Julio 2015 by evolucionarts

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Frases del mes Para llegar a ser verdaderamente inmortal, una Obra de Arte debe exceder todos los límites humanos. La lógica y el sentido común lo único que hacen es interferir. Pero una vez que esas barreras se rompen, entrará en el reino de las ”visiones y sueños de la infancia Giorgio de Chirico Las obras de arte nacen siempre de quien ha afrontado el peligro, de quien ha ido hasta el extremo de la expe� riencia, hasta el punto que ningún humano puede rebasar. Cuanto más se ve, más propia, más personal, más única se hace una vida Rainer María Rilke El arte no es casto, debería prohibírselo a los ignorantes inocentes, no poner jamás en contacto con él a quienes no están suficientemente preparados. Sí, el arte es peligroso Si es casto, no es arte Toda obra de arte debe ser seductora y si por ser demasia� do original se pierde la cualidad de la seducción, ya no hay obra de arte Pablo Picasso Cómo! ¿Nada de crítica? No. El genio es una entidad¡ como la naturaleza, y quiere, como ésta, ser aceptado pura y simplemente. Una montaña se toma o se deja. ¡Hay gente que hace la crítica del Himalaya piedra por piedra! Todo en el genio tiene su razón de ser. Es porque es. Su nombre es el reverso de su luz. Su fuego es una consecuencia de su .llama. Su precipicio es la condición de su altura Victor Hugo

Directorio

ALFREDO LEAL G DIRECCION GENERAL ARTURO MEDINA DIRECCION

DAVID CHAVEZ DIRECCION EDITORIAL ALEJANDRO OROPEZA DANIEL BARRERA JACOBO SALAZAR DIRECCION ARTISTICA LIXZART JAIME AYALA EDICION LOUDES FERNANDEZ ALFREDO LINCH DISEÑO JOSUE HERNANDEZ MERCADOTECNIA. FRANCISCO URRICA DAVID BORJA FOTOGRAFIA JESUS ROJAS JOSE CRUZ JURIDICO COLABORADORES SELMA CARMONA LILIANA ESPERANZA LYA ALVES ANGIE MARCAS JOSE MARIA PORTILLO VERONICA NANNI SALVADOR SOTRESS LUIS MENDOZA CARLOS PARDO VIRGINIA CUEVAS

CONTENIDO MUSEO GUGGENHEIM BILBAO Un museo sin igual CRISTINA RUIZ Imaginacion sin limites EL LAGO DE LOS CISNES Un clasico del ballet ANALIA DE LASEE Grafica digital ANTONI GAUDI Un genio del siglo pasado ANGIE MARTINEZ CASTRO Creativida y fuerza en su obra contenido METROPOLIS Una pelicucula que no puedes dejar de ver MARUCA RUIZ Una explocion de color y armonia CARL ORFF Uu genio que nadie olvidara LILIANA VELARDE Expresion sin igual LA ESFINGE Mitologia

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Guggenhe

l Museo Guggenheim Bilbao (en euskera, Guggenheim Bilbao Museoa; en inglés, Guggen� heim Museum Bilbao) es un museo de arte contemporáneo diseñado por el arquitecto cana� diense Frank O. Gehry, y localizado en Bilbao (País Vasco), España. Es uno de los museos perte� necientes a la Fundación Solomon R. Guggenheim. Fue inaugurado el 18 de octubre de 1997 por el rey Juan Carlos I de España.

iseñado por el gabinete de arquitectos de Frank Gehry, fue abierto al público en 1997 y alberga exposiciones de arte de obras pertenecientes a la funda� ción Guggenheim y exposiciones itinerantes. Muy pronto el edificio se reveló como uno de los más espectaculares edificios decons� tructivistas. El diseño del museo y su construcción siguen el estilo y métodos de Frank Gehry. Como muchos de sus trabajos anterio� res la estructura principal está radicalmente esculpida siguien� do contornos casi orgánicos. El museo afirma no contener una sola superficie plana en toda su estructura. Parte del edificio es cruzado por un puente elevado y el exterior está recubierto por placas de titanio y por una pie� dra caliza que fue muy difícil de encontrar (al final se logró encon� trar en Huéscar, Granada) de un color similar a la que se utilizó para construir la Universidad de Deusto. El edificio visto desde el río apa� renta tener la forma de un barco rindiendo homenaje a la ciudad portuaria en la que se inscribe. Sus paneles brillantes se ase� mejan a las escamas de un pez recordándonos las influencias de formas orgánicas presentes en muchos de los trabajos de Gehry.

Visto desde arriba, sin embargo, el edificio posee la forma de una flor. Para su diseño el equipo de Gehry utilizó intensamente simulaciones por ordenador de las estructuras necesarias para mantener el edifi� cio, consiguiendo unas formas que hubieran sido imposibles de reali� zar unas pocas décadas antes. Mientras que el museo domina las vistas de la zona desde el nivel del río su aspecto desde el nivel superior de la calle es mucho más modesto por lo que no desentona con su entorno de edificios más tradicionales.

Este arquitecto era entonces considerado un experto en re� habilitaciones. Se organizó, por motivos exclusivamente legales, un concurso en 1991 que duró diez días. En él participaron Iso� zaki, los de Coop Himmelb(l)au, y Gehry. Evidentemente, este último arquitecto lo ganó y fue entonces cuando decidió no ha� cer la rehabilitación pretendida por la Fundación Guggenheim.

Gehry prefirió diseñar un nuevo edificio y eligió, junto con To� mas Krens, su emplazamiento. Se situaría al norte del centro urbano, junto a la ría de Bil� bao. Escogió este preciso lugar a Fundación Guggenheim porque el museo podría ser visto es poseedora de una gran colección de arte y del Museo Gu� desde tres lugares estratégicos ggenheim de Nueva York. Thomas de la ciudad. El 18 de octubre Krens, el director de esta organiza� de 1997 se celebró la gala de ción entre 1988 y 2008, dirigió una inauguración a la que acudieron importantísimos arquitectos y política de expansión basada en personalidades como los Reyes mandar fondos itinerantes con el fin de hacer exposiciones tempora� de España. Además de esta les en diferentes lugares. También fiesta, hubo muchas campañas mediáticas que lanzaron a la quiso establecer dos centros de fama este edificio incluso antes arte en Europa, por lo que eligió de ser terminado. Estas campa� dos ciudades: Berlín (Alemania) ñas siguen existiendo al día de y Bilbao. Para esta última, se hoy. propuso rehabilitar un antiguo almacén, la Alhóndiga municipal, Este proyecto recibió el Premio para albergar ahí la sucursal de su fundación. Solicitó los servicios Internacional Puente de Alcánta� de Frank Gehry por la calidad que ra en 1998. demostró en el Museo Temporal de Arte Contemporáneo.

eim Bilbao Las exposiciones en el museo cambian

frecuentemente y contienen principalmente trabajos realizados a lo largo del siglo XX siendo las obras pictóricas tradicionales y las esculturas una parte minoritaria comparada con otros formatos e instalaciones artísticas y formatos electrónicos. Algunos entusiastas del arte consideran que el edificio en sí está muy por encima de las obras que forman parte de la colección del museo.[cita requerida] En los últimos años, de acuerdo a la política general de los centros Guggenheim, se han incluido exposiciones de arte antiguo, acaso con el deseo de captar más público. Así, se han expuesto dibujos de Miguel Ángel, pintu� ra antigua del Ermitage de San Petersburgo, grabados de Durero (2007) y una selección de pintura y objetos antiguos del Kunsthistoris� .)ches de Viena (2008 En 2005, se instaló, como parte de la colección permanente y propia del museo, La mate� ria del tiempo, una serie de siete esculturas monumentales creadas por Richard Serra,5 y que se unen a Serpiente (Snake), la escultura realizada por el artista para la inauguración del .museo

l interior del museo es menos complicado que el exterior pero también tiene elementos cur� vos. Aunque en general el interior es muy diáfano, se pueden distinguir tres plantas. La entrada principal del museo está al final de unas escaleras exteriores que comienzan en la plaza antes descrita y bajan hasta el nivel de la planta baja. Sobre las puertas de la entra� da hay una pared acristalada que no cubre nada. Hay una parte de la planta baja que es sótano y que está cerrada al público. Desde la entrada se accede direc� tamente al hall, una enorme habitación de 50 metros de altura con una planta en forma de flor. Da acceso a la Gran Sala, a las que tiene forma de pétalo, a las que son rectangulares y a la terraza de la marquesina que está en la cara norte. Esta marquesina tiene un solo pilar muy alto que da esbeltez a la estructura. Bajo el grueso techo de la misma hay una estructura metálica que lo sujeta. En el centro del hall hay un enorme pilar. Además hay ascensores, pasarelas y escaleras que comunican con las plantas superiores. Las formas interiores del hall no siguen las formas geométricas y tiene partes recubiertas de piedra y otras acristaladas. La sala más grande del museo es la Gran Sala, conocida tam� bién por el nombre de la sala del pez, por su forma exterior. Es muy alargada y alberga obras artísticas de enorme tamaño, algunas de las cuales son tem� porales y otras permanentes. Hay salas con la planta en forma de pétalo. A éstas se accede desde el hall, al igual que la Gran Sala. En uno de los bloques de formas rectas hay una serie de salas de planta rectan� gular dispuestas en fila, es decir, una colocada detrás de otra sin pasillo que las comunique. En cada planta hay tres salas y para acceder a la última es necesario atravesar las dos primeras. Casi todas las salas del museo tienen lucernarios que dan una luz cenital muy interesante.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Guggenheim_Bilbao FOTO Museo Guggenheim Bilbao de Nicolas Vigier from Paris, France

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CRISTINA “L

o que trato de expresar por medio de mi pintura –nos comenta—son los sentimientos que la mujer se entrega para sí misma, así como los que otorga por su incuestionable ternura y por su animismo pasional; para que la persona al ver un cuadro mío se deje sentir así mismo en aquel instante en el que se detiene, despertándole emociones e inquietudes posibles; eso es muy importante para mí porque me agrada bastante, porque siento que estoy logrando mover a la gente. Si no pongo una figura humana en mi cuadro, como que siento que no tiene espíritu. “ Con una carrera artística de quince años teniendo maestros como Arturo Rivera y Raúl Anguiano, la pintora Cristina Ruíz se inicia con la nobleza del óleo definiendo su actitud plástica en Florencia, Italia, lugar en el que siguió estudiando diferentes técnicas, algunas de ellas con un toque más actual dedicándose por ello un poco más al acrílico sobre hojas de oro con diferentes texturas, siendo un poco más modernista su estilo pictórico.

RUIZ E

n su obra se puede ver la constante reflejo del espíritu humano que aflora por medio de la piel, comunicándonos con nuestro otro yo a través de los colores, las pinturas y el mismo sentimiento que nos muestra el rostro. Su más reciente exposición colectiva se realizó en Julio del año en curso “14 Artistas Mexicanas” en San Francisco, E.U.A., siendo una experiencia motivadora que la hizo volver a su estudio con ganas de seguir expresando su creciente creatividad artística; ya que tuvo la fortuna de estar en otras galerías, teniendo la oportunidad de compararse con otros pintores de excelente calidad.

“L

o malo de hoy en día es que se le tiene que poner un precio alto, de millones de dólares, a la obra de arte para que ésta sea considerada como una creación de muy buena calidad; y eso efectivamente no tiene nada que ver con la calidad de la obra. Veo pintores que tiene una muy buena calidad, con un contenido maravilloso y que por necesidad venden sus cuadros por unos cuantos pesos, lo cual no tiene que desmeritar su contenido artístico

na mujer con una sensibilidad de movimiento constante, enriquecida con música de tenue andar y poesía sensorial; tendría que darnos invariablemente, lo que por fortuna, la pintora nos da en cada una de sus obras pictóricas siendo el tema la belleza humana interior que aflora inevitablemente a través de la epidermis femenina.

“L

o que yo les recomendaría –nos comenta— a todos los pintores, escultores y demás artistas plásticos; es que no midan la perfección de sus obras a través del supuesto avalúo que se les da y también en aquellos instantes en los que su obra está expuesta en alguna galería, no se desmotiven en el momento de sentir que a la mayoría de la gente que ve su pintura no le agrade ya que todos tenemos un sinfín de puntos de vista, por lo cual quienes se dedican a la cuestión artística tiene que seguir pintando sin importar el resultado. Sigan realizando más obra sacando lo que llevan dentro; porque un día podrían ha llegar a ser reconocidos y ojalá que famosos, dejando huella en éste mundo. Los grandes desde su inicio algunos de ellos fueron terriblemente criticados o murieron en la miseria, y después resultaron ser los grandes artistas plásticos; es por ello que no nos tenemos que dejar llevar por el que dirán y por los diferentes gustos, sino realmente por lo que uno lleva dentro y lo que uno quiere expresar. “ concluye. DAVID CHÁVEZ.

http://www.arqka.com Camino Santa Teresa 13, Pedregal del Lago, MĂŠxico D.F. info@ArqKa.com

EL LAGO DE LOS CISNES

l lago de los cisnes (en ruso Лебединое Озеро / Lebedínoye óziero) es un cuento de hadas-ballet estructurado en cuatro actos, que fue encargado por el Teatro Bolshói en 1875 y se estrenó en 1877. La música fue compuesta por Piotr Ilich Chaikovski; se trata de su op. numero 20 y es el primero de sus ballets. En la producción original la coreografía fue creada por Julius Reisinger. El libreto se cree que fue escrito por Vladimir Petrovich Begichev y Vasily Geltser, basándose en el cuento alemán Der geraubte Schleier (El velo robado) de Johann Karl August Musäus.

a primera representación tuvo lugar el 4 de marzo de 1877 en el Teatro Bolshói de Moscú.4 Contrario a su gran reconocimiento actual, esta obra estuvo rodeada de reveses desde su estreno; además de su pobre producción inicial, de la cual se han perdido algunos registros, las creaciones de la música y la original coreografía no fueron paralelas debido a desacuerdos técnicos entre las partes, pues Chaikovski (poco familiarizado con la composición de ballets) trabajó de forma rápida, innovadora y despreocupada en una partitura que terminaría desconcertando a Reisinger. Todo ello hizo que la obra no fuese bien aceptada ni por el público ni por la crítica la cual se expresó con palabras como “difícilmente se convertirá en un ballet de repertorio y nadie lo va a lamentar”5 Sin embargo, el 15 de enero de 1895 en el Teatro Mariinski de San Petersburgo esta misma obra logra su primer gran éxito con una nueva coreografía a cargo de Marius Petipa y Lev Ivanov.

“El lago de los cisnes bailado con la música de Chaikovski es, actualmente, uno de los más reputados títulos del ballet mundial y una de las mayores exportaciones artísticas de la Rusia imperial, así como una de las obras emblema del compositor. Bailarines tan geniales como Anna Pávlova y Rudolf Nuréyev han dejado su huella en esta duradera obra maestra. Composición.

os orígenes del ballet El lago de los cisnes son bastante oscuros y, como hay muy pocos registros concernientes a la primera producción de la obra que hayan sobrevivido, solamente cabe especular sobre quién fue el autor del libreto original. La teoría más autorizada atribuye su autoría a Vladimir Petrovich Begichev, director del Teatros Imperiales de Moscú durante el tiempo en que el ballet fue producido originalmente, y Vasily Geltser, bailarín del Teatro Imperial Bolshói de Moscú. Pero muy probablemente Desde entonces, numerosas Geltser solo fue la primera persorevisiones y puestas en escenas na en copiar el escenario para su mantuvieron fresca esta subespublicación, puesto que una copia timada obra de modo que para conservada lleva su nombre. El mediados de los años 40 del siglo primer libreto publicado del ballet XX empezó a ser ampliamente y la música compuesta por Chaireconocida como paradigma del kovski no se corresponden en ballet. muchas partes.

De ello se puede inferir que el auténtico primer libreto publicado posiblemente fue elaborado a mano por un escritor del periódico quien había visto los ensayos iniciales. Las nuevas producciones de óperas y ballets siempre se publicaban en los periódicos de la Rusia Imperial, junto con sus respectivos escenarios.

egún dos de los parientes de Chaikovski, su sobrino Yuri Lvóvich Davydov y su sobrina Anna Meck-Davydova, el compositor había creado anteriormente un pequeño ballet llamado El lago de los cisnes en su casa en 1871. Este ballet incluía el célebre leitmotiv conocido como el tema del cisne o canción de los cisnes.4 7 Begichev encargó la partitura de El lago de los cisnes a Chaikovski en 1875 por un precio bastante modesto de 800 rublos. Begichev pronto comenzó a elegir artistas que participarían en la creación del ballet. El coreógrafo asignado a la producción fue el checo Julius Reisinger, que había sido contratado desde 1873 como maestro de ballet en el Ballet Imperial del Teatro Bolshói de Moscú (hoy conocido como el Ballet Bolshói). Se desconoce qué tipo de procesos de colaboración hubo entre Chaikovski y Reisinger.

arece que en un principio Chaikovski trabajaba sin pleno conocimiento de los requisitos específicos de Reisinger.8 Chaikovski probablemente tenía algún tipo de instrucción al componer El lago de los cisnes, ya que tenía que saber qué tipo de danzas se requerirían. Pero, a diferencia de las instrucciones que el compositor recibió para las partituras de La bella durmiente y El cascanueces, en esta ocasión no hay instrucciones por escrito que se hayan conservado. Cuando Reisinger comenzó la coreografía una vez terminada la partitura, exigió algunos cambios a Chaikovski. Al exigir la adición o eliminación de una danza, Reisinger dejaba claro que él iba a ser una parte muy importante en la creación de esta pieza. Aunque se pidió a los dos artistas que colaborasen, cada uno pareció preferir trabajar tan independiente del otro como fuera posible. Proceso compositivo.

l entusiasmo de Chaikovski con El lago de los cisnes es evidente por la rapidez con la que compuso. Encargado en la primavera de 1875, la pieza se creó en un año completo. Sus cartas a Serguéi Tanéyev a partir de agosto 1875 indican sin embargo, que no sólo era su emoción lo que le obligó a crear tan rápidamente, sino su deseo de terminarlo lo más pronto posible a fin de permitirle empezar a trabajar en una ópera. En primer lugar, creó partituras de los tres primeros números del ballet, luego la orquestación durante el otoño e invierno y todavía estaba luchando con la instrumentación en la primavera. El 10 abril de 1876 el trabajo estaba completo.4 La mención de Chaikovski de un borrador sugiere la presencia de algún tipo de resumen, pero no se conoce la existencia de borrador alguno. Chaikovski escribió varias cartas a sus amigos expresando su deseo de muchos años de trabajar con este tipo de música, así como su entusiasmo acerca de su estimulante, aunque laboriosa tarea actual. Representaciones

l estreno fue 4 de marzo de 1877, Teatro Bolshói de Moscú; coreografía de Julius Reisinger; dirigido por Stepan Ryabov; escenografía de Karl Valts (Actos 2 & 4), Ivan Shangin (Acto 1), Karl Groppius (Acto 3). 1880 y 1882, Teatro Bolshói de Moscú; coreografía de Joseph Hansen, mismo director y diseñadores que en el estreno. 1895, Teatro Mariinski de San Petersburgo; con coreografía de Marius Petipa (Actos 1 & 3), Lev Ivanov (Actos 2 & 4); dirigido por Riccardo Drigo; escenografía de Ivan Andreyev, Mikhail Bocharov, Henrich Levogt; diseño de vestuario de Yevgeni Ponomaryov9 1901, Teatro Bolshói de Moscú; con coreografía de Aleksandr Gorsky; dirigido por Andrey Arends; escenografía de Aleksandr Golovin (Acto 1), Konstantín Korovin (Actos 2 & 4) y N. Klodt (Acto 3). 1911, producción de los Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev en Londres; con coreografía de Michel Fokine siguiendo a Petipa-Ivanov; escenografía de Golovin y Korovin.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/El_lago_de_los_cisnes

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Analia De Lasee

Pintota con un extraordinario manejo de la imagen por computadora “ Ella comenzó a pintar desde los seis años de edad, estudió decoración de interiores agradándole el manejo de la acuarela y el acrílico; teniendo como base el dibujo técnico y con el afán de crear las ambientaciones en edificios, departamentos y casas, buscando el confort en el espacio interior, para con ello dar claridad, modernismo y tranquilidad.

“ Lo que se necesita –nos dice la pintora—es promocionar ha todos aquellos pintores, escultores y artesanos de los diferentes estados de la república mexicana, con la finalidad de crecer tanto urbana, social y culturalmente. Los artistas jóvenes requieren proyectarse en primera instancia en el gran número de galerías con las que contamos en nuestro país, para no verse delegados y así buscar espacios en el extranjero con el objetivo de ser tomados en cuenta; hay muchísimo talento en todas las áreas del arte y yo no Esto fue lo que la motivó a tomar he visto qué un solo movimiento clases de acuarela, óleo y dibujo; sea el impulsor y encause hoy en aquel momento ella no tenía en día de todas y cada una de las en mente que todo ése estudio grandes experiencias plásticas pictórico la llevaría a crear las con las cuales contamos en éste obras que le han entregado una nuestro México que otorgado y enorme satisfacción propia, pues seguirá dando no solamente a sus desde el principio ha preferido ciudadanos, sino que también mas crear que copiar. a gran parte del mundo una El gusto enorme que tiene hacia constante visión creativa que ha la figura, nos puede fácilmente englobado en sus situaciones transportar a situaciones propias un sentir humano, milenarias cargadas de misticismo verdadero y real . “ y magia que podrían bien ser Lo que hizo que realmente aún vigentes; en cuanto a su interesara a la pintora Analía de pintura urbana, esta tiene que ser Lassé en la cuestión plástica, anecdótica, contándonos algo de lo que alrededor nuestro acontece era todo lo que su señor padre realizaba en la casa que tenían en teniendo especial atención en el Estado de Morelos la manera de desarrollo y sobre vivencia de los llamados niños de la calle.

lugar en cual reunían no solamente a toda la familia sino que también atraían a una parte del poblado que de alguna manera se interesaba en las obras de teatro que exponía la misma familia; en las cuales su padre era el productor y como ella no tenía una gran aptitud y gusto por la actuación, realizaba todo lo referente al diseño y montaje del escenario. Hoy en día ella trabaja como coordinadora de los talleres de artes plásticas en el Instituto Politécnico Nacional, lugar que le otorgó la magnífica posibilidad de evolucionar su obra utilizando los instrumentos que otorga la computadora para poder manejar su sensibilidad y crear a través de ella manipulándola, dándole así efectos diversos al escanearlas e introducirlas al software en Paint Broushe, Free Tland, Point 4 y 6 , Painter y Corel Drow; siendo algunos de éstos programa de diseño, descubriendo que en ellos se pueden realizar magnificas imágenes que satisfacen su movilidad artística. DAVID CHÁVEZ.

Antoni Gaudi

audí fue un arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen, así como una gran capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras antes de pasarlas a planos. De hecho, pocas veces realizaba planos detallados de sus obras; prefería recrearlos sobre maquetas tridimensionales, moldeando todos los detalles según los iba ideando mentalmente. En otras ocasiones, iba improvisando sobre la marcha, dando instrucciones a sus colaboradores sobre lo que debían hacer

otado de una fuerte intuición y capacidad creativa, Gaudí concebía sus edificios de una forma global atendiendo, tanto a las soluciones estructurales, como las funcionales y decora� tivas. Estudiaba hasta el más mínimo detalle de sus creaciones, integrando en la arquitectura toda una serie de trabajos artesanales que dominaba él mismo a la per� fección: cerámica, vidriería, forja de hierro, carpintería, etc. Asi� mismo, introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los materia� les, como su famoso “trencadís” hecho con piezas de cerámica de desecho. Después de unos inicios influen� ciado por el arte neogótico, así como ciertas tendencias orien� talizantes, Gaudí desembocó en el modernismo en su época de mayor efervescencia, entre fina� les del siglo XIX y principios del XX. Sin embargo, el arquitecto reusense fue más allá del moder� nismo ortodoxo, creando un estilo personal basado en la observa� ción de la naturaleza, fruto del cual fue su utilización de formas geométricas regladas, como el paraboloide hiperbólico, el hiper� boloide, el helicoide y el conoide.

La arquitectura de Gaudí está marcada por un fuerte sello perso� nal, caracterizado por la búsqueda de nuevas soluciones estructu� rales, que logró después de toda una vida dedicada al análisis de la estructura óptima del edificio, integrado en su entorno y siendo una síntesis de todas las artes y oficios. Mediante el estudio y la práctica de nuevas y origina� les soluciones, la obra de Gaudí culminará en un estilo orgánico, inspirado en la naturaleza, pero sin perder la experiencia aportada por estilos anteriores, generando una obra arquitectónica que es una simbiosis perfecta de la tradición y la innovación. Asimismo, toda su obra está marcada por las que fueron sus cuatro grandes pasio� nes en la vida: la arquitectura, la naturaleza, la religión y el amor a Cataluña. La obra de Gaudí ha alcanzado con el transcurso del tiempo una amplia difusión internacional, siendo innumerables los estudios dedicados a su forma de entender la arquitectura. Hoy día es admi� rado tanto por profesionales como por el público en general: la Sagra� da Familia es actualmente uno de los monumentos más visitados de España.3 Entre 1984 y 2005 siete de sus obras han sido considera� das Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Antoni Gaudí nació el 25 de junio de 1852, hijo del indus� trial calderero Francesc Gaudí i Serra (1813-1906) y de Antònia Cornet i Bertran (1819-1876). Era el menor de cinco herma� nos, de los que sólo llegaron a edad adulta tres: Rosa (18441879), Francesc (1851-1876) y Antoni. Los orígenes familiares de Gaudí se remontan al sur de Francia, en Auvernia, desde donde uno de sus antepasados, Joan Gaudí, vendedor ambulan� te, pasó a Cataluña en el siglo XVII; el apellido en su origen podría ser Gaudy o Gaudin

Se desconoce el lugar exacto del nacimiento de Gaudí, ya que no se conserva ningún documento que lo especifi� que, existiendo una contro� versia entre Reus y Riudoms (dos municipios vecinos y colindantes de la comarca del Bajo Campo) sobre la locali� dad natalicia del arquitecto. Aun así, en la mayoría de do� cumentos de Gaudí, tanto de su época de estudiante como en los de su época profesio� nal, figura como nacido en Reus. Sin embargo, el propio Gaudí manifestó en diversas ocasiones que era de Riudo� ms,

lugar de origen de su familia pa� terna.6 Lo que sí es seguro es que fue bautizado en la iglesia prioral de Sant Pere Apòstol de Reus el día después de su nacimiento. El nombre que consta en su partida de bautismo es Anton Plàcid Gui� llem Gaudí i Cornet.

Debido a estas creencias –y por motivos religiosos–, en ocasiones se entregaba a severos ayunos, tanto que en ocasiones ponía en peligro su propia vida, como en 1894, año en que cayó gravemen� te enfermo a causa de un prolon� gado ayuno.

Fuese como fuese, Gaudí sintió un gran aprecio por su tierra natal, lo que evidenciaba en su gran me� diterraneísmo, hecho que influyó notablemente en su arquitectu� ra: Gaudí decía que los pueblos mediterráneos tienen un sentido innato del arte y el diseño, que son creativos y originales, mientras que los pueblos nórdicos son más técnicos y repetitivos. En palabras del propio Gaudí: Nosotros poseemos la imagen. La fantasía viene de los fantasmas. La fantasía es de la gente del Norte. Nosotros somos concretos. La imagen es del Mediterráneo. Orestes sabe adónde va, mientras que Hamlet divaga perdido entre dudas.

Realizó sus primeros estudios en el parvulario del maestro Francesc Berenguer, padre del que sería uno de sus principales colabora� dores, y luego pasó a los Escola� pios de Reus; destacó en dibujo, colaborando con el semanario El Arlequín.15 También trabajó duran� te un tiempo como aprendiz en la fábrica textil Vapor Nou de Reus. En 1868 se trasladó a Barcelona para cursar enseñanza media en el Convento del Carmen de la ciudad condal. En su adolescencia estuvo cercano al socialismo utópico, rea� lizando junto con dos compañeros de estudios, Eduard Toda i Güell y Josep Ribera i Sans, un proyecto de restauración para el Monasterio de Poblet que lo convertiría en un falansterio utópico-social.

La estancia en su tierra natal le sir� vió asimismo para conocer y estu� diar profundamente la naturaleza, sobre todo durante sus estancias veraniegas en el Mas de la Calde� rera, la casa de los Gaudí en Riu� doms. Le gustaba el contacto con la naturaleza, por lo que posterior� mente se hizo miembro del Centro Excursionista de Cataluña (1879), entidad con la que realizó nume� rosos viajes por toda Cataluña y el sur de Francia. También practicó durante un tiempo la equitación, y hasta su vejez caminaba unos diez kilómetros diarios.

Entre 1875 y 1878 realizó el servi� cio militar en el Arma de Infantería en Barcelona, siendo destinado a Administración Militar. Pasó la mayor parte del tiempo rebajado de servicio a causa de su salud, por lo que pudo continuar con los estudios. Gracias a ello no tuvo que entrar en combate, pues coin� cidió en esas fechas con la Tercera Guerra Carlista.17 En 1876 tuvo lugar el triste suceso de la muerte de su madre, a los 57 años, así como la de su hermano Francesc a los 25, médico recién titulado que no llegó a ejercer.

El pequeño Gaudí era de naturale� za enfermiza, y padeció reumatis� mo desde niño, lo que le transmitió un carácter un tanto retraído y re� servado.10 Quizá por eso, de ma� yor se convirtió en vegetariano11 12 y en partidario de las teorías higienistas del doctor Kneipp

Cursó arquitectura en la Escuela de la Llotja y en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Bar� celona, donde se graduó en 1878. Junto a las asignaturas de arqui� tectura asistió a clases de francés y cursó algunas asignaturas de Historia, Economía, Filosofía y Estética.

Fuente:https://es.wikipedia.org/wiki/Antoni_Gaudi

Su expediente académico fue regular, con algún que otro suspenso; Gaudí se preocupaba más de sus propios intereses que de las asignaturas oficia� les.18 Elies Rogent, director de la Escuela de Arquitectura de Barcelona, dijo en el momento de otorgarle el título: Hemos dado el título a un loco o a un genio, el tiempo lo dirá.19 Para pagarse la carrera, Gaudí trabajó como delineante para diversos arquitectos y construc� tores, como Leandre Serrallach, Joan Martorell, Emilio Sala Cor� tés, Francisco de Paula del Villar y Lozano y Josep Fontserè.20 Quizá por eso, al recibir el título, Gaudí, con su irónico sentido del humor, comentó a su amigo el escultor Llorenç Matamala: Llorenç, dicen que ya soy arqui� tecto. El 7 de junio de 1926 Gaudí se dirigía a la iglesia de San Felipe Neri, que visitaba a diario para rezar y entrevistarse con su confesor, mosén Agustí Mas i Folch; pero al pasar por la Gran Vía de las Cortes Catalanas, entre las calles Gerona y Bailén, fue atropellado por un tranvía,42 que lo dejó sin sentido.43 Sien� do tomado por un mendigo, al ir indocumentado y a causa de su aspecto descuidado, con ropas gastadas y viejas, no fue socorrido de inmediato, hasta que un guardia civil paró un taxi que lo condujo al Hospital de la Santa Cruz.44 Al día siguiente lo reconoció el capellán de la Sagrada Familia, mosén Gil Pa� rés, pero ya era tarde para hacer nada por él. Murió el día 10 de junio de 1926,42 a los 73 años de edad, en la plenitud de su carrera. Fue enterrado el 12 de junio, con presencia de grandes multitudes que quisieron darle el último adiós, en la capilla de Nuestra Señora del Carmen de la cripta de la Sagrada Familia. En su lápida figura la siguiente inscripción:

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Angie

Martinez

acida en Barcelona (España), desde muy temprana edad muestra su interés por el arte , y el dibujo le apasiona. Su aptitud no pasa desapercibida y es estimulada tanto en su círculo familiar como en el escolar. Es premiada en varios certámenes de artes plásticas durante la infancia y la adolescencia: “más que por su perfecta ejecución, por la limpieza y riqueza absoluta del color y por su búsqueda constante de la “luz”…”, según el criterio de los distintos jurados. En toda ésta primera etapa artística recibe clases en las que además del pastel conoce el dibujo lineal, la témpera, el collage etc… La vida y sus acontecimientos hacen que el arte quede aparcado durante años, y la misma vida y sus acontecimientos son los que, pasados esos años y de nuevo animada por la familia (ésta vez la creada por ella), se inicie en la pintura al óleo de la mano del artista y profesor sevillano Javier Pérez Begines el cual la anima definitivamente a “explotar” su gran creatividad imaginativa y colorista y destaca de ella su marcado estilo personal… …

Castro

A partir de aquí simplemente se deja atrapar por éste mundo del arte y se deja llevar por su instinto y sus sensaciones sin más complicación… Plasma lo que siente como le gusta, y lo que ve como le gustaría que fuese… Pinta lo que sueña o sueña lo que pinta?…

as allá de etiquetas la obra de Angie Martinez Castro retoma valores olvidados por la historia de la creación humana sin cuestionamientos ni juicios prejuiciosos, la libre expre� sión del color así como la gran emotividad de sus formas es el resultado de largos años de ex� perimentación e interpretación del alma humana. La amplia trayectoria profesio� nal de este artista mexicano podemos ubicarla dentro de los valores artísticos mas sólidos en cuanto a madurez artística se refiere. Más allá de sus valo� res estéticos sus composiciones nos reflejan un marcado reflejo de la esencia del mismo artista, su sentir, sus anhelos su bús� queda y su personalidad.

TÍTULO: “EL MAR BAJO LA LUN LLENA” AÑO: 2009 MEDIDAS: 50cm X 40cm TÉCNICA: Óleo SOPORTE: Lienzo FIRMA: An.Mar.Cas. (Angie Marti Castro)

l arte mismo es un acto de za sus obras así como sus

inez

experimentación y evolución, de esta forma Angie Martinez Castro crea, prueba, arregla, estudia y anali� técnicas y procesos de creación continua, sin duda alguna un baluarte del arte español ----y universal

TÍTULO: “EL OLVIDO” AÑO: 2009 MEDIDAS: 50cm X 50cm TÉCNICA: Oleo SOPORTE: Tabla FIRMA: An.Mar.Cas. (Angie Martinez Castro)

”TÍTULO: “SOSIEGO

AÑO: 2008 MEDIDAS: 66cm X 102cm TÉCNICA: Oleo SOPORTE: Lienzo )FIRMA: An.Mar.Cas. (Angie Martinez Castro

TITULO: “DUNAS I” AÑO DE CREACIÓN: 2006 MEDIDAS: 111cm x 55 TECNICA: Oleo SOPORTE: Tabla FIRMA: An.Mar.Cas (Angie Martinez Castro)

TÍTULO: “LUNA SERENA” AÑO: 2010 MEDIDAS: 50cm X 40cm TÉCNICA: Oleo SOPORTE: Lienzo FIRMA: An.Mar.Cas. (Angie Martinez Castro)

TÍTULO: “ESPIANDO HORIZONTES” AÑO: 2009 MEDIDAS: 50cm X 50cm TÉCNICA: Oleo SOPORTE: Tabla FIRMA: An.Mar.Cas. (Angie Martinez Castro)

TÍTULO: “PURA ENERGÍA” AÑO: 2009 MEDIDAS: 50cm X 50cm TÉCNICA: Mixtas SOPORTE: Lienzo FIRMA: An.Mar.Cas. (Angie Martinez Castro)

FICHA TÉCNICA: TITÚLO: “DUNAS II” AÑO: 2006 MEDIDAS: 115cm x 52,5cm TÉCNICA: Óleo SOPORTE: Tabla FIRMA: An.Mar.Cas. (Angie Martinez Castro)

”!TÍTULO: “¡VIDA AÑO: 2009 MEDIDAS: 60cm X 60cm TÉCNICA: Mixta SOPORTE: Lienzo )FIRMA: An.Mar.Cas. (Angie Martinez Castro

FICHA TÉCNICA

TÍTULO: “EL TORO” AÑO: 2011 MEDIDAS: 50cm X 75cm TÉCNICA: Oleo SOPORTE: Lienzo FIRMA: An.Mar.Cas. (Angie Martinez Castro)

METROPOLIS

etrópolis (Metropolis) es un filme alemán realizado por la productora UFA. Se trata de una película de ciencia ficción dirigida por Fritz Lang cuya trama se constituye una distopía urbana futurista. Este filme fue estrenado originalmente en el año 1927, y antes de la cinematografía sonorizada. Se considera como uno de los máximos exponentes del cine expresionista alemán.

El guion fue escrito por Fritz Lang y su esposa Thea von Harbou, inspirándose en una novela de 1926 de la misma Von Harbou. Metrópolis es uno de lοs pocos filmes considerados Memoria del Mundo por la Unesco (otros son los films documentales de los hermanos Lumière, Los olvidados, dirigida por Luis Buñuel de 1950 y El mago de Oz de Victor Fleming de 1939). Fue el primero en poseer esta categoría, amparado en la vívida encarnación de toda la sociedad, y la profundidad de su contenido humano y social. El género de ciencia-ficción del La colaboración entre clases socia- cine mudo presenta la utopía, Fritz Lang le gustaba recordar les, en lugar de la lucha de clases, por lo general, en positivo, que la historia de Metrópolis recuerda sin embargo al nacional- mientras que Lang recurre a la nació en su viaje a Estados Unisocialismo y su ideología, pues era esclavización de los tiempos bídos, en octubre de 1924, viendo la estructura económica corporati- blicos para representar el futuro. desde su barco en la noche ante vista que defendía el programa del Las monumentales máquinas de el puerto neoyorquino los rascala ciudad subterránea proporPartido Nacional-Socialista de los cielos de la ciudad y las calles cionan a las clases bajas una Trabajadores de Alemania (NSiluminadas. Al regresar, Thea vida indigna, la masa humana DAP); ideología con el cual Thea von Harbou se pondría a trabajar von Harbou simpatizaba, contraria- es fácilmente manipulable y se en el guion. Esta inspiración se practican ritos medievales como mente a Fritz Lang. puede relacionar con el rodaje la quema de brujas. en la materialización de las ideas Lang dio a entender más tarde que visuales más que con el guion, Del cristianismo se toma la pala idea del corazón como mediaya que la historia estaba probarábola de la Torre de Babel: en dor entre la mano (la fuerza del blemente muy perfilada en julio la variante que se muestra que trabajo) y el cerebro (la capacidad de 1924. Von Harbou escribió asimismo una novela que se basó directora de la sociedad) era falsa los arquitectos y los trabajadores hablaban una misma lengua y que por ello ya no le gustaba en la trama de la película esta película. Tras esta opinión se pero no se entendían. También se rescata la figura de María, escondía la situación social que n la representación del orden se vivía y no un conflicto de orden que personifica el bien, así como social, Metrópolis se apoya el anuncio de la venida de un moral. Aunque la tesis central del por un lado en el marxismo: hay cerebro, la mano y el corazón per- redentor y la figura del falso dos clases sociales claramente profeta (el robot María) diferenciadas y separadas, en las tenece a Thea von Harbou, él era responsable de la misma, al meque una explota a la otra sin que nos en parte, como director de la haya posibilidades de medrar. La película que era. Lang, en realidad, «alienación del trabajo» podría estaba mucho más interesado en relacionarse con que haya algulos aspectos técnicos y arquitectónas máquinas sin una utilidad nicos del film que en el trasfondo reconocible. Por otro lado tampolítico de la trama. bién se critica el ideal de revolución socialista. El personaje del El discreto éxito de la película robot María, representado claramente como malvada, lanza a los entre el público de aquellos años también puede explicarse por ello, trabajadores a la lucha, y como ya que la imagen social desarroresultado destrozan su medio y llada en la historia se opone a las sustento, empeorando su situaapenas cuestionadas creencias en ción en lugar de mejorarla. el progreso que se tenían entonces.

etrópolis es una ciudad de rascacielos cuya arquitectura art decó recuerda a la de las ciudades más modernas de entonces, principalmente Nueva York, aunque la arquitectura de rascacielos surge en la escuela .de Chicago Entre los edificios se enmarañan las avenidas y las líneas del tren. Los edificios de la ciudad de superficie son de una estructura majestuosa, mientras que la ciudad de los trabajadores, subterránea, resulta más .sencilla, lacónica y sombría

Entre estos dos espacios básicos existen lugares con una arqui-

tectura propia y característica. En la ciudad superficial está la catedral, de líneas góticas, y la casa de Rottwang, un edificio antiguo, también de aires medievales, que se asemeja más al taller de un alquimista que al laboratorio de un científico; Lang y Von Harbou acordaron reconducir la idea original de proporcionarle a Rottwang capacidades mágicas. Además en la ciudad de la superficie hay un jardín que simboliza lo idílico de la vida para los directores de la ciudad y un barrio del pecado retratado con arquitecturas orientales, tradicionalmente asociadas a lo exótico, lo sensual y, desde ahí, a lo pecaminoso. En la ciudad subterránea se distingue además una zona de lo clandestino asociada con los espacios cavernosos donde la alegoría de la salvación de los trabajadores se representa mediante la imagen de los cristianos escondidos en las .catacumbas durante los tiempos de su persecución

La versión inicial de Metrópolis sufrió numerosos cortes

y modificaciones en su montaje, especialmente para su estreno en Estados Unidos, que desvirtuaron en buena medida el guion elaborado por Harbou y realizado por Lang. El metraje descartado fue dado por perdido, por lo que la versión conocida durante la mayor parte del siglo XX no era completa; aún así, en 2001 la película fue objeto de una profunda restauración en la que participaron numerosas filmotecas a nivel mundial, hecho que condujo a su designación como Patrimonio de la Humanidad. Sin embargo, en 2008 el investigador Fernando Martín Peña localizó una copia en Buenos Aires (Argentina), en formato de 16 mm, que si bien no presentaba el metraje completo sí incluía la mayor parte de él, lo que supuso la incorporación a la película de un total de 26 minutos prácticamente inéditos desde su estreno inicial. Lamentablemente, el estado de la copia era de mala calidad, pero permitió hacer un nuevo montaje bastante cercano al original, que fue comercializado en 2010

https://es.wikipedia.org/wiki/Metropolis_(pelicula)

evolucionarts

Maruca

“D

esde siempre quise hacer algo de pintura o escultura –nos dice—a pesar de que la sociedad e incluso la misma familia te dice que ¿ Qué te pasa . Yo a pesar de todo eso seguí estudiando y pintando, y aproximadamente hace unos catorce años tomé la decisión de dedicarme a lo que realmente me llama la atención de manera formal, entrando en talleres en México; viajando ha Arizona, EUA, para estar en cursos intensivos de dos meses que tiene su universidad en el rango de arte. A mi regreso seguí estudiando en el Centro Cultural de Arte Contemporáneo, México; actualmente estoy en el Taller de Escultura del mismo país Los que llamaron mi atención incluso actualmente, son los impresionistas que es el rompimiento para mi punto de vista con lo figurativo; pero los impresionistas que sin hacer una línea o el hacer algo representativo lograban formar cosas que se pueden ver en lo real y en éste rango en maravilloso color de Vangoh y sus imágenes son extraordinariamente grandiosos; incluso él inventaba sus propios colores haciendolo aún más genial

Ruiz

uando estoy haciendo alguna de mis imágenes empiezo a hacer líneas, metiendole materiales que se me ocurren como papel, tela, zacate, etc. Y lo adhiero; después intridusco el color con sus luces y sombras, comenzando ha aparecer con ello ciertas formas que de alguna u otra manera eran esperadas. “ Lo que busca con su obra es mover sentimientos en los instantes en el que ven su creación artística, para que el espectador se deje ir por si mismo dejando fluir un sinfín de imágenes y recuerdos ocultos o guardados incluso por él, por ella o por ti.

En sus imágenes pictóricas y escultóricas se pueden ver partes e incluso diminutos sucesos que enfocan una grandiosidad de nuestro propio entorno humano sensible que con el tan solo hecho de dejarnos llevar por su obra estaremos en contacto con algún posible sentir nuestro. El mismo dialogo de palabra no nos lo puede otorgar ya que la imagen visual mil veces se le adelanta; Tenemos que dejarnos llevar por la imagen.

“L

a pintora dice un poco más de lo que el dibujo habla “

Desde niña la llamó la atención la pintura rupestre, el óleo y la definición artística de Altamira; todo ello por la grandiosa forma en la que expresaban no solamente su único sentir, sino también la posibilidad de otorgarnos sensaciones que a pesar del tiempo transcurrido hoy en día nos dan tal ves la misma comprensión sensorial

os comenta que parte de México adolece por la falta del efecto de cultivar los conocimientos humanos que antecedieron he incluso siguen manteniendo nuestros propios indígenas de aquel bagaje cultural europeo que nos otorgaron en la conquista los españoles; hoy en día somos unos grandiosos mestizos con una facultad creativa posiblemente insuperable y el arte mexicano se encuentra en esa misma situación, lo único que le falta es promocionar más y otorgar becas a los artistas plásticos que en realidad necesiten ese dinero para seguir creando obra ya que a veces se les entrega a pintores, escultores, etc. Que en realidad tienen una solvencia económica con la cual pueden cubrir sus gastos artísticos. DAVID CHÁVEZ.

Carl

Orff

arl Orff (Múnich, 10 de julio de 1895 - ibídem, 29 de marzo de 1982) fue un compositor alemán, cuyo trabajo puede ser enmarcado dentro de la corriente del neoclasicismo musical. Fue conocido por su obra Carmina Burana y también por desarrollar un sistema de enseñanza musical para niños (Schulwerk o ‘método Orff’) que ha tenido notables resultados

arl Orff nació en Múnich, el 10 de julio de 1895. Su familia era originaria de Baviera y estaba vinculada al ejército alemán. Orff comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años y también tomó lecciones de órgano y cello. Sin embargo, se mostró más inte� resado en la composición que en el estudio orientado a la interpreta� ción instrumental. Por eso mismo, desde muy temprano Orff escribió y puso en escena obras de títeres para su familia, componiendo la música para piano, violín, cítara y glockenspiel para acompañar sus obras. Además, publicó en 1905 un cuento en una revista para niños y comenzó a escribir un libro acerca de la naturaleza mientras, en su tiempo libre, disfrutaba coleccio� nando insectos En 1912, a la edad de 16 años, comenzó a publicar parte de su música. Muchos de sus trabajos de juventud están inspirados en la poesía alemana. Por eso, se pueden clasificar dentro del estilo de Richard Strauss y otros compo� sitores alemanes de la época, pero que ya muestran indicios de lo que sería el distintivo lenguaje musical de Orff.

El trabajo más famoso de Orff,

Carmina Burana, se basa en la homónima Carmina Burana, una colección de cantos goliardos de los siglos XII y XIII reunidos en el manuscrito encontrado en Benediktbeuern en el siglo XIX. Escritos por monjes y juglares, la colección atrajo a Orff por lo diverso de sus versos que eran tanto humorísticos, tristes o sugestivos. Entonces eligió unos veinte al azar[cita requerida] y los arregló en crudas canciones para solistas y coro, acompañados por instrumentos y mágicas imágenes. Este trabajo ejemplifica la búsqueda de Orff por un idioma que pueda revelar el elemental poder de la música, permitiendo al oyente experimentar la música como una fuerza primitiva y abrumadora. La poesía de los Goliardos, que no solamente cantaba al amor y al vino, sino que también se burlaba de la clerecía, encajaba perfectamente en el deseo de Orff de crear una obra musical que apelara a la «musicalidad fundamental» que, como él creía, todo ser humano poseía. Absteniéndose de una desarrollada melodía y una compleja armonía [cita requerida] y articulando sus ideas musicales a través de sonidos básicos y patrones rítmicos fácilmente discerni� bles, Orff creó un idioma que muchos hallaron irresistible. A pesar del notable sentimiento «primitivo» de Carmina Burana, Orff creía que la profunda llamada de la música no era meramente física.

Maruca C

armina Burana forma la primera parte de la trilogía de las cantatas representadas llamadas Trionfi (Triunfos), todas basadas en textos latinos. La otras dos partes son Catulli Carmina y Trionfo di Afrodite.[cita requerida] La primera representación, en 1937, fue un gran adelanto estilístico que trajo rápidamente fama a Orff. Además, Orff mismo [cita requerida] toma a Carmina Burana como el inicio real de su carrera y, por lo mismo, ordenó a su editor destruir todos sus trabajos previos, una orden que, afortunadamente, fue desoída

egún el propio Orff, después de la Segunda guerra mundial se enfrentó a una posible pérdida de los derechos de autor de los Carmina Burana, debido a un oficial de la desnazificación que había sido miembro de la Rosa Blanca y estuvo involucrado en la resistencia.5 No existe evidencia acerca de esto más que su propia palabra, ya que lo contradicen otras fuentes. El historiador canadiense Michael H. Kater, sin embargo, expuso argumentos decisivos que afirmaban que Orff colaboró con las autoridades nazis,7 pero luego, en Composers of the Nazi era: Eight portraits (2000) Kater revoca hasta cierto punto estas acusaciones. Respecto a esto, la afirmación de Orff de que había sido anti-nazi durante la guerra fue aceptada por las autoridades de desnazificación norteamericanas que cambiaron su categoría previa de gray unacceptable a gray acceptable, permitiéndole continuar componiendo para presentaciones públicas.

arl Orff murió a la edad de 86 años en Múnich el 29 de marzo de 1982. Su vida atravesó cuatro períodos históricos importantes: El Imperio alemán, la República de Weimar, la Alemania nazi y la Alemania Occidental de la posguerra. Orff fue enterrado en la capilla del monasterio de estilo barroco de Andechs, al sur de Múnich. Su lápida muestra escrito su nombre, las fechas de nacimiento y deceso y la inscripción latina Summus finis (‘El fin más alto’).

Fuente https://es.wikipedia.org/wiki/Carl_Orff

evolucionarts

LilianaVelarde P

ese a su formación como Química bacterióloga Parasitóloga, y de haber ejercido esta profesión durante muchos años, encontró una forma expresiva novedosa en el año de 1998, cuando ingresó a la Universidad del Claustro de Sor Juana y al taller de pintura en el Museo de El Carmen . El hecho de haber encontrado la pintura tan tarde no desmerita el hecho de que siempre se encontró presente dentro de su vida, son evidente su talento y su capacidad creativa.

Velarde define su estilo como

abstracto. Dentro de éste, podemos encontrar una recurrencia a las formas geométricas como elementos de acentuación visual y a la utilización de tonos muy expresivos y cálidos .

Por otro lado, lo que podría

considerarse una inconsistencia de estilos, más bien podría definirse como una exploración temática. Liliana Velarde no se estanca en la monotonía representativa de elementos específicos. De ahí que ella considere su arte como libertador de si misma.

pesar de su evidente gusto por artistas como Tamayo y Miró,la señora Velarde no considera que haya sido influenciada directamente por una escuela o corriente en específico, para ella, la obra plástica que realiza es de un origen subjetivo, es una exploración sensorial de vitalidad. Aunque Liliana Velarde no contó con una formación artística profesional, su expresividad y conocimiento técnico evidencian una tendencia inherente a la obra plástica. Lo anterior le han valido una serie de exposiciones colectivas e individuales.

Esfinge

esíodo, quien en su Teogonía es el primero que la menciona, la hace hija de la Quimera y de Ortro, el terrible perro hermano de Cerberos.1 Opinión que no comparte Laso de Hermíone, quien la estima nacida de Equidna, la bella ninfa con cola de serpiente, y del poderoso Tifón;2 siendo de la misma opinión Higino3 y Apolodoro.4 Otros la señalan como el fruto de los amores entre Tifón y la Quimera.

ara la mayoría de los escritores de la antigüedad, la Esfinge era única y de ascendencia divina. Sin embargo, hay algunos que dan a entender que se trataría de una especie de animal. Así, Plinio el Viejo señala que las esfinges habitan las zonas más remotas de Etiopía y tienen un pelaje pardo rojizo

esíodo llama a la Esfinge «ruina de los cad� meos»,9 aludiendo a los tiempos en que «llegó desde la parte más lejana de Etiopía»10 para causar el terror en los campos que circundaban la ciudad de Tebas.

ue enviada por un dios, pero no hay acuerdo sobre cuál. La mayoría de los autores señala que fue la vengativa Hera, opinión que sostienen, entre otros, Apolodoro y el autor del escolio a las Fenicias. Señala este último que el motivo de la diosa habría sido la impunidad en que los tebanos quedaron tras el rapto y la seducción que Layo, rey de Tebas, cometiera en la persona del joven Crisipo. También se menciona como que fue enviada por Dioniso y Ares, vinculando las razones de este último al episodio en el que su hijo Dragón fue muerto a manos de Cadmo, el fundador de Tebas. Eurípides, por su parte, señala que la envió Hades.

a Esfinge se instaló en uno de los montes del oeste de la ciudad de Tebas, el Ficio o el Antedón. Desde ahí se dedicó a asolar la campiña tebana destruyendo las siembras y matando a todos los que no fueran capaces de resolver sus enigmas. Mataba estrangulando, y algunas opiniones refieren que de ahí viene su nombre, ya que cerraba (sphíggein, ‘cerrar’) el paso del aire a los desafortunados que caían en sus garras.

igino refiere que la Esfinge propuso a Creonte, rey de Tebas, que si alguien era capaz de resolver uno de sus enigmas se iría para siempre; pero si no, mataría a quienes fallasen y seguiría destruyendo.16 Apolodoro no cree que el monstruo haya sido capaz de compromiso alguno, y propone que debió haber sido un oráculo el que revelara a los tebanos la forma de librarse de la Esfinge.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Esfinge_(mitologia)

Según Apolodoro, la Esfinge había aprendido el arte de formular enigmas de las Musas.11 Cuenta Aristófanes el gramático que Edipo mismo la llamó musa,17 ya que era propio de las Musas el manejar las palabras con belleza, esto es, a través del canto. La Esfinge cantaba sus enigmas, así lo afirma Pausanias.15 Sófocles la llama «cruel cantora».18 El acertijo, en la sencilla formulación de Apolodoro, habría sido: «¿Qué ser provisto de voz es de cuatro patas, de dos y de tres?»11 Semejante enunciación la encontramos en Diodoro Sículo, a saber: «¿Cuál es el que al mismo tiempo es un bípedo, un trípedo y un cuadrúpedo?»19 Una versión más elaborada es la que presenta Aristófanes el gramático:

Existe sobre la tierra un ser bípedo y cuadrúpedo, que tiene sólo una voz, y es también trípode. Es el único que cambia su aspecto de cuantos seres se mueven por tierra, aire o mar. Pero, cuando anda apoyado en más pies, entonces la movilidad de sus miembros es mucho más débil.

Una tradición, referida por Pausanias, dice que la Esfinge no era un monstruo, sino una hija del rey Layo, a quien se le había confiado un secreto sólo conocido por los monarcas de Tebas. Al morir Layo, cuando varios de sus hijos llegaron a reclamar el trono, la Esfinge se enfrentó a ellos declarando que sólo reconocería como sucesor legítimo a quien fuera capaz de señalar con precisión el secreto de los reyes tebanos, y que condenaría a muerte a todo el que fallare. Sólo Edipo, nos dice esta tradición, desentrañó correctamente el secreto, ya que le fue revelado en un sueño.

Varios trataron de resolver el enigma de la Esfinge y fallaron, siendo muertos; entre ellos Hemón, hijo de Creonte.20 Ante tan angustiosa situación, el rey hizo una proclama a toda Grecia prometiendo que daría el reino, y a su hermana Yocasta en matrimonio, a quien resolviera el enigma de la Esfinge.16 21 11 Muchos vinieron de remotos lugares y fallaron en dar la solución, pero Edipo, el hijo perdido de Layo y Yocasta, lo interpretó correctamente. Según Aristófanes el gramático, estas habrían sido las palabras con que Edipo respondió a la Esfinge:

Escucha, aun cuando no quieras, Musa de mal agüero de los muertos, mi voz, que es el fin de tu locura. Te has referido al hombre, que cuando se arrastra por tierra, al principio, nace del vientre de la madre como indefenso cuadrúpedo y, al ser viejo, apoya su bastón como un tercer pie, cargando el cuello doblado por la vejez.17 Según Higino, al escuchar la respuesta de Edipo, la Esfinge saltó desde el monte, que era su guarida, en busca de la muerte.16 22 Apolodoro afirma que no saltó desde un monte, sino desde la acrópolis de Tebas.20 Hay otros, como Eurípides, que señalan que no saltó, sino que fue el propio Edipo quien le arrojó montaña abajo.23 Otra versión afirma que la Esfinge espantada huyó hacia el desierto de Egipto donde quedó petrificada y desde allí Momo el dios del sarcasmo se burla de ella. Como recompensa, Edipo se casó con la reina (su verdadera madre) y se convirtió en el regente de Tebas

Arts Magazine PROXIMO NUMERO

AGOSTO 2015

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