A Little Beat #102

editorial A Little Beat... #102 OTOÑO 2011 FALL 2011 Publicación trimestral Quarterly Publication Depósito Legal: V-1547-2001 Dirección: Gonzalo Pérez a.k.a. GNZ gnz@alittlebeat.com Portada, Diseño y maquetación: GNZ Publicidad/Advertising: Amanda Gómez +34 963 275 494 alb.amanda@alittlebeat.com Contacto/Contact: +34 963 275 494 info@alittlebeat.com Colaboradores/Contributors: Amanda Gómez, Antonio García Mora & MTN World, Charlotte Rorive Sanguino, Dani Segura del Monte, Eduardo G. Magaña, GNZ, Jose Serrano Martí, Larry ACR, Lukasz Polowczyk.

(No nos responsabilizamos de las opiniones vertidas por nuestros colaboradores.) www.alittlebeat.com

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Portada / Cover by GNZ Editorial Index BLNRB Entrevista / Interview PROJECT:MOONCIRCLE Entrevista / Interview LOS HERMANOS Reportaje / Report PERE ANDRÉS IN MEMORIAM Reportaje / Report EVERY NO ONE Entrevista / Interview RED BULL THRE3STYLE VLC Reportaje / Report SAILE Entrevista / Interview BRAUN BATTLE OF THE YEAR 2011 Reportaje / Report

entrevista

blnrb berlin-nairobi NRBLN una entrevista de GNZ / fotos: Georg Milz + Adrian Storey + Jerry Riley “BLNRB – Welcome to the Madhouse” es la culminación, en forma de LP, de un ambicioso proyecto iniciado en 2009 por el Instituto Goethe de Nairobi, con la participación de una selecta representación de artistas electrónicos berlineses encabezados por los hermanos Gebrüder Teichmann, y con el objetivo de establecer nuevos canales de comunicación y de creación con artistas del continente africano, concretamente con los raperos y músicos más solicitados de la capital de Kenya, Nairobi.

Este verano de 2011 salía a la luz, a través del sello alemán Outhere Records, el esperado LP, que contiene el fruto de este intercambio cultural, 18 canciones grabadas en Nairobi, resultado de la colaboración y el trabajo conjunto de un nutrido grupo de artistas de muy diferente origen, pero con un nexo común, el amor por la música y por la experimentación.

En nuestra página web ya os presentamos este proyecto a finales del mes de Junio, pocos días antes de la publicación oficial de “BLNRB-Welcome to the Madhouse”, pero nos quedamos con ganas de más, así que nos pusimos en contacto con Hannes Teichmann (el 50% de Gebrüder Teichamnn junto a su hermano Andi) y con Jahcoozi, integrantes del proyecto, para concertar una entrevista y que nos contaran más detalles sobre sus vivencias y experiencias en este intercambio artístico y cultural.

A continuación podéis leer lo que Sasha, vocalista de Jahcoozi y Hannes Teichmann nos contaron acerca de BLNRB…

blnrb ¿Cómo surgió la idea del proyecto BLNRB – NRBLN? ¿Quién y cómo tuvo la idea que originó el devenir de los acontecimientos?

Gebrüder Teichmann: La idea del proyecto BLNRB nació tras una primera visita a Nairobi, donde Andi iba a pinchar en la inauguración de una exposición en el Instituto Goethe, hace dos años. Dos mundos musicales muy distintos se encontraban por primera vez y Andi y Johannes Hossfeld (Director del Instituto Goethe en Nairobi) tuvieron la idea de realizar una colaboración entre esas dos escenas de club tan diferentes, en Nairobi y en Berlín. A nuestra vuelta a Berlín, les pedimos a Jahcoozi que se unieran, y así paso a paso nació el proyecto BLNRB. ¿Cómo se afronta un proyecto de tal envergadura?

GT: El proyecto se desarrolló poco a poco. Era como un gran experimento cuando empezamos, pero todo encajó a la perfección. A lo largo de dos años, se desarrolló de una forma maravillosa. Y el resultado global no habría sido posible sin el entusiasmo de todos y cada uno de los involucrados. Creemos que la elección de las personas adecuadas es mucho más importante que un concepto totalmente desarrollado.

Sasha (Jahcoozi): Personalmente, estaba muy emocionada por ir a Kenya a trabajar con artistas locales… lo afronté tal y como se presentó, charlé con los músicos, salí por ahí, establecí mis vínculos, encontramos un espacio común e hicimos música… mucha música, sin estar determinado por ningún otro objetivo que hacer música. Para mí fue algo instintivo… congenié con los músicos a un nivel que nos permitió trabajar juntos.

Me imagino que cuando pusisteis un pie por primera vez en Kenya, la sensación tuvo que ser alucinante… ¿era vuestra primera visita al continente africano?

GT: Para la mayoría de berlineses y para nosotros también, era la primera visita que hacíamos al continente africano. Fue algo realmente excitante, y muy diferente a lo que esperábamos.

S: Yo estuve un mes de viaje por Marruecos en el 2000, con un amigo… pero eso es el norte de África, que tiene un ambiente muy distinto.

Hannes Teichmann

¿Y cuál fue su reacción ante el tipo de electrónica que les hicisteis llegar?

GT: En realidad pudimos ver una evolución a lo largo de los dos años. En la primera actuación la gente estaba muy sorprendida, incluso un poco confundida con la música, pero aún así les gustaba e intentaban bailar.

Cuando actuamos allí por tercera vez, la movida ya se había hecho grande y la gente estaba esperando los ritmos de Berlín. Cuando entraron los 4 primeros compases la gente empezó a gritar y a saltar.

S: Estaban muy abiertos a todas las movidas que estábamos haciendo… se identificaban perfectamente con el aspecto más dub y con ciertos elementos como los bajos y los graves de nuestra música…

Ukoo Flani ¿Qué es lo que más os llamó la atención de los artistas locales y de su música?

GT: Andi conoció a un montón de artistas en su primera visita, en la inauguración de la expo en el Goethe Institute, Ukoo Flani por ejemplo, que también actuaron allí. El instituto está estrechamente conectado con la escena local, y eso fue una parte importantísima para el proyecto BLRNB. S: Las melodías… con algunos miembros de la Ukoo Flani crew, como Alai K y La Vosti… me flipó el tiempo y la entonación de las rimas y melodías que eligen… es algo realmente especial. Los pelos de punta al oírlos cantar…

¿Y el público? ¿Cómo reaccionó la gente ante vuestro primer concierto en Kenya? ¿Quién participó en ese concierto?

GT: Después del set de dj de Andi en solitario en 2009, regresamos más tarde ese mismo año con Jahcoozi.

Por la parte keniata actuaban Ukoo Flani, Abbas, Kimya y LJ. Fue una gran evento, organizado por el instituto Goethe en un taller de coches gigantesco en el centro de Nairobi. Contaba con una instalación de club maravillosa, a cargo del artista Sam Hopkins, también de Nairobi, y las visuales de Just A Band, fue un evento muy especial para todos los residentes en la ciudad. En ese concierto, Ukoo Flani enloqueció al público. ¿Qué nos podéis contar de Madhouse? ¿Cómo fue la experiencia de convivir y trabajar en una casa de Nairobi con la escena local?

GT: Tuvimos un montón de momentos muy buenos, pero por supuesto, también algunos problemas. Creímos que trabajar en la Madhouse era la mejor decisión posible, en vez de trabajar en estudios corrientes. Fue una experiencia muy intensa para todo el mundo y nos llevó a una conexión muy profunda entre la gente involucrada. Hacíamos música todo el día, sin ninguna otra responsabilidad, fue una gran sensación para todos nosotros. También nos ahorramos muchísimo tiempo al evitar el tráfico de Nairobi.

S: ¡Intenso! Quiero decir, que dormir en un cuarto del

blnrb Modeselektor at work

Jahcoozi jamming with Oren otro lado del salón donde estaba el estudio de Jahcoozi, diagonalmente opuesto al estudio de Modeselektor, y encima del local de los Teichmann, no es algo que se haga todos los días… Me recordó a mi piso compartido de estudiante en Brixton a finales de los 90… siempre había algún cuerpo en el sofá cuando te levantabas por la mañana. ¿Cómo os organizabais en las sesiones de ensayo y de estudio?

GT: Llevamos hasta Nairobi 4 maletas extra repletas de equipo. 2 mesas de mezclas, micros, cables… Jahcoozi tenían montado un set de grabación en su habitación, nosotros teníamos otro en el nuestro. Modeselektor se pasaron un par de días y utilizaron nuestro estudio.

Desde el momento en que todo estuvo instalado, empezamos a grabar, la gente iba y venía, hacíamos mucha improvisación. Aparte de las canciones de

“Welcome to the Madhouse” todavía queda mucho material en nuestros discos duros.

Los ensayos para el show en Berlín fueron muy disciplinados: los keniatas llegaron un Lunes, y sólo teníamos tres días hasta que tuviéramos que inaugurar el festival Worldtronics, con un concierto de dos horas, y 25 músicos involucrados. No nos habíamos visto en siete meses, y los temas habían crecido durante ese tiempo. Fue un gran desfile de cantantes, mc’s, baterías y músicos por los tres locales de ensayo… todo el mundo estaba de los nervios al principio, pero muy contentos después, ya que resultó un gran éxito.

S: ¡Mal! ¡Era el caos! La gente se levantaba y haciámos temas con ellos… era difícil que la peña se ciñera a un horario… algunos se levantaban a medianoche y entonces sólo hacíamos sesiones nocturnas. ¡Pero de todos modos siempre había demasiado volumen como para dormir!

¿Alguna anécdota especialmente divertida que podáis contarnos de vuestra estancia en Madhouse?

GT: Mientras Modeselektor grababan en nuestro estudio, nosotros improvisábamos con Ukoo Flani en el hall. Simplemente tocábamos el sintetizador, en vivo, con las teclas del ordenador, mientras Pop y Lavosti hacían freestyle por encima. De repente, unos perros que había fuera empezaron a ladrar, al ritmo, como en un diálogo con Pop. Y eso es lo que se oye en el tema “Living Room”, no hemos cambiado nada. Se puede escuchar a los perros ladrando, tal y como lo grabamos en directo en aquel momento.

S: Las únicas mujeres en el edificio éramos Jessica la cocinera, Theresa la chica de la limpieza y su hermana que le echaba una mano, y yo. Me sentí muy unida a estas mujeres porque me sentía mal que tuvieran que limpiar todo el desastre que montaban 28 animales que rondaban por la casa haciendo música.

“Wanyama” significa animales en Swahili… así es como aprendí la palabra, porque las señoritas no paraban de llamar “wanyama” a los mc’s!

Me imagino que los artistas locales fliparían con vuestros equipos… ¿Cuáles eran los comentarios al respecto?

GT: Sobre todo con los equipos analógicos que llevábamos, eso era totalmente nuevo para ellos. Los productores keniatas trabajan principalmente con ordenadores, con programas como Fruity Loops. Ukoo Flani hizo un comentario bastante divertido cuando

blnrb Ben Houges, un productor de los Estados Unidos que se pasó por la Madhouse, trabajaba con MAX MSP. Dijo: “Este tío está loco, está calculando los ritmos en vez de tocarlos!!”

Cuando comenzamos era un experimento y nadie podía saber si funcionaría en el aspecto personal tanto como en el musical.

Ahora podemos decir: ha funcionado en todos los sentidos, y ahora hay una profunda conexión entre artistas de Berlin y de Nairobi, eso perdura tras terminar el disco.

¿Y cómo trabajan habitualmente los artistas locales? ¿Qué tipo de equipos utilizan?

GT: Just A Band era la única banda que trabajaba con instrumentos acústicos, percusiones y voces.

¿Va a tener continuidad BLNRB – NRBLN? ¿O es un proyecto con un final determinado?

GT: Desde el punto de vista oficial es un proyecto con un final determinado, que es la publicación del disco.

Pero toda la gente involucrada se esfuerza para seguir adelante con el proyecto, y desean realizar más conciertos de BLNRB en un futuro próximo.

Pero es algo muy complicado de llevar a cabo, incluso los gastos del desplazamiento, son 25 artistas de diferentes continentes. Pero todavía tenemos esperanzas, y ojalá encontremos el apoyo que necesitamos para llevar a cabo un tour europeo.

S: Más grande, mejor, más países, más músicos, más caos y más música!!!

¿Cuáles son las influencias musicales que llegan hasta allá? ¿Qué concepto tienen de la electrónica europea?

GT: No conocen casi nada, del mismo modo que nosotros desconocíamos por completo la música del Este de África. Es lo que más nos motivó. Tuvimos que empezar desde la base, y eso era una situación muy emocionante.

S: Tiesto es una enfermedad, lo mismo que David Guetta. A día de hoy, afectan a más gente que la malaria…!!

Y cómo fue la segunda parte del proyecto… ¿qué tal la visita de los artistas africanos a Berlín?

GT: Fue genial enseñarles Berlín después de nuestra estancia con ellos en Nairobi. El concierto de Worldtronics fue a principios de Diciembre, y la primera noche cayó una nevada. Para ellos era la primera vez que veían la nieve. Hay incluso una película de un equipo de productores italo-keniatas: Ukoo Flani explorando la escena underground berlinesa, tocando con artistas de Berlín y descubriendo lo que es el aburguesamiento.

Se llama “Twende Berlin” y merece la pena verlo, tu ciudad desde un punto de vista muy diferente. Se podrá ver muy pronto en Europa.

S: Una locura!!! Hacía 10 grados bajo cero y nevaba… fui a Marzahn por primera vez en mi vida porque los keniatas estaban actuando en una galería allí.

Fue curioso que viviendo en Berlin durante 11 años nunca hubiera tenido un motivo para ir a Marzahn.

Recíprocamente, durante nuestra estancia en Kenya fuimos a una free party en Kibera, que es el gueto más grande de Nairobi y el segundo más grande de África.

Sasha Los mc’s keniatas con los que trabajé tampoco habían estado allí nunca. Por lo visto uno puede vivir en una burbuja en cualquier ciudad…

Por una parte el proyecto consta del intercambio cultural entre los artistas de los dos países, con los conciertos y demás, y por otra parte y no menos importante, está la grabación de un LP con las diversas colaboraciones que realizasteis con los artistas de Nairobi… ¿Cuál es vuestra sensación sobre el resultado final? ¿Estáis satisfechos?

GT: Estamos muy contentos con el resultado final.

¿Cómo mantenéis el contacto con los artistas que conocisteis en África?

GT: Principalmente a través de Facebook y por correo electrónico, pero no será la última vez que visitemos Kenya, ni mucho menos, y algunos artistas keniatas también planean regresar a Berlín.

S: Ahora también en Facebook, mantengo el contacto con alguno de ellos… Nazizi vuelve a Berlín en Noviembre, e intentaré volver a conectar con ella definitivamente.

Estuve de viaje yo sola en Lamu, en la costa de Kenya, después de terminar nuestra estancia de trabajo en Nairobi, y me veo viajando de nuevo a Kenya pronto algún día… si es así contactaré con ellos seguro.

http:// www.outhere.de http://blog.goethe.de/BLNRB/

ENGLISH VERSION interview

blnrb

berlin-nairobi an interview by GNZ

“BLNRB – Welcome to the Madhouse” is the culmination, under the shape of an LP, of an ambitious project started by Goethe Institute Nairobi back in 2009, with the participation of some of the finest Berliner electronic artists headed by Gebrüder Teichmann, and with the purpose of establishing new communication and creative channels with African artists, to be precise, the most wanted rappers and musicians from Kenya’s capital, Nairobi.

This summer of 2011, the long awaited LP was finally released, through German label Outhere Records, containing the fruits of this cultural exchange, 18 tracks recorded at the Madhouse in Nairobi, the result of the collaboration and the combined work of a huge number of artists, each of them having a very different background, but with love for music and experimentation as a common link.

We already presented to you the project at the end of June on our website, a few days before “BLNRB Welcome to the Madhouse” was officially released, but we wanted more. So we got in touch with Hannes Teichmann (one half of Gebrüder Teichmann, besides his brother Andi) and with Jahcoozi, members of the project, to arrange an interview, so they can give us more details about the experiences they lived with this artistic and cultural exchange. Next you can read what Sasha, Jahcoozi’s singer, and Hannes Teichmann told us about BLNRB…

How did the idea of BLNRB – NRBLN came up?

Who and when had the idea, the first origin of the project?

Gebrüder Teichmann: The idea of the BLNRB project came up during a first stay in Nairobi, were Andi was DJing at an exhibition opening at the Goethe Institute, two years ago. Two different musical worlds came together the first time, so Andi and Johannes Hossfeld (the director of GI Nairobi) had the idea to make a collaboration between these two very different club music scenes in Nairobi and Berlin. Back in Berlin we asked Jahcoozi to join and step by step the BLNRB project was born.

How do you face such an important project?

GT: The project developed little by little. It was a big experiment when we started, but everything fitted perfectly together. Over the two years it grew in a wonderful way. The whole thing wouldn´t ever be possible without the enthusiasm of all participating people. We think the choice of the right people is more important, than a full-blown concept.

Sasha: Personally I was just excited about going out the Kenya and working with people.... I took it as it came, chatted to the musicians, hung out, bonded, found common ground and made music... lots of it, without being particularly channeled for any other aim other than making music. For me it was an instinctual thing...

I clicked with the musicians on a level that allowed us to work together.

I guess the first steps you made in Kenya might have been an awesome feeling… was this your first visit to the African continent?

GT: For us and most of the Berliners it was the first visit to the African continent. It was really exciting and so different from what we expected.

Sasha: I travelled around Morocco for a month with a friend of mine in 2000 ... but that was North Africa which has a different vibe.

What called your attention from the local music and artists once you arrived there?

GT: Andi met a lot of artists already at the exhibition opening at Goethe Institute, Ukoo Flani for example were performing there. The Goethe Institute in Nairobi is strongly connected with the local scene and that was a very important part for the BLNRB-Project.

Sasha: melodies..... with some of the UKoo Flani crew, like Alai K and La Vosti.... I just dig the timing and the intonation of the melodies / rhymes they choose... it really special. Lots of goose bumps in their singing....

And which was their reaction to the kind of electronic music you brought them?

GT: You could really see a development over the two years: At the first performance people were very surprised and also confused by the music, but somehow they liked it and really tried to dance to it.

When we performed there for the third time the thing grew already huge and the people were waiting for the beats from Berlin. When the first 4 to the Floor Bassdrum hit the club, the people started screaming and jumping.

Sasha: they were really open to all of the stuff which we were making... they could definitely relate to the dubby and bass elements of our music.

And the audience? How did people react in your first concert in Nairobi? Who was involved in that show?

GT: After Andis Solo DJ Set in early 2009, we came back later that year with Jahcoozi. From the Kenyan side Ukoo Flani, Abbas, Kimya and LJ were performing.

This was a great happening, organized by Goethe in a

Gebrüder Teichmann huge Car Service Workshop in Nairobi Centre. With the wonderful club-installation from Nairobian artist Sam Hopkins and the Video-Visuals from Just A Band, it was a very special Event for Nairobians. In this concert Ukoo Flani totally rocked the crowd.

What can you tell us about the Madhouse? How was the experience of living and working together under the same roof with the local artists?

GT: We had a lot of great moments, but of course also some trouble. We think it was the best decision to work at the Madhouse instead of going to a regular studio. It was a very intense experience for everybody and brought a deep connection between the involved people. Makin music the whole day, without any other liabilities, was a great feeling for all of us. Also it saved a lot of time in Nairobi traffic.

Abbas Kubaff Sasha: Intense!! I mean sleeping in room across the hall from the Jahcoozi studio, diagonally opposite the Modeselektor studio and above the Teichmann studio was something one doesn’t do that often!! it reminded me of my student flat share in Brixton at the end of the 90s.. There were always bodies on the sofa when you woke up in the morning How did you organize rehearsals and studio sessions?

GT: We brought 4 extra suitcases of equipment to Nairobi. 2 Mixers, Mics, Cables... Jahcoozi had a recording setup in their room, we had one in ours.

Modeselektor jumped in for a couple of days and used our studio. From the moment everything was set up, we just started to record, people were coming and going, we were jamming a lot. Beside the songs on Welcome

to the Madhouse there is still a lot more recordings on our hard discs. The rehearsals for the show in Berlin were very disciplined: The Kenyan arrived on Monday and we just had 3 days until we had to open the Worldtronics Festival, with a two hours concert and 25 musicians involved. We didn´t met for 7 months and the tracks where growing in between. It was a big movement of different singers, rappers, drummers and musicians between the 3 rehearsing rooms... Actually everybody was very nervous in advance and so happy afterwards, as it was a great success.

Sasha: Badly! Chaotically! People just turned up and then we made tunes with them... it was difficult to get people to stick to a schedule...some would turn up at midnight and then we’d just do night sessions. It was always too loud to sleep anyway!

blnrb Which are the influences they get there? What’s their concept of European electronic music?

GT: They didn´t know anything about and we didn´t know anything about East African music. That was the greatest point for us. We had to start from the scratch. It was an exciting situation Sasha: Tiesto is a disease and so is David Guetta.

Affects more people than malaria nowadays .....!!

Modeselektor @ Nairobi Is there any funny anecdote you can tell us from your stay in the Madhouse?

GT: While Modeselektor were using our studio, we were jamming around with Ukoo Flani in the living room. Just playing the synth live on the computerkeys, while Pop and Lavosti were freestyling on top. Suddenly the dogs outside started to yell in the groove in a dialogue with Pop. That´s what you hear in “Living Room”, nothing was changed. It´s exactly the dogs, as we recorded it live.

Sasha: The only women in that house were me, Jessica the cook, Theresa the cleaning girl and her sister who helped her out. I of course bonded with these women coz I felt bad that they had to clean up after the 28 animals who were hanging out in the house making music. ‘Wanyama’ means animals in Swahili... That’s how I learnt the word, coz those ladies kept calling the MCs Wanyama!

I guess the local artists would be amazed with your equipments… which were the comments regarding this?

GT: Especially the analogue gear we brought was very new for them. The Kenyan producers mainly work with the Computer using programs like Fruity Loops. Ukoo Flani made a funny comment when Ben Houges, a producer from the States who passed by at the Madhouse, was working with MAX MSP: “This guy is crazy, he´s calculating the beats instead of drumming!”

How do the local artists from Nairobi you met use to work? What kind of equipments are they using?

GT: Just A Band are the only group, who we were working a lot with acoustic instruments, drums and voices.

And how was the second part of the project… the visit to Berlin from the Nairobi artists?

GT: It was so great to show them Berlin after our common time in Nairobi. The concert at the Worldtronics was beginning of December and it was the first night when snow was falling. For the Kenyan it was the first time they saw snow. There´s even a film of an Italian-Kenyan filmmaker team: Ukoo Flani exploring the Berlin underground scene, jam with Berlin artists and realize what “gentrification” is. It´s called “Twende Berlin” and it´s really interesting to see, your city from a very different view. Hopefully you can see the film soon in Europe.

Sasha: Mad!!! It was -10 degrees and snowed out.... I went to Marzahn for the first time in my life coz they Kenyans were jamming in a gallery space there. It was interesting that having lived in Berlin for the last 11 years, I never had any reason to make it to Marzahn.

Which reciprocates the fact that while we were in Kenya we put on a free party in Kibera which is Nairobi’s largest and Africa’s second largest ghetto. The Kenyan Mc’s who we worked with had never been there either.

It seems one can live in a bubble in any city....’

I one hand, the project consists of the cultural exchange between the artists from the two continents, with the live shows and so, and in the other hand, but not at least, the recording of an album featuring the diverse collaborations you made with the Nairobi artists… What’s your feeling about the final result? Are you satisfied?

GT: We are really happy with the final result. When we started it was a experiment and nobody could know, if

Nazizi

Ukoo Flani it works from the personal and musical side. Now we can say: It worked in both ways and there´s a deep connection between Berlin and Nairobi´s artists now.

That lasts after finishing the album.

Is BLNRB – NRBLN going to continue? Or is it a project with a fixed ending?

GT: From the official side it is a project with a fixed ending and that´s the release of the album. But all

involved people try hard to continue it and also really want to do BLNRB concerts in the near future, but it´s hard to fix even the travelling costs, with 25 musicians from different continents. But we still hope to find some support to make a European tour happen.

Sasha: Bigger, better, more countries, more musicians, more chaos and more music!!!

Sasha: Over Facebook now and then I keep in touch with some of them... Nazizi is gonna be back in Berlin in November and I will try and hook up with her again for def. I travelled to Lamu on the coast of Kenya alone after the project time in Nairobi had come to an end and I can imagine travelling to Kenya again some day... in which case I will hit em up for sure.

Do you keep in touch with the artists you met in Africa?

GT: Of course we are. Mainly over Facebook and email, but it´s definitely not the last time to be in Kenya for us and some of the Kenyans also plan to come to Berlin again.

http://www.outhere.de http://blog.goethe.de/BLNRB/

entrevista Project :Mooncircle es un sello que todos los amantes de la buena música debéis conocer.

Son una institución en lo que a beats y hip hop de vanguardia se refiere.

Cada referencia que publica Project:Mooncircle es una pequeña mirada al futuro de la música, un futuro que a través de su mirada resulta más que prometedor.

En A Little Beat llevamos años siguiéndoles la pista, pero nunca habíamos tenido la oportunidad de hablaros de ellos en profundidad, y ocasiones no nos han faltado. Y como esto ya estaba pasando de castaño a oscuro, hemos querido aprovechar su publicación más reciente, el nuevo volumen de su serie de recopilatorios “Finest Ego”, un titánico proyecto centrado en los beats, para ponernos en contacto con ellos, y charlar un poco sobre su proyecto.

Gordon Gieseking, cabeza visible del sello nos atendió muy amablemente, acompañado de sus colegas de Project:Mooncircle, y respondió a todas nuestras dudas y preguntas sobre este proyecto y sobre uno de los sellos más brillantes del panorama musical europeo de la actualidad. una entrevista de GNZ

project:mooncircle - finest ego cada una de vuestras referencias… cada trabajo que publicáis es una pequeña obra de arte, tanto por el contenido como por el continente… y por encima de todo eso, siempre habéis hecho una increíble apuesta por la música underground más avanzada… ¿Cuántas referencias habéis publicado hasta ahora?

Gordon: Nos estamos acercando al número 100, y seguro que prepararemos algo para que el número PMC100 de nuestro catálogo sea un número especial para nuestros oyentes.

Project:Mooncircle crew Para empezar, vamos a presentar Project:Mooncircle a todos aquellos de nuestros lector@s que todavía no os conocen… ¿Cuándo y dónde nació el sello? ¿Y quién está involucrado en el proyecto?

Gordon: El sello fue fundado en Alemania del Este en 2002, y originalmente comenzó como un sello exclusivamente dedicado a los cassettes y a las cintas.

En 2004 publicamos nuestro primer recopilatorio con Hhv.de. Tras unos cuantos recopilatorios finalmente tuvimos las agallas para lanzar una referencia de un artista en solitario, la versión en vinilo del “Among Strangers” de Mr. Cooper (Mummy Fortuna’s Theatre Company / Lex Records) que resultó un gran éxito. ¿Cuál es el significado del nombre?

Gordon: Mirar al mundo desde arriba, y observar las bondades y los problemas que nosotros construimos o destruimos en esta tierra que habitamos.

Descubrimos Project:Mooncircle hace mucho tiempo, cuando trabajabais con Botánica del Jíbaro en diferentes proyectos. ¿Cómo surgió esta colaboración?

Gordon: Siempre hemos estado muy unidos a Miami con un vínculo muy fuerte, y un día quisimos acercar a Europa el sonido de artistas como CYNE, Manuvers, Machine Drum, Proem, Epstein, Climber o Antennae.

Por lo tanto, hacer un par de publicaciones junto a ellos tampoco era tan descabellado.

Ahora mismo, sin embargo, sellos como Botánica del Jíbaro, Counterflow o Merck Records ya no existen y nosotros también hemos empezado nuestro propio camino musical con nuestros artistas. Desde 2006 no tenemos ninguna conexión con Beta Bodega.

Una de las primeras cosas que apreciamos cuando descubrimos vuestro sello era el altísimo nivel de

Se trata de un número muy importante, teniendo en cuenta la situación actual de la industria musical… ¿esperabais un éxito de tal calibre cuando dabais los primeros pasos con el sello? ¿Cuál es el peor problema al que os habéis tenido que enfrentar a lo largo de la vida del sello?

Gordon: Para ser honesto, el proceso de trabajo con los diferentes artistas y sus diferentes personalidades era, a veces, la parte más difícil. Especialmente en la época en la que trabajamos junto con artistas de Miami, nos sentíamos utilizados en muchas ocasiones, lo que llevó a una áspera separación a finales de 2006.

Pusimos muchísimo esfuerzo, energía y también dinero en proyectos, que al final del trayecto, no nos servían para avanzar en ningún aspecto. Afortunadamente, despertamos y reconocimos nuestro propio potencial.

Ahora tenemos más éxito que nunca antes y lo hemos logrado a través de nuestra fuerza y con la única ayuda y el amor de nuestros oyentes.

A propósito de las referencias de Project:Mooncircle, nos acordamos especialmente del debut de Jahbitat, “Harpy lights the canopy”. Es un disco que continuamos escuchando con el paso del tiempo, y que todavía nos emociona a día de hoy, con cada escucha. ¿Hay alguna referencia que recuerdes especialmente por algún motivo en particular?

Gordon: Sí, Jahbitat es un artista increíblemente fuerte y si álbum de debut sigue teniendo mucha relevancia actualmente. Es otro ejemplo de que este tipo de sonido existe en Europa desde hace mucho tiempo. Personalmente no puedo nombrar un solo

disco como mi favorito, porque todas y cada una de nuestras referencias significan mucho para mí, pero estoy enamoradísimo de los discos de Robot Koch, 40 Winks, fLako, The Q4, John Robinson o Long Arm. ¿Cuál va a ser la próxima referencia del sello? ¿Quizá el nuevo EP de Long Arm? Gordon: Exactamente, seguimos adelante con el Ep nuevo de Long Arm, Krts, “The Other Side” el nuevo álbum Robot Koch, el segundo volumen de Finest Ego | Faces 12” con Mike Gao y Daisuke Tanabe, y un 10” muy guapo de fLako.

Ahora mismo, Mike Slott y su mujer Diane están aquí de visita, y espero que podamos trabajar juntos… me encanta su música!!! ¿Y qué podemos esperar escuchar en ese EP? Gordon: Arreglos profundos y adorables y buenas versiones y remixes de Daisuke Tanabe y Krts.

El aspecto gráfico de tu sello es algo que manejáis con sumo cuidado… ¿quién se encarga de eso? ¿Qué

tipo de arte te atrae más?

Gordon: Varios artistas de street art de alrededor del planeta, como Dan May, LNY, Ima One, Ian Macarthur, LGB5 o Gregor Louden. Normalmente Bioniq (Rusia), The Binh y yo hacemos las portadas…

Me imagino que ese cuidado debe estar estrechamente relacionado con tu faceta artística, porque eres artista gráfico si no me equivoco… ¿todavía pintas?

Gordon: Desgraciadamente, a causa del trabajo del sello no tengo mucho tiempo para dedicarle a eso.

Hago muchos gráficos para nuestro sub-sello de Dubstep y Techno, Project:Squared, pero aparte de eso la cosa está muy parada. Es una lástima, de verdad, porque necesito ese cambio de trabajo para equilibrar mi estrés y mis pensamientos más desquiciados, menos mal que desde hace unos meses he empezado a pinchar de nuevo como DJ y eso me hace sentir mucho mejor.

Volvamos al asunto que nos ocupa. En la actualidad, con Project:Mooncircle estáis llevando a cabo uno

de los proyectos más interesantes de la escena internacional de beats. Te hablo de “Finest Ego”, una serie de recopilatorios en los que mostráis al público qué está pasando en la escena internacional de beats de todo el planeta, enfocando cada referencia en un lugar diferente. ¿Qué os empujó a comenzar esta serie de recopilatorios?

Gordon: La idea se nos ocurrió a mis compañeros en el sello Jinna Morocha, Martin V. Raeter, Malte Tarnow y a mí. Tuvimos la idea de crear una plataforma por y para productores. El nombre se le ocurrió a Lambent, que organizó la primera recopilación, de Japón. Nuestro objetivo es presentar más ciudades y países más allá de LA, porque Los Ángeles no es el mundo entero, y tampoco es que hayan reinventado la rueda…

Acabáis de publicar el volumen dedicado a Irlanda y Reino Unido (el cuarto volumen tras las recopilaciones de Rusia, Japón y Australia/Nueva Zelanda), un brutal disco de 25 temas, con canciones acojonantes de productores ya conocidos de la escena underground, y también de otros talentos de

project:mooncircle - finest ego las islas todavía por descubrir. ¿Cómo es el proceso de recopilación de todos los trabajos que incluís en cada volumen?

Malte: Normalmente trabajamos muy estrechamente con una persona de contacto en la región específica o país donde queremos hacer la recopilación. Ésta persona nos ayuda a encontrar, a contactar y a comunicarnos con los productores, pero también se involucra en el proceso de selección de los temas. En el pasado gente como Lambent, Jinna Morocha, Keegan Fepuleai y Laurent Fintoni han hecho un gran trabajo ayudándonos a hacer realidad esas recopilaciones, y en el proceso también se han convertido en valiosos amigos y parte integrante de nuestro colectivo.

Estamos ansiosos esperando nuestros próximos trabajos…

Me imagino que escucharéis muchísima música en el proceso de selección de temas que finalmente incluiréis en cada uno de los volúmenes... ¿qué criterio empleáis para que el resultado de las selecciones sea tan efectivo?

Malte: Sin nuestros contactos, este punto no sería posible. Es totalmente crucial contar con gente plenamente involucrada y de confianza, con un profundo conocimiento musical y que tenga buenos contactos en la escena de beats de su país para que trabaje con nosotros, ya que el objetivo de cada recopilación, además de juntar buena música para el disfrute de los oyentes, es mostrar y presentar las características únicas y las peculiaridades estéticas y sonoras de cada una de esas regiones, una especie de documento definido en el tiempo sobre las diferentes escenas de beats que hay en el mundo.

Hay algún productor que hayáis descubierto durante ese trabajo de selección que os haya sorprendido de verdad, sobrepasando todas vuestras expectativas?

Gordon: Por supuesto, los fichamos inmediatamente para el sello, como hicimos con Long Arm, Pavel Dogval y otros muchos…

Europa del Este y también del Sur, y con un poco de suerte, en un futuro próximo, también de partes del mundo que normalmente no conoces por su escena de beats.

Long Arm ¿Y qué es lo próximo en relación a Finest Ego? ¿Tenéis alguna nueva referencia en mente? ¿Quizá un volumen de productores Ibéricos, inclyendo beatmakers españoles y portugueses? Estoy seguro de que sería una recopilación muy buena…

Malte: Actualmente, ya tenemos planes para una recopilación Ibérica (¡me gusta mucho el nombre!), y estamos luchando mucho para encontrar productores y beatmakers en esa zona.

Aparte de eso, tenemos unos cuantos proyectos en el proceso de planificación y otros que ya hemos empezado a trabajar. Como comprenderás, nos gustaría no revelarlos mientras todavía estén en proceso de trabajo. Quizá podamos esperar algo de

Vamos a por otra cuestión…. ¿Qué podéis contarnos acerca de Project:Squared?

Gordon: Project:Squared es nuestro subsello, dedicado el Dubstep / Techno de artistas como Asusu, Furesshu, AnD, L-OW y Skratch, entre otros… El sello lo llevamos Paul Cooper y yo. ¿Y cuál es tu estilo de baile favorito? ¿Y artista?

Gordon: ¡Yo no bailo! :) ¿Y cómo afrontáis el futuro del sello?

Gordon: Depende de la luna.

Unas últimas palabras…

Gordon & Malte: Mucho amor para los oyentes de Project:Mooncircle, FInest Ego y Hhv.de, además de para los artistas, amigos y familia!! http://www.projectmooncircle.com/

ENGLISH VERSION interview

project:mooncircle

finest ego an interview by GNZ

Project:Mooncircle is a label that all of you, good music lovers, must know. They’re a true institution regarding Beats and vanguard Hip Hop. Each release published by Project:Mooncircle is a sneak into music’s future, a very well promising future when you see it through their eyes.

In A Little Beat we’ve been following them closely for years, but we never had the opportunity to tell you about this label deeply, despite the chances we’ve had. This situation was starting to be out of line, so we decided to take their latest release, the newest volume of their compilation series “Finest Ego” -a huge project focused on beats- as the definitive opportunity to get in touch with them and chat about their label and projects.

Gordon Gieseking, the head of the label attended us very kindly, alongside his Project:Mooncircle’s partners,and answered all the doubts and questions we asked about this project and about one of the most brilliant labels from the actual European music panorama.

First of all let’s introduce you to those readers who still don’t know Project: Mooncircle… when and where was the label born, and who is involved in the project?

Gordon: The label was founded in 2002 in eastern Germany and originally started out as a tape/cassettelabel only. In 2004 we released our first compilation and started our cooperation with hhv.de. After a few compilations we finally had the guts to release the first

solo release, the vinyl version of Mr Cooper’s (Mummy Fortuna’s Theatre Company / Lex Records) “Amongst Strangers”, which was a great success.

What’s the meaning of the name?

Gordon: Looking at the world from above and watching all the good things and problems we creatures build or destroy on this earth we inhabit.

We discovered Project: Mooncircle a long time ago, when you were working with Botánica del Jíbaro crew in different projects. How did this collaboration came up?

Gordon: We always had a strong bond with Miami and one day wanted to bring the sound of such artists as CYNE, Manuvers, Machine Drum, Proem, Epstein, Climber or Antennae over to Europe. Therefore, doing a couple joint releases wasn’t very far fetched. By now, however, labels like Botanica Del Jibaro, Counterflow or Merck Records don’t exist anymore and we have also ventured our own ways musically with our artists.

Since 2006 there is no connection with Beta Bodega anymore.

One of the first things we realized when we discovered your label was the high standard of quality of each of your releases… every work you publish is a little piece of art, dealing with the content, but also with the package… and amongst all this, you‘ve always made an incredible bet for advanced and underground music… How many releases have you published until now?

Gordon: We are approaching release number 100 and will definitely arrange something to make catalogue number PMC100 a special one for our listeners.

This is a very important number, regarding the actual situation of the music industry… did you expect such a success when you launched the label? What’s the worst problem you’ve had to face all over the life of the label?

Gordon: Honestly, the work process with different artists and their personalities was at times the most difficult part. Especially during the times we worked together with artists from Miami we felt being used quite a lot which led to the harsh break at the end of 2006. We put too much effort, energy but also money into projects which, at the end of the day, didn’t really move us forward in any way. Luckily, we woke up and recognized our own potential. Now we are more successful than ever before and have achieved this through our own strength and with the help and love of our listeners only.

Regarding Project:Mooncircle’s releases, we specially remember Jahbitat’s debut album “Harpy lights the canopy”. It’s an album we keep listening

Robot Koch through the pass of time, and it still touches us today, each time we listen to it… Is there any release you specially remember, for any reason?

Gordon: Yes, Jahbitat is an incredibly strong artist and his album is still very relevant today. Another example that this kind of sound has existed in Europe way earlier. Personally, I can’t name just one album as a favorite, because every single of our releases them means so much to me, yet I am very much in love with the albums by Robot Koch, 40 Winks, fLako, The Q4, John Robinson or Long Arm. What will be your next release with the label? Maybe the Long Arm EP? Gordon: Exactly, we will continue with the Long Arm EP, Krts, Robot Koch’s new album “The Other Side”, Finest Ego | Faces 12” Series Vol 2 with Mike Gao & Daisuke Tanabe and a nice fLako 10”. At the moment, Mike Slott and his wife Diane are visiting me and I really hope we can get together at some point... I really adore his music!

What can we expect to listen on this EP? Gordon: Lovely, deep arrangements and nice remix versions by Daisuke Tanabe and Krts.

stress or my crazy thoughts, but since a few months I’ve started to play more as a DJ again and it makes me feel a lot better.

The graphic aspect of your label’s releases is also managed very carefully… who is in charge of this?

And what kind of cover/artworks do you like the most?

Gordon: Various street artists like Dan May, LNY, Ima One, Ian Macarhtur, LGB5, Gregor Louden from all over the world. Usually, Bioniq from Russia, The Binh and me do the Artworks.

Let’s go back to the matter. You’re actually running under Project: Mooncircle one of the most interesting projects in the international beats scene. We’re talking about “Finest Ego” compilations, a series where you show to the audience what’s going on in the beats scene all around the globe, focusing each release on a different place. What led you to start this series of compilations?

Gordon: My label mates Jinna Morocha, Martin V.Raeter, Malte Tarnow and me actually had this idea to create a platform by and for producers. The name was given by Lambent, who arranged the first Japan compilation. Our goal is to present more cities and countries outside of the LA hype because Los Angeles is not the world and they did not reinvent the wheel!

I guess this care might have a very narrow relation with your artistic side, because you’re a graphic artist if I’m not wrong… Do you still paint?

Gordon: Unfortunately, due to the labelwork I don’t have much time left for this. I do a lot of graphics for our dub-step/techno sub-label Project: Squared but besides this it has gotten quiet. This is a pity, really, because I need this change of work to balance out my

project:mooncircle - finest ego Is there any producer you have know through this selective work, which has really surprised you, surpassing your expectations?

Gordon: Of course, we immediately sign them like we did with Long Arm, Pavel Dovgal and others!

And what’s next regarding “Finest Ego”? Do you have any new release in mind? Maybe an Iberian producers volume, including Spanish and Portuguese beatmakers? We’re sure this would make a brilliant compilation…

Malte: Actually, we already have plans for an Iberian compilation (I really like the name!) but so far were struggling to find producers and beatmakers from this area. Besides that, we have quite a few projects in the planning stage or in the works right now.

Understandably, we would like to keep them undisclosed as long as they are still in the process. Perhaps we can expect something from eastern and southern Europe and, hopefully, also from parts of the world we usually wouldn’t know for their beat scenes in the near future!

Krts You have recently released the “Irish / UK” volume (the 4th one after the Russian, Japanese and Australian/New Zealand ones), a huge 25 track album, with astonishing tracks from very well known producers from the underground scene, but also including newcomer producers from the islands.

How is the compilation process to gather the works you include on each volume?

Malte: We usually work together very closely with a contact person in the specific region or country we want to make a compilation about. This person helps us to find and contact but also to communicate with the producers but also is involved in the complete process of selecting the tracks. In the past, guys like Lambent, Jinna Morocha, Keegan Fepuleai and Laurent Fintoni have done great work to help us put together these compilations and over the course have become valuable friends and parts of our collective. We are looking very much forward to our upcoming works.

I can imagine you’ll listen to a massive amount of

Pavel Dovgal music through the selection of works you finally include on each volume… which criteria are you using to make this selection so effective?

Malte: Without our contacts this would not be possible.

It is extremely crucial to have highly committed and trustworthy people who have high music knowledge and are deeply embedded in the beat scene of their country to work with us, as the goal of each compilation, besides putting together dope music for the listeners ears to enjoy, is to show and represent the unique characteristics and sound aesthetics of each of these region’s - sort of like a document in time about these various beat scenes all over the world.

Let’s go to another question… what can you tell us about Project:Squared?

Gordon: Project: Sqared is our Dub-step / Techno sub-label with artists like Asusu, Furesshu, AnD, L-OW, Skratch besides others. The label is being run by Paul Cooper and me.

What’s your favorite dancefloor music style? And artist?

Gordon: I Don’t dance! ;) And how do you face the future of the label?

Gordon: It’s up to the moon.

Last words / Shout out…

Gordon & Malte: Much love to the Project: Mooncircle / Finest Ego / hhv.de listeners, artists, peers & family!

http://www.projectmooncircle.com/

entrevista

losakahermanos mike latona Los Hermanos es el alias artístico de Mike Latona, artista belga de origen latino (su padre es italiano y su madre española). Conocimos a Mike este verano en una exposición en Valencia, mantuvimos una agradable charla agarrados a una cerveza y nos regaló un libro con una selección de su trabajo que nos cautivó desde la primera ojeada.

Mike es un artista polifacético, su obra no sólo se limita al arte urbano más tradicional, por llamar de alguna forma al graffiti y demás técnicas pictóricas callejeras, sino que trasciende más allá de los soportes y materiales clásicos, para expresar su arte combativo también con el diseño gráfico, el vídeo y diferentes técnicas audiovisuales.

El trabajo de este artista autodidacta rebosa colorido, y un sentido del humor muy crítico que utiliza para agitar conciencias, superando con creces los mensajes puramente estéticos.

El próximo 14 de Octubre de 2011, Los Hermanos junto a 13 Pulsions aka Manuel Francisco Murillo Perdomo, otro artista belga con ascendencia latina, inauguran una exposición en La Minúscula (Valencia) bajo el nombre de “La Tercera”, una crítica cómica e incisiva de nuestra sociedad de consumo.

A continuación podéis disfrutar de una buena muestra del arte de Los Hermanos aka Mike Latona, y también un pequeño cuestionario para conocer un poco mejor a un artista como Mike, con un futuro muy prometedor.

http://www.loshermanos.be http://www.unionbymotion.com

los hermanos Nombre: Mike Latona Alias artístico: Los Hermanos Edad: 31 Lugar de nacimiento: Bélgica Lugar de residencia actual: Liège - Bélgica ¿Dónde te gustaría vivir? ¿Por qué?

Me encantaría vivir en España, por el sol, (que el tiempo belga es un desastre), para disfrutar más de las cosas de la vida y por el ambiente, la gente es más abierta, más atrevida, se come menos la cabeza. ¿Cómo fue tu primer contacto con el arte urbano?

Desde que empecé mis estudios de grafismo, directamente empecé a hacer arte de reivindicación, o sea arte urbano. ¿Y el más reciente?

Un festival de arte urbano a Barcelona (Sabadell): Walls Talk (graffiti jam) ¿Qué prefieres: un muro en una calle o la pared de una galería de arte? ¿Por qué?

Un muro en la calle, porque es para todos, es algo que ofrezco, que no se puede comprar. ¿Qué artistas admiras?

024 Architecture, Sozy One, Recto, Dave Mc Kean… ¿Qué estilo o disciplina no soportas?

Si la disciplina está bien hecha, y se ve que el artista trabaja para hacer algo bueno, lo respeto. Bueno, siempre puede ser que no me guste algo pero respeto el trabajo y la pasión de las personas. ¿Cuál es tu herramienta de trabajo favorita?

Bueno, muchas! Utilizo el dibujo, el ordenador, el spray, las cámaras de video, posters, proyecciones, vinilos... todas las herramientas que puedan existir. Si algo me

suena bien para un trabajo, lo cojo y lo utilizo. Puedo hacer instalaciones o lámparas con peluche, vasos, sextoys... Trabajo con papel, madera, plexi u objetos de moda como zapatos.. No tengo límite de material. Lo importante en mi trabajo es no tener límite. ¿Y la que más odias?

No odio ninguna técnica, ni ningún color... no me han hecho nada, no tengo motivo para odiarlos. ¿Algún proyecto soñado, a punto de realizarse?

Si, una gran exposición con mapping de video. Trabajo con diseñadores de muebles, y juntos vamos a hacer una nueva experiencia.

Será una mezcla de audio y de visual en la Bienale de Design en Liège. La exposición será en 4 plantas, así que serán muchas horas de trabajo. Visualmente va a ser fuerte en emociones y sensaciones. ¿Y algún proyecto soñado, pero imposible de realizar?

De momento no. Siempre he conseguido mis sueños.

En mi libro hay una frase (que también la llevo tatuada – entre otras cosas...): «Mis mejores sueños, los tengo despierto» Cuando quiero hacer algo, doy todo lo que puedo para realizarlo y lo consigo. De momento, las cosas van bien. Si tengo que decirte un sueño, sería trabajar siempre más, y conseguir proyectos colectivos con gente que respeto y que admiro. ¿Dónde te gustaría ver expuesta tu obra?

Shooting Galery en San Francisco (USA). ¿Y dónde no te gustaría?

En una pizzeria o en un restaurante, o cualquier sitio que organiza exposiciones sin realmente respectar el trabajo de los artistas y el arte.

Define tu estilo con 4 palabras: libertad, sin límite, cambio permanente, placer.

Manda un saludo a quien quieras: a mi madre, que me dio la vida y el gusto por España y su cultura.

los hermanos

los hermanos

los hermanos

LOS ENGLISH VERSION interview

HERMANOS AKA MIKE LATONA an interview by GNZ

Los Hermanos is the artistic name of Mike Latona, a Belgian artist with Latin roots (his father is Italian and his mother Spanish). We met him this summer in an exhibition in Valencia, we had a nice chat holding a beer, and he gave us a book with a selection of his work, a book that captivated us since the first glance.

Mike is a versatile artist, his work is not limited to urban art in the traditional way, a way to call the most common graffiti and street pictorial techniques.

His art goes beyond that, it goes beyond classic materials and supports, to express his combative art also through graphic design, video and other different audiovisual techniques.

Mike’s work is full of colors and of a critical sense of humor, he uses to stir up our minds, going far beyond the strictly aesthetics messages.

Next October, 14th, Los Hermanos alongside 13 Pulsions aka Manuel Francisco Murillo Perdomo, another Belgian artist with Latin roots, are opening an exhibition in La Minúscula gallery in Valencia, under the name of “La Tercera” (“The third”), a funny and sharp critique to our consumer society.

In this report, you can enjoy a sample of Los Hermanos aka Mike Latona’s work, and a short questionnaire he answered for us, to know a little better an artist like Mike, with such a promising future.

Name: Mike Latona Artistic Alias: Los Hermanos Age: 31 Place of birth: Belgium Where do you actually live?: Liège - Belgium Where would you like to live? Why?: I would love to live in Spain, because of sun (Belgian weather is a mess), to enjoy more things of life, and because of the general atmosphere, people are more open, more brave, they don’t worry so much.

How was your first contact with urban art?: As soon as I started my graphic studies, I directly made claiming art, I mean urban art.

And the most recent?: An urban art festival in Sabadell, Barcelona. Walls Talk (graffiti jam).

What do you prefer: a wall in a street or in a gallery?

Why?: A wall in the street, because it’s for everybody, something I offer that you can’t buy.

Which artists do you admire?: 024 Architecture, Sozy One, Recto, Dave Mc Kean…

Which style or discipline you can’t stand?: If the discipline is well executed, and you feel the artist works to make something good, I respect it. Well, there’s always the possibility that I don’t like something, but I respect people’s work and passion.

Which is your favorite tool?: Well, so many!! I draw, I use computers, spray, video cameras, posters, projections, vinyle… all the tools that might exist. If something looks good for a work, I take it and use it. I can make installations or furry lamps, glasses, sextoys…

I work with paper, wood, plexi or fashion objects like shoes. I don’t have material limits. The most important of my work is having no limits.

And which one do you hate the most?: I don’t hate any technique, nor any colour… they’ve done nothing to me, a don’t have any reason to hate them…

Any dreamed project, about to be realized?: Yes, a huge exhibition with video mapping. I work with industrial designers, and together we’re going to make a new experience. It’s gonna be a mix of visual and audio at the Liège Bienale of Design. The exhibition will be done in 4 different floors, so it’s going to be a lot of hours of work. Visually, it’s gonna be strong in emotions and sensations.

And any dreamed project, impossible to realize?: Not by the moment. I’ve always reached my dreams.

There’s a quote from my book (I have it also tattooed – amongst many other things): “My best dreams, I have them awake”. When I want to do something, I try my best to make it, and I do it. At the moment, things are going good. If I must tell you a dream, it would be to work always more, and to reach collective projects with people I respect and admire.

Define your style in 4 words: Freedom, no limits, constant change, pleasure.

Say hello to whoever you want: To my mother, she gave me life and taste for Spain and its culture.

Where would you like to see you works exposed?

Shooting Gallery in San Francisco (USA) And where won’t you like to see it at all? In a pizzería or a restaurant, any place organizing exhibitions without really respecting artist’ work nor Art.

http://www.loshermanos.be http://www.unionbymotion.com

los hermanos

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Texto: Larry ACR Fotos de Jah Macetas y El Rumbero Jamaicano del Viernes 26 de Agosto en el Main Stage de Rototom por Eduardo G. Maga単a

reportaje

ya no ruge el leon the lion does not roar anymore PERE ANDReS IN MEMORIAM Jah Macetas & El Rumbero Jamaicano acaban de abrir, en el escenario principal, la penúltima jornada de una maratoniana edición de Rototom Sunsplash -décimo octava en su haber-.

Han interpretado sus clásicos de siempre (“Dime”, “El sueño del capitán”…), alguna versión de Bob Marley -la ocasión lo reclama- y han aprovechado el púlpito que les brinda el Main Stage para presentar al público, a su público, escaso (por el horario intempestivo) pero devoto, su recién estrenado “María”. El trabajo que supone su retorno a la escena tras casi 14 años de ausencia. A Pere se le siente bromista, dicharachero, entusiasmado. Pero, sobre todo, ilusionado y feliz. Por fin.

Se nota que está de promoción porque atiende con naturalidad a los medios que pululan por el backstage, mientras regala aquí y allá sonrisas, chascarrillos y copias del álbum.

Coincido de nuevo con Sergio y el propio Pere poco antes de entrevistarlos para la televisión del festival. Sergio me pregunta extrañado -¿otra vez tú?-, mientras Pere intercambia impresiones con todo aquel que se acerca. Entramos en directo y tras las tres o cuatro preguntas de rigor, le pido a Pere que se arranque con una cancioncilla. Lo hace, se atasca -prueba de la entrega que ha realizado sobre el escenario, de lo que se excusa- y vuelve a arrancarse. “María, eres toda mi alegría, dueña tú del alma mía, reina de mi corazón (…)”. Su carisma es innegable y su voz, aunque revela el paso del tiempo y los sinsabores de la vida, mantiene ese requiebro “agitanao” con el que siempre pretendió dotar a la música jamaicana. Al fin las cosas le ruedan a Pere.

Apenas unos días más tarde la noticia conmociona a la familia del reggae. Pere Andrés ha fallecido. Las circunstancias importan poco. Se va el cantante mejor dotado del reggae español. El amigo generoso. El artista carismático. Nos arrancan un pedazo de nosotros.

Descansa en paz rumbero.

Jah Macetas & El Rumbero Jamaicano have just opened, on the main stage, the penultimate journey of a marathon edition of Rototom Sunsplash -eighteenth to their credit-.

They have played their all-time classics (“Dime”, “El sueño del capitán”...), some Bob Marley´s versions -demanded by such an occasion-, and have benefit from the pulpit the Main Stage brings them to present to the audience, their audience, limited in number (due to the early timing), but devoted, their newly released “María”. The album that means their return to the scene after nearly 14 years of absence. Pere seems to be cracking jokes, talkative, enthusiastic. But above all, hopeful and happy.

At last. It is noted that he is involved in the promotion as he addresses naturally at the media swarming around the backstage, while he gives smiles here and there, jokes and copies of the album.

I meet again with Sergio and Pere himself shortly before the interview for the festival television. Sergio asks me puzzled -It´s you again?- while Pere exchanges views with anyone who approaches him. We go live and after three or four questions, I ask Pere to begin a song. Doing so he stucks -a proof of the delivery he has carried out on the stage, for which he excuses-, and restarts. “María, eres toda mi alegría, dueña tú del alma mía, reina de mi corazón (…)”. His charisma is undeniable and his voice, despite revealing the passage of time and the disappointments of life, maintains that “agitanao” feeling with which he always intended to give the Jamaican music. At last things seem to be fine for Pere.

Just days later, the news shocks the reggae family. Pere Andrés has died. The circumstances matter little. The most gifted singer of Spanish reggae left us. The generous friend. The charismatic artist. A piece of ourselves is taken out of us.

Rest in peace Rumbero.

pere andres in memoriam

entrevista

Una entrevista de GNZ / Fotos: Dani Segura del Monte + Jose Serrano Martí

Every No One es una banda valenciana de la que ya os hemos hablado en alguna que otra ocasión, concretamente los entrevistamos en el número 39 de A Little Beat, en Septiembre de 2004, hace precisamente siete años.

Y es que Every No One llevan ya la friolera de 15 años en activo como grupo, han pasado por diversos cambios de formación y han sabido asumir el paso del tiempo, manteniendo su espíritu intacto.

Every No One es una sugerente mezcla de música electrónica y sonidos orgánicos, un estilo musical muy personal, difícil de clasificar, pero que bebe de fuentes tan diversas como la electrónica contemporánea, el rock, el dub, el flamenco o la música clásica, sin que ninguna de éstas influencias destaque sobre su propuesta, propia, madura, y sobre todo, abierta.

Tras un periodo de inactividad aparente, Every No One han vuelto a la carga este pasado verano, publicando un nuevo EP titulado “After The Storm”, que ha ido viendo la luz poco a poco, tema tras tema. Por eso hemos creído conveniente volver a hablar con ellos, y que nos cuenten sus proyectos más actuales y qué le depara el futuro inmediato a Every No One.

Han pasado ya unos cuantos años desde que os entrevistamos por última vez. ¿A qué se ha debido este largo paréntesis en vuestra actividad?

Bueno en realidad no hemos dejado de trabajar juntos en diferentes proyectos, produciendo para otros y como dj´s, o investigando en otros terrenos musicales para madurar artísticamente, pero siempre sin dejar

de componer y de grabar nuestras ideas. Durante todo este tiempo hemos seguido trabajando, pero en la sombra, escuchando y haciendo música, pensando en nuestro proyecto, sin ningún objetivo concreto, por lo que no nos habíamos juntado para trabajar todo ese material que hemos ido acumulando... sólo hacía falta que uno de nosotros contagiara al resto, ya que esto de

every no one la música es lo que nos gusta hacer y no nos hacemos mucho de rogar. Fue durante una escucha en común de todo este material que decidimos que había buenos temas para dar forma a un nuevo trabajo. Sentimos que estábamos listos para retomar Every No One.

conseguir un sonido final concreto somos conscientes de que hay que trabajarlo mucho. Hemos huido de los loops de muestras, para conseguir que las bases sonaran más orgánicas y reales, programando cada uno de los ritmos.

Los instrumentos reales los hemos grabado con un buen previo y un micrófono de válvula, para añadir una textura más real. Esta vez no hemos buscado un equilibrio digital/analógico, sino que nos hemos decantado siempre que hemos podido por lo analógico.

No todo el mundo dispone en casa de un arsenal de sintetizadores para elegir el sonido que uno quiera, en esos casos sí que hemos echado mano de los virtuales.

Para directo, el sonido siempre se vuelve más cálido y humano, y en nuestro caso es justamente lo deseado.

Ahora volvéis a la carga con un nuevo EP, titulado “After the Storm” y compuesto de 5 temas nuevos… ¿Ha cambiado algo en Every No One con este EP? A nivel musical y de producción hay una verdadera evolución del sonido E.N.O, un giro general hacia un sonido más “roto” y a la vez un acabado un poco más oscuro, aunque se da un equilibrio de paletas en el conjunto final que es precisamente lo que buscábamos. Hemos cuidado mucho las voces y las guitarras y estamos dando más protagonismo a los instrumentos acústicos, particularmente al piano, pero sin abandonar nunca los electrónicos. Además hemos trabajado mucho más las texturas para conseguir un sonido más compacto y homogéneo. Letra y música están ahora mas íntimamente ligadas, de hecho, en la mayoría de los temas han surgido simultáneamente, porque de algún modo son también el testigo del proceso de cambio que hemos experimentado a nivel individual. ¿Cómo ha sido el proceso creativo del nuevo EP? ¿Os habéis encerrado en un estudio, o cómo habéis planteado las sesiones de grabación?

Para empezar lo importante es que no consideramos el EP como el único producto acabado y posible, no es un EP cerrado, no sólo porque los temas en sí cobran vida propia cuando los tocamos en directo, sino también porque seguimos trabajando en material nuevo y experimentando en líneas diversas de composición, lo que desembocará en nuevos temas que iremos publicando en los próximos meses.

Gracias a las nuevas tecnologías hemos podido intercambiar material sin necesidad de estar físicamente en todo el proceso tanto de producción como de mezcla, incluso hemos conseguido un buen flujo de trabajo compartiendo pistas e incorporando ideas sobre la marcha, ya que disponemos de estudios

caseros, cada uno en sus respectivas casas. Esto es muy importante ya que hoy en día con el ritmo de vida y el stress del día a día, se hace muy difícil encontrar los momentos para trabajar en común. Ha sido un proceso en el que las vías de comunicación han jugado un papel muy importante.

Además de estos nuevos temas, tengo entendido que estáis preparando más sorpresas y alguna que otra colaboración bastante curiosa… ¿qué podéis contarnos al respecto?

Una de las premisas a la hora de retomar el proyecto fue la incorporación de cualquier aporte musical para el enriquecimiento de nuestros temas por parte de otros músicos. Nunca hemos visto a ENO como un grupo cerrado sino todo lo contrario, somos muy receptivos con lo que hacen los demás y nos aporta mucho las experiencias con otros músicos.

Ya para “After the storm” hemos contado con la participación de Rogerio Campas, excelente músico con el que habíamos trabajado algunos miembros del grupo.

Y por supuesto además de estar abiertos a todo tipo de colaboraciones, tenemos apalabradas algunas ya para los nuevos temas que estamos trabajando, como por ejemplo la participación del saxofonista de jazz valenciano Kiko Berenguer o de la cantante senegalesa Khady Seck

¿Qué tipo de equipo utilizáis tanto para la composición como para los directos?

La diversidad de fuentes de las que disponemos a la hora de vestir nuestros tracks es inmensa, pero para

¿Tenéis pensado presentar “After The Storm” en directo? ¿Cómo? ¿Cuándo? ¿Dónde?

Estamos deseando llevar de nuevo nuestro proyecto al directo, es una de las razones por las que estamos en

esto de la música, el directo. Los ensayos están yendo muy bien y no tardaremos mucho en estar listos para hacer un concierto, somos muy cuidadosos a la hora de prepararlos.

La formación básica de ENO para directo es bajo, guitarra, teclados y voz. Las bases rítmicas las secuenciamos desde hace ya tiempo, pero tal vez incluyamos algún elemento más, posiblemente percusión, siempre si entra dentro de nuestras posibilidades. Ya estamos pensando en el donde, pero aún no hemos decidido cuál es el lugar adecuado para el retorno.

Por otra parte estamos dándole vueltas a un proyecto que nos tiene muy ilusionados, que es la realización de un concierto online, en streaming, una actuación en directo a través de Internet. Esperamos poder daros más noticias al respecto muy pronto.

Estad atentos a nuestro Facebook y os informaremos de todo en cuanto lo tengamos decidido.

Este nuevo EP lo habéis colgado en Internet para su descarga gratuita… ¿Os parece que Internet y la difusión sin coste para el consumidor es el futuro de la promoción musical?

La música gratuita para el consumidor no creemos que sea el futuro, pero para nosotros sí que es el presente. En realidad lo interesante sería una industria controlada por el artista y con una relación directa con el consumidor, con un trato económico muy razonable, eliminando intermediarios.

La existencia de una industria como la actual, que se niega a evolucionar y a adaptarse a un nuevo modelo de negocio, está perjudicando directamente al artista, que es el que crea y sin el cual no hay negocio. Una vez demos ese importante paso hacia un nuevo modelo de industria, tal vez el músico pueda ganarse la vida como cualquier otro profesional.

http://everynoone.bandcamp.com

ENGLISH VERSION interview

every no one an interview by GNZ

Every No One is a Spanish band from Valencia we have already told you about, we interviewed them in A Little Beat’s issue number 39, September 2004, exactly seven years ago.

Every No One have been doing music for 15 years now as a band, they’ve suffered changes in their formation, and have known how to face the passing of time, keeping their spirit intact.

Every No One make a suggesting mixture of electronic music and organic sounds, a very personal style, hard to classify, which takes its inspiration from so diverse sources as contemporary electronic music, rock, dub, flamenco or classic music, and they don’t let any of these influences stand out over their own proposal, a mature and open-minded proposal.

After an apparently inactive period, Every No One came back last summer with a new EP called “After The Storm”, gradually released, track after track.

And that’s the reason why we wanted to talk again with them, so they can tell us their most actual projects, and what deserves the near future for Every No One.

It’s been a long time, several years, since our last interview. What’s the reason of this pause in your activity?

Well… we didn’t really stop working together on different projects, producing music for other people or as dj’s, researching new musical fields to mature as artists, but without stopping to compose and recording our ideas. All this time we’ve been working, but in the shadows, listening and making music, thinking about our project, without a determined objective, that’s why we didn’t got together to work this new material we’ve been accumulating. We just needed one of us motivates the others, as music is what we like to do, and we don’t play hard to get motivated. It was during a collective listen to this material, when we decided we had enough good songs to shape up a new work. We felt we were ready to take up again Every No One. Now you’re back with a new EP, called “After the Storm”, built up by five new tracks… is there any new change in Every No One with this EP? In a musical and production aspect, there’s a real evolution of ENO sound, a whole turn to a more broken sound, and at the same time, a darker finish, although at the end we have a well balanced palette, and that’s what we were looking for. We’ve been very careful

with voices and guitars, and have given much more presence to acoustic instruments, especially piano, without leaving aside away the electronic ones. And we have worked much more on textures to obtain a dense and homogeneous sound. Music and lyrics are very closely linked now, in fact, in the great majority of the tracks music and lyrics came up at the same time, as they are in a certain way the witness of the change process we’ve lived to an individual level.

And how was this creative process regarding the new EP? Did you shut yourselves together in a studio, or how did you organize the recording sessions?

First, the most important is that we don’t consider the EP as the only possible and finished product, it’s not a closed EP, not just because the songs get own life when we play them live, but also because we keep working on new material, and researching in new and diverse composition lines, culminating in new songs we will release over the next months.

Due to new technologies, we’ve been able to exchange material without having to be physically present in the production process, nor in the mixing process, we’ve even been able to create a nice work flow, sharing tracks and adding new ideas as we went along, as we have home studios, at our respective homes. That’s

of a Jazz saxophonist from Valencia called Kiko Berenguer, and the Senegalese vocalist Khady Seck.

I guess you have in mind to present “After the storm” live… How? When? Where?

We’re looking forward to take our project again on stage, it’s one of the main reasons why we are into music, live acts. The rehearsals are going very well and it won’t be long until we are ready for a live act, we prepare shows very carefully.

The basic formation of ENO for live acts is bass, guitar, keyboards and voice. We sequence rhythms for a long time now, but maybe we’ll include new elements, always within our means.

We are thinking about where, but we still have not found the right place for the return.

Besides this, we are very excited about a project we’re working in, which is an online concert, in streaming, a live show in the Internet.

We hope we’ll have more details soon.

Just get connected to our Facebook page, we’ll inform you about everything when it’s decided. very important, as due to nowadays’ rhythm of life and the diary stress it gets really difficult to be able to get together to work in common. It’s been a process where communication channels have played a very important role.

What kind of equipment do you use for composition and for live acts?

There’s a huge amount of sources available for us to “dress” our tracks, but to obtain a concrete final sound we’re conscious real hard work is required. We have avoided sample loops, to get more organic and real beats, programming each rhythm.

We’ve recorded real instruments with a nice pre-amp and a valve microphone, to get a more realistic texture.

This time we didn’t look for a balance between digital and analogical, we’ve always tried to choose the analog options. It’s not usual to have a mine of synths at home to choose the sound you’re looking for, in this particular

cases we’ve used virtual synths.

For the live acts, the sound gets more human and warm, and in our case, it’s exactly what we want.

Besides these new songs, I’ve heard you’re preparing a few more things, and some collaborations… what can you tell us about this?

One of the premises when we re-started the project was to include any musical contribution of other artists to enrich our songs. We’ve never conceived ENO as a closed group, just the opposite, we are very receptive with what other musicians do, and we learn a lot from experiences with other musicians.

In “After the Storm” we have collaborated with Rogerio Campas, a brilliant musician some of the members of the band had already worked with.

And of course, we’re open to any kind of collaborations, and we’ve already arranged a few more for the new tracks we’re preparing, for example the participation

You have released this new EP on Internet for free download… do you think Internet and diffusion with no cost for the consumer is the future of musical promotion?

We don’t think free music for the consumer is the future, for us it’s the present. One interesting thing would be to have an industry controlled by the artist and with a direct relationship with consumers, with a reasonable money deal, removing intermediaries.

The existence of an industry like the one we’re living, denying to evolve and to adapt to a new business model, is directly damaging the artist, the creator and the most important piece of the business. Once we’ll make this important step towards a new industry model, maybe the musicians will be able to make a living just like any other professional.

http://everynoone.bandcamp.com

album de fotos

red bull thre3style RONDA CLASIFICATORIA VALENCIA Viernes 16 Septiembre 2011 Sala: La 3 Participantes: Fonki Cheff - (finalista) Tillo La Musique d’Ordinateur Elko Stupendo Kalamar Soak - (finalista) Gonne Plan B Host: Mbaka (Chacho Brodas/Del Palo) fotos: Jose Serrano Martí http://www.redbull.com

Mbaka

Fonki Cheff - (finalista)

Dj Tillo

La Musique d’Ordinateur

Dj Elko

Stupendo Kalamar

Soak

Soak - (finalista)

Dj Gonne

Dj Plan B

entrevista

Saile Graffiti, conciencia social y trabajos comerciales no son siempre compatibles, sin embargo a veces mantener ese difícil equilibrio es, no sólo posible, sino muy necesario.

Este artista/ escritor chileno es una muestra viviente de que ejemplares así... existir existen, como Nessie.

Disfrutad de una persona con la cabeza bien amueblada.

Fuente: Montana World Fotos: cedidas por Saile http://mtn-world.com

Para aquellos de fuera del continente sudamericano que aún no te conocen, hagámosles una pequeña introducción de tu persona y primeros pasos en el graffiti.

Mi nombre es Saile. Llevo 16 años pintando graffiti. Comencé a los 12, de la mano de mi hermano mayor. En 1994-95, él era de los que más tags tenían en Santiago. A través suyo conocí a sus amigos, la gente más antigua de la escena en esos tiempos, con un nivel bastante avanzado para esos días: Horate, Krtur, Astro, Charly, Fisek, Scath78, Dve. Pintaban desde principios de los ‘90 y muchos tenían relación directa con el muralismo político; otros ya habían viajado al extranjero y trajeron consigo mucha influencia.

Crecí escuchando hablar sobre el respeto, el estilo propio, el no copiar otros estilos y esto se convirtió en una regla. Para mí ver un estilo evolucionado sobre las demás técnicas, otros pensamientos, me ayudó mucho a formar un criterio sobre lo que era el graffiti -más cuando uno es niño-.

saile En relación a mis primeros pasos... de pequeño ya dibujaba, hacía caricaturas de TV. Al conocer el graffiti, vi otro tipo de superficie que me llamó más la atención: el muro. Así empecé haciendo tags, throw ups y cuando junté más aerosoles hice mi primera pieza: un personaje. Después pinté unas letras, en esa época me gustaban más los personajes, les dedicaba más tiempo. De todos modos, igual trataba de mezclarlos, pero sobre todo para el bombing.

Además de a través de estos privilegiados que tuvieron la oportunidad de viajar y conocer otras culturas y volver a su país de origen con sus experiencias, ¿por medio de qué otros canales llegó el graffiti a Chile?

El primer medio fue “Estación Mapocho”, allá por 1997, punto de reunión en Santiago de la escena del hip hop nacional, donde el conocimiento era más directo y personal. Entre los escritores, a más de uno le había llegado una revista de graffiti; sacábamos copia en blanco y negro para poder tenerla y buscar sus referentes del estilo. Llegaban las primeras caps donde la técnica evoluciona con gran rapidez y el intercambio de sketches en blackbooks era un clásico.

Allá por el ‘98 existía una tienda a la que llegó más material - Montana Colors, caps, revistas, vídeos, ropa – y que pasó a ser la forma más directa de conseguir información actual del graffiti desde el extranjero, de ver lo que pasaba fuera y el nivel que había. Esta tienda se convirtió en el punto de reunión y retroalimentación.

Santiago, la capital, fue entonces el principal núcleo de graffiti en Chile...

Sí, fue el primer sitio donde yo vi graffiti, donde se establecieron los primeros estilos; ver piezas nuevas era frecuente en la calle. Se ubicaron allí las primeras tiendas. La cultura empezó a pegar fuerte por sus puntos de reunión y la cantidad de gente que formaba parte de ella.

Luego, Valparaíso también pegó fuerte. Es una ciudad más cultural, de ambiente bohemio y con actividades diseñadas para el turismo. Tiene gran cantidad de muros con distintas dimensiones y figuras, y es más

entretenida para pintar frente a los formatos comunes de cualquier otra ciudad.

Precisamente fue allí donde desarrollasteis el proyecto “Graffiti Porteño”y por el que os conocen algunos de los seguidores de Montana World Ése fue el lanzamiento oficial en Chile del 94. Junto al Ministerio de Cultura realizamos una exposición en el Consejo de la Cultura de Valparaíso y un gran mural cerca del centro de la ciudad. Llamamos al evento “Graffiti Porteño” por ser el puerto principal del país.

Antes se podía pintar en todos lados y no había tanta represión contra los escritores. Había más piezas a color y gran cantidad de producciones en el centro.

Hoy es distinto: con el cambio de gobierno, ha bajado la intensidad de difusión cultural y las actividades lúdicas se han ido eliminando poco a poco. Todo lo que se haga referente al arte es reprimido por el gobierno. Hasta los mismos carnavales en la calle se han acabado.

Puede que esté pasando un poco lo que sucede ahora en Barcelona: existe más control, menos tiempo para pintar y se recurre más al bombing, tags, throw ups, etc. Cada vez es menos el tiempo que tienes para pintar. Han borrado casi todos los muros grandes.

Sólo se ven bombas.

¿Nos puedes describir el gran mural que realizasteis ese día con Hes e Inti?

Se trata del ciclo natural, representan la vida, el agua, la tierra y el aire con personajes que figuran como los originarios del la tierra, el árbol gigante: la edad, ruinas antiguas mitológicas, la diosa del agua.

Está todo realizado con spray y pintura plástica. Son tres ideas distintas que se han mezclado. Nos llevó hacerlo unas 3 semanas. ¿Fue la primera vez que utilizabais Montana 94 no? ¿Qué sensaciones tuvísteis?

Una amiga de Valencia trajo 94 antes de que llegaran a Chile y me dejó un par. Días después, pinté un muro de ladrillo que tenía una parte que estaba bastante deteriorada, y realmente se notó la diferencia con otras marcas. Su baja presión es agradable para detalles pequeños, además de tener una buena capacidad para cubrir.

Tu generación quizás ha sido la pionera en establecer contacto profesional a través del graffiti con instituciones y empresas…

Creo que eso sucedió gracias a la generación anterior que luchó y abrió las primeras puertas. Para ellos fue mucho más difícil ya que el graffiti no era de tan agrado,

saile sin embargo ahora se está tomando más como un arte.

Además siento que es debido a la época que estamos viviendo, en la que el graffiti se ve como una expresión artística dentro del arte moderno, lo que provoca un mayor interés dentro de la cultura en general. También, la juventud dentro de las comunicaciones entiende mucho más lo que dicen y lo que quieren expresar. ¿Cómo es esta relación con las marcas?

Con las marcas o instituciones se puede trabajar de buena forma. Por un lado, hay proyectos concursables a largo plazo con el gobierno, donde se manejan más recursos. Por otro, hay trabajos más comerciales con marcas en base a proyectos concretos a corto plazo.

También se trabaja a través de agencias, donde uno puede negociar dentro de sus proyectos armando campañas más pequeñas según las temporadas.

En mi caso con Adidas fue directamente la empresa de distribución. Soy parte de los embajadores de la marca. Me tomaron como referente artístico de graffiti nacional, lo que ha hecho que en cada evento cuenten conmigo y la crew, así logramos un apoyo mutuo.

Nosotros trabajamos como agencia: intentamos contactar directamente con las empresas, estamos bien organizados en todo lo que tiene que ver con graffiti y dispuestos a enfrentarnos a todos los nuevos retos.

Me dijiste que de pequeño ya dibujabas. ¿Hay algo de lo que hacías entonces que mantengas a día de hoy en tu trabajo?

Quizás he mantenido un estilo, en personajes hacia tipo cómic o cartoons, y sólo han ido evolucionando. Es difícil mantener algo desde el principio, uno siempre va capturando cosas nuevas. Para marcar una diferencia, ser distintos a los demás. Eso ha provocado que cada año vaya buscando formas nuevas.

Tus personajes actuales se caracterizan por tener sus líneas y formas geométricas, cúbicas...

Durante un tiempo estuve buscando la simetría y la geometría en las formas. A través de la armonía llegué a la geometría y lo apliqué a los personajes.

¿Y cómo diste con este estilo?

Dentro de las simetrías, J. Escher fue lo primero que conocí. En cuanto a cómo utilizo la geometría, tiene un poco del estilo latinoamericano dentro de las máscaras, hasta la naturaleza con sus simetrías, muchas vivencias, viajes, cosas que he ido viendo en mi realidad e irrealidad. Formas que se me cruzan en la vida que no necesariamente tienen que ver con el graffiti. Me gusta el arte en general, no encerrarme dentro de un círculo. Todas las culturas nos pueden ayudar a mejorar como personas. Pero siempre rescatando algo del clásico estilo de graffiti.

no ser tan buena y no cubrir mucho te obligaba a trabajar con una técnica determinada. Sabiendo que era pintura más aguada trabajabas los diseños siendo consciente de este resultado, y jugabas más con las transparencias Cuando no existía tanta gama de colores necesitábamos mezclarlos; cogíamos un bote marca nacional y otro internacional, como Montana Colors, y mezclábamos los colores de ambos con un bolígrafo Bic. Mejorábamos la calidad de la pintura nacional y con la calidad de sus pigmentos lograbamos buenos colores. Días antes dejábamos toda la gama de colores preparada según el diseño a pintar.

¿De las cosas que has visto fuera que es lo que más te llamó la atención al principio y ahora?

Al principio fue la técnica y el estilo. Ahora me doy cuenta que el graffiti está buscando comunicar temas políticos, culturales o hechos de la actualidad. Es lo que intento rescatar, voy desde historias irreales hasta comunicar lo que sucede realmente, más que centrarme en el ego. ¿Y cuando se trata de un mural compartido con otra gente que se dedica más a hacer letras con su nombre?

He intentado mezclar un poco el estilo más abstracto para poder sacar algún tipo de letra en menos tiempo.

En Europa la gente tiene costumbre de pintar menos tiempo, en ese caso trato de buscar la armonía por las formas y los colores con sus diferentes combinaciones, jugar con pequeños objetos tratar de hacer algo más irreal. Un poco más abstracto, algo más que un concepto. ¿Cómo os organizáis en el crew a la hora de pintar?

Cuando se trata de un mural grande se dan las circunstancias para comunicar algún tipo de concepto días antes y planeamos la idea; tirar de una idea base y que comience a mutar. A veces terminamos pintando algo que no tiene nada que ver con el principio pero eso es parte del entretenimiento. Dejamos que fluya, ya nos conocemos, confiamos el uno en el otro.

Todos tenemos un estilo diferente. Gran parte de

los componentes del grupo nos conocemos desde pequeños, pues pertenecemos al sector Sur de Santiago y nos dimos cuenta que al ser de la misma zona podíamos volvernos más fuertes pintando juntos.

Con el tiempo se integraron más escritores desde Valparaíso y fuimos tomando más fuerza. Cuando nos enfrentamos a muros grandes cada uno de nosotros sabe que nuestro compañero va a hacer un buen trabajo y no tenemos que estar detrás de él pendiente de qué va a hacer. Ahora Stgo Under Crew lo integra Hesoe, Fisek, Ich, Inti, La Robot de Madera, Myre como fotógrafos Lavoe y Rdg1. ¿Cómo has vivido la introducción de diferentes marcas de pintura desde los comienzos?

Al principio había marcas nacionales. La pintura al

¿Podríamos hablar de en aquel entonces un 50% de ingenio y un 50% de creatividad? ¿Ahora estaríamos hablando de un 100% de creatividad?

Quizá la creatividad se fue perdiendo un poco con la llegada de internet. Hay mucho estilo que los más pequeños van cogiendo como referencias desde fuera.

Pero del ingenio aún queda, siempre se está inventando algo. Técnicas para mezclar, técnicas con rodillos, etc. Como no todos pueden comprar marcas de alta calidad, muchos siguen usando marcas nacionales y mezclando sus propias gamas de colores.

Al jugar con los pocos colores en marcas nacionales y mezclar con latas de calidad se logran buenos tonos y mejoras la pintura de mala calidad. Tampoco se han perdido las pinturas acrílicas ni los rodillos. Se usan mucho aún intentando conseguir texturas para fondos. ¿Lo complicado ahora es ser original?

Antes no podías mirar tan lejos. Había más creatividad, uno tenía que buscar por su cuenta el sello propio. No existía internet, creo que era más divertido, porque te sorprendías con más facilidad cuando veías una pieza, o algo nuevo. Ahora es más fácil encontrar información y basarse en estilos ya establecidos. Con Flickr y otros blogs es mucho más sencillo absorber los estilos de otros.

saile

saile Ahora arrancamos con nueva distribución en Chile ¿Cuándo fue la primera vez que oíste hablar de Montana Colors?

La primera vez que oí hablar de la marca fue en el 1997-98, cuando llegó a través de varias tiendas de Chile, en esos tiempos era un lujo tenerlas para los chicos. ¿Qué es lo que esperáis de una marca de pintura?

Que esté presente, que se note que es un aerosol para graffiti y lo apoya. Que no sólo esté ahí por vender, como las otras marcas que son productos de casa para pintar tu silla o tu carro. La gente es astuta y se da cuenta de cómo funcionan las cosas. Esto es lo que puede marcar la diferencia entre una marca y otra.

Este video que hicimos recientemente en Barcelona fue para apoyar el lanzamiento de Montana en Chile a través de tu crew, STGO UNDER. ¿Cómo fue la experiencia? ¡Fue bueno! De niño uno siempre veía la marca Montana y pensaba en lo lejana que era la posibilidad de trabajar con ella, pues no llegaba a Chile y conseguirla era difícil. Ahora sentirse apoyado por la marca y que en Barcelona conozcan parte de nuestro trabajo, a uno también le hace crecer como persona; significa que estás haciendo las cosas bien, que todos estos años de trabajo no han sido en vano y que como crew tenemos potencial dentro de la escena del graffiti mundial.

También el hecho de que la marca sea española y compartamos el idioma hace que la relación sea más cercana. ¿No crees?

Es como estar en casa. Podemos crear buenas relaciones y es más fluido: creo que con el español la relación no es tan fría como en otros países de Europa. ¿El hecho de vivir en un continente como el sudamericano se transmite en vuestras creaciones?

Creo que sí. El estilo sudamericano quizás es más alegre, sus colores son más vivos, fuertes y de altos

contrastes. Mucha de la “sabrosura” sudamericana, el folklore… Al mezclar el arte con el graffiti se salió un poco de lo clásico, como el wildstyle y ha hecho que se expanda a miles de estilos diferentes. ¿Cómo ves las escenas de los otros países que rodean a Chile?

Sudamérica es completa dentro de la escena del graffiti y tiene muchos estilos diferentes. En Brasil existe mucha gente con un estilo muy original. Argentina se caracteriza por ser un país que ha mantenido la escena con los trenes, los metros y la cantidad de líneas que tienen. Perú mantiene sus raíces en las gráficas basadas en el folklore. ¿Te consideras más escritor de graffiti o artista de graffiti?

Creo que ambas. Separo mi tiempo para ambas cosas

y trato de diferenciarlas un poco. No dejaré de ser escritor pues creo que así se disfruta el graffiti real.

Como artista tengo que verlo como una posibilidad de vivir. Hace unos ocho años más o menos que me lo tomé como una forma de sobrevivir y estoy dedicándome profesionalmente a ello.

Desde pequeño tenía claro que esto era lo que quería

hacer y que viviría de lo que me gusta.

Prefiero que sea así antes que trabajar encerrado en una oficina.

ENGLISH VERSION interview

saile

an interview by Montana World / pictures: Saile / http://mtn-world.com Graffiti, social conscience and commercial works are not always compatible, but sometimes to keep this difficult balance it’s not only possible, but really necessary.

This artist/writer from Chile is a living proof that this type of specimens might exist, like Nessie…

Enjoy with a person with an arranged mind …

Source: Montana World Photos: Saile For all those outside the South American continent who still don’t know you, let’s make a short intro about your person and first steps in graffiti…

My name is Saile. I’ve been painting graffiti for 16 years. I started when I was 12, from the hand of my big brother. In 1994-95 he was the one with more tags in Santiago. Through him I met his friends, the old school at these times, with a very high level for these days: Horate, Krtur, Astro, Charly, Fisek, Scath78, Dve. They were painting since early 90’s and most of them had a direct link with political muralism; the others had already traveled abroad, bringing back with them a huge influence.

I grew up being told about respect, the own style and not copying other styles, and this make a rule. For me, seeing a style evolving over the other techniques helped me to build my own criteria about what graffiti meant to me, especially during my childhood.

Dealing with my first steps, I already made drawings when I was a kid, I made caricatures from TV. When I learned of graffiti I discovered a surface that called my attention: the walls. That’s how I started making tags, throw ups, and when I added more spray cans, I made my first piece: a character. Later on, I added some letters, but in these days I preferred the characters, I dedicated more time to them. Anyway, I tried to mix them, especially for bombing.

Besides those lucky ones who were able to travel abroad and meet new cultures and then came back to their country with new experiences, how did graffiti arrive to Chile?

The first thing was “Estación Mapocho”, back in 1997, the meeting point in Santiago for the national hip hop scene, where knowledge was more direct and personal.

Amongst the writers, many of them received graffiti mags; we made black & white copies to keep it with us, and search for their style referrals. First caps arrived, and technique evolved really fast, exchanging sketches in our blackbooks was a classic.

Around 1998 there was a shop receiving more material – Montana Colors, caps, magazines, videos, clothes – and it became the most direct way to get information from abroad, to check what was happening and the existing level. This shop became the place for feedback and a meeting point.

So Santiago, the capital city, was the first spot of Graffiti in Chile…

Yes, it was the place where I first saw graffiti, where the first styles were established, and seeing new pieces on the street was normal. The first shops opened there.

The culture started hitting hard for the meeting points, and the big amount of people being part of it.

Then Valparaíso also started hitting hard. It’s a more cultural city, with a bohemian ambiance, and with activities focused on tourism. There are a lot of walls, with different sizes and shapes, and is more amusing to paint than the rest of formats you find in any other city.

ruins, the goddess of water.

It’s all made with spray cans and plastic paint. Three different ideas we mixed. It took three weeks to make it.

It’s precisely there where you developed the “Graffiti Porteño” project, the one which made you known between the followers of Montana World…

It was the official release of 94 in Chile. Besides the Ministry of Culture we made an exhibition at the Culture Council of Valparaíso, and a huge mural close to the city downtown. We called the event “Graffiti Porteño” because it’s the most important harbor in all the country.

Before you could paint everywhere and there was less repression towards the writers.

You could find more color pieces and a big amount of productions downtown. Today it’s different: with the change of government, there’s less cultural diffusion, and recreational activities have been eliminated gradually. Anything you do regarding art is repressed by the government. Even the street carnival parades have been suppressed.

I guess it’s happening the same than in Barcelona now: there’s much more control, you have less time to paint, and you resort to tags, bombing, throw ups, and so… as you have no time to paint. The big walls have been almost deleted. You just see bombs.

Your generation has been a pioneer to establish professional contacts with institutions and companies through graffiti…

This happened thanks to the previous generation who fought and opened the first doors.

It was really harder for them as graffiti wasn’t accepted, but now it’s considered more like an art. Furthermore, I feel that due to the times we are living, when graffiti is seen as an artistic expression inside modern art, it makes interest grows in culture in general. As well, youth in the media understands what they’re saying and what they want to express.

Can you describe the huge mural you made this day besides Hes and Inti?

It was about the natural cycle, representing life, water, the earth and the air through characters appearing to be earth natives, the giant tree: the age, old mythological

It was the first time you used Montana 94, isn’t it?

What did you feel?

A friend from Valencia brought some 94 before they arrived to Chile, and lend me a couple of them. Days after I painted a brick wall with a very damaged part, and I really felt a difference with other brands. Its low pressure is very nice for small details, besides its good covering capacity.

How is this relationship with the brands?

You can work in a good way with brands and institutions.

In one hand, we have long term tendering projects from the government, where you have access to more resources. In the other hand there are commercial works with brands based in specific short term projects.

You can also work through agencies, negotiating your own projects, building small campaigns depending of the season. My case with Adidas was a deal with the distribution company. I’m one of the ambassadors of the brand. They took me as a referral of national graffiti, and this supposes they call me and my crew for all their events, so we get a mutual support.

We use to work as an agency: we try to contact directly with the companies, we are well organized regarding graffiti, and we are ready to face any new challenges.

saile You told me you already draw when you were a kid. Is there something you made then you’ve kept in your actual work?

I’ve possibly kept a style, regarding characters, I draw comic and cartoon styles, and it has just evolved through time. It’s difficult to keep something from the beginning. You always catch new things. To make a difference, to be different from the rest. This has led me to search for new shapes, every year.

Your actual characters are characterized by its geometric lines and shapes, cubic…

I’ve been searching for the symmetry and geometry in the shapes for a while. Through harmony I reached geometry and I applied this to my characters.

And how did you find this style?

J. Escher was the first I heard of in symmetry. Regarding how I use geometry, it’s a little like Latin American style for masks, even nature and its geometry, a lot of experiences, travels, things I have seen in my reality and my unreal. Shapes I pass by in my life not necessarily related to graffiti. I love art in general, not to shut myself in a circle. Every culture can help us to be better persons. But always saving something from the classic graffiti style.

From what you’ve seen abroad what has called your attention at the beginning and now.

At first it was the technique and the style. Now I realize graffiti is trying to communicate political themes, cultural themes or current facts. That’s what I try to rescue, I go from unreal stories to convey what’s really happening, more than focusing on ego.

And when it’s about a shared wall, with other people who makes letters with their names?

I’ve tried to mix up the most abstract style to make a certain kind of letter faster. In Europe they’re used to paint faster, in this case I try to find the harmony from shapes and colors with their different combinations, playing with small objects trying to make something more unreal. A little abstract, more than a concept.

How do you organize the crew to paint?

When it’s a big wall we try to share the concept some days before and we plan the idea; starting from a good idea and let it growing. Sometimes we finish painting something absolutely different from the starting idea, but that’s a part of the fun. We let it flow, we know each other, we trust each other.

We have all different styles. A big part of the members of the crew we know each other since we were kids, we all belong to the South Santiago zone, and we realized that we could get stronger painting together. Later on, some writers from Valparaíso joined us and we went even stronger. When we face big walls each of us knows that the other is going to make a good work and we don’t have to be watching to see what he’s going to do. Now Stgo Under Crew is made by Hesoe, Fisek, Ich, Inti, La Robot de Madera, Myre and Lavoe and Rdg1 as photographers.

Mix techniques, paint roller techniques, and so… As not everybody can allow buying high quality brands, they keep using national brands and making their own color ranges. As they play with small color ranges of national brands and mixing with high quality paints they get good shades and they improve the lower quality paint.

They have not lost painting rolls nor acrylic paints, it’s still used to get textures for the backgrounds.

How have you lived the introduction of different paint brands since the beginning?

At the beginning there were more national brands. The paint was no good, and didn’t cover very well, so you were forced to do a determined technique. Knowing it was more watered made you work the designs being conscious of the final result, and we used to play with transparency.

Without such a huge color range we had to mix them; we used to take a national spray can and an international one, like Montana Colors, and we mixed them with a Bic pencil. We improved the national paint quality, and with the pigment quality we obtained good results regarding colors. We used to prepare all the color range a few days before depending on the design to paint.

We are starting now a new distribution in Chile.

When did you heard about Montana Colors for the first time?

The first time I hear about the brand was in 1997-98, when it arrived to some shops in Chile, on these days, it was a luxury to have them for the kids.

Can we say that then it was about 50 % inventiveness and 50% creativity? And now we’re dealing with 100% creativity?

Maybe creativity has been gradually getting lost with the Internet arrival. There are a lot of foreign styles taken as reference by the youngest ones. But there’s still a lot of inventiveness, we’re always inventing something.

Now the complexity is being original?

Before, you couldn’t look so far. There was more creativity, you had to search your imprint for your own.

There was no Internet, I believe it was funnier, because you were surprised easier when you saw a piece, something new. Now it’s easier to find information and get a basis on already established styles. With Flickr and another blogs it’s much easier to absorb the others’ styles.

What do you expect from a paint brand?

To be present, to feel it’s an aerosol for graffiti and their support. That they’re not just there to sell, just like other brands which are home products to paint your chair or your car. People is smart and notices how things go. This can really make a difference between a brand and other brand.

The video we recently made in Barcelona to support the release of Montana in Chile through your crew, Stgo Under… how was the experience?

It was good! Since I was a kid, I always saw the Montana brand and thought how far was the possibility of working with it, as it didn’t arrive to Chile, and buying it was very hard. Now to feel supported by the brand and the fact that people in Barcelona knows about your work, this makes one grows as a person, it means you’re doing

things right, that all those years of work have not been in vain, and that as a crew we have possibilities in the world graffiti scene.

The fact it’s a Spanish brand and sharing the same language makes the relation closer, don’t you think?

It’s just like being home. We can build good relations and it’s much more fluid, I believe that thanks to Spanish language the relationship is not as cold as with other European countries.

Do you think living in a continent as South America is transmitted to your creations?

Yes I think so. South American style is happier, the colors are intense, strong and of high contrast. A lot of the South American “sabrosura”, the folklore… mixing art with graffiti made it came out from the classic, just like wildstyle, and has made it expands to thousands of different styles.

How do you see the scene in the countries surrounding Chile?

South America is very complete in the graffiti scene and owns a lot of different styles. In Brazil there’s people with a very original style. Argentina is a country that has maintained the trains and subway scene, with the big number of lines they own. Peru keeps its graphic roots based in folklore.

Do you consider yourself a graffiti writer or a graffiti artist?

Both of them. I spare my time for both things, and try to differentiate them a little. I won’t stop being a writer as I think it’s the only way to enjoy of real graffiti. As an artist I have to think about it as a way of life, a possibility to make a living. It’s been around 8 years that I’m taking it as a way to survive, and I’m doing it in a professional way. Since I was a kid I knew this was what I wanted to do, and that I would live doing what I love.

I’d rather do that than work in an office.

reportaje

Battle Of The Year es posiblemente el concurso de b-boying más conocido de todo el planeta. De hecho lleva 20 años en activo, enfrentando a las mejores crews de baile de todo el mundo.

El evento ha sido esponsorizado por Braun y su nueva gama cruZer (muchos de vosotros ya habréis visto en la tele un anuncio de la marca en el que aparecen imágenes de b-boys dándolo todo, y que tiene como protagonista a

Ronnie Abaldonado, laureado b-boy y jurado de la BOTY), y parece que Braun está dispuesta a apoyar al máximo este evento, volcándose de lleno en la edición 2011 de la BOTY que el próximo 19 de Noviembre celebrará su final mundial en Montpellier (Francia).

braun battle of the year 2011

Battle Of The Year es un evento que desgraciadamente, no se celebra en España desde el año 2008. El año pasado se canceló por la falta de participantes según un comunicado oficial del campeonato (aunque conociendo mínimamente el panorama de b-boying en nuestro país, podemos asegurar que existen crews de sobra para realizar un evento de estas características a nivel nacional, e ignoramos las razones “reales” de su cancelación). Los últimos participantes españoles en una final mundial fueron Fallen Angels en 2008.

Sea como sea, BOTY sigue siendo el encuentro más importante del mundo de estas características. Este 2011 BOTY ha recorrido el planeta realizando las

selecciones nacionales en los cinco continentes, que dieron comienzo en Abril en el Norte de Francia, y que terminarán en Rusia, a finales de Octubre.

Por medio, ha habido clasificaciones regionales y nacionales en toda Europa, Estados Unidos, Brasil, Centro América, Oriente Medio, Tailandia, Malasia, así hasta más de una veintena de países (incluido Kazajistán), seleccionando paulatinamente a los mejores bailarines de sus respectivos países, que se enfrentarán en una espectacular final en el Park & Suites Arena de Montpellier, con capacidad para 14.000 personas.

De momento, y hasta completar la lista completa de crews una vez finalicen todas las rondas clasificatorias, el listado de participantes en la final mundial es el siguiente: Jinjo (Korea) – campeones del mundo en la pasada edición BOTY 2010 Dead Prezz (Grecia) CT Group (Polonia) Vagabonds (Francia) Nine States B-Boyz (Japón) TPEC (Taiwan) Kosher Flava (Israel) Guatemaya Crew (Guatemala) Simple System (Kazajistán) Maximum Crew (Korea) Battle Born (USA) Reckless Bunch (Alemania) Amazon B-Boys (Brasil) Ruff’n’X (Suiza) House of Stone (Zimbabwe) One Piece UD Town (Tailandia) Hoochen Crew (Belgica) De Klan (Italia) Pero la final mundial es mucho más que una batalla de B-Boys. Paralelamente a la competición se han organizado una serie de actividades que harán de la final de la Braun BOTY 2011 una auténtica celebración de la cultura Hip Hop en general y del B-Boying en particular.

Conciertos de Hip Hop, talleres y clases magistrales, exhibiciones, el campeonato internacional femenino WeBGirlz, además de post-parties y todo tipo de fiestas paralelas, transformarán la ciudad de Montpellier en la capital mundial de B-Boying por unos días.

Pásate por la página oficial de la Braun Battle Of The Year 2011 y podrás ampliar toda esta información con vídeos, fotografías y todas las noticias más recientes. www.braunbattleoftheyear.com

ENGLISH VERSION report

For the moment, and until the full list of crews is completed once the classifying rounds are completed, the list of contestants in the world finals are: Battle Of The Year is possibly the most well-known b-boying contest of the whole world. It’s been on active service for 20 years, setting clashes between the best crews from all over the planet.

The contest has been sponsored by Braun and their new cruZer line (many of you might have seen the TV ads where you can see a bunch of b-boys doing their best, where the main character is Ronnie Abaldonado, awarded b-boy and BOTY jury member), and it seems Braun is definitely decided to support this event, and have thrown themselves into the 2011 edition of BOTY which will end next November the 19th with the world finals in Montpellier (France).

Unfortunately, Battle Of The Year is not taking place in Spain since 2008. In 2010, the event was cancelled due to a lack of contestants as they said in an official press release (even though knowing a little about the Spanish b-boy scene situation we can affirm there are enough crews in our country to carry out an event like this, but we ignore the “real” reasons of these cancellations). The last Spanish contestants were Fallen Angels, in 2008.

No matter what it is, BOTY is still the most important meeting in the world of b-boying. In 2011, BOTY has travelled around the five continents making the national selection rounds, starting back in April in France, and ending in Russia, at the end of October. In the way they have made regional and national rounds in Europe, United States, Brazil, Center America, Middle East, Thailand, Malaysia, and more than 20 countries (including Kazakhstan), gradually choosing the best dancers from their respective countries, dancers battling in a spectacular final clash at the Park & Suites Arena from Montpellier, with a capacity of 14.000 spectators.

But the final rounds mean much more than a B-Boy battle. Besides the competition there are a lot of activities making the upcoming Braun BOTY 2011 a true celebration of Hip Hop and B-Boying culture

Jinjo (Korea) –BOTY 2010 Champions Dead Prezz (Greece) CT Group (Poland) Vagabonds (France) Nine States B-Boyz (Japan) TPEC (Taiwan) Kosher Flava (Israel) Guatemaya Crew (Guatemala) Simple System (Kazakhstan) Maximum Crew (Korea) Battle Born (USA) Reckless Bunch (Germany) Amazon B-Boys (Brazil) Ruff’n’X (Switzerland) House of Stone (Zimbabwe) One Piece UD Town (Thailand) Hoochen Crew (Belgium) De Klan (Italy)

Hip Hop concerts, workshops and master classes, exhibitions, the WeBGirlz International Battle, amongst many different parties, will turn the city of Montpellier in the Bboying world’s capital for a few days.

Visit the official website of Braun Battle Of The Year 2011, you’ll find videos, pictures and the latest news about this event. www.braunbattleoftheyear.com