Ndm2013 fullok2 by Jonatan Brown

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CONTENIDOS: NDM 2013 // 02 - PALABRAS // 04 - GABRIEL OSORIO, director de HISTORIA DE UN OSO // 06 - DANIEL MARTÍNEZ,director de ARTE DE PAPAS // 10 - DEL LÁPIZ AL COMPUTADOR. La larga historia de la animación chilena por: CARLOS GONZÁLEZ // 18 - Homenaje a 15.000 DIBUJOS // 20 - CECILIA TORO, dirección de arte para STOP MOTION // 22 - PABLO CASTILLO, director de MILTIN // 24 - HUGO COVARRUBIAS, director de LA NOCHE BOCA ARRIBA // 28 - Charlas // 29 - Talleres NDM2013 // 30 - En producción

ANIMACHI, la Asociación Chilena de Profesionales y Productoras de Animación, cumple dos años. Si lo comparáramos con un humano, sólo sería una niña o niño que recién aprende a hablar y moverse con algún grado de independencia. Pero el tiempo ha estado de nuestro lado en estos veinticuatro meses. Parece haberse multiplicado y expandido para permitirnos ser mucho más que sólo una nueva voz dentro del sector audiovisual y cultural nacional. Más de 20 productoras, junto a un nutrido abanico de profesionales independientes, nos conforman como el grupo más representativo y organizado que ha tenido este sector en su historia. Y todos con un gran objetivo común: consolidar la industria de la animación chilena. Si 2012 fue el año de la conformación, 2013 ha sido donde hemos trazado nuestro plan de ruta. Este año realizamos el 1er Encuentro de Profesionales y Productoras de Animación, donde se generaron propuestas para los próximos diez años en nuestro sector. No hubo materias que quedaran fuera de este análisis: financiamiento público y privado, acceso a recursos relacionados con I+D y tecnología, difusión, cambios en la TV pública, co-producción y distribución internacional, fortalecimiento de la formación académica, revisión de la leyes relacionadas al sector y la asociatividad como base fundamental para nuestro crecimiento. También comenzamos el trabajo en “El Libro Blanco de la Animación Chilena”, documento que servirá como marco

teórico y carta de presentación para toda nuestra actividad gremial. Es un estudio sobre el estado actual de esta industria cultural en nuestro país y el mundo, y sus proyecciones para el futuro próximo. Para esto, contamos con el mismo equipo investigador que realizó su símil para el sector de la animación española. Ahora esperamos que 2014 sea el año donde nuestro plan comience a dar frutos concretos, aunque ya hay avances importantes, como el crecimiento de parte del CNCA a las misiones, a festivales y ferias específicas como Kidscreen y MIFA/Annecy. Y como sabemos que hemos sido precoces y muy activos, estos logros llegarán. Nuestro sector más que necesitarlo, lo merece.

ALVAROCEPPI CEPPI ALVARO PresidenteAnimachi Animachi Presidente 2012-2014 2012-2014

para decir que la animación le da vida, incluso, a lo que ilusoriamente parece vivo, nosotros queremos animar la difusión a través del flujo natural de la animación: mostrar el movimiento.

Aaron AaronNavia NaviaCampos Campos Director DirectorFestival FestivalNoche NochededeMonos Monos yyCoordinador CoordinadorEscuela Escuela artes artesdigitales, digitales,UDLA UDLA En el marco del séptimo Festival de Animación Noche de Monos nace esta primera revista, pieza gráfica que nos muestra el momento actual de la animación en Chile. Un conjunto de ideas, autores, obras, entrevistas, reflexiones conforman esta publicación, en definitiva, estará presente la animación misma. Si Norman McLaren decía que la animación no animaba personajes, ni escenarios sino el movimiento, curiosa paradoja

El Festival Noche de Monos irrumpe como una extensión de las inmensas posibilidades de la cultura que desata la animación, como una ventana diversa de cosmos ante nuestros ojos, como un ojo ingente que parpadea a 24 layouts por segundos. Esta publicación nace desde la más profunda certeza de que la animación está más viva que nunca, o debería decir, está más en movimiento que nunca. Queremos mostrar la vida de la animación a través de la experiencia de sus autores y, al mismo tiempo, comunicar ideas para que el movimiento sea total y vaya creciendo hacia un promisorio futuro. Bienvenidos a esta primera versión de la revista del festival. Los invito a recorrer estas páginas, fiesta de la difusión, encuentro con el movimiento y las ideas que nos animarán a darle vida a nuestros mundos imposibles, aunque animadamente verosímiles.

GABRIEL GABRIELDirector OSORIO OSORIO Directorcortometraje cortometraje HISTORIA historiaDE deUN unOSO oso 04

NDM - ¿Cómo nace la idea para "Historia de un oso"? Gabriel: Concretamente, nace de recuerdos que tengo de mi abuelo, de la historia de su exilio durante la dictadura, y su regreso a Chile. Ese fue el punto de partida para inventar una historia completamente nueva. Desde ese punto inicial fui desarrollando a este personaje que tiene un pasado complejo y que necesita contar su historia, y lo hace a través de muñecos mecánicos que él mismo fábrica. Creo que el corto también nace de la idea de crear un reflejo de nuestro trabajo como animadores. El oso, a fin de cuentas, también es un animador, da vida a muñecos mecánicos para contar su historia. En general lo que hacemos por medio de la animación, al igual que el oso en el cortometraje, es tratar de mostrar el mundo como quisiéramos que fuera, o las cosas que nos gustan. Uno nunca va a crear una serie o corto sobre algo que no te guste, o que no te interese. Yo pienso, por ejemplo, en nuestra nueva serie “Muelin y Perlita”, sería lo más 'bacán' del mundo poder ser Muelín y explorar el mundo junto a tus amigos, teniendo aventuras en la jungla, en las pirámides, en islas perdidas, etc. NDM - Si tuvieras que definir un sello de autor ¿cuál sería? Gabriel: Siento que el sello que yo trato de darle a las cosas tiene que ver con la idea de la nostalgia, con la importancia de los recuerdos. El cortometraje Residuos (2007) trata de un robot que recuerda el fin del mundo por medio de su memoria digital. Flipos, nuestra primera serie preescolar, rescata harto los recuerdos infantiles y la capacidad de asombro que teníamos en la infancia, como cuando uno es chico y todo parece asombroso, y tenemos estos recuerdos infantiles de lugares espectaculares e increibles. “Flipos” trabaja harto con eso, con la idea de que todos los días podemos descubrir algo nuevo, igual que cuando uno es chico. "Historia de un oso" también tiene una relación directa con la memoria, se trata justamente de un personaje que está tratando de recordar su pasado, a través de sus muñecos. Visualmente siempre me interesa que, independiente del estilo estético, la imagen este cargada de historia, de texturas, que las cosas estén usadas, detalles como esos. NDM - Cuéntanos sobre el proceso creativo. Gabriel: El proceso creativo fue extremadamente arduo y complejo porque, creamos literalmente un universo completo: dónde habita el oso, cómo es su mundo, su ciudad, los muñecos que él fabrica. Además, el corto tiene una historia dentro de la historia, para la cual también hubo que crear un mundo entero. Está el mundo "real" del oso, y el mundo "ficticio" dentro de la maleta. El primero es un poco más

realista, el oso tiene pelo, está iluminado de manera que se siente más real. Dentro de la maleta todo es de hojalata, sucio, gastado, se ven los mecanismos que hacen andar este pequeño teatro. También aparecen diferentes técnicas, haciendo guiño a los inicios de la historia de la animación; por ejemplo, en una parte aparecen siluetas que proyectan una sombra, como las primeras películas del año 1900 y algo. También aparece animación cutout, de papel. NDM - Para ti ¿es más interesante dirigir un proyecto más artístico, como un cortometraje, o algo considerado más comercial aunque tenga un desarrollo artístico, como una serie de televisión? Gabriel: Los dos son tremendamente interesantes, pero creo que la principal diferencia entre ellos es el público a quién va dirigido. Cuando estaba en la universidad hacía todo para mí, mis cuadros, yo era mi público. Después, cuando hicimos Flipos, fuimos a los jardines infantiles y vimos cómo los niños se reían y enganchaban con la serie, y eso lo encontré demasiado entretenido. Ahora, en este momento, es más satisfactorio hacer algo como Muelines y que la gente lo pase bien. De alguna manera el corto es súper personal, es súper propio, quizás no sea tan masivo. NDM - El cortometraje se comenzó a realizar el 2010 y ahora se está terminando a fines de 2013. ¿Es el proyecto al que más tiempo le han dedicado en Punkrobot? ¿Crees que este es un proyecto emblemático para la productora? Gabriel: Sí, puede ser, siento que además el corto refleja esa evolución, a pesar de que yo veo un resultado final bastante parejo, ha ido cambiando y creciendo con los años, y refleja el crecimiento de la productora. NDM - ¿Qué tan difícil fue el desarrollo de este proyecto a nivel tecnológico? ¿Qué problemas hubo que resolver técnicamente? Gabriel: La iluminación siempre es un problema bastante complejo en la animación 3D. Y el pelo. Hicimos muchas pruebas del pelo del oso, se podría decir que nos demoramos unos tres años intermitentes en encontrar una solución que nos dejara satisfechos. De hecho, el pelo se tiene que sacar en una capa aparte, en conjunto con las capas de color, sombras y profundidad de campo. Estas capas se toman y se componen en After Effects. NDM - ¿Cuál es el próximo proyecto que realizarán en la productora? Gabriel: Nos acabamos de ganar un fondo Corfo para hacer la pre-producción de la película de Muelín y Perlita. Así que ese es nuestro próximo proyecto, Muelines, the movie. 05

Daniel DanielMartĂ?nez MartĂ?nez Director Directorcortometraje cortometraje

Arte Artede dePapas Papas

NDM - ¿”Arte de papas” está basado en un mito chilote o es una creación personal? Daniel: No, está basado en un mito real, es una creación personal que toma aspectos de la tradición chilota, como es la brujería, que en la isla llaman "arte"; de ahí proviene el título del corto. Yo estuve durante varios años muy vinculado a la isla; viajé muy seguido y obtuve la "experiencia visual" que me sirvió para crear los fondos. Luego vino el trabajo de dirección de arte de Constanza Wette, que terminó por definir las atmósferas, la luz y sombra, y una afortunada corrección del color que terminó por consolidar la visualidad del cortometraje. La idea de hacer una producción propia es desde hace por lo menos cuatro años. Antes fue sólo trabajo y aprendizaje. Llevo 17 años en el oficio. NDM - ¿Qué significó para ti liderar un proyecto tan elaborado como este? Daniel: Tengo harta experiencia trabajando con equipos en proyectos complejos en términos de producción, así que no hubo nuevos desafíos en ese sentido. Los desafíos de "Arte de papas" fueron fundamentalmente de arte, lenguaje audiovisual, creación, y esos desafíos se manejaron a la par con la directora de arte. Vamos entrando de lleno... NDM - ¿Estás satisfecho con el resultado? Daniel: Estamos satisfechos. De todas formas somos súper autocríticos y nos evaluamos como equipo con un 5,5. Nos topamos con un enemigo que no previmos antes de comenzar. Costó enormemente encontrar pintores de fondos idóneos (siempre lo digo y no es broma, los pintores están en extinción; en Chile, nadie los forma). Fue difícil dar con una animación de calidad y la etapa del clean-up, donde trabajamos con excelentes jóvenes que se inician recién en el oficio, requirió de mucha atención. Volviendo a la evaluación de resultados, “Arte de papas” es una obra de corte "clásico", así que el arte de la pintura y el dibujo eran fundamentales. En este sentido pudo ser mejor.

NDM - ¿Cuál fue tu percepción el día del estreno? Daniel: Con Constanza Wette y Elizableth Molina, coejecutoras del proyecto, quedamos felices. Se llenó la sala, fue una jornada completa para todos y parece que los espectadores se entretuvieron. Varios mencionaron que se les hizo corto, quedaron con ganas de más. “Arte de papas” es una obra que te deja animado, con un gustillo cómodo en el pecho y, al margen de la crítica docta o profesional, cumple con lo que es para mí el verbo del audiovisual; uno como espectador se toma el tiempo para relajarse y disfrutar del espectáculo. NDM - ¿Cuál fue el mayor desafío que enfrentaron al momento de animar? Daniel: La falta del manejo del dibujo enfocado a la animación. “Arte de papas” exigió de animadores y asistentes con mucho manejo del dibujo y al mismo tiempo del programa, y eso es una aguja en un pajar. Cada uno de ellos, para nosotros como equipo, vale oro. NDM - ¿Qué herramientas técnicas utilizaron? Daniel: Toda la producción se hizo digitalmente. Storyboard y animatic con ToonBoomStoryboard, Backgrounds y layout en Photoshop. Animación, clean up, pintura y una pre-composición en ToonBoom Pro2, composición final en After Effects y edición final en Premier. Bueno, también hace años en unas croqueras se dibujaron a lápiz los primeros bocetos y viñetas para storyboard. NDM - ¿Alguna reflexión para comentar? Daniel: Falta rigor en la formación de nuevos animadores y talentos para la animación. No podemos dejar de lado el hecho absoluto de que la animación es un arte y requiere de conceptos y aprendizajes en ese sentido. La técnica, la herramienta digital no es el fin y objetivo del oficio.

“Hipermono” por: Kevin Toledo

Alumno 2do año Animación Digital - UDLA

“Teoría Annunakis” por: Catalina Torres Alumna 2do año Animación Digital - UDLA

DEL LÁPIZ AL COMPUTADOR La larga historia de la animación en Chile. Por: Carlos González Ilustraciones: Leo Beltrán Escribir sobre el desarrollo de la animación en Chile obliga a recurrir al trabajo investigativo y colaboración de distinguidos profesionales, cuyos aportes permiten esbozar un perfil cercano a la realidad sobre esta maravillosa actividad. El objetivo de este escrito es dar una visión general al avance que ha tenido en Chile la animación, destacando los principales hitos que le han permitido progresar desde un simple trazo de lápiz grafito en el papel, pasando por los acetatos, las plasticinas y finalmente por la tecnología computacional. El aporte de las investigaciones realizadas nos permite redescubrir que ya en el año 1921, en Concepción, aparecen los inicios del cine animación en Chile, con la película “La transmisión del Mando Supremo”

con dibujos de Alfredo Serey junto al ilustrador Nicolás Martínez con una producción de 20.000 dibujos y de 10 minutos de duración. Al ser una película muda, los diálogos se realizaban con globitos, dibujos estáticos, al igual que las historietas impresas, con mucha deficiencia desde el punto de vista cinematográfico, fue el comienzo de la primera aventura gráfica llevada al cine. La segunda película chilena titulada “Vida y milagros de don Fausto”, comienza su producción en el año 1924. Este film se basó en una tira cómica norteamericana publicada en el diario El Mercurio, sobre los personajes Fausto y doña Crisanta del dibujante George Macmanus. La cinematografía es la piedra angular en los procesos del cine animación. Así es como un destacado dibujante, cineasta, escritor y

parasicólogo, llamado Jorge Délano-COKE- en 1915 filmó su primera película muda “Boleto de Lotería” y fue el primero en realizar la primera película sonora en Latinoamérica en 1934 “Norte y Sur”, creador del personaje Juan Verdejo de la revista Topaze. Coke introdujo animación como efecto especial en una de sus películas mudas, antes de conocer a Disney; también hay antecedentes de que en 1929 realizó el primer largometraje bajo esta técnica, titulado “La calle del ensueño”, un film donde participaban personajes dibujados con actores reales, una novedad en la época por el aporte de nuevos recursos técnicos aplicados. Testimonios de estos films no quedan, como las películas de la época eran de acetato, fueron destruidas y transformadas en peinetas. Un aporte importante al desarrollo del cine animación en nuestro país fueron Jaime Escudero y Carlos Trupp, dos jóvenes estudiantes de arquitectura que en 1937 inician la producción del largometraje “15.000 Dibujos”. Ellos, incentivados con el aporte económico de su familia, con una realización gráfica artesanal, el apoyo de sus compañeros de universidad y la visita de Walt Disney a Chile, en 1941, los motivan por hacer posible el proyecto. Disney los visitó y aconsejó, transmitiéndoles ciertos secretos que, pasado los años, logran develarse como la rotoscopía, filmación de escenas reales para ser traspasadas a dibujos, facilitando así la producción. “15.000 Dibujos” fué terminada; sin embargo, su proyección en el estreno no fue exitoso. Comparativamente, las películas de Walt Disney fueron su peor competencia.

En 1961, René Rios -PEPO- creador de Condorito, trabaja en su proyecto cinematográfico: “Condorito en el circo”, producción a color de Diva Estudios Chile, animado por el propio Pepo y asistido por Luis Zelada. Por problemas económicos y por las exigencias de Pepo al no

encontrarse conforme con el resultado final, su estreno no se realizó, quedando esta producción congelada definitivamente. En el Departamento de Cine Experimental de la Universidad de Chile, se realizaron un sinnúmeros de experiencias. En el año 1965, con Pedro Chaskel en la edición, Héctor Ríos en la fotografía y con dibujos de Claudio di Girólamo, filman “Érase una vez”. 10 dibujos que, con movimientos de cámara y diversidad de encuadres, logran dar vida a esta película. Esta producción fue premiada en innumerables festivales, tanto nacionales como internacionales. Por otra parte Carlos González, en 1969, formaba el Departamento de Animaciones de TVN creando a Tevito, Conejo TV y externamente al Búho de canal 9. En 1972 participa en el evento “24 cuadros por segundo” organizado por la Universidad Técnica del Estado, evento que destacaba los trabajos de animaciones de la época. A solicitud de Pepo, Condorito es llevado por vez primera a la TV, con los dibujos de González, asistido por Oscar Vega, creador de Mampato. Correspondía a un spot comercial para promover el libro de Condorito impreso en la editorial Pincel. Ambos realizadores, González y Bustamante, formaron gente en las diferentes técnicas del cine animación, motivando a los diseñadores gráficos a preocuparse por esta gráfica en movimiento. Es así como estudiantes en práctica y profesores de diferentes universidades pasaron por los talleres de animaciones de TV Nacional, retransmitiendo posteriormente sus conocimientos a los alumnos de las escuelas de diseño. Se formó un gran movimiento, se acordó celebrar el 9 de diciembre “El Día del Realizador de Animaciones”. En esa fecha se reunían los realizadores y se premiaban las diferentes instancias de producción, como los guiones, story board, comercial, técnica etc. Se proyectaban los trabajos

realizados en el año. Era una sana competencia y motivaba a ir mejorando las producciones. Pasaron los años y empezaron a surgir producciones más ambiciosas.

la Universidad de Chile. Estos personajes invitaban a dormir a los niños o promovían por continuidad los diferentes programas de sus parrillas programáticas.

En 1973, Hugo Jaramillo, realizador que se formó en los estudios ICAI de Cuba, realiza el largometraje “Martín y Cano”, filmado y construida su escenografía y confección de los muñecos en los estudios de Chile Films. Participaron en su realización: José Domingo Ulloa y Beatriz González. Con el golpe militar, esta producción quedó inconclusa, perdiéndose sus películas al ser intervenida Chile Films durante la dictadura. Ese mismo año durante el golpe militar, el dibujo animado Tevito es sacado de las pantallas de TVN y sus películas quemadas; con el tiempo, se lograron rescatar algunas de ellas que quedaron en poder de funcionarios de esa estación televisiva.

Enrique Bustamante, creador del angelito, tenía una productora llamada Grafilms, la que además hacía spots publicitarios. Tuvo como socio a Álvaro Arce, dibujante que trabajó en los estudios de Hanna Barbera en EEUU, en los estudios Disney y de larga trayectoria en el extranjero. En esos años llega a nuestro país Vivienne Barry, realizadora que se especializó en Alemania en las técnicas de stopmotion y papeles recortados. Ella realizó innumerables trabajos publicitarios, algunos de ellos premiados. En 1981 animó un piloto de 5 minutos titulado “La hora del sereno”, producido por Filmocentro, y con muñecos de Martita Carrasco. Este piloto sería la motivación para que, diez años después, Vivienne Barry realice con mucho éxito “ Tata Colores”.

En los años 80, la productora Grafilms realizó “Condorito” y “los Chistes de Lucas”. Además, empezaron a producir para series extranjeras. Allí, muchos de los dibujantes que trabajaban con Bustamante formaron empresas aparte, generándose nuevas competencias. Mientras el equipo de animaciones de Televisión Nacional daban charlas en las universidades preparando a las nuevas generaciones de diseñadores, llegó una nueva forma de hacer animación: la computación gráfica. Se incentivó y sembraron las primeras semillas en las universidades, cuyos resultados en la actualidad están a la vista. La televisión fue un medio muy importante de difusión de la gráfica en movimiento, para generar en las escuelas de diseños de las universidades una de sus principales motivaciones pedagógicas. Bajo este advenimiento, el cine animación tuvo masiva aceptación, principalmente porque se proyectaron personajes realizados en Chile y que identificaban la imagen corporativa de los diferentes canales: el angelito era de canal 13, Tevito en TV Nacional o el búho, en canal 9, de

A fines de 1982 se realiza, con patrocinio de la Universidad de Concepción, el Primer Festival Internacional de Dibujos Animados, organizado por Vittorio di Girólamo y Oscar Vega. Ambos también tuvieron experiencias en este tipo de producciones. En ese festival tuvieron participación los más destacados productores de cine animación de la época. Por esos años, la realizadora Ingrid Muñoz comienza su producción didáctica “Nuestros orígenes”, filmada en 16 mm. de una duración de 30 minutos, destinada al segmento infantil, donde con un lenguaje sencillo, nos muestra la historia del poblamiento americano y la cultura precolombina hasta la llegada de los españoles. Su excelente realización fue premiada internacionalmente y en nuestro país. En los años 90 , Vivienne Barry produce 16 episodios en la técnica del stopmotion para la televisión: “Tata Colores”. Vivienne fue la realizadora, guionista y animadora de todos los capítulos. Esta serie fue galardonada

en numerosos festivales de televisión infantil. La infinidad de cortos realizados por Vivienne Barry hasta la fecha y siendo partícipe en la formación de muchos realizadores, hace de ella una de las profesionales más destacadas hasta hoy. En 1989 se crea la productora “Cine Animadores”. Una de sus principales producciones fue “Ogú y Mampato en Rapa Nui” (2000) bajo la dirección de Alejandro Rojas y la producción ejecutiva de Juan Diego Garretón. Largometraje de 80 minutos de duración y filmado en 35 mm. Posteriormente, realizó una animación de Papelucho. La proyección de Mampato fue una gran espectáculo que tuvo gran masividad y aceptación en los espectadores, cerrándose un ciclo importante en la animación chilena. Otro de los profesionales importantes en este campo es Tomás Welss. En 1993 regresa a Chile desde Alemania. Su prolífica producción, tales como “Reunión”, “Noche”, entre otras, ha cimentado un espacio importante en el desarrollo de la animación.

Con la llegada del nuevo siglo, la gráfica en movimiento toma un gran impulso. Las universidades, a través de sus escuelas de diseño, han motivado a la juventud realizando festivales nacionales e internacionales de animaciones. El movimiento gráfico computacional está ganando espacio en el campo comunicacional junto con la creatividad de los jóvenes. La animación en Chile ha evolucionado considerablemente, gracias a la tecnología y a los conocimientos que los profesionales de hoy tienen acceso. El gran cambio realizado desde el cine animación hasta la computación gráfica, es notable. Esta herramienta digital está presente en cualquier parte de los procesos de animación. Lo hace más seguro y llega a juntar en algunos casos todo el trabajo de dibujo, color, audio, edición, en una sola estación de trabajo. También redujo los procesos de producción, materiales, equipamientos y los grupos humanos de trabajo.

Después de este largo recorrido, hemos llegado finalmente a los procesos completamente realizados digitalmente. Ha destacado en este campo la productora “Tercer Hemisferio”, dirigida por los hermanos Fucaraccio con su proyecto emitido por Canal 13 “Pulentos”, una serie infantil de gran éxito, realizado en 3D. En esta técnica, A Tiempo Multimedia se destaca por la producción “La Tortuga Taruga” (2004), microprogramas de 20 segundos con contenidos valóricos, creación de Elizabeth Carmona. Esta misma productora produjo en serie “ El ojo del gato”. Su realización realizada también en 3D. Las técnicas de animación, como aporte a la educación infantil, es muy interesante. Hoy podemos ver muchos programas educativos, sobre todo infantiles, muy bien recibidos por el espectador. La animación día a día va abarcando nuevas áreas, convirtiéndose en algo interesante de ver, el aporte a los procesos de capacitación empresarial, hacen también de ella una muy eficaz herramienta educativa. En el caso de la TV Infantil y gracias al financiamiento del Consejo Nacional de Televisión, el Fondo Nacional de la Cultura, Corfo y aportes de la empresa privada, hacen posible llegar a feliz término algunas buenas iniciativas.

Es así como apoyándose en la computación gráfica, se fueron creando un sinnúmero de productoras, cuyos proyectos fueron aprobados por el CNTV. En 2005 nace Clarita, personaje infantil llevada a las pantallas de la TV por medio de más de 20 capítulos, gracias al aporte económico del Consejo Nacional de TV. En 2004, de la producción de la serie “Villa Dulce” de Poli Buttazonni y Francisco Bobadilla, hecha en animación 2D cut-out, destacan los animadores Oscar Ramos, Julio Pot, Pablo Castillo y Leo Beltrán. Algunos de ellos se separan creando nuevas productoras. Capítulo aparte son las producciones de Cubo Negro. Utilizando la técnica tradicional cuadro a cuadro del cine animación, dan vida a la serie infantil “Diego y Glot”. Sus realizadores Claudio Kreustzberger, José Tomás Correa y Sebastián Correa, hacen de esta serie infantil unos de los aportes importantes en este campo. Otra de sus producciones es “Patagonia y los hombres del confín”, dirigida por Erwin Gómez. También produjo “Cuchuflí” de Tomás Montalva. La productora Simu, en una combinación de escenas reales, computación 2D y gráfica animada, realiza “Chilean

Geographic”, con la dirección de Bernardita Ojeda. En 2007, Vivienne Barry logra hacer proyectar en pantalla la serie infantil “Ene tene tú“ producida en stopmotion en plasticina y en el 2010 “Cantamonitos”, realizada en papel recortado, plasticinas, muñecos y una variedad de técnicas artesanales.

La cantidad de proyectos llevados a la pantalla son variados en el tiempo, técnica, temáticas y objetivos, pero reconocidos por los talentos que han surgido. En adelante nacen interesantes proyectos como: “Rokunga, el último hombre pájaro” y “Siaskel el gigante” de Erwin Gómez, “Ciudadano Letrok” y “Sala común” de Sebastián Correa, “Woki” de Marcelo Díaz, “Ver desierto” de Andrés Salva, “Como alitas de Chincol” y “Resucita rey Orelie” de Vivienne Barry, “República Banana” y “Gomon, el caballo traidor” de César Peña, ”Verde que te quiero” y “Pasta” de Tomás Welss, “El mundo al instinto” de Sebastián Correa, ”Candle” de Aldo Faúndez, ”Pájaro mudo”, “Palmer Cortez” y “Vogos Neoprén y Vogos Illuminati”, “Cansados de mierda + cuatro moscas en un cuarto” de Francisco Huichaqueo, ”Choripán” de Tomás Montalva, ”Popolvuh” de Ana Pavez, “Eluwün el mito” de Gabriel Garía Roig y Marcel Lagos, “Ana, ¿verdad?” De Sara Salazar, “Maleza” y ”El almohadón de plumas” de Hugo Covarrubias, ”Coipo milk” de Cecilia Toro, ”Jugando con la muerte” de Jorge Vergara, “Los pintores chilenos” de Eduardo Ojeda, Pepe Ulloa, José Atenas y Ricardo Paniagua, producción de una hora de duración. La lista es interminable, los realizadores suman y salen de las escuelas universitarias con una visión mas amplia sobre el que hacer. El mejor ejemplo lo tenemos en Catalina González Pérez, estudió comunicación multimedia, egresando de la universidad Uniacc en 2009, se especializó en el extranjero- en Cice, Madrid – España, siendo una de las pocas

profesionales chilenas que tiene un máster profesional en 3D producción digital y edición no lineal. Se ha especializado en Animación Corporativa, ha participado en la producción infantil Nan i Nen, y un proyecto en ejecución de serie infantil Yiya. Hoy, la cantidad de escuelas que han nacido y las oportunidades que existen de ir a perfeccionarse en el extranjero, hacen que Chile se vaya nutriendo de nuevas técnicas y metodologías. La nueva generación sale a recorrer por el mundo moderno de la animación tecnológica. La animación para la televisión abierta es escasa, falta financiamiento y apoyo a los profesionales que proponen. Los proyectos infantiles están supeditados a ganar fondos concursables del CNTV.

Este recuento es un homenaje a Jorge Escudero, autor de “15.000 dibujos”, quien hace 75 años se atrevió a concretar su mágico sueño. En septiembre de 2012 falleció, fui a su casa demostrando mi admiración y agradecimiento por su aporte. Su solitario viaje al cementerio fue acompañado sólo por su anciana hija. Él fue uno de los pioneros que sembró la semilla del que quiere... puede ¡ Viva la animacíón mierda!

Referencias: “Animación- La Magia del Movimiento” de Vivienne Barry, Jorge Montealegre, Historiador del humor gráfico chileno; opiniones y escrito de Domingo Ulloa, Jorge Délano, Mauricio García (Ergo cómic).

Tenemos grandes profesionales, gente muy talentosa con posibilidades de llevar a cabo producciones de calidad. Es fundamental contar con un equipo completo, donde no sólo se hable de animación, sino, abarcar contenidos esenciales para una producción animada exitosa. Hoy, las universidades están implementando nuevas carreras y los jóvenes se ven cada día más interesados en conocer este maravilloso mundo de la animación. Están creando una base de profesionales para el futuro, pero tienen el problema de que no enseñan suficiente dibujo de figura humana, dibujo académico y estructura, la base para cualquier expresión plástica. Además de la entrega de conocimientos más profundo sobre cine; en compaginación, timing, encuadres, planos, etc. Destaquemos los innumerables festivales que muestan el avance e interés por mostrar los progresos. Este largo camino que hemos recorrido, desde el lápiz grafito a la computación, nos hace tener confianza en los jóvenes de hoy, cuyo entusiasmo, creatividad y espíritu de iniciativa harán de la gráfica en movimiento un permanente desarrollo. Al igual como los pioneros de la animación en Chile.

“Entomonofagia” por: Ignacio Alveal Alumno de 2do año Animación Digital - UDLA

“Círculo bizarro” por: Katherine López Alumna de 2do año Animación Digital - UDLA

15.000 15.000dibujos dibujos Las aventuras del Cóndor Copuchita, en el film “15.000 dibujos”, realizado entre 1937 y 1941, son el fruto del entusiasmo de dos jóvenes estudiantes de Arquitectura, Carlos Trupp y Jaime Escudero, más la ayuda de amigos y familiares a quienes lograron contagiar con su entusiasmo. Como el tío Rodolfo, quien construyó los aparatos de filmación, compañeros de universidad, la naciente CORFO y otros, como el mismo Walt Disney de paso por Chile. Sabemos de esta obra por diarios y revistas de la época, hoy sólo podemos ver menos de dos minutos, de la obra de animación más antigua de la que existe registro audiovisual en la historia de animación chilena. Realizar un reconocimiento público a los pioneros de la Animación en Chile, ya es parte del Festival Nochedemonos. En ediciones anteriores fueron: el Puma Bustamante, Tomás Welss, Carlos González y álvaro Arce. 18

de deCarlos CarlosTrupp TruppyyJaime JaimeEscudero Escudero Este año, nuestro homenaje al trabajo realizado por Carlos Trupp y Jaime Escudero, y su aporte a la historia de la animación chilena, va acompañado de una gran noticia. En conjunto con Cineteca Nacional y Dirac, recuperaremos y restauraremos material inédito del largometraje, que esperamos ver pronto en una próxima edición de NochedeMonos. Sergio Díaz García Director Escuela de Artes Digitales UDLA Productor Ejecutivo Festival de Animación NDM

RODRIGO T. CON EL METRAJE ENCONTRADO. Foto cortesía de Bárbara Trupp, nieta de Carlos Trupp, alumna de la carrera de Animación Digital, UDLA.

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NDM: ¿Cual ha sido tu relación con la 'animación'? Cecilia: Mi relación con la animación partió con el desafío de realizar una serie de 8 minutos para Zumbástico Studios "Potti il astronauta inamoratto" sin tener mucho conocimiento ni formación sobre el tema. Eso fue lo mejor, porque tuve que reaccionar rápido y actuar sin poder dudar. Luego, mi relación con la animación se fue especificando cada vez más hasta trabajar sólo la dirección de arte. Con ambas experiencias he aprendido un montón. NDM: ¿Cuantos años llevas vinculada a la animación? Cecilia: Debo llevar unos 8 años. NDM: Harto tiempo para reflexionar sobre "el cómo hacer" Cecilia: También hay mucha experiencia de "Cómo NO hacer"… Yo creo que la conclusión grande es el equilibrio entre ideas muy fluidas, mucha visión, mucha soltura combinado con orden, concentración y mucho, mucho trabajo. La concentración y el stress muchas veces queman cartuchos, por eso es tan importante el orden para poder trabajar en esto muchos años. Algo así como un deportista de alto rendimiento. NDM: Claro, animar es un gesto físico... Cecilia: Sí, la tendinitis es un mal del gremio. Pero creo que el stop motion es incluso un poco más desgastador físicamente. "Maestreas" mucho haciendo la dirección de arte y los animadores trabajan horas de pie. En estudios de stop motion de otras partes hasta dan masajes profesionales para el equipo durante la producción, un ejemplo a seguir (risas). Es como aceitar una máquina. NDM: Decías anteriormente que también ilustras, pero en animación sólo conocemos tu trabajo en base a objetos y plasticina, mayormente. Cecilia: La ilustración digital es más amable... existe el "control z" y la posibilidad de probar mil veces lo mismo, versus cualquier técnica análoga; en este caso, la plasticina, que es mucho más frágil y momentánea; ¡justamente es eso es lo que más me gusta! no hay cómo controlarla, por lo mismo es mil veces más expresiva si no tienes miedo a trabajarla. NDM: Si claro, pero en el dibujo ¿puedes ser igual de expresiva que con la plasticina? Cecilia: Yo pienso que sí, pero la gente piensa que no, (risas) la plasticina produce algo especial en las personas, como que les anula el juicio. De todas maneras, yo no creo que todo se trate de la técnica. Las ideas deben sustentarse por sí mismas, entonces en este

momento mis energías van más por el lado de perfeccionar una idea original o un guión que sea resuelto con la técnica que responda mejor a esto y no la idea al servicio de la técnica. NDM: Cuéntanos de tu historia fuera de la animación. Cecilia: Vengo del oficio de la ilustración para prensa (ilustré para un suplemento infantil en el Diario El Mercurio durante dos años), donde el ritmo era fuerte, lo cual me entrenó para entender y "soportar" mejor el ritmo de la animación. Luego de 8 años trabajando para series animadas en stop motion para TV, estoy retomando la ilustración, pero esta vez desde el libro ilustrado, porque tenía una necesidad muy grande de realizar mis propias ideas. Casi siempre es al revés: la gente que trabaja en su escritorio sueña con que la descubran y le den un trabajo estable. Mi historia resultó al revés. Apenas termine los libros que tengo en el horno, me encantaría volver a la animación para hacer mi propio cortometraje. NDM: ¿Cual es tu último trabajo para animación? Cecilia: Mi último trabajo fue la dirección de arte para los 26 capítulos la serie "Horacio y los plasticines" con Zumbástico Studios. Aquí en Chile se vio una temporada, pero hace poco fui invitada al Festival Anima Córdoba y fue divertido darme cuenta de que mucha gente conocía el programa, pues se emite por el canal Paka Paka de Argentina. Para “Horacio y los plasticines” diseñé todos los personajes de la serie, principales y secundarios (que eran bastantes) y facturé todos los personajes de plasticina. También diseñé los títeres, que fueron facturados por Miriam Riquelme. Siempre la nombro, porque hizo un trabajo increíble interpretando el diseño original. En el caso de los sets, en la primera temporada trabajé sola con ayudantes y en la segunda temporada logramos formar un pequeño equipo que permitió que se animaran 13 capítulos en 8 meses. El proceso total debe haber sido dos años y medio. NDM: Por último, tu visión personal sobre la dirección de arte. Cecilia: Mi visión sobre la dirección de arte es que necesita estar alejada lo más posible de referencias estéticas. Respeto y necesito mucho las referencias en términos técnicos, pero en términos de imaginario creo que oír, observar, leer sobre otros temas, hace mejor para tu capacidad de interpretar un guión. Comparto la visión Kazuo Oga, en el sentido de saber la importancia del entendimiento profundo, respeto mutuo y la confianza absoluta que se tiene con el director. Debe ser un maridaje perfecto.

Director cortometraje cortometraje PABLO PABLOCASTILLO CASTILLODirector MILTíN MILTíN

NDM - El cortometraje está basado en un cuento de Juan Emar, pero ¿de dónde nace la idea de realizar Miltín?, ¿de convertirlo en un cortometraje de animación? Pablo: Admiro el trabajo de Juan Emar desde que un compañero de universidad me presentó su libro “Ayer” en los locos años 90’s. Desde entonces, sentí afinidad por el universo particular y surrealista que construye en cada relato, además de su anacrónico y fino sentido del humor. Como dibujante y animador, la manera en que visualicé esta lectura fue una revelación inmediata. Mientras leía, las imágenes llegaron solas (ayudadas por la gran capacidad descriptiva del autor, claro) y con ellas las ganas de traducirlas en algo concreto. Pienso que la animación es surrealista por naturaleza y, por lo mismo, encontré un muy buen aliado en Juan Emar. NDM - ¿Cómo definieron la estética? ¿cómo es el proceso creativo para llegar al resultado final? Pablo: La estética deriva de mis trabajos personales de dibujo e ilustración no remunerada. Sin embargo, animaciones de este tipo, de larga duración, con tiempos de producción prolongados y equipos de trabajo numerosos, inevitablemente se vuelven colectivas y los créditos son compartidos. Entendiendo esto, la idea es que todos los colaboradores se sientan cómodos y aporten con su trabajo de manera tangible e identificable, más que como simple mano de obra. Por lo tanto, a pesar de la guía, el resultado final es, sin duda, una mezcla de factores, manos, cabezas, corazones y personas. NDM - Al ver el cortometraje se siente que fue un proceso creativo y abierto, ¿definieron todo en la animática o hubo cambios hasta el montaje? Pablo: Evidentemente, gran parte de la animación se define en el animatic, sobretodo en términos de tiempos y ritmo. Independiente de eso, pienso que todo puede ser modificable hasta el último minuto (guardando las proporciones, claro), los errores deben corregirse, las buenas nuevas

ideas deben aplicarse. Y así ocurrió con “Miltín”. El paso del tiempo, sin duda, aporta con una visión más objetiva. Es muy probable que meses después de hecho, un guión, storyboard, animatic o hasta un plano terminado, no sea tan efectivo como parecía, y debe hacerse algo al respecto. En este caso trabajamos básicamente hasta que estuvimos conformes con el resultado final, y hubo cambios y mejoras durante todas las etapas de producción. Creo que es posible trabajar sin animatic en proyectos personales o más experimentales, donde uno determina su propio método de trabajo de acuerdo con sus propios objetivos y necesidades; en estos casos, hasta el guión puede ser prescindible si se tiene una idea clara. Sin embargo, es fundamental en proyectos de esta envergadura, cuando la idea y el orden debe transmitirse a un número mayor de personas como parte de un proceso productivo. NDM - ¿Estas satisfecho con el resultado del cortometraje? Pablo: Creo que Miltín, para bien y para mal, es todo lo que esperaba que fuera, y estoy muy satisfecho con el resultado. El día del estreno me sorprendí gratamente con la buena recepción y los buenos comentarios posteriores. NDM - ¿Crees que es para todo espectador o para un público más cercano a la animación? Pablo: Creo que no excluye a ningún tipo de público, pero obviamente la percepción y el nivel de comprensión varía de acuerdo con el criterio que se aplique. NDM - ¿Tenías un objetivo específico al momento de realizar el cortometraje? Pablo: Que no me quedara grande el poncho. Lograr una buena adaptación a la altura de las circunstancias, aportar al texto original con una interpretación fiel y propositiva, que además fuese capaz de existir de forma autónoma.

Hugo HugoCOvarrubias COvarrubias

Directorcortometraje cortometraje Director 24

La LaNoche NocheBoca BocaArriba Arriba

NDM - ¿Cómo se produce tu acercamiento a la animación? ¿Fue el stop motion la primera técnica que utilizaste? Hugo: Mi acercamiento a la animación viene desde más menos los 12 años, ya que siempre tuve contacto con cámaras de video, mi papá se compró una en el año 82, animaba objetos y juguetes, lo típico. Pero fue en la universidad estudiando diseño gráfico cuando hice mi primera animación 2D tradicional, dibujé y escaneé 200 cuadros para animar una serie de transformaciones de un personaje. Luego, en el año 2005, con Muriel Miranda comenzamos a crear “Maleza”, la primera obra de teatro que mezcló animación stop motion, radioteatro y teatro de forma interactiva, es decir, los personajes animados dialogan con los actores. En ese proceso aprendí casi todo del stop motion, investigué y practiqué. Ahí descubrí que quizás el stop motion era lo mío, ya que podía mezclar mi gusto por el cine, la plástica, el diseño y la animación. “Maleza” fue mi primer gran proyecto, ya que aparte de ser como una escuela para mí, es una obra con la que hemos viajado por Chile, Francia y República Checa, es una obra que estrenamos en 2006 y que aún la seguimos montando.

producción y 1 mes de post 3D estereoscópico.

NDM - Has trabajado en importantes proyectos de animación stop motion, como “El almohadón de plumas”, “El ogro y el pollo”, “Horacio y los plasticines” y tu último cortometraje "La noche boca arriba", ¿prefieres los cortos o las series de tv? Hugo: Es una pregunta difícil, porque me gustan mucho ambas áreas. Por una parte, me gusta controlar casi todo en los cortometrajes, en cuanto a historia, foto, luz, composición, construcción, diseño. Y por otra, también me gusta participar en proyectos de TV educativa y de entretenimiento, en los cuales se ven muchas manos mezcladas en un mismo proyecto. Pero debo reconocer que cada vez que empieza el proceso de un proyecto personal me da miedo, y superarlo es demasiado satisfactorio, eso es algo que no he sentido en los programas de TV.

NDM - Según tu visión, ¿qué necesita nuestra industria para consolidarse? Hugo: Necesita mas riesgo de parte de los creadores y financistas. Creo que podemos tener más potencial que muchas industrias mundiales, pero si no nos arriesgamos, vamos a hacer mas de lo mismo.

NDM - ¿Cuánto duró la producción de "La noche boca arriba"? Hugo: La producción completa duró 11 meses. Fueron 3 meses de pre producción, 5 de animación, 2 de post-

NDM - ¿Cuál es el siguiente paso para el cortometraje después de su estreno? Hugo: Participar de festivales, realizar el estreno oficial en 3D, gestionar alguna temporada de exhibición en 3D, venderlo a canales, etc. NDM - La estereoscopía, ¿fue un desafío mayor? Hugo: Sin duda fué un gran desafío, ya que antes de partir con cada plano había que calibrar la profundidad 3D, y para eso tuve que investigar y practicar. Luego, en la postproducción, tuvimos que tomar decisiones narrativas con la profundidad. NDM - ¿Cómo ves el stop motion a nivel nacional? Hugo: Está cada vez aumentando y mejorando, hay hartos grupos que se lo están tomando en serio, pero queda un largo camino para llegar a un nivel como el que hay en Argentina o Brasil (refiriéndome a nivel mas local).

NDM - ¿Próximos proyectos? Hugo: En estos momentos me encuentro realizando la producción de “Un poco invisible” nuestra cuarta obra de teatro con mi compañía “Maleza”, la que codirigiré con Muriel Miranda, tendrá mucha animación stop motion, estoy experimentando con nuevos materiales y técnicas. Esta obra es financiada por Fondart de creación. Aparte, con Zumbástico Studios acabamos de ganar un CNTV con “Puerto Papel” serie en stop motion con personajes y escenarios de papel, que empezará su producción el próximo año.

“Foto familiar” por: Cristian Giralda Alumno 2do año Animación Digital - UDLA

Presentación Festival NDM2013 por: Ariel Espinoza, Sebastián Rebolledo, Bastián León. Alumnos 4to año, Animación Digital - UDLA

CHARLAS CHARLAS NDM2013 los existentes

Stop motion, con las manos sucias

¿Como sería Caperucita Roja si el bosque estuviera en llamas? Maneras en que se entretejen ambiente y personaje dentro de la narración, construyen y deconstruyen mundo, acciones y acontecimientos.

Explicación y demostración en vivo de la técnica de animación stop motion, muestras de trabajo y comentarios sobre la película ‘Selkirk’.

gastón caba (Argentina)

Producir una película animada en latinoamérica

UN CORTOMETRAJE DE PRINCIPIO A FIN: “THE GIFT”

Presentación de un caso de estudio, enfocado en la realización del largometraje “Rodencia y el diente de la princesa” realizado por ‘Redpost’

Procesos involucrados en la creación del cortometraje “The Gift”, desde el guión hasta la postproducción, incluyendo algunos ‘tips’ de distribución a festivales.

Milton Guerrero (Perú)

María Podestá (Uruguay)

JULIO POT (CHILE)

TALLERES TALLERES NDM2013 Narrativas transmedia: ¿Qué son y cómo funcionan?

j.pablo álvarez+bambú+ max pérez/piñata corp.

Introducción al mundo de las nuevas narrativas, cómo se definen y construyen, formas de explotación, casos de fracaso y éxito.

Contenido animado para youtube

bernardita pastén+iván kohan/marmota studio Animaciones diseñadas para la web, un nuevo formato que se expone en Youtube. ¿Qué son? ¿En qué consisten? ¿Cómo funcionan?

Escaneo 3D con Kinect

Gabriel Osorio/Punk Robot Escaneo de elementos reales para su traspaso a 3D, utilizando como únicas herramientas un computador y un kinect.

Diseño de personajes y pintura digital

oscar ramos

Proceso de diseño de personajes para publicidad y animación, con ejemplos y una demostración de pintura digital.

Fabricando proyectos de animación

francisco nicolet/gong!

Generando animación en Chile de forma profesional con proyección internacional, basados en la experiencia de Gong!.

Narrativa audiovisual de series animadas

bernardita ojeda+simón ramírez/Pájaro

De la idea al storyboard. Planificación, narración y dirección de piezas audiovisuales y series animadas. Realización colectiva de guión técnico-storyboard. 29

SERIE TV: (post-Producción)

SERIE TV: (pre-producción)

Muelines es una serie animada que muestra las aventuras de un grupo de exploradores. Muelín, un intrépido aprendiz de explorador, viaja alrededor del mundo junto a su fiel perro Colmillo y su mejor amiga Perlita, una pequeña y distraída niña. Con la ayuda del explorador en retiro don Juicio, llegarán hasta los rincones más lejanos del mundo, para lograr encontrar la tribu de los dientes de sable, explorar las catacumbas de diengipto o fotografiar al gran molar blanco, Muela Dick.

Zak, Sara, Teo y Merlinda, un grupo de chicos amantes de la naturaleza, acampan en una apacible reserva natural. De pronto, el cielo se ilumina y cae sobre ellos el meteorito Dubidubi, un asteroide de energía ancestral que otorga a los chicos fantásticos dubipoderes. Conscientes de sus nuevas habilidades, los chicos Dubidubi viajarán por el mundo para detener al malvado Lord Inero, un ambicioso anciano multimillo-nario dispuesto a destruir la naturaleza para obtener más dinero y satisfacer sus excéntricos caprichos. Ahora, el futuro del planeta se encuentra en las manos de cuatro niños y un perro, que surcan los cielos demostrando al mundo que un cambio aún es posible. ¡ Bienvenidos a bordo de la Reserva Dubidubi !

Matilde llega al pueblo de Puerto Papel para pasar sus vacaciones de verano junto a su abuelo Barbacrespa. Ella no sabe que esto será el punto de partida para una aventura que cambiará su vida.

MUelines

Director: Gabriel Osorio Realización: Punkrobot Studio www.punkrobot.cl

RESERVA DUBIDUBI

Director: Jorge "Bambú" Orellana Guionistas: Juan Pablo Álvarez y Juan Esteban Díaz Productora General: Magdalena Leturia Producción de Animación: Cecilia Baeriswyl Animación: Julio Pot y Sebastián Castro Una producción de: Piñata Corp. y Mini Estudio.

EN ENPRODUCCIÓN PRODUCCIÓN 2013

PUERTO PAPEL

Dirección: Álvaro Ceppi / Hugo Covarrubias Producción Ejecutiva: Gabriel Noé / Álvaro Ceppi / Enrique León Producción General: Cristián Louit / Ana Díaz Guión: Carlos Bleycher / Andrea Cordones Diseñador de Producción: Pablo Castillo Dirección de Arte: Claudia González Guevara Diseño de Sets: Gabriela Villalobos Asistente de Dirección: Enrique Ortega Animación Teaser: Enrique Ortega / Hugo Covarrubias Animación 2D: Pablo Castillo Composición Digital y Post Producción: Krft.tv Música: Pedro Santa Cruz y Sacramento Una serie creada por Álvaro Ceppi, Hugo Covarrubias, Cristián Louit, Carlos Bleycher y Gabriel Noé. Una producción de Zumbástico Studios y Gloob (Brasil). www.zumbastico.com

SERIE TV: (pre-producción)

LARGOMETRAJE: (PRODUCCIÓN)

Pasos Muertos trata sobre una serie de personajes que entran a nuestro mundo, llamados “Revivos”. Éstos son criaturas que han quedado atrapadas en un lugar intermedio. Este espacio contenedor de espíritus ha copado su límite, provocando que espectros desesperados puedan cruzar el puente para llegar hasta nuestro mundo. Para romper la barrera entre ambos universos, deben cumplir ciertas reglas, la principal es que el “Revivo” debe remplazar el espacio vital en el mundo de los muertos por otro espíritu; es entonces que su pasaje de salida es alguna muerte inocente de un ser vivo que lo reemplazará irremediablemente. Estos personajes llamados “Revivos” irán apareciendo en cada capítulo, teniendo como hilo conductor la adaptación de estos seres al nuevo mundo y su integración en el hábitat humano. Ésta será gradual y traerá consecuencias tanto para los seres humanos, como para las criaturas espectrales corpóreas.

Imagibalón es una serie de dibujos animados, de carácter educativo. Relata la historia de seis niños que, ayudados de un misterioso “Balón Mágico”, son capaces de realizar increíbles proezas, siendo esta situación la detonante de múltiples y sorprendentes aventuras marcadas por el descubrimiento de lugares típicos de Chile y el aprendizaje de la cultura de nuestro país.

Nombre: El ojo del gato Año producción: 2012 – 2015 Duración: 90 Min. Género: Animación 3D Público: Infantil Familiar

PASOS MUERTOS

Dirección: Álvaro Rozas Idea Original: Aarón Navia Campos Guión: Aarón Navia Campos, Álvaro Rozas Leiva y Rolando Jara Producción: Aarón Navia Campos Director de Animación: Marcelo Varas Dirección de Arte: Álvaro Rozas Leiva

IMAGIBALóN

Dirección: Carlos Andrés Moreno País: Chile Año: 2013 Duración: 13 minutos Género: Animación, Infantil, Aventura Idea Original: Carlos Moreno, Andrés Ceballos Guión: Álvaro Rozas Leiva Producción: Elizabeth “Pepa” Molina Dirección de Arte: Leonardo Huerta

EL OJO DEL GATO

Dirección y Guión: Elizabeth Carmona Prod. Ejecutiva: Patricio Gamonal Consultoría Guión: Pablo del Teso (Argentina) Productor Musical: Juan Pablo Ibeas Doblaje: Kitchen (EEUU) Casa Productora: ATIEMPO (Chile) Co-productor: EDEN (India)

ENPRODUCCIÓN PRODUCCIÓN 2013 EN

ANIMACHI.CL

Asociaci贸n Chilena de Profesionales y Productoras de Animaci贸n

2 a帽os trabajando por la animaci贸n de Chile

Director Artístico : Aarón Navia Productor General : Pato Escala Productor Ejecutivo : Sergio Díaz Asistente de Producción : Sebastián Moyano Colaboradores : Bastián León Ariel Espinoza Sebastián Rebolledo. Catálogo : Leonardo Beltrán Ilustración Portada : Gastón Caba Tira cómica : Katherine López Staff NochedeMonos : Franco Bernasconi Fernando Manríquez Macarena Muñoz Karina Trujillo Enzo González, Alheli González Diego Navarro Tayz Rui-Pérez Michael Vallejos Axel Pailamilla

animación ° 7 udla presenta

festival de

nochedemonos.cl

13, 14 Y 15 DE NOVIEMBRE 2013

animaci贸n 掳 7 festival de

nochedemonos.cl

organizan:

auspician: patrocinan:

13, 14 Y 15 DE NOVIEMBRE 2013

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