Nº 7 - ABRIL 2015
Entrevistas
Rubia
Todo el mundo la prefiere Rubia
Toundra
“IV”: Sonido intenso y sin palabras
Retales
A paso firme por la senda del Rock
Reportaje
Steve Strange
Adiós al icono de los Nuevos Románticos
La Calle 46
Cool Jerks
El alma musical de Miguel Ángel Julián
Algo más que música
S A I C I T O N DISCOS CINE N Ó I C C I F CIENCIA s... á m o h c u ym
Jessy Bulbo
El otro Huracán Mexicano
Rubia Visiones
Si quieres Sexo y Drogas
Que sea después del Rock and Roll 1
staff Edita:
Future Management
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Sumario Noticias Nacionales...............................................4 Noticias Internacionales.......................................9 Rubia..................................................................... 13 Visiones ................................................................ 19 Discos Nacionales.................................................21 ¿Te acuerdas? Nacional.......................................24 Retales.................................................................. 27
Facebook: www.facebook.com/dinamitarockmagazine
Discos Internacionales........................................ 31
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Algo más que música...........................................35
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¿Te acuerdas? Internacional...............................34 Toundra................................................................. 37 Solidarity...............................................................41 Steve Strange......................................................43 Libros.................................................................... 45 Pasen, oigan y vean............................................. 47 La Calle 46.............................................................49 Regreso Al Cine....................................................55 De concierto........................................................56 Yo estuve allí........................................................59 El Rincón Del Loco................................................60 Cocinanrock.........................................................62 La Mirada de Chuck.............................................63 Los Muchos Mundos De Gálvez...........................65 En Una Galaxia Muy Cercana...............................66 Rock & Fashion.................................................... 67 Foto Portada: Gorka Mirantes y Almeida&Stone
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Nu Niles
Moncho Alpuente
ras acompañar a Loquillo en su nuevo disco, ‘Código Rocker’, Nu Niles siguen de actualidad, ya que el 24 de marzo se puso a la venta en plataformas digitales el álbum ‘Canciones Encontradas’, en el que se recuperan “grabaciones perdidas, demos e incluso la versión original de ‘El Crujir De Tus Rodillas’ grabada por los Duckbills, grupo previo de Mario Cobo”. Como explica la nota de prensa, “Los Nu Niles fueron un referente de la escena rockabilly durante los 90 y los 2000, escapando de los corsés del género para convertir su música en una amalgama de rock, rhythm & blues, country, punk, psychobilly que los haría únicos. Entre 1994 y 2012 giraron 10 veces por toda Europa, 2 veces por Estados Unidos, grabaron 6 discos, 3 singles y participaren en incontables recopilatorios de todo el mundo antes de separarse dejando un legado intachable”.
amón “Moncho” Alpuente, músico, periodista y escritor, falleció el pasado 21 de marzo en Canarias, de un infarto, tenía 65 años. Como músico se le recuerda como compositor y por haber liderado los grupos Las Madres Del Cordero, Desde Santurce A Bilbao Blues Band y Moncho Alpuente y Los Kwai. Uno de los nombres esenciales de la cultura española, Alpuente ejerció de agitador, siempre con el humor por bandera y haciendo gala de un gran espíritu ácido e irónico y de una lucidez pasmosa. En 1974 dio el salto a TVE, dirigiendo y presentando Mundo Pop. En años sucesivos pasaría por TeleRevista, el mítico Popgrama y en 1987 participó en ¡Qué Noche La De Aquel Año!, que presentaba Miguel Ríos.
Vicky Larraz
Amatria
l sello Rama Lama Music y con el patrocinio de Masmóvil, la madrileña afincada en Miami Vicky Larraz editará ‘Llévatelo Todo’, un box-set de 7 cd’s nada más y nada menos con toda su discografía con Olé Olé (1983-1984), así como de su carrera en solitario (19851989) más discos posteriores (2010-2015), y en el cual también incluirá rarezas y novedades. Repasando la trayectoria de Vicky (que fue nuestra portada del primer número de Future Magazine), recordamos que publicó los discos ‘Olé Olé’ (1983), ‘Voy A Mil’ (1984) y el Cd single ‘Por Ser Tú’ (2013) con Olé Olé, ‘Vicky Larraz’ (1985), ‘Siete Noches Sin Ti’ (1987), ‘Huracán’ (1989), el Ep ‘Contigo Otra Vez’ (2010) y el single ‘Earthquake’ (2012) como Vicky Larraz. Próximamente se irá desgranando más noticias sobre el contenido tanto de rarezas como de novedades.
n estos días Amatria publica una joya del pop sintético en castellano bajo el nombre de ‘Amatria’. 11 temas contagiosos como ‘Me Falta Algo’, ‘El Golpe’ o ‘Atarax’, en los que se encuentra con la música disco, grandes desarrollos para la pista de baile como ‘La Buhardilla’ junto a otros más intimistas y curiosidades orquestales como ‘El Canto Del Abu’ o un homenaje al grupo que le tuvo encerrado en el universo de su habitación en su adolescencia con la versión ‘La Copa De Europa’ de Los Planetas. Destaca la infecciosa y bailable ‘Chinches’ que además se muestra en un videoclip novedoso, adictivo, original, colorista, surreal y cargado de humor. Amatria presentará este disco el 15 de abril en Madrid.
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Brighton 64
Mario Scasso
ras su ‘Esta Vez Va En Serio’, y su ‘Fotos Del Ayer (1982-1987)’, editados ambos por B-Core entre el 2012 y 2013, el 24 de marzo llega ‘Modernista’, el último trabajo de los catalanes Brighton 64, que apuestan, y viceversa, de nuevo con la misma discográfica. El álbum ha sido grabado y producido por Santi García en los estudios Ultramarinos Costa Brava. Según nota de prensa de Carlos Zanón: “Mod… modern…modernista! Aquí están siendo ellos, escapando de ellos, en busca de ellos. Como siempre, vamos. Como en cada disco desde el primer día. Aquí están, los Brighton 64 y no será el capítulo final, no ha de serlo, no les dejaremos que lo sea. Rebelémonos, de una vez, ante el histérico estigma romántico. Hay historias que merecen perdurar hasta que las atropelle un camión de dos toneladas. Para mucha gente, los Brighton es una de esas historias”.
principios del pasado mes de marzo falleció Mario Scasso López-Ucendo (conocido fotógrafo y entrañable personaje de la escena rock hispana). Durante muchos años fue colaborador de la revista Heavy Rock como fotógrafo (suyas son por ejemplo las fotos de la primera venida de KISS a España en la gira de ‘Lick It Up’ y también llevando la sección “Nuevos héroes” y “Listos para matar” en la que se entrevistaba y fotografiaba bandas noveles de Heavy nacional). Incluso hizo de manager de bandas como Sobredosis o Alcaudón. Gallego de nacimiento pero vivió la mayor parte de su vida viviendo en Madrid, aunque la última etapa de su vida ya la pasó en Valencia, buscando un clima algo más cálido y un ambiente menos inhóspito y bullicioso que en la capital. Estaba aquejado de una enfermedad desde hacía varios años, y de hecho los últimos meses de su vida los pasó en gran medida en el hospital. El 4 de marzo de 2015 nos dejaba a los 80 años de edad.
Sentionaut
Zahara
incrónica, subsello de la discográfica valenciana Horizonte Espectral y especializada en el edición de vinilos, anuncia para el programa 2015 el lanzamiento del Lp debut del artista nacional Sentionaut. Músico de electrónica que se sirve de lo experimental y nuevas tecnologías basando su sonido en sintetizadores modulares y analógicos vintage. Sentionaut también es conocido por otros proyectos de los que forma parte como: We Are The Hunters, Dekatron, Grassa Dato, Muerte Solar… Un álbum cuya música está enfocada a mundos futuros y universos aun no creados, la fusión entre lo místico y lo cósmico, y realizado bajo la influencia de formaciones como Zombi, Jonas Reinhardt, Forma… El diseño de esta edición correrá a cargo del famoso diseñador grafico Alonso Urbanos.
uatro años después de ‘La Pareja Tóxica’, Zahara tiene nuevo disco, ‘Santa’, que se publicará el 21 de abril. Ha sido grabado en los estudios Subsonic de Madrid, durante los meses de enero y febrero de 2015, con Martí Perarnau (Mucho) a la guitarra, Víctor Cabezuelo (Mucho, Rufus T Firefly) en los teclados, Iván González “Chapo” (M Clan, Xoel López) al bajo y Carlos Sosa (Fuel Fandango) en la batería, junto a Sergio Sastre (Miss Caffeina) y la propia Zahara en las tareas de producción. Además de la edición estándar habrá una de lujo titulada ‘Bestiario’, que incluye un disco de rarezas que también contendrá el poemario “Salmos” y siete postales. El primer single, que ya se puede escuchar en youtube y redes sociales es ‘Oh, Salvaje’.
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Presuntos Implicados
Mártires Del Compás
l grupo valenciano Presuntos Implicados ha anunciado hoy su intención de abrir “un paréntesis” en sus actividades como banda “por tiempo indefinido”. En un comunicado conjunto remitido por su agencia, Nacho Mañó, Juan Luis Giménez y la cantante Lydia confiesan que esta separación se producirá “después de este 2015”. “El sentimiento que nos queda, después de 32 años en el caso de Juan Luis, 27 años en el caso de Nacho y 8 años en el caso de Lydia, es de una enorme gratitud”, señala el comunicado de uno de los grupos españoles que más discos han vendido desde los años 80 -con Sole Giménez como vocalista hasta 2006- y con una gran proyección en el mercado americano. “Que Dios os bendiga a todos por tanto como nos habéis dado”, concluye el comunicado firmado por los tres miembros del grupo.
ártires del Compás, la mítica banda sevillana, aunque con estrechos vínculos con otras provincias andaluzas, especialmente Cádiz, creadora en los años noventa del género “flamencobilly”, vuelve a los escenarios este año 2015 “con una gira de Hola y Adiós”. 20 años más tarde de su fundación, dos décadas después de un disco que marcó una época y que fundó el citado género musical, ya que además se llamaba precisamente ‘Flamenco Billy’, y ocho años desde que en 2007 el desgaste pudiera con ellos, los Mártires han dado la sorpresa del regreso, en un escueto comunicado que ya está circulando a toda velocidad por las redes sociales: Tras 8 años en silencio nos complace enormemente el anunciaros que Mártires del Compás se unen de nuevo para celebrar juntos, y sobre los escenarios, 20 años de flamencobilly (1995-2015) con una gira de hola y adiós. Sed bienvenidos de nuevo a tod@s!!!
Los Planetas
Los Flechazos
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os Planetas tienen cuatro canciones nuevas y las publicarán el 4 de mayo en un Ep titulado ‘Dobles Fatigas’. La portada, al estilo Marvel, es de Al Barrionuevo. “¿Pop psicodélico o flamenco? es una pregunta con trampa. Los Planetas, a parte de forjar una carrera disco a disco, también están creando obra en mazacote. Todo añade, encofra, conmuta, reboza. En cada nueva operación hay un intento de que allí haya algo nuevo, pero también de que esté todo lo que ya llevan diciendo; iba todo en serio. De hecho, la respuesta corta a si pop (psicodélico), rock (radical aquí, como veréis) o flamenco (según Morente) es las tres cosas. ‘Dobles Fatigas’ es un Ep pero alimenta como un álbum. Cuatro nuevos temas en menos de 20 minutos que sin duda orbitan alrededor de Los Planetas”, dice la nota de prensa.
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on motivo del Record Store Day 2015 (18 de abril), uno de los lanzamientos de vinilo nacionales interesantes recala en la reedición del ‘Preparados, Listos, Ya! ’, de Los Flechazos, editado por D.R.O. en 1991; el trabajo que consagró al grupo mod leonés de Alejandro Díez y compañía. Se editaron los sencillos ‘Suzette’, ‘Luces Rojas’, ‘Ella Me Hace Enloquecer’ y ‘Lo Conseguí’, que junto a otros temas como ‘No Quiero Verte Llorar’, ‘Chicas, Chicas, Chicas’ o la formidable versión de Juan y Junior, ‘Tres Días’, ha hecho que con el tiempo este disco sea una de las piezas fundamentales de la discografía mod hispana de los años 90. ‘Preparados, Listos, Ya! será editado por la Warner, con una portada gatefold y la hoja interior se convertirá en funda, ambas cosas a diferencia del original. Si no hay cambios de última hora se hará una edición limitada de 750 copias.
Coque Malla
Irún Rock
oque Malla fue premiado 24 de marzo en los Premios Promax de Berlín, “considerados como los Oscar de la autopromoción televisiva”, con el Promax de Oro al mejor uso de una composición musical original por ‘At The Movies’. Malla compuso la canción para la celebración de decimoquinto aniversario del canal TCM. ‘At The Movies’, interpretada junto a Alondra Bentley homenajea, al más puro estilo de los musicales de Hollywood, “la trayectoria de TCM en particular, y el universo cinematográfico en general”, con una letra cargada de “referencias cinéfilas que acompañan a una pieza en la que se repasan los mejores filmes que hemos emitido durante estos años”.
a organización del Festival Irun Rock 2015 confirmó durante la primera fiesta de presentación del mismo, los primeros nombres del festival Irún Rock 2015: Siniestro Total y Bullet Proof Lovers. El anuncio fue realizado durante la primera fiesta de presentación de esta edición que se celebró en la Sala Tunk de Irún con una banda sonora que hizo disfrutar a los asistentes: Donna Die, Los Bracco y Rural Zombies. El Irún Rock se celebrará el 25, 26 y 27 de septiembre del 2015, los abonos ya están a la venta con una oferta de lanzamiento especial. Los 500 primeros abonos salen a la venta a 20 euros.
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Eskorbuto
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unster Records a reeditado ‘Los Demenciales Chicos Acelerados’, que fue el cuarto álbum de estudio de Eskorbuto, publicado originalmente en 1987 por Discos Suicidas. Fue su proyecto más ambicioso, una ópera rock en formato doble LP a imagen y semejanza del ‘Quadrophenia’ de sus adorados The Who. Narra la historia de un chico sin escrúpulos que pretende llegar al poder a toda costa, por encima de todo y de todos, para hacer políticamente lo que él quiera a su antojo. Finalmente cae por culpa de su ego y termina siendo traicionado por su propia cúpula. De ahí líneas como “las multitudes sois un estorbo”, “saldré airoso de los atentados preparados por mi asesor de imagen” o “gritando ante la gentuza”. De este disco Munster también ha reeditado el Ep con los temas ‘Paz-Primero La Guerra’, ‘Los Demenciales Chicos Acelerados’ y ‘No Es Fácil’.
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Cycle
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ance All Over’, el nuevo álbum de Cycle, llegará a las tiendas el 14 de abril pero antes el grupo publica una rareza de edición limitada con una historia muy particular: ‘Be The One Ep’. El cd sólo se podrá conseguir en la web de Subterfuge Records, así como iTunes, Spotify y Deezer. La portada del disco es una obra de arte realizada expresamente para ‘Be The One’ del fotógrafo universal Alberto GarcíaAlix a una prostituta mítica del madrileño barrio de Malasaña que nunca se había dejado fotografiar. La curiosidad a propósito del mismo es que en iTunes, Spotify y demás plataformas digitales la imagen de la cubierta ha sido censurada y se han tapado con estrellas los pezones de La Pili, bien conocida por los vecinos de la calle Desengaño.
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Eric Clapton
Black Sabbath
l 30 de m a r z o Eric Clapton cumplirá 70 años y lo celebra con un recopilatorio con lo mejor de sus años en Reprise Records, y con nueve conciertos: dos en el Madison Square Garden de Nueva York, los días 1 y 2 de mayo, y otros siete en el Royal Albert Hall de Londres, el 14, 15, 17, 18, 20, 21 y 23 de mayo. En el triple álbum ‘Forever Man’, que sale a la venta el 11 de mayo, Clapton reúne 51 canciones agrupadas en tres secciones: estudio, directo y blues. El álbum también estará disponible en edición digital, una versión reducida de dos CDs y en un doble vinilo.
lack Sabbath se despedirán definitivamente con un concierto en el Ozzfest, que tendrá lugar en Japón, el próximo mes de noviembre. El anuncio lo hizo Sharon Osbourne, mujer y mánager de Ozzy Osbourne: “El Ozzfest regresará a Japón el 21 y 22 de noviembre. Y esta será la despedida de Black Sabbath. También anunciamos (para el Zoozfest) a Korn, que celebran su 20 aniversario. No puedes perderte eso”. En 2013, la formación original de Black Sabbath –Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward– se reunieron para grabar un disco y hacer una gira, pero por discrepancias económicas, el batería, Bill Ward, abandonó el proyecto. Tras el anuncio de la despedida de Black Sabbath, Ozzy Osbourne ha invitado a Ward a que participe en el último concierto. De momento, no hay respuesta de este.
John Lydon
Love In Cage
a editorial Malpaso publica la traducción de las memorias de John Lydon, antes conocido como Johnny Rotten: ‘La ira es energía’. Esta es la sinopsis: “John Lydon irrumpió como un pirómano en los plácidos escenarios de los años setenta disparando las letras de los Sex Pistols bajo el nombre de Johnny Rotten. Fue una conmoción y el arranque de una insurgencia que aún atiza el fuego de la música popular cuando vienen los bomberos a aguarnos la fiesta. Repartió leña a diestro y siniestro, profanó los templos sagrados y escupió a la cara de todas las devociones: ni Dios ni la patria ni el rey (o la reina) se libraron de aquellos estacazos. Ningún bienpensante salió ileso. Después cambió de grupo y precisó el tiro, pero la ira nunca ha dejado de ser el combustible que alimenta todos sus incendios. Ahora, cuarenta años después, empuña el teclado y vuelve a la carga para rematar la escabechina”.
n mayo se editará ‘Mirage Post-Horizon’, lo que será el segundo álbum de los franceses Love In Cage, que lo pondrá en funcionamiento en cd y vinilo el sello Trinity Records, también responsable de lanzar el nuevo trabajo. El disco viene tras su ‘Position’, su Ópera Prima editada en 2012. El trío de Rouen destaca por su música claramente influenciada por los sonidos cold wave de los ochenta, teniendo como referencia a bandas como Joy Division, The Cure, Bauhaus o A Flock Of Seagulls, además de cuidar una exquisita imagen inspirada en el movimiento gótico y demás variantes. Love In Cage está formado por Isthmaël (voz), Alexis (guitarra, bajo) y Marielle (bajo). Los músicos ya estuvieron en otras formaciones francesas como Junkies Sex Dreams, Morphoex, Cristal Palace o Poseurs.
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John Foxx
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l próximo 11 de mayo se pone a la venta el nuevo trabajo de John Foxx, titulado ‘Ghost Harmonic’. Será una edición limitada de 1000 copias en formato de libro de tapa dura y contendrá 5 temas: ‘A Green Thought In A Green Shade’, ‘The Pleasure Of Ruins’, ‘Dispersed Memory’, ‘When We Came To This Shore’ y ‘Codex’. En ‘Ghost Harmonic’ han colaborado la violinista Diana Yukawa, y Benge “Codex”, que ya trabajó con Foxx en la etapa de John Foxx And The Maths. Según dice Benge: ‘Hay algo muy satisfactorio en la combinación hermosa de un violín del siglo 17, el de Diana Yukawa, junto a un tono explosivo subsónico de un Moog Modular’.
l reciente álbum de Madonna, ‘Rebel Heart’ es su peor récord de ventas en los Estados Unidos, en más de 20 años, según las nuevas cifras de ventas. El Lp sólo vendió 116.000 copias en su primera semana, en comparación con su anterior disco ‘MDNA’, que llegó a vender unas 359.000. Las cifras son su nivel más bajo desde su álbum de 1994 ‘Bedtime Stories’. Las ventas de su vigésimo primer álbum también experimentaron una caída del 80% en su segunda semana con figuras de sólo 22.800. Una bajada indescriptible. Como si fuera el disco de una desconocida o incluso ni eso. Las ventas en el Reino Unido pueden haber sido afectados también por la decisión de Radio 1 de la BBC de no radiar su nuevo single, “porque no interesa”.
Willie Nelson
Ronnie Wood
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illie Nelson confirmó esta semana, en una entrevista televisiva, que ya ha terminado el disco que desde hace algún tiempo estaba grabando junto a Merle Haggard. Este ha aportado algunos datos más: probablemente se llamará ‘Django & Jimmie’, en homenaje a Django Reinhardt, guitarrista favorito de Willie Nelson y a Jimmie Rodgers, admirado por Haggard, a quien ya dedicó todo un álbum, Y entretanto, Willie Nelson también es noticia porque ha creado su propia marca de marihuana, Willie’s Reserve. Espera lanzarla, a través de tiendas físicas, el año que viene, en todos los Estados Unidos, que están en pleno proceso de legalización del consumo de cannabis.
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Madonna
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iez años antes de unirse a los Rolling Stones, en 1965 un Ronnie Wood de 17 años militaba en una banda llamada The Birds; y durante ese año escribió un diario en el que reflejó “mi propio mundo privado”, con menciones a Jeff Beck, Pete Townshend, Eric Clapton, Keith Moon, Marianne Faithfull y otros muchos. Wood encontró recientemente el manuscrito y lo publicará en mayo en forma de facsímil. Con el título de “How Can It Be? A Rock & Roll Diary”, la edición, limitada a 1.965 ejemplares firmados por Wood, correrá a cargo de Genesis Publications. Además, Wood ha creado una serie de dibujos para el libro y “reflexiona sobre las palabras que escribió hace 50 años y comparte sus recuerdos en un extenso nuevo manuscrito”.
Nick Cave
Spandau Ballet
urante su gira por Estados Unidos de 2014, el australiano Nick Cave escribió un libro sobre las bolsas que en los aviones están a disposición de los pasajeros para que vomiten en caso de mareo. ‘The Sick Bag Song’, según la nota de prensa, “combina poesía, letras de canciones, recuerdos, reflexiones”. A partir de este próximo 8 de abril estará disponible en una edición “ilimitada” en tapa dura que incluye la descarga de un ebook y un audiolibro leído por el propio Cave. Y el 4 de junio llegará una edición “limitada” que además contiene una bolsa para vomitar “customizada” por Cave y dos vinilos con el audiolibro.
os británicos Spandau Ballet darán cuatro conciertos en España, en junio, en los que interpretarán todos sus éxitos así como las tres canciones nuevas incluidas en el álbum ‘The Story’, con el que regresaron en 2014. Los conciertos tendrán lugar en Madrid, Bilbao, Barcelona y San Feliu De Guíxols (Girona).
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Estas son las fechas de Spandau Ballet en España: 18 de junio: Barclaycard Center, MADRID 19 de junio: Palacio Euskalduna, BILBAO 20 de junio: Festival De Pedralbes, BARCELONA 18 de agosto: Festival Porta Ferrada, San Feliu De Guíxols, GIRONA.
Paul Weller
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enesis Publications editará este mes de abril ‘Into Tomorrow’, un libro de unas 300 páginas en el que el ex Jam y Style Council Paul Weller hace un recorrido por su carrera en solitario, desde 1992, a través de 800 fotografías realizadas por Lawrence Watson. El libro, en edición limitada de 2.000 ejemplares, va acompañado de un vinilo de 10 pulgadas con unas grabaciones inéditas en el Hammersmith Apollo. Cada ejemplar, encuadernado en piel, estará firmado por Weller y Watson. Las fotografías se complementan con comentarios del propio Weller.
Peter Hook
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l que f u e ra bajista de Joy Division y New Order ha anunciado que, con motivo del 35 aniversario de la muerte de Ian Curtis, va a hacer un concierto en la Christ Church de Macclesfield en mayo, en el que van a sonar todas y cada una de las canciones de Joy Division. Además, Peter Hook y su grupo The Light (que ya llevan años desenterrando en directo el legado del legendario grupo after punk de Manchester) van a tocar todas sus canciones por orden cronológico. ‘Unknown Pleasures’, ‘Closer’, los dos álbumes completos, también el póstumo ‘Still’, y singles, caras B, y rarezas.
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Jackie Trent
Charles Aznavour
a cantante y compositora británica Jackie Trent murió el pasado 21 de marzo en Ciudadela, Menorca, tras una larga enfermedad. Tenía 74 años. Trent fue número uno de las listas británicas en 1965 con la canción ‘Where Are You Now’. Junto a su marido, Tony Hatch, compuso más de 400 canciones para cantantes como Frank Sinatra, Petula Clark, Shirley Bassey, Jack Jones, Nancy Wilson, Des O’Connor, Val Doonican, Vikki Carr y Dean Martin, entre otros muchos. La pareja también compuso, a mediados de los ochenta, el tema principal de la serie australiana de televisión “Neighbours” (“Vecinos”), interpretado originalmente por Barry Crocker. Tras divorciarse en 2002, Jackie Trent se estableció en España con su nuevo marido.
uatro años después de su último disco, el parisino Charles Aznavour anuncia ‘Encores’, que saldrá a la venta el próximo 5 de mayo, algo más de dos semanas antes de que cumpla 91 años. Todas las canciones han sido compuestas y arregladas por el propio Aznavour. Se incluye un dúo en inglés con Benjamin Clementine, una versión de ‘Il Faut Savoir’.
Mike Porcaro
Paul Kantner
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l bajista de la banda de rock californiana Toto, Mike Porcaro, murió el pasado 15 de marzo a consecuencia de la enfermedad de Lou Gehrig, según informó en la página de Facebook su hermano Steve Porcaro, quien además es teclista del grupo estadounidense. Porcaro, de 59 años, había tenido que abandonar la banda en 2007 debido a las secuelas de esta enfermedad incurable cuyo nombre médico es esclerosis lateral amiotrófica. Toto es una de las bandas de rock clásico con más trayectoria en Estados Unidos, aunque ha gozado de mayor popularidad en Europa, donde realiza cada año largas giras de conciertos. A la banda californiana se le conoce por sus éxitos ‘África’, ‘Hold The Line’ o ‘Rosanna’ principalmente, que le valieron varios Grammys en la década de los 80.
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Charles Aznavour actuará en España en mayo y las dos fechas son: 7 Mayo – Madrid – Barclaycard Center (Palacio De Deportes) – Entradas ya a la venta en www.ticketmaster.es y Taquilla Mediaset. 9 Mayo – San Sebastián – Kursaal – Entradas ya a la venta en www.diariovasco.com/.
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aul Kantner, cofundador de Jefferson Airplane y Jefferson Starship, está en el hospital después de sufrir un ataque al corazón. Es el nuevo susto de la quebradiza salud de Kantner, que acaba de cumplir 71 años, el pasado 17 de marzo. El ataque al corazón fue confirmado por la propia Jefferson Starship. “La salud de Paul tomó un mal giro esta semana”, dice la banda a través de Facebook. “Está en el hospital, estable y debe someterse a pruebas para determinar exactamente lo que está pasando, pero los médicos sospechan que tuvo un ataque al corazón. Él está en la mejor atención posible y se le están enviando todos nuestros mejores deseos, buenos pensamientos y vibraciones curativas “.
Rubia
Todo el mundo la prefiere Rubia
Odiseo Voltaire
Es la nueva sensación soul-pop, la gran revelación en las redes sociales. Escuchar el ‘Barman’ de Rubia y no rendirse a sus encantos resulta tan imposible como sorprende comprobar que es un disco compuesto y grabado en el siglo XXI y en España, no en Londres o Los Ángeles a finales de los años 60. Su alma mater, Sara Íñiguez nos habla en exclusiva de su último disco y de otros aspectos de su vida.
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ediodía extrañamente soleado y caluroso en el paseo de Begoña de Gijón, tanto que dudo si quedarme en una mesa exterior del Gran Café Dindurra, para disfrutar tan extraño fenómeno estelar en el cielo asturiano o esperar dentro a Sara Íñiguez, para que el alma del grupo vasco Rubia, que anoche tocó en la ciudad, pueda cristalizarse libremente con el inspirador centenario cafetón, de esencia modernista y aires art decó, con techos altísimos y grandes columnas doradas, para hablar de su último álbum “Barman” y otros aspectos de su vida. Ella aún no ha llegado; sobrepasó la medianoche tocando con su grupo en la sala Acapulco del Casino de la ciudad, como antesala de la actuación del trío de Eli Paperboy Reed hasta altas horas de la madrugada, con posterior pinchada de vinilos hasta el alba del propio soulman de Boston junto al D.J. local Félix Domínguez. Ya me temo lo peor; hace casi veinte minutos que he terminado mi café, sentado en la terraza, cuando creo intuirla vinien-
do a lo lejos, desde poniente, como las corrientes más agradables y limpias. Y sí, es ella avanzando a paso lento y sin balanceos mientras habla por su teléfono móvil. Con la otra mano parece querer fijar aún más en el rostro unas enormes y redondas gafas ahumadas que protegen sus ojos del inhabitual protagonismo solar. Le hago una señal agitando mi periódico doblado y se acerca, rodeando la mesa al tiempo que me saluda con la mano mientras continúa hablando por el celular. Entretanto, decido ojear el diario (del día anterior) que le he traído para que lea lo que ha escrito sobre su último álbum el gran pope musical del Principado, Javier Blanco en el principal rotativo de la Comunidad, La Nueva España: «Para disfrutar “Barman” sólo hay que hacer lo correcto: comenzar por el principio, con “Mary”, y ahí ya se notan, se suceden los mejores gustos y regustos de otro tiempo pero traído al siglo XXI. Nada es accidental y todo tiene su conexión en la voz de Sara Íñiguez, que aporta registros muy bien inter13
pretados (en el sentido vocal y actoral). “Time will be my doctor” tiene ese carácter, pero también una base rítmica elegante, con espacios solitarios para el teclado que le producen alegría, una especie de sinfonismo juvenil absolutamente enganchante. Y así transcurre este disco entre conquistas de diversos estilos que van del pop a la música americana, al aire blues o a las baladas, como se plasma en la que da título al disco». Ella, ajena, sigue conversando y sonríe mirando hacia el suelo, anclada en el firme con unas botas camperas marrones con las que también parece trazar círculos imaginarios en el suelo. Aprovecho para observarla de cerca, de reojillo; aparenta treinta y pocos años, cara lavada y sin pintura de guerra; su glamour es eminentemente rockero, urbano y del casco antiguo, para ser más concreto. Viste unos jeans y una camiseta verde de tirantes que deja al descubierto sus hombros, mostrando en el izquierdo un curioso tatuaje -quizá- un tanto esotérico. Mientras intento reproducirlo a boli en mi pequeño block de notas, con la intención de investigar más tarde sobre tal símbolo, ella acaba la conversación y se sienta frente a mí, pone la mano sobre el papel y lo gira hacia ella; sonríe y me explica: «Es un ojo y significa “la visión”, que es lo más importante, lo primero. No puedes enmendar el espíritu si no tienes una visión certera, una visión láser; los chamanes lo llaman “acecho”. Soy, o intento ser, impecable con mi actitud. Para mí, la gran obra de arte de mi vida, he de ser yo misma». Destila una inusual cercanía que no desconcierta; son las primeras palabras que me ofrece, directas y sociables. Los saludos de rigor se hacen, pues, innecesarios. 14
APABUYANDO AL SOULMAN DE BOSTON: Llamo al estirado camarero, quien lleva un buen rato estrechando el cerco para saber qué más desea el hasta ahora solitario cliente del periódico atrasado y la taza de café vacía. Sara, visiblemente fatigada y algo ronca de voz, decide tomar un té con limón y acepta a regañadientes mi invitación a tomarse uno de los renombrados cruasanes del local, a pesar de que ese tipo de productos «llevan demasiada mantequilla, pero me encantan», asevera. Se ha levantado tarde y no ha podido desayunar en el Hotel Castilla, adonde llegó derrotada de madrugada: «He dormido muy pocas horas; lo de anoche fue mucho, disculpa el retraso… ¿Qué te pareció el concierto?», me espeta a bocajarro. Le explico que su grupo me gustó aún más que cuando le vi las dos ocasiones previas que tocó en Gijón, hace poco más de un mes, y le confieso -muy sinceramente- que disfruté más escuchando sus bonitas canciones que con la retahíla de clásicos propios y ajenos que la supuesta estrella internacional de la noche desgranó sobre el escenario del Casino; «Me sorprende oír eso, porque lo de Eli Paperboy Reed de ayer ha sido de lo mejor que he visto en bastante tiempo; blues muy duro, en ocasiones al estilo Captain Beefheart… Espectacular», afirma, añadiendo que a la actuación de su propia banda la puntuaría «con un diez, pero no por Rubia, porque con los músicos que llevo es imposible que algo salga mal, sino por la acogida del público que se comportó de forma más educada con nosotros que con Eli, algo que sigo sin entender, ya que la gente pagaba para verle a él. Creo que sorprendimos mucho a la gente de aquí y estamos muy contentos por ello», concluye. Su grupo es de lo más resuelto, doy fe de ello; Lando Stone es uno de esos pocos bajistas de raza, caros de encontrar, un iluminado por los tresillos de corcheas y no el habitual guitarrista frustrado que por desgracia abunda en tan esencial papel instrumental. Además los entregados coros de éste empastan perfectamente -respaldando la voz de Sara- con los de Mariana Pérez, una baterista de ojos felinos y gusto exquisito, de amplios registros rítmicos y sonoros; una todoterreno de los tambores que marca el ritmo y no lo impone, como los grandes de su gremio. Y en cuanto al pulcro guitarrista Íñigo Ortiz de Zárate fuimos testigos involuntarios de su último concierto con Rubia: «Sí, tristemente, Iñigo no puede continuar con nosotros por falta de tiempo, dado que está con The Allnighters y también tiene que atender a su familia, a sus tres hijos. Le vamos a echar mucho de menos», explica la cantante y teclista. No obstante puntualiza que «él ya me había dicho desde un principio que permanecería en el grupo hasta que yo encontrase a otro guitarrista, y eso ya ha sucedido; pronto comenzaremos a ensayar con Yahvé de la Cavada, que también es buenísimo». DE UN PREMIO Y UNA ILUSIÓN: Suena su teléfono y se disculpa por ello al tiempo que el camarero nos sirve. Doy un sorbo al tercer café del día, servido de forma tan aristocrática como el improvisado desayuno de
Sara, mientras ella atiende la llamada. Para ello se ha levantado y comenzado a girar otra vez sobre sí misma, muy lentamente, dibujando con su campera derecha más círculos invisibles sobre el pavimento municipal; parece ver en el suelo algo que los demás somos incapaces de percibir. De pronto retira de forma brusca el flequillo de su larga melena castaña y fija la mano en la frente; parece sorprendida. Cuando finaliza la llamada se deja caer sobre la silla casi a plomo, se quita sus enormes gafas oscuras sixties style, y deja ver en todo su esplendor sus grandes ojos marrones, hipnóticos. Me mira fijamente soltando un parco pero expresivo: «Flipo». Resulta que la acaban de llamar de llamar desde Bilbao, del ayuntamiento de su Getxo natal, para comunicarle que el Aula de Cultura le ha concedido un premio por su último álbum, “Barman”: «Estoy flipando», repite: «es sorprendente la buena acogida que está teniendo este disco, pero me hace gracia porque hemos tocado para varios ayuntamientos y jamás nos han llamado para tocar en Getxo… Y ahora van y nos dan el premio», afirma desconcertada. Le doy la enhorabuena mientras le señalo su cruasán y su té, que no
mundialmente conocido festival mod y 60’s Euroyeyé] y el periodista de TVE (también ex músico) Pablo Vaquero: «Debido al entusiasmo de los dos por mi último álbum y a su ayuda con los locales para tocar y los medios de comunicación, se han renovado mis ganas de seguir y de grabar un siguiente disco, que ya está naciendo», afirma. «Todo esto también ha sido decisivo para que me lanzase a la piscina para que “Barman” pueda editarse también en vinilo, con una nueva carpeta y una canción extra, “Complicated”». Asturias, pues, parece haberse convertido en una baza segura para Rubia, que suma ya cinco conciertos allí en poco más de treinta días, pero eso no asegura ni mucho menos la edición del vinilo.
tienen emociones y se van a enfriar. Ella, ensimismada en su mundo cree que quiero celebrar la noticia y alza la refinada tacita de porcelana instándome a levantar la mía. Para no defraudarla lo hago y chocamos recipientes en un brindis casi tan freak como nosotros. En la mesa de al lado, dos señoras de edad avanzada y muy aparente rancio abolengo, nos miran con desdén y con evidente curiosidad. Sara ni se entera, parece envuelta en un halo de luz: «Estoy muy, muy ilusionada y con ganas de hacer muchas cosas». Lo cierto es que, a pesar de los evidentes atractivos de “Barman” [desentrañados en el número anterior de FUTURE MAGAZINE] sorprende la repercusión ascendente que el álbum está obteniendo desde que fue editado en el otoño de pasado año, máxime si tenemos en cuenta que es autoeditado y que carece de distribución, tan sólo vendido y anunciado a través de su facebook [rubiamusic] con el respaldo fervoroso de entes undergrounds e independientes como Riot Press International: «Son parte del gran empujón mediático que estamos recibiendo últimamente, cuya repercusión hemos notado aquí, en Asturias, tanto en nuestros bolos anteriores como éste». Pero es que además Sara tiene buenos amigos en Gijón y Oviedo, incondicionales de su música, entre ellos el emprendedor y carismático Félix Domínguez (citado al comienzo, ex Doctor Explosión y artífice del
ta que el vinilo es carísimo, y queremos hacer una buena edición», reconoce desde la experiencia. El tema de la citada citado práctica de venta anticipada pone sobre la mesa un escabroso asunto: «Ese sistema sirve para que el público se dé cuenta de que su aportación es esencial. Hay que meterse en la cabeza que aquellas épocas en las que se decidió que los discos eran caros y que había que copiárselos hizo mucho daño. Hay que apoyar a los grupos comprando sus discos y yendo a sus conciertos». Lógica aplastante que Sara puntualiza recordando que la gente sigue teniendo música en directo debido a que una gran cantidad de grupos han trabajado gratis durante bastantes años, algo que ya resulta insostenible: «Pasas mucho tiempo en casa componiendo, pagas tú la grabación, que ya no sabes ni cómo, pero lo logras… ¿Y luego pones el disco en la calle para que la gente lo baje gratis?», cuestiona. Silencio y miradas fijas hasta que ella misma se responde: «Eso lo que propicia es que no puedes conseguir sacar otro disco, te desmotiva, te deshace como artista…». Pero afortunadamente Rubia ya suma tres álbumes que suenen muy distintos entre sí (además de que en los dos primeros canta en castellano) pero que tienen un denominador común, las espléndidas composiciones. Con el primero (“Nº 1 ya a la venta”, producido por Alejo Stivel en 2004) alcanzó un reconoci-
¿EL PÚBLICO OBTIENE LO QUE QUIERE?: El ambicioso y costoso proyecto se está llevando a cabo actualmente mediante un sistema de “crowdfunding” o financiación masiva, un objetivo normalmente complejo por la limitación temporal de 40 días, en su caso: «Preferiría mil veces tener el dinero y haberlo editado yo, o tener una compañía detrás que lo hiciera… Pero resul-
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miento que la llevó a tocar en Chile en dos ocasiones. El segundo “2036” lo editó en 2011, alternando el proyecto de Rubia con su participación en grupos paralelos como los grupos de versiones Sunny Afternoon y Hot Legs o Marakesh Express. Además hay que sumar a sus publicaciones el CD single “Nada que decir”, de 2005. Unos diez años antes había dado sus primeros pasos musicales en Bilbao con The Magic Teapot: «Hacíamos ‘west Coast’ americano, en plan Jefferson Airplane». «Aquello empezó relativamente tarde, cuando ya estaba en la Universidad, casi acabando la carrera [Sociología, N. del a.] con unos veintidós años; ensayábamos todos los días y fue una gran escuela vital y profesional». Luego decidió instalarse en Madrid, donde gestó prácticamente toda su obra, de hecho hasta “Barman” fue grabado en la sierra madrileña. No obstante tarde o temprano la llamada del terruño primigenio acaba brotando, y Sara se dejo llevar: «Supe que había llegado la hora de volver, monté la banda con Lando, que aparte de ser un excelente bajista diseña muy bien, y decidimos editar “Barman” en CD». Prácticamente volvió a comentar de cero, de vuelta de vanidades, libre de metas comerciales y otras veleidades: «El talento no debería medirse con la fama; al menos yo no me ocupo de ella porque me parece más bien un suceso a parte en la vida, una prueba concreta. A día de hoy yo quitaría la fama de la profesión, si eso fuera posible», zanja. EN LAMBRETTA A LONDRES: “A WAY OF LIFE”: Las reseñas sobre la vida y experiencias musicales de Sara Íñiguez proliferan tanto por la Red que intento reconducir nuestro encuentro hacía facetas menos o nada 16
exploradas de la artista vasca, como lo es su pasado mod, cuando siendo una cría acudía a todos los meetings que podía e incluso se fue a vivir una temporada a Londres. Es un terreno virgen que inmediatamente detecto que ella deseaba que fuera pisado, se nota; realiza analogías y mezcla recuerdos de una forma desbocada. Es tal el torrente de información vertida que decido hacer una excepción y transcribirlo prácticamente tal cual, casi sin filtros periodísticos: «Mira, adoro Internet, pero antes comprabas los discos de uno en uno y tenías tiempo para situarlos cronológicamente, asimilarlos, entender por qué en uno sonaban así y en otro posterior completamente diferente… Ahora te bajas toda la discografía en un pack y no te enteras de nada. La ilusión de encontrase un disco en una tienda o de comprarlo a ciegas, sólo por la portada, te abría multitud de puertas… El primero que compré, con trece años, fue uno de los Smiths en El Corte Inglés. A partir de ahí mi padre me dejó utilizar el equipo, porque hasta entonces sólo podía poner sus discos de The Mamas & The Papas a escondidas, cuando él se iba a la fábrica… Entonces mi hermana María y yo empezamos a comprar discos a través del catálogo de Discoplay; todos los de portadas “sixties”. Nuestro primer pedido fueron The Troggs y The Move, dos ‘bandacas’ que te mueres… Después de eso llegamos a The Byrds, tan guapos, con esos pelos, que pensé que tenían que tocar muy bien…». Nos reímos por tercera o cuarta vez durante el relato, que continúa con sus primeras escapadas nocturnas: «Empecé a salir con quince años y aunque a menudo mis padres me echaban la bronca eran muy comprensivos. Iba a los bares entusiasmada, a escuchar música pero no para
beber sino para estar con gente; no bebí alcohol hasta los veintitantos años». Una afirmación que sorprende cuando a renglón seguido explica que cuando se fue a Londres tenía tan sólo 17 primaveras: «Fui a trabajar, mintiendo sobre mi edad, en una época de bonanza económica derivada del “thatcherismo”. Por entonces conocí el soul más “early”, aunque era una mocosa y llevaba muy poco dinero. Fui en Lambretta con unos amigos. Me puse a trabajar en un pub y pude comprar muchos discos… Volvimos y alquilamos una casa en Queens Park, con más gente de Bilbao, incluso vino mi hermana; todos como sardinas en lata, pero no nos importaba. Yo trabajaba mucho, salía por la mañana y volvía tarde, pero pisamos clubes increíbles y conocimos a gente de bandas como The Clique, The Aardvarks… El look y las ropas eran increíbles…». Da gusto contemplar la sonrisa que le provocan esos recuerdos. Me enseña una foto de aquella época que guarda en su teléfono; la expresión, aunque infantil, es la misma, pero el poso de mod girl, aunque permanece, parece haber dado paso a una mujer de claro gusto por la estética psicodélica, casi hippie, si me apuran, y así se lo expreso con… cierto temor. Ella se ríe ante el último calificativo (que casi he susurrado) y me explica sin ambages que: «el look mod purista, aunque lo llevé, me parecía muy serio y exigente; me atraía más el pelo largo, llevar escotes y no las camisas abotonadas hasta arriba. Ser mod es una manera de ser; conozco a muchos que ya no llevan traje», concluye.
SOUL DE OJOS MARRONES: La Sara Íñiguez de hoy sigue siendo muy abierta en cuanto a gustos musicales, pero mantiene referentes musicales: «Me gusta el blues “guarro” estilo Captain Beefheart o Andre Williams, la psicodelia de la Costa Oeste, el “blue eyed soul”, como el de The Association, pero también el soul negro más primitivo, más “early”… ». La lista se hace demasiado extensa y pasa también por algo de country rock de los setenta, el swingin’ London o «los grandes» como Chet Baker o Charlie Parker. En cualquier caso hay un disco básico en su vida, el “Friends” de los Beach Boys: «Me transporta siempre a un lugar en el que me encanta estar. Siempre se cita el “Pet Sounds”, pero para mí ése es más importante», matiza. Esa influencia es perceptible en diversos momentos de su último trabajo (y quizá del anterior), pero le digo que en mi opinión, en “Barman” uno escucha soul donde otros oyen country. Me esfuerzo en explicar que al margen de Carole King, no encuentro la asociación con ese género tan sumamente blanco. «Es que se tiende a asociar ‘sine qua non’ el country con el rollo “western”», me aclara al respecto, «y además se suele olvidar su parte de blues y góspel, que es por donde voy yo», añade. «Pero es cierto que esa definición puede dar lugar a confusiones, sí», reconoce finalmente. No obstante, le insisto en que las partes de “Barman” que algunos definen como “country” otros consideramos que deben más al soul de la Stax y al deep que a otra cosa, al margen de ese evidente y elegante regusto doo woop (presente en los trances más luminosos del disco) y a los ritmos y melodías que remiten desde a los Rascals hasta los Kinks y Dusty Springfield, pasando por Doris Duke o The Foundations; soul y pop «multicolor» en todos los sentidos de esa acepción que -ojo- exige ser cantado tal como se creó, en inglés. Así pues “Barman” es uno de esos escasísimos ejemplos en que esa circunstancia no resulta un hándicap sino todo lo contrario, aporta otro atractivo más a las virtudes que ya poseen de por sí las creaciones de la bilbaína: «Me gusta confeccionar música como la hacían las abuelas, a medio tiempo, como se cuece la buena comida –dice Sara- En Rubia hay muchos temas así, que suenan como la música antigua, porque adoro cómo se hacían antes las cosas. Soy fan de los medios tiempos y de las canciones lentas». «Pinchando en los bares [Otra faceta de Sara en Bilbao y Madrid] me pasa lo mismo y no veas como baila la gente», advierte. DEL YOGA Y DE UN CAMBIO DE VISIÓN: La grabadora indica que ya rebasamos casi una hora de conversación; y ni Sara se ha tomado el cruasán ni yo he fumado un sólo cigarrillo durante ese tiempo, que ha pasado volando de forma sorprendente. Le ofrezco uno de mis pitillos y lo rechaza con cortesía: «Fumo, pero muy poco», matiza, «y sólo tabaco de liar, aunque no debería fumar nada, claro», comenta mientras pone sobre la mesa todo lo necesario para fabricarse el primero del día mientras yo apuro ya el séptimo u octavo. Damos por concluida la entrevista y nos relajamos aún más. Ambos estamos a gusto y decidimos cambiar impresio-
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nes un rato más. Me sorprendo cuando me explica que es profesora de yoga en su tierra; la conversación, aparentemente trivial, toma tintes que me parecen tan interesantes que vuelvo a encender la grabadora: «En mis clases yo enseño lo que estoy aprendiendo, y lo refuerzo enseñando a los demás». El torrente Íñiguez vuelve a manar, esta vez sobre la necesidad acuciante de que la sociedad cambie la visión que tiene del mundo, o de la vida: «En vez de ver el mundo exterior como algo independiente de ti, que existe objetivamente y que te afecta, empujándote a decir cosas del tipo “que mala suerte tengo” o “mira qué casualidad”, se debe entender que todo lo que te rodea es un reflejo de ti», sentencia. Y uno, que siempre ha pensado motu proprio que la casualidad no existe, la escucha aún más embobado: «En el momento que se entiende eso ya entras en el concepto del “Uno”, donde nada es azar, todo está unido y todo tiene el sentido exacto del significado de tu existencia en ese momento». El camarero rompe mi estado zen cuando reaparece -de forma draculina- con su bandeja. Le decimos que no queremos más y que no retire nada la mesa. Frunce el ceño e instintivamente miro a mi izquierda y veo que las dos septuagenarias emperifolladas han girado sus sillas hacia nosotros y nos observan sin cortarse un pelo; escuchan atentamente el desenvuelto discurso de Sara como dos alumnas espontáneas. Habla de Física Cuántica y de «estados vibratorios», y al ver que tanto las señoras como yo nos estamos perdiendo en medio del Cosmos, chasca los dedos mientras lanza una directa: «si en vez de ocuparte en “ser” te ocupas en “hacer”, en que deje de importarte lo que los demás piensen de ti, de sentirte culpable, lograrás desbloquearte y escoger tu estado mental, emocional y energético, es decir: puedes elegir dejar de estar enfermo; puede sonar demasiado trascendental, pero sólo se trata de ser práctico… Llevan milenios repitiéndonoslo y no lo pillamos: Cuando cambias la visión del mundo, el mundo cambia». Lo pillo, lo pillo, y las oyentes del al lado creo que también, porque se miran la una a la otra asintiendo, pero en un educado silencio. ¿Estoy presenciando la cara esotérica del rock?: «A ver -aclara Sara- me gusta lo que la gente llama esotérico, pero eso para mí no son más que leyes y principios universales». «Me resulta mucho más difícil creer en lo que veo, que en lo que no veo», concreta. Ahí nos perdemos otra vez y el desconcierto de las dos señoras es tal que me giro con sobrado descaro y les explico que lo que Sara está fumando, a pesar de estar liado sólo es tabaco, que no piensen en otras substancias… Se molestan visiblemente, recogen sus bolsos y se van airadas, farfullando algo que no llego a entender pero que seguro que no es un halago. Le pido disculpas a Sara, y al girarme veo que se está partiendo la caja torácica de la risa… Pero el tiempo vuela; lástima. Quería haber hablado también de su libro de cocina “Recetas del Rock’n’Roll”, editado en 2008, del que extraigo de mi bolsa un ejemplar que he llevado con la intención de que me lo dedique para mi esposa, fan de su famoso recetario. Lo hace con gusto, pero ya no hay tiempo para más charleta; vuelve a sonar el teléfono: la esperan para re-
gresar a Bilbao. Mientras le explica a su interlocutor que ya ha acabado la entrevista aprovecho para pagar al camarero vampírico, más raudo y servil para tal menester. Me despido de Sara con los dos besos rituales, aunque lo que realmente me apetece es estrujarla en un cariñoso abrazo. Le insisto en mi deseo de que algún día podamos retomar esta interesante conversación. Nos ha quedado también pendiente hablar de cómo ve el futuro de Rubia, pero no hace falta: «Me dejo llevar; el presente es lo único que hay», me dice al marchar, como si me hubiese leído la mente, ya que -además de resolver la cuestión- ésa es mi máxima… Boquiabierto y grabadora encendida en mano, la observo mientras se aleja por el bulevar del paseo, despacio, sin balanceos. Confirmo lo dicho por otros en el anterior número de esta misma revista: «Conocerla es amarla» y “Barman” es un discazo magistral, una obra maestra. Quedan advertidos de nuevo y ya van dos. El cruasán, por cierto, quedó intacto en la mesa. Demasiado pringue para tan bello y limpio universo. «Me dejo llevar; el presente es lo único que hay». Imposible de olvidar.
José Asunción
Si Quieres Sexo y Drogas Que Sea Después del Rock And Roll
“Ponnos dos copas más antes de cerrar, morirse debe ser dejar de caminar, ponnos dos copas más hoy bebo a tu salud, mañana Dios dirá” J. Sabina (Tolito). No puedo encontrar mejor inicio para desvirgarme en esta revista y en esta sección que usar un fragmento del Maestro Joaquín Sabina, y lo hago por varios motivos: Porque nadie escribe letras como él, porque poca gente se ha metido en la nariz lo que él y porque casi nadie tendrá carnet de socio y habrá sido nombrado hijo predilecto de bares, puticlubs y cantinas. Y realizada la entrada, llega el turno de las presentaciones: Os diré un nombre, Facundo Soto, algunos puede que lo conozcáis, yo no tenía ni idea de quien era, pero tuve el dudoso placer de verle actuar con su grupo “Los Guasones” cuando fui a ver a M Clan ya que eran sus teloneros a Valencia en Jardines de Viveros el pasado 7 de marzo. Este señor, Facundo, es el vocalista y guitarra del grupo, lo que no os puedo decir, es si cantó bien o si tocaba bien… porque en los 45 minutos aprox. que duró su actuación, no hizo ni una cosa ni otra. Lo que si os puedo decir es que tenía varias habilidades: Una era sostener el cubata en la mano mientras hacía como que tocaba alguna cuerda de la guitarra y digo alguna… porque el muchacho no atinaba a verlas y os aseguro que no era por la falta de luz en el recinto. Otra era la de encenderse un cigarro mientras deambulaba por el escenario y lo dejaba perfectamente colocado en el clavijero de la guitarra y todo eso sin caerse de la tarima. Y la otra y más sorprendente era lograr que los músicos que lo acompañaban no se
largaran del escenario y lo dejaran hacer el ridículo sólo, benditos varones, sobre todo el bajista que hizo de punto de apoyo cuando Facundo se dejaba caer sobre él (y lo digo literalmente). Respecto a la voz, ahí si que no puedo opinar, no porque me fuera a los 10 minutos, que habría sido lo más razonable y volver después, sino porque pese a que abría la boca, no era capaz de distinguir nada de lo que decía, porque no vocalizaba nada y cuando lo hacia como se equivocaba con la letra directamente apagaba el micro o se lo alejaba para que no nos diéramos cuenta, evidentemente el “despiste” no surtió efecto. Cuando ya parecía que lo peor había pasado, es decir que terminaron su actuación y M Clan ya estaban en acción, ¿Adivináis quién apareció?... pues ¡nuestro amigo Facundo! que micro en mano entró “cantando” la canción que ya había empezado Carlos Tarque, y recalco lo de que ya había empezado… porqué entró tarde, supongo que ya estaría pactado que se hiciera así, lo que ya no creo que estuviera tan pactado, es el show que Facundo ofreció, ya que seguía en la línea de antes, bueno no, mejorada, porque se intuía que en el camerino había retomado fuerzas con algunas bebidas isotónicas y/o suplementos “vitamínicos” . La moraleja: Si quieres Sexo y drogas que sea después del Rock & Roll
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Lanuca
Juanjo “Jota Jota”
Grupo – Lanuca Disco – “Gran Mandíbula” Infinito Discos, 2015 Hablar del segundo disco de Lanuca después de la publicación de ‘Pómulo’ en el 2013 implica tener en cuenta tanto el potencial como el halo de sensibilidad que rodea las canciones del alter ego de Ángela Bonet. Su marcado carácter introspectivo se manifiesta en los siete cortes que se incluyen en ‘Gran Mandíbula’, en el que además del tema que da título al álbum, de ‘Flor De Loto’, ‘Grieta Carmín’, la instrumental ‘Valentina y Johanna’ y ‘Arde’ se encuentra una versión de ‘Corazón Contento’, original del argentino Palito Ortega y que a finales de los sesenta popularizó Pepa Flores, más conocida como Marisol, y que en boca de Lanuca acaba siendo una innovadora adaptación. Para este disco atmosférico, aterciopelado y bastante inclasificable cuenta con la participación de Manolo Bertrán en las guitarras, Ana Santos en los sintetizadores y Dani Cardona en la percusión.
Annysia
José Zamora Linares
Grupo - Annysia Disco - “Nephilim” Autoeditado, 2015 ‘Nephilim’ es el debut discográfico con el que se presenta el cuarteto Annysia. El grupo, formado por componentes de Murcia (España) y New Jersey (Estados Unidos), cuenta con la inestimable colaboración del bajista Mike Lepond (Symphony X), que, además, ha grabado el corte número 12 del disco, llamado ‘Nivek’. El álbum cuenta con 13 temas de auténtico “Fantasy Metal” que no os va a dejar indiferentes a los amantes del metal más épico. Temas novedosos, con unos arreglos impresionantes que adquieren más cuerpo y potencia añadido con la fantástica y operística voz de su vocalista Demontia, una auténtica diosa que se desenvuelve como pez en el agua en este tipo de música. ‘Battle Of Mystics’, ‘Secret Garden’, ‘Lost Soul’ o ‘The New Realm’ son otras canciones a tener en cuenta de ‘Nephilim’. Esta es una obra que los metaleros como yo no podéis perderos.
Ilegales
José Zamora Linares
Grupo - Ilegales Disco - “La Vida Es Fuego” La Casa Del Misterio, 2015 Once años después de su separación, el grupo asturiano Jorge Martínez y sus Ilegales vuelven con su trabajo más potente y esperado. Y tengo que deciros que no defrauda para nada. Es más. Es emocionante. ‘La Vida Es Fuego’ es un disco muy trabajado donde vamos a encontrar alta calidad en cada uno de los temas que componen el grueso del disco, tanto a nivel creativo como sonoro. Once temas que combinan energía, mimo y claridad en todo su contenido. Respecto a la producción, las guitarras no defraudan y son tan potentes como siempre, al igual que la batería marca su presencia como pulsaciones cardíacas. Las líneas de bajo, no sólo me han gustado, sino que me han encantado. Son definidas, trabajadas y sorprendentes. En definitiva: Este último trabajo de los asturianos es un disco altamente recomendable. ¡Mi enhorabuena a Ilegales!
Jordi Cassette
Javier Pérez
Grupo – Jordi Cassette Disco – “Todo Es Mentira Salvo Alguna Prosa” Autoeditado, 2014 Reproduciendo en su título la desafortunada sentencia de nuestro no menos desafortunado presidente, convenientemente tergiversada, Jordi Cassette entrega su segundo disco largo tras ‘The Boy In The Carnage Of Horse Meat’ (Autoeditado, 2012). Genio del absurdo, cáustico e irreverente como pocos; lúcido y brillante a la vez. Sátira, denuncia y crítica social (‘Los Jornaleros’) campan por sus respetos en los 10 temas del disco donde el surrealismo impregna no solo los textos, sino también la misma estructura de las canciones en una suerte de inditrónica de áspera textura, cortante, incómoda, pero de sobrado encanto. Incluye el ‘Digan Lo Que Digan, Qué Bonito Es Un Entierro’ que le valió el tercer premio del concurso “Ponle música a Valencia”, organizado por Malatesta y la Revista Bostezo. Hay copias físicas y pueden oírlo y leerlo (recomendado) en su Bandcamp. Imprescindible. Disco recomendado por El Club de Amigos del Crimen 21
Autómatas
Rubén Sánchez
Grupo – Autómatas Disco – “El Infierno y Otros Miedos: Introducción” A New Label Records, 2015 Los jiennenses Autómatas no tienen remilgos a la hora de poner toda la carne en el asador y arriesgar no solo con sus canciones, sino con el concepto. Y es que se atreven, con todos los vientos en contra, a lanzar tres discos durante 2015. Con el título ‘El Infierno y Otros Miedos’, se repartirán tres entregas rotuladas ‘Nudo’, ‘Desenlace’ y, la primera de todas, ‘Introducción’. Precisamente de ésta se saca una conclusión muy clara, que estamos ante un proyecto grande y rotundo. Comienzan de forma implacable con ‘A Ninguna Parte’, ‘Será Fácil’ y la que es su primer single ‘Haz Del Fuego Mi Piel’, donde demuestran tendencias innovadoras, actuales y mordaces. En el disco podemos escuchar temas más sosegados como ‘La Promesa’ o “Siempre Estarás Aquí’ (oda de despedida a la madre del líder de la banda). Otros posibles himnos serán sin duda ‘El Abismo’, ‘Las Verdades’ y ‘Los Ecos De La Tormenta’. El que firma está deseando conocer cómo termina esta aventura.
Mamá Ladilla
José Zamora Linares
Grupo - Mamá Ladilla Disco - “Coprofonía” Autoeditado, 2015 Hemos tenido que esperar cinco años para escuchar lo nuevo de los madrileños Mamá Ladilla, bajo el título de ‘Coprofonía’. Este nuevo potaje sonoro, décimo de su carrera discográfica, consta de doce temas, para mí, muy variopintos y diferentes entre sí, entre los que podemos encontrar obras como ‘Molto Obilgada’ y ‘La Paja’ (tema con el que promocionan el vinilo) y cosas muy raras, a la par que divertidas, como ‘Detritus’. Una vez más, Juan Abarca, cantante y compositor del grupo, muestra su dominio del lenguaje con sus ocurrentes juegos de palabras. También he de decir que, aunque el disco me ha gustado bastante, he tenido que escucharlo varias veces para que me entraran algunos temas. Portada de Paco Alcázar y vinilo de 220 gr. con libreto interior de 24 páginas con letras, textos, fotos, etc. También se ha editado en Cd en una limitadísima edición que se venderán en los conciertos.
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La Gran Esperanza Blanca Juanjo “Jota Jota” Grupo - La Gran Esperanza Blanca Disco – “Tren Fantasma” Infinito Discos, 2015 Este ansiado ‘Tren Fantasma’ ha comenzado a silbar como el resto de los anteriores trabajos de esta banda valenciana, a una altura a la que pocos pueden llegar. Nuevamente las elaboradas letras de Cisco Fran, compositor y vocalista, dan el distintivo de calidad absoluta. Entre besos, entre azúcar, entre miel y también entre hiel ríen los amantes mientras surcan un mar de coral donde brilla especialmente una “estrella de mar” gracias a una voz modulada, una guitarra distorsionada y una armónica que nos lleva a otras estaciones. Mención expresa para la conmovedora ‘Los Años De Felicidad’ y para las colaboraciones de Gilbertástico, Pepe Cantó, Ángela Bonet, May Ibáñez, Raff Dee y Juanlu Tormo. Con todo el sabor a raíces de música americana destaca muy especialmente un “chico del tren” que posee toda la esencia de salón, de prostíbulo, de sogas o de tumbas del viejo oeste.
Sensacional
Ricky Rodríguez
Grupo - Sensacional Disco - “Relatos e Invenciones De Hoy” La Fiambrera, 2014 Sensacional es una banda de “reciente” creación formada por músicos de larga trayectoria. Echan a andar en el 2013 cuando Ricardo Saavedra (me harían falta más de las 150 palabras de las que dispongo para redactar su curriculum musical) decide, por fin, poner en marcha su proyecto personal y las canciones en las que lleva ya un tiempo trabajando. Continúa el camino marcado por sus dos experiencias anteriores más recientes (Meu y Deluxe) ofreciendo una docena de temas de indie pop cantado en castellano, entre las que se pueden encontrar influencias que van desde el pop guitarrero del cualquier década hasta el rock alternativo de los 90’s. Sensacional son músicos contrastados y conocidos por su labor en otras bandas de la ciudad de La Coruña.
Carlos Sadness
Rosa Ruiz
Grupo - Carlos Sadness Disco – “La Idea Salvaje” Music Bus, 2015
Spreading Licks
Vicente Ribas
Grupo – Spreading Licks Disco – “Speaking Of The Devil” Rock CD, 2015
En su segundo Lp bajo el nombre de Carlos Sadness, éste artista múltiple, que al igual que ilustra sus dibujos consigue dibujar entre sus canciones, dándoles forma, entrelazando unas con otras, describiendo personajes y sumergiéndose en las relaciones y a su vez en las distintas formas de comunicarse las personas, teniendo en todas sus composiciones muy presente la naturaleza como hilo conductor. En ‘No Vuelvas A Japón’ que interpreta junto a Santi Balmes, no es la primera vez que colaboran juntos, describe un estado de melancolía con una base rítmica más estilo pop de los ochenta. El resto del disco viaja entre melodías de corte lento narrando historias que hablan del amor y el desamor, de lo humano y lo espacial, y otras con sonidos electrónicos y elementos de percusión que logran transmitir como en ‘Bikini’ o ‘Miss Honolulú’, un aire fresco y divertido consiguiendo así un trabajo equilibrado y simétrico.
‘Speaking Of The Devil’ es el Segundo trabajo del cuarteto valenciano Spreading Licks, tras su inquietante debut ‘Luck’, del 2011. La garra del punk rock, los riffs del hard rock, las melodías pop rock tanto en formato eléctrico como acústico, las secciones instrumentales del postrock y el sabor de stoner, todo junto y bien batido en coctelera es lo que compone Spreading Licks, para todos aquellos que no sepan aún de ellos. ‘Speaking Of The Devil’ esconde trece temas en donde no esconden su pasión por Metallica u Offspring, con soberbios latigazos como ‘The Fight’, ‘Misunderstood Era’, ‘Believer’, ‘Don’t Let Me Down’ o la extraordinaria ‘The Phoenix’. Por poner algo negativo, la producción, quizá se quede un poco pobre. Aún así, este trabajo acaba sentando claramente las premisas sobre lo que es la banda al proponer el mismo estilo pero todavía más depurado. Sin duda, el grupo se merece al menos un seguimiento, no se arrepentirán.
Loquillo & Nu Niles
The New Raemon
Ricky Rodríguez
Grupo – Loquillo & Nu Niles Disco – “Código Rocker” DRO/Warner, 2015
Nuevo disco de Loquillo acompañado en esta ocasión por Nu Niles. Dicen muchos que “Loquillo vuelve al rockabilly”, no estoy muy de acuerdo, para volver a un sitio antes es necesario haber estado allí y, discográficamente hablando, este es su primer disco de rockabilly puro. Podríamos decir, eso sí, que vuelve a las raíces, a sus raíces musicales. Para esta nueva aventura lo acompañan Nu Niles, una de las mejores bandas de rock and roll del país (reunidos para la ocasión) y Josu García, que se encarga de la producción junto a Mario Cobo (guitarra de Nu Niles). En este trabajo se recuperan un puñado de canciones registradas anteriormente por Loquillo (excepto dos) recuperando el espíritu con el que fueron concebidas y que no pudieron mostrar en sus grabaciones originales. Un nuevo quiebro en la carrera del Loco y toda una sorpresa para sus seguidores y los que no lo son tanto.
José Rodríguez
Grupo - The New Raemon Disco - “Oh, Rompehielos” BCore Disc, 2015
‘Oh, Rompehielos’ llega un par de años después de que el celebrado ‘Tinieblas, Por Fin’ pusiera a The New Raemon en el mapa sonoro de este país. Con este nuevo trabajo (autoproducido), Ramón Rodríguez muestra la contención y la madurez acumulada durante años de profesión, dando como resultado una excelente colección de diez canciones, sólidas y melancólicas, con el toque ácido característico que imprime a sus letras. El disco se nutre con unas melodías muy convencionales en algunos casos (‘Reina Del Amazonas’, ‘Quimera’) que combinan muy bien con medios tiempos muy bien dirigidos (‘El Yeti’). Aún así, cabe destacar que aunque este disco no suponga un paso adelante en su evolución como artista, si es un peldaño de calidad en su carrera particular. Un álbum disfrutable y de calidad contrastada.
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The Grannies Band
Commandant DJ
Anni B Sweet
Grupo - The Grannies Band Disco - “01” Comboi Records, 2015 The Grannies Band es el nuevo proyecto de tres grandes músicos valencianos curtidos en muchas bandas legendarias (Scooters, Los Canadienses, Los Cangrejos, Primavera Negra, Inhibidos Quizás? etc.) y cuya última aventura conjunta los míticos Tent fue alabada como uno de los mejores grupos surgidos aquí en los 90. Siguiendo la estela que nutría su música de un sabio estilismo que recogía el caldo de cultivo del mejor rock facturado en los 60 (Beatles, Stones, Who, Kinks) aderezado con riffs de guitarras propias del sudoroso Pub-Rock e incluso con ramalazos de arrogancia punk, aquel sonido añorado, vuelve ahora en todo su esplendor y mejor si cabe, actualizado y tamizado bajo su propia personalidad en una entrega de Power-Pop elegante y rabioso que reúne todas las experiencias musicales que estas “abuelitas” han ido asimilando durante años y que han quedado plasmadas en una serie de inspiradas píldoras que cortan la respiración y llenan de fuerza los surcos de este nuevo disco. José García Del Real (guitarra y voz), David Campillos (bajo y coros), José Montoro (batería) y la nueva incorporación de Ramón Manzaneda (guitarra) nos entregan un álbum sin fisuras, brillante y lleno de momentos emocionantes de Beat-Music que les devuelve a la actualidad por la puerta grande, la de las mejores faenas.
Rosa Ruiz
Grupo - Anni B Sweet Disco - “Chasing Illusions” Subterfuge Records, 2015 Ésta interprete malagueña que canta en inglés, ha regresado con su tercer álbum de estudio cambiando totalmente de registro, dejando atrás esos sonidos más simples y con guitarras acústicas, y ha pasado a añadir pinceladas de sonidos eléctricos y percusión que le dan energía, aunque sigue incluyendo canciones de corte lento. Producido por ella misma junto a Noni líder de Lory Meyers y Javier Doria, que le han dado ese nuevo giro. En el single de adelanto ya pudimos descubrir a una “nueva” intérprete. La canción que da título al disco ‘Chasing Illusions’ transmite fuerza, aunque en algunas partes del disco descubrimos ese estado de melancolía del que no llega a desprenderse. Con sonidos refrescantes y ritmos mas folk-rock, pasando por el country y el pop, como podemos escuchar en ‘Drive’ o en ‘Everyone Talks’ que hacen transmitir una luz que antes parecía apagada.
¿Te acuerdas?
La Polla Records
• Disco del mes del programa Nacional Pop de Spektra FM
Grupo – La Polla Records Disco – “Salve” Oihuka, 1984 La Polla Records es uno de aquellos grupos que no deja indiferente a nadie. O te solidarizas musicalmente con ellos, o escupes en la acera cada vez que oyes mencionarlos a alguien cerca de ti. No hay término medio. Ni puñetera falta que hace. El combo se formó en 1979 en Salvatierra, provincia de Álava, y estaba compuesto por Evaristo (voz), Fernando (batería), Maleguin (bajo), Sume (guitarra), y Txarly (guitarras). Formaban un potente quinteto mordaz y punzante, tanto en las letras de las canciones como en la música que facturaban. El País Vasco por cierto, zona caracterizada en aquella época por ser semillero de grupos especializados en radicalizar el rock peninsular.
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José Gálvez
En 1984, y tras un primer EP editado el año anterior, les llega la oportunidad de plastificar todo un LP con 19 temas. Titulado como Salve, se convierte con el paso del tiempo en uno de los discos de punk rock más valorados por el público patrio entendido en estos menesteres. Son 19 trallazos cortos, ágiles, con letras sencillas, claras y que llegaban directas a la gente. Sin intermediarios que las modificaran o las maquillaran. Eran crueles y directas a partes iguales; ácidas y críticas, sobre todo con el sistema capitalista, el nacionalismo, la moda o, cómo no, con la religión. El disco lo editó una pequeña discográfica – Oihuka -, y aunque el grupo rechazó el disco de oro, lo cierto es que se llegaron a vender más de un millón de copias, haciendo que el sello creciera rápidamente, y que el grupo adquiriera fama en toda España. Si tienes oportunidad, no dejes de oírlo…te acabará atrapando ¡Salve Regina! Mater Misericordia
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Retales
Irene Sánchez
A paso firme por la senda del Rock
Si por algo se caracteriza Retales es por la potencia, juventud y frescura que desprenden sus temas. Ahora vuelven renovados y revitalizados, con mucho que ofrecer al nuevo panorama del rock estatal. Tras años de duro trabajo su futuro hoy se vislumbra totalmente prometedor
Y
a ha pasado exactamente una década desde que un grupo de amigos -con la música como pasión común- se reuniesen para dar rienda suelta a sus inquietudes artísticas, en principio sin otra intención que no fuese la de disfrutar, pasárselo bien tocando juntos. De entrada su evolución fue la habitual (grabar algunas maquetas y subirse a varios escenarios para adquirir mayor seguridad y confianza) pero sus conocimientos se ampliaron tanto y de forma tan rápida que se dieron cuenta de que su proyecto -inicialmente un hobby- se había convertido en una realidad tan sumamente sólida que requería una actitud profesional, de inmediato. Y su decisión no se hizo esperar. “DE ANDAR” Y ANDAR (PISANDO FUERTE) Ya en 2012, completamente afianzado, el grupo aumenta si cabe su ritmo de trabajo, implicándose a fondo en la grabación de lo que iba a ser su primer disco. Así, en 2013 y con la formación definitiva (Víctor Aparicio, Ricardo Barrera, Israel Almendro, Alex De La Vela y Alberto Aparicio) Retales presentó al público su primer álbum, el contundente “De Andar”. Se trata de un
trabajo que mezcla influencias del rock con otras más cercanas al metal, pero sin encasillarse en ningún estilo; potencia, juventud y frescura son las mejores bazas de sus temas. Fue el momento en el que Retales emprendió una potente promoción a través de radios, webs, revistas y redes sociales, pero sobre todo con vídeos, uno de sus elementos distintivos dese entonces. EL PODER DEL QUERER (LA IMAGEN Y EL RODAJE) Cada uno de los singles de Retales se complementa con un vídeoclip que siempre da la talla requerida; se trata de trabajos de esmerada y cuidada imagen, diseñados pormenorizadamente para resultar como si fuesen una colección de directas cargas de profundidad dirigidas al respetable. Su ritmo es casi tan frenético como sus canciones, sirviendo para acompañar toda la labor de promoción que se complementa, además, con casi treinta conciertos por toda la Península. Y sí por algo se caracteriza Retales es porque su trabajo resulta y se ve recompensado, ya que las buenas críticas son la tónica predominante en las numerosas entrevistas que han realizado a través de los centenares de kilómetros recorridos, dejando siempre una buena huella de su paso en cada escenario visitado. Algunos ejemplos de esta actividad -con la que comenzaron a hacerse un hueco en el panorama del rock estatal- son sus teloneos a bandas del calibre de Luther, Reincidentes, Leo Jiménez, Sherpa o Ponko K, entre otros muchos artistas de relumbrón. Pero justo cuen27
la música es una segunda profesión que me ha dado la vida, y sé que el resto de mis compañeros lo tienen igual de claro. En ese sentido tenemos una gran estabilidad y mucha confianza en nosotros mismos, pero por otra parte, lo bonito de la música es que siempre hay más que aprender, y nosotros no hemos abandonado la idea de intentar seguir mejorando en lo que hacemos. Habéis ‘andado’ y mucho con “De Andar”, y en tan poco tiempo habéis conseguido telonear a grandes artistas, ganar varios premios y subiros a multitud de escenarios... ¿Cuál es vuestra nueva meta ahora que dos nuevos componentes forman parte de Retales? Israel: Nuestras metas a día de hoy siguen siendo las mismas que antes de que llegaran nuestros nuevos compañeros, queremos seguir haciendo que esto crezca, vamos a estar girando todo este 2015 por España, nos queda mucho trabajo por hacer y eso nos mantiene activos. ¿Qué tal fue el primer concierto con la nueva formación en Madrid?
do parecían vivir su mejor momento, en lo más alto de su carrera, sorprendieron a todos con una noticia muy impactante: por motivos personales y ajenos a la banda, dos de sus componentes se veían obligados a tomar un rumbo diferente. Así, el grupo quedaba descolgado, obligado a emprender la búsqueda de nuevos integrantes. NUEVOS RETOS Y RETALES Actualmente el grupo está formado por Israel Almendro (vocalista), Alberto Aparicio (guitarra rítmica), Agustín Moreno (guitarra solista), Alex De La Vela (bajista) e Iñigo “Kazu” Alzueta (baterista). Y en el año en curso vuelven a la carga con una propuesta que aún parece más seria y contundente que la mostrada hasta el momento, ofreciendo nuevos matices que, sin duda, pueden aportar mucho al paisaje musical rockero español. No cabe duda alguna: esta banda promete. Por ello, nos reunimos con el grupo madrileño para conocer de primera mano sus proyectos, su afianzado presente y su futuro prometedor. Isra, tras años y años formándote, ¿crees que al fin has dado con la perfecta estabilidad que precisa el grupo o que aún os queda mucho por aprender? Israel: Si hace tres años me hubiesen preguntado que es para mi la música, mi respuesta habría sido “un entretenimiento”, pero después de este tiempo de continuo sacrificio con la banda tengo muy claro que 28
Alex: ¿Qué se puede decir? Muchos nervios; íbamos con la idea de disfrutarlo, pasarlo bien y ya está… Era como volver a hacerlo por primera vez; perder de nuevo la virginidad. Había mucha presión, muchas expectativas, pero el trabajazo que llevábamos detrás, sobre todo los nuevos, dio sus frutos. Eso y toda la ilusión que siempre nos acompaña, se convirtió en otra noche inolvidable. La primera de muchas. Parece que por fin os habéis animado a ofrecer vuestros temas en formato acústico. Respecto a “Azul de Envidia”, es muy probable que no dejaría indiferente a nadie con ese sonido ¿Ha sido así? Alex: Como a dicho Isra, lo cierto es que ya estuvimos dando unos cuantos acústicos en la primera parte de la gira. Es algo que siempre nos ha llamado la atención, una forma de ver tus propias canciones desde otro punto de vista. No nos limitamos a hacer lo mismo pero sin distorsión, intentamos ir un paso más allá, darles una vuelta de tuerca y un nuevo aire a los temas, cambiamos partes, líneas de voz... Y aunque es verdad que “Azul de envidia” llama mucho la atención en el formato acústico, quizás son otras canciones las que toman más importancia… Si por algo os caracterizáis es también por ser solidarios y colaborar en todo lo posible con la Asociación Conciertos Solidarios ¿Qué os mueve para empatizar tanto con otras personas y poner vuestra música al servicio de buenas causas? Israel: Realmente no es algo que te pares a pensar, supongo que viene un poco impuesto por los principios
de cada uno, pero diría que nos mueve esa conciencia por lo que creemos que es justo, de igual modo nos da mucha pena y nos cabrea cuando vemos que aún hay gente que aprovecha buenas causas con otros fines distintos al de ayudar. ¿Cuánta dificultad requirió conseguir nuevos miembros para el grupo, dada la dificultad técnica que aparentan vuestros temas? Israel: La verdad es que teníamos las cosas muy claras desde el principio de lo que buscábamos en un músico y eso facilitó bastante la tarea. Después de estos meses junto a ellos estamos más que seguros de que no nos equivocamos a la hora de elegir. Lo que más les costó quizás fue la interpretación de algunos temas, cada músico tiene una forma de expresarse y Agustín e Iñigo tenían que encontrar el equilibrio entre nuestra música y su forma de tocar, pero es un trabajo que a día de hoy ya tienen controlado. Hemos sabido que Iñigo no superó su primera prueba porque ese día estaba nervioso, pero que dos meses después os llamó, con todo el disco aprendido… ¿Cómo fue esa experiencia y cómo os quedasteis al ver el gran manejo de Iñigo a la batería? Alberto: Es un gran músico y aunque en su primera prueba los nervios le jugasen una mala pasada nos lo ha terminado demostrando. Todo su esfuerzo, la pasión que transmite tocando y el tener unos objetivos tan claros fue lo que nos convenció, además de esa valentía de aprenderse un disco entero sin saber si le íbamos a coger. Es exactamente la persona que necesitábamos en la batería para esta nueva etapa. ¿Para cuándo un nuevo álbum? ¿Estáis ya preparando nuevos temas?
Alex: Pues hay muchísimas ganas, lo cierto es que ya tenemos cosas en mente, riffs, algunas letras... Pero aún queda tiempo. Queremos llegar a todas partes con nuestro trabajo, visitar las comunidades que nos faltan y hacernos oír un poco más antes de sacar algo nuevo. Por otro lado pensamos que tenemos el listón alto con “De Andar” y no vamos a sacar nada que no esté bien rodado, pulido y que nos convenza al cien por cien. Seguramente giremos hasta fin de año, haciendo piña con los nuevos y uniéndonos más como grupo para el año que viene encerrarnos a componer y grabar. No podíamos acabar la entrevista sin saber qué tal les va profesionalmente a los dos ex componentes de Retales, Ricardo Barrera y Víctor M. Aparicio. Uno marchó a su tierra y el otro -más atrevidoa Australia… Seguro que en la distancia echan de menos a Retales ¿verdad? Alberto: En cuanto a mi hermano Víctor se marchó con la intención de mejorar como músico y sabemos que en ello está, le piden una serie de requisitos como tener un buen nivel de ingles para acceder a la escuela que le gustaba que es de un alto prestigio. Israel: De Ricardo sabemos que está bien, hemos tenido la oportunidad de hablar con él en varias ocasiones y nos cuenta que está trabajando mucho, que sigue tocando en los ratos libres y que echa de menos esto y a nosotros, pero ya sabe que aquí siempre tendrá su segunda casa. Sea como fuere, no hay tiempo para nostalgias; el presente es lo que cuenta y Retales siempre lo ha tenido claro; el éxito pasa por el trabajo duro y continuado, ¿El futuro? Lo acaban de construir, sólo queda disfrutarlo con el público, retal a retal, plaza por plaza, sin prisa pero con contundencia. 29
Twerps
Juanjo “Jota Jota”
Grupo – Twerps Disco – “Range Anxiety” Merge Records, 2015 Otro desconocido e interesantísimo grupo de las Antípodas llamado Twerps, procedentes concretamente de Melbourne y que combinan preciosistas riffs de guitarra que vagabundean entre el powerpop y el folk-rock más exquisito. Repite patrones de sus anteriores trabajos en este nuevo disco titulado ‘Range Anxiety’, el tercer álbum de una banda de jangle-pop que no oculta unas influencias que pasan por clásicos australianos de la década de los ochenta como GoBetweens, The Bats o The Clean, aunque también se acercan en determinados detalles a estupendas bandas americanas de la talla de The Feelies, Yo La Tengo, Luna o Galaxie 500. Una delicia.
The Wave Pictures
Juanjo” Jota Jota”
Grupo - The Wave Pictures Disco – “Great Big Flamingo Burning Moon” Moshi Moshi Records, 2015 No faltan a su cita anual y siempre con buena nota. Sin duda estamos ante un caso insólito de inspiración, tesón e incontinencia creativa. El treceavo disco en sus doce años de existencia puede que sea su mejor álbum, donde la banda de David Tatterstall mantiene la espontaneidad, la influencia de Jonathan Richman, de Violent Femmes o de los Feelies pero parecen más a abiertos a nuevas vías quizás por la colaboración del polifacético Billy Childish tanto en composición como en producción. En esta ocasión se aproximan a referencias del beat sixtie como los Troggs o a raíces del rock americano como la Creedence Clearwater Revival pero sin dejar de lado los estribillos pegadizos, la inmediatez o la sensación de que improvisan. Estamos ante uno de los mejores discos del año, no hay dudas.
Duke Garwood
Chals Roig
Grupo - Duke Garwood Disco - “Heavy Love” Heavenly Recordings, 2015 Un disco especial de un artista que llega a lo que parece ser un momento dulce después de dos décadas dando tumbos y con no demasiada atención, puede que este sea su año, o puede que no. Eso sí, alcanza ahora una madurez serena, ahonda de un modo muy profundo en los entresijos de las relaciones, las obsesiones que provoca, el daño que inflinge y las satisfacción que es capaz de darnos, hablamos de un blues muy personal donde nombrar a JJ Cale no debe tomarse al pie de la letra, más bien en el sentido que tiene del groove y en esos riffs cíclicos y maravillosos que nunca cansan, su voz grave debería superar las comparaciones con su productor y amigo Mark Lanegan, el perfecto adjetivo podría ser narcótico. Una pequeña delicatessen para las altas horas de la noche.
Rhiannon Giddens
Chals Roig
Grupo - Rhiannon Giddens Disco - “Tomorrow Is My Turn” Anti-Records, 2015 No debiera pillarnos por sorpresa, en cierta manera Rhiannon Giddens, ya lo hacía (y lo seguirá haciendo) con sus amigos y compañeros de Carolina Chocolate Drops, pues este disco es una auténtica maravilla, posee un sinpar de registros, una voz clara y potente capaz de transmitir fuerza cuando quiere, al igual que dulzura, ternura, mucho blues, la actitud de Dolly Parton, la fuerza de Odetta, la intensidad de Nina Simone, y a través de ellas logra aunar magistralmente el country con blues, y espirituales con folk británico. Una guía perfecta para entender no sólo la historia de la música americana y sus orígenes, también el papel esencial de la mujer más allá incluso de las acepciones musicales que despliega con majestuosa facilidad y con la ayuda de una sobria producción a cargo de T. Bone Burnett. Canela fina.
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Courtney Barnett
Commandant DJ
Grupo - Courtney Barnett Disco - “Sometimes I Sit And Think, And Sometimes I Just Sit” Mom-Pop Music, 2015 Un argumento irrefutable es que el rock & roll no precisa de reinventarse para seguir estando presente en la mayoría de los discos que escuchamos con agrado a diario. Este lema es aplicable a Courtney Barnett, una joven cantautora australiana que ha recibido parabienes en su tierra y que gracias al padrinazgo de la reputada revista Pitchfork ha dado el salto a esta parte de las antípodas y que con solo dos EP’s como antecedente acaba de editar su primer largo. Sus canciones grabadas con la banda base que le acompaña en directo (batería, bajo y guitarra) tienen algo de la vieja escuela indie de los 90 (Elastica) y tal vez una deuda más acentuada con el Grunge (Nirvana), aunque incluso por momentos coquetea con el rock neoyorkino de los primeros 70 (Lou Reed, Patti Smith). Es lo que tiene este clásico palo, que suena a muchas cosas antes oídas pero ciertamente interesantes. La chica canta con desparpajo y rima o ripia con salero e ironía juvenil sus elucubraciones sobre la decepción, la esperanza, la condición femenina y el sexo. Si te gustan las mujeres aguerridas calzadas con guitarra y derrochando actitud no dejes de escucharla.
Mark Knopfler
Commandant DJ
Grupo – Mark Knopfler Disco – “Tracker” Verve, 2015
Los Discos Command de ant DJ José González
Commandant DJ
Grupo – José González Disco – “Vestiges & Claws” Mute, 2015 ‘Vestigios y Garras’ es el primer disco en solitario del sueco de origen argentino José González desde 2007 y el tercero en su colección. Durante este tiempo no ha estado en silencio pues se ha dedicado a promocionar a su meritoria aventura musical paralela, el grupo Junip. Como era de esperar las nuevas canciones siguen teniendo esa cadencia inspirada, relajada y acústica que llamó la atención de la crítica y su forma de componer no ha cambiado nada en estos años. En la misma línea que Bon Iver, Iron & Wine o Sun Kil Moon los arreglos son mínimos, apenas perceptibles bajo el notable fingerpicking de la guitarra del autor. Las melodías de González fluyen sin urgencia, una forma sutil de melancolía existencial que, al igual que otros cantautores de su generación tiene su espejo en Nick Drake o Elliot Smith. Su voz es cálida y de textura aterciopelada en la mejor tradición de los trovadores del folk astral de toda la vida, desde Donovan hasta nuestros días, aunque ahora les cataloguen como productos Indie. Canciones como ‘With The Ink Of A Ghost’ y sobre todo ‘Afterglow’ poseen una belleza que conmueve.
Cada vez más libre de las ataduras que le anclaban a un pasado en el que pesaba la responsabilidad comercial como líder de Dire Straits, Knopfler viene dando rienda suelta en los últimos años a su pasión por el blues, el folk británico, el country o el blue-grass, ya sea en solitario o en colaboraciones con otros músicos, entre ellos alguno de sus ídolos (Chet Atkins, Emmylou Harris, etc.). En esta nueva entrega rastrea en todos estos estilos que han marcado su técnica como gran guitarrista y vocalista relajado. Ese picking sin púa marca de la casa se escucha con agrado a través de las once nuevas canciones que integran ‘Tracker’ (16 en la edición deluxe). Un disco que pasa de momentos ambientales a otros con nervio, lleno de detalles sobresalientes como en ‘Beryl’ que parece vaya a convertirse en un nuevo ‘Sultan Of Swings’ o ‘Broken Bones’ que evoca a ‘Brothers In Arms’ pero con guiños al maestro JJ Cale. No obstante no detecto que añore el pasado sino más bien pienso que reflexiona con algo de nostalgia y una sonrisa cómplice acerca de aquellos sonidos que ama.
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Modest Mouse
Commandant DJ
Grupo - Modest Mouse Disco - “Strangers To Ourselves” Columbia, 2015 Aunque Modest Mouse anda pateando las rutas musicales desde comienzos de los 90 no fue hasta la edición del exitoso y superventas ‘God News For People Who Love Bad News’ en 2003 cuando conocimos de su existencia la mayoría de aficionados. Han pasado los años, el promiscuo Johnny Marr, que contribuyó a la consagración de su sonido, dejó al grupo en su momento de mayor popularidad y desde entonces no han logrado facturar singles tan redondos como ‘Float On’, así que Isaac Brock líder y cabeza pensante del combo ha vuelto con naturalidad a su excéntrica manera de componer hábiles y engañosos temas del Alt-Rock con regusto a los 90 o así. En el álbum escuchamos guitarras duras y balanceadas en ‘The Best Room’, baladas aburridas como ‘Be Brave’, incursiones en ritmos y riffs ochentenos acertados en ‘The Ground Walks, With Time In A Box0 y ‘Lampshades On Fire’, y hasta un claro homenaje al Beatle McCartney en ‘Coyotes’. En el fondo hay más PopRock que otra cosa y dado el tiempo que se han tomado para sacar adelante este nuevo proyecto no encontramos novedades destacables aparte de la obvia pericia instrumental. Faltan ideas nuevas y un toque fresco en su ya veterano estilo. De cualquier modo es un disco que agradará a sus muchos fans, pero a mi no termina de convencerme.
Matthew E. White
Commandant DJ
Grupo - Matthew E. White Disco - “Fresh Blood” Domino, 2015 Antes de relanzar su carrera como solista este virginiano, grandullón y barbudo llamado Matthew White se ganaba la vida como arreglista y compositor de jazz. Su profundo conocimiento de armonías y buen gusto en la producción llamaron la atención en su primer disco ‘Big Inner’ (2012) que ahora llega refrendado y superado en esta nueva entrega de la que ya se comenta que será uno de los grandes discos de 2015. Desde la tranquilidad fuera de ingerencias exteriores que le ha dado trabajar en su propio estudio casero ha volcado en los surcos todo su conocimiento sobre la música americana en una sorprendente y deliciosa mezcla que asombra. Así escuchamos arreglos que van del Soul y el R & B de la era Stax al Folk, pasando por el Reggae, el Pop, el Gospel e incluso el Indie-Americana. En su disco suena todo y nada, es decir, todos los sonidos son tan personales que parece haber creado un estilo diferente. Su manera de integrar teclados, violines, vientos y coros es de una precisión relojera. ¿Nos encontramos ante un nuevo Isaac Hayes o un Phil Spector sin arrogancia? El tiempo nos lo dirá. El álbum es tan bueno que no destaco ninguna canción, me gustan todas y hay que escucharlo entero.
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The Minnus 5
Commandant DJ
Grupo - The Minus 5 Disco - “Dungeon Golds” Yep Roc Records, 2015 The Minus 5 es el seudónimo que ha adoptado Scott McCaughey (Young Fresh Fellows) para dar rienda suelta a sus otras composiciones y que intermitentemente, desde 1993, edita grabaciones realizadas en el estudio del sótano de su casa junto a una notable escudería de amigos entre los que destacan Peter Buck (Rem), Jeff Tweedy (Wilko), John Moen y Nate Query (The Decemberists) e incluso el malogrado pianista Ian McLagan (Faces). El pasado año y para el Record Store Day el sello Yep Roc licenció un vinilo en tirada limitada titulado ‘Scott The Hoople In The Dungeon Of Horror’ que contenía temas inéditos de estas sesiones. Ahora y bajo el título ‘Dungeon Golds’ llega al mercado un nuevo disco que recoge alguno de aquellos temas más otros nuevos, hasta un total de doce. A pesar de que las canciones han sido grabadas durante varios años en diferentes sesiones suena compacto y perfectamente engrasado como si se hubiera fraguado de un tirón. Aquí, escuchamos toda una lección de Power-Pop de muchos quilates donde no sobra nada. McCaughey se luce en inspiradas composiciones de fuerte sabor Beat atemporal sabiamente secundado por sus compañeros de parranda.
¿Te acuerdas? Badfinger Grupo - Badfinger Disco - “No Dice” Apple/Capitol, 1970 Originario de Gales, a finales de los 60 recaló en Londres un grupo llamado The Ivers liderado por un tal Pete Jamón. Tras las consiguientes vicisitudes, el combo acabó labrándose un merecido prestigio como buenos instrumentistas y consiguiendo ser habituales teloneros de las figuras de la City (Who, Moody Blues, Spencer Davis, Yardbirds, etc.). Su estilo, clásico poprock de querencia lírica entre Hollies y Beatles, llamó la atención de varios sellos pero finalmente fueron Mal Evans y Peter Asher los que acabaron por firmarles para Apple Records (La nueva discográfica creada de los Beatles en 1968). Ese mismo año lanzaron el excelente sencillo ‘Maybe Tomorrow’ que dada la habitual desorganización del sello ni siquiera entró en listas británicas. Afortunadamente Paul McCartney llegó al rescate de la banda que en esos momentos ya contaba con un cuarteto compositor de altura, el mencionado
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Commandant DJ
Jamón, el batería Mike Gibbins y los guitarristas Tom Evans y Joey Molland. El cambio de nombre a Badfinger y la grabación del tema de McCartney ‘Come And Get It’ catapultó al grupo al Top-5 de medio mundo. Un primer Lp irregular con canciones pertenecientes al film “Magic Christian” y agotadoras giras les llevó a la grabación del magnifico ‘No Dice’, el segundo álbum para Apple y para muchos su obra cumbre. Un disco lleno de clásicos como ‘No Matter What’, ‘I Can´t No Take It’, ‘Better Days’ y la archiconocida balada ‘Without You’ que en versión de Nilsson fue hit mundial. Su fama se vio reforzada con el aval de George Harrison como nuevo mentor y su aparición estelar en el concierto de Bangla Desh, pero la desastrosa gestión financiera de Apple reforzada por unos abogados indeseables que estafaron al grupo precipitó el ocaso de estos grandes músicos, de tal manera, que más implicados en pleitos legales que en retomar su música acabó con el suicidio tanto de Pete Jamón como de Tom Evans. Su historia tiene algo de trágico pero el enorme talento y su aportación al powerpop como pioneros del estilo permanece latente.
Algo más que música Jessy Bulbo, El otro Huracán Mexicano
Vicente Ribas
H
ablar de Jessy Bulbo sin mencionar a Las Ultrasónicas no sería correcto, aunque aquello acabara como el rosario de la aurora entre Jessy y sus compañeras de fatiga. Las Ultrasónicas son una agrupación de garage rock punk formada en 1996 en México DF. Jenny Bombo junto con Tere Farfissa iniciaron la banda por la cual pasaron varios cantantes, guitarristas y bajistas, hasta que llegaron Suzy Vox, Jessy Bulbo (bajo) y Ali Gua Gua (guitarra). Jessy abandonó Las Ultrasónicas a principios del nuevo siglo para iniciar su carrera en solitario, no sin antes haber formado Bulberaizer y otros combos de rauda existencia. Jessy abandonó Las Ultrasónicas cuando éstas estaban en el momento más álgido de su carrera, con un contrato con Sony de por medio y una gira con numerosos conciertos. Una vez en solitario, Jessy Bulbo se ganó al público quedándose en topless y/o enseñando sus pechos asiduamente en los conciertos, lo que reclutó en un abrir y cerrar de ojos a un regimiento incondicional de fans. Y musicalmente hablando, algunas de sus canciones, como ‘Maldito’ se convirtieron en verdaderos himnos para la rebeldía juvenil latinoamericana, pero
sobre todo mexicana. ‘Maldito’ se encuentra en su primer disco en solitario llamado ‘Saga Mama’. La canción iba acompañada por un incitante videoclip. En cambio su segundo trabajo, ‘Taras Bulba’, fue su consagración, temas como ‘Comal’, ‘Salvaje’, ‘Me Muevo’, ‘No escuches A Tus Ídolos’, o sobre todo ‘Mi Muñequita Sintética’, versión de sus paisanos El Haragán y Cía. llevaron en volandas el disco… y a Jessy. El tercer disco, viene firmado en el 2010 con el nombre de ‘Telememe’, y en él se puede ver a una provocadora señorita Bulbo enseñando (una vez más) sus pechos. El disco fue censurado en algunos medios y como no, en Facebook. ‘La Cruda Moral’, ‘Quiero Ser Tu Destino’, ‘Flores y Frutos’ o ‘Belzebú’, son algunas de las canciones resultantes de este tercer trabajo. Al año siguiente se editó un ‘Grandes Éxitos’ con la misma portada de ‘Telememe’, y en el cual incluye algunas canciones inéditas, versiones de otros temas suyos e incluso el ‘Que Grosero’, el tema estandarte por excelencia de Las Ultrasónicas, pero en versión Jessy Bulbo. Este año 2011 fue uno de los mejores para la artista mexicana, llegó a tocar en España y Francia e incluso llegó a participar en uno de los Festivales más importantes de música latina: Vive Latino (México). Jessica Araceli Carrillo Cuevas nació en octubre de 1974 en la capital mexicana. Su nombre artístico (Bulbo) viene por su afición desde pequeña por los amplificadores de válvulas (bulbos), y que por aquellos años nunca se pudo comprar. Jessy sigue ofreciendo numerosos conciertos por Latinoamérica, así como su presencia es reclamada en diferentes Festivales de carácter importante, y aunque de una manera un poco mas comedida, sigue siendo un torbellino de rock, un generador de masas, y una carismática persona.
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Toundra
Yü-Gung
“IV”: Sonido Intenso y Sin Palabras Hay quien define su música como “PostRock”, otros como “Rock Instrumental”. Gustan tanto a “metaleros” como la amantes de los sonidos densos e intensos en general. La presentación de su nuevo disco ‘IV’ en Madrid, por todo lo alto (en la Joy Eslava) tuvo tanto éxito que, al agotarse las entradas, la sala tuvo que improvisar y añadir una segunda fecha, el día anterior. Constante y trabajador, es uno de los grupos que más discos venden en España. Y es que desde su debut discográfico en 2007 no han hecho más que recoger buenas críticas, alabanzas y de ver como cada día aumenta su legión de seguidores. Recientemente han estado en Valencia presentado su último álbum, ‘IV’.
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o cabe duda de que Toundra son unos triunfadores. Desde el principio de su carrara han tenido la bendición de crítica y público, llenando en casa concierto. Además, este año, con el flamante nuevo disco, ‘IV’ y el amparo de una discográfica poderosa como Century Media, se han desmarcado para empezar a forjarse un camino al uso de los grandes, con música de calidad y más y más aforos completos allá por donde vayan. Todo esto dice mucho del cuarteto madrileño, que ha conseguido un estilo de música tan difícil como el suyo (carente de voces, totalmente instrumental) a las más altas cotas de popularidad. Aprovechando su visita a Valencia, charlamos con el baterista Álex Pérez y los guitarristas David “Macón” y Esteban Girón (Alberto Tocado, el bajista, estaba ocupando del puesto de venta de merchandising) acerca de todo lo que ha rodeado la creación de su nuevo álbum. ¿Qué motivación teníais cuando decidisteis que era la hora de entrar al estudio? ¿Se hizo con una idea preconcebida de cómo iba a ser el disco? Esteban: «Teníamos claro, sobre todo tras el segundo disco, que el grupo debía ir creciendo con cada grabación, año a año, por eso no nos hemos relajado ni nos hemos tomado un descanso desde entonces. Hemos enlazado disco y gira desde el principio, y nuestra idea siempre es seguir creciendo, tener siempre nuevos retos. Esa es la idea que prevalece siempre que entramos al estudio. Quizás en este si había cambios sustanciales a la hora de entrar a grabar, la incorporación de Macón, el fichaje por un sello…».
¿Os supuso una presión extra esa circunstancia, la de fichar con una disquera importante? Esteban: «No, en absoluto. Teníamos la presión normal, la que nosotros nos ponemos, la suficiente para estar alerta y hacerlo bien… Nada especial». Sobre vuestro modus operandi: ¿Antes de grabar registráis una demo (maqueta) previa de las canciones o lleváis una estructura básica de la canción y ésta va creciendo en el estudio? Álex: «Esta vez el proceso de composición se hizo en dos partes. En la primera nos fuimos a un estudio de la Sierra y grabamos ‘demos’ previas de lo que habíamos compuesto en el local. Pero no eran canciones terminadas totalmente. Luego, más tarde, nos fuimos un fin de semana y las acabamos; terminamos los temas que teníamos a medias, repasamos todo y entramos al estudio. Lo llevamos todo preparado y listo para grabar. Muy cerrado». Macón: «La improvisación es más para crear en el local de ensayo. Por ejemplo, alguien trae una línea, una idea, y entre todos la vamos desarrollando». ¿Qué creéis que aporta este disco a vuestro característico sonido? Álex: «Quizás no es tan fácil de escuchar como los anteriores, no es tan directo… Está más trabajado y tiene más partes calmadas; no rompe tanto como el anterior, no explotamos tanto… Es menos agresivo». Macón: «Lo que nos ha quedado claro es que la gente debe escucharlo más veces para adentrarse en él porque tiene más matices… Conforme lo escuchas van surgiendo más cosas. Hemos querido hacer detallitos 37
ya tenemos construido con los anteriores discos. Además, también ha aportado fluidez a la hora de enfrentarnos a la composición». Álex: «Macón ha contribuido con mucho trabajo, porque es muy currante, y también ha aportado mucho optimismo en momentos en los que que una parte se atrancaba y el grupo no sabía por dónde tirar… Él es de los que dicen: “tú dale, dale, que ya se nos ocurrirá algo”, y eso le da mucho valor dentro de un proceso tan duro como lo es la composición de un disco». ¿Y tú Macón, qué crees que has aportado a Toundra?
con este disco, para que cada vez que escuches la canción ésta te diga algo nuevo». Esteban: «El último álbum de Queens Of Stone Age nos hizo valorar eso, que no sea un disco que entre tan fácil. No parece tener hits, por así decirlo, aunque lo vas valorando cada vez que lo escuchas una vez más. Es el típico disco que te influye durante mucho tiempo; lo llevas y los escuchas varias veces en tu teléfono móvil o en el iPod y sigues descubriendo cosas muy chulas en él. La diferencia de este disco es que la agresividad, ese rollo tan “Metal” que teníamos antes, lo hemos cambiado por intensidad». ¿Es uno de los discos que teníais de referencia cuando componíais las nuevas canciones? Macón: «La idea era tener grupos que nos inspiraran. En los actuales no coincidimos mucho los cuatro, por lo que tendemos a buscar referencias más clásicas: Pink Floyd, Led Zeppelin, etcétera». Esteban: «Sí, en esas referencias coincidimos, pero quizás Macón las ha explotado más a la hora de componer para el disco». ¿Entonces qué ha supuesto la entrada de Macón en el grupo? ¿Ha aportado un nuevo sonido?
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Esteban: «¡Grasa…!» [risotadas generales] «¡Es que parece que sale grasa de la guitarra cuando la toca...!». «Creo que toca de una manera muy diferente a como lo hacía Víctor, y también toca de forma muy diferente a como toco yo. Es muy fácil tocar con él porque le da un valor añadido a lo que tocas tú… Eso nos ha ayudado a que el nuevo disco sea distinto a los anteriores. Con las nuevas canciones queríamos explorar cosas nuevas y no repetirnos… Si alguien te dice que con este disco hemos querido innovar, miente, porque tenemos unas coordenadas que mandan, un sonido nuestro que
Macon: «Como ya me había incorporado en la gira anterior, fue ahí donde empecé a conocer al grupo, las canciones, cómo funcionaban en directo y en el local, y eso me ha ayudado muchísimo a encontrar la onda como compositor con ellos. Creo que he aportado libertad en los temas, más flexibilidad a la hora de componer, y le he dado a Álex más trabajo, más terreno a cubrir con los ritmos… Y creo que se ha notado en el disco». Álex: «Él dibuja mucho con su guitarra, lo que ha hecho que, a la hora de darle dinamismo a las partes, nos exploremos como músicos». ¿Qué supone Santi García para Toundra en el estudio? Esteban: «Siempre se habla de Santi, pero también hay que hablar de Carlos Santos, que produce con él y es igual de importante. Creo que somos muy afortunados porque el trabajo del productor le exige que cada semana trabaje con grupos nuevos, y así es difícil involucrarse en un trabajo, poner tanto de su parte en un disco, trabajar tanto como ellos [Santi García y Carlos Santos] han hecho en este álbum. Son un equipo de primera línea en el país en cuanto a producción, y han estado muy motivados con nosotros. Conocen al grupo, saben el objetivo a cumplir y se implican mucho; te organizan los tiempos, saben cuándo conviene tiene que grabe uno u otro grupo, cuándo estás o no saturado y si debes tomarte un respiro… Todo eso te da mucha seguridad y tranquilidad. Un trabajo de un año preparando un disco te puede quedar muy bien o muy mal, y tener a estos dos grandes tan motivados te da la seguridad de que el disco va a ser la hostia». Macón: «Se sienten parte de la banda y se nota a la hora de trabajar con ellos». En cuanto a la portada del disco (dos zorros escapando de un bosque en llamas), ésta hace referencia a la leyenda japonesa de Kitsune* ¿Porqué llamar al disco ‘IV’ y no Kitsune? ¿Ha sido por una razón de continuidad con los anteriores, que también estaban numerados? Álex: «Fue porque ya desde antes de entrar a componer hablábamos de este disco como el final de un ciclo.
También está claro el homenaje a Led Zeppelin de numerar los cuatro primeros discos. El concepto está ahí, pero ha surgido a raíz del diseño, no de antes. La idea de llamarlo ‘IV’ estaba clara desde el principio». Macón: «La única premisa que tenía por nuestra parte la artista que diseñó la portada [Chelsea Green Lewyta] era la de que se hiciera con tonos tierra; rojos, naranjas, tonos más pastel, y de ahí surgió todo el concepto de fuego y animal». ¿Cómo ha influido en la composición la incorporación de cuerdas y vientos en el disco? Esteban: «Por ejemplo, en canciones como ‘Biescas’ las cuerdas llevan la melodía, cosa que no ocurría en otras como ‘Requiem’, de nuestro anterior disco. Queríamos explorar eso, salió así dentro del período de composición de los temas. Toundra se caracteriza porque siempre se mueve hacia delante, haces cosas nuevas para motivarte y no aburrirte. Era el momento de incorporarlas. Tocaba hacerlo así, lo vimos muy claro». ¿Consideráis que ‘IV’ es un disco más luminoso que los anteriores de Toundra? Álex: «Esa es justo la palabra que yo utilicé cuando lo oí la primera vez una vez grabado». Macón: «Rezuma más optimismo». ¿Cómo os sentís cuando tocáis en escenarios que anteriormente estaban vetados para grupos de un estilo como el vuestro? Todos: «Una gozada». Esteban: «Viendo al público desde el escenario y considerando todo lo que nos está pasando pienso: “qué he hecho yo para merecer esto” “¿Por qué me está pasando?”… El que se nos vea felices en el escenario no es solamente por todo lo que nos está ocurriendo, sino también porque desde el principio hemos tenido “una
flor en el culo” [sic] y siempre nos han ido bien las cosas. A mí me pasó en la Apolo de Barcelona, ayer, después de terminar, cuando nos pidieron un bis, ver a toda una sala llena, cantando… Piensas que es algo irreal; hay muchas bandas muy buenas por ahí y pienso “¿Por qué a nosotros?”». ¿Finalmente, qué expectativas tenéis con el nuevo sello y la gira? Todos: «Disfrutar y dejarnos llevar». Sin duda pueden hacerlo, ya que el viento parece soplar a favor de Tundra. Deseamos que ‘IV’ sea el final de un productivo ciclo que tenga continuidad en otro, al menos, tan prolífico y acertado como el presente. * La palabra japonesa “Kitsune” significa zorro, animal que constituye un elemento de singular importancia en el folclore japonés, hasta el punto en que dicha palabra se utiliza tradicionalmente para nombrar a aquel espíritu del bosque con forma de zorro, cuya función clásica es la de proteger bosques y aldeas. Según la mitología japonesa, el zorro es un ser inteligente que posee habilidades mágicas, las cuales ve incrementadas con la edad y la adquisición de conocimientos.
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solidarity Conciertos Solidarios
David Moreno
Creador de “Raquetas para todos” D
avid Moreno tiene 28 años y hemiparesia izquierda pero esto no ha supuesto ningún inconveniente a la hora de practicar deporte y emprender. Este joven madrileño se ha formado como instructor nacional de minitenis y padel adaptado. Además, está en fase de constituir una Asociación sin ánimo de lucro llamada “Raquetas para todos”. La hemiparesia afecta a uno de cada mil nacidos. Es una disminución de la fuerza motora o parálisis cerebral que afecta a un brazo y una pierna del mismo lado del cuerpo. Es la consecuencia de una lesión cerebral producida por la falta de oxígeno en el cerebro. Según la Asociación Nacional de Hemiparesia (www.hemiweb.org), la hemiparesia no es una enfermedad sino que es una condición neurológica que dificulta el movimiento de la parte derecha o izquierda del cuerpo. Y esto es precisamente lo que le ocurre a David, a su lado izquierdo del cuerpo le falta movilidad, fuerza, habilidad, agilidad y coordinación en los movimientos, en cambio es muy bueno jugando al tenis, padel y tenis de mesa de mesa de manera adaptada de pie. Intentar superarse día a día es una de sus metas para conseguir su sueño. Ese sueño ya tiene nombre y apellidos: “Raquetas para todos”, en cambio le falta aún colaboración, ayuda, patrocinadores, y un pequeño empujón para que este sueño sea una realidad. David se ha propuesto competir con personas que tengan una discapacidad y un nivel de juego similar al suyo. Desea generar igualdad de oportunidades para todas las personas que quieran practicar un deporte sin ningún tipo de discriminación. Antes de nada, enhorabuena David por desprender esa alegría y contagiársela a todos, y por querer crear algo tan bonito como es “Raquetas para todos”, cuéntanos, ¿cómo surge la idea, y por qué? Raquetas para todos surge después de conocer la asociación sin ánimo de lucro Social&Social y gracias a Daniel, Graham y Gabriel especialmente, ya que fueron ellos los que despertaron mi interés por seguir trabajando en el mundo del deporte. También surge porque quiero generar igualdad de oportunidades para las personas con discapacidad y en riesgo de exclusión social. Por último, decir que me gustaría ganarme la vida practicando deportes de raqueta, ya que es mi sueño y llevo mucho tiempo entrenando para poder conseguirlo. Es muy importante el apoyo de las instituciones para adaptar los deportes a diferentes colectivos de discapacitados (físicos, intelectuales, cerebrales y sensoriales), en cambio, conseguir este tipo de ayuda resulta muy complejo, ¿no es así? ¿Qué aporta tu idea de nuevo en lo que ya existe y por qué deberían de darte una oportunidad a ti para que tu sueño se convierta en una realidad? En primer lugar, es muy complejo conseguir ayudas debido a los intereses que puedan
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tener los demás, tanto instituciones como personas físicas. En segundo lugar, mi idea se diferencia de las demás en que yo quiero crear una escuela ofreciendo 3 deportes (tenis, padel y tenis de mesa) para que las personas con discapacidad que no puedan practicar un deporte por sus limitaciones puedan practicar otro, mientras que las demás ideas solo ofrecen un deporte. También, cuando sea posible me gustaría hacer eventos deportivos con premios en metálico para crear un ranking de puntos como en el tenis profesional y, más a largo plazo, me gustaría crear una asociación que junte a todos los deportistas discapacitados que practiquen estos deportes para que tengan un sitio donde poder dirigirse en caso de estar interesados en deportes alternativos a los que existen actualmente. ¿Qué más necesitarías ahora mismo para que Raquetas para todos continúe creciendo? Ahora mismo necesito, en primer lugar, socios colaboradores, es decir, personas físicas, si puede ser en Madrid mejor, que me ayuden y se comprometan con el proyecto a largo plazo y no puntualmente; en segundo lugar, necesito apoyos institucionales para que me guíen en las diferentes fases del proyecto, para adaptar los deportes a los diferentes colectivos de discapacitados y también para difundir entre las personas con discapacidad el proyecto para saber quién puede estar interesado en practicar tenis, padel y tenis de mesa; por último, en tercer lugar, necesito patrocinadores o sponsors, para financiar las clases de la escuela y que a los alumnos les salga gratis. ¿Cuáles serían los objetivos de Raquetas para todos? ¿Quién podría beneficiarse de esta idea? Raquetas para todos tiene 4 objetivos principalmente: inclusión de personas con y sin discapacidad para conseguir generar igualdad de oportunidades; participación para no discriminar a nadie; bienestar y satisfacción para que las personas puedan hacer lo que les gusta, en este caso practicar deporte; y sentirse deportista para que las personas que quieran puedan ganarse la vida practicando deporte. Pueden beneficiarse todas las personas que tengan algún tipo de discapacidad siempre y cuando puedan practicar deporte y personas en riesgo de exclusión social con y sin discapacidad. Para las personas en riesgo de exclusión social habría que ver el tope salarial que se aplica para que se considere que están en riesgo de exclusión y así puedan optar a recibir clases. Otro de tus objetivos es crear algún día una escuela de tenis para todo el mundo, sin ningún tipo de discriminación. La primera escuela sería en Madrid, pero ¿cómo sería? Me gustaría que se pudieran practicar tenis, padel y tenis de mesa en la misma instalación para no tener que desplazarme y aprovechar el tiempo y el espacio. Las clases tendrían un máximo de 4 alumnos y, por supuesto, habría que contratar monitores para impartir las clases según vaya aumentando el número de alumnos. ¿Qué significa para ti el deporte adaptado? El deporte adaptado significa normalizar el deporte adaptando las reglas de juego y/o las dimensiones de la pista según las limitaciones de las diferentes discapacidades para que puedan competir y jugar en igualdad de condiciones. Es muy importante que se pueda generar igualdad de oportunidades. Al inicio de la entrevista hemos comentado que tienes hemiparesia izquierda, ¿esto ha supuesto alguna dificultad en tu vida o has podido cumplir todo lo que has propuesto? Mi vida no ha sido ni es fácil, pero con esfuerzo he ido superando los obstáculos y alcanzando metas. También es verdad que las personas con discapacidad tienen que esforzarse mucho más para conseguir sus objetivos. Yo me considero una persona privilegiada porque, a pesar de mi discapacidad, he podido hacer muchas actividades y no me ha supuesto un impedimento para alcanzar mis metas. Creaste un grupo en Teaming para que la gente pueda ayudarte a seguir formándote aún más como profesional de los deportes de raqueta adaptados. Cuéntanos, ¿en qué consiste esta iniciativa? Teaming es una iniciativa solidaria europea que ayuda a los demás mediante microdonaciones de 1€/mes. Todas las personas que quieran ayudar a financiar Raquetas para todos pueden hacerlo registrándose en www.teaming. net y una vez registrado buscas mi grupo “David Moreno: jugador de deportes de raqueta” y pinchas en “Únete a este grupo”, donde te pedirán tus datos bancarios para que puedas donarme 1€/mes. Hay que decir que, siempre te dan la opción de cerrar tu perfil si no puedes o no quieres seguir colaborando o donando. Es muy fácil y animo a todo el mundo a que apoye este maravilloso proyecto, que sin ayuda difícilmente podrá salir adelante. Eres una persona fuerte, luchadora y sobre todo que ha sabido superar sus limitaciones y realizar su sueño, ¿de dónde sacas tantas fuerzas? Intento ser una persona positiva, ver el lado bueno de las cosas para no hundirme y salir adelante, aunque no es fácil cuando te ponen trabas por todos los lados. En mi persona siempre está mejorar día a día y dar lo mejor de mí mismo para conseguir el aprecio y el cariño de los demás. Para mi esa es la idea a seguir. ¿Podrías mandar un mensaje de apoyo y ánimo a personas como tú que quieran emprender o formarse? ¿Qué les dirías? Bueno, yo soy una persona humilde, sencilla y creo que para conseguir metas hay que ser perseverante, positivo, fuerte mentalmente. Creo que el futuro está en el autoempleo y yo animo a todas las personas que se vean con fuerzas a emprender su propio negocio porque al final sentirán mucha satisfacción de haber conseguido sus metas y sueños. 42
Steve Strange
Luis Martín
Adiós al Icono De Los Nuevos Románticos
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l final de los años setenta surge un movimiento denominado Nuevos Románticos, localizado sobre todo en un lugar emblemático del movimiento: el Blitz, un local de moda situado en el Covern Garden londinense. En ese movimiento, heredero de otros como el Glam (Roxy Music, David Bowie, Gary Glitter), la estética era un elemento muy importante. Influenció en mayor o mayor medida a grupos como: Spandau Ballet, Duran Duran, Landscape, Ultravox o especialmente Visage, del que era cabeza visible el recientemente fallecido Strange. Para entender la personalidad de Steve y por defecto su obra hay que comprender su vida. Era hijo de un padre militar, concretamente de las fuerzas aéreas británicas. Esa dureza, entre comillas, en el seno familiar, le hizo ser un gran rebelde en sus años de adolescencia. La citada rebeldía se concretó en su gran afinidad a mediados de los setenta con grupos punks como Sex Pistols, The Clash, etc, llegando a formar una banda punk llamada The Moors Murderes, lanzando un single titulado “Free Hindley”. Esta banda fue ligeramente promocionada por el mecenas del punk Malcom McLaren, y como curiosidad pertenecían miembros de bandas muy importantes del futuro como Chrissie Hynde de los Pretenders o el batería de los futuros Psychedelic Furs. Se separaron inmediatamente después de la publicación del single. Hacia final de los setenta formó una nueva banda New Wave llamada The Photons. Hicieron algunas demos pero no llegaron a plasmar sus canciones en ningún grabación. En el año 1979 comienza la que sería su aportación principal en el mundo de la música. Se trata del grupo Visage. Un supergrupo formado por di-
ferentes elementos de bandas como Magazine (Dave Formula y Barry Adamson) o de Ultravox (Billy Currie y Midge Ure) John McGeoch completando por el batería Rusty Egan y el gran productor Martin Rushent recientemente fallecido. Firmaron para una pequeña compañía llamada Radar Records con el single “Tar”. Casi a la misma vez Steve formaba parte del video lanzamiento de la canción “Ashes To Ashes” en la que se podía ver a Steve Strange participando activamente. A raíz de eso firmaron por una compañía grande: Polygram. Con la formación arriba reseñada de miembros de Ultravox y Magazine grabaron dos estupendos discos: “Visage” y “The Anvil”, del que se extrajeron numerosos singles y canciones de éxitos como: “Visage” “Mind Of A Toy”, la genial “Fade To Grey” o “The Damned Don’t Cry”. A partir de ahí comenzaron los problemas para la formación; a Midge y Currie les ocupaba mucho tiempo su banda
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principal Ultravox, y los miembros de Magazine también abandonaron el proyecto por lo que Steve se encontró sin músicos en la banda. Él realmente no lo era.
U r e lo exponía diciendo que en la banda había demasiados jefes que querían un trato de igualdad en cuanto a los royalties, pero sin aportar el mismo trabajo. A pesar de todo Steve intentó y consiguió reunificar la banda con otros músicos, pero claro, el proyecto ya no sería lo mismo. Primero lanzó un single “Pleasure Boys” y más tarde se editó un flojo álbum en 1984: “Love Glove”, que no tuvo el éxito que sus predecesores. Intervinieron músicos como los hermanos Gary Barnacle y el mismo Steve. Tras la desaparición de Visage a mediados de los 44
ochenta, Steve formó una nueva banda llamada Strange Cruise. Su estilo era el Rockabilly, pasando con más pena que gloria por las listas de éxitos. Ante tal fracaso estuvo alejado prácticamente desde el año 1985 hasta el 2004, donde comenzó a colaborar con alguna banda como Seize. Aparte de esto re-grabó el clásico de Visage “Fade To Grey”, cosa que le llevo a verdaderos enfrentamientos con los autores de la canción que eran Currie, Payne y Ure. Recordamos que esta canción según Billy Curie (Ultravox) se gestó en uno de los tiempos muertos de Ultravox, concretamente en la gira The Pleasure Principle de Gary Numan, en la que participó con Chris Payne (Ex-Dramatis). En el 2006 se editó un recopilatorio de Visage. Años después en el 2013 Steve Strange anunciaba la nueva reunificación de la formación, apoyado musicalmente por Robin Simon, guitarrista que colaboró con Ultravox en el “System Of Romance” de la época de John Foxx. En mayo del 2013 publican el nuevo álbum “Hearts And Knives”. Curiosamente lanzaron cinco singles de este disco a pesar de no ser un gran éxito comercial. En si el disco no estaba mal pero distaba mucho de la calidad de los dos primeros. Recientemente se publicó una adaptación de canciones de Visage con orquesta titulada “Orchestral”. El 12 de Febrero muy cerca del día de los enamorados, el 14 de Febrero; día principal del movimiento de los Nuevos Románticos, fallecía Steve Strange en Egipto a los 55 años a causa de un ataque al corazón. Nos quedaremos con una frase que da titulo a una de sus canciones más importantes. “Los Malditos No Lloran” Una frase que demuestra claramente el espíritu de Steve. Se nos fue demasiado pronto. Descanse en Paz.
50 Momentos Clave En La Historia Alice Cooper. De Los Rolling Stones José Zamora Linares Por Un Billón De Dolares 50 Momentos Clave En La Historia De Los Rolling Stones Autor - Mariano Muniesa Quarentena Ediciones, 2014 Muchos momentos son inevitables: ruptura con Brian Jones, el tour por América en 1972, la tragedia de Altamont, la detención de Keith Richards en Toronto… momentos en su vida sobre los cuales, en cualquier caso, y desde el trabajo de investigación y documentación que se ha llevado a cabo, Mariano Muniesa trata de arrojar otra mirada, quizá más profunda, diferente en cualquier caso de la convencional. Otros momentos, en cambio, ni siquiera tienen que ver directamente con ellos, pero... de su lectura se deduce que son parte intrínseca de su historia. Y otros nunca han sido considerados claves en su biografía, pero desde este libro se reivindican como momentos clave de su trayectoria, incluso desde el punto de vista humano, y se explican con el mayor detalle posible.
Paco De Lucía: El Hijo De La Portugesa
Jose Zamora Linares
Paco De Lucía: El Hijo De La Portuguesa Autor - Juan José Téllez Planeta, 2015 Juan José Téllez, experto en el arte flamenco, nos desvela los capítulos clave de la vida de un hombre extraordinario: Paco de Lucía. Algeciras, donde el artista nació en el seno de una modestísima familia; las primeras giras con su jovencísimo hermano, Pepe de Lucía; su encuentro, su desencuentro y su relación fraternal hasta el último suspiro con Camarón De La Isla; sus percepciones de grandes como Ramón Montoya, Niño Ricardo, Esteban de Sanlúcar o Sabicas, y su propio padre, Antonio Sánchez Pecino, o Ramón De Algeciras, su hermano y segundo maestro; sus relaciones no exentas de sombras con los guitarristas coetáneos, como su compadre Manolo Sanlúcar, o los tocaores más jóvenes, como Vicente Amigo, Riqueni, Cañizares, Tomatito o Gerardo Núñez; también sus aproximaciones al jazz, a la música clásica o al pop-rock, pasando por Ravi Shankar, Carlos Santana, John McLaughlin y Chick Corea.
José Zamora Linares
Alice Cooper. Por Un Billón De Dólares Autor - Sergio Martos 66 rpm, 2013 Alice Cooper es el protagonista de una de las más interesantes, inquietantes y fructíferas carreras del rock. Discos inconmensurables, canciones míticas convertidas en himnos, un innegable papel como pionero que une rock, teatro y talento para crear a un personaje inconfundible e inimitable. Sergio Martos se entrega a la titánica tarea de diseccionar la primera época de su carrera, llamada Alice Cooper Group. Para ello, mantuvo un buen número de entrevistas personales con Alice, con los miembros de la banda original y con colaboradores muy próximos. Tras años de trabajo llegó al núcleo de su historia, y aquí la ofrece en espectacular biografía oral acompañada por abundante material gráfico. Ejercen de prologuistas de excepción Albert Bouchard (Blue Öyster Cult) y Tony Sanders. Bienvenidos al mundo y la pesadilla de Alice Cooper. Jose Zamora Linares Pequeño Circo: Historia Oral Del Indie En España
Pequeño Circo: Historia Oral Del Indie En España Autor - Nando Cruz Contra Ediciones, 2015 A finales de los 80 surge una nueva generación que, fuertemente influida por el pop-rock independiente británico y norteamericano y por la proclama del punk del “hazlo tú mismo”, empieza a gestar un nuevo universo sónico que bascula entre el noise, el rock de garaje y el pop más naíf y etéreo. Al mismo tiempo, de los lugares más insospechados del territorio español, algunos jóvenes deciden montar su sello discográfico, a veces incluso en su casa, sin más medios que un fax, un teléfono y una estantería. También aparecen numerosos fanzines que, a base de corta y pega y fotocopias, se hacen eco de la nueva escena musical; la mayoría de veces para ensalzarla, pero también para parodiarla y denigrarla. Nace así el indie en España.
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PASEN, OIGAN Y VEAN Vicente Ribas
9 Tragos
Este mismo mes de abril, precisamente el día 27,
Nueve Tragos (Café Rock) celebra su quinceavo aniversario. Situado en Valencia, concretamente en la calle Campos Crespo número 7, y prácticamente a dos pasos de la parada del metro de Patraix, se encuentra el “9”, un local donde prevalece principalmente el rock nacional de la década de los ochenta. La sala, regentada por Andrés Albert, se viste con sus mejores galas de jueves a domingo para recibir a sus clientes a ritmo rock and roll, rockabilly, y otros sonidos relacionados con la
música nacional inventada veinte años atrás, amén de poder sentirse envuelto entre un ambiente exquisitamente decorado mientras te tomas una copa tranquilamente sentado en una de sus mesas. Nada más entras ya adviertes de la presencia de José María Sanz “Loquillo” por todas partes, y es que Andrés, además de seguidor incondicional del personaje catalán, es amigo íntimo de éste, siendo el local una de las sedes oficiales de el del barrio del Clot. Entre la decoración se puede ver colgadas de la pared una gran cantidad de portadas de vinilos, posters de todos los ta-
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maños, entradas de conciertos, la chaqueta que Loquillo llevó en la gira de Feo, Fuerte y Formal, placas de calles que rezan Plaza del Rock Español, Calle Humorista Gila, o Plaza de Elvis, fotos y artículos firmados por Sabino Méndez, Loquillo, Ramoncín, Jaime Urrutia, Enrique Bunbury, Carlos Segarra, Sole Giménez o Johnny Cifuentes, y es que estas eminencias, entre otras muchas, también se han dado una vuelta en alguna ocasión por el local. Nueve Tragos también ofrece periódicamente conciertos en directo, tanto en acústico como en eléctrico. Por el improvisado escenario del local han pasado grupos y artistas del calibre de Gatos Locos, Ariel Rot, Igor Paskual o Mikel Erentxun, además de otros artistas locales como Butterfly, Emilio Solo y Los Rockeros u Olaya Alcázar, entre otros muchos. Otra de las ofertas que el local ofrece son sus Tragos De Humor, monólogos a semejanza que el conocido Club de la comedia televisivo. Y como no, Magia. Andrés ofrece a su clientela también de manera periódica noches de magia, principalmente por el popular Tony Pons.
Y para redondear las ofertas de Nueve Tragos, desde hace ya algún tiempo que allí se celebran toda clase de fiestas privadas, cumpleaños, comuniones, presentaciones de todo tipo e incluso fiestas de boda, todo ello acompañado con un extraordinario servicio de catering a unos precios realmente asequibles. En resumen, si quieres escuchar buen rock and roll nacional o pasar una velada diferente, Nueve Tragos es el sitio idóneo, alejado de cualquier zona de copas, pero al mismo tiempo céntrico, siempre serás muy bien recibido, y por supuesto, saldrás con un mejor sabor de boca.
Nueve Tragos (Café Rock) C/ Campos Crespo, 7 (Metro Patraix) 46017 Valencia balboa.albert@hotmail.com www.facebook.com/pages/NUEVE-TRAGOSCAFE-ROCK
Teléfono: 654 980 645
LA CALLE 46 Manel Ramodne
Cool Jerks El Alma Musical De Miguel Ángel Julián
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n verano de 1989 en Torrejón de Ardoz (Madrid) nacía la mejor banda de Rhythm & Soul español desde Los Canarios. Propagaban una fiebre “Soul”, caliente y bailable, allá por donde iban, con una convicción y vehemencia total. No inventaron nada, todo lo que hacian lo habian extraido de la tradición musical norteamericana de los 60’s y 70’s, pero lo que hicieron lo hicieron estupendamente. Además eran algo casi inédito en este pais, España, donde el garrulismo campa a sus anchas. El líder, compositor y cerebro absoluto del grupo era Miguel Angel Julián, un chico de 20 años que desde chaval flipaba con la musica negra yanqui y con formar una grupo al estilo de la Otis Redding band y los Faces de Rod Stewart. En primer lugar, cabe no confundir a los Cool Jerks españoles con otras dos bandas extranjeras posteriores del mismo nombre (la primera, un trio alemán de garage-beat rockero fundado en 1999 y la segunda, una fugaz banda de garage-punk brutote yanqui que en 2002 se montó Jack “Oblivian” Yarber, ex-guitarra y voz de los bestias pardas The Oblivians/Compulsive Gamblers para matar un poco el tiempo). Julián, según confesó en entrevistas, empezó su aprendizaje musical escuchando artistas anglosajones blancos de rock con alma negra como Rod Stewart y sus Faces, Cream, Joe Cocker, Bob Dylan, con algunos grupos de R&B 60s británicos blancos, sobretodo los de inspiración negra (The Animals, Spencer Davis Group, Yardbirds, los Rolling Stones, Grahan Bond Organization, Georgie Fame). Y como cualquier chaval de la época, leía revistas rock y escuchaba la radio; en
este caso la escucha de la música oldie de un programa de la radio de la base norteamericana de la OTAN de su pueblo, Torrejón, le hizo conocer un montón de artistas americanos interesantes: los clásicos del R&B 50-60 (de The Coasters, Drifters, Lavern Baker, Etta James, Robert Parker, Louis Jordan, Lee Dorsey, Rufus Thomas...), los reyes del Black Soul USA 50-60 (Sam Cooke, Jackie Wilson y James Brown, como no, los artistas del sello Stax de Memphis, en especial Booker T & The M.G.’s, Otis Redding, Bar-kays y Sam & Dave, los clásicos del Detroit sound de la Tamla Motown (Four Tops, Marvin Gaye, Contours, Marvelettes, ...), los de Atlantic, Okeh,, etc,...), del Blues (Willie Dixon, John Lee Hooker), de Doo-Wop, del primer Rock’n’roll (Chuck Berry, Little Richard, Fats Domino, Larry Williams,...), del Jazz-soul-R&B con hammond (toda la escuela de organistas que seguian los pasos del gran Jimmy Smith, de Jack mcDuff a Big John Patton, de Richard “Groove” Holmes a Jimmy McGriff), el smooth-soul 70 (de Curtis Mayfield y Smokie Robinson a Al Green), Jimi Hendrix, el Psychedelic soul-funk de los Temptations del período 69-71, del Funk 70s (la 49
James Brown Band, The Meters, Betty Davis, Funkadelic, George Clinton, Steve Wonder,...) La amistad profunda, fiel y sincera con el locutor y DJ de RNE-Radio 3, Juan de Pablos, (del mítico programa “Flor de Pasión”), les ayudó mucho a lo largo de toda su carrera. De Pablos era y es un tipo carismático y respetado, melómano empedernido, especializado en la música pop de los 50-60 y amante del soul americano. Los apadrinó desde un primer momento, les ayudaría a conseguir despegar en los difíciles primeros momentos, pinchándolos constantemente en su programa, publicitando sus giras y luego se mantuvo fiel a la amistad con Julián a pesar de los años, los avatares y vicisitudes del grupo. ¿MODERNISMO SOULICISTA? Aunque Julián y la banda nunca se declararían mods estrictos, o al menos yo no he leido nunca ninguna declaración suya al respecto, (Julián era demasiado ecléctico, independiente y maduro como para querrer encerrarse en una moda o cultura juvenil), sí cabría decir que, ciertamente, el grupo tuvo conexiones con el modernismo. Coincidian con los mods estilistas en gustos, el soul y el R&B negros y eso les tendría que acercar. Ellos, en su primera formación, además de tener muchos amigos mods madrileños (que serian sus primeros fans fieles), jugaron, a su manera, la carta de convertirse en la primera soul mod band española. Cool Jerks jugaron con la estética mod, cuidada y elegante, e intentaron capitalizarlo de alguna manera. Tuvieron su público mod suolero fiel, en su ciudad, Madrid y en otros sitios del estado. Culto reducido a la escasa parroquia mod de quedaba de los 80 y a la naciente de los 90, que ciertamente estaba deseosa de tener su propia banda de soul modernista nacional (a lo Dexys Midnight Runners) en un momento que se sentía huerfana de referentes mods en los que confiar en unos años de impase total en la escena, por la casi desaparición de los ochenteros Brighton 64 al pasar a ser los Brigatones, por la evolución al Hard-rock psicodélico de los antes garajeros Sex Museum y por la disolución de los Negativos en 1993. Hasta la llegada posterior al trono mod pop español de los Flechazos de León, los Cool Jerks ocuparian brevemente ese lu-
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gar y serian adoptados por la escena modernista española de los primeros 90 como su banda de culto. Aunque únicamente sería durante una breve etapa, la del primeros Eps, en especial el primero del 90, (todo un fetiche de los mods del momento) y de sus dos primeros discos largos. A partir de 1994 el grupo fue evolucionando estilística y esteticamente. Hasta de manera de vestir; Julian engordó algunos quilos y prefirió ropa ancha de tipo hippie, se abandonó la rigidez del R&B y la repetición constante del patrón del soul más clásico y se orientó la musica a un estilo de fusión de funk-soulpop-rock más setentero, de vocación más comercial y mayoritaria. Fue a partir del 3er LP, Fantabulous crime y sobretodo con el cuarto y último Soul to waste del 96 que el grupo se alejó definitivamente del culto mod. Los mods, en general, salvo excepciones, como eran amistades personales, dejaron de seguirles: los consideraron un grupo sin demasiado criterio, vendidos al capital y estilísticamente unos garrulo-verbeneros. A Julián, como imaginareis, todo esto le importó un pimiento. Él estaba por encima de todo/s, quería tener éxito, poder vivir de la música y del grupo y en lógica, pensó que encerrarse en un cajón estilístico minoritario, por muy exclusivo, auténtico y sibarita que fuera, suponía prácticamente cavar la tumba al grupo.
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NO MONEY KILL THE SOUL STAR Los problemas constantes de dinero, con la casa de discos y con los musicos de su primera formación afectaron a la salud del grupo. Hago un pqueño repaso de los problemas con los tuvo que lidiar la banda. En primer lugar, la falta de éxito comercial. Tema polemico ya que mucha gente pensaba que tenian mucho exito popular. La banda aunque en sus comienzos vendíó bastante bien su primer EP y su primer LP, los dos llamados Soul Teller, y con su 3er LP fantabulous, no despuntó comercialmente lo suficiente ni cuajó con el segundo ni con el cuarto y se fue deshaciendo como un azucarillo en los años siguientes. Todo eso pese al apoyo absoluto y total prestado por la critica musical espacializada y por Juan de Pablos. Esto les iría erosionando poco a poco. Las giras, aunque constantes y los bolos sin parar no siempre fueron regulares: algunos llenazos en grandes capitales del estado seguian a fechas de fracasos de público en salas más pequeñas o alejadas de las grandes urbes. Y el paso de tiempo, sin un pelotazo comercial fuerte, en forma de 7” (aparte del Soul Teller, que fue su canción más famosa) hizo que el público, que en plena epoca del CD, cada vez compraba menos discos, les fuera ignorando. Total, resumiendo, no ganaban suficiente dinero y mantener una banda como esa, de muchos músicos, viva, sin apenas ingresos, en imposible. En segundo lugar, los rollos con la industria y las compañías discográficas: en 10 años de vida los Cool no recibieron dinero de ninguna casa de discos. Además “La Fábrica Magnética” de Servando Carballar (ex de DRO) no se preocupó por promocionar apenas al grupo, ni distribuir como tocaba sus vinilos y tampoco les pagaba un duro de royalties. Ojo, esto no sólo ocurrió con los Jerks; era generalizado con todas las bandas del sello, cosa que le generó problemas serios con grupos como con los Deltonos, que acabarian con denuncias eternas en los tribunales. Todo esto, una gestión calamitosa unida a la crisis general de ventas del sello acabaría hundiendo La Fábrica en una larga agina que empezó en 1992-93 y se prolongó hasta el 95. Más tarde el sello Everlasting-Caroline tampoco se lo curro con el grupo. En tercer lugar otro tema polémico (un poco tonto, todo sea dicho, en especial visto desde la prespectiva de 2015) fue el de cantar en lengua inglesa. El hecho de cantar en inglés nunca ha sido comercial en España, (vale, salvo que fueras Mike Kennedy de los Bravos o Teddy Bautista de los Canarios en los 60s) y en 1991 todavía lo era más. Se heredaba aún la tradición cultural folklorizante y españolizadora del franquismo, la de los cantautores protesta, del rock urbano comprometido y la de los grupos pop-rock de los 80, con todas las bandas de éxito que venian de la movida madrileña y demás, prácticamente todas con canciones cantadas en castellano. Las emisoras comerciales no veian con buenos ojos poner pop español cantado en inglés porque ni lo consideraban serio ni viable comercialmente. Sólo los Sex Museum, desde Madrid pero abiertos al
mundo, desde su 1994 retro rock garagista y hard-psicodélico, totalmente underground, haciendo gala de un pasotismo absoluto por todo, cantaban siempre en inglés, con savoirfaire, valentía y desparpajo. Además cantando en un inglés correcto simepre se podía intentar vender el producto en el extranjero. Cabría recordar con respecto a esto que no sería hasta el boom comercial del grupo Dover con su Devil came to me de 1997 y con la moda del noise-pop primero y lo indie-alternativo despues, que se normalizaría el uso del inglés en el pop-rock español. Miguel Angel Julián tambien pensaba como los Sex Museum. Sin menosprecio del idioma castellano, que era su lengua materna, su música estaba hecha para ser cantanda en inglés. Por cierto, en un inglés estupendo y con una letras muy trabajadas. No cedió a las presiones de la industria, a los posibles vetos de la radio ni a los recelos bobos de otros grupos. Y por último, el problema de la constantes deserciones entre los miembros de la banda. Realmente sólo se largó toda la primera formación de Cool jerks. Las otras, más o menos, se mantuvieron estables, desde el 92 al 99. El problema de tener un grupo de soul como Cool jerks, con gente muy joven, (excepto alguno más mayor, todos eran veinteañeros), formado de muchos miembros, (empezaron como sexteto, pero más adelante y en directo llegarian o ser 8 o más), es la falta de madurez, de compromiso y el hecho de no atenerse a un hecho incontestable: el negocio de la música pop en España, a partir de los años 90, excepto para 4 privilegiados, no da dinero, al menos a los artistas. Muchos músicos se creian que por el hecho de tocar en la banda ya debian cobrar y mandar como si del líder se tratara. Vale, eso quiza era posible en un conjunto normal de pop-rock. En Cool Jerks no era posible eso, porque la banda era M. A. Julián. La democracia no podía existir en una big banda de soul como Cool Jerks. Las fugas y deserciones en los grupos son muy a menudo dolorosas y dejan un reguero de resentimiento, malrollo y sabor amargo. Y, lo siento por los morbosos, pero dejo zanjado el tema este. Ade51
más, de habladurias odiosas de bocazas, chismes de internet, dimes y diretes, no pienso hablar. THERE’S A LIGHT BEYOND - EPÍLOGO FINAL. En 1996 Julian edita en la británica Everlasting records el último LP oficial de los Jerks. Salió de gira y volvieron los problemas. Saca un CD recopilatorio de sus Eps y decide dejarlo estar definitivamente en lo que al estudio se refiere. Así y todo, no disolverá oficialmente al grupo hasta 1999 (al cumplirse los 10 años de vida del combo), un poco quemado con todo/s. Aunque hasta finales de 1999 no dejaría de tocar, (por ejemplo en la multitudinaria fiesta del 10 aniversario de la sala Siroco de Madrid) presentado y acompañado de Juan de Pablos, la banda estaba en dique seco. En año 2001 Julián pone en marcha dos proyectos, su ansiada discografica propia, Soul Teller records y monta el grupo SouloopAttack que editará un disco titulado Comeback special orientado al soul pero con ritmos electrónicos. Estuvo secundado con dos miembros de la última formación de los Jerks, Enrique “Quique” Eizaguirre (que ayudaría además en las tareas de producción) y Cope Gutiérrez. A partir del 2005 Julián decide marcharse a vivir al Reino Unido, concretamente a la capital, Londres. Desde allí pondrá en marcha su proyecto defi-
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nitivo, Soul Tellers, su banda actual. Graba algunas canciones y en 2007 se las envia al productor norteamericano Willie Mitchell que decide producirle. Mitchell fue un gran productor soul en los 70, creador de Hi records en el estado sureño de Tennessee, tierra de gospel, blues, rock’n’roll y racismo, padre del sonido Memphis y prácticamente creador del fenómeno musical Al Green. En 2008 Julián y algunos musicos de la banda se van a los míticos estudios Royal de Memphis con Mitchell y durante cuatro semanas graban su primer larga duración como Soul Tellers, Healing with the feeling que venderá espacialmente en su actuaciones en vivo. El hecho de residir habitualmente en Inglaterra mantiene a Julian algo alejado de la actualidad española, pero sin embargo, los Soul Tellers no dejan de salir de gira en España y tocará allá donde le llamen. Los Cool Jerks, con todo y a pesar de su falta de éxito final, fueron, casi sin pretenderlo, a su manera, el primer intento de grupo de genuina música neo-soul nacional desde los 60. Un boom en España. Algo parecido, modestamente, claro esta. Fueron la primera gran banda española que desde los 60 se atrevia a montar un big combo de soul a la antigua usanza. Sólo por eso ya se merecian respeto, mucha más atención mediática de la que recibieron y más articulos como este. Ojalá este sirva para algo. Yo he hecho lo que he podido. Ellos pusieron las bases de los unos años sería una realidad. Otros grupos de neo-soul en España parecidos a lo Jerks, se lanzarian a la arena, por ejemplo los The Pepper Pots desde Catalunya en una onda Motown o desde una visión más mod, con toques retro rocksteady y northersouler, los granadinos Al Supersonic and the Teenagers. A nivel anglosajón y norteamericano, los reyes del cotarro, ya desde finales de los 90 y especialmente en los años 2000 se tiraron al rollo soul: con el enorme éxito de masas de Amy Winehouse, la carrera larga de la gran Sharon Jones and the Dap-Kings, con todo lo publicado por el bajista de su banda y productor, mr. Gabriel Roth (alias “Bosco Mann”) desde su sello “made in USA” de retro soul-funk, Daptone Records (Sugarman 3, Budos Band,...), o la música del joven Eli Paperboy Reed, han convertido al neo-soul del nuevo milenio en todo un boom musical, una moda supercomercial que vende miles de discos y abarrota las salas de medio mundo. Los Cool Jerks lo intentaron antes, modestamente, a su modo, en la España de los años 90. Merecen por esto toda nuestra atención y respeto, pues. Por ello, si encontrais alguna referencia del grupo en las tiendas, en formato vinilo o alguno de sus CD recopilatorios, no dudeis en comprarla.
REPASO DISCOGRÁFICO. La primera etapa. 1989-92. Los años del blanco y negro. En 1989 graban su primera maqueta que les sirve para darse a conocer y buscar compañía de discos. No será hasta 1990 ya con Rabia records-Fábrica magnética que dan el paso a editar su primera grabación seria, el EP de 4 temas Soul teller, ya con una banda en formato sexteto perfectamente conjuntada y engrasada. La primera formación de Cool Jerks era la siguiente: Miguel Ángel Julián, (“batanero”), a la voz, panderetas, el líder y el responsable de la composición de letras y música del grupo, José Gómez (“sastre”) a la guitarra y coros, David Roa (“lance) al bajo, Matías Navarro (“matemático”) a la batería, Miguel Ángel Abad (“johnny”) al piano, al órgano hammond y coros, Manuel Requena (“manual”) al saxo y la percusión. Les produjo David Gwynn (el mismo que lo haría en sus dos primeros LPs). Editaba Rabia records, distribuia La Fábrica Magnética. Portada famosa y bonita, la blanca del círculo cual sol con el nombre dentro del grupo en rojo y con las ondas concéntricas en negro que dan un toque de pop-psicodélico. Destaca la primera canción del EP, Soul teller, balada íntima en una onda muy de confesión mistica a la Otis Redding, con una preciosa melodía, supuso un clásico en su discografía, en sus directos y según muchos, es su mejor canción. Le sigue el tema bailongo I can’t turn you loose, un estandar del soul, muy buena versión del tema de Otis y Steve Crooper. Completan el EP, la canción Good old man, ritmo rapido de puro James Brown y Your Silhouette, canción lenta y triste muy cercana al Otis baladista. El EP sirvió de carta de presentación del grupo y sono en la radio, al menos en Radio 3. En 1991 editan su primer larga duración, Soul teller, en la Fábrica, que ya hace de discografica. Lleva una portada bastante fea y cutre, con la foto central en blanco y negro del grupo al completo posando. La precariedad, falta de medios o escaso interes de la discográfica se notan en todo. ¿tanto costaba pagar un diseño bonito para el LP? El disco es bien recido por crítica y público. No vendió grandes cantidades como hacian algunos grupos de los 80 pero les hizo conocidos. Entrevistas en revistas, reseñas periodísticas y articulos en fanzines. El Lp contenía 10 temas de soul-funk en la linea Otis-James Brown-Booker T anticipada en el EP anterior; todas las composiciones eran de Julián excepto un cover de Ike and Tina Turner People sure act funny. Yo destacaría los temas, ademas del Soul teller que incluian, Stop, stop, stop, A place with no name y This is my cry. Despues de movidas de dinero se van del grupo Requena (saxo), Roa (bajo), José Gómez (guitarra), Miguel Abad (órgano) y Matias Navarro (Batería), prácticamente la banda al completo. Son substituidos rápidamente por Julián por una formación nueva: Txuma Segura (Guitarra), Juan San Martín (bajo), Juan Carlos “Yayo” Morales (batería y percusiones), Fernando de la Casa (piano y organo hammond) y una sección de viento de 3 o 4 miembros: Patxi Urchegui (trompeta y coros), Juan Muro (Saxos) y los trombonistas Javier G. Lechago y
Manuel Villoria. Un grupo de 3 chicas coristas les acompañaran algunas veces en las grabaciones de estudio. Unos años más adelante, a partir de 1996, se incorporará a la alineación el magnífico teclista Cope Gutiérrez, amigo de Julián. Con esta formación graban en Madrid el segundo LP, Sweet & wild, (La Fábrica Mag.): 10 canciones de M. A. Julián, produce nuevamente el californiano David Gwyn. Sonido e influencias similares al anterior, Rhythm and soul, quizá con un cierto toque más rock y funk psicodélico 70 en algunos temas, por la mayor presencia del organo hammond y de guitarras (muchas con efecto de pedal wah-wah), cosa que anticipa la evolución posterior. Portada en b/n, sencilla, otra vez, bastante fea, con instantanea lateral en blanco y negro que recoge la imagen urbana de un hombre maduro de color, rollo años 20, en elegante traje blanco. No hay ahora fotos del grupo, sí una hoja interior con las letras, dedicatoria, agradecimientos y una imagen divertida de una negrita alegre. Destacaría los temas siguien-
tes: los 2 funkies sincopados a lo James Brown Gimme time (el único tema extraido como 7” de todo el LP) y Trappin’ you, un tema instrumental super-mod Cool flames (Cara B del 7” Gimme time), el soul pegadizo Oh, my Lord y la rockera Put yourself in my place. Desgraciadamente, ya que es un buen disco, aunque no mejor que el primero, pero que no vendió lo suficiente. La promoción de la discográfica, casi nula, tampoco ayudó. Las giras fueron bien aunque siempre en salas pequeñas. La segunda etapa. 1993-1999. Llega el color. Bienvenidos al Funk-rock. 53
A finales de 1993, Julián decide dejar atras el purismo R&B, el aire retro 60s y dar un paso adelante en todos los frentes: portada con fotos a color, eclecticismo, fuerza, mezcla, baile, espíritu alegre y bacilón a lo FacesRod Stewart, diversión, funk-rock, años 70, psicodelia, wah-wah, Santana, cambio de look (ropa deportiva, holgada, pelos largos, chalecos, aire hippie), melodias pegadizas y ritmos más duros, guitarras, canciones “radiables”, arranques stonianos. En primer lugar graban el EP de 4 temas titulado Pictures of her soul, que anticipará el que será su tercer LP. El Ep salió solo en formato cd e incluye un cover del tema Merry Christmas, baby popularizado por Elvis y la canción que da titulo al EP pictures acústico entre Dylan y Neil Young en el que demuestran que estan por encima de etiquetas y sectarismos. En 1994 editan Fantabulous crime, su tercer larga duración. Fue su mejor trabajo de estudio según la mayo-
ría de críticos musicales. Y es en verdad un gran disco. Julián cuenta con una banda estable y apuesta por abrir la paleta estilística. 10 temas que van a por todas desde el comienzo: Kill my wife, frenético pop soul, Out of date, funk bailable, Mercy es un funkie soul con barniz psicodélico, Gotta give her up , puro Faces, dos temas al estilo anterior, medio tempos de balada a la Otis Redding típico de los Jerks antiguos, Driver of my train y el tema Fantabulous crime. La canción Pleasure lies es pop funkerizado. Mi tema favorito del disco, un baladón precisoso, Nobody know how I feel down inside (conocida comúnmente como Nobody). Tras la salida del disco en 1994 inician una larga gira española, la “Fantabulous Soul Tour” que hasta 1995 los llevó a tocar en numerosos lugares de la geografía estatal. Entre esta gira, sacan tiempo para grabar otro EP Everybody needs love, en exclusiva para Radio 3. Este extended play de 4 te54A
mas sería su ultima referencia editada con La Fábrica Magnética, su sello de siempre que desde el 92 estaba K.O, y que en 1995 echaría el cierre definitivamente arruinado por las deudas. Su fondo musical sería absorbido por discos Lollipop. De las 4 canciones del EP dos son muchos más roqueras que todo lo anterior, la primera Don’t look for me recuerda al Eric Clapton de Layla y Everybody needs love es puro Van Morrison. El soul se reduce al mínimo. 1996 se presenta como el año de las novedades: en primer lugar, presentan nuevo sello discográfico, Everlasting records, británico, que tenía además una distruidora fuerte detrás, Caroline y en segundo lugar, un nuevo LP bajo el brazo, Soul to waste. Divertida portada con imagen de Julián en forma de gigante por cuya cabeza trepan los miembros de su grupo, sus músicos, diminutos. El disco presenta 11 temas en la linea del anterior disco, funk-rock melódico, rítmico y bailable con algún tema en la linea de balada soul.este disco sólo fue editado en formato compacto digital. Entre 1997 y 1999 la actividad del grupo se circunscribió únicamente a giras en directo por la geografia de España, la edición por parte del sello Lollipop de un cd recopilatorio con todos los extended play editados por la banda llamado The EP’s Collection (incluyendo una canción inédita de las sesiones del Sweet & wild llamada Call somebody), la grabación de una actuación de 30 minutos para el programa de RNE-3 que tambien emitía TV2 de madrugada, (“Los Conciertos de Radio 3”) y el bolo-fiesta de despedida final, el 9 de diciembre de 1999, décimo aniversario del grupo y 10 aniversario en la sala Siroco de Madrid; fue esta una fiesta-concierto entrañable, difícil de olvidar para M. A. Julián, con la presencia de un montón de amigos de siempre y fans del grupo. Y hasta aquí, el repaso a la vida y milagros de Cool Jerks, la primera banda de Miguel Angel Julián. A partir de 2000 monta otros proyecyos musicales, se traslada a Londres, conoce a Willie Mitchell, graba un disco con él en EEUU y hoy dia continua dando guerra desde su banda Soul Tellers. La historia musical de Miguel Angel Julián no ha acabado aún. Todavía esta vivo, my vivo. TO BE CONTINUED.
Ellas Dan El Golpe E
n 1992, la actriz, productora y directora, Penny Marshall, hermana del afamado escritor, productor y director Garry Marshall, dirigió y coprodujo Ellas Dan El Golpe (A League Of Their Own), con un reparto en el que figuraban nombres “importantes” de la factoría de Hollywood como Tom Hanks, Madonna, Geena Davis, Rossie O’Donnell, John Lovitz, Bill Pullman o Lori Petty. Esta comedia, basada en un hecho real, fue el cuarto filme de la cineasta como directora, tras sus largos Jumpin’ Jack Flash (1986), Big (1988) y Despertares (1990), no teniendo el éxito de sus antecesoras. Aún así, Ellas Dan El Golpe llegó a estar nominada a los Globos De Oro por la mejor actriz comedia/musical (Geena Davis) y mejor canción original a Madonna por ‘This Used To Be My Playground’. Más dedicada a su carrera como actriz, posteriormente dirigió otras películas poco convincentes como Un Poeta Entre Reclutas (1994), La Mujer Del Predicador (1996) o Los Chicos De Mi Vida (2001). Durante la Segunda Guerra Mundial gran parte de los hombres de los Estados Unidos se desplazó al frente a luchar. En estos años de terror, el mundo miraba a la contienda; mientras, entre otros, los campos de béisbol quedaban vacíos. No había tiempo para el deporte... O al menos, para el masculino. En 1943, un grupo de mujeres creó una liga femenina de béisbol, para evitar que este deporte desapareciera. Dottie (Geena Davis) y Mae (Madonna) son dos de sus integrantes; dos madres de familia capaces de competir como cualquier hombre que tendrán que hacer frente a su pésimo entrenador, Jimmy Dugan (Tom Hamks), un muy buen ex jugador de béisbol pero actualmente un alcohólico con
Vicente Ribas
bastantes malas pulgas. Sin duda, la parte importante del filme recae en su banda sonora. Con una música compuesta por uno de los pesos pesados de la historia musical hollywoodiense, Hans Zimmer, Ellas Dan El Golpe se rodea de ejemplares temas interpretados artistas contemporáneos así como canciones escritas expresamente para el largometraje: Madonna (This Used To Be My Playground), Carole King (Now And Forever), The Manhattan Transfer (Choo Choo Ch’Boogie y On The Sunny Side Of The Street), James Taylor (It’s Only A Papper Moon y I Didn’t Know What Time It Was), Billy Joel (In A Sentimental Mood), Art Garfunkel (Two Sleepy People), Doc’s Rhythm Cats (Flying Home), Hans Zimmer (Life Goes On y The Final Game) y The Rockford Peaches (The All American Girls Professional Baseball League Song), son las canciones que se escuchan en la película. Curiosamente, su tema principal y nominada como Mejor Canción Original en los Globos de Oro de 1992, ‘This Used To Be My Playground’, de Madonna, compuesta para la película no apareció en la BSO editada por Columbia Records en 1992. Muchas son las especulaciones que si hicieron al respecto sobre ello pero nunca se llegó realmente a decir un “¿por que?” de lo que pasó, aunque lo que prevalece sobre todo habla de los derechos de Sire Records sobre la cantante norteamericana y Columbia. Se editó un single, maxisingle y videoclip con escenas de la película. Resumiendo. No es el mejor filme de Penny Marshall, ni la mejor interpretación de la Reina del Pop, que de todos es sabido que el mundo del celuloide nunca ha sido su fuerte, pero nos quedamos con la notable interpretación de Virginia Elizabeth Davis (Geena Davis) en lo que fue su décimo largo, ganadora de un Óscar por la Mejor Actriz de Reparto en 1988 por El Turista Accidental y nominada a otra citada estatuilla (esta vez como Mejor Actriz Principal) por Thelma y Louise en 1991, amén de ser nominada a la Mejor Actriz Comedia/Musical de los Globos de Oro de ese año por Ellas Dan El Golpe.
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Badlands
Chals Roig
Sala Wah Wah (Valencia, 20-02-2015) El viernes 20 fui a ver a los Arizona Baby a la Sala Wah Wah, ya era delito no haber visto a una de las mejores bandas de este país en directo. Y vale, esto iba a ser la crónica del concierto del Sr. Vielba, el Doctor Tosco y Mr. Marrón, que oigan, estuvo la mar de bien. Pero es que quedé prendado del grupo valenciano Badlands, que por cierto había visto el año pasado abriendo para The Fakeband. Entonces ya me gustaron en su acercamiento a las sonoridades americanas, bluegrass y country en un sentido auténtico atendiendo a los géneros, en aquella primera toma de contacto me transportaron a través de su repertorio por los grandes nombres de la América profunda, incluso tuve la sensación de estar ante una banda en mitad de Nashville, ó en un bar de carretera perdido en Texas, y vale, yo sé que la apariencia no tiene importancia, pero ver cantar con esa emoción a una especie de cruce entre actitud Chrissie Hynde e interpretación Emmylou Harris me impactó cuanto menos. En principio la cosa quedó ahí y apunté el nombre, aunque sabía que no sería la última vez que oiría hablar de Badlands. Efectivamente para más satisfacción, Cisco Fran y La Gran Esperanza Blanca adelantaron una de las canciones de su último disco con la colaboración de May May Ibáñez en los coros y el violín de Rafa Adrián Ureña. Rebusqué un poco más y les encontré ganadores del concurso de bandas emergentes organizado por el Murray Club. Y finalmente mi rendición total fue este viernes. En su repertorio se dan la mano standards del género como ‘Over In The Gloryland’ y ‘Will The Circle Be Unbroken’, con canciones de reciente factura como ‘The Devil Is All Around’ y ‘Fish Assassin’ de Shovels & Ropes, y ‘Laundry Room’ de los Avett Brothers. También verdaderas joyas de versiones, verles cantar en directo el ‘I’ve Just Seen A Face’ de los Beattles es de cosquillas en el estómago, y les hace escapar de la simple consideración de cover-band con el rescate de canciones de bella factura como ‘1952 Vincent Black Lightning’ de Richard Tompson, interpretada con soltura y con mucho estilo, y donde ‘Homecoming’ de su puño y letra empasta perfecta entre los clásicos, saben por donde pisan y se les ve verdaderos apasionados del género. Yo creo que hasta el señor Vielba se percató del potencial de la banda, que en sus palabras de halago a no más tardar la primera de sus canciones se dejaba entrever un algo de sorpresa. Su música no busca decir nada nuevo, no hay nada alternativo ni moderno en la propuesta, pero ojo que tampoco hay una intención kitsch y/o vintage, no dudo de sus intenciones y me los creo. Opino respecto a Badlands que dentro de unos estilos en los que ya se 56
ha dicho todo, tienen su propia personalidad y mucho potencial. Un muy buen directo, violín y banjo con mucho oficio y muy bien tocados, acústicas sin ninguna ostentación pero rascadas a la perfección, y percusión básica con mucho swing, canciones que se apoyan mayormente en la interpretación sobria y apasionada de May May Ibañez, y donde es imposible no acordarse de Patsy Cline, al igual que de los discos que grabaron las divas del country a finales de los 60 y principios de los 70, Emmylou Harris y Linda Ronstadt por poner dos, y todo como si se hubiera tragado un trocito de lengua de John Fogerty por su potencia y por ese cantar con todo, un chorro de voz que al mismo tiempo vocaliza claro y sin vibratto que valga, en más de una ocasión me llegó a emocionar e incluso provocó la ovación espontánea en algunos momentos del concierto, transmiten mucha pasión por lo que hacen. Al terminar fui a la mesa del merchandising en busca de algún disco, para mi sorpresa aún no han sacado nada, según me contaron el próximo mes verá la luz su primer EP, y bien os digo que si capta la mitad de la fuerza que desplegaron el pasado viernes ya os podéis ir olvidando de los bonitos floreros de voz-morritos que nos traen de Nashville, Badlands es la respuesta para los amantes del country y el bluegrass de pura cepa. Sr. Manolo Fernández, avisado estás. Si tenéis cerca un concierto de Badlands no dudéis en comprar la entrada.
Gener
Chals Roig
Octubre CCC (Valencia, 07-03-2015)
Les cançons de Gener em semblaren especials inclús mal-escoltades en l’streaming del seu bandcamp, em cridaren poderosament l’atenció. El fet que d’El Temps del Llop ells apunten en la seva nota de premsa “...acostant a la sensibilitat mediterrània influències tan diverses com Jeff Buckley, Grizzly Bear, Fleet Foxes, Feist o Elliott Smith...”, és prou com per a parar i plantar les orelles. I per damunt de que tot allò que surt de Llevant sembla que té que dur el “mediterrani” estiga o no justificat, be sabeu que si en un mateix enunciat es troben Jeff Buckley i Elliot Smith no em cap altra opció que trobar el moment i el temps per a constatar si això és cert, doncs no és pertinent, pense jo, esmentar en va els noms d’aquestos dos sants dels anys 90. Salvant les distàncies al disc hi ha un punt proper a la intensitat sonora i profunditat lírica dels artistes esmentats, en detalls i en la intenció, pel que fa als altres grups suposo que són els grups generacionals que han servit a Carles Chiner per a enllaçar cap a estils més llunyans en el temps, blues, folk i soul bàsicament. Al meu parer, al disc els trobe més a prop dels My Morning Jacket i Bon Iver (segon disc), i més que pensant en el copycat, per l’essència del seu groove, amb un sabor a r&b i rock dels seixanta, i riffs de roots arenós cap a arpegiats del rock suau tocat pel country dels primers setanta, detalls aquestos que apareixen de manera més subliminal. Apuntalada la meva opinió sobre este disc de manera més personal a les reflexades en la nota de premsa, tenia moltes ganes de veure com Carles Chiner se les apanyava per a portar el disc al directe, que a pesar de les meues petites puntualitzacions, de moment és el meu preferit per damunt d’escenes, idiomes i procedències. Em va avisar ell mateix abans del concert que estava més orgullós de les cançons quan sonaven en directe, jo pensava (per a mi) que ho deia amb humilitat i modèstia, potser pel fet que el disc se’l va fer tot ell i amb la banda la cosa canviaria. Però només co-
mençar va entonar el seu Espiritual ell sol amb la guitarra i em vaig quedar bocabadat, aquest xic té el soul corrent per dins, una de les millors veus que he escoltat en temps, per la tècnica i pel feeling. Va continuar amb una de les highlights del disc, El temps del llop té un ritme que enganxa, tot un hit, Contrallum torna a treure el soul molt més que al disc, la slide bluesera i suggerent de Sargantana balear obri pas al folk, la història d›una ciutat Al voltant d›un riu sec on res pot créixer, sona sublim, una crítica molt fina, sensacional es poc, com ho és El meu ofici és complaure al vent una cançó que amb sensibilitat onírica descriu el difícil ofici d›escriure cançons, aquesta hauria de ser la millor cançó dels Ovidi, valga la meva supèrbia i el fet de que l›any oficial encara està en curs, però ho afirme novament si cal perquè el que fa ací és lo més proper que mai s›estarà de Jeff Buckley en aquest país. Les harmonies vocals CS&N a cinc veus en D›un poble del sud ja em guanyen al cent per cent, sembla un cant tret dels camps de treball de cotó del sud americà, cosa que ens ve niquelat tenint en compte el nivell que els ciutadans hem de suportar a nivell de treball, expectatives de futur i diners. Gener ens regalaren per a acomiadar-se dues cançons inèdites, Cançó de Bressol, de les poques fetes conjuntament amb la nova formació, i Focs al cel un nou cant al desencant i a l›agredolç sentiment d›orgull valencià, tot siga dit, amb l›incomparable i esperpèntic marc de les falles en ple esclat. Si, el disc està molt bé, ho reafirme de nou, continua sent un dels meus preferits dels últims temps, per la presentació i el fantàstic disseny del format físic, pel concepte, per la seva manera de comunicar aquest desencant dels temps que corren sense caure en l›obvietat, un discurs intel·ligent de lirisme poètic que cala ben endins. Però en definitiva li done tota la raó, potser que aquest soul i aquest regust a r&b més proper als anys seixanta, juntament a unes harmonies vocals a cinc veus molt aconseguides, fan del directe una experiència prou superior al disc, anotant que la banda que ha format Chiner no es limita a l›acompanyament, es denota que senten cada vers cantat, estan al projecte al cent per cent i roden junts com un grup, ha nascut un gran grup. Només em queda demanar a tot aquell que tinga l›oportunitat, que per favor no es perdi aquest directe perquè més enllà de qualsevol adjectiu o influència que jo puga atribuir-los ací, la música de Gener et mou per dins, t›eriça la pell i et fa sentir el soul. Només una última recomanació, feu un tast al seu bandcamp, no us arrepentireu. (http://mesdemil.bandcamp.com/album/gener-eltemps-del-llop) 57
The Essence
Geles Piquer
Sala Rock City (Almassera, Valencia, 14 - 03 - 2015) Tras una sorprendente banda murciana que respondía al nombre de Clara Plath, la cita principal en la Rock City ese día venía de la mano de los holandeses The Essence. Gran aceptación de público para ver a unos de los grupos fetiche de la Valencia de la década de los 80, que una vez más visitaban la ciudad levantina. Al ver a Hans Diener, George Tan y Mark Tan, parecía que no había pasado el tiempo, deleitando al personal con un repertorio que la gente se conocía al dedillo. Uno de los momentos dulces fue cuando interpretaron en español ‘Un Espejismo’, adaptada a nuestro idioma por Vicente Comes “Paloma” en 1987, que casualmente se encontraba en la sala y se emocionó cuando vio que todo el mundo la coreaba. Antes, la banda ya la había interpretado en su versión original (‘A Mirage’), y es que principalmente gracias a esta canción se origi-
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nó una unión muy cercana por aquel entonces entre Valencia y “La Esencia”. ‘Temas como ‘Encores’, ‘The Cat’, ‘Endless Lakes’, ‘Only For You’, ‘Out Of Grace’ o ‘Bleed’, fueron algunas de las canciones que nos electrizaron…. Y final explosivo: La versión del ‘Rebel Rebel’ de David Bowie, la ya citada ‘Un Espejismo’, y como no, cerrando con una extensa ‘A Forest’ de The Cure, banda que siempre estará ligada a la música de The Essence y a la voz de Hans Diener.
YO ESTUVE ALLÍ
The Kinks
Julia Navas
Plaza De Toros de El Bibio (Gijón, Asturias, 16-05-1986)
Hace muchos años –demasiados- visité el paraíso. Shangri-La se materializó en la polvorienta arena del tendido de una plaza de toros: la de El Bibio de Gijón. No recuerdo quién dio la noticia, pero sí que los primeros momentos de escepticismo se convirtieron en pleno éxtasis cuando nos aseguramos de que no era una broma: los Kinks incluían Asturias en su gira española. Veo cómo los años se van solapando, pero la pasión por la música sigue viva en quienes compartimos vivencias y conciertos. Y no es difícil adivinar que ciertas canciones actúan como un antídoto contra la senectud del alma y del espíritu. Dejaremos escrito en nuestro último adiós que suene Salvation Road, Death of a Clown o… Rock and Roll Fantasy. Me produce vértigo pensar que la primera vez que pusieron un pie en España para tocar fue el año de mi nacimiento: 1966, en una especie de cabaret que después, casualidades de la vida, sería rebautizado como Yulia, donde parece que se armó la de San Quintín. Este era un país que se andaba buscando a sí mismo; muy perdido en cuanto a asuntos musicales se refería. El público, de lo más heterogéneo: músicos, ye-yes, matones, policía… Otros dos grupos amenizaron la velada: Los Silver`s y Micki y los Tonys. Cuentan que éstos últimos, haciendo gala del pecado más arraigado de nuestras gentes: la envidia, llevaron «amiguetes» para que boicotearan a los ingleses. Pero, en cuanto sonó el riff de guitarra del You really got me, quedó claro quiénes eran allí los Reyes: ¡Larga vida a los Kinks!... para que así, volvieran veinte años después. En esta ocasión seríamos unos anfitriones a la altura de las circunstancias: menos recalcitrantes, menos
trogloditas, menos trileros. Teníamos otra oportunidad para borrar el mal sabor de boca que les dejó su anterior visita, ya que, con disculpas trasnochadas, los promotores se habían negado a pagarles el caché prometido, liquidando tan sólo los gastos del viaje y la estancia. ¿Beatles o Rolling? ¿Rolling o Beatles? Os voy a dar la respuesta: ¡The Kinks! Madrid, Sevilla, Barcelona, ¡Gijón! y San Sebastián. 1986 fue el año donde muchos empezamos a creer que los milagros existían; Dios nos visitó vestido con una simpática chaqueta british de cuadros y unos cuantos culines de sidra encima. Nunca he sido mitómana en exceso, pero el ambiente de aquella noche y sus protagonistas, exaltaron al más compuesto. Tribus de toda índole en absoluta hermandad: mods, rockers, punks, gente «normal»… Hubo una comunión, un banquete donde nos alimentaron con sublimes canciones mientras ellos se nutrían de aquel manto invisible de energía fluyente. El propio Ray Davies confesó a Mikel Barsa, como éste cuenta en su biografía, “The Kinks”, que «las vibraciones entre público y grupo, fueron especiales». Y que recordaba este concierto como uno de los más emocionantes de su carrera. «Gijón, forma ya parte de la historia del grupo», comenta el autor. Queda todo dicho. Y una nebulosa de recuerdos: entre todos habíamos batido la arena del coso gijonés con nuestros pies. Cuando las luces se encendieron al final del concierto, parecíamos ángeles con sonrisa beatífica de oreja a oreja con las ropas polvorientas, blancas…
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EL RINCÓN DEL LOCO Salvador Pérez Cuñat
Desde el día 6 de octubre de 1984 hasta el día 25 de Junio de 1988, TVE emitió en las mañanas de los sábados, el programa infantil-juvenil LA BOLA DE CRISTAL. Dirigido por María Dolores Rico Oliver (Lolo Rico), constaba de varios bloques entre los que se encontraba un apartado dedicado a la emisión de actuaciones musicales y videoclips. Del paso de LOQUILLO por el programa, encontramos las siguientes publicaciones en diferentes formatos... LA BOLA DE CRISTAL (Hispavox, 1985. Referencia 60-160-331) Álbum homónimo publicado en vinilo 12” por Hispavox en 1985. Contiene diez canciones del programa interpretadas por Olvido Gara (Alaska) y Loquillo. Todos los temas fueron grabados en los estudios Doublewtronics e Hispavox, de Madrid y Odyssey de Londres. Incluye «El pupitre de atrás» (cantan: Loquillo y Alaska) y «Va por la ciudad» (canta: Loquillo). LA BOLA DE CRISTAL (Hispavox, 1985. Referencia 60-260-331) Edición en casete del LP. LA BOLA DE CRISTAL: ABRACADABRA / VA POR LA CIUDAD (Hispavox, 1985. Referencia 45-445-248) Single vinilo 7» extraído del álbum que incluye el tema interpretado por Loquillo «Va por la ciudad». LA BOLA DE CRISTAL: ESCLAVA DEL MAL / VA POR LA CIUDAD (Hispavox, 1985. Referencia 094) Single vinilo 7» en edición exclusivamente promocional, prohibida su venta. Incluye el tema «Va por la ciudad» (canta: Loquillo). LA BOLA DE CRISTAL: NO SE RIA / EL PUPITRE DE ATRAS (Hispavox, 1986. Referencia 104) Single vinilo 7» en edición exclusivamente promocional, prohibida su venta. Incluye el tema «El pupitre de atrás» (cantan: Loquillo y Alaska). LA BOLA DE CRISTAL (Hispavox, 1996. Referencia 7243-8-53926-27) Edición holandesa en CD que incluye los diez temas aparecidos en el álbum de 1985. Con «El pupitre de atrás» (cantan: Loquillo y Alaska) y «Va por la ciudad» (canta: Loquillo). LOQUILLO Y TROGLODITAS: LOS VIDEOS (EMI, 1998. Referencia 4-92164-3) VHS que recopila hasta el momento todos los videoclips de Loquillo. Un total de diecinueve, entre los que se encuentra en el corte nº4 el correspondiente al tema «Va por la ciudad». Actuación en el programa de TVE, LA BOLA DE CRISTAL. 1978-1998 (EMI, 1998. Referencia 7243-4-98086-21) Recopilatorio doble CD, conmemorando en la carrera personal de Loquillo el XX Aniversario subido a un escenario. En el CD nº1, pista nº4, tema «Va por la ciudad». Existen varias ediciones con diferentes números de matriz. HISTORIA DE UNA ACTITUD. 25 AÑOS DE ROCK & ROLL (EMI, 2002. Referencia 7243-5-43746-09) Edición limitada en cofre con libreto, que incluye 2 CD + 1 DVD. En el DVD, pista nº4 el videoclip actuación en el programa de TVE, LA BOLA DE CRISTAL interpretando el tema «Va por la ciudad». HISTORIA DE UNA ACTITUD. 25 AÑOS DE ROCK & ROLL (EMI, 2003. Referencia PE02V04) DVD Promocional que incluye veintitrés videoclips y una entrevista con Loquillo. La pista nº4 el videoclip actuación en el programa de TVE, LA BOLA DE CRISTAL interpretando el tema «Va por la ciudad». 60
¿QUE TIENE ESTA BOLA?. LAS CANCIONES DE LA BOLA DE CRISTAL. (SUBTERFUGE RECORDS, 2003. Referencia 21308CD) Edición en doble CD que incluye treinta temas que aparecen tanto en el programa, como en las secciones que incorporan actuaciones musicales y videoclips. Hasta el día de hoy, es la edición con mayor número de títulos, entre los cuales encontramos en el CD nº1, pista nº5, la canción «El pupitre de atrás», y en el CD nº2, pista nº6, la canción «Va por la ciudad». NOSOTROS SOMOS LOS ELECTRODUENDES (SUBTERFUGE RECORDS, 2003. Referencia 21309CD) Los Electroduendes interpretan diecisiete temas de la banda sonora del programa. En la pista nº15 encontramos una divertida versión de «El pupitre de atrás». LA BOLA DE CRISTAL. EDICION ESPECIAL Nº2 (CIRCULO DIGITAL S.L., 2003) Perteneciente a la colección en ocho DVD de una selección de programas completos y sus apartados de la mano de Circulo Digital bajo licencia de RTVE. En este segundo DVD, y dentro de la sección «Acordes en espiral», dedicada a la emisión de videoclips musicales, aparece el tema «El pupitre de atrás». Este mismo título aparece en el quinto DVD interpretado por Alaska. LA BOLA DE CRISTAL. EDICION ESPECIAL Nº10 (CIRCULO DIGITAL S.L., 2004) En esta nueva colección en DVD, se publica como segunda temporada una nueva selección de programas completos y sus apartados. En este decimo DVD, aparece el tema «Va por la ciudad». LA BOLA DE CRISTAL: 1984-2004 (SUBTERFUGE RECORDS, 2004. Referencia 21352CD) Pack especial XX Aniversario que incluye el doble CD «¿QUE TIENE ESTA BOLA?. LAS CANCIONES DE LA BOLA DE CRISTAL» y el CD «NOSOTROS SOMOS LOS ELECTRODUENDES», publicados ambos títulos por Subterfuge en 2003. LOQUILLO. ROCK AND ROLL STAR. 30 AÑOS/ 1980-2010 (Warner Music Spain, 2009. Referencia 2564685600) Magnifica edición de lujo que conmemora los treinta años de carrera de Loquillo. En el CD nº5 INEDITOS Y RAREZAS, pista nº17, tema “Va por la ciudad”. En el DVD ARCHIVO TVE: LA BOLA DE CRISTAL 1984, aparecen los videoclips actuación de los temas “Va por la ciudad”, “María” y “Enamorado de la dependienta de la tienda de patatas fritas”. ¿QUE TIENE ESTA BOLA?. LAS CANCIONES DE LA BOLA DE CRISTAL. (SUBTERFUGE RECORDS, 2011. Referencia 21794SUB) Nueva edición por parte de Subterfuge que incluye una selección de la banda sonora del programa de televisión. Un total de quince títulos en los que aparece en la pista nº5 el tema «El pupitre de atrás», interpretado por Loquillo y Alaska. Como rarezas y piezas de coleccionistas, podemos encontrar el siguiente material: - Edición en CD+DVD de la «TERCERA GRAN FIESTA DEL ESTUDIANTE Y LA RADIO» en el Palacio de los deportes de Madrid, celebrado en 1984. Incluye el tema «Va por la ciudad». - Edición en CD+DVD de los «FESTIVALES DE NAVARRA» en Olite, celebrado en 1984. Incluye el tema «Va por la ciudad». - Edición en DVD de las actuaciones en el programa de TVE, LA BOLA DE CRISTAL. Incluye los videoclips en alta calidad de los temas «María», «Enamorado de la dependienta de la tienda de patatas fritas», «El pupitre de atrás» y «Va por la ciudad».
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Pollo Estilo Balue Por Ángeles Balue (Media Luna)
Aquí os dejo una receta fácil de preparar y que espero os guste tanto como a mi. Es una receta cocinada con pollo a la cual no sabría ponerle un nombre porque ya la cocinaba mi abuela, pero está riquisíma y podeis improvisar vosotros mismos. Únicamente en esta ocasión y para la revista, la llamo Pollo estilo Balue.
INGREDIENTES: (6 personas) 1 Pollo entero 2 Cucharadas de aceite vegetal 1 Taza y media de agua 1 Taza de caldo de pollo 2 Cucharaditas de sal ½ Cucharadita de pimienta 3 Cebollas grandes, en cuartos 1 Taza de guisantes 1 Taza de zanahorias, en rodajas 1 Taza de papas en cubos ½ Taza de maíz fresco o congelado 1/3 de taza de harina mezclada ½ taza de agua
Limpia y corta el pollo. Pon los trozos de pollo en una olla grande con el aceite vegetal caliente. Dora por todos lados a fuego alto. Luego pon el agua y el caldo de pollo, junto con la sal y pimienta. Cocina de 35 a 45 minutos más. Añade las cebollas, los guisantes, las zanahorias, el maíz y las papas. Cocina otros 45 minutos más, siempre tapado a fuego medio. Mezcla el agua fría con la harina y cuando ya no tenga grumos añade al guisado. Deja cocinar 10 minutos y sirve caliente con un buen arroz blanco. Bien, pues esta es una receta que desde que la preparé en casa por primera vez se ha convertido en un plato que a mi y mi familia nos encanta y se ha convertido en un imprescindible en nuestra mesa. Espero que os guste.
Lomo a la Naranja
Por Juan José Jiménez (Media Luna)
Aqui os dejo una receta de un plato que me gusta enormemente y suelo concinar muy a menudo; espero que a vosotros tambien os guste. Un abrazo a todos y mucho rock&roll.
INGREDIENTES: (4-6 personas) 1 kg. Caña de Lomo en un trozo 4 Naranjas 2 Cebollas 2 Dientes de Ajo Perejil Aceite de Oliva Sal Pimienta Negra
Ponemos la sal y la pimienta negra por todos los lados de la caña de lomo. Con las naranjas hacemos un zumo de naranja. Cortamos la cebolla en juliana. Ponemos una cazuela al fuego, a poder ser del mismo tamaño que la caña de lomo, y le añadimos aceite de oliva. Cuando el aceite esté hirviendo le pondremos el lomo que doraremos por todos los lados, a fuego rápido. Cuando el lomo esté dorado le añadimos la cebolla, y los ajos cortados por la mitad. Lo sofreiremos todo y una vez la cebolla esté transparente, le añadiremos el zumo de naranja y el perejil. Taparemos la cazuela y dejaremos cocer a fuego lento, controlando que no le falta jugo. Si es necesario le iremos añadiendo agua hirviendo. A media cocción, cambiamos de cazuela, ya que el lomo se encoje y es conveniente que la salsa cubra el lomo. Le añadiremos más agua hirviendo y dejaremos cocer. Daremos la vuelta al lomo para que vaya cociendo de una forma uniforme. Dejaremos enfriar el lomo para cortarlo en rodajas. Trituraremos la salsa y calentaremos el lomo y la salsa en la cazuela y ya estará listo para servir.
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LA MIRADA DE CHUCK
Cercana y desconocida (Valencia, Julio 2012)
Alzar el vuelo (Valencia, Octubre 2011)
Mirada perdida (Lliria, Octubre 2012)
George “The Essence” (Alzira, Marzo 2012)
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Fotografías Ana Sánchez
Gotas” (Valencia, Junio 2008)
Compañeros ( Valencia, Octubre2011)
Ley de vida (Valencia, julio 20112)
El fin del día (Valencia, Marzo 2013)
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LOS MUCHOS MUNDOS DE GÁLVEZ El Agente (Parte 2/3)
José Gálvez
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legó al edificio propiedad de la compañía donde se encontraban las oficinas centrales y se presentó a la nueva secretaria. Ya era habitual que ocurriera eso cada vez que volvía por allí; estaba más que acostumbrado. En realidad toda su vida había sido así. Había perdido la cuenta de las secretarias que había conocido sentadas tras esa mesa. - Hola, soy Baas. Tengo cita con el jefe – le dijo - Un momento por favor. Después de un instante de silencio donde se supone que estaría recibiendo información en el implante del córtex, y anotaciones fluctuantes delante de su retina, la secretaria le volvió a hablar: - El Sr. Soom lo atenderá de inmediato. Puede pasar a su oficina. Al fondo del pasillo a la derecha. - Gracias Para entrar y salir del pasillo había que pasar por debajo del arco de seguridad. A pesar de las veces que lo había hecho, nunca se acostumbraba a la pequeña descarga que se producía al ser analizado. Después de un interminable pasillo con estupendas vistas a la polución exterior, llegó al despacho de Soom. Entró sin llamar. Esta vez sí que le sorprendió la decoración. La oficina era un cuadrado transparente, y en la pared del fondo tras un escritorio estaba sentado su jefe. En una de las paredes laterales se podía ver una antiquísima estantería de auténtica madera que provenía – siempre según Soom – de la mismísima Tierra. También decoraban la estancia unos senso-cuadros flotantes que cambiaban de diseño dependiendo de las emociones sensoriales de los presentes. - Hola Baas, ¿cómo estás?- le recibió el jefe con un apretón de manos- Hola Soom. Bien. No me puedo quejar. He tenido días peores - Has tardado mucho tiempo esta vez -Sí, cada vez es más difícil. La gente ya empieza a oír cosas de nosotros y cada vez costará más hacer el trabajo -Siéntate Baas – le indicó con un ademán de su mano-. Ayer nos llegó el primer envío que hiciste. Todo bien como siempre. ¿Para cuándo el segundo? - No creo que tarde mucho en llegar. Lo hice desde el siguiente mundo que paré, para no llamar la atención, aunque ya sabes que alguno de los mundos de ahí fuera son bastante especiales con el tema de los
envíos y se demoran bastante en papeleos, informes, revisiones y demás asuntos varios. - Cuéntame cómo fue todo esta vez - Bueno, el problema principal era llegar a donde estaba el profesor Staanz. Primero tuve que ir hasta el planeta Zarmina, porque sabíamos que vivía allí, y luego localizarlo a él. El planeta sabes que gira en torno a una estrella, pero la duración de su día es la misma que la de su año, con lo que tiene una cara siempre iluminada y otra cara siempre en la sombra. Tanto una como la otra son inhabitables por las temperaturas extremas que se alcanzan, y solo está habitada la zona del terminador. Allí es donde tienen el astropuerto, y por ende donde descienden todos los vuelos. Una vez recogí el equipaje me dirigí a Zarmi, la capital, y me hospedé en un hotel de la ciudad. A partir de ahí tuve que empezar las averiguaciones. Fuera de las zonas delimitadas los forasteros no somos muy bien recibidos, y debido a que los Zarminos son bastante más bajos de estatura que nosotros por el tema de la gravedad, era bastante fácil saber quién era forastero y quién no, así que tuve que ser bastante cuidadoso con lo que preguntaba. Al ir como científico se me abrieron bastantes puertas, pero aun así tuve muchos problemas en llegar a donde estaba él. Resulta que ahora vivía en una ciudad científica subterránea llamada Zarna. Se encontraba haciendo experimentos y pruebas de biología en temperaturas extremas, y estudiando la relación de ciertos organismos con el entorno. Es una ciudad que se encuentra cuatrocientos kilómetros dentro de la parte oscura del planeta y donde solo se puede llegar con viajes en forma de caravana de provisiones que parten desde la capital cada cierto tiempo. Continuará….
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EN UNA GALAXIA MUY CERCANA… El Misterio De Las Ovejas Eléctricas
Pedro Torromé
«Yo he visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto Rayos-C brillar en la oscuridad, cerca de la puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir.» BLADE RUNNER vuelve a nuestro país en su versión Final Cut (montaje final), la edición del 25 aniversario del film que el propio Scott considera como la versión definitiva de Blade Runner. Precisamente, este Final Cut ya pudo disfrutarse en 2007 (en conmemoración al aniversario original de la cinta), y en 2015 regresa para mostrarnos los nuevos planos introducidos (o retocados), con una revisión de la banda sonora (que corrió a cargo del compositor griego Vangelis) y, como no podía ser de otra manera, con una cuidada calidad digital habituada a los cines actuales, remasterizada y en alta definición. Basada en la novela corta del escritor norteamericano de ciencia ficción Philip K. Dick titulada ¿Sueñan los androides con ovejas eléctrica?, y nos introduce en el personaje de Rick Deckard, un policía del siglo XXI (interpretado por un joven Harrison Ford) que tendrá que dar caza a una especie de robots inteligentes y rebeldes conocidos como los replicantes. Los fanáticos de Blade Runner siempre han discutido sobre la verdadera naturaleza de su protagonista, Rick Deckard, y sobre si era o no era un replicante; irónicamente, pues se dedicaba a cazarlos. Pero más de 30 años después de su estreno, su director Ridley Scott por fin ha dado una respuesta al respecto. Si prefieres no conocer la verdad o directamente no quieres saberlo, no sigas leyendo … «Sin duda es un replicante», ha respondido Ridley Scott en una entrevista con Digital Spy. Eso es lo que asegura el director, que anima a la audiencia a revisar, por
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ejemplo, la secuencia onírica con el unicornio para corroborarlo. Harrison Ford, que interpretó a Rick Deckard, nunca tuvo la suerte de que Scott le contara la verdad. «Nunca tuve una respuesta», comentó Ford en 2013. «Él no pensaba que fuera importante». Actualmente, se está preparando una secuela de Blade Runner (en fase de pre-producción) en la que Scott es uno de los productores y que volverá a contar con Ford para interpretar al agente Deckard. Será producida por Ridley Scott, quien ya la llevó a la pantalla en 1982 y dirigida por Denis Villeneuve y guión de Hampton Fancher, Michael Green. Esperemos no nos defraude.
ROCK & FASHION Queloti
Geles Piquer
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egentada por Raquel Martínez, Queloti, que su tienda física en septiembre cumple 5 años de vida, es un comercio de diseño de moda inspirado en los años sesenta. Los artículos se realizan de manera artesanal con tejidos de gran calidad y con un esmerado patronaje y acabado. Todos los diseños se ejecutan, desde la elección de tejidos hasta su acabado final, íntegramente en su propio taller, en el que cuidan cada detalle para que cada diseño sea especial. Disponen de tallas standard y también confeccionan a medida, dando la posibilidad, en algunos casos, de variar los colores del diseño. Queloti elabora y vende toda clase de zapatos, pantalones, camisetas, abrigos, faldas, vestidos de novia o bolsos, pero su producto estrella son los vestidos, que van destinados principalmente a una clientela amantes de la moda vintage sesentera, del sixtie pop o de la imagen de Audrey Hepburn. Raquel, también diseñadora, tiene más de veinte años que le avalan dedicada a su profesión, por lo que pone verdadero cariño en la creación de cada una de sus prendas, teniendo por norma que todos sus clientes queden satisfechos con el producto. Queloti se distribuye en todo el mundo a través de su venta online, y tienen tienda de venta directa en Madrid, Calle Velarde 2 (Metro Tribunal), 28004. También ofrecen venta al por mayor; si tienes una tienda y te interesa vender sus productos, ponte en contacto con ellos a través de:
www.queloti.com www.facebook.com/queloti queloti@queloti.com Teléfono. 91 444 31 45
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