Future Magazine - Nº 13 by FUTURE MAGAZINE

Nº 13 • Noviembre de 2015

ENTREVISTA

Antonio Bartrina

(Malevaje) El Gardel Del Siglo XXI

REPORTAJE

Los Bichos Rebelión Sonora

Copy-Paste Lady Gaga: Emulación Transversal

Entrevistamos a

Pía Tedesco

Del Cabaret y Otros Sueños

NOTICIAS DISCOS CINE CIENCIA FICCIÓN y mucho más...

La Calle 46

The Yardbirds

El Supergrupo Moderno y Modernista

Algo Más Que Música

Juliette & The Licks La Lolita De Los 90 Se Pasó Al Rock

Edita:

staff

Future Management

C/ Archiduque Carlos, 119-20 46014 Valencia (España) C.I.F. B-98084486 Teléfono: 655 900 232 movidavalenciana@gmail.com Facebook: www.facebook.com/dinamitarockmagazine Twitter: @futuremg Director: Vicente Ribas movidavalenciana@gmail.com Coordinadora: Geles Piquer gelespiquer@gmail.com Departamento de ventas: Elisabeth Barros futuremagazinepublicidad@gmail.com Telf.: 663 50 99 16 Redes Sociales: Tomás Alias tomas@imusicarock.com Diseño y maquetación: Theless theles.es@hotmail.com Diseño web y webmaster: Ana Sánchez anasanchezabad@gmail.com Colaboradores: Manel Ramodne, Rosa Ruiz, Pablo Martínez Vaquero, José Luis Hoyos, José Rodríguez, Irene Sánchez (Conciertos Solidarios), J.A. Fabián, Jorge Juan Guillén, Óscar Caamanho, Jimmy Jazz, José Luis Labra, Alfredo Lázaro, Marcos Collantes, Ricky Rodríguez, Salvador Pérez Cuñat, Juanjo “Jota Jota”, Lola Villajos Roldán, Julia Navas Moreno, José Gálvez, Commandant DJ y José Zamora Linares.

Sumario Noticias Nacionales...............................................5 Noticias Internacionales...................................... 11 Pía Tedesco............................................................15 Discos Nacionales.................................................21 ¿Te acuerdas? Nacional.......................................24 Antonio Bartrina.................................................. 27 Discos Internacionales........................................ 31 ¿Te acuerdas? Internacional...............................34 Los Bichos.............................................................35 Algo más que música........................................... 37 Copi-Paste............................................................39 Solidarity...............................................................41 La Calle 46............................................................. 45 Libros.....................................................................51 Regreso Al Cine....................................................53 1er Aniversario Future Magazine........................ 54 De concierto........................................................ 57 Yo estuve allí........................................................ 61 El Rincón Del Loco................................................62 La Mirada de Chuck.............................................65 Foto Portada: Mila Checarelli

Vetusta Morla

El Cuarto Verde

l domingo 8 de noviembre Vetusta Morla publicará ‘15151’ (Pequeño Salto Mortal, 2015), un doble Cd que recoge las dos horas del concierto que el grupo realizó el pasado 23 de mayo en el Barclaycard Center de Madrid. El disco estará disponible ese día junto al periódico El País y un mes más tarde llegará a tiendas de discos y grandes superficies. El concierto íntegro en audio y video estará disponible en formato digital a partir del 10 de noviembre en iTunes y Apple Music. Su título, ‘15151’, no solo es número reversible, es también una suma de energías puestas a la vez en un mismo lugar. Quince mil espectadores, los que asistieron al concierto, más ciento cincuenta trabajadores que lo hicieron posible, más una persona, la que podrá disfrutarlo seis meses después en su casa gracias a esta grabación.

l 13 de noviembre Rock Estatal Records lanzará ‘Metroglobina’, su apuesta por el Cd consolidación de El Cuarto Verde. 10 temas que el crítico musical Fermín Iturza presenta a los riojanos de la siguiente manera: “Destila rock, acidez, energía y emoción. ‘Metroglobina’ se muestra como su álbum definitivo, un universo sónico de guitarras afiladas sobre una base rítmica sólida y pétrea. La voz cálida y sincera, como recién horneada entre casquería, regala un puñado de letras muy cuidadas sobre temas universales que logran emocionar, reflexionar o elevarte diez centímetros (uno por canción) del suelo. Fantástico este nuevo redondo de los riojanos, llamados a heredar lo mejor de la música rock cocida en los últimos años”.

Desechables

James Maad

unster Records publica este mes de noviembre un vinilo con la primera casete de los barceloneses Desechables (Tere, Miguel y Dei Pei). Ernest Casals responsable del sello Flor y Nata Records y del fanzine “Radio Carolina” fue el impulsor la cinta, con su subsello Anarchi Records. Grabada en una sola tarde, en un estudio de Barcelona, en octubre de 1982, se hicieron 750 copias que se vendían al precio de 350 pesetas cada una. La mayor parte de la tirada resultó destruida en un accidente de tráfico en la autopista Barcelona-Zaragoza, cuando Miguel, Pei y Ernest Casals viajaban a Madrid para distribuirla. En 1999, los mismos Munster Records ya editaron un Cd de Desechables que contenía ‘La Maqueta’ + ‘Golpe Tras Golpe’, su primer trabajo, quedándose fuera ‘El Peor Dios’, el tema que cerraba su maqueta de 1982.

he Trigger’, la nueva canción de James Maad se lanzó en plataformas digitales el pasado 26 de octubre. Con ‘The Trigger’, James Maad pone punto final a un año de silencio y nos adelanta una de las bombas sónicas que contendrá su segundo Ep, que se publicará durante la primera mitad del 2016. La canción está producida por Ed Is Dead y se sumerge en un universo elegante y sofisticado, una de las múltiples facetas de James Maad. La letra reincide en el ambiente melancólico y oscuro que caracteriza las producciones de James. El músico, es uno de los principales actores del actual underground madrileño, el microuniverso musical de la capital española que se encuentra más vivo que nunca.

‘T

Seleá Morente

Gloria Van Aerssen

l Volcán Música lanzó el 30 de octubre el primer álbum de Soleá Morente, ‘Tendrá Que Haber Un Camino’, del que en los últimos meses se han difundido tres de sus canciones: ‘La Ciudad De Los Gitanos’, ‘Nochecita Sanjuanera’ y ‘Todavía’. “Puesta de largo, más que debut. Tras infinidad de aventuras artísticas, estrena ahora su primer disco como tal. ‘Tendrá Que Haber Un Camino’, se titula. Busca y halla su sitio rodeada de los suyos: que son muchos y variopintos. Porque este no es un disco de encuentros, sino de relaciones. El abrumador elenco de invitados responde tanto a razones artísticas como vitales. Con todos hay lazos: sanguíneos o amistosos. Con todos, de una u otra manera, llevaba ya un buen trecho del camino” dice la nota de prensa.

loria Van Aerssen, componente del dúo Vainica Doble, falleció el pasado 21 de octubre en su casa de Cercedilla (Madrid) a los 83 años. Junto con Carmen Santonja (fallecida en 2000, poco después de la publicación del último disco de Vainica Doble, ‘En Familia’) formó parte de uno de los fenómenos más singulares de la música española, un proyecto musical en el que tenía cabida lo popular y la alta cultura, la música clásica y la psicodelia, el costumbrismo hispánico y las referencias universales, el pop y la canción de autor. A pesar de ser una isla en el panorama musical de la época, muchas veces incomprendidas y maltratadas por la industria musical de entonces, su influencia ha sido trascendental en la música española de las cuatro últimas décadas.

Silenciados

Los Secretos

l 30 de octubre Rock Estatal Records publicó ‘Cultura Irracional’, lo primero de Silenciados, nuevo proyecto de Silencio Absoluto. La preventa online estuvo disponible hasta el miércoles 27 y se pudo adquirir un pack especial por 20,95 € (disco, camiseta, póster y mechero abridor) y otro de coleccionista que por 49,95 € llevó también sudadera, bolso, letra manuscrita y DVD con saludo del grupo + el single inédito ‘La Retocá, El Principio Básico De Un Sueño’. El largo: diez temas llenos de rock directo al corazón, de temática social y personal. Colaboraciones de Pablo y Pepo (Desakato), Juankar (Boikot), Rulo (Rulo y La Contrabanda), Juanan San Martín (Tierra Santa) y Juan Zagalaz (Alhandal). La experiencia de quien ya ha sacado seis discos y ofrecido más de quinientos conciertos. ‘Cultura Irracional’ será mucho más que un debut.

niversal Music Spain lanzará en breve y con motivo del 35 Aniversario, una edición especial del primigenio disco de Los Secretos, en un doble álbum totalmente remasterizado formato Digipack con libro de 40 páginas incluido (con lo de siempre: textos, memorabilia y el plus de fotos inéditos del gran fotógrafo Miguel Trillo), y por supuesto, siguiendo la tendencia del momento, en vinilo (las doce canciones originales). El primer disco contiene el disco original más el tema ‘Loca Por Mi’, mientras que el segundo, y como novedad respecto de otras celebraciones en el tiempo, ha sido obra de catorce grandes bandas y músicos que han homenajeado el momento aportando su visión particular de cada tema.

Eleness

Festur

est Things’ es el primer Ep de la trilogía que formará el Lp ‘Best Things Come In Small Packages’, del valenciano Eleness. El trabajo está compuesto por cinco canciones (‘Please Me’, ‘Freedom’, ‘Paradise’, ‘Crisis Town’ y ‘Surrender’) y acompañadas por fotografías realizadas por Nadia Gil Murcia, disponibles en streaming y en descarga (http://eleness.bandcamp.com). En él, se pueden escuchar sonidos que desafían lo atemporal, patrones musicales inesperados y letras elegantemente transgresoras. Eleness es el proyecto musical de pop rock electrónico en inglés de Daniel Linuesa. Su música puede describirse como un juego de luces y sombras que se balancean en un continuo ejercicio de equilibrismo en una mezcla entre sonidos electrónicos y clasicismo poético donde destacan acordes oscuros, ritmos magnéticos, ambientes envolventes y atmósferas vibrantes.

l próximo 21 de noviembre se celebrará en la sala valenciana de 16 Toneladas Rock-Club la octava edición del Festur (Festival PopRock Del Turia). En esta ocasión la organización cuenta con la presencia de 3 Cómplices, Blue Moon, Polvos De Talco Baxter & Family, Kadetes, Combo Potombo Vs. Stilo Gráfico y La Morgue. A excepción de Blue Moon, que ya pasaron por la segunda edición del Festival (2008), todos los restantes grupos aparecen por primera vez en este evento, que se inició en el 2007 en la sala Matisse (Valencia) y que por entonces reunió a bandas como Betty Troupe, Falsa Pasión, Scooters, Zarpa, La Gran Esperanza Blanca, Jah Macetas, Doctor Divago, Los Inhumanos, Armas Blancas e In Fraganti. De nuevo el espíritu ochentero valenciano coge fuerza y se da cita en la capital levantina el 21 de noviembre.

Belako

Rock Duro

‘B

elako publicará su nuevo disco, ‘Hamen’ el próximo 22 de enero, y no en noviembre como estaba previsto, para coordinar su presentación en México y Estados Unidos, donde también se publicará. De todas formas, los cuatro miembros del grupo no esperarán de brazos cruzados hasta la fecha de publicación. A principios de noviembre comienzan la gira de presentación, con tres conciertos en Canarias, y el día 27 estarán en Bilbao, en la sala Kafe Antzokia. Sobre el nuevo disco, Zalakain adelantó que en ‘Hamen’ cabe “todo lo que Belako ha mostrado hasta ahora”, y que se trata de “una mezcla” de todos los sonidos que los han definido en su carrera, desde los ritmos más oscuros o postpunk a los más electrónicos y melódicos. El trabajo estará compuesto por trece canciones.

a editora de This Is Rock y This Is Metal, lanzó una nueva revista dedicada a los grupos nacionales bajo el apelativo de Rock Duro, se puso a la venta desde finales de junio. En su primer número la portada estuvo dedicada a Warcry, a quien se realizó una entrevista en páginas interiores, junto a otras a Guadaña, Aquelarre, Nudo, The Diesel Dogs, Leather Boys, Docka Pussel, Zenobia, Holycide, The Val, Baja California, Mutant Squad, Saratoga, Trallery, Danger, Vita Imana, Jose Rubio’s Nova Era, Diabulus In Música, Medina Azahara, Antigua, Phantom Mask, Noah Histeria, Sinestress y Third Dimension. También se incluyó un artículo de Jesús Trujillo vocalista de Eldorado, relatando las experiencias de la banda durante sus giras, además de la sección de críticas. Una iniciativa digna de elogio tal y como está la situación en el ámbito de la prensa escrita especializada.

Fernando Lavado & R n’ R Friends

ajo el título de ‘Una Noche Con Mis Héroes’, Fernando Lavado (Gatos Locos) editará este mes de noviembre su primer disco en solitario con el nombre de Fernando Lavado & Rock ‘N’ Roll Friends. En él encontraremos 13 temas con versiones de Gene Vincent, Eddie Cochran, The Beatles, Carl Perkins, Hank Williams, etc. 12 en inglés y una adaptación en castellano del ‘Story Of The Rockers’, de Gene Vincent. El disco ha sido grabado en los Estudios El Sótano, de Valencia, y en él han acompañado al músico catalán Desguace Café y varios músicos más. En diciembre, enero y febrero se hará una gira de presentación.

Fermín Muguruza

después de que el huracán Katrina arrasara todo a su paso y condenara a los oriundos de la ciudad, sobre todo, como siempre, a sus habitantes más desfavorecidos, Fermin Muguruza ha visitado las calles que han visto crecer a músicos como Louis Armstrong, Wynton Marsalis, Phil Anselmo (Pantera) o Lil Wayne para confeccionar un disco con músicos locales dirigido por el productor Jonathan Freilich. Tal y como hiciera yéndose hasta Jamaica para grabar ‘Euskal Herria Jamaika Clash’, para esta nueva aventura el irundarra se ha desplazado a la ciudad del Mardi Gras con el objetivo de dar otra vuelta de tuerca a su sonido. En su nuevo trabajo ‘Irun Meets New Orleans’, además de un Cd con una nueva aproximación a 10 de su carrera, los seguidores encontrarán un documental para el que Muguruza se ha vuelto a colocar tras la cámara, como ya hiciera en su serie de documentales sobre música árabe para la cadena Al Jazeera.

Noticia Destacada Paraíso

Comunicado de Paraíso:

“M

adrid 8 de octubre de 2015: Ante la reciente aparición de cierta recopilación del material de Paraíso, el grupo hace constar que deniega toda responsabilidad sobre dicha recopilación, pues en ningún momento se le invitó a participar en la misma para elegir qué se incluía y qué no. Paraíso se identifica con la recopilación que en breve publicará Munster Records en la que, aparte de controlar varios miembros y personas cercanas al grupo la selección de canciones, así como la estructura de tal selección y la inclusión del material gráfico, imágenes cedidas expresamente por el fotógrafo oficial del grupo Javier Senovilla. Se recuperan las cintas originales de las grabaciones hasta ahora nunca publicadas de la mejor calidad posible y se ha desechado todo aquello que considerábamos inaceptable en cuanto no reunir un nivel mínimo de sonorización. Paraíso (quien haya leído el libro Música Moderna ya estará al tanto) fue uno de los grupos más injustamente valorados de la movida por el contraste entre su calidad intrínseca como arreglistas e instrumentistas y la pobre imagen que tuvo el público por culpa de la infame sonorización de buena parte de sus directos y la desidia de la discográfica en sus experiencias en estudio. Munster Records trata de reivindicar ese prestigio de Paraíso que siempre quedó “a media asta” con esta selección, hecha desde el respeto a lo mejor de una trayectoria y no desde la mera bulimia coleccionista, y ojalá quienes la escuchen comprendan y compartan el esfuerzo y disfruten del resultado.

Hisser

Kula Shaker

isser es el nuevo proyecto de Miikka Koivisto, productor y cantante procedente de Helsinki reconocido por haber sido el líder de la banda de post-rock Disco Ensemble, que tuvo gran repercusión en Europa e imprimió de sonido energético con originales riffs y sintetizadores electrónicos la escena de comienzos de los años 2000. Pero eso ya es pasado, y ahora Miikka se encuentra embarcado en Hisser, proyecto de pop y electro dance con la que ha editado recientemente su primer álbum homónimo a través de Fullsteam y Sony Music. En él abundan los sintetizadores atmosféricos y las melodías emotivas con elegantes matices vocales capaces de llevarnos de viaje danzando a través de la jungla urbana. Hisser pasó por España el mes pasado y estuvo tocando en la sala Joy Eslava de Madrid el día 8 y al día siguiente en Barcelona, en la sala Apolo.

a banda de Crispian Mills ha anunciado la edición de un nuevo álbum en breve, además de embarcarse en una gira europea el año que viene. Kula Shaker sacaron su último Lp en 2010, ‘Pilgrim Progress’, y ahora preparan su continuación, que podría llamarse, aún por confirmar, ‘Eclipse’. El grupo ha estrenado un teaser que incluye nueva música en un contexto “astronómico”. La música que suena de fondo es interesante, acústica, étnica y orquestal. En su web oficial se puede leer el mensaje: “¡El tiempo ha llegado! Kula Shaker finalmente han surgido desde el silencio y han marcado su regreso con las fechas en vivo en todo el Reino Unido y más allá. Chequead el teaser clip de # 1 del nuevo disco. Feliz Eclipse!”. Crispian Mills formó la banda en 1995, un año después su debut ‘K’ fue número 1, después llegó ‘Peasants, Pigs & Astronauts’ (1999), y Kula Shaker se separaron ese mismo año. Se reagruparon en 2004, y tres años después salió el Lp ‘Strangefolk’.

Coldplay

Umberto Tozzi

o m o se podía presumir, Coldplay publicarán su séptimo álbum ‘A Head Full Of Dreams’, el próximo 4 de diciembre, viernes. Toda la campaña girará como si se tratara de un gran regalo de navidad. El álbum seguirá apareciendo en Parlophone en Europa, ahora propiedad de la multinacional Warner Music, pero en América aparecerá en el sello Atlantic, el de Led Zeppelin. El grupo ha grabado el álbum en varios estudios. Primordialmente, en el Henson de La Brea, en Los Ángeles, el que fue el viejo estudio de Charles Chaplin. En el mágico Estudio C, el preferido de Michael Jackson, cuando se llamaban A&M Estudios. Pero también en Air Studios, en Malibú y el The Bakery, el del grupo, en Londres.

ace escasamente unos días (30 de octubre) que se puso a la venta el nuevo trabajo del cantautor italiano Umberto Tozzi, ‘Ma Che Spettacolo’, que contiene un Cd con trece canciones nuevas y un DVD en directo. Hace unos día se lanzó el primer single, ‘Sei Tu L’Immenso Amore Mio’, cuya canción dispone de su videoclip promocional. ‘Ma Che Spettacolo’ llega tres años después de ‘Yesterday, Today’. Para quien no conozca al músico turinés, él es el autor de grandes éxitos en los 70 y 80 como ‘Gloria’, ‘Io Cammineró’, ‘Claridad’, ‘Tú’, ‘Ti Amo’ o ‘Gente Di Mare’ entre otras muchas. Debutó en 1974 con ‘Strada Blanca’ y hasta la fecha tiene casi una treintena de álbumes.

Noel Gallagher

oel Gallagher por fin vendrá a España el viernes 8 de abril y estará actuando en La Riviera de Madrid y el sábado 9 de abril, en el Sant Jordi Club, dentro de la programación de la 27 edición del Festival de la Guitarra de Barcelona. Se trata de promocionar su segundo disco en solitario, ‘Chasing Yesterday’, cuya revisión ya pasó por Future Magazine. Noel Gallagher repasará en Madrid y Barcelona algunos de los temas de Oasis. En sus últimos conciertos, se han podido escuchar ‘Champagne Supernova’, ‘Fade Away’, ‘Whatever’, ‘The Masterplan’ o ‘Don’t Look Back In Anger’. Se trata, por tanto, de una ocasión única para disfrutar del pasado y del presente de una de las figuras más emblemáticas del brit pop. Los usuarios registrados en www.livenation.es tendrán acceso a una preventa exclusiva el martes 3 de noviembre a las 10:00h.

José Luis Properzi

ose Luís Properzi, más conocido como Person, líder de la banda argentina Súper Ratones falleció a los 48 años de edad, según confirmaron sus compañeros a través de la cuenta del grupo de rock. “Súper Ratones lamenta comunicar con profunda e infinita tristeza el fallecimiento de Person, inmenso artista. ¡Chapeau! para nuestro querido hermano y compañero de ruta de toda la vida... Lo recordamos cantando sus mejores canciones, siempre”, informó la cuenta de Facebook de la banda. El grupo se formó en 1985 cuando Person, baterista y una de las voces del grupo se juntó con sus compañeros de colegio Oscar Granieri (guitarra) y Fernando Blanco (bajo y voz) a hacer música en el garaje de su casa en Mar del Plata. Entre las canciones más conocidas de la banda están ‘Cómo Estamos Hoy’, ‘Decime Qué Te Hicieron’, ‘Lo Demás Es Lo De Menos’ y ‘Me Muero Por Vos, entre otras.

Morrissey

l libro ‘List Of The Lost’ relata la historia de un equipo de relevos maldecido por un demonio. Lo más criticado está siendo las escenas de sexo tan paupérrimamente descritas por el ex líder de Smiths. Y Morrisey se ha agarrado una pataleta de las gordas. Dice que la mala recepción de la crítica al libro se basa más en el hecho de que fue él quién lo escribió en vez de en l a calidad de lo escrito: “Creo firmemente en la libertad de expresión y los críticos tienen que decir lo que tienen que decir. Pero a menudo las críticas son un ataque contra mí como ser humano y no tienen nada que ver con lo que están leyendo”. Y en respuesta directa a los críticos: “No fue escrito para vosotros. Vosotros no podéis tratar de decir lo que creéis que el autor debería haber escrito en lugar de lo que realmente escribió”. Otra cosa que ha enfadado mucho al cantante y ahora escritor, es que algunos críticos han animado a los fans de Morrissey a no comprar el libro.

Haim

as niñas bonitas de la prensa musical, Haim, han anunciado, que ya casi han acabado de grabar su segundo Lp. Lo han revelado en el programa de Zane Lowe en Beats 1. Haim han asegurado sentirse muy satisfechas del trabajo realizado: “Tenemos el trabajo hecho. Suena realmente genial. En esencia el horno ha sido precalentado y la puerta del horno está abierta. Más de 350 dedos de pescado, si soy sincera, en la bandeja”. Por otra parte, las hermanas californianas están intentando resucitar Lilith Fair, un festival de los años 90 compuesto íntegramente por artistas femeninas. Lilith Fair se celebró entre 1997 y 1999, después de que Sarah McLachlan tuviese problemas con promotores de conciertos para tocar con Paula Cole, un pack de dos mujeres que no gustaba. Finalmente salieron juntas de gira en 1996, y al menos una de sus actuaciones se llamó “Lilith Fair”.

Elvis Costello

Adele

l músico inglés Elvis Costello actuará en el auditorio del Kursaal de San Sebastián el próximo 6 de junio de 2016, en el marco de su gira “Elvis Costello Detour” que el cantante londinense comenzó a finales de 2014. Según los organizadores del evento, Costello está ofreciendo durante la gira “conciertos calientes, íntimos, divertidos e informales”. La mayoría del repertorio lo ejecuta acompañándose de la guitarra, pero dota a algunas canciones de una nueva personalidad cuando se sienta al piano. Las entradas para el concierto de Elvis Costello en el Kursaal se pusieron a la venta el viernes, 30 de octubre, en las taquillas del centro y su web a un precio de 39 euros. La actuación tendrá lugar el 6 de junio de 2016, a partir de las 20:00 horas.

unque el primer paralelismo, humorístico, de ‘Hello’ de Adele alguien lo estableció con ‘Hello’ de Lionel Richie, elaborando incluso un gracioso mashup de las dos canciones, ahora ha aparecido una acusación en firme contra Adele: la acusación de copia de ‘Martha’ de Tom Waits, una de sus más viejas canciones, de cuando Tom cantaba todavía sin su característica voz de tubo de desagüe. Tanto ‘Hello’, como ‘Martha’ (contenida en el primer Lp oficial de estudio de Waits, ‘Closing Time’, 1973) se centran en una conversación telefónica entre el narrador de la canción y un viejo amor. La letra de Tom Waits dice: “Hello, hello there, is this Martha? / This is old Tom Frost, and I’m calling long distance. Don’t worry ‘bout the cost / Cause it’s been 40 years or more, now Martha please recall / Meet me out for coffee, where we’ll talk about it all.” Y la de Adele: “Hello, it’s me / I was wondering if after all these years / You’d like to meet, to go over everything”.

Eagles

Avenged Sevenfold

os próximos Premios Kennedy (Kennedy Center Honors) se tendrán que celebrar sin uno de los artistas premiados. Los problemas de salud de Glenn Frey no van a permitir a Eagles estar en la ceremonia que se celebrará en diciembre. Por ese motivo el Kennedy Center ha anunció que el premio a los Eagles se pospone de 2015 a 2016. Según un comunicado de la banda, Frey “ha tenido una recaída de problemas intestinales anteriores, lo que requerirá cirugía mayor y un largo período de recuperación”. El Centro Kennedy ha dicho que Frey planea asistir a la ceremonia del próximo año junto a sus compañeros de Eagles, Don Henley, Timothy Schmit y Joe Walsh. La ceremonia tendrá lugar el 6 de diciembre y el 29 de diciembre será retransmitida por la cadena CBS.

onforme adelantaron hace unos días, Avenged Sevenfold han anunciado el nombre de su nuevo batería. Se trata de Brooks Wackerman, que recientemente ha abandonado Bad Religion. Según M. Shadows, en una entrevista al podcast de Chris Jericho: “Para ser honesto, el nombre de Brooks siempre estuvo presente. Era uno de los nombres en los que pensamos cuando Jimmy se fue, al pensar en quién podría entrar para el ‘Nightmare’. En el momento pensamos que Mike (Portnoy) fue la elección correcta, y aún lo pensamos. Mike arrasó en el disco. Fue perfecto. Pero en la época, nuestro tour manager también barajó el nombre de Brooks. Pero en aquel momento él estaba ocupado con Bad Religion y también... la gente le miraría con otros ojos porque era un batería de punk en aquel momento”.

Santigold

Primal Scream

antigold reveló que su tercer Lp se va a llamar ‘99¢’ (99 centavos) en el programa de Zane Lowe y presentó el primer single, ‘Can´t Get Enough Of Myself’. La primera sensación al escucharla es que es una locura presentarla en el mes de noviembre, porque es una canción perfecta de verano, fresca, alegre y bailable. Pop con ribetes africanos y reggae. Un tema comercial muy bueno. De todos modos la cantante no ha especificado cuando va a ser publicado el álbum, parece ser que a primeros de 2016. El toque “para arriba”, divertido, se lo ha otorgado el productor Patrik Berger (Robyn, Lana Del Rey), la propia Santigold la ha descrito como una canción “realmente ‘upbeat’. “En esta, he sentido que era muy optimista y feliz, pero también tenía un extraño beat… Ni siquiera sé, ni siquiera me di cuenta del ritmo de la canción… Terminó por ser una experiencia divertida, incluso escribirla”.

creamadelica’ fue el tercer álbum de Primal Scream. El disco en el que el grupo de Bobby Gillespie consiguió una alquimia perfecta entre el pasado y el presente. Antes habían sacado dos buenos Lp’s (‘Sonic Flower Groove’ y ‘Primal Scream’), demasiado deudores de los dorados sonidos de la psicodelia sesentera. Y después no se les ocurrió otra cosa que hacer casi una especie de tributo a Rolling y Faces en ‘Give Out But Don´t Give Up’, un Lp de inspiración muy clásica. Ahora se anuncia que ‘Screamadelica’ va a ser reeditado el 27 de noviembre. Un disco en el que Primal Scream unieron con brillantez el rock con los sonidos acid house tan populares en aquel momento, y que incluye alguna de sus canciones más celebradas como ‘Movin´It Up’, ‘Loaded’ o ‘Higher Than The Sun’. La reedición consiste en 4 Cd’s con el disco original remasterizado, mezclas alternativas, un disco en directo grabado en el Hollywood Palladium, el Ep ‘The Dixie Narco’ y el correspondiente folleto de 20 páginas.

‘S

Noticia Destacada Fleetwood Mac

arner Music lanzará el 4 de diciembre una edición ampliada del álbum de Fleetwood Mac ‘Tusk’, publicado originalmente en 1977. “Tras el gran éxito de ‘Rumours’, publicado en 1977, Fleetwood Mac eligió dar un enfoque mas experimental a su siguiente álbum. Buena prueba de ello es el uso de la fanfarria de la Universidad del Sur de California en la canción que daba título al disco. ‘Tusk’ es una obra redonda de un grupo en el pico creativo de su carrera. El álbum contiene un repertorio de grandes canciones que con el tiempo se han convertido en clásicos; ‘Sara’, ‘Think About Me’, ‘What Makes You Think I’m The One’, ‘Storms’, ‘Not That Funny’, ‘Angel’”, dice la nota de prensa de Warner. “La nueva edición de ‘Tusk’ se publica en Cd sencillo remasterizado y en un 3 Cd que contiene el disco original, singles, maquetas y tomas alternativas, y un tercer Cd que incluye una versión alternativa inédita del álbum. La formación de Fleetwood Mac que grabó este disco estaba compuesta por Stevie Nicks, Lindsey Buckingham, Christine y John McVie y Mick Fleetwood. Casi todas las canciones fueron compuestas por separado por Buckingham, Nicks y Christine. La foto de portada es obra del prestigioso fotógrafo Peter Beard”.

Pía Tedesco

Foto: Mila Checarelli

Del Cabaret y Otros Sueños

Cabaret es una palabra francesa que originalmente significaba taberna pero que se hizo mundialmente conocida como una sala de espectáculos donde se combina música y teatro con una cobertura de sensualidad y humor. Pía Tedesco o la renovación del cabaret. Ella, glamour, inteligencia y belleza en estado puro; siempre rodeada de un buen elenco de músicos pasea su espectáculo por Latinoamérica y Europa con la estética básica del cabaret pero dándole un aire contemporáneo. Argentina, pero residente en España, ha hecho que este género gane cada vez más adeptos y sus actuaciones han recibido excelentes críticas. Sus proyectos han ido creciendo y son cada vez más ambiciosos. Julia Navas Moreno

partir de 4 de noviembre hasta el día 8 estarás en el Teatro Fernán Gómez con “El amor y otros vicios”.

¿Has visto cumplidos tus sueños desde que en el 2009 naciera Pia Tedesco Ensemble con el espectáculo “Pía Tedesco Cabaret”? «Veo cumplidos muchos sueños; otros cambian y aparecen nuevos. Los sueños nos mantienen vivos, nos dan la ilusión del día a día, son como la estrella de Oriente. Soñé con poder vivir haciendo lo que amo, y ese, que es el mayor sueño de mucha gente, es una realidad hoy en día. Por esto agradezco todos los días. Ahora el proyecto más ambicioso: El FICE Festival Iberoamericano de Cabaret España, que ha empezado este año 2015 y tiene un aspecto genial para el 2016… Gente muy interesante está por la labor de venir a España a participar de este festival.

Además, el CABARET FLOTANTE, crece, y… ¡quizás este año salga de España!». “Cabaret Tóxico” fue tu primera puesta en escena de este proyecto. ¿Por qué ese nombre? «Fue porque encontré muchas canciones antiguas de cabaret que hablaban de sustancias tóxicas… Siempre me río cuando pienso que nuestros bisabuelos se lo montaban en grande (algunos, claro), con fiestas, los en los locos años ‘20s todavía no existía esta moda de prohibir y regularlo todo. Aunque también hubo realidades muy duras, como ahora, claro está». ¿Cuándo sentiste la llamada de este género? «Empecé a estudiar música a los cinco años. A los dieciséis empecé a estudiar teatro. A los diecisiete entré en el Conservatorio Nacional de Música. A los veinte empecé a estudiar actuación con una profesora 15

americana muy crack, en Buenos Aires, Joy Morris. Y así… siempre estaba alternando entre la música y el teatro. El mundo del cabaret me fascinó desde pequeña: películas, musicales, Kurt Weill, pinturas de ToulouseLautrec, el tango… Todo esto generó que cuando empecé a “jugar” con lo que más me gustaba surgiesen espectáculos muy ligados a este género infinito. Además, la provocación me parece una de las maneras más interesantes de generar conciencia en los espectadores (provocación a todo nivel) y es uno de los ingredientes inherentes al género. “La provocación es una forma de volver a poner la realidad sobre sus pies”, dijo Bertold Brecht». En el 2015 creaste el primer festival de ámbito intercontinental, el Festival Iberoamericano de Cabaret España/FICE. ¿Cómo fue la experiencia? ¿Vislumbras un buen futuro? «¡Sí! Está habiendo mucha repercusión a nivel global. Hay grandes artistas internacionales invitados, gente de muchos países… México, Argentina, Francia, Italia… Y cada vez será más grande y bello. El Festival Iberoamericano de Cabaret España /FICE acaba de nacer y ya está dando de qué hablar. ¡Es genial! “El amor y otros vicios” se pre-estrenó en el Festival Internacional de Cabaret de México en formato dúo con entradas agotadas. Ahora en Madrid, el elenco de músicos será mayor: Joshua Díaz al clarinete y saxo; Gerardo Ramos al contrabajo; Ramón Mucci batería y percusión y Néstor Ballesteros con el piano, acordeón y dirección musical».

«Hay que reinventarse cada día por la mañana, en lo posible» ¿Seguís un guión estricto e inmutable u os gusta ir introduciendo cambios según veis la reacción del público? «Cambios, evolución, reescritura, cortes, material nuevo… Todo lo que enriquezca la función es bienvenido. A veces, cuando estrenas o preestrenas algo, crees que es la mejor versión posible, pero el público te enseña muchas cosas. También tú mismo en escena te das cuenta de que hay momentos especiales a destacar u otros que sobran y los cortas. Por ejemplo: el estreno de “El Amor y Otros Vicios” en México fue genial, y ¡aún así! vimos claramente que se podían hacer cambios para que el espectáculo mejorase y, en ello estamos. Creo que es la mejor manera de trabajar: un espectáculo vivo y que crezca en cada función. Además, de eso se trata el cabaret: movimiento, cambios, agilidad, conexión con el público constante». ¿Te gusta reinventarte en cada show?

«Hay que reinventarse cada día por la mañana, en lo posible. Quiero decir que el mundo es tan mutante y el propio ser es tan grande, que si se mantienen las mismas formas por demasiado tiempo, todo se

vuelve viejo o muere. “Reinventarse o morir” (si no te reinventas, mueres… al menos de aburrimiento, ¡palabra!)». Tengo entendido que puede haber invitados sorpresa… «Sí, para las funciones del Fernán Gómez tendremos algunos artistas invitados; tengo muchas ganas de que alguna gente que me encanta se suba al escenario conmigo en esos días». ¿Y cuáles son para ti esos vicios que rodean al acto de amar? «Jajajaja… Mis vicios no te los voy a revelar aquí, querida… ¡Qué los descubra quien deba en el momento oportuno! Más allá de eso, en el espectáculo se habla de cómo el amor te puede trastocar la vida. Y el desamor, aún más. Una vez sobrevives a ambos, eres más fuerte y más sabio, pero en el proceso… En ese proceso del amor y del desamor, la vida te pega unos bailes de los que no olvidas. Y este espectáculo es una visión tragicómica (más cómica que nada), de este proceso. La evolución de este personaje es muy graciosa, pues al encontrarse sola y triste, se da a los vicios de todo tipo sin ningún freno, hasta que logra superarlo, y las canciones que ayudan a narrar la historia son geniales y están llenas de humor. En el repertorio tienes canciones revisadas de otras artistas como Édith Piaf, Sara Montiel, Chavela Vargas, Tita Merello…». ¿Te gusta transmutarte en ellas o te las llevas a tu terreno y las haces totalmente tuyas?

«Toda canción es mía cuando la canto. Da igual quién la haya interpretado antes. Como melómana disfruto infinitamente de estas inmensas creadoras y sus interpretaciones, y como artista busco mi propia manera. Se trata de encontrar primero y compartir después la intimidad y las emociones que cada una de esas letras y melodías despiertan en mí. Son emociones nuevas, fraseos diferentes; son diferentes incluso cada vez que las canto».

«Casi todo en esta vida conlleva una cuota de dolor. Hasta lo más bello» ¿Escuchas otro tipo de música para desconectar? «Bach, Caravan Palace, Jack White, Diamanda Galás, Schubert, Tiger Lillies, Tom Waits, Stevie Wonder, Keith Jarret, Lana del Rey, Martirio, Django Reinhardt, Cecilia Todd, Atahualpa Yupanki, Beatles, Negro Spirituals, Queen, Bowie… algo escucho, sí… jajaja». Desde muy joven has admirado a diosas de la escena como Billie Holiday, Nina Simone, Édhit Piaf. Sus vidas fueron difíciles, tormentosas… ¿Crees que el dolor es más inspirador que el estado de felicidad? Tú pareces ser una mujer vital, optimista. «Casi todo en esta vida conlleva una cuota de dolor. Hasta lo más bello. Todo inspira, lo bueno y lo malo, pero lo que sucede con el dolor, es que no te permite acomodarte, uno busca salir de allí. Y es entonces cuando la magia sucede, cuando sales de donde estabas y buscas algo más. Puede ser una nueva manera de ver la vida, una nueva manera de percibirte

a ti mismo, una nueva manera de expresarte, buscas lo que sea que te ayude a aliviar ese dolor. También se puede crear desde la alegría, pero es raro que alguien que esté tirado al sol en el Caribe tomando unas piñas coladas, quiera distraerse explicando algún asunto metafísico mientras podría estar bañándose en el mar y echando polvos a lo loco. Así que cuando puedes disfrutar, ¡disfrutas! Y si eres listo, encuentras de qué hablar y analizas la vida cuando vuelves del Caribe». ¿Qué haces si has tenido un mal día o te ha sucedido algo que te afecta dolorosamente? ¿Te lo “tragas” o al final canalizas las emociones aportándolas al espectáculo? «Absolutamente todo lo que sucede en el día, en la semana y en la vida que llevo, sube al escenario conmigo. Si no, sería una psicópata y sería un coñazo ver a alguien tan desconectado. Si niegas lo que te está sucediendo, estás muerto emocional y artísticamente. Se recicla, obviamente no estás igual arriba de un escenario que fuera de él, pero todo te afecta, modifica y enriquece. Aun las penas». Este género cuenta cada vez con más presencia en todo el mundo ¿Tienes contacto con cabareteras de otros países? «¡Por supuesto! Acabo de llegar de México en donde estuve en contacto y colaborando con mucha gente del mundo del cabaret. Hay espectáculos y artistas increíbles. Hay también espectáculos con los que no conectas tanto, y hay gente innovando constantemente. Yo me quedé enamorada de Noralih Gago, de Argentina, a quien conocí en el D.F., en el Festival Internacional de Cabaret. Colaboré con Las Reinas Chulas, Andrea Fiorino, conocí gente muy interesante allí. También entré en contacto con la escuela de cabaret y circo Zirka, y con su directora estamos generando un proyecto de colaboración muy bonito que espero que desarrollemos en breve».

«El cuplé, mayormente, se quedó en la insinuación sensual, la picardía» 17

Hablemos del Cabaret en general: en España estaba el Molino que en 1908 pasó a llamarse Le Petit Moulin Rouge, en homenaje al local parisino, pero que la pacata censura franquista volvió a dejar en Molino porque cualquier referencia a ese maravilloso color les ponía enfermos. O Els quatre gats, famoso por sus veladas musicales y literarias donde se gestó el modernismo. ¿Qué tiene realmente de transgresor el cabaret más allá de lo picaresco y lo sensual? «El cabaret nació como espacio en el que las libertades individuales eran respetadas, más allá de todo: inclinaciones sexuales, preferencias políticas, estéticas y morales. Así que desde él se planteó como un semillero para ideas nuevas y revulsivas. La sexualidad es una forma de provocar como cualquier otra: desde lo sensual a lo intelectual, de lo oscuro a lo gracioso, de lo habitual a lo único, todo es parte del discurso en un cabaret, siempre desde un punto de vista crítico y generalmente lleno de humor ácido, nada blanco».

canciones muy divertidas y algunas joyitas. Maravilloso el género cuplé». La Revista era la hermana superficial y con grandes presupuestos de escenarios y vestuario. «La Revista siempre fue un tipo de espectáculo pasatista pensado para distraer, entretener y poco más. Se hace mucho hincapié en los cuerpos semidesnudos de los artistas y en los números de baile. Existieron grandes espectáculos de revista, sobre todo en Francia y en Estados Unidos. ¡Y los sigue habiendo!». Y otra palabra que suena mucho últimamente: Burlesque. ¿En qué se diferencia del cabaret? «El Burlesque es una rama del cabaret. La rama del baile y erotismo. Pero comenzó más bien como sátira de obras de teatro clásicas y fue virando hacia el arte de quitarse la ropa, y de eso es de lo que se trata el burlesque en estos días. L@s buen@s artistas de burlesque son maravillos@s». ¿Cuál ha sido tu musa o musas? «Grandes musas en mi vida: Marlene Dietrich, Lotte Lenya, Yvette Guilbert, Tita Merello, Marilyn Monroe, Martha Grahan, Isadora Duncan, Frida Kahlo, Èdith Piaf, Julia Cameron…». A lo largo del año pisas distintos escenarios en distintas ciudades. ¿Tienes corazón de nómada o te gustaría tener una sala propia? «¡Me encantaría tener una sala propia! Me encanta la gestión cultural, he programado algunos ciclos y ahora estoy programando el Festival Iberoamericano de Cabaret España/FICE. Una de las cosas más inspiradoras de esta vida para mí, es ver a otros artistas desarrollando su talento y llevando su arte a escena. Además, es fundamental para el desarrollo del ser humano el trabajar en equipo y para formar un festival o llevar una sala o incluso un proyecto teatral, es fundamental este tipo de compromiso con otros. Me emociona». Siempre te haces acompañar por músicos de excepción: Néstor Ballesteros al piano y acordeón y Joshua Díaz al clarinete, por ejemplo. Aparte de la calidad, supongo que para este tipo de espectáculos se ha de tener un talante especial, divertido.

¿Eran las cupletistas una variante castiza del cabaret? «El cuplé es la rama más española de la tradición cabaretera. El cuplé, mayormente, se quedó en la insinuación sensual, la picardía. Ya que el panorama sociopolítico de España no favorecía la proliferación de espectáculos burlescos y de crítica social. Hubo cupletistas con mucha inteligencia. Las que más me gustan, en general, son las que se salen de lo estrictamente sensual y son conscientes del humor con el que se puede jugar en contextos tan libres. Existen 18

«Es cierto. Al principio pensaba que con la excelencia musical bastaba, pero no es así. El cabaret es un tipo de espectáculo que requiere de inteligencia y velocidad de respuesta en escena, además de una implicación teatral de todos los que estamos en el escenario. Cada vez voy afinando esta elección y he conocido a músicos brillantes. La banda de jazz que me acompaña ahora es, no sólo creativa a nivel musical, sino también rica en otro tipo de recursos. Es raro encontrarse con este tipo de artistas, pero los hay: excelentes músicos y con mucho swing teatral». ¿Qué tipo de público es el que va a tus espectáculos?

«¡Todo tipo de público! Algo que caracteriza a nuestro público es que siente sed de espectáculos originales; tienen la mente abierta, ganas de divertirse y sienten un gran placer por la música. Abarcamos muchos “palos”: del swing al tango, del cuplé a la chanson francesa, de la música de orquestas de jazz españolas de siglo XX a boleros. Lo que destacamos sobre todo es la calidad musical, la elegancia y el desparpajo, al mismo tiempo. Lo nuestro es rompedor y a la vez busca la poesía, lo vulgar nos aburre un poco ya. Tenemos público que en general va de los 26 años en adelante. Y a alguna gente mayor le gusta oír antiguos cuplés revisitados, tangos desconocidos y charlestones redescubiertos. A mis vecinos del edificio (hay una pareja de abuelos en mi misma planta), ¡les encantan los swings que toco en el ukelele!».

«El machismo ha causado estragos en la vida y desarrollo tanto de hombres como de mujeres» Te gusta seducir. Se ha dicho que tu espectáculo es “un grito a favor de la vida fugaz y de sus placeres eternos”, pero siempre con ese toque de drama, crítico. Tengo la sensación de que Pía es una mujer compleja y profunda ¿Qué cosas te hacen sufrir, te hieren? «Las cosas que me hieren son las que hieren a todo el mundo: la falta de amor, la pérdida de seres queridos, el sentirme sola muchas veces, el miedo en general: propio y ajeno». Femineidad y feminismo a muchos, y a algunas, les parece incompatibles. Yo veo una mujer fuerte y combativa, ¿me equivoco? «¿En serio? Eso creo que fue hace mucho, quizás haya gente en nuestra sociedad que aún lo vea así (por supuesto que en otras sociedades sería altamente incompatible). La única manera de ser totalmente honesto en la cuestión de género es tender al feminismo. El machismo ha causado estragos en la vida y desarrollo tanto de hombres como de mujeres. Ha obligado a los hombres a cumplir con estereotipos y, de alguna manera, se los ha castrado emocionalmente. Por suerte esto está buscando su equilibrio hoy en día». Junto con Juan E. Cuacci al piano, rendisteis un homenaje a grandes poetas españoles, europeos y americanos a la vez que a músicos como Piazzola, Gardel. ¿Cómo siente Pía Tedesco la Poesía? «La poesía es para mí como entrar en un mundo de ensueños en los que las palabras cobran sentido por sí mismas y en el que las imágenes aparecen más allá de lo que se está describiendo. Las imágenes, metáforas, sonoridades de la poesía son tan potentes que envuelven a quien se relaciona con ella. Cada poeta tiene una cadencia propia, un vocabulario y un imaginario propio. No hay nada como entrar en la poesía mientas se la lee o escucha recitar».

Una pregunta que me han hecho a menudo y que ahora te planteo a ti: ¿para qué sirve la poesía? «Oscar Wilde dijo: «Todo arte es completamente inútil». A todo hoy en día se le busca el lado utilitario. Evidentemente el arte sí sirve para algo: nos conecta con la belleza, logra descripciones imposibles, genera imágenes que cada lector construye y a través del lenguaje convierte al lector en poeta. Cada vez que una expresión artística conecta a un hombre con su propio inconsciente, éste experimenta una alquimia. Pero utilidad-utilidad de esas que tienen los objetos de consumo de hoy en día, no la tiene. La poesía es mucho más sutil. No bate ni cocina ni hace pan. Es completamente “inútil”». ¿Sientes que reacciona de la misma forma ante Lorca un espectador de Madrid, Buenos Aires o Berlín? «¡Claro que no! Es obvio. En Argentina o Alemania, Lorca es un icono, un gran poeta, indiscutido. Aquí, Lorca significa muchas cosas más, es como un vecino querido, respetado y recordado de otra manera. Es más polémico. En España Lorca, además de poeta, es un símbolo de muchas cosas: actitudes políticas de espíritu libre y derechos humanos». ¿Tienes algún nuevo proyecto, algún nuevo reto que abordar en un futuro próximo? «¡Huy! Hay muchas cosas; dos o tres MUY interesantes que queremos cuidar. Siempre estoy detrás de nuevos retos. Ahora mismo estamos por llevar “Herejía de una Musa in-Pía” (monólogo musical tragicómico) a Puerto Rico. Eso ya es un proyecto chulísimo. También tenemos espectáculos a presentarse en Miami y en México otra vez. Así que, como ves, hay mucho movimiento! Además, estamos planeando ya grabar nuevo disco. ¡Haremos un crowdfounding muy chulo! Ya os avisaremos, para que nos ayudéis, si nos queréis apoyar. Os digo que será la HOSTIA». Me gustaría que les dijeras a los lectores por qué merece la pena dejarse caer una noche por tu espectáculo. «Primero y antes que nada, para divertirse. Siempre trabajamos con el humor, tanto en los textos como en las letras de canciones como en la música. El público es una parte muy importante en el desarrollo de nuestro espectáculo en escena; tenemos momentos pensados especialmente para relacionarnos con é y en los que según lo que planteen los presentes, se jugará en escena. Los músicos de nuestros espectáculos son de lo mejor que te puedes encontrar y, además, tienen un swing, un rollo que es maravilloso: Joshua Díaz (clarinete y saxo), Gerardo Ramos (contrabajo), Ramón Mucci (percusión y batería), y Néstor Ballesteros (piano, acordeón y dirección musical).Cabaret, ukeleles, diversión, música, humor, sensualidad, interacción y cuatro hombres guapísimos en escena que me acompañan. ¡Qué más se puede pedir!». 19

Second

Rosa Ruiz

Grupo – Second Disco – “Viaje Iniciático” Hook Ediciones Musicales, 2015 Invertir en talento, eso es lo que pensaron miles de fans de la banda murciana más internacional, cuando en menos de 24 horas a través de la plataforma Crowdfunding consiguieron alcanzar la cifra que necesitaban para financiar su último trabajo. En éste su séptimo álbum, nos llevan por un “viaje iniciático” a través de rincones oscuros, bien ambientados, con una fuerte carga emocional y melancólica, con letras que nos hablan de atreverse, no arrepentirse de nada, y con un sonido con referencias a los ochenta. Una característica común en todos su discos es la fuerza y energía que desprenden todas las canciones y que se materializa igual en sus conciertos, y ayuda mucho a ello la intensa voz de Sean. Curioso es, que a pesar de atesorar canciones con mucha contundencia y dinamismo, sus temas de siempre más coreados sean las pausadas ‘Rincón Exquisito’ o ‘Más Suerte’, en este último trabajo tiene todas las papeletas “Nivel Inexperto”.

Rafael Berrio

Juanjo “Jota Jota”

Grupo – Rafael Berrio Disco – “Paradoja” Warner Music Spain, 2015 Ese plus eléctrico de ‘Paradoja’ aleja a Rafael Berrio de sus excelentes discos acústicos anteriores, el ‘1970’ y el ‘Diarios’. En cierto modo se podría decir que se distancia algo de Leonard Cohen y que se acerca más a Lou Reed. El cantautor donostiarra se mueve otra vez en el terreno del existencialismo con melancolía, honestidad, humildad y algunos detalles de humor absurdo, de dramatismo y de inconformidad entre elaboradas, hondas y precisas letras. Se acompaña en las guitarras eléctricas de Rafa Rueda y Joseba Lenoir que en algunos momentos recuerdan sus intensos riffs a bandas indies o de noise-pop de finales de los ochenta y principios de los noventa. Tiene abundantes referencias a la mitología y cultura clásica griega y su velvetismo es adictivo, demuestra calidad e ingenio… Incluye un temazo impresionante (sin menospreciar el resto) como es ‘Mis Ayeres Muertos’. Estamos, muy posiblemente, ante el mejor disco en castellano del 2015 por el que algunos siempre sentiremos admiración y agradecimiento.

Aerolíneas Federales

José Zamora Linares

Grupo – Aerolíneas Federales Disco – “@AAFF#715” Lemuria Music, 2015 @AAFF#715 es un disco de regreso de los vigueses Aerolíneas Federales. Un título que viene de unir las letras de la red social twitter del grupo: @AAFF; el número del disco en su carrera: #7; y los dos últimos números del año de lanzamiento: 15. Vuelven los temas de pop pegadizos y bailables con la formación original de la mejor aerolínea del pop español. Apropiado para nostálgicos y nuevos poperos que huyen de algo que ahora se llama pop pero no lo es para nada, ni lo será nunca, aunque mucha gente se empeñe en denominarlo así. El disco se publicó el pasado día 24 de octubre en formato digital, para ver la luz como formato físico el día 27 de noviembre con una edición coleccionista que incluye vinilo morado de 220 gr. libro con textos, ilustraciones, letras, y un Cd con los temas del Lp y un bonus track.

César Pop y La Orquesta Pinha

Lola Villajos Roldán

Grupo - César Pop y La Orquesta Pinha Disco - “Noticias Del Norte” Estudio Establo, 2015 El Mozart del Pop se llama, César García Miranda, conocido cono César Pop, músico virtuoso, asturiano de Navia. Un grande, colaborador de grandes como: Iván Ferreiro, Leiva, Lichis… En 2011, lanzó su primer trabajo en solitario: ‘Te Llames Como Te Llames’. Ahora en 2015 nos presenta ‘Noticias Del Norte’, álbum que ha grabado junto a La Orquesta Pinha, formada por Fernando Polaino (producción y guitarra), Begoña Larrañaga (acordeón), Álvaro Barco (bajo y contrabajo), José Luis López (batería y percusión) y Carlos Blánquez (saxo y clarinete). Fernando Polaino dirige esta cuidada producción, y lleva a un punto nuevo el repertorio que el compositor asturiano ha ido gestando y madurando durante sus conciertos en solitario de 2012 y 2013. El disco ha sido grabado en Estudio Establo, en la alcarria manchega, y en él colaboran músicos como Quique González, Txetxu Altube o Rebeca Jiménez. “Vino con la marea y se fue con el sol, y ahora que tengo respuestas, se para el motor”. Los clarines de la imaginación de César no se paran. Muy recomendado. 21

Cowboy Lovers

José Rodríguez

Grupo - Cowboy Lovers Disco - “Cowboy Lovers” LBW Records, 2015 El primer largo de este duo alicantino de DJ´s sigue la estela de los grupos formados por guitarra-voz y batería, de moda actualmente, en los cuales las dinámicas entre intensidad y medios tiempos tienen su lado fuerte junto a riffs con groove metalero y voces coreables. Hasta ahí, no se alejan demasiado de influencias pretéritas, como White Stripes y Black Sabbath, o contemporáneas como Royal Crown y Black Keys, pero su gran baza es la mezcla de influencias en su música (shoegaze, psicodelia o stoner), que les hace no encasillarse en un ghetto sónico demasiado predecible. Si a esto le añadimos el factor de haber grabado en un estudio londinense con el reputado productor analógico Liam Watson, hacen que el disco sume enteros y la escucha sea interesante y reseñable. Además el disco es la primera referencia de LBW Records, el sello de Liam, lo que les brinda un buen escaparate para mostrar estas canciones a un público más amplio que una banda local pueda aspirar.

Muchachito Bombo Infierno

y Los Chicos De Saint Marc

José Zamora Linares

Grupo – Paloma San Basilio y Los Chicos Del Coro De Saint Marc Disco – “Voces Para El Alma” Sony Music, 2015 He de confesarlo. La primera vez que oí algo de este disco fue dando una vuelta por la sección de música de un centro comercial. Cuando estas notas acariciaron mis oídos yo no sabía de quién era esta obra. Pero hizo que dejara de buscar Cd’s y me quedara quieto escuchando. Inmediatamente después, busqué a una dependienta para preguntarle: ¿Qué es eso que suena? Al oír la respuesta debí quedarme blanco. Pues me he dado cuenta de que me estoy haciendo mayor. Sabiendo de mis gustos musicales y sin menospreciar a nadie, ¿cómo puede ser que me guste un disco de Paloma San Basilio junto a Los Chicos Del Coro (De Saint Marc)? Pues así es. Es un disco de versiones con muy buen gusto. Vas a encontrar temas tan clásicos como ‘Stand By Me’, ‘Only You’ o ‘I Say Litle Prayer’ (entre muchos otros), de una manera nunca antes escuchada. Realmente excepcional.

Ara Musa Lola Villajos Roldán

Grupo - Muchachito Bombo Infierno Disco - “La Maqueta” Autoeditado, 2015

Muchachito es Jairo Perera Viedma, nacido en Santa Coloma de Gramanet en 1975. Tras el éxito de Barcelona (Apolo) y Madrid (La Riviera) Muchachito Bombo Infierno anuncia nuevas fechas de su gira ‘La Maqueta’. En plan hombre orquesta, solo ante el peligro aparece en el escenario acompañado de su inseparable bombo, guitarras de palo y eléctricas, teclado, “loop stationes”… Con un delantal, adelanta ‘La Maqueta’ que es lo que será el próximo disco del catalán y la regala en la mini- gira que está realizando en estos momentos. Un espectáculo cuerpo a cuerpo, único y de aire festivo en el que además del nuevo repertorio se repasaran las canciones de toda la vida… Sus brazos son batidoras que se mueven como enloquecidos para tocar todos los cachivaches del artista. Se recorre al completo los temas de sus tres discos y algunos del famoso ‘G5’. Después de más de cinco años sin editar disco, el cuarto saldrá en la primavera de 2016. Nos da igual que vuelvan las oscuras golondrinas, pero deseando el disco de Muchachito.

Paloma San Basilio

Vicente Ribas

Grupo – Ara Musa Disco - “Arché” Autoeditado, 2015 Tercera entrega de esta autodidacta de la poesía llamada Ara Musa, que llega tras sus ‘Musarañas’ (2011) y ‘Bocaítos Al Alma’ (2013). ‘Arché’ da un cambio simbólico respecto a sus anteriores álbumes, con toques más electrónicos y buenos ramalazos de rock, y es que la mano de su productor, Guigher, nota esos cambios de aires acertadamente. El disco desprende buenos temas, como su ‘Ameba’, que abre el álbum, ‘Tic Tac’, que cuenta con su videoclip promocional, ‘Baile De Máscaras’, o la canción que da título al disco, ‘Arché’. También se atreve a dar un “repaso” a Cecilia con el tema ‘Andar’, o ‘Como Los Cuentos’, en donde fusiona colores y ritmos frescos y en el cual colabora a la voz Gato Charro. En definitiva estamos ante un enorme trabajo, en composición y ejecución… y quien diga que las chicas no son guerreras, aquí tiene una muestra para hacerle rectificar. Su disco acaba de salir y ya esperamos ansiosamente otro, desde luego ha sido una grata sorpresa toparse con diez sorbos de buena calidad. Síganla, no se arrepentirán.

Los Limones

Ricky Rodríguez

Grupo – Los Limones Disco – “Quintos del 64” Autoeditado, 2015

Pablo Und Destruktion

José Rodríguez

Grupo – Pablo Und Destruktion Disco – “Vigorexia Emocional” Marxophone, 2015

Atrás quedaron las mieles del éxito masivo, las giras multitudinarias y las grandes ventas de discos. No solo para los gallegos Los Limones, si no para la mayor parte de los grupos de pop-rock español. No hay problema. La formación de Santi Santos hace ya mucho que se puso el mono de trabajo y se subió al carro de tocar-tocar-tocar-tocar y tocar. De vez en cuando detienen la rueda para grabar un nuevo puñado de canciones y vuelta a empezar. Así llegamos al 2015 en el que aparece ‘Quintos Del 64’ (poco más de un año después de su anterior entrega ‘13’) en la que Los Limones nos regalan ocho nuevas composiciones (más una re-grabación de ‘Ferrol’ y una versión de ‘Malos Tiempos Para La Lírica’, de sus admirados Golpes Bajos de Germán Coppini) que nos muestran a un Santi Santos que no pierde la forma ni el buen gusto y a buen seguro harán las delicias de su legión de seguidores. Muy recomendable.

Pablo Und Destruktion, la gran promesa independiente asturiana, pone rumbo hacia el mainstream con un nuevo disco tras el alabado ‘Sangrín’ (2014), y el 10″ compartido con Medievo. Bajo el amparo de la poderosa Marxophone, este ‘Vigorexia Emocional’ muestra el lado más clásico, por decirlo de alguna manera, de un artista que bebe de fuentes “las más íntimas, sin desatender a la política, la filosofía e incluso la religión, tratando de compaginar anarquismo, mística y romanticismo, y dar cauce a la pedazo de tronera que ya llevo yo de serie” según su hoja de prensa. La producción corre a cargo de Angel Kaplan (reputado ingeniero en trabajos de Cynics, Peralta o Bubblegum) que le ha dado el toque añejo y sobrio que las canciones necesitaban. 10 canciones que destacan por su ausencia de arreglos superfluos y que van a la raíz del mensaje, sobreponiendo el ambiente y la emoción a una gran producción. Un trabajo a destacar, por su gran calidad, dentro de una aburrida producción nacional.

Taupada

Canteca De Macao

Vicente Ribas

Grupo - Taupada Disco - “Zeren Zain” Ilun Produkzioak, 2015

Desde Guipúcoa (Urretxu-Zamárraga) llega ‘Zeren Zain’, el primer disco de estudio de Taupada, eso si no contamos un Ep con 4 temas editado a finales de febrero de 2013, y es que se puede decir que era una maqueta (bastante casera) antes que un trabajo en toda regla. Este debut, cantado en euskera, sorprende gratamente con un lenguaje que fusiona desde el metal gótico, el metal sinfónico, e incluso apuntes de trash metal, todo ello seleccionado de una manera acertada para que se finiquite melódicamente. Desde el tema que da nombre al disco, hasta ‘Amets Krudelak’, que lo cierra, ‘Zeren Zain’ te atrapa con una cautivadora voz, la de Laura Rebollo, y unos sólos de guitarra (Aimar Ibarzabal) que no tienen desperdicio alguno, ensamblando con ello nueve canciones de auténtico lujo. A destacar ‘Zuretzat’, ‘Oroitzapenak’, o una magnífica ‘Arima Galdu Baten Ahotsa’. Las cuatro canciones de su disco ‘Arima Galdua’ de 2013, vienen en este trabajo nuevamente re-grabadas. Para amantes del metal… o no, disco muy recomendado.

Lola Villajos Roldán

Grupo - Canteca De Macao Disco - “Lugares Comunes” Autoeditado, 2015

La adrenalina del riesgo les lleva a parir. El sexto disco a Canteca De Macao lleva por título: ‘Lugares Comunes’. Desde 2003 han pasado de cantar fuera en la calle a meterse en el rincón del alma en 2015. Intimista al cien por cien. Con gestación y producción propia nos brindan un disco transparente y elegante, donde Anita Kuruba se arranca la voz del alma y la deja en el aire para quien la quiera recoger, y las agradables y sedosas melodías en la guitarra de Chiki Lora con su voz rota y sensible. Son la Dolores Abril y el Juanito Valderrama de la música actual. Todas las canciones están compuestas al 50% por Anita y Chiki: “10 canciones que navegan entre rumbas soleadas con aroma de playa y el pop más elegante”. Batería/cajón, guitarra española, teclado, guitarra eléctrica y las voces. Como primer single ‘Acuérdate’. ‘Lugares Comunes’, es un disco nada común, que no te dejará indiferente. Anita Kuruba: la profesión más bonita del mundo es sencillamente, la que te hace feliz. A mí me ha sorprendido gratamente su evolución, me ha hecho feliz.

Loreley

J. A. Fabián

Los Brazos

Grupo - Loreley Disco - “Here We Are Again” Rock CD Records, 2015 El nuevo disco de Loreley no es uno más. Estamos ante uno de los mejores trabajos de Hard Rock que se han publicado en este país este año. Hablamos de ‘Here We Are Again’, un trabajo sólido, potente y elegante. 11 temas de fácil escucha, con mezcla de Hard Rock, AOR y progresivo, quizás lo mejor de este disco, sea eso, la variedad en los temas que hace que te enganches a cada corte que componen este álbum. Temas como ‘No Limit’ donde la voz de Franck Ronin llena de sentimiento y fuerza te recrea lo largo de el. Las guitarras de F. Zahonero te envuelven durante la escucha, una mezcla de melodía con la agresividad propia del rock, en ocasiones me recuerda al bueno de Jake E. Lee. Todo esto junto al buen hacer de Gilbert al bajo y el buen trabajo de Héctor Mancheño a los teclados, puestos en su justa medida, un gran álbum en definitiva. No te pierdas sus directos, fieles a lo que escuchas: “Lo que veis es lo que soy”, como diría Yosy. Loreley vuelve otra vez a la escena rockera de este país, un sitio que no debieron de abandonar nunca.

Vicente Ribas

Grupo – Los Brazos Disco - “Gas” Rock Estatal Records, 2015 El trío bilbaíno Los Brazos presentan su tercer trabajo, ‘Gas’, tras su debut de versiones ‘Delay, 10 Classics Tracks’ (2012) y su exitoso ‘Welcome To Los Brazos’ (2013), que fue uno de los mejores discos de aquel 2013 para Mondosonoro. Ahora, repleto de un sonido muy cercano al rock and roll americano, desprenden nueve temas en este trabajo que solo tardó dos jornadas en gestionarse. Se notan las influencias claras hacía el country, folk, blues y por supuesto el rock clásico, y el álbum desprende riffs intensos que bien podían haberlas firmado Chuck Berry o Muddy Waters. Ejemplos a seguir ‘Say My Name’, ‘Fearless Woman’, ‘Black Sheep’, o ‘Not My Kind’, verdaderas joyas rockanrolescas para apasionados de este género. El grupo se está haciendo un hueco importante en el panorama estatal, se han recorrido toda España y ya han cruzado el charco para verse las caras con el público norteamericano, en donde las expectativas han sido más que positivas. Me recuerdan a los Golden Earring setenteros… una genialidad.

¿Te acuerdas?

Bustamante

Disco del mes del programa Nacional Pop de Spektra FM

Grupo – Bustamante Disco – “Cambrers” Anec, 1981 Obra maestra del rock mediterráneo, este disco forma junto con ‘Humitat Relativa’ de Remigi Palmero (Puput, 1979) y ‘Bossa d´Ahir’ de Pep Laguarda & Tapinería (Ocre, 1977) el tridente que marca el máximo esplendor del pop mediterráneo cantado en valenciano. Difícil catalogar un artista como Julio Bustamante (sólo llamado Bustamante hasta la aparición mediática del triunfito de mismo apellido) con unas pocas palabras. Poeta, dibujante, músico, compositor, filósofo o héroe de culto son adjetivos que tratan de describir a un artista que es bien apreciado por una minoría de exquisito paladar y fino oído. Es Julio un músico vocacional, que entiende la música como una forma excelente de comunicación y que con un empeño encomiable sigue apostando tras una larga carrera por seguir su camino, allende de modas pasajeras varias

José Gálvez

La idea primigenia de Julio al hacer los temas que componen este plástico era abrirse paso como compositor, y que éstos fueran interpretados por otros cantantes, pero al final le convencieron para que los grabara él mismo. Después de no encontrar ninguna compañía que quisiera editar el trabajo, finalmente se publicó mediante una autoedición propiciada entre varios amigos. Todo un acierto, sin duda Cuenta ‘Cambrers’ con un sonido fresco, envolvente, teniendo además la particularidad de dotar al oyente de una sensación de placidez en cada uno de los temas. Sus letras son plenamente reconocibles como situaciones rutinarias de cualquier persona, y destila sonidos acústicos con toques folk que te envuelven de manera sobresaliente. En definitiva, es el primer disco de todo un veterano de la música, que supuso además un brote de aire nuevo para una sociedad muy necesitada de cambios. Si no has tenido la oportunidad de oírlo, que sepas que te pierdes una de las obras cumbres del pop mediterráneo. He dicho.

Antonio Bartrina (Malevaje) El Gardel Del Siglo XXI

Él me enseño que el tango es el ser humano, te invita a vibrar, sonreír, llorar… En resumen, a entregar todas tus emociones. Me enseñó a amar éste género, al que ha aportado más innovaciones Ferrán Adrià a la cocina. Va madurando el invento día a día. Si en el siglo XX, todos los caminos del tango conducían a Gardel, en el XXI todos los caminos del tango nos llevan hacia nuestro invitado. Él fundó un grupo de tangos mientras España bailaba al son de la Movida. Y hablar del tango en España es sinónimo de aquel grupo, Malevaje, y por ende del nombre de su creador, el gran Antonio Bartrina. Lola Villajos Roldán

o bello no pasa de moda, se sobrepone a las exigencias temporales, igual que la amistad. Aunque dejes de ver a un gran amigo en una larga etapa de tú vida, al reencontrarte con él la cuota de la magia se multiplica. Hoy me reencuentro con un gran amigo -que tiene más chispa que el estornudo de Satanásy que también es un gran artista. Se considera, según dicen por ahí, que el primer compositor de tango fue un tipo llamado Juan Pérez, y que la primera canción del género fue ‘Dame La Lata’, en 1880. Nuestro invitado apareció en la década de los ochenta dando más luz al tango que Edison a las bombillas. Lo innovó. Personalmente siempre me ha gustado más que Gardel y hoy es un placer presentar a los lectores de FUTURE MAGAZINE al “rey del tango jondo”, Antonio Bartrina, que es lo mismo que decir Malevaje. -Si para Discépolo el tango era “un pensamiento triste que se baila” ¿Qué es el tango para Antonio Bartrina, un chico más alegre que unas castañuelas?

«Yo nunca le he buscado esas revueltas al tango… Creo que es un género musical muy especial, por la verdad que tiene; no es música para moñas, es música para gente que de verdad tiene que enfrentarse con la vida real. De ahí su dureza en algunas ocasiones. Pensemos que el tango nace en un país en el que todo estaba por hacer y en el que seguir viviendo era un asunto nada fácil a finales del siglo XIX y principios del XX. Y parece que hemos vuelto a las mismas». -¿Cuál sería el balance de los treinta años del grupo Malevaje según el paridor del invento? «El balance es positivo; treinta años son una vida… La nuestra, o en este caso la mía, ha sido muy rica en todos los aspectos y además hemos hecho sentir cosas a un montón de personas con nuestra música… Además, algunas de esas personas, después de los años, se han convertido en grandes amigos». -“Siglo veinte, / cambalache, / problemático y fe-

-Años 80, Movida madrileña, aparece en 1984 Malevaje… El primer país donde se bailó el tango -cuentan- que fue en Cuba, pero solo lo bailaban hombres, y después -dicen- parejas. ¿Cómo se te ocurrió que lo bailase una chica en solitario, la bella coreógrafa y bailarina Virginia? ¡Qué maravilla! «Por mi parte, no fue algo premeditado: apareció Virginia, se puso a bailar, y se quedó». -En aquellos años ochenta mi hermana y yo nos pusimos “Salero Español” como nombre de dúo periodístico en honor a Malevaje y a Ulises Montero [D.E.P] ¿Qué era El Salero y qué significó para ti?

bril… / El que no llora no mama / y el que no afana es un gil / ¡Dale, nomás...! / ¡Dale, que va...! / ¡Que allá en el horno nos vamo’ a encontrar / No pienses más; / sentate a un lao, / que ha nadie importa si naciste honrao...” ¿’Cambalache’ sigue cada minuto más vigente ya en el XXI? «Ya se encargan los mismos de siempre, o sus hijos, de mantenerlo vigente. Al mirar la historia del ser humano, vemos que realmente no hemos avanzado nada en cuanto a igualdad, justicia, bondad, solidaridad… Sí se han dado muchos avances técnicos, médicos… pero que tampoco están al alcance de todos los seres humanos que pueblan el mundo. Si miramos los países del llamado tercer mundo vemos lo canalla que es nuestra especie, además los responsables de toda esa maldad quieren traspasarnos a nosotros la culpa, con esa campañas que hacen diciendo que nosotros también somos responsables. Realmente el mundo está podrido, y nuestro país es de los que van en cabeza». -Inventor del ‘tango hondo’. Te quiero decir que tu chulería castiza sobrepasa la porteña. Qué bella letra cuando dices: “A mi modo y con mi acento / Por qué no hacer aquí tangos / si en Japón se hace flamenco”. ¿Cuándo pares éste tango?

«El Salero fue el local donde empezamos a tocar con Malevaje. El dueño era amigo, Rafael Laborda, y me propuso que cantara en su escenario los tangos que cantaba en nuestras juergas y al oído de las chicas. Entonces recluté a los músicos que conocía, que eran músicos de rock o de pop, y preparamos una veintena de tangos como buenamente supimos, y el caso es que gustó esa mezcla inconsciente de tango con influencias rockeras. Y lo que empezó siendo un divertimento, acabó convirtiéndose en mi oficio». -¿Es tan importante Fernando Gilabert (por entonces también contrabajista de Los Coyotes) en Malevaje que el perejil para el Arguiñano? Él me pegó la costumbre de decir “repugnancia” en vez de “redundancia” (risas). «Hombre, Fernandito, después de tantos años juntos, es como mi hermano… Fue de los fundadores de Malevaje y es el único que queda, aparte de mí. Además, musicalmente hemos llegado a un entendimiento absoluto; hoy es imprescindible».

«Sin Osvaldo Larrea, Malevaje hubiera durado menos y no habríamos aprendido tanto sobre tangos».

«Ese tango lo escribí en Buenos Aires en el año ‘90 o ‘91, después de conocer a Roberto Goyeneche y de charlar con él durante un rato».

«Los tangos te están contando tu propia vida; lo que ya te ha pasado y lo que te va a pasar» -¿Abrimos ya el archivo de las nostalgias? Tu abuelo ya te cantaba tangos, tu familia era tanguera… ¿Cuándo empiezas a ser consciente de que estás atrapado por el tango? «Realmente me doy cuenta de la fuerza del tango cuando empiezo a entender lo que dicen. Escuché tangos prácticamente desde que nací, pero hasta los 16 o 17 años no me doy cuenta de todo lo que te dicen, de que en definitiva te están contando tu propia vida; lo que ya te ha pasado y lo que te va a pasar, y ahí es donde me enganché». 28

-Siempre madurando el invento. En 1987 cuando

apareció ‘¡Arriba Los Corazones!’ me quedé ‘toa’ loca… Aquello era rumba criolla, candombé, milonga, tangos propios… ¡Qué discazo! Y el maestro Larrea que te quería como a un hijo ¿Cómo conociste a Osvaldo? «A Osvaldo Larrea nos lo presentó un cantor de tangos que estaba afincado en Madrid. Fue mientras grabábamos nuestro segundo disco, ‘Margot’. Lo llevó al estudio de grabación y Osvaldo escuchó lo que ya teníamos grabado y se quedó sorprendido de que en España un grupo de jóvenes interpretara con respeto y con una cierta calidad su música, cuando en Argentina en aquella época los jóvenes no querían ni oír hablar de tango; lo identificaban erróneamente con el régimen militar y la dictadura. Con Osvaldo enseguida nos entendimos; le propusimos que colaborara con nosotros y en ese disco grabó dos temas con su bandoneón. Luego la colaboración duró hasta siete u ocho años después. Si no hubiéramos conocido a Osvaldo Larrea, posiblemente Malevaje hubiera durado menos tiempo, y sobre todo no hubiéramos aprendido todo lo que aprendimos con él sobre tangos, sobre música y sobre la vida. Desde luego, cada vez más, sigo pensando que es lo mejor de la vida».

también en varios países europeos como Francia, Suiza y Portugal, donde me cargué una guitarra que me dejaron ¡qué vergüenza!». -Una pregunta filosófica que no me deja dormir. Si Popeye y Olivia no tuvieron relaciones sexuales ¿de dónde salió Cocoliso? «¡Ah! ¿Era suyo el nene? Lo mismo era adoptado, pero no hay que meterse en la vida de los demás».

-Si te digo el nombre de Estrella Morente… ¿Qué me cuentas? «La gira que hice como invitado de Estrella Morente fue un cúmulo de emociones constantes, desde cantar con ella que es algo tan intenso… Es una de las mejores voces del mundo, algo que no se puede explicar del todo con palabras. También los escenarios que pisamos: el Teatro Real, Teatro de La Maestranza, el Liceo... El plantel de músicos, todos de primera fila, los otros invitados… La buena onda que hubo en todo momento y el constante disfrutar de este oficio… Es algo que no olvidaré nunca». -¿Quién ha dicho ésta frase: “El tango es más duro y más directo que el rock”. «Pues no lo sé, pero lo mismo he sido yo… De todas formas esas frases fuera de sus contextos pueden entenderse mal; una vez dijeron de mí en los titulares de un artículo sobre Malevaje que no leía ni el periódico, como si fuera un gañán, cuando los libros son una de mis grandes pasiones, de hecho soy encuadernador. Lo que sí he dicho es que el rock y el tango nacen en el seno del pueblo y que en eso están hermanados». -¿Qué significa el teatro para ti? «El teatro es el mejor lugar para un concierto de Malevaje, sin duda». -¿Cuántos países se han beneficiado del arte de Malevaje? «Pues he cantado en algunos países aparte de España, con o sin Malevaje, lógicamente en Argentina, y

«Es terrible lo que está ocurriendo en este país con la cultura y con la educación» -Malevaje ha pasado por múltiples formaciones, y parece que actualmente vuelves a la básica ¿Es así? «Bueno, siempre depende de lo que quieres hacer, a veces necesitas instrumentos para hacer algo y los añades. En este momento estamos en la formación más básica, un poco por la situación que no permite llevar grandes grupos, por lo menos en nuestro caso. Tengamos en cuenta que los presupuestos de cultura han sido prácticamente eliminados, el aumento salvaje y despiadado del IVA en todo lo relacionado con la cultura, lo que ha encarecido enormemente los precios de las en29

tradas tanto en la música como en el cine, el teatro o cualquier otra manifestación cultural… Todo esto ha provocado que mucha gente con talento haya tenido que abandonar. Es terrible lo que está ocurriendo en este país con la cultura y con la educación, bueno, y con todo lo demás». -Una vez me comentaste que no te gusta grabar discos en estudio, que prefieres el directo. Yo pienso que para saborear a Malevaje hay que ir a verlos en vivo o comprarse un disco en directo. ¿El estudio es algo como hacer el amor por teléfono para ti? «En el estudio se consigue una calidad excepcional, pero a mí no me gusta porque me resulta pesado; son horas y horas de trabajo, a veces escuchando un mismo pasaje tantas veces que ya no sabes muy bien lo que estás escuchando. En cambio a otros miembros del grupo es un trabajo que les encanta». -El mundo necesita gente que ame lo que hacen personas como tú. ¿Qué es lo próximo que tienes en mente hacer?

«Hay varios proyectos en los que estamos trabajando, uno de ellos es el disco que vamos a sacar del concierto que dimos en Madrid por el 30 aniversario de Malevaje. Es el proyecto más inmediato. Además estamos trabajando en un nuevo espectáculo más teatral de lo habitual en nosotros. De esto ya iremos hablando cuando haya algo más que decir». -Para finalizar, si te parece bien, vamos con un test. Yo digo una palabra y tú contestas con la primera que se te venga a la mente: -AMOR: «Risas». -MISTERIO: «Oscuro». -ARTE: «Música». -FOTOGRAFÍA: «Arte». -POBREZA: «Codicia». -MORBO: «Vida». -JAMÓN: «Rico, muy rico». -FUSIÓN: «Nuclear». -HONDO: «Profundo». -AMISTAD: «Grande».

Bryan Adams

Vicente Ribas

Grupo - Bryan Adams Disco - “Get Up!” Polydor, 2015 Tras un disco de versiones editado el pasado año, el canadiense Bryan Adams regresa con ‘Get Up!’, un esperado nuevo álbum de estudio compuesto a medias junto a su compañero de fatigas Jim Vallance. Además, y como nota sobresaliente lleva la producción de Jeff Lynne, y es que no hay mejor que escucharlo para darse cuenta que este disco lleva algo de la Electric Light Orchestra. Notas sesenteras para abrir el disco, ‘You Belong To Me’ y ‘Go Down Rockin’’, y otras joyas como ‘Yesterday Was Just A Dream’ o baladas como ‘We Did It All’, hacen que este disco se convierta en una pieza esencial de la dilatada carrera del músico canadiense, en donde por supuesto no deja el rock, lo fusiona y adapta al presente. Y como muestra de ello su tema ‘Brand New Day’, que quizá recuerde a unos de sus hits ochentenos, ‘Summer Of ‘69’. Resumiendo, estamos ante un muy buen trabajo, corto, su canción más larga no expira más de tres minutos y medio… pero vale la pena.

Danny And The Champions Juanjo “Jota Jota” Of The World Grupo - Danny And The Champions Of The World Disco – “What Kind Of Love” Juno Records, 2015 No creo que supere al extraordinario ‘Stay True’ del 2013, pero mantiene el tipo y deja el pabellón muy alto dentro de esa línea de calidad creciente que ha demostrado el señor Danny George Wilson desde el álbum ‘Hearts & Arrows’ del 2011. En este nuevo disco, el londinense juega un papel importante con el amor, como su título indica, y de nuevo le acompañan los Champions Of The World tal y como viene siendo habitual desde su paso por Grand Drive. Musicalmente incide más en el soul de Memphis y en el rhythm & blues blanco, con influencias de nombres históricos como Otis Redding, Don Covay, Percy Sledge, Arthur Alexander… aunque también posee detalles que recuerdan a los británicos Dexy’s Midnight Runners de Kevin Rowland, a Willy DeVille o al complicado carácter de Van Morrison. Entre las perlas que lo componen se incluye una versión del ‘Can I Change My Mind’ de Tyrone Davis. Un disco a tener en cuenta.

The Orange Humble Band Juanjo “Jota Jota” Grupo - The Orange Humble Band Disco - “Depressing Beauty” Citadel Records, 2015 Quince años después han vuelto y, por supuesto, no han decepcionado. Lo han hecho con el tercer álbum de esta especie de supergrupo, tras el ‘Assorted Creams’ y el ‘Humblin’ (Across America)’. De nuevo al mando Darryl Mather (ex-miembro de The Someloves o The Lime Spiders), acompañado de Ken Stringfellow y Jon Auer (The Posies), Jody Stephens (histórico batería de Big Star), Mitch Easter (productor con R.E.M. o Pavement) y toda una institución powerpopera como es Dwight Twilley. Este álbum de los australianos está influido por grupos como Big Star, especialmente de su segundo álbum ‘Radio City’, y contiene un homenaje a Lou Reed en la canción ‘Ain’t Tougher Than Me’. ‘Conversations With Myself’, ‘You Close Your Eyes’, ‘The Girls Without A Name’ o ‘If That’s What You Want’, son dignas candidatas a ser sencillos. El tono agridulce de sus exquisitas melodías lo convierten en un producto sumamente adictivo.

Sun Kil Moon

Juanjo “Jota Jota”

Grupo - Sun Kil Moon Disco - “Universal Themes” Caldo Verde Records, 2015 El nuevo trabajo de Mark Kozelek cuesta asimilarlo, lo habitual en este artista, pero cuando se absorbe comienza a penetrar, a abrirse paso de forma asombrosa. Predominan las guitarras acústicas y las canciones muy extensas (la que menos dura supera los siete minutos), los sorprendentes cambios de ritmo y en algunos casos como ‘With A Sort Of Grace I Walked To The Bathroom To Cry’ recuerda la versión más eléctrica de Neil Young. En el resto, dentro de su estilo tan personal, hay detalles que evocan a Stephen Malkmus de Pavement o al mismísimo Beck. Otros ejemplos significativos a resaltar en forma de canción llevan los títulos de ‘Birds Of Films’, ‘Cry Me A River Williamsburg Sleeve Tattoo Blues’, ‘Little Rascals’ ‘This Is My First Day And I›m Indian And I Work at A Gas Station’ o ‘’Garden Of Lavender’, éste su tema más largo del álbum. Sin duda un disco algo difícil pero que no deja indiferente al que le preste una oportuna atención.

Los Discos de Commandant DJ

The Libertines

Commandant DJ

Grupo – The Libertines Disco – “Anthems For Doomed Youth” Virgin / EMI, 2015 “Himnos para la juventud condenada” es un título apropiado para la vuelta de estos descarriados que en su día se convirtieron en otra esperanza británica del nuevo rock independiente. Once años les separan de su última incursión en estudio y aunque hayan sobrevivido a la vorágine de los excesos y a las agrias peleas, sus dos líderes, Pete Doherty y Carl Barat, que ya pasan de los 35, parece que hayan encontrado un camino de vuelta al redil tras sus relativamente poco afortunadas aventuras por separado durante este tiempo, Pete en Babyshambles y en solitario y Carl en Dirty Pretty Things. Como es lógico el dinero pule muchas asperezas y además en directo se les ve más profesionales, aunque sin la actitud casi suicida de aquellos desmanes etílicos y de otra clase que adornaban su puesta en escena y les hizo famosos. Los resultones y atropellados estribillos altivos coreados antaño con actitud chulesca han dado paso a una serena madurez creativa, sin salidas de tono y en parte previsible. Buena culpa de ello la tiene Jake Gosling que se ha hecho cargo de una producción serena y dócil, nada que ver con el sonido agresivo que les facturó Mick Jones en el pasado. No obstante lo dicho, la grabación contiene buenos temas, mejor elaborados estilísticamente y estructurados sólidamente pero sin chicha, aunque al final del disco sí que sacan las garras de su energía innata: ‘Glasgow Coma Scale Blues’ y ‘Fury Of Chornubi’ son dos trallazos descomunales. The Libertines han vuelto, pero no sabemos si es una despedida o es la llegada de un nuevo grupo con el mismo nombre.

New Order

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Grupo – New Order Disco – “Music Complete” Mute, 2015 Tras una década alejados de los estudios de grabación, New Order tiene nuevo disco. La plantilla, de la que se cayó hace años Peter Hook, se refuerza con la vuelta de la teclista Gillian Gilbert y la suma del bajista Tom Chapman. Se nota, sobre todo por la llegada de Gilbert, que el grupo mira hacia su exitoso pasado en busca de aquel sonido definitorio que les convirtió en superventas. En este álbum han abandonado el sonido de rock guitarrero que practicaban últimamente y los teclados y sintetizadores vuelven a ser protagonistas en su orientación electrónica hacia las pistas de baile. Para ello han contado con la producción de Tom Rowlands, Richard X y Stuart Price que se han esforzado por remozar los arreglos de las canciones. Rowlands ataca con algunos efectivos golpes de efecto tipo Chemical Brothers en ‘Singularity’ mientras que en ‘Unlead This Hate’ mantiene una sobriedad casi industrial. Por su parte Richard X añade los momentos más comerciales con espumosos arreglos euro-disco y secuenciadores retro. La colaboración vocal de Brandon Flowers (The Killers) en ‘Superheated’, de la que también es autor de la letra, me deja bastante frío. Tampoco me dice mucho la verborrea de Iggy Pop en la pesada ‘Stray Dog’, pero la irrupción de Elly Jackson (Le Roux) en ‘People On The High Line’ hace subir enteros al disco, posiblemente el tema más funky que hayan grabado jamás los New Order. Aunque Chapman hace lo que puede con las líneas de bajo, se echa mucho de menos a Peter Hook, cuya gracia e inspiración melódica habría supuesto un aliciente para que el resultado final fuera más meritorio.

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Duran Duran

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Grupo – Duran Duran Disco – “Paper Gods” Warner Music, 2015 Todos los discos comienzan por la portada, una imagen en la que antes de llegar a la escucha creemos adivinar lo que lleva dentro. En este caso los iconos son definitorios, la sonrisa del álbum ‘Rio’ y la gorra del chofer de ‘Girls On Film’, junto a un tigre en acecho y otras muestras de su universo cool. 35 años de carrera dan de sí para que la banda se sienta cómoda en su papel de seguir adelante sin renunciar al legado pasado. Neil Rogers vuelve a la producción (‘Notorius’) junto a Mark Ronson, Josh Blair y Mr. Hudson que fueron turnándose a los mandos, una plantilla solvente cargada de éxitos comerciales de orientación discotequera que se remata con las colaboraciones vocales estelares de J. Monáe, K. Davidé, J. Frusziante y el toque friki, muy del gusto de Simon Le Bon, de invitar a una starlette como Lindsay Lohan, aunque no venga a cuento. Es obvio que Duran Duran han sido muy influyentes en su forma de crear un universo sonoro propio entre la comercialidad del pop con arrebatos hard y los toques oscuros de índole experimental. Una dualidad que ha salvaguardado su nombre y les ha librado de caer en la lista de grupos moñas cuyo look de estudiada imagen fashion siempre superaba el resultado sonoro. Un cáncer que asoló los primeros años 80 en U.K. y cuyos honrosos supervivientes se cuentan con los dedos de una mano. Su vocación de grupo de club sigue vigente, los temas de dance-rock están estudiados para que vuelvan a sonar en MTV, las radio-fórmulas y las pistas de baile, una nueva operación comercial que hará las delicias de sus muchos fans. 14º disco de su carrera y siguen de plena actualidad, lo cual ya es mucho.

Keith Richards

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Grupo – Keith Richards Disco – “Crosseyed Heart” Universal, 2015 Keith Richards pertenece a esa élite de personajes públicos que están por encima del bien y del mal. Una leyenda de exaltación del mito que define la figura de un rock-star por méritos propios y que nadie pone en duda su valía como músico ni su valiosa aportación a la historia del género. Un tipo peculiar, provocador y deslenguado, incorrecto en cualquier sentido, pero apasionado en el fondo. Es el creador de riffs memorables para mayor gloria de su banda de siempre, The Rolling Stones y vive y respira por y para la música. No es de extrañar que en los tiempos muertos, cada vez más largos, que transcurren entre gira y gira de la banda siga acumulando composiciones y como no atisba momento de grabar juntos a sus viejos colegas decida embarcarse en la edición de un nuevo álbum: ‘Crosseyed Heart’, en este caso, a medias con el baterista Steve Jordan con el que se encerró en el estudio para montar las bases de sus maquetas en clave de jam session para luego ir añadiendo adornos. Keith además de cantar, toca bajo, piano y por supuesto, todo tipo de guitarras, Jordan se ocupa de las percusiones y se remata con otros invitados ilustres a las órdenes del maestro. Suenan sus palos favoritos: el blues rural, el country, el reggae y ese rock rollingstoniano con nervio marca de la casa. 13 temas propios y dos versiones componen la paleta estilística del disco. Richards vive en un mundo alejado de modas y hace, por oficio y diversión, lo que le da la gana sin importarle un bledo el resultado comercial del lanzamiento. El suyo es un romanticismo de vieja escuela que muestra al pirata que lleva dentro, el último mono que bajó de un árbol.

Ezra Furman

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Grupo – Ezra Furman Disco – “Perpetual Motion People” Bella Union / Pias, 2015 Este frenético ¿cantautor? de Chicago se ha convertido en la perla de la temporada. Su fichaje por el sello británico Bella Union ha hecho que le conozcamos en Europa y que corran ríos de tinta sobre su música y su persona. Tan solo tiene 29 años pero ya acumula 6 álbumes, tres con su banda Harpoons y otros tantos como solista. La diferencia de este tipo con otras figuras emergentes dentro del mundillo independiente es que a Ezra le sobra actitud y descaro, además no hay manera de encajarlo en un estilo definido. Si a esto le sumamos que es judío practicante y estudioso del Torá, mientras declara abiertamente su bisexualidad y suele aparecer vestido de mujer tiene todos los puntos para convertirse en carne de tabloide. Pero está su excelente música para acallar cotilleos y para que la crítica se rinda a sus pies. Sus canciones nacen de un rock acústico acelerado que le acerca a los buenos tiempos de Jonathan Richman y Violent Femmes y le sitúa en el podio de los genios raritos (lease Kurt Cobain o Beck, por ejemplo). La gran variedad de texturas que emergen de sus canciones le convierten en el autor del momento. Su descarada mezcla de blues, country y rock and roll desenfrenado tiene una frescura y vitalidad envidiables. Un músico audaz que se dice fan acérrimo de John Lennon y que ha sabido embaucarnos y hacernos comulgar con su caótico y desordenado mundo, un lugar estupendo lleno de oleadas de energía. El nuevo disco contiene 13 cortes sin desperdicio, una corriente de aire fresco dentro del saturado mercado discográfico. No se lo pierdan.

¿Te acuerdas?

Rockpile

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Grupo - Rockpile Disco - “Seconds Of Pleasure” Columbia, 1980 Hacia mediados de los años 70, dos de los músicos más activos e influyentes de su generación acordaron montar una banda para girar en directo y dar rienda suelta a sus inquietudes musicales compartidas. Estos personajes eran Dave Edmunds que había formado parte de Love Sculpture, además de ser un reputado productor y Nick Lowe que provenía de la banda Brinsley Schwarz. Para rematar el cuarteto llamaron al guitarrista Billy Bremner que había colaborado con ambos anteriormente y al batería Terry Williams, ambos sobrados instrumentistas. De este modo quedó formado Rockpile, un grupo que se consolidó y alcanzó una merecida fama como una de las mejores formaciones de rock’n’roll en directo de su época. Tal es así, que durante cuatro años no pararon de girar sin pensar en plasmar su arte en disco. Finalmente en 1980 entraron en estudio y grabaron

el que sería su único disco ‘Seconds Of Pleasure’ (hay dos más posteriores, pero son en directo). Una obra brillante realizada en un momento dulce y que recoge lo mejor de cada uno de ellos, una lección de lo que en su momento fue llamado “Pub-Rock” por su energía y contagiosa espontaneidad que inauguró el movimiento de la New Wave británica adelantándose a otras luminarias como Elvis Costello o The Jam. Un puntilloso trabajo de dos orfebres que a pesar de la fama acumulada en los directos acabaron dando lo mejor de sí mismos en estudio. Este disco mítico y hoy considerado de culto a nivel mundial desprende un fuerza atemporal que demuestra que el rock bien interpretado no tiene caducidad. Desde la primera canción ‘Teacher Teacher’ hasta ‘When Will I Be Loved?’ que lo cierra, una magistral versión del tema original de los Everly Brothers. Como suele ocurrir el desgaste y los egos acabaron disolviendo al grupo, pero tanto Edmunds como Nick Lowe han disfrutado de largas y provechosas carreras posteriores en solitario.

Los Bichos Rebelión Sonora En la primavera de 1986 Josetxo y Charly forman Flores Muertas, antesala de Los Bichos, cuya primera maqueta les permite tocar en el primer concurso de rock del Gobierno de Navarra quedando finalistas. En el verano de 1987, Josetxo, Asio y Charly graban una maqueta y actúan en Barcelona. Aunque tienen ofertas, no siguen actuando porque no tienen un baterista fijo en la banda. Esta inestabilidad termina con la entrada de Fermín (ex Fiebre) en marzo de 1988. Durante ese año graban dos maquetas y telonean a Paul Collins en la Discoteca Gares de Puente La Reina. Al siguiente año viajan a Madrid para actuar en la Sala Ágapo y participan en la primera edición del Concurso Villa de Bilbao, donde ganan el primer premio al grupo más innovador.

“Hallan muerto en su casa al cantante del grupo Los Bichos, Josetxo Ezponda”. Con este titular, tan escueto y alejado de parabienes, anunciaban los medios nacionales el fallecimiento el 16 de abril de 2013 del líder y cantante del grupo Los Bichos. Como habrá muchos a los que esta figura del rock nacional no les diga nada, hacemos un repaso a su trayectoria para que se conozca mejor su importante legado. José Rodríguez

os Bichos son el paradigma de grupo de culto. Coetáneos de bandas como Cáncer Moon o La Secta, fueron el puente entre la post-movida y el indie que vendría después, y como otros tantos pioneros, fueron condenados al ostracismo y al seguimiento de unos pocos fieles, que supieron ver más allá del noise-pop y el mainstream más pegajoso. Su líder, Josetxo Ezponda, venía del punk. Hablar de Los Bichos es hablar de Josetxo, ya que su desarrollo, no sólo musical, sino vital, va ligado al proyecto de grupo que marcó toda su existencia. Su primera aventura la inició en 1978 con la banda Tensión, el primer grupo punk de Pamplona. Sus actuaciones, escandalosas para la época, los hacen muy conocidos, pero se disuelven en la primavera de 1980. Luego llegaría Neon Provos, donde ya estaban Charly (guitarra) y Asio (bajo), sus futuros compañeros en Los Bichos. Con este proyecto tampoco hay más suerte y se disuelven tres años más tarde.

Oihuka, un sello discográfico vasco, les da su primera oportunidad editando el single ‘Anita Latigazo’ (1989), que fue una carta de presentación tan visceral como incómoda, pero que sirvió para que el grupo se diera a conocer dentro de la incipiente escena independiente. Poco más tarde se produce un cambio en la formación y entra como batería Rubén Ruiz, procedente de Tijuana In Blue, sustituyendo a Fermín. En junio sale a la venta su primer Lp, ‘Color Hits’ (Oihuka, 1989) recogiendo muy buenas críticas entre la prensa especializada debido a la calidad de sus composiciones. Los Bichos eran punk, destilaban glam, post-punk australiano y también rock en el filo. ‘Shadow Girl’, ‘Verano Muerto’, todo un hit en la época, ‘Me Gustaría Llorar’ o ‘The One You’ll Never Catch’ siguen siendo hits frescos y de una pasión desmesurada por el rock. Venden más de cinco mil copias sin apenas promoción, por lo que tanto sello como grupo se animan a seguir adelante. En el 90 participan en el recopilatorio ‘The Worst Around’ del sello Romilar-D, junto a Cáncer Moon, La Perrera y La Secta, en el que incluyen ‘Backward Kisses’ y ‘The Pussy Fighter’. Josetxo además se encarga del diseño de la portada, con aires psicodélicos y diabólicos que serían una seña de identidad en todos los discos en lo que se vería involucrado. Y también participan con su demo ‘I´m Inside Her’ en el Ep que el fanzine Beatnick Fly entrega con su número 0. En este tiempo, Rubén abandona la banda siendo sustituido por Jesús Suinaga de Cáncer Moon. Ahora se enfrentaban al siempre difícil segundo disco, pero el resultado, tan excesivo como el estilo de vida de Josetxo, se salda con un resultado más que positivo. ‘Bitter Pink’ (Oihuka, 1991), como así se llamó, era un un doble Lp ya que Josetxo tenía treinta y tres canciones preparadas. Pero los problemas internos del sello tras la marcha de los hermanos Goñi provocan que 35

se acabaron en enero de 1992 con una actuación en Terrasa, lo posterior sólo fueron coletazos”. Desde entonces no hay noticias de Josetxo hasta que un tuit del Ayuntamiento de Burlada da a conocer la triste noticia. Murió en la pobreza, en el piso que heredó de su madre. Sus amigos le recuerdan como un romántico, que no trabajó tres meses seguidos en su vida. Se alimentaba mal y fumaba como un carretero.

el tiempo de grabación fuera drásticamente recortado, quedando los temas reducidos a veintisiete y con una producción básica, casi maquetera. Aún así, para la posteridad queda el single ‘Whisin’ Shift’, ‘Fuelled By Desire’, ‘Worms’, ‘I’m Inside Her’ y sobre todo ‘Poxy, Poxy’ que les retrató salvajes y ruidistas. Dentro osaron versionar a intocables como Serge Gainsbourg, Phil Spector o Alex Chilton. Pero Los Bichos, una mezcla irreverente entre Kim Salmon, Suicide y Howlin’ Wolf, también tenían su lado amable: ‘The Elf Queen o ‘If You Cry Now She’ll Be Glad’ calmaban un disco que el propio Josetxo reconoció haberse grabado en medio del final del grupo.

El destino ha querido que falleciera en la misma semana, con cinco años de diferencia, que el otro Josetxo (Anitua), líder de Cáncer Moon, compañero de escena y de obsesiones. Poco se sabía de Ezponda en los últimos años. Se le había visto vendiendo sus discos en alguna tienda de Pamplona. Hace unos años grabó cuatro temas con la formación original de Los Bichos, solo uno de los cuales vio la luz, en un recopilatorio. Mantenía una estrecha relación con los bilbaínos Atom Rhumba. Cuatro días antes de morir, les mandó una letra para una canción en la que iban a colaborar. Ya en 2007 definía de esta manera lo que habían sido Los Bichos y Josetxo Ezponda en el panorama musical patrio: “Nunca me he considerado un escritor de canciones; todo era espontáneo. Se trata de agarrar la guitarra y darle. Pero uno necesita un objetivo y disparar. Llegó un momento en que, simplemente me quedé sin cobertura y nunca volví a tenerla. Puede que a ciertas personas esta música les parezca genial; la crítica siempre estuvo con ella, pero a la hora de la verdad no hubo manera que nadie se mojara”

Este disco, elegido como uno de los mejores del s. XX por la revista Rockdelux, agravó las tensiones internas del grupo que acabó disolviéndose por falta de convicción y pocas expectativas comerciales. Pero antes de escribir su epitafio, con la banda apoyándole en un segundo plano, Josetxo graba con Munster Records, ‘My Deaf Pink… Love’, un mini Lp firmado en solitario. Sus canciones no son más que una versión corregida y aumentada del contenido más salvaje de ‘Bitter Pink’, expresando su lado más outsider y underground, junto a versiones de Lee Hazlewood, Suicide y Scientists, entre otros. No sería hasta 1995 que volvería al estudio de grabación bajo el manto del sello Triquinoise, donde militaba su querido Corcobado, para grabar ‘The Glitter Cobweb’. Ahora Josetxo era El Bicho y actuaba sólo, con su guitarra, un ampli Marshall y su arsenal de pedales en cualquier local que quisiera contar con su presencia. A destacar de este disco el tema con aires añejos, ‘Green Candy’.

En 2006 Munster Records, que ya había editado el primer álbum en solitario de Josetxo, recuperó los cuatro e intensísimos años de Los Bichos. Fue un disco libro en doble Cd titulado ‘1991-1988’, con las treinta y seis canciones que el navarro eligió. Él mismo escribió la historia del grupo en primera persona y diez capítulos de una épica aventura acompañada por un centenar de fotos y memorabilia que lo hacen indispensable. En cuanto al título “por jugar con el tiempo. Yo lo recuerdo de esa manera. Primero lo más cercano (…). Los Bichos

Y hasta aquí la retrospectiva de un grupo rebelde, con carisma y personalidad, que como tantos otros, no tuvieron la suerte que se merecían. El mejor homenaje, acercarse a su discografía y empaparse de esa mezcla de morbo y ruidismo que nos hace recordar que el rock and roll hace un tiempo fue salvaje.

Algo más que música

Vicente Ribas

Juliette & The Licks - Juliette Lewis y Su Pasión Por EL Ruido

uliette & The Licks fue una banda de rock estadounidense liderada por la actriz Juliette Lewis. Otros miembros de la banda incluyeron el guitarrista Craig Fairbaugh y el guitarrista Emilio Cueto, el bajista Jason Womack y el baterista Ed Davis. Algunas de sus canciones más populares fueron ‘You’re Speaking My Language’ y ‘Hot Kiss’. La banda se separó en 2009. El grupo se formó en 2003 por Lewis, Patty Schemel (batería de Hole) Todd Morse y Paul III. Las canciones ‘You’re Speaking My Language’ y ‘Got Love To Kill’, alcanzaron la posición 35 y 56 en la lista de venta de sencillos de Reino Unido, respectivamente. De su último disco se extrajeron los singles ‘Hot Kiss’ y ‘Sticky Honey’. El grupo llegó a actuar en varias ocasiones en España: el Azkena Rock Festival 2005, en Vitoria (Álava), en el Bilbao Live Festival 2007, en el Festival Eólica 2008 en Tenerife y en la Fiesta Mayor de primavera 2008 en Lérida. Juliette & The Licks hasta su separación en el 2009, llegaron a editar tres álbumes, bajo los sellos discográficos Hassle Records, The Militia Group y Fiddler Records, y fueron los siguientes: ‘...Like A Bolt Of Lightning’ (2004), ‘You’re Speaking My Language’ (2005) y ‘Four On The Floor’ (2006). El grupo anunció su reagrupación a mediados de este 2015, aunque poco se sabe más de ello. Sus conciertos solían ser atractivos. La osadía y provocación de Lewis hizo que sus shows se llenaran de adeptos, y como no, las ventas de sus discos se disparaban. Con ‘You’re Speaking My Languaje’ llegaron sus momentos musicales mas dulces, cuando mayor apogeo e imaginación corría por la sangre de la estadounidense y hacía partícipe al público asisten-

te en los conciertos, salas y Estadios de Fútbol. Como actriz, ya a los 14 años hizo algún corto papel en el mundo del celuloide, pero fue en 1991 cuando se dio a conocer gracias a la cinta El Cabo Del Miedo (Cape Fear), adaptación de la película homónima por Martin Scorsese, por la que obtuvo una nominación a los Globos de Oro y al Oscar en la categoría de mejor actriz secundaria. Fue el inicio de una larga carrera cinematográfica en la que destacan películas como Kalifornia, Asesinos Natos (Natural Born Killers), de Oliver Stone, la futurista Días Extraños, dirigida por Kathryn Bigelow y producida por Steven Spielberg, Abierto Hasta El Amanecer, de Robert Rodríguez, y La Casa (Cold Creek Manor). Juliette ha seguido protagonizando filmes hasta el día de hoy, pero sin ningún papel destacable y con poco reconocimiento como en los primeros años de su carrera cinematográfica, cuando se le denominaba la nueva “Lolita” de Hollywood. En su vida privada, Juliette fue pareja del actor Brad Pitt entre los años 1991 a 1993. El 9 de septiembre de 1999 se casó con Steve Berra, patinador profesional, y en 2003 se divorciaron.

José Luis Hoyos

Copy-Paste El Arte Del Plagio En La Industria Musical Lady Gaga:

Emulación Transversal Lady Gaga se ha ganado su asiento en la cima antes cumplir los 30. Millones de discos vendidos, espectaculares giras mundiales, premios, reconocimiento, fama, líneas de moda y perfume, escándalo y controversia. Ella es excesiva, pomposa, constante, polémica. Pero existe un adjetivo que nunca podríamos asociar al personaje: original. Ya su nombre de guerra se crea a partir de la canción de Queen, ‘Radio Ga-Ga’. Y su imagen artística, como todo el mundo sabe, toma prestados los rasgos y poses de David Bowie, Madonna, Prince o el propio Mercury. Pero, ¿qué hay de su música? La cantante neoyorquina es la “autora” de algunos de los más celebrados éxitos de los últimos años. Canciones nacidas para la pista, cañonazos sonoros excelsamente arreglados y producidos. Productos de marketing diseñados por una suerte de Instituto Tavistock musical. Si analizamos algunos de sus temas más emblemáticos encontraremos que el estudiado “eclecticismo” de la diva no se queda en sus arriesgados outfits o su planeada estética. La lista de presuntas apropiaciones, “préstamos” o, directamente, descaradas copias, es larga, muy larga. Casi podríamos coronarla Reina Mundial del Plagio. Eso sí, la Germanotta sabe ser sutil cuando le conviene y sus imitaciones se quedan a menudo en un formato o un estilo. No se limita a plagiar armonías, riffs o fraseos, sino que prefiere emular ambientes y matices. Un buen ejemplo de ello sería ‘Just Dance’, presuntamente “extraída” del tema ‘Girl Next Door’, del cantante sueco de origen kurdo Darin Zanyar. Que ambos artistas compartieran en el 2008 equipo de producción y composición (RedOne, Akon), no debería ser una

excusa. El parecido es, sencillamente, brutal. ‘Second Time Around’ se construye sobre el éxito teen ‘Genie In A Bottle’, de Christina Aguilera. Igualmente, su famoso single de 2011, ‘Born This Way’, recuerda irremediablemente a ‘Express Yourself’, de su idolatrada Madonna. El ritmo, la prosodia o la intensidad no suelen ser constitutivos de plagio ante un tribunal. Tampoco copiar un maquillaje (Bowie) o aparecer vestida como Annie Lennox en una entrega de premios. La cosa no queda aquí. Más de una decena de canciones, que sepamos, de la marca Gaga han recibido críticas o demandas por parte de los genuinos autores: ‘Fashion’, ‘Do What U Want’, ‘Applause’, ‘Judas’, ‘Alejandro’, ‘Bad Romance’, ‘Poker Face’, ‘No Way’, ‘Dance In The Dark’… Una lista tan larga como escandalosa. La estrambótica showoman lo copia todo. Puede ser un modelito, una cita, la portada de un sencillo. Transversalmente, siempre al margen de la legalidad, siempre sorteando las demandas, sutilmente, con su diestra mano izquierda, acompañada de un nutrido equipo de escritores, compositores, creadores, expertos en marketing y en imagen. Así es como se cocina un mito musical hoy en día, aprovechando el talento ajeno y la falta de referencias de un público que devora ansiosamente vistosos productos de segunda generación.

Irene Sánchez

solidarity Hemiweb,

Para Niños y Niñas Con Hemiparesia-Hemipléjica ¿Qué es la hemiparesia? La hemiparesia no es una enfermedad, es una condición neurológica que dificulta el movimiento de una mitad del cuerpo (de ahí lo de “hemi”) pero sin llegar a la parálisis, por lo que es un grado menor que la hemiplejía, que sería la parálisis total, y afecta a un niño de cada mil nacidos. El cerebro tiene dos mitades o hemisferios (izquierdaderecha), cada hemisferio del cerebro controla la mitad contraria del cuerpo, se identifica la hemiparesia como “izquierda” o “derecha” en función de la mitad del cuerpo afectado y no en función de la localización de la lesión cerebral. Así, hablamos de hemiparesia “derecha” cuando la afectación dificulta el movimiento de la mano y/o pie derechos, aunque la lesión esté en el hemisferio izquierdo del cerebro, y viceversa.

Fundación María Agustí La Fundación María Agustí nace de la fascinante sonrisa de María y como respuesta a las necesidades de un colectivo muy específico. Los fundadores son su propia familia y amigos, quiénes han aprendido mucho de María: a luchar cada día, a levantarse una y otra vez, a no tener miedo a nada, a superar la frustración, a buscar alternativas, a no rendirse nunca, a devolver mil veces más de lo que recibes y por encima de todo a ser feliz… Jorge Agustí y Núria Carol, padres de María (8 años)

con hemiplejía derecha, han fundado esta organización para ayudar a familias y personas afectadas por hemiplejía o hemiparesia en España. Hemos hablado mucho de María, pero quién mejor que vosotros para que nos contéis como padres cómo es realmente ella. María es una niña muy valiente, que ha tenido que trabajar duro y lo sigue haciendo para superarse a diario; a los ocho meses de edad le diagnosticaron hemiparesia derecha por una lesión cerebral y desde entonces hace todo tipo de terapias, incluyendo fisioterapia, terapia ocupacional, piscina, etc. María no tiene ninguna afectación intelectual, y ha conseguido hasta ahora todos los retos que se ha propuesto (andar, correr, saltar, ir en bicicleta, nadar, jugar a fútbol…), a una edad más temprana que sus dos hermanas mayores, y siempre con una sonrisa!!! ¿Qué ayudas recibe una familia afectada por hemiparesia en España? La verdad es que pocas y sobre todo muy mal coordinadas. El sistema de Salud y Servicios Sociales es diferente en cada Comunidad Autónoma. Hay centros de “Atención Temprana” con servicios públicos gratuitos como fisioterapia, logopedia y psicología para niños de 0 a 3 años (en algunas ciudades de 0 a 6 años), pero están saturados y no llegan a atender todos los niños, sobre todo a los que, como María, tienen una afectación “leve” comparada con otros. Existen también centros privados en las grandes ciudades, pero muchas familias no pueden pagarlos, sobre todo en los últimos años debido a la crisis económica. De lo que más nos quejamos es de no tener suficiente información y que resulta muy difícil contactar con otras familias que están en la misma situación. ¿Qué fue lo que os hizo decidir crear una organización? En las salas de espera de hospitales y centros de rehabilitación hemos conocido otros niños que no han tenido la misma suerte que María, ellos no viven en una

¿El diagnóstico de hemiparesia suele ser rápido? A diferencia de otras formas de parálisis cerebral más grave el diagnóstico de la hemiparesia suele ser más tardío porque, por una parte, los síntomas no son evidentes hasta los 6 o 7 meses, y por otra parte se tarda bastante en conseguir la derivación a un especialista (neuropediatra). Muchas veces se detecta incluso más tarde cuando empiezan a andar (con pie equino o en puntillas o problemas de equilibrio) o cuando son evidentes algunos problemas para realizar actividades bimanuales. Solemos escuchar a muchos padres decir el ya típico “si yo hubiera sabido…”, con vuestra experiencia, ¿qué podéis contarnos a grandes rasgos que no se suela saber sobre la hemiparesia?

gran ciudad como Barcelona y no pueden acceder a todas las terapias que necesitan. Nosotros creemos que si todas las familias nos unimos podemos conseguir muchas mejoras para estos niños con pocos recursos; podemos intentar cambiar el modelo de atención sanitario para hacerlo más abierto a la participación de los padres y más orientado a informar bien a la familia para que puedan tomar sus propias decisiones y participar en los programas de rehabilitación. ¿Qué habéis hecho hasta ahora? Con otros familiares hemos constituido una pequeña fundación (“Fundación María Agustí”) para conseguir más visibilidad de la hemiparesia y fondos para proyectos, el primero fue una web “HEMIWEB” (www.hemiweb. org) que ha dado nombre al proyecto y la creación de la Asociación de Hemiparesia Infantil, de la que actualmente ya forman parte más de 100 familias de toda España. También forman parte del proyecto HEMIWEB los grupos de Facebook (casi 5.000 familias de todo el mundo) y queremos que este proyecto sea un lugar para que los padres puedan compartir experiencias y aunar esfuerzos para conseguir mejoras para nuestros hijos, tanto a distancia como en grupos locales. ¿Cuáles son vuestros planes de futuro para la Asociación de Hemiparesia Infantil? Principalmente contactar con el mayor número de familias posible y animar a los padres a que participen, que nos expliquen sus experiencias, que nos den ideas. También queremos traducir al español la información que existe en inglés, colaborar con otras asociaciones… queremos organizar encuentros de familias (como el primero que organizamos en Barcelona en diciembre pasado), jornadas informativas, crear un programa de música adaptada, participar en estudios científicos para la evaluación de terapias…

Que no es a enfermedad, que no están solos, y que se pueden hacer muchas cosas. La hemiparesia se produce por una lesión en el cerebro inmaduro (durante el embarazo, el parto o antes de los dos años de edad), que no es progresiva (no empeora) ni es contagiosa ni se cura, por eso NO es una enfermedad. Les animaría a aprender compartiendo información con otras familias porque hay muchas cosas que podemos mejorar entre todos (diagnóstico más temprano, evaluación de terapias, etc.). Por último, ¿queréis añadir algo que no hayamos tenido en cuenta y sea importante? Que queremos poner en valor a nuestros niños, que son un ejemplo de superación, de esfuerzo y de empatía, y que a pesar de todas sus dificultades son niños muy felices.

www.hemiweb.org

LA CALLE 46 Manel Ramodne

Supergrupo Moderno y Modernista

stamos ante uno de los grandes grupos británicos de los 60 y de la historia del rock. Eterno, clásico y moderno a la vez. Como The Beatles o The Rolling Stones, por carisma e influencia, aunque no vendiera tantos discos como los primeros ni duraran 50 años como los segundos. La banda empezó en 1963 y se disolvió en 1968, cinco años apenas. En los 90, ya sin el cantante original, muerto en 1976, dos miembros originales decidieron reactivar el grupo con nuevos músicos y volver a los escenarios. The Yardbirds era un grupo especial, modernos por vanguardistas y experimentadores. Modernistas por elegantes, talentosos, carismáticos, inteligentes, arriesgados y divertidos. Según mi modesta opinión en muchas de las canciones de su cancionero, sobretodo las de la etapa Beck-Page, estan las bases, atisbos si quereis, de buena parte del mejor pop-rock posterior, del (power) pop de los 70-80, de sonido garage-punk, de la psicodelia, del progresivo, del hard-rock y si me apurais hasta del postpunk gótico y del noise de los 80-90. ¿No me creeis? Escuchad You’re A Bettler Man Than I, pop, o For Your Love, psicodelia-pop, A Certain Girl, garage-rock, Still I’m Sad, un tema filo-gótico que parecen los Bauhaus de Peter Murphy, algunos pasajes del Stroll On, casi noise rock en 1966 para sacarle los colores a Sonic Youth, o el Dazed And Confused, es hard rock primitivo de 1967!!!, la semilla del proto Heavy rock, caos, chirridos, dureza, instinto salvaje, volumen, misticismo, estaban ya aquí...escuchadlos y me decís. El director de cine italiano Michelangelo Antonioni los eligió por algo para salir en su película Blow Up del 66. Fue este un film de culto dedicado en buena parte a mostrar la fiebre musical y por la moda de los años del Swingin’London.

Trascendieron corrientes, escenas y a la propia British Invasion que les envolvió e intentó tragar. De él salieron tres de los mejores guitarristas británicos de la historia: mister Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page. Con un pie en el Blues negro americano, otro en el ritmo y otro en la melodía popular hicieron media docena de canciones que fueron éxitos en formato 7”, hoy todavía míticos (For Your Love, Over Under Sideways Down, Heart Full Of Soul, Shapes Of Things, Evil Hearted You, I’m A Man) y en mi opinión tres albumes a 33”, entre otros más, de para enmarcar como joyas perennes de la música de los 60 (Five Live Yardbirds, el primero, R&B mod, ojo, primicia para aquellos años, grabado en directo, Having A Rave-Up, R&B, Beat y pop-rock mod de qualité y el tercero The Yardbirds o Roger The Engineer, el R&B melódico y psicodelia-pop). Hacía tiempo que quería sacarlos en esta sección. Llegó el momento. Esta es su historia. Ahí va. The Yardbirds. Si no teneis nada de ellos en Cd o vinilo, podeis empezar por alguna buena recopilación. Hay unas cuantas, en Cd o vinilo, apañadas, y a precios asequibles. Sus discos estan todos reeditados.

Los comienzos. Los años del Rhythm and Blues con Eric “mano-lenta” Clapton. Nacieron a principios de 1963 como Metropolitan Blues Quartet. Provenían de la periferia del suroeste de Londres. Los Metropolitan eran un grupillo mod de covers de Blues negro americano, en la órbita de lo que hacía Alexis Korner o el ubicuo pope bluesman ingles Cyril Davies con el que tocaron de banda acompañante en algún bolo en mayo de ese año. En él militaban ya Paul Samwell-Smith al bajo (famoso por el particular sonido de su Epiphone Rivoli semiacústico) y Keith Relf, el rubio y carismático cantante del peinado en forma de casquete 60s, largo y muy parecido al de Brian Jones. A ellos se les unirán pronto el guitarra rítmica Chris Dreja, el guitarra Anthony “Top” Topham y el bateria Jim McCarty. El guitarra solista Anthony Topham dejaría el grupo en el otoño del 63 y sería subtituido por un chaval mod de pelo corto, semidesconocido entonces, llamado Eric Clapton. Eric tenía el sobrenombre de “slowhand” (mano lenta), amaba el blues y era un virtuoso a las 6 cuerdas pese a su edad. A finales de año 63 casi coincidiendo con la entrada de Clapton y con esta formación de quinteto estabilizada decidieron cambiarse el nombre. Después de hacer dos bolos en septiembre como The Blue-Sounds pasan al definitivo The Yardbirds, nombre que según los entendidos podía hacer referencia a dos cosas diferentes: una, al nombre que recibian los vagabundos que rondaban y dormian en los “yard rails” (vías muer47

tas) de las estaciones de tren londinenses, en especial de noche, u otra, un homenaje al genial saxofonista de jazz Charlie Parker al que se apodaba “Yardbird”. El joven quinteto en 1964 adquirió rápidamente protagonismo en la escena del Rhythm and Blues mod londinense al telonear a los Rolling Stones en el Crawdaddy Club de Giorgio Gomelsky. Gomelsky, un tipo emprendendor y dueño del club Crawdaddy en Richmond, se quedó sin los Rolling cuando el avispado Andrew Loog Oldham se los quitó. Todo el mundo en esa época quería hacer negocio con el joven público mod londinense y Giorgio lo intentaría poniendo su confianza en Yardbirds como grupo residente de su sala. Quedó prendado del grupo, se convirtió en su primer manager y produjo sus primeros discos además de conseguirles el fichaje por EMI-Columbia records. Bajo la guia y proyección de Gomeslky saldría el primer Lp del grupo, Five Live Yarbirds a finales del 64. El disco, grabado en directo en un bolo del 64 en el Marquee Club, salió editado sólo en Reino Unido, Australia y Nueva Zelanda. Reflejaba el repertorio básico del grupo en esos años. Su famosa portada con la imagen a color del grupo delante de la puerta enrejada ha pasado a la historia. El disco contenía 10 temas grabado en vivo sin añadidos en estudio de lo que era un bolo de los Yardbirds de los años de Clapton, todo versiones en formato blues con ritmo, R&B, de temas de músicos negros norteamericanos como Chuck Berry, Howlin’ Wolf, John Lee Hooker, Bo Diddley, Sonny Boy Williamson II, todos muy del gusto de los mods de 6364. El disco tuvo importancia por varias razones: fue el primer disco del grupo, era un directo, cosa inusual en esos años, y fue la carta de presentación para el pú-

1965 46

1965

blico generalista de la nueva ola de rock británico de los 60, la generación conocida como British Invasion (The Who, The Rolling Stones, The Beatles, The Kinks, Small Faces, Animals...). Además, para los seguidores de Clapton fue un disco clave, iniciático, casi un fetiche. Anticipaba lo que vendría después, con Cream y todas las demás apuestas musicales de su heroe. En esa etapa eran tan bluesies, tan buenos y tan auténticos en directo que hasta la leyenda del género negro por excelencia, el blues, mister Sonny Boy Williamson II los invitó a telonearlo en su gira británica y alemana. Ello generaría muy buen rollo entre ellos y conduciría a un disco conjunto posterior con parte de esas actuaciones. Con todo el purismo blues no les llevaba a vender demasiados discos y eso les haría replantearse su estilo.

Camino al éxito, evolución estilística, la salida de Clapton y la entrada de Jeff Beck. La salida del primer disco del grupo y la grabación de dos sencillos, I Wish You Would y Good Morning, School Girl, (cover de Sonny Boy Williamson), tocar en directo habitualmente, su prestancia en directo, su estilo y elegancia los hizo conocidos y favoritos del público mod más fan del R&B en poco tiempo. Vender no vendian mucho. Y ellos querian más. Para hacerlo tenian que romper con el pasado blues y se sabian capaces de ello. Se pusieron a trabajar con la idea de un nuevo single más pop, más moderno, que fuera el espaldarazo definitivo al éxito generalista. Y el hit fue, For Your Love, compuesta por Graham Gouldman del grupo mod de Manchester The Mockingbirds y prestada al grupo junto con alguna otra canción más. Este fue su primer hit. Llegó al nº 1 y vendió un millón de copias. No sería el único 7” de esta nueva etapa que les cedió Gouldman. Luego vendrian Heart Full Of Soul y Evil Hearted You, temazos las dos. El cambio estilístico generó la abrupta salida del grupo de Eric Clapton el 25 de marzo del 65, justo el dia que salió a la venta el 7”. Eric había colaborado en la grabación del tema a regañadientes. Clapton era un jovencito mod, purista del blues y la música de raices que no estaba dispuesto a continuar en un grupo que daba el salto de repente a una nueva linea musical más orientada a la comercialidad pop-rock. Clapton al dejar la banda se enrrolaría brevemente en los Bluesbreakers

1966

de John Mayall, garantía de continuidad bluesie, como travesía a su definitivo proyecto personal, Cream, el gran grupo de Blues-Rock psicodélico de la segunda mitad de los años 60. Más tarde, ya en los 70, Clapton, ya un musico afamado y rico montaria brevemente una superbanda llamada Derek & The Dominoes y luego empezaria una larga y exitosa carrera en solitario. La salida repentina de Clapton pudo acabado prematuramente al grupo, pero Eric, al menos, se preocupó de no dejar tirados a sus compañeros. Les recomendó primero un músico amigo suyo, de total confianza: Jimmy Page, joven pero reputado guitarrista de sesión, que rechazó entrar en ese momento en el grupo. ¿Las razones? No se arriesgaba a dejar su lucrativo empleo y alegó problemas de salud. Luegó, al año o así, cambiaría de opinión. Page, eso sí, antes de decirles no, les aconsejó a su amigo Jeff Beck, otro guitarrista joven y virtuoso además de músico con altas capacidades. For Your Love, con todo, fue un temazo, un hit precioso, pegadizo, mod, moderno, irresistible. Se aleja de patrón blues anterior y se abre al pop-rock psicodélico y a la experimentación, más innovadora, casi progresiva, atmosférica. Tiene unas cuerdas tipo hapsicordio medieval estupendas de la mano del genial organicista mod Brian Auger, representado tambien por Gomelsky y amigo del grupo, además de una percusión de bongos proto-psicodélicos flipantes, unos coros y un cambio de ritmo brutal, un crecendo magnífico. La psicodelia se acercaba ya y este tema lo anticipa. Clásico eterno. La entrada de Beck, solo dos dias después de la salida de Clapton, abrió la paleta estilística del combo y les hizo avanzar a una escala nueva. Beck que no era un mod como Clapton, Dreja o Samwell-Smith, pero sí era un innovador nato a la guitarra y un genio en materia compositiva. Él aportó muchas novedades al sonido del grupo, marcó los arreglos de las nuevas composiciones del grupo y por extensión modernizó el beat británico de la época. Los efectos sonoros de sus pedales feedback, el famoso y garagero fuzz-tone, la distorsión y la saturación eléctrica, el juego con el ruido son todos propiedad suya. En tarea compositiva, la experimentación, cierto misticismo prehippy psicodélico y sobretodo mucho eclecticismo. Metió arreglos de cuerda exóticos: el clavecín (o clavicordio) y los coros de tipo gregorianos europeo medievalizantes o de tipo tibeta-

1966

no. Ojo, sin perder de vista el formato de canción poprock moderna de vocación melódica. Temas como Still I’m Sad, Turn Into Earth, Hot House Of Omagarashid, Farewell y Ever Since The World Began son los ejemplos de esto. Su influencia, aunque no suficientemente reconocida, es palpable en las canciones de muchos de los mejores grupos británicos de la época que a partir del 66-67 se metieron de lleno en la fiebre ácida y psicodélica. No hace falta decir nombres. La era Beck, de marzo del 65 a octubre del 66, produjo según mi opinión la mejor época compositiva del combo: 4 albumes: For Your Love (1965), Having A Rave Up (1965), el Yardbirds o también llamado en algunos paises Roger The Engineer (1966) y el Over Under Sideways Down (1966). El primero era una recopilación de 7”y temas del anterior Live Five y el último una versión corta del Roger con otros temas dispersos. Los dos iban especialmente dirigidos el mercado norteamericano con vistas a las giras USA. Los más recomendables según mi criterio eran el Having y Roger The Engineer, aunque todos estén bien. Esta época trajó tambien magníficos singles de la talla de Heart Full Of Soul, un himno mod freakbeat, el Evil Hearted You, Shapes Of Things, la versión del I’m A Man de Bo Diddley, el Over Under Sideways Down. 1965 y 1966 fueron los años de esplendor del grupo. Durante esos años no dejaron de grabar, tocar y tocar en directo. En E.E.U.U. se convirtiron en un fenómeno social junto con los Beatles y los Rolling Stones. Un poco por todo el ajetreo del grupo el bajista Paul Samwell-Smith se cansó y decidió abandonar el gru-

1967 47

po en junio del 66 despues de grabar las sesiones para el Roger The Engineer. Paul se dedicaría luego a tareas de producción discográfica. Para substituirle al bajo entró brevemente Jimmy Page, el viejo amigo que ejercia de músico profesional de sesión, todo mientras el guitarra Chris Dreja se preparaba los temas al bajo. Lamentablemente sólo fue por un breve tiempo el que estuvieron juntos en el grupo la pareja de guitarristas Jimmy Page-Jeff Beck. Eran un supergrupo entonces, y quizá por ello, como pasa siempre con los supergrupos con grandes músicos con egos enormes la cosa era imposible que durase. Podeis verlos juntos en la actuación de la película Blow Up de Antonioni en la que salian grupo tocando en directo el tema Stroll On, (una re-elaboración del Train Kept A-Rolling) en un tugurio y en la que Beck acaba destrozando su guitarra, una Hofner barata, cuando le comienza a fallar. En eso recuerda mucho a lo que hacía Pete Townsend de The Who. La cosa fue en realidad una pantomima, un requerimiento de Antonioni a Beck para emular lo que hacian The Who en sus directos. Del breve periodo Page-Beck además de esta grabación para la peli Blow Up, solo hay grabado un anuncio de batidos con el riff del principio del Over Under Sideways y el tema llamado Beck’s Bolero, basado en el Bolero de Ravel con John Paul Jones al bajo, Keith Moon a los tambores y Nick Hopkins al piano que salió de cara B del primer 7” en solitario de Jeff Beck ya con su Jeff Band, el tema Hi Ho Silver Lining (incluido en el Lp Truth).

Etapa final, la era Page, decadencia y disolución. Tras unos meses como quinteto con Page de nuevo guitarra rítmica, a finales de 1966 Jeff Beck, tras el parón de una gira por E.E.U.U., es expulsado del grupo. Su carácter complicado y su perfeccionismo son la causas aducidas. El cansancio, el aburrimiento, falta de ilusión, los egos, los celos y las ganas de Jeff Beck en hacer otras cosas, tener su propio grupo, también pueden ser explicaciones lógicas de su expulsión de The Yardbirds. Su proyecto personal The Jeff Beck Band se abriria paso poco tiempo después.

de tocar su instrumento en directo, de vez en cuando y en algunos temas con un arco de violín, como lo había hecho antes Eddie Phillips, el guitarra de The Creation. También introdujo el sonido de los pedales wah-wah y el fuzz en la música del grupo. Esta etapa se caracterizó por su introducción ya total del grupo en la psicodelia, que mezclada aún temas con su estilo anterior. Eran más duros y experimentales que nunca; conservaban su base R&B pero más eléctrica, garagera, freakbeatera si quereis, con pasajes más experimentales, místicos, atmosféricos, acústicos o progresivos. La influencia de los Pretty Things, Beatles, Hendrix, Cream y los Creation más psicodélicos, es palpable en algunos temas. El resultado musical y comercial de esta época fue amargo y acabaría disolviendo al grupo. Sacaron una serie de 7”, tres, primero el Happenings Ten Years Time Ago, luego Little Games, flojos, que además consiguieron unos resultados de ventas muy mediocres, sobretodo en su pais Gran Bretaña, donde se les dió desgraciadamente por perdidos. Su último Lp, Little Games, editado en verano del 67 tampoco funcionó bien en ventas y la crítica se lo cargó sin compasión. No era mal disco, tenia algunos temas buenos como la freakbetera No Excess Baggage y otros que continuaban con parte del estilo de los viejos tiempos del blues como Smile On Me en el que parecen Cream. Por desgracia habian perdido todo el encanto y la pegada comercial anterior. Demasiado experimentales y dispersos, sobretodo en algunos temas de cariz naif tontorrón y psicodélico que descolocaron a los fans antiguos. Todo 1967 lo pasaron girando por E.E.U.U., donde aun tenian atración popular y comercial, con el apoyo ahora de su nuevo manager Peter Grant. Los bolos eran más heavies que nunca. Ya tocaban en directo el tema Dazed And Confused, cover de Jake Holmes, un tema que Page trasladaba a un estilo ya totalmente proto-hard rock y que anticipaba lo que luego caracterizaría a los Led Zeppelin. 1968 fue el año final. Las divergencias estilísticas y personales latentes un año antes se hacen más explicitas ahora: Relf y McCarty quieren hace temas más folkies y clásicos, Page queria continuar por la linea hardrock, Dreja se interesó por la fotografía. En marzo del 68 los dos primeros estuvieron a punto de dejar el grupo pero los otros dos les convencieron de continuar hasta acabar la gira americana que tenian preparada. El 7” Goodnight Sweet Josephine fue el último single y supuso el canto del cisne final del grupo. Ni siquiera entró en listas. La canción seguia la linea de pop típica del productor Mickie Most que era el mismo de los dos singles anteriores, En la cara b estaba el tema Think About It, más cercano al proto-hard made in Page. El 7 de julio del 68 Yardbirds tocaron su último bolo en directo en el Colegio Tecnológico de Luton. El grupo anunció en la revista Rolling Stone que se disolvía y que Page pretendiá grabar en solitario.

Los New Yardbirds y el nacimiento de Led Zeppelin. Entraban en 1967 con formato de cuarteto: Relf, voz,

Dreja ahora al bajo, McCarty a los tambores y Jimmy Page de guitarra único. Page introdujo las novedades 48

Dreja y Page, aprovechando que tenian una gira con-

tratada para otoño por Escandinavia aunque se habia anunciado la ruptura oficial intentaron montar unos nuevos Yardbirds, con nuevos músicos, Page en las tareas de lider indiscutible y en la producción, con los servicios de Grant de manager. Para la bateria se barajaron diversos nombres: B.J. Wilson de Procol Harum, Paul Francis y el músico de sesión Clem Cattini. Ninguno cuajó. Para las voces solicitaron los servicios de Terry Reid, joven cantante y compositor de la escuderia de Mickie Most. Este decinó entrar al tener contrato en vigor con Most pero les recomendó los servicios de un tal Robert Plant, entonces un jovencito semidesconocido. Plant, a su vez, para el puesto de batería recomendó a un amigo de la infancia, John Bonham. Dreja finalmente prefirió dejar el proyecto de Page y Plant para dedicarse a hacer de fotógrafo de rock. En su puesto de bajista reclutaron a un músico de sesión experimentado, como Cattini, y que ya habia participado en alguna sesión de grabación de los Yardbirds, John Paul Jones. Con la formación de cuarteto cerrada, New Yardbirds en verano del 68 empezaron los ensayos en vista a girar por Escandinavia en otoño. Antes fueron a grabar un nuevo disco de estudio como The Yardbirds a UK. Aunque en directo todavía tocaban temas antiguos de la era Yardbirds, como Train Kept A-Rollin, For Your Love o Dazed And Confused, pero el cambio de nombre de la nueva formación de Page estaba al caer, era un hecho cantado. Led Zeppelin, nacian a finales de 1968 como vastagos casi directos de los últimos The Yardbirds. Quizá el detonante fue según cuentan algunos, que Dreja, que mantenía registrados a su nombre los derechos legales del nombre oficial The Yardbirds, no les permitió continuar usando el nombre y les dió un aviso para que no grabaran nada nuevo ni tocaran más con ese nombre. Otros dicen que fue el propio Page el que decidió por motu propio cambiar de nombre para pasar página del pasado.

Despues de The Yardbirds. Keith Relf y el batería McCarty al dejar Yardbirds formaron brevemente un grupo de rock folk acústico llamado Together y al poco Renaissance, interesante y longeva banda de rock progresivo-sinfónico en la que junto con otros músicos grabaron en apenas dos años un par de Lp’s para Island Recods. McCarty en el 1973 formó un grupo llamado Shoot. Keith Relf en el mismo período colaboró produciendo y tocando el bajo con la banda del Blues rock Medicine Head hasta que en 1975 montó el grupo Armageddon, cuarteto de Hard rock y Heavy con toques folk con lo que grabó un disco antes de su trágica muerte el 14 de mayo de 1976 causado por un accidente eléctrico en su estudio casero. En 1977 se formó un grupo llamado Illusion con McCarty, Jane Relf, la hermana de Keith con la formación original de Renaissance. En los 80’s hubo una breve pero divertida reunión puntual de los miembros del grupo, Dreja, McCarty y Paul Samwell-Smith, (ocasionalmente se les unió Jeff Beck y Page) llamada Box Of Frogs. En 1992 se hace un poco de justicia al legado del grupo y se les invita a entrar en el Rock and Roll Hall Of

Fame. A la ceremonia de ingreso fueron invitados todos los miembros vivos originales del grupo incluidos Beck y Page. Eric Clapton excusó su asistencia por problemas de agenda ya que estaba en el proceso de grabación de un disco. Paradójicamente no se acordaron de Anthony Top Topman. Por parte del fallecido Keith Relf acudieron su mujer y su hijo.

Reunión del grupo. Despues de 25 años, justo en 1992, aprovechando la fiebre revivalista por los 60 y la reuniones constantes de viejas glorias, y sobretodo por la iniciativa del promotor Peter Barton de Rock Artist Management que los convenció, Chris Dreja y Jim McCarty deciden reactivar al grupo, reunirse y volver a los escenarios como The Yardbirds. Contactan con el músico John Idan para cantar y tocar el bajo y Gypie Mayo como segunda guitarra y guiados por Barton, que hará desde ese momento de su manager , tocaran en el Marquee de Londres acompañando a unos remozados The Animals. El concierto fue un gran éxito e hizo que a este bolo le siguieron más y más. Así hasta 2003, año en el que anunciaron la edición de un nuevo disco de estudio de The Yardbirds 36 años despues de su disolución. El disco se llamó Birdland. A la formación de cuarteto formado por Dreja, McCarty, Mayo y Idan añaden un nuevo miembro, Alan Glen, que toca la harmónica y hace coros. En el nuevo disco versionean temas viejos y componen algunas canciones nuevas. No es un mal disco pero no deja de ser una nota anecdótica. El disco iba dedicado a todos los viejos amigos y músicos de los 60 y a la memoria de Keith Relf. En el disco colaboraron muchos músicos fans y colegas del grupo y para su presentación oficial en directo invitaron a subir al escenario a Jeff Beck y a Antony Top Topham. Continuan más o menos vivos casi 10 años más, con el aliento nostálgico y con cambios constantes en el lineup del grupo que grabó birland en el 2003. Todos son músicos jovenes que recrean las etapas R&B y Freakbeat de los 60; y así hasta 2013 en el que Chris Dreja anuncia su abandono definitivo del grupo a causa de problemas serios de salud. Anthony Top Topman, el primer guitarra del grupo, seria su recambio a la guitarra en las últimas reencarnaciones del grupo. En la actualidad en la formación únicamente queda Jim McCarty de los miembros originales del grupo.

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AC/DC En España

Vicente Ribas

AC/DC En España Autor – Mariano Muniesa Quarentena, 2015

Mi Vida Al Volante

José Zamora Linares

Mi Vida Al Volante Autor – Neil Young Malpaso Ediciones, 2015

Si AC/DC en 1981 era un grupo considerado marginal, para navajeros y delincuentes, tan solo 20 años más tarde un ayuntamiento les dedicaba una calle y a día de hoy, su presencia en España concita la atención de todos los diarios, programas de radio y televisión y es por supuesto, objetivo prioritario de la prensa al mismo nivel que los Rolling Stones, Bruce Springsteen o U2, los máximos exponentes del mainstream en el rock´n´roll. ‘AC/DC En España’ es una historia de grandes conciertos, de noches maravillosas e inolvidables aunque también de fracasos, frustraciones y desencuentros. En definitiva, este libro, publicado hace ya unos meses, puede servir como diario para navegantes de fans de la banda australiana y en general de seguidores del buen rock, en él se puede vislumbrar paso a paso cuando la banda pasó por nuestro país.

Primera incursión de Neil Young en sus recuerdos. El cantante canadiense vuelve a la carga con este libro donde recrea su infancia, sus experimentos musicales, sus experiencias sexuales, su vida familiar, el gallinero del rock y, por supuesto, el más tenaz de sus muchos trastornos: los coches. Éstos, en realidad, constituyen el hilo conductor y la excusa de una gira febril por las carreteras del pasado. Automóviles clásicos y a menudo maltrechos que lo esperaban en cualquier esquina para provocar un amor súbito y una compra a quemarropa. Cada uno evoca aventuras o desventuras que aparcan finalmente entre las páginas de un libro. Sus motores hablan y cuentan historias. ‘Mi Vida Al Volante’ por lo tanto sea un libro de curiosidades, para fans, para amigos y enemigos del músico canadiense, para amantes de coches, y por que no, para curiosos.

Moto

Placeres Culpables

Lola Vijjajos Roldán

Moto Autor – Alberto García-Alix Cabeza De Chorlito, 2015 Alberto García-Alix, uno de los referentes de la fotografía contemporánea mundial nos presenta su nuevo libro: Moto, en formato fotolibro. En él están recogidas desde las primeras instantáneas que Alberto García-Alix tomó en 1975 durante una carrera de motocross en la que participaba su hermano, hasta el último trabajo que el fotógrafo ha realizado a lo largo de los tres últimos años: un nuevo bloque de fotografías inéditas, con las que el autor, buscando sus límites, inicia un renovado discurso fotográfico sobre la moto. Se trata, en definitiva, de un conjunto de fotografías que trasladan la belleza y el cuidado con el que García-Alix ha retratado una vida ligada a la moto. Pura vida y pura obra escrita y vista con el alma metafórica. La imagen y la palabra es el binomio perfecto del genio. “Dándole al mango, en argot motero”. Muy recomendado.

José Zamora Linares

Placeres Culpables Autor - Óscar García Blesa Bubok Publishing S.L. 2015 Óscar García Blesa se ha sentido atraído por la música y la cultura pop. Daba igual si se trataba de álbumes que removía entre la colección de sus padres o grabaciones caseras realizadas desde la radio, la música siempre ha merodeado por su cabeza. ‘Placeres Culpables’ es un retrato ligero sobre grabaciones importantes, no necesariamente sus favoritas pero todas con un punto de conexión en común: un enorme éxito traducido en descomunales ventas y un rechazo generalizado por parte de la crítica especializada. ‘Placeres Culpables’ no pretende convencer a nadie de las bondades de estos trabajos musicales. A lo largo de sus páginas planean las preguntas ¿qué es en realidad lo bueno y lo malo?, ¿quién lo decide?, ¿por qué cuando un álbum alcanza ventas desorbitadas automáticamente su calidad se cuestiona definitivamente?

Vicente Ribas

Risky Business E

n 1983 se estrenó en España Risky Business (Risky Businnes), una comedia protagonizada es su papel principal por un entonces casi desconocido Tom Cruise. Fue el debut del director Paul Brickman, la cual también escribió. Junto a Tom Cruise también pudimos ver a Rebecca De Mornay, Richard Masur, Joe Pantoliano, Bronson Pinchot o Nicholas Pryor. Un resumen del argumento podría quedar así: Los padres de Joel (Tom Cruise) se van de viaje un tiempo y éste se queda solo en casa. Una noche decide contratar los servicios de Lana (Rebecca De Mornay) y empiezan a verse con frecuencia, hasta que el proxeneta de la prostituta (Joe Pantoliano) empieza a ver la situación con malos ojos y amenaza al chico si no deja de ver a Lana. Entonces, Joel y Lana deciden ofrecer servicios sexuales en casa de él con compañeras de la misma Lana, lo que enfurece más al proxeneta y, por ello, decide vengarse. Por entonces Tom Cruise solo había protagonizado 5 filmes más anteriormente: la lacrimógena Amor Sin Fín (1981), Taps, Más Allá Del Honor (1981), Rebeldes (1983), Loosin’ It (1983) y La Clave Del Éxito (1983). Pero fue gracias a Risky Business, y a pesar de que en Rebeldes, de Coppola, fue el gran descubrimiento por parte del gran público, comenzó una carrera cinematográfica meteórica, siendo uno de los actores me-

jores pagados de la industria del cine holywoodiense hasta el día de hoy, protagonizando con el tiempo millonarios largos cinematográficos. De hecho, en esta película fue nominado en los Globos de Oro como Mejor Actor de Comedia o Musical, siendo esta su primera nominación a un premio tan importante como este. Inmersos en su banda sonora también fue todo un verdadero éxito. Protagonizada principalmente por la música electrónica instrumental de los alemanes Tangerine Dream, en la película también se pueden escuchar canciones como ‘In The Air Tonight’ de Phil Collins, ‘Every Breath You Take’ de The Police, ‘Mannish Boy (I’m A Man)’ de Muddy Waters, ‘The Pump’ de Jeff Beck, ‘D.M.S.R.’ de Prince, ‘Hungry Heart’ de Bruce Springsteen, ‘Swamp’ de Talking Heads, ‘After The Fall’ de Journey, pero sobre todo ‘Old Time Rock And Roll’ de Bob Seger And The Silver Bullet Band, una canción que cuando se escucha siempre viene acompañada con la escena de Tom Cruise bailando en ropa interior; sin duda esta escena/canción es la más popular del largometraje, siendo infinitamente imitada y parodiada con los años. Un par más de anécdotas destacables de Risky Business podrían ser: En el apartamento de Lana (Rebecca De Mornay) se puede ver el cartel de una exposición del fotógrafo español Francesc Català-Roca, o que el papel principal de la película en un principio iba a ser para el actor Timothy Hutton, rechazando éste el papel, y que un par de años antes había conseguido ganar dos Globos de Oro (Mejor Actor de Reparto y Nueva Estrella del Año) y un Oscar (Mejor Actor de Reparto), todos por Gente Corriente (1980). También fue nominado en los Globos de Oro de 1981 por Taps, Más Allá Del Honor, en donde coincidió con Tom Cruise.

Vicente Ribas

Fiesta 1er. Aniversario Future magazine 12 números 12. Y es que en Future Magazine estamos de aniversario. Un año ha pasado desde que, en octubre de 2014, saliera el primer número de la revista, con la portada de una gran artista como es Vicky Larraz, musicalmente de nuevo en órbita. Por ello, el pasado 23 de octubre celebramos una Fiesta en todo lo alto en Nueve Tragos Café Rock, un lugar emblemático de la ciudad de Valencia regentado por Andrés Albert, que al margen de ser amigo y colaborador de la revista, se prestaba a ello por su encanto y su experiencia. Dar las gracias especialmente a Geles Piquer y Elizabeth Barros, coordinadora y directora de publicidad respectivamente de Future Magazine, que fueron quienes organizaron magistralmente todo (adversidades incluidas) para que la fiesta saliera perfecta. Por su puesto, como no, dar las gracias también a todas aquellas personas que están detrás de la revista y que de una forma desinteresada colaboran en ella, bien en la parte laboriosa para que la revista pueda ver la

luz cada mes, o bien en la parte colaborativa y no por ello ser menos importante, sino todo lo contrario. A las mencionadas Geles Piquer y Elizabeth Barros, sumo a Óscar de Les (maquetación), Ana Sánchez (fotografía) y Tomás Alias (redes sociales). Y como colaboradores habituales a Lola Villajos Roldán, Manel Ramodne, Julia Navas Moreno, José Liñán Navarro, Juanjo “Jota Jota”, Antonio García, José Asunción, Rosa Ruiz, Pedro Torromé, Ricky Rodríguez, Luis Martín, José Luis Hoyos, José Commandant, Txua Ruiz (Hay Mucho Rockandroll), José Zamora Linares, Irene Sánchez (Conciertos Solidarios), Salvador Pérez Cuñat, José Rodríguez, José Gálvez y Chals Roig. Y como mención especial a Pablo Martínez Vaquero, sin su ayuda (esto va más allá que su aporte colaborativo mensual) esta revista posiblemente no existiría hoy en día. Evidentemente a lo largo de estos 12 números han pasado por ella mucha más gente que viene y va, como Francisco Fornés, Ana M. Martí, Diego Cardeña, Silvia Carregal, Pilar Rodríguez (ConOtroEnfoque), Carles Oliver, Juan Ruiz Allen, J.A. Fabián, Román Frymer, Alberto Valle, Reyes Torío, Jaume Olivet, Xavi Mercadé, Héctor Calvo Andrés, Javier Pérez, Mayka Olivares, Manuel Almeida De Ocampo, Antonio Madrid, Miguel Prado, Andrés Albert, Jim Aubareda, Patrik Hinojosa, Aurelio Sánchez, Rafa Balbuena, Lupe Catalá, YünGung, Rubén Sánchez, Ángeles Balue, José María Parra, Juan José Jiménez, Chris Wright, Eraserhead, Juan Martínez Muñoz, Sara Íñiguez (Rubia), Huerga & Fierro Editores, José Vicente Alfonso, Paco Gómez, Ángel Santamaría, Rodrigo Puché, Lee Korrigan, Daniel Trejo Sirvent, Maxia Falcón, Roberto Olmos, María Albert, Juansa Ferrer, Miguel Ángel García Quevedo, Editorial Contra, Elisa Álvarez, José Alberto Heredero, Yoly Rojas, Juan Tecles, Juanan Marco, Andrés Viceroy y Marcos Cuenca. A todos ellos muchas gracias. Y para finalizar, gracias a las aportaciones de músicos, bandas, escritores, colaboradores, anunciantes, de nuevo sea dicho, de una manera altruista, para que la Fiesta del pasado 23 de octubre saliera a lo grande y todo asistente se llevara su regalo: Delorean Lounge Ruzafa, Ultrasound Music, Nueve Tragos Café Rock, Sara Íñiguez, Txua Ruiz, Chucheriland, Julia Navas Moreno, Turia Records, Fernando Lavado (Gatos Locos), Comboi Records, To Jail Records, Fran Elías, Raúl Tamarit, José Rodríguez, El Huerto Restaurante, Matisse, Butterfly, Bar José IV, Lilith Pastelería Creativa, Irresponsables, Art Boutique Cardo Extraño, Alma Esotérica, Play & Men, Lupe Catalá, Ricky Rodríguez y José Zamora Linares.

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French Boutik

Pablo Martínez Vaquero

Tour: Madrid, Logroño, Orense y León (8 al 11 - 10- 2015) Pablo M. Vaquero / Con informaciones de Jorge Juan Guillén, Óscar Caamanho, Jimmy Jazz, José Luis Labra, Alfredo Lázaro y Marcos Collantes. Cuatro fechas para una primera toma de contacto “de tú a tú” de la banda modernista parisina con el público -no necesariamente mod- de otras tantas ciudades españolas. De entrada las fechas del tour no parecían ser propicias para cosechar una buena audiencia, ya que se emprendía una noche que precedía a un día laborable dentro de una semana que -además- culminaba con el tradicional Puente del Pilar, cuando las escapadas de las ciudades suelen ser la tónica predominante. Asimismo las citas del fin de semana coincidían de pleno con la concurrida celebración del décimo aniversario del festival Funtastic en Benidorm, con uno de los carteles más atractivos de su historia… Sea como fuere, los French Boutik vinieron a darlo todo con muchas ganas, ilusión y sobrada humildad, algo que demostraban ya con creces en los -sorprendentemente- bajos precios de los tickets.

de nuevo un medio centenar de personas aplaudió al grupo, lo que según los presentes “no estuvo nada mal para ser un jueves, un día al que los conciertos no suelen ir más de diez o doce personas”. Asimismo, ya bastante avanzado el concierto, fue llegando aún más público. El merchandising volvió a captar el interés de un amplio número de personas “llegando a formarse cola para comprar”. Complacieron, sorprendieron y atrajeron incluso la presencia de gente de otras ciudades como Zaragoza o Pamplona. Orense: Café Cultural Auriense El viernes, en pleno Puente del Pilar (el mayor hándicap), la banda se presentó en la provincia gallega de Orense, en el Café Cultural Auriense de la capital. Allí volvió a repetirse la misma cifra estimada que en los dos conciertos previos, pero ante un público más acostumbrado al garage que al pop, por lo que -al parecer- a Gabriela, Serge, Jean-Marc y Zelda quizá les

Madrid: Fun House Music Bar En la capital española la joven banda local The Sintonizers se encargó de calentar a la concurrencia con su sonido garage. Sorprendió la poca afluencia de público (que rondó la media centena) congregado para recibir al renombrado grupo francés, aunque teniendo en cuenta que hablamos de un desangelado miércoles por la noche esta circunstancia no se puede considerar determinante. En el Fun House parece que predominó el público mod y en el club pudieron verse rostros muy conocidos dentro de la escena modernista madrileña. El repertorio gustó tanto que la mayoría de los presentes se fueron con una copia del último 2 x 7” de cuarteto francés, ‘Mieux Comme Ça’ y algunos parches y camisetas. ¿Las frases más repetidas? “Elegancia”, “clase”, “contundencia”… Llegaron, tocaron y agradaron, aunque el comentario general fue que el día programado no era el adecuado “que se hubiese merecido una banda tan interesante”. Logroño: Sterero Rock’n’Roll Bar Al día siguiente, el jueves 8 de octubre, la banda se desplazó al Stereo de Logroño, un local precedido por su fama ser frecuentado por un público bastante exigente. Allí French Boutik sorprendió gratamente, volvió a gustar y tocó varios bises por petición popular; 57

costó un poco más conectar con la concurrencia, teniendo además algunos problemas con el sonido. Así, tras “una hora y cuarto aproximada de concierto” el grupo dio por zanjado un recital en el que, si bien es cierto que hubo diversidad de opiniones (condicionadas por las preferencias musicales de cada persona) los parisinos también lograron captar nuevos incondicionales de cara a su próxima visita a España en 2016. León: Pub Babylon Era la última oportunidad de ver al grupo durante su pequeña gira Española “de tanteo” y en el Babylon había cierta expectación por ver al grupo en directo, a pesar de que -al igual que en los conciertos previosel evento careció de promoción salvo algunos apoyos puntuales por parte de sus seguidores españoles (en constante aumento) desde las redes sociales. En León se volvió a repetir la misma cifra aproximada de asistentes a pesar de que, debido a la mentada festividad, muchos de los fans locales del grupo no se encontraban en la ciudad, circunstancia que también afecto a sus incondicionales de la comunidad vecina de Asturias, con una mínima representación en la sala. Aún así los presentes disfrutamos de un recital esplendido y generoso en bises que fue in crescendo hasta lograr

que la mayoría del público acabase bailando y dando palmas, arrasando asimismo con lo poquísimo que ya quedaba del merchandising (apenas tres copias de su último doble vinilo y unos cuantos cedés y chapitas). ¿El repertorio? El programado para todos sus conciertos españoles: los cuatro temas incluidos en su último disco y casi todos los publicados en los dos anteriores. No faltaron versiones de Françoise Hardy (con un Serge completamente desatado a la guitarra), su ya célebre revisión del ‘City Of Dead’ de los Clash y dos versiones de Madness: ¡el ‘Bed And Beakfast Man’! y el ‘Tip Toes’ (registrado ya en ‘Mieux Come Ça’). Se merecen una mención especial su ‘Costard Italien’ y un excelente tema nuevo que no conocíamos, ‘Le Mac’. Las voces de las elegantes Gabriela y Zelda (una baterista de un virtuosismo que sorprende) encandilaron a un público que también quedó impresionado con varias exhibiciones técnicas de contundencia por parte de Jean-Marc al bajo Hoffner y el rabioso charme que Serge es capaz de transmitir de su guitarra Rickenbacker. Nos lo pasamos pipa y esperamos poder repetir la experiencia en el prometido tour español del grupo para 2016, que podría sumar nuevas ciudades como Barcelona, Bilbao, Oviedo, Málaga o Valencia, entre otras. Puro buen gusto y estilo, oigan.

Novedades Carminha

Rosa Ruiz

L’espai Rambleta (Valencia, 18-10-2015)

El pasado 18 de Octubre quedó inaugurada en el escenario de la Terraza de L’espai Rambleta, una nueva propuesta en la ciudad de Valencia. Movistar decide apostar por la cultura y en concreto por la música y hacer partícipes a todos, y lo hace a través de un ciclo de conciertos durante los próximos meses, en el que irán pasando por el escenario ubicado en este espacio creativo, estilos musicales dispares. A éste primer directo les tocó el turno a los gallegos Novedades Carminha, referentes ya del garaje-punk español. Desplegaron su espontaneidad y diversión y nos hicieron vibrar bajo un sol mañanero. Hicieron repaso a sus tres álbumes publicados hasta la fecha, extendie-

ron su sonido garaje a plena luz del día, influencias del punk de principios de los ochenta, con referentes como sus paisanos Siniestro Total, letras que derrochan humor, melodías rápidas, que originaron que los presentes no pararan de saltar, y es que, raro es quedarse inmóvil escuchando sus canciones, además de correadas por muchos de los presentes. Temas como sus ya éxitos ‘Jódete y Baila’, ‘Juventud Infinita’, ‘Quiero Verte Bailar’, o ‘Santiago Apóstol’, para acabar a lo grande con su hit ‘Antigua Pero Moderna’ y enlazándola con ‘Demolición’, una más que honorable versión del grupo peruano de los 60: Los Saicos, que puso un broche final de traca.

Juanjo “Jota Jota

Doctor Divago El Loco Club (Valencia, 03-05-2008)

l 3 de mayo de 2005 se vivió en la Sala el Loco de Valencia un concierto intenso, serio, vibrante y disciplinado, con integridad y actitud. Daba la sensación de que Manolo y los demás miembros de Doctor Divago lo tenían todo perfectamente calculado y que habían preparado meticulosamente a conciencia la puesta de largo de ‘Las Canciones Del Año Que Viene’, el disco (LP/ CD) que presentaban por entonces. Si es un hecho innegable la mejoría en los álbumes de estudio que han editado a lo largo de esta primera década del S.XXI, había que constatarlo también en directo. Y por supuesto no defraudaron; llevaban más de 15 años dando caña y ocho álbumes de estudio eran suficientes argumentos para demostrar que tenían tablas. Con un repertorio lo suficientemente extenso como para elegir varias docenas de buenas canciones, comenzaron con ‘Cuando perdimos El Rumbo’, deleitaron a los más carrozas con ‘Eva’ y ‘El Vertiginoso Atleta Moral’, sorprendieron con ‘La Resaca’ y ‘Los Dioses y Los Hombres’, me emocionaron con ‘Un Minuto Antes De La Realidad’ y ‘La Mala Herencia’ (ésta última con dedicatoria incluida a la mítica banda valenciana de Los Huracanes), coreamos al unísono con ‘Tirando A Dar’, ‘Los Tontos Buenos Tiempos’, ‘El Vagabundo De Las Azoteas’ y ‘La Habitación De Charo’, llegaron al momento más álgido de la velada con ‘Frunciendo El Ceño’ y tuvieron tiempo para acordarse de Nino Bravo con ‘Voy Buscando’. ¡¡¡Impresionantes!!! En definitiva, buenos tiempos presentes (por aquel entonces) para Doctor Divago, una institución en Valencia y un sólido referente del panorama musical nacional.

Salvador Pérez Cuñat

Un centenar de revistas de temática variada (mayoritariamente musicales), publicaron en la década de los 80 todo tipo de artículos, noticias y reseñas dedicadas a Loquillo, bien con Intocables, bien con Trogloditas. Nutridas y enriquecidas todas ellas con grandes fotografías de los que han sido con el paso del tiempo, consagrados fotógrafos profesionales de la talla de F. Fábregas, Jordi García o Martín J.L. entre otros. Una pequeña guía de todas estas publicaciones por años, que esperemos, satisfaga el voraz apetito de cualquier coleccionista de Loquillo. 1980

1986

ALBUM STAR Nº17

DISCO ACTUALIDAD Nº12 DISCO ACTUALIDAD Nº16 LECTURAS Nº1510 SAL COMUN Nº37 VIBRACIONES Nº83

CHICAS Nº4 EL GRAN MUSICAL Nº263 EL GRAN MUSICAL Nº265 HERALDO DE ARAGON Nº202 LOS DOMINGOS DE ABC Nº861 ROCK DE LUX Nº15 ROCK DE LUX Nº20 ROCK DE LUX Nº24 RUTA 66 Nº4

1982

1987

LOS DOMINGOS DE ABC Nº724 ROCK ESPEZIAL Nº6 ROCK ESPEZIAL Nº9

ANTENA TV Nº354 CALIBRE Nº1 CLAN TV Nº17 EL GRAN MUSICAL Nº281 EL GRAN MUSICAL Nº284 HERALDO DE ARAGON Nº247 LECTURAS Nº1830 LIB Nº82 LIKE A SHOT Nº3 REVOLUCIONES POR MINUTO Nº12 ROCK DE LUX Nº26 ROCK DE LUX Nº29 ROCK DE LUX Nº36 SUPLEMENTO SEMANAL Nº5 TU MUSICA Nº19

1981

1983 BE BOP A LULA NºESPECIAL DISCO EXPRES Nº1 ESPECIAL EL VIBORA NºESPECIAL MAGMA Nº3 ROCK ESPEZIAL Nº18 ROCK ESPEZIAL Nº22 ROCK ESPEZIAL Nº28 SHOW PRESS Nº100 TICKET Nº2 1984 CAMBIO 16 Nº652 EL GRAN MUSICAL Nº241 LOS DOMINGOS DE ABC Nº850 LOS DOMINGOS DE ABC Nº851 LOS DOMINGOS DE ABC Nº861 ROCK DE LUX Nº1 ROCK DE LUX Nº4 ROCK ESPEZIAL Nº30 VO Nº1 VO Nº2 1985

EUROPA VIVA Nº2 LOS DOMINGOS DE ABC Nº870 LOS DOMINGOS DE ABC Nº875 LOS DOMINGOS DE ABC Nº888 POPULAR 1 Nº149 ROCK DE LUX Nº12 VO Nº3 VOL 502 Nº8

1988 AUDIO PROFESIONAL Nº42 BLANCO Y NEGRO Nº3595 DISCO MARKET Nº1 EL GRAN MUSICAL Nº295 EL PEQUEÑO PAIS Nº368 POPULAR 1 Nº183 ROCK DE LUX Nº37 ROCK DE LUX Nº43 VALE Nº446 1989 BOOGIE Nº18 DUNIA Nº18 EL GRAN MUSICAL Nº0 ESPECIAL EL GRAN MUSICAL Nº307 EL GRAN MUSICAL Nº309

EL PAIS SEMANAL Nº646 LECTURAS Nº1949 MAN nº25 POPCORN Nº23 POPULAR 1 Nº118 ESPECIAL POPULAR 1 Nº188 POPULAR 1 Nº189 POPULAR 1 Nº190 POPULAR 1 Nº194 POPULAR 1 Nº197 PRIMERA LINEA Nº45 ROCK DE LUX Nº51 ROCK DE LUX Nº52 ROCK DE LUX Nº58 RPM EXTRA SOUND Nº2 SUPLEMENTO SEMANAL Nº93 TIEMPO Nº389 TOP ROCK Nº1

LA MIRADA DE CHUCK

AISLADO (Valencia, Marzo 2015)

CAMINAR (Valencia, Mayo 2015)

Lluvia (Coves de Belromó, Octubre 2015)

SÍGUEME (Requena, Valencia, Noviembre 2014)

Fotografías Ana Sánchez

AL ACECHO (Valencia, Junio 2015)

Guía (Oviedo, Junio 2015)

SILENCIO (Coves de Belromó, Octubre 2015)

UNIÓN AL HORIZONTE (Valencia, Mayo 2015)