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Staff DISEÑO EDITORIAL
DIRECTOR DE INFORMACIÓN
José Antonio Ibarra jai@revistababel.com @ibarrasta Mario García Cordero mariogarcia@revistababel.com
RELACIONES PÚBLICAS Isauro Hernández isaurohdez@revistababel.com @Isaurohdez CORRECCIÓN Y ESTILO Dulce Baltazar dulcebaltazar@revistababel.com COLABORADORES Salomón Nataniel, Dr. Thock Dinwood // @drthock, Marlene González // @_CyborGoo, Monx Sarcasmia // @ MonxSarcasmia // monxsarcasmia@ revistababel.com, Chucho Estrada // chuchoestrada@revistababel.com, Arq. Luis Mejía, Abel Piña, Olivia Zabala, Samuel Borbolla // sam_borbolla@ revistababel.com // @sam_borbolla.
En memoria de Gerardo “El Flaco” Arana Villareal. Escritor queretano y colega.
PORTADA Javier Jubera AGRADECIMIENTO Centro Cultural Manuel Gómez Morín, Museo De La Ciudad, Galería Libertad, Ciudad Q, Cine Panorama, Javier Jubera, Eduardo Castillo y Eniac Martínez.
Gracias por leernos. Para ponerte en contacto con nosotros, escríbenos a info@revistababel.com
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La carpa del animal Humano: El Circo Contemporáneo.
por Monx Sarcasmia
n esta ocasión me complace escribir de uno de los actos culturales y estéticos que más me gusta: el Circo, pero no solo del circo tradicional -el de enormes carpas, payasos estrafalarios y que en las últimas décadas causa conmoción e indignación por sus costumbres de tortura animal-, sino también del Circo al que ahora llaman Circo Contemporáneo. Como todo, el Circo ha cambiado de sentido (a lo largo de los ya varios siglos que tiene de haber surgido), sin embargo, no sus formas de manifestación, que a pesar de algunas modificaciones que han sufrido los actos que allí se presentan, los esenciales continúan formando parte de éste y al mismo tiempo se han acoplado a las diversas formas culturales de la actualidad. En un principio el Circo no era nombrado o reconocido como tal, sin embargo sus actos como el equilibrismo, la acrobacia o el contorsionismo ya eran utilizados en conjunto para prácticas sociales como rituales religiosos, mostrar las destrezas de los guerreros y festividades. En el México prehispánico los actos más realizados eran el salto en Zanco en San Pedro Zaachila –Oaxaca-, grupos Acróbatas en Tixtla – Guerrero- y de la Mixteca Baja de Puebla, los Zanqueros de la cultura maya y los grupos de Antipodistas (xocuahpatollin), Acróbatas (matlanchines) y el Teocuahpatlanque ( los voladores). El Circo como concepto es europeo, éste surgió en la segunda mitad del siglo XVIII pero no hay que confundir que el Circo es europeo, estas disciplinas artísticas antes mencionadas –de equilibrio, malabar y contorsión- han sido manifestaciones que la mayoría de las culturas desarrollan por y para sí mismas y no como una mimetización con otra cultura. Los primeros espacios circenses mostraban como espectáculo principal actos de equitación; conforme se fue desarrollando incluyeron
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actos cómicos los cuales eran personificados por los famosos payasos, además de los ya clásicos actos que ya les conté anteriormente. En México el Circo llegó en el año de 1808; los primeros Circos en la ciudad eran llamados circo–teatro y eran espectáculos en espacios estáticos; sin embargo con la entrada de la revolución en 1910 –creo que ustedes lo saben- estos fueron destruidos, pero en este movimiento surgió una de las compañías más grandes la cual fue apoyada económicamente ni más ni menos que por el Pancho Villa. Esta compañía fue Circo-teatro Carnaval Beas Modelo, el cual era itinerante. Hasta ahora es conocido como el circo más grande que ha existido en la República; éste contaba con aproximadamente 400 miembros los cuales utilizaban 35 vagones de tren para moverse a lo largo de la República. Con el paso de los años, diferentes Circos se establecieron en la República de los cuales el más reconocido es el Circo Atayde, éste nació en el año 1879 y en la actualidad aún tiene actividad, aunque no con el mismo auge que en décadas pasadas. En estas últimas décadas México ha desarrollado una tradición de familias circenses, las cuales tienen de 4 a 5 generaciones dedicándose a este arte y que en su mayoría están concentradas en la ciudad de Morelos. En este periodo se ha generado una lista de importantes artistas circenses que han emigrado –en algunos casos- a otras partes del mundo como Rudy Cárdenas en malabarismo. Sin embargo y a pesar de la larga tradición, el Circo ha cambiado, con lo cual se ha ido desarrollando en una corriente –si es que la puedo nombrar así- llamada Circo Contemporáneo, de creación o callejero, el cual se ha integrado a las nuevas formas alternativas de ver y hacer arte. El Circo Contemporáneo no tiene muchos años, algunos ubican su
arutluc
origen en la década de los 80´s. Esta nueva forma de hacer Circo difería con el Circo Tradicional en varios puntos como: La apertura del conocimiento de las técnicas y por ende, la apertura a nuevas ideas que enriquecieran el arte circense, ya que en el Circo Tradicional éstas sólo eran enseñadas a los miembros de la familia y existía poca o nula accesibilidad a este conocimiento para las personas ajenas a las familias de circenses. Esto generó la aparición de talleres, escuelas y hasta programas universitarios enfocados a la profesionalización de este arte. El eclecticismo en los actos; si bien en el Circo Contemporáneo aún siguen estando las rutinas básicas, éstas están mezcladas con otro tipo de disciplinas como la danza y el teatro. Los espacios en los cuales se presenta; mientras en el Circo Tradicional la carpa es el espacio que se necesita para el desarrollo de su espectáculo, en el Circo Contemporáneo cualquier espacio es bueno, desde la calle, pubs , jardines, patios de escuela y, si se quieren ver más profesionales y nice, pequeños foros -algunos acondicionados para los actos-. La aparición de la figura del Clown en contraposición de la figura del payaso. El Clown representa la parte íntima y más humanizada de la comicidad, lo cual es una parte esencial y que diferencia al Circo Contemporáneo del Tradicional. Mientras que el payaso es una representación arquetípica de lo ridículo, el Clown hace una exploración de su ser humano para expresar un personaje desde sí mismo y sus características con lo cual ejerce la improvisación en sus actos y, a la vez, interacción más íntima con su público, con el cual va construyendo conjuntamente el personaje; el payaso es una figura ya armada y por tanto poco flexible. La ausencia de animales. En el Circo Contemporáneo se busca potencializar al máximo las habilidades humanas en conjunto con los elementos estéticos de diferentes disciplinas, por lo cual la utilización de otros recursos –como los animales- son innecesarios. El público al que va dirigido. En este punto hay quienes consideran que el Circo Contemporáneo esta mayormente dirigido a un público adulto, ya que los actos son más abstractos y por lo tanto no entendibles para todo el mundo, sin embargo esta característica no puede generalizarse; colectivos como Triciclo Rojo –de quienes ya
he escrito antes- utilizan técnicas Clown con niveles considerables de abstracción los cuales no dificultan el acercamiento, disfrute y entendimiento de los niños de su espectáculo. En la ciudad de México existen dos grupos importantes que se dedican a la producción, enseñanza y difusión del Circo contemporáneo, estos son Cirko De Mente y DFectuoso Producciones. Cirko De Mente es una compañía de Circo Contemporáneo creada en 2004, la cual ha sido becaria en varias ocasiones por el FONCA y CONACULTA/CENART. Ha participado en diferentes eventos culturales importantes en el país como Noche de Primavera en el Zócalo Capitalino, en la clausura del Festival Internacional de Cine en Guadalajara en 2004 y 2005, Festival Vive Latino 2006 y 2008, entre otros. Esta compañía tiene más trabajos realizados por lo cual, si les interesa, pueden buscarlos en internet para saber más de ellos. DFectuoso Producciones son una casa productora de espectáculos de Circo Contemporáneo el cual conjunta a artistas de diferentes disciplinas como danza, teatro, circo, música y multimedia. Ellos tienen un espacio llamado La Fabrica –Casa de artes y Circo Contemporáneo- en el cual enseñan Danza aérea (trapecio, aro, tela y cuerda), Malabares, Acrobacia, Equilibrio , Flexibilidad, Mástil chino, Artes plásticas, Mimo, Danza Contemporánea y todo lo necesario para desarrollar habilidades para un espectáculo de Circo Contemporáneo de Calidad. Hay sin duda muchas más compañías y colectivos que están en un trabajo conjunto para impulsar el trabajo del artista circense contemporáneo, y aunque es relativamente joven esta corriente, tiene un empuje bastante fuerte lo cual nos puede hacer esperar cosas importantes e interesantes del Circo Contemporáneo y sobretodo de aportaciones innovadoras de cómo hacer y ver el arte, así que a experimentar visual, auditiva y sensitivamente este arte.
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por Pamela Escamilla
Descifrando el semblante que abandona el tiempo. L
os retratos expuestos buscan en el tiempo guardado en mi memoria, la expresión plástica de personajes ficticios de aquellas obras de escritores y poetas que marcaron mi niñez y juventud. Busco retratar lo que sería la figura imaginaria del personaje en la actualidad como si hubiese crecido junto conmigo, al igual que hacer la interpretación figurativa de lo que serían los poetas a partir de mi experiencia con sus lecturas. El aspecto técnico viene siendo el registro de la búsqueda a lo largo de diferentes tendencias y concepciones artísticas que sirven para expresar la fantasía de mi experiencia literaria. Yefer.
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La exposición es una muestra de retratos (semblantes), algunos reconocibles a simple vista y otros al momento de la experiencia a partir del inconciente colectivo o bagaje cultural. El retrato clásico busca exaltar al personaje que se representa y hacer justicia de su apariencia real, sin embargo, Yefer lo trabaja desde el aspecto psicoanalítico, donde existe un reconocimiento del yo en el otro. La experiencia del artista con las lecturas u obras de los retratados, se convierte en una memoria desdibujada, en la ilusión de aquella existencia pérdida por el tiempo que queda plasmada en su trabajo.
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La exposición del artista queretano se presenta en la galería de arte contemporáneo Tarima, quienes lo representan. Ubicada en la calle de Josefa Vergara No.6, en el centro histórico, frente al jardín del arte, con permanencia hasta el 5 de julio.
El artista Benjamín Bustos (Yefer) sintetiza y toma como influencia las técnicas de las vanguardias en sus trazos de dibujo, desde el cubismo hasta el surrealismo. El acabado, la soltura en el pincel y las texturas evocan a la figuración expresionista. La técnica seleccionada hace énfasis en cada uno de los conceptos que trabaja, logrando que la obra hable y se sostenga por sí misma sin necesidad de interlocutor. La experiencia directa con la vida, lo cotidiano y lo urbano, hace del artista alguien más expresivo y sensible ante las realidades. Así como muchos de los grandes expresionistas, Yefer comenzó en el graffiti, siendo esa su plataforma autodidacta, combinándola con la pasión por la lectura y el ajedrez.
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Eduardo Castillo Artista Visual que nace en Hermosillo Sonora en 1982. Es Licenciado en Artes Plásticas, estudia en la Escuela Estatal de Artes Plásticas en S.L.P, Cursa también el Diplomado en Promoción y Gestión Cultural, en la U.V.M, Es Becario del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes FECA 2011-2012 San Luis Potosi. Obtiene 1er lugar en 7ª Bienal Estatal de Artes Visuales de Sonora en 2010. Cuenta con 6 exposiciones individuales Cuenta también con 7 exposiciones colectivas nacionales y más de 30 exposiciones colectivas estatales
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etrA Actualmente mi trabajo se desarrolla en la disciplina de la grafica, obra que habla de pasajes y recuerdos de mi infancia aludiendo a lo sexual desde un punto de vista soez e irreverente. Utilizando marcadores permanentes, tintas y acrílico sobre polipap, genero personajes fantásticos, irreverentes y grotescos. Personajes inspirados en caricaturas americanas de los años 50´s descontextualizados que me permiten asociar lo ingenuo e inocente (infancia) a lo perverso y sexual (adultez), provocando en el espectador reacciones como espanto risa o morbo.
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por J. Manuel Hernández
Galería Libertad
urante el mes de mayo Galería Libertad tuvo el agrado de presentas tres exposiciones, las cuales tienen la característica en común de pertenecer a distintas disciplinas. En la primera exposición que lleva por nombre Relatos Náufragos de otro Lugar, Orlando Díaz recrea mundos de fantasía habitados por personajes zoomorfos y construcciones caóticas construidas de recuerdos, miedos y experiencias. Los cerdos, animales poco socorridos en el arte, son una referencia obligada en el autor ya que como él mismo lo menciona; los puercos fueron parte de mi vida desde muy chico, porque mi mamá y mi abuela los criaban para venderlos y mantener la casa. En cuanto a los gatos, el autor me comenta; mi primer mascota fue un gato, y no porque me lo compraran. Una vez de chico, encontré uno en la calle, lo lleve a casa y a mi mamá le pareció gracioso, decidí conservarlo y desde entonces he tenido gatos que me acompañan a todos lados. Incluso un día tuve uno que me acompañaba hasta a la escuela, a las fiestas, a todos lados. Así, cada una de las piezas de Orlando está formada por una serie de elementos, lugares y relatos náufragos — ¿O soledades? — que no necesitan palabras para ser narradas y en las que inevitablemente el espectador se adentra para ser partícipe de sus mundos.
En la segunda pudimos ser parte tanto de su trabajo de artista plástica como de poeta, pues por las mañanas se ocupaba de un taller de poesía en el Centro Estatal de las Artes, ubicado en el Ex-convento de Santa Rosa de Viterbo y por las tardes venía a trabajar en su instalación que llevó por nombre Éstos son los Pájaros, ésta última quedó como si la hubiera trabajado en su propio taller, eso se agradece y reconoce. Con estas dos actividades, Kenia Cano nos hizo parte de su trabajo, no les mentiré, puedo decir que su poesía es cálida como el clima donde ella vive y trabaja. No le bastó con trabajar tanto durante toda la semana, pues el mismo día de la inauguración nos hizo un regalo más leyendo en voz alta un poema completo que forma parte del libro Las aves de este día. La exposición está compuesta por una instalación sonora y una serie de tintas en blanco y negro, en las cuales la pasión y la belleza del cuerpo femenino se encuentran con la libertad del vuelo de las aves, para comunicarnos que el erotismo no sólo es placer, sino también libertad. De esta forma tenemos el agrado de compartir con todo aquel que lo desee esta exposición que incluye pintura, poesía y corazón. Por último, tenemos el agradó de presentar en conjunto con el Tec de Monterrey durante todo este mes y hasta el tres de junio, el trabajo del Arquitecto Oscar Hagerman, quien nos hizo el favor de acompañarnos para inaugurar su sala de exposición. Hagerman es una persona sencilla y cordial, cuando uno se acerca a darle la mano para saludarlo, él en cambio te rodea con el brazo y te pregunta ¿Cómo estás? ¿Qué estudias?, tiene una de esas voces en las que se escucha tranquilidad y no achaques, como algunas personas de su edad. Durante sus palabras al micrófono pudo compartir con el público otra visión acerca de los muebles, pues en vez de hablar de técnicas, colores y cosas teóricas, le dio a esos objetos el sentido de su experiencia; habló del momento en que los elaboró, y mencionó que en esta pequeña exposición se encontraba un recorrido por el trabajo que había realizado durante su vida, señalando desde los primeros objetos diseñados y construidos en la década de los ‘60 hasta los más recientes. Nos hizo comprender el valor de un objeto que está pensado y hecho por y para la gente sencilla y consciente del sentido de “trabajo”, el cual no se reduce a un intercambio monetario, sino que va más allá: al valor de elaborar algo con las manos; eso que rebasa nuestra era post-industrializada. Hagerman también agradeció a la gente que ha participado con él a lo largo de los años y a sus alumnos que aún lo recuerdan. Cabe mencionar que en esta ocasión sus alumnos tuvieron la oportunidad de agradecerle públicamente el trabajo que hizo con y por ellos. Aquí, muchos reconocieron el trabajo que falta en las academias por reconocer el mundo que se nos oculta a los estudiantes durante la carrera, pues como mencioné, existe algo que excede cualquier libro de teoría y eso, eso es la práctica y el contacto con el mundo cotidiano. Así, Galería Libertad agradece de antemano a todo el personal que hace posible estas actividades y al público que nos acompaña en cada una de las mismas.
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El Apando
Y
por Marlene González C
ahora que está en pleno auge los temas políticos y de denuncia social, es un buen momento para hablar de ‘El Apando’. Esta película del año de 1975, es una joya hecha en México, basada en una novela de José Revueltas (escritor y activista político de izquierda) y dirigida por Felipe Cazals. En la cárcel de Lecumberri, tres presos drogadictos (Albino, Polonio, El Carajo) arman un plan para que la madre de uno de ellos introduzca droga al penal. El plan funciona y cuando ellos están celebrando, son descubiertos y encerrados en ‘El Apando’: la celda de castigo. Las protestas por la situación de los ‘apandados’ provocan una sangrienta trifulca. Se trata de una producción de poco presupuesto, sencilla pero con un mensaje profundo, fuerte y directo, sello característico del director: El abuso de poder. Se evidencian los malos tratos de los ‘puercos’ (carceleros), quienes con un poco de poder aplastan todos los derechos de igualdad, libertad y respeto de los prisioneros. El tormento y manoseo que viven las mujeres al tratar de visitar a sus
esposos, hermanos o hijos. La corrupción que está presente en cada nivel dentro de la estructura jerárquica dentro de Lecumberri (y me atrevo a pensar que no hay mucha diferencia con las actuales). La poca higiene. Las privaciones. La eterna lucha entre víctimas y victimarios en un lugar que supuestamente forma parte del sistema de justicia de un país. Nada más que un retrato exacto y verídico porque José Revueltas escribió esta novela cuando él mismo pugnaba una condena en Lecumberri. Una selva de concreto en donde se aplica la ley del más fuerte. La historia está llena de personajes desafiantes como Albino, Polonio y sus mujeres, así como El Carajo, un hombre grotesco, un ave de mal agüero, una maldición repulsiva viviente que a pesar de su condición les otorga el único momento de libertad y escape a esa pesadilla: la droga… a través de la desgastada vagina de su madre. El título de El apando se refiere al nombre que recibía la celda de castigo dentro del Palacio Negro, un espacio con pocos huecos para la entrada de aire fresco y luz, el rincón más encerrado, espeso y sombrío dentro de una cárcel, ideal para volverse loco. En la mayoría de las ocasiones en que se trata de una adaptación literaria, se critica la falta de apego a ésta, la carencia de los puntos importantes en la narrativa del libro y que no aparecen en pantalla… en este caso, José Revueltas colabora como guionista por lo que es un reflejo muy fiel del libro. Felipe Cazals con su bien lograda y provocativa obra, consigue que al final uno diga: ‘¡Denles duro a los pinches puercos!’.
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Abbas Kiarostami. Irán en ruinas. U
no de los cineastas y fotógrafos más influyentes y controvertidos del Irán posrevolucionario y uno de los más consagrados directores de la comunidad cinematográfica internacional, Kiarostami pertenece a la generación de cineastas que creó la renombrada New Wave, movimiento del cine iraní que comenzó en los ’60 y se popularizó a partir de 1970. Esta corriente creó filmes artísticos innovadores con un alto contenido filosófico y político; algunos empleando realismo, otros mediante metáforas. También es poeta; publicó una colección de sus producciones en 1999. Menos es más, es la sencilla pero contundente declaración a un mundo que ama la transparencia, el diálogo, la sinceridad, los desahogos emocionales, las preguntas y la información; las películas de Kiarostami lo reprenden y avergüenzan con su lógica de la contemplación. Su cine llega a la transparencia por un camino inverso: el de la sustracción. Personajes y situaciones opacas que nos deberían parar siempre con sus móviles y últimos significados. Vaciar el estanque para procurarse los pescados, decía Bresson. Un arte menor el de Kiarostami. Menores fueron, y son, esos recorridos por el paisaje de Irán que nos revelan a un voyeur para quien la realidad sólo adquiere sentido si se encuadra a través de una puerta, de una ventana, de un espejo retrovisor, de una cámara de cine; operación que a su vez, por omisión, le da significado a lo que está por fuera de ese cuadro. He aquí una primera operación de sustracción: la propia de un arte de la mirada que nunca lo ve todo, que siempre pasa de largo, que reconoce y vive de sus limitaciones. Sus personajes, recuperados de las zonas más grises de la existencia, donde las emociones básicas reclaman su derecho a existir. Segunda operación de sustracción: rehuir la construcción dramática con sus clímax y desenlaces, y dejarnos conviviendo con situaciones desnudas frente a las cuales no estamos preparados ni advertidos para reaccionar. De ahí la ligazón del cine de Kiarostami con el neorrealismo: uno y otro evitan las convenciones dramáticas y potencian en cambio las contradicciones de los personajes, de los objetos, de los paisajes, que se hacen visibles por la existencia material de la imagen. Como el neorrealismo, el cine de Kiarostami es un análisis de la realidad desde su superficie visible: un cine superficial. Ese trabajo intensivo sobre la realidad habría de llevar el cine de Kiarostami a las aún más radicales operaciones de sustracción que emprende en sus tres últimas películas: Diez, Cinco (dedicada a Yasujiro Ozu), y Diez en diez, un tríptico que es una legítima agresión al espectador, y que instala a Kiarostami en la simple categoría del más moderno de los cineastas. Si el cine clásico, de acuerdo con sus teóricos, conviene en unas premisas que se pueden resumir en que es altamente comunicativo, crea estructuras cerradas, es omnisciente y se apoya en la relación causa-efecto, el cine moderno en su estación Kiarostami es francamente opaco, abierto a múltiples desarrollos y significados, concentrado en fragmentos más que en la totalidad, y definitivamente aleatorio. Frustra de esa manera, de palmo a palmo, las ilusiones del
por Salomón Nataniel
espectador y su necesidad de consuelos y seguridades dramatúrgicas. Las tres últimas películas de Kiarostami profundizan esa tensión con el espectador medio que ya se insinuaba en la amplia obra anterior del director: en Close-Up, en la Trilogía de Koker (¿Dónde está la casa de mi amigo?, La vida y nada más/Y la vida continúa, y A través de los olivos), en El sabor de la cereza, en El viento nos llevará, por mencionar sólo las películas a las que hemos sido expuestos. Tensión expresa en la manera como Kiarostami desnuda los mecanismos de la representación y rompe el sagrado velo de la ficción: el cine que filma al cine y que al filmarlo lo impugna, y su calculada dosificación de emociones. Es el viejo tema del cine como registro/documento del mundo y no como su engaño/representación. Si algunos temen que el cine de Kiarostami avance hacia el silencio, hacia el No Cine, es porque secretamente intuyen que el silencio es la forma final de la estética. Otros siguieron caminos similares hace tiempo, pero nadie como Kiarostami ha logrado establecer un entramado de creación y difusión donde todos los lugares y todos los apoyos se sostienen y refuerzan mutuamente para ampliar sus posibilidades de creador infatigable. En una época redundante como la nuestra, obscenamente permisiva, sólo es posible entender a un artista que se limite a sí mismo y que encuentre en esa autocensura su mueca de libertad.
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Cartelera Centro Cultural Manuel Gómez Morín Ciclo Cine Biográfico Martes y Miércoles 18:00, Sábado 12:00, Domingo 17:00 29 y 31 de Mayo, 2 y 3 de Junio Frida Dir. Julie Taymor EEUU, 2002 Clasif. B 5, 7, 9 y 10 de Junio Pollock Dir. Ed Harris EEUU, 2000 Clasif. C 12, 14, 16 y 17 de Junio Ray Dir. Taylor Hackford EEUU, 2004 Clasif. C 19, 21, 23 y 24 de Junio Los Piratas del Silicon Valley Dir. Martyn Burke EEUU, 1999 Clasif. B 26, 28 y 30 de Junio, 1° de Julio Last Days Dir. Gus Van Sant EEUU, 2005 Clasif. B
6, 8, 9 y 10 de Junio La Dolce Vita (Alex) Dir. Federico Fellini Italia, 1960 Clasif. B 13, 15, 16 y 17 de Junio Persona Dir. Ingmar Bergman Suecia, 1966 Clasif. B 20, 22, 23 y 24 de Junio El Resplandor The Shining Dir. Stanley Kubrick EEUU, 1980 Clasif. C 27, 29 y 30 de Junio, 1° de Julio La chica de la fábrica de cerillos Tulitikkutehtaan tyttö Dir. Aki Kaurismaki Finlandia, 1990
CICLO DOCUMENTAL LA ASOMBROSA TIERRA Producido por la Discovery 1998-2003
Ciclo Grandes Maestros del Cine
Miércoles 18:00, Viernes 18:00, Sábado 12:00, Domingo 17:00 30 de Mayo, 1, 2 y 3 de Junio La Fortaleza Escondida Hidden Fortress
Dir. Akira Kurosawa Japón, 1958 16
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Martes, Jueves 17:00 hrs. y sábado 11:00 hrs. Aula 13, Acceso B planta baja Entrada Libre LA ASOMBROSA TIERRA Producido por DISCOVERY CHANNEL 1998 Dur. 100 min. Martes 05 de junio 17:00 hrs. Jueves 07 de junio 17:00 hrs. Sábado 09 de junio 11:00 hrs. VIAJE AL CENTRO DE LA TIERRA Producido por DISCOVERY CHANNEL 2003 Dur. 60 min. Martes 12 de junio 17:00 hrs. Jueves 14 de junio 17:00 hrs. Sábado 16 de junio 11:00 hrs. ESCAPE DE LA TIERRA Producido por DISCOVERY CHANNEL 1999 Dur. 55 min. Martes 19 de junio 17:00 hrs. Jueves 21de junio 17:00 hrs. Sábado 23 de junio 11:00 hrs. SOBREVIVIENDO EN MARTE Producido por DISCOVERY CHANNEL 2001 Dur. 98 min. Martes 26 de junio 17:00 hrs. Jueves 28de junio 17:00 hrs. Sábado 30 de junio 11:00 hrs. ANTES DE LOS HUMANOS Producido por la Discovery 2000-2003 Miércoles 17:00 hrs. / Domingos 16:00 hrs. Aula 13, Acceso B planta baja Entrada Libre
areletrac EN EL TIEMPO DE LOS DINOSAURIOS DISCOVERY CHANNEL 2001 90 min. Miércoles 06 de junio 17:00 hrs. Domingo 10 de junio 16:00 hrs. VIVIENDO ENTRE BESTIAS PREHISTÓRICAS DISCOVERY CHANNEL 2003 100 min. Miércoles 13 de junio 17:00 hrs. Domingo 17 de junio 16:00 hrs. EL MUNDO DEL NEANDERTHAL DISCOVERY CHANNEL 2000 150 min. Miércoles 20 de junio 17:00 hrs. Domingo 24 de junio 16:00 hrs. DESPERTANDO AL MAMUT DISCOVERY CHANNEL 2000 93 min. Miércoles 27 de junio 17:00 hrs. Domingo 01 de julio 16:00 hrs.
5 y 7 de junio El niño perdido Dir. Humberto Gómez Landero Mexico, 1947 Clasif. B (99 min.)
Museo de la Ciudad Sepa la bola
6 y 8 de junio Soy el Charro de Levita Dir. Gilberto Martínez Solares Mexico, 1949 Clasif. B (109 min.)
Gráfica de Camilo Pérez Aguad. Abierta hasta el 15 de Julio.
12 y 14 de junio El Rey del Barrio Dir. Gilberto Martínez Solares Mexico, 1949 Clasif. B (101 min.
Exquisita Demencia
13 y 15 de junio La Marca del Zorrillo Dir. Gilberto Martínez Solares Mexico, 1950 Clasif. B (99 min.) 19 y 21 de junio Simbad el Mareado Dir. Gilberto Martínez Solares Mexico, 1950 Clasif. B (97 min.) 20 y 22 de junio Chucho el Remendado Dir. Gilberto Martínez Solares Mexico, 1951 Clasif. B (80 min.)
Instalación de Patricia Paniagua y William Nezme. Permanencia hasta el 5 de Agosto.
26 y 28 de junio El Bello Durmiente Dir. Gilberto Martínez Solares Mexico, 1952 Clasif. B (90 min.)
Fábula vegetal
27 y 29 de junio El Vizconde de Montecristo Dir. Gilberto Martínez Solares Ciclo de Cine matutino TIN TAN Mexico, 1954 Martes 11.30 hrs. Miércoles, Clasif. B (90 min.) jueves y viernes 12:00 hrs. en Aula 12 (acceso B planta baja)
Azucena Germán. Permanencia hasta el 15 de Julio.
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Sir Paul McCartney en
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por Luis Mejía
esde que supe que volvía al DF, pues tuve la oportunidad de asistir a su concierto en Foro del Autódromo en 1992, no dejé de soñar con el hecho de volverlo a ver y escuchar, fui invitado por un buen amigo a su palco del estadio Azteca y desde ahí con una botella Mágica de Jack Daniels y este no es otro Sir. Británico, sino un gringo que te ayuda a entonar la voz y ponerte en un ambiente genial. El evento al tope, un escenario que no se veía así desde los tiempos en que todos los incautos creíamos en la Selección Nacional de Fut, o bien como la Josefina V. Mota hubiera querido ver de azul. Desde las 18:00 y empezó a las 21:30 hrs., salimos cerca de las 2 de la mañana, nadie quería dejar el Estadio y como paradoja a la política, sí hubo MOTA, al inicio se desgarra el griterío y este maestro sale vestido como lo que es un verdadero y auténtico Británico, un saco, una camisa, una combinación de Gris Oxford en pantalón, camisa azul cuello blanco y un saco azul rey y sobre todo, además de su imagen, el carisma que emana y agradece con una sencillez alarmante, que sólo los verdaderamente grandes y auténticos tienen. Cuatro momentos Mágicos, uno, el inicio “Magical Mystery Tour”, aquí la gente empezó a ser y fue durante todo el concierto un sólo equipo de sonido, gritos armónicos, todo mundo se sabe las letras, baile, armonía y cordialidad; dos, el recuerdo por primera vez en público a su amigo, como lo dijo en español John mi amigo y cantó
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“Give Peace A Chance”; tres, el recuerdo a su Hermanito George y cantar “Something”, el espectáculo de luces, fuego y pirotecnias de “Live And Let Die”, que como saben es el único OSCAR ganado por una película de otro de mis favoritos y próximo Sir. en las Olimpiadas de Londres, James Bond, y cuatro, el cierre con “Hey Jude”, hay algo que no se haya dicho de esta canción y cómo nos pone a miles y miles a tararear, LA, LA, LA LARALA, LA, LARALA, HEY JUDE, por minutos y más minutos hasta lograr que suba de nuevo y nos deleite con “ Yesterday”, “ Get Back”, “ Day Tripper”, nos avise que debe descansar y nos despida con “ Golden Slumbers/ Carry That Way/ The End”. Cabe destacar su calidez al tratar siempre de hablar en español y nunca, nunca dejar de agradecer a la multitud por su colaboración y cariño. Ahora viene la Paradoja, ustedes seguro se preguntan por qué, muy fácil!!!!!, gracias a los nuevos medios electrónicos, tuve la gran fortuna de ver el concierto del jueves en el Zócalo, cómo, pues muy fácil, por YouTube. Lo transmitieron en vivo desde las 20:30 hrs y completito; pude apreciar mas a detalle gracias a los juegos de cámaras, close-up, ubicaciones, etc, de un montón de detalles que me hubiera sido imposible de ver estando ahí nuevamente, tal y como les pasó a un par de amigos fanático-rockeros de corazón que son Kiko el cantante de aquella admirable banda mexicana Bandido y el Ing.
acisúM
México
Ricardo Morales, el único superviviente original de aquellos maravillosos Crazy Boys del Vivi Hernández, se acuerdan? Pues bien ellos tardaron más de doce horas en espera y retenes para lograr ser parte de los afortunados de estar en la plancha del Zócalo, su paciencia y alguno que otro amigo los ayudó mucho. Esta vez, vestido con un saco rojo, sobre camisa rosa con cuello blanco y tirantes, seguro hechos a su medida en Seville Street en Londres o ustedes pensaron que se paró antes a comprarlos en Milano?, no fue una noche de encuentro , fue una noche de enamoramiento, como fueron sus palabras de inicio en un perfecto español, “ Buenas noches México, hola DF, Estamos muy contentos de estar aquí en el día de las Madres”, siguió con repertorio muy parecido al del concierto del martes, con su saludo y recuerdo a su amigo y a su hermanito, pero esta vez con menciones para dos mujeres en especial, con “ Maybe I´m Amazed” en recuerdo a su ex esposa fallecida Linda Eastman, y a la que actualmente es su esposa Nancy Shevell a quien dedicó su nueva composición “ My Valentine”, esto como un gesto muy especial y sincero por ser día foto: Jäi de las madres, el invento más bello y respetable de la creación, no lo creen así!!!!!. Según me platican mis brothers, en la plancha del Zócalo había más de 100,000 mil guevones (como diría mi amigo Chileno Andrés Garreton), pero en todas las calles que llevan al Zócalo tuvieron que poner de emergencia pantallas porque habían 100,000 guevones más que no tuvieron la suerte o el tino de llegar a tiempo. Como se deben imaginar, no podía faltar en este evento el olor a buena yerba que llegaba frecuentemente, así como el aroma de un buen puro en la Plaza de Toros. Lo mejor sin duda, el comportamiento de todos y todas las clases sociales juntas, las autoridades que manejaron esa multitud a la perfección y con seguridad. Por ende solo nos queda decir: Sir. Paul, eres un grande entre los grandes músicos eternos, pero sobre todo mil gracias por ser un HOMBRE REAL Y CONGRUENTE EN TODO LO QUE VALE. Gracias por venir, existir y seguir viniendo.
foto: Jäi
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Chucho Estrada
H
ola bandita. Un gusto nuevamente saludarlos a todos. Para esta nueva edición de Revista Babel, hemos decidido recomendar «música de escape». Y es que con tanta publicidad y spot político, de repente no podemos negar que nuestros oídos llegan al punto del hastío. Así que esperamos poder salvarlos con tres sabrosos discos de «ace-tato tiempo», que tenemos en este mes para todos ustedes. Espero sean de su agrado. El primer invitado en nuestra fiesta va dedicado especialmente para todos los amantes del soul. El es Bill Withers, sin duda, una de las mejores voces dentro del género y uno de los artistas más destacados en la década de los setentas. Bill Withers junto con otros artistas de la misma generación como Otis Redding, Bobby Womack, Al Green y Sam Cooke, contribuyeron a expender el gusto por el soul a personas de todos colores y sabores. Aunque no podemos negar el legado de Etta James y los años sesentas, y que fueron en estos años cuando el soul se volvió un género muy popular. Como muchos artistas de esta escena, Bill Withers participó en la guerra, tuvo un trabajo común y de hobbie le pegaba a la cantada. Todo eso cambió cuando grabó su álbum debut Just As I Am, en el año 1971. Siendo el consentido de la disquera, le pusieron a su disposición artistas como Stephen Stills y Booker T. Jones, para que le echaran la mano con la música. Lo que resultó de esto fue obviamente una verdadera exquisitez, que combinaba como ningún otro arreglos orquestales, guitarra y voz, dando a luz una armonía sin equivalentes. Esta joya incluye grandes temas como «Grandma’s hands», «Everybody’s talkin’» y «Do it good». También está la súper rola «Ain’t no sunshine», la canción de su carrera a mi parecer y que seguro muchos de ustedes ya han topado por ahí. Recuerdo bien que cuando escuché por primera vez a Bill Withers, comprobé que era cierto eso que decían que con una que escucharas, ibas a querer ponerlo una y otra vez. Nuestro segundo invitado en nuestras sugerencias, es la Steve Miller Band. Un grupo que podríamos decir, es el prototipo de muchas bandas que andan circulando por ahí, con esa mezcla de pop muy bien sintetizado y space rock. Como buena banda de «ace-tato tiempo» norteamericana, San Francisco fue el lugar que los vio nacer, apadrinados por nada más y nada menos que Chuck Berry. En sus primeros años, era raro que alguien los volteara a ver, pero poco a poco, se fueron abriendo campo hasta consolidarse como una de las bandas más representativas de «los años maravillosos». El disco
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que queremos recomendar para ustedes, es el Fly Like An Eagle, lanzado en el año 1976. Me atrevería a decir que fue con esta joya que lograron consagrarse en el business y ganar muchos seguidores. Algunas canciones como «Mercury blues», «Take the money and run» y «Rock’n me», son de verdad rolas de gusto universal, que los va hacer enamorarse de este groovy grupo. Incluso su canción «Fly like an eagle», seguro la han escuchado en el soundtrack de la película Space Jam (¿cómo olvidar esa pavorosa actuación de Michael Jordan apoco no?). Aunque la mayoría de los integrantes ya no están con nosotros, Steve Miller sigue activo dando conciertos en Estados Unidos. A todos aquellos que les gusta el blues, el space rock, el country alternativo o la curiosidad, les invito a echarse un clavado en este disco y otros como Sailor y The Joker. Sin duda la Steve Miller Band es una banda que todo buen melómano debe tener en su «cdroom». Y para este número, he decidido quemarme mi última recomendación, con «el único verdadero genio de la industria musical» en palabras de Frank Sinatra, el rey de reyes, el mister de misteres, Ray Charles. Me parece que uno de los mejores compositores que ha llevado música hasta nuestros oídos. Es verdad que no podemos decir que es el padre de algún género en específico pero, no me van a dejar mentir, que sí fue el primero en hacer un poquito de todo y de la mejor calidad. Ray Charles a lo largo de su carrera le pegó al jazz, al blues, al rhythm and blues, al country, etc. A mi muy humilde parecer, respecto a ondas más o menos afines, él y Miles Davis son dos de los músicos que más han jugado con la música para elevarla a otro nivel. Para que sepan mejor de qué les estoy hablando, quisiera convencerlos de que escuchen su segundo disco, que vio la luz por ahí del año 1957, The Great Ray Charles. Esta joya de casi cincuenta y cinco años de edad, es un verdadero regalo para los amantes del jazz, ya que explora el sonido clásico de Louis Armstrong y King Cole. Algunas temas como «The Ray», «My melancholy baby» y «Doodlin’», reflejan muy bien esta influencia. No podemos dejar de mencionar que Ray Charles tuvo también su lado obscuro. Así como lo ven de bien vestido, fue un tipo muy
acisúM desalineado. Lo pescaron en varias ocasiones por asuntos de drogas, hasta el punto que sus cuates le quisieron ayudar; él les respondió con un rola muy conocida de su repertorio «I don’t need no doctor». Para todos los amantes del jazz, este disco va especialmente para ustedes, pero no dejen de escuchar otras joyas de «acetato tiempo» como The Genius Of Ray Charles y el Modern Sounds In Country And Western Music. Se me olvidó comentar en números anteriores que probablemente muchas de las joyas que hemos estado recomendando no se encuentran a su disposición tan fácilmente. Confío en las habilidades de cada uno para encontrarlas en la tienda, el mercado o en Internet, ya que casi todas están colgadas por ahí en un blog o en YouTube. Pero en el caso de que se me extravíen un poquito, no duden en mandarnos un correo, nosotros les mandaremos la información de dónde pueden encontrar la música que estamos recomendando. Así que ya lo saben. Finalmente espero que les guste nuevamente nuestras recomendaciones y, sin más por el momento, les deseo amor y paz y que el cosmos cuide de ustedes.
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El proyecto “Ríos”, actualmente en desarrollo, ha sido realizado en buena medida gracias beca del
a la
Sistema Nacional del
FONCA.
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El Hijo de Nadie, Luis Alberto Urrea.
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por Olivia Zabala
e encuentras viviendo en un país extraño, donde aunque conozcas el idioma no lo sientes como propio; una sensación de frustración comienza a crecer día a día en ti. Sintiéndote fuera de lugar, de contexto, con las raíces arrancadas y lastimadas por el acto. Sin identidad, sin nacionalidad definida. Ese es el mundo en el que por muchos años ha vivido Luis Alberto Urrea, y con el que por un momento de mi vida, me sentí identificada, mientras caminaba por las calles de Santa Fe, Nuevo México. Luis Alberto Urrea, nació en Tijuana México en 1955. Hijo de padre mexicano y madre americana, creció en medio de dos culturas y por si fuera poco, con una madre que siempre le marcaba la importancia de parecer americano. Estudió escritura en la Universidad de California, San Diego, pero tiempo después decide regresar a Tijuana para trabajar como columnista, extra en películas, editor y caricaturista para varias publicaciones. Sin embargo, regresa a Boston para enseñar escritura y ficción en la Universidad de Harvard. Comienza su carrera como escritor cuando gana en 1994 el Colorado Book Award en poesía por The Fever of Being. En 1999 gana por su memoria Nobody’s Son: Notes from an American Life el premio de American Book Award. Y es justo por este libro que lo conozco años después cuando una maestra, al verme completamente perdida en la cultura norteamericana y después de sufrir mi primer ataque racista, me recomienda el libro. La memoria se enfoca en la vida de Urrea como estadounidensemexicano que vive siempre en el punto de mira de la sociedad norteamericana por la procedencia de su apellido y padre. Además soporta la intolerancia de una madre hacia lo que es la cultura de su
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hijo y esposo, y que no perdía la oportunidad para pedirle a su hijo que no dijera que era mexicano. Un libro por demás honesto y con el que todos los inmigrantes, sin importar sin son mexicanos, chilenos o brasileños, se pueden identificar. Pero ¿por qué creo que vale la pena hablar de este hombre, o mejor aún, recomendar su trabajo? La respuesta no es sólo que a través de sus libros he logrado entender el papel que realmente desarrollamos como latinos en la cultura Estadounidense, además descubrí a un escritor con una pasión por la vida y por la cultura mexicana, y que lo transmite en cada una de sus historias, ya sean propias o ficticias. Creo que ha venido a representarnos lo que es realmente ser parte de dos culturas, la mezcla de sentimientos, ideologías, lenguas; y lo ha hecho de tal forma que no sólo le valió una nominación al Premio Pulitzer, sino también el reconocimiento de mexicanos y norteamericanos. Una de sus obras más sobresalientes es The Hummingbird’s Daughter, la cual trata de un personaje mexicano llamado Teresa Urrea, pariente del escritor, considerada como la Juana de Arco mexicana. El libro involucró para el escritor 20 años de investigación y escritura; pero sin duda valió el esfuerzo cuando ganó el premio en Ficción de Kiriyama y llamó la atención del director mexicano Luis Mandoki quien piensa llevar la novela a la pantalla grande. Entre otros títulos del autor se encuentran, Queen of America; Into the Beautiful North; Mr. Mendoza´s Paintbrush y The Devil’s Highway. Así que si tienes ganas de leer a un autor honesto, con un poco de sarcasmo y a la vez con una sensibilidad única, debes leer a Luis Alberto Urrea.
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REVOLTOSAS
por Arno Camel
¡El señor obispo prohíbe cuál! ¡Fue la presidenta! Pero salió en el
periódico, pero cuántas cosas no salen en el periódico. Que por la contingencia, que somos revoltosas. Protección de México se vino desde la Sierra, en el camino iban saliendo de los pueblos las que iban cuidando a las personas, pero eso dijieron, yo soy testiga, y le dio mucho gusto al obispo. En la villita no llegó, nos recibió monseñor Espinoza. Cuando llegaron a la villita llegaron más de tres mil, incluso una hermana cuando dieron la orden, que dice que dijeron: “vienen muchas peregrinas con los hombres”, pero cuando vieron el difinitivo, pero ya era una formación grandísima. Mis vecinas se vinieron con sus maridos. Llegaron más de cuatrocientos y al otro día llegaron porque aunque nos digan que somos necias, es la fe que tenemos a la virgen, ¿por qué nos lo tienen que quitar? Nos dijo: -y ustedes la van sembrado-. Dicen que de la Sierra, las de la sierra sólo salieron ocho, que nadie las pelaba, que decían ‘esas locas’, que dos veces les cerraron las puertas; sólo un padre no, dijo: -Vénganse a cenar; hermanitas pus quién las entiende a ustedes, si las tratan mal lloran, si las tratan bien pus también-. Sandra, se llama Sandra la presidenta. Quién sabe que les habrá hecho a los de la cruz roja. Los de la cruz roja no fue esta vez porque quién sabe que les había hecho la otra vez. Ahorita la gente está molesta, la quieren echar fuera pero tiene a todos a favor de ella. Una hermana dijo que el padre estaba llorando, con que no vaya haber una de malas que una peregrina se enferme o la atropellen, no nos la vamos a acabar con la presidenta. “Usen su cal cuando hagan sus necesidades”, luego hacemos huevonas de que no ruciamos aquello, y las que iban atrás cuidando, las que no estaban tapadas, ellas las iban tapando. Porque nomás se enferma uno y pa’ qué quiere, no nos la vamos a acabar con la presidenta. Pero así na fue.
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Samsung Galaxy S3. Designed for humans, inspired by nature. A
por Samuel Borbolla
principios de mayo el gigante tecnológico Samsung lanzó la 3ª generación de su popular línea de Smartphones Galaxy S, quien lleva el apropiado mote de S3. El Samsung Galaxy S3 sigue dándole de qué hablar a sus competidores, principalmente Apple, primero por su enorme pantalla de 4.8’’ Super AMOLED Plus (1280x720), haciendo más grande la pantalla que el anterior S2 sin incrementar el tamaño del Smartphone, después con su procesador Exynos de cuádruple núcleo que permite a los usuarios experimentar la navegación más suave disponible hasta ahorita y por último gracias a su nuevo S.O. Android 4.0 Ice Cream Sandwich precargado, las pantallas de interacción se vuelven más orgánicas, sin lag alguno y feedback inmediato. Todo esto suena bien padre, pero ¿qué ha hecho que 9 millones de personas ya hayan preordenado el S3? La respuesta es: pensar en los usuarios y en sus competidores. Además de la interfaz que permite llevar el multitasking a su máxima expresión; imagínate ver un video en HD mientras en la misma pantalla platicas con tus contactos de Whatsapp; el Galaxy S3 ha integrado unos sensores de reconocimiento retinal (retinal tracking) que cuando estás viendo la pantalla permanecerá encendido, y cuando dejas de verla se apagará automáticamente (ay goooeei!), y por si aún no quedas sorprendido, más adelante Samsung lanzará un aditamento para cargar tu Smartphone de forma inalámbrica (AY WEY!). Otra de las características que se enfoca en los usuarios es su capacidad de memoria. Vendrá en 3 opciones: 16GB, 32GB y 64GB, con capacidad de expansión
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mediante microSD, con esto tu Smartphone podrá almacenar casi 100GB de información, así de simple al alcance de tu mano. El tamaño es, a mi opinión, su carta más debatible, con 136.6x70.6x8.6mm es complicado, más no incómodo, operar el Smartphone a una mano, fuera de eso no le veo mayor problema. La resolución de las cámaras es bastante estándar en el caso de la trasera: 8 mega píxeles con capacidad de grabar en Full HD a 1080p con flash, sin embargo la cámara frontal ofrece 1.9 mega píxeles con capacidad de grabación en HD a 30 FPS (Cuadros Por Segundo) con flash; eso sí es de notar. ¿Cuánto cuesta? seguramente un riñón y media pierna, pero Samsung aún no ha lanzado un precio fijo; lo que sí ha salido son los costos de los planes tarifarios que por ejemplo T-Mobile ofrece: un plan de datos y mensajes ilimitados más 2000 minutos a otras compañías por £49.99 al inicio ($1,065 MXN) y £36 ($782 MXN) por mes a dos años. En su costo más alto el Smartphone les sale en £300 ($6,524 MXN) con una renta mensual de £10.5 ($228MXN) a 24 meses. ¿Para qué les digo esto? para que le vayan ahorrando mijos, seguramente el hombre más rico del mundo nos lo va a querer dejar caer en +$10,000 de enganche y renta mensual de $900 a 24 meses con 125 MB y 15 mensajes de texto. Ámonos a los Unaites Kindoms!