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Han tenido que pasar cinco años para que unos recompuestos Vampire Weekend nos hayan brindado “Only God Was Above Us” (Columbia/Sony, 24), pero la espera ha valido la pena. Les tenemos de vuelta más aventurados que nunca.

EL 28 DE ABRIL DE 1988, los pasajeros del vuelo 273 de Aloha Airlines vieron cómo una parte del fuselaje superior del avión salía despedida en plena travesía, a miles de kilómetros de altitud, y pasaron trece aterradores minutos de vuelo hasta que su capitán pudo efectuar un aterrizaje de emergencia. Pensaron que morirían. De hecho, una azafata salió despedida por la presión y nunca encontraron su cuerpo. Solo tenían el cielo sobre sus cabezas, y ese extrañísimo trance es el que da título al quinto álbum de Vampire Weekend, un “Only God Was Above Us” cuya espera de cinco años ha valido la pena, por cuanto les muestra en afortunado territorio movedizo, más aventurados y experimentales que nunca. Armados con guitarras ligeramente distorsionadas, coros populosos, arreglos de cuerda exuberantes y psicodelia frondosa. La imaginación al poder, con los códigos culturales de la Nueva York de la segunda mitad del

7/Mondo freako Vampire Weekend De Nueva York al cielo 3

siglo XX como coartada argumental. Son los mismos de siempre, pero con un traje renovado. Hablo de todo esto, a través de la pantalla del PC, con Ezra Koenig, el vocalista, guitarrista y compositor principal del trío que completan el bajista Chris Baio y el batería Chris Tomson.

KOENIG ME CUENTA que el afán por explorar nuevas texturas pasaba por darle cera a algo que siempre les había interesado pero nunca se habían atrevido a abordar: la distorsión. “Nuestra ambición era que el disco sonara lo más duro posible: es un poco hard rock, con mucha distorsión, y es que por mucho que siempre hayamos sido calificados como una banda indie o alternativa, nunca nos habíamos molestado mucho en explorar la distorsión y el feedback, que cunde al fin y al cabo en un tipo de música con el que hemos crecido”, afirma el vocalista con humildad. El leit motiv de sus textos lo sustentan hechos más o menos relevantes de la Nueva York

FOTO: MICHAEL SCHMELLING

“Nunca en mi vida he escuchado a tanta gente sintiéndose perdida, confundida y decepcionada”

3 “

del siglo XX y el mundo de sus artes, y eso me sugiere preguntarle si piensa que el pasado es más interesante que nuestro presente, al menos como fuente de inspiración. De hecho, él ya ha vivido más tiempo en este siglo que en el anterior, por cuanto nació en 1984. “Siempre he sentido una conexión familiar con la Nueva York del siglo XX, no ya solo porque haya nacido allí durante aquel tiempo, sino porque hay un montón de lugares que ya no existen, y que mi familia frecuentaba cuando llegó aquí como emigrante”, me comenta, y traza una muy interesante línea de continuidad entre aquellos tiempos y estos: “Aunque creo que el siglo XXI es extremadamente distinto en cuanto al uso que hacemos de la tecnología, lo que en realidad alimenta esa tecnología son ideas del siglo XX, que sigue siendo el centro de gravedad para muchas cosas”.

EN ESA LÍNEA DE CONECTAR la tradición con la reformulación del presente, puede sorprender al oyente toparse con una canción, “Mary Boon”, que aparece cortocircuitada por un par de interludios que replican el clásico ritmo de la música de baile británica de finales de los ochenta y primeros noventa, cosas del estilo de Soul II Soul. Y no es que se hayan inspirado en ellos, no, es que es –me explica– directamente un sampler: “Pensé en algo un poco más oscu-

ro, no tan obvio, pero luego me di cuenta de lo bien que ancla la canción a algo familiar, convencido por Ariel [Rechtshaid], nuestro productor, y eso me gusta, porque es importante incorporar ideas nuevas pero al mismo tiempo tener un pie en lo familiar: ese es nuestro desafío”. Suena de lo más sensato, desde luego. El desafío de un equilibrio no tan fácil de lograr. Y ahí entramos ya en el terreno de las expectativas ajenas. ¿Hasta qué punto vale la pena arriesgar a cuenta de incomodar a los fans o, por el contrario, optar por preservar intactas las cualidades más notorias para que nadie se sienta estafado? Su respuesta también exuda realismo: “Te mentiría si te dijera que eso no me preocupaba cuando tenía veintitantos años, porque quería tener éxito, por supuesto, y me ponía nervioso la posibilidad de no tener futuro como músico, pero somos demasiado mayores ya como para no asumir que la misma ansiedad que te ayuda y te motiva cuando eres joven te puede destruir cuando te haces mayor, así que si me centrara en cómo la gente va a recibir este disco, no me ayudaría en absoluto”.

ES CURIOSO QUE GRAN PARTE de los títulos de las canciones, también el del propio elepé, estén extraídas de titulares de prensa del último tramo del siglo XX. Ocurre en “Prep-School Gangsters”. También “Pravda”

es el nombre de un periódico, el del partido comunista ruso durante los tiempos de la URSS. Quizá sea darle demasiadas vueltas a todo, pero me interesa saber si hay que leer entre líneas. Si Vampire Weekend creen que conviene reivindicar el rol del viejo periodismo en contraposición a las fake news y a las distorsiones de las redes sociales hoy en día. Me confiesa Ezra Koenig que no era su intención, pero también le sugiere una interesante reflexión: “No uní mentalmente esas ideas, y tampoco sabría decirte si los medios son ahora más o menos fiables que antes, ¿Pero se siente la gente ahora más decepcionada y confundida con el paisaje informativo? Creo que sí, sin duda”, me explica. Y lo argumenta así: “Puede que haya gente que eche la vista atrás y diga que los periódicos del siglo XX también estaban mintiendo todo el rato, y podría ser cierto, pero en términos de emociones y sentimientos, y de cómo afectan al bienestar de la gente, nunca en mi vida he escuchado a tanta gente quejarse de la desinformación, sintiéndose perdida, confundida y decepcionada”.

COMO NEOYORQUINOS DE PRO que son, herederos en cierto modo de un legado que pasa por las vanguardias, el punk, la no wave y el viejo –nuevo rock de principios de siglo, amén de muchas otras pequeñas y grandes revoluciones sonoras a lo largo

de las últimas seis décadas, no me resisto a preguntarle a Koenig cómo ve el estado actual de la Gran Manzana, y si ha habido alguna clase de nuevo nutriente que les haya podido influir. Sobre lo primero me dice que la clave está en la tecnología e Internet. “Hoy en día hay artistas saliendo de cualquier lado, y en ese sentido las clásicas ciudades musicales no juegan el mismo papel que antes”. Y sobre lo segundo admite sentirse “un poco desconectado”, pese a que escucha música “todo el tiempo”, y asume que las referencias que han manejado son “casi todas antiguas”. Por eso lo que más le ha gustado últimamente es una banda relativamente nueva que se alimenta primordialmente de cosas del pasado: “Curiosamente, la primera banda en la que pensé es en LA LOM, que forman parte de la Los Angeles League Of Musicians y les pedimos que nos telonearan: hacen música instrumental y beben del surf y la música mexicana, me encanta el sonido de sus guitarras”.

CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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LA MÍA

¿En qué momento se torció todo?

NO HACE TANTO TIEMPO, ningún festival que quisiera alcanzar cierto prestigio, se atrevía a incluir en sus carteles artistas descaradamente mainstream o comerciales, por miedo a borrar de un plumazo cualquier signo de reputación. Y confieso que no sé muy bien en qué momento y porqué cambió el paradigma y desapareció esa norma no escrita que muchos no hacemos más que añorar. Puede que tenga que ver el consumo actual de playlists realizadas con mucho desconcierto y poco criterio o simplemente puede que el afán por hacer rentable el negocio en el corto plazo acabe por empujar a los empresarios del ocio a buscar nombres cuya popularidad no tenga porqué ir de la mano del más mínimo criterio de calidad. Sin embargo, hay algo peligroso en todo este proceso. El primer y más evidente signo de que en el futuro esta decisión se puede volver en contra del negocio, es que el público acuda al festival tan solo a ver a su estrella pop favorita, despreciando el resto de artistas que hay en el cartel. Un hecho que puede provocar que estos artistas digamos minoritarios, tengan que tocar ante una audiencia indiferente y parloteante cuando no directamente hostil y que el público festivalero de toda la vida se sienta en minoría y despreciado frente al nuevo más mayoritario. Otro síntoma de que esta apuesta puede no ser tan maestra, es que el público de la estrella pop de marras se sienta decepcionado ante el modelo festivalero, porque no va a disfrutar de su querido artista ni con la misma duración, ni con la misma producción, ni con las mismas condiciones de comodidad a la que está acostumbrado. Puede pasar también que los recintos no se llenen en su totalidad hasta la hora de salida de la estrella de marras, provocando que una infraestructura de diversos escenarios, pensada para capitalizar una estancia con un público de larga duración, se vea infrautilizada y además se tensione en exceso en una franja horaria muy concreta. Resultado: Un gasto inútil en una infraestructura que encima va a quedar pequeña y defraudará en el momento de máxima afluencia y en el que mucha gente exigirá ser atendida con celeridad. Por todo ello, si un servidor de ustedes fuera uno de esos empresarios festivaleros, miraría de analizar muy bien los pasos a seguir en el futuro, no sea que lo que hoy parece una gran idea se convierta en una pesada losa difícil de revertir. Aunque hablo de empresarios cuando, y ese es otro problema, cada vez quedan menos que puedan actuar con la libertad de no tener que rendir cuentas inmediatas a un fondo de inversión. Quizás esta sea otra de las causas a añadir al cambio de paradigma. DON DISTURBIOS

FOTO: ARCHIVO

Bleachers El rey Midas del pop

El cuarto álbum de Bleachers, “Bleachers” (Dirty Hit/Music As Usual, 24) es una carta de aceptación y agradecimiento al Jack Antonoff del pasado. Una carta llena de amor, nostalgia, tristeza, pasión y evolución creativa.

TEXTO Álex Jerez

FOTO Alex Lockett

“BLEACHERS”, la nueva entrega del que está considerado uno de los productores pop más importantes del mundo no pretende revolucionar la industria, ni dar un gran giro en la narrativa de la banda. Antonoff más bien busca firmar una pieza que refleje cómo disfruta creando, llenando la música de humanidad y de valores que la siguen convirtiendo en ese “safe place” al que acudir siempre que lo necesita. En esa forma tan especial en la que el estadounidense ha transformado los discos de Bleachers en su medio de comunicación con el público más directo, preciso y personal. “Siento que mi banda y mi público me han dado muchísimo poder para seguir adelante. Siempre he tenido un miedo enorme a un montón de cosas y eso está ahí. Sigo indagando en ese proceso de búsqueda, de tratar de llegar a lo más profundo de mi ser. Y creo que todos los que me rodean me ayudan de una forma increíble. Me sostienen”. Hablamos con Antonoff desde Nueva York para que nos abra un poco más las puertas de este disco homónimo con el que a pesar de seguir potenciando ese discurso de exclusivo “club de los incomprendidos”, hemos podido conocer a un artista mucho más expansivo y con una situación de madurez actual que mira y observa al Jack del pasado con cariño y respeto. “Todo lo que me importa es mirar al frente y seguir creciendo. Eso es lo que he hecho toda mi vida, ser yo mismo y empujarme hacia adelante. Aunque ya sé que puede sonar contradictorio el hecho de aferrarte con fuerza a algo concreto en lo que crees y eres, pero a la vez exigirse a uno

Bleachers

Dirty Hit / Music As Usual

POP / EL CUARTO ÁLBUM de Bleachers abre sus puertas con “I Am Right On Time” bajo un claro lema de asumir el paso del tiempo, aceptar la madurez y aprender a querernos con todos nuestros defectos y errores en la vida. Jack Antonoff presenta este trabajo homónimo como una especie de recorrido por las identidades y la magia que le han llevado en los últimos años a convertirse en uno de los productores más importantes del mundo. No pretende buscar un nuevo sonido para él mismo que rompa esquemas, busca más certificar que es el dueño del pop en el presente. Este nuevo álbum sirve una vez más de pack de expansión al eterno mensaje del “club de los incomprendidos” que tanto potencia el artista. Sin embargo, por primera vez, vemos a Jack más abierto a otros temas en esta nueva cita. Volvemos a encontrarnos con un álbum muy personal, pero en esta ocasión naciendo a través de una identidad creativa más compleja que la que ya conocíamos previamente. A J

mismo abrir nuevos caminos y explorarlos. Al final de lo que se trata es de realizar un viaje increíble junto a tu público en el que cada vez quieres ir más allá”.

ANTONOFF PUEDE HABLAR muy bien de lo que es crecer, cumplir sueños y romper barreras. Este 2024 ha vuelto a tener entre sus manos el Grammy a Productor Del Año por tercer año consecutivo. Algo que hasta ahora solo había logrado el mítico Babyface. Todos quieren estar con él en el estudio y vivir en directo su magia. Pero no todo el camino hacia la fama es tan fácil como parece, como explica en “Ordinary Heaven” a través de las increíbles declaraciones de Rodney Mullen sobre lucha y valor. “No creo que se pueda definir la industria de los dosmiles con la del presente como una mejor o peor que la otra. Pero algo que sí me interesa mucho es cómo nuestros pequeños mundos van cambiando todo el rato. Todo

“Yo me muevo más por los estímulos y los sentimientos” “

lo que tienes que atravesar para poder conseguir lo que te propones. Cómo te tienes que entregar al cien por cien con tu banda y hacerlo increíble, comerte algunas absurdeces para lograr visibilizar tu arte”.

JACK ES UN GENIO de la industria musical, conoce muy bien cómo funciona el mercado y en sus producciones solo trabaja para que el resultado final sea factible y útil en una sociedad en la que las plataformas de streaming siguen liderando. Por el álbum aparecen colaboraciones de lujo como la de Florence Welch o Lana Del Rey, a la que recurrió para construir “Alma Mater” y abrir al público las puertas de su estudio. “Estaba componiendo con Lana y quería que la gente se sintiera parte de ello. Cuando la escuché por primera vez vi que reflejaba muy bien esos procesos de experimentación en el estudio y la parte dura del trabajo de creación. Soy muy preciso a la hora de

meter a alguien en una canción para que haga algo en concreto. Pero, por otro lado, no considero que me coma demasiado la cabeza dándole vueltas a una canción para buscar que esté perfecta. Yo me muevo más por los estímulos y los sentimientos. Hay un momento en el que siento que esa canción ya está lista y terminada. Siempre lo he hecho así”.

A ANTONOFF LE GUSTA REMARCAR que sigue siendo el mismo de antes, aunque haya tenido que asumir que el tiempo pasa a una velocidad de vértigo. “Bleachers” está lleno de referencias a sus lugares favoritos de New Jersey, a personalidades de la industria que le fascinaron como Longwave o la discográfica de James Murphy (LCD Soundsystem), DFA Records. Le gusta conectar con el Jack luchador de los inicios y canciones como “We Are Going To Know Each Other Forever” tienen esa esencia. R

“Ese tema surgió al pensar en todas esas personas que conocemos cuando somos más pequeños. En la forma en la que, con el paso del tiempo, esa gente crece y sus vidas empiezas a ser cada vez más complicadas. Pensé también que, ahora, una parte de mi público se identifica con mi yo de aquella etapa y siento que conecto con ellos. Por eso este tema es una suerte de carta de amor a toda esa gente”. Da la sensación de que el artista necesitaba otro disco de Bleachers para comprender así su situación como músico. Claramente, a pesar de vivir la vida de exceso glam, a través de esas grandes estrellas que empuja para brillar, Antonoff acude siempre al Jack más valiente y menos privilegiado para poner los pies en la tierra, para salvarse y escapar del ruido que genera todo lo demás. A.J.

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Los de Sevilla ponen toda la carne en el asador en “Bolsa Amarilla y Piedra Potente” (Primavera Labels/Universal, 24), un tercer álbum (sin contar la banda sonora de “Las leyes de la frontera”) en el que concilian su lado más contundente con sus inagotables inquietudes musicales.

TEXTO JC Peña

FOTO Ángel Bernabeu

CINCO DE LOS SEIS componentes de la banda están de promo en la terraza de un moderno hotel en la ribera del Manzanares. El día en Madrid es espléndido, aunque el viento molesta nuestra agradable conversación. Todos contribuyen, demostrando una vocación colectiva no tan frecuente en los grupos, y que se refleja en cada una de sus facetas. En este tercer trabajo derrochan química en cortes del poderío de “La fuente” o “Tierra”, ahondando en esos hallazgos que les han convertido en una de las bandas más genuinas del país. La naturalidad con la que combinan rock andaluz, psicodelia y requiebros progresivos se mantiene intacta. Empiezan su gira el 12 de abril en Salamandra dentro de la programación de Curtcircuit de Barcelona, el 18 en BUT (Madrid) y el 28 en la Sala Custom de Sevilla.

COMIENZO PREGUNTÁNDOLES precisamente por esa compenetración telepática que brilla en su nuevo trabajo. Contesta el vocalista Dandy Piranha. “Es que la banda está muy rodada. Hemos girado muchísimo. Entonces, claro, hemos aprovechado esa energía a la hora de hacer este disco”. Papi Pachuli abunda en esta idea. “Llevamos dos discos y una banda sonora a la espalda. Quieras que no, estamos rodados a nivel compositivo”. Para el guitarrista Gringo, el grupo “se ha profesionalizado a todos los niveles. Es como quien tiene un bar y lleva ya cuatro años”. Que “está picardeado”, se ríe el batería usando la expresión andaluza.

GRAN PARTE DE LAS BASES del nuevo álbum, grabado de nuevo en Sputnik (Sevilla) por su técnico habitual Jordi Gil, se hicieron en directo, precisamente con el objetivo de aprovechar esta química preciosa. Durante el proceso, el guitarrista Bacca tuvo que someterse a una cirugía leve, y “todo se tuvo que adaptar a esas circunstancias, porque hubo que parar un mes”. Lo cierto es que las canciones estaban muy

“

“La banda se ha profesionalizado a todos los niveles”

cerradas. En ese sentido, el proceso fue muy diferente al de “Hilo negro” (21), y la idea partió de su productor: se trataba de concluir cada canción, haciendo las tomas que hicieran falta. “Evidentemente, tienes que estar muy abierto a lo que suceda en el estudio. El trabajo de local está genial, pero también conduce a vicios. En el estudio, cuando pones las cosas en panorama, aparecen esos accidentes”, sostienen. Pero Bacca matiza que “a nosotros nos funciona mucho más ir con los deberes hechos. Y aunque el germen o idea inicial de un tema parta de alguien, siempre lo trabajamos muy en común. Para nosotros es indispensable que el proceso de grabación vaya a la par que el de la composición”. Una cosa está clara: “A la hora de crear, no somos el típico grupo en el que el cantantito llega con su guitarrita y los acordes. Todos aportamos una primera piedra encima de la mesa. Tocamos mucho en el local”, dice Dandy. Y hablan lo suyo, asegura Bacca riéndose. Admiten haber mejorado mucho su comunicación para avanzar en el proceso creativo y “llegar a consensos. Pones en medio el cacho de barro y todo el mundo le mete mano”. Además de que, en palabras de Gringo, “la fricción produce calor y el roce, cariño”. Su espíritu democrático se traslada también a las letras. El cantante asegura “ir recogiendo las sensaciones y temperaturas del local, poniendo palabras a las canciones, hasta que consideramos

que está acabada. Voy pescando tanto de la experiencia colectiva como de mi experiencia personal o los libros que leo. Y también tiro de imaginación: ‘Seis pistones’ me sugirió la historia de una pandilla que busca al diablo”.

TODOS CREEN QUE EL AUGE y éxito de propuestas como la suya o la de Los Estanques tiene que ver con cierto cansancio natural. Gringo sostiene que “hemos estado como diez años a negras, escuchando la misma canción de Izal una y otra vez, es normal: cuando llueve se moja y cuando no llueve no se moja. Llega un momento en que el oyente se satura y va cambiando”. Aunque, apunta el bajista Soni, “nosotros no hacemos un ejercicio de estilo. Los Estanques, igual, es que están colgaos y juegan un poco como nosotros. No les saldría de otra manera, y a nosotros nos pasa un poco eso”. Y se toman con naturalidad ser el único grupo del mundo (quizá con la excepción de sus admirados King Gizzard) que hablando de sus inspiraciones combina artistas como Pink Floyd y Rosalía. Papi cree que “debemos estar muy satisfechos del momento artístico de España. Los tres discos de Rosalía son producciones de catedral, aparte de que las canciones son buenísimas”.

CONCLUIMOS, y Dandy recoge el testigo para aventurar cómo ven el futuro de la música, en lo bueno y en lo no malo; una cuestión relacionada con el treinta aniversario de nuestra revista, en un panorama con cambios vertiginosos en los modelos de negocio, pero que en lo esencial es como siempre. “Es verdad que estamos en la época de la posverdad y la opinión, pero eso hace que surjan fuerzas contrapuestas y que haya quienes tengan ganas de ponerse un disco de cuarenta y cinco minutos, escuchándolo en sus cascos con todo su ser; y hay gente que tiene ganas de coger una guitarra, sacarse una cancioncita de Pink Floyd y cantarla en su cuarto, en lugar de estar pensando en hacerse el gángster”.

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Derby Motoreta’s Burrito Kachimba

Alquimia meridional

Imagina entrar en un club secreto en el que Ella Fitzgerald anda bailando con Daft Punk. Rosalía y Stevie Wonder también están por allí. Algo así concibe el nuevo disco de Caravan Palace, “Gangbusters Melody Club” (Lone Diggers, 24). Una demostración de que el grupo francés se ha pasado al juego del electroswing.

TEXTO Mara Gómez

FOTOS Florent Drillon

ES ZOE, VOCALISTA de la formación, quien nos abre las puertas a esta sociedad secreta en la que la “música vintage” se funde sin reglas ni límites, cuenta, con la electrónica, el hiphop, el rock… Han pasado ya casi veinte años y cinco álbumes desde que el grupo nació con el fin de crear la música de, ni más ni menos, una película erótica. Desde entonces, explica, ha sido un proceso de mantener la oreja pegada a las novedades musicales y “mucha experimentación y ‘orfebrería’”. Aun así, el nerviosismo por un nuevo lanzamiento no desaparece. Nervios que, a través de la mirada de la cantante franco-española, percibo que son de emoción y de entusiasmo. Quizá sea esa la receta para no haber perdido ni un miligramo de frescura, pese a que lo que hacían ellos hace años ya se podría considerar vintage, comenta Zoe entre risas. “Nos mantenemos frescos y atemporales porque seguimos con lo que nos gusta, sencillamente. Tengo mucha admiración hacia Charles y Arnaud [compositores y fundadores de la banda] porque siguen como niños con la música, con algo muy primario de ‘Nos gusta, tenemos pasión y lo hacemos’”.

NO ES COMPLICADO PALPAR ese fervor del que me habla, repito. Cada poco, vuelve a mostrar orgullosa la portada del nuevo álbum, para explicar cada detalle que esconde este nuevo trabajo. El título, “Gangbusters Melody Club”, procede de un programa policiaco radiofónico de los años treinta. “La música que hacemos es muy cinematográfica”, afirma. Así, optaron por “seguir con una referencia del pasado, pero también añadir algo de ciencia ficción”. “Es como que nosotros estamos implicados en algo que pasa dentro…”, indica señalando la gran cabeza androide. “… Un clan secreto de buenos y malos. Y melodías, claro”. Quien pudiera, pues, entrar en ese

Caravan Palace Club de jazz

ENTREVISTA

“Nuestra prioridad es la música y la gente” “

3misterioso garito, en el que la única prohibición es no bailar los doce nuevos temas. Aun así, no todo son paseos como los de la protagonista de “MAD”, repletos de energía positiva en cada verso. Que se lo digan a “Reverse”: ritmo luminoso con el que a uno se le escapan inevitablemente los pies, pero con una oscura realidad entre sus líneas: ataques de pánico, disociación, soledad… “Esquizofrénica”, la describe Arnaud. “Realmente, el tema viene por la primera frase que me suena bien con el ritmo y el tempo”, precisa Zoe. Todo empieza por el sonido y, a partir de ahí, crea un universo entero para la pista. “El grupo se llama Caravan Palace: nos gusta esa idea de algo triste en música no triste; que no todo sea de un solo color, sino que tenga varias posibilidades de progresión”.

AUN ASÍ, EL CONJUNTO lo tiene claro. No querían ser “una representación realista de lo que somos”. Intentad, si no, encontrar sus caras en alguno de sus vídeos o carátulas. “Lo que nos gusta es estar representados por el robot. El espectro más largo de emoción que puedes ofrecer es la ficción: hablas a la gente con la emoción que produce la música y visiones fantásticas de la imaginación”. Justifica así el popurrí de públicos que uno encuentra entre sus fans: la edad y las fronteras se disipan en un gigante apoyo multitudinario, multinacional y multicolor diario. “¡La idea de ‘todo el mundo y cual-

CRITICANDO

Gangbusters

Melody Club

Lone Diggers

7

POP / Llevan casi dos décadas demostrando que las pilas de su robot no se agotarán jamás. Así lo demuestra “Gangbusters Melody Club”, una mezcla chiflada en la que el jazz, el swing y el sonido disco vuelven a ser tendencia. En este quinto álbum de estudio, la formación mantiene su sonido característico, aunque se aleja sutilmente de su anterior “Chronologic” (19): esta vez el voltaje es más bailón que nunca. Temas adictivos y alocados que esconden géneros en cada compás: el espíritu juguetón y experimentador del grupo se palpa en todo momento. La sonoridad es la reina, prueba de ello son los samples que salpican prácticamente cada canción y con los que consiguen esa dimensión antique que les funciona tan bien. Jazz de sótano en su vertiente más pop. M G

quier tiempo’! Eso es lo que nos gusta y lo que creemos que la música puede ofrecer al mundo”. Menciona con humor cómo suelen decirles que no son muy comunicativos, y que quizá podrían ser (incluso) más grandes en un sentido de negocio, pero… quizá entonces no habrían sobrevivido todo este tiempo. “Para nosotros la prioridad siempre es la música y la gente. La comunicación, la fama… No estamos muy puestos en ello. Estamos obsesionados por la música, el trabajo y la diversión”.

ESO SÍ, pese a ser “poco comunicativos”, en TikTok son todo un fenómeno. Miles de fans de todo el mundo entienden Caravan Palace casi como un estilo de vida. “Lo que nos gusta de la música es que tiene un valor universal […]. Tenemos mucha suerte, porque somos franceses y hacemos música que tiene más bien inspiración de Inglaterra o Estados Unidos, y tenemos muchísimo amor de personas de Latinoamérica, España…”. Igual algo bien en su comunicación sí están haciendo. M G

ALBA ARMENGOU

29 marzo: CLARENCE JAZZ CLUB. Torremolinos (Málaga)

30 marzo: CLASIJAZZ. Almería

21 abril: MATISSE. Valencia

ELANE

6 abril: LAS ARMAS. Zaragoza

7 abril: SANTANA 27. Bilbao

19 abril: SALA CANALLA. Pamplona

26 abril: EL TREN. Granada

27 abril: SALA FANATIC. Sevilla

9 mayo: LA FUNDICIÓN. Logroño

GILIPOJAZZ

12 abril: SALA Z. Zaragoza

13 abril: SALA GENIUS. Huesca

19 abril: SALA EUTERPE. Sant Joan d’Alacant (Alicante)

12 mayo: BLACK BOURBON. León

18 mayo: SINATRA CÓCTEL BAR. Vigo

MARILIA MONZÓN

19 abril: LA FÁBRICA DE CHOCOLATE. Vigo

10 mayo: LE COUP. Vitoria- Gasteiz

11 mayo: LA RÚA. Burgos

24 mayo: LA CASA DEL LOCO. Zaragoza

25 mayo: EL VEINTIUNO. Huesca

26 mayo: LA CASA DEL MAR. Alboraia (Valencia)

ORTIGA

2 mayo: MOBY DICK CLUB. Madrid

3 mayo: MALANDAR. Sevilla

4 mayo: EL GRAN CAFÉ. León

17 mayo: CAN LLIRO. Manacor (Mallorca)

31 mayo: SALA LÓPEZ. Zaragoza

1 junio: TRIBECA LIVE. Oviedo

THE SON OF WOOD

30 marzo: LA TRINCHERA. Málaga

20 abril: GONG GALAXY CLUB. Oviedo

4 mayo: SALA VESTA. Madrid

18 mayo: SALA RUIDO. Ferrol (A Coruña)

BEN YART

5 abril: NIÁGARA. Santander

6 abril: A POUSADA DA GALIZA IMAXINARIA. Boiro (A Coruña)

11 abril: MAREAROCK. Alicante

12 abril: TERRA. Castellón

19 abril: LA CUEVA DEL JAZZ EN VIVO. Zamora

FERNANDO RUBIO

6 abril: NEW FIZ . Barcelona

10 mayo: LA ALQUITARA. Béjar (Salamanca)

18 mayo: PALO PALO. Marinaleda (Sevilla)

24 mayo: FUN HOUSE. Madrid

25 mayo: METRÓPOLIS . Segovia

LADY BANANA

5 abril: ES GREMI. Palma de Mallorca

19 abril: STEREO. Alicante

MELENAS

4 mayo: SALA CORLEONE. Sabiñánigo (Huesca)

10 mayo: SALA WOL. Barcelona

11 mayo: LA CAPSA DE MÚSICA. Tarragona

17 mayo: SIDERAL. Albacete

18 mayo: LA YESERÍA. Murcia

23 mayo: 16 TONELADAS. Valencia

26 mayo: LA BOHEMIA. Castellón

SABELA

12 abril: LA VACA. Ponferrada (León)

13 abril: CAFÉ BERLÍN. Madrid

26 abril: INFORMAL. Tafalla (Navarra)

27 abril: HELIOGÁBAL. Barcelona

9 mayo: SALA X. Sevilla

10 mayo: SALA KHARMA. Jaén

TRES CALADAS

19 abril: TEATRO ARBOLÉ. Zaragoza

26 abril: VADE MÚSICA. Sabadell (Barcelona)

9 mayo: MARDI GRASS. A Coruña

10 mayo: ÁVALON CAFÉ. Zamora

16 mayo: CAFÉ TEATRO CENTRAL. Baeza (Jaén)

25 mayo: LA COCHERA CABARET. Málaga

30 mayo: LONG ROCK CÓRDOBA. Córdoba

CHICA SOBRESALTO

13 abril: LA CHICA DE AYER. Salamanca

25 abril: GARAJE BEAT CLUB. Murcia

26 abril: BERLÍN SOCIAL CLUB. Almería

27 abril: ESCENARIO ALIATAR. Granada

25 mayo: AGUERE CULTURAL. La Laguna (Tenerife)

FRANVVI

12 abril: DIRECTO CUENCA. Cuenca

13 abril: SECRETOS. Mayorga (Valladolid)

27 abriL: LA DISFRUTONA DEL ORZÁN. A

Coruña

24 mayo: CLAMORES. Madrid

25 mayo: THE ROSE. Yuncler (Toledo)

DIEGO GUERRERO

11 abril: EA ¡ TEATRO. Albacete

12 abril: JAZZAZZA JAZZ CLUB. Algezares (Murcia)

13 abril: RADIO CITY. Valencia

19 abril: BOTÁNICO CAFÉ TEATRO. Soria

10 mayo: CLAVICÉMBALO. Lugo

11 mayo: GARUFA CLUB. A Coruña

31 mayo. EL CORRAL DE LAS CIGÜEÑAS. Cáceres

1 junio: COTTON CLUB. Bilbao FROM

4 abril: SALA MOON .Santiago de Compostela

5 abril: LA PECERA. Vigo

6 abril: COCODRILO NEGRO. Ponferrada (León)

11 abril: MARAVILLAS CLUB. Madrid

12 abril: SINESTESIA . Barcelona

31 mayo: CIENTOCERO. Valladolid

LISAsiNSON

6 abril.: BOOGALOO CAFÉ. Cáceres

26 abril: SIDECAR. Barcelona

27 abril: LA LATA DE BOMBILLAS.

Zaragoza

10 mayo: SALA REM. Murcia

11 mayo: INDUSTRIAL COPERA. La Zubia (Granada)

MERITXELL NEDDERMANN

20 abril: CREDENCE. Zaragoza

21 abril: SIROCO. Madrid

25 abril: CAFÉ CULTURAL AURENSE. Ourense

26 abril: KRAZZY KRAY. Cambados (Pontevedra)

27 abril: CASA DAS CRECHAS. Santiago de Compostela

9 mayo: MISTER WITT CAFÉ. Murcia

SHARON BATES

13 abril: LA IGUANA CAFÉ CONCIERTO. Olivenza (Badajoz)

17 mayo: ROCKNROLLA. Granada

18 mayo: ZZ PUB. Málaga

LOS 300

4 abril: PETER ROCK CLUB. Valencia

5 abril: LEBOWSKI. Teruel

6 abril: SALA GENIUS. Huesca

MONTANA

12 abril: ASKLEPIOS. Valladolid

13 abril: SOUND CLUB. Navalmoral de la Mata (Cáceres)

17 abril: LA LEY SECA. Zaragoza

18 abril: ZENTRAL KAFÉ. Pamplona

SIENNA

12 abril: SALA PÍCARO. Toledo

13 abril: OFF CULTURA. Badajoz

31 mayo. PORTA CAELI. Valladolid

ENTREVISTA

Desde hace cuatro años, Besmaya nos han ido adelantando lo que estaba por llegar a base de singles y epés. Ahora, después de quemar rueda por las salas de media España, por fin llegan a su primer álbum, este “Nuevos Lemas”. Javi Ojan y Javi Echávarri me reciben con una sonrisa de oreja a oreja y muchas ganas de destriparme este elepé. No hay freno de emergencia que les pare: se les ve en la cara.

TEXTO Mara Gómez

FOTO Bandiz Studio

AMIGOS DE LA INFANCIA, comenzaron componiendo en casa y han terminado firmando con una multinacional en tiempo récord. Aunque ya no son los adolescentes de entonces y el sonido de este nuevo trabajo lo demuestra: Besmaya son puro gas. “Hay dos hilos conductores que unen el disco: uno lírico, con una historia ejemplificada a través de las metáforas en el universo de la mecánica, de los viajes… y un camino por los estilos de música contemporánea que nos gustan”. Intento indagar un poco en combinación de géneros y veo que huyen de clasificaciones en cuanto les hablo de pop. “Creemos que lo de las etiquetas cada vez tiene menos sentido… Al final, ¿qué es el pop? El pop lo escucha todo el mundo”. Para los Javis de la música, la experimentación es lo que da forma a su trabajo. “¿Por qué tenemos que hacer todo el disco del mismo estilo si a día de hoy a la gente le encanta la variedad?”. Muestra de esa mezcla sin prejuicios es el despliegue de colaboraciones del disco: los derrapes urbanos junto con NSQK (“El Cable”), la sutileza de un road trip con Yarea (“Automóviles”) y el adictivo temazo que se han marcado con Sidonie. “Les conocimos en el Tomavistas el año pasado. Marc me dijo que le encantaba lo que hacíamos”. La chispa prendió al “Instante”. “¡Enseguida teníamos la maqueta!”. Dos generaciones unidas por el mismo nervio creativo, sin miedos ni prejuicios. “El disco juega con muchas cosas más actuales a nivel de sonido, y queríamos hacer algo con ese peso clásico del pop rock español”. Pero no es el único grupo histórico que se ha colado en estos “Nuevos Lemas”. También han resintonizado el “Impossible Germany” de Wilco en el universo Besmaya, en, claro está, “Alemania Imposible”. “Somos mega fans de Wilco, y la estructura de la canción que teníamos nos recordó mucho a esta canción”.

BESMAYA HA LLEVADO SU RUTA a otro nivel hilando los once temas en un continuo de treinta minutos. “Era un reto que teníamos”. Una idea que, aunque fuese “un jaleo”, comentan, es una forma interesante de recuperar el valor del disco de antaño ante una audiencia prácticamente zeta. Pero ¿funciona? “Estamos viendo que mucha gente le ha pegado una escucha entera, del tirón y en orden al disco y por eso estamos muy agradecidos”.

CRITICANDO

Nuevos Lemas

SYNTHPOP / Los Javis del pop enérgico se lo han tomado con cierta calma. Tras unos inicios pandémicos en los que consiguieron unas nadas desdeñables cifras de escuchas en streaming, le sucedió un EP, “Besmaya”, en 2022. Pero iba llegando la hora de la verdad. Y aquí está “Nuevos Lemas”, un disco de diez canciones que no solamente se ajusta a lo que esperábamos de Javi Ojan y de Javi Echávarri, sino que va algunos pasos por delante. Con él, Besmaya nos muestran todas las caras de lo que son a día de hoy al tiempo que nos obsequian con algunas composiciones que se convertirán en imprescindibles de cara a sus directos. Son una máquina generadora de canciones coreables y de dibujar sonrisas en las caras de sus fans. Y visto cómo está el mundo, nos hacen falta más bandas como ellos. MERCÈ GUTIÉRREZ

Besmaya

“

“Estamos en el mejor momento de nuestra vida, pero tenemos muchos instantes que asimilar al día”

Besmaya

Dale gas

VOLVIENDO AL PASADO, Ojan supo que quería dedicarse a la música después de vivir un concierto de Green Day; Echávarri se declara fan incondicional de The Smiths, Radiohead… Me pica la curiosidad de qué no puede faltar en una de sus playlists. Como si lo tuvieran ensayado, se quedan en silencio y, conectados por un cable invisible, sin siquiera mirarse, exclaman: “Tres, dos, uno… ¡Cupido!”. Comienzo a entender la fascinación con la que habla de ellos Paco Salazar, su productor, en ese audio-interludio que enlaza las piezas cuatro y seis de este puzle recién estrenado. Con él pasaron horas y horas esculpiendo el elepé. “Hemos impreso mucha personalidad a través de la producción, y es un disco en el que nos encontramos más a nosotros mismos”. En la nota de voz, Salazar también comenta la fuerza de los ya afincados en Madrid sobre el escenario: soltura, afinidad y un público completamente entregado. Besmaya han sido los “culpables de muchas raves” este último año, y con estos “Nuevos Lemas”, tiene pinta de que queda mucho por delante y nada que los pare. “La gira que estamos preparando ahora sí que nos está dando un poco de vértigo. Queremos que todo este concepto y energía que hemos capturado en el álbum quede plasmado en el directo. Estamos en el mejor momento de nuestra vida, pero tenemos muchos instantes que asimilar al día: después de esta entrevista, nos subiremos en un taxi para ir a otra, y en ese camino, miro por la ventanilla y digo ‘Guau, ¿qué está pasando?’”. Su remedio ante los mareos no es la biodramina, sino la confianza en los suyos. “La vida que llevamos ahora mismo es muy ajetreada, pero tenemos la suerte de que al final seguimos contando con los de siempre”. M G

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EN CONCIERTO

l Málaga 24-25 mayo. Oh, See! Festival

l Palencia 07-08 junio. Palencia Sonora

l Pontevedra 04-066 julio. Portamérica

l Barcelona 10-13 julio. Cruïlla Festival

l Guadalajara 29-31 agosto. Festival Gigante

l Salamanca 18 octubre. Camelot

l Valladolid 19 octubre. Desierto Rojo

l Gijón 25 octubre. Teatro Albéniz

l Oviedo 26 octubre. Tribeca

l A Couña 08 noviembre. Sala Pantalan

l Pontevedra 09 noviembre. Karma

l Cuenca 14 noviembre. Sala Directo

l Valencia 15 noviembre. Palau Alameda

l Alicante 16 noviembre. Magma Club

l Madrid 28 noviembre. La Riviera

l Guadalajara 14 diciembre. Sala Oxido

SHINOVA

Carrera de fondo

“El presente” (Warner, 24) es el séptimo trabajo de Shinova. Los miembros de la banda de Vizcaya saben muy bien lo que es picar piedra a lo largo de quince años de carrera y, ahora, quieren permitirse un regalo: disfrutar de este instante para saborearlo con la intensidad que merece el haber llegado hasta aquí.

TEXTO Don Disturbios

FOTOS Daniel Fernández

El aquí y el ahora

CUANDO ALGUIEN decide titular su último disco con una idea tan contundente y precisa como es “El presente”, en el fondo está realizando una evidente declaración de intenciones. Está situando sobre el tapete que ha llegado la hora de disfrutar de todo lo sembrado con anterioridad, a la vez que reivindica la vigencia de las doce canciones que presenta. (Ander Cabello, bajista) “Este disco es la consecuencia de todos estos años en los que hemos tenido la sensación de que, como las cosas ahora van tan rápido, tan atropelladas, teníamos un poco la sensación de no estar aprovechando el presente al cien por cien. Por eso para

esta disco, tanto durante su producción como durante su gira y todo lo que venga, nos hemos propuesto disfrutar de verdad”. Y es que podríamos estar todos de acuerdo que Shinova se encuentran en el momento más dulce de su carrera. Ese instante que nos presenta, quince años después de su formación, a una banda tan estable como establecida. Un grupo que sabe hacia dónde va con sus canciones y que ofrece un estilo muy depurado a lo largo de sus últimos discos, combinando estribillos que se impregnan de guitarras contundentes y un cantante con carisma, y una presencia escénica de lo más rockera, que se relame muy a gusto con la épica. Además, por la excelente acogida que han tenido canciones del disco como “Alas”, “Lobos” o “Berlín”, todo parece indicar que “El presente” puede contribuir a que den ese posible salto del segundo renglón de los carteles de los festivales españoles

a incluso encabezarlos. (Gabriel de la Rosa, cantante) “¡Hombre! Eso es algo que no hemos tenido todavía la posibilidad de comprobar. Pero sí estamos viendo que, antes de que salga el disco, los primeros singles y con los números que nos llegan por la compañía de la preventa; solo basándonos en los números, hay un cambio. Estamos notando que está creciendo muy rápido y que está conectando muy rápido también con la gente”. La banda piensa aprovechar el momento al máximo, incluso antes de que lleguen los meses estivales. Por eso se han embarcado en una gira por salas, auspiciada por el proyecto Vibra Mahou, en cuyos conciertos sacarán a relucir todo su arsenal en las distancias más cortas, para luego ocupar su papel como uno de los grupos con más presencia en una temporada festivalera que, cuando leas estas líneas, habrán inaugurado por todo lo alto en el SanSan de Benicàssim.

Compartir o competir

NO VAMOS A NEGAR la evidencia. Shinova son otro de esos grupos que se ha ido esculpiendo a la par que el modelo festivalero irrumpía con fuerza y se establecía en nuestras vidas. Un circuito que, pese a sus críticos, ha resultado vital para la supervivencia y la profesionalización de un buen número de proyectos artísticos. Ellos son conscientes y no rehúyen el tema. Al contrario, no tienen ningún reparo en asumir que existe un hábitat musical común que comparten con bandas como Viva Suecia, Arde Bogotá o Veintiuno. Eso que ha acabado etiquetado en nuestro país como “indie-mainstream” para definir un sonido de guitarras que no renuncia a la épica del estribillo, tan reconocible como fácil de corear a pleno pulmón. (Gabriel de la Rosa) “Es que por un lado tienes a grupos con un pop muy dulce, rollo Los40, mainstream

total y con una estética muy definida, y después está el rock en español también muy definido. Entremedio hay algo que la gente no sabía definir muy bien, ¿no? Es el caso de la erupción en su día de Vetusta Morla. ¿Qué son?¿Dónde los colocamos? Llenaron un espacio que hacía muchos años que quizás no se llenaba. Bandas que beben de otros como El Último de la Fila y que estaban ahí justo en la mitad del mainstream más descarado y del rock más clásico, pero con ese punto de autor. Entonces se buscó una etiqueta para ellos. Lo que ocurre es que, en realidad, si empiezas a analizarlos uno por uno, dices ‘Esto es pop, esto es rock, esto...’. Yo es que no he conocido a nadie que me haya dado una explicación coherente de lo que es el indie, al menos de lo que es el indie español de los últimos diez años”. Sin embargo, de lo que no cabe duda, más allá de la etiqueta con la que queramos clasificarlos, es de la existencia de ese puñado de grupos afines con los que

“

“No he conocido a nadie que me haya dado una explicación coherente de lo que es el indie”

3compartir experiencias en el backstage al mismo tiempo que se compite por alcanzar un estatus y a un público que te mantenga en lo más alto. Porque la competencia, existir ¿existe? (Ander Cabello) “Alguna vez lo hemos hablado y yo creo que es una competencia sana. Una competencia de decir ‘¿Se podía llegar hasta aquí?’. Te pongo el ejemplo de Latinoamérica. Nosotros, eso de poder ir a tocar a Latinoamérica es algo que ni lo habíamos soñado. Y resulta que hemos ido ya tres veces y con un crecimiento súper exponencial. Eso ha sido porque miras a alguien que ha conseguido algo y te quedas con la sensación de decir ‘¡Hostia, ¿se podía hacer eso?¿Y esta velocidad?’. Realmente si hay algo en lo que nos fijamos de los demás es para mejorar nosotros. Por eso creo que nos sentimos todos en el mismo barco”.

El disco

COMO DECÍAMOS al principio, “El Presente” es el séptimo trabajo de los vizcaínos. Un álbum que no presenta grandes novedades en cuanto al identificable sonido de la banda –más allá de algún jugueteo con sintetizadores– y que, a pesar de su título, vuelve a desprender esa brumosa melancolía en las letras que son marca de la casa. No hay más que escuchar un tema como “Diciembre” y “esa vieja camiseta de los Who” para darse cuenta de ello. (Gabriel de la Rosa) “Fíjate, no deja de ser muy explícita esa canción porque hay muy poca metáfora. Creo que es de las canciones más directas que hemos hecho. Pero es una melancolía o un recordar desde la atalaya que te da el tiempo. Esa perspectiva mucho más amplia, en la que analizas relaciones, los porqués, desde un punto que quizás, en aquel entonces, no era posible porque no tenías el aprendizaje necesario ni habías vivido lo suficiente”. Pero no es la única pieza melancólica del lote porque “Gloria” también supone una añorada mirada hacia el pasado. (Gabriel de la Rosa) “También es otra canción muy explícita. Nosotros crecimos en una Vizcaya completamente diferente a la actual, un Bilbao que es muy diferente al de ahora, con un conflicto muy bestia y que estaba a la orden del día. Nosotros como adolescentes en Vizcaya recibíamos por todos lados. Era una época muy complicada y la música siempre estuvo ahí”. (Ander Cabello.) “Por entonces había un circuito muy potente de lo que se llamó el Rock Radical Vasco, y yo creo que somos

“

“El nuestro ha sido un crecimiento sólido”

un poco hijos de todo aquello”. (Gabriel de la Rosa) “Sí, somos los herederos. De hecho, joder, nosotros empezamos tocando versiones de Cicatriz, de RIP, y la música en aquel entonces fue una ventana a unos paisajes que era muy difícil ver de otra manera. Fue una salida, una especie de salvación para nosotros, salvación entre comillas. Fue muy importante, siempre estuvo ahí. Y ‘Gloria’ es un poquito el retrato de esa adolescencia que tuvimos”. Cuesta imaginar, escuchando la propuesta actual de Shinova, que ellos vengan de un conflicto tan doloroso como el vasco. Y no deja de ser curioso que lleven los mismos años en activo que el inicio del proceso de paz con ETA. ¿Son en cierta medida consecuencia de dicho proceso? (Ander Cabello) “Es difícil trasladar lo que hacemos ahora a aquella época, porque en aquella época hacíamos otras cosas, pero no sé.... No sé si por entonces había también la ambición, como hemos tenido nosotros, de salir de lo que es el País Vasco. Creo que vivimos en una etapa en la que había un circuito tan rico que, casi todos los jóvenes, hacíamos música para tocar allí, para tocar en Euskadi. Y no sé si hubiéramos tenido ese planteamiento como hemos tenido después, con más madurez y con otra situación”. (Gabriel de la Rosa) “Muchas veces la música te da pie a tener un mensaje que es mucho más cercano a la realidad que los propios medios. Quizá la música te daba esa expresión, o sea, te daba esa libertad para expresarte y decir cosas que un medio de comunicación no diría, aunque supiera que está omitiendo la realidad. En la música se contaba lo que sucedía y era un retrato muy fiel de aquellos tiempos. Había una escena muy potente que decía muchas cosas y que decía muchas verdades también. Y eso... eso molestaba. Eso no era cómodo para determinados actores de la sociedad”. (Ander Cabello) “A mí me llama la atención cómo ahora, pasado el tiempo, entendemos esa música por

la forma en que estaba reflejando un punto muy concreto de la historia de todo lo que estaba ocurriendo. Pero me cuesta mucho visualizar a qué le estamos cantando ahora, qué estamos reivindicando. Supongo que cuando estás dentro es muy difícil visualizarlo y, cuando pase el tiempo, vamos a poder entenderlo”. (Daniel del Valle, guitarra) “La perspectiva te la da el tiempo y cuando nos has hecho la pregunta estaba reflexionando y sí, en cierto medida somos hijos de algo”. Hijos de un presente en el que todo tiene que ser instantáneo, rápido muy rápido. Una inmediatez que Shinova ha recogido en temas como “Pura ironía” (Gabriel de la Rosa) “La gran mayoría no sabemos a dónde vamos, ¿sabes? Y al final estos tiempos te obligan a ir a una velocidad tremenda, a necesitar estímulos instantáneos y que sean muchos, ¿no? Pero tampoco estamos preparados para saber aceptar todos los estímulos que recibimos a diario. Entonces, ‘Pura ironía’ va en esa dirección, en cómo nos hemos olvidado de

nosotros mismos para mirar fuera hasta el punto de no saber muy bien lo que estamos viendo. Al final es imposible que tengamos la capacidad para entender absolutamente todos los estímulos que vienen de fuera y que eso sea algo positivo para nosotros. Por eso esta canción es un retrato de la sociedad actual con una descripción desde nuestro punto de vista”.

Carrera de fondo

POR TODO LO HABLADO hasta el momento, podríamos decir que Shinova le cantan al presente como hijos de los tiempos desesperados que nos ha tocado vivir, pero sin renunciar a mirar por el retrovisor a una época en la que todo resultaba mucho más sencillo y puro. Reflexiones que nacen de un camino de más de quince años en el que las han visto de todos los colores. (Ander Cabello) “David, nuestro mánager, ya desde

el principio nos decía ‘Esto es una carrera de fondo’, y le hemos hecho caso. Vamos ahí con la carrera de fondo, picando piedra, y la verdad es que creo que eso también te hace crear una base súper estable y a la larga es algo que viene bien. Mucho mejor que a las bandas que de repente tienen un pico y luego tienen que saber gestionar todo eso”. (Erlantz Prieto, guitarra) “ ¡Y que luego no caiga igual de rápido! Creo que lo nuestro ha sido un crecimiento sólido que nos ha dado la salud mental para, al principio poder compaginarlo con nuestros trabajos, y luego para empezar a dejarlos y dedicarnos plenamente a esto. A entender todos los procesos y a entender también cómo funciona la industria. Si el crecimiento se hubiera dado de golpe, no sé cómo lo hubiéramos gestionado”. Pues ahora, tal y como decíamos al principio, solo toca disfrutarlo. D.D.

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EN CONCIERTO

l Murcia 03-04 mayo. Warm Up

l Toledo 10-11 mayo. Toledo Beat

l Sevilla 17-18 mayo. Festival Interestelar

l Benposta 23-25 mayo. Ouren Sound

l Palencia 07 junio. Palencia Sonora

l Valencia 08 junio. Festival de les Arts

l Lleida 14 junio. Magnific Fest

l La Roda 15 junio. Festival de Los Sentidos

l Barbastro 28 junio. Polifonik Sound Festival

l Portas 04-06 julio. Festival PortAmérica

l Bilbao 11-13 julio. Bilbao BBK Live

l Benidorm 12 julio. Low festival

l Barcelona 12 julio. Festival Cruïlla

l Benidorm 26-28 julio. Low Festival

l Aranda de Duero 08-11 agosto. Sonorama Ribera

l Almería 16-17 agosto. Cooltura Fest

l Granada 13-14 septiembre. Granada Sound

l Las Palmas de Gran Canaria 04-05 octubre.

Gran Canaria SUM Festival

.LOS DISCOS DE MI VIDA.

EN CONCIERTO

Peces Raros

Charly García Clics Modernos (1983)

Un artista que me ha acompañado e instruido toda la vida. Para mí escuchar a Charly es como estar en casa. Un músico que ha puesto el conocimiento, la técnica y la academia a disposición de la canción y de la emocionalidad. La canción por delante de la técnica. Un libro abierto de armonía y un pararrayo emocional de la Argentina.

Radiohead In Rainbows (2007)

Una banda que ha abierto el camino de la exploración con la electrónica de formas únicas, dejándonos canciones tremendas. Tienen una obra y un proceder muy singular y es, creo, una de las bandas que nos mete de lleno en el Siglo XXI. “In Rainbows”, me fascina porque es probablemente el momento más equilibrado entre canción y exploración, síntesis y descubrimiento.

Peces Raros es un dúo argentino formado por Lucio Consolo y Marco Viera, especializado en combinar electrónica con pop-rock, y se les da realmente bien. Hoy nos descubren discos de referencia para ellos. Los argentinos estarán presentando su EP “Obras en vivo” este mes en nuestro país.

Crecí escuchando The Beatles y es una banda a la que nunca dejo de volver. Particularmente este álbum me lo acercó mi prima, que era algo más grande. Recuerdo la primera vez de escuchar "Because" o "She’s So Heavy" una sensación de total elevación. Ese sentimiento nunca la perdí con The Beatles, siempre vuelvo y siempre hay algo nuevo.

Ese álbum de Justice fue el equivalente a patear el tablero de todas las ideas que tenía de cómo se podía hacer música. Yo venía de una formación tradicional, académica de la música, y de repente encontrarme con una orquesta techno hecha por un par de productores me voló la cabeza. Con este álbum descubrí que había un mundo detrás de la palabra electrónica que era mucho más vasto de como se veía de afuera.

Este disco lo descubrí en la adolescencia y junto con él a Dylan. Con Dylan las letras lo son todo, y eso me abrió un universo. En una canción se puede hablar de lo que quieras, se puede combinar la tradición que quieras. Se puede mezclar, se puede destruir y se puede volver a levantar. Irreverencia absoluta, eso me enseñó Dylan.

Un disco tremendo que he escuchado en distintos momentos de mi vida, me acuerdo que salió cuando tenía ocho o nueve años, y trataba de transcribir las canciones pero obviamente no entendía nada. Este disco para mí presenta la particularidad de combinar muy bien la tradición latinoamericana musical y la influencia del rock en nuestra cultura. MS

Fito Páez Abre (1999)

Bob Dylan Highway 61 Revisited (1965) Justice Justice (2007)

The Beatles Abbey Road (1969)

l Madrid 04 abril. The Bassement l Barcelona 05 abril. La [2] de Apolo

EL DISCO. RECUPERADO.

East Village Drop Out (1993)

PASAN LOS AÑOS

y la historia de la fugaz carrera de los británicos East Village y del respectivo alumbramiento de su único álbum de estudio continúa siendo uno de esos relatos malditos en el mundo de la música que se cuentan con incrédulo pesar y rabiosa frustración. Los hermanos Paul y Martin Kelly erigieron su sonido en un garaje de su Buckinghamshire natal entre reminiscencias de pop sesentero inglés y miradas simpáticas a la generación del C86. Poco después, y tras la suma de Johnny Wood y Spencer Smith a la ecuación, el ya cuarteto le caería en gracia a un joven Jeff Barrett, empleado en Creation Records y dueño del sello Sub Aqua. El acuerdo estaba hecho y los últimos respingos de los ochenta parecían ser la lanzadera perfecta para los Kelly, quienes entre teloneos y bolos propios saboreaban ya las gustosas mieles del éxito. No obstante, un giro de los acontecimientos provocaría la quiebra y cierre del sello de Barrett, lo que dejaría a la banda con un disco a medio hacer y sin una casa discográfica con la que editarlo.

A PESAR DEL PALO, a Barrett todavía le quedaba iniciativa emprendedora y de las cenizas de Sub Aqua terminaría fundando oportunamente la reputada disquera Heavenly, dispuesto así a tricotar los últimos hilos del debut formal de East Village. Sin embargo, para entonces el ánimo de la banda parecía francamente deteriorado y

sin previo aviso ni indicios que así lo advirtieran, sus miembros decidirían anunciar su sorpresiva ruptura en pleno directo en marzo de 1991, sin intención de dar mayores explicaciones al respecto y condenando así su legado al culto sumergido y al ostracismo más injusto.

“DROP OUT”, su único largo, vería la luz dos años después de la desbandada general, convirtiéndose de inmediato en un brindis al sol destinado tan solo a ser descubierto décadas después por ávidos coleccionistas y completistas del pop. Sin embargo, basta con escuchar sus temas para darse cuenta de la notable influencia posterior que la banda tuvo en sus respectivos relevos generacionales (de la inocencia de The Charlatans en “Silver Train” a la emotividad de Manic Street Preachers en “Freeze Out”, sin olvidar la evidente herencia que se terminaría viendo en el icónico “Screamadelica” (91) de Primal Scream). Ahora, solo los miembros de esta banda que toma su nombre de un popular barrio neoyorquino saben bien qué dobles significados se escondían en canciones como “What Kind Of Friend Is This” o “Way Back Home”, pero lo que sí podemos afirmar, sin especulaciones mediante, es que su melancolía, a caballo entre el twee y el jangle, merece ser puesta en su lugar incluso treinta años después. MAITE APARICIO

TAN. CERCA.

RR El dúo de rock duro Bala ha estrenado un nuevo single “Ouveo”, una colaboración con nada menos que Tanxugueiras. La canción formará parte de “Besta”, su nuevo disco a publicar el 26 de abril en [PIAS].

RR El trío madrileño La Paloma, tras el éxito de “Todavía no” (La Castanya, 23), no ha dejado de actuar, pero llega el momento de cerrar una etapa. Así que anuncian el concierto de fin de gira para el 21 de diciembre en La Riviera de Madrid.

RR Ale Acosta sigue avanzando temas del que será su primer trabajo en solitario al margen de Fuel Fandango. Tras sus colaboraciones con Valeria Castro (“La Ceniza”), Çantamarta (“El Cerro y el Mar”) y la que es su última colaboración hasta el momento, “Al límite”, con el cantante y rapero madrileño Juancho Marqués.

RR La película que retrata la historia de Los Planetas, “Segundo Premio”, de los directores Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez, se ha hecho con la Biznaga de Oro a Mejor Película Española del Festival de Málaga. También ha obtenido los premios a Mejor Dirección y Montaje.

RR Residente acaba de publicar su nuevo álbum, “LAS LETRAS YA NO IMPORTAN”, que ahora presentará en gira por todo el mundo. Y la gran noticia es que este tour se iniciará en España con conciertos en Barcelona (14 septiembre, Palau Sant Jordi) y Madrid (15 septiembre, WiZink Center).

RR El 22 de junio, los raperos SFDK celebrarán sus treinta años de carrera en el Estadio Olímpico de la Cartuja, pero hasta que eso ocurra nos van a obsequiar con sorpresas. La última es el single “No le da”, una canción contundente y enérgica con un importante mensaje social.

RR El dúo granadino La Plazuela, el cantaor David de Jacoba y los productores electrónicos Texture estrenan juntos “Alegrías De La Ragua”, primer adelanto de su nuevo trabajo colaborativo, “La Caleta” MS

The Rapants Ilusión

The Rapants se han convertido en una de las revelaciones gallegas de la temporada. Verles defender sobre el escenario su tercer trabajo, “La máquina del buen rollo” (Autoeditado, 24), deja a la vista buena parte de los motivos de que eso haya ocurrido.

THE RAPANTS es un grupo formado por Xamma (voz y guitarra), Mati (bajo), Samuel (voz y guitarra) y Xaquín (batería). Hablar de ellos es hacerlo de cuatro amigos llamados a dejar su nombre en los libros de historia musical gallega. Quien ha tenido la suerte de ir a sus conciertos puede

atestiguar que estos son sinónimo de fiesta, locura y buen rollo. Tres características que se reflejan perfectamente en “La máquina del buen rollo”, el recién estrenado tercer disco de estos chicos de Muros (A Coruña). Posiblemente se encuentren en el mejor momento de su carrera, una situación que veían como imposible. “Hay que introspectar mucho para llegar a valorarlo bien”. Con todo, siguen con los pies en el suelo y agradeciendo su presencia al público. “Es cada vez más enérgico, más entregado y dispuesto a disfrutar”.

YA TOCARON EN GRANDES escenarios, pero para ellos lo que importa es la propia respuesta del público. “Puedes tocar en O Son Do Camiño que si está todo el mundo sentado o mirando para atrás da igual. Valoramos más al público más

“Valoramos más al público que al espacio”

TAN.LEJOS

RR Se ha estrenado ya el primer trailer del remake del clásico “The Crow”, basado en el famoso cómic gótico. Estará protagonizada por Bill Skarsgård y FKA twigs

RR La estrella del momento Timothée Chalamet (“Call My By Your Name”, “Bones And All”, “Dune”) encarnará a Bob Dylan en “A Complete Unknown”, el biopic que dirige James Mangold (“Logan”, “Walk The Line”). Todavía no hay fecha de estreno confirmada.

Anari La voz tras el ruido

“Giza Zarata” (Tristuraren Industria, 24) es el primer largo que nos llega de la artista azkoitiarra desde “Epilogo Bat” (Bidehuts, 16). Por el camino ha dejado un buen puñado de singles.

“LO

QUE VIENE TRAS

UN EPÍLOGO es un nuevo comienzo”, afirma Anari Alberdi al comienzo de nuestra charla. “En este disco he decidido encaminarme hasta mis propios límites,

RR El musical inspirado en el álbum “Illinois” de Sufjan Stevens vuelve a los teatros estadounidenses. Esta adaptación a musical con ballet se representará entre los meses de abril y agosto.

RR Ha trascendido a través de los medios estadounidenses que el cantante Bruno Mars debería hasta cincuenta millones de dólares a un casino de Las Vegas por su afición al juego y a las apuestas.

“Mi mirada tiene un filtro político”

asumir situaciones de riesgo y ver qué hay más allá”. Es cierto que este nuevo descubrimiento en el mapa sonoro de Anari aporta nuevas sorpresas. En lo relativo a la música encontramos variedad, incluyendo melodías más crudas y áridas que nos llevan a sus primeros discos. En lo relativo a las letras, en cambio, es donde quizás encontremos más novedades, puesto que el dolor personal e íntimo también deja lugar al colectivo. “Están ocurriendo muchas cosas alrededor y llegó un momento en el que dejé de verle sentido a subirme a un escenario para hablar de cosas íntimas mientras pasan cosas duras afuera. De ahí

me surgió la necesidad de tomar distancia con lo que estaba haciendo para empezar a moverme por otros lugares, para cantar sobre otras cosas”. Cantar desde lo íntimo para acabar en lo colectivo ya ocurrió con “Amua”, corte que cerraba “Irla Izan” (Bidehuts, 09). Una visión personal e íntima que conectó con el movimiento feminista de Euskal Herria. “La politización de Amua me convirtió en otra persona y me aportó mucho como artista”.

“GIZA ZARATA” PUEDE ENTENDERSE como un nuevo comienzo, como un cambio de piel, pero sin abandonar las raíces. “Lo

MONDO FREAKO

RR Lights In The Attic publicará “The Power Of The Heart: A Tribute To Lou Reed” en el que participan artistas como Keith Richards, The Afghan Whigs, Joan Jett, Maxim Ludwig & Angel Olsen, Lucinda Williams y Rufus Wainwright, entre otros.

RR North West, hija mayor de Kanye West y Kim Kardashian, publicará su álbum de debut con tan solo diez años. Llevará por título “Elementary School Dropout” como guiño al debut de su padre “The College Dropout” (04).

RR Mick Harvey, quien fuera miembro de The

que al espacio”. Si algo caracteriza a los muradanos es que más que un grupo son amigos. “Nos conocemos desde muy jóvenes y eso ayuda a la hora de decir cosas que no quieres escuchar”. Tampoco hay ningún miembro con estatus superior a otro y se sitúan todos al mismo nivel. “Estamos para aprender unos de otros y sacar lo mejor de nosotros mismos”. En este nuevo disco se observa un cambio de sonido, algo que ellos mismos atribuyen a “la manera en cómo se grabó el disco, que fue en analógico con Paco Loco. Queríamos dar un salto artístico y que alguien nos enseñara a conseguir a nivel composición ese sonido que veíamos en otras referencias”. En el estudio que el productor tiene en Cádiz estuvieron una semana. Siete días que consideran como “una experiencia religiosa”, algo similar “a un campamento de instituto” del que volver con muchas historias “Esto nos ha servido como aprendizaje para crecer como banda”. Así inician una nueva etapa

en la que esperan dar “un salto de calidad en base al directo”. Al preguntarles sobre si ser un referente musical le daría sentido a todo su trabajo, responden que “ya lo tiene ahora. El resto de lo que nos pase es regalado”. Como ejemplo de banda surgida a raíz de su éxito ponen como ejemplo a The Balayos, un grupo de dos adolescentes que siempre tocan “tres o cuatro canciones” suyas, y que no paran de preguntar “¿Qué pedales llevamos o cómo tocamos esto”. “Eso mola mogollón”, afirman felices, para terminar la charla con un deseo. “Ojalá en el futuro salgan grupos en nuestra zona o en toda Galicia influenciados por nosotros, pero que hagan algo que no sea nada parecido. Que realmente sea una evolución con cosas más nuevas y nosotros podamos aprender de esa gente también”.

DANIEL POSE

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que yo soy o he sido sigue ahí, pero con una cierta distancia. No se trata tanto de si ha sido algo buscado o encontrado, si no el reconocerte en ello”. En esas raíces presentes está el que la capacidad narrativa de Anari no ha desaparecido. “Algunas canciones están formadas por múltiples elementos que forman la foto de un instante, en el que todo lo que aparece se une como un puzzle”. La mirada personal y poética con la que Anari aborda temas cotidianos se mantiene. “En nuestra vida cotidiana hay un montón de atrocidades. Mi mirada tiene un filtro político y puedo imaginar un momento de mi vida con él”.

EN “TROIAKO ZALDIA” pone a Occidente contra su sentimiento de culpa. “Es una

Bad Seeds, The Boys Next Door y The Birthday Party, publicará su nuevo trabajo en solitario en diez años, “Five Ways To Say Goodbye”, de la mano de Mute. En mayo lo presentará en Valencia, Barcelona, Madrid y Zaragoza.

RR A lo largo de este pasado mes de marzo, han sido muchos los artistas que nos han dejado. Entre ellos podemos citar a Steve Harley (Cockney Rebel), Karl Wallinger (The Waterboys, World Party), Eric Carmen (Raspberries), Blake Harrison (Pig Destroyer) o el cantautor Malcolm Holcombe MS

canción muy sensorial, tiene que ser así. Es poesía y no es fácil de explicar. Quería hablar del gigantesco consumo de drogas y de la velocidad loca que ha tomado el mundo”. Frente a tanto dolor, Anari también busca dejar una puerta abierta a la esperanza a través de canciones que aportan algo de luz. “No es algo buscado o premeditado. Ha ido surgiendo canción a canción. A veces me salen canciones más oscuras, otras más luminosas. He vivido muchos cambios. He vivido el logro de muchos derechos como mujer homosexual, como vasca... y eso también está ahí”. IÑIGO BASAGUREN-DUARTE

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Kim Gordon A su completa

Kim Gordon sigue inmersa en una travesía singular, verso sueltísimo del rock contemporáneo, cada vez más lejos incluso de la sombra de Sonic Youth. El segundo álbum a su nombre, tras la aventura de Body/Head, se llama “The Collective” (Matador/Popstock!), y ha vuelto a contar con la coproducción de Justin Raisen (Lil Yachty, John Cale, Yeah Yeah Yeahs, Charli XCX, Yves Tumor).

SUBYACE AL DISCO ENTERO una noción de lo colectivo que está inspirada en sus últimas lecturas. “Surge de mis sensaciones al ver cómo está el mundo en este momento: leí un libro de Jennifer Egan, ‘La casa de caramelo’ (22), sobre un informático que desentraña las claves por las cuales estos logran que la gente haga determinadas cosas, y logra transformar eso en una especie de aplicación que permite que te puedas sumergir en las experiencias de otras personas, en cualquier época de su vida”. Una estrategia inquietante, por cuanto “permite incluso introducirte en su cuerpo, pero para eso tienes que subir tus propios recuerdos a la aplicación, con lo que te vuelves vulnerable, pero también parte del colectivo”, me explica. Una idea que es aplicable a su propia relación con la audiencia: “Como intérprete de música, también se produce una relación de sim biosis entre artista y público”, añade.

“THE COLLECTIVE” SUENA más a hip hop, e incluso a trap, de nada de lo que haya hecho antes. Muchos de sus ritmos, de sus beats, provienen de esa escuela. Una sonoridad en la que Justin Raisen juega un rol esencial como productor. “En su mente esto es como un extraño disco de rap [ri sas], porque le encanta la forma en la que los raperos expresan su confusión, y cómo todo eso que bulle en sus cabezas se plasma luego en sonidos y canciones”, dice. Otra influencia capital en su sonido es la ciudad

bola

“Si acabamos de nuevo gobernados por Trump, va a ser terrible para el mundo”

tad que, por otro lado, es un poco vacía. ‘Psychedelic Orgasm’ trata en parte sobre Los Ángeles, sobre esa idea de ‘estamos aquí ahora, y tal y como se están poniendo de raras las cosas en el mundo, escapemos tanto como podamos’”, me cuenta entre risas. Le pregunto si no cree que es una ciudad demasiado inclemente con los desfavorecidos, cruel por lo que tiene de puesta en escena de una desigualdad creciente. Me contesta que “posiblemente haya más personas sin hogar en Nueva York, pero allí se las ve menos por el frío”, y que “es posible que aquí la riqueza sea más ostentosa y la brecha social más visible: de hecho, para toda la generación que está ahora en edad de comprar una casa es complicadísimo, a menos que tengas la suerte de que tus padres te provean una”.

SI HABLAMOS DE DESIGUALDADES sociales, resulta inevitable preguntarle a Kim, antaño firme defensora de Bernie Sanders, si cree que las cosas tienen pinta de ir a peor en este año electoral, con Donald Trump de nuevo encabezando las encuestas en intención de voto. “No sé lo que va a pasar: el factor de la edad ya es… sobre todo por lo que pasó ayer, cuando decidieron que no podían inculpar a Joe Biden por unos documentos clasificados porque es demasiado viejo y la memoria le falla… Esto va a ser como una película de terror”, asume. Para ella, se trata básicamente de elegir entre Guatemala y Guatepeor. “He mantenido la esperanza de que Biden se echara a un lado y alguien le tomara el relevo, pero no ha ocurrido, y es algo loco. Nadie quiere a ninguno de los dos, ni a Trump ni a Biden. Y si acabamos de nuevo gobernados por Trump, va a ser terrible para el mundo: repartirá fondos ilimitados a Israel, más de los que ya tienen gracias a Biden, y desmantelará todo lo que tenga que ver con el cambio climático: una locura”.

CLARO QUE SIEMPRE HABRÁ

quienes argumenten que, milagrosamente, bajo mandato de Trump su país no entró en guerra con nadie, por mucho que ahora anime a Rusia a hacer lo que le venga en gana. Kim me dice que “tampoco es del todo verdad, porque aún estamos en Afganistán”, y que la ausencia de grandes conflictos se debió fundamentalmente “a una cuestión de timing”. Muy negro lo tiene Biden, en su opinión, si no cambia algunas cosas. “No logró extender aquellos beneficios sociales tras la pandemia, como el cuidado infantil (child care) y todas las políticas que ayudaron a la gente durante un tiempo, y así es difícil ganar”, remata. CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

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WALA. WALA.

“A finales de los noventa mi casa se convirtió en un centro de drogas. Mi dealer podía venir un día y quedarse una semana hasta que me hartaba de ese maldito traficante. ¡Fuera, ahora mismo! Aquello no era sano”

Jim Reid de The Jesus And Mary Chain en Uncut

“Debería ser absolutamente normal para cualquier persona querer lo que es bueno para nuestro prójimo. Estoy cansada de que eso se vea como radical o cool”

Hayley Williams, de Paramore en The Cut

“Nosotros éramos bichos raros de nivel tres. Butthole Surfers estarían como en el nivel... cien”

Wayne Coyne de The Flaming Lips en Mojo

“Soy un obsesionado con la venta de entradas. Eso sí que se lo pregunto a mi manager cada dos por tres”

Walls en Los40

“DEBES SER DURA. EL MUNDO ES IMPLACABLE CON LOS SOÑADORES, LOS POETAS Y LAS PERSONAS SENSIBLES”

Hurray For The Riff Raff en Ruta 66

MONDO FREAKO

Califato 3/4 La Nueva Andalucía

Los miembros del colectivo Califato 3/4 tienen nuevo disco, “‘ÊCCLABÔ DE LIBERTÁ”, un álbum autoeditado que, una vez más, es cultura popular viva.

NOS CITAMOS PARA CHARLAR con Califato 3/4 (se pronuncia tres por cuatro, como el compás) el 28 de febrero Día de Andalucía, y me reciben con una bandera verdiblanca colgada de la ventana, tomando un café al sol. La banda andaluza ha variado su formación desde la última vez que nos reunimos (a raíz del estreno de “Lô amantê de San Pablo”), pero, como una banda de cornetas y tambores de las que ayudaron a popularizar entre el gran público laico antes de que C. Tangana consiguiera que su canción más escuchada hasta la fecha comenzara con los compases de “El Amor”, lo importante no son los miembros que componen la banda, sino la banda en sí. El Rosario de Cádiz, Las Tres Caídas de Triana, Las Cigarreras,… El legado que siguen dejando en la cultura musical de toda España no entiende de nombres propios. “El Califato es más importante que los miembros del Califato, sobre todo para las personas que nos han dicho que pasaron una mala racha escu-

chando nuestras canciones y han salido adelante; o para la gente que ha escuchado nuestra música y se ha puesto a pintar un cuadro… Para esa gente a la que inspiramos sería muy grosero y de mal gusto poner a las personas por delante del Califato”. Así, el legado de Califato 3/4, tampoco.

HAY UNA ANDALUCÍA, para quien no acostumbre a verse por debajo del paralelo 39 Norte, en la que el Jueves Santo es habitual ver a los devotos trajeados unirse a los raveros que aparcan sus coches con altavoces industriales en el maletero para representar (bastante acertadamente, si me preguntan) la esencia de una tierra que ha sido siempre cuna del arte y la vanguardia del país. “Lo importante del arte es que es bonito y que no sirve para nada”. Califato 3/4, sin necesidad de vivir en un Jueves Santo permanente (aunque quizá sí en una madrugá eterna), son la imagen viva de esa Andalucía, de esa Nueva Andalucía, que lucha por alquimiar la tradición, la pureza y la autenticidad junto con la vanguardia, la subversión y la lucha social. “Hay algo en Califato que es importante: mirar al pasado y a las cosas buenas y luminosas del pasado, pero desde el punto de vista de hoy. Nosotros estamos siempre rodeados de gente tolerante y abierta pero no toda la sociedad es así. Hay que luchar siempre por la utopía”.

LOS MIEMBROS DE CALIFATO presentan nuevo álbum, “ÊCCLABÔ DE LIBERTÁ”, que han autoeditado, y que cuenta con más de una docena de temas que sirven de viaje estético por esta Nueva Andalucía que desayuna mollete de pringá y cena sintetizador y locura a 200bpm’s, pero también violines y flautas, y bajos endiablados traídos desde Chile por Sebastián Orellana. “No nos olvidamos nunca del folklore, pero sí que es verdad que bromeamos diciendo que hemos pasado del folklore al barroco”. Capas y capas de música para reivindicar su propia visión. “Para ser libre hay que ser un esclavo. Para ser libre necesitas dinero y esclavizarte trabajando. ¿Sabes la frase de “si crees que eres libre es que no has volado lo necesario para poder ver tus barrotes?”. Misticismo, romance y pasión. Califato 3/4 continúan con un periplo que sirve de hilo conductor entre generaciones; entre la cultura underground y la sofisticación de la electrónica que llevan por bandera, entre La Plazuela y Lole Montoya. “Ella es mística, está conectada con los cielos. Tienes que entrar en su mundo para saber cómo funciona ella. Cuando conocimos a Lole quedamos para comer en un bar y presentarnos y enseñarle la música. Pusimos un altavoz encima de la mesa y hubo un momento

“Nosotros hacemos cultura popular viva y hablamos de cosas que son comunes a todo el mundo”

que nos cogió de las manos y nos bendijo a nosotros y bendijo la música. Toda su música tiene una dimensión espiritual tremenda. Ella no habla nunca de cosas banales. Ella no puede cantar algo sin poder interpretar de verdad”.

EN “ÊCCLABÔ DE LIBERTÁ” se encuentran el placer de sentirse libre con la maldición que eso conlleva. “El mensaje es que vivimos en tiempos chungos y, aunque lo sepamos, intentamos dar un poco de luz y esperanza en nuestra música, en nuestras letras. Perseguir la utopía de la Nueva Andalucía”. Pero el subconsciente a veces habla por nosotros más de lo que querríamos. El haber seguido sumergiéndose en las aguas de la libertad creativa y de la libertad industrial siempre es un peaje duro para cualquier artista, y, desde luego, no han hecho un álbum de electrónica y cornetas: hay rap, hay cante, hay descaro. Hay flamenco. Están Perrate y Andrés de Jerez. Y, desde luego, un universo creativo del que son los amos y señores, y que comparten con todos los demás. No son señoritos resabiados, sino un colectivo por y para el disfrute y la música; generosos consigo mismos y con su público (lo otro sin lo uno es imposible; “ÊCCLABÔ DE LIBERTÁ” es la banda sonora de la Nueva Andalucía. ¿Y tú, vas a habitarla? ¿Vas a vivirla? Porque como ellos mismos cantan: “Aquí no se viene a veranear, aquí se viene a morir”. LUIS M. MAÍNEZ

TOP VÍDEOS.

Elsa y Elmar Entre las piernas Q

1 Clip animado por los estudios The Crux bajo la batuta de Frederick Venet, que está repleto de simbolismo y poder femenino además de ser toda una oda a la menstruación. Y es que las mujeres se han cansado de ser buenas.

Las Ninyas Del Corro Kids ft. Ill Pekeño & Ergo Pro Q

2 A estas alturas de la jugada uno empieza a preguntarse si Las Ninyas del Corro tienen techo. Y como muestra esa tema/clip con colaboración de altos vuelos de Ill Pekeño & Ergo Pro. Muchos quilates este homenaje a los peques del barrio.

3

Olly Alexander Dizzy Q

El artista británico detrás de Years & Years, Olly Alexander, se presentará a Eurovisión con este single. Pero antes ha querido demostrar en este videoclip, que cualquier lugar es bueno para bailar su tema por pequeño que sea.

Q

St. Vincent Broken Man

4 Annie Clark se erige en la única protagonista de este vídeo que ofrece justo lo que en su día prometió la artista, que su nuevo trabajo adquiriría un tono mucho más sombrío y agresivo.

Q

5

La Luz Strange World

Sentimos cierta debilidad por estos clips de factura más bien cutre, en el que no faltan los efectos de carácter casero, una estética evidentemente kitsch y mucho lamé combinado con cartón piedra. MS

FOTO: NIETEMIND

Triana cincuenta años después

LOS INICIOS DE TRIANA se remontan al momento en el que Jesús de la Rosa Luque, vocalista, y Eduardo Rodríguez Rodway, guitarrista, se reúnen para explorar nuevas ideas musicales después de haber coincidido previamente en Tabaca. Ambos querían dar un giro a su música, manteniendo el flamenco como raíz pero alejándose de los estereotipos asociados a este. Aunque el nombre del grupo tal como lo conocemos hoy fue propuesto por Juan José Palacios Orihuela “Tele”, su historia se remonta a antes de su llegada.

EN LA ESPAÑA DE LOS AÑOS SETENTA, Triana eran una rara avis enmarcada en una escena musical que se atrevía a fusionar estilos como el flamenco, el jazz y el rock. Bandas como Dolores, Smash, Goma, Alameda, Imán e incluso Medina Azahara, más cercanos al heavy metal, exploraban estilos musicales parecidos que realmente ya habían sido pincelados en 1966 cuando Sabicas, estandarte de la guitarra flamenca, y el americano y también guitarrista Joe Beck grabaron el atemporal y asombroso álbum “Rock Encouter”, lanzado oficialmente en

Repasamos la carrera de Triana con motivo del cincuenta aniversario de la formación

de una banda referencial para el rock nacional.

1970. Jesús y Eduardo ya habían experimentado con proyectos en los que la influencia del blues, el rock y la música progresiva era evidente, pero ninguno de ellos había logrado trascender. La incorporación de Tele a la batería proporcionó el caldo de cultivo perfecto para la consolidación de un proyecto que, en un principio, iban a completar nada más y nada menos que Lole y Manuel. Como Tele ya había incursionado también en el rock progresivo, el flamenco e incluso la rumba con las bandas Gong y Gazpacho, la diversidad y mente abierta se vio todavía más enriquecida y acomodada.

DESPUÉS DE QUE JESÚS LOGRASE despojarse de la costumbre de cantar en inglés y de aceptar su bonito acento andaluz —había sido rechazado por Los Bravos debido a su forma de entonar— y con Eduardo y Tele listos para la acción, los tres músicos grabaron en 1974, hace ya cincuenta años, el doble sencillo “Recuerdos de una noche (Bulerías 5x8)”, que incluía “Luminosa mañana” como cara B. En su afán por encontrar discográfica, fueron rechazados tanto por Hispavox como por CBS hasta que por fin dieron con Movieplay para también editar su primer larga duración de título homónimo, aunque

conocido como “El Patio” por la ilustración de su portada. En su lanzamiento, el álbum fue un fracaso, vendiendo solamente diecinueve copias, pero acabó convirtiéndose en un clásico de la música española contemporánea.

TRIANA SE ENFRENTARON a la adversidad sin ceder a pesar de la falta de apoyo y las críticas hacia su apariencia, que no encajaba en esa época. Llegaron hasta a verse obligados a recluirse en un piso de Madrid (en el que residían y se formaron) por temor a ser considerados terroristas después del atentado contra Carrero Blanco por el simple hecho de llevar el pelo largo y ser músicos. Sin embargo, su valentía y su innovadora fusión de psicodelia y rock inspirados en Pink Floyd o King Crimson con flamenco empezó a calar en el público gracias al boca a boca. A “El Patio” le siguieron otros cinco álbumes: “Hijos del Agobio” (77), “Sombra y Luz” (79), “Un Encuentro” (80), el bastante mediocre “Un mal sueño” (81) y el infravalorado “Llegó el día” (83). En estos trabajos también participarían Manolo Rosa, Antonio y Manolo Aguilar como bajistas y Antonio Pérez, Enrique Carbona, Luis “Manglis” y José María Sagrista como guitarristas, tanto de sesión como en directo. A pesar de la falta de promoción, los primeros discos de Triana lograron vender más de cien mil copias, alcanzando incluso un triple disco de platino con “Sombra y Luz”, que presentaron llenando el Parque de Atracciones de Madrid con más de treinta y cinco personas en pleno día, celebran-

do una de las más luminosas mañanas de su historia. Menos de un año después, en verano de 1980, alcanzaron el número uno en las listas de Los 40 Principales con el sencillo “Tu frialdad”, adelanto del álbum “El Encuentro” y su tema más conocido —aunque no el mejor ni más representativo de su discografía— junto a “Abre la puerta”. Este éxito llevó a que fueran reconocidos incluso en Japón o Estados Unidos. Las giras de Triana por las carreteras de su Andalucía, Madrid, Galicia y otras regiones de España contribuyeron a popularizar su música en todo el país. Sin embargo, la tragedia golpeó al grupo con la muerte de Jesús al día siguiente de un accidente automovilístico ocurrido el 13 de octubre de 1983 y que puso fin a Triana para siempre. Aunque Tele intentó revivir el grupo con una nueva formación —todavía en activo a pesar de su fallecimiento en 2002— de la que Eduardo no quiso ni quiere saber nada, todo se quedó en un tributo estirado hasta el absurdo por Juan Reina.

AUNQUE SU HISTORIA NO LOGRÓ cumplir la década por poco, sus cincuenta años de vida desde su creación oficial y su tesón como banda underground que consiguió más de lo que esperaba y menos de lo que merecía se siguen celebrando y su música continúa presente sirviendo de inspiración para artistas tan variopintos como Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Rocío Márquez, Califato 3/4, Camela, Anni B Sweet, Mohama Saz o Viva Belgrado.

JAIME TOMÉ

El patio 1975

Hijos del agobio 1977

Sombra y luz 1979

Un encuentro 1980

Un mal sueño 1981 Llegó el día 1983

DISCOGRAFÍA

ST. VINCENT ALL BORN SCREAMING

39/Mondo VINILOS

Nadine Shah expulsa sus demonios

INDIE ROCK / Cómo un ave fénix. Nadine Shah ha renacido, no de sus cenizas, más bien de sus adicciones y problemas mentales. La muerte de su madre de cáncer cuando acababa de editar “Kitchen Sink” (20), sumada al aislamiento de la pandemia, la depresión, un divorcio y el abuso del alcohol y las pastillas, la empujó a escribir un tweet en el que anunciaba su suicidio. Fue esa exposición pública de sus malsanas intenciones, lo que activó todos los mecanismos asistenciales y empujó a su manager a recomendarle que se internara en un centro de rehabilitación y salud mental en el que cuidarían de ella y disiparían todos su demonios. Casi nada. Tras lo expuesto, queda claro que “Filthy Underneath” no es un disco cualquiera y, justo

por eso, hay que enfrentarse a él de forma diferente a como lo harías con cualquier otro. Y más en estos tiempos que corren tan precipitados. El álbum es un trabajo que requiere dedicación y una escucha muy atenta. Solo así serás capaz de extraer toda esa mierda oculta a la que hace referencia su explícito título. Solo así aflorará toda la cruda belleza que uno puede encontrar en la desesperación del ser humano; en la dureza de unas historias de personas que han tocado fondo y buscan redención y ayuda. Además el disco muestra a una Nadine Shah sobria, que parece haber encontrado su propia voz. Por lo pronto, en todo este proceso de redención, la propia Nadine cuenta que ha dejado de encorsetarse a la hora de cantar, alcanzando unas notas antes inéditas y eliminando cualquier limitación a la hora de proyectarse sin miedo. Lo que con anterioridad era una predilección por los tonos bajos y sombríos, encuentra ahora placer en registros más altos. Solo hay que escuchar temas como la trepidante “Topless Mother”, o la más épica “Greaters Dancer”, para darse cuenta que este nuevo registro le sienta a las mil maravillas. don disturbios

Califato 3/4 ÊCCLABÔ DE LIBERTÁ Autoeditado

ELECTRÓNICA / En este nuevo proyecto, los andaluces Califato 3/4 siguen funcionando a pesar de la renovación de la banda, dando cabida a nuevas voces y sensibilidades, tanto dentro de la formación califa en sí como en las colaboraciones externas. Contar con dos extremos del universo musical andaluz tan imprescindibles como lejanos en el tiempo como son Lole Montoya y La Plazuela en dos canciones únicas (solo las podría hacer Califato) como son “LIBRE ÇOY” y “PINTORA” es un auténtico lujo que refuerza el papel de la banda como un hilo conductor entre generaciones, estilos y sensibilidades andaluzas y globales. El disco, que se publicó el 29 de febrero, autoproclamado día de la Nueva Andalucía (la Andalucía habitual se celebra el 28) es un trabajo vivo que reúne a su alrededor una cantidad de talento abrumador, que Califato saben hilvanar con cuidado y mimo, sin anquilosarse por el camino. No es un museo, es un día de feria. luis m. maínez

7 8

Carmen Boza Encore Eo!Música

POP / Los que la seguimos desde hace tiempo, sabemos que la linense es de esas cantautoras que, al igual que otras compañeras suyas como Núria Graham, Alice Wonder, Ede o Miren Tulsa, no toma el camino fácil. Ese que se adapta mejor al gusto del oyente, con el subsiguiente riesgo de caer en el denostado mainstream. No. Carmen Boza toma derroteros que precisan escuchas, para solo así empezar a paladear los detalles de su música, pero también de unas letras que pueden ir de lo explícito a lo etéreo, de lo profundo a lo mundano, del cariz confesional a un desgarrador tono vitalista. Todo cabe en el basto imaginario de la artista. “Encore” es su regreso a la palestra de la actualidad. Un epé que marca un nuevo camino tras una sequía creativa de dos años que uno imagina de búsqueda, sanación y de intentar no perder el rumbo en el marasmo de este siglo. don disturbios

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Yard Act y un bonito envoltorio

Yard Act

Where’s My Utopia?

Island/Music As Usual

POST-PUNK / En su celebrado debut, los de Leeds apostaban por un anguloso y austero post-punk de autor al que llegaron –afirman ellos– por las limitaciones del momento. Se agradecía su sano sentido del humor y cierta ligereza dentro de un género que suele inclinarse a la oscuridad introspectiva. Las letras inteligentes de James Smith, de un costumbrismo lúcido menos amargo que el de otros colegas, ponían la guinda. Y un directo incontestable hacía el resto.

¿Resultado? Nuevo grupo favorito en su país y parte del extranjero. En la secuela, los británicos han cambiado de registro. Aprovechando los medios que les brinda el éxito,

se abren a influencias de música negra (hiphop, R&B, soul, funk, disco...), guiados por el espíritu creativo de bandas que adoran como los inimitables Beastie Boys (“Down by The Stream”, “Fizzy Fish”). La idea es dejar de lado las limitaciones instrumentales de la formación de rock al uso, usando samples eufóricos (al estilo de The Avalanches) y dando rienda suelta a su lado más bailable y vitalista. La producción de Remi Kabaka Jr., artífice del sonido de Gorillaz, resalta esta vocación. Pero al final, sabemos que más allá de influencias y arreglos, todo depende de la inspiración de las canciones. Y como les pasa a otros grupos actuales metidos en la vorágine del éxito y las giras interminables, el disco oscila entre sus picos brillantes (“Dream Job”, “The Undertow”, “Petroleum”, el dueto con Kathy J Pearson en “When The Laughter Stops”) y otros momentos menos memorables. Me queda la impresión de que han tratado de compensar con (excelentes) arreglos y muchas ideas la falta de material más sustancioso. jc peña

La Joya Lower Hermosa Cielos Estrellados

ROCK / En su EP de debut “Mojave”, el batería y percusionista Ricky Lavado (Standstill, Egon Soda) y el guitarrista Manel Moreno (Muerte y Destrucción, Cuzin) dieron muestra de lo que podían dar de sí. Composiciones humildemente sencillas y directas, basadas en la química desarrollada en el local. Como dicen ellos, con “cero hostias”. Recuperando el valor de la lentitud espartana. Su primer álbum es un paso adelante en el que sus virtudes para expresar diferentes estados de ánimo brillan más. Grabado por Raúl Pérez en La Mina (aunque las voces fueron grabadas por Jorge Ramos en Madrid y de las mezclas se ha ocupado Santi García), la estética sonora del técnico andaluz es ideal para capturar su química espontánea. Con la voz de Ricky y sus letras evocadoras y atemporales en la mitad del lote, las serenas composiciones, repletas de referencias desérticas, se nutren del rock alternativo y el slowcore norteamericano. jc peña

Hurray For The Riff Raff The Past Is Still Alive Nonesuch

AMERICANA / Alynda Segarra siempre ha escrito sobre personas sin hogar, desposeídas, sexualmente transgresoras y pobres, inmigrantes y minorías, y es lo que vuelve a hacer en este “The Past Is Still Alive”, solo que esta vez no son otras personas, sino ella misma, en el disco más claramente autobiográfico de su carrera. Musicalmente se puede ver que a Segarra ya no le importa que la quieran encajonar en la etiqueta del Americana, con un disco que suena maravillosamente, por lo que habrá que destacar la cuidada y clásica producción de Brad Cook, que no tiene ninguna duda de que este es el mejor trabajo de la banda. Y se nos escapa una lágrima del ojo, y no sabemos si es el fin del mundo o no, pero en lo que podemos estar de acuerdo es que estamos ante un disco enorme. Si este es de verdad el fin del mundo tal y como lo conocemos, es difícil encontrarle una mejor banda sonora de despedida. sergio ariza

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REGGAE-DUB / Desde sus inicios, Iseo & Dodosound han tenido unas señas de identidad que les han diferenciado del resto de grupos de reggae y dub. Unas señas que, por primera vez, cuestionan y modifican. Y es que “En la tormenta” es el primer disco que los navarros graban íntegramente en castellano, una fórmula con la que seguramente pretendan abrirse a más público, postura lógica dado el gran éxito que están teniendo. Quizá por eso también este álbum tenga un toque más pop. Pero no asustarse, porque el dúo en ningún momento pierde o vende su sonido, al contrario, es posible que estemos ante su mejor trabajo. Ocho canciones donde la cálida voz de Iseo y la cirujana habilidad en los controles de Dodo alcanzan un nuevo nivel. Y donde hay momentos más melancólicos, otros más alegres, otros más reivindicativos… en los que los conceptos de libertad y naturaleza están siempre presentes. alfonso gil

FOLK PUNK / El tercer disco en solitario de Laura Jane Grace, desde el momento en el que puso a su banda Against Me! en un parón que empieza a parecer definitivo, es el mejor del lote, volviendo a demostrar que estamos ante una compositora enorme, aunque sus escasos veinticinco minutos y su falta de contundencia nos dejan con ganas de más. La artista había vuelto a sus orígenes, ella sola con su guitarra y pequeñas canciones de folk punk, pero aquí también vuelven las guitarras eléctricas y la adrenalina, aunque muchas de esas canciones más vibrantes y eléctricas se ven desposeídas de algo de la garra de antaño. Eso sí a nivel compositivo es un gran disco, haciendo gala de una honestidad brutal. Si la parte eléctrica tuviera la antigua propulsión detrás, podríamos estar ante uno de los mejores discos de una carrera que supera los veinte años. sergio ariza

INDIE / Tras tres años publicando canciones, las Montesco descubren su primer larga duración, “Sol de medianoche”. La banda barcelonesa ha ido evolucionando en este largo periodo de tiempo, jugando a probarse en distintos sonidos hasta llegar a asentarse en el que nos presentan en su debut: un indie psicodélico y alternativo en el que combinan guitarras y electrónica. A partir de ahí han dado forma a diez composiciones en poco más de treinta minutos. Al margen de jugar en cada pista con distintas capas sonoras, logran que conectemos con sus letras. La oscuridad que envuelve a su propuesta no impide que nos podamos identificar con ellas cuando nos hablan de sentirse solas o de historias de desamor emplazadas en el imaginario de una gran ciudad distópica. Exactamente como la de la imagen que podemos ver en la portada.

alejandro caballero serrano

Pixamandúrries

Dels rics i dels pobres

Kasba Music

PUNK / “Dels rics i dels pobres” fue el último trabajo de Joni D. como músico antes de dedicarse a la promotora Hace Color y al sello Kasba. Estas canciones se grabaron a finales de 1994 pero habían permanecido inéditas hasta ahora por la desaparición del mítico sello Tralla Records. El sonido del vinilo refleja la precariedad de medios que había en aquella época y los trece cortes del álbum me han teletransportado a las primeras maquetas de Kortatu, Obrint Pas, Ràbia Positiva o Ki Sap. Pixamandúrries tocaban punk, pero ya advertían la llegada de los vientos mestizos cuando no mostraban ningún reparo en utilizar percusiones tribales o el particular sonido de la gralla, muy presente en temas como “Arribada a Occident”, “Tot per tots” y “Fi del viatge”. Además del quinteto, en el que Joni tocaba el bajo, en “La realidad social” colaboró Juanito Piquete y Javi Chispes de Maniática hizo lo propio en “Ritmo corazón”. jordian fo

NACIONAL INTERNACIONAL

1 Shinova

El presente

2 Gorka Urbizu Hasiera bat

3 Besmaya Nuevos Lemas

4 Karmento La Serrana

5 Califato 3/4 ECCLABÔ DE LIBERTÁ

6 GYOZA

Beber y doler

7 Iseo & Dodosound En la tormenta

8 Mourn The Avoider

9 Rojuu

Los sueños de nube

10 Mainline Magic Orchestra

Harri Poter

1 Nadine Shah Filthy Underneath

2 Yard Act

Where’s My Utopia?

3 Waxahatchee Tigers Blood

SOUL / “Djesse Vol. 4” es el manifiesto de la idea de un artista con una capacidad creativa realmente asombrosa: habría que ver quien más tiene un “segundo disco” que es una obra conceptual dividida en cuatro volúmenes. El disco es amplio estilísticamente hablando, abraza géneros diversos (jazz, pop, rock y hasta samba y metalcore) que amalgama con un marcado dominio del soul a lo largo del minutaje y que deja una definición irresistible: “Djesse Vol. 4” es el disco de gospel más loco del mundo. La lista de invitados es escandalosa pero no hace ruido en balde. El servicio musical es preciso y las cosas están en el lugar en el que deben: Collier y sus aliados (Anoushka Shankar, Chris Martin, John Mayer, aespa, Stormzy, Metropole Orkest, John Legend, Steve Vai, etcétera) se lucen en cada pequeño detalle dando forma a un fascinante universo. Cuanto más lo escuchas, más curiosidad te da. ¿Qué más se le puede pedir? adriano mazzeo

4 Julia Holter Something In The Room She Moves

5 Real Estate Daniel

6 Four Tet Three

7 Kim Gordon The Collective

8 Bleachers Bleachers

9 Judas Priest Invincible Shield

10 Mannequin Pussy I Got Heaven

8

Faye

Webster Underdressed At The Symphony Secretly Canadian

INDIE FOLK / Faye Webster pertenece a esa nómina de cantautoras estadounidenses que, pese a su solvencia contrastada a lo largo de cinco discos de estudio, no es muy conocida por estos lares. Sin embargo, las cosas deberían cambiar gracias a este delicado “Underdressed At The Symphony”, pero, sobre todo, por su próximo paso por el Primavera Sound de Barcelona. Estamos frente a una artista, nacida hace veintiséis años en el seno de una familia de músicos de Atlanta, que ha encontrado su propia voz dentro de los derroteros del indie-pop con una cadencia folk, suave y elegante, que se adapta como un guante a su aniñada y aterciopelada voz. Todo aderezado por el suave trenzado de una certera pedal steel –cortesía de Matt “Pistol” Stoessel– que logra crear unas atmósferas vaporosas y envolventes que convierten este disco en una de esas obras para disfrutar con calma una lluviosa mañana de domingo. don disturbios

Laura Jane Grace Hole In My Head Polyvinyl

7

Jacob Collier Djesee Vol. 4 Universal Music

Liam Gallagher y John Squire juntos

Liam Gallagher & John Squire

Liam Gallagher & John Squire Warner Music

INDIE ROCK / Cuenta la leyenda que Liam Gallagher decidió montar un grupo después de asistir a un concierto de The Stone Roses. Así que, en cierto modo, la publicación de este disco firmado por el ex vocalista de Oasis y quien fuera guitarrista (y co-compositor) de los propios The Stone Roses, cerraría un círculo. La sinergia derivada de juntar en el estudio a una voz clave para toda una generación y a uno de los guitarristas más dotados del Reino Unido, sólo podía derivar en un producto más que aprovechable. Y, tal y como también cabía esperar, el resultado no nos brinda ningún tipo de sorpresa en el sonido, imponiéndose el elepé como (precisamente) una mezcolanza equilibrada entre la reconocible voz de Liam Gallagher y el marcado virtuosismo a la guitarra de John Squire. Armas

Real Estate

Daniel Domino/ Music As Usual

de buen calibre, que lucen sin reparo ni disimulo como argumentos protagonistas de todas y cada una de las diez piezas que conforman el álbum. Unas valiosas peculiaridades puestas al servicio de canciones de indie-pop/rock de clásico aroma British, que vira con frecuencia hacia tintes psicodélicos y, una vez más, apuntan a The Who, The Rolling Stones y, por supuesto, The Beatles, al tiempo de reverdecer laureles del Britpop. Una secuencia en la que destacan “Raise Your Hands”, el efectivo sencillo “Mars

Ben Frost Scope Neglect Mute

INDIE POP / “Daniel” es el sexto disco de Real Estate, remarco esto porque a estas alturas ya solo suele importarle a los fans de esa banda o artista, especialmente si el cuarto y quinto han sido, hablando claro, decepcionantes, como es el caso que nos ocupa… Pero es que ahora estamos ante el mejor disco de su carrera, un disco que recoge la antorcha de sus mejores trabajos, “Days” (11) y “Atlas” (14), con sus melodías brillantes y melancólicas y sus guitarras “jangle” y lo mejora con un poso más clásico, ligeros toques country (¡esa pedal steel!), el mejor sonido de su carrera y una madurez que les sienta estupendamente. Nadie lo va a escuchar con los mismos oídos que “Days”, porque ya son una banda veterana, porque ya no son cool (aunque probablemente nunca lo fueron) o porque su indie esté más fuera de foco que nunca, pero, aun así, nunca han sonado mejor y con unas melodías tan brillantes como aquí. sergio ariza

ELECTRÓNICA-METAL / Nueva ofensiva emocional de Ben Frost. El australiano radicado en Reikiavik regresa con su sexto álbum de estudio, “Scope Neglect”, un trabajo en el que busca recalibrarse a sí mismo. Lo hace arrastrándonos a todos mediante un eclipse acojonante de hasta ocho nuevas piezas. Uno escalofriante, castigador, galvánico y al mismo tiempo etéreo y esquivo. El túnel musical por el que pasamos y define el álbum es borrascoso y oscuro. Con decisión se entrelaza la brutalidad física de unas guitarras eléctricas que abrazan lo metalero, rugen y se debaten entre diferentes recursos sonoros (delays, reverberaciones… mímicos siempre) con arpegios, pulsos y atmósferas más sintéticas y electrónicas. Sucede poco a poco, con ocultismo y precisión. Desde la primera parada (“Lamb Shift”), pasando por ese falso páramo de paz (“1993”) hasta alcanzar el desvanecimiento a la nada final (“Unreal In The Eyes Of The Dead”). bruno garca

To Liverpool”, “You’re Not The Only One”, el adictivo single adelanto “Just Another Rainbow”, “Love You Forever”, la blusera “I’m A Wheel” o el misticismo a lo George Harrison de “Mother Nature’s Song”. Canciones que se disfrutan con una sonrisa, pero no alcanzan la excelencia del currículum de los autores. En cualquier caso, una colección satisfactoria para seguidores de uno y otro, así como de aquellos grupos madre con los que hicieron historia. raúl julián

Rat-Zinger Bala Per Cápita Kasba Music

PUNK / El séptimo disco de estudio de Rat-Zinger pasará a su historia por ser el primero que graban sin Javi Puñales, el guitarrista original. Cuando apenas tenían cuatro temas montados, y a dos meses de entrar a grabar, se apeó del burro. Pero en su lugar entró Dann Hoyos, guitarrista de sobrada solvencia. Ya había tocado con ellos como guitarra suplente, y en cuanto aceptó entrar se pusieron manos a la obra, componiendo el resto de canciones. Las grabarían en los O.S Records (Alicante) con Óscar Streamline, su ingeniero de sonido habitual en las giras, así que todo quedaría en familia. Como resultado, once nuevos temas que siguen sonando con la furia y contundencia habituales del cuarteto, pero que adquieren una nueva dimensión y visitan terrenos inexplorados con la incorporación del nuevo guitarrista. Algo parecido (salvando las distancias) a lo que ocurrió cuando Goar ingresó en los míticos Cicatriz. jesús casañas

Pajaro

Sunrise

The Future Is Not What It Used To Be Lovemonk

INDIE POP / No debería extrañar que Yuri Méndez Barrios firme un magnífico disco al amparo de un proyecto tan cálido y elegante como es Pajaro Sunrise. Y, sin embargo, el leonés vuelve a sorprender con el que quizá sea el mejor álbum de su trayectoria, en el que se desprende de corsés estilísticos para adentrarse en direcciones variopintas y completar un trabajo plural capaz de despistar y emocionar a cada giro. Del habitual ramalazo folk a las gemas pop optimistas y luminosas, pasando por piezas cargadas de bonita nostalgia, trazos electrónicos (incluso bailables), o un puntual traje de crooner “The Future Is Not What It Used To Be” es, ente todo, un compendio de las diferentes manifestaciones artísticas presentadas por un compositor excepcional. Una obra desacomplejada que deja a las claras el esplendor desatado del autor, aquel quizá intuido con anterioridad, pero inédito hasta la fecha en estos términos. raúl julián

Sum 41 Heaven :x: Hell Rise Records

PUNK / Sum 41 no buscaban despedirse deliberadamente con este disco (confeccionado antes de anunciar su ruptura), pero irónicamente “Heaven :x: Hell” tiene todos los mimbres para terminar siendo el mejor obituario que la banda podría darle a sus tres décadas de carrera. Un doble álbum, marcado por un primer volumen de pop-punk arquetípico e infecciosamente inmediato (con himnos como “Waiting On A Twist Of Fate” o “Future Primitive”) y un sucesivo segundo tramo, orientado a recordarnos su reciente tendencia al metal alternativo (con algunos indigestos cortes con poco interés). Aunque para muchos su presente palidezca (apenas defendido aquí por temas como “Rise Up”), “Heaven :x: Hell” en su conjunto logra hacer justicia al legado de una banda que emocionalmente será recordada por esa generación que, gracias a sus miembros, descubriría una rebelde alternativa a la radiofórmula de los dosmiles fran gonzález

Tiburona Nos extinguimos Montgrí

GARAGE / Tiburona manejan una chispa específica que, orientada con credibilidad y convencimiento, las diferencia de otras militantes en esa sección femenina que está oxigenando de testosterona la escena patria de guitarras. Se trata de ese marcado aroma retro yeyé con preferencia por garaje-pop, vitaminado adicionalmente con elementos del surf y el power-pop. Unas cualidades que resplandecen, en primer plano y sin interrupción, a lo largo del presente “Nos extinguimos”, un disco de ideas claras, orgulloso y con actitud, además de aderezado en base a un ritmo apresurado que, en apenas veinticinco minutos, despacha con rabia nueve pildorazos de aspecto macarra y alma pop. Unos temas afilados e irónicos que beben de The Cramps, The Shangri-las, The B-52’s o Undershakers, mientras el trío no se permite perder de vista una actualidad reflejada en la narrativa de las canciones. raúl julián

Guillem Gisbert, el contador de historias

Guillem Gisbert Balla la masurca! Ceràmiques Guzmán

POP / El pop es impaciente. Un padre frustrado, gruñón, en la banda del entrenamiento de fútbol de su hijo. Acostumbra a pedir resultados inmediatos. Más si cabe, cuando algo ha marcado puntos de nuestra biografía con tanta virulencia como lo hizo el grupo catalán Manel. Más si cabe, cuando lo que les sobreviene parece, pero no es. Sólo hay un truco para que todo esto satisfaga; acércate, lo digo bajito, a tí, susurro en la oreja: dale escuchas, calma. Por una vez, no le pidas prisas a una canción. Porque todo lo que te gustaba del cuarteto de Barcelona, o al menos de los últimos discos del cuarteto de Barcelona, sigue estando en “Balla la masurca!”. Existe una variedad musical

que va del free jazz hasta la canzone italiana. Firman los temas a la producción nada menos que Anxo Ferreira (Sen Senra, ex Novedades Carminha), Jordi Casadesús (La Iaia) y Jake Aron (Snail Mail), El Extintor (Marcel Bagés y David Soler) o La Ludwig Band. Y no es un pastiche. Es cirugía en la producción para que todo ligue (y del que uno no quiere ni imaginar la tramoya). Sí, es un disco de excesos. Que aturde de primeras. Muchas cosas. Pero vuelve aquí, acerca de nuevo la oreja: no hay que esperar mucho para encontrar delicias. “Cantiga de la Montse”, “Un home realitzat” o “Miracle a les Planes”. Muy seguramente, tres de las mejores historias que ha contado el que ahora y aquí firma en solitario, Guillem Gisbert. No, no son “Benvolgut”. No tienen por qué serlo. Su pluma ha ido hacia otros lugares. Más meticulosos, exigentes, concienzudos. ¿Más cargados? Sí, pero también con más hilo del que tirar. Porque Guillem Gisbert podría haber sido lo que él hubiese querido en esta pausa. Escritor, poeta, qué sé yo. Pero decidió seguir con su oficio, el de cantautor. yeray s iborra

MONDOVINILOS

Brittany Howard brillando como nunca

Brittany Howard What Now Island/Universal

ROCK / A día de hoy, todavía hay quien discute qué versión le gusta más de Alabama Shakes, si la más roots de su debut o la que exploraba con decisión y atrevimiento en “Sound & Color” (15). Quienes no comulgaron con esta última opción, declinaron acercarse a “Jaime” (19), el también inclasificable primer disco en solitario de quien fuera la cantante de aquella banda, Brittany Howard. Era un álbum hecho con retales, sin seguir un guion prefijado y en el que, básicamente, imperaba parte de la que ahora es la regla número uno de Howard: la libertad creativa. Deja de analizar qué es lo que ocurre a su alrededor para centrarse únicamente en lo suyo, en mirar hacia adelante y no pensar qué habría sido de ella de haber tomado otras decisiones. Tras rodearse en “Jaime” de músicos multifuncionales que prove-

7

Walls

Luna 18

Warner Music Spain

nían del jazz y el hip-hop, Brittany toma ahora como ejemplo a Prince. No de forma deliberada, sino que simplemente es una cuestión de inspiración e instinto. En este “What Now” se ha dejado llevar del todo, junto al ingeniero Shawn Everett de nuevo como consejero, para superar retos que sólo una mujer con su fortaleza puede asumir. Si en “Jaime” daba un paso de gigante con un disco en el que había funk, r&b, soul y texturas de jazz a lo Nina Simone,

7 ROCK / Tras convertirse en estos últimos años en una de las caras más visibles de la nueva ola del pop guitarrero español, Walls regresa con “Luna 18”. El murciano ha seguido indagando en ese sonido con el que nos sorprendió en su primer trabajo en el que mezcla el rock y el pop, pero ahondando más en las guitarras y entregándonos su faceta más punk. Un género en el que cada vez se siente más cómodo y con el que nos regala auténticos hits como “A mi lao” u “Otra mitad”. Pero también explora nuevas sonoridades como en la sensual “Nápoles” o en la semibalada “Noches a medias”. Lo que sigue siendo lo mejor del artista, y que es algo que mantiene intacto, es su autenticidad. No tiene reparo en hablar de todo aquello que ha vivido en estos últimos años, incluido sus propios desfases en “En los huesos” o lo que se vive dentro de la industria en “Paralelas”, así como sacar un tema dedicado a su madre, “La Sole”.

alejandro caballero serrano

HEAVY METAl / Se podría titular esta coyuntura en la vida de Bruce Dickinson como “el renacimiento del renacentista”. “The Mandrake Project” es un disco conceptual de una hora de duración, un camino a recorrer, una narrativa conexa, una colección de desarrollos líricos e instrumentales a los que ponerle oído y cabeza; es decir, todo lo contrario a lo que propone la industria hoy, en la que se premia la urgencia y lo viralizable; una muestra que engrandece aún más el carisma y sello de calidad de Dickinson. El veterano vocalista suena rejuvenecido, agradecido y respetuoso de sus influencias clásicas en un entramado que, a pesar del excesivo minutaje de la mayoría de sus piezas, no hace aguas en ningún momento gracias al nivel de composición y de interpretación. Un disco fresco y desafiante de las lógicas actuales: aquí se nota el peso de una carrera coherente sostenida en un talento genuino. adriano mazzeo Bruce Dickinson The Mandrake Project BMG

en esta nueva puesta en escena todo eso se acentúa mucho más. Su galaxia musical es todavía más variopinta y colorista. Sin embargo, el disco mantiene una línea más contínua y, ahora sí, gana marcando un concepto. Howard nos invita a una pista de baile a la cual solamente entran los más osados, aquellos que aceptan los riesgos y también disfrutan con las cosas más exquisitas. toni castarnado

Residente Las letras ya no importan

5020 Records/ Universal

URBAN / A fecha de hoy, conocíamos hasta a tres Residentes. El que se entregaba a lo emocional, cuyo máximo exponente era esa revisión de su biografía, “René” (la recupera para cerrar el álbum; con acierto). Después estaba el que más se arrimaba a su pasado con Calle 13, el que buscaba la rima y el estribillo. Y para acabar, el rapero más vitaminado, gástrico, tan inspirado en lo político (el de “Latinoamérica”, en 2010) o tan cansino cuando se emperraba en ver quién era el más machito: “BZRP Music Sessions Vol. 49” (22). Ahora hay un cuarto. Uno que no necesita irse por todo el mundo para entender sus raíces, como en su anterior “Residente” (17). Y que tampoco necesita mucho artificio para mezclar cualquier son, harmonía o base con el primer trío de Residentes descritos. Este es un disco donde por primera vez importan tanto el otro, lo otro (un diálogo sutil, transversal, con la tecnología) como el propio René. yeray s. iborra

ROCK / La pregunta es ¿se puede seguir cantando rock & roll sin parecer ridículo o desfasado? Si en pleno apogeo de esta música, digamos 1971, hubiera aparecido una genial banda de swing, tipo Benny Goodman, ¿qué hubiera pensado de ella el público rock mayoritario de la época? Y es que una gran banda de lo que sea, ya sea swing o rock & roll, puede ser una gran banda aunque esté fuera del tiempo. Dicho esto, se puede hacer rock & roll clásico y sonar ridículo o desfasado o se puede hacer rock & roll clásico y sonar tan bien como lo hacen Sheer Mag en su primer disco para su nuevo sello, Third Man Records, la discográfica de Jack White. Este “Playing Favorites” se ciñe a la fórmula de siempre, grandes riffs y ‘licks’ y la brutal voz de Tina Halladay, en un punto medio entre Thin Lizzy, The Sonics y los primeros Cheap Trick, aunque aquí amplían un poco su sonido, metiendo un poco de disco funk y algunos temas más pop. sergio ariza

Sheer Mag Playing Favorites Third Man Records

FOTO:

49/Mondo Media

“El motivo del libro es mi intento personal de comprender por qué tiene tanta relevancia”

Fenómeno paranormal Taylor Swift

El periodista y profesor Yeray S. Iborra firma “Fenómeno Taylor Swift” (Sílex, 24), primer ensayo novelado publicado en nuestro país que busca entender las claves del descomunal éxito de la cantante estadounidense. ¿Habrá dado con ellas?

AUNQUE MUCHOS le conocerán por firmar entrevistas y críticas en nuestro medio, Yeray S. Iborra es una persona polifacética y exquisitamente inquieta, que tan pronto atiende a sus alumnos de secundaria como intenta entender el mundo en el que vivimos. No hay más que fijarse en los dos libros que ha publicado hasta el momento para tenerlo claro: “Vida mantera: Retrato circular de la venta ambulante” (Octaedro, 20) y este “Fenómeno Taylor Swift”, que ve la luz apenas un par de meses antes de los masivos conciertos de la cantante estadounidense en Madrid. Este último es el motivo de que, hoy, el entrevistado sea él. “El libro es una autoficción que nace de mi propia inquietud por no entender el fenómeno. Yo pertenezco al club de los descreídos. Cuando en junio se

anunció la preventa de sus conciertos y vi a tanta gente a mi alrededor que se movilizaba para conseguir una entrada, pensé: ‘Whoah, me estoy perdiendo algo’. Me cogió desprevenido. Teniendo en cuenta que, en Mondo Sonoro, ya había seguido fenómenos similares como el de Billie Eilish, esto me sorprendió profundamente”. Pese a iniciar el camino, según sus propias palabras, como “descreído”, “Fenómeno Taylor Swift” es un ensayo que evita cualquier gesto de elitismo o de esa superioridad entre lo intelectual y lo moral de la que hacen gala muchos críticos a la hora de analizar fenómenos de gran popularidad. Iborra toma el más directo, el de la sincera curiosidad por entender el secreto del éxito de Taylor. “El motivo del libro es mi intento personal de comprender por qué tiene tanta relevancia y el trasfondo del libro es una idea bastante histórica: a medida que crecemos ocurre que, a menudo, no entendemos a las generaciones venideras”. ¿Un millenial intentando dar con las claves del fenómeno en que se ha convertido la artista estadounidense, otra millennial? “Creo que lo más interesante es que Taylor Swift abarca a muchas generaciones. Sería simplista pensar que solamente la siguen personas de doce años con ‘friendship bracelets’. Ese es el fondo del

libro, entender que nos ha pasado a todos, que los mayores se han burlado de la música de los jóvenes, pero en el caso de Taylor hay mucha unanimidad”. Una unanimidad que, muy posiblemente y en buena parte de los casos, empezó a fraguarse anteayer, cuando Swift inició su etapa “indie folk” con discos como “Folklore” (20) o “Evermore” (20), o cuando muchos grandes referentes la elogiaban una vez sí y otra también. Es decir, que obtener esa unanimidad le ha costado más a la estadounidense que, pongamos a nuestra Rosalía. “En el caso de Rosalía, que es un buen ejemplo, hay un punto de sofisticación en la propuesta o un punto como de arte o discurso artístico al que Taylor Swift no ha prestado tanta atención (lo cual no quiere decir que no lo tenga). Taylor Swift es parte del sistema y no lo niega, y tampoco intenta ir de erudita ni intelectualizar en exceso lo que hace. Eso es algo que molesta, que le molestaba a tus padres cuando escuchabas metal o molestaba a los míos cuando escuchaba hip hop de los noventa. Cuando una propuesta no tiene ese aire intelectualizado, la gente enseguida va al acecho, cuando se busca lo popular, la gente va de guay”. joan s. luna

CINE Y SERIES

UN SERVIDOR CONCLUÍA la reseña del primer “Dune” de Villeneuve con la duda de si “Dune 2” compensaría la calma de la predecesora con un aumento de furia. Y lo hace, en parte, pero sin erosionar la cohesión del conjunto. “Dune 2”, basada en los libros de Frank Herbert, muestra con disimulo una estructura deudora de una fuente literaria. Si la primera entrega era la presentación avasalladora de unos mundos atractivos en su belleza inhóspita, esta continuación, consciente de que, visualmente, las cartas ya están echadas y no puede sorprender mucho más, se centra en la acción a partir de una tácita división capitular con la introducción de nuevos personajes y giros que hacen avanzar la historia, aunque no siempre con el mismo interés. Inteligentemente, el director recupera algunos de los grandes

Dune: parte dos

Denis Villeneuve

momentos de la primera y nos vuelve a deleitar, por ejemplo, con la aparición de los gusanos del desierto, esta vez incluso domados como en un western. Esta segunda entrega avanza en el planteamiento general de la saga y ensancha el conflicto del protagonista. A la conocida estructura del viaje del héroe, ya existente en la primera, se añade, ahora, un matiz de relato mesiánico. Eso permite un interesante arco de transformación del protagonista, iniciado como héroe a regañadientes y convertido en guía arrogante de todo un pueblo. Ahí da el callo un convincente Chalamet, pese a un físico de apariencia endeble que no suele acompañar a este tipo de personajes. Todo ello, además, se adereza con, como en cualquier space opera, elementos folletinescos, no siempre satisfactorios. j picatoste verdejo

LA FRUCTÍFERA RELACIÓN de Adam Sandler y Netflix nos ha dejado grandes obras, como “Leo”, la película de animación del pasado año o auténticas joyas dentro de la carrera del norteamericano como “Garra” o “Diamantes en bruto” con los hermanos Safdie. Aunque también hay que destacar que dicha relación ha dado también producciones tan obviables como “El Halloween de Hubie” y “The Do-Over”. La película que nos ocupa, “El astronauta”, dirigida por el muy musical Johan Reck (responsable de una larga lista de videoclips para artistas como David Bowie, Beach House, Madonna o Suede, además de responsable “Chernobyl”), podría situarse en un punto intermedio entre las obras citadas. Se trata de un producto introspectivo en el que el protagonista experimenta una soledad extrema, el cómo la distan-

cia afecta las relaciones de pareja, la comunicación o los traumas del pasado. El argumento gira en torno a la vida un astronauta en una misión lejos de casa, mientras probablemente fruto de sus alucinaciones conoce a una araña gigante, que le hace reflexionar sobre diferentes temas, llevándonos a vivir numerosos flashbacks a lo largo de la película. A estas alturas, somos ya plenamente conscientes de que Sandler es, a pesar de algunas comedias realmente fallidas, un actor excepcional. Aquí vuelve a demostrarlo cargando con toda la película sobre sus hombros, dejándonos con la sensación de que otro actor no hubiese sido capaz de salvarla. Un relato introspectivo que invita a reflexionar, con imágenes fascinantes, pero con, por desgracia, buena parte de metraje terriblemente aburrido. alejandro teiga robles

ANDREW SCOTT, conocido por su papel en “Fleabag”, se junta con Paul Mescal, protagonista de “Aftersun” y “Normal People”, para protagonizar la adaptación que Andrew Haigh hace de la novela “All Of Us Strangers”, de Taichi Yamada. Adam (Andrew Scott) es un guionista de cine huérfano, atrapado en la nostalgia y el dolor de sus recuerdos. El protagonista conoce a su enigmático vecino Harry (Paul Mescal), con quien empieza a establecer una relación, cada vez más profunda. Al mismo tiempo, Adam viaja a la casa de su infancia, donde se reencuentra con sus padres (Claire Foy y Jamie Bell) que murieron hace más de treinta años. La película baila entre la realidad y los sueños, la alegría y el dolor, el reencuentro y la despedida constante, las ganas de volver a conectar y el miedo a tener que decir adiós otra vez.

Desconocidos

Andrew Haigh

8

Viajamos en todo momento por la mente del protagonista, construyendo y comprendiendo su herida poco a poco. Gracias al guion, delicado y sencillo, entendemos la tendencia de Adam a reprimir sus deseos y a encerrarse en él mismo. La cinta nos envuelve en el mismo sentimiento de solitud que siente el personaje, de tristeza y de pérdida. Al igual que él, no sabemos ni dónde estamos ni hacia dónde vamos. La fotografía, el guión y la música se combinan perfectamente para formar un relato real y onírico, dominado por el miedo y la pena a la vez que el confort y la reconciliación. Los dos protagonistas no solo muestran una química excepcional, también son capaces de transmitirnos con la mirada, los silencios, y el tacto del uno con el otro unos sentimientos que traspasan la pantalla. laia fiol

EL AÑO HA EMPEZADO FUERTE en cuanto a películas estrenadas en salas (“Los que se quedan”, “Pobres criaturas”, “Ferrari”, “Dune 2”...). Dentro de este selecto club podríamos incluir la nueva película de A24, dirigida por Sean Durkin, responsable de “Martha Marcy May Marlene” y “The Nest” Estamos hablando de “El clan de hierro”, la que considero la gran olvidada de los recientes Oscars. Y es que, a pesar de ser un actor infravalorado, Zac Efron nos ofrece una actuación impresionante, posiblemente la mejor de su carrera. Desgraciadamente su baja reputación por su aparición en diversas comedias irreverentes o su etapa en el cine juvenil le han alejado de cualquier consideración por parte de los profesionales que votan en los premios. Aunque no solamente Efron destaca en la cinta, sino que también están apabullantes

en sus roles secundarios Jeremy Allen White, Lily James y Holt McCallany. La película narra la historia real de los Von Erich, una familia dedicada a la lucha libre profesional, cuyas vidas estuvieron llenas de tragedia con algún que otro triunfo, siempre bajo el yugo de un padre totalitario que buscaba que sus hijos lograsen lo que él jamás pudo. Pese a todo el drama que rodea a la familia, la cinta no es explícita a la hora de mostrarlo, ni se regodea en machacar emocionalmente al espectador, sino que es cruda y fría, estableciendo elipsis que dejan ver poco a poco el deterioro en la vida de los luchadores, tanto en lo mental como en lo físico. En todo caso, la película destaca en el universo de los dramas deportivos. Hacen falta más de este tipo, lejos de tópicos lacrimógenos.

alejandro teiga robles

El astronauta

Johan Reck

5

El clan de hierro

Sean Durkin

8

LIBROS

Un lugar soleado para gente sombría

Mariana Enríquez Anagrama 7

Mariana Enríquez ha sabido aprovechar a su favor, como subtexto e impulso narrativo, los aspectos más oscuros de la historia de su país. Por ejemplo, la mitología que sustenta “Nuestra parte de la noche” no puede entenderse sin la experiencia terrible de la dictadura argentina, con el fenómeno de las desapariciones. En la nueva colección de cuentos nos hemos desplazado hacia adelante en el tiempo. Y nos encontramos casi, en el presente: en la interminable crisis que sacude la Argentina. Así sucede en varios relatos como “Mis muertos tristes”, “Ojos negros” y “El artista local”. Hay dos cuentos que sobresalen sobre el resto, los magníficos (y aterradores) “Los pájaros de la noche” y “Cementerio de heladeras”. josé martínez ros

Mundo

Turbio Fernando Alfaro Contra 7

Fernando Alfaro no es Ángel Turbio, pero se le parece mucho. En su primera incursión, en formato largo, en el mundo de la literatura, el genio albaceteño vuelca las letras de sus canciones –desde Surfin Bichos, hasta su propuesta en solitario, pasando por Chucho–en un libro, con doble vertiente expresiva y recopilatoria, que encantará a los que aman su imaginario musical y literario y, como gran virtud, se dejará leer por el resto de los mortales. Cuando uno posee la mente de un monstruo se debe de atrever con todo. Ya sabíamos que Alfaro era uno de los letristas más originales, talentosos y necesarios del rock nacional y eso le ha ayudado a salir más que airoso de una aventura inédita y peligrosa de la que debe de sentirse satisfecho y, sobre todo, muy vivo. fernando fuentes

Una vida sobria para la revolución. Hardcore punk, straight edge y políticas radicales

Gabriel Kuhn Ed. Imperdible 8

El straight edge se ha convertido en una de las subculturas más inspiradoras del hardcore por su capacidad empoderadora, pero también por subvertir buena parte de los valores más tradicionales, e incluso nocivos, del rock. Esta obra coordinada por Gabriel Kuhn rehúye de ser una hagiografía nostálgica centrada sólo en la música: más bien, es una crónica absorbente a través de diferentes voces, territorios, épocas y escenas que no esquiva los aspectos más incómodos que pivotan a su alrededor: desde la hipermasculinidad tóxica al puritanismo soberbio y excluyente. Se profundiza sobre éticas artísticas, políticas y sociales. Una reflexión lúcida y necesaria sobre el papel que tienen la droga o el alcohol en la cultura del hardcore punk. tomeu canyelles

Atlas de sonidos

Extraños

Javier Sáez Castán Editorial Barrett 8

Un placer volver a disfrutar –conmemorando los diez años de su publicación original en Sexto Piso– de este cómic de apenas cuarenta y ocho páginas, obra del Premio Nacional de Ilustración Javier Sáez Castán. Alocado homenaje a la serie B, de gran tamaño y excelente dibujo de espíritu añejo, “Extraños” encantará a cualquier aficionado a los clásicos del terror de la Universal o la Hammer, incluso de los cómics de EC, aunque Sáez se los tome a guasa. Pero con esa guasa que solamente quienes saben de lo que están hablando pueden desplegar: Vincent Price nos cuenta las historias de tres monstruos que quieren encajar en el mundo de los humanos. Un disfrute para aficionados al género y un cómic divertido para los demás. mercè gutiérrez

Viajar desde las páginas de un libro. La idea, aunque siempre atractiva, no resuena a priori nada novedosa. Pero si el viaje en cuestión se plantea en base a la búsqueda de sonidos recónditos desparramados por variopintos y lejanos rincones del mundo, la cosa cambia. Cambia tanto que el presente Atlas –el tomo en cuestión no puede ni debe definirse de ninguna otra manera– resulta impagable tras desprender un valor intrínseco (y al mismo tiempo emocional) extraordinario. Una tesis de perfil científico y, sobre todo, humano, que aboga por el poder de los sonidos y la música como modo de expresión, transmisión y confluencia social, aunando los exquisitos textos de Terrazas con impagables mapas e ilustraciones de González Macías. raúl julián

Little Monsters 2 Jeff Lemire & Dustin Nguyen Astiberri

Aprendiendo a caer

Mikael Ross Reservoir Books 8

Mikael Ross (“El joven Ludwig”) refleja sus vivencias en Neuerkerode, localidad precursora en cuanto a proponer un modelo viable de convivencia formado en gran medida por personas con discapacidad intelectual. El alemán elige como protagonista al entrañable Noel, quien debe aprender a manejarse en ese escenario inédito que amanece ante él tras verse privado de su madre. Noel hace de su inherente ingenuidad un arte glorioso, con Ross logrando un inverosímil equilibrio entre ternura y realismo, drama y comedia, en unos contrastes que potencian el valor de la presente novela gráfica. Unos planos que Ross retrata con trazo personal y sin sentimentalismos baratos hasta brindarnos un relato humano emocionante hasta la misma lágrima. raúl julián

Cuando Jeff Lemire definió este “Little Monsters” –que ahora concluye en su segundo tomo– como un “señor de las moscas con niños vampiro” acertó bastante, la verdad. Aunque quién mejor para saberlo que uno de los autores más prolíficos y eclécticos de los últimos años. En esta aventura de niños vampiros, condenados a vivir en un mundo sin sus adultos y sobreviviendo alejados de los humanos, Lemire enfrenta a dos grupos que aquellos que ceden a lo que son y a aquellos que deciden por sí mismos quienes son. De ritmo relativamente pausado, lo mejor es que Lemire cierra la historia con un giro que da sentido a todo lo sucedido hasta el momento. Porque los niños vampiros siguen siendo niños y también deben acabar perdiendo la inocencia. joan s luna

Casa desastre

“Casa desastre” entró en mi casa y fue directa a las manos de mi hija sin pasar por las mías. Es que no me dejó. Se encerró en su cuarto y me dejó fuera, bye bye Días después me sentí ridículo colándome en su biblioteca para pillar el libro e ir a leerlo medio agazapado en el sofá. Como si le hubiera robado algo muy serio, exactamente como cuando ella me pillaba hace años todos los fanzines y los cómics anteriores de Roberta Vázquez. Nunca le perdonaré a la autora lo que le ha hecho a mi hija: la ha enganchado a unas tramas descacharrantes, le ha contagiado unas expresiones que reproduce a la mínima ocasión y que a su vez ha contagiado a sus compañeras de clase. Ay, y al final no he dicho nada del cómic,. Bueno, preguntadle a mi hija. octavio botana

UBÍCATE

PODCASTS

Reinas del grito

Desirée de Fez

A DESIRÉE DE FEZ se la puede conocer por sus críticas cinematográficas, por sus amplios artículos y entrevistas, por formar parte del equipo de otro podcast de lujo, “Marea Nocturna”, y se la debe conocer por “Reina del grito. Un viaje por los miedos femeninos”, el libro que publicó en 2020 y en el que establecía paralelismos entre los miedos de su vida personal y los miedos filmados en algunas de las grandes películas de terror de la historia. A todo ello cabe sumarle este podcast del que lleva ya dos docenas de episodios compartidos. Empezando con una obligada pregunta sobre los miedos femeninos como punto de partida, Desirée mantiene muy interesantes conversaciones con directoras de cine, actrices o escritoras Laura Fernández, Isabel Coixet, Carlota Pereda, Carla Simón, Sara Mesa o Pilar Pedraza. joan s luna 8

Media Offline

Carlo Padial

Quienes sucumbiéramos en su día a sus charlas con el “Doctor Portuondo” veremos un llamativo patrón de continuidad en esos primeros cuarenta minutos de programa en los que Carlo, sin filtro ni pudores, desnuda sus diferentes deliberaciones con el oyente, haciendo acopio de una vis cómica que abraza la cara más absurda y neurótica del día a día. Padial se convierte en el espejo de nuestras luces y nuestras sombras. Asimismo, y tras un preludio de azarosas claves, Padial procede a dar paso al esperado diálogo con sus respectivos invitados, donde lo que menos nos importará será el nombre, profesión o último proyecto de los mismos, sino más bien la química genuina que se desarrolla entre ellos. A pesar de tener en lista nombres como los de Pepe Colubi, Jaume Balagueró o Berto Romero. fran gonzález 7

Valeria Castro

No cabe duda de que 2024 va a ser el año de la consolidación definitiva de la propuesta artística de Valeria Castro. Una extensa gira ya está llevando su flamante “con cariño y con cuidado” (Warner, 23) a todos los rincones del país, en unas actduaciones en las que la canaria va a dejar constancia de su sensibilidad y clase.

Franz Ferdinand

A principios del Siglo XXI el rock vivió su último resurgimiento como movimiento popular y ‘cool’ al mismo tiempo, centrado básicamente en una banda y un disco, los Strokes e “Is This It”. Pero sería una banda escocesa quien iba a dar al mundo el himno definitivo de ese movimiento.

Viva Belgrado

Con motivo del lanzamiento de “Cancionero de los Cielos”, el nuevo álbum de Viva Belgrado, invitamos al grupo cordobés a nuestro estudio de Madrid. Allí Cándido Gálvez, voz y guitarra, nos regaló esta versión acústica de “Un Tragaluz”, uno de los temas que conforman este trabajo.

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Ed. Noroeste. Galicia, Castilla y León noroeste@mondosonoro.com

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REDACCIÓN

Redactor jefe: Joan S. Luna luna@mondosonoro.com

COLABORADORES

Textos: Alejandro Caballero

Serrano, Alex Jerez, Alfonso Gil, Arturo García, Carlos Pérez de Ziriza, David Sabaté, Don Disturbios, Eduardo Tebar, Fernando Fuentes, Eva Sebastián, J. Batahola, J.C. Peña, Jordi Forés, Jorge Ramos, José Martínez Ros, Joseba Vegas, Karen Montero, Luis Benavides, Luis M. Maínez, Manu González, Mara Gómez, Marcos Gendre, Marta Terrasa, Miguel Amorós, Raúl Julián, Robert Aniento, Salomé Lagares, Sergio Ariza, Tomás Crespo, Tomeu Canyelles, Toni Castarnado, Yeray S. Iborra

Fotografía: Alfredo Arias, Eduard Tuset, Fernando Ramírez, Gustaff Choos, Hara Amorós, J.M. Grimaldi, Juan Pérez Fajardo, María Alfonso, Mariano Regidor, Nacho Ballesteros, Virginia Barbero

Depósito legal B. 11 809-2013

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