de la música. Como Animal Collective o Battles, Dan Deacon nos ofrece ya el perfil de un nuevo profeta.

Wäre Dan Deacon ein Filmcharakter, könnte ihm kein Regisseur – außer vielleicht Terry Gilliam – gerecht werden. Die erste Szene wäre chaotisch, einzigartig und action-geladen: der Schrei eines Babys in Baltimore, Maryland, könnte uns direkt und ohne Übergang zur schweißglänzenden Stirn unter dem Blitzlichtgewitter eine Afterparty in Florida führen, und von dort zum grauen ThermitStaub, der am 11. September durch das Fenster in ein New Yorker Appartement eindringt.

Verwirrt und leicht verkatert würde Deacon das Fenster zumachen und sich in der plötzlichen Stille nach dem Zusammenfallen der Türme den Staub von den Brillengläsern reiben.

Genau dort nämlich, in New York, beendete dieser einzigartige und geniale Typ seine Studien der elektro-akkustischen Musik und machte sein Diplom in, nennen wir es mal: musikalischer Komposition am Computer. Währendessen knüpfte Deacon musikalische Kontakte in der Bronx und zu Studios in Manhattan. Er spielte die Tuba bei Langhorne Slim, improvisierte für die Grindcore-Band Rated R an der Gitarre und hielt sich mit Arbeiten für Nite Club und Regina Spektor über Wasser. Allein die Aufzählung dieser Namen sollte den entscheidenden Hinweis darauf geben, dass Dan Deacon ein Produkt der Postmoderne ist, das seinesgleichen sucht: Ergebnis von musikalischer Kollage und nicht katalogisierbarer Elektronik. Seit dem spektakulären Spiderman of the Rings (2007) werden seine Alben jedes Mal noch besser und überraschender. Die Titel, wie beispielsweise Lifeguard, Snookered, Get Older, Wooody Wooodpecker, Wham City, Surprise Stefani, Big Milk oder Pink Batman geben Einblick in das Universum Deacons. Ein Universum voller Schleifen, Percussions, Wellengeneratoren und polyphoner Psychosen.

Vor vielen Jahren hörte ich mal jemanden sagen, dass die Discos die Kathedralen der Zukunft seien: Orte, an denen die Menschen das Abendmahl in Form eines breit gefächerten Angebots an chemischen Substanzen empfangen würden, um das ewige Ritual der Musik zu teilen. Ebenso wie Animal Collective oder die Battles, profiliert sich Dan Deacon gerade als einer der neuen Propheten.

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Por/Von Oui

The Bankers Do it Banker!

Se abre el telón: van cuatro amigos y uno dice, “¿montamos un grupo?”. Cortinilla: tres años después. Conciertos en salas llenas, un disco autoeditado, una marca de ropa que patrocina... No es la película de una banda neoyorquina de niñatos, es el resultado de muchas horas metidos en un local de ensayo de L’Hospitalet y dosis intolerables de ilusión y ganas.

“Ya tenemos una edad y no tenemos ni letras ni maneras de hacer adolescentes.

No somos un grupo quinceañero, aunque somos un grupo joven, porque éste es el primer disco”. The Bankers acaban de sacar su primer disco (“Intolerable”) autoeditado y producido por Jaime G. Soriano y con la ayuda de Toni Toledo. “Nosotros nos lo pasábamos bien y era como mejor salía. Jaime nos supo llevar muy bien, nos supo encaminar, nos decía ‘sed vosotros mismos y que salga lo que sois’. Creo que han cogido nuestra esencia, lo que somos nosotros y eso han sido ellos que lo han sabido ver, se nota y es hacerlo... Banker. Hacerlo Banker”, afirma This-Banker, voz del grupo.

El resultado son 12 canciones que Pou Banker, batería, califica como “un disco natural, divertido, intolerable, sincero y personal”.

El disco lo han editado en vinilo y próximamente quieren colgar todas las canciones en su blog “para que lo tenga y lo escuche todo el mundo. En el blog pondremos las canciones en mp3 y quien quiera comprarse el vinilo, que lo haga”. Sobre los prejuicios del indie lo tienen claro, quieren que su música suene en todos lados: “ojalá suene en Tito’s y en BCM, en cualquier parte, y en El Corte Inglés mientras subes las escaleras escuchar “excuse me waaaaaaaiter”, sería un puntazo”. Ahora, con el disco en casa, afirman estar en una etapa de tranquilidad y creación. “Ahora estamos disfrutando mucho con los directos y recogiendo todo lo que hemos sembrado durante 3 años. Haber grabado el disco nos ha dado seguridad, dominamos más las canciones y las disfrutamos más”.

Repasando los conciertos que han hecho, que son muchos, del que mejor recuerdo tienen fue del que hicieron en la tienda Wrangler, en Madrid. “Fue espectacular, porque estaba toda la tienda petada, gente bailando por encima de las mesas, la calle Fuencarral cortada de toda la gente que había fuera y en una ciudad que no es la nuestra. Además, al ser una tienda de ropa se creó un clima que no es el de una sala de conciertos, hubo muchísimo ambiente”. La mítica marca de vaqueros, desde el buen rollo, sin exigencias mercantiles de ningún tipo, les da su apoyo en especies. El motivo, según Pou Banker, “porque ThisBanker se parece a Brad Pitt”. Hazte fan, ya.

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Der Vorhang geht auf: man sieht vier Freunde, und einer sagt: “Sollen wir ’ne Band gründen?”.

Wieder Vorhang: drei Jahre später. Konzerte in vollen Sälen, eine selbst herausgebrachte Platte, eine Kleidermarke als Sponsor… Dies ist nicht etwa die Geschichte einer New Yorker TeenieBand, sondern das Ergebnis von vielen Übungsstunden in einem Proberaum in L’Hospitalet und schier unerträglicher Dosen von Freude und Spaß. „Wir sind in einem gewissen Alter und beabsichtigen weder mit Texten noch Attitüden, einen auf jugendlich zu machen. Wir sind keine 15 mehr, auch wenn wir de facto eine junge Band sind, weil das unser erstes Album ist“. The Bankers haben gerade ihre erste Platte („Intolerable“) in Eigenregie auf den Markt gebracht, produziert von Jaime G. Soriano und mit Unterstützung von Toni Toledo. „Wir hatten Spaß dabei, und das merkt man dem Album auch an. Jaime wusste, wie er mit uns umgehen musste, wie er uns dahin bringt wo er uns haben wollte.

Er riet uns ‚Seid ihr selbst, das müsst ihr rüberbringen’. Ich denke, sie haben es geschafft unsere Essenz rauszukitzeln, das was uns ausmacht; sie haben gesehen, was in uns steckt und das merkt man. Sie haben es…Banker gemacht”, erklärt This-Banker, Sänger der Band.

Das Ergebnis sind 12 Songs die Pou Banker, Schlagzeug, als „ein natürliches, unterhaltsames, unerträgliches, aufrichtiges und persönliches Album“ beschreibt.

Das Album erschien als Schallplatte, demnächst wollen sie die Songs in ihrem Blog hochladen, „damit jeder die Songs hören kann. Im Blog werden sie als mp3-files zur Verfügung stehen, und wer die Platte kaufen will, der möge das tun“. In Sachen Indie-Vorurteile haben sie klare Vorstellungen: sie wollen, dass ihre Songs überall zu hören sind. „Hoffentlich spielen sie sie auch im Tito´s und BCM, egal wo, und wenn man auf den Rolltreppen im El Corte Inglés „Excuse me waaaaaaaiter“ hören würde, das wäre echt super“. Jetzt wo das Album unter Dach und Fach ist beteuern sie, gerade in einer ruhigen und kreativen Phase zu sein. „Im Moment machen uns Live-Auftritte richtig Spaß, und die Ernte der vergangenen 3 Jahre einbringen zu können ist schön. Die Platte aufzunehmen hat uns Sicherheit gegeben, wir beherrschen die Songs besser und können sie mehr genießen“.

Von all den zahlreichen Konzerten, die sie gegeben haben, erinnern sie sich besonders gerne an das im Wrangler-Shop in Madrid. „Das war spektakulär, weil der Laden knallvoll war, die Leute auf den Tischen tanzten, die calle Fuencarral komplett verstopft war wegen all der Leute, die draußen standen, und das alles in einer uns fremden Stadt. Außerdem war das Ambiente in dem Klamottenladen natürlich ganz anders als in einem Konzertsaal, total gut.“ Die berühmte Jeans-Marke war vom Auftritt so angetan, dass sie die Band seither ganz ohne Gegenleistung sponsert. Der Grund dafür liegt laut Pou Banker darin, „dass This-Banker wie Brad Pitt aussieht“. Fan werden, und zwar sofort!

Por/Von Magda Albis Foto J. Alsina Ferrando

Foto realizada en S’Antiquari

Emili Sánchez Rubio Todavía quedan poetas

Es gibt noch Dichter

Emili Sánchez-Rubio (Palma, 1983) es poeta. Sí, amigos. Todavía quedan poetas y éste tiene sólo 26 años. Abstraeros ahora de eventos facebook, relajad la lectura rápida que merecen las revistas de tendencias. Que la tendencia nos vuelve tendenciosos y hoy toca poesía, “galaxia emancipada del universo”. La metáfora entrecomillada es de SánchezRubio, que acaba de ganar el premio Ernestina de Champourcín.

Je, je, qué gracia el nombre, ¿no? Pues Ernestina de Champourcín fue la única mujer de la generación del 27 (el pasado noviembre murió el último integrante que quedaba del grupo, Francisco Ayala. Ninguno de sus componentes vio a una siguiente generación que mejorara su trabajo poético en la literatura hispánica). El premio de Champourcín, entregado por la Diputación de Álava, consta de 2100 euros y la publicación del libro con el que ganó, “Jardín en Construcción”.

Jo, jo, ahora es Emili el que ríe. Con su risa de fumador de tabacos de marcas raras y sus ojos de jefe de la manada del reino anfibio. El poemario en cuestión sigue la línea filosófica por la que prefiere caminar últimamente don Sánchez-Rubio, que empezó escribiendo sobre el Yo sentimental y ahora se ha pasado al Yo en el Universo. Árboles, piedras, pájaros. Y el Yo identificándose con los elementos. Su próximo libro no seguirá sin embargo esta línea, realizará un transbordo en las formas experimentales. Se trata de “Tedio/Tedi”, 33 poemas cortos donde un personaje en 3ª persona sin inquietudes se atreve a contar las excentricidades que la 1ª persona esconde. Lo encontraréis en mayo de 2010 con dibujos del mediático Albert Pinya en la editorial Poesía de Papel – UIB (le gusta encharcarse en otras artes, como ya demostró con los efímeros proyectos poético-musicales La Bellesa Turbo y Cul de Bisbe). El libro será completamente bilingüe catalán-castellano, como el propio poeta. “El meu nacionalisme és anar a agafar bolets i cuinar-los com la meva padrina. Nacionalisme culinari, podríem dir”.

Emili Sánchez-Rubio (Palma, 1983) ist Dichter. Jawohl, richtig gehört. Jetzt mal bitte FacebookEvents beiseite und die Schnelllektüre, die In-Magazine eigentlich verdienen, etwas langsamer laufen lassen. „In“ finden wir nämlich tendenziös, und heute reden wir mal von Poesie, der „emanzipierten Galaxie des Universums“. Diese Metapher stammt von Sánchez-Rubio selbst, der gerade den Ernestina de Champourcín-Preis gewonnen hat. Hihihi, was für ein lustiger Name, oder? Also, Ernestina de Champourcín war die einzige Frau der Generación del 27 (im vergangenen November verstarb das letzte noch lebende Mitglied Francisco Ayala. Die poetischen Werke dieser Gruppe wurde von keiner nachfolgenden Generation der spanischen Literatur je übertroffen).

Der Champourcín-Preis wird überreicht von der Diputación de Álava und besteht aus 2100 Euro Preisgeld und der Veröffentlichung des prämierten Buches, „Jardín en Construcción“.

Haha, jetzt ist es Emilio, der lacht. Mit seinem Raucher-komischer-Marken-Lächeln und seinen König-des-Amphibienreiches-Augen. Die besagte Gedichtsammlung folgt der philosophischen Richtung, die Don Sánchez-Rubio in letzter Zeit eingeschlagen hat: Er begann mit dem Ichsentimental und verlagerte sich nun zum Ich-im-Universum. Bäume, Steine, Vögel. Und das Ich, welches sich mit den Elementen identifiziert. Sein nächstes Buch weicht von dieser Linie aber ab, er wird umsteigen auf experimentelle Ausdrucksformen. Heißen soll es „Tedio/Tedi“, 33 Kurzgedichte, in denen eine Persönlichkeit in der 3. Person sich traut, die heimlichen Exzentritäten der 1. Person zu enthüllen. Erhältlich ist das ganze ab Mai, illustriert mit Bildern des allgegenwärtigen Albert Pinya, erscheinen wird es im Verlag Poesía de Papel – UIB (er suhlt sich gerne in anderen Künsten, wie er schon mit den ephemeren poetisch-musikalischen Projekten La Bellesa Turbo und Cul de Bisbe unter Beweis gestellt hat). Das Buch wird – genau wie der Autor – komplett zweisprachig sein: Spanisch und Katalanisch. „Mein Nationalismus besteht darin, Pilze zu sammeln und sie so wie meine Großmutter zu zubereiten. Kulinarischer Nationalismus, könnte man sagen.“

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Por/Von Marcos Jávega

Caragol treu banya

Die neue Schule, La nueva escuela saca pecho ganz selbstbewusst Mientras sus amigos se divertían en la plaza de Esporles, a los 14 años Jaume Carrió pasaba las noches de verano en sesiones dobles viendo “Apocalypse Now” y “Blade Runner”, entre otras tantas. Con el tiempo, se cuestionó si esa afición no podía convertirse en algo más e intentó compaginar el papel de espectador con el de creador. Con la excusa de un trabajo de clase, a los 19 años agarró una cámara de video por primera vez y puso en práctica todo aquello que había absorbido con pasión, convergiendo unos años después en el premio Art Jove 09 al mejor corto.

“No negaré que la buena acogida del corto entre mi círculo más cercano me animó a intentarlo con el Art Jove. Faltaba comprobar cómo funcionaría entre un público virgen, libre de prejuicios.

Sinceramente, creía que el jurado repartiría el galardón y quedaríamos todos contentos. Aún así, admiro que el jurado se mojara ya que ésta es la única manera de darle categoría al certamen”.

De aquella primera experiencia con la cámara surgió “Tripijoc” (2004), que le animó a matricularse en una escuela de cine donde surgió “Irrefrenable” (2004). Ese mismo año y con la excusa de ejercitarse, aceptó dirigir un encargo que tomó forma en el largometraje “L’Orde D’Oriat” (2006).

Seguidor confeso de David Lynch y el cine asiático, le preguntamos a Jaume Carrió sobre su inclinación por las historias un tanto oscuras: “Son las historias que me gustan, pero sólo en mi faceta de creador. Si intentara sacar un denominador común en las películas que he hecho, reconocería en ellas una obsesión por encontrar el placer en aquello reprobable.

Mi interés se puede resumir en una constante contradicción sustentada en un abuso de elementos opuestos y pensar que puedo sorprender al espectador”.

Durante la licenciatura de Comunicación Audiovisual –título recién sacado que ha costeado con sus trabajos de dependiente de videoclub y haciendo de freelance-, realizó un corto de escuela, el premiado “Caragol treu banya” (2009). “Un domingo de octubre me levanté con una imagen en la cabeza: un buzón americano cubierto de caracoles. Mi obsesión con esa imagen se tradujo en un intento desesperado por hacerle un hueco en el guión que estaba escribiendo. Incrustar esa imagen resultó imposible, así que rápidamente deseché el guión inacabado y me puse con la que sería la primera versión de Caragol treu banya”.

Es obvio que, sin ayudas, todo proyecto cinematográfico tiene una alta probabilidad de quedarse sólo en eso, en proyecto, y los incentivos económicos necesarios en una promesa institucional, dificultando así que los jóvenes cineastas emprendan nuevos trabajos. Carrió piensa esto al respecto: ”Estoy convencido de que si la ACIB sigue presionando, reclamando y exigiendo con derecho y elegancia como hasta ahora, conseguirán que el talento balear levante la cabeza”.

Después de este último corto, Jaume Carrió ha tenido la posibilidad de aceptar otro encargo realizando el documental “Aquellas fiestas escolares” (2009), pero, a corto plazo, prefiere que “Caragol treu banya” vuele un poco más lejos. “Ahora lo que realmente me motivaría sería rodar una escena musical sobre alguna pieza de Joan Miquel Oliver, con él mismo de protagonista”.

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Während seine Freunde sich auf dem Dorfplatz von Esporlas vergnügten, schaute Jaume Carrió mit 14 in den Sommernächten Filme wie beispielsweise “Apocalypse now” und “Blade Runner” im Doppelpack. Mit der Zeit fragte er sich, ob er seine Filmbegeisterung nicht anders umsetzen könnte und tauschte die Rolle des Zuschauers mit der des Gestalters. Dank eines Schulprojektes hielt er mit 19 Jahren zum ersten mal eine Videokamera in der Hand und verwirklichte all das, was er zuvor leidenschaftlich aufgesogen hatte. Das Ergebnis gewann einige Jahre später den Art Jove-Preis 09 für den besten Kurzfilm. “Eigentlich war es das positive Echo, das mein Kurzfilm unter meinen Freunden auslöste - deshalb habe ich den Film für Art Jove eingeschickt. Ich musste wissen, wie der Film auf ein unvoreingenommenes Publikum wirkt. Ich dachte ehrlich dass die Jury die Preise verteilt und alle zufrieden sind. Trotzdem finde ich es toll, dass die Jury sich so eingebracht hat, nur so wird ein Preis schließlich wertvoll.” Aus dieser ersten Erfahrung mit einer Kamera entstand “Tripijoc” (2004), der ihn ermutigte, sich an einer Kinoschule einzuschreiben, an der dann “Irrefrenable” (2004) entstand. Im gleichen Jahr drehte er, “zur Übung”, den Spielfilm “L’Orde D’Oriat” (2006).

Wir fragen den bekennenden David Lynch-Anhänger und Fan des asiatischen Kinos nach seinem Hang zu etwas düsteren Filmen: “Diese Geschichten gefallen mir halt, aber nur in meiner Funktion als Regisseur. Der gemeinsame Nenner all meiner Filme ist wahrscheinlich die Obsession, Gefallen an etwas Tadelnswertem zu finden. Mein Interesse liegt, mal zusammengefasst, in einem ständigen Widerspruch mittels der Verwendung konträrer Elemente – ich will den Zuschauer einfach überraschen.“ Während des Studiums der audiovisuellen Kommunikation - das er übrigens soeben abgeschlossen hat und als Videothek-Mitarbeiter und freelancer finanzierte – drehte er einen hervorragenden Kurzfilm, den ausgezeichneten “Caragol treu banya” (2009). “Eines Oktobermorgens wachte ich mit einem Bild im Kopf auf: Ein amerikanischer Briefkasten, übersät mit Schnecken. Ich war so vernarrt in dieses Bild, dass ich verzweifelt versuchte, es in dem Drehbuch unter zu bringen, dass ich gerade schrieb. Das passte aber beim besten Willen nicht, also schmiss ich das unvollendete Drehbuch weg und machte mich an die erste Version von Caragol treu banya.”

Zweifellos bleiben viele Filmprojekte ohne Unterstützung genau das, nämlich Projekte, oft bleibt die zugesagte finanzielle Unterstützung von Seiten der Institutionen ein Versprechen und hindert junge Kinomacher daran, neue Sachen in Angriff zu nehmen. Carrió denkt dazu dieses:” Wenn die ACIB (Balearischer Cineastenverband) weiterhin genug Druck ausübt und mit Recht und Eleganz Forderungen stellt, dann bin ich mir sicher dass die balearische Filmszene aufblühen wird”.

Nach seinem letzten Kurzfilm hat Carrió eine weitere Auftragsarbeit angenommen, den Dokumentarfilm “Aquellas fiestas escolares” (2009), aber kurzfristig möchte er “Caragol treu banya” auch außerhalb der Inseln promoten. “Was mich im Moment wirklich motivieren würde wäre, eine Musical-Szene über ein Stück von Joan Miquel Oliver zu drehen, mit ihm selbst in der Hauptrolle.”

Por/Von Dani Nicolau Foto Margarida Carrió

Carlos Díez

Un mundo atractivo y diferente Schöne, andere Welt Es el diseñador más vanguardista que pisa la Pasarela Cibeles. Representa a una generación de diseñadores que están oxigenando y desencorsetando el concepto de moda española. Sus desfiles terminan con el público puesto en pie, Medem le fichó para su próxima película, acaba de abrir su primera tienda en Madrid. Vamos, que marcha. ¿Qué ha supuesto para ti la apertura de tu primera tienda?

Cumplir uno de mis sueños, siempre había querido tener una tienda-estudio desde donde dirigir todas mis operaciones y estar cerca de mis clientes, cuidar los detalles y ofrecer un espacio confortable para el público con todas mis ideas. ¿Qué ofreces a la gente que vaya a tu tienda?

Además de mis diseños la gente puede encontrar calzado y complementos de Converse, marca con la que colaboro desde hace muchas temporadas, y también ropa interior de hombre y mujer de la firma underwear Jockey, otra marca con la que colaboro. En la segunda planta tengo un proyecto/exposición de luz con el interiorista Juanma Lizana con lámparas vintage industriales. Y además de todo esto tendremos todas las temporadas ediciones especiales y prendas únicas. ¿Cómo puede un diseñador presentar dos colecciones al año, llevar una tienda, hacer colaboraciones con otras marcas y vivir la noche, todo a la vez?

Me encanta mi trabajo y disfruto de todo al máximo, para mí todo es una cadena en la cual necesito ocuparme personalmente de todas las cosas que surgen, estar cerca y cuidarlas al máximo. Con el poco tiempo que me queda disfruto también haciendo yoga, de la noche y viajando todo lo que puedo. Querer es poder.

En tus desfiles das mucha importancia a la cara y a la cabeza con las máscaras de peluche, las gorras con flecos o el maquillaje oscuro en tu último desfile.

Esto creo que debería respondértelo un psicólogo (se ríe). No sé a qué se debe pero todo lo que veo y toco, bien sea un tejido o cualquier material, acabo colocándomelo en la cabeza.

Esto siempre provoca risas a mi alrededor, pero a veces empiezo las cosas por la cabeza y eso desencadena nuevas ideas, la cabeza es donde habitan las ideas, también en mi corazón y siempre me gusta darle cierta importancia. ¿Nos podrías hablar de tus próximos proyectos?

Este verano he diseñado el vestuario de la nueva película de Julio Medem, “Room in Rome”, que se estrenará en 2010. También he hecho una pieza en colaboración con los artesanos del cuero de Ubrique, que se presentará en varias exposiciones por el mundo y hay otro proyecto relacionado con la música del que no puedo hablar pero que me haría muy feliz, ojalá que salga.

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Der Designer gehört zu den gewagtesten, die auf dem Laufsteg von Cibeles ihre Kollektionen präsentieren. Er steht für eine Generation von Modeschöpfern, die frischen Wind in die spanische Modeszenen bringen. Seine Schauen enden regelmäßig mit Standing-Ovations, Medem hat ihn für seinen nächsten Film unter Vertrag genommen, und gerade hat er seinen ersten Laden in Madrid aufgemacht. Läuft also alles rund.

Was hat die Eröffnung deines ersten Ladens für dich bedeutet?

Die Erfüllung einer meiner Träume, ich wollte immer schon einen eigenen Laden haben, von dem aus ich all meine Tätigkeiten leiten und trotzdem nah bei den Kunden sein, auf Details achten und dem Publikum in einem angenehmen Ambiente meine Ideen präsentieren kann.

Was bietest du den Menschen, die deinen Laden betreten?

Neben meinen Entwürfen können die Leute auch Schuhe und Accessoires von Converse erwerben, einer Marke, mit der ich seit vielen Jahren zusammen arbeite, und Unterwäsche für Damen und Herren der Firma Jockey, noch ein Kooperationspartner von mir. Im zweiten Stock habe ich momentan eine Licht-Ausstellung des Inneneinrichters Jaunma Lizana mit Industrie-Lampen im Vintage-Stil. Zusätzlich sind für jede Saison Sondereditionen und Einzelstücke geplant.

Wie kann ein einziger Designer zwei Kollektionen pro Jahr präsentieren, einen eigenen Laden führen, mit anderen Marken zusammenarbeiten und abends auch noch ausgehen?

Ich liebe meine Arbeit und genieße sie bis zum äußersten, außerdem muss ich mich selber um all die Dinge kümmern, die so entstehen, nah dran sein und sie hegen und pflegen. In meiner spärlichen Freizeit mache ich gern Yoga, gehe aus und reise so viel wie möglich. Wer will, der kann.

Auf deinen Schauen legst du viel Wert auf Gesichter und Köpfe: Mit Plüschtiermasken, Mützen mit Ponys oder dem düsteren Make-Up deines letzten Defilees.

Das müsste dir wohl eher ein Psychologe beantworten (lacht). Ich weiß auch nicht, woran das liegt, aber egal was ich sehe oder anfasse, sei es Stoff oder irgendein anderes Material – ich muss es mir auf den Kopf setzen. Das sorgt in meiner Umgebung oft für Lacher, aber manchmal beginne ich Dinge “auf dem Kopf”, und das führt dann zu ganz neuen Einfällen. Der Kopf beherbergt schließlich die Einfälle, das Herz natürlich auch, und ich will dem eine gewisse Bedeutung geben.

Welche neuen Projekte stehen an?

In diesem Sommer habe ich die Garderobe für Julio Medems neuen Film “Room in Rome” angefertigt, der 2010 in die Kinos kommt. Gemeinsam mit den Leder-Kunsthandwerkern von Ubrique habe ich ein Stück entworfen, dass auf zahlreichen Ausstellungen weltweit gezeigt werden soll, und dann ist da noch ein Projekt, dass mit Musik zu tun hat, von dem ich zwar noch nichts erzählen darf, dass mich aber sehr glücklich machen würde – hoffentlich kommt es zustande!

Por/Von Magda Albis

NA un mirador provilegiado El restaurante NA -situado en el Puig del Caragol, más conocido como el mirador de Na Burguesa-, posee unas vistas impresionantes y privilegiadas. El local está ambientado con música chill out en un entorno acogedor y moderno; de día es la pausa perfecta con vistas al infinito y de noche un privilegiado rincón bajo las estrellas. Un lugar mágico que goza de una larga tradición familiar, proveniente del mítico restaurante Ca’l Dimoni. Su cuidadosa carta seduce y destaca por la variedad de platos que se adaptan a cualquier paladar, tanto para vegetarianos, amantes de las carnes y enamorados de las pastas frescas. En su cocina mediterránea se prepara desde su conocido pa amb oli hasta un foie con cebolla caramelizada con reducción de oporto. Además, tienen una extensa carta de arroces para los mediodías y sugerencias del chef que van cambiando cada semana, y su cocina creativa se tiñe de sabores acordes con las estaciones para dar a conocer platos típicos de temporada. Sus postres, totalmente artesanos, dejan el mejor sabor de boca al terminar el festín.

Camí monument de Na Burguesa s/n tel: 971 400 901 www.restaurantenaburguesa.com

El Peñón nuevo año junto al mar Hace ya más de cincuenta años que se abrió El Peñón en la bahía de Palma, y ahí sigue desde 1957, alimentando el estómago y el paladar de sus clientes y amigos con su cocina y alimentando su espíritu con las privilegiadas vistas sobre la bahía que hacen de este lugar un enclave especial para los sentidos, a diez minutos del centro de Palma. Desde que se reformó el local hace unos años bajo la dirección de Juan y Miguel, El Peñón compagina el encanto de la tradición marítima con el atractivo de la modernidad más cosmopolita. Su especialidad son las paellas y también el pescado de todo tipo, como tiene que ser en un local que está situado al borde mismo del mar. Pero también puedes comer allí cosas más informales, como una amplia variedad de tapas o pa amb olis, mientras disfrutas de una puesta de sol espectacular. Este año en Nochebuena y Navidad El Peñón se mantendrá cerrado, pero para Nochevieja preparan, como cada año, una gran fiesta para los clientes habituales y también para todos los que se quieran unir a la juerga (la entrada es libre).

Prepárate a recibir la entrada del nuevo año con música selecta a cargo de DJ’s de la casa.

Las olas de mar os arrolarán a la salida. www.elpenon1975.com

Cafè Antiquari dos años con nosotros Después de dos años acompañándonos, el Cafè Antiquari ya se ha convertido en todo un referente cultural en el centro de Palma. Además de su cocina y su servicio de bar, la programación cultural del Antiquari es la que le ha aupado hasta convertirlo en uno de los centros de reunión y actividad cultural más destacados de la ciudad. Todos los jueves a las 22h organizan conciertos acústicos (con programaciones de música zíngara, gipsy jazz, africana, etc.), y el segundo y cuarto martes de cada mes han consolidado su exitoso y mediático torneo de slam, que lleva ya dos torneos finalizados y al que puedes apuntarte en: http://slam-antiquari.blogspot.com, en slam@cafe-antiquari.com o directamente en el bar.

Otras actividades destacadas de este incansable local son las exposiciones mensuales de artistas emergentes, que este mes protagonizan las pinturas de Camila Puls de la Cruz. Los miércoles hacen el Vinílate, una ocasión para los amantes del vínilo de sacar sus tesoros escondidos y poder compartirlos. Próximamente el primer y tercer martes de cada mes se realizan sesiones de improvisación teatrales, y el sábado 12 de diciembre a mediodía tendrán el primer jazz pa amb oli: música jazz con un menú especial. El 17 de diciembre está todo el mundo invitado a la celebracion de su segundo aniversario, con un concierto de música zíngara y otro de música rockabilly, además de otras sorpresas.

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La biblioteca de Babel libros y buen vino Recientemente ha abierto sus puertas en Palma un nuevo espacio con el literario y sugerente nombre de La Biblioteca de Babel. Reúne en el mismo lugar una librería, una vinoteca y un café literario: una oferta original en un espacio tranquilo, amplio y luminoso, con un diseño que conjuga tradición y modernidad de forma equilibrada y que cuida hasta los últimos detalles. La Biblioteca de Babel es una librería especializada en humanidades, con un fondo que reúne más de veinte mil libros. Cuenta además con una amplia oferta de vinos de todo el mundo, desde el popular muscat de la isla de Samos hasta el sake japonés; tanto para disfrutar en el café, tal vez acompañando la lectura de un buen libro, como para llevarse a casa o sorprender a los amigos con el regalo más exótico y original. El piano, al fondo del café, promete veladas inesperadas. La idea de mezclar libros y vinos -comenta con entusiasmo José Luis, su responsable- surge de la evidencia de que el vino ha sido siempre fuente de inspiración de artistas y escritores, y cómo no, también de los lectores. La civilización griega nos legó tres cosas que, sin duda, merece la pena conservar: la bondad del vino, la pasión por los libros, el arte y el conocimiento, y la forma de convivencia más sensata y civilizada que nos es dado practicar: la democracia. Marina, Juan y Manolo ejercen con simpatía y amabilidad como excelentes consejeros cuando los clientes necesitan asesorarse sobre las características de los vinos o las referencias literarias en este estupendo lugar para el encuentro, la tertulia y la lectura tranquila acompañada de un buen vino. Además, programan diversas actividades culturales relacionadas con el mundo del vino y la cultura. En C/ Arabí nº 3. (Detrás de la iglesia de San Miguel) .

Variado de toda la vida Ante la avalancha de restaurantes de diseño, comidas exóticas, precios elevados y modas pasajeras, el Variado apuesta por la tradición bien entendida, la que te permite mirar hacia adelante con los pies bien plantados en el suelo que pisas. Por el nombre quizá ya lo has adivinado: el Variado es un bar de tapas, especializado en variados grandes y pequeños.

Y tan variados: su expositor de tapas es el más grande de Mallorca, con más de cuarenta tapas a elegir para que cada variado sea una experiencia única, personal e intransferible. Lo dicho: cuando todos los nuevos restaurantes apuestan por la cocina de fusión, el Variado enfoca sus esfuerzos en redescubrirnos la comida de siempre, de toda la vida, con productos de mercado seleccionados por el chef Santiago Serra y una correcta selección de vinos.

La novedad es que, además de las clásicas raciones, también puedes pedir unidades (una gamba, dos ostras), y todas las frituras son tempuras japonesas, buenísimas para una digestión sin contratiempos. ¡Y encima, a precios baratísimos! Variado pequeño (ensaladilla + 5 opciones más) por 3.45 euros; variado grande por 5.95; y el precio estrella: la caña de cerveza a 0.85 euros. Ojo, no se admiten reservas y hay que hacer cola para conseguir mesa. El Variado acaba de abrir en la calle 31 de diciembre, esquina con Avingudes. Es decir, en el mismo centro de Palma, entre la Plaza de España y la calle San Miguel. Abre todos los días (excepto el martes) de 10:30 a 16:30 y de 19:30 a 24h. Tel 971764040

Sa Costa Antiquaris el encanto de lo retro Hace ahora treinta años, Pep Toni Forteza abrió una tienda de antigüedades en el número 7A de la Costa de sa Pols, en pleno centro de Palma, y la llamó antigüedades Sa Costa.

Ahora, aprovechando un legado de tres décadas de experiencia en el negocio y llevándolo a un nuevo estadio, los hermanos Ramón y Pepe Forteza Oliver adaptan la empresa familiar a los nuevos tiempos con buen gusto y conocimiento del mercado y de las tendencias en decoración, y se han especializado en mobiliario vintage y diseños de los años 50, 60 y 70. Esto no quiere decir que abandonen otro tipo de antigüedades, claro: una visita a su tienda, llamativa desde el escaparate, permite comprobar que allí conviven los muebles coloristas del siglo XX con otros de siglos anteriores, todos ellos a precios muy razonables para el nivel de calidad que garantizan. Allí puedes encontrar antigüedades de todas las épocas mezcladas con las nuevas tendencias decorativas: el diseño vintage de firma y anónimo de los años 50, 60 y 70, la decoración retro e industrial e incluso obras de pintura y escultura de artistas consagrados y jóvenes. Todas las piezas son exclusivas y originales de la época que representan. Sus más de 200 metros de espacio en la tienda permiten eso y más. Además del servicio de venta, en Sa Costa también alquilan muebles para películas o producciones fotográficas. www.antiguedadessacosta.com

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