La Panera Nº 12

La Panera Peri贸dico mensual de Arte y Cultura

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diciembre 2010

12 Distribuci贸n gratuita

Superespacio Van der Rohe a escala real La utop铆a

de John Lennon

Gauguin hacedor de mitos

Cuando

callas est谩 como ausente

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La Panera

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Artes Visuales El juego de las formas de Elvira Valenzuela Proyecto SUPERESPACIO a escala real

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Moda El estilo de la Gran Manzana

Cine La película navideña más importante de la historia

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Mumblecore, el movimiento cinematográfico que llegó para quedarse

Música

Esperanza Restucci Una soprano que se las trae

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El Jazz en un nuevo sello: Discos Pendiente

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Literatura

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Comer, rezar y amar en una sola novela

Gestión Cultural

Mesas de Diálogo sobre TV, una reflexión necesaria

Testimonio

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Pintura realista con ojo contemporáneo

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La poesía de Sylvia Plath en tres actos

Una deuda histórica

Patrimonio El Enganche en Lolol

Agenda Panoramas de artes visuales

Periódico mensual de arte y cultura editado por la corporación cultural arte+

lapanera@galeriapready.cl

Presidenta Patricia Ready K. Directora y editora jefa Susana Ponce de León G. Coordinadora Pilar Entrala Vergara Dirección de arte y diseño Rosario Briones R. Diseño Leyla Musleh Servicios Agencia EFE Colaboradores Carolina Andonie - Jessica Atal - Iñigo Diaz- Pilar Entrala Sergio Fortuño - Ferreira Gullar - María Teresa Herreros - Willy Haltenhoff - Miguel Laborde Luciano Lago - Pamela Marfil - Andrés Nazarala - Mónica Oportot - Edison Otero Tobías Gabriel Palma- David Vera-Meiggs - Antonio Voland - Roxana Varas - Claudia Vergara Corporación Cultural Arte+ Espoz 3125, Vitacura, Santiago, Chile Fono +562 9536210 Representante Legal Rodrigo Palacios Fitz-Henry. Imprenta Moller+R&B impresores Las opiniones vertidas en esta edición son de exclusiva responsabilidad de quien las emite.

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Esta publicación se distribuye gratuitamente en el sector oriente y en la Región Metropolitana.

Para auspicios y publicaciones escribir a lapanera@galeriapready.cl y contactar a Roxana Varas y Pamela Marfil

Proyecto acogido a la ley de donaciones culturales Nº18.985

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Por Ferreira Gullar

Artes Visuales

Miguel Ángel de la perfección a la imperfección

iguel Ángel era siempre escultor, incluso cuando pintaba. Un raro sentido de grandeza se expresa en la monumentalidad de sus figuras, ya sea en el Moisés del Túmulo del Papa Julio II, o en el David, que se encuentra en la Galería de la Academia, en Florencia. A este sentido de grandeza se ajusta la capacidad de captar la fuerza interior del cuerpo humano y de esculpirlo con belleza y armonía. Sin embargo, hay otro aspecto de la obra de Miguel Ángel que especialmente me impresiona: los momentos en que él, en medio de esa retórica grandiosa, nos hace ver el reverso de ella: en el lugar de lo “bello”, lo “feo”; en lugar de lo “perfecto”, lo “imperfecto”; en lugar de lo “acabado”, lo “inacabado”.

Este fenómeno -que ha tenido varias explicaciones- constituye de hecho un enigma fascinante. Las explicaciones, a mi parecer, apuntan apenas a restablecer el prestigio de lo que hay de “sublime” en su obra, ocultándonos lo que hay en ella de perturbador. Prefiero regresar a la

indagación: ¿por qué Miguel Ángel, en la Capilla de los Medici, en Florencia, dejó el rostro de la escultura «El día» inacabado? Por qué, en vez de concluirlo, como hizo con todo el conjunto de figuras que están ahí y con el cuerpo de esa misma figura, ¿por qué la dejó con aquella máscara borrada y asustadora? ¿Quiso tal vez revelar de esta forma el lado espurio de aquel estilo “perfecto”? Y me acuerdo de la serie de esculturas no terminadas de la Academia de Florencia: «El despertar del esclavo», «El joven esclavo», etcétera. En ellas, la forma humana está naciendo de la piedra; se asiste, por así decir, al proceso (interrumpido) de la transformación de la piedra en obra de arte. Es al mismo tiempo la revelación de la propia esencia de la creación artística: el cambio, por el trabajo, de la materia en Ferreira Gullar es poeta, dramaespíritu, la transformaturgo y crítico de ción del mundo natural arte brasileño, en mundo humano. fundador en 1959 Miguel Ángel, por del grupo poético Neo-Concretes. percibir y revelar el proceso subyacente a la elaboración de la obra de arte, por percibir y revelar la expresividad de lo no-artístico, se adelantó a su época, se volvió nuestro contemporáneo. Y esa contemporaneidad se manifiesta de modo incontestable en la “PIETÁ RONDANINI”, de Milán, en la cual trabaja hasta las vísperas de su muerte, a los noventa años. Dada como inacabada -y posiblemente lo estaba- es innegable que, por las líneas de las figuras (María y Jesús), las proporciones anatómicas y el tratamiento de los planos (hombros, tórax, cabeza, piernas) esta obra ya casi nada tiene del estilo triunfante y “clásico” de las obras anteriores. En ella, la envoltura de la bella forma da lugar a la revelación de la precariedad del ser humano -y un nuevo sentido de belleza se anuncia.

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Artes Visuales

«DIA-LOGO» de Elvira Valenzuela

EL JUEGO DE LAS FORMAS n la Sala Gráfica de la Galería Patricia Ready, entre el 15 de diciembre y el 31 de enero, expone Elvira Valenzuela, Premio Nacional de Grabado para jóvenes creadores, otorgado por la Calcografía Nacional y la Real Casa de Moneda de España.

A través del gesto escultórico, Elvira hace de las suyas una vez más para imponer su estilo con un hermoso y delicado trabajo que logra plasmar, con femenina destreza, en acero inoxidable: “Esto requiere de mucho oficio.

Mi obra es el escenario de las acciones e ideas. Escuchar esos diálogos que hay entre el alma y la mente me permiten tener un conocimiento más profundo de mi propio ser”, relata la artista.

Elvira “juega” con líneas de una extrema sutileza, que denotan trazos de gran fuerza y carácter a la vez que parece discursear con el peso y el equilibrio de las formas en cada una de sus obras.

“Rectas y curvas, paralelepípedos, elementos lineales y elementos de masa, planos y curvas se ordenan en composiciones rítmicas, con frecuencia regidas por la diagonal o la torsión.

Los equilibrios, cuidadosamente buscados, parecen darse espontáneamente… El título de la muestra alude a un diálogo de la autora con su ser íntimo, con su propio entendimiento y sensibilidad. La artista habla de tres instancias en las cuales se gesta su obra: sensaciones -es decir, vivencias que han impactado su sensibilidad, materia prima emocional que alimenta al acto creativo-; reflexión -es decir, procesamiento intelectual de las sensaciones, memoria y elaboración de las mismas- ; y formalización -es decir, búsqueda y encuentro del lenguaje plástico visible que expresa los dos procesos anteriores”, escribe la historiadora del arte María Elvira Iriarte en el catálago.

Escultora y grabadora, licenciada en artes plásticas en la Universidad Finis Terrae, Elvira 4 I La Panera

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«diA-logo» GALERÍA PATRICIA READY Entre el 15 de diciembre y el 31 de enero

Valenzuela cursó estudios en la escuela Debako Arte Eskola y en la Fundación Pilar y Joan Miró en España.

Su amplia trayectoria incluye 24 exposiciones individuales y colectivas. De su proyección internacional destaca su participación en Madrid así como las dos veces que se presentó en Nueva York y la ocasión en que exhibió su obra en North Carolina, Estados Unidos.

Recientemente expuso en Quito, Ecuador, y ha sido galardonada con tres menciones honrosas en el área de la escultura. Ayudante de destacados artistas chilenos como Iván Daiber, Cristian Abelli y Juan Cristóbal Abadie, ahora cautiva con su «DIA- LOGO» de múltiples figuras y atractivos títulos. «Desprendimiento», «Ideas Orbitantes» y «Juego de Logos» son algunos de los nombres con que, además de provocar, invita a disfrutar del juego de las formas en una sola mirada.

El destino es el que baraja las cartas, pero nosotros somos los que jugamos. William Shakespeare

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Artes Visuales

PARADIGMA DE LA ARQUITECTURA MODERNA «SUPERESPACIO» es el proyecto dirigido por Manuel Peralta en que Sebastián Preece descubre el ciclo de vida del paisaje arquitectónico y Basco Vazko relata en video su última intervención.

Basco Vazko interviene y hace un registro inédito en video del «Decameron» (1351), del escritor y humanista italiano Giovanni Boccaccio.

on el montaje y puesta en escena de uno de los paradigmas modernos de la Arquitectura Contemporánea, cierra su temporada 2010 la Galería Patricia Ready. Se trata de la reproducción a escala real de la famosa Casa Farnsworth (1951), construida a orillas del río Fox, en Chicago, por el arquitecto Mies van der Rohe, padre del minimalismo contemporáneo, autor del concepto “menos es más”.

La construcción de este emblemático modelo a cargo de Manuel Peralta Lorca se realiza en madera de pino chileno, material habitualmente destinado a las viviendas de emergencia de bajo costo, que en la mayoría de los casos albergan a la población en situación de riesgo y de escasos recursos.

Con este imponente marco de fondo, Sebastián Preece presenta un trabajo de búsqueda arqueológica del ciclo de vida del espacio arquitectónico. Para ello, en esta ocasión destaca los usos de una vivienda encontrada sobre el paisaje de los faldeos cordilleranos de la zona central de Chile en la cual “descubre” y descontextualiza la forma en que fue habitado el refugio durante los últimos 60 años. Sus hallazgos contraponen la relación del Paisaje-Arquitectura, Habitante-Arquitectura, y la Arquitectura-Autoconstruida en nuestra sociedad.

Peralta Lorca define este innovador proyecto: “«Superespacio» es un lugar destinado a la

investigación y ejercicio de los lenguajes plásticos, visuales y comunicacionales del arte y la ciudad contemporánea. Propone un espacio de revisión de la identidad y del paisaje actual de la arquitectura y de las artes, incorporando al artista como ingrediente hacia un proceso de cambio y evolución. Se trata de una propuesta que inicia su proceso de investigación el año 2001”.

A su vez, Basco Vazko hace un registro inédito en video del «Decameron» (1351), donde el escritor y humanista italiano Giovanni Boccaccio (1313-1375) aborda, a través de 100 cuentos (algunos son más bien novelas cortas), tres temas específicos: el amor, la inteligencia humana y la fortuna.

El texto utilizado en esta ocasión fue encontrado por el propio Basco Vazko en la calle y está publicado en una versión en idioma coreano. El libro ha sido intervenido por este reconocido grafitero en los últimos 12 años y contiene todo su imaginario visual, acumulado a partir de su constante labor de intervención sobre la ciudad.

«SUPERESPACIO» GALERÍA PATRICIA READY Entre el 15 de diciembre y el 31 de enero

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Artes Visuales Adrian Gouet [ 1982 ]

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a venido desarrollando, entre los matices del negro, blanco y gris, imágenes tan poderosas y disímiles como inquietantes. Surge en su obra lo bélico con imágenes de aviones y bombas explotando en el mar, alcanzando buques que recuerdan la Segunda Guerra Mundial. Lo último que ha creado son galgos desplegados en carrera. Se capta una contradicción inquietante entre la violencia del modelo y la quietud del entorno. Los fondos silenciosos sostienen la figura que aparece retratada en acción. La realidad se presenta espectacular, como aquella sacada de un reportaje periodístico.

Tanto en las creaciones humanas como en la naturaleza salvaje de los perros existe una poesía visual que hace que su trabajo trascienda a otros mundos (como el perro bestia que remite a seres de “La Guerra de las Galaxias”). La lectura entre líneas que se hace del tema elegido -los galgos- es en sí elitista.

Pero el artista, en esa captación fotográfica del despliegue físico, va evocando lo que el hombre ha perdido hoy y que necesita encontrar, a veces desesperadamente. Tanta vida civilizada conquistada extingue el instinto del miedo, y la adrenalina como reacción corporal se evapora conforme pasan los siglos.

La pintura realista…

¿oBSOLETA?

Frente a una oferta artística conceptual, abstracta, discursiva y categóricamente hermética para el común de los mortales, existen instancias que reactivan la pintura realista con planteamientos contemporáneos firmes.

Por Claudia Vergara Yáñez

Felipe Cusicanqui [ 1977 ]

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on Felipe Cusicanqui, la pintura en cajas de cartón con leyendas comerciales incluidas, arpilleras, mimbres, adobe, cajas de huevos, papeles de diario, deshechos en general, se transforman en algo estéticamente puro. La unión de lo tosco del soporte con la simplicidad del tema, da significado a la obra en su conjunto.

El tratamiento dado a los materiales les permite pasar de pobres y destruidos a dignos y delicados. No es pintura matérica, donde los ingredientes se reciclan y expresivamente asaltan.

Hace mucho tiempo que los artistas han creado arte con todo tipo de desechos, pero no se había visto en ellos un tratamiento que reflejara el alma. Cusicanqui plasma paisajes con auténtica humanidad. Sus obras evocan la mirada serena y espiritual de Pablo Burchard que por tiraje alcanza especialmente a Adolfo Couve. También está la calidez campesina de la obra de Jean-Francois Millet. La verdad de su contenido se revela, por ejemplo, en las rajaduras de los cartones, hechas muchas veces con sus propias manos, pasión que también se presenta en los chorreos del color y lo horadado del soporte, guiños a Pollock y Fontana, respectivamente. El encuentro de estos lenguajes, la pintura realista con un impresionismo naïf, y el soporte expresionista y desechable, enamora al visitante. La obra en sí misma crece en una conmovedora fascinación.

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Patricia Domínguez [ 1984 ]

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atricia Domínguez se dio cuenta que nunca había visto un venado y desde la imaginación, inquietud y lejanía nació la serie titulada con el mismo nombre. En el proceso por conocer y dar vida a esos animales, se fascinó con la realidad para ser artísticamente recreada. Le interesó estudiar lo que fue referido en películas, documentales y fotos. La naturaleza la cautivó, llevándola de la mano en su vocación de artista. Sus auténticas medallas naturales son ciclos de una vida en perfecta armonía. El formato circular en muchas de sus obras parece una matriz protegida que hace referencia a fenómenos infinitos de vida, muerte, renacimiento y transformación. Es un soporte orgánico. Su desarrollo creativo emula a los antiguos científicos que exploraban y recolectaban los especímenes para investigar las relaciones entre éstos con su hábitat. La diferencia está en que Domínguez hace un minucioso estudio a través de Internet, videos y fotografías, incorporando su experiencia personal, para armar las manadas y acercarse lo más posible a su contexto. El estudio de los materiales intenta también dar una experiencia sensible del recorrido de la luz, desarrollando un pigmento perlado que reacciona con el paso del día. La artista dice: “Para mi, el naturalismo (que es lo que más acerca al realismo) es una manera de explorar el mundo en que vivimos”. También realiza un llamado de atención frente al mal trato que el hombre impone al medioambiente. Pero le importa principalmente la toma de conciencia del entorno natural que surge estéticamente por el lado afectivo.

stos cuatro jóvenes artistas, como muchos otros hoy, explican su proceso creativo en forma llana y espontánea. Su lenguaje es sencillo, lo que se echa de menos hoy.

Ejemplos como estos demuestran que el arte figurativo o realista, bien entendido, puede proponer contenidos profundos. Más profundos, incluso, que las propuestas de un arte conceptual y abstracto que a veces no logra (o simplemente no se plantea) atravesar la barrera de su propio soporte.

La poesía, en cualquier expresión artística, es ir más allá. Ver lo que se esconde tras la realidad, en este caso, tras la naturaleza en sentido amplio (animales, paisajes, materia cotidiana), frente al artificio de la vida moderna y los medios y soportes virtuales. La pintura realista de enfoque poético y calidad humana tiene todavía mucho que decir.

Guillermo Lorca [ 1984 ]

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uillermo Lorca dejó plasmado su realismo pictórico monumental en el Metro de Santiago a través de seis retratos de 340 x 290 cm., con la idea de dignificar la manera de hacer retratos a la antigua, cuando se contrataba al artista para realizar una pintura por encargo. Lorca agregó aquí un componente nuevo: los modelos, tres mujeres y tres hombres de diferentes edades, corresponden a seres comunes y corrientes. El proceso surgió de un período de observación a los ciudadanos que habitualmente transitan por el Metro para después buscar las personas que más acertadamente calzaran con la idea prefijada. El formato gigante de rostros realistas contrasta con el lenguaje publicitario de productos y marcas que emergen a granel, representados por figuras especialmente atractivas (muchas veces modelos argentinas) que se identifican con el estereotipo del estrato ABC1.

Lorca, formado por el pintor realista noruego Odd Nerdrum, tuvo esta idea viendo obras con personajes y paisajes realistas pintados en formato pequeño. Desde ahí concibió algo distinto de lo realizado en el taller de su maestro: organizar una serie de gran tamaño para instalarla en un espacio público y producir una suerte de extrañeza, como si fueran gigantes de una nueva crónica urbana que se revelan familiares y cercanos al interpelarnos con su veracidad y sencilla prestancia. Ahí radica su acertada belleza.

El hombre nace libre, responsable y sin excusas. Jean Paul Sartre

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Artes Visuales

La búsqueda

del Paraíso

«Portrait of the Artist with Idol», 1893. McNay Institute of Chicago

Tal como se pensaba y largamente más de lo que se esperaba, la exposición «Gauguin.

Maker of Myths» se está convirtiendo en uno de los hitos en la historia de la Tate Modern Gallery de Londres.

Por María Teresa Herreros desde Londres

abiéndose superado en el primer mes la expectativa del total de visitas calculadas para todo el período de la exhibición en Londres, la Tate Modern Gallery debió ampliar sus horarios normales, incluyendo los días domingo hasta las 22:00 horas. Así está pudiendo acoger y facilitar el recorrido de miles de personas que se precipitaron a conocer esta muestra de la obra de Paul Gauguin, cuya vida y arte han cautivado la imaginación del público por más de cien años. Tras una larga preparación, la curaduría de la exposición eligió acertadamente una amplia representación de sus trabajos, los que exponen espléndidamente los vívidos y casi antinaturales colores, los vigorosos contornos de las imágenes tan características de sus pinturas, como también la poderosa y semiabstracta forma de sus esculturas en madera.

Son más de 100 los cuadros que se exhiben (pertenecientes a colecciones públicas y privadas de diferentes países del mundo), a lo que se agrega la notable y cuidadosa muestra de un amplio rango de creaciones, como grabados, acuarelas, cerámicas, esculturas, junto con cartas ilustradas, cuadernos de bocetos, fotografías, libros que ilustran e iluminan el conocimiento de la vida y pensamiento del artista. Entre estos últimos, primeras ediciones de obras de su abuela, Flora Tristán. Todo un conjunto que constituye “una mirada fresca y convincente de este maestro del arte moderno”, afirman los organizadores.

pose de bohemio, de “artista salvaje” que adoptó. “Tú sabes que tengo sangre india, sangre inka dentro de mi. Y que eso se refleja en todo lo que hago. Es la base de mi personalidad y con ello trato de enfrentar los problemas de la civilización con algo más natural, más primitivo”, manifestaba a Theo van Gogh, quien fue su dealer a fines de los 80.

Con esta impresión, los visitantes inician su recorrido y reconocen los rasgos del artista en algunas de las pinturas expuestas, en las que pretende mostrarse en los diferentes roles o disfraces que adoptó: víctima, santo, mártir, pecador, o el mismo Jesús, como se observa en el famoso «Cristo en el Jardín de los Olivos», de melena y barba rojizos.

Hay consenso en que el mito mayor que rodea a Paul Gauguin -y que él mismo creó y procuró

Sangre inka

Se trata de la mayor muestra de la obra de Gauguin realizada en Londres en el último medio siglo (esta vez en conjunto con la National Gallery of Art de Washington) y está novedosamente enfocada en los mitos e historias que rodean su vida y su arte.

De ahí que la distribución -en 11 salas- se organizó en forma temática, eligiendo para cada una diferentes épocas y reuniendo obras realizadas en lugares tan distintos y lejanos como París, Martinica, Bretaña, Tahiti y las Islas Marquesas. Acertadamente se ubican en la primera sala una serie de autorretratos que pintó una y otra vez a lo largo de su vida (incluso el postrero realizado el mismo año de su muerte), tal vez remarcando su autoimagen o la

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«Vision of the Sermon (Jacob Wrestling with the Angel)», 1888. National Gallery of Scotland, Edimburg

«Still Life with Puppies», 1888. MoMA, Scala

“La pintura es la más hermosa de todas las Artes. En una sola mirada nuestras almas se pueden empapar con las más profundas reflexiones. Para juzgar un libro se debe ser inteligente y bien educado. Para juzgar la pintura o la música, se necesita, además de poseer inteligencia y conocimientos artísticos, sentimientos especiales que no están en la naturaleza de todos. En una palabra, se debe haber nacido artista. Aun cuando muchos son los llamados, pocos son escogidos”. Paul Gauguin

Nevermore

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a imagen de «GAUGUIN, Maker of Myths», ampliamente promovida desde pequeños folletos hasta gigantografías, está basada en parte de la espléndida obra que se eligió para representarla y para ilustrar la portada de su catálogo: «Nevermore O Tahiti», perteneciente a la Courtauld Gallery de Londres.

El propio artista la describió a su amigo Daniel de Monfried: “Con un simple desnudo trato de sugerir una cierta lujuria salvaje del pasado. Toda la pintura está deliberadamente bañada en tono sombrío, en colores tristes. No es ni seda ni terciopelo, ni batista ni oro lo que crea esa lujuria, sino más bien la mano del artista que enriquece esta pintura. No es un capricho... es solamente la imaginación de un hombre que ha enriquecido esta escena con su fantasía”.

Y agrega una explicación que no convence completamente: “El título es «Nevermore»; no es el cuervo de Edgar Poe observando, sino el pájaro del Diablo”. Se refiere al pájaro azul que aparece posado en la ventana y mirando a la mujer desnuda. Un pájaro como el descrito por Edgar Allan Poe en su famoso y sombrío poema «El cuervo», en el que cada verso final de las diez últimas estrofas termina con «Nevermore».

Este tipo de figuras, como pájaros o zorros, o como ídolos, diablos o “el espíritu de la muerte”, de caras negras y ojos amarillos, se repitieron en número importante de sus obras del período 1892-93.

«Nevermore O Tahiti», 1897. The Courtauld Gallery, London

Siempre imaginé que el paraíso era algún tipo de biblioteca. Jorge Luis Borges

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Artes Visuales

«Merahi metua no Tehamana / Tehamana has many Parents», 1893.

The Art Institute of Chicago

«Two Tahitian Women», 1899. The Metropolitan Museum of Art, New York

Breve cronología Eugène Henri Paul Gauguin (1848-1903) nace en París. Hijo de un periodista francés y de la hija de la escritora y activista política Flora Tristán, vive los primeros años de su infancia en Perú.

A los 17 años se enrola en la Marina Mercante y luego en la Armada Francesa, recorriendo diferentes lugares del mundo.

Desde los 23 años trabaja con éxito como Corredor de la Bolsa, período en el que contrae matrimonio con la danesa Mette-Sophie Gad, con quien tiene cinco hijos. Es en esa época cuando toma contacto con Pissarro, Degas, el Impresionismo.

A los 35 años, y debido al quiebre de la Bolsa, pierde su empleo y se dedica sólo a la pintura. Por falta de recursos se va con su familia a Copenhague, donde deja a los suyos e inicia un ir y venir a Bretaña (PontAven), Panamá, Martinica, Arles (con breve y trágica estadía con Van Gogh).

A los 43 años, gracias al producto de la venta de algunos cuadros, viaja a Tahiti donde vive frugalmente por dos años y pinta algunas de sus mejores obras. Luego de un breve paso por Francia, vuelve a los Mares del Sur, ya enfermo de sífilis, donde permanece los últimos años de su vida. Devastado por la enfermedad, el alcohol y la desesperanza, muere en Atuona ou Hiva-Oa, de las Islas Marquesas. Tenía sólo 54 años.

«GAUGUIN Maker of Myths» estará abierta al público hasta el 16 de enero de 2011 en la Tate Modern Gallery de Londres. Y en la National Gallery of Art de Washington, entre los días 27 de febrero y 5 de junio de 2011.

«Te Faaturuma / Brooding Woman», 1892. Worsester Art Museum, MA

mantener- es el de su despreocupada existencia paradisíaca en los Mares del Sur; del artista que se atrevió a liberarse del peso de las reglas de la sociedad urbana y capitalista para instalarse en una especie de Edén donde podía trabajar a su antojo, rodeado por la exuberante naturaleza y por seductoras doncellas morenas. Era esta una ficción, una idea de Paraíso Terrenal que procuró conservar en su imaginación y que inspiró gran parte de su obra. Sin embargo, en los días en que pintó «Brooding Woman / Mujer melancólica», en 1892, le escribía a Mette, su esposa danesa, a la que no volvió a ver: “Trabajo y vivo más o menos solo. Como modelo tengo a una joven de 14 años (pesa 150 lbs) que es muy buena para encender el fuego, encargarse del lavado y fumar cigarrillos. No habla una palabra de francés. A veces charlamos algo en maorí, un idioma que estoy aprendiendo a hablar no tan mal”.

A su característica pintura se agrega la potencia de los nombres que el artista puso a algunas de esas obras, las que, según él, contenían música y literatura. Decía que los títulos conllevan una historia y que fueron motivo de la elección de sus temas. Aun cuando ello pueda resultar ambiguo, premonitoriamente logró que lo llamativo de estos siga cautivando al público hasta hoy. En ellos apunta a conversaciones, intimidades, preguntas: «¡Cómo! ¿Estás celosa?» (Aha oe feii); «¿A dónde vas?» (E haere oe i hia); «¿Por qué estás enojada?»

(No te aha oe riri); «¿Cuándo te casarás?» (Nafea faa ipoipo). Escritos en lengua tahitiana, resultan musicales, pero impenetrables, elementos que parecen haber primado más que su exacto significado al momento de traducir esos títulos.

“Fabuloso Tahiti... con esas mujeres susurrando en un inmenso palacio decorado por la naturaleza misma”, describía Gauguin.

Lo sagrado a pesar de todo

El tema de lo sagrado ocupa toda una sala en esta exposición. En sus escritos y comentarios, Gauguin se presentaba como fiero opositor a

la Iglesia Cristiana. Sin embargo, de tiempo en tiempo tomó varios episodios del Antiguo y del Nuevo Testamentos como tema de algunas de sus más famosas pinturas: «Cristo en el Jardín de los Olivos» (1889); «El Cristo Amarillo» (1889), crucificado; «El Cristo Verde» (1889), descendimiento; «La Última Cena» (1899), en curiosa perspectiva.

Uno de los primeros, «Visión del Sermón ( Jacob luchando con el Ángel)», ambientado en Bretaña, lo describe, en carta a Vincent van Gogh: “He terminado recién una pintura religiosa, bastante mal hecha pero me interesa y me gusta. Quise regalarla a la iglesia de PontAven. Naturalmente no la quieren”.

En esta misma sala se encuentran también los emocionantes «Ave María» (1891), donde la Virgen, sonriente en pareo rojo, lleva al Niño desnudo sentado a horcajadas en su hombro, y «Natividad» (1896), en el cual, en primer plano, está una mujer con el Niño en brazos, acompañada por un ángel. Hacia el fondo aparecen algunos animales y, más atrás, una cama donde yace, al parecer exhausta, la Virgen; todos los personajes con rasgos tahitianos.

No está en esta exposición el bello cuadro «El Nacimiento del Hijo de Dios»(1896), similar al anterior pero mostrando a la Virgen en primer plano. Esta obra, cuidada y salvada por su dueño, se encuentra actualmente en la Neue Pinakothek de Munich.

La exposición finaliza con el enorme y bello óleo «Faa Iheihe» (1898), pintado en Tahiti. En colores mayormente anaranjados y luminosos, parece representar un paraíso terrenal, donde hombres, mujeres y animales conviven en armonía con la naturaleza. Ha sido subtitulado «Pastoral Tahitiana», y motivó a Gauguin para decir “Me doy cuenta de que todavía no he dicho todo lo que se puede decir de Tahiti”.

«Faa Iheihe» es la obra que da inicio al excelente catálogo de la exposición y se reproduce en numerosos artículos de la tienda de la Tate Modern Galería.

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Artes Visuales

Transformar siete islas en un gran museo contemporáneo en plena naturaleza es posible en el Mar Interior de Japón.

El archipiélago

del arte

Por Maribel Izcue Desde Japón

Museo diseñado por el arquitecto Ryue Nishizawa, del estudio SANAA, ganador del Pritzker este año. Sus formas representan una enorme gota de agua, y en su interior tiene obras de la artista Rei Naito, todas con el agua como tema central.

tes, como la de la Galería Claude Monet, con cinco pinturas de la serie de nenúfares, que conviven a pocos metros de obras de artistas contemporáneos, como los estadounidense James Turrell y Walter de Maria.

Aunque Naoshima ya era relativamente conocida desde hace una década, el festival de Setouchi disparó de nuevo su popularidad y logró poner también en primera línea del arte las vecinas islas de Teshima, Shodoshima, Ogijima, Oshima, Inujima y Megijima.

A una media hora de Naoshima en barco se encuentra Teshima. Sus costas tranquilas combinan playas de arena y piedras con campos verdes y pequeñas caletas. Allí, el artista islandés Olafur Oliassen realizó una instalación en el interior de una casa idéntica a las del resto del pueblo, creando un sugerente espectáculo de agua, luz y sonido. Y el alemán Tobias Rehberger transformó una vivienda Interior de la vivienda de la isla de Teshima en la que el artista alemán Tobias Rehberger ha instalado un restaurante con motivos de camuflaje inspirados en la I Guerra Mundial.

en un insólito restaurante, utilizando motivos de camuflaje inspirados en las batallas navales de la I Guerra Mundial.

Pero Teshima es conocida, sobre todo, por albergar el museo diseñado por el arquitecto Ryue Nishizawa del estudio SANAA, ganador del Pritzker este año. Situado a los pies de una pequeña colina, este espacio se inauguró en octubre, durante el Festival de Arte, en medio de una gran expectación y en un entorno sin igual: muy cerca de la costa y a unos cientos de metros de un pequeño estanque en el que varias esculturas giratorias de la artista nipona Chiyoko Todaka creaban la sensación de enormes pétalos flotantes.

El Festival acogió en su primera edición a 75 artistas, y proyectos de una veintena de países, con nombres como el del francés Christian Boltanski, el portugués José de Guimaraes o la estadounidense Teresita Fernández.

En la isla de Teshima, una instalación de Chiyoko Tokada, cerca del Museo creado por Ryue Nishizawa, muestra esculturas giratorias que simulan pétalos sobre el estanque.

fotos: efe

l arte ha cambiado el rostro del archipiélago japonés de Seto, que hasta hace muy poco quedaba alejado de los itinerarios turísticos habituales. El nombre de estas siete islas comenzó a conocerse el pasado verano con la celebración del primer Festival de Arte de Setouchi. Durante cien días, entre julio y octubre, las islas se llenaron de instalaciones, “performances” y exposiciones firmadas por prestigiosos artistas contemporáneos. Con tal éxito, que las autoridades han decidido que este festival se celebre de forma trianual.

La iniciativa surgió a partir de la experiencia de Naoshima, de poco más de ocho kilómetros cuadrados y cerca de 3.300 habitantes. El lugar ya era conocido entre los aficionados al arte desde principios de 1990, cuando la compañía editorial Benesse decidió asociarse con el arquitecto nipón Tadao Ando para reconvertir esta isla en un punto de referencia para los artistas contemporáneos. El objetivo era impulsar el desarrollo de una zona cada vez más despoblada a través del arte y de la arquitectura.

Galardonado con el Pritzker (el “Nobel” de arquitectura) en 1995, Ando siguió el lema “Naturaleza y Arte” para diseñar obras como el Museo Benesse House, que combina un hotel con una galería de arte moderno. En la costa, a pocos metros del edificio de Ando, se yergue una enorme calabaza gigante creada por la artista contemporánea japonesa Yayoi Kusama, que se ha convertido en ícono de la isla.

Ando también construyó en Naoshima el Museo de Arte Chichu (literalmente, “en la tierra”), un edificio de cemento, acero, cristal y madera que se levanta sobre una colina.

Este centro alberga exposiciones permanen-

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Moda

El estilo de

la Gran Manzana Diane von Furstenberg, Donna Karan, Calvin Klein, Carolina Herrera, Jason Wu o Joaquín Trías son algunos de los diseñadores que ofrecen un recital del buen gusto en Nueva York, aunque ahora el chico de oro es Prabal Gurung.

Por Carmen Martín Desde Nueva York

n Nueva York, estilistas, modelos y celebrities, que viven por y para la moda, se desviven por mezclar prendas y tendencias de las pasarelas más importantes del mundo con diseños de bajo costo hasta conseguir un carácter personal, dinámico y moderno.

El estilo informal con líneas sofisticadas de las prendas de Michael Kors, el colorido de los trajes de Tommy Hilfiger, o la distinción norteamericana de diseño con sello Ralph Lauren, engloban una forma de vestir moderna, sencilla, sin estridencias y con atrevidos y vistosos colores que dan lugar al sportwear.

Diane von Furstenberg, Donna Karan, Calvin Klein, Carolina Herrera, Narciso Rodríguez, Jason Wu, Vera Wang o Joaquín Trías son algunos de los diseñadores que ofrecen un recital del buen gusto en la Gran Manzana, aunque ahora el chico de oro Una es Prabal Gurung, cuya fama se creación ha disparado tras lucir Michelle de Michael Obama una de sus creaciones. La Kors. sofisticación desenfadada de sus diseños también es venerada por actrices como Demi Moore y Raquel Weisz.

Parkas, chaquetas, cazadoras, vestidos y camisas de corte guerrero, aderezados con cuellos de piel, botones dorados, bolsillos grandes de parche y cómodos cortes dominan las calles neoyorquinas.

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EFE/PETER FOLEY

ESTILISMOS DIVERTIDOS Y COLORISTAS

EFE/JASON SZENES

Diseños de Prabal Gurung y de la firma Tommy Hilfiger en el marco de la Semana de la Moda 2010 de Nueva York.

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Prenda de Ralph Lauren con un mini chaleco con print de leopardo.

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EFE/PETER FOLEY

Sarah Jessica Parker, Elle MacPherson o Kate Moss son algunas de las famosas que se rinden ante la versatilidad de la tendencia militar. Etro, Junta Watanabe, Haute F10 y Michael Kors son algunas de las firmas que apuestan por el verde militar, la primera regla del nuevo casual del siglo XXI. Divertida, chic y casual son algunos de los adjetivos con los que el diseñador Modesto Lomba define la capa, prenda que reinó en los setenta y que hoy se reinstala en el guardarropa femenino. Si en décadas anteriores servía para disimular imperfecciones, hoy es máxima tendencia desde que la actriz Blake Lively luciera un modelo de Ralph Lauren en «Gossip Girl», serie perfecta para seguir la tendencias que reinan en Nueva York. Con cuello o sin él, la capa resulta ideal combinada con vaqueros o mini-short y botines.

El encaje, femenino y delicado, también reina en Nueva York. Vestidos cortos, blusas y faldas llenas de inocencia e El estampado felino arrasa por igual en las actuales tendencias para ingenuidad, desafiando el frío, salen a la calle con la misión de seducir a todas las mujeres, tanto las que se inclinan por vestir con un seducir e incluso provocar con tierna timidez. Impregnado estilo lady o aquellas que prefieren una versión urbana del folk. con aires de nobleza e íntimamente ligado a la lencería, diseñadores como Stella McCartney, Valentino, Givenchy o Loewe presentan sus propuestas tintadas en blanco, negro, color piel, marrón y morado para facilitar su combinación con prendas más casual.

Los abrigos de piel con pelo se cotizan al alza. De día se combinan con vaqueros de pata de elefante, camisa blanca o jersey de cuello cisne. Por la noche son tan deseados como necesarios y se mezclan muy bien con mini vestidos y zapatos de tacón.

Chanel, Roberto Cavalli, Jean Paul Gaultier y otros dan un paso más y trabajan la piel con varios tejidos y texturas con el fin de conseguir un concepto jovial y multicultural, con gran riqueza de detalles y piezas de artesanía.

El estampado felino arrasa y se instala por igual en las actuales tendencias para seducir a todas las mujeres, tanto las que se inclinan por vestir con un estilo lady o aquellas que prefieren una versión urbana del folk.

En complementos como bolsos, botines, bufandas, foulares, guantes, cinturones, gorros, relojes, pulseras y anillos, también deja huella el print de leopardo.

Desfile de Carolina Herrera.

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Perfil

cuando

CALLAS está como ausente La cultura de masas nos ha acostumbrado al barómetro de la fama como infalible muestra de la validez de algo. “Todos dicen que...” vale hoy más que el “conócete a ti mismo” que los griegos tenían escrito en el dintel del oráculo de Delfos. Por lo que la desconfianza sobre ciertas famas requiere de cíclicas revisiones para no terminar adorando ídolos con pies, ya no de barro, sino de estadísticas.

Por Vera-Meiggs

a Callas fue una controversia en vida y un mito intocable después de muerta. Se da por sentado que la suya es la voz de “la más grande soprano de todos los tiempos”.

También Pavarotti ha sido “el más grande de todos los tiempos”, lo que puede ser una lápida difícil de remover ante los dóciles conceptos de los que se alimenta la masa. Pero las exageraciones no suelen hacer bien al arte.

María Callas es lejos la cantante lírica que más ha dado que hablar y escribir. También es la única que expande su fama más allá de su época y de su disciplina. Pero no es la única que merece los honores del Olimpo lírico, si se permite una metáfora griega. En una encuesta internacional publicada hace algunos años para elegir los mejores cantantes del siglo XX, quien obtuvo el primer lugar fue Jussi Björling y Callas aparecía detrás de Fischer-Dieskau, la Flagstad y Gobbi, siendo seguida por Domingo y Caruso. Recién en el lugar 19 aparecía Pavarotti.

UN BEL DÌ VEDREMO

Una revisión desapasionada y ajena a especializaciones podría arrojar sobre ella algunas verdades que siguen inamovibles, como también podría ventilar algunos aspectos manidos de su carrera como cantante.

Repasemos. Se puede reconocer tres grandes períodos, claramente diferenciados, también en sus niveles de logros artísticos, que son los que justifican las revisiones.

La primera parte de su trabajo está un poco nublado por el tiempo y la escasez de registros.

Ya sabemos que debuta con «Tosca» a princi-

pios de los 40 en la Ópera Real de Atenas y que sólo en 1947 puede hacerse notar con una versión de «Tristán e Isolda» en italiano, dirigida por Serafín, en La Fenice de Venecia. Al año siguiente hace en el mismo escenario algo insólito: alterna «La Valquiria», de Wagner, con «Los Puritanos», de Bellini, un cometido imposible en teoría por la diferencia radical de los registros, pero que logra cumplir con el asombro de la crítica y de ella misma, que no se sentía capaz de semejante hazaña. A partir de ahí el repertorio belcantista será su principal caballo de batalla.

El segundo período es el más brillante. A partir de los años cincuenta nada la detiene para lograr la cima de sus posibilidades. ¡Y qué posibilidades! Los personajes de Donizetti, Rossini y Bellini la llevan a alturas legendarias. «Lucia di Lamermmor» y «Norma» llegan al disco provocando la desesperación de sus competidoras. La escena de la locura de la primera y «Casta Diva» de la segunda hacen palidecer sus logros anteriores en «Aida» y «Turandot». Su Rosina de «El Barbero de Sevilla», tradicionalmente cantado por una mezzo soprano, parecerá por mucho tiempo insuperable por la agilidad de su fraseo y la sabrosa picardía agregada por sus descollantes capacidades de actriz. Pero todavía faltaba «La Traviata», que termina por convencer a la legión de especialistas que critican su voz por su timbre metálico y sus agudos demasiado estridentes para las convenciones de la época. Ella misma sabe reconocer que su voz no es bella, pero hasta ahí llega la autocrítica.

Se sabe dueña de un registro amplísimo y de una capacidad superlativa para hacer vibrar cada nota con la intensidad dramática precisa.

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UNA VOCE POCO FA

Su tercer período, el de la inevitable decadencia, se puede observar a través de los dos recitales grabados en video durante sus presentaciones en Hamburgo. El primero es de 1959, donde luce todavía brillante y convincente en cada interpretación. El segundo es de 1962 y la diferencia ya es apreciable. Posee todavía buenos momentos, pero el esfuerzo por alcanzar los agudos es evidente. Lo más notable es su capacidad dramática intacta que le permite sostener en escena la obertura de «Carmen» casi inmóvil, pero dominando completamente el persona-

je; después, su «Habanera» es impecable. Pero Verdi parece a ratos inalcanzable y «La Cenerentola» ya no tiene la ligereza de antes.

De ahí en adelante, las estridencias asoman con insidiosa frecuencia. El vibrato muestra oscilaciones mayores a los requeridos por la partitura. Tres años después aparece por última vez en escena con «Tosca» en el Covent Garden. Se le conceden los aplausos de rigor, pero es la actriz, más que la cantante, la que se lleva la admiración.

No puede ser de otra manera. Ha abusado del instrumento vocal, cantando sin descanso un repertorio difícil y riesgoso, y luego se ha dejado estar por causa de Onassis. Su equilibrio emocional, fundamento de su capacidad expresiva, se ha roto irremediablemente. El resto es utilizar los retazos de una voz en aras de una comprensible nostalgia por el don perdido.

Y es no sólo una voz de amplio registro y virtudes técnicas poco comunes. Es también la intérprete capaz de recrear la emoción de obras olvidadas y de deslumbrar en el escenario con una intensidad perturbadora.

Ya lejos de las polémicas acaloradas de su época, su voz puede ser comparada con la de Renata Tebaldi, su gran rival, o con la privilegiada coloratura de Joan Sutherland. Cada una ha conservado sus virtudes, pero también sus límites. A la

Puede que no todo en ella sea pura belleza, porque el suyo no es un canto angelical, es más bien un alarido, pero el alarido de una gran civilización que está a punto de venirse abajo.

Sutherland nunca le entenderemos una sílaba de lo que canta, y en Tebaldi su dulzura exquisita es casi un fin en sí mismo, mientras que Callas las despacha a un siglo anterior con su expresividad emocional, que nunca sacrifica la partitura buscando el énfasis. En ese sentido, el canto de María Callas es la expresión precisa de un momento histórico que marca el agotamiento del espíritu occidental y un nuevo tono para enfrentar un mundo en que la democracia sería más inclusiva y realista, pero haría de la vida algo más pequeño que las sublimes emociones que una vez justificaron al género lírico.

Cuando Callas canta, el tiempo y el espacio parecen comprimirse alrededor de su garganta para dar forma a lo que ya no existe. Está ausente del momento, pero parece atravesar el pasado hasta alcanzar el momento primordial previo al nacimiento de la lógica.

Puede que no todo en ella sea pura belleza, porque el suyo no es un canto angelical, es más bien un alarido, pero el alarido de una gran civilización que está a punto de venirse abajo.

Quizás todo esto no sea más que una proyección nuestra, pero es ella quien la ha provocado.

Sin duda.

"La desdicha es el vínculo más estrecho de los corazones." La Fontaine

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fotos: efe

Mucho le ha costado lograrlo. Al dirigirla por primera vez en «La Gioconda», Serafín destaca la aspereza de su timbre y le pule pacientemente cada vibrato excesivo y cierta rusticidad en escalar las notas agudas. Le ayuda a que aflore la musicalidad y la hace congeniar con su histrionismo, don muy natural, como vimos en el capítulo anterior. La armonía resultante da nuevos bríos a su amplitud de registro. Las tres octavas que alcanza en esta época aparecen más firmes que nunca, lo que explica sus visitas esporádicas al registro de mezzo, sus agudos sostenidos y sus graves de extraordinaria intensidad dramática.

Aprovecha también, algo temerariamente, de abordar personajes muy diferentes a su habitual tendencia a la coloratura. De ahí surge una «Madama Butterfly» dirigida por Von Karajan a la que no siempre se le hace justicia. Dotada de una capacidad notable para adecuarse al rol, entrega en el primer acto el mejor retrato de las ilusiones adolescentes que se pueda encontrar en disco, lo que contribuye a que al final, ya toda una mujer, alcance una intensidad notable. Del mismo período son «Cavalleria Rusticana» e «I Pagliacci», que hacen lamentar que Callas no se haya interesado mayormente en el “verismo”. De hecho, graba dos «Carmen» sin haberla interpretado nunca en el escenario. Ama la partitura, pero no al personaje, con el que no siente ninguna afinidad emocional.

De regreso al belcanto explora su legendaria «Anna Bolena» y una «Sonámbula» que apabulla por mucho tiempo a la posible competencia. Por supuesto, su «Tosca» alcanza niveles de referencia absoluta (es la única ópera interpretada por ella de la que existe registro audiovisual parcial).

«Norma» marca una escandalosa inflexión en su carrera. Durante la apertura de la temporada 1958 de la Ópera de Roma abandona el escenario después del primer acto, dejando al Presidente de Italia esperando en la platea. Está agotada y sabe que no puede seguir, pero no hay razones suficientes para el público y la debacle no se hace esperar: es boicoteada por los teatros italianos. Meses después aparece espléndida en la Ópera de París, en una gala legendaria, afortunadamente conservada en video, pero quedan pocos años para tal brillo vocal.

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Cine

Una vez más, Frank Capra nos recuerda

Por Tobías Gabriel Palma

a Navidad es para contar historias y el cine ha aportado lo suyo para que en diciembre esos relatos -simples, sencillos, que hablan de la necesidad de ser generosos y de volver a la inocencia- llenen la programación de televisión por cable y alguna que otra pantalla grande. De todas ellas, hay una que, a más de 60 años de su estreno, nos sigue recordando que la vida puede ser muy bella.

Veamos brevemente su trama: George Bailey, un honrado habitante de Bedford Falls, mantiene a flote una pequeña empresa de empréstitos (que por la generosidad de George es más bien una tabla de salvamento en esos difíciles años de la pos guerra), mientras el cruel y avaro Mister Potter hace todo lo posible por arruinarlo. Abrumado por los problemas, la víspera de Nochebuena, Bailey decide suicidarse, pero cuando está a punto de cumplir con su deseo, ocurre algo extraordinario: aparece un ángel que le hace ver lo importante que ha sido su vida.

Algunos pueden preguntarse por qué un filme que es una semblanza naif, de gente buena y feliz a pesar de ser pobre, y donde todos, sin grandes alborotos, desarrollan mínimas proezas para hacer frente a un ser que todo lo quiere comprar y sólo piensa en el dinero y en los negocios. Pues bien, puede ser que sea precisamente en esas pequeñas hazañas donde descansa su grandeza.

Lo curioso es que «It’s a Wonderful Life» (traducido a «¡Qué bello es vivir!») sufrió varios traspiés antes de ser considerada la más importante de todas las películas navideñas.

Como su trama, la historia para filmarla también se construyó sobre significativas gestas, debiendo enfrentar a los Mister Potter de la industria cinematográfica para finalmente triunfar y alimentar la buena voluntad de todos nosotros.

Decepción de crítica y taquilla

Y pensar que todo empezó con una tarjeta de Navidad.

En 1943, en plena Segunda Guerra, Philip van Doren Stern, que trabajaba en la Oficina de Información de Guerra de los Estados

qué bello es vivir La tarjeta que se convirtió en la película navideña más taquillera en la historia del cine.

Dirección: Frank Capra.

Reparto: James Stewart (George Bailey), Donna Reed (Mary Hatch Bailey), Lionel Barrymore (Henry F. Potter), Thomas Mitchell (William Bailey), Henry Travers (Clarence Oddbody).

Guión: Frances Goodrich, Albert Hackett y Frank Capra; basado en una historia de Philip Van Doren Stern.

Producción: Frank Capra.

Música: Dimitri Tiomkin.

Fotografía: Joseph Walker y Joseph Biroc.

Vestuario: Edward Stevenson.

Estreno en Estados Unidos: 20 de diciembre de 1946.

Unidos, escribió un pequeño cuento que tituló «El gran regalo». Convencido de que era una buena historia, hizo varios intentos para publicarlo, pero no hubo interés en las editoriales. Entonces decidió convertir su relato en 200 tarjetas de Navidad, las que envió a familiares y amigos.

Lo que nunca pensó Van Doren es que una de sus tarjetas pasaría de un productor de la RKO a un iluminado Cary Grant, quien no dudaría en enviársela a Frank Capra, quien apenas la leyó se puso a trabajar en la adaptación cinematográfica. Algo en ese cuento lo había convencido de que con él haría su más trascendente película.

Pero, como a George Bailey, nada le sería fácil. Capra acababa de fundar junto a William Wyler y George Stevens (sus dos socios y amigos) la Liberty Films, una productora independiente donde poder dar rienda suelta a sus propios proyectos. «¡Qué bello es vivir!» fue el primero -y el penúltimo- de ellos.

Capra (quien produjo, financió y dirigió la cinta) empezó a buscar el reparto ideal. Por supuesto, su primera opción para interpretar a George Bailey fue James Stewart, aunque temió que el actor no pudiera dar con el personaje al estar recién regresando de la guerra, donde llegó a ser Coronel de Aviación. Sin

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integra el patrimonio cultural de los Estados Unidos.

AÑORANZA DE LO SIMPLE

«It’s a Wonderful Life» tiene algo que sólo se ha ido revelando con el tiempo. Quizás porque no era la historia apropiada para la época de su estreno: Estados Unidos venía saliendo de la guerra, pasando a ser dueño absoluto de la mitad del mundo, y es probable que las pequeñas proezas y los personajes simples de Capra no fueran lo que el país buscaba.

Pero hoy, en una época en la que todo es grande y el mundo es pequeño, puede que esas pequeñas proezas y esos seres bondadosos de Bedford Falls tengan más sentido para la vida que soñamos. Y tal vez por eso la asociamos a la Navidad. Los sentimientos y emociones que emanan de ella son los mismos que como sociedad queremos recordar, aunque sólo sea una vez al año. Porque es algo intrínseco del embargo, Stewart se fascinó con el papel y no dudó en aceptar. Años más tarde, él mismo afirmaría que Bailey era su personaje favorito y que «It’s a Wonderful Life» había sido el rodaje que más había disfrutado.

La película se estrenó en 1946, con un costo de 3,7 millones de dólares, una cantidad cuantiosa para la época, y solo recaudó 3,3 millones en la primera cuenta de boletos vendidos. Fue una enorme decepción de taquilla y de crítica, siendo considerada lejana a la realidad, imposiblemente optimista y con personajes que reaccionaban con una teatralidad ajena a una persona normal. A pesar de haber obtenido cinco nominaciones al Oscar -sin ganar ninguno- fue superada en popularidad por «Milagro en la calle 34», otra película navideña de bastante menor calidad, y fue el primer síntoma de que Frank Capra sería considerado un director del pasado y que no vería más grandes éxitos. Y, lamentablemente para el cine, así fue.

Volviendo al destino final de «¡Qué bello es vivir!», probablemente alguien en el cielo dijo que un filme tan valioso no podía ser olvidado y decidió enviar a un ángel para evitar tan lamentable pérdida.

En 1955, la Paramount, que había absorbido los restos de la RKO, liberó los derechos

Actualmente forma parte de las 100 mejores películas del American Film Institute, es considerada la cinta más inspiradora de la historia por la misma institución, fue declarada “cultural, histórica y estéticamente significativa” por la Biblioteca del Congreso y seleccionada para su preservación por el Registro Nacional de Cine. de transmisión de la banda sonora compuesta por un desconocido Dimitri Tiomkin (hoy, uno de los más célebres compositores de Hollywood) y del cuento original. Veinte años más tarde, por un error administrativo de la Paramount, esos derechos no fueron renovados, por lo que la película pasó a ser considerada propiedad pública y, como tal, empezó a ser transmitida a diestra y siniestra por varios canales de televisión en temporada navideña, convirtiéndose en uno de las filmes más populares de la historia.

Actualmente forma parte de las 100 mejores películas del American Film Institute, AFI, es considerada la cinta más inspiradora de la historia por la misma institución, fue declarada “cultural, histórica y estéticamente significativa” por la Biblioteca del Congreso y seleccionada para su preservación por el Registro Nacional de Cine. Por lo tanto,

ser humano, algo que -más allá de ser buenas personas- tiene que ver con creer, aquella atribución de la humanidad que hemos ido dejando detrás.

Como lo dijo el mismo Frank Capra en 1984: “Es lo más demente que he visto. La película tiene vida por sí misma ahora y puedo mirarla como si yo no tuviese nada que ver con ella. Soy como un padre cuyo hijo creció y llegó a ser Presidente. Estoy orgulloso... pero es el hijo el que hizo el trabajo. Y ni siquiera pensé en una historia navideña cuando me tropecé con la idea”. Antes de su estreno, Capra había dicho que el tema era “la capacidad del individuo de creer en sí mismo; hice esta película para combatir el rumbo de la modernidad hacia el ateísmo”.

La sociedad habrá ido hacia el ateísmo, pero viendo «¡Qué bello es vivir!» es imposible no creer en Frank Capra.

Por muy larga que sea la tormenta, el sol siempre vuelve a brillar entre las nubes. Khalil Gibran

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Cine

«Mutual Appreciation» / Andrew Bujalski «LOL» / Joe Swanberg «Funny Ha Ha» / Andrew Bujalski «Margot en la boda» / Noah Baumbach «Dance Party USA» / Aaron Katz «Humpday» / Lynn Shelton

Party USA»,

ada cierto tiempo nacen movimientos cinematográficos que se apropian de ideas que ya habían sido planteadas anteriormente. Son teorías recocidas para las nuevas generaciones, en tiempos en que la cultura no teme coquetear con el marketing. Reciclajes promocionados mundialmente, como «Dogma 95» -esa tomadura de pelo del danés Lars von Trier y compañía, que llevó a extremos hilarantes la naturalidad del cinéma vérité- reflejan la exacerbación de un espíritu que ha rebrotado desesperadamente a lo largo de la historia del arte: la necesidad de sustituir lo establecido por una “novedad”.

El Mumblecore -presentado como el último movimiento dentro del cine independiente estadounidense- pertenece ciertamente a este grupo de inevitables “renovaciones” y es susceptible de ser criticado, como todo lo que se vende a través de etiquetas. Pero hay tras su bajo perfil -y su vinculación con una cultura musical indie que ha aprendido a elaborar sus productos de forma casera- una cierta honestidad admirable.

El término fue acuñado por el músico Eric Masunaga (editor de sonido de las películas deAndrew Bujalski) luego de reflexionar cómo los personajes de las cintas de este director balbucean (mumble) en lugar de hablar.

No podría ser de otra manera cuando se filma improvisadamente, sin líneas prefabricadas.

Es que si en el cine las personas no conversan como en la vida real, en el Mumblecore sí lo hacen.

Los diálogos son espontáneos, naturales, imperfectos. Las frases se cruzan, a veces son interrumpidas o se quedan estancadas en el camino. «Funny Ha Ha», opera prima de Bujalski y obra fundacional de la corriente, anuncia desde el título la importancia que ahora tendrán esas onomatopeyas que suelen ser erradicadas en nombre de la pulcritud y de la puesta en escena.

Pero el Mumblecore no se agota ahí y la espontaneidad de sus diálogos es sólo parte de una filosofía mayor: la de hacer películas sin grandes presupuestos ni actores profesionales; trabajar con amigos, armar ficciones con elementos reales, adoptar el espíritu de las bandas de rock autogestionadas, mover la

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«Greenberg» / Noah Baumbach

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Mumblecore el espíritu de los tiempos Influenciado por la cultura indie noventera y el cine de John Cassavetes, este movimiento llegó para refrescar el panorama cinematográfico con altas dosis de simpleza, espontaneidad y ganas de capturar el espíritu de una generación.

Por Andrés Nazarala R.

cámara a pulso, a espaldas del esteticismo.

En términos de guión, el movimiento va todavía más allá al rechazar fórmulas calculadas (como las difundidas por el gurú Robert McKee) y acoger, en cambio, las historias cotidianas de una generación, sin acentuaciones dramáticas, sin exageraciones, sin estructuras aristotélicas.

Tras «Funny Ha Ha» -cinta intimista en 16 mm- vinieron películas como «Dance Party USA», de Aaron Katz; «LOL», de Joe Swanberg, y «Humpday», de Lynn Shelton. Todas ellas sobre las incertidumbres de una generación que no calza en las casillas de la adultez.

El influyente IFC Center, de Nueva York, las agrupó en un ciclo que constató el milagro bajo el nombre de «The New Talkies: Generation D.I.Y.».

John Cassavetes: Papá Mumblecore

En su afán por sugerir sus propias etiquetas, el periodismo trató de rebautizar a los directores del Mumblecore como Slackavettes. El término fusiona el concepto de “slacker” (figu-

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gentes ejercicios de interpretación psicoteatral), los rostros, los gestos que sólo pueden salir de dinámicas genuinas. Por eso, con el objetivo de no interrumpir la inspiración de actores en estado de trance, evitaba el proceso habitual de todo rodaje (cortes, repeticiones, cambio de ángulos...) y reducía el equipo técnico a lo esencial.

Si el Mumblecore adoptó los métodos y la búsqueda de veracidad de Cassavetes, también tomó prestada su idea del cine como reflejo del “espíritu de los tiempos” (el famoso zeitgeist). Es lo que tiene en común una película como «Shadows» (1959) con «Mutual Appreciation» (2005), de Bujalski. Ambas en blanco y negro, funcionan como retratos de una generación, sus costumbres, sus formas de amar y su música... En la primera, la bohemia beat de Charles Mingus; en la otra, el rock indie de Justin Rice, protagonista del filme y líder del grupo Bishop Allen.

Es el cine como fresco social, sin grandes imposturas ni adornos. El documental como película de ficción.

Ben Stiller también balbucea

ra del adolescente vago que brilló en el cine indie de los 90 y que le dio el título a una película de Richard Linklater) con el nombre de John Cassavetes, realizador fundamental dentro de la cinematografía independiente estadounidense. Fiel a sus metodologías poco convencionales y a su particular concepción del cine (hizo dos películas en Hollywood y se llevó una gran decepción, además de un puñetazo de Burt Lancaster), Cassavetes fabricaba largometrajes con su esposa (Gena Rowlands) y sus mejores amigos (Peter Falk, Ben Gazzara). Cada producción le significaba un tremendo esfuerzo económico y en más de una oportunidad tuvo que vender su casa para poder sacar adelante un nuevo proyecto.

El Cassavetes actor (se lo puede ver en «El bebé de Rosemary», película que odió) no tenía problemas en venderse al mejor postor, pero el Cassavetes director no tranzaba en su propósito de elaborar películas intimistas, obsesivamente centradas en las relaciones de pareja y rodadas con cámara al hombro.

Al realizador le importaban las reacciones de sus personajes (alcanzadas mediante exi-

A diferencia de otros movimientos, el Mumblecore nunca ha aspirado a salir del ambiente al que pertenece. Sus terrenos serán siempre las pequeñas salas de cine arte, los cafés y los festivales; sus métodos de producción estarán eternamente distanciados de los presupuestos millonarios y de la distribución global. “Seguiré haciendo películas de 20 días de rodaje”, confesó Andrew Bujalski en una entrevista reciente.

No obstante, Hollywood ya tiene su primera obra Mumblecore: «Greenberg», de Noah Baumbach («Margot en la boda», que en Chile pasó directo a DVD), protagonizada por Ben Stiller y producida por los estudios Universal. Centrada en la crisis existencial de un tipo que ha entrado a las cuatro décadas con el pie izquierdo, la comedia aborda las inquietudes generacionales propias del Mumblecore y adopta tanto sus diálogos como su manera distendida de narrar una historia.

Esta película es un arma de doble filo: prueba cómo las nuevas propuestas son capaces de revitalizar al cine comercial, pero también cómo la independencia puede correr peligro en manos de los sedientos y oportunistas mercenarios de siempre.

[ Puertas de ingreso al Mumblecore ]

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« unny Ha Ha» Cuando se exhibió en el Sanfic de 2006, era imposible encontrar películas de Andrew Bujalski en el mercado. Ahora está disponible con subtítulos en español. Y se agradece porque su frescura es fascinante.

Lo que comienza con una veinteañera borracha que busca hacerse un tatuaje (Kate Dollenmayer, amiga del director), se convierte en una radiografía generacional carente de discursividad y dotada de un realismo pocas veces visto en el cine. “No teníamos expectativas de que la gente la viera”, contó el humilde Bujalski a la revista “Filmmaker”.

«Mutual Appreciation» Opus 2 de un Andrew Bujalski reconocido por la crítica y convertido en una suerte de Woody Allen posmoderno. Justin Rice llega a Nueva York con su guitarra y trata de armar una banda. Hay mucho diálogo improvisado, fiestas, tiempos muertos y un homenaje a la amistad y a la camaradería. Filmada en 16 mm y en blanco y negro.

«Humpday» El universo heterosexual masculino narrado por una mujer, la graciosa Lynn Shelton, quien cuenta cómo dos amigos se involucran en un “proyecto de arte” que incluye una escena sexual entre ellos. Lo que en otras manos sería una comedia chabacana o un drama efectista, es aquí una cinta entrañable y desprejuiciada que sigue el decálogo instalado por Andrew Bujalski.

[ Chilean Mumblecore ] «Te creí la más linda»

En una entrevista publicada en el sitio de cine Mabuse.cl, el joven director chileno “Ché” Sandoval define a «Mutual Appreciation» como “algo que nunca había visto”.

Aunque no tuvo la intención de seguir esa pauta al pie de la letra, su opera prima «Te creí la más linda» sigue las coordenadas: el bajo presupuesto, las actuaciones espontáneas, la crisis generacional, el gusto por la música y la ausencia de todo tipo de juicio ante el mundo retratado.

Si supiera que el mundo se acaba mañana, yo, hoy todavía, plantaría un árbol. Martin Luther King

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Música

Esperanza Restucci

Mis otras canciones favoritas

Radicada en Weimar, una de las ciudades con mayor riqueza cultural de Europa, esta soprano sabe perfecto cómo abordar una conmovedora aria de Haendel y un desgarrador bolero de Consuelo Velásquez. Acaba de cantar en Chile y en 2011 vuelve por más con su primer disco ya terminado.

Por Antonio Voland foto Javiera Eyzaguirre

Territorios vocales

“Esa es la idea: mostrar dos lados del canto. Cuando llegué a Weimar (la ciudad don20 I La Panera

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de nació la Bauhaus y vivieron poetas como Goethe y Schiller, músicos como Bach y Liszt o filósofos como Schopenhauer y Nietzsche), mi profesor se sorprendió de que yo pudiera abordar indistintamente canciones populares y líricas, respetando el estilo de cada género. Él estaba dirigiendo a una soprano alemana a quien trató de llevar a otro tipo de música, pero ella no pudo. Eso ocurre mucho en Europa. Las cantantes líricas no pueden dejar de cantar con técnica lírica”, explica.

En esa dualidad de territorios vocales está profundizando la intérprete chilena desde que se lanzó a desarrollar el proyecto «Latino-Klassik», un concierto de cámara donde ella se transforma en el punto de intersección entre la música popular y la académica. Es latino y es clásico al mismo tiempo. No es lo

[ El factor Restucci ] Es un referente de la música latinoamericana en toda la evolución de sus fusiones. Antonio Restucci ha marcado una escuela inmaterial en Chile desde los primeros años 80 con su presencia como guitarrista y mandolinista. Es el padre de Esperanza.

El último concierto que la chilena dio este año (tras una serie de presentaciones en Buenos Aires) tuvo lugar en la Galería Patricia Ready. Allí volvió a actuar con Antonio. Hasta ahora, las únicas dos colaboraciones registradas entre ambos músicos eran esa «Wenu mapu» y un tema de Antonio para el disco «Crisol» (2005), titulado «Esperanza», donde ella vocaliza una bella melodía. En «My romantik folk songs», padre e hija volverán a cruzar los caminos, separados por un océano, en un puñado de canciones latinoamericanas.

Infanta Terrible

unque parezca imposible, es la misma voz la que está detrás de «Wenu mapu» y de «Ombra mai fú». Se llama Esperanza Restucci, una cantante chilena que acaba de completar su segunda visita a nuestro país en dos años para dar conciertos de cámara.

Radicada en Alemania, donde estudia canto, se entrena para los próximos programas que tiene comprometidos en Europa.

“Esa canción es bien íntima y creo que se siente así. La escribí con textos en mapudungún que tradujo mi primer maestro, José Quilapi. Fue un experimento de hace unos cinco años, mientras estudiaba canto lírico.

Siempre estaba grabando algunas cosas”, dice la soprano acerca de «Wenu mapu», como si fuera un capítulo de su autobiografía musical, que inició entre el estudio del vibráfono y en Masticables, su grupo pop de los 90.

En cambio, «Ombra mai fú», el aria de Haendel, despliega otras dimensiones en cuanto a interpretación técnica, poética y lírica, y por eso resulta sumamente difícil entender que se trata de la misma cantante.

mismo, pero es casi igual.

“La gente cree que soy otra persona cuando estoy haciendo este tipo de canciones”, dice.

Se refiere al repertorio que ha preparado para una tercera visita a Chile, precisamente con «Latino-Klassik», programada para marzo de 2011, donde tiene previsto presentar composiciones de autores latinoamericanos junto al pianista brasileño André Marques. Interpretará obras de los argentinos Carlos Guastavino, Ariel Ramírez y Alberto Ginastera, además del chileno Federico Heinlein.

Y si de dualidades se trata, Esperanza Restucci tiene planes de estrenar en esa misma visita su primer disco solista, que terminó de grabar en Santiago y cuyo proceso de producción se completará en Hannover. Se llama «My romantik folk songs», una combinación de boleros históricos y zambas argentinas.

“Me salió muy natural. Ni siquiera me cuestioné hacerlo. Peter Frank (su maestro alemán, con quien Esperanza Restucci visitó Chile en 2009 para cantar un repertorio de lieder de Schubert, Schumann y Brahms), me dijo que estaba capacitada para cantar arias y cantar boleros. No tengo los problemas de algunas intérpretes líricas que creen que se van a dañar la voz si cantan de otra forma. Soy como Juan Diego Flórez, que partió haciendo canciones mexicanas tradicionales. También vengo de la música popular. Éstas son algunas de mis canciones favoritas”.

La esperanza es el sueño del hombre despierto. Aristóteles

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Discos

Por Antonio Voland

Rodrigo Álvarez «Creciente» (2010 / independiente)

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a marca de Concepción prevalece. Una escena del jazz chileno ya había estallado en esa ciudad en los 40, con los primeros músicos que fundaron su club, iniciando una herencia que llega hasta hoy. La familia Romero ha sido puntal por cuarenta años como mínimo desde que los pianistas Moncho y Marlon Romero aparecieron como unos jovencitos. Si a Santiago llegaba la música de moda, Concepción era la ciudad donde se escuchaba la música de anticipación.

En su lista figuran los bateristas Alejandro Espinosa, Pancho Molina y Marlon Romero hijo; los contrabajistas Roberto Lindl y Daniel Navarrete, la pianista Carla Romero o el guitarrista Nicolás Vera. Y detrás de ellos viene empujando Rodrigo Álvarez, un contrabajista y compositor de 32 años que figura como el más reciente ejemplar de la Concepción jazzística. El título de su primer álbum quiere describir esos anhelos musicales en una región que se sacudió muy fuerte a fines de febrero. La fotografía de la portada acompaña la idea: es la caleta de Lenga, cuyo destino tras el maremoto sigue siendo incierto.

Por eso «Creciente» tiene un aroma sureño. Y por eso hay una composición que marca un punto cardinal de referencia frente al resto del mundo: «Viaje al norte».

Es una de las composiciones más vigorosas de Álvarez, quien sale a tocar con su habitual trío penquista formado por los hermanos Arriagada: César (guitarra) y Jorge (batería). El ímpetu bop arremete a partir de este núcleo, al que se le incrustan los timbres “nortinos” de Claudio Rubio (saxo tenor) y Diego Urbano (vibráfono). Entonces es un quinteto inédito en su combinación, que se oye más material con el trío penquista y más etéreo con el vibráfono y las líneas del tenor para títulos como «Plaza Francia», «Creciente» o «María de Lourdes». Álvarez marca con «Creciente» su propio punto de partida. Siempre hacia su norte sin alejarse del sur. Y eso es perfectamente posible.

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Thelonious Monk «Thelonious Monk Quartet with John Coltrane at Carnegie Hall» (2005 /2010, Blue Note)

E

s posible que éste haya sido el gran hallazgo de un documento perdido en el último tiempo.

Casi cincuenta años permanecieron olvidadas las cintas con los registros de la actuación que el cuarteto de Thelonious Monk ofreció el 29 de noviembre de 1957 en el monumental Carnegie Hall de Nueva York.

Dos décadas antes, en enero de 1938, la orquesta de Benny Goodman daba allí el primer concierto de jazz de la historia. Esa vez, los músicos estaban tan nerviosos que cuando uno de ellos espió al público tras las cortinas y vio los trajes de etiqueta en la platea comentó que los miembros de la banda parecían “unas putas en la misa del domingo”.

Pero los aires de la era moderna del jazz iban en otra dirección para cuando Monk puso a correr a su conjunto en el ilustre escenario de la ciudad esa noche. Fue una sesión de alto tonelaje, toda vez que John Coltrane aparecía en la posición de solista en un proyecto complejo en su esencia y en su estética. La música de Monk siempre tuvo códigos personales, tiempos indescifrables, matices brillantes y la siempre extraña sensación de que algo se estaba tocando de una manera indebida.

Pero se trata de Monk y eso es suficiente para entender.

Dos versiones de «Epistrophy» dan muestra de cómo es el espíritu monkiano. Allí está un Coltrane lanzado hacia nuevas e inciertas aventuras, de las que regresa intacto. Se advierte con más precisión en el casi ilógico solo de tenor para «Evidence». En «Monk’s mood», que se comenzó a tocar a las 20:30 horas de ese día, se aprecia otra señal de este tiño, y «Bye-ya» completa una serie de piezas históricas expuestas allí: desde «Nutty» a «Crepuscule with Nellie» y a «Blue Monk». Las cintas con la grabación estuvieron perdidas desde 1957 y sólo se encontraron en 2005, durante una limpieza de los depósitos de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos. Estaban en perfecto estado.

el arte de

construir

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John Lennon

Música

el nido truncado Gran parte de la música del artista inglés, de cuyo asesinato se cumplen tres décadas este mes, puede ser entendida como el registro de un trayecto hacia la utopía personal de construir un hogar y un entorno familiar que el destino le arrebató tempranamente y volvió a quitarle inapelablemente.

Por Sergio Fortuño L.

omo pasa con todas las grandes figuras, John Lennon, su vida y su obra son abordables desde inagotables perspectivas. Protagonistas de grandes cambios culturales como él plantean el desafío de encontrar el prisma adecuado desde el cual asomarse al denso tramado de fechas, hechos y nombres que conforman su biografía y adquieren relevancia precisamente debido al status histórico del personaje que los liga.

Con Lennon, está la música, la política, la ruptura cultural y valórica que su generación introdujo en el orden establecido hasta los años sesenta. Están los éxitos, las declaraciones polémicas, las drogas. A treinta años de su muerte, estas líneas aún intentan un trazado posible para conectar su biografía con su obra.

Gran parte de su música puede ser entendida como el registro de un trayecto hacia la utopía personal de construir un nido y un entorno familiar que el destino le arrebató tempranamente y volvió a quitarle inapelablemente una vez que parecía haberlo conseguido.

Recordemos que la noche del 8 de diciembre de 1980, él y su esposa Yoko Ono volvían a su casa, en el edificio Dakota, próximo al Central Park. La voz de Mark Chapman consiguió su atención y el músico recibió de este hombre los disparos que causarían su muerte minutos más tarde. Sólo tres semanas atrás

había roto un silencio musical de cinco años con el lanzamiento de «Double Fantasy», en coautoría con Ono. Durante su alejamiento de la música se había dedicado a la crianza de Sean, su hijo menor, el único que tuvo con la artista japonesa. Lennon había conquistado para sí una vida familiar que siempre le fue esquiva y comenzaba a integrar armónicamente en ella su rol como músico con ideas aún relevantes para el mundo en que vivía.

Una infancia sin padres

Bajo un bombardeo alemán sobre Liverpool, John Winston Lennon nació el 9 de octubre de 1940. Su padre, Alfred, era un marino mercante que a menudo estaba ausente, aunque enviaba regularmente dinero a Julia Smith, madre de John. En 1943, Alfred despareció por un año. A su regreso ofreció hacerse cargo de su mujer, pero ella, entonces embarazada de otro, rechazó la idea, quedando en una situación bastante precaria, por lo que su hermana Mary, apodada “Mimi”, recurrió al Servicio Social de Liverpool para quedar a cargo del pequeño John.

Años más tarde, la “tía Mimi” recordaría que el día del nacimiento de Lennon, la luz de las detonaciones de las bombas alemanas la guiaron a la maternidad donde su hermana daba a luz. “Supe desde el momento en que vi a John en el hospital que yo, y no Julia, iba

a ser su madre. ¿Suena horrible? No lo es en realidad, porque Julia lo aceptó como algo natural. Ella solía decir ‘tú eres en realidad su madre, todo lo que yo hice fue parir’ ”.

Durante su infancia y primera adolescencia, Lennon veía a su madre los fines de semana.

A sus 15 años, la música creó un lazo más contundente entre ambos. Ella le enseñó a tocar el banjo, su primer instrumento. La relación se estrechaba y parecían estar recuperando el tiempo perdido, hasta que el 15 de julio de 1958 ella murió atropellada por un policía ebrio. “Perdí a mi madre dos veces”, recordó Lennon en una entrevista. Esa pérdida se tradujo en canciones como «Julia», incluida en el «Álbum Blanco» (1968), de The Beatles: “La mitad de lo que digo no tiene sentido, pero lo digo para alcanzarte, Julia”. En su disco «John Lennon/Plastic Ono Band» (1970) fue mucho más directo. La canción «Mother» abre con un verso entonado a medio camino entre el canto y el grito: “Madre, tú me tuviste a mí, pero yo nunca te tuve a ti. Yo te quería y tú no me quisiste”.

En la misma canción, Lennon le habla a su padre: “Padre, tú me dejaste, pero yo nunca te dejé. Yo te necesitaba, y tú no a mí”. En ese entonces, a los 30 años, el artista lidiaba con las figuras de dos progenitores ausentes y las marcas que esas ausencias habían dejado en su mundo interior. El huracán de los Beatles

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había pasado, la banda se había separado de una manera más bien amarga y Lennon, al alero de su relación con Yoko, daba sus primeros pasos en solitario con una introspección radical y extremadamente abierta.

La década de los setenta empezaba para él bajo la tutela terapéutica del extravagante psiquiatra Arthur Janov, quien profesaba el modelo del “grito primario”, una especie de catarsis a nivel físico que prometía limpiar los traumas de los pacientes. El estilo vocal del disco «John Lennon/Plastic Ono Band» tiene mucho de esa catarsis convertida en grito.

Las ventanas de la intimidad

Lennon también fue un padre abandonador. Julian, su primer hijo, nunca fue el centro de su atención.

Fruto de un embarazo no deseado (debido al cual John se casó con Cynthia Powell a los 21 años), el niño llegó al mundo en los días previos al comienzo de la Beatlemanía.

Como integrante del grupo de música popular más conocido y solicitado del mundo, Lennon vivió en el ojo de un huracán donde no había espacio para lo doméstico y lo familiar. En su discografía, Julian casi no existe. El tema más famoso inspirado por él fue «Hey Jude», que en realidad fue escrito por Paul McCartney como una forma de consolar a Julian cuando su padre dejó a Cynthia por Yoko. Lennon compuso para Julian la más bien general, pero bellísima canción de cuna «Good Night» (incluida en el «Álbum Blanco»), cuya vocalización dejó a cargo de Ringo Starr, que se luce en el registro.

Cuando Ono entra en su vida, la música de John se hace más radicalmente personal. Aún como miembro de The Beatles, aporta al grupo canciones de un realismo directo y donde los nombres ya no se cambian para proteger a

los inocentes. «The Ballad of John & Yoko», lanzada como single de The Beatles en 1969, detalla los días que rodean el casamiento de la pareja y sus manifestaciones a favor de la paz en camas de hoteles. Ambos demuestran de paso su comprensión acabada del funcionamiento de la nueva esfera de medios de comunicación, ofreciendo acceso a su intimidad, es decir, a las habitaciones de su luna de miel, pero para hablar en contra de la guerra.

Tras la ruptura de los Beatles, Lennon inicia un proyecto musical que pretende recuperar las verdades íntimas y denuncia los elementos fantasiosos que, en cuanto a espectáculo, rodean al rock and roll. También de su

disco «John Lennon/Plastic Ono Band», en «God» denuncia ese juego de apariencias en torno a las estrellas de la música, con una larga lista de cosas en las que no cree, entre ellas, los propios Beatles y “Zimmerman”, que es el apellido real de Bob Dylan. “Sólo creo en mí.

En Yoko y en mí”, remata la canción.

Cuando Lennon se muda a Nueva York en 1971, su compromiso con los movimientos políticos radicales domina parte de su producción artística. Luego, sobreviene su separación de Yoko, su relación con May Pang y su partida a Los Angeles, donde vive un período que sus biógrafos denominan “el fin de semana perdido”, durante el cual pasa de borrachera en borrachera con amigos del ambiente musical, entre los cuales se encuentran su ex compañero de banda Ringo Starr y Keith Moon, el baterista de The Who. la utopía doméstica

1975 es el año del reencuentro de la pareja y de un nuevo embarazo de Yoko. Asustada por los abortos espontáneos que ha sufrido antes, y luego de que su marido se compromete a hacerse cargo del niño y de su hogar,

ella acepta la maternidad.

Durante cinco años, Lennon se enfrasca completamente en su rol de padre y dueño de casa. El disco con que pone fin a ese período de retiro musical abunda en canciones que describen su vida familiar de entonces.

«Beautiful Boy» está dedicada a Sean y enternece con versos como “apenas puedo esperar a verte crecer” o “la vida es lo que te ocurre mientras estás ocupado haciendo otros planes”. «Woman» y «( Just Like) Starting Over» documentan la reconstrucción de su relación con Ono. «Watching the Wheels» defiende su derecho al repliegue hacia lo íntimo: “La gente dice que estoy loco haciendo lo que hago/ me dan todo tipo de advertencias para salvarme de la ruina. Cuando les digo que estoy OK/ me miran con extrañeza/ De seguro no eres feliz/ ahora que ya

no eres un jugador... Sólo estoy sentado aquí viendo las ruedas girar/ de verdad amo verlas rodar/ ya no sigo montado en el carrusel/ fue algo que tuve que dejar”.

El camino que Lennon debió seguir para encontrar el sitio desde el cual mirar al mundo girar, un hogar y una familia que perdió varias veces, fue largo y sinuoso. Lo paseó por la cima del mundo, donde de todas maneras se vio solo y lo llevó a encontrar una de sus mayores fuentes de realización dentro de las paredes de su departamento.

La única utopía que parece quedar al alcance de los seres humanos es la de ese sentido de pertenencia y de paz que proporciona un hogar, con independencia de las particularidades familiares o materiales que adquiera.

Lennon, desprovisto de ese espacio primero por la historia, luego por la fatalidad y más tarde por la fama, había conquistado esa utopía. Pero nuevamente el destino se la arrebató cuando comenzaba a disfrutarla y a compartirla con el mundo.

Es mejor viajar lleno de esperanza que llegar. Proverbio japonés

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[ En todas las esquinas ]

Estática, cinemática y jazz

Los discos pendientes

«Estática». Es el título inicial del sello Discos Pendiente y el

cuarto disco personal de Nicolás Vera. Su trabajo de composición profundiza en la experiencia del quinteto contemporáneo que el guitarrista había comenzado a explorar hace dos años con un proyecto que se formó casi espontáneamente pero que terminó marcando una dirección. Su disco Bellavista (2008) fue el primer registro de una época donde este formato de cinco vértices se multiplicó entre los compositores de jazz. «Estática» enlista temas de complejo entramado musical como «Inesperado», «Em», «Jardín de Marte» o las ideas enfrentadas de «Estática» y «Cinemática (siete)».

Todas sobre la plataforma de enorme riqueza tímbrica que permite la combinación entre sus tres instrumentos melódicos: el saxofón tenor, el piano y la guitarra.

Sólo comparable a la generación sepia del hot jazz de 1940, la que promovió a los primeros improvisadores importantes de la historia, la que fundó el Club de Jazz en 1943 y la que hizo las primeras grabaciones en discos 78 con los Ases Chilenos del Jazz en 1944 y 1945, los músicos actuales brillan en la era de la conectividad total.

Después de diez años de funcionar por separado, hoy se unen en un nuevo sello discográfico: Discos Pendiente. Es otra forma de decir que no esperan a nadie que llegue atrasado.

Por Antonio Voland fotos Cristián Soto L.

S

«Cobre». Desde que Sebastián

Jordán consiguió una trompeta Taylor británica con campana de cobre su sonido cambió rotundamente. Se hizo más amplio y equilibrado y de paso consiguió gran peso en los registros graves. Ése es su rango más representativo. El trompetista de «Quillota» se traslada desde el quinteto de club con que en 2009 grabó «Afluencia», al trío de cámara junto a Pablo Menares (contrabajo) y Félix Lecaros (batería), con quienes hizo «Cobre», título dedicado a su nueva trompeta.

obre cómo un insignificante error de tipeo pudo llegar a definir a todo un movimiento musical joven, eso lo puede atestiguar el guitarrista Nicolás Vera. Su primer grupo tenía emergentes nombres en la formación. Ese 2002 se presentó como número joven en el Festival de Jazz de Valdivia y en el programa de los conciertos que se le entregaba al público a la entrada venía impresa una extraña idea: “fiasco contemporáneo”.

“Fue un accidente que al final nos jugó totalmente a favor”, recuerda Vera, que por entonces tenía 21 años. “En la descripción de cada uno de los músicos decía que Sebastián Jordán era un trompetista que se destacaba por su ‘fiasco contemporáneo’. Lo correcto era ‘fraseo contemporáneo’. Cuando lo vimos escrito nos sorprendimos, pero lo encontramos increíble, fue genial. Justo teníamos un tema sin título

y lo bautizamos «Fiasco contemporáneo»”.

Además de Vera y Jordán, el grupo incluía al entonces bajista eléctrico Pablo Menares, de 19 años, y al baterista Carlos Cortés, de 22. Alternaban en la línea el saxofonista Agustín Moya y el baterista Félix Lecaros, ambos de 21. Al año siguiente, esta dotación de nuevos valores del jazz grabó para Nicolás Vera el disco que marcó el inicio de la generación conocida como la del “doble cero” (porque dominaron la década del 2000). Ese trabajo se llamó «Fiasco contemporáneo».

Sartén por el maNgo

“Fue una experiencia difícil. No teníamos idea de cómo se tenía que hacer un disco. Fue una grabación totalmente precaria. Hicimos una parte en el Club de Jazz con mil problemas y otra en la pieza de

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«Santiago vivo». La fotografía de la portada fue tomada desde un añoso edificio del barrio Mapocho, punto de partida de toda la narración que el saxofonista y clarinetista Andrés Pérez propone en este trabajo. Pérez se ha convertido en un defensor más del patrimonio inmaterial que supone el jazz. Primero, como compilador de las 200 composiciones de jazzistas nacionales que llegarán al libro «Real book chileno», y luego con este recorrido histórico por los territorios capitalinos del famoso «Chicago chico», a través de composiciones que huelen a páginas de vieja novela: «Bandera 1940», «Santiago 7 p.m», «Memorias», «Imágenes» o «Mapocho actual». En el fondo, un Santiago siempre palpitante.

«Tristano». Es el cuarto trabajo de la primera carpeta de Discos Pendiente. Si

bien el álbum está en proceso de posproducción y podría llevar el nombre definitivo de «Exploraciones adicionales sobre la obra de Lennie Tristano», la sesión de avanzada músical que lideró el saxofonista tenor Claudio Rubio se resume en ese solo apellido. Como Parker, Monk, Mingus o Coltrane, Tristano es en sí mismo una escuela de música, pero con él la realidad dice que va más allá de una escuela simbólica. El pianista ciego Lennie Tristano (1919-1978) fue un maestro formal. Entre sus alumnos, sobre los cuales Rubio también trabajó el repertorio de este disco, aparecen los brillantes saxofonistas Warne Marsh (1927-1987) y Lee Konitz (1927) o el guitarrista Billy Bauer (1915-2005). Fue grabado en vivo en el club Thelonious con el guitarrista Federico Dannemann como segundo de abordo.

nicolás vera fotos: Gonzalo Donoso y Rodrigo Sánchez

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Sebastián Jordán

Claudio Rubio

pasó que muchas veces quisimos llevar nuestra música a sellos un poco más establecidos, pero no nos daban ninguna importancia sólo porque tocábamos jazz”, completa Vera.

El sello ya tiene cuatro títulos en su partida inicial de ediciones (ver recuadro). Tres de ellos ya fueron lanzados con conciertos en los clubes y escenarios del circuito de Bellavista: «Estática» (de Vera), «Cobre» (de Jordán) y «Santiago vivo» (del saxofonista Andrés Pérez, el músico que acusó de irregularidades al conocido director de orquestas Horacio Saavedra).

Procesos creativos

la hija de Christian Gálvez (el productor del disco, editado por su sello, Pez Records). Los vidrios temblaban, la batería sonaba muy fuerte y hacía colapsar el sistema del computador”, rememora Vera, hoy un prolífico compositor.

En su catálogo tiene más discos personales, como «Circular» (2005), «Bellavista» (2008) y «Litio» (2008), que publicó con los sellos independientes locales Pez y Vértice. Pero a partir de ahora sus trabajos llevarán la viñeta de la editora que acaba de crear junto a Sebastián Jordán, el hombre que en sus primeros tiempos se hizo famoso por disponer de un “fiasco contemporáneo” de trompeta. Se llama Discos Pendiente.

“Es probable que este sello no se diferencie de los anteriores más que por un asunto: nos permite salir del anonimato y mostrar todo lo que hemos hecho sin ningún tipo de intermediarios”, dice Jordán. “Nos

“Ese es un tema que llegó hasta ahí. Hasta la carta que mandé a la SCD con la denuncia. Renuncié a la orquesta de Saavedra después de cuatro años de tocar en el Festival de Viña y me concentré completamente en el trabajo de «Santiago vivo», que era mi propio proyecto de composición. La música siempre ha sido mejor que la polémica”, apunta el tenorista nacido como músico adolescente desde la cantera de la Conchalí Big Band, donde además proviene su alma gemela: el saxofonista alto Cristián Gallardo.

Gallardo, con su inminente álbum «Sin permiso», es un nombre que los creadores de Discos Pendiente están monitoreando como edición para el próximo año, una vez que otro saxofonista, Claudio Rubio, publique el trabajo sobre obras del compositor estadounidense Lennie Tristano. Nuevos discos tendrán ese logotipo del sello durante el primer semestre de 2011. Ya se anticipan publicaciones del Interstellar Trío (swing con el guitarrista Roberto Dañobeitía) y de Criminal Jazz (un cuarteto de jazzistas junto al rapero Tea Time, ex Los Tetas).

El trompetista Sebastián Jordán estará en al menos uno de esos nuevos títulos. Tuvo año redondo: consiguió el premio Altazor por su disco «Afluencia» (2009), fue a tocar a Shangai como parte de la representación chilena en la feria mundial, hizo presentaciones en México y Argentina, grabó el disco «Cobre», fue escogido por El Mercurio como uno de los cien nuevos líderes jóvenes y cofundó el sello Discos Pendiente. “Es el resultado de una década de trabajo de todos los músicos de este movimiento por separado. Dejamos mucho tiempo las cosas pendientes. El sello se llama Pendiente y no es más que una respuesta filosófica a nosotros mismos”.

[ Viejos conocidos: frente a frente ]

C

ristián Cuturrufo y Christian Gálvez tocaron por primera vez juntos en un conjunto estable en 1996. El trompetista comenzaba entonces su carrera como líder y como número habitual de los trasnoches en el Club de Jazz de Ñuñoa, cuya histórica casa de Macul será demolida en 2011.

Ese año Gálvez cumplió los 19 y se integró como sideman al quinteto de Cuturrufo en sustitución del bajista Felipe Chacón.

Ambos músicos tomaron gran vuelo jazzístico y popularidad, asunto que se vio reflejado en un doble estreno en discos publicados el año 2000: «Puro jazz» por Cuturrufo y «Christian Gálvez» por Gálvez.

Una década después, el metrónomo de publicaciones los confirma como los músicos más activos en cuanto a grabaciones.

La escena del jazz local no se sorprenderá al ver nuevos trabajos suyos en las vitrinas de las disquerías. Cuturrufo está presentando «Cutu!», con su nuevo octeto de latin jazz. Lo estrenó en una hecatombe de ritmo afrocubano en La Piedra Feliz,

de Valparaíso, y también en el club que es como su cuartel general de noches etílicas y musicales: El Perseguidor, de Bellavista.

“Es el cierre de una etapa.

Ya lo había hecho con el compilatorio «Treinta años en trompeta» (2009), pero esto es otra cosa”, dice. «Cutu!» registra su actuación en enero de 2010 en el Festival Providencia Jazz. Apenas cuatro composiciones en una hora de música. Aparecen arreglos nuevos de sus clásicos «Coquinmambo», «Putu», «Habanera para Pirisión» y «CF blues».

En tanto, Gálvez regresó de lleno a la fusión eléctrica después de editar dos emblemáticos discos de jazz contemporáneo donde su bajo eléctrico chormelodic (una doble función armónica y melódica por sobre la rítmica) pasó a ser protagonista: «Imaginario» (2007) y «Crisálido» (2009).

Utilizando al saxofonista Claudio Rubio como solista experimentado, en «Cinético», el nuevo quinteto de Gálvez promueve ahora a unos emergentes Esteban Zúñiga (teclados), Felipe Catrilef (bajo) y Ronald Báez (batería).

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Literatura

Sylvia Plath

Una poeta en tres muertes ylvia Plath tenía clara su vocación.

Todo lo que sentía, vivía o veía, lo transformaba en palabras, en arte.

Junto al grueso diccionario de tapa roja heredado de su padre, pulía el poema hasta descubrir y sacar a la luz su forma final, su esencia. Era una mujer de mente frenética y nebulosa, inteligente, hambrienta como una fiera, apasionada, transitando por los parajes de la existencia, siempre al borde del abismo, sobreexpuesta, como una “tonta magnánima desalojada de su único reino…”.

Su poesía es de una riqueza inagotable y única; reúne ingenio, gracia, ternura, ritmo, fuerza, y, sobre todo, audacia, valentía y verdad. Plath supo cómo lidiar con los aspectos más esplendorosos y también con los más oscuros de la vida: el dolor, la enfermedad y la muerte.

El despertar literario

Sylvia Plath nace el 27 de octubre de 1932 en Boston. Hija de Otto Plath, inmigrante alemán, entomólogo y profesor universitario; y de Aurelia Schober, también profesora. Sylvia es alta, rubia, bonita, su sonrisa encanta. A los ocho años ya escribe poemas. Apasionada por los estudios, siempre quiere ser la mejor.

Desde muy chica asocia el ser “una buena niña” con el cariño y la atención que sus padres le prestan. Es también amante de la naturaleza y del mar. Descrita como “una niña alegre, vital y encantadoramente entusiasta” por sus profesores, todo parece augurarle una vida feliz, pero en 1940, la muerte del padre la hunde en un trauma -el miedo al abandonoque jamás logra superar.

La familia (Aurelia, Sylvia y Warren, su

Este año se cumple medio siglo desde la aparición de «El Coloso y otros poemas», el primer libro de Sylvia Plath. Reconocida por su estilo confesional, esta trágica heroína pidió a gritos que la salvaran a través de una de las voces más originales de la poesía estadounidense del siglo veinte.

Por Jessica Atal K.

hermano menor) se va a vivir por un tiempo con los abuelos maternos y la vida ya no es tan estricta, pero Sylvia continúa exigiéndose de manera enfermiza. Lo que no es un éxito absoluto, lo considera un fracaso: “La perfección es terrible/ No puede tener hijos”, escribe en «The Munich Mannequins».

En plena adolescencia, sus poemas y relatos se publican en revistas como «Seventeen», «Mademoiselle» y «The Christian Science Monitor». A los 17 años, se declara escritora profesional. En 1950 empieza un diario de vida, donde además de anotaciones sobre acontecimientos cotidianos, opina sobre lo

que llama “el decaimiento de Estados Unidos”, pero sobre todo allí observamos cómo las relaciones sentimentales se tornan parte importante de su vida. Lo grave es que busca controlarlas tanto como controla el resto de las cosas, y le es muy difícil soportar la frustración y el desamor: “Mis pensamientos son escabrosos y pálidos/ Mis lágrimas como vinagre/ O el amargo y parpadeante amarillo/ de una estrella acética”, son los primeros versos del poema «Traicionada». Después comienzan ataques de cólera y depresiones que la llevan a preguntarse por el sentido de la existencia. A los 18 años escribe: “¿Para qué es mi vida? ¿Qué voy a hacer con ella? No lo sé y tengo miedo”. Estas situaciones se alternan con momentos de marcado narcisismo y seguridad. Ansía libertad, poder y rechaza el sometimiento femenino de la época. En su diario leemos: “Líbreme de cocinar tres veces al día… líbreme de la inexorable jaula de la rutina y la costumbre”, “Creo que me gustaría llamarme ‘La chica que quería ser Dios’ ”, y, más adelante: “Amo la libertad. Deploro las restricciones y las limitaciones… yo soy yo… soy poderosa”.

Segundo encuentro con la muerte

El tema económico empeora con la muerte del padre y Sylvia debe trabajar, lo que la hace sentir inferior a muchas de sus compañeras cuando comienza sus estudios en el Smith College, si bien es reconocida por sus buenas calificaciones y es incluida en la redacción de la revista de la universidad. A fines de 1952, Sylvia presenta una aguda depresión. La internan y recibe tratamiento con electroshock.

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Su OBRA es de una riqueza inagotable y única; reúne ingenio, gracia, ternura, ritmo, fuerza, y, sobre todo, audacia, valentía y verdad. Plath supo cómo lidiar con los aspectos más esplendorosos y también con los más oscuros de la vida: el dolor, la enfermedad y la muerte.

Esta experiencia la aterroriza. A los pocos días de salir del hospital, toma un frasco de somníferos y se esconde, no sin advertir que dará un largo paseo. Está dos días inconsciente, hasta que unos quejidos alertan a su hermano. Tiene veinte años. Es su primer intento de suicidio y el segundo encuentro cercano con la muerte.

A fines de 1955, Sylvia obtiene la beca Fulbright para estudiar en el Newnham College de Cambridge, Inglaterra. Si bien no desaparecen los momentos de crisis, está encantada con la universidad. En 1956, conoce al poeta inglés Ted Hughes, con quien se casa. Sus amigos los llaman “los Browning del siglo veinte” y son admirados por sus méritos literarios. Sylvia piensa que su marido es perfecto (“un Adán alto… es el único hombre del mundo que es mi igual…”) y que ellos son la pareja perfecta (“los dos necesitamos las mismas horas de sueño, y la misma cantidad de comida y tiempo para escribir”...). Pero el arrobo pasa y cae nuevamente en la angustia y la confusión: “El mundo se ha vuelto tortuoso y amargo como un limón de la noche a la mañana”.

La pareja se traslada a Estados Unidos, y Sylvia vuelve como profesora al Smith College. Sin embargo, no está contenta, ya que entre las clases y las tareas domésticas no hay tiempo para la escritura; envidia a su marido que sólo se dedica a escribir, sin preocuparse de un trabajo “real” como lo hace ella. La sinusitis y la gripe la aquejan y cada vez que enferma vuelve a sumirse en oscuras depresiones: “Me merezco un año, dos años, para dar vida propia a mi propio yo”. Vive una corta tregua en Yaddo, un lugar de residencia de importantes escritores y artistas. Allí Sylvia se fascina con la poesía de Theodore Roethke y adopta un tono más coloquial, irónico, desenfadado y suelto en su escritura. Poco antes ha conocido a Robert Lowell y también a Anne Sexton; las dos se identifican mucho, adquiriendo Sylvia de esta última el uso de elementos oníricos y surrealistas. De hecho, ambas serán reconocidas como figuras relevantes de la poesía confesional y coincidirán en un trágico final. ¿Mujeres adelantadas para

su época? Muchos especulan ahora sobre la bipolaridad de Plath. Es posible que los medicamentos adecuados hayan sido lo que no supieron indicar en su hoja de vida.

En 1959, Sylvia y Ted regresan a Inglaterra.

En abril de 1960 nace Frieda, su primera hija y el tono En 1956, conoce al poeta inglés de su poesía se hace más inTed Hughes, timista. Deja las musas y los con quien se dioses del mundo exterior casa. Sus amigos para internarse en “su casa”, los llaman “los “una casa oscura, muy gran- Browning del de, la hice yo misma”. La siglo veinte”. fama de Sylvia crece. Escribe poesía y prosa para la BBC y en 1961, The New Yorker firma con la autora un contrato de “primera opción”.

En enero de 1962, nace Nicholas. Ya con dos hijos, muchos poemas están dedicados a la maternidad y a estas criaturas: “Ellos son lo más real, muy bien: lo Bueno, la Verdad”.

Todo parece marchar, pero Sylvia descubre la relación de Hughes con otra poeta y el matrimonio llega a su fin. El dolor la desequilibra.

Entonces escribe los poemas que formarían el núcleo de «Ariel», el primer libro publicado después de su muerte. En el poema del mismo nombre, dice: “Y ahora yo/ De espuma a trigo, esplendor de océanos/ El llanto de un niño// Se deshace en la pared/ Y yo/ Soy la flecha/ El rocío que vuela/ Suicida, al unísono con el impulso/ Hacia lo rojo”.

La verdad es que la obra de Sylvia Plath nunca se desprende del todo de una atmósfera de abandono existencial, donde no hay espacio para un refugio seguro. “El cielo siempre se está cayendo aquí abajo”; “ésta no es la muerte; es algo más seguro”. Nunca le teme a la muerte. Desde joven se asocia con ésta de igual a igual, y sabe tratar sus elementos tan bien como trata con la vida. “Estoy en el lugar del después del infierno; veo la luz”. Desde este lugar, luego de su separación, no logra salir. Se traslada a un departamento en Londres donde vivió W.B. Yeats. Aunque esto parece un buen presagio, la escritura no logra ser un refugio seguro y se confía en lo que cree sabe hacer mejor: “Morir/ es un arte, como todo lo demás./ Yo lo hago excepcionalmente bien”,

son acaso los versos más conocidos de Plath, parte del poema «Lady Lazarus». Como en un drama de ese humor negro que tanto le gusta, el suicidio es la manera de celebrar su tercer aniversario como escritora consagrada.

La mañana del 11 de febrero de 1963, fecha en que se cumplen tres años desde que la editorial Heinemann publicara en Inglaterra «The Colossus and Other Poems», su primer libro, la poeta deja dos vasos de leche junto a la cama de sus niños, se encierra en la cocina, ingiere somníferos, da el gas del horno y mete su cabeza en él.

Casi toda la obra de Plath pasa a manos de Hughes, quien se encarga de publicarla. Sin embargo, él confiesa haber destruido los diarios de vida escritos durante los años más difíciles de su matrimonio. Hay más documentos de la autora que permanecerán sellados en el Smith College hasta 2013. Otros sólo se podrán conocer después de la muerte de su hermano Warren. Al parecer, la última palabra de esta inusual historia aún no está escrita.

“El amor no es sólo un sentimiento. Es también un arte”. Honorato de Balzac.

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Literatura

come

reza

ama

Equilibrio placer/devoción

la clave de la felicidad Por Carolina Andonie Dracos

ás inspiradora que «El Secreto», la cuarta entrega de Elizabeth Gilbert llegó hace poco a librerías locales, donde pasa agotada debido a su alta demanda. En Estados Unidos, la novela fue publicada en 2006, encumbrándose en la lista de los más vendidos durante 155 semanas. Hoy, el título ya cuenta siete millones de copias en el mercado, con traducción a una treintena de idiomas. ¿Por qué tanto alboroto? Simple. La novela logra conectar fácilmente con el público masivo a través de un viaje interior con escala en tres países, que deja de manifiesto las bondades de ser artífice de la propia felicidad.

La trama arranca cuando Liz, la autora, colapsa, pese a tener una vida aparentemente idílica. Una noche, mientras llora en el baño, se ilumina cual Buda: “Entonces oí una voz.

Por favor, que nadie se asuste. No era una voz hueca como la de Charlton Heston haciendo de personaje sacado del Antiguo Testamento, ni una voz de esas que te dicen que te hagas

un campo de béisbol en el jardín. Era mi pro- costeará con el adelanto de la editorial que pia voz, ni más ni menos, hablándome desde publicará su bitácora de autodescubrimiento. adentro. Pero era una versión de mi propia voz “Sabía que deseaba escribir sobre ello. No que yo no había oído nunca. Era mi voz, pero era tanto querer explorar detenidamente esos absolutamente sabia, tranquila y países, porque eso ya se ha hecho. compasiva. Era como sonaría mi voz Era más bien querer explorar un si yo hubiera logrado experimentar aspecto de mi misma con el telón el amor y la seguridad alguna vez de fondo de cada país en cuestión, en mi vida. ¿Cómo podría describir donde esa tradición concreta sea el tono cariñoso de aquella voz que algo arraigado. Quería explorar el me dio la respuesta que sellaría para arte del placer en Italia, el arte de la siempre mi fe en la divinidad?”. devoción en India y, en Indonesia, Post Epifanía, Liz inicia una toma el arte de equilibrar ambas”. de conciencia que deviene divorcio, «Come, reza, ama» La novela se estructura a modo una profunda depresión, un desen- Suma de Letras de un japa mala (collar de abalorios Elizabeth Gilbert gaño amoroso y más depresión. En 448 páginas utilizado para meditar) con 108 medio del caos y en busca de un an- $12.260 cuentos, agrupados en tres seccioclaje, recuerda lo que le dijo años annes, más un texto extra, “un abalorio tes Ketut Liyer, un famoso curandero de Bali: especial -el número 109- que queda fuera del ella volvería a la isla y se quedaría cuatro me- círculo equilibrado que forman los otros 108, ses en su casa. Dadas así las cosas, toma una colgando como un amuleto… Cuando estás decisión drástica. Se dará un año sabático que rezando y lo alcanzas con los dedos, debes individirá en tres paradas: Italia, India, Indone- terrumpir la concentración de la meditación sia. ¿El afán? Un viaje de introspección que para dar las gracias a tus maestros”.

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Muchos llegarán a «Come, reza, ama», la exitosa novela de Elizabet Gilbert, a través de su adaptación cinematográfica. De hecho, la edición en castellano fue lanzada en Chile a la par que la película, con una portada que incluye a Julia Robert y Javier Bardem. Sin embargo, el filme es una libre interpretación de la novela, por lo que el lector se quedará corto respecto a un libro que si bien no produce milagros, al menos los convoca.

La primera parada es Italia, donde Liz se sumerge en la sensualidad de la buena mesa y de la dolce vita, devorando con igual entusiasmo alimentos y palabras, como ocurre con attraversiamo (crucemos al otro lado), “para mis oídos es una combinación perfecta de sonidos italianos. El melancólico ah introductorio, la vibración ondulante de después, la relajante S, y esa reverberación del final iamo”.

Cada descubrimiento va de la mano de una sanación interior. “Debo decir que lo que han empleado muchas generaciones de sicilianos para conservar su dignidad me ha servido a mí para empezar a recuperar la mía. Me refiero a la idea de que la capacidad de apreciar el placer nos sirva para apreciar nuestra propia humanidad. Creo que a eso se refería Goethe al decir que hay que venir aquí, a Sicilia, para entender Italia”.

Segunda parada: India, específicamente, un ashram de Bombay, donde ingresa a la dinámica de la oración y la “purga” meditativa.

Ahí vive una serie de experiencias marcadoras, como cuando se reúne en una azotea, vía “Om”, con su ex marido en busca del perdón mutuo: “Las dos personas que tenían que hablar una con la otra en ese tejado ni siquiera eran personas. Ni siquiera iban a hablar. Ni siquiera eran ex esposos… La lección que me enseñaron con su hermoso reencuentro fue: No te metas en esto, Liz. Tu participación en esta relación se ha acabado. Déjanos a nosotros llevar este asunto a partir de ahora. Tú vive tu vida”. Para la autora, cada cual puede oficiar sus propios rituales sanadores, en el entendido de que sirven para “alojar adecuadamente nuestros más profundos sentimientos de alegría o dolor, de modo que no tengamos que cargar siempre con ellos. Todos necesitamos unos ritos que nos proporcionen esos lugares de salvaguardia”.

Las enseñanzas surgen día tras día, inclusive para el lector, que, si se siente lego en la materia, se entera de lo que es, por ejemplo, turiya o cuarto estado de nuestra conciencia.

“Sabrás si has alcanzado el nivel de turiya si experimentas una felicidad constante. `Puro, limpio, vacío, tranquilo, reposado, desinteresado, eternamente joven, constante, nonato e independiente, vive sumido en su propia

¿Por qué tanto alboroto?

Simple. el libro logra conectar fácilmente con el público masivo, a través de un viaje interior con escala en tres países, que deja de manifiesto las bondades de ser artífice de la propia felicidad.

grandeza’, dicen los Upanisad -libros sagrados del hinduismo- de aquel que ha alcanzado el estado de turiya”.

Tercera parada: Bali (Indonesia), donde genera fuertes amistades en medio de un escenario de ensueño: montes salpicados de arrozales, templos hindúes, ríos que bañan los bancales de la selva y volcanes que comban el horizonte.

Ahí se reencuentra con el curandero Ketut Liyer, quien le enseña dos técnicas de meditación. Una es “sonrisa en la cara, en la mente y en el hígado”, y la otra, conectarse con los Cuatro Hermanos: “Los balineses creen que al nacer nos acompañan cuatro hermanos invisibles, que vienen con nosotros y nos protegen durante toda nuestra vida. Cuando un bebé está en el útero materno, ya está con los cuatro hermanos, representados por la placenta, el líquido amniótico, el cordón umbilical y esa sustancia cerosa de color amarillo que protege la piel de los niños antes de nacer...

Los 4 hermanos habitan en las 4 virtudes necesarias para hallar la serenidad y la felicidad: inteligencia, amistad, fuerza y poesía”.

En la isla también conoce a una serie de personajes fascinantes como Felipe y, a partir de ese momento, “todo lo que tenía que suceder, sucede”.

Dejamos hasta ahí. Sólo un alcance: la novela, pese a que es un festín en torno a la palabra, apela a dejar de atragantarnos con aquellos mantras negativos que nos asfixian, despojándolos de su poder, así como a amigarnos con la filosofía del karma, “porque es evidente que en nuestra vida repetimos los mismos errores, cayendo una y otra vez en las mismas adicciones y compulsiones, provocando los mismos resultados lamentables y a menudo catastróficos, hasta que conseguimos parar y solucionarlo”. Más claro, imposible.

Bueno es carecer de vicios, pero es muy malo no tener tentaciones. Walter Bagehot

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[QUIÉN ES] Elizabeth Gilbert (Estados Unidos, 1969) es una destacada colaboradora de revistas como Spin, GQ y The New York Times Magazine. Su artículo para GQ sobre sus experiencias como barwoman inspiró la película «Coyote Ugly».

«Come, reza, ama» se volvió tan popular tras su publicación que en 2008 The Time Magazine calificó a su autora como una de las personas mas influyentes del mundo.

Este año, Viking-Penguin, su editorial en ingles, lanzó su quinto libro, «COMMITTED: A Skeptic makes peace with marriage», donde se aboca a sus miedos sobre el matrimonio después que ella y su amante brasileño decidieron darse el sí.

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Literatura

Brújula literaria Por Carolina Andonie Dracos

Droga dura en Estocolmo

Retweet

inero fácil» es un mamotreto que ga por haber hecho una superfuga de la cárcel. Amante atrapa y se hace corto, una novela de DJ Méndez, el personaje no logra zafar del estigma policial bien documentada sobre los penitenciario que pesa sobre nuestros coterráneos en bajos fondos de la capital sueca con la que se inicia esas lalitudes (como el cartel que reza “Si sorprende a la «Trilogía negra de Estocolmo», de Jens un chileno robando, no lo denuncie, es parLapidus, el abogado criminalista que con su te de su naturaleza”). Sin embargo, a lo largo opera prima revolucionó a sus compatriotas, del relato, Lapidus va “ennobleciendo” a Jorge ya adormecidos con la nomenclatura “detechasta transformarlo en el paladín de la justicia, tives alcohólicos/ periodistas ambiciosas” que la leyenda de la falopa que derrotará al impehabía adoptado el género en su país. rio de la mafia yugoslava, liderada por el capo Con un estilo seco, efectivo e indolente en servio Radovan. Ahí entra en escena Mrado, torno al mundo criminal metropolitano, el ausu mano derecha, asiduo de los gimnasios y ex tor tributa a James Ellroy, gracias a un lenguaje integrante del ejército paramilitar Tigres, que directo y violento que deja atrás el edén nór- «Dinero fácil» realizó acciones de limpieza étnica en Kosovo dico para revelar un universo poblado de nar- Trilogía Negra entre 1992 y 1995. de Estocolmo I cos, prostitutas, camellos y niños bien, siempre Sed de venganza y ganas de controlar el Jens Lapidus con la cocaína como telón de fondo. Terreno Suma de Letras mercado local de la coca es lo que une a JW, que Lapidus conoce de cerca, luego de ejercer 616 páginas Jorge y Mrado en este thriller donde la predurante dos años como abogado penalista re- $15.000 sencia policial se reduce casi a las actas judiciapresentando a algunos de los más conocidos les. Sin embargo, las cosas cambian en «Nunca criminales del país. la jodas», segunda parte de la saga centrada en la pros«Dinero fácil» es protagonizada por JW, un joven as- titución y el tráfico de mujeres, cuya trama conecta con piracional que divide sus días entre una vida mísera y la primera en la tercera entrega de la serie. otra junto a la clase alta de Estocolmo (“pelo peinado Con una versión cinematográfica a cargo de Daniel hacia atrás, bronceado, BMW”). En el proceso, conoce a Espinosa, «Dinero fácil» no dejará a nadie indiferente.

Jorge Salinas, chileno respetado en el mundo de la dro- Un placer para terminar adicto (a su lectura, claro).

Chezharry: Volviendo de la Feria del Libro de Santiago, sí, también soy culto.

«D

E

Un clásico imperdible

n una época en que consumir literatura recién Para Juan Benet, prologador de esta edición, quien publicada es un lujo y la oferta generalmente vea este libro como la simple yuxtaposición de dos nadeja mucho que desear, la reposición en el mer- rraciones diferentes “y atempere su lectura a cada una cado de «Las palmeras salvajes», de William Faulkner, de ellas por separado, sin buscar conexiones e interen versión pocket, resulta toda una bendición. pretaciones no explícitas, perderá tal vez lo mejor de El Nobel de Literatura 1949 lanzó su novela hace 71 un libro de notable profundidad”. años como la correlación de dos historias diferentes, La primera narración, «Palmeras salvajes», está fechasin el menor vínculo aparente, en el espacio o en el da en 1937, y la segunda, «El viejo», 10 años antes. Sin tiempo, que se sucedían por alternancia de los embargo, la historia de una pareja de amantes y cinco capítulos en que está dividida cada una. la de un recluso que vuelve voluntariamente al Las críticas no se hicieron esperar, por lo encierro, son afines por oposición y por la serie que Faulkner (con su sarcasmo difrazado de de sugerencias por medio de las que William indiferencia) vino a decir que probablemente Faulkner nos señala que la realidad deducida se debía a un error el que se hubieran editaes la misma. do como una obra única. Semejante salida de Tanto el penado («El viejo») como Wilbourtono no pudo convencer a sus lectores y esne («Palmeras salvajes») se sienten engañados tudiosos, por lo que tuvo que retractarse en la por la pulp fiction, un tipo de literatura que deentrevista con Jean Stein para la París Review «LAS PALMERAS riva de la leyenda romántica, de la que Faulkner (1956): “En un principio había un solo tema, SALVAJES» descree totalmente. Y es que no sólo «Las palla historia de Charlotte Rittenmeyer y Harry William Faulkner meras salvajes» es una novela antirromántica, Edhasa Wilbourne, que sacrificaron todo en aras del sino lo es también su contraparte, una apuesta 379 páginas amor para luego perderlo. Solamente después $6.000 que revisa los valores léxicos, sintácticos y estide haber comenzado el libro comprendí que lísticos de tal patrimonio literario. debía dividirse en dos relatos… Entonces me puse a «Las palmeras salvajes» es una obra que hay que deescribir su antítesis, «El viejo», la historia de un hombre gustar. Cada página es rica en metáforas y audaz en el que encuentra el amor y huye de él -una fuga que ter- uso de la palabra. Extensos párrafos sin punto aparte a la mina con el libro-, y que le lleva al extremo de volver vista, pero que se leen con la cadencia de quien fuma un voluntariamente a la cárcel en busca de seguridad. Si habano, dan cuenta de un escritor que maneja el lenguafinalmente hay dos historias diferentes, sólo es por azar, je con absoluta genialidad, dejando en claro por qué es tal vez por necesidad. Pero en realidad la historia es la considerado uno de los puntales de la renovación literade Charlotte y Wilbourne”. ria del siglo XX, junto a James Joyce y Virginia Woolf.

Flavioqr: Ni un brillo la #FeriadelLibro: encuentro ofertas mejores en otras fechas en mis picadas personales #fb. marco_pichunman: La Feria del Libro de Santiago está muy concurrida a esta hora, me angustia ver tanto libro y no poder comprarlos todos. elrepublikano: @DonTinto un libro de cocina en la Feria del Libro de Santiago es lo mas elevado que encontraran... rotrer: Viendo mazapán en la #feriadellibro cantan más los adultos que los niños. elmalpensado_cl: Como fue que al Gob se le paso un detalle de Marketing...!!!

Las bolsas q regalan en la #feriadellibro tienen el logo del Gob anterior... zerosinzero: Que top, hoy la Feria del Libro de Santiago es GRATIS para las mujeres... y nosotras en el sur no tenemos ni Feria del Libro. Ok. Gracias. pablortuzarm: La feria del libro de BS AS es una feria del libro. La de Santiago es una especie de reunión de librerías de mall que venden lo mismo. robertoampuero: Apoyo del público en Feria del Libro Santiago generosísimo.

Agradezco el cariño y la paciencia de esperar una hora en fila por firma.

Ociosa_xD: Igual entrete FILSA, nos colamos a un lanzamiento de un libro y tomamos once gratis xD. ciudadletrada: Es verdad que no ha sido ésta la mejor Filsa de la historia ¿pero nadie quiere entradas de regalo? Se han ido 2 y quedan 8. ¿Quién llega? djmiguelato: En fin... Iré a la FILSA con mi sobrino antes de que nos digan qué leer y qué no.

Blog_Indomita: Creo que @juanfau hace más con sus campañas y promociones de descuentos que toda la Filsa junta VillalobosJara: @baradit Era una pregunta amable y me humillaste. Te deseo que te toque firmar en la FILSA junto a Collyer toda la tarde. *Retweet (RT): Mensaje (tweet o enlaces) de un usuario de Twitter reenviado a sus seguidores.

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Patrimonio

España. 100 reales, billete emitido por el Banco de Bilbao

50 pesetas, 1902.

2 pesetas, billete republicano durante la Guerra Civil, 1938.

500 pesetas, billete emitido en el País Vasco, 1936.

Chile y España a través de sus

Gracias al BBVA, 500 piezas, muchas de ellas nunca antes vistas en Chile, podrán admirarse hasta marzo de 2011 en el hall central de la imponente sede de Huérfanos 1234. por Willy Haltenhoff Nikiforos

or primera vez en nuestro país, una muestra permite apreciar los 260 años de historia en la emisión de monedas y billetes, tanto en Chile como en España. Esto es posible gracias a una iniciativa de la multinacional bancaria BBVA, que inauguró esta exhibición en marzo pasado en su imponente sede de Huérfanos 1234 y la mantendrá abierta gratuitamente para todo público hasta marzo de 2011. La idea es que esté a disposición de escolares y de turistas extranjeros y de regiones que visiten Santiago este verano.

El artista visual Mario Fonseca, curador de «Arte de Monedas y Billetes», explica que la exposición consta de tres partes. La primera, introductoria, muestra la evolución del dinero desde los sumerios -con el trueque, el intercambio, el origen del peso (el objeto valía lo que pesaba)hasta el dinero virtual. Luego vienen «Los 260 años de la historia del billete y moneda en Chile», donde la protagonista es la Casa de Moneda (del tiempo en que estaba ubicada en la manzana Huérfanos/ Morandé), que en 1749 acuñó la primera moneda en Chile, de oro y con la imagen del Rey Fernando VI. Esta parte concluye con el billete de 20 mil pesos, emitido en 1998, que trae el rostro de Andrés Bello. Finalmente está la sección de la imaginería republicana, que inspira el diseño de los primeros billetes que se conocen en nuestro país (cuya impresión se hacía en Inglaterra y en Estados Unidos), en 1860, fecha en que el Estado autoriza a los bancos privados a sacar billetes a circulación, lo que culmina en 1898, cuando el Estado de Chile

toma la trascendental decisión de ser el único que los imprimirá.

LOS SECRETOS DE LA MUESTRA

Fonseca señala que esta exhibición, que permite apreciar la evolución de la historia política y cultural de Chile a través del diseño, los símbolos y los personajes que contienen los billetes, fue posible gracias a la Casa de Moneda, que cedió 250 piezas, y al BBVA, que trajo 200 billetes y monedas de la colección que guarda en España. Esta última parte, que jamás se había visto en nuestro país, se denomina «Del Real al Euro pasando por la Peseta» e incluye verdaderas joyas, como el primer vale real de la Corona, fechado en 1798, así como las últimas pesetas que se imprimieron en 1992 para el V Centenario. En 2000 vendría el Euro.

España ostenta una tradición riquísima en billetes con imágenes de personajes ligados al mundo cultural. Por ejemplo, del siglo 19 guarda billetes con Diego de Velásquez, Francisco de Quevedo y -Francisco de Goya. Y del ciclo de la Guerra Civil (1936-38), tiene las divisas que emitían los bandos en pugna, con símbolos que reflejan sus respectivas ideologías.

“Esta muestra es una oportunidad única para conocer el origen y evolución del billete y la moneda en nuestra civilización. Hay fotos e imágenes extraordinarias, ampliadas y de excelente calidad. La parte de España (que viene impecable) se verá en vitrinas especiales. Al reflejar la cultura y la idiosincrasia de los pueblos, las piezas y billetes también sirven un poco de propaganda, pues los países se ‘venden’, a través de ellos”, agrega Fonseca.

Chile. 500 escudos, 1971.

1 peso, Banco del Pobre, 1870.

5 pesos, 1933.

10 pesos, Banco de Ñuble, 1891.

Las fotos de las monedas y billetes de Chile son gentileza del Banco Central de Chile.

Las de España, del BBVA.

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Gestión Cultural

Mesas de Diálogo sobre la televisión

Para el desar

de las políticas públicas Con el fin de reflexionar sobre temas culturales que involucran consecuencias fundamentales para todos, en la Galería Patricia Ready se inició un ciclo de encuentros que continuará durante enero y marzo.

Por Pilar Entrala V.

D

edicada tiempo completo a la docencia, la labor de Pía Rey en la puesta en escena de la teleserie «Héroes» marcó su ruta profesional.

“28 años no son nada. Mi oficio es trabajo de artesano, de maestro discípulo, y es lo que me hizo enamorarme del teatro y luego de la televisión. La carrera la vas haciendo como en el Renacimiento, cuando se aprendían los oficios”, dice la directora de arte audiovisual, miembro de la directiva del Sindicato Nacional de Profesionales y Técnicos del Cine y Audiovisual SINTECI, vicepresidenta de la Coalición Chilena por la Diversidad Cultural e integrante de la Mesa «Ciudadanía y TV Digital», conformada en agosto de este año

Pía Rey con un particular sombrero estilo safari estrenado durante la búsqueda de locaciones para grabar las escenas de la inolvidable Batalla de Maipú exhibida en «Héores», como recreación de un pedazo de la historia de Chile.

para abordar las materias relativas a la calidad de contenidos y la denominada “Ley de TV Digital” que se discute en el Congreso desde 2008.

«Contenidos de la televisión chilena: ¿son las telenovelas un negocio o una necesidad?» y «TV Digital: ¿más y mejor televisión para todos?», fueron los temas abordados en las mesas de diálogo moderadas por Pía y realizadas recientemente en la Galería Patricia Ready.

En el marco del ciclo «El Poder la Cultura», estas citas tuvieron por objetivo contribuir a la reflexión sobre lo que será nuestro ámbito comunicacional en el futuro a raíz de la llegada de la Televisión Digital a Chile.

Curiosamente, pese a que este tema (que

está en el Congreso desde 2008) involucra consecuencias fundamentales para todos, muy pocos son los que realmente conocen sus reales alcances, y algunos sostienen que prácticamente ningún organismo oficial se ha preocupado de informar sobre los efectos y secuelas que pueden acarrear ciertas decisiones. Ellos piensan que para estos organismos, mientras menos se sepa, mejor.

Dos son los proyectos que se debaten: uno para Televisión Nacional de Chile y otro para los demás canales. Este último es el que define el modelo de concesiones y el régimen jurídico del Consejo Nacional de Televisión, CNTV. En medio de la larga polémica, durante la “era Bachelet” se dictó una resolución exenta a través de la cual se definió la norma técnica para la transmisión digital, eligiéndose la japonesa, pero en su adaptación brasilera.

Apresuradamente la prensa tituló: “Y llegó la televisión digital”. Pero la verdad es que ése fue sólo un paso.

Mientras algunos solicitan a los legisladores la aprobación de una “ley corta” dentro de los próximos 90 días, considerando que “el tema ya está resuelto en los países de economía más avanzada”, otros solicitan ampliar el debate hacia el diseño de una “ley larga”, que responda a procesos de análisis más profundos para evitar el otorgamiento indefinido de concesiones, contemplar un trato diferenciado y subsidios para la TV comunitaria, y advertir respecto de que “más canales no necesariamente significan una mejor calidad en los contenidos”.

En un comunicado de prensa, el Obser-

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sarrollo

PANELISTAS

icas en cultura vatorio de Medios FUCATEL expresa su molestia por el Decreto Supremo nº 264, publicado el pasado 6 de octubre, que autoriza asignar concesiones sin esperar la nueva ley: “Las asignaciones de facto que se producirán bajo el amparo de este Decreto inevitablemente crearán situaciones de hecho y precedentes para concesiones definitivas, poniendo una interrogante respecto de la pertinencia del proyecto de ley que actualmente se tramita en el Parlamento”, dice el texto. Y agrega que “el supuesto atraso comparativo de Chile en materia de digitalización de la TV no es argumento suficiente para operar por la vía de dicho Decreto Supremo para la entrega de concesiones”. Este decreto es, al menos para FUCATEL, un “sabotaje” a la oportunidad única que tiene Chile de reformar una legislación que data de hace 20 años, en busca de una mejora en la oferta televisiva, haciéndola más diversa, plural y de mejor contenido.

-¿La polémica se centra entonces en la posible aplicación de una “ley corta” que apruebe la TV Digital en Chile?

“Es un atajo para sacar más rápido la ley dada la urgencia del tema. Convenimos en que es imperioso tener ley, pero estos atajos pueden ser peligrosos. Nos preocupa que no se legisle lo suficiente respecto de los derechos de los concesionarios. Así como está planteada la ley, todo indica que será el asunto económico el que prime para otorgar las concesiones. Quien tenga suficiente dinero para instalarse con un equipo técnico podrá obtener una concesión sin que eso implique exigencia de contenidos. Habrá más canales, pero ¿qué vamos a ver?… Esa es la cuestión”, señala Pía Rey. -¿Qué pasa con la televisión comunitaria?

“Es el tercer sector de las comunicaciones, como lo consagra la UNESCO. Es un tema

Las Mesas de Diálogo fueron convocadas conjuntamente por la Corporación Cultural Arte+, la Agrupación de Gestores Culturales de Chile ADCULTURA, la Coalición Chilena por la Diversidad Cultural, el Observatorio de Medios FUCATEL, el Observatorio de la Fundación Lastarria y la Universidad del Pacífico.

Los resultados fueron enviados al Ministro de la Cultura, al Presidente del Consejo Nacional de Televisión, a los miembros del Directorio del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes y a los Consejeros del CNTV, como “un aporte al desarrollo de las políticas públicas en cultura”.

Valerio Fuenzalida, experto estudios de audiencias, profesor TV UC; Tehani Steiger, vocera Plataforma Audiovisual; Pía Rey, moderadora; M. Fernanda García Iribarren, Presidenta SIDARTE y miembro Directorio CNCA M. de la Luz Savagnac, Jefa Departamento de Fomento CNTV.

[ DE LOS RESULTADOS ] «Contenidos de la TV Chilena ¿Son las telenovelas un negocio o una necesidad?»

A

la vez que modelo de negocio para los canales, las telenovelas promueven la circulación de los servicios culturales. Son reflejo de que cultura da trabajo e impacta en la balanza comercial del país.

De los resultados destacan los siguientes puntos:

1. Los canales han permitido que las teleseries hayan optado por definir su balanza hacia los intereses comerciales de la televisión, más que a la generación de contenidos.

2. El canal público, que por ley tiene un rol diferenciador, ha optado por una fórmula que garantice el negocio de la TV por sobre “el bien público”.

3. El Estado debe invertir en indicado-

res económicos que permitan medir el impacto del sector audiovisual en el desarrollo económico de nuestro país.

4. El Consejo Nacional de Televisión debe incentivar a través de sus líneas concursables las producciones que incluyan en su postulación un Plan de Exportación que les permita proyectarse fuera del país, abriéndose a nuevos mercados internacionales.

5. No es suficiente el esfuerzo de CORFO en el diseño de una política para dinamizar la producción audiovisual

y fomentar la exportación de la producción nacional.

6. El 70% de la ciudadanía ocupa su escaso tiempo libre viendo televisión.

El 60% siente insatisfacción frente a los programas que le ofrecen.

7. El Consejo Nacional de la Cultura y las Artes debería encontrar la fórmula para tener ingerencia en la calidad de contenidos culturales.

8. Los programas para niños deberían tener mayor cabida y desarrollo. Aún cuando el CNTV financia ese sector y contempla en ciertos años la mitad de los fondos para ese segmento, lamentablemente no hay “pantalla” para exhibirlos.

9. La televisión no alcanza los lugares más apartados de Chile, se hace necesario ampliar una política de fomento estatal hacia la televisión comunitaria y contemplar una cuota de pantalla para exhibir programas de contenido regional.

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Gestión Cultural

PANELISTAS:

Valerio Fuenzalida, Herman Chadwick, Presidente CNTV; Pía Rey; Tehani Steiger y Sergio Godoy, Director Investigación y Postgrado, Facultad Comunicaciones UC. También participó Pablo Villagra, de la TV comunitaria UMBRALES TV.

“Así como está planteada la ley, Quien tenga dinero para instalarse con un equipo técnico podrá obtener una concesión sin que implique exigencia de contenidos”, advierte Pía Rey, moderadora de las dos mesas de diálogo en la Galería Patricia Ready.

bastante desconocido por la gente pero existe hace muchos años. Es el medio de la comuna, del barrio. Se dicen “alegales” porque no figuran en la ley. Ahí están el emblemático Canal de “La Victoria” y varios más, y lo que estamos esperando es que la ley los considere.

Estamos peleando para que no se rijan por las mismas condiciones porque no tienen dinero. Los contenidos suelen ser estupendos y reflejan la identidad de este país. Debe haber algún tipo de financiamiento por parte del Estado o de quien sea para que no estén en desmedro”.

-Concientes de la popularidad de las telenovelas y de su posibilidad de ser un vehículo cultural potente, ¿qué destacas de las teleseries hoy?

“Un buen ejemplo es la serie «Los 80», una telenovela nocturna que le dio ‘el palo al gato’ en buen chileno. Es un documento de ficción, pero histórico, de remembranza para los que vivimos esa época y de aprendizaje para los que no. Se ha producido un diálogo entre hijos y nietos. Han tenido la valentía de presentarla sin temor a tocar temas delicados o tabú”.

-¿Posibilidades de que mejore la calidad de los contenidos finalmente?

“A eso apuntamos los que somos generadores de contenidos desde el mundo independiente. Al abrirse el espectro radioeléctrico tendría que haber canales netamente culturales y temáticos. Eso hay que defenderlo al menos para los próximos 30 años. También nos reunimos durante dos días en el Centro Cultural Gabriela Mistral para estudiar el tema. Aunque el Ministro de Cultura se excusó, asistió el Secretario Ejecutivo del Consejo del Audiovisual y también estuvo un representante del Ministerio del Trabajo porque esto les interesa”.

-Los contenidos y la llegada de la TV Digital movilizan a las plataformas de la cultura pero, ¿sirve el diálogo a estas alturas?

“Es un diálogo que tiene que producir acción… En eso estamos”.

[ DE LOS RESULTADOS ] «TV Digital: ¿Más y mejor televisión para todos?»

R

especto a las concesiones, Herman Chadwick, presidente del Consejo Nacional de Televisión, explica: “Se ha visto una forma de dar concesiones nacionales, regionales, locales y comunitarias para poder incentivar la diversidad y el pluralismo en televisión, ampliando la posibilidad de que haya más personas que tengan acceso, estas personas pueden ser jurídicas pero también naturales, y ese es otro cambio que me gustaría introducir… Cualquier concesión que a ustedes se les ocurra siempre contará con un plazo de término. Con lo cual tenemos que establecer un plazo para la televisión digital. Se ha hablado de 20 años o 25 años”.

Sobre la TV local, indica: “Puede haber subsidio del Estado en el futuro de la televisión local y comunitaria para que logre salir adelante, punto que está pendiente de buscar acuerdo político”.

De la ley de TV Digital argumenta: “Nos falta encontrar acuerdos. Se tiene un plazo de entre 5 y 8 años para emigrar a la TV digital en la medida que se vaya copando un porcentaje importante dentro de la ciudad. En Chile tenemos que resolver el problema de la TV digital en los próximos 90 días para no tener que seguir debatiéndonos en estos decretos”.

Por su parte, Tehani Steiger, vocera de la Plataforma Audiovisual (organización que representa al sector audiovisual nacional), puntualiza: “Es fundamental ampliar la discusión en el Congreso hacia una ley larga, dialogada, pensada y audaz”.

De los resultados de este encuentro resaltan las siguientes consideraciones:

1. No a las concesiones a perpetuidad. Éstas deberían ampliarse a un tiempo máximo de 10 años y ser sometidas a regulación. Hoy basta un informe que garantice condiciones de emisión para disponer de una concesión, es decir, podrán disputar una concesión un canal de contenidos culturales de la misma forma que un canal de venta de hamburguesas.

2. Fin a la obligación de autofinanciamiento de la televisión pública. Su rol público jamás podrá garantizarlo el mercado. TVN debe disponer de un financiamiento parcial estatal.

3. Es necesario dotar al CNTV de mayores herramientas de regulación de los canales.

4. No es lo mismo una programación de contenido nacional que de contenido cultural.

Hoy nuestra TV emite un 60% de contenido nacional, sobrepasando incluso el 40% de cuota de pantalla. Sin embargo, la ley sobre TV Digital entiende por contenido nacional todo lo que es producido en el país. Proponemos actualizar definiciones y hablar de “Contenido de creación nacional independiente”. Los canales caratulan de contenido cultural programas que claramente no responden a su correcta definición de cultura.

5. Se requiere modificar la conformación de los Directorios de TVN y CNTV para que representen no tan sólo pluralismo político sino también la Diversidad Cultural y Sectorial del país. Se plantea la inclusión de representantes de los creadores audiovisuales, de la Institucionalidad cultural y de las culturas originarias.

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FOTOS: EFE

Arte

Escalera al cielo Por Bárbara Lafuente Desde Madrid

n pleno centro de Madrid, el Monasterio de las Descalzas Reales se convierte en un oasis. Fundado por Doña Juana de Austria, hija pequeña del emperador Carlos V y hermana del rey Felipe II, se alza sobre un palacio renacentista y, desde su creación, lo habitan las religiosas de la Orden de las Clarisas Franciscanas.

El trabajo de restauración comenzó hace dos años y el objetivo era recuperar la belleza artística de uno de los sitios más singulares del Barroco madrileño, un espacio que comunica el claustro bajo con el alto y que reverdece el renacimiento toledano.

El lugar recibe cinco mil visitantes al año y las obras tenían la intención de preservar el lugar y las pinturas (las más antiguas datan del siglo XVI). Casualmente, la restauración coincide con el 450 aniversario del inicio de la vida conventual en el edificio. Una celebración que recupera el esplendor del monasterio.

Según Miguel Morán Turina, catedrático de historia del arte de la Universidad Complutense, “se trata de uno de los espacios murales más significativos que quedan en Madrid y por fortuna se sigue conservando. Durante la Guerra Civil (1936 a 1939) sufrió el impacto de una bomba que no

El Monasterio de las Descalzas Reales, ubicado en el centro de Madrid, que alberga el convento de clausura de las Clarisas Franciscanas desde su fundación en el siglo XVI, descubre restauradas las pinturas murales de su escalera principal. Un camino lleno de luz y brillo que nos hace regresar a otros tiempos. llegó a explotar, si no nada de esto existiría”, comenta el experto.

ESPACIO MURAL

Morán explica que la decoración de la escalera es posterior a la construcción del palacio y ese es uno de sus grandes enigmas, pues pertenece a la segunda mitad del siglo XVII, y no se conoce la existencia de descripciones ni referencias a estos trabajos ni a quien participó en su elaboración. Aunque sí se sabe que la decoración comenzó por las bóvedas y siguió por los muros.

El mural refleja paisajes en los que aparece San Juan Bautista y el cordero. En un plano superior, un calvario y la representación de Cristo yacente. La familia real de la época con el rey Felipe IV, la reina Doña Mariana y sus hijos Felipe Próspero y María.

Los siete arcángeles, el ángel protector de la

comunidad y el ángel custodio, también están representados. Para terminar, la bóveda acoge las cuatro virtudes teologales, varias representaciones de santos enmarcados en círculos, y el fresco «El Rompimiento de la Gloria».

Ana García Sanz, conservadora del Monasterio, destaca que el espacio restaurado se puede considerar un museo mural en sí mismo, creado por diferentes artistas y épocas.

La conservadora cuenta que el monasterio formaba parte de un complejo en el que también se ubicaba la iglesia, el Hospital de la Misericordia y una casa para niñas huérfanas.

La comunidad eclesiástica estaba compuesta por treinta y tres religiosas en memoria de la edad en la que Cristo se enfrentó a su muerte y resurrección. Todas ellas debían pertenecer al linaje real o proceder de familias nobles.

“Mujeres cultas y poderosas, a través de las que surgió el mecenazgo artístico y unas estrechas relaciones entre la Corte y el monasterio, donde llegaron a tener residencia durante un tiempo las reinas Margarita de Austria e Isabel de Valois”, señala García Sanz.

Fotografía final ángeles.

Detalle de la Familia Real.

Detalle del proceso.

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Testimonio

La liberación del tormento afuereño

A fines de octubre pasado se estrenó en la Cineteca Nacional el documental «Calafate, Zoológicos Humanos», de los investigadores chilenos Hans Mülchi y Christian Báez.

Como fotógrafa tuve oportunidad de compartir momentos cruciales con las descendientes de los kawéskar que hace 128 años fueron exhibidos en Europa como animales. texto y fotos Mónica Oportot

“L

o que aquí se muestra son los rastros de la historia de unos hombres, nuestros iguales y nuestros hermanos, vejados y reducidos a un espectáculo por otros hombres para otros hombres, lo que constituye un crimen por cuanto esos actos se cometían en una época regida ya por el nuevo paradigma que los indicaba como escandalosos e infames. Y, más fuerte aún, todo sucedía tolerado y permitido por las autoridades de las modernas naciones europeas de ese entonces. Y aquí vemos probablemente sintetizado el mecanismo de la colonización, esto es la apropiación de riquezas y territorios amparados en la figura de la reducción de los hombres originarios a lo extraño, negando de esa manera su humanidad.

Por eso, no sería lo más justo ni lo más adecuado reducir esta historia a su dimensión ‘étnica’, que es justamente la coartada de quienes someten, cuando invocan la supuesta superioridad de un mundo sobre otro. Esto podría ocultar nuevamente a Capitano, Enrico, Grethe o Piskouna (ni siquiera eran sus verdaderos nombres), reduciéndolos sólo a su pertenencia al pueblo kawéskar, cayendo en la trampa del repliegue identitario. Por cierto, está la importancia del vínculo, el cataclismo afectivo que viven los miembros de sus familias en ese momento”.

Extracto de la introducción de Carlos González al documental «Calafate, Zoológicos Humanos», del profesor y realizador Hans Mülchi y del historiador Christian Báez.

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E

ste filme fue estrenado el 27 de octubre pasado en la Cineteca Nacional en el marco de las celebraciones del Día Mundial del Patrimonio Audiovisual.

El proyecto fue reconocido con un fondo del Consejo Nacional de Televisión para crear una versión por capítulos para la televisión abierta.

La realización de este filme se generó a raíz de la investigación historiográfica de Christián Báez, quien siguió las pistas de unas fotografías que se encontraban en la Biblioteca Nacional de Francia. Las imágenes representaban a indígenas del extremo sur de Chile y revelaban una práctica inhumana: la exhibición de personas en verdaderos zoológicos humanos, ofreciendo “espectáculos” por los que el público pagaba. Lo más increíble es que estos indígenas fueron llevados a Europa con el consentimiento del Gobierno de Chile de inicios del siglo XIX. Descendientes vivos

Haydée Águila y Celina Llan Llan son kawésqar y tienen la conmovedora persistencia de esa memoria grabada por sus madres: “Cuando éramos niñas nos alertaban: ¡si ves a un blanco, arranca lejos porque ellos se roban a nuestra gente!”.

Me cuentan que el profesor Hans Mülchi las contactó en Punta Arenas, les mostró fotografías y les contó la historia de esos infortunados antepasados que fueron raptados de sus parajes y murieron en Europa. Ambas, entre lágrimas y lamentos, juraron no descansar hasta darles digna sepultura en sus costas. Por ello viajaron con los investigadores a Suiza y volvieron con las osamentas centenarias en cinco bolsas.

Celina Llan Llan y la la abuela Rosa Portales

Un verdadero milagro, ya que parecía imposible encontrar los restos después de tantos años. Seguro sus dioses protegieron a Capitano, Enrico, Grethe y Piskouna para que sus descendientes los liberaran finalmente del tormento afuereño.

Mientras Haydée y Celina viajaban, quedé a cargo de la abuela Rosa Portales, que llegó a mi casa desde Punta Arenas con las canastas fúnebres (tejidas por ella con coirón) que simbolizan las ofrendas. Las remendamos y les pusimos aceite de lobo marino para la sanación y limpieza por los más de 128 años de exilio; también conchitas marinas del sector, huesos de ballena tallados como anzuelos y canoas hechas de corteza de ciprés, que simbolizan la identificación con una vida nómade en los canales patagónicos.

>Protagonista del documental

Haydée se refugia por unos días en mi hogar en San José de Maipo.

Con un silbido, al alba llama a los pájaros.

Y canta creyéndose feliz.

Su voz alegra y entristece. Canta como si tuviera otras razones que la vida.

Contempla la cordillera, mira, abstraída, más allá.

Se impregna de una esencia invencible, el viento baila a su paso.

Me dice: “La mar es mujer y está viva”.

Es su modo de pensar el mundo que contiene los códigos milenarios.

Cuando la comitiva regresó de Suiza, en un salón del aeropuerto se llevó a cabo la ceremonia de repatriación de las osamentas. La abuela Rosa fue limpiando uno por uno los huesos con aceite de lobo marino, mientras entonaba internamente una canción. Luego los depositó en las canastas fúnebres junto a las ofrendas y finalizó el ritual con una sonrisa. Nadie podría tocar los huesos nuevamente.

El protocolo oficial se concretó en un discurso de la ex Presidenta Michelle Bachelet, como gesto de reparación a la deuda histórica. Al término, la comitiva y los kawéskar abordaron un avión con destino a Punta Arenas. Una vez allá, un navío zarpó al amanecer con las osamentas rumbo a una isla en Tierra del Fuego, donde fueron despedidas con un último rito ancestral. Hoy, Capitano, Enrico, Grethe y Piskouna (en la foto de la izquierda) descansan en las profundidades de las vastas costas de sus tierras. Y los delfines cantan la última canción, manifestando la felicidad de los espíritus conformes.

Creo que todo esto es lo que logra mostrarnos este documental, con un infinito respeto por los actores de esta historia, con pudor y con delicadeza, con rigor y con paciencia, a contra-corriente del aire de estos tiempos, donde reina más bien el obsceno reality, ese género que olvida que los hombres son fines en sí mismos.

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Patrimonio

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Magia y Romanticismo del mundo huaso

Patrimonio y tradición son conceptos que se instalan cada vez con más fuerza en nuestro imaginario. Y en este sentido, sorprende gratamente ver cómo crece la afición por el Enganche, ese milenario medio de trabajo y de transporte convertido en un deporte que año a año gana más adeptos.

POR Roxana Varas M. fotos jacqueline phillips

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os cambios económicos y comunicacionales han incentivado en Chile el desarrollo de nuevas aficiones que, junto con proporcionar placer y entretenimiento, permiten rescatar tradiciones y costumbres que enriquecen nuestro patrimonio, nuestra historia y nuestro imaginario.

En este marco, en 2004 y con la idea de resaltar el nombramiento de Lolol como Patrimonio Nacional en calidad de Zona Típica (obtenido en 2003), un grupo de amigos de la comuna decide realizar un desfile de coches para mostrar la disciplina del Enganche (manejo de un tiro de caballos enganchado a un carruaje).

La respuesta es tan entusiasta, que en 2007 esta disciplina es incorporada a la Federación Ecuestre de Chile (FECH).

Así nace el Campeonato Internacional de Carruajes bajo las normas de la Federación Ecuestre Intenacional (que rige a la FECH), que cada año se lleva a cabo, reuniendo a los mejores y más hermosos coches de distintos lugares de Chile, América y Europa en distintos escenarios del país. Y gracias a él, los convocados tienen la oportunidad de revivir la magia y el romanticismo que rodea al mundo huaso, sus valores morales, culturales y simbólicos, en un ambiente campestre de antaño, generalmente enfatizado con juegos para niños, la mejor gastronomía de la región, artesanía típica, música, acti-

Próximas fechas 28, 29 y 30 de enero en Osorno 4, 5 y 6 de febrero en Villarrica

vidades y espectáculos. En este contexto, especial lugar ocupan las vestimentas de los competidores, acorde a sus coches, aspecto que es reforzado con la elección del sombrero más original del evento. De este modo, el Campeonato se ha convertido en una instancia muy esperada y en Lolol ya es el segundo evento más importante de la provincia de Colchagua, después de la Fiesta de la Vendimia.

Tradición y solidaridad

Siguiendo con lo que es ya tradición, los días 9 y 10 de octubre se llevó a cabo, en la Viña Santa Cruz, el 7º Campeonato Internacional de Carruajes, organizado por la Comisión de Enganches de la Federación Ecuestre de Chile. Este año vinieron alrededor de 58 coches y participaron países como Argentina y Uruguay.

El evento convocó a más de dos mil personas.

En las dos jornadas, los competidores mostraron sus destrezas en el manejo de los carruajes y compartieron con cientos de familias que acudieron a revivir un pedazo de historia.

El concurso contó con tres pruebas principales: presentación y adiestramiento; marathon (prueba deportiva de velocidad) y de conos. Y los fondos recaudados fueron en beneficio de la reconstrucción de la Iglesia Natividad de María de Lolol.

La prueba de Conos es un circuito de puertas que están determinadas por el ancho de los ejes o trocha en un tiempo record y sin botarlos.

Prueba Marathon. Realizada en un coche muy liviano, en ocasiones de aluminio. Lo vemos tirado por caballos andaluces. La realizan las categorías Preliminar e Intermedia.

Coche Sporting Bracke -enganchado por un caballo chileno tradicionalmente conducido por su dueño, ayudante o grumparticipando en la prueba de Conos.

Categorías Tradiciones, Preliminar e Intermedia de 1 a 4 caballos.

Coche Dog-cart de tiro de dos caballos Holsteiner, fue el coche más popular ya que cumple la función deportiva, de cacería y también un empleo familiar de paseo.

Prueba de adiestramiento. Coche enganchado con apero de cuero y caballo Hackney. Se caracteriza por su gran fuerza y distinción. El adiestramiento evalúa la relación cochero-caballo, distintos ritmos de trote, relajación, círculos, postura y elegancia., tanto del conductor como de la presentación general del coche.

HISTORIA El enganche nace en el momento que el hombre domestica al caballo en la Edad de los Metales (5.000 aC) y percibe que la enorme fuerza de este animal puede ser aprovechada para algo más que como medio de locomoción. Así, hace 7.000 años que el hombre ha utilizado el caballo, si bien debieron pasar mil años hasta que en la antigua Mesopotamia apareciera el carro. A diferencia del automóvil y otros medios de transporte, el carruaje apenas ha sufrido variaciones desde hace seis milenios. Lo que sí ha cambiado es el arte con el que se engancha el caballo a la carga que habrá de portar, así como los artilugios que el hombre inventa para aliviar al caballo en sus esfuerzos.

Más información en www.enganche.cl 2

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Arte Callejero

-El turista extranjero, ¿deja buen billete?

“Antes no, por el tema de la seguridad, pero ahora que hay muchas cámaras para vigilar vienen más turistas. He aprendido un poquito de cada idioma y cuando los guías de turismo me los traen, yo les grito ¡surprise!, ellos saltan de gusto y me dejan sus buenos euros y dólares”.

Danilo Parraguez González

La estatua viviente más popular de Chile Por Willy Haltenhoff Nikiforos FOTOS Maurice Hiriart Laulié

“El sol no molesta tanto; sí el frío, que me paraliza y no me deja trabajar”.

e dicen “el minero 34” y es la estatua viviente más reconocida de Chile.

Danilo Parraguez González, que lleva 10 años realizando este popular arte callejero, no sólo se mueve cuando dejan dinero en su caja-alcancía, sino también regala fragmentos de cuarzo a los depositantes. Por razones obvias, desde el rescate de los mineros de Copiapó vive momentos de máxima popularidad.

Practica su oficio de lunes a domingo, entre 10:30 y 13:20 horas, en la cuadra adyacente a la Catedral de Santiago. Una jornada limitada por la purpurina (maquillaje peligroso debido a su toxicidad), y por el esfuerzo físico, que puede provocar lesiones y otros problemas.

Observando su forma de trabajar, lo primero que nos impresiona es el incesante asedio y cariño de los transeúntes.

-¿Por qué ser “estatua humana”?

“Esto empezó hace diez años, y no por necesidad económica -soy publicista de profesión-, sino por un encuentro conmigo mismo. Un día, saturado del encierro en mi oficina, fui a la plaza y me senté frente a una escultura que no había visto. ¿Y en qué momento instalaron esta cuestión?, me pregunté, y cuando comenzó a moverse, quedé maravillado. En ese tiempo había más de 30 figuras de este tipo en el centro. Comencé a preguntar y nadie decía nada, todos cuida-

ban su espacio, pero igual me fui metiendo.

Al principio, mi vestuario era todo negro, sin ningún ‘brillo’, pero no importaba, la cosa era tener la sensación de ser estatua humana, de perder el miedo a la gente, de vencer el pudor y el pánico escénico... De buscar personajes, en total hice ocho, el último fue el pirquinero, en 2002, y entonces Codelco me contrató cuando abrió un espacio para la cultura en su sede central. Trabajé allí nueve meses. Ellos me regalaron el traje de minero que uso hoy”.

-¿Cambió algo el rescate de los 33 mineros?

“Hubo un cambio emocional muy fuerte, la gente está más solidaria conmigo, me grita “¡minero 34!”… Antes me decían “el súper royalty”, por el cobro del royalty a las mineras que se discutía en el Congreso. Por mi personaje he estado en muchos temas contingentes y me han entrevistado todos los medios”.

-¿Cómo surgieron las estatuas humanas?

“Es un fenómeno cultural que viene de España y en 1996 llega a Chile. En Argentina es más masivo, el año pasado fui a un concurso en Buenos Aires donde participaron 42 estatuas vivientes. El primer lugar fue para un gaucho y el segundo, para mí. El ser reconocido internacionalmente me dio mucha felicidad”.

-Supe que además pintas.

“Sí, en mis ratos libres, ese fue mi primer oficio. También fui pintor escenográfico para ‘Sábados Gigantes’ y ‘Venga Conmigo’ en Canal 13. El arte ha estado siempre en mi sangre, pero lo que más me ha encantado es ser estatua viviente”.

-¿Alguna mala experiencia en este oficio?

“La única ha sido con dos carabineros que me han hecho la vida imposible, los he denunciado, me dejan tranquilo y luego vuelven a joderme”.

-¿Has estado preso? “¡Puffff!, las horas que he estado preso suman como cuatro meses. Hace unos años teníamos permiso para trabajar en espacios públicos, pero hoy está prohibido. He hablado con este Alcalde y nos dice que en marzo de 2011 habría autorización. Ojalá sea así: debo dos millones 600 mil pesos por 46 multas…”.

-¿Hasta cuándo piensas estar en esto?

“Hasta que ya no pueda más. Mi sueño es ir a Europa a hacer este arte”.

-¿Resulta lucrativo tu oficio?

“Al comienzo no, pero viendo mi constancia, mi tesón (yo vengo aunque llueva o truene), la gente comenzó a tomarme cariño. ‘¡Minero, el verte todos los días acá me da fuerzas para seguir trabajando!’, me dicen. Mi personaje ayuda sobre todo a los que están sin pega. Y también hago publicidad: ya llevo diez comerciales, tres de ellos internacionales (para China, Corea y Canadá). Además, estoy en gigantografías en todas las salidas de los aeropuertos, claro que eso aún no me lo han pagado. Recolecto entre 20 y 25 lucas diarias. Soy feliz y agradecido: con este trabajo sostengo una bonita familia (mi señora y mis dos hijas)”.

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Desde el Observatorio de Lastarria

por Miguel Laborde

El caos nos ama Y las carabelas tan lentas por la pesada carga

Nosotros somos los depositarios,

se arrimaron a la arena de las costas doradas

somos su mejor banco de valores

y empezaron a bajar, en fila, lo que nos traían,

intransables.

o más bien lo que querían sacar de Europa:

Europa no solo necesita las materias primas,

sus deseos y miedos,

no solo dejarnos los mitos y llevarse el petróleo,

todo lo que habita en lo más profundo

también necesita creer que en algún lugar

lo vinieron a dejar acá.

del mundo

muestran blancas playas, palmeras, Venga a vivir sus sueños.

Sueñan con nosotros.

Pero la geografía es justa, y soñamos con ellos, que algún día seremos un reino de razón -americano del Río Grande hacia abajo, y lógica, el imperio ortodoxo Y bajaron La Fuente de la eterna juventud

siempre más abajo-

Para que ahora nosotros quisiéramos ser jóvenes,

inquietante,

las ciudades de calles de oro

tal vez cerca de una playa mexicana

para que sufriéramos nosotros por no ser ricos

la vida está viva y unas voces seducen

(porque se llevaban el oro en el espacio libre)

bajo las lunas y estrellas

las amazonas soñadas por los griegos y romanos

Aquí en La Sirena

para dejarnos exaltados en sus fantasías,

(Colón desencantado, Colón el niño sabio

aunque amazonas ofrecen prostíbulos escandinavos,

las encontró no tan bellas como las pintaban

del rigor más puro hecho con acero sueco o suizo y ahí sí entraremos en La Ciudad de los Césares Para beber en la fuente más deseada, la de la Inmortalidad.

Por mientras, aquí: y amazonas llamó Gadafi a sus guerreras,

¿pensó a una manatí? ¿deseó a una foca?,

porque no es fácil apedrear un mito.

nunca claudicaba de sus sueños).

El noticiero probó el sistema nuevo del Transantiago, el que anuncia los minutos que faltan para que llegue el bus Aquí las vinieron a dejar,

Ahora en Google Earth todo se hace visible,

y al hombre con los pies para atrás,

hay luz en el hemisferio norte, de día y de noche.

al que tiene la boca en medio del pecho,

Pero aquí solo de día.

y justo, justo a la hora señalada éste apareció a la distancia parecía sonar de fondo la música de John Wayne todo lo deseado y todo lo temido. la emoción viva ante el milagro de lo perfecto, Aquí aún tenemos sombras ciudadanos, ... ¡y el desgraciado no paró!

Y luego los aviones a Cuba y a Río

sombras le tenemos

para pedirlos prestado, por un rato,

y todo eso que nombraba García el Márquez,

cuatro noches y tres días

prostitutas vírgenes, lluvias verdes

sentir un cuerpo, la piel, el ansia

y barcos volantes.

Aunque pongamos orden el caos nos busca, nos sigue.

Le gustamos, nos ama. expulsadas de Europa hace tantos siglos. ¿Dónde iría, sin nosotros?

Lo saben los agentes de viaje, en Ámsterdam, Berlín y Viena, los letreros -tan deslumbrantes en las noches más frías del mundoLa Panera I 41

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Tecnología

Descubrimientos simultáneos Por Edison Otero

Edison Otero Bello es Licenciado en Filosofía y profesor titular por la Universidad de Chile.

Se ha especializado en las áreas de la epistemología, el desarrollo del pensamiento crítico y la teoría de la comunicación. Actualmente es investigador y editor del Centro de Estudios Universitarios (CEU), de la Universidad Uniacc.

a c o n c l u s i ó n parece inevitable: nada obstaculiza tanto nuestra comprensión posible de los avances tecnológicos y científicos como el abordaje genialista. En síntesis, se trata de un enfoque que asocia los grandes descubrimientos con sujetos geniales, dotados de talentos únicos, irrepetibles. Sólo que al interpretar las cosas de ese modo, caemos en otro misterio: ¿cómo se desarrollan estas personalidades excepcionales? Así, no hacemos sino reemplazar una incógnita por otra.

Uno de los defectos más relevantes del enfoque genialista es que se exime de considerar cualquier otro tipo de variables: cultura, sociedad, índice de formación escolar, instituciones, maestros. Todo viene a parar, en suma, en algo extraordinario que ocurre dentro de la mente especial de un sujeto irrepetible, un acontecimiento que sucede de vez en cuando, muy a lo lejos.

Nada socava tan abiertamente al genialismo como el hecho conocido como descubrimiento simultáneo. Los historiadores de la ciencia, los sociólogos del conocimiento, del saber, reportan un caso tras otro. Desde Charles Darwin y Alfred Wallace (que disputaron por la paternidad de la idea de la evolución de la vida en el planeta) los ejemplos sobran: el descubrimiento de las manchas solares, el termómetro, el virus del sida, etc. El cientista social Robert K. Merton encaró el estudio del fenómeno y confirmó, además, que habitualmente esos descubrimientos van acompañados de agrias disputas entre personas diversas que alegan por su paternidad. Sin embargo, refiere un hecho decidor: entre el siglo XVII y la primera mitad del siglo XX, esas querellas han descendido en porcentaje consistentemente. ¿Cómo explicarlo? Tal vez una buena hipótesis sea la aparición y aumento sistemático de las revistas científicas. Esto significa que la paternidad de un descubrimiento dado queda determinada por la primera publicación que da cuenta del hallazgo. En la medida en que las revistas no existían ni en número ni en periodicidad, los procedimientos para establecer confiablemente la responsabilidad de un descubrimiento descansaban en testimonios personales y muchas apreciaciones subjetivas.

Sin embargo, todo lo anterior no responde a la pregunta central: ¿cómo es posible que puedan ocurrir descubrimientos simultáneos de un mismo fenómeno, hecho o situación?

Ciertamente, la tesis menos satisfactoria se refiere a la mera coincidencia. Así, de manera absolutamente fortuita, dos o más personas, o grupos de investigadores, dan con los mismos hallazgos, o los mismos resultados. Demasiado simple para ser convincente.

Una explicación más ajustada a la realidad se refiere a la masa crítica del conocimiento disponible en una época dada, a la información pertinente accesible y compartida por muchas personas a la vez. Si a eso agregamos la existencia de diversos grupos de investigación tratando de resolver los mismos enigmas en un campo dado, la posibilidad del descubrimiento simultáneo se vuelve perfectamente posible. Los investigadores de un ámbito cualquiera leen las revistas de su especialidad, se reúnen en congresos y seminarios, someten sus trabajos a la revisión y crítica de los pares, informan públicamente de sus avances; en suma, pueden fácilmente dirigirse en los mismos

¿Cómo explicarlo? Tal vez una buena hipótesis sea la aparición y aumento sistemático de las revistas científicas.

Esto significa que la paternidad de un descubrimiento dado queda determinada por la primera publicación que da cuenta del hallazgo.

sentidos, explorar los mismos fenómenos con las mismas tecnologías de observación, y formular hipótesis claramente similares.

Podemos llegar a una conclusión en reversa. En los tiempos en que la información era escasa, la comunicación resultaba dificultosa y las distancias eran obstáculos con frecuencia insalvables, el índice de descubrimientos simultáneos tuvo que ser decididamente mínimo, además de imposible de verificar por los medios entonces existentes. Por el contrario, en condiciones de circulación frecuente y masiva de información especializada, lo genial deja de residir necesariamente en un solo sujeto y se distribuye en una suerte de mente social colectiva. Eso se constata en la compleja y articulada organización actual de las ciencias institucionalizadas, verdaderos aparatos productores de conocimiento.

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Destinos

El secreto de los

cafés vieneses

Sentirse en casa, sin estar en ella. Ese es el irresistible atractivo de una de las tradiciones con más solera de la capital austríaca: el Wiener Kaffeehaus. por Antonio Sánchez Solís Desde Viena

unque Viena no fue la primera ciudad europea en tener locales donde el café era la bebida reina, la antigua capital imperial ha sabido mantener durante más de tres siglos una forma de entender la vida que encandila a habituales y turistas.

“El vienés va al café para sentirse como en el living de su casa. Debe estar cómodo, poder leer el periódico, aislarse pero al mismo tiempo estar acompañado”, explica Irmgard Querfeld, gerente del Café Museum, un local con 110 años de historia que acaba de reabrir las puertas por las que un día cruzaron pintores como Gustav Klimt y Egon Schiele, o escritores como Elías Canetti o Karl Kraus.

Lo cierto es que intelectualidad y café siempre se han llevado bien. Así, un joven Sigmund Freud frecuentaba el Landtmann, donde conoció a Anna von Lieben, su famosa paciente Cecilie M, esencial en sus estudios sobre la psique.

Hablando sobre la posibilidad de una revolución en Rusia, un político austríaco planteó: “¿Quién se supone que la va a hacer? ¿Quizás el señor Bronstein desde

el Café Central?”, en referencia a León Troski, exiliado en Viena y habitual de las conocidas partidas de ajedrez de ese local.

Incluso Adolf Hitler, cuando aún no había cambiado el pincel por el fusil y soñaba con ser artista, frecuentaba el Café Sperl, muy cerca de la Academia de Bellas Artes, donde su admisión fue dos veces rechazada.

Renovarse o morir…

En cuanto a la comodidad, Andrea Winkler, del Café Mozart, el más antiguo de la ciudad, insiste en ese afán de buscar el mismo bienestar, o más, que en casa. Winkler explica que la vinculación con el local es tal que incluso cuando un huésped cotidiano enferma, algún familiar llama para advertir que va a estar unos días ausente.

En el Demel se puede desde leer el periódico y charlar con los amigos hasta jugar a las cartas.

El Landtmann era frecuentado por Freud.

Café Museum, decorado por Adolf Loos.

Pero si la comodidad, el tiempo y la elegancia son el alma de esta tradición, el buen café es lo que da cuerpo y prestigio a un Wiener Kaffeehaus (literalmente, casa de café). Para el cliente extranjero, acostumbrado en ocasiones al reducido espectro de “solo o con leche”, la oferta vienesa puede ser abrumadora. Hay para todos los gustos: desde los imprescindibles Cappuccino o Melange al rotundo café turco, el latte, el María Theresia (con licor de naranja), el Mozart (con trozos de almendra), el Franz Landtmann (con brandy y canela) o el Sobiesky, con vodka y miel.

Eso sí, la comodidad, el lujo y el tiempo se pagan: un Melange puede rondar los cuatro euros en cualquier local conocido. Un elevado precio, que sin embargo, no garantiza la supervivencia de estos establecimientos. Cada año cierran lugares tradicionales, los “que se describen en las guías turísticas”, explica Berndt Querfeld, propietario del Landtmann y jefe del gremio de los Kaffeehauser.

Aparte de la amenazas del café a un euro de algunas cadenas de comida rápida, la moda del “café para llevar” y la creciente presencia de los cafés en cápsula en los hogares, Querfeld reconoce que el café vienés también tiene un enemigo en casa: la falta de evolución.

“Muchos espacios no se han renovado desde la Guerra. Tenemos un enorme déficit de inversión. En muchos, de verdad que uno piensa que el tiempo se ha detenido. Probablemente, los cafés vieneses tienen que pensar qué se puede hacer de otra manera y qué es posible transformar sin perder identidad”.

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Agenda

DICiembre INNOVADORA FERIA NAVIDEÑA EN GALERÍA PATRICIA READY

ARTE SIN FRONTERAS A los amantes de las últimas tendencias del arte latinoamericano está orientada la selección de obras de los artistas ganadores de las últimas tres versiones de la Bienal Internacional de Arte SIART de Bolivia. Con más de 30 obras premiadas, que transitan principalmente por el video, la instalación, la fotografía y la pintura, el MAC recibe hasta el 23 de enero la exhibición «Latidos Urbanos» con piezas que por primera vez salen del país vecino. De esta forma, la muestra traspasa las fronteras gracias a las comunicaciones del arte, superando las limitaciones que subyacen bajo el concepto de nación.

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO MAC Parque Forestal. Hasta el 23 de enero de 2011 Entrada general: $600. Estudiantes y tercera edad: $400. Estudiantes U de Chile y Socios de la Corporación de Amigos del MAC: entrada liberada.

Martes a sábado, de 11:00 a 19:00 horas. Domingo, de 11:00 a 18:00 horas.

Teléfono: 977-1755. www.mac.uchile.cl

E

l derecho a la belleza y el acceso a la cultura son los dos GALERÍA PATRICIA READY conceptos que enmarcan la Feria de Navidad con que la Espoz 3125, Vitacura Galería Patricia Ready pone a la venta las obras de sus más Entre el 27 de noviembre y el 24 de diciembre talentosos y jóvenes creadores entre el 27 de noviembre y el Teléfono: 9536210 24 de diciembre. Esta interesante propuesta aspira a sorprender y a cautivar a todos quienes conciben el arte y la cultura como la instancia más importante para lograr una mejor calidad de vida. Entre los más de treinta innovadores artistas contemporáneos nacionales que participan en esta feria están Felipe Cusicanqui, Germán Tagle, Ismael Frigerio, Eugenia Vargas, Alicia Villarreal, Elisa Aguirre, Adolfo Bimer, Teresa Gacitúa, Ximena Mandiola y Cristián Abelli. Toda una hermosa y mágica tentación -que incluye un atractivo 40% de descuento- para una fecha tan especial.

TEATRO UNIVERSIDAD DE CHILE BALLET NACIONAL CHILENO (BANCH) 11, 16, 17, 18 y 23 de diciembre, a las 19:30 horas.

Plateas bajas y altas, $5.000. Plateas laterales, $4.000.

Balcón, $3.000. Anfiteatro, $2.000. Estudiantes U. de Chile: $1.000 y $ 1.500.

Premio Apes 2005, «Noche Banch» es una de las principales coreografías de Gigi Caciuleanu montada por el Ballet Nacional Chileno. La obra está basada en los Conciertos Brandemburgueses nº 5 y nº 3 y en el Motete BWV 227 «Jesu, meine freude».

ORQUESTA SINFÓNICA DE CHILE CONCIERTO ANIVERSARIO 7 y 8 de diciembre, a las 19:30 horas.

Plateas bajas y altas, $9.000. Plateas laterales, $8.000. Balcón, $ 6.000.

Anfiteatro, $4.500. Estudiantes U. de Chile, $1.000 y $1.500.

La Orquesta Sinfónica de Chile, bajo la dirección de su titular Michal Nesterowicz, celebra su 70 aniversario con un concierto que incluye una de las piezas más trascendentales de la música universal: la Sinfonía nº 9, de Ludwig van Beethoven. Participan el Coro Sinfónico de la Universidad de Chile y los destacados solistas nacionales Claudia Pereira, soprano; Lina Escobedo, contralto; Gonzalo Tomckowiack, tenor; y David Gáez, barítono. Esta es la agrupación orquestal de más larga trayectoria del país.

Considerada Patrimonio Nacional, ha mantenido un alto prestigio a nivel nacional e internacional por su calidad artística y su labor de difusión de la música sinfónica de autores chilenos, clásicos y contemporáneos.

TEATRO UNIVERSIDAD DE CHILE Providencia 043 Metro Baquedano.

Teléfono: 978-2480. www.teatro.uchile.cl

RECORRIDO POR AMÉRICA «Arte en América» llega por primera vez a Chile e incluye un total de 216 obras de las colecciones de arte moderno y contemporáneo del Museo de las Américas de la Organización de Estados Americanos (OEA) y del Banco Interamericano de Desarrollo (BID). La selección CENTRO CULTURAL PALACIO LA MONEDA Metro Moneda, abajo de la Plaza de la Ciudadanía contempla piezas de 28 países para 17 de diciembre al 20 de marzo de 2011 representar, reconocer y valorar Entrada general: $1.000. Estudiantes, convenios y tercera edad: el patrimonio artístico de este $500. Lunes a viernes, hasta las 12:00 horas, entrada liberada. continente durante el siglo XX y dar Lunes a domingo, de 09:00 a 20:30 horas. una visión general de las diferentes Teléfono: 355-6500 tradiciones, influencias e innovaciowww.ccplm.cl nes que lo caracterizan. Entre los autores están los íconos del pop norteamericano Andy Warhol y Roy Lichtenstein; el vanguardista de origen cubano Wilfredo Lam; los chilenos Roberto Matta, Mario Carreño, Samy Benmayor, Matilde Pérez, Claudio Bravo y Juan Downey; y los mexicanos Guadalupe Posada, Rufino Tamayo y David Alfaro Siqueiros, este último considerado el “padre del muralismo”. Prometen cautivar la revalorización del mundo indígena y precolombino del connotado Oswaldo Guayasamín y el relato mágico del haitiano Yves Telemak.

PREMIO A LA CREACIÓN Hasta el 30 de enero estarán en exhibición los trabajos ganadores y otros 36 finalistas del Concurso de Arte Joven MAVI Bicentenario Cabeza de Ratón. Certamen que se realiza desde 2006 con el fin de promover y difundir la creación e innovación artística joven, constituyéndose en una plataforma nacional e internacional para el arte emergente. El flamante ganador del primer premio es Nicolás Miranda con su obra «Easy». También fueron galardonados Andrés Lima y María Luisa Murillo con el segundo y tercer lugar, respectivamente, mientras Carla Ríos recibió el Premio Bicentenario..

MUSEO DE ARTES VISUALES MAVI José Victorino Lastarria 307 Hasta el 30 de enero de 2011 Entrada general: $1.000. Niños, estudiantes y tercera edad: $500.

Martes a domingo, de 10:30 a 18:30 horas.

Domingo, entrada liberada.

Teléfono: 638-3502 www.mavi.cl

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Por Pamela marfil

Teatro Nescafé de las Artes ÓPERA DON CARLO 11 de diciembre, 14:30 horas.

Entradas desde $25.000, en boleterías del teatro y ticketmaster Una de las más conocidas óperas de la madurez verdiana, se ambienta en la corte de Felipe II durante el duro período de la Inquisición.

Elenco: Roberto Alagna, Marina Poplavskaya, Simon Keenlyside, Anna Smirnova, Ferruccio Furlanetto.

Director: Yannick Nézet-Séguin.

IN-EDIT NESCAFÉ Festival Internacional de Cine y Documental Musical de Chile 7 al 12 de diciembre Entradas: $2.500 Sábado 11 de diciembre 20:00 horas: «Flamenco Flamenco» 22:15 hora: «Lemmy» Domingo 12 de diciembre 12:00 horas: «Bob Dylan, Don't Look Back» 17:00 horas: «When you're Strange, A film about The Doors» 19:00 horas: «Up Side Down,The Creation Records Story» 21:30 horas: Clausura.

FITO PÁEZ - ÍNTIMO 14 de diciembre, 21:00 horas.

Entradas entre $10.500 y $60.000 www.ticketmaster.cl El “embajador” del rock argentino regresa con su show más personal «Sólo éxitos, sólo un piano». El artista regresa al país en el marco de la gira de su nuevo trabajo, «Confía», disco grabado en vivo el año pasado durante sus conciertos en Buenos Aires, Córdova y Río de Janeiro, entre otras ciudades.

A POSTERIORI 17 de diciembre, 21:00 horas.

Entradas $8.000 a $20.000 www.ticketmaster.cl David Martin, Ana González y David Nieto -integrantes de la compañía de la “bailaora” Sara Baras- presentan su primera producción independiente, la que ha sido un éxito de taquilla.

Innovador espectáculo de flamenco con un montaje audiovisual que crea un lenguaje paralelo y asombroso.

I LOVE NEW YORK MADE IN CHILE 18 y 19 de diciembre, 21:00 horas.

Entradas $8.000 a $20.000 www.ticketmaster.cl Antonia Urzúa Castillo (21) es la primera chilena graduada en el prestigioso Alvin Ailey American Dance Theatre, de Nueva York.

Realizará dos únicas presentaciones con su compañía los días 18 y 19 de diciembre, a las 21:00 horas, en el Teatro Nescafé de las Artes. La coreografía, titulada «I love New York made in Chile», ya fue estrenada exitosamente en la Gran Manzana y ahora llega a nuestro país con la AUC Dance Company, el conjunto multicultural fundado por Urzúa. De esta forma, la profesional lanza su carrera como coreógrafa.

TEATRO NESCAFÉ DE LAS ARTES. Manuel Montt 032, Providencia Teléfono: 236-3333. www.teatro-nescafe-delasartes.cl

Internacional SUDOR DEL SOL En la Pinacoteca de París, la muestra «Oro Inca» continúa su serie de exhibiciones en Europa. El éxito logrado por esta exposición confirma el permanente interés del Viejo Continente por descubrir la herencia de las culturas originarias de América. Hasta PINACOTECA DE PARÍS el 6 de febrero los visitantes Hasta el 6 de febrero de 2011 de la Ciudad Luz apreciarán www.pinacotheque.com las sofisticadas tradiciones acumuladas durante más de 4.000 años de historia por los Incas de la región del Cuzco, entre los siglos XIII y XIV. El oro fue utilizado en una amplia variedad de objetos y está fuertemente ligado a los rituales religiosos. Denominado “sudor del sol”, este metal fue símbolo primordial del poder.

ARTISTA PIONERO Se trata de la primera retrospectiva de uno de los más innovadores artistas del siglo XX: el coreano Nam June Paik (1932-2006), pionero del videoarte. La muestra reúne alrededor de 90 trabajos de todas las fases de su carrera y TATE LIVERPOOL , LONDRES permite apreciar desde sus Desde el 17 de diciembre al 13 performances musicales a sus de marzo de 2011 videoinstalaciones a gran eswww.tate.org.uk/liverpool cala, pasando por sus esculturas robóticas. La exhibición en la Tate Liverpool se centra en el Paik visionario que reconoció el impacto de los medios masivos -como la televisión- cuando estos aún eran una novedad. Capacidad por la que se le reconoce como el “inventor del Media Art”.

TRIBUTO IMPRESIONISTA Tributo al gran impresionista Claude Monet (1840-1926) conocido como “el más francés de todos los artistas galos”. Esta muestra integra la totalidad de los temas abordados por el artista -paisaje, bodegón y retrato-, otorgando MUSEO D'ORSAY, PARÍS una especial atención Hasta el 24 de enero de 2011 a la importancia de los www.musee-orsay.fr lugares, al afecto por su tierra y a la idea de una Francia en pleno cambio. A través de la series «Piedras de afilar», «Los Álamos» y «Las Catedrales», se revelan los métodos y estrategias artísticas del pintor. Simultáneamente, sus temas esenciales -como el ensayo, la memoria y la cuestión del decorado- reflejan el punto de vista con que este creador repite, amplía y profundiza su obra a lo largo de su vida.

FÓRMULA PERFECTA Hasta el 10 de enero estará en el Centro Pompidou la primera retrospectiva de la artista norteamericana Nancy Spero (1926-2009). Una “mujer protagonista y motor de la historia” era el modelo que ella buscaba CENTRO POMPIDOU, representar en sus trabajos con PARÍS materiales modestos.

Entre enero y marzo Por otra parte, se anuncia la de 2011 exposición «Mondrian / De www.centrepompidou.fr Stijl». Es la combinación perfecta para explicar el nacimiento del Modernismo. Este movimiento fundado en 1918 por artistas, arquitectos y diseñadores de los Países Bajos, tiene entre sus figuras centrales a Piet Mondrian, Harnero Doesburg (1884-1931) y Rietveld (1888-1964). Sus adherentes tenían una visión estética y social común, apelando a un nuevo equilibrio entre lo individual y lo universal a través de un vocabulario visual abstracto que pudiera utilizarse con propósitos prácticos pero que al mismo tiempo sirvieran para comunicar el deseo de una mejor sociedad para todos.

ATRACTIVA COMBINACIÓN El impactante Guggenheim de Nueva York propone una interesante combinación de muestras que abarcan dos importantes y muy disímiles períodos de la historia del arte.

La primera, «Broken Forms: European Modernism» (hasta el 5 de enero), explora GUGGENHEIM, NUEVA YORK la tendencia a la no Hasta el 5 y 9 de enero de 2011 figuración imperante www.guggenheim.org/new-york en la época inmediatamente anterior y durante la I Guerra Mundial.

Fragmentación, simultaneidad, desarrollo tecnológico o expresión subjetiva de las emociones fueron los leif motiv de ese momento. Artistas como Giacomo Balla, Marc Chagall, Vasily Kandinsky, Franz Marc, Kazimir Malevich, Piet Mondrian y Pablo Picasso comandaron estilos pioneros como el Cubismo, Cubo-Futurismo, Expresionismo y otras vanguardias.

Luego, y en respuesta a los horrores de la I Guerra Mundial, surge la necesidad de recuperar la belleza y dignidad del cuerpo entero e intacto. La nueva tendencia podría denominarse Anti-Cubismo, AntiFuturismo o Anti-Expresionismo. Por casi 15 años la tendencia de las vanguardias fue el orden, síntesis, organización y valores durables como los del Clasicismo romano o griego.

«Chaos and Classicism: Art in France, Italy, and Germany (1918–1936)» se enfoca en los evidentes propósitos de los artistas de entreguerra de revivir la grandiosidad política del Imperio Romano bajo el gobierno de Benito Mussolini; el Modernismo NeoPlatónico de la Bauhaus, y la estética naciente de la ideología nazi.

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Por pamela marfil

>EL ENCANTO DE LA EXCELENCIA EN FERIA ART MIAMI

C

on gran afluencia de público, entre el 1 y 5 de diciembre se desarrolló la feria internacional «Art Miami», considerada uno de los espacios más connotados y esperados a nivel mundial para promover el encuentro e intercambio de experiencias en el ámbito de las artes visuales. Allí, el stand de la Galería Patricia Ready logró imponer el encanto de la excelencia con la participación de un grupo de destacados creadores nacionales. Las obras de Alfredo Jaar, Felipe Cusicanqui, Alicia Villarreal, Pilar Ovalle, Cristóbal Lehyt, Cecilia Avendaño, José Pedro Godoy y Germán Tagle cautivaron a los numerosos visitantes. La galería sumó a esta seductora delegación al uruguayo Carlos Capelán y a la argentina Matilde Marín. Cada uno, con sello propio, impuso una línea contemporánea y vanguardista en un evento de gran impacto y proyección. Los creadores que representaron a la galería fueron seleccionados por ser portadores de identidad, a la vez que representantes de una avanzada que maneja un interesante e innovador lenguaje visual.

ANTICUARIO VIRTUAL

E

l look vintage no es el único que se impone en la moda o el diseño. Tampoco el futurista es el único que se ha aplicado en las nuevas tecnologías. Existen varios software que han ido adoptando una visual más bien “retro” para acaparar la atención. Al parecer, la idea es recuperar las características antiguas en una lógica que no es utilitaria sino más bien nostálgica, recurriendo a la veta afectiva y estética de los objetos. Estas son novedosas aplicaciones para iPod Touch, iPhone e iPad y se trata de verdaderos anticuarios virtuales para todos aquellos que no desean coleccionar objetos en su hogar. En la Apple Store se encuentran máquinas de escribir -mi Typewriter USD 0.99-, diferentes tipos de walkmans que reproducen música almacenada en los iPod y los clásicos toca casetes -That’ s My Jam o Retro Recorder a USD 0.99 cada uno- que incluso pueden grabar en sonido monoaural. Asimismo está el Gramophone que toca vinilos, reproduciendo los ruidos e imperfecciones de los aparatos antiguos. Hay aplicaciones de fotografía que no sólo utilizan la luz de una Polaroid tradicional sino además reproducen el proceso del revelado que va apareciendo de a poco frente a nuestros propios ojos. En el caso del iPhone o del iPod Touch, estos aparatos hasta se pueden sacudir para apurar el resultado. Es posible aplicar filtros e imperfecciones para llevar la imagen a rojo, verde o granulado. La lista de posibilidades es enorme: calculadoras, despertadores analógicos, teléfonos con discado… En un futuro cercano, cuando los e-books -y quien sabe qué otra tecnología- hayan dominado la faz de la tierra, estos aplicativos tal vez le sirvan a los más románticos para recordar y aprender sobre los orígenes de cada uno de estos maravillosos objetos. Visite: http://store.apple.com/us

>¿DE QUIÉN ES EL TESORO?

E

l próximo 7 de julio de 2011 se cumple el Bicentenario del descubrimiento de las ruinas de Machu Picchu. En 1911, Hiram Bingham, científico y profesor de la Universidad de Yale en New Haven, llegó al santuario inca guiado por pobladores locales y se llevó más de 46.000 piezas para su estudio y catalogación. En aquel entonces, el préstamo iba a ser por un período de 18 meses.

Transcurrieron casi 100 años para que después de una fuerte embestida diplomática, el gobierno de Perú lograra finalmente un acuerdo con la universidad norteamericana del estado de Connecticut para recuperar el 100% del llamado Tesoro de Machu Picchu. Casos como este hay muchos, basta recordar a Nefertitis en Berlín, o la Piedra Rosetta en Inglaterra. De estos hechos surgen muchos cuestionamientos: ¿Es posible que se inicie una "epidemia" de devoluciones patrimoniales? ¿Es conveniente para las piezas arqueológicas el traslado? ¿Quién debe lucrar con su posterior exhibición? ¿Debe una organización internacional intervenir en su administración?...Y, en definitiva, ¿a quién realmente pertenecen?

>¿QUÉ ES LA INTELIGENCIA ESPIRITUAL?

E

n los inicios del siglo XX, el Coeficiente Intelectual (QI) era la medida definitiva y única de la inteligencia humana. A mediados de la década de los 90, el descubrimiento de la inteligencia emocional (QE) demostró que no bastaba con ser un genio si no se sabía lidiar con las emociones. Ahora, la ciencia inicia el nuevo milenio con descubrimientos que apuntan a un tercer coeficiente: la Inteligencia Espiritual (QS). En pocas palabras, esta última incluiría nuestros actos y experiencias en un contexto más amplio de sentido y valor, volviéndolos más efectivos. Estaría relacionada con la necesidad humana de tener un propósito de vida. La norteamericana Danah Zohar (1945), graduada en medicina y postgraduada en filosofía, religión y sicología en Harvard, profundizó estos conceptos y ha escrito una serie de libros al respecto en los cuales propone que además de la Inteligencia Espiritual existiría el Capital Espiritual. Ambos serían fundamentales a la hora de hablar de sustentabilidad a nivel personal, organizacional y social. Si la primera tiene que ver con las creencias, propósitos y motivaciones profundas, por su parte, el Capital Espiritual sería la razón por la que un individuo u organización existe, cree, aspira y asume responsabilidades. Lo invitamos a revisar el siguiente cuadro comparativo: CAPITAL

INTELIGENCIA

FUNCIÓN

Material

QI: Inteligencia Racional

Qué es lo que pienso

Social

QE: Inteligencia Emocional

Qué es lo que siento

Espiritual

QS: Inteligencia Espiritual

Qué es lo que soy

Dana Zohar identificó 10 cualidades comunes en personas espiritualmente inteligentes: practican el autoconocimiento, son guiadas por valores, encaran la adversidad, son holísticas, independientes, preguntan siempre por qué, colocan las cosas en un contexto más amplio, son espontáneas y compasivas.

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Popurrí

Por Luciano Lago

Independencia perdida

Muerte en el aire En 1911, un sastre parisino apellidado Reisfelt intentó volar desde una balaustrada de la Torre Eiffel, a 274 metros de altura, con sólo una capa en forma de alas.

Según la autopsia, no murió del golpe sino de un ataque al corazón antes de tocar el suelo.

Camas y naipes Jugando una partida de cartas, el escritor y filósofo español Miguel de Unamuno comentó que el inventor de los naipes había sido el hombre más listo del mundo. “¿Y qué diría usted del que inventó la cama?”, le preguntó un compañero.

“Nada, porque estoy seguro de que era el mismo”.

LÓGICa

El 10 de octubre pasado, la República de las Islas Fiyi (así debe escribirse en español, en lugar del galicismo Fidji o el anglicismo Fiji), situadas en el Océano Pacífico, celebraron el 40º de su independencia.

Lamentablemente, un error administrativo no les permitió el festejo como corresponde.

La archivadora del Gobierno, Salesia Ikaniwai, admitió la desaparición de los documentos en los que se basa la Constitución y entre los cuales figura el que certifica su independencia respecto al Reino Unido, presentado por el Príncipe Carlos el 10 de octubre de 1970. Según Ikaniwai, el rastro de estos archivos se perdió hace cinco años y desde entonces varios departamentos del Gobierno los han buscado sin éxito…

Por suerte, el Reino Unido aceptó enviarles una fotocopia del documento.

El día de Navidad no fue oficialmente reconocido hasta el año 345, cuando, por influencia de San Juan Crisóstomo y San Gregorio Nacianzeno, se proclamó el 25 de diciembre como fecha de la Natividad. De esta manera seguía la política de la Iglesia primitiva de absorber en lugar de reprimir los ritos paganos existentes, que desde los primeros tiempos habían celebrado el solsticio de invierno y la llegada de la primavera.

La fiesta pagana más estrechamente asociada con la nueva Navidad era el Saturnal romano, el 19 de diciembre, en honor de Saturno, dios de la agricultura, que se celebraba durante siete días de bulliciosas diversiones y banquetes. Al mismo tiempo, se conmemoraba en el norte de Europa una fiesta de invierno similar, conocida como Yule, en la que se quemaban grandes troncos adornados con ramas y cintas en honor de los dioses para conseguir que el Sol brillara con más fuerza.

Woody Allen: “No quiero alcanzar la inmortalidad mediante mi trabajo, sino simplemente no muriendo”.

iagnóstico

Costumbres Aproximadamente el 45 % de la humanidad (más de 2.700 millones de personas) La palabra “trabajo” usa cuchillo y tenedor para proviene del térmicomer; el 36% utiliza palino latino tripalium, llos y un 8% come con las que designaba el manos. El resto emplea caballete de tres palos otros utensilios. utilizado para torturar y azotar a los esclavos.

Curiosidad

Ya octogenario y gravemente enfermo, el pintor e ilustrador francés Jean Louis Forain escuchaba con incredulidad a su médico: “Bien, bien, bien... Le encuentro muy bien. El pulso es correcto; el corazón funciona vigorosamente; apenas tiene fiebre...”, decía el facultativo mientras lo examinaba.

“Vamos -lo interrumpió finalmente Forain-, que me voy a morir en perfecto estado de salud”.

Razón de ser “Si las mujeres no existieran, el dinero no tendría ningún sentido”, afirmaba Aristóteles Onassis.

El villancico más famoso Cada 24 de diciembre, miles de turistas visitan Oberndorf, cerca de Salzburgo (Austria), donde hace 185 años fue compuesto «Noche de Paz». El villancico más conocido del mundo y que ha sido traducido a 330 idiomas, fue creado casi por casualidad. En 1818, dos días antes de Navidad, el viejo órgano de la iglesia de San Nicolás pasó a mejor vida. Para no decepcionar a sus feligreses, Joseph Mohr, cura párroco de esa iglesia, pidió a su amigo Franz Xaver Gruber, maestro y organista del

vecino pueblo de Arnsdorf, que compusiera una melodía para el poema «Stille Nacht!

Hellige Nacht!» que Mohr había escrito en 1816.

En la Misa del Gallo de ese 24 de diciembre, Joseph Mohr, sacerdote con voz de tenor y guitarrista, y Franz Xaver Gruber, que poseía una bella voz de bajo, interpretaron por vez primera «Noche de Paz». El hecho era totalmente inhabitual en la época, cuando los textos religiosos se redactaban todavía en latín. Pero Mohr consideraba que una letra simple y comprensible era lo más adecuado para sus feligreses.

En 1831, un coro que se dedicaba a cantar

aires populares tiroleses incorporó el villancico a su repertorio durante una gira por Prusia. De allí, la canción viajó a Nueva York, donde fue interpretada por un coro tirolés en 1839 sin que se diera a conocer ni sus autores ni su origen.

Treinta y seis años más tarde, la corte real de Prusia, que buscaba el original de la partitura, consultó al párroco de San Pedro de Salzburgo, quien, para sorpresa general, respondió que Mohr y Gruber (muertos en el anonimato en 1848 y 1863, respectivamente) eran los autores de este villancico que se había atribuido a Michael Haydn, hermano menor de Joseph.

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